Datasets:

ohmyhong

/

context_question_answer_dataset

like 0

<|im_start|>대구에서 태어난 문범강(1954~)은 서강대학교에서 신문방송학을 졸업하였지만, 이후 미술공부를 하기 위해 미국 유학길에 올랐다. 그는 캘리포니아 예술대학에서 회화과를 졸업하고 메릴랜드대학교에서 석사학위를 받았으며, 현재는 미국의 조지타운대 교수이면서 한국을 오가며 작가이자 기획자로도 활동하고 있다. 문범강은 2010년 미국에서 화가로 활동하던 당시 북한 회화의 한 장르인 조선화(朝鮮畫)를 처음 접하게 되었고, 이를 계기로 조선화에 매료되어 이때부터 북한미술 연구에 치중하게 된다. 화가로서 바라본 조선화를 세계적으로 알리기 위해 그는 조선화를 주제로 한 국제 전시를 미국에서 처음 기획하면서 큰 호응을 이끌어내기도 하였다. 또한 2018년 광주비엔날레에서 조선화 기획전을 또 한 번 선보이며 조선화에 대한 관심을 다시 한 번 내비치기도 하였다. 재미작가라는 수식어를 가지고 있는 문범강의 〈하얀 절〉(2008-2010)은 2012년 갤러리 스케이프에서 《황후애정행각기》展에서 선보인 작품으로 황후애정행각기 작품 연작 중 하나이다. 이 연작은 그가 진시황릉을 여행하면서 얻은 영감으로 제작되었으며 미와 추, 지식과 무지 등 인간의 상반된 성향에 대해 이야기하고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>대구<|im_end|>

<|im_start|>문범강의 출생지는?<|im_end|>

<|im_start|>대구에서 태어난 문범강(1954~)은 서강대학교에서 신문방송학을 졸업하였지만, 이후 미술공부를 하기 위해 미국 유학길에 올랐다. 그는 캘리포니아 예술대학에서 회화과를 졸업하고 메릴랜드대학교에서 석사학위를 받았으며, 현재는 미국의 조지타운대 교수이면서 한국을 오가며 작가이자 기획자로도 활동하고 있다. 문범강은 2010년 미국에서 화가로 활동하던 당시 북한 회화의 한 장르인 조선화(朝鮮畫)를 처음 접하게 되었고, 이를 계기로 조선화에 매료되어 이때부터 북한미술 연구에 치중하게 된다. 화가로서 바라본 조선화를 세계적으로 알리기 위해 그는 조선화를 주제로 한 국제 전시를 미국에서 처음 기획하면서 큰 호응을 이끌어내기도 하였다. 또한 2018년 광주비엔날레에서 조선화 기획전을 또 한 번 선보이며 조선화에 대한 관심을 다시 한 번 내비치기도 하였다. 재미작가라는 수식어를 가지고 있는 문범강의 〈하얀 절〉(2008-2010)은 2012년 갤러리 스케이프에서 《황후애정행각기》展에서 선보인 작품으로 황후애정행각기 작품 연작 중 하나이다. 이 연작은 그가 진시황릉을 여행하면서 얻은 영감으로 제작되었으며 미와 추, 지식과 무지 등 인간의 상반된 성향에 대해 이야기하고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>미국<|im_end|>

<|im_start|>문범강이 미술공부를 위해 유학을 떠난 나라는?<|im_end|>

<|im_start|>대구에서 태어난 문범강(1954~)은 서강대학교에서 신문방송학을 졸업하였지만, 이후 미술공부를 하기 위해 미국 유학길에 올랐다. 그는 캘리포니아 예술대학에서 회화과를 졸업하고 메릴랜드대학교에서 석사학위를 받았으며, 현재는 미국의 조지타운대 교수이면서 한국을 오가며 작가이자 기획자로도 활동하고 있다. 문범강은 2010년 미국에서 화가로 활동하던 당시 북한 회화의 한 장르인 조선화(朝鮮畫)를 처음 접하게 되었고, 이를 계기로 조선화에 매료되어 이때부터 북한미술 연구에 치중하게 된다. 화가로서 바라본 조선화를 세계적으로 알리기 위해 그는 조선화를 주제로 한 국제 전시를 미국에서 처음 기획하면서 큰 호응을 이끌어내기도 하였다. 또한 2018년 광주비엔날레에서 조선화 기획전을 또 한 번 선보이며 조선화에 대한 관심을 다시 한 번 내비치기도 하였다. 재미작가라는 수식어를 가지고 있는 문범강의 〈하얀 절〉(2008-2010)은 2012년 갤러리 스케이프에서 《황후애정행각기》展에서 선보인 작품으로 황후애정행각기 작품 연작 중 하나이다. 이 연작은 그가 진시황릉을 여행하면서 얻은 영감으로 제작되었으며 미와 추, 지식과 무지 등 인간의 상반된 성향에 대해 이야기하고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>미국의 조지타운대<|im_end|>

<|im_start|>문범강이 교수로 일하는 학교는?<|im_end|>

<|im_start|>대구에서 태어난 문범강(1954~)은 서강대학교에서 신문방송학을 졸업하였지만, 이후 미술공부를 하기 위해 미국 유학길에 올랐다. 그는 캘리포니아 예술대학에서 회화과를 졸업하고 메릴랜드대학교에서 석사학위를 받았으며, 현재는 미국의 조지타운대 교수이면서 한국을 오가며 작가이자 기획자로도 활동하고 있다. 문범강은 2010년 미국에서 화가로 활동하던 당시 북한 회화의 한 장르인 조선화(朝鮮畫)를 처음 접하게 되었고, 이를 계기로 조선화에 매료되어 이때부터 북한미술 연구에 치중하게 된다. 화가로서 바라본 조선화를 세계적으로 알리기 위해 그는 조선화를 주제로 한 국제 전시를 미국에서 처음 기획하면서 큰 호응을 이끌어내기도 하였다. 또한 2018년 광주비엔날레에서 조선화 기획전을 또 한 번 선보이며 조선화에 대한 관심을 다시 한 번 내비치기도 하였다. 재미작가라는 수식어를 가지고 있는 문범강의 〈하얀 절〉(2008-2010)은 2012년 갤러리 스케이프에서 《황후애정행각기》展에서 선보인 작품으로 황후애정행각기 작품 연작 중 하나이다. 이 연작은 그가 진시황릉을 여행하면서 얻은 영감으로 제작되었으며 미와 추, 지식과 무지 등 인간의 상반된 성향에 대해 이야기하고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>2010년<|im_end|>

<|im_start|>북한 회화의 장르인 조선화에 매료된 해는?<|im_end|>

<|im_start|>대구에서 태어난 문범강(1954~)은 서강대학교에서 신문방송학을 졸업하였지만, 이후 미술공부를 하기 위해 미국 유학길에 올랐다. 그는 캘리포니아 예술대학에서 회화과를 졸업하고 메릴랜드대학교에서 석사학위를 받았으며, 현재는 미국의 조지타운대 교수이면서 한국을 오가며 작가이자 기획자로도 활동하고 있다. 문범강은 2010년 미국에서 화가로 활동하던 당시 북한 회화의 한 장르인 조선화(朝鮮畫)를 처음 접하게 되었고, 이를 계기로 조선화에 매료되어 이때부터 북한미술 연구에 치중하게 된다. 화가로서 바라본 조선화를 세계적으로 알리기 위해 그는 조선화를 주제로 한 국제 전시를 미국에서 처음 기획하면서 큰 호응을 이끌어내기도 하였다. 또한 2018년 광주비엔날레에서 조선화 기획전을 또 한 번 선보이며 조선화에 대한 관심을 다시 한 번 내비치기도 하였다. 재미작가라는 수식어를 가지고 있는 문범강의 〈하얀 절〉(2008-2010)은 2012년 갤러리 스케이프에서 《황후애정행각기》展에서 선보인 작품으로 황후애정행각기 작품 연작 중 하나이다. 이 연작은 그가 진시황릉을 여행하면서 얻은 영감으로 제작되었으며 미와 추, 지식과 무지 등 인간의 상반된 성향에 대해 이야기하고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>하얀 절<|im_end|>

<|im_start|>진시황릉을 여행하며 얻은 영감으로 제작된 작품은?<|im_end|>

<|im_start|>대구에서 태어난 문범강(1954~)은 서강대학교에서 신문방송학을 졸업하였지만, 이후 미술공부를 하기 위해 미국 유학길에 올랐다. 그는 캘리포니아 예술대학에서 회화과를 졸업하고 메릴랜드대학교에서 석사학위를 받았으며, 현재는 미국의 조지타운대 교수이면서 한국을 오가며 작가이자 기획자로도 활동하고 있다. 문범강은 2010년 미국에서 화가로 활동하던 당시 북한 회화의 한 장르인 조선화(朝鮮畫)를 처음 접하게 되었고, 이를 계기로 조선화에 매료되어 이때부터 북한미술 연구에 치중하게 된다. 화가로서 바라본 조선화를 세계적으로 알리기 위해 그는 조선화를 주제로 한 국제 전시를 미국에서 처음 기획하면서 큰 호응을 이끌어내기도 하였다. 또한 2018년 광주비엔날레에서 조선화 기획전을 또 한 번 선보이며 조선화에 대한 관심을 다시 한 번 내비치기도 하였다. 재미작가라는 수식어를 가지고 있는 문범강의 〈하얀 절〉(2008-2010)은 2012년 갤러리 스케이프에서 《황후애정행각기》展에서 선보인 작품으로 황후애정행각기 작품 연작 중 하나이다. 이 연작은 그가 진시황릉을 여행하면서 얻은 영감으로 제작되었으며 미와 추, 지식과 무지 등 인간의 상반된 성향에 대해 이야기하고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>2018년<|im_end|>

<|im_start|>광주비엔날레에서 조선화 기획전을 선보인 해는?<|im_end|>

<|im_start|>전남 담양에서 태어난 이이남(李二男, 1969~)은 조선대학교 조소과를 졸업하고 이후 연세대학교에서 영상예술학으로 박사과정을 밟았으나 수료에 그치고 조선대학교로 돌아가 미술학으로 박사학위를 수여받았다. 그는 고전 회화 중에서도 명화들을 차용하여 미디어라는 매체로 전환하고, 정적인 회화에 율동감을 부여함으로써 미디어 아트로 재탄생시키는 미디어 아티스트이다. 이이남에 의해 새롭게 탄생한 명작의 미디어화의 의의는 단순히 매체의 변환에 있는 것이 아니라 당대의 작품에 현대적인 관점과 이슈 그리고 문화들을 접목하여 재해석한다는 것이다. 또한 현대적인 캔버스라고 할 수 있는 미디어에 시대와 공간을 초월한 작품을 매번 만들어내는 그는, 어렵다는 편견에 사로잡혀 있는 현대미술에 대중들이 한층 더 친근하고 편안하게 다가가고 느낄 수 있도록 해주는 가교 역할을 하고 있다. 이이남은 한국을 비롯해 뉴욕, 파리, 독일, 싱가포르 등 국내외에서 활발한 활동을 하고 있다. 이이남의 〈덴마크의 여왕〉(2008)은 앤디워홀이 실크스크린으로 제작한 〈덴마크 여왕 마거릿 2세〉(1985)를 차용하여 미디어화한 것으로, 그의 작품의 특징인 역동성이 가미되었으며 아날로그와 디지털, 과거와 현대, 동양과 서양의 만남이 접목되어 있다.<|im_end|>

<|im_start|>전남 담양<|im_end|>

<|im_start|>이이남의 출생지는?<|im_end|>

<|im_start|>전남 담양에서 태어난 이이남(李二男, 1969~)은 조선대학교 조소과를 졸업하고 이후 연세대학교에서 영상예술학으로 박사과정을 밟았으나 수료에 그치고 조선대학교로 돌아가 미술학으로 박사학위를 수여받았다. 그는 고전 회화 중에서도 명화들을 차용하여 미디어라는 매체로 전환하고, 정적인 회화에 율동감을 부여함으로써 미디어 아트로 재탄생시키는 미디어 아티스트이다. 이이남에 의해 새롭게 탄생한 명작의 미디어화의 의의는 단순히 매체의 변환에 있는 것이 아니라 당대의 작품에 현대적인 관점과 이슈 그리고 문화들을 접목하여 재해석한다는 것이다. 또한 현대적인 캔버스라고 할 수 있는 미디어에 시대와 공간을 초월한 작품을 매번 만들어내는 그는, 어렵다는 편견에 사로잡혀 있는 현대미술에 대중들이 한층 더 친근하고 편안하게 다가가고 느낄 수 있도록 해주는 가교 역할을 하고 있다. 이이남은 한국을 비롯해 뉴욕, 파리, 독일, 싱가포르 등 국내외에서 활발한 활동을 하고 있다. 이이남의 〈덴마크의 여왕〉(2008)은 앤디워홀이 실크스크린으로 제작한 〈덴마크 여왕 마거릿 2세〉(1985)를 차용하여 미디어화한 것으로, 그의 작품의 특징인 역동성이 가미되었으며 아날로그와 디지털, 과거와 현대, 동양과 서양의 만남이 접목되어 있다.<|im_end|>

<|im_start|>조선대학교<|im_end|>

<|im_start|>이이남이 박사학위를 수여받은 학교는?<|im_end|>

<|im_start|>전남 담양에서 태어난 이이남(李二男, 1969~)은 조선대학교 조소과를 졸업하고 이후 연세대학교에서 영상예술학으로 박사과정을 밟았으나 수료에 그치고 조선대학교로 돌아가 미술학으로 박사학위를 수여받았다. 그는 고전 회화 중에서도 명화들을 차용하여 미디어라는 매체로 전환하고, 정적인 회화에 율동감을 부여함으로써 미디어 아트로 재탄생시키는 미디어 아티스트이다. 이이남에 의해 새롭게 탄생한 명작의 미디어화의 의의는 단순히 매체의 변환에 있는 것이 아니라 당대의 작품에 현대적인 관점과 이슈 그리고 문화들을 접목하여 재해석한다는 것이다. 또한 현대적인 캔버스라고 할 수 있는 미디어에 시대와 공간을 초월한 작품을 매번 만들어내는 그는, 어렵다는 편견에 사로잡혀 있는 현대미술에 대중들이 한층 더 친근하고 편안하게 다가가고 느낄 수 있도록 해주는 가교 역할을 하고 있다. 이이남은 한국을 비롯해 뉴욕, 파리, 독일, 싱가포르 등 국내외에서 활발한 활동을 하고 있다. 이이남의 〈덴마크의 여왕〉(2008)은 앤디워홀이 실크스크린으로 제작한 〈덴마크 여왕 마거릿 2세〉(1985)를 차용하여 미디어화한 것으로, 그의 작품의 특징인 역동성이 가미되었으며 아날로그와 디지털, 과거와 현대, 동양과 서양의 만남이 접목되어 있다.<|im_end|>

<|im_start|>덴마크의 여왕<|im_end|>

<|im_start|>앤디워홀이 제작한 <덴마트 여왕 마거릿 2세>를 차용하여 미디어화한 작품은?<|im_end|>

<|im_start|>전남 담양에서 태어난 이이남(李二男, 1969~)은 조선대학교 조소과를 졸업하고 이후 연세대학교에서 영상예술학으로 박사과정을 밟았으나 수료에 그치고 조선대학교로 돌아가 미술학으로 박사학위를 수여받았다. 그는 고전 회화 중에서도 명화들을 차용하여 미디어라는 매체로 전환하고, 정적인 회화에 율동감을 부여함으로써 미디어 아트로 재탄생시키는 미디어 아티스트이다. 이이남에 의해 새롭게 탄생한 명작의 미디어화의 의의는 단순히 매체의 변환에 있는 것이 아니라 당대의 작품에 현대적인 관점과 이슈 그리고 문화들을 접목하여 재해석한다는 것이다. 또한 현대적인 캔버스라고 할 수 있는 미디어에 시대와 공간을 초월한 작품을 매번 만들어내는 그는, 어렵다는 편견에 사로잡혀 있는 현대미술에 대중들이 한층 더 친근하고 편안하게 다가가고 느낄 수 있도록 해주는 가교 역할을 하고 있다. 이이남은 한국을 비롯해 뉴욕, 파리, 독일, 싱가포르 등 국내외에서 활발한 활동을 하고 있다. 이이남의 〈덴마크의 여왕〉(2008)은 앤디워홀이 실크스크린으로 제작한 〈덴마크 여왕 마거릿 2세〉(1985)를 차용하여 미디어화한 것으로, 그의 작품의 특징인 역동성이 가미되었으며 아날로그와 디지털, 과거와 현대, 동양과 서양의 만남이 접목되어 있다.<|im_end|>

<|im_start|>2008<|im_end|>

<|im_start|><덴마트의 여왕>이 선보여진 해는?<|im_end|>

<|im_start|>전남 담양에서 태어난 이이남(李二男, 1969~)은 조선대학교 조소과를 졸업하고 이후 연세대학교에서 영상예술학으로 박사과정을 밟았으나 수료에 그치고 조선대학교로 돌아가 미술학으로 박사학위를 수여받았다. 그는 고전 회화 중에서도 명화들을 차용하여 미디어라는 매체로 전환하고, 정적인 회화에 율동감을 부여함으로써 미디어 아트로 재탄생시키는 미디어 아티스트이다. 이이남에 의해 새롭게 탄생한 명작의 미디어화의 의의는 단순히 매체의 변환에 있는 것이 아니라 당대의 작품에 현대적인 관점과 이슈 그리고 문화들을 접목하여 재해석한다는 것이다. 또한 현대적인 캔버스라고 할 수 있는 미디어에 시대와 공간을 초월한 작품을 매번 만들어내는 그는, 어렵다는 편견에 사로잡혀 있는 현대미술에 대중들이 한층 더 친근하고 편안하게 다가가고 느낄 수 있도록 해주는 가교 역할을 하고 있다. 이이남은 한국을 비롯해 뉴욕, 파리, 독일, 싱가포르 등 국내외에서 활발한 활동을 하고 있다. 이이남의 〈덴마크의 여왕〉(2008)은 앤디워홀이 실크스크린으로 제작한 〈덴마크 여왕 마거릿 2세〉(1985)를 차용하여 미디어화한 것으로, 그의 작품의 특징인 역동성이 가미되었으며 아날로그와 디지털, 과거와 현대, 동양과 서양의 만남이 접목되어 있다.<|im_end|>

<|im_start|>역동성<|im_end|>

<|im_start|>이이남 작품의 특징은?<|im_end|>

<|im_start|>전남 담양에서 태어난 이이남(李二男, 1969~)은 조선대학교 조소과를 졸업하고 이후 연세대학교에서 영상예술학으로 박사과정을 밟았으나 수료에 그치고 조선대학교로 돌아가 미술학으로 박사학위를 수여받았다. 그는 고전 회화 중에서도 명화들을 차용하여 미디어라는 매체로 전환하고, 정적인 회화에 율동감을 부여함으로써 미디어 아트로 재탄생시키는 미디어 아티스트이다. 이이남에 의해 새롭게 탄생한 명작의 미디어화의 의의는 단순히 매체의 변환에 있는 것이 아니라 당대의 작품에 현대적인 관점과 이슈 그리고 문화들을 접목하여 재해석한다는 것이다. 또한 현대적인 캔버스라고 할 수 있는 미디어에 시대와 공간을 초월한 작품을 매번 만들어내는 그는, 어렵다는 편견에 사로잡혀 있는 현대미술에 대중들이 한층 더 친근하고 편안하게 다가가고 느낄 수 있도록 해주는 가교 역할을 하고 있다. 이이남은 한국을 비롯해 뉴욕, 파리, 독일, 싱가포르 등 국내외에서 활발한 활동을 하고 있다. 이이남의 〈덴마크의 여왕〉(2008)은 앤디워홀이 실크스크린으로 제작한 〈덴마크 여왕 마거릿 2세〉(1985)를 차용하여 미디어화한 것으로, 그의 작품의 특징인 역동성이 가미되었으며 아날로그와 디지털, 과거와 현대, 동양과 서양의 만남이 접목되어 있다.<|im_end|>

<|im_start|>명화<|im_end|>

<|im_start|>고전 회화 중에서도 이이남이 차용하는 것은?<|im_end|>

<|im_start|><Green Windows>(1995)에서 이영희는 어두운 배경 위에 직선의 면과 선으로 시각적 공간감을 형성했다. 화면 오른쪽 가장자리에는 다양한 색채의 정사각형 색면들을 벽돌처럼 쌓아 색동의 기둥을 만들었고 화면의 하단을 수평으로 가르는 검은색 면은 땅과 같이 보인다. 그리고 화면 가운데는 흰색의 직선 네 개가 등장하여 3차원적 착시를 일으키며 그 흰 선 위로 창처럼 보이는 투톤의 녹색 형상이 교차한다. 그 옆에는 오른쪽 가장자리에서 색동 기둥을 이루던 색면들이 모여 정사각형을 형성하고 왼편 아래 선을 따라 또 다른 색선의 변주를 이룬다. 이와 같이 다양한 기하학적 형상들 아래로 여러 색깔이 뒤섞인 채로 깊이를 알 수 없는 어두운 바탕을 볼 수 있다. 작가는 평면의 화면 위에 다양한 면과 선 그리고 색으로 2차원 평면과 3차원의 시각적 공간감의 경계를 넘나든다. 다양한 색채의 선과 면으로 그의 화면은 그 무엇으로도 규정 할 수 없는 시각적 변주를 만들어 내고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>직선의 면과 선<|im_end|>

<|im_start|>어두운 배경 위에 시각적 공간감을 형성하기 위해 이영희가 사용한 것은?<|im_end|>

<|im_start|><Green Windows>(1995)에서 이영희는 어두운 배경 위에 직선의 면과 선으로 시각적 공간감을 형성했다. 화면 오른쪽 가장자리에는 다양한 색채의 정사각형 색면들을 벽돌처럼 쌓아 색동의 기둥을 만들었고 화면의 하단을 수평으로 가르는 검은색 면은 땅과 같이 보인다. 그리고 화면 가운데는 흰색의 직선 네 개가 등장하여 3차원적 착시를 일으키며 그 흰 선 위로 창처럼 보이는 투톤의 녹색 형상이 교차한다. 그 옆에는 오른쪽 가장자리에서 색동 기둥을 이루던 색면들이 모여 정사각형을 형성하고 왼편 아래 선을 따라 또 다른 색선의 변주를 이룬다. 이와 같이 다양한 기하학적 형상들 아래로 여러 색깔이 뒤섞인 채로 깊이를 알 수 없는 어두운 바탕을 볼 수 있다. 작가는 평면의 화면 위에 다양한 면과 선 그리고 색으로 2차원 평면과 3차원의 시각적 공간감의 경계를 넘나든다. 다양한 색채의 선과 면으로 그의 화면은 그 무엇으로도 규정 할 수 없는 시각적 변주를 만들어 내고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>이영희<|im_end|>

<|im_start|><Green Windows>의 작가는?<|im_end|>

<|im_start|><Green Windows>(1995)에서 이영희는 어두운 배경 위에 직선의 면과 선으로 시각적 공간감을 형성했다. 화면 오른쪽 가장자리에는 다양한 색채의 정사각형 색면들을 벽돌처럼 쌓아 색동의 기둥을 만들었고 화면의 하단을 수평으로 가르는 검은색 면은 땅과 같이 보인다. 그리고 화면 가운데는 흰색의 직선 네 개가 등장하여 3차원적 착시를 일으키며 그 흰 선 위로 창처럼 보이는 투톤의 녹색 형상이 교차한다. 그 옆에는 오른쪽 가장자리에서 색동 기둥을 이루던 색면들이 모여 정사각형을 형성하고 왼편 아래 선을 따라 또 다른 색선의 변주를 이룬다. 이와 같이 다양한 기하학적 형상들 아래로 여러 색깔이 뒤섞인 채로 깊이를 알 수 없는 어두운 바탕을 볼 수 있다. 작가는 평면의 화면 위에 다양한 면과 선 그리고 색으로 2차원 평면과 3차원의 시각적 공간감의 경계를 넘나든다. 다양한 색채의 선과 면으로 그의 화면은 그 무엇으로도 규정 할 수 없는 시각적 변주를 만들어 내고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>다양한 면과 선 그리고 색<|im_end|>

<|im_start|>작가가 평면의 화면 위에 사용하는 것은?<|im_end|>

<|im_start|><Green Windows>(1995)에서 이영희는 어두운 배경 위에 직선의 면과 선으로 시각적 공간감을 형성했다. 화면 오른쪽 가장자리에는 다양한 색채의 정사각형 색면들을 벽돌처럼 쌓아 색동의 기둥을 만들었고 화면의 하단을 수평으로 가르는 검은색 면은 땅과 같이 보인다. 그리고 화면 가운데는 흰색의 직선 네 개가 등장하여 3차원적 착시를 일으키며 그 흰 선 위로 창처럼 보이는 투톤의 녹색 형상이 교차한다. 그 옆에는 오른쪽 가장자리에서 색동 기둥을 이루던 색면들이 모여 정사각형을 형성하고 왼편 아래 선을 따라 또 다른 색선의 변주를 이룬다. 이와 같이 다양한 기하학적 형상들 아래로 여러 색깔이 뒤섞인 채로 깊이를 알 수 없는 어두운 바탕을 볼 수 있다. 작가는 평면의 화면 위에 다양한 면과 선 그리고 색으로 2차원 평면과 3차원의 시각적 공간감의 경계를 넘나든다. 다양한 색채의 선과 면으로 그의 화면은 그 무엇으로도 규정 할 수 없는 시각적 변주를 만들어 내고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>1995<|im_end|>

<|im_start|>이영희의 <Green Windows>가 제작된 연도는?<|im_end|>

<|im_start|><Green Windows>(1995)에서 이영희는 어두운 배경 위에 직선의 면과 선으로 시각적 공간감을 형성했다. 화면 오른쪽 가장자리에는 다양한 색채의 정사각형 색면들을 벽돌처럼 쌓아 색동의 기둥을 만들었고 화면의 하단을 수평으로 가르는 검은색 면은 땅과 같이 보인다. 그리고 화면 가운데는 흰색의 직선 네 개가 등장하여 3차원적 착시를 일으키며 그 흰 선 위로 창처럼 보이는 투톤의 녹색 형상이 교차한다. 그 옆에는 오른쪽 가장자리에서 색동 기둥을 이루던 색면들이 모여 정사각형을 형성하고 왼편 아래 선을 따라 또 다른 색선의 변주를 이룬다. 이와 같이 다양한 기하학적 형상들 아래로 여러 색깔이 뒤섞인 채로 깊이를 알 수 없는 어두운 바탕을 볼 수 있다. 작가는 평면의 화면 위에 다양한 면과 선 그리고 색으로 2차원 평면과 3차원의 시각적 공간감의 경계를 넘나든다. 다양한 색채의 선과 면으로 그의 화면은 그 무엇으로도 규정 할 수 없는 시각적 변주를 만들어 내고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>흰색의 직선 네 개가 등장<|im_end|>

<|im_start|>화면의 가운데에 3차원적 착시를 일으키기 위해 사용한 방법은?<|im_end|>

<|im_start|><Green Windows>(1995)에서 이영희는 어두운 배경 위에 직선의 면과 선으로 시각적 공간감을 형성했다. 화면 오른쪽 가장자리에는 다양한 색채의 정사각형 색면들을 벽돌처럼 쌓아 색동의 기둥을 만들었고 화면의 하단을 수평으로 가르는 검은색 면은 땅과 같이 보인다. 그리고 화면 가운데는 흰색의 직선 네 개가 등장하여 3차원적 착시를 일으키며 그 흰 선 위로 창처럼 보이는 투톤의 녹색 형상이 교차한다. 그 옆에는 오른쪽 가장자리에서 색동 기둥을 이루던 색면들이 모여 정사각형을 형성하고 왼편 아래 선을 따라 또 다른 색선의 변주를 이룬다. 이와 같이 다양한 기하학적 형상들 아래로 여러 색깔이 뒤섞인 채로 깊이를 알 수 없는 어두운 바탕을 볼 수 있다. 작가는 평면의 화면 위에 다양한 면과 선 그리고 색으로 2차원 평면과 3차원의 시각적 공간감의 경계를 넘나든다. 다양한 색채의 선과 면으로 그의 화면은 그 무엇으로도 규정 할 수 없는 시각적 변주를 만들어 내고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>이영희<|im_end|>

<|im_start|>직선의 면과 선으로 시각적 공간감을 형성한 인물은?<|im_end|>

<|im_start|>경남 사천 출생인 한생곤(韓生坤, 1969~)은 서울대학교 서양화를 졸업하고 동대학원에서 서양화 공부를 이어하면서 석사를 수여받았다. 그가 대학을 다니던 당시는 혼란스러웠던 사회 분위기로 대모와 시위가 끊이지 않았던 때이다. 그러한 상황에서 한생곤은 그림을 그려야 하는 의미를 읽고 군대를 다녀왔고, 복학 이후 함께 살았던 외할머니가 틀어놓은 테잎에서 흘러나오는 불교의 법문을 통한 깨달음으로 다시 그림을 그릴 수 있었다고 한다. 그러나 그는 또 다시 그림의 한계에 부딪히면서 작업을 중단했고, 버스를 한 대 사서 여행을 다니기 시작하였다. 노란 버스를 타고 이곳저곳을 여행하다가 그의 고향을 주제로 다시 작업을 시작하게 되는데, 여행을 하면서 손에 잡히는 것이 그에게는 재료가 되었다. 그 중 소뼈는 어린 시절의 추억을 떠올리게 하는 동시에 그가 다시 그림을 그릴 수 있도록 해주는 결정적인 역할을 었고, 이때 그의 나이는 37세였다. 한생곤의 〈놀이터 풍경〉(2012)은 긴 유랑 생활을 접고 그가 고향으로 돌아와 그림을 그리기 시작한 두 번째 작품 연작 중 한 작품으로, 결혼을 하고 아이가 네 살이 되면서 그려졌다. 그래서인지 이전과는 달리 따뜻한 분위기가 작품의 전체적인 분위기를 감싸고 있으며, 천진무구한 동심과 유희성을 느껴볼 수 있는 작품이다.<|im_end|>

<|im_start|>경남 사천<|im_end|>

<|im_start|>작가의 출생지는?<|im_end|>

<|im_start|>경남 사천 출생인 한생곤(韓生坤, 1969~)은 서울대학교 서양화를 졸업하고 동대학원에서 서양화 공부를 이어하면서 석사를 수여받았다. 그가 대학을 다니던 당시는 혼란스러웠던 사회 분위기로 대모와 시위가 끊이지 않았던 때이다. 그러한 상황에서 한생곤은 그림을 그려야 하는 의미를 읽고 군대를 다녀왔고, 복학 이후 함께 살았던 외할머니가 틀어놓은 테잎에서 흘러나오는 불교의 법문을 통한 깨달음으로 다시 그림을 그릴 수 있었다고 한다. 그러나 그는 또 다시 그림의 한계에 부딪히면서 작업을 중단했고, 버스를 한 대 사서 여행을 다니기 시작하였다. 노란 버스를 타고 이곳저곳을 여행하다가 그의 고향을 주제로 다시 작업을 시작하게 되는데, 여행을 하면서 손에 잡히는 것이 그에게는 재료가 되었다. 그 중 소뼈는 어린 시절의 추억을 떠올리게 하는 동시에 그가 다시 그림을 그릴 수 있도록 해주는 결정적인 역할을 었고, 이때 그의 나이는 37세였다. 한생곤의 〈놀이터 풍경〉(2012)은 긴 유랑 생활을 접고 그가 고향으로 돌아와 그림을 그리기 시작한 두 번째 작품 연작 중 한 작품으로, 결혼을 하고 아이가 네 살이 되면서 그려졌다. 그래서인지 이전과는 달리 따뜻한 분위기가 작품의 전체적인 분위기를 감싸고 있으며, 천진무구한 동심과 유희성을 느껴볼 수 있는 작품이다.<|im_end|>

<|im_start|>외할머니<|im_end|>

<|im_start|>복학 이후 작가와 함께 살았던 사람은?<|im_end|>

<|im_start|>경남 사천 출생인 한생곤(韓生坤, 1969~)은 서울대학교 서양화를 졸업하고 동대학원에서 서양화 공부를 이어하면서 석사를 수여받았다. 그가 대학을 다니던 당시는 혼란스러웠던 사회 분위기로 대모와 시위가 끊이지 않았던 때이다. 그러한 상황에서 한생곤은 그림을 그려야 하는 의미를 읽고 군대를 다녀왔고, 복학 이후 함께 살았던 외할머니가 틀어놓은 테잎에서 흘러나오는 불교의 법문을 통한 깨달음으로 다시 그림을 그릴 수 있었다고 한다. 그러나 그는 또 다시 그림의 한계에 부딪히면서 작업을 중단했고, 버스를 한 대 사서 여행을 다니기 시작하였다. 노란 버스를 타고 이곳저곳을 여행하다가 그의 고향을 주제로 다시 작업을 시작하게 되는데, 여행을 하면서 손에 잡히는 것이 그에게는 재료가 되었다. 그 중 소뼈는 어린 시절의 추억을 떠올리게 하는 동시에 그가 다시 그림을 그릴 수 있도록 해주는 결정적인 역할을 었고, 이때 그의 나이는 37세였다. 한생곤의 〈놀이터 풍경〉(2012)은 긴 유랑 생활을 접고 그가 고향으로 돌아와 그림을 그리기 시작한 두 번째 작품 연작 중 한 작품으로, 결혼을 하고 아이가 네 살이 되면서 그려졌다. 그래서인지 이전과는 달리 따뜻한 분위기가 작품의 전체적인 분위기를 감싸고 있으며, 천진무구한 동심과 유희성을 느껴볼 수 있는 작품이다.<|im_end|>

<|im_start|>소뼈<|im_end|>

<|im_start|>어린 시절의 추억을 떠올리게 하는 동시에 작가가 다시 그림을 그릴 수 있도록 해주는 결정적인 역할을 했던 것은?<|im_end|>

<|im_start|>경남 사천 출생인 한생곤(韓生坤, 1969~)은 서울대학교 서양화를 졸업하고 동대학원에서 서양화 공부를 이어하면서 석사를 수여받았다. 그가 대학을 다니던 당시는 혼란스러웠던 사회 분위기로 대모와 시위가 끊이지 않았던 때이다. 그러한 상황에서 한생곤은 그림을 그려야 하는 의미를 읽고 군대를 다녀왔고, 복학 이후 함께 살았던 외할머니가 틀어놓은 테잎에서 흘러나오는 불교의 법문을 통한 깨달음으로 다시 그림을 그릴 수 있었다고 한다. 그러나 그는 또 다시 그림의 한계에 부딪히면서 작업을 중단했고, 버스를 한 대 사서 여행을 다니기 시작하였다. 노란 버스를 타고 이곳저곳을 여행하다가 그의 고향을 주제로 다시 작업을 시작하게 되는데, 여행을 하면서 손에 잡히는 것이 그에게는 재료가 되었다. 그 중 소뼈는 어린 시절의 추억을 떠올리게 하는 동시에 그가 다시 그림을 그릴 수 있도록 해주는 결정적인 역할을 었고, 이때 그의 나이는 37세였다. 한생곤의 〈놀이터 풍경〉(2012)은 긴 유랑 생활을 접고 그가 고향으로 돌아와 그림을 그리기 시작한 두 번째 작품 연작 중 한 작품으로, 결혼을 하고 아이가 네 살이 되면서 그려졌다. 그래서인지 이전과는 달리 따뜻한 분위기가 작품의 전체적인 분위기를 감싸고 있으며, 천진무구한 동심과 유희성을 느껴볼 수 있는 작품이다.<|im_end|>

<|im_start|>놀이터 풍경<|im_end|>

<|im_start|>천진무구한 동심과 유희성이 느껴지는 작가의 작품은?<|im_end|>

<|im_start|>경남 사천 출생인 한생곤(韓生坤, 1969~)은 서울대학교 서양화를 졸업하고 동대학원에서 서양화 공부를 이어하면서 석사를 수여받았다. 그가 대학을 다니던 당시는 혼란스러웠던 사회 분위기로 대모와 시위가 끊이지 않았던 때이다. 그러한 상황에서 한생곤은 그림을 그려야 하는 의미를 읽고 군대를 다녀왔고, 복학 이후 함께 살았던 외할머니가 틀어놓은 테잎에서 흘러나오는 불교의 법문을 통한 깨달음으로 다시 그림을 그릴 수 있었다고 한다. 그러나 그는 또 다시 그림의 한계에 부딪히면서 작업을 중단했고, 버스를 한 대 사서 여행을 다니기 시작하였다. 노란 버스를 타고 이곳저곳을 여행하다가 그의 고향을 주제로 다시 작업을 시작하게 되는데, 여행을 하면서 손에 잡히는 것이 그에게는 재료가 되었다. 그 중 소뼈는 어린 시절의 추억을 떠올리게 하는 동시에 그가 다시 그림을 그릴 수 있도록 해주는 결정적인 역할을 었고, 이때 그의 나이는 37세였다. 한생곤의 〈놀이터 풍경〉(2012)은 긴 유랑 생활을 접고 그가 고향으로 돌아와 그림을 그리기 시작한 두 번째 작품 연작 중 한 작품으로, 결혼을 하고 아이가 네 살이 되면서 그려졌다. 그래서인지 이전과는 달리 따뜻한 분위기가 작품의 전체적인 분위기를 감싸고 있으며, 천진무구한 동심과 유희성을 느껴볼 수 있는 작품이다.<|im_end|>

<|im_start|>2012<|im_end|>

<|im_start|><놀이터 풍경>이 제작된 연도는?<|im_end|>

<|im_start|>경남 사천 출생인 한생곤(韓生坤, 1969~)은 서울대학교 서양화를 졸업하고 동대학원에서 서양화 공부를 이어하면서 석사를 수여받았다. 그가 대학을 다니던 당시는 혼란스러웠던 사회 분위기로 대모와 시위가 끊이지 않았던 때이다. 그러한 상황에서 한생곤은 그림을 그려야 하는 의미를 읽고 군대를 다녀왔고, 복학 이후 함께 살았던 외할머니가 틀어놓은 테잎에서 흘러나오는 불교의 법문을 통한 깨달음으로 다시 그림을 그릴 수 있었다고 한다. 그러나 그는 또 다시 그림의 한계에 부딪히면서 작업을 중단했고, 버스를 한 대 사서 여행을 다니기 시작하였다. 노란 버스를 타고 이곳저곳을 여행하다가 그의 고향을 주제로 다시 작업을 시작하게 되는데, 여행을 하면서 손에 잡히는 것이 그에게는 재료가 되었다. 그 중 소뼈는 어린 시절의 추억을 떠올리게 하는 동시에 그가 다시 그림을 그릴 수 있도록 해주는 결정적인 역할을 었고, 이때 그의 나이는 37세였다. 한생곤의 〈놀이터 풍경〉(2012)은 긴 유랑 생활을 접고 그가 고향으로 돌아와 그림을 그리기 시작한 두 번째 작품 연작 중 한 작품으로, 결혼을 하고 아이가 네 살이 되면서 그려졌다. 그래서인지 이전과는 달리 따뜻한 분위기가 작품의 전체적인 분위기를 감싸고 있으며, 천진무구한 동심과 유희성을 느껴볼 수 있는 작품이다.<|im_end|>

<|im_start|>서울대학교<|im_end|>

<|im_start|>작가가 석사과정을 공부했던 학교는?<|im_end|>

<|im_start|><죽음의 거리>(1983)는 1980년대 광주민주화운동이 발생하였던 '죽음의 터'를 작품화한 것이다. 황폐한 들판을 배경으로 옷을 입지 않은 채 죽어있는 사람들의 모습은 비극적 죽음을 맞이한 처참함을 그대로 전달한다. 그는 외신을 통해 광주의 죽음을 접한 후 충격과 분노를 사회고발 형식 그림으로 표현하였다. 마치 흙처럼 부서지고 조각나고 상처 난 인체표현은 이 시기 그의 작품에서 나타나는 공통적인 특징이다. 그는 당시 재료가 열악하여 갈색과 검정색에 용해제로 린시드유(linseed oil)를 주로 사용했다고 밝혔다. 재료의 선택과 더불어 바탕을 먼저 칠한 후에 나이프로 긁어내고 손가락으로 눌러 찍어내는 제작 방식은 화면 전체에 마띠에르가 두드러지게 강조되어 나타나는 결과를 낳았다. 이는 작가가 느꼈을 분노와 슬픔의 감정을 드러내는 표현적 효과를 거두고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>죽음의 터<|im_end|>

<|im_start|>광주민주화운동이 발생하였던 장소는?<|im_end|>

<|im_start|><죽음의 거리>(1983)는 1980년대 광주민주화운동이 발생하였던 '죽음의 터'를 작품화한 것이다. 황폐한 들판을 배경으로 옷을 입지 않은 채 죽어있는 사람들의 모습은 비극적 죽음을 맞이한 처참함을 그대로 전달한다. 그는 외신을 통해 광주의 죽음을 접한 후 충격과 분노를 사회고발 형식 그림으로 표현하였다. 마치 흙처럼 부서지고 조각나고 상처 난 인체표현은 이 시기 그의 작품에서 나타나는 공통적인 특징이다. 그는 당시 재료가 열악하여 갈색과 검정색에 용해제로 린시드유(linseed oil)를 주로 사용했다고 밝혔다. 재료의 선택과 더불어 바탕을 먼저 칠한 후에 나이프로 긁어내고 손가락으로 눌러 찍어내는 제작 방식은 화면 전체에 마띠에르가 두드러지게 강조되어 나타나는 결과를 낳았다. 이는 작가가 느꼈을 분노와 슬픔의 감정을 드러내는 표현적 효과를 거두고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>1980년<|im_end|>

<|im_start|>광주민주화운동이 발생한 해는?<|im_end|>

<|im_start|><죽음의 거리>(1983)는 1980년대 광주민주화운동이 발생하였던 '죽음의 터'를 작품화한 것이다. 황폐한 들판을 배경으로 옷을 입지 않은 채 죽어있는 사람들의 모습은 비극적 죽음을 맞이한 처참함을 그대로 전달한다. 그는 외신을 통해 광주의 죽음을 접한 후 충격과 분노를 사회고발 형식 그림으로 표현하였다. 마치 흙처럼 부서지고 조각나고 상처 난 인체표현은 이 시기 그의 작품에서 나타나는 공통적인 특징이다. 그는 당시 재료가 열악하여 갈색과 검정색에 용해제로 린시드유(linseed oil)를 주로 사용했다고 밝혔다. 재료의 선택과 더불어 바탕을 먼저 칠한 후에 나이프로 긁어내고 손가락으로 눌러 찍어내는 제작 방식은 화면 전체에 마띠에르가 두드러지게 강조되어 나타나는 결과를 낳았다. 이는 작가가 느꼈을 분노와 슬픔의 감정을 드러내는 표현적 효과를 거두고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>1983<|im_end|>

<|im_start|><죽음의 거리>의 제작 연도는?<|im_end|>

<|im_start|><죽음의 거리>(1983)는 1980년대 광주민주화운동이 발생하였던 '죽음의 터'를 작품화한 것이다. 황폐한 들판을 배경으로 옷을 입지 않은 채 죽어있는 사람들의 모습은 비극적 죽음을 맞이한 처참함을 그대로 전달한다. 그는 외신을 통해 광주의 죽음을 접한 후 충격과 분노를 사회고발 형식 그림으로 표현하였다. 마치 흙처럼 부서지고 조각나고 상처 난 인체표현은 이 시기 그의 작품에서 나타나는 공통적인 특징이다. 그는 당시 재료가 열악하여 갈색과 검정색에 용해제로 린시드유(linseed oil)를 주로 사용했다고 밝혔다. 재료의 선택과 더불어 바탕을 먼저 칠한 후에 나이프로 긁어내고 손가락으로 눌러 찍어내는 제작 방식은 화면 전체에 마띠에르가 두드러지게 강조되어 나타나는 결과를 낳았다. 이는 작가가 느꼈을 분노와 슬픔의 감정을 드러내는 표현적 효과를 거두고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>린시드유<|im_end|>

<|im_start|>당시에 갈색과 검정색에 용해제로 주로 사용한 것은?<|im_end|>

<|im_start|><죽음의 거리>(1983)는 1980년대 광주민주화운동이 발생하였던 '죽음의 터'를 작품화한 것이다. 황폐한 들판을 배경으로 옷을 입지 않은 채 죽어있는 사람들의 모습은 비극적 죽음을 맞이한 처참함을 그대로 전달한다. 그는 외신을 통해 광주의 죽음을 접한 후 충격과 분노를 사회고발 형식 그림으로 표현하였다. 마치 흙처럼 부서지고 조각나고 상처 난 인체표현은 이 시기 그의 작품에서 나타나는 공통적인 특징이다. 그는 당시 재료가 열악하여 갈색과 검정색에 용해제로 린시드유(linseed oil)를 주로 사용했다고 밝혔다. 재료의 선택과 더불어 바탕을 먼저 칠한 후에 나이프로 긁어내고 손가락으로 눌러 찍어내는 제작 방식은 화면 전체에 마띠에르가 두드러지게 강조되어 나타나는 결과를 낳았다. 이는 작가가 느꼈을 분노와 슬픔의 감정을 드러내는 표현적 효과를 거두고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>손가락으로 눌러 찍어내는 제작 방식<|im_end|>

<|im_start|>재료의 선택과 더불어 바탕을 먼저 칠하고 나이프로 긁어낸 후에 진행되는 방식은?<|im_end|>

<|im_start|><죽음의 거리>(1983)는 1980년대 광주민주화운동이 발생하였던 '죽음의 터'를 작품화한 것이다. 황폐한 들판을 배경으로 옷을 입지 않은 채 죽어있는 사람들의 모습은 비극적 죽음을 맞이한 처참함을 그대로 전달한다. 그는 외신을 통해 광주의 죽음을 접한 후 충격과 분노를 사회고발 형식 그림으로 표현하였다. 마치 흙처럼 부서지고 조각나고 상처 난 인체표현은 이 시기 그의 작품에서 나타나는 공통적인 특징이다. 그는 당시 재료가 열악하여 갈색과 검정색에 용해제로 린시드유(linseed oil)를 주로 사용했다고 밝혔다. 재료의 선택과 더불어 바탕을 먼저 칠한 후에 나이프로 긁어내고 손가락으로 눌러 찍어내는 제작 방식은 화면 전체에 마띠에르가 두드러지게 강조되어 나타나는 결과를 낳았다. 이는 작가가 느꼈을 분노와 슬픔의 감정을 드러내는 표현적 효과를 거두고 있다.<|im_end|>

<|im_start|><죽음의 거리><|im_end|>

<|im_start|>작가가 '죽음의 터'를 작품화한 것은?<|im_end|>

<|im_start|><춤추는 상자 2006-153>(2006)은 일상성에 주목하는 2000년대 중후반의 춤추는 상자 시리즈 중 하나이다. 상자들이 춤추는 듯 의인화된 모습으로 나타나는 이 시리즈는 동네 슈퍼마켓에 쌓인 버려진 상자들에 연민을 느낀 작가가 그것들에 생명을 불어넣고 싶다는 바람에서 출발하였다. 상자 모으기부터 시작한 김봉태는 청동, 캐스팅, 드로잉, 회화, 조각 등 다양한 매체를 통해 실험을 지속하였다. 이 작품은 플렉시글라스(plexiglass) 위에 아크릴 물감을 칠하고 색 테이프를 붙여 작업한 것이다. 빛을 투과하는 플렉시글라스의 반투명한 속성 때문에 동일한 색의 물감을 판의 앞면과 뒷면에 칠하게 되면 다른 색을 입힌 것 같은 부드러운 깊이감이 발생한다. 즉 빛을 투과하는 재료를 사용함으로써 입체성을 확장하고 있는 것이다. 김봉태는 이전 작품들이 '삶의 철학을 진지하게 노래했다면 이제는 그림을 매개로 다 같이 놀자는 마음으로' 이 춤추는 상자 시리즈를 만들었으며, 도시 같기도 빌딩 같기도 가족 같기도 하다고 말한 바 있다. 이는 <Accumulation> 시리즈로 이어진다.<|im_end|>

<|im_start|>상자들이 춤추는 듯 의인화된 모습<|im_end|>

<|im_start|>춤추는 상자 시리즈의 특징은?<|im_end|>

<|im_start|><춤추는 상자 2006-153>(2006)은 일상성에 주목하는 2000년대 중후반의 춤추는 상자 시리즈 중 하나이다. 상자들이 춤추는 듯 의인화된 모습으로 나타나는 이 시리즈는 동네 슈퍼마켓에 쌓인 버려진 상자들에 연민을 느낀 작가가 그것들에 생명을 불어넣고 싶다는 바람에서 출발하였다. 상자 모으기부터 시작한 김봉태는 청동, 캐스팅, 드로잉, 회화, 조각 등 다양한 매체를 통해 실험을 지속하였다. 이 작품은 플렉시글라스(plexiglass) 위에 아크릴 물감을 칠하고 색 테이프를 붙여 작업한 것이다. 빛을 투과하는 플렉시글라스의 반투명한 속성 때문에 동일한 색의 물감을 판의 앞면과 뒷면에 칠하게 되면 다른 색을 입힌 것 같은 부드러운 깊이감이 발생한다. 즉 빛을 투과하는 재료를 사용함으로써 입체성을 확장하고 있는 것이다. 김봉태는 이전 작품들이 '삶의 철학을 진지하게 노래했다면 이제는 그림을 매개로 다 같이 놀자는 마음으로' 이 춤추는 상자 시리즈를 만들었으며, 도시 같기도 빌딩 같기도 가족 같기도 하다고 말한 바 있다. 이는 <Accumulation> 시리즈로 이어진다.<|im_end|>

<|im_start|>일상성<|im_end|>

<|im_start|>춤추는 상자 시리즈가 주목하는 것은?<|im_end|>

<|im_start|><춤추는 상자 2006-153>(2006)은 일상성에 주목하는 2000년대 중후반의 춤추는 상자 시리즈 중 하나이다. 상자들이 춤추는 듯 의인화된 모습으로 나타나는 이 시리즈는 동네 슈퍼마켓에 쌓인 버려진 상자들에 연민을 느낀 작가가 그것들에 생명을 불어넣고 싶다는 바람에서 출발하였다. 상자 모으기부터 시작한 김봉태는 청동, 캐스팅, 드로잉, 회화, 조각 등 다양한 매체를 통해 실험을 지속하였다. 이 작품은 플렉시글라스(plexiglass) 위에 아크릴 물감을 칠하고 색 테이프를 붙여 작업한 것이다. 빛을 투과하는 플렉시글라스의 반투명한 속성 때문에 동일한 색의 물감을 판의 앞면과 뒷면에 칠하게 되면 다른 색을 입힌 것 같은 부드러운 깊이감이 발생한다. 즉 빛을 투과하는 재료를 사용함으로써 입체성을 확장하고 있는 것이다. 김봉태는 이전 작품들이 '삶의 철학을 진지하게 노래했다면 이제는 그림을 매개로 다 같이 놀자는 마음으로' 이 춤추는 상자 시리즈를 만들었으며, 도시 같기도 빌딩 같기도 가족 같기도 하다고 말한 바 있다. 이는 <Accumulation> 시리즈로 이어진다.<|im_end|>

<|im_start|>동네 슈퍼마켓<|im_end|>

<|im_start|>버려진 상자들이 쌓여있던 곳은?<|im_end|>

<|im_start|><춤추는 상자 2006-153>(2006)은 일상성에 주목하는 2000년대 중후반의 춤추는 상자 시리즈 중 하나이다. 상자들이 춤추는 듯 의인화된 모습으로 나타나는 이 시리즈는 동네 슈퍼마켓에 쌓인 버려진 상자들에 연민을 느낀 작가가 그것들에 생명을 불어넣고 싶다는 바람에서 출발하였다. 상자 모으기부터 시작한 김봉태는 청동, 캐스팅, 드로잉, 회화, 조각 등 다양한 매체를 통해 실험을 지속하였다. 이 작품은 플렉시글라스(plexiglass) 위에 아크릴 물감을 칠하고 색 테이프를 붙여 작업한 것이다. 빛을 투과하는 플렉시글라스의 반투명한 속성 때문에 동일한 색의 물감을 판의 앞면과 뒷면에 칠하게 되면 다른 색을 입힌 것 같은 부드러운 깊이감이 발생한다. 즉 빛을 투과하는 재료를 사용함으로써 입체성을 확장하고 있는 것이다. 김봉태는 이전 작품들이 '삶의 철학을 진지하게 노래했다면 이제는 그림을 매개로 다 같이 놀자는 마음으로' 이 춤추는 상자 시리즈를 만들었으며, 도시 같기도 빌딩 같기도 가족 같기도 하다고 말한 바 있다. 이는 <Accumulation> 시리즈로 이어진다.<|im_end|>

<|im_start|>김봉태<|im_end|>

<|im_start|><춤추는 상자 2006-153>의 작가는?<|im_end|>

<|im_start|><춤추는 상자 2006-153>(2006)은 일상성에 주목하는 2000년대 중후반의 춤추는 상자 시리즈 중 하나이다. 상자들이 춤추는 듯 의인화된 모습으로 나타나는 이 시리즈는 동네 슈퍼마켓에 쌓인 버려진 상자들에 연민을 느낀 작가가 그것들에 생명을 불어넣고 싶다는 바람에서 출발하였다. 상자 모으기부터 시작한 김봉태는 청동, 캐스팅, 드로잉, 회화, 조각 등 다양한 매체를 통해 실험을 지속하였다. 이 작품은 플렉시글라스(plexiglass) 위에 아크릴 물감을 칠하고 색 테이프를 붙여 작업한 것이다. 빛을 투과하는 플렉시글라스의 반투명한 속성 때문에 동일한 색의 물감을 판의 앞면과 뒷면에 칠하게 되면 다른 색을 입힌 것 같은 부드러운 깊이감이 발생한다. 즉 빛을 투과하는 재료를 사용함으로써 입체성을 확장하고 있는 것이다. 김봉태는 이전 작품들이 '삶의 철학을 진지하게 노래했다면 이제는 그림을 매개로 다 같이 놀자는 마음으로' 이 춤추는 상자 시리즈를 만들었으며, 도시 같기도 빌딩 같기도 가족 같기도 하다고 말한 바 있다. 이는 <Accumulation> 시리즈로 이어진다.<|im_end|>

<|im_start|>2006<|im_end|>

<|im_start|><춤추는 상자 2006-153>이 제작된 해는?<|im_end|>

<|im_start|><춤추는 상자 2006-153>(2006)은 일상성에 주목하는 2000년대 중후반의 춤추는 상자 시리즈 중 하나이다. 상자들이 춤추는 듯 의인화된 모습으로 나타나는 이 시리즈는 동네 슈퍼마켓에 쌓인 버려진 상자들에 연민을 느낀 작가가 그것들에 생명을 불어넣고 싶다는 바람에서 출발하였다. 상자 모으기부터 시작한 김봉태는 청동, 캐스팅, 드로잉, 회화, 조각 등 다양한 매체를 통해 실험을 지속하였다. 이 작품은 플렉시글라스(plexiglass) 위에 아크릴 물감을 칠하고 색 테이프를 붙여 작업한 것이다. 빛을 투과하는 플렉시글라스의 반투명한 속성 때문에 동일한 색의 물감을 판의 앞면과 뒷면에 칠하게 되면 다른 색을 입힌 것 같은 부드러운 깊이감이 발생한다. 즉 빛을 투과하는 재료를 사용함으로써 입체성을 확장하고 있는 것이다. 김봉태는 이전 작품들이 '삶의 철학을 진지하게 노래했다면 이제는 그림을 매개로 다 같이 놀자는 마음으로' 이 춤추는 상자 시리즈를 만들었으며, 도시 같기도 빌딩 같기도 가족 같기도 하다고 말한 바 있다. 이는 <Accumulation> 시리즈로 이어진다.<|im_end|>

<|im_start|>2000년대 중후반<|im_end|>

<|im_start|>일상성에 주목하는 춤추는 상자 시리즈의 배경 연도는?<|im_end|>

<|im_start|>함경난도 정평 출생인 이수억(李壽億, 1918-1990)은 평양사범대학교를 졸업하고 교직생활을 하다가 일본 유학길에 올라 동경제국미술학교에서 서양화과를 전공했다. 그는 1946년 귀국한 후 함흥에서 작품 활동을 하였으나 6·25 전쟁 중에 북진했던 국군을 따라 남한으로 넘어오게 되면서, 대구에서 국방부 정훈국이 조직한 '종군화가단'에 합류하게 된다. 이수억은 당시에 그렸던 <야전도(夜戰圖)>(1953)를 통해 제6회 종군화가단전쟁미술전에서 육군총무과장상을 받았으며, <폐허의 서울>(1952), <6·25동란>(1954) 등 종군 기록화를 다수 남겼다. 참혹한 전쟁을 알록달록한 입체파풍으로 재현한 그의 작품은 일본에서 배운 왜곡된 서양화를 답습할 수밖에 없었던 한국 화단의 한계를 그대로 보여주기도 한다. 이수억은 구상미술을 지향했던 목우회의 일원으로 활동하면서 한국적 리얼리즘을 구축하려고 노력하였으나, 전쟁의 참상이 점차 희석되어 갈 때쯤 재현적 사실주의에서 탈피하여 추상화나 초현실주의와 같은 화풍의 작품을 제작하기도 했다. 이수억의 <아름다운 한강>(1987)에서는 참혹한 전쟁 상황이 아닌, 티 없는 아이들과 밝은 청년들로 피난민이 대체되어 있는 것을 확인할 수 있다. 이처럼 1980년대에 들어선 그의 작품은 주로 풍경화나 인물화로 대상을 편안하게 화면에 담아낸다.<|im_end|>

<|im_start|>평양사범대학교<|im_end|>

<|im_start|>이수억이 졸업한 대학교는?<|im_end|>

<|im_start|>함경난도 정평 출생인 이수억(李壽億, 1918-1990)은 평양사범대학교를 졸업하고 교직생활을 하다가 일본 유학길에 올라 동경제국미술학교에서 서양화과를 전공했다. 그는 1946년 귀국한 후 함흥에서 작품 활동을 하였으나 6·25 전쟁 중에 북진했던 국군을 따라 남한으로 넘어오게 되면서, 대구에서 국방부 정훈국이 조직한 '종군화가단'에 합류하게 된다. 이수억은 당시에 그렸던 <야전도(夜戰圖)>(1953)를 통해 제6회 종군화가단전쟁미술전에서 육군총무과장상을 받았으며, <폐허의 서울>(1952), <6·25동란>(1954) 등 종군 기록화를 다수 남겼다. 참혹한 전쟁을 알록달록한 입체파풍으로 재현한 그의 작품은 일본에서 배운 왜곡된 서양화를 답습할 수밖에 없었던 한국 화단의 한계를 그대로 보여주기도 한다. 이수억은 구상미술을 지향했던 목우회의 일원으로 활동하면서 한국적 리얼리즘을 구축하려고 노력하였으나, 전쟁의 참상이 점차 희석되어 갈 때쯤 재현적 사실주의에서 탈피하여 추상화나 초현실주의와 같은 화풍의 작품을 제작하기도 했다. 이수억의 <아름다운 한강>(1987)에서는 참혹한 전쟁 상황이 아닌, 티 없는 아이들과 밝은 청년들로 피난민이 대체되어 있는 것을 확인할 수 있다. 이처럼 1980년대에 들어선 그의 작품은 주로 풍경화나 인물화로 대상을 편안하게 화면에 담아낸다.<|im_end|>

<|im_start|>서양화과<|im_end|>

<|im_start|>이수억이 동경제국미술학교에서 전공한 학과는?<|im_end|>

<|im_start|>함경난도 정평 출생인 이수억(李壽億, 1918-1990)은 평양사범대학교를 졸업하고 교직생활을 하다가 일본 유학길에 올라 동경제국미술학교에서 서양화과를 전공했다. 그는 1946년 귀국한 후 함흥에서 작품 활동을 하였으나 6·25 전쟁 중에 북진했던 국군을 따라 남한으로 넘어오게 되면서, 대구에서 국방부 정훈국이 조직한 '종군화가단'에 합류하게 된다. 이수억은 당시에 그렸던 <야전도(夜戰圖)>(1953)를 통해 제6회 종군화가단전쟁미술전에서 육군총무과장상을 받았으며, <폐허의 서울>(1952), <6·25동란>(1954) 등 종군 기록화를 다수 남겼다. 참혹한 전쟁을 알록달록한 입체파풍으로 재현한 그의 작품은 일본에서 배운 왜곡된 서양화를 답습할 수밖에 없었던 한국 화단의 한계를 그대로 보여주기도 한다. 이수억은 구상미술을 지향했던 목우회의 일원으로 활동하면서 한국적 리얼리즘을 구축하려고 노력하였으나, 전쟁의 참상이 점차 희석되어 갈 때쯤 재현적 사실주의에서 탈피하여 추상화나 초현실주의와 같은 화풍의 작품을 제작하기도 했다. 이수억의 <아름다운 한강>(1987)에서는 참혹한 전쟁 상황이 아닌, 티 없는 아이들과 밝은 청년들로 피난민이 대체되어 있는 것을 확인할 수 있다. 이처럼 1980년대에 들어선 그의 작품은 주로 풍경화나 인물화로 대상을 편안하게 화면에 담아낸다.<|im_end|>

<|im_start|>종군화가단<|im_end|>

<|im_start|>국방부 정훈국이 조직한 단체는?<|im_end|>

<|im_start|>함경난도 정평 출생인 이수억(李壽億, 1918-1990)은 평양사범대학교를 졸업하고 교직생활을 하다가 일본 유학길에 올라 동경제국미술학교에서 서양화과를 전공했다. 그는 1946년 귀국한 후 함흥에서 작품 활동을 하였으나 6·25 전쟁 중에 북진했던 국군을 따라 남한으로 넘어오게 되면서, 대구에서 국방부 정훈국이 조직한 '종군화가단'에 합류하게 된다. 이수억은 당시에 그렸던 <야전도(夜戰圖)>(1953)를 통해 제6회 종군화가단전쟁미술전에서 육군총무과장상을 받았으며, <폐허의 서울>(1952), <6·25동란>(1954) 등 종군 기록화를 다수 남겼다. 참혹한 전쟁을 알록달록한 입체파풍으로 재현한 그의 작품은 일본에서 배운 왜곡된 서양화를 답습할 수밖에 없었던 한국 화단의 한계를 그대로 보여주기도 한다. 이수억은 구상미술을 지향했던 목우회의 일원으로 활동하면서 한국적 리얼리즘을 구축하려고 노력하였으나, 전쟁의 참상이 점차 희석되어 갈 때쯤 재현적 사실주의에서 탈피하여 추상화나 초현실주의와 같은 화풍의 작품을 제작하기도 했다. 이수억의 <아름다운 한강>(1987)에서는 참혹한 전쟁 상황이 아닌, 티 없는 아이들과 밝은 청년들로 피난민이 대체되어 있는 것을 확인할 수 있다. 이처럼 1980년대에 들어선 그의 작품은 주로 풍경화나 인물화로 대상을 편안하게 화면에 담아낸다.<|im_end|>

<|im_start|>제6회 종군화가단전쟁미술전<|im_end|>

<|im_start|>이수억이 육군총무과장상을 받은 미술전은?<|im_end|>

<|im_start|>함경난도 정평 출생인 이수억(李壽億, 1918-1990)은 평양사범대학교를 졸업하고 교직생활을 하다가 일본 유학길에 올라 동경제국미술학교에서 서양화과를 전공했다. 그는 1946년 귀국한 후 함흥에서 작품 활동을 하였으나 6·25 전쟁 중에 북진했던 국군을 따라 남한으로 넘어오게 되면서, 대구에서 국방부 정훈국이 조직한 '종군화가단'에 합류하게 된다. 이수억은 당시에 그렸던 <야전도(夜戰圖)>(1953)를 통해 제6회 종군화가단전쟁미술전에서 육군총무과장상을 받았으며, <폐허의 서울>(1952), <6·25동란>(1954) 등 종군 기록화를 다수 남겼다. 참혹한 전쟁을 알록달록한 입체파풍으로 재현한 그의 작품은 일본에서 배운 왜곡된 서양화를 답습할 수밖에 없었던 한국 화단의 한계를 그대로 보여주기도 한다. 이수억은 구상미술을 지향했던 목우회의 일원으로 활동하면서 한국적 리얼리즘을 구축하려고 노력하였으나, 전쟁의 참상이 점차 희석되어 갈 때쯤 재현적 사실주의에서 탈피하여 추상화나 초현실주의와 같은 화풍의 작품을 제작하기도 했다. 이수억의 <아름다운 한강>(1987)에서는 참혹한 전쟁 상황이 아닌, 티 없는 아이들과 밝은 청년들로 피난민이 대체되어 있는 것을 확인할 수 있다. 이처럼 1980년대에 들어선 그의 작품은 주로 풍경화나 인물화로 대상을 편안하게 화면에 담아낸다.<|im_end|>

<|im_start|>1952<|im_end|>

<|im_start|>폐허의 서울이 그려진 연도는?<|im_end|>

<|im_start|>함경난도 정평 출생인 이수억(李壽億, 1918-1990)은 평양사범대학교를 졸업하고 교직생활을 하다가 일본 유학길에 올라 동경제국미술학교에서 서양화과를 전공했다. 그는 1946년 귀국한 후 함흥에서 작품 활동을 하였으나 6·25 전쟁 중에 북진했던 국군을 따라 남한으로 넘어오게 되면서, 대구에서 국방부 정훈국이 조직한 '종군화가단'에 합류하게 된다. 이수억은 당시에 그렸던 <야전도(夜戰圖)>(1953)를 통해 제6회 종군화가단전쟁미술전에서 육군총무과장상을 받았으며, <폐허의 서울>(1952), <6·25동란>(1954) 등 종군 기록화를 다수 남겼다. 참혹한 전쟁을 알록달록한 입체파풍으로 재현한 그의 작품은 일본에서 배운 왜곡된 서양화를 답습할 수밖에 없었던 한국 화단의 한계를 그대로 보여주기도 한다. 이수억은 구상미술을 지향했던 목우회의 일원으로 활동하면서 한국적 리얼리즘을 구축하려고 노력하였으나, 전쟁의 참상이 점차 희석되어 갈 때쯤 재현적 사실주의에서 탈피하여 추상화나 초현실주의와 같은 화풍의 작품을 제작하기도 했다. 이수억의 <아름다운 한강>(1987)에서는 참혹한 전쟁 상황이 아닌, 티 없는 아이들과 밝은 청년들로 피난민이 대체되어 있는 것을 확인할 수 있다. 이처럼 1980년대에 들어선 그의 작품은 주로 풍경화나 인물화로 대상을 편안하게 화면에 담아낸다.<|im_end|>

<|im_start|>1946년<|im_end|>

<|im_start|>이수억이 귀국한 연도는?<|im_end|>

<|im_start|><역사의 창 - 광주여 망월동이여>(1989)는 손장섭이 1980년대 제작에 몰두했던 일련의 역사화로 제목에서 명시하는 바와 같이 광주민주화 운동의 역사를 압축적으로 드러내는 작품이다. 광주 망월동은 5. 18 민주화 운동 당시 순국한 학생, 피해자, 재야인사들의 묘지가 있는 장소이다. 1980년 광주에서 벌어진 참혹했던 사건들은 몇 가지 상징적 이미지로 선택되어 묘사되었다. 예컨대 작품 중앙에 묘사된 타임지 일면의 전두환 전 대통령 사진과 신군부의 진압 공수부대 그리고 당시 사건에서 자유로울 수 없었던 미국을 암시하는 성조기가 오버랩 되고 인접해서 중심부에 구성되었다. 이 영역 주변으로 오열하고 있는 어머니와 영정사진을 들고 있는 아이, 그리고 희생자들이 등장한 가운데 작품의 절반 하단부는 참혹한 주검이 이어진다. 작가는 기억의 파편들을 조합하여 몽타주 형식으로 배치한 역사화를 통해 역사적 현실을 각인시키면서 현실의 모순을 발언하고 가시화하였다.<|im_end|>

<|im_start|>역사의 창 - 광주여 망월동이여<|im_end|>

<|im_start|>광주민주화 운동의 역사를 압축적으로 드러내는 작품은?<|im_end|>

<|im_start|><역사의 창 - 광주여 망월동이여>(1989)는 손장섭이 1980년대 제작에 몰두했던 일련의 역사화로 제목에서 명시하는 바와 같이 광주민주화 운동의 역사를 압축적으로 드러내는 작품이다. 광주 망월동은 5. 18 민주화 운동 당시 순국한 학생, 피해자, 재야인사들의 묘지가 있는 장소이다. 1980년 광주에서 벌어진 참혹했던 사건들은 몇 가지 상징적 이미지로 선택되어 묘사되었다. 예컨대 작품 중앙에 묘사된 타임지 일면의 전두환 전 대통령 사진과 신군부의 진압 공수부대 그리고 당시 사건에서 자유로울 수 없었던 미국을 암시하는 성조기가 오버랩 되고 인접해서 중심부에 구성되었다. 이 영역 주변으로 오열하고 있는 어머니와 영정사진을 들고 있는 아이, 그리고 희생자들이 등장한 가운데 작품의 절반 하단부는 참혹한 주검이 이어진다. 작가는 기억의 파편들을 조합하여 몽타주 형식으로 배치한 역사화를 통해 역사적 현실을 각인시키면서 현실의 모순을 발언하고 가시화하였다.<|im_end|>

<|im_start|>손장섭<|im_end|>

<|im_start|><역사의 창 - 광주여 망월동이여>의 작가는?<|im_end|>

<|im_start|><역사의 창 - 광주여 망월동이여>(1989)는 손장섭이 1980년대 제작에 몰두했던 일련의 역사화로 제목에서 명시하는 바와 같이 광주민주화 운동의 역사를 압축적으로 드러내는 작품이다. 광주 망월동은 5. 18 민주화 운동 당시 순국한 학생, 피해자, 재야인사들의 묘지가 있는 장소이다. 1980년 광주에서 벌어진 참혹했던 사건들은 몇 가지 상징적 이미지로 선택되어 묘사되었다. 예컨대 작품 중앙에 묘사된 타임지 일면의 전두환 전 대통령 사진과 신군부의 진압 공수부대 그리고 당시 사건에서 자유로울 수 없었던 미국을 암시하는 성조기가 오버랩 되고 인접해서 중심부에 구성되었다. 이 영역 주변으로 오열하고 있는 어머니와 영정사진을 들고 있는 아이, 그리고 희생자들이 등장한 가운데 작품의 절반 하단부는 참혹한 주검이 이어진다. 작가는 기억의 파편들을 조합하여 몽타주 형식으로 배치한 역사화를 통해 역사적 현실을 각인시키면서 현실의 모순을 발언하고 가시화하였다.<|im_end|>

<|im_start|>광주 망월동<|im_end|>

<|im_start|>5.18 민주화 운동 당시 순국한 학생, 피해자, 재야인사들의 묘지가 있는 장소는?<|im_end|>

<|im_start|><역사의 창 - 광주여 망월동이여>(1989)는 손장섭이 1980년대 제작에 몰두했던 일련의 역사화로 제목에서 명시하는 바와 같이 광주민주화 운동의 역사를 압축적으로 드러내는 작품이다. 광주 망월동은 5. 18 민주화 운동 당시 순국한 학생, 피해자, 재야인사들의 묘지가 있는 장소이다. 1980년 광주에서 벌어진 참혹했던 사건들은 몇 가지 상징적 이미지로 선택되어 묘사되었다. 예컨대 작품 중앙에 묘사된 타임지 일면의 전두환 전 대통령 사진과 신군부의 진압 공수부대 그리고 당시 사건에서 자유로울 수 없었던 미국을 암시하는 성조기가 오버랩 되고 인접해서 중심부에 구성되었다. 이 영역 주변으로 오열하고 있는 어머니와 영정사진을 들고 있는 아이, 그리고 희생자들이 등장한 가운데 작품의 절반 하단부는 참혹한 주검이 이어진다. 작가는 기억의 파편들을 조합하여 몽타주 형식으로 배치한 역사화를 통해 역사적 현실을 각인시키면서 현실의 모순을 발언하고 가시화하였다.<|im_end|>

<|im_start|>전두환<|im_end|>

<|im_start|>작품 중앙에 묘사된 타임지 일면에 있는 인물은?<|im_end|>

<|im_start|><역사의 창 - 광주여 망월동이여>(1989)는 손장섭이 1980년대 제작에 몰두했던 일련의 역사화로 제목에서 명시하는 바와 같이 광주민주화 운동의 역사를 압축적으로 드러내는 작품이다. 광주 망월동은 5. 18 민주화 운동 당시 순국한 학생, 피해자, 재야인사들의 묘지가 있는 장소이다. 1980년 광주에서 벌어진 참혹했던 사건들은 몇 가지 상징적 이미지로 선택되어 묘사되었다. 예컨대 작품 중앙에 묘사된 타임지 일면의 전두환 전 대통령 사진과 신군부의 진압 공수부대 그리고 당시 사건에서 자유로울 수 없었던 미국을 암시하는 성조기가 오버랩 되고 인접해서 중심부에 구성되었다. 이 영역 주변으로 오열하고 있는 어머니와 영정사진을 들고 있는 아이, 그리고 희생자들이 등장한 가운데 작품의 절반 하단부는 참혹한 주검이 이어진다. 작가는 기억의 파편들을 조합하여 몽타주 형식으로 배치한 역사화를 통해 역사적 현실을 각인시키면서 현실의 모순을 발언하고 가시화하였다.<|im_end|>

<|im_start|>1989<|im_end|>

<|im_start|><역사의 창 - 광주여 망월동이여>를 제작한 연도는?<|im_end|>

<|im_start|><역사의 창 - 광주여 망월동이여>(1989)는 손장섭이 1980년대 제작에 몰두했던 일련의 역사화로 제목에서 명시하는 바와 같이 광주민주화 운동의 역사를 압축적으로 드러내는 작품이다. 광주 망월동은 5. 18 민주화 운동 당시 순국한 학생, 피해자, 재야인사들의 묘지가 있는 장소이다. 1980년 광주에서 벌어진 참혹했던 사건들은 몇 가지 상징적 이미지로 선택되어 묘사되었다. 예컨대 작품 중앙에 묘사된 타임지 일면의 전두환 전 대통령 사진과 신군부의 진압 공수부대 그리고 당시 사건에서 자유로울 수 없었던 미국을 암시하는 성조기가 오버랩 되고 인접해서 중심부에 구성되었다. 이 영역 주변으로 오열하고 있는 어머니와 영정사진을 들고 있는 아이, 그리고 희생자들이 등장한 가운데 작품의 절반 하단부는 참혹한 주검이 이어진다. 작가는 기억의 파편들을 조합하여 몽타주 형식으로 배치한 역사화를 통해 역사적 현실을 각인시키면서 현실의 모순을 발언하고 가시화하였다.<|im_end|>

<|im_start|>몽타주 형식<|im_end|>

<|im_start|>작가가 기억의 파편들을 조합해 작품에 배치한 형식은?<|im_end|>

<|im_start|><사유의 공간>(2004)은 고혜숙의 대표 시리즈 중 하나이다. 붉은색과 푸른색의 보색 대비가 강렬하게 드러나는 작품으로 가까이에서 보면 파란색과 붉은색의 거친 붓 터치가 불규칙하게 찍혀 있는 것처럼 보인다. 그러다가 작품에서 점점 멀어질수록 캔버스 중앙에 집중된 붉은색의 군집들이 어떠한 형상을 이루고 있는 것처럼 보인다. 그러나 붉은색의 군집들이 정확히 어떤 형상을 이루고 있는지 알 수 없다. 또한 붉은색과 푸른색의 붓 터치가 서로 겹쳐지며 우리의 시각장 안에서는 묘한 환영이 일어나게 되는데 이처럼 <사유의 공간>은 작품을 관람하는 내내 관람자로 하여금 끊임없이 사유하도록 만든다. 평론가 홍경한은 생성과 소멸 복잡함과 단순함, 격정과 고요, 이것이 고혜숙의 작품세계를 형성하는 아우라라고 했다. 더불어 작가가 추상화 작업을 통해 휴머니즘을 보여주고자 하는 것으로 "자유로운 심적 평형을 유지하고 그 자유로움을 선으로 표현한다. 이는 열정적이지만 반면 잠잠한 만들어짐과 사라짐이라는 미의 기준으로 분류되며 일상에서 보고 듣고 느끼며 살아가는 삶의 다양한 심상을 복잡함 속 정적 상징으로 드러내려" 하는 것이라고 역설한다.<|im_end|>

<|im_start|>홍경한<|im_end|>

<|im_start|>생성과 소멸, 복잡함과 단순함, 격정과 고요가 고혜숙의 작품세계를 형성하는 아우라라고 했던 평론가는?<|im_end|>

<|im_start|><사유의 공간>(2004)은 고혜숙의 대표 시리즈 중 하나이다. 붉은색과 푸른색의 보색 대비가 강렬하게 드러나는 작품으로 가까이에서 보면 파란색과 붉은색의 거친 붓 터치가 불규칙하게 찍혀 있는 것처럼 보인다. 그러다가 작품에서 점점 멀어질수록 캔버스 중앙에 집중된 붉은색의 군집들이 어떠한 형상을 이루고 있는 것처럼 보인다. 그러나 붉은색의 군집들이 정확히 어떤 형상을 이루고 있는지 알 수 없다. 또한 붉은색과 푸른색의 붓 터치가 서로 겹쳐지며 우리의 시각장 안에서는 묘한 환영이 일어나게 되는데 이처럼 <사유의 공간>은 작품을 관람하는 내내 관람자로 하여금 끊임없이 사유하도록 만든다. 평론가 홍경한은 생성과 소멸 복잡함과 단순함, 격정과 고요, 이것이 고혜숙의 작품세계를 형성하는 아우라라고 했다. 더불어 작가가 추상화 작업을 통해 휴머니즘을 보여주고자 하는 것으로 "자유로운 심적 평형을 유지하고 그 자유로움을 선으로 표현한다. 이는 열정적이지만 반면 잠잠한 만들어짐과 사라짐이라는 미의 기준으로 분류되며 일상에서 보고 듣고 느끼며 살아가는 삶의 다양한 심상을 복잡함 속 정적 상징으로 드러내려" 하는 것이라고 역설한다.<|im_end|>

<|im_start|>고혜숙<|im_end|>

<|im_start|><사유의 공간> 작가는?<|im_end|>

<|im_start|><사유의 공간>(2004)은 고혜숙의 대표 시리즈 중 하나이다. 붉은색과 푸른색의 보색 대비가 강렬하게 드러나는 작품으로 가까이에서 보면 파란색과 붉은색의 거친 붓 터치가 불규칙하게 찍혀 있는 것처럼 보인다. 그러다가 작품에서 점점 멀어질수록 캔버스 중앙에 집중된 붉은색의 군집들이 어떠한 형상을 이루고 있는 것처럼 보인다. 그러나 붉은색의 군집들이 정확히 어떤 형상을 이루고 있는지 알 수 없다. 또한 붉은색과 푸른색의 붓 터치가 서로 겹쳐지며 우리의 시각장 안에서는 묘한 환영이 일어나게 되는데 이처럼 <사유의 공간>은 작품을 관람하는 내내 관람자로 하여금 끊임없이 사유하도록 만든다. 평론가 홍경한은 생성과 소멸 복잡함과 단순함, 격정과 고요, 이것이 고혜숙의 작품세계를 형성하는 아우라라고 했다. 더불어 작가가 추상화 작업을 통해 휴머니즘을 보여주고자 하는 것으로 "자유로운 심적 평형을 유지하고 그 자유로움을 선으로 표현한다. 이는 열정적이지만 반면 잠잠한 만들어짐과 사라짐이라는 미의 기준으로 분류되며 일상에서 보고 듣고 느끼며 살아가는 삶의 다양한 심상을 복잡함 속 정적 상징으로 드러내려" 하는 것이라고 역설한다.<|im_end|>

<|im_start|>2004<|im_end|>

<|im_start|><사유의 공간>이 제작된 해는?<|im_end|>

<|im_start|><사유의 공간>(2004)은 고혜숙의 대표 시리즈 중 하나이다. 붉은색과 푸른색의 보색 대비가 강렬하게 드러나는 작품으로 가까이에서 보면 파란색과 붉은색의 거친 붓 터치가 불규칙하게 찍혀 있는 것처럼 보인다. 그러다가 작품에서 점점 멀어질수록 캔버스 중앙에 집중된 붉은색의 군집들이 어떠한 형상을 이루고 있는 것처럼 보인다. 그러나 붉은색의 군집들이 정확히 어떤 형상을 이루고 있는지 알 수 없다. 또한 붉은색과 푸른색의 붓 터치가 서로 겹쳐지며 우리의 시각장 안에서는 묘한 환영이 일어나게 되는데 이처럼 <사유의 공간>은 작품을 관람하는 내내 관람자로 하여금 끊임없이 사유하도록 만든다. 평론가 홍경한은 생성과 소멸 복잡함과 단순함, 격정과 고요, 이것이 고혜숙의 작품세계를 형성하는 아우라라고 했다. 더불어 작가가 추상화 작업을 통해 휴머니즘을 보여주고자 하는 것으로 "자유로운 심적 평형을 유지하고 그 자유로움을 선으로 표현한다. 이는 열정적이지만 반면 잠잠한 만들어짐과 사라짐이라는 미의 기준으로 분류되며 일상에서 보고 듣고 느끼며 살아가는 삶의 다양한 심상을 복잡함 속 정적 상징으로 드러내려" 하는 것이라고 역설한다.<|im_end|>

<|im_start|>휴머니즘<|im_end|>

<|im_start|>작가가 추상화 작업을 통해 보여주고자 하는 것은?<|im_end|>

<|im_start|><사유의 공간>(2004)은 고혜숙의 대표 시리즈 중 하나이다. 붉은색과 푸른색의 보색 대비가 강렬하게 드러나는 작품으로 가까이에서 보면 파란색과 붉은색의 거친 붓 터치가 불규칙하게 찍혀 있는 것처럼 보인다. 그러다가 작품에서 점점 멀어질수록 캔버스 중앙에 집중된 붉은색의 군집들이 어떠한 형상을 이루고 있는 것처럼 보인다. 그러나 붉은색의 군집들이 정확히 어떤 형상을 이루고 있는지 알 수 없다. 또한 붉은색과 푸른색의 붓 터치가 서로 겹쳐지며 우리의 시각장 안에서는 묘한 환영이 일어나게 되는데 이처럼 <사유의 공간>은 작품을 관람하는 내내 관람자로 하여금 끊임없이 사유하도록 만든다. 평론가 홍경한은 생성과 소멸 복잡함과 단순함, 격정과 고요, 이것이 고혜숙의 작품세계를 형성하는 아우라라고 했다. 더불어 작가가 추상화 작업을 통해 휴머니즘을 보여주고자 하는 것으로 "자유로운 심적 평형을 유지하고 그 자유로움을 선으로 표현한다. 이는 열정적이지만 반면 잠잠한 만들어짐과 사라짐이라는 미의 기준으로 분류되며 일상에서 보고 듣고 느끼며 살아가는 삶의 다양한 심상을 복잡함 속 정적 상징으로 드러내려" 하는 것이라고 역설한다.<|im_end|>

<|im_start|>선으로 표현<|im_end|>

<|im_start|>고혜숙이 자유로움을 표현하는 방법은?<|im_end|>

<|im_start|><사유의 공간>(2004)은 고혜숙의 대표 시리즈 중 하나이다. 붉은색과 푸른색의 보색 대비가 강렬하게 드러나는 작품으로 가까이에서 보면 파란색과 붉은색의 거친 붓 터치가 불규칙하게 찍혀 있는 것처럼 보인다. 그러다가 작품에서 점점 멀어질수록 캔버스 중앙에 집중된 붉은색의 군집들이 어떠한 형상을 이루고 있는 것처럼 보인다. 그러나 붉은색의 군집들이 정확히 어떤 형상을 이루고 있는지 알 수 없다. 또한 붉은색과 푸른색의 붓 터치가 서로 겹쳐지며 우리의 시각장 안에서는 묘한 환영이 일어나게 되는데 이처럼 <사유의 공간>은 작품을 관람하는 내내 관람자로 하여금 끊임없이 사유하도록 만든다. 평론가 홍경한은 생성과 소멸 복잡함과 단순함, 격정과 고요, 이것이 고혜숙의 작품세계를 형성하는 아우라라고 했다. 더불어 작가가 추상화 작업을 통해 휴머니즘을 보여주고자 하는 것으로 "자유로운 심적 평형을 유지하고 그 자유로움을 선으로 표현한다. 이는 열정적이지만 반면 잠잠한 만들어짐과 사라짐이라는 미의 기준으로 분류되며 일상에서 보고 듣고 느끼며 살아가는 삶의 다양한 심상을 복잡함 속 정적 상징으로 드러내려" 하는 것이라고 역설한다.<|im_end|>

<|im_start|>붉은색과 푸른색의 보색 대비<|im_end|>

<|im_start|><사유의 공간>에서 강렬하게 드러나는 것은?<|im_end|>

<|im_start|>정상화는 1960년대에 정창섭, 박서보 등 실험성이 강한 동시대 젊은 작가들과 함께 앵포르멜 운동을 이끌어 갔다. 이 시기 작업들은 둥근 형태들과 표면의 재질감이 두드러진 추상회화 작업이었다. 그러나 이후 일본 고베에서 작품 활동을 하던 1970년대 초반부터 현재까지 화면 전체를 규칙적인 네모꼴로 반복하여 구성하는 단색의 평면회화 작업을 해오고 있다. 때로는 이 사각형의 단위를 가로지르는 사선이 결합되기도 하지만, 작가는 작은 네모꼴의 기본 단위가 모자이크처럼 화면 전체에 반복되는 화면을 일관되게 보여준다. 이러한 표면은 작가의 독특한 제작 방식에 의해 만들어진다. 먼저 고령토를 물과 섞어 캔버스 전체에 3-4mm 두께로 펴 바른다. 이 초벌이 마르면 캔버스 천을 틀에서 떼어내고 뒷면에 가로 세로의 규칙적인 선을 긋고 그 선을 따라 캔버스 천을 접어서 균열을 발생시킨다. 그리고 다시 캔버스 천을 틀에 고정한 후 갈라진 경계를 따라 사각형의 고령토 조각을 하나씩 떼어내어 움푹한 자리를 만든다. 이 공간을 다시 아크릴 물감으로 메워 나가는 작업을 반복하면 균열을 따라 사각형의 독특한 공간이 반복되는 올 오버 회화가 탄생한다. 이처럼 작품의 제작 과정이 체계적으로 진행되는 것은 작가 자신이 이야기하듯이 '작품은 과정 자체로 끝이 나기' 때문이다. 반복적인 과정 자체가 작품을 규정하는 정상화의 작업은 우리의 반복적인 일상의 모습과도 닮아 있다. 화면 안에 존재하는 수많은 네모꼴이 어느 하나 크기나 부피가 같은 것이 없는 것은 똑같아 보이는 우리의 매일도 조금씩 다른 모습이며 그 작은 차이들이 모인 것이 우리의 삶임을 은유한다. 그래서 정상화의 작품은 단일 색면으로 환원된 단순한 단색화가 아니라 삶의 시간과 공간이 켜켜이 쌓여있는 장이다. 전반적으로 정상화의 단색 회화는 백색 계열이 주를 이루지만 <무제 97-10-5>(1997)와 같은 청색 계열의 작업도 다수 제작되었다. 감성적인 색조와 불규칙하게 균열된 틈에 의해 발생되는 명암은 단색조 평면 회화에 물리적 서정적 변주를 극대화한다.<|im_end|>

<|im_start|>정창섭, 박서보<|im_end|>

<|im_start|>정상화와 함께 1960년대에 앵포르멜 운동을 이끈 인물들은?<|im_end|>

<|im_start|>정상화는 1960년대에 정창섭, 박서보 등 실험성이 강한 동시대 젊은 작가들과 함께 앵포르멜 운동을 이끌어 갔다. 이 시기 작업들은 둥근 형태들과 표면의 재질감이 두드러진 추상회화 작업이었다. 그러나 이후 일본 고베에서 작품 활동을 하던 1970년대 초반부터 현재까지 화면 전체를 규칙적인 네모꼴로 반복하여 구성하는 단색의 평면회화 작업을 해오고 있다. 때로는 이 사각형의 단위를 가로지르는 사선이 결합되기도 하지만, 작가는 작은 네모꼴의 기본 단위가 모자이크처럼 화면 전체에 반복되는 화면을 일관되게 보여준다. 이러한 표면은 작가의 독특한 제작 방식에 의해 만들어진다. 먼저 고령토를 물과 섞어 캔버스 전체에 3-4mm 두께로 펴 바른다. 이 초벌이 마르면 캔버스 천을 틀에서 떼어내고 뒷면에 가로 세로의 규칙적인 선을 긋고 그 선을 따라 캔버스 천을 접어서 균열을 발생시킨다. 그리고 다시 캔버스 천을 틀에 고정한 후 갈라진 경계를 따라 사각형의 고령토 조각을 하나씩 떼어내어 움푹한 자리를 만든다. 이 공간을 다시 아크릴 물감으로 메워 나가는 작업을 반복하면 균열을 따라 사각형의 독특한 공간이 반복되는 올 오버 회화가 탄생한다. 이처럼 작품의 제작 과정이 체계적으로 진행되는 것은 작가 자신이 이야기하듯이 '작품은 과정 자체로 끝이 나기' 때문이다. 반복적인 과정 자체가 작품을 규정하는 정상화의 작업은 우리의 반복적인 일상의 모습과도 닮아 있다. 화면 안에 존재하는 수많은 네모꼴이 어느 하나 크기나 부피가 같은 것이 없는 것은 똑같아 보이는 우리의 매일도 조금씩 다른 모습이며 그 작은 차이들이 모인 것이 우리의 삶임을 은유한다. 그래서 정상화의 작품은 단일 색면으로 환원된 단순한 단색화가 아니라 삶의 시간과 공간이 켜켜이 쌓여있는 장이다. 전반적으로 정상화의 단색 회화는 백색 계열이 주를 이루지만 <무제 97-10-5>(1997)와 같은 청색 계열의 작업도 다수 제작되었다. 감성적인 색조와 불규칙하게 균열된 틈에 의해 발생되는 명암은 단색조 평면 회화에 물리적 서정적 변주를 극대화한다.<|im_end|>

<|im_start|>일본 고베<|im_end|>

<|im_start|>1970년대 초반부터 현재까지 정상화가 작품 활동을 하는 곳은?<|im_end|>

<|im_start|>정상화는 1960년대에 정창섭, 박서보 등 실험성이 강한 동시대 젊은 작가들과 함께 앵포르멜 운동을 이끌어 갔다. 이 시기 작업들은 둥근 형태들과 표면의 재질감이 두드러진 추상회화 작업이었다. 그러나 이후 일본 고베에서 작품 활동을 하던 1970년대 초반부터 현재까지 화면 전체를 규칙적인 네모꼴로 반복하여 구성하는 단색의 평면회화 작업을 해오고 있다. 때로는 이 사각형의 단위를 가로지르는 사선이 결합되기도 하지만, 작가는 작은 네모꼴의 기본 단위가 모자이크처럼 화면 전체에 반복되는 화면을 일관되게 보여준다. 이러한 표면은 작가의 독특한 제작 방식에 의해 만들어진다. 먼저 고령토를 물과 섞어 캔버스 전체에 3-4mm 두께로 펴 바른다. 이 초벌이 마르면 캔버스 천을 틀에서 떼어내고 뒷면에 가로 세로의 규칙적인 선을 긋고 그 선을 따라 캔버스 천을 접어서 균열을 발생시킨다. 그리고 다시 캔버스 천을 틀에 고정한 후 갈라진 경계를 따라 사각형의 고령토 조각을 하나씩 떼어내어 움푹한 자리를 만든다. 이 공간을 다시 아크릴 물감으로 메워 나가는 작업을 반복하면 균열을 따라 사각형의 독특한 공간이 반복되는 올 오버 회화가 탄생한다. 이처럼 작품의 제작 과정이 체계적으로 진행되는 것은 작가 자신이 이야기하듯이 '작품은 과정 자체로 끝이 나기' 때문이다. 반복적인 과정 자체가 작품을 규정하는 정상화의 작업은 우리의 반복적인 일상의 모습과도 닮아 있다. 화면 안에 존재하는 수많은 네모꼴이 어느 하나 크기나 부피가 같은 것이 없는 것은 똑같아 보이는 우리의 매일도 조금씩 다른 모습이며 그 작은 차이들이 모인 것이 우리의 삶임을 은유한다. 그래서 정상화의 작품은 단일 색면으로 환원된 단순한 단색화가 아니라 삶의 시간과 공간이 켜켜이 쌓여있는 장이다. 전반적으로 정상화의 단색 회화는 백색 계열이 주를 이루지만 <무제 97-10-5>(1997)와 같은 청색 계열의 작업도 다수 제작되었다. 감성적인 색조와 불규칙하게 균열된 틈에 의해 발생되는 명암은 단색조 평면 회화에 물리적 서정적 변주를 극대화한다.<|im_end|>

<|im_start|>무제 97-10-5<|im_end|>

<|im_start|>정상화의 작품 가운데 청색 계열이 주를 이루었던 작품은?<|im_end|>

<|im_start|>정상화는 1960년대에 정창섭, 박서보 등 실험성이 강한 동시대 젊은 작가들과 함께 앵포르멜 운동을 이끌어 갔다. 이 시기 작업들은 둥근 형태들과 표면의 재질감이 두드러진 추상회화 작업이었다. 그러나 이후 일본 고베에서 작품 활동을 하던 1970년대 초반부터 현재까지 화면 전체를 규칙적인 네모꼴로 반복하여 구성하는 단색의 평면회화 작업을 해오고 있다. 때로는 이 사각형의 단위를 가로지르는 사선이 결합되기도 하지만, 작가는 작은 네모꼴의 기본 단위가 모자이크처럼 화면 전체에 반복되는 화면을 일관되게 보여준다. 이러한 표면은 작가의 독특한 제작 방식에 의해 만들어진다. 먼저 고령토를 물과 섞어 캔버스 전체에 3-4mm 두께로 펴 바른다. 이 초벌이 마르면 캔버스 천을 틀에서 떼어내고 뒷면에 가로 세로의 규칙적인 선을 긋고 그 선을 따라 캔버스 천을 접어서 균열을 발생시킨다. 그리고 다시 캔버스 천을 틀에 고정한 후 갈라진 경계를 따라 사각형의 고령토 조각을 하나씩 떼어내어 움푹한 자리를 만든다. 이 공간을 다시 아크릴 물감으로 메워 나가는 작업을 반복하면 균열을 따라 사각형의 독특한 공간이 반복되는 올 오버 회화가 탄생한다. 이처럼 작품의 제작 과정이 체계적으로 진행되는 것은 작가 자신이 이야기하듯이 '작품은 과정 자체로 끝이 나기' 때문이다. 반복적인 과정 자체가 작품을 규정하는 정상화의 작업은 우리의 반복적인 일상의 모습과도 닮아 있다. 화면 안에 존재하는 수많은 네모꼴이 어느 하나 크기나 부피가 같은 것이 없는 것은 똑같아 보이는 우리의 매일도 조금씩 다른 모습이며 그 작은 차이들이 모인 것이 우리의 삶임을 은유한다. 그래서 정상화의 작품은 단일 색면으로 환원된 단순한 단색화가 아니라 삶의 시간과 공간이 켜켜이 쌓여있는 장이다. 전반적으로 정상화의 단색 회화는 백색 계열이 주를 이루지만 <무제 97-10-5>(1997)와 같은 청색 계열의 작업도 다수 제작되었다. 감성적인 색조와 불규칙하게 균열된 틈에 의해 발생되는 명암은 단색조 평면 회화에 물리적 서정적 변주를 극대화한다.<|im_end|>

<|im_start|>1997<|im_end|>

<|im_start|><무제 97-10-5>가 제작된 연도는?<|im_end|>

<|im_start|>정상화는 1960년대에 정창섭, 박서보 등 실험성이 강한 동시대 젊은 작가들과 함께 앵포르멜 운동을 이끌어 갔다. 이 시기 작업들은 둥근 형태들과 표면의 재질감이 두드러진 추상회화 작업이었다. 그러나 이후 일본 고베에서 작품 활동을 하던 1970년대 초반부터 현재까지 화면 전체를 규칙적인 네모꼴로 반복하여 구성하는 단색의 평면회화 작업을 해오고 있다. 때로는 이 사각형의 단위를 가로지르는 사선이 결합되기도 하지만, 작가는 작은 네모꼴의 기본 단위가 모자이크처럼 화면 전체에 반복되는 화면을 일관되게 보여준다. 이러한 표면은 작가의 독특한 제작 방식에 의해 만들어진다. 먼저 고령토를 물과 섞어 캔버스 전체에 3-4mm 두께로 펴 바른다. 이 초벌이 마르면 캔버스 천을 틀에서 떼어내고 뒷면에 가로 세로의 규칙적인 선을 긋고 그 선을 따라 캔버스 천을 접어서 균열을 발생시킨다. 그리고 다시 캔버스 천을 틀에 고정한 후 갈라진 경계를 따라 사각형의 고령토 조각을 하나씩 떼어내어 움푹한 자리를 만든다. 이 공간을 다시 아크릴 물감으로 메워 나가는 작업을 반복하면 균열을 따라 사각형의 독특한 공간이 반복되는 올 오버 회화가 탄생한다. 이처럼 작품의 제작 과정이 체계적으로 진행되는 것은 작가 자신이 이야기하듯이 '작품은 과정 자체로 끝이 나기' 때문이다. 반복적인 과정 자체가 작품을 규정하는 정상화의 작업은 우리의 반복적인 일상의 모습과도 닮아 있다. 화면 안에 존재하는 수많은 네모꼴이 어느 하나 크기나 부피가 같은 것이 없는 것은 똑같아 보이는 우리의 매일도 조금씩 다른 모습이며 그 작은 차이들이 모인 것이 우리의 삶임을 은유한다. 그래서 정상화의 작품은 단일 색면으로 환원된 단순한 단색화가 아니라 삶의 시간과 공간이 켜켜이 쌓여있는 장이다. 전반적으로 정상화의 단색 회화는 백색 계열이 주를 이루지만 <무제 97-10-5>(1997)와 같은 청색 계열의 작업도 다수 제작되었다. 감성적인 색조와 불규칙하게 균열된 틈에 의해 발생되는 명암은 단색조 평면 회화에 물리적 서정적 변주를 극대화한다.<|im_end|>

<|im_start|>아크릴 물감으로 메워 나가는 작업<|im_end|>

<|im_start|>정상화가 사각형의 고령토 조각을 하나씩 떼어내어 움푹한 자리를 만든 후에 하는 작업은?<|im_end|>

<|im_start|>정상화는 1960년대에 정창섭, 박서보 등 실험성이 강한 동시대 젊은 작가들과 함께 앵포르멜 운동을 이끌어 갔다. 이 시기 작업들은 둥근 형태들과 표면의 재질감이 두드러진 추상회화 작업이었다. 그러나 이후 일본 고베에서 작품 활동을 하던 1970년대 초반부터 현재까지 화면 전체를 규칙적인 네모꼴로 반복하여 구성하는 단색의 평면회화 작업을 해오고 있다. 때로는 이 사각형의 단위를 가로지르는 사선이 결합되기도 하지만, 작가는 작은 네모꼴의 기본 단위가 모자이크처럼 화면 전체에 반복되는 화면을 일관되게 보여준다. 이러한 표면은 작가의 독특한 제작 방식에 의해 만들어진다. 먼저 고령토를 물과 섞어 캔버스 전체에 3-4mm 두께로 펴 바른다. 이 초벌이 마르면 캔버스 천을 틀에서 떼어내고 뒷면에 가로 세로의 규칙적인 선을 긋고 그 선을 따라 캔버스 천을 접어서 균열을 발생시킨다. 그리고 다시 캔버스 천을 틀에 고정한 후 갈라진 경계를 따라 사각형의 고령토 조각을 하나씩 떼어내어 움푹한 자리를 만든다. 이 공간을 다시 아크릴 물감으로 메워 나가는 작업을 반복하면 균열을 따라 사각형의 독특한 공간이 반복되는 올 오버 회화가 탄생한다. 이처럼 작품의 제작 과정이 체계적으로 진행되는 것은 작가 자신이 이야기하듯이 '작품은 과정 자체로 끝이 나기' 때문이다. 반복적인 과정 자체가 작품을 규정하는 정상화의 작업은 우리의 반복적인 일상의 모습과도 닮아 있다. 화면 안에 존재하는 수많은 네모꼴이 어느 하나 크기나 부피가 같은 것이 없는 것은 똑같아 보이는 우리의 매일도 조금씩 다른 모습이며 그 작은 차이들이 모인 것이 우리의 삶임을 은유한다. 그래서 정상화의 작품은 단일 색면으로 환원된 단순한 단색화가 아니라 삶의 시간과 공간이 켜켜이 쌓여있는 장이다. 전반적으로 정상화의 단색 회화는 백색 계열이 주를 이루지만 <무제 97-10-5>(1997)와 같은 청색 계열의 작업도 다수 제작되었다. 감성적인 색조와 불규칙하게 균열된 틈에 의해 발생되는 명암은 단색조 평면 회화에 물리적 서정적 변주를 극대화한다.<|im_end|>

<|im_start|>백색 계열<|im_end|>

<|im_start|>전반적으로 정상화의 단색 회화에서 주를 이루는 색 계열은?<|im_end|>

<|im_start|>서울에서 태어난 서승원(徐承元, 1942~)은 홍익대학교에서 회화를 졸업하고 동 대학원에서 석사학위를 수여받았다. 그는 이승조, 최명영과 함께 1960년대에 점차 정형화되어 가던 추상 표현주의에 반대하여 오리진(Origin)을 창립하였다. 서승원은 다양한 조형적인 시도를 실험하면서 기하학적인 추상 작업에 매진함으로써 당시 전위미술의 최전방 작가로 활동하였다. 서승원의 관심은 외부 세계와는 관련 없는 오로지 색채와 형태, 즉 회화의 본질에 있으며 50년 가까이 이끌어온 그의 작업 개념이자 주제인 동시성(同時性)을 통해 이를 실현하고 있다. 다시 말해 서승원에게 동시성이란 회화라는 평면에서 존재할 수 있는 근본적인 색채와 형태를 탐구한 결과물인 것이다. 그의 작품을 시간 순으로 살펴보면 초기작은 날카롭고 차가운 느낌이 물씬 풍기고 후기작으로 갈수록 따뜻하고 맑은 느낌의 작품이 주를 이루지만 기하추상 작업임에는 이변이 없다. 한편 서승원은 홍익대학교 회화과 교수로도 재직하며 교육계 일원으로 활동한 바 있다. 서승원의 〈90-416〉(1990)는 점차 색이 밝아지기 시작한 후기작에 속하지만, 가장 최근작에 비해서는 아직 어두운 색채에서 완전히 벗어나지 못했음을 확인할 수 있는 작품이다.<|im_end|>

<|im_start|>이승조, 최명영<|im_end|>

<|im_start|>서승원과 함께 오리진을 창립한 사람은?<|im_end|>

<|im_start|>서울에서 태어난 서승원(徐承元, 1942~)은 홍익대학교에서 회화를 졸업하고 동 대학원에서 석사학위를 수여받았다. 그는 이승조, 최명영과 함께 1960년대에 점차 정형화되어 가던 추상 표현주의에 반대하여 오리진(Origin)을 창립하였다. 서승원은 다양한 조형적인 시도를 실험하면서 기하학적인 추상 작업에 매진함으로써 당시 전위미술의 최전방 작가로 활동하였다. 서승원의 관심은 외부 세계와는 관련 없는 오로지 색채와 형태, 즉 회화의 본질에 있으며 50년 가까이 이끌어온 그의 작업 개념이자 주제인 동시성(同時性)을 통해 이를 실현하고 있다. 다시 말해 서승원에게 동시성이란 회화라는 평면에서 존재할 수 있는 근본적인 색채와 형태를 탐구한 결과물인 것이다. 그의 작품을 시간 순으로 살펴보면 초기작은 날카롭고 차가운 느낌이 물씬 풍기고 후기작으로 갈수록 따뜻하고 맑은 느낌의 작품이 주를 이루지만 기하추상 작업임에는 이변이 없다. 한편 서승원은 홍익대학교 회화과 교수로도 재직하며 교육계 일원으로 활동한 바 있다. 서승원의 〈90-416〉(1990)는 점차 색이 밝아지기 시작한 후기작에 속하지만, 가장 최근작에 비해서는 아직 어두운 색채에서 완전히 벗어나지 못했음을 확인할 수 있는 작품이다.<|im_end|>

<|im_start|>1942<|im_end|>

<|im_start|>서승원의 출생년도는?<|im_end|>

<|im_start|>서울에서 태어난 서승원(徐承元, 1942~)은 홍익대학교에서 회화를 졸업하고 동 대학원에서 석사학위를 수여받았다. 그는 이승조, 최명영과 함께 1960년대에 점차 정형화되어 가던 추상 표현주의에 반대하여 오리진(Origin)을 창립하였다. 서승원은 다양한 조형적인 시도를 실험하면서 기하학적인 추상 작업에 매진함으로써 당시 전위미술의 최전방 작가로 활동하였다. 서승원의 관심은 외부 세계와는 관련 없는 오로지 색채와 형태, 즉 회화의 본질에 있으며 50년 가까이 이끌어온 그의 작업 개념이자 주제인 동시성(同時性)을 통해 이를 실현하고 있다. 다시 말해 서승원에게 동시성이란 회화라는 평면에서 존재할 수 있는 근본적인 색채와 형태를 탐구한 결과물인 것이다. 그의 작품을 시간 순으로 살펴보면 초기작은 날카롭고 차가운 느낌이 물씬 풍기고 후기작으로 갈수록 따뜻하고 맑은 느낌의 작품이 주를 이루지만 기하추상 작업임에는 이변이 없다. 한편 서승원은 홍익대학교 회화과 교수로도 재직하며 교육계 일원으로 활동한 바 있다. 서승원의 〈90-416〉(1990)는 점차 색이 밝아지기 시작한 후기작에 속하지만, 가장 최근작에 비해서는 아직 어두운 색채에서 완전히 벗어나지 못했음을 확인할 수 있는 작품이다.<|im_end|>

<|im_start|>서울<|im_end|>

<|im_start|>서승원의 출생지는?<|im_end|>

<|im_start|>서울에서 태어난 서승원(徐承元, 1942~)은 홍익대학교에서 회화를 졸업하고 동 대학원에서 석사학위를 수여받았다. 그는 이승조, 최명영과 함께 1960년대에 점차 정형화되어 가던 추상 표현주의에 반대하여 오리진(Origin)을 창립하였다. 서승원은 다양한 조형적인 시도를 실험하면서 기하학적인 추상 작업에 매진함으로써 당시 전위미술의 최전방 작가로 활동하였다. 서승원의 관심은 외부 세계와는 관련 없는 오로지 색채와 형태, 즉 회화의 본질에 있으며 50년 가까이 이끌어온 그의 작업 개념이자 주제인 동시성(同時性)을 통해 이를 실현하고 있다. 다시 말해 서승원에게 동시성이란 회화라는 평면에서 존재할 수 있는 근본적인 색채와 형태를 탐구한 결과물인 것이다. 그의 작품을 시간 순으로 살펴보면 초기작은 날카롭고 차가운 느낌이 물씬 풍기고 후기작으로 갈수록 따뜻하고 맑은 느낌의 작품이 주를 이루지만 기하추상 작업임에는 이변이 없다. 한편 서승원은 홍익대학교 회화과 교수로도 재직하며 교육계 일원으로 활동한 바 있다. 서승원의 〈90-416〉(1990)는 점차 색이 밝아지기 시작한 후기작에 속하지만, 가장 최근작에 비해서는 아직 어두운 색채에서 완전히 벗어나지 못했음을 확인할 수 있는 작품이다.<|im_end|>

<|im_start|>홍익대학교<|im_end|>

<|im_start|>서승원이 교수로 재직하고 있는 학교는?<|im_end|>

<|im_start|>서울에서 태어난 서승원(徐承元, 1942~)은 홍익대학교에서 회화를 졸업하고 동 대학원에서 석사학위를 수여받았다. 그는 이승조, 최명영과 함께 1960년대에 점차 정형화되어 가던 추상 표현주의에 반대하여 오리진(Origin)을 창립하였다. 서승원은 다양한 조형적인 시도를 실험하면서 기하학적인 추상 작업에 매진함으로써 당시 전위미술의 최전방 작가로 활동하였다. 서승원의 관심은 외부 세계와는 관련 없는 오로지 색채와 형태, 즉 회화의 본질에 있으며 50년 가까이 이끌어온 그의 작업 개념이자 주제인 동시성(同時性)을 통해 이를 실현하고 있다. 다시 말해 서승원에게 동시성이란 회화라는 평면에서 존재할 수 있는 근본적인 색채와 형태를 탐구한 결과물인 것이다. 그의 작품을 시간 순으로 살펴보면 초기작은 날카롭고 차가운 느낌이 물씬 풍기고 후기작으로 갈수록 따뜻하고 맑은 느낌의 작품이 주를 이루지만 기하추상 작업임에는 이변이 없다. 한편 서승원은 홍익대학교 회화과 교수로도 재직하며 교육계 일원으로 활동한 바 있다. 서승원의 〈90-416〉(1990)는 점차 색이 밝아지기 시작한 후기작에 속하지만, 가장 최근작에 비해서는 아직 어두운 색채에서 완전히 벗어나지 못했음을 확인할 수 있는 작품이다.<|im_end|>

<|im_start|>회화의 본질<|im_end|>

<|im_start|>서승원이 작업 할 때 중점으로 두는 것은?<|im_end|>

<|im_start|>서울에서 태어난 서승원(徐承元, 1942~)은 홍익대학교에서 회화를 졸업하고 동 대학원에서 석사학위를 수여받았다. 그는 이승조, 최명영과 함께 1960년대에 점차 정형화되어 가던 추상 표현주의에 반대하여 오리진(Origin)을 창립하였다. 서승원은 다양한 조형적인 시도를 실험하면서 기하학적인 추상 작업에 매진함으로써 당시 전위미술의 최전방 작가로 활동하였다. 서승원의 관심은 외부 세계와는 관련 없는 오로지 색채와 형태, 즉 회화의 본질에 있으며 50년 가까이 이끌어온 그의 작업 개념이자 주제인 동시성(同時性)을 통해 이를 실현하고 있다. 다시 말해 서승원에게 동시성이란 회화라는 평면에서 존재할 수 있는 근본적인 색채와 형태를 탐구한 결과물인 것이다. 그의 작품을 시간 순으로 살펴보면 초기작은 날카롭고 차가운 느낌이 물씬 풍기고 후기작으로 갈수록 따뜻하고 맑은 느낌의 작품이 주를 이루지만 기하추상 작업임에는 이변이 없다. 한편 서승원은 홍익대학교 회화과 교수로도 재직하며 교육계 일원으로 활동한 바 있다. 서승원의 〈90-416〉(1990)는 점차 색이 밝아지기 시작한 후기작에 속하지만, 가장 최근작에 비해서는 아직 어두운 색채에서 완전히 벗어나지 못했음을 확인할 수 있는 작품이다.<|im_end|>

<|im_start|>90-416<|im_end|>

<|im_start|>최근작에 비해서는 아직 어두운 색채에서 완전히 벗어나지 못했음을 보여주는 작품은?<|im_end|>

<|im_start|>한국 출생이지만 중학생 시절 미국으로 건너가 생활을 한 써니 킴(Sunny Kim, 1969~)은 뉴욕의 쿠퍼유니온 대학교에서 회화를 전공하고, 뉴욕 헌터 대학원에서 종합매체로 석사를 수여받았다. 써니 킴의 작업 속에는 누구나 쉽게 찾아볼 수 있는 두드러진 시각적 특징이 존재하는데, 바로 교복을 입은 소녀가 항상 등장한다는 것이다. 작업에 등장하는 이 소녀는 변함없이 언제나 단발머리와 하얀색 셔츠 그리고 검정 치마와 검정 스타킹을 입은 채로 공간의 배경만이 바뀐 채로 서있다. 중학교 2학년 때 미국으로 이민을 갔던 써니 킴은 한국의 중학생으로 생활했을 시, 경험했을 교복 생활에 대한 결핍이 그녀의 작품으로 구현된 것이라 말한 바 있다. 그러나 그녀가 묘사한 교복은 실제 한국 교복과는 거리가 있으며 그녀가 경험해보지 못했던 어린 시절에 대한 아쉬움의 상징적인 결과물이라 할 수 있다. 한편 써니 킴은 2017년 SBS문화재단과 국립현대미술관이 공동운영하여 선정하는 현대미술 올해의 작가상 후보 4인이자 수상작가의 명예를 거머쥐었다. 써니 킴의 〈Underworld〉(1999) 역시 교복 입은 소녀를 통해 그녀가 어린 시절 이루지 못했던 것에 대한 상실감과 공허함을 표현하고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>한국<|im_end|>

<|im_start|>써니 킴의 출생지는?<|im_end|>

<|im_start|>한국 출생이지만 중학생 시절 미국으로 건너가 생활을 한 써니 킴(Sunny Kim, 1969~)은 뉴욕의 쿠퍼유니온 대학교에서 회화를 전공하고, 뉴욕 헌터 대학원에서 종합매체로 석사를 수여받았다. 써니 킴의 작업 속에는 누구나 쉽게 찾아볼 수 있는 두드러진 시각적 특징이 존재하는데, 바로 교복을 입은 소녀가 항상 등장한다는 것이다. 작업에 등장하는 이 소녀는 변함없이 언제나 단발머리와 하얀색 셔츠 그리고 검정 치마와 검정 스타킹을 입은 채로 공간의 배경만이 바뀐 채로 서있다. 중학교 2학년 때 미국으로 이민을 갔던 써니 킴은 한국의 중학생으로 생활했을 시, 경험했을 교복 생활에 대한 결핍이 그녀의 작품으로 구현된 것이라 말한 바 있다. 그러나 그녀가 묘사한 교복은 실제 한국 교복과는 거리가 있으며 그녀가 경험해보지 못했던 어린 시절에 대한 아쉬움의 상징적인 결과물이라 할 수 있다. 한편 써니 킴은 2017년 SBS문화재단과 국립현대미술관이 공동운영하여 선정하는 현대미술 올해의 작가상 후보 4인이자 수상작가의 명예를 거머쥐었다. 써니 킴의 〈Underworld〉(1999) 역시 교복 입은 소녀를 통해 그녀가 어린 시절 이루지 못했던 것에 대한 상실감과 공허함을 표현하고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>교복을 입은 소녀<|im_end|>

<|im_start|>써니 킴 작업에 항상 등장하는 존재는?<|im_end|>

<|im_start|>한국 출생이지만 중학생 시절 미국으로 건너가 생활을 한 써니 킴(Sunny Kim, 1969~)은 뉴욕의 쿠퍼유니온 대학교에서 회화를 전공하고, 뉴욕 헌터 대학원에서 종합매체로 석사를 수여받았다. 써니 킴의 작업 속에는 누구나 쉽게 찾아볼 수 있는 두드러진 시각적 특징이 존재하는데, 바로 교복을 입은 소녀가 항상 등장한다는 것이다. 작업에 등장하는 이 소녀는 변함없이 언제나 단발머리와 하얀색 셔츠 그리고 검정 치마와 검정 스타킹을 입은 채로 공간의 배경만이 바뀐 채로 서있다. 중학교 2학년 때 미국으로 이민을 갔던 써니 킴은 한국의 중학생으로 생활했을 시, 경험했을 교복 생활에 대한 결핍이 그녀의 작품으로 구현된 것이라 말한 바 있다. 그러나 그녀가 묘사한 교복은 실제 한국 교복과는 거리가 있으며 그녀가 경험해보지 못했던 어린 시절에 대한 아쉬움의 상징적인 결과물이라 할 수 있다. 한편 써니 킴은 2017년 SBS문화재단과 국립현대미술관이 공동운영하여 선정하는 현대미술 올해의 작가상 후보 4인이자 수상작가의 명예를 거머쥐었다. 써니 킴의 〈Underworld〉(1999) 역시 교복 입은 소녀를 통해 그녀가 어린 시절 이루지 못했던 것에 대한 상실감과 공허함을 표현하고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>중학교 2학년<|im_end|>

<|im_start|>써니 킴이 미국으로 건너가 생활을 한 때는?<|im_end|>

<|im_start|>한국 출생이지만 중학생 시절 미국으로 건너가 생활을 한 써니 킴(Sunny Kim, 1969~)은 뉴욕의 쿠퍼유니온 대학교에서 회화를 전공하고, 뉴욕 헌터 대학원에서 종합매체로 석사를 수여받았다. 써니 킴의 작업 속에는 누구나 쉽게 찾아볼 수 있는 두드러진 시각적 특징이 존재하는데, 바로 교복을 입은 소녀가 항상 등장한다는 것이다. 작업에 등장하는 이 소녀는 변함없이 언제나 단발머리와 하얀색 셔츠 그리고 검정 치마와 검정 스타킹을 입은 채로 공간의 배경만이 바뀐 채로 서있다. 중학교 2학년 때 미국으로 이민을 갔던 써니 킴은 한국의 중학생으로 생활했을 시, 경험했을 교복 생활에 대한 결핍이 그녀의 작품으로 구현된 것이라 말한 바 있다. 그러나 그녀가 묘사한 교복은 실제 한국 교복과는 거리가 있으며 그녀가 경험해보지 못했던 어린 시절에 대한 아쉬움의 상징적인 결과물이라 할 수 있다. 한편 써니 킴은 2017년 SBS문화재단과 국립현대미술관이 공동운영하여 선정하는 현대미술 올해의 작가상 후보 4인이자 수상작가의 명예를 거머쥐었다. 써니 킴의 〈Underworld〉(1999) 역시 교복 입은 소녀를 통해 그녀가 어린 시절 이루지 못했던 것에 대한 상실감과 공허함을 표현하고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>교복 생활에 대한 결핍<|im_end|>

<|im_start|>써니 킴의 작품에 교복 입은 소녀가 등장하는 이유는?<|im_end|>

<|im_start|>한국 출생이지만 중학생 시절 미국으로 건너가 생활을 한 써니 킴(Sunny Kim, 1969~)은 뉴욕의 쿠퍼유니온 대학교에서 회화를 전공하고, 뉴욕 헌터 대학원에서 종합매체로 석사를 수여받았다. 써니 킴의 작업 속에는 누구나 쉽게 찾아볼 수 있는 두드러진 시각적 특징이 존재하는데, 바로 교복을 입은 소녀가 항상 등장한다는 것이다. 작업에 등장하는 이 소녀는 변함없이 언제나 단발머리와 하얀색 셔츠 그리고 검정 치마와 검정 스타킹을 입은 채로 공간의 배경만이 바뀐 채로 서있다. 중학교 2학년 때 미국으로 이민을 갔던 써니 킴은 한국의 중학생으로 생활했을 시, 경험했을 교복 생활에 대한 결핍이 그녀의 작품으로 구현된 것이라 말한 바 있다. 그러나 그녀가 묘사한 교복은 실제 한국 교복과는 거리가 있으며 그녀가 경험해보지 못했던 어린 시절에 대한 아쉬움의 상징적인 결과물이라 할 수 있다. 한편 써니 킴은 2017년 SBS문화재단과 국립현대미술관이 공동운영하여 선정하는 현대미술 올해의 작가상 후보 4인이자 수상작가의 명예를 거머쥐었다. 써니 킴의 〈Underworld〉(1999) 역시 교복 입은 소녀를 통해 그녀가 어린 시절 이루지 못했던 것에 대한 상실감과 공허함을 표현하고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>Underworld<|im_end|>

<|im_start|>교복 입은 소녀를 통해 상실감과 공허함을 표현했던 작품은?<|im_end|>

<|im_start|>한국 출생이지만 중학생 시절 미국으로 건너가 생활을 한 써니 킴(Sunny Kim, 1969~)은 뉴욕의 쿠퍼유니온 대학교에서 회화를 전공하고, 뉴욕 헌터 대학원에서 종합매체로 석사를 수여받았다. 써니 킴의 작업 속에는 누구나 쉽게 찾아볼 수 있는 두드러진 시각적 특징이 존재하는데, 바로 교복을 입은 소녀가 항상 등장한다는 것이다. 작업에 등장하는 이 소녀는 변함없이 언제나 단발머리와 하얀색 셔츠 그리고 검정 치마와 검정 스타킹을 입은 채로 공간의 배경만이 바뀐 채로 서있다. 중학교 2학년 때 미국으로 이민을 갔던 써니 킴은 한국의 중학생으로 생활했을 시, 경험했을 교복 생활에 대한 결핍이 그녀의 작품으로 구현된 것이라 말한 바 있다. 그러나 그녀가 묘사한 교복은 실제 한국 교복과는 거리가 있으며 그녀가 경험해보지 못했던 어린 시절에 대한 아쉬움의 상징적인 결과물이라 할 수 있다. 한편 써니 킴은 2017년 SBS문화재단과 국립현대미술관이 공동운영하여 선정하는 현대미술 올해의 작가상 후보 4인이자 수상작가의 명예를 거머쥐었다. 써니 킴의 〈Underworld〉(1999) 역시 교복 입은 소녀를 통해 그녀가 어린 시절 이루지 못했던 것에 대한 상실감과 공허함을 표현하고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>1999<|im_end|>

<|im_start|><Underworld>가 선보여진 해는?<|im_end|>

<|im_start|>도풍 서진달(1908-1947)은 대구에서 태어나 동경미술학교를 졸업하고 대구 계성고등학교에서 교사로 재직하였다. 그는 폴 세잔의 화풍을 흠모하며 입체파 양식의 누드화를 주로 제작하였다. 하지만 본격적으로 작품 활동을 시작하던 시기인 1947년 39세의 나이에 결핵으로 사망하게 되면서 자신의 역량을 모두 펼치지 못했다. 그의 미술계 진출은 제10회 조선미술전람회(1931)에서 입선을 수상하면서부터이다. 그 후 그는 일본으로 건너가 동경미술학교에서 기초 데생을 배운 뒤, 정통적인 서양화풍을 체득하게 된다. 경제적으로 여유가 있었던 그는 유학 생활을 하며 서구 현대미술의 영향을 많이 받게 되었으며, 그 영향으로 여성의 누드화를 많이 제작하였다. 귀국 후에는 주로 대구를 중심으로 활발히 활동하였고 미술 교육에 힘써 김창락, 추연근, 변종하 등의 제자를 배출하였으며, 대구 화단의 결집체인 '향토회'를 조직하였다. 1940년대에 제작된 <언덕이 있는 마을>은 수채 물감으로 그린 풍경화 작품이다. 언덕 위에 몇 채의 집들이 모여있는 모습을 멀리서 바라본 듯 평화롭게 표현해 내고 있다. 전반적으로 녹색의 색조가 지배적이며, 번지기 기법을 활용하여 녹색의 색조 안에서도 노란색과 갈색 등 다양한 색감이 서로 번지며 매우 풍부한 색감이 연출되었다. 또한 하늘은 가볍고 맑게 표현하여 짙은 녹색과 대비를 일으켜 상쾌한 느낌을 준다. 작가가 직접 자연을 관찰하고 그린 것으로 아름답고 소박한 마을 풍경을 담담하게 그려냈다.<|im_end|>

<|im_start|>서진달<|im_end|>

<|im_start|>39세의 나이에 결핵으로 사망해 자신의 역량을 모두 펼치지 못했던 인물은?<|im_end|>

<|im_start|>도풍 서진달(1908-1947)은 대구에서 태어나 동경미술학교를 졸업하고 대구 계성고등학교에서 교사로 재직하였다. 그는 폴 세잔의 화풍을 흠모하며 입체파 양식의 누드화를 주로 제작하였다. 하지만 본격적으로 작품 활동을 시작하던 시기인 1947년 39세의 나이에 결핵으로 사망하게 되면서 자신의 역량을 모두 펼치지 못했다. 그의 미술계 진출은 제10회 조선미술전람회(1931)에서 입선을 수상하면서부터이다. 그 후 그는 일본으로 건너가 동경미술학교에서 기초 데생을 배운 뒤, 정통적인 서양화풍을 체득하게 된다. 경제적으로 여유가 있었던 그는 유학 생활을 하며 서구 현대미술의 영향을 많이 받게 되었으며, 그 영향으로 여성의 누드화를 많이 제작하였다. 귀국 후에는 주로 대구를 중심으로 활발히 활동하였고 미술 교육에 힘써 김창락, 추연근, 변종하 등의 제자를 배출하였으며, 대구 화단의 결집체인 '향토회'를 조직하였다. 1940년대에 제작된 <언덕이 있는 마을>은 수채 물감으로 그린 풍경화 작품이다. 언덕 위에 몇 채의 집들이 모여있는 모습을 멀리서 바라본 듯 평화롭게 표현해 내고 있다. 전반적으로 녹색의 색조가 지배적이며, 번지기 기법을 활용하여 녹색의 색조 안에서도 노란색과 갈색 등 다양한 색감이 서로 번지며 매우 풍부한 색감이 연출되었다. 또한 하늘은 가볍고 맑게 표현하여 짙은 녹색과 대비를 일으켜 상쾌한 느낌을 준다. 작가가 직접 자연을 관찰하고 그린 것으로 아름답고 소박한 마을 풍경을 담담하게 그려냈다.<|im_end|>

<|im_start|>1931<|im_end|>

<|im_start|>서진달이 제10회 조선미술전람회에서 입선을 했던 해는?<|im_end|>

<|im_start|>도풍 서진달(1908-1947)은 대구에서 태어나 동경미술학교를 졸업하고 대구 계성고등학교에서 교사로 재직하였다. 그는 폴 세잔의 화풍을 흠모하며 입체파 양식의 누드화를 주로 제작하였다. 하지만 본격적으로 작품 활동을 시작하던 시기인 1947년 39세의 나이에 결핵으로 사망하게 되면서 자신의 역량을 모두 펼치지 못했다. 그의 미술계 진출은 제10회 조선미술전람회(1931)에서 입선을 수상하면서부터이다. 그 후 그는 일본으로 건너가 동경미술학교에서 기초 데생을 배운 뒤, 정통적인 서양화풍을 체득하게 된다. 경제적으로 여유가 있었던 그는 유학 생활을 하며 서구 현대미술의 영향을 많이 받게 되었으며, 그 영향으로 여성의 누드화를 많이 제작하였다. 귀국 후에는 주로 대구를 중심으로 활발히 활동하였고 미술 교육에 힘써 김창락, 추연근, 변종하 등의 제자를 배출하였으며, 대구 화단의 결집체인 '향토회'를 조직하였다. 1940년대에 제작된 <언덕이 있는 마을>은 수채 물감으로 그린 풍경화 작품이다. 언덕 위에 몇 채의 집들이 모여있는 모습을 멀리서 바라본 듯 평화롭게 표현해 내고 있다. 전반적으로 녹색의 색조가 지배적이며, 번지기 기법을 활용하여 녹색의 색조 안에서도 노란색과 갈색 등 다양한 색감이 서로 번지며 매우 풍부한 색감이 연출되었다. 또한 하늘은 가볍고 맑게 표현하여 짙은 녹색과 대비를 일으켜 상쾌한 느낌을 준다. 작가가 직접 자연을 관찰하고 그린 것으로 아름답고 소박한 마을 풍경을 담담하게 그려냈다.<|im_end|>

<|im_start|>대구 계성고등학교<|im_end|>

<|im_start|>서진달이 교사로 재직한 학교는?<|im_end|>

<|im_start|>도풍 서진달(1908-1947)은 대구에서 태어나 동경미술학교를 졸업하고 대구 계성고등학교에서 교사로 재직하였다. 그는 폴 세잔의 화풍을 흠모하며 입체파 양식의 누드화를 주로 제작하였다. 하지만 본격적으로 작품 활동을 시작하던 시기인 1947년 39세의 나이에 결핵으로 사망하게 되면서 자신의 역량을 모두 펼치지 못했다. 그의 미술계 진출은 제10회 조선미술전람회(1931)에서 입선을 수상하면서부터이다. 그 후 그는 일본으로 건너가 동경미술학교에서 기초 데생을 배운 뒤, 정통적인 서양화풍을 체득하게 된다. 경제적으로 여유가 있었던 그는 유학 생활을 하며 서구 현대미술의 영향을 많이 받게 되었으며, 그 영향으로 여성의 누드화를 많이 제작하였다. 귀국 후에는 주로 대구를 중심으로 활발히 활동하였고 미술 교육에 힘써 김창락, 추연근, 변종하 등의 제자를 배출하였으며, 대구 화단의 결집체인 '향토회'를 조직하였다. 1940년대에 제작된 <언덕이 있는 마을>은 수채 물감으로 그린 풍경화 작품이다. 언덕 위에 몇 채의 집들이 모여있는 모습을 멀리서 바라본 듯 평화롭게 표현해 내고 있다. 전반적으로 녹색의 색조가 지배적이며, 번지기 기법을 활용하여 녹색의 색조 안에서도 노란색과 갈색 등 다양한 색감이 서로 번지며 매우 풍부한 색감이 연출되었다. 또한 하늘은 가볍고 맑게 표현하여 짙은 녹색과 대비를 일으켜 상쾌한 느낌을 준다. 작가가 직접 자연을 관찰하고 그린 것으로 아름답고 소박한 마을 풍경을 담담하게 그려냈다.<|im_end|>

<|im_start|>일본<|im_end|>

<|im_start|>서진달이 기초 데생을 배운 뒤, 정통적인 서양화풍을 체득한 나라는?<|im_end|>

<|im_start|>도풍 서진달(1908-1947)은 대구에서 태어나 동경미술학교를 졸업하고 대구 계성고등학교에서 교사로 재직하였다. 그는 폴 세잔의 화풍을 흠모하며 입체파 양식의 누드화를 주로 제작하였다. 하지만 본격적으로 작품 활동을 시작하던 시기인 1947년 39세의 나이에 결핵으로 사망하게 되면서 자신의 역량을 모두 펼치지 못했다. 그의 미술계 진출은 제10회 조선미술전람회(1931)에서 입선을 수상하면서부터이다. 그 후 그는 일본으로 건너가 동경미술학교에서 기초 데생을 배운 뒤, 정통적인 서양화풍을 체득하게 된다. 경제적으로 여유가 있었던 그는 유학 생활을 하며 서구 현대미술의 영향을 많이 받게 되었으며, 그 영향으로 여성의 누드화를 많이 제작하였다. 귀국 후에는 주로 대구를 중심으로 활발히 활동하였고 미술 교육에 힘써 김창락, 추연근, 변종하 등의 제자를 배출하였으며, 대구 화단의 결집체인 '향토회'를 조직하였다. 1940년대에 제작된 <언덕이 있는 마을>은 수채 물감으로 그린 풍경화 작품이다. 언덕 위에 몇 채의 집들이 모여있는 모습을 멀리서 바라본 듯 평화롭게 표현해 내고 있다. 전반적으로 녹색의 색조가 지배적이며, 번지기 기법을 활용하여 녹색의 색조 안에서도 노란색과 갈색 등 다양한 색감이 서로 번지며 매우 풍부한 색감이 연출되었다. 또한 하늘은 가볍고 맑게 표현하여 짙은 녹색과 대비를 일으켜 상쾌한 느낌을 준다. 작가가 직접 자연을 관찰하고 그린 것으로 아름답고 소박한 마을 풍경을 담담하게 그려냈다.<|im_end|>

<|im_start|>폴 세잔<|im_end|>

<|im_start|>서진달이 화풍을 흠모했던 작가는?<|im_end|>

<|im_start|>도풍 서진달(1908-1947)은 대구에서 태어나 동경미술학교를 졸업하고 대구 계성고등학교에서 교사로 재직하였다. 그는 폴 세잔의 화풍을 흠모하며 입체파 양식의 누드화를 주로 제작하였다. 하지만 본격적으로 작품 활동을 시작하던 시기인 1947년 39세의 나이에 결핵으로 사망하게 되면서 자신의 역량을 모두 펼치지 못했다. 그의 미술계 진출은 제10회 조선미술전람회(1931)에서 입선을 수상하면서부터이다. 그 후 그는 일본으로 건너가 동경미술학교에서 기초 데생을 배운 뒤, 정통적인 서양화풍을 체득하게 된다. 경제적으로 여유가 있었던 그는 유학 생활을 하며 서구 현대미술의 영향을 많이 받게 되었으며, 그 영향으로 여성의 누드화를 많이 제작하였다. 귀국 후에는 주로 대구를 중심으로 활발히 활동하였고 미술 교육에 힘써 김창락, 추연근, 변종하 등의 제자를 배출하였으며, 대구 화단의 결집체인 '향토회'를 조직하였다. 1940년대에 제작된 <언덕이 있는 마을>은 수채 물감으로 그린 풍경화 작품이다. 언덕 위에 몇 채의 집들이 모여있는 모습을 멀리서 바라본 듯 평화롭게 표현해 내고 있다. 전반적으로 녹색의 색조가 지배적이며, 번지기 기법을 활용하여 녹색의 색조 안에서도 노란색과 갈색 등 다양한 색감이 서로 번지며 매우 풍부한 색감이 연출되었다. 또한 하늘은 가볍고 맑게 표현하여 짙은 녹색과 대비를 일으켜 상쾌한 느낌을 준다. 작가가 직접 자연을 관찰하고 그린 것으로 아름답고 소박한 마을 풍경을 담담하게 그려냈다.<|im_end|>

<|im_start|>언덕이 있는 마을<|im_end|>

<|im_start|>수채 물감으로 그린 풍경화로 1940년대에 제작된 서진달의 작품은?<|im_end|>

<|im_start|>차우희는 오랫동안 고대 그리스 신화인 '오딧세이'에 등장하는 배를 모티프로 삼아 여행 기억 일상 등에 관한 자전적 이야기를 다뤄왔다. 신화 속에서 십 년간 바다를 표류하며 온갖 역경 끝에 목적지에 도착한 이 배는 유랑하는 존재의 상징으로서 가족을 두고 독일로 떠난 작가 자신을 투영하는 동시에 현대인들의 유목민적 속성을 은유하기도 한다. <오딧세이의 배>(1992-1993)에서 구체적인 형상 이미지가 사라진 모노톤의 화면은 망망대해를 항해하는 선박의 돛을 연상시키는데 'Throw it away!' 라는 문장이 반복적으로 등장하여 그의 작품세계에 나타나는 '비움의 미학'을 단적으로 보여준다. 그 사이로 가는 실이 화면 한복판을 가로지르며 해안선과 같은 이미지를 만들어내는 가운데 제임스 조이스의 소설 <율리시스>(율리시스는 고대 그리스 시인 호메로스의 <오디세이아>의 주인공 오디세우스의 로마식 이름)에서 인용된 중세시대 신학자 토마스 아퀴나스의 문장 "AMOR VERO ALIQUID ALICUI BONUM VULT UNDE ET EA QUAE CONCUPISCIMUS(사랑은 진실로 각자에게 다른 선[善]을 원하건만 사람들은 그 안에서 육욕을 채우도다)"는 문학적 상상력을 자극한다.<|im_end|>

<|im_start|>제임스 조이스<|im_end|>

<|im_start|>소설 <율리시스>의 작가는?<|im_end|>

<|im_start|>차우희는 오랫동안 고대 그리스 신화인 '오딧세이'에 등장하는 배를 모티프로 삼아 여행 기억 일상 등에 관한 자전적 이야기를 다뤄왔다. 신화 속에서 십 년간 바다를 표류하며 온갖 역경 끝에 목적지에 도착한 이 배는 유랑하는 존재의 상징으로서 가족을 두고 독일로 떠난 작가 자신을 투영하는 동시에 현대인들의 유목민적 속성을 은유하기도 한다. <오딧세이의 배>(1992-1993)에서 구체적인 형상 이미지가 사라진 모노톤의 화면은 망망대해를 항해하는 선박의 돛을 연상시키는데 'Throw it away!' 라는 문장이 반복적으로 등장하여 그의 작품세계에 나타나는 '비움의 미학'을 단적으로 보여준다. 그 사이로 가는 실이 화면 한복판을 가로지르며 해안선과 같은 이미지를 만들어내는 가운데 제임스 조이스의 소설 <율리시스>(율리시스는 고대 그리스 시인 호메로스의 <오디세이아>의 주인공 오디세우스의 로마식 이름)에서 인용된 중세시대 신학자 토마스 아퀴나스의 문장 "AMOR VERO ALIQUID ALICUI BONUM VULT UNDE ET EA QUAE CONCUPISCIMUS(사랑은 진실로 각자에게 다른 선[善]을 원하건만 사람들은 그 안에서 육욕을 채우도다)"는 문학적 상상력을 자극한다.<|im_end|>

<|im_start|>차우희<|im_end|>

<|im_start|>배를 모티프로 삼아 여행 기억 일상 등에 관한 자전적 이야기를 다룬 인물은?<|im_end|>

<|im_start|>차우희는 오랫동안 고대 그리스 신화인 '오딧세이'에 등장하는 배를 모티프로 삼아 여행 기억 일상 등에 관한 자전적 이야기를 다뤄왔다. 신화 속에서 십 년간 바다를 표류하며 온갖 역경 끝에 목적지에 도착한 이 배는 유랑하는 존재의 상징으로서 가족을 두고 독일로 떠난 작가 자신을 투영하는 동시에 현대인들의 유목민적 속성을 은유하기도 한다. <오딧세이의 배>(1992-1993)에서 구체적인 형상 이미지가 사라진 모노톤의 화면은 망망대해를 항해하는 선박의 돛을 연상시키는데 'Throw it away!' 라는 문장이 반복적으로 등장하여 그의 작품세계에 나타나는 '비움의 미학'을 단적으로 보여준다. 그 사이로 가는 실이 화면 한복판을 가로지르며 해안선과 같은 이미지를 만들어내는 가운데 제임스 조이스의 소설 <율리시스>(율리시스는 고대 그리스 시인 호메로스의 <오디세이아>의 주인공 오디세우스의 로마식 이름)에서 인용된 중세시대 신학자 토마스 아퀴나스의 문장 "AMOR VERO ALIQUID ALICUI BONUM VULT UNDE ET EA QUAE CONCUPISCIMUS(사랑은 진실로 각자에게 다른 선[善]을 원하건만 사람들은 그 안에서 육욕을 채우도다)"는 문학적 상상력을 자극한다.<|im_end|>

<|im_start|>독일<|im_end|>

<|im_start|>가족을 두고 작가가 떠난 나라는?<|im_end|>

<|im_start|>차우희는 오랫동안 고대 그리스 신화인 '오딧세이'에 등장하는 배를 모티프로 삼아 여행 기억 일상 등에 관한 자전적 이야기를 다뤄왔다. 신화 속에서 십 년간 바다를 표류하며 온갖 역경 끝에 목적지에 도착한 이 배는 유랑하는 존재의 상징으로서 가족을 두고 독일로 떠난 작가 자신을 투영하는 동시에 현대인들의 유목민적 속성을 은유하기도 한다. <오딧세이의 배>(1992-1993)에서 구체적인 형상 이미지가 사라진 모노톤의 화면은 망망대해를 항해하는 선박의 돛을 연상시키는데 'Throw it away!' 라는 문장이 반복적으로 등장하여 그의 작품세계에 나타나는 '비움의 미학'을 단적으로 보여준다. 그 사이로 가는 실이 화면 한복판을 가로지르며 해안선과 같은 이미지를 만들어내는 가운데 제임스 조이스의 소설 <율리시스>(율리시스는 고대 그리스 시인 호메로스의 <오디세이아>의 주인공 오디세우스의 로마식 이름)에서 인용된 중세시대 신학자 토마스 아퀴나스의 문장 "AMOR VERO ALIQUID ALICUI BONUM VULT UNDE ET EA QUAE CONCUPISCIMUS(사랑은 진실로 각자에게 다른 선[善]을 원하건만 사람들은 그 안에서 육욕을 채우도다)"는 문학적 상상력을 자극한다.<|im_end|>

<|im_start|>1992-1993<|im_end|>

<|im_start|><오딧세이의 배> 제작 연도는?<|im_end|>

<|im_start|>차우희는 오랫동안 고대 그리스 신화인 '오딧세이'에 등장하는 배를 모티프로 삼아 여행 기억 일상 등에 관한 자전적 이야기를 다뤄왔다. 신화 속에서 십 년간 바다를 표류하며 온갖 역경 끝에 목적지에 도착한 이 배는 유랑하는 존재의 상징으로서 가족을 두고 독일로 떠난 작가 자신을 투영하는 동시에 현대인들의 유목민적 속성을 은유하기도 한다. <오딧세이의 배>(1992-1993)에서 구체적인 형상 이미지가 사라진 모노톤의 화면은 망망대해를 항해하는 선박의 돛을 연상시키는데 'Throw it away!' 라는 문장이 반복적으로 등장하여 그의 작품세계에 나타나는 '비움의 미학'을 단적으로 보여준다. 그 사이로 가는 실이 화면 한복판을 가로지르며 해안선과 같은 이미지를 만들어내는 가운데 제임스 조이스의 소설 <율리시스>(율리시스는 고대 그리스 시인 호메로스의 <오디세이아>의 주인공 오디세우스의 로마식 이름)에서 인용된 중세시대 신학자 토마스 아퀴나스의 문장 "AMOR VERO ALIQUID ALICUI BONUM VULT UNDE ET EA QUAE CONCUPISCIMUS(사랑은 진실로 각자에게 다른 선[善]을 원하건만 사람들은 그 안에서 육욕을 채우도다)"는 문학적 상상력을 자극한다.<|im_end|>

<|im_start|>오딧세이의 배<|im_end|>

<|im_start|>'Throw it away!'라는 문장이 반복적으로 등장하는 차우희의 작품은?<|im_end|>

<|im_start|>차우희는 오랫동안 고대 그리스 신화인 '오딧세이'에 등장하는 배를 모티프로 삼아 여행 기억 일상 등에 관한 자전적 이야기를 다뤄왔다. 신화 속에서 십 년간 바다를 표류하며 온갖 역경 끝에 목적지에 도착한 이 배는 유랑하는 존재의 상징으로서 가족을 두고 독일로 떠난 작가 자신을 투영하는 동시에 현대인들의 유목민적 속성을 은유하기도 한다. <오딧세이의 배>(1992-1993)에서 구체적인 형상 이미지가 사라진 모노톤의 화면은 망망대해를 항해하는 선박의 돛을 연상시키는데 'Throw it away!' 라는 문장이 반복적으로 등장하여 그의 작품세계에 나타나는 '비움의 미학'을 단적으로 보여준다. 그 사이로 가는 실이 화면 한복판을 가로지르며 해안선과 같은 이미지를 만들어내는 가운데 제임스 조이스의 소설 <율리시스>(율리시스는 고대 그리스 시인 호메로스의 <오디세이아>의 주인공 오디세우스의 로마식 이름)에서 인용된 중세시대 신학자 토마스 아퀴나스의 문장 "AMOR VERO ALIQUID ALICUI BONUM VULT UNDE ET EA QUAE CONCUPISCIMUS(사랑은 진실로 각자에게 다른 선[善]을 원하건만 사람들은 그 안에서 육욕을 채우도다)"는 문학적 상상력을 자극한다.<|im_end|>

<|im_start|>'Throw it away!'<|im_end|>

<|im_start|><오딧세이의 배>에서 반복적으로 등장하는 문장은?<|im_end|>

<|im_start|>서울에서 태어난 석난희(1939~)는 홍익대학교 회화과를 졸업한 이후 파리 유학을 떠나 판화 공부를 수학하였다. 그녀의 스승 김환기의 영향에서 비롯된 것인지 몰라도 김환기가 자연에서 소재를 찾았듯이 석난희 역시 자연에서 영감을 받았고, 1964년부터 현재까지 자연이라는 작업 소재는 일관되게 그녀의 작품 세계를 지배하고 있다. 파리에서 한국으로 귀국하여 그녀가 활동하기 시작했던 한국 미술계는 추상에 몸담았던 제1세대와 제2세대 작가 모두가 새로운 방향을 모색하고 있는 상황이었음에도 불구하고, 석난희는 그 흐름을 따르지 않고 오히려 추상에 더욱 매진하였다. 이러한 석난희의 행보는 추상을 단순히 시대적 유행으로 치부하는 것에서 벗어나 그녀만의 독자적인 작업 양식으로 체득시키려 했음을 알 수 있게 해준다. 석난희의 〈자연〉(2011)은 그녀가 자연이라는 소재를 얼마나 꾸준히 이어왔는가를 보여주는 작품이다. 그녀의 자연 시리즈는 시대별로 색감에 있어 차이를 나타내는데, 초창기에는 암갈색이 화면의 주를 이루었으나 점차 연보랏빛이 화면을 차지하게 된다. 그녀에게 자연은 무한한 생명력의 원천으로 그녀는 화면 속에 자연의 생동감을 담아냄으로써 자연의 아름다움을 표현하고자 한다.<|im_end|>

<|im_start|>서울<|im_end|>

<|im_start|>석난희의 출생지는?<|im_end|>

<|im_start|>서울에서 태어난 석난희(1939~)는 홍익대학교 회화과를 졸업한 이후 파리 유학을 떠나 판화 공부를 수학하였다. 그녀의 스승 김환기의 영향에서 비롯된 것인지 몰라도 김환기가 자연에서 소재를 찾았듯이 석난희 역시 자연에서 영감을 받았고, 1964년부터 현재까지 자연이라는 작업 소재는 일관되게 그녀의 작품 세계를 지배하고 있다. 파리에서 한국으로 귀국하여 그녀가 활동하기 시작했던 한국 미술계는 추상에 몸담았던 제1세대와 제2세대 작가 모두가 새로운 방향을 모색하고 있는 상황이었음에도 불구하고, 석난희는 그 흐름을 따르지 않고 오히려 추상에 더욱 매진하였다. 이러한 석난희의 행보는 추상을 단순히 시대적 유행으로 치부하는 것에서 벗어나 그녀만의 독자적인 작업 양식으로 체득시키려 했음을 알 수 있게 해준다. 석난희의 〈자연〉(2011)은 그녀가 자연이라는 소재를 얼마나 꾸준히 이어왔는가를 보여주는 작품이다. 그녀의 자연 시리즈는 시대별로 색감에 있어 차이를 나타내는데, 초창기에는 암갈색이 화면의 주를 이루었으나 점차 연보랏빛이 화면을 차지하게 된다. 그녀에게 자연은 무한한 생명력의 원천으로 그녀는 화면 속에 자연의 생동감을 담아냄으로써 자연의 아름다움을 표현하고자 한다.<|im_end|>

<|im_start|>파리<|im_end|>

<|im_start|>석난희가 판화 공부를 수학한 곳은?<|im_end|>

<|im_start|>서울에서 태어난 석난희(1939~)는 홍익대학교 회화과를 졸업한 이후 파리 유학을 떠나 판화 공부를 수학하였다. 그녀의 스승 김환기의 영향에서 비롯된 것인지 몰라도 김환기가 자연에서 소재를 찾았듯이 석난희 역시 자연에서 영감을 받았고, 1964년부터 현재까지 자연이라는 작업 소재는 일관되게 그녀의 작품 세계를 지배하고 있다. 파리에서 한국으로 귀국하여 그녀가 활동하기 시작했던 한국 미술계는 추상에 몸담았던 제1세대와 제2세대 작가 모두가 새로운 방향을 모색하고 있는 상황이었음에도 불구하고, 석난희는 그 흐름을 따르지 않고 오히려 추상에 더욱 매진하였다. 이러한 석난희의 행보는 추상을 단순히 시대적 유행으로 치부하는 것에서 벗어나 그녀만의 독자적인 작업 양식으로 체득시키려 했음을 알 수 있게 해준다. 석난희의 〈자연〉(2011)은 그녀가 자연이라는 소재를 얼마나 꾸준히 이어왔는가를 보여주는 작품이다. 그녀의 자연 시리즈는 시대별로 색감에 있어 차이를 나타내는데, 초창기에는 암갈색이 화면의 주를 이루었으나 점차 연보랏빛이 화면을 차지하게 된다. 그녀에게 자연은 무한한 생명력의 원천으로 그녀는 화면 속에 자연의 생동감을 담아냄으로써 자연의 아름다움을 표현하고자 한다.<|im_end|>

<|im_start|>김환기<|im_end|>

<|im_start|>석난희의 스승 이름은?<|im_end|>

<|im_start|>서울에서 태어난 석난희(1939~)는 홍익대학교 회화과를 졸업한 이후 파리 유학을 떠나 판화 공부를 수학하였다. 그녀의 스승 김환기의 영향에서 비롯된 것인지 몰라도 김환기가 자연에서 소재를 찾았듯이 석난희 역시 자연에서 영감을 받았고, 1964년부터 현재까지 자연이라는 작업 소재는 일관되게 그녀의 작품 세계를 지배하고 있다. 파리에서 한국으로 귀국하여 그녀가 활동하기 시작했던 한국 미술계는 추상에 몸담았던 제1세대와 제2세대 작가 모두가 새로운 방향을 모색하고 있는 상황이었음에도 불구하고, 석난희는 그 흐름을 따르지 않고 오히려 추상에 더욱 매진하였다. 이러한 석난희의 행보는 추상을 단순히 시대적 유행으로 치부하는 것에서 벗어나 그녀만의 독자적인 작업 양식으로 체득시키려 했음을 알 수 있게 해준다. 석난희의 〈자연〉(2011)은 그녀가 자연이라는 소재를 얼마나 꾸준히 이어왔는가를 보여주는 작품이다. 그녀의 자연 시리즈는 시대별로 색감에 있어 차이를 나타내는데, 초창기에는 암갈색이 화면의 주를 이루었으나 점차 연보랏빛이 화면을 차지하게 된다. 그녀에게 자연은 무한한 생명력의 원천으로 그녀는 화면 속에 자연의 생동감을 담아냄으로써 자연의 아름다움을 표현하고자 한다.<|im_end|>

<|im_start|>1964년<|im_end|>

<|im_start|>자연이라는 작업 소재를 사용하기 시작한 때는?<|im_end|>

<|im_start|>서울에서 태어난 석난희(1939~)는 홍익대학교 회화과를 졸업한 이후 파리 유학을 떠나 판화 공부를 수학하였다. 그녀의 스승 김환기의 영향에서 비롯된 것인지 몰라도 김환기가 자연에서 소재를 찾았듯이 석난희 역시 자연에서 영감을 받았고, 1964년부터 현재까지 자연이라는 작업 소재는 일관되게 그녀의 작품 세계를 지배하고 있다. 파리에서 한국으로 귀국하여 그녀가 활동하기 시작했던 한국 미술계는 추상에 몸담았던 제1세대와 제2세대 작가 모두가 새로운 방향을 모색하고 있는 상황이었음에도 불구하고, 석난희는 그 흐름을 따르지 않고 오히려 추상에 더욱 매진하였다. 이러한 석난희의 행보는 추상을 단순히 시대적 유행으로 치부하는 것에서 벗어나 그녀만의 독자적인 작업 양식으로 체득시키려 했음을 알 수 있게 해준다. 석난희의 〈자연〉(2011)은 그녀가 자연이라는 소재를 얼마나 꾸준히 이어왔는가를 보여주는 작품이다. 그녀의 자연 시리즈는 시대별로 색감에 있어 차이를 나타내는데, 초창기에는 암갈색이 화면의 주를 이루었으나 점차 연보랏빛이 화면을 차지하게 된다. 그녀에게 자연은 무한한 생명력의 원천으로 그녀는 화면 속에 자연의 생동감을 담아냄으로써 자연의 아름다움을 표현하고자 한다.<|im_end|>

<|im_start|>자연의 생동감을 담아냄<|im_end|>

<|im_start|>석난희 작품의 특징은?<|im_end|>

<|im_start|>서울에서 태어난 석난희(1939~)는 홍익대학교 회화과를 졸업한 이후 파리 유학을 떠나 판화 공부를 수학하였다. 그녀의 스승 김환기의 영향에서 비롯된 것인지 몰라도 김환기가 자연에서 소재를 찾았듯이 석난희 역시 자연에서 영감을 받았고, 1964년부터 현재까지 자연이라는 작업 소재는 일관되게 그녀의 작품 세계를 지배하고 있다. 파리에서 한국으로 귀국하여 그녀가 활동하기 시작했던 한국 미술계는 추상에 몸담았던 제1세대와 제2세대 작가 모두가 새로운 방향을 모색하고 있는 상황이었음에도 불구하고, 석난희는 그 흐름을 따르지 않고 오히려 추상에 더욱 매진하였다. 이러한 석난희의 행보는 추상을 단순히 시대적 유행으로 치부하는 것에서 벗어나 그녀만의 독자적인 작업 양식으로 체득시키려 했음을 알 수 있게 해준다. 석난희의 〈자연〉(2011)은 그녀가 자연이라는 소재를 얼마나 꾸준히 이어왔는가를 보여주는 작품이다. 그녀의 자연 시리즈는 시대별로 색감에 있어 차이를 나타내는데, 초창기에는 암갈색이 화면의 주를 이루었으나 점차 연보랏빛이 화면을 차지하게 된다. 그녀에게 자연은 무한한 생명력의 원천으로 그녀는 화면 속에 자연의 생동감을 담아냄으로써 자연의 아름다움을 표현하고자 한다.<|im_end|>

<|im_start|>자연<|im_end|>

<|im_start|>석난희가 꾸준히 자연이라는 소재를 다뤄왔음을 보여주는 작품은?<|im_end|>

<|im_start|>88개의 달항아리 패널로 구성된 <88개의 소원들>(2010-13)은 너와 나, 남과 북, 나아가 전 세계를 잇고 싶다는 작가의 염원을 담은 작품이다. 작가는 대표적인 한국의 전통 소재인 '달항아리'를 두 개의 반구가 만나 이루어내는 합일체의 상징으로 사용하였다. 이러한 원리는 또한 작가의 주요 작품 소재인 '한글'에서도 마찬가지로 적용된다. 한글은 모음과 자음이 만나 하나의 소리를 내는 것처럼 갈라져 있는 두 개의 세계를 연결하는 것을 의미하며 이는 작가의 중요한 화두이기도 하다. 달항아리는 전체를 빚는 것이 아니라 아래의 반구와 위의 반구가 모여 하나를 이루고 불이라는 시련을 통과해서 완성된다. 작가는 달항아리에는 서로 이어주는 마음, 안고 품는 마음, 텅 비어 있는 마음, 담백하고 겸손한 마음 등이 담겨 있으며 이는 "우리의 정신이자 한민족의 부분이기도 하다"라고 했다.<|im_end|>

<|im_start|>2010-13<|im_end|>

<|im_start|><88개의 소원들>의 제작 연도는?<|im_end|>

<|im_start|>88개의 달항아리 패널로 구성된 <88개의 소원들>(2010-13)은 너와 나, 남과 북, 나아가 전 세계를 잇고 싶다는 작가의 염원을 담은 작품이다. 작가는 대표적인 한국의 전통 소재인 '달항아리'를 두 개의 반구가 만나 이루어내는 합일체의 상징으로 사용하였다. 이러한 원리는 또한 작가의 주요 작품 소재인 '한글'에서도 마찬가지로 적용된다. 한글은 모음과 자음이 만나 하나의 소리를 내는 것처럼 갈라져 있는 두 개의 세계를 연결하는 것을 의미하며 이는 작가의 중요한 화두이기도 하다. 달항아리는 전체를 빚는 것이 아니라 아래의 반구와 위의 반구가 모여 하나를 이루고 불이라는 시련을 통과해서 완성된다. 작가는 달항아리에는 서로 이어주는 마음, 안고 품는 마음, 텅 비어 있는 마음, 담백하고 겸손한 마음 등이 담겨 있으며 이는 "우리의 정신이자 한민족의 부분이기도 하다"라고 했다.<|im_end|>

<|im_start|>두 개<|im_end|>

<|im_start|>한국의 전통 소재인 '달항아리'가 만나는 반구의 개수는?<|im_end|>

<|im_start|>88개의 달항아리 패널로 구성된 <88개의 소원들>(2010-13)은 너와 나, 남과 북, 나아가 전 세계를 잇고 싶다는 작가의 염원을 담은 작품이다. 작가는 대표적인 한국의 전통 소재인 '달항아리'를 두 개의 반구가 만나 이루어내는 합일체의 상징으로 사용하였다. 이러한 원리는 또한 작가의 주요 작품 소재인 '한글'에서도 마찬가지로 적용된다. 한글은 모음과 자음이 만나 하나의 소리를 내는 것처럼 갈라져 있는 두 개의 세계를 연결하는 것을 의미하며 이는 작가의 중요한 화두이기도 하다. 달항아리는 전체를 빚는 것이 아니라 아래의 반구와 위의 반구가 모여 하나를 이루고 불이라는 시련을 통과해서 완성된다. 작가는 달항아리에는 서로 이어주는 마음, 안고 품는 마음, 텅 비어 있는 마음, 담백하고 겸손한 마음 등이 담겨 있으며 이는 "우리의 정신이자 한민족의 부분이기도 하다"라고 했다.<|im_end|>

<|im_start|>88개의 소원들<|im_end|>

<|im_start|>88개의 달항아리 패널로 구성된 작품은?<|im_end|>

<|im_start|>88개의 달항아리 패널로 구성된 <88개의 소원들>(2010-13)은 너와 나, 남과 북, 나아가 전 세계를 잇고 싶다는 작가의 염원을 담은 작품이다. 작가는 대표적인 한국의 전통 소재인 '달항아리'를 두 개의 반구가 만나 이루어내는 합일체의 상징으로 사용하였다. 이러한 원리는 또한 작가의 주요 작품 소재인 '한글'에서도 마찬가지로 적용된다. 한글은 모음과 자음이 만나 하나의 소리를 내는 것처럼 갈라져 있는 두 개의 세계를 연결하는 것을 의미하며 이는 작가의 중요한 화두이기도 하다. 달항아리는 전체를 빚는 것이 아니라 아래의 반구와 위의 반구가 모여 하나를 이루고 불이라는 시련을 통과해서 완성된다. 작가는 달항아리에는 서로 이어주는 마음, 안고 품는 마음, 텅 비어 있는 마음, 담백하고 겸손한 마음 등이 담겨 있으며 이는 "우리의 정신이자 한민족의 부분이기도 하다"라고 했다.<|im_end|>

<|im_start|>작가<|im_end|>

<|im_start|><88개의 소원들>을 통해 염원을 담은 이는?<|im_end|>

<|im_start|>88개의 달항아리 패널로 구성된 <88개의 소원들>(2010-13)은 너와 나, 남과 북, 나아가 전 세계를 잇고 싶다는 작가의 염원을 담은 작품이다. 작가는 대표적인 한국의 전통 소재인 '달항아리'를 두 개의 반구가 만나 이루어내는 합일체의 상징으로 사용하였다. 이러한 원리는 또한 작가의 주요 작품 소재인 '한글'에서도 마찬가지로 적용된다. 한글은 모음과 자음이 만나 하나의 소리를 내는 것처럼 갈라져 있는 두 개의 세계를 연결하는 것을 의미하며 이는 작가의 중요한 화두이기도 하다. 달항아리는 전체를 빚는 것이 아니라 아래의 반구와 위의 반구가 모여 하나를 이루고 불이라는 시련을 통과해서 완성된다. 작가는 달항아리에는 서로 이어주는 마음, 안고 품는 마음, 텅 비어 있는 마음, 담백하고 겸손한 마음 등이 담겨 있으며 이는 "우리의 정신이자 한민족의 부분이기도 하다"라고 했다.<|im_end|>

<|im_start|>두 개의 세계<|im_end|>

<|im_start|>모음과 자음이 만나 하나의 소리를 내는 한글을 통해 작가가 연결하고 싶은 곳은?<|im_end|>

<|im_start|>88개의 달항아리 패널로 구성된 <88개의 소원들>(2010-13)은 너와 나, 남과 북, 나아가 전 세계를 잇고 싶다는 작가의 염원을 담은 작품이다. 작가는 대표적인 한국의 전통 소재인 '달항아리'를 두 개의 반구가 만나 이루어내는 합일체의 상징으로 사용하였다. 이러한 원리는 또한 작가의 주요 작품 소재인 '한글'에서도 마찬가지로 적용된다. 한글은 모음과 자음이 만나 하나의 소리를 내는 것처럼 갈라져 있는 두 개의 세계를 연결하는 것을 의미하며 이는 작가의 중요한 화두이기도 하다. 달항아리는 전체를 빚는 것이 아니라 아래의 반구와 위의 반구가 모여 하나를 이루고 불이라는 시련을 통과해서 완성된다. 작가는 달항아리에는 서로 이어주는 마음, 안고 품는 마음, 텅 비어 있는 마음, 담백하고 겸손한 마음 등이 담겨 있으며 이는 "우리의 정신이자 한민족의 부분이기도 하다"라고 했다.<|im_end|>

<|im_start|>달항아리<|im_end|>

<|im_start|>아래의 반구와 위의 반구가 모여 하나를 이루는 곳은?<|im_end|>

<|im_start|><고풀이>(1995)는 망자(亡者)가 순탄하게 저승길로 가도록 비는 전라도 지역의 씻김굿의 한 과정이다. '진혼(鎭魂)'이란 주제는 홍성담 뿐 아니라 그가 가담했던 소집단 '광주 자유미술인 협의회'가 활동 초기부터 다뤄온 중요한 개념으로 이들은 1980년 7월에 5.18 영령을 위한 진혼굿 형식의 야외전으로 창립전을 치르며 민중미술 운동을 시작하였다. 진한 붉은 배경 속에서 흰옷을 입은 무녀는 죽은 자의 넋을 달래주기 위한 제의적 기능의 춤을 추고 있다. 고풀이에서 '고'는 본래 매듭이 풀리지 않게 하기 위해 한 가닥을 고리 모양으로 잡아 뺀 것을 일컫는 순우리말로서 시신을 묶는 매듭이자 이승에서 풀지 못한 원한을 의미한다. 화면 하단에 적힌 '삼에 석자 일곱 매듭'이라는 문구와 그림에서도 확인할 수 있듯이 무녀는 기둥에 일곱 매듭 '고'를 묶어 놓았다가 하나씩 풀어가는 살풀이를 통해 지난 역사 속에서 스러진 수많은 영혼들을 달래고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>전라도<|im_end|>

<|im_start|>망자가 순탄하게 저승길로 가도록 비는 '고풀이'가 씻김굿의 한 과정인 지역은?<|im_end|>

<|im_start|><고풀이>(1995)는 망자(亡者)가 순탄하게 저승길로 가도록 비는 전라도 지역의 씻김굿의 한 과정이다. '진혼(鎭魂)'이란 주제는 홍성담 뿐 아니라 그가 가담했던 소집단 '광주 자유미술인 협의회'가 활동 초기부터 다뤄온 중요한 개념으로 이들은 1980년 7월에 5.18 영령을 위한 진혼굿 형식의 야외전으로 창립전을 치르며 민중미술 운동을 시작하였다. 진한 붉은 배경 속에서 흰옷을 입은 무녀는 죽은 자의 넋을 달래주기 위한 제의적 기능의 춤을 추고 있다. 고풀이에서 '고'는 본래 매듭이 풀리지 않게 하기 위해 한 가닥을 고리 모양으로 잡아 뺀 것을 일컫는 순우리말로서 시신을 묶는 매듭이자 이승에서 풀지 못한 원한을 의미한다. 화면 하단에 적힌 '삼에 석자 일곱 매듭'이라는 문구와 그림에서도 확인할 수 있듯이 무녀는 기둥에 일곱 매듭 '고'를 묶어 놓았다가 하나씩 풀어가는 살풀이를 통해 지난 역사 속에서 스러진 수많은 영혼들을 달래고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>광주 자유미술인 협의회<|im_end|>

<|im_start|>홍성담이 가담했던 소집단은?<|im_end|>

<|im_start|><고풀이>(1995)는 망자(亡者)가 순탄하게 저승길로 가도록 비는 전라도 지역의 씻김굿의 한 과정이다. '진혼(鎭魂)'이란 주제는 홍성담 뿐 아니라 그가 가담했던 소집단 '광주 자유미술인 협의회'가 활동 초기부터 다뤄온 중요한 개념으로 이들은 1980년 7월에 5.18 영령을 위한 진혼굿 형식의 야외전으로 창립전을 치르며 민중미술 운동을 시작하였다. 진한 붉은 배경 속에서 흰옷을 입은 무녀는 죽은 자의 넋을 달래주기 위한 제의적 기능의 춤을 추고 있다. 고풀이에서 '고'는 본래 매듭이 풀리지 않게 하기 위해 한 가닥을 고리 모양으로 잡아 뺀 것을 일컫는 순우리말로서 시신을 묶는 매듭이자 이승에서 풀지 못한 원한을 의미한다. 화면 하단에 적힌 '삼에 석자 일곱 매듭'이라는 문구와 그림에서도 확인할 수 있듯이 무녀는 기둥에 일곱 매듭 '고'를 묶어 놓았다가 하나씩 풀어가는 살풀이를 통해 지난 역사 속에서 스러진 수많은 영혼들을 달래고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>1980년 7월<|im_end|>

<|im_start|>광주 자유미술인 협의회가 민중미술 운동을 시작한 때는?<|im_end|>

<|im_start|><고풀이>(1995)는 망자(亡者)가 순탄하게 저승길로 가도록 비는 전라도 지역의 씻김굿의 한 과정이다. '진혼(鎭魂)'이란 주제는 홍성담 뿐 아니라 그가 가담했던 소집단 '광주 자유미술인 협의회'가 활동 초기부터 다뤄온 중요한 개념으로 이들은 1980년 7월에 5.18 영령을 위한 진혼굿 형식의 야외전으로 창립전을 치르며 민중미술 운동을 시작하였다. 진한 붉은 배경 속에서 흰옷을 입은 무녀는 죽은 자의 넋을 달래주기 위한 제의적 기능의 춤을 추고 있다. 고풀이에서 '고'는 본래 매듭이 풀리지 않게 하기 위해 한 가닥을 고리 모양으로 잡아 뺀 것을 일컫는 순우리말로서 시신을 묶는 매듭이자 이승에서 풀지 못한 원한을 의미한다. 화면 하단에 적힌 '삼에 석자 일곱 매듭'이라는 문구와 그림에서도 확인할 수 있듯이 무녀는 기둥에 일곱 매듭 '고'를 묶어 놓았다가 하나씩 풀어가는 살풀이를 통해 지난 역사 속에서 스러진 수많은 영혼들을 달래고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>흰옷을 입은 무녀<|im_end|>

<|im_start|>진한 붉은 배경 속에서 죽은 자의 넋을 달래주기 위한 제의적 기능의 춤을 추는 인물은?<|im_end|>