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Timestamp: 2020-02-21 18:05:27+00:00

Document:
Articulos danza, ballet, arte y cultura
Para el estudio y la divulgación del Arte de danzar
Un Día de Danza
Actividades de ACAD
¡Suelos de danza!
Notación de Ballet
Compañías de Ballet
PÁGINA DE OPINIÓN, INFORMACIÓN Y ESTUDIO SOBRE EL ARTE DE LA DANZA
CON FLORES DESDE LA PLATEA
Inventiva frente al dramático marasmo actual
La "burbuja del ladrillo teatral"
El Cascabel al gato del teatro español
Causas de la inusual exuberancia de espectáculos de Danza Clásica en 2011
«La necesidad de un nuevo paradigma y otros sudokus»
«AHORA LA LEY ACTÚA»
Los Universales de la Danza y su Coreología
De Mènestrier a MacMillan y los que siguieron, siguen y seguirán
Los tramposos y sus malas prácticas
Los recortes de las barbas de los vecinos ¿merecen nuestra atención?
LOS INDIGNADOS NO PIDEN, EXIGEN
El Jurado del Benois 2011, critica la monotonía de coreógrafos y grandes compañías de Ballet
Reinauguran el Conde Duque
Durmiendo en el autobús
LOS IDUS DE MARZO 2011
Los asadores de mantecas no saben, no contestan
Cisne Negro (Black Swan) no es una película de Ballet
La Danza en España ¿Star system o fulanismo?
¿Hacia donde camina el sistema teatral en España?
Para el estudio y la divulgación del Arte de danzar.
Para lograr que la danza, como gran arte que es, obtenga en España el reconocimiento social que merece.
Para fomentar y consolidar una gran afición de danza en nuestro país. ¡Con compañías prestigiosas de danza!
Para que los artífices de la danza, los bailarines, sean los verdaderos protagonistas del arte que cultivan.
ARTÍCULOS DE DANZA, BALLET Y OTRAS COSAS DE 2011
ENLAZA A LOS ARTÍCULOS DEL 2010
ENLAZA A LOS ARTÍCULOS DEL 2009
ENLAZA A LOS ARTÍCULOS DEL 2008
Descarga suelos de Danza en pdf
Cómo preparar las zapatillas de punta
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"Una Ley de Artes Escénicas"
Es un estudio impulsado por la Asociación Cultural Amigos de la Danza Terpsícore, basado en la recopilación de datos, la indagación sobre indicadores de rendimiento y el examen de la realidad de las artes escénicas en España.
El contenido de la obra se divide en dos grandes bloques que llevan los títulos Antecedentes y Propuesta de Texto Normativo: Ley de Artes Escénicas. Ambos bloques, pese a ser muy diferentes entre sí, están íntimamente relacionados. Mientras el primero se divide en diversos apartados que tratan sobre temas relevantes acerca de la problemática del sector, el segundo contiene la Propuesta de Ley de Artes Escénicas que da título a la obra.
Una Ley de Artes Escénicas para España
Suelos de danza y riesgos laborales
Mejorar la salud de los bailarines, su rendimiento y evitar lesiones mediante la investigación y desarrollo de métodos preventivos y curativos basados en las evidencias de la ciencia médica.
El logro de estos objetivos será un avance significativo para el Arte de la danza en España en todos sus aspectos; los que afectan profundamente la vida de los bailarines, la disminución de bajas de accidentes, la consecuente reducción de los costes de seguros, la mejora de la eficiencia de las compañías de danza y el desarrollo del sector en general
ENTRE LA CLAC Y LA SALUD PÚBLICA
Fusiones, transfusiones y aleaciones
Siempre que acudo a un espectáculo de danza donde se anuncian debutantes o jóvenes promesas, sea cual sea el estilo, voy cargado de expectativas y buen un ánimo. Es gratificante observar la entrega absoluta de los jóvenes bailarines, la ilusión que imprimen en cada paso y en cada gesto. Aunque las expectativas no se cumplan, suelo salir satisfecho de los espectáculos bailados por noveles, rara vez he detectado impostura en un bailarín principiante y cuando me lo ha parecido, rascando un poco, casi siempre he vislumbrado la sombra del mal maestro.
Hay motivos de peso para que las escuelas y conservatorios de danza estimulen la imaginación y el genio de los discípulos, pero el aura social actual del "creador", como figura mítica del artista, hoy sobrepasa a la de bailarín. De hecho, en las tarjetas de presentación de los jóvenes profesionales suele aparecer antes coreógrafo que bailarín o coreógrafo y bailarín.
Objetivamente, no existen argumentos que justifiquen jerarquías entre el artista autor y el artista intérprete. Si hoy lo parece, se debe a motivos espurios o comerciales pero, desde mi punto de vista, la experiencia profesional dilatada es una de las capacidades imprescindibles para coreografiar de verdad. Semejante aseveración proviene y se sostiene en la realidad y en la historia, sin embargo, es necesario admitir que algunas excepciones de extraordinarios jóvenes talentos de ayer y de hoy, confirman la regla.
Sobre estas bases y tras no pocos chascos y sesiones soporíferas, reconozco alguna suspicacia cuando acudo a espectáculos firmados por jóvenes coreógrafos que se anuncian como "revelación", mejor dicho, los anuncian los "medios especializados" y a página entera como creadores que «buscan un lenguaje artístico». Pero si la publicidad subliminal en los medios es engañosa y desleal de suyo, el forofismo solo es admisible en familiares y amigos, nunca en la Academia.
Un poquito de contención señoras y señores académicos, recuerden que su función está vinculada entre la tutoría y la ética y que hablar de ética implica asumir una posición crítica ante la realidad, por lo que hacer de jefes de clac en los teatros, además de vulnerar el código deontológico del pedagogo, está muy feo.
Tampoco parece sensato ni digno de Academia rigurosa, vitorear ocurrencia y novedad como atributos coreográficos, no solo por constituir una antinomia artística, sino por el riesgo que conlleva que alguien, como si tal cosa, recuerde la conocida sentencia de Picaso "Los buenos artistas copian; los grandes artistas roban". Al Déjà vu se le supera con excelencia e imaginación, por lo tanto, cada ópera prima debe ser valorada por lo que es y por lo que su joven autor proyecta. Es una cuestión de salud pública, de seguir con tanta adhesión incondicional a la fruslería ambiental, excepto los pocos amarrados al pelado de pavos, la mayoría de los hoy aclamados por Ustedes como jóvenes "genios creadores", pueden contraer, en poco tiempo, su misma enfermedad.
P. R. Barreno. 12 de noviembre de 2011.
P.R. Barreno, 18 de octubre de 2011
La inventiva es la creatividad al servicio de lo específico y, por tanto, el recurso innato cuando la realidad desmiente los caminos trillados o, como está ocurriendo ahora, los derrumba.
Ante la crudeza sobrecogedora de una situación objetiva, que hasta hace unos meses creíamos corresponder a la lejana e irrepetible historia, la sociedad española se siente atrapada en un marasmo arcano y sobrecogedor que le provoca lógicos sentimientos de indignación ciudadana.
Las demandas de regeneración del sistema parece que están siendo desviadas hacia los cerros intransitables del populismo y las encrucijadas ficticias, en vez de ser abordadas con la entereza, rigor y pericia que la situación exige. Es el «camino al andar» emancipador del poeta krausista que los anales de la ciencia y el arte certifican, pero que el relativismo nihilista actual pretende obliterar.
¿Hacia donde nos conduce tanta ceremonia de la confusión alimentada por toneladas de sal gorda populista y eslóganes bizantinos, para simular soluciones milagrosas con fecha de caducidad electoral? ¿Qué pretende la estrategia del emborronamiento, esa culpabilización general engendradora del pasmo melancólico hacia unos tiempos que ni fueron mejores, ni merecen más atención que el rigor histórico? Escenificar una tragedia en forma de farsa, lo que de verdad intenta, es guarecer los privilegios de unos cuantos en el vetusto castillo del sectarismo, los prejuicios, las supersticiones y dogmatismos que nos han llevado hasta donde nos encontramos.
En la Danza, al cierre de murallas y a las jaculatorias encubridoras de mezquindades y privilegios le queda poco recorrido. Predicar sin dar trigo con los manidos "laboratorios" y demás lisonjas para "jóvenes creadores", no podrá disimular la hecatombe de un sector de las artes escénicas incapaz de emplear ni a jóvenes ni a viejos talentos.
Para superar tanta tribulación solo cabe hacer mudanza, darle a la inventiva, tomarla con coraje, estudiar alternativas, elaborar proyectos bien calibrados y adaptados a las circunstancias. Los tiempos del copy-paste apenas sirvieron para alumbrar sucedáneos mientras que al fulanismo micro-empresarial le quedan dos telediarios. Si la búsqueda de sinergias siempre fue una estrategia recomendable, hoy parece imprescindible para encarar cualquier proyecto artístico.
Algunos ya tienen cuerpo, por ejemplo: el Barcelona Internacional Teatre es prometedor aunque incluya estructuras de colaboración pública viciadas. Otras orientaciones inspiradas en experiencias como el "crowdfunding", anglicismo que significa la financiación colectiva de producciones gracias a la confianza que inspira el proyecto en personas que no se conocen entre sí, pero que se asocian para llevarlo a cabo, pueden tener futuro si se mejora la ley de mecenazgo. Plataformas como "Kickstarter" o proyectos como "El Cosmonauta" son buenos ejemplos de esta alternativa.
Por supuesto, para que florezcan las iniciativas es vital un ambiente propicio, un terreno adecuado para la sementera de ideas y proyectos, un espacio con igualdad de oportunidades, en suma, una ley de Artes Escénicas que favorezca estas condiciones.
La "burbuja del ladrillo teatral". Un freno en vez de un acicate
El Centro Niemeyer de Avilés como punta del enorme iceberg generado
En Artezblai, Carlos Gil Zamora (enlace al artículo) aborda la inflación de espacios escénicos en España. Toma como ejemplo la reciente inauguración de nuevos teatros en dos ciudades españolas de gran pujanza cultural y económica: Bilbao y Murcia, aunque quizá sea más significativo como ejemplo del problema el nuevo Centro Niemeyer de Avilés.
Tras plantear la cuestión aritmética entre oferta de localidades con la adecuada programación y la debilitada demanda actual, Gil Zamora concluye con una frase categórica: «Creemos que llegan en mal momento, y probablemente no puedan resistir el tiempo necesario para establecerse, darse a conocer, hacer sus públicos. Es nuestro temor. Un teatro, una sala abierta, es una esperanza. Un cierre, o abandono de la gestión pública cuando exista, es un fracaso, un desastre».
Reconozcamos de una vez que en estas y otras muchas ciudades y pueblos de España, las inversiones en la edificación de nuevos teatros durante la última década, han sido manirrotas maniobras de cara a la galería electoral. En su inmensa mayoría, ni respondían a una estrategia cultural ni se han tenido en cuenta viabilidades ni amortizaciones. En consecuencia, el riesgo evidente de desatención por falta de recursos para explotarlos y mantenerlos estaba cantado. Este derroche conlleva la deuda impagable y el agotamiento de un modelo que ya era ineficiente con las vacas gordas de ubres rebosantes de crédito. Si la alarmante situación actual en nuestras grandes ciudades vaticina tiempos aún más duros, el abandono de los auditorios y teatros en localidades de apenas mil habitantes, que se cierran como tumbas al día siguiente de cortar la cinta de inauguración, confirman la catástrofe camuflada.
Frente a este hecho, la consigna de los exégetas oficiales de no levantar la perdiz, en alianza con los que temen perder su puesto de vigilante de teatro, de los políticos que han despilfarrado nuestro dinero, de los que esperan como fruta madura la caída del chollo para merendárselo y de los pusilánimes en general, es suicida para las Artes Escénicas.
Hoy pocos dudan de hacia dónde conducen los caminos trillados. El reto, el ¿Qué hacer? exige amplitud de miras, generosidad, imaginación, ecuanimidad y objetividad, pero, ante todo, sobrepasar el corralito nacional y ampliar la mirada para contemplar el ancho mundo. Las alternativas están ahí, solo hay que estudiarlas y atreverse con ellas.
En la columna de Ignacio Amestoy del pasado 10 de septiembre en El Mundo titulada "Coliseos en el aire", el maestro de la escena informaba sobre el entierro del macroproyecto llamado Coliseo de las Tres Culturas. Se trataba de un proyecto privado de José Luis Moreno, quien convenció al entonces alcalde de Madrid, José María Álvarez del Manzano, para que el Ayuntamiento le cediera, durante 75 años, una parcela de 11.500 m2 en uno de los distritos más pujantes y caros de la capital. El proyecto comprendía tres grandes teatros de 2.500, 2.000 y 1.500 localidades cada uno, conservatorios de música, danza y lírica, escuela de arte dramático, talleres y salas de ensayo, tiendas, restaurantes, etc. Se trataba de una auténtica Plaza de las Artes Escénicas del corte de las que disfrutan los ciudadanos de Beijing, Londres, Montreal, Nueva York, Sídney, etc. El problema, por tanto, no es si el proyecto era faraónico sino de cómo se planificó y quienes lo lideraron.
Cuando en este país se esfuman proyectos de cierta identidad para las Artes Escénicas, mientras se dilapidan los pocos cuartos que debemos en frontispicios hueros que apenas sirven para que el fulano o fulana de turno corte la cinta inauguradora, me vienen a mi cascada memoria las pequeñas historias de algunos grandes proyectos escénicos, realizados gracias al esfuerzo y tenacidad de personas que amaban más al arte que a su dinero. El Place de Arts de Montreal ya tiene pátina pero el nuevo Copenhague Opera House inaugurado por Placido Domingo en abril de 2006 es recientito. Este magnífico coliseo pegado al mar que no se inunda llueva o nieve, suba o baje la marea y su escenario funciona como un reloj, fue financiado por la fundación A.P. Møller and Chastine Mc-Kinney Møller's Foundation, cuyos mecenas son los dueños de una empresa marítima de barcos contenedores. La donaron al pueblo danés aunque la intervención de los políticos a punto estuvo de dar al traste con el proyecto.
Si algo está demostrando esta interminable crisis es la categoría de nuestra elite, la política y la económica. Algunos dirán que la falta de sentido filantrópico de nuestros empresarios proviene de que nuestro país no tuvo una revolución burguesa, otros que por la falta de incentivos fiscales y algunos más aducirán que lo poco que hay se lo lleva el futbol y algún que otro deporte. Es probable que todos tengan parte de razón, sin embargo, en situaciones como las que vivimos las máscaras de antaño ya no sirven.
La factura la empezamos a pagar en los albores del 2008, pero desde el 2003 al 2007 el estado español aumento sus gastos en 112.000 millones de euros, casi un 40%. Y aunque les parezca mentira, tanto el INAEM como Autonomías, consistorios y diputaciones aumentaron sus presupuestos culturales bastante más. «¿Qué se ficieron? ¿Qué fue de tanto galán, qué fue de tanta invención, como trajeron? Las justas y los torneos, paramentos, bordaduras y cimeras, ¿Fueron sino devaneos? ¿Qué fueron sino verduras de las eras?»
Si el sistema teatral español no funcionaba con las vacas gordas ¿Cuál es su futuro si no se reforma urgente y profundamente?
P. R. Barreno, 11/09/2011.
P.R. Barreno. Agosto de 2011.
Si a principios del año alguien me hubiera pronosticado la exuberante oferta de espectáculos de ballet para el segundo semestre del año, hubiera pensado que sus deseos le habían jugado una mala pasada. Pero lo que parecía un asunto destinado al juego diplomático y a los grandes negocios import-export: la proclamación de 2011 como año de Rusia en España y de España en Rusia ha servido, entre otras cosas, para que los aficionados españoles puedan disfrutar, al menos durante este año, de la visita de algunas de las grandes compañías de ballet rusas y otras muchas menos grandes.
Gracias al patrocinio del estado ruso, algunos de los grandiosos teatros públicos españoles dedicados en exclusiva a la ópera, por ejemplo: El Palau de les Arts Reina Sofía de Valencia, este año programa 'Romeo y Julieta' del Mariinsky de San Petersburgo para el próximo diciembre.
Por otro lado, la crisis de liquidez de los ayuntamientos y autonomías está provocando un cambio radical en la forma de contratar de los teatros públicos. Del apreciado caché se está pasando al sistema mixto o, incluso, a la contratación a taquilla. En consecuencia, la antes menospreciada taquilla se está convirtiendo en la baza fundamental para la contratación.
La rapidez de los cambios y la falta de costumbre está agravando la crisis del sector teatral español que se ve incapaz de competir con las compañías de otros países aclimatadas a estas duras condiciones. La proliferación de las giras de las compañías, que pernoctan en autobuses, es la muestra evidente de que los cacareados eslóganes que pontifican sobre las bondades de nuestro sistema teatral, son pura filfa. De hecho, estas compañías son contratadas en la misma proporción por los teatros públicos y los privados.
Bienvenidos sean todos los espectáculos de danza de calidad de cualquier parte del mundo, pues nos ilustran y facilitan que la escasa afición no termine desertando. A este respecto, conviene recordar que, una vez más, la taquilla demuestra, cada día, que el público español es mucho más receptivo al ballet de lo que los sofistas del despacho mantienen, esos que prosiguen con la incongruente letanía sobre la falta de tradición de la danza clásica en España, letanía que se desbarata siguiendo su argumento: Si solo se puede apoyar a la danza con tradición sus inefables moderneces sobran.
La situación crítica actual hace destacar, aún más, el impase de la danza en nuestro país. ¿Seguimos entretenidos en nuestras batallitas de vecindario y rebuscando entre las migajas o buscamos entre todos como hacerla renacer?
La necesidad de un nuevo paradigma y otros sudokus
11 de agosto de 2011 - P.R. Barreno.
A los agoreros, antipatriotas y demás calaña, cuyo delito es constatar y dar fe de lo que pasa por delante de sus narices, las algaradas o turbulencias económicas y bursátiles del ferragosto no nos pillan por sorpresa. No es ningún alivio ni muestra alguna de sapiencia constatar el cumplimiento de los peores augurios, ni como la indignación justificadísima de los ciudadanos españoles, una vez más, se va por los cerros de Úbeda de nuestros ancestrales demonios.
Echar la culpa al empedrao para escabullir la propia es síntoma preclaro de irresponsabilidad. Por eso escuchamos tantas cantinelas sobre la perversidad de los mercados y demás abstracciones infernales ocultadoras. Es lo que denuncia Antonio Marina en su artículo de hoy en El Mundo titulado "La Sociedad Enferma".«Nos hemos metido en una rueda de excusas en que la culpa la tiene siempre el otro» escribe Marina, sin embargo, con todos los respetos para uno de los filósofos actuales que más admiro, empieza a ser hora de que cada palo aguante su vela. Por favor, rememoremos un poco: a cada cual según su trabajo, es decir a cada cual según sus responsabilidades asumidas libremente. Solo cuando el hambre aprieta o ponen la pistola en el pecho, la eximente de la obediencia debida es aplicable.
Como ya he escrito tantas veces, si todos somos responsables de lo mal que van las cosas ¿para qué sirve el escalafón social y político? La culpa la tiene quien la tiene y no es una perogrullada sino una consecuencia del sistema, perdón, de los sistemas o regímenes de poder existentes hoy en este planeta.
Apliquemos la misma lógica entonces en el Arte que nos apasiona y concierne, aunque las alarmas, de tan repetidas, tengan el mismo eco que las últimas del pastorcillo avisando la llegada del lobo. En realidad, el lobo reina en la danza de estos lares hace tiempo, aunque sus dentelladas nos duelan un poco más cada día.
Pero si los responsables de la hecatombe que vivimos tienen nombres propios, las consecuencias no se constriñen a la mengua de subsidios y contrataciones, ni siquiera al aumento de impagos y la inflación de truhanes y picaros. Su magnitud es tal, que ha generado el desconcierto y embotamiento general ante el cúmulo de problemas, cuya complejidad se agranda por las inestables condiciones político-económicas y las múltiples incógnitas de futuro abiertas. En estas circunstancias, la necesidad de un nuevo paradigma para la danza y las artes escénicas es evidente.
Un nuevo paradigma significa abordar con rigor los obstáculos estructurales agrandados por la depresión y las bellaquerías. El desmoronamiento es real, no hay ni para pipas del rey abajo ninguno. El sistema público está en bancarrota, la SGAE y su grupo Arteria en la Audiencia Nacional y el sector carroñero practicando el cleptoparasitismo de costumbre.
En la encrucijada actual o emprendemos con aliados fiables y sensatos la proyección y los retos de un nuevo paradigma revitalizador y democrático, o nos despeñaremos en la decadencia de las "Las culturas fracasadas" anunciadas por Antonio Marina.
«El desvío de fondos en la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE) se llevó a cabo mediante una trama empresarial "parasitaria" de la entidad "ideada" por el director de su filial digital, José Luis Rodríguez Neri, aunque "autorizada, consentida y también impulsada" por el presidente de la SGAE, Teddy Bautista.»
Palabra del juez de la Audiencia Nacional Pablo Ruz en el auto en el que ha decretado el ingreso en prisión eludible bajo fianza de 300.000 euros a José Luis Rodríguez Neri, director general de la Sociedad Digital de Autores y Editores (sDae), al que imputa los delitos de apropiación indebida, administración fraudulenta y delito societario. Asimismo, el magistrado ha acordado la misma medida de prisión, eludible con una fianza de 150.000 euros, para Rafael Ramos, quien junto a su pareja Elena Vázquez tenían el control de la sociedad Microgénesis, de la que el propio Neri fue director y que era, según el auto del juez, la "cúspide" del entramado empresarial creado para el desvío de fondos.
Teddy Bautista y los otros imputados de la operación «Saga»; Enrique Loras, Ricardo Azcoaga, Celedonio Martín, María Antonia y Eva García Pombo y Elena Vázquez quedaron en libertad condicionada sin fianza.
Junta Directiva de la SGAE recientemente elegida la constituyen los siguientes miembros:
Gran Derecho (artes escénicas), del que han salido siete vocales (Juan Carlos Alberola, Ernesto Caballero de las Heras, Yolanda García Serrano, Santiago Moncada, Mariano Díaz Rodríguez, Albert Guinovart y Blanca Li); Pequeño Derecho (compositores y letristas), del que salen 16 (Teo Cardalda, Alberto Comesaña, Juan Carlos Cuello, José Ángel Hevia, Javier Limón, Queco Ruiz y Víctor Manuel, Caco Senante, Mikel Erentxun, Pascual González, Sabino Méndez, Dolo Beltrán, Inma Serrano, Jaume Sisas, Xavier Benguerel y Tomas Marco); Obras Audiovisuales, que aporta otros siete miembros (José Luis Cuerda, Pedro Olea, Imanol Uribe, Ignacio del Moral, Manuel Gómez Pereira, Bernardo Fuster y Ángel Illarramendi), y Editorial (editores musicales), con ocho vocales: Beatriz Gil (EMI Music Publishing Spain), Carlos Martínez (M 20), Jesús Piles (Piles Editorial de Música), Manuel López Quiroga y Clavero (SEEMSA, Sociedad Española de Ediciones Musicales) y Juan Ignacio Alonso (Sony ATV Music Publishing Spain LLC), Rafael Aguilar (Southern Music Española), Rafael Artero (Universal Music Publishing) y Álvaro de Torres Zabala (Warner Chappell Music Spain).
P.R. Barreno -Junio de 2011.
Los griegos englobaban en el concepto Mousiké poesía, música y danza. Así, la prosodia y la métrica eran las herramientas de las musas para modular ritmo y canto. Esta concepción integradora fue asumida por los pensadores ilustrados y algunos idealistas románticos, como un lenguaje superior trascendente conformador de "La Armonía Universal".
El idealismo romántico nacionalista y las primeras vanguardias, con diferentes argumentos, rechazaron la universalidad de estas artes aunque, la verdadera puntilla al universalismo de la música y la danza fue asestada por las corrientes posmodernas multiculturalistas del siglo XX.
Sin embargo, a la moda y el ruido relativista posmoderno les han salido respondones cualificados. Con "Imposturas intelectuales" los catedráticos de física y matemáticas Alan Sokal y Jean Bricmont, confirmaron la desnudez intelectual y ética de unos cuantos gurús relativistas. Pero respecto al Arte, la decostrucción de los decostructores ha sido culminada por los darwinianos Steven Mithen y Dennis Dutton.
El profesor de Arqueología de la Universidad de Reading Steven Mithen, en su obra "The Singing Neanderthals. The Origins of Music, Language, Mind, and Body" (la mediocre traducción al español lo titula: "Los neandertales cantaban rap. Los orígenes de la música y el lenguaje") confirma que la música y la danza fueron protolenguajes anteriores a la palabra. Mithen deduce que los homínidos han fundamentado su supervivencia en un sistema ancestral de comunicación holístico, multimodal, musical, manipulador, dancístico y mimético que denomina: Hmmmmm. Al parecer, los neandertales lograron un Hmmmmm avanzado y paramusical, pero el Homo sapiens lo desarrolló en dominios cerebrales más diversos. Tras las mutaciones evolutivas de su genoma, los humanos obtuvieron las capacidades lingüísticas que conocemos. (Enlace a la entrevista de Eduardo Punset a Steven Mithen «Cuando digo música hablo de la danza, de los movimientos corporales, de la postura y la gestualización, que es tan importante como la vocalización»)
Con "El instinto del arte" el profesor de filosofía y activista Denis Dutton, integra el arte y la ciencia evolutiva demostrando que los gustos y las preferencias del ser humano por las artes, son rasgos evolutivos que se han ido conformando por selección natural. Se trata del desmantelamiento de la teoría de las «construcciones sociales» defendida por los mandarines posmodernos y sus acólitos en forma de críticos y comisarios de la cultura oficial. Nada de entornos culturales y civilizaciones opuestas e inabarcables. Nuestro amor por la belleza es innato y los gustos artísticos son universales.
Estas y otras aportaciones epistemológicas e históricas sobre el Arte, están convulsionando las metodologías sobre el proceso artístico como transformador de la realidad social, poniendo en entredicho la compartimentación en corralitos y estanques perpetrada por los nietos de Nietzsche. Los universales de la danza y la música han dejado de ser tabúes, para convertirse en la base de renovadas propuestas desprejuiciadas y llenas de contenido.
Si en occidente fue el renacimiento y la revolución barroca escénica los que liberaron a la danza del encierro monástico gregoriano, tras las convulsiones y galimatías recientes, es evidente que la danza precisa asentar su desarrollo en la profundización de sus atributos expresivos, comunicativos y técnicos universales. Una tarea racionalista hercúlea que precisa la contribución de bailarines, maestros y coreólogos, mancomunados en la consecución de una Coreología que asuma plenamente su etimología.
La lectura del interesante ensayo de Albert Violant i Hoiz, sobre la resolución del enigma de Fermat, donde resalta el extraordinario papel del jesuita Marin Mersenne, erudito músico y matemático autor de la obra fundamental L'Harmonie universelle, me ha evocado la obra de Claude-François Mènestrier, también jesuita, ejemplo del espíritu humanista y científico de aquellos clérigos franceses, quien mereció, por sus conocimientos y su ejemplar trayectoria personal, los mayores elogios del exigente Voltaire.
La experiencia de la organización de un espectáculo con motivo de la visita de Luis XIV a Lyon en 1658, incentivó la entrega de Mènestrier a las artes escénicas, adelantándose al concepto wagneriano del Gesamtkunstwerk que él aplicó al ballet. El clérigo lionés integró las "artes pictóricas", pintura, lírica, danza y música, como fundamento de la escena, al mismo tiempo que promocionaba y organizaba espectáculos de ballet, coreografiaba, investigaba y escribía, legándonos numerosos tratados sobre heráldica y fundamentales pasajes sobre la historia y la esencia del ballet, arte «capaz de expresar y de hablar al alma al mismo tiempo».
Su tratado « Des Ballets Anciens Et Modernes Selon Les Regles Du Theatre" (enlace al texto) reúne técnica, historia y filosofía de la danza. Como podréis comprobar leyéndolo, al final de la página 158 describe, en una frase histórica sustanciosa, el alma del ballet como arte escénico describiendo, un siglo antes que Noverre, la filosofía del ballet d'action: «C'est par les expressions que les ballets se distinguent des autres danses qui ne sont que simples portements du corps ajustés à la cadence et au son des instrumentes» «Es mediante la expresión que los ballets se distinguen de otras danzas que no son mas que simples comportamientos que el cuerpo ajusta al ritmo y el sonido de la música»
De hecho, hoy la historia reconoce a John Weaber, bailarín, coreógrafo e investigador concienzudo, como el creador del ballet d'action con su obra maestra The Loves of Mars and Venus (1717). Además, en su tratado Essay Towards and History of Dancing (1712) Weaber avanza los principios en los que se apoyaron posteriormente los Hiferding, Noverre, Angiolini, etc.
Estos detalles históricos son recogidos parcialmente por Jennifer Homans en "Apollo's Angels - A History of Ballet", vademécum de 612 páginas recientemente publicado, donde incide, en línea con el historicismo afrancesado, en la importancia cardinal de la "revolución" abanderada por Noverre. El problema es que tan solo unas páginas después, Homans se alinea incondicionalmente con un estilo de danza, sin duda bello, pero como tantos, de un tiempo y de un lugar.
La incongruencia que supone exponer los fundamentos del ballet como arte escénico y, al mismo tiempo, ejercer de Casandra apocalíptica anunciando su muerte, como hace la señora Homans, es típico y tópico en estos tiempos de desconcierto artístico. Peor si cabe es pretender aportar objetividad histórica y, al mismo tiempo, destapar los demonios personales guillotinando a Kenneth MacMillan, uno de los tres mejores coreógrafos de ballets dramáticos o d'action del siglo XX (junto con Cranko y Neumeier). Los muertos que vos matáis, señora Homans, aunque no gozan de buena salud en este momento, se recuperarán mientras que la humanidad aguante.
P. R. Barreno, 22 de mayo de 2011
Ignacio García May, en su Portulanos de esta semana, narra la "Conversación" (enlace al artículo) el dialogo entre un político-funcionario de un ayuntamiento moroso y "nosotros". García May es uno de los pocos artistas que se atreven a denunciar públicamente la farsa del sistema teatral en España y, por ello, sufre también el ninguneo de la nomenclatura teatral pública.
La constatación de la miserable situación se plasmaba con la noticia que esta semana publicaba el diario La Voz de Galicia, sobre la demanda de La Caja de Ahorros y Monte de Piedad de Extremadura al Concello de Ourense por el pago de 10.335 euros que supuestamente adeuda por una actividad celebrada en el Auditorio Municipal el 9 de noviembre del año 2005. (Enlace a la noticia).
El excelente artículo de García May describe la situación de hoy y de mañana, quizá también la de pasado mañana si nada cambia. Por el momento la ley tela de araña vigente está llena de trampas.
Me refiero a la Ley 15/2010, que reforma la Ley de Contratos del Sector Público para reducir a treinta días el plazo en que debe la Administración pagar.
El Artículo 200 bis dice: «Transcurrido el plazo a que se refiere el artículo 200.4 (55 días ahora) de esta Ley, los contratistas podrán reclamar por escrito a la Administración contratante el cumplimiento de la obligación de pago y, en su caso, de los intereses de demora. Si, transcurrido el plazo de un mes (ya van 85 días), la Administración no hubiera contestado, se entenderá reconocido el vencimiento del plazo de pago y los interesados podrán formular recurso contencioso-administrativo contra la inactividad de la Administración, pudiendo solicitar como medida cautelar el pago inmediato de la deuda. El órgano judicial adoptará la medida cautelar, salvo que la Administración acredite que no concurren las circunstancias que justifican el pago o que la cuantía reclamada no corresponde a la que es exigible, en cuyo caso la medida cautelar se limitará a esta última. La sentencia condenará en costas a la Administración demandada en el caso de estimación total de la pretensión de cobro.»
Las trampas más evidentes:
Si la administración contesta reconoce la deuda pero cierra el recurso contencioso - administrativo y entonces ....
Cuando la Administración "acredite que no concurren las circunstancias que justifican el pago" (¿ a qué circunstancias se refiere?, ¿a las circunstancias formales de falta de respuesta o del transcurso del plazo, o en cambio a circunstancias de fondo distintas- incumplimiento del contratista, interpretación del contrato, etc?). En el mejor de los casos, el tiempo de resolución de un contencioso administrativo puede llevar un tiempo similar a la resolución del Enigma de Fermat.
Los cálculos más optimistas señalan que la deuda de las administraciones públicas del Estado Español a empresas y autónomos supera los 40.000 millones de euros. Como saben, una de las causas más evidentes del retroceso social y económico de las naciones es la inseguridad jurídica.
P. R. Barreno, mayo de 2011.
En el artículo de David Fulton publicado por Arts Industry UK en noviembre de 2010, con el ilustrativo título "No light at the end of the Eurotunnel" (Sin luz al final del Euro túnel), revelaba que las rebajas en la financiación pública de la Cultura y las Artes en el Reino Unido y en el resto de Europa, más que obedecer a una decisión coyuntural exigida por la crisis económica, obedecía a un cambio del modelo vigente. Fulton lo resumía con una frase lapidaria: «Una espada de Damocles que amenaza al conjunto de la cultura europea y, en algunos países, esa espada pende de un hilo muy delgado que presagia una hecatombe cultural europea».
Para llegar a semejante vaticinio, Fulton se basó en el informe del Centro Holandés para el Desarrollo de Actividades Culturales (SICA) de 2010, sobre el estado actual de financiación de la Cultura y las Artes en Europa. Según dicho informe, solamente Noruega aumentaba sus presupuestos culturales y Francia los mantenía ajustados a la inflación. El resto de los países, incluyendo Alemania, habían reducido sus presupuestos culturales ostensiblemente.
Los gobiernos que más podaron y previsiblemente podarán sus presupuestos culturales, según el SICA son, además de Grecia y Portugal, los países bálticos, España, Italia y, atención, Holanda. Respecto a nuestro país, el SICA resaltaba las quitas en promoción cultural, proyectos de cooperación, bibliotecas, museos y patrimonio. Para las Artes Escénicas la reducción real en 2011 fue, según el SICA, del 14,5%, cifra más alta que la oficial del 10% MCU. Por otra parte, el informe resaltaba, como Spanish intrínseca marrullería, las políticas de relumbrón, citando con sorna algunas "performances" de nuestros dirigentes políticos culturales, donde destaca su obsesión de inaugurar monumentales edificios, antes, durante y varias veces después de casi acabados. Para nuestro bochorno, el informe destaca el elefantiásico proyecto de "La gran biblioteca de Barcelona" que el menguado Ministerio de Cultura de España se ha comprometido construir en solitario.
¿Por qué Holanda reduce drásticamente sus presupuestos culturales y aumenta el IVA a las entradas de los teatros?
Que los países endeudados hundidos en la depresión y el desempleo reduzcan sus presupuestos puede explicarse aunque probablemente no sea la mejor decisión, pero que lo haga Holanda, un país que ha superado la crisis y mantiene indicadores de actividad económica aceptables y la envidiable tasa de desempleo del 4%, debe tener una explicación más allá de la meramente económica.
Algunos culpabilizan al populismo triunfante Geert Wilders y su Freedom party por su demagógica propaganda que proclama que "el pueblo llano" no tiene que pagar los dispendios de una la elite cultural insolidaria y cómplice del relativismo cultural. La acusación ha sido matizada por el propio Wilders y por el Secretario de Cultura del gobierno Holandés Halbe Zijlstra, responsable directo del plan de adelgazamiento del Dutch Council for Culture durante los dos próximos años. Ni que decir tiene que esta decisión ha generado un clima angustioso entre los artistas de los países bajos. Para la danza, el recorte es tremendo, al Dutch National Ballet, que cuenta con 80 bailarines y un repertorio estimable, se le reducirá las ayudas en el 2013 el 26%, mientras que el recorte anunciado al Nederlands Dans Theater será entre el 40% al 50%. Ambas compañías tienen un gran prestigio internacional y superan los 150 espectáculos al año.
La dramática protesta del sector de la danza está expresada por su consigna: ¡Keep Nederlands Dans Theater alive! (Mantener la danza escénica Holandesa viva). Las marchas y manifestaciones del sector cultural culminarán el próximo fin de semana "Weekend of Civilisation" con múltiples protestas y una marcha que saldrá el domingo 26 de junio de Rotterdam y llegará el lunes a La Haya.
En realidad, las explicaciones de los gobernantes holandeses para justificar sus radicales decisiones son fundamentalmente ideológicas. Su argumento principal se basa en que la mayoría de los ciudadanos (Ordinary people) no comprenden que una parte de sus impuestos vayan a sostener actividades culturales y artísticas claramente elitistas. De hecho, no esconden que pretenden cambiar el actual sistema fundado en "El estado como garante del acceso de la Cultura y Arte para todos los ciudadanos" por otro que estipula: "La Cultura y el Arte para quien se lo pague". Para ello pretenden activar la filantropía y la participación de la sociedad civil al estilo norteamericano.
Desde el final de la segunda guerra mundial, con el mencionado objetivo de facilitar el acceso a la mayoría de la población a los bienes culturales, los estados europeos occidentales han sido, en mayor o menor medida, los sostenedores financieros del sector cultural y sus industrias. Sin embargo, hay que reconocer que a pesar de los recursos empleados, los datos muestran que ese loable objetivo no se ha logrado en la mayoría de los casos.
Un ejemplo muy utilizado por quienes critican la financiación del estado a la artes, es su burocratización improductiva constatable en múltiples casos, ejemplarizado con claridad en el coste real de una butaca de un espectáculo de ópera que, en muchos teatros europeos, supera cuatro veces el precio que paga el espectador y dobla el de los mejores teatros norteamericanos.
Esta realidad, junto a la crisis económica y la rebelión ciudadana frente a impuestos confiscatorios por servicios mediocres, ha dado argumentos a los críticos del vigente sistema en Europa. El debate ha surgido con fuerza y lo sintetiza la pregunta lanzada por varios políticos y agentes culturales europeos: ¿Quién desempeña mejor su cometido en las artes y como podemos hoy medirlo? (Who serves the arts best, and how do we actually measure that?).
El debate se está expandiendo por toda Europa, precisamente el proyecto de la U.E. "Cultural Leadership International" (CLI) ha organizado las consultas y reuniones entre los Consejos de las Artes de varios países. Es el caso del British Council Benelux Team con el objetivo de coordinar una red de Consejos estatales de Belgica, Holanda y Reino Unido que genere sinergias.
Incluso algunos miembros del EUNIC (Union de Institutos Nacionales para la Cultura) L'alliance Française, el Danish Cultural Institute, Vlaams-Nederlands Huis DeBuren, el Goethe-Institute y el British Council se han involucrado en la búsqueda de nuevas formulas para coordinar los estímulos para las industrias culturales y creativas.
Una vez más, parece que al mundo cultural español estos asuntos no le conciernen, ni el Instituto Cervantes, ni el MCU parecen tener intención de entrar en materia. Tampoco parece un asunto importante para los partidos políticos, y la mayoría de las publicaciones, fundaciones, redes o empresas culturales del país. Desconozco si se trata de la persistencia del que inventen ellos o la indolencia pusilánime del virgencita, virgencita que me quede como estoy. Sin embargo, todos sabemos que tras las elecciones pasadas y las generales que se aproximan, gobierne quien gobierne, los presupuestos culturales públicos se reducirán en cifras de dos dígitos, en todas las administraciones del estado español durante los próximos años.
Pensar que cuando llegue el lobo saldremos indignados en manifestación a exigir que hay de lo nuestro y se nos concederá, es confundir los deseos con la realidad. Las recientes movilizaciones en Cataluña demuestran la inoperancia movilizadora del sector y la indiferencia de la mayoría de los ciudadanos hacia sus demandas.
¿Seguimos así o hacemos algo para promover el debate y sintetizar alternativas plausibles?
P.R. Barreno
Hacia tiempo que no disfrutaba de unos días de sosiego tan reconfortantes como los últimos 15 días, lejos de la berrea de campaña y cerca del placer estético del buen danzar y declamar. Tan solo la visita de un ministro de este Reino, vendiendo ladrillos, ha enturbiado mi contento y dejado a la altura del betún, por asociación de nacionalidad, a todos los que la compartimos con él. Para más inri, oigo por radio al mismo tío llamar vagos a sus potenciales votantes. ¡País!.
Tras el aterrizaje, compruebo con alborozo que unos cuantos ciudadanos no se han contentado con intercambiar sus cuitas por la Red sino que, como otros ciudadanos del mundo, han pasado a la acción manifestándose contra el régimen establecido.
Sin casa, sin curro, sin pensión y sin miedo" es un eslogan angustioso por veraz, tan rotundo como aquel "Pan, trabajo y libertad" que gritábamos delante de los grises a finales de los sesenta.
Con una tasa de paro entre los jóvenes de Andalucía, Canarias, Valencia y Extremadura que supera el 50%, el 30% como mínimo en unos pocos lugares de Navarra, Vascongadas y Madrid, firmar "Juventud sin futuro" es de un axioma aterrador. Como aterrador es comprobar que con una tasa de actividad del 59% (5% menor Alemania, Dinamarca, Reino Unido, Suecia, etc.) y una tasa de paro del 22%, el viejo chiste del único que trabaja en España está a punto de hacerse realidad. Con la que está cayendo y sin pinta de escampar, las bandas de la nomenclatura siguen, erre que erre, ofrendando ladrillos y asfaltos y cementos varios, entre insultos, abyecciones y mentecateces.
Tal desconexión con la realidad es la resultante de una sociedad "invertebrada" vencida por años de complacencia, demagogia y clientelismo político y económico, promovido, entre otras argucias, por una ley electoral que promociona la partitocracia, blinda la participación democrática e impone la jerarquía de "cosa nostra". Destruidos los pilares de la meritocracia y la igualdad de oportunidades, aumentados los enchufes y las burocracias lactantes, la vaca del erario español se ha quedado tan seca como sus hermanas que regurgitan basura en Benarés.
Como diría el clásico, comprometerse ¿para que? La lista cerrada disuelve la responsabilidad del político metido en un pelotón encabezado por el "líder" que, desde su Olimpo nos disparan sus amorales dicterios y ocurrencias sabedores de que, con un poco de labia y mucha demagogia, el cuatrienio puede prolongarse ad calendas.
Indignados, hasta el gorro, hasta las narices, hasta los cojones, hasta el moño, hasta las mismísimas gónadas, hartura y empacho, sentimientos que pueden preceder la exigencia de compromisos concretos y responsabilidades. Va siendo hora.
P.R. Barreno -16 de mayo de 2011
Nota Bene del 11 de junio de 2011. Churchill: «La democracia es el menos malo de los sistemas políticos» Añado, aunque sea seudo-representativa algo representa. Las posturas old age, el vocerío cutre y las consignas excéntricas cocinadas en la olla asamblearia, tienen el regusto tramposo y las patitas muy cortas.
El Jurado del Benois 2011, critica la monotonía de coreógrafos y grandes compañías de Ballet que se presentaron al concurso de este año
Publicado por su indudable interés. Traducido del original en Inglés.
(Reuters) Las compañías más importantes del mundo del ballet que se presentaron, se fueron con las manos vacías de uno de los concursos de danza más prestigiosos del mundo.
El jurado en la 19 edición del "Benois de la Danza" otorgó los galardones en cada modalidad a una pareja belga y a un coreógrafo finlandés, pero no obtuvieron premios el Bolshoi, el Ballet de la Ópera de París y el American Ballet Theatre.
«Puedo decir que en ballet clásico, de los cuales Rusia tiene el mayor número de concursantes este año, los participantes no fueron de calidad suficiente para representar el ballet clásico hoy», declaró el miembro del jurado, Serguei Filin, director artístico del Ballet Bolshoi, a Reuters.
El prestigioso premio liderado por Rusia, fundado por la Asociación Internacional de la Danza en 1991 y celebrado bajo el patrocinio de la UNESCO, atrae a los mejores bailarines y coreógrafos del mundo, habiéndose ganado una reputación inusualmente ecléctica en sus enfoques artísticos.
Pero el jurado internacional dejó desierto el premio al coreógrafo ruso de este año. Sólo un bailarín ruso: Semyon Chudin del Stanislavsky Teatro de Moscú, se llevó a casa un premio.
«Se han hecho muchas obras aquí (en Rusia), pero nada interesante», dijo Yuri Grigorovich de 84 años, coreógrafo principal del Bolshoi durante más de 30 años, presidente del jurado y fundador del premio.
Los miembros del jurado de este año se quejaron de que «las principales compañías del mundo del ballet han quedado a la zaga por no llevar adelante las experimentaciones audaces exigibles en este concurso». «Peor aún», dijo, «las compañías de ballet importantes se parecen mucho entre sí.»
«Tras más de 19 años de concurso, todas las compañías hacen lo mismo, programan los mismos coreógrafos: siempre Balanchine y Forsythe», declaró la directora artística del concurso Nina Kudryavtseva. «Las grandes compañías hacen el ridículo. Es una lástima. Los teatros Bolshoi y Mariinski, El Ballet de la Ópera de Paris deben hacer lo necesario para que sean distinguibles. En la actualidad, sólo el tamaño de sus agrupaciones los diferencian».
La coreografía ganadora "Babel", de Cidi Larbi Cherkaoui y Damien Jalet, muestra una bailarina en topless que aparentemente emerge de la caja torácica del bailarín, representando el nacimiento bíblico de la mujer.
Kudryavtseva-Loory declaró que las influencias de Asia y el árabe habían tomado, cada vez más, la delantera en el concurso. «El arte refleja los cambios sociales globales, más fuerte es la influencia de Asia y las naciones árabes se, el lugar más tiene en el arte».Como prueba de este argumento, la bailarina china Zhu Yan fue elegida la mejor bailarina por su interpretación de la coreografía del checo Jiri Bubenicek de "Outrenoir".
Yan compartió el premio con Bernice Coppieters de los Ballet de Monte Carlo, que apareció como dominatriz en corsé y elevada en puntas por encima de su partenaire encorvado en una falda suave y esponjosa.
(Reportaje de Astrasheuskaya Nastassia, Editado por Alissa de Carbonnel)
Madrid, 31 de mayo de 2011.
El alcalde en funciones de la villa de Madrid Alberto Ruiz Gallardón, ha cortado la cinta inaugural de la enésima renovación de los viejos cuarteles del Conde Duque, renombrados como "Centro Cultural del Conde Duque". Con un presupuesto inicial para la rehabilitación de 41 millones de euros, el ayuntamiento reconoce invertidos en esta reforma, por el momento, más de 69 millones. Según el alcalde, el recinto será el nuevo «motor cultural» de Madrid. Estupendo, ya tenemos en Madrid, por lo menos, cinco motores, culturales naturalmente.
El evento fue protagonizado por el alcalde quien no admitió preguntas. Le acompañaron la delegada de cultura y algunos de los artistas invitados. Gallardón se explayó sobre los objetivos del «nuevo contenedor cultural» que no debe ser «un mero contenedor cultural sino una irrenunciable vocación de apertura a los habitantes de la ciudad». Señaló también su deseo de que «este inmueble promueva "complicidades" y dialogue con otras instituciones para construir cultura constituyéndose, además, en la memoria viva del pulso de la capital».
Prosiguió el alcalde insistiendo en que esta obra «Era una gran deuda de los madrileños con nosotros mismos; convertir un cuartel en un espacio cultural. Ejecutarlo ha sido complejo no sólo por los millones de euros que ha costado sino por lo que se quería hacer: un plan complejísimo para cuya realización, había que tener coraje». Suponemos que también crédito y alegre gatillo con la pólvora del rey.
Y persistió el Alcalde: «Debemos querer que la cultura nos habite permanentemente y para eso necesitamos estos espacios. Los políticos se deben limitar a crear el continente para que quienes hacen el contenido puedan llevar a cabo sus manifestaciones artísticas. Ahí acaba su función». Al no admitir preguntas, el alcalde matritense no aclaró si será él, la delegada de cultura u otro concejal quien nombrará a los directivos de este motor, cultural por supuesto, o si su explotación saldrá a concurso público.
Este nuevo motor albergará el Archivo de la Villa, la Hemeroteca, Biblioteca Histórica y Musical municipales, un teatro de 250 localidades y un auditorio de 300 localidades.
Con "Menú A la plancha" espectáculo de danza donde participarán Arrieritos, Santamaría Compañía De Danza, Siempre En Compañía, Gemma Morado, y Teresa Nieto, se inaugurará el teatrillo de 250 localidades el próximo 9 de junio.
Los asistentes al acto aplaudieron cuando acabó.
Uno de los atributos maravillosos de la Danza es su lenguaje universal. Podemos emocionarnos contemplando una danza Maorí, "Danza y Tronío" o "Giselle". Su globalización no es de hoy y bailarines y compañías de danza son de la legua desde hace siglos. Bienvenidos sean por tanto los artistas, de cualquier parte del mundo, que quieran deleitarnos con sus danzas.
Otra cosa distinta es que algunas compañías que nos visitan, por aquello de la pela, apliquen un estajanovismo miserable en sus giras por España que deja en mantillas las giras por ferrocarril, de la Compañía del Colonel W. de Basil.
¿Cómo es posible que una compañía de ballet haga una función de ballet clásico, cada día, en una ciudad distinta, muchas veces alejadas por cientos de kilómetros?
¿Cuándo, como y donde descansan los bailarines y técnicos?
¿Cuándo ensayan y se adaptan a cada nuevo escenario?
¿No es curioso que las compañías contratantes sean los teatros de titularidad pública?
Probablemente, si los bailarines de estas compañías leen "El Viaje a ninguna parte" o ven la película homónima, piensen que aquellos cómicos de la legua no vivían tan mal cenando sopas de ajo y durmiendo en colchones de borra cubiertos con mantas palentinas atiborradas de chinches.
P. R. Barreno - 17 de abril de 2011
P.R. Barreno, marzo de 2011
La frase que el film del Almodovar más almodovariano puso de moda en el habla coloquial, desde hace un par de años se ha ido transformando en una sinécdoque donde, la incertidumbre individual frente a un presente difícil y un futuro arcano, se eleva al ámbito colectivo, por quello de diluir decisiones y conductas personales que pudieran avergonzarnos. Mal de muchos...
Esa pedestre filosofía viene de perillas para justificar comisiones paritarias, consejos asesores a dedo y demás triquiñuelas que en España suelen camuflar un sin número de decisiones despóticas y arbitrarias, cual si fueran democráticas y participativas. Los efectos secundarios de estas tretas, se incrementan en tiempos de crisis, pues la indolencia inducida y la incertidumbre, no suelen generar la iniciativa ni el arrojo personal.
Hacia años que no sufría tanta vergüenza pero la pregunta de la ingeniera danesa fue a bocajarro: ¿para qué colocan tubos de poliuretano en las patas de los andamios en Madrid? Para suavizar el asunto, le conté que se hace desde que un peatón murió victima de una descarga eléctrica, producida por un cable derivado a un andamio. Al instante recé para que la danesa se fijara en el escaparate de la boutique y se olvidara de la cuestión. Fijarse se fijó pero, al mismo tiempo hizo la temida pregunta: Entonces, ¿Por qué no aíslan los travesaños que, al ser horizontales, metálicos y atornillados, suponen un riesgo de contacto para los viandantes cien veces superior al de las patas? Me acordé de la respuesta del personaje de Marquina; «España y yo somos así, señora».
Mientras que RTVE ha tenido un déficit de 66 millones de Euros en 2010, y su financiación está en la cuerda floja de Bruselas y Estrasburgo, se dispone a pagar 35 millones a la UEFA por los derechos de retrasmisión de los partidos de futbol por cada temporada (2,18 millones por partido de la Champions) desde 2012 al 2015. El director Sr. Oliart, ha justificado semejante compromiso al considerar que el futbol y la Champions son de interés público. Normal, Oliart no tiene ballet alguno que retrasmitir.
La Junta de Contratación de la Subsecretaría del Ministerio de Fomento ha presentado un concurso público para el suministro de papel higiénico para la sede central del Ministerio: Expediente: 10C231 JC/710. La base de licitación es de 313.200,00 euros. Por costosa que sea, la pulcritud es fundamental en este ministerio, en consecuencia, a pesar de la crisis, la peluquería de lujo seguirá abierta al servicio de los probos funcionarios/as y sus retretes olerán a papel perfumado.
Podría seguir con la retahíla de despropósitos ad infinitum pero temo que, además de cansar, aumentaría el invasivo ambiente melancólico. Los palos de ciego o los atajos y seudocircuitos para unos cuantos son caras de la misma moneda. Al mismo tiempo, como si cualquiera tiempo pasado fuera mejor y repetible, aparecen y desaparecen grupos de danza que proclaman la autogestión, tratando de revivir un idealizado Old Judson Church en las viejas fábricas de Madrid, Barcelona y Sevilla. Lógicamente, son aplaudidos a derechas e izquierdas por constituir válvulas de escape ingenuas, que rebajan la presión del mortecino sistema clientelar.
De momento, se ha levantado la alfombra catalana y no han aparecido precisamente flores. Mientras la sombra del ERE en el Liceu se va alargando, los desconcertados damnificados de un recorte han convocado una manifestación de protesta el próximo 21 de marzo, en la plaza de los Àngels de Barcelona, bajo el lema "No retalleu la cultura". Lo curioso, por no decir esperpéntico, es que el director del CoNCA Francesc Guardans y sus consejeros, nombrados por el dedo del Sr. Montilla, apoyan la manifestación. La reacción de los asesores del Sr. Mascarell tiran con bala; «los gestores" tienen que actuar con responsabilidad, mientras que otros pueden dedicarse a realizar manifiestos».
En medio del caos de la rebatina del "padrino roñoso, eche la mano al bolso" se producen extrañas situaciones como la que anuncia esta página.
¿Seguiremos con la misma canción? Padrino roñoso, eche la mano al bolso, eche, eche, eche, no se lo gaste en leche..
La adversidad, la miras,
Cada sol naciente, de frente,
Transmígranos tu alma, oriental,
Disciplina iluminada, Zen.
Adivina un misterio; que bailaora
Las cuatro bailaoras o las cuatrocientas saben que su arte hoy se ¿valora? en unos despachos de oficinas tan siniestras como siempre. Ni poetas, ni toreros, ni trajinantes, ni maestrantes, ni hortelanos ni comerciantes, ni escribanos, ni torneros....., que pagan impuestos, diezmos y su entrada de teatro, tienen nada que decir al respecto. Pero al menos pongámonos de acuerdo en lo evidente. Si el código de buenas prácticas del instituto de marras parece un sucedáneo de la dedocracia, la dedocracia sigue siendo lo que dice la RAE: «Nombramiento o adjudicación que tiene como fundamento el abuso de autoridad».
¿En qué momento se jodió esto?
Cuando Mario Vargas Llosa pone en boca de Santiago Zavala, en la tasca limeña La Catedral, ¿En qué momento se jodió el Perú? nos dejó a otros cuantos la pregunta que nos corresponde en el aire. ¿Cuando señor, cuando se jodió esto?. Unos se remontan a la expulsión de judíos y moriscos, otros a la desamortización de Mendizábal. Quizá no haga falta remontarse tanto, quizá sea suficiente recordar el reparto de pasteles entre los pasteleros. Desengaño, depresión, frustración y dudas, no se superan cortando cintas inaugurales. Las oligarquías se entretienen y quieren entretenernos con sus carreras de pencos por la rebatina. ¿Y Usted, distinguido candidato, además de cortar cintas y posar para la foto, ¿que coño hace por dinamizar la danza?
Cisne blanco, Cisne negro, ¿lo importante es que pesque?
Los efectos colaterales del bodrio peliculero "Cisne Negro" se trasladaron al Bolshoi estos días. Sexo, politiequeo y, sobre todo, intrigas por enganchar pasta y poder.
Esas cosas solo pasan en Rusia, aquí foto más o foto menos que más da baby que mas da.
Estos rusos podrán ser acusados de muchas amoralidades pero no de incoherencia artística.
Dos bailarines, dos, tomarán las riendas del Ballet Bolshoy. Como director artístico el primer bailarín Sergei Filin nacido en 1970 ganador de importantes premios como el Benois de la Danse en 1994, director artístico desde el 2008 de la Academia de Ballet, Música y Interpretación Stanislavsky y Nemirovich-Danchenko. Como gerente el también bailarín, nacido en Tiblisi, Yan Godovsky. Buena suerte, el ballet en general la necesita.
¿Un pozo sin fondo?
Alrededor de 500 personas acudieron a la manifestación convocada en la plaza dels Àngels de Barcelona por la plataforma "No retalleu la cultura", que está formada por 80 asociaciones. En el acto, breve y discreto, participaron Cesc Gelabert y Sol Picó, quien leyó uno de los puntos del manifiesto y declaró a Europa Press que el proyectado recorte del 15% a las subvenciones meterá a la danza catalana: «en un pozo sin fondo».
P.R. Barreno, 26 de marzo de 2011
Jennifer Homans afirma en "Apollo's Angels" que los tiempos cínicos que vivimos, no son propicios para el Ballet al ser despreciados sus valores intrínsecos, que ella define como: «un arte de altos ideales y autocontrol donde la proporción y la gracia afirman una verdad interior y un gran respeto personal» (it is an art of high ideals and self control in wich proportion and grace stand for an inner truth and elevated state of being). Una bella definición, parecida a la de Stravinski que, como tal, es poéticamente reduccionista.
Es probable que desde la visión cultural norteamericana, sobre todo tras la caída de los dioses del relativismo posmoderno, se otorgue al concepto cínico peculiaridades que despreciaba Diógenes. En realidad, creo que a quien mejor le cuadra el traje de moda es al sofista Protágoras, de cuyas doctrinas y trucos retóricos se inspiran demasiados congéneres.
El metalenguaje utilizado por el poder y mimetizado por el oportunismo empalagoso, es un compendio de sortilegios, abracadabras y retruécanos, que encarnan la antítesis del entendimiento y testifica el oscurantismo que lo engendra.
Las sostenibilidades basadas en las cosmovisiones de las temáticas y problemáticas de nuestra cultura, desde la modernidad hasta las últimas vanguardias, son ahora monitorizadas por los observatorios y talleres promovidos por las autoridades culturales de nuestro país, con objeto de generar las estructuras que eliminen las estrategias antropocéntricas a favor del biocentrismo en nuestro actual estado del bienestar. Para ello, redoblaremos los observatorios, las comisiones interculturales y los consejos que elaboran los planes sostenibles para los creadores de cada sector. ¡Toma ya!
Sería cómico pero es tragicómico. El juego de espejos del imaginario frente a la realidad no se aguanta ni con el más abyecto relativismo. La falta de rigor ya no puede excusarse con la ingenuidad, por la simple razón de que Alicia hace mucho tiempo que es una descarada damisela, que hace trampas en el croquet lampedusiano.
El record mundial de planes solo es superado por el de leyes, sobre todo de decretos leyes. Pero la obsolescencia es hija de la ocurrencia como la impostura lo es del discurso embustero y tautológico. Las cosas no suelen suceder porque sí, no podemos llamarnos a engaño cuando soportamos con estoicismo borreguil los desprecios hacia la excelencia y la experiencia en la danza cual si no pasara nada, porque pasa. La repetida frase en nuestras latitudes: "Un bailarín por bueno que sea o haya sido no es siempre un buen maestro de danza" indica una probabilidad, probabilidad de la que los actuales sofistas se sacan de la manga una falaz consecuencia: "luego no hace falta tener experiencia para ser maestro de danza". Poco importa que la historia y la experiencia actual demuestren lo contrario. Poco importa que los mejores bailarines que se fueron a enseñar a Corea, Japón y China, ya estén mostrando los frutos de su labor en esos países.
De estas polvorientas imposturas se ha ido alimentando el lodazal actual. Cuando más acuciante es la falta de trabajo más ofertas milagrosas aparecen. Semanarios y cursillos de danza terapia y ofertas de títulos de danzaterapeutas por doquier, masters de danza clásica por correspondencia a 1.675 ? IVA incluido, laboratorios con enfoque transpersonal para el nene y la nena.
Lo dije y lo mantengo, si los falsos médicos, los artistas falsarios y los falaces maestros se multiplican como la cizaña en tierra baldía en España, es por la lasitud colaboracionista de las seudoautoridades académicas y profesionales, que los consienten cuando no los estimulan.
P. R. Barreno - 1 de marzo de 2011
Con el glamur y la publicidad de una gran superproducción de Hollywood, premio de la crítica del Festival de Venecia y con 12 nominaciones al Oscar, "Cisne Negro" es un thriller a la moda, con su porción de sangre, miserias humanas, violencia e imprescindible escatología del best seller cinematográfico actual. Estrenada en EEUU hace un mes y en UK esta semana, en España se anuncia para el próximo 18 de febrero.
Lo que no es, aunque se venda así, es un film de o sobre la danza.
De hecho, la historia podría escoger cualquier situación sociolaboral actual, para ahondar en las paranoias y obsesiones de unos personajes que, en vez de ser bailarines, coreógrafos, directores de compañías de ballet, maestros de danza o mamas de bailarina, podrían ser becarias de informativos del telediario, agentes de bolsa, directores de banco, ministras de economía o marchantes de arte.
"Cisne Negro" nada tiene que ver con "Grease" "Cantando Bajo La Lluvia", "West Side Story", "Billy Elliot", "Siete Novias para Siete Hermanos", "Un Americano en Paris", "Las Zapatillas Rojas", "Dansu wo Shimasho Ka" "Vuele a mi"... ni siquiera se aproxima a "Fama" o Dirty Dancing". No, no es un testimonio de la angustia existencial del artista y su lucha por dar testimonio mediante su arte, "Cisne Negro" es un producto de esa dinámica imperante en el Hollywood chic de hoy, que fagocita y banaliza todo lo que toca.
Con el título: "What Britain's ballet stars made of Black Swan" la crítica de danza del Guardian londinense Judith Mackrell, invitó, el pasado martes, a visualizar con ella la película de marras a cuatro bailarines: Tamara Rojo, Lauren Cuthbertson, Edward Watson y Elena Clurdjidze y a la directora del Ballet Black; Cassa Pancho. Tras contemplarla, Judith pidió la opinión de estos bailarines acerca de la verosimilitud y el rigor del film respecto al ballet.
Las respuestas de estos grandes bailarines no fue positiva, tampoco la de Judith Mackrell (Enlace al artículo del Guardian) sin embargo, los comentarios de los lectores del diario británico en la red, muestra con claridad el perjuicio que una película de este porte, puede hacer al ya dañado prestigio del ballet y la danza.
P.R. Barreno - 6 de enero de 2011
Dancing in the Dark: "El Ballet es reducido a clichés cutres en la pelicula "Cisne Negro"
En varios países se ha estrenado la película "Black Swan" (Cisne Negro). La semana próxima se estrenará en España. Por su probable repercusión y las referencias que nos llegan, consideramos conveniente traducir la crítica del escritor, editor y prestigioso crítico del The New York Observer; Robert Gottlieb. ¿Qué ha hecho el ballet para merecer esto? se pregunta Robert Gottlieb.
Texto original del The New York Observer del 7 de diciembre de 2010 traducido por S. Diez.
Hay tanto de horroroso en el psicodrama de sangre y tutú Cisne Negro que, perversamente, quiero empezar con lo que hay de bueno en él. En realidad, trata de ser honesto acerca de cómo es la vida de los bailarines de ballet (de las mujeres, ya que, los chicos son apenas perceptibles en la ficticia compañía de ballet de la película). Contemplamos lo duro del trabajo de las chicas, como desean mejores roles, cómo soportan el dolor físico cual componente inevitable de su actividad. Y su protagonista, Natalie Portman, es como súper guay. Habiendo recibido una formación de ballet cuando era niña, su interpretación parece plausible, aunque para lo que baila (cuando su doble no está haciendo la danza de verdad) no es para que se proclame como particularmente dotada.
Por supuesto es muy guapa, y su pálida tez, delgado cuerpo y la intensidad de su sola nota basta para darle un aire de bailarina. Que su voz es minúscula y monótona no es un problema, los bailarines no tienen que hablar como Sarah Bernhardt. Que su actuación sea monótona es un problema pero esta no es una película que dependa de la profundidad de la actuación; se trata de sorprender al público, no de persuadirlo.
Lo que realmente importa es que Cisne Negro muestra y exagera todos los clichés de las anteriores películas de ballet, especialmente The Red Shoes (La Zapatilla Roja), otro cuento sobre una bailarina arrastrada a la locura y al suicidio. La protagonista del clásico de Michael Powell sufre porque está desgarrada entre la Vida y el Arte. La heroína de Cisne Negro sufre porque tiene una destructiva madre-ballet (como si esto fuera único), porque tiene impulsos lésbicos (que emergen en una de sus psicofantasías) y porque es frígida, un serio prejuicio de los guionistas y directores masculinos, que parecen encontrar la frigidez personalmente ofensiva. Claramente, ¡tiene que morir!.
"LA DANZA EN ESPAÑA, ¿STAR SYSTEM" O "FULANISMO"?
Segunda parte de "Estrellas o estrellados".
Tras los rifirrafes acaecidos en los encuentros de Expodanza 2010 y MERCARTES, donde se apuntaron diferentes estrategias y modelos aplicables a los retos económicos y culturales (tanto monta) a los que se enfrentan nuestras Artes Escénicas, me ha parecido saludable ampliar algunos aspectos señalados en el artículo "Estrellas o estrellados" aquí publicado.
Aunque dentro de las Artes Escénicas la situación actual no es igual para cada Arte, me llamó la atención que fuera el presidente de la SGAE; Eduardo Bautista, quien señalara en MERCARTES, como uno de los mayores hándicaps para la obtención de nuevos públicos y la consolidación de los actuales, la falta de un "Star system" en nuestras Artes Escénicas.
Por otro lado, la reacción de una parte considerable de los asistentes al debate «Pasado, presente y futuro de la Danza en España» organizado por Expodanza ante la mención del Star System, me lleva a cavilar si no va siendo hora de preguntarnos que entendemos por un concepto tan manoseado por las ideologías como este. Quizá su pecado original sea haberse desarrollado a principios del siglo XX por la entonces naciente industria cinematográfica de Hollywood. Quizá no ayude el que más tarde fuera la industria discográfica quien lo usara profusamente, en fin, es probable que su utilización grosera por parte de la industria deportiva no sea un buen aval. Pero el rasgado de vestiduras y el cuelgue de sambenitos por parte de los tutores del "Arte puro y profundo" me recuerda las historias que cuenta Tom Wolfe en ¿Quién teme al Bauhaus feroz?.
El rechazo visceral no puede argumentarse. Ni siquiera la manoseada libertad creativa puede soslayar un hecho incontrovertible: Cuando una obra es producida para representarse en la escena se convierte en un producto o servicio, todo lo intangible que se quiera pero producto que hay que "vender" al consumidor al que, por buenos motivos, seguimos llamando público. En el momento en que se anuncia y publicita la futura representación, sea a viva voz por el pregonero del pueblo, en una revista contracultural o en la revista del business class de Iberia, se está publicitando un producto para que sea consumido del mismo modo que otros espectáculos o bienes "intangibles" como la enseñanza de matemáticas, la carrera de fórmula 1 en el circuito de mi pueblo, el partido de futbol contra el equipo rival de mi pueblo, etc. etc. Es decir, lo que algunos economistas llaman la promoción y venta de una promesa.
Tengo la impresión que a estas alturas etiquetarse como "puros" o "comerciales" tiene pocos resultados prácticos. La realidad y la historia, cuando se utilizan como fuentes de experiencia y no como antifaces, demuestran que muchos de los grandes genios del Arte fueron y son unos grandes publicistas. Los "Avida dollars" florecieron antes de la llegada de Salvador Dalí a Nueva York y siguen floreciendo cada día por todos los lugares del planeta, nos guste o no.
Como he señalado en el artículo "Estrellas o estrellados", uno de los ejemplos más significativos para la danza es, como subraya la reconocida biografía de Diágilev: "The Passions of an Impresario" de Sjeng Scheijen, que Diágilev fue, ante todo, un empresario que basaba su estrategia promocional en un trípode solido: la promoción continua de estrellas, la novedad en las propuestas y la creación de expectativas en el público antes del estreno de una obra.
Sin embargo, el ejemplo de Diágilev y otros más recientes, no han sido tenidos en cuenta en España ni por los "gestores culturales" ni por los artistas ni por los empresarios. Esta omisión parece centrarse en dos motivos. El primero puede obedecer a nuestra tradición teatral que se remonta al siglo de oro, cuando las compañías, sobre todo las de la legua, las componían familias enteras por imposición del Consejo Supremo de la Inquisición y los autos y reglamentos del Consejo Real, que imponían la obligación de las actrices y bailarinas a estar casadas para poder trabajar. El segundo, quizá como consecuencia de aquellos lodos, es la falta de estímulos legales para el establecimiento de compañías enfocadas hacia la permanencia.
Como fuere, es constatable que las compañías fundadas sobre estrategias institucionalistas, si resisten los primeros años, suelen pervivir durante varias generaciones mientras que, aquellas basadas en la personalidad del artista (en este caso bailarín o coreógrafo) desaparecen, más pronto que tarde, con el fallecimiento o el retiro del personificado.
Mientras que en España la personalización de las compañías de danza es ascendente, Antonia Mercé llamó a su compañía "les Ballets Espagnols", Mariemma: Ballet de España, Antonio personaliza la suya llamándola "Antonio Ballet Español" y las compañías de Gades, Ullate y siguientes muestran la tendencia al fulanismo.
Todo lo contrario ha sucedido y sucede en otros lugares. El dúo Balanchine- Kirstein fundó el School of American Ballet y el American Ballet, Ramber, Markova, Dolin, Ninette de Valois fundaron y ayudaron a fundar compañías prestigiosas: Ballet Club (mucho más tarde Ballet Ramber in memoriam) Vic Wells Ballet por ser el nombre del teatro donde actuaban (hoy Royal Ballet) Festival Ballet (hoy English National Ballet) etc.
Todos estos ejemplos lograron éxito gracias al impulso de artistas sagaces que antepusieron a su ego el fin de fundamentar una compañía perdurable. Para ello, además de contar con leyes estimuladoras de asociaciones no lucrativas como los "financial endowments" y, atención, el isabelino Charitable Uses Act de 1601 o la francesa "loi 1901?, recurrieron profusamente al Star system. El caso de la perspicaz Ninette de Valois, que sin duda asimiló bien su experiencia como bailarina de Los Ballets Rusos de Diágilev, con el lanzamiento al estrellato de la joven Margaret "Peggy" Hookam como Margot Fonteyn, debería ser una asignatura troncal en la formación profesional de danza y en las escuelas de marketing.
P.R. Barreno. 12 de noviembre de 2010.
Desde que nuestra Asociación emprendió estudios sobre el sistema teatral de España hace cinco años, dos acontecimientos están determinando un vuelco general del conjunto del sistema: La crisis económica, cuyas consecuencias para las Artes Escénicas no han hecho más que empezar, y la estrategia empresarial de la dirección de la SGAE apoyada en los ingresos procedentes del canon compensatorio por copia privada que, desde la ultima reforma de la ley de Propiedad Intelectual de 2006, se han incrementado exponencialmente.
El artículo 39 del Real Decreto 1434/1992 impone a las entidades de gestión de derechos de propiedad intelectual destinar el 20% de su recaudación, en concepto de remuneración compensatoria por copia privada, a promover actividades o servicios de carácter asistencial en beneficio de sus socios y atender las actividades de formación y promoción de autores y artistas intérpretes o ejecutantes.
Esta obligación impulsó a las entidades de gestión españolas a constituir fundaciones sin ánimo de lucro para llevar a cabo dichos servicios. Creada por la SGAE en 1997, la Fundación Autor apoya diversos proyectos profesionales y académicos. A pesar de que en el último año auditado (2008) la recaudación cayó un 8,6% y la SGAE declaró pérdidas en sus cuentas de resultados, la Fundación Autor ha multiplicado en 3 años por 110 sus activos. La punta de lanza del entramado de sociedades y fundaciones es Arteria Promociones Culturales S.L. (antes Iberautor Promociones Culturales). Esta sociedad mercantil tiene registradas a su nombre 54 marcas comerciales y, en apenas cinco años, con inversiones que superan los 400 millones de euros, ha adquirido 8 teatros y un cine en las principales ciudades españolas, además de otros teatros en Buenos Aires, México y Nueva York.
Con la adquisición del 51% de las acciones de Wonderland Entertainment, Arteria S.L. fichó al productor y director de Wonderland Luis Álvarez, para la gestión de sus teatros. Con estas operaciones financieras y corporativas, Arteria S.L. se ha convertido en la principal propietaria privada de localidades de teatro de España, con capacidad de producir y exhibir espectáculos de proyección internacional.
Que una fundación sin ánimo de lucro de una sociedad de gestión de derechos de autor, asimismo sin ánimo de lucro, haya creado, en tiempo record, un grupo empresarial privado de primer orden, ha dejado perplejos a los empresarios del lugar, al complejo gestor de los teatros públicos y a no pocos empresarios y autoridades culturales de unos cuantos países. Dejando a un lado las cuestiones morales y legales del fenómeno, es evidente que Arteria y sus satélites han modificado radicalmente el panorama del sistema teatral en España.
Por otro lado, el levantado de alfombras previsible, tras las elecciones autonómicas y municipales de mayo, puede dejar en pecata minuta la situación financiera descubierta hace unas semanas en la Generalidad de Cataluña. De hecho, todo parece indicar que el comienzo de la reconversión de buena parte de los teatros públicos está a la vuelta de la esquina.
No obstante, la irrupción de Arteria y la prolongación de la crisis está moderando las expectativas de los Martínez, Cimarro, Colubí, Cornejo, Salabarría, etc. respecto a los saldos procedentes de la presagiada "privatización" de unos cuantos teatros públicos. Así, la acusación de «competencia desleal» sigue la pauta del sottovoce del sector privado, tan pusilánime como colaboracionista con un sistema que ha permitido la perversión de los costes teatrales, con la consiguiente aniquilación de las giras resultantes del éxito de la obra.
Para la danza las consecuencias de los cambios acaecidos y los que se avecinan no parecen halagüeños. Si bien es cierto que el sistema que agoniza no fue capaz de afianzar un tejido escénico capaz de representar los diferentes estilos de danza en función de la demanda, ni siquiera en los tiempos en que se incrementó el número de espectadores, las prácticas del "a taquilla" y las producciones al estilo "Live from New York" indican por donde van las tendencias.
Enlace a la página 2ª de artículos de danza, ballet y otras cosas del año 2010
La Asociación Cultural Amigos de la Danza Tepsícore está inscrita en el RGA, grupo 1, sección 1, Número Nacional: 586287

References: resolución 
 Artículo 200
 artículo 200
 resolución 
 resolución 
 artículo 39
 Real Decreto