Newsgroup: it.cultura.filosofia
Titolo: il problema di parmenide..

 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
A parte che Elea ce l'ho qui a linea d'aria ma
" l'essere e' ", abbisogna di un'intuizione primaria
per essere interpretata, a mio avviso, giustamente.
E' un'intuizione banale, puerile, logica ma
determinante:
Con chi ce l'aveva Parmenide con un essere dentro
di se' o fuori di se' o dove!?...
Parlava di se' e disse "l'essere e' "!
Tutto il resto(ma quale?) non serve...
e' pleonastico.
l'essere e', non l'essente e non, qualsiasi altra cosa..
io non posso confondermi con "l'essente"...
e' anzi errato che io sia "l'essente."!!
quello non sono io, ne' quello che scrive, ne'
quello che legge, ne' quello che pensa.
Ancora non avete realizzato l'autoidentificazione come
un errore tipicamente occidentale.
 
 
 
 
 
 


 
ma non e' un errore ma esattamente
il trastullo del maligno!!..
che ognuno pensa di portare acqua al proprio
mulino ma in realta' lavora per un bel paio di corna! 
 
 


 
by "three of o perfect pair"
:))
 
King Crimson: Elephant Talk (live on Fridays)
https://www.youtube.com/watch?v=GTQrlDzqUCA
 
 
 


 
 
 
primo commento:
(:)))
 
 
 
 
Sébastien S. Robert3 mesi fa
1:55
Adrian asked Robert to smile, only Robert didn't know how?
 
....
certo devi saperne di kingcrimson, di adrian e di robert..
bob fripp ha pubblicato "discipline".
poi ha pubblicato "indiscipline"..
E ha pubblicato un articolo che si chiama,
 
CREATIVITÀ (ALLA RICERCA DELLA SORGENTE)
La musica può convogliare sensazioni che non appartengono a questo mondo. E'
probabile che qualsiasi musicista di professione, e una buona parte del
pubblico musicale, sia stato toccato in questo senso dalla musica, e in più
di una occasione. Comunque si scelga di esprimerla, è un'esperienza tale da
condurre un musicista a lavorare in perfetta povertà per anni, nella
speranza che quella magia che aveva trasformato un concerto di routine in un
evento memorabile possa un giorno ritornare. Sembrano esistere diversi gradi
di magia, analoghi ai gradi variabili della corrente elettrica. Data
l'universalità della musica, ne consegue che chiunque può inserirsi in
quella corrente, con il musicista come 'conduttore' della corrente, allo
stesso tempo in zona di ricezione e trasmissione. Suonatori di particolare
talento riescono a raggiungere un alto livello di contatto, per virtù innata
o attraverso lunga educazione. Chi sia stato profondamente colpito dalla
musica riconoscerà probabilmente che la musica a volte ha un'esistenza
obiettiva, o secondo le parole di J.G. Bennet, può provenire da un luogo più
reale della vita stessa. Per chi abbia una tale convinzione, ne deriva che
una musica di questa natura è sacra e che i musicisti dotati della capacità
di inserire la corrente o, con un'atra metafora, di aprire la porta verso un
altro livello d'esperienza sono in effetti dei sacerdoti.
L'affermazione che Charlie Parker e Jimi Hendrix, due musicisti
indubbiamente compresi in questa categoria, siano stati suonatori con
accesso ad una dimensione sacra, potrebbe ad alcuni sembrare blasfema o
perlomeno assurda, soprattutto la vasta pubblicità fornita alla
sregolatissima vita privata di ciascuno dei due; ma oserei dire cha la
corrente era troppo forte per il conduttore che la trasportava, e che la
lotta tra uomo e musica fosse eccessiva da tollerare. In un circuito
elettrico il sovraccarico fonde il fusibile, in un circuito umano il
sovraccarico produce una distorsione psicologica. Nel caso di Parker e
Hendrix, la lotta uccise entrambi. Sarebbe forse meno polemico proporre i
nomi di John Coltrane e Pablo Casals, Coltrane come uomo venuto a patti con
la sacralità della propria arte e comunque morto di intensità, Casals come
sopravvissuto.
In certe tradizioni orientali d'educazione musicale, si cerca di prepare il
musicista a maneggiare la corrente. Per esempio un musicista Sufi di mia
conoscenza, che suona con i dervisci rotanti di Konya, passò i primi tre
anni della propria educazione senza uno strumento: stava preparando la sua
nota personale. L'Occidente ha una diversa tradizione, che identifica il
musicista come il creatore della musica piuttosto che come colui che
permette alla musica di accadere. Questa visione soggettiva dell'arte
occidentale è stata rafforzata dalla nozione romantica dell'artista:
affannato nella sua soffitta, neppure sfiorato dalle manovre volgari della
vita quotidiana, a tratti creatore di nuove opere di genio tormentato.
Un'elaborata struttura industriale sottoscrive la visione soggettiva: ad
esempio, l'idea che l'arte sia una proprietà personale. La struttura
dell'industria del rock è in grado di confondere il musicista rock almeno
quanto le opere secolari della chiesa riescano a confondere il penitente.
Nel mondo del rock si perdono grandi energie a circondar d'attenzione il
musicista e ad accreditarlo come sorgente della musica. Ciò mette d'accordo
tutte le parti, perchè s'appella alla vanità dell'artista, consentendo
all'industria di manipolare qualsiasi artista chiuso in una bolla di
immagini fatue, e s'appella alla vanità dell'industria, d'essere in contatto
con un così Grande Artista. Un rinforzo ulteriore viene dal pubblico.
Per contrastare tutto ciò, occorre disciplina. In Occidente dove manca una
tradizione d'arte collettiva, chi sia toccato dall'alterità della musica
cerca a tantoni, a forza di intuito, di trovare un modo d'esprimersi nei
termini delle nostre tradizioni culturali, come il jazz, rock e musica
elettronica. Questo sembra lontano dalla nostra radicata nozione di sanità o
anche di sforzo politico, eppure è mia convinzione che la musica possieda la
possibilità di mutare radicalmente noi e il 'mondo', in una misura ben
maggiore di quanto normalmente si creda. "L'innovazione musicale è piena di
pericoli per l'intero stato e dovrebbe essere proibita.....quando cambiano i
modi della musica, le leggi fondamentali dello stato cambiano sempre con
loro" (PLATONE, La Repubblica, Libro III).
 
Per chi senta la necessità di accostarsi alla musica attraverso
un'educazione (e, avendo iniziato a suonare la chitarra senza sentir le note
e privo di senso del ritmo, mi includo nella categoria), suggerisco tre
discipline: delle mani, della testa e del cuore. Prese assieme, queste
disciplini offrono l'opportunità di diventare un musicista, definito come la
persona che risolve il problema di portare la musica entro lo spettro
dell'udibile.
La disciplina delle mani non ha nulla a che fare con la musica: è connessa
con la corporeità: Ciò prevede la comprensione del corpo e di come usarlo in
maniera distesa, respirando e sviluppando il senso del sé.
La disciplina della testa interessa il vocabolario della musica: melodia,
ritmo e armonia. Da neofita mi fu insegnata la chitarra con riferimento a
esempi musicali quali My Bonnie Lies Over The Ocean. Questo era notevolmente
dannoso. Per sviluppare allo stesso modo tutte le dita sono necessari
esercizi specifici e di rado gli esempi musicali delle passate generazioni
sono in grado di offrirli. Esistono serie possibilità di pregiudizio nel
linguaggio musicale. Da principiante ero in grado di esprimermi soltanto nei
termini di My Bonnie e dei suoi fievoli equivalenti, perchè quella era
l'unica direzione nota alle mie mani e alla mia testa. Quasi tutti sono
consci del sottile effetto condizionante delle parole e delle loro
connotazioni emotive, ma la sintassi musicale acquisita non è meno
restrittiva. La mente dovrebbe cercar di conoscere tutte le possibilità, e
di lì scegliere imparzialmente il linguaggio adeguato per ogni particolare
idea da esprimere. In termini di scale, ciò comprende la conoscenza delle
tradizionali scale maggiori e minori e dei modi basati su di esse, delle
scale sintetiche (in gran parte derivate dalla musica popolare), e dei loro
modi e delle armonie basate su di esse. Questo prima di volgersi ai raga, ai
ritmi o a Harry Partch. Per estensione questa disciplina s'interessa della
comprensione della mente e dei metodi per arrestarla, per programmare il
computer mentale con la corretta qualità di input e riceverne un attendibile
autput. Più importante di tutto il resto è esercitare la ripartizione
dell'attenzione, senza cui poco si può fare di valido.
La disciplina del cuore è la tradizione che manca in Occidente; espressa in
termini semplici, è il modo di operare per mantenere il desiderio
dell'essere musicista. Di tutte le discipline questa è la più personale e la
più ardua da discutere, ma in essa qualche sistema di meditazione è
centrale.
Una scuola derivata dal Sufismo presenta uno schema di quattro parole, delle
quali tre possono giungere alla nostra conoscenza: l'alam-i-ajsam, il modo
dei corpi, l'alam-i-arvah, il mondo degli spiriti, e l'alam-i-imkan, il
mondo del possibile. In questo schema, la quarta parola è lahut,
l'inaffabile. Il corpo è la sede da cui si osserva l'alam-i-ajsam e la
disciplina delle mani è ad esso connessa; la testa è la sede da cui si
osserva l'alam-i-arvah, il mondo della psiche e dell'essenza, e la
disciplina della testa può provvedervi l'accesso; il cuore è la sede da cui
si osserva l'alam-i-imkan, il mondo dell'esistenza creativa (quello che noi
generalmente definiamo il mondo 'spirituale') e il luogo in cui la musica ha
una realtà obiettiva: la disciplina del cuore può procurare l'accesso a
questo mondo. la musica dell'alam-i-ajsam è meccanica, la musica
dell'alam-i-arvah è interessante ma la musica dell'alam-i-imkan può cambiare
il corso della vita di ciascuno di noi. Probabilmente la caratteristica
determinante della musica rock è la sua connessione con l'area sita al di
sotto dell'ombellico e caratteristica dei concerti rock è la produzione di
una notevole quotà di energia sensuale. Per il musicista rock la sfida
consiste nel far fluire l'energia sessuale su per la spina dorsale
(l'analogo yoga è il kundalini) e, in concerto, nell'usare l'energia in modo
positivo: consumazione piuttosto che masturbazione.
Uno degli scopi principali della piccola, mobile tournèe di Frippertronics
del '79 in Europa e in America era di trovare una relazione di diversa
qualità tra pubblico e suonatore. Avendo tenuto un gran numero di concerti a
partire dal '69, ho notato una degenarazione di tale relazione, in
particolare nell'autunno del '71 e nell'estate del '72. Una tale involuzione
coincideva storicamente con la sostituzione dei felici hippies locali,
venuti ad aprirci la mente con i loro sacchetti di plastica pieni di erba,
da parte di personaggi lievemente più scafati che portavano assaggi di
polverina bianca. Il mutamento delle performances dei musicisti fu notevole,
dal mio punto di vista astemio e critico; e, dal punto di vista dei
musicisti, la possibilità di contatto umano diminuì. Notai anche che il
pubblico diventava, in generale, meno ricettivo. Era probabilmente il
risultato di tre principali fattori: in primo luogo le aumentate dimensioni
dei luoghi di concerto; in secondo luogo l'accettazione della musica rock
come sport spettacolare, in cui il suonatore produce eccitazione e
l'ascoltatore s'attende divertimento; in terzo luogo la relazione vampiresca
tra suonatore e pubblico, in cui ciascuno trae alimento dalla vanità e dalla
presunzione dell'altro.
Anche l'ascoltatore ha a disposizione tre discipline per aiutare a
trasformare un concerto rock da semplice accadimento ad evento. In primo
luogo mantenere una coscienza di sè, anche quando balla; in secondo luogo
conservare la mente aperta e abbandonare quell'autentico collare con
guinzaglio che è l'aspettativa; terzo ascoltare in modo attivo, il che
richiede attenzione volontaria. Sia il suonatore sia l'ascoltatore accettano
ciascuno il proprio ruolo, il che non implica alcuna differenza qualitativa
tra loro ma soltanto che ciascuno occupa una parte necessaria in uno schema
che permette il verificarsi di un'azione; nel contesto di cui ci occupiamo,
ciò che potrebbe emergere è la musica.
La parte più accessibile al pubblico è la sua immagine. In senso concreto
l'immagine dell'artista è più viva dell'artista. Come simbolo può essere in
più luoghi simultaneamente che l'artista, e quanta maggior attenzione si
presta al simbolo tanta più forza esso acquista; può persino vivere oltre la
morte dell'artista. La confusione dello scoprire che la propria immagine è
più reale di se stessi è un'apparente contradizione che, credo, ha
liquefatto i fusibili di molti artisti di successo. L'obiettività che è
necessario coltivare verso quest'esteriorizzazione di se stessi è parte
della disciplina della testa. Più forte diventa l'immagine più grande è
l'importanza di mantenersi con i piedi a terra, per esempio con la
disciplina delle mani. Si può persino trarre del divertimento dall'immagine,
imparando il linguaggio della moda e accettando le debite discontinuità.
Una volta ultimata questa obiettività, si può entrare dentro questa immagine
e, soprattutto, uscire fuori una volta che la performance sia finita. La
quantità di energia contenuta in un immagine può essere assai notevole e può
permettere azioni eccezionali, che sarebbero impossibili in sua assenza.
Quest'energia è normalmente nota come 'carisma' e spiega perchè le star
hanno un grande potere d'attrazione. Maggiore è l'obiettività dell'immagine
(e lavorando sulla terza disciplina - del cuore - il musicista può
rafforzare quell'obiettività rendondo più limpide le sue intenzioni su come
usare quell'energia), maggiore diventa per gli ascoltatori la possibilità di
volgersi a quell'immagine per la musica. Inoltre, secondo svariate
tradizioni, esiste la possibilità che quell'immagine acquisti una vita
propria, che allora servirà come canale per la musica. E' proprio a questo
punto, con un canale aperto per la musica e un pubblico attivamente
ricettivo, che può accadere qualcosa di notevole, particolarmente in un
concerto rock, che suscita una grande quantità sessuale (creatività per
definizione). Quando il suonatore e il pubblico assecondano l'uno la vanità
dell'altro, la relazione non va oltre il mondo delle superfici; questo,
nella mia esperienza, è accaduto di frequente. Quando il suonatore e il
pubblico compiono uno sforzo attivo, possono toccare l'uno l'essenza
dell'altro e cambiare per davvero qualcosa dell'altro: può essere una sorta
di sposalizio. Ho sperimentato spesso questa sensazione e ancora mi sento in
qualche modo collegato con quasi tutti i musicisti con cui ho lavorato a
stretto contatto, persino quando desiderei che così non fosse. Se il
collegamento è di ordine superiore, la musica diviene un evento e genera un
proprio spirito; un esempio è Woodstoock, che in termini fisici fu un vero e
proprio disastro.
Fino a questo punto; la musica può essere stata meccanica o interessante,
forse soltanto una scusa per dar modo a un evento di verificarsi. Ma a
questo punto potremo avvertire qualcosa dell'obiettività della musica che va
e viene come il vento. Non possiamo comandare il vento ma possiamo imparare
ad alzare le vele. Ho sperimenteto anche questo sebbene di rado. Nel '69
suggerii che si poteva essere musicisti rock senza censurare la propria
intelligenza. In un periodo in cui la moda del rock era il primitivismo,
l'idea fu attaccata come pretenziosa. Se dovessi suggerire, nel 1980, che a
mezzo della musica abbiamo la capacità di ottenere un mutamento qualitativo
della natura umana, è possibile che l'idea incontrerebbe la stessa ostilità.
Nel silenzio esistono tutte le possibilità. La musica è la coppa che
contiene il vino del silenzio. Il suono è quella coppa, però vuota. Il
rumore è quella coppa però rotta.
Forse ora dovrei tacere.
 
 
 
 
 
 
 

 ritmo e armonia.
 
non dimenticare il timbro

 non dimenticare il timbro
 
il timbro e' ostico da comprendere come concetto, dal
momento che sarebbe definibile anche per il solo strumento..
ovvero un suono, il quale non e' musica ma un tipo di runore..
con un certo timbro... immagino..
insomma credo che sia piu' legato allo strumento che alla musica.
dipende anche dall'esecutore, certo, di variare sul timbro ma sempre
entro i limiti della sua possibilita'..
altrimenti qualsiasi zucca sarebbe uno stradivari...!!:))
ma se lo stradivari dovessi suonarlo io, andrebbe bene o anche meglio
anche la zucca!!
 
 

 momento che sarebbe definibile anche per il solo strumento..
 
Ma no che non e' ostico:-)
http://files.spazioweb.it/aruba53329/image/made-in-italia-timbro-recante-prodotto-italiano-o-di-produrre-1024x855.jpg
 
 
Beh, scusate la battuta sciocca.
Loris
 
 
 
 

 Loris
 
bah, il timbro va battuto!!
(e' la prima cosa che ho pensato:)
pensa a come potrebbe battere i timbri un Muti...
 
 
 
 

rawmode

La ragione per cui in musica i fondamentali sono quattro, incluso cioè 
il timbro, è che il timbro - come la melodia, l'armonia e il ritmo - lo 
progetta a tavolino l'autore.
Certo, da strumento a strumento dello stesso tipo (es. violini) il 
timbro è diverso, trattandosi di prodotti artigianali con tutto ciò che 
questo comporta - scelta dei legni, loro lavorazione e finitura, tipo di 
corde ecc., - e anche il timbro conferito dai diversi esecutori è 
diverso (es. pressione e allineamento dell'arco nel caso degli strumenti 
a corda), ma il timbro di un gruppo di strumenti o addirittura di 
un'orchesta, è una scelta accurata dell'autore.
 
Il timbro, dunque, è sempre fondamentale e fa parte della scrittura 
musicale, che non può naturalmente tenere conto del fatto che in 
orchestra (o anche in un quartetto) ci sono più violini ciascuno con il 
suo timbro: questo è un problema degli esecutori, non dell'autore.
 
A proposito di timbro mi vengono in mente alcuni lavori, come i quadri 
di Mussorgski, in origine per pianoforte, trascritti magistralmente da 
Ravel per orchestra; naturalmente mi viene in mente la Sagra di 
Stravinskij, ma in genere tutta la musica per balletto, che sul timbro 
fa conto anche per la coreografia; ma tu pensa allo Zaratustra di 
Strauss, anche solo alla sua introduzione: tu cambia uno strumento e 
cambia tutto - cambia la musica. E nel miserere di Allegri, voci bianche 
o soprano o controtenore? Le note sono le stesse, ma l'acuta dolcezza di 
una voce bianca è determinante per quel lavoro.
 
In breve, il suono, in quanto tale cioè timbro - non solo la melodia, 
l'armonia e il ritmo - è necessariamente uno dei pilastri della 
scrittura della musica.
 
Elettronicamente parlando, il timbro si traduce nella composizione 
(quantità e intensità) delle diverse armoniche, ossia nella forma dello 
spettro sonoro. Cosa che la tecnologia acustica sa - e sa misurare - 
molto bene.
 
Un saluto
Omega
 

 ha scritto nel messaggio 
news:nhh9v4$129q$1...@gioia.aioe.org...

Anche le batture vanno... battute:-)
E' che io dei vostri discorsi musicali capisco poco. Proprio il timbro, per 
esempio; mi chiedevo se e' una grandezza oggettiva misurabile. E a proposito 
di Muti mi chiedevo come potremmo classificare il suo timbro di voce, 
ascoltando qui, dal minuto 2:50:
http://www.rai.tv/dl/RaiTV/programmi/media/ContentItem-62553281-f378-4e29-ac33-62ef5343131e.html
 
Che timbro di voce ha Muti? E quale il timbro di voce dei... muti?:-)
Ciao,
Loris
 
 
 
 

 Mussorgski, in origine per pianoforte, trascritti magistralmente da
...
vabbe', sapevo gia' di invidiarti la competenza musicale classica;
posso solo aggiungere una piccola chicca, sempre a proposito
di timbri e
di un'altra rivisitazione dei quadri.. questa volta sempre da parte
di(elp) uno dei fondatori dei king crimson...
(una delle sole due voci che da sempre ho definito "hi-fi"..
insieme a quella di elton john dei tempi d'oro...)
 
https://www.youtube.com/watch?v=L9Ippzdh0Qg
 
 
Saluti..
 
 
 


io lo so: "insindacabile"!
(a qualsiasi minuto!!:)) 
 
 

 Saluti..
 
Saluti
Omega
 

 per esempio; mi chiedevo se e' una grandezza oggettiva misurabile.
 
Mediante un comune analizzatore di spettro della banda audio - che 
esegue la trasformata di Fourier del segnale (da ampiezza/tempo ad 
ampiezza/frequenza).
 
La wiki fornisce qualche informazione e molte immagini.
Alcuni PC hanno del software che fa questo lavoro (più o meno bene).
 
Saluti
Omega


 
Alcuni PC!!:)
suggerisco di recarsi dal sig Accattatis.
(che a dispetto del nome, e' ancora free!!:)
e che trasformare il pc in un oscilloscopio
non e' da poco!! ottimo prog davvero..
 
http://www.sillanumsoft.org/Italiano/autore_di_va.htm
 
 
 
 
 
 
 

 incisioni - e li ho sempre apprezzati molto. Anche in questo caso
 
 
scommetto che questa versione no!
(sempre la stessa ma piu' incisiva)
uscita nel 2000!!
 
https://www.youtube.com/watch?v=A2l0z9SUEyk
 
 
...
cmq , mi spiace ma nella classica non posso seguirti, mi
sembra di averlo gia' detto..
(sarebbe il colpo di grazia definitivo!!;)
lo so che li' ci saranno tesori inenarrabili...
qualsiasi cosa che becco per caso alla tv
mi blocca irrimediabilmente, per cui....!!
Saluti..
 
 
 

rawmode

In un oscilloscopio è relativamente facile - basta digitalizzare il 
segnale e associarlo a un clock. Meno facile in un analizzatore di 
spettro, che implica una serie di filtri digitali. Comunque di più o 
meno semplici (per PC) se ne trovano quanti se ne vogliono.
 
Ora che ricordo, windows media plawer e credo tutti i media player hanno 
queste funzioni in "effetti grafici".

 
https://www.youtube.com/watch?v=A2l0z9SUEyk
 
 
Molto interessante.
Chiaro che la loro formazione è classica, e sanno anche usare tutta la 
timbrica elettronica.
 
(Ascolta la loro versione di questo pezzo di Aaron Copland:
https://www.youtube.com/watch?v=fK92hdp6u18
 
e ascoltalo anche in originale:
 
https://www.youtube.com/watch?v=FLMVB0B1_Ts
)
 
 
Saluti


....
mmmmm
era classica!! e' rimasto solo il batterista..
Emerson lo conoscevo sin dal tempo dei Nice..
e infatti "la fanfare" la conoscevo solo da loro; neppure
sapevo fosse tratta da.. Copland..
 
Vedi, perche' dico che non posso seguire la musica classica..
(spero di poterlo fare un giorno), perche' io ho fatto solo quello.
fino a qualche tempo fa. Voi avete fatto e state facendo tutto
della vita, io solo quello(e similari) e nient'altro. Ora non ascolto
piu' musica ne' faccio niente altro di quello che facevo,
capitolo chiuso. Se scrivo qui, di qualche problematica, e' per una
questione d'inerzia.. per quello dico che non sono io...
Mi ricordo a grandi linee come si fa, per passare inosservato!!
 e' una finta...io sono una finta..!!:))
non che no ci creda, oppure inganni, dovrei avere uno scopo per quello,
e quale sarebbe!? La finta e' quella di far parte della vs societa'....
ma non e' cosi'.. aspetto solo che vi svegliate.
Saluti.... 
 
 


 
naturalmente ho studiato per dieci anni seriamente la materia
metafisica da solo, non per farmi vedere, ma per sapere! ora
c'e' una cosa importante da dire: ho seguito la musica per il suo
messaggio, che pur e'!! La classica invece non lo e', e' scomposta,
senza linee se non individuali oppure puramente artistiche; si
avvicina di piu' alla letteratura, alla pura prosa o poesia che fosse
ma e' slegata... puo' essere individuale, toccare grandi temi della
vita, penso a un ciaicoski(non e' un cinese;)....ma e' un racconto,
non una lotta...come puo' essere quella del jazz che parte dal fango
e dalle catene, non so se mi spiego. Conosco solo saggi...
la letteratura per me e' solo un diletto. Male fate se pensate che
l'arte sia una questione estetica o quello che diavolo puo' essere..
e non un codice per chi sappia!!
per me la festa non finisce mai, cosi' come la guerra. 
 
 

 per me la festa non finisce mai, cosi' come la guerra.
perche' e' quasi inutile dire che la guerra fisica e' diretta discendenza
della guerra metafisica. quando la guerra fisica e' in corso vuol dire che
la guerra metafisica e' gia' al collasso.
in quantoche' la metafisica. e' una guerra, persa!
dovrete fronteggiare menti millenarie col vostro piccolo
bagaglietto fatto di qualche decennio di vita...
e di consapevolezza: non esiste alcun confronto siete fatti e
basta. ma questa e' la base...
per questo esiste la tradizione, perche' non puoi iniziare da te...
dalla tua miserrima consapevolezza, per fronteggiare le potenze
dell'ignoto.