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Titolo: senza titolo

Chissà se esiste una storia dei titoli in arte e letteratura?
Comunque, una trattazione sufficientemente esaustiva l'ha
scritta il solito Genette di _Soglie - I dintorni del testo_,
partendo dagli interminabili titoli barocchi fino alla brusca
concisione di quelli novecenteschi, ed elencandone le
funzioni principali (identificazione dell'opera, designazione
del contenuto, valorizzazione).
Eco, nelle Postille al suo primo romanzo, spiegava la
genesi di quel titolo, di cui fu corresponsabile - come
succede quasi sempre - il suo editore.
Vennero rifiutati titoli neutri, che prendevano a prestito
il nome del protagonista, come "Adso da Melk"; o titoli
più banali, come "L'Abbazia del mistero", che lo faceva
sembrare un giallo di serie b.
La scelta finale fu particolarmente azzeccata, perché
_Il nome della rosa_ era una chiave di lettura appropriata
e allo stesso tempo rimaneva sufficientemente vago da
non precludere ulteriori percorsi ermeneutici.
Un bel titolo spesso contribuisce al successo di un libro.
Si pensi, per esempio, alle liriche evocazioni di _Cent'anni
di solitudine_ di Marquez, al depistaggio de _L'Uomo
senza qualità_ di Musil (che invece ha un sacco di qualità),
al non sense di _Storia della pittura universale in tre volumi_
di Benezet, che è uno smilzo libricino in cui non si parla di
pittura, o al cupo _Gioia di vivere_ di Zola, o allo splendido
ossimoro de _L'insostenibile leggerezza dell'essere_ di
Kundera, o a _Madre nostra che sei nei cieli_ di Pallavicini,
sintesi perfetta e suggestiva della vicenda narrata.
Proprio perché è importante, la scelta del titolo è spesso
frutto di una collaborazione fra editore e autore, ed esistono
molti casi in cui il titolo odierno è addirittura opera delle
generazioni di lettori, come l'aggettivo "Divina" anteposto
alla "Commedia" di Dante.
Nell'arte rinascimentale non si usava titolare le opere.
Al più le si descrivevano, come nei tanti registri dei
collezionisti dell'epoca, che si limitavano a illustrarne
il soggetto principale e a indicarne l'autore.
Fra i tanti dipinti che ci sono giunti privi di indicazione,
alcuni fra i più famosi sono la Tempesta di Giorgione,
la Flagellazione di Piero della Francesca e il Cristo
morto del Mantegna.
Curiosamente, proprio i titoli che in seguito sono stati
attribuiti a queste opere sono indicatori dei contenuti
che questi dipinti si supponeva veicolassero.
Riguardo al primo, viene generalmente indicato così
proprio per evidenziare il fatto che sarebbe privo di un
soggetto preciso; per cui, non essendoci alcun rapporto
fra scene sacre o mitologiche e la coppia con bimbo
immersa nel paesaggio, si è posto l'accento sul lampo
che squarcia le nubi, quasi a suggerire che si tratta di
un semplice pretesto del pittore, che, in assenza di precise
indicazioni del committente (o addirittura in assenza
del committente), ha dato libero sfogo alla sua fantasia.
Salvatore Settis, in uno splendido saggio intitolato _La
Tempesta interpretata_, pare aver sciolto l'enigma,
riconducendo le tre figure principali ad Adamo, Eva e
Caino, e rinvenendo nella città turrita l'Eden perduto
per sempre e in un apparente ramoscello il serpente
responsabile della loro caduta.
Ma proprio nelle prime pagine di quel saggio (edito
da Einaudi), l'autore non ha mancato di polemizzare
con gli "attribuzionisti rabdomantici", cioè quegli storici
dell'arte che fanno volentieri a meno di cercare analogie
iconologiche, frutto di ricerche estenuanti su testi e
documenti, privilegiando invece la forma a scapito del
contenuto (e quindi il loro fiuto infallibile piuttosto che
il duro lavoro).
Sulla c.d. Flagellazione di Piero si sono scontrate diverse
interpretazioni, soprattutto riguardo l'identificazione e le
ragioni del dialogo fra i tre personaggi in primo piano.
Zeri e Pope-Hennesy ci vedevano la rappresentazione
del Sogno di San Gerolamo, Ginzburg e la Ronchey
rintracciavano precisi riferimenti alla fine di Costantinopoli
e alla fallita riconciliazione tra chiesa d'Oriente e d'Occidente.
La maggior parte delle interpretazioni concernenti Il Cristo
morto del Mantegna sottolineano la volontà dell'artista di
umanizzare la scena rendendocela familiare; e difatti Gesù
viene visto dallo spettatore allo stesso modo con cui
vedrebbe un parente nella camera mortuaria; cioè
entrando nella stanza e vedendolo disteso dalla parte
dei piedi, e accostandosi poi di lato per compiangerlo
come fanno i tre personaggi a margine.
Ma in una lettera del 1504, in cui il figlio di Mantegna
raccomanda ai Gonzaga l'acquisto delle opere del padre
rimaste nella sua bottega al momento della morte, questi
lo descrive come "Cristo in scurto", facendo così pensare
a un mero esercizio tecnico, un esempio di virtuosismo
prospettico; senza tutte le implicazioni che gli abbiamo
attribuito in seguito.
Burri, e come lui molti artisti contemporanei, si rifiutarono
di fornire chiavi di lettura alle loro opere, intitolandole con
numeri, o con i nomi dei materiali, o con le tecniche usate,
lasciando così liberi i fruitori di scorgerne il senso più
affine alla propria sensibilità; e forse anche per questa
ragione, per questa indeterminatezza, incontrò all'inizio
della sua carriera notevoli difficoltà.
Perché in genere gli amanti dell'arte esigono dal titolo
una spiegazione del senso ultimo dell'opera, che li
sollevi dal difficile compito di rinvenirlo da soli; e
proprio questa esigenza del fruitore si scontra invece
col desiderio dell'autore, che tende naturalmente a non
delimitare troppo i margini interpretativi, precludendo
così altre possibili chiavi di lettura.
Si narra che Hans Arp, di fronte alla richiesta del visitatore
di una sua mostra di sapere il titolo di una sua scultura
(e implicitamente il significato), perché intenzionato ad
acquistarla, rispose: "forchetta o buco di culo, a seconda".
Superfluo aggiungere che l'opera rimase invenduta.

> a _Madre nostra che sei nei cieli_ di Pallavicini,
"...che Sarai nei Cieli", perbacco!
Ciao Sergio
PSP

 Ciao Sergio
ciao Sandro

 pardon, futuro, come l'uscita del libro :-)
approfitto per segnalare l'imminente uscita, 4 anni dopo la morte, dell'ultimo
racconto di Gaddis, "Agape agape".
presto, a quanto pare.

 così altre possibili chiavi di lettura.
Io sono assolutamente d'accordo con l'autore. Che il pubblico si svegli e
pensi con la testa sua una buona volta, che non gli si può ammannire sempre
la pappa pronta :-)
(grazie per il post)

 Superfluo aggiungere che l'opera rimase invenduta.
Forse "grande nero" o "grande rosso" non li ha battezzati Burri, anche se
ora quello è il loro nome. Gli artigiani, giustamente, non davano nomi, mica
esistevano ancora gli "artisti", mica c'era  stato il romanticismo.
Ma ecco che i titoli tornano a non servire più.
L'arte attuale, sostanzialmente rappresentata dalla pubblicità, non ha
bisgno di titolo. Si ricorda l'insieme per quel tanto che basta . Poi avanti
un altro.
Burri scoperto nella sua sostanza casuale di plastica bruciata -pausa dopo
kl'enfasi - disgustati dagli schizi pipposi di Pollok ahi quanto amati-
ripausa- nemmeno il Boccioni  degli Euro, suona più tanto.......
 Funk!
 Porca vacca!
 Si sta cancelando anche Raffaello e tutti quei  colori su una tela non
dicono niente nemmeno se il povero Fontana te la tagliasse sotto gli occhi.
E' una tragedia, altro che nomi!
Non c'è rimasto nulla se non il mercato che  raggiunge anche chi non conosce
la storiella di questo che è invece è  quello e dell'altro che fa così per
significare cosà......
God, quanto amerei essere Arbasino)))))))...faccio per dire, ovviamente.....
sgoms serali & bon uikkend
:::zan