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20세기 말 이후의 순수 음악

상위 문서: 2차대전 이후의 클래식(순수) 음악

## 대략적 키워드

20세기 중반 이후의 잔재

영국의 '새로운 복잡성'

(컴퓨터 등) 멀티미디어 기술과 관련된 음악의 발전

프랑스의 '스펙트럴리즘'

'오페라에 대한 새로운 관심' 등으로

요약할 수 있음

## 20세기 중반 이후에 활동했던 원로 작곡가들의 경우

불레즈, 슈톡하우젠 등

20세기 중반 이후의 원로 (거장) 작곡가들이

계속 생존해 있거나 최근에 별세함

* 1980년대에는 실험적이고
* 복잡한 음악들의 끝물처럼 보였지만
* 그게 완전히 사라지지는 않았으며
* 새로운 것들을 계속 실험하는
* 작곡가들은 꾸준히 존재해왔음

## 영국의 '새로운 복잡성' 사조

위의 흐름처럼 흘러가다가 영국의 퍼니호나 피니시 등

완전히 젊은 세대들이 나오면서

기존과는 또다른 새로운 복잡성(the new complexity)을

추구하는 흐름도 좀 생겨났음

* 그들이 세운 그룹명도
* the new complexity로 명명되었음

## 오페라에 대한 새로운 관심

신낭만주의, 미니멀리즘 등 포스트모더니즘 성향을 가진

새로운 형태의 오페라들이 작곡되었음

* 대표작으로 필립 글래스의 <해변으로 간 아인쉬타인>과
* 존 애덤스의 <중국으로 간 닉슨> 등이 있음
* (두 사람 모두 미니멀리즘에서 출발한 작곡가라서
* 작품에도 미니멀리즘 색채가 존재함)

해변으로 간 아인슈타인은 딱히 뚜렷한 스토리가 없으며

이 극중에서는 '연결 기능을 한다'는 의미로

막간에 배치한 공연을 '무릎 공연'이라고 뷰룸

* 그리고 이 극의 공연시간은 휴식 없이 4시간 30분 이상 소요되지만
* 관객들은 공연 도중 마음대로 나갔다가 다시 들어올 수도 있음

## 21세기 이후 현재까지의 동향

모더니즘 음악의 현재

* 오늘날에도 여전히 모던 스타일을 고수하는 작곡가도 많지만
* 젊은 세대들에게는 이것이 '구식'으로 여겨짐

다양성(다원주의)과 절충성(대융합)의 공존

* 다양한 스타일(사조)을 한 작품 내에서
* 혼합하려는 경향이 점차 많아짐

그밖에도 클래식과 멀티미디어의 결합도 이루어짐

* 그러니까 현재의 동향을
* 한 마디로 정리하기 힘들 정도로
* 다양한 사조들이 공존한다고 봐야 함

강력한 대중 음악의 영향력 및 과학 기술의 영향으로 인한 개인화

* 물론 클래식을 포함한 순수 음악계도
* 다원주의, 융합적 이념의 영향을 받은 사조 하에 있지만
* 변화하는 시대에 대중에게 즉각적인 영향력을 불러 일으키기엔
* 대중음악보다는 역부족이란 한계도 존재하며
* 한편 과학기술 등의 급진적 발전으로
* 이제는 누구나 자기가 만든 노래를 부르던
* 옛 시절로 회귀하는 게 아닌가 하는 의견도 존재함
낭만파 시대 중상류층의 사적 공연 문화

상위 문서: 낭만파 음악/시대적 상황

설명
--

낭만파 시대의 중상류층들은

이전 시대의 귀족 문화를 본따서

사적인 음악 공연 문화를 향유했었음

* 상류층들은 살롱에서 새로우면서도 예술적인 작품을 향유했으며
* 중산층들은 가정음악회 등에서 비더마이어 류의 음악을 연주했음

## 사적 공연 문화의 원류

르네상스 이후부터 존재했던 귀족의 음악 향유 문화에서 비롯되었음

* 정확히는 16세기 귀족들의
* 사적 음악 모임에서 유래했다고 하며
* 그런 문화가 존재했던 16세기 당시에는
* 기보법 능력으로 중상류층의
* 교양을 판단했다고 함

이런 문화가 당시 유럽의 시민혁명 이후

신흥 중상류층에게도 확산되어

현대 한국에서도 중산층 교양 문화에 영향을 줬음

## 당시 남녀 공간의 분리 및 피아노 음악 발달과의 상관관계

낭만파 시절에는 남자는 공적 영역,

여자는 사적 영역을 담당하는 식의

남녀 공간의 분리가 일어났음

* 여자는 집안에 있어야 한다는
* 당시의 성차별 문화 때문에
* 당시 중산층 이상의 여자는
* 집에서 음악공부를 해야한다는
* 교양 문화가 강화되었다고 함

그런 이유로 당시에 피아노 소품과

예술가곡이 발달했다고 함

* 당시에 아마추어 음악이 발달한 이유가 이런 요인들에 있었으며
* 피아노의 발달은 이런 시대적 상황과 매우 찰떡궁합이었음
17세기 유럽의 문화적 상황

상위 문서: 바로크 음악과 관련된 시대적 상황

상위 문서: 근세의 문화 교류와 과학 발달

설명
--

17세기는 유럽의 계몽 시대로써 과학 발전기이기도 했다

걸출한 과학자들이 많이 배출되었으며

* 케플러
* 갈릴레이
* 뉴턴
* 레벤후크 등

나침반, 항해, 조선술 역시 발달되었다

* 이를 통해 당시의 절대주의 국가였던
* 포르투갈, 스페인, 프랑스, 영국 등이
* 이슬람이 점령한 지중해 항로 대신
* 신항로를 경쟁적으로 개척, 탐험하게 되었음

## 갈릴레이의 업적

망원경으로 천체를 관찰하여

지동설의 타당성을 증명했음

## 당시 서구의 과학 발전과 관련된 사상적 변화

계몽 사상가들이 많이 출현했다

* 프랜시스 베이컨
* 데카르트
* 칸트
* 존 로크 등

이분법적인 철학이라는 평가가 있다

* (경험주의 vs 합리주의)

## 데카르트

경험보다 이성을 중시한 합리주의 철학을 주장했음

칸트
--

위의 경험주의와 합리주의 철학을 통합한 철학자

* '순수이성비판'이라는 책을 통해 통합했음

## 존 로크

근대 자유주의 원리를 제시했으며

프랑스, 미국의 시민혁명 정신의 기반이 된 사상의 아버지

## 당시 미술계의 상황

루벤스, 렘브란트같은 화가나

베르니니같은 예술가가 있었다
4차 산업혁명과 음악 교육

상위 문서: 20세기 이후의 음악교육학

설명
--

2021년 현재는 4차 산업혁명 시대라고 한다.

## 4차 산업혁명 시대의 특징

우선 매우 빠른 속도로 변화 발전하고 있는

정보시대(AI) 발달, 원격 기반의 세상이란 게 특징임

## 메타버스(metaverse)

초월을 뜻하는 '메타'(meta)와 세상, 우주를 의미하는 '유니버스'(universe)의 합성어

* (지금의 물질세계를 초월한 세상을 의미)

이는 상상 속의 4차원, 만화 속의 공간 따위가 아닌 현실과 연결된 인터넷 속 세상,

인터넷 속의 새롭고 무궁무진한 가능성을 가진 세상 등을 의미함

* 지금 우리가 인터넷을 통해 누리고 있는 것들,
* 즉, 소식을 주고 받고 상품 매매, 금융 거래를 하는 것과
* 각종 SNS의 활용도 메타버스라는 개념 안에 있음

뿐만 아니라 지금은 실제 땅과 건물이 아니지만

인터넷 속에서 서울의 건물, 교각, 땅 등을 매매하기도 하며

각종 예술품들을 구입하기도 함

* (물론 우리가 가진 실제 현금으로 거래함)

그래서 어떤 예시를 보면 서울 도곡동의 모 아파트를 2만원에 샀는데

현재 메타버스 안에서 그 집의 가격이 200만원으로 치솟았다는 얘기를 들을 수 있음

* 이런 것들은 현실화할 수 있는 게 아니라, 인터넷 세계 안에만 존재하는 것들이라 할 수 있는데
* 왜냐하면 메타버스 안에서 건물을 산다고 해서 실제 건물이 내 소유가 되는 게 아니기 때문임

## 4차 산업혁명과 음악 교육

음악교육분야에서도 4차산업혁명에 따른 과학기술이 활용이 빠르게 이뤄지고 있음

* 음악을 가르치는 일도
* 세상의 변화에 맞춰서
* 함께 변화할 것이기 때문이며
* 특히 학교 음악교육계에서는
* 최첨단 기술을 어떻게 수용하고
* 학생들에게 가르칠 것인가를 고민하고 있음

지난해와 올해, 코로나 19로 인해 많은 것들이 달라졌는데,

특히 학교는 온라인 교육을 통해 막대한 예산을 들여 시스템을 구축했음

* 교실에는 실시간 온라인 수업을 할 수 있는 장비들이 투입되고
* 학생들에게는 1인 1태블릿을 지급할 수 있도록 지원됨

이를 바탕으로 App을 활용한 음악연주라던지, 음악만들기가 이루어지고

유튜브를 활용한 실시간 스트리밍을 통해서 감상하고

VR을 이용하여 증강현실 경험을 활용해 감상도 하고

또 그런 것들을(시스템, 소프트웨어 등) 개발하고

도입하는 등의 과정들이 활발하게 일어나고 있음

* 지금은 이런 현상들이 시작단계에 있지만
* 앞으로는 또 눈부신 발전이 일어날 것으로 예상됨

음악을 수단으로 삼는 교육계에서는 최근 이렇게

K-Pop 혹은 메타버스 관련 산업의 위상 변화로

이런 것들을 신경쓰고 있다고 함
고든의 음악교육론

상위 문서: 20세기 이후의 음악교육학

설명
--

고든(1927~2015)은 미국의 음악교육학자로

기존의 음악교육학 사조에 영향을 받아

나름의 음악교육론을 개척했음

## 고든의 음악교육 특징

노래를 통한 상호작용

* 노래와 챈트를 통해서 음악적 상호작용 촉진

소리에 대한 민감성과 인식

* 오디에이션 향상의 수단으로 음악적 모국어 학습과정 이용

오디에이션

음악적 움직임 모방과 음악적 놀이를 통한 경험 강조

'음악 적성' 개념

## '음악 적성' 개념

음악교육환경을 통해 누구나  음악을 배울 수 있는 힘(속성)을 갖고 있다는 의미

* 구조적이고 비구조적인 음악성을 연계해서 음악환경 조성
* (자연스럽게 학생들이 음악적 환경속에 놓여
* 자연스럽게 음악을 즐기고 배워가야 한다는 의미)

즉, 9(10)살 이전의 아이들에게 좋은 음악환경을 제공하고

체계적 음악교육을 통해 음악적 상호작용을 시키는 게 매우 중요하다는 의미

* 실제로 다른 연구에서도 음악적 선호도가 결정되는 시기가
* 11세 정도로 보고 있음(고든의 주장과 비슷한 연구 결과)

그러니까 이때의 음악적 경험은 평생 가며

이는 음악적 성취(음악성)를 향상시키고

음악을 통해 삶의 즐거움을 느끼도록 할 수 있다는 의미

## 오디에이션

[오디오(소리) + 이메지네이션(상상)]

* 소리를 상상한다는 의미

그러니까 음악을 즐기거나 많이 공부하는 사람들이

자기가 좋아하는 노래를 소리로 표현하는 것 뿐만이 아니라

머릿속에서 상상으로 그 노래를 부를 수 있는

능력(inner hearing, 내청)을 말하는 거임

## 음악적 움직임 모방과 음악 놀이 교육

그밖에도 그는

음악적 움직임을 모방하고

음악놀이에 참여해야 한다고 주장했음

* 이는 포괄적 음악성과
* 음악적 경험을
* 계발하도록 하는
* 목적이라고 함
1930년 ~ 1943년동안의 로저스와 하트 콤비

상위 문서: 리처드 로저스, 리처드 로저스와 로렌츠 하트, 대공황기부터 2차대전까지의 뮤지컬 흐름

## 1930년대 초반

대공황의 여파로 쑥대밭이 된 브로드웨이를 떠나

할리우드의 영화음악(뮤지컬 영화) 작업을 하던 시절이다

* 성적은 그다지 못 냈지만
* 그래도 영화 특유의 서사구조 덕택에
* '북 뮤지컬' 개념을 훈련하던
* 시기이기도 했다는 평을 받는다

## 1930년대 중반 이후

대공황에서 어느정도 회복된 후 다시 브로드웨이로 돌아오게 된다

* 브로드웨이에서 연마한 기승전결적인 북 뮤지컬을 연마하면서
* (물론 음악은 한결같은 스탠다드 재즈 스타일이었지만)
* 좀 더 스타일도 쇄신되어 등장인물들마다의 성격을 나타내기 시작한다

대표작으로 '점보'(1935), '발끝으로'(1936)등을 들 수 있다.

* 더 자세한 설명은 리처드 로저스와 로렌츠 하트 문서 참조

## 이 기간동안의 대표작들

점보

발 끝으로

품 속의 아기들

시라큐스의 청년들

Pal Joey 등...

 점보

뉴욕 서커스를 소재로 한 일종의 초거대작으로

각각 90명씩의 배우와 동물이 출연할 정도의 규모였으며

이름부터 '점보'라서 이름값을 한 작품이라고 볼 수 있다

* 뮤지컬 역사상 전설적인 뮤지컬 연출, 제작, 극작가인
* 토니 애벗이 담당한 작품이기도 하며
* 지나치게 대규모라서 공연 233회로도 적자였을 정도였다고 한다

이 작품의 유명 곡으로는 'The Most Beautiful Girl in the World' 등이 있다.

## 발 끝으로

역시 조지 애벗과 함께 대본을 쓴 작품으로

극중 '10번가의 학살' 부분에서

재즈, 클래식, 모던 발레가 융합되어

좀 더 진보적인 스타일을 선보였다.

* 발레단에서 벌어지는 연애와 암살 위기 등을 다룬 작품이기도 함

## 품 속의 아기들(1937)

아마추어 뮤지컬을 무대에 올리려는 10대들의 이야기로

'발 끝으로'와 마찬가지로 발란신이 안무에 참여했음

* 'Where or When'(어디 또는 언제), 'I Wish I Were in Love Again'(다시 사랑할 수 있다면)
* 'My Funny Valentine'(나의 웃기는 발렌타인), 'Johnny One Note'(단조로운 조니)
* '아가씨는 떠돌이'(The Lady Is a Tramp), '상상해봐'(Imagine) 등이 대표곡이라고 할 수 있다

## 시라큐스의 청년들(1938)

조지 애벗이 대본을 손보고 연출, 제작을 맡은 작품으로

'Falling in Love With Love'(사랑과 사랑에 빠져),

'This Can't Be Love'(이게 사랑일 리 없어) 등의 곡으로 구성되어 있다.

## Pal Joey(1940)

리처드 로저스와 로렌즈 하트 콤비 작품 중 가장 최고의 성공작으로

존 오해러의 작품 기반의 대본으로 창작된 작품이다.

* 기본적으로 시카고 하층민들의 이야기이며
* 사랑과 협박, 그리고 배신 등의 줄거리로 이루어져 있다

대표곡으로 'You Mustn't Kick It Around'(함부로 하지 말아요),

'I Could Write a Book'(책을 쓸 수 있어요),

'Bewitched, Bothered, and Bewildered'(매혹되고, 괴로워하고, 당황하고),

그리고 스트리퍼가 하나씩 옷을 벗을 때

무작위로 떠오르는 생각을

설명하는 말이 들어간 'Zip!'(핑!)등이 있다

* 이 'Zip!'(핑!)이라는 노래도 로렌즈 하트 특유의 센스있는 언어감각과
* 거기에 연계되어 작곡한 리처드 로저스의 음악 감각이 백미라고 할 수 있다.
20세기 말 이후의 음악/러시아 및 동구권의 상황

상위 문서: 20세기 말 이후의 순수 음악

설명
--

1991년 소련 붕괴 후 문화적 전환이 일어났음

* 당시 러시아를 포함한 동구권의 작곡가들은
* 서구 모더니즘을 독자적으로 응용하며 창작을 실험했음

## 대표적인 작곡가

슈니트케

* 다양식주의(폴리스타일리즘)를 선보였음
* (말 그대로 한 작품 안에서
* 민속음악, 대중음악 그리고
* 실험적인 현대음악 등등
* 다양한 양식을 한꺼번에 섞는 것)

구바이둘리나

페르트 등이 있(었)음

## 구바이둘리나(1931년생, 2022년 5월 31일 현재 생존)

컨템퍼러리 시대는 융합이 특징이다 보니

전통과 전위적인 요소의 혼합이 특징

* 그래서 그녀의 출신지의 민속 악기와
* (일반적 물체를 두들기는 등의)
* 비표준 악기를 사용하여
* 새로운 음색적 시도를 꾀했음

대표작으로 <봉헌송>(concerto for violin) 등이 있음

## 페르트(Arvo Part, 에스토니아 출신)

위 세 음악가 중에서는 진입장벽이 낮은 쉬운 음악이 특징임

* 민속음악, 고대음악 사용에
* 미니멀리즘과 종교적 성향을 버무려
* '신비적 단순성'이라는 평가를 받았음
* (그래서 대중에 외연확장이 어렵진 않은 편)

그의 또다른 유명한 특징으로는 '틴티나불리'(종소리) 효과를 꼽을 수 있음

* 이는 단순한 3화음을 사용함으로써
* 독특한 종소리같은 음향을 의도했다고 함

처음에 그는 아방가르드 스타일을 작곡하다

이후 굉장히 단순한 음악들을 썼음

* 대표작으로는 타불라 라사('빈 서판'이라는 제목의 오케스트라 음악)나
* 거울 속의 거울 등이 있음

## 이런 작곡가들이 대두된 이유

구소련 지역이 개방되면서

그쪽 작곡가들이 실험할 기회도 생겼음

* 그때부터 서방세계에서도
* 그쪽 작곡가들이 알려지고
* 구소련쪽 작곡가들도
* 서방세계에서 활동하기 시작하면서
* 이런 음악적 상황이 일어났음

역시 그 지역의 특수한 환경 때문인지

서방권 음악과는 뭔가 양상이 달랐다고 함
계몽시대 이전까지의 근세 음악/베네룩스 지방 전성기

상위 문서: 계몽시대 이전까지의 근세 음악

설명
--

베네룩스 일대는 해수면보다 낮은 저지대에 위치해 있으며

당시에는 '플랑드르 백국'이라는 국가가 위치하기도 했던 지역이었다

* 먼나라 이웃나라에서도 알 수 있듯이
* 베네룩스를 구성하는 네덜란드는
* 말 그대로 '낮은 땅'이라는 의미임

이 베네룩스 지방을 그냥 싸잡아 네덜란드라고 부르거나

플랑드르, 프랑코-플랑드르, 프랑코-벨기에, 북방이라고도 불렀음

* 어쨌든 이 일대가 근세 초반부를 풍미했던
* 해당 지역의 음악 양식의 대명사가 되기도 했으며
* 그 지역의 음악들이 서유럽 전역에 영향력을 강하게 뻗쳤음

## 왜 이 지역이 당시 유럽 전역에 영향력이 높았던 음악 중심지가 되었는가?

나무위키와 기타 위키피디아에 따르면

이전에 음악적 영향력이 강했던 브루고뉴 공국과 합쳐지기도 했고

게다가 그 이외의 국가(합스부르크 공국 등)들과도

밀접한 관계였기 때문이기도 했기 때문이라고 추측할 수 있음

* 나무위키의 관점
* 영문위키의 관점 참조

## 르네상스 시대에서 베네룩스 지방 작곡가들의 전성기에 해당하는 시기

일반적으로 1450~1550년경 사이의 시기라고 보고 있으며

이 사이의 시기동안 이 지역 출신이 대부분이었음

## 당시의 작곡가들을 기준으로 한 베네룩스 지방 전성기의 시대별 구분

요하네스 오케겜, 야콥 오브레흐트

* 15세기 말에 주로 활동

조스캥 데 프레 및 그의 명의로 활동했던 동시대의 작곡가들

* 16세기 초에 주로 활동

조스캥 데 프레가 죽은 이후

* 1520년 이후
김건모

상위 문서: 1990년대 한국의 대중음악

## 간단한 소개

1990년대 이후의 한국 가요계를 빛내온

흑인 음악적 감성을 담은 가수 중 하나

## 김건모의 음악과 관계된 1990년대 음악의 시대적 배경

월드뮤직 트렌드가 1990년대에 비로소 국내에도 유입되었다고 한다

* 라틴 및 흑인 음악 특유의 비트 및 그루브 색채를 입힌 가요가 탄생하게 된 기점이라고 볼 수 있다

김건모 역시 이런 월드 뮤직의 다양한 비트와 그루브의 다채로움을 담아내던 뮤지션이라고 할 수 있음

## 김건모 히트곡에 담긴 다양한 음악적 색채

랩

* 잠 못드는 밤 비는 내리고

레게

* 핑계

하우스(레이브)

* 잘못된 만남(기네스북에도 기록될 정도의 실적을 낸 히트곡 - 280만장)

맘보 및 트위스트 리듬의 퓨전

* 스피드(4집)

## 그 외의 유명곡들

미련

사랑이 떠나가네

미안해요

짱가 등등....
1960년대의 음악

상위 문서: 팝

같이 보기: 1960년대

## 클래식, 오페라

* Krzysztof Penderecki - Anaklasis
* György Ligeti – Apparitions
* Hans Werner Henze – Der Prinz von Homburg
* Walter Piston - Symphony No. 7
* Isang Yun – Third String Quartet
* Robert Ward – The Crucible
* Karlheinz Stockhausen - Momente
* Krzysztof Penderecki – Stabat Mater
* Carlisle Floyd – The Passion of Jonathan Wade
* Rodion Shchedrin - Naughty Limericks
* Nikolai Karetnikov – Symphony No. 4
* Aarre Merikanto – Juha
* Karlheinz Stockhausen - Mikrophonie I
* Earle Brown – Corroboree
* Bruno Maderna – Hyperion
* Henri Pousseur - Miroir de Votre Faust (Caractères II)
* Vittorio Giannini – Symphony no. 5
* Jack Beeson – Lizzie Borden
* Roger Sessions – Symphony No. 6
* Samuel Barber – Antony and Cleopatra
* Philip Glass – 600 Lines
* William Walton – The Bear
* Villa-Lobos - Fantaisie concertante
* Karel Husa - Music for Prague 1968
* Ástor Piazzolla – María de Buenos Aires
* Mario Davidovsky – Synchronisms No. 5

## 뮤지컬

* Bye Bye Birdie
* Bells Are Ringing(벨이 울려요, 줄 스타인 문서 참조)
* Do Re Mi('사운드 오브 뮤직'의 도레미송, 리처드 로저스/해머스타인 2세 콤비 시대 문서 참조)
* Flower Drum Song(리처드 로저스/해머스타인 2세 콤비 시대 문서 참조)
* Little Me
* The Road to Hong Kong
* The Girl Who Came to Supper
* Fun in Acapulco
* What Makes Sammy Run?
* My Fair Lady(마이 페어 레이디)
* Baker Street
* When the Boys Meet the Girls
* I Do! I Do!
* Dus Lakh
* Brigadoon(브리가둔)
* Hallelujah, Baby!
* Camelot(카멜롯)
* Man of La Mancha
* Hair
* Zorba
* Chitty Chitty Bang Bang
* 1776
* El Profesor Hippie

## 기타 국가의 음악

* Al Watan Al Akbar
* Buliao qing
* The Girl from Ipanema
* Oye Como Va
* Laisse tomber les filles - Serge Gainsbourg
* Parce Que Tu Crois - Charles Aznavour
* 마이웨이 원곡

## 재즈 명곡

* A Hard Day's Night – The Ramsey Lewis Trio
고전파 소나타의 1악장 형식

상위 문서: 고전파 소나타 형식의 악장별 특징

설명
--

빠른 템포로 음악의 가장 중요한 주제를 제시하며

제시부, 발전부, 재현부, 코다(옵션)의 3~4부분으로 이루어져 있음

* 제 1악장 형식, 소나타 알레그로, 발전 3부분 형식,
* 소나타 형식 등의 여러가지 명칭으로 불리기도 함
* (그래서 소나타 형식을 3부 형식의 일종으로 보기도 함)

조성적 측면으로 본다면

원래 조성으로부터의

조성적 이탈과 다시 복귀로의

2부분 구조로 볼 수 있음

* 어쨌든 이 제시-발전-재현부를 도식화하면
* ABA' 형식으로 분석할 수 있음

이는 3부 형식으로 분석될 수도 있고

2부 형식으로도 분석될 수 있음

* 악식론(음악형식, 분석) 교수에 따르면
* 어떤 형식이든 미학적으로
* 전체적인 통일과 중간에 일어나는
* 약간의 대비(클라이막스)를
* 특징으로 한다고 한다

## 재현부(recapitulation)

긴장적인 발전부 이후에 등장하며

제시부가 반복되는 부분이긴 하지만

제시부에서의 제1주제와 제2주제 모두

원래의 으뜸조(기본적 중심 조성)로

전조되어 나타난다는 게 중요한 특징임

* 특히 제시부에서의 (전조적) 경과부와 제2주제는
* 화성적 변화가 불가피하다는 의미이며
* 새로운 조성의 딸림화음으로 도달한 제시부의 경과부는
* 재현부에서 원래 기본조성의 딸림화음(dominant chord)으로 도달함을 통해
* 원래 조성으로 나타나는 제2주제를 자연스럽게 연결시켜야 함

그리고 재현부는 제시부에 새로운 소재가 삽입되는 등

제시부와 다른 방식으로 전개되기도 함

코다
--

옵션으로 첨가되는 부분이긴 하지만

이 코다가 들어가는 경우가 아주 많다고 한다

* 코다에서는 끝맺음을 내기 위해
* 이전에 제시된 주제들을 반복, 발전하는데,
* 반드시 으뜸조로 끝을 내 줘야 한다고 한다

## 베토벤의 경우

베토벤도 1악장에 소나타 형식을 쓰긴 했음

* 하지만 디테일한 패턴을 변형했다고 함

## 하모베 외의 당대 음악가의 경우

디터스도르프의 현악 4중주 역시

고전파 시대의 기악 음악인 만큼

틀에 박힌 소나타 (알레그로) 형식은 아니지만

그래도 소나타 형식이 출현하기 시작한

시대의 사조 및 이념을 반영했다고 할 수 있다.

* 1악장은 전형적인 소나타 알레그로 형식과 똑같지는 않지만
* 결과적으로 유사한 기능적인 방향을 의도하긴 했을 정도였다.
'지그펠드 폴리즈' 시리즈의 경쟁작들

상위 문서: 플로렌스 지그펠드

설명
--

'지그펠드 폴리즈' 시리즈의 엄청난 파급력으로

당연히 유사 작품들이 등장하게 되었고

이는 원래의 '지그펠드 폴리즈' 시리즈와

당연히 경쟁하는 구도에 있었다

## 슈베르트 형제의 경우

브로드웨이의 극장주 중에서 가장 강력했던 슈베르트 형제 역시

'지그펠드 폴리즈' 시리즈에 영향을 받아서

기존의 '패싱 쇼'를 리바이벌한

독자적 성인 레뷔를 1912년부터

시리즈로 12년간 발표하게 된다

* 무대 전면에 계단을 설치해
* 거기서 화려한 무희가 내려오는
* 혁신적인 비주얼을 내세우며
* '지그펠드 폴리즈' 시리즈와
* 경쟁을 했다고 한다

## 조지 화이트의 경우

조지 화이트는 '지그펠드 폴리즈' 시리즈의 댄서 출신으로

독자적으로 '조지 화이트의 스캔들'(1919)을 만들어 20년간 공연했음

* 기발하고 아기자기하면서도
* 직접 노출이 아닌
* 실루엣만 살린 야사시한 연출로
* 센세이션을 불러왔다고 한다

## 얼 캐롤의 경우

'화장대', '스케치북' 시리즈를 1923년부터 1940년까지 공연했음

* 이 작품의 경우 아예 대놓고 벗어서
* 제작자인 얼 캐롤이 감방 신세까지 지기도 했지만
* 그럼에도 불구하고 구속하러 온 경찰 역시 그의 작품을 좋아해서
* 극진하게 모시며 싸인까지 받을 정도였다고(...) 한다

## 존 머레이 앤더슨의 경우

'폴리즈'에 대한 존경으로

1923년에 '그리니치 빌리지 폴리즈'라는

소형 '폴리즈' 형식의 유사품을 만들어

원래는 브로드웨이 메인스트림은 아니지만(오프 브로드웨이)

이후 본격적인 브로드웨이에 진출했다고 한다

* 그는 1930년대의 레뷔 장르 쇠퇴 및
* 플로렌스 지그펠드의 사망 이후에도
* 장르 부활을 꿈꾸며 1950년대까지
* 근성있게 꾸준히 작품을 만들어냈다고 한다
2전위와 3전위를 사용하는 상황

상위 문서: 전위

## 2전위의 종지적 용법

   주로 고전 화성학에서 다루어지며, 현대 대중음악에서도 사용되는 경우가 있다

* (데이비드 포스터 - Glory of love, 코사카 아키코 - あなた 등)

현대(재즈) 화성학적인 방식에서는 2-5-1 형태의 종지적 용법을 관용적으로 사용하는 반면에

고전적인 방식으로는 (C 장조를 기준으로) C/G-G7-C 를 사용한다

* 세컨더리 도미넌트를 수식하는 Rel.2에도 적용이 된다

여기서 C/G는 SD와 유사한 기능을 하며,

* (그런 특성상 다른 서브도미넌트와 연계 가능하다)

현대 재즈 화성학의 2-5-1 종지 진행의 기능처럼 쓰인다

* 하지만 전통화성학에서는
* 이 종지적 용법으로서의 2전위 화음과
* 바로 뒤에 따라오는 도미넌트 코드를
* 하나의 도미넌트 코드로 간주하는 경우가 많다

## 2전위의 보조적 용법

2전위를 이용해

같은 베이스를 유지하면서

다른 코드를 이용하는 용법

* 장식적인 기능이 강하다

## 2전위의 경과적 용법

코드진행에서 베이스가 3도 진행할 때

출발음과 도착음 사이에

징검다리 역할을 하는

베이스를 추가하는 기법에

2전위 화음을 이용할 수 있다

* 예를 들어, (C → C/E) 를
* (C → G/D → C/E)로
* 쓰는 식으로 이용 가능하다

이와 유사한 건지 C/G → F/A(그다음 코드의 베이스는 2도 상행이 아님) 같은

진행도 존재한다는 썰이 있는데

확실하지는 않은 썰이다

## 그밖에 2전위를 사용하는 경우

전통화성학에서는 베이스를 3도 도약(을 통해 분할)하는

베이스라인을 만들 경우에도 사용하기도 한다

* 아니면 전위 없는 기본위치 화음이 먼저 나오고
* 그다음에 같은 화음의 2전위와
* 1전위 형태가 순서대로 나오는
* 분산화음적 64화음 형태도 존재한다

(이 경우 이 세 가지 화음은

하나로 묶어서 간주하게 됨)
2010년대의 유럽 음악

상위 문서: 2010년대의 음악

## 역대 유로비전 콘테스트 대표곡

2010년

* Lena - Satellite
* maNga - We Could Be the Same
* Paula Seling and Ovi - Playing with Fire

2011년

* Ell & Nikki - Running Scared
* Raphael Gualazzi - Madness of Love
* Eric Saade - Popular

2012년

* Loreen - Euphoria
* Buranovskiye Babushki - Party for Everybody
* Željko Joksimović - Nije ljubav stvar

2013년

* Emmelie de Forest - Only Teardrops
* Farid Mammadov - Hold Me
* Zlata Ognevich - Gravity

2014년

* Conchita Wurst - Rise Like a Phoenix
* The Common Linnets - Calm After the Storm
* Sanna Nielsen - Undo

2015년

* Måns Zelmerlöw - Heroes
* Polina Gagarina - A Million Voices
* Il Volo - Grande amore

2016년

* Jamala - 1944
* Dami Im - Sound of Silence
* Sergey Lazarev - You Are the Only One

2017년

* Salvador Sobral - Amar pelos dois
* Kristian Kostov - Beautiful Mess
* Sunstroke Project - Hey, Mamma!
I Love My Little Veggies

**I Love My Little Veggies** is a song in The Cuphead Show! within the episode, Root Packed, composed by Ego Plum. It is about Elder Kettle singing about the vegetables he's growing.

## Lyrics

**Elder Kettle:** *I love my little veggies,*

*they're my babies I would say!*

*I sprinkle them with love and care,*

*each and every day.*

*I shine their little, veggie skin,*

*and chase away the bugs!*

*I give them water, and manure,*

*and lots and lots of hugs!*

*Though you are just babies now,*

*merely bug and twig.*

*If I give you all you need,*

*you'll grow to be so big!*

(Talking) Ow, my back!
낭만파 시대 러시아의 민족주의 음악

상위 문서: 후기 낭만파 시대의 민족주의 음악

## 시대적 배경

19세기 초까지는 페테르 대제와

카트린느 대제의 의식적 서구화 정책으로

민족주의 개념 자체가 묻히는 상황이었음

* 하지만 1812년 나폴레옹이 러시아를 침공하면서
* 러시아인들도 민족 의식이 싹텄다고 하며
* 러시아 지식인들도 이런 영향을 받게 되었다고 함

결과적으로, 러시아 작곡가들을 포함한 지성인들은

서구를 추종하는 성향을 가지거나

러시아의 자민족적 문화(민족성)를

강조하는 성향을 가지게 되었음

* 이게 무조건 칼로 무 자르듯이 단순히 구분되는 건 아니라서
* 어떤 부분에서는 민족적인 성향을 띄는 동시에
* 다른 부분에서는 안톤 루빈슈타인(1829~1894),
* 알렉산더 스크리아빈(1872~1915), 차이코프스키처럼
* 전통 서구 (음악)적 영향을 받는 경우도 많았음

그래도 보통 러시아 5인조가 좀 더 민족주의적이며

차이코프스키가 좀 더 서양 문물을 적극적으로 수용했다고 평가받음

## 당시 러시아 민족주의의 경향

반 독일(반 서유럽) 중심주의 + 반 제도 교육의 경향을 띄었음

* 그렇지만 대부분 서유럽의
* 음악 장르와 음악기법을 채택했으며
* 이런 기법에 러시아 민속 요소를 결합하여
* 새로운 스타일을 만들어 냈다고 한다

## 주요 작곡가 목록

러시아 5인조

미하일 글린카

차이코프스키

라흐마니노프

## 미하일 글린카

이태리와 독일에 유학하여

그 나라들의 음악적 문법을 받아들여

서구의 다양한 음악어법도 반영한

러시아 민족주의 음악의

아버지격 작곡가

* 하지만 러시아적인
* 줄거리를 갖는
* 오페라를 작곡하여
* 러시아 및 서유럽에서도
* 인정받은 러시아 작곡가임
* (러시아 정부가 적극 밀어줬을 정도)

그의 작품 중 오페라

“루슬란과 루드밀라“(1842) 서곡이

방송에도 단골 사용될 정도로

가장 잘 알려졌음
10세기까지의 초기 오르가눔

같이 보기: 대위법

 역사적 배경

초기 다성음악에 대한 기록은 실제 악보가 아닌 음악이론서에서 발견됨

그 중에서 가장 오래된(9세기 후반부에 작성된 것으로 추정됨)

'무지카 엔키리아디스'(음악입문서)가 존재함

## 무지카 엔키리아디스의 내용

단성부 성가인 그레고리오 성가를

(2, 3 ,4성의) 다성음악으로 만드는 방법에 대해서 언급하고 있고

실제 예시도 서술되어 있음

* 이런 것을 오르가눔이라고 불렀음

## 오르가눔 성부

주성부 밑에서 병진행하는 성부

 병행 오르가눔

원래의 성가 선율에 추가적인 성부를 아랫쪽에 첨가하여

원래의 성가 선율을 그대로 병진행하게끔 되어 있음

완전협화음정이 허용되어있음(완전4도, 완전5도, 옥타브)

* 그 중에서도 선율 대비가 좀 두드러지는 느낌의 완전4도를 선호했음

## 그 외의 오르가눔

처음에는 두 성부가 같은 음으로 시작해서

주성부만 상행하고 오르가눔 성부는 계속 같은 음만 내다가

음정이 완전4도에 이르게 되면 이때부터 병진행하다

끝부분에서는 다시 동음으로 만나게 부르는 방식도 있었음

* 물론 증4도 음정을 만들면 안됨

## 당시 오르가눔 성부의 특징

수동적이다

* 그러니까 주성부의 선율을 거의 따라다닌다는 의미
* 그러니까 굳이 오르가눔 성부를 작곡하는 개념은 아니며
* 그저 주성부의 선율에 대응하여
* 수동적으로 수식한다는 개념에 가깝다
낭만적 신고전주의

상위 문서: 브람스

설명
--

신고전주의는 음악에서의 단순, 명료함, 조화, 형식을 강조하는 음악적 경향임

* 이를 '고전적 낭만주의'라고 부르기도 함

## 낭만적 신고전주의가 영향받은 사조들

베토벤(화성) 등의 고전파 음악의 규범 뿐 아니라

바로크, 르네상스 등에서의

소나타, 교향곡, 실내악곡,

바로크 (춤)모음곡,

다성음악(대위법)양식, 푸가 등

낭만파 이전 여러 사조에서 차용한 옛 규범적 음악의

엄격한 형식주의(에서 오는 형식미)를

참고하여 음악을 작곡했음

## 낭만주의에 대한 반발

신고전주의의 이런 특성은 낭만시대의 다른 경향,

즉, 조성 파괴 및 반음계주의뿐만 아니라

주관/감정/인물의 과도하고

복잡한 표현 등에 대한 반발로도 나타남

* 그밖에도 온음계 사용(온음계주의) 및
* 화성적, 선율적 단순성 등
* 음악 스타일의 단순화 경향도 보인다고 한다

평가
--

19세기 음악사라는 책의 242페이지에 따르면

그를 비롯한 당시의 신고전주의자들은

“고전, 바로크 등 과거의 음악 기법을 탐구하고

모든 음악적 가능성을 실험하며,

그것을 낭만주의적 음악으로 표현”했다고 평가받음

## 대표적인 작곡가

브람스, 생상, 프랑크, 부르크너(관현악의 경우)

* 부르크너의 경우 표제적인 성질도 가짐
금관악기

정의
--

목관악기처럼 리드를 사용하는 대신

입을 99% 다문 상태에서 숨을 불어넣어

그 입술 사이에서 나오게 되는

~~빵구소리같은~~ 음파의 진동을

마우스피스로 전달하여 소리를 내며

황동(brass) 재질로 이루어진 구조의 관악기

## 대표적인 금관악기의 종류

호른

튜바

트럼펫

코넷

트롬본 등

## 뮤트의 목적

금관악기 음색에 변화를 주기 위해 다는 장치

* 스트레이트 뮤트
* 컵 뮤트
* 하몬 뮤트
* 플런저 뮤트

## 스트레이트(straight) 뮤트

악기의 벨 부분에 직접 꽂아서

음을 너무 많이 왜곡하지 않고 소리를 조용하게 만드는 기능의 뮤트

* (그러니까 일반적인 약음기 기능)

## 컵(cup) 뮤트

벨 부분을 좀 더 덮어주는 차단막같은 부분이 좀 더 뻗어있어서

소리가 좀 더 부드럽고 둥글어지는 느낌을 줌

## 하몬(harmon) 뮤트

가운뎃 구멍이 나 있는 오목한 뮤트로

재밌는 소리를 내기 위해

조절 가능한 슬라이드 관을 꽂을 수 있는 기능이 있음

## 플런저(plunger) 뮤트

벨 앞의 다양한 위치에서

손잡이가 달린 플런저를 잡고

벨 입구에서 자유자재로 움직임을 통해

사람 말소리처럼 변조효과를 줄 수 있는 뮤트
고전파 시대의 실내악

상위 문서: 고전파 시대의 기악 음악

같이 보기: 실내악

설명
--

악기를 소규모로(간단히) 편성하되

한 파트당 악기 하나씩 담당하여

역시 오케스트라처럼 효과를 내기 위해

분업화가 된 기악 편성으로

고전파 음악에서 중요한 기악 장르 중의 하나

* 현악의 경우 (2)3 ~ 9중주 편성이었고
* 그 중에서 현악 (3~)4중주가 가장 대표적이었다고 하며
* 보통 이 장르는 저녁의 귀족 저택에서 행해지던
* 사적인 파티 음악이라고 할 수 있고
* 악기는 상황에 따라 유연하게 편성되었다고 함

당연하겠지만 그밖에도

건반악기 음악 역시 존재하여

피아노 단독 혹은

피아노 및 솔로 악기 조합의

* (이 경우 솔로 악기의 종류명+소나타 꼴로 명명됨)

소나타 음악이 나타나기 시작한다.

* 당시에 대중적 연주회가 생기는 등
* 음악적 다양성이 생기면서
* 고전파 시대에는 이 '실내악'이라는 용어를
* 특히 대규모 연주회 음악과 구별되는
* 소규모 기악음악의 의미로 쓰여서
* '실내악'의 의미가 그렇게 되었다고 한다.

영어로는 'chamber music'이라고 하는데

왜냐하면 실내악은 궁정의 연주 가능한 방에서

어울려 향유되었기 때문이라고 한다.

* 전체적으로 봤을 때 3~4중주 편성이 대표적이었다.

이런 귀족들을 위한 실내악을 연주하기 위해 음악가들도 고용되었음

## 바로크 소나타와의 차이

계속저음악기(하프시코드)를 사용하는 관례가 점점 사라졌으며

트리오 소나타라는 개념 자체가 도태되었음

* 결국 악기 편성에 기반하여 곡 제목이 명명되는 식
* (현악3중주, 피아노3중주, 현악4중주 등등)

그리고 악장 수도 바로크 시대 소나타처럼 다악장 형태이긴 하지만

3~4악장 형태로 변화했으며 느-빠-느-빠 순의 배치도 아니게 되었음

## 당시의 2중주 음악

각 악기가 독주적 성부를 담당하는 중주 방식이 정착해갔으며

원래 사적 공간용 음악으로 연주되던 현악 앙상블이

점점 더 공개적 연주회용 음악으로 위상이 바뀌어 갔다고 한다.

* 당시의 이중주 음악에는 현악 이중주와
* 피아노 반주가 동반되는
* 바이올린 혹은 첼로 소나타가 있다.

## 고전파 시대와 소나타

소나타는 여러 악장들로 이루어진 기악 음악이라는 의미이므로

전통적으로 성악 음악인 칸타타에 대비되는 개념이라고 한다.

* 그런 이유로 '장르'로서의 소나타는
* '소나타 형식'과는 다른 개념이라고 한다.

## 이런 스타일이 나오게 된 시대적 배경

전고전파 시대부터 하나의 성부 위주의

호모포니 체제가 조금씩 시작되었고

자연스럽게 숫자저음 방식은 쇠퇴하여

화성을 담당하던 건반악기 역시

음악적으로 차츰 독자적 역할을 맡게 되었기 때문이다.

* 이런 상황 속에서 선율 악기가 조합된 현악 3~4중주와
* 건반악기 중심의 2중주 소나타 및
* 피아노 소나타가 나타나기 시작했다.

## 세레나데(serenade)와 디베르티멘토(divertimento)

전고전 시대를 포함한 고전파 시대에 아주 많이 작곡된 실내악 장르로

세레나데와 디베르티멘토 둘다 비슷한 개념의 이름으로 혼용되었으며

역시 저녁 귀족 저택의 연회에서 여흥을 위해 연주되었고

(곡 분위기는) 가볍고 밝은 경향이 있다고 할 수 있음

* 일반적인 소규모 실내악에서 소편성 오케스트라급까지를 포함함
* (그러니까 관악 혹은 현악4중주 편성에
* 더 많은 관현악기를 넣어
* 대규모 앙상블 편성 형태라고 할 수 있음)

(3~10악장 꼴의) 다양한 형태라고 할 수 있는다악장 앙상블을 의미하기도 하며

디베르티멘토의 경우 미뉴엣 부분에서

춤추기 위해 융통성 있게 반복된다고도 한다

* 하이든과 모차르트가 즐겨 작곡한 장르이기도 함

## 대표적인 디베르티멘토 곡과 그 형식의 예시

모차르트 디베르티멘토 K.334 in D

* 알레그로-안단테-미뉴엣-아다지오-미뉴엣-론도 알레그로

## 대표적인 세레나데 곡과 그 형식의 예시

1787년에 작곡된 모차르트 세레나데 13번 in G가 대표적임

* (이 곡의 제목은 아이네 클라이네 나흐트 뮤직 혹은 소야곡이라고 불림)

4~5중주 편성을 띄는 이 곡은

알레그로(1악장)

로만자(2악장)

미뉴엣(3악장)

론도(4악장) 순으로 구성됨

## 바이올린 소나타와 피아노 삼중주

당시에 바이올린 주법이 체계적으로 정리되면서

(주로 피아노와 바이올린의 결합이라고 할 수 있는)

바이올린 소나타가 발달되기 시작했으며

하이든의 경우 대개 피아노가 아닌 현악 반주였으며

그 외에도 현악 2중주 역시 많다고 한다

* 당시의 숫자저음 쇠퇴 및
* 첼로 연주법 발달로 인해
* 첼로의 개성 부여 및 독주 방식이
* 본격적으로 시작, 발전되어
* 이런 경향이 강화되는 데
* 한 몫 했다고 한다.

피아노에 보통 바이올린과

첼로가 하나씩 들어간

피아노 삼중주 역시 존재한다

* 이는 바로크 시대부터 시작된
* 삼중주 짜임새의 소나타의
* 편성을 잇는 개념이라고 한다

그리고 베토벤은 첼로 소나타를 작곡했다고 하며

그리고 그가 작곡한 피아노삼중주에서 각 악기가 독자적 역할을 하도록 하여

이 장르의 음향적 범위와 음악적 심각성을 확대했다고 한다.

## 당시의 현악 3중주

베토벤의 현악 3중주의 경우 기본적으로 하이든의 음악 어법을 따르고 있지만

특유의 열정과 심각성이 배여있는 작품(Op. 9, No. 3) 역시 존재한다.
17세기 유럽의 음악 후원 체계

상위 문서: 17세기 유럽의 문화적 상황

## 지배층의 경우

바로크시대 지배층은

화려한 궁정이나

크고 아름다운 오락물을 통해

권력과 재력을 과시했음

* 궁정 하나가 오케스트라, 교회합창대, 오페라단을 함께 소유하는 경우도 있었으며
* 당연한 얘기겠지만 재력이 많을 수록 그 악단의 규모가 커졌다

## 궁정 음악감독의 역할

연주회 주관

작품 창작 활동

음악교육

음악장서

악기 관리 업무도 했다

## 당시 작곡가의 삶

일단 작곡가가 후원자에게 고용되면

규제가 매우 빡센 환경 속에서 살았음

* 하지만 후원자에게 의지하는 것 외에 다른 방법이 없었으므로
* 어쩔 수 없이 빡세게 시험도 치거나
* 무슨 일이 있다면 상납 및
* 전임자의 딸과 정략결혼까지도 하는 경우도 있었음

## 당시 교회음악의 상황

중세때부터 교회에 음악이 없진 않았었고 이때에도 마찬가지였다

* 중세시대부터 있었던 오르간, 합창단 뿐만이 아니라 오케스트라도 있었다

사실상 거의 교회 음악이 가장 대중이 접근 가능한 음악이었음

* 물론 이때부터 공공음악회라는 시스템과
* 악보 인쇄를 통한 유통 개념이
* 대중에게 확산되고 있긴 했지만
* 아직 그 수준이 미약했음

## 도시에서의 음악 정책

역시 음악가들을 고용하고 연주회를 후원했음

당대 최대의 명성을 누렸던 작곡가인 텔레만 역시 그랬음

* 콜레기움 무지쿰이라는 대학 동아리를 지도하여
* 도시에서 종교음악, 세속음악 가리지않는
* 장르 불문 구성의 공개연주회를
* 정규적으로 열었음

## 중산층의 대두

중산층이 점점 형성되기 시작했다

* 권력자뿐 아니라 대중을 위해 개방된 유료 오페라 무대를 위한 작곡도 했음
* 18세기 전반기 베네치아에서는 오페라 극장이 몇개 있어서
* 시민들이 새로운 오페라를 연간 10개 이상 감상했을 정도였다

이러다보니 헨델도 권력자에만 기대지 않고

자기가 직접 오페라단을 결성하여 경영하며 활동했을 정도였다

## 작곡과 음악 활동의 변화

위 항목에서 언급된 식으로

공공음악회뿐만이 아니라

음악이 시민들의 삶 속에 파고들어

시민들도 직접 음악을 할 정도였고

작곡가들 역시 아마추어를 위한 작품들을 만들고

악보의 인세를 걷어 직접 돈을 벌려고 했다
12음 기법과 음렬주의

상위 문서: 쇤베르크

 12음 기법(Dodecaphony)

한 옥타브의 12음을 임의대로 순서를 정해

작곡가가 정해놓은 규칙에 의해

(한번씩) 배열된 음렬을 사용해 작곡하는

무조 음악의 작곡기법 중 하나

* 이 체계의 특성상 각각의 모든 음이
* 생략도 안되고 중복도 안 되는 식으로
* 음악 속에서 똑같은 빈도로 사용될 정도로
* 동등한 중요성을 띄게 된다.

이 기법을 통해 기존처럼 바그너, 드뷔시 식 음계나 화성을 넘을 수 있게 되었다고 함

## 12음 기법을 통해 무조 음악을 만들게 된 이유

12음 기법을 통해 모든 음이 생략도 안되고

중복도 안 되는 동등한 중요성을 띄게 되었음

* 그런 이유로 조성 체계처럼
* 주로 나타나게 되는 으뜸음(중심음)이 부재한
* 무조 음악(조성성 파괴)의 체계를
* 좀 더 철저하게 만드는 틀이 되었음

다시 말해서, 무조성에

규칙을 만드는 수단이 바로

12음 기법이라고 할 수 있음

* 이러면서 무조 음악이
* 듣기에 더 난해해졌다고 함

## 12음 기법에 적용된 여러가지 음렬들

(12음 기법의 기본음렬만으로 작곡할 경우에 생기는

구조적 단순함이라는 한계를 극복하기 위해서)

기본음렬(orignal form)뿐만 아니라

반진행(inversion, 전위), 역행(retrograde),

역 반진행 (retrograde inversion, 역행-전위) 등도 적용되었음

* 역행음렬은 말하자면 쓰레기통을 거꾸로하면 '통기레쓰'가 되는 식이고
* 역 반진행은 말 그대로 역행과 반진행 둘다 적용된 음렬을 의미함

## 음렬주의(serialism)

음악적 요소(음의 높이, 리듬, 다이나믹등)를

정해진 음렬에 따라 사용하는 사조

## 음렬주의의 진화

음렬주의는 2차대전 이후에도 발전하여

메시앙, 불레즈, 슈톡하우젠

배빗, 크셰넥, 노노, 스트라빈스키 등이

음렬주의의 연장선상에 속하는 작품들을 작곡했음

* 동시에 음렬주의 자체도 총렬주의 개념으로 발전했음

음렬주의는50-60년대 크게 확산되었다가 이후 사그러짐

* 왜냐하면 미분음이나 전자 악기 등
* 과학기술이 발전하면서 더 실험할 거리가
* 많이 생겼기 때문이라고 함
금주법과 재즈

상위 문서: 1920년대의 뉴욕 재즈/시대적 배경

## 금주법의 시행

1920년 윌슨 대통령의 거부권 행사에도 불구하고

공화당 의회가 결국 금주법(수정헌법 제18조)을 통과시켰음

## 금주법의 내용

이 법은 술을 사거나 먹을 수는 있었지만

알코올의 제조, 유통, 판매를 금지하는 법이었음~~???~~

## 부작용

~~이따위 법이다 보니~~ 결국 마피아 등의 조폭같은 놈들이 술을 제조하게 되었고

오히려 이 시대동안 술을 더 남용하게 되는 풍선효과 등의 부작용을 낳게 되었음

결국 술의 판매는 이런 식으로 음성화되다보니

1921년 불법 살롱과 밀주점(speakeasy)이 엄청나게 성행했다고 한다

## 불법 주점들과 재즈

이런 음성적 양조, 증류 산업을 경영하던 갱들은

재능 있는 뮤지션 등을 포함한 각종 예능인들을 고객 확보용으로 고용했다고 함

작곡가들이 이런 가게들을 위해서 일일히 음악을 만들어줄 수 없어서

즉흥연주자들에 의해 블루스, 대중가요 등의 곡들을 변형한 음악을 선보이는 식이었다고 한다

폐지
--

이런 식의 ~~좆같은~~ 악법이었다보니

결국 1932년에 금주법이 폐지되었다고 함~~이뭐병~~
남아공의 민족 구성 및 아파르트헤이트의 역사

상위 문서: 남아공 음악

## 남아공의 민족 구성

흑인이 전체 인구의 3/4 비중을 차지하며

남아공 흑인들은 보통 4가지 어군으로 분류할 수 있다

* 이 어군 중에서 가장 비중이 큰 어군은 응구니어군이다
* (응구니어군이 남아공 흑인 인구 전체의 과반수 비중을 차지함)

## 아파르트헤이트

남아공에 식민통치를 한 영국과 네덜란드 등의 유럽계 백인 이주민들이

남아공 원주민들을 차별, 착취하고 억압한 정책

* 인종간 공공시설이나 거주지 공동 사용을 탄압했다

결국 이런 현실이 국제 사회에도 알려지면서 결국 UN의 제재를 받아

남아공은 정치, 문화 분야 등에서 세계에서 고립당하게 되었으며

* 이걸 모르고 눈치없이 남아공에서 공연한 외국 밴드들도 존재했지만
* 이에 대항하는 외국과 남아공 내의 아티스트들도 존재했었다고 한다

결국 남아공의 아파르트헤이트 제도가 종식되어

넬슨 만델라가 대통령의 자리에 오르게 되었다

## 참조 링크

2019년도 외교부 자료

한국감정원(부동산원) 자료

온리뮤직의 게시글

YTN 라디오의 방송 내용

국가인권위원회의 인권용어사전

넬슨 만델라, 위대한 조정자(김홍국 저)

다음 블로그 링크

네이버 블로그 링크

영문위키의 관점

한국어 위키의 관점 참조
길버트와 설리번 시대 이후부터 1차대전 이전까지의 뮤지컬 흐름

상위 문서: 본격적인 현대 뮤지컬 형태의 시작과 발전

## 시대적 배경

19세기 말 미국, 특히 뉴욕은

당시 유럽에 비하면 아직 후발 지역으로

아직 치열하게 도시적으로도 발전 중이었으며

도시가 발전하게 되면서

경제뿐만이 아니라 소프트웨어적인 것들도

진공청소기처럼 빨아들이며 급성장하고 있었다

* 이러다보니 상업 예술 역시 좀 더 작품성을 더 놓치지 않는 방향으로 가게 되었다고 하며
* 기존의 버라이어티를 혁명적으로 고급화하여 럭셔리한 무대와 컨텐츠로 승부했다고 한다

한편 이런 흐름 속에서 최초의 미국산 레뷔로써

보드빌 전성기를 열었다고 할 수 있는 '패싱 쇼'와

동화 기반의 브로드웨이 가족 뮤지컬인

'오즈의 마법사' 역시 이 때의 작품으로

원작자가 직접 뮤지컬 제작에도 참여하여

훗날 영화계에도 전설을 남겼다고 한다

* 당시에 엄청나게 개설되던 철도 시스템의 파급력으로
* 뉴욕 바깥의 다른 미국 지역에서 뮤지컬 투어가 활발히 일어날 수 있게 되었으며
* 하지만 제대로 된 극장 공급이 미미하던 시절이라
* 공연 전체의 2/3이 아직 천막이나 임시 공간에서 이루어졌다고 한다
* 하지만 아직 영화나 방송 시대 이전이므로
* 대중예술하면 뮤지컬의 수요가 클 수밖에 없어서인 이유가 컸다

## 외산 컨텐츠 자국산화의 시작

아직 경제적으로나 문화적으로나 후발 주자(신흥국)였던 미국은

독립한 지 100년 후(19세기 말) 까지만 해도 자기네 고유의 문화가 약했으며

자기네 작곡가들 역시 아직 밀리던 분위기였다고 한다

* 이민의 역사가 아직 짧았던 19세기 중반까지만 해도
* 영국 뿐만 아니라 아예 유럽 대륙의 컨텐츠들 역시 인기였을 정도였으며
* 1880년대 초가 되어서야 유럽 대륙 보다는
* 영국산 '길버트와 설리번 표' 오페라의 열풍이 불게 된다

하지만 '컨텐츠 자국산화'는 그 때에도 필요했었으며

왜냐하면 엄연히 자기네들을 식민지배했던 영국과

 미국의 정서는 달랐기 때문이라고 한다

* (음악 뿐만 아니라 양국의 문화적 특성상 서로간의 유머 템포 역시 달랐으며,
* 영국이 좀 더 기승전결에 따른 전개에 충실하여 유머 패턴 역시 그에 따른 반면
* 미국이 좀 더 인스턴트하고 직관적인 재미를 추구했다고 한다)

이런 이유로 미국의 수입 오페라를 대체하는

컨텐츠 완전 자국산화는 불가능했었다고는 하지만

일부러 미국의 정서에 맞추기 위한

영국(유럽) 오페라의 마개조는 종종 이루어졌다고 한다

* 이러던 상황에서
* 조지 M. 코핸이라는 전설적인 제작자와
* '제롬 컨'이라는 역시 전설적인 작곡가가
* 어느 새 슬슬 등장하기 시작했다

## 당시의 주요 작곡가

제롬 컨

조지 M. 코핸(제작 등을 겸했음) 등

## 당시의 주요 제작자(극장주)

플로렌스 지그펠드

슈베르트 형제 등
귀도 다레초의 음악이론

상위 문서: 중세의 음악 이론

## 주요 업적

미크롤로구스를 집필함

* 기초 음악 이론뿐만아니라 작곡법까지도 다루고 있음

현재의 계명창(계이름 방식, 그러니까 도레미 체계)을 개발했음

현대적 기보법 개념 제안(1030년경)

* 모든 음들이 선 위나 선과 선 사이에 위치하도록 표기하는 방법을 제안했음

## 귀도 다레초의 계명창 체계

종교적 찬미가에서 가사 각 구절의 시작음과

 6음계가 서로 일치한다는 걸 발견하고

그 음에 대응하는 구절의 맨 앞 가사의 음절에서 따오는 방식으로(웃, 레, 미, 파, 솔, 라)

만들게 되었음

* '시'는 역시 그 당시에는 ~~악마의 음이라서 그런지~~ 없었다

## 귀도 다레초가 제시한 기보법 개념의 역사와 발전

중세 초기:

* 원래는 악보 없이 (감각적으로만) 구전되었음
* 그러다가 초기 중세(9세기 경)에는 '네우마'라는 부호를 사용했음
* 초기에는 가사 바로 위에 보표 없이
* 음의 상대적 높낮이만을 대략적으로 표시하는 정도었음
	+ 그러므로 이미 외운 노래의 대략적인 멜로디의 흐름만을
	+ 정확하지 않게 대충 메모하는 정도였다는 말임

발전:

* 하지만 11세기경부터 2선보나 4선보가 차용되었고,
* C와 F음을 표시하는 음자리표도 사용되기 시작했음
* 다성음악 시대가 되면
* 각각의 음 길이까지 표시할 수 있을 정도로 발달했음
* 13세기에 이탈리아에 5선보가 등장하여
* 15세기에 활동한 인물인 우골리노 다 포를리(Ugolino da Forli)에 의해 본격적으로 소개되었다
* 4, 5, 6선보는 늦어도 1600년 후반에는 사용되었다.
	+ Harvard Dictionary of Music (2nd edition, 1972): Neume, Staff

## 네우마

'숨', '호흡'이나 '신호', '표시'라는 의미에서 유래함

1. "neume". Oxford English Dictionary (3rd ed.). Oxford University Press. September 2005.
2. **^** πνεῦμα, νεῦμα. Liddell, Henry George; Scott, Robert; *A Greek–English Lexicon* at the Perseus Project.
낭만파 시대의 프랑스 가곡

상위 문서: 낭만파 시대의 성악 음악, 가곡의 본격적 시작

같이 보기: 예술가곡, 낭만파 시대의 독일 가곡

설명
--

당시 독일 뿐만 아니라 프랑스에서도

피아노와 성악 조합의 가곡이 유행했으며,

이를 '멜로디'라는 이름으로 불렀다고 한다.

## 가사적 특징

역시 시를 가사로 삼아 음악에 붙인 형태를 지님

* 당시 프랑스 시는 당대 독일의 내성적 서정시에 비해
* 감각적으로 호소하는 상징주의적 특성이 있어서
* 음악에도 이런 세련된 감성이 반영되었음

## 음악적 특징

반주나 선율 자체는 엄청

깊이가 있다고 평가받진 않음

* 하지만 현대적인 화성 및 조성적 요소들로 인해
* 시적 내용 및 분위기를 탁월하게
* 표현한다고 평가받고 있다.

## 대표적인 작곡가

베를리오즈를 시작으로

구노, 마스네, 생상스,

가브리엘 포레, 앙리 뒤파르크,

드뷔시, 라벨 순으로

이 장르를 작곡했다고 한다.

* 그 중에서도 가브리엘 포레와
* 앙리 뒤파르크 등이
* 독일 가곡에 견줄만할 정도로
* 가장 (작품성으로) 유명한
* 작곡가라고 할 수 있음

그러므로 이들은 주로

19세기 후반 후기 낭만파 음악사조를

대표하는 가곡이라고도 할 수 있음.
20세기의 민족주의 음악

상위 문서: 현대 음악

같이 보기: 낭만파 시대의 민족주의적 교향곡과 교향시

## 스트라빈스키(Stravinsky)와 바르톡(Bartok)

동유럽(러시아)적 민속 요소를 사용하여

신고전주의자이면서도 20세기 민족주의에 속함

## 에이토르 빌라-로부스(H. Villa-Lobos, 1887-1959)

바흐 대위법 등의 유럽 클래식 전통에다가

브라질 풍 민속 춤곡 요소를 넣었음

* 대표적인 작품은 Bachianas Brasileiras(브라질 풍의 바흐)로써
* 8개의 첼로와 가사 없는 소프라노 멜로디가 특징이라고 할 수 있다.

## 이삭 알베니즈(I. Albeniz, 1860-1909)

피아노 곡 등의 특징 및 토속색 섞인 서정성 때문에

스페인의 쇼팽이란 별명이 붙었다고 한다.

* 대표적인 작품은
* 스페인의 옛 이름인
* '이베리아'에서 따온
* Suite Iberia(이베리아 모음곡)로
* 스페인의 정취가
* 묻어난다고 평가된다.

시대적 특성상 후기 낭만파 시대와 더 겹친다고도 할 수 있음

## 알베르토 히나스테라(A. Ginastera, 1916-1983)

탱고 등의 춤의 본고장이라고 할 수 있는

아르헨티나 사람(Argentine)으로써

Dance Argentina 등의 대표작을 작곡했음

* 이 작품은 아르헨티나의
* 민속적 선율을 사용했다고 한다.

## 아스토르 피아졸라(A. Piazzola, 1921 ~ 1992)

역시 아르헨티나 출신의 반도네온의 대가로

순수 작곡기법과 tango 음악의 결합을 추구했음

* 대표곡은 Libertango인데
* 라디오에서도 유명한
* 대중적인 곡이라고 할 수 있다.
Body and Soul

상위 문서: 콜먼 호킨스

설명
--

원래 존 그린의 레뷔 곡이었으며

그 이후로 루이 암스트롱을 시작으로 많은 유명 재즈 뮤지션들이 커버한 곡으로

호킨스도 1939년에 커버하여 (특히 테너 색소폰계에서)

이 곡을 확실히 스탠다드 곡으로 굳혀

호킨스 커리어에서 가장 중요한 부분으로 여겨짐

* 호킨스는 리허설도 없이 즉흥연주로 녹음했다고 함

인기
--

결국 1940년 초부터 6주간 팝 차트에 올라서

청중들마저 이 곡 연주를 요구했었음

* 녹음된 그대로의 형태를 좋아했다기보다는
* '즉흥연주'로써의 곡을 듣기를 요구했음

호킨스의 커버 이후로도 뮤지션들은

호킨스가 커버한 것을 인용하거나

악보로 만들 정도였음

구조
--

32마디 대중가요 형식으로

서주 - 코러스 1 - 코러스 2 - 코다 순의 구조이며

코러스 하나 당 AABA로 구성됨

* 첫번째 코러스의 B 부분에서
* D 장조에서 복잡한 전조를 통한 우회를 통해
* D♭ 장조로 이동하는 것이 특징
개러지 락

상위 문서: 브리티시 인베이전 이후 미국의 음악적 조류

 주로 쓰는 악기
 파생된 형태

설명
--

1960년대 중반 로큰롤과 소울, (비틀즈 등으로 대표되는) 비트 뮤직과

서프 락 등에 영향을 받아 북미권에서 흥했던 락의 하위 장르

## 역사적 배경

1960년대에 북미권에서는 서프 락과

비틀즈로 대표되는 비트 뮤직 열풍이 불게 되면서

일반인들 사이에서도 밴드 음악을 할 정도였으며,

이렇게 결성된 밴드들의 음악이 히트를 치는 경우도 있었다고 한다.

* 개러지 락은 이런 시대적, 장르적 특성상
* ‘아마추어들이 (제대로 된 연습실 없이)
* (자기 집) 차고에서 하던 단순한 음악’이라는 인식이 박히게 되어
* 이 장르를 ‘개러지 락’이라고 부르게 되었다고 한다.

## 개러지 락 이후의 다른 장르 발생에 미친 영향력

대체적으로 에너제틱하면서도

단순하고 거친 사운드와 가사를 선보여

이후의 펑크 락의 발전에도 기여했음

## 대표적인 곡 듣기

The Remains - The Remains(FULL ALBUM)

The Electric Prunes - The Electric Prunes(FULL ALBUM)

The Electric Prunes - Underground(FULL ALBUM)

The Music Machine - (Turn On) The Music Machine(FULL ALBUM)

The Standells의 곡들

The 13th Floor Elevators - The Psychedelic Sounds of the 13th Floor Elevators(Full Album)

The 13th Floor Elevators - Easter Everywhere(Full Album)

Sam the Sham and the Pharaohs - Wooly Bully

Paul Revere & the Raiders - Just Like Us!(full album)

* Paul Revere & the Raiders - Steppin' Out
* Paul Revere & the Raiders - Doggone
* Paul Revere & the Raiders - Out of Sight
* Paul Revere & the Raiders - Baby, Please Don't Go/I'm Crying
* Paul Revere & the Raiders - I Know
* Paul Revere & the Raiders - Night Train
* Paul Revere & the Raiders - Just Like Me
* Paul Revere & the Raiders - Catch the Wind
* Paul Revere & the Raiders - (I Can't Get No) Satisfaction
* Paul Revere & the Raiders - New Orleans
* Paul Revere & the Raiders - Action

Paul Revere & the Raiders - Midnight Ride(full album)

Paul Revere & the Raiders - The Spirit of '67(full album)

The Kingsmen - The Kingsmen In Person(album)

* The Kingsmen - Fever
* The Kingsmen - Bent Scepter
* The Kingsmen - Long Tall Texan

The Kingsmen - The Kingsmen Volume II(full album)

* The Kingsmen - Little Latin Lupe Lu
* The Kingsmen - Long Green
* The Kingsmen - Do You Love Me
* The Kingsmen - New Orleans
* The Kingsmen - David's Mood
* The Kingsmen - Death of An Angel

The Kingsmen - The Kingsmen Volume 3(partial album)

* The Kingsmen - That's Cool, That's Trash
* The Kingsmen - Jolly Green Giant
* The Kingsmen - Don't You Just Know It
* The Kingsmen - La-Do-Dada
* The Kingsmen - Mother In Law
* The Kingsmen - Shout
* The Kingsmen - Searchin' For Love
* The Kingsmen - Comin' Home Baby

The Trashmen - Surfin' Bird[Full Album]

The Rivieras - Let's Have A Party(full album)

The Leaves의 곡들

The Unrelated Segments의 곡들

The Choir - Choir Practice(Full Album)

Question Mark & the Mysterians의 곡들

Count Five - Psychotic Reaction[Full Album]

Tommy James and the Shondells의 곡들

The Pleasure Seekers의 곡들

Luv'd Ones의 곡들

The Daughters of Eve의 곡들

The Feminine Complex의 곡들

## 영국 개러지 락

The Pretty Things - The Pretty Things(full album)

The Pretty Things - Get the Picture?(full album)

Them - The Angry Young Them(full album)

The Troggs - From Nowhere(full album)
5도권

상위 항목: 조성

설명
--

조표에서, 올림표가 하나당 붙으면 중심음(으뜸음)이 완전 5도씩 올라가고(완전4도씩 내려가고),

내림표가 하나씩 붙으면 중심음이 완전 5도씩 내려가는(완전4도씩 올라가는) 것을 정리한 순환형 표

* 각 장단조 조성별로 5도권과 1차관계조에 따른 관계를 도식화시켰으니 참고 바람

## 5도권과 1차관계조

   1차관계조는 어떤 조성에서 5도권상 바로

옆, 위 아래(관계조, 딸림조, 버금딸림조 및 이 조성과의 관계조, 같은으뜸음조)의 조성을 말한다

* 1차관계는 당연히 바로 옆, 위, 아래 조와의 관계를 포함하는 것이며
* 바로 양 옆의 관계는 특징음이 하나밖에 없기 때문에 가깝고 서로가 변화하기 쉽다

예를 들어, C 메이저 스케일 바로 밑의 A 마이너 스케일은 구성음이 동일하며(나란한조) 이 역시 1차관계이다

C 메이저 스케일과 같은 중심음을 가지는(동주조) C 마이너 스케일도 1차관계이다

## 나란한조

같은 조표를 공유하고 있는 관계의 장조와 단조

* 이 장조와 단조의
* 으뜸음 사이의 음정은
* 단3도의 거리를 가진다.

이 장조와 단조 사이의 관계를 그냥

'관계조'라고 부르기도 한다.

* 이 관계조 관계에 있는 장단조를
* 각각 (단조에 대비할 경우) '관계장조',
* (장조에 대비할 경우) '관계단조'라고 부른다.

## 딸림조와 버금딸림조

1차관계조에서 특정 조성의 양 옆에 위치한 조성

* 그 조성의 오른쪽에 위치한 조성이
* 완전5도 상행(완전4도 하행)의
* 으뜸음을 가진 딸림조(도미넌트 키),
* 그 조성의 왼쪽에 위치한 조성이
* 완전5도 하행(완전4도 상행)의
* 으뜸음을 가진 버금딸림조(서브도미넌트 키)가 된다.

이 조성들은 원 조성과 밀접한 5도권 관계를 가지며,

그런 특성상 이 딸림조와 버금딸림조 방향으로 전조가 가장 많이 일어난다고 한다

* (특히 클래식에서 그런 경향이 심하다고 함)

## 같은으뜸음조

A 장조와 a 단조와 같이 으뜸음만 같은('조'는 같은데 '성'이 다른) 조성을 의미하며

이 두 조성을 표시하는 조표의 갯수는 서로 항상 3개 차이가 난다.

여담
--

5도권이 피타고라스 콤마 개념에서 나온 거라 자연적이고 안정적이다 보니 5도권을 기반으로 하는 코드 진행이 많이 존재한다

* 당연히 이 코드진행에는 동형진행을 포함한다
기욤 드 마쇼

(佛): Guillaume de Machaut (1300년경 ~ 1377)

상위 문서: 아르스 노바

소개
--

순수 서양 예술음악사에서 최초의 대작곡가

14세기의 작곡가였으며

동시에 중요한 시인이었음

## 주요 생애 및 경력

1340년부터 프랑스 북부의 랭스 대성당에서 수사 신부로 일했음

몇년 뒤 왕이 죽은 후

그때부터 왕의 딸을 비롯한 프랑스의 여러 귀족을 위해

음악과 시를 남겼음

마쇼가 커버하지 않은 장르는 하나도 없었다

* 모테트 20가지 이상
* 4성부 미사곡
* 기악음악(다윗 호케투스)
* 세속 노래 120가지(최고의 업적으로 평가받는 작품)

하지만 교회권력이 슬슬 금가기 시작한 시대 특성상

제대로 된 종교음악이 ~~꼴랑~~ 미사곡 하나라는 특징이 있다

## 그 외의 업적 및 특징

아르스 노바의 사상을 적극 반영하여

3박자뿐만 아니라 2박자 계통의 음악도 다수 작곡했음

하지만 그의 음악에는 이전 시대인 13세기적 요소도 자주 발견됨

아르스 노바의 정신이 반영되어 있지만

~~대세를 안따르고~~ 프랑스어로 된 사랑노래를 주로 작곡했음

## 기욤 드 마쇼의 모테트

하지만 역시 엄숙할때는 ~~동양의 한문처럼~~ 라틴어를 쓰는 유럽의 전통 때문에

왕의 즉위 등의 중요한 행사를 위해 작곡된 모테트에는 라틴어 가사를 사용했음

* 이런 식으로 라틴어 가사의 모테트가 행사용 음악의 역할을 하는 것은
* 모테트라는 장르의 의미가 크게 바뀐 르네상스 시대에서도 여전히 쉽게 발견되었음

마쇼의 동형리듬 모테트는

테노르에만 동형리듬 기법이 적용되지 않았으며

다른 성부에서도 나타남

## 주요 작품들

미사 노트르담

세속노래

정형시 형식
낭만파 시대의 교향곡과 교향시

상위 문서: 낭만파 시대의 오케스트라 음악

설명
--

당시의 교향곡의 흐름은 크게

음악 외적인 내용 표현이 배제된

절대음악적인 교향곡과

음악 외적인 내용을 담아 작곡한

표제 음악적인 교향시로 나누어짐

* 낭만파식 교향악의 원류는 아시다시피 베토벤인데
* 베토벤은 절대음악적인 면모와 표제음악적인 면모 둘 다 가짐

## 당시의 교향곡과 교향시의 음악적 특징

전체적으로 보았을 때 고전시대 소나타 형식의 확장, 변형이라고 할 수 있으며

더 자세히 말하자면 문학적인 요소들이 반영된 감성적인 변화로 인해

곡의 길이 확장, 전통적 기능 화성에서의 이탈, 선율적 진보, 그리고

Instrumentation(관현악법)의 확대 등의 서정적 진화라고 말할 수 있다.

* 여기서 Instrumentation의 확대라는 것은,
* 음량, 음색, 셈여림(다이내믹)의 확장과
* 새로운 악기와 주법의 개발 등을 의미한다

## 상반되던 스타일의 공존 및 분열

그리고 이 때는 보수적(절대음악적) 스타일의 작곡가와

낭만주의적 표제 음악 스타일의 작곡가가 공존했다

* 위에서 말한 보수적인(절대음악적인) 오케스트라 음악과
* 진보적(표제적)인 오케스트라 음악관은 서로 대립했음

결국 19세기 후반에 가서는 이른바 이런 일종의

두 가지 악파라고 할 수 있는 스타일이

서로 더더욱 양극화되었음

* 하지만 위에서 말한 형식, 화성,
* 선율, 관현악법 등의 음악적 발달은
* 낭만파 시대에 공존했던 고전적인 교향곡에 가까운
* 보수적이며 절대음악적 작곡가든
* 교향시 등의 전형적인 낭만주의적 표제 음악 작곡가든
* 모두 관잘되는 특징이라고 할 수 있다.

## 낭만파 시대의 보수적이며 절대음악적 교향곡 작곡가들

슈베르트, 멘델스존, 슈만, 브람스, 브루크너 등이 있음

* 해당 문서 참조
낭만파 시대의 피아노 소품

상위 문서: 낭만파 시대의 피아노 음악, 건반 음악

같이 보기: 낭만파 시대의 주요 피아노 음악 장르의 양상

설명
--

낭만파 시대에 많이 작곡되어

피아노 독주(피아노 소품 형식) 또는

독주(솔로) 악기를 위해

피아노 반주가 곁들여지는

(비교적 짧은) 기악 장르 중의 하나

## 이런 스타일이 나타나게 된 시대적 배경

산업혁명기가 되면서

피아노 역시 엄청나게

발전하기 시작하였다.

* 그런 이유로 피아노의
* 음색 및 표현의 지평이
* 극적으로 넓어졌으며
* 낭만파 특유의 강렬한 감정이나
* 정서를 표현하기 위해
* 단악장의, 표제적 성격의,
* 나아가서는 서사석 성격도
* 강한 소품이 작곡되었다.

동시에 아마추어를 위하면서도

새 시대에 맞는 새로운 곡의 니즈를 충족하기 위해

이런 장르가 본격적으로 나왔다고 한다.

* 당연히 전문가를 위한 피아노 소품도 많이 나왔다

피아노 진보의 역사와 관련해서는

피아노의 매력, 피아노의 진화,

낭만파 시대의 피아노 음악 문서도 참조 바람

특징
--

(특히 성격소품의 경우 개념적으로)

특정한 분위기나 비음악적인

생각을 암시한다는 특징이 있음

* 음악은 말, 가사가 표현할 수 없는 감정을 표현한다는
* 낭만파 시대 특유에 발달한 믿음의 반영이라고 볼 수 있음

특정 정형화된 형식에

얽매이지 않으며

낭만파 가곡과 마찬가지로

문학적 요소가 결합하여

주된 특징을 표현하는

표제적 제목(programmatic title)을 갖기도 함

* (결국 표제음악적인 의미라는 말이며
* 곧 이런 표제적 제목의 작품들은
* 피아노 소품 중에서도 특히
* 성격소품, 개성적 소품,
* 혹은 작은 작품이라고도 불리는
* '캐릭터 피스'의 범주에 든다고 할 수 있다)

당시 작곡가들은 순간적이며 강렬한 감정을

단숨에 그려내어 오롯이 표현하기 위해

피아노 소품을 적절한 매체로 여겨

간혹 '전주곡'(프렐류드), 즉흥곡,

'스케르초', '발라드', 춤곡,

야상곡, 환상곡 등의 장르명을

곡 제목으로 사용하기도 했음

* 그리고 순간적이고 강렬한 감정 표현을 위해서
* 이 소품들이 무조건 짧고 작게 만들어졌다기 보다는
* 무엇보다도 작품 하나하나가
* 단독적인(단악장의) 작품이라고 이해해야 함

## 성격소곡(성격소품)과 일반적인 표제 음악 개념과의 차이점

일반적인 표제 음악은 구체적이고 규모가 크다는 특징이 있음

* 성격소곡의 경우 그것보다는 작고 은유적이라고 함

## F. Mendelssohn(멘델스존)의 경우

Lieder ohne Worte(독일어로 '가사가 없는 노래'를 의미한다고 함)

* '가사 없는 가곡을 구현한 곡' 내지는
* '언어로 표현할 수 없는 걸
* 음으로 표현하는 노래'라는 의미의
* 제목을 가진 곡(집)으로
* 한자식(일본식 번역투)으로는
* '無言歌'(무언가)라고 부르며
* 전체적으로 49(48)곡 구성으로 되어있다
* (당시 낭만파 사조의 특징이
* 노래하듯 서정적 선율이 강조된 것과
* 곡 제목이 서로 관계가 있다고 보기도 한다)

Rondo Capriccio

* 밝은 성격을 가진 자유형식의 곡

그밖에도 '세 개의 전주곡과 연습곡',

(론도) '카프리치오' 등을 작곡했음

* 그는 성격소품 스타일의 특징을 확립한 업적으로도 유명하다

## J. Brahms(브람스)의 경우

Rhapsody(광시곡)

* 자유로운 형식의 곡으로
* 형식상 구분이 없는 작품

Capriccio

* 빠르고 익살스러운 느낌의 작품이지만
* 역시 자유로운 형식을 띄고 있음

Intermezzo op.118, no.2

* '막간극'이라는 의미이긴 하지만
* 이 작품은 실질적으로 소품적인 작품임
LA 재즈와 비밥 씬의 대두

상위 문서: 비밥

## 20세기 초반의 미국 서부 재즈

보통 초기 재즈의 변천사를 얘기할때

남부의 뉴올리언스 재즈와

뉴욕, 시카고-중서부 등지의 재즈만을 언급하는 경우가 많은데

미국 서부도 문화적 파워가 결코 약하지 않았으며

* 일찍이 당시에도 헐리우드라는 문화산업적 괴물이 존재했었음

당연히 미국 서부의 사람들도 재즈를 향유할 수 있었다

* 초기 재즈 장르 형성에도 영향을 준 보드빌 악극단이 서부에도 찾아왔기 때문이기도 했고
* 재즈를 하던 흑인이 시카고 등의 중서부나 뉴욕 등지에만 활동한 것도 아니라
* 여느 중서부나 동부의 거대도시처럼 기차가 연결된 캘리포니아 지역에도 찾아와서
* 킹 올리버 밴드보다 1년 일찍 재즈 녹음을 했을 정도이다
* 심지어는 1910년대 이전에도 젤리 롤 모턴 역시 LA에서 연주했을 정도였다

## LA의 재즈씬

LA 역시 흑인들도 살고 있었으며

센트럴 애비뉴가 흑인들의 중심지였으므로

그쪽 거리를 따라 길게 펼쳐졌음

## 센트럴 애비뉴

블루스, 춤, 코미디 등을 취급하던 연예산업의 메카였음

모던 재즈 시대였던 1945년에는

콜먼 호킨스, 하워드 맥기, 디지 길레스피, 찰리 파커 등이 소속된 밴드도 방문하여

미국 서부 역시 모던 재즈의 시대에서 예외가 되지 않았다

* 서부의 뮤지션들 역시 이런 대세에 뒤쳐지지 않기 위해 노력했고
* 덱스터 고든이라는 주도적인 비밥 뮤지션도 배출할 정도였다
고전파 시대의 소나타 형식

상위 문서: 고전파 시대의 기악 음악

같이 보기: 바로크 시대의 소나타, 고전파 시대의 피아노 소나타, 피아노소나타

설명
--

소나타 형식은 고전파 시대의 소나타,

실내악곡, 교향곡, 협주곡 등의

기악 음악을 대표하는(기악 음악을 만드는)

악장 구성 형식으로 확립되어

보통 3 ~ 4악장으로 구성된 게 기본 형태임

* 교향곡을 포함한
* 이 시대의 모든 기악 음악은
* 이 형식에서 파생된 것이다

낭만파 시대에도 소나타 형식을 토대로 한 곡이 많음

* 하지만 낭만파 시대에 오면
* 제시부가 조성 3가지로 나타나거나
* 재현부 이후의 코다가 코데타의 확장 형태로써
* 또 하나의 독립된 단락으로 나타나는 등
* 소나타 형식이 규모, 길이적인 면에서 확대, 발전하게 됨

## 소나타 형식과 소나타 음악

소나타는 여러 악장들로 이루어진 기악곡이란 의미이므로

전통적으로 성악곡인 칸타타와 대비되는 개념임

* 그래서 소나타 형식과 '장르'로서의 소나타는 개념이 다름

(장르로서 소나타라는 것을 표현하기 위해서는 특정 악기+소나타 식으로 명명함)

## 소나타 형식의 형성

당연한 말이겠지만 보통 새 시대의 작품이 나오고

그 다음 후세 사람들이 그런 형식들을 이론화하게 되는 경우가 많다

* 그런 이유로 고전파 시대 전후로
* 여러 거물(하모베 라인, C.P.E 바흐, 슈베르트 등)들이
* 먼저 이런 스타일의 곡을 썼으며
* 후세의 학자들이나 음악가들이
* 이런 스타일의 형식적인 면을 연구한 후
* 이를 '소나타 형식'이라고 부르게 된 거라고 한다

그 중에서도 소나타 형식에서 보이는

주제-동기 가공작업을 통한

내적 유기성의 강화라는 면에 있어서는

완숙기의 하이든이

이루어 낸 것이라고 할 수 있다.

* 그리고 소나타 형식에서 흔히 설명되는
* 제1주제와 제2주제 대비 개념의 경우
* 고전파 시대가 끝난 이후에
* 그 유명한 헤겔의 변증법, 그러니까
* 정반합 개념으로 도출되어
* 그 개념이 발견되었다고 한다.

## 고전파 소나타 형식의 악장별 특징

특히 소나타의 1악장 형식을 보고

특별히 '소나타 형식'이라고 부르기도 한다

* 해당 문서 참조
그라임

주로 쓰는 악기
 파생된 형태
 그린디, 일렉트로 그라임

## 대표적인 곡들

Dizzee Rascal - Boy in da Corner(full album)

Dizzee Rascal - Showtime(full album)

Dizzee Rascal - Maths + English(full album)

Durrty Goodz - Overall(full album)

Durrty Goodz - Born Blessed(full album)

기타 Durrty Goodz의 곡들

Ghetts - 2000 & Life(full album)

Ghetto - Ghetto Gospel(full album)

Ghetto - Freedom of Speech(full album)

Kano - Home Sweet Home(full album)

Kano - London Town(full album)

Kano - 140 Grime St(full album)

Kano - Method to the Maadness(full album)

Lethal Bizzle의 곡들

Skepta - Greatest Hits(full album)

Skepta - Microphone Champion(full album)

Skepta - Doin' It Again(full album)

Wiley - Treddin' on Thin Ice(full album)

Wiley - Da 2nd Phaze(full album)

Wiley - Playtime Is Over(full album)

Wiley - Grime Wave(full album)

Wiley - Race Against Time(full album)

Wiley - 100% Publishing(full album)

Wiley - Evolve or Be Extinct(full album)

Jme - Blam!(full album)

Jme - Integrity(full album)

Jme - Famous?(full album)

Roll Deep - In at the Deep End(full album)

Roll Deep - Rules and Regulations(full album)

Roll Deep - Return of the Big Money Sound(full album)

MRK1 - Copyright Laws(full album)

MRK1 - One Way(full album)
낭만파 시대의 고전 레퍼토리 확장 경향

상위 문서: 낭만파 음악/시대적 상황, 낭만파 시대 오케스트라 음악의 발전 양상 및 관현악법

같이 보기: 낭만파 시대 오케스트라 음악의 발전 양상 및 관현악법

## “고전” 레퍼토리의 의미

옛 음악가의 작품

* 즉, 따라하고 싶은
* 표준이라는 의미를 포함

## 공공 공연장의 발전과의 관계

당시의 공공 공연장 발달로 인해 낭만파 시대 이전의

고전적 레퍼토리(바로크 음악 포함)에 대한 니즈도 높아졌음

* 왜냐하면 기교주의에 대한 반감으로
* 뭔가 다른 스타일의 연주곡에 대한
* 수요 역시 있었기 때문이라고 함

그렇다보니 자연스럽게 위대한 작곡가, 즉

과거 대가들의 작품에 대한 관심이 촉구됨

* 주로 현재에도 유명한
* 헨델, 바흐, 모차르트,
* 하이든, 베토벤 등의
* 작품이 리바이벌되었음

이러면서 클래식 음악에서 규범이 될 만한

바로크, 고전파 시대에 만들어졌던

죽은 대가들이 작곡한 곡이

발굴, 정리되었다고 함

## 낭만파 시대의 대규모 관현악 분야에서 고전적 레퍼토리의 규범적 기준

베토벤이라고 할 수 있음

* 아시다시피 베토벤은
* 표준적 형식을 지니며 음만 들어도 좋은
* 절대 음악적 경향성을 지닌 동시에
* 음악외적 내용을 표현하고자 하는
* 새로운 경향성(표제 음악)도 동시에 있었음

이렇게 이중적 면모를 동시에 갖고 있었다 보니

고전파 음악과 낭만파 음악 사이의 가교가 되어

후대의 낭만파 (대규모 관현악) 작곡가들이

각각 절대 음악, 표제 음악 스타일로 분화할 수 있었음
W. C. 핸디

상위 문서: 블루스

설명
--

대표적인 초기의 트럼펫/코넷 블루스 연주자이자 작곡가

자타공인된 '블루스의 아버지'

* 젤리 롤 모턴과 마찬가지로
* 라틴 음악의 영향을 받았다
* 라틴 재즈 문서 참조

## 왜 그가 '블루스의 아버지'라는 칭호를 얻게 되었는가?

왜냐하면 그가 구전으로만 전래되던

블루스의 양식 정립에 영향을 줬기 때문이라고 한다

* 그가 음악 활동을 위해
* 미국 남부를 방문하다가
* 그 곳의 음악을 토대로
* '블루스'라는 이름의 곡을
* 만들게 되었다고 한다

## 주요 명곡

멤피스 블루스(1912)

* 12마디 '재즈' 블루스 형식을 정립했다고 여겨지는 곡들 중의 하나
	+ (12마디 형식을 갖춘) 블루스 형식의 대중음악은
	+ (녹음되진 않았고 악보로만 기록된 래그타임 형식이긴 하지만) 이전에도 존재하긴 했었다(Anthony Maggio의 I Got the Blues 등)
* 하지만 핸디의 작품은 '재즈' 블루스의 시초로써 여겨지고 있다

세인트루이스 블루스(1915년에 발표된 가장 유명한 곡들 중의 하나)

## 세인트루이스 블루스

전형적인 12마디 블루스(12-bar blues)의 일종

* I / I / I / I
* IV / IV / I / I
* V / V / I / I

초기 '재즈' 블루스 중 최초로 '팝송'으로써 인정받았으며

재즈 스탠다드 중 하나로 채택되어 리얼북 등에서도 수록되었음
1990년대 한국의 인디 음악

상위 문서: 1990년대 한국의 대중음악

설명
--

1990년대(특히 중반 이후)부터는 드디어 한국에서도

주류 음악산업계 및 대중(위로부터의 매스미디어 권력)에 종속되는 것에 거리를 두고

독립적으로 움직이는 인디 씬도 나름대로 성장하기 시작했음

* 1980년대 한국의 헤비메탈 등의 밴드 음악이
* 슬슬 식상해져서 사그러들 때쯤
* 1990년대에 얼터너티브 계열의 음악이
* '인디' 형태로 유통되는 움직임이 생겨
* 일부의 반향을 얻기도 했다고 한다
* 이때 시작된 밴드들이 바로 국내 인디 1세대에 속한다

이런 흐름은 온라인(PC통신)과

오프라인 문화(홍대 클럽)가

시너지를 이루며 힘을 얻게 되었다

## 음악적 특징

이렇다 보니 소비와 생산 권한을 가지는

대중과 매스미디어의 입맛보다는

창작자들의 관점이 확실히 반영되어

'진정성' 있는 실험적인 음악으로 여겨지는 경우도 있다

* 왜냐하면 비교적 소자본(저예산)으로도 가능할 수 있으며
* 그런 이유로 매스미디어의 눈치를 덜 봐도 되기 때문이다

## PC통신과 인디씬

1990년대에는 아직 인터넷이 활성화가 안돼서

자생적 라이브하우스같은

오프라인 공간 뿐만이 아니라

인디씬 형성에 PC통신의 공도 혁혁했다고 한다.

PC통신(주로 동호회 게시판 형태)을 통해

얼터너티브 계열의 락덕후들끼리 모여

음악을 감상(감상 소모임)하고 정보를 공유하는 등의 활동이 가능해져서

열악함 속에서도 국내의 락 음악 씬이

풍요롭게 성장할 수 있었던 계기가 되었다고 한다

* 하이텔 메탈동
	+ 모던 락 감상 소모임이
	+ 이 곳 소속이라고 한다
* 나우누리 메탈체인
* 마스터플랜 등

## 인디씬과 라이브 클럽

홍대 등지에서 라이브 클럽 문화가 싹텄으며

국내 최초의 인디 클럽으로 여겨지는 홍대의 '드럭'이 등장했음

그 외에도 재머스(팝 락및 흑인 음악적인 부분도 커버),

프리버드

* AOR부터 얼터너티브 메탈까지
* 장르 불문 정책 및
* 대규모 라는 특징 때문인지
* 주말에 네임드 밴드가 나오면
* 성황리에 공연이 이루어졌다고 함

마스터 플랜(모던 락 및 흑인 음악적인 부분도 커버)

* (PC통신을 통한 감상모임으로 시작된)
* 동호회 주축 멤버 출신 4명으로 시작되어
* 나중에는 회사, 레이블(해피로봇) 등으로 확장, 발전된 형태
* 원래 모던 락과 흑인 음악적 성향이 공존하다가
* 이후부터는 확실히 흑인 음악(힙합) 쪽으로 특화됨

좀 더 세부적인 스타일의 클럽 역시 생겨나며

라이브 클럽 문화가 분화, 발전하기 시작했다

* 최초의 인디 클럽인 '드럭' 역시
* 펑크 성향으로 좀더 분화하기 시작했다고 한다

## 라이브 클럽 '드럭'

국내 최초의 인디 클럽으로 여겨지며

드럭의 자생적 공연 문화를 계기로

다른 사람들이 난입하게 되었고

그들이 크라잉 넛, 노브레인같이

(국내 최초의 펑크 밴드라고 여겨지는)

새로운 인디밴드를 결성하게 되었다고 한다

* 네이버 블로그
* 페이스북 게시물
* 서울역사아카이브
* 한국경제의 기사
* 조선일보의 기사
* 중앙일보의 기사
* 대중음악평론가 김작가의 글 참조

## 자생적 인디 레이블의 시작

위의 라이브 클럽에서 활동하던 사람들이 뭉쳐서

자연스럽게 인디 레이블도 만들기 시작했다고 한다

* 드럭 및 마스터 플랜도 동명의 인디 레이블을 만들어서
* 드럭의 경우 (일종의 기획사 역활을 겸하여)
* 크라잉넛, 노브레인, 위퍼(불후의 명곡으로 유명한 '이지형'이 몸담기도 했음),
* 락타이거즈(現 스트릿 건즈 - 로큰롤, 로커빌리 계열 밴드) 등의 밴드들이 소속되었고
* 마스터 플랜의 경우 좀 더 흑인 음악 성향이 짙어지면서
* 주석, 데프콘, 윈디시티 등의 유명 아티스트들이 소속되었다고 한다

그밖에도 다른 레이블 역시 생겨나서

 '강아지 문화예술'이라는 레이블의 경우

 '99', '3호선 버터플라이' 등의 밴드,

'인디'라는 레이블은 '코코어', '앤',

 '닥터코어 911' 등으로 유명했다고 한다

## 1990년대의 주요 아티스트 및 작품들

조선펑크(한국식 팝 펑크)

* 크라잉넛
	+ 말 달리자, 룩셈부르크로 유명하며
	+ 유구한 역사를 자랑하는데도
	+ 아직도 팀웍이 녹슬지 않는 장수 밴드
	+ 한국어 위키의 관점 참조
* 노브레인
	+ (넌 내게 반했어로 유명하며,
	+ 멤버 중 차승우는
	+ 문샤이너스, 모노톤스 등에서도 활동하며
	+ 성향이 변화했다고 함)

그 외에도 모던 락 밴드도 공존했으며

다음 목록의 아티스트들이

한국 인디의 시초 역할을 했다고 볼 수 있음

* 자우림(오버그라운드에서도 상당한 영향력을 끼침)
* 언니네 이발관
* 델리스파이스(지니의 설명, 엘피조이 홈피의 설명 참조) 등등...

기타 (얼터너티브 메탈, 그런지) 계열

* 노이즈가든(훗날 윤병주라는 멤버가 로다운 30으로 활동)
1970년대 이후의 인도 영화 음악

상위 문서: 인도 영화 음악의 역사

같이 보기: 파키스탄 음악

설명
--

1970 ~ 1980년대 이후로도 특히

북인도 중심으로 '주류' 양식이라는 음악적 개념이

계속적으로 변화해오며 존재해왔다고 한다

* 이 북인도 중심의 주류 양식은
* 다른 인도 장르에도 영향을 줬다고 한다

특징
--

대부분 선법적이며,

특수한 고전 라가에서 영향받은

선율이 자주 사용된다고 한다

* 물론 고전 라가적인 선율이
* 엄격한 법칙에 따라
* 반드시 들어가는 건 아니며
* 서구적 선법에 영향을 받은 경우가 더 많아서
* 장단조 체계와 그에 따른
* 기능 화성 등도 사용된다고 한다

 1940년 이래로 이런 경향이 시작되었다고 한다

* 하지만 인도인들이
* 서양의 조성이나 선법 체계에 대해
* 이론적으로 철저히 알고 있어서
* 이렇게 작곡한 거란 증거는 없으며
* 이런 음악적 특성상
* 인도인의 맥락에 의해
* 자체적으로 받아들여 발전시킨
* 독창적인 선법화성 기법일
* 확률도 있다고 한다

그밖에도 서양 악기가 폭넓게 쓰이며

서양에서 받아들인 게 분명한

악기 음색별 섹션이

여러 가지 병치되는 기법 역시

쓰인다고 한다

* 결정적으로 창법이 특징인데,
* 특유의 음높이를 꼬아버리는 식의
* '가마크'라는 창법(유튜브 링크 참조)이
* 바로 그 예시라고 할 수 있다

## 북인도권 영화

사실상 서로 같은 언어이지만

종교 때문에 갈라진

인도-파키스탄의 언어인

힌디 - 우르두어로 제작된다고 한다

* 하지만 이슬람인 파키스탄 언어인 우르두어는
* 아랍 문자 및 아랍어, 페르시아어 어원을 일부 갖고 있다고 하며
* 반면에 힌디어는 근본적 특성상 당연하겠지만
* 산스크리트어 어원을 갖고 있다는 차이가 있다고 한다

힌디어와 우르두어 둘 다 쓰이긴 하지만

우르두어의 문학, 예술성이 높게 평가받아

우르두어적인 요소가 더 강하다고 한다

## 북인도권 영화와 '가잘', 그리고 카왈리 음악

가잘은 시적 형식이자

세련되고 가벼운 고전음악 장르이다

* 시적 형식으로서의 가잘은
* 카왈리 음악에 흔히 쓰이며
* 장르로서의 가잘은
* 타블라와 하모늄 혹은
* 사랑기로 반주된다고 한다

영화음악으로서 변모된 가잘도 존재한다

* 하지만 일반적인 영화음악처럼
* (가끔 즉흥 연주가 안 보일 정도로)
* 즉흥연주가 최소화되어 있으며
* 좀 더 가요적 형식의 폐쇄형 구조를
* 갖추게 되었다고 한다

※ 카왈리 음악의 경우 파키스탄 음악 문서 참조 바람

## 기타 영화 음악의 특징

가잘이나 카왈리 음악처럼 전통적 형식 구조와 연관성이 별로 없다

* 대부분 후렴구와 관현악 간주와 함께
* 2행이나 4행의 악구를 번갈아 노래하는 식의
* 대조와 병치 구조로 이루어진다고 한다

## 지방 영화의 경우

1940년대 후반에 이르러서 뭄바이와 첸나이가

메인스트림 영화 제작업을 장악하긴 했지만

소비 타겟 대부분은 지방을 향했다고 한다

* 지방에서도 영화가 제작되긴 했지만
* 거대도시의 영향력과
* 상업적 획일화를 넘을 수 없었는지
* 일부를 제외한 많은 경우가
* 지방 언어만 쓰는
* 짝퉁 정도의 영화였다고 하며
* 특히 남인도에서 가장 큰 시장인
* 타밀 영화에서 이런 경향이 컸다고 한다

그 외의 지역에서는 지방 정부가

지역적 색채가 담긴 영화를

지원해 주는 경우도 있어서

그나마 영화와 영화음악에서

지역 색채를 느낄 수 있었다고 하며

지역에서 폭넓은 호응을 얻기도 했다고 한다

* 그리고 북인도처럼 즉흥연주가 축소되고
* 관현악법이 확장되었다고 한다

## 1980년대 이후

시대에 맞게 계속 진화해오고 있다고 한다

* 상업영화와 예술영화와의 절충도 나타나며
* 지역색이 강해진 부분도 있다고 한다

그리고 뭄바이 상업영화의 경우

폭력과 성적인 묘사가 강해졌다고 하며

사회와의 충돌로 환멸과 소외를 느끼는

분노한 청년 영웅을 묘사하기도 했다고 한다

* 이때부터 좀 더 본격적으로
* 락, 디스코 등의 장르에 영향을 받아
* 서구적 영향력이 짙어졌다고 하며
* LP나 카세트 도입으로
* 영화 음악의 노래의 러닝 타임 역시
* 5분 정도로 길어지게 되었다고 한다

한편 상업화 역시 노골적으로 진행되어

아예 공장식으로 대량으로 찍어내며

대중성을 지나치게 의식해서인지

단순하고 유치한 음악 스타일 위주로 제작하는

영화 음악 제작 스타일도 생겨났다고 한다

* 2010년대 후반에 들어서는
* 젊은 중산층도 늘어서인지
* 마냥 칼군무 뮤지컬같은 것만
* 하진 않는다고 한다
1970년대 한국의 대중음악/일반 가요계의 경우

상위 문서: 1970년대 한국의 대중음악

개요
--

60년대 후반부터 서로 대비되는 이미지의 라이벌 가수들이 대세가 되어

70년대에 와서는 그들의 주요 히트곡이 많이 나오게 되었다고 함

* 주로 이미자 vs. 패티김
* 남진 vs. 나훈아의
* 주요 구도로 전개되었음

## 나훈아와 남진

나훈아

* 산업화, 도시화로 인해 이촌향도한 서민들의 토속적 정서 대변함
* 선 굵은 남성적 이미지

남진

* 좀 더 귀공자 컨셉(?)에 중산층 이미지를 대변함

## 이미자와 패티김

이미자

* 나훈아와 비슷한 포지션의 컨셉이었음

패티김

* 서양식 스탠더드 팝으로 좀 더 세련되고 화려한 이미지

## 그 밖의 가수들

그밖에도 자기 특색이 뚜렷한 가수들이 많이 나왔음

* 김세레나, 김부자, 조미미
* 문주란, 김상희, 하춘화 등
낭만파 시대의 프랑스 발레

상위 문서: 낭만파 시대의 프랑스 오페라와 발레

설명
--

발레의 경우 오랜 궁정 발레의 전통이 있다보니

바로크 시대의 륄리 전통을 계승했다고 할 수 있음

* 궁정 발레 시대 이후
* 많은 작곡가들에 의해
* 발레음악이 발달했다고 했음

그래서 18세기 말부터는 이야기를 가진

서사적 발레가 발전했다고 함

* 그 다음은 특히 토슈즈 끝으로
* 서는 우아한 동작과
* 퍼지는 스커트로 특징되는
* (우리가 아는 식의)
* 낭만(파) 발레가 19세기에
* 본격적으로 등장했었음
* (이는 낭만파 음악의
* 서사성과도 연계됨)

이런 역사적 과정을 거치면서 (19세기 이후에는)

발레 장르에 대한 경쟁으로 인해

대규모의 스펙타클한 특징으로

진화했다고 할 수 있음

* 이때부터는 프랑스 외에도
* 발레 음악이 발달했다고 함
* (차이코프스키의
* 백조의 호수나
* 프로코피예프의
* 로미오와 줄리엣 등도
* 이런 범주에 속하며
* 발레 음악 발달에 기여함)

## 당시의 대표적인 발레 작품

지젤(1841)

* 아돌파 아당이 작곡했으며
* 목숨을 빼앗아가는 한 품은
* 처녀귀신 이야기를 담았고
* '이중주' 부분이 볼만함
남아공 음악

상위 문서: 월드 뮤직

## 남아공 음악의 특징

화성 및 합창이 중시되며

(백인 인구 비율이 비교적 높고

19세기 초의 선교사들의 영향으로)

서구 유래 악기들이 많이 유입되음

* 이 덕분에 저렴하고 연주하기 간편한
* 페니 휘슬 등을 비롯하여
* 기타, 바이올린 등의 악기가
* 자주 사용된다고 한다

평론가 강대중·송기철의 한겨레 기고글

온리뮤직 홈피 게시글

Focus: Music of South Africa (Carol Ann Muller 저) 참조

## 대표적인 아티스트

레이디스미스 블랙 맘바조(Ladysmith Black Mambazo)

* 해당 문서 참조

미리엄 마케바

* 탄압을 무릅쓰고 미국 망명을 불사해 가며
* 아파르트헤이트에 반대하여
* 조국 남아공의 현실을 국제사회에 알려서
* 결국 넬슨 만델라 석방을 이끌어 내는데 힘이 되었던 아티스트
* 일명 '마마 아프리카'
* 17세에 임신으로 원하지 않은 결혼으로
* 폭력적인 남편에게 시달려서
* 자기 딸을 업고 다시 어머니에게 돌아왔다고 하며
* 조셉 무투바가 작곡한 'What a sad life for a black man'이란 곡을 통해
* 민족 단결과 과거사 반성을 백인도 모르게 부족어로 불렀다고 한다
* (나중에 밀고 때문에 들통나서 탄압받음)
* 한국어 위키의 관점
* 영문위키의 관점
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* 다음 블로그 링크
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* 티스토리 블로그 링크
* 2019년도 외교부 자료
* 모어뮤직 홈피의 게시글
* 예스24 블로그 링크
* 브런치의 기고글 참조

## 대표적인 곡 및 앨범

Mbube

* 음부베 문서 참조

레이디스미스 블랙 맘바조의 곡들

* 레이디스미스 블랙 맘바조 문서 참조

Click Song (Qongqothwane)

* 미리엄 마케바의 곡

Pata Pata(1967년 발매, 히트친 음반)

* 미리엄 마케바의 곡

Soweto Blues

* 미리엄 마케바의 곡
* 온리뮤직의 게시글 참조

그레이스랜드

* 미국 싱어송라이터인 폴 사이먼이 발표한 앨범으로
* 남아공 음악의 세계화를 이끈 앨범으로 평가받는 작품이기도 함
* 레이디스미스 블랙 맘바조, 레이 피리 등의
* 남아공 뮤지션들이 많이 참여했으며
* 이후 이 앨범과 연계된 아프리카 투어에서는
* 미리엄 마케바와 휴 마세켈라도 참여했음
* 그래미상을 수상했으며
* 1980년대의 최우수 앨범 중 하나로 인정받고 있다고 함
18세기 전반 후기 바로크의 시대적 상황

상위 문서: 바로크 음악과 관련된 시대적 상황

## 당시 유럽의 정치적 상황

역시 17세기처럼

절대군주 중앙집권제의 거대국가와

수많은 소국들이 난립한 지역이 같이 공존했었음

## 당시 유럽의 음악 후원 체계

권력자

* 17세기와 마찬가지로 권력자(왕, 귀족, 교회 등)들은
* 경쟁적으로 명성 있는 음악가를 고용하기 위해 애썼음

음악가

* 반면 음악가도 좀 더 나은 보수를 위해
* 끊임없이 새로운 양식과 기법으로
* 경쟁력을 높이려고 했음

## 당시 음악 및 생산 방식의 특징

끊임없이 신곡 생산이 필요했으며

작곡가가 창작할 작품량이나 종류를

후원자나 고용주가 조절하는 경우가 흔했음

* 그리고 아래의 4대 작곡가같은
* 전형적인 바로크 양식 뿐만 아니라
* 이후 고전파 음악에 영향을 주게 될
* 새로운 스타일 등이 같이 공존했다고 함

## 대표적인 4대 작곡가

안토니오 비발디(협주곡에서 두각)

장 필립 라모(이론가로써의 업적이 뛰어남)

요한 세바스찬 바흐(오페라를 작곡하진 않았지만 주요 음악 장르 수준을 고도로 끌어올렸다고 함)

조지 프리데릭 헨델(오라토리오에서 두각)

* 모두 대위법과 화성의 조화가 특징이었음

## 바흐 이후로 후기 바로크 시대가 계속되지 않고 고전파 시대로 변한 이유

바흐나 알렛산드로 스카를라티의 아들들인

칼 필립 에마뉴엘 바흐 (C. P. E. 바흐)

요한 크리스찬 바흐 (J. C. 바흐)

도메니코 스카를라티 등의 작곡가들이

대대로 음악을 하며

음악사를 이어 나갔다고 한다

* 하지만 바로크 양식의 유행이
* 지나 버렸기도 했고
* 결국 아이러니하게도(?)
* 아버지들의 스타일을
* 그대로 계승하지 않은 그들은
* 오히려 이후에 이어지게 될
* 고전파 양식의 조상격인 형태라고 할 수 있는
* 음악을 남겼다고 한다

(이런 식으로 고전파 시대로 자연스럽게 이행하면서)

한동안 바로크 양식이 묻혔다가

19 ~ 20세기를 지나면서 비로소

이후 음악가나 학자들의 발굴 및 재조명에 의해

다시금 바로크 양식의 가치가 드러났다고 한다

* 대표적으로 멘델스존의 마태 수난곡 발굴 등의 사례가 있다

참고로 전고전파 음악도 시대가 지나면서 묻혔다가

20세기 중반에 본격적으로 재발굴된 사례라고 한다