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Titolo: Post di Gaetano : eccolo

Il carnevale è la festa più colorata e vivace dell'anno, dove ci sono
concesse tante piccole grandi follie e ogni tipo di stravaganza.
I veglioni nei locali, la musica e gli spettacoli nelle strade, i baccanali,
la baldoria, i tripudi, l'allegria più sfrenata, ci portano a vivere momenti
di rara ebbrezza. E' questo, il tempo dei divertimenti pubblici, delle
sfilate, dei carri allegorici, dei balli mascherati e delle sue multicolori
maschere. Chi non conosce una, di queste innumerevoli maschere
classiche, confluite nei nostrani carnervali antichi e moderni ?
Venezia si potrebbe definire senza ombra di dubbio la città della
maschera; nota in tutto il mondo per la sua inimitabile bellezza
architettonica, il carnevale rappresenta per la città lagunare un
patrimonio estetico inscindibile per il suo caratteristico folclore
e per il gioioso travestimento.
http://www.bauta.it/galleria_art.asp?path=tiepolo-minuetto.jpg
Giandomenico Tiepolo - minuetto
L'origine della maschera si perde nella notte dei tempi.
Gli antichi la usavano per celebrare i propri trionfi; nei loro banchetti
i pagani celebravano il fiorire della primavera mascherati, con la libertà
di rappresentare chiunque a proprio piacimento. Poi, nel Medioevo,
le maschere comparvero per lo più come raffigurazione del buffonesco.
Nel periodo rinascimentale assunsero solo carattere artistico, e nei secoli
successivi, divennero un mezzo per coprire scandali ed intrighi.
Ma sarà  il teatro, con la Commedia dell'Arte, a rappresentare il più
singolare fenomeno della storia, da dove nacquero le famose maschere
italiane. La Commedia dell'Arte è la denominazione con la quale era più
generalmente noto il teatro degli attori italiani tra XVI e il XVIII
secolo. La sua origine è dovuta forse alla degradazione della commedia
erudita, oppure da una derivazione dalle feste popolari e dai saltimbanchi
che si esibivano nelle piazze o da un'improbabile discendenza dai mimi
romani, attraverso i loro clandestini successori medievali.
Le prime notizie di compagnie professionistiche itineranti risalgono
attorno alla metà del Cinquecento, ma bisognerà arrivare alla fine
del secolo, per  trovare le storiche grandi  formazioni dei Gelosi -
Desiosi - Confidenti - Uniti - Accesi - Fedeli - ecc...
Mantova fu la loro prima sede, poi seguita da Modena e da Parma.
Le prime richieste arrivarono presto, ma saranno le tournées di Parigi
a consacrare le gesta di quei comici, diventando per loro una seconda
patria. Finalmente attori veri, diventati professionisti ( " arte " aveva il
significato medievale di " mestiere" ), uomini e donne, per la prima volta
facevano del teatro la loro unica occupazione, e non più membri di
occasionali gruppi ambulanti da strada o di gentiluomini che recitavano
ogni tanto nelle corti e nei palazzi.
http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/4/42/Antoine_Watteau_05.
..
Antoine Watteau - commedianti italiani
Ah! questa poi
sento di star per vivere
e nello stesso momento
tremila riluttanti
col lunghissimo mento
e i denti scricchiolanti avidamente
tremila debuttanti sfondano
contemporaneamente
le quattro pareti
nemmeno tanto ingenuamente
perché non c'erano segnali
di divieti.
Fondamentale in questo genere di commedia, era l'uso della maschera,
e quindi, della mimica. Ogni attore era una " maschera ", vale a dire un
tipo sostanzialmente immutabile che poteva essere mascherato o no,
ma che doveva portare invariabilmente in ogni commedia.
Ogni compagnia che si rispetti - ancor oggi - ne comprende una decina,
più qualche attore per le parti di contorno.
I più classici risultano il veneziano Pantalone, padre avarissimo, moralista
insopportabile e sbertucciato cacciatore di gonnelle -  il servo sciocco
in multicolore, Arlecchino -  il servo furbo vestito di bianco che potrebbe
essere Brighella - ma anche Pulcinella - la servetta Colombina,
vispa e impicciona, sempre pronta a favorire gli intrighi amorosi della
padrona - il capitano eroico, codardo e sbruffone, dal nome altisonante
di Spaventa o Spezzaferro.
Maschere ironiche e beffarde dai mille risvolti umani, che lasciano
ancor ora nel pubblico, sentimenti d'ilarità e spesso accompagnate
da risate dolci - amare. Con i loro volti contraffatti, le caricature del
naso, le fronti e i denti aguzzi, le parrucche, le calvizie, le orecchie
larghe, i menti lunghissimi , talvolta storpi di gambe, tanto erano
compatibili e commiserabili nel vero, tanto erano ridicoli nella finzione.
Nella Commedia dell'Arte non si recitavano copioni scritti, ma si
lavorava su di un canovaccio che poteva essere tratto da un testo
letterario o scritto per l'occasione e dovutamente ridotto, poichè era
compito dell'attore riempirlo di parole, di gesti, di movimenti e di lazzi.
Si passava spesso allo stravolgimento dell'uso delle parole, lasciando
alla propria immaginazione il compito di dare all'oggetto un valore nuovo.
Un piccolo esempio può essere quello di Totò -  grande maschera della
Commedia dell'Arte - quando su di un isola, rivolto ai suoi abitanti , una
volta, egli li chiamò " isolani ", una seconda volta, " isolazionisti ".
Ah! questa poi
sento di star per vivere
e i villini camminano
dopo i pranzi con l'inquilino
in bocca stuzzicante
anzi tutte le belle pancione
dovrebbero fregiarsi
di un balcone.
Un paragone burlesco, che si potrebbe ricomporre così nel suo
giusto verso:
" I villini dovrebbero fregiarsi di un balcone e un inquilino "
" I golosi con la stuzzicante acquolina  in bocca , dopo i pranzi,
camminano con le loro rigonfie belle pancione."
Una pancia assomigliante ad un balcone, tipica degli obesi.
Attori imprigionati nei loro costumi, per trattenere gobbe e pancioni,
recitano parodie agrodolci : riusciranno gli ingordi e voraci avventori
a tenere a bada i loro irrefrenabili languori ?
Il teatro rivela molte sorprese e colpi di scena, battute che divertono
e stupiscono. Si ride grasso, ma nell'amarezza cosciente delle proprie
debolezze e nella sconfitta degli ideali, sopraffatti dai desideri e dai
bisogni più futili.
Ah! come sono triste mi mangerei
oltre il pasto le liste dei vini
se fossero di sfoglie coi croccantini
al posto delle scritte.
La scenografia e la parola hanno la preminenza sulla musica, ridotta
il più delle volte a semplice sottofondo.
I temi conduttori sono quasi sempre la fame e il sesso, e le vicende
si articolano su situazioni continuamente ripetute, come le astuzie di
una giovane moglie per sfuggire alla tirannide di un marito geloso,
o il servo che sostituisce temporaneamente il giovane padrone per
favorirne gli intrighi amorosi.
Oppure le coppie degli innamorati, dai nomi preziosamente letterari,
( Lelio e Flaminia - Leandro e Florinda ), belli, giovani, eleganti,
nei loro sgargianti costumi, alternano trepidi sospiri a fervide
dichiarazioni d'amore, monologhi di elaborata disperazione a sfoghi
del pari raffinati di un'incontenibile felicità.
Avrei una voglia,
un taglietto d'affetto.
Cosa sento ma niente.
Un affetto non si prova
s'indossa direttamente.
Gli attori  spesso devono mantenere una certa duttilità e reagire con
prontezza alle sollecitazioni del pubblico o escogitare seduta stante
i mezzi per scuoterne l'apatia.
Ah! come siamo vivi
come tutto accade
per tutt'altri motivi.
Le trame dello spettacolo sono catturate dagli astanti in un clima
di reale attesa e sospensione.
Spettatori e attori non sono più divisi dal  buio o dalla distanza:
il successo di una commedia è giocato soprattutto sull'animazione
estremamente vivace e dinamica degli attori.
Gli spettatori sono così proiettati, ancora a un livello incosciente,
al centro di un gioco in cui si sentiranno protagonisti tanto quanto
gli attori.
Mettiti nei tuoi panni
dove sei più aleatoria.
Siamo nella preistoria
ecco una frase che durerà.
L'atmosfera che si respira è decisamente d'altri tempi, ma ancora
straordinariamente viva.
Nonostante siano mutati usi e costumi - basti pensare alla moderna
cinematografia o alla Tv satellitare - assistendo agli spettacoli di queste
antiche maschere avvolte nel mistero, si ha quasi l'impressione di rivivere
in epoche passate, nello sfarzoso Settecento, che ha fatto di questa arte
un'icona intramontabile.
http://www.teatrodinessuno.it/maschere.htm
Gli imprevedibili sviluppi, i travestimenti, i colpi di scena, le beffe,
gli equivoci e le burle, i scambi di persona, sono gli elementi base.
Si recita dietro ad un secondo volto, dentro il quale sussiste il rapporto
ambiguo di un'identità che si può ora annullare ora ristabilire nel
contesto di un gioco convenzionale delle parti ; le maschere non sono
altro che un finto volto, dietro il quale si celano le vere fattezze
di un altro viso.
Sapessi tu come me ne ricordi
un'altra della quale non ho
alcun ricordo
perché non avemmo
motivi nemmeno di disaccordo
anzi, come i lati di un triangolo isoscele
non avemmo motivo di conoscerci.
Un naso che potrebbe scappare, come il naso di Gogol, che un
bel giorno decise di andarsene via dalla faccia del suo proprietario,
lasciandola sola e istupidita. Una parodia questa, che ricorda molto
da vicino un grottesco e divertente racconto dello scrittore russo.
Ne " Il naso", l'altezzoso protagonista, si accorge una mattina,
specchiandosi, di aver perso il naso. L'avvenimento condizionerà
tutta la sua vita pubblica e privata, gettandolo nel più assoluto sconforto.
Nel frattempo il  naso cercherà di condurre una sua vita autonoma,
ma alla fine, tornerà sulla faccia del legittimo proprietario, calmandone
i turbamenti. Questo racconto è diventato spunto d'ispirazione per numerose
compagnie teatrali e viene spesso riproposto in chiave farsesca, tipica
della Commedia dell'Arte.
http://www.gio-moro.it/FOLLIA_VIVERE.html
Provocando l'ilarità generale, il naso viene ora riattaccato alla faccia
del suo proprietario da un provvidenziale saldatore, con tanto
di fiamma ossidrica .
Ma sento un tepore carnale
che cresce, sarà un saldatore
che al naso mi unisce.
Personaggio essenziale in questo tipo di commedia è  il " Mimo "
Un carattere molto forte e vitale il suo; le sue doti acrobatiche
e interpretative straordinarie, la sua gestualità, il sorriso, il pianto,
che da sempre ha contaddistinto la sua arte, condìta alla poesia,
conduce lo spettatore alla ricerca delle semplici emozioni e della
spontainetà in lui innate.
Ah! come sono vivace
come uno che tace.
E ci si domanda chi ha fiatato
ed ognuno si voltò dall'altro lato,
credendo di aver pronunciato
lui stesso quella frase.
Chi ha parlato è l'autista che pronuncia
il discorso più lungo che esista.
Come l'arte di parlare senza muovere le labbra.
Nulla è più teatrale di un ventriloquo che finge contemporaneamente
il  proprio silenzio e la voce altrui.
Il mimo è il poeta del gesto, il ventriloquo il prestigiatore della parola.
Molte volte non servono le parole per comunicare, come in questo
allegorico frangente, dove tutto sembra svolgersi all'insegna del più
assoluto mutismo, e dove assoluta protagonista ritorna ad essere la
strada, punto d'incontro dell'antico teatro itinerante.
Le arti circensi incantarono il pubblico fin dai tempi remoti, catturandolo
dentro un  magico sogno. Con i suoi buffoni -  le boutades dei guitti e dei
suoi valletti -  i danzatori - i musicanti e i giocolieri - i mangiafuoco -
i trampolieri - i saltimbanchi e gli acrobati - la piazza rimase fino ai
primi decenni del Seicento, lo spazio scenico ideale per questo genere
di spettacoli. Senza parlare, senza utilizzare linguaggi convenzionali,
senza bisogno di parole, la loro arte parlava da sola.
http://www.artinvest2000.com/saltimbanques.htm
Pablo Picasso - i saltimbanchi
Un po' come succede in questa surreale scenetta:
è l'autista - artista, con  la sua presenza quasi silenziosa  ma fortemente
dotato di uno stupefacente linguaggio espressivo, a condurre gli
spettatori - turisti in un lungo e sognante viaggio.
Parlare per comunicare può dunque risultare inutile, per un grande artista.
Eduardo de Filippo, era solito frantumare il suo linguaggio, parlava a
saltello, era incomprensibile e nello stesso tempo fortemente comprensibile.
Come l'operazione che fece poi Troisi, quella di parlare per sillabe
e monosillabi, mischiate a ispirazioni, espirazioni e mezze frasi.
Erano attori dotati di un  loro singolare linguaggio, nelle  movenze, nelle
espressioni facciali e nella mimica.
Un insieme di elaborazioni fantasiose degli antichi testi della Commedia
dell'Arte, era il Grammelot. Un linguaggio teatrale questo, composto da
un impasto linguistico, in cui il giullare non pronunciava parole reali,
ma emetteva suoni che imitavano, nell'intonazione e nel ritmo, un idioma
esistente ( francese - inglese ) in un dialetto padano inesistente.
E la gente, come per incanto, riusciva a comprendere ugualmente.
Nell'olimpo della  moderna Commedia dell'Arte, un posto d'onore
spetta di diritto al maestro e premio Nobel, Dario Fo.
Negli anni Sessanta, grazie al sodalizio con Franca Rame, venuta da una
famiglia di commedianti itineranti ( possedenti  ancora di vecchi
canovacci ) riuscì ad adattarli alle nuove esigenze creando una serie
di commedie e di monologhi , tra cui il celebre e dissacrante Mistero Buffo.
http://62.110.58.111/scheda.asp?id=004901&start=2&Descrizione=BAVA
Al ritorno la strada restò sola
e le corsie incontrandosi
non dissero nemmeno una parola.
Ah! questa poi
sto per vivere di fresco
e me ne esco
uno da una parte uno dall'altra
la Commedia dell'Arte.
Ah! come sono vivace
come uno che tace.
Davanti ai nostri occhi di partecipi spettatori, si consuma l'ultimo atto.
Si avvicina il prologo, qualcuno fa l'inchino, si muovono ora sulla
scena per il dovuto omaggio i protagonisti , e insieme a loro, i fantasmi
di storie inverosimili. Si consuma l'ultimo applauso, qualcuno si defila
e poi riappare sul palco per raccogliere un fiore.
La commedia all'italiana è un patrimonio che tutto il mondo ci invidia.
Le sue radici si riallacciano a una cultura profonda del nostro paese,
linfa vitale per la Commedia dell'Arte, i cui personaggi s'irradiarono
dall'Italia, alla Francia, alla Germania, alla Spagna, fecondando altrove
quelle drammaturgie in una instancabile lezione di estro, di fantasia e di
tecnica. Con il loro lavoro e l'avventuroso girovagare nelle piazze e
alle corti di tutta Europa, diedero nuovi impulsi inaspettati alla cultura
teatrale occidentale, influenzando fortemente i più grandi drammaturghi
europei, da Shakespeare a  Molière, a Lope de Vega.
Le commedie di Carlo Goldoni, i drammi di Luigi Pirandello e di Eduardo
De Filippo, le intuizioni di Giorgio Strehler - con il celebre allestimento
di " Arlecchino Servitore di due Padroni " che nel dopoguerra ne fece
una bandiera della rinascita della cultura italiana - sono tutt'ora esempi
in tutto il mondo dell'inesauribile talento italiano.
Nozioni  tratte da :
" La  commedia dell'arte : la maschera e l'ombra "
Roberto Tessari - Edizioni. Mursia.
" Le maschere veneziane " di Alessandro Scarsella - Edizioni Newton. 

 ha scritto nel messaggio
news:I7H_g.12508$Fk1....@twister2.libero.it...
Ecco, grazie.
Il mio punto di vista è che tutto ruota attorno al teatro in questo brano.
La fame, è un tema che hai pienamente centrato con i villi e i golosi
ma poi dobbiamo restarci fino alla fine dentro il gergo teatrale panelliano.
Sapessi tu come me ne ricordi un'altra...
LA MASCHERA
Un affetto non si prova ma si indossa direttamente
LA RECITAZIONE  DEGLI ATTORI E I  LORO COSTUMI
Cmq entro sera ( perche oggi vado alla festa della castagna )
ti replicherò adeguatamente
ciao Gaetano


Ecc ecc.
Il parallelo con la COmmedia dell'arte ci sta benissimo .
Resta solo da stabilire per quale scopo Panella l'abbia utilizzato per comporre la canzone.
Voglio dire : scrivere una canzone che abbia come tema la Commedia dell'arte ci sta , ma ovviamente non è sufficiente.
L'averlo fatto deve avere un senso.
Ciao