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Timestamp: 2020-06-06 08:04:57+00:00

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Decodificando la Jerga de Diseño Gráfico: Parte 1
Los diseñadores gráficos pueden ser un grupo confuso, algunas veces se siente como si hablarán un idioma completamente diferente. Si usted está en el extremo receptor de una agencia, entonces podría sentirse un poco abrumado, pero a menudo el significado detrás de las frases que suena complicadas, en realidad son fáciles de tratar una vez que sabes como se traducen
Esta será una guía indispensable para decodificar la jerga de los diseñadores para cualquiera que sea relativamente nuevo en el mundo de diseño o que simplemente necesita refrescar la memoria. Continúe leyendo para aprender más acerca de la única y frecuentemente desconcertante; lenguaje de los diseñadores
1. “Necesitamos 'Descargarlo de una forma distinta”
Nop, eso no tiene nada que ver con baños. “Descarga”, en realidad, se refiere a la alineación del texto en una composición.
Hay varias maneras diferentes de como el texto puede estar alineado sobre la página, siendo la más común Align Left - Alinear a la Izquierda (está es la opción por defecto para el programa cuando el idioma es el Inglés), Align Right - Alinear a la Derecha y Align Center - Alinear al Centro. Asimismo, puede Justify all lines - Justificar todas las líneas (lo cual expande las líneas de texto a través de todo el marco de texto para crear un sólido bloque de texto —una táctica muy común usada en los formatos de periódicos para ajustar tanto texto como sea posible dentro de las columnas) o Justify with the last line aligned left or right - Justificar con la última línea alineada a la izquierda o a la derecha. Si está trabajando con páginas dobles, como para un libro o el diseño de una revista, en ese caso, tiene la opción de alinear el texto Arriba o Separado del Lomo.
En Adobe InDesign, vaya a Ventana > Texto y tablas > Párrafo, para visualizar la gama completa de opciones de alineación.
Descargar el texto de una forma o de otra tiene el poder de transformar la apariencia del texto. Algunas de las opciones de alineación más inusuales son una excelente forma de romper las normas, añadiendo algo de personalidad a grandes fragmentos de texto. Además, puede hacer que una composición parezca más equilibrada al combinar la alineación de diferentes fragmentos de texto —por ejemplo, uno alineado a la izquierda, el contrario, alineado a la derecha. Esto impide que la composición se vea demasiado pesada de un lado.
Consejo Rápido: Cómo Alinear sus Párrafos Irregulares en Adobe InDesign
2. “Dejémoslo Respirar”
Su diseño no ha parado de respirar, pero podría tener problemas debido tremenda a la cantidad de “cosas” que están sobre la página.
Esto es clave para otra pepita de oro de la forma de hablar de los diseñadores: “espacio en blanco”.
El espacio en blanco, de hecho, no necesita ser blanco (¡lo ve, es algo confuso!) sin embargo, solamente se refiere al área “vacía” en su composición. Está área, de hecho, puede rellenarse con color o con una imagen de fondo, pero no debería de tener elementos que distraigan, como; textos o gráficos pesados.
Plantilla de Revista de Moda con un diseño Reducido
¿Alguna vez a visto en las revistas a doble página o en un hermoso diseño de un cartel y luego se ha preguntado: porqué luce tan bien? Parte de esa razón es, posiblemente, porque el diseñador ha dejado que partes del diseño aparezcan eficazmente blancas para el ojo. Esto permite al ojo del espectador relajarse en vez de saturarse con demasiado contenido visual por todas las áreas del diseño, lo que les permite concentrarse en la belleza de los elementos más ocupados.
Aunque no es el elemento más obvio en el arsenal de un diseñador profesional, pero el espacio en blanco es uno de las técnicas más efectivas para hacer que las composiciones parezcan de forma instantánea y algunas veces imperceptiblemente más atractivas.
Así que asegúrese de dar a sus diseños una bien merecida; píldora para relajarse y así, darle algo de espacio para que puedan respirar.
¿Desea entrenarse para incorporar más espacio en blanco en sus diseños? Chequee este tutorial sencillo sobre cómo organizar un diseño de una volante:
Diseños Impreso
Cómo el Espacio en Blanco puede transformar sus Composiciones en Adobe InDesign
3. “Hágalo más plano”
Erase una vez, cuando nadie quería hacer que los diseños impresos de dos dimensiones lucieran como si fueran algo. En vez de eso, los efectos de diseños 3D estaban a la orden del día.
Pero eso fue hace una década y ahora la principal palabra de moda en diseño gráfico es “plano”. Esto está relacionado al aumento en la popularidad por los diseños estilos vintage, que usan collage como gráficos y textos para imitar los estilos de impresión litográfica. Los diseños digitales han conducido el diseño plano a nuevos lugares, iconos estilo planos, botones e ilustraciones le dan a los sitios web y a las aplicaciones una apariencia simple y mínima que los hace ver super-intuitivos para usar.
¿Cómo puede lograr el aspecto plano deseado en sus propios diseños? Evite los degradados, las sombras, texturas metálicas y cualquier otra cosa que haga que un diseño parezca demasiado “real”.
Diseño Plano, Plantilla de Tarjeta de Negocios
Considere reemplazar fotos con ilustraciones y conserve sus gráficos sencillos, lo más mínimo posible, incluso, que luzcan un poco infantil. Para que consiga algo de inspiración, vea los diseños impresos de los años 1920 y 1960.
Hacer algunos cambios pequeños en sus diseños le ayudarán a lograr la apariencia plana en un instante —reemplace cualquier textura metálica o brillante con algo más similar al papel o de color blanco. Además, use colores neutrales, tonos de colores mates en lugar de brillos estridentes, seleccione efectos de repujado en vez de sombras para imitar una tendencia de estilo tipográfico.
4. “Añada un Infográfico”
Si todavía no sabe lo que es un “infográfico”, entonces no se desespere. Puede estarse volviendo un término muy utilizado, pero todavía es es una rama específica del diseño gráfico.
El ahora; estilo gráfico enormemente popular significa; “información gráfica”, es una forma más visual de presentar datos, como los; estadísticos, los resultados de encuestas o conclusiones científicas. Están un paso adelante de su regular gráfico de barras, ya que; un infográfico podría usar ilustraciones, mapas, tipografía o incluso, elementos interactivos para presentar datos en una forma creativa. Los infográficos, tienden a unir la brecha entre el diseño gráfico y la ilustración, reuniendo técnicas y contenido de cada campo.
Si no prefiere pasar días como esclavo elaborando dibujos personalizados de ilustraciones, entonces tiene suerte, ya que hay una creciente cantidad de contenidos que están dirigidos hacia el mercado de los infográficos, lo que significa que puede ser fuente de iconos predefinidos e ilustraciones a medida para diseños de datos sobre ofertas. Chequee la tremenda selección de elementos infográficos vectoriales en Envato Market.
Puede averiguar como puede crear sus propios elementos infográficos directamente en Adobe InDesign con este tutorial:
Crear una plantilla para Infográficos Super Sencilla en Adobe InDesign
5. “¿Qué es esto de DPI/PPI?”.
Esto podría sonar aterrador, pero ambos de estos términos abreviados son solamente referencias a la resolución de la trama (no son vectores, revise la nota abajo*) de sus diseños. Quiere conseguir alta resolución en sus diseños impresos, para garantizar que, el resultado final no ser verá borroso o pixeleado.
DPI es “Dots per Inch” (Puntos por Pulgada) y esto es importante saberlo, sobre todo para los diseños impresos. Una impresora, generará los diseños impresos por medio de una serie de puntos. Si hay pocos puntos por pulgada (una baja DPI), entonces el resultado será más pixeleado. Más puntos por pulgada (una alta DPI), crea un resultado más denso, que se traduce en; una mejor calidad. El DPI mínimo estándar para alta calidad de impresión en los diseños es 300 DPI.
PPI es muy similar, pero se refiere a “Pixeles por Pulgada”. Observará que Adobe Photoshop trabaja en PPI y, si usted hace una imagen raterizada más grande en Photoshop, automáticamente reducirá el PPI y eso significa que se reduce la calidad de la imagen e incrementará la visibilidad de pixelación.
Cuando un diseñador dice que quiere saber el DPI o PPI de una imagen, entonces, lo más probable es que estén insinuando que la resolución de la imagen, actualmente, es demasiado baja para ser impresa en alto estándar de calidad. Conserve las imágenes por encima de los 300 DPI y asegúrese que está consciente de las dimensiones de la impresión final del producto, pues le ayudarán a conservar las solapas en la resolución y en la calidad general de los gráficos en sus diseños.
*DPI y PPI solamente aplica a las imágenes con tramas, es decir, que están formadas de una gama de puntos coloreados. Cuando cambia el tamaño de la imagen, los puntos coloreados se pueden mostrar más grande y más separados unos de otros, lo cual crea el espantoso efecto de pixelado. Si está trabajando con diseños a gran escala o simplemente quiere asegurarse que sus gráficos está en calidad óptima, es mejor que trabaje con gráficos vectoriales, ya que estos se pueden agrandar y reducir sin ningún inconveniente.
Al analizar los problemas técnicos, necesitará considerar el uso de está guía útil cuando se prepare para impresión.
La Guía para Principiantes para Preparar y Enviar a Impresión
6. “Necesitamos Cambiar la Fuente/el Tipo de Letra/la Tipografía”
Aquí le presento una de las más grandes diferencias entre lo que un cliente dirá y lo que un diseñador dirá.
“Fuente” es la versión digital de un tipo de fuente, usted descarga e instala fuentes, y luego las aplica a sus documentos en pantalla. Cuando viene a imprimir su trabajo, la “fuente” se convierte en un “tipo de letra”: lo cual es la encarnación impresa del archivo de la fuente. Con frecuencia escuchará a los clientes pedir que cambien una “fuente”, pero la mayoría de los diseñadores posiblemente dirán “un tipo de letra”.
Pier, Tipo de Fuente Sans
Aunque son cosas diferentes, tanto el cliente como el diseñador se están refiriendo a lo mismo. Ambos quieren que la apariencia del estilo de texto sea diferente. Los tipos de letras, tienen distintas personalidades y características; es decir; que si el diseñador no cree que un estilo serif esté funcionando, puede ser porque luce demasiado tradicional o formal. Cambiar al estilo sans serif, podría hacer que un diseño luzca más moderno y pequeño.
Si, actualmente, se le ha presentado un reto de tipo de fuentes, entonces intente seleccionar lo que en realidad no está funcionando, ¿qué características da al diseño el tipo de fuente actual? ¿Puede ajustar el estado completo del diseño al cambiar algo ligeramente diferente?
La “Tipografìa” bien podría incluir tipos de fuentes, pero, de hecho, es mucho más amplio que eso. La tipografía se refiere a la forma en que el texto está organizado y formateado sobre la página.
Si el problema del diseñador es con la tipografía en el diseño, esto podría referirse a la gama completa de cosas que se juntan para mostrar como está organizado el texto; tal como el interlineado (el espacio entre las líneas de texto), el tamaño de la fuente (si los caracteres son mayúsculas o minúsculas) versalitas (a través de la cual la primera o los primeros caracteres de un párrafo son más grandes).
Como la tipografía es tan amplia, necesitará determinar: qué es, con exactitud, sobre el arreglo del texto que no está correcto —es decir; luce apretado, demasiado separado, demasiado grande o pequeño?
En cada arsenal de un diseñador está un excelente gama de estilos de texto clásicos y modernos, listo para ser utilizados en todos los tipos de composiciones. Cree su colección con las fantásticas variedades de fuentes en Envato Market.
Mercado de Caligrafía y Tipografía de Ed
No tiene porque estar en la oscuridad cuando se trata de tipografía ya que cuenta con está guía definitiva desde la A hasta la Z sobre todo lo que tiene que saber sobre las letras.
La Tipografía desde la A hasta la Z
7. “Vamos a Crear una Identidad”
No hay ninguna necesidad de que usted tenga que apresurarse a inventar un pasaporte al estilo Jason Bourne, ya que cuando en diseño se habla de “identidad”, está se refiere a la identidad de la marca.
Imagen: ©Barbican Centre/North
La mayoría de los grandes negocios tiene una identidad de marca, así como lo tiene muchos productos individuales, ¿pero qué significa? Una identidad de marca está hecha de señales visuales que son únicas para ese negocio o producto, tal como un logo, una mascota o un eslogan. La mayoría de las identidades desarrolladas hasta hoy podrían tener sus propias paletas de colores, estilos de letra (puede volver e ver el capítulo anterior) y elementos gráficos tales como ilustraciones y/o fotografías que han sido personalizadas para la marca.
Cuando un diseñador quiere crear una identidad, lo más probable es que se estén refiriendo a una verdadera identidad con todos los elementos extras, o podrían estarse refiriendo al diseño de un logo, éste último es bastante común en propuestas de agencias cuando el tiempo está ajustado. Asegúrese que sabe sobre lo que se necesita antes de crear una compleja identidad por completo desde cero.
Cómo Crear sus Propias Pautas de su Marca.
Si un cliente o un diseñador quieren ver una “variedad de identidades”, esto solamente podría significar que quieren ver pocos, quizá tres o cinco, diseños de logos que pueden o no pueden incluir el nombre de la compañía ya puesto en marcha en un “tipo de letra de marca sugerido. Incluso el diseño de logo más potente puede entonces ser refinado y los colores y el estilo ampliado hacia el exterior para crear otras partes de la identidad.
Crear una potente identidad de marca no significa una hazaña, pero puede comenzar con un paso seguro al seguir por el proceso para crear nuestra propia marca Envato Tuts+: “Team Awesome”:
Equipo Asombroso: Desde un Logotipo Hecho a Mano hasta un Vector en Adobe Ilustrador.
8. “¿Podemos cambiar la Malla?”
Sorpréndase si un cliente escoge esto (y ¡respételos si lo hacen!), pero un diseñador no evitará decirle si su cuadricula en su composición luce un poco mal.
Las cuadriculas son los héroes olvidados de las exitosas composiciones diseñadas, de hecho, son los bloques básicos de construcción para cualquier diseño. Cualquier formato puede dividirse en una serie de cuadros o de secciones de rectángulo para crear una cuadrícula, construir las columnas invisibles y las filas que seccionan los elementos de su diseño. Puede insertar una cuadrícula en la mayoría de los programas de diseño (por ejemplo, en Adobe InDesign, sólo tiene que ir a Vista > Cuadriculas & Guías > Mostrar las Cuadriculas del Documento), las cuales estarán situadas detrás del contenido en su documento o de su mesa de trabajo.
Cambie el tamaño de las secciones de su cuadricula para crear áreas más pequeñas y más grandes que ayudarán a crear equilibrio en la composición e impiden que luzca demasiado modular. Por ejemplo, colocar una imagen a través de cuatro secciones cuadradas de su cuadricula y otra foto, solamente en una sección cuadrada lucirá mejor que crear dos imágenes del mismo tamaño.
Reciba consejos para crear cuadriculas en ilustraciones, así como también otros dos principales consejos para hacer que sus diseños luzcan, de inmediato, más profesionales, con este rápido tutorial:
Consejo Rápido: ¡Tres formas para Hacer que sus Diseños Luzcan Instantáneamente Mejor!
9. “Envíe los Archivos Nativos”
Esto es suficiente para infundir miedo dentro del corazón de cualquier joven diseñador. Usted pasa horas o incluso días devorando diseños en su computadora, solamente para conseguir llegar al final del proceso y escuchar que usted necesita encontrar algo llamado un “archivo nativo”. ¿Pero qué significa esto?
Un archivo nativo es un término de la industria de diseño para referirse a una copia del archivo digital original de su trabajo. Así, por ejemplo, si ha estado trabajando en una ilustración vectorial en Adobe IIlustrador o Inkscape, entonces usted podría haber proporcionado una versión en JPEG o PNG de la ilustración. Si el cliente o la agencia quieren el “archivo nativo” entonces quiere decir que lo que ellos quieren como el archivo original de su ilustración, es quizás, ese archivo con la extensión AI, o en EPS que es el formato más común en este programa. Esto significa que el archivo puede ser editado por el cliente u otros diseñadores, permitiéndoles por ejemplo: cambiar colores o ajustar los gráficos.
Por otra parte, si ha trabajado en Adobe InDesign, quizás para la publicación de un proyecto como un libro o panfleto, entonces enviar un archivo nativo es un proceso un poco más complicado. En este caso, primero necesita empacar el archivo (Archivo > Empaquetar), esto recogerá todos los archivos de fuentes que se utilizaron en el documento y todas las imágenes vinculadas al documento, y colocarlas en una nueva carpeta junto con una copia del archivo de InDesign. Además, necesita recordar que debe proporcionar una copia IDML del archivo de InDesign (Archivo > Guardar como) escoger InDesign CS4 o posterior [IDML]) si el destinatario tiene una versión diferente del programa de InDesign del que usted tiene (por ejemplo, si está usando la versión CC y ellos están usando CS6).
Dependiendo de a quién esté enviando los archivos de su diseño, usted debería tener cuidado. Si una agencia le ha encargado que usted le ayude con una propuesta u otro proyecto, entonces ellos podrían preguntarle que firme un documento que asume que ellos serán los propietarios de los derechos de su diseño. En este caso, es aceptable y, también es, una práctica común proporcionar a los clientes los archivos nativos de sus diseños.
Si no está actuando como un proveedor de servicios profesionales, sino como un artista, está en su interés retener los derechos exclusivos de sus diseños. Debería estar consciente de esto cuando esté enviando los archivos de diseños a galerías o tiendas, a menudo una versión JPEG en alta resolución de su diseño se ajustará perfectamente para cualquier propósito y ayudará a evitar que otros editen o copien su trabajo.
10. “Hágamoslo Más Comercial”
Si está trabajando para una agencia o en casa, hay una palabra con la que se tiene que acostumbrar: “comercial”.
“Comercial” es una de esas palabras que tienen el poder de succionar la fuerza de vida de un diseñador o artista apasionado. Esto se debe a que “comercial” es el significado opuesto a “artístico” o “creativo”. Los diseños comerciales tiene un objetivo, y solamente uno: venderse. Los anuncios, las portadas de revistas o volantes con un enfoque más comercial son más propensos a convertirse en ventas que en ser más creativos.
Plantillas de Volantes de Ventas
Para los diseñadores, esto, algunas veces puede ser frustrante, ya que el diseño comercial no es el más creativo de las tiendas. Si alguien quiere que algo se vea más comercial, entonces querrá que parezca más agradable, más cultural de acuerdo a la tendencia y menos ofensivo o desafiante al ojo del público.
Si su cliente o colega quiere que su diseño parezca más comercial, entonces debería de prepararse para bajarle el tono un poco, o modificar los elementos de sus diseños para hacerlos parecer más de moda o que sea más atractivo para el mercado masivo.
10 Consejos de Diseños para Hacer que el Diseño de sus Volantes, se vean Más Profesionales
No se desespere, la comercialización y la creatividad se pueden balancear y esto puede llevar, no solamente a ventas favorables, sino también a diseños icónicos creativos.
Las portadas de los libros son un ejemplo perfecto de este compromiso. En lo particular, para las ediciones vintage o novelas literarias, los libros de los diseñadores a menudo fomentan ser lo más creativo posible. El editor, más tarde podría sugerir algunas formas para comercializar más adelante el diseño, ya sea, ajustando el color o la tipografía, por ejemplo, para ayudar a atraer diferentes mercados y segmentos demográficos.
Descubra como personalizar una portada de un libro clásico para un mercado moderno con éste tutorial:
¡Felicitaciones! Ahora ya puede hablar como un “Diseñador”.
La jerga de un diseñador podría sonar intimidante, pero con algunas agudas habilidades de traducción, no tendrá problema en decodificar el verdadero significado. Así que cuando su cliente o el jefe de la agencia le pida, por ejemplo, cuando usted presente su siguientes diseños, sabrá con exactitud de que estarán hablando cuando digan:
“Necesitamos descargarlo de una forma diferente” — traducción: Necesitamos cambiar la alineación del texto”.
“Dejémoslo Respirar” —traducción: “Hágalo menos saturado, probablemente, con más espacio en blanco”.
“Hágalo lucir más plano”—traducción: “Sustraiga cualquier elemento 3D como degradados o sombras paralelas”.
“Añada un infográfico”—traducción: “Añada algunos gráficos, iconos o gráficos de barras para expresar visualmente los datos de información”.
“¿Qué es esto de DPI/PPI?”—traducción: “Necesitará mejorar la resolución de sus imágenes”.
“Necesitamos cambiar la fuente/tipo de letra/tipografía”—traducción: “Hacer el estilo de letra (o de texto) que luzca diferente”.
“Vamos a crear una identidad”—traducción: “Vamos a crear una identidad de marca para una compañía/negocio/cliente, probablemente, empezando con algunas ideas para el logo”.
“¿Podemos cambiar la malla?”—traducción: “La composición en general y la organización de los elementos sobre la página, necesitan algunas mejoras”.
“Envíeme los archivos nativos”—traducción: “Envíeme su archivos digitales originales de su diseño, ya sea en formato editable: AI, EPS o PSD o como archivos empacados, cuando se trata de InDesign.
“Hágamoslo más comercial”—traducción: “Bajar el tono artístico a las cosas y hacer que tenga una tendencia más atractivo al mercado masivo”.
¿Tiene algún otro tesoro de la jerga de los diseñadores que quisiera compartir para traducir? En ese caso, ¡me encantaría escucharlo! Por favor, deje su comentario.

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