Source: https://issuu.com/quintacultural/docs/cat__logo_reproducibles_digital?utm_source=conversion_success&utm_campaign=Transactional&utm_medium=email
Timestamp: 2019-11-17 21:21:41+00:00

Document:
Catálogo Reproducibles by Quinta Cultural - Issuu
Marzo. 2017 Espacio El Dorado
Coordinador general /
Y a todos los artistas que hacen parte de este
Quinta	And every artist that accepted our invitation to Fundación Planeta Amor
Exposición inaugural /
Un proyecto de /
Opening: A project by: Espacio El Dorado Carrera 4A # 26C-49	Montaje y curaduría / Installation and curatorial work:	Quinta - www.colectivoquinta.com Espacio El Dorado
Con el apoyo /
With the support of: Traducción /
Evan Sudarsky Gabriel Durán	Diseño y diagramación / Design and layout:
Créditos portada /
Sanaz Sohrabi, Video still de Espejos
Auxiliares, video de 12:09 minutos con sonido/
Video still from Auxiliary Mirrors, 12:09
minutes with sound, 2016
Agradecimientos a / Acknowledge to:	Marta Emilia Rueda	Diana Torres	Andrés Ruiz Daniela Polo Gabriel Durán Evan Sudarsky Cristian Navas Espacio El Dorado A todos los voluntarios
Reproducibles El ejercicio de reproducir supone de entrada una diferencia entre el objeto producido y su reproducción. El asunto es sencillo: cuando la unicidad se rompe, la diferencia aparece. Aunque la técnica sea rigurosa y los ejemplares se asemejen, si un objeto se reproduce una, dos o más veces existirán una, dos o más versiones de ese objeto. En esta exposición, sin embargo, la reproducción no se aborda únicamente desde la técnica, es decir, desde el ejercicio o el acto mismo de volver a (re) producir. Las obras también se acercan a ello como tema de reflexión, señalando un amplio espectro de posibilidades para interpretarlo y comprenderlo, para transmitirlo y expresarlo. En las piezas, forma y contenido se aproximan a la reproducción como concepto, a veces de manera armónica y complementaria, otras veces compitiendo y contradiciéndose. En la búsqueda por acercarse a la reproducción es necesario recurrir a la repetición, a la imitación o a la réplica, pero el proceso creativo no se reduce a un obediente acto mecánico. Eso son los Reproducibles: el resultado de una decisión entre la continuidad y la discontinuidad. Cada reproducible traza una línea propia que separa lo que mantiene de lo que cambia, lo que replica de lo que modifica, lo que permanece de lo que irrumpe. Reproducibles, en su conjunto, es el escenario de una contienda entre lo constante y lo variable. Exige del espectador una postura activa para identificar la línea que traza cada artista y su camino para acercarse al concepto de reproducción mediante forma y contenido. Al final, el proyecto propone la reproducción como una constante, los artistas sugieren las variables y el espectador complementa con su interpretación. Medios reproducibles como la fotografía, el grabado, la serigrafía, la impresión digital, el cianotipo, el monotipo y el video still dialogan y debaten con la reproducción como “la dimensión de lo posible”, y también como la reiteración de ritos cotidianos, de gestos aleatorios; la recreación de ciclos, de procesos biológicos y orgánicos, o de arquetipos culturales y sociales; la referencia o apropiación de técnicas e íconos de la historia del arte y de la publicidad; la repetición de formas geométricas y de estructuras que delimitan el espacio al sugerir marcos, límites y vacíos; la correspondencia formal entre lo macro y lo micro, el reflejo y la proyección, el ritmo, la vibración, el eco, el sonido y el silencio.
Reproducibles The act of reproducing represents an entrance into the differences that exist between the object that is produced and its reproduction. It is a simple matter: when uniqueness is shattered, difference appears. Although the technique might be rigorous and the reproductions can be similar to one another, once the object is reproduced one, two or more times then there will be one, two or more versions of that object. In this exhibit, however, reproduction does not pertain exclusively to technique; that is to say from the act of reproducing again. The pieces are close to the concept of reproduction in themes like reflection, suggesting an ample spectrum of possibilities for interpretation, comprehension, and transmission thus being expressed in a myriad of possibilities. In these pieces, form and content come close to reproduction as a concept, sometimes harmoniously while other times contradictory. In the search of honing into reproduction, it is necessary to recur to repetition, imitation, or replica. However, the creative process is not reduced to an obedient mechanical act. This is what Reproducibles are: the result of a decision between continuity and discontinuity. Each reproducible piece traces its own line, which separates what it preserves and what it transforms, what it replicates, modifies; what remains and what it disrupts. Reproducibles as a whole, is a testimony of what is contained between constant and variable. It demands the spectator to have an active position at identifying the line traced by each artist and their creative road in order to be closer to the reproduction through both form and content. In the end, the project proposes that reproduction is constant, but the artists suggest that the variables the spectator sees as an interpretation entirely their own. Reproductive media like photography, engraving, serigraphy, digital impression, cyanotype, monotype, and videostills establish a conversation and debate with the reproduction as Â¨the dimension of what is possibleÂ¨ and as the reiteration of quotidian social rituals, the reference to, or approving of techniques and icons in art history and publicity; the repetition of geometric shapes and structures that contain and trace spaces while suggesting frames, limits and empty space; the formal correspondence between macro and micro, the reflection, projection, rhythm, vibration, echo and silence.
es una iniciativa para la gestión cultural conformada por un grupo de siete jóvenes profesionales en áreas afines al arte. En el 2015, en alianza con la Fundación Suizo colombiana, tuvo lugar SubasArte: el primer proyecto del colectivo que consistía en una subasta silenciosa de arte joven. Participaron 43 artistas que expusieron durante tres días un total de 80 obras en el Museo de Arte Moderno de Bogotá (MAMBO). Los objetivos de este proyecto fueron, por un lado, servir de plataforma de exhibición y venta de arte y, por otro, recaudar fondos para la construcción de un centro de artes y oficios en la localidad de Suba. Este año, con el fin de seguir posibilitando diferentes espacios de creación y circulación de arte joven, presentamos el proyecto Reproducibles. Veintinueve artistas realizaron una obra inédita fotográfica o gráfica (grabado, litografía, fotografía, monotipo, videostill, serigrafía y fotograbado) que reprodujeron en seis copias. Una de estas copias se exhibirá en una exposición inaugural en marzo del presente año en el Espacio El Dorado (Bogotá) y en un galería / espacio alternativo en Chicago en la segunda mitad del 2017.
Quinta is a cultural management initiative conformed by seven young professionals in areas akin to the arts. In 2015, in alliance with the Fundación Suizo Colombiana, Quinta made its debut project: SubasArte. SubasArte was a silent auction done at the Museum of Modern Art of Bogotá (MAMBO), where 40 young artists exhibited a total of 83 pieces of art. The project’s objective was twofold: on the one hand, it would serve as a platform for upcoming artists to show and sell their work, and on the other hand, as a means to raise money for the construction of a center of the arts and sciences for the youth living in the sector of Suba in Bogotá. This year, they continue to seek out different spaces for the creation and circulation of young art with their latest project: Reproducibles (Reproducible). Twenty-nine young artists created a piece of photography or graphic (be it engraving, lithography, monotype, video-still, serigraphy, or photoengraving) which was reproduced six times. One of these copies will be placed in an opening exposition in March of this year in Espacio El Dorado (Bogota) and, during the second half of the year, in a gallery in Chicago, USA.
Planeta amor es una entidad sin ánimo de lucro que brinda atención integral de alta calidad a niñas, niños y adolescentes que nacen y viven con diagnóstico VIH positivo o en etapa Sida y que provienen de familias de bajos recursos. Desde su creación en 1994 su objetivo ha sido mejorar las condiciones de vida de la niñez, la adolescencia y la juventud infectada o afectada por el virus en las áreas de la salud, el apoyo psico-social, la educación escolar y la recreación; además, de promover en ellos y en su núcleo familiar, el retorno a su hogar y a la vida en comunidad. Para esto la organización diseña e implementa programas de apoyo para personas que viven o conviven con el diagnóstico o en riesgo de la infección y educa e informa a la sociedad sobre esta problemática, contribuyendo así en la reducción del número de casos de personas infectadas. Una de las fortalezas de Planeta Amor es la sensibilización a la comunidad a través del arte. Es así como a lo largo de su historia ha realizado diferentes eventos y actividades culturales con el lema “El Arte de Dar”. Estas iniciativas han sido apoyadas por prestigiosos artistas nacionales e internacionales y por varios representantes de la empresa privada. Ellos han creído en nuestra causa y nos han apoyado incondicionalmente. De este modo, el arte se ha convertido en una de las fuentes de sostenibilidad institucional de la organización a través de subastas o de proyectos adelantados en alianza con artistas como Beatriz González, Jaime Ávila, Miguel Ángel Rojas, Franklin Aguirre, entre otros. En la celebración de sus 18 años Planeta Amor presentó la tercera versión de sus subastas, esta convocatoria reunió en el Club El Nogal a más 500 personas entre artistas e invitados especiales. La alianza entre Quinta y Planeta Amor para Reproducibles no sólo le da continuidad al vínculo entre el trabajo de la fundación y el arte sino que es una apuesta por apoyar el arte joven y trabajar de la mano de artistas emergentes.
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is a non-profit organization that brings integral, high quality attention to girls, boys and teenagers from low income families whom are born and live with HIV/ AIDS. Since converging in 1994 its objective has been to improve the conditions of life in children, adolescents and general youth of people infected or affected by this virus within the areas of health, psycho-social support, schooling, and recreation. They also promote those affected and their families to return home and live in their community. In order to do this, the organization designs and implements support programs for people living or coexisting with this diagnostic or at risk of infection. Planeta Amor educates and informs our society about the problematic aspects of the disease; and in this way they contribute to the reduction of the percentage of people infected. On of Planeta Amor’s strengths is the sensitization of the community towards art. This is the manner in which they have held different events and cultural activities with the motto “The Art of Giving.” These initiatives have been supported by prestigious artists both national and international alike and by various private industries. They have believed in the foundation’s cause and supported it unconditionally. This way, art has turned into one of the sources of institutional sustainability of this organization by way of auctions, or progressive projects in alliance with artists like Beatriz Gonzales, Jaime Avila, Miguel Angel Rojas, and Franklin Aguirre among others. In its eighteenth anniversary Planeta Amor presented its third auction, held in the Nogal Club with more than 500 people among artists and special guests. The alliance between Quinta and Planeta Amor for Reproducibles does not only extend the bond between the foundation’s work and art forward but it is also holds a strong bet for new art and to work hand in hand with emerging artists.
Índice de artistas / Artists index 1. Alberto Miani
21. Orkideh Torabi
2. Alejandro Londoño
22. Pablo Gómez
3. Antonio Bermúdez
23. Rambod Vala
4. Azadeh Gholizadeh
24. Ricardo Muñoz
5. Boris Restrepo
25. Sanaz Sohrabi
26. Santiago Forero pg. 39
7. Cristian Navas
27. Sergio Román
8. Diana Torres
28. Valeria Giraldo
9. Elnaz Javani
29. Yaya Mousavi
10. Ernesto Soto
11. Fredy Clavijo
12. Javier Vanegas
13. Jose Sanín
14. Juan Pablo Lozano
15. Juana Anzellini
16. Maite Ibarreche
17. Mateo Zúñiga
18. Miguel Arévalo
19. Nicolás Gómez
20. Nicolás Sanín
Alberto Miani Bogotá, 1991
Sin título / Untitled Serigrafía / Silkscreen 50 x 35 cm [ 2016 ]
Maestro en Arte con énfasis en Artes Plásticas y Diseñador con énfasis en comunicación, egresado de la Universidad de Los Andes. Obtuvo la distinción meritoria con su proyecto de grado de arte El Mito de la Razón y grado Cum Laude en su pregrado de diseño. Fundó junto a Antonio Castles y Néstor Peña el estudio de diseño y producción audiovisual El Cajón. Ha participado en exposiciones colectivas, subastas y eventos culturales en Bogotá y Cali en espacios como el Museo de Arte Moderno de Bogotá, el Espacio El Dorado, la Galería MIAMI y la Fundación Enrique Grau. Participó en la Feria ARTBO 2015 con la publicación Cómo poner a
Bachelor’s in Fine Arts and Design with an emphasis in communications from Universidad de los Andes, Colombia. His art thesis El Mito de la Razón (The Myth of Reason) was awarded with high distinction. Alongside with Antonio Castles and Néstor Peña, he is the cofounder of El Cajón, an audiovisual production and design studio. He has participated in collective exhibitions, auctions and cultural events in Bogotá and Cali, in spaces such as Museo de Arte Moderno de Bogotá, Espacio el Dorado, Galería MIAMI and Fundación Enrique Grau. He also participated in ARTBO 2015 with the publication of Cómo poner a funcionar el Cosmos (How to make
funcionar el Cosmos del artista Sergio Román con El Cajón Editorial y como asistente de la Galería Mor-Charpentier.
the Cosmos work) by the artist Sergio Román with El Cajón Editorial and worked as an assistant of Galería Mor-Charpentier.
www.albertomiani.com
Alejandro Londoño Bogotá, 1989 Maestro en Arte con énfasis en Artes Plásticas de la Universidad de los Andes. Ha participado en varias exhibiciones colectivas, dentro de las cuales figuran Proyecto Tesis 2013, Arte a las 7 en la 127, HIATOS, SubasArte, Más allá de la Abstracción, Colectiva Nominados Premio Sara Modiano 2015 y Arte con Texto, entre otras. Dentro
Bachelor’s in Fine Arts from Universidad de los Andes. He has participated in collective exhibitions such as Proyecto Tesis 2013, Arte a las 7 en la 127, HIATOS, SubasArte, Más allá de la Abstracción, Colectiva Nominados Premio Sara Modiano 2015 and Arte con Texto. His individual exihibitions include Historia Universal de la Pintura, Small Data, El Paisaje
de las exposiciones individuales cabe destacar Historia Universal de la Pintura, Small Data, El Paisaje Doméstico y Realidades Inversas. Ha trabajado de manera persistente en torno al simulacro propuesto por las máquinas informáticas. Desde los inicios de su carrera, el afán por materializar y traducir procesos digitales a universos plásticos, lo ha invitado a reflexionar constantemente en torno a las implicaciones sufridas por el aparato sensible luego de enfrentarse a infraestructuras/hiperestructuras tecnológicas.
Doméstico and Realidades Inversas. Londoño has worked consistently around the notion of simulacrum derived from information machines. Early on in his career, the urge to translate and materialize digital processes into plastic universes has led him to constantly reflect on the consequences of facing technological infrastructures/hyperstructures on the sensitive organism.
www.londonourdaneta.com
Antonio Bermúdez Bogotá, 1991
Passe-partout (1/6) Impresión Lambda / Lambda print 50 x 35 cm [ 2016 ]
Maestro en Arte con énfasis en Artes Plásticas y Arquitecto de la Universidad de los Andes. Ha participado en varias exposiciones colectivas en Bogotá como Framing the Common en CAMPO y Translocaciones en la galería El Museo. A nivel internacional formó parte de la exposición Time Space Existence en el Palazzo Bembo Collateral 15th International Architecture Exhibition of la Biennale di Venezia. El espacio se ha vuelto el tema principal de su obra. Este interés particular por la
Bachelor’s in Architecture and Fine Arts from Universidad de los Andes. Bermudez has participated in several collective exhibitions in Bogotá, such as Framing the Common in CAMPO and Translocaciones in El Museo. Internationally, he participated in the exhibition Time Space Existence in the Palazzo Bembo Collateral’s 15th International Architecture Exhibition of La Biennale di Venezia. Space has become the main theme of his work. His particular interest in the complexity of space stems
complejidad espacial viene de la importancia de la experiencia y la abstracción en la relación entre el hombre y su entorno.
from the relevance that experience and abstraction hold within the relationship man establishes with his surroundings.
www.antoniobermudez.com
Azadeh Gholizadeh Teherán, Irán, 1982 Arquitecta de la Shahid Beheshti University en Teherán, Irán, con Maestría en Bellas Artes de la Escuela del Instituto de Arte de Chicago (SAIC). Participó en la residencia BOLT en la Chicago Artists Coalition financiada por la Andy Warhol Foundation. Ha expuesto en espacios como la Houston Fine Art Fair, la Chicago Artist Coalition, la Women Made
Bachelor’s of Arts in Architecture from Shahid Beheshti University in Tehran and Masters Degree in Fine Arts from the Art Institute of Chicago (SAIC). She participated in BOLT residency of the Chicago Arts Coalition funded by the Andy Warhol Foundation. Gholizadeh has participated in exhibitions at the Houston Fine Art Fair, the Chicago Artist Coalition,
Gallery y la Soap Factory. Ha dictado conferencias en la Fundación Siamak Pourzand. Actualmente reside en Chicago, Estados Unidos. Es una artista y arquitecta que explora los límites borrosos y las definiciones de espacios y lugares, no sólo en su sentido geográfico, sino también en sus sentidos virtuales y físicos. Su trabajo incluye esculturas y pinturas.
Women Made Gallery and Soap Factory, and has lectured at the Siamak Pourzand Foundation. She currently lives in Chicago, USA. Gholizadeh is both an artist and an architect who explores the vagueness of limits as well as the definition of space and places, not only in their geographic sense but also in their virtual and physical dimensions. Her work includes sculptures and paintings.
www.azadehgholizadeh.com
Repetición Figura II / Repetition Figure II ​ Impresión / Print 35 x 50 cm [ 2016 ]
Boris Restrepo Bogotá, 1989
Plaza, según Helio Oiticica / Square according to Helio Oiticica Serigrafía, monotipos de óleo, esmalte industrial y de poliuretano sobre papel/ Silkscreen, monotype on oil, industrial enamel and polyurethane on paper 35 x 50 cm [ 2016 ]
Realizó estudios en la Universidad de los Andes,
Bachelor’s in Fine Arts from Universidad de los
donde se graduó con tesis meritoria en el año 2013, y en la Escuela de Artes y Comunicaciones de la Universidad de Sao Paulo ECA-USP (Brasil) donde realizó un intercambio académico. Fue ganador del VIII Premio Uniandino a las Artes Quién teme al amarillo, azul y rojo en 2015. Ha expuesto individual y colectivamente en diferentes espacios, galerías y museos como La Galería Espacio Alterno, 12:00 Galería, SGR Galería, La Academia Superior de Arte de Bogotá, el Museo de Arte Moderno de Bogotá, La Quincena, el sótano 30-45, Centro Creativo Textura, Más Allá, el Parqueadero del Museo de Arte del Banco de la República y La Casona de Línea en La Habana, Cuba.
Andes, where his graduate thesis project was awarded with high distinction, Restrepo also spent a season in the Arts and Communication School of Sao Paulo ECA-USP, Brazil, during an academic exchange program in 2013. He was awarded with the VIII Premio Uniandino a las Artes En Construcción in 2015. He has exhibited his work individually and collectively in spaces such as La Galería Espacio Alterno, 12:00 Galería, SGR Galería, La Academia Superior de Arte de Bogotá, el Museo de Arte Moderno de Bogotá, La Quincena, el sótano 30-45, Centro Creativo Textura, Más Allá and El Parqueadero del Museo de Arte del Banco de la República and in La Casona de Línea in La Habana, Cuba.
www.borisrestrepo.tumblr.com
Carlos Gómez Bogotá, 1985 Adelantó estudios en la Universidad de los Andes en Bogotá, en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM de Taxco y en la Bishop’s University de Sherbrooke en Canadá. Su obra se ha exhibido en exposiciones colectivas e individuales en estos tres países: Grabado Sobre Ruedas II de la Galería Santa Fé, Exposición Colectiva con el Taller Grabado
Carlos Gómez pursued his art studies at Universidad de los Andes in Bogotá, Colombia, Escuela Nacional de Artes Plásticas at UNAM in Taxco, México, and completed them in the Bishop’s University in Sherbrooke, Canada. His work has been exhibited both individually as well as part of collective shows in all three of the aforementioned countries. He took
José Guadalupe Posada y en la exposición Gráfica y Espacio Público del Museo de Antropología William Spratling, y Homelu, Un Homely Returns en la Foreman Gallery. Individualmente ha expuesto en la Fundación Enrique Grau, en la galería The Lawrence House Center of Arts y la galería Steve Saint Pierre. Recientemente recibió el Main & Station Award a la mejor obra de un artista local.
part in the collective show Grabado Sobre Ruedas II de la Galería Santa Fé, in Exposición Colectiva with el Taller de Grabado José Guadalupe Posada and in Gráfica y Espacio Público del Museo de Antropología William Spratling. He also was part of the collective show: Homelu, Un Homely Returns at The Foreman Gallery. Individually, he has exhibited in Fundación Enrique Grau, in The Lawrence House Center of Arts and in Steve Saint Pierre gallery. He recently obtained the Main & Station Award for best work by a local artist.
www.planchaperdida.com
Paz en la Playa / Peace at the beach Punta seca en plástico / Dry point engraving on plastic 35 x 50 cm [ 2016 ]
Cristian Navas Bogotá, 1990
Between moons Fotomanipulación / Photomanipulation 35 x 50 cm [ 2016 ]
Fotógrafo y Artista Visual. Actualmente vive y trabaja en Bogotá. Alejado de aspectos académicos, su obra se basa en la transformación de fotografías e imágenes en universos surrealistas, dramáticos y oníricos a través del ensayo y error, buscando expresar sentimientos y pensamientos propios,
Photographer and visual artist, Navas currently lives and works in Bogotá. Far from academic environments, his work is founded upon the transformation of photographs and images into surreal, oniric and dramatic universes, seeking to express his own emotions and thoughts such as
como el conocimiento del cuerpo humano, la deformación del espacio-tiempo y el inextinguible viaje de la mente.
knowledge of the human body, the morphing of timespace continuum and the inextinguishable journey of the mind.
www.instagram.com/cristianavas
Diana Torres Bogotá, 1986 Artista egresada de la Escuela del Instituto de Arte de Chicago (SAIC) con maestría en la misma universidad en video y nuevos medios. Ha expuesto a nivel internacional y nacional en distintos espacios: Chicago Artist Coalition, Overture, Art Basel Miami (en colaboración con (art) Laboratories), Art Sydney y la XIV Bienal
Diana Torres is an artist with a Bachelor’s degree from the School of the Art Institute of Chicago (SAIC), where she also pursued a Master’s degree in Video and New media. Her work has been exhibited both nationally and abroad in different spaces including the Chicago Artist Coalition, Overture, Art Basel Miami (in collaboration with ‘(art) Laboratories)’, Art
de arte internacional de Bosnia. Actualmente vive en Chicago, Estados Unidos. Es una artista interdisciplinar que en su trabajo explora el cuerpo femenino con relación al espacio, la diáspora y el lenguaje. Su trabajo incluye animaciones en medios mixtos, ilustración y sonido.
Sydney and the XIV Biennial of International Art in Bosnia. She is an interdisciplinary artist who explores the feminine body in its relation with space as well as with diaspora and language. Her work includes animation in mixed media, illustration and sound. She currently lives and works in Chicago, USA.
de nu de Grabado/ Print 35 x 50 cm [ 2016 ]
Elnaz Javani Tabriz, Irán, 1986
Celda / Cell Performance, fotografía impresa/ Performance, printed photography 50 x 35 cm [ 2015 ]
Artista con énfasis en pintura de la Art University de Teherán y egresada de la Escuela del Instituto de Arte de Chicago (SAIC). Su trabajo ha sido expuesto en Estados Unidos y en otros países en festivales y exposiciones como el Programa de Residencia Internacional CAC Ses Voltes en España, el Luminas Cultural Foundation of Visual Arts de Chicago, el Mottahedan Projects en Dubai, el Nippon Steel & Sumitomo Metal USA Presidential Award Exhibitions de Chicago, The Munich cultural center at Pasinger Fabrik en Alemania y el Le Commun, Bâtiment d’Art Contemporain (BAC) de Ginebra. Su obra consiste en esculturas, dibujos e instalaciones que exploran la noción de identidad cultural. En ella recurre a
With one Bachelors degree in Painting from the Tehran Art University and one Master in Fine Arts from the School of the Art Institute of Chicago, Elnaz Javani’s creative work has been displayed in exhibitions and festivals around the world including the CAC Ses Voltes International Residency Program (Spain), Luminas’ Cultural Foundation of Visual Arts (Chicago), the Mottahedan Projects (Dubai), the Nippon Steel & Sumitomo Metal USA Presidential Award Exhibitions (Chicago), The Munich Cultural Center at Pasinger Fabrik and Le Commun, Bâtiment d’Art Contemporain (Geneva). She sculpts, draws, and creates installations that explore the notions of cultural identity. Her artwork embraces conceptual
estrategias conceptuales y artesanales, utilizando materiales cotidianos, tales como la tela y diversos textiles.
strategies and craftsmanship employing quotidian materials, such as fabric and textiles.
www.elnazjavani.com
Ernesto Soto Bogotá, 1990 Ernesto Soto estudió Artes Plásticas e Historia del Arte en la Universidad de Los Andes de Bogotá. Su narrativa visual y su desarrollo formal en la pintura suelen tener al paisaje campestre como punto de partida. Ha participado en exposiciones colectivas en Bogotá (MAMBO, Pabellón Artecámara en el marco de la feria ARTBO, Galería el Garaje, Galería
Ernesto Soto graduated with a Bachelor’s of Arts in both Fine Arts and Art History from Universidad de Los Andes, Bogotá. Rural landscapes play a definitive role in his paintings’ subject matter and formal outcome. He has participated in collective shows in Bogotá (MAMBO, Pabellón Artecámara at the annual Art Fair ARTBO, Galería el Garaje, Galería Santa Fe,
Santa Fe, Salón Comunal y Espacio Alterno) y en una ocasión en Nueva York (Galería LeRoy Neiman en la Universidad de Columbia).
Salón Comunal, and Espacio Alterno) as well as at the LeRoy Neiman Gallery in Columbia University, New York.
www.ernesto-soto.com
Nada personal / Nothing personal Linóleo / Linocut 50 x 35 cm [ 2016 ]
Fredy Clavijo Pereira, 1977
Hombre duplicado / Duplicated man Serigrafía sobre papel / Silkscreen on paper 50 x 35 cm [ 2016 ]
Artista plástico de la Universidad Tecnológica de Pereira. Su obra ha sido expuesta a nivel nacional e internacional. En el primer semestre del 2016 participó en FIVAC (Festival Internacional de Video Arte en Camagüey), en Cuba y fue seleccionado para hacer parte de la residencia artística La línea imaginaria en la ciudad de Quito, Ecuador. Participó el 44 Salón Nacional de Artistas. Actualmente hace parte del equipo de la Residencia Artística la Cuenca en Pereira. Su producción artística lo ha llevado a indagar sobre el vínculo existente entre las actividades desarrolladas durante el tiempo de ocio en la sociedad actual, el consumo y producción de imágenes presentes en el turismo, el paseo y los
Bachelor of Arts in Visual Arts from Universidad Tecnológica de Pereira, Fredy’s work has been exhibited both nationally and internationally. In the first half of the present year he participated in FIVAC Festival Internacional de Video Arte en Camagüey in Cuba where he was chosen to be part of the artistic residency La línea imaginaria in Quito, Ecuador. He also participated in the 44th version of el Salón Nacional de Artistas. He is currently part of the team Residencia Artística la Cuenca of Pereira. His artistic trajectory has led him to explore the activities of leisure in present society such as the production and intake of images associated to tourism, trips and traveling. To do so, he has appealed to the formal
viajes. Para ello, se ha valido de diferentes recursos formales como el dibujo, la fotografía, el video y la instalación.
resources provided by drawing, photography, video and installation.
www.fredyclavijo.co/
Javier Vanegas Bogotá, 1984 Maestro en Arte de la Universidad de los Andes. Ha mostrado su obra en festivales de Colombia como Fotologia 5, el Portarretrato postmoderno y Fotográfica Bogotá III. En 2014 participó con su obra AMPO en el MACRO Museo de Arte Contemporáneo de Roma y en el Festival de Fotografía de Italia. Ha participado en bienales internacionales como la
Bachelor’s in Fine Arts from Universidad de los Andes, Vanegas has presented his work in Fotologia 5 and Postmodern Portrait, as well as Fotográfica Bogotá III. In 2014 he participated in MACRO, Museum of Contemporary Art of Rome, in the Festival of Photography of Italy with a project entitled AMPO. Selections from the corpus of his work has
de Asunción, Paraguay, Curitiba, Brasil y Venecia, Italia y en ferias como Sp-Art International fair of São Paulo Brasil, Art Lima Peru, PINTA London, JUSTMIAMI, la Feria de Arte Contemporáneo de Odeón en Bogotá y ArtRio, Brazil. Ha recibido premios como el 6º Salón de Arte Bidimensional, la mención honorífica del premio Botero 2008 y el primer premio de Uniandinos IV.
been displayed in international biennials at Asuncion, Paraguay; Curitiba, Brazil and Venice, Italy as well as in several art fairs including the Sp-Art International fair of São Paulo Brazil, Art Lima Peru, PINTA London, JUSTMIAMI, Odeon Fair of Contemporary Art of Bogota and ArtRio Brazil. Vanegas has been awarded accolades including the award “6º Salón de Arte Bidimensional”, the Botero Honorable Merit Award in 2008 and the first prize in the Uniandinos IV.
www.javiervanegas.com
Construcción de ranchería Wayúu / Construction of a Wayúu ranchería Fotografía digital / Digital photography 50 x 35 cm [ 2016 ]
Jose Sanín Medellín, 1990
La dimensión de lo posible / The dimension of the possible Grabado en madera y serigrafía / Woodblock and silkscreen 35 x 50 cm [ 2016 ]
Maestro en Arte con énfasis en Artes Plásticas de la Universidad de los Andes. Ha participado en proyectos colectivos ligados al arte en diferentes ciudades de Colombia y ha tenido la oportunidad de exponer su trabajo en Medellín y Bogotá. Utiliza diferentes medios en sus proyectos pero tiene un especial interés por algunas técnicas gráficas. Le interesan las posibilidades técnicas y narrativas
Bachelor’s in Fine Arts from Universidad de los Andes, he has participated in collective projects in different cities of Colombia and has showcased his work, most notably in exhibitions in Bogotá and in Medellín. In his projects he appeals to different mediums but is especially fond of graphic and printing techniques. He is particularly interested in the different technical and narrative possibilities
de la impresión. Junto a Valeria Giraldo trabaja en el proyecto Mejores Días, que produce y desarrolla proyectos gráficos para artistas.
of print. In collaboration with Valeria Giraldo he developed a project called, Mejores Días (Better Days), which designs and produces projects related to graphic design and prints for artists.
www.josesanin.com
Juan Pablo Lozano Bogotá, 1989 Maestro en Arte de la Universidad de los Andes con énfasis en Artes Plásticas y Medios Electrónicos y Artes del Tiempo. Desde la universidad, usa la fotografía como medio para cuestionar los límites entre lo vivo y lo “inanimado”, así como para explorar la naturaleza y su entorno. Su trabajo se ha mostrado en varias exposiciones colectivas
With a Bachelor’s in Fine Arts, Electronic Media and Arts of Time from Universidad de los Andes, Lozano uses photography as a means to question the limits between the living and the inanimate as well as to explore nature and its surroundings. His work has been displayed in several collective exhibitions in Bogotá such as BINARIO, Al final del espejo, Nuevos
en Bogotá entre las que se destacan BINARIO, Al final del espejo, Nuevos Horizontes, Selfie, El que no muestra no vende, Maricaditas varias y Usted no sabe quién soy yo. Desde el 2015, parte de su trabajo fotográfico lo enfoca a lo urbano, buscando lugares, ángulos, personas y moda en la ciudad.
Horizontes, Selfie, El que no muestra no vende, Maricaditas varias and Usted no sabe quién soy yo. Since 2015 he has focused his photographic work on urban nature, seeking out places, angles, people and fashion in the city of Bogotá, where he currently resides.
www.juanplozano.com
Reflejo en un vidrio / Reflection on a glass Fotografía digital / Digital photography 50 x 35 cm [ 2016 ]
Juana Anzellini Bogotá, 1985
Mutuo acuerdo / Of common accord Serigrafía y pigmento dorado sobre papel de algodón / Silkscreen and gold pigment on cotton paper 35 x 50 cm [ 2016 ] Maestra en Arte con énfasis en Artes Plásticas de la Universidad de los Andes con un MFA en Bellas Artes del Instituto Caspar-David-Friedrich en Alemania. Actualmente vive y trabaja en Berlín auspiciada por una beca de creación artística del gobierno alemán. Desde el año 2013 ha expuesto en varias ciudades de Alemania. En Colombia ha expuesto en tres Salones Regionales, en la Biblioteca Luis Ángel Arango y en la Cámara de Comercio de Chapinero. En 2015 participó en la subasta SubasArte en el Museo de Arte Moderno de Bogotá y en una exposición colectiva de pintura en el Espacio El Dorado. Su trabajo artístico gira en torno a la pintura y el dibujo y desde hace poco
Anzellini obtained her Bachelor’s degree in Fine Arts from Universidad de Los Andes and graduated from her Masters in Fine Arts from the Caspar David Friedrich Institut in Germany, she currently lives and works in Berlin, sponsored by a creation grant from the German government. Since 2013 she has exhibited her work throughout Germany. In Colombia she has displayed in three Regional Salons, at Biblioteca Luis Ángel Arango and in Cámara de Comercio de Chapinero. In 2015 she participated in the SubasArte auction in Museo de Arte Moderno de Bogotá and recently she was part of a collective exhibition of paintings in Espacio El Dorado. Her work revolves around painting, drawing and, as of late,
al grabado. El tema de la ceguera, tanto en su dimensión física, como en su dimensión psíquica son el centro gravitacional de sus reflexiones.
print. The subject of blindness, in its psychological as much as in its physical dimensions, has been the gravitational center of her reflections.
Maite Ibarreche Bogotá, 1989 Maestra en Artes Plásticas de la Universidad Nacional de Colombia, con un diplomado en Gestión Cultural de la Universidad del Rosario. Su obra ha sido expuesta en el Museo de Arte Moderno de Bogotá, el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, la feria ArtBo y el Salón de Arte Joven del Club El Nogal. Asimismo ha sido incluida
Bachelor’s in Fine Arts from Universidad Nacional de Colombia with a diploma in Cultural Management from the Universidad del Rosario, Ibarreche’s work has been exhibited at Museo de Arte Moderno de Bogotá, Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, ArtBo art fair and Salón de Arte Joven del Club El Nogal. She has also been included
en publicaciones como Tropical Porn y el Atlas Subjetivo de Colombia. Trabaja principalmente con dibujo, collage y recorte de papel a mano, técnicas que le permiten sobreponer diferentes narrativas para alterar su significado. Busca reflexionar sobre las contradicciones y generar diálogos entre elementos aparentemente opuestos, para deconstruir los prejuicios sobre el conocimiento.
in publications such as Tropical Porn and Atlas Subjetivo de Colombia. As coordinator of cultural projects, she has been part of research groups, commercial galleries and international exhibits. She works primarily with drawing, collage and paper clippings. These techniques allow her to juxtapose different narratives, thereby altering their meaning. She seeks to reflect upon contradiction and to start conversations between apparently opposing elements, thus deconstructing prejudices about knowledge.
www.maiteibarreche.com
Ouija - El Tiempo / Ouija - The Time ​ Serigrafía sobre papel de algodón / Silkscreen on cotton paper 35 x 50 cm [ 2016 ]
Mateo Zúñiga Cali, 1993
Pequeño Vals Vienés / Little Viennese Waltz Grabado sobre metal / Etching 35 x 50 cm [ 2016 ]
Maestro en Arte con énfasis en Artes Plásticas de la Universidad de Los Andes. Su obra ha sido parte de exposiciones colectivas en la Feria del Millón, en el Centro creativo Textura, en el Salón Séneca, en la Galería Modus y en la Galería el Garaje. El año pasado tuvo una exposición individual en la Galería Sketch. Su obra nace del interés por la pintura. Es un ejercicio que se aleja de la representación de las formas reales de la naturaleza, en un proceso sensible de apropiación de sus componentes más intangibles que estimulan nuestros sentidos: la luz,
Bachelor’s in Fine Arts from Universidad de los Andes. His work has been part of collective exhibitions in spaces such as Feria del Millón, Centro Creativo Textura, Salón Séneca, Modus gallery and Galería el Garaje. In 2015 he had an individual exhibition in Sketch gallery. His work stems from an interest in painting, an exercise he considers distant to the representation of the real forms of nature. For him, this constitutes a sensitive process of appropriation of its most intangible components that stimulate our senses: light, color, air and movement;
el color, el aire y el movimiento; la transparencia, la densidad y la levedad, el volumen, para crear espacios a través de simplicidad material y gestual.
transparency, density, lightness and volume create spaces through the gestural and material simplicity.
www.mateozunigav.com
Miguel Arévalo Bogotá, 1989 Maestro en Artes Visuales con énfasis en Artes Plásticas de la Pontificia Universidad Javeriana. Ha expuesto su obra en varias exposiciones colectivas a nivel nacional como por ejemplo Festival Yavería o el Concurso Nacional de Dibujo Universitario Faber Castell. Sus técnicas más recurrentes de trabajo han sido el dibujo y el grabado aunque su tesis de
Bachelor’s in Fine Arts from Pontificia Universidad Javeriana in Colombia. He has displayed his work in several collective exhibitions at a national level such as Festival Yavería and Concurso Nacional de Dibujo Universitario Faber Castell. His most recurring techniques are drawing and engraving, although his graduate thesis project consisted of an installation
grado se realizó como una instalación que reunía un conjunto de obras en escultura, pintura y dibujo. Las temáticas que suele abordar giran en torno a la repetición, la ausencia de individuos genuinamente humanos y la indiferenciación. Se podría decir que en gran medida su obra abarca una metáfora de lo serial. En su trabajo se contrastan la escogencia de un trazo delicado y un formato pequeño, íntimo, con una poética violenta y crítica.
that gathered a set of pieces in sculpture, painting and drawing. The themes he most consistently approaches in his work are related to repetition, the absence of genuinely human beings and differentiation. It could be said that his work aspires to be a metaphor of seriality. The contrast between the employment of delicate pencil strokes, small and intimate sceneries and the embodiment of a violent and critical poetics makes this contrast compelling and particular.
Emptiness ​ Punta-seca / Dry-point etching 35 x 50 cm [ 2016 ]
Nicolás Gómez Bogotá, 1984
River Impresión inkjet sobre papel metalizado / Inkjet print over metallized paper 35 x 50 cm [ 2014 - 2016 ]
Egresado del programa de Arte de la Universidad de los Andes, 2008, y de la Maestría en Investigación en Historia del Arte de Goldsmiths University, 2010. Ejerce como artista, curador e historiador del arte. A través de la exploración con diferentes medios acude a códigos de representación de la experiencia sensorial y perceptiva del espacio. Trabaja con objetos e imágenes que revelan las tensiones entre lo artificial y lo natural, y la experiencia subjetiva con relación a los sistemas de categorización y medición de la ciencia y del lenguaje. Individualmente ha exhibido en ProArtes, 2016, Galería Lokkus, 2016, Museo de Arte de Pereira,
Bachelor’s of Arts from Universidad de los Andes, 2008, and a Master’s in Art History from Goldsmiths University, 2010. Nicolás Gómez works as an artist, curator and art historian. Through the exploration of different mediums -primarily painting and sculpture-, he resorts to visual codes in order to represent the sensorial and perceptive experience of space. He works with objects and images that reveal the tension that exists between the natural and the artificial, as well as subjective experience related to the cataloguing and schemes of science and language. He has had individual exhibits at ProArtes, 2016, Galería Lokkus, 2016, Museo de
2015, Galería Nueveochenta, 2014, y Valenzuela Klenner Galería, 2013, entre otros, además de diversas muestras colectivas.
Arte de Pereira, 2015, Galería Nueveochenta, 2014, y Valenzuela Klenner Galería, 2013, among others as well as several collective exhibitions.
www.nicolasgomezecheverri.com
Nicolás Sanín Bogotá, 1983 Maestro en Arte con énfasis en Artes Plásticas de la Universidad de los Andes aunque inició sus estudios en la Pontificia Universidad Católica de Chile. Desde el 2005 ha exhibido su trabajo en diferentes espacios en Colombia (Museo de Arte Moderno de Bogotá, Museo del Banco de la Rupública), Italia, Estados Unidos (Centro cultural Clemente
Bachelor’s in Fine Arts from Universidad de los Andes, Sanin began his art studies at Pontificia Universidad Católica de Chile. Since 2005 he has been displaying his work in different spaces in Colombia (Museo del Banco de la República), Italy, United States (Centro cultural Clemente Soto Velez) and France (St Germain Station). In 2011 he received
Soto Velez) y Francia (Estación de St Germain). En 2011 recibió en Roma el Premio de Fotografía Latinoamericana I.I.L.A. En 2013 recibió en París el Premio de Fotografía Libération-Apaj otorgado por el diario Libération. En su obra ha reflexionado sobre el azar, el juego, la suerte, el accidente, el humor, la probabilidad, la geometría, el color y la repetición.
the award Premio de Fotografía Latinoamericano I.I.L.A in Rome. In 2013 he won Premio de Fotografía Libération-Apaj given by the French journal Libération. In his work he has contemplated upon the notion of chance, games, luck, accident, humor, probability, geometry, color, and repetition, among other concepts.
www.nicolassanin.photoshelter.com
30 sombras de gris / 30 shades of gray ​ Impresión de tinta pigmentada sobre papel de algodón / Archival pigmented inkjet print on cotton paper 35 x 50 cm [ 2016 ]
Orkideh Torabi Teherán, Irán, 1979
Pir-e Farzaneh Serigrafía / Silkscreen 35 x 50 cm [ 2016 ]
Artista con maestría en Bellas Artes del School of the Art Institute of Chicago, y pregrado y maestría de la University of Art de Teherán. Su obra ha sido expuesta en Chicago, Austria y Teherán. Su primera muestra individual fue en Estados Unidos en 2016 en Western Exhibitions, galería que actualmente la representa. Recientemente su obra ha estado enfocada en satirizar la sociedad patriarcal de Irán, representando a los hombres como figuras absurdas. Busca burlarse de la compleja y frágil noción de masculinidad que transmiten las sociedades patriarcales en las que las mujeres están completamente ausentes, y
Torabi has a Bachelor’s and Master’s of Arts from The University of Art in Tehran and Master’s of Fines Arts from the School of the Art Institute of Chicago. Her work has been exhibited in Chicago, Austria, and Tehran. Her first solo show in the United States was in 2016 at Western Exhibitions, the gallery that currently holds her representation. Her latest works lampoon Iran’s patriarchal society, depicting Iranian men as absurd figures. She aims to mock the complex and fragile masculinity of the patriarchal societies in which women seem completely absent, stripping the male oppressors of their power by undermining the culture of chauvinism that pervades
con ello desea privar a los opresores de su poder minando la cultura machista que permea este tipo de sociedades.
www.orkidehtorabi.com
Pablo Gómez Bogotá, 1986 Maestro en Arte de la Universidad de los Andes y Especialista en Fotografía de la Universidad Nacional de Colombia. Ha participado en exposiciones colectivas a nivel nacional, entre las que destacan 69/71, Lumens, relatos de identidad, y las curadurías Honda Fotográfica, Representaciones de Ciudad, Fotografías de los Estudiantes de la
Bachelor’s in Fine Arts from Universidad de los Andes with a Specialization in Photography from Universidad Nacional de Colombia, Gómez has participated in various collective exhibitions in Colombia, such as 69/71 (2011) and Lumens 2016, relatos de identidad, and has performed curatorial work in exhibits such as Honda Fotográfica,
Institución Educativa Antonio Herrán Zaldúa y El Oficio del Pescador, Cianotipos Realizados por Familias de Pescadores en Caracolí realizadas en El Museo de Río Magdalena en Honda. Es miembro fundador de la Fundación 4-18 con quien trabaja desde el año 2008 en la gestión y realización de talleres, exposiciones, y diferentes proyectos artísticos y culturales con comunidades. Su trabajo artístico gira principalmente en torno a la experimentación de las diferentes propiedades y posibilidades de la imagen fotográfica.
Representaciones de Ciudad. Fotografías de los Estudiantes de la Institución Educativa Antonio Herrán Zaldúa (2015) and El Oficio del Pescador, Cianotipos Realizados por Familias de Pescadores en Caracolí (2016) displayed at El Museo de Río Magdalena in Honda, Colombia. He is a founding member of Fundación 4-18, where he has worked since 2008 managing diverse workshops as well as artistic and cultural projects with different communities. His work is primarily related to the properties and possibilities offered by the photographic image.
www.4-18.org
Desnudo / Nude Fotografía estenopeica, cianotipo / Pinhole photography, cyanotype 50 x 35 cm [ 2016 ]
Rambod Vala Teherán, Irán, 1985
John Cage ft. MIT Press PDF codificado, impresión digital, serigrafía / Encrypted PDF, digital print, silkscreen 50 x 35 cm [ 2016 ]
Artista y Diseñador gráfico con Maestría en Bellas Artes de la Universidad de Northwestern, Chicago. Su obra ha sido expuesta en exhibiciones internacionales como la exposición Post-Past en el Hermitage Museum en San Petersburgo y ha recibido reconocimientos como una beca de dos años otorgada por la Universidad de Northwestern, el premio a la excelencia tipográfica en la Segunda Bienal de Chicago y el Luminarts Fellowship de la Luminarts Cultural Foundation. Su trabajo se basa en la amplia comprensión del lenguaje escrito, la tipografía y la narrativa que obtuvo de su formación como diseñador gráfico en Teherán, donde se volvió
Vala has a Bachelor’s degree of the Arts in Graphic Design with a Master’s of Fine Arts degree from Northwestern University in Chicago, USA. His work has been displayed in several international exhibitions, such as the Post-Past exhibition at Hermitage Museum in St. Petersburg. Vala has won the prize for typographic excellence at the 2nd Chicago International poster biennial in 2010 and Luminarts Fellowship from Luminarts Cultural Foundation in 2016. His early education and practice as a graphic designer was in Tehran - where he has since been a member of the renowned Studio Tehran, which has equipped him with an understanding of
miembro del Studio Tehran. La obra de Vala es una fusión de historias satíricas de amor, inmigración, trabajo y crítica institucional.
type, text, language and storytelling, all of which he employs in his current body of work. Vala’s work is a coalescence of satire stories of love, immigration, labor and institutional criticism.
www.typographicposters.com/rambod-vala
Ricardo Muñoz Pereira, 1985 Estudió Artes Visuales en la Universidad Tecnológica de Pereira. Ha tenido exhibiciones individuales y colectivas en: Arte Cámara ARTBO, 44 Salón Nacional de Artistas, colectivas y festivales en Brazil, Alemania, España, Argentina y México. Ha sido artista residente en La Bienal de Cerveira, Portugal. En su obra explora un lenguaje gráfico de
Muñoz has a Bachelor’s in Fine Arts from Universidad Tecnológica de Pereira. He has been part of collective and solo shows in Arte Cámara ARTBO, 44 Salón Nacional de Artistas, Brazil, Germany, Spain, Argentina and México. He was an artist in residence at the Cerveira Biennal, Portugal. In his work he has explored a graphic language of strong anecdotal
fuerte carga anecdótica desde el humor, el cinismo y la deformación alegórica. Las superficies se usan desmedida y saturadamente para encontrar yuxtaposiciones absurdas y sórdidas de íconos del arte con signos triviales de la cultura popular, acentuando las tensiones dialécticas entre lo público y lo privado, lo culto y lo marginal.
connotations basing itself in humor, cynicism and the allegorical deformation. In his work he uses surface in an excessive and saturated fashion to find absurd and sordid juxtapositions between art icons and the trivial images of popular culture, thus underlining the existing tensions between what is public and what is private, what is object of cult and what is marginal.
www.ricardomunozizquierdo.carbonmade.com
Sanaz Sohrabi Teherán, Irán, 1988
Video still de espejos Auxiliares, 12:09 minutos con sonidos / Video still from Auxiliary Mirrors, 12:09 minutes with sound Video HD / HD Video Variable [ 2016 ]
Maestra en Bellas Artes de la Universidad de Teherán con maestría en Bellas Artes del Art Institute of Chicago, donde le fue otorgada la beca James Nelson Raymond y la New Artist Society Merit Scholarship. Ha recibido becas del Est-Nord-Est Résidence d’Artistes y del Vermont Studio Center. Entre sus exposiciones y performances destacan: Transart Triennale, 2016, MANA Contemporary, Art Expo, 2013, Nightingale Micro Cinema, y las del Delaware Center for the Contemporary Arts. Oscilando entre las condiciones de lo que una imagen puede ser y lo que significa que exista en el mundo, Sohrabi utiliza la fabricación de imágenes, el movimiento corporal y la representación para crear
Bachelor’s of Fine Arts from the University of Tehran and Master of Fine Arts from the School of the Art Institute of Chicago, where she was awarded the James Nelson Raymond Fellowship and the New Artist Society Merit Scholarship. Sohrabi has also received fellowships from Est-Nord-Est résidence d’artistes and from the Vermont Studio Center. Exhibits and performances include Transart Triennale, 2016, MANA Contemporary, Art Expo, 2013, Nightingale Micro Cinema, and Delaware Center for the Contemporary Arts. Oscillating between what can be considered an image and what it means for it to exist in the world, Sohrabi utilizes image-making, body movement and reenactment
una tercera dimensión de observación y así explorar la distribución y las limitaciones físicas y tangibles del espacio, el cuerpo y la imagen.
to create a third space of observation in which to explore the physical and tangible distribution as well as the limitations of space, body and image.
www.sanaz-sohrabi.com
Santiago Forero Bogota, 1979 Maestro en Artes Visuales de la Pontificia Universidad Javeriana y Magíster en Bellas Artes (M.F.A) de la Universidad de Texas en Austin. Su trabajo ha sido expuesto en museos y galerías en Estados Unidos como el Station Museum of Contemporary Art, Houston Center for Photography, Mexic-Arte Museum, Mexican-American Cultural
With a Bachelor’s in Visual Arts from the Pontificia Universidad Javeriana in Colombia and a Master’s in Fine Arts from the University of Texas in Austin. His work has been exhibited in museums and galleries of the United States including The Station Museum of Contemporary Art, Houston Center for Photography, Mexic-Arte Museum, Mexican-American Cultural
Center y el Visual Arts Center en Austin, entre otros. En el año 2015 fue invitado a participar en el 11 Festival Internacional de Fotografía – Paraty em Foco en Paraty, Brasil. En Colombia su trabajo ha sido exhibido en la Fundación Gilberto Alzáte Avendaño, en el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, Fotología 6, Fotográfica Bogotá y en LA Galería. Actualmente es profesor de la Universidad de los Andes donde enseña Fotografía.
Center and Visual Arts Center in Austin, among others. In 2015 he was invited to participate in the 11 Festival Internacional de Fotografía – Paraty em Foco in Paraty, Brazil. In Colombia his work has been exhibited in Fundación Gilberto Alzáte Avendaño, Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, Fotología 6, Fotográfica Bogotá and LA Galería. He is currently a professor at Universidad de los Andes where he teaches Photography.
www.santiagoforero.com
Turista No.5 / Tourist No.5 Fotografía / Photography 50 x 35 cm [ 2016 ]
Sergio Román Bogotá, 1989
Este papel dice lo mismo / This paper says the same Serigrafía / Silkscreen 35 x 50 cm [ 2016 ]
Maestro en Artes Visuales de la Pontificia Universidad Javeriana con tesis candidata a mención de honor. En el 2015 lanzó su primer libro de la Editorial el Cajón en el Espacio El Dorado. Ha participado en exposiciones colectivas como Risas pregrabadas en la galería SGR y Comunismo Ornamental del colectivo Paraíso Bajo. Su producción visual hace caso al hábito espontáneo, a la necesidad y a la compulsión de hacer. También, responde a la dispersión y al humor. Su obra se interesa en el aspecto crudo de señalar la verdad,
Bachelor’s in Fine Arts from Pontificia Universidad Javeriana with a graduate thesis project that was nominated for honorary distinction. In 2015 he published his first book edited by Editorial el Cajón and launched at Espacio El Dorado. He has participated in collective exhibits such as Risas pregrabadas in SGR gallery and Comunismo Ornamental of the collective Paraíso Bajo. His visual production is determined by spontaneous habit, necessity and the compulsion to verb. His work is also related to dispersion and humor. He has a keen interest in the raw aspect of the truth,
considerando que en las verdades hay algo que obviamos, tal vez porque hay algo en ellas que nos resulta devastador o, simplemente, porque en su repetición nos encontramos con lo que parece tonto.
as he considers there to be something inside it that we take as obvious perhaps because there is something in them that we find devastating or simply because in their repetition we find what we consider to be foolish.
Valeria Giraldo Manizales, 1989 Maestra en Arte con énfasis en Artes Plásticas de la Universidad de los Andes. Ha expuesto colectivamente en galerías, museos y espacios independientes nacional e internacionalmente desde 2012 e individualmente desde 2014. Recientemente ha expuesto colectivamente en el Claustro de Nuestra Señora del Rosario, en Rat trap,
Bachelor’s in Fine Arts from Universidad de los Andes, Giraldo has exhibited collectively in galleries, museums and independent spaces both nationally and internationally since 2012. She began her individual exhibitions in 2014. Recently she has displayed her work at Claustro de Nuestra Señora del Rosario, Rat trap, El Parche artistic residency and
en la residencia artística El Parche y en el Museu da Imagem e do Som de São Paulo. Su segunda exposición individual, Eclipse, tuvo lugar en la galería Sketch en Bogotá. Recientemente, su obra se enfoca en crear sistemas para acercarse a temas como la naturaleza o las relaciones humanas, y desde ahí indagar en la tensión que existe entre lo que parece ser personal pero atiende a lo universal.
Museu da Imagem e do Som de São Paulo. Eclipse, her second solo show, was exhibited at Sketch art gallery in Bogota. Recently, she works around the notion of creating systems to approach issues such as nature and human relations. Her main interest is the tension generated by that which seems to be personal but refers to the universal.
www.valeriagiraldo.com
Caminando / Walking Fotografía y serigrafía / Photography and silkscreen 50 x 35 cm [ 2016 ]
Yaya Mousavi Teherán, Irán, 1982
Isa Óleo sobre papel / Oil on paper 35 x 50 cm [ 2016 ]
Artista y arquitecto que reside actualmente en Chicago. Profesor de Arte de la Escuela del Instituto de Arte de Chicago en donde obtuvo su Pregrado y Maestría en Bellas Artes. A su trabajo subyace una exploración tecnológica de la obsesión y la obsolescencia. En su obra, la pintura se presenta como el medio más recurrente y las máquinas son sus herramientas predilectas. En ellas existe un
Yaya Mousavi is a Chicago-based artist and architect born in 1982 in Tehran, Iran. He is a professor and faculty member of the School of the Art Institute of Chicago. A technological exploration of obsession and obsolescence underlies the corpus of his work. Painting is the most prevalent medium he employs and machines are his tools of choice. He embeds a rhythm, a harmony in relationship to our needs
ritmo, una armonía con relación a nuestros deseos y nuestras necesidades. Para Mousavi, algunas veces podemos vernos mejor en ellas, tal vez por el hecho de que se supone que son neutrales y están muertas.
and desires. For Mousavi, because machines are supposed to be neutral and dead it is sometimes easier for us to see ourselves in them.
Equipo Quinta / Quinta team: Daniela Amaya Laura SofÍa Arbeláez Felipe Botero Sofía Camargo Lina Ruiz José Guillermo Sarmiento Ana Winograd
Dirección Fundación Planeta Amor / Planeta Amor director: Jorge Cerón
Con el apoyo de / With the support of :
Catálogo Reproducibles
Quinta es una iniciativa para la gestión cultural conformada por un grupo de seis jóvenes profesionales en áreas afines al arte. Reproducibl...
quintacultural

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