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Titolo: Appunti sulla pittura

L'occasione di questi appunti è stata il trovarmi tra le mani una monografia 
su Rembrandt. Che mi ha provocato una lancinante nostalgia della pittura.... 
gli appunti sono in ordine sparso e "senza istruzioni per l'uso", pardon per 
eventuali oscurità, ripetizioni-ridondanze etc.
I. Temperanza
"Per ogni atto, dammi solo la forza necessaria...." scrivevo in uno dei miei 
aborti di poesie anni e anni fa. Il concetto era ed è quello della 
temperanza e, correlativamente, quello di *misura*. E guardando un orrendo 
sito con una altrettanto orrenda copia di autoritratto di Rembrandt, di cui 
l'artefice pretende di render conto di tutte le fasi e presenta un risultato 
finale a dir
poco grottesco (lui stesso parla di "mask" per certe fasi della pittura), mi 
viene in mente un altro concetto strettamente correlato alla temperanza e 
alla misura: l'organicità. Vediamo di mettere un po' d'ordine 
nell'interrelazione
di questi concetti...
Si legge nelle scritture buddhiste: "quello che deve essere fatto, fatelo 
con
tutto il vigore". Si deve intendere: fatelo con tutto il vigore 
*necessario*,
né di più, né di meno. Trovate la misura dell'agire. Ci sono infatti delle
azioni o delle fasi di determinate azioni che vanno eseguite con slancio e
forza, con energia, o il risultato sarà fiacco. Se l'energia invece è troppa
mancherà il controllo. Es. ho una lacca e devo dipingere una porta con delle
modanature. Il problema è che dopo un certo tempo la pittura incomincia a
seccare e "tira", come si dice, per cui bisogna sbrigarsi e al tempo stesso
bisogna fare un lavoro accurato, eliminando le colature, lisciando perchè 
non
appaiano i segni del pennello, etc. Qui io debbo regolare la mia energia e
trovare la "misura" adeguata alla corretta esecuzione del lavoro.
Questa è una applicazione "grossolana" di questa idea o, se vogliamo, un 
caso
patente e perciò facile da "risolvere". Dice Platone che colui che è
temperante lo è in quanto "tempera" l'elemento sensibile, in altri termini
trova una giusta misura, una misura ideale tra l'immediatezza della 
percezione
e la sua "corporeità" e la dimensione intellettuale-percettiva-spirituale. 
Non
è un caso che tale temperanza sia attributo precipuo dei lavoratori (e primi
fra tutti degli artisti, è lecito congetturare). Infatti l'artista non fa 
che
questo, temperare e mediare tra il sensibile in quanto "stimolo" e il
sensibile in quanto "punto di partenza" per la percezione, l'intellezione,
l'ermeneutica, il simbolismo, etc.
E particolarizzando, applicando cioè il concetto alla dimensione specifica
dell'agire artistico, cosa sarà un agire temperante? Sarà un agire che, dal
punto di vista della "visuale operativa", sa perseguire una finalità 
d'insieme
senza per questo perdere di vista i dettagli; dal punto di vista del modo e
del ductus saprà conciliare la scioltezza, la forza, la foga da un lato e la
precisione, l'accuratezza, la delicatezza dall'altro. Quando ci troviamo
davanti all'immagine risultante da questo fare, guardandola da una certa
distanza ci sembrerà molto dettagliata, avvicinandoci scopriremo che i
dettagli sono "risolti": c'è una specie di miracolo per cui con meno
informazioni del necessario noi percepiamo anche quelle che non ci sono.
Guardando da vicino non dovremmo vedere granchè, senonchè emerge in tutta la
sua forza la dimensione del *fare*. Da lontano vedevamo l'oggetto della
rappresentazione, da vicino quest'oggetto mostra di essere la
concretizzazione, la cristallizzazione di una gestualità, di una fluidità
psico-fisica, di una concentrazione, di un sapere. Da vicino non vediamo più
gli oggetti della pittura ma la pittura stessa.
Un pittore completo lavora nel tempo e nello spazio, e la sua coscienza è
multidimensionale. Cioè quando lavora, lavora sul tempo e sullo spazio della
rappresentazione e *insieme* sul tempo e sullo spazio della rappresentazione
stessa. Saper dipingere è, ad esempio, lavorare con la consistenza e i tempi
dei materiali, materiali che non sono materia, ma appena un grado più sopra,
sono materia per la quale è già prevista, antevista una organizzazione. E
tutto ciò avendo in vista le molteplici proprietà degli oggetti 
rappresentati,
che devono essere (ri-)create "più vere del vero", avendo in vista cioè
l'essenza delle cose e non le loro manifestazioni empiriche.
Insomma il vero pittore dipinge, dà a vedere le cose senza vederle, cioè 
senza
soffermarsi sul loro aspetto contingente. Così facendo ci presenta la verità
della cosa attraverso una finzione, una menzogna che è più vera - più
verosimile - della verità stessa della cosa come sua semplice effettualità,
astanza, presenza.
Sembra la famosa conciliazione degli opposti di sapienziale memoria, ma in
fondo non consiste proprio in questo la misura?
II. La misura
Misura che contrariamente a quella quantitativa, fatta di un rapporto e di 
una
obiettività costruita, emergente da tale rapporto, è una misura che potremmo
definire "mistica", perchè mette direttamente in comunicazione con l'essenza
della cosa e del fare che si pone in analogia con esso. La misura è capacità
di sintesi che comprende anche il retto giudizio che vede direttamente nella
cosa e antevede nel fare: il risultato è già presente e la consecutio è
ribaltata: è il fare che è una conseguenza del risultato già dato, già
esperito nella sua immanenza interiore, più tangibile per l'artista 
dell'opera
stessa. Niente scivoloni crociani tuttavia. L'immagine intanto ha valore e
senso in quanto si mette in gioco, si espone al rischio. L'immagine 
artistica
è qualcosa che potrebbe, ad ogni volta, e nonostante l'esperienza e la
capacità dell'artista, riuscire come non riuscire o riuscire meno bene. 
Nulla
è scontato, nulla è anticipato e la riuscita dipende da tanti fattori
coordinati tra loro. Di qui l'immenso valore dell'opera riuscita (e di chi
l'ha riuscita). E solo la realizzazione attesta del valore dell'opera e
dell'artista stabilendo inequivocabilmente la coincidenza del sapere 
interiore
e del saper fare.
III. L'organicità
Ma perchè, alla fine, un'opera riesce o fallisce? Perchè ad esempio la copia
dell'autoritratto di Rembrandt fatta da quell'americano è una crosta e nulla
più? La risposta ha a che vedere con l'organicità. L'organicità potrebbe
essere espressa dal famoso detto secondo il quale "il tutto è più della 
somma
delle parti". Insomma, facendo un discorso analogico, quel che c'è di
straordinario nell'organismo vivente (ho sotto gli occhi una magnifica testa
d'uomo con turbante dipinta da Rembrandt) come nella sua raffigurazione
dipinta non sono solo o tanto i singoli aspetti presi isolatamente, il fatto
che io respiri o cammini, che sia capace di spostarmi ad esempio, o il 
colore
locale del turbante, della gemma sul turbante e così via, ma l'unità 
organica
cui questi differenti aspetti ineriscono, che concorrono a formare senza 
poter
esaurire. E perchè? Perchè non è possibile esaurire per via analitica. Per 
il
semplice motivo che chi vuol percorrere la via analitica deve lasciarsi alle
spalle proprio l'organicità, come chi vuol considerare l'unità logica deve
lasciarsi alle spalle quella metafisica. E con questo ritorniamo alla 
misura,
alla capacità cioè di valutare, di penetrare l'essenza delle cose, 
cogliendole
appunto nella loro organicità. Questo suppone un'estensione qualitativa 
della
coscienza, esattamente come la via analitica presuppone un'estensione
quantitativa. Nella via analitica bisogna sapere più cose, in quella 
sintetica
bisogna saperle più in profondità.
L'organicità sul piano del fare è quel che consente di non doversi 
soffermare
- come fa il principiante - sul disegno a scapito del colore, o sul colore a
scapito del disegno e del tocco, etc., ma di operare naturalmente,
spontaneamente (e correttamente) avendo di vista l'insieme. Proprio come
quotidianamente, vivendo, non è che stiamo a pensare "io respiro", o "io mi
sposto", ma ci spostiamo respirando, e camminando e respirando pensiamo,
abbiamo emozioni, etc. L'organicità di un lavoro - spontaneità taoista,
potremmo dire - è la naturalezza con la quale i diversi aspetti dell'opera
concorrono a formare la sua unità, senza che si rendano evidenti iati o
contrapposizioni/sovrapposizioni.
Bravo a chi ha letto fin qui. 

 di questi concetti...
Visto che nell'impaginazione non c'è verso di metterlo, porcaccia di 
quella... *#+%&!!

 ha scritto nel messaggio 
news:43f7854e$1...@news.bluewin.ch...

Madonna? 

 a écrit dans le message de news: 
43f7baa1$0$5989$4faf...@reader2.news.tin.it...


E siano anche per me, questi tuoi appunti, occasione di 
melanconia. Di piu' leggero carattere pero': non sono
mai riuscito ad andare al di la' dello status di potenziale
aspirante apprendista. 
Sono pero' speranzoso, dunque temperante ;), non escludo che 
verra' un tempo in cui trovero' una bottega dove felicemente 
potro' apprendere l'arte. Nel frattempo mi auguro di aggiungere 
"spunti" ai tuoi interessanti appunti. 
Necessariamente, la qualita' del mio sguardo pittorico 
equivale al mio stato di servizio nella pittura, praticamente 
passivo. Non ritengo, in questo frangente, la passivita' un ostacolo, 
tutt'altro, i sensi, si sa', sono "passivi". 
Giocando con le parole potrei vedere all'opera nell'opera, nella 
sua realizzazione e fruizione, i sensi "passare" un di che. 
Cosi' a me piace pensare all'opera, cosi' a me piace darle vita. 
In altri termini, mio buon amico, non sto parlando come un addetto 
ai lavori (detto nella sua piu' nobile accezione, ovvero come un 
colui che sa' come si fa'); trovo questo un fatto macroscopicamente
evidente :)
Di conseguenza mi permetto di considerare, nella riuscita di 
un'opera, nella sua organicita', lo spettatore. Non la ricerca 
del plauso, tantomeno le pretese di messaggio - due facce della 
stessa vanitosa medaglia- quanto una sorta di tensione controllata.
Spontaneita' si', ma non troppo (misura!), ricordiamoci che lo stesso 
LaoZi scrisse del Dao.
Piu' da ricercarsi in quell'esclamazione che ci riportasti in 
occasione della freccia scoccata all'alba "come sarebbe bello se...".
L'artista scocca l'opera, non tenendo conto (Dio ci scampi dagli 
artisti contabili) dello spettatore, ma avendo a cuore che trovi 
uno spettatore. Non e' forse questa segreta speranza che accompagna 
sempre l'uomo (Dio?), qualsiasi atto costruttivo compia?
A mio vedere (qui il *senso* e' d'uopo :) l'opera e' completa 
quando veicola (rapisce?) in se' lo spettatore. Dunque quando
e', in una certa misura, incompleta, infatti c'e' differenza
tra un quadro ed una foto, e non e' certo da ricercarsi nella
bravura tecnica dell'artista, tant'e' che l'iperrealismo
ha si fascino difficile che "rapisca", piuttosto stupisce.
Ad esempio a me piace enormemente Norman Rockwell
http://jameswagner.com/mt_archives/rockwell_runaway.jpg
http://www.worth1000.com/web/media/96444/rockwell01.jpg
http://www.artlex.com/ArtLex/ij/images/illustra_rockwl.problm.lg.JPG
E' da Hopper che mi sento "rapito"
http://www.ibiblio.org/wm/paint/auth/hopper/street/hopper.nighthawks.jpg
http://www.barcelonetes.com/arxius/imatge/selfportrait800px.jpg
Entrambi, a mio parere, hanno quella naturalezza (ebbene si, 
anche Rockwell!) che rende belle le loro opere. 
"Naturalezza" che mi sfugge in Mondrian o Kandinsky ad esempio
http://www.ibiblio.org/wm/paint/auth/mondrian/broadway.jpg
http://www.ibiblio.org/wm/paint/auth/kandinsky/pleasures/kandinsky.pleasures.jpg
saluti soggettivisti :)
ciao!!!
-- 
questo articolo e` stato inviato via web dal servizio gratuito 
http://www.newsland.it/news
 segnala gli abusi ad 
ab...@newsland.it

 ciao!!!
Salutoni
A. C. 

 Si impara a farla, e si impara a leggerla in questo modo. 
Si, non c'e' alternativa, per imparare 
ci si deve far da parte, continuamente.
Tu continua a trasmettere ^____^


 ciao!!!
Salutoni
A. C.