Source: http://doczz.es/doc/1182/the-noise-of-bubbles
Timestamp: 2019-08-18 17:54:33+00:00

Document:
the NOISe OF BUBBLeS - Museos Y Galerías De Arte
~ Art Catalogue ~
Art Catalogue for the Red Bull
M u s i c Ac a d e m y i n M a d r i d 2 0 1 1
The Academy is a globe-traveling hub for those
exploring the sounds of today, highlighting the threads
of local music history in each city we visit. Every year,
the Academy also partners with local architects and
designers, showcasing the creative future of that city
in techni-colour. The Academy has always partnered
with local curators and artists, and for this year’s edition in Madrid, we’ve invited guest curator Pensart
to showcase the city’s most exciting contemporary
artists. The Academy building becomes not just a
creative space, but also a place to experience some
of the personal visions that represent the city, and
what lies beyond the walls of the Matadero Madrid.
Pensart is a non-profit organisation whose
ethos is close to the Academy spirit: bridging art,
social exchange, and education, providing a platform for some of the most visionary artists emerging in Madrid today. There’s always been plenty of
those bubble wrap moments at the academy - when
someone gives you a gift. These artists explore
what some of those moments could look like.
Catálogo de Arte par a l a Red Bull
M u s i c Ac a d e m y 2 0 1 1 d e M a d r i d
La Academy es un simposio global itinerante para
aquellos que exploran los sonidos actuales, donde se
destaca la cultura musical de cada una de las ciudades
que visitamos. Continuando con una larga tradición
de colaboración con artistas, diseñadores, arquitectos, comisarios y promotores locales, el futuro creativo de la ciudad que acoge la Academy se presenta
en un tecnicolor brillante y glorioso. Para la edición
de este año en Madrid, invitamos de manera especial
al colectivo de mediación cultural Pensart para organizar una exposición de artistas contemporáneos
emergentes residentes en Madrid. El edificio de la
Academy, situado en una de las naves de Matadero, se
convierte no solo en un espacio creativo, sino también en un lugar para experimentar algunas de las
visiones personales que representan a la ciudad.
Pensart es una organización sin ánimo de lucro
con una ética cercana al espíritu de la Academy:
crear lazos de unión en el arte, el intercambio social
y la educación, al proporcionar una plataforma para
los artistas emergentes del Madrid actual. Siempre
ha habido momentos en la Academy en los que
parece que alguien te esté haciendo un regalo que
debes abrir. Pues estos artistas exploran aquello
a lo que esos momentos podrían parecerse.
& PENSART
Bubbles’
y PENSART
‘El Ruido
Burbujas’
The ‘Noise of Bubbles’ is an opportunity to approach
the new emerging creative talent simmering under the
surface in Madrid. Not constrained by the struggle for
freedom (like the artists of the 70s), or the investigation into the limits of creation (as in the art of the 80s),
today’s nascent talent focuses more on the process
of creation itself, utilizing a rich, multi-disciplinary
approach encompassing all aspects of media.
Reversing a decades long trend, an effervescent group
of young artists have decided to stay and work in Madrid
since 2007, fermenting a close network of architects, designers, and performers in the process. These exhibited
artists are an integral part of this bubbling cauldron – an
increasingly potent froth of cutting-edge, native talent
in Madrid emerging as delicate bubbles, ready to soar.
Though it may be too early for the city at large to
recognize this approaching arts armada, the signs
of the impending arrival are present. The temperature and momentum of this new generation has
been steadily rising, climbing to the boiling point,
rocketing its vapor to the stratosphere. Welcome
to Madrid. Get used to the noise of bubbling.
The ‘Noise of Bubbles’ exhibit at Matadero Madrid
features a selection of works from 18 rising artists from
the region. These participating artists work within
a wide variety of formats including video, performance, illustration, collage, installation, sculpture
and intervention – and all demonstrate the same,
explosive energy. Artwork exclusive to the Academy
will be produced by some while others will showcase
highlights from their anthology. The works will be presented in an innovative manner, emphasizing dialogue
with the natural space designed by Langarita-Navarro
Studio for the Academy’s residence at Matadero.
‘El Ruido de las Burbujas’ es una oportunidad para
acercarse a la creación emergente de Madrid. Sin estar
limitados por la lucha por la libertad (como los artistas
de los años 70) o por la investigación dentro de los límites
de la creación (como pasó en el arte de los años 80), el
arte actual se centra más en el proceso de creación en sí
mismo, en el que usa un enfoque rico y multidisciplinar
que aglutina todos los medios artísticos. Invirtiendo
la tendencia que ha durado una década, desde 2007
un efervescente grupo de nuevos artistas ha decidido
quedarse y trabajar en Madrid, donde han creado
una estrecha red de artistas visuales, arquitectos,
diseñadores y performers. Los artistas de esta exposición
forman parte integral de este caldo de cultivo, una
mezcla cada vez más potente de talento vanguardista
salido de Madrid que, como delicadas pompas, está
listo para ser desplegado. Aunque todavía puede
ser pronto para que la ciudad, en toda su magnitud,
reconozca esta armada artística que se está creando,
los signos de una llegada inminente están presentes.
La temperatura y la inercia de esta nueva generación
han aumentado paulatinamente hasta el punto de
ebullición, lanzando vapor a la estratosfera. Bienvenidos
a Madrid. Acostumbraos al ruido de las burbujas.
La exposición de Matadero Madrid presenta una
selección de trabajos de 18 artistas emergentes de la
región. Estos artistas trabajan dentro de una amplia serie
de formatos que incluyen vídeo, ilustración, collage,
instalación, escultura, intervención y performances. Y
en todas ellas despliegan la misma energía explosiva.
Se presentan obras creadas específicamente para la
exposición y trabajadas in situ en la Academy y obras ya
producidas por los artistas. Las trabajos se presentan de
manera innovadora e integrada, enfatizando el diálogo
con el espacio natural diseñado por el Estudio LangaritaNavarro para la residencia de la Academy en Matadero.
marta sema
Image: Sir Barry Austin, TX 18666-Crowes-Mack, 2005, oil, pencil, ecoline, senok & Tom Ford Lotion on paper, 153 X 310 cm
www.navistarprojects.com
Abdul Vas creates paintings, drawings, and mixed media works
that present a fictional world in which roles are swapped within the
scenario of food-related genocide. Chickens are presented as the
exterminators so that we can no longer imagine them on our plate.
The artist creates a magical, dream-like context in which he gives
free reign to his other personal passions, like the hard rock group
AC/DC which he suggests is the greatest rock group of all time. Vas
believes that the aim of all beauty is to be continuously updated
through a rich code of fictional transgression, thereby turning the
spectator into an obsessive user.
Sus trabajos plásticos, pinturas, dibujos y otras producciones
pictóricas sobre diversos soportes, hablan de una ficticia inversión
del actual genocidio alimentario. El pollo, objeto de una inversión
de sentido, se representa como exterminador, lo que hace imposible observarlo en ese proceso como alimento, su destino final en
la realidad. En este contexto mágico y onírico, el artista se recrea
en otra de sus fijaciones, el grupo de rock duro AC/DC. Este cumple
una función casi obsesiva en la que el artista plantea que este grupo
es el más grande de todos lo tiempos. Para Vas, el objetivo de toda
belleza, es actualizarla utilizando un rico código infraccionario
para poder constituir una ficción y así convertir al espectador en
un usuario obsesivo.
Abdul Vas (Venezuela, 1981) studied Visual Arts at the School of Visual
Arts in Maracay, and attended courses at Gerrit Rietvel in Amsterdam. He
has participated in solo and group exhibitions at Galeria Luis Adelantado
Miami-Valencia, the Cisneros Fontanals Art Foundation, the Beijing Biennale, My 57 States in Georgetown, Guyana, Preteen Gallery, Mexico and
Galería Casado Santapau, Madrid. He lives and works between Amsterdam and Madrid.
Abdul Vas (Venezuela, 1981). Cursa estudios de Artes Plásticas en La
Escuela de Artes Visuales de Maracay y asiste a varios cursos en la Gerrit
Rietvel de Amsterdam. Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en Galeria Luis Adelantado Miami-Valencia, Cisneros Fontanals Art
Foundation, Beijing Biennale, My 57 States, Georgetown, Guyana, Preteen
Gallery, Mexico y Galería Casado Santapau, Madrid. Vive y trabaja entre
Ámsterdam y Madrid.
Through his work, Avelino Sala questions today’s society and culture from a late-Romantic perspective that is both conceptual and
critical in nature. During his recent residency at the Academia de
España in Rome, Sala conducted research into emblems and symbols of power that can still be seen in Italy and Spain from the twentieth century dictatorships in each country. He highlights the obvious connections between the two regimes, as well as the shallowness
that radiates from their speeches when looked at from today’s perspective. This line of work is a continuation of the projects that Sala
has developed in previous years, though this time the scope of the
work is linked to the different ways in which contemporary society
responds to the controversial events of the recent past, and to the
artifacts and documents that are a legacy of this past.
Su trabajo le ha llevado a cuestionar la realidad cultural y social
desde una perspectiva tardo romántica con un carácter conceptual
y crítico. Su reciente estancia en la Academia de España en Roma
ha estado marcada por la investigación en torno a los distintos emblemas y símbolos del poder que aún perduran en la ciudad Italiana
de los periodos dictatoriales que tanto Italia como España vivieron
a lo largo del pasado siglo, poniendo de relieve por un lado las evidentes conexiones entre los programas de ambos regímenes y por
otro la vacuidad que emanan sus discursos desde la perspectiva del
momento histórico actual. Esta línea de trabajo viene a ser una continuación de los planteamientos que el artista venía desarrollando
en años anteriores, aunque en este caso tiene como ámbito de trabajo las diferentes consideraciones que la sociedad contemporánea
hace de controvertidos acontecimientos del pasado reciente y de los
artefactos y documentos que ese pasado nos lega.
Avelino Sala (Gijón, 1972) is a visual artist. He was the recipient of the
Caja Madird Generación 2003 award, and the 2007 Artport International
Video Award in Basel, Switzerland, sponsored by UNESCO and the New
York Foundation for the Arts. He has received grants and scholarships
from Hangar, the Spanish Ministry of Culture, Cajastur and Bilbao Arte.
In 2010 he was given a grant to work at the Real Academia de España in
Rome, and is a resident artist this year at Le Lait in Toulouse. He is currently preparing solo exhibitions at Galeria Raquel Ponce, ATM Contemporary and Spai Quatre. Sala has recently participated in Video(s)torias:
en Construcción at ARTIUM Centro Museo Vasco de arte contemporáneo,
the 2nd Biennial of the End of the World in Argentina and the Mercosul Biennial in Brazil. In 2012 his work will be exhibited at the National Centre
for Contemporary Arts in Moscow. Sala divides his time between his artistic work, editing the magazine Sublime and collective curating with the
Commission curatorial group.
Avelino Sala (Gijón, 1972). Artista visual. Premio Generación 2003 de
Caja Madrid. En 2007 recibe el Artport International Award video, Basilea, Suiza otorgado por Unesco y the New York Foundation for the Arts.
Ha sido becado por Hangar, Ministerio de Cultura, Cajastur y Bilbao Arte.
En 2010 fue becario de la Real Academia de España en Roma. Actualmente
es becario del espacio Le Lait de Toulouse durante 2011 y prepara exposiciones individuales en Galeria Raquel Ponce, ATM Contemporary y Spai
Quatre. Recientemente ha participado en Video(s)torias: en Construcción, ARTIUM Centro Museo Vasco de arte contemporáneo y en la Bienal
del Fin del Mundo en Argentina y en la Bienal MERCOSUL de Brasil. En
2012 expondrá en el National Centre for Contemporary Arts de Moscú.
Compagina su actividad artística con la edición de la revista Sublime y el
comisariado en colectivo (Commission Curatorial Group).
Image: Sapere aude! 2011, books, black enamel and spray, variable dimensions. Courtesy of Galería Raquel Ponce
Image: Libertad o Muerte, 2010, installation, wood, tyres, coins, electrical system and wiring, 55 x 55 cm per unit. Courtesy of Galería Marta Cervera
www.danielsilvo.wordpress.com
Many of Daniel Silvo’s works are based on literature and classic
mythology, such as the series Odysseus in Berlin (2003) and Shooting Stars (2007), which are based on a discourse drawn from Homer’s Odyssey and mythological references to astrological constellations. The works Pulchrum est quod visu placet (2009) and Aguzad
vuestra conciencia (2009) explore the interstices between textual
and visual communication through the paradox of a text in Braille
presented simply as a visual device. In 2009 and 2010 Silvo produced
Cómo Doblar tu Dinero, which consisted of 100 origami figures
made out of folded dollar bills, photographs, videos and limited
editions. The research behind this project, on issues concerning
the economy and the value of money, led him to develop an interest
in politics and policing measures (Cuerpos y Fuerzas, 2009; Nostalgias Ajenas, 2010). His series Lecciones de Mecánica Política (2010)
explores the political, historic, social and economic significance of
the presence of Lada cars in Cuba. In it, Silvo goes back to working
with video and photography, in the form of documentary.
Muchos de sus trabajos están basados en la literatura y la mitología clásicas, como las series Odysseus in Berlin (2003) y Shooting Stars (2007), que tienen en la Odisea de Homero y en las referencias mitológicas de las constelaciones la base de su discurso. Las
obras Pulchrum est quod visu placet (2009) o Aguzad vuestra conciencia (2009) se preguntan por los intersticios entre la comunicación textual y la visual utilizando la paradoja de un texto en lenguaje braille que se presenta como forma meramente visual. Entre
2009 y 2010 realizó el proyecto Cómo Doblar tu Dinero, cien figuras
de papiroflexia realizadas con dólares, varias fotografías y vídeos y
ediciones ilimitadas. Esa investigación relacionada con la economía
y el valor del dinero y el trabajo ha evolucionado hacia un interés
por la política y los dispositivos policiales (Cuerpos y Fuerzas, 2009;
Nostalgias Ajenas, 2010). Con la serie Lecciones de Mecánica Política (2010) se ocupa de los significados políticos, históricos, sociales y
económicos de la presencia del coche Lada en la isla de Cuba, y
vuelve a un trabajo en vídeo y fotografía que se torna documental.
Daniel Silvo (Cádiz, 1982) earned a Fine Arts degree from Universidad
Complutense, Madrid in 2005. In that same year, he won the first prize in
the Caja Madrid Generaciones awards, and he has been shortlisted for the
2012 prize. He has participated in group exhibitions such as Monocanal
(MNCARS, 2003) and J’en Rêve (Fondation Cartier, 2005), and has had
solo exhibitions at galleries including Marta Cervera (Madrid, 2011),
Míchel Mejuto (Bilbao, 2009), Espacio Abisal (Bilbao, 2009), Espacio El
Butrón (Seville, 2011) and at the Centro de Arte Joven (Madrid, 2007). Several artist residencies and research grants have allowed him to work in
Madrid, Berlin, Aix-en-Provence, Mexico DF, Bilbao and Cuba.
Daniel Silvo (Cádiz 1982). Licenciado en Bellas Artes por la Complutense
en 2005. En 2005 gana el primer premio Generaciones de Caja Madrid, y es
seleccionado en la edición de 2012. Ha participado en exposiciones colectivas como Monocanal (MNCARS, 2003) o J’en Rêve (Fondation Cartier,
2005), y ha expuesto de forma individual en las galerías Marta Cervera
(Madrid, 2011), Míchel Mejuto (Bilbao, 2009), Espacio Abisal (Bilbao,
2009), Espacio El Butrón (Sevilla, 2011) y en el Centro de Arte Joven (Madrid, 2007). Ha trabajado en Madrid, Berlín, Aix-en-Provence, México DF,
Bilbao y Cuba gracias a distintas becas de residencia e investigación.
Dina Coca’s work focuses on the female body and the taboos that
surround it. Through photography, she creates performative selfportraits in which the human body is fragmented, as if it were the
body of a doll. An illusory world of caves, holes, sexuality and desire that blurs the boundaries between the object and the subject.
In recent years, her performances have focused on an invasion of
public spaces by semi-naked bodies in openly provocative poses.
But rather than seeking to satisfy males, they ironically question
preconceived ideas about what is sexy and wrongly branded “feminine”: an indulgent anti pin-up.
Su obra se centra en el cuerpo femenino y los tabúes en torno a
éste. Trabaja el medio fotográfico en formato auto-retrato performativo donde la figura humana aparece fragmentada como si de una
muñeca de juguete se tratara. Una ilusión de cuevas, agujeros, sexualidad y deseo, que desdibuja los límites entre el objeto y el sujeto.
En los últimos años, sus performances se centran en la invasión
del espacio público por el cuerpo semidesnudo en posturas abiertamente provocadoras, pero no en un sentido complaciente para el
sexo masculino, sino más bien a través de ironías sobre lo supuestamente sexy y mal llamado femenino: una indulgente anti pin-up.
Diana Coca (Palma de Majorca, 1977) has a degree in Fine Arts from the
faculty of Arts & Architecture at Brighton University, and in Philosophy
from the Univeristat de les Illes Balears. She completed her education at
the International Centre of Photography in New York. She has received
grants from the AECID, for a residency at the Academia de España in Rome
2004/5, the FONCA/CONACULTA programme for artistic residencies for
creators from Spain and Latin America in Mexico in 2009, and she was
artist in residence at Aula de Danza Estrella Casero at the University of
Alcalá de Henares and La Casa Encendida, Madrid, in 2007. In 2010, she
was the winner of the Fundació Pilar i Joan Miró award for education, in
the form of a residency at the Three Shadows Photography Art Centre in
Beijing. She extended her stay in China and is currently working with the
artistic community IOWA in Caochangdi, Beijing. She has participated in
solo and group exhibitions in Spain, USA, China, Korea, Germany, England, Italy, Brazil, Costa Rica, San Salvador and Mexico. Her work forms
part of international public and private collections. She currently lives
between Madrid and Beijing.
Diana Coca (Palma de Mallorca, 1977). Licenciada en Bellas Artes por la
Arts & Architecture Brighton University y en Filosofía por la Universitat
de les Illes Balears. Completa su formación en el International Centre of
Photography de Nueva York. Ha sido becaria de la AECID en la Academia
de España en Roma 2004/05, del FONCA/CONACULTA con el Programa de
Residencias Artísticas para Creadores de Iberoamérica en México 2009,
así como artista en residencia en el Aula de Danza Estrella Casero de la
Universidad de Alcalá de Henares y La Casa Encendida en Madrid 2007. En
2010 recibe el premio a la Formación de la Fundació Pilar i Joan Miró con
el que realiza una residencia artística en el Three Shadows Photography
Art Centre de Pekín, estancia que ha prolongado hasta la actualidad en la
comunidad artística IOWA de Caochangdi, Pekín. Ha expuesto su obra de
manera individual y colectiva en España, EE.UU, China, Corea, Alemania, Inglaterra, Italia, Brasil, Costa Rica, San Salvador, México. Su obra
forma parte de colecciones públicas y privadas internacionales. Actualmente reside entre Madrid y Pekín.
Image: Souvenir Gran Muralla, 2010, photographic series, print with mineral pigments on cotton paper, 10 x 10 cm. Courtesy of Galería Eva Ruiz
Image: Oasis, 2007, photograph on aluminium, 120 x 150 cm
Diana Larrea works in various disciplines such as installation,
video, photography and drawing, although she is best known for
her interventions and performances in public spaces. Through her
urban art projects, Larrea has always focused her interest on the
non-initiated public and on the desire to provoke minor disruptions in our everyday lives. She has always sought to offer a springboard from which spectators can reconsider certain issues relating
to the aesthetic order, which shape particular elements in cities,
and to imagine how these can be changed. Her work raises questions relating to the use of public space and the intrusion of certain types of disorder in our day-to-day lives.
Utiliza en sus trabajos varias disciplinas plásticas, como la instalación, el vídeo, la fotografía o el dibujo. Es conocida, sobre todo,
por las intervenciones y performances que ha realizado en espacios
públicos. Con sus propuestas de arte urbano, Larrea siempre ha dirigido su interés hacia la mirada del ciudadano común, para provocar leves interrupciones en nuestra vida cotidiana. La artista siempre ha intentado ofrecer al espectador un punto de partida para
reconsiderar algunas cuestiones acerca del orden estético que construyen determinados elementos en las ciudades, y la manera en
que éstos pueden transformarse. Con ello, trata de desplegar preguntas vinculadas a la ocupación del espacio público y la intrusión
de ciertos desordenes en nuestra realidad diaria.
Diana Larrea (Madrid, 1972) has a degree in Fine Arts from Universidad
Complutense, Madrid. She has received several awards for her artistic
projects. In 2008, she was the recipient of the Obra Social Caja Madrid
Generaciones grant, and two years later she won First Prize in the Fundación Telefónica Vida 6.0 competition for projects on art and artificial
life. She also won the 2005 Fundación Marcelino Botín Grant, which allowed her to carry out a project in San Francisco. The following year, she
won the Comunidad de Madrid Premio de Creación Artistica, to carry out
a project in Paris. Her most recent group exhibitions include CIGE 5th
China International Gallery Exposition (Beijing), Os 24 degrau at the
Museu Nacional do Conjunto Cultural da Republica de Brasilia (Brazil)
and In Transition Russia at the National Centre of Contemporary Art in
Moscow. Her work has previously been shown at Galerie Wieland, Berlin,
Gallery Kobo Chika in Tokyo, Mimara Museum in Zagreb and Kunstraum
Kreuzberg/Bethanien in Berlin. Her most recent solo exhibitions were
held at Espacio Líquido gallery in Gijón and Espai 13 at Fundació Joan
Miró, Barcelona.
Diana Larrea (Madrid, 1972) es licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Sus proyectos artísticos han sido premiados
por distintos centros. En el año 2001 la Obra Social Caja Madrid le otorga la
Beca Generaciones, y dos años más tarde la Fundación Telefónica le entrega
el Primer Premio Vida 6.0, V Concurso Internacional sobre Arte y Vida Artificial. Otro de sus galardones más destacados es la Beca Fundación
Marcelino Botín, concedida en 2005 para desarrollar un proyecto en San
Francisco. Al año siguiente logra el Premio de Creación Artística de la Comunidad de Madrid para realizar un proyecto en París. Entre sus exposiciones colectivas más recientes destacan CIGE 5th China Internacional
Gallery Exposition (Beijing), “Os 24 degrau” en el Museu Nacional do Conjunto Cultural da Republica de Brasilia o “In Transition Russia” en el National Centre of Contemporary Art de Moscú. Anteriormente ha expuesto
en la Galerie Wieland de Berlín, en la Gallery Kobo Chika de Tokio, el Museo
Mimara en Zagreb y el Kunstraum Kreuzberg/Bethanien de Berlín. Sus últimas exposiciones individuales tuvieron lugar en la Galería Espacio Líquido de Gijón y en el Espai 13 de la Fundació Joan Miró de Barcelona.
Eltono’s work is known for its constructive criterion and sensitivity to the environment and location. He improvises his shapes and
colours on site, so that they integrate within the existing balance.
Eltono almost always chooses to work on surfaces that are neglected,
in order to revitalise their dignity and take advantage of the formal
power of the aged textures. These surfaces are often hidden from
view, and privacy becomes an additional element in chance encounters with his work. Foregoing visibility, he sacrifices the possibility
of large numbers of people encountering his work, but this is offset
by an increase in the capacity for the works to penetrate each individual viewer. Since 1999, he has been painting abstract geometric
shapes on the streets with an attitude of respect and the desire to integrate his work by adapting to the location and allowing himself to
be influenced by the surrounding elements. Concerned with avoiding invasive interventions, he places a lot of importance on choosing the site for each of his projects. Illegal street paintings are the
basis of his work, and this context has been the source of the new
formal elements he is working with today.
Su trabajo se distingue por el criterio constructivo y la sensibilidad en la localización. Improvisa in situ formas y colores para
integrarse en el equilibrio existente. Escoge casi siempre superficies desatendidas con la intención de reanimar su dignidad y
para aprovechar la carga formal de las texturas envejecidas. Tales
soportes son a menudo poco visibles, lo que añade privacidad al
encuentro fortuito con la obra. Renunciando a la visibilidad sacrifica un buen número de encuentros del espectador con su obra
pero incrementa a cambio la capacidad de penetración de cada uno
de ellos. Desde el año 1999 ha estado pintando formas geométricas
abstractas por la calle, de una manera respetuosa, integradora,
adaptándose al soporte y dejándose influir por los elementos que
se encuentran alrededor. Preocupado por realizar planteamientos
no invasivos, da mucha importancia a la elección del lugar donde
intervenir. Las pinturas ilegales por la calle son la base de su trabajo y de ese contexto ha generado nuevos formatos plásticos con
los que trabaja hoy en día.
Eltono (París, 1975). Artista plástico. Ha realizado exposiciones individuales en Retícula, Montana Gallery, Sevilla, Residencia Tampiquito, Monterrey, Coriandoli, Cripta747, Turín, Pubblico, Rojo Artspace,
Milán, PLAF Autonomous Mechanisms, Nueva York. Bermellón, Rojo
Artspace, Barcelona, Astillas, La Culpable, Lima, Montagens, Galería
Adesivo, Porto Alegre, Petits collages, Rojo Art Space, Rosario, Invertidos, Rojo Art Space, São Paulo. Ha participado en exposiciones colectivas
en Sala de Arte Joven 2.0, Sala de Arte Joven de la Comunidad de Madrid,
Madrid, Intervenciones Urbanas Iberoamericanas, CCEBA, Buenos
Aires, Postgraffiti, Geometría y Abstracción, MUAU, A Coruña. Entre la
Silla y la Madre, Alianza Francesa, Monterrey, (Equipo Plástico), Murals, Fundación Miró, Barcelona.
Eltono (Paris, 1975) is a visual artist. He has had solo exhibitions at Retícula,
Montana Gallery, Seville, Residencia Tampiquito, Monterrey, Coriandoli,
Cripta747, Turin, Pubblico, Rojo Artspace, Milan, PLAF Autonomous Mechanisms, New York, Bermellón, Rojo Artspace, Barcelona, Astillas, La Culpable,
Lima, Montagens, Galería Adesivo, Porto Alegre, Petits collages, Rojo Art
Space, Rosario and Invertidos, Rojo Art Space, São Paulo. He has also participated in group exhibitions such as Sala de Arte Joven 2.0, Sala de Arte Joven
de la Comunidad de Madrid, Madrid, Intervenciones Urbanas Iberoamericanas, CCEBA, Buenos Aires, Postgraffiti, Geometría y Abstracción, MUAU, A
Coruña, Entre la Silla y la Madre (with Equipo Plástico), Alliance française,
Monterrey, and Murals, Fundació Joan Miró, Barcelona, Spain.
Image: Proporción 16, 2011, site-specific mural intervention on façade, variable dimensions
Image: Pista [#1], 2011, paint, wood and fabric, variable dimensions
The visual artist Elena Alonso works with elements familiar to her,
and close at hand. The materials she uses, the aesthetic of her works,
and the actual production processes are all influenced by her interest
in close relationships and her preference for the rudimentary and
hand made. She attempts to open up indeterminate spaces that can
disrupt the standardisation of desire and the homogenisation of lifestyles, and she seeks and encourages personal forms of internalisation and transformation of some of the things that we tend to accept
as givens. In this sense, drawing plays a key role in her work, as a tool
for thinking and as a craft, inviting viewers to think and to create
singular places. All of her work is guided by her interest in setting up
and encouraging close, caring relationships, an interest that she applies to her working processes as well as to the tools and concepts
that she deals with. This approach leads her to combine large and
small events through objects and relationships that are themselves
concrete and imprecise, simple and transcendent, tactile and enigmatic, commonplace and strange…All in a quest for elements that
bring conflict into the passive consumption of objects and experiences. In the past few years, Alonso has added an important link to
the notion of play, as a context in which it becomes possible to disrupt norms and create personal environments.
Artista visual que trabaja con lo que le resulta familiar y cercano,
tanto en el aspecto material y estético de las obras como en el proceso
de realización, que atiende al interés por las relaciones de proximidad
y el gusto por la elaboración manual y lo rudimentario. Procura generar espacios de indeterminación como alteradores de la estandarización del deseo y la homogeneización de los modos de vida, tratando
de buscar y propiciar formas propias de interiorización y transformación de lo que nos es dado. En este sentido el papel del dibujo es central en su obra, como herramienta de pensamiento, como práctica artesanal y como resultado que invita a pensar y crear lugares singulares.
Todo su trabajo se desarrolla bajo el interés por establecer y propiciar
relaciones de afecto y proximidad, aplicado tanto a los modos de hacer
como a las herramientas y conceptos que maneja. Partiendo de esta
actitud, termina conjugando acontecimientos de pequeña y gran escala mediante objetos y relaciones que son a su vez concretas e imprecisas, sencillas y trascendentes, táctiles y enigmáticas, comunes y extrañas… buscando elementos que aporten conflicto al consumo
pasivo de objetos y experiencias. A esto se ha unido en los últimos años
una importante vinculación con lo lúdico como contexto que posibilita la alteración de las normas y la creación de entornos propios.
Elena Alonso (Madrid, 1981). Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Ha completado su formación académica en
otras ciudades como Estocolmo (Kungliga Konsthögskolan, 2004), Pontevedra (Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Vigo, 2005-2006) y
Helsinki (Kuvataide Akatemia, 2007). En 2010 finalizó el Máster en Arte,
Creación e Investigación de la UCM y actualmente está en el periodo de
investigación en los estudios de Doctorado. Además de desarrollar sus
proyectos personales, principalmente mediante el dibujo, es “cabecilla”
del proyecto colectivo de arte público COMIENDO TERRENO. Ha expuesto
de forma individual y colectiva en diferentes espacios expositivos y galerías. Actualmente vive y trabaja en Madrid.
Elena Alonso (Madrid, 1981) has a degree in Fine Arts from Universidad
Complutense, Madrid, and completed her formal training in Stockholm
(Kungliga Konsthögskolan, 2004), Pontevedra (Faculty of Fine Arts, University of Vigo, 2005-2006) and Helsinki (Kuvataide Akatemia, 2007). In
2010 she completed an MA in Art, Creation and Research at UCM and is
currently at the research stage of a PhD programme. Aside from working
on her personal projects, mainly through drawing, she is also the “ringleader” of the public art group COMIENDO TERRENO. She has participated in solo and group exhibitions at numerous art centres and galleries.
She currently lives and works in Madrid.
This visual artist believes that every artwork has a different idea
and meaning, and his main interest lies in applying a critical filter
to himself and his surroundings. This dissatisfaction tends to turn
everything into opposing ideas, which then lead to images that are
richer in content and meaning. Eugenio Merino prefers to work on
real events and situations that represent the society we live in, subjects that are of interest to society in general and not just to the art
world. He addresses the spectator, which he sees as the most important element of a work. Merino believes that artworks must be
provocative, in the sense of eliciting a reaction from a society that
is increasingly politically correct and conservative, a society that
prefers hedonistic art over reflective works, and that considers art –
and everything in general – to be a product. For this reason Merino
is more interested in the meaning of a piece – what it represents and
what it says – than in its formal aspects, which directly transform it
into a consumer product.
Para este artista plástico cada obra tiene una idea y un significado
diferente y en conjunto sólo podría destacar su interés por ser crítico
consigo mismo y con lo que le rodea. Esa insatisfacción lo convierte
todo en una contraposición de ideas que resulta luego en imágenes
más ricas en contenido y en significados. Interesado en trabajar sobre acontecimientos y situaciones reales que representan la sociedad en la que vivimos. Temas que interesan a la sociedad y no sólo
a la esfera del arte. El espectador es el elemento más importante de
la obra y es por eso que hay dirigirse a él. Lo provocador es algo que
considera indispensable en una obra de arte. Provocador en el sentido de hacer reaccionar a una sociedad cada vez más políticamente
correcta y conservadora. Una sociedad que prefiere un arte hedonista a un arte reflexivo, que concibe el arte -y todo en general- como
un producto. Por ello el artista se interesa más por lo que significa
una pieza, lo que representa, lo que dice, que por su aspecto formal,
que directamente lo convierte en un producto de consumo.
Eugenio Merino (Madrid, 1975) has a degree in Fine Arts from Universidad Complutense, Madrid. He has participated in exhibitions such as
OneShot! Football & Art Contemporain, B.P.S.22, Charleroi, Belgium,
Olor, Color, Química Arte y Pedagogía, Arts Santa Monica, Barcelona, and
Esculturismo, Sala Alcalá 31, Madrid and in art fairs such as Volta New
York, Volta Basel, ARCOMadrid, Next Chicago, ART platform Los Angeles, Artefiera Bologna and Art Brussels. He has upcoming exhibitions in
2012 at the Finnish Museum of Photography in Helsinki, and DA2 Centro
de Arte, Salamanca. He is currently represented by ADN Galería (Barcelona). He lives and works in Madrid.
Eugenio Merino (Madrid 1975). Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Ha participado en exposiciones como
One Shot! Football & Art Contemporain, B.P.S.22, Charleroi, Bélgica,
Olor, Color, Química Arte y Pedagogía, Arts Santa Monica, Barcelona,
Esculturismo, Sala Alcalá 31, Madrid y en ferias como Volta Nueva York,
Volta Basel, ARCOMadrid, Next Chicago, ART platform Los Angeles, Artefiera Bolonia y Art Brussels. Sus próximas exposiciones para el año 2012
se realizarán en el Finnish Museum of Photography de Helsinki y en DA2
Centro de Arte de Salamanca. Actualmente está representado por ADN
Galería (Barcelona). Vive y trabaja en Madrid.
Image: Between Life and Death, 2011, installation, steel rods, steel cables, arrows, variable dimensions
Image: Variaciones, 2011, mixed media, site-specific
Image: No Title, 2009, oil, canvas, frame and chain, 105 x 74 cm
www.gabrielabettini.com
In her work, Françoise Vanneraud analyses the irrelevant, trivial aspects that define our everyday lives. Expressed through different uses
of drawing (animation, murals, installations), this approach endows
these secondary elements with a slightly tragicomic solemnity that
invites us to rethink some of the universal characteristics inherent to
human beings, such as doubt, fear, luck and the never-ending quest
for something better. Vanneraud draws on primitive, hieratic and
even medieval traditions, based on a symbolist rather than surrealist
imaginary. She shapes stories featuring solitary characters who seem
to be waiting for something that never happens. This endless expectation and resignation poetically and ironically highlights the many
moments of insecurity that besiege us day by day.
Su trabajo se centra en el análisis de aquellos aspectos irrelevantes
y carentes de importancia que definen nuestra vida cotidiana. Una
apuesta que, a partir de diferentes aplicaciones del dibujo (animación, mural, instalación), otorga a lo secundario una solemnidad
de tintes tragicómicos que nos autoriza a repensar algunas características universales inherentes al ser humano; como la duda, el miedo, la fortuna o la incansable búsqueda de algo mejor. Para ello, utiliza un dibujo de herencia primitiva, hierática, medieval incluso, que
parte de un imaginario simbolista, que no surrealista, para perfilar
historias protagonizadas por personajes solitarios que parecen esperar algo que nunca llega a suceder. Una tarea constante de expectativa y resignación que incide de manera poética e irónica en los múltiples momentos de inseguridad que nos acechan en nuestro día a día.
Françoise Vanneraud (Nantes, France, 1984) graduated with honours
from the Ecole supérieure de Beaux-Arts, Nantes. Her work focuses on social
notions, and specifically on recreating the Word in public space, through a
multidisciplinary arts practice that is often presented in the form of drawings and installations. Since settling in Spain in 2008, she has received several grants and awards, including the Caixa Galicia grant for a first work, a
production grant from Matadero de Madrid, the Young Artist award of the
city of Bourges and an AFAA production grant. She created the solo exhibition project No Me Cuentes Mas Historias for Galeria Raquel Ponce, and has
participated in the group exhibitions Festival Explum in Murcia, Todo Disfraz at Espacio OTR, La Gesta Imposible at the 2010 Noche en Blanco, and Do
Not dDsturb at Centro Cultural Galileo, Festival Scopitone, Nantes and Serralves Museum, Oporto She lives and works in Madrid.
Françoise Vanneraud (Nantes, Francia, 1984). Licenciada con honores en
la Escuela Superior de Bellas Artes de Nantes. Desarrolla un trabajo centrado en nociones sociales y más concretamente en la recreación de la palabra
en el espacio público. Su práctica artística es multidisciplinar y se presenta
frecuentemente bajo la forma de dibujos e instalaciones. Desde 2008, fecha
en la cual se establece en España, ha ganado varias becas y premios, como la
beca para primera obra de la Caixa Galicia, la Ayuda a la producción de
Matadero de Madrid, el premio joven de la ciudad de Bourges o la beca de
producción de l’AFAA. Ha participado en diversas exposiciones, tanto individuales, No Me Cuentes Mas Historias, proyecto para la Galeria Raquel
Ponce, como colectivas, Festival Explum, Murcia, Todo Disfraz en Espacio
OTR, La Gesta Imposible, Noche en Blanco 2010, Do Not dDsturb, Centro
Cultural Galileo, Festival Scopitone, Nantes y Museo Serralves, Oporto.
Gabriela Bettini explores new ways of inhabiting seemingly
empty, inert spaces. Places where the walls have become repositories for stubborn memories and time seems to stand still, as if
nothing happens there and nothing ever did. Through her drawings and interventions, Bettini embarks on a process of reconstruction, piecing together and linking specific memories and historic
moments in which these places were once inhabited. Small details
suggest stories, actions, and human presence. Bettini tries to move
within these spaces without erasing their traces, to highlight their
memories and set up dialogues between that which is present and
that which is no longer there. In the process, she weaves stories and
invented narratives, part real and part recreated.
Busca formas nuevas de habitar espacios en apariencia vacíos
e inertes, donde las paredes han pasado a ser los contenedores de
recuerdos obstinados; donde el tiempo parece detenido, como si
nada pasara, como si nada hubiera pasado. Con sus dibujos e intervenciones, emprende una labor reconstructora con la que ir recomponiendo y vinculando la memoria particular y el momento
histórico en que esos lugares alguna vez estuvieron habitados y
cuyos pequeños detalles sugieren relatos, acciones, personas presentidas. Su intención es moverse en ellos sin borrar sus huellas,
subrayar sus recuerdos, establecer diálogos entre los elementos
presentes y ausentes, entretejer historias e inventar narraciones
que son en parte reales y en parte recreadas.
Gabriela Bettini’s (Madrid, 1978) solo exhibitions include Un tiempo casi
cercano (Centro Cultural Borges, Buenos Aires, 2011); Algunas de aquellas historias (Asm28, Madrid, 2010 and Casa de América Latina, Lisbon,
2011); Increíble pero incierto (Espacio Kaplan, Madrid, 2009), and Cuarto
y Mitad (Arte Veintiuno, Madrid, 2008). She has recently participated in
group exhibitions such as Anacronías (Fondation Argentine, Paris, 2011);
Lenguajes en papel (Fernando Pradilla, Madrid, 2010); Casa abierta / Open
House 2010 (London, 2010), and URRA (Delinfinito Art, Buenos Aires,
2010). She forms part of the Archivo de Creadores de Matadero, Madrid.
She has been the recipient of grants from the Centro Cultural de España in
Buenos Aires (URRA international Art Residency) and from Fundació ”la
Caixa” and the British Council (London, 2003), and was the winner of the
2007 Premio de Creación Artística de la Comunidad de Madrid. She lives
and works in Madrid and Buenos Aires.
Gabriela Bettini (Madrid, 1977). Entre sus exposiciones individuales
destacan Un tiempo casi cercano (Centro Cultural Borges, Buenos Aires,
2011); Algunas de aquellas historias (Asm28, Madrid, 2010 y Casa de
América Latina en Lisboa, 2011); Increíble pero incierto, (Espacio Kaplan,
Madrid, 2009 ); Cuarto y Mitad, (Arte Veintiuno, Madrid, 2008 ). Las
últimas exposiciones colectivas en las que ha participado son Anacronías
(Fondation Argentine, París, 2011); Lenguajes en papel (Fernando Pradilla,
Madrid, 2010); Casa abierta / Open house 2010 (Londres, 2010); URRA (Delinfinito Art, Buenos Aires, 2010). Forma parte del Archivo de Creadores de
Matadero Madrid. Ha obtenido: Beca del Centro Cultural de España en Buenos Aires (Residencia Internacional para Artistas URRA, 2010); Premio
Premio de Creación Artística de la Comunidad de Madrid (2007); Beca de
la Fundación ”la Caixa” y British Council (Londres, 2003). Vive y trabaja
en Madrid y Buenos Aires.
My most wonderful musical experiences have always taken place while I’ve
been working on a project. Like the day
a little gypsy girl sat next to me as I was
painting a door in Puerto Lumbreras and
began clapping a rhythm and improvising a Flamenco song. Or when Raúl “el
Bombín” gave me the incredible Cumbia
tape that blared from his pick-up truck as
he drove around Tampiquito, a working
class neighbourhood in Monterrey. Or
more casual things like the tune on the
mobile phone belonging to Duy, one of my
assistants when I painted a hotel façade
in Hanoi. But what really captivates me
and puts me in the best of moods is the
children at the school across the road from
my house in Beijing, who start dancing
together in their bright yellow uniforms at
exactly 8.30 every morning to the strident
sounds of a song that lies somewhere
between aerobics and a military march.
Deeds of Flesh, Slackk, GOTO80, King
Sunny Ade, Jimmy Cliff, ZA!, Lou Reed,
Mick Harris, Dylan Drazen, Susan
Cadogan, Morbid Angel, Eumir Deodato,
William Basinski, Tyrone Davis, NIN, Ondrej Adámek, Marlene Dietrich, Shirwan
Abdullah, Nirvana, Dudley Perkins, Gustav
Mahler, Grupo Chambelán, Stars of the
Lid, Abigail y la Cosa del Pantano, Vangelis,
Prodigy of Mobb Deep, Blawan, Cannibal
Corpse, Madonna, Nariman Mahmod,
Eric Satie, Night Jewel, Immortal, Eyeless
in Gaza, Aleksandr Skriabin, Christian
Vogel, Rapoon, Las Grecas, Jim O´Rourke,
Diplomat, Keith Jarret, Timber Timbre,
Manny Oquendo & Libre, Manfred Schoof,
Nina Simone, Pierre Boulez, Autoplacer,
Sven Väth, The Flaming Lips, Deranged,
Toru Takemitsu, Tropical Panamá, Wooden
Shjips, Xavier Cugat, Horace Andy, Eldell...
I’ve had countless musical experiences,
both good and bad. Music is with me 24
hours a day, so all my anecdotes have a
matching soundtrack. But to be honest, the
most wonderful thing is when somebody
writes a song for you and plays it live for
hundreds of people, catching your eye at
the just the right moment. Man!! That’s
fantastic. In my case, it’s a wonderful
track called Seven Colours by the group
Möwen Pik, and every time I hear it....
Brrrrrr! But I don’t want to get corny, and
I’ll balance that by saying that my punk
friends from the group Trapo Sucio also
dedicated a song to me called el Julito caga
nueves, after seeing one of my eschatological creations. This song also brings
tears to my eyes, but in this case they are
tears of laughter. Great gifts. Yes siree!
The power of AC/DC. For me, the following sentence describes absolute power:
“On a day like today, I was watching
a baseball game, and, for a moment, I
thought… I have to create universes and
galaxies with living creatures among
them. This is how everything we know
today was born. Thanks to me, all of you
are here.” Malcolm Young, AC/DC.
My musical experience can be summed
up by the radio station Radio 3, which
I’ve listened to every single morning
for the past twenty years, no matter
where I’ve been. I even listen to it online
when I’m travelling abroad. I’ve grown
up with programmes like Siglo XXI.
My first contact with music. The records
of my childhood were my sister’s: Mecano,
El último de la fila, R.E.M., Radio Futura,
Michael Jackson… In the 80s, instead
of listening to the famous clowns on a
children’s television show like most kids
my age, I listened to A-ha’s “Take on Me”.
When I practiced the corporal expression exercises that I learnt at nursery
school, I did it to “Bailando” by Alaska y
Dinarama, in a kind of 3-year-old gymnastic choreography that ended up as home
Super 8 footage that still make me burst
out laughing when ever I come across it.
I remember a very sad song that my
mother used to sing to put me to sleep,
and the sound of my heartbeat as I held
my breath underwater in the bath at
home. An extremely old radio cassette,
aluminium and cream coloured, on
which we recorded our voices and the
piano teacher during dance classes.
Later, the feverish hunt for vynils by
Bowie and Rod Stewart, among others,
in stores like Record Runner, Discoplay,
Escridiscos, Melocotón... most of them
no longer around. And of course, my first
concert. I was thirteen and my hormones
were raging. Rod Stewart was playing at
Rayo Vallecano, and I queued for hours
so I could be in the front row. I was so
happy I thought I would burst. Beyond
doubt, one of my best musical memories.
We used a nail to open a jar of peaches
in the courtyard, singing at the top of
our voices so that our grandmother
wouldn’t hear the pounding and so
she would be happy at the sight of her
smiling, merry granddaughters.
The biggest change in my life in terms
of music has been going from knowing every record, cassette and CD that I
owned (including the order of the songs
on many of my albums and recognising
their covers) to not knowing what’s on
my computer or what group I’m listening to at any given moment. Well, maybe
I’m exaggerating, but that’s the general
idea. It’s now a musical experience that
goes on and on, that never ends...
I’ve always loved electronic music,
particularly remixes. Some ten years
ago, I remember working as a DJ for a few
months at the now-defunct “Disco Clips”
nightclub in my hometown. The most worn
out vinyl at this club was The Fat of the
Land by The Prodigy, which, along with
fellow Brits the Chemical Brothers, defined
an era. They remain quite popular today,
and they still visit Spain regularly for the
summer festivals. In spite of the passing
years, some of their hits from the nineties are still quite successful and they’re
still as full-on as they were back then.
I find it hard to call up any special
moment that doesn’t have a matching
soundtrack. And even harder to choose
one out of the many songs that have accompanied me and continue to accompany
me every day. Out of all of my intense,
liberating experiences with music, I
would pick dreaming that I am singing.
Although I can’t play an instrument, I
come from a family of musicians, uncles,
grandparents, great-grandparents, cousins…
one was even the conductor of a Municipal
Chamber Orchestra in southern Brazil.
But even so, my thing was always dance,
which is another way of relating to music…
In any case, when I was little, six or seven,
I remember winning a small piano. Not a
cheap toy keyboard but a real wooden piano
that took pride of place in our living room…
I don’t really remember how I won it, but my
brother tried to teach me a simple tune from
some cartoon show, the Pink Panther to be
precise… one evening my great-grandmother
had come over for dinner with other relatives, and predictably I was asked to play
something. I performed my little piece and
it was greeted with great joy by my extended
family who already saw me becoming a
great musician one day… As fate would have
it, I never learned to play anything else on
that piano, although to this day I remember the Pink Panther tune perfectly…
Vanneraud
One day, when I was about eight, I
was given a radio cassette player as a
present. I hunted around for a tape that
I could make my own, and I listened to
over and over for months. I don’t know
if it was because I liked the music, or
because I couldn’t get the radio to work,
or simply because I didn’t have any other
tapes, but that was where musical tastes
began, particularly for Pink Floyd, Tim
Buckley and his son Jeff, who I still get a
lot of pleasure from listening to today.
Right now, I remember my total devotion
for the Dead Kennedys. Not just the music,
but also the messages in the lyrics. The
singer Jello Biafra was a born provocateur and an activist. The lyrics criticised
capitalism, politics, North American
society, fanaticism and television. Biafra
had a say in the lyrics, the music, and
even the covers. This convergence made
the Dead Kennedys a truly new phenomenon, and it’s still just as relevant today.
My favourite record was (and is) “Fresh
Fruit for Rotten Vegetables”, with classic
killer tracks such as Kill the Poor and
Holidays in Cambodia. Apart from being
the singer of the DKs, Biafra also made
records with Nomeasnso (another of my
favourite groups) and The Melvins. But
what set him apart from the punk rock
movement of the time were his Spoken
Albums, where he made political protest
speeches. In fact, I think he ran for mayor
of San Francisco. In any case, the group
was an important influence on my work.
I still get excited thinking about the CD
that was given away with issue 100 of the
now-defunct magazine Ajoblanco in 1998.
As well as getting a free CD, I discovered
a quality magazine that matched my
interests!! The CD was a compilation of
cutting-edge Electro: The Future Sound
of London, Blake Baxter, Saint Etienne... I
have vivid memories of the late 1990s and
early 2000’s, bound up with techno, Trainspotting, the end of acid house (my generation lived through many “end ofs...”)... and
the start of independence, in England no
less! I was lucky to live near dance culture,
raves, top concerts, freedom... to be able
to enjoy first-hand all those sounds and
influences that made their way to us
through tourism in the Balearic Islands.
My father has been the originator of
almost all my influences. He was the
source of the first cassette tapes that
we listened to in the car. The first one I
remember was on a trip to Barcelona. I
couldn’t believe that this bad recording
of a drunken woman was going to play
for the six-hour journey. On the way back
to Madrid I became fascinated, it was
like drinking beer for the first time. The
tape: Billy Holliday. Greatest Hits. Vol 1.
There is a certain situation that comes
up reasonably often, usually with a very
specific group of people, which involves
getting together for lunch and ending up
singing for hours in one of those endless
after-lunch sessions with few constraints.
Among all those other days of slow digestions and disaffections, sometimes things
like this are necessary, and you just have to
go for it and sing… “es tanta la virulencia
que lleva el ferrocarril”… These moments
tend to happen in specific but improvised
circumstances, at times when you feel
surrounded by family, in the broadest
sense of the term. The setting is simple:
a pleasant space, good food, wine always
helps… but to really enjoy it, there has to
be a special connection among the people
and with the songs. Sometimes I wonder
whether it’s an endangered practice…
In accordance with her mother’s wishes,
Diana Larrea began her musical education
at the Conservatorium when she was just 6
years old, and combined this with her studies until she finally abandoned it 20 years
later when she decided on a professional career in art. Nevertheless, this training permanently influenced her temperament and
her way of working, which is disciplined
and methodical. Based on this personal experience, Larrea allowed herself to parody
the strict musical education imposed on
her for two decades by making a videoperformance of resistance. To this end,
she executed a physical training circuit,
sitting on an abdominal bench in front of
a piano, while at the same time playing a
piece on it in time to her exercises. It was
an ironic reflection on an artists’ training,
the idea of sacrifice through tough physical
discipline and devotion to a vocation.
[pensart]
I’ve loved music since ever since I was
little. I remember the melodies of Simon
and Garfunkel, Elton John, and the Eagles,
as I opened my Christmas presents each
year. As a pre-teen, I was already a guitar
hero with my tennis racket (supposedly a
Gibson SG Guitar), emulating Ted Nugent
(for his sexiness), Angus Young (authenticity) and Eddie Van Halen (virtuosity)… I
also liked the Runaways and Girlschool,
and of course the Ramones and Judas
Priest too. At home there was always Piped
Music, and this led me to develop varied,
atypical tastes: Yellow Magic Equestrian,
Roxy Music, Led Zeppelin, Television,
Kraftwerk, Thin Lizzy, etc. My next door
neighbours were several siblings who had
grown up in the 70s and as such constantly listened to hard rock, psychodelia,
progressive rock, symphonic rock, glam
rock, punk… while I played toy cars with
the youngest brother with the excalextric.
On a trip to Andorra I got my hands on a
small short-wave radio that I would listen
to in bed at night, and which introduced
me to a wide spectrum of sounds that led
me to the total eclecticism that has become
my musical taste today. I’ve lived through
intense moments listening to acidhouse in the 80s, grunge, industrial and
electronica in the 90s, and more recently
I’ve been a devoted fan of sounds from
London’s black neighbourhoods – grime,
dubstep –, their precursors, jungle and
drum & bass, and new post-folk groups.
Oihane Chamorro
My first musical memory is actually
related to the physical skill required to
get up on tiptoes to reach the record
player in the living room at home and
try to play my mother’s Johnny Hallyday
records. Then came my musical independence, with my first walkman, a present
from my godfather for my First Communion, along with Madonna’s “Like a
Prayer” and my first songs in almost-real
English. Later came the music magazines,
pirating radio programmes, decorating
record covers, clothes and all the different looks, and grieving for the death of
Kurt Cobain. And I’m still at it today…
Abrimos un bote de melocotones en
almíbar con un clavo en el patio, cantando
muy alto para que la abuela no oyese los
golpes y se pusiera contenta por lo risueñas
y llenas de jolgorio que estaban sus nietas.
Aunque no sepa tocar ningún instrumento provengo de una familia con
muchos músicos, tíos, abuelos, bisabuelos,
primos... alguno incluso fue Maestro de
la Orquesta de Cámara Municipal en sur
de Brasil, pero aun así, lo mío siempre fue
más la danza, que también es una forma de
relacionarse con la música... Pero bueno,
de todas formas cuando era pequeño, a
eso de unos 6 o 7 años, recuerdo que gané
un pequeño piano, no de esos de juguete
barato pero uno de verdad, con su mueble
de madera que ocupaba bastante protagonismo en el salón de nuestra casa... no
recuerdo muy bien porque he ganado eso,
pero mi hermano trato de enseñarme una
musiquita muy sencilla que procedía de
un dibujo animado, más precisamente de
la Pantera Rosa... una noche mi bisabuela
había venido a cenar junto con otros familiares, como era de esperarse me pidieron
que tocara algo y les solté la musiquita
que fue recibida con verdadera alegría por
unos parientes que ya me veían como gran
músico en el futuro... Cosas del destino
no aprendí a tocar nada más en ese piano,
aunque recuerdo hasta hoy, a la perfección, la musiquita de la Pantera Rosa...
Mi padre siempre ha sido el origen de casi
todas mis fuentes de referencia. De el surgieron las primeras cintas de cassette que
escuchabamos en el coche La primera que
recuerdo fue en un viaje a Barcelona. No
podía creer cómo aquella mala grabación de
una mujer borracha iba a sonar durante las
6 horas del viaje. Ya volviendo a Madrid me
fascinó, fue como empezar a beber cerveza.
La cinta: Billy Holliday. Greatest Hits. Vol 1.
Mi primer recuerdo musical es un
recuerdo más bien relacionado con la
destreza física que suponía estar de
puntillas en la cadena del salón de casa
intentando pinchar los discos de Johnny
Hallyday de mi madre. Luego vino mi
independencia musical con el primer
walkman que me regaló mi padrino para
mi Primera Comunión junto con el Like a
Prayer de Madonna y mis primeros temas
en inglés casi verdadero. Más adelante
fueron las revistas especializadas, piratear
programas de radio, decorar carátulas,
la ropa y sus diferentes estéticas y llorar
la muerte de Kurt Cobain. Y ahí sigo...
Adoro la música desde la niñez. Recuerdo
las melodías de Simon And Garfunkel,
Elton John y los Eagles, mientras abría
mis regalos de reyes en cada mes de
enero. Siendo pre-adolescente ya tocaba la
raqueta (mi supuesta guitarra Gibson SG),
emulando a Ted Nugent (por sexy), a Angus
Young (por auténtico) y a Eddie Van Halen
(por virtuoso)…también me gustaban las
Runaways y las Girlschool y como no, los
Ramones y Judas Priest. En mi casa familiar
había Hilo Musical, circunstancia que hizo
formarme un gusto heterodoxo y atípico;
Yellow Magic Orquestra, Roxy Music, Led
Zeppelin, Television, Kraftwerk, Thin
Lizzy, etc. Mis vecinos de al lado, eran
varios hermanos crecidos en los años 70´s
que constantemente escuchaban hard rock,
psicodelia, rock progresivo,rock sinfónico,
glam rock, punk…mientras yo jugaba con
el hermano pequeño a los coches con el
excalextric. Un viaje a Andorra me procuró
una pequeña radio de onda corta, que escuchaba en mi cama por las noches, y desde
la que empecé a conocer un amplio espectro
de sonidos que me llevó al eclecticismo
total en que se ha convertido mi gusto musical de hoy. He vivido momentos intensos
escuchando Acid-House en los 80’s, grunge,
industrial y electrónica en los 90´s y en los
últimos años sigo con devoción los sonidos
de los barrios negros de Londres -grime,
dubstep- y sus precursores jungle y drum
& bass y los nuevos grupos de post-folk.
Lo que más ha cambiado en mi vida en
el aspecto musical es de pasar a saber los
discos, cassettes y CDs que tenía (incluso
sabiendo el orden de las canciones de
muchos álbumes y reconociendo sus
portadas) a no saber que tengo en el
ordenador ni que grupo estoy escuchando
en cada momento. Bueno, igual es un poco
exagerado, pero por allí van los tiros. De
hecho se trata de una experiencia musical
que sigue y sigue, que no acaba nunca…
Un día me regalaron un radio cassette,
tenía unos 8 años, busqué una cinta en
la casa de la que pudiera adueñarme, la
escuché en bucle durante varios meses, no
sé si fue por la música, por mi imposibilidad de hacer funcionar la radio, o por
el simple hecho de no tener otra cinta,
pero de ella nació mi gusto por la música
y en particular por los Pink Floyd, Tim
Buckley y su hijo Jeff, que a día de hoy
sigo escuchando con mucho gusto..
Mi experiencia musical es la de Radio
3. Durante los últimos veinte años he
estado escuchándola todas las mañanas en
cualquier lugar, incluso los últimos años
en el extranjero a través de internet. He
crecido con programas como Siglo XXI.
Siguiendo los deseos de su madre, Diana
Larrea comenzó su educación musical en
el Conservatorio a la temprana edad de 6
años, actividad que fue compaginando
con sus estudios hasta que finalmente
la abandonó 20 años más tarde, cuando
decidió dedicarse profesionalmente al arte.
Sin embargo, esta formación marcó para
siempre su temperamento y su manera de
trabajar, caracterizada por ser disciplinada
y metódica. Basándose en esta experiencia
personal, Larrea se permitió parodiar con
una video-performace de resistencia su férrea formación musical académica impuesta
durante 2 décadas. Para ello, ejecutó ella
misma una tabla de ejercicios físicos sentada sobre un banco de abdominales frente
a un piano, mientras, de forma simultánea
y acompasada, iba interpretando al mismo
tiempo una partitura en este mismo
instrumento. Se trataba de una reflexión
irónica sobre la formación del artista,
la idea de sacrificio mediante una dura
disciplina física y de entrega a la vocación.
El poder de AC/DC, y con la siguiente
frase describo el poder absoluto:
Mis primeros contactos con la música.
Los discos de mi infancia eran los de mi
hermana: Mecano, El último de la fila,
R.E.M., Radio Futura, Michael Jackson…
en los 80’s, en lugar de oír a los payasos
de la tele escuchaba Take on me, de A-ha.
Mis ensayos en casa de la expresión
corporal que aprendía en la guardería los
acompañaba de “Bailando”, de Alaska y
Dinarama, una suerte de ejercicios gimnásticos para niños de 3 años que acabaron
registrados en una cinta de Super 8 y que
cada vez que me topo con ella me hace reír.
Me cuesta pensar en algún momento especial que no haya tenido su banda sonora.
Mucho más, elegir entre tantísimos temas
que me han acompañado y acompañan
cada día. De entre todas mis experiencias
intensas y liberadoras con la música,
me quedo con la de soñar que canto.
Recuerdo una canción muy triste que
cantaba mi madre para dormir y los latidos
de mi corazón haciendo submarinismo
en la bañera de casa. Un radiocasette
antiquísimo de color crudo y aluminio
donde grabábamos nuestras voces y a la
profesora de piano en las clases de danza.
Más adelante, la persecución enfebrecida
de vinilos de Bowie y Rod Stewart entre
otros, por tiendas como Record Runner,
Discoplay, Escridiscos, Melocotón…casi
todas desaparecidas hoy en día. Y por
supuesto, mi primer concierto. Tenía trece
años y las hormonas revolucionadas. Rod
Stewart tocaba en el Rayo Vallecano y esperé horas para estar en primera fila. Creia
que iba a explotar de felicidad. Sin duda,
uno de mis mejores recuerdos musicales.
Desde siempre me ha gustado la música
electrónica, en especial los remixes. Hace
unos 10 años recuerdo que estuve durante
unos meses pinchando como dj en una de
las discotecas que había en mi pueblo, la
“Disco Clips” hoy desaparecida. De entre
todos los vinilos que había en la discoteca
el que más rayado se encontraba por aquella
época era The Fat of the Land de “The
Prodigy”, que junto a otro grupo también
británico “The Chemical Brothers” marcaron una época. Siguen gustando bastante,
ya que suelen visitar España con asiduidad
en festivales de verano. A pesar del paso
del tiempo algunas de las canciones que
firmaron a finales de los noventa siguen
teniendo bastante éxito y siguen resultando tan machaconas ahora como entonces.
Hay una situación que vivo con relativa frecuencia, normalmente con una
compañía muy determinada, que es el de
reunirse para comer y acabar cantando durante horas en una sobremesa de esas largas
y con pocas restricciones. Algunos días, entre otros de digestiones pesadas y desafecciones, son necesarias este tipo de cosas… “es
tanta la virulencia que lleva el ferrocarril”...
Son momentos que se dan en circunstancias tan determinadas como imprevistas,
momentos que te hacen sentir en familia,
en el sentido más amplio del término. El
escenario en realidad es simple, un lugar
agradable, una buena comida, el vino siempre ayuda, pero para disfrutarlo realmente
hace falta una proximidad especial entre
las personas y con las canciones. A veces
pienso si es algo en peligro de extinción...
Ahora mismo recuerdo mi absoluta devoción por los Dead Kennedys. No sólo por la
música, sino por el mensaje de sus letras..
El cantante Jello Biafra era un activista y
un provocador nato. Las letras criticaban
el capitalismo, la política ,la sociedad norteamericana , el fanatismo,o la televisión.
Biafra estaba implicado en las letra, la
música e incluso hacía las portadas. Esta
confluencia de elementos hacía de los Dead
Kennedys algo verdaderamente nuevo y
que sigue teniendo la misma vigencia.
Mi disco preferido era ( y es ) Fresh Fruit
for Rotten Vegetables con temazos con
clásicos como Kill the Poor o Holydays in
Cambodia. Aparte de ser cantante de los DK
, hizo discos con Nomeansno (otro de mis
grupos preferidos) o Los Melvins. Pero lo
que le hacía diferente del movimiento Punk
rock de la época eran los Spoken Albums
donde lo que hacía eran discursos reivindicativos y polítizados . De hecho, creo que
se presentó para alcalde de San Francisco.
En cualquier caso es un grupo que me
ha influenciado mucho en mi trabajo.
Me emociona pensar en el CD que venía
con el ejemplar número 100 de la desaparecida revista Ajoblanco en 1998, con el que
a la vez descubrí una revista de calidad
que respondía a mis intereses!! El CD era
una recopilación de Electro de lo más
innovador: The Future Sound of London,
Blake Baxter, Saint Etienne... El final de los
años 90 y principios del 2000 los recuerdo
intensamente y relacionados con el Techno,
Trainspotting, el final del Acid House (los
de mi generación nos hemos topado con
muchos ‘finales de’), ... y el principio de mi
vida independiente, además en Inglaterra!.
Tuve la suerte de vivir de cerca la cultura
dance, las raves, conciertos de calidad, la
libertad.... disfrutar en directo de todos
esos sonidos e influencias que nos llegaban
a las Islas Baleares a través del turismo.
Mis más bonitas experiencias musicales
siempre han ocurrido cuando estaba
haciendo algún proyecto. Son tan diversas
como el día que una niña gitana se sentó
en la acera al lado mío mientras estaba
pintando una puerta en Puerto Lumbreras
y empezó a tocar las palmas y a improvisar
una canción de Flamenco. O cuando Raúl
el Bombín me regaló esa increíble cinta de
Cumbia que sonaba desde su pick-up abierto por todo Tampiquito, un barrio popular
de la ciudad de Monterrey. O también algo
tan casual como la melodía del móvil de
Duy, uno de mis ayudantes cuando pinté
la fachada de un hotel en Hanoi. Pero sin
duda, lo que más me fascina y me llena de
buen humor son los niños de la escuela
en frente de mi casa en Beijing que cada
mañana, a las 8h30 puntuales, se ponen a
bailar todos juntos en el patio con sus uniformes amarillos al son estridente de una
canción entre marcha militar y aerobic.
Experiencias musicales he tenido infinidad de ellas, buenas y malas, la música
me acompaña las 24 horas del día por lo
que todas mis anécdotas tienen banda
sonora. Pero para ser sincero, lo más bonito
es cuando una persona te escribe una
canción y la toca en directo para cientos de
personas y en el preciso momento te lanza
una mirada cómplice. Buf! Eso es brutal.
En mi caso es un magnífico tema que se
llama “Seven Colors” del grupo Möwen Pik
y cada vez que lo escucho… Brrrrr! Pero no
quiero ponerme ñoño y para contrarrestar
diré que mis amigos punks de “Trapo
Sucio” también me dedicaron una canción
titulada “el Julito caga nueves” al ver un día
una de mis escatológicas creaciones. Con
este tema también me sale lagrimilla, je je,
pero de risa. Grandes regalos. ¡Si señor!
Image: Halcón Milenario, 2011 , C-print based on 3D model, 120 x 90 cm. Courtesy of Galería José Robles
Image: Manteo, 2011, ink, fluorescent paper, 43 x 35 cm
www.jordiribes.com
Javier Fresneda’s work focuses on spatial interventions that combine narrative, iconographic and structural elements. The reappropriation of landscapes, historical fabulation, physical experience
and subcultures have been recurring interests throughout his career. Fresneda’s research and production creates links between models of symbolic negotiation, methodological adaptations and the development of prototypes generated by collaborative groups. Part of
his work is geared towards notions of possibility and impossibility,
an excess or lack of meaning and alternatives to cultural icons, all of
which he applies to the social construction of the landscape and the
questioning of historic texts. He regularly uses industrial, biodegradable or virtual materials that are interconnected at the structural level. His current interests include temporary interventions in urban space that approach scale, landscape and the economy as
measuring tools, and the development of new working groups that
are flexible and diverse.
Su trabajo interviene lugares aportando combinaciones narrativas,
iconográficas y estructurales. Inquietudes como la reapropiación de
paisajes, la fabulación histórica, la experiencia física y la subcultura
se encuentran presentes a lo largo de su evolución profesional. Su desarrollo investigador y productor vincula modelos de negociación
simbólica, adaptaciones metodológicas o el desarrollo de prototipos
generados mediante grupos colaborativos. Parte de su trabajo está
muy orientado hacia las nociones de posibilidad e imposibilidad, exceso o carencia en el sentido, alterativas en relación con iconos culturales, todo ello focalizado en la construcción social del paisaje, o los
relatos históricos puestos en discusión. Habitualmente utiliza materiales industriales, biodegradables o virtuales relacionados estructuralmente entre sí. Sus inquietudes actuales incluyen intervenciones
temporales en el espacio urbano relacionando escala, paisaje y
economía como herramientas de medida, y el desarrollo de nuevos
grupos de trabajo flexibles y plurales.
Jordi Ribes creates narrative, theatrical representations that set
up a dialogue between different iconographies from a diverse range
of sources: art, film, children’s books, advertising, music, politics…
and popular culture in general. These representations stem from a
conscious subjectivity and give rise to an exercise in introspection,
although they nonetheless attempt to overcome the boundaries
between personal and collective memory. Jordi Ribes works in two
directions: one involves painting, in which perversion is introduced
in the technical sense, through the non-conventional use of oils, and
a cold, polished diction that leads us into digital language through
a play of hybrids between electronic and pictorial work. The second
strand involves drawing and murals, and in this case the relationship with the spectator is much more directly conceived, through
flat, monochrome graphics. Here, a seductive interplay of images,
allows glimpses of contradictions and conflicts in the social, cultural and political spheres of our society.
Su obra se caracteriza por la realización de representaciones de
carácter narrativo y teatral donde dialogan diferentes iconografías
de la más variada procedencia, del arte, el cine, los cuentos infantiles, la publicidad, la música, la política… y la cultura popular en
general. Realizada desde una consciente subjetividad, se produce un
ejercicio de introspección que sin embargo intenta sobrepasar las
fronteras entre la memoria personal y colectiva. Su trabajo contempla dos direcciones, una a través de la pintura, donde la perversión se
centra también en el aspecto técnico con el uso no convencional del
óleo, cuya dicción fría y pulida permite acercarnos al lenguaje digital en un juego de híbridos entre el trabajo informático y pictórico. Y
otra segunda vía a través del dibujo y el mural donde la relación con
el espectador se concibe mucho más directa mediante un grafismo
monocromo y plano, que a través del juego seductor de las imágenes
acaba dejando entrever contradicciones y conflictos de ámbito social, cultural y político presentes en nuestra sociedad.
Javier Fresneda (Segovia, 1982) has a Masters in Contemporary Art
from European University of Madrid. He makes site-specific interventions
and installations, although his projects initially begin as drawings. His
work has been exhibited at art centres such as AKV St. Joost (The Netherlands), Gallery Weekend (Berlin), CA2M (Madrid), MANIFESTA, Altes
Finanzamt (Berlin), Matadero Madrid, Kunsthaus Bethanien (Berlin),
JustMadrid Art Fair, Liste Basel and LaOtra (Colombia). He lives and
works between Mexico and Spain.
Javier Fresneda (Segovia, 1982). Máster Oficial de Arte Contemporáneo
UEM Universidad Europea Madrid. Realiza intervenciones en sitio específico o instalación, aunque inicialmente sus proyectos comienzan como
dibujos. Sus proyectos han sido exhibidos en espacios como AKV St. Joost
(Holanda), Gallery Weekend (Berlín), CA2M (Madrid), MANIFESTA, Altes Finanzamt (Berlín), MataderoMadrid, Kunsthaus Bethanien (Berlín),
JustMadrid Art Fair, Liste Basel, LaOtra (Colombia). Vive y trabaja entre
Jordi Ribes (Barcelona, 1972) has a degree in Fine Arts from the University of Barcelona. He was the recipient of the Guasch-Coranty Scholarship
in 2003, the 2004 Altadis Visual Arts Award, and a Residency Grant at
Hangar (Barcelona) in 2007. His work can be found in the collections of the
CA2M Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid, Patronato Martínez Guerricabeita, Valencia, Altadis Foundation, Paris, and Vila Casas Foundation,
Barcelona. He has participated in exhibitions at CA2M Centro de Arte 2
de Mayo, Madrid, CASM Centro de Arte Santa Mónica and Sala Petita,
Capella, both in Barcelona, and Palais de Tokyo, Paris. He has held solo
exhibitions at Galería Senda and Galería del Sol St. and participated in art
fairs including ARCO, Art Brussels, Art Forum Berlin, Pulse Art Fair New
York. He lives and works in Madrid.
Jordi Ribes (Barcelona, 1972). Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona. Ha disfrutado de la Beca Guasch-Coranty en el año 2003.
En 2004 gana el Premio Altadis de Artes Plásticas y en 2007 obtiene la Beca
de Residencia en Hangar (Barcelona). Su obra se encuentra en las colecciones del CA2M,Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid, Patronato Martínez
Guerricabeitia, Valencia, en la Fundación Altadis, París, y la Fundación
Vila Casas de Barcelona. Ha participado en exposiciones en el CA2M Centro de Arte 2 de Mayo, Madrid, CASM Centro de Arte Santa Mónica y la
Sala Petita de la Capella, ambos en Barcelona y Palais de Tokio de París. Ha
realizado exposiciones individuales en Galería Senda y Galería del Sol St.
y participado en ferias como ARCO, Art Brussels, Art Forum Berlin, Pulse
Art Fair Nueva York. Vive y trabaja en Madrid.
Image: Compro Oro, 2011, mixed technique, drawing, collage, serie of 10 works, 5 in colur and 5 in b/w, framed, 20 x 25 cm each
www.josejurado.com
Jose Jurado is a visual artist who is interested in mechanisms and
laboratories of ideas, in which spectators must negotiate their position within the artwork, actively participating in processes of
thought and reflection. He works with conceptual research processes
that challenge the concept of the artist’s authorship and that have a
strong social commitment, creating a mosaic of local day-to-day situations. What matters here is not the result – the artistic object – but
the capacity to generate processes and projects which can engage social strata that are usually left out of art-related activities, allowing
them to see anew, and drawing attention to their ability to discover
for themselves a reality that is all around them but gets lost in the dynamics of everyday life. Jurado is interested in highlighting lived experience in real contexts, drawing upon collaborative practices and
interaction with the experiences of individuals who dwell in a specific territory and construct it through their gaze. Rapport with the
environment leads to a desire to improve and transform it.
Jose Jurado (Córdoba, 1984) has a degree in Fine Arts from the University
of Granada, a Masters in Professional Photography and Documentary Reportage from EFTI and a Masters in Art, Creativity and Research from the
Faculty of Fine Arts, Universidad Complutense, Madrid. He is currently
enrolled in an MA in Fine Arts at Manchester Metropolitan University. He
works in several media and has received numerous grants, both to further
his studies (Iniciarte, Erasmus, Séneca) and for the production of artistic
projects (Iniciarte, Ecat, Fundación Rafael Botí, Matedera Madrid). He
has participated in exhibitions at Canal de Isabel II, Madrid, Sala d’Art
Jove de Barcelona. Espacio ECAT, Toledo, Off Limits Madrid and Sala Puerta Nueva, Córdoba, among others. He lives and works in Madrid.
Artista visual interesado en los dispositivos y laboratorios de ideas,
en los que el espectador debe negociar una posición dentro de la obra,
implicándose en procesos de pensamiento y reflexión. Trabaja con
procesos de investigación conceptuales que cuestionan la autoría del
artista y que adquieren un alto grado de compromiso social, conformando un mosaico de la realidad cotidiana local. Lo importante aquí no
es el resultado, el objeto artístico, sino la capacidad de generación de
procesos y propuestas que impliquen a estratos sociales, habitualmente al margen de los supuestos artísticos, dándoles a ver de nuevo y
poniendo de manifiesto la capacidad de descubrir por sí mismos, una
realidad que les rodea perdida en el transcurrir de lo cotidiano. Le interesa destacar la experiencia vivida en contextos reales, haciendo uso
de prácticas colaborativas y de interacción con la experiencia de los
que habitan y construyen con su mirada un determinado territorio.
De la compenetración con el entorno viene la voluntad de mejorarlo o
de transformarlo.
Jose Jurado (Córdoba, 1984). Licenciado en Bellas Artes por la Universidad
de Granada. Ha realizado el Master de Fotografía Profesional y Reportaje
Documental de EFTI y Master en Arte Creación e Investigación de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid. Actualmente
está realizando un MA Fine Art en la Manchester Metropolitan University.
Trabaja con diversos formatos y ha recibido diversas becas tanto de formación (Iniciarte, Erasmus, Séneca) como para la producción de proyectos
artísticos (Iniciarte, Ecat, Fundación Rafael Botí, Matadero Madrid). Ha
participado en exposiciones en la sala del Canal de Isabel II de Madrid, Sala
d’Art Jove de Barcelona, Espacio ECAT de Toledo, Off Limits Madrid y Sala
Puerta Nueva de Córdoba entre otras. Vive y trabaja en Madrid.
Julio Falagan abhors grandiloquence and mannerisms in his
work, preferring to draw on trivialities and society’s cast-offs as a
base from which to pose universal dilemmas in which we see ourselves reflected individually. Fictional stories and banal quandaries
that become paradigms of reality, reflections on truth and fiction,
sovereignty, faith, and on strategies for social construction and the
cracks that exist in it. Falagan’s irony, humour and indifference to
tedium act as lubricants that smooth the way for the introduction
of more complex and critical concepts. His works can be read on
several levels and from different points of view. They shun elitist
approaches and swap passive contemplation for active participation, transforming spectators into active participants.
Su trabajo aborrece las grandilocuencias y manierismos, apoyándose más bien en lo mediocre y los desechos de la cultura y la sociedad para desde ahí plantear dilemas universales en los que nos
vemos reflejados de forma individual. Historias ficticias y encrucijadas banales que se convierten en paradigmas de lo real. Reflexiones
sobre lo verdadero y lo ficticio, lo soberano, la fe y en definitiva sobre
las estrategias de construcción social y sus fisuras. Utiliza la ironía,
el humor y el desapego por el tedio como fluido lubricante que allane el terreno para la introducción de conceptos más complejos y
críticos. Obras que puedan ser leídas desde diferentes niveles y puntos de vista, rehuyendo de planteamientos elitistas y eliminando la
pasividad contemplativa del espectador, haciéndole partícipe activamente de la obra hasta el punto de formar parte de ella.
Julio Falagan (Valladolid, 1979) has a degree in Fine Arts from the University of Salamanca. He has received major awards and grants such as
the Casa de Velázquez Grant, an Honourable Mention in Caja Madrid’s
Generaciones awards, the AVAM/CRAC Madrid Procesos 09 grant and the
Injuve Award. His work has been shown in galleries and arts institutions
in Spain and internationally. He lives and works in Madrid.
Julio Falagan (Valladolid, 1979). Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca, ha sido reconocido con importantes galardones
como la Beca de la Casa de Velázquez, Mención de Honor en “Generaciones” Caja Madrid, Beca “Madrid Procesos 09” AVAM/CRAC o el Premio
Injuve. Su obra se ha expuesto en diferentes galerías e instituciones nacionales e internacionales. Vive y trabaja en Madrid.
Image: Acabado Perfecto, 2011, site-specific intervention, b/w large format print based on drawings and collages with paint on wall, variable dimensions
Image: S/T, 2011, lacquered wood, 120 cm diameter
Image: Top of Change in the World of Ideas, 2006, ink on paper, 30 x 22 cm
w w w . m a r l o n d e a z a mb u j a . c o m
Luis Úrculo is a multidisciplinary artist who is interested in everything that is peripheral to architecture. He transposes processes,
developments and approaches to different scales, adapting his own
work to a project’s existing composition in order to create new, previously unconsidered scenarios/experiences/expectations. His
work is based on drawing, through which he explores processes involving accident and chance and connections between the small
and the complex. His work is a defence of (adapted/domesticated)
time, of noise, and of the darkest inner spaces.
Artista multidisciplinar interesado en todo lo periférico a la arquitectura, y los procesos, desarrollos y planteamientos que pueden ser
manipulados, sampleados y traducidos a otras escalas, adaptándose
a la composición del proyecto para crear nuevos escenarios/experiencias/expectativas no contempladas anteriormente. El dibujo es la
base de su trabajo, desarrollando una exploración de lo casual, lo accidental, lo pequeño y complejo. Una reivindicación del tiempo,
(adaptado/domesticado), del ruido y del espacio interior más oscuro.
Luis Urculo (Madrid, 1978). Licenciado en la ETSAM, en el Illinois Institute of Technology y el Institute of Design de Chicago. Su trabajo ha sido
expuesto en diversas muestras internacionales como la XI Bienal de Venecia – Pabellón de España, Galería Dama Aflita (Oporto), Bienal de Montevideo, Fabrica Features (Lisboa), ArtBasel 2010 (Suiza), CutLog Art Fair
FIAC10 (Paris), JustMadrid2, Galería La Permanente (Madrid), Transculturelles des Abattoirs (Casablanca), National Glyptoteque (Atenas), La
Casa Encendida (Madrid). Ha sido invitado como profesor y conferenciante
en centros formativos de Ginebra, Grenoble, Estambul, Buenos Aires, Barcelona y Zaragoza entre otras ciudades. Es profesor junto a Jaime Hayón del
Master European Design Labs en el Istituto Europeo di Design de Madrid.
Luis Úrculo (Madrid, 1978) is a graduate of ETSAM, the Illinois Institute
of Technology and the Chicago Institute of Design. His work has been shown
in several international exhibitions, including the Spanish Pavilion at the
11th Venice Biennale, Galeria Dama Aflita (Oporto), the Montevideo Biennale, Fabrica Features (Lisbon), ArtBasel 2010, CutLog Art Fair FIAC10 (Paris), JustMadrid2, Galería La Permanente (Madrid), Transculturelles des
Abattoirs (Casablanca), National Glyptoteque (Athens) and La Casa Encendida (Madrid). He has been invited to teach and speak at educational centres
in Geneva, Grenoble, Istanbul, Buenos Aires, Barcelona, Saragossa, and other cities. Along with Jaime Hayón, he co-teaches in the European Design Labs
Masters programme at the Instituto Europeo di Design, Madrid.
Marlon de Azambuja works on the level of the essential, and is able
to suggest a new world over the existing one through simple interventions, offering new ways of perceiving the space that we live in and
transforming it into a new experience. His works tackle questions
around contemporary art institutions and the urban environment.
Marlon de Azambuja’s urban interventions avoid the institutional nature of many other artists’ movements. Instead, he likes secrecy and prefers to go relatively unnoticed within the framework
of artistic actions that are less about being spectacular and more
about drawing attention to certain lines, surfaces and volumes in
our everyday environment, and to our visual and bodily relationships with them.
Su obra funciona en el plano de lo esencial y es capaz de plantear un
nuevo mundo sobre otro a través de sencillas intervenciones, ofreciendo nuevas percepciones del espacio que habitamos, transformándolo
en una nueva experiencia. Sus trabajos abordan cuestiones sobre las
instituciones de arte contemporáneo y el entorno urbano.
Sus intervenciones urbanas carecen del carácter institucional que
determinan las obras de otras escuelas de artistas. Por el contrario,
gusta de la clandestinidad y de pasar relativamente inadvertido, y se
enmarca en un tipo de acción artística que aspira menos a lo espectacular que a la llamada de atención sobre determinadas líneas, planos, volúmenes del entorno cotidiano y sobre nuestras relaciones,
visuales y corporales, con los mismos.
Marlon de Azambuja (Brazil, 1978) studied at the Edilson Viriato Contemporary Art Centre in Curitiba, Brazil. He has received many awards
and grants, including a grant from Fundación Arte y Derecho, Madrid,
travel and production grants from Matadero Madrid, a Comunidad de
Madrid production grant and Injuve awards for young artists. His work
is included in public collections in several countries, including those of
the Museum of Contemporary Art in Paraná, Argentina, and the Oscar
Niemeyer Museum in Curitba, Brazil, the Ministry of Culture, Banco
Sabadell and OTR in Spain, and Fondazione Nomas in Rome, Italy. His
recent solo exhibitions include Gran Fachada, Max Estrella gallery, Madrid; La Construcción de Icono, CAAM, Las Palmas, Canary Islands, and
Potencial Escultórico, Abierto X Obras, Matadero Madrid. In 2011 he also
took part in group shows such as the 8th Mercosul Biennial, Porto Alegre,
Brazil, and the 11th Biennial of Cuenca, Ecuador. Since 2005 lives and
works in Madrid.
Marlon de Azambuja (Brasil, 1978). Estudió en el Centro de Arte Contemporáneo Edilson Viriato en Curitiba, Brasil. Ha recibido diversos premios y becas entre las cuales están la Beca de la Fundación Arte y Derecho,
Madrid; Ayudas a la Movilidad y Creación de Matadero Madrid; Beca de
la Ayudas a la Creación de la Comunidad de Madrid y Premios Injuve para
la Creación Joven. Su obra está presente en colecciones públicas de distintos países destacando la colección del Museo de Arte Contemporáneo de
Paraná y del Museo Oscar Niemeyer en Curitiba, Brasil; las colecciones del
Ministerio de Cultura, Banco Sabadell y de OTR en España; y la Fondazione Nomas en Roma, Italia. Entre sus recientes exposiciones individuales
destacan Gran Fachada, galería Max Estrella, Madrid; La Construcción
de Icono, CAAM, Las Palmas; Potencial Escultórico, Abierto X Obras,
Matadero Madrid. En 2011 también participa en muestras colectivas
como 8ª Bienal do Mercosul, Porto Alegre, Brasil y la 11ª Bienal de Cuenca,
Cuenca, Ecuador. Desde 2005 vive y trabaja en Madrid.
Image: Black Extasis, 2011, sculptural drawing in methacrylate, 28 x 64 cm. Courtesy of Galería ASM 28
Image: Soy un Tiñalpas, 2011, ink, watercolour paper, A3 size
w w w.saelia.blogspot.com
Marta Serna’s work focuses on illustration, traditional video animation, vinyl installations and plexiglass sculptures. In her drawing-based work, she presents dysfunctional characters without a
background or setting. Her main interest lies in questioning power
roles, particularly in childhood, and in reflecting our human, animal, spiritual and artificial nature and the compensatory rituals
that we have to carry out in order to adapt to our environment.
Como artísta visual está centrada en la ilustración, el vídeo de animación tradicional, instalaciones en vinilo y esculturas en metacrilato. En su trabajo centrado en el dibujo, presenta a personajes disfuncionales que carecen de escenario. Su interés se centra en cuestionar
los roles de poder, sobre todo en la infancia y reflejar la naturaleza humana, animal, espiritual y artificial que poseemos y el ritual compensatorio que tenemos que realizar para adaptarnos al medio.
Marta Serna (Madrid, 1969). Marta Serna has a degree in Painting from
Universidad Complutense, Madrid, and studied Ballet at the Royal College of London, Classical Spanish Dance at the Royal Conservatory of Cordoba and Oriental and Contemporary dance. Her recent solo exhibitions
have been Misty Eyes & Mourning Stones, Galeria Asm28, Madrid, Winter Tale, Espacio Frágil, Madrid, Black Sparkle, Espacio Marzana, Bilbao,
Black Wings, Domus Artium, Salamanca, Dark Delicate, Galeria Cubo
Azul, León, Blood Breath, NO-ID Gallery, London, Cruel but Fair, Galeria
Rosa Santos, Valencia, and Havoc Amazing Cosmic Trip, Project 142, London. She has participated in group exhibitions such as Rencontres Internationales, with the screening of the video “Power Trilogy” at Centre Pompidou, Paris, and Haus der Kulturen der Welt, Berlin, Gráfica. 30 Artist
from Young Spain, at Instituto Cervantes in Madrid, Bordeaux, Lebanon
and Jordan, Merrie Melodies, Domus Artium, Salamanca, ARCO 2009
Premios Creación Artistica Comunidad de Madrid, Bloody Boots, ARCO
2008, and in the “Bloody Little Creatures” visual project in London for the
music group The Cure.
Marta Serna (Madrid, 1969). Licenciada en Pintura por la Universidad
Complutense de Madrid. Ha desarrollado estudios de Danza Clásica en el
Royal College Of London, Danza Española en el Real Conservatorio de Córdoba y Danza Oriental y Contemporáneo. Sus últimas exposiciones individuales han sido “Misty Eyes & Mourning Stones”, Galeria Asm28, Madrid “Winter Tale” Espacio Frágil, Madrid, “Black Sparkle”, Espacio
Marzana, Bilbao, y “Black Wings”, Domus Artium, Salamanca, “Dark
Delicate”, Galeria Cubo Azul, León, “Blood Breath”, NO-ID Gallery, London, “Cruel butFair”, Galeria Rosa Santos, Valencia, “Havoc Amazing
Cosmic Trip”, Proyect 142, London. Ha participado en exposiciones
colectivas como “Rencontres Internationales”, con la proyección de video
“Power Trilogy”en el Centre Pompidou, París , Haus der Kulturen der
Welt, Berlín, “Gráfica. 30 Artist from the young Spain” en el Instituto Cervantes de Madrid, Burdeos, Líbano y Jordania, “Merrie Melodies”, Domus
Artium, Salamanca“, ARCO 2009 Premios Creación Artistica Comunidad
de Madrid”, “Bloody Boots”, ARCO 2008, y el proyecto visual “Bloody Little Creatures” en Londres para el grupo musical The Cure.
Saelia Aparicio is interested in comparing different levels of the
absurd, working with the real and the fictitious – which she recreates
with irony and humour – and questioning the validity of both. Aparicio deliberately refrains from explaining her aesthetic approach, not
because of any cryptographic tendencies but because she prefers to
leave room for free interpretations from viewers facing her work. As
well as working on her drawings, she has allowed herself to be seduced
by the “fanzinating” world of desktop publishing. Along with Julián
Smecta, Marian Garrido and Raquel Aparicio, she co-edits the world’s
first anti-gravitational magazine. She has contributed to Montaña
Sagrada, Lateralvisión, Smecta and El Temerario, among others.
Artista plástica interesada en comparar los planos del absurdo,
trabajar el real con el ficticio que recrea con ironía y humor, cuestionando la validez de ambos. Evita de forma deliberada explicar
sus planteamientos estéticos, no por un afán criptográfico, más
bien porque prefiere dejar lugar a la libre interpretación del espectador que se enfrenta a su trabajo. Además de su trabajo como
dibujante, se ha dejado seducir por el “fanzinante” mundo de la
autoedición. Junto a Julián Smecta, Marian Garrido y Raquel Aparicio es la editora de Cosmos, el primer fanzine anti-gravitatorio.
Ha colaborado, entre otros, con Montaña Sagrada, Lateralvisión,
Smecta y El Temerario.
Saelia Aparicio (Avila, 1982) has a degree in Fine Arts from the University of Cuenca. In 2009, she received second prize in the Injuve awards, and
was shortlisted for the Tentaciones completion at Estampa art fair. She
was a recipient of a production grant from the Antonio Pérez Foundation,
the Diputación de Cuenca and the Fine Arts faculty, University of Cuenca,
which included publishing a solo catalogue and exhibiting her final project at the Diputación de Cuenca. In 2010, she received a visual arts grant
from the Diputación de Valladolid, and a production and education grant
to participate in a workshop at Fundació Miró, Palma de Majorca. Her
work has been shown at Ingrid, Last Login, Palau de la Virreina, Barcelona, and at Mediodía Chica, Madrid, at the Fine Arts faculty, University
of Cuenca and Galería Art Nueve, Murcia. Her group exhibitions include
Greatest Hits, at the Arte en Papel festival, Cuenca, and La tropa de Misteriosas Manos Flotantes at Centro Torrente Ballester, curated by Nono
Bandera. She has participated in art fairs such as Arco, Preview Berlin,
Arte Lisboa, Arte Santander, Foro Sur and Just Madrid. She is currently
working on an exhibition to be held at La Conservera, Murcia, in 2012. She
lives and works between Valladolid and Madrid.
Saelia Aparicio (Avila, 1982). Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Cuenca. En 2009 le conceden un áccesit en la convocatoria del
Injuve, y es seleccionada en los concursos Tentaciones de la feria Estampa.
La fundación Antonio Pérez, la diputación de Cuenca y el departamento
de artes de la facultad de Bellas Artes de Cuenca le conceden una beca de
producción que incluye la edición de un catálogo individual y exponer su
proyecto final en la Diputación de esa misma ciudad. En 2010 le conceden
la beca de artes plásticas de la Diputación de Valladolid y una ayuda a
la producción y formación de la Fundación Miró de Palma de Mallorca
para la realización de un curso en sus talleres. Ha expuesto en Ingrid, Last
Login, Palau de la Virreina en Barcelona y en el espacio Mediodía Chica,
Madrid, facultad de Bellas Artes de Cuenca, Galería Art Nueve, Murcia y
colectivas como Greatest hits, dentro del festival Arte en Papel de Cuenca
y La tropa de Misteriosas Manos Flotantes en el Centro Torrente Ballester,
comisariada por Nono Bandera. Ha participado en ferias como Arco, Preview Berlin, Arte Lisboa, Arte Santander, Foro Sur y Just Madrid. Para
2012 prepara una exposición en el centro La Conservera de Murcia. Vive y
trabaja entre Valladolid y Madrid.
w w w.pensart.org
PENSART es un colectivo de profesionales de la
creación contemporánea, la educación artística y la
acción social que realizan mediación cultural. PENSART
funciona como una agencia de producción cultural
que desarrolla iniciativas propias y realiza encargos
de instituciones públicas y privadas. El colectivo está
estructurado en grupos de trabajo formados a partir
de los proyectos que se realizan. Estos se dividen en
varias líneas de acción relacionadas con el comisariado
de exposiciones y eventos, el diseño y aplicación de
programas educativos, la documentación, difusión
y comunicación de proyectos culturales y sociales
mediante herramientas editoriales y digitales.
Entre los objetivos de PENSART está el contribuir
al establecimiento de estructuras profesionales y
estables dentro del sector de las industrias culturales;
Fomentar la implantación de las nuevas tecnologías en
la cultura, especialmente en los sectores relacionados
con la investigación, formación, producción, difusión
y distribución; Crear redes de trabajo colaborativas,
locales, nacionales e internacionales, con universidades,
asociaciones, fundaciones e instituciones culturales;
Enriquecer el tejido cultural favoreciendo el diálogo
entre las diferentes comunidades artísticas y la sociedad
civil; Promover y difundir prácticas democráticas en la
producción cultural que aseguren un acceso universal
a recursos y medios artísticos; Favorecer la integración
cultural de colectivos sociales con déficit educativo.
PENSART is a group of professionals from the fields of
contemporary creation, arts education and social action,
who actively engage in cultural mediation. PENSART operates like a cultural production agency that implements
its own initiatives as well as projects commissioned by
public and private institutions. The group is organised
into teams that are created for each project, which are
subdivided into different lines of action to do with curating exhibitions and events, designing and implementing
educational programmes, and managing documentation, diffusion and communication for cultural and
social projects through editorial and digital tools.
The objectives of PENSART are to help set up
stable professional frameworks within the cultural
industries; to promote the implementation of new
technologies in culture, particularly in sectors relating to research, training, production, diffusion and
distribution; to create collaborative networks of local,
national and international universities, associations,
foundations and cultural institutions; to enrich the
cultural fabric by encouraging dialogue between artistic
communities and the general public; to promote and
spread democratic practices in cultural production
that ensure universal access to arts-related resources
and media and to encourage the cultural integration of educationally disadvantaged social groups.
Red Bull Music Academy acknowledges
Javier Duero, Oihane Chamorro, PENSART and all
the artists for sharing their wider visions within these
walls; Cristina Conde and Alicia Moreno at the City
Council, for their warm welcome; Pablo Berástegui,
Pepa Octavio, Patricia Baiges and the team at Matadero Madrid for inviting the Academy to establish the
foundations for the Navé de Musica; La Camorra, for
bringing the designs to life; Maria Langarita and Victor
Navarro for crafting an inspirational environment.
PENSART acknowledges
Abdul Vas, Avelino Sala , Daniel Silvo, Diana Coca,
Diana Larrea, Eltono, Elena Alonso, Eugenio Merino,
Françoise Vanneraud, Gabriela Bettini, Javier Fresneda,
Jordi Ribes, José Jurado, Julio Falagan, Luis Urculo,
Marlon de Azambuja, Marta Serna, Saelia Aparicio,
Pablo Berástegui, Many Ameri, Víctor Flores, Oihane Chamorro, Luna Lozano, Langarita-Navarro
Estudio, Galería ASM 28, Galería Eva Ruíz, Galería
José Robles, Galería Raquel Ponce, la correccionalserveis textuals, Fran Lazo, Carlos Alemany.
Open Sessions @ Nave de Musica
The Noise of Bubbles is a production curated by
PENSART for the Red Bull Music Academy Madrid 2011.
Once the Academy ends, the exhibition will remain
open to the public from the 1st to the 18th of December, during the Open Sessions of the Nave de Musica.
El Ruido de las Burbujas es un una producción
comisariada por PENSART para la Red Bull Music
Academy Madrid 2011. Tras el final de la Academy
la exposición permanecerá abierta al público del
1 al 18 de diciembre, coincidiendo con las Jornadas de Puertas Abiertas de la Nave de Música.
Nivel 3 - Aspectos Culturales
VV Actividades para el fomento de la socialización
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CAPPUCCINO GRAND PAPIER Vol.7
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The 40 Annual - UNIS-UN
ÉsCultura juny 2011
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