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<|im_start|><홀려라>(2017)는 한글에 민화적 요소를 더하여 캔버스 위에 아크릴로 그린 문자도이다. '홀려라'는 몰입을 뜻하는 순우리말로 예술에 대해 그가 갖고 있는 신념이기도 하다. 개인과 가족의 윤리에 관한 당시의 공통 무의식과 관심사가 자연스럽게 생활 속에 파고든 유교 문자도를 차용하고 있다. 한글의 'ㅎ' 과 한자의 '言(Words 언)' 한자의 '信(belief 신)'위에 'ㅍ'이 놓여있는 형상 '禮(Courtesy 예)'에서 우측을 덜어내어 변형한 형상에 'ㅎ'자 세 개가 제사 음식처럼 포개어져 놓여있는 문자 그리고 한자의 '義(justice 의)' 형상에다가 나를 지키는 창과 'ㅎ' 모양의 방패를 든 양이 한 마리 서 있는 문자 등으로 구성되어 있다. 익숙한 방식으로 문장을 만들어보면 '홀림(몰입의 순간) 말씀을 믿고 한글에 예의를 다해 옳은 것을 지키겠다.'는 말이 만들어지지만 그저 눈 앞에 펼쳐진 낱말끼리 이렇게 연결해 보고 저렇게도 나열해 보면서 의미와 무의미를 넘나드는 놀이가 가능한 이미지 시리즈이다.<|im_end|>

<|im_start|>우측을 덜어내어 변형<|im_end|>

<|im_start|>'禮'를 이용해 문자를 만들기 위해 사용한 방법은?<|im_end|>

<|im_start|><홀려라>(2017)는 한글에 민화적 요소를 더하여 캔버스 위에 아크릴로 그린 문자도이다. '홀려라'는 몰입을 뜻하는 순우리말로 예술에 대해 그가 갖고 있는 신념이기도 하다. 개인과 가족의 윤리에 관한 당시의 공통 무의식과 관심사가 자연스럽게 생활 속에 파고든 유교 문자도를 차용하고 있다. 한글의 'ㅎ' 과 한자의 '言(Words 언)' 한자의 '信(belief 신)'위에 'ㅍ'이 놓여있는 형상 '禮(Courtesy 예)'에서 우측을 덜어내어 변형한 형상에 'ㅎ'자 세 개가 제사 음식처럼 포개어져 놓여있는 문자 그리고 한자의 '義(justice 의)' 형상에다가 나를 지키는 창과 'ㅎ' 모양의 방패를 든 양이 한 마리 서 있는 문자 등으로 구성되어 있다. 익숙한 방식으로 문장을 만들어보면 '홀림(몰입의 순간) 말씀을 믿고 한글에 예의를 다해 옳은 것을 지키겠다.'는 말이 만들어지지만 그저 눈 앞에 펼쳐진 낱말끼리 이렇게 연결해 보고 저렇게도 나열해 보면서 의미와 무의미를 넘나드는 놀이가 가능한 이미지 시리즈이다.<|im_end|>

<|im_start|>개인과 가족<|im_end|>

<|im_start|>유교 문자도에 담긴 당시의 윤리에 해당하는 인물은?<|im_end|>

<|im_start|>충남 논산 출생인 노상균(盧尙均, 1958~)은 서울대학교 회화과를 졸업하고 미국으로 건너가 뉴욕의 프랫대학원(Pratt Isstitute)에서 회화과로 석사과정을 밟았다. 그는 흔히 스팽글이라고 불리는 시퀀(sequin)을 이용한 작업으로 주목받기 시작하였으며, 그는 어린 시절 물에 빠져 익사할 뻔한 경험이 그의 작업을 형성하는데 결정적인 계기가 되었다고 밝혔다. 기성 제품에 시퀀을 붙이는 작업으로 출발하였으나 이후 캔버스에 시퀀을 붙이는 작업으로 작업 양상이 변화한다. 전자는 시퀀으로 기성품의 본래 성격을 탈락시키고 새로운 성질을 부여시킴으로써 뒤샹의 레디메이드를 떠올리게도 한다. 반면 후자는 단일한 색의 시퀀의 각도를 조금씩 틀어 화면을 구성하여 입체감을 만들어내고, 감상 위치에 따라 보이는 값을 달리함으로써 관람객의 주체적인 참여를 이끈다. 노상균의 〈Double Ends〉(2010)는 후자에 속하는 작품으로, 푸른색의 시퀀을 캔버스 어느 한 곳 빠짐없이 채워 마치 단색화 혹은 미니컬 아트를 연상시키기도 한다. 그는 동양 철학의 정신을 재현하는 주요한 소재가 원이라는 것에 착안하여 동양적 사유와 명상적인 분위기를 현대적 감각으로 전달한다.<|im_end|>

<|im_start|>충남 논산<|im_end|>

<|im_start|>노상균의 출생지는?<|im_end|>

<|im_start|>충남 논산 출생인 노상균(盧尙均, 1958~)은 서울대학교 회화과를 졸업하고 미국으로 건너가 뉴욕의 프랫대학원(Pratt Isstitute)에서 회화과로 석사과정을 밟았다. 그는 흔히 스팽글이라고 불리는 시퀀(sequin)을 이용한 작업으로 주목받기 시작하였으며, 그는 어린 시절 물에 빠져 익사할 뻔한 경험이 그의 작업을 형성하는데 결정적인 계기가 되었다고 밝혔다. 기성 제품에 시퀀을 붙이는 작업으로 출발하였으나 이후 캔버스에 시퀀을 붙이는 작업으로 작업 양상이 변화한다. 전자는 시퀀으로 기성품의 본래 성격을 탈락시키고 새로운 성질을 부여시킴으로써 뒤샹의 레디메이드를 떠올리게도 한다. 반면 후자는 단일한 색의 시퀀의 각도를 조금씩 틀어 화면을 구성하여 입체감을 만들어내고, 감상 위치에 따라 보이는 값을 달리함으로써 관람객의 주체적인 참여를 이끈다. 노상균의 〈Double Ends〉(2010)는 후자에 속하는 작품으로, 푸른색의 시퀀을 캔버스 어느 한 곳 빠짐없이 채워 마치 단색화 혹은 미니컬 아트를 연상시키기도 한다. 그는 동양 철학의 정신을 재현하는 주요한 소재가 원이라는 것에 착안하여 동양적 사유와 명상적인 분위기를 현대적 감각으로 전달한다.<|im_end|>

<|im_start|>뉴욕의 프랫대학원<|im_end|>

<|im_start|>노상균이 석사과정을 공부한 학교는?<|im_end|>

<|im_start|>충남 논산 출생인 노상균(盧尙均, 1958~)은 서울대학교 회화과를 졸업하고 미국으로 건너가 뉴욕의 프랫대학원(Pratt Isstitute)에서 회화과로 석사과정을 밟았다. 그는 흔히 스팽글이라고 불리는 시퀀(sequin)을 이용한 작업으로 주목받기 시작하였으며, 그는 어린 시절 물에 빠져 익사할 뻔한 경험이 그의 작업을 형성하는데 결정적인 계기가 되었다고 밝혔다. 기성 제품에 시퀀을 붙이는 작업으로 출발하였으나 이후 캔버스에 시퀀을 붙이는 작업으로 작업 양상이 변화한다. 전자는 시퀀으로 기성품의 본래 성격을 탈락시키고 새로운 성질을 부여시킴으로써 뒤샹의 레디메이드를 떠올리게도 한다. 반면 후자는 단일한 색의 시퀀의 각도를 조금씩 틀어 화면을 구성하여 입체감을 만들어내고, 감상 위치에 따라 보이는 값을 달리함으로써 관람객의 주체적인 참여를 이끈다. 노상균의 〈Double Ends〉(2010)는 후자에 속하는 작품으로, 푸른색의 시퀀을 캔버스 어느 한 곳 빠짐없이 채워 마치 단색화 혹은 미니컬 아트를 연상시키기도 한다. 그는 동양 철학의 정신을 재현하는 주요한 소재가 원이라는 것에 착안하여 동양적 사유와 명상적인 분위기를 현대적 감각으로 전달한다.<|im_end|>

<|im_start|>스팽글<|im_end|>

<|im_start|>시퀀(sequin)의 또 다른 이름은?<|im_end|>

<|im_start|>충남 논산 출생인 노상균(盧尙均, 1958~)은 서울대학교 회화과를 졸업하고 미국으로 건너가 뉴욕의 프랫대학원(Pratt Isstitute)에서 회화과로 석사과정을 밟았다. 그는 흔히 스팽글이라고 불리는 시퀀(sequin)을 이용한 작업으로 주목받기 시작하였으며, 그는 어린 시절 물에 빠져 익사할 뻔한 경험이 그의 작업을 형성하는데 결정적인 계기가 되었다고 밝혔다. 기성 제품에 시퀀을 붙이는 작업으로 출발하였으나 이후 캔버스에 시퀀을 붙이는 작업으로 작업 양상이 변화한다. 전자는 시퀀으로 기성품의 본래 성격을 탈락시키고 새로운 성질을 부여시킴으로써 뒤샹의 레디메이드를 떠올리게도 한다. 반면 후자는 단일한 색의 시퀀의 각도를 조금씩 틀어 화면을 구성하여 입체감을 만들어내고, 감상 위치에 따라 보이는 값을 달리함으로써 관람객의 주체적인 참여를 이끈다. 노상균의 〈Double Ends〉(2010)는 후자에 속하는 작품으로, 푸른색의 시퀀을 캔버스 어느 한 곳 빠짐없이 채워 마치 단색화 혹은 미니컬 아트를 연상시키기도 한다. 그는 동양 철학의 정신을 재현하는 주요한 소재가 원이라는 것에 착안하여 동양적 사유와 명상적인 분위기를 현대적 감각으로 전달한다.<|im_end|>

<|im_start|>물에 빠져 익사할 뻔한 경험<|im_end|>

<|im_start|>자신만의 작업을 형성하는데에 결정적인 계기가 된 것은?<|im_end|>

<|im_start|>충남 논산 출생인 노상균(盧尙均, 1958~)은 서울대학교 회화과를 졸업하고 미국으로 건너가 뉴욕의 프랫대학원(Pratt Isstitute)에서 회화과로 석사과정을 밟았다. 그는 흔히 스팽글이라고 불리는 시퀀(sequin)을 이용한 작업으로 주목받기 시작하였으며, 그는 어린 시절 물에 빠져 익사할 뻔한 경험이 그의 작업을 형성하는데 결정적인 계기가 되었다고 밝혔다. 기성 제품에 시퀀을 붙이는 작업으로 출발하였으나 이후 캔버스에 시퀀을 붙이는 작업으로 작업 양상이 변화한다. 전자는 시퀀으로 기성품의 본래 성격을 탈락시키고 새로운 성질을 부여시킴으로써 뒤샹의 레디메이드를 떠올리게도 한다. 반면 후자는 단일한 색의 시퀀의 각도를 조금씩 틀어 화면을 구성하여 입체감을 만들어내고, 감상 위치에 따라 보이는 값을 달리함으로써 관람객의 주체적인 참여를 이끈다. 노상균의 〈Double Ends〉(2010)는 후자에 속하는 작품으로, 푸른색의 시퀀을 캔버스 어느 한 곳 빠짐없이 채워 마치 단색화 혹은 미니컬 아트를 연상시키기도 한다. 그는 동양 철학의 정신을 재현하는 주요한 소재가 원이라는 것에 착안하여 동양적 사유와 명상적인 분위기를 현대적 감각으로 전달한다.<|im_end|>

<|im_start|>Double Ends<|im_end|>

<|im_start|>푸른색의 시퀀을 캔버스에 빠짐없이 채운 노상균의 작품 이름은?<|im_end|>

<|im_start|>충남 논산 출생인 노상균(盧尙均, 1958~)은 서울대학교 회화과를 졸업하고 미국으로 건너가 뉴욕의 프랫대학원(Pratt Isstitute)에서 회화과로 석사과정을 밟았다. 그는 흔히 스팽글이라고 불리는 시퀀(sequin)을 이용한 작업으로 주목받기 시작하였으며, 그는 어린 시절 물에 빠져 익사할 뻔한 경험이 그의 작업을 형성하는데 결정적인 계기가 되었다고 밝혔다. 기성 제품에 시퀀을 붙이는 작업으로 출발하였으나 이후 캔버스에 시퀀을 붙이는 작업으로 작업 양상이 변화한다. 전자는 시퀀으로 기성품의 본래 성격을 탈락시키고 새로운 성질을 부여시킴으로써 뒤샹의 레디메이드를 떠올리게도 한다. 반면 후자는 단일한 색의 시퀀의 각도를 조금씩 틀어 화면을 구성하여 입체감을 만들어내고, 감상 위치에 따라 보이는 값을 달리함으로써 관람객의 주체적인 참여를 이끈다. 노상균의 〈Double Ends〉(2010)는 후자에 속하는 작품으로, 푸른색의 시퀀을 캔버스 어느 한 곳 빠짐없이 채워 마치 단색화 혹은 미니컬 아트를 연상시키기도 한다. 그는 동양 철학의 정신을 재현하는 주요한 소재가 원이라는 것에 착안하여 동양적 사유와 명상적인 분위기를 현대적 감각으로 전달한다.<|im_end|>

<|im_start|>입체감<|im_end|>

<|im_start|>캔버스에 단일한 색의 시퀀을 붙여 각도를 조절해가며 만들어내는 것은?<|im_end|>

<|im_start|>고양이 출생지인 방혜자(方惠子, 1937~)는 서울대학교에서 회화 공부를 마치고, 이후 파리에서 벽화와 색유리학을 수학하였다. 그녀는 도불한 전적을 통해 한국과 파리를 주된 무대로 현재까지도 작품 활동을 왕성하게 하고 있으며, 약 100여회의 개인전 및 단체전을 가졌다. 방혜자의 작업은 추상화로 출발하였지만 작업을 이어나가면서 우주로 확대되었다가 마침내 빛으로까지 도달하며 ‘빛의 화가’라는 수식어를 가지게 된다. 방혜자는 빛을 통해 생명과 우주와 같은 근원적인 주제를 탐구하지만, 그녀가 다루는 작품의 재료는 어느 하나에 국한되지 않고 다양하다. 캔버스를 대신하여 한지나 부직포를 사용하기도 하며, 식물성 안료를 이용한 천연 채색이나 스테인드글라스 그리고 한지를 이용한 부조작업까지 그녀가 다루는 재료는 무한적이다. 또한 2018년 유네스코가 세계 문화유산 제1호로 등록한 프랑스의 샤르트르 대성당의 종교 참사회의실에 스테인드글라스 창을 새로이 설치하기 위해 공모를 하였는데, 방혜자 작품이 선정되기도 하였다. 방혜자의 〈환희〉(1980) 역시 그녀가 평생 동안 추구해온 빛을 기조로 하고 있으며, 무한한 우주와 더불어 추상적인 개념을 시각화하는 시기에 그려진 작품이다.<|im_end|>

<|im_start|>고양<|im_end|>

<|im_start|>방혜자의 출생지는?<|im_end|>

<|im_start|>고양이 출생지인 방혜자(方惠子, 1937~)는 서울대학교에서 회화 공부를 마치고, 이후 파리에서 벽화와 색유리학을 수학하였다. 그녀는 도불한 전적을 통해 한국과 파리를 주된 무대로 현재까지도 작품 활동을 왕성하게 하고 있으며, 약 100여회의 개인전 및 단체전을 가졌다. 방혜자의 작업은 추상화로 출발하였지만 작업을 이어나가면서 우주로 확대되었다가 마침내 빛으로까지 도달하며 ‘빛의 화가’라는 수식어를 가지게 된다. 방혜자는 빛을 통해 생명과 우주와 같은 근원적인 주제를 탐구하지만, 그녀가 다루는 작품의 재료는 어느 하나에 국한되지 않고 다양하다. 캔버스를 대신하여 한지나 부직포를 사용하기도 하며, 식물성 안료를 이용한 천연 채색이나 스테인드글라스 그리고 한지를 이용한 부조작업까지 그녀가 다루는 재료는 무한적이다. 또한 2018년 유네스코가 세계 문화유산 제1호로 등록한 프랑스의 샤르트르 대성당의 종교 참사회의실에 스테인드글라스 창을 새로이 설치하기 위해 공모를 하였는데, 방혜자 작품이 선정되기도 하였다. 방혜자의 〈환희〉(1980) 역시 그녀가 평생 동안 추구해온 빛을 기조로 하고 있으며, 무한한 우주와 더불어 추상적인 개념을 시각화하는 시기에 그려진 작품이다.<|im_end|>

<|im_start|>1937<|im_end|>

<|im_start|>방혜자의 출생년도는?<|im_end|>

<|im_start|>고양이 출생지인 방혜자(方惠子, 1937~)는 서울대학교에서 회화 공부를 마치고, 이후 파리에서 벽화와 색유리학을 수학하였다. 그녀는 도불한 전적을 통해 한국과 파리를 주된 무대로 현재까지도 작품 활동을 왕성하게 하고 있으며, 약 100여회의 개인전 및 단체전을 가졌다. 방혜자의 작업은 추상화로 출발하였지만 작업을 이어나가면서 우주로 확대되었다가 마침내 빛으로까지 도달하며 ‘빛의 화가’라는 수식어를 가지게 된다. 방혜자는 빛을 통해 생명과 우주와 같은 근원적인 주제를 탐구하지만, 그녀가 다루는 작품의 재료는 어느 하나에 국한되지 않고 다양하다. 캔버스를 대신하여 한지나 부직포를 사용하기도 하며, 식물성 안료를 이용한 천연 채색이나 스테인드글라스 그리고 한지를 이용한 부조작업까지 그녀가 다루는 재료는 무한적이다. 또한 2018년 유네스코가 세계 문화유산 제1호로 등록한 프랑스의 샤르트르 대성당의 종교 참사회의실에 스테인드글라스 창을 새로이 설치하기 위해 공모를 하였는데, 방혜자 작품이 선정되기도 하였다. 방혜자의 〈환희〉(1980) 역시 그녀가 평생 동안 추구해온 빛을 기조로 하고 있으며, 무한한 우주와 더불어 추상적인 개념을 시각화하는 시기에 그려진 작품이다.<|im_end|>

<|im_start|>한지나 부직포<|im_end|>

<|im_start|>방혜자가 캔버스를 대신해 사용하는 재료는?<|im_end|>

<|im_start|>고양이 출생지인 방혜자(方惠子, 1937~)는 서울대학교에서 회화 공부를 마치고, 이후 파리에서 벽화와 색유리학을 수학하였다. 그녀는 도불한 전적을 통해 한국과 파리를 주된 무대로 현재까지도 작품 활동을 왕성하게 하고 있으며, 약 100여회의 개인전 및 단체전을 가졌다. 방혜자의 작업은 추상화로 출발하였지만 작업을 이어나가면서 우주로 확대되었다가 마침내 빛으로까지 도달하며 ‘빛의 화가’라는 수식어를 가지게 된다. 방혜자는 빛을 통해 생명과 우주와 같은 근원적인 주제를 탐구하지만, 그녀가 다루는 작품의 재료는 어느 하나에 국한되지 않고 다양하다. 캔버스를 대신하여 한지나 부직포를 사용하기도 하며, 식물성 안료를 이용한 천연 채색이나 스테인드글라스 그리고 한지를 이용한 부조작업까지 그녀가 다루는 재료는 무한적이다. 또한 2018년 유네스코가 세계 문화유산 제1호로 등록한 프랑스의 샤르트르 대성당의 종교 참사회의실에 스테인드글라스 창을 새로이 설치하기 위해 공모를 하였는데, 방혜자 작품이 선정되기도 하였다. 방혜자의 〈환희〉(1980) 역시 그녀가 평생 동안 추구해온 빛을 기조로 하고 있으며, 무한한 우주와 더불어 추상적인 개념을 시각화하는 시기에 그려진 작품이다.<|im_end|>

<|im_start|>파리<|im_end|>

<|im_start|>방혜자가 벽화와 색유리학을 수학한 곳은?<|im_end|>

<|im_start|>고양이 출생지인 방혜자(方惠子, 1937~)는 서울대학교에서 회화 공부를 마치고, 이후 파리에서 벽화와 색유리학을 수학하였다. 그녀는 도불한 전적을 통해 한국과 파리를 주된 무대로 현재까지도 작품 활동을 왕성하게 하고 있으며, 약 100여회의 개인전 및 단체전을 가졌다. 방혜자의 작업은 추상화로 출발하였지만 작업을 이어나가면서 우주로 확대되었다가 마침내 빛으로까지 도달하며 ‘빛의 화가’라는 수식어를 가지게 된다. 방혜자는 빛을 통해 생명과 우주와 같은 근원적인 주제를 탐구하지만, 그녀가 다루는 작품의 재료는 어느 하나에 국한되지 않고 다양하다. 캔버스를 대신하여 한지나 부직포를 사용하기도 하며, 식물성 안료를 이용한 천연 채색이나 스테인드글라스 그리고 한지를 이용한 부조작업까지 그녀가 다루는 재료는 무한적이다. 또한 2018년 유네스코가 세계 문화유산 제1호로 등록한 프랑스의 샤르트르 대성당의 종교 참사회의실에 스테인드글라스 창을 새로이 설치하기 위해 공모를 하였는데, 방혜자 작품이 선정되기도 하였다. 방혜자의 〈환희〉(1980) 역시 그녀가 평생 동안 추구해온 빛을 기조로 하고 있으며, 무한한 우주와 더불어 추상적인 개념을 시각화하는 시기에 그려진 작품이다.<|im_end|>

<|im_start|>환희<|im_end|>

<|im_start|>방혜자가 평생 동안 추구해온 빛을 기조로 한 작품 이름은?<|im_end|>

<|im_start|>고양이 출생지인 방혜자(方惠子, 1937~)는 서울대학교에서 회화 공부를 마치고, 이후 파리에서 벽화와 색유리학을 수학하였다. 그녀는 도불한 전적을 통해 한국과 파리를 주된 무대로 현재까지도 작품 활동을 왕성하게 하고 있으며, 약 100여회의 개인전 및 단체전을 가졌다. 방혜자의 작업은 추상화로 출발하였지만 작업을 이어나가면서 우주로 확대되었다가 마침내 빛으로까지 도달하며 ‘빛의 화가’라는 수식어를 가지게 된다. 방혜자는 빛을 통해 생명과 우주와 같은 근원적인 주제를 탐구하지만, 그녀가 다루는 작품의 재료는 어느 하나에 국한되지 않고 다양하다. 캔버스를 대신하여 한지나 부직포를 사용하기도 하며, 식물성 안료를 이용한 천연 채색이나 스테인드글라스 그리고 한지를 이용한 부조작업까지 그녀가 다루는 재료는 무한적이다. 또한 2018년 유네스코가 세계 문화유산 제1호로 등록한 프랑스의 샤르트르 대성당의 종교 참사회의실에 스테인드글라스 창을 새로이 설치하기 위해 공모를 하였는데, 방혜자 작품이 선정되기도 하였다. 방혜자의 〈환희〉(1980) 역시 그녀가 평생 동안 추구해온 빛을 기조로 하고 있으며, 무한한 우주와 더불어 추상적인 개념을 시각화하는 시기에 그려진 작품이다.<|im_end|>

<|im_start|>약 100여회<|im_end|>

<|im_start|>방혜자가 개인전 및 단체전을 가진 횟수는?<|im_end|>

<|im_start|>신경희(申景姬, 1964-2017)는 서울대학교와 동대학원에서 서양화과를 졸업하고, 미국 유학길에 올라 테일러 대학교에서 판화 공부를 했다. 그녀는 한국에서 여성의 사회적 진출이 활발하지 않았던 시절 작업을 시작하여, 한국의 근대미술사에서 한 여성 작가로 당당히 자리 잡고 있다. 평소 새로운 문화에 대한 관심이 많고, 이러한 것들을 접했을 때 빠르게 포용하던 신경희의 성격은 작업 성향에도 고스란히 녹아난다. 그녀는 재료 기법을 철저히 연구하여 탈장르적 형식을 추구하며 회화, 판화, 입체, 설치 등 폭넓은 조형언어를 구사하였다. 그녀의 작품 시기는 통상적으로 두 갈래로 나뉘며, 전기는 ‘퀼트’와 ‘어쩔 수 없는 난제들’ 연작을 후기에는 ‘잠자는 도시’와 ‘정원 도시’ 연작을 주로 선보였다. 신경희의 〈퀼트〉(2003)는 일반적으로 천에 바느질을 하는 퀼트와는 다르게, 그녀가 직접 만든 수제 종이에 바느질을 하였으며 그녀의 기억 속에 있는 대상들을 판화로 찍어낸 작품이다. 이는 작가의 수공예적인 기법과 판화라는 매체가 어우러져 옛스러움과 모던한 감각을 동시에 느껴볼 수 있도록 한다. 또한 섬세한 감성과 조형 세계의 압축을 보여주는 그녀의 초기 대표작으로 지금까지도 손꼽힌다.<|im_end|>

<|im_start|>미국<|im_end|>

<|im_start|>신경희가 유학을 간 나라는?<|im_end|>

<|im_start|>신경희(申景姬, 1964-2017)는 서울대학교와 동대학원에서 서양화과를 졸업하고, 미국 유학길에 올라 테일러 대학교에서 판화 공부를 했다. 그녀는 한국에서 여성의 사회적 진출이 활발하지 않았던 시절 작업을 시작하여, 한국의 근대미술사에서 한 여성 작가로 당당히 자리 잡고 있다. 평소 새로운 문화에 대한 관심이 많고, 이러한 것들을 접했을 때 빠르게 포용하던 신경희의 성격은 작업 성향에도 고스란히 녹아난다. 그녀는 재료 기법을 철저히 연구하여 탈장르적 형식을 추구하며 회화, 판화, 입체, 설치 등 폭넓은 조형언어를 구사하였다. 그녀의 작품 시기는 통상적으로 두 갈래로 나뉘며, 전기는 ‘퀼트’와 ‘어쩔 수 없는 난제들’ 연작을 후기에는 ‘잠자는 도시’와 ‘정원 도시’ 연작을 주로 선보였다. 신경희의 〈퀼트〉(2003)는 일반적으로 천에 바느질을 하는 퀼트와는 다르게, 그녀가 직접 만든 수제 종이에 바느질을 하였으며 그녀의 기억 속에 있는 대상들을 판화로 찍어낸 작품이다. 이는 작가의 수공예적인 기법과 판화라는 매체가 어우러져 옛스러움과 모던한 감각을 동시에 느껴볼 수 있도록 한다. 또한 섬세한 감성과 조형 세계의 압축을 보여주는 그녀의 초기 대표작으로 지금까지도 손꼽힌다.<|im_end|>

<|im_start|>서울대학교<|im_end|>

<|im_start|>신경희가 졸업한 대학교는?<|im_end|>

<|im_start|>신경희(申景姬, 1964-2017)는 서울대학교와 동대학원에서 서양화과를 졸업하고, 미국 유학길에 올라 테일러 대학교에서 판화 공부를 했다. 그녀는 한국에서 여성의 사회적 진출이 활발하지 않았던 시절 작업을 시작하여, 한국의 근대미술사에서 한 여성 작가로 당당히 자리 잡고 있다. 평소 새로운 문화에 대한 관심이 많고, 이러한 것들을 접했을 때 빠르게 포용하던 신경희의 성격은 작업 성향에도 고스란히 녹아난다. 그녀는 재료 기법을 철저히 연구하여 탈장르적 형식을 추구하며 회화, 판화, 입체, 설치 등 폭넓은 조형언어를 구사하였다. 그녀의 작품 시기는 통상적으로 두 갈래로 나뉘며, 전기는 ‘퀼트’와 ‘어쩔 수 없는 난제들’ 연작을 후기에는 ‘잠자는 도시’와 ‘정원 도시’ 연작을 주로 선보였다. 신경희의 〈퀼트〉(2003)는 일반적으로 천에 바느질을 하는 퀼트와는 다르게, 그녀가 직접 만든 수제 종이에 바느질을 하였으며 그녀의 기억 속에 있는 대상들을 판화로 찍어낸 작품이다. 이는 작가의 수공예적인 기법과 판화라는 매체가 어우러져 옛스러움과 모던한 감각을 동시에 느껴볼 수 있도록 한다. 또한 섬세한 감성과 조형 세계의 압축을 보여주는 그녀의 초기 대표작으로 지금까지도 손꼽힌다.<|im_end|>

<|im_start|>1964<|im_end|>

<|im_start|>신경희의 출생년도는?<|im_end|>

<|im_start|>신경희(申景姬, 1964-2017)는 서울대학교와 동대학원에서 서양화과를 졸업하고, 미국 유학길에 올라 테일러 대학교에서 판화 공부를 했다. 그녀는 한국에서 여성의 사회적 진출이 활발하지 않았던 시절 작업을 시작하여, 한국의 근대미술사에서 한 여성 작가로 당당히 자리 잡고 있다. 평소 새로운 문화에 대한 관심이 많고, 이러한 것들을 접했을 때 빠르게 포용하던 신경희의 성격은 작업 성향에도 고스란히 녹아난다. 그녀는 재료 기법을 철저히 연구하여 탈장르적 형식을 추구하며 회화, 판화, 입체, 설치 등 폭넓은 조형언어를 구사하였다. 그녀의 작품 시기는 통상적으로 두 갈래로 나뉘며, 전기는 ‘퀼트’와 ‘어쩔 수 없는 난제들’ 연작을 후기에는 ‘잠자는 도시’와 ‘정원 도시’ 연작을 주로 선보였다. 신경희의 〈퀼트〉(2003)는 일반적으로 천에 바느질을 하는 퀼트와는 다르게, 그녀가 직접 만든 수제 종이에 바느질을 하였으며 그녀의 기억 속에 있는 대상들을 판화로 찍어낸 작품이다. 이는 작가의 수공예적인 기법과 판화라는 매체가 어우러져 옛스러움과 모던한 감각을 동시에 느껴볼 수 있도록 한다. 또한 섬세한 감성과 조형 세계의 압축을 보여주는 그녀의 초기 대표작으로 지금까지도 손꼽힌다.<|im_end|>

<|im_start|>퀼트<|im_end|>

<|im_start|>직접 만든 수제 종이에 바느질을 하여 판화로 찍어낸 신경희의 작품은?<|im_end|>

<|im_start|>신경희(申景姬, 1964-2017)는 서울대학교와 동대학원에서 서양화과를 졸업하고, 미국 유학길에 올라 테일러 대학교에서 판화 공부를 했다. 그녀는 한국에서 여성의 사회적 진출이 활발하지 않았던 시절 작업을 시작하여, 한국의 근대미술사에서 한 여성 작가로 당당히 자리 잡고 있다. 평소 새로운 문화에 대한 관심이 많고, 이러한 것들을 접했을 때 빠르게 포용하던 신경희의 성격은 작업 성향에도 고스란히 녹아난다. 그녀는 재료 기법을 철저히 연구하여 탈장르적 형식을 추구하며 회화, 판화, 입체, 설치 등 폭넓은 조형언어를 구사하였다. 그녀의 작품 시기는 통상적으로 두 갈래로 나뉘며, 전기는 ‘퀼트’와 ‘어쩔 수 없는 난제들’ 연작을 후기에는 ‘잠자는 도시’와 ‘정원 도시’ 연작을 주로 선보였다. 신경희의 〈퀼트〉(2003)는 일반적으로 천에 바느질을 하는 퀼트와는 다르게, 그녀가 직접 만든 수제 종이에 바느질을 하였으며 그녀의 기억 속에 있는 대상들을 판화로 찍어낸 작품이다. 이는 작가의 수공예적인 기법과 판화라는 매체가 어우러져 옛스러움과 모던한 감각을 동시에 느껴볼 수 있도록 한다. 또한 섬세한 감성과 조형 세계의 압축을 보여주는 그녀의 초기 대표작으로 지금까지도 손꼽힌다.<|im_end|>

<|im_start|>2003<|im_end|>

<|im_start|>신경희의 초기 대표작이기도 한 <퀼트>를 선보인 해는?<|im_end|>

<|im_start|>신경희(申景姬, 1964-2017)는 서울대학교와 동대학원에서 서양화과를 졸업하고, 미국 유학길에 올라 테일러 대학교에서 판화 공부를 했다. 그녀는 한국에서 여성의 사회적 진출이 활발하지 않았던 시절 작업을 시작하여, 한국의 근대미술사에서 한 여성 작가로 당당히 자리 잡고 있다. 평소 새로운 문화에 대한 관심이 많고, 이러한 것들을 접했을 때 빠르게 포용하던 신경희의 성격은 작업 성향에도 고스란히 녹아난다. 그녀는 재료 기법을 철저히 연구하여 탈장르적 형식을 추구하며 회화, 판화, 입체, 설치 등 폭넓은 조형언어를 구사하였다. 그녀의 작품 시기는 통상적으로 두 갈래로 나뉘며, 전기는 ‘퀼트’와 ‘어쩔 수 없는 난제들’ 연작을 후기에는 ‘잠자는 도시’와 ‘정원 도시’ 연작을 주로 선보였다. 신경희의 〈퀼트〉(2003)는 일반적으로 천에 바느질을 하는 퀼트와는 다르게, 그녀가 직접 만든 수제 종이에 바느질을 하였으며 그녀의 기억 속에 있는 대상들을 판화로 찍어낸 작품이다. 이는 작가의 수공예적인 기법과 판화라는 매체가 어우러져 옛스러움과 모던한 감각을 동시에 느껴볼 수 있도록 한다. 또한 섬세한 감성과 조형 세계의 압축을 보여주는 그녀의 초기 대표작으로 지금까지도 손꼽힌다.<|im_end|>

<|im_start|>판화<|im_end|>

<|im_start|>신경희가 미국의 테일러 대학교에서 했던 공부는?<|im_end|>

<|im_start|>서울 출생인 강영민(1972~)은 홍익대학교 회화과를 졸업하고 화가인 동시에 전시기획자로 활동하고 있다. 그는 다양한 작업영역을 보여주지만 사랑을 상징하는 하트 이미지를 캔버스에 담아내기 시작하면서 많은 이들의 머릿속에 각인되었다. 그의 하트에는 다양한 종류가 있으며 ‘조는 하트’로 유명세를 타기 시작하였지만, ‘엉엉 하트’, ‘쿨쿨 하트’, ‘깨는 하트’, ‘해골 하트’ 등도 있다. 미술은 강력한 이데올로기라고 말하는 강영민은 전 대통령 박근혜의 얼굴을 작품에 직접적으로 드러내는 작품을 선보이는 등 다소 파격적인 행보를 걷기도 하였다. 강영민의 〈Gentle Heart(Blue)〉(2005)는 〈Gentle Heart(Grey)〉(2005)와 짝을 이루는 연작 작품으로 두 작품은 다소 상반된 분위기를 뿜어내고 있다. 두 작품은 모두 사람 얼굴이 놀란 표정을 하고 있는 하트로 대체되어 있으며, 〈Gentle Heart(Blue)〉에서의 하트는 줄무늬 양복을 입고 작은 동그라미 문양의 넥타이를 반듯하게 매고 있다. 이 작품이 전체적으로 밝고 경쾌한 색감을 사용하여 산뜻한 느낌을 주는 반면, 〈Gentle Heart(Blue)〉는 초록색 배경과 아무런 무늬가 없는 짙은 남색의 양복 그리고 흐트러진 넥타이의 대비에도 불구하고 우울한 느낌을 풍긴다.<|im_end|>

<|im_start|>서울<|im_end|>

<|im_start|>강영민의 출생지는?<|im_end|>

<|im_start|>서울 출생인 강영민(1972~)은 홍익대학교 회화과를 졸업하고 화가인 동시에 전시기획자로 활동하고 있다. 그는 다양한 작업영역을 보여주지만 사랑을 상징하는 하트 이미지를 캔버스에 담아내기 시작하면서 많은 이들의 머릿속에 각인되었다. 그의 하트에는 다양한 종류가 있으며 ‘조는 하트’로 유명세를 타기 시작하였지만, ‘엉엉 하트’, ‘쿨쿨 하트’, ‘깨는 하트’, ‘해골 하트’ 등도 있다. 미술은 강력한 이데올로기라고 말하는 강영민은 전 대통령 박근혜의 얼굴을 작품에 직접적으로 드러내는 작품을 선보이는 등 다소 파격적인 행보를 걷기도 하였다. 강영민의 〈Gentle Heart(Blue)〉(2005)는 〈Gentle Heart(Grey)〉(2005)와 짝을 이루는 연작 작품으로 두 작품은 다소 상반된 분위기를 뿜어내고 있다. 두 작품은 모두 사람 얼굴이 놀란 표정을 하고 있는 하트로 대체되어 있으며, 〈Gentle Heart(Blue)〉에서의 하트는 줄무늬 양복을 입고 작은 동그라미 문양의 넥타이를 반듯하게 매고 있다. 이 작품이 전체적으로 밝고 경쾌한 색감을 사용하여 산뜻한 느낌을 주는 반면, 〈Gentle Heart(Blue)〉는 초록색 배경과 아무런 무늬가 없는 짙은 남색의 양복 그리고 흐트러진 넥타이의 대비에도 불구하고 우울한 느낌을 풍긴다.<|im_end|>

<|im_start|>조는 하트<|im_end|>

<|im_start|>강영민이 유명세를 타기 시작한 하트의 종류는?<|im_end|>

<|im_start|>서울 출생인 강영민(1972~)은 홍익대학교 회화과를 졸업하고 화가인 동시에 전시기획자로 활동하고 있다. 그는 다양한 작업영역을 보여주지만 사랑을 상징하는 하트 이미지를 캔버스에 담아내기 시작하면서 많은 이들의 머릿속에 각인되었다. 그의 하트에는 다양한 종류가 있으며 ‘조는 하트’로 유명세를 타기 시작하였지만, ‘엉엉 하트’, ‘쿨쿨 하트’, ‘깨는 하트’, ‘해골 하트’ 등도 있다. 미술은 강력한 이데올로기라고 말하는 강영민은 전 대통령 박근혜의 얼굴을 작품에 직접적으로 드러내는 작품을 선보이는 등 다소 파격적인 행보를 걷기도 하였다. 강영민의 〈Gentle Heart(Blue)〉(2005)는 〈Gentle Heart(Grey)〉(2005)와 짝을 이루는 연작 작품으로 두 작품은 다소 상반된 분위기를 뿜어내고 있다. 두 작품은 모두 사람 얼굴이 놀란 표정을 하고 있는 하트로 대체되어 있으며, 〈Gentle Heart(Blue)〉에서의 하트는 줄무늬 양복을 입고 작은 동그라미 문양의 넥타이를 반듯하게 매고 있다. 이 작품이 전체적으로 밝고 경쾌한 색감을 사용하여 산뜻한 느낌을 주는 반면, 〈Gentle Heart(Blue)〉는 초록색 배경과 아무런 무늬가 없는 짙은 남색의 양복 그리고 흐트러진 넥타이의 대비에도 불구하고 우울한 느낌을 풍긴다.<|im_end|>

<|im_start|>전 대통령 박근혜<|im_end|>

<|im_start|>강영민이 작품에 직접적으로 담아낸 사람은?<|im_end|>

<|im_start|>서울 출생인 강영민(1972~)은 홍익대학교 회화과를 졸업하고 화가인 동시에 전시기획자로 활동하고 있다. 그는 다양한 작업영역을 보여주지만 사랑을 상징하는 하트 이미지를 캔버스에 담아내기 시작하면서 많은 이들의 머릿속에 각인되었다. 그의 하트에는 다양한 종류가 있으며 ‘조는 하트’로 유명세를 타기 시작하였지만, ‘엉엉 하트’, ‘쿨쿨 하트’, ‘깨는 하트’, ‘해골 하트’ 등도 있다. 미술은 강력한 이데올로기라고 말하는 강영민은 전 대통령 박근혜의 얼굴을 작품에 직접적으로 드러내는 작품을 선보이는 등 다소 파격적인 행보를 걷기도 하였다. 강영민의 〈Gentle Heart(Blue)〉(2005)는 〈Gentle Heart(Grey)〉(2005)와 짝을 이루는 연작 작품으로 두 작품은 다소 상반된 분위기를 뿜어내고 있다. 두 작품은 모두 사람 얼굴이 놀란 표정을 하고 있는 하트로 대체되어 있으며, 〈Gentle Heart(Blue)〉에서의 하트는 줄무늬 양복을 입고 작은 동그라미 문양의 넥타이를 반듯하게 매고 있다. 이 작품이 전체적으로 밝고 경쾌한 색감을 사용하여 산뜻한 느낌을 주는 반면, 〈Gentle Heart(Blue)〉는 초록색 배경과 아무런 무늬가 없는 짙은 남색의 양복 그리고 흐트러진 넥타이의 대비에도 불구하고 우울한 느낌을 풍긴다.<|im_end|>

<|im_start|>1972<|im_end|>

<|im_start|>강영민의 출생년도는?<|im_end|>

<|im_start|>서울 출생인 강영민(1972~)은 홍익대학교 회화과를 졸업하고 화가인 동시에 전시기획자로 활동하고 있다. 그는 다양한 작업영역을 보여주지만 사랑을 상징하는 하트 이미지를 캔버스에 담아내기 시작하면서 많은 이들의 머릿속에 각인되었다. 그의 하트에는 다양한 종류가 있으며 ‘조는 하트’로 유명세를 타기 시작하였지만, ‘엉엉 하트’, ‘쿨쿨 하트’, ‘깨는 하트’, ‘해골 하트’ 등도 있다. 미술은 강력한 이데올로기라고 말하는 강영민은 전 대통령 박근혜의 얼굴을 작품에 직접적으로 드러내는 작품을 선보이는 등 다소 파격적인 행보를 걷기도 하였다. 강영민의 〈Gentle Heart(Blue)〉(2005)는 〈Gentle Heart(Grey)〉(2005)와 짝을 이루는 연작 작품으로 두 작품은 다소 상반된 분위기를 뿜어내고 있다. 두 작품은 모두 사람 얼굴이 놀란 표정을 하고 있는 하트로 대체되어 있으며, 〈Gentle Heart(Blue)〉에서의 하트는 줄무늬 양복을 입고 작은 동그라미 문양의 넥타이를 반듯하게 매고 있다. 이 작품이 전체적으로 밝고 경쾌한 색감을 사용하여 산뜻한 느낌을 주는 반면, 〈Gentle Heart(Blue)〉는 초록색 배경과 아무런 무늬가 없는 짙은 남색의 양복 그리고 흐트러진 넥타이의 대비에도 불구하고 우울한 느낌을 풍긴다.<|im_end|>

<|im_start|>Gentle Heart(Blue)<|im_end|>

<|im_start|>줄무늬 양복을 입고 작은 동그라미 문양의 넥타이를 맨 하트를 그린 것은?<|im_end|>

<|im_start|>서울 출생인 강영민(1972~)은 홍익대학교 회화과를 졸업하고 화가인 동시에 전시기획자로 활동하고 있다. 그는 다양한 작업영역을 보여주지만 사랑을 상징하는 하트 이미지를 캔버스에 담아내기 시작하면서 많은 이들의 머릿속에 각인되었다. 그의 하트에는 다양한 종류가 있으며 ‘조는 하트’로 유명세를 타기 시작하였지만, ‘엉엉 하트’, ‘쿨쿨 하트’, ‘깨는 하트’, ‘해골 하트’ 등도 있다. 미술은 강력한 이데올로기라고 말하는 강영민은 전 대통령 박근혜의 얼굴을 작품에 직접적으로 드러내는 작품을 선보이는 등 다소 파격적인 행보를 걷기도 하였다. 강영민의 〈Gentle Heart(Blue)〉(2005)는 〈Gentle Heart(Grey)〉(2005)와 짝을 이루는 연작 작품으로 두 작품은 다소 상반된 분위기를 뿜어내고 있다. 두 작품은 모두 사람 얼굴이 놀란 표정을 하고 있는 하트로 대체되어 있으며, 〈Gentle Heart(Blue)〉에서의 하트는 줄무늬 양복을 입고 작은 동그라미 문양의 넥타이를 반듯하게 매고 있다. 이 작품이 전체적으로 밝고 경쾌한 색감을 사용하여 산뜻한 느낌을 주는 반면, 〈Gentle Heart(Blue)〉는 초록색 배경과 아무런 무늬가 없는 짙은 남색의 양복 그리고 흐트러진 넥타이의 대비에도 불구하고 우울한 느낌을 풍긴다.<|im_end|>

<|im_start|>Gentle Heart(Grey)<|im_end|>

<|im_start|><Gentle Heart(Blue)>와 짝을 이루는 연작 작품 이름은?<|im_end|>

<|im_start|>강원도 철원에서 태어난 박광수(1984~)는 서울과학기술대학교에서 조형예술과를 졸업하고 동대학원에서 석사 과정을 밟았다. 그의 작품은 흑백의 선으로 드로잉하듯 표현되어 있다는 공통점이 있으며, 검정과 하얀색의 선은 서로를 대비시키며 형태를 확연히 드러내기보다 오히려 그 사이의 경계를 무너트리고 모호하게 만드는 역할을 한다. 박광수의 작품에는 빈번히 숲이 등장하는데 사람의 손길이 닿지 않는 숲이 그에게는 날것의 공간이자 원초적인 공간으로 다가왔다. 통제되지 않은 무의식의 공간에서 내면의 감성을 들여다볼 수 있고 더욱 솔직해질 수 있기에, 박광수는 숲과 숲에 있는 대상을 정연하게 그려내기보다는 비정형화 된 모습으로 표현하고자 하는 것일지도 모르겠다. 그리고 형태가 모호해지면서 선의 운율에 더욱 집중할 수 있게 된다. 박광수의 〈검은 숲 속〉(2017)은 그가 지향하는 작업의 형식과 방향성을 잘 보여주는 작품이다. 그는 먼저 선으로 형태를 그린 다음 배경과 대상이 사라지는 것처럼 보이길 원해서 남은 여백을 다른 색의 선으로 채우듯이 그렸다. 그러나 그의 의도와는 다르게 선들 사이로 드러나는 흰 여백이 부서지고 남은 흔적과 같이 파편처럼 드러나는 효과를 자아낸다.<|im_end|>

<|im_start|>강원도 철원<|im_end|>

<|im_start|>박광수의 출생지는?<|im_end|>

<|im_start|>강원도 철원에서 태어난 박광수(1984~)는 서울과학기술대학교에서 조형예술과를 졸업하고 동대학원에서 석사 과정을 밟았다. 그의 작품은 흑백의 선으로 드로잉하듯 표현되어 있다는 공통점이 있으며, 검정과 하얀색의 선은 서로를 대비시키며 형태를 확연히 드러내기보다 오히려 그 사이의 경계를 무너트리고 모호하게 만드는 역할을 한다. 박광수의 작품에는 빈번히 숲이 등장하는데 사람의 손길이 닿지 않는 숲이 그에게는 날것의 공간이자 원초적인 공간으로 다가왔다. 통제되지 않은 무의식의 공간에서 내면의 감성을 들여다볼 수 있고 더욱 솔직해질 수 있기에, 박광수는 숲과 숲에 있는 대상을 정연하게 그려내기보다는 비정형화 된 모습으로 표현하고자 하는 것일지도 모르겠다. 그리고 형태가 모호해지면서 선의 운율에 더욱 집중할 수 있게 된다. 박광수의 〈검은 숲 속〉(2017)은 그가 지향하는 작업의 형식과 방향성을 잘 보여주는 작품이다. 그는 먼저 선으로 형태를 그린 다음 배경과 대상이 사라지는 것처럼 보이길 원해서 남은 여백을 다른 색의 선으로 채우듯이 그렸다. 그러나 그의 의도와는 다르게 선들 사이로 드러나는 흰 여백이 부서지고 남은 흔적과 같이 파편처럼 드러나는 효과를 자아낸다.<|im_end|>

<|im_start|>서울과학기술대학교<|im_end|>

<|im_start|>박광수가 졸업한 대학교는?<|im_end|>

<|im_start|>강원도 철원에서 태어난 박광수(1984~)는 서울과학기술대학교에서 조형예술과를 졸업하고 동대학원에서 석사 과정을 밟았다. 그의 작품은 흑백의 선으로 드로잉하듯 표현되어 있다는 공통점이 있으며, 검정과 하얀색의 선은 서로를 대비시키며 형태를 확연히 드러내기보다 오히려 그 사이의 경계를 무너트리고 모호하게 만드는 역할을 한다. 박광수의 작품에는 빈번히 숲이 등장하는데 사람의 손길이 닿지 않는 숲이 그에게는 날것의 공간이자 원초적인 공간으로 다가왔다. 통제되지 않은 무의식의 공간에서 내면의 감성을 들여다볼 수 있고 더욱 솔직해질 수 있기에, 박광수는 숲과 숲에 있는 대상을 정연하게 그려내기보다는 비정형화 된 모습으로 표현하고자 하는 것일지도 모르겠다. 그리고 형태가 모호해지면서 선의 운율에 더욱 집중할 수 있게 된다. 박광수의 〈검은 숲 속〉(2017)은 그가 지향하는 작업의 형식과 방향성을 잘 보여주는 작품이다. 그는 먼저 선으로 형태를 그린 다음 배경과 대상이 사라지는 것처럼 보이길 원해서 남은 여백을 다른 색의 선으로 채우듯이 그렸다. 그러나 그의 의도와는 다르게 선들 사이로 드러나는 흰 여백이 부서지고 남은 흔적과 같이 파편처럼 드러나는 효과를 자아낸다.<|im_end|>

<|im_start|>흑백의 선으로 드로잉하듯 표현<|im_end|>

<|im_start|>박광수 작품의 공통점은?<|im_end|>

<|im_start|>강원도 철원에서 태어난 박광수(1984~)는 서울과학기술대학교에서 조형예술과를 졸업하고 동대학원에서 석사 과정을 밟았다. 그의 작품은 흑백의 선으로 드로잉하듯 표현되어 있다는 공통점이 있으며, 검정과 하얀색의 선은 서로를 대비시키며 형태를 확연히 드러내기보다 오히려 그 사이의 경계를 무너트리고 모호하게 만드는 역할을 한다. 박광수의 작품에는 빈번히 숲이 등장하는데 사람의 손길이 닿지 않는 숲이 그에게는 날것의 공간이자 원초적인 공간으로 다가왔다. 통제되지 않은 무의식의 공간에서 내면의 감성을 들여다볼 수 있고 더욱 솔직해질 수 있기에, 박광수는 숲과 숲에 있는 대상을 정연하게 그려내기보다는 비정형화 된 모습으로 표현하고자 하는 것일지도 모르겠다. 그리고 형태가 모호해지면서 선의 운율에 더욱 집중할 수 있게 된다. 박광수의 〈검은 숲 속〉(2017)은 그가 지향하는 작업의 형식과 방향성을 잘 보여주는 작품이다. 그는 먼저 선으로 형태를 그린 다음 배경과 대상이 사라지는 것처럼 보이길 원해서 남은 여백을 다른 색의 선으로 채우듯이 그렸다. 그러나 그의 의도와는 다르게 선들 사이로 드러나는 흰 여백이 부서지고 남은 흔적과 같이 파편처럼 드러나는 효과를 자아낸다.<|im_end|>

<|im_start|>석사<|im_end|>

<|im_start|>박광수의 최종 학위는?<|im_end|>

<|im_start|>강원도 철원에서 태어난 박광수(1984~)는 서울과학기술대학교에서 조형예술과를 졸업하고 동대학원에서 석사 과정을 밟았다. 그의 작품은 흑백의 선으로 드로잉하듯 표현되어 있다는 공통점이 있으며, 검정과 하얀색의 선은 서로를 대비시키며 형태를 확연히 드러내기보다 오히려 그 사이의 경계를 무너트리고 모호하게 만드는 역할을 한다. 박광수의 작품에는 빈번히 숲이 등장하는데 사람의 손길이 닿지 않는 숲이 그에게는 날것의 공간이자 원초적인 공간으로 다가왔다. 통제되지 않은 무의식의 공간에서 내면의 감성을 들여다볼 수 있고 더욱 솔직해질 수 있기에, 박광수는 숲과 숲에 있는 대상을 정연하게 그려내기보다는 비정형화 된 모습으로 표현하고자 하는 것일지도 모르겠다. 그리고 형태가 모호해지면서 선의 운율에 더욱 집중할 수 있게 된다. 박광수의 〈검은 숲 속〉(2017)은 그가 지향하는 작업의 형식과 방향성을 잘 보여주는 작품이다. 그는 먼저 선으로 형태를 그린 다음 배경과 대상이 사라지는 것처럼 보이길 원해서 남은 여백을 다른 색의 선으로 채우듯이 그렸다. 그러나 그의 의도와는 다르게 선들 사이로 드러나는 흰 여백이 부서지고 남은 흔적과 같이 파편처럼 드러나는 효과를 자아낸다.<|im_end|>

<|im_start|>1984<|im_end|>

<|im_start|>박광수의 출생년도는?<|im_end|>

<|im_start|>강원도 철원에서 태어난 박광수(1984~)는 서울과학기술대학교에서 조형예술과를 졸업하고 동대학원에서 석사 과정을 밟았다. 그의 작품은 흑백의 선으로 드로잉하듯 표현되어 있다는 공통점이 있으며, 검정과 하얀색의 선은 서로를 대비시키며 형태를 확연히 드러내기보다 오히려 그 사이의 경계를 무너트리고 모호하게 만드는 역할을 한다. 박광수의 작품에는 빈번히 숲이 등장하는데 사람의 손길이 닿지 않는 숲이 그에게는 날것의 공간이자 원초적인 공간으로 다가왔다. 통제되지 않은 무의식의 공간에서 내면의 감성을 들여다볼 수 있고 더욱 솔직해질 수 있기에, 박광수는 숲과 숲에 있는 대상을 정연하게 그려내기보다는 비정형화 된 모습으로 표현하고자 하는 것일지도 모르겠다. 그리고 형태가 모호해지면서 선의 운율에 더욱 집중할 수 있게 된다. 박광수의 〈검은 숲 속〉(2017)은 그가 지향하는 작업의 형식과 방향성을 잘 보여주는 작품이다. 그는 먼저 선으로 형태를 그린 다음 배경과 대상이 사라지는 것처럼 보이길 원해서 남은 여백을 다른 색의 선으로 채우듯이 그렸다. 그러나 그의 의도와는 다르게 선들 사이로 드러나는 흰 여백이 부서지고 남은 흔적과 같이 파편처럼 드러나는 효과를 자아낸다.<|im_end|>

<|im_start|>2017<|im_end|>

<|im_start|>박광수가 <검은 숲 속>을 선보인 해는?<|im_end|>

<|im_start|>충북 청주 출생인 박흥순(朴興淳, 1952~)은 중앙대학교 서양화과를 졸업하고 동대학원에서 석사과정을 밟았다. 그는 민중미술단체인 ‘현실과 발언’의 뒤를 이어 창립된 ‘임술년(壬戌年, 1982-1987)’의 일원으로 활동하였다. 민중미술은 한국현대미술사에서 가장 치열하게 시대성을 담은 미술로 평가받고 있으며, 이러한 활동에 가담한 박흥순은 민중미술화가라 불린다. 당시 젊은 작가들은 현실을 외면하는 단색화로 대표되는 모더니즘에 반발하여, 정치·사회적 현실을 비판적으로 다룰 수 있는 구상회화를 부활시켰고 박흥순 역시 마찬가지였던 것이다. 그가 한국사회를 병폐를 그리고자 선택했던 소재는 링 위에서 쓰러져 있거나 혹은 곧 쓰러질 미래를 예상할 수 있는 동작을 하고 있는 복서였다. 오랜시간 일관된 주제로 작업을 해오고 있기에 그는 복서화가로도 지칭된다. 박흥순의 〈복서 26〉(1985) 역시 복서 연작 중 한 작품으로 바닥에 꼬꾸라진 채 뒷모습을 보이고 있는 복서 두 명이 보인다. 지켜보는 이 하나 없는 패배자의 모습은 희망이 사라진 채 좌절된 고독한 민중을 상징한다. 또한 그려진 작품의 배경을 보면 링이 아닌 고가도로와 고층건물이 있는 도시임을 알 수 있는데, 복서 연작에는 매연이 즐비한 공장 하늘이라던지 혹은 어딘지 알 수 없는 난간 등의 배경이 등장한다. 이는 도시화와 산업화에 직면한 한국의 당시 사회상을 반영한다.<|im_end|>

<|im_start|>충북 청주<|im_end|>

<|im_start|>박흥순의 출생지는?<|im_end|>

<|im_start|>충북 청주 출생인 박흥순(朴興淳, 1952~)은 중앙대학교 서양화과를 졸업하고 동대학원에서 석사과정을 밟았다. 그는 민중미술단체인 ‘현실과 발언’의 뒤를 이어 창립된 ‘임술년(壬戌年, 1982-1987)’의 일원으로 활동하였다. 민중미술은 한국현대미술사에서 가장 치열하게 시대성을 담은 미술로 평가받고 있으며, 이러한 활동에 가담한 박흥순은 민중미술화가라 불린다. 당시 젊은 작가들은 현실을 외면하는 단색화로 대표되는 모더니즘에 반발하여, 정치·사회적 현실을 비판적으로 다룰 수 있는 구상회화를 부활시켰고 박흥순 역시 마찬가지였던 것이다. 그가 한국사회를 병폐를 그리고자 선택했던 소재는 링 위에서 쓰러져 있거나 혹은 곧 쓰러질 미래를 예상할 수 있는 동작을 하고 있는 복서였다. 오랜시간 일관된 주제로 작업을 해오고 있기에 그는 복서화가로도 지칭된다. 박흥순의 〈복서 26〉(1985) 역시 복서 연작 중 한 작품으로 바닥에 꼬꾸라진 채 뒷모습을 보이고 있는 복서 두 명이 보인다. 지켜보는 이 하나 없는 패배자의 모습은 희망이 사라진 채 좌절된 고독한 민중을 상징한다. 또한 그려진 작품의 배경을 보면 링이 아닌 고가도로와 고층건물이 있는 도시임을 알 수 있는데, 복서 연작에는 매연이 즐비한 공장 하늘이라던지 혹은 어딘지 알 수 없는 난간 등의 배경이 등장한다. 이는 도시화와 산업화에 직면한 한국의 당시 사회상을 반영한다.<|im_end|>

<|im_start|>임술년<|im_end|>

<|im_start|>민중미술단체인 '현실과 발언'의 뒤를 이어 창립된 것은?<|im_end|>

<|im_start|>충북 청주 출생인 박흥순(朴興淳, 1952~)은 중앙대학교 서양화과를 졸업하고 동대학원에서 석사과정을 밟았다. 그는 민중미술단체인 ‘현실과 발언’의 뒤를 이어 창립된 ‘임술년(壬戌年, 1982-1987)’의 일원으로 활동하였다. 민중미술은 한국현대미술사에서 가장 치열하게 시대성을 담은 미술로 평가받고 있으며, 이러한 활동에 가담한 박흥순은 민중미술화가라 불린다. 당시 젊은 작가들은 현실을 외면하는 단색화로 대표되는 모더니즘에 반발하여, 정치·사회적 현실을 비판적으로 다룰 수 있는 구상회화를 부활시켰고 박흥순 역시 마찬가지였던 것이다. 그가 한국사회를 병폐를 그리고자 선택했던 소재는 링 위에서 쓰러져 있거나 혹은 곧 쓰러질 미래를 예상할 수 있는 동작을 하고 있는 복서였다. 오랜시간 일관된 주제로 작업을 해오고 있기에 그는 복서화가로도 지칭된다. 박흥순의 〈복서 26〉(1985) 역시 복서 연작 중 한 작품으로 바닥에 꼬꾸라진 채 뒷모습을 보이고 있는 복서 두 명이 보인다. 지켜보는 이 하나 없는 패배자의 모습은 희망이 사라진 채 좌절된 고독한 민중을 상징한다. 또한 그려진 작품의 배경을 보면 링이 아닌 고가도로와 고층건물이 있는 도시임을 알 수 있는데, 복서 연작에는 매연이 즐비한 공장 하늘이라던지 혹은 어딘지 알 수 없는 난간 등의 배경이 등장한다. 이는 도시화와 산업화에 직면한 한국의 당시 사회상을 반영한다.<|im_end|>

<|im_start|>복서화가<|im_end|>

<|im_start|>박흥순을 지칭하는 말은?<|im_end|>

<|im_start|>충북 청주 출생인 박흥순(朴興淳, 1952~)은 중앙대학교 서양화과를 졸업하고 동대학원에서 석사과정을 밟았다. 그는 민중미술단체인 ‘현실과 발언’의 뒤를 이어 창립된 ‘임술년(壬戌年, 1982-1987)’의 일원으로 활동하였다. 민중미술은 한국현대미술사에서 가장 치열하게 시대성을 담은 미술로 평가받고 있으며, 이러한 활동에 가담한 박흥순은 민중미술화가라 불린다. 당시 젊은 작가들은 현실을 외면하는 단색화로 대표되는 모더니즘에 반발하여, 정치·사회적 현실을 비판적으로 다룰 수 있는 구상회화를 부활시켰고 박흥순 역시 마찬가지였던 것이다. 그가 한국사회를 병폐를 그리고자 선택했던 소재는 링 위에서 쓰러져 있거나 혹은 곧 쓰러질 미래를 예상할 수 있는 동작을 하고 있는 복서였다. 오랜시간 일관된 주제로 작업을 해오고 있기에 그는 복서화가로도 지칭된다. 박흥순의 〈복서 26〉(1985) 역시 복서 연작 중 한 작품으로 바닥에 꼬꾸라진 채 뒷모습을 보이고 있는 복서 두 명이 보인다. 지켜보는 이 하나 없는 패배자의 모습은 희망이 사라진 채 좌절된 고독한 민중을 상징한다. 또한 그려진 작품의 배경을 보면 링이 아닌 고가도로와 고층건물이 있는 도시임을 알 수 있는데, 복서 연작에는 매연이 즐비한 공장 하늘이라던지 혹은 어딘지 알 수 없는 난간 등의 배경이 등장한다. 이는 도시화와 산업화에 직면한 한국의 당시 사회상을 반영한다.<|im_end|>

<|im_start|>복서 26<|im_end|>

<|im_start|>패배자의 모습을 통해 희망이 사라진 채 좌절된 고독한 민중을 상징하는 것은?<|im_end|>

<|im_start|>충북 청주 출생인 박흥순(朴興淳, 1952~)은 중앙대학교 서양화과를 졸업하고 동대학원에서 석사과정을 밟았다. 그는 민중미술단체인 ‘현실과 발언’의 뒤를 이어 창립된 ‘임술년(壬戌年, 1982-1987)’의 일원으로 활동하였다. 민중미술은 한국현대미술사에서 가장 치열하게 시대성을 담은 미술로 평가받고 있으며, 이러한 활동에 가담한 박흥순은 민중미술화가라 불린다. 당시 젊은 작가들은 현실을 외면하는 단색화로 대표되는 모더니즘에 반발하여, 정치·사회적 현실을 비판적으로 다룰 수 있는 구상회화를 부활시켰고 박흥순 역시 마찬가지였던 것이다. 그가 한국사회를 병폐를 그리고자 선택했던 소재는 링 위에서 쓰러져 있거나 혹은 곧 쓰러질 미래를 예상할 수 있는 동작을 하고 있는 복서였다. 오랜시간 일관된 주제로 작업을 해오고 있기에 그는 복서화가로도 지칭된다. 박흥순의 〈복서 26〉(1985) 역시 복서 연작 중 한 작품으로 바닥에 꼬꾸라진 채 뒷모습을 보이고 있는 복서 두 명이 보인다. 지켜보는 이 하나 없는 패배자의 모습은 희망이 사라진 채 좌절된 고독한 민중을 상징한다. 또한 그려진 작품의 배경을 보면 링이 아닌 고가도로와 고층건물이 있는 도시임을 알 수 있는데, 복서 연작에는 매연이 즐비한 공장 하늘이라던지 혹은 어딘지 알 수 없는 난간 등의 배경이 등장한다. 이는 도시화와 산업화에 직면한 한국의 당시 사회상을 반영한다.<|im_end|>

<|im_start|>1985<|im_end|>

<|im_start|><복서 26>을 선보인 해는?<|im_end|>

<|im_start|>충북 청주 출생인 박흥순(朴興淳, 1952~)은 중앙대학교 서양화과를 졸업하고 동대학원에서 석사과정을 밟았다. 그는 민중미술단체인 ‘현실과 발언’의 뒤를 이어 창립된 ‘임술년(壬戌年, 1982-1987)’의 일원으로 활동하였다. 민중미술은 한국현대미술사에서 가장 치열하게 시대성을 담은 미술로 평가받고 있으며, 이러한 활동에 가담한 박흥순은 민중미술화가라 불린다. 당시 젊은 작가들은 현실을 외면하는 단색화로 대표되는 모더니즘에 반발하여, 정치·사회적 현실을 비판적으로 다룰 수 있는 구상회화를 부활시켰고 박흥순 역시 마찬가지였던 것이다. 그가 한국사회를 병폐를 그리고자 선택했던 소재는 링 위에서 쓰러져 있거나 혹은 곧 쓰러질 미래를 예상할 수 있는 동작을 하고 있는 복서였다. 오랜시간 일관된 주제로 작업을 해오고 있기에 그는 복서화가로도 지칭된다. 박흥순의 〈복서 26〉(1985) 역시 복서 연작 중 한 작품으로 바닥에 꼬꾸라진 채 뒷모습을 보이고 있는 복서 두 명이 보인다. 지켜보는 이 하나 없는 패배자의 모습은 희망이 사라진 채 좌절된 고독한 민중을 상징한다. 또한 그려진 작품의 배경을 보면 링이 아닌 고가도로와 고층건물이 있는 도시임을 알 수 있는데, 복서 연작에는 매연이 즐비한 공장 하늘이라던지 혹은 어딘지 알 수 없는 난간 등의 배경이 등장한다. 이는 도시화와 산업화에 직면한 한국의 당시 사회상을 반영한다.<|im_end|>

<|im_start|>민중미술<|im_end|>

<|im_start|>한국현대미술사에서 가장 치열하게 시대성을 담은 미술로 평가받는 것은?<|im_end|>

<|im_start|>백현진(1972~)은 홍익대학교 조소과에 입학하였으나 1년 만에 중퇴하고, 베이시스트 장영규를 만나 인디 밴드인 어어부 프로젝트를 결성하였다. 그는 어어부 프로젝트의 보컬로 활동하면서 김기덕, 홍상수, 박찬욱 등의 유명 영화감독의 영화에 음악이 출현하게 되었고, 이를 통해 대중적으로 알려지게 되었다. 그러나 20세 때 최정화, 이불 등의 작가들과 어울렸던 여운이 남았던 탓이지 예술계 활동의 끈도 놓지 못하였는데, 2000년대에 들어 백현진은 전시 활동을 시작하게 된다. 2005년 아라리오 갤러리의 전속작가로 발탁되어 5년간 소속되어있으면서 국내외로 왕성히 활동하였으며 현재는 PKM 갤러리 전속작가이다. 회화, 설치, 영상, 퍼포먼스 등 다양한 장르의 작품을 선보이고 있으며, 2017년 국립현대미술관에서 선정하는 올해의 작가상 후보 4인에 오르기도 하였다. 현재 그는 배우로도 활동 중에 있다. 백현진의 〈꼬리에꼬리에꼬리에꼬리에꼬리를〉(2010, 2014-2015)은 그가 구사하는 작품 스타일이 어김없이 드러나는데, 무계획적이고 자유분방한 붓질을 하염없이 그리고 과감히 캔버스 위에 올려놓았다. 타 매체로는 대체할 수 없는 붓질의 시각적이고 촉각적인 특성을 최대한 살려 직관적으로 회화라는 매체를 다루고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>장영규<|im_end|>

<|im_start|>작가와 함께 인디 밴드인 어어부 프로젝트를 결성한 베이시스트는?<|im_end|>

<|im_start|>백현진(1972~)은 홍익대학교 조소과에 입학하였으나 1년 만에 중퇴하고, 베이시스트 장영규를 만나 인디 밴드인 어어부 프로젝트를 결성하였다. 그는 어어부 프로젝트의 보컬로 활동하면서 김기덕, 홍상수, 박찬욱 등의 유명 영화감독의 영화에 음악이 출현하게 되었고, 이를 통해 대중적으로 알려지게 되었다. 그러나 20세 때 최정화, 이불 등의 작가들과 어울렸던 여운이 남았던 탓이지 예술계 활동의 끈도 놓지 못하였는데, 2000년대에 들어 백현진은 전시 활동을 시작하게 된다. 2005년 아라리오 갤러리의 전속작가로 발탁되어 5년간 소속되어있으면서 국내외로 왕성히 활동하였으며 현재는 PKM 갤러리 전속작가이다. 회화, 설치, 영상, 퍼포먼스 등 다양한 장르의 작품을 선보이고 있으며, 2017년 국립현대미술관에서 선정하는 올해의 작가상 후보 4인에 오르기도 하였다. 현재 그는 배우로도 활동 중에 있다. 백현진의 〈꼬리에꼬리에꼬리에꼬리에꼬리를〉(2010, 2014-2015)은 그가 구사하는 작품 스타일이 어김없이 드러나는데, 무계획적이고 자유분방한 붓질을 하염없이 그리고 과감히 캔버스 위에 올려놓았다. 타 매체로는 대체할 수 없는 붓질의 시각적이고 촉각적인 특성을 최대한 살려 직관적으로 회화라는 매체를 다루고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>2000년대<|im_end|>

<|im_start|>작가가 전시 활동을 시작하게 된 때는?<|im_end|>

<|im_start|>백현진(1972~)은 홍익대학교 조소과에 입학하였으나 1년 만에 중퇴하고, 베이시스트 장영규를 만나 인디 밴드인 어어부 프로젝트를 결성하였다. 그는 어어부 프로젝트의 보컬로 활동하면서 김기덕, 홍상수, 박찬욱 등의 유명 영화감독의 영화에 음악이 출현하게 되었고, 이를 통해 대중적으로 알려지게 되었다. 그러나 20세 때 최정화, 이불 등의 작가들과 어울렸던 여운이 남았던 탓이지 예술계 활동의 끈도 놓지 못하였는데, 2000년대에 들어 백현진은 전시 활동을 시작하게 된다. 2005년 아라리오 갤러리의 전속작가로 발탁되어 5년간 소속되어있으면서 국내외로 왕성히 활동하였으며 현재는 PKM 갤러리 전속작가이다. 회화, 설치, 영상, 퍼포먼스 등 다양한 장르의 작품을 선보이고 있으며, 2017년 국립현대미술관에서 선정하는 올해의 작가상 후보 4인에 오르기도 하였다. 현재 그는 배우로도 활동 중에 있다. 백현진의 〈꼬리에꼬리에꼬리에꼬리에꼬리를〉(2010, 2014-2015)은 그가 구사하는 작품 스타일이 어김없이 드러나는데, 무계획적이고 자유분방한 붓질을 하염없이 그리고 과감히 캔버스 위에 올려놓았다. 타 매체로는 대체할 수 없는 붓질의 시각적이고 촉각적인 특성을 최대한 살려 직관적으로 회화라는 매체를 다루고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>PKM 갤러리<|im_end|>

<|im_start|>현재 작가가 전속작가로 있는 곳은?<|im_end|>

<|im_start|>백현진(1972~)은 홍익대학교 조소과에 입학하였으나 1년 만에 중퇴하고, 베이시스트 장영규를 만나 인디 밴드인 어어부 프로젝트를 결성하였다. 그는 어어부 프로젝트의 보컬로 활동하면서 김기덕, 홍상수, 박찬욱 등의 유명 영화감독의 영화에 음악이 출현하게 되었고, 이를 통해 대중적으로 알려지게 되었다. 그러나 20세 때 최정화, 이불 등의 작가들과 어울렸던 여운이 남았던 탓이지 예술계 활동의 끈도 놓지 못하였는데, 2000년대에 들어 백현진은 전시 활동을 시작하게 된다. 2005년 아라리오 갤러리의 전속작가로 발탁되어 5년간 소속되어있으면서 국내외로 왕성히 활동하였으며 현재는 PKM 갤러리 전속작가이다. 회화, 설치, 영상, 퍼포먼스 등 다양한 장르의 작품을 선보이고 있으며, 2017년 국립현대미술관에서 선정하는 올해의 작가상 후보 4인에 오르기도 하였다. 현재 그는 배우로도 활동 중에 있다. 백현진의 〈꼬리에꼬리에꼬리에꼬리에꼬리를〉(2010, 2014-2015)은 그가 구사하는 작품 스타일이 어김없이 드러나는데, 무계획적이고 자유분방한 붓질을 하염없이 그리고 과감히 캔버스 위에 올려놓았다. 타 매체로는 대체할 수 없는 붓질의 시각적이고 촉각적인 특성을 최대한 살려 직관적으로 회화라는 매체를 다루고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>2017년<|im_end|>

<|im_start|>작가가 국립현대미술관에서 선정하는 올해의 작가상 후보 4인에 올랐던 해는?<|im_end|>

<|im_start|>백현진(1972~)은 홍익대학교 조소과에 입학하였으나 1년 만에 중퇴하고, 베이시스트 장영규를 만나 인디 밴드인 어어부 프로젝트를 결성하였다. 그는 어어부 프로젝트의 보컬로 활동하면서 김기덕, 홍상수, 박찬욱 등의 유명 영화감독의 영화에 음악이 출현하게 되었고, 이를 통해 대중적으로 알려지게 되었다. 그러나 20세 때 최정화, 이불 등의 작가들과 어울렸던 여운이 남았던 탓이지 예술계 활동의 끈도 놓지 못하였는데, 2000년대에 들어 백현진은 전시 활동을 시작하게 된다. 2005년 아라리오 갤러리의 전속작가로 발탁되어 5년간 소속되어있으면서 국내외로 왕성히 활동하였으며 현재는 PKM 갤러리 전속작가이다. 회화, 설치, 영상, 퍼포먼스 등 다양한 장르의 작품을 선보이고 있으며, 2017년 국립현대미술관에서 선정하는 올해의 작가상 후보 4인에 오르기도 하였다. 현재 그는 배우로도 활동 중에 있다. 백현진의 〈꼬리에꼬리에꼬리에꼬리에꼬리를〉(2010, 2014-2015)은 그가 구사하는 작품 스타일이 어김없이 드러나는데, 무계획적이고 자유분방한 붓질을 하염없이 그리고 과감히 캔버스 위에 올려놓았다. 타 매체로는 대체할 수 없는 붓질의 시각적이고 촉각적인 특성을 최대한 살려 직관적으로 회화라는 매체를 다루고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>꼬리에꼬리에꼬리에꼬리에꼬리를<|im_end|>

<|im_start|>무계획적이고 자유분방한 붓질을 하염없이 그리고 과감히 캔버스 위에 올려놓은 작품은?<|im_end|>

<|im_start|>백현진(1972~)은 홍익대학교 조소과에 입학하였으나 1년 만에 중퇴하고, 베이시스트 장영규를 만나 인디 밴드인 어어부 프로젝트를 결성하였다. 그는 어어부 프로젝트의 보컬로 활동하면서 김기덕, 홍상수, 박찬욱 등의 유명 영화감독의 영화에 음악이 출현하게 되었고, 이를 통해 대중적으로 알려지게 되었다. 그러나 20세 때 최정화, 이불 등의 작가들과 어울렸던 여운이 남았던 탓이지 예술계 활동의 끈도 놓지 못하였는데, 2000년대에 들어 백현진은 전시 활동을 시작하게 된다. 2005년 아라리오 갤러리의 전속작가로 발탁되어 5년간 소속되어있으면서 국내외로 왕성히 활동하였으며 현재는 PKM 갤러리 전속작가이다. 회화, 설치, 영상, 퍼포먼스 등 다양한 장르의 작품을 선보이고 있으며, 2017년 국립현대미술관에서 선정하는 올해의 작가상 후보 4인에 오르기도 하였다. 현재 그는 배우로도 활동 중에 있다. 백현진의 〈꼬리에꼬리에꼬리에꼬리에꼬리를〉(2010, 2014-2015)은 그가 구사하는 작품 스타일이 어김없이 드러나는데, 무계획적이고 자유분방한 붓질을 하염없이 그리고 과감히 캔버스 위에 올려놓았다. 타 매체로는 대체할 수 없는 붓질의 시각적이고 촉각적인 특성을 최대한 살려 직관적으로 회화라는 매체를 다루고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>홍익대학교<|im_end|>

<|im_start|>백현진이 입학한 학교는?<|im_end|>

<|im_start|>충남 연기군에서 태어난 임동식(1945~)은 홍익대학교에서 회화과를 졸업하고 독일의 국립 함부르크미술대학에서 자유미술학과로 석사과정을 밟고 귀국하였다. 그는 회화, 설치, 퍼포먼스 등 다양한 매체를 아우르며, 70년대 중반부터 자연을 담은 작품을 지속적으로 선보이고 있어 자연미술가라고도 불린다. 그러나 자연미술이란 단순히 자연을 화폭에 담는 것을 넘어서 자연에 가까이 다가감으로써 미술의 조형요소가 사라지고, 그 지점에서 느끼는 것들에 대한 사유 행위를 일컫는다. 또한 임동식이 다루는 매체 중, 퍼포먼스는 다른 매체들처럼 존속할 수 없기에 이러한 한계점을 극복하고자 그는 작업 활동과 관련한 자료를 모으기 시작하였다. 그가 모은 자료는 무려 5천여 건에 달하며, 이를 2019년에 서울시립미술관에 기증함으로써 예술기록자원의 수집, 보존, 연구에 특화된 서울시립 미술아카이브가 현재 설립 중에 있다. 임동식의 〈일어나〉(2005)는 1980년대에 그가 다른 이들과 자연미술 작업을 진행하기 위해 결성한 그룹, 야투(野投)에서 처음으로 선보인 퍼포먼스의 제목과 동일하다. 이로 미루어 봤을 때, 그가 자연미술의 작업으로써 퍼포먼스를 했던 당시의 자료를 참고하여 근래에 들어 다시 회화로 재작업한 것으로 보인다.<|im_end|>

<|im_start|>충남 연기군<|im_end|>

<|im_start|>임동식의 출생지는?<|im_end|>

<|im_start|>충남 연기군에서 태어난 임동식(1945~)은 홍익대학교에서 회화과를 졸업하고 독일의 국립 함부르크미술대학에서 자유미술학과로 석사과정을 밟고 귀국하였다. 그는 회화, 설치, 퍼포먼스 등 다양한 매체를 아우르며, 70년대 중반부터 자연을 담은 작품을 지속적으로 선보이고 있어 자연미술가라고도 불린다. 그러나 자연미술이란 단순히 자연을 화폭에 담는 것을 넘어서 자연에 가까이 다가감으로써 미술의 조형요소가 사라지고, 그 지점에서 느끼는 것들에 대한 사유 행위를 일컫는다. 또한 임동식이 다루는 매체 중, 퍼포먼스는 다른 매체들처럼 존속할 수 없기에 이러한 한계점을 극복하고자 그는 작업 활동과 관련한 자료를 모으기 시작하였다. 그가 모은 자료는 무려 5천여 건에 달하며, 이를 2019년에 서울시립미술관에 기증함으로써 예술기록자원의 수집, 보존, 연구에 특화된 서울시립 미술아카이브가 현재 설립 중에 있다. 임동식의 〈일어나〉(2005)는 1980년대에 그가 다른 이들과 자연미술 작업을 진행하기 위해 결성한 그룹, 야투(野投)에서 처음으로 선보인 퍼포먼스의 제목과 동일하다. 이로 미루어 봤을 때, 그가 자연미술의 작업으로써 퍼포먼스를 했던 당시의 자료를 참고하여 근래에 들어 다시 회화로 재작업한 것으로 보인다.<|im_end|>

<|im_start|>국립 함부르크미술대학<|im_end|>

<|im_start|>임동식이 석사과정을 밟은 독일의 대학교는?<|im_end|>

<|im_start|>충남 연기군에서 태어난 임동식(1945~)은 홍익대학교에서 회화과를 졸업하고 독일의 국립 함부르크미술대학에서 자유미술학과로 석사과정을 밟고 귀국하였다. 그는 회화, 설치, 퍼포먼스 등 다양한 매체를 아우르며, 70년대 중반부터 자연을 담은 작품을 지속적으로 선보이고 있어 자연미술가라고도 불린다. 그러나 자연미술이란 단순히 자연을 화폭에 담는 것을 넘어서 자연에 가까이 다가감으로써 미술의 조형요소가 사라지고, 그 지점에서 느끼는 것들에 대한 사유 행위를 일컫는다. 또한 임동식이 다루는 매체 중, 퍼포먼스는 다른 매체들처럼 존속할 수 없기에 이러한 한계점을 극복하고자 그는 작업 활동과 관련한 자료를 모으기 시작하였다. 그가 모은 자료는 무려 5천여 건에 달하며, 이를 2019년에 서울시립미술관에 기증함으로써 예술기록자원의 수집, 보존, 연구에 특화된 서울시립 미술아카이브가 현재 설립 중에 있다. 임동식의 〈일어나〉(2005)는 1980년대에 그가 다른 이들과 자연미술 작업을 진행하기 위해 결성한 그룹, 야투(野投)에서 처음으로 선보인 퍼포먼스의 제목과 동일하다. 이로 미루어 봤을 때, 그가 자연미술의 작업으로써 퍼포먼스를 했던 당시의 자료를 참고하여 근래에 들어 다시 회화로 재작업한 것으로 보인다.<|im_end|>

<|im_start|>5천여 건<|im_end|>

<|im_start|>임동식이 작업 활동과 관련해 모은 자료의 수는?<|im_end|>

<|im_start|>충남 연기군에서 태어난 임동식(1945~)은 홍익대학교에서 회화과를 졸업하고 독일의 국립 함부르크미술대학에서 자유미술학과로 석사과정을 밟고 귀국하였다. 그는 회화, 설치, 퍼포먼스 등 다양한 매체를 아우르며, 70년대 중반부터 자연을 담은 작품을 지속적으로 선보이고 있어 자연미술가라고도 불린다. 그러나 자연미술이란 단순히 자연을 화폭에 담는 것을 넘어서 자연에 가까이 다가감으로써 미술의 조형요소가 사라지고, 그 지점에서 느끼는 것들에 대한 사유 행위를 일컫는다. 또한 임동식이 다루는 매체 중, 퍼포먼스는 다른 매체들처럼 존속할 수 없기에 이러한 한계점을 극복하고자 그는 작업 활동과 관련한 자료를 모으기 시작하였다. 그가 모은 자료는 무려 5천여 건에 달하며, 이를 2019년에 서울시립미술관에 기증함으로써 예술기록자원의 수집, 보존, 연구에 특화된 서울시립 미술아카이브가 현재 설립 중에 있다. 임동식의 〈일어나〉(2005)는 1980년대에 그가 다른 이들과 자연미술 작업을 진행하기 위해 결성한 그룹, 야투(野投)에서 처음으로 선보인 퍼포먼스의 제목과 동일하다. 이로 미루어 봤을 때, 그가 자연미술의 작업으로써 퍼포먼스를 했던 당시의 자료를 참고하여 근래에 들어 다시 회화로 재작업한 것으로 보인다.<|im_end|>

<|im_start|>2019년<|im_end|>

<|im_start|>임동식이 서울시립미술관에 작업 활동과 관련한 자료를 기증한 해는?<|im_end|>

<|im_start|>충남 연기군에서 태어난 임동식(1945~)은 홍익대학교에서 회화과를 졸업하고 독일의 국립 함부르크미술대학에서 자유미술학과로 석사과정을 밟고 귀국하였다. 그는 회화, 설치, 퍼포먼스 등 다양한 매체를 아우르며, 70년대 중반부터 자연을 담은 작품을 지속적으로 선보이고 있어 자연미술가라고도 불린다. 그러나 자연미술이란 단순히 자연을 화폭에 담는 것을 넘어서 자연에 가까이 다가감으로써 미술의 조형요소가 사라지고, 그 지점에서 느끼는 것들에 대한 사유 행위를 일컫는다. 또한 임동식이 다루는 매체 중, 퍼포먼스는 다른 매체들처럼 존속할 수 없기에 이러한 한계점을 극복하고자 그는 작업 활동과 관련한 자료를 모으기 시작하였다. 그가 모은 자료는 무려 5천여 건에 달하며, 이를 2019년에 서울시립미술관에 기증함으로써 예술기록자원의 수집, 보존, 연구에 특화된 서울시립 미술아카이브가 현재 설립 중에 있다. 임동식의 〈일어나〉(2005)는 1980년대에 그가 다른 이들과 자연미술 작업을 진행하기 위해 결성한 그룹, 야투(野投)에서 처음으로 선보인 퍼포먼스의 제목과 동일하다. 이로 미루어 봤을 때, 그가 자연미술의 작업으로써 퍼포먼스를 했던 당시의 자료를 참고하여 근래에 들어 다시 회화로 재작업한 것으로 보인다.<|im_end|>

<|im_start|>2005<|im_end|>

<|im_start|>임동식의 작품 가운데 <일어나>를 선보인 해는?<|im_end|>

<|im_start|>충남 연기군에서 태어난 임동식(1945~)은 홍익대학교에서 회화과를 졸업하고 독일의 국립 함부르크미술대학에서 자유미술학과로 석사과정을 밟고 귀국하였다. 그는 회화, 설치, 퍼포먼스 등 다양한 매체를 아우르며, 70년대 중반부터 자연을 담은 작품을 지속적으로 선보이고 있어 자연미술가라고도 불린다. 그러나 자연미술이란 단순히 자연을 화폭에 담는 것을 넘어서 자연에 가까이 다가감으로써 미술의 조형요소가 사라지고, 그 지점에서 느끼는 것들에 대한 사유 행위를 일컫는다. 또한 임동식이 다루는 매체 중, 퍼포먼스는 다른 매체들처럼 존속할 수 없기에 이러한 한계점을 극복하고자 그는 작업 활동과 관련한 자료를 모으기 시작하였다. 그가 모은 자료는 무려 5천여 건에 달하며, 이를 2019년에 서울시립미술관에 기증함으로써 예술기록자원의 수집, 보존, 연구에 특화된 서울시립 미술아카이브가 현재 설립 중에 있다. 임동식의 〈일어나〉(2005)는 1980년대에 그가 다른 이들과 자연미술 작업을 진행하기 위해 결성한 그룹, 야투(野投)에서 처음으로 선보인 퍼포먼스의 제목과 동일하다. 이로 미루어 봤을 때, 그가 자연미술의 작업으로써 퍼포먼스를 했던 당시의 자료를 참고하여 근래에 들어 다시 회화로 재작업한 것으로 보인다.<|im_end|>

<|im_start|>야투<|im_end|>

<|im_start|>1980년대에 임동식이 자연미술 작업을 진행하기 위해 결성한 그룹 이름은?<|im_end|>

<|im_start|>부산에서 출생한 안경수(安敬洙, 1975~)는 단국대학교에서 동양화과를 졸업하고 이후 홍익대학교에서 동양화과로 석사 과정을 밟았다. 그의 작품은 단선적으로 이야기하자면 풍경화이지만 그의 풍경화는 풍경과 풍경 사이에 놓여있는, 즉 완성되었었던 과거의 풍경과 곧 완성되어질 풍경 사이에 있는 중간의 풍경이자 미완의 풍경이다. 이러한 작업의 출발점은 산책을 하던 어느 날, 갑자기 그의 눈에 들어온 철제 바리게이트에 그려진 그림들에서 비롯되었다. 철거 현장 앞에 세워져 있던 바리게이트에는 철거 현장의 과거 모습도 다가올 미래의 모습도 아닌 사람들이 그저 이상적이라고 생각하는 풍경이 그려져 있었다고 한다. 이러한 광경을 마주한 안경수는 과연 풍경의 조건이 무엇인지에 대해 고민하게 되었고, 미완이라는 단어로 풍경의 조건을 수식하게 된다. 특별한 의미나 상징성을 띄지 않고 존재 자체로서 그 의미가 전부인 풍경을 안경수는 풍경화로 묘사한다. 이러한 작업적 특징은 그의 작품인 〈공터〉(2013)에서도 잘 드러난다. 아무 일도 벌어지지 않는 그래서 드라마틱하지도 스펙터클하지도 않은 풍경의 모습을 화면에 담아내면서 중간의 풍경이자 미완의 풍경이라는 그만의 작품 세계를 보여준다.<|im_end|>

<|im_start|>부산<|im_end|>

<|im_start|>안경수의 출생지는?<|im_end|>

<|im_start|>부산에서 출생한 안경수(安敬洙, 1975~)는 단국대학교에서 동양화과를 졸업하고 이후 홍익대학교에서 동양화과로 석사 과정을 밟았다. 그의 작품은 단선적으로 이야기하자면 풍경화이지만 그의 풍경화는 풍경과 풍경 사이에 놓여있는, 즉 완성되었었던 과거의 풍경과 곧 완성되어질 풍경 사이에 있는 중간의 풍경이자 미완의 풍경이다. 이러한 작업의 출발점은 산책을 하던 어느 날, 갑자기 그의 눈에 들어온 철제 바리게이트에 그려진 그림들에서 비롯되었다. 철거 현장 앞에 세워져 있던 바리게이트에는 철거 현장의 과거 모습도 다가올 미래의 모습도 아닌 사람들이 그저 이상적이라고 생각하는 풍경이 그려져 있었다고 한다. 이러한 광경을 마주한 안경수는 과연 풍경의 조건이 무엇인지에 대해 고민하게 되었고, 미완이라는 단어로 풍경의 조건을 수식하게 된다. 특별한 의미나 상징성을 띄지 않고 존재 자체로서 그 의미가 전부인 풍경을 안경수는 풍경화로 묘사한다. 이러한 작업적 특징은 그의 작품인 〈공터〉(2013)에서도 잘 드러난다. 아무 일도 벌어지지 않는 그래서 드라마틱하지도 스펙터클하지도 않은 풍경의 모습을 화면에 담아내면서 중간의 풍경이자 미완의 풍경이라는 그만의 작품 세계를 보여준다.<|im_end|>

<|im_start|>철제 바리게이트에 그려진 그림들<|im_end|>

<|im_start|>안경수가 이런 작품들을 그리게 된 출발점은? <|im_end|>

<|im_start|>부산에서 출생한 안경수(安敬洙, 1975~)는 단국대학교에서 동양화과를 졸업하고 이후 홍익대학교에서 동양화과로 석사 과정을 밟았다. 그의 작품은 단선적으로 이야기하자면 풍경화이지만 그의 풍경화는 풍경과 풍경 사이에 놓여있는, 즉 완성되었었던 과거의 풍경과 곧 완성되어질 풍경 사이에 있는 중간의 풍경이자 미완의 풍경이다. 이러한 작업의 출발점은 산책을 하던 어느 날, 갑자기 그의 눈에 들어온 철제 바리게이트에 그려진 그림들에서 비롯되었다. 철거 현장 앞에 세워져 있던 바리게이트에는 철거 현장의 과거 모습도 다가올 미래의 모습도 아닌 사람들이 그저 이상적이라고 생각하는 풍경이 그려져 있었다고 한다. 이러한 광경을 마주한 안경수는 과연 풍경의 조건이 무엇인지에 대해 고민하게 되었고, 미완이라는 단어로 풍경의 조건을 수식하게 된다. 특별한 의미나 상징성을 띄지 않고 존재 자체로서 그 의미가 전부인 풍경을 안경수는 풍경화로 묘사한다. 이러한 작업적 특징은 그의 작품인 〈공터〉(2013)에서도 잘 드러난다. 아무 일도 벌어지지 않는 그래서 드라마틱하지도 스펙터클하지도 않은 풍경의 모습을 화면에 담아내면서 중간의 풍경이자 미완의 풍경이라는 그만의 작품 세계를 보여준다.<|im_end|>

<|im_start|>중간의 풍경이자 미완의 풍경<|im_end|>

<|im_start|>안경수 작품의 특징은?<|im_end|>

<|im_start|>부산에서 출생한 안경수(安敬洙, 1975~)는 단국대학교에서 동양화과를 졸업하고 이후 홍익대학교에서 동양화과로 석사 과정을 밟았다. 그의 작품은 단선적으로 이야기하자면 풍경화이지만 그의 풍경화는 풍경과 풍경 사이에 놓여있는, 즉 완성되었었던 과거의 풍경과 곧 완성되어질 풍경 사이에 있는 중간의 풍경이자 미완의 풍경이다. 이러한 작업의 출발점은 산책을 하던 어느 날, 갑자기 그의 눈에 들어온 철제 바리게이트에 그려진 그림들에서 비롯되었다. 철거 현장 앞에 세워져 있던 바리게이트에는 철거 현장의 과거 모습도 다가올 미래의 모습도 아닌 사람들이 그저 이상적이라고 생각하는 풍경이 그려져 있었다고 한다. 이러한 광경을 마주한 안경수는 과연 풍경의 조건이 무엇인지에 대해 고민하게 되었고, 미완이라는 단어로 풍경의 조건을 수식하게 된다. 특별한 의미나 상징성을 띄지 않고 존재 자체로서 그 의미가 전부인 풍경을 안경수는 풍경화로 묘사한다. 이러한 작업적 특징은 그의 작품인 〈공터〉(2013)에서도 잘 드러난다. 아무 일도 벌어지지 않는 그래서 드라마틱하지도 스펙터클하지도 않은 풍경의 모습을 화면에 담아내면서 중간의 풍경이자 미완의 풍경이라는 그만의 작품 세계를 보여준다.<|im_end|>

<|im_start|>공터<|im_end|>

<|im_start|>안경수의 작업적 특징이 잘 드러난 작품은?<|im_end|>

<|im_start|>부산에서 출생한 안경수(安敬洙, 1975~)는 단국대학교에서 동양화과를 졸업하고 이후 홍익대학교에서 동양화과로 석사 과정을 밟았다. 그의 작품은 단선적으로 이야기하자면 풍경화이지만 그의 풍경화는 풍경과 풍경 사이에 놓여있는, 즉 완성되었었던 과거의 풍경과 곧 완성되어질 풍경 사이에 있는 중간의 풍경이자 미완의 풍경이다. 이러한 작업의 출발점은 산책을 하던 어느 날, 갑자기 그의 눈에 들어온 철제 바리게이트에 그려진 그림들에서 비롯되었다. 철거 현장 앞에 세워져 있던 바리게이트에는 철거 현장의 과거 모습도 다가올 미래의 모습도 아닌 사람들이 그저 이상적이라고 생각하는 풍경이 그려져 있었다고 한다. 이러한 광경을 마주한 안경수는 과연 풍경의 조건이 무엇인지에 대해 고민하게 되었고, 미완이라는 단어로 풍경의 조건을 수식하게 된다. 특별한 의미나 상징성을 띄지 않고 존재 자체로서 그 의미가 전부인 풍경을 안경수는 풍경화로 묘사한다. 이러한 작업적 특징은 그의 작품인 〈공터〉(2013)에서도 잘 드러난다. 아무 일도 벌어지지 않는 그래서 드라마틱하지도 스펙터클하지도 않은 풍경의 모습을 화면에 담아내면서 중간의 풍경이자 미완의 풍경이라는 그만의 작품 세계를 보여준다.<|im_end|>

<|im_start|>2013<|im_end|>

<|im_start|><공터>를 선보인 해는?<|im_end|>

<|im_start|>부산에서 출생한 안경수(安敬洙, 1975~)는 단국대학교에서 동양화과를 졸업하고 이후 홍익대학교에서 동양화과로 석사 과정을 밟았다. 그의 작품은 단선적으로 이야기하자면 풍경화이지만 그의 풍경화는 풍경과 풍경 사이에 놓여있는, 즉 완성되었었던 과거의 풍경과 곧 완성되어질 풍경 사이에 있는 중간의 풍경이자 미완의 풍경이다. 이러한 작업의 출발점은 산책을 하던 어느 날, 갑자기 그의 눈에 들어온 철제 바리게이트에 그려진 그림들에서 비롯되었다. 철거 현장 앞에 세워져 있던 바리게이트에는 철거 현장의 과거 모습도 다가올 미래의 모습도 아닌 사람들이 그저 이상적이라고 생각하는 풍경이 그려져 있었다고 한다. 이러한 광경을 마주한 안경수는 과연 풍경의 조건이 무엇인지에 대해 고민하게 되었고, 미완이라는 단어로 풍경의 조건을 수식하게 된다. 특별한 의미나 상징성을 띄지 않고 존재 자체로서 그 의미가 전부인 풍경을 안경수는 풍경화로 묘사한다. 이러한 작업적 특징은 그의 작품인 〈공터〉(2013)에서도 잘 드러난다. 아무 일도 벌어지지 않는 그래서 드라마틱하지도 스펙터클하지도 않은 풍경의 모습을 화면에 담아내면서 중간의 풍경이자 미완의 풍경이라는 그만의 작품 세계를 보여준다.<|im_end|>

<|im_start|>홍익대학교<|im_end|>

<|im_start|>안경수가 석사 학위를 받은 대학교는?<|im_end|>

<|im_start|>오경화(吳京和, 1960~)는 서울대학교 회화과를 졸업하고 파리제8대학교에서 조형예술학으로 석사과정을 밟았다. 그녀는 변화무쌍한 주제만큼이나 다양한 매체를 통해 작업을 해오고 있으며, 한국에서 여성 작가로서 비디오아트를 처음 선이기도 하였다. 오경화가 대학을 졸업했을 1980년 당시는 민중미술이 미술계의 거대 흐름이었고 그녀 역시 ‘두렁’이라는 그룹의 일원으로 활동하며 삶을 위한 미술을 지향하였다. 그러나 집단적인 성향이 강했던 미술계의 분위기에 압도당한 그녀는 이내 자유로운 창작 활동을 위해 파리 유학을 결심했고, 파리에서 기술 매체를 기반으로 하는 작업을 접하였다. 귀국한 이후 오경화는 테크놀로지를 활용한 작품 혹은 신세대 젊은 작가들을 소개하는 전시에 여성작가로 대부분 초대되었으며, 1990년대에 들어서면서 그녀의 작업은 여성으로서의 정체성을 탐구하는 방향으로 나아가게 된다. 이때부터 그녀는 대중매체에서 소비되는 여성의 이미지를 차용하였으며, 이를 통해 왜곡된 여성상 혹은 여성의 내면과 욕망을 표출하려 하였다. 오경화의 〈꽃과 여인〉(1999)은 그녀가 여성의 정체성을 작업으로 표현하고자 한 시기에 제작된 회화 작품이다.<|im_end|>

<|im_start|>파리제8대학교<|im_end|>

<|im_start|>작가가 석사과정을 밟은 학교는?<|im_end|>

<|im_start|>오경화(吳京和, 1960~)는 서울대학교 회화과를 졸업하고 파리제8대학교에서 조형예술학으로 석사과정을 밟았다. 그녀는 변화무쌍한 주제만큼이나 다양한 매체를 통해 작업을 해오고 있으며, 한국에서 여성 작가로서 비디오아트를 처음 선이기도 하였다. 오경화가 대학을 졸업했을 1980년 당시는 민중미술이 미술계의 거대 흐름이었고 그녀 역시 ‘두렁’이라는 그룹의 일원으로 활동하며 삶을 위한 미술을 지향하였다. 그러나 집단적인 성향이 강했던 미술계의 분위기에 압도당한 그녀는 이내 자유로운 창작 활동을 위해 파리 유학을 결심했고, 파리에서 기술 매체를 기반으로 하는 작업을 접하였다. 귀국한 이후 오경화는 테크놀로지를 활용한 작품 혹은 신세대 젊은 작가들을 소개하는 전시에 여성작가로 대부분 초대되었으며, 1990년대에 들어서면서 그녀의 작업은 여성으로서의 정체성을 탐구하는 방향으로 나아가게 된다. 이때부터 그녀는 대중매체에서 소비되는 여성의 이미지를 차용하였으며, 이를 통해 왜곡된 여성상 혹은 여성의 내면과 욕망을 표출하려 하였다. 오경화의 〈꽃과 여인〉(1999)은 그녀가 여성의 정체성을 작업으로 표현하고자 한 시기에 제작된 회화 작품이다.<|im_end|>

<|im_start|>오경화<|im_end|>

<|im_start|>한국에서 여성 작가로서 비디오아트를 처음 선보인 인물은?<|im_end|>

<|im_start|>오경화(吳京和, 1960~)는 서울대학교 회화과를 졸업하고 파리제8대학교에서 조형예술학으로 석사과정을 밟았다. 그녀는 변화무쌍한 주제만큼이나 다양한 매체를 통해 작업을 해오고 있으며, 한국에서 여성 작가로서 비디오아트를 처음 선이기도 하였다. 오경화가 대학을 졸업했을 1980년 당시는 민중미술이 미술계의 거대 흐름이었고 그녀 역시 ‘두렁’이라는 그룹의 일원으로 활동하며 삶을 위한 미술을 지향하였다. 그러나 집단적인 성향이 강했던 미술계의 분위기에 압도당한 그녀는 이내 자유로운 창작 활동을 위해 파리 유학을 결심했고, 파리에서 기술 매체를 기반으로 하는 작업을 접하였다. 귀국한 이후 오경화는 테크놀로지를 활용한 작품 혹은 신세대 젊은 작가들을 소개하는 전시에 여성작가로 대부분 초대되었으며, 1990년대에 들어서면서 그녀의 작업은 여성으로서의 정체성을 탐구하는 방향으로 나아가게 된다. 이때부터 그녀는 대중매체에서 소비되는 여성의 이미지를 차용하였으며, 이를 통해 왜곡된 여성상 혹은 여성의 내면과 욕망을 표출하려 하였다. 오경화의 〈꽃과 여인〉(1999)은 그녀가 여성의 정체성을 작업으로 표현하고자 한 시기에 제작된 회화 작품이다.<|im_end|>

<|im_start|>두렁<|im_end|>

<|im_start|>작가가 활동했던 그룹은?<|im_end|>

<|im_start|>오경화(吳京和, 1960~)는 서울대학교 회화과를 졸업하고 파리제8대학교에서 조형예술학으로 석사과정을 밟았다. 그녀는 변화무쌍한 주제만큼이나 다양한 매체를 통해 작업을 해오고 있으며, 한국에서 여성 작가로서 비디오아트를 처음 선이기도 하였다. 오경화가 대학을 졸업했을 1980년 당시는 민중미술이 미술계의 거대 흐름이었고 그녀 역시 ‘두렁’이라는 그룹의 일원으로 활동하며 삶을 위한 미술을 지향하였다. 그러나 집단적인 성향이 강했던 미술계의 분위기에 압도당한 그녀는 이내 자유로운 창작 활동을 위해 파리 유학을 결심했고, 파리에서 기술 매체를 기반으로 하는 작업을 접하였다. 귀국한 이후 오경화는 테크놀로지를 활용한 작품 혹은 신세대 젊은 작가들을 소개하는 전시에 여성작가로 대부분 초대되었으며, 1990년대에 들어서면서 그녀의 작업은 여성으로서의 정체성을 탐구하는 방향으로 나아가게 된다. 이때부터 그녀는 대중매체에서 소비되는 여성의 이미지를 차용하였으며, 이를 통해 왜곡된 여성상 혹은 여성의 내면과 욕망을 표출하려 하였다. 오경화의 〈꽃과 여인〉(1999)은 그녀가 여성의 정체성을 작업으로 표현하고자 한 시기에 제작된 회화 작품이다.<|im_end|>

<|im_start|>1990년대<|im_end|>

<|im_start|>작가가 여성으로서의 정체성을 탐구하는 방향으로 작업을 했던 때는?<|im_end|>

<|im_start|>오경화(吳京和, 1960~)는 서울대학교 회화과를 졸업하고 파리제8대학교에서 조형예술학으로 석사과정을 밟았다. 그녀는 변화무쌍한 주제만큼이나 다양한 매체를 통해 작업을 해오고 있으며, 한국에서 여성 작가로서 비디오아트를 처음 선이기도 하였다. 오경화가 대학을 졸업했을 1980년 당시는 민중미술이 미술계의 거대 흐름이었고 그녀 역시 ‘두렁’이라는 그룹의 일원으로 활동하며 삶을 위한 미술을 지향하였다. 그러나 집단적인 성향이 강했던 미술계의 분위기에 압도당한 그녀는 이내 자유로운 창작 활동을 위해 파리 유학을 결심했고, 파리에서 기술 매체를 기반으로 하는 작업을 접하였다. 귀국한 이후 오경화는 테크놀로지를 활용한 작품 혹은 신세대 젊은 작가들을 소개하는 전시에 여성작가로 대부분 초대되었으며, 1990년대에 들어서면서 그녀의 작업은 여성으로서의 정체성을 탐구하는 방향으로 나아가게 된다. 이때부터 그녀는 대중매체에서 소비되는 여성의 이미지를 차용하였으며, 이를 통해 왜곡된 여성상 혹은 여성의 내면과 욕망을 표출하려 하였다. 오경화의 〈꽃과 여인〉(1999)은 그녀가 여성의 정체성을 작업으로 표현하고자 한 시기에 제작된 회화 작품이다.<|im_end|>

<|im_start|>꽃과 여인<|im_end|>

<|im_start|>작가가 여성의 정체성을 작업으로 표현하고자 한 시기에 제작된 회화 작품은?<|im_end|>

<|im_start|>오경화(吳京和, 1960~)는 서울대학교 회화과를 졸업하고 파리제8대학교에서 조형예술학으로 석사과정을 밟았다. 그녀는 변화무쌍한 주제만큼이나 다양한 매체를 통해 작업을 해오고 있으며, 한국에서 여성 작가로서 비디오아트를 처음 선이기도 하였다. 오경화가 대학을 졸업했을 1980년 당시는 민중미술이 미술계의 거대 흐름이었고 그녀 역시 ‘두렁’이라는 그룹의 일원으로 활동하며 삶을 위한 미술을 지향하였다. 그러나 집단적인 성향이 강했던 미술계의 분위기에 압도당한 그녀는 이내 자유로운 창작 활동을 위해 파리 유학을 결심했고, 파리에서 기술 매체를 기반으로 하는 작업을 접하였다. 귀국한 이후 오경화는 테크놀로지를 활용한 작품 혹은 신세대 젊은 작가들을 소개하는 전시에 여성작가로 대부분 초대되었으며, 1990년대에 들어서면서 그녀의 작업은 여성으로서의 정체성을 탐구하는 방향으로 나아가게 된다. 이때부터 그녀는 대중매체에서 소비되는 여성의 이미지를 차용하였으며, 이를 통해 왜곡된 여성상 혹은 여성의 내면과 욕망을 표출하려 하였다. 오경화의 〈꽃과 여인〉(1999)은 그녀가 여성의 정체성을 작업으로 표현하고자 한 시기에 제작된 회화 작품이다.<|im_end|>

<|im_start|>자유로운 창작 활동을 위해<|im_end|>

<|im_start|>작가가 파리 유학을 결심했던 이유는?<|im_end|>

<|im_start|>평양에서 태어난 홍명섭(洪明燮, 1948~)은 한국전쟁이 발발하였을 당시, 가족과 함께 남하하였으며 서울대학교와 동 대학원에서 조소과를 졸업했다. 그는 평면, 조각, 설치 작품 등 다양한 매체를 활용하여 ‘토폴로지컬(Tropological)’이라는 개념을 내세워 작업한다. 그래서 홍명섭의 작업은 일명 토폴로지컬 드로잉(Tropological Drawing), 토폴로지컬 플레인(Tropological Plane), 토폴로지컬 레일(Tropological Rail), 토폴로지컬 서페이스(Tropological Surface) 등으로 명명된다. 토폴로지컬이란 관계 속에서 서로 다른 사물이 가지는 위치나 상태를 뜻하는 위상을 의미하며, 그에게 위상은 절대적인 것이 아니라 상대적이자 유동적인 것으로 자유롭게 상상할 수 있는 장치로써 트폴로지컬 사유를 제안한다. 그래서 홍명섭은 그림자 없는 그림자, 예술 없는 예술, 마음 없는 마음, 경계 없는 경계, 개념 없는 개념이라는 역설적이고 상식을 뒤지는 작업을 선보인다. 홍명섭의 〈위상적 회화〉(1982~2019)는 작품 제목이자 2020년 유엠갤러리에서 했던 개인적 제목과도 동일하며, 앞서 말한 토폴로지컬 사유를 그대로 드러내고 있는 작품이다. 종이의 4각 귀퉁이를 마주보고 접는 행위를 불가능할 때까지 한 뒤, 종이를 그대로 펼친다. 그리고는 종이에 만들어진 주름에 흑연 가루를 떨어뜨려 주름의 흔적을 계속하여 되찾고 마지막으로 배접하여 종이를 평평하게 만든다. 이는 비자발적인 재현으로 묘한 시각적 쾌감을 불러일으키며 ‘현재에 부단히 개입되는 과거’라는 지속의 실재성을 증명한다.<|im_end|>

<|im_start|>홍명섭<|im_end|>

<|im_start|>평면, 조각, 설치 작품 등 다양한 매체를 활용하여 '토폴로지컬'이라는 개념을 내세워 작업하는 인물은?<|im_end|>

<|im_start|>평양에서 태어난 홍명섭(洪明燮, 1948~)은 한국전쟁이 발발하였을 당시, 가족과 함께 남하하였으며 서울대학교와 동 대학원에서 조소과를 졸업했다. 그는 평면, 조각, 설치 작품 등 다양한 매체를 활용하여 ‘토폴로지컬(Tropological)’이라는 개념을 내세워 작업한다. 그래서 홍명섭의 작업은 일명 토폴로지컬 드로잉(Tropological Drawing), 토폴로지컬 플레인(Tropological Plane), 토폴로지컬 레일(Tropological Rail), 토폴로지컬 서페이스(Tropological Surface) 등으로 명명된다. 토폴로지컬이란 관계 속에서 서로 다른 사물이 가지는 위치나 상태를 뜻하는 위상을 의미하며, 그에게 위상은 절대적인 것이 아니라 상대적이자 유동적인 것으로 자유롭게 상상할 수 있는 장치로써 트폴로지컬 사유를 제안한다. 그래서 홍명섭은 그림자 없는 그림자, 예술 없는 예술, 마음 없는 마음, 경계 없는 경계, 개념 없는 개념이라는 역설적이고 상식을 뒤지는 작업을 선보인다. 홍명섭의 〈위상적 회화〉(1982~2019)는 작품 제목이자 2020년 유엠갤러리에서 했던 개인적 제목과도 동일하며, 앞서 말한 토폴로지컬 사유를 그대로 드러내고 있는 작품이다. 종이의 4각 귀퉁이를 마주보고 접는 행위를 불가능할 때까지 한 뒤, 종이를 그대로 펼친다. 그리고는 종이에 만들어진 주름에 흑연 가루를 떨어뜨려 주름의 흔적을 계속하여 되찾고 마지막으로 배접하여 종이를 평평하게 만든다. 이는 비자발적인 재현으로 묘한 시각적 쾌감을 불러일으키며 ‘현재에 부단히 개입되는 과거’라는 지속의 실재성을 증명한다.<|im_end|>

<|im_start|>위상적 회화<|im_end|>

<|im_start|>2020년 유엠갤러리에서 했던 개인전 제목은?<|im_end|>

<|im_start|>평양에서 태어난 홍명섭(洪明燮, 1948~)은 한국전쟁이 발발하였을 당시, 가족과 함께 남하하였으며 서울대학교와 동 대학원에서 조소과를 졸업했다. 그는 평면, 조각, 설치 작품 등 다양한 매체를 활용하여 ‘토폴로지컬(Tropological)’이라는 개념을 내세워 작업한다. 그래서 홍명섭의 작업은 일명 토폴로지컬 드로잉(Tropological Drawing), 토폴로지컬 플레인(Tropological Plane), 토폴로지컬 레일(Tropological Rail), 토폴로지컬 서페이스(Tropological Surface) 등으로 명명된다. 토폴로지컬이란 관계 속에서 서로 다른 사물이 가지는 위치나 상태를 뜻하는 위상을 의미하며, 그에게 위상은 절대적인 것이 아니라 상대적이자 유동적인 것으로 자유롭게 상상할 수 있는 장치로써 트폴로지컬 사유를 제안한다. 그래서 홍명섭은 그림자 없는 그림자, 예술 없는 예술, 마음 없는 마음, 경계 없는 경계, 개념 없는 개념이라는 역설적이고 상식을 뒤지는 작업을 선보인다. 홍명섭의 〈위상적 회화〉(1982~2019)는 작품 제목이자 2020년 유엠갤러리에서 했던 개인적 제목과도 동일하며, 앞서 말한 토폴로지컬 사유를 그대로 드러내고 있는 작품이다. 종이의 4각 귀퉁이를 마주보고 접는 행위를 불가능할 때까지 한 뒤, 종이를 그대로 펼친다. 그리고는 종이에 만들어진 주름에 흑연 가루를 떨어뜨려 주름의 흔적을 계속하여 되찾고 마지막으로 배접하여 종이를 평평하게 만든다. 이는 비자발적인 재현으로 묘한 시각적 쾌감을 불러일으키며 ‘현재에 부단히 개입되는 과거’라는 지속의 실재성을 증명한다.<|im_end|>

<|im_start|>종이를 그대로 펼친다<|im_end|>

<|im_start|><위상적 회화>에서 종이의 4각 귀퉁이를 마주보고 접는 행위를 불가능할 때까지 한 뒤 작가가 했던 것은?<|im_end|>

<|im_start|>평양에서 태어난 홍명섭(洪明燮, 1948~)은 한국전쟁이 발발하였을 당시, 가족과 함께 남하하였으며 서울대학교와 동 대학원에서 조소과를 졸업했다. 그는 평면, 조각, 설치 작품 등 다양한 매체를 활용하여 ‘토폴로지컬(Tropological)’이라는 개념을 내세워 작업한다. 그래서 홍명섭의 작업은 일명 토폴로지컬 드로잉(Tropological Drawing), 토폴로지컬 플레인(Tropological Plane), 토폴로지컬 레일(Tropological Rail), 토폴로지컬 서페이스(Tropological Surface) 등으로 명명된다. 토폴로지컬이란 관계 속에서 서로 다른 사물이 가지는 위치나 상태를 뜻하는 위상을 의미하며, 그에게 위상은 절대적인 것이 아니라 상대적이자 유동적인 것으로 자유롭게 상상할 수 있는 장치로써 트폴로지컬 사유를 제안한다. 그래서 홍명섭은 그림자 없는 그림자, 예술 없는 예술, 마음 없는 마음, 경계 없는 경계, 개념 없는 개념이라는 역설적이고 상식을 뒤지는 작업을 선보인다. 홍명섭의 〈위상적 회화〉(1982~2019)는 작품 제목이자 2020년 유엠갤러리에서 했던 개인적 제목과도 동일하며, 앞서 말한 토폴로지컬 사유를 그대로 드러내고 있는 작품이다. 종이의 4각 귀퉁이를 마주보고 접는 행위를 불가능할 때까지 한 뒤, 종이를 그대로 펼친다. 그리고는 종이에 만들어진 주름에 흑연 가루를 떨어뜨려 주름의 흔적을 계속하여 되찾고 마지막으로 배접하여 종이를 평평하게 만든다. 이는 비자발적인 재현으로 묘한 시각적 쾌감을 불러일으키며 ‘현재에 부단히 개입되는 과거’라는 지속의 실재성을 증명한다.<|im_end|>

<|im_start|>흑연 가루를 떨어뜨려<|im_end|>

<|im_start|>종이에 만들어진 주름의 흔적을 계속하여 되찾기 위해 하는 것은?<|im_end|>

<|im_start|>평양에서 태어난 홍명섭(洪明燮, 1948~)은 한국전쟁이 발발하였을 당시, 가족과 함께 남하하였으며 서울대학교와 동 대학원에서 조소과를 졸업했다. 그는 평면, 조각, 설치 작품 등 다양한 매체를 활용하여 ‘토폴로지컬(Tropological)’이라는 개념을 내세워 작업한다. 그래서 홍명섭의 작업은 일명 토폴로지컬 드로잉(Tropological Drawing), 토폴로지컬 플레인(Tropological Plane), 토폴로지컬 레일(Tropological Rail), 토폴로지컬 서페이스(Tropological Surface) 등으로 명명된다. 토폴로지컬이란 관계 속에서 서로 다른 사물이 가지는 위치나 상태를 뜻하는 위상을 의미하며, 그에게 위상은 절대적인 것이 아니라 상대적이자 유동적인 것으로 자유롭게 상상할 수 있는 장치로써 트폴로지컬 사유를 제안한다. 그래서 홍명섭은 그림자 없는 그림자, 예술 없는 예술, 마음 없는 마음, 경계 없는 경계, 개념 없는 개념이라는 역설적이고 상식을 뒤지는 작업을 선보인다. 홍명섭의 〈위상적 회화〉(1982~2019)는 작품 제목이자 2020년 유엠갤러리에서 했던 개인적 제목과도 동일하며, 앞서 말한 토폴로지컬 사유를 그대로 드러내고 있는 작품이다. 종이의 4각 귀퉁이를 마주보고 접는 행위를 불가능할 때까지 한 뒤, 종이를 그대로 펼친다. 그리고는 종이에 만들어진 주름에 흑연 가루를 떨어뜨려 주름의 흔적을 계속하여 되찾고 마지막으로 배접하여 종이를 평평하게 만든다. 이는 비자발적인 재현으로 묘한 시각적 쾌감을 불러일으키며 ‘현재에 부단히 개입되는 과거’라는 지속의 실재성을 증명한다.<|im_end|>

<|im_start|>평양<|im_end|>

<|im_start|>작가의 출생지는?<|im_end|>

<|im_start|>평양에서 태어난 홍명섭(洪明燮, 1948~)은 한국전쟁이 발발하였을 당시, 가족과 함께 남하하였으며 서울대학교와 동 대학원에서 조소과를 졸업했다. 그는 평면, 조각, 설치 작품 등 다양한 매체를 활용하여 ‘토폴로지컬(Tropological)’이라는 개념을 내세워 작업한다. 그래서 홍명섭의 작업은 일명 토폴로지컬 드로잉(Tropological Drawing), 토폴로지컬 플레인(Tropological Plane), 토폴로지컬 레일(Tropological Rail), 토폴로지컬 서페이스(Tropological Surface) 등으로 명명된다. 토폴로지컬이란 관계 속에서 서로 다른 사물이 가지는 위치나 상태를 뜻하는 위상을 의미하며, 그에게 위상은 절대적인 것이 아니라 상대적이자 유동적인 것으로 자유롭게 상상할 수 있는 장치로써 트폴로지컬 사유를 제안한다. 그래서 홍명섭은 그림자 없는 그림자, 예술 없는 예술, 마음 없는 마음, 경계 없는 경계, 개념 없는 개념이라는 역설적이고 상식을 뒤지는 작업을 선보인다. 홍명섭의 〈위상적 회화〉(1982~2019)는 작품 제목이자 2020년 유엠갤러리에서 했던 개인적 제목과도 동일하며, 앞서 말한 토폴로지컬 사유를 그대로 드러내고 있는 작품이다. 종이의 4각 귀퉁이를 마주보고 접는 행위를 불가능할 때까지 한 뒤, 종이를 그대로 펼친다. 그리고는 종이에 만들어진 주름에 흑연 가루를 떨어뜨려 주름의 흔적을 계속하여 되찾고 마지막으로 배접하여 종이를 평평하게 만든다. 이는 비자발적인 재현으로 묘한 시각적 쾌감을 불러일으키며 ‘현재에 부단히 개입되는 과거’라는 지속의 실재성을 증명한다.<|im_end|>

<|im_start|>1982~2019<|im_end|>

<|im_start|><위상적 회화> 제작 연도는?<|im_end|>

<|im_start|>민정기(1949~)는 서울대학교 회화과를 졸업하였으며, 현실을 미술로 발언하겠다는 목표를 지닌 ‘현실과 발언’의 일원으로 활동하여 민중미술 작가로 분류되기도 한다. 그는 줄곧 과거부터 현재까지 풍경이라는 일관된 소재를 가지고 작업을 하고 있지만, 그 풍경이 담고 있는 양상은 변화하였다. 민정기가 풍경을 그리던 초기작에는 민중의 삶이 담겨져 있었다면, 오늘날에는 인물 중심이 아닌 도시나 자연 등 풍경 그 자체에 초점이 맞춰져 있다. 이런 그의 작품을 훑어보면 마치 동양화 한 폭을 보는 듯한 느낌을 자아내지만, 그가 사용하는 재료는 유화나 아크릴로 서양의 것이다. 그래서 민정기는 유화라는 서양화 재료와 기법을 구사하면서도 우리 전통 산수화의 흥치와 품격을 새로운 방식으로 되살려내는 작가라는 평가를 받고 있다. 민정기의 〈묵암동천〉(2015) 역시 앞서 언급한 그의 작품의 특징을 잘 보여주고 있으며, 김정호의 대동여지도와 사뭇 비슷한 느낌을 받아볼 수 있다. 풍경화가 개인의 감상을 그리는 것에 반해, 지도는 통상적으로 과학적 측량에 따른 정확한 정보를 중시한다는 점에서 풍경에 지도의 형식을 빌려왔다는 것은 사뭇 역설적이다. 아마도 이는 민정기가 도시학자 최종현과 함께 장소에 대한 사전조사와 사후자료정리를 요하는 ‘인문지리 기행’이라고 불린 답사의 영향인 것으로 보인다.<|im_end|>

<|im_start|>서울대학교<|im_end|>

<|im_start|>민정기가 졸업한 대학교는?<|im_end|>

<|im_start|>민정기(1949~)는 서울대학교 회화과를 졸업하였으며, 현실을 미술로 발언하겠다는 목표를 지닌 ‘현실과 발언’의 일원으로 활동하여 민중미술 작가로 분류되기도 한다. 그는 줄곧 과거부터 현재까지 풍경이라는 일관된 소재를 가지고 작업을 하고 있지만, 그 풍경이 담고 있는 양상은 변화하였다. 민정기가 풍경을 그리던 초기작에는 민중의 삶이 담겨져 있었다면, 오늘날에는 인물 중심이 아닌 도시나 자연 등 풍경 그 자체에 초점이 맞춰져 있다. 이런 그의 작품을 훑어보면 마치 동양화 한 폭을 보는 듯한 느낌을 자아내지만, 그가 사용하는 재료는 유화나 아크릴로 서양의 것이다. 그래서 민정기는 유화라는 서양화 재료와 기법을 구사하면서도 우리 전통 산수화의 흥치와 품격을 새로운 방식으로 되살려내는 작가라는 평가를 받고 있다. 민정기의 〈묵암동천〉(2015) 역시 앞서 언급한 그의 작품의 특징을 잘 보여주고 있으며, 김정호의 대동여지도와 사뭇 비슷한 느낌을 받아볼 수 있다. 풍경화가 개인의 감상을 그리는 것에 반해, 지도는 통상적으로 과학적 측량에 따른 정확한 정보를 중시한다는 점에서 풍경에 지도의 형식을 빌려왔다는 것은 사뭇 역설적이다. 아마도 이는 민정기가 도시학자 최종현과 함께 장소에 대한 사전조사와 사후자료정리를 요하는 ‘인문지리 기행’이라고 불린 답사의 영향인 것으로 보인다.<|im_end|>

<|im_start|>풍경<|im_end|>

<|im_start|>민정기가 일관되게 작업하는 소재는?<|im_end|>

<|im_start|>민정기(1949~)는 서울대학교 회화과를 졸업하였으며, 현실을 미술로 발언하겠다는 목표를 지닌 ‘현실과 발언’의 일원으로 활동하여 민중미술 작가로 분류되기도 한다. 그는 줄곧 과거부터 현재까지 풍경이라는 일관된 소재를 가지고 작업을 하고 있지만, 그 풍경이 담고 있는 양상은 변화하였다. 민정기가 풍경을 그리던 초기작에는 민중의 삶이 담겨져 있었다면, 오늘날에는 인물 중심이 아닌 도시나 자연 등 풍경 그 자체에 초점이 맞춰져 있다. 이런 그의 작품을 훑어보면 마치 동양화 한 폭을 보는 듯한 느낌을 자아내지만, 그가 사용하는 재료는 유화나 아크릴로 서양의 것이다. 그래서 민정기는 유화라는 서양화 재료와 기법을 구사하면서도 우리 전통 산수화의 흥치와 품격을 새로운 방식으로 되살려내는 작가라는 평가를 받고 있다. 민정기의 〈묵암동천〉(2015) 역시 앞서 언급한 그의 작품의 특징을 잘 보여주고 있으며, 김정호의 대동여지도와 사뭇 비슷한 느낌을 받아볼 수 있다. 풍경화가 개인의 감상을 그리는 것에 반해, 지도는 통상적으로 과학적 측량에 따른 정확한 정보를 중시한다는 점에서 풍경에 지도의 형식을 빌려왔다는 것은 사뭇 역설적이다. 아마도 이는 민정기가 도시학자 최종현과 함께 장소에 대한 사전조사와 사후자료정리를 요하는 ‘인문지리 기행’이라고 불린 답사의 영향인 것으로 보인다.<|im_end|>

<|im_start|>유화나 아크릴<|im_end|>

<|im_start|>민정기가 주로 사용하는 재료는?<|im_end|>

<|im_start|>민정기(1949~)는 서울대학교 회화과를 졸업하였으며, 현실을 미술로 발언하겠다는 목표를 지닌 ‘현실과 발언’의 일원으로 활동하여 민중미술 작가로 분류되기도 한다. 그는 줄곧 과거부터 현재까지 풍경이라는 일관된 소재를 가지고 작업을 하고 있지만, 그 풍경이 담고 있는 양상은 변화하였다. 민정기가 풍경을 그리던 초기작에는 민중의 삶이 담겨져 있었다면, 오늘날에는 인물 중심이 아닌 도시나 자연 등 풍경 그 자체에 초점이 맞춰져 있다. 이런 그의 작품을 훑어보면 마치 동양화 한 폭을 보는 듯한 느낌을 자아내지만, 그가 사용하는 재료는 유화나 아크릴로 서양의 것이다. 그래서 민정기는 유화라는 서양화 재료와 기법을 구사하면서도 우리 전통 산수화의 흥치와 품격을 새로운 방식으로 되살려내는 작가라는 평가를 받고 있다. 민정기의 〈묵암동천〉(2015) 역시 앞서 언급한 그의 작품의 특징을 잘 보여주고 있으며, 김정호의 대동여지도와 사뭇 비슷한 느낌을 받아볼 수 있다. 풍경화가 개인의 감상을 그리는 것에 반해, 지도는 통상적으로 과학적 측량에 따른 정확한 정보를 중시한다는 점에서 풍경에 지도의 형식을 빌려왔다는 것은 사뭇 역설적이다. 아마도 이는 민정기가 도시학자 최종현과 함께 장소에 대한 사전조사와 사후자료정리를 요하는 ‘인문지리 기행’이라고 불린 답사의 영향인 것으로 보인다.<|im_end|>

<|im_start|>묵암동천<|im_end|>

<|im_start|>김정호의 대동여지도와 비슷한 느낌을 주는 것은?<|im_end|>

<|im_start|>민정기(1949~)는 서울대학교 회화과를 졸업하였으며, 현실을 미술로 발언하겠다는 목표를 지닌 ‘현실과 발언’의 일원으로 활동하여 민중미술 작가로 분류되기도 한다. 그는 줄곧 과거부터 현재까지 풍경이라는 일관된 소재를 가지고 작업을 하고 있지만, 그 풍경이 담고 있는 양상은 변화하였다. 민정기가 풍경을 그리던 초기작에는 민중의 삶이 담겨져 있었다면, 오늘날에는 인물 중심이 아닌 도시나 자연 등 풍경 그 자체에 초점이 맞춰져 있다. 이런 그의 작품을 훑어보면 마치 동양화 한 폭을 보는 듯한 느낌을 자아내지만, 그가 사용하는 재료는 유화나 아크릴로 서양의 것이다. 그래서 민정기는 유화라는 서양화 재료와 기법을 구사하면서도 우리 전통 산수화의 흥치와 품격을 새로운 방식으로 되살려내는 작가라는 평가를 받고 있다. 민정기의 〈묵암동천〉(2015) 역시 앞서 언급한 그의 작품의 특징을 잘 보여주고 있으며, 김정호의 대동여지도와 사뭇 비슷한 느낌을 받아볼 수 있다. 풍경화가 개인의 감상을 그리는 것에 반해, 지도는 통상적으로 과학적 측량에 따른 정확한 정보를 중시한다는 점에서 풍경에 지도의 형식을 빌려왔다는 것은 사뭇 역설적이다. 아마도 이는 민정기가 도시학자 최종현과 함께 장소에 대한 사전조사와 사후자료정리를 요하는 ‘인문지리 기행’이라고 불린 답사의 영향인 것으로 보인다.<|im_end|>

<|im_start|>최종현<|im_end|>

<|im_start|>'인문지리 기행'을 함께 다녀온 도시학자의 이름은?<|im_end|>

<|im_start|>민정기(1949~)는 서울대학교 회화과를 졸업하였으며, 현실을 미술로 발언하겠다는 목표를 지닌 ‘현실과 발언’의 일원으로 활동하여 민중미술 작가로 분류되기도 한다. 그는 줄곧 과거부터 현재까지 풍경이라는 일관된 소재를 가지고 작업을 하고 있지만, 그 풍경이 담고 있는 양상은 변화하였다. 민정기가 풍경을 그리던 초기작에는 민중의 삶이 담겨져 있었다면, 오늘날에는 인물 중심이 아닌 도시나 자연 등 풍경 그 자체에 초점이 맞춰져 있다. 이런 그의 작품을 훑어보면 마치 동양화 한 폭을 보는 듯한 느낌을 자아내지만, 그가 사용하는 재료는 유화나 아크릴로 서양의 것이다. 그래서 민정기는 유화라는 서양화 재료와 기법을 구사하면서도 우리 전통 산수화의 흥치와 품격을 새로운 방식으로 되살려내는 작가라는 평가를 받고 있다. 민정기의 〈묵암동천〉(2015) 역시 앞서 언급한 그의 작품의 특징을 잘 보여주고 있으며, 김정호의 대동여지도와 사뭇 비슷한 느낌을 받아볼 수 있다. 풍경화가 개인의 감상을 그리는 것에 반해, 지도는 통상적으로 과학적 측량에 따른 정확한 정보를 중시한다는 점에서 풍경에 지도의 형식을 빌려왔다는 것은 사뭇 역설적이다. 아마도 이는 민정기가 도시학자 최종현과 함께 장소에 대한 사전조사와 사후자료정리를 요하는 ‘인문지리 기행’이라고 불린 답사의 영향인 것으로 보인다.<|im_end|>

<|im_start|>2015<|im_end|>

<|im_start|><묵암동천>을 선보인 해는?<|im_end|>

<|im_start|>이보람은 서울대학교에서 서양화과를 공부하고 동대학원에서 석사와 박사과정을 거쳤으며 박사 과정에서는 판화를 더불어 수학하였다. 그녀는 작품 활동을 시작하면서 현재까지 지속적으로 전쟁 및 테러와 관련된 소재를 가지고 작업을 하고 있으며, 이 때문인지 그녀의 작품에는 붉은색이 항상 담겨 있다. 대학생 때의 졸업전시를 위해 작품 소재를 찾으면서 그녀는 인터넷에 떠도는 전쟁의 참상과 테러의 희생이 난무한 것을 목격했고, 이러한 보도사진들, 즉 타인의 고통을 아무렇지 않게 소비하고 있는 본인의 모습에 흠칫 놀라게 된다. 이러한 현대인의 행위를 탐구하기 위해, 이보람은 수전 손택(Susan Sontag, 1993-2004)의 『타인의 고통』(이후, 2004)과 존 버거(John Berger, 1926-2017)의 『본다는 것의 의미』(동문선, 2000) 등을 읽으며, 그녀의 작업 개념을 구체화시켰다. 또한 이보람의 작업에서 드러나는 붉은색은 희생자들의 피를 의미하는데, 피를 그릴 때 그녀는 죄책감을 느낀다고 한다. 이러한 죄책감은 희생자들의 사적인 순간을 작업으로 이용한다는 생각에서 비롯된다. 이보람의 시리즈 작품인 〈애도에의 애도 1~3〉(2012)에서는 희생자들의 고통 받는 신체는 드러나지 않지만, 붉은색과 함께 문자를 이용함으로써 작품 주제를 드러내고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>서울대학교<|im_end|>

<|im_start|>이보람이 졸업한 대학교는?<|im_end|>

<|im_start|>이보람은 서울대학교에서 서양화과를 공부하고 동대학원에서 석사와 박사과정을 거쳤으며 박사 과정에서는 판화를 더불어 수학하였다. 그녀는 작품 활동을 시작하면서 현재까지 지속적으로 전쟁 및 테러와 관련된 소재를 가지고 작업을 하고 있으며, 이 때문인지 그녀의 작품에는 붉은색이 항상 담겨 있다. 대학생 때의 졸업전시를 위해 작품 소재를 찾으면서 그녀는 인터넷에 떠도는 전쟁의 참상과 테러의 희생이 난무한 것을 목격했고, 이러한 보도사진들, 즉 타인의 고통을 아무렇지 않게 소비하고 있는 본인의 모습에 흠칫 놀라게 된다. 이러한 현대인의 행위를 탐구하기 위해, 이보람은 수전 손택(Susan Sontag, 1993-2004)의 『타인의 고통』(이후, 2004)과 존 버거(John Berger, 1926-2017)의 『본다는 것의 의미』(동문선, 2000) 등을 읽으며, 그녀의 작업 개념을 구체화시켰다. 또한 이보람의 작업에서 드러나는 붉은색은 희생자들의 피를 의미하는데, 피를 그릴 때 그녀는 죄책감을 느낀다고 한다. 이러한 죄책감은 희생자들의 사적인 순간을 작업으로 이용한다는 생각에서 비롯된다. 이보람의 시리즈 작품인 〈애도에의 애도 1~3〉(2012)에서는 희생자들의 고통 받는 신체는 드러나지 않지만, 붉은색과 함께 문자를 이용함으로써 작품 주제를 드러내고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>박사<|im_end|>

<|im_start|>이보람의 최종 학위는?<|im_end|>

<|im_start|>이보람은 서울대학교에서 서양화과를 공부하고 동대학원에서 석사와 박사과정을 거쳤으며 박사 과정에서는 판화를 더불어 수학하였다. 그녀는 작품 활동을 시작하면서 현재까지 지속적으로 전쟁 및 테러와 관련된 소재를 가지고 작업을 하고 있으며, 이 때문인지 그녀의 작품에는 붉은색이 항상 담겨 있다. 대학생 때의 졸업전시를 위해 작품 소재를 찾으면서 그녀는 인터넷에 떠도는 전쟁의 참상과 테러의 희생이 난무한 것을 목격했고, 이러한 보도사진들, 즉 타인의 고통을 아무렇지 않게 소비하고 있는 본인의 모습에 흠칫 놀라게 된다. 이러한 현대인의 행위를 탐구하기 위해, 이보람은 수전 손택(Susan Sontag, 1993-2004)의 『타인의 고통』(이후, 2004)과 존 버거(John Berger, 1926-2017)의 『본다는 것의 의미』(동문선, 2000) 등을 읽으며, 그녀의 작업 개념을 구체화시켰다. 또한 이보람의 작업에서 드러나는 붉은색은 희생자들의 피를 의미하는데, 피를 그릴 때 그녀는 죄책감을 느낀다고 한다. 이러한 죄책감은 희생자들의 사적인 순간을 작업으로 이용한다는 생각에서 비롯된다. 이보람의 시리즈 작품인 〈애도에의 애도 1~3〉(2012)에서는 희생자들의 고통 받는 신체는 드러나지 않지만, 붉은색과 함께 문자를 이용함으로써 작품 주제를 드러내고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>전쟁 및 테러<|im_end|>

<|im_start|>이보람이 주로 작업하는 작품의 소재는?<|im_end|>

<|im_start|>이보람은 서울대학교에서 서양화과를 공부하고 동대학원에서 석사와 박사과정을 거쳤으며 박사 과정에서는 판화를 더불어 수학하였다. 그녀는 작품 활동을 시작하면서 현재까지 지속적으로 전쟁 및 테러와 관련된 소재를 가지고 작업을 하고 있으며, 이 때문인지 그녀의 작품에는 붉은색이 항상 담겨 있다. 대학생 때의 졸업전시를 위해 작품 소재를 찾으면서 그녀는 인터넷에 떠도는 전쟁의 참상과 테러의 희생이 난무한 것을 목격했고, 이러한 보도사진들, 즉 타인의 고통을 아무렇지 않게 소비하고 있는 본인의 모습에 흠칫 놀라게 된다. 이러한 현대인의 행위를 탐구하기 위해, 이보람은 수전 손택(Susan Sontag, 1993-2004)의 『타인의 고통』(이후, 2004)과 존 버거(John Berger, 1926-2017)의 『본다는 것의 의미』(동문선, 2000) 등을 읽으며, 그녀의 작업 개념을 구체화시켰다. 또한 이보람의 작업에서 드러나는 붉은색은 희생자들의 피를 의미하는데, 피를 그릴 때 그녀는 죄책감을 느낀다고 한다. 이러한 죄책감은 희생자들의 사적인 순간을 작업으로 이용한다는 생각에서 비롯된다. 이보람의 시리즈 작품인 〈애도에의 애도 1~3〉(2012)에서는 희생자들의 고통 받는 신체는 드러나지 않지만, 붉은색과 함께 문자를 이용함으로써 작품 주제를 드러내고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>희생자들의 피<|im_end|>

<|im_start|>이보람의 작업에서 드러나는 붉은색의 의미는?<|im_end|>

<|im_start|>이보람은 서울대학교에서 서양화과를 공부하고 동대학원에서 석사와 박사과정을 거쳤으며 박사 과정에서는 판화를 더불어 수학하였다. 그녀는 작품 활동을 시작하면서 현재까지 지속적으로 전쟁 및 테러와 관련된 소재를 가지고 작업을 하고 있으며, 이 때문인지 그녀의 작품에는 붉은색이 항상 담겨 있다. 대학생 때의 졸업전시를 위해 작품 소재를 찾으면서 그녀는 인터넷에 떠도는 전쟁의 참상과 테러의 희생이 난무한 것을 목격했고, 이러한 보도사진들, 즉 타인의 고통을 아무렇지 않게 소비하고 있는 본인의 모습에 흠칫 놀라게 된다. 이러한 현대인의 행위를 탐구하기 위해, 이보람은 수전 손택(Susan Sontag, 1993-2004)의 『타인의 고통』(이후, 2004)과 존 버거(John Berger, 1926-2017)의 『본다는 것의 의미』(동문선, 2000) 등을 읽으며, 그녀의 작업 개념을 구체화시켰다. 또한 이보람의 작업에서 드러나는 붉은색은 희생자들의 피를 의미하는데, 피를 그릴 때 그녀는 죄책감을 느낀다고 한다. 이러한 죄책감은 희생자들의 사적인 순간을 작업으로 이용한다는 생각에서 비롯된다. 이보람의 시리즈 작품인 〈애도에의 애도 1~3〉(2012)에서는 희생자들의 고통 받는 신체는 드러나지 않지만, 붉은색과 함께 문자를 이용함으로써 작품 주제를 드러내고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>타인의 고통<|im_end|>

<|im_start|>현대인의 행위를 탐구하기 위해 이보람이 읽은 책은?<|im_end|>

<|im_start|>이보람은 서울대학교에서 서양화과를 공부하고 동대학원에서 석사와 박사과정을 거쳤으며 박사 과정에서는 판화를 더불어 수학하였다. 그녀는 작품 활동을 시작하면서 현재까지 지속적으로 전쟁 및 테러와 관련된 소재를 가지고 작업을 하고 있으며, 이 때문인지 그녀의 작품에는 붉은색이 항상 담겨 있다. 대학생 때의 졸업전시를 위해 작품 소재를 찾으면서 그녀는 인터넷에 떠도는 전쟁의 참상과 테러의 희생이 난무한 것을 목격했고, 이러한 보도사진들, 즉 타인의 고통을 아무렇지 않게 소비하고 있는 본인의 모습에 흠칫 놀라게 된다. 이러한 현대인의 행위를 탐구하기 위해, 이보람은 수전 손택(Susan Sontag, 1993-2004)의 『타인의 고통』(이후, 2004)과 존 버거(John Berger, 1926-2017)의 『본다는 것의 의미』(동문선, 2000) 등을 읽으며, 그녀의 작업 개념을 구체화시켰다. 또한 이보람의 작업에서 드러나는 붉은색은 희생자들의 피를 의미하는데, 피를 그릴 때 그녀는 죄책감을 느낀다고 한다. 이러한 죄책감은 희생자들의 사적인 순간을 작업으로 이용한다는 생각에서 비롯된다. 이보람의 시리즈 작품인 〈애도에의 애도 1~3〉(2012)에서는 희생자들의 고통 받는 신체는 드러나지 않지만, 붉은색과 함께 문자를 이용함으로써 작품 주제를 드러내고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>애도에의 애도 1~3<|im_end|>

<|im_start|>이보람의 시리즈 작품의 이름은?<|im_end|>

<|im_start|>전남 강진 출신인 윤재우(1917-2005)는 일본 오사카미술학교에서 서양화과를 졸업하고, 다수의 개인전 및 그룹전을 하며 1940년을 기점으로 광주 지역을 중심으로 활발히 작업 활동을 하였다. 또한 중·고등학교에서 38년간 교사로 재직하며 교육계에도 몸 담았다. 한국의 마티스라고도 불리는 윤재우의 작품들은 표현주의 사조의 작품에서 엿볼 수 있는 단순한 형태와 두꺼운 윤곽선과 같은 특징을 지니고 있다. 또한 그의 작품은 연대별로 나누어 살펴볼 수 있는데, 1944년 귀국 이후에는 인상주의를 기조로 한 작업 활동을 선보였으나 1960년대에 들어서는 향토적인 색채감으로 사실적이면서도 목가적인 풍경을 주로 제작하였다. 1970년대부터는 색채가 다소 밝고 경쾌해지면서 이전의 작품들보다 원색적이고도 화려한 느낌을 자아낸다. 1980년대에 접어들면서 작품의 소재가 풍경화에서 정물화와 인물화로 옮겨갔고, 화려한 색채로 평면적인 누드를 선보이기도 했다. 〈향원정 추색〉(1985)은 윤재우의 후기 작품으로 그가 평생 동안 관심을 가졌던 풍경을 담고 있다. 향원정은 경복궁의 후원에 있는 정자로, 가을이라는 계절의 정취가 물씬 묻어나는 향원정의 모습을 느껴볼 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>전남 강진<|im_end|>

<|im_start|>윤재우의 출생지는?<|im_end|>

<|im_start|>전남 강진 출신인 윤재우(1917-2005)는 일본 오사카미술학교에서 서양화과를 졸업하고, 다수의 개인전 및 그룹전을 하며 1940년을 기점으로 광주 지역을 중심으로 활발히 작업 활동을 하였다. 또한 중·고등학교에서 38년간 교사로 재직하며 교육계에도 몸 담았다. 한국의 마티스라고도 불리는 윤재우의 작품들은 표현주의 사조의 작품에서 엿볼 수 있는 단순한 형태와 두꺼운 윤곽선과 같은 특징을 지니고 있다. 또한 그의 작품은 연대별로 나누어 살펴볼 수 있는데, 1944년 귀국 이후에는 인상주의를 기조로 한 작업 활동을 선보였으나 1960년대에 들어서는 향토적인 색채감으로 사실적이면서도 목가적인 풍경을 주로 제작하였다. 1970년대부터는 색채가 다소 밝고 경쾌해지면서 이전의 작품들보다 원색적이고도 화려한 느낌을 자아낸다. 1980년대에 접어들면서 작품의 소재가 풍경화에서 정물화와 인물화로 옮겨갔고, 화려한 색채로 평면적인 누드를 선보이기도 했다. 〈향원정 추색〉(1985)은 윤재우의 후기 작품으로 그가 평생 동안 관심을 가졌던 풍경을 담고 있다. 향원정은 경복궁의 후원에 있는 정자로, 가을이라는 계절의 정취가 물씬 묻어나는 향원정의 모습을 느껴볼 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>1940년<|im_end|>

<|im_start|>윤재우가 광주 지역을 중심으로 활동을 시작한 해는?<|im_end|>

<|im_start|>전남 강진 출신인 윤재우(1917-2005)는 일본 오사카미술학교에서 서양화과를 졸업하고, 다수의 개인전 및 그룹전을 하며 1940년을 기점으로 광주 지역을 중심으로 활발히 작업 활동을 하였다. 또한 중·고등학교에서 38년간 교사로 재직하며 교육계에도 몸 담았다. 한국의 마티스라고도 불리는 윤재우의 작품들은 표현주의 사조의 작품에서 엿볼 수 있는 단순한 형태와 두꺼운 윤곽선과 같은 특징을 지니고 있다. 또한 그의 작품은 연대별로 나누어 살펴볼 수 있는데, 1944년 귀국 이후에는 인상주의를 기조로 한 작업 활동을 선보였으나 1960년대에 들어서는 향토적인 색채감으로 사실적이면서도 목가적인 풍경을 주로 제작하였다. 1970년대부터는 색채가 다소 밝고 경쾌해지면서 이전의 작품들보다 원색적이고도 화려한 느낌을 자아낸다. 1980년대에 접어들면서 작품의 소재가 풍경화에서 정물화와 인물화로 옮겨갔고, 화려한 색채로 평면적인 누드를 선보이기도 했다. 〈향원정 추색〉(1985)은 윤재우의 후기 작품으로 그가 평생 동안 관심을 가졌던 풍경을 담고 있다. 향원정은 경복궁의 후원에 있는 정자로, 가을이라는 계절의 정취가 물씬 묻어나는 향원정의 모습을 느껴볼 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>38년<|im_end|>

<|im_start|>윤재우가 교사로 재직한 기간은?<|im_end|>

<|im_start|>전남 강진 출신인 윤재우(1917-2005)는 일본 오사카미술학교에서 서양화과를 졸업하고, 다수의 개인전 및 그룹전을 하며 1940년을 기점으로 광주 지역을 중심으로 활발히 작업 활동을 하였다. 또한 중·고등학교에서 38년간 교사로 재직하며 교육계에도 몸 담았다. 한국의 마티스라고도 불리는 윤재우의 작품들은 표현주의 사조의 작품에서 엿볼 수 있는 단순한 형태와 두꺼운 윤곽선과 같은 특징을 지니고 있다. 또한 그의 작품은 연대별로 나누어 살펴볼 수 있는데, 1944년 귀국 이후에는 인상주의를 기조로 한 작업 활동을 선보였으나 1960년대에 들어서는 향토적인 색채감으로 사실적이면서도 목가적인 풍경을 주로 제작하였다. 1970년대부터는 색채가 다소 밝고 경쾌해지면서 이전의 작품들보다 원색적이고도 화려한 느낌을 자아낸다. 1980년대에 접어들면서 작품의 소재가 풍경화에서 정물화와 인물화로 옮겨갔고, 화려한 색채로 평면적인 누드를 선보이기도 했다. 〈향원정 추색〉(1985)은 윤재우의 후기 작품으로 그가 평생 동안 관심을 가졌던 풍경을 담고 있다. 향원정은 경복궁의 후원에 있는 정자로, 가을이라는 계절의 정취가 물씬 묻어나는 향원정의 모습을 느껴볼 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>단순한 형태와 두꺼운 윤곽선<|im_end|>

<|im_start|>윤재우 작품의 특징은?<|im_end|>

<|im_start|>전남 강진 출신인 윤재우(1917-2005)는 일본 오사카미술학교에서 서양화과를 졸업하고, 다수의 개인전 및 그룹전을 하며 1940년을 기점으로 광주 지역을 중심으로 활발히 작업 활동을 하였다. 또한 중·고등학교에서 38년간 교사로 재직하며 교육계에도 몸 담았다. 한국의 마티스라고도 불리는 윤재우의 작품들은 표현주의 사조의 작품에서 엿볼 수 있는 단순한 형태와 두꺼운 윤곽선과 같은 특징을 지니고 있다. 또한 그의 작품은 연대별로 나누어 살펴볼 수 있는데, 1944년 귀국 이후에는 인상주의를 기조로 한 작업 활동을 선보였으나 1960년대에 들어서는 향토적인 색채감으로 사실적이면서도 목가적인 풍경을 주로 제작하였다. 1970년대부터는 색채가 다소 밝고 경쾌해지면서 이전의 작품들보다 원색적이고도 화려한 느낌을 자아낸다. 1980년대에 접어들면서 작품의 소재가 풍경화에서 정물화와 인물화로 옮겨갔고, 화려한 색채로 평면적인 누드를 선보이기도 했다. 〈향원정 추색〉(1985)은 윤재우의 후기 작품으로 그가 평생 동안 관심을 가졌던 풍경을 담고 있다. 향원정은 경복궁의 후원에 있는 정자로, 가을이라는 계절의 정취가 물씬 묻어나는 향원정의 모습을 느껴볼 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>향원정 추색<|im_end|>

<|im_start|>윤재우가 평생 동안 관심을 가졌던 풍경이 담긴 작품 이름은?<|im_end|>

<|im_start|>전남 강진 출신인 윤재우(1917-2005)는 일본 오사카미술학교에서 서양화과를 졸업하고, 다수의 개인전 및 그룹전을 하며 1940년을 기점으로 광주 지역을 중심으로 활발히 작업 활동을 하였다. 또한 중·고등학교에서 38년간 교사로 재직하며 교육계에도 몸 담았다. 한국의 마티스라고도 불리는 윤재우의 작품들은 표현주의 사조의 작품에서 엿볼 수 있는 단순한 형태와 두꺼운 윤곽선과 같은 특징을 지니고 있다. 또한 그의 작품은 연대별로 나누어 살펴볼 수 있는데, 1944년 귀국 이후에는 인상주의를 기조로 한 작업 활동을 선보였으나 1960년대에 들어서는 향토적인 색채감으로 사실적이면서도 목가적인 풍경을 주로 제작하였다. 1970년대부터는 색채가 다소 밝고 경쾌해지면서 이전의 작품들보다 원색적이고도 화려한 느낌을 자아낸다. 1980년대에 접어들면서 작품의 소재가 풍경화에서 정물화와 인물화로 옮겨갔고, 화려한 색채로 평면적인 누드를 선보이기도 했다. 〈향원정 추색〉(1985)은 윤재우의 후기 작품으로 그가 평생 동안 관심을 가졌던 풍경을 담고 있다. 향원정은 경복궁의 후원에 있는 정자로, 가을이라는 계절의 정취가 물씬 묻어나는 향원정의 모습을 느껴볼 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>1985<|im_end|>

<|im_start|><향원정 추색>이 선보여진 해는?<|im_end|>

<|im_start|>부산에서 태어난 방정아(方靖雅, 1968~)는 화가였던 어머니의 영향으로 홍익대학교 미술대학을 졸업하고 고향인 부산으로 다시 내려가 작품 활동을 여태껏 지속하고 있다. 현실발언적인 이야기를 담는 회화 작업을 하고 싶었던 그녀는 일상이라는 주제를 가지고 작업을 시작하였다. 방정아는 어디서나 쉽게 접할 수 있는 풍경이지만 그렇기 때문에 누구에게나 쉽게 외면당할 수 있는 일상을 과감히 작업에 등장시켰다. 그러나 이후 세상에 대한 이해의 폭이 넓어지면서 그녀의 작업은 사회적인 이슈들을 다루는 것으로 방향성에 변화가 일어난다. 이렇게 지속적으로 사회의 다양한 이야기를 담아내는 방정아의 작품은 바로 우리가 처한 상황인 ‘지금, 여기’를 가리킨다. 또한 그녀는 국립현대미술관에서 수여하는 2021년도의 올해의 작가상 후보 4인에 오르기도 하였으며, ‘한국의 정치 풍경’과 ‘플라스틱 생태계’라는 두 가지 섹션으로 나누어 그녀가 현재 주지하고 있는 세상에 관한 작업을 선보였다. 방정아의 〈되돌아 갈 수도 없고〉(2004)는 일상을 주제로 작업을 했던 초기작으로 마치 한 장의 삽화를 보는 듯한 느낌이 든다. 통속적인 삶의 풍속화 같은 이 작품은 우리의 일상 속에 내재되어 있는 소외와 모순을 그려내고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>부산<|im_end|>

<|im_start|>방정아의 출생지는?<|im_end|>

<|im_start|>부산에서 태어난 방정아(方靖雅, 1968~)는 화가였던 어머니의 영향으로 홍익대학교 미술대학을 졸업하고 고향인 부산으로 다시 내려가 작품 활동을 여태껏 지속하고 있다. 현실발언적인 이야기를 담는 회화 작업을 하고 싶었던 그녀는 일상이라는 주제를 가지고 작업을 시작하였다. 방정아는 어디서나 쉽게 접할 수 있는 풍경이지만 그렇기 때문에 누구에게나 쉽게 외면당할 수 있는 일상을 과감히 작업에 등장시켰다. 그러나 이후 세상에 대한 이해의 폭이 넓어지면서 그녀의 작업은 사회적인 이슈들을 다루는 것으로 방향성에 변화가 일어난다. 이렇게 지속적으로 사회의 다양한 이야기를 담아내는 방정아의 작품은 바로 우리가 처한 상황인 ‘지금, 여기’를 가리킨다. 또한 그녀는 국립현대미술관에서 수여하는 2021년도의 올해의 작가상 후보 4인에 오르기도 하였으며, ‘한국의 정치 풍경’과 ‘플라스틱 생태계’라는 두 가지 섹션으로 나누어 그녀가 현재 주지하고 있는 세상에 관한 작업을 선보였다. 방정아의 〈되돌아 갈 수도 없고〉(2004)는 일상을 주제로 작업을 했던 초기작으로 마치 한 장의 삽화를 보는 듯한 느낌이 든다. 통속적인 삶의 풍속화 같은 이 작품은 우리의 일상 속에 내재되어 있는 소외와 모순을 그려내고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>화가<|im_end|>

<|im_start|>방정아에게 영향을 준 어머니의 직업은?<|im_end|>

<|im_start|>부산에서 태어난 방정아(方靖雅, 1968~)는 화가였던 어머니의 영향으로 홍익대학교 미술대학을 졸업하고 고향인 부산으로 다시 내려가 작품 활동을 여태껏 지속하고 있다. 현실발언적인 이야기를 담는 회화 작업을 하고 싶었던 그녀는 일상이라는 주제를 가지고 작업을 시작하였다. 방정아는 어디서나 쉽게 접할 수 있는 풍경이지만 그렇기 때문에 누구에게나 쉽게 외면당할 수 있는 일상을 과감히 작업에 등장시켰다. 그러나 이후 세상에 대한 이해의 폭이 넓어지면서 그녀의 작업은 사회적인 이슈들을 다루는 것으로 방향성에 변화가 일어난다. 이렇게 지속적으로 사회의 다양한 이야기를 담아내는 방정아의 작품은 바로 우리가 처한 상황인 ‘지금, 여기’를 가리킨다. 또한 그녀는 국립현대미술관에서 수여하는 2021년도의 올해의 작가상 후보 4인에 오르기도 하였으며, ‘한국의 정치 풍경’과 ‘플라스틱 생태계’라는 두 가지 섹션으로 나누어 그녀가 현재 주지하고 있는 세상에 관한 작업을 선보였다. 방정아의 〈되돌아 갈 수도 없고〉(2004)는 일상을 주제로 작업을 했던 초기작으로 마치 한 장의 삽화를 보는 듯한 느낌이 든다. 통속적인 삶의 풍속화 같은 이 작품은 우리의 일상 속에 내재되어 있는 소외와 모순을 그려내고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>홍익대학교<|im_end|>

<|im_start|>방정아가 졸업한 대학교는?<|im_end|>

<|im_start|>부산에서 태어난 방정아(方靖雅, 1968~)는 화가였던 어머니의 영향으로 홍익대학교 미술대학을 졸업하고 고향인 부산으로 다시 내려가 작품 활동을 여태껏 지속하고 있다. 현실발언적인 이야기를 담는 회화 작업을 하고 싶었던 그녀는 일상이라는 주제를 가지고 작업을 시작하였다. 방정아는 어디서나 쉽게 접할 수 있는 풍경이지만 그렇기 때문에 누구에게나 쉽게 외면당할 수 있는 일상을 과감히 작업에 등장시켰다. 그러나 이후 세상에 대한 이해의 폭이 넓어지면서 그녀의 작업은 사회적인 이슈들을 다루는 것으로 방향성에 변화가 일어난다. 이렇게 지속적으로 사회의 다양한 이야기를 담아내는 방정아의 작품은 바로 우리가 처한 상황인 ‘지금, 여기’를 가리킨다. 또한 그녀는 국립현대미술관에서 수여하는 2021년도의 올해의 작가상 후보 4인에 오르기도 하였으며, ‘한국의 정치 풍경’과 ‘플라스틱 생태계’라는 두 가지 섹션으로 나누어 그녀가 현재 주지하고 있는 세상에 관한 작업을 선보였다. 방정아의 〈되돌아 갈 수도 없고〉(2004)는 일상을 주제로 작업을 했던 초기작으로 마치 한 장의 삽화를 보는 듯한 느낌이 든다. 통속적인 삶의 풍속화 같은 이 작품은 우리의 일상 속에 내재되어 있는 소외와 모순을 그려내고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>되돌아 갈 수도 없고<|im_end|>

<|im_start|>일상을 주제로 작업한 초기작 가운데 한 장의 삽화를 보는 듯한 느낌을 주는 작품은?<|im_end|>

<|im_start|>부산에서 태어난 방정아(方靖雅, 1968~)는 화가였던 어머니의 영향으로 홍익대학교 미술대학을 졸업하고 고향인 부산으로 다시 내려가 작품 활동을 여태껏 지속하고 있다. 현실발언적인 이야기를 담는 회화 작업을 하고 싶었던 그녀는 일상이라는 주제를 가지고 작업을 시작하였다. 방정아는 어디서나 쉽게 접할 수 있는 풍경이지만 그렇기 때문에 누구에게나 쉽게 외면당할 수 있는 일상을 과감히 작업에 등장시켰다. 그러나 이후 세상에 대한 이해의 폭이 넓어지면서 그녀의 작업은 사회적인 이슈들을 다루는 것으로 방향성에 변화가 일어난다. 이렇게 지속적으로 사회의 다양한 이야기를 담아내는 방정아의 작품은 바로 우리가 처한 상황인 ‘지금, 여기’를 가리킨다. 또한 그녀는 국립현대미술관에서 수여하는 2021년도의 올해의 작가상 후보 4인에 오르기도 하였으며, ‘한국의 정치 풍경’과 ‘플라스틱 생태계’라는 두 가지 섹션으로 나누어 그녀가 현재 주지하고 있는 세상에 관한 작업을 선보였다. 방정아의 〈되돌아 갈 수도 없고〉(2004)는 일상을 주제로 작업을 했던 초기작으로 마치 한 장의 삽화를 보는 듯한 느낌이 든다. 통속적인 삶의 풍속화 같은 이 작품은 우리의 일상 속에 내재되어 있는 소외와 모순을 그려내고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>2004<|im_end|>

<|im_start|><되돌아 갈 수도 없고>를 선보인 해는?<|im_end|>

<|im_start|>부산에서 태어난 방정아(方靖雅, 1968~)는 화가였던 어머니의 영향으로 홍익대학교 미술대학을 졸업하고 고향인 부산으로 다시 내려가 작품 활동을 여태껏 지속하고 있다. 현실발언적인 이야기를 담는 회화 작업을 하고 싶었던 그녀는 일상이라는 주제를 가지고 작업을 시작하였다. 방정아는 어디서나 쉽게 접할 수 있는 풍경이지만 그렇기 때문에 누구에게나 쉽게 외면당할 수 있는 일상을 과감히 작업에 등장시켰다. 그러나 이후 세상에 대한 이해의 폭이 넓어지면서 그녀의 작업은 사회적인 이슈들을 다루는 것으로 방향성에 변화가 일어난다. 이렇게 지속적으로 사회의 다양한 이야기를 담아내는 방정아의 작품은 바로 우리가 처한 상황인 ‘지금, 여기’를 가리킨다. 또한 그녀는 국립현대미술관에서 수여하는 2021년도의 올해의 작가상 후보 4인에 오르기도 하였으며, ‘한국의 정치 풍경’과 ‘플라스틱 생태계’라는 두 가지 섹션으로 나누어 그녀가 현재 주지하고 있는 세상에 관한 작업을 선보였다. 방정아의 〈되돌아 갈 수도 없고〉(2004)는 일상을 주제로 작업을 했던 초기작으로 마치 한 장의 삽화를 보는 듯한 느낌이 든다. 통속적인 삶의 풍속화 같은 이 작품은 우리의 일상 속에 내재되어 있는 소외와 모순을 그려내고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>2021년<|im_end|>

<|im_start|>국립현대미술관에서 수여하는 올해의 작가상 후보에 오른 해는?<|im_end|>

<|im_start|>울진에서 태어난 유영국(劉永國, 1916-2002)은 일본에서 미술의 기본기를 다졌고 추상 작업에 몰두하면서 국내외의 단체전 및 비엔날레에 다수 참여하며 한국 추상미술의 선구자로 자리매김하였다. 그는 한국의 가장 전위적인 미술단체였던 신사실파, 모던아트협회, 현대작가초대전, 신상회 등을 이끌면서 단체 활동을 활발히 하였으나, 1946년 갑작스레 미술단체 활동의 시대는 끝났다며 종언을 선언하였다. 이후 그는 개인 작업실에서 오로지 작품 제작에만 전념했고 2002년 타계하기까지 400여 점의 작품을 남겼다. 그의 작품은 한국의 자연을 담고 있으며 풍부한 색채와 단순한 형태 그리고 마티에르를 살린 추상화로 유명하다. 또한 그의 작품을 지배하고 있는 기본적인 조형요소인 점, 선, 면, 형, 색 등은 서로 팽팽한 대립을 통해 긴장하면서 화면 속의 균형감각을 유지하고 있다. 유영국은 60세가 될 때까지는 기초 공부를 한 이후 자연에 좀 더 부드럽게 돌아가겠다고 말한 바 있는데, 그의 〈WORK〉(1979)가 바로 이에 해당하는 작품이다. 이 시기 그는 병고에 시달리면서 심장 박동기를 달고 생활하였음에도 불구하고 차분한 색감의 평화로워 보이는 그림들을 계속하여 제작하였다.<|im_end|>

<|im_start|>울진<|im_end|>

<|im_start|>유영국의 출생지는?<|im_end|>

<|im_start|>울진에서 태어난 유영국(劉永國, 1916-2002)은 일본에서 미술의 기본기를 다졌고 추상 작업에 몰두하면서 국내외의 단체전 및 비엔날레에 다수 참여하며 한국 추상미술의 선구자로 자리매김하였다. 그는 한국의 가장 전위적인 미술단체였던 신사실파, 모던아트협회, 현대작가초대전, 신상회 등을 이끌면서 단체 활동을 활발히 하였으나, 1946년 갑작스레 미술단체 활동의 시대는 끝났다며 종언을 선언하였다. 이후 그는 개인 작업실에서 오로지 작품 제작에만 전념했고 2002년 타계하기까지 400여 점의 작품을 남겼다. 그의 작품은 한국의 자연을 담고 있으며 풍부한 색채와 단순한 형태 그리고 마티에르를 살린 추상화로 유명하다. 또한 그의 작품을 지배하고 있는 기본적인 조형요소인 점, 선, 면, 형, 색 등은 서로 팽팽한 대립을 통해 긴장하면서 화면 속의 균형감각을 유지하고 있다. 유영국은 60세가 될 때까지는 기초 공부를 한 이후 자연에 좀 더 부드럽게 돌아가겠다고 말한 바 있는데, 그의 〈WORK〉(1979)가 바로 이에 해당하는 작품이다. 이 시기 그는 병고에 시달리면서 심장 박동기를 달고 생활하였음에도 불구하고 차분한 색감의 평화로워 보이는 그림들을 계속하여 제작하였다.<|im_end|>

<|im_start|>1946년<|im_end|>

<|im_start|>유영국이 미술단체 활동의 시대는 끝났다며 종언을 선언한 해는?<|im_end|>

<|im_start|>울진에서 태어난 유영국(劉永國, 1916-2002)은 일본에서 미술의 기본기를 다졌고 추상 작업에 몰두하면서 국내외의 단체전 및 비엔날레에 다수 참여하며 한국 추상미술의 선구자로 자리매김하였다. 그는 한국의 가장 전위적인 미술단체였던 신사실파, 모던아트협회, 현대작가초대전, 신상회 등을 이끌면서 단체 활동을 활발히 하였으나, 1946년 갑작스레 미술단체 활동의 시대는 끝났다며 종언을 선언하였다. 이후 그는 개인 작업실에서 오로지 작품 제작에만 전념했고 2002년 타계하기까지 400여 점의 작품을 남겼다. 그의 작품은 한국의 자연을 담고 있으며 풍부한 색채와 단순한 형태 그리고 마티에르를 살린 추상화로 유명하다. 또한 그의 작품을 지배하고 있는 기본적인 조형요소인 점, 선, 면, 형, 색 등은 서로 팽팽한 대립을 통해 긴장하면서 화면 속의 균형감각을 유지하고 있다. 유영국은 60세가 될 때까지는 기초 공부를 한 이후 자연에 좀 더 부드럽게 돌아가겠다고 말한 바 있는데, 그의 〈WORK〉(1979)가 바로 이에 해당하는 작품이다. 이 시기 그는 병고에 시달리면서 심장 박동기를 달고 생활하였음에도 불구하고 차분한 색감의 평화로워 보이는 그림들을 계속하여 제작하였다.<|im_end|>

<|im_start|>400여 점<|im_end|>

<|im_start|>유영국이 타계하기 전까지 남긴 작품의 수는?<|im_end|>

<|im_start|>울진에서 태어난 유영국(劉永國, 1916-2002)은 일본에서 미술의 기본기를 다졌고 추상 작업에 몰두하면서 국내외의 단체전 및 비엔날레에 다수 참여하며 한국 추상미술의 선구자로 자리매김하였다. 그는 한국의 가장 전위적인 미술단체였던 신사실파, 모던아트협회, 현대작가초대전, 신상회 등을 이끌면서 단체 활동을 활발히 하였으나, 1946년 갑작스레 미술단체 활동의 시대는 끝났다며 종언을 선언하였다. 이후 그는 개인 작업실에서 오로지 작품 제작에만 전념했고 2002년 타계하기까지 400여 점의 작품을 남겼다. 그의 작품은 한국의 자연을 담고 있으며 풍부한 색채와 단순한 형태 그리고 마티에르를 살린 추상화로 유명하다. 또한 그의 작품을 지배하고 있는 기본적인 조형요소인 점, 선, 면, 형, 색 등은 서로 팽팽한 대립을 통해 긴장하면서 화면 속의 균형감각을 유지하고 있다. 유영국은 60세가 될 때까지는 기초 공부를 한 이후 자연에 좀 더 부드럽게 돌아가겠다고 말한 바 있는데, 그의 〈WORK〉(1979)가 바로 이에 해당하는 작품이다. 이 시기 그는 병고에 시달리면서 심장 박동기를 달고 생활하였음에도 불구하고 차분한 색감의 평화로워 보이는 그림들을 계속하여 제작하였다.<|im_end|>

<|im_start|>한국의 자연<|im_end|>

<|im_start|>유영국의 작품이 담고 있는 것은?<|im_end|>

<|im_start|>울진에서 태어난 유영국(劉永國, 1916-2002)은 일본에서 미술의 기본기를 다졌고 추상 작업에 몰두하면서 국내외의 단체전 및 비엔날레에 다수 참여하며 한국 추상미술의 선구자로 자리매김하였다. 그는 한국의 가장 전위적인 미술단체였던 신사실파, 모던아트협회, 현대작가초대전, 신상회 등을 이끌면서 단체 활동을 활발히 하였으나, 1946년 갑작스레 미술단체 활동의 시대는 끝났다며 종언을 선언하였다. 이후 그는 개인 작업실에서 오로지 작품 제작에만 전념했고 2002년 타계하기까지 400여 점의 작품을 남겼다. 그의 작품은 한국의 자연을 담고 있으며 풍부한 색채와 단순한 형태 그리고 마티에르를 살린 추상화로 유명하다. 또한 그의 작품을 지배하고 있는 기본적인 조형요소인 점, 선, 면, 형, 색 등은 서로 팽팽한 대립을 통해 긴장하면서 화면 속의 균형감각을 유지하고 있다. 유영국은 60세가 될 때까지는 기초 공부를 한 이후 자연에 좀 더 부드럽게 돌아가겠다고 말한 바 있는데, 그의 〈WORK〉(1979)가 바로 이에 해당하는 작품이다. 이 시기 그는 병고에 시달리면서 심장 박동기를 달고 생활하였음에도 불구하고 차분한 색감의 평화로워 보이는 그림들을 계속하여 제작하였다.<|im_end|>

<|im_start|>일본<|im_end|>

<|im_start|>유영국이 미술의 기본기를 다진 곳은?<|im_end|>

<|im_start|>울진에서 태어난 유영국(劉永國, 1916-2002)은 일본에서 미술의 기본기를 다졌고 추상 작업에 몰두하면서 국내외의 단체전 및 비엔날레에 다수 참여하며 한국 추상미술의 선구자로 자리매김하였다. 그는 한국의 가장 전위적인 미술단체였던 신사실파, 모던아트협회, 현대작가초대전, 신상회 등을 이끌면서 단체 활동을 활발히 하였으나, 1946년 갑작스레 미술단체 활동의 시대는 끝났다며 종언을 선언하였다. 이후 그는 개인 작업실에서 오로지 작품 제작에만 전념했고 2002년 타계하기까지 400여 점의 작품을 남겼다. 그의 작품은 한국의 자연을 담고 있으며 풍부한 색채와 단순한 형태 그리고 마티에르를 살린 추상화로 유명하다. 또한 그의 작품을 지배하고 있는 기본적인 조형요소인 점, 선, 면, 형, 색 등은 서로 팽팽한 대립을 통해 긴장하면서 화면 속의 균형감각을 유지하고 있다. 유영국은 60세가 될 때까지는 기초 공부를 한 이후 자연에 좀 더 부드럽게 돌아가겠다고 말한 바 있는데, 그의 〈WORK〉(1979)가 바로 이에 해당하는 작품이다. 이 시기 그는 병고에 시달리면서 심장 박동기를 달고 생활하였음에도 불구하고 차분한 색감의 평화로워 보이는 그림들을 계속하여 제작하였다.<|im_end|>

<|im_start|>1916<|im_end|>

<|im_start|>유영국의 출생년도는?<|im_end|>

<|im_start|>서울에서 태어난 한운성(韓雲晟, 1946~)은 서울대학교의 회화과에서 학사와 석사를 하면서 과격한 붓질로 거친 질감이 두드러진 유화 작품을 주로 제작했다. 이후 미국에서 유학하며 판화 공부를 한 뒤, 1975년 귀국하여 판화를 중점적으로 작품 활동을 시작하였으며 판화기법에 관한 서적도 출간한 바 있다. 그의 작품 소재는 시기별로 뚜렷하게 구분되는데, 1970년대에는 콜라 캔을 주로 그렸고 1980년대에는 문과 받침목으로 시작하여 점차 매듭으로 그 소재가 옮겨갔다. 1990년대 후반부터는 또다시 작품 소재가 변화하여 과일을 담은 작품이 주를 이룬다. 이렇듯 그가 선택한 작품 소재들은 하나같이 우리가 일상생활 속에서 흔히 접할 수 있는 것들로, 그렇기에 오히려 쉽게 지나쳐 가게 되는 것들을 작품 소재로 선택하여 사회적 상황을 상징적으로 표현하고 있다. 한운성의 작품, 〈받침목 85-Ⅱ〉(1985)는 같은 소재를 하고 있는 받침목의 연작들에서 보이는 것과 동일하게 대상의 일상적인 속성과 함께 화면의 구조가 대칭을 이룬다는 특징이 드러난다. 또한 받침목 연작은 두 가지 부류로 구분되어 지는데, 나무막대들이 수직과 사선 등으로 겹쳐지고 이를 못과 노끈으로 고정한 전체 구조에 초점을 맞춘 작품이 있는 반면 전체 구조에서 탈피하여 연결 부위가 클로즈업 된 작품도 존재한다. 〈받침목 85-Ⅱ〉는 전자에 해당하는 작품이라 할 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>서울<|im_end|>

<|im_start|>한운성의 출생지는?<|im_end|>

<|im_start|>서울에서 태어난 한운성(韓雲晟, 1946~)은 서울대학교의 회화과에서 학사와 석사를 하면서 과격한 붓질로 거친 질감이 두드러진 유화 작품을 주로 제작했다. 이후 미국에서 유학하며 판화 공부를 한 뒤, 1975년 귀국하여 판화를 중점적으로 작품 활동을 시작하였으며 판화기법에 관한 서적도 출간한 바 있다. 그의 작품 소재는 시기별로 뚜렷하게 구분되는데, 1970년대에는 콜라 캔을 주로 그렸고 1980년대에는 문과 받침목으로 시작하여 점차 매듭으로 그 소재가 옮겨갔다. 1990년대 후반부터는 또다시 작품 소재가 변화하여 과일을 담은 작품이 주를 이룬다. 이렇듯 그가 선택한 작품 소재들은 하나같이 우리가 일상생활 속에서 흔히 접할 수 있는 것들로, 그렇기에 오히려 쉽게 지나쳐 가게 되는 것들을 작품 소재로 선택하여 사회적 상황을 상징적으로 표현하고 있다. 한운성의 작품, 〈받침목 85-Ⅱ〉(1985)는 같은 소재를 하고 있는 받침목의 연작들에서 보이는 것과 동일하게 대상의 일상적인 속성과 함께 화면의 구조가 대칭을 이룬다는 특징이 드러난다. 또한 받침목 연작은 두 가지 부류로 구분되어 지는데, 나무막대들이 수직과 사선 등으로 겹쳐지고 이를 못과 노끈으로 고정한 전체 구조에 초점을 맞춘 작품이 있는 반면 전체 구조에서 탈피하여 연결 부위가 클로즈업 된 작품도 존재한다. 〈받침목 85-Ⅱ〉는 전자에 해당하는 작품이라 할 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>콜라 캔<|im_end|>

<|im_start|>한운성이 1970년대에 주로 그리던 것은?<|im_end|>