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No hay que ser ningún lince para deducir que por semejante trama el cineasta británico ha recibido todo tipo de críticas desde Estados Unidos.

Como dato adicional, se espera el "remake" americano de "Funny Games" para este mismo año, con un reparto encabezado por Naomi Watts y Tim Roth.

Cuando uno se encuentra ante un guión donde las frases memorables son tantas que apenas si puede uno recordarlas todas o elegir una para abrir una entrada como ésta, y cuando ese guión presenta una historia cuya trama le mantiene a uno en vilo hasta el final, y el ritmo funciona como un reloj suizo y los personajes interaccionan entre sí de tal modo que uno llega a pensar que lo real se encuentra en la pantalla y no en lo que sentimos y tocamos, sin duda se puede afirmar que se encuentra no sólo ante uno de los mejores trabajos del género sino que difícilmente podía salir algo indigno de un trabajo así.

Y no se crean que el director ha tenido algo de decencia y sólo nos ha amuermado durante noventa minutos, nada de eso, ¡más de dos horas de insufrible tortura!Durante la sucesión de anestésicos acontecimientos aparecerán dos nuevos personajes basados en el comic original (Veneno y el Hombre de Arena), sin embargo, al igual que pasó con el protagonista principal (Peter Parker), estos distanciarán bastante entre el papel y la pantalla.

Y la nominación al mejor director.

Todos ellos pasean por el Retiro"Felipe Vega, director, y Manuel Hidalgo, guionista, afirman haberse centrado en los personajes a la hora de crear 'Mujeres en el parque', y aseguran que son los propios personajes los que, con total libertad, configuran la historia.

Trece años que, además de seguir interpretando, ha dedicado ha recoger información específica con la finalidad de poder filmar El Buen Pastor, una película que, entre otros temas, muestra el nacimiento de la CIA.El film se centra, ante todo, en Edward Wilson, un hombre peculiar y de pocas palabras al que da vida Matt Damon y para cuya construcción se han inspirado -de manera muy libre- en la figura de James Jesus Angelton, el verdadero fundador de la CIA.

Respecto a sus protagonistas, poco se puede esperar de Leonardo DiCaprio, cuya interpretación a pesar de no dejar de ser correcta, resulta algo vacía y distante.

Y menos mal, que a pesar de todo, la película queda respaldada por un Brandon Routh y un Kevin Spacey con unos semblantes homonimos bastante pasmosos y que en cierta medida dan muy bien la talla y nuevos aires o matices a la saga; exceptuando los esbirros de Lex, que creo que no han sido una buena elección al igual que la discreta banda sonora, que a pesar de tener como herencia la de Williams, pasa sin pena y sin gloria.

Poco se puede comentar de actores totalmente desconocidos y de un director que se encuentra ante su primer filme.

Hila una historia redonda, un guión potente y muy bien lubricado.

No obstante, mantiene la línea argumental; la ambientación está muy cuidada; la fotografía es decente; la música está muy bien encajada en el filme, pero..

A pesar de esos pequeños errores (muchos de ellos debidos a la personalidad del propio director), la encarnizada, audaz e irónica crítica esconde un mensaje que todos nosotros deberíamos comprender y tratar de aprender.

Me ha llamado especialmente la atención la actriz Mizuo Peck, que interpreta el papel de la india Sacajawea, no sé porqué, creo que ese rostro nos acompañará en las próximas películas que vayamos viendo en pantalla.

Es una lástima que un reparto tan compacto, sólidamente bien construido, y llevado bajo la batuta de Robert R. se pierda en esos clichés que antes he dicho, y que, cuando parece que uno va a entrar en una diatriba sobre la guerra de Iraq y sobre este batallón de intereses creados por Tito Bush y sus secuaces, la cinta, frene tanto en seco, que acabe dejando a los espectadores estupefactos y boquiabiertos en la platea.

"La Ciencia del Sueño" es simplemente un intento de continuar con la huella que un director pretende dejar.

Un resultado final pobre, medianamente entretenido, más bien tedioso y con buena fotografía, eso sí.

Se salva el arranque, que está trenzado con hebras más personales y donde se plasman las preocupaciones más terrenales de un director excesivamente conmovido por los telefilms, escuela válida para cierto cine de exigencias menudas y de recorridos cortos.

Otra referencia clara para hablar de la nueva película del director de Frágiles o Darkness es The Blair Witch Project.

Bueno pues el -horrendo- guión fracasa estrepitosamente a la hora de retratar con un mínimo de realismo y seriedad la obsesión del protagonista, y toda la historia en general.

Si bien existe uno que otro momento gore en esta historia, el director ha optado esta vez por una nueva recreación del gótico americano, en la que el fantasma de una ventrílocua llamada Mary Shaw se hace presente para matar a la joven esposa del protagonista.

Quizás no es culpa del director que parió la extraordinaria (imperial, magnificente, incontestable) Máximo Riesgo, que ha contado con el presupuesto de la parte del episodio de Embrujadas antes de la publicidad, pero muy mal le deben ir las cosas para acabar dirigiendo este pozo de tinieblas.

No tratan temas grandes, se limitan a hablar de ellos mismos, pero con una fuerza interpretativa que hace que eso no importe.

vamos a ver vaya mierda de director de vestuario que permite que las bailarinas que lleva Keira están perfectas durante toda la película, no importa si ella se moja o pasa pro encima del barro, están siempre bien.

Al igual que unas interpretaciones sublimes por parte de todo el reparto, pero en especial por una Natalie Portman en estado de gracia.

La sobrecogedora y magistral banda sonora compuesta por Roque Baños encuentra la réplica perfecta en la precisa y bien documentada dirección artística, la excelente fotografía de José Luis Alcaine, los trabajos de vestuario, peluquería y maquillaje.

El equipo creador de tan notable película lo forman el director Edgar Wright, también guionista con el anteriormente citado Pegg), y un elenco de actores habitual en su cine, sobretodo Simon Pegg y Nick Frost, siempre protagonistas de sus desventuras.

El problema de estos directores tan cerebrales como Nolan es que ponen la historia al servicio de una idea, de un truco.

"La casa del lago" supone el debút hollywoodiense de Alejandro Agresti, director de "El viento se llevó lo que" o "El sueño de Valentín".

Le salva que salen unas tías buenas, que termina como nos gusta a todo el mundo, aunque los sucesos que hay te dejan pensando "¿El director cree que somos gilipollas?".

Éstos últimos, dos monstruos de la gran pantalla, mitos del cine de los años ochenta, que completarán el reparto con Kiefer Sutherland, que ya hacía sus pinitos por la misma década con aquello de "Hoy es un buen día para morir", en Línea Mortal; y con Eva Longoria, una importante revelación, para la cámara, de última hora.

Pero Yimou no se detiene en lograr una asombrosa plasticidad formal, sino que logra fascinar por medio de una historia mil veces vista, pues, ciertamente, no es más que un culebrón, con sus amores, odios, secretos inconfensables, etc, pero mostrada con un brío formal, emoción incontenible e interpretaciones estupendas, sobre todo a cargo de sus maravillosas actrices.

Excelente fotografía, naturalmente en blanco y negro.

Su papel no es que sea el mejor tratado, es más, quizás sea el peor, pero lo cierto es que está interpretado con bastante naturalidad y no resulta un personaje pesado.

Primero tiene que convencer a la directora, luego a los alumnos, y por último a los padres.

El argumento, aunque inverosimil, se hace divertido, y uno tiene partes donde no tiene muy claro que se va a encontrar al siguiente momento (nada predecible el guión del genio de NY).

Una banda sonora de pena, esa banda sonora que parece que ya has oído antes en mil películas, y que encima esta muy mal integrada, muchas escenas donde falta y otras donde sobra.

La banda sonora es sin duda un regalo del cielo, y un soplo de aire fresco en los momentos más flojos del filme.

Gabriele Muccino, director de En busca de la felicidad, parece no tener, con este film, ni una manera clara ni una opinión personal clara.

Sam Raimi es quizás junto a Peter Jackson, los directores que más maduraron cinematográficamente hablando (ni hablar de sus evoluciones con la técnica en si).

Es evidente que la fotografía, el sonido, y la ambientación escénica y musical de la película son impresionantes, rozando la genialidad.

Se inicia la trama observando la vida de Robert Neville a solas con su perra de una forma que nos recuerda a Náufrago, la lucha de un tipo intentando no volverse loco con su soledad.

Tanto la fotografía, como el sonido están exquisítamente elaborados, nada ha quedado al azar y además, el trabajo de los actores desprende la misma calidad que la película, destacando la labor de Sergi López.

Lo que no se puede hacer de ninguna forma es tener una trama compleja y andar a vueltas con el espectador.

Todo ello, unido a sus dialogos, a la sucesión de trepidantes y atractivas secuencias que dan lugar al pleno lucimiento de la técnica de captura de movimientos y al buen hacer de su director, Gil Kenan, hacen de "Monster House" una obra estupenda y gozosa.

Vuelve Álex de la Iglesia, uno de nuestros mejores directores, para dar una clase y no de matemáticas, si no de como hacer buen cine y, sobretodo, lo que le sale de las pelotas.

La parte fuerte es la transformación de GINGER que pasa de ser una adolescente oscura a atraer a todos los chicos, desencadenando un apetito por la sangre y el sexo en ella narrado con las entrañas por el debutante JHON FAWCETT que decepciono en su segundo filme THE DARK.Su impactante banda sonora es otro de los aspectos a destacar, siendo los efectos especiales su gran handicap sobre todo en la parte final donde la transformación llega a su fin con resultados algo mediocres.

Hace apenas un año vi la primera película del, por ese momento desconocido, director mexicano Guillermo del Toro.

Un director que ya destacó en su brillante aunque algo irregular ópera prima "Confesiones de una mente peligrosa" y aquí reafirma su innegable talento tanto visual como cultural.

Esta película que se estrenó en Estados Unidos en la pasada temporada de Halloween, es la versión cinematográfica de un cómic de Steven Niles que participó del guión para esta versión y Ben Templesmith cuya idea inicial fue pensada para ser llevada a pantalla gigante pero ante las negativas recibidas, se convirtió en un exitoso cómic cuya primera publicación se dio en el año 2002.

En fin, tampoco me voy a alargar mucho más, un espectáculo de acciónn al servicio total de Clive Owen donde el guión y demás brilla por su ausencia, pero que la hora y pico de metraje que dura se pasa volando y que narices, se disfruta de principio a fin.

De igual modo sucede con la partitura compuesta por Antonio Meliveo o con la preciosista fotografía firmada por Xavi Giménez.

Mención especial merece la música, una banda sonora repleta de los sonidos más calientes de las bandas zíngaras de Europa del Este.

No sé si por influencia de su papel en la serie televisiva Aquí no hay quien viva o por circunstancias propias de su interpretación, no me transmite en absoluto el carácter dramático de su presencia.

Es ésta una de esas películas que valdrá la pena ver más de una vez para poder apreciar todos los pequeños detalles que hay esparcidos por el guión (atención a los paralelismos entre lo que le acontece a uno y otro protagonista).

Así que si destacáramos algo, sería su increíble animación y no el guión en sí.

Gracias a James Whale, un excelente director, incomprendido y denostado a causa de sus inclinaciones sexuales, dueño de un universo propio, la película trasciende del momento en que está realizada pasando a ser patrimonio de la humanidad.

Leonardo di Caprio, curiosidades de la vida, debería ser el más beneficiado del trío, pues por algo toda la trama del filme se articula a su alrededor, y sin embargo, nominaciones al Oscar aparte, a mí me resulta el menos acertado de los tres.

Un planteamiento tan somero, al mismo tiempo, se cree profundo y, como muestra de pretenciosidad, les pone a los personajes nombres bíblicos: Pedro, Pablo, Lucas, María, Magdalena, Jesús, Judas, Saulo, etcand#8230;Junto al endeble guión, el peor de los aspectos de la cinta son las interpretaciones.

Además el film es cualquier cosa menos honesto, y es que Richard Shepard se guarda información clave para comprender los motivos del personaje de Gere y no la suelta hasta bien avanzada la trama.

En cuanto a la escritura, el guión recoge distintos carices temáticos y emocionales: tonos satíricos y/o sarcásticos, melancolía, decepción, Apocalipsis, paranoia, amor, desamor, aprecio, desprecio.

El director francés Luc Besson escribe y produce esta historia de corte fantástico y buenas intenciones, en la que los bombarderos son simpáticos mosquitos y los misiles de largo alcance, tomatazos.

La Pixar Animation enfatiza el diseño y la fuerza visual sobre el argumento, algo que viene siendo habitual en sus producciones, y es conveniente subrayar ese cariz caricaturesco que conjuga muy bien el ingenio en los diseños con una sensiblería llevada con bastante dignidad, desde esos planos que muestran un Paris idílico a ojos de una rata que se emociona viendo el paisaje, o la ambientación del gran salón comedor que hace la función de foco de la tensión dramática, pues llega un momento de la trama en el que la fortuna - o el infortunio - de los protagonistas, depende de la opinión de un crítico culinario que incluso en vísperas del final recita un discurso sobre el papel del crítico como sibarita de especialidades (algo aplicable a distintos ámbitos de la creación, ya que en esta película, bajo el punto de vista del mencionado crítico, la cocina es arte), y valga decir que éste personajes es sin duda el más interesante, ya que la antipatía suscitada en principio por lo repulsivo de su caracterización, deriva en simpatía cuando, en un pasaje proustiano, un esporádico retorno a la infancia por causa de los sabores rústicos recuperados por la rata, transfigura su porte huraño y malévolo en una imagen de inocencia y redescubrimiento.

Un guión previsible, un tanto ñoño, con personajes salidos de la imaginación del autor y no de la calle.

Sólo (insisto) el mejunje adquiere un sabor perdurable cuando la acción se atropella y los personajes (carentes de una verdadera ligazón, empujados a avanzar en la trama como soldados, como marionetas insulsas) ingresan en cuevas (el monte Rushmore) que ocultan pasadizos, trampas, claves y - en definitiva- la operística y guignolesca retahila de arquetipos que suelen adornar todas las películas del género.

La última película de Sam Mendes (ganador del oscar al mejor director por American Beauty) no defrauda, Jarhead está al mismo nivel que sus anteriores trabajos.

El guión es preciso y la música intimista, compuesta por Patrick Doyle, define perfectamente la amistad.

En "Match Point" ademas se cierra la historia con la metáfora deportiva con la que comienza y uno cae rendido ante la sabiduría, el control y la mano de Allen, un guionista inteligente, un director de orquesta inquieto, tremendamente intuitivo y verdaderamente amante de su oficio y de cada uno de sus propios trabajos.

Dichas tinieblas ,cargadas de un cierto romanticismo, son un efecto claro de la estética usada por Nolan en la puesta en escena, la fotografía, la acertada banda sonora y un estilo visual a medio camino entre lo sobrio y lo barroco.

No vi La historia del camello que llora, de la misma directora mongol.

Por este motivo, ni siquiera convence la supuesta crítica social que propone, ni la original vuelta de tuerca que se observa en el mítico guión de Coma, la célebre historia de Robin Cook, que llevara Michael Crichton a las pantallas.

Desde luego la intención de la directora "Que el frío te cale el alma" está conseguida.

O más bien, la podría definir, centrándonos en el director, como la película más personal de Shyamalan, aunque eso no quiere decir que sea perfecta.

También es limpia la construcción de la trama, que crece con morosidad hasta alcanzar un desenlace gélido, necesariamente previsto.

Pero no desabarremos y regresemos al cangrejo nervioso y al engaño filibustero, al guión resbaladizo y al excesivo (cargante) acúmulo de historias ramificadas que, a la postre, enturbian una más sencilla comprensión del material narrativo primario.

La música de Yishai Adar acompaña a la perfección durante toda la película, realizando ese papel, tan denostado en las últimas grandes producciones, de escoltar y apoyar a la imagen y la trama, en lugar de luchar por ver cuál es superior.

Ayudado por una espléndida fotografía, Preminger rodea la cinta de un halo onírico, especialmente en ciertas tomas de Gene Tierney, cuya belleza, por otro lado, es retratada en Laura de forma sublime.

A mí Christian Bale nunca me ha convencido como Bruce Wayne/Batman, pero debo decir que hace una interpretación muy muy creíble y apropiada (aunque haya veces que parezca el Patrick Bateman de American Psycho), pero aún así, tampoco me ha parecido tan bueno como el resto del reparto.

La fotografía ilumina y ejemplifica toda la sordidez del relato.

Fincher no pretende miniaturizar la trama; más al contrario, lo que hace es hocicar su talento narrativo en todos los resquicios de modo que el espectador se ve asfixiado por una propuesta dramática excesiva, tal vez demasiado rigurosa, que no abandona su carácter cinematográfico en ningún momento y que indaga con morosa delectación en los aspectos normalmente más escondidos en este tipo de artilugios fílmicos: las indagaciones, las pesquisas, que resultan, en algún momento del metraje, cargantes y obviables, pero sin cuyo concurso el exquisito conjunto queda deslabazado, desvaído, como si le hubiesen sustraído cualquier mínimo rasgo de credibilidad y estuviésemos asistiendo a cualquier vulgar telefilm de sobremesa sobre asesinos en serie y desquiciados policías que tratan de darle caza.

Se me hace raro hablar al principio de una crítica sobre las interpretaciones, pero es que hay que reconocer que en esta película lo que verdaderamente destaca son ellas dos.

Realmente no sabes cómo se las apañará el director para seguirlos sin cortar la secuencia y sin que se vean los micros ni nada.

Se puede decir, en consecuencia, que la película pierde mucho interés cuando Mina y el Conde desaparecen de la escena, por la palidez del conjunto restante, al cual, además, poco ayudan las mediocres interpretaciones de un elenco de actores que deja mucho que desear.

Entré con muchas ganas a verla porque es una de las promesas del cine español para este año, aunque esté rodada en inglés y con un reparto internacional en el que sólo está Javier Cámara por parte española.

Un director de recorrido largo, que suele quedarse en una distancia más corta, pero a distancia de otros que, menos alucinados con los colorines y con los iconos de la España mediterránea y castiza-total, ni dan la talla en una cosa ni la dan en la otra.

Es más, a Samuel L Jackson, el celebrado protagonista del film, el guión le llego sin titulo aún, tan solo con una frase que resumía de lo que trataba la película, es decir, serpientes en el avión.

No se puede criticar una película que no tiene guión, y cuyas interpretaciones se ven superadas hasta por algunos concursantes de un reality show muy famoso.

Luces de la ciudad -contra todos los pronósticos- resultó ser un film sólido, casi sin baches, con la excelente interpretación de Charles de siempre, pero agregándole, una pizca más de sutileza e incorporando nuevamente el melodrama, o quizás de una forma más seria; como lo hiciera ya exitosamente en la famosa El Pibe.

Otro dato importante es que conocer el final, no es óbice para que el director sepa mantener el alma del espectador en el aire.

Por decir algo positivo, no todo va a ser malo, reconocer que El hombre de arena (un acertado Thomas Haden Church) y toda su historia (en la que aparece una desaprovechada Theresa Russell), son lo mejor del guión aunque si se hubieran quedado sólo con él como villano y hubiesen desarrollado su historia adecuadamente (lo pide a gritos), mejor les hubiese ido.

Tampoco son muy destacables ni las interpretaciones ni ningún aspecto técnico.

Pero lo que podría ser una buena historia se ha quedado en poco más de nada debido a la falta de pericia de su director Todd Robinson, que ni ha sabido crear la ambientación necesaria para atrapar al espectador, ni ha logrado que los intérpretes que componen el elenco representen papeles creíbles ni que transmitan la más mínima sensación a un espectador que poco más que aguantar el rato puede hacer.

Un auténtico bodrio, y, perimitiéndome repetirme, de guión realmente penoso, que se encuentra, seguro, lejos de cualquier expectativa positiva creada sobre el film.

La frescura así como la intención de ofrecer algo distinto se va perdiendo, y el guión acaba cayendo en tópicos propios del cine patriótico americano.

Y este capricho, resta brillantez a Largo Domingo de Noviazgo del mismo director, propicia el fracaso de guión en la reciente adaptación de El Perfume, y constituye el principal error de la película que hoy comentamos.

Basándose en la novela de Richard Matheson y en otros films de zombies, formó el guión de su primera cinta acerca de muertos vivientes, para la cual consiguió $114.000 dólares, a través de "Imagen Ten", productora que fundó junto a sus dos socios anteriores, más Karl Hardman y Marilyn Eastman.

Basada en un best-seller de Jon Kracauer escrito en 1996, Penn da forma a un guión que cuenta la vida y pensamientos de Chris McCandless, interpretado por Emile Hirsch, un joven de 23 años que tras graduarse en la Universidad decide dejarlo todo, incluido unos padres hiper-absorbentes (William Hurt y Marcia Gay Harden), para recorrer Ámérica hasta llegar a Alaska.

Es cierto que su directora, salvando el musical de "El Rey León" (del que es autora, y, con el que se ha hecho de Oro, ganándose el respeto de to' kiski en Hollywood) , porque si nos ponemos a mirar su filmografía encontramos bodrios como "Titus" una extraña adaptación de la roma antigua (con coches y motos) o el biopic de Frida Kalho, interpretado por Salma Hayek, que, al igual que esta cinta tiene momentos excelentes con otros que imagino que solo entenderá la autora; y es que, "Across The Universe" es un musical excelente, pero.

¿Hay algún psicólogo en la sala?En definitiva, la película está bien dirigida, bien interpretada y resulta suficientemente entretenida, pero está lejos de ser la obra maestra que muchos pregonan.

Más adelante, y con esa incontinencia nacionalista que caracteriza a la primera potencia mundial, fueron, progresivamente, americanizando los guiones, las tramas, los tempos y si se descuida, al mismísimo Takashi Shimizu, director y realizador de las versiones originales y máximo responsable de las rodadas para occidente.