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<|im_start|>서울에서 태어난 한운성(韓雲晟, 1946~)은 서울대학교의 회화과에서 학사와 석사를 하면서 과격한 붓질로 거친 질감이 두드러진 유화 작품을 주로 제작했다. 이후 미국에서 유학하며 판화 공부를 한 뒤, 1975년 귀국하여 판화를 중점적으로 작품 활동을 시작하였으며 판화기법에 관한 서적도 출간한 바 있다. 그의 작품 소재는 시기별로 뚜렷하게 구분되는데, 1970년대에는 콜라 캔을 주로 그렸고 1980년대에는 문과 받침목으로 시작하여 점차 매듭으로 그 소재가 옮겨갔다. 1990년대 후반부터는 또다시 작품 소재가 변화하여 과일을 담은 작품이 주를 이룬다. 이렇듯 그가 선택한 작품 소재들은 하나같이 우리가 일상생활 속에서 흔히 접할 수 있는 것들로, 그렇기에 오히려 쉽게 지나쳐 가게 되는 것들을 작품 소재로 선택하여 사회적 상황을 상징적으로 표현하고 있다. 한운성의 작품, 〈받침목 85-Ⅱ〉(1985)는 같은 소재를 하고 있는 받침목의 연작들에서 보이는 것과 동일하게 대상의 일상적인 속성과 함께 화면의 구조가 대칭을 이룬다는 특징이 드러난다. 또한 받침목 연작은 두 가지 부류로 구분되어 지는데, 나무막대들이 수직과 사선 등으로 겹쳐지고 이를 못과 노끈으로 고정한 전체 구조에 초점을 맞춘 작품이 있는 반면 전체 구조에서 탈피하여 연결 부위가 클로즈업 된 작품도 존재한다. 〈받침목 85-Ⅱ〉는 전자에 해당하는 작품이라 할 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>서울대학교<|im_end|>

<|im_start|>한운성이 졸업한 대학교는?<|im_end|>

<|im_start|>서울에서 태어난 한운성(韓雲晟, 1946~)은 서울대학교의 회화과에서 학사와 석사를 하면서 과격한 붓질로 거친 질감이 두드러진 유화 작품을 주로 제작했다. 이후 미국에서 유학하며 판화 공부를 한 뒤, 1975년 귀국하여 판화를 중점적으로 작품 활동을 시작하였으며 판화기법에 관한 서적도 출간한 바 있다. 그의 작품 소재는 시기별로 뚜렷하게 구분되는데, 1970년대에는 콜라 캔을 주로 그렸고 1980년대에는 문과 받침목으로 시작하여 점차 매듭으로 그 소재가 옮겨갔다. 1990년대 후반부터는 또다시 작품 소재가 변화하여 과일을 담은 작품이 주를 이룬다. 이렇듯 그가 선택한 작품 소재들은 하나같이 우리가 일상생활 속에서 흔히 접할 수 있는 것들로, 그렇기에 오히려 쉽게 지나쳐 가게 되는 것들을 작품 소재로 선택하여 사회적 상황을 상징적으로 표현하고 있다. 한운성의 작품, 〈받침목 85-Ⅱ〉(1985)는 같은 소재를 하고 있는 받침목의 연작들에서 보이는 것과 동일하게 대상의 일상적인 속성과 함께 화면의 구조가 대칭을 이룬다는 특징이 드러난다. 또한 받침목 연작은 두 가지 부류로 구분되어 지는데, 나무막대들이 수직과 사선 등으로 겹쳐지고 이를 못과 노끈으로 고정한 전체 구조에 초점을 맞춘 작품이 있는 반면 전체 구조에서 탈피하여 연결 부위가 클로즈업 된 작품도 존재한다. 〈받침목 85-Ⅱ〉는 전자에 해당하는 작품이라 할 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>1946<|im_end|>

<|im_start|>한운성의 출생년도는?<|im_end|>

<|im_start|>서울에서 태어난 한운성(韓雲晟, 1946~)은 서울대학교의 회화과에서 학사와 석사를 하면서 과격한 붓질로 거친 질감이 두드러진 유화 작품을 주로 제작했다. 이후 미국에서 유학하며 판화 공부를 한 뒤, 1975년 귀국하여 판화를 중점적으로 작품 활동을 시작하였으며 판화기법에 관한 서적도 출간한 바 있다. 그의 작품 소재는 시기별로 뚜렷하게 구분되는데, 1970년대에는 콜라 캔을 주로 그렸고 1980년대에는 문과 받침목으로 시작하여 점차 매듭으로 그 소재가 옮겨갔다. 1990년대 후반부터는 또다시 작품 소재가 변화하여 과일을 담은 작품이 주를 이룬다. 이렇듯 그가 선택한 작품 소재들은 하나같이 우리가 일상생활 속에서 흔히 접할 수 있는 것들로, 그렇기에 오히려 쉽게 지나쳐 가게 되는 것들을 작품 소재로 선택하여 사회적 상황을 상징적으로 표현하고 있다. 한운성의 작품, 〈받침목 85-Ⅱ〉(1985)는 같은 소재를 하고 있는 받침목의 연작들에서 보이는 것과 동일하게 대상의 일상적인 속성과 함께 화면의 구조가 대칭을 이룬다는 특징이 드러난다. 또한 받침목 연작은 두 가지 부류로 구분되어 지는데, 나무막대들이 수직과 사선 등으로 겹쳐지고 이를 못과 노끈으로 고정한 전체 구조에 초점을 맞춘 작품이 있는 반면 전체 구조에서 탈피하여 연결 부위가 클로즈업 된 작품도 존재한다. 〈받침목 85-Ⅱ〉는 전자에 해당하는 작품이라 할 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>쉽게 지나쳐 가게 되는 것들<|im_end|>

<|im_start|>한운성이 선택한 작품 소재들의 공통점은?<|im_end|>

<|im_start|>서울에서 태어난 한운성(韓雲晟, 1946~)은 서울대학교의 회화과에서 학사와 석사를 하면서 과격한 붓질로 거친 질감이 두드러진 유화 작품을 주로 제작했다. 이후 미국에서 유학하며 판화 공부를 한 뒤, 1975년 귀국하여 판화를 중점적으로 작품 활동을 시작하였으며 판화기법에 관한 서적도 출간한 바 있다. 그의 작품 소재는 시기별로 뚜렷하게 구분되는데, 1970년대에는 콜라 캔을 주로 그렸고 1980년대에는 문과 받침목으로 시작하여 점차 매듭으로 그 소재가 옮겨갔다. 1990년대 후반부터는 또다시 작품 소재가 변화하여 과일을 담은 작품이 주를 이룬다. 이렇듯 그가 선택한 작품 소재들은 하나같이 우리가 일상생활 속에서 흔히 접할 수 있는 것들로, 그렇기에 오히려 쉽게 지나쳐 가게 되는 것들을 작품 소재로 선택하여 사회적 상황을 상징적으로 표현하고 있다. 한운성의 작품, 〈받침목 85-Ⅱ〉(1985)는 같은 소재를 하고 있는 받침목의 연작들에서 보이는 것과 동일하게 대상의 일상적인 속성과 함께 화면의 구조가 대칭을 이룬다는 특징이 드러난다. 또한 받침목 연작은 두 가지 부류로 구분되어 지는데, 나무막대들이 수직과 사선 등으로 겹쳐지고 이를 못과 노끈으로 고정한 전체 구조에 초점을 맞춘 작품이 있는 반면 전체 구조에서 탈피하여 연결 부위가 클로즈업 된 작품도 존재한다. 〈받침목 85-Ⅱ〉는 전자에 해당하는 작품이라 할 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>1975년<|im_end|>

<|im_start|>한운성이 미국에서 유학을 마친 후 귀국한 해는?<|im_end|>

<|im_start|>2017년 베니스 비엔날레의 한국관 작가로 유명세를 타게 된 코디 최(본명 최현주, 1961~)는 1990년대부터 이미 데이터를 기반으로 하는 회화 작업을 지속적으로 해오고 있기에 디지털아트의 선구자라는 수식어를 가지고 있다. 또한 그는 최근 미술계에서 크게 화두가 되고 있는 NFT 아트 작품을 한국 작가 최초로 아트바젤 홍콩에 출품함으로써, NFT 아트 시장에 뛰어들어 크게 화제를 모은 바 있다. 코디 최는 현재의 NFT 아트가 디지털 아트의 핵심이라 할 수 있는 데이터 중첩과는 관련 없는 작품들이 난무하다며, NFT 아트 시장의 현 상황에 대해 비판적인 일침을 날린 바 있다. 단순히 실물 작품을 스캔하여 컴퓨터로 옮기거나 디지털 펜으로 그려내는 것은 진정한 NFT 아트가 될 수 없다는 것이다. 이는 데이터베이스를 기초로 하는 회화의 경우, 창조의 구성 요소들 역시 작가 개인의 상상력이 아닌 데이터베이스 자체에서 공급되어야 함을 일컫는다. 코디 최의 〈Abstraktes Bild 22-35-A-1〉(2003) 역시 데이터베이스를 근간으로 하고 있는 디지털 아트 작품이지만, 원본 파일과 가장 근접하게 이미지를 구현하기 위해 특수 그물망 캔버스 위에 대형 프린트 방식으로 제작된 실물 작품이다.<|im_end|>

<|im_start|>1961<|im_end|>

<|im_start|>코디 최의 출생년도는?<|im_end|>

<|im_start|>2017년 베니스 비엔날레의 한국관 작가로 유명세를 타게 된 코디 최(본명 최현주, 1961~)는 1990년대부터 이미 데이터를 기반으로 하는 회화 작업을 지속적으로 해오고 있기에 디지털아트의 선구자라는 수식어를 가지고 있다. 또한 그는 최근 미술계에서 크게 화두가 되고 있는 NFT 아트 작품을 한국 작가 최초로 아트바젤 홍콩에 출품함으로써, NFT 아트 시장에 뛰어들어 크게 화제를 모은 바 있다. 코디 최는 현재의 NFT 아트가 디지털 아트의 핵심이라 할 수 있는 데이터 중첩과는 관련 없는 작품들이 난무하다며, NFT 아트 시장의 현 상황에 대해 비판적인 일침을 날린 바 있다. 단순히 실물 작품을 스캔하여 컴퓨터로 옮기거나 디지털 펜으로 그려내는 것은 진정한 NFT 아트가 될 수 없다는 것이다. 이는 데이터베이스를 기초로 하는 회화의 경우, 창조의 구성 요소들 역시 작가 개인의 상상력이 아닌 데이터베이스 자체에서 공급되어야 함을 일컫는다. 코디 최의 〈Abstraktes Bild 22-35-A-1〉(2003) 역시 데이터베이스를 근간으로 하고 있는 디지털 아트 작품이지만, 원본 파일과 가장 근접하게 이미지를 구현하기 위해 특수 그물망 캔버스 위에 대형 프린트 방식으로 제작된 실물 작품이다.<|im_end|>

<|im_start|>최현주<|im_end|>

<|im_start|>코디 최의 본명은?<|im_end|>

<|im_start|>2017년 베니스 비엔날레의 한국관 작가로 유명세를 타게 된 코디 최(본명 최현주, 1961~)는 1990년대부터 이미 데이터를 기반으로 하는 회화 작업을 지속적으로 해오고 있기에 디지털아트의 선구자라는 수식어를 가지고 있다. 또한 그는 최근 미술계에서 크게 화두가 되고 있는 NFT 아트 작품을 한국 작가 최초로 아트바젤 홍콩에 출품함으로써, NFT 아트 시장에 뛰어들어 크게 화제를 모은 바 있다. 코디 최는 현재의 NFT 아트가 디지털 아트의 핵심이라 할 수 있는 데이터 중첩과는 관련 없는 작품들이 난무하다며, NFT 아트 시장의 현 상황에 대해 비판적인 일침을 날린 바 있다. 단순히 실물 작품을 스캔하여 컴퓨터로 옮기거나 디지털 펜으로 그려내는 것은 진정한 NFT 아트가 될 수 없다는 것이다. 이는 데이터베이스를 기초로 하는 회화의 경우, 창조의 구성 요소들 역시 작가 개인의 상상력이 아닌 데이터베이스 자체에서 공급되어야 함을 일컫는다. 코디 최의 〈Abstraktes Bild 22-35-A-1〉(2003) 역시 데이터베이스를 근간으로 하고 있는 디지털 아트 작품이지만, 원본 파일과 가장 근접하게 이미지를 구현하기 위해 특수 그물망 캔버스 위에 대형 프린트 방식으로 제작된 실물 작품이다.<|im_end|>

<|im_start|>2003<|im_end|>

<|im_start|>코디 최의 <Abstraktes Bild 22-35-A-1>이 선보여진 해는?<|im_end|>

<|im_start|>2017년 베니스 비엔날레의 한국관 작가로 유명세를 타게 된 코디 최(본명 최현주, 1961~)는 1990년대부터 이미 데이터를 기반으로 하는 회화 작업을 지속적으로 해오고 있기에 디지털아트의 선구자라는 수식어를 가지고 있다. 또한 그는 최근 미술계에서 크게 화두가 되고 있는 NFT 아트 작품을 한국 작가 최초로 아트바젤 홍콩에 출품함으로써, NFT 아트 시장에 뛰어들어 크게 화제를 모은 바 있다. 코디 최는 현재의 NFT 아트가 디지털 아트의 핵심이라 할 수 있는 데이터 중첩과는 관련 없는 작품들이 난무하다며, NFT 아트 시장의 현 상황에 대해 비판적인 일침을 날린 바 있다. 단순히 실물 작품을 스캔하여 컴퓨터로 옮기거나 디지털 펜으로 그려내는 것은 진정한 NFT 아트가 될 수 없다는 것이다. 이는 데이터베이스를 기초로 하는 회화의 경우, 창조의 구성 요소들 역시 작가 개인의 상상력이 아닌 데이터베이스 자체에서 공급되어야 함을 일컫는다. 코디 최의 〈Abstraktes Bild 22-35-A-1〉(2003) 역시 데이터베이스를 근간으로 하고 있는 디지털 아트 작품이지만, 원본 파일과 가장 근접하게 이미지를 구현하기 위해 특수 그물망 캔버스 위에 대형 프린트 방식으로 제작된 실물 작품이다.<|im_end|>

<|im_start|>디지털아트의 선구자<|im_end|>

<|im_start|>코디 최를 부르는 수식어는?<|im_end|>

<|im_start|>2017년 베니스 비엔날레의 한국관 작가로 유명세를 타게 된 코디 최(본명 최현주, 1961~)는 1990년대부터 이미 데이터를 기반으로 하는 회화 작업을 지속적으로 해오고 있기에 디지털아트의 선구자라는 수식어를 가지고 있다. 또한 그는 최근 미술계에서 크게 화두가 되고 있는 NFT 아트 작품을 한국 작가 최초로 아트바젤 홍콩에 출품함으로써, NFT 아트 시장에 뛰어들어 크게 화제를 모은 바 있다. 코디 최는 현재의 NFT 아트가 디지털 아트의 핵심이라 할 수 있는 데이터 중첩과는 관련 없는 작품들이 난무하다며, NFT 아트 시장의 현 상황에 대해 비판적인 일침을 날린 바 있다. 단순히 실물 작품을 스캔하여 컴퓨터로 옮기거나 디지털 펜으로 그려내는 것은 진정한 NFT 아트가 될 수 없다는 것이다. 이는 데이터베이스를 기초로 하는 회화의 경우, 창조의 구성 요소들 역시 작가 개인의 상상력이 아닌 데이터베이스 자체에서 공급되어야 함을 일컫는다. 코디 최의 〈Abstraktes Bild 22-35-A-1〉(2003) 역시 데이터베이스를 근간으로 하고 있는 디지털 아트 작품이지만, 원본 파일과 가장 근접하게 이미지를 구현하기 위해 특수 그물망 캔버스 위에 대형 프린트 방식으로 제작된 실물 작품이다.<|im_end|>

<|im_start|>2017년<|im_end|>

<|im_start|>베니스 비엔날레의 한국관 작가로 유명세를 타게 된 해는?<|im_end|>

<|im_start|>2017년 베니스 비엔날레의 한국관 작가로 유명세를 타게 된 코디 최(본명 최현주, 1961~)는 1990년대부터 이미 데이터를 기반으로 하는 회화 작업을 지속적으로 해오고 있기에 디지털아트의 선구자라는 수식어를 가지고 있다. 또한 그는 최근 미술계에서 크게 화두가 되고 있는 NFT 아트 작품을 한국 작가 최초로 아트바젤 홍콩에 출품함으로써, NFT 아트 시장에 뛰어들어 크게 화제를 모은 바 있다. 코디 최는 현재의 NFT 아트가 디지털 아트의 핵심이라 할 수 있는 데이터 중첩과는 관련 없는 작품들이 난무하다며, NFT 아트 시장의 현 상황에 대해 비판적인 일침을 날린 바 있다. 단순히 실물 작품을 스캔하여 컴퓨터로 옮기거나 디지털 펜으로 그려내는 것은 진정한 NFT 아트가 될 수 없다는 것이다. 이는 데이터베이스를 기초로 하는 회화의 경우, 창조의 구성 요소들 역시 작가 개인의 상상력이 아닌 데이터베이스 자체에서 공급되어야 함을 일컫는다. 코디 최의 〈Abstraktes Bild 22-35-A-1〉(2003) 역시 데이터베이스를 근간으로 하고 있는 디지털 아트 작품이지만, 원본 파일과 가장 근접하게 이미지를 구현하기 위해 특수 그물망 캔버스 위에 대형 프린트 방식으로 제작된 실물 작품이다.<|im_end|>

<|im_start|>NFT 아트 작품<|im_end|>

<|im_start|>최근 미술계에서 크게 화두가 되고 있는 작품은?<|im_end|>

<|im_start|>평양에서 태어난 김정헌(金正憲, 1946~)은 두 살 때 어머니와 함께 월남하였으며, 서울대 미대에서 공부하였다. 본래 모더니스트적인 면모를 보여주며 작품 활동을 하였으나, 1979년 결성된 ‘현실과 발언’의 창립 동인이 된 이후 작품의 성격은 180도 변화하게 된다. ‘현실과 발언‘은 현실과는 동 떨어진 채로 이상적인 교리만을 내세우거나, 탐미주의에 빠져있던 당시 미술계에 대한 문제의식과 비판적인 시각으로 태동하였다. 또한 광주민주화운동이라는 당시의 사회상과 더불어 지면서 미술의 사회적 참여를 중요시 여기는 민중미술이 더욱 풍부해질 수 있는 밑거름이 되었다. 그렇기에 김정헌의 작품 역시 삶에 대한 구체적인 발언을 담고 있는 동시에 사회비판의식에서 자유로울 수 없으며, 따라서 그를 민중미술의 대부라 부르기도 한다. 김정헌의 작품, 〈서울의 찬가Ⅱ〉(1993)은 〈서울찬가〉(1981)에 이은 시리즈물로 두 작품 모두 고층 건물이 들어선 대도시의 모습을 모노톤으로 표현하고 있다. 그러나 〈서울찬가〉에는 다수의 사람들이 컬러풀하게 묘사되어 있는 반면, 〈서울의 찬가Ⅱ〉에는 대기업 로고들이 콜라주로 표현되어 있다. 그는 작품 제작 당시 대도시에 열광하며 모여드는 한국 사회의 현실을 고스란히 드러내고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>두 살<|im_end|>

<|im_start|>김정헌이 어머니와 함께 월남했을 때의 나이는?<|im_end|>

<|im_start|>평양에서 태어난 김정헌(金正憲, 1946~)은 두 살 때 어머니와 함께 월남하였으며, 서울대 미대에서 공부하였다. 본래 모더니스트적인 면모를 보여주며 작품 활동을 하였으나, 1979년 결성된 ‘현실과 발언’의 창립 동인이 된 이후 작품의 성격은 180도 변화하게 된다. ‘현실과 발언‘은 현실과는 동 떨어진 채로 이상적인 교리만을 내세우거나, 탐미주의에 빠져있던 당시 미술계에 대한 문제의식과 비판적인 시각으로 태동하였다. 또한 광주민주화운동이라는 당시의 사회상과 더불어 지면서 미술의 사회적 참여를 중요시 여기는 민중미술이 더욱 풍부해질 수 있는 밑거름이 되었다. 그렇기에 김정헌의 작품 역시 삶에 대한 구체적인 발언을 담고 있는 동시에 사회비판의식에서 자유로울 수 없으며, 따라서 그를 민중미술의 대부라 부르기도 한다. 김정헌의 작품, 〈서울의 찬가Ⅱ〉(1993)은 〈서울찬가〉(1981)에 이은 시리즈물로 두 작품 모두 고층 건물이 들어선 대도시의 모습을 모노톤으로 표현하고 있다. 그러나 〈서울찬가〉에는 다수의 사람들이 컬러풀하게 묘사되어 있는 반면, 〈서울의 찬가Ⅱ〉에는 대기업 로고들이 콜라주로 표현되어 있다. 그는 작품 제작 당시 대도시에 열광하며 모여드는 한국 사회의 현실을 고스란히 드러내고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>평양<|im_end|>

<|im_start|>김정헌의 출생지는?<|im_end|>

<|im_start|>평양에서 태어난 김정헌(金正憲, 1946~)은 두 살 때 어머니와 함께 월남하였으며, 서울대 미대에서 공부하였다. 본래 모더니스트적인 면모를 보여주며 작품 활동을 하였으나, 1979년 결성된 ‘현실과 발언’의 창립 동인이 된 이후 작품의 성격은 180도 변화하게 된다. ‘현실과 발언‘은 현실과는 동 떨어진 채로 이상적인 교리만을 내세우거나, 탐미주의에 빠져있던 당시 미술계에 대한 문제의식과 비판적인 시각으로 태동하였다. 또한 광주민주화운동이라는 당시의 사회상과 더불어 지면서 미술의 사회적 참여를 중요시 여기는 민중미술이 더욱 풍부해질 수 있는 밑거름이 되었다. 그렇기에 김정헌의 작품 역시 삶에 대한 구체적인 발언을 담고 있는 동시에 사회비판의식에서 자유로울 수 없으며, 따라서 그를 민중미술의 대부라 부르기도 한다. 김정헌의 작품, 〈서울의 찬가Ⅱ〉(1993)은 〈서울찬가〉(1981)에 이은 시리즈물로 두 작품 모두 고층 건물이 들어선 대도시의 모습을 모노톤으로 표현하고 있다. 그러나 〈서울찬가〉에는 다수의 사람들이 컬러풀하게 묘사되어 있는 반면, 〈서울의 찬가Ⅱ〉에는 대기업 로고들이 콜라주로 표현되어 있다. 그는 작품 제작 당시 대도시에 열광하며 모여드는 한국 사회의 현실을 고스란히 드러내고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>1979년<|im_end|>

<|im_start|>현실과 발언이 창립된 해는?<|im_end|>

<|im_start|>평양에서 태어난 김정헌(金正憲, 1946~)은 두 살 때 어머니와 함께 월남하였으며, 서울대 미대에서 공부하였다. 본래 모더니스트적인 면모를 보여주며 작품 활동을 하였으나, 1979년 결성된 ‘현실과 발언’의 창립 동인이 된 이후 작품의 성격은 180도 변화하게 된다. ‘현실과 발언‘은 현실과는 동 떨어진 채로 이상적인 교리만을 내세우거나, 탐미주의에 빠져있던 당시 미술계에 대한 문제의식과 비판적인 시각으로 태동하였다. 또한 광주민주화운동이라는 당시의 사회상과 더불어 지면서 미술의 사회적 참여를 중요시 여기는 민중미술이 더욱 풍부해질 수 있는 밑거름이 되었다. 그렇기에 김정헌의 작품 역시 삶에 대한 구체적인 발언을 담고 있는 동시에 사회비판의식에서 자유로울 수 없으며, 따라서 그를 민중미술의 대부라 부르기도 한다. 김정헌의 작품, 〈서울의 찬가Ⅱ〉(1993)은 〈서울찬가〉(1981)에 이은 시리즈물로 두 작품 모두 고층 건물이 들어선 대도시의 모습을 모노톤으로 표현하고 있다. 그러나 〈서울찬가〉에는 다수의 사람들이 컬러풀하게 묘사되어 있는 반면, 〈서울의 찬가Ⅱ〉에는 대기업 로고들이 콜라주로 표현되어 있다. 그는 작품 제작 당시 대도시에 열광하며 모여드는 한국 사회의 현실을 고스란히 드러내고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>민중미술의 대부<|im_end|>

<|im_start|>김정헌을 부르는 또 다른 말은?<|im_end|>

<|im_start|>평양에서 태어난 김정헌(金正憲, 1946~)은 두 살 때 어머니와 함께 월남하였으며, 서울대 미대에서 공부하였다. 본래 모더니스트적인 면모를 보여주며 작품 활동을 하였으나, 1979년 결성된 ‘현실과 발언’의 창립 동인이 된 이후 작품의 성격은 180도 변화하게 된다. ‘현실과 발언‘은 현실과는 동 떨어진 채로 이상적인 교리만을 내세우거나, 탐미주의에 빠져있던 당시 미술계에 대한 문제의식과 비판적인 시각으로 태동하였다. 또한 광주민주화운동이라는 당시의 사회상과 더불어 지면서 미술의 사회적 참여를 중요시 여기는 민중미술이 더욱 풍부해질 수 있는 밑거름이 되었다. 그렇기에 김정헌의 작품 역시 삶에 대한 구체적인 발언을 담고 있는 동시에 사회비판의식에서 자유로울 수 없으며, 따라서 그를 민중미술의 대부라 부르기도 한다. 김정헌의 작품, 〈서울의 찬가Ⅱ〉(1993)은 〈서울찬가〉(1981)에 이은 시리즈물로 두 작품 모두 고층 건물이 들어선 대도시의 모습을 모노톤으로 표현하고 있다. 그러나 〈서울찬가〉에는 다수의 사람들이 컬러풀하게 묘사되어 있는 반면, 〈서울의 찬가Ⅱ〉에는 대기업 로고들이 콜라주로 표현되어 있다. 그는 작품 제작 당시 대도시에 열광하며 모여드는 한국 사회의 현실을 고스란히 드러내고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>서울의 찬가Ⅱ<|im_end|>

<|im_start|>김정헌의 작품 가운데 고층 건물이 들어선 대도시의 모습을 모노톤으로 표현한 것은?<|im_end|>

<|im_start|>평양에서 태어난 김정헌(金正憲, 1946~)은 두 살 때 어머니와 함께 월남하였으며, 서울대 미대에서 공부하였다. 본래 모더니스트적인 면모를 보여주며 작품 활동을 하였으나, 1979년 결성된 ‘현실과 발언’의 창립 동인이 된 이후 작품의 성격은 180도 변화하게 된다. ‘현실과 발언‘은 현실과는 동 떨어진 채로 이상적인 교리만을 내세우거나, 탐미주의에 빠져있던 당시 미술계에 대한 문제의식과 비판적인 시각으로 태동하였다. 또한 광주민주화운동이라는 당시의 사회상과 더불어 지면서 미술의 사회적 참여를 중요시 여기는 민중미술이 더욱 풍부해질 수 있는 밑거름이 되었다. 그렇기에 김정헌의 작품 역시 삶에 대한 구체적인 발언을 담고 있는 동시에 사회비판의식에서 자유로울 수 없으며, 따라서 그를 민중미술의 대부라 부르기도 한다. 김정헌의 작품, 〈서울의 찬가Ⅱ〉(1993)은 〈서울찬가〉(1981)에 이은 시리즈물로 두 작품 모두 고층 건물이 들어선 대도시의 모습을 모노톤으로 표현하고 있다. 그러나 〈서울찬가〉에는 다수의 사람들이 컬러풀하게 묘사되어 있는 반면, 〈서울의 찬가Ⅱ〉에는 대기업 로고들이 콜라주로 표현되어 있다. 그는 작품 제작 당시 대도시에 열광하며 모여드는 한국 사회의 현실을 고스란히 드러내고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>대기업 로고들이 콜라주로 표현<|im_end|>

<|im_start|><서울의 찬가II>의 특징은?<|im_end|>

<|im_start|>근대 정물화 도입을 선도한 이도영(1884-1933)은 안중식(1861-1919)과 조석진(1853-1920)에게 전통회화를 배웠다. 그는 '보성학교(1906)', '서우서화관(1907)', '서화미술회(1912)' 등에서 미술을 가르치기도 했으며, '서화미술회 강습소'에서는 오일영, 이용우, 이한복, 김은호, 박승무, 이상범, 노수현, 최우석 등을 졸업생으로 배출했다. 말기에는 국권 회복과 조국해방의 염원으로 민족의 정체성이 담긴 작품을 제작했으며, 일상생활에서 흔히 볼 수 있는 탁자와 서적, 난초, 꽃이 든 화병, 바나나, 포도가 담긴 토우 잔 등을 소재로 삼음으로써 근대적이면서도 현실적인 감각을 함께 선보였다. 또한 기명절지화라는 전통적 그림 형식에서 서양의 정물화 기법을 접목하여 전통화에 뿌리를 둔 색다른 이미지의 근대화풍을 선도했다. 1923년에 제작된 <기명절지도>는 이도영의 후기 작품 중 하나로 벼루, 책, 국화, 괴석, 복숭아, 주전자 등 온갖 종류의 사물들이 수평적으로 나열되어 있다. 특히 열대 식물인 바나나의 등장은 당시 상류사회의 취향과 기호를 짐작하게 하며, 당대 사회상을 반영하고 있는 작품임을 알 수 있다. 또한 각각의 사물을 서양의 정물화 형식으로 그려 넣었으며, 사물들의 크기를 다르게 하고 엇갈리게 배치시켜 원근감을 표현하였다. 화면 상단에는 화제시가 적혀져 있으며, 그 내용은 다음과 같다. '서재의 청공(淸供), 계해년(1923) 소만(小滿)에 일정(日亭) 인형(仁兄) 부탁으로 그리다. 아울러 법가(法家)의 교정을 바란다. 관재(貫齋) 도영(鞱穎)이 그리다.'<|im_end|>

<|im_start|>이도영<|im_end|>

<|im_start|>근대 정물화 도입을 선도한 인물은?<|im_end|>

<|im_start|>근대 정물화 도입을 선도한 이도영(1884-1933)은 안중식(1861-1919)과 조석진(1853-1920)에게 전통회화를 배웠다. 그는 '보성학교(1906)', '서우서화관(1907)', '서화미술회(1912)' 등에서 미술을 가르치기도 했으며, '서화미술회 강습소'에서는 오일영, 이용우, 이한복, 김은호, 박승무, 이상범, 노수현, 최우석 등을 졸업생으로 배출했다. 말기에는 국권 회복과 조국해방의 염원으로 민족의 정체성이 담긴 작품을 제작했으며, 일상생활에서 흔히 볼 수 있는 탁자와 서적, 난초, 꽃이 든 화병, 바나나, 포도가 담긴 토우 잔 등을 소재로 삼음으로써 근대적이면서도 현실적인 감각을 함께 선보였다. 또한 기명절지화라는 전통적 그림 형식에서 서양의 정물화 기법을 접목하여 전통화에 뿌리를 둔 색다른 이미지의 근대화풍을 선도했다. 1923년에 제작된 <기명절지도>는 이도영의 후기 작품 중 하나로 벼루, 책, 국화, 괴석, 복숭아, 주전자 등 온갖 종류의 사물들이 수평적으로 나열되어 있다. 특히 열대 식물인 바나나의 등장은 당시 상류사회의 취향과 기호를 짐작하게 하며, 당대 사회상을 반영하고 있는 작품임을 알 수 있다. 또한 각각의 사물을 서양의 정물화 형식으로 그려 넣었으며, 사물들의 크기를 다르게 하고 엇갈리게 배치시켜 원근감을 표현하였다. 화면 상단에는 화제시가 적혀져 있으며, 그 내용은 다음과 같다. '서재의 청공(淸供), 계해년(1923) 소만(小滿)에 일정(日亭) 인형(仁兄) 부탁으로 그리다. 아울러 법가(法家)의 교정을 바란다. 관재(貫齋) 도영(鞱穎)이 그리다.'<|im_end|>

<|im_start|>보성학교<|im_end|>

<|im_start|>이도영이 1906년에 미술을 가르쳤던 곳은?<|im_end|>

<|im_start|>근대 정물화 도입을 선도한 이도영(1884-1933)은 안중식(1861-1919)과 조석진(1853-1920)에게 전통회화를 배웠다. 그는 '보성학교(1906)', '서우서화관(1907)', '서화미술회(1912)' 등에서 미술을 가르치기도 했으며, '서화미술회 강습소'에서는 오일영, 이용우, 이한복, 김은호, 박승무, 이상범, 노수현, 최우석 등을 졸업생으로 배출했다. 말기에는 국권 회복과 조국해방의 염원으로 민족의 정체성이 담긴 작품을 제작했으며, 일상생활에서 흔히 볼 수 있는 탁자와 서적, 난초, 꽃이 든 화병, 바나나, 포도가 담긴 토우 잔 등을 소재로 삼음으로써 근대적이면서도 현실적인 감각을 함께 선보였다. 또한 기명절지화라는 전통적 그림 형식에서 서양의 정물화 기법을 접목하여 전통화에 뿌리를 둔 색다른 이미지의 근대화풍을 선도했다. 1923년에 제작된 <기명절지도>는 이도영의 후기 작품 중 하나로 벼루, 책, 국화, 괴석, 복숭아, 주전자 등 온갖 종류의 사물들이 수평적으로 나열되어 있다. 특히 열대 식물인 바나나의 등장은 당시 상류사회의 취향과 기호를 짐작하게 하며, 당대 사회상을 반영하고 있는 작품임을 알 수 있다. 또한 각각의 사물을 서양의 정물화 형식으로 그려 넣었으며, 사물들의 크기를 다르게 하고 엇갈리게 배치시켜 원근감을 표현하였다. 화면 상단에는 화제시가 적혀져 있으며, 그 내용은 다음과 같다. '서재의 청공(淸供), 계해년(1923) 소만(小滿)에 일정(日亭) 인형(仁兄) 부탁으로 그리다. 아울러 법가(法家)의 교정을 바란다. 관재(貫齋) 도영(鞱穎)이 그리다.'<|im_end|>

<|im_start|>오일영, 이용우, 이한복, 김은호<|im_end|>

<|im_start|>이도영이 '서화미술회 강습소'에서 배출한 졸업생들은?<|im_end|>

<|im_start|>근대 정물화 도입을 선도한 이도영(1884-1933)은 안중식(1861-1919)과 조석진(1853-1920)에게 전통회화를 배웠다. 그는 '보성학교(1906)', '서우서화관(1907)', '서화미술회(1912)' 등에서 미술을 가르치기도 했으며, '서화미술회 강습소'에서는 오일영, 이용우, 이한복, 김은호, 박승무, 이상범, 노수현, 최우석 등을 졸업생으로 배출했다. 말기에는 국권 회복과 조국해방의 염원으로 민족의 정체성이 담긴 작품을 제작했으며, 일상생활에서 흔히 볼 수 있는 탁자와 서적, 난초, 꽃이 든 화병, 바나나, 포도가 담긴 토우 잔 등을 소재로 삼음으로써 근대적이면서도 현실적인 감각을 함께 선보였다. 또한 기명절지화라는 전통적 그림 형식에서 서양의 정물화 기법을 접목하여 전통화에 뿌리를 둔 색다른 이미지의 근대화풍을 선도했다. 1923년에 제작된 <기명절지도>는 이도영의 후기 작품 중 하나로 벼루, 책, 국화, 괴석, 복숭아, 주전자 등 온갖 종류의 사물들이 수평적으로 나열되어 있다. 특히 열대 식물인 바나나의 등장은 당시 상류사회의 취향과 기호를 짐작하게 하며, 당대 사회상을 반영하고 있는 작품임을 알 수 있다. 또한 각각의 사물을 서양의 정물화 형식으로 그려 넣었으며, 사물들의 크기를 다르게 하고 엇갈리게 배치시켜 원근감을 표현하였다. 화면 상단에는 화제시가 적혀져 있으며, 그 내용은 다음과 같다. '서재의 청공(淸供), 계해년(1923) 소만(小滿)에 일정(日亭) 인형(仁兄) 부탁으로 그리다. 아울러 법가(法家)의 교정을 바란다. 관재(貫齋) 도영(鞱穎)이 그리다.'<|im_end|>

<|im_start|>1923년<|im_end|>

<|im_start|><기명절지도>가 제작된 해는?<|im_end|>

<|im_start|>근대 정물화 도입을 선도한 이도영(1884-1933)은 안중식(1861-1919)과 조석진(1853-1920)에게 전통회화를 배웠다. 그는 '보성학교(1906)', '서우서화관(1907)', '서화미술회(1912)' 등에서 미술을 가르치기도 했으며, '서화미술회 강습소'에서는 오일영, 이용우, 이한복, 김은호, 박승무, 이상범, 노수현, 최우석 등을 졸업생으로 배출했다. 말기에는 국권 회복과 조국해방의 염원으로 민족의 정체성이 담긴 작품을 제작했으며, 일상생활에서 흔히 볼 수 있는 탁자와 서적, 난초, 꽃이 든 화병, 바나나, 포도가 담긴 토우 잔 등을 소재로 삼음으로써 근대적이면서도 현실적인 감각을 함께 선보였다. 또한 기명절지화라는 전통적 그림 형식에서 서양의 정물화 기법을 접목하여 전통화에 뿌리를 둔 색다른 이미지의 근대화풍을 선도했다. 1923년에 제작된 <기명절지도>는 이도영의 후기 작품 중 하나로 벼루, 책, 국화, 괴석, 복숭아, 주전자 등 온갖 종류의 사물들이 수평적으로 나열되어 있다. 특히 열대 식물인 바나나의 등장은 당시 상류사회의 취향과 기호를 짐작하게 하며, 당대 사회상을 반영하고 있는 작품임을 알 수 있다. 또한 각각의 사물을 서양의 정물화 형식으로 그려 넣었으며, 사물들의 크기를 다르게 하고 엇갈리게 배치시켜 원근감을 표현하였다. 화면 상단에는 화제시가 적혀져 있으며, 그 내용은 다음과 같다. '서재의 청공(淸供), 계해년(1923) 소만(小滿)에 일정(日亭) 인형(仁兄) 부탁으로 그리다. 아울러 법가(法家)의 교정을 바란다. 관재(貫齋) 도영(鞱穎)이 그리다.'<|im_end|>

<|im_start|><기명절지도><|im_end|>

<|im_start|>이도영의 후기 작품 중 온갖 종류의 사물들이 수평적으로 나열된 작품은?<|im_end|>

<|im_start|>근대 정물화 도입을 선도한 이도영(1884-1933)은 안중식(1861-1919)과 조석진(1853-1920)에게 전통회화를 배웠다. 그는 '보성학교(1906)', '서우서화관(1907)', '서화미술회(1912)' 등에서 미술을 가르치기도 했으며, '서화미술회 강습소'에서는 오일영, 이용우, 이한복, 김은호, 박승무, 이상범, 노수현, 최우석 등을 졸업생으로 배출했다. 말기에는 국권 회복과 조국해방의 염원으로 민족의 정체성이 담긴 작품을 제작했으며, 일상생활에서 흔히 볼 수 있는 탁자와 서적, 난초, 꽃이 든 화병, 바나나, 포도가 담긴 토우 잔 등을 소재로 삼음으로써 근대적이면서도 현실적인 감각을 함께 선보였다. 또한 기명절지화라는 전통적 그림 형식에서 서양의 정물화 기법을 접목하여 전통화에 뿌리를 둔 색다른 이미지의 근대화풍을 선도했다. 1923년에 제작된 <기명절지도>는 이도영의 후기 작품 중 하나로 벼루, 책, 국화, 괴석, 복숭아, 주전자 등 온갖 종류의 사물들이 수평적으로 나열되어 있다. 특히 열대 식물인 바나나의 등장은 당시 상류사회의 취향과 기호를 짐작하게 하며, 당대 사회상을 반영하고 있는 작품임을 알 수 있다. 또한 각각의 사물을 서양의 정물화 형식으로 그려 넣었으며, 사물들의 크기를 다르게 하고 엇갈리게 배치시켜 원근감을 표현하였다. 화면 상단에는 화제시가 적혀져 있으며, 그 내용은 다음과 같다. '서재의 청공(淸供), 계해년(1923) 소만(小滿)에 일정(日亭) 인형(仁兄) 부탁으로 그리다. 아울러 법가(法家)의 교정을 바란다. 관재(貫齋) 도영(鞱穎)이 그리다.'<|im_end|>

<|im_start|>서양의 정물화 기법<|im_end|>

<|im_start|>이도영이 기명절지화라는 전통적 그림 형식에 접목한 것은?<|im_end|>

<|im_start|><COSMOS-Ⅲ>(2009)는 아크릴을 여러 겹 바르고 그 위에 파스텔 톤의 색깔을 입혀 그려낸 꽃이 화면 전체를 채우는 작품이다. 작가는 색들이 겹치게 하여 밀도감을 높이는데, 물감의 중첩으로 화면에는 여러 얼룩과 번짐 그리고 혼색효과가 나타난다. 물감이 중첩되면 채도가 낮아지지만 여기서는 오히려 순도가 높아진다. 또 하나의 특징적인 요소는 실선들이다. 이 작품은 중첩하여 칠해서 안착된 색깔과 그 위에 덧붙여진 선의 교집합으로 구성되어 있다. 작가는 비단실을 가늘게 뽑아내고 여러 겹으로 굵기를 조절하거나 요철을 만들어 선적인 요소를 강조한다. 캔버스 위에 실을 던지듯 뿌려 순식간에 만든 선들은 직접 그은 선보다 감각적이고 낭창낭창하다. 이 작품은 완벽한 계산에 의한 것이 아니라 작가의 표현대로 '리듬을 타서' 만들어진 것이다. 이에 대해 미술평론가 서성록은 "실이 화면을 배회하면서 정지의 공간에 리듬을 제공하고 진동과 메아리를 낳는다. 이를 보는 시각이 그 진동과 메아리를 받아 감정판을 건드리며 파장을 증폭시킨다."라고 평하였다.<|im_end|>

<|im_start|>실선들<|im_end|>

<|im_start|><COSMOS-Ⅲ>의 특징적인 요소는?<|im_end|>

<|im_start|><COSMOS-Ⅲ>(2009)는 아크릴을 여러 겹 바르고 그 위에 파스텔 톤의 색깔을 입혀 그려낸 꽃이 화면 전체를 채우는 작품이다. 작가는 색들이 겹치게 하여 밀도감을 높이는데, 물감의 중첩으로 화면에는 여러 얼룩과 번짐 그리고 혼색효과가 나타난다. 물감이 중첩되면 채도가 낮아지지만 여기서는 오히려 순도가 높아진다. 또 하나의 특징적인 요소는 실선들이다. 이 작품은 중첩하여 칠해서 안착된 색깔과 그 위에 덧붙여진 선의 교집합으로 구성되어 있다. 작가는 비단실을 가늘게 뽑아내고 여러 겹으로 굵기를 조절하거나 요철을 만들어 선적인 요소를 강조한다. 캔버스 위에 실을 던지듯 뿌려 순식간에 만든 선들은 직접 그은 선보다 감각적이고 낭창낭창하다. 이 작품은 완벽한 계산에 의한 것이 아니라 작가의 표현대로 '리듬을 타서' 만들어진 것이다. 이에 대해 미술평론가 서성록은 "실이 화면을 배회하면서 정지의 공간에 리듬을 제공하고 진동과 메아리를 낳는다. 이를 보는 시각이 그 진동과 메아리를 받아 감정판을 건드리며 파장을 증폭시킨다."라고 평하였다.<|im_end|>

<|im_start|>서성록<|im_end|>

<|im_start|>"실이 화면을 배회하면서 정지의 공간에 리듬을 제공한다." 라고 말한 미술평론가는?<|im_end|>

<|im_start|><COSMOS-Ⅲ>(2009)는 아크릴을 여러 겹 바르고 그 위에 파스텔 톤의 색깔을 입혀 그려낸 꽃이 화면 전체를 채우는 작품이다. 작가는 색들이 겹치게 하여 밀도감을 높이는데, 물감의 중첩으로 화면에는 여러 얼룩과 번짐 그리고 혼색효과가 나타난다. 물감이 중첩되면 채도가 낮아지지만 여기서는 오히려 순도가 높아진다. 또 하나의 특징적인 요소는 실선들이다. 이 작품은 중첩하여 칠해서 안착된 색깔과 그 위에 덧붙여진 선의 교집합으로 구성되어 있다. 작가는 비단실을 가늘게 뽑아내고 여러 겹으로 굵기를 조절하거나 요철을 만들어 선적인 요소를 강조한다. 캔버스 위에 실을 던지듯 뿌려 순식간에 만든 선들은 직접 그은 선보다 감각적이고 낭창낭창하다. 이 작품은 완벽한 계산에 의한 것이 아니라 작가의 표현대로 '리듬을 타서' 만들어진 것이다. 이에 대해 미술평론가 서성록은 "실이 화면을 배회하면서 정지의 공간에 리듬을 제공하고 진동과 메아리를 낳는다. 이를 보는 시각이 그 진동과 메아리를 받아 감정판을 건드리며 파장을 증폭시킨다."라고 평하였다.<|im_end|>

<|im_start|>2009<|im_end|>

<|im_start|><COSMOS-Ⅲ>의 제작 연도는?<|im_end|>

<|im_start|><COSMOS-Ⅲ>(2009)는 아크릴을 여러 겹 바르고 그 위에 파스텔 톤의 색깔을 입혀 그려낸 꽃이 화면 전체를 채우는 작품이다. 작가는 색들이 겹치게 하여 밀도감을 높이는데, 물감의 중첩으로 화면에는 여러 얼룩과 번짐 그리고 혼색효과가 나타난다. 물감이 중첩되면 채도가 낮아지지만 여기서는 오히려 순도가 높아진다. 또 하나의 특징적인 요소는 실선들이다. 이 작품은 중첩하여 칠해서 안착된 색깔과 그 위에 덧붙여진 선의 교집합으로 구성되어 있다. 작가는 비단실을 가늘게 뽑아내고 여러 겹으로 굵기를 조절하거나 요철을 만들어 선적인 요소를 강조한다. 캔버스 위에 실을 던지듯 뿌려 순식간에 만든 선들은 직접 그은 선보다 감각적이고 낭창낭창하다. 이 작품은 완벽한 계산에 의한 것이 아니라 작가의 표현대로 '리듬을 타서' 만들어진 것이다. 이에 대해 미술평론가 서성록은 "실이 화면을 배회하면서 정지의 공간에 리듬을 제공하고 진동과 메아리를 낳는다. 이를 보는 시각이 그 진동과 메아리를 받아 감정판을 건드리며 파장을 증폭시킨다."라고 평하였다.<|im_end|>

<|im_start|>실을 던지듯 뿌려 순식간에 만든 선<|im_end|>

<|im_start|>작품에서 캔버스 위에 선을 만든 방법은?<|im_end|>

<|im_start|><COSMOS-Ⅲ>(2009)는 아크릴을 여러 겹 바르고 그 위에 파스텔 톤의 색깔을 입혀 그려낸 꽃이 화면 전체를 채우는 작품이다. 작가는 색들이 겹치게 하여 밀도감을 높이는데, 물감의 중첩으로 화면에는 여러 얼룩과 번짐 그리고 혼색효과가 나타난다. 물감이 중첩되면 채도가 낮아지지만 여기서는 오히려 순도가 높아진다. 또 하나의 특징적인 요소는 실선들이다. 이 작품은 중첩하여 칠해서 안착된 색깔과 그 위에 덧붙여진 선의 교집합으로 구성되어 있다. 작가는 비단실을 가늘게 뽑아내고 여러 겹으로 굵기를 조절하거나 요철을 만들어 선적인 요소를 강조한다. 캔버스 위에 실을 던지듯 뿌려 순식간에 만든 선들은 직접 그은 선보다 감각적이고 낭창낭창하다. 이 작품은 완벽한 계산에 의한 것이 아니라 작가의 표현대로 '리듬을 타서' 만들어진 것이다. 이에 대해 미술평론가 서성록은 "실이 화면을 배회하면서 정지의 공간에 리듬을 제공하고 진동과 메아리를 낳는다. 이를 보는 시각이 그 진동과 메아리를 받아 감정판을 건드리며 파장을 증폭시킨다."라고 평하였다.<|im_end|>

<|im_start|>여러 겹으로 굵기를 조절<|im_end|>

<|im_start|>작가가 선적인 요소를 강조하기 위해 비단실을 가늘게 뽑아낸 후에 하는 방법은?<|im_end|>

<|im_start|><COSMOS-Ⅲ>(2009)는 아크릴을 여러 겹 바르고 그 위에 파스텔 톤의 색깔을 입혀 그려낸 꽃이 화면 전체를 채우는 작품이다. 작가는 색들이 겹치게 하여 밀도감을 높이는데, 물감의 중첩으로 화면에는 여러 얼룩과 번짐 그리고 혼색효과가 나타난다. 물감이 중첩되면 채도가 낮아지지만 여기서는 오히려 순도가 높아진다. 또 하나의 특징적인 요소는 실선들이다. 이 작품은 중첩하여 칠해서 안착된 색깔과 그 위에 덧붙여진 선의 교집합으로 구성되어 있다. 작가는 비단실을 가늘게 뽑아내고 여러 겹으로 굵기를 조절하거나 요철을 만들어 선적인 요소를 강조한다. 캔버스 위에 실을 던지듯 뿌려 순식간에 만든 선들은 직접 그은 선보다 감각적이고 낭창낭창하다. 이 작품은 완벽한 계산에 의한 것이 아니라 작가의 표현대로 '리듬을 타서' 만들어진 것이다. 이에 대해 미술평론가 서성록은 "실이 화면을 배회하면서 정지의 공간에 리듬을 제공하고 진동과 메아리를 낳는다. 이를 보는 시각이 그 진동과 메아리를 받아 감정판을 건드리며 파장을 증폭시킨다."라고 평하였다.<|im_end|>

<|im_start|>혼색효과<|im_end|>

<|im_start|>물감의 중첩으로 화면에 나타나는 효과는?<|im_end|>

<|im_start|>한국 1세대 추상화가란 수식어를 가지고 있는 이세득(李世得, 1921-2001)은 일본 유학 도중에는 구상화를 그렸으나, 1958년 파리 유학길에 올라 당시 유럽에서 유행하던 앵포르멜을 몸소 접하면서 화풍이 변화하기 시작하였다. 이세득은 유럽의 앵포르멜을 받아들이면서도, 다른 한국 1세대 추상 화가들이 그렇듯 한국적인 것을 결합시키면서 그만의 독창적인 화면을 만들어갔다. 1960년대에는 단청이, 1970년대에는 고구려 고분벽화와 수막새 기와 그리고 오방색 등이 그러한 예라고 할 수 있다. 한국 미술계에서 다른 미술 사조가 휘몰아 칠 때에도 이세득은 추상을 계속 고집하였고, 추상 중에서도 부드럽고 따뜻하며 자유분방한 느낌의 화면을 지속적으로 선보임으로써 한국적 서정추상의 대가로 자리 잡게 된다. 그는 작품 활동 뿐 아니라 국립현대미술관회에서 활동하고 선재미술관장을 역임하는 등 전시 기획에 있어서도 한국 미술계에 이바지를 하였다. 이세득의 〈심상〉(1990)은 그의 서정추상 작품 중에서도 후기 작품에 속하며, 한층 더 성숙하여 1970~80년대에 작품에서 보이던 전통적 요소들이 사라지고 면과 선, 반점이 강조되었다. 또한 1985~1986년에 절정을 이루는 삼원색(빨강·파랑·노랑)과 검은색이 가미된 색채 구성을 살펴볼 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>이세득<|im_end|>

<|im_start|>한국 1세대 추상화가라는 수식어를 가진 인물은?<|im_end|>

<|im_start|>한국 1세대 추상화가란 수식어를 가지고 있는 이세득(李世得, 1921-2001)은 일본 유학 도중에는 구상화를 그렸으나, 1958년 파리 유학길에 올라 당시 유럽에서 유행하던 앵포르멜을 몸소 접하면서 화풍이 변화하기 시작하였다. 이세득은 유럽의 앵포르멜을 받아들이면서도, 다른 한국 1세대 추상 화가들이 그렇듯 한국적인 것을 결합시키면서 그만의 독창적인 화면을 만들어갔다. 1960년대에는 단청이, 1970년대에는 고구려 고분벽화와 수막새 기와 그리고 오방색 등이 그러한 예라고 할 수 있다. 한국 미술계에서 다른 미술 사조가 휘몰아 칠 때에도 이세득은 추상을 계속 고집하였고, 추상 중에서도 부드럽고 따뜻하며 자유분방한 느낌의 화면을 지속적으로 선보임으로써 한국적 서정추상의 대가로 자리 잡게 된다. 그는 작품 활동 뿐 아니라 국립현대미술관회에서 활동하고 선재미술관장을 역임하는 등 전시 기획에 있어서도 한국 미술계에 이바지를 하였다. 이세득의 〈심상〉(1990)은 그의 서정추상 작품 중에서도 후기 작품에 속하며, 한층 더 성숙하여 1970~80년대에 작품에서 보이던 전통적 요소들이 사라지고 면과 선, 반점이 강조되었다. 또한 1985~1986년에 절정을 이루는 삼원색(빨강·파랑·노랑)과 검은색이 가미된 색채 구성을 살펴볼 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>앵포르멜을 몸소 접하면서<|im_end|>

<|im_start|>이세득의 화풍이 변화한 이유는?<|im_end|>

<|im_start|>한국 1세대 추상화가란 수식어를 가지고 있는 이세득(李世得, 1921-2001)은 일본 유학 도중에는 구상화를 그렸으나, 1958년 파리 유학길에 올라 당시 유럽에서 유행하던 앵포르멜을 몸소 접하면서 화풍이 변화하기 시작하였다. 이세득은 유럽의 앵포르멜을 받아들이면서도, 다른 한국 1세대 추상 화가들이 그렇듯 한국적인 것을 결합시키면서 그만의 독창적인 화면을 만들어갔다. 1960년대에는 단청이, 1970년대에는 고구려 고분벽화와 수막새 기와 그리고 오방색 등이 그러한 예라고 할 수 있다. 한국 미술계에서 다른 미술 사조가 휘몰아 칠 때에도 이세득은 추상을 계속 고집하였고, 추상 중에서도 부드럽고 따뜻하며 자유분방한 느낌의 화면을 지속적으로 선보임으로써 한국적 서정추상의 대가로 자리 잡게 된다. 그는 작품 활동 뿐 아니라 국립현대미술관회에서 활동하고 선재미술관장을 역임하는 등 전시 기획에 있어서도 한국 미술계에 이바지를 하였다. 이세득의 〈심상〉(1990)은 그의 서정추상 작품 중에서도 후기 작품에 속하며, 한층 더 성숙하여 1970~80년대에 작품에서 보이던 전통적 요소들이 사라지고 면과 선, 반점이 강조되었다. 또한 1985~1986년에 절정을 이루는 삼원색(빨강·파랑·노랑)과 검은색이 가미된 색채 구성을 살펴볼 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>1958년<|im_end|>

<|im_start|>이세득이 파리 유학길에 오른 해는?<|im_end|>

<|im_start|>한국 1세대 추상화가란 수식어를 가지고 있는 이세득(李世得, 1921-2001)은 일본 유학 도중에는 구상화를 그렸으나, 1958년 파리 유학길에 올라 당시 유럽에서 유행하던 앵포르멜을 몸소 접하면서 화풍이 변화하기 시작하였다. 이세득은 유럽의 앵포르멜을 받아들이면서도, 다른 한국 1세대 추상 화가들이 그렇듯 한국적인 것을 결합시키면서 그만의 독창적인 화면을 만들어갔다. 1960년대에는 단청이, 1970년대에는 고구려 고분벽화와 수막새 기와 그리고 오방색 등이 그러한 예라고 할 수 있다. 한국 미술계에서 다른 미술 사조가 휘몰아 칠 때에도 이세득은 추상을 계속 고집하였고, 추상 중에서도 부드럽고 따뜻하며 자유분방한 느낌의 화면을 지속적으로 선보임으로써 한국적 서정추상의 대가로 자리 잡게 된다. 그는 작품 활동 뿐 아니라 국립현대미술관회에서 활동하고 선재미술관장을 역임하는 등 전시 기획에 있어서도 한국 미술계에 이바지를 하였다. 이세득의 〈심상〉(1990)은 그의 서정추상 작품 중에서도 후기 작품에 속하며, 한층 더 성숙하여 1970~80년대에 작품에서 보이던 전통적 요소들이 사라지고 면과 선, 반점이 강조되었다. 또한 1985~1986년에 절정을 이루는 삼원색(빨강·파랑·노랑)과 검은색이 가미된 색채 구성을 살펴볼 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>심상<|im_end|>

<|im_start|>이세득의 작품 중에 면과 선, 반점이 강조된 작품은?<|im_end|>

<|im_start|>한국 1세대 추상화가란 수식어를 가지고 있는 이세득(李世得, 1921-2001)은 일본 유학 도중에는 구상화를 그렸으나, 1958년 파리 유학길에 올라 당시 유럽에서 유행하던 앵포르멜을 몸소 접하면서 화풍이 변화하기 시작하였다. 이세득은 유럽의 앵포르멜을 받아들이면서도, 다른 한국 1세대 추상 화가들이 그렇듯 한국적인 것을 결합시키면서 그만의 독창적인 화면을 만들어갔다. 1960년대에는 단청이, 1970년대에는 고구려 고분벽화와 수막새 기와 그리고 오방색 등이 그러한 예라고 할 수 있다. 한국 미술계에서 다른 미술 사조가 휘몰아 칠 때에도 이세득은 추상을 계속 고집하였고, 추상 중에서도 부드럽고 따뜻하며 자유분방한 느낌의 화면을 지속적으로 선보임으로써 한국적 서정추상의 대가로 자리 잡게 된다. 그는 작품 활동 뿐 아니라 국립현대미술관회에서 활동하고 선재미술관장을 역임하는 등 전시 기획에 있어서도 한국 미술계에 이바지를 하였다. 이세득의 〈심상〉(1990)은 그의 서정추상 작품 중에서도 후기 작품에 속하며, 한층 더 성숙하여 1970~80년대에 작품에서 보이던 전통적 요소들이 사라지고 면과 선, 반점이 강조되었다. 또한 1985~1986년에 절정을 이루는 삼원색(빨강·파랑·노랑)과 검은색이 가미된 색채 구성을 살펴볼 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>1921<|im_end|>

<|im_start|>이세득의 출생연도는?<|im_end|>

<|im_start|>한국 1세대 추상화가란 수식어를 가지고 있는 이세득(李世得, 1921-2001)은 일본 유학 도중에는 구상화를 그렸으나, 1958년 파리 유학길에 올라 당시 유럽에서 유행하던 앵포르멜을 몸소 접하면서 화풍이 변화하기 시작하였다. 이세득은 유럽의 앵포르멜을 받아들이면서도, 다른 한국 1세대 추상 화가들이 그렇듯 한국적인 것을 결합시키면서 그만의 독창적인 화면을 만들어갔다. 1960년대에는 단청이, 1970년대에는 고구려 고분벽화와 수막새 기와 그리고 오방색 등이 그러한 예라고 할 수 있다. 한국 미술계에서 다른 미술 사조가 휘몰아 칠 때에도 이세득은 추상을 계속 고집하였고, 추상 중에서도 부드럽고 따뜻하며 자유분방한 느낌의 화면을 지속적으로 선보임으로써 한국적 서정추상의 대가로 자리 잡게 된다. 그는 작품 활동 뿐 아니라 국립현대미술관회에서 활동하고 선재미술관장을 역임하는 등 전시 기획에 있어서도 한국 미술계에 이바지를 하였다. 이세득의 〈심상〉(1990)은 그의 서정추상 작품 중에서도 후기 작품에 속하며, 한층 더 성숙하여 1970~80년대에 작품에서 보이던 전통적 요소들이 사라지고 면과 선, 반점이 강조되었다. 또한 1985~1986년에 절정을 이루는 삼원색(빨강·파랑·노랑)과 검은색이 가미된 색채 구성을 살펴볼 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>1990<|im_end|>

<|im_start|>이세득의 작품 <심상>이 선보여진 해는?<|im_end|>

<|im_start|>‘빛의 화가’로 불리는 우제길(禹濟吉, 1942~)은 일본 교토에서 태어났으며 대한민국이 광복을 맞이하면서 전남 광양에 새롭게 터를 잡았다. 중학교 시절, 방학 숙제로 그렸던 풍경화를 본 미술 선생님은 그에게 그림을 권했고 이를 계기로 그림을 배우기 시작하였다. 우제길은 한국 앵포르멜 운동의 선구자 중 한 명으로 손꼽히는 양수아(梁秀雅, 1920-1972)를 만나면서 예술관을 정립하였다. 그러나 그의 예술관에 큰 변혁이 일어난 것은 1969년 광주에서 창설된 추상표현주의 작가들의 모임인 에뽀끄(Epoque) 그룹의 일원으로 활동하게 되면서부터이다. ‘빛’ 연작 시리즈 역시 에뽀끄 가입 이후인 1970년대에 태동하게 되는데, 이 시기 반기하학적인 형태의 작업적 실험을 통해 그만의 기본적인 양식을 도출해낸다. 1980년대에는 고서의 한지를 꼴라쥬로 이용하면서 이전의 작업과는 다른 양상을 보이며, 전통적인 미감을 띄는 작품을 선보였다. 1990년대에 들어서는 금속성 질감을 묘사함으로써 ‘빛’이라는 소재를 표현하기 시작하였다. 아울러 우제길의 삶과 작품세계를 한 눈에 볼 수 있는 우제길미술관이 광주에 2001년 개관하였다. 우제길의 〈2010-13B〉(2010)는 최근작으로 여전히 빛이라는 소재를 통해 그만의 작품 세계를 구축해나가고 있는 모습을 확인해볼 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>일본 교토<|im_end|>

<|im_start|>우제길의 출생지는?<|im_end|>

<|im_start|>‘빛의 화가’로 불리는 우제길(禹濟吉, 1942~)은 일본 교토에서 태어났으며 대한민국이 광복을 맞이하면서 전남 광양에 새롭게 터를 잡았다. 중학교 시절, 방학 숙제로 그렸던 풍경화를 본 미술 선생님은 그에게 그림을 권했고 이를 계기로 그림을 배우기 시작하였다. 우제길은 한국 앵포르멜 운동의 선구자 중 한 명으로 손꼽히는 양수아(梁秀雅, 1920-1972)를 만나면서 예술관을 정립하였다. 그러나 그의 예술관에 큰 변혁이 일어난 것은 1969년 광주에서 창설된 추상표현주의 작가들의 모임인 에뽀끄(Epoque) 그룹의 일원으로 활동하게 되면서부터이다. ‘빛’ 연작 시리즈 역시 에뽀끄 가입 이후인 1970년대에 태동하게 되는데, 이 시기 반기하학적인 형태의 작업적 실험을 통해 그만의 기본적인 양식을 도출해낸다. 1980년대에는 고서의 한지를 꼴라쥬로 이용하면서 이전의 작업과는 다른 양상을 보이며, 전통적인 미감을 띄는 작품을 선보였다. 1990년대에 들어서는 금속성 질감을 묘사함으로써 ‘빛’이라는 소재를 표현하기 시작하였다. 아울러 우제길의 삶과 작품세계를 한 눈에 볼 수 있는 우제길미술관이 광주에 2001년 개관하였다. 우제길의 〈2010-13B〉(2010)는 최근작으로 여전히 빛이라는 소재를 통해 그만의 작품 세계를 구축해나가고 있는 모습을 확인해볼 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>빛의 화가<|im_end|>

<|im_start|>우제길이 불리는 또 다른 이름은?<|im_end|>

<|im_start|>‘빛의 화가’로 불리는 우제길(禹濟吉, 1942~)은 일본 교토에서 태어났으며 대한민국이 광복을 맞이하면서 전남 광양에 새롭게 터를 잡았다. 중학교 시절, 방학 숙제로 그렸던 풍경화를 본 미술 선생님은 그에게 그림을 권했고 이를 계기로 그림을 배우기 시작하였다. 우제길은 한국 앵포르멜 운동의 선구자 중 한 명으로 손꼽히는 양수아(梁秀雅, 1920-1972)를 만나면서 예술관을 정립하였다. 그러나 그의 예술관에 큰 변혁이 일어난 것은 1969년 광주에서 창설된 추상표현주의 작가들의 모임인 에뽀끄(Epoque) 그룹의 일원으로 활동하게 되면서부터이다. ‘빛’ 연작 시리즈 역시 에뽀끄 가입 이후인 1970년대에 태동하게 되는데, 이 시기 반기하학적인 형태의 작업적 실험을 통해 그만의 기본적인 양식을 도출해낸다. 1980년대에는 고서의 한지를 꼴라쥬로 이용하면서 이전의 작업과는 다른 양상을 보이며, 전통적인 미감을 띄는 작품을 선보였다. 1990년대에 들어서는 금속성 질감을 묘사함으로써 ‘빛’이라는 소재를 표현하기 시작하였다. 아울러 우제길의 삶과 작품세계를 한 눈에 볼 수 있는 우제길미술관이 광주에 2001년 개관하였다. 우제길의 〈2010-13B〉(2010)는 최근작으로 여전히 빛이라는 소재를 통해 그만의 작품 세계를 구축해나가고 있는 모습을 확인해볼 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>양수아<|im_end|>

<|im_start|>우제길이 예술관을 정립하는 데에 영향을 준 인물은?<|im_end|>

<|im_start|>‘빛의 화가’로 불리는 우제길(禹濟吉, 1942~)은 일본 교토에서 태어났으며 대한민국이 광복을 맞이하면서 전남 광양에 새롭게 터를 잡았다. 중학교 시절, 방학 숙제로 그렸던 풍경화를 본 미술 선생님은 그에게 그림을 권했고 이를 계기로 그림을 배우기 시작하였다. 우제길은 한국 앵포르멜 운동의 선구자 중 한 명으로 손꼽히는 양수아(梁秀雅, 1920-1972)를 만나면서 예술관을 정립하였다. 그러나 그의 예술관에 큰 변혁이 일어난 것은 1969년 광주에서 창설된 추상표현주의 작가들의 모임인 에뽀끄(Epoque) 그룹의 일원으로 활동하게 되면서부터이다. ‘빛’ 연작 시리즈 역시 에뽀끄 가입 이후인 1970년대에 태동하게 되는데, 이 시기 반기하학적인 형태의 작업적 실험을 통해 그만의 기본적인 양식을 도출해낸다. 1980년대에는 고서의 한지를 꼴라쥬로 이용하면서 이전의 작업과는 다른 양상을 보이며, 전통적인 미감을 띄는 작품을 선보였다. 1990년대에 들어서는 금속성 질감을 묘사함으로써 ‘빛’이라는 소재를 표현하기 시작하였다. 아울러 우제길의 삶과 작품세계를 한 눈에 볼 수 있는 우제길미술관이 광주에 2001년 개관하였다. 우제길의 〈2010-13B〉(2010)는 최근작으로 여전히 빛이라는 소재를 통해 그만의 작품 세계를 구축해나가고 있는 모습을 확인해볼 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>에뽀끄<|im_end|>

<|im_start|>광주에서 창설된 추상 표현주의 작가들의 모임 이름은?<|im_end|>

<|im_start|>‘빛의 화가’로 불리는 우제길(禹濟吉, 1942~)은 일본 교토에서 태어났으며 대한민국이 광복을 맞이하면서 전남 광양에 새롭게 터를 잡았다. 중학교 시절, 방학 숙제로 그렸던 풍경화를 본 미술 선생님은 그에게 그림을 권했고 이를 계기로 그림을 배우기 시작하였다. 우제길은 한국 앵포르멜 운동의 선구자 중 한 명으로 손꼽히는 양수아(梁秀雅, 1920-1972)를 만나면서 예술관을 정립하였다. 그러나 그의 예술관에 큰 변혁이 일어난 것은 1969년 광주에서 창설된 추상표현주의 작가들의 모임인 에뽀끄(Epoque) 그룹의 일원으로 활동하게 되면서부터이다. ‘빛’ 연작 시리즈 역시 에뽀끄 가입 이후인 1970년대에 태동하게 되는데, 이 시기 반기하학적인 형태의 작업적 실험을 통해 그만의 기본적인 양식을 도출해낸다. 1980년대에는 고서의 한지를 꼴라쥬로 이용하면서 이전의 작업과는 다른 양상을 보이며, 전통적인 미감을 띄는 작품을 선보였다. 1990년대에 들어서는 금속성 질감을 묘사함으로써 ‘빛’이라는 소재를 표현하기 시작하였다. 아울러 우제길의 삶과 작품세계를 한 눈에 볼 수 있는 우제길미술관이 광주에 2001년 개관하였다. 우제길의 〈2010-13B〉(2010)는 최근작으로 여전히 빛이라는 소재를 통해 그만의 작품 세계를 구축해나가고 있는 모습을 확인해볼 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>금속성 질감을 묘사함으로써<|im_end|>

<|im_start|>1990년대에 '빛'이라는 소재를 표현했던 방법은?<|im_end|>

<|im_start|>‘빛의 화가’로 불리는 우제길(禹濟吉, 1942~)은 일본 교토에서 태어났으며 대한민국이 광복을 맞이하면서 전남 광양에 새롭게 터를 잡았다. 중학교 시절, 방학 숙제로 그렸던 풍경화를 본 미술 선생님은 그에게 그림을 권했고 이를 계기로 그림을 배우기 시작하였다. 우제길은 한국 앵포르멜 운동의 선구자 중 한 명으로 손꼽히는 양수아(梁秀雅, 1920-1972)를 만나면서 예술관을 정립하였다. 그러나 그의 예술관에 큰 변혁이 일어난 것은 1969년 광주에서 창설된 추상표현주의 작가들의 모임인 에뽀끄(Epoque) 그룹의 일원으로 활동하게 되면서부터이다. ‘빛’ 연작 시리즈 역시 에뽀끄 가입 이후인 1970년대에 태동하게 되는데, 이 시기 반기하학적인 형태의 작업적 실험을 통해 그만의 기본적인 양식을 도출해낸다. 1980년대에는 고서의 한지를 꼴라쥬로 이용하면서 이전의 작업과는 다른 양상을 보이며, 전통적인 미감을 띄는 작품을 선보였다. 1990년대에 들어서는 금속성 질감을 묘사함으로써 ‘빛’이라는 소재를 표현하기 시작하였다. 아울러 우제길의 삶과 작품세계를 한 눈에 볼 수 있는 우제길미술관이 광주에 2001년 개관하였다. 우제길의 〈2010-13B〉(2010)는 최근작으로 여전히 빛이라는 소재를 통해 그만의 작품 세계를 구축해나가고 있는 모습을 확인해볼 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>2001년<|im_end|>

<|im_start|>우제길미술관이 광주에 개관한 해는?<|im_end|>

<|im_start|>조문자(趙文子, 1940~)는 홍익대학교 서양화과를 졸업하였으며, 한국 추상미술계의 대표적 여류작가 중 한 명으로 손꼽힌다. 그녀의 작품 세계는 크게 두 시기로 나누어 설명되곤 하는데, 작업을 시작하던 시기부터 1990년대 중반까지를 전반부로, 그리고 1990년대 후반부터 현재까지를 후반부로 분류한다. 조문자의 작품 전반부 시기에는 주로 자연과 접목이라는 주제로 경쾌하고도 율동감 넘치는 화면을 구사하면서, 당시 미술계의 거대 흐름이었던 앵포르멜에 맞서 그녀만의 색깔을 갖추기 위해 고군분투하였다. 후반부 시기에 접어 들어서는 광야라는 주제로 돌가루를 화면 전체에 덧발라 잔잔하고도 은은한 화면을 제작하면서, 공간을 구축하는 조형요소의 관계성과 화면질감에 대한 탐구를 집중적으로 하게 된다. 조문자의 〈광야〉(2010)는 후반부 시기의 초기 작품으로, 그녀에게 광야는 단순히 척박함의 의미를 넘어서 물러설 수 없기에 앞으로 나아가야하고 나아감으로써 새로운 길을 개척하도록 그녀를 북돋아주는 원동력이고, 그러므로 새로운 생명의 땅이라 할 수 있을 것이다. 이러한 그녀의 광야 시리즈는 이념이 충돌하고 시대의 가치가 격변하던 시대의 흐름 속에서 녹록치 않았던 그녀의 예술여정을 보여준다.<|im_end|>

<|im_start|>조문자<|im_end|>

<|im_start|>한국 추상미술계의 대표적 여류작가 중 한 명으로 손꼽히는 인물은?<|im_end|>

<|im_start|>조문자(趙文子, 1940~)는 홍익대학교 서양화과를 졸업하였으며, 한국 추상미술계의 대표적 여류작가 중 한 명으로 손꼽힌다. 그녀의 작품 세계는 크게 두 시기로 나누어 설명되곤 하는데, 작업을 시작하던 시기부터 1990년대 중반까지를 전반부로, 그리고 1990년대 후반부터 현재까지를 후반부로 분류한다. 조문자의 작품 전반부 시기에는 주로 자연과 접목이라는 주제로 경쾌하고도 율동감 넘치는 화면을 구사하면서, 당시 미술계의 거대 흐름이었던 앵포르멜에 맞서 그녀만의 색깔을 갖추기 위해 고군분투하였다. 후반부 시기에 접어 들어서는 광야라는 주제로 돌가루를 화면 전체에 덧발라 잔잔하고도 은은한 화면을 제작하면서, 공간을 구축하는 조형요소의 관계성과 화면질감에 대한 탐구를 집중적으로 하게 된다. 조문자의 〈광야〉(2010)는 후반부 시기의 초기 작품으로, 그녀에게 광야는 단순히 척박함의 의미를 넘어서 물러설 수 없기에 앞으로 나아가야하고 나아감으로써 새로운 길을 개척하도록 그녀를 북돋아주는 원동력이고, 그러므로 새로운 생명의 땅이라 할 수 있을 것이다. 이러한 그녀의 광야 시리즈는 이념이 충돌하고 시대의 가치가 격변하던 시대의 흐름 속에서 녹록치 않았던 그녀의 예술여정을 보여준다.<|im_end|>

<|im_start|>자연과 접목<|im_end|>

<|im_start|>작가가 작품 전반부 시기에 주로 다루었던 주제는?<|im_end|>

<|im_start|>조문자(趙文子, 1940~)는 홍익대학교 서양화과를 졸업하였으며, 한국 추상미술계의 대표적 여류작가 중 한 명으로 손꼽힌다. 그녀의 작품 세계는 크게 두 시기로 나누어 설명되곤 하는데, 작업을 시작하던 시기부터 1990년대 중반까지를 전반부로, 그리고 1990년대 후반부터 현재까지를 후반부로 분류한다. 조문자의 작품 전반부 시기에는 주로 자연과 접목이라는 주제로 경쾌하고도 율동감 넘치는 화면을 구사하면서, 당시 미술계의 거대 흐름이었던 앵포르멜에 맞서 그녀만의 색깔을 갖추기 위해 고군분투하였다. 후반부 시기에 접어 들어서는 광야라는 주제로 돌가루를 화면 전체에 덧발라 잔잔하고도 은은한 화면을 제작하면서, 공간을 구축하는 조형요소의 관계성과 화면질감에 대한 탐구를 집중적으로 하게 된다. 조문자의 〈광야〉(2010)는 후반부 시기의 초기 작품으로, 그녀에게 광야는 단순히 척박함의 의미를 넘어서 물러설 수 없기에 앞으로 나아가야하고 나아감으로써 새로운 길을 개척하도록 그녀를 북돋아주는 원동력이고, 그러므로 새로운 생명의 땅이라 할 수 있을 것이다. 이러한 그녀의 광야 시리즈는 이념이 충돌하고 시대의 가치가 격변하던 시대의 흐름 속에서 녹록치 않았던 그녀의 예술여정을 보여준다.<|im_end|>

<|im_start|>1990년대 후반부터 현재<|im_end|>

<|im_start|>작가의 작품 세계에서 후반부에 해당하는 기간은?<|im_end|>

<|im_start|>조문자(趙文子, 1940~)는 홍익대학교 서양화과를 졸업하였으며, 한국 추상미술계의 대표적 여류작가 중 한 명으로 손꼽힌다. 그녀의 작품 세계는 크게 두 시기로 나누어 설명되곤 하는데, 작업을 시작하던 시기부터 1990년대 중반까지를 전반부로, 그리고 1990년대 후반부터 현재까지를 후반부로 분류한다. 조문자의 작품 전반부 시기에는 주로 자연과 접목이라는 주제로 경쾌하고도 율동감 넘치는 화면을 구사하면서, 당시 미술계의 거대 흐름이었던 앵포르멜에 맞서 그녀만의 색깔을 갖추기 위해 고군분투하였다. 후반부 시기에 접어 들어서는 광야라는 주제로 돌가루를 화면 전체에 덧발라 잔잔하고도 은은한 화면을 제작하면서, 공간을 구축하는 조형요소의 관계성과 화면질감에 대한 탐구를 집중적으로 하게 된다. 조문자의 〈광야〉(2010)는 후반부 시기의 초기 작품으로, 그녀에게 광야는 단순히 척박함의 의미를 넘어서 물러설 수 없기에 앞으로 나아가야하고 나아감으로써 새로운 길을 개척하도록 그녀를 북돋아주는 원동력이고, 그러므로 새로운 생명의 땅이라 할 수 있을 것이다. 이러한 그녀의 광야 시리즈는 이념이 충돌하고 시대의 가치가 격변하던 시대의 흐름 속에서 녹록치 않았던 그녀의 예술여정을 보여준다.<|im_end|>

<|im_start|>2010<|im_end|>

<|im_start|><광야>가 선보여진 해는?<|im_end|>

<|im_start|>조문자(趙文子, 1940~)는 홍익대학교 서양화과를 졸업하였으며, 한국 추상미술계의 대표적 여류작가 중 한 명으로 손꼽힌다. 그녀의 작품 세계는 크게 두 시기로 나누어 설명되곤 하는데, 작업을 시작하던 시기부터 1990년대 중반까지를 전반부로, 그리고 1990년대 후반부터 현재까지를 후반부로 분류한다. 조문자의 작품 전반부 시기에는 주로 자연과 접목이라는 주제로 경쾌하고도 율동감 넘치는 화면을 구사하면서, 당시 미술계의 거대 흐름이었던 앵포르멜에 맞서 그녀만의 색깔을 갖추기 위해 고군분투하였다. 후반부 시기에 접어 들어서는 광야라는 주제로 돌가루를 화면 전체에 덧발라 잔잔하고도 은은한 화면을 제작하면서, 공간을 구축하는 조형요소의 관계성과 화면질감에 대한 탐구를 집중적으로 하게 된다. 조문자의 〈광야〉(2010)는 후반부 시기의 초기 작품으로, 그녀에게 광야는 단순히 척박함의 의미를 넘어서 물러설 수 없기에 앞으로 나아가야하고 나아감으로써 새로운 길을 개척하도록 그녀를 북돋아주는 원동력이고, 그러므로 새로운 생명의 땅이라 할 수 있을 것이다. 이러한 그녀의 광야 시리즈는 이념이 충돌하고 시대의 가치가 격변하던 시대의 흐름 속에서 녹록치 않았던 그녀의 예술여정을 보여준다.<|im_end|>

<|im_start|>광야<|im_end|>

<|im_start|>작가를 북돋아주는 원동력이 되는 것은?<|im_end|>

<|im_start|>조문자(趙文子, 1940~)는 홍익대학교 서양화과를 졸업하였으며, 한국 추상미술계의 대표적 여류작가 중 한 명으로 손꼽힌다. 그녀의 작품 세계는 크게 두 시기로 나누어 설명되곤 하는데, 작업을 시작하던 시기부터 1990년대 중반까지를 전반부로, 그리고 1990년대 후반부터 현재까지를 후반부로 분류한다. 조문자의 작품 전반부 시기에는 주로 자연과 접목이라는 주제로 경쾌하고도 율동감 넘치는 화면을 구사하면서, 당시 미술계의 거대 흐름이었던 앵포르멜에 맞서 그녀만의 색깔을 갖추기 위해 고군분투하였다. 후반부 시기에 접어 들어서는 광야라는 주제로 돌가루를 화면 전체에 덧발라 잔잔하고도 은은한 화면을 제작하면서, 공간을 구축하는 조형요소의 관계성과 화면질감에 대한 탐구를 집중적으로 하게 된다. 조문자의 〈광야〉(2010)는 후반부 시기의 초기 작품으로, 그녀에게 광야는 단순히 척박함의 의미를 넘어서 물러설 수 없기에 앞으로 나아가야하고 나아감으로써 새로운 길을 개척하도록 그녀를 북돋아주는 원동력이고, 그러므로 새로운 생명의 땅이라 할 수 있을 것이다. 이러한 그녀의 광야 시리즈는 이념이 충돌하고 시대의 가치가 격변하던 시대의 흐름 속에서 녹록치 않았던 그녀의 예술여정을 보여준다.<|im_end|>

<|im_start|>홍익대학교<|im_end|>

<|im_start|>작가가 졸업한 대학교는?<|im_end|>

<|im_start|>서울 출생의 김보민(金甫䪸, 1985~)은 숙명여자대학교에서 서양화과를 졸업하고 홍익대학교에서 회화과로 석사과정을 마쳤다. 기억에 주안점을 두고 작업을 하는 그녀는 기억이란 항상 감정을 수반한다고 말한다. 그녀가 어떠한 기억을 떠올릴 때, 단순히 그 기억만 떠오르는 것이 아니라 기억과 함께 그때의 감정이 함께 피어오르기 때문이다. 이렇게 기억에서 파생된 감정을 찬찬히 들여다보던 김보민은 감정은 결국 타인과의 관계에서 비롯되는 것임을 깨닫는다. 이러한 과정에서 그녀가 정의내린 관계는 지속되지 못하는, 그러니까 견고하지 못하고 깨지기 쉽다는 부정적인 속성이 부각되었다. 지속되지 못했기에 기억으로 떠오르고, 기억에 의해 다시 스멀스멀 기어오르는 감정은 김보민을 한없이 무기력하게 만들고 그 음울한 기운은 그녀가 감당하기 어려운 것이었다. 묻어버리고 싶을수록 부정적인 기억과 감정은 다시금 떠오르지만, 그 기억과의 시간의 격차가 벌어질수록 다행히도 기억과 감정은 조금씩 희미해지는 것을 느끼며 김보민은 위안을 얻는다고 한다. 그래서인지 김보민의 작품은 하나같이 쓸쓸하고 공허함이 깃들어져 있다. 그녀의 〈채집된 기억〉(2014)은 사람이기에 완벽하지 않은 기억 그리고 왜곡된 기억들의 파편을 하나씩 긁어모은 작품으로, 아무런 맥락 없이 그녀에게 선택당한 기억들이 펼쳐져 있다.<|im_end|>

<|im_start|>채집된 기억<|im_end|>

<|im_start|>완벽하지 않고 왜곡된 기억들의 파편을 모은 작품은?<|im_end|>

<|im_start|>서울 출생의 김보민(金甫䪸, 1985~)은 숙명여자대학교에서 서양화과를 졸업하고 홍익대학교에서 회화과로 석사과정을 마쳤다. 기억에 주안점을 두고 작업을 하는 그녀는 기억이란 항상 감정을 수반한다고 말한다. 그녀가 어떠한 기억을 떠올릴 때, 단순히 그 기억만 떠오르는 것이 아니라 기억과 함께 그때의 감정이 함께 피어오르기 때문이다. 이렇게 기억에서 파생된 감정을 찬찬히 들여다보던 김보민은 감정은 결국 타인과의 관계에서 비롯되는 것임을 깨닫는다. 이러한 과정에서 그녀가 정의내린 관계는 지속되지 못하는, 그러니까 견고하지 못하고 깨지기 쉽다는 부정적인 속성이 부각되었다. 지속되지 못했기에 기억으로 떠오르고, 기억에 의해 다시 스멀스멀 기어오르는 감정은 김보민을 한없이 무기력하게 만들고 그 음울한 기운은 그녀가 감당하기 어려운 것이었다. 묻어버리고 싶을수록 부정적인 기억과 감정은 다시금 떠오르지만, 그 기억과의 시간의 격차가 벌어질수록 다행히도 기억과 감정은 조금씩 희미해지는 것을 느끼며 김보민은 위안을 얻는다고 한다. 그래서인지 김보민의 작품은 하나같이 쓸쓸하고 공허함이 깃들어져 있다. 그녀의 〈채집된 기억〉(2014)은 사람이기에 완벽하지 않은 기억 그리고 왜곡된 기억들의 파편을 하나씩 긁어모은 작품으로, 아무런 맥락 없이 그녀에게 선택당한 기억들이 펼쳐져 있다.<|im_end|>

<|im_start|>숙명여자대학교<|im_end|>

<|im_start|>김보민이 졸업한 대학교는?<|im_end|>

<|im_start|>서울 출생의 김보민(金甫䪸, 1985~)은 숙명여자대학교에서 서양화과를 졸업하고 홍익대학교에서 회화과로 석사과정을 마쳤다. 기억에 주안점을 두고 작업을 하는 그녀는 기억이란 항상 감정을 수반한다고 말한다. 그녀가 어떠한 기억을 떠올릴 때, 단순히 그 기억만 떠오르는 것이 아니라 기억과 함께 그때의 감정이 함께 피어오르기 때문이다. 이렇게 기억에서 파생된 감정을 찬찬히 들여다보던 김보민은 감정은 결국 타인과의 관계에서 비롯되는 것임을 깨닫는다. 이러한 과정에서 그녀가 정의내린 관계는 지속되지 못하는, 그러니까 견고하지 못하고 깨지기 쉽다는 부정적인 속성이 부각되었다. 지속되지 못했기에 기억으로 떠오르고, 기억에 의해 다시 스멀스멀 기어오르는 감정은 김보민을 한없이 무기력하게 만들고 그 음울한 기운은 그녀가 감당하기 어려운 것이었다. 묻어버리고 싶을수록 부정적인 기억과 감정은 다시금 떠오르지만, 그 기억과의 시간의 격차가 벌어질수록 다행히도 기억과 감정은 조금씩 희미해지는 것을 느끼며 김보민은 위안을 얻는다고 한다. 그래서인지 김보민의 작품은 하나같이 쓸쓸하고 공허함이 깃들어져 있다. 그녀의 〈채집된 기억〉(2014)은 사람이기에 완벽하지 않은 기억 그리고 왜곡된 기억들의 파편을 하나씩 긁어모은 작품으로, 아무런 맥락 없이 그녀에게 선택당한 기억들이 펼쳐져 있다.<|im_end|>

<|im_start|>기억<|im_end|>

<|im_start|>김보민이 작업할 때 주안점으로 두는 것은?<|im_end|>

<|im_start|>서울 출생의 김보민(金甫䪸, 1985~)은 숙명여자대학교에서 서양화과를 졸업하고 홍익대학교에서 회화과로 석사과정을 마쳤다. 기억에 주안점을 두고 작업을 하는 그녀는 기억이란 항상 감정을 수반한다고 말한다. 그녀가 어떠한 기억을 떠올릴 때, 단순히 그 기억만 떠오르는 것이 아니라 기억과 함께 그때의 감정이 함께 피어오르기 때문이다. 이렇게 기억에서 파생된 감정을 찬찬히 들여다보던 김보민은 감정은 결국 타인과의 관계에서 비롯되는 것임을 깨닫는다. 이러한 과정에서 그녀가 정의내린 관계는 지속되지 못하는, 그러니까 견고하지 못하고 깨지기 쉽다는 부정적인 속성이 부각되었다. 지속되지 못했기에 기억으로 떠오르고, 기억에 의해 다시 스멀스멀 기어오르는 감정은 김보민을 한없이 무기력하게 만들고 그 음울한 기운은 그녀가 감당하기 어려운 것이었다. 묻어버리고 싶을수록 부정적인 기억과 감정은 다시금 떠오르지만, 그 기억과의 시간의 격차가 벌어질수록 다행히도 기억과 감정은 조금씩 희미해지는 것을 느끼며 김보민은 위안을 얻는다고 한다. 그래서인지 김보민의 작품은 하나같이 쓸쓸하고 공허함이 깃들어져 있다. 그녀의 〈채집된 기억〉(2014)은 사람이기에 완벽하지 않은 기억 그리고 왜곡된 기억들의 파편을 하나씩 긁어모은 작품으로, 아무런 맥락 없이 그녀에게 선택당한 기억들이 펼쳐져 있다.<|im_end|>

<|im_start|>서울<|im_end|>

<|im_start|>김보민의 출생지는?<|im_end|>

<|im_start|>서울 출생의 김보민(金甫䪸, 1985~)은 숙명여자대학교에서 서양화과를 졸업하고 홍익대학교에서 회화과로 석사과정을 마쳤다. 기억에 주안점을 두고 작업을 하는 그녀는 기억이란 항상 감정을 수반한다고 말한다. 그녀가 어떠한 기억을 떠올릴 때, 단순히 그 기억만 떠오르는 것이 아니라 기억과 함께 그때의 감정이 함께 피어오르기 때문이다. 이렇게 기억에서 파생된 감정을 찬찬히 들여다보던 김보민은 감정은 결국 타인과의 관계에서 비롯되는 것임을 깨닫는다. 이러한 과정에서 그녀가 정의내린 관계는 지속되지 못하는, 그러니까 견고하지 못하고 깨지기 쉽다는 부정적인 속성이 부각되었다. 지속되지 못했기에 기억으로 떠오르고, 기억에 의해 다시 스멀스멀 기어오르는 감정은 김보민을 한없이 무기력하게 만들고 그 음울한 기운은 그녀가 감당하기 어려운 것이었다. 묻어버리고 싶을수록 부정적인 기억과 감정은 다시금 떠오르지만, 그 기억과의 시간의 격차가 벌어질수록 다행히도 기억과 감정은 조금씩 희미해지는 것을 느끼며 김보민은 위안을 얻는다고 한다. 그래서인지 김보민의 작품은 하나같이 쓸쓸하고 공허함이 깃들어져 있다. 그녀의 〈채집된 기억〉(2014)은 사람이기에 완벽하지 않은 기억 그리고 왜곡된 기억들의 파편을 하나씩 긁어모은 작품으로, 아무런 맥락 없이 그녀에게 선택당한 기억들이 펼쳐져 있다.<|im_end|>

<|im_start|>쓸쓸하고 공허함<|im_end|>

<|im_start|>김보민 작품의 특징은?<|im_end|>

<|im_start|>서울 출생의 김보민(金甫䪸, 1985~)은 숙명여자대학교에서 서양화과를 졸업하고 홍익대학교에서 회화과로 석사과정을 마쳤다. 기억에 주안점을 두고 작업을 하는 그녀는 기억이란 항상 감정을 수반한다고 말한다. 그녀가 어떠한 기억을 떠올릴 때, 단순히 그 기억만 떠오르는 것이 아니라 기억과 함께 그때의 감정이 함께 피어오르기 때문이다. 이렇게 기억에서 파생된 감정을 찬찬히 들여다보던 김보민은 감정은 결국 타인과의 관계에서 비롯되는 것임을 깨닫는다. 이러한 과정에서 그녀가 정의내린 관계는 지속되지 못하는, 그러니까 견고하지 못하고 깨지기 쉽다는 부정적인 속성이 부각되었다. 지속되지 못했기에 기억으로 떠오르고, 기억에 의해 다시 스멀스멀 기어오르는 감정은 김보민을 한없이 무기력하게 만들고 그 음울한 기운은 그녀가 감당하기 어려운 것이었다. 묻어버리고 싶을수록 부정적인 기억과 감정은 다시금 떠오르지만, 그 기억과의 시간의 격차가 벌어질수록 다행히도 기억과 감정은 조금씩 희미해지는 것을 느끼며 김보민은 위안을 얻는다고 한다. 그래서인지 김보민의 작품은 하나같이 쓸쓸하고 공허함이 깃들어져 있다. 그녀의 〈채집된 기억〉(2014)은 사람이기에 완벽하지 않은 기억 그리고 왜곡된 기억들의 파편을 하나씩 긁어모은 작품으로, 아무런 맥락 없이 그녀에게 선택당한 기억들이 펼쳐져 있다.<|im_end|>

<|im_start|>2014<|im_end|>

<|im_start|><채집된 기억>을 선보인 해는?<|im_end|>

<|im_start|>하상림(河相林, 1961~)은 홍익대학교 서양화과를 졸업하고 독일로 넘어가 쾰른 국립미술대학에서 회화과로 석사과정을 수료 받았다. 그의 작품은 크게 두 시기로 나눠볼 수 있는데, 독일 유학에서 돌아와 작업했던 추상표현주의 경향의 초기작과 2007년 부친 상 이후 꽃을 단독으로 세밀하게 그린 후기작이다. 후기작은 단색 배경으로 한 화면에 한, 두가지의 풀이 묘사되거나 한 송이 혹은 두 송이 정도의 꽃이 만개하는 것이 많으며, 마치 꽃송이가 화면 위를 부유하듯 몽환적인 분위기를 자아내어 눈길을 사로잡는다. 후기작을 통해 하상림은 꽃의 작가로 널리 알려지기 시작하였으며, LG전자와 콜라보하여, 그의 작품이 LG전자의 양문형 냉장고의 무늬로 활용되어 대중에게도 이목을 끈 바 있다. 하상림의 〈무제-OR 1205〉(2012)는 옅은 미색의 배경에 정체모를 식물들이 한 화면을 가득 메우고 있으며, 단색의 아크릴을 사용하였지만 세밀한 드로잉과 같은 효과로 신비로움을 뿜어낸다. 선의 굵기를 조절하여 표현함으로써 다소 단조로워 보일 수 있는 화면 구성을 피함과 더불어 화면을 구획한다. 또한 강약이 있는 선 덕분에 화면의 중심부와 주변부가 나눠져 보이는 원근감까지 만들어내고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>쾰른 국립미술대학<|im_end|>

<|im_start|>하상림이 석사과정을 수료한 대학교는?<|im_end|>

<|im_start|>하상림(河相林, 1961~)은 홍익대학교 서양화과를 졸업하고 독일로 넘어가 쾰른 국립미술대학에서 회화과로 석사과정을 수료 받았다. 그의 작품은 크게 두 시기로 나눠볼 수 있는데, 독일 유학에서 돌아와 작업했던 추상표현주의 경향의 초기작과 2007년 부친 상 이후 꽃을 단독으로 세밀하게 그린 후기작이다. 후기작은 단색 배경으로 한 화면에 한, 두가지의 풀이 묘사되거나 한 송이 혹은 두 송이 정도의 꽃이 만개하는 것이 많으며, 마치 꽃송이가 화면 위를 부유하듯 몽환적인 분위기를 자아내어 눈길을 사로잡는다. 후기작을 통해 하상림은 꽃의 작가로 널리 알려지기 시작하였으며, LG전자와 콜라보하여, 그의 작품이 LG전자의 양문형 냉장고의 무늬로 활용되어 대중에게도 이목을 끈 바 있다. 하상림의 〈무제-OR 1205〉(2012)는 옅은 미색의 배경에 정체모를 식물들이 한 화면을 가득 메우고 있으며, 단색의 아크릴을 사용하였지만 세밀한 드로잉과 같은 효과로 신비로움을 뿜어낸다. 선의 굵기를 조절하여 표현함으로써 다소 단조로워 보일 수 있는 화면 구성을 피함과 더불어 화면을 구획한다. 또한 강약이 있는 선 덕분에 화면의 중심부와 주변부가 나눠져 보이는 원근감까지 만들어내고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>1961<|im_end|>

<|im_start|>하상림의 출생년도는?<|im_end|>

<|im_start|>하상림(河相林, 1961~)은 홍익대학교 서양화과를 졸업하고 독일로 넘어가 쾰른 국립미술대학에서 회화과로 석사과정을 수료 받았다. 그의 작품은 크게 두 시기로 나눠볼 수 있는데, 독일 유학에서 돌아와 작업했던 추상표현주의 경향의 초기작과 2007년 부친 상 이후 꽃을 단독으로 세밀하게 그린 후기작이다. 후기작은 단색 배경으로 한 화면에 한, 두가지의 풀이 묘사되거나 한 송이 혹은 두 송이 정도의 꽃이 만개하는 것이 많으며, 마치 꽃송이가 화면 위를 부유하듯 몽환적인 분위기를 자아내어 눈길을 사로잡는다. 후기작을 통해 하상림은 꽃의 작가로 널리 알려지기 시작하였으며, LG전자와 콜라보하여, 그의 작품이 LG전자의 양문형 냉장고의 무늬로 활용되어 대중에게도 이목을 끈 바 있다. 하상림의 〈무제-OR 1205〉(2012)는 옅은 미색의 배경에 정체모를 식물들이 한 화면을 가득 메우고 있으며, 단색의 아크릴을 사용하였지만 세밀한 드로잉과 같은 효과로 신비로움을 뿜어낸다. 선의 굵기를 조절하여 표현함으로써 다소 단조로워 보일 수 있는 화면 구성을 피함과 더불어 화면을 구획한다. 또한 강약이 있는 선 덕분에 화면의 중심부와 주변부가 나눠져 보이는 원근감까지 만들어내고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>LG전자<|im_end|>

<|im_start|>하상림의 작품을 양문형 냉장고의 무늬로 활용한 회사는?<|im_end|>

<|im_start|>하상림(河相林, 1961~)은 홍익대학교 서양화과를 졸업하고 독일로 넘어가 쾰른 국립미술대학에서 회화과로 석사과정을 수료 받았다. 그의 작품은 크게 두 시기로 나눠볼 수 있는데, 독일 유학에서 돌아와 작업했던 추상표현주의 경향의 초기작과 2007년 부친 상 이후 꽃을 단독으로 세밀하게 그린 후기작이다. 후기작은 단색 배경으로 한 화면에 한, 두가지의 풀이 묘사되거나 한 송이 혹은 두 송이 정도의 꽃이 만개하는 것이 많으며, 마치 꽃송이가 화면 위를 부유하듯 몽환적인 분위기를 자아내어 눈길을 사로잡는다. 후기작을 통해 하상림은 꽃의 작가로 널리 알려지기 시작하였으며, LG전자와 콜라보하여, 그의 작품이 LG전자의 양문형 냉장고의 무늬로 활용되어 대중에게도 이목을 끈 바 있다. 하상림의 〈무제-OR 1205〉(2012)는 옅은 미색의 배경에 정체모를 식물들이 한 화면을 가득 메우고 있으며, 단색의 아크릴을 사용하였지만 세밀한 드로잉과 같은 효과로 신비로움을 뿜어낸다. 선의 굵기를 조절하여 표현함으로써 다소 단조로워 보일 수 있는 화면 구성을 피함과 더불어 화면을 구획한다. 또한 강약이 있는 선 덕분에 화면의 중심부와 주변부가 나눠져 보이는 원근감까지 만들어내고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>무제-OR 1205<|im_end|>

<|im_start|>옅은 미색의 배경에 정체 모를 식물을 가득 채운 것의 이름은?<|im_end|>

<|im_start|>하상림(河相林, 1961~)은 홍익대학교 서양화과를 졸업하고 독일로 넘어가 쾰른 국립미술대학에서 회화과로 석사과정을 수료 받았다. 그의 작품은 크게 두 시기로 나눠볼 수 있는데, 독일 유학에서 돌아와 작업했던 추상표현주의 경향의 초기작과 2007년 부친 상 이후 꽃을 단독으로 세밀하게 그린 후기작이다. 후기작은 단색 배경으로 한 화면에 한, 두가지의 풀이 묘사되거나 한 송이 혹은 두 송이 정도의 꽃이 만개하는 것이 많으며, 마치 꽃송이가 화면 위를 부유하듯 몽환적인 분위기를 자아내어 눈길을 사로잡는다. 후기작을 통해 하상림은 꽃의 작가로 널리 알려지기 시작하였으며, LG전자와 콜라보하여, 그의 작품이 LG전자의 양문형 냉장고의 무늬로 활용되어 대중에게도 이목을 끈 바 있다. 하상림의 〈무제-OR 1205〉(2012)는 옅은 미색의 배경에 정체모를 식물들이 한 화면을 가득 메우고 있으며, 단색의 아크릴을 사용하였지만 세밀한 드로잉과 같은 효과로 신비로움을 뿜어낸다. 선의 굵기를 조절하여 표현함으로써 다소 단조로워 보일 수 있는 화면 구성을 피함과 더불어 화면을 구획한다. 또한 강약이 있는 선 덕분에 화면의 중심부와 주변부가 나눠져 보이는 원근감까지 만들어내고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>선의 굵기를 조절하여 표현<|im_end|>

<|im_start|>단조로울 수 있는 화면 구성을 피하는 방법은?<|im_end|>

<|im_start|>하상림(河相林, 1961~)은 홍익대학교 서양화과를 졸업하고 독일로 넘어가 쾰른 국립미술대학에서 회화과로 석사과정을 수료 받았다. 그의 작품은 크게 두 시기로 나눠볼 수 있는데, 독일 유학에서 돌아와 작업했던 추상표현주의 경향의 초기작과 2007년 부친 상 이후 꽃을 단독으로 세밀하게 그린 후기작이다. 후기작은 단색 배경으로 한 화면에 한, 두가지의 풀이 묘사되거나 한 송이 혹은 두 송이 정도의 꽃이 만개하는 것이 많으며, 마치 꽃송이가 화면 위를 부유하듯 몽환적인 분위기를 자아내어 눈길을 사로잡는다. 후기작을 통해 하상림은 꽃의 작가로 널리 알려지기 시작하였으며, LG전자와 콜라보하여, 그의 작품이 LG전자의 양문형 냉장고의 무늬로 활용되어 대중에게도 이목을 끈 바 있다. 하상림의 〈무제-OR 1205〉(2012)는 옅은 미색의 배경에 정체모를 식물들이 한 화면을 가득 메우고 있으며, 단색의 아크릴을 사용하였지만 세밀한 드로잉과 같은 효과로 신비로움을 뿜어낸다. 선의 굵기를 조절하여 표현함으로써 다소 단조로워 보일 수 있는 화면 구성을 피함과 더불어 화면을 구획한다. 또한 강약이 있는 선 덕분에 화면의 중심부와 주변부가 나눠져 보이는 원근감까지 만들어내고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>꽃의 작가<|im_end|>

<|im_start|>하상림을 부르는 말은?<|im_end|>

<|im_start|>만주 출생인 윤석남(尹錫男, 1939~)은 광복 이후 남하하였으며 결혼을 하고 난 이후 뒤늦은 나이 40세가 되어 미술을 시작하였다. 그녀는 특별한 스승을 두지 않고 자유로운 화법으로 그림을 구사하였으며, 그녀의 작품 모티프는 바로 그녀의 옆에 항상 머무르는 어머니였다. 어머니를 모델로 삼아 데생력을 키워나갔으며 1982년에 개인전을 개최하면서, 당시 미술계에서 익숙하지 않은 그녀의 화풍으로 인해 주목받기 시작했다. 윤석남은 작품에 어머니의 이야기를 담으면서 자연스레 모성과 자아정체성과 같은 여성들의 내면세계를 포착하여 표현하는데 주력하며, 향후 10년간 동일한 주제로 일관되게 작업하였다. 이는 그녀가 김인순과 김진숙 작가 등과 함께 1985년, 대한민국 여성주의 미술의 시원이라고 평가받고 있는 시월모임을 결성하고 여성주의에 대한 공부를 한 것과도 깊게 연계되어 있다. 윤석남의 〈손이 열이라도〉(1986)는 그녀의 두 번째 전시인 《반에서 하나로》(1986)에서 선보인 작품으로 당시 여성이 경험하는 구체적인 현실을 생생하게 전달하고 있다. 머리에 바구니를 이고 한 손으로는 돈을 세고, 다른 손으로는 주걱과 양동이를 들고 있으며, 또 다른 손으로는 아이를 양육하는 등 쉴 틈 없이 하루하루를 보내는 어머니의 모습이 적갈색 바탕 위에 스크래치 한 듯 묘사되어 있다. 이는 시대에서 요구하는 어머니의 희생과 고통과 더불어 주체적이지 못한 여성상을 상징적으로 드러낸다.<|im_end|>

<|im_start|>만주<|im_end|>

<|im_start|>윤석남의 출생지는?<|im_end|>

<|im_start|>만주 출생인 윤석남(尹錫男, 1939~)은 광복 이후 남하하였으며 결혼을 하고 난 이후 뒤늦은 나이 40세가 되어 미술을 시작하였다. 그녀는 특별한 스승을 두지 않고 자유로운 화법으로 그림을 구사하였으며, 그녀의 작품 모티프는 바로 그녀의 옆에 항상 머무르는 어머니였다. 어머니를 모델로 삼아 데생력을 키워나갔으며 1982년에 개인전을 개최하면서, 당시 미술계에서 익숙하지 않은 그녀의 화풍으로 인해 주목받기 시작했다. 윤석남은 작품에 어머니의 이야기를 담으면서 자연스레 모성과 자아정체성과 같은 여성들의 내면세계를 포착하여 표현하는데 주력하며, 향후 10년간 동일한 주제로 일관되게 작업하였다. 이는 그녀가 김인순과 김진숙 작가 등과 함께 1985년, 대한민국 여성주의 미술의 시원이라고 평가받고 있는 시월모임을 결성하고 여성주의에 대한 공부를 한 것과도 깊게 연계되어 있다. 윤석남의 〈손이 열이라도〉(1986)는 그녀의 두 번째 전시인 《반에서 하나로》(1986)에서 선보인 작품으로 당시 여성이 경험하는 구체적인 현실을 생생하게 전달하고 있다. 머리에 바구니를 이고 한 손으로는 돈을 세고, 다른 손으로는 주걱과 양동이를 들고 있으며, 또 다른 손으로는 아이를 양육하는 등 쉴 틈 없이 하루하루를 보내는 어머니의 모습이 적갈색 바탕 위에 스크래치 한 듯 묘사되어 있다. 이는 시대에서 요구하는 어머니의 희생과 고통과 더불어 주체적이지 못한 여성상을 상징적으로 드러낸다.<|im_end|>

<|im_start|>40세<|im_end|>

<|im_start|>윤석남이 미술을 시작한 나이는?<|im_end|>

<|im_start|>만주 출생인 윤석남(尹錫男, 1939~)은 광복 이후 남하하였으며 결혼을 하고 난 이후 뒤늦은 나이 40세가 되어 미술을 시작하였다. 그녀는 특별한 스승을 두지 않고 자유로운 화법으로 그림을 구사하였으며, 그녀의 작품 모티프는 바로 그녀의 옆에 항상 머무르는 어머니였다. 어머니를 모델로 삼아 데생력을 키워나갔으며 1982년에 개인전을 개최하면서, 당시 미술계에서 익숙하지 않은 그녀의 화풍으로 인해 주목받기 시작했다. 윤석남은 작품에 어머니의 이야기를 담으면서 자연스레 모성과 자아정체성과 같은 여성들의 내면세계를 포착하여 표현하는데 주력하며, 향후 10년간 동일한 주제로 일관되게 작업하였다. 이는 그녀가 김인순과 김진숙 작가 등과 함께 1985년, 대한민국 여성주의 미술의 시원이라고 평가받고 있는 시월모임을 결성하고 여성주의에 대한 공부를 한 것과도 깊게 연계되어 있다. 윤석남의 〈손이 열이라도〉(1986)는 그녀의 두 번째 전시인 《반에서 하나로》(1986)에서 선보인 작품으로 당시 여성이 경험하는 구체적인 현실을 생생하게 전달하고 있다. 머리에 바구니를 이고 한 손으로는 돈을 세고, 다른 손으로는 주걱과 양동이를 들고 있으며, 또 다른 손으로는 아이를 양육하는 등 쉴 틈 없이 하루하루를 보내는 어머니의 모습이 적갈색 바탕 위에 스크래치 한 듯 묘사되어 있다. 이는 시대에서 요구하는 어머니의 희생과 고통과 더불어 주체적이지 못한 여성상을 상징적으로 드러낸다.<|im_end|>

<|im_start|>어머니<|im_end|>

<|im_start|>윤석남 작품의 모티프는?<|im_end|>

<|im_start|>만주 출생인 윤석남(尹錫男, 1939~)은 광복 이후 남하하였으며 결혼을 하고 난 이후 뒤늦은 나이 40세가 되어 미술을 시작하였다. 그녀는 특별한 스승을 두지 않고 자유로운 화법으로 그림을 구사하였으며, 그녀의 작품 모티프는 바로 그녀의 옆에 항상 머무르는 어머니였다. 어머니를 모델로 삼아 데생력을 키워나갔으며 1982년에 개인전을 개최하면서, 당시 미술계에서 익숙하지 않은 그녀의 화풍으로 인해 주목받기 시작했다. 윤석남은 작품에 어머니의 이야기를 담으면서 자연스레 모성과 자아정체성과 같은 여성들의 내면세계를 포착하여 표현하는데 주력하며, 향후 10년간 동일한 주제로 일관되게 작업하였다. 이는 그녀가 김인순과 김진숙 작가 등과 함께 1985년, 대한민국 여성주의 미술의 시원이라고 평가받고 있는 시월모임을 결성하고 여성주의에 대한 공부를 한 것과도 깊게 연계되어 있다. 윤석남의 〈손이 열이라도〉(1986)는 그녀의 두 번째 전시인 《반에서 하나로》(1986)에서 선보인 작품으로 당시 여성이 경험하는 구체적인 현실을 생생하게 전달하고 있다. 머리에 바구니를 이고 한 손으로는 돈을 세고, 다른 손으로는 주걱과 양동이를 들고 있으며, 또 다른 손으로는 아이를 양육하는 등 쉴 틈 없이 하루하루를 보내는 어머니의 모습이 적갈색 바탕 위에 스크래치 한 듯 묘사되어 있다. 이는 시대에서 요구하는 어머니의 희생과 고통과 더불어 주체적이지 못한 여성상을 상징적으로 드러낸다.<|im_end|>

<|im_start|>1982년<|im_end|>

<|im_start|>윤석남이 그녀만의 화풍으로 주목받기 시작한 해는?<|im_end|>

<|im_start|>만주 출생인 윤석남(尹錫男, 1939~)은 광복 이후 남하하였으며 결혼을 하고 난 이후 뒤늦은 나이 40세가 되어 미술을 시작하였다. 그녀는 특별한 스승을 두지 않고 자유로운 화법으로 그림을 구사하였으며, 그녀의 작품 모티프는 바로 그녀의 옆에 항상 머무르는 어머니였다. 어머니를 모델로 삼아 데생력을 키워나갔으며 1982년에 개인전을 개최하면서, 당시 미술계에서 익숙하지 않은 그녀의 화풍으로 인해 주목받기 시작했다. 윤석남은 작품에 어머니의 이야기를 담으면서 자연스레 모성과 자아정체성과 같은 여성들의 내면세계를 포착하여 표현하는데 주력하며, 향후 10년간 동일한 주제로 일관되게 작업하였다. 이는 그녀가 김인순과 김진숙 작가 등과 함께 1985년, 대한민국 여성주의 미술의 시원이라고 평가받고 있는 시월모임을 결성하고 여성주의에 대한 공부를 한 것과도 깊게 연계되어 있다. 윤석남의 〈손이 열이라도〉(1986)는 그녀의 두 번째 전시인 《반에서 하나로》(1986)에서 선보인 작품으로 당시 여성이 경험하는 구체적인 현실을 생생하게 전달하고 있다. 머리에 바구니를 이고 한 손으로는 돈을 세고, 다른 손으로는 주걱과 양동이를 들고 있으며, 또 다른 손으로는 아이를 양육하는 등 쉴 틈 없이 하루하루를 보내는 어머니의 모습이 적갈색 바탕 위에 스크래치 한 듯 묘사되어 있다. 이는 시대에서 요구하는 어머니의 희생과 고통과 더불어 주체적이지 못한 여성상을 상징적으로 드러낸다.<|im_end|>

<|im_start|>김인순과 김진숙 작가<|im_end|>

<|im_start|>윤석남과 함께 시월모임을 결성한 작가는?<|im_end|>

<|im_start|>만주 출생인 윤석남(尹錫男, 1939~)은 광복 이후 남하하였으며 결혼을 하고 난 이후 뒤늦은 나이 40세가 되어 미술을 시작하였다. 그녀는 특별한 스승을 두지 않고 자유로운 화법으로 그림을 구사하였으며, 그녀의 작품 모티프는 바로 그녀의 옆에 항상 머무르는 어머니였다. 어머니를 모델로 삼아 데생력을 키워나갔으며 1982년에 개인전을 개최하면서, 당시 미술계에서 익숙하지 않은 그녀의 화풍으로 인해 주목받기 시작했다. 윤석남은 작품에 어머니의 이야기를 담으면서 자연스레 모성과 자아정체성과 같은 여성들의 내면세계를 포착하여 표현하는데 주력하며, 향후 10년간 동일한 주제로 일관되게 작업하였다. 이는 그녀가 김인순과 김진숙 작가 등과 함께 1985년, 대한민국 여성주의 미술의 시원이라고 평가받고 있는 시월모임을 결성하고 여성주의에 대한 공부를 한 것과도 깊게 연계되어 있다. 윤석남의 〈손이 열이라도〉(1986)는 그녀의 두 번째 전시인 《반에서 하나로》(1986)에서 선보인 작품으로 당시 여성이 경험하는 구체적인 현실을 생생하게 전달하고 있다. 머리에 바구니를 이고 한 손으로는 돈을 세고, 다른 손으로는 주걱과 양동이를 들고 있으며, 또 다른 손으로는 아이를 양육하는 등 쉴 틈 없이 하루하루를 보내는 어머니의 모습이 적갈색 바탕 위에 스크래치 한 듯 묘사되어 있다. 이는 시대에서 요구하는 어머니의 희생과 고통과 더불어 주체적이지 못한 여성상을 상징적으로 드러낸다.<|im_end|>

<|im_start|>손이 열이라도<|im_end|>

<|im_start|>당시 여성이 경험하는 구체적인 현실을 생생하게 전달하던 작품은?<|im_end|>

<|im_start|><생명의 빛- 소리>(2009)는 형태 묘사에 집중한 작업한 작품이 아니다. 구체적인 아이리스의 형태를 그대로 보여줌으로써 재현성을 의심받기 십상이지만, 그 세부적인 표현에서는 아이리스의 사실적인 형태는 존재하지 않는다. 유성물감의 특성을 응용하는 독특한 번짐기법은 기존의 묘사 방법으로는 얻을 수 없는 미묘한 이미지를 창조한다. 환상적이고 신비적인 요소를 가진 번짐기법은 아이리스 꽃을 사실적인 공간으로부터 격리시킨다. 현실공간으로부터 유리된 그의 조형공간에서 아이리스는 거대하게 확대되는가 하면 몽환적인 이미지로 탈바꿈한다. 아이리스는 바람에 떠다니는 풍선처럼 비현실적인 공간을 부유하면서 우리로 하여금 환상의 즐거움을 맛보게 한다. 그곳에는 달콤한 꿈과 낭만이 있고 시각적인 아름다움을 증폭시키는 환영이 자리한다. 실제의 아이리스가 향기로 유혹한다면 그의 아이리스는 환상적인 심리를 자극한다.<|im_end|>

<|im_start|>아이리스<|im_end|>

<|im_start|><생명의 빛 - 소리>에 나오는 꽃은?<|im_end|>

<|im_start|><생명의 빛- 소리>(2009)는 형태 묘사에 집중한 작업한 작품이 아니다. 구체적인 아이리스의 형태를 그대로 보여줌으로써 재현성을 의심받기 십상이지만, 그 세부적인 표현에서는 아이리스의 사실적인 형태는 존재하지 않는다. 유성물감의 특성을 응용하는 독특한 번짐기법은 기존의 묘사 방법으로는 얻을 수 없는 미묘한 이미지를 창조한다. 환상적이고 신비적인 요소를 가진 번짐기법은 아이리스 꽃을 사실적인 공간으로부터 격리시킨다. 현실공간으로부터 유리된 그의 조형공간에서 아이리스는 거대하게 확대되는가 하면 몽환적인 이미지로 탈바꿈한다. 아이리스는 바람에 떠다니는 풍선처럼 비현실적인 공간을 부유하면서 우리로 하여금 환상의 즐거움을 맛보게 한다. 그곳에는 달콤한 꿈과 낭만이 있고 시각적인 아름다움을 증폭시키는 환영이 자리한다. 실제의 아이리스가 향기로 유혹한다면 그의 아이리스는 환상적인 심리를 자극한다.<|im_end|>

<|im_start|>유성물감<|im_end|>

<|im_start|>작가가 독특한 번짐기법을 위해 사용한 것은?<|im_end|>

<|im_start|><생명의 빛- 소리>(2009)는 형태 묘사에 집중한 작업한 작품이 아니다. 구체적인 아이리스의 형태를 그대로 보여줌으로써 재현성을 의심받기 십상이지만, 그 세부적인 표현에서는 아이리스의 사실적인 형태는 존재하지 않는다. 유성물감의 특성을 응용하는 독특한 번짐기법은 기존의 묘사 방법으로는 얻을 수 없는 미묘한 이미지를 창조한다. 환상적이고 신비적인 요소를 가진 번짐기법은 아이리스 꽃을 사실적인 공간으로부터 격리시킨다. 현실공간으로부터 유리된 그의 조형공간에서 아이리스는 거대하게 확대되는가 하면 몽환적인 이미지로 탈바꿈한다. 아이리스는 바람에 떠다니는 풍선처럼 비현실적인 공간을 부유하면서 우리로 하여금 환상의 즐거움을 맛보게 한다. 그곳에는 달콤한 꿈과 낭만이 있고 시각적인 아름다움을 증폭시키는 환영이 자리한다. 실제의 아이리스가 향기로 유혹한다면 그의 아이리스는 환상적인 심리를 자극한다.<|im_end|>

<|im_start|>2009<|im_end|>

<|im_start|><생명의 빛 - 소리>가 제작된 연도는?<|im_end|>

<|im_start|><생명의 빛- 소리>(2009)는 형태 묘사에 집중한 작업한 작품이 아니다. 구체적인 아이리스의 형태를 그대로 보여줌으로써 재현성을 의심받기 십상이지만, 그 세부적인 표현에서는 아이리스의 사실적인 형태는 존재하지 않는다. 유성물감의 특성을 응용하는 독특한 번짐기법은 기존의 묘사 방법으로는 얻을 수 없는 미묘한 이미지를 창조한다. 환상적이고 신비적인 요소를 가진 번짐기법은 아이리스 꽃을 사실적인 공간으로부터 격리시킨다. 현실공간으로부터 유리된 그의 조형공간에서 아이리스는 거대하게 확대되는가 하면 몽환적인 이미지로 탈바꿈한다. 아이리스는 바람에 떠다니는 풍선처럼 비현실적인 공간을 부유하면서 우리로 하여금 환상의 즐거움을 맛보게 한다. 그곳에는 달콤한 꿈과 낭만이 있고 시각적인 아름다움을 증폭시키는 환영이 자리한다. 실제의 아이리스가 향기로 유혹한다면 그의 아이리스는 환상적인 심리를 자극한다.<|im_end|>

<|im_start|>형태를 그대로 보여줌<|im_end|>

<|im_start|><생명의 빛 - 소리>에서 아이리스를 표현하는 방법은?<|im_end|>

<|im_start|><생명의 빛- 소리>(2009)는 형태 묘사에 집중한 작업한 작품이 아니다. 구체적인 아이리스의 형태를 그대로 보여줌으로써 재현성을 의심받기 십상이지만, 그 세부적인 표현에서는 아이리스의 사실적인 형태는 존재하지 않는다. 유성물감의 특성을 응용하는 독특한 번짐기법은 기존의 묘사 방법으로는 얻을 수 없는 미묘한 이미지를 창조한다. 환상적이고 신비적인 요소를 가진 번짐기법은 아이리스 꽃을 사실적인 공간으로부터 격리시킨다. 현실공간으로부터 유리된 그의 조형공간에서 아이리스는 거대하게 확대되는가 하면 몽환적인 이미지로 탈바꿈한다. 아이리스는 바람에 떠다니는 풍선처럼 비현실적인 공간을 부유하면서 우리로 하여금 환상의 즐거움을 맛보게 한다. 그곳에는 달콤한 꿈과 낭만이 있고 시각적인 아름다움을 증폭시키는 환영이 자리한다. 실제의 아이리스가 향기로 유혹한다면 그의 아이리스는 환상적인 심리를 자극한다.<|im_end|>

<|im_start|>조형공간<|im_end|>

<|im_start|>현실공간으로부터 유리된 아이리스가 몽환적인 이미지로 탈바꿈하는 곳은?<|im_end|>

<|im_start|><생명의 빛- 소리>(2009)는 형태 묘사에 집중한 작업한 작품이 아니다. 구체적인 아이리스의 형태를 그대로 보여줌으로써 재현성을 의심받기 십상이지만, 그 세부적인 표현에서는 아이리스의 사실적인 형태는 존재하지 않는다. 유성물감의 특성을 응용하는 독특한 번짐기법은 기존의 묘사 방법으로는 얻을 수 없는 미묘한 이미지를 창조한다. 환상적이고 신비적인 요소를 가진 번짐기법은 아이리스 꽃을 사실적인 공간으로부터 격리시킨다. 현실공간으로부터 유리된 그의 조형공간에서 아이리스는 거대하게 확대되는가 하면 몽환적인 이미지로 탈바꿈한다. 아이리스는 바람에 떠다니는 풍선처럼 비현실적인 공간을 부유하면서 우리로 하여금 환상의 즐거움을 맛보게 한다. 그곳에는 달콤한 꿈과 낭만이 있고 시각적인 아름다움을 증폭시키는 환영이 자리한다. 실제의 아이리스가 향기로 유혹한다면 그의 아이리스는 환상적인 심리를 자극한다.<|im_end|>

<|im_start|>비현실적인 공간<|im_end|>

<|im_start|>아이리스가 환상의 즐거움을 맛보게 하는 곳은?<|im_end|>

<|im_start|><포옹>(1992)은 따뜻한 가족애와 인간애를 나타내는 작품으로 현실 사회문제를 소재로 삼아 과감한 작품을 전개하던 임옥상의 또 다른 면모를 보여준다. 이 작품은 작가의 극히 사적인 영역을 이야기하는 듯이 보이지만, 되짚어보면 무한한 공적인 영역을 다루고 있기도 한데 사회의 가장 작은 단위이자 그 근간이 되는 것이 바로 '가족'이라 할 수 있기 때문이다. 화면 상단에는 시간의 흐름을 알 수 있는 달이 차고 기우는 모습이 그려져 있고 화면 중앙에 자리한 남녀의 뒤편에는 굽이굽이 뻗어나간 여러 갈래의 길이 보인다. 이는 두 사람이 함께 이 세상을 살면서 이미 지나온 길이자 현재 지나는 길, 그리고 앞으로 지나갈 길들을 의미한다. 그 세월은 때로는 즐겁고 고단하고 무미건조하기도 하지만 서로를 향한 애틋한 사랑은 이를 뛰어넘어 평온함과 따뜻함으로 이들의 인생을 비추고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>포옹<|im_end|>

<|im_start|>따뜻한 가족애와 인간애를 나타내는 작품의 제목은?<|im_end|>

<|im_start|><포옹>(1992)은 따뜻한 가족애와 인간애를 나타내는 작품으로 현실 사회문제를 소재로 삼아 과감한 작품을 전개하던 임옥상의 또 다른 면모를 보여준다. 이 작품은 작가의 극히 사적인 영역을 이야기하는 듯이 보이지만, 되짚어보면 무한한 공적인 영역을 다루고 있기도 한데 사회의 가장 작은 단위이자 그 근간이 되는 것이 바로 '가족'이라 할 수 있기 때문이다. 화면 상단에는 시간의 흐름을 알 수 있는 달이 차고 기우는 모습이 그려져 있고 화면 중앙에 자리한 남녀의 뒤편에는 굽이굽이 뻗어나간 여러 갈래의 길이 보인다. 이는 두 사람이 함께 이 세상을 살면서 이미 지나온 길이자 현재 지나는 길, 그리고 앞으로 지나갈 길들을 의미한다. 그 세월은 때로는 즐겁고 고단하고 무미건조하기도 하지만 서로를 향한 애틋한 사랑은 이를 뛰어넘어 평온함과 따뜻함으로 이들의 인생을 비추고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>가족<|im_end|>

<|im_start|>사회의 가장 작은 단위이자 그 근간이 되는 대상은?<|im_end|>

<|im_start|><포옹>(1992)은 따뜻한 가족애와 인간애를 나타내는 작품으로 현실 사회문제를 소재로 삼아 과감한 작품을 전개하던 임옥상의 또 다른 면모를 보여준다. 이 작품은 작가의 극히 사적인 영역을 이야기하는 듯이 보이지만, 되짚어보면 무한한 공적인 영역을 다루고 있기도 한데 사회의 가장 작은 단위이자 그 근간이 되는 것이 바로 '가족'이라 할 수 있기 때문이다. 화면 상단에는 시간의 흐름을 알 수 있는 달이 차고 기우는 모습이 그려져 있고 화면 중앙에 자리한 남녀의 뒤편에는 굽이굽이 뻗어나간 여러 갈래의 길이 보인다. 이는 두 사람이 함께 이 세상을 살면서 이미 지나온 길이자 현재 지나는 길, 그리고 앞으로 지나갈 길들을 의미한다. 그 세월은 때로는 즐겁고 고단하고 무미건조하기도 하지만 서로를 향한 애틋한 사랑은 이를 뛰어넘어 평온함과 따뜻함으로 이들의 인생을 비추고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>남녀<|im_end|>

<|im_start|>화면의 중앙에 자리한 이들은?<|im_end|>

<|im_start|><포옹>(1992)은 따뜻한 가족애와 인간애를 나타내는 작품으로 현실 사회문제를 소재로 삼아 과감한 작품을 전개하던 임옥상의 또 다른 면모를 보여준다. 이 작품은 작가의 극히 사적인 영역을 이야기하는 듯이 보이지만, 되짚어보면 무한한 공적인 영역을 다루고 있기도 한데 사회의 가장 작은 단위이자 그 근간이 되는 것이 바로 '가족'이라 할 수 있기 때문이다. 화면 상단에는 시간의 흐름을 알 수 있는 달이 차고 기우는 모습이 그려져 있고 화면 중앙에 자리한 남녀의 뒤편에는 굽이굽이 뻗어나간 여러 갈래의 길이 보인다. 이는 두 사람이 함께 이 세상을 살면서 이미 지나온 길이자 현재 지나는 길, 그리고 앞으로 지나갈 길들을 의미한다. 그 세월은 때로는 즐겁고 고단하고 무미건조하기도 하지만 서로를 향한 애틋한 사랑은 이를 뛰어넘어 평온함과 따뜻함으로 이들의 인생을 비추고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>굽이굽이 뻗어나간 여러 갈래의 길<|im_end|>

<|im_start|>화면 중앙에 자리한 남녀의 뒤편에 그려진 것은?<|im_end|>

<|im_start|><포옹>(1992)은 따뜻한 가족애와 인간애를 나타내는 작품으로 현실 사회문제를 소재로 삼아 과감한 작품을 전개하던 임옥상의 또 다른 면모를 보여준다. 이 작품은 작가의 극히 사적인 영역을 이야기하는 듯이 보이지만, 되짚어보면 무한한 공적인 영역을 다루고 있기도 한데 사회의 가장 작은 단위이자 그 근간이 되는 것이 바로 '가족'이라 할 수 있기 때문이다. 화면 상단에는 시간의 흐름을 알 수 있는 달이 차고 기우는 모습이 그려져 있고 화면 중앙에 자리한 남녀의 뒤편에는 굽이굽이 뻗어나간 여러 갈래의 길이 보인다. 이는 두 사람이 함께 이 세상을 살면서 이미 지나온 길이자 현재 지나는 길, 그리고 앞으로 지나갈 길들을 의미한다. 그 세월은 때로는 즐겁고 고단하고 무미건조하기도 하지만 서로를 향한 애틋한 사랑은 이를 뛰어넘어 평온함과 따뜻함으로 이들의 인생을 비추고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>1992<|im_end|>

<|im_start|><포옹>의 제작 연도는?<|im_end|>

<|im_start|><포옹>(1992)은 따뜻한 가족애와 인간애를 나타내는 작품으로 현실 사회문제를 소재로 삼아 과감한 작품을 전개하던 임옥상의 또 다른 면모를 보여준다. 이 작품은 작가의 극히 사적인 영역을 이야기하는 듯이 보이지만, 되짚어보면 무한한 공적인 영역을 다루고 있기도 한데 사회의 가장 작은 단위이자 그 근간이 되는 것이 바로 '가족'이라 할 수 있기 때문이다. 화면 상단에는 시간의 흐름을 알 수 있는 달이 차고 기우는 모습이 그려져 있고 화면 중앙에 자리한 남녀의 뒤편에는 굽이굽이 뻗어나간 여러 갈래의 길이 보인다. 이는 두 사람이 함께 이 세상을 살면서 이미 지나온 길이자 현재 지나는 길, 그리고 앞으로 지나갈 길들을 의미한다. 그 세월은 때로는 즐겁고 고단하고 무미건조하기도 하지만 서로를 향한 애틋한 사랑은 이를 뛰어넘어 평온함과 따뜻함으로 이들의 인생을 비추고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>무한한 공적인 영역<|im_end|>

<|im_start|>작가가 <포옹>에서 다루고 있는 영역은?<|im_end|>

<|im_start|>함경북도 명천 출신인 김한(金漢,1928-2013)은 한국전쟁 때 월남하여 홍익대학교 회화과를 졸업하였다. 그는 생계를 유지하기 위해 미군을 상대로 초상화를 그려주기도, 서울역 극장 간판 그리기도 하였지만 순수예술의 끈을 놓지 못했다. 그가 일생을 통틀어 남긴 작품 제목을 살펴보면 〈포구장터의 아침〉(1992), 〈잊혀진 포구〉(1993), 〈포구여 포구여〉(1996), 〈포구 축일〉(1998), 〈포구 회향〉(1999), 등 ‘포구’라는 단어가 대다수 들어간 것을 알 수 있다. 제목에서 알 수 있듯 그의 작품은 모두 그의 고향에 있던 포구를 배경이자 주제로 삼고 있으며, 그래서인지 작품의 주조색은 주로 푸른색이다. 김한은 떠나온 고향에 대한 그리움을 작품으로 승화시켜 작고하기까지 동일한 주제로 작업 활동을 하였으며, 1995년 이중섭미술상을 거머쥐며 유명세를 타기 시작했다. 그는 향수의 화가 혹은 망향의 화가로 불리며, 2020년 제주도에 그의 가족에 의해 김한미술관에 설립되었다. 김한의 〈포구의 여인〉(1996) 역시 푸른색이 역력하며 고향에 대한 그리움이 따뜻하면서도 서정적으로 녹아져 있는 작품으로, 척박한 환경 속에서도 식구들을 위해 고생한 당대의 어머니 상을 잘 그려내고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>미군을 상대로 초상화를 그려주기<|im_end|>

<|im_start|>김한이 생계를 유지하기 위해 했던 것은?<|im_end|>

<|im_start|>함경북도 명천 출신인 김한(金漢,1928-2013)은 한국전쟁 때 월남하여 홍익대학교 회화과를 졸업하였다. 그는 생계를 유지하기 위해 미군을 상대로 초상화를 그려주기도, 서울역 극장 간판 그리기도 하였지만 순수예술의 끈을 놓지 못했다. 그가 일생을 통틀어 남긴 작품 제목을 살펴보면 〈포구장터의 아침〉(1992), 〈잊혀진 포구〉(1993), 〈포구여 포구여〉(1996), 〈포구 축일〉(1998), 〈포구 회향〉(1999), 등 ‘포구’라는 단어가 대다수 들어간 것을 알 수 있다. 제목에서 알 수 있듯 그의 작품은 모두 그의 고향에 있던 포구를 배경이자 주제로 삼고 있으며, 그래서인지 작품의 주조색은 주로 푸른색이다. 김한은 떠나온 고향에 대한 그리움을 작품으로 승화시켜 작고하기까지 동일한 주제로 작업 활동을 하였으며, 1995년 이중섭미술상을 거머쥐며 유명세를 타기 시작했다. 그는 향수의 화가 혹은 망향의 화가로 불리며, 2020년 제주도에 그의 가족에 의해 김한미술관에 설립되었다. 김한의 〈포구의 여인〉(1996) 역시 푸른색이 역력하며 고향에 대한 그리움이 따뜻하면서도 서정적으로 녹아져 있는 작품으로, 척박한 환경 속에서도 식구들을 위해 고생한 당대의 어머니 상을 잘 그려내고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>함경북도 명천<|im_end|>

<|im_start|>김한의 출생지는?<|im_end|>

<|im_start|>함경북도 명천 출신인 김한(金漢,1928-2013)은 한국전쟁 때 월남하여 홍익대학교 회화과를 졸업하였다. 그는 생계를 유지하기 위해 미군을 상대로 초상화를 그려주기도, 서울역 극장 간판 그리기도 하였지만 순수예술의 끈을 놓지 못했다. 그가 일생을 통틀어 남긴 작품 제목을 살펴보면 〈포구장터의 아침〉(1992), 〈잊혀진 포구〉(1993), 〈포구여 포구여〉(1996), 〈포구 축일〉(1998), 〈포구 회향〉(1999), 등 ‘포구’라는 단어가 대다수 들어간 것을 알 수 있다. 제목에서 알 수 있듯 그의 작품은 모두 그의 고향에 있던 포구를 배경이자 주제로 삼고 있으며, 그래서인지 작품의 주조색은 주로 푸른색이다. 김한은 떠나온 고향에 대한 그리움을 작품으로 승화시켜 작고하기까지 동일한 주제로 작업 활동을 하였으며, 1995년 이중섭미술상을 거머쥐며 유명세를 타기 시작했다. 그는 향수의 화가 혹은 망향의 화가로 불리며, 2020년 제주도에 그의 가족에 의해 김한미술관에 설립되었다. 김한의 〈포구의 여인〉(1996) 역시 푸른색이 역력하며 고향에 대한 그리움이 따뜻하면서도 서정적으로 녹아져 있는 작품으로, 척박한 환경 속에서도 식구들을 위해 고생한 당대의 어머니 상을 잘 그려내고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>푸른색<|im_end|>

<|im_start|>김한의 작품 주조색은?<|im_end|>

<|im_start|>함경북도 명천 출신인 김한(金漢,1928-2013)은 한국전쟁 때 월남하여 홍익대학교 회화과를 졸업하였다. 그는 생계를 유지하기 위해 미군을 상대로 초상화를 그려주기도, 서울역 극장 간판 그리기도 하였지만 순수예술의 끈을 놓지 못했다. 그가 일생을 통틀어 남긴 작품 제목을 살펴보면 〈포구장터의 아침〉(1992), 〈잊혀진 포구〉(1993), 〈포구여 포구여〉(1996), 〈포구 축일〉(1998), 〈포구 회향〉(1999), 등 ‘포구’라는 단어가 대다수 들어간 것을 알 수 있다. 제목에서 알 수 있듯 그의 작품은 모두 그의 고향에 있던 포구를 배경이자 주제로 삼고 있으며, 그래서인지 작품의 주조색은 주로 푸른색이다. 김한은 떠나온 고향에 대한 그리움을 작품으로 승화시켜 작고하기까지 동일한 주제로 작업 활동을 하였으며, 1995년 이중섭미술상을 거머쥐며 유명세를 타기 시작했다. 그는 향수의 화가 혹은 망향의 화가로 불리며, 2020년 제주도에 그의 가족에 의해 김한미술관에 설립되었다. 김한의 〈포구의 여인〉(1996) 역시 푸른색이 역력하며 고향에 대한 그리움이 따뜻하면서도 서정적으로 녹아져 있는 작품으로, 척박한 환경 속에서도 식구들을 위해 고생한 당대의 어머니 상을 잘 그려내고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>포구<|im_end|>

<|im_start|>김한의 작품 제목에 공통적으로 들어가는 것은?<|im_end|>

<|im_start|>함경북도 명천 출신인 김한(金漢,1928-2013)은 한국전쟁 때 월남하여 홍익대학교 회화과를 졸업하였다. 그는 생계를 유지하기 위해 미군을 상대로 초상화를 그려주기도, 서울역 극장 간판 그리기도 하였지만 순수예술의 끈을 놓지 못했다. 그가 일생을 통틀어 남긴 작품 제목을 살펴보면 〈포구장터의 아침〉(1992), 〈잊혀진 포구〉(1993), 〈포구여 포구여〉(1996), 〈포구 축일〉(1998), 〈포구 회향〉(1999), 등 ‘포구’라는 단어가 대다수 들어간 것을 알 수 있다. 제목에서 알 수 있듯 그의 작품은 모두 그의 고향에 있던 포구를 배경이자 주제로 삼고 있으며, 그래서인지 작품의 주조색은 주로 푸른색이다. 김한은 떠나온 고향에 대한 그리움을 작품으로 승화시켜 작고하기까지 동일한 주제로 작업 활동을 하였으며, 1995년 이중섭미술상을 거머쥐며 유명세를 타기 시작했다. 그는 향수의 화가 혹은 망향의 화가로 불리며, 2020년 제주도에 그의 가족에 의해 김한미술관에 설립되었다. 김한의 〈포구의 여인〉(1996) 역시 푸른색이 역력하며 고향에 대한 그리움이 따뜻하면서도 서정적으로 녹아져 있는 작품으로, 척박한 환경 속에서도 식구들을 위해 고생한 당대의 어머니 상을 잘 그려내고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>1995년<|im_end|>

<|im_start|>김한이 이중섭미술상을 거머쥔 해는?<|im_end|>

<|im_start|>함경북도 명천 출신인 김한(金漢,1928-2013)은 한국전쟁 때 월남하여 홍익대학교 회화과를 졸업하였다. 그는 생계를 유지하기 위해 미군을 상대로 초상화를 그려주기도, 서울역 극장 간판 그리기도 하였지만 순수예술의 끈을 놓지 못했다. 그가 일생을 통틀어 남긴 작품 제목을 살펴보면 〈포구장터의 아침〉(1992), 〈잊혀진 포구〉(1993), 〈포구여 포구여〉(1996), 〈포구 축일〉(1998), 〈포구 회향〉(1999), 등 ‘포구’라는 단어가 대다수 들어간 것을 알 수 있다. 제목에서 알 수 있듯 그의 작품은 모두 그의 고향에 있던 포구를 배경이자 주제로 삼고 있으며, 그래서인지 작품의 주조색은 주로 푸른색이다. 김한은 떠나온 고향에 대한 그리움을 작품으로 승화시켜 작고하기까지 동일한 주제로 작업 활동을 하였으며, 1995년 이중섭미술상을 거머쥐며 유명세를 타기 시작했다. 그는 향수의 화가 혹은 망향의 화가로 불리며, 2020년 제주도에 그의 가족에 의해 김한미술관에 설립되었다. 김한의 〈포구의 여인〉(1996) 역시 푸른색이 역력하며 고향에 대한 그리움이 따뜻하면서도 서정적으로 녹아져 있는 작품으로, 척박한 환경 속에서도 식구들을 위해 고생한 당대의 어머니 상을 잘 그려내고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>향수의 화가 혹은 망향의 화가<|im_end|>

<|im_start|>김한을 지칭하는 말은?<|im_end|>

<|im_start|>서울에서 태어난 구자승(具滋勝, 1941~)은 홍익대학교 회화과를 졸업하고 동대학원에서 미술교육과정으로 석사과정을 밟았다. 한국의 극사실주의 제1세대 작가라는 타이틀을 가지고 있으며 장르의 제한 없이 인물화, 정물화, 풍경화를 넘나드는 데에서 이미 그가 탄탄한 데생 실력을 지니고 있음을 말해주고 있다. 구자승은 사실주의를 기반으로 이 시대의 미적인 감수성을 표현함으로써 사진과는 변별력을 지닌 작품을 만들어내는데, 이는 흔히 동양적인 정서 혹은 동양적인 세계관이 그의 그림 속에 스며들어 있기 때문이라고 알려져 있다. 이러한 특징은 그의 작품에서 공통적으로 보이는 넓은 배경, 즉 동양화에서 여백이라고 일컬어지는 공간을 통해 만들어진다. 단순하면서도 간결한 색상과 어떠한 붓질의 흔적도 용납하지 않는 조선의 백자와 같은 무결점의 공간은 구자승 작품의 양식적 특징이자 이야기하고자 하는 바인 것이다. 이렇게 그의 작품은 유화임에도 불구하고 동양화의 정취를 느껴볼 수 있음과 동시에 사진에서는 느낄 수 없는 미학적 무게감을 선사하다. 구자승의 풍경화 작품인 〈한강메시지 2〉(1987)에서도 역시 그만의 작품 색깔을 감상할 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>구자승<|im_end|>

<|im_start|>한국의 극사실주의 제1세대 작가라는 타이틀을 가진 인물은?<|im_end|>

<|im_start|>서울에서 태어난 구자승(具滋勝, 1941~)은 홍익대학교 회화과를 졸업하고 동대학원에서 미술교육과정으로 석사과정을 밟았다. 한국의 극사실주의 제1세대 작가라는 타이틀을 가지고 있으며 장르의 제한 없이 인물화, 정물화, 풍경화를 넘나드는 데에서 이미 그가 탄탄한 데생 실력을 지니고 있음을 말해주고 있다. 구자승은 사실주의를 기반으로 이 시대의 미적인 감수성을 표현함으로써 사진과는 변별력을 지닌 작품을 만들어내는데, 이는 흔히 동양적인 정서 혹은 동양적인 세계관이 그의 그림 속에 스며들어 있기 때문이라고 알려져 있다. 이러한 특징은 그의 작품에서 공통적으로 보이는 넓은 배경, 즉 동양화에서 여백이라고 일컬어지는 공간을 통해 만들어진다. 단순하면서도 간결한 색상과 어떠한 붓질의 흔적도 용납하지 않는 조선의 백자와 같은 무결점의 공간은 구자승 작품의 양식적 특징이자 이야기하고자 하는 바인 것이다. 이렇게 그의 작품은 유화임에도 불구하고 동양화의 정취를 느껴볼 수 있음과 동시에 사진에서는 느낄 수 없는 미학적 무게감을 선사하다. 구자승의 풍경화 작품인 〈한강메시지 2〉(1987)에서도 역시 그만의 작품 색깔을 감상할 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>한강메시지 2<|im_end|>

<|im_start|>작가의 풍경화 작품은?<|im_end|>

<|im_start|>서울에서 태어난 구자승(具滋勝, 1941~)은 홍익대학교 회화과를 졸업하고 동대학원에서 미술교육과정으로 석사과정을 밟았다. 한국의 극사실주의 제1세대 작가라는 타이틀을 가지고 있으며 장르의 제한 없이 인물화, 정물화, 풍경화를 넘나드는 데에서 이미 그가 탄탄한 데생 실력을 지니고 있음을 말해주고 있다. 구자승은 사실주의를 기반으로 이 시대의 미적인 감수성을 표현함으로써 사진과는 변별력을 지닌 작품을 만들어내는데, 이는 흔히 동양적인 정서 혹은 동양적인 세계관이 그의 그림 속에 스며들어 있기 때문이라고 알려져 있다. 이러한 특징은 그의 작품에서 공통적으로 보이는 넓은 배경, 즉 동양화에서 여백이라고 일컬어지는 공간을 통해 만들어진다. 단순하면서도 간결한 색상과 어떠한 붓질의 흔적도 용납하지 않는 조선의 백자와 같은 무결점의 공간은 구자승 작품의 양식적 특징이자 이야기하고자 하는 바인 것이다. 이렇게 그의 작품은 유화임에도 불구하고 동양화의 정취를 느껴볼 수 있음과 동시에 사진에서는 느낄 수 없는 미학적 무게감을 선사하다. 구자승의 풍경화 작품인 〈한강메시지 2〉(1987)에서도 역시 그만의 작품 색깔을 감상할 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>서울<|im_end|>

<|im_start|>작가의 출생지는?<|im_end|>

<|im_start|>서울에서 태어난 구자승(具滋勝, 1941~)은 홍익대학교 회화과를 졸업하고 동대학원에서 미술교육과정으로 석사과정을 밟았다. 한국의 극사실주의 제1세대 작가라는 타이틀을 가지고 있으며 장르의 제한 없이 인물화, 정물화, 풍경화를 넘나드는 데에서 이미 그가 탄탄한 데생 실력을 지니고 있음을 말해주고 있다. 구자승은 사실주의를 기반으로 이 시대의 미적인 감수성을 표현함으로써 사진과는 변별력을 지닌 작품을 만들어내는데, 이는 흔히 동양적인 정서 혹은 동양적인 세계관이 그의 그림 속에 스며들어 있기 때문이라고 알려져 있다. 이러한 특징은 그의 작품에서 공통적으로 보이는 넓은 배경, 즉 동양화에서 여백이라고 일컬어지는 공간을 통해 만들어진다. 단순하면서도 간결한 색상과 어떠한 붓질의 흔적도 용납하지 않는 조선의 백자와 같은 무결점의 공간은 구자승 작품의 양식적 특징이자 이야기하고자 하는 바인 것이다. 이렇게 그의 작품은 유화임에도 불구하고 동양화의 정취를 느껴볼 수 있음과 동시에 사진에서는 느낄 수 없는 미학적 무게감을 선사하다. 구자승의 풍경화 작품인 〈한강메시지 2〉(1987)에서도 역시 그만의 작품 색깔을 감상할 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>1987<|im_end|>

<|im_start|><한강메시지 2>를 선보인 해는?<|im_end|>

<|im_start|>서울에서 태어난 구자승(具滋勝, 1941~)은 홍익대학교 회화과를 졸업하고 동대학원에서 미술교육과정으로 석사과정을 밟았다. 한국의 극사실주의 제1세대 작가라는 타이틀을 가지고 있으며 장르의 제한 없이 인물화, 정물화, 풍경화를 넘나드는 데에서 이미 그가 탄탄한 데생 실력을 지니고 있음을 말해주고 있다. 구자승은 사실주의를 기반으로 이 시대의 미적인 감수성을 표현함으로써 사진과는 변별력을 지닌 작품을 만들어내는데, 이는 흔히 동양적인 정서 혹은 동양적인 세계관이 그의 그림 속에 스며들어 있기 때문이라고 알려져 있다. 이러한 특징은 그의 작품에서 공통적으로 보이는 넓은 배경, 즉 동양화에서 여백이라고 일컬어지는 공간을 통해 만들어진다. 단순하면서도 간결한 색상과 어떠한 붓질의 흔적도 용납하지 않는 조선의 백자와 같은 무결점의 공간은 구자승 작품의 양식적 특징이자 이야기하고자 하는 바인 것이다. 이렇게 그의 작품은 유화임에도 불구하고 동양화의 정취를 느껴볼 수 있음과 동시에 사진에서는 느낄 수 없는 미학적 무게감을 선사하다. 구자승의 풍경화 작품인 〈한강메시지 2〉(1987)에서도 역시 그만의 작품 색깔을 감상할 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>넓은 배경<|im_end|>

<|im_start|>작품의 공통적인 특징은?<|im_end|>

<|im_start|>서울에서 태어난 구자승(具滋勝, 1941~)은 홍익대학교 회화과를 졸업하고 동대학원에서 미술교육과정으로 석사과정을 밟았다. 한국의 극사실주의 제1세대 작가라는 타이틀을 가지고 있으며 장르의 제한 없이 인물화, 정물화, 풍경화를 넘나드는 데에서 이미 그가 탄탄한 데생 실력을 지니고 있음을 말해주고 있다. 구자승은 사실주의를 기반으로 이 시대의 미적인 감수성을 표현함으로써 사진과는 변별력을 지닌 작품을 만들어내는데, 이는 흔히 동양적인 정서 혹은 동양적인 세계관이 그의 그림 속에 스며들어 있기 때문이라고 알려져 있다. 이러한 특징은 그의 작품에서 공통적으로 보이는 넓은 배경, 즉 동양화에서 여백이라고 일컬어지는 공간을 통해 만들어진다. 단순하면서도 간결한 색상과 어떠한 붓질의 흔적도 용납하지 않는 조선의 백자와 같은 무결점의 공간은 구자승 작품의 양식적 특징이자 이야기하고자 하는 바인 것이다. 이렇게 그의 작품은 유화임에도 불구하고 동양화의 정취를 느껴볼 수 있음과 동시에 사진에서는 느낄 수 없는 미학적 무게감을 선사하다. 구자승의 풍경화 작품인 〈한강메시지 2〉(1987)에서도 역시 그만의 작품 색깔을 감상할 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>홍익대학교<|im_end|>

<|im_start|>작가가 미술교육과정으로 석사과정을 밟은 학교는?<|im_end|>

<|im_start|>대구 출생의 최민화(崔民花, 1954~)는 홍익대학교 서양화과를 졸업하였으며, 민중미술 화가 중 한 명으로 손꼽힌다. 현재 그의 이름으로 알려져 있는 최민화는 민중의 꽃이라는 의미를 지닌 예명으로 본명은 최철환이라 한다. 그는 민주화의 물결이 일렁이던 1970~80년대의 미술계를 겪으며 자연스레 사회 고발적인 작품을 시작하게 되었다. 당시 최민화는 ‘부랑’(1976~1988) 연작을 통해 모순적인 사회 속에서 나약하고 소외된 민중들의 삶을 묘사하였으며, 이후 ‘분홍’(1989~1999) 연작을 통해 인간의 자유를 짓밟는 공권력을 향한 저항과 운동을 그렸다. 또한 2000년대에 들어서는 도시를 배회하며 방황하는 청춘들의 이야기를 담은 ‘회색’ 연작으로 또 한 번 눈길을 끌었다. 그의 초기작이 군부독재에 관련하였다면, 후기작은 그것이 자본주의로 대체되었으며, 이렇듯 그의 작품은 언제나 우리의 사회를 겨냥하고 있다. 민주화가 사회 전반으로 어느 정도 통용되고 난 이후부터는 한국 전통의 것에 대한 관심이 깃든 작품을 선보이며, 특히 삼국사기나 삼국유사와 같은 고대설화에서 그 소재를 찾고 있다. 최민화의 〈화려한 휴가〉(1997)는 1980년의 광주 민주화 운동 때 공수부대의 작전명으로 작가의 기억 속에 남아있는 당시의 상황을 담고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>대구<|im_end|>

<|im_start|>최민화의 출생지는?<|im_end|>

<|im_start|>대구 출생의 최민화(崔民花, 1954~)는 홍익대학교 서양화과를 졸업하였으며, 민중미술 화가 중 한 명으로 손꼽힌다. 현재 그의 이름으로 알려져 있는 최민화는 민중의 꽃이라는 의미를 지닌 예명으로 본명은 최철환이라 한다. 그는 민주화의 물결이 일렁이던 1970~80년대의 미술계를 겪으며 자연스레 사회 고발적인 작품을 시작하게 되었다. 당시 최민화는 ‘부랑’(1976~1988) 연작을 통해 모순적인 사회 속에서 나약하고 소외된 민중들의 삶을 묘사하였으며, 이후 ‘분홍’(1989~1999) 연작을 통해 인간의 자유를 짓밟는 공권력을 향한 저항과 운동을 그렸다. 또한 2000년대에 들어서는 도시를 배회하며 방황하는 청춘들의 이야기를 담은 ‘회색’ 연작으로 또 한 번 눈길을 끌었다. 그의 초기작이 군부독재에 관련하였다면, 후기작은 그것이 자본주의로 대체되었으며, 이렇듯 그의 작품은 언제나 우리의 사회를 겨냥하고 있다. 민주화가 사회 전반으로 어느 정도 통용되고 난 이후부터는 한국 전통의 것에 대한 관심이 깃든 작품을 선보이며, 특히 삼국사기나 삼국유사와 같은 고대설화에서 그 소재를 찾고 있다. 최민화의 〈화려한 휴가〉(1997)는 1980년의 광주 민주화 운동 때 공수부대의 작전명으로 작가의 기억 속에 남아있는 당시의 상황을 담고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>민중의 꽃<|im_end|>

<|im_start|>최민화라는 예명의 의미는?<|im_end|>

<|im_start|>대구 출생의 최민화(崔民花, 1954~)는 홍익대학교 서양화과를 졸업하였으며, 민중미술 화가 중 한 명으로 손꼽힌다. 현재 그의 이름으로 알려져 있는 최민화는 민중의 꽃이라는 의미를 지닌 예명으로 본명은 최철환이라 한다. 그는 민주화의 물결이 일렁이던 1970~80년대의 미술계를 겪으며 자연스레 사회 고발적인 작품을 시작하게 되었다. 당시 최민화는 ‘부랑’(1976~1988) 연작을 통해 모순적인 사회 속에서 나약하고 소외된 민중들의 삶을 묘사하였으며, 이후 ‘분홍’(1989~1999) 연작을 통해 인간의 자유를 짓밟는 공권력을 향한 저항과 운동을 그렸다. 또한 2000년대에 들어서는 도시를 배회하며 방황하는 청춘들의 이야기를 담은 ‘회색’ 연작으로 또 한 번 눈길을 끌었다. 그의 초기작이 군부독재에 관련하였다면, 후기작은 그것이 자본주의로 대체되었으며, 이렇듯 그의 작품은 언제나 우리의 사회를 겨냥하고 있다. 민주화가 사회 전반으로 어느 정도 통용되고 난 이후부터는 한국 전통의 것에 대한 관심이 깃든 작품을 선보이며, 특히 삼국사기나 삼국유사와 같은 고대설화에서 그 소재를 찾고 있다. 최민화의 〈화려한 휴가〉(1997)는 1980년의 광주 민주화 운동 때 공수부대의 작전명으로 작가의 기억 속에 남아있는 당시의 상황을 담고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>최철환<|im_end|>

<|im_start|>최민화의 본명은?<|im_end|>

<|im_start|>대구 출생의 최민화(崔民花, 1954~)는 홍익대학교 서양화과를 졸업하였으며, 민중미술 화가 중 한 명으로 손꼽힌다. 현재 그의 이름으로 알려져 있는 최민화는 민중의 꽃이라는 의미를 지닌 예명으로 본명은 최철환이라 한다. 그는 민주화의 물결이 일렁이던 1970~80년대의 미술계를 겪으며 자연스레 사회 고발적인 작품을 시작하게 되었다. 당시 최민화는 ‘부랑’(1976~1988) 연작을 통해 모순적인 사회 속에서 나약하고 소외된 민중들의 삶을 묘사하였으며, 이후 ‘분홍’(1989~1999) 연작을 통해 인간의 자유를 짓밟는 공권력을 향한 저항과 운동을 그렸다. 또한 2000년대에 들어서는 도시를 배회하며 방황하는 청춘들의 이야기를 담은 ‘회색’ 연작으로 또 한 번 눈길을 끌었다. 그의 초기작이 군부독재에 관련하였다면, 후기작은 그것이 자본주의로 대체되었으며, 이렇듯 그의 작품은 언제나 우리의 사회를 겨냥하고 있다. 민주화가 사회 전반으로 어느 정도 통용되고 난 이후부터는 한국 전통의 것에 대한 관심이 깃든 작품을 선보이며, 특히 삼국사기나 삼국유사와 같은 고대설화에서 그 소재를 찾고 있다. 최민화의 〈화려한 휴가〉(1997)는 1980년의 광주 민주화 운동 때 공수부대의 작전명으로 작가의 기억 속에 남아있는 당시의 상황을 담고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>부랑<|im_end|>

<|im_start|>최민화가 모순적인 사회 속에 소외된 민중의 삶을 묘사한 작품 이름은?<|im_end|>

<|im_start|>대구 출생의 최민화(崔民花, 1954~)는 홍익대학교 서양화과를 졸업하였으며, 민중미술 화가 중 한 명으로 손꼽힌다. 현재 그의 이름으로 알려져 있는 최민화는 민중의 꽃이라는 의미를 지닌 예명으로 본명은 최철환이라 한다. 그는 민주화의 물결이 일렁이던 1970~80년대의 미술계를 겪으며 자연스레 사회 고발적인 작품을 시작하게 되었다. 당시 최민화는 ‘부랑’(1976~1988) 연작을 통해 모순적인 사회 속에서 나약하고 소외된 민중들의 삶을 묘사하였으며, 이후 ‘분홍’(1989~1999) 연작을 통해 인간의 자유를 짓밟는 공권력을 향한 저항과 운동을 그렸다. 또한 2000년대에 들어서는 도시를 배회하며 방황하는 청춘들의 이야기를 담은 ‘회색’ 연작으로 또 한 번 눈길을 끌었다. 그의 초기작이 군부독재에 관련하였다면, 후기작은 그것이 자본주의로 대체되었으며, 이렇듯 그의 작품은 언제나 우리의 사회를 겨냥하고 있다. 민주화가 사회 전반으로 어느 정도 통용되고 난 이후부터는 한국 전통의 것에 대한 관심이 깃든 작품을 선보이며, 특히 삼국사기나 삼국유사와 같은 고대설화에서 그 소재를 찾고 있다. 최민화의 〈화려한 휴가〉(1997)는 1980년의 광주 민주화 운동 때 공수부대의 작전명으로 작가의 기억 속에 남아있는 당시의 상황을 담고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>1997<|im_end|>

<|im_start|><화려한 휴가>를 선보인 해는?<|im_end|>

<|im_start|>대구 출생의 최민화(崔民花, 1954~)는 홍익대학교 서양화과를 졸업하였으며, 민중미술 화가 중 한 명으로 손꼽힌다. 현재 그의 이름으로 알려져 있는 최민화는 민중의 꽃이라는 의미를 지닌 예명으로 본명은 최철환이라 한다. 그는 민주화의 물결이 일렁이던 1970~80년대의 미술계를 겪으며 자연스레 사회 고발적인 작품을 시작하게 되었다. 당시 최민화는 ‘부랑’(1976~1988) 연작을 통해 모순적인 사회 속에서 나약하고 소외된 민중들의 삶을 묘사하였으며, 이후 ‘분홍’(1989~1999) 연작을 통해 인간의 자유를 짓밟는 공권력을 향한 저항과 운동을 그렸다. 또한 2000년대에 들어서는 도시를 배회하며 방황하는 청춘들의 이야기를 담은 ‘회색’ 연작으로 또 한 번 눈길을 끌었다. 그의 초기작이 군부독재에 관련하였다면, 후기작은 그것이 자본주의로 대체되었으며, 이렇듯 그의 작품은 언제나 우리의 사회를 겨냥하고 있다. 민주화가 사회 전반으로 어느 정도 통용되고 난 이후부터는 한국 전통의 것에 대한 관심이 깃든 작품을 선보이며, 특히 삼국사기나 삼국유사와 같은 고대설화에서 그 소재를 찾고 있다. 최민화의 〈화려한 휴가〉(1997)는 1980년의 광주 민주화 운동 때 공수부대의 작전명으로 작가의 기억 속에 남아있는 당시의 상황을 담고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>회색<|im_end|>

<|im_start|>도시를 배회하며 방황하는 청춘들의 이야기를 담은 작품 이름은?<|im_end|>

<|im_start|>서울에서 태어난 강유진(姜洧眞, 1977~)은 서울대학교 서양화과를 졸업하고 영국 유학을 떠나 런던 골드스미스 대학원에서 순수미술과로 석사과정을 밟았다. 그녀의 작품은 모두 현대문명의 표상이자 본거지이라 할 수 있는 도시의 모습을 화폭에 그리고 있다. 강유진이 선택한 도시의 모습들은 고층건물, 도로, 쇼윈도, 공항 등이 있으나 정작 그곳을 만들어내고 그곳에서 삶을 영위해나가는 사람들의 모습은 말끔히 배제되어 있다. 오직 도시의 모습으로만 가득 채워진 그녀의 화면은 마치 입체파의 작품에서 볼 수 있는 다시점이 사용되고 있다. 이러한 시점은 작가의 감정이 화면에 담겨지는 것을 방지하기 위한 시도로, 강유진은 다양한 각도에서 동일한 도시 사진을 찍은 뒤 그것을 짜깁기하여 다시점의 도시 화면이 표현하였다. 또한 그녀는 화면에 추상성을 도입하기 위하여 캔버스에 일차적으로 아크릴을 칠한 다음, 공업용 도료인 에나멜을 그 위에 흘리거나 뿌리는 페인팅 기법을 구사하고 있다. 강유진의 〈베를린〉(2012)은 역시 작품의 제목에서 확인할 수 있듯 독일의 수도인 베를린을 묘사하고 있으며, 그녀의 작품 속 특징인 다양한 시점의 결합과 더불어 흩뿌리는 페인팅 기법을 동시에 느껴볼 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>서울<|im_end|>

<|im_start|>강유진의 출생지는?<|im_end|>

<|im_start|>서울에서 태어난 강유진(姜洧眞, 1977~)은 서울대학교 서양화과를 졸업하고 영국 유학을 떠나 런던 골드스미스 대학원에서 순수미술과로 석사과정을 밟았다. 그녀의 작품은 모두 현대문명의 표상이자 본거지이라 할 수 있는 도시의 모습을 화폭에 그리고 있다. 강유진이 선택한 도시의 모습들은 고층건물, 도로, 쇼윈도, 공항 등이 있으나 정작 그곳을 만들어내고 그곳에서 삶을 영위해나가는 사람들의 모습은 말끔히 배제되어 있다. 오직 도시의 모습으로만 가득 채워진 그녀의 화면은 마치 입체파의 작품에서 볼 수 있는 다시점이 사용되고 있다. 이러한 시점은 작가의 감정이 화면에 담겨지는 것을 방지하기 위한 시도로, 강유진은 다양한 각도에서 동일한 도시 사진을 찍은 뒤 그것을 짜깁기하여 다시점의 도시 화면이 표현하였다. 또한 그녀는 화면에 추상성을 도입하기 위하여 캔버스에 일차적으로 아크릴을 칠한 다음, 공업용 도료인 에나멜을 그 위에 흘리거나 뿌리는 페인팅 기법을 구사하고 있다. 강유진의 〈베를린〉(2012)은 역시 작품의 제목에서 확인할 수 있듯 독일의 수도인 베를린을 묘사하고 있으며, 그녀의 작품 속 특징인 다양한 시점의 결합과 더불어 흩뿌리는 페인팅 기법을 동시에 느껴볼 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>런던 골드스미스 대학원<|im_end|>

<|im_start|>강유진이 순수미술과로 석사과정을 보낸 대학원은?<|im_end|>

<|im_start|>서울에서 태어난 강유진(姜洧眞, 1977~)은 서울대학교 서양화과를 졸업하고 영국 유학을 떠나 런던 골드스미스 대학원에서 순수미술과로 석사과정을 밟았다. 그녀의 작품은 모두 현대문명의 표상이자 본거지이라 할 수 있는 도시의 모습을 화폭에 그리고 있다. 강유진이 선택한 도시의 모습들은 고층건물, 도로, 쇼윈도, 공항 등이 있으나 정작 그곳을 만들어내고 그곳에서 삶을 영위해나가는 사람들의 모습은 말끔히 배제되어 있다. 오직 도시의 모습으로만 가득 채워진 그녀의 화면은 마치 입체파의 작품에서 볼 수 있는 다시점이 사용되고 있다. 이러한 시점은 작가의 감정이 화면에 담겨지는 것을 방지하기 위한 시도로, 강유진은 다양한 각도에서 동일한 도시 사진을 찍은 뒤 그것을 짜깁기하여 다시점의 도시 화면이 표현하였다. 또한 그녀는 화면에 추상성을 도입하기 위하여 캔버스에 일차적으로 아크릴을 칠한 다음, 공업용 도료인 에나멜을 그 위에 흘리거나 뿌리는 페인팅 기법을 구사하고 있다. 강유진의 〈베를린〉(2012)은 역시 작품의 제목에서 확인할 수 있듯 독일의 수도인 베를린을 묘사하고 있으며, 그녀의 작품 속 특징인 다양한 시점의 결합과 더불어 흩뿌리는 페인팅 기법을 동시에 느껴볼 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>도시의 모습을 화폭에 그리고 있다<|im_end|>

<|im_start|>강유진 작품의 특징은?<|im_end|>

<|im_start|>서울에서 태어난 강유진(姜洧眞, 1977~)은 서울대학교 서양화과를 졸업하고 영국 유학을 떠나 런던 골드스미스 대학원에서 순수미술과로 석사과정을 밟았다. 그녀의 작품은 모두 현대문명의 표상이자 본거지이라 할 수 있는 도시의 모습을 화폭에 그리고 있다. 강유진이 선택한 도시의 모습들은 고층건물, 도로, 쇼윈도, 공항 등이 있으나 정작 그곳을 만들어내고 그곳에서 삶을 영위해나가는 사람들의 모습은 말끔히 배제되어 있다. 오직 도시의 모습으로만 가득 채워진 그녀의 화면은 마치 입체파의 작품에서 볼 수 있는 다시점이 사용되고 있다. 이러한 시점은 작가의 감정이 화면에 담겨지는 것을 방지하기 위한 시도로, 강유진은 다양한 각도에서 동일한 도시 사진을 찍은 뒤 그것을 짜깁기하여 다시점의 도시 화면이 표현하였다. 또한 그녀는 화면에 추상성을 도입하기 위하여 캔버스에 일차적으로 아크릴을 칠한 다음, 공업용 도료인 에나멜을 그 위에 흘리거나 뿌리는 페인팅 기법을 구사하고 있다. 강유진의 〈베를린〉(2012)은 역시 작품의 제목에서 확인할 수 있듯 독일의 수도인 베를린을 묘사하고 있으며, 그녀의 작품 속 특징인 다양한 시점의 결합과 더불어 흩뿌리는 페인팅 기법을 동시에 느껴볼 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>아크릴<|im_end|>

<|im_start|>추상성을 도입하기 위해 캔버스에 일차적으로 칠하는 것은?<|im_end|>

<|im_start|>서울에서 태어난 강유진(姜洧眞, 1977~)은 서울대학교 서양화과를 졸업하고 영국 유학을 떠나 런던 골드스미스 대학원에서 순수미술과로 석사과정을 밟았다. 그녀의 작품은 모두 현대문명의 표상이자 본거지이라 할 수 있는 도시의 모습을 화폭에 그리고 있다. 강유진이 선택한 도시의 모습들은 고층건물, 도로, 쇼윈도, 공항 등이 있으나 정작 그곳을 만들어내고 그곳에서 삶을 영위해나가는 사람들의 모습은 말끔히 배제되어 있다. 오직 도시의 모습으로만 가득 채워진 그녀의 화면은 마치 입체파의 작품에서 볼 수 있는 다시점이 사용되고 있다. 이러한 시점은 작가의 감정이 화면에 담겨지는 것을 방지하기 위한 시도로, 강유진은 다양한 각도에서 동일한 도시 사진을 찍은 뒤 그것을 짜깁기하여 다시점의 도시 화면이 표현하였다. 또한 그녀는 화면에 추상성을 도입하기 위하여 캔버스에 일차적으로 아크릴을 칠한 다음, 공업용 도료인 에나멜을 그 위에 흘리거나 뿌리는 페인팅 기법을 구사하고 있다. 강유진의 〈베를린〉(2012)은 역시 작품의 제목에서 확인할 수 있듯 독일의 수도인 베를린을 묘사하고 있으며, 그녀의 작품 속 특징인 다양한 시점의 결합과 더불어 흩뿌리는 페인팅 기법을 동시에 느껴볼 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>공업용 도료인 에나멜<|im_end|>

<|im_start|>아크릴을 칠한 후에 그 위에 흘리거나 뿌리는 것은?<|im_end|>

<|im_start|>서울에서 태어난 강유진(姜洧眞, 1977~)은 서울대학교 서양화과를 졸업하고 영국 유학을 떠나 런던 골드스미스 대학원에서 순수미술과로 석사과정을 밟았다. 그녀의 작품은 모두 현대문명의 표상이자 본거지이라 할 수 있는 도시의 모습을 화폭에 그리고 있다. 강유진이 선택한 도시의 모습들은 고층건물, 도로, 쇼윈도, 공항 등이 있으나 정작 그곳을 만들어내고 그곳에서 삶을 영위해나가는 사람들의 모습은 말끔히 배제되어 있다. 오직 도시의 모습으로만 가득 채워진 그녀의 화면은 마치 입체파의 작품에서 볼 수 있는 다시점이 사용되고 있다. 이러한 시점은 작가의 감정이 화면에 담겨지는 것을 방지하기 위한 시도로, 강유진은 다양한 각도에서 동일한 도시 사진을 찍은 뒤 그것을 짜깁기하여 다시점의 도시 화면이 표현하였다. 또한 그녀는 화면에 추상성을 도입하기 위하여 캔버스에 일차적으로 아크릴을 칠한 다음, 공업용 도료인 에나멜을 그 위에 흘리거나 뿌리는 페인팅 기법을 구사하고 있다. 강유진의 〈베를린〉(2012)은 역시 작품의 제목에서 확인할 수 있듯 독일의 수도인 베를린을 묘사하고 있으며, 그녀의 작품 속 특징인 다양한 시점의 결합과 더불어 흩뿌리는 페인팅 기법을 동시에 느껴볼 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>베를린<|im_end|>

<|im_start|>독일의 수도인 베를린을 묘사한 작품 이름은?<|im_end|>