Source: http://librosyviajesypeliculas.blogspot.com/2008/
Timestamp: 2017-05-26 22:35:07+00:00

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libros, viajes, peliculas, musica, etc....: 2008
.One year in 40 seconds from Eirik Solheim on Vimeo.
"Alégrate mucho, hija de Sion; da voces de júbilo, hija de Jerusalén; he aquí tu rey vendrá a ti, justo y salvador". Zacarías 9:9 .
Se supone que la fiesta de la Navidad recuerda el "cumpleaños" de Jesús de Nazaret, quien habría nacido en la medianoche del 24 al 25 de Diciembre del año 1. Sin embargo, no hay ningún testimonio, ni en los Evangelios ni en ninguna otra parte, que nos permita asegurar una fecha exacta para el nacimiento de Jesús.Los primeros cristianos consideraban que adorar la fecha de nacimiento de Cristo era algo poco espiritual, ya que se suponía que los Emperadores romanos, y paganos en general, hacían tales cosas. Sin embargo, cuando el cristianismo se convirtió en religión tolerada por el Imperio Romano, y de común acuerdo el Emperador Constantino y el Papa Silvestre tomaron medidas para disciplinar a los cristianos, una de ellas fue ordenar que se celebrara el nacimiento de Cristo (esto es, la Navidad) el 25 de Diciembre.¿Por qué se eligió tal fecha? Simplemente para "hacer la competencia" a otras dos fiestas paganas que se celebraban en dicho tiempo. Los romanos celebraban las saturnales, fiestas en honor al dios Saturno, y los mitraístas (adeptos del culto persa de Mitra, muy parecido a la religión cristiana) celebraban el nacimiento de Mitra. ¿Y por qué se celebraban ambas en ese tiempo? Simplemente por supervivencia de antiquísimas constumbres campesinas, que solían hacer fiestas en momentos astronómicos particulares.Así, finales de Diciembre coincide con el solsticio de invierno en el Hemisferio Norte, esto es, con el "fin de año" y el comienzo de un nuevo ciclo de las estaciones, lo que era simbolizado por el nacimiento del dios salvador respectivo.He ahí entonces la razón por la que la Navidad se celebra el 25 de Diciembre, y no en otra fecha.Fuente: sigloscuriosos.blogspot.comImágenes: Fra Filippo Lippi
This is the classic Shubert version of Ave Maria performed on soprano saxophone by CooolJazzz.
Si, a media noche, por la carreteraque te conté,detrás de una gasolineradonde llené,te hacen un guiño unas bombillasazules, rojas y amarillas,pórtate bieny frena.Y, si la Magdalenapide un trago,tú la invitas a cienque yo los pago.Acércate a su puerta y llamasi te mueres de sed,si ya no juegas a las damasni con tu mujer.Sólo te pido que me escribas,contándome si sigue vivala virgen del pecado,la novia de la flor de la saliva,el sexo con amor de los casados.Dueña de un corazón,tan cinco estrellas,que, hasta el hijo de un Dios,una vez que la vio,se fue con ella.Y nunca le cobróla Magdalena.Si estás más solo que la luna,déjate convencer,brindando a mi salud, con unaque yo me sé.Y, cuando suban las bebidas,el doble de lo que te pidadale por sus favores,que, en casa de María de Magdala,las malas compañías son las mejores.Si llevas grasa en la guanterau un alma que perder,aparca, junto a sus caderasde leche y miel.Entre dos curvas redentorasla más prohibida de las frutaste espera hasta la aurora,la más señora de todas las putas,la más puta de todas las señoras.Con ese corazón,tan cinco estrellas,que, hasta el hijo de un Dios,una vez que la vio,se fue con ella,Y nunca le cobróla Magdalena.
LAS MENINAS. DIEGO DA SILVA VELÁZQUEZSobre esta obra se han dicho los calificativos más elogiosos , Luca Giordano, pintor de Carlos II, la llamó “la teología de la pintura” por reunir de un solo golpe todas las virtudes posibles en el arte pictórico. Carl Justi dijo “no hay cuadro alguno que nos haga olvidar éste”. O Teophìle Gautier, que cuando se lo enseñaron, se quedó tan maravillado por la naturalidad y realismo de lo representado que exclamó : pero... ¿dónde está el cuadro?. Sencillamente, es una de las cumbres de la pintura universal, muy imitada posteriormente y admirada por todos. Velázquez la pintó en 1.656.Lo que puedes ver...El tema del cuadro parece trivial, la infanta y sus damitas de compañía (meninas en portugués) irrumpen en el estudio de Velázquez, pintor de cámara del rey Felipe IV, que se encuentra pensativo y observa los modelos que se dispone a pintar. Nosotros podemos ser esos modelos ya que somos contemplados por Velázquez. Sin embargo, los reyes Felipe IV y Mariana de Austria, a quienes vemos reflejados en el espejo del fondo, son las personas que el pintor retrata. Pero vayamos por partes, en primer término y de izquierda a derecha tenemos a María Agustina Sarmiento que está haciendo una reverencia y ofreciendo en una bandeja plateada un jarrito o búcaro rojo a la infanta Margarita de Austria que se encuentra en el centro de la composición y resulta ser una deliciosa y encantadora niña de seis añitos de edad. Margarita acepta con su mano el jarrito y nos observa con su candorosa mirada infantil. Un poco más a la derecha vemos a otra menina, Isabel de Velasco, que también muestra sus respetos mediante una suave reverencia. La siguiente es Maribárbola, enana macrocéfala de origen alemán, que también nos mira y, finalizando este plano, Nicolasillo Pertusato, que parece un niño pero también era un enano, bastante travieso por cierto, pues ya ves que le está dando una patada a un gran mastín tumbado en el suelo. Un poco más atrás, a la izquierda, está el pintor Velázquez sujetando un pincel en la mano derecha y la paleta con los demás pinceles en la izquierda. Se está inspirando para pintar a los reyes y se ha representado a sí mismo muy elegante y como de cuarenta años cuando ya rondaba los cincuenta y siete. Delante de él está la parte posterior del lienzo sobre un caballete. Ahora pasas a la zona derecha y, en un segundo plano, ves dos personajes: la dama Marcela Ulloa, “guarda menor de damas” y un caballero sin identificar que sería un sirviente de la corte y que tiene las manos juntas mientras escucha la conversación de la dama. Para marcar la distancia y el espacio, Velázquez los sitúa a ambos en penumbra y más abocetados que las meninas. Al fondo, una puerta de madera con cuarterones se abre a una estancia posterior muy iluminada y José Nieto, aposentador de la corte, está en las escaleras, no sabemos si viene o se va. Lleva un sombrero en la mano y viste una elegante capa negra. La luz es de tal intensidad que hace brillar la escalera, la puerta y la persona de José Nieto. Colgado en la pared ves un espejo que refleja la luz y donde el rey y la reina aparecen con un cortinaje rojo. No sabemos si están quietos posando para Velázquez o si entran en ese momento en la habitación. La estancia es amplia y de techo alto, sería el estudio del pintor y por eso hay grandes cuadros por las paredes (identificados en la actualidad). Existen ventanas en la pared derecha y están alternativamente abiertas y cerradas lo que nos acentúa la sensación de profundidad y de atmósfera real. El gran tamaño de las figuras, casi natural, subraya aún más su presencia en un espacio muy creíble.La tecnica....Técnicamente el cuadro es insuperable. El conjunto de perspectivas utilizadas es único y produce un efecto “atmosférico” en el ambiente representado, como si el pintor hubiese pintado el aire entre las figuras. Vamos a analizarlo: la primera perspectiva que observas es la lineal, diversas líneas imaginarias o no (línea del techo-pared; cuadros colgados, el suelo) guían nuestra vista hacia el fondo y nos hacen creer en una fuerte tridimensionalidad. Este asombroso efecto se refuerza con un suelo neutro, de moqueta, que avanza hacia nuestra posición y, sobre todo, con unos espacios alternativamente iluminados y en penumbra que subrayan el efecto de alejamiento. La otra perspectiva es la aérea, la difuminación progresiva de los contornos y la degradación de las gamas tonales con el aumento de la distancia y el alejamiento. Como remate, Velázquez pone un agujero iluminado en el centro (la puerta abierta) que da a una estancia donde no vemos el fin, es decir, el cuadro tiene una perspectiva ilimitada. Esta combinación de perspectiva aérea y lineal es lo que ha fascinado a todos, expertos o no, desde el siglo XVII. La gama cromática empleada por Velázquez en esta obra es limitada y contenida, predominan los grises y los ocres, no obstante, aplica colores fuertes como el rojo fuego en pequeños detalles de la vestimenta de las niñas como lacitos, pasadores de pelo y adornos florales. De este modo rompe la monotonía de colores y atrae nuestra atención. La calidad de representación de las sedas brillantes con grises y blancos muy luminosos resultan de una belleza deslumbrante.Lo que no se ve...Por otra parte, el espejo es la burla espacial por antonomasia, nos engaña y confunde, crea espacios ilusorios y, si te colocas de espaldas y miras el cuadro con un espejito, te llevarás una sorpresa por el efecto fuertemente realista que produce. Cuando contemplas el cuadro directamente, tu vista es dirigida hacia el fondo y el espejo te devuelve la imagen. Así se crea una interrelación tan estrecha entre lo pintado y lo real que resulta difícil distinguirlos. La aparente trivialidad del tema es también engañosa ya que Velázquez estuvo toda su vida reivindicando la superioridad de la pintura por encima de las actividades puramente artesanales entre las que estaba incluída; él consideraba la pintura como una actividad intelectual superior, cuyo momento importante no era el acto de pintar sino la idea, el concepto y el pensamiento previos al hecho mecánico de aplicar el óleo sobre el lienzo. En resúmen, la superioridad del artista sobre el artesano. Otro mensaje es el futuro prometedor de la monarquía española, con la sucesión asegurada. La última lectura de la obra sería la relación de profunda amistad del pintor con el rey y la infanta , todos ellos aparecen representados en el mismo cuadro.Por descubrir....Existen detalles que te proponemos observar para que comprendas la excepcionalidad de este cuadro único. Fíjate en el perro, tan real que sólo le falta ladrar, o en la carita delicadísima de la infanta, o en el cabello de Nicolasillo, brillante y recién lavado, o en la prestancia y apostura de Velázquez con su cuidado bigote, su peinada melena y su esbeltez anatómica. O bien en los cuadros de la estancia, identificados como Minerva y Aracne (Rubens) y Apolo y Pan (Jordaens) y que vuelven a incidir en el tema de la superioridad de lo intelectual sobre lo manual. Hay que señalar que la obsesión del pintor por demostrar la superioridad de la pintura sobre otras artes perseguía, entre otras cosas, la exención de impuestos. Interesante es también el espejo iluminado (de bronce muy bruñido) y las ventanas laterales, una abierta en primer término, las tres siguientes cerradas y la última abierta.La leyenda...Un cuadro así no podía pasar desapercibido para la imaginación popular y el hecho que dio pie para inventar una bonita leyenda lo provocó la cruz de Santiago que lleva pintada Velázquez sobre su vestimenta. Sabemos que fue nombrado caballero de la Orden de Santiago a título póstumo en 1.660. eso significa que alguien se la pintó después de muerto en Las Meninas. Sería, según la tradición el propio rey Felipe IV, que, agradecido por los numerosos servicios de Velázquez como aposentador real y, sobre todo, como pintor, realizaría la cruz con su regia mano.Video: 7:00 minutos.
Invasión a Irak: $3.000.000.000.000... que te tiren un zapato no tiene precio!! Publicado por
Esta mañana leí un articulo en el periódico local que me pareció muy interesante; he vivido en Guadalajara y conozco poco sobre esta secta, al final la fuente y los datos de la autora del texto.imagen http://www.cic.org.ar/galeria/101206_154428.jpgNadie se imaginaba que una de las ciudades más católicas del mundo iba a ser la sede internacional de una Iglesia que nada tendría que ver con el catolicismo. 1926, plena época cristera, el 12 de diciembre, mientras tradicionalmente se festejaba con cohetes y castillos a la Virgen de Guadalupe, un hombre que venía de muy lejos detuvo su viaje en Guadalajara. Nadie lo notó, caminaba con su esposa desde hacía ocho meses, rumbo a un lugar que Dios les señalaría. Ahí debían detenerse, porque ahí “tenía un gran pueblo que le reconocería como a un autentico apóstol de Jesucristo”. Ni la familia tapatía de Aarón ni la de su esposa asentada en esta región le hicieron caso; por el contrario, se burlaron y le menospreciaron. De él tenían el recuerdo de un militar prestigioso y un maestro distinguido, pero a quien observaban ahora sólo era un predicador, un hombre que había desvariado quizá por “obedecer al llamamiento de Dios”. Nadie imaginó que aquel ex militar al que lanzaban tomates en el mercado de San Juan de Dios sería reconocido en todo el mundo como el primer apóstol de la Restauración de la Primitiva Iglesia Cristiana. No fue fácil iniciar, sobre todo en una tierra tan conservadora, pero hubo quien le creyera, “gente humilde que también estaba predestinada para recibirle”. Fue con unos pocos creyentes como comenzó a vislumbrarse lo que más tarde los tapatíos llamarían con un tono casi despectivo, los Hermanos de la Hermosa Provincia, nombre de la colonia que trazaron y construyeron para vivir bajo los principios cristianos que les predicaba aquel hombre llamado por Dios: Aarón. Llegué a esta colonia por el comentario de investigadores como Paulo Paranaguá en artículos publicados en Le Monde, y por amigos cineastas como Víctor Gaviria, quien llegó a conocer el templo casi a la una de la mañana. Rara vez llega alguien por la recomendación de un tapatío. El historiador Luis Fernando Vásquez Zora, director del Fondo Editorial Berea, me ayudó a reconstruir la historia que cito aquí entre comillas. Los aaronistas predicaron por varios estados de México, El Salvador y Estados Unidos. Después de muchos años, casi 38, de intensa predicación, el apóstol Aarón enfermó gravemente y falleció el 9 de junio de 1964. La incertidumbre y la tristeza se apoderaron de esta congregación, que recuerda los festejos de sus vecinos y familiares católicos por el deceso del maestro Aarón. No duró mucho el llanto, pues al unísono, membresía, pastores y diáconos “sintieron una manifestación prodigiosa” sin comentarlo entre sí, ni por votación, simpatía o cualidades, ni siquiera aun por algún tipo de don o carisma, el menos indicado, al que nadie imaginaba como otro “auténtico apóstol de Jesucristo. Aquel mismo 9 de junio reconocieron unánimemente como enviado de Dios a quien es hoy el actual maestro y director de la iglesia La Luz del Mundo, Samuel Joaquín Flores”. En esta nueva administración, Samuel Joaquín, quien en 1964 sólo contaba con 27 años y no era siquiera diácono o pastor, “vio transformarse con poder su vida y la de todos los que le escuchaban”. Él mismo inició la predicación en América del Sur y Europa. Hoy más de 44 naciones en cinco continentes erigen templos de La Luz del Mundo. Más de cinco millones de personas reconocen la elección del apóstol Samuel Joaquín, con quien desean participar anualmente en la Santa Convocación o Santa Cena, que se celebra en el mes de agosto en esta bella, compleja y contradictoria ciudad de Guadalajara. Los que vienen de Rusia, Etiopía, Argentina, Finlandia y Australia se admiran de la majestuosa construcción del templo sede. A veces no les importa ver siquiera un ladrillo construido, pues sólo vienen con el anhelo de ver al que reconocen como su padre en la fe. Yo, que vengo haciendo reportajes desde Colombia, me detengo en esta ciudad y no dejo de preguntarme: ¿por qué Guadalajara? Brasilia, por ejemplo, como ciudad responde al misticismo de las religiones que alberga, lo mismo pasa con Jerusalén, el Tíbet o la Meca. Guadalajara se mantiene ajena a las realidades que la atraviesan: pudiendo ser cosmopolita se aferra a su conservadurismo católico y sólo muestra una cara a sus habitantes, por suerte la condición de extranjeros nos permite el deleite de una ciudad multiforme a la que con placer descubrimos día a día. Todo es sorpresa en esta ciudad que disfrutamos tanto los de afuera. La autora es periodista colombiana. Cursa la maestría en historia social y de la cultura en la Universidad Nacional de Colombia.fuente : http://www.milenio.com/node/130721Autora: Ana Victoria Ochoa B.Mas información: www.sectas.org
El martes pasado tuvé mi clase "los secretos de las obras de arte" en donde revisamos la obra de Artemisia Gentileschi y el miercoles busqué información acerca de la artista y su obra, entre las que destaca David y Betsabé en la búsqueda de información llegué a un blog llamado sigloscuriosos.blogspot.com que escribe "el general Gato"General Gato nos revela los secretos de esta obra y nos comparte el texto inspirador de la artista, la forma y el estilo en que lo aborda me pareció excelente, por la lectura de su texto consulte la Biblia y considero interesante compartir la totalidad de su articulo:Dice El General Gato acerca de la obra David y Betsabé de Artemisia Gentileschi:Para ser un libro supuestamente edificante y moralizador, la Biblia tiene una enorme cantidad de pasajes bastante picantes y escabrosos. Uno que deja particularmente mal a los personajes bíblicos, atañe nada menos que al rey David.Un buen día, David descubre a una linda mujer bañándose. Entrándole el bichillo de la lujuria, pregunta acerca de quién es, y le informan que es Betsabé, esposa de su general Urías, el heteo (esto es, el hitita). Como Urías está en guerra, David se aprovecha y se revuelca con Betsabé. Y luego, como no se le quita la calentura, manda órdenes al campo de batalla para que Urías sea puesto en lo más denso de la refriega, y así muera. Cosa que finalmente sucede, cuando el enemigo carga.Va entonces el profeta Natán ante David y le dice: "En una ciudad había dos hombres; uno era rico, y el otro, pobre. El rico tenía muchas ovejas y bueyes; el pobre tenía sólo una ovejita que había comprado. La había criado personalmente y la ovejita había crecido junto a él y a sus hijos. Comía de su pan, bebía de su misma copa y dormía en su falda. El la amaba como a una hija. Un día, el hombre rico recibió una visita, y no queriendo matar a ninguno de sus animales para atender al recién llegado, robó la oveja del pobre y se la preparó". Al escuchar esto, David se enojó y grita que semejante hombre merece la muerte. A lo que Natán se limita a responder: "Tú eres ese hombre".Y como el Dios de la Biblia tiene un sentido un tanto retorcido de la justicia, se la hace pagar a David de manera oblicua, haciendo que el primer hijo de David y Betsabé muera (¿y qué culpa tenía el pobre neonato?). Pero como realeza es realeza a fin de cuentas, David y Betsabé tienen otro hijo, que después será el famoso rey Salomón.Para quienes tengan interés en leer la historia desde la fuente original, ésta aparece en el Segundo Libro de Samuel, capítulos 11 y 12.fuente :http://sigloscuriosos.blogspot.com/2008/01/david-y-betsab.html
En 1516 Tiziano recibe uno de sus más importantes encargos: la Asunción para Santa María Gloriosa dei Frari, impactante retablo de casi siete metros de altura. Este mismo año iniciará una estrecha relación con Alfonso I, duque de Ferrara, y uno de sus primeros clientes importantes. Fruto de este contacto surgirán las obras para la Cámara de Alabastro del castillo de Ferrara. ...
Artemisia Gentileschi, primera mujer pintora en la historia. 6-10
Muchos datos interesantes de la obra de esta artista, me llamó la atención entre otros ser considerada en la actualidad la primera mujer pintora en la historia. la fuerza que plasmó en sus obras y el dramatismo en los rostros de las mujeres.He buscado información acerca de ella y esto es lo que encontré:Artemisia Gentileschi. (c.1593 -c.1651).Artemisia Gentileschi es considerada en la actualidad como la primera mujer pintora en la historia. Fue una extraordinaria pintora muy apreciada en su época a pesar de lo cual, pocos años después de su muerte cayó inexplicablemente en el olvido, por lo cual, además de que no se le recuerda, su obra está desperdigada, mal guardada, ignorada y consecuentemente gran parte de ella destruida. Unicamente quedan 34 obras que se puede asegurar con certeza que pertenecen a ella.Quizá una causa de este olvido fue la pérdida de interés por la pintura naturalista que ella representaba, mientras que en la época que siguió, gustaban las representaciones más idealizadas.Es hija del pintor Orazio Gentileschi (c. 1562-1639), quien reconoce su coraje y talento y con quien se forma, en contacto con Caravaggio. Esta es la razón por la que se da un maduro tenebrismo en las obras de ambos, padre e hija.Artemisa desarrolla sus cualidades artísticas frente a los esquematismos machistas (sociales y religiosos) de la época que intentan limitar su arte.Su cuadro Judith decapitando a Holofernes, lo realizó cuando ella tenía 18 años . Artemisia no accede al conocimiento completo de la anatomía masculina más que a través del amor y de su tránsito hacia el acto sexual. Ella pierde su virginidad con el pintor Agostino Tassi (pintor de quadratturas)su maestro en el aprendizaje de la perspectiva. Su encuentro con él representa para la joven pintora una doble revelación: la de su sensibilidad artística y las pulsaciones de la creación. En ocasiones se comenta que Tassi se aprovechó sexualmente de Artemisa, hecho que la marcó fuertemente y es el motivo por el que en sus pinturas se hacen patentes las heroínas femeninas. Las mujeres que representa son de gran fuerza de espíritu, tanto si se enfrentan a la fuerza masculina, como si se presentan solitarias. Por eso, en otras ocasiones se comenta que se casó con Tassi pero el matrimonio duró poco tiempo, hecho que hizo que Artemisia viviese sola y tuviese la suficiente independencia como para viajar y realizar su obra.Artemisia Gentileschi fue una de las pocas pintoras del periodo renacentista que pudo trabajar y vivir como artista.Su obra se clasifica entre los caravaggistas: figuras monumentales, claroscuro y sentido dramático de la escena. Sus mejores cuadros corresponden a este estilo. También es visible en su obra la influencia de Miguel Angel. De su estancia en Venecia, los colores, el oro, también incorpora la atmósfera. Representó en numerosas obras la figura femenina con toda su verdad, ejecutaba representaciones históricas que tienen como protagonista a Judith, Lucrecia, Cleopatra etc. lejanas a los bellos estereotipos , sino presentando en su desnudez mujeres maduras, rotundas, con un gran realismo, mucho más logrado que el del resto de los pintores de su tiempo, que apenas representaban desnudos de mujer.Misia, como la llamaba su padre, muere en Nápoles en 1653, a pesar de su reputación, destreza e importancia, poco se ha escrito sobre ella. Allí su estilo cambió hacia el clasicismo, como puede apreciarse en la obra David y Betsabé .Con 34 pinturas de su autoría y otras que se cree fueron pintadas por ella, Artemisia Gentileschi, fue la primera mujer en pintar motivos o escenas religiosas, la primera mujer en ser admitida en la Academia de Arte de Florencia (1616), la primera mujer en ganarse la vida a través de la pintura, la primera y única mujer en adoptar el Caravagismo y, lo más importante, una de las grandes artistas del Barroco Italiano.“Mis obras hablarán por mi” Artemisia Gentileschifuente: www.telepolis.comPaseo por sus obras en video menos de 3 minutos:Otro mas 2:50 minutos.
El 10 de diciembre de 1948, la Asamblea General de las Naciones Unidas alumbró un texto destinado a convertirse en un ideal común por el que todos los pueblos y naciones deben esforzarse. Llegó bajo los peores auspicios, con un mundo desangrado por la II Guerra Mundial y muchas zonas sometidas al yugo de la colonización. Una mujer, Eleanor Roosevelt, estuvo al frente de la Comisión de Derechos Humanos encargada de proclamar los 30 artículos de la Declaración Universal. Han pasado 60 años y cada día observamos que sus postulados frecuentan más el limbo de la teoría que la crudeza de la práctica.. La Asamblea General proclama la presente Declaración Universal de Derechos Humanos como ideal común por el que todos los pueblos y naciones deben esforzarse, a fin de que tanto los individuos como las instituciones, inspirándose constantemente en ella, promuevan, mediante la enseñanza y la educación, el respeto a estos derechos y libertades, y aseguren, por medidas progresivas de carácter nacional e internacional, su reconocimiento y aplicación universales y efectivos, tanto entre los pueblos de los Estados Miembros como entre los de los territorios colocados bajo su jurisdicción. Artículo 1 Todos los seres humanos nacen libres e iguales en dignidad y derechos y, dotados como están de razón y conciencia, deben comportarse fraternalmente los unos con los otros. Artículo 2 1. Toda persona tiene todos los derechos y libertades proclamados en esta Declaración, sin distinción alguna de raza, color, sexo, idioma, religión, opinión política o de cualquier otra índole, origen nacional o social, posición económica, nacimiento o cualquier otra condición. 2. Además, no se hará distinción alguna fundada en la condición política, jurídica o internacional del país o territorio de cuya jurisdicción dependa una persona, tanto si se trata de un país independiente, como de un territorio bajo administración fiduciaria, no autónomo o sometido a cualquier otra limitación de soberanía. Artículo 3 Todo individuo tiene derecho a la vida, a la libertad y a la seguridad de su persona. Artículo 4 Nadie estará sometido a esclavitud ni a servidumbre, la esclavitud y la trata de esclavos están prohibidas en todas sus formas. Artículo 5 Nadie será sometido a torturas ni a penas o tratos crueles, inhumanos o degradantes.Declaracion completawww.un.org
Los sueños de Fellini tambien estuvieron en la FIL
El llamado Libro dei sogni está constituido de dos libros maestros de diverso formato, en los cuales Fellini, a petición del analista junghiano Ernst Bernhard, anotó e ilustró en el margen de treinta años (1960–1990) sus fantasías nocturnas.Antes de aventurarse en el fantástico universo con los instrumentos sugeridos por Bernhard, Fellini estaba consciente de la importancia de los sueños, tanto que preguntaba a los amigos qué habían soñado y los incitaba a no perder aquéllo que él definía como “trabajo nocturno”, tan importante como aquéllo que se piensa y se hace ya despierto.Sabido que la memoria del sueño rige pocos minutos, el director tenía sobre su buró una pequeña libreta en donde anotaba sus visiones y emociones apenas se despertaba.La exhibición Fellini Oniricon. Il libro dei miei sogni, bajo la curaduría de Tullio Kezich y Vittorio Boarini, recoge además de cien diseños del Libro dei sogni de Federico Fellini, uno de los testimonios inéditos más importantes del director de Rímini.En su libro, el director registró y comentó sus sueños y pesadillas nocturnas, las plasmó en dibujos o (como lo definía) en “señas, rápidos apuntes e imprecisiones”.En realidad, en las cuatrocientas páginas se entrelazan temas y sugerencias de sus películas, personas que encontró alguna vez, personajes y sucesos de Italia de 1900.La exposición está articulada en diversas secciones, a través las cuales es posible recorrer la extraordinaria carrera artística y humana del maestro: la primera es la de los sueños de angustia (donde los sueños personales de Fellini se convierten para el público en pesadillas recurrentes), de los personajes famosos, de su preferencia por mujeres y sus curvas generosas, de los “alter ego y rivales” (a partir del grande Marcello Mastroianni), de los sueños que tienen que ver directamente con sus producciones, de sus recuerdos de Rímini y la familia.Fellini Oniricon. Il libro dei miei sogni es una exposición coproducida por la Fondazione Cinema per Roma e Fondazione Federico Fellini, en colaboración con la región de Emilia Romagna, la Provincia de Roma, la Provincia de Rímini, el Comune di Rimini, la Banca di Roma, Mediaset, Ansa, Cineteca di Bologna, Reporters Associati, y se realiza gracias al apoyo de ACEA.La exhibición fue presentada por vez primera en la segunda edición del Cinema – Festa Internazionale di Roma.
La compañía italiana se presentó por segunda ocasión en la ciudad como parte de la Feria Internacional del Libro de Guadalajara.Guadalajara.- Al más grande cineasta”. Esas fueron las palabras de Mónica Casadei, directora de Artemis Danza al referirse al montaje que anoche presentó la compañía que dirige, Omaggio a Fellini (Homenaje a Fellini), inspirado en el universo del mítico cineasta italiano. La segunda presentación de la compañía en la ciudad (montaron Latinoamerica Trilogía en el Diana), estuvo divido en tres actos, y se presentó como parte de la Feria Internacional del Libro de Guadalajara, ante casi dos mil personas, quienes fueron abandonando lentamente el Foro Expo conforme avanzó la puesta en escena que duró poco más de dos horas. Tres parejas abrieron el primer acto, elegantes, las bailarinas giraban envueltas en sus vestidos de líquidas telas. Florecieron girasoles y rodaron cabezas sobre lánguidos brazos. En la primera parte el espíritu de Fellini se recordó en cuadros escénicos inspirados en filmes como Luces de variedades, La Dolce Vita, La Strada y Casanova. En la segunda parte, la danza se conjugó con imágenes animadas de dibujos del cineasta italiano, Il lungo viaggio, idea original del escritor Tonino Guerra y animada por el ruso Andreij Khrzhanovskij. Las alas de una parvada de gaviotas fueron olas que sostuvieron un barco donde se reunieron los personajes del universo de Fellini, con Giulietta Massina, y las frondosas mujeres de senos expuestos. “Cuantas veces hemos pensado en escapar a una isla para estar alejados de nuestras preocupaciones”, tradujo una de las bailarinas mientras se proyectaba la vida de un isla surreal. Siguieron otras coreografías inspiradas en Amarcord, Otto e mezzo, y Alma sin conciencia. El final llegó con baladas acompañadas por solos de los bailarines, quienes se despidieron con una sonrisa mientras Mónica Casei invitaba al público que aplaudía de pie, a visitar Italia. “Maravilloso, lo mejor que han presentado aquí. Estuvo muy bien”, opinó la señora Irma Levy. Jazmín, arquitecta de 25 años agregó: “Me gustó mucho la coreografía, y la música. Me parecieron coherentes las imágenes con los movimientos”. Karla Bañuelos Sáenz /milenio
Me llego por mail un excelente corto y de esa manera me enteré de una organización que celebra un festival en varios paísesEllos se presentan de esta manera y vale la pena seguir por you tube lo que están haciendo¡Bienvenido al canal de Future Shorts Español en YouTube!Cada mes te acercamos los mejores cortometrajes y vídeo-clips del Festival Future Shorts que se celebra alrededor de todo el mundo.Por favor, cuelga comentarios o vídeos sobre nuestro canal.Future Shorts es la más grande y dinámica plataforma de cortos con festivales en más de 25 países. Apasionados por crear una cultura del cortometraje y creando eventos que combinan música, arte y teatro. Future Shorts quiere construir un diálogo entre cineastas y el público por lo que esperamos que comentes sobre los cortos del canal.---------------------------¿Te gusta lo que ves?----------------------------Proyecciones de Future ShortsCada mes programamos sesiones de cortometrajes en cines y locales en España y Colombia por el momento, en Madrid, Barcelona, Asturias, Granada, Cuenca, Canarias y Bogotá. También participamos en muchos otros festivales multimedia y musicales. Encontrarás más información sobre nosotros y dónde puedes ir a nuestros eventos en nuestras páginas web: http://www.futureshorts.es y http://www.futureshorts.com/co lombia Publicado por
Recuerdo claramente el día que dieron la noticia de su asesinato, fue hace 28 años; para mi la música de los Beatles especialmente las composiciones de Lennon siempre han estado muy cerca de mi.Miles de sitios en la red tiene información acerca de el; en el buscador mas famoso de la web, Google cuando se hace una búsqueda da los siguientes números:Resultados 1 - 10 de aproximadamente 12,200,000 de john lennon. (0.23 segundos) en you tube hay tan solo:“john lennon” resultados del video 1 - 20 alrededor de 43200y en la wikipeddia en español tiene buena información aquí el linkes.wikipedia.org/wiki/John_Lennon
hoy estoy escribiendo esta entrada desde mi penúltima laptop (Toshiba A45-S150) con la que llevo batallando desde junio, y, navegando por la red encontré una pagina que me ha parecido muy interesante ya que en la presentación, el autor habla de las maquinas y artilugios electrónicos que ha tenido.Se me ocurrió narrar un poco las maquinas que han pasado por mis manos y por ahí va esta entrada.Mi primera computadora fue una "mac mini" "Clasic II" creo que se llamaba, de pantalla pequeña no tengo idea que capacidad tenia ya que no la compre directamente, a mi, llego como pago de una deuda de un buen amigo, no sabia usarla, había tomado clases de computación por el 95 y el sistema operativo que aprendí a usar fue el windows 3.1 pero de cualquier manera tome la maquina y por un tiempo aproximado de tres anos me sirvió muchísimo, recuerdo que en la empresa en que trabajaba era el único vendedor que tenia computadora en casa, no tenia acceso a Internet y toda la paqueteria que traía la maquina era original de "Macintosh" la hoja de calculo y el procesador de texto era "Claris" funcionaba de maravilla, me ayudo mucho con los reportes de mi trabajo así como presentaciones de resultados, la pantalla era en blanco y negro, funcionaba muy bien hasta que un día se descompuso, en la pantalla solo aparecía una dibujo de la maquina triste, la lleve a reparar y el diagnostico fue negativo, no hubo manera de repararla, toda la información que ahí tenia se perdió, nunca volví a recoger sus restos, ahora me arrepiento, me gustaba mucho la maquina, especialmente su diseño, se que se consideran de colección y con los anos las he visto que son convertidas en acuarios.Mi segunda maquina fue una computadora de las llamadas "armada" aquellas que estaban de moda y al menos en México proliferaron mucho ya que había muchas personas que tenían conocimientos de computo y salían por mitad de precio; a mi, llego de segunda mano, me la vendieron en paquete con scanner incluido, tenia un sistema operativo windows 95 y funcionaba bastante mal pero todavía en ese tiempo no tenia una dependencia a las computadoras como hoy en día.La padecí un tiempo, fue actualizada muchas veces y todavía hasta hace seis meses ha estado en uso en mi oficina para cuestiones muy elementales, solo hojas de calculo, si embargo cada dos meses había que llamar al técnico para que algo le hiciera, a principios de 2003 compre una nueva maquina la primera portátil fue en un viaje a USA.Toshiba A45-s150 con procesador Pentium 4 originalmente con memoria ram de 512 y 60 gb en DD hace hace un par de anos aumente la capacidad y en términos generales había estado funcionando correctamente, gracias a esta maquina desarrolle mi adicción a los blogs y la navegación en Internet, hasta el pasado mes de junio en que dio problemas con la tarjeta madre y al llevarla a reparar el diagnostico no fue bueno, había que cambiar la tarjeta famosa y como era una maquina que en México no salio a la venta era difícil su reparación, tardaron dos meses en conseguir las partes que habían de reponer, es desde esta maquina en la que estoy narrando esta entrada, la maquina originalmente viene con el sistema operativo Windows xp y funciona bastante bien.Mi mas reciente compra fue una Acer lap top no recuerdo en este momento cual modelo exactamente es, pero al inicio batalle un poco, viene con el nuevo Windows Vista y frecuente mente da problemas, abre ventanas y avisos raros en términos generales funciona bastante bien, la calidad de sus materiales con los que esta construida deja mucho que desear son de menor calidad que Toshiba, sin embargo su funcionamiento es bueno, tiene cámara incluida y micrófono realmente, no hay que agregar ningún periférico.Tiene buena memoria, 200 gb y en memoria ram 2 gb los demás datos técnicos no los conozco, funciona bastante bien y al menos en los primeros casi seis meses de vida no ha dado problemas, la única desventaja grande que veo a diferencia de la Toshiba es que no tengo los discos de respaldo para el sistema operativo, con la otra maquina fue muy útil ya que en varias ocasiones ha sido necesario volver a instalar el Windows xp.Este es mas o menos mi camino en cuanto ha computadoras se refiere, son ya trece anos los que llevo conviviendo de forma continua con estas maquinas y ya no recuerdo en que pasaba mi tiempo libre en aquellos anos en que no existían para mi, hoy en día paso muchas horas diarias frente a el monitor y prácticamente en el 2008 pocos han sido los días en que no enciendo mi computadora.Han llegado dos Mac que nunca he usado pero que conservo por su belleza y que quizá con el tiempo tengan valor como objetos de colección, especialmente por que las tengo con sus manuales originales.Para finalizar un vídeo corto de 3 minutos con la historia de las computadoras.
La Premiata Forneria Marconi y el recuerdo La banda de progresivo más famosa de Italia, complació a más de tres mil seguidores. Fue el directo más energético de lo que va de la jornada de la FIL. Foto: Luz Vázquez Presentada como una de las bandas más importantes de rock progresivo del mundo, la Premiata Forneria Marconi (PFM) se presentó anoche en el Foro Expo ante más de tres mil seguidores, no sólo de Guadalajara, sino de ciudades como Zacatecas, Culiacán, y Mexicali, quienes viajaron para vivir la música de esta legendaria banda, cuya historia se remonta hasta el decenio de los setenta. “!Hola México, estamos muy felices de estar aquí. El escenario es una nave en la que partiremos al universo del rock progresivo”, saludó Franz di Cioccio, vocalista y baterista de la banda integrada por Franco Mussida en la guitarra y Patrick Djivas en el bajo, uno de los más celebrado durante sus improvisaciones. Fue la velada más energética y aplaudida de la serie de conciertos que se han presentado en la Feria Internacional del Libro de Guadalajara, que este año tiene a la patria de la PFM como país invitado. Fueron dos horas de rock progresivo con guiños de improvisación y de música popular, ecos que fueron acompañados por aplausos, silbidos y el baile del público, diverso: artista, pintores, adultos recordando la adolescencia, jóvenes y familias enteras. Se despidieron con “Cyber Alpha 3.1”, para regresar a los pocos minutos y complacer a sus eufóricos seguidores. “No tengo palabras. Excelente, hermoso, el virtuosismo de estos músicos es excelente”, opinó con voz ronca Genaro, programador de Guadalajara, luego de la primera despedida, “esperamos que regresen”. Karla Bañuelos Sáenz-mileniositio oficial:www.pfmpfm.it La Premiata Forneria Marconi – PMF, es el grupo de rock italiano más famoso del mundo y la única banda nacional clasificada en el Billboard en Estados Unidos.PFM nace del grupo llamado I Quelli, agrupación de los años sesenta. A finales de 1970, Franz Di Cioccio, Franco Mussida, Flavio Premoli y Giorgio Piazza (sustituido después por Patrick Djivas), a quienes se une el polinstrumentista Mauro Pagani, dan vida a la Premiata Forneria Marconi, cuyo nombre se abrevió y dio como resultado PFM.En aquella época, los componentes del grupo ya se habían dado a conocer en el ambiente discográfico italiano por la calidad, la preparación y la técnica instrumental (se encontraban entre los más requeridos para realizar colaboraciones y habían coincidido con estrellas como Mina, Lucio Battisti y Fabrizio De Andre, entre otros).Precisamente fueron sus dotes técnicas las que les permitieron convertirse en algo más que session man de lujo, con la posibilidad de tocar el progressive rock, género musical emergente en aquellos años. PFM ha tocado con bandas del calibre de Yes, Deep Purple, Alvin Lee’s Ten Years After, Poco, Santana, Beach Boys, Allman Bros, ZZ Top y muchos otros. En 37 años de fulgurante carrera, PFM ha grabado quince álbumes en estudio, nueve en vivo y trece compilaciones que fueron publicadas en toda Europa, Japón y Estados Unidos, con gran acogida entre público y crítica.La banda evolucionó estilísticamente con el paso del tiempo gracias a las notables dotes instrumentales de sus componentes y es, hoy en día, el único grupo italiano que ha conseguido tener un éxito duradero en el mercado exterior.PFM se ha presentado en todo el mundo: Europa, Estados Unidos, Canadá, México, Japón, Corea, Panamá, Venezuela y Brasil, con el éxito de siempre.En la actualidad, la PFM está compuesta por Franz Di Cioccio, Patrick Djivas y Franco Mussida, a los que se unen Lucio Fabbri, Gianluca Tagliavini y Pietro Monterisi. Publicado por
fil2008,
Luego de estudiar los cambios de expresión de la Mona Lisa - basados en que la visión central tiene una más alta resolución que la visión periférica -, una neurobióloga de la Universidad de Harvard terminó con el misterio del retrato más famoso y la sonrisa más enigmática del mundo: Leonardo Da Vinci la habría pintado basándose en una ilusión óptica, usando de manera completamente intuitiva trucos que ahora comienzan a tener base científica. Elisa se llamaba la mujer del marqués de Giocondo, un rico banquero florentino que pidió a Leonardo Da Vinci que pintara un retrato de su segunda señora, cuando ella tenía 30 años y una enigmática sonrisa. Según la historia, el cuadro nunca llegó a manos del marqués. Leonardo lo conservó por muchos años y lo retocó. Lo llevó consigo a París y allí ha permanecido hasta el día de hoy. Salvo un breve período, en que un italiano lo robó del Louvre, en un acto de reivindicación nacionalista. Pero Italia lo devolvió a Francia. Y asi se convirtió en el retrato más famoso del mundo y en el más misterioso. Todo, gracias a Elisa, conocida como Mona Lisa o Gioconda. Su sonrisa, pintada por Leonardo Da Vinci, es la que realmente ha sido un misterio durante todo este tiempo; una sonrisa enigmática, tal vez la más enigmática del mundo. Tanto así, que una investigadora de la Universidad de Harvard, Margaret Livingstone, se dedicó a estudiarla. ¿Qué descubrió?... que Leonardo Da Vinci pintó la sonrisa de la Mona Lisa basándose en una ilusión óptica y en los mecanismos de la visión. Sucede que la sonrisa de la Gioconda aparece y desaparece debido a la peculiar manera en que el ojo humano procesa las imágenes. Así, cuando en el siglo XVI Leonardo Da Vinci pintó la Gioconda, logró el efecto de que la sonrisa de la Mona Lisa desaparezca al mirarla directamente y sólo reaparezca cuando la vista se fija en las otras partes de cuadro. Lo anterior, tomando en cuenta que los artistas llevan mucho más tiempo que los neurobiólogos estudiando los procesos visuales. En este caso, el artista creo esa ilusión usando de manera completamente "intuitiva" trucos que ahora comienzan a tener base científica. Y la teoría de la investigadora se apoya en el hecho de que el ojo humano tiene una visión central, muy buena para reconocer los detalles, y otra periférica, mucho menos precisa, pero más adecuada para reconocer las sombras. Da Vinci pintó la Gioconda usando sombras que vemos mucho mejor con nuestra visión periférica. Por eso, para ver sonreír a la Mona Lisa hay que mirarla a los ojos o a cualquier otra parte del cuadro, de manera que sus labios queden en el campo de visión periférica... ¿qué tal?. Y luego de publicar su teoría sobre los cambios de expresión de la Mona Lisa, basados en que la visión central tiene una más alta resolución que la visión periférica, Livingstone ahora está estudiando por qué tantos genios de la pintura tenían alguna deficiencia visual. Rembrandt por ejemplo, cuyo estrabismo reducía su capacidad para ver en tres dimensiones, según la autora pudo beneficiare con una pobre percepción de la profundidad, una ventaja en una profesión en la que el objetivo es plasmar el mundo tridimensional en un lienzo plano. Los estudios de Livingstone, no intentan "desmitificar el arte" sino de explicar científicamente técnicas que los artistas usaron desde hace muchos años en base a la intuición. Muy bien cuidada En abril de este año quedó atrás el "vaya hacia allá, gire a la derecha, gire a la izquierda... y allí la encontrará". Lo anterior, para llegar hasta la Mona Lisa. Ahora se puede caminar directamente hacia ella y verla, apreciarla, mirarla por los costados, tratar de desentrañar su sonrisa, todo muy tranquilamente y sin aglomeraciones. Porque la famosa Mona Lisa de Leonardo Da Vinci pasó de la pequeña Sala Rosa del Louvre a una más amplia y renovada, la "Sala de los Estados", una galería que sirvió como cámara de debate parlamentario hasta el año 1870, y que fue sometida a una renovación de cuatro años y ¡6,1 millones de dólares!, a cargo del arquitecto peruano Lorenzo Piqueras. Se trata de una sala muchísimo más amplia que la anterior, tal como se lo merecía la Gioconda. Mide 840 metros cuadrados, con más espacio para recibir a las ¡6 millones de personas! que visitan el museo cada año, evitando así las aglomeraciones que se producían frente a esta obra maestra. En ese mismo lugar se exponen otros cincuenta cuadros de pintores del siglo XVI, incluyendo la pintura más grande del museo: "La Fiesta de Bodas de Cana", de Veronesi, con 6,77 metros de altura por 9,94 metros de largo. Ocupa el muro opuesto - a 28 metros de distancia - al de mármol beige que utiliza la Gioconda. La Mona Lisa ocupa 200 metros cuadrados exclusivos al norte de la sala, y está protegida por un vidrio irrompible y no degradable (de cristal blindado), de 40 milímetros de espesor, cuya superficie ha sido tratada especialmente para evitar reflejos. Está cerrada herméticamente, mantiene la temperatura y la cantidad de vapor de agua contenida en el aire a los niveles constantes de 20 grados y 50% de humedad relativa, protegida del frío, el calor y la respiración de aquellos seis millones de visitantes anuales. Además, este habitáculo está conectado permanentemente a un servicio de seguridad. Una renovada cristalería, a trece metros del suelo, permite una iluminación de características similares a la luz natural, con lo que se pueden contemplar las telas en las mejores condiciones de iluminación.Por encargo El cliente que encargó el famoso cuadro habría sido el banquero napolitano Francesco di Bartolommeo di Zanobi, marqués de Giocondo (1460 - 1528), quien se casó con "Mona Lisa" (Madonna Elisa, señora Elisa), hija del napolitano Antonio María di Noldo Gherardini, en el año 1495. Leonardo pintó el cuadro entre 1503 y 1506 y lo llevó a Francia en 1517. Se encuentra en el Louvre desde 1804. Al parecer, nunca estuvo en posesión de la familia Giocondo. Se sabe que pasó a manos del rey francés Francisco I, aunque no está claro si en 1517, antes de la muerte del artista, o con posterioridad a su fallecimiento en 1519. Sí está comprobado que permaneció en las colecciones reales francesas y que en el siglo XIX Napoleón Bonaparte lo tenía muy bien guardado. Se trata de un cuadro que nunca ha sido tasado, y que fue robado del museo el 21 de agosto de 1911 por el pintor italiano Vicenzo Perrugia, quien alegó "patriotismo". Fue recuperado en Italia dos años más tarde. Sobre un fondo de paisaje vaporoso, donde se resalta la figura de esta mujer, cuya enigmática sonrisa constituye lo más atractivo del cuadro en el cual Da Vinci consiguió su más alta aspiración: plasmar el alma humana. Está considerado como el retrato pintado más famoso de la historia, y tal vez el cuadro más famoso de la pintura occidental, aunque los expertos dicen que no por ello es el mejor. Es más, ni siquiera ocupa un puesto entre los 10 o 20 mejores. Fue la última gran obra de Leonardo Da Vinci, tomando en cuenta que continuó retocándola hasta sus últimos años. Pero fue pintado en la época de más fama y popularidad del artista, época en que son varios los retratos que le piden realizar. Teorías y verdades sobre la Gioconda- Por lo general la Mona Lisa es retirada de su vitrina una vez al año, para que los expertos puedan comprobar su grado de deterioro. - Es una de las obras más visitadas de todo el museo.- Se trata de un óleo sobre tabla de álamo, de 77 x 53 centímetros. - Como telón de fondo para la Mona Lisa, aparece un paisaje inspirado en las vistas que Leonardo Da Vinci pudo alcanzar a ver en Los Alpes, cuando hizo su viaje a Milán. - Todos los datos que se tienen de los personajes de la familia Giocondo se han obtenido a partir de los documentos de Giorgio Vasari (1511 - 1574), que escribió sobre la vida de los principales artistas de la época. - Vasari dice que Leonardo empleó en la elaboración del retrato unos cuatro años. Además, dice que Madonna Elisa tenía unos 30 años cuando posó para el retrato, y que era la segunda mujer del marqués de Giocondo. - Existen eruditos que piensan que se trata de la española Constanza de Ávalos; otros que la identifican con una amante de Giuliano de Medicis, e incluso otros afirman que se trata de un retrato de Francesco del Giocondo o un autoretrato del propio Leonardo Da Vinci. - Los críticos actuales confirman que es un bello retrato de mujer, y aseguran que lo mejor del cuadro son las manos y la enigmática sonrisa.¿Quieres realizar una visita virtual por el Museo del Louvre? Haz clickwww.louvre.frimagenes entretenidas de la mona lisamonalisa4all

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