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Titolo: Todorov e la pittura olandese del Seicento.

Acquistato a Roma in una benemerita e fornitissima libreria del centro
aperta fino a tardi ( Fahrenheit 451, in Campo de' Fiori 44), mi è stato
regalato in questi giorni un saggio di Tzvetan Todorov sulla pittura
olandese del XVII sec. (_Elogio del quotidiano_, Apeiron, 2000).
Un po' disorientato, all'inizio, dal fatto che un illustre narratologo
come l'ungherese si occupasse di simili argomenti (pur avendolo
già fatto in passato affrontando temi ugualmente poco pertinenti
come _La conquista dell'America: il problema dell' *altro*_); con
la lettura mi sono accorto di come, in realtà, dall'analisi incentrata
sulla pittura olandese del Seicento l'autore giunga infine a formulare
un quesito presente in tutte le sue opere (da _Teorie del simbolo_ a
_Critica della critica_, da _La letteratura fantastica_ fino ai_Formalisti
russi_), e che riguarda, in ultima analisi, i limiti e le condizioni dei
processi interpretativi.
Se, come credo, l'arte è un linguaggio, e cioè un oggetto strutturato
del quale si può cogliere (e comprendere) il meccanismo di
funzionamento interno (e senza per questo volerlo a tutti i costi
"spiegare"); allora non deve sorprendere che uno strutturalista
come Todorov si sia occupato di pittura. In fondo, prima di lui lo
hanno già fatto in molti, e con risultati spesso interessanti e originali.
A questo proposito ricordo, per fare qualche esempio, l'analisi del
"Cristo morto" del Mantegna di Thurlemann, lo studio di Schefer sulla
"Partita a scacchi" di Paris Bondone, la polemica fra Schapiro e
Heidegger sul paio di scarpe di Van Gogh (che Derrida in seguito
riprese e confutò); e ancora Lyotard sulla "Flagellazione" di Piero,
Foucault su "Questa non è una pipa" di Magritte (e prima ancora
su "Las Meninas" di Velasquez); e Serres sull'opera di Carpaccio.
Ma, tornando a Todorov, quello che colpisce subito è lo stile limpido e
avvincente, chiaro e comprensibile anche nelle questioni più complesse:
come lo spinozismo implicito in questa pittura di genere, le valenze
ermeneutiche relative al duplice titolo di una stessa opera di Rembrandt
o la spiegazione dei binomi puro-visibilisti di Heinrich Wolfflin.
Sul suo stile, per concludere, trascrivo qui un brano di poche righe
(pag.115), che bene illustra l'originalità e la chiarezza interpretative
di questo brillante saggio, oltre a chiarire le ragioni del fascino
immutato che questa arte esercita ancora su molti di noi a distanza
di più di tre secoli:
"La bellezza può risiedere anche nel gesto più umile.
Quando Steen e Ter Borch, De Hooch e Vermeer, Rembrandt
e Hals ci aiutano a scoprire la bellezza delle cose nelle cose,
non si comportano affatto come alchimisti intenti a trasformare
in oro non importa quale porzione di fango. Questi artisti hanno
compreso, tuttavia, che una donna che attraversa il cortile o una
madre che spella una patata possono essere belle quanto le divinità
dell'Olimpo, e ci invitano a condividere tale convinzione: ci insegnano
a vedere meglio il mondo, non a cullarci in dolci illusioni; non inventano
la bellezza, ma la scoprono (e permettono anche a noi di scoprirla).
Minacciati oggi dalle nuove forme di degradazione della vita quotidiana,
siamo tentati, nell'osservare le loro opere, di ritrovarvi il senso e la
bellezza dei nostri gesti più elementari."
ciao
sergio

sergio garufi scripsit
(megasnip)
Guarda guarda...

sergio garufi wrote:
[...]
Finalmente! cominciavo a dubitare di leggerti ancora.
:)))
Serena