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Timestamp: 2020-07-06 16:59:31+00:00

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Kromatica: Blog de Fotografía, Strobismo y Lomografía
Kromatica Blog
Un blog sobre fotografía digital, análoga y otros menesteres
Publicado el 04/07/2020 04/07/2020
Los peores errores de Nikon
Nikon ha tenido 3 grandes momentos desaprovechados en las que pudo sacar verdadera ventaja sobre Canon (su principal rival antes de la llegada de Sony al mercado fotográfico):
Fabricó la primera cámara digital de nivel verdaderamente profesional: la D1, una cámara de formato DX de 2.7 Megapixels lanzada en 1999. Canon demoró dos años en lanzar la 1D, pero al año siguiente lanzó la primera cámara digital full frame, algo que Nikon recién hizo el año 2007, con la D3. Es decir una ventaja de 2 años (que es enorme en el mundo de fotografía) se transformó en una desventaja de 5 años.
Fue la primera marca en incorporar video en una cámara DSRL. Esto se dio el año 2008 con la D90, que grababa video a formato HD (720 x 1280). Pero no le dio la importancia debida y fue rápidamente superado por Canon, quien sí explotó el video en sus cámaras, y hasta antes de la llegada de las mirrorless Sony, eran las más usadas por videógrafos. Recién con el lanzamiento de sus modelos mirrorless (las Z6 y Z7) Nikon ha dado la importancia debida a este sector del mercado. Es decir 10 años después,
Cuando pudo cambiar la Montura F no lo hizo. La montura F, con 44mm de diámetro, fue creada el año 1959, o sea ya tiene más de 60 años. En los años 80s con el lanzamiento de los lentes AF pudo cambiar la montura, pero Nikon no quiso cambiarla para que sus clientes con lentes antiguos no tengan que comprar lentes nuevos para sus nuevas cámaras Lo que no sucedió con Canon, que el año 1987 lanzó la montura EF con el lanzamiento de sus lentes autofoco. ¿Fue una buena decisión mantener la montura por razones de compatibilidad?. La montura EF de Canon con sus 54mm de diámetro, 10mm más que la montura F, permitía un mejor diseño e innovación en sus lentes, como por ejemplo el poder colorar elementos posteriores de mayores dimensiones en sus y así lograr aperturas de 1.2 (como en sus lentes 50mm y 85mm). Es por esto también que no hay adaptadores de Montura EF a F, pero sí viceversa. Por sus dimensiones la montura F ha sido un obstáculo para que Nikon desarrolle lentes, sobretodo teleobjetivos, de calidad. Y no es que no los tenga, pero las limitaciones técnicas de la montura hace que sea más difícil el desarrollo. Por eso en los 80s y 90s Canon fue ganando terreno, sobretodo en el fotoperiodismo, debido al ráoido desarrollo y calidad de sus teleobjetivos. Nikon, el 2018, luego de 59 años lanzó la montura Z con 55mm de diámetro. 31 años después de Canon cambió de montura.
Viendo sus últimos resultados financieros, será demasiado tarde para Nikon? esperemos que no, soy Nikonista de corazón 🙂
La fotografía en tiempos de cuarentena
Quien podría haber imaginado que un agente infeccioso llamado SARS-CoV-2 causante de la enfermedad del coronavirus, cuyo tamaño es tan minúsculo que habría que poner más de 20 mil en fila para cubrir un milímetro, causaría tantos cambios en nuestra vida y en nuestros planes.
La fotografía no es ajena a los efectos que ha producido la pandemia, no es ajena a los cambios que se han generado en todo el mundo y que en el corto y mediano plazo han obligado a muchos fotógrafos (y videógrafos) a replantear seriamente su profesión. Los fotógrafos que se dedicaban a bodas y eventos tendrán que esperar meses hasta que se vuelvan a restablecer, los fotógrafos dedicados a moda tendrán que esperar hasta que el mercado se normalice y la moda vuelva a recobrar su dinamismo en la economía, los fotógrafos de familia y bebes tendrán que esperar que el miedo se vaya y la gente se anime a llevar a sus bebes a un estudio fotográfico. Las producciones grandes quedarán de lado por un tiempo.
¿Qué hacer? es la pregunta que se están haciendo muchos. La fotografía ya se había vuelto un medio bastante (demasiado) competitivo y esta pandemia del COVID-19 agravó esta crisis. Algunos fotógrafos que conozco, que formados inicialmente en otras profesiones se dejaron seducir en algún momento por este hermoso arte, están buscando trabajo en sus carreras iniciales, otros están haciendo mascarillas para vender, otros dando cursos online, otros vendiendo su material fotográficos en sitios de stock. No hay un rumbo fijo, no hay una forma de decir: éste es el camino a tomar para salir de la crisis. El futuro se torna incierto y solo con habilidad e inteligencia (y por supuesto mucho trabajo) lograremos capearlo con éxito.
A dónde apunta el video digital?
Cuando salió la D90 de Nikon (La primera cámara DSLR en grabar video 720 y profundidad de campo igual a una cámara de cine) se inició una revolución: las cámaras fotográficas semi pro y pro ahora aprovechaban su sensor y las cada vez mayores capacidades de procesamiento de su hardware y de almacenamiento de las memorias externas para grabar video de alta calidad. Y quien le sacó más jugo a esto fue Canon con la fantástica 5D mk II.
La Canon 5D mkII con su sensor de 21,1 Mpx permite grabar videos Full HD (1920x 1080px) con una calidad asombrosa y el tamaño de su sensor hacía que tuviera una profundidad de campo menor que una cámara cinematográfica, esto permitió trabajar más técnicas de enfoque selectivo con el adicional de poder trabajar en condiciones de poca luz. Estas características hicieron que fuera ampliamente utilizada por documentalistas, en comerciales y series de TV y hasta en la industria cinematográfica. La Canon 5D mk II con sus 23,2 Mpx continúa con la tradición iniciada por su antesesora y sigue siendo una de las preferidas no solo por fotógrafos si no por profesionales de video.
Pero en este mundo están abriéndose paso monitores de televisión de mayor resolución. Ante esto empresas como Magic Lantern lanzaron software que permite utilizar más el potencial del sensor de las cámaras 5D mk II y mk III (el sensor de estas cámaras puede dar mucho más resolución que 1920 x 1080) y enviar video sin comprimir vía HDMI a una memoria externa (tipo la Atom Ninja o la Hyper Deck Shuttle de Black Magic que graban en SDD). Lográndose resoluciones de 2K (por ahí dicen que se puede a 3592 x 1320). A esta resolución de 2K y 14 bits cada frame puede pesar 5MB y a 30 fps (frames por segundo) ya se imaginan la cantidad de memoria que debe tener el SDD. Canon se dio cuenta de esto y en la nueva versión de firmware de la 5D mk III por fin puso esta característica de habilitar la salida HDMI para video Full HD sin comprimir (anteriormente la salida HDMI era para monitor y lanzaba Full HD ya comprimido).
Nikon está en la carrera por recuperar el tiempo perdido con la D800, una maravilla con sensor de 36Mpx y video Full HD 1080i (que es 1080 líneas horizontales en modo entrelazado..no confundir con 1080px). Su ventaja radica en que ya viene con la característica de salida de video sin comprimir vía HDMI. Tal es su calidad que las últimas temporadas de series como Dexter y Wilfred han sido grabadas con la Nikon D800.
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Cuál es el siguiente paso? Mucha gente dice que el siguiente paso ya está dado y es la Canon 5D Mk III con Magic Lantern, otros dicen que Canon y Nikon se quedarán en el Full HD (que aún tiene para largo rato) y empresas como Black Magic con la Black Magic Production Camera de 4K son las que escribirán las siguientes lineas en la historia del video digital.
Publicado el 16/08/2013 16/08/2013
Atención fotógrafos: oferta Nikon a US$ 82,000! Aproveche!
Kit Nikon en oferta!
Atención nikoneros!!! La tienda japonesa MAPCAMERA ha lanzado una «oferta» para los amantes de Nikon, un kit fotográfico súper completo que consta de una cámara D4 y 20 lentes de la serie N a solo ￥8,000,000 (equivalente a US$ 82,000).
Una ganga no? jaja. Y aunque no lo crean, sí que es una ganga, ya que comprando en otra tienda (como B&H) todos estos lentes más la cámara saldría más de US$ 87,000. Son más de US$ 5,000 que se ahorrarían y no nos caería nada mal el ahorro! Llame ahora! Llame ya!
Para que se den una idea del valor de estos lentes, solo el objetivo de 800mm vale más de US$17,000.
Los lentes que trae la oferta son:
Y el enlace es http://www.mapcamera.com/item/otkgset20
Helmut Newton es otro de los pilares de la fotografía de moda moderna, creando prácticamente un nuevo estilo de fotografía, cargada de erotismo, seducción y de belleza con una fuerza inusitada.
Nació como Helmut Neustädter el 31 de octubre de 1920, en Alemania, en un hogar judío. Sus padres fueron Klara «Claire» y Max Neustädter (dueño de una fábrica de botones). A la edad de 12 años se compró su primera cámara, una Agfa Tengor Box, la cual venía ya con un rollo. Se dice que todas las tomas, a excepción de una, de ese primer rollo, salieron veladas.
Debido a las leyes de Núremberg, su familia tuvo que emigrar. Incluso antes de irse, Helmut, estuvo brevemente en un campo de concentración, lo cual fue el motivo que faltaba para que su familia huyese.
Los padres de Newton huyeron a América del Sur. A él le dieron un pasaporte justo después de cumplir los 18 años y dejó a Alemania el 5 de diciembre de 1938. En Trieste abordó el Conte Rosso, con la intención de viajar a China. Después de llegar a Singapur descubrió que era capaz de permanecer allí, y con ayuda de la comisión que recibía refugiados consiguió un trabajo como fotógrafo para el Straits Times, uno de los diarios más importantes de Singapur, del cula fue despedido al poco tiempo porque no gustaban sus fotografías y luego trabajó como fotógrafo de retratos.
Newton fue deportado a Australia por las autoridades británicas de Singapur. En Australia (a donde llegó el 27 de setiembre de 1940) estuvo internado en el campo de concentración Tatura debido a su origen alemán y fue liberado en 1942. Trabajó brevemente como recolector de frutas y en abril de ese año fue enrolado en el ejército australiano y trabajó como chofer de camión. En 1945, finalizada la guerra, se convirtió en subdito británico y cambió su apellido por Newton. En 1948, se casó con la actriz June Browne quien más adelante se convertiría en una exitosa fotógrafa bajo el seudónimo de Alice Springs (que es el nombre de una ciudad de Australia central).
En 1946 puso su estudio en Melbourne donde hacía fotografía de moda y de teatro. En 1953 hizo su primera muestra conjunta. Luego se asociaría con Henry Talbot, un Judio alemán que también estuvo internado en Tatura, renombrando su estudio a «Helmut Newton y Henry Talbot». En 1956, dada su reputación, le fue encargado un trabajo para el suplemento australiano de Vogue Magazine, su trabajo fue tan bueno que obtuvo un contrato de 12 meses para la versión británica de Vogue. En 1957 viajó a Londres, dejando a Henry a cargo del negocio del estudio fotográfico.
Antes de finalizar el contrato dejó Londres y trabajó para revistas de Paris y Alemania, retornando a Melbourne en 1959 por un contrato con Vogue Australia.
En 1961 decide mudarse a París, en donde continúa colaborando con Vogue y Haper’s Bazaar. Su estilo se hace más notorio (erotismo, escenas estilizadas, fetichismo e incluso coqueteos con el sadomasoquismo). En 1970 un ataque al corazón hace que su obra disminuya en cantidad, pero su nombre sigue creciendo. Una de sus obras cúspides es «Big Nudes» (1980) donde su erotismo urbano toca la cima. Helmut Newton también colaboró muchas veces con Playboy, fotografiando a artistas como Nastassja Kinski y Kristine DeBell.
En sus últimos años vivía entre Monte Carlo y Los Ángeles. Muere en un accidente automovilístico el 23 de enero del 2004, en California. Sus restos reposan en el cementerio Städtischer Friedhof III de Berlín.
Publicado el 09/06/2013 09/06/2013
Se puede decir que Richard Avedon es el padre de la fotografía de modas y el retrato moderno. Nació en New York, el 15 de mayo de 1923, en un hogar judío. Su madre Anna (cuya familia tenía una fábrica de confecciones) le inculcó el amor por la moda y la fotografía. A la edad de 12 años se inscribió en el club de fotografía de la Young Men’s Hebrew Association (YMHA). Su cámara Kodak Box Brownie lo ayudaría tanto a alimentar su curiosidad del mundo que lo rodeaba como a retraerse de su propia vida. Su padre era una persona demasiado disciplinada y rígida, y decía que la fuerza física, la educación y el dinero lo preparaban a uno para el mundo. Su primera musa fue su hermana Louise, quien luego de un intenso tratamiento psiquiátrico fue diagnosticada con esquizofrenia. Estas tempranas influencias moldearían su carrera y se pondrían de manifiesto a través de su pasión para capturar la belleza trágica en una foto.
En su colegio trabajó en el periódico escolar, luego, en 1941 ingresó a la universidad de Columbia a estudiar filosofía y poesía, pero lo abandonó al año siguiente y se trabajó como fotógrafo en la Marina Mercante, tomando fotos a la tripulación con una Rolleiflex que le había regalado su padre. Entre 1944 y 1950 estudió con el fotógrafo ruso Alexey Brodovitch (director de arte de la revista Harper’s Bazaar) en su laboratorio de diseño de la New School for Social Research. Alexey había descubierto a Avedon cuando este trabajaba haciendo fotografía publicitaria para una tienda por departamentos.
En 1944 algunas de sus fotos aparecieron en Junior Bazaar y al año siguiente ya aparecían en la mismísima Harper’s Bazaar. En 1946 ya tenía su propio estudio y hacía fotos para las revistas Vogue y Life. Pronto se convertiría en jefe de fotografía de Harper’s. Nunca le gustó la fotografía de moda con modelos sin emociones e indiferentes a la cámara, él prefería las fotos con emociones, ricas en expresión e incluso acción. A finales de los 50’s dejó de usar luz natural para concentrarse en luz de estudio con flashes.
Cuando Diana Vreeland (Fashion Editor de Harper’s Bazaar) se fue para Vogue, Avedon la siguió y fue el principal fotógrafo de Vogue y responsable de la mayoría de portadas entre 1973 y 1988 (año en que entró Anna Wintour). Paralelamente a su trabajo como fotógrafo de modas, Avedon hacía retratos a ciudadanos comunes, bandas de rock, personalidades de diversas áreas, etc. Marilyn Monroe, los Beatles, Truman Capote, Henry Miller, Andy Warhol, entre otros pasaron por su lente.
En 1979 recibió un encargo para hacer lo que es considerados por muchos su trabajo más monumental. Por encargo del Museo Amon Carter, de Fort Worth, Texas, Avedon dedicó cinco años a recorrer el oeste de los Estados Unidos para fotografiar a personas comunes. En su obra In the american west, presenta a granjeros, mineros, vagabundos, prostitutas, amas de casa, presos, vaqueros de rodeo o empleados de pequeñas oficinas, etc. en fotografías de gran formato tomadas con luz de día, al aire libre y con un fondo blanco. Fotografió un total de 762 personas de 189 poblaciones de 17 estados usando 17, 000 placas de 8 x 10 de film Tri-X Pan.
Richard Avedon murió a la edad de 81 años un 1º de octubre del 2004 como complicaciones luego de un derrame cerebral ocurrido en una sesión fotográfica el 2004 enfocada en el proceso electoral de ese año.
100 fotógrafos más influyentes de todos los tiempos
Hace poco vi una lista de una revista especializada en fotografía sobre los 100 fotógrafos más influyentes de todos los tiempo, y aunque, como toda lista, es subjetiva, presenta una muy interesante relación de fotógrafos de los cuales debemos aprender más. Y que gusto que nuestro compatriota Mario Testino esté entre los 50 más influyentes.
Aquí la lista de los 50 primeros:
1. Richard Avedon – Estados Unidos – 1923-2004
2. W. Eugene Smith – Estados Unidos – 1918-1978
3. Helmut Newton – Alemania – 1920-2004
4. Irving Penn – Estados Unidos – 1917- 2009
5. Guy Bourdin – Francia – 1928-1991
6. Henri Cartier-Bresson – Francia – 1908-2004
7. Diane Arbus – Estados Unidos – 1923-1971
8.Elliott Erwitt – Francia – 1928-
9. Walker Evans – Estados Unidos – 1903-1975
10. Martin Parr – Reino Unido – 1952-
11. Juergen Teller – Alemania – 1964-
12. Nick Knight – Reino Unido – 1958-
13. David Bailey – Reino Unido – 1938-
14. Cindy Sherman – Estados Unidos – 1954-
15. Andreas Gursky – Alemania – 1955-
16. Edward Weston – Estados Unidos – 1886-1958
17. Garry Winogrand – Estados Unidos – 1928-1984
18. Bruce Weber – Estados Unidos – 1946-
19. Man Ray – Estados Unidos – 1890-1976
20. Paolo Roversi – Italia – 1947-
21. Herb Ritts – Estados Unidos – 1952-2002
22. Annie Leibovitz – Estados Unidos – 1949-
23. Ansel Adams – Estados Unidos – 1902-1984
24. David LaChapelle – Estados Unidos – 1963-
25. William Klein – Estados Unidos – 1928-
26. Bill Brandt – Alemania – 1904-1983
27. Ralph Gibson – Estados Unidos – 1939-
28. Stephen Shore – Estados Unidos – 1947-
29. Robert Frank – Suiza – 1924-
30. Andre Kertesz – Hungría – 1894-1985
31. Chuck Close – Estados Unidos – 1940-
32. Robert Mapplethorpe – Estados Unidos – 1946-1989
33. Steven Meisel – Estados Unidos – 1954-
34. Peter Lindbergh – Alemania – 1944-
35. August Sander – Alemania – 1876-1964
36. Nan Goldin – Estados Unidos – 1953-
37. Weegee – Austria – 1899-1968
38. Don McCullin – Reino Unido – 1935-
39. Slim Aarons – Estados Unidos – 1916-2006
40. William Eggleston – Estados Unidos – 1939-
41. Joel-Peter Witkin- Estados Unidos – 1939-
42. Anton Corbijn – Dinamarca – 1955-
43. Brassai – Francia – 1899-1984
44. Erwin Blumenfeld – Alemania – 1897-1969
45.Duane Michals – Estados Unidos – 1932-
46. Mario Testino – Perú – 1954-
47. Mary Ellen Mark – Estados Unidos – 1940-
48. Larry Clark – Estados Unidos – 1943-
49. Mert & Marcus – Turquía y Reino Unido – 1971-
50. Corinne Day – Reino Unido – 1965-
Para ver la lista completa puedes visitar http://www.professionalphotographer.co.uk/magazine/photographic-inspiration/100-most-influential-photographers-of-all-time
Publicado el 22/03/2013 22/03/2013
Valor de exposición: los 3 puntos
Una de las cosas que me he dado cuenta más cuesta aprender entre los estudiantes de fotografía es el valor de la exposición (cantidad de luz que permite que se forme la imagen) y las compensaciones tomando en cuanta los 3 valores fundamentales en la fotografía que son: Apertura del Diafragma, Velocidad de Obturación e ISO
Es obligatorio para todo fotógrafo saber los valores básicos de estos parámetros, teniendo en cuenta que los que mencionamos en este artículo son los básicos y que avanzan de paso en paso, es decir que cada valor permite el doble (o la mitad) de entrada de luz a la cámara que el valor siguiente.
La apertura de diafragma mide el tamaño de apertura del agujero que permite el paso de la luz a la cámara. mientras más pequeño es el valor, más luz entra a la cámara. Estos son los valores, avanzando paso a paso, empezando desde el valor que permite mayor entrada de luz. Siempre se indican acompañados de la letra f
1 – 1.4 – 2 – 2.8 – 4 – 5.6 – 8 – 11 – 16 – 22 – 32 – 44
Quizá en tu cámara puedas encontrar otros valores entre estos, pero para términos didácticos nos referimos a los fundamentales.
Velocidad Obturación (S)
Es la velocidad (medida en fracciones de segundo y segundos) de apertura del diafragma . Dicho de otra manera, es la cantidad de tiempo en que permanece abierto el diafragma permitiendo el paso de la luz. Acá los detallamos desde los más rápidos a los más lentos.
30″ – 15″ – 8″ – 4″ – 2″ – 1″ – 1/2 – 1/4 – 1/8 – 1/15 – 1/30 – 1/60 – 1/125 – 1/250 – 1/500 – 1/1000
Las cámaras modernas permiten velocidades de 1/4000 e incluso 1/8000, tener en cuenta que siempre la velocidad siguiente es el doble (o la mitad, según el caso) de la anterior.
Es la sensibilidad a la luz de la película o sensor de la cámara. Acá detallamos desde los más sensibles a los menos sensibles
3200 – 1600 – 800 – 400 – 200 – 100 – 50 – 25
Al igual que la velocidad de obturación, los valores ISO avanzan duplicando su valor (o decreciéndolo a la mitad). En las épocas de cámaras de rollo era muy difícil encontrar películas más sensibles que 3200, ahora las cámaras digitales tienen sensibilidades de 6400, 12800, 25600, etc. La Nikon D4 tiene un ISO (en modo forzado) de 204800…una bestialidad!
Ahora, memorizando eso vamos a la parte difícil: Supongamos que tomo un foto en exteriores y la cámara me da una exposición correcta a f8 (apertura 8), 1/125 (una centésima de segundo de velocidad de obturación) a ISO 200. Tomo una foto y me sale correctamente expuesta, pero me gustaría que el fondo salga más desenfocado para darle más protagonismo al objeto principal de mi foto, para esto tengo que cambiar el valor de apertura de diafragma (abrirlo más) a un valor menor que f4 . Pongan que lo hago a f2.8, que valor deberé poner en la velocidad de obturación si es que sigo permaneciendo en ISO 200?
Teniendo en cabeza los valores mentalmente hago la siguiente operación: cuento cuantos pasos he abierto el diafragma desde f8 a f2.8:
8 (1 paso) 5.6 (2 pasos) 4 (3 pasos) 2.8
He dejado entrar 3 pasos más de luz ya que el diafragma está más abierto, por lo que para compensar la exposición, debo quitar esos 3 pasos en la velocidad, haciendo que la apertura del obturador sea más rápida y así compense dejando entrar menos luz:
1/125 (1 paso menos) 1/500 (2 pasos menos) 1/1000 (3 pasos menos) 1/2000
Ahora mi valor correcto de exposición será f2.8, 1/2000 e ISO 200
Otro ejemplo, supongan que estoy fotografiando un partido de fútbol. En deportes siempre se usan velocidades altas para congelar la acción. Mi cámara me da un valor correcto de exposición a f5.6, 1/1000 e ISO 100. Y como soy aficionado a la fotografía análoga, estoy usando una cámara de rollo..y se me acaba el rollo ISO 100 y solo tengo uno de ISO 400. Que valor de apertura (f) debo usar si quiero mantener la velocidad en 1/1000?
Como el valor de ISO ha aumentado en 2 pasos (de ISO 100 a 400), debo disminuir (cerrar la apertura del diafragma) en 2 pasos para mantener la correcta exposición:
5.6 (1 paso) 8 (2 pasos) 11
Hay que recordar que en la apertura de diafragma los valores aumentan mientras la apertura disminuye. Los nuevos valores serán: f11, 1/1000 e ISO400
Publicado el 23/10/2012 23/10/2012
Más de Phoneography
Acabo de descubrir un par de Apps muy buenas para los amantes de tomar fotos con el celular. Se trata de Camera Awesome y del Snapseed de la afamada compañía Nik Software (Que recientemente fue comprada por Google, seguro para utilizar su knowledge en filtros y proceso digital fotográfico en beneficio del Instagram y del Picassa).
Lo que más me gusta del Camera Awesome es la capacidad de dividir el punto de exposición y de foco..esto nos ayuda a poder controlar lo más difícil en una cámara móvil: la exposición, ya que permite mover el punto de exposición a zonas más claras u oscuras de la toma para así balancear a nuestro gusto la iluminación.
Aparte presenta algunos filtros básicos, grillas para composición, etc.
Del Snapseed puedo decir que es casi obligatorio tenerlo para todos los que aman la phoneography. Ganó el 2011 el premio de Aplicación del año para Ipad. Tiene unos filtros fotográficos espectaculares (no se podía esperar menos de Nik Software) que dejan a los de Instagram como juego de niños, además con la ventaja que puedes controlar diversos parámetros antes de aplicar el filtro. Filtros Vintage, Grunge, control de Foco, efecto Tilt, además de efectos básicos como brillo, contraste, saturación, etc.
El Snapseed era gratuito al comienzo, ahora cuesta US$ 4.99 pero vale la pena la inversión. 9 millones de descargas y ser el principal motivo de la adquisición de Nik Software por parte de Google son razones valederas para probarlo.
Publicado el 04/07/2012 05/07/2012
La Fonografía – Phoneography – anda creciendo!
Los primeros celulares con cámara fueron desarrollados a finales de los 90 y aparecieron comercialmente el año 2000 con el J-SH04 de Sharp, comercializado solo en Japón, que tenía una resolución de 110,000 píxeles (110 kilopixels) y 256 colores y ya presentaba la novedosa opción de mandar la foto por correo lo que fue una verdadera revolución. Con la salida del Sanyo Sprint SCP-5300 fue que se inició el verdadero boom comercial, ya que este celular se distribuyó en USA. Contaba con una resolución VGA (640 X 480 píxeles) y 65,000 colores. Desde ahí todo cambió y colocar una cámara en los modelos top de celulares se hizo imprescindible para las diversas marcas. Los sensores fueron mejorando y también la calidad de la óptica y la resolución, incluso hoy muchos celulares toman mucho mejores fotos que algunas cámaras point and shoot. La constante mejora ha llegado a niveles impensables hace unos años y ya hay marcas que han ido más allá y han presentado verdaderos monstruos como este año lo hizo Nokia con su modelo 808 Pure View, con unos increibles 41MPx de resolución (Es decir 372 veces más que la primera cámara de celular) y sensor Carl Zeiss, una resolución más alta que el modelo top de Canon o Nikon y comparable con cámaras de formato medio.
Sanyo Sprint SCP-5300
La aparición hace pocos años de los smartphones hizo que la utilización de la cámara del celular se volviera más popular de lo que ya era, la batalla entre las marcas hacía cada vez mejor el hardware e iban saliendo al mercado una serie de aplicaciones para la manipulación digital de las fotos y para compartirlas (como la popular red social Instagram que ya tiene más de 40 millones de usuarios). Incluso han aparecido una serie de accesorios para las cámaras de smartphones (mayormente para iPhones) como los que vende Photo Jojo en su web, entre los que hay lentes wide angle, fish eyes e incluso teleobjetivos para llevar las fotos de tu cámara de celular a otro nivel.
Todo esto hizo que ya se hablara de una nueva corriente fotográfica llamada Phoneography (Fonografía)..que ha tomado mucho de los aspectos de la Lomografía en cuanto a su estética (muchos de los efectos de Instagram tratan de imitar a las fotos obtenidas lomográficamente), en el transfondo cotidiano de sus imágenes y en el poco respeto a las reglas de fotografía. Además, para los que no tienen el dinero para una Lomo, para rollos y revelado, es una manera de compartir su visión del mundo visto desde otra estética.
Aquí algunas fotos tomadas el fin de semana..en mis pininos como fonografista

References: resolución 
 resolución 
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