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Titolo: cultura di massa e cultura di élite

Il mio discorso su i presunti vincoli fra valore di un'opera
letteraria e successo commerciale era in realtà indirizzato,
come il finale lasciava intuire, a stimolare una riflessione
su quali possano essere i criteri di individuazione della
qualità di un prodotto culturale, una volta accettata l'idea
che il consenso o il dissenso non costituiscano di per sé
una spia sufficiente.
Suggerivo, difatti, una possibile soluzione nel valore
euristico, cioè conoscitivo, per quanto un'opera letteraria
possa arricchire o modificare la nostra visione del mondo
(da cui ne deriverebbe l'imprescindibile originalità).
Si può, per esempio, considerare opera d'arte una bellissima
lampadina o uno spremiagrumi che rechi l'innovativo design
di un architetto di successo (Stark, per non far nomi)?
Io credo di no, e sono pure convinto che in questi casi di
tecnica si debba parlare, e non di fatto estetico.
Ma questa è stata una sollecitazione non raccolta, che potrà,
semmai, essere oggetto di un approfondimento ulteriore più
avanti.
Passo, perciò, a rispondere alle diverse obiezioni mosse, che
riguardano i molti aspetti di questa discussione.
A chi partiva dalla provocazione di Pietro Citati, replico che
pensavo fosse chiaro che si trattava di un semplice paradosso.
Citati non si sognava neppure di invitare a non acquistare più libri
la massa di lettori che determina il successo degli autori più noti,
così come Zenone di Elea non intendeva realmente dimostrare che
Achille è più lento, o non raggiungerà mai la tartaruga.
Belloni sosteneva - e io concordo con lui - che è sempre meglio
leggere, seppur opere di scarso valore, piuttosto che non leggere affatto.
A questo aggiungerei che, come probabilmente molti altri qui, nel
corso degli anni sono stato più volte interpellato da amici e conoscenti
per suggerire nuove letture da affrontare.
E gli errori che commisi all'inizio, consigliando ad assoluti principianti
autori e testi che io amavo ma che dai più sono considerati ostici, ho
imparato a non ripeterli.
Anche perché si produce l'effetto opposto a quello desiderato, cioè a
dire di provocare repulsione verso la lettura, quando invece lo scopo è
di invogliarlo per gradi.
Ora so, per esempio, che se qualcuno mi si rivolge chiedendomi che
libro d'arte leggere per un primo approccio, è preferibile indirizzarlo
verso testi di più facile consultazione, quali "Dietro l'immagine" di Zeri
piuttosto che "Due dipinti la filologia e un nome".
Io preferisco di molto il secondo, ma il primo testo ha l'innegabile pregio
di essere una buona e accattivante opera di divulgazione, con brevi e
interessanti schede di lettura per ogni dipinto preso in esame, e con in
più il sapore del parlato, essendo in realtà la trasposizione di alcune
conferenze che Zeri tenne sull'arte di leggere l'arte a degli studenti della
facoltà di economia e commercio (per cui, per definizione, raramente
interessati all'argomento).
Per quanto concerne, invece, l'obiezione che la lettura, quando è un dovere
(chi lo fa per mestiere), non può costituire allo stesso tempo un piacere,
mi viene in mente l'esempio di Denoel, l'editore di Céline, e
dell'entusiasmo che lo colse leggendo d'un fiato di notte il dattiloscritto
del Voyage.
Non era spirito mercantile, nella prospettiva dei congrui guadagni futuri,
ma solo l'emozione di trovarsi di fronte a un capolavoro. Che è poi quello
che mi conferma un caro amico che lavora presso una nota casa editrice
e il cui compito consiste nel leggere e valutare le innumerevoli opere di
aspiranti scrittori che quotidianamente gli vengono sottoposte.
Mi dispiace, poi, guastare la bella immagine del pittore montanaro dedito in
splendido isolamento e con grande passione al piacere della pittura, ma
non credo più di tanto al suo rifiuto delle "leggi del mercato".
Chi si sottrae al confonto, in genere lo fa perché lo teme.
Pubblicizzare la propria opera significa confrontarla e porla al cospetto
del giudizio degli altri, non necessariamente avere uno spirito competitivo.
Cioran (che incomincio a nominare troppo spesso, un po' come Borges
qualche mese fa), ha sempre pubblicato le sue opere e allo stesso tempo
non ha mai accettato i vari premi e lauree honoris causa che gli son stati
conferiti, rinunciando pure, in questo modo, a cospicui guadagni (e non
navigava nell'oro, ve l'assicuro).
E poi c'è un bellissimo brano di Eco che spiega come pure il semplice
gesto del pittore di discostarsi dalla tela interrompendone l'esecuzione,
sia in realtà il tentativo di guardarla come la vedrebbe un ipotetico
spettatore (o cliente, nella versione più prosaica).
Van Gogh (se a lui si riferisce), vendette in vita solo un quadro, e questo
grazie all'intercessione del fratello Theo, mercante d'arte; ma lo
desiderava eccome, e questo episodio dimostra esattamente il contrario
di quanto sostiene Roll Benson, e cioè che la gente (me compreso,
s'intende), non è così avveduta come retoricamente si va' ripetendo.
Proprio il "caso Van Gogh" spiega la questione dibattuta sulla
"accettabilità" delle opere d'arte all'avanguardia, e cioè il fatto che la
loro eterodossia, o l'introduzione di elementi di rottura con la tradizione,
provochino sovente scandalo e rifiuto nei possibili fruitori, salvo in
seguito acclamare l'artista già defunto, una volta digerite e canonizzate
le dissonanze presenti nella sua opera.
E questo dovrebbe pure rispondere alla riflessione di Christian, quando
cita il caso delle trasmissioni sperimentali e di nicchia del terzo canale,
che vengono in seguito copiate e riproposte, con maggior successo, dai
canali televisivi a maggior ascolto.
La verità, io credo, è che lo sperimentalismo e le avanguardie artistiche
sono strettamente vincolate al periodo storico durante il quale si
esprimono, e le loro istanze di rinnovamento vengono a cessare una
volta mutate le condizioni storiche.
Se l'altro esempio di Roll Benson, invece, si riferisce, come penso, a
Kafka, si rifletta sul fatto significativo che il compito di dar fuoco ai
propri manoscritti lo scrittore praghese lo affidò all'amico Max Brod,
anziché occuparsene per tempo di persona.
Non a caso, finché era in forze, Kafka pubblicò eccome le sue opere.
Su quanto scritto con grande acume da carlo, e cioè sull'impossibilità
di disgiungere il piacere della lettura dall'intima necessità di farlo, e su
quanto quest'ultima emerga più perentoriamente, c'è ben poco da
aggiungere, se non unirsi a quanto fatto da Marco nell'esprimere il mio
ringraziamento per il suo contributo, così come per averci segnalato le
pregnanti citazioni di freye.
Infine, all'accusa di snobismo mossa da Julia ho ben poco da ribattere.
Io mi/vi chiedevo, difatti, da cosa può nascere il disagio, che penso (o
spero) non solo mio, nel riscontrare un improvviso successo di un autore
fino a poco tempo prima misconosciuto.
Solo dal fatto che, come sostiene Borges, la fama sia una forma di
incomprensione (e quindi di travisamento)?
Perché si prova un intimo piacere a consigliare a qualcuno di leggere
un libro appena pubblicato che nessuno conosce, o di visitare un eremo
romanico isolato che la maggior parte delle guide turistiche ignora
(e potrebbe pure essere un ristorante, beninteso)?
In cosa questi libri, affreschi o chiese verrebbero deturpati o contaminati
dal diventare improvvisamente mete di pellegrinaggi?
E ancora, quali sono le ragioni per cui mi son dispiaciuto nel veder
diventare il Baschenis (passione che condivido con carlo) un artista di
"moda", per il quale affrontare code  inenarrabili sotto ogni condizione
climatica, una volta che Bergamo gli ha dedicato quella splendida mostra
qualche anno fa, quando fino a poco tempo prima godeva di una stima di
élite? Forse che quell'improvvisa riscoperta mi è sembrata troppo guidata
(dalla pubblicità, dai mezzi di comunicazione di massa, etc.), quasi che
si volesse imporre il gusto e gli interessi della gente?
Se pensate che tutto questo sia falso, e che le ragioni ora esposte siano
in realtà degli alibi, allora sì, sono uno snob.
ciao
sergio
P.S. Mi scuso per l'eccessiva lunghezza del post.

Replico, per esprimere a Sergio il mio personale
ringraziamento, al quale sono certo si potrà aggiungere
quello di parecchia altra gente, per l'ottima
ricapitolazione dei concetti espressi, dando ordine
polifonico alla pletora di voci che hanno gridato in questo
deserto fortunatamente popolato.
Aggiungo una piccola considerazione sull'intento primo del
tuo thread: io credo che la valenza artistica emerga da
un'arcana mistura tra conoscenza, espressione ed estetica,
laddove ciascuna di queste componenti trova il proprio senso
nelle altre due. La significatività di esse è pure
differente al variare delle forme attraverso le quali il
processo artistico si manifesta, visto che la musica e la
scultura, ad esempio, non utilizzano gli stessi canali
comunicativi. Sono del parere che la componente estetica,
magari edonistica se si vuole, debba comunque essere sempre
presente nel processo artistico, come diceva O.Wilde, di cui
riporto solo il concetto, non ricordando le sue giuste
parole:
"Le cose degne di esistere devono essere utili oppure belle:
l'arte è totalmente inutile"
Saluti
Gianni

 Achille è più lento, o non raggiungerà mai la tartaruga.
poiché tu citi l'eleate, io vorrei dire a julia quanto vi fosse di
paradossale nella questione del possesso esclusivo (elitario) d'un
autore, che sollevò il suo civilissimo sdegno. gli è questione di
identità, mica di snobismo. a misura che crescono le richieste
*reciproche* fra autore e lettore (cioran e sergio, putacaso), viene
anche a stringersi il cerchio dell'identificazione reciproca. non per
essere sergio un lettore "superiore", o "migliore": ma per essere
proprio "quel" lettore lì. la partecipazione di massa ad un simile
rapporto elettivo (a meno di artefatti pubblicitari) viene esclusa per
virtù di statistica. il paradosso sta, banalmente, nel sentire svilito
un modo di veder le cose, che l'altrui condivisione dovrebbe rendere più
forte. ma, appunto, la pubblicità ci mette lo zampino.


Bellissima riflessione, non ci avevo mai pensato così limpidamente.
Ogni scrittore ha in mente il suo lettore, tranne che quando fa la
lista della spesa (e forse anche lì, insinua Eco), ma nel momento in
cui diventano tanti, e quindi diversi, si è persa quell'univocità
nella comunicazione.... o forse se ne hanno due parallele: una con
l'insieme eterogeneo dei lettori "di massa" (mi si passi il termine
politically incorrect :)) e l'altra con il lettore "intimo", che
magari finsce per essere solo il gruppo di amici, o i lettori più
avveduti... ripeto, bella riflessione, ci penserò su.
Ciao
Kika

[...]
Bene, monsignor Garufi, mi tiri a dire ancora qualche parolina
(ancora, perche' un mio post precedente e` sparito nel nulla
del IP/TCP; forse meglio cosi`, il Dio dei baud sa cos'e`
veramente superfluo)...
La mia parolina si limita a questa segnalazione: nessun
discorso sull'arte, oggi, e tanto di piu` sulla letteratura,
puo` prescindere da un discorso preliminare sul prodotto
artistico in quanto prodotto, cioe` prodotto industriale.
Ogni discorso sul "valore" di un'opera, sul suo valore estetico
- ammesso che questa espressione abbia ancora senso - deve
prima e di necessita` soffermarsi a capire come si pone l'opera
stessa nei riguardi del principale valore di cui essa e'
portatrice, cioe` il suo valore di scambio, il suo valore di
merce.
Su questi due fatti non si puo` sorvolare  se si vogliono fare
delle affermazioni sensate, non si possono tralasciare
giungendo a parlare di arte come tra "vecchi intenditori di
gusto": non lo si puo` fare perche' l'essenziale cambiamento
nell'arte e` proprio quello che l'ha trasformata da opera a
prodotto, mutandone radicalmente l'essenza (qualcuno potrebbe
dire "lo statuto ontologico" ma mi pare una bestemmia!).
Il termine "mercificazione", lungi dall'essere un'offesa,
indica bene la situazione in cui si trova qualsiasi arte, anche
quella letteraria, nel momento in cui aspira a diventare
fenomeno sociale e di massa, aspira a "parlare al cuore di
tutti". La mediazione a cui deve sottostare, quella del mercato
di massa e quindi dell'industria culturale, la trasformano
inesorabilmente in un prodotto e in una merce, le fanno
assumere il carattere essenziale di merce. A questo punto essa
non ha piu` i caratteri classici di un'opera d'arte quali
originalita`, spontaneita` e autonomia perche' e` stata presa
dentro il circuito di produzione seriale (che non e` solo la
produzione materiale in senso stretto ma soprattutto la
produzione della sua immagine pubblica, la produzione della sua
collocazione, la produzione del suo prezzo, la produzione dei
suoi rapporti e persino la produzione del suo autore) che la
padroneggia e la trasforma secondo i criteri che regolano le
produzioni, i ricavi, i profitti e le perdite.
Di qui ogni concetto col quale rapportarsi al prodotto
artistico va ripensato e soprattutto vanno ripensati i
fondamenti su cui poter costruire dei giudizi di valore
estetici - ammesso e non concesso che il termine "estetica"
quale ci deriva dalla tradizione abbia ancora un senso.
D'altra parte se un autore si rifiuta di entrare in questo
circolo produttivo, quale che sia la porta d'entrata, abdica a
ogni possibilita` comunicativa sociale, pubblica: dunque abdica
ad una funzione essenziale all'arte che e` quella di mostrarsi
pubblicamente per comunicare i propri valori. In definitiva
abdica all'arte.
Per quanto mi riguarda ritengo fondamentale nel giudizio di
un'opera un criterio che definirei di "onesta`" secondo il
quale il prodotto artistico nel suo insieme non deve mostrarsi
ipocrita rispetto alla sua essenza ed al suo ruolo di valore di
merce innanzitutto: non deve ingannare i fruitori che sono
consumatori sul loro ruolo principale ne' deve spacciarsi,
mediante finzioni stilistiche o artifizi vari, per cio` che non
e`, vale a dire un pezzo che continua nella tradizione
dell'arte del passato. Il non mascheramento e la sottolineatura
della irrimediabile cesura rispetto al passato dell'arte sono
per me irrinunciabili.
Certo questo e' solo un primo e generale criterio ma gia' serve
a sgomberare il campo da molta spazzatura.
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            |   (A. Negri)

 volta mutate le condizioni storiche.
Perfettamente d'accordo sulle avanguardie.
La riflessione non intendeva però esortare alla sperimentazione, forse non
mi sono spiegato correttamente.
L'argomento principale era: ciò che vende di più, che ottiene più ascolto,
rappresenta veramente il desiderio del pubblico?
Mi chiedevo se non fossero le case editrici, le reti televisive a scegliere
cosa deve ottenere successo, cosa deve diventare di massa.
Questo processo funziona attraverso stereotipi, etichette da supermercato
appiccicate a ogni autore che proponga spunti di riflessione.
Probabilmente è più tranquillizzante leggere Baricco che Dostoevskij,
guardare l'ultimo film di Julia Roberts piuttosto che Festen e un popolo
tranquillo si manovra più facilmente di uno consapevole.
Ciao ciao.

Red Wine  Fri, 28 Jan 2000 15:32:57 ha scritto:
Ogni discorso sul "valore" di un'opera, sul suo valore estetico
- ammesso che questa espressione abbia ancora senso - deve
prima e di necessita` soffermarsi a capire come si pone l'opera
stessa nei riguardi del principale valore di cui essa e'
portatrice, cioe` il suo valore di scambio, il suo valore di
merce.
etc.,
A questo punto essa
non ha piu` i caratteri classici di un'opera d'arte quali
originalita`, spontaneita` e autonomia perche' e` stata presa
dentro il circuito di produzione seriale (che non e` solo la
produzione materiale in senso stretto ma soprattutto la
produzione della sua immagine pubblica, la produzione della sua
collocazione, la produzione del suo prezzo, la produzione dei
suoi rapporti e persino la produzione del suo autore) che la
padroneggia e la trasforma secondo i criteri che regolano le
produzioni, i ricavi, i profitti e le perdite.
la conclusione, alla fine, era che l'arte
non deve spacciarsi,
mediante finzioni stilistiche o artifizi vari, per cio` che non
e`, vale a dire un pezzo che continua nella tradizione
dell'arte del passato. Il non mascheramento e la sottolineatura
della irrimediabile cesura rispetto al passato dell'arte sono
per me irrinunciabili.
Mi scuso per l'nevitabile cut and past, ma credo di aver sintetizzato il
senso del lungo discorso su cui mi piacerebbe soffermarmi: perchè non
vedo l'irrimediabile cesura di cui parla Wine. L'arte nasce infatti come
merce, spesso prodotta in forme seriali; se prendiamo le arti plastiche
e figurative basta ricordare il lungo cammino che va dai pittori a
figure nere della ceramica attica fino ai grandi geni che hanno
decorato, pagati e pagati bene, chiese e palazzi dal medioevo in avanti,
fino ai moderni pittori, ovvero arredatori di loft newyorkese alla moda.
La committenza in questi casi, non ha forse padroneggiato e trasformato
la produzione degli autori? dove trovare allora quei "caratteri
classici..." quali la "originalità, spontaneità e autonomia"?
L'iconografia della 'madonna col bambino', dai bizantini a Caravaggio,
e' stata utilizzata e pagata per dar forma ai volti  - e agli obiettivi
- della committenza che di volta in volta ne richiedeva l'iterazione,
nella catena seriale infinita del tema. E il pubblico, ogni volta, ne e'
stato preso di mezzo; il prodotto gli è stato imposto da un mercato;
forse non sempre di massa, e' vero, ma comunque di mercato si trattava:
ontologicamente, in breve, non e' cambiato molto; dal punto di vista
quantitativo forse qualcosa, ma ai perlustratori dell'essere questo poco
importa.
Ma lasciamo perdere le arti plastiche e figurative, e torniamo ai libri
e all'arte della parola.
I rapsodi che cantavano i poemi omerici alle feste panelleniche non
erano forse pagati? non erano per caso dei professionisti che vendevano
una loro specifica merce, il prodotto di una lunga tradizione
serializzatasi nei secoli? nell'improvvisazione/ripetizione di questi
canti, peraltro, il rapsodo teneva in gran conto la committenza e il
pubblico consumatore e cercava di  offrirgli il prodotto piu' congeniale
e desiderato. Eclatante, poi, e' il caso di poeti come Pindaro e
Bacchilide che componevano canti per le vittorie, ad es. olimpiche,
dietro lauto compenso: un'estetica che voglia intendere questo tipo di
opere non e' affatto l'estetica (crociana?) dell'opera bella e spontanea
e classica di cui conversano, amabilmente, dotti intenditori; ma si
tratta proprio di considerare il "circolo produttivo" e quella
"produzione materiale" (che ne condizione l'immagine pubblica, la
collocazione, il prezzo etc.) di cui si e' parlato (utile, a questo
riguardo, il bel saggio di J. Svenbro, La parola e il marmo, Torino,
Boll. Boringhieri 1976)..
Trovare esempi per il mondo greco e' facile; ma credo ve ne siano, a ben
vedere, per tutta la storia letteraria: da Ariosto stipendiato dalla
corte Estense per scrivere epopee cavalleresche, a Calvino, stipendiato
dall'Einaudi per organizzare una serie di prodotti, e controllarne il
deflusso verso il mercato, utili ad un certo tipo di propaganda,  in un
certo periodo storico.
E che dire della collana Adelphi? i titoli che vi sono inseriti, spesso
minori riscoperti, hanno certo un loro valore autonomo all'interno del
luogo (cronologico e geografico, il mitico cronotopo di lotmaniana
memoria) da cui provengono; ma poco importa di questo originario valore:
quello che conta e' la collana, e quindi il gusto di Calasso, una
collana di successo che esiste appunto in quanto prodotto industriale.
Il lettore consumatore, al limite, non compra un romanzo di Roth o uno
di Savinio: compra l'ultimo Adelphi, anche se stava cercando proprio
quel Savinio..
Il valore di un'opera, dunque, il suo valore estetico (non vedo altro
modo di definirlo) va considerato certamente all'interno di un sistema
di mercato/consumo, nel caso si voglia privilegiare, a livello
ermeneutico, tale dinamica. Ma non e' una novita, questa.  L'unica
discriminante utile per definire il valore e l'importanza di un'opera,
in fin dei conti, e' data dalla selezione che ne viene fatta attraverso
le epoche. Oggi non leggiamo piu' nulla o quasi di Agatone, tragedografo
di successo nell'Atene del V secolo (e forse e' un bene). Leggiamo
invece molto di Euripide, all'epoca assai disprezzato. Per andare sul
contemporaneo oggi non si legge piu', o quasi, Cassola che, ai suoi
tempi ha goduto di un certo successo, e si sta dimenticando Moravia; per
quanto mi riguarda vivo bene senza entrambi e mi concedo, ad esempio, un
Ammaniti. Tra un secolo leggeranno di nuovo Cassola, o forse
sceglieranno Ammaniti e i suoi simili; non lo so, se la vedranno i
posteri. Quello che e' chiaro, e comunque certo, oggi, e' che Ciro di
Pers, ad esempio, va bene ad una tesi di laurea, mentre Dostoeevskij (o
Dostoevskij?) e' una lettura da cui non si puo' prescindere (e, per
restare in argomento, quest'ultimo pubblicava sulle gazzette, firmava
contratti capestro con editori che spesso volevano intervenire sulla
trama, etc.).
saluti,
jan

invece molto di Euripide, all'epoca assai disprezzato. Per andare sul
Secondo me fai una grossa confusione tra "mercato" nel senso di
una piazza dove ci si ritrova a vendere e comprare (diciamo il
mercato in senso medievale) ed il "mercato" nel senso
contemporaneo del termine. Sono ovviamente cose diversissime,
nel mezzo c'e` stata almeno l'invenzione del telaio a vapore e
poi quella dell'elaboratore elettronico.
I dipintori di madonne bizantine o i rapsodi o l'Ariosto pagato
dagli estensi erano degli artigiani con dei committenti che
pagavano le loro opere (tanto per semplificare) NON le
producevano industrialmente:  e qui produrre non sta tanto
nella fattura materiale dell'opera ma, avevo gia' cercato di
dirlo, nella produzione in primis di un pubblico e di
un'immagine pubblica dell'opera e del suo autore.
Possiamo dire che l'Orlando Furioso o gli affreschi nelle
chiese rientrassero in una sorta di disegno politico dei loro
committenti ma non rientravano in nessun caso in un sistema di
produzione industriale rivolto a vendere oggetti ad una massa
per trarre profitto e, ad un tempo, produrre un pubblico
bisognoso di questa "cultura".
Gli estensi non erano un'industria, la Adelphi e l'Einaudi si`:
l'Ariosto poteva essere, come dire, il fiore all'occhiello dei
potenti di Ferrara, uno dei tanti artigiani che lavoravano per
loro mentre ogni nuovo libro pubblicato da una casa editrice,
e' un tipico prodotto pensato industrialmente, di massa anche
se il suo target e` una "elite": quel che conta non e` solo la
"quantita`" ma soprattutto la pianificazione di un, tentato,
profitto attraverso la produzione di pubblico, immagine, autore
e, naturalmente, prodotto in se'.
Direi che la differenza sostanziale tra "artigianato" e
"industria" non l'ho scoperta io e la cesura della rivoluzione
industriale e sociale a un punto non me la sono inventata io:
che "l'arte" supponga di essere passata indenne, senza
trasformazioni sostanziali attraverso tutto questo mi sembra
francamente assurdo; il problema poi rimane sempre
quello: cercare di capire quali spazi di autonomia possa
ritagliarsi l'arte ed i valori - estetici - di cui e`
portatrice, in una situazione del genere la quale non e' che
sia da "privilegiarsi" dal momento che si privilegia da sola
essendo l'unica attualmente possibile.
-- 
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            |  /usr/src/love (69)# make love
            |  make: don't know how to make love. Stop

anticaglie. Niente di nuovo, insomma, solo una rispolverata.
Hai ragione. Innanzitutto, il mio discorso iniziale voleva essere, almeno
nelle intenzioni, molto più circoscritto, ma evidentemente ha sollecitato
tutta una serie di spunti e riflessioni collegati, che non ho potuto (e
voluto) sottrarmi alla discussione che si era venuta formando.
Quanto all'esempio, per me riduttivo e fuorviante, del manifestarsi
dell'opera d'arte nel far vivere di vita propria i personaggi creati, io
credo che esistano molti esempi di libri e film incentrati su un solo
personaggio, e in cui le altre figure presenti svolgono delle semplici
e mere funzioni narrative.
Per quanto concerne il valore euristico o conoscitivo dell'opera d'arte,
questo non è da intendersi come la rivelazione di chissà quali "oscuri
arcani". L'arricchimento o la modificazione della nostra personale
visione del mondo possono pure dipendere dalla conoscenza (o
riscoperta, secondo la definizione di Pavese), di aspetti che ignoravamo,
o di nuove e diverse modalità di rapportarci alle cose che fino a quel
momento avevamo trascurato, proprio perché l'opera d'arte pone degli
interrogativi, più che fornire delle risposte, che, da soli, ci sollecitano
dei ripensamenti.
Complementare a quella di Pavese, e forse - perlomeno a mio giudizio -
più pertinente, mi sembra a questo punto la definizione borgesiana, che tu
conoscerai di sicuro:"il fatto estetico consiste nell'imminenza di una
rivelazione che non si produce".
Un romanzo, un dipinto, una melodia particolarmente suggestiva e
struggente; persino un viso lavorato dal tempo o l'estasi di un tramonto
(penso, ad esempio, al finale de "That remains of the day"), stanno per
rivelarci la loro intima essenza, il segreto del fascino che esercitano in
noi; ma il risultato finale si riduce, in realtà, a una sorta di bisbiglio;
e sta così a noi, alla nostra sensibilità e alla nostra intelligenza,
colmare quelle lacune, riempire quei vuoti.
In questa teorizzazione di una collaborazione fra autore e fruitore, nel
negare, dunque, che esista un significato univoco nell'opera d'arte (un
libro in sé e per sé è solo un volume che occupa dello spazio), veicolato
dal suo autore e che noi dobbiamo solo subire passivamente; e quindi
nella possibilità che ci viene concessa di scegliere, ognuno per proprio
conto, il nostro personale percorso di significato, risiede, con ogni
probabilità, il senso più autentico ed innovativo di quella che viene
definita "estetica della ricezione", oltre che il fondamento del
postmoderno.
Non più l'arte come espressione, quindi, secondo la nota definizione
crociana, bensì l'arte come allusione.
In questa definizione del fatto estetico io mi riconosco.
ciao
sergio

nella catena seriale.
Proprio a Caravaggio (sul quale si sta organizzando una grande
mostra a Bergamo per aprile maggio), - se ti riferisci, come penso,
alla Madonna dei Pellegrini a Sant'Agostino - furono imposte clausole
durissime nel contratto, e questo non gli impedì di realizzare un'opera
originale e, per molti versi, dissacrante (per i piedi sporchi dei
pellegrini, troppo vicini alla sacra famiglia, o per la scollatura troppo
generosa di Maria).
E Tiziano, che sbeffeggia i suoi tronfi committenti che lo pagano
lautamente per ritrarli (penso a Jacopo Strada, per esempio)?
Quanto ai meccanismi di promozione pubblicitaria della propria
immagine, che cosa fece l'Aretino con Tiziano, se non sponsorizzarlo
fino a fare di lui il pittore dell'imperatore (quasi come un gallerista o
un critico influente di oggi)?
In conclusione: la serialità artistica non incomincia con la pop art,
l'opera d'arte è sempre stata (anche) un "prodotto" soggetto al
gusto del pubblico (per cui non ha alcun senso, oggi, parlare di
snaturamento); la promozione della propria immagine si è
realizzata - con altri mezzi, è ovvio - ben prima dell'avvento dei
mezzi di comunicazione di massa; i committenti o mecenati son
sempre esistiti; e i grandi artisti, se sono tali, riescono ugualmente
a esprimere la loro creatività anche in presenza di questi
ostacoli (o vincoli)...
ciao
sergio

 dettagliate disposizioni?
.....
Soprattutto direi, quasi con un vezzo provocatorio. Tanto
più è potente la mano dell'artista, tanto più egli riesce a
rendere indipendente la sua opera dalle precise e
dettagliate disposizioni che gli sono imposte. Produrre
un'opera di grande valore artistico eseguendo, ad esempio,
un ritratto commissionato, magari da un committente
rompiscatole che vuole l'occhio grande, la narice messa in
un certo modo e la ciocca che cade in un altro, non solo è
possibile, ma è una possente manifestazione della libertà
dell'artista, libertà che nessuna gabbia dispositiva riesce
ad imprigionare.
E questo ragionamento vale, secondo me, anche se non ci si
limita a dare all'espressione artistica un connotato
puramente estetico; la valenza espressiva può oltrepassare i
limiti prefissati, utilizzando le disposizioni e le
richieste come materia espressiva. In questo senso credo che
non vi sia troppa differenza tra un committente ben
identificabile e un impalpabile mercato mercificatorio:
l'artista sa cosa vuole il pubblico e conosce le regole del
mercato, ma questo non gli impedisce di produrre la sua
opera in piena libertà espressiva, anche se tale espressione
è rivolta a quegli elementi che gli consentono una
soddisfacente commercializzazione del suo prodotto. E poi
all'artista non viene chiesto nulla di contraddittorio con
la propria arte (e non è artista vero colui che rifugge le
proprie idee per denaro), anche perché il suo pubblico è
espressione del momento storico, culturale e sociale di cui
l'artista stesso è figlio e, anzi, uno dei massimi
esponenti.
Saluti
Gianni

 francamente assurdo;
non ho detto questo. L'arte si e' trasformata perche' si sono trasformati i suoi
mezzi ed i suoi sistemi comunicativi (e, di conseguenza, le sue forme) insieme
alle trasformazioni della societa'. Ripeto: nessuno piu' affresca le chiese o
dipinge ritratti per i palazzi dei nobili. Ma si dipingono e vendono quadri per
arredare le case. Non ci sono  piu' gli scaltri notabili ateniesi che  pagano
autori, attori e registi per allestire festival teatrali; ma altrettanto scaltri
produttori fanno altrettanto per produrre film. Un film puo' essere visto da
milioni di persone; ad applaudire Agatone c'era tutta la citta' di Atene, tutta
al completo. Cambiano i numeri (oggi il mondo e' universale, allora era
universale Atene), ma non la sostanza.
saluti,
jan


universale Atene), ma non la sostanza.
Come accennavo prima, ad Atene il teatro serviva per organizzare il
consenso, non per fare soldi. In alcuni casi, il discorso può essere valido
ancor oggi. Ma la commercializzazione del "prodotto" editoriale è una
questione diversa: occorre convincere il potenziale fruitore: che non potrà
fare a meno di quel libro, che passerà per ignorante (o comunque si troverà
a disagio nelle conversazioni salottiere e non  ) se non dimosterà di
conoscerlo. Di qui l'avvio di un'imponente operazione propagandistica che
non  mi sembra differisca molto dalla pubblicità delle scarpe Tod's.
Ciao
Eleonora.
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ostacoli (o vincoli)...
Per l'acquisto delle opere d'arte G.Rucellai suggerisce tre motivi: "tutte
le sopra dette chose m'ànno dato e danno grandissimo chontentamento e
grandissima dolcezza, perché raghuardano in parte all'onore di Dio e
all'onore della città e a memoria di me".
 Baxandall ("Pittura ed esperienze sociali nell'Italia del Quattrocento", il
testo da cui è stato tratto il brano) riporta un'altra ragione del mercante
fiorentino: "l'acquisto di oggetti di questo genere procura il piacere e il
merito di spendere bene, un piacere maggiore (...) di far denaro".
Saluti
I.

allora era universale Atene), ma non la sostanza.
Non so cosa vuoi dire con l'espressione "il mondo e`
universale"... Sta di fatto che oltre ad Atene vi erano allora
altre civilta` in molte parti del globo: dall'India alla Cina
all'Africa a, probabilmente, le Americhe, le quali quasi
ignoravano l'esistenza una dell'altra.
E anche ammesso che Agatone fosse applaudito da tutta Atene non
vuol dire che lui fosse un salariato di un'industria culturale
ateniese poiche' non vi era un mercato organizzato attorno a
copie delle sue opere, scritte o "filmate"...
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            |  "Kill Kill Kill Kill
            |   Kill the poor... Tonight"       (Dead Kennedys)