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La trama de El nombre de la rosa es muy sencilla: en vísperas de que en una abadía benedictina se celebre una cumbre teológica algunos monjes aparecen siniestramente asesinados.

Las interacciones con el juez (el inolvidable Spencer Tracy), y las de éste con el personaje interpretado por Marlene Dietrich, conforman un producto de enorme calidad y cuyo extenso metraje, que llega a las tres horas, se pasa en un suspiro.

Por otra parte, la factura técnica está cuidada, tanto en maquillaje y FX como en fotografía, sonido y música, pero tan sólo brillan de veras esas ovejas amenazadoras.

Mientras, el tío, interpretado brillantemente por Steve Carell, ha dado el paso contrario, ha pasado de ser un triunfador a ser un perdedor.

El mejor ejemplo para resumir la frialdad de la película es el gran villano de la película, un tipo llamado Arcángel de Jesús Montoya, papel que interpreta (es un decir) Luis Tosar, recuperando el 'toque español' de 'Collateral'.

Tras toda la campaña orquestada contra él por su elección para interpretar al espía secreto más famoso (curioso contrasentido) de la historia, las espadas estaban en alto y la expectación era mayor que los anteriores cambios de rostro del personaje.

La cinta en ningún momento flaquea, al revés, las casi 2 horas de metraje son un absoluto placer para todos los sentidos; mención aparte las interpretaciones de Gerard Butler (genial como rey Leonídas), la desconocida y bellisima Lena Headey, el siempre recordado como "Faramir" David Wenham, asi como Dominic West como el pérfido Theron, casi me olvido del "Bellismo" Rodrigo Santoro, con un maquillaje que recuerda al mítico Ru-paul.

Elementos a destacar hay pocos, aunque por encima de todos sobresale la fotografía de Javier Aguirresarobe.

Dirigida por el controvertido Wes Anderson e interpretada por Owen Wilson, Adrien Brody, Jason Schwartzman, Anjelica Houston, Bill Murray, Amara Karan, Camilla Rutherford, Irfan Khan y Natalie Portman, Viaje a Darjeeling supone uno de los primeros estrenos en nuestras carteleras de este 2008.En ella, Francis, Peter y Jack son tres hermanos que se han ido distanciando con el paso del tiempo y ya ni siquiera se hablan.

Segundo pase de prensa al que acudo, gracias a Warner, nueva película de Christopher Nolan, donde nos maravilla con la fotografía que ya nos mostró tanto en "Insomnio" como en "Batman Begins", de donde comparte a uno de los protagonistas, Christian Bale (tremendo en todo su explendor), acompañado de Hugh Jackman, al que poco a poco y tras "Scoop" de Woody Allen, parece que comienza a borrar las huellas de Lobezno que había dejado en el panorama cinéfilo internacional, un Michael Caine (que también aparecía en las nuevas aventuras del hombre murciélago) en estado de gracia, y una Scarlett Johansson que aparece de mera comparsa, para lucir tipo, tendría que hablar de Bowie, pero paso porqué su personaje me aburre, aparte de parecerme poco creíble, asi como el corto paseo de Andy Serkis por pantalla.

Ofrece momentos aislados de magnífico cine, escenas bélicas tan espectaculares como crudas (la estela de Spielberg es perceptible en ellas), una elegante fotografía de sombras al estilo de Million Dollar Baby y el acompañamiento sonoro de las parsimoniosas notas del propio Eastwood.

Aparte del vestuario, ambientación y sobre todo fotografía, con esos paisajes que dejan a uno con la boca abierta y los ojos como platos, he de decir además que a mi mujer le ha encantado y tras un par de visionados se ha hecho con la edición especial en DVD, bastante cuidada y que emula el libro original de Austen.

De los tres escenarios de la película, el bélico resulta inconsistente; el académico resulta, por momentos, hasta sonrojante y sólo la relación de atracción/fascinación/repulsión que se establece entre la veterana periodista de izquierdas interpretada por Meryl Streep y el prometedor político de derechas, Tom Cruise ofrece algún atractivo.

A nivel interpretativo la película está muy bien, si bien no considero justos los premios otorgados a Jaenada por su interpretación, pues no deja de ser una imitación, una mimetización.

Pero, si la elección de los actores y la interpretación de éstos hubiese sido equivocada, el proyecto hubiese naufragado a lo grande.

Tanto Sergi López (Vidal), en el mejor papel de su carrera, lleno de maldad; Maribel Verdú, una actriz que nunca me ha gustado hasta ahora, que demuestra, a parte de tener estilo actuando, que lo hace estupendamente (atentos a la escena del bosque); Doug Jones, interpretando uno de los papeles más difíciles de la película magistralmente, el fauno; Ariadna Gil, a la que apenas la vemos poco (pero más que Frederico Luppi, que aparece exactamente 5 segundos), pero disfrutamos de su preciosa voz; Alex Angulo, ese gran actor que tiene cara de médico; Roger Casamajor, como el hermano de Mercedes (Verdú), en un papel estupendo; y por último, la debutante (en papeles protagonistas) Ivana Baquero, un auténtico prodigio de niña a la que le daría el Goya ya mismo.

En la fotografía uno de los nombres claves del momento prestaba sus servicios, JOE Dandacute; AMATO autor de entre muchas de GOMIA.

Desde el primer momento, la cinta sumerge al espectador en una atmósfera inquietante, muy bien lograda gracias a la labor de Algora, así como a la excelente fotografía de Suso Bello.

La banda sonora, aspecto que nunca menciono, me ha resultado muy adecuada, de esas que obligan a tu compañero de butaca a llamarte la atención para que dejes de seguir el compás con el pie.

Pocos pero buenos diálogos, excelentes interpretaciones, con un, otra vez tras "Cabeza de perro", contenido Juan José Ballesta y una María Valverde que llena la pantalla con su especial rostro.

En fin, siempre nos quedará el vacío legal cuando la mala distribución nos impida pagar por lo que queremos comprar (que les voy a contar yo, que tras varias semanas buscando el CD de una banda sonora sin ningún tipo de resultado, me ví obligada a teclear sobre mi ordenador y ¡voilà! entoncés apareció?)Sólo me quedar hacer un apunte más, ¿saben lo que más me gustó de la película?

Una fotografía excepcional, por otro lado, que intenta fijarse en numerosos objetos repletos de una carga simbólica complejísima, desde el gato "premonitorio" del comienzo hasta las cuerdas, las miradas, los vacíos y los silencios.

Cuenta algunas cosas interesantes, está bien dirigida, los protagonistas son creíbles, la fotografía es de fábula, la música acompaña.

El mito artúrico tiene muchas interpretaciones.

Michael Caine interpreta a su padre (lo cual ya es un aliciente) con el que tiene una buena, aunque compleja relación.

Una lástima, pues su comienzo y la interpretación de Will Smith daban para más.

Charles Rankin es el nombre bajo el que se esconde Franz Kindler, y al que tratará de atrapar el Señor Wilson, al que da vida otro monstruo de la interpretación, como fue Edward G. Robinson.

Así, a simple vista, la idea básica del film puede parecer demasiado clásica, pero os aseguro que Silberling traspasa su propio guión a imágenes con una originalidad y sensibilidad desbordantes, tanto que a veces parece que estés con los protagonistas viviendo lo que ellos están viviendo.

Nabokov, por su parte, advirtiendo la magnitud faraónica del proyecto de Kubrick, teniendo muy en consideración el potencial publicitario de su novela y haciendo cuentas del alcance de audiencias de la película, decidió publicar bajo su nombre y dentro de su línea editorial habitual el libreto origen del guión cinematográfico.

Como que el guión sólo se ha de adaptar a la situación, Bayona puede centrarse en las actuacions, las cuales hacen que la base sea mas sólida de lo que ya era de buen principio.

Un guión sucinto - muchos incautos confundirán lo simple con lo sencillo, qué le vamos a hacer - centrado en la esencialidad del personaje y de la violencia que lo rodea.

A nivel más general, el guión mantiene un ritmo fluido y constante, y logra entretener pese a su pausado desarrollo.

La habilidad del director reside en conseguir carcajadas intentando hacer algo serio.

Así pues, "Across the Universe" supone una decepción que pese a contar con unas bazas casi infalibles (buenos actores, mejores actores, historia romántica), naufraga a causa de una directora empeñada en sobresalir por encima de su película.

aparte de las interpretaciones, destaca mucho tanto la fotografía y la ambientación que hace que estés el el viejo y peligroso oeste, así, como una gran banda sonora de Marco Beltrami.

En este caso, creo que sí ha rubricado un film redondo al fusionar en un mismo guión la adaptación de una novela inadaptable, Vida y opiniones del Caballero Tristram Shandy, y una historia metadiscursiva en el que ironiza sobre el loco mundo del cine y las vicisitudes que atraviesan los involucrados en un rodaje.

"Soy leyenda" podría haber sido más espectacular, pero el guión va por otros derroteros, más intimistas, más humanos, y consigue, creo yo, convencer en su propuesta más realista de un mundo con el ser humano a punto de desaparecer de la faz de la Tierra.

Se hubiera agradecido un esfuerzo del director por haber conseguido una actriz anónima (¿tal vez la camarera?), con una belleza particular y haber retratado su atractivo para que el protagonista (bien guapo también, que casualidad) y nosotros, los espectadores, nos sorprendiéramos con la realidad.

ni estos tienen porque ser siempre retratados como unos yonkis con las hormonas disparadas (que haberlos, los hay, por supuesto)Así pues, el director labra el camino desarrollando las relaciones interpersonales entre los protagonistas (unas más que otras) para, posteriormente, llegar al clímax final del film.

Se trata de Rodrigo García, director y escritor de las muy bien acogidas por la crítica Cosas que diría con sólo mirarla y Nueve vidas.

Como podréis comprobar, el guion es de lo más simple, y no nos engañemos, la película es simple en cuanto a guion, es simple en cuanto a personajes, y es incluso predecible a lo largo de la película, pero, ¿desde cuándo una película así no puede ser disfrutada?

Buena parte del mérito de la credibilidad del conjunto se la merecen sus actores, muy bien dirigidos por Tristán Ulloa, sobre los que destaca un espléndido Nancho Novo (que pide a gritos una nominación a los Goya), en una de sus mejores interpretaciones hasta la fecha.

Con esas declaraciones del director se ve claramente lo que el filme quiere contar y sinceramente lo hace de maravilla.

Su director: Fernando Meirelles, quién estuviera nominado al Oscar por su magnífica "Ciudad de Dios" (2003) (película que al igual que ésta, se basó en un libro).2.

Pero incluso estos no pueden pasar por alto que estamos ante uno de los puntos más bajos del año, un directo-a-vídeo que se coló en las salas de cine por error (al menos, es esta la única explicación que tengo para su estreno).Olvidé mencionar que el director de este despropósito es Patrick Lussier, apadrinado de Wes Craven y director de "curiosos" productos como Drácula 2000 (2000).

Con una banda sonora excepcional, unos dibujos bastante currados, una manera bastante buena de tratar la idea "Supersize" (menus gigantes) que esta muy extendida y que siempre solemos pillar como !Hala que guay! y que, según la película son bastante dañinos para la salud.

Director: Sylvester StalloneDuración: Si mueren X birmanos malos cada Y segundo (donde Y tiende a 0), la duración será de hora y media sangrienta.

La loable empresa del director vasco naufraga por la árida textura de lo contado, por la rocambolesca sucesión de casualidades y el quebradizo suelo de las matemáticas, que no son (a mi corto entender) reclamo narrativo lo suficientemente atractivo como para levantar una película.

El guión me ha parecido bastante bueno y lo suficientemente sólido como para soportar las envestidas de los que lo tilden de refrito.

Por ello, el guión viene a ser algo secundario, que tan sólo ha necesitado ?

Lo que no debe saber Ramis, por lo visto, es que el único que ha jugado en esa división y ha conquistado un título fue el enorme Sam Raimi con su enorme "Un plan sencillo", en 1998.Un par de planos bonitos, un emotivo momento con los regalos de navidad (la acción transcurre en nochebuena) y uno o dos chistes son muy poco bagaje para una peli con este casting y con esta fotografía (consigue que el espectador tenga frío) de Alar Kivilo que, curiosamente, era el hombre detrás de la luz de "Un plan sencillo".

A principios de los 70 un director especializado en la televisión con un magnifico producto de terror a sus espaldas "BLACK NOON" donde ya demostró un talento muy especial para crear atmósferas asfixiantes acompañadas de tramas realmente desagradables.

Pero sí ha decepcionado, al menos a mí, por varios motivos: en primer lugar, la adaptación del guión es muy pobre.

Tanto la fotografía como los colores están sumamente cuidados para introducirnos en la simbología de Gustav Klimt pero, por lo demás, la película tiene más errores que aciertos:Cierto es que este pintor fue conocido por su amor hacia el cuerpo femenino y que existen multitud de óleos y dibujos sobre la fisionomía de la mujer con todo lujo de detalles, pero, no es menos falso que no sólo seleccionó para ello a jóvenes delgadas sino que, también, nos mostró el cuerpo ajado de las ancianas o las redondeces de las embarazadas.

Luego, el guión es increible, de los que ya no quedan.

Volviendo a la silla de director después de su buenísima "Confesiones de una mente peligrosa", Clooney se muestra mas bien contenido en esta ocasión, evitando movimientos de cámara rebuscados y concentrándose más en los diálogos y en el clima de tensión inspirado por el choque entre dos grandes fuerzas: los medios de comunicación y la política.

En este caso Buscemi opta por adaptar un guión del desaparecido Theo Van Gogh, además de rodearse del equipo que generalmente reunía Theo, incluído su director de fotografía Thomas Kist.

En el reparto, destacar a Jordi Vilches, condicionado por su físico al mismo papel de pringadete que hemos visto en muchas películas, pero que demuestra que tiene talento, y al camaleónico Santiago Segura con el pelo a lo afro y enfundado en un traje disco, digno de la Soul Train de los 70.

La diferencia entre un homenaje y un plagio se encuentra, fundamentalmente, en que los directores que practican los primeros, se encargan, de manera explícita, de recrear situaciones evocadoras del pasado.

Tykwer no ha adaptado la novela a la pantalla, sino a sus propias posibilidades como director.

Y, mira, Stallone ha sido lo suficientemente inteligente como para escribir un guión sencillo, coherente y de guante blanco en que todos quedan bien: los blancos y los negros, los jóvenes y los viejos, los padres y los hijos, los vivos y los muertos.

Los son, de hecho, todos los personajes, interpretados además de forma excelente.

Lo mejor, sin duda, las interpretaciones de las 3 protagonistas.

Para que os hagáis una idea de por dónde va el director, os reproduzco la frase que aparece al final del rodillo de créditos finales: "Para mis hijas.

No impresionan las imágenes en cámara lenta, no impresiona la labor actoral ni de el ni de ella, no impresionan los millones de escenas orquestadas a las que nos somete su director, y sobre todo no impresiona la historia de amor, un tanto cogida con pinzas.

Da lo que tiene que dar en su justa medida, sin ser ridículo; de ahí el éxito de ese personaje, y, como consecuencia de ello, el proyecto de seguir interpretándolo en una serie de TV basada en la película.

Un reparto buenísimo, con una historia real que pone los pelos de punta y llama a la épica, logra mantener una tensión durante casi tres horas, cosa nada fácil de hacer.

Eso sí, ya me he hecho con la banda sonora.

Quizás este formato de película, con un guión con desarrollo, nudo y desenlace hace que te sientas diferente al ver a la familia Simspon, pero sino, ¿para qué hacer una película?

Nada que alegar desde el punto estrictamente técnico del filme, mientras que en el aspecto interpretativo, la corrección es la nota predominante.

Aquí puede no sonar mal, pero en pantalla es realmente lamentable, y más cuando tienen lugar en un plano general que bien podría haberse dejado con el sonido ambiente, además de que el doblaje y ahondando más en este ejemplo, parece leído sin la mínima intención interpretativa.

Por su temática, por el tratamiento visual de las imágenes, por sus movimientos de cámara, por los personajes que ha creado, y, muy especialmente, por la impresionante banda sonora que acompaña a la película, que si bien tiene canciones de los Rolling Stones, de Roger Waters, los Beach Boys o los Allman Brothers, ha encontrado su mejor hallazgo musical es la impresionante canción "I am shipping up to Boston", de los Dropkick Murphys, una banda tan salvaje como las secuencias más duras de la película, que mezcla los aires céltico-festivo de las gaitas con un fraseado punk al que grupos como Rancid, los Pogues o los Clash no pondrían un pero.

La banda sonora excelente, sobretodo el tema final de Oasis "Spot Cry your Heart out", con la escena donde se encuentran en la calle.

Será Mark Wiener, informático y presunto pedófilo de pensamiento determinista, quien, a través de unas palabras que parecen salidas de la boca del propio director, recordará a Aviva su imposibilidad de cambiar.

Si no lees el famoso libro de conversaciones con Truffaut, seguramente no te des cuenta, que lo que en realidad quería hacer el orondo director era un estudio de la necrofilia.

Hace ya algunos años, los premios de la academia estaounidense dejaron a un lado sus prejuicios por las pequeñas producciones y comenzaron a nominar lo quehoy día todos conocemos como películas indie, por lo que títulos de escaso presupuesto (en comparación con el resto de sus competidoras) como ¡Olvídate de mí! o Pequeña Miss Sunshine dieron el pelotazo en las últimas ceremonias, obteniendo el Óscar al Mejor Guión Original.

Houellebecq, y con él el director Oskar Roehler, ahondan en esta paradójica fractura de los ideales sexuales de aquellos años, culpándoles ?como lo hace hoy un triunfante Sarkozy- de los males actuales de nuestros contemporáneos.

No es ni mucho menos un film que aporte algo o nos enseñe algo nuevo que no hayamos visto, pero sí merece la pena ver esta película, la segunda para el director que ya cuenta con una fan más entre sus seguidores, me gusta como dirige este hombre.

El desafío requería de un director imaginativo, enemigo de las meras ilustraciones para la pantalla grande de una novela.

En verano de 2003 se estrenó en el mundo entero Como Dios (o Bruce Todopoderoso, que es como se tendría que haber llamado si los señores que "traducen" los títulos se hubieran dignado en respetar el título original), una cinta dirigida por Tom Shadyac (director de auténticos pasteles como Mentiroso compulsivo, Patch Adams, o Dragonfly: La sombra de la libélula, pero también de genialidades como Ace Ventura: Detective de mascotas), que protagonizaron Jim Carrey, Jennifer Aniston, y Morgan Freeman haciendo de sí mismo.

Las melodías del compositor son fantásticamente interpretadas por Janusz Olejniczack, y encaja en todas y cada una de las situaciones vividas por Szpilman, hasta el punto de conseguirse una perfecta identificación entre ambas.

Un deleite para la vista (hay planos que son verdaderas obras de arte, y no le quita ningún mérito el que sean un calco de los dibujos de Miller) y el oído (la banda sonora es fantástica, una mezcla de géneros explosiva sin precedentes en los peplum).

Pese a estos puntitos negros, Banderas de Nuestros Padres es una interesante producción con vocación antibelicista que me da la impresión que ganará mucho al ver Cartas desde Iwo Jima, con la que se completará la fotografía de conjunto.

Sin embargo la torpeza supina del director convierte un documental con un tema muy interesante en una colección de anédoctas unidas contadas a cachos, como si escribiera en su blog cada 15 días y luego pusiera todos los post seguidos para hacer un libro.

Evidentemente las interpretaciones en un producto de estas características es lo de menos, poco jugo se le puede sacar a personajes tan planos donde lo más importante es la aparición del monstruo en cuestión y sus efectos especiales.

Puede apreciarse también, como una obra cinematográfica de indudable perfección, con una dirección atrevida y sensacional, una adaptación literaria envidiable y unas interpretaciones que merecen un reconocimiento de los grandes, en especial la de Javier Bardem, el actor español que ha recibido todos los premios posibles y que dentro de poco sabremos si se alza con una estatuilla dorada.

Si queréis tener una idea de lo que es ser el mejor realizador del mundo en un momento y lugar determinados, recomiendo el visionado de dos películas de este extraordinario director australiano: Mad Max 2 y El Aceite de la Vida.

Meg Ryan, que supongo que pasaba por ahí, es el papel "clave" de la historia amorosa, aunque sólo se agradece su aparición por no haberla visto desde hace años, pues su interpretación no es nada del otro mundo.

Patrick Dempsey, el rompecorazones de "Anatomía de Gray", se limita a cumplir en un papel bastante soso en comparación con el de sus compañeros de reparto.

No esperéis un guión muy trabajado, pero está escrito de forma muy original y provoca unas risas con fundamento y sin muchos de los tópicos de uso común.

Laura Dern, el pilar básico y personaje sobre el que se sustenta la película está sobrenatural, adaptándose a cada escena a la perfección, y cerrando una interpretación de lo más compleja y creíble.

El propio director debía ser consciente de ello al reservarle el maravilloso plano final de la función.

En cuanto a la labor del director.

Es una historia dramática en la que Juan José Ballesta interpreta a un joven que ha logrado sobrevivir a través de los robos desde bien pequeñito y quiere rehacer su vida, al salir del centro de menores.

Un presupuesto ínfimo que canta en los aspectos de fotografía, música o maquillaje no es óbice para que lo que parecía a priori una típica explotación de acción de la época se supere dando una verdadera crítica a los pobres veteranos dejados a su suerte.

Con todo, el desconocido de Eastwood ya muestra signos de lo que serán los posteriores pistoleros del actor y director.

Leones por Corderos merece un hueco en nuestra estantería de DVDs y es que como director, Redford se sirve de una narrativa tan especial como personal pero absolutamente recomendable.

¿Por qué el guión tiene un bajón de calidad tan brutal?

Un duelo interpretativo de altos vuelos, en el que una vez más, Sbaraglia compone un buen personaje, que resulta entrañable y emotivo en la evolución del trato con Puig Antich.

En definitiva: la conjunción Polanski/Brody hacen que "El Pianista" sea una de las mejores películas e interpretaciones de la última década.