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Titolo: Cucinare e` un'arte? Cucinare e` creativo?

Lancio questo thread per cercare di dare uno stimolo al NG, in modo
che il discorso si ampli (come da suo manifesto) oltre il semplice
(ancorche' a me graditissimo) passarsi ricette e su esse disquisire o
gli a volte divertenti battute-diatribe-sfotto`.
Alla domanda che ho posto nell'oggetto vorrei dare questa risposta,
almeno per ora, sintetica. La cucina, cosi` come la intendiamo noi
qui, ma anche come la si intende presso i piu` conclamati ristoranti,
non e` un'arte, ma una forma di artigianalita` che puo` essere
elevatissima, ma che manca di alcuni parametri che contraddistinguono
l'arte pura.
Pero` da tempo mi punge vaghezza di individuare se esiste una pratica
del cucinare che quanto meno "tenda" all'arte e, magari, la raggiunga.
Ora, se questo e` possibile, non puo` prescindere da certe prassi che
sono indispensabili e che, a suo tempo, ho analizzato profondamente.
Riporto quindi la gran parte di una mia lezione alla Facolta` di
Architettura di Milano, che credo possa essere utile a individuare
delle tracce. Tre precisazioni a riguardo:
1 - Mi autocito perche' ritengo che ogni forma di espressione possa
essere solo personale. Proprio per questo faccio fatica di solito a
dire "secondo me" o "IMHO", per il semplice fatto che e` ovvio che
quel che dico e` quel che penso, anche se sono certo che non c'e` ne'
parola ne' pensiero che io possa dire veramente miei. Tutto ciò va
inteso quindi al contrario di un atto di presunzione, ma come un atto
di onestà, perché non ritengo giusta l'appropriazione delle idee
altrui.
2 - Lo scritto e` tratto dalla dispensa, tratta da sbobinatura di uno
studente volenteroso, quindi contiene certamente refusi assortiti
3 - Lo scritto e` del 1988, quindi molti riferimenti temporali vanno
collocati nella giusta posizione.
AM
P.S.
Naturalmente mi scuso, se trovate il tutto inadatto o per qualsivoglia
motivo spiacevole.
-------------- INIZIO (lungo) ----------------
[...]
Tralasciando di parlare dei diversi livelli culturali dei fruitori,
che è evidente quanto questi possano influire spesso negativamente sui
loro apparati di ricezione e di accettazione, considererò d'ora in poi
solo un livello elevatissimo: quello che, da sempre, ha consentito
all'arte di svolgersi lungo il suo percorso storico. A questo livello
apicale troviamo delle persone (artisti, galleristi, pubblico) che si
rivolgono all'arte in due modi ben differenziati: o traendo conferma
dalla sua ripetitività progressiva a temi acquisiti nella loro
essenza, ma che necessitano di approfondimento; o ricevendo stimoli
dalla sua capacità di perturbazione, che conducono ad un corso di
pensiero innovativo. Ovvio che stiamo parlando di conservatorismo e di
progressismo artistici.
In un secolo come il nostro, in cui "progresso" è un termine che in
tutti i campi, compreso quello artistico (dove si identifica con il
termine "avanguardia"), ha assunto una valenza assolutamente positiva,
riesce difficile accettare momenti di conservatorismo e non
considerare con impazienza il fatto che ogni novità sia basata su dati
acquisiti attraverso il loro approfondimento. D'altra parte,
indulgendo ad un'apparente o reale pigrizia mentale, è anche piacevole
soffermarsi su un terreno noto, non turbato dai rischi che le novità
implicano. Se pensiamo a ciò che è avvenuto in arte nei primi
cinquant'anni del XX secolo, si resta esterrefatti dalla
sovrapposizione
continua e frenetica di movimenti e artisti importantissimi: Picasso,
Matisse, Braque, Dalì, De Chirico, Modigliani, Balla, Boccioni, Ernst,
...
Non si può non notare però che i primi cinquant'anni del nostro secolo
sono stati anche attraversati da una serie di eventi politici e
bellici, la cui frequenza è impressionante, se confrontata con la
storia precedente. Giunti al secondo dopoguerra, il periodo, in
confronto a quello appena trascorso, è stato un periodo di
assestamento, specialmente dopo lo scrollamento datato genericamente
'68. Da quella data ad oggi anche in arte qualcosa pare
essersi fermato, come se anche in arte fosse necessario tirare un
momento il fiato e riordinare tutte le nuove nozioni che si erano
affastellate prima di compiere un ulteriore balzo. Ciò si è esplicato
attraverso le varie forme assunte dal citazionismo, fino al
post-modernismo.
Da quel momento a oggi si parla di "epoca di transizione". Corretto.
Almeno fino ad oggi. La mia ipotesi è che quest"'epoca di transizione"
sia terminata, anche se noi, non accorgendoci della sua fine,
continuiamo a chia-
marla tale ed equivochiamo sui diversi significati che, a seconda del
campo di competenza, assume il termine di post-modernismo.
Si potrà essere indotti ad obiettare che prima ho affermato che eventi
bellici e politici di portata mondiale sono "progrediti"
parallelamente alle avanguardie artistiche, mentre ora sostengo che è
il momento di una nuova
avanguardia, della quale peraltro non ci si è accorti, mentre è
evidente che ne' sconvolgimenti particolari ne' tanto meno guerre di
portata mondiale stanno sommuovendo gli spiriti e le intelligenze.
A ciò posso rispondere che nel mondo qualcosa di estremamente nuovo è
avvenuto e, proprio ora, sta determinando un mutamento dello spirito
dell'epoca. Esso è sotto gli occhi di tutti e se n'è parlato tanto che
appare persino banale citarlo. Ma è fuor di dubbio che l'avvento
dell'uso dei sistemi di comunicazione elettronica ha causato uno
sconvolgimento (una perturbazione) intellettuale la cui portata reale
saremo in grado di giudicare solo fra
molti anni. Il "Grande Fratello", la macchina che potrebbe dominare
l'Umanità, è solo un ricordo veterofantascientifico. Oggi il computer
è accettato anche dalla massaia e dal camionista, è prezioso per lo
scrittore e per il commerciante, è scontato per lo scienziato e per il
filosofo. Insomma fa ormai parte della vita di tutti e tutti i giorni.
È uno strumento indispensabile che ha causato una famiglia di
conseguenze ancora difficile da valutare in tutte le sue componenti.
Si pensi ai nuovi materiali: le cosiddette plastiche hanno perso,
grazie alla possibilità di elaborazione preventiva determinata dal
computer, la loro deteriore caratteristica di materiali poveri,
sostitutivi a basso costo di altri più nobili. Oggi le plastiche sono
create in funzione delle esigenze fisico-chimiche che si richiedono in
partenza, prima che la materia che le soddisfi esita. E questo è solo
un esempio delle innovazioni portate dall'uso del computer.
Dunque il computer ha comportato una rivoluzione non più politica in
questo caso, bensì direttamente sociale, mentale, spirituale. Oggi non
si ragiona più in "tempo storico" (comportante un prima, un durante e
un dopo,
sulla falsariga dei ritmi di produzione industriale), ma in "tempo
reale", perché' tra pensiero ed azione il tempo si è fatto tanto
piccolo da essere trascurabile.
L'Arte, come al solito, non può non tenere conto di questi fatti e,
come al solito, al contrario è tra le prime ad accorgersene e a
rimarcarli.
Se ci troviamo, secondo la mia ipotesi, in un momento non più di
transizione improntata al conservatorismo, bensì in uno di
progressismo culturale, ciò significa che un qualche fattore
trasgressivo è intervenuto a scuotere la
situazione di tranquilla accettazione dell'acquisito che si era venuta
a istituire.
In senso generale ho individuato prima nel computer questo fattore di
squilibrio che ha riavviato il processo progressista. È interessante
in questa sede però osservare come ciò abbia influito sui meccanismi
di creazione dell'immagine artistica. Cioè è interessante chiedersi i
come si esplichi la nuova creatività. Creatività è un termine
generico, che abbisogna di qualche analisi per essere meglio definito
e quindi usato ai nostri fini.
Creare vuoi dire fare qualcosa di nuovo, qualcosa che non esisteva
prima. Ora, di nuovo non esiste nulla, se limitiamo la nostra
considerazione al campo estetico o, più specificamente, artistico.
Tutto è già stato fatto, a livello di immagine. In questo caso sarà
meglio parlare di "innovativo", più che di "nuovo": ciò che determina
uno spostamento nello spirito dell'epoca in cui è stato realizzato e/o
preso in considerazione, ciò è "nuovo" in quanto "innovativo", cioè
non nuovo in assoluto, ma visto con occhi nuovi.
L' Astrattismo, per esempio, soprattutto quello geometrizzante, o il
Cubismo, notoriamente, sono collegabili ad esperienze culturali
geograficamente e storicamente lontane. Ma è il loro "uso" diverso che
ha costituito la novità, soprattutto in una cultura occidentale così
lontana, nelle sue istanze, da quella da cui queste immagini traggono
origine. È un giuoco intellettualmente divertente scoprire come ogni
immagine artistica sia sempre stata già eseguita, in un altro luogo e
in un altro tempo. Si è arrivati, nel nostro secolo, a riconoscere
questo fenomeno fino al punto da renderlo clamoroso, come ha fatto ad
esempio Duchamp, con l'uso dei ready-made, o la Pop-Art, riprendendo
le immagini più scontate, tratte dalla cultura del quotidiano, e in
entrambi i casi caricandole di un significato artistico talmente
intenso da farle apparire, in questo specifico campo di appartenenza,
nuove o, meglio, innovative.
Per tutto il secolo, si può dire, gli artisti si sono cimentati in
questo giuoco di far apparire nuovo ciò che invece non lo è affatto.
Ciò ha avuto una valenza assolutamente travolgente, che è esplicata
fino ai giorni nostri. Pensiamo per esempio all'Arte Povera, il cui
giuoco non è altro che una commistione di Dadaismo e Surrealismo.
L'Arte Povera ha un'importanza particolare nella storia dell'arte di
questo secolo e nell'economia del discorso che stiamo facendo. Vorrei
azzardare dicendo che è stato l'ultimo movimento collegabile alla
ricerca del nuovo e nello stesso tempo ha aperto la strada al recente
periodo citazionista. Essa ha ricomposto in modo formale oggetti
naturali e oggetti artificiali. Ma questi oggetti sono estremamente
caricati di valenze simboliche, al punto che non si può trascurarne
l'origine per comprendere l'opera nel suo pieno significato. Ben
diverso era il discorso dadaista o di certo Cubismo, che si limitavano
ad un esercizio puramente fomale, quando riutilizzavano biglietti del
tram, pezzi di legno e quant'altro poteva capitare in mano loro. Nel
caso dell'Arte Povera invece il contenuto è sostanziale, essa è in
definitiva un movimento concettuale. E questo contenuto richiama
troppo direttamente il significato che i componenti dell'opera avevano
all'origine per non riconoscervi una parentela con i movimenti
citazionisti che sono seguiti, i quali, più direttamente nei confronti
dell'arte, ne hanno adottato riferimenti e immagini per ricollocarle
in un nuovo contesto formale e concettuale: quasi l'arte si fosse
messa a parlare con se stessa e, per potersi capire, le fosse
necessario usare termini comuni, a lei già noti.
In ogni modo si vede confermato che il nuovo assoluto non esiste:
creatività invece corrisponde all'uso nuovo, quindi innovativo, che
viene fatto di immagini già acquisite, al loro spiazzamento dal
proprio normale contesto ad un altro che è per loro inusitato,
improprio. Ciò determina uno squilibrio nel nuovo contesto d'uso,
perché queste immagini costituiscono un elemento perturbante il
sistema in cui vengono collocate. Nuovo è quindi soltanto il modo di
usarle o, meglio, quello in cui vengono lette.
Da tutto ciò si comprende come, per poter essere creativi, bisogna
anche avere un'approfondita conoscenza di ciò che è stato fatto.
Altrimenti il rischio di trovarsi tra le mani un prodotto, che appare
nuovo solo a chi l'ha fatto, è troppo grande. Si calcola che nel mondo
esistano in questo momento più di cinque milioni di artisti. Senza
contare i dilettanti, che sono moltissimi, i grafici, gli architetti,
gli stilisti e quanti altri pure lavorano sull'immagine, mi sembra che
lo spazio affinché qualcosa di innovativo venga compiuto sia piuttosto
limitato a quei pochi che sono in grado di conoscere ciò che è fatto o
è stato fatto.
Prendiamo un bambino. Egli è creativo per definizione, perché non
conosce nulla. Tutto ciò che egli fa è, per lui, nuovo. Egli scopre,
lungo il suo processo di apprendimento, un'infinità di elementi,
materiali e ideativi, che per
noi adulti sono scontati, e li utilizza in piena libertà creativa.
Egli non ha statuti formali, compositivi, in genere culturali, ai
quali obbedire. Egli non ha timori nell'utilizzare gli elementi a sua
disposizione, secondo i suoi criteri, che prescindono affatto dalla
tradizione, almeno finché non interviene qualcuno, generalmente la
scuola, a limitarne le possibilità attraverso l'insegnamento di "ciò
che si può fare e ciò che non si può", in obbedienza al principio che
non si può copiare il già fatto, ma che, per conoscerlo, bisogna
imitare ciò che di
buono è stato fatto. Questa situazione, corretta forse in partenza, si
trascina purtroppo a lungo, fin oltre il periodo scolastico,
situandosi alla base di quel gusto comune che porta le masse ad
accettare come valido solo ciò che esse sono in grado di riconoscere
come "bello", perché è stato loro insegnato che lo è.
Torneremo più avanti al discorso sul bambino per osservare come
l'artista non sia altro che una persona, la quale, assimilato ciò che
era necessario alla sua cultura, è riuscita a ritrovare il coraggio di
essere bambino, cioè di essere libero e curioso, senza le malizie
assimilate durante la fase di apprendimento e confermate dalla facile
accettazione della massa, informata ma, proprio per ciò, prevenuta e
non più sensibile.
Ora mi pare interessante far osservare come l'opera d'arte "nuova"
debba sì essere "innovativa", ma non "aliena". Esiste cioè un'esigenza
psicologica in tutti, perché un'opera "parli" o, meglio, svolga una
specie di funzione di specchio del fruitore. Non è, propriamente,
l'opera a "parlare", ma è lo stesso fruitore a farlo con se stesso:
l'opera è lo stimolatore e il mezzo di questo dialogo, aiuta il
fruitore a rivelarsi intimamente la poesia che è sempre in lui, solo
nascosta dall'attenzione che egli deve rivolgere alle contingenze
quotidiane. È chiaro che si può produrre un'opera volutamente atta a
innescare questo meccanismo psicologico, anzi il più delle volte è
proprio questo che avviene. Di questo parleremo più avanti a proposito
della creazione del capolavorb. Ora mi preme invece far notare come
sia indispensabile che l'opera "parli", cioè che si rivolga al
fruitore che abbia deciso di entrare in dialogo con essa. Infine: che
il fruitore, anche avvertendone la novità, la "riconosca". Senza
riconoscibilità non potrebbe, avvenire contatto tra l'opera e il
fruitore: egli la sentirebbe troppo estranea, aliena, per poterle
dedicare attenzione.
Bisogna porre molta attenzione a questo termine: riconoscibilità. Non
intendo ovviamente la riconoscibilità dello scontato o del risaputo,
propria di quella massa che individuavo poc'anzi essere resa incapace
di staccarsi dal concetto di "bello" tradizionalista. Intendo invece
la riconoscibilità di un valore noto ma frainteso o scaduto o anche
banale, che viene però recuperato e riutilizzato al fine di fornire
nuovo stimolo culturale e filosofico. Se riandiamo al discorso testé
fatto su certe avanguardie, vediamo che queste hanno sempre
riutilizzato elementi (materiali, formali o contenutistici), che erano
"riconoscibili", ma in modo diverso, "innovativo". Se dunque per
essere stimolati è necessaria I'innovazione, è altrettanto vero che
questa avviene solo a partire da elementi riconoscibili. Il nuovo,
insomma, non solo non può essere assoluto, ma, se esistesse, sarebbe
irriconoscibile e di conseguenza negato.
Andando avanti nel discorso, si deve osservare che esistono però altri
e differenti livelli di riconoscibilità. Ampliamo, per spiegarci, il
nostro punto di osservazione e non limitiamoci a considerare la sola
arte, bensì più
generalmente tutto ciò che attiene al bello, all'esteticamente
gradevole, sempre ovviamente inteso in senso intellettuale e non di
semplice gusto.
Volando su una catena di montagne innevate o stando ai loro piedi o di
fronte ad un mare in burrasca o avvolti dall'atmosfera di un dolce
tramonto, tutti, a qualunque livello culturale essi si trovino,
concordano nel definirli belli, avvertendo inoltre un senso di
trascendenza, di mistero, di magia che li aiuta a "respirare", a
entrare a far parte di queste situazioni. Di nuovo lo spirito poetico,
che si annida in tutti noi, tende ad emergere, manifestandosi
attraverso una più facile presa di coscienza del valore umano e di noi
stessi in quanto uomini. Tutto ciò assomiglia a ciò che dicevamo si
può provare davanti ad un'opera d'arte. Eppure sarebbe difficile
accettare una montagna o il mare o il cielo come qualcosa di
artistico, non fosse altro perché non sono fatti dall'uomo. Ma c'è di
più: non c'è niente di nuovo e neanche di innovativo in tutto ciò.
Eppure siamo tutti d'accordo che ne veniamo mossi, oltre che ad che
accettarli come belli. È facile capire che in questo caso questi
elementi contengono in sé un valore estetico archetipico, un màtema,
cioè qualcosa che è apparso magico, affascinante, trascendente fin
dalla notte dei tempi e si è tramandato come tale, come un rumore di
fondo, di generazione in generazione. È altrettanto facile individuare
in cosa consistano queste qualità quando si pensi come esse possano
incidere sul nostro pensiero propiocettivo relativo al rapporto con il
mondo e al nostro farne parte. In ciò non siamo dissimili dai nostri
avi: quando le prime immagini della Terra vista dallo spazio sono
state diffuse, il nostro stupore non deve essere stato molto dissimile
da quello di colui che, difeso da una semplice pelliccia, si proponeva
di valicare per la prima volta il massiccio montuoso che incombeva di
fronte a
lui. Ecco dunque cosa riconosciamo: il nostro rapporto con il mondo,
il nostro farne parte, la nostra volontà di appartenergli e di
possederlo. Da questo genere di stimoli è partito il pensiero
elucubrativo umano: non più il
soddisfacimento di un bisogno primario (fame, sete, freddo, sesso), ma
il tentativo di capire il nostro ruolo, già agli inizi apparso così
importante, quando viene confrontato con la potenza, immensamente
superiore, di ciò che sta concretamente di fronte a noi e che nello
stesso tempo ci appare trascendente. In base a ciò si può capire come
la partenza dello Shuttle americano sia stata affascinante per l'Uomo
fintantoché ne ha rappresentato la potenza, ma, quando è esploso
inaspettatamente in una fantasmagoria di fumi dalle traiettorie
imprevedibili, lo spettacolo ha cessato di essere affascinante, anzi è
diventato orripilante, ma è nel contempo diventato "bello". Bello
perché l'Uomo è stato ricondotto davanti alla montagna e non ha potuto
evitare, come allora, di riconoscere belli i tratti caratteristici che
ne rappresentano la potenza e il suo mistero.
Questa è dunque là riconoscibilità profonda di cui andiamo parlando.
Essa è la stessa che ritroviamo anche nell'opera d'arte. Questa è un
oggetto che "fa pensare". Di più: che ci mette a confronto con noi
stessi, con il
significato della nostra essenza. Problema mille volte affrontato e
mai risolto, quindi sempre nuovo e presente, anche quando è assopito,
come dicevamo, dall'urgenza delle contingenze quotidiane o
esistenziali, reali o fittizie che esse siano. Esiste dunque, anche in
arte, una duplice possibilità: quella di testimoniare il nostro essere
o quella di porre il quesito della trascendenza. In entrambi i casi è
indispensabile che avvenga un riconoscimento, altrimenti il discorso
esula dalla nostra sensibilità.
Con il passare dei millenni ovviamente il pensiero dell'Uomo si è
raffinato, ha perso certe forme di ingenuità, ma il Grande Mistero è
rimasto: qual è il suo ruolo? Durante questo processo di raffinazione
certi valori estetici
sono stati progressivamente assimilati e dati per scontati. La tazzina
nella quale avete bevuto il caffè al bar stamattina deriva formalmente
in modo diretto dalle ricerche ed esperienze del Bauhaus. Sessanta
anni fa essa avrebbe destato la vostra attenzione, se non il vostro
stupore. Oggi c'è bisogno che qualcuno ve ne faccia notare la forma,
comparandola ad altre, perché qualche interesse possa destarsi in voi.
Quando ciò avvenisse, sarebbe anche probabile che vi poniate il dubbio
sulla sua corrispondenza alle vostre esigenze estetiche e che
cerchiate di superarla attraverso un atto creativo. Ovvero innovativo.
Ecco così che la storia dell'arte (o dell'immagine)
procede, passo a passo, attraverso una serie di superamenti di questo
genere. Così, la donna, che affascinava il gagà della Belle Epoque,
oggi verrebbe considerata una chiattona, urgentemente bisognosa di una
severa dieta e di almeno un po' di make-up. Anche in questo caso si
tratta di una riconoscibilità basata su dei canoni acquisiti
aprioristicamente. Si tratta della riconoscibilità di ciò che
testimonia il nostro essere, conservatrice, diversa da quella che lo
fa sentire parte di un tutto misteriosamente più grande di lui,
progressista.
Se operiamo questo distinguo, sarà interessante vedere come questi due
tipi di riconoscibilità, ossia di problematica artistica, si esplicano
e soprattutto in quale rapporto si pongono con la società e con chi la
rappresenta.
Abbiamo visto che, prima di pretendere di fornire elementi innovativi
al pensiero umano e artistico, è necessario aver assunto una solida
conoscenza di ciò che ha preceduto il nostro tempo nonché aver
assimilato profondamente il suo spirito. Su queste basi sarà allora
praticabile una ricerca di nuovi valori che, in arte, rappresentino e
nello stesso momento stimolino il progredire della società appunto,
dello spirito del tempo, infine del pensiero umano. Si rende
necessario, in una simile fase, riandare a tutto ciò su cui si fonda
lo spirito corrente. Per far ciò si riprende ciò che è stato in
passato e lo si riusa in iterati assemblamenti, che sono nuovi solo
nel loro insieme, ma che garantiscono la tranquillità derivata
dall'essere costituiti da elementi acquisiti. Questi assemblamenti non
contengono quindi nulla di innovativo: sono solo modi differenti di
porsi di fronte alla stessa entità al fine di conoscerla in ogni suo
dettaglio, confrontandola con ciò che è il momento vissuto,
verificandone la corrispondenza. Come dicevamo, un simile
atteggiamento è assai rassicurante: esso comporta come conseguenza una
serie di conferme al proprio operare, perché non potrebbe essere
altrimenti: nessuna persona equilibrata oserebbe negare il proprio
passato e questo è molto confortante per quanto attiene l'analisi del
proprio presente. In arte questo atteggiamento assume un aspetto
citazionista. Purtroppo, cullati dalla sicurezza di sé che questo
atteggiamento comporta, esso da citazionista, cioè tutto sommato
ancora dotato di spirito di ricerca, può divenire, e di fatto spesso
diviene, citazionistico. Viene cioè usato tutto ciò che è
tranquillizzante per confermare lo status quo, basandosi su quel
principio di riconoscibilità conservativa, che è proprio delle masse
meno attente e meno volenterose nel perseguire un avanzamento
culturale. Un simile atteggiamento, nel concreto, è molto forte e
diffuso, perché consente ai detentori del potere di fornire alle masse
elementi di conferma del sistema, evitando che queste si pongano nuovi
problemi o addirittura problematiche. Lo strumento è potentissimo
perché affascinante ed è affascinante perché consente di non pensare.
Andiamo con la mente, per esempio, agli Anni '50. Il riferimento non è
causale, se si osserva con quale insistenza recentemente ci si sia
riferiti a quegli anni in ogni tipo di manifestazione estetica
approvata dal sistema relativo. Ma non è questa la sede ne è mia
intenzione comunque fare un discorso politico. D'altra parte una
interpretazione di un sistema non può del tutto prescindere da quella
di altri ad esso collegati. Basti qui comunque il riferimento, che
alcuni potranno essere stimolati ad approfondire, riferito agli Anni
'50, quando c'erano le Marylin e Topolino e la Vespa e le Bombè di
Alessi. Cosa accomunava queste forme, che si distinguevano così
nettamente, anche per il più disattento osservatore, dalle loro
corrisponderlti degli anni pre-bellici: Marlene, il Gatto Felix, la
bicicletta, la poltrona di Ritveldt? In ognuna delle forme che ho
citato, appartenenti agli Anni '50, si può riconoscere una curva
iperbolica, rotondeggiante, piena, un po' statica. Una curva
assolutamente ottimista, gioiosa, di conferma, grassa e opulenta. Ben
altra cosa rispetto alle secche, scabre, angolari forme degli anni
pre-bellici. Si era, in quegli anni, appena usciti da un evento
bellico che aveva sconvolto il mondo e portato milioni di lutti. I
superstiti, è logico, sentivano il bisogno di star finalmente bene, di
essere ottimisti riguardo a un futuro che a lungo era stato a loro
negato, di credere che finalmente il mondo fosse tornato ad essere "il
migliore dei mondi possibili". Tutto ciò faceva giuoco e corrispondeva
a quella nuova cultura americana, pionieristica e ottimista, che era
la vera vincente nell'economia politica occidentale. Basta con gli
angoli acuti, le linee rette, le forme filiformi, basta con gli "aut
aut" esistenziali. Viva le curve e il benessere da queste
rappresentato. Se si obietta che il design dei mobili svedesi degli
Anni '50 era fatto di forme leggere, lineari, filiformi e spesso
angolose, ricorderò che la Svezia si mantenne neutrale durante il
secondo conflitto mondiate e che tutt'oggi ha una fisionomia sociale
che la rende particolare rispetto all'estetica di altri luoghi. La
Svezia è un fenomeno isolato che meriterebbe un'analisi a parte,
mentre, tornando alle immagini prima citate relative agli Anni '50,
vediamo che queste forme, quest'estetica facevano comodo a chi
deteneva il potere e voleva, come tutti i poteri, che le masse
stessero tranquille e facessero il dovuto. Poi venne il '68 o, meglio,
ciò che seguì al '68. Poi venne l'oggi. Un'analisi troppo approfondita
di questi periodi ci porterebbe fuori tema. A me premeva dimostrare
come un fatto estetico corrisponda necessariamente allo spirito del
tempo e come, se questo fatto avalla le esigenze di chi detiene il
potere, esso trovi ogni forma di conferma e sostegno nel potere
stesso. Per tenere buone le masse non c'è niente di meglio che fornire
loro ciò che esse sono in grado di riconoscere con facilità ossia
senza che si pongano problemi esistenziali. Se ci ricordiamo di ciò
che dicevo a proposito dei differenti tipi di riconoscibilità
possibili, capiremo come una riconoscibilità conservatrice sia alla
base del sistema del potere, almeno finché questo desidera e riesce a
mantenere le cose come stanno. Negli ultimi anni, è indubbio, c'è
stata una necessità politica di ricondurre l'effervescenza delle masse
sessantottesche ad una forma di accettazione pacata. Non a caso
dunque, seguendo la mia tesi, negli ultimi anni, oltre che ad un
dichiarato ritorno al privato, si è assistito a forme d'arte
citazioniste, alla "riscoperta" di valori formali, alla mistificazione
della concettualità in favore di rivisitazioni anacroniste (e
anacronistiche) e transavanguardiste. Questo fiorire citatorio ha
confermato alle masse che i "valori di sempre" sono tuttora i valori
veri, tradendo l'intelligenza di tutti i grandi maestri dell'arte (e
in generale del pensiero) della fine del secolo scorso e della prima
metà di questo. Torniamo a questo punto con la mente agli Anni '50:
poteva un'altra forma essere accettabile in quel periodo? Come sarebbe
stato recepito o, meglio, sarebbe addirittura stato recepito un
messaggio, per esempio, dadaista o un messaggio metafisico o uno
analitico cubista? No di certo, perché questi messaggi non avrebbero
soddisfatto lo spirito del tempo, che esigeva un discorso ottimista,
concreto e socialitario. Né sarebbe stato possibile il contrario. Se
andiamo a rivedere tutti i periodi storici dell'arte, sempre
individueremo questa corrispondenza tra esigenza popolare, volontà
governativa e forma estetica.
A questo punto si impone un'altra problematica piuttosto interessante.
Ogni epoca è rappresentata da alcune opere, ma alcune opere
attraversano i tempi e sono sempre ricoriosciute come estremamente
valide. Altre opere invece sono state considerate valide in alcuni
periodi e in altri ritenute poco degne d'attenzione. Vi sono opere che
addirittura sono state considerate valide solo molto tempo dopo la
morte di chi le ha prodotte. Tutto ciò rientra perfettamente nella
logica enunciata ora della corrispondenza dell'opera allo spirito del
tempo, per cui, o perché antesignano dei tempi a venire o del tutto
casualmente, un artista si è trovato a produrre qualcosa che prima o
poi è stato riconosciuto (e usato) come rappresentativo del suo tempo.
Tutto dipende quindi, come ho detto fin dall'inizio, dal tipo di
lettura che viene dato di una certa opera in un certo momento, dal
valore innovativo che le si riconosce, indipendentemente dalle
intenzioni dell'artista. Non esiste, insomma, una forma assoluta,
universale, valida in ogni tempo e in ogni luogo. Ciò che è inoltre
interessante rilevare è che, in un preciso momento, alcune opere di un
artista potrebbero aver avuto un'importanza determinante, poi
dimenticata per sempre, mai più riconosciuta, per il progresso
intellettuale dei contemporanei. In fin dei conti, la visione storica
che ci appartiene è propria soltanto del nostro tempo ed è necessario
uno sforzo non indifferente di obiettività per immedesimarsi nel
momento in cui un'opera è stata prodotta e riconoscerne il valore nel
suo tempo. Voglio dire che è ragionevole affermare che opere
fondamentali per il progresso culturale umano possano essere state
prodotte e dimenticate. Se è così, allora si può comprendere come una
persona, dotata di uno spiccato senso critico storico e artistico,
capace cioè di valutare appieno e con obiettività un'opera sia
confrontandola con il già fatto che con le reali esigenze sociali del
suo tempo presente, questa persona sarebbe in grado di riconoscere il
valore di capolavoro, non solo osservando le opere del passato, ma
anche quelle del proprio tempo.
Si torna dunque al problema della creatività e specificamente deriva
dalle osservazioni testé fatte il seguente quesito: si può decidere di
creare un capolavoro, una volta in possesso di tutti i requisiti per
farlo? Esiste cioè una tecnologia della creatività?
Per arrivare ad una risposta, analizziamo, a titolo esemplificativo,
il procedimento creativo di un qualsiasi artista di tecnica piuttosto
tradizionale. Egli, dopo aver assorbito a livello più o meno conscio,
gli elementi culturali ed ambientali necessari a predisporlo allo
stato creativo, indugia, matita in mano, rincorrendo un'idea che sente
affiorare ma che ancora non riconosce, schizzando forme un po'
istintive e casuali, un po' volute, finché non avviene il magico
contatto del riconoscimento. A questo punto, analizzate le suggestioni
che gli derivano dallo schizzo in questione, egli tenta di definire le
forme migliori e più corrette all'esplicazione dell'idea di cui ha
individuato il valore. Ora egli possiede nelle sue mani una serie di
bozzetti e desidera rendersi meglio conto di come si presenterà
l'opera compiuta che ne deriverà, perciò procede producendo uno o più
disegni che l'aiutino in questa visualizzazione. Infine, trovata
soddisfazione, egli passa a produrre l'opera finita. Giunto a questa,
però egli si accorge che, durante i vari passaggi (schizzo, bozzetto,
disegno, opera), qualcosa di importante si è perso: manca qualcosa,
manca la freschezza dell'idea primitiva, manca la completezza
dell'enunciazione di questa idea. E poi, mentre procedeva nell'iter di
raffigurazione formale di quest'idea, altre gliene sono venute, quanto
meno degli approfondimenti. Allora si ripone all'opera e produce altri
lavori a partire dai bozzetti, finché, a furia di ragionare e
riragionare sul suo lavoro nel medesimo tempo in cui lo sta compiendo,
egli non si accorge che esiste una variante, uno spostamento che gli
consente di esplicare meglio le proprie intenzioni. Egli ricomincia
quindi a produrre schizzi e procede nello stesso modo e così via
all'infinito. È ciò che si chiama "coazione a ripetere": mai
soddisfatto del tutto, l'artista continua a ricercare la forma
perfetta, in grado di rappresentare tutto il suo essere e il suo
pensiero. Il quale però è cangiante, come quello di tutti, per cui
egli non riesce mai a giungere al suo obiettivo ed è costretto a
continuare nella propria ricerca.
Questo è ciò che più o meno avviene nella mente di ogni artista. Se
osserviamo artisti meno tradizionali, noteremo come l'atteggiamento
possa essere lievemente diverso, ma il risultato identico. Prendiamo
ad esempio gli artisti gestuali, che, son convinto, in modo del tutto
inconscio cercano direttamente sulla tela la forma definitiva per
cogliere quella freschezza che si trovava nello schizzo e non più
nell'opera che ne derivava. Ci vogliono un grande mestiere e una
grande saggezza artistica per essere gestuali, ma purtroppo il
risultato non cambia: la forma ottenuta non rappresenta
sufficientemente l'idea, così come si otteneva con lo schizzo. E in
più tutto il processo, che abbiamo descritto a proposito di un artista
tradizionale, non cessa di avvenire, solo che accade direttamente e
velocemente nella mente dell'artista gestuale, pur senza essere
concretizzato come nell'altro caso. Tecnologie e strategie,
l'esperienza insegna, non sono sufficienti affinché l'artista giunga
al risultato prefissato, all'opera che fermi la "coazione a ripetere".
E allora? Se il risultato non è mai soddisfacente per l'artista,
quando egli creerà il capolavoro? Mai e sempre, perché il valore di
capolavoro è stabilito non dall'artista, bensì da chi ne osserva
l'opera. Anche se un artista è convinto ed afferma di aver creato un
capolavoro, il fatto stesso che egli continui a produrre dimostra che
in realtà egli non sente di essere giunto al compimento della sua
opera. Mentre chi la osserva, durante il suo svolgersi, può talvolta
riconoscervi quelle caratteristiche che la rendono unica,
rappresentativa del proprio tempo, innovatrice dello spirito perché
rinnova l'eterna domanda esistenziale: chi sono io?
Dunque non si può decidere a priori di creare un capolavoro, Ma, per
assurdo (eppure è ciò che spesso avviene), l'artista può constatare
che qualcosa che ha fatto è riconosciuto da altri come capolavoro.
Altra questione riguarda la "forma perfetta". Chiunque, dotato delle
conoscenze necessarie, può decidere di fornire al proprio pubblico un
prodotto che faccia sì che il pubblico stesso ne sia appagato. Basta
ubbidire ai canoni estetici imperanti e il giuoco è fatto. Basta
conoscere la nozione di ciò che aggrada al pubblico, di ciò che esso
riconosce come "bello" ed essere dotati della capacità manuale e
intellettiva (non intellettuale) di farlo. È facile, se si è studiato
un po'. Ma, se si vuole fornire un prodotto veramente innovativo,
bisogna dannarsi in quell'iter di ricerca che conduce alla "coazione a
ripetere". Sperando che, prima o poi, qualcosa avvenga, che una
scintilla accenda le menti degli osservatori. Da una parte, quindi,
l'artista può perseguire la gratificazione data dalla facile
approvazione della massa, dall'altra l'incerta lotta, spesso
frustrante, per arrivare al riconoscimento di aver creato un valore
innovativo per l'arte e per l'esistenza.
Ma andiamo a fondo nello scoprire perché avviene questa forma di
riconoscimento, per cui un'opera viene elevata a livello di
capolavoro.
La nostra vita quotidiana, non tanto quella fisicamente rilevabile,
quanto quella mentale e spirituale, si esplica attraverso
un'incessante e numerosissima successione di avvenimenti istantanei, i
quali, nel loro insieme, forniscono la nostra attività mentale di una
continuità logica. Nel loro susseguirsi frenetico, questi piccoli
avvenimenti non sono percepiti normalmente nella loro individualità,
ma appunto come un tutt'uno, tant'è che, parlando di noi, diciamo "il
mio pensiero, la mia personalità", come se essi fossero unici e non un
insieme molto complicato e ramificato. Tutto ciò è utile, se non
indispensabile, per trovare un punto di riferimento stabile e non
mutevole, quando ci poniamo in rapporto con l'ambiente circostante, il
che praticamente avviene costantemente. Se non fosse così, vivremmo in
uno stato più o meno gravemente dissociato, ben noto alle patologie
psichiche. A volte però intervengono degli elementi che perturbano
l'equilibrio di questo sistema, provocando degli spiazzamenti che
vengono risolti nel tempo attraverso una serie di reintegrazioni di
tutto il sistema, interno ed esterno, fino a che un nuovo stato di
equilibrio si riassesta.
Questo discorso forse può apparire fin qui un po' nebuloso, finché non
si fa mente locale alla pratica quotidiana della nostra esistenza. Lo
stato di tranquilla solidità fornitoci dalla nostra situazione normale
viene improvvisamente perturbato da qualche "piccola catastrofe":
l'abbandono da parte dell'amata, un incidente automobilistico, la
morte di un congiunto, un debito insoluto e via dicendo. Quando ci
capita qualcuna di queste cose, veniamo bruscamente tratti fuori dal
nostro stato di tranquillità e tutto il mondo ci appare sotto un
differente aspetto. Rimettiamo in discussione tante cose che ci
circondano e anche noi stessi, finché non giungiamo ad un nuovo
equilibrio.
Queste piccole catastrofi sono abbastanza probabili e il loro
susseguirsi ci dà il senso della cangiabilità della nostra esistenza,
facendoci pensare a come sarebbe stato se non fosse intervenuto
l'evento perturbativo o se ne avessimo avuta premonizione.
Esistono purtroppo anche delle grandi catastrofi, che fortunatamente
sono meno probabili. Queste ci danno il senso dell'effimero della
nostra esistenza, sconvolgendola al punto che il nostro desiderio più
grande è solo quello di ritrovare un equilibrio, di far cessare la
perturbazione.
A ben pensarci, ci accorgiamo che esistono due tipi di processi
catastrofici. In un caso, quello delle piccole catastrofi, che si
identificano con il dramma, un elemento perturbante interrompe e fa
precipitare la curva grafica che rappresenta il nostro sistema
normale, fino a che non interseca una curva identica, ma posta ad un
livello differente. Nel secondo caso, quello delle grandi catastrofi,
che si identificano con la tragedia, l'elemento perturbante spezza la
curava rappresentante la normalità, che precipita fino ad un valore
fuori dal sistema, come avverebbe ad una caldaia che, sottoposta ad
un'eccessiva pressione, scoppia e non sarà più in grado di fornire
alcun livello di pressione. Nel primo caso invece la caldaia è fornita
di un meccanismo a valvola, che consente alla pressione di aumentare
solo fino ad un valore soglia, senza farla scoppiare, quindi essa
riprenderà da capo a produrre pressione.
Tutto ciò ha un riferimento preciso verso ciò che abbiamo detto prima
a proposito della creatività artistica. In un sistema di tranquilla
accettazione, un artista deve essere dotato di una curiosità, di un
coraggio e di una sensibilità tali da essere egli stesso facilmente
perturbabile, per poter a sua volta creare un'opera che sia
perturbante il sistema. Lo stato ideale sarebbe quello del fanciullo,
il quale, come doicevo, attraverso una succssione frequente di
piccolissime catastrofi, continua a progredire nella sua ricerca di
conoscenza e di autoconoscenza, trovandosi in un costante stato di
sorpresa e, di conseguenza, trovando e producendo una serie di valori
innovativi, anche se solo relativamente alla sua scarsa esperienza.
Non esiste innovazione in arte che non nasca da una perturbazione, da
una trasgressione del sistema.
 
L'artista che opera secondo questo principio è un ricercatore, come un
fanciullo, e, come un fanciullo, analizza ciò che lo circonda e se
stesso con curiosità pura. Quando infine interviene producendo
un'opera, egli è sempre come un fanciullo, che muove le cose per
osservare cosa succede e trarne ulteriore stimolo creativo. Egli è
attore e nello stesso tempo spettatore del proprio operato, secondo le
regole di un giuoco che può perpetuarsi all'infinito, se non viene a
cadere la curiosità o la capacità di stupirsi. A questo punto nasce la
domanda: si può fare qualsiasi cosa? O esistono altre regole che
determinano il parametro di validità di un'opera? È una domanda
particolarmente giustificata oggi, che si avverte un certo disagio
generale per la difficoltà di effettuare valutazioni nel caos
produttivo internazionale. Abbiamo visto che, per essere veramente
creativi, bisogna essere capaci di creare perturbazioni, quindi
bisogna essere profondi conoscitori del sistema ed essere in grado di
spiazzarlo. Abbiamo anche visto che esistono necessità di
riconoscibilità, affinché l'opera sia significativa.
Dunque esistono delle regole che limitano le possibilità. Ma
certamente ne esistono altre. Sta all'innocenza da fanciullo degli
artisti e a quella di chi ne osserva l'opera la possibilità di
individuarle.

 
quoto, ma solo le righe riportate.

quoto, ma solo le righe riportate.
??? Confesso che cosi` mi suona un po' criptico.
AM

AM wrote:

forse ti è sfuggito qualcosa, rileggiti il tutto.

forse ti è sfuggito qualcosa, rileggiti il tutto.
Forse sono stanco (lo sono!) ma tutto quello che si legge e` quanto ho
riportato. Vedi anche su Google.
Mi sfugge qualcosa?
AM

Cribbio! ma e' un libro!!!!
Bell'idea comunque.
Ora son panato, che torno dalla fiera dell'artigianato di Pinerolo, e tra 
birre e vini artigianali se non avesse guidato la ragazza di un mio amico 
non sarei qui a raccontarvelo, per cui domani mi metto li' buono buonino e 
in un'oretta me lo leggo...
Spero solo che le righe successive alle prime venti siano attinenti alla 
cucina, se no ci dovremo spostare su di un forum di arte!
Saludos!
Ste

cucina, se no ci dovremo spostare su di un forum di arte!
Lo sono solo nel senso che trattano di creativita`, artisticita` e
qualita` della creazione.
Servono da traccia: tanto, se cucinare e` un'arte, allora che si
confronti con l'Arte e, se non lo e`, sia chiaro in base a cosa non lo
e`.
Ad ogni modo mi scuso per la spatafiata, che ovviamente a molti puo`
non interessare.
AM

 l'arte pura.
prego spiegare cosa si intende per "arte pura" se no è tutto inutile
salutiartistici, capsy 



Aho' ma che sei er Germano Celant della cotoletta?
Fai lo stesso errore che ha fatto lui con la moda IMHO.
L'Arte per come la si va definendo [perlomeno da Duchamps] in poi si
inquadra in una problematica di linguaggio e non  di estetica: il
bello e il brutto sono un problema superato.
Oltre a cio'.  il contesto in cui l'artista comunica con la sua operas
č "autoreferenziale"  al mondo e ai linguaggio dell'arte.
Insomma parallelismi non sono possibili.
IMHO eh?
MMAX 
-- 
Io snobbo De Cesari.


Se avrai la pazienza di leggere la spatafiata autocitatoria che ho
inviato, li` troverai abbastanza chiare delle indicazioni su quel che
penso a riguardo.
Ovviamente potrei mandarti altre autocitazioni lungherrime, ma mi
sembra che per quest'anno basti quella che ho inviato. 
Ad ogni modo, non resisto a buttar la` un parametro che l'arte pura ha
e la cucina, allo stato attuale, non mi sembra avere: l'opera d'arte
consente al soggetto che vi si accosta senza preconcetti, con umilta`
e sapienza, di liberarsi delle proprie difese e mascherature per poter
parlare con se stesso, con il proprio io piu` profondo. 
Quasi da seduta autoanalitica. Molto liberatorio. Molto appagante. Un
godimento. Non mi pare che la cucina attualmente sia in grado di
fornire questo tipo di godimento, anche se ne fornisce di altro genere
che sono ben lungi dal disprezzare, anzi (e la mio peso lo conferma!).
AM

IMHO eh?
Quoto.
AM

ciao,
        volevo rispondere copiando tutto e poi mettendo un punto in fondo
al testo, ma non ho avuto il coraggio..
senti, secondo me sei veramente fuori soggetto:
parlare di montagne, burrasche, marilin monroe, shuttle, eccetera,  é senza
dubbio interessante, ma effettivamente non c'entra un gran ché con la
cucina. Il testo di per sé puó essere interessante per chi vuole riflettere
sul senso dell'arte, ma penso che l'oggetto del messaggio sarebbe stato
sufficiente per questo forum (parola usata nel suo senso proprio, non
internettiano)..
Per quello che riguarda la cucina, quindi, direi che, secondo me ( ;p ) ,
si deve guardarla come qualunque altro mestiere: un architetto non disegna
un'opera d'arte quando fa il progetto di una casa, ed allo stesso tempo la
massaia non fa un'opera d'arte quando prepara il minestrone;
 peró, con la stessa matita e la stessa carta un'altra persona potrá
realizzare un disegno artistico, ed allo stesso modo, con gli stessi
ingredienti un cuoco potrá creare una scultura vegetale (per esempio). 
In fondo:
- "in natura, niente si crea  e niente si distrugge, tutto si trasforma",
quindi l'arte non é creazione ma trasformazione;
- nessuna legge obbliga a fare opere d'arte con cose non commestibili o
viceversa, né vieta di mangiare i capolavori; 
- "tutte le muffe sono funghi, ma non tutti i funghi sono muffe";
- "due piú due fa quattro";
 ergo deduco che:
La cucina puó essere una forma d'arte, ma non tutti quelli che cucinano
sono artisti.
G.


 forse perchè l'Arte intesa così è alla portata di pochi eletti, che siano 
artisti od estimatori, mentre la cucina è cosa di tutti i giorni e la 
massaia che finalmente riesce a fare le lasagne come le faceva la "suocera" 
è si appagata ma ben pochi potranno godere della sua effimera arte, il 
marito?  i figli? e domani è di nuovo alla prova mentre l'Artista si può 
prendere anni per un capolavoro che resterà ai posteri.
e poi distinguiamo: il tuo stomaco non ti dirà mai che la pietà di 
michelangelo è un'opera d'arte, ma le lasagne di mamma, si :-)))
ad ogni organo la sua arte, e l'arte sta nel godere del bello e del...buono
saluti michelangioleschi, capsy
Ars amandi

 : d'arte, fino ad ottenere delle "opere" che siano esse stesse Arte.
E poi chi se le magna?


sono artisti.
Se ti dicessi: io non penso che la cucina possa essere una forma
d'arte, tu come mi spiegheresti che, in alcuni casi, lo e`, senza
chiamare in causa l'estetica del risultato?
Specifico: non e` una domanda polemica, ma proprio una richiesta di
aiutarmi a comprendere meglio.
AM

 sono indispensabili e che, a suo tempo, ho analizzato profondamente.
Giuro che ho letto tutto! Più che altro incuriosito dal titolo: la 
pubblicità dell'auto promozione? :-)
La risposta per me è no: non tende all'arte; perché non lo è in se. 
Molto banalmente l'arte, quello che chiamiamo così, è la forma di 
espressione di una persona: l'artista. Così magari potremmo ritrovare 
degli elementi, delle idee, delle forme, che considereremo artistiche 
nello cose che produce, che pensa, che cucina, qualcuno; ma questo non 
farà diventare la cucina un arte. Perché non si può fare il salto 
dall'idea che l'arte è una forma di espressione a quella per cui tutte 
le forme di espressione sono arte, e non si può nemmeno pensare ad una 
forma di arte fatte per essere considerata tale: lo sarà solo dopo. 
Altrimenti il salto è come quello che porta da musicisti rock a 
rockstar, in cui la bravura è misurata dal successo...
Ma tutti questi sono discorsi che si fanno di notte, come te, adesso è 
mezzogiorno e checcifacio qui? :-)
Poi, per me, solo per me, la cucina è solo un modo per chiudere la porta 
sul mondo, sui tempi, sulle cose pratiche e ritornare a cose che si 
fanno per il gusto di farle, al preparare la cena per due, a modi di 
fare che sarebbero solo perdere tempo. Un antidoto insomma.
A.

 aiutarmi a comprendere meglio.
Secondo me la cucina in sé, seppur descrivibile anche come atto 
creativo, non č arte, come non lo č il mestiere del fabbro ferraio o del 
sarto.
Mi piace di piů vedere e capire come alcuni artisti usino la cucina, il 
cibo, nei loro lavori.

 ha scritto nel messaggio 
news:saflh11r67llujpnf...@4ax.com...

 6 KILOBYTES DI 
MESSAGGIO!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!! 

 chiamare in causa l'estetica del risultato?
non ho trovato modo di fare un <cut> senza perdere il senso del discorso.
Per risponderti mi tocca dilungarmi (pure io): stai guardando ad una parte
della cucina, non a tutta la globalitá.
Mi vedo obbligato a lanciarti un sassolino (*sding*) perché hai ristretto
un vasto campo ed escluso "l'eccezione", compresa dalla qualche manciata di
"grandi chef" riconosciuti nel mondo. 
Per esempio, se vieni in una cucina a 2 o tre stelle (piuttosto) durante il
servizio, ritroverai quella forma di ricerca frenetica delle forme e delle
giustapposizioni di cui parlavi nel tuo discorso sulle bozze: il cuoco
cerca non solo di associare dei sapori, ma di dare "un senso al suo piatto"
(parole dello chef,  non mie..);
una foto di vita quotidiana in questo tipo di cucina:
 venti anni fa, tutto nel piatto era simmetrico, la forma di ogni
preparazione era simile a quelle fatte in precedenza: oggi, la tendenza
porta verso l'asimmetria, e il cuoco considera riuscito il suo piatto
quando, guardandolo, vi riconosce ció che gli passava per la testa al
momento in cui ha voluto crearlo.. 
Senza peró ritrovarci tutto ció che voleva esprimere, manca qualcosa...
Ah! 
Ecco! 
Corre verso il frigo della mise en place, apre...
 trova la sua scatola di "tapenade maison" (pardon per il francesismo), la
apre e ne fa una quenelle.. 
che dispone sul lato del suo piatto, non senza avergli prima dato
un'occhiata furtiva per cercare di ritrovare l'illuminazione eterea del
momento precedente.. 
La campanella suona, i piatti devono uscire, ma é insoddisfatto.. dov'é la
mia (erba) cipollina: presto un fiocco! 
Un passo indietro, per cambiare angolo visuale:
i filetti di triglia arrivano cotti al punto giusto, pronti per essere
disposti sul piatto, ma non lo fará: troppo bianco, troppo rossi.. un velo
di verde: l'olio al basilico viene a disegnare un sottile filo che corre da
un bordo all'altro, come una farfalla che da libera di correre
nell'infinito del cielo si trova improvvisamente chiusa tra quattro
elementi, e rimbalza dall'uno all'altro per ritrovare la libertá perduta:
ora puó posare la parte piú importante, senza peró terminare cosí: un
cespuglietto di insalata verrá sopra, e tutt'intorno e sui bordi e sopra,
ma solo quá e lá, dei fiorellini entrano per presentare la gioia
dell'autore in questa giornata in cui tutto é andato per il meglio..
ma domani non ci saranno! 
Perché domani, lo chef ha avuto una notizia inattesa; perché una persona
non si é presentata quando doveva, perché fuori piove o per un perché che
potrebbe essere centomila altri: 
quel verde non ha piú il suo posto, largo al rosso piccante di un'olio al
peperone; 
forse é il dispiacere che lo ha fatto intervallare ad una riduzione di
aceto balsamico, nera come la rabbia che non deve uscire, ma si risente
comunque quando qualcuno annuncia che i filetti sono bruciati..
 "datemi quella padella, li cuocio io!" un grido che fa scendere un
silenzio lugubre, da funerale: e mentre osserva lo sfriggío di quelli che
furono un tempo allegri pesciolini che sguazzavano qua e lá (perché
credimi, in certi momenti, certe cose ti vengono in mente), sente la
necessitá di ridare un tocco di gioia, di vita: largo alle biglie di
carote, zucchine e rape colorate al curcuma, un tocco di azzurro, ma da
dove verrá? 
Ed eccoli flambare al curaçao, ed una fiamma effemera basta a ridar cuore
per terminare l'opera, come se avesse bruciato un velo pesante che
opprimeva..
Il risultato, nel piatto, non sembra "diverso", eppure lo é: l'occhio
attento vede, il palato sente: tutto racconta della giornata e del pensiero
dell'autore al momento di preparare il piatto.
Forse l'arte in cucina non é vista come tale perché pochi sono abbastanza
allenati per accorgersi della sua esistenza.
(Questa giornata, una fra tante, ha avuto luogo in Francia; potevo anche
raccontartene un'altra in Inghilterra, e sinceramente avrei volentieri
parlato di un esempio simile in un grande ristorante italiano, ma i
"grandi" italiani non li ho mai incontrati)
G.

 
Ma va a quel paese!!! Cialtrona!

"g." <g@n> ha scritto nel messaggio 
news:01c5b142$471d7d40$c800a8c0@aliceadsl...

ALTRI 6 KYLOBITES DI CAVOLATE! 

dimenticavo:
non guardare solo alla storia del piatto: l'arte, nello stralcio che ti ho
raccontato, la trovi anche nella gestualitá, fatta di improvvisazione e
retorica, e nelle espressioni delle persone, gli eventi che si producono
(la campanella che suona, l'aboyeur che annuncia).. 
Ognuno gioca un ruolo,  ed é anche per questo che, piú del risultato
finale, conta il momento della produzione. 
Nelle grandi cucine c'é sempre spettacolo.
G.

 : MESSAGGIO!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!! 
Ciao Pandora,
hai buttato quella tovaglia orribile e quel coccio su cui avevi messo
quella specie di Pongo giallo pus che chiami Tofu?



il mio ex-boss lo avrebbe descritto come "color vomito lunedi mattina" 

 MESSAGGIO!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!
che con la tua risposta sono diventati 6KB di roba interessante + 6kb e 
un pezzo di rosicata da parte di una maleducata ignorante come te che e' 
capace di scrivere gentilezze come:
"SPERO POSSANO VOMITARE E PISCIARE PURE SULLE TOMBE DEI VOSTRI CARI
cosě forse spenderete qualche parola sensata!
*MI FATE SCHIFO TUTTI*"
torna a rosicare ma fallo in silenzio, asociale che non sei altro 

Claudio Baldan wrote:

Un caso umano, non c'č altro da aggiungere.
Spero non faccia qualche sciocchezza...

 : il mio ex-boss lo avrebbe descritto come "color vomito lunedi mattina" 
Beh quello lo trovo piu' adeguato per il colore della tovaglia...non
so se hai notato.


 ALTRI 6 KYLOBITES DI CAVOLATE! 
Mi sembra un'aggressione verbale. Nel caso, per quale motivo?
E se non fosse il caso, perché "cavolate"?
G.

 ALTRI 6 KYLOBITES DI CAVOLATE!
Una volpe affamata vide dei grappoli d’uva che pendevano da un 
pergolato, e tentò di afferrarli. Ma non ci riuscì. "Robaccia acerba!" 
disse allora tra sé e sé; e se ne andò. Così, anche fra gli uomini, c’è 
chi, non riuscendo per incapacità a raggiungere il suo intento, ne dà la 
colpa alle circostanze.
Esopo, XXXII; Fedro, IV, 3.

 Spero non faccia qualche sciocchezza...
mi spiacerebbe ma non si tratta di problemi che possiamo risolvere noi

 : Spero non faccia qualche sciocchezza...
Sei troppo buono/a
Pandora?
Sottoscrivi questo gruppo: alt.suicide.methods



me ne dovrei vergognare ma sono scoppiato a ridere :-))))) 

 : me ne dovrei vergognare ma sono scoppiato a ridere :-))))) 
Eh cavolo e non potra' postare le foto.
Magari s esi butta dentro un enorme tritarifiuti ne viene fuori un
risultato migliore del suo Tofu


E poi chi se le magna?
Eh eh, qui sta il quesito che ho posto. Il mio infatti e` un quesito
che ho posto qui come a me stesso: non ho soluzioni, ma solo
curiosita`.
AM
(grazie per gli spunti che mi hai dato e per quanto ho apèpreso da te)


non esserne cosi' sicuro ;-)
steo153
-- 
la massima specializzazione equivale alla massima incultura
                                     [José Ortega y Gasset]

Ars amandi
Ecco, la prossima volta lancio un thread: "L'ars amandi e l'ars
culinaria: c'e` cibo dopo il letto? (o: che c'e` in frigo, cara?)".
Che dici, sara` piu` interessante per tutti? ^_^
AM

cibo, nei loro lavori.
Oh, questo anche a me. Uno su tutti: Spoerri, perche' racconta anche
una storia, quella del "consumo" del cibo e della vita.
La circonvoluzione cerebrale impegnata mi ha fatto porre il quesito in
oggetto, ma tutte le altre (ben piu` birichine) preferiscono godersela
e basta!
AM

"grandi" italiani non li ho mai incontrati)
Ti prego, se ne hai tempo e voglia, di raccontarne altre.
AM



Infatti, quel che avvertivo di "mancante" era perche', piu` che
all'arte visiva mi sembrava che andasse accostato al dramma.
Pero` ancora mi manca l'intenzionalita` e il risultato riconoscibile o
qualcos'altro che non so. Ma non mi dilungo, tanto servirebbe a poco.
Ancora ti ringrazio per i preziosi spunti.
AM

fare che sarebbero solo perdere tempo. Un antidoto insomma.
Questo mi piace. Molto. Corrisponde al mio modo di fare cucina e
aggiungo soltanto: "per due" e per gli amici.
AM

 qualcos'altro che non so. Ma non mi dilungo, tanto servirebbe a poco.
Penso di poterti fare un'altro esempio, questa volta storico.
 
Siamo in un dí dell'anno 1894, a coven garden. Nellie, grande "cantatrice"
australiana, dá spettacolo con Monsieur Jean de Reske cantando sulle arie
di Lohengrin; nell'opera in questione, un cigno fa una apparizione. 
La cara Nellie, il cui cognome passerá alla posteritá per altro che la sua
voce, invita un amico, che si trova essere il capocuoco del Savoy, grande
hotel londinese in cui lei risiede durante la tournée.
L'indomani, una cena é organizzata per un piccolo gruppo di amici, tra cui
si trova il duca d'Orleans: 
al momento del dessert, un cigno di ghiaccio fa la sua apparizione in sala:
porta tra le ali un timballo d'argento (coppa simile ad una zuppiera), sul
cui fondo é stato versato un gelato alla vaniglia, poi sormontato da delle
pesche bianche pelate a vivo (ma in modo da lasciarle perfettamente
rotonde), appena sbianchite in uno sciroppo alla vaniglia e poi ricoperte
da una purée di lamponi freschi, appena sufficiente a far credere che la
buccia le copre ancora. Infine, un sottile velo di zucchero filato termina
la presentazione che, pur lasciando i commensali piacevolmente sorpresi,
non riuscira a sopravvivere al dopocena. 
(L'immagine é quella del volatile che porta un segreto nascosto dalla
sontuositá delle sue piume.)
Ecco l'intenzionalitá ed ecco un risultato riconoscibile, per quelli che
conoscono l'opera di Lohengrin (ammetto di essermi servito dell'estetica..
ma la storia é piú lunga di quanto ho raccontato).
E per i curiosi che ancora non avessero riconosciuto i due personaggi
principali, lei era Nellie Melba, lui Auguste Escoffier, ed il piatto che
traversó i secoli fino a giungere a noi fu chiamato "la pesca Melba".
G.

[6Kdiquoting] ALTRI 6 KYLOBITES DI CAVOLATE! 
Pandora, cosi' mi scadi. Un troll della tua levatura non puo' mettersi
a giocare col quoting come il primo trollino burba che scopre
usenet... :-(
-- 
Ciao,
Speck

 ecc.
la mia dissertazione era portata a spezzare una lancia a favore dei molti 
poveri mortali che non potendo, per istinto o per istruzione, 
dventare/essere artisti si sentono un po' leonardeschi quando gli esce una 
bella torta dal forno ;-))) oltretutto non posseggo la cultura e la 
dialettica per andare oltre in argomenti cosě
importanti come la sociologia dell'arte o l'arte in cucina, che pare esista!
trailserioedilfacetosaluti, capsy 


No problem, anche perche' nessuno "nasce imparato" e tutti, ripeto
_tutti_, all'unica condizione di accostarsi con umilta` e senza
prevenzioni a cio` che giudicano, sono in grado di fruire l'arte in
tutte le sue manifestazioni. Magari ricavandone piu` quesiti che
risposte, ma e` proprio qui che sta il bello.
AM

traversó i secoli fino a giungere a noi fu chiamato "la pesca Melba".
Non hai idea di come godo a leggere queste cose. Tra l'altro c'e` piu`
che un'indicazione sulla strada percorribile per arrivare a
cucina=arte (in certi case, sempre da specificare!), che si accosta a
quanto "Il pranzo di Babette" accennava, senza pero` approfondire.
AM

Il che mi pare giusto !!
E' un tema che mi e' caro e su cui stavo appunto pensando di proporre
un nuovo filone di pensiero ..... :-)
Conosco, per vari motivi, diverse scuole di pensiero su temi letterari,
artistici, musicali, che tentano di ampliare concetti di questo tipo
utilizzando altri strumenti, magari apparentemente lontani, come la
matematica.
Ci sono dei gruppi di persone, che reputo decisamente molto
qualificate, estremamente eclettiche, che si misurano su temi di questo
tipo.
Allora, se davvero qualcuno intende approfondire un tema di questo
genere, la cucina come un'arte, aprire discussioni, lavori,
approfondimenti, aspetti anche divertenti, dissertanzioni,
elucubrazioni mentali ..... Io ci sono.
Noi siamo legati ai nostri sensi.
Le varie arti d'eccelenza hanno stabilito dei criteri, scuole, filoni,
legati a sensi quali udito e vista (musica, letteratura, teatro,
pittura) . Ma perche' non portare su piani simili sensi come il gusto e
l'olfatto?
E su questi provare ad applicare discorsi simili a quelli fatti per
glialtri e piu' "navigati"?
Si puo' pensare ad sistema che consenta di "misurare" a livello di
gusto ed olfatto, legati all'estetica, e ad altro. Strumenti, tecniche,
descrizioni di potenzialita', strumenti, forme, strutture, applicate a
questa forma artistica.
La Ouvroir de Littérature Potentielle, fondata da sette amici dagli
interessi complementari: matematici che avevano a cuore la letteratura,
uomini di lettere con l'amore per le scienze esatte.
L'ispirazione di un'opera letteraria, dicevano, deve comunque adattarsi
ad una serie di procedure e costrizioni, costrizioni grammaticali,
lessicali, di struttura.
Perche' la gastronomia non puo' esseer oggetto di simili digressioni? E
l'enologia? dal gusto, all'odore, alla presentazione, al modo di
esporre le ricette ecc ecc?
Argimento vastissimo ed interessante (almeno per me)
Bye

 una storia, quella del "consumo" del cibo e della vita.
Di tutt'altro registro, pur nella violenta e studiata esagerazione, le 
performance di McCarthy con il cibo erano molto interessanti, e di 
sicuro non lasciavano il pubblico indifferente.

...


E non ti ho dato la chiave di interpretazione (volontariamente, tanto per
far bavare un po.. >o)  ):
La ciliegina sulla torta eccola:
I due erano amanti (lo scoprirermo poi, anni dopo la loro morte, grazie
alla figlia di Escoffier), ed il dare il nome della persona che amava ad un
dessert che le era destinato fu per Escoffier il modo di immortalare nei
secoli quell'amore segreto senza peraltro rivelarlo (non poteva
veramente..), facendo cosí passare alla posteritá una persona che
altrimenti molto probabilmente non avrebbe potuto sopravvivere nei secoli
(di canzoni cantate da Nellie Melba non ne trovi poi tante, giá ad un
secolo di distanza..).
Non so te, ma io un bel parallelo con tanti pittori, scultori ed altri
artisti ce lo vedo..
G.

artisti ce lo vedo..
Si`, ma ci devo meditare e, ahime', quando medito su queste cose,
prima di fissare una certezza, ci metto sempre molto, anche anni! Poi
capita che "sparo" una cosa e passo per "uno che ha le idee
immediate": invece ogni pensiero e` elaborato a lungo, "macinato".
Ho detto questo perche' mi dispiace di non darti una mia conclusione
personale: non la riterrei seria, mancando della giusta dose di
"macinatura" interna.
Grazie, intanto, e continuiamo cosi`, fino ad arrivare alla risposta.
AM


Non ho letto tutto il post (il tempo), e ti rispondo con una mia
convinzione, convinzione che si e' formata nel vedere all'opera
maestri pasticcieri (anche la pasticceria e' cucina).
Se per arte intendi bravura manuale a supporto di una mente fantasiosa
e originale, allora cucinare e' un arte ed e' creativo nella misura in
cui conosci le problematiche (e le difficolta') dell'arte. 
La concretizzazione dell'opera d'arte e' la parte visibile di un
percorso che solo l'artista vede e in cucina questo percorso e' fatto
anche di ricerca sulle materie utilizzate e sui procedimenti di
assemblaggio, cose che al profano sono ignote ma che all'addetto ai
lavori non sfuggono, quindi la fantasia, l'originalita'  e la bravura
(elementi distintivi dell'artista) possono essere non rilevate dalla
massa ma apprezzate da chi conosce la materia.
Certamente dopo l'originale vengono le emulazioni, ma questo e'
normale e aiutano a far emergere chi ha delle attitudini particolari.
ciccioformaggio

 aggiungo soltanto: "per due" e per gli amici.
Già una cosa diversa :-)
A.
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www.NoteDiCioccolato.it

 wrote:
SI'!
Pipeone
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<* Montale senza Goldoni è pelicoloso [Proverbio cinese] *>