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Titolo: ot

"Ho studiato gli antiche e i moderni, ma non ho voluto né imitare i primi né
copiare i secondi; ho voluto rappresentare i costumi e le idee del mio tempo
secondo il mio modo di vedere. Fare dell'arte viva, questo è il mio scopo".
G. Courbet

 wrote in message
news:9715eb$qs7$1...@fe1.cs.interbusiness.it...

Dimmi chi sono i tuoi modelli e ti dirò chi sei... una concezione
intrinsecamente caduca dell'arte non può dare che un'arte caduca,
infatti - a parte l'empiria e la soggettività del "proprio modo di
vedere" - il tempo passa, e con esso le idee e l'arte che se ne ispira.
Ed è così che l'arte, da viva che era nelle intenzioni, diventa morta.
Stammi bene
Sinuhe
--
"Quasi flos egreditur et conteritur  et fugit  velut umbra"
(Job 14, 2)
http://www.isuisse.com/mossadegh/

Cari signori,
grazie a voi quella volta che siete intervenuti all'argomento che ho
presentato sull'arte e l'artigianato.
Come già ho scritto, sono molto lenta nel riflettere e scrivere, e sto ancora
continuando a spaziare sulle cose che avete scritto.
Io sia intellettualmente che emotivamente penso di capire ciò che ha detto
Courbet, ma Sinuhe, potresti mica spiegare un po' di più il tuo punto?
In altri termini (magari facendo degli esempi), in questo caso, precisamente
com'è che una creazione che uno ha messo nel mondo con l'intenzione di fare
qualcosa di vivo, invece, col passare del tempo muore?
"Qualcosa di vivo" è uguale, oppure vicino a "qualcosa di vero"?
"Qualcosa dal vaolre innegabile in eternità"?
Per essere un "qualcosa di vero", una creazione non deve essere distaccata
dalla storia -- volevi dire questo?
Ma se uno ha assimilato il passato e il presente, anche se cerca di
distaccarsi da quelli, nelle sue creazioni essi traspariranno lo stesso, no?
Ciò non mi sembra negativo, anzi.
Il modo di affrontare all'attività creativa di Courbet, secondo te, era come
"fare la moda"?
A me non sembra così, però. Guarda, per me, anche se Courbet diceva così, poi
al suo insaputo, comunque ciò che aveva assimilato si sarebbe notato. Dire
come ha detto lui è semplice, e anch'io lo direi, seppure con un pochino di
arroganza, ma volente o nolente le creazioni sono sempre frutto di tutte le
esperienze fatte, o assimilate bene o meno bene che siano.
E' importante conoscere, questo, sì (e che poi non è facile e non ha la fine).
Che ne dici?
Ciao
Aogi Yoshizawa


Ovviamente i modelli ci sono sempre, anche se uno non li esplicita. Questo
discorso vale soprattutto a partire proprio dall'800, quando ogni movimento
pittorico è di molto debitore a quello precedente.
Insomma, Courbet non avrebbe potuto far quello che ha fatto senza il
precedente romantico e nemmeno senza la pittura classica.  Ma infatti egli
non dichiara di rifiutare nè gli uni nè gli altri, ma semplicemente di
prediligere una pittura nuova -sua, in quanto nuova- piuttosto che adeguarsi
a esperimenti pittorici che stavano ormai omologandosi a certi dettami...
Mi sembra che nell'ambito della sua pittura "personale" non vi sia alcuna
leggerezza, piuttosto e che anzi, ve ne sia molta di più nella rispettosa
tradizione precedente.
J.


 Aogi Yoshizawa
Un cordiale saluto
Sinuhe
--
http://www.isuisse.com/mossadegh

Caro Sinuhe,
grazie della risposta.
Che rigoroso che sei!
Ce ne sono pochissime persone anche tra degli artisti che la dicono fino a
questo punto.
Già solo lavorare pensando in quel modo è faticoso.
Da lì a afferrare il proprio "qualcosa di vero", spesso non basta una vita.
Adesso sono curiosa di chiederti una cosa, per la mia curiosità:
se ti va, elencheresti gli artisti che stimi (o qua o in privato, come preferisci)?
Cari saluti,
Aogi Yoshizawa


Spesso coloro che chiamiamo artisti sono opere d'arte della natura
A me e' sempre parso che il quid estetico nasca al di la' di cio' che
l'artista vuole o mira.
Nell'esempio riportato, Courbet espone la sua intenzione che, in quanto
tale, e' propriamente figurativa: ha di mira, cioe', i soggetti, le sagome,
le figure dei suoi quadri. E certamente lui mira a quei connotati di
contemporaneismo che ha sempre denunciato. Ma lo stile nasce da
qualcos'altro, si produce al di la' di cio' che l'artista vuole o cerca. (Ho
detto "al di la'", non "indipendentemente da").
Nel caso di Courbet, non si puo' dire se il rapporto tra le sue dure figure
e la sua dura pittura sia di causa -effetto a favore delle prime o di
questa. Detto miseramente, un conto e' il soggetto rappresentato in un
quadro, un conto lo stile con cui viene eseguito. La frase di Courbet verte
sul primo aspetto.

...a meno che non si trovi una estensione a la' dove dice: "il mio modo di
vedere".

 Aogi Yoshizawa
Come puoi immaginare ce ne sono molti, e dipende sotto quale aspetto li
consideriamo.
Per esempio, essendo la tecnica della pittura ad olio, come tutte le
tecniche, nata con precise intenzioni simboliche (oggi pressochč
sconosciute o delle quali non ci si cura) legate alla metafisica della
luce, e innestandosi sul "tronco" di tecniche a lei preesistenti, č
evidente che gli artisti che hanno svolto un ruolo di primaria
importanza nello sviluppo di tali aspetti della tecnica siano da tenere
in grande considerazione.
Ma forse non č questo aspetto pių "oggettivo" che ti interessa, ma
sapere quali sono stati gli artisti dei quali ho maggiormente tenuti
conto nella mia formazione e nel mio lavoro (se non č cosė, correggimi).
Intanto sono partito dal Seicento per diversi motivi: perchč č lė che le
cose s'ingarbugliano per la civiltā occidentale in genere e per la
pittura in particolare, e perchč la "logica" naturalistica del Seicento
č ancora, con qualche studio certo, facilmente accessibile a noi
moderni. Inoltre dovendo ricostruire una pratica operativa con valori
annessi non si puō partire da ciō che č pių difficile, cioč dal
simbolismo di tipo spirituale, come ad es. quello della pittura
bizantina, quello delle pitture egiziane, etc., ma č pių semplice
partire da un codice naturalista.
Detto questo, penso che i periodi di transizione, a cavallo ad esempio
tra XVI XVII secolo siano i pių fecondi e ricchi di insegnamenti per chi
li studia, in quanto permettono, per mezzo delle trasformazioni in atto
che rivelano, di cogliere di riflesso anche *cos'č* che si sta
trasformando e in che cosa. In questo c'č anche, naturalmente, il tema
del rapporto tra "vecchio" e "nuovo" che si ripropone sulla "piccola
scala" del secolo o del decennio. Mi piacciono dunque in generale i
periodi di transizione come il Manierismo, il primo naturalismo, la
nascita della natura morta, i primi sviluppi caravaggeschi quando ancora
non si č maturato il barocco pieno, etc. Insomma mi piace l'arte come
misura ed equilibrio, che si rifiuta al gusto dell'innovazione come
valore in se stessa, e che ha di mira soprattutto la qualitā della
tecnica (che comprende anche l'invenzione) e la continuitā con la
tradizione.
Qualche nome a titolo di esempio:
Artisti precedenti al Cinquecento:
I primitivi fiamminghi, Van Eyck, Van der Weyden, Memling...., Jan
Gossaert detto Mabuse, i primi maestri della scuola tedesca come Barthel
Bruyn il vecchio.
Del quattrocento italiano ce ne sono troppi, direi le prime cose di
Giovanni Bellini, Antonello da Messina, etc.
Artisti cinquecenteschi o di transizione:
Parmigianino, Bronzino, i manieristi praghesi e olandesi: Spranger, van
Aachen, Wtewael, etc. Nel campo della nascente natura morta: Flegel,
Bosschaert, Savery, tra gli italiani la pittrice Fede Galizia (della
quale ho eseguito delle copie).
Come artisti pių tardi, giā seicenteschi:
Caravaggio e i primi caravaggeschi, ma anche i manieristi contemporanei
come gli Zuccari, altri pittori di ascendenza fiorentina come Orazio
Gentileschi e sua figlia Artemisia, il grandissimo Guido Reni. Vorrei
poi menzionare una pittrice di miniature su pergamena, che ha eseguito
numerose nature morte e vanitas: Giovanna Garzoni.
Per ultimo alcuni maestri napoletani o che hanno operato a Napoli, ai
quali sono particolarmente affezionato (sono nato a Napoli): primo fra
tutti Jusepe de Ribera, a mio avviso uno dei pittori pių grandi del
Seicento, se non il pių grande: la sua capacitā di compiere una sintesi
tra gi elementi pių diversi e la sua qualitā pittorica sono
semplicemente stupefacenti. Ancora Giovan Battista Caracciolo detto
Battistello, un grande interprete del caravaggismo che fu il primo a
recepire a Napoli, e che con grande senso della misura contenne entro i
limiti della sua iniziale formazione manierista.
Come esempio pių tardo di pittore napoletano citerei Bernardo Cavallino,
che trovō la morte nella grande peste del 1656 insieme a molti altri
pittori. Cavallino sviluppa le premesse riberesche in chiave di eleganza
e raffinatezza, e con una sintesi originalissima di manierismo,
naturalismo e una delicatezza pre-roccocō.
Mi fermo qui, ovviamente sono pochi nomi tra i tanti... non faccio
invece controesempi, cioč esempi di pittori "malfacenti", perchč si
intaserebbe il ng.... :-))
Un cordiale saluto
Sinuhe
--
