Newsgroup: it.fan.musica.pink-floyd
Titolo: Loop Trasformazioni e Spazio Sonoro e Alan's Psychedelic Breakfast

Trovo interessante questo documento di Lelio Camilleri:
http://www.unipv.it/britishrock1966-1976/pdf/camilleri.pdf
Che analizza le relazioni fra tecnologia musicale e creazione musicale, 
in particolare per il rock progressivo. Fra l'altro introduce un
concetto di spazio sonoro multidimensionale che č del tutto analogo a 
quello a cui ormai da molti anni io teorizzo. Nella sua analisi prende 
in considerazione vari pezzi, non solo dei Pink Floyd, ma ad esempio di 
musicisti della scena di Canterbury e derivati, come Wyatt, Gong, Camel, 
Soft Machine, gli Henry Cow, del quale ci dice che erano in pratica
stati influenzati dai Faust per Unrest (cosa che non mi sorprende... 
i Faust sono un gruppo fra i piů seminali pur non essendo affatto fra
quelli noti al "medio pubblico rock"), e pure qualche gruppo Prog piů
nell'area del rock sinfonico come gli Yes e i Gentle Giant (vabbé... i 
Gentle Giant a rigor parlando non sono stati propriamente un gruppo 
di "rock sinfonico", ma certamente un gruppo di rock progressivo con 
dei suoi peculiari e riconoscibilissimi stilemi).
In fondo al suo studio, vi č un'analisi dettagliata ed interessante di 
questi criteri proprio ad "Alan's Psychedelic Breakfast", credo che 
ALMENO Paolo Mazapegul e credo Ettore unita_logica, ma probabilmente 
anche qualcun altro, dovrebbero trovarla piuttosto stimolante, come 
approccio all'esame di un pezzo sonoro in una maniera che esce fuori 
dagli schemi dei modelli di analisi e valutazione tradizionali. 
Anche perché, per chi conosca qualcosa di musica contemporanea, 
anche minimalista o altra musica sperimentale, costituisce uno strumento 
di studio e comprensione degli eventi sonori che la classica "estetica
da conservatorio" non puo' assolutamente darci, e invece a mio avviso 
č da tempo necessario applicare simili approcci alla creazione ma
soprattutto alla comprensione della musica sperimentale in genere, oltre
ad altri ancora. Per la costruzione di una 
*estetica e filosofia della sperimentazione sonora-musicale*.
Saluti
-- 
|*** it.fan.musica.pink-floyd *** ; se non l'hai gia' fatto,
| leggi per favore il manifesto del NG...  :-)
| quando ti e' possibile, leggi anche le FAQ del NG

 *estetica e filosofia della sperimentazione sonora-musicale*.
Valerio HT:
Specifico: è vero che nel suo studio Camilleri prende in considerazione 
essenzialmente brani rock e talvolta neppure particolarmente
sperimentali, ma credo che a maggior ragione questi criteri che lui 
utilizza possano venire utili anche nell'analisi della musica
sperimentale in genere. Sulla quale io avrei un progetto in mente... 
ve ne parlerò al momento opportuno, sperando che ci sia.
Ciao


 
Leggero' quando avro' tempo. Mi interessa.
Ovvio che la "estetica da conservatorio" non fosse riferita a qualche 
mio recente post vero? ;)
Anche perche' io il conservatorio non l'ho proprio fatto, chè solo mi 
orripilava l'idea.

 questi criteri proprio ad "Alan's Psychedelic Breakfast", 
grazie per questo riferimento. Per ora mi son letto solo l'introduzione
e la parte riguardante la Colazione Psichedelica. L'ho trovata
interessante: un approccio rigoroso.  Di primo acchito, mi ha colpito la
tesi secondo la quale alcuni "gesti" nel mondo concreto di A.P.B.
abbiano una funzione di levare ritmico, in particolare il cerino. Tesi
condivisibile. Cio' conferma l'ipotesi (in fondo ovvia) che i rumori del
brano sono stati studiati e montati meticolosamente. 
Parlando piu' in generale, l'influenza della tecnologia e' sempre non
trascurabile in ogni genere musicale d'avanguardia. E' avvenuto sempre,
dal clavicembalo, al pianoforte, al bassline 303. Giusto quindi
analizzare il come relativamente al tipo di musica scelto.
Una cosa che mi ha sorpreso, nella mia ignoranza in materia di rock
progressivo (genere a cui son sempre stato piuttosto "allergico"), e'
l'importanza del loop. Ho sempre associato il loop ad altri lidi che
consideravo piuttosto distanti come approccio, attitudine ed estetica al
rock progressivo. Minimalismo in primis. Ma si sa, le etichette aiutano
tanto quanto i danni che arrecano. (Devo dire pero' che un recente
ascolto di un concerto di EL&P aveva rafforzato la mia convinzione di
cui sopra, sebbene il mio ascolto sia stato piuttosto distratto. ;-))
-- 
http://ustrega.wordpress.com/
"Vegetable man, where the fuck are you?"

 ve ne parlerņ al momento opportuno, sperando che ci sia.
ecco, si', parliamone... altrimenti il momento opportuno fugge. :-)


 orripilava l'idea.
e perche' mai? io se avessi avuto il tempo+soldi+fiducia l'avrei
fatto... cazzo, suonare e studiare musica e strumenti, butta via... di
per se non e' mica male, il problema e' che ci sono mille altre cose da
fare.


 abbiano una funzione di levare ritmico, in particolare il cerino
Vero! Il cerino!
Notare anche come il tempo tra accensione del cerino e suono di pianoforte
si riduca poco prima dell'inizio vero e proprio. A proposito chiedo:
con quale strumento viene prodotto il suono "uhhhhhh" continuo che traccia
la linea melodica durante l'accensione? 
-- 
Seldon
http://digilander.libero.it/floyder
Il Web di it.fan.musica.pink-floyd

 la linea melodica durante l'accensione? 
Valerio HT:
Esistono vari sistemi per produrre quel suono che innalza
progressivamente la sua frequenza, il più semplice è quello di
utilizzare un singolo circuito oscillatore in cui il variare della
tensione di controllo provoca in uscita la variazione di frequenza: 
insomma, il classico VCO, che era già usato negli anni '50 ad esempio 
per l'effetto sonoro che accompagnava un'astronave in partenza nei 
film di fantascienza (un altro dispositivo in grado di poter ottenere 
quell'effetto negli anni '50 e anche prima era il Theremin, più 
difficoltoso però da controllare e soprattutto se si voleva eliminare 
il caratteristico vibrato tipico del dispositivo, cosa molto difficile). 
Negli studi di registrazione, soprattutto quelli dove era prevista 
anche l'effettistica per le tracce audio dei film, erano abbastanza 
diffusi tali oscillatori, ancor prima che fosse inventato il primo 
sintetizzatore. Al limite, come facevano per esempio gli Amon Duul II, 
si poteva modificare un organo elettronico in modo da poter controllare 
uno dei suoi oscillatori in modo indipendente.
Nota alla fine della stessa parte di piano, dove rimane 
solo l'Hammond con una specie di fischio che dopo qualche istante 
diviene brevemente calante prima di cessare.


 cui sopra, sebbene il mio ascolto sia stato piuttosto distratto. ;-))
forse hai associato al termine prog quello che ha avuto piu' riscontri
di pubblico, EL&P (che non sopporto al 90%), Genesis, Yes e dintorni,
per intenderci. che, guarda a caso, e' anche il prog che e' stato meno
coraggioso (a parte certe cose degli Yes dei primi anni '70).
ma se andiame a pescare da artisti quali Soft Machine, Robert Wyatt,
Henry Cow, Gong, Van Der Graaf Generator, ed altro ancora, siamo gia' su
un'altro pianeta.
-- 
http://pguiducci.com
"I ran on beans, I ran on laser beans!"

 
http://www.unipv.it/britishrock1966-1976/pdf/camilleri.pdf
molto interessante, grazie.
il concetto di spazio sonoro multidimensionale e' stato in effetti
appena introdotto in quel documento. la localizzazione spaziale dei
suoni e' infatti un argomento vastissimo.
le prime registrazioni di rock & roll venivano riprese con un microfono
solo, ed il volume relativo di ogni strumento era derivato dalla sua
distanza dal microfono. in seguito, con l'avvento dei multitraccia, si
e' iniziato a trattare ogni singola traccia in modo indipendente, con
proprio posizionamento nello spettro sterefonico ed una ambientazione
propria. la riverberazione, ed un particolare uso dell'eco, restituisce
ad esempio informazioni sulla lontananza e posizionamento del suono.
questo permette ad esempio di ottenere mixaggi non riproducibili nella
mondo reale, in quando e' impossibile nella realta' ascoltare due
strumenti simultaneamente, come se uno suonasse in una camera da letto e
l'altro in una chiesa. 
gli attuali riverberi digigitali permettono di controllare molti
paramentri della qualita' di riverberazione, il micro ritardo della
prima riflessione, la densita' delle riflessioni successive, il
decadimento generale o per specifica frequenza, effetto chorus sulla
coda del riverbero, ed altro ancora. 
intorno agli anni '90 si sono imposti altri metodi piu' naturali di
riverberazione dei segnali, i cui risultati non sono ottenibili con i
riverberi digitali. Steve Albini ad esempio dichiara di utilizzare
pochissimo riverberazioni aggiuntive in fase di mixaggio, le
riverberazioni le riprende dal vivo all'interno della sala di ripresa,
posizionando vari microfoni in giro per la sala, ad una certa distanza
dalla sorgente del suono. ovviamente per ottenere buoni risultati e'
necessario uno studio acusticamente attrezzato. queste riprese finiscono
su traccie separate per essere poi mixate col segnale principale, magari
posizionato diversamente nello spettro sterefonico e/o con un micro
ritardo. questo dipo di ambientazione naturale restituisce al suono una
particolare "crudezza" non ottenibile in altro modo.
l'ambientazione del suono e' per me uno campi piu' affascinanti
dell'acustica, ed offre potenzialmente innumerevoli possibilita'
espressive. ricordo di aver letto nella biografia di Zappa un discorso
del tipo "un pittore ha a disposizione una infinita' di cromatismi di
colore, mentre un musicista solo 12 note". occorrebbe valutare anche il
contesto, ma per me rimane una frase priva di senso. in primo luogo non
e' necessario che il si attenga ai 12 suoni, ne puo' usare anche di meno
ed intonati diversamente, oppure utilizzarne il doppio, oppure ancora
utilizzare solo dei glissandi. in secondo luogo il musicista ha a
disposizione infinite colorazioni timbriche, modulabili in altrettanti
modi diversi. in terzo luogo puo' applicare alle note scelte infinite
ambientazioni diverse. verrebbe piu' naturale pensare che sia la musica
ad avere piu' possibilita' della pittura, ma rimane comunque un paragone
ridicolo. Zappa, cosi' (meravigliosamente) anti-minimalista ed
anti-musica-ambientale, era tutto sommato ancorato alle altezze dei
suoni ed al ritmo.
ciao


> da Re maggiore (protratto dall’inizio della sezione) a Sol6.
Eh, d'accordo.
Il prof avrà scaraventato dal balcone ennemila notti dietro
a 'ste cose, però... davvero esiste qualche d'uno tra voi
che ritiene i Floyd *consapevoli* di cotanta ingegneria
sonora? Io dubito [della loro consapevolezza, intendo].

 in quanto è impossibile nella realtà ascoltare due strumenti simultaneamente
Non ho ben capito se devo ringraziare il multitraccia
o l'effetto riverbero quando in un pezzo dei [...] riesco
a distinguere il basso dalla chitarra. Davvero.

 sonora? Io dubito [della loro consapevolezza, intendo].
lo dubito anch'io.
infatti una analisi la puo' fare l'ascoltatore, non il musicista, a meno
che non vesta anch'egli i panni dell'ascoltatore.


 
Mi sentirei di inserire anche Mike Oldfield nell'uso del loop come 
fraseggio musicale. Ho sempre ritenuto molto interessante, come in 
Tubular bells ogni strumento si inserisca con un fraseggio in loop che 
inizialmente costituisce il tema melodico e poi diventa accompagnamento.
Costruzione di struttura che comunque troviamo in forma elementare già 
nella canzone popolare (vedi Fra Martino campanaro).

Son Of Nothing ha scritto:

Domanda delle Domande. Forse all'atto della creazione non erano 
consapevoli delle connessioni "intelligenti" fra note e suoni, pero' 
c'era una certa tendenza a far sì che si innescassero. Forse in fase di 
realizzazione/produzione pensavano che il suono X sarebbe stato proprio 
bene al momento Y, senza far tanta teoria. Se sei musicista di elevata 
sensibilità cogli questa opportunita' e la usi. Ti sembra giusta e tanto 
basta.
I Pink Floyd sono stati fra i pochissimi - se non gli unici - ad aver 
saputo trasferire all'ascoltatore il mistero di ciò che accadeva in fase 
di creazione. Chiedersi chi ha fatto cosa e perchè diventa quasi piu' 
importante della musica in sè: l'ascolto porta l'ascoltatore a voler 
risolvere l' "enigma" di ciò che sta ascoltando.
A me ancora oggi pare una cosa grandiosa e non sono ancora riuscito a 
beccare la band (in ambito pop-rock) in grado di fare lo stesso.

 basta.
Sono d'accordo. Probabilmente, e in questo chiedo conforto a HT e gli altri
"storici" dei Floyd, molto influiscono gli ascolti fatti dalla band. Non
credo molto alla mano che arriva dal cielo e dice "Metti un la bemolle
proprio lì". Credo invece al "Qua ci metto un la bemolle" "Perché?" "Perché
fidati che ci sta bene".
(al posto di la bemolle metteteci qualunque accordo/pausa/battuta/effetto
sonoro/naso soffiato vi venga in mente)

 beccare la band (in ambito pop-rock) in grado di fare lo stesso.
mah, penso che in ogni registrazione musicale ci sia sempre il dubbio di
chi ha fatto cosa nel dettaglio: non credo proprio che valga solo per i
Pink floyd. 


 risolvere l' "enigma" di ciò che sta ascoltando.
questo vale per te'. per quento mi riguarda non esiste nessun gruppo o
artista per il queale "chi ha fatto cosa e perche'" assume piu'
importanza della musica stessa. per me si tratta solo di una semplice
curiosita', quello che mi interessa e' sempre il risultato musicale, a
prescindere che l'abbia fatta un diplomato in conservatorio o un
cazzarone, sia che l'abbia studiata in anticipo nei minimi dettagli o
che l'abbia suonata puramente a casaccio.


 della pittura, ma rimane comunque un paragone ridicolo. 
Valerio HT:
Beh, se ci pensi, la pittura, per quanto evoluta possa essere, coglie
sempre UN dato momento, NON un "flusso temporale": mentre la musica 
ha a sua disposizione le immense risorse che derivano dalla variabilità 
nel tempo *di ogni parametro del suono*, incluse le eventuali pause.
Ad ogni modo, ogni forma d'arte ha le sue possibilità espressive e 
il suo senso, le arti figurative per esempio rendono proprio visivamente 
un'immagine ben definita (ma potrebbe anche essere "indefinita"), 
la concretizzano in forme visibili a tutti, poi anche lì entrano in
gioco la sensibilità estetica, la personalità, le esperienze culturali 
e personali di chi guarda un quadro o una scultura.
Se ad esempio guardiamo "Guernica" di Picasso, proviamo un po' ad 
immaginare come si sarebbe potuto riprodurre musicalmente lo stato 
d'animo e i contenuti impliciti del celebre dipinto... mica facile, mi
sa... soprattutto utilizzando solo musica strumentale o comunque senza 
testo.
D'altra parte, mi riesce estremamente difficile immaginare che si possa 
"tradurre" la Nona di Beethoven nella dimensione di un dipinto... 
Ogni forma d'arte ci fornisce un diverso insieme di strumenti per poter 
esprimere e comunicare emozioni, stati d'animo, idee, riproduzioni 
della realtà esteriore o costruzioni di realtà interiori. Soprattutto
per tale motivo trovo che sia cosa "inopportuna" mettersi a fare 
paragoni fra la musica e la pittura o altre arti, tutto sommato.
