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Timestamp: 2020-08-07 04:44:31+00:00

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capitulo-06 | Color | Perspectiva (Gráfica)
capitulo-06
Maria de los Angeles Taborda
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Marcas Termoplasticas Cp
estapas del niño
valeio adami mic
01 Color en Iluminacion Escenica
programacion3eso
Proyecto Artes PreguntArte 6
Ritmo y espacio en la pintura bizantina
clase a clase plantilla 2ºJULIO (1).doc
TEMA 2 LA PERCEPCIÓN DEL COLOR
1 Primera Clase
Laforge Formula Impresionista
acerca de los Contenidos troncales
Al finalizar la escuela secundaria los estudiantes se- rán capaces de:
La unidad curricular de Artes es el único espacio en la estructura que ofrece la posibilidad de opción a los estudiantes entre talleres de distintos lenguajes. Esta particularidad genera la posibilidad de múltiples reco- rridos; por lo tanto, se hace imposible priorizar conte- nidos troncales de uno u otro lenguaje. Por tal motivo, se trabajó para que los objetivos de finalización sean lo suficientemente orientadores de los saberes que se esperan de los estudiantes. De este modo, además, se deja abierta la posibilidad de ampliar las opciones de los estudiantes incluyendo nuevos lenguajes artísti- cos dentro de la oferta de la formación general.
 Fundamentar y explicar por qué el arte es una ma- nifestación cultural compleja, dinámica y cambiante.
 Entender al arte como una forma de conocimiento, expresión y comunicación de emociones, ideas y sentimientos.
 Participar en diversas actividades de producción ar- tística en las que tengan que poner en juego la ex- periencia acumulada y las habilidades desarrolladas en torno a los lenguajes artísticos.
 Utilizar materiales, herramientas y procedimientos específicos de alguno/s de los lenguajes artísticos para la realización de producciones expresivas.
 Apreciar en contexto diversas producciones artísti- cas, ya sean propias, de sus pares o de creadores de diferentes épocas y lugares, utilizando procesos de análisis, síntesis y producción de sentido.
 Valorar el patrimonio artístico de la Ciudad como bien público que se encuentra a disposición de to- dos los ciudadanos.
mINISTERIO DE EDUCACIÓN DIRECCIÓN GENERAL DE PLANEAMIENTO educativo
GERENCIA OPERATIVA DE CURRÍCULUM
Los talleres de Artes Visuales de la escuela secundaria proponen un espacio destinado a profundizar los cono- cimientos plásticos y visuales de los estudiantes, a tra- vés de experiencias en las que interactúen con imágenes mediante la producción, la comprensión y la apropiación de prácticas artísticas. En el taller se pondrá especial énfasis en el carácter social de las manifestaciones artísticas, considerando al arte como una forma de conocimiento capaz de ampliar la manera de comprender el mundo desde lo poético y metafórico. El modo particular de interpretar y transfor- mar la realidad que propone este conocimiento permitirá desarrollar distintas capacidades: la síntesis, la abstrac- ción y la simbolización. Cuando los estudiantes ingresan en la escuela secun- daria tienen algún vínculo con las imágenes, expresan in- clinaciones estéticas y opiniones personales respecto de la cultura visual. Haber transitado por los distintos nive- les de educación facilita la conformación de este bagaje que, a su vez, se articula con todo aquello que la familia y los grupos sociales de referencia han aportado. Reciben también la influencia de las representaciones sociales circulantes, cuya presencia se evidencia principalmente en los medios masivos de comunicación, modelando gran parte de las elecciones visuales y opiniones de los adolescentes. Por este motivo, el taller de Artes Visuales apuntará a la construcción del pensamiento visual crítico, permitiendo a los alumnos la elaboración de significados personales. Se procurará reflexionar acerca del carácter polisémico de las imágenes, dado que las prácticas ar- tísticas poseen en su dimensión productiva y apreciati- va aspectos que se transforman y cambian a través del tiempo conforme el contexto de producción.
Se propone abordar la enseñanza enfatizando la pro- ducción significativa, reflexiva e intencional. En este mar- co, se considera que el “hacer” y “producir” imágenes bi y/o tridimensionales suponen intencionalidad, la cual, acompañada de imaginación, da lugar a la invención/ creación. En este caso, la representación puede adop- tar un carácter descriptivo, expresivo, imaginario, sim- bólico, estético y/o discursivo. La conceptualización de los componentes del lenguaje visual forma parte de la praxis artística, donde la reflexión en torno a la selección de soportes, herramientas y materiales contribuye a re- forzar las condiciones que nos posibilitan la elaboración de sentido. A lo largo de la escuela secundaria, los estudiantes acceden a la cultura visual como productores y espec- tadores activos, desarrollando paulatinamente cierta autonomía, lo cual contribuye a su formación como su- jetos críticos y creativos. Además, se espera que en el taller valoren diversas producciones artísticas, per- mitiéndoles expresar ideas, construir conocimientos, compartir puntos de vista, opiniones, y apropiarse del patrimonio cultural. En primer año, el taller de Artes Visuales ofrecerá a los alumnos un amplio campo de experiencias vinculadas a la creación visual, permitiendo que realicen sus propias producciones, las cuales serán proyectadas y elabora- das conforme una intencionalidad estética, expresiva y/o discursiva. El tránsito por este taller deberá brindar a los estudiantes las herramientas y componentes del lenguaje visual, priorizando la realización de producciones signifi- cativas. Durante el segundo año, el trabajo del taller pro- curará ampliar y profundizar la experiencia creativa de los alumnos, propiciando a través de sus prácticas la
En el taller se pondrá especial énfasis en el carácter social de las manifestaciones artísticas, considerando al arte como una forma de conocimiento capaz de ampliar la manera de comprender el mundo desde lo poético y metafórico. El modo particular de interpretar y transformar la realidad que propone este conocimiento permitirá desarrollar distintas capacidades: la síntesis, la abstracción y la simbolización.
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Durante todos los años se deberán aportar nuevas experiencias estéticas a los estudiantes, propiciando la participación activa y re exiva en prácticas artísticas contemporáneas, superando de esta manera actividades que propongan la mera manipulación de elementos visuales en ejercicios de aplicación y/o copia.
reflexión y apropiación del universo simbólico que pro- vee la cultura visual. En el tercer año, se profundiza- rán tanto la producción visual como la audiovisual. Se abordarán el arte público contemporáneo y la relación entre las obras y los espectadores en cualquier ámbi- to, tradicional o no. La producción poética metafórica, en tercer año, atenderá los componentes ficcionales, considerando que la simulación de la realidad propia de las prácticas artísticas permite la presentación de mundos imaginarios, fantásticos, oníricos, entre otros. Como práctica de taller, resultará adecuado utilizar diversos recursos y técnicas para la creación de for- mas y/o imágenes individuales, grupales y colectivas. Durante todos los años se deberán aportar nuevas ex- periencias estéticas a los estudiantes, propiciando la participación activa y reflexiva en prácticas artísticas contemporáneas, superando de esta manera activida- des que propongan la mera manipulación de elemen- tos visuales en ejercicios de aplicación y/o copia. Se sugiere centrar el trabajo en actividades que su- pongan la resolución de problemáticas derivadas de la exploración y organización visual, que contribuyan desde la producción, la apreciación y la contextualiza- ción a la construcción de sentido. Teniendo presente que no es necesario limitarse a una carpeta, y que las prácticas artísticas contemporáneas habilitan un escenario muy amplio y variado, se sugiere realizar propuestas de pequeño y gran formato, y considerar distintos soportes como pantallas, cartones, madera, tela, proyecciones, etcétera. Las nuevas tecnologías brindan herramientas que requieren prácticas específicas; se sugiere proponer actividades que aborden la producción fotográfica
digital. Se recomienda incorporar recursos visuales como presentaciones, libros de artistas, blogs y por- tafolios virtuales, en reemplazo o complementando la tradicional carpeta de plástica. Este diseño presenta ejes de contenidos, los cua- les deben ser articulados entre sí, ya que no suponen un orden para la enseñanza. Por el contrario, la pro-
puesta de este taller requiere que el docente organice
y secuencie el recorrido, para lo cual considerará las
características del grupo de estudiantes, los recursos
y materiales de que dispone, los intereses del alum-
nado, de la escuela y el tiempo disponible de cursa-
da. Se promoverá la articulación de contenidos de los diferentes ejes en proyectos concretos. Por ejemplo, los estudiantes podrán elaborar publicaciones, histo- rietas, libros de artistas, pop up, mail art (arte correo), en los que se cuestionen estereotipos publicitarios de género, o se aborden problemáticas de cooperación
y convivencia democrática. También se pueden reali-
zar proyectos en los que se aborden la representación de la figura humana, el cuerpo en la contemporanei-
dad, el retrato fotográfico y la representación del rostro como cualidad identitaria. Se sugiere incentivar la pro- ducción colectiva en la que se visibilicen problemáti- cas juveniles de género, la defensa de la diversidad o
la construcción de la memoria, mediante instalaciones
y/o intervenciones realizadas en espacio escolar. Para la distribución de los contenidos en los dos años del ciclo básico y en el tercer año de la orienta- ción, se ha tenido en cuenta el grado de opcionalidad por lenguaje artístico que los talleres de Arte revisten para los alumnos y/o las escuelas. Se parte del su- puesto de que los estudiantes podrán cursar uno, dos
o tres talleres correspondientes a Artes Visuales en su
escolaridad secundaria. En todos los casos, la pro- puesta debe contemplar la heterogeneidad de los gru- pos que se conforman, ofreciendo desafíos para cada uno de los estudiantes según su experiencia previa. Podrá observarse que los contenidos incluyen cier- tas reiteraciones. La recurrencia en el tratamiento de ciertos temas responde a la consideración de que po- siblemente nuevos estudiantes se estén integrando a los talleres, y también a la necesidad, por parte de los alumnos que ya cursaron el taller de Artes Visuales en años anteriores, de recuperar, complejizar y recon- textualizar los contenidos en el marco de una nueva situación de enseñanza.
Los contenidos se organizan en tres ejes: Producción, Apreciación y Contextualización, los cuales estructuran todos los talleres de Artes.
Los contenidos aquí agrupados están vinculados con los diferentes aspectos que hacen a la producción de imágenes en tanto proceso de creación. En este senti- do, se espera que los alumnos sean capaces de reco-
nocer distintos tipos de intencionalidades que mueven
a la producción visual, abordando diversos métodos o
perspectivas que les permitan traspasar la concepción mimética como una meta a alcanzar. Se espera que los alumnos puedan identificar dis- tintas alternativas para encarar sus propios procesos de realización. Desde este eje, se intenta superar la dicotomía entre teoría y práctica, ya que sostenemos
que desde la producción se puede acceder a concep- tualizaciones y reflexiones propias de la praxis artística. Es importante que los jóvenes puedan establecer relaciones entre sus ideas y/o imágenes mentales con los distintos aspectos propios de la materialidad de la creación visual, tales como la selección y uso de ma- teriales, la identificación de las herramientas adecua- das para su transformación o la forma más propicia de utilizar materiales y herramientas disponibles, según lo que se quiera realizar. Los contenidos de este eje sitúan a los jóvenes como creadores de las imágenes, vinculando intere- ses, ideas y experiencias materializadas en las produc- ciones. En cada propuesta de producción y a través de la resolución de los problemas que la utilización del lenguaje plantea, los alumnos podrán explorar y cons- truir individual, grupal y/o colectivamente sus obras. El eje Producción abarca procesos que integran la acción, la percepción, la sensibilidad y el pensamiento al servicio de la presentación de la imagen. En este marco, las actividades deben concebirse como genui- nos procesos de creación para la realización de imá- genes significativas para los alumnos, evitando que se conviertan en meros “ejercicios visuales”. Dado que se propicia una mirada al proceso de creación en un sen- tido amplio, los contenidos han sido pensados para permitir su integración en diversos proyectos de ense- ñanza y no para trabajarlos en forma aislada.
El eje Producción abarca procesos que integran la acción, la percepción, la sensibilidad y el pensamiento al servicio de la presentación de la imagen. En este marco, las actividades deben concebirse como genuinos procesos de creación para la realización de imágenes signi cativas para los alumnos, evitando que se conviertan en meros “ejercicios visuales”.
Los contenidos de este eje orientan, desarrollan y profundizan los procesos de expectación activa de la imagen, entendiendo que la educación de la mirada y
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También se espera que los alumnos puedan conocer las características de los circuitos de producción y difusión de la producción visual, multimedial y audiovisual de la Ciudad, en tanto espacios o ciales valorados socialmente, así como también los espacios alternativos cuestionados y/o ignorados por la industria cultural.
la construcción de sentido son procesos culturales y deben formar parte de los contenidos a trabajar en la escuela. La apreciación no se limita al análisis formal de las imágenes, tampoco a la expresión de gustos per- sonales; si bien abarca estos aspectos, apunta a tras- cender y poner en acción conjunta y complementaria la inteligencia, la sensorialidad y la sensibilidad para cons- truir sentidos en torno a las imágenes que los alumnos producen y las que el docente propone y les acerca para ver. La apreciación refiere a la comprensión y valora- ción de manifestaciones artísticas visuales y audiovi- suales, propias y de creadores, con el propósito de enriquecer la imaginación, la reflexión y la producción, desarrollando una mirada atenta y crítica. En este sen- tido, es importante estimular la visita a muestras, ex- posiciones y museos, así como también descubrir en producciones urbanas los discursos visuales de sus muros y su arquitectura.
Los contenidos agrupados en este eje tienen por fina- lidad conocer conceptos y problemáticas vinculados a las artes visuales en el seno de distintas sociedades, atendiendo particularmente a la cosmovisión de los grupos humanos que gestaron su producción. Abor- damos la imagen como elemento inscripto en una
determinada situación cultural, pero que a su vez la sobrevive, trascendiendo su significación en forma di- námica y mutante, creando de esta manera pliegues o capas de significados. Este eje está articulado con la producción y la apreciación, de manera que los con- tenidos atienden a problemáticas del lenguaje visual, planteando distintas ideas y nudos conceptuales evi- denciados en las imágenes a través del tiempo. Por este motivo, no están planteados como secuencia cronológico-temporal ni asociados en forma restrin- gida con la historia del arte. También se espera que los alumnos puedan conocer las características de los circuitos de producción y difusión de la producción vi- sual, multimedial y audiovisual de la Ciudad, en tanto espacios oficiales valorados socialmente, así como también los espacios alternativos cuestionados y/o ig- norados por la industria cultural. La presentación de los contenidos por ejes no pre- tende sugerir una secuencia para su tratamiento en la enseñanza. De acuerdo con las propuestas de tra- bajo diseñadas por los docentes, se focalizarán algu- nos contenidos de cada eje en distintos momentos. Para cada secuencia, unidad o proyecto áulico, se recomienda considerar un abordaje que comprenda contenidos correspondientes a por lo menos dos de los ejes presentados, con la perspectiva de promover aprendizajes complementarios.
Propósitos de enseñanza de las Artes Visuales
 Ofrecer una visión del arte como forma de cono- cimiento del mundo, expresión y comunicación de emociones, ideas y sentimientos, generando expe- riencias que permitan reflexionar acerca de las pro- ducciones visuales como manifestaciones comple- jas, dinámicas y cambiantes.
 Promover experiencias que permitan recuperar y ampliar los conocimientos propios del lenguaje vi- sual y ponerlos en juego en la realización de produc- ciones significativas para los estudiantes.
 Brindar oportunidades para que los alumnos parti- cipen en la planificación, desarrollo y evaluación de producciones visuales individuales y/o colectivas, con creciente autonomía.
 Ofrecer situaciones de enseñanza para que los es- tudiantes aprecien diversas producciones (propias, de los pares y de creadores de diferentes épocas y
lugares) y desarrollen su sensibilidad estética y ca- pacidad de análisis.
 Promover la utilización de las nuevas tecnologías en la realización de las producciones artísticas junto con el empleo de los procedimientos y recursos usuales.
 Garantizar la inclusión de experiencias vinculadas al arte contemporáneo atendiendo a sus característi- cas de ruptura, entrecruzamiento y mezcla de len- guajes.
 Facilitar el encuentro con creadores de diferentes disciplinas artísticas para conocer las características de los procesos de creación, la intencionalidad esté- tica y el trabajo profesional.
 Ofrecer situaciones de enseñanza para que los es- tudiantes eviten cualquier forma de discriminación y expresen sentimientos y emociones en un clima de confianza y respeto por el otro.
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Al finalizar primer año, los estudiantes serán capaces de:
 Realizar producciones bidimensionales y tridimen- sionales, considerando la relación entre los com- ponentes del lenguaje, la distribución y la organiza- ción dentro del campo plástico.
 Utilizar e identificar los componentes del lenguaje visual, considerando los indicadores espaciales, los puntos de vista, las variaciones de color, el tinte, la saturación, la iluminación, el valor, la textura y la materialidad.
 Elaborar matrices de impresión en la producción de tirajes seriados de diseños de creación individual y/o grupal, a partir de una técnica gráfica.
 Utilizar e identificar los elementos constitutivos de la producción tridimensional en modelados y/o ta- llados de esculturas de bulto y/o bajorrelieves.
 Analizar críticamente las producciones propias y de los pares, considerando la relación entre las inten- ciones expresadas y los resultados obtenidos.
 Analizar los modos de producción y circulación de las imágenes artísticas y construir opinión argu- mentada.
 Relacionar y analizar las prácticas artísticas confor- me al contexto cultural en el cual fueron y/o son producidas.
Los contenidos de Artes Visuales se organizan al- rededor de los ejes de Producción, Apreciación y Contextualización. Se recomienda la articulación de los contenidos correspondientes a los diversos ejes en la planificación de la enseñanza. Se contemplará
EJE: PRODUCCIÓN
en primer año la utilización de los componentes propios del lenguaje y su distribución en el campo plástico, considerando la reproducción, circulación y difusión de las obras bidimensionales y tridimen- sionales.
Materia y factura: textura, plasticidad, exploración y experimentación matérica
El material que se utiliza en el soporte de una producción, las herramientas y los recursos seleccionados para el trabajo en el taller resultan elementos de gran valor expresivo. En esta propuesta, comprendemos la factura como el modo distintivo y particular de utilizar el material. Se propone aquí una exploración en torno a las posibilidades de la materia, no en sentido funcional, es decir como mero elemento de uso, sino concebida como un componente portador de cualidades.
Texturas visuales/ópticas; imperceptibles al tacto de la super cie.
Se espera que los estudiantes comprendan las posibilidades compositivas que les brindan las texturas visuales, considerando que presentan dinamismo, regularidad, contraste, etc. Por ejemplo, utilizar las texturas visuales de la tipografía de periódicos, organizándolos conforme los valores (altos, medios y bajos) que poseen, modelando de esta manera la super cie de la gura y el fondo.
Texturas táctiles; perceptibles al tacto y la visión, presentan variaciones con el cambio de luz.
Se propone abordar las posibilidades compositivas de la textura táctil, utilizando la propia del material tanto como la generada mediante plegado, arrugado, rasgado, etc.
Plasticidad de la materia: densa, leve, uida, pastosa, arenosa, entre otras.
Se sugiere que intervengan y modi quen los materiales para obtener distintas cualidades plásticas. Por ejemplo, modi car la densidad de la témpera y/o acrílico con talco o polvo de arcilla y utilizar distintas herramientas para su manipulación y aplicación. Esgra ar con el material aún fresco con el cabo de un pincel y diseñar a través del surco dibujos tribales, dejando marcas tatuadas, huellas y cicatrices en la super cie.
Técnicas para generar texturas: frottage, collage, salpicado, entre otras.
La producción de texturas resulta una oportunidad privilegiada para plantear procesos de exploración y descubrimiento. Se pueden realizar variantes en la aplicación de pinturas líquidas, generando chorreados, salpicados, soplados, etc. Las técnicas de transferencia mecánica (frottage, gofrado) y de impresión combinadas entre sí posibilitan un proceso de producción dinámico, colaborativo y propicio para actividades grupales.
Artes visuales 159
NES Nueva Escuela Secundaria de la Ciudad de Buenos Aires
Marcas de la gestualidad, factura: el trazo, la pincelada, los empastes
Con la adquisición de experiencia y destreza en la manipulación de materiales se pueden generar formas singulares e improntas personales para realizar marcas gestuales.
Textura en esculturas de bulto y relieve. La textura en el arte textil. Entramados, tejidos y anudados.
Para la construcción tridimensional, se sugiere realizar experiencias en las que se utilicen tramas o entramados mixtos de distintos materiales. El arte textil contemporáneo toma materiales y técnicas propias de la tradición del arte originario del actual territorio americano y los combina con materiales no convencionales (plástico, celuloide, cables, entre otros) que pueden tratarse mediante anudados, trenzados, etc.
Espacio-forma: distribución, organización y tensiones en el campo plástico
Se propone abordar el tratamiento de los conceptos de espacio y forma de manera relacional, considerando los componentes de la imagen.
Aspectos formales del campo plástico, gura y fondo.
Se pueden plantear consignas de organización y distribución de las guras sobre el fondo, variando intencionalmente las posiciones, generando direccionalidad, agrupando o distanciando las guras, modi cando el eje vertical u horizontal a oblicuo. Se pueden utilizar guras recortadas y/o rasgadas, facilitando el desplazamiento sobre el fondo, ajustando su distribución a la posición deseada.
 La dirección: relación entre la posición de las guras respecto del límite de la imagen.
 El intervalo: tamaño del espacio entre los elementos guras.
 La actitud: relación entre las guras y la estructura del campo.
Tipos de guras y formas:
Se sugiere abordar el conocimiento de las distintas formas (abiertas, cerradas) en producciones signi cativas para los alumnos, superando las prácticas clasi catorias de catalogación descontextualizada. Se propone utilizar técnicas de calado, troquelado, collage, haciendo uso de diseños en positivo, negativo y fragmentos.
 abiertas: integradas parcial o totalmente al fondo;
 cerradas: aisladas del fondo mediante la presencia de un contorno continuo.
La adecuada selección de soportes, herramientas y materiales contribuye a organizar la composición en función del sentido que se le pretende atribuir. Desde las miniaturas a las gigantografías, existe un abanico de posibilidades organizativas que responden a necesidades particulares y colectivas de producción. Se recomienda abordar soportes, materiales y tamaños no convencionales.
Relación entre el soporte y los elementos visuales. La composición.
Escultura de bulto, alto y bajo relieve:
Para conocer en profundidad la relación espacio-forma se requiere la realización de trabajos tridimensionales. Se pueden proponer variantes en el tratamiento lateral, frontal, integral del volumen, según se opte por una producción de bulto o un relieve.
tratamiento del volumen.
El modelado y/o tallado: cóncavo, convexo, hueco, sólido, entrantes, salientes, abierto, cerrado.
La práctica del modelado posibilita que los alumnos tomen decisiones relacionadas con dar forma, agregar material o suprimirlo. Para el tallado, se debe tener en cuenta que esta técnica requiere liberar gradualmente la forma. Por ejemplo, tallar poliuretano adquirido comercialmente como esponja y desbastar la forma con tijeras de punta na.
Representación de la tridimensión en la bidimensión: indicadores espaciales.
La representación de la distancia y de la profundidad en la bidimensión ha sido resuelta por distintas culturas y sociedades a través de diversos sistemas y convenciones. Es posible articular aquí, del eje Contextualización, el contenido referido a: la relación espacio-forma, indicadores espaciales, relación tamaño-jerarquía, el color en las esculturas, pinturas y objetos rituales y/o funerarios de las culturas antiguas. La representación de la bidimensión es un tipo de problemática particular cuyas soluciones son múltiples. Por ejemplo, se pueden ensayar y explorar diferentes soluciones para dar cuenta de la tridimensión, mediante la aplicación de distorsiones, variación de tamaño, superposición y yuxtaposición de elementos, adecuando su ubicación en el campo visual bidimensional.
 Distribución en el plano: superposición, yuxtaposición.
 Ilusión cerca/lejos: distorsión, deformación expresiva, extrañamiento.
 Tamaño, variaciones de escala.
Perspectiva lineal: línea de tierra, línea de horizonte y punto de vista.
Abordar la enseñanza de la perspectiva lineal requiere el análisis de la visión monocular y la comprensión del efecto producido al fugar líneas paralelas. Se propone la utilización de línea de tierra, línea del horizonte y punto de vista en representaciones de interiores y espacios abiertos.
Luz-color: valor, tono, saturación, luminosidad
Se propone abordar los contenidos luz y color desde un enfoque relacional, en tanto se aspira a trascender el planteo aislado o sumativo de cada uno. No se pretende abordar la teoría del color, sino que los alumnos conozcan las problemáticas vinculadas a la relación luz-color y que indaguen diversas soluciones posibles, poniéndolas en juego en producciones signi cativas. Durante el trayecto formativo escolar de nivel primario los alumnos han tenido experiencias plásticas relacionadas con el color. Estos conocimientos operarán como saberes previos desde los cuales plantear nuevos aspectos y/o problematizar lo ya conocido. Es deseable que se comprenda que el color no es el “relleno” de la forma o el espacio, sino que se trata de un componente constructivo de la imagen. Por lo tanto, no se espera la realización de escalas o círculos cromáticos, ni su “aplicación” descontextualizada.
Mezcla pigmentaria o sustractiva: formación de colores y sus variaciones.
 Colores básicos o primarios.
 Colores secundarios y terciarios.
Modulación o enriquecimiento del tono.
Grado de saturación.
Es importante trascender la concepción y el uso mimético del color y la luz, para dar lugar a nuevas maneras de concebirlos y de utilizarlos. Se propone explorar variaciones de tinte y/o saturación generando sombras coloreadas. Se sugiere utilizar la iluminación para generar en la imagen climas visuales, fantasmagóricos, extraños, festivos, lúgubres, espirituales, etc., dado que se espera que los alumnos descubran que lo lumínico no se limita al claroscuro, ni a reglas que rigen la proyección de luces y sombras.
Tinte. Valor, modelado y efecto escultórico del volumen mediante la utilización de acromáticos.
Representación de la luz en producciones bidimensionales
Se sugiere la exploración cromática y lumínica con distintos materiales, permitiendo descubrir procesos de transformación. Por ejemplo, usar programas digitales de edición fotográ ca que posibiliten modi car el brillo, el contraste, el matiz, la saturación de las imágenes, logrando de esta manera adecuar el cromatismo a la intencionalidad poética de la imagen.
Policromía y modi cación del color del material en la tridimensión.
La incorporación de color en esculturas, relieves o producciones tridimensionales posibilita realzar composiciones formales, acentuando el sentido de la producción. Por ejemplo, se puede retomar el trabajo de poliuretano mencionado y darle color con acrílico diluido.
Las sombras propias y las proyectadas en el entorno.
Tanto en la escultura de bulto como en el relieve, las sombras inciden sobre el volumen, por lo cual es recomendable explorar con distintas fuentes lumínicas (velas, linternas, cuarzo, etc.). Esta actividad resultará útil en el caso de organizar una eventual exhibición.
Artes visuales 161
Imagen única y reproductibilidad seriada. Circulación y reproducción gráﬁca
Las artes visuales están fuertemente ligadas a la idea de obra de arte única y aurática. Sin embargo, se incluye la noción de producción múltiple y/o seriada enfatizando el sentido otorgado a la repetición y circulación de obras visuales en la contemporaneidad.
Procedimientos del grabado en hueco o en relieve.
Para el tratamiento de este grupo de contenidos el docente deberá abordar al menos una de las técnicas de reproducción grá ca. Cada docente de nirá los recursos, procedimientos y técnicas apropiados para el aula, atendiendo a las posibilidades de cada grupo y al equipamiento material del taller. Por ejemplo, utilizar plantillas (stencil) realizadas por los alumnos para reproducir las imágenes en distintos soportes (papel de escenografía, tela, indumentaria), utilizar aerosol o pintura para tela aplicada con esponja o muñeca. En este trabajo, los alumnos podrán combinar e intercambiar sus diseños, complejizando la composición.
Se sugiere indagar y experimentar con recursos técnicos no tradicionales en producciones artísticas contemporáneas. Por ejemplo, emplear fotocopias, impresiones láser o inkjet en la confección de revistas de historietas de edición limitada y/o libros de artistas seriados.
Reproducción analógica de la imagen mediante la utilización de medios tecnológicos.
Circulación de la imagen digital. Virtualidad:
La web habilita un nuevo medio de circulación de imágenes. Con este recurso se ha modi cado y democratizado el acceso a las mismas. Las imágenes, al ser incluidas en las redes sociales y publicaciones virtuales, generan nuevos signi cados. Por ejemplo, realizar experiencias de búsqueda en la web, así como también crear espacios virtuales en los cuales los alumnos pongan en circulación sus producciones visuales.
acceso, búsqueda y difusión de imágenes.
EJE: APRECIACIÓN
Construcción de la mirada, percepción y conocimiento
Enseñar a mirar requiere considerar la función selectiva e intencional de la percepción. En este marco, atención, memoria, intencionalidad, contexto simbólico cultural y experiencia del sujeto son aspectos que inciden en la atribución de sentido y la comprensión de lo percibido.
La percepción de las cualidades visuales. La experiencia estética, la contemplación activa.
A partir de las “constancias visuales” aprendemos y comprendemos el entorno. Estas constancias visuales constituyen huellas/imágenes que registra la memoria y son percibidas como cualidades que afectan directamente nuestra experiencia estética.
Observación y análisis de las producciones propias y de los pares
Criterios para apreciar la materia-factura, la relaciones espacio-forma y luz-color:
trabajo de taller requiere de instancias de re exión y apreciación, en donde los alumnos puedan dar cuenta de las
intenciones y soluciones encontradas en la producción. Para esta tarea, es necesario jar de antemano en qué cuestiones se va a poner el acento, facilitando y guiando la observación. La elaboración de una guía semiestructurada podría resultar un buen instrumento para realizar esta actividad.
 cualidades de la materia y la factura lograda;
 indicadores espaciales, cercanía o vecindad (al lado de, alrededor de, dentro de, delante, detrás);
Durante el proceso de producción van surgiendo diferentes inquietudes, se buscan diversas soluciones y se toman decisiones. Por lo tanto, el momento de la apreciación será el indicado para re exionar e intercambiar ideas para seguir trabajando y mejorar las próximas producciones. Puede utilizarse este momento como una oportunidad para realizar una evaluación continua del proceso que tiene lugar en el taller, destacando los avances en relación con trabajos anteriores. La práctica de apreciación también puede contribuir a aceptar la opinión de los compañeros en relación con la producción propia y promover un aprendizaje que destaque el respeto y la valoración del trabajo de los pares.
 aspectos perceptivos que indican distancia, lejanía;
 factores que generan el clima visual de la imagen: tono, valor, saturación, proyección de sombras, etc.
Relación entre las consignas de trabajo, la intencionalidad del autor y los resultados obtenidos.
Observación y análisis de las obras de los artistas
Es importante que en el taller se aborden obras de distintas épocas y autores en articulación con los contenidos trabajados. Además de identi car, reconocer y describir los elementos visuales que integran las obras, se espera que
El tratamiento de la materia en función de la signi cación y resigni cación temporal en una producción simbólica.
comprendan el carácter transformador, abierto y polisémico de las prácticas artísticas. Para ello, se sugiere acercar imágenes (análogas y/o digitales) de las producciones artísticas de las culturas y los creadores sugeridos en el corpus o referenciados en el eje contextualización.
partir de la investigación y/o documentación de las diversas tecnologías de producción artística, se puede relacionar
La utilización de indicadores espaciales:
las imágenes con los usos y funciones que les han sido socialmente otorgadas. Por ejemplo, se puede abordar el arte textil y el arte cerámico en función de la signi cación de la materia, la jerarquía
la connotación de la jerarquía en relación con la posición, el tamaño y la actitud de las guras. El tratamiento del espacio en función de la cosmovisión.
denotada por el tamaño de las guras en las culturas mesoamericanas, la simbología de la luz y el color en las vidrieras góticas.
El manejo de la luz y el color: el tratamiento simbólico.
Artes visuales 163
EJE: CONTEXTUALIZACIÓN
La obra como sistema de producción simbólica y proceso sociocultural dinámico
El docente seleccionará al menos dos de los siguientes contenidos, articulándolos en los proyectos de trabajo sin necesidad de atenerse a una secuencia cronológica:
través de la producción artística los seres humanos mani estan sus experiencias en un contexto social determinado.
Por lo tanto, las obras son objetos que llevan a re exionar sobre las formas de pensamiento de la cultura en la que se producen y/o produjeron. En función de los contenidos y las actividades realizadas en los otros ejes, el docente determinará cuáles de los contenidos de contextualización le permiten profundizar saberes. Resultará apropiado trabajar los contenidos de este eje integrándolos en proyectos de producción. En este marco, se consideran el espacio y su representación como social y culturalmente construidos. Se propone, para primer año, revisar la representación espacial de alguna cultura y/o civilización antigua, como podrían ser la maya, la egipcia, la azteca, la asiria, etc.
La relación espacio-forma, los indicadores espaciales, la relación tamaño-jerarquía, el color, en las esculturas, pinturas y objetos rituales y/o funerarios de las culturas antiguas.
Se pueden relacionar las producciones de sociedades jerarquizadas del mundo antiguo, que se han caracterizado por utilizar una espacialidad designada como “horror al vacío” o abordar las soluciones espaciales que organizan la profundidad como arriba (lejos) y abajo (cerca), o incluso relacionar el tamaño de cada imagen en función de la jerarquía.
Algunas culturas dieron especial tratamiento a la representación del ámbito destinado a los seres espirituales, ángeles, dioses, santos. Las producciones artísticas medievales resultan un buen ejemplo para trabajar la construcción del espacio divino.
arte románico, el gótico y el barroco colonial evitan la representación del paisaje. Los cielos y fondos representados
La utilización de la luz y el color, la representación del espacio en diversos contextos socioculturales.
son dorados, simbolizando de esta manera su pertenencia al mundo espiritual. La vidriera gótica utiliza la luz y el color en correspondencia con la mística requerida para las celebraciones religiosas e introduce una concepción lumínica como portadora del don divino. El humanismo concibe el espacio y la representación de la naturaleza desde la producción matemática y geométrica. Se sugiere abordar las producciones de autores de los siglos XV y XVI que utilizan la perspectiva como construcción simbólica. Resulta apropiado considerar la perspectiva atmosférica, el tratamiento de la luz y el color utilizado por Leonardo da Vinci mediante la técnica del esfumado (sfumato).
El espacio y la representación de la profundidad. La utilización de la perspectiva lineal. La perspectiva invertida en la estampa japonesa.
Las culturas orientales proponen una representación espacial contraria a la occidental mediante la utilización de
El nacimiento del grabado en la Edad Media, la prensa tipográ ca, la xilografía y la reproducción mecánica de la imagen.
perspectiva invertida. Estas estampas in uirán en las vanguardias del siglo XIX, especialmente en el grupo de
impresionistas europeos. La contemporaneidad retoma el tratamiento espacial de la estampa japonesa, por lo cual se propone considerar su in uencia en producciones de historietas, animé, cómic.
La circulación de la imagen en el mundo contemporáneo, la fotografía, la fotocopia y la imagen digital.
La necesidad de la reproducción múltiple y difusión de imágenes surge en un contexto histórico y social determinado, propicio para la difusión de ideas a través de la prensa tipográ ca. La imprenta como innovación tecnológica trajo asociados cambios culturales revolucionarios.
La tecnología digital irrumpe en la circulación de la imagen de manera vertiginosa. Esta profusión de imágenes genera cambios perceptivos y cognitivos. Se propone re exionar sobre las posibilidades democráticas y participativas que los nuevos medios habilitan.
El patrimonio artístico de la Ciudad
Se intenta favorecer el conocimiento y acceso a las propuestas culturales presentes en la Ciudad. Se sugiere desarrollar actividades que promuevan la circulación de información sobre distintos circuitos de exhibición, como ferias de arte y diseño, muestras temporarias en museos, festivales de cine, salones de arte, etcétera. Se sugiere promover visitas a talleres y/o muestras, poniendo en contacto a los alumnos con artistas contemporáneos, favoreciendo el intercambio y el diálogo, a través de entrevistas acerca de los modos de producción en la actualidad.
Diferentes circuitos de producción, exhibición y circulación de las obras. Concurrencia a muestras en museos y/o galerías.
Los artistas del presente: ámbitos y herramientas de la creación contemporánea.
Los jóvenes poseen criterios propios que orientan el juicio y la valoración que asignan a la cultura. En este sentido, se recomienda especialmente que el docente promueva el análisis, procurando entre los alumnos la aceptación del pensamiento divergente, dando lugar a una actitud participativa y re exiva sobre las imágenes que se producen en la contemporaneidad. Por ejemplo, propiciar la re exión y el debate sobre la consecuencia ética y estética de la divulgación y/o puesta en circulación de las imágenes. Para ello, es necesario considerar aquello que se muestra, cómo y dónde se lo exhibe, así como también a quién corresponde la responsabilidad de darlo a conocer.
Aspectos éticos y estéticos en la difusión y circulación de imágenes:
 la imagen pública y privada;
 consentimiento expreso para la difusión de imágenes y respeto por las diferencias;
 libertad de expresión y censura.
Artes visuales 165
La educación secundaria requiere la apropiación, por parte de los estudiantes, de distintas formas de conoci- miento y técnicas. Algunas de estas son compartidas por diversas materias, por ejemplo: el análisis de textos, la elaboración de resúmenes y de síntesis, la lectura de gráficos. Sin embargo, estos modos de conocer adquieren especificidad en el marco de las diferentes áreas.
En el taller de Artes Visuales de primer año cobran particular relevancia:
 La re exión sobre la producción visual (bidimensional, tridimensional, seriada, virtual):
 la identi cación de soportes, materiales y herramientas utilizados para la resolución de problemas técnicos y expresivos;
 la utilización de las destrezas y habilidades desarrolladas en la resolución de nuevos problemas compositivos, discursivos y expresivos;
 la participación en prácticas grupales que exigen el alcance de acuerdos y la distribución de roles;
 la utilización de diversas técnicas (tradicionales y no tradicionales) en función de la intencionalidad de la producción.
 El análisis del contexto de producción de obras tradicionales y contemporáneas.
 La comprensión de las prácticas artísticas como producciones simbólicas metafóricas.
Las prácticas artísticas constituyen, en sí mismas, formas de conocimiento acerca del mundo social, acerca de los hombres y la cultura en la que viven. Por este motivo, es la práctica el contenido que articula todo conocimien- to posible. Para entender cómo las representaciones creadas a partir de recursos artísticos producen significado es preciso enfrentarse con la propia experiencia. En este sentido, la forma en que el estudiante se enfrente a la resolución de problemas espaciales, cromáticos, materiales, interpretativos, entre otros, construirá conocimientos perceptuales, expresivos y procedimentales. Toda práctica requiere de instancias de exploración y descubrimiento, improvisación y reflexión, construcción y deconstrucción, individualización y generalización. El hacer artístico implica la investigación de la forma y el mate- rial, la formulación de hipótesis, la constatación de la hipótesis mediante la concreción de la obra, la evaluación del proceso, la difusión y circulación. La cualidad poético/metafórica de la imagen artística requiere la interpretación, acción indispensable para la apropiación del significado. El modo indicado para abordar un conocimiento artístico vincula necesariamente ex- periencias de expectación activa y de producción. Es por estas razones que consideramos innecesaria la explicitación de técnicas de estudio en esta presentación.
 Realizar imágenes seleccionando y utilizando los elementos del lenguaje visual: color, paleta, marco, encuadre, equilibrio compositivo, contraste, lumi- nosidad, volumen.  Realizar composiciones estáticas y dinámicas con- siderando el tratamiento espacial, formal, cromá- tico y matérico en función de la construcción de sentido.
 Construir opinión argumentada sobre obras obser- vadas utilizando el vocabulario específico del len- guaje visual, analizando críticamente las produccio- nes propias y de los pares, considerando la relación entre las intenciones expresadas y los resultados obtenidos.
 Identificar los cambios estéticos, poéticos y discursivos que introducen los movimientos de vanguardia moder- nos en torno a los problemas del lenguaje visual.
Artes visuales 167
Los contenidos de Artes Visuales se organizan alrededor de los ejes de Producción, Apreciación y Contextualización. Se recomienda la articulación de los contenidos correspondientes a los diversos ejes en la planificación de la enseñanza. En 2º año, se pone el énfasis en la composición, las tensiones y la dinámica generada dentro del campo visual bidimensional y tridimensional.
Materia y factura: texturas mixtas, combinación, transformación y apropiación del objeto (ready made)
Consideramos que las texturas naturales y arti ciales del entorno cotidiano ofrecen una amplia diversidad y variedad de materiales para trabajar en el taller, lo que complejiza su selección, manipulación y/o modi cación. Se sugiere tener en cuenta las cualidades expresivas, táctiles y subjetivas que poseen al organizarlas en una composición. Por ejemplo, se puede utilizar el soporte y/o el elemento texturado sin modi car sus cualidades táctiles y visuales en una primera instancia y, posteriormente, modi car mecánica o manualmente las super cies, transformándolas en función del sentido de la obra o la temática del proyecto. En la imagen tridimensional se pueden utilizar los mismos criterios mencionados antes, además se pueden incluir objetos, transformarlos y modi car sus propiedades originales en función de su tratamiento en volumen.
Combinación de materiales: pictóricos y grá cos, tradicionales y no convencionales.
Las calidades de distintos materiales en ensamblajes y/o instalaciones.
La inclusión del objeto cotidiano y de uso (total y/o fragmentado) como elemento formal resigni cado.
En este año, se sugiere utilizar objetos para incorporar en las composiciones, prestando especial atención a los adhesivos y su compatibilidad con los materiales.
Por ejemplo, para adherir elementos como telgopor, plástico, porcelana o madera, se necesitan pegamentos especí cos, dado que los tradicionales los pueden corroer o destruir.
Procesos de modi cación de las calidades de los materiales (espesar, diluir, fragmentar, pegar, etc.).
Se incorporan contenidos relacionados con el arte textil. En las escuelas que dispongan de recursos necesarios para la producción cerámica se sugiere realizar al menos una experiencia.
La combinación de las calidades de los materiales. Relaciones armónicas y contraste.
Recursos del arte textil y/o cerámico.
Espacio-forma: marco, encuadre, profundidad del campo visual, peso compositivo y equilibrio
Los contenidos espacio-forma se presentan de manera vinculada, ya que aportan a la imagen la estructura que facilita la atribución de sentido.
Marco, relación soporte-forma:
Se propone abordar el tratamiento del límite natural o sensible de la imagen, que opera como cierre o recorte del campo plástico. En este sentido, el marco límite nos permite aislar y separar la imagen del entorno, como ocurre con las fotografías, láminas o pósters. El marco objeto incorpora a la imagen una separación tangible, delimitando el espacio considerado “fuera de marco”. El tratamiento del marco objeto cobra especial relevancia en las producciones contemporáneas.
 marco límite;
 marco objeto;
 fuera de marco.
Marco y formato del campo plástico:
Por ejemplo, elaborar marcos superponiendo molduras de madera, media caña, listones de madera balsa o cartón, en cuya super cie se expanda el diseño, integrándolo a la composición, conservando el estilo y factura de la imagen contenida, reforzando el sentido de transición entre el campo plástico y el entorno.
 regular;
 irregular.
Encuadre, profundidad del campo visual, tipos de planos:
Se sugiere la realización de marcos con estructuras regulares (cuadrangulares, rectangulares, circulares), irregulares, que puedan adoptar formatos que sugieran guras reales o irreales, considerando el emplazamiento que se le otorgará a la producción. Esta experiencia permitirá establecer, previamente, las necesidades compositivas en función del soporte elegido.
 plano general;
 plano medio;
 primer plano;
Comprendemos el encuadre como la actividad propia del marco, su movilidad potencial, una ventana ilusoria que recorta. Por lo general, este contenido suele estar relacionado con la producción fotográ ca o cinematográ ca; sin embargo, estos conceptos también pueden ser trabajados en cualquier imagen bidimensional, ya sea dibujo, pintura o grabado. En 2º año se considerará el encuadre desde la selección del plano, determinando la distancia que media entre el objeto y el observador. Por ejemplo, se puede realizar un proyecto fotográ co que aborde la representación del cuerpo utilizando distintos planos (general, detalle, medio, etc.), revelando las cualidades signi cativas e identitarias de los retratados.
 plano detalle.
Peso compositivo, tipos de equilibrio:
 ejes de re exión;
 simetría: axial, lateral, horizontal, radial;
 asimetría, equilibrio oculto.
Distribución de guras en el plano y en el espacio tridimensional:
El equilibrio se comprende como el peso compositivo resultante de la distribución de guras y formas en el campo plástico. Se sugiere abordar la noción de simetría y ejes de re exión en una experiencia exploratoria; en manchas o collage se pueden identi car simetrías axiales y radiales.
 agrupamiento;
Se propone abordar la distribución de las guras en el plano con técnicas de collage y fotomontaje, utilizando imágenes diseñadas previamente. Por ejemplo, utilizar copias de retratos trabajados en primer plano y mediante recortes, y troquelados para resolver una propuesta compositiva en función de las agrupaciones, repeticiones, superposiciones e imbricaciones necesarias, para un tratamiento dinámico de la super cie.
 yuxtaposición;
 superposición;
 inclusión;
 imbricación;
 repetición.
Representación de la tridimensión en el plano:
Se propone abordar las proyecciones de plantas y planos en una propuesta expresiva y signi cativa para el alumno, representando temas de su interés; por ejemplo, diseñar laberintos, recorridos de juegos de video, ciudades fantásticas, territorios imaginados, etc. Para ello, será necesario representar elementos o formas contemplando el ángulo de visión.
 formas rebatidas;
 vistas;
 plantas.
En la propuesta tridimensional de 2º año se propone el tratamiento del volumen mediante técnicas constructivas por adición o transformación. Se sugiere preparar bocetos previos en donde puedan considerarse dimensión, equilibrio físico o puntos de apoyo. Abordar la enseñanza de la geometría en este taller requiere otorgarle una cualidad expresiva a la producción. No proponemos aquí la construcción de los sólidos elementales (cilindro, cubo, pirámide), sino la interacción de los elementos geométricos en una composición signi cativa. Por ejemplo, se pueden construir móviles y caleidociclos.
Construcciones y estructuras escultóricas:
 ensamblado;
 apilado;
 encastrado;
 plegado.
Artes visuales 169
Luz-color: paletas armónicas, contraste y luminosidad
En esta propuesta, se considera que la selección y utilización del color debe ir más allá de la representación mimética. No se pretende que el alumno adquiera un conocimiento cientí co del sistema de la visión, el color y la luz, sino promover la experimentación cromática y la selección de combinaciones armónicas. Sugerimos re exionar junto a los alumnos acerca del carácter cambiante y dinámico de las variaciones cromáticas.
Utilización y selección de paletas:
 acromáticas;
 monocromáticas;
Para estudiar las paletas armónicas, se propone abordar las cualidades simbólicas del color y sus combinaciones, evitando ejercitaciones de clasi cación o la medición porcentual de super cies coloreadas. Por ejemplo, a partir de la producción de retratos fotográ cos mencionados anteriormente, se propone reelaborar el cromatismo de las fotografías con gurando el matiz y la saturación mediante programas de edición de imágenes. En el caso de no poseer soportes digitales, se puede trabajar con acuarelas sobre fotocopias monocromas.
 policromáticas.
Policromado de estructuras ensambladas, plegadas, encastradas, apiladas.
Contrastes de factores tonales: simultáneo, de temperatura, inducido. Contrastes de factores formales. Contraste de tinte. Ilusiones ópticas.
Para trabajar el cromatismo de las formas tridimensionales se puede modi car totalmente el color del material, apelando
resaltar o destacar su carga simbólica, o se puede mantener el color, aplicando pátinas o barnices para jarlo.
Las cualidades tonales inciden en la percepción, desvirtuando y distorsionando el tinte. Es así como, mediante el contraste de complementarios, de análogos o acromáticos, podemos apreciar ilusiones ópticas. Podemos generar estos efectos mediante el uso del color o la elección de la forma.
Dirección de la luz, la incidencia y tipos de iluminación:
Se destaca en esta propuesta la incorporación de la iluminación como contenido para trabajar en la tridimensión, dado que la proyección de sombras desde distintos ángulos incide en la expresividad de la forma trabajada. Por ejemplo, el contraluz genera un halo de misterio, porque oculta y recorta; la cenital baña verticalmente las super cies destacando los ejes verticales; la frontal suaviza las salientes contrarrestando la presencia de volumen. Estos efectos condicionan la elección de la iluminación en la producción.
 lateral;
 frontal;
 cenital;
 contraluz.
Las formas de percibir y de signi car estructuran y construyen la manera en que vemos y nos manifestamos en el mundo.
La percepción de la totalidad por sobre las partes o elementos que conforman la imagen.
En nuestra experiencia del entorno cotidiano, la percepción articula la información que recibimos desde los sentidos, lo cual nos permite percibir totalidades. Esta característica perceptual mantiene una condición de jerarquía del todo por sobre las partes que lo integran, tal como lo establece la teoría de la Gestalt.
Aspectos perceptivos que permiten la diferenciación entre gura y fondo. La condición reversible.
En el momento de apreciar una imagen, el acto perceptivo diferencia las guras y el fondo, organizando de esta manera
comprensión. Por lo tanto, resulta complejo percibir y reconocer simultáneamente la gura y el fondo en el mismo
instante. Mediante la alternancia protagónica de gura como fondo y fondo como gura, podemos apreciar y ejercitar la condición reversible de algunas imágenes.
El trabajo de taller propone instancias de re exión y apreciación, en donde los alumnos pueden dar cuenta de las intenciones y soluciones encontradas en el proceso de producción. Para esta tarea, es necesario jar de antemano en qué cuestiones se va a poner el acento, facilitando y guiando la observación. Por ejemplo, la elaboración de un portafolio podría resultar un buen instrumento para registrar el avance del proceso de producción. Los alumnos podrán consignar las decisiones, comentarios, cambios, ensayos y modi caciones que van surgiendo en el hacer.
Criterios para apreciar las relaciones espacio-forma, luz-color, materia-factura:
 elección del marco;
 plano y encuadre;
 cualidad de la materia;
Durante el proceso productivo van surgiendo diferentes inquietudes, se buscan diversas soluciones y se toman decisiones. Por lo tanto, el momento de la apreciación será el indicado para re exionar e intercambiar ideas para seguir trabajando y mejorar las próximas producciones. Puede utilizarse este momento como una oportunidad para realizar una re exión del proceso que tiene lugar en el taller, destacando los avances en relación con trabajos anteriores. La práctica de apreciación también puede contribuir a aceptar la opinión de los compañeros en relación con la producción propia y promover un aprendizaje que destaque el respeto y la valoración del trabajo de los compañeros.
 peso compositivo: simetrías y asimetrías;
 tratamiento del volumen;
 elección de paletas;
 contrastes propuestos;
 tipo de iluminación elegida.
Es importante que en el taller se aborden obras y autores en articulación con los contenidos trabajados en los ejes. Producción y Contextualización. Además de identi car, reconocer y describir los elementos visuales que integran las obras, se espera que comprendan el carácter transformador, abierto y polisémico de las prácticas artísticas. Para ello, se sugiere acercar imágenes (análogas y/o digitales) de las producciones artísticas de las culturas y los creadores incluidos en el corpus del anexo o las que han sido seleccionadas para trabajar con el eje Contextualización. Investigar, reunir catálogos o documentación de producciones artísticas permitirá establecer relaciones entre las imágenes y los usos y funciones que les han sido socialmente otorgadas.
Las cualidades materiales e inmateriales del arte moderno y contemporáneo. Lo mítico, lo onírico, lo subjetivo trasmitido en la apropiación de objetos cotidianos y de uso.
La composición y distribución de los componentes visuales a partir del desarrollo de recursos de representación como la fotografía.
El espacio plástico moderno, rupturas y continuidades en el arte latinoamericano. La luz y el color local, la impronta del paisaje local y americano.
El tratamiento de la materia en función de la signi cación y resigni cación temporal de una producción simbólica.
Artes visuales 171
En función de los contenidos y las actividades realizadas en los otros ejes, el docente determinará cuáles de los contenidos de Contextualización le permiten profundizar saberes, articulándolos con su proyecto de trabajo.
través de la producción artística, los seres humanos mani estan sus experiencias en un contexto social
El docente seleccionará al menos dos de los siguientes contenidos, articulándolos en los
determinado. Por lo tanto, las obras son objetos que llevan a re exionar sobre las formas de pensamiento de la cultura en la que se producen o se produjeron.
proyectos de trabajo sin necesidad de atenerse
una secuencia cronológica:
Se sugiere abordar el conjunto de modi caciones y decisiones en torno a la representación espacial que caracteriza
las sociedades de los siglos XIX y XX.
La destrucción del espacio plástico y la descomposición de la luz: impresionismo y puntillismo.
Durante los dos últimos siglos, se producen rupturas que dan lugar a los llamados movimientos de vanguardia. No proponemos su estudio o interpretación cronológica, sino abordarlos como diferentes soluciones a un problema. Por ejemplo, el impresionismo dará respuesta a la representación al aire libre, introduciendo el problema de la luz en relación con la línea de contorno. El cubismo, en cambio, se ocupa de las dimensiones del espacio, intentando introducir la cuarta dimensión a través del movimiento (desplazando y fragmentando instantes). Otro problema contemporáneo que interesa abordar con los estudiantes focaliza las obras de los artistas que introducen un nuevo tratamiento del color, de la materia (como la inclusión del collage) y de la luz (arti cial).
El tratamiento del espacio representado:
geometrización y estilización en el constructivismo y la abstracción geométrica. Los planos de luz en el cubismo y en el futurismo.
Las rupturas en la representación del espacio:
fragmentación, desplazamiento, rebatimiento, superposición, yuxtaposición: cubismo, fauvismo, expresionismo, surrealismo.
El tratamiento del color y la luz en el arte óptico, el arte lumínico y el cinético.
El tratamiento de la materia en el expresionismo abstracto. La corriente informalista.
Interesa favorecer el conocimiento y acceso a las propuestas culturales presentes en la Ciudad. Se sugiere desarrollar actividades que promuevan la circulación de información sobre distintos circuitos de exhibición, como ferias de arte y diseño, muestras temporarias en museos, festivales de cine, salones de arte, etc.
Diferentes circuitos de producción, exhibición
circulación de las obras. Concurrencia a muestras en museos y/o galerías.
Se sugiere promover visitas a talleres y/o muestras, poniendo en contacto a los alumnos con artistas contemporáneos, favoreciendo el intercambio y el diálogo a través de entrevistas acerca de los modos de producción contemporáneos.
La educación secundaria requiere la apropiación, por parte de los estudiantes, de distintas formas de conocimiento y técnicas. Algunas de estas son compartidas por diversas materias, por ejemplo: el análisis de textos, la elaboración de resúmenes y de síntesis, la lectura de gráficos. Sin embargo, estos modos de conocer adquieren especificidad en el marco de las diferentes áreas.
En el taller de Artes Visuales de segundo año cobran particular relevancia:
 La re exión sobre la producción visual (bidimensional, tridimensional, estática, dinámica, virtual, pública):
Las prácticas artísticas constituyen, en sí mismas, formas de conocimiento acerca del mundo social, acerca de los hombres y la cultura en la que viven. Por este motivo, es la práctica el contenido que articula todo conocimiento posible. Para entender cómo las representaciones creadas a partir de recursos artísticos producen significado es pre- ciso enfrentarse con la propia experiencia. En este sentido, la forma en que el estudiante se enfrente a la resolución de problemas espaciales, cromáticos, materiales, interpretativos, entre otros, construirá conocimientos perceptuales, expresivos y procedimentales. Toda práctica requiere de instancias de exploración y descubrimiento, improvisación y reflexión, construcción y deconstrucción, individualización y generalización. El hacer artístico implica la investigación de la forma y el material, la formulación de hipótesis, la constatación de la hipótesis mediante la concreción de la obra, la evaluación del proceso, la difusión y circulación. La cualidad poético/metafórica de la imagen artística requiere la interpretación, acción indispensable para la apro- piación del significado. El modo indicado para abordar un conocimiento artístico vincula necesariamente experiencias de expectación activa y de producción. Es por estas razones que consideramos innecesaria la explicitación de técnicas de estudio en esta presentación.
Artes visuales 173
TALLER DE ARTES VISUALES PRIMER AÑO
Un programa de evaluación es una estructura compuesta por distintas instancias e instrumen- tos de evaluación, que permiten evaluar apren- dizajes diversos y atienden a los diferentes pro- pósitos de la evaluación. El programa de evaluación debe diseñarse a partir de los objetivos anuales de la materia.
La evaluación se orienta a la mejora de los procesos de aprendizaje y de enseñanza y brinda información a alumnos y docentes para tomar decisiones orientadas a la mejora continua. El diseño del programa deberá contemplar las si- guientes características:
 Incluir al menos tres instancias de evaluación por alumno por trimestre y/o cuatrimestre.
 Contemplar la evaluación de distintos tipos de aprendizaje (conocimientos, procedimientos, habi- lidades, actitudes, etc.).
 Contemplar la evaluación del proceso de aprendi- zaje de los alumnos.
 Incluir situaciones de evaluación de inicio, formativa y final.
 Promover la utilización de diversas propuestas de
evaluación (trabajos prácticos y presentaciones, coloquios, port folios, análisis de casos, matrices de valoración). Para el diseño del programa de evaluación del taller de Artes Visuales, adquiere especial relevancia la con- sideración del progreso alcanzado por los estudiantes en las prácticas propuestas, en relación con el nivel inicial detectado a través de la evaluación diagnóstica. Es importante considerar que la evaluación en Ar- tes Visuales no deberá entenderse en un solo sentido, sino que requiere de diferentes criterios e instrumen- tos según se trate de los procedimientos implicados en las prácticas de producción visual, de contextuali- zación y apreciación reflexiva.
En relación con las prácticas de producción bi- dimensional y tridimensional se evaluará atendien- do a los siguientes indicadores:
 Identificación gráfica, plástica y espacial de los componentes esenciales de la producción visual.
 Capacidad de elegir materiales y soportes ade- cuados para cada situación de representación.
 Incorporación de los componentes del lenguaje
visual en sus producciones en función de la in- tencionalidad deseada.
 Dominio de las características de físicas y materiales de distintas herramientas y soportes de producción.
 Correspondencia entre las ideas elaboradas y las consignas.
 Capacidad de reflexionar sobre su propia práctica.
 Capacidad para aportar y recibir ideas para tra- bajar en equipo en proyectos colaborativos y cooperativos.
Recomendaciones La evaluación de los desempeños vinculados a la pro- ducción visual bi y tridimensional, se realiza a través de la técnica de observación. Al ser el proceso de pro- ducción el aspecto más relevante a considerar, será necesario que el docente elabore instrumentos tales como grillas, listas de cotejo, registros visuales y archi- vos digitales, que permitan determinar los avances al- canzados en cada etapa de la producción en distintos momentos del trabajo. En el caso de realizar produc- ciones efímeras será necesario registrar visualmente procesos y productos para evaluar el desempeño de cada estudiante. Al trabajar con jóvenes y adolescentes, no puede soslayarse su participación en las prácticas de evalua- ción a través del trabajo con instrumentos que permitan la co-evaluación y autoevaluación. En relación con las prácticas de apreciación acti- va y contextualización, se evaluará atendiendo a los siguientes indicadores:
 Capacidad para expresar observaciones pre- cisas respecto a su propio trabajo y el de los compañeros.
 Reconocimiento de la función y dinámica y cam- biante de las diferentes manifestaciones visuales conforme el contexto cultural de producción.
 Capacidad para identificar la utilización de los com- ponentes del lenguaje visual en función de la expre- sión, la comunicación de ideas y sentimientos.
 Atención a las características generales de las obras, los distintos movimientos y estilos de pro- ducción visual, identificando concepciones y mi- radas originadas en cada contexto socio cultural.
Para la evaluación, el docente puede valerse de puestas en común al final de alguna clase o al finalizar la produc- ción, procurando propiciar el debate. También resulta oportuno que los estudiantes elaboren catálogos, me- morias, portafolios, bitácoras o crónicas, estos instru- mentos permiten evidenciar recorridos de aprendizajes. La elaboración de este tipo de instrumentos ayuda a objetivar diversas opiniones personales y permite a los estudiantes desarrollar capacidades vinculadas a la ar- gumentación y la justificación de sus opiniones hacien- do uso de los conocimientos adquiridos, integrando contenidos de los distintos ejes en sus elaboraciones.
Al trabajar con jóvenes y adolescentes, no puede soslayarse su participación en las prácticas de evaluación a través del trabajo con instrumentos que permitan la co-evaluación y autoevaluación.
Artes visuales 175
La evaluación en Artes visuales requiere de diferentes criterios e instrumentos según se trate de los procedimientos implicados en las prácticas de producción visual, de contextualización y apreciación re exiva.
TALLER DE ARTES VISUALES SEGUNDO AÑO
Cada profesor deberá desarrollar un programa de evaluación. Un programa de evaluación es una estructura com- puesta por distintas instancias e instrumentos de eva- luación, que permiten evaluar aprendizajes diversos y
atienden a los diferentes propósitos de la evaluación. El programa de evaluación debe diseñarse a partir de los objetivos anuales de la materia. La evaluación debe orientarse a la mejora de los procesos de aprendizaje y debe brindar información a alumnos y docentes para tomar decisiones orientadas a la mejora continua. El diseño del programa deberá contemplar las si- guientes características:
 Incluir al menos tres instancias de evaluación por alumno por trimestre.
 Contemplar la evaluación de distintos tipos de apren- dizaje (conocimientos, procedimientos, habilidades, actitudes, etc.).
 Contemplar la evaluación del proceso de aprendiza- je de los alumnos.
 Promover la utilización de diversas propuestas de eva- luación (trabajos prácticos y presentaciones, coloquios, portfolios, análisis de casos, matrices de valoración).
Para el diseño del programa de evaluación del taller de Artes Visuales, será necesario contemplar el pro- greso alcanzado por los estudiantes en relación con el nivel inicial detectado en el diagnóstico y adquiere especial relevancia la particularidad de que los grupos
están conformados por estudiantes con diferentes re- corridos y aprendizajes alcanzados. Tal como se ha explicitado en las orientaciones para la enseñanza, es necesario de trabajar a partir del nivel de cada estu- diante y por lo tanto evaluar el progreso de cada estu- diante en particular.
La evaluación en Artes Visuales requiere de diferen- tes criterios e instrumentos según se trate de los pro- cedimientos implicados en las prácticas de producción visual, de contextualización y apreciación reflexiva.
En relación con las prácticas de producción bidi- mensional y tridimensional se evaluará atendiendo a los siguientes indicadores:
 Dominio en la transformación de la materia real y/o virtual conforme la intencionalidad deseada.
 Capacidad para definir encuadres, formatos y so- portes en el campo plástico en cada situación de representación.
 Incorporación de los componentes visuales tác- tiles, gráficos, cromáticos, espaciales, tanto ana- lógicos como virtuales, para organizar sus pro- ducciones.
 Capacidad para crear individual y grupalmente.
 Capacidad de volver sobre sus trabajos a través de la experimentación y la revisión.
Recomendaciones La evaluación de los desempeños vinculados a la pro- ducción visual bi y tridimensional, se realiza a través de la técnica de observación. Al ser el proceso de pro- ducción el aspecto más relevante a considerar, será necesario que el docente elabore instrumentos tales como grillas, listas de cotejo, registros visuales y archi- vos digitales, que permitan determinar los avances al- canzados en cada etapa de la producción en distintos momentos del trabajo. En el caso de realizar produc- ciones efímeras será necesario registrar visualmente procesos y productos para evaluar el desempeño de cada estudiante. Al trabajar con jóvenes y adolescentes, no puede soslayarse su participación en las prácticas de evalua- ción a través del trabajo con instrumentos que permitan la co-evaluación y autoevaluación.
En relación con las prácticas de apreciación acti- va y contextualización, se evaluará atendiendo a los siguientes indicadores:
 Capacidad para expresar observaciones precisas sobre el propio trabajo y el los compañeros.
 Reconocimiento de las continuidades y de los cambios en diversos contextos culturales.
 Capacidad para incluir en sus argumentaciones vocabulario específico del lenguaje visual.
 Atención a las características generales de la pro- ducción contemporánea, identificando hibridación y combinación de diversos lenguajes artísticos.
Artes visuales 177
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