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Titolo: Ancora su Anima Latina

      A parte che questa  recensione di AL è di un anno fa e non l'avevo mai
letta, piacere mi fa constatare che costui ha evidenziato (come lo scrissi
mesi fa) che il pezzo centrale de IL salame è praticamente il preludio al
brano Don Giovanni: qualcosa il mio orecchio sente:-)
      Raffaella
      La curva di Lucio Battisti
      di francesco marchetti
      Il percorso musicale di Lucio Battisti non rinnega nulla del proprio
passato a dispetto di quanto hanno scritto molti critici musicali, ma si
porta sempre appresso il seme piantato dal principio. Una pianta che cresce
con diramazioni inaspettate, una curva e non una svolta.
      Anima latina è il primo ramo della grande pianta, una prima
ri-nascita.
      In questo Lp del 1974 Battisti giocherà con il proprio passato,
tentando quasi di parodiarlo. Assistiamo a un evoluzione del concetto della
voce (e della musica più in generale) che confluiranno direttamente nella
produzione postmogoliana, quella con Pasquale Panella autore dei testi. Qui
le situazioni si estremizzeranno, raggiungendo livelli quasi
avanguardistici. Dopo Anima latina lavorerà con Mogol ad altri quattro album
(Lucio Battisti, la batteria, il contrabbasso, eccetera- 1976; Io tu noi
tutti- 1977; Una donna per amico- 1978; Una giornata uggiosa- 1980) che
sembrano rientrare nei binari del passato. Ma è un abbaglio, vista
l'immersione nella ritmica elettronica, quasi un antipasto del successivo
dilagare di questa. Continua anche la parodia, soprattutto nei testi, sempre
più lontani dal sentimentalismo delle vecchie ballad. Ascoltando gli ultimi
lavori si sente l'abilità melodica di sempre, forse moltiplicata, forse più
frenetica perché alle prese con testi, quelli di Panella, meno lineari di
quelli di Mogol, o se vogliamo osare, non più canzoni, se canzone è il luogo
di un'iteratività edonistica e mnemonica.
      Se ascoltiamo la canzone di Battisti Il salame contenuta nell'album
Anima latina e precisamente dai 2'12" in poi, ci accorgiamo che la ritmica
verrà ripresa dopo dodici anni per il brano-simbolo del suo «spostamento
musicale», cioè Don Giovanni (1986). Questo non è altro che un piccolo ponte
simbolico, se ne potrebbero fare degli altri, ma l'idea di fondo è quella di
conferire all'album Anima latina un ruolo di «primo passo» nella spostamento
di Lucio Battisti dal «classicismo» musicale ed epocale che aveva
caratterizzato la parte iniziale della sua carriera e il panorama nazionale,
fino all'album Il mio canto libero (1972) che di questa sorta di classicismo
è l'emblema massimo. Infatti anche ne Il nostro caro angelo (1973) si
cominciano ad intravedere cambiamenti che diverranno poi più netti in Anima
latina.
      Battisti rinuncia, come egli stesso dichiara, ai grandiosismi, a ogni
vanità, e inizia da qui il suo itinerario minimalista, eliminando i
fronzoli, scavando nel cuore del pezzo, cioè nella ritmica, la componente
che segnerà sempre più il suo lavoro futuro. Niente più orchestra quindi, ma
un Eminent, cioè un sintetizzatore che gli permette di riunire in un unico
blocco le principali apparecchiature di uno studio classico. Ottiene così un
maggiore controllo negli arrangiamenti, che in questo lp rivestono un ruolo
importante. Guadagna autonomia, il lavoro è una risultante di più forze ma
la gestione rimane saldamente nelle sue mani. L'elettronica gli permette di
curare sezioni che prima doveva commissionare ad altri, arrangiando poi in
maniera omogenea il risultato. Battisti mantiene comunque l'abitudine di
lavorare con un gruppo di musicisti, una sorta di suo «complesso»: una
dimensione di lavoro a lui congeniale, avendo una lunga gavetta alle spalle
come chitarrista di complessi.
      La voce è l'aspetto più interessante di Anima latina. Coinvolge le
tecniche di registrazione: è l'inizio di un progressivo e veloce
avvicinamento alla tecnologia più avanzata, all'uso comunicativo di questa
all'interno della forma canzone. La sua operazione di stimolo rispetto
all'ascoltatore-fruitore del disco inizia da qui. In studio di registrazione
pone la voce allo stesso livello degli strumenti. Un cambiamento rispetto al
passato dove la voce sovrastava l'accompagnamento, e non solo per una scelta
stilistica ma per limiti tecnici. I multitraccia hanno garantito un
equilibrio di posizioni tra voce e strumenti, e la voce stessa, grazie alla
tecnologia, ha potuto diventare a sua volta un vero strumento cui apportare
effetti e distorsioni. Battisti gioca con i limiti della sua voce riuscendo
a creare un'osmosi con la musica.
      I versi di Mogol, nella grande architettura musicale di Anima latina,
sono una sorta di punteggiatura, cercano di comunicare il respiro di fondo
delle varie canzoni, si mescolano con gli strumenti, perdono spesso la loro
pregnanza semantica e finiscono per assumere solo un ruolo onomatopeico.
Battisti in questo modo lascia ampia libertà d'azione al fruitore e si
libera egli stesso della parola come ostacolo nella comunicazione. La
canzone è un ambito comunicativo particolare, che non concede libertà
illimitate, così che la parola deve giustapporsi agli schemi prefissati dal
compositore. Molte volte non riesce a tradurre al meglio passaggi melodici.
Viene quasi voglia di eliminarla, di contraffarla, di renderla un respiro,
«uno dei rumori» della canzone. Nel periodo panelliano estremizzerà questo
concetto utilizzando la parola nel modo più ermetico possibile, con funzione
di scansione ritmica, di modulazione vocale, e inoltre partirà dal testo per
poi creare successivamente la musica.
      L'ascoltatore di Anima latina deve essere secondo Battisti, prima di
tutto un uomo curioso, attivo, in una visione semiotica il vero autore del
brano. Sfrutta in questo senso le possibilità iterative del medium disco,
che non possiede il carattere di unicità tipico di un concerto live o di
un'opera teatrale, spettacoli la cui fruizione inizia e si esaurisce in un
tempo determinato senza possibilità di rewind. La canzone incisa su un disco
può invece essere riascoltata più volte e riconsumata a piacimento: Battisti
intuisce il possibile cambiamento di approccio dell'ascoltatore rispetto al
disco con il progredire delle tecnologie.
      Abbraciala abbracciali abbracciati, il brano di apertura, di oltre
sette minuti (in pieno clima progressive) recupera un'idea destinata ad
avere lungo seguito nella successiva produzione battistiana. Utilizza cioè
un nucleo armonico basato sull'alternanza di due accordi di settima maggiore
che nella musica del Novecento era stato introdotto dalla prima delle
Gymnopédies di Erik Satie con esiti nuovi ma comunque minimalisti. In
Abbraciala abbracciali abbraciati Battisti porta alle estreme conseguenze lo
schema a due accordi (in questo caso RE7+/SOL7+) che formano la matrice su
cui si basa ogni sezione dell'intera canzone: l'introduzione strumentale,
condotta su accordi tenuti del sintetizzatore, note singole suonate da
Battisti su un prototipo di chitarra-synth, e un ritmo costante di batteria,
con vocalizzi e borbottii in sottofondo; il primo interludio strumentale
dove entra il basso, con una frase affidata al canto muto del coro,
sostenuto dagli ottoni prima in armonia e poi all'unisono; e un inciso con
una frase affidata ai fiati e il canto di Battisti unito al coro. Anche il
secondo interludio usa la stessa sequenza armonica ma con un accordo per
battuta, principalmente acustico, dominato da chitarra e percussioni dal
ritmo più incalzante, con un lungo assolo di flauto ipersoffiato e doppiato
localmente e con commenti atonali del sintetizzatore. Perciò la lunghezza
estesa del brano trova circolarità e continuità grazie alla coppia di
accordi. Il sintetizzatore, la prosodia e la maniera recitativa di quasi
tutta la melodia dilatano la scansione del canto, conferendogli un senso di
vaghezza e di sospensione. I vocalismi dell'introduzione, tenuti in
sottofondo, quasi parole non percepite, producono un particolare effetto in
medias res. Battisti gioca con la registrazione, sfidando l'ascoltatore,
gettandolo in una situazione già in itinere, di cui deve capire il senso
facendo uno sforzo, cercando di cogliere l'atmosfera dai suoni, dal
non-detto, dagli spazi vuoti. Troviamo nel testo una parodia di quel
sentimentalismo classico, che aveva accompagnato la prima parte della
carriera del duo, quando cantava di amori di grande respiro, o di uomini
«primitivi» che erano convinti di «possedere» la propria donna. Subentra
quasi una forma di cinismo o di realismo biologico, per cui il tradimento o
la perdita dell'altro arriva ad assumere un afflato addirittura cosmico.
      Battisti dirà al produttore di Don Giovanni, Greg Walsh: «Se devo
ripetere una parte della canzone vuol dire che quella parte non è
sufficientemente forte sin dall'inizio. Se ripeto un inciso tre volte, vuol
dire che è un inciso debole, che non ha forza sufficiente per imporsi con un
solo ascolto». Questo da molti è stato visto come una negazione del suo
passato, dove gli incisi erano la sua forza. C'è invece la volontà di
superare l'orecchiabilità immediata. Il rapporto del consumatore con la
nuova canzone di Battisti diviene un rapporto di ascolto-multiplo e in
questo concorre anche la nuova veste testuale (quella di Panella) meno
diretta dal punto di vista comunicativo.


Il preludio?
E' una banalissima rumba.
Quella di Don Giovanni è addirittura un tempo standard , che puoi trovare in
qualsiasi tastiera elettronica.
Se leviamo le percussioni , di latino , in Anima Latina , resta veramente
poco.
Ciao

 poco.
vedo che hai capito tutto
di quel disco
complimenti
:-)
anima latina
il piů bel disco di battisti 


  Niko, adesso siamo in 3 :-)
  Ciao
  Giuseppe
 
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Inviato via 
http://arianna.libero.it/usenet/

 complimenti
Grazie

Ciao
   Giuseppe
 >ps. Raffa non lasciarti prendere dalla "psicosi" del già postato...
        prometto di non infierire :-))
E allora questo:
 
http://www.debaser.it/recensionidb/ID_2951/Lucio_Battisti_Anima_Latina.htm
Raffaella


  L'ho sempre sostenuto io che 6 quasi la migliore :-))
  Che bella sta frase:
 "Anima Latina ... È sole, è freschezza, è la gioia della novità, è sorriso.
..."



Mi sa che l'hanno già scritta in molti no? compreso Mogol:-))
ANIMA LATINA
Scende ruzzolando
dai tetti di lamiera
indugiando sulla scritta
"Bevi Coca Cola".
Scende dai presepi vivi
appena giunge sera...
Quando musica e miseria
diventan cosa sola.
La gioia della vita.
La vita dentro agli occhi dei bambini denutriti,
allegramente malvestiti
che nessun detersivo potente può aver
veramente sbiaditi.
E corre sulle spiagge atlantiche
seguendo il calcio di un pallone,
per finire nel grembo di grosse mamme antiche
dalla pelle marrone.
E s'agita nel sangue delle genti dai canti
e dalle risa rinvigorite
che nessuna forza, per quanto potente, può aver
veramente piegate.
Possiamo dedicare questa canzone anche alle popolazioni colpite dal
maremoto, dalle immagini che ci arrivano traspaiono le stesse situazioni...
ricordiamo allora ancora:
"che nessuna forza, per quanto potente, può aver
veramente piegate."
e aggiungiamo...
"era una lotta contro la natura..."
Raffaella


    mi associo.
    Lo stato d'animo credo sia uguale per tutti noi :-(


 poco.
Chi l'ha detto Mario Luzzatto Fegiz o tu? 
-- 
questo articolo e` stato inviato via web dal servizio gratuito 
http://www.newsland.it/news
 segnala gli abusi ad 
ab...@newsland.it

 Chi l'ha detto Mario Luzzatto Fegiz o tu?
il lupo perde il pelo ma non il vizio...
perchè ogni tanto fai morphing??
