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1980년대의 음악

상위 문서: 팝

같이 보기: 1980년대

## 1980년대의 라틴 팝

해당 문서 참조

 1980년대의 일본 대중가요

※ 아이돌 가요곡의 경우는 링크 참조

아티스트

* 80 - YMO - 増殖
* 81 - 데라오 아키라 - Shadow City, 予期せぬ出来事, 出航 SASURAI, ダイヤルM
* 82 -
	+ 오브코즈 - 心はなれて, 愛の中へ, 君に贈る歌, ひととして, メインストリートをつっ走れ, 僕のいいたいこと, 哀しいくらい, 言葉にできない, YES-YES-YES, 素敵なあなた, 愛のゆくえ, きっと同じ, かかえきれないほどの愛, 決して彼等のようではなく, I LOVE YOU, メドレー, 流れゆく時の中で, 眠れぬ夜, さよなら, 一億の夜を越えて, NEXTのテーマ 僕等がいた, NEXTのテーマ
	+ 마츠다 세이코 - P・R・E・S・E・N・T, ひまわりの丘, LOVE SONG, 渚のバルコニー, ピンクのスクーター, レモネードの夏, 赤いスイートピー, 水色の朝, SUNSET BEACH, 星空のドライブ, 四月のラブレター, 未来の花嫁, モッキンバード, ブルージュの鐘, Rock'n'roll Good-bye, 電話でデート, 野ばらのエチュード, 黄色いカーディガン, 真冬の恋人たち
* 83 - 나카모리 아키나 - 明菜から, 瑠璃色の夜へ, アバンチュール, にぎわいの季節へ, 傷だらけのラブ, 目をとじて小旅行, セカンド・ラブ, 思春期, Moreもっと恋して, アイツはジョーク, さよならね, ヴィーナス誕生, 少しだけスキャンダル, 感傷紀行, ルネサンス -優しさで変えて-, モナムール （グラスに半分の黄昏）, ストライプ, わくらば色の風（ラヴ・ソング）, 時にはアンニュイ, 覚悟の秋
* 84 - 마츠다 세이코 - BITTER SWEET LOLLIPOPS, Canary, Private School, Misty, 瞳はダイアモンド, LET'S BOYHUNT, Wing, Party's Queen, 蒼いフォトグラフ, Silvery Moonlight, 真っ赤なロードスター, ガラス靴の魔女, いそしぎの島, 密林少女, 時間の国のアリス, AQUARIUS, 不思議な少年, ロックンルージュ, Sleeping Beauty,マンハッタンでブレックファスト, 薔薇とピストル, 今夜はソフィストケート, そよ風のフェイント, ハートのイヤリング, Dancing Cafe, MAUI, 銀色のオートバイ, ピンクのモーツァルト, Star
* 85 - 나카모리 아키나 - 飾りじゃないのよ涙は, ロマンティックな夜だわ, 予感, 月夜のヴィーナス, BABYLON, UNSTEADY LOVE, Dreaming, 恋人のいる時間, SO LONG, APRIL STARS,ENDLESS, ノクターン, アレグロ・ビヴァーチェ, 悲しい浪漫西, ピ・ア・ス, BLUE OCEAN, マグネティック・ラヴ, STAR PILOT, モナリザ, ミ・アモーレ
* 86 -
	+ 나카모리 아키나 - Back door night, ニュー・ジェネレーション, Labyrinth, マリオネット, 幻惑されて, ガラスの心, Teenage Blue, 燠火, Wait for me, Mushroom dance, MIND GAME, 駅, 約束, ピンク・シャンパン, OH NO, OH YES!, 크림슨 B면
	+ 레베카 - Hot Spice, プライベイト・ヒロイン, Cotton Time, 76th Star, 光と影の誘惑, ボトムライン, ガールズ ブラボー!, フレンズ, Maybe Tomorrow, WHEN A WOMAN LOVES A MAN, LONELY BUTTERFLY, (it's just a) SMILE, GIRL SCHOOL, BOSS IS ALWAYS BOSSING, CHEAP HIPPIES, WHITE SUNDAY, NEVER TOLD YOU BUT I LOVE YOU
* 87 - 나카모리 아키나 - CROSS MY PALM, POLITICAL MOVES, EASY RIDER, MODERN WOMAN, THE LOOK THAT KILLS, SOFT TOUCH, MY POSITION, THE TOUCH OF A HEARTACHE, HOUSE OF LOVE, NO MORE
* 88 - 히카루 겐지 - THE WINDY, Hurry Up, ガラスの十代, RAINY GIRL, STAR LIGHT, BAD BOY, ほのかに甘くHOLIDAY, Graduation, ファンキー・ランド, サマースクール, 君を乗せた海賊船, 汐風の贈りもの, インナーアドベンチャー, Dream~風に打たれて, パラダイス銀河, 銀の風,
* 89 -
	+ 마츠토야 유미 - リフレインが叫んでる, Nobody Else, ふってあげる, 誕生日おめでとう, Home Townへようこそ, とこしえにGood Night（夜明けの色), 恋はNo-return, 幸せはあなたへの復讐, September Blue Moon, Valentine's RADIO, WANDERERS, LOVE WARS, 心ほどいて, Up townは灯ともし頃, トランキライザー, ホームワーク, 届かないセレナーデ, ANNIVERSARY
	+ 쿠도 시즈카 - 天使みたいに踊らせて, とても小さな傷心, 奇跡の肖像, 宇宙の正面, 寂しい夜には私を呼んで, No no no no 〜琥珀のCocktail〜, 夢うつつジェラシー, 硝子のサンクチュアリ, 真夜中のコレクトコール, 恋一夜, 丘の上の小さな太陽, みずうみ, 美粧の森, カレリア,la se n, 真昼の夢
	+ 미소라 히바리(엔카)

싱글

* 1位 もんた&ブラザーズ：「ダンシング・オールナイト」
* 2位 久保田早紀：「異邦人」

* 1位 寺尾聰：「ルビーの指環」
* 2位 竜鉄也：「奥飛騨慕情」

* 1位 あみん：「待つわ」
* 2位 薬師丸ひろ子：「セーラー服と機関銃」

* 1位 大川栄策：「さざんかの宿」
* 2位 細川たかし：「矢切の渡し」

* 1位 わらべ：「もしも明日が…。」
* 2位 安全地帯：「ワインレッドの心」

* 1位 チェッカーズ：「ジュリアに傷心」
* 2位 中森明菜：「ミ・アモーレ〔Meu amor é・・・〕」

* 1位 石井明美：「CHA-CHA-CHA」
* 2位 中森明菜：「DESIRE -情熱-」

* 1位 瀬川瑛子：「命くれない」
* 2位 中森明菜：「TANGO NOIR」

* 1位 光GENJI：「パラダイス銀河」
* 2位 光GENJI：「ガラスの十代」

* 1位 プリンセス・プリンセス：「Diamonds (ダイアモンド)」
* 2位 プリンセス・プリンセス：「世界でいちばん熱い夏」
고전적 팝 음악

같이 보기: 재즈의 형식적 기원과 특징, 대중음악, 틴 팬 앨리

 주로 쓰는 악기

설명
--

종종 '스탠다드 팝'이라고 불리는 경우가 더 많으며

'메인스트림 대중음악'의 위치를 차지하므로

'스탠다드 재즈'의 범위와 많이 겹치기도 하는 장르

## 틴 팬 앨리와의 관계

고전적 팝 음악을 만들던

대표적인 근거지가

바로 틴 팬 앨리이다

* 틴 팬 앨리 문서 참조

## 시대별 특징과 대표적인 아티스트

초기(20세기 초 ~ 50년) :

* 거의 할리우드, 브로드웨이의 공연용 고전 뮤지컬 음악, 틴 팬 앨리의 미국식 창작 가요가 주류였으며
* 20~30년대 이후부터는 확실히 재즈, 스윙 장르와 긴밀한 상호 영향 관계에 있었다
* 어빙 벌린, 빅터 허버트, 해리 워렌, 해롤드 알렌, 제롬 컨, 조지 거슈인, 이라 거슈인, 리처드 로저스, 로렌츠 하트, 오스카 해머스타인 2세, 조니 머서, 도로시 필즈, 호기 카마이클 등

40년대 중반~50년대 중반 :

* 이때가 가장 황금기였다.
* 프랭크 시나트라, 빙 크로스비, 디나 쇼어, 조 스태포드, 페리 코모, 패티 페이지, 데이비드 윗필드

50년대 후반 이후 :

* 로큰롤의 등장으로 대중음악 지형도가 바뀌기 시작했다.
* 유명 가수들은 아직 건재했었지만,
* 이때부터 고전적 형식의 팝이 현대적인 팝 형태로 변화하기 시작하여
* 고전적인 형식의 팝 음악은 '이지 리스닝', '라운지 음악' 형식으로 맥을 이어나갔다.

50년대 후반~60년대의 아티스트 :

* 로큰롤 시대라는 시대적, 장르적 특성상 일반적 팝 아티스트보다는 재즈 가수들 위주였다.
* 넬슨 리들, 로즈마리 클루니, 딘 마틴, 엘라 피츠제럴드, 빌리 홀리데이, 도리스 데이, 프랭키 레인, 냇 킹 콜, 리나 혼, 토니 베넷, 빅 데이먼, 조니 마티스, 바비 대린, 바브라 스트라이젠드, 페기 리, 새미 데이비스 주니어, 멜 토메, 사라 본, 이디 고메, 앤디 윌리엄스, 낸시 윌슨, 잭 존스, 리타 레이스, 스티브 로렌스, 클레오 레인

60~70년대 이후:

* 한편, 락과 현대적 팝 계열 가수들도 고전적 형식의 팝 음악을 부르기도 했다.
	+ (로드 스튜어트, 시나 이스턴, 신디 로퍼 등)
* 최근에도 마이클 부블레같은 신예 고전 팝 가수들도 생겼다.
* 그레이트 아메리칸 송 북이라는 고전 팝 모음집도 참조하면 좋다.

## 고전적 팝 음악이 대중음악에서 '고전'의 지위를 차지하게 된 이유

곡 자체가 탁월한 부분도 있을지 모르겠지만

이 장르의 근거지라고 할 수 있는 틴 팬 앨리에서는

당시 기준으로는 일찍이 음악 작곡과 프로듀싱 산업이

분업화, 조직화되어 연계된 양상이 나타났음

* 동시에 이 장르는 영화, 뮤지컬같은
* 매체와도 같이 연계되었기 때문에
* 영향력이 클 수 밖에 없었다고도 볼 수 있음
1970년대의 음악

상위 문서: 팝

같이 보기: 1970년대

 1970년대의 영미권 유명곡들(70년대부터는 장르분화가 심해서 히트 팝 위주로만)

해당 문서 참조

## 70년대 일본의 히트곡

※ 아이돌 가요곡의 경우는 링크 참조

링크 참조

새로운 장르

* 뉴 뮤직

아티스트

* 70 - 藤圭子(엔카), 内山田洋とクール・ファイブ - 愛の旅路を, 噂の女, 愛のいたずら
* 71 -
	+ 尾崎紀世彦 - また逢う日まで, さよならをもう一度, 雪が降る, 愛する人はひとり
	+ 渚ゆう子 - さいはて慕情, 雨の日のブルース, 長崎慕情
* 72 -
	+ 小柳ルミ子 - 雪あかりの町, 京のにわか雨, 漁火恋唄
	+ 天地真理 - ちいさな恋, ひとりじゃないの, 虹をわたって, ふたりの日曜日
* 73 -
	+ 宮史郎とぴんからトリオ - 女のゆめ, ひとり酒
	+ 天地真理 - 若葉のささやき, 恋する夏の日, 空いっぱいの幸せ
* 74 -
	+ 殿さまキングス - 夫婦鏡
	+ フィンガー5 - 恋のダイヤル6700, 学園天国, 恋のアメリカン・フットボール, 恋の大予言, 赤鼻のトナカイ, 華麗なうわさ
* 75 -
	+ ダウン・タウン・ブギウギ・バンド - カッコマン・ブギ, 港のヨーコ・ヨコハマ・ヨコスカ, 賣物ブギ, 商品には手を出すな
	+ 桜田淳子 - ひとり歩き, 白い風よ, 十七の夏, 天使のくちびる, ゆれてる私
* 76 -
	+ 太田裕美 - 木綿のハンカチーフ, 袋小路, **夕焼け,** ひぐらし, 水車, 青春のしおり, オレンジの口紅, 都忘れ, 赤いハイヒール, 遠い夏休み, カントリー・ロード, ベージュの手帖, 青い傘, 君と歩いた青春, 最後の一葉, ミモザの下で, 恋の予感
	+ 山口百恵 - ささやかな欲望, 昨日までの顔, ありがとうあなた, 夏ひらく青春, 空はこんなに青い, 愛に走って, 木洩れ日, 赤い運命, 白い約束, 山鳩, 陽炎, GAME IS OVER, 横須賀ストーリー, クラブサンドウィッチはいかが？, 風たちの午後, 愛の暮色, 甘い裏切り, パールカラーにゆれて, 君に涙のくちづけを, モノトーンの肖像画, 赤い衝撃, オレンジ・ブロッサム・ブルース, 走れ風と共に
* 77 -
	+ ピンク・レディー - ペッパー警部, インスピレーション, 乾杯!お嬢さん, ピンクの林檎, ゆううつ日, S・O・S, I Only Want To Be With You, 朝まで踊ろう, 기타 메들리, 메들리 2
	+ 清水健太郎 - 帰らない, 恋人よ, 遠慮するなよ, 泣き虫,
* 78 -
	+ ピンク・レディー - 百発百中, 千の顔を持つ女, フレンズ, 星から来た二人, 2001年愛の詩, コマーシャルソングメドレ, コマーシャルソングメドレー2, スーパーモンキー孫悟空
	+ 世良公則&ツイスト - 心いやして, 夜明けの恋, あんたのバラード, 酒事, 宿無し, マギー, 知らんぷり, 燃えつきぬ
* 79 -
	+ ゴダイゴ - monkey magic, PROGRESS AND HARMONY, OUR DECADE, MAGIC CAPSULE, WHERE'LL WE GO FROM NOW, IMITATION, CHERRIES WERE MADE FOR EATING, STEPPIN 'INTO YOUR WORLD, LIGHTING MAN, SUITE : GENESIS, DEAD END ~ LOVE, FLOWERS, PROPHECY ~, GALAXY EXPRESS 999, HAPPINESS, BEAUTIFUL NAME, GANDHARA, THE DRAGON 'S COME ALIVE, CELEBRATION, TRY TO WAKE UP TO A MORNING, CLOSE-UPS, THE SUN IS SETTING, PROMISE AT DAWN
	+ 松山千春 - 帰りたい, 雪化粧, あの日のままで, ピエロ, 歩き続ける時, 踊りましょうか, 良生（よしたか）ちゃんとポプラ並木, 貴方のことで, これ以上, 街, 酔っています, かわいい女はかわいいままで, おいで僕のそばに, 卒業, 帰郷, あたい, 空を飛ぶ鳥のように 野を駈ける風のように, 生きがい

곡들

* 1970년
	+ 1位 皆川おさむ：「黒ネコのタンゴ」(검은 고양이 네로)
	+ 2位 ザ・ドリフターズ：「ドリフのズンドコ節」
* 1971년
	+ 1位 小柳ルミ子：「わたしの城下町」
	+ 2位 加藤登紀子：「知床旅情」
* 1972년
	+ 1位 宮史郎とぴんからトリオ：「女のみち」
	+ 2位 小柳ルミ子：「瀬戸の花嫁」
* 1973년
	+ 1位 宮史郎とぴんからトリオ：「女のみち」
	+ 2位 宮史郎とぴんからトリオ：「女のねがい」
* 1974년
	+ 1位 殿さまキングス：「なみだの操」
	+ 2位 小坂明子：「あなた」
* 1975년
	+ 1位 さくらと一郎：「昭和枯れすゝき」
	+ 2位 布施明:「シクラメンのかほり」
* 1976년
	+ 1位 子門真人：「およげ!たいやきくん」
	+ 2位 Daniel Boone - Beautiful Sunday
* 1977년
	+ 1位 ピンク・レディー：「渚のシンドバッド」
	+ 2位 森田公一とトップギャラン：「青春時代」'
* 1978년
	+ 1位 ピンク・レディー：「UFO」
	+ 2位 ピンク・レディー：「サウスポー」
* 1979년
	+ 1位 渥美二郎：「夢追い酒」
	+ 2位 ジュディ・オング：「魅せられて」
낭만파 시대의 음악적 특징

상위 문서: 낭만파 음악

같이 보기: 낭만파 음악/시대적 상황

## 장르별 길이와 규모의 양극화

상위 문서에서 말한 이런 감성적 사조에 영향을 받아

결과적으로 장르별로 규모와 길이가 양극화되었다는 특징이 있다.

* 교향곡, 협주곡, 오페라같은
* 기존의 대형 작품들은 더 크고 길어졌고
* 이 시대부터 본격적으로 영향력을 떨치던
* 소규모의 독창 가곡이나 피아노 소품은
* 길이가 짧다고 할 수 있다

## 낭만파 시대 대형 장르 음악들의 규모 확대의 예시

시대적으로 고전파와 낭만파 사이의

과도기적 음악가라고 할 수 있는

베토벤의 작품을 예시로 들 수 있다.

* Beethoven Symphony no.3, “Eroica” 의 경우
* 1악장만 691마디로 고전 심포니의 전악장 규모일수 있고,
* 형식이 확대된 대규모라고 할 수 있으며
* 확장된 코다, 인트로덕션(서주의 확장), 발전부 역시 확대되어
* 전체적으로 규모가 확실히 커졌다는 것을 알 수 있다.

그밖에도 교향곡의 미뉴엣 악장을 스케르초로 대체한 것이

 낭만파 음악의 특징이라고 할 수 있다(고전과 낭만의 과도기)

## 낭만파 시대 교향곡의 악장별 특징 변화

베토벤 교향곡 제 9번, “choral”(합창 교향곡)을 통해서 낭만파 교향곡의 구성 변화를 알 수 있다.

* 1악장은 allegro
* 2악장은 molto vivace, scherzo
* 3악장은 adagio molto e cantabile
* 4악장은 presto/recitative allegro assai로 구성되어 있다.

여기서 우리는 레치타티브와 스케르초의 순서가

일반 고전파 교향곡과 비교했을 때 이상하고,

빠름 느림 순서가 이상하게 바뀌어 있는 것을 알 수 있으며

그밖에도 교향곡 최초로 솔로이스트와 합창을 등장시켰다고 한다.

* 이렇게 새롭게 나타난 모호한 형식 덕분에
* 음악사적 의미가 있다고 평가된다

## 표제 음악 개념의 부상과 절대 음악 개념의 강화

낭만파 시대에 접어들면서 음악이

미술, 문학과 감성적 느낌 등과 연계되어

표제음악 개념이 확실히 부상하기 시작한다

* (물론 옛날부터 그런 개념 자체는 있었음)

동시에 절대 음악 개념도 구체화, 공고화되었음

* 이는 베토벤 이후부터 성악, 가사적인 요소 그 자체보다
* 음 그 자체를 중시하던 풍조 아래 생긴 경향이라고 함
* [이는 가사(시)와 음악이 동등한 위치로
* 간주되기 시작한 거라고도 말할 수 있음]

더 자세한 내용은 표제 음악, 낭만파 시대의 보수적이며 절대음악적 교향곡 작곡가들 문서 참조

## 선율과 형식적 성격의 변화

멜로디가 고전파 음악보다 좀 더 (노래하듯) 서정적으로 변했으며

* 혹자는 라흐마니노프 음악이 가을 커피와 어울리는 것에 비유하기도 한다

프레이즈 역시 딱딱 정형화되는 게 아니고 유연해짐

* 이전 고전파 시대까지는 짧은 동기 기반으로 그걸
* 조립, 가공하듯이 작곡을 하는 경향이 있었다고 함

## 조성 및 화성

기본적으로 조성 음악이지만

이 시대부터 단장 7화음 등의 고급화성을 포함한

광범위한 불협화음, 반음계 사용,

(확장된) 전조 등으로 색채를 추구하고

조성이 자주 애매해짐

* 그러니까 고전파 식의 균형 강조보다는
* 극적인 형식미를 앞세웠으며
* 화성적 해결의 연장이 특징이라고 할 수 있음

결국 현대로 갈수록 무조화

## 사운드적 텍스처

고전시대부터 흐름이 이어져서 여전히 호모포닉하며

화성반주 단순하고 멜로디가 명확히 들림

## 셈여림(다이나믹스)

고전시대부터 셈여림이 본격적으로 다채롭게 사용되어왔긴 했지만

감성을 표현하기 위해서인지 셈여림 사용의 폭이 좀 더 양극화되었다

* 피아니시시시모 ~ 포르티시시모까지의 극단적 스펙트럼 사용 등

## 기악적 특징 및 그로 인해 파생된 음향적 특징

악기의 기교적, 음향적 가능성이

더 확장되었다고 할 수 있음

* 낭만파 시대 오케스트라 음악의 발전 양상 및 관현악법 문서도 참조 바람
14세기의 음악

상위 문서: 중세의 음악

설명
--

세속 음악 중에서도

자국어로 된 단성 노래의 발전이

14세기 음악에 큰 영향을 끼쳤음

그런 이유로 14세기는

종교음악보다 세속음악이

작곡가들에게 더 큰 관심의 대상이 되었던 시기임

## 시대적 배경

원래 아시다시피 중세 유럽은 기독교가 꽉 잡고 있었고

그런 이유로 교황청 역시 중세인들의 생활과 생각을 일사불란하게 지배해왔고

모든 예술 분야와 관련해서도 교회의 절대적 지배를 받지 않을 수 없었다

하지만 교황청이 1305년에 프랑스 왕국에 패하여 오히려 역전이 일어났음

이런 이유로 교회의 절대적 권위가 뿌리째 흔들리게 되었음

* 이를 두고 '중세 황혼기'라고 표현하는 경우도 있다

## 교회권력 약화에 의한 세속화

호랑이 없는 곳에 여우가 왕이라고,

이 틈을 타서 유럽의 사회 문화 전반에서

세속적인 것의 비중이 점점 늘어나기 시작했음

* 이렇게 문학작품도 다양한 언어로 나오게 되었고
* 음악 역시도 세속음악이 크게 발전할 수 있게 되었음

## 음악적 발전

중세 교회의 두 축이었던 프랑스, 이태리가 서로 경쟁하듯 각자의 음악을 발전시켰음

세기 말에는 두 양식이 통합하여 다음 세기로 맥이 이어진다

또한 당시에는 '작곡가 개인'으로써의 개념이 부각되기 시작했음

## 당시 프랑스와 이탈리아 음악

프랑스(다성 세속노래)

* 3개의 정형시 형식이 정착했음
* 발라드의 시대이기도 했음

이태리

* 덜 정형화되었지만
* 나름대로의 노래 형식을 갖췄음
고전파 시대의 성악 음악

상위 문서: 고전파 음악

설명
--

대체적으로 바로크 전통이 계승되었다고 보고 있다

## 그 밖의 장르

그 이전 시대부터 시작된

교회 음악이라고 할 수 있는

미사곡, 오라토리오 뿐만 아니라

가곡 형태의 음악들 역시 존재했다고 한다

## 그 외에 당시 민중(대중)들이 향유했던 노래 스타일들

음악에서 아마추어 연주 문화에 대한 관심이 대두되어

가정용 노래들도 유럽에서 많이 작곡, 출판되었음

* 주로 종교적인 음악이었음

한편 당시의 세속적인 장르로는 프랑스의 로망스와 영국의 발라드가 있음

* 이 음악들은 고전파 시대의 음악답게 반주도 소박했으며
* 선율도 가사의 강세, 악구, 분위기에 잘 들어맞도록 이루어졌음
* 이런 식으로 당시 대중의 음악들은 계몽주의의 이상에 맞았다고 할 수 있음

독일 가곡도 이런 흐름의 연장선에 있다고 보기도 한다

* 하단 문서 참조
1980년대 영국 뮤지컬 열풍과 카메론 매킨토시와의 관계

상위 문서: 1980년대의 영국산 뮤지컬

설명
--

1980년대 영국산 뮤지컬의 붐에는

단순히 작곡가 뿐만 아니라

프로듀서 카메론 매킨토시의

새로운 제작 방식의 공도 컸다.

## 카메론 매킨토시

영국의 뮤지컬 프로듀서로써

1969년 웨스트엔드에서 '애니띵 고우즈' 제작 이래

레뷔인 '손드하임과 함께'의 성공으로 주목을 받았고

이후 웨버와 쇤베르그 같은 작곡가들과 함께

영국의 '빅 4'에 드는 뮤지컬을 제작했음

(캣츠, 레 미제라블, 오페라의 유령, 미스 사이공)

* 결국 이런 업적으로 인해
* 1990년대에 브로드웨이에서
* 영향력 있는 인물로
* 인정받았다고 한다

이 '빅 4' 개념이 한국에 상륙한 후

이 '빅 4'에 해당하는 뮤지컬 작품들이

'세계 4대 뮤지컬'로 와전되었음

## 카메론 매킨토시가 새로운 뮤지컬 붐을 이끌게 된 이유

사실 전통적으로는 뮤지컬이라는 게 역사적으로

미국 특유의 언어 및 유머 감각과 엮이는 부분이 많았다.

* 이런 경향은 마치 힙합처럼 '라임'에 집착하던
* 콜 포터만 보더라도 알 수 있었다.

그런데 이렇게 좀 내수용으로 만들어도 20세기 미국의 문화적 영향력은 크다 보니

굳이 세계화같은 노력을 안해도 이런 뮤지컬의 라이센스를 팔 수 있었다고 한다.

* 하지만 20세기 후반에 접어들며
* 미국 뮤지컬의 한계에 봉착하면서
* 대서양 건너 영국에서 뭔가 다른 발상으로
* 침체된 뮤지컬 시장에 도전하려고 했다.

매킨토시 역시 이런 한계를 넘으려는

영국 아티스트 중의 하나였다고 할 수 있다.

## 카메론 매킨토시의 상업적 전략

그는 일부러 세계에서 먹힐 법하게 보편적으로

다가갈 수 있는 방향으로 뮤지컬을 만들었으며,

일단 자기의 기반이라고 할 수 있는 런던에서 먼저 성공한 후 그 다음

세계의 심장부라고 할 수 있는 브로드웨이에 진출함을 통해

세계 시장에도 진출할 수 있는 계기를 마련하는 식으로

본격적 세계 진출에 성공했다고 한다.

* 그는 비단 라이센스만 판 게 아니라
* 공연의 질을 유지하기 위해서
* 직접 해외 공연 제작에도 관여했다.

그러는 동시에 관련 굿즈(머천다이즈)의

제작, 판매같은 상술을 시도하여

또다른 수익을 창출했다고 한다

## 카메론 매킨토시 스타일의 뮤지컬 기획법?

일단 최대한 많은 사람들에게 보편적으로 호소하기 위해

쉽게 잘 꽃히는 멜로디 라인과 세미 클래식 급의 웅장한 오케스트레이션,

그리고 그에 걸맞는 초거대 규모의 무대 연출을 동원했음

* 이런 뮤지컬을 '그랜드 뮤지컬'이라고 부르기도 함

또한 그는 보편성에 호소하기 위해 뮤지컬에서

미국 특유의 쇼 문화적 전통을 내세우기 보다는

셰익스피어와 극문화로 유명한 영국 출신이라서 그런지

순수하게 서사 구조가 강한 관계로 이어지는 연극적 전통이 더 뚜렷했음

* 그래서 그런지 한국인 입맛을 맞춰서 성공했다고 함
낭만파 음악과 낭만주의

상위 문서: 낭만파 음악/다양한 사조의 부상

설명
--

독일의 대학도시 예나의 프리드리히 폰 슐레겔에 의해 처음 제시된 이름의 사조

* 그는 문학잡지 '아테네움'의 첫호에서
* 진보적 성격의 시를 '낭만적인 시'라고 칭했음

어원
--

원래 이 어원은 중세 궁정풍 사랑, 판타지 등을 의미하는 불어 단어 '로망스'에서 기원했음

* 그가 하필이면 이 단어를 쓴 이유는
* 뭔가 격식있는 라틴어(한국어에서 '한문'의 위치)가 아니고
* 민중의 언어에서 유래한 단어였기 때문임

## 발생 및 확장

18세기 중후반의 Sturm und Drang,

즉, 계몽주의의 합리성에 대항하여

자연, 감정, 개인주의를 강조한

독일의 질풍노도 문학사조에서 기원하여

18세기 말부터 시작된 이 사조는

봉건계급보다는 개인의 고유함과 고귀함을 중시하여

독일의 예나 중심으로 시작되었다고 함

* 결국 이 사조는 프랑스에도 전파되기 시작했으며
* 결국 전 유럽으로 확산되었다.

괴테의 '젊은 베르테르의 슬픔'도 이 사조에 속함

특징
--

낭만주의 예술가들은 개인을 중요시하여

가장 주관적 경험인 감정의 세계를 다루었음

* 왜냐하면 기존 고전파 음악의 사상적 근원이었던
* 계몽주의에 따른 논리, 이성(합리성),
* 질서, 조화 균형, 형식미, 이상화만으로는
* 세상 전체의 우주만물과
* 인간 심성의 단면밖에는
* 볼 수 없다고 생각하였음

그런 이유로 논리뿐만 아니라

직관, 감정에도 비중을 두어

다양한 시야를 추구하려고 했기 때문임

* 고전주의처럼 객관적인 절제, 균형, 형식미라기 보다는
* 보편적인 원칙과 한계를 뛰어넘은(초월적)
* 무한함과 숭고함을 추구한게 낭만주의였고
* 이 무한함과 숭고함은 현실에서 이룰 수 없는 것들을 주제로 한 것이었음

그러니까 산업화, 도시화로 정신적 황폐함을 겪어서 현실도피를 위한 것임

* 그러므로 낭만주의 예술 사조는
* 비현실적이고 경이롭고 전설적이며 망상적인
* 초자연, 환타지, 유토피아적 자연 등을 소재로 삼게 되었다.

이런 이유로 이 사조는 상상력이 중시되었으며

고야 등의 작품('마녀의 안식일' 등)을 통해 알 수 있듯이 낭만주의는

고전파 시대처럼 객관적 절제, 균형, 형식미를 넘은 숭고함은 물론

보이는 것, 아는 것, 상상한 것을 다 반영하려고 하기 때문에

이 사조는 추한 것도 다 포함시키는 사조라고 한다

* 그래서 그런지 쇼펜하우어나 괴테의 '젊은 베르테르의 슬픔'처럼
* 극한의 회의주의, 염세주의 혹은 반기독교적 양상도 나타난다고 한다

## 낭만주의 작곡가의 경우

당시의 작곡가들도 마찬가지라서

현실적이고 물질적인 것 보다 더

숭고하고 이상적이며

신비로운 것을 추구하려고 했음

* 그리고 고전주의때처럼 엄격한 형식미 외에도
* 감정적인 표현을 좀 더 다양하게 표현하기 위해
* 추악한 것에 대한 표현도 인정해야 한다고 봤음

그래서 고전파 시대에 축적되었던

기존 형식에서 벗어난

좀 더 새로운 형식을 추구했음

* 그래서 문학적인 요소랑 연계하여
* 교향시, 가곡 등에서 표제 음악적인
* 요소가 발달하기 시작했음

그밖에도 짧고 섬세함을 추구하여

즉흥곡과 야상곡도 발달하기 시작했음

## 선법과의 관계

낭만주의가 중세 판타지에 대해 관심이 있다 보니

중세 시절에 사용되었던 교회 선법이

낭만주의 음악에 사용되었다는 주장이 있음

* 혹자는 민족주의랑 관계가 있어서
* 선법이 사용되었다고 보기도 함

## 19세기 이전의 낭만주의 음악

사실 19세기 이전부터 낭만주의와 비슷한 사조의 음악들은 많았음

* 예를 들어 질풍노도 형식이라던가
* 하이든, 모차르트, 베토벤 등도
* 이런 낭만주의적 경향이
* 나타났다고 보는 경우도 있음

사실 18세기 계몽주의나 경험주의적 사고를 전제로

고전주의 등의 형식이나 언어, 사조 등을 기반으로

주관적 감정의 세계로 표현을 확장, 변화, 발전시키기 위해서

낭만주의 사조가 발생했다고 보는 관점도 있음

여담
--

낭만주의 특유의 개인주의와

내면표현이라는 특성 때문인지

베토벤과 엮이기도 하고

특유의 회의, 염세주의, 반기독교적 특징 때문인지

괴테의 '젊은 베르테르의 슬픔'도

낭만주의의 원류라고 할 수 있는

질풍노도 사조에 들어간다

* 그리고 여류 작가가 쓴 '폭풍의 언덕'(에밀리 브론테, 1847)에는
* 미친 사람과 강력한 감정이 묘사되는데,
* 이 소설도 낭만주의로 분류할 수 있으며
* 음악사적으로도 여류 작곡가들이 등장하기 시작했다고 한다

건축사적으로도 낭만주의 사조가 존재하는데

기존 사조들의 짬뽕이라고 볼 수 있다

* 하지만 포스트모더니즘과는 맥락이 다르다고 함

그리고 낭만주의 사조 역시 고전주의 베이스 위에서 발전한 거라고 함

* 그밖에 사회 비판적 소설로는
* 빅토르 위고와 (레미제라블 1862),
* 찰스 디킨스의 소설 (올리버 트위스트 1836, 스크루지 1843) 등이 있으며
* 그밖에 당시의 여류작가 소설로는
* 샬롯 브론테 “제인 에어“ (1847),
* 제인 오스틴 “오만과 편견“ (1813)
* ”작은 아씨들 (1868)” 등이 있음
NWOAHM

상위 문서: 1990년대의 락

설명
--

**New wave of American heavy metal**

1990년대 초에 미국에서 발원하여

2000년대 초반에서 중반 사이에 가장 많이 확장된

헤비메탈 음악 운동

* James Edward. "The Ghosts of Glam Metal Past". Lamentations of the Flame Princess. Archived from the original on February 16, 2011. Retrieved April 27, 2008.
* Sharpe-Young, Garry (1 November 2005). *New Wave of American Heavy Metal*. New Plymouth, New Zealand: Zonda Books Limited. ISBN . Retrieved 17 May 2016.

## 장르적 특징

얼터너티브 메탈, 그루브 메탈, 하드코어 펑크, 메탈코어 등의 다양한 스타일을 포함함

* Sharpe-Young, Garry (1 November 2005). *New Wave of American Heavy Metal*. New Plymouth, New Zealand: Zonda Books Limited. ISBN . Retrieved 17 May 2016.
* Adrien Begrand. "BLOOD AND THUNDER: Regeneration". PopMatters. Retrieved 2008-05-14.
* "NWOAHM - New Frontier Or Well Worn Path?". Maximum Metal. Retrieved 2008-05-18.

어원
--

영국의 NWOBHM에서 차용했다고 한다

* Sharpe-Young, Garry (1 November 2005). *New Wave of American Heavy Metal*. New Plymouth, New Zealand: Zonda Books Limited. ISBN . Retrieved 17 May 2016.

기원
--

1990년대 이후 포스트 그런지를 하던 집단이 하던 운동

그러니까 '헤비메탈을 코어한 잔혹성으로 되돌리게 된' 행위에 그 기원을 두고 있으며,

(그 집단은) 전통적인 블루스 스타일이 아니라

쓰래쉬 메탈과 펑크를 뼈대로

미국 헤비메탈의 새로운 트렌드를 만들려고 시도했다

* Sharpe-Young, Garry (1 November 2005). *New Wave of American Heavy Metal*. New Plymouth, New Zealand: Zonda Books Limited. ISBN . Retrieved 17 May 2016.

확장
--

그런지 시대 이후인 판테라, 바이오하자드, 머신 헤드의 시대부터

좀 더 장르적 스펙트럼이 넓어져서

멜로딕 데스 메탈부터 프로그레시브 메탈도 포괄할 수 있게 되었다고 한다

* Sharpe-Young, Garry (1 November 2005). *New Wave of American Heavy Metal*. New Plymouth, New Zealand: Zonda Books Limited. ISBN . Retrieved 17 May 2016.

## (오개념 등에 대한) 부연설명

NWOAHM은 단순한 퓨전 장르가 아니다

위에서 언급한 장르를 '포괄'하는 시대적 조류를 설명하려는 개념이지

반드시 특정 장르들이 기반이 되어 서로 혼합된 형태로 나타나는 것이 아니다

바로 위 항목에서도 알 수 있듯이

지금의 NWOAHM에 속하는 음악들은 스펙트럼이 넓다고 언급된다

* Sharpe-Young, Garry (1 November 2005). *New Wave of American Heavy Metal*. New Plymouth, New Zealand: Zonda Books Limited. ISBN . Retrieved 17 May 2016.

물론 최근에 와서는 장르간, 아티스트간 융합이 좀 더 자유자재로 이루어지는 게 틀린 건 아니니 착각할 수는 있다
고전파 시대의 오케스트라 음악

상위 문서: 고전파 시대의 기악 음악

## 시대적 배경

당시의 아마추어 오케스트라는

가끔 전문 연주자도 포함되어 있었으며

이들은 개인이나 공공음악회에서 연주했다.

* 이후 점점 전문 연주자 집단의 연주 비중도 커졌다고 한다

## 고전파 시대 오케스트라의 표준적 편성과 일반적 규모

4성부의 현악기 그룹에 2성부씩의 목관악기가 합쳐진 형태가 일반적이었음

* 그리고 당시 오케스트라의 규모는 현재 오케스트라의 규모보다 훨씬 더 작아서
* 1760~1785년 사이의 하이든 오케스트라의 경우 연주자 규모가 25명까지였음

1790년대 빈 오케스트라의 경우 보통 34명 이하 규모였음(종종 클라리넷 2대 포함)

* 1775년 이후에는 편성적으로
* 숫자저음을 일일히 반주할
* 필요성이 없을 정도로
* 악기가 편성되었기 때문에
* 점차 숫자저음 반주 자체가
* 도태되었다고 함

## 당시 클라리넷 및 관악기의 위상

클라리넷은 만하임 악파에서 사용되어

현악과 관악의 음향 조화에 크게 기여하는 등

18세기 말이 되면 고전파 시대 오케스트라에서

보다 더 중요하고 독립적인 요소로

점차 확고한 위치를 차지하게 되었음

* 하지만 18세기 중반까지만 해도
* 현악의 화성적 편성에 꼽사리끼는
* 철저히 종속적 편성이었다고 한다

## 고전파 시대의 교향곡

이때부터 교향곡이라는 장르가 생겼다고 한다

* 해당 문서 참조
1980년대 중후반기의 뮤지컬

상위 문서: 1980년대의 뮤지컬

 설명

1980년대 전반기에 다시

뮤지컬이 부흥하나 싶었지만

 결국 경제도 좆망하고

제작비도 폭증하는 등

이런 것들로 인해 손익분기점이

좆돼버렸다고 할 수 있다

* 설상가상으로 대가들 역시
* 죽음 등으로 인해
* 뮤지컬계를 떠나게 되었음
* (제롬 로빈스, 마이클 베넷, 고워 챔피온, 밥 파시 등)

결국 1980년대 중반 쯤에 가서는

뮤지컬계는 완전 고통의

초상집 분위기였다고 할 수 있다

* 결국 이때에는 브로드웨이에서
* 2년 반동안 1000회 이상 공연하는
* 장기 흥행작도 없어졌다고 한다

한술 더 떠서 스티븐 손드하임은 작품성은 있었지만

대중성 따위 신경쓰지 않는 마이웨이를 걸었으며

당시에 뉴미디어였던 MTV와

마돈나, 마이클 잭슨 등에 의해 주도된

80년대에 대중화된 신종의 '보는 음악' 장르 역시

장르 가뭄을 가속화시켰다고 볼 수 있다

* 이런 상황에도 불구하고
* 뮤지컬계는 보수적으로 행동했는지
* 무대만 웅장하게 만들어서
* 흥행을 잡으려고 하다가
* 결국 ~~좆~~망했다고 한다.

결국 당시 뮤지컬계는 리바이벌 작품 따위로 연명하는 신세로 추락했으며

물가 인상을 고려하면 극장 수입 역시 반토막났다고 한다

## 빅 리버(1985)

로저 밀러가 작곡하여 컨트리 음악을 사용한 뮤지컬

* '허클베리 핀'을 각색한 내용 때문에
* 마크 트웨인, 톰 소여, 허클베리 핀같은
* 캐릭터가 등장하는 기발한 구성

침체기에도 불구하고 장기 흥행 및 쩔어주는 수상 실적을 누렸으며

또한 2003년에 수화 뮤지컬로 리바이벌되기도 한 뮤지컬
1970년대 한국의 락

상위 문서: 1970년대 한국의 대중음악

## 대학가요제의 영향력

대학가요제를 통해

박정희의 대마초 탄압으로

어쨌거나 1970년대 중반경부터

공백기가 생긴 신중현의 자리를

새로운 아티스트들이 차지하게 된

계기가 마련되었다고 볼 수 있다

* 샌드 페블즈같은 밴드들이 배출되기도 하였다

## 당시의 주요 락 밴드들

산울림

이치현과 벗님들

사랑과 평화

* '한동안 뜸했었지'로 유명함

샌드 페블즈

* 제 1회 대학가요제에서 대상을 차지한
* 동명의 서울대 스쿨밴드 출신 밴드 중의 하나로
* 학교 선배인 산울림의 베이시스트 '김창훈'이
* 곡을 제공해준 밴드이기도 함
* '나 어떡해' 등의 명곡으로 유명함
* 국내 최고 학벌에다 음악적 재능을 겸비해서
* 많은 인기를 누렸다고 함

활주로(송골매의 전신)

* 송골매 문서 참조

블랙 테트라

* 활주로와 함께 해변가요제에 출전하여 '구름과 나'를 발표해
* 당시 활주로보다 좋은 성적(금상)을 내어 유명해진 밴드로
* 걸출한 보컬리스트인 '구창모'가 소속되었음
* 하지만 장수하진 못한 밴드이기도 함

'작은 거인'의 김수철

* 리더인 김수철로 유명했으며
* 대학가요제는 아니지만
* 그런 당시 트렌드에 편승한 듯한
* 청년 지향의 프로그램을 통해
* 여러 대학 출신의 학생들끼리 조직한
* '작은 거인'이란 밴드로써 데뷔했다고 한다
* 김수철은 밴드 해체 후에도 솔로로써도 성공했으며
* 국악과의 퓨전을 통한 실험성을 추구했음
* 부산일보의 기사 참조
1960년대의 영미권 음악/연도별 흑인음악 주요 앨범 리스트

상위 문서: 1960년대의 영미권 음악, 흑인 음악

같이 보기: 1960년대의 재즈

## 1965년

* The Supremes - Where Did Our Love Go
* The Impressions - People Get Ready
* The Temptations - The Temptations Sing Smokey
* Ramsey Lewis Trio - The In Crowd
* Otis Redding - Otis Blue/Otis Redding Sings Soul
* The Temptations - The Temptin' Temptations

## 1966년

* The Temptations - The Temptin' Temptations
* Smokey Robinson & the Miracles - Going to a Go-Go
* The Supremes - I Hear a Symphony
* The Temptations - Gettin' Ready
* Sam and Dave - Hold On, I'm Comin'
* The Supremes - The Supremes A' Go-Go

## 1967년

* The Supremes - The Supremes Sing Holland–Dozier–Holland
* Cannonball Adderley - Mercy, Mercy, Mercy! Live at "The Club"
* Aretha Franklin - I Never Loved a Man the Way I Love You
* The Temptations - The Temptations with a Lot o' Soul
* The Supremes - Greatest Hits

## 1968년

* Otis Redding - The History of Otis Redding
* Aretha Franklin - Lady Soul
* Otis Redding - The Dock of the Bay
* The Temptations - The Temptations Wish It Would Rain
* Aretha Franklin - Aretha Now
* Diana Ross & the Supremes and The Temptations - Diana Ross & the Supremes Join the Temptations

## 1969년

* Diana Ross & the Supremes and The Temptations - Diana Ross & the Supremes Join the Temptations
* TCB - Diana Ross & the Supremes with The Temptations
* Aretha Franklin - Soul '69
* The Temptations - Cloud Nine
* David Ruffin - My Whole World Ended
* Isaac Hayes - Hot Buttered Soul
그라인드코어

주로 쓰는 악기
 파생된 장르
 데스그라인드, 일렉트로그라인드

## 그라인드코어가 생겨나는데 영향을 준 요인

테이프교환 문화, 자가 프로듀싱

아티스트

* Siege
	+ 미국 고전 하드코어 펑크 밴드(Minor Threat, Black Flag, Void), 기타 영국밴드(Discharge, Venom, and Motörhead)에 영향 받음
* Repulsion

영국 그라인드코어에 영향 준 장르와 아티스트

* 미국 하드코어 펑크(Septic Death 등)
* 스웨덴 D-비트
* Discharge, Disorder
* 쓰래쉬 메탈(Hellhammer)
* Amebix, Throbbing Gristle, Dirty Rotten Imbeciles
* 포스트 펑크(Killing Joke, Joy Division)

## 대표적인 영국 그라인드 코어 작품 목록

Napalm Death - Scum(full album)

Napalm Death - From Enslavement to Obliteration(full album)

Napalm Death - Mentally Murdered(full EP)

Napalm Death - Harmony Corruption(full album)

Napalm Death - Mass Appeal Madness(full EP)

Napalm Death - Utopia Banished(full album)

Napalm Death -  Nazi Punks Fuck Off(full EP)

Extreme Noise Terror -  A Holocaust in Your Head(full album)

Extreme Noise Terror - Retro-bution(full album)

Sore Throat의 곡들

## 대표적인 북미 그라인드코어 작품 목록

Terrorizer - World Downfall(full album)

Assück의 곡들

Anal Cunt - Everyone Should Be Killed(full album)

Anal Cunt - Top 40 Hits(full album)

Discordance Axis - Ulterior(full album)

Agoraphobic Nosebleed - 30 Song Demo(Side A)

Agoraphobic Nosebleed - 30 Song Demo(Side B)

Impetigo의 곡들

## 대표적인 대륙유럽 그라인드코어 작품 목록

Agathocles - Theatric symbolisation of life[FULL ALBUM]

Agathocles - Black Clouds Determinate(full album)

Agathocles - Razor Sharp Daggers(full album)

Fear of God의 곡들

EXTREME SMOKE 57 – Open Your Eyes… & Die!(demo 1991)

Nasum – Industrislaven(full EP)

Rotten Sound – Sick Bastard(full EP)

Rotten Sound – Psychotic Veterinarian(full EP)

## 기타 지역의 그라인드코어 작품 목록

Brujeria - Matando Güeros(full album)

Brujeria - Raza Odiada(full album)
1940년대의 영미권 음악

상위 문서: 1940년대, 팝

## 년도별 주요 앨범 리스트

1945년

* Original Cast - Song of Norway
* Bing Crosby - Selections from Going My Way
* On the Moon-Beam - Vaughn Monroe
* Bing Crosby - Merry Christmas

1946년

* On the Moon-Beam - Vaughn Monroe
* Bing Crosby - Merry Christmas
* State Fair - Dick Haymes
* The Voice of Frank Sinatra - Frank Sinatra
* Benny Goodman Sextet - Benny Goodman Sextet
* Bing Crosby - Merry Christmas

1947년

* Bing Crosby - Merry Christmas
* Al Jolson - Al Jolson, Vol. 1

1948년

* Down Memory Lane - Vaughn Monroe
* A Presentation of Progressive Jazz - Stan Kenton
* Bing Crosby - Merry Christmas

1949년

* Bing Crosby - Merry Christmas
* Words and Music - Soundtrack
* Kiss Me, Kate - Original Cast
* South Pacific - Original Cast
* Bing Crosby - Merry Christmas
1980년대의 락

상위 문서: 1980년대의 영미권 음악

같이 보기: 1980년대의 락 차트

개요
--

레이건 시대의 보수적, 신자유주의적 분위기 속에서

음악계가 좀 더 기업화, 상업화하는 경향이 있었다고 함

이런 메인스트림은 주로 헤비메탈 등이 이끌었으며

인디쪽은 뉴 웨이브가 주류였다고 할 수 있음음,

* 대체적으로 MTV 등의 영상 매스미디어로 유통되는 경향이 강했으며
* 메탈이나 펑크 계열 음악 중에서도 대중적 느낌이 가미된 팝 메탈과 뉴 웨이브가 주류였다고 한다

한편 CMJ라는 잡지도 나름대로의 메이저한 지분을 차지하여 대학 인디 음악을 주도했다고 한다

## 대표적인 장르

네오클래시컬 메탈

팝 메탈

쓰래쉬 메탈

파워 메탈

## 파생된 장르

블랙 메탈

데스 메탈

고딕 메탈

* 헤비메탈의 묵직함과 고딕 락의 어두운 분위기를 결합한 퓨전 장르
* 개인적인 안좋은 경험 및 고딕 소설에서 영감을 받아
* 어둡고 내성적인 가사가 특징임
* 클래식적인 어프로치가 보인다는 말이 있는데
* 고딕 락이 클래식적인건 아니고
* 클래식적 영향을 받은 둠 메탈에 영향을 받은 걸로 추측된다
1990년대의 뮤지컬

상위 문서: 황금기 이후의 차세대 뮤지컬들

## 당시 브로드웨이의 상황

1980년대에 영국 피를 수혈받았는데도

(로큰롤과 MTV 시대를 거친 동시에

티켓 역시 더더욱 비싸져서 그렇게 되었는지)

결국 씬의 철저한 틀딱 고인물화는 피할 수 없어서

영국 뮤지컬 비중도 1/5밖에 안되었다고 하며

뮤지컬 판 자체의 규모가 작아졌다고 한다.

* 결국 일부 계층 혹은 관광객이나 즐기던
* 소위 '즐기는 놈만 즐기는' 장르에
* 더 확실히 가까워졌다고 한다.

이런 상황에서 뮤지컬계는 추억팔이에 집중하는 전략을 택한다.

* 당연히 그런 상황에서는 자연스럽게
* 황금기 전후의 작품들을
* 리바이벌하게 될 수 밖에 없었다고 한다.

하지만 90년대 후반에 와서는 (아래 항목들에서 서술된)

영국과의 상호 영향, 디즈니의 뮤지컬계 진출 및

기타 실험적인 작품이 공존하며

양적으로 뮤지컬의 황금기와 비슷해졌다고 한다.

* 하지만 예전만큼 질적으로
* 급진적인 혁신을 거뒀다고 하기에는
* 힘든 부분이 있었다고 한다.

그럼에도 불구하고 당시는 20세기 끝자락에 온 시점에서

'새로운 세기의 뮤지컬'에 대한 담론도 활발했다고 한다.

## 디즈니의 난입

아시다시피 디즈니는 전통적으로

(동화적인) 애니메이션에 뮤지컬을 집어넣는,

지극히 미국적인 전통이 있다고 할 수 있겠다.

* 이렇던 회사가 결국 1990년대에는
* 브로드웨이에도 기웃거려서 결국 성공을 맛본다.

디즈니는 자사의 애니메이션 원작인 '미녀와 야수'를 시작으로,

'라이온 킹', '아이다' 등을 뮤지컬화하여, 큰 성공을 거두게 된다.

* 당연히 전통적 고인물 평론가들은
* 감히 유치한 애니 회사가 브로드웨이를 기웃거린다고
* 당연히 탐탁치 않게 생각했다고 하지만
* 결국 디즈니는 새로운 '가족 뮤지컬' 패러다임을 개척하는
* 발상의 전환을 이룩하여 성공을 거뒀다고 한다.
* (게다가 '아이다'는 애니 원작도 아닌
* 유명한 정식 오페라 원작이었다.)

## 디즈니의 '역발상' 전략

디즈니의 '발상의 전환'은 비단

'가족 뮤지컬'의 새로운

패러다임 구축에만 국한된 게 아니었다.

* '모자처럼 쓰는 가면' 등
* 창의적이면서도 다문화적인
* 소품의 시각적 압도 역시
* 한 몫을 했다고 한다

게다가 결정적으로 이들의 뮤지컬은 애니 원작이다 보니

사실상 새로운 캐릭터 해석의 여지도 없으면서도

분장의 비중도 역시 크다고 말할수도 있음

* 그런 이유로 기존 백인 주류 뮤지컬계에서 제대로 빛을 못보던
* 흑인 및 기타 소수 인종들 역시 뮤지컬계로 진출할 수 있는
* 문호 확장의 효과에도 공헌했다고도 말할 수 있다.

거기에 '공포의 꽃집' 등으로도 유명한

디즈니의 유명 작곡가인

'앨런 맨켄' 및 '엘튼 존' 등을 포함한

거물급 뮤지션 등의 참여도

거들었다고 할 수 있다.

## 당시의 실험적인 작품들

당시 브로드웨이는 추억팔이에 기댄 편이긴 했지만

실험적인 작품 역시 제법 나왔다고 한다

* 이미 1989년에는 무성영화 시대 배경으로
* 1930년대풍 재즈 음악 스타일을 차용한
* '천사들의 도시' 같은 게 나왔다고 한다.

그 이후 1990년애는 더 후의 '토미' 역시 이 때에 뮤지컬화 되었다고 한다

* 물론 이 작품은 무대효과 및 내용 순화를 통해
* 원작의 엽기성을 대폭 수정하여
* 대중적으로 바꾼 케이스라고 할 수 있다.

이후 동성애 코드를 순화하여

 남미의 독재 탄압의 요소를 넣은

 캔더와 엡 콤비의 '거미 여인의 키스'가

 미국 밖에서 먼저 주목을 받아서 성공했으며

그밖에도 이 시기에 손드하임의

'열정' 역시 개막하여 성공을 거두는 등,

브로드웨이는 80년대 런던이 주도하던

뮤지컬계의 상황을 벗어나서

디즈니도 가세하는 등 나름대로 체면을

차릴 정도가 되었다고 한다.

* 푸치니의 '라 보엠'의 요소를 메인으로
* 당시 젊은이들이 처한 문제 및
* 동성애, 심지어는
* 에이즈까지 포용하는 동시에
* 이런 젊은이들의 희노애락을
* 사실적으로 묘사하여
* 뮤지컬사에서 의미있는
* 문제작이라고 할 수 있는 '렌트' 역시
* 이 시대의 작품에 속한다.

이런 작품들을 통해서 뮤지컬이

발표작의 가짓수 면뿐만 아니라

이런 식으로 변화된 시대를 반영한

새로운 작품들 역시 공존하여

다양성을 선보이게 되면서

'뮤지컬의 황금기' 시대 못지 않게 될 정도로

뮤지컬 판이 양적으로 커졌다고 한다.

* 물론 그 이전처럼 뮤지컬사를 뒤흔들
* 혁명적이고 혁신적 내용까지는 아니다 보니
* 역사적으로 딱히 대단한 평가를
* 받지 못했기도 했다고 한다.

## 90년대의 브로드웨이와 웨스트엔드(런던)

기본적으로 미국과 영국은 언어권이 같긴 하지만

나라 및 지역이 다르다보니 뮤지컬 성향도 좀 다르다고 할 수 있겠다

* 영국과 미국은 서로 유머 감각도 다르고
* '진지함'을 받아들이는 방식도
* 좀 다르다고 할 수 있겠다.

그런 이유로 영국에서 특히 흥하는 뮤지컬이

미국에서는 외면받는다던가,

그 반대 역시 흔하게 일어났다고 한다.

* 영국 외의 외국산 뮤지컬들 역시
* 미국에 진출해서 반응을 잘 못
* 얻어내는 경우가 많았다고 한다.

그밖에도 자국에서 인정받지 못하다가

외국에서 더 인기를 누린 작품들도 있다.

## 90년대의 미국적 뮤지컬 작품들

프랭크 와일드혼 작곡의 '지킬 앤 하이드' 등이 있었다.

* 영국 소설 내용을 원작으로 하여
* 이를 미국 정서와 대중적 입맛에 맞게 수정, 순화한
* 가족 뮤지컬 스타일이라고 할 수 있으며
* 그 ~~금지곡으로 악명높은~~유명한
* '지금 이 순간' 등의 수록곡이 유명하다

## 90년대 이후의 프랑스 뮤지컬들

90년대 이후에는 프랑스 뮤지컬이

본격적으로 세계적인 영향력을

떨치기 시작했다고 할 수 있다.

* 그 중에서도 특히 한국에서의 반응이
* 열광적인 편이었다고 할 수 있다.
3화음

상위 문서: 화음

같이 보기: 7화음

정의
--

어떤 음 위로 3도씩 두 번 쌓아올린 화음

* 이렇게 쌓은 중간의 음이 3음, 맨 위의 음이 5음이 된다

클래식에서는 3화음을 기본적인 형태로 보는 경향이 있음

## 주요 3화음

   말 그대로 조성을 구성하는 주요적인 3화음을 의미

'I', 'IV', 'V'가 있다

## 부(3)화음

주요3화음을 대체할 수 있는 화음

'IVm', 'IIm', 'VIIdim', 'IIIm'(현대 재즈화성학에서) 가 있다

## 부3화음의 원리

Scale degree name에 따라

6도화음은 1도화음처럼 Tonic tone과 Mediant라는 Tonic화음의 기능을 하는 필수적인 요소가 있고

2도화음은 4도화음처럼 SubDominant tone와 SubMediant라는 SubDominant화음의 기능을 하는 필수적인 요소가 있으며

7도화음 역시 5도화음처럼 Leading tone이라는 Dominant화음의 기능을 하는 필수적인 요소를 공통적으로 가지므로

이 3개는 부3화음이 된다

* 다만, 3도화음은 5도화음처럼 Dominant tone과 Leading tone을 공통적으로 가지지만,
* 토닉코드의 3음인 Mediant를 근음으로 가지고 있으므로 모순이 되므로
* Dominant 화음으로 쓰지 않는다는 말이 존재한다.

물론 일부 관점에 따라서는 이 3도 화음이

Dominant 기능을 한다고 보는 경우도 있으니

관점을 어느 정도는 유연하게 가지고 봐도 좋다고 한다.

## 장조에서의 3화음

1, 4, 5도화음의 경우 장3화음

* (으뜸음을 대문자로 표기)

2, 3, 6도화음의 경우 단3화음

* (으뜸음을 소문자로 표기하거나
* 대문자 으뜸음 뒤에 m을 붙여 표기)

그리고 7도화음의 경우

감3화음이 되는 특징을 가지고 있음

* (으뜸음을 소문자로 표기하고 그 뒤에 'o'를 붙여서 표기하거나
* 아니면 대문자로 표기한 으뜸음 뒤에 'dim'을 적어서 표기함)

## 단조에서의 3화음

단조의 경우 화성단음계 덕분에 7도음이 이끔음이 될 수도 있고

반음 더 낮은 아래으뜸음(subtonic)이 될 수 있으므로

3, 5, 6도화음이 장3화음, 1, 4도화음이 단3화음,

2, 7도에서 감3화음이 만들어짐.

* 7도의 경우 화성단음계 덕분에 장7화음 형태도 가능하다

3도화음의 경우 증화음 형태는 잘 안 쓰이는데,

왜냐하면 으뜸음을 가진 화음이 4도이기도 해서이며

이 4도화음은 T 기능을 갖고 있지 않으므로 그렇다고 한다.
12세기의 오르가눔

같이 보기: 대위법

## 장식 오르가눔의 등장

12세기경부터 작곡가들이

정해진 선율로 된 주성부를 그대로 유지한 채

자유롭게 꾸밀 수 있는 오르가눔 성부에

음악적 장식을 하게 되어

새로운 양식의 오르가눔이 나오게 됨

## 장식 오르가눔의 의미

(12세기 이전의 것과는 다르게)

주성부의 한 음에

여러 음으로 된 멜리스마를

오르가눔 성부에 사용하는 것

## 관련된 예시

12세기 초 프랑스 남서부에서 만들어졌다고 추측되는 어떤 작품의 경우

오르가눔 성부가 그레고리오 성가이며

주성부는 따로 작곡된 곡이라고 함

주성부와 오르가눔 성부가 실러블, 멜리스마, 네우마 부분으로 구성됨

* 실러블 부분에서 두 성부가 병진행보다 반진행이 더 많이 사용된다고 함
가스펠

상위 문서: 흑인 음악

 주로 쓰는 악기
 파생된 형태
 크리스찬 컨트리

특징
--

아프리카식 콜 앤 리스폰스와

그레고리오 성가 혹은 예배 등에서 드러나는

낭독-응창(교독)식이 결합되었다고 볼 수 있음

## 가스펠의 종교성

개개인의 감정 표현보다는 예배를 위한

종교적 신앙 공감, 공유에 좀 더 중점이 있다고 할 수 있음

(그래서 공동체적이며 같은 종교를 가진 사람들끼리는

보편적으로 외연확장이 가능한 부분도 있었다고 함)

* 하지만 이미 1930년대 중반 이후에는 교회 음악이라는 한계를 벗어나
* 좀 더 상업화되고 세속적인 곳에서도 공연하기 시작했음

1950년대에는 전자 악기, 금관악기,

현악기, 타악기 등도 사용되었으며

남성 가스펠 단원도 생기기 시작했음

* 이런 식으로 세속화된 부분도 컸으며
* 시대적인 상황에 따라 변화, 발전도 있었음

## 가스펠의 전파

다른 흑인 음악과 마찬가지로

가스펠 역시 민스트럴 쇼를 통해

백인 사회로 유입될 수 있었다는 주장이 있음
고전 화성학에서의 7th 코드 사용법

상위 문서: 코드

설명
--

고전적 화성학의 관점에서도 세븐스 코드를 허용하지만, 과거의 관점에서는, 세븐스 코드를 그냥 쓴다면 7음이 매우 자극적이라고 생각했는지(밥이나 고추도 없이 고추장을 퍼먹는 느낌일런지), 조건을 달거나 기타 특정한 설계를 만들어 7음을 2도 아래로 내려서 해결하는 틀 안에서 세븐스 코드를 쓰도록 되어 있다.

## 7음을 2도 아래로 해결하는 조건 하에서 사용하는 방식

보이싱을 이용해 예비음을 만든 후 7음을 2도 아래로 해결하는 방식이 사용된다

   이 때, 해결하는 음이 들어가는 코드는, 어떤 코드가 들어가도 상관이 없다

심지어, 3도화음도 가능하다

## 3전위를 이용하는 방식(7음을 베이스로 둔 후 2도 하행하는 방식)

이번에는 3전위를 먼저 쓰고 2도 하행하는 베이스가 있는 어떤 코드로 해결하는 기법을 통해 3전위를 쓰는 조건으로 세븐스 코드를 사용할 수 있다

3전위를 이용해 7음을 베이스로 둔 후 2도 하행하는 베이스가 있는 코드로 진행시켜 (고전 화성학에서 자극적으로 간주되는 7음을) 해결한다는 것이다.

원리만 쉽게 말하자면, 위의 경우의 (3전위와 연계한) 베이스 버전이라는 것이다.

예를 들어 Am - Am/G - F 등의 코드진행이 이 방식을 사용해서 만들어지는 것이다
고전파 시대의 교향곡

기원
--

빠-느-빠의 악장 구성을 가진 것으로 유명한

바로크 시대의 나폴리 오페라 서곡에서 기원을 둔 형식임

* 하지만 전고전파 시대를 거치면서
* 고전파 기악 음악의 기본 형식이라고 할 수 있는
* 고전파 시대의 소나타 형식으로 바뀌게 되었음

그런 이유로 고전파 시대에 비로소

교향곡이라는 장르가

본격적으로 생겼다고 함

* 참고로 바로크 시대의 프랑스 서곡의 경우 느-빠-느이며
* 북이태리 교회소나타 역시 빠-느-빠 구조와
* 호모포닉 양식을 종종 갖기도 했다고 한다
* (물론 토렐리 등의 바로크 시대 협주곡도 마찬가지)

그밖에도 가톨릭교회 미사용으로 연주된 음악에도 영향을 받았다고 하며

관현악 모음곡 역시 교향곡에서 흔히 사용된 두 도막 형식의 기원으로 여겨진다

* 결론적으로, 교향곡의 기원은 여러 군데에서 잡을 수 있다는 의미

## 최초의 교향곡으로 여겨지는 작품

삼마르티니의 교향곡 F장조(32번)이 최초라고 여겨진다

* 제1, 제2바이올린, 비올라, 첼로, 그리고
* 베이스 비올, 하프시코드, 바순으로 이루어진
* 숫자저음 반주 편성이며
* 역시 빠-느-빠 순의 3악장 형식이다

바로크와 고전파 시대 사이의 과도기 문서도 참조 바람

## 확산, 발전 및 정립

이탈리아에서 시작된 교향곡은

이태리 밖인 독일, 오스트리아,

프랑스, 영국으로 퍼져나갔음

* 그 중에서도 만하임에서 교향곡이 우세했다고 함

그리고 고전파 시대의 표준적 교향곡의 경우

이후 하이든 시대에 와서

하이든에 의해 정립되었다고 한다.

* 더 나중에는 모차르트를 거쳐
* 그 이후 베토벤이 고전파 시대의 교향곡을
* 최고조로 발전시켰다고 한다.

하이든과 모차르트는 원래

바로크 시대의 나폴리 오페라 서곡처럼

3악장 체계를 따르긴 했지만

점차적으로 4악장 구조를 주도적으로 사용했다

* 결국 독일 쪽에서 융성한 것도 맞음

## 교향곡의 어원

교향곡은 영어로 '심포니'라고도 불리는데

교향곡의 조상격이라고 할 수 있는 (나폴리 오페라) 서곡 역시

'신포니아'라는 이름으로 불렸다.

* 신포니아든 심포니든 어쨌거나
* 그리스어로 '함께'(sin) '울린다'(fonia)라는 의미이므로
* 이름만 듣고도 교향곡의 성격을 짐작할 수 있는 것이다.

교향곡이 바로크 시대의

나폴리 오페라 서곡에서 영향받았으므로

서곡이든 이후 고전파 교향곡이든 둘다

빠-느-빠(내지는 활발한 분위기) 구성을 취하고 있다.

## 협주곡과의 차이

협주곡과는 다르게, 관현악과 독주자 간의 구분 없이 본래 호모포닉한 양식으로 구성됨

## 고전파 시대와 교향곡의 관계

교향곡은 18세기 내내 음악회에서

가장 주된 레퍼토리로 취급되었을 정도로

중요한 지위로 올라섰음

* 특히 18세기 말쯤 되면은
* 교향곡이 기악음악의
* 정점이 될 정도라고
* 여겨지게 되었을 정도였음

## 고전파 시대 교향곡의 악기 편성법

목관악기(일명 '2관 편성')

* 플룻 2대
* 오보에 2대
* 클라리넷 2대
* 바순 2대

금관악기(목관악기의 수가 늘어남에 따라 금관악기 수 역시 결정될 수 있다)

* 트럼펫 2대
* 호른 2대

팀파니 2대

현악기

* 제1, 2 바이올린(제1바이올린이 주제를 이끔)
* 비올라
* 첼로
* 콘트라베이스

## 고전파 교향곡의 4악장 구조

 2악장
 3악장
 4악장

## 대표적인 음악가

당연히 그 유명하신 하모베 라인(...)이라고 할 수 있다

* 하이든(교향곡을 100곡 넘게 다작했으며 부제가 많음)
* 모차르트
* 베토벤

모두 빈에서 활동했었다

## 교향곡의 발상지 및 주요 지역별 음악가 목록

밀라노(최초 발상지로 여겨짐)

* 갈루피,
* 좀멜리,
* 페르골레지
* 삼마르티니

베를린

* C.P.E. Bach(임마누엘 바흐)

오스트리아 빈(비엔나 악파 1세대)

* 게오르크 마티아스 몬(초기)
* 바겐자일(초기)
* 호프만(초기)
* 디터스도르프(초기)
* 하이든(이후)
* 모차르트(이후)
* 베토벤(이후)

만하임 악파

* 해당 문서 참조

파리

* 고세크(벨기에 출신)

※ 오케스트라 음악이라는 특성상 질풍노도 양식과 연관이 있는 듯 하다

* 위 음악가들이 활동한 시기라고 할 수 있는
* 바로크와 고전파 시대 사이의 과도기 문서도 참조 바람

※ 그리고 J.C 바흐 역시 매우 선율적인 60여곡의 교향곡을 작곡했다고 한다.

## 교향곡에 있어서 삼마르티니의 영향력

교향곡의 전신이라고 할 수 있는 서곡 부분을

별개의 작품으로 만들어 연주하게 했다.

* 그리고 그는 교향곡(신포니아) 70여곡을 작곡했다고 한다.

교향곡 발달에 있어서 만하임 악파의 영향력이 개입한 것도

삼마르티니 시대 이후라고 할 수 있음

## 바겐자일

대조적인 1악장 주제군이 있는 특징적인 교향곡을 작곡했음

* 이런 음악적 특성은 이후 모차르트에 중요한 영향을 끼쳤음

## 고전파 시대 교향곡과 파리와의 관계

18세기 중반 파리는 작곡과 출판의 중요한 중심지였음

* 그래서 당시 삼마르티니, 슈타미츠, 바겐자일 등의 음악가들도 파리로 몰려들었으며
* '가보트'를 작곡한 것으로 유명한 벨기에 출신 고세크도 파리로 건너와
* 교향곡, 현악사중주, 희극 오페라를 이끄는 주요 프랑스 작곡가로 자리매김했음
D-비트

문화적 기원
 주로 쓰는 악기
 파생된 장르

## D-비트의 기원이 되는 작품

Buzzcocks - You Tear Me Up

Rude Kids - Marquee

## 대표적인 곡 모음

Discharge - Hear Nothing See Nothing Say Nothing(full album)

Moderat Likvidation - Moderat likvidation(full EP)

Mob 47 - Hardcore Attack(full album)

Mob 47 - Kärnvapen attack(full EP)

Avskum - Crucified by the System(full EP)

Ratos de Porão - Crucificados Pelo Sistema(full album)
글렌 밀러

상위 문서: 1940년대의 스윙 밴드

설명
--

1940년대의 주요 스윙 밴드 리더

## 음악적 특징

* 백인 주류사회를 겨냥하여
* 클라리넷과 색소폰을 화사하게 뒤섞어서
* 무결점의 사운드로 음악을 편곡했음

* 관객들의 니즈를 잘 간파해
* 여과되지 않은 선율
* 부드럽고 춤추기 좋은 리듬
* 탁월한 사운드를 선보였음
	+ 이를 위해 클라리넷이 곁들여진 색소폰 파트를 전체 사운드 맨 위로 올려놨으며
	+ 이 결과로 따뜻하고 달콤한 음색을 낼 수 있었다고 함

생애
--

1920년대를 거치면서 베니 굿맨처럼 젊고 의욕적인 빅 밴드 연주자가 되었음

하지만 베니 굿맨이 히트칠때인 1935년에도 여전히 리더가 되지 못했음

* 대신 덜 유명한 밴드를 훈련시키는 일을 했다고 함

마침내 1938년 글렌 밀러 자신도 밴드를 갖게 되었으며

1940년대 초(1942년)에는 비로소 히트를 치기 시작했다고 함

* 문라이트 세레나데
* 인 더 무드
* 채터누가 추추 등등...

## 참조 링크

나무위키의 링크

영문위키의 링크

일본어 위키의 링크
낭만파 음악/다양한 사조의 부상

상위 문서: 낭만파 음악/시대적 상황, 낭만파 음악

설명
--

낭만주의 외에도 민족주의 개념 역시 싹트기 시작했다고 한다.

* 낭만주의는 개인적이고 민족주의는 집단적이므로
* 낭만주의와 민족주의는 서로 상반되는 느낌이 있다고 한다

그밖에도 격동의 시기를 거치면서

변화된 시대 이전에 대한 재평가로 인해

역사주의 사조 역시 본격적으로 나타나게 되었음

* 역사주의 및 낭만주의 사조의 반동으로
* 19세기 후반에는 사실주의 및 자연주의 역시
* 모든 예술 분야에 나타나기 시작했다고 한다

결론적으로, 이 시기 동안에는

판타지 등의 특징이 있는 낭만주의뿐만 아니라

민주주의, 이성중심주의 등

다양하고 서로 모순적인 관계에 있는

미학적 운동이 일어났음

## 역사주의

이전에 경시되었던 중세 문명이 재평가되었고

단테, 셰익스피어, 세르반테스 등의 문학이 새로운 조명을 받았음

* 당연히 음악계에도 이런 영향으로
* 음악사적 조상을 발굴하기 위해
* 팔레스트리나, 요한 세바스찬 바흐 등의
* 부흥 운동도 일어났음

그러니까 비로소 1800년이 되어서야

바흐의 평균율곡집이 출판되었으며

1802년에 요한 니콜라우스 포르켈이

전기를 출간한 후에야

바흐가 비로소 재조명되었다는 의미임

* 당시에 와서야 바흐 재발굴 운동이 독일에서 활발했다고 함

이때부터 비로소 음악계에서도

바흐 이후의 선배 작곡가들을 의식하면서

음악 발전사에도 영향을 주었다고 한다.

* 고전파 시대만 해도
* 바흐 자식들이라는 이유로
* 아빠를 의식하지 않고
* 그냥 시류에 따라
* 아빠와는 그냥
* 아무 관계도 없는
* 음악을 하는 식이었음

결국 이 시대부터 본격적으로

오르간 음악이나 오라토리오같은 장르의 곡들도

바흐, 헨델 이후의 대선배와 연관이 있거나

최소한 그들을 의식하고 만들어졌다는 의미임

* 로마 가톨릭 성가의 원류를 찾는
* 성 세실리아 운동도 발생하여
* 다수의 종교음악을 작곡한 리스트는
* 1834년 '교회음악의 미래'라는 글을 발표하고
* 교회음악과 대중이 더욱 가까워질 것을 제안했음

## 민족주의

음악에서 민족주의를 한마디로 요약하자면 다음과 같다

* Herder(1744-1803 독일 사상가)의 사상:
* 민요는 그 국가의 진정한 정신을 담고 있다

민족주의 작곡가들은

(이때까지 무시당했던)

민요선율, 민속 춤을

주요 소재로 사용하는 등

민족의식을 드러내려고 했음

* 그만큼 예술가들의 출신 지역과
* 음악적 표현 양식 사이의 연관성이
* 중요해지기 시작했다는 의미이며
* 여기에 낭만주의적 경향이 곁들여져
* 각 나라 고유의 민족주의 음악이 탄생했음

19세기 후반에 오면 좀 더 비서구 음악 특유의 이국적이고 지방색 강한 성격이 드러나서

독일 ,프랑스, 이태리같은 기존 서유럽, 그것도 유럽대륙 지역 중심이 아닌

러시아, 스칸디나비아 반도, 동유럽(합스부르크 제국 등), 영미권 음악 등도 부상하게 된다.

* 역시 이런 (지역의) 음악들은
* 기존의 서유럽의 클래식 주류 국가 음악처럼
* 전형적이고 균형미가 돋보인다기 보다는
* 거기서 벗어나서 좀 더 흥미진진하고
* 신비로운 느낌이 강했다고 한다.

아이러니하게도 식민피해국도, 가해국에서도 둘다

민족적 요소를 사용해서 음악을 만드는 움직임이 있었다고 한다

* 식민가해국에서 문화를 전유하는 경우 '식민주의'라고 하며
* '아이다'라는 대규모 오페라도 그런 경우에 속한다고 한다

그만큼 자기 동네를 반영한 음악이 당시에는 참신하게 느껴졌다고 한다

* (더 자세히 알고 싶다면
* 낭만파 시대의 민족주의적 교향곡과 교향시,
* 후기 낭만파 음악 문서도 참조 바람)

## 당시 음악가들이 음악을 보는 관점

크게 절대음악적 관점과

표제음악적 관점으로

나눠볼 수 있음

* 하지만 이 둘은 의외로
* '(추상성을 가진) 음 그 자체를
* (때로는 종교 수준으로)
* 중시한다'는 점에서
* 맥이 같다고 볼 수 있음
11세기의 오르가눔

같이 보기: 대위법

설명
--

오르가눔 성부가

10세기까지의 초기 오르가눔보다

좀 더 선율 진행적으로 상당히 자유로워짐

## 더 자세한 설명

오르가눔 성부가 초기 오르가눔 형태뿐만 아니라

(병진행을 반드시 하지 않아도)

반진행, 사진행도 허용되기 시작하며

가끔 오르가눔 성부와 주성부의 음역이 교차되는 경우도 있음

* 이런 식으로 오르가눔 성부의 선율 진행이 자유로워지면서
* 독립된 선율을 이루게 되고
* 이때부터 오르가눔 성부가
* 주성부보다 더 높은 음역을 차지하는 경우가 더 많아짐

한계
--

그럼에도 불구하고

아직은 주로 unison(모두 같은 음), 완전4, 5도, 옥타브가 사용됨
낭만파 음악

상위 문서: 산업혁명기의 음악

## 낭만파 음악과 관련된 사조의 대략적 특징

주관적, 감성적임

* 지적이고 이성적이고 형식적인
* 고전파 음악에 반발하여
* 인간의 본능과 느낌에 충실했으므로
* 보이는 것, 아는 것, 상상한 것들에 기반한
* (낭만파) 음악을 추구했음

고전파 음악은 그리스 철학적으로 이성, 객관, 윤리적인 에토스 개념 -

* 아폴로 신적인 개념에 속한다고 볼 수 있고

낭만파 음악은 그리스 철학적으로 정열, 충동적인 파토스 개념 -

* 디오니소스 신적인 낭만주의 미학에 속한다고 볼 수 있음

당연히 형식적으로도 단순하고 갑갑한 부분이 있던 고전파 형식에서

전체적인 틀은 이어져 오긴 하지만 조금씩 일탈해가는 면모를 보여

초자연적인 중세 판타지, 마녀사냥, 추악함 등도 자유롭게 표현하려고 했음

* (현대 음악으로 가면 더더욱 틀도 벗어던지고
* 기존의 클래식이라고 볼 수 없을 정도의
* 막장적인 파격 실험이 잦아진다)

이런 ~~갬~~감성적 특성상

문학(시, 소설, 희곡 등),

미술 등의 다른 예술 분야와도

많이 엮이던 사조이기도 하며

당시의 음악 역시 이에 많은 영향을 받아

표현력이 발전하는 시대이기도 했다.

* 더 자세한 내용은 낭만파 음악/다양한 사조의 부상 문서 참조

## 고전파 음악과의 비교

낭만파 시대에도 고전파 시대의 형식적 특징이 전반적으로 이어지는 부분이 있긴 하다.

* 애초에 모차르트 시대부터 음악이 슬슬 변화하기 시작하므로
* 고전파와 낭만파 시대를 칼로 무 자르듯 나누기도 힘들며
* 기악음악에 소나타 알레그로 형식이 사용되는 것도 고전파 시대와 같긴 하다.

하지만 낭만시대에 곡 길이와 오케스트라 규모,

그리고 음색, 다이내믹, 음역, 화성 등이 확장된다.

* 오페라의 경우 독창자중심이었던 바로크에서
* 고전시대에 와서 글루크가 중창합창도 넣고 개혁하여
* 화려한 변화를 선보이기 시작했으며
* 이런 경향이 낭만파 음악에서도 이어진다고 볼 수 있다.

옛날에도 이런 장르가 존재하긴 했지만

피아노 개량 및 중산층 비중 및 위상 확대에 의해

피아노의 다량 보급이 시작되면서

리트(가곡)와 피아노 소품이 낭만파 시대부터

본격적으로 시작되었다

* 슈만의 녹턴이 대표적인 작품이라고 할 수 있다.

그밖에도 낭만파 시대 특성상 교향곡에서 시적인 것이 반영된 교향시 개념이 등장하게 되었다

* 낭만파 시대의 음악적 특징 문서도 같이 참조 바람

## 낭만파 음악의 주요 장르

보컬과 피아노 편성의 예술 가곡

* (art song for voice and piano)

특징소품 혹은 성격소품(캐릭터 피스, character pieces for piano)

* 특정 장면이나
* 인물, 배경 등을 표현한
* 피아노 작품으로
* 연가곡 식의 작법 원리를 적용한
* 슈만의 '빠삐용' 등으로 유명함

교향시

* 영어로는 symphonic poem이라고 하며
* tone poem (for orchestra)라는 용어로도 지칭함

낭만파 교향곡

* 영어로는 romantic symphony라고도 부르며
* 차이콥스키, 슈만, 멘델스존이 대표적인 작곡가이다.
* (이들은 고전파 시대의 소나타 형식을 계승, 발전시켰음)

낭만파 오페라

* 영어로는 romantic opera라고 하며
* 베르디, 생상, 베버 등
* 여러나라 오페라 작곡의
* 대가들이 존재한다

## 실용음악과의 관계

사조적으로 실용음악은 19세기 이후 음악사조의 유산을 기반으로 성장한 부분이 크다

## 낭만파 시대의 지역별 주요 작곡가들

독어권 작곡가 상당수

* 낭만파 시대 역시
* 독일 출신이 많았으며
* 그 중에서 베토벤이
* 고전파와 낭만파를 잇는
* 가교 역할을 한다고
* 보기도 한다

이태리권 작곡가 상당수

프랑스

* 마이어베어(그랜드 오페라 작곡가)
* 베를리오즈
* 쇼팽
* 생상스
* 구노
* 프랑크
* 비제
* 샤브리에
* 가브리엘 포레
* 댕디

영국

* 엘가(특유의 넓은 선율 도약 및 급격한 하행 등의 선율 윤곽으로 인해 영국 민족주의 음악가로 여겨짐)
* 보언 윌리엄스(민속적 자료를 수집하는 등 민속 전통 색채가 강한 영국 민족주의 음악가)

러시아(강력한 민족색의 러시아 민족주의 작곡가들, 특히 소위 말하는 '러시아 5인조'로 유명함)

* 낭만파 시대 러시아의 민족주의 음악 문서 참조

노르웨이

* 그리그

핀란드

* 시벨리우스

체코슬로바키아(보헤미아)

* 스메타나
* 드보르작

기타 스페인 작곡가들(생략)

미국

* 낭만파 시대의 미국 음악 문서 참조

## 낭만파 시대 이후의 음악

20세기 이후의 현대 음악이라고 할 수 있다.

* 현대 음악 문서 참조
근세 베네룩스 지방 전성기/조스캥 데 프레 시대

## 설명 및 특징

16세기 초의 베네룩스 지방 음악가는 조스캥 데 프레로 대표되긴 하지만

순전히 조스캥 데 프레 명의로 쓴 작품 전부가 직접 쓴 작품이라고 역사를 단정짓기는 힘듬

* 왜냐하면 역사적으로 아주 옛날의 일이라
* 그의 신상정보나 작품의 연도를 기록한 사료 분석이 명확하지 않아서
* 그의 확실한 생애나 그가 그 작품을 진짜 작곡했는지에 대해 헷갈리기 매우 쉬움

그럼에도 불구하고 그의 명성은 당대를 풍미했다고 볼 수 있으며

심지어는 동시대의 다른 작곡가들도 그의 명성에 기댈 정도였음

* Burkholder, J. Peter, Donald Jay Grout, and Claude V. Palisca. A History of Western Music. Ninth edition. New York, N.Y.: W. W. Norton & Company, Inc., 2014, pp. 203.
* Wegman, Rob C. "Who Was Josquin?" In *The Josquin Companion*, edited by Richard Sherr, 21–50. Oxford and New York: Oxford University Press, 2000. ISBN 0-19-816335-5. pp. 21–25.
* Reese, Gustave. "Josquin Desprez (biography)" *The New Grove Dictionary of Music and Musicians*, ed. Stanley Sadie. London, Macmillan, 1980. (20 vol.) ISBN 1-56159-174-2.

모방적 짜임새를 더 많이 사용했음

## 그가 작곡한 작품의 종류

모테트

가사그리기

미사

샹송

## 조스캥의 샹송

조스캥의 샹송인 '돈 없으면'의 경우

모방기점 기법이 곡 전체에 사용되었음

* 새로운 가사에 새 동기가 부여되고
* 이를 다른 성부들이 모방하여 도입됨
Ko Ko

상위 문서: 찰리 파커

설명
--

영국 출신의 레이 노블이 쓴 '체로키'의 코드 진행만 차용하여

* 저작권 문제를 피하려는 의도였다고 함

1945년에 녹음한 64마디의 AABA 형식의 비밥 곡

## 이 곡이 나온 시대적 배경

최소비용 기반의 인디 레이블이 나오던 시대에

그런 레이블로부터 나온 작품

* 편곡 없이 보컬이 가끔 등장하여
* 블루스를 많이 녹음하며
* 음악인들의 자율권을 인정하는 최소비용 전략을 쓴
* 레이블들이 출현하던 시기의 작품이었음

## 기타 트리비아

원래 당시 신인이었던 마일즈 데이비스가 이 곡을 연주할뻔 했지만

아직 곡의 수준을 충족할 정도로 격렬한 연주가 불가능해서

길레스피가 대타 역할을 했다고 한다

## 곡의 특징

2 코러스동안 최고조에 달한 파커의 극단적으로 빠른 연주와

역시 극단적으로 빠른 맥스 로치의 드럼이 특징임

* 이런 스타일은 이때부터 시작되었으므로
* 이 곡이 녹음된 시점으로부터 비밥의 시대가 열렸다고 보고 있다
낭만파 시대의 오페라

상위 문서: 낭만파 시대의 성악 음악

같이 보기: 오페라

## 낭만파 오페라의 발전 및 특징

당시에는 이탈리아, 프랑스, 독일을 중심으로

각 나라마다 갖고 있는 고유한 정서에 따라

다양한 오페라 형식들이 발전하여

지역별 특징이 두드러졌다고 함

* 그리고 국가별 언어적 특징에 따라
* 선율 및 리듬도 달라졌다고 한다.

이런 요소들이

각 나라별 오페라의

특징을 만들었다고 한다.

* 동시에 오페라도 교향곡과 마찬가지로
* 나라 불문하고 대형화되기 시작했음

## 당시 오페라의 시대적 상황 및 사회적 파급력

당시 귀족의 경우는 지위의 상징으로 오페라를 소비했으며

* (무대 등 자본 비용이 엄청나 티켓값도 비싸고
* 중상류층 이상의 음악이라고 할 수 있음)

한편 대중들은 편곡된 오페라 발췌곡, 서곡 등을

공공 음악회의 갈라 콘서트 등으로 경험하게 되었다고 함

* 이런 식으로 당시의 오페라는 여러 계층에 어필했다고 함

그밖의 내용은 낭만파 음악/시대적 상황 문서의

'음악 대중화에 따른 대중적 음악의 부상' 항목 참조

## 당시의 주요 오페라 작곡가들

로시니

벨리니

도니제티

베르디 등

* ※ 자세한 내용은 낭만파 시대의 이태리 오페라 문서를 중심으로 참조 바람

## 당시 유럽 오페라의 미국 진출

19세기 초 무렵

미국에서도

유럽에서 유행한

오페라가 소개되어

인기를 누렸음

* 그러면서 많은 연주자들이
* 미국에 순회공연을 왔다고 함

그리고 미국에도 자생적인

오페라를 만들려고 했는데

어설퍼서 흥행에 실패했다고 한다

* 유럽과는 다르게 지리적으로 떨어져 있다 보니
* 유럽의 클래식 역사 축적과도 거리가 멀어져서
* 근본이 없는 셈이라고도 할 수 있으며
* 유럽에서 오리지날 캐스트가 많이 직수입되기도 해서
* 굳이 미국산 오페라를 봐야 할 이유가 없기도 했음

대신, 미국의 문화적 환경을 반영하는

새로운 음악 장르들이 발생했다고 한다.
나타냄말

(英): expressions

상위 문서: 음악이론

설명
--

음악에서 좀 더 디테일하게 표현하고자 하는 것을 지시어나 기호 등으로 설명해 놓은 것

## 그밖의 나타냄말

sotto voce: 부드러운 목소리로

mezza voce: 소리를 반으로 줄임

vivo: 생기있게, 활발하게

senza: ~없이

teneramente: 스르륵 느린 것

mit innigster empfindung: (독일어) 가장 내면적인 감정으로

meno forte: 너무 강하지 않게(덜 크게)

m.g: 왼손으로 연주(main gauche)

m.d: 오른손으로 연주(main droite)

e poi coda: 코다로 가서 연주

una corda: 왼쪽 페달(소프트 페달)을 밟아 연주

tre corda: 왼쪽 페달(소프트 페달)을 떼서 연주

scherzino: 익살스럽게(장난치듯)

D.C.(Da Capo): 다카포 - 다시 처음으로 돌아감

Da Capo il scherzino: (이전의) scherzino 부분으로 돌아감
낭만파 시대의 이태리 오페라

상위 문서: 오페라

## 당시의 시대적 상황

당시 이태리는 다른 클래식 음악 장르를 포함서 전반적으로

바로크 시대에 고점을 찍었다가 과거보다 쇠퇴한 반면에

전 유럽에 걸쳐서 가장 오페라가 성행하는 현상이 일어났다고 함

* 그래서 이태리를 '음악적으로는 보수적인 동시에 성악이 강세인 국가'라고 함

## 주요 특징들

서정적이고 아름다운 선율의 독창이

* (주로 소프라노 등이 벨칸토 창법으로 부르는 서정적 아리아 등)
* (애초에 아리아가 강해서 벨 칸토가 강해졌다고 함)

주된 요소라고 할 수 있으며

* 독창자가 아리아를 끌어가기 때문이며
* 이런 이유로 기교적으로 잘 부르는 게 중시됨

이런 이유로 극적, 낭만적 표현에 있어 선율이 중요함

* 그런 이유로 자연, 역사, 전설, 환상보다는
* 복잡한 남녀간의 애정관계 등
* 현실생활밀착적인 내용이며
* 인간들 사이에 생기는 사건을 주제로 다룸
* (사랑, 바람둥이 등의 주제 등)

그래서 모차르트 오페라의 애정 코드 역시

이탈리아적이라는 의미가 되며

이태리 오페라는 선율중심적이라서

모차르트 오페라 역시

이해하고 듣기 편하다고 한다.

* 이런 이유로 가사 전달 역시 쉽게 다가온다고 한다.

결국, 독일, 프랑스 오페라의 경우 화성, 서사적인 면 등에 있어서

낭만주의 사조에 따라 음악양식 등의 트렌드 변화에 대응했지만

이태리 오페라의 경우 단순한 화성 반주 등

보수적인 양식을 유지했다고 볼 수 있다.

* 19세기 초까지는 오페라 세리아와
* 오페라 부파 간의 구분도 명확했음

그냥 쉽게 말해서 이태리 오페라는 선율 중심이라고 보면 되며

프랑스의 영향으로 합창 비중 증가 정도의 특징이 추가되었다고 보면 된다

* 그래도 푸치니, 베르디 대에 가면
* 서사도 개선되었다고 하며
* 거기에 맞게 음악도 맞추게 되었다고 함

## 벨 칸토 창법

화려하고 아름다운 목소리로 연주되어

선율미가 드러나는 기교적인(장식적인) 창법을 의미함

* 우리가 보통 오페라 소프라노의 꽥꽥거리는 특유의
* 과장된 (이태리식) 성악 창법이라고 생각하는 그거 맞다

이 창법이 당시 이태리 오페라의 특징이라고 하며

오페라 세리아에서도 사용된다고 함

## 대표적인 작곡가 목록

로시니

* 19세기 초반에 오페라를 작곡했음

베르디

* 19세기 초중반 ~ 후반동안 오페라를 작곡했음

벨리니

자코모 푸치니

* 19세기 후반 ~ 20세기 초에 오페라 활동을 했음

도니제티
건반악기의 역사

상위 문서: 건반악기

## 과거 건반악기의 모습

예전에는 흰 건반을 상아로, 검은 건반은 흑단으로 만들었음(희귀 재료들로 그만큼 비쌌을 것)

* 그래서 요즘은 나무로 속을 만들고, 플라스틱으로 감싸는 방식을 활용하고 있음

예전 건반악기의 건반을 보면 백건과 흑건의 색깔이 지금과는 서로 반대였다는 것을 알 수 있음

* 시간이 지나면서 현재 형태를 갖게 되었지만,
* 가끔 앤티크 스타일로 만들어지는 파이프 오르간이나 하프시코드 역시
* 과거처럼 색반전 형태의 건반으로 제작되는 경우도 있음

## 왜 상아나 흑단을 이용해 고가의 악기를 만들고 자동 피아노가 부의 상징이었던 이유

사람의 심리라던지 사회 분위기, 문화 등을 살펴봐야 하는데

일단 위와 같은 비싼 악기를 만들고 보유하는 건 높은 성벽을 쌓는 것과 같은 이치임

* 높은 성벽을 쌓는다는 것은 신분을 서로 구분함으로써
* 내 우월함을 과시하려는 의도라고 할 수 있음.

즉, 간단한 악기를 만들기 위함이 아니라 아무나 가질 수 없는 악기를 만들고 소유하고

또 자동피아노같은 고가의 악기를 갖고있다는 것만으로도

다른 사람들과의 경제적, 문화적 차별화를 추구하는 것임

* 우리는 이것을 경제학 용어로 봤을 때 '진입 장벽'이라는 말로 표현함

마치 명품 가방이나 시계를 차는 것과 같은 이치라고 할 수 있음

* 이는 악기라는 것에 부여하는 사회적 가치를 생각해야 하기 때문에
* 당시 사회의 경제, 사회, 문화와 관련된 그런 접근법이 필요함

## 오르간의 등장

가장 먼저 발견되는 건반악기는 오르간임

* 기원전 3세기 경, 그러니까
* 지금으로부터 약 2300여년 전 쯤에
* 그리스에서 수력 오르간이 사용되었음

수력 오르간이란 것은 파이프에 물을 통과시켜서 소리를 내는 악기임

* 이후에 바람을 통과시켜 소리를 내는 방식의 오르간이 중세시대에 개발 및 발전하게 됨

그렇게 14세기까지 오르간은 유일한 건반악기가 됨

## 고대 로마에 물 오르간이 있었던 것, 그리고 그 모양 등을 알게 된 과정

대부분 유적에서 발굴되는 악기들의 잔해를 통해서 알 수 있으며

쇠로 된 부분은 비교적 잘 보존되어 있는데 반해

나무 재질 부분은 부식되기 쉬워 여러가지 사료를 통해 고증 복원함

* 약 90년전(1931년) 헝가리 부다페스트에서 고대 로마의 물 오르간이 발견되어 그 존재를 알 수 있게 되었음

이 악기는 약 2200년 전 쯤에 만들어진 악기인데 이런 악기를 복원하는 데에는

고고학적 접근과 더불어 다른 기록에 제시된 그림 등을 통해 그 모습을 추측하기도 함

* (이것을 우리는 도상학 혹은 화상학이라고 부름)

그리고 이렇게 복원된 악기들이 낼 수 있는 소리에 대한 고증도 필요하니 음향학적 접근도 함께 이루어짐

## 스피넷과 버지널의 등장

르네상스 시대가 되면서 스피넷과 버지널이라고 하는

건반악기가 만들어지고 활용되기 시작했음

* (17세기에는 버지널을 그린 그림도 존재함)

그리고 스피넷은 휴대 가능한 아주 작은 건반악기였는데,

하프시코드와 같이 줄을 뜯어 소리내는 발현악기였음

* 이 악기는 휴대할 정도로 작았기 때문에 건반 수가 적고,
* 발생한 소리를 공명시킬 울림통이 없어서 소리 또한 매우 작았음

즉, 연주용이었다기 보다는 교육용으로 사용되었다고 할 수 있음

## 클라비코드와 하프시코드의 출현

르네상스 이후에 클라비코드와 하프시코드가 만들어짐

* 클라비코드는 휴대용 피아노 정도로 생각을 하면 좋을듯 함

클라비코드는 작지만 피아노처럼 줄을 때려서 소리를 내는 타현악기임

* 들어보면 하프시코드와 큰 차이가 안 느껴지는 듯 하나
* 특히 저음 부분을 들어보면 발현악기인 하프시코드와는 달리
* 좀 더 길게 연주할 수 있다는 것을 확인할 수 있음

하프시코드는 스피넷과 버지널이 개량되어서 크게 만들어진 악기라고 할 수 있음

* 이 악기는 지금도 르네상스 시대의 음악이나 바로크 음악 등의 정격연주(시대연주)를 할 때 많이 사용됨

하프시코드도 건반을 누르면 현에 걸려있는 피크가 줄을 뜯어서 소리를 내는 발현악기임

* 스피넷이나 버지널보다는 크기가 커지고 울림통도 있어서 좀 더 소리가 컸지만
* 발현악기다 보니 길고 큰 소리를 연주하는 것은 불가능했음

하프시코드는 이태리에서는 쳄발로라는 이름으로 불리며 프랑스에서는 클라브생이라고 불림

* 이 악기는 교육용뿐만이 아니라 연주용으로도 많이 사용되었음
낭만파 시대의 프랑스 서정 오페라

상위 문서: 낭만파 시대의 프랑스 오페라

설명
--

grand opera(그랑 오페라)보다는 약간 더 가벼운 양식의 오페라로

당대의 grand opera와 마찬가지로 유행했던 장르임

* 그냥 오페라 코미끄와 그랜드(그랑) 오페라의 중간이라고 보면 됨

특징
--

낭만(파)적 특성 + 레시타티브가 특징이라고 할 수 있음

## '오페라 코미크'와의 관계

'오페라 코미크'는 레치타티보도 없이

대사로 처리하는 일종의 음악극으로

서정 오페라보다 더 가벼운

프랑스 오페라라고 할 수 있음

* 구노의 파우스트와 비제의 카르멘 역시 둘다
* 오페라 코미크에 레치타티보를 붙여서
* 서정 오페라로 만든 것이라고 할 수 있다.

결론적으로 규모 면에서 오페라 코미크＜서정 오페라＜grand opera의 관계라고 할 수 있다.

* 오페라 코미크와 관련된 그 밖의 내용은 낭만파 시대의 프랑스 오페라 문서 참조

## 대표적인 서정 오페라(Lyric Opera) 작곡가 목록

'구노'

'비제'

'생상스' 등이 있음

## C. Saint-Saens(생상스)의 경우

Samson and Delilah(삼손과 데릴라 혹은 삼손과 델릴라) 등이 있음

* 성경의 '삼손과 데릴라'를 소재로 한 작품으로
* 이교도 신전에서의 춤과 무대장치들,
* 그리고 아주 서정적인 선율이 강조되는 작품
교향관현악

(英): full orchestra

상위 문서: 오케스트라

설명
--

관악기와 현악기, 타악기로 편성된 연주 형태

* 목관악기 수에 따라 2, 3, 4관편성으로 분류됨(4관편성이 가장 큰 형태라고 함)

## 2관편성

목관악기가 둘씩 편성되며

호른은 4대가 편성되는

오케스트라 편성

* 약 40~60여명 정도의 연주자들로 구성됨

## 후기 낭만파 이후의 경우

후기 낭만파 ~ 20세기 초반에는

바그너, 말러, 슈트라우스 등의 작곡가들이

100명 이상의 연주자가 요구되는

4관편성의 대규모 관현악을 사용했음

* 그밖에도 후기 낭만파 시대 작곡가들은
* 특별한 음색을 지닌 튜바의 일종인
* 유포니움(euphonium)과
* 좀 더 극적인 음역대를 지닌
* 바그너튜바(wagner tuba)를
* 사용하기도 했다고 함

## 바그너튜바(wagner tuba)

호른을 최저음역으로 극대화시켜 개량된 원추형의 저음 금관악기

* 작품 혹은 지휘자의 의도(컨셉)에 따라
* 연주자의 좌석 배치가 달라질 수 있음
1차대전 이전까지의 20세기 오페레타

상위 문서: 대중적 오페라 개념의 부상/유럽 대륙의 경우, 대중적 오페라 개념의 부상/오스트리아 빈의 경우

특징
--

기존 작곡가들이 거의 사라지긴 했지만

그 자리를 빅토르 레옹과 레오 슈타인이라는 극작가 듀오의 주도 하에

다른 작곡가들과 함께 일하면서 명작을 만들어왔다고 한다

## 대표적인 작곡가들

프란츠 레하르

오스카 슈트라우스 등

## 프란츠 레하르

헝가리 출신으로

빈 오페레타 씬에서 활동했으며

멜로디 메이킹과 사랑의 감성을

깊이있게 잘 표현했다고 평가되며

전례없이 세련되고 우아한

오케스트레이션과 화성으로

전세계적으로 높은 평가를 받았던 작곡가

* 빅토르 레옹과 레오 슈타인 듀오의 의뢰 하에
* '대사관 직원'(1862)과 '명랑한 과부'(1905)같은
* 주요 작품들을 작곡했으며
* '명랑한 과부'는 오페레타 중에서도
* 가장 높은 찬사를 받는다고 한다

## 오스카 슈트라우스

원래 빈 출신이긴 하지만

베를린에서 음악공부 및

활동을 한 이력이 있었다

* 대표적인 작품으로 '왈츠의 꿈'(1907)이 있는데
* 터무니없는 내용이었지만 직관적 감성의 곡으로
* 폴카 템포의 이중창과 빈 왈츠의 속성을 가미하여
* 카를 극장 사상 최대 성공을 기록했다고 한다

## 유럽 오페레타 씬의 몰락과 그 이유

1차대전에 접어들면서

유럽 오페레타 씬이 몰락했다고 한다

* 특정 공식에 얽매여 있다는 내재적 한계가 있었으며
* 거기에 전쟁통으로 인한 분열 덕분에
* 국제적 오페레타 산업이 단절될 수밖에 없었기도 했으며
* 결정적으로 이 전쟁으로 인해 오페레타를 후원하던
* 합스부르크 왕조 역시 몰락해버렸기 때문이기도 했다
1940년대의 스윙 밴드

상위 문서: 스윙/시대적 배경

같이 보기: 1940년대의 재즈, 빅 밴드

설명
--

1940년대에 접어들면서 스윙으로 도배된 시대가 되자

그 밴드들의 성격이

(대중적 색채, 스윙 본연의 색채, 대중적-오리지날이 공존하는 양면적 색채 등으로)

각각 분화될 정도였다고 한다

스윙으로 도배된 시대 특성상 빅밴드 투어가 기획사에 훨씬 유리했다고 함

* 심지어 유명인 친척을 얼굴마담으로써 허수아비 리더에 앉히고
* 실제 지휘나 연주 관련은 다른 음악가들이 행사하는 극단적 사례도 존재했음 ~~ㄷㄷ...~~

하지만 대부분의 경우 제대로 된 권위있는 음악가들이 리더였음

## 이 당시의 대표적 아티스트

빅 밴드 계열

* 토미 도시
* 베니 굿맨
* 루이 암스트롱
* 얼 하인스
* 아티 쇼
* 지미 런스퍼드
* 글렌 밀러

소규모 밴드 계열

* 패츠 월러
* 아트 테이텀

## 토미 도시

즉흥성이 약한 좋은 트럼페터이며

인재발굴에 능했던 밴드리더

## 베니 굿맨

신예 밴드리더 양성소

* 트럼펫, 색소폰, 4중주단에서도
* 새로운 밴드리더가 성장했음
1980년대 한국의 대중음악

상위 문서: 한국 대중음악의 시대적 변천사

같이 보기: 1980년대의 음악, 1980년대의 영미권 음악

## 이 시대의 주요 흐름

심수봉, 주현미 등으로 대표되는 트로트도 계속 건재했었고

조용필과 그룹사운드 음악이 인기를 끌었음

* 언더그라운드 출신인 들국화도 시대를 풍미했음

그 외에도 이선희, 발라드, 댄스 장르가 인기를 끌었음

1980년대 후반에 본격적으로 '장르'로써 등장한 댄스 음악쪽에서는

전영록, 김완선, 그리고 댄스그룹이었던 소방차가 유명했음

그 외에도 ~~386과 6월 항쟁 파워 덕분인지~~ 민중가요도 비중을 차지하고 있었음

## 이선희

강변가요제를 통해 1984년에 'J에게'로 데뷔하여 성공을 거뒀음

1980년대 후반부터는 특유의 파워풀한 음색을 선보였고

세대적 다양성이 반영된 음악을 했다고 함
Trampoline

The **Trampoline** is an "enemy" in the Run 'n Gun level Funfair Fever.

## Description

Like the name says, the Trampoline is a living trampoline with two eyes on the jumping mat, a yellow and red striped mat, light grey triangle decorations under the edge that makes them look like sharp teeth, and black legs with brown shoes with a yellow stripe.

## Characteristics

The trampoline is not actually an enemy, but rather helps the player(s). It does not hurt you, but when interacted with, it moves around and allows you to bounce off of it to get past the walls of the first tent. When **not** interacted with, the trampoline will sleep.

## Trivia

* While asleep, the Trampoline will make cartoony, whistle-like snoring sounds.
* While awake, the Trampoline will make dog noises (like more of a puppy, rather than like an adult dog).
내쉬빌 사운드

상위 문서: 컨트리 팝

설명
--

컨트리 팝의 시초격 장르

## 내쉬빌 사운드의 탄생

테네시주에서 방송하는 전설적인 컨트리 방송이라고 할 수 있는

'그랜드 올 오프리'의 흥행으로 음악 관련 인력 및 자본이 많이 몰려들면서

1950년대 중반에 팝의 영향도 받아서 부드럽고 세련된 음색이라고 할 수 있는,

그러니까 컨트리 팝의 시초라고 할 수 있는 내쉬빌 사운드가 탄생했다고 한다.

* 컨트리 뮤지션들이 엘비스, 로커빌리 열풍 혹은
* 팝 가수들이 컨트리 음악을 커버하는 현상에 자극을 받으면서
* 정통 컨트리 외의 대중음악과 융합을 시작하면서
* 이런 움직임이 시작되었다고 함

이렇게 방송을 통해 컨트리가 이런 식으로 떡상하기 시작했다고 함

* 반면 아직 차별받던 흑인의 블루스는 방송에 전혀 못 나왔다고 함

## 이와 관련한 시대적 배경

로큰롤 계열의 음악과 마찬가지로, 전후 호황, 기술 진보 등의 사회 변화와 연관됨

## 대표적인 아티스트 목록

쳇 앳킨스

* 내쉬빌 사운드 탄생의 중심에 있었던 뮤지션

팻시 클라인

* 하단 항목 참조

짐 리브스

## 팻시 클라인

요절하여 짧은 기간 동안만 활동했지만

내쉬빌 사운드계의 여제로 남아

컨트리 음악사적으로도

영향력이 강한 전설적 인물

* 'Walking after Midnight', 'I Fall to Pieces',
* 그밖에도 'Crazy' 등의 팝 성향 짙은 대표곡을 남겼지만
* 정작 그녀가 진심으로 추구하던 스타일은 아니었다고 한다.

## 컨트리폴리탄

**내쉬빌 사운드**가 진화한 장르

* 해당 문서 참조

## 대표곡 목록

Chet Atkins - Chet Atkins' Gallopin' Guitar(full album)

Chet Atkins - Stringin' Along with Chet Atkins(full album)

Chet Atkins - A Session with Chet Atkins(full album)

Chet Atkins - Chet Atkins in Three Dimensions(full album)

Chet Atkins - Hi-Fi in Focus(full album)

Chet Atkins - Chet Atkins in Hollywood(full album)

Chet Atkins - Mister Guitar(full album)

Chet Atkins - Teensville(full album)

Chet Atkins - The Other Chet Atkins(full album)

Chet Atkins - Chet Atkins' Workshop(full album)

Chet Atkins - The Most Popular Guitar(full album)

Chet Atkins - Caribbean Guitar(full album)

Chet Atkins - Teen Scene(full album)

Chet Atkins - Travelin'(full album)

Chet Atkins - My Favorite Guitars(full album)

Chet Atkins - More of That Guitar Country(full album)

Chet Atkins - Chet Atkins Picks on the Beatles(album)

Chet Atkins - The Pops Goes Country(full album)

Chet Atkins - Music from Nashville, My Home Town(full album)

Chet Atkins - It's a Guitar World(full album)

Chet Atkins - Picks the Best(full album)

Chet Atkins - Hometown Guitar(full album)

Chet Atkins - Solo Flights(full album)

Chet Atkins - Lover's Guitar(full album)

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