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Titolo: BP, chiedo troppo?

Mi interesserebbe una tua opinione, il più possibile dettagliata,
sugli album di Davis da In a silent way in poi.
Lavoraccio ma potrebbero beneficiarne in molti.
--
Mauro Moroni
MELLOW RECORDS Ltd.
http://www.mellowrecords.com
in...@mellowrecords.com

GLI ALBUM DI DAVIS NEL PERIODO ELETTRICO (1969-75)
In a silent way, del 1969, e' senza dubbio un album epocale, che proiettera'
la sua influenza su una moltitudine di musicisti, e che tuttora costituisce
una pietra miliare dalla quale non e' possibile prescindere. Ne fanno parte
due lunghe composizioni che rompono clamorosamente con la forma jazzistica,
e rappresentano la prima espressione compiuta di quelle nuove *directions in
music* che Davis volle ad epigrafe di IASW e degli album successivi.
Il primo brano Shhh/Peaceful, e' fondato su una linea melodica ipnotica,
costruita dall'organo, dal piano elettrico e dalla chitarra elettrica,
mentre la batteria e il basso danno vita ad un tappeto ritmico solido quanto
sfuggente, quasi una trance ineffabile, misteriosa.
La seconda side si compone di un preziosissimo medley, In a silent way
(opera di Joe Zawinul, il quale disconoscera' in seguito l'arrangiamento
davisiano, che manteneva secondo i dettami della rivoluzione modale la
melodia eliminandone gli accordi) pezzo cui segue senza soluzione di
continuita' It's about that time. Il senso di apertura, di spazialita', di
infinitezza che questa musica conferisce e' qualcosa di unico. A brillare
sono in particolare il piano elettrico, cui si dedicano Zawinul, Corea ed
Hancock, e la chitarra elettrica, misurata ed elegante, di Mc Laughlin. Sul
flusso sonoro ininterrotto, opera anche del lavoro di produzione di Teo
Macero, il sax di Wayne Shorter e la tromba di Miles improvvisano con magica
serenita'.
Bitches Brew, del 1970, un altro momento epocale, subisce in misura evidente
l'influenza del rock, e non solo, non a caso rivelandosi l'album piu'
venduto nella discografia di Miles. C'e' il rock, in primis, in quest'album,
e basta ascoltare la chitarra di Mc Laughlin , talvolta acida, talvolta
liberamente funk, per rendersi conto del cambiamento che si e' prodotto
rispetto a IASW. Ma a regnare sovrana e' l'improvvisazione, tanto da far
pensare che Miles sia stato influenzato dal Free ben piu' di quanto lui
stesso abbia mai ammesso. Il risultato e' una contaminazione eclatante di
stili ed influenze, apice della crativita' e dell'ispirazione di un gruppo
di grandi musicisti e di un leader piu' rivoluzionario di un Malcolm X.
Brillano Spanish Key, in cui il piano elettrico conduce la danza, e Miles
runs the voodoo down, primo vero omaggio di Davis a James Brown, un artista
che lo influenzera' profondamente specie negli anni a venire. L'apice
dell'album e' pero' rappresentato IMHO da Sanctuary, una tipica composizione
di Wayne Shorter, maggior responsabile, secondo Zawinul, della rivoluzione
davisiana: questo brano, caratterizzato da un'aerea levita', vive in un
clima di magica, quasi religiosa, sospensione, e rappresentera' un modello
per artisti come Eno, Glass e Hassell negli anni a venire. La musica che
nasce nelle storiche
registrazioni di BB e' un flusso di coscienza joyciano, un fiume che scorre
liberamente, portando con se' tutto cio' che e' vita. Il bene con il male.
E' arte. Ne' piu' ne' meno.
Si consiglia l'acquisto del cofanetto uscito recentemente, contenente
l'intero corpus di quelle storiche registrazioni, tra le quali spicca una
rilettura di 15 minuti, con sitar e tabla, della crosbiana Guinnevere. Che
dire ? Un trip.....;-)
Jack Johnson, del '70, colonna sonora di un documentario dedicato
all'omonimo pugile, propone per la prima volta nella vicenda artistica di
Miles un musicista estraneo al jazz: e' Michael Henderson, ex collaboratore
di Stevie Wonder e Aretha Franklin, che rivestira' un ruolo decisivo nei
cinque anni successivi nell'ambito dei gruppi davisiani, colorando di funk e
ritmo la musica del maestro, in virtu' di un peculiare accompagnamento
strumentale, fatto di linee solide e fantasiose ad un tempo,  e
rappresentandone il veicolo ideale per le nuove strade intraprese. In JJ
l'allontanamento dal jazz appare evidente specie nel minor spazio conferito
all'improvvisazione nonche' nelle ritmiche fortemente orientate al funk, al
blues e al rock. Right Off in particolare, con Hancock, Mc Laughlin e Steve
Grossman al sax e' forse il brano piu' rock nella vicenda artistica del
maestro.
At Fillmore, del '70, con Keith Jarrett in formazione al piano elettrico, e'
IMHO un live dispersivo e non perfettamente focalizzato, nel quale
l'influenza del Free appare preponderante, rispetto a BB, album dal quale
sono tratte la maggior parte delle composizioni. Le tastiere "trattate" di
Corea e Jarrett costituiscono lo spessissimo sfondo sonoro per le eclatanti
improvvisazioni del leader.
Live-Evil, del '71, mostra nuovamente un Davis in grande spolvero. E' un
album composto da pezzi live, sia pur inediti, e composizioni piu' brevi in
studio. Un caleidoscopio di suoni ed umori, dal ritmatissimo groove
emblematico della nuova direzione di What I Say, alle suggestioni etniche di
Gemini/Double Image, sino al funk spasmodico di Innamorata. Mc Laughlin e
Jarrett fanno faville, mentre Jack de Johannette alla batteria si rivela
musicista fantasioso e solido ad un tempo. Miles suona la tromba col wah
wah, cosi' come Jarrett il piano, e le improvvisazioni della parte live
appaiono un richiamo ideale ad un angelo troppo precocemente caduto, Jimi
Hendrix.
Un album molto suggestivo, dunque, e ricco delle piu' disparate atmosfere,
da ascoltare assolutamente.
On the corner, del '73, e' un misterioso monolite venuto da spazi e tempi
ignoti, ancora oggi oggetto di vivaci discussioni in merito al suo effettivo
valore artistico. Per evitare fraintendimenti, diciamo subito che l'album
rappresenta un compendio delle piu' differenti influenze, James Brown, Karl
Heinz Stockhausen, Hendrix, ed il frutto, incredibile a dirsi, della
volonta' di Miles di "aggredire" il mercato dei giovani neri, alla ricerca
di quel successo commerciale che l'artista riteneva dovesse spettargli di
diritto, visto quanto suoi discepoli come Hancock, o ammiratori come
Santana, che tanto avevano attinto dalla sua musica, stavano ottenendo sul
piano delle vendite. Inutile dire che il tentativo fu frustrato da
insuccesso. E tuttavia l'influenza esercitata da OTC su numerosi artisti
negli anni a venire fu incalcolabile. Il mix di Africa, India, con il sitar
di Colin Walcott e le tablas di Badal Roy,della musica dei ghetti neri
americani, il tutto amalgamato, non paia una contraddizione in termini, dal
minimo comun denominatore dell'improvvisazione e di un forsennato tappeto
ritmico, rappresenta una delle esperienze uditive piu' radicali che si
ricordino.
Per inciso, fu questo l'album che alieno' definitivamente a Miles il
pubblico ma soprattutto la critica tradizionale jazz. Causando al
trombettista tanta rabbia e frustrazione.....
Live In Concert, del '73, che vede in formazione tra gli altri un musicista
che si rivelera' molto importante negli sviluppi futuri della musica di
Miles, il batterista Al Foster, e' un'opera indubbiamente di transizione,
perche' sembra mancare di unitarieta' e di coesione, pur risultando meno
complessa di OTC. Non indispensabile.
Black Beauty, del '73, presenta in realta' un vecchio concerto del 1970 al
Fillmore West di San Francisco, quando Miles era in cartellone con CSN & Y,
Laura Nyro ed altri, in occasione degli spettacoli organizzati da Bill
Graham. Si tratta di un album notevolissimo, con un Corea fiammante e quasi
psichedelico al piano elettrico, una ritmica effervescente con De
Johannette, il grande Dave Holland al basso e Airto Moreira alle
percussioni, e la tromba di Miles e il sax soprano di Steve Grossman liberi
di improvvisare su un tappeto sonoro mutevole ed efficacissimo. La musica
scorre ispiratissima, e il feeling che si respira tra i solchi dell'album ci
riporta indietro nel tempo in una dimensione magica.
Big Fun, del '74, e' originariamente un doppio album contenente quattro
lunghi brani, di cui ben tre risalgono alle session per Bitches Brew del
1970 (e fanno parte del citato cofanetto a tali registrazioni dedicato). E'
un album magnifico, dai colori orientali, recati da strumenti come il sitar,
il tampura e le tablas, che rappresentano il tessuto sonoro ideale per le
struggenti improvvisazioni di un Miles lirico come non mai. Il ponte verso
Oriente e' la dimostrazione della grandezza di questo musicista e della
stoltezza di quei critici che dopo BB hanno chiuso la saracinesca sulla
produzione davisiana. Errore fatale. In Big Fun ogni barriera di generi e
tradizioni musicali viene meno in nome di un *ecumenismo* artistico che
schiude orizzonti inimmaginabili solo pochi anni prima. E, a coronare
l'album, l'incredibile Go Ahead John, frutto del complesso lavoro di
montaggio di Teo Macero, vero e proprio deus ex machina in questo ed altri
frangenti, che sulla batteria di De Johnnette costruisce un loop teso ed
avvolgente, base ideale per le straordinarie improvvisazioni della chitarra
elettrica di Mc Laughlin. In breve. Imperdibile.
Get up With it, del '74 (ma i pezzi svariano dal '72 al '74), e' un album
discontinuo, in cui diversi brani mostrano un Miles a corto di idee e
affaticato dalla continua attivita' concertistica e dalle cattive condizioni
di salute, cui non e' estraneo l'abuso di droghe, della cocaina in
particolare. Eppure, anche in un frangente cosi' difficile, Miles e' capace
di esprimere una volta di piu' il suo genio. He Loved him Madly, dedicata a
Duke Ellington, scomparso in quello stesso 1974, e' uno dei momenti piu'
toccanti ed importanti nell'intera vicenda davisiana. Sono 35 minuti in cui
il tempo sembra fermarsi, e tutto, dalla strepitosa batteria di Foster, alle
tastiere di Hancock, sembra preparare la strada per la meravigliosa tromba
di Miles, capace di tratteggiare un paesaggio di rarefatta, desolata,
sospensione. Da notare che questo brano ha rappresentato un'influenza
decisiva per il Brian Eno di On Land......
In Agharta, del '75, vi e' un forte accento sui ritmi, su cui si innestano
le lunghe digressioni chitarristiche di Reggie Lucas e Pete Cosey, debitrici
di Hendrix, mentre la stanca tromba di Miles sembra in qualche modo
anticipare la crisi incipiente.
Pangea, del '75, meno viscerale del precedente, rappresenta un ritorno ad
atmosfere piu' meditative, serene, ma solo apparentemente, come si
vedra'........
Dark Magus, pubblicato nel '77, e' la testimonianza di un concerto
newyorkese di 3 anni prima. Tre chitarristi, Cosey, Lucas e il sudafricano
Dominique Gaumont, sono l'espressione della commistione tra il funk ed
Hendrix, mentre le solide linee di basso di Henderson producono lo sfondo
adatto per le digressioni di Miles, alla tromba ma anche all'organo,  e del
sassofonista Dave Liebman. Musica senza compromessi, talvolta ai limiti del
free, capace di travolgere ogni ostacolo che trova sulla strada. Nonche'
decisiva per cogliere il senso piu' profondo della commistione tra funk e
rock che tanti cercatori d'oro appassionera'  negli anni successivi.
A chiudere il panorama del Davis elettrico, due album contenenti materiale
inedito vario, Circle in the Round (pubblicato nel 1979) e Directions
(1981), completamento ideale per una stagione tra le piu' travagliate ed al
contempo ispirate nella vicenda artistica di Miles.
Dal 1975 sino al 1981 Miles, prosciugato creativamente e prigioniero della
droga, abbandona la musica per condurre, chiuso nella sua casa di New York,
un'esistenza ai limiti, che non gli impedira' di tornare sulle scene
nell''81 con rinnovato entusiasmo.
Ma questa e' un'altra storia.
(1) CONTINUA

 Guinnevere. Che dire ? Un trip.....;-)
!! Non lo sapevo....;-)
ciao stanz

conoscano. In questo senso Macero è stato il George Martin di MD :-D
verissimo. Come quello di Martin, il ruolo di Macero e' stato decisivo nella
costruzione dell'opera davisiana. Ti riporto una sua dichiarazione tratta
dall'articolo di Cilia' su BU. "Se a qualcuno non piace cio' che ho fatto,
da qui a 20 anni puo' riprendere tutto in mano e rifarlo. Non esistono piu'
prima take, seconda take eccetera. Tutto cio' che si suona in studio viene
messo su nastro.....L'unico momento in cui i registratori non sono in rec e'
quando riascoltiamo per scegliere quei frammenti che si prestano ad essere
accostati, creando un insieme coerente." ( Teo Macero). A questo punto il
procedimento e' chiaro, direi. E basta ascoltare un pezzo come Go Ahead John
per capire come quest'uomo non millantasse affatto credito......;-)
Buon ascolto, BP

 mi dici di Live in Tokyo ? Sono tutt'orecchi...;-)
Direi che il disco 1. è il più bello. Ci sono dei passaggi di tastiere nella
prima suite veramente riusciti. Il secondo ha i suoi momenti, ma forse prediligo
il primo.
ciao stanz