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<|im_start|>충남 청양에서 태어난 노재순(盧載淳,1950~)은 홍익대학교에서 미술교육과를 졸업했다. 작업 초기에 그는 소리라는 감각이 더욱 직관적으로 전달될 수 있다는 생각에 시각적인 현상보다 청각적인 현상을 담아내려 했다. 이를 위해 노재순은 해변이나 강변의 풍경을 선택하여 자연의 소리에 주목했으며, 맑게 개인 날보다는 바람과 해무가 가득한 흐린 날을 선택했다. 파도가 치는 해변이나 비구름이 몰려드는 흐린 하늘을 소리로 표현하고자 했으며 고단한 일상에 지친 현대인들에게 단비와 같은 휴식처를 마련하고자 하는 마음을 화면에 담았다. 2010년 이후 노재순의 작업은 모든 면에서 많은 변화가 일어나는데, 입술을 소재로 선택하여 복잡다단한 현실을 보여주기 시작한다. 그가 선택한 입술은 성적인 욕망의 대변이 아닌 현대인에게서 찾아볼 수 있는 희망, 고독 등과 같은 모든 감정 상태를 전달하며, 불특정 개인들이 겪는 현실적인 문제와 사회적 현상에 대한 속내를 드러내는 소통의 공간의 이미지로 형상화하고자 했다. 노재순의 <소리>(2008)는 자연이라는 소재로 소리라는 청각을 시각화한 작품으로, 보는 풍경이 아닌 듣는 풍경을 그리려 했다. 비록 색감은 단조롭지만 옅은 푸른색감은 서정적이면서도 은유적인 미감을 자아낸다.<|im_end|>

<|im_start|>고단한 일상에 지친 현대인들<|im_end|>

<|im_start|>노재숙이 자신의 작품을 통해 단비와 같은 휴식처를 전해주고 싶었던 이들은?<|im_end|>

<|im_start|>충남 청양에서 태어난 노재순(盧載淳,1950~)은 홍익대학교에서 미술교육과를 졸업했다. 작업 초기에 그는 소리라는 감각이 더욱 직관적으로 전달될 수 있다는 생각에 시각적인 현상보다 청각적인 현상을 담아내려 했다. 이를 위해 노재순은 해변이나 강변의 풍경을 선택하여 자연의 소리에 주목했으며, 맑게 개인 날보다는 바람과 해무가 가득한 흐린 날을 선택했다. 파도가 치는 해변이나 비구름이 몰려드는 흐린 하늘을 소리로 표현하고자 했으며 고단한 일상에 지친 현대인들에게 단비와 같은 휴식처를 마련하고자 하는 마음을 화면에 담았다. 2010년 이후 노재순의 작업은 모든 면에서 많은 변화가 일어나는데, 입술을 소재로 선택하여 복잡다단한 현실을 보여주기 시작한다. 그가 선택한 입술은 성적인 욕망의 대변이 아닌 현대인에게서 찾아볼 수 있는 희망, 고독 등과 같은 모든 감정 상태를 전달하며, 불특정 개인들이 겪는 현실적인 문제와 사회적 현상에 대한 속내를 드러내는 소통의 공간의 이미지로 형상화하고자 했다. 노재순의 <소리>(2008)는 자연이라는 소재로 소리라는 청각을 시각화한 작품으로, 보는 풍경이 아닌 듣는 풍경을 그리려 했다. 비록 색감은 단조롭지만 옅은 푸른색감은 서정적이면서도 은유적인 미감을 자아낸다.<|im_end|>

<|im_start|>입술<|im_end|>

<|im_start|>2010년 이후 노재순이 선택한 소재는?<|im_end|>

<|im_start|>김재학(金在鶴, 1952~)은 한국교원대학교에서 서양화를 졸업했다. 그는 인물, 풍경, 정물 등의 장르를 넘나들며 작업을 선보이지만, 화병에 담긴 꽃을 그린 정물화가 가장 주된 작업이다. 예리한 관찰력과 세밀한 묘사력을 지닌 김재학은 꽃과 화병을 사실적으로 표현하지만 배경처리에 있어서는 추상적이고도 단순하게 처리함으로써 대상을 더욱 돋보이게 한다. 색과 형태에 있어 다양한 꽃들을 캔버스에 담아내며 감각적인 붓 터치로 꽃에 싱그러움을 부여할 뿐 아니라, 청화백자나 분청사기 그리고 유리병이나 은기까지 꽃이 담기는 화병에 있어서도 변화를 계속 주어 꽃과 화병의 조화를 만들어간다. 화면이 복잡하게 구성되거나 강렬한 색감이 사용되지는 않지만, 명료한 형태 묘사와 자연광이 소재의 표면에 부딪혀 반사되는 극적인 명암대비 덕분에 김재학의 작품은 담백하면서도 경쾌한 분위기를 지니다. 기계적인 정밀묘사나 감정적인 표현방식 어디에도 치우치지 않는 그는 절제와 중립의 미의 작가로 정평 나 있다. 김재학의 <징>(2009)은 꽃을 다루는 정물화는 아니지만, 화병의 표현 처리에서 느낄 수 있는 질감과 같이 자연광이 징에 부딪혀 자연스럽게 연출되는 표면의 아름다움을 보여준다. 소소하지만 치밀하게 계획된 화면 구성이 돋보이는 정물 작품이다.<|im_end|>

<|im_start|>담백하면서도 경쾌한 분위기<|im_end|>

<|im_start|>김재학의 작품이 지니는 분위기는?<|im_end|>

<|im_start|>김재학(金在鶴, 1952~)은 한국교원대학교에서 서양화를 졸업했다. 그는 인물, 풍경, 정물 등의 장르를 넘나들며 작업을 선보이지만, 화병에 담긴 꽃을 그린 정물화가 가장 주된 작업이다. 예리한 관찰력과 세밀한 묘사력을 지닌 김재학은 꽃과 화병을 사실적으로 표현하지만 배경처리에 있어서는 추상적이고도 단순하게 처리함으로써 대상을 더욱 돋보이게 한다. 색과 형태에 있어 다양한 꽃들을 캔버스에 담아내며 감각적인 붓 터치로 꽃에 싱그러움을 부여할 뿐 아니라, 청화백자나 분청사기 그리고 유리병이나 은기까지 꽃이 담기는 화병에 있어서도 변화를 계속 주어 꽃과 화병의 조화를 만들어간다. 화면이 복잡하게 구성되거나 강렬한 색감이 사용되지는 않지만, 명료한 형태 묘사와 자연광이 소재의 표면에 부딪혀 반사되는 극적인 명암대비 덕분에 김재학의 작품은 담백하면서도 경쾌한 분위기를 지니다. 기계적인 정밀묘사나 감정적인 표현방식 어디에도 치우치지 않는 그는 절제와 중립의 미의 작가로 정평 나 있다. 김재학의 <징>(2009)은 꽃을 다루는 정물화는 아니지만, 화병의 표현 처리에서 느낄 수 있는 질감과 같이 자연광이 징에 부딪혀 자연스럽게 연출되는 표면의 아름다움을 보여준다. 소소하지만 치밀하게 계획된 화면 구성이 돋보이는 정물 작품이다.<|im_end|>

<|im_start|>2009<|im_end|>

<|im_start|><징>의 제작 연도는?<|im_end|>

<|im_start|>김재학(金在鶴, 1952~)은 한국교원대학교에서 서양화를 졸업했다. 그는 인물, 풍경, 정물 등의 장르를 넘나들며 작업을 선보이지만, 화병에 담긴 꽃을 그린 정물화가 가장 주된 작업이다. 예리한 관찰력과 세밀한 묘사력을 지닌 김재학은 꽃과 화병을 사실적으로 표현하지만 배경처리에 있어서는 추상적이고도 단순하게 처리함으로써 대상을 더욱 돋보이게 한다. 색과 형태에 있어 다양한 꽃들을 캔버스에 담아내며 감각적인 붓 터치로 꽃에 싱그러움을 부여할 뿐 아니라, 청화백자나 분청사기 그리고 유리병이나 은기까지 꽃이 담기는 화병에 있어서도 변화를 계속 주어 꽃과 화병의 조화를 만들어간다. 화면이 복잡하게 구성되거나 강렬한 색감이 사용되지는 않지만, 명료한 형태 묘사와 자연광이 소재의 표면에 부딪혀 반사되는 극적인 명암대비 덕분에 김재학의 작품은 담백하면서도 경쾌한 분위기를 지니다. 기계적인 정밀묘사나 감정적인 표현방식 어디에도 치우치지 않는 그는 절제와 중립의 미의 작가로 정평 나 있다. 김재학의 <징>(2009)은 꽃을 다루는 정물화는 아니지만, 화병의 표현 처리에서 느낄 수 있는 질감과 같이 자연광이 징에 부딪혀 자연스럽게 연출되는 표면의 아름다움을 보여준다. 소소하지만 치밀하게 계획된 화면 구성이 돋보이는 정물 작품이다.<|im_end|>

<|im_start|>한국교원대학교<|im_end|>

<|im_start|>김재학이 졸업한 대학교는?<|im_end|>

<|im_start|>김재학(金在鶴, 1952~)은 한국교원대학교에서 서양화를 졸업했다. 그는 인물, 풍경, 정물 등의 장르를 넘나들며 작업을 선보이지만, 화병에 담긴 꽃을 그린 정물화가 가장 주된 작업이다. 예리한 관찰력과 세밀한 묘사력을 지닌 김재학은 꽃과 화병을 사실적으로 표현하지만 배경처리에 있어서는 추상적이고도 단순하게 처리함으로써 대상을 더욱 돋보이게 한다. 색과 형태에 있어 다양한 꽃들을 캔버스에 담아내며 감각적인 붓 터치로 꽃에 싱그러움을 부여할 뿐 아니라, 청화백자나 분청사기 그리고 유리병이나 은기까지 꽃이 담기는 화병에 있어서도 변화를 계속 주어 꽃과 화병의 조화를 만들어간다. 화면이 복잡하게 구성되거나 강렬한 색감이 사용되지는 않지만, 명료한 형태 묘사와 자연광이 소재의 표면에 부딪혀 반사되는 극적인 명암대비 덕분에 김재학의 작품은 담백하면서도 경쾌한 분위기를 지니다. 기계적인 정밀묘사나 감정적인 표현방식 어디에도 치우치지 않는 그는 절제와 중립의 미의 작가로 정평 나 있다. 김재학의 <징>(2009)은 꽃을 다루는 정물화는 아니지만, 화병의 표현 처리에서 느낄 수 있는 질감과 같이 자연광이 징에 부딪혀 자연스럽게 연출되는 표면의 아름다움을 보여준다. 소소하지만 치밀하게 계획된 화면 구성이 돋보이는 정물 작품이다.<|im_end|>

<|im_start|>김재학<|im_end|>

<|im_start|>인물, 풍경, 정물 등의 장르를 넘나들며 작업을 선보이는 작가는?<|im_end|>

<|im_start|>김재학(金在鶴, 1952~)은 한국교원대학교에서 서양화를 졸업했다. 그는 인물, 풍경, 정물 등의 장르를 넘나들며 작업을 선보이지만, 화병에 담긴 꽃을 그린 정물화가 가장 주된 작업이다. 예리한 관찰력과 세밀한 묘사력을 지닌 김재학은 꽃과 화병을 사실적으로 표현하지만 배경처리에 있어서는 추상적이고도 단순하게 처리함으로써 대상을 더욱 돋보이게 한다. 색과 형태에 있어 다양한 꽃들을 캔버스에 담아내며 감각적인 붓 터치로 꽃에 싱그러움을 부여할 뿐 아니라, 청화백자나 분청사기 그리고 유리병이나 은기까지 꽃이 담기는 화병에 있어서도 변화를 계속 주어 꽃과 화병의 조화를 만들어간다. 화면이 복잡하게 구성되거나 강렬한 색감이 사용되지는 않지만, 명료한 형태 묘사와 자연광이 소재의 표면에 부딪혀 반사되는 극적인 명암대비 덕분에 김재학의 작품은 담백하면서도 경쾌한 분위기를 지니다. 기계적인 정밀묘사나 감정적인 표현방식 어디에도 치우치지 않는 그는 절제와 중립의 미의 작가로 정평 나 있다. 김재학의 <징>(2009)은 꽃을 다루는 정물화는 아니지만, 화병의 표현 처리에서 느낄 수 있는 질감과 같이 자연광이 징에 부딪혀 자연스럽게 연출되는 표면의 아름다움을 보여준다. 소소하지만 치밀하게 계획된 화면 구성이 돋보이는 정물 작품이다.<|im_end|>

<|im_start|>감각적인 붓 터치<|im_end|>

<|im_start|>김재학이 다양한 꽃들을 캔버스에 담아내며 꽃에 싱그러움을 부여하는 방법은?<|im_end|>

<|im_start|>김재학(金在鶴, 1952~)은 한국교원대학교에서 서양화를 졸업했다. 그는 인물, 풍경, 정물 등의 장르를 넘나들며 작업을 선보이지만, 화병에 담긴 꽃을 그린 정물화가 가장 주된 작업이다. 예리한 관찰력과 세밀한 묘사력을 지닌 김재학은 꽃과 화병을 사실적으로 표현하지만 배경처리에 있어서는 추상적이고도 단순하게 처리함으로써 대상을 더욱 돋보이게 한다. 색과 형태에 있어 다양한 꽃들을 캔버스에 담아내며 감각적인 붓 터치로 꽃에 싱그러움을 부여할 뿐 아니라, 청화백자나 분청사기 그리고 유리병이나 은기까지 꽃이 담기는 화병에 있어서도 변화를 계속 주어 꽃과 화병의 조화를 만들어간다. 화면이 복잡하게 구성되거나 강렬한 색감이 사용되지는 않지만, 명료한 형태 묘사와 자연광이 소재의 표면에 부딪혀 반사되는 극적인 명암대비 덕분에 김재학의 작품은 담백하면서도 경쾌한 분위기를 지니다. 기계적인 정밀묘사나 감정적인 표현방식 어디에도 치우치지 않는 그는 절제와 중립의 미의 작가로 정평 나 있다. 김재학의 <징>(2009)은 꽃을 다루는 정물화는 아니지만, 화병의 표현 처리에서 느낄 수 있는 질감과 같이 자연광이 징에 부딪혀 자연스럽게 연출되는 표면의 아름다움을 보여준다. 소소하지만 치밀하게 계획된 화면 구성이 돋보이는 정물 작품이다.<|im_end|>

<|im_start|>추상적이고도 단순하게 처리함<|im_end|>

<|im_start|>대상을 더욱 돋보이게 하기 위해 김재학이 배경처리를 하는 방법은?<|im_end|>

<|im_start|>강원도 철원 출생인 황영성(1941~)은 조선대학교와 동 대학원에서 회화를 졸업했으며, 조선대학교 명예교수이다. 그는 1950년 6·25전쟁 때 전남 광주에 정착하게 되었고, 어린 시절 흰 소를 들판으로 데리고 나가 먹이를 주고 등에 타보기도 하면서 소와 친구처럼 그리고 가족처럼 지냈다. 그래서 그의 작품에는 어김없이 소가 등장하며 소를 가족 구성원처럼 인격화하여 표현한 것을 확인할 수 있다. 황영성의 작품은 크게 세 시기로 나눌 수 있는데, 회색시대로 불리는 1970년대의 작품들은 무채색이 즐비하며 구상적인 형태로 초가집을 주 소재로 삼고 있다. 녹색시대로 불리는 1980년대의 작품들은 녹색 계열의 초가집이 여러 채 모여 한 마을을 형성하고 있으며 가족 이야기가 구체화된 경향을 띈다. 마지막으로 1990년대의 작품들은 색상이 다채로워지고 형태적인 면에 있어서는 추상화되고 기호화되어 그만의 특유 화법을 담고 있다. 이러한 변화는 한국적인 정서가 보편적인 이야기로 발돋움되기를 바라는 황영성의 의지가 반영된 것이기도 하다. 황영성의 <소와 달과 가족의 마을>(1988)은 그가 오랫동안 천착해온 '소의 침묵' 연작과 '가족 이야기' 연작이 한데 어우러져 서민적이고도 향토적인 정서와 가족애를 유감없이 드러내는 작품이라 할 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>황영성<|im_end|>

<|im_start|>조선대학교의 명예교수는?<|im_end|>

<|im_start|>강원도 철원 출생인 황영성(1941~)은 조선대학교와 동 대학원에서 회화를 졸업했으며, 조선대학교 명예교수이다. 그는 1950년 6·25전쟁 때 전남 광주에 정착하게 되었고, 어린 시절 흰 소를 들판으로 데리고 나가 먹이를 주고 등에 타보기도 하면서 소와 친구처럼 그리고 가족처럼 지냈다. 그래서 그의 작품에는 어김없이 소가 등장하며 소를 가족 구성원처럼 인격화하여 표현한 것을 확인할 수 있다. 황영성의 작품은 크게 세 시기로 나눌 수 있는데, 회색시대로 불리는 1970년대의 작품들은 무채색이 즐비하며 구상적인 형태로 초가집을 주 소재로 삼고 있다. 녹색시대로 불리는 1980년대의 작품들은 녹색 계열의 초가집이 여러 채 모여 한 마을을 형성하고 있으며 가족 이야기가 구체화된 경향을 띈다. 마지막으로 1990년대의 작품들은 색상이 다채로워지고 형태적인 면에 있어서는 추상화되고 기호화되어 그만의 특유 화법을 담고 있다. 이러한 변화는 한국적인 정서가 보편적인 이야기로 발돋움되기를 바라는 황영성의 의지가 반영된 것이기도 하다. 황영성의 <소와 달과 가족의 마을>(1988)은 그가 오랫동안 천착해온 '소의 침묵' 연작과 '가족 이야기' 연작이 한데 어우러져 서민적이고도 향토적인 정서와 가족애를 유감없이 드러내는 작품이라 할 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>강원도 철원<|im_end|>

<|im_start|>주인공의 출생지는?<|im_end|>

<|im_start|>강원도 철원 출생인 황영성(1941~)은 조선대학교와 동 대학원에서 회화를 졸업했으며, 조선대학교 명예교수이다. 그는 1950년 6·25전쟁 때 전남 광주에 정착하게 되었고, 어린 시절 흰 소를 들판으로 데리고 나가 먹이를 주고 등에 타보기도 하면서 소와 친구처럼 그리고 가족처럼 지냈다. 그래서 그의 작품에는 어김없이 소가 등장하며 소를 가족 구성원처럼 인격화하여 표현한 것을 확인할 수 있다. 황영성의 작품은 크게 세 시기로 나눌 수 있는데, 회색시대로 불리는 1970년대의 작품들은 무채색이 즐비하며 구상적인 형태로 초가집을 주 소재로 삼고 있다. 녹색시대로 불리는 1980년대의 작품들은 녹색 계열의 초가집이 여러 채 모여 한 마을을 형성하고 있으며 가족 이야기가 구체화된 경향을 띈다. 마지막으로 1990년대의 작품들은 색상이 다채로워지고 형태적인 면에 있어서는 추상화되고 기호화되어 그만의 특유 화법을 담고 있다. 이러한 변화는 한국적인 정서가 보편적인 이야기로 발돋움되기를 바라는 황영성의 의지가 반영된 것이기도 하다. 황영성의 <소와 달과 가족의 마을>(1988)은 그가 오랫동안 천착해온 '소의 침묵' 연작과 '가족 이야기' 연작이 한데 어우러져 서민적이고도 향토적인 정서와 가족애를 유감없이 드러내는 작품이라 할 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>1950년<|im_end|>

<|im_start|>주인공이 전남 광주에 정착한 연도는?<|im_end|>

<|im_start|>강원도 철원 출생인 황영성(1941~)은 조선대학교와 동 대학원에서 회화를 졸업했으며, 조선대학교 명예교수이다. 그는 1950년 6·25전쟁 때 전남 광주에 정착하게 되었고, 어린 시절 흰 소를 들판으로 데리고 나가 먹이를 주고 등에 타보기도 하면서 소와 친구처럼 그리고 가족처럼 지냈다. 그래서 그의 작품에는 어김없이 소가 등장하며 소를 가족 구성원처럼 인격화하여 표현한 것을 확인할 수 있다. 황영성의 작품은 크게 세 시기로 나눌 수 있는데, 회색시대로 불리는 1970년대의 작품들은 무채색이 즐비하며 구상적인 형태로 초가집을 주 소재로 삼고 있다. 녹색시대로 불리는 1980년대의 작품들은 녹색 계열의 초가집이 여러 채 모여 한 마을을 형성하고 있으며 가족 이야기가 구체화된 경향을 띈다. 마지막으로 1990년대의 작품들은 색상이 다채로워지고 형태적인 면에 있어서는 추상화되고 기호화되어 그만의 특유 화법을 담고 있다. 이러한 변화는 한국적인 정서가 보편적인 이야기로 발돋움되기를 바라는 황영성의 의지가 반영된 것이기도 하다. 황영성의 <소와 달과 가족의 마을>(1988)은 그가 오랫동안 천착해온 '소의 침묵' 연작과 '가족 이야기' 연작이 한데 어우러져 서민적이고도 향토적인 정서와 가족애를 유감없이 드러내는 작품이라 할 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>회색시대<|im_end|>

<|im_start|>1970년대를 부르는 다른 말은?<|im_end|>

<|im_start|>강원도 철원 출생인 황영성(1941~)은 조선대학교와 동 대학원에서 회화를 졸업했으며, 조선대학교 명예교수이다. 그는 1950년 6·25전쟁 때 전남 광주에 정착하게 되었고, 어린 시절 흰 소를 들판으로 데리고 나가 먹이를 주고 등에 타보기도 하면서 소와 친구처럼 그리고 가족처럼 지냈다. 그래서 그의 작품에는 어김없이 소가 등장하며 소를 가족 구성원처럼 인격화하여 표현한 것을 확인할 수 있다. 황영성의 작품은 크게 세 시기로 나눌 수 있는데, 회색시대로 불리는 1970년대의 작품들은 무채색이 즐비하며 구상적인 형태로 초가집을 주 소재로 삼고 있다. 녹색시대로 불리는 1980년대의 작품들은 녹색 계열의 초가집이 여러 채 모여 한 마을을 형성하고 있으며 가족 이야기가 구체화된 경향을 띈다. 마지막으로 1990년대의 작품들은 색상이 다채로워지고 형태적인 면에 있어서는 추상화되고 기호화되어 그만의 특유 화법을 담고 있다. 이러한 변화는 한국적인 정서가 보편적인 이야기로 발돋움되기를 바라는 황영성의 의지가 반영된 것이기도 하다. 황영성의 <소와 달과 가족의 마을>(1988)은 그가 오랫동안 천착해온 '소의 침묵' 연작과 '가족 이야기' 연작이 한데 어우러져 서민적이고도 향토적인 정서와 가족애를 유감없이 드러내는 작품이라 할 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>1980년대<|im_end|>

<|im_start|>녹색시대라 불리는 시기는?<|im_end|>

<|im_start|>강원도 철원 출생인 황영성(1941~)은 조선대학교와 동 대학원에서 회화를 졸업했으며, 조선대학교 명예교수이다. 그는 1950년 6·25전쟁 때 전남 광주에 정착하게 되었고, 어린 시절 흰 소를 들판으로 데리고 나가 먹이를 주고 등에 타보기도 하면서 소와 친구처럼 그리고 가족처럼 지냈다. 그래서 그의 작품에는 어김없이 소가 등장하며 소를 가족 구성원처럼 인격화하여 표현한 것을 확인할 수 있다. 황영성의 작품은 크게 세 시기로 나눌 수 있는데, 회색시대로 불리는 1970년대의 작품들은 무채색이 즐비하며 구상적인 형태로 초가집을 주 소재로 삼고 있다. 녹색시대로 불리는 1980년대의 작품들은 녹색 계열의 초가집이 여러 채 모여 한 마을을 형성하고 있으며 가족 이야기가 구체화된 경향을 띈다. 마지막으로 1990년대의 작품들은 색상이 다채로워지고 형태적인 면에 있어서는 추상화되고 기호화되어 그만의 특유 화법을 담고 있다. 이러한 변화는 한국적인 정서가 보편적인 이야기로 발돋움되기를 바라는 황영성의 의지가 반영된 것이기도 하다. 황영성의 <소와 달과 가족의 마을>(1988)은 그가 오랫동안 천착해온 '소의 침묵' 연작과 '가족 이야기' 연작이 한데 어우러져 서민적이고도 향토적인 정서와 가족애를 유감없이 드러내는 작품이라 할 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>소와 달과 가족의 마을<|im_end|>

<|im_start|>황영성이 1988년에 만든 작품은?<|im_end|>

<|im_start|>경북 영주 출생인 김호걸(金虎杰, 1934~)은 서울대학교에서 회화를 전공했다. 누드화가로 널리 알려져 있는 그는 보수적인 전통 유교문화 속에서 편견과 불화를 겪으면서도 사실적인 누드화를 그리겠다는 집념을 꾸준히 이어왔다. 주로 여성의 몸을 소재로 삼은 그는 단순히 여성 몸매의 아름다운 곡선을 탐미하는 차원에서 벗어나, 철저한 데생력을 통한 탄탄한 근육을 갖춘 생동감 있는 누드화를 선보인다. 즉 연약하고 부드러운 피부 위주보다는 잘 단련된 신체의 근육을 보여주고 있는데, 이는 누드화에서 건강한 생명력이 가장 중요하다는 김호걸의 생각이 드러남을 알 수 있다. 또한 고전적인 스타일로 그려진 그의 누드화 속에는 동양인이 등장하지만 동양인에게서는 흔치 않은 8등신 비례를 지닌 여인이 재현되며, 마치 고려청자의 비색을 연상시키는 맑은 투명화법으로 누드를 연출한다. 누드화 외에도 시골 마을이 담긴 자연 풍광을 즐겨 그렸으며, 작품의 보전에도 관심이 많아 안료와 채색 기법을 다양하게 실험했다. 김호걸의 <여인체 습작>(1987)은 이미 그의 화풍이 무르익을 대로 무르익어, 흠잡을 데 없는 데생력으로 여인의 신체를 아름답게 시각적으로 잘 드러낸 작품이라 평가받고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>건강한 생명력<|im_end|>

<|im_start|>김호걸이 누드화에서 가장 중요하다고 생각하는 것은?<|im_end|>

<|im_start|>경북 영주 출생인 김호걸(金虎杰, 1934~)은 서울대학교에서 회화를 전공했다. 누드화가로 널리 알려져 있는 그는 보수적인 전통 유교문화 속에서 편견과 불화를 겪으면서도 사실적인 누드화를 그리겠다는 집념을 꾸준히 이어왔다. 주로 여성의 몸을 소재로 삼은 그는 단순히 여성 몸매의 아름다운 곡선을 탐미하는 차원에서 벗어나, 철저한 데생력을 통한 탄탄한 근육을 갖춘 생동감 있는 누드화를 선보인다. 즉 연약하고 부드러운 피부 위주보다는 잘 단련된 신체의 근육을 보여주고 있는데, 이는 누드화에서 건강한 생명력이 가장 중요하다는 김호걸의 생각이 드러남을 알 수 있다. 또한 고전적인 스타일로 그려진 그의 누드화 속에는 동양인이 등장하지만 동양인에게서는 흔치 않은 8등신 비례를 지닌 여인이 재현되며, 마치 고려청자의 비색을 연상시키는 맑은 투명화법으로 누드를 연출한다. 누드화 외에도 시골 마을이 담긴 자연 풍광을 즐겨 그렸으며, 작품의 보전에도 관심이 많아 안료와 채색 기법을 다양하게 실험했다. 김호걸의 <여인체 습작>(1987)은 이미 그의 화풍이 무르익을 대로 무르익어, 흠잡을 데 없는 데생력으로 여인의 신체를 아름답게 시각적으로 잘 드러낸 작품이라 평가받고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>동양인<|im_end|>

<|im_start|>고전적인 스타일로 그려진 김호걸의 누드화에 등장하는 인물은?<|im_end|>

<|im_start|>경북 영주 출생인 김호걸(金虎杰, 1934~)은 서울대학교에서 회화를 전공했다. 누드화가로 널리 알려져 있는 그는 보수적인 전통 유교문화 속에서 편견과 불화를 겪으면서도 사실적인 누드화를 그리겠다는 집념을 꾸준히 이어왔다. 주로 여성의 몸을 소재로 삼은 그는 단순히 여성 몸매의 아름다운 곡선을 탐미하는 차원에서 벗어나, 철저한 데생력을 통한 탄탄한 근육을 갖춘 생동감 있는 누드화를 선보인다. 즉 연약하고 부드러운 피부 위주보다는 잘 단련된 신체의 근육을 보여주고 있는데, 이는 누드화에서 건강한 생명력이 가장 중요하다는 김호걸의 생각이 드러남을 알 수 있다. 또한 고전적인 스타일로 그려진 그의 누드화 속에는 동양인이 등장하지만 동양인에게서는 흔치 않은 8등신 비례를 지닌 여인이 재현되며, 마치 고려청자의 비색을 연상시키는 맑은 투명화법으로 누드를 연출한다. 누드화 외에도 시골 마을이 담긴 자연 풍광을 즐겨 그렸으며, 작품의 보전에도 관심이 많아 안료와 채색 기법을 다양하게 실험했다. 김호걸의 <여인체 습작>(1987)은 이미 그의 화풍이 무르익을 대로 무르익어, 흠잡을 데 없는 데생력으로 여인의 신체를 아름답게 시각적으로 잘 드러낸 작품이라 평가받고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>시골 마을이 담긴 자연 풍광<|im_end|>

<|im_start|>김호걸이 누드화 외에도 즐겨 그렸던 것은?<|im_end|>

<|im_start|>경북 영주 출생인 김호걸(金虎杰, 1934~)은 서울대학교에서 회화를 전공했다. 누드화가로 널리 알려져 있는 그는 보수적인 전통 유교문화 속에서 편견과 불화를 겪으면서도 사실적인 누드화를 그리겠다는 집념을 꾸준히 이어왔다. 주로 여성의 몸을 소재로 삼은 그는 단순히 여성 몸매의 아름다운 곡선을 탐미하는 차원에서 벗어나, 철저한 데생력을 통한 탄탄한 근육을 갖춘 생동감 있는 누드화를 선보인다. 즉 연약하고 부드러운 피부 위주보다는 잘 단련된 신체의 근육을 보여주고 있는데, 이는 누드화에서 건강한 생명력이 가장 중요하다는 김호걸의 생각이 드러남을 알 수 있다. 또한 고전적인 스타일로 그려진 그의 누드화 속에는 동양인이 등장하지만 동양인에게서는 흔치 않은 8등신 비례를 지닌 여인이 재현되며, 마치 고려청자의 비색을 연상시키는 맑은 투명화법으로 누드를 연출한다. 누드화 외에도 시골 마을이 담긴 자연 풍광을 즐겨 그렸으며, 작품의 보전에도 관심이 많아 안료와 채색 기법을 다양하게 실험했다. 김호걸의 <여인체 습작>(1987)은 이미 그의 화풍이 무르익을 대로 무르익어, 흠잡을 데 없는 데생력으로 여인의 신체를 아름답게 시각적으로 잘 드러낸 작품이라 평가받고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>경북 영주<|im_end|>

<|im_start|>김호걸의 출생지는?<|im_end|>

<|im_start|>경북 영주 출생인 김호걸(金虎杰, 1934~)은 서울대학교에서 회화를 전공했다. 누드화가로 널리 알려져 있는 그는 보수적인 전통 유교문화 속에서 편견과 불화를 겪으면서도 사실적인 누드화를 그리겠다는 집념을 꾸준히 이어왔다. 주로 여성의 몸을 소재로 삼은 그는 단순히 여성 몸매의 아름다운 곡선을 탐미하는 차원에서 벗어나, 철저한 데생력을 통한 탄탄한 근육을 갖춘 생동감 있는 누드화를 선보인다. 즉 연약하고 부드러운 피부 위주보다는 잘 단련된 신체의 근육을 보여주고 있는데, 이는 누드화에서 건강한 생명력이 가장 중요하다는 김호걸의 생각이 드러남을 알 수 있다. 또한 고전적인 스타일로 그려진 그의 누드화 속에는 동양인이 등장하지만 동양인에게서는 흔치 않은 8등신 비례를 지닌 여인이 재현되며, 마치 고려청자의 비색을 연상시키는 맑은 투명화법으로 누드를 연출한다. 누드화 외에도 시골 마을이 담긴 자연 풍광을 즐겨 그렸으며, 작품의 보전에도 관심이 많아 안료와 채색 기법을 다양하게 실험했다. 김호걸의 <여인체 습작>(1987)은 이미 그의 화풍이 무르익을 대로 무르익어, 흠잡을 데 없는 데생력으로 여인의 신체를 아름답게 시각적으로 잘 드러낸 작품이라 평가받고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>김호걸<|im_end|>

<|im_start|>누드화가로 널리 알려져 있는 인물은?<|im_end|>

<|im_start|>경북 영주 출생인 김호걸(金虎杰, 1934~)은 서울대학교에서 회화를 전공했다. 누드화가로 널리 알려져 있는 그는 보수적인 전통 유교문화 속에서 편견과 불화를 겪으면서도 사실적인 누드화를 그리겠다는 집념을 꾸준히 이어왔다. 주로 여성의 몸을 소재로 삼은 그는 단순히 여성 몸매의 아름다운 곡선을 탐미하는 차원에서 벗어나, 철저한 데생력을 통한 탄탄한 근육을 갖춘 생동감 있는 누드화를 선보인다. 즉 연약하고 부드러운 피부 위주보다는 잘 단련된 신체의 근육을 보여주고 있는데, 이는 누드화에서 건강한 생명력이 가장 중요하다는 김호걸의 생각이 드러남을 알 수 있다. 또한 고전적인 스타일로 그려진 그의 누드화 속에는 동양인이 등장하지만 동양인에게서는 흔치 않은 8등신 비례를 지닌 여인이 재현되며, 마치 고려청자의 비색을 연상시키는 맑은 투명화법으로 누드를 연출한다. 누드화 외에도 시골 마을이 담긴 자연 풍광을 즐겨 그렸으며, 작품의 보전에도 관심이 많아 안료와 채색 기법을 다양하게 실험했다. 김호걸의 <여인체 습작>(1987)은 이미 그의 화풍이 무르익을 대로 무르익어, 흠잡을 데 없는 데생력으로 여인의 신체를 아름답게 시각적으로 잘 드러낸 작품이라 평가받고 있다.<|im_end|>

<|im_start|>1987<|im_end|>

<|im_start|>김호걸이 <여인체 습작>을 제작한 해는?<|im_end|>

<|im_start|>충청북도 회인 출생인 김홍주(1945~)는 홍익대학교와 동 대학원에서 서양화를 졸업했다. 그가 본격적으로 작업을 시작하게 된 시기는 1970년대로, 당시 대표적인 전위 그룹이었던 S.T. 일원으로 활동하면서 개념적이고 사변적인 개념미술가로 활동하였다. 그러나 1970년대 중반에 들어서면서 기존의 작업에 흥미를 잃게 되었고, 극사실적인 표현방법으로 화장경대나 창문, 거울 등의 오브제에 자화상을 비롯한 인물이나 풍경 등을 재현해나가기 시작했다. 1980년대 중반에는 작업할 수 있는 공간이 넓어져 이때부터 작품의 크기가 커지게 되며, 1980년대 후반부터는 논이나 밭, 도시, 산, 지도, 문자, 꽃 등을 소재로 삼는 작업을 하며 현재까지 이어오고 있다. 40년간 작업을 지속해오는 김홍주는 소재 면에서 다양한 변주를 보여주고 있지만, 실상 그가 천착해온 문제에는 변화가 없다. 결국 김홍주는 회화란 무엇인가에 대한 고민의 여정을 작업을 통해 여실히 보여주고 있으며, 회화의 근원적인 요소라 할 수 있는 그리는 행위로서 이 물음에 대한 답을 취하고 있는 것이다. 김홍주의 <무제>(1982)는 극사실주의로 표현방식을 바꾸고 얼마 되지 않은 초기작으로, 액자의 형식을 차용한 자화상을 통해 이미지와 오브제의 관계를 개념적으로 고찰한다.<|im_end|>

<|im_start|>S.T.<|im_end|>

<|im_start|>1970년대의 대표적인 전위 그룹은?<|im_end|>

<|im_start|>충청북도 회인 출생인 김홍주(1945~)는 홍익대학교와 동 대학원에서 서양화를 졸업했다. 그가 본격적으로 작업을 시작하게 된 시기는 1970년대로, 당시 대표적인 전위 그룹이었던 S.T. 일원으로 활동하면서 개념적이고 사변적인 개념미술가로 활동하였다. 그러나 1970년대 중반에 들어서면서 기존의 작업에 흥미를 잃게 되었고, 극사실적인 표현방법으로 화장경대나 창문, 거울 등의 오브제에 자화상을 비롯한 인물이나 풍경 등을 재현해나가기 시작했다. 1980년대 중반에는 작업할 수 있는 공간이 넓어져 이때부터 작품의 크기가 커지게 되며, 1980년대 후반부터는 논이나 밭, 도시, 산, 지도, 문자, 꽃 등을 소재로 삼는 작업을 하며 현재까지 이어오고 있다. 40년간 작업을 지속해오는 김홍주는 소재 면에서 다양한 변주를 보여주고 있지만, 실상 그가 천착해온 문제에는 변화가 없다. 결국 김홍주는 회화란 무엇인가에 대한 고민의 여정을 작업을 통해 여실히 보여주고 있으며, 회화의 근원적인 요소라 할 수 있는 그리는 행위로서 이 물음에 대한 답을 취하고 있는 것이다. 김홍주의 <무제>(1982)는 극사실주의로 표현방식을 바꾸고 얼마 되지 않은 초기작으로, 액자의 형식을 차용한 자화상을 통해 이미지와 오브제의 관계를 개념적으로 고찰한다.<|im_end|>

<|im_start|>무제<|im_end|>

<|im_start|>극사실주의로 표현방식을 바꾸고 얼마 되지 않은 김홍주의 초기작은?<|im_end|>

<|im_start|>충청북도 회인 출생인 김홍주(1945~)는 홍익대학교와 동 대학원에서 서양화를 졸업했다. 그가 본격적으로 작업을 시작하게 된 시기는 1970년대로, 당시 대표적인 전위 그룹이었던 S.T. 일원으로 활동하면서 개념적이고 사변적인 개념미술가로 활동하였다. 그러나 1970년대 중반에 들어서면서 기존의 작업에 흥미를 잃게 되었고, 극사실적인 표현방법으로 화장경대나 창문, 거울 등의 오브제에 자화상을 비롯한 인물이나 풍경 등을 재현해나가기 시작했다. 1980년대 중반에는 작업할 수 있는 공간이 넓어져 이때부터 작품의 크기가 커지게 되며, 1980년대 후반부터는 논이나 밭, 도시, 산, 지도, 문자, 꽃 등을 소재로 삼는 작업을 하며 현재까지 이어오고 있다. 40년간 작업을 지속해오는 김홍주는 소재 면에서 다양한 변주를 보여주고 있지만, 실상 그가 천착해온 문제에는 변화가 없다. 결국 김홍주는 회화란 무엇인가에 대한 고민의 여정을 작업을 통해 여실히 보여주고 있으며, 회화의 근원적인 요소라 할 수 있는 그리는 행위로서 이 물음에 대한 답을 취하고 있는 것이다. 김홍주의 <무제>(1982)는 극사실주의로 표현방식을 바꾸고 얼마 되지 않은 초기작으로, 액자의 형식을 차용한 자화상을 통해 이미지와 오브제의 관계를 개념적으로 고찰한다.<|im_end|>

<|im_start|>40년간<|im_end|>

<|im_start|>김홍주가 작업을 지속해온 기간은?<|im_end|>

<|im_start|>충청북도 회인 출생인 김홍주(1945~)는 홍익대학교와 동 대학원에서 서양화를 졸업했다. 그가 본격적으로 작업을 시작하게 된 시기는 1970년대로, 당시 대표적인 전위 그룹이었던 S.T. 일원으로 활동하면서 개념적이고 사변적인 개념미술가로 활동하였다. 그러나 1970년대 중반에 들어서면서 기존의 작업에 흥미를 잃게 되었고, 극사실적인 표현방법으로 화장경대나 창문, 거울 등의 오브제에 자화상을 비롯한 인물이나 풍경 등을 재현해나가기 시작했다. 1980년대 중반에는 작업할 수 있는 공간이 넓어져 이때부터 작품의 크기가 커지게 되며, 1980년대 후반부터는 논이나 밭, 도시, 산, 지도, 문자, 꽃 등을 소재로 삼는 작업을 하며 현재까지 이어오고 있다. 40년간 작업을 지속해오는 김홍주는 소재 면에서 다양한 변주를 보여주고 있지만, 실상 그가 천착해온 문제에는 변화가 없다. 결국 김홍주는 회화란 무엇인가에 대한 고민의 여정을 작업을 통해 여실히 보여주고 있으며, 회화의 근원적인 요소라 할 수 있는 그리는 행위로서 이 물음에 대한 답을 취하고 있는 것이다. 김홍주의 <무제>(1982)는 극사실주의로 표현방식을 바꾸고 얼마 되지 않은 초기작으로, 액자의 형식을 차용한 자화상을 통해 이미지와 오브제의 관계를 개념적으로 고찰한다.<|im_end|>

<|im_start|>1982<|im_end|>

<|im_start|>김홍주의 <무제>가 제작된 해는?<|im_end|>

<|im_start|>충청북도 회인 출생인 김홍주(1945~)는 홍익대학교와 동 대학원에서 서양화를 졸업했다. 그가 본격적으로 작업을 시작하게 된 시기는 1970년대로, 당시 대표적인 전위 그룹이었던 S.T. 일원으로 활동하면서 개념적이고 사변적인 개념미술가로 활동하였다. 그러나 1970년대 중반에 들어서면서 기존의 작업에 흥미를 잃게 되었고, 극사실적인 표현방법으로 화장경대나 창문, 거울 등의 오브제에 자화상을 비롯한 인물이나 풍경 등을 재현해나가기 시작했다. 1980년대 중반에는 작업할 수 있는 공간이 넓어져 이때부터 작품의 크기가 커지게 되며, 1980년대 후반부터는 논이나 밭, 도시, 산, 지도, 문자, 꽃 등을 소재로 삼는 작업을 하며 현재까지 이어오고 있다. 40년간 작업을 지속해오는 김홍주는 소재 면에서 다양한 변주를 보여주고 있지만, 실상 그가 천착해온 문제에는 변화가 없다. 결국 김홍주는 회화란 무엇인가에 대한 고민의 여정을 작업을 통해 여실히 보여주고 있으며, 회화의 근원적인 요소라 할 수 있는 그리는 행위로서 이 물음에 대한 답을 취하고 있는 것이다. 김홍주의 <무제>(1982)는 극사실주의로 표현방식을 바꾸고 얼마 되지 않은 초기작으로, 액자의 형식을 차용한 자화상을 통해 이미지와 오브제의 관계를 개념적으로 고찰한다.<|im_end|>

<|im_start|>인물이나 풍경<|im_end|>

<|im_start|>극사실적인 표현방법으로 작가가 재현해나가기 시작했던 것은?<|im_end|>

<|im_start|>충청북도 회인 출생인 김홍주(1945~)는 홍익대학교와 동 대학원에서 서양화를 졸업했다. 그가 본격적으로 작업을 시작하게 된 시기는 1970년대로, 당시 대표적인 전위 그룹이었던 S.T. 일원으로 활동하면서 개념적이고 사변적인 개념미술가로 활동하였다. 그러나 1970년대 중반에 들어서면서 기존의 작업에 흥미를 잃게 되었고, 극사실적인 표현방법으로 화장경대나 창문, 거울 등의 오브제에 자화상을 비롯한 인물이나 풍경 등을 재현해나가기 시작했다. 1980년대 중반에는 작업할 수 있는 공간이 넓어져 이때부터 작품의 크기가 커지게 되며, 1980년대 후반부터는 논이나 밭, 도시, 산, 지도, 문자, 꽃 등을 소재로 삼는 작업을 하며 현재까지 이어오고 있다. 40년간 작업을 지속해오는 김홍주는 소재 면에서 다양한 변주를 보여주고 있지만, 실상 그가 천착해온 문제에는 변화가 없다. 결국 김홍주는 회화란 무엇인가에 대한 고민의 여정을 작업을 통해 여실히 보여주고 있으며, 회화의 근원적인 요소라 할 수 있는 그리는 행위로서 이 물음에 대한 답을 취하고 있는 것이다. 김홍주의 <무제>(1982)는 극사실주의로 표현방식을 바꾸고 얼마 되지 않은 초기작으로, 액자의 형식을 차용한 자화상을 통해 이미지와 오브제의 관계를 개념적으로 고찰한다.<|im_end|>

<|im_start|>극사실적인 표현방법<|im_end|>

<|im_start|>작가가 오브제에 자화상을 비롯해 재현해 나간 방식은?<|im_end|>

<|im_start|><부다와 물고기>(1988)는 박인철의 초기 회화에서 나타나는 실존주의적 사상과 삶에 대한 철학을 읽을 수 있는 작품이다. 어두운 붉은색의 화면에 거친 붓질로 그려진 부처의 모습과 밝고 영롱하게 표현된 물고기의 대조가 인상적이다. 불교에서 물고기는 크게 두 가지 의미로 해석된다. 첫째로 밤낮없이 눈을 뜨고 있는 물고기의 특성에 따라 수행과 구도(求道)를 상징하고 둘째로는 부처가 물고기로 변해 배고픈 중생을 먹였다고 하여 중생 구제를 위한 부처의 자비 또는 희생을 상징한다. 이러한 부처와 물고기의 형상은 오랜 기간 방랑자로서 살았던 박인철 자신의 삶을 투영한 것이다. 제도가 무의식적으로 강요하는 이데올로기들을 거부하면서 타성에 길들여지지 않고 고독한 구도자의 삶을 살고자 했던 박인철의 정신과 거친 호흡을 유지하려는 미학적 태도가 동양의 종교관을 통해 드러나고 있는 것이다.<|im_end|>

<|im_start|>박인철<|im_end|>

<|im_start|><부다와 물고기>를 만든 사람은?<|im_end|>

<|im_start|><부다와 물고기>(1988)는 박인철의 초기 회화에서 나타나는 실존주의적 사상과 삶에 대한 철학을 읽을 수 있는 작품이다. 어두운 붉은색의 화면에 거친 붓질로 그려진 부처의 모습과 밝고 영롱하게 표현된 물고기의 대조가 인상적이다. 불교에서 물고기는 크게 두 가지 의미로 해석된다. 첫째로 밤낮없이 눈을 뜨고 있는 물고기의 특성에 따라 수행과 구도(求道)를 상징하고 둘째로는 부처가 물고기로 변해 배고픈 중생을 먹였다고 하여 중생 구제를 위한 부처의 자비 또는 희생을 상징한다. 이러한 부처와 물고기의 형상은 오랜 기간 방랑자로서 살았던 박인철 자신의 삶을 투영한 것이다. 제도가 무의식적으로 강요하는 이데올로기들을 거부하면서 타성에 길들여지지 않고 고독한 구도자의 삶을 살고자 했던 박인철의 정신과 거친 호흡을 유지하려는 미학적 태도가 동양의 종교관을 통해 드러나고 있는 것이다.<|im_end|>

<|im_start|>박인철 자신의 삶<|im_end|>

<|im_start|>부처와 물고기의 형상이 투영한 것은?<|im_end|>

<|im_start|><부다와 물고기>(1988)는 박인철의 초기 회화에서 나타나는 실존주의적 사상과 삶에 대한 철학을 읽을 수 있는 작품이다. 어두운 붉은색의 화면에 거친 붓질로 그려진 부처의 모습과 밝고 영롱하게 표현된 물고기의 대조가 인상적이다. 불교에서 물고기는 크게 두 가지 의미로 해석된다. 첫째로 밤낮없이 눈을 뜨고 있는 물고기의 특성에 따라 수행과 구도(求道)를 상징하고 둘째로는 부처가 물고기로 변해 배고픈 중생을 먹였다고 하여 중생 구제를 위한 부처의 자비 또는 희생을 상징한다. 이러한 부처와 물고기의 형상은 오랜 기간 방랑자로서 살았던 박인철 자신의 삶을 투영한 것이다. 제도가 무의식적으로 강요하는 이데올로기들을 거부하면서 타성에 길들여지지 않고 고독한 구도자의 삶을 살고자 했던 박인철의 정신과 거친 호흡을 유지하려는 미학적 태도가 동양의 종교관을 통해 드러나고 있는 것이다.<|im_end|>

<|im_start|>1988<|im_end|>

<|im_start|>부다와 물고기를 그린 연도는?<|im_end|>

<|im_start|><부다와 물고기>(1988)는 박인철의 초기 회화에서 나타나는 실존주의적 사상과 삶에 대한 철학을 읽을 수 있는 작품이다. 어두운 붉은색의 화면에 거친 붓질로 그려진 부처의 모습과 밝고 영롱하게 표현된 물고기의 대조가 인상적이다. 불교에서 물고기는 크게 두 가지 의미로 해석된다. 첫째로 밤낮없이 눈을 뜨고 있는 물고기의 특성에 따라 수행과 구도(求道)를 상징하고 둘째로는 부처가 물고기로 변해 배고픈 중생을 먹였다고 하여 중생 구제를 위한 부처의 자비 또는 희생을 상징한다. 이러한 부처와 물고기의 형상은 오랜 기간 방랑자로서 살았던 박인철 자신의 삶을 투영한 것이다. 제도가 무의식적으로 강요하는 이데올로기들을 거부하면서 타성에 길들여지지 않고 고독한 구도자의 삶을 살고자 했던 박인철의 정신과 거친 호흡을 유지하려는 미학적 태도가 동양의 종교관을 통해 드러나고 있는 것이다.<|im_end|>

<|im_start|>어두운 붉은색의 화면에 거친 붓질<|im_end|>

<|im_start|>작품에서 부처가 그려진 방식은?<|im_end|>

<|im_start|><부다와 물고기>(1988)는 박인철의 초기 회화에서 나타나는 실존주의적 사상과 삶에 대한 철학을 읽을 수 있는 작품이다. 어두운 붉은색의 화면에 거친 붓질로 그려진 부처의 모습과 밝고 영롱하게 표현된 물고기의 대조가 인상적이다. 불교에서 물고기는 크게 두 가지 의미로 해석된다. 첫째로 밤낮없이 눈을 뜨고 있는 물고기의 특성에 따라 수행과 구도(求道)를 상징하고 둘째로는 부처가 물고기로 변해 배고픈 중생을 먹였다고 하여 중생 구제를 위한 부처의 자비 또는 희생을 상징한다. 이러한 부처와 물고기의 형상은 오랜 기간 방랑자로서 살았던 박인철 자신의 삶을 투영한 것이다. 제도가 무의식적으로 강요하는 이데올로기들을 거부하면서 타성에 길들여지지 않고 고독한 구도자의 삶을 살고자 했던 박인철의 정신과 거친 호흡을 유지하려는 미학적 태도가 동양의 종교관을 통해 드러나고 있는 것이다.<|im_end|>

<|im_start|>물고기<|im_end|>

<|im_start|>불교에서 두 가지 의미로 해석되는 대상은?<|im_end|>

<|im_start|><부다와 물고기>(1988)는 박인철의 초기 회화에서 나타나는 실존주의적 사상과 삶에 대한 철학을 읽을 수 있는 작품이다. 어두운 붉은색의 화면에 거친 붓질로 그려진 부처의 모습과 밝고 영롱하게 표현된 물고기의 대조가 인상적이다. 불교에서 물고기는 크게 두 가지 의미로 해석된다. 첫째로 밤낮없이 눈을 뜨고 있는 물고기의 특성에 따라 수행과 구도(求道)를 상징하고 둘째로는 부처가 물고기로 변해 배고픈 중생을 먹였다고 하여 중생 구제를 위한 부처의 자비 또는 희생을 상징한다. 이러한 부처와 물고기의 형상은 오랜 기간 방랑자로서 살았던 박인철 자신의 삶을 투영한 것이다. 제도가 무의식적으로 강요하는 이데올로기들을 거부하면서 타성에 길들여지지 않고 고독한 구도자의 삶을 살고자 했던 박인철의 정신과 거친 호흡을 유지하려는 미학적 태도가 동양의 종교관을 통해 드러나고 있는 것이다.<|im_end|>

<|im_start|>밝고 영롱하게 표현<|im_end|>

<|im_start|>작품에서 물고기를 나타낸 방식은?<|im_end|>

<|im_start|><카페>(1987)는 구조적 갈등과 폭력 그리고 욕망이 공존하는 도시의 공간이다. 이러한 도시 풍경을 압축시킨 카페 내부에는 촛불이 환하게 실내를 비추고 있고 권위적인 인물들의 경직된 만남과 평범한 남녀의 자연스러운 교제, 비밀스러운 거래의 현장 등 다양한 인물들의 모습이 발견된다. 중앙 테이블에는 세 남성이 제복을 입은 권력자 앞에서 눈을 감은 채 앉아있고 작품 하단 좌측에는 황금을 사이에 둔 채 은밀한 거래를 하고 있는 두 남성이 보인다. 서양 고전미술에서 백합은 성모 마리아의 순결을 상징하는 도상으로 사용되어 왔으나 금력과 야합하는 인물상 옆에 그려진 한 송이 백합은 반대로 이들의 부정을 부각시키는 기호로서 등장한다. 한편 바 좌석에는 이러한 권력사회의 희생자인 듯이 보이는 한 남성이 깊은 우울감과 자괴감에 빠진 듯 쓰러져 있는 반면, 그의 주변 사람들은 무관심한 모습으로 술을 마시고 있다. 이들은 독립적인 동시에 상호 연관됨으로써 이 남성이 느끼는 좌절감이 우리의 사회에 존재하는 모순과 폭력 무관심에서 비롯된 것임을 짐작하게 한다. 난간에 붙어있는 그림 속의 쫓기듯이 달리는 남성의 모습은 평범한 일상 이면에서 일어나고 있는 당대 사회의 민낯을 상징적으로 드러낸다.<|im_end|>

<|im_start|>권위적인 인물들<|im_end|>

<|im_start|>작품에서 경직된 만남을 하는 이들은?<|im_end|>

<|im_start|><카페>(1987)는 구조적 갈등과 폭력 그리고 욕망이 공존하는 도시의 공간이다. 이러한 도시 풍경을 압축시킨 카페 내부에는 촛불이 환하게 실내를 비추고 있고 권위적인 인물들의 경직된 만남과 평범한 남녀의 자연스러운 교제, 비밀스러운 거래의 현장 등 다양한 인물들의 모습이 발견된다. 중앙 테이블에는 세 남성이 제복을 입은 권력자 앞에서 눈을 감은 채 앉아있고 작품 하단 좌측에는 황금을 사이에 둔 채 은밀한 거래를 하고 있는 두 남성이 보인다. 서양 고전미술에서 백합은 성모 마리아의 순결을 상징하는 도상으로 사용되어 왔으나 금력과 야합하는 인물상 옆에 그려진 한 송이 백합은 반대로 이들의 부정을 부각시키는 기호로서 등장한다. 한편 바 좌석에는 이러한 권력사회의 희생자인 듯이 보이는 한 남성이 깊은 우울감과 자괴감에 빠진 듯 쓰러져 있는 반면, 그의 주변 사람들은 무관심한 모습으로 술을 마시고 있다. 이들은 독립적인 동시에 상호 연관됨으로써 이 남성이 느끼는 좌절감이 우리의 사회에 존재하는 모순과 폭력 무관심에서 비롯된 것임을 짐작하게 한다. 난간에 붙어있는 그림 속의 쫓기듯이 달리는 남성의 모습은 평범한 일상 이면에서 일어나고 있는 당대 사회의 민낯을 상징적으로 드러낸다.<|im_end|>

<|im_start|>1987<|im_end|>

<|im_start|><카페>의 제작 연도는?<|im_end|>

<|im_start|><카페>(1987)는 구조적 갈등과 폭력 그리고 욕망이 공존하는 도시의 공간이다. 이러한 도시 풍경을 압축시킨 카페 내부에는 촛불이 환하게 실내를 비추고 있고 권위적인 인물들의 경직된 만남과 평범한 남녀의 자연스러운 교제, 비밀스러운 거래의 현장 등 다양한 인물들의 모습이 발견된다. 중앙 테이블에는 세 남성이 제복을 입은 권력자 앞에서 눈을 감은 채 앉아있고 작품 하단 좌측에는 황금을 사이에 둔 채 은밀한 거래를 하고 있는 두 남성이 보인다. 서양 고전미술에서 백합은 성모 마리아의 순결을 상징하는 도상으로 사용되어 왔으나 금력과 야합하는 인물상 옆에 그려진 한 송이 백합은 반대로 이들의 부정을 부각시키는 기호로서 등장한다. 한편 바 좌석에는 이러한 권력사회의 희생자인 듯이 보이는 한 남성이 깊은 우울감과 자괴감에 빠진 듯 쓰러져 있는 반면, 그의 주변 사람들은 무관심한 모습으로 술을 마시고 있다. 이들은 독립적인 동시에 상호 연관됨으로써 이 남성이 느끼는 좌절감이 우리의 사회에 존재하는 모순과 폭력 무관심에서 비롯된 것임을 짐작하게 한다. 난간에 붙어있는 그림 속의 쫓기듯이 달리는 남성의 모습은 평범한 일상 이면에서 일어나고 있는 당대 사회의 민낯을 상징적으로 드러낸다.<|im_end|>

<|im_start|>당대 사회의 민낯<|im_end|>

<|im_start|>작품 속 난간에 붙어있는 그림 속의 쫓기듯이 달리는 남성을 통해 상징적으로 드러내는 것은?<|im_end|>

<|im_start|><카페>(1987)는 구조적 갈등과 폭력 그리고 욕망이 공존하는 도시의 공간이다. 이러한 도시 풍경을 압축시킨 카페 내부에는 촛불이 환하게 실내를 비추고 있고 권위적인 인물들의 경직된 만남과 평범한 남녀의 자연스러운 교제, 비밀스러운 거래의 현장 등 다양한 인물들의 모습이 발견된다. 중앙 테이블에는 세 남성이 제복을 입은 권력자 앞에서 눈을 감은 채 앉아있고 작품 하단 좌측에는 황금을 사이에 둔 채 은밀한 거래를 하고 있는 두 남성이 보인다. 서양 고전미술에서 백합은 성모 마리아의 순결을 상징하는 도상으로 사용되어 왔으나 금력과 야합하는 인물상 옆에 그려진 한 송이 백합은 반대로 이들의 부정을 부각시키는 기호로서 등장한다. 한편 바 좌석에는 이러한 권력사회의 희생자인 듯이 보이는 한 남성이 깊은 우울감과 자괴감에 빠진 듯 쓰러져 있는 반면, 그의 주변 사람들은 무관심한 모습으로 술을 마시고 있다. 이들은 독립적인 동시에 상호 연관됨으로써 이 남성이 느끼는 좌절감이 우리의 사회에 존재하는 모순과 폭력 무관심에서 비롯된 것임을 짐작하게 한다. 난간에 붙어있는 그림 속의 쫓기듯이 달리는 남성의 모습은 평범한 일상 이면에서 일어나고 있는 당대 사회의 민낯을 상징적으로 드러낸다.<|im_end|>

<|im_start|>카페 내부<|im_end|>

<|im_start|>도시 풍경을 압축시킨 작품 속 배경은?<|im_end|>

<|im_start|><카페>(1987)는 구조적 갈등과 폭력 그리고 욕망이 공존하는 도시의 공간이다. 이러한 도시 풍경을 압축시킨 카페 내부에는 촛불이 환하게 실내를 비추고 있고 권위적인 인물들의 경직된 만남과 평범한 남녀의 자연스러운 교제, 비밀스러운 거래의 현장 등 다양한 인물들의 모습이 발견된다. 중앙 테이블에는 세 남성이 제복을 입은 권력자 앞에서 눈을 감은 채 앉아있고 작품 하단 좌측에는 황금을 사이에 둔 채 은밀한 거래를 하고 있는 두 남성이 보인다. 서양 고전미술에서 백합은 성모 마리아의 순결을 상징하는 도상으로 사용되어 왔으나 금력과 야합하는 인물상 옆에 그려진 한 송이 백합은 반대로 이들의 부정을 부각시키는 기호로서 등장한다. 한편 바 좌석에는 이러한 권력사회의 희생자인 듯이 보이는 한 남성이 깊은 우울감과 자괴감에 빠진 듯 쓰러져 있는 반면, 그의 주변 사람들은 무관심한 모습으로 술을 마시고 있다. 이들은 독립적인 동시에 상호 연관됨으로써 이 남성이 느끼는 좌절감이 우리의 사회에 존재하는 모순과 폭력 무관심에서 비롯된 것임을 짐작하게 한다. 난간에 붙어있는 그림 속의 쫓기듯이 달리는 남성의 모습은 평범한 일상 이면에서 일어나고 있는 당대 사회의 민낯을 상징적으로 드러낸다.<|im_end|>

<|im_start|>세 남성<|im_end|>

<|im_start|>중앙 테이블에서 제복을 입은 권력자 앞에 눈을 감은 채 앉아있는 사람은?<|im_end|>

<|im_start|><카페>(1987)는 구조적 갈등과 폭력 그리고 욕망이 공존하는 도시의 공간이다. 이러한 도시 풍경을 압축시킨 카페 내부에는 촛불이 환하게 실내를 비추고 있고 권위적인 인물들의 경직된 만남과 평범한 남녀의 자연스러운 교제, 비밀스러운 거래의 현장 등 다양한 인물들의 모습이 발견된다. 중앙 테이블에는 세 남성이 제복을 입은 권력자 앞에서 눈을 감은 채 앉아있고 작품 하단 좌측에는 황금을 사이에 둔 채 은밀한 거래를 하고 있는 두 남성이 보인다. 서양 고전미술에서 백합은 성모 마리아의 순결을 상징하는 도상으로 사용되어 왔으나 금력과 야합하는 인물상 옆에 그려진 한 송이 백합은 반대로 이들의 부정을 부각시키는 기호로서 등장한다. 한편 바 좌석에는 이러한 권력사회의 희생자인 듯이 보이는 한 남성이 깊은 우울감과 자괴감에 빠진 듯 쓰러져 있는 반면, 그의 주변 사람들은 무관심한 모습으로 술을 마시고 있다. 이들은 독립적인 동시에 상호 연관됨으로써 이 남성이 느끼는 좌절감이 우리의 사회에 존재하는 모순과 폭력 무관심에서 비롯된 것임을 짐작하게 한다. 난간에 붙어있는 그림 속의 쫓기듯이 달리는 남성의 모습은 평범한 일상 이면에서 일어나고 있는 당대 사회의 민낯을 상징적으로 드러낸다.<|im_end|>

<|im_start|>독립적인 동시에 상호 연관<|im_end|>

<|im_start|>작품 속 인물들의 특징은?<|im_end|>

<|im_start|>서울에서 태어난 한묵(1914-2016)은 일본 가와바타 미술학교에서 서양화를 졸업하고 귀국하여 잠시 활동하였으나, 1961년 프랑스로 건너간 이후에는 타계할 때까지 파리에서 활동했다. 한국에서 활동할 당시에는 종군화가로 활동하면서 전쟁의 비극적 참상과 전후의 인간상을 담아내는 작업을 선보였으나, 1950년대 후반에 들어서는 형태를 단순화하는 추상미술을 탐구하기 시작한다. 이후 프랑스에서는 유화, 수채화, 판화 등 다양한 장르를 섭렵하면서 당시의 앵포르멜 경향에 영향을 받아 콜라주 기법을 이용한 기하학적 추상회화에 돌입하게 된다. 프랑스에서 활동한 그의 작업 시기를 조금 더 구체적으로 나눠보자면, 1969년 인간이 달에 착륙한 것에 감명을 받은 한묵은 시간과 공간이 결합된 우주 공간을 표현하는 작업을 선보였으며, 1980년대에는 콜라주 작업을 주로 제작했다. 1990년대에는 한국적인 재료와 소재를 찾아 전통 민화의 도상과 전통 재료인 먹을 사용하는 새로운 시도를 했다. 한국 기하학적 추상의 거장이라 불리는 한묵은 현란한 색채, 회화적 공간에 대한 다양한 탐구로 독자적인 세계를 확립하였다는 평가를 받고 있다. 한묵의 <공간>(1975)은 1970년대 후반부터 발표한 연작 중 한 작품으로, 나선형의 소용돌이로 끝없이 펼쳐지는 무한한 공간을 시각화한 것이다.<|im_end|>

<|im_start|>프랑스<|im_end|>

<|im_start|>한묵이 1961년부터 타계할 때까지 활동했던 나라는?<|im_end|>

<|im_start|>서울에서 태어난 한묵(1914-2016)은 일본 가와바타 미술학교에서 서양화를 졸업하고 귀국하여 잠시 활동하였으나, 1961년 프랑스로 건너간 이후에는 타계할 때까지 파리에서 활동했다. 한국에서 활동할 당시에는 종군화가로 활동하면서 전쟁의 비극적 참상과 전후의 인간상을 담아내는 작업을 선보였으나, 1950년대 후반에 들어서는 형태를 단순화하는 추상미술을 탐구하기 시작한다. 이후 프랑스에서는 유화, 수채화, 판화 등 다양한 장르를 섭렵하면서 당시의 앵포르멜 경향에 영향을 받아 콜라주 기법을 이용한 기하학적 추상회화에 돌입하게 된다. 프랑스에서 활동한 그의 작업 시기를 조금 더 구체적으로 나눠보자면, 1969년 인간이 달에 착륙한 것에 감명을 받은 한묵은 시간과 공간이 결합된 우주 공간을 표현하는 작업을 선보였으며, 1980년대에는 콜라주 작업을 주로 제작했다. 1990년대에는 한국적인 재료와 소재를 찾아 전통 민화의 도상과 전통 재료인 먹을 사용하는 새로운 시도를 했다. 한국 기하학적 추상의 거장이라 불리는 한묵은 현란한 색채, 회화적 공간에 대한 다양한 탐구로 독자적인 세계를 확립하였다는 평가를 받고 있다. 한묵의 <공간>(1975)은 1970년대 후반부터 발표한 연작 중 한 작품으로, 나선형의 소용돌이로 끝없이 펼쳐지는 무한한 공간을 시각화한 것이다.<|im_end|>

<|im_start|>전쟁의 비극적 참상과 전후의 인간상<|im_end|>

<|im_start|>한묵이 한국에서 활동할 당시 담아낸 것은?<|im_end|>

<|im_start|>서울에서 태어난 한묵(1914-2016)은 일본 가와바타 미술학교에서 서양화를 졸업하고 귀국하여 잠시 활동하였으나, 1961년 프랑스로 건너간 이후에는 타계할 때까지 파리에서 활동했다. 한국에서 활동할 당시에는 종군화가로 활동하면서 전쟁의 비극적 참상과 전후의 인간상을 담아내는 작업을 선보였으나, 1950년대 후반에 들어서는 형태를 단순화하는 추상미술을 탐구하기 시작한다. 이후 프랑스에서는 유화, 수채화, 판화 등 다양한 장르를 섭렵하면서 당시의 앵포르멜 경향에 영향을 받아 콜라주 기법을 이용한 기하학적 추상회화에 돌입하게 된다. 프랑스에서 활동한 그의 작업 시기를 조금 더 구체적으로 나눠보자면, 1969년 인간이 달에 착륙한 것에 감명을 받은 한묵은 시간과 공간이 결합된 우주 공간을 표현하는 작업을 선보였으며, 1980년대에는 콜라주 작업을 주로 제작했다. 1990년대에는 한국적인 재료와 소재를 찾아 전통 민화의 도상과 전통 재료인 먹을 사용하는 새로운 시도를 했다. 한국 기하학적 추상의 거장이라 불리는 한묵은 현란한 색채, 회화적 공간에 대한 다양한 탐구로 독자적인 세계를 확립하였다는 평가를 받고 있다. 한묵의 <공간>(1975)은 1970년대 후반부터 발표한 연작 중 한 작품으로, 나선형의 소용돌이로 끝없이 펼쳐지는 무한한 공간을 시각화한 것이다.<|im_end|>

<|im_start|>1990년대<|im_end|>

<|im_start|>전통 민화의 도상과 전통 재료인 먹을 사용했던 때는?<|im_end|>

<|im_start|>서울에서 태어난 한묵(1914-2016)은 일본 가와바타 미술학교에서 서양화를 졸업하고 귀국하여 잠시 활동하였으나, 1961년 프랑스로 건너간 이후에는 타계할 때까지 파리에서 활동했다. 한국에서 활동할 당시에는 종군화가로 활동하면서 전쟁의 비극적 참상과 전후의 인간상을 담아내는 작업을 선보였으나, 1950년대 후반에 들어서는 형태를 단순화하는 추상미술을 탐구하기 시작한다. 이후 프랑스에서는 유화, 수채화, 판화 등 다양한 장르를 섭렵하면서 당시의 앵포르멜 경향에 영향을 받아 콜라주 기법을 이용한 기하학적 추상회화에 돌입하게 된다. 프랑스에서 활동한 그의 작업 시기를 조금 더 구체적으로 나눠보자면, 1969년 인간이 달에 착륙한 것에 감명을 받은 한묵은 시간과 공간이 결합된 우주 공간을 표현하는 작업을 선보였으며, 1980년대에는 콜라주 작업을 주로 제작했다. 1990년대에는 한국적인 재료와 소재를 찾아 전통 민화의 도상과 전통 재료인 먹을 사용하는 새로운 시도를 했다. 한국 기하학적 추상의 거장이라 불리는 한묵은 현란한 색채, 회화적 공간에 대한 다양한 탐구로 독자적인 세계를 확립하였다는 평가를 받고 있다. 한묵의 <공간>(1975)은 1970년대 후반부터 발표한 연작 중 한 작품으로, 나선형의 소용돌이로 끝없이 펼쳐지는 무한한 공간을 시각화한 것이다.<|im_end|>

<|im_start|>공간<|im_end|>

<|im_start|>작품의 제목은?<|im_end|>

<|im_start|>서울에서 태어난 한묵(1914-2016)은 일본 가와바타 미술학교에서 서양화를 졸업하고 귀국하여 잠시 활동하였으나, 1961년 프랑스로 건너간 이후에는 타계할 때까지 파리에서 활동했다. 한국에서 활동할 당시에는 종군화가로 활동하면서 전쟁의 비극적 참상과 전후의 인간상을 담아내는 작업을 선보였으나, 1950년대 후반에 들어서는 형태를 단순화하는 추상미술을 탐구하기 시작한다. 이후 프랑스에서는 유화, 수채화, 판화 등 다양한 장르를 섭렵하면서 당시의 앵포르멜 경향에 영향을 받아 콜라주 기법을 이용한 기하학적 추상회화에 돌입하게 된다. 프랑스에서 활동한 그의 작업 시기를 조금 더 구체적으로 나눠보자면, 1969년 인간이 달에 착륙한 것에 감명을 받은 한묵은 시간과 공간이 결합된 우주 공간을 표현하는 작업을 선보였으며, 1980년대에는 콜라주 작업을 주로 제작했다. 1990년대에는 한국적인 재료와 소재를 찾아 전통 민화의 도상과 전통 재료인 먹을 사용하는 새로운 시도를 했다. 한국 기하학적 추상의 거장이라 불리는 한묵은 현란한 색채, 회화적 공간에 대한 다양한 탐구로 독자적인 세계를 확립하였다는 평가를 받고 있다. 한묵의 <공간>(1975)은 1970년대 후반부터 발표한 연작 중 한 작품으로, 나선형의 소용돌이로 끝없이 펼쳐지는 무한한 공간을 시각화한 것이다.<|im_end|>

<|im_start|>가와바타 미술학교<|im_end|>

<|im_start|>한묵이 일본에서 졸업한 학교는?<|im_end|>

<|im_start|>서울에서 태어난 한묵(1914-2016)은 일본 가와바타 미술학교에서 서양화를 졸업하고 귀국하여 잠시 활동하였으나, 1961년 프랑스로 건너간 이후에는 타계할 때까지 파리에서 활동했다. 한국에서 활동할 당시에는 종군화가로 활동하면서 전쟁의 비극적 참상과 전후의 인간상을 담아내는 작업을 선보였으나, 1950년대 후반에 들어서는 형태를 단순화하는 추상미술을 탐구하기 시작한다. 이후 프랑스에서는 유화, 수채화, 판화 등 다양한 장르를 섭렵하면서 당시의 앵포르멜 경향에 영향을 받아 콜라주 기법을 이용한 기하학적 추상회화에 돌입하게 된다. 프랑스에서 활동한 그의 작업 시기를 조금 더 구체적으로 나눠보자면, 1969년 인간이 달에 착륙한 것에 감명을 받은 한묵은 시간과 공간이 결합된 우주 공간을 표현하는 작업을 선보였으며, 1980년대에는 콜라주 작업을 주로 제작했다. 1990년대에는 한국적인 재료와 소재를 찾아 전통 민화의 도상과 전통 재료인 먹을 사용하는 새로운 시도를 했다. 한국 기하학적 추상의 거장이라 불리는 한묵은 현란한 색채, 회화적 공간에 대한 다양한 탐구로 독자적인 세계를 확립하였다는 평가를 받고 있다. 한묵의 <공간>(1975)은 1970년대 후반부터 발표한 연작 중 한 작품으로, 나선형의 소용돌이로 끝없이 펼쳐지는 무한한 공간을 시각화한 것이다.<|im_end|>

<|im_start|>한묵<|im_end|>

<|im_start|><공간>의 작가는?<|im_end|>

<|im_start|>서울에서 태어난 이석주(1952~)는 홍익대학교와 동 대학원 회화과를 졸업하고, 현재는 숙명여자대학교 회화과 명예교수이다. 추상미술이 주름잡았던 1970년대 대학시절부터 이미지의 재현에 관심을 기울였던 그는 현재까지도 극사실주의 작업을 하여 흔히 한국 극사실주의 1세대로 분류된다. 70년대 말부터 그는 붉은 벽돌담을 소재로 정밀한 묘사를 통해 리얼의 극한을 보여주기 시작하였고, 80년대에는 도시에서 삶을 영위하는 사람들이 만드는 순간적인 상황을 포착한 '일상' 연작을 선보였다. 90년대에 들어서는 시간의 흐름을 나타낼 수 있는 시계와 연기를 뿜는 기관차 등의 소재를 선택하여 '일상' 연작을 도모했으며, 이후 '회상적 여행'과 '서정적 풍경' 연작으로 이어지게 된다. 최근에는 '사유적 공간' 연작에 매진하고 있으며, 빛이 바래고 찢어진 오래된 책을 소재로 선택해 시간의 흐름 속에서 존재의 근원적 질문을 던지고 있다. 이석주의 <사유적 공간11-25>(2009)에서는 베르메르(Johannes Vermeer, 1632-1675)의 <진주귀걸이를 한 소녀>(1665-1666)가 그려진 빛바랜 책과 찢어진 상태의 낡은 책 몇 권이 함께 묘사되어 있다. 책이 놓여있는 공간이 하늘로 설정되어있어 데페이즈망 기법으로 인한 초현실적인 느낌을 전달한다.<|im_end|>

<|im_start|>이석주<|im_end|>

<|im_start|>극사실주의 작업을 하여 한국 극사실주의 1세대로 분류되는 인물은?<|im_end|>

<|im_start|>서울에서 태어난 이석주(1952~)는 홍익대학교와 동 대학원 회화과를 졸업하고, 현재는 숙명여자대학교 회화과 명예교수이다. 추상미술이 주름잡았던 1970년대 대학시절부터 이미지의 재현에 관심을 기울였던 그는 현재까지도 극사실주의 작업을 하여 흔히 한국 극사실주의 1세대로 분류된다. 70년대 말부터 그는 붉은 벽돌담을 소재로 정밀한 묘사를 통해 리얼의 극한을 보여주기 시작하였고, 80년대에는 도시에서 삶을 영위하는 사람들이 만드는 순간적인 상황을 포착한 '일상' 연작을 선보였다. 90년대에 들어서는 시간의 흐름을 나타낼 수 있는 시계와 연기를 뿜는 기관차 등의 소재를 선택하여 '일상' 연작을 도모했으며, 이후 '회상적 여행'과 '서정적 풍경' 연작으로 이어지게 된다. 최근에는 '사유적 공간' 연작에 매진하고 있으며, 빛이 바래고 찢어진 오래된 책을 소재로 선택해 시간의 흐름 속에서 존재의 근원적 질문을 던지고 있다. 이석주의 <사유적 공간11-25>(2009)에서는 베르메르(Johannes Vermeer, 1632-1675)의 <진주귀걸이를 한 소녀>(1665-1666)가 그려진 빛바랜 책과 찢어진 상태의 낡은 책 몇 권이 함께 묘사되어 있다. 책이 놓여있는 공간이 하늘로 설정되어있어 데페이즈망 기법으로 인한 초현실적인 느낌을 전달한다.<|im_end|>

<|im_start|>숙명여자대학교<|im_end|>

<|im_start|>이석주가 현재 회화과 명예교수로 있는 학교는?<|im_end|>

<|im_start|>서울에서 태어난 이석주(1952~)는 홍익대학교와 동 대학원 회화과를 졸업하고, 현재는 숙명여자대학교 회화과 명예교수이다. 추상미술이 주름잡았던 1970년대 대학시절부터 이미지의 재현에 관심을 기울였던 그는 현재까지도 극사실주의 작업을 하여 흔히 한국 극사실주의 1세대로 분류된다. 70년대 말부터 그는 붉은 벽돌담을 소재로 정밀한 묘사를 통해 리얼의 극한을 보여주기 시작하였고, 80년대에는 도시에서 삶을 영위하는 사람들이 만드는 순간적인 상황을 포착한 '일상' 연작을 선보였다. 90년대에 들어서는 시간의 흐름을 나타낼 수 있는 시계와 연기를 뿜는 기관차 등의 소재를 선택하여 '일상' 연작을 도모했으며, 이후 '회상적 여행'과 '서정적 풍경' 연작으로 이어지게 된다. 최근에는 '사유적 공간' 연작에 매진하고 있으며, 빛이 바래고 찢어진 오래된 책을 소재로 선택해 시간의 흐름 속에서 존재의 근원적 질문을 던지고 있다. 이석주의 <사유적 공간11-25>(2009)에서는 베르메르(Johannes Vermeer, 1632-1675)의 <진주귀걸이를 한 소녀>(1665-1666)가 그려진 빛바랜 책과 찢어진 상태의 낡은 책 몇 권이 함께 묘사되어 있다. 책이 놓여있는 공간이 하늘로 설정되어있어 데페이즈망 기법으로 인한 초현실적인 느낌을 전달한다.<|im_end|>

<|im_start|>2009<|im_end|>

<|im_start|><사유적 공간11-25>를 제작한 해는?<|im_end|>

<|im_start|>서울에서 태어난 이석주(1952~)는 홍익대학교와 동 대학원 회화과를 졸업하고, 현재는 숙명여자대학교 회화과 명예교수이다. 추상미술이 주름잡았던 1970년대 대학시절부터 이미지의 재현에 관심을 기울였던 그는 현재까지도 극사실주의 작업을 하여 흔히 한국 극사실주의 1세대로 분류된다. 70년대 말부터 그는 붉은 벽돌담을 소재로 정밀한 묘사를 통해 리얼의 극한을 보여주기 시작하였고, 80년대에는 도시에서 삶을 영위하는 사람들이 만드는 순간적인 상황을 포착한 '일상' 연작을 선보였다. 90년대에 들어서는 시간의 흐름을 나타낼 수 있는 시계와 연기를 뿜는 기관차 등의 소재를 선택하여 '일상' 연작을 도모했으며, 이후 '회상적 여행'과 '서정적 풍경' 연작으로 이어지게 된다. 최근에는 '사유적 공간' 연작에 매진하고 있으며, 빛이 바래고 찢어진 오래된 책을 소재로 선택해 시간의 흐름 속에서 존재의 근원적 질문을 던지고 있다. 이석주의 <사유적 공간11-25>(2009)에서는 베르메르(Johannes Vermeer, 1632-1675)의 <진주귀걸이를 한 소녀>(1665-1666)가 그려진 빛바랜 책과 찢어진 상태의 낡은 책 몇 권이 함께 묘사되어 있다. 책이 놓여있는 공간이 하늘로 설정되어있어 데페이즈망 기법으로 인한 초현실적인 느낌을 전달한다.<|im_end|>

<|im_start|>시계와 연기를 뿜는 기관차<|im_end|>

<|im_start|>1990년대에 들어서 시간의 흐름을 나타내기 위해 이석주가 선택한 소재는?<|im_end|>

<|im_start|>서울에서 태어난 이석주(1952~)는 홍익대학교와 동 대학원 회화과를 졸업하고, 현재는 숙명여자대학교 회화과 명예교수이다. 추상미술이 주름잡았던 1970년대 대학시절부터 이미지의 재현에 관심을 기울였던 그는 현재까지도 극사실주의 작업을 하여 흔히 한국 극사실주의 1세대로 분류된다. 70년대 말부터 그는 붉은 벽돌담을 소재로 정밀한 묘사를 통해 리얼의 극한을 보여주기 시작하였고, 80년대에는 도시에서 삶을 영위하는 사람들이 만드는 순간적인 상황을 포착한 '일상' 연작을 선보였다. 90년대에 들어서는 시간의 흐름을 나타낼 수 있는 시계와 연기를 뿜는 기관차 등의 소재를 선택하여 '일상' 연작을 도모했으며, 이후 '회상적 여행'과 '서정적 풍경' 연작으로 이어지게 된다. 최근에는 '사유적 공간' 연작에 매진하고 있으며, 빛이 바래고 찢어진 오래된 책을 소재로 선택해 시간의 흐름 속에서 존재의 근원적 질문을 던지고 있다. 이석주의 <사유적 공간11-25>(2009)에서는 베르메르(Johannes Vermeer, 1632-1675)의 <진주귀걸이를 한 소녀>(1665-1666)가 그려진 빛바랜 책과 찢어진 상태의 낡은 책 몇 권이 함께 묘사되어 있다. 책이 놓여있는 공간이 하늘로 설정되어있어 데페이즈망 기법으로 인한 초현실적인 느낌을 전달한다.<|im_end|>

<|im_start|>리얼의 극한<|im_end|>

<|im_start|>붉은 벽돌담을 소재로 정밀한 묘사를 통해 보여주고자 했던 것은?<|im_end|>

<|im_start|>서울에서 태어난 이석주(1952~)는 홍익대학교와 동 대학원 회화과를 졸업하고, 현재는 숙명여자대학교 회화과 명예교수이다. 추상미술이 주름잡았던 1970년대 대학시절부터 이미지의 재현에 관심을 기울였던 그는 현재까지도 극사실주의 작업을 하여 흔히 한국 극사실주의 1세대로 분류된다. 70년대 말부터 그는 붉은 벽돌담을 소재로 정밀한 묘사를 통해 리얼의 극한을 보여주기 시작하였고, 80년대에는 도시에서 삶을 영위하는 사람들이 만드는 순간적인 상황을 포착한 '일상' 연작을 선보였다. 90년대에 들어서는 시간의 흐름을 나타낼 수 있는 시계와 연기를 뿜는 기관차 등의 소재를 선택하여 '일상' 연작을 도모했으며, 이후 '회상적 여행'과 '서정적 풍경' 연작으로 이어지게 된다. 최근에는 '사유적 공간' 연작에 매진하고 있으며, 빛이 바래고 찢어진 오래된 책을 소재로 선택해 시간의 흐름 속에서 존재의 근원적 질문을 던지고 있다. 이석주의 <사유적 공간11-25>(2009)에서는 베르메르(Johannes Vermeer, 1632-1675)의 <진주귀걸이를 한 소녀>(1665-1666)가 그려진 빛바랜 책과 찢어진 상태의 낡은 책 몇 권이 함께 묘사되어 있다. 책이 놓여있는 공간이 하늘로 설정되어있어 데페이즈망 기법으로 인한 초현실적인 느낌을 전달한다.<|im_end|>

<|im_start|>1970년대<|im_end|>

<|im_start|>추상미술이 주름잡았던 때는?<|im_end|>

<|im_start|>충남 홍성 출생인 최덕휴(崔德休, 1922-1998)는 일본 데이코쿠 미술학교에서 서양화를 전공했으며, 미술교사로 재직하며 교육계에서도 활동했다. 그는 일제 강점기에 항일운동 활동을 하였고 6·25 전쟁 때는 전쟁에 참여하면서도 개인전을 계속 열어 군인화백이라는 별명을 가지고 있다. 구상작가들의 단체인 목우회의 창립멤버였던 최덕휴는 주로 산과 전원, 도시, 부두, 어선 등의 풍경 중심의 작업을 선보이며 신자연주의라는 새로운 화풍을 모색했다. 작업 초기인 1940~50년대에는 형태적인 면에서 사실적이면서도 부분적으로 야수파를 연상하게 하는 왜곡이 존재하고, 색감적인 면에서는 그대로를 재현하기보다는 전체적인 조화를 위해 힘쓴 작품들을 선보였다. 1960~70년대에는 이전보다 다양하고 선명한 색채 감각을 엿볼 수 있는 작품을 제작하였고, 국제적인 활동의 영향 탓인지 세계를 화면에 담아냈다. 1980년대에는 서울이라는 도시에 애착을 가지며 서울 풍경을 소재로 끌어들였으며, 서울의 변천을 묘사함으로써 기록자와 같은 역할을 서슴지 않았다. 최덕휴의 <정릉과 미아리>(1982)는 서울 풍경을 집중적으로 그리던 시기의 대표작으로, 구상적이지만 사실적인 풍에 그치지 않고 비구상적인 표현방식을 시도한 흔적을 보여준다. 이는 그가 자연 풍경의 실체를 추구하기 위해 시각적인 차원을 넘어 형태적인 탐색에 대한 고민을 한 결과임을 알 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>최덕휴<|im_end|>

<|im_start|>6·25 전쟁에 잠여하면서도 개인전을 계속 열어 군인화백이라는 별명을 가진 인물은?<|im_end|>

<|im_start|>충남 홍성 출생인 최덕휴(崔德休, 1922-1998)는 일본 데이코쿠 미술학교에서 서양화를 전공했으며, 미술교사로 재직하며 교육계에서도 활동했다. 그는 일제 강점기에 항일운동 활동을 하였고 6·25 전쟁 때는 전쟁에 참여하면서도 개인전을 계속 열어 군인화백이라는 별명을 가지고 있다. 구상작가들의 단체인 목우회의 창립멤버였던 최덕휴는 주로 산과 전원, 도시, 부두, 어선 등의 풍경 중심의 작업을 선보이며 신자연주의라는 새로운 화풍을 모색했다. 작업 초기인 1940~50년대에는 형태적인 면에서 사실적이면서도 부분적으로 야수파를 연상하게 하는 왜곡이 존재하고, 색감적인 면에서는 그대로를 재현하기보다는 전체적인 조화를 위해 힘쓴 작품들을 선보였다. 1960~70년대에는 이전보다 다양하고 선명한 색채 감각을 엿볼 수 있는 작품을 제작하였고, 국제적인 활동의 영향 탓인지 세계를 화면에 담아냈다. 1980년대에는 서울이라는 도시에 애착을 가지며 서울 풍경을 소재로 끌어들였으며, 서울의 변천을 묘사함으로써 기록자와 같은 역할을 서슴지 않았다. 최덕휴의 <정릉과 미아리>(1982)는 서울 풍경을 집중적으로 그리던 시기의 대표작으로, 구상적이지만 사실적인 풍에 그치지 않고 비구상적인 표현방식을 시도한 흔적을 보여준다. 이는 그가 자연 풍경의 실체를 추구하기 위해 시각적인 차원을 넘어 형태적인 탐색에 대한 고민을 한 결과임을 알 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>목우회<|im_end|>

<|im_start|>구상작가들의 단체이자 최덕휴가 창립멤버였던 곳은?<|im_end|>

<|im_start|>충남 홍성 출생인 최덕휴(崔德休, 1922-1998)는 일본 데이코쿠 미술학교에서 서양화를 전공했으며, 미술교사로 재직하며 교육계에서도 활동했다. 그는 일제 강점기에 항일운동 활동을 하였고 6·25 전쟁 때는 전쟁에 참여하면서도 개인전을 계속 열어 군인화백이라는 별명을 가지고 있다. 구상작가들의 단체인 목우회의 창립멤버였던 최덕휴는 주로 산과 전원, 도시, 부두, 어선 등의 풍경 중심의 작업을 선보이며 신자연주의라는 새로운 화풍을 모색했다. 작업 초기인 1940~50년대에는 형태적인 면에서 사실적이면서도 부분적으로 야수파를 연상하게 하는 왜곡이 존재하고, 색감적인 면에서는 그대로를 재현하기보다는 전체적인 조화를 위해 힘쓴 작품들을 선보였다. 1960~70년대에는 이전보다 다양하고 선명한 색채 감각을 엿볼 수 있는 작품을 제작하였고, 국제적인 활동의 영향 탓인지 세계를 화면에 담아냈다. 1980년대에는 서울이라는 도시에 애착을 가지며 서울 풍경을 소재로 끌어들였으며, 서울의 변천을 묘사함으로써 기록자와 같은 역할을 서슴지 않았다. 최덕휴의 <정릉과 미아리>(1982)는 서울 풍경을 집중적으로 그리던 시기의 대표작으로, 구상적이지만 사실적인 풍에 그치지 않고 비구상적인 표현방식을 시도한 흔적을 보여준다. 이는 그가 자연 풍경의 실체를 추구하기 위해 시각적인 차원을 넘어 형태적인 탐색에 대한 고민을 한 결과임을 알 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>서울<|im_end|>

<|im_start|>1980년대에 최덕휴가 소재로 삼은 도시는?<|im_end|>

<|im_start|>충남 홍성 출생인 최덕휴(崔德休, 1922-1998)는 일본 데이코쿠 미술학교에서 서양화를 전공했으며, 미술교사로 재직하며 교육계에서도 활동했다. 그는 일제 강점기에 항일운동 활동을 하였고 6·25 전쟁 때는 전쟁에 참여하면서도 개인전을 계속 열어 군인화백이라는 별명을 가지고 있다. 구상작가들의 단체인 목우회의 창립멤버였던 최덕휴는 주로 산과 전원, 도시, 부두, 어선 등의 풍경 중심의 작업을 선보이며 신자연주의라는 새로운 화풍을 모색했다. 작업 초기인 1940~50년대에는 형태적인 면에서 사실적이면서도 부분적으로 야수파를 연상하게 하는 왜곡이 존재하고, 색감적인 면에서는 그대로를 재현하기보다는 전체적인 조화를 위해 힘쓴 작품들을 선보였다. 1960~70년대에는 이전보다 다양하고 선명한 색채 감각을 엿볼 수 있는 작품을 제작하였고, 국제적인 활동의 영향 탓인지 세계를 화면에 담아냈다. 1980년대에는 서울이라는 도시에 애착을 가지며 서울 풍경을 소재로 끌어들였으며, 서울의 변천을 묘사함으로써 기록자와 같은 역할을 서슴지 않았다. 최덕휴의 <정릉과 미아리>(1982)는 서울 풍경을 집중적으로 그리던 시기의 대표작으로, 구상적이지만 사실적인 풍에 그치지 않고 비구상적인 표현방식을 시도한 흔적을 보여준다. 이는 그가 자연 풍경의 실체를 추구하기 위해 시각적인 차원을 넘어 형태적인 탐색에 대한 고민을 한 결과임을 알 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>1982<|im_end|>

<|im_start|>최덕휴의 <정릉과 미아리>가 제작된 해는?<|im_end|>

<|im_start|>충남 홍성 출생인 최덕휴(崔德休, 1922-1998)는 일본 데이코쿠 미술학교에서 서양화를 전공했으며, 미술교사로 재직하며 교육계에서도 활동했다. 그는 일제 강점기에 항일운동 활동을 하였고 6·25 전쟁 때는 전쟁에 참여하면서도 개인전을 계속 열어 군인화백이라는 별명을 가지고 있다. 구상작가들의 단체인 목우회의 창립멤버였던 최덕휴는 주로 산과 전원, 도시, 부두, 어선 등의 풍경 중심의 작업을 선보이며 신자연주의라는 새로운 화풍을 모색했다. 작업 초기인 1940~50년대에는 형태적인 면에서 사실적이면서도 부분적으로 야수파를 연상하게 하는 왜곡이 존재하고, 색감적인 면에서는 그대로를 재현하기보다는 전체적인 조화를 위해 힘쓴 작품들을 선보였다. 1960~70년대에는 이전보다 다양하고 선명한 색채 감각을 엿볼 수 있는 작품을 제작하였고, 국제적인 활동의 영향 탓인지 세계를 화면에 담아냈다. 1980년대에는 서울이라는 도시에 애착을 가지며 서울 풍경을 소재로 끌어들였으며, 서울의 변천을 묘사함으로써 기록자와 같은 역할을 서슴지 않았다. 최덕휴의 <정릉과 미아리>(1982)는 서울 풍경을 집중적으로 그리던 시기의 대표작으로, 구상적이지만 사실적인 풍에 그치지 않고 비구상적인 표현방식을 시도한 흔적을 보여준다. 이는 그가 자연 풍경의 실체를 추구하기 위해 시각적인 차원을 넘어 형태적인 탐색에 대한 고민을 한 결과임을 알 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>1960~70년대<|im_end|>

<|im_start|>최덕휴가 이전보다 다양하고 선명한 색채 감각을 엿볼 수 있는 작품을 제작한 때는?<|im_end|>

<|im_start|>충남 홍성 출생인 최덕휴(崔德休, 1922-1998)는 일본 데이코쿠 미술학교에서 서양화를 전공했으며, 미술교사로 재직하며 교육계에서도 활동했다. 그는 일제 강점기에 항일운동 활동을 하였고 6·25 전쟁 때는 전쟁에 참여하면서도 개인전을 계속 열어 군인화백이라는 별명을 가지고 있다. 구상작가들의 단체인 목우회의 창립멤버였던 최덕휴는 주로 산과 전원, 도시, 부두, 어선 등의 풍경 중심의 작업을 선보이며 신자연주의라는 새로운 화풍을 모색했다. 작업 초기인 1940~50년대에는 형태적인 면에서 사실적이면서도 부분적으로 야수파를 연상하게 하는 왜곡이 존재하고, 색감적인 면에서는 그대로를 재현하기보다는 전체적인 조화를 위해 힘쓴 작품들을 선보였다. 1960~70년대에는 이전보다 다양하고 선명한 색채 감각을 엿볼 수 있는 작품을 제작하였고, 국제적인 활동의 영향 탓인지 세계를 화면에 담아냈다. 1980년대에는 서울이라는 도시에 애착을 가지며 서울 풍경을 소재로 끌어들였으며, 서울의 변천을 묘사함으로써 기록자와 같은 역할을 서슴지 않았다. 최덕휴의 <정릉과 미아리>(1982)는 서울 풍경을 집중적으로 그리던 시기의 대표작으로, 구상적이지만 사실적인 풍에 그치지 않고 비구상적인 표현방식을 시도한 흔적을 보여준다. 이는 그가 자연 풍경의 실체를 추구하기 위해 시각적인 차원을 넘어 형태적인 탐색에 대한 고민을 한 결과임을 알 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>전체적인 조화<|im_end|>

<|im_start|>1940~50년대에 최덕휴가 색감적인 면에서 힘쓴 부분은?<|im_end|>

<|im_start|>대전 출생인 유근영(柳根永, 1948-2016)은 홍익대학교와 동 대학원에서 미술대학을 졸업했다. 한국적 표현주의 화가라 불리는 그는 90년대 이후부터 길 주변에서 흔히 마주치는 풀 그리고 꽃과 같은 자연을 작품의 소재로 삼는다. 유근영은 자연을 보고 재현하는 것이 아닌 감상한 후 그것을 떠올려 작품 속에 담아내는 방식을 취하는데, 그래서인지 작품 속의 자연은 현실에는 존재하지 않는 자연으로 담긴다. 익숙하면서도 낯선 대상이 돼버린 자연은 고정적인 형상에 얽매이지 않고 끊임없이 새로운 것을 추구하고자 하는 그의 예술관을 그대로 보여주고 있다. 이는 과거 작업을 할 때 계속해서 그를 속박하던 모더니즘적 논리에서 벗어나기 위한 시도의 결과로, 유근영은 인식의 허상이나 허구적 개념들을 작품 속에서 모두 추방시키고자 했다. 유근영의 <엉뚱한 자연>(2008)이라는 작품 명제는 관람자에게 관념화되고 개념화된 자연을 투사하여 보고자 하는 것만을 보게끔 하고 그것이 실재하고 있다고 믿게 만드는 역할을 한다. 그는 이렇게 당연시되는 사고를 작품을 통해 지적하고 있으며, 강렬한 색채 대비와 거침없는 붓질로 인해 작품은 화려한 분위기를 풍긴다. 그러나 화려함은 우아함보단 불안함을 자아낸다.<|im_end|>

<|im_start|>유근영<|im_end|>

<|im_start|>한국적 표현주의 화가라 불리는 인물은?<|im_end|>

<|im_start|>대전 출생인 유근영(柳根永, 1948-2016)은 홍익대학교와 동 대학원에서 미술대학을 졸업했다. 한국적 표현주의 화가라 불리는 그는 90년대 이후부터 길 주변에서 흔히 마주치는 풀 그리고 꽃과 같은 자연을 작품의 소재로 삼는다. 유근영은 자연을 보고 재현하는 것이 아닌 감상한 후 그것을 떠올려 작품 속에 담아내는 방식을 취하는데, 그래서인지 작품 속의 자연은 현실에는 존재하지 않는 자연으로 담긴다. 익숙하면서도 낯선 대상이 돼버린 자연은 고정적인 형상에 얽매이지 않고 끊임없이 새로운 것을 추구하고자 하는 그의 예술관을 그대로 보여주고 있다. 이는 과거 작업을 할 때 계속해서 그를 속박하던 모더니즘적 논리에서 벗어나기 위한 시도의 결과로, 유근영은 인식의 허상이나 허구적 개념들을 작품 속에서 모두 추방시키고자 했다. 유근영의 <엉뚱한 자연>(2008)이라는 작품 명제는 관람자에게 관념화되고 개념화된 자연을 투사하여 보고자 하는 것만을 보게끔 하고 그것이 실재하고 있다고 믿게 만드는 역할을 한다. 그는 이렇게 당연시되는 사고를 작품을 통해 지적하고 있으며, 강렬한 색채 대비와 거침없는 붓질로 인해 작품은 화려한 분위기를 풍긴다. 그러나 화려함은 우아함보단 불안함을 자아낸다.<|im_end|>

<|im_start|>자연<|im_end|>

<|im_start|>1990년대 이후부터 유근영이 작품의 소재로 삼았던 것은?<|im_end|>

<|im_start|>대전 출생인 유근영(柳根永, 1948-2016)은 홍익대학교와 동 대학원에서 미술대학을 졸업했다. 한국적 표현주의 화가라 불리는 그는 90년대 이후부터 길 주변에서 흔히 마주치는 풀 그리고 꽃과 같은 자연을 작품의 소재로 삼는다. 유근영은 자연을 보고 재현하는 것이 아닌 감상한 후 그것을 떠올려 작품 속에 담아내는 방식을 취하는데, 그래서인지 작품 속의 자연은 현실에는 존재하지 않는 자연으로 담긴다. 익숙하면서도 낯선 대상이 돼버린 자연은 고정적인 형상에 얽매이지 않고 끊임없이 새로운 것을 추구하고자 하는 그의 예술관을 그대로 보여주고 있다. 이는 과거 작업을 할 때 계속해서 그를 속박하던 모더니즘적 논리에서 벗어나기 위한 시도의 결과로, 유근영은 인식의 허상이나 허구적 개념들을 작품 속에서 모두 추방시키고자 했다. 유근영의 <엉뚱한 자연>(2008)이라는 작품 명제는 관람자에게 관념화되고 개념화된 자연을 투사하여 보고자 하는 것만을 보게끔 하고 그것이 실재하고 있다고 믿게 만드는 역할을 한다. 그는 이렇게 당연시되는 사고를 작품을 통해 지적하고 있으며, 강렬한 색채 대비와 거침없는 붓질로 인해 작품은 화려한 분위기를 풍긴다. 그러나 화려함은 우아함보단 불안함을 자아낸다.<|im_end|>

<|im_start|>강렬한 색채 대비와 거침없는 붓질<|im_end|>

<|im_start|>유근영의 <엉뚱한 자연>이 화려한 분위기를 풍기는 이유는?<|im_end|>

<|im_start|>대전 출생인 유근영(柳根永, 1948-2016)은 홍익대학교와 동 대학원에서 미술대학을 졸업했다. 한국적 표현주의 화가라 불리는 그는 90년대 이후부터 길 주변에서 흔히 마주치는 풀 그리고 꽃과 같은 자연을 작품의 소재로 삼는다. 유근영은 자연을 보고 재현하는 것이 아닌 감상한 후 그것을 떠올려 작품 속에 담아내는 방식을 취하는데, 그래서인지 작품 속의 자연은 현실에는 존재하지 않는 자연으로 담긴다. 익숙하면서도 낯선 대상이 돼버린 자연은 고정적인 형상에 얽매이지 않고 끊임없이 새로운 것을 추구하고자 하는 그의 예술관을 그대로 보여주고 있다. 이는 과거 작업을 할 때 계속해서 그를 속박하던 모더니즘적 논리에서 벗어나기 위한 시도의 결과로, 유근영은 인식의 허상이나 허구적 개념들을 작품 속에서 모두 추방시키고자 했다. 유근영의 <엉뚱한 자연>(2008)이라는 작품 명제는 관람자에게 관념화되고 개념화된 자연을 투사하여 보고자 하는 것만을 보게끔 하고 그것이 실재하고 있다고 믿게 만드는 역할을 한다. 그는 이렇게 당연시되는 사고를 작품을 통해 지적하고 있으며, 강렬한 색채 대비와 거침없는 붓질로 인해 작품은 화려한 분위기를 풍긴다. 그러나 화려함은 우아함보단 불안함을 자아낸다.<|im_end|>

<|im_start|>홍익대학교<|im_end|>

<|im_start|>유근영이 졸업한 대학교는?<|im_end|>

<|im_start|>대전 출생인 유근영(柳根永, 1948-2016)은 홍익대학교와 동 대학원에서 미술대학을 졸업했다. 한국적 표현주의 화가라 불리는 그는 90년대 이후부터 길 주변에서 흔히 마주치는 풀 그리고 꽃과 같은 자연을 작품의 소재로 삼는다. 유근영은 자연을 보고 재현하는 것이 아닌 감상한 후 그것을 떠올려 작품 속에 담아내는 방식을 취하는데, 그래서인지 작품 속의 자연은 현실에는 존재하지 않는 자연으로 담긴다. 익숙하면서도 낯선 대상이 돼버린 자연은 고정적인 형상에 얽매이지 않고 끊임없이 새로운 것을 추구하고자 하는 그의 예술관을 그대로 보여주고 있다. 이는 과거 작업을 할 때 계속해서 그를 속박하던 모더니즘적 논리에서 벗어나기 위한 시도의 결과로, 유근영은 인식의 허상이나 허구적 개념들을 작품 속에서 모두 추방시키고자 했다. 유근영의 <엉뚱한 자연>(2008)이라는 작품 명제는 관람자에게 관념화되고 개념화된 자연을 투사하여 보고자 하는 것만을 보게끔 하고 그것이 실재하고 있다고 믿게 만드는 역할을 한다. 그는 이렇게 당연시되는 사고를 작품을 통해 지적하고 있으며, 강렬한 색채 대비와 거침없는 붓질로 인해 작품은 화려한 분위기를 풍긴다. 그러나 화려함은 우아함보단 불안함을 자아낸다.<|im_end|>

<|im_start|>2008<|im_end|>

<|im_start|><엉뚱한 자연>의 제작 연도는?<|im_end|>

<|im_start|>대전 출생인 유근영(柳根永, 1948-2016)은 홍익대학교와 동 대학원에서 미술대학을 졸업했다. 한국적 표현주의 화가라 불리는 그는 90년대 이후부터 길 주변에서 흔히 마주치는 풀 그리고 꽃과 같은 자연을 작품의 소재로 삼는다. 유근영은 자연을 보고 재현하는 것이 아닌 감상한 후 그것을 떠올려 작품 속에 담아내는 방식을 취하는데, 그래서인지 작품 속의 자연은 현실에는 존재하지 않는 자연으로 담긴다. 익숙하면서도 낯선 대상이 돼버린 자연은 고정적인 형상에 얽매이지 않고 끊임없이 새로운 것을 추구하고자 하는 그의 예술관을 그대로 보여주고 있다. 이는 과거 작업을 할 때 계속해서 그를 속박하던 모더니즘적 논리에서 벗어나기 위한 시도의 결과로, 유근영은 인식의 허상이나 허구적 개념들을 작품 속에서 모두 추방시키고자 했다. 유근영의 <엉뚱한 자연>(2008)이라는 작품 명제는 관람자에게 관념화되고 개념화된 자연을 투사하여 보고자 하는 것만을 보게끔 하고 그것이 실재하고 있다고 믿게 만드는 역할을 한다. 그는 이렇게 당연시되는 사고를 작품을 통해 지적하고 있으며, 강렬한 색채 대비와 거침없는 붓질로 인해 작품은 화려한 분위기를 풍긴다. 그러나 화려함은 우아함보단 불안함을 자아낸다.<|im_end|>

<|im_start|>떠올려 작품 속에 담아내는 방식<|im_end|>

<|im_start|>유근영이 자연을 작품 속에 담아내는 방법은?<|im_end|>

<|im_start|>인천 출생인 김경인(金京仁, 1941~)은 서울대학교와 동 대학원에서 서양화를 졸업했으며, 인하대학교 미술학과 명예교수이다. 그는 국내 화단에서 대표적인 리얼리즘 작가로 알려져 있으며, '문맹자'와 '소낭구' 연작이 유명하다. 대학원 졸업 후 무엇을 그릴 것인가에 대한 고민에서 출발하여 1970~80년대 당시의 군사정권 시기를 담아낸 것이 '문맹자' 연작이다. 김경인은 콜라주 기법을 활용하여 권력에 눈이 먼 정치인과 지식인들을 고발하는 사회비판적인 메시지를 담는 작품을 제작하여, 1981년에는 문제의 작가로 꼽히기도 했다. 1990년대에 들어서면서 사회의 다변적인 변화로 인해 민중미술의 한계에 직면한 그는 1991년부터는 소나무를 소재로 '소낭구' 연작을 선보이기 시작했다. 김경인은 소나무를 겨레의 얼로 보고 한국인의 생활과 정신을 상징적으로 표출하며, 20년 이상 소나무에 천착한 작업을 지속해오고 있어 소낭구작가로 불리기도 한다. 소나무가 가지고 있는 조형적인 힘에서 우리 미술이 지닌 건강하고 역동적인 생명력을 탐구해 서양화가 가진 붓질과 물감의 얼룩으로 표현하며 익숙함 속에서 이색적인 분위기를 이끌어낸다. 김경인의 <소멸>(1978)은 '문맹자' 연작 중 한 작품으로, 민중미술에 대한 열정을 담은 대표작이다.<|im_end|>

<|im_start|>김경인<|im_end|>

<|im_start|>국내 화단에서 대표적인 리얼리즘 작가로 알려진 인물은?<|im_end|>

<|im_start|>인천 출생인 김경인(金京仁, 1941~)은 서울대학교와 동 대학원에서 서양화를 졸업했으며, 인하대학교 미술학과 명예교수이다. 그는 국내 화단에서 대표적인 리얼리즘 작가로 알려져 있으며, '문맹자'와 '소낭구' 연작이 유명하다. 대학원 졸업 후 무엇을 그릴 것인가에 대한 고민에서 출발하여 1970~80년대 당시의 군사정권 시기를 담아낸 것이 '문맹자' 연작이다. 김경인은 콜라주 기법을 활용하여 권력에 눈이 먼 정치인과 지식인들을 고발하는 사회비판적인 메시지를 담는 작품을 제작하여, 1981년에는 문제의 작가로 꼽히기도 했다. 1990년대에 들어서면서 사회의 다변적인 변화로 인해 민중미술의 한계에 직면한 그는 1991년부터는 소나무를 소재로 '소낭구' 연작을 선보이기 시작했다. 김경인은 소나무를 겨레의 얼로 보고 한국인의 생활과 정신을 상징적으로 표출하며, 20년 이상 소나무에 천착한 작업을 지속해오고 있어 소낭구작가로 불리기도 한다. 소나무가 가지고 있는 조형적인 힘에서 우리 미술이 지닌 건강하고 역동적인 생명력을 탐구해 서양화가 가진 붓질과 물감의 얼룩으로 표현하며 익숙함 속에서 이색적인 분위기를 이끌어낸다. 김경인의 <소멸>(1978)은 '문맹자' 연작 중 한 작품으로, 민중미술에 대한 열정을 담은 대표작이다.<|im_end|>

<|im_start|>권력에 눈이 먼 정치인과 지식인<|im_end|>

<|im_start|>김경인이 콜라주 기법을 활용해 고발하고자 했던 사람들은?<|im_end|>

<|im_start|>인천 출생인 김경인(金京仁, 1941~)은 서울대학교와 동 대학원에서 서양화를 졸업했으며, 인하대학교 미술학과 명예교수이다. 그는 국내 화단에서 대표적인 리얼리즘 작가로 알려져 있으며, '문맹자'와 '소낭구' 연작이 유명하다. 대학원 졸업 후 무엇을 그릴 것인가에 대한 고민에서 출발하여 1970~80년대 당시의 군사정권 시기를 담아낸 것이 '문맹자' 연작이다. 김경인은 콜라주 기법을 활용하여 권력에 눈이 먼 정치인과 지식인들을 고발하는 사회비판적인 메시지를 담는 작품을 제작하여, 1981년에는 문제의 작가로 꼽히기도 했다. 1990년대에 들어서면서 사회의 다변적인 변화로 인해 민중미술의 한계에 직면한 그는 1991년부터는 소나무를 소재로 '소낭구' 연작을 선보이기 시작했다. 김경인은 소나무를 겨레의 얼로 보고 한국인의 생활과 정신을 상징적으로 표출하며, 20년 이상 소나무에 천착한 작업을 지속해오고 있어 소낭구작가로 불리기도 한다. 소나무가 가지고 있는 조형적인 힘에서 우리 미술이 지닌 건강하고 역동적인 생명력을 탐구해 서양화가 가진 붓질과 물감의 얼룩으로 표현하며 익숙함 속에서 이색적인 분위기를 이끌어낸다. 김경인의 <소멸>(1978)은 '문맹자' 연작 중 한 작품으로, 민중미술에 대한 열정을 담은 대표작이다.<|im_end|>

<|im_start|>1991년<|im_end|>

<|im_start|>김경인이 소나무를 소재로 작품을 선보이기 시작한 해는?<|im_end|>

<|im_start|>인천 출생인 김경인(金京仁, 1941~)은 서울대학교와 동 대학원에서 서양화를 졸업했으며, 인하대학교 미술학과 명예교수이다. 그는 국내 화단에서 대표적인 리얼리즘 작가로 알려져 있으며, '문맹자'와 '소낭구' 연작이 유명하다. 대학원 졸업 후 무엇을 그릴 것인가에 대한 고민에서 출발하여 1970~80년대 당시의 군사정권 시기를 담아낸 것이 '문맹자' 연작이다. 김경인은 콜라주 기법을 활용하여 권력에 눈이 먼 정치인과 지식인들을 고발하는 사회비판적인 메시지를 담는 작품을 제작하여, 1981년에는 문제의 작가로 꼽히기도 했다. 1990년대에 들어서면서 사회의 다변적인 변화로 인해 민중미술의 한계에 직면한 그는 1991년부터는 소나무를 소재로 '소낭구' 연작을 선보이기 시작했다. 김경인은 소나무를 겨레의 얼로 보고 한국인의 생활과 정신을 상징적으로 표출하며, 20년 이상 소나무에 천착한 작업을 지속해오고 있어 소낭구작가로 불리기도 한다. 소나무가 가지고 있는 조형적인 힘에서 우리 미술이 지닌 건강하고 역동적인 생명력을 탐구해 서양화가 가진 붓질과 물감의 얼룩으로 표현하며 익숙함 속에서 이색적인 분위기를 이끌어낸다. 김경인의 <소멸>(1978)은 '문맹자' 연작 중 한 작품으로, 민중미술에 대한 열정을 담은 대표작이다.<|im_end|>

<|im_start|>소멸<|im_end|>

<|im_start|>민중미술에 대한 열정을 담은 김경인의 대표작은?<|im_end|>

<|im_start|>인천 출생인 김경인(金京仁, 1941~)은 서울대학교와 동 대학원에서 서양화를 졸업했으며, 인하대학교 미술학과 명예교수이다. 그는 국내 화단에서 대표적인 리얼리즘 작가로 알려져 있으며, '문맹자'와 '소낭구' 연작이 유명하다. 대학원 졸업 후 무엇을 그릴 것인가에 대한 고민에서 출발하여 1970~80년대 당시의 군사정권 시기를 담아낸 것이 '문맹자' 연작이다. 김경인은 콜라주 기법을 활용하여 권력에 눈이 먼 정치인과 지식인들을 고발하는 사회비판적인 메시지를 담는 작품을 제작하여, 1981년에는 문제의 작가로 꼽히기도 했다. 1990년대에 들어서면서 사회의 다변적인 변화로 인해 민중미술의 한계에 직면한 그는 1991년부터는 소나무를 소재로 '소낭구' 연작을 선보이기 시작했다. 김경인은 소나무를 겨레의 얼로 보고 한국인의 생활과 정신을 상징적으로 표출하며, 20년 이상 소나무에 천착한 작업을 지속해오고 있어 소낭구작가로 불리기도 한다. 소나무가 가지고 있는 조형적인 힘에서 우리 미술이 지닌 건강하고 역동적인 생명력을 탐구해 서양화가 가진 붓질과 물감의 얼룩으로 표현하며 익숙함 속에서 이색적인 분위기를 이끌어낸다. 김경인의 <소멸>(1978)은 '문맹자' 연작 중 한 작품으로, 민중미술에 대한 열정을 담은 대표작이다.<|im_end|>

<|im_start|>인하대학교<|im_end|>

<|im_start|>김경인이 미술학과 명예교수로 있는 학교는?<|im_end|>

<|im_start|>인천 출생인 김경인(金京仁, 1941~)은 서울대학교와 동 대학원에서 서양화를 졸업했으며, 인하대학교 미술학과 명예교수이다. 그는 국내 화단에서 대표적인 리얼리즘 작가로 알려져 있으며, '문맹자'와 '소낭구' 연작이 유명하다. 대학원 졸업 후 무엇을 그릴 것인가에 대한 고민에서 출발하여 1970~80년대 당시의 군사정권 시기를 담아낸 것이 '문맹자' 연작이다. 김경인은 콜라주 기법을 활용하여 권력에 눈이 먼 정치인과 지식인들을 고발하는 사회비판적인 메시지를 담는 작품을 제작하여, 1981년에는 문제의 작가로 꼽히기도 했다. 1990년대에 들어서면서 사회의 다변적인 변화로 인해 민중미술의 한계에 직면한 그는 1991년부터는 소나무를 소재로 '소낭구' 연작을 선보이기 시작했다. 김경인은 소나무를 겨레의 얼로 보고 한국인의 생활과 정신을 상징적으로 표출하며, 20년 이상 소나무에 천착한 작업을 지속해오고 있어 소낭구작가로 불리기도 한다. 소나무가 가지고 있는 조형적인 힘에서 우리 미술이 지닌 건강하고 역동적인 생명력을 탐구해 서양화가 가진 붓질과 물감의 얼룩으로 표현하며 익숙함 속에서 이색적인 분위기를 이끌어낸다. 김경인의 <소멸>(1978)은 '문맹자' 연작 중 한 작품으로, 민중미술에 대한 열정을 담은 대표작이다.<|im_end|>

<|im_start|>20년<|im_end|>

<|im_start|>김경인이 소나무에 천착한 작업을 지속해온 기간은?<|im_end|>

<|im_start|>박봉춘(1958~)은 경북대학교의 서양화과와 홍익대학교 교육대학원을 졸업했다. 작업 초기에는 현대 도시의 삶을 은유적으로 표현하기 위해 황폐한 땅의 이미지를 소재로 삼았다. 현대문명과 원시문명을 상징하는 소재를 함께 사용하여 현대문명으로 인해 변색되어버린 땅에서 자연으로서의 기억의 땅을 끄집어내고자 하였다. 그러나 이후 그의 작업에서는 변화의 양상이 보이는데, 단색의 화면에 칼로 선을 그어 전통 산수화의 풍경이나 유명 인사들의 이미지를 제작하기 시작했다. 박봉춘은 화면에 칼로 그어 만든 선을 음으로, 음이 생기기 이전의 색·면을 양으로 상정하여, 선과 면, 즉 음과 양의 조화가 그의 작품을 완성하게 하는 핵심 요소라 보았다. 박봉춘의 <몽유산수도夢遊山水圖-0901>(2009)는 그가 어린 시절 접했던 무협지의 영향을 받은 것에 기인하며, 그의 몽유산수는 피안의 세계로 시간과 공간 그리고 죽음까지 벗어난 탈속의 세계이다. 형체는 없지만 이치는 있다는 무형상성의 개념에 입각하여 사실적인 재현에만 매료되지 않고 부재가 존재를 증명하듯 존재에 대한 느낌을 감각에 의지하여 표현했다. 그는 작품을 통해 물질문명으로 척박해진 사회에서 심신이 지친 현대인들에게 꿈같은 휴식을 전하고자 했다.<|im_end|>

<|im_start|>황폐한 땅의 이미지<|im_end|>

<|im_start|>현대 도시의 삶을 은유적으로 표현하기 위해 작가가 소재로 삼은 것은?<|im_end|>

<|im_start|>박봉춘(1958~)은 경북대학교의 서양화과와 홍익대학교 교육대학원을 졸업했다. 작업 초기에는 현대 도시의 삶을 은유적으로 표현하기 위해 황폐한 땅의 이미지를 소재로 삼았다. 현대문명과 원시문명을 상징하는 소재를 함께 사용하여 현대문명으로 인해 변색되어버린 땅에서 자연으로서의 기억의 땅을 끄집어내고자 하였다. 그러나 이후 그의 작업에서는 변화의 양상이 보이는데, 단색의 화면에 칼로 선을 그어 전통 산수화의 풍경이나 유명 인사들의 이미지를 제작하기 시작했다. 박봉춘은 화면에 칼로 그어 만든 선을 음으로, 음이 생기기 이전의 색·면을 양으로 상정하여, 선과 면, 즉 음과 양의 조화가 그의 작품을 완성하게 하는 핵심 요소라 보았다. 박봉춘의 <몽유산수도夢遊山水圖-0901>(2009)는 그가 어린 시절 접했던 무협지의 영향을 받은 것에 기인하며, 그의 몽유산수는 피안의 세계로 시간과 공간 그리고 죽음까지 벗어난 탈속의 세계이다. 형체는 없지만 이치는 있다는 무형상성의 개념에 입각하여 사실적인 재현에만 매료되지 않고 부재가 존재를 증명하듯 존재에 대한 느낌을 감각에 의지하여 표현했다. 그는 작품을 통해 물질문명으로 척박해진 사회에서 심신이 지친 현대인들에게 꿈같은 휴식을 전하고자 했다.<|im_end|>

<|im_start|>2009<|im_end|>

<|im_start|>박봉춘의 <몽유산수도>가 제작된 해는?<|im_end|>

<|im_start|>박봉춘(1958~)은 경북대학교의 서양화과와 홍익대학교 교육대학원을 졸업했다. 작업 초기에는 현대 도시의 삶을 은유적으로 표현하기 위해 황폐한 땅의 이미지를 소재로 삼았다. 현대문명과 원시문명을 상징하는 소재를 함께 사용하여 현대문명으로 인해 변색되어버린 땅에서 자연으로서의 기억의 땅을 끄집어내고자 하였다. 그러나 이후 그의 작업에서는 변화의 양상이 보이는데, 단색의 화면에 칼로 선을 그어 전통 산수화의 풍경이나 유명 인사들의 이미지를 제작하기 시작했다. 박봉춘은 화면에 칼로 그어 만든 선을 음으로, 음이 생기기 이전의 색·면을 양으로 상정하여, 선과 면, 즉 음과 양의 조화가 그의 작품을 완성하게 하는 핵심 요소라 보았다. 박봉춘의 <몽유산수도夢遊山水圖-0901>(2009)는 그가 어린 시절 접했던 무협지의 영향을 받은 것에 기인하며, 그의 몽유산수는 피안의 세계로 시간과 공간 그리고 죽음까지 벗어난 탈속의 세계이다. 형체는 없지만 이치는 있다는 무형상성의 개념에 입각하여 사실적인 재현에만 매료되지 않고 부재가 존재를 증명하듯 존재에 대한 느낌을 감각에 의지하여 표현했다. 그는 작품을 통해 물질문명으로 척박해진 사회에서 심신이 지친 현대인들에게 꿈같은 휴식을 전하고자 했다.<|im_end|>

<|im_start|>몽유산수도<|im_end|>

<|im_start|>어린 시절 접했던 무협지의 영향을 받은 박봉춘의 작품은?<|im_end|>

<|im_start|>박봉춘(1958~)은 경북대학교의 서양화과와 홍익대학교 교육대학원을 졸업했다. 작업 초기에는 현대 도시의 삶을 은유적으로 표현하기 위해 황폐한 땅의 이미지를 소재로 삼았다. 현대문명과 원시문명을 상징하는 소재를 함께 사용하여 현대문명으로 인해 변색되어버린 땅에서 자연으로서의 기억의 땅을 끄집어내고자 하였다. 그러나 이후 그의 작업에서는 변화의 양상이 보이는데, 단색의 화면에 칼로 선을 그어 전통 산수화의 풍경이나 유명 인사들의 이미지를 제작하기 시작했다. 박봉춘은 화면에 칼로 그어 만든 선을 음으로, 음이 생기기 이전의 색·면을 양으로 상정하여, 선과 면, 즉 음과 양의 조화가 그의 작품을 완성하게 하는 핵심 요소라 보았다. 박봉춘의 <몽유산수도夢遊山水圖-0901>(2009)는 그가 어린 시절 접했던 무협지의 영향을 받은 것에 기인하며, 그의 몽유산수는 피안의 세계로 시간과 공간 그리고 죽음까지 벗어난 탈속의 세계이다. 형체는 없지만 이치는 있다는 무형상성의 개념에 입각하여 사실적인 재현에만 매료되지 않고 부재가 존재를 증명하듯 존재에 대한 느낌을 감각에 의지하여 표현했다. 그는 작품을 통해 물질문명으로 척박해진 사회에서 심신이 지친 현대인들에게 꿈같은 휴식을 전하고자 했다.<|im_end|>

<|im_start|>경북대학교<|im_end|>

<|im_start|>박봉춘이 졸업한 대학교는?<|im_end|>

<|im_start|>박봉춘(1958~)은 경북대학교의 서양화과와 홍익대학교 교육대학원을 졸업했다. 작업 초기에는 현대 도시의 삶을 은유적으로 표현하기 위해 황폐한 땅의 이미지를 소재로 삼았다. 현대문명과 원시문명을 상징하는 소재를 함께 사용하여 현대문명으로 인해 변색되어버린 땅에서 자연으로서의 기억의 땅을 끄집어내고자 하였다. 그러나 이후 그의 작업에서는 변화의 양상이 보이는데, 단색의 화면에 칼로 선을 그어 전통 산수화의 풍경이나 유명 인사들의 이미지를 제작하기 시작했다. 박봉춘은 화면에 칼로 그어 만든 선을 음으로, 음이 생기기 이전의 색·면을 양으로 상정하여, 선과 면, 즉 음과 양의 조화가 그의 작품을 완성하게 하는 핵심 요소라 보았다. 박봉춘의 <몽유산수도夢遊山水圖-0901>(2009)는 그가 어린 시절 접했던 무협지의 영향을 받은 것에 기인하며, 그의 몽유산수는 피안의 세계로 시간과 공간 그리고 죽음까지 벗어난 탈속의 세계이다. 형체는 없지만 이치는 있다는 무형상성의 개념에 입각하여 사실적인 재현에만 매료되지 않고 부재가 존재를 증명하듯 존재에 대한 느낌을 감각에 의지하여 표현했다. 그는 작품을 통해 물질문명으로 척박해진 사회에서 심신이 지친 현대인들에게 꿈같은 휴식을 전하고자 했다.<|im_end|>

<|im_start|>심신이 지친 현대인<|im_end|>

<|im_start|>박봉춘이 <몽유산수도>를 통해 꿈같은 휴식을 전해주고자 했던 이들은?<|im_end|>

<|im_start|>박봉춘(1958~)은 경북대학교의 서양화과와 홍익대학교 교육대학원을 졸업했다. 작업 초기에는 현대 도시의 삶을 은유적으로 표현하기 위해 황폐한 땅의 이미지를 소재로 삼았다. 현대문명과 원시문명을 상징하는 소재를 함께 사용하여 현대문명으로 인해 변색되어버린 땅에서 자연으로서의 기억의 땅을 끄집어내고자 하였다. 그러나 이후 그의 작업에서는 변화의 양상이 보이는데, 단색의 화면에 칼로 선을 그어 전통 산수화의 풍경이나 유명 인사들의 이미지를 제작하기 시작했다. 박봉춘은 화면에 칼로 그어 만든 선을 음으로, 음이 생기기 이전의 색·면을 양으로 상정하여, 선과 면, 즉 음과 양의 조화가 그의 작품을 완성하게 하는 핵심 요소라 보았다. 박봉춘의 <몽유산수도夢遊山水圖-0901>(2009)는 그가 어린 시절 접했던 무협지의 영향을 받은 것에 기인하며, 그의 몽유산수는 피안의 세계로 시간과 공간 그리고 죽음까지 벗어난 탈속의 세계이다. 형체는 없지만 이치는 있다는 무형상성의 개념에 입각하여 사실적인 재현에만 매료되지 않고 부재가 존재를 증명하듯 존재에 대한 느낌을 감각에 의지하여 표현했다. 그는 작품을 통해 물질문명으로 척박해진 사회에서 심신이 지친 현대인들에게 꿈같은 휴식을 전하고자 했다.<|im_end|>

<|im_start|>화면에 칼로 그어 만든 선<|im_end|>

<|im_start|>박봉춘이 작품에서 음으로 상정했던 선을 만드는 방법은?<|im_end|>

<|im_start|>경상북도 상주에서 태어난 김구림(1936~)은 뉴욕 아트스튜던츠리그에서 회화 및 판화를, 도쿄에서는 판화를 수학했다. 그는 전통적인 회화 작업으로 출발하였으나, 1960년대에 매체 실험기를 거치면서 다양한 예술 장르를 선보이기 시작했다. 한국 최초의 전위 실험영화 <1\\\\\/24초의 의미>(1969), 한국 최초의 대지 미술 <현상에서 흔적으로>(1970), 한국 최초의 메일아트 <매스미디어의 유물>(1970), 한국 최초의 일렉트릭 아트 <공간구조 69>(1969) 등과 같은 아방가르드한 작품을 선보인 김구림은 국내 최초라는 타이틀을 다수 보유하고 있다. 1970년대 초에는 AG(아방가르드협회)에 가담하여 개념적인 작업에 더욱 몰두하면서 국제적인 명성을 쌓아갔다. 1970년대 중반부터는 리소그래프, 드라이포인트, 메조틴트, 에칭 등 다양한 판화 기법을 섭렵하기도 했다. 1980년대 중반에 들어서 뉴욕으로 유학기를 가진 그는 이때부터 자연이란 무엇인가에 대한 관심을 가지게 되면서 '음과 양' 연작을 시작하게 된다. 현재까지도 끊임없이 도전하는 정신으로 작업에 임하는 김구림은 유행만 쫓기 바쁜 미술계의 현 주소를 뒤돌아보게 만든다. 김구림의 <음양3–S 18>(2003)은 자연이 음과 양으로 이루어져있다는 동양적인 사상에 기반으로 서로 대립되는 둘의 존재 혹은 하나가 가지고 있는 양면성을 다루는 작품이다.<|im_end|>

<|im_start|>뉴욕 아트스튜던츠리그<|im_end|>

<|im_start|>김구림이 회화 및 판화를 수학했던 학교는?<|im_end|>

<|im_start|>경상북도 상주에서 태어난 김구림(1936~)은 뉴욕 아트스튜던츠리그에서 회화 및 판화를, 도쿄에서는 판화를 수학했다. 그는 전통적인 회화 작업으로 출발하였으나, 1960년대에 매체 실험기를 거치면서 다양한 예술 장르를 선보이기 시작했다. 한국 최초의 전위 실험영화 <1\\\\\/24초의 의미>(1969), 한국 최초의 대지 미술 <현상에서 흔적으로>(1970), 한국 최초의 메일아트 <매스미디어의 유물>(1970), 한국 최초의 일렉트릭 아트 <공간구조 69>(1969) 등과 같은 아방가르드한 작품을 선보인 김구림은 국내 최초라는 타이틀을 다수 보유하고 있다. 1970년대 초에는 AG(아방가르드협회)에 가담하여 개념적인 작업에 더욱 몰두하면서 국제적인 명성을 쌓아갔다. 1970년대 중반부터는 리소그래프, 드라이포인트, 메조틴트, 에칭 등 다양한 판화 기법을 섭렵하기도 했다. 1980년대 중반에 들어서 뉴욕으로 유학기를 가진 그는 이때부터 자연이란 무엇인가에 대한 관심을 가지게 되면서 '음과 양' 연작을 시작하게 된다. 현재까지도 끊임없이 도전하는 정신으로 작업에 임하는 김구림은 유행만 쫓기 바쁜 미술계의 현 주소를 뒤돌아보게 만든다. 김구림의 <음양3–S 18>(2003)은 자연이 음과 양으로 이루어져있다는 동양적인 사상에 기반으로 서로 대립되는 둘의 존재 혹은 하나가 가지고 있는 양면성을 다루는 작품이다.<|im_end|>

<|im_start|>김구림<|im_end|>

<|im_start|>국내 최초라는 타이틀을 다수 보유하며, 아방가르드한 작품을 선보인 인물은?<|im_end|>

<|im_start|>경상북도 상주에서 태어난 김구림(1936~)은 뉴욕 아트스튜던츠리그에서 회화 및 판화를, 도쿄에서는 판화를 수학했다. 그는 전통적인 회화 작업으로 출발하였으나, 1960년대에 매체 실험기를 거치면서 다양한 예술 장르를 선보이기 시작했다. 한국 최초의 전위 실험영화 <1\\\\\/24초의 의미>(1969), 한국 최초의 대지 미술 <현상에서 흔적으로>(1970), 한국 최초의 메일아트 <매스미디어의 유물>(1970), 한국 최초의 일렉트릭 아트 <공간구조 69>(1969) 등과 같은 아방가르드한 작품을 선보인 김구림은 국내 최초라는 타이틀을 다수 보유하고 있다. 1970년대 초에는 AG(아방가르드협회)에 가담하여 개념적인 작업에 더욱 몰두하면서 국제적인 명성을 쌓아갔다. 1970년대 중반부터는 리소그래프, 드라이포인트, 메조틴트, 에칭 등 다양한 판화 기법을 섭렵하기도 했다. 1980년대 중반에 들어서 뉴욕으로 유학기를 가진 그는 이때부터 자연이란 무엇인가에 대한 관심을 가지게 되면서 '음과 양' 연작을 시작하게 된다. 현재까지도 끊임없이 도전하는 정신으로 작업에 임하는 김구림은 유행만 쫓기 바쁜 미술계의 현 주소를 뒤돌아보게 만든다. 김구림의 <음양3–S 18>(2003)은 자연이 음과 양으로 이루어져있다는 동양적인 사상에 기반으로 서로 대립되는 둘의 존재 혹은 하나가 가지고 있는 양면성을 다루는 작품이다.<|im_end|>

<|im_start|>AG(아방가르드협회)<|im_end|>

<|im_start|>1970년대 초에 김구림이 가담한 협회는?<|im_end|>

<|im_start|>경상북도 상주에서 태어난 김구림(1936~)은 뉴욕 아트스튜던츠리그에서 회화 및 판화를, 도쿄에서는 판화를 수학했다. 그는 전통적인 회화 작업으로 출발하였으나, 1960년대에 매체 실험기를 거치면서 다양한 예술 장르를 선보이기 시작했다. 한국 최초의 전위 실험영화 <1\\\\\/24초의 의미>(1969), 한국 최초의 대지 미술 <현상에서 흔적으로>(1970), 한국 최초의 메일아트 <매스미디어의 유물>(1970), 한국 최초의 일렉트릭 아트 <공간구조 69>(1969) 등과 같은 아방가르드한 작품을 선보인 김구림은 국내 최초라는 타이틀을 다수 보유하고 있다. 1970년대 초에는 AG(아방가르드협회)에 가담하여 개념적인 작업에 더욱 몰두하면서 국제적인 명성을 쌓아갔다. 1970년대 중반부터는 리소그래프, 드라이포인트, 메조틴트, 에칭 등 다양한 판화 기법을 섭렵하기도 했다. 1980년대 중반에 들어서 뉴욕으로 유학기를 가진 그는 이때부터 자연이란 무엇인가에 대한 관심을 가지게 되면서 '음과 양' 연작을 시작하게 된다. 현재까지도 끊임없이 도전하는 정신으로 작업에 임하는 김구림은 유행만 쫓기 바쁜 미술계의 현 주소를 뒤돌아보게 만든다. 김구림의 <음양3–S 18>(2003)은 자연이 음과 양으로 이루어져있다는 동양적인 사상에 기반으로 서로 대립되는 둘의 존재 혹은 하나가 가지고 있는 양면성을 다루는 작품이다.<|im_end|>

<|im_start|>2003<|im_end|>

<|im_start|><음양3–S 18>이 제작된 해는?<|im_end|>

<|im_start|>경상북도 상주에서 태어난 김구림(1936~)은 뉴욕 아트스튜던츠리그에서 회화 및 판화를, 도쿄에서는 판화를 수학했다. 그는 전통적인 회화 작업으로 출발하였으나, 1960년대에 매체 실험기를 거치면서 다양한 예술 장르를 선보이기 시작했다. 한국 최초의 전위 실험영화 <1\\\\\/24초의 의미>(1969), 한국 최초의 대지 미술 <현상에서 흔적으로>(1970), 한국 최초의 메일아트 <매스미디어의 유물>(1970), 한국 최초의 일렉트릭 아트 <공간구조 69>(1969) 등과 같은 아방가르드한 작품을 선보인 김구림은 국내 최초라는 타이틀을 다수 보유하고 있다. 1970년대 초에는 AG(아방가르드협회)에 가담하여 개념적인 작업에 더욱 몰두하면서 국제적인 명성을 쌓아갔다. 1970년대 중반부터는 리소그래프, 드라이포인트, 메조틴트, 에칭 등 다양한 판화 기법을 섭렵하기도 했다. 1980년대 중반에 들어서 뉴욕으로 유학기를 가진 그는 이때부터 자연이란 무엇인가에 대한 관심을 가지게 되면서 '음과 양' 연작을 시작하게 된다. 현재까지도 끊임없이 도전하는 정신으로 작업에 임하는 김구림은 유행만 쫓기 바쁜 미술계의 현 주소를 뒤돌아보게 만든다. 김구림의 <음양3–S 18>(2003)은 자연이 음과 양으로 이루어져있다는 동양적인 사상에 기반으로 서로 대립되는 둘의 존재 혹은 하나가 가지고 있는 양면성을 다루는 작품이다.<|im_end|>

<|im_start|>한국 최초의 일렉트릭 아트<|im_end|>

<|im_start|>김구림의 <공간구조 69> 특징은?<|im_end|>

<|im_start|>경상북도 상주에서 태어난 김구림(1936~)은 뉴욕 아트스튜던츠리그에서 회화 및 판화를, 도쿄에서는 판화를 수학했다. 그는 전통적인 회화 작업으로 출발하였으나, 1960년대에 매체 실험기를 거치면서 다양한 예술 장르를 선보이기 시작했다. 한국 최초의 전위 실험영화 <1\\\\\/24초의 의미>(1969), 한국 최초의 대지 미술 <현상에서 흔적으로>(1970), 한국 최초의 메일아트 <매스미디어의 유물>(1970), 한국 최초의 일렉트릭 아트 <공간구조 69>(1969) 등과 같은 아방가르드한 작품을 선보인 김구림은 국내 최초라는 타이틀을 다수 보유하고 있다. 1970년대 초에는 AG(아방가르드협회)에 가담하여 개념적인 작업에 더욱 몰두하면서 국제적인 명성을 쌓아갔다. 1970년대 중반부터는 리소그래프, 드라이포인트, 메조틴트, 에칭 등 다양한 판화 기법을 섭렵하기도 했다. 1980년대 중반에 들어서 뉴욕으로 유학기를 가진 그는 이때부터 자연이란 무엇인가에 대한 관심을 가지게 되면서 '음과 양' 연작을 시작하게 된다. 현재까지도 끊임없이 도전하는 정신으로 작업에 임하는 김구림은 유행만 쫓기 바쁜 미술계의 현 주소를 뒤돌아보게 만든다. 김구림의 <음양3–S 18>(2003)은 자연이 음과 양으로 이루어져있다는 동양적인 사상에 기반으로 서로 대립되는 둘의 존재 혹은 하나가 가지고 있는 양면성을 다루는 작품이다.<|im_end|>

<|im_start|>현상에서 흔적으로<|im_end|>

<|im_start|>한국 최초의 대지 미술은?<|im_end|>

<|im_start|>경기도 개성 출생인 김인승(金仁承, 1911-2001)은 도쿄미술학교에서 서양화를 졸업한 한국 서양화 1세대 화가로, 한국 근대 조각의 1세대 작가인 김경승을 동생으로 두었다. 그는 일본 유학 시절에 배운 아카데믹한 화풍과 뛰어난 소묘력으로 작업 초기에는 인물화를 그렸으며, 인물화 중에서도 중산층의 소녀나 여인을 주 소재로 삼았다. 여인의 모습을 묘사한 김인승의 작품들은 한때 유행처럼 번져 국전에서 심심치 않게 볼 수 있는 유형의 작품으로 정형화되기도 했으며, 1970년대까지 계속된 한국 구상회화의 전개 시기에 큰 영향을 미쳤다. 그러나 1974년 미국으로 이주한 이후에는 장미와 모란으로 소재를 바꿔 작업 활동을 이어나가게 되면서, 장미 작가 혹은 모란 작가로 더 많이 알려져 있다. 구상적인 사실주의를 추구하며 한국 아카데미즘 미술의 전통을 확립한 작가이긴 하지만 친일 행각으로 인해 아직까지 확실한 평가가 내려지지 않은 상태이다. 김인승의 <분홍장미>(1984)는 미국으로 이주한 후 제작하기 시작한 '장미' 연작으로, 초기 작업에서 보여주는 것과 다를 바 없이 정확한 관찰력과 세밀한 묘사력을 통해 대상을 재현하고 있다. 소재의 변화만 있을 뿐, 그의 화풍은 지속적으로 사실주의에 기반하고 있음을 알 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>김경승<|im_end|>

<|im_start|>한국 근대 조각의 1세대 작가는?<|im_end|>

<|im_start|>경기도 개성 출생인 김인승(金仁承, 1911-2001)은 도쿄미술학교에서 서양화를 졸업한 한국 서양화 1세대 화가로, 한국 근대 조각의 1세대 작가인 김경승을 동생으로 두었다. 그는 일본 유학 시절에 배운 아카데믹한 화풍과 뛰어난 소묘력으로 작업 초기에는 인물화를 그렸으며, 인물화 중에서도 중산층의 소녀나 여인을 주 소재로 삼았다. 여인의 모습을 묘사한 김인승의 작품들은 한때 유행처럼 번져 국전에서 심심치 않게 볼 수 있는 유형의 작품으로 정형화되기도 했으며, 1970년대까지 계속된 한국 구상회화의 전개 시기에 큰 영향을 미쳤다. 그러나 1974년 미국으로 이주한 이후에는 장미와 모란으로 소재를 바꿔 작업 활동을 이어나가게 되면서, 장미 작가 혹은 모란 작가로 더 많이 알려져 있다. 구상적인 사실주의를 추구하며 한국 아카데미즘 미술의 전통을 확립한 작가이긴 하지만 친일 행각으로 인해 아직까지 확실한 평가가 내려지지 않은 상태이다. 김인승의 <분홍장미>(1984)는 미국으로 이주한 후 제작하기 시작한 '장미' 연작으로, 초기 작업에서 보여주는 것과 다를 바 없이 정확한 관찰력과 세밀한 묘사력을 통해 대상을 재현하고 있다. 소재의 변화만 있을 뿐, 그의 화풍은 지속적으로 사실주의에 기반하고 있음을 알 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>중산층의 소녀나 여인<|im_end|>

<|im_start|>인물화 중에서도 김인승이 주로 소재로 삼은 인물은?<|im_end|>

<|im_start|>경기도 개성 출생인 김인승(金仁承, 1911-2001)은 도쿄미술학교에서 서양화를 졸업한 한국 서양화 1세대 화가로, 한국 근대 조각의 1세대 작가인 김경승을 동생으로 두었다. 그는 일본 유학 시절에 배운 아카데믹한 화풍과 뛰어난 소묘력으로 작업 초기에는 인물화를 그렸으며, 인물화 중에서도 중산층의 소녀나 여인을 주 소재로 삼았다. 여인의 모습을 묘사한 김인승의 작품들은 한때 유행처럼 번져 국전에서 심심치 않게 볼 수 있는 유형의 작품으로 정형화되기도 했으며, 1970년대까지 계속된 한국 구상회화의 전개 시기에 큰 영향을 미쳤다. 그러나 1974년 미국으로 이주한 이후에는 장미와 모란으로 소재를 바꿔 작업 활동을 이어나가게 되면서, 장미 작가 혹은 모란 작가로 더 많이 알려져 있다. 구상적인 사실주의를 추구하며 한국 아카데미즘 미술의 전통을 확립한 작가이긴 하지만 친일 행각으로 인해 아직까지 확실한 평가가 내려지지 않은 상태이다. 김인승의 <분홍장미>(1984)는 미국으로 이주한 후 제작하기 시작한 '장미' 연작으로, 초기 작업에서 보여주는 것과 다를 바 없이 정확한 관찰력과 세밀한 묘사력을 통해 대상을 재현하고 있다. 소재의 변화만 있을 뿐, 그의 화풍은 지속적으로 사실주의에 기반하고 있음을 알 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>1974년<|im_end|>

<|im_start|>김인승이 미국으로 이주한 해는?<|im_end|>

<|im_start|>경기도 개성 출생인 김인승(金仁承, 1911-2001)은 도쿄미술학교에서 서양화를 졸업한 한국 서양화 1세대 화가로, 한국 근대 조각의 1세대 작가인 김경승을 동생으로 두었다. 그는 일본 유학 시절에 배운 아카데믹한 화풍과 뛰어난 소묘력으로 작업 초기에는 인물화를 그렸으며, 인물화 중에서도 중산층의 소녀나 여인을 주 소재로 삼았다. 여인의 모습을 묘사한 김인승의 작품들은 한때 유행처럼 번져 국전에서 심심치 않게 볼 수 있는 유형의 작품으로 정형화되기도 했으며, 1970년대까지 계속된 한국 구상회화의 전개 시기에 큰 영향을 미쳤다. 그러나 1974년 미국으로 이주한 이후에는 장미와 모란으로 소재를 바꿔 작업 활동을 이어나가게 되면서, 장미 작가 혹은 모란 작가로 더 많이 알려져 있다. 구상적인 사실주의를 추구하며 한국 아카데미즘 미술의 전통을 확립한 작가이긴 하지만 친일 행각으로 인해 아직까지 확실한 평가가 내려지지 않은 상태이다. 김인승의 <분홍장미>(1984)는 미국으로 이주한 후 제작하기 시작한 '장미' 연작으로, 초기 작업에서 보여주는 것과 다를 바 없이 정확한 관찰력과 세밀한 묘사력을 통해 대상을 재현하고 있다. 소재의 변화만 있을 뿐, 그의 화풍은 지속적으로 사실주의에 기반하고 있음을 알 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>분홍장미<|im_end|>

<|im_start|>정확한 관찰력과 세밀한 묘사력을 통해 대상을 재현한 김인승의 작품 제목은?<|im_end|>

<|im_start|>경기도 개성 출생인 김인승(金仁承, 1911-2001)은 도쿄미술학교에서 서양화를 졸업한 한국 서양화 1세대 화가로, 한국 근대 조각의 1세대 작가인 김경승을 동생으로 두었다. 그는 일본 유학 시절에 배운 아카데믹한 화풍과 뛰어난 소묘력으로 작업 초기에는 인물화를 그렸으며, 인물화 중에서도 중산층의 소녀나 여인을 주 소재로 삼았다. 여인의 모습을 묘사한 김인승의 작품들은 한때 유행처럼 번져 국전에서 심심치 않게 볼 수 있는 유형의 작품으로 정형화되기도 했으며, 1970년대까지 계속된 한국 구상회화의 전개 시기에 큰 영향을 미쳤다. 그러나 1974년 미국으로 이주한 이후에는 장미와 모란으로 소재를 바꿔 작업 활동을 이어나가게 되면서, 장미 작가 혹은 모란 작가로 더 많이 알려져 있다. 구상적인 사실주의를 추구하며 한국 아카데미즘 미술의 전통을 확립한 작가이긴 하지만 친일 행각으로 인해 아직까지 확실한 평가가 내려지지 않은 상태이다. 김인승의 <분홍장미>(1984)는 미국으로 이주한 후 제작하기 시작한 '장미' 연작으로, 초기 작업에서 보여주는 것과 다를 바 없이 정확한 관찰력과 세밀한 묘사력을 통해 대상을 재현하고 있다. 소재의 변화만 있을 뿐, 그의 화풍은 지속적으로 사실주의에 기반하고 있음을 알 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>장미와 모란<|im_end|>

<|im_start|>1974년 이후부터 김인승이 작업한 소재는?<|im_end|>

<|im_start|>경기도 개성 출생인 김인승(金仁承, 1911-2001)은 도쿄미술학교에서 서양화를 졸업한 한국 서양화 1세대 화가로, 한국 근대 조각의 1세대 작가인 김경승을 동생으로 두었다. 그는 일본 유학 시절에 배운 아카데믹한 화풍과 뛰어난 소묘력으로 작업 초기에는 인물화를 그렸으며, 인물화 중에서도 중산층의 소녀나 여인을 주 소재로 삼았다. 여인의 모습을 묘사한 김인승의 작품들은 한때 유행처럼 번져 국전에서 심심치 않게 볼 수 있는 유형의 작품으로 정형화되기도 했으며, 1970년대까지 계속된 한국 구상회화의 전개 시기에 큰 영향을 미쳤다. 그러나 1974년 미국으로 이주한 이후에는 장미와 모란으로 소재를 바꿔 작업 활동을 이어나가게 되면서, 장미 작가 혹은 모란 작가로 더 많이 알려져 있다. 구상적인 사실주의를 추구하며 한국 아카데미즘 미술의 전통을 확립한 작가이긴 하지만 친일 행각으로 인해 아직까지 확실한 평가가 내려지지 않은 상태이다. 김인승의 <분홍장미>(1984)는 미국으로 이주한 후 제작하기 시작한 '장미' 연작으로, 초기 작업에서 보여주는 것과 다를 바 없이 정확한 관찰력과 세밀한 묘사력을 통해 대상을 재현하고 있다. 소재의 변화만 있을 뿐, 그의 화풍은 지속적으로 사실주의에 기반하고 있음을 알 수 있다.<|im_end|>

<|im_start|>도쿄미술학교<|im_end|>

<|im_start|>김인승이 서양화를 졸업한 학교는?<|im_end|>

<|im_start|>서울 출생인 유인수(劉仁洙, 1947~)는 서울대학교와 동 대학원에서 회화과를 졸업했다. 작업 전반기에 그는 그가 살아오면서 겪었던 우리나라의 음습하고 황량한, 부조리한 시대상을 모더니즘이라는 양식 안에서 재현했다. 도시와 사람이라는 소재를 통해 황량함과 고독한 사회 그리고 그곳에서 살아가는 사람들이 느끼는 절망, 불안, 허무 등과 같은 부정적이고 냉소적인 의식이 투영되어 있는 작품을 제작했다. 작품 속에 등장하는 건물과 인물은 모두 명료하지 않게 묘사되어 대략적인 형상으로만 화면에 머문다. 그러나 90년대에 들어 선보이기 시작한 '일상적 이미지' 연작에서부터는 작품의 경향이 변화하여, 이전의 작품에는 담겨있지 않던 따뜻함과 인류애가 서려있다. 이때부터는 화면 속에 등장하는 인물이 주관적 혹은 자전적인 성향을 띠며, 온화함과 정감 있는 분위기를 자아낸다. 이러한 작업 변화는 유인수가 살아오면서 체득한 여유로움의 영향으로도 볼 수 있다. 유인수의 <일상적 이미지>(2005)는 일상에서 흔히 볼 수 있는 건물의 외관을 단면으로 잘라 포착한 회화 연작 중 하나로, 반복되는 삶 속에서도 실존적 자각을 지속하는 존재들을 다룬다. 동시에 선과 색채에 대한 열망 역시 교차적으로 드러난다.<|im_end|>

<|im_start|>유인수<|im_end|>

<|im_start|>우리나라의 음습하고 황량한 시대상을 모더니즘이라는 양식 안에서 재현한 인물은?<|im_end|>

<|im_start|>서울 출생인 유인수(劉仁洙, 1947~)는 서울대학교와 동 대학원에서 회화과를 졸업했다. 작업 전반기에 그는 그가 살아오면서 겪었던 우리나라의 음습하고 황량한, 부조리한 시대상을 모더니즘이라는 양식 안에서 재현했다. 도시와 사람이라는 소재를 통해 황량함과 고독한 사회 그리고 그곳에서 살아가는 사람들이 느끼는 절망, 불안, 허무 등과 같은 부정적이고 냉소적인 의식이 투영되어 있는 작품을 제작했다. 작품 속에 등장하는 건물과 인물은 모두 명료하지 않게 묘사되어 대략적인 형상으로만 화면에 머문다. 그러나 90년대에 들어 선보이기 시작한 '일상적 이미지' 연작에서부터는 작품의 경향이 변화하여, 이전의 작품에는 담겨있지 않던 따뜻함과 인류애가 서려있다. 이때부터는 화면 속에 등장하는 인물이 주관적 혹은 자전적인 성향을 띠며, 온화함과 정감 있는 분위기를 자아낸다. 이러한 작업 변화는 유인수가 살아오면서 체득한 여유로움의 영향으로도 볼 수 있다. 유인수의 <일상적 이미지>(2005)는 일상에서 흔히 볼 수 있는 건물의 외관을 단면으로 잘라 포착한 회화 연작 중 하나로, 반복되는 삶 속에서도 실존적 자각을 지속하는 존재들을 다룬다. 동시에 선과 색채에 대한 열망 역시 교차적으로 드러난다.<|im_end|>

<|im_start|>따뜻함과 인류애<|im_end|>

<|im_start|>유인수가 1990년대에 들어서며 선보이기 시작한 '일상적 이미지' 연작에 담겨있는 것은?<|im_end|>

<|im_start|>서울 출생인 유인수(劉仁洙, 1947~)는 서울대학교와 동 대학원에서 회화과를 졸업했다. 작업 전반기에 그는 그가 살아오면서 겪었던 우리나라의 음습하고 황량한, 부조리한 시대상을 모더니즘이라는 양식 안에서 재현했다. 도시와 사람이라는 소재를 통해 황량함과 고독한 사회 그리고 그곳에서 살아가는 사람들이 느끼는 절망, 불안, 허무 등과 같은 부정적이고 냉소적인 의식이 투영되어 있는 작품을 제작했다. 작품 속에 등장하는 건물과 인물은 모두 명료하지 않게 묘사되어 대략적인 형상으로만 화면에 머문다. 그러나 90년대에 들어 선보이기 시작한 '일상적 이미지' 연작에서부터는 작품의 경향이 변화하여, 이전의 작품에는 담겨있지 않던 따뜻함과 인류애가 서려있다. 이때부터는 화면 속에 등장하는 인물이 주관적 혹은 자전적인 성향을 띠며, 온화함과 정감 있는 분위기를 자아낸다. 이러한 작업 변화는 유인수가 살아오면서 체득한 여유로움의 영향으로도 볼 수 있다. 유인수의 <일상적 이미지>(2005)는 일상에서 흔히 볼 수 있는 건물의 외관을 단면으로 잘라 포착한 회화 연작 중 하나로, 반복되는 삶 속에서도 실존적 자각을 지속하는 존재들을 다룬다. 동시에 선과 색채에 대한 열망 역시 교차적으로 드러난다.<|im_end|>

<|im_start|>2005<|im_end|>

<|im_start|>유인수가 <일상적 이미지>를 제작한 해는?<|im_end|>

<|im_start|>서울 출생인 유인수(劉仁洙, 1947~)는 서울대학교와 동 대학원에서 회화과를 졸업했다. 작업 전반기에 그는 그가 살아오면서 겪었던 우리나라의 음습하고 황량한, 부조리한 시대상을 모더니즘이라는 양식 안에서 재현했다. 도시와 사람이라는 소재를 통해 황량함과 고독한 사회 그리고 그곳에서 살아가는 사람들이 느끼는 절망, 불안, 허무 등과 같은 부정적이고 냉소적인 의식이 투영되어 있는 작품을 제작했다. 작품 속에 등장하는 건물과 인물은 모두 명료하지 않게 묘사되어 대략적인 형상으로만 화면에 머문다. 그러나 90년대에 들어 선보이기 시작한 '일상적 이미지' 연작에서부터는 작품의 경향이 변화하여, 이전의 작품에는 담겨있지 않던 따뜻함과 인류애가 서려있다. 이때부터는 화면 속에 등장하는 인물이 주관적 혹은 자전적인 성향을 띠며, 온화함과 정감 있는 분위기를 자아낸다. 이러한 작업 변화는 유인수가 살아오면서 체득한 여유로움의 영향으로도 볼 수 있다. 유인수의 <일상적 이미지>(2005)는 일상에서 흔히 볼 수 있는 건물의 외관을 단면으로 잘라 포착한 회화 연작 중 하나로, 반복되는 삶 속에서도 실존적 자각을 지속하는 존재들을 다룬다. 동시에 선과 색채에 대한 열망 역시 교차적으로 드러난다.<|im_end|>

<|im_start|>일상에서 흔히 볼 수 있는 건물<|im_end|>

<|im_start|><일상적 이미지>에서 포착한 곳은?<|im_end|>

<|im_start|>서울 출생인 유인수(劉仁洙, 1947~)는 서울대학교와 동 대학원에서 회화과를 졸업했다. 작업 전반기에 그는 그가 살아오면서 겪었던 우리나라의 음습하고 황량한, 부조리한 시대상을 모더니즘이라는 양식 안에서 재현했다. 도시와 사람이라는 소재를 통해 황량함과 고독한 사회 그리고 그곳에서 살아가는 사람들이 느끼는 절망, 불안, 허무 등과 같은 부정적이고 냉소적인 의식이 투영되어 있는 작품을 제작했다. 작품 속에 등장하는 건물과 인물은 모두 명료하지 않게 묘사되어 대략적인 형상으로만 화면에 머문다. 그러나 90년대에 들어 선보이기 시작한 '일상적 이미지' 연작에서부터는 작품의 경향이 변화하여, 이전의 작품에는 담겨있지 않던 따뜻함과 인류애가 서려있다. 이때부터는 화면 속에 등장하는 인물이 주관적 혹은 자전적인 성향을 띠며, 온화함과 정감 있는 분위기를 자아낸다. 이러한 작업 변화는 유인수가 살아오면서 체득한 여유로움의 영향으로도 볼 수 있다. 유인수의 <일상적 이미지>(2005)는 일상에서 흔히 볼 수 있는 건물의 외관을 단면으로 잘라 포착한 회화 연작 중 하나로, 반복되는 삶 속에서도 실존적 자각을 지속하는 존재들을 다룬다. 동시에 선과 색채에 대한 열망 역시 교차적으로 드러난다.<|im_end|>

<|im_start|>도시와 사람<|im_end|>

<|im_start|>유인수가 주로 선택한 소재는?<|im_end|>

<|im_start|>서울 출생인 유인수(劉仁洙, 1947~)는 서울대학교와 동 대학원에서 회화과를 졸업했다. 작업 전반기에 그는 그가 살아오면서 겪었던 우리나라의 음습하고 황량한, 부조리한 시대상을 모더니즘이라는 양식 안에서 재현했다. 도시와 사람이라는 소재를 통해 황량함과 고독한 사회 그리고 그곳에서 살아가는 사람들이 느끼는 절망, 불안, 허무 등과 같은 부정적이고 냉소적인 의식이 투영되어 있는 작품을 제작했다. 작품 속에 등장하는 건물과 인물은 모두 명료하지 않게 묘사되어 대략적인 형상으로만 화면에 머문다. 그러나 90년대에 들어 선보이기 시작한 '일상적 이미지' 연작에서부터는 작품의 경향이 변화하여, 이전의 작품에는 담겨있지 않던 따뜻함과 인류애가 서려있다. 이때부터는 화면 속에 등장하는 인물이 주관적 혹은 자전적인 성향을 띠며, 온화함과 정감 있는 분위기를 자아낸다. 이러한 작업 변화는 유인수가 살아오면서 체득한 여유로움의 영향으로도 볼 수 있다. 유인수의 <일상적 이미지>(2005)는 일상에서 흔히 볼 수 있는 건물의 외관을 단면으로 잘라 포착한 회화 연작 중 하나로, 반복되는 삶 속에서도 실존적 자각을 지속하는 존재들을 다룬다. 동시에 선과 색채에 대한 열망 역시 교차적으로 드러난다.<|im_end|>

<|im_start|>서울대학교<|im_end|>

<|im_start|>유인수가 졸업한 대학교는?<|im_end|>

<|im_start|>황해도 해주 출생인 이만익(李滿益, 1938-2012)은 서울대학교에서 회화과를 졸업하고 작품 활동을 잠시 하다가 파리 유학길에 올랐다. 1946년 가족과 함께 월남하였으며, 한국전쟁 중에 피난지인 부산에서 목우회(木會友)의 중심인물이었던 박상옥(朴商玉, 1915-1968)을 만나 그림을 배웠다. 이만익은 중학생 시절, 국전에서 입선을 받아 세간의 이목을 받았고, 이 사건을 계기로 국전에 나이 제한이 생기게 된다. 1950~1960년대에는 주로 어둡고 무거운 분위기의 표현주의적인 화풍으로 사회의 부조리와 현대인의 소외감 등을 소재로 작품 활동을 했다. 그러나 파리 유학을 통해 그는 그만의 독자적인 예술성을 찾고자 하는 탐구과정을 거치면서 이전의 작품과는 확연히 다른 모습의 작품이 탄생하게 된다. 이만익은 한국인의 이야기를 가장 한국적으로 표현하기 위해, 한국의 역사, 설화, 전통문화 등을 소재로 삼았으며, 강렬한 원색과 굵은 윤곽선 그리고 색면의 대비가 두드러진 평면적인 화면을 구축한다. 이만익의 이러한 작품들은 한국의 정서를 드러내기 위한 적합한 소재로 한 민족의 자화상을 잘 담아냈다는 평가를 받고 있다. 또한 그는 서울 올림픽 미술감독을 맡았으며, 뮤지컬 명성황후의 포스터를 제작하기도 하였다. 이만익의 <노서아 영사관 부근>(1970)은 서울의 역사성을 드러내는 작품 중에서도 최고작이라 불리며, 도시재개발 사업의 역사를 꼼꼼한 묘사 방식으로 보여주고 있다. 1969년에 제작된 <노서아 영사관 부근>에서는 구 러시아 영사관 건물과 그 부근의 판자촌이 철거되기 이전의 모습을 담고 있지만, 1970년대에 제작된 <노서아 영사관 부근>은 판자촌이 모두 철거되고 영사관 건물만이 남아있는 허허벌판의 풍경을 보여준다.<|im_end|>

<|im_start|>1946년<|im_end|>

<|im_start|>이만익이 가족과 함께 월남한 해는?<|im_end|>

<|im_start|>황해도 해주 출생인 이만익(李滿益, 1938-2012)은 서울대학교에서 회화과를 졸업하고 작품 활동을 잠시 하다가 파리 유학길에 올랐다. 1946년 가족과 함께 월남하였으며, 한국전쟁 중에 피난지인 부산에서 목우회(木會友)의 중심인물이었던 박상옥(朴商玉, 1915-1968)을 만나 그림을 배웠다. 이만익은 중학생 시절, 국전에서 입선을 받아 세간의 이목을 받았고, 이 사건을 계기로 국전에 나이 제한이 생기게 된다. 1950~1960년대에는 주로 어둡고 무거운 분위기의 표현주의적인 화풍으로 사회의 부조리와 현대인의 소외감 등을 소재로 작품 활동을 했다. 그러나 파리 유학을 통해 그는 그만의 독자적인 예술성을 찾고자 하는 탐구과정을 거치면서 이전의 작품과는 확연히 다른 모습의 작품이 탄생하게 된다. 이만익은 한국인의 이야기를 가장 한국적으로 표현하기 위해, 한국의 역사, 설화, 전통문화 등을 소재로 삼았으며, 강렬한 원색과 굵은 윤곽선 그리고 색면의 대비가 두드러진 평면적인 화면을 구축한다. 이만익의 이러한 작품들은 한국의 정서를 드러내기 위한 적합한 소재로 한 민족의 자화상을 잘 담아냈다는 평가를 받고 있다. 또한 그는 서울 올림픽 미술감독을 맡았으며, 뮤지컬 명성황후의 포스터를 제작하기도 하였다. 이만익의 <노서아 영사관 부근>(1970)은 서울의 역사성을 드러내는 작품 중에서도 최고작이라 불리며, 도시재개발 사업의 역사를 꼼꼼한 묘사 방식으로 보여주고 있다. 1969년에 제작된 <노서아 영사관 부근>에서는 구 러시아 영사관 건물과 그 부근의 판자촌이 철거되기 이전의 모습을 담고 있지만, 1970년대에 제작된 <노서아 영사관 부근>은 판자촌이 모두 철거되고 영사관 건물만이 남아있는 허허벌판의 풍경을 보여준다.<|im_end|>

<|im_start|>박상옥<|im_end|>

<|im_start|>목우회의 중심인물은?<|im_end|>

<|im_start|>황해도 해주 출생인 이만익(李滿益, 1938-2012)은 서울대학교에서 회화과를 졸업하고 작품 활동을 잠시 하다가 파리 유학길에 올랐다. 1946년 가족과 함께 월남하였으며, 한국전쟁 중에 피난지인 부산에서 목우회(木會友)의 중심인물이었던 박상옥(朴商玉, 1915-1968)을 만나 그림을 배웠다. 이만익은 중학생 시절, 국전에서 입선을 받아 세간의 이목을 받았고, 이 사건을 계기로 국전에 나이 제한이 생기게 된다. 1950~1960년대에는 주로 어둡고 무거운 분위기의 표현주의적인 화풍으로 사회의 부조리와 현대인의 소외감 등을 소재로 작품 활동을 했다. 그러나 파리 유학을 통해 그는 그만의 독자적인 예술성을 찾고자 하는 탐구과정을 거치면서 이전의 작품과는 확연히 다른 모습의 작품이 탄생하게 된다. 이만익은 한국인의 이야기를 가장 한국적으로 표현하기 위해, 한국의 역사, 설화, 전통문화 등을 소재로 삼았으며, 강렬한 원색과 굵은 윤곽선 그리고 색면의 대비가 두드러진 평면적인 화면을 구축한다. 이만익의 이러한 작품들은 한국의 정서를 드러내기 위한 적합한 소재로 한 민족의 자화상을 잘 담아냈다는 평가를 받고 있다. 또한 그는 서울 올림픽 미술감독을 맡았으며, 뮤지컬 명성황후의 포스터를 제작하기도 하였다. 이만익의 <노서아 영사관 부근>(1970)은 서울의 역사성을 드러내는 작품 중에서도 최고작이라 불리며, 도시재개발 사업의 역사를 꼼꼼한 묘사 방식으로 보여주고 있다. 1969년에 제작된 <노서아 영사관 부근>에서는 구 러시아 영사관 건물과 그 부근의 판자촌이 철거되기 이전의 모습을 담고 있지만, 1970년대에 제작된 <노서아 영사관 부근>은 판자촌이 모두 철거되고 영사관 건물만이 남아있는 허허벌판의 풍경을 보여준다.<|im_end|>

<|im_start|>사회의 부조리와 현대인의 소외감<|im_end|>

<|im_start|>1950~1960년대에 이만익이 소재로 삼았던 것은?<|im_end|>

<|im_start|>황해도 해주 출생인 이만익(李滿益, 1938-2012)은 서울대학교에서 회화과를 졸업하고 작품 활동을 잠시 하다가 파리 유학길에 올랐다. 1946년 가족과 함께 월남하였으며, 한국전쟁 중에 피난지인 부산에서 목우회(木會友)의 중심인물이었던 박상옥(朴商玉, 1915-1968)을 만나 그림을 배웠다. 이만익은 중학생 시절, 국전에서 입선을 받아 세간의 이목을 받았고, 이 사건을 계기로 국전에 나이 제한이 생기게 된다. 1950~1960년대에는 주로 어둡고 무거운 분위기의 표현주의적인 화풍으로 사회의 부조리와 현대인의 소외감 등을 소재로 작품 활동을 했다. 그러나 파리 유학을 통해 그는 그만의 독자적인 예술성을 찾고자 하는 탐구과정을 거치면서 이전의 작품과는 확연히 다른 모습의 작품이 탄생하게 된다. 이만익은 한국인의 이야기를 가장 한국적으로 표현하기 위해, 한국의 역사, 설화, 전통문화 등을 소재로 삼았으며, 강렬한 원색과 굵은 윤곽선 그리고 색면의 대비가 두드러진 평면적인 화면을 구축한다. 이만익의 이러한 작품들은 한국의 정서를 드러내기 위한 적합한 소재로 한 민족의 자화상을 잘 담아냈다는 평가를 받고 있다. 또한 그는 서울 올림픽 미술감독을 맡았으며, 뮤지컬 명성황후의 포스터를 제작하기도 하였다. 이만익의 <노서아 영사관 부근>(1970)은 서울의 역사성을 드러내는 작품 중에서도 최고작이라 불리며, 도시재개발 사업의 역사를 꼼꼼한 묘사 방식으로 보여주고 있다. 1969년에 제작된 <노서아 영사관 부근>에서는 구 러시아 영사관 건물과 그 부근의 판자촌이 철거되기 이전의 모습을 담고 있지만, 1970년대에 제작된 <노서아 영사관 부근>은 판자촌이 모두 철거되고 영사관 건물만이 남아있는 허허벌판의 풍경을 보여준다.<|im_end|>

<|im_start|>파리<|im_end|>

<|im_start|>이만익이 유학을 간 장소는?<|im_end|>

<|im_start|>황해도 해주 출생인 이만익(李滿益, 1938-2012)은 서울대학교에서 회화과를 졸업하고 작품 활동을 잠시 하다가 파리 유학길에 올랐다. 1946년 가족과 함께 월남하였으며, 한국전쟁 중에 피난지인 부산에서 목우회(木會友)의 중심인물이었던 박상옥(朴商玉, 1915-1968)을 만나 그림을 배웠다. 이만익은 중학생 시절, 국전에서 입선을 받아 세간의 이목을 받았고, 이 사건을 계기로 국전에 나이 제한이 생기게 된다. 1950~1960년대에는 주로 어둡고 무거운 분위기의 표현주의적인 화풍으로 사회의 부조리와 현대인의 소외감 등을 소재로 작품 활동을 했다. 그러나 파리 유학을 통해 그는 그만의 독자적인 예술성을 찾고자 하는 탐구과정을 거치면서 이전의 작품과는 확연히 다른 모습의 작품이 탄생하게 된다. 이만익은 한국인의 이야기를 가장 한국적으로 표현하기 위해, 한국의 역사, 설화, 전통문화 등을 소재로 삼았으며, 강렬한 원색과 굵은 윤곽선 그리고 색면의 대비가 두드러진 평면적인 화면을 구축한다. 이만익의 이러한 작품들은 한국의 정서를 드러내기 위한 적합한 소재로 한 민족의 자화상을 잘 담아냈다는 평가를 받고 있다. 또한 그는 서울 올림픽 미술감독을 맡았으며, 뮤지컬 명성황후의 포스터를 제작하기도 하였다. 이만익의 <노서아 영사관 부근>(1970)은 서울의 역사성을 드러내는 작품 중에서도 최고작이라 불리며, 도시재개발 사업의 역사를 꼼꼼한 묘사 방식으로 보여주고 있다. 1969년에 제작된 <노서아 영사관 부근>에서는 구 러시아 영사관 건물과 그 부근의 판자촌이 철거되기 이전의 모습을 담고 있지만, 1970년대에 제작된 <노서아 영사관 부근>은 판자촌이 모두 철거되고 영사관 건물만이 남아있는 허허벌판의 풍경을 보여준다.<|im_end|>

<|im_start|>한국의 역사, 설화, 전통문화<|im_end|>

<|im_start|>이만익이 한국인의 이야기를 가장 한국적으로 표현하기 위해 사용한 소재는?<|im_end|>

<|im_start|>황해도 해주 출생인 이만익(李滿益, 1938-2012)은 서울대학교에서 회화과를 졸업하고 작품 활동을 잠시 하다가 파리 유학길에 올랐다. 1946년 가족과 함께 월남하였으며, 한국전쟁 중에 피난지인 부산에서 목우회(木會友)의 중심인물이었던 박상옥(朴商玉, 1915-1968)을 만나 그림을 배웠다. 이만익은 중학생 시절, 국전에서 입선을 받아 세간의 이목을 받았고, 이 사건을 계기로 국전에 나이 제한이 생기게 된다. 1950~1960년대에는 주로 어둡고 무거운 분위기의 표현주의적인 화풍으로 사회의 부조리와 현대인의 소외감 등을 소재로 작품 활동을 했다. 그러나 파리 유학을 통해 그는 그만의 독자적인 예술성을 찾고자 하는 탐구과정을 거치면서 이전의 작품과는 확연히 다른 모습의 작품이 탄생하게 된다. 이만익은 한국인의 이야기를 가장 한국적으로 표현하기 위해, 한국의 역사, 설화, 전통문화 등을 소재로 삼았으며, 강렬한 원색과 굵은 윤곽선 그리고 색면의 대비가 두드러진 평면적인 화면을 구축한다. 이만익의 이러한 작품들은 한국의 정서를 드러내기 위한 적합한 소재로 한 민족의 자화상을 잘 담아냈다는 평가를 받고 있다. 또한 그는 서울 올림픽 미술감독을 맡았으며, 뮤지컬 명성황후의 포스터를 제작하기도 하였다. 이만익의 <노서아 영사관 부근>(1970)은 서울의 역사성을 드러내는 작품 중에서도 최고작이라 불리며, 도시재개발 사업의 역사를 꼼꼼한 묘사 방식으로 보여주고 있다. 1969년에 제작된 <노서아 영사관 부근>에서는 구 러시아 영사관 건물과 그 부근의 판자촌이 철거되기 이전의 모습을 담고 있지만, 1970년대에 제작된 <노서아 영사관 부근>은 판자촌이 모두 철거되고 영사관 건물만이 남아있는 허허벌판의 풍경을 보여준다.<|im_end|>

<|im_start|>1970<|im_end|>

<|im_start|>이만익의 <노서아 영사관 부근>이 제작된 해는?<|im_end|>

<|im_start|>경상남도 밀양 출생인 안창홍(安昌鴻, 1953~)은 고졸이 그의 최종 학력임에도 불구하고, 한국 미술계의 거장으로 자리 잡았다. 그는 30여 년 동안 작업 활동을 하면서 무려 3천 점에 달하는 작품을 제작했고, 그만의 예술세계를 구축하면서 한국의 근현대사를 예리한 시선으로 표현했다. 1970년대에 안창홍은 독일 표현주의적 성향을 근간으로 현실의 아픔을 담아내는 작업을 선보였다. 1980년대에는 인물이 종이가면을 쓰고 있거나 눈을 텅 비어있도록 묘사한 '가족사진'과 '전쟁' 연작으로 음산한 분위기를 자아내는 작품 활동을 했다. 1990년대에는 여자와 꽃을 소재로 한 작품이 대다수이며, 2000년대에는 '봄날은 가다', '49인의 명상', '베드 카우치' 연작을 선보이며 그의 독자적인 예술세계를 더욱 탄탄히 만들어갔다. 그의 작업을 시기별로 소재의 변천 과정을 보여주고 있지만, 공통적으로 시대에 따라 사회가 가진 문제점들을 고발한다. 최근의 작업들은 스펙터클한 사회와 매스미디어의 폭력성으로 인해 상실하 인간성을 이야기하고자 했다. 안창홍의 <보리밭 문둥이>(1992)는 종이에 쉽게 구할 수 있었던 연필로 그린 작품으로, 그가 연필을 재료로 선택한 이유는 학력으로 인해 당시 그가 미술계에서 비주류였음을 고려해봤을 때 미술시스템이나 관행에 대한 반발의 지점으로 읽히기도 한다.<|im_end|>

<|im_start|>안창홍<|im_end|>

<|im_start|>자신만의 예술세계를 구축하면서 한국의 근현대사를 예리한 시선으로 표현한 인물은?<|im_end|>

<|im_start|>경상남도 밀양 출생인 안창홍(安昌鴻, 1953~)은 고졸이 그의 최종 학력임에도 불구하고, 한국 미술계의 거장으로 자리 잡았다. 그는 30여 년 동안 작업 활동을 하면서 무려 3천 점에 달하는 작품을 제작했고, 그만의 예술세계를 구축하면서 한국의 근현대사를 예리한 시선으로 표현했다. 1970년대에 안창홍은 독일 표현주의적 성향을 근간으로 현실의 아픔을 담아내는 작업을 선보였다. 1980년대에는 인물이 종이가면을 쓰고 있거나 눈을 텅 비어있도록 묘사한 '가족사진'과 '전쟁' 연작으로 음산한 분위기를 자아내는 작품 활동을 했다. 1990년대에는 여자와 꽃을 소재로 한 작품이 대다수이며, 2000년대에는 '봄날은 가다', '49인의 명상', '베드 카우치' 연작을 선보이며 그의 독자적인 예술세계를 더욱 탄탄히 만들어갔다. 그의 작업을 시기별로 소재의 변천 과정을 보여주고 있지만, 공통적으로 시대에 따라 사회가 가진 문제점들을 고발한다. 최근의 작업들은 스펙터클한 사회와 매스미디어의 폭력성으로 인해 상실하 인간성을 이야기하고자 했다. 안창홍의 <보리밭 문둥이>(1992)는 종이에 쉽게 구할 수 있었던 연필로 그린 작품으로, 그가 연필을 재료로 선택한 이유는 학력으로 인해 당시 그가 미술계에서 비주류였음을 고려해봤을 때 미술시스템이나 관행에 대한 반발의 지점으로 읽히기도 한다.<|im_end|>

<|im_start|>30여 년<|im_end|>

<|im_start|>안창홍이 작업 활동을 이어온 기간은?<|im_end|>