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Art primitif italien

Le terme  **primitifs italiens** désigne les peintres en Italie qui amorcent le changement du traitement de la peinture dans la période du Trecento voire du Duecento, en introduisant trois principes nouveaux : l'humanisation des personnages représentés, l'apparition des paysages et des architectures complexes, en passant d'un style italo-byzantin à un style typiquement et proprement italien en plus des arguments stylistiques du gothique français.
Gravure

## Étymologie

Le terme "gravure" vient de l'ancien français *graver* ("creuser"), qui prend le sens de "tracer sur une matière dure en l'entaillant".

## Procédés

### Gravure en taille d'épargne

Appelée aussi gravure en relief. Il s'agit d'un procédé dont les parties creusées de la planche ne seront pas imprimer ; le dessin seul est conservé au niveai initial de la surfacce de la planche, il est épargné.

L'impression d'une gravure en taille d'épargne peut se faire à la main, ou sur une presse typographique. C'est la technique employée pour la xylogravure et la linogravure.

### Gravure en taille-douce

Appelée aussi la gravure en creux. Cette technique se pratique le plus souvent sur du cuivre. À l'inverse de la taille d'épargne, l'encre va déposer dans les creux gravés par l'artiste.

L'impression de la plase que fait sur une presse à taille-douce.

### Gravure sur cristal

Il existe différentes manières d'exécuter pour la gravure sur verre et cristal. Cette technique verrière de l'atelier à froid permet de créer un décor sur la surface du verre.

### Gravure à plat

Aussi appelée impression à plat ou planographie. Contrairement à la taille d'épargne et la taille-douce, la technique de gravur eà plat ne nécessite pas de reliefs, et ne sont donc pas des "gravures" mais assimilés comme tels.

## Sources et références

### Sites

* Wikitionaire - Graver
* Wikipédia - Gravure
Caput mortuum

Le **caput mortuum** est un pigment ocre artificiel de couleur brun violacé obtenu par calcination du sulfate de fer.

## Etymologie

Le caput mortuum ou « tête morte » tire son étymologie latine de l'ancienne chimie, dont la signification veut dire « résidu dont on ne peut rien extraire ».

## Sources

* Wikipédia.fr, *[consulté le 20 décembre 2022]*
Miracle de la relique de la Croix au pont San Lorenzo

Le **Miracle de la relique de la Croix au pont San Lorenzo** ou **Miracle de la Croix tombée dans le canal San Lorenzo** (en italien : Miracolo della Croce caduta nel canale di San Lorenzo) est un tableau de l'artiste italien de la Renaissance Gentile Bellini, qu'il réalise en détrempe sur telero en 1500. De 365 × 399 cm, datant de 1500, il est conservé aux Galeries de l'Académie de Venise.

## Description

* Tempéra sur toile. C’est une OA énorme. Cette toile fait partie d’un cycle de peinture commandé pour la Scuola di San Evangeliste.
* La scuola (mot intraduisible en français) est une institution charitable destinée aux pauvres et malheureux. Nous avons par nationalité, par métier. Elle est financée par les grandes familles vénitiennes qui sont rattachées aux paroisses et aux quartiers. Ces familles sont riches.
* C’est un bâtiment pour visiter. On a une assemblée et une chapelle. Le tout est décoré de peinture.
* Support toile pour le format.
* Le cycle retrace les fragments de la croix. On vient prier. Il s’agit ici un des miracles du reliquaire d’une procession. Andrea Vendramin est l’homme dans l’eau portant une croix.
* La famille Vendramin est représentée à droite (que des hommes), les commanditaires de l'œuvre. c’est une façon de glorifier la famille. A gauche les commanditaires femmes de la famille.
* Iconographiquement, le tableau est intéressant : on a une vue du pont Lorenzo. Ici est représenté un paysage réaliste. C’est très précis dans la représentation. C’est une tradition vénitienne ce type de paysage. (--> art védutiste). Les premiers artistes à peindre des paysages réalistes sont les artistes flamands. Il y a de l’intérêt pour l’anecdotique et les détails. On renvoie encore à la tradition du gothique international.
* Particularité de Venise : la foule. On prend soin d’observer les détails de chaque élément.
* Niveau plastique : ce qui frappe tout de suite est la maîtrise de la perspective mathématique à pointe de fuite, associée à la perspective atmosphérique.

La lumière vient de la gauche et on voit qu’elle se pose de façon identique sur ts les éléments. Le dessin est incisif et appuyé rappelant Mantegna.
La Vierge au long cou

**La Vierge au long cou** (en italien : Madonna dal collo lungo) est une peinture à huile sur bois, attribuée à Parmigianino, conservée à la galerie des Offices à Florence.

## Description

* Iconographie. Pas seulement Vierge à l’Enfant. Il y a des éléments autour. Difficulté d’interprétations.
* On a la vierge à l’enfant tenant l’enfant endormi, entouré des éléments.
* La colonne derrière est un élément fort qui stabilise la composition. Il représente Dieu. On ajoute saint Jérôme au fond qui annonce la Messie. L’iconographie est complexe.
* Plastique. Pas classique. On a une figure antinaturaliste avec une ligne serpentine, le cou très long, les doigts trop longs, une petite tête. On n’est plus devant une représentation naturaliste. On cherche une certaine beauté plastique. On va jusqu'à l’abstraction.
* Il y a un drapé mouillé de l’antiquité avec le bouillonnement des drapés qui n’est pas réaliste.
* Jeu de lumière qui allonge les proportions du corps irréaliste. Cela renforce le caractère précieux.
* La coiffure de la Vierge est sophistiquée.
* On ne croit pas à la construction spatiale.
* On ne respecte plus les règles classiques.
* On n’est pas dans la tradition vénitienne. C’est appuyé, dessiné, pas peinture tonale, ni sfumato. On est dans la tradition florentine. On a une palette demi-teinte.
Allégorie du triomphe de Vénus

**L'Allégorie du triomphe de Vénus** est un tableau du peintre italien Bronzino réalisé vers 1545-1547.

## Description

* Symptomatique de l’œuvre d'art maniériste.
* On a une complexité iconographique. Difficile à décrypter iconographiquement. C’est un art destiné à l’élite intellectuelle.
* On a une sensualité érotique froide. Absence de perspective, ligne serpentine, attitude trop gracieuse, couleurs acides, froides, blanchi car on est à Florence.
이아난

이아난은 아프리카에 있는 국가이다.

## 이아난의 역사

4996년: 뙤브리퀘르 출신 모험가 응오버(ngobvë)가 이아난 땅을 발견, 이후 뙤브리퀘르 부족 회의에서 원주민들과 함께 뙤브리퀘르령 이아난을 세우고 3년에 한번씩 이주민을 보내기로 결정함.

4998년: 뙤브리퀘르 부족 연방 승인하에 응오버가 10년 동안 이아난의 대통령을 맡기로 결정됨.

5007년: 뙤브리퀘르인들의 극심한 차별에 화가난 이아나인들이 거리로 나와 평화 시위를 펼쳤지만, 그들에게 돌아온것은 총알과 죽음이었음.

5038년: 뙤브리퀘르 부족 연방에서 이아나인들의 권리를 일부 인정하고 이아나인들의 대통령을 따로 만들도록 허락함.

5092년: 뙤브리퀘르 부족 연방이 이아난과 차드라이 조약을 맺음.

5107년: 파드리츠가 쿠데타를 일으킴.

자세한 내용은 이아난/역사를 참고하길 바랍니다.
Art japonais

L'**art japonais** couvre de nombreux domaines, dont l'architecture japonaise, la peinture japonaise, l'estampe*ukiyo-e* et la sculpture, la céramique japonaise, l'art du jardin japonais, l'art de la laque japonaise et les arts du textile (dont le kimono) ainsi que l'art contemporain japonais, sous toutes ses formes, avec le *manga* et l'*anime*qui font tous l'objet de cet article.
Le Martyre de saint Laurent

**Le Martyre de saint Laurent** est un tableau de Titien dont deux versions sont connues.

## Description

* La construction est très confuse. Il n’y a pas de clarté. L’espace n’est ni défini, ni cohérent. Titien ne s’intéresse pas à l’espace spatial.
* Il y a un temple (une architecture à droite) avec une ouverture spatiale à gauche.
* Composition à deux registres qui devient classique. Le registre inférieur est le martyre saint Laurent.
* Entre les 2 registres, un élément de liaison avec le ciel qui s'ouvre. C’est un ciel avec une lumière fantomatique qui est Dieu (céleste), et une lumière terrestre qui éclaire le martyre.
* C’est le contraste lumineux qui compte dans l’OA.
* Au 1er plan, on a le saint qui est direct en face de nous, le gril est placé à un angle pour inviter le spectateur (c’est très courant dans le maniérisme).
* La palette est assez fantastique, très chaude avec une tonalité froide, usage de la peinture tonale qui dissout certaines formes dans l’atmosphère.
* La musculature n’est pas réaliste mais une déformation expressive (influence du maniérisme et le style de Michel-Ange).
* On a de nombreux empattements.
* La vision naturaliste du monde a totalement disparu. Ce qui compte est une vision intériorisée du monde et dramatique.
* Possible une réflexion sur la mort.
* On a une façon “quasi-expressionniste”. Ce qui compte est l'expressivité d’une intériorité. C’est assez nouveau et cela anticipe les recherches de Rembrandt. On a un caractère presque esquissé
* L’OA a reçu un avis favorable pour les Vénitiens mais les autres populations. Les Vénitiens associent le style à leur cité.
Le Couronnement d'épines (Titien, Paris)

**Le Couronnement d'épines** est un tableau du peintre italien Titien réalisé dans le deuxième quart du xvie siècle.

## Description

* OA peinte à Rome
* Multiplication des lignes brisées, des diagonales.
* Composition complexe.
* La position du Christ fait penser aux positions des personnages de Michel-Ange.
* On est à la limite du réalisme.
* Positions très contournées, en torsion
* Attitude des assez maniéristes.
* Sculpture
* Assez expressifs.
* Palette des teintes acides propre au maniérisme
* La signature de l’artiste est très visible.
* Dans cette OA, la peinture tonale est un peu abandonnée. La lumière est plus blanche. Le dessin est plus appuyé.
* C’est une OA un peu isolée de la carrière du Titien car il revient à la peinture tonale.
* Ce n’est pas assez naturaliste pour Titien.
* Caractère très théâtral.
Art étrusque

L'**art étrusque** est un art de la civilisation étrusque, qui est née et s'est développée durant le Ier millénaire avant notre ère, en Italie centrale, dans le Latium. Plus que d'autres cultures antiques, elle est marquée par une religiosité profonde et surtout l'obsession de la mort. L'essentiel de son art se trouve dans les tombes.

## Références

1. ↑ LANEYRIE-DAGEN Nadeije, *Histoire de l'art pour tous*. Hazan. 2021. p. 112
La Chupicuaro

La figure féminine **Chupicuaro** est une statuette en terre cuite réalisée vers 400-100 avant J.-C., issue de la culture Chupícuaro du Mexique, elle est exposée au musée du quai Branly-Jacques Chirac, dont elle est l’emblème. Sa hauteur est de 31 cm.

La volonté des céramistes qui ont modelé les figurines de ce type, souvent trouvées dans des sépultures, n’était pas de reproduire un modèle exacte de la femme mais probablement une pensée ou un concept. Il a été proposé que ces figurines témoignent des liens qui associaient la femme à la terre, aux cycles annuels, à la périodicité et à la fertilité. Les femmes sont représentées ornées de peintures corporelles et portent coiffe, colliers et ornements de bras

## Sources

* wikipedia
* Quai Branly
Emil Lauffer

**Emil Lauffer**, né le 28 juin 1837 à Hof et décédé le 31 mai 1909 à Prague, était un peintre morave (tchèque) et directeur de l'Académie des Beaux-Arts de Prague.

## Biographie

Il était le fils du pharmacien Ferdinand Lauffer et de son épouse Amalia Spatzier. Son frère aîné était le poète Ferdinand Josef Lauffer, qui dut fuir à l'étranger après les meutes de 1848.

Emil Lauffer étudia à l'Académie des Beaux-Arts de Vienne auprès de Christian Ruben et s'installa à Prague en 1865. Il a participé à la conception pittoresque du château du Belvédère au château de Prague, qu'il a mis en œuvre d'après les plans de son professeur viennois. Il a également réalisé les peintures de Mikoláš Aleš dans le foyer du Théâtre National de Prague.

Il resta à Prague et fut alors professeur à l'Institut polytechnique allemand pendant près de quarante ans (1869-1907). Il a également travaillé à l' Académie de Prague, où Václav Brožík était son élève . De plus, il a également donné des cours particuliers de dessin à Antonín Slavíček. Dans les années 1864-1886, il était membre de l'Association de promotion de l'art de Prague (Krasoumná jednota).

Il mourut en 1909 et fut enterré dans les cimetières d'Olšany.

## Œuvres

Lauffer était un représentant de la peinture historique romantique austro-allemande. Outre les peintures murales du Belvédère et du château de Liblice, il a également transféré un dessin de Mikoláš Alša dans le foyer du Théâtre national de Prague. En dehors de Prague, il a travaillé en Silésie polonaise , où il a réalisé un certain nombre de peintures d'autel dans les années 1950 et 1980.
La Conversation sacrée

**La Conversation sacrée** (Sacra conversazione con la Madonna col Bambino, sei santi, quattro angeli e il donatore Federico da Montefeltro), encore connue sous le nom de Retable de Brera ou Pala Montefeltra ou encore Pala de Brera, est une œuvre de Piero della Francesca qu'il réalisa pour l'église San Donato degli Osservanti en 1472.

C'est une peinture à l'huile sur bois de 248 × 150 cm. Elle est conservée à la Pinacothèque de Brera à Milan.

## Description

* Scène d’une conversation qui est un sujet apparu à Florence mettant en scène de la Vierge et des saints.
* Sujet classique ou la vierge et l’enfant trônant avec une architecture très antiquisante, dessinée en perspective mathématique à pointe centrale. Présence de la lumière venant de gauche (on devine grâce aux ombres portées).
* Les personnages sont placés un peu près au même plan avec des volumes puissants, tendance à simplifier et géométriser, typique du style de Piero della Francesca.
* La Vierge est placée un peu devant les saints. Les anges sont idéalisés et souvent androgynes.
* Jésus est représenté nu symbolisant l’humanité (avec le Concile de Trente on masque sa nudité). Il porte un collier corail représentant la Passion. Il est dans une position pas réaliste qui renvoie à la Passion/la pietà. C’est au courant d’avoir des symboles de la Passion dans ce type de représentation.
* Au premier plan à droite, on a le duc d’Urbino en chef de guerre pour célébrer sa victoire d'où la présence de son armure.
* La précision des détails est importante, jeu de reflets sur l’armure qui est permis par l’huile. C’est une œuvre totalement faite à l’huile sur bois
* Le tapis oriental (anatolien/turc) aux motifs, on les retrouve dans les tableaux flamants. Ce n’est pas étonnant que Francesca s’intéresse à Donatello.
Le Triomphe de la chasteté

**Le Triomphe de la chasteté** ou **Double Portrait des ducs d'Urbino** est un diptyque à double face de Piero della Francesca, réalisé entre 1465 et 1472. Il s'agit d’une tempera sur bois, aujourd'hui conservée au musée des Offices de Florence, représentant Fréderic III de Montefeltro et sa deuxième épouse Battista Sforza.

## Description

Francesca respecte la tradition des portraits italiens càd portraits profils style monnaie et médaille antique. C’est typique portrait de cour de l’époque avec un détail important. Le portrait est très réaliste et pas idéalisé avec une précision de détails importants. Le profil met en valeur le nez.

**Portrait du duc d'Urbino**

* Le fond est intéressant car une nouveauté. On présente un paysage derrière les persos c’est plutôt une influence flamande, un paysage très profond qui mène à la perspective mathématique et atmosphérique. Aucun élément ne coupe la tête. C’est un art très dessiné.
* Francesca met en accent les volumes. La lumière ne vient pas de face mais de dos du modèle. On voit la simplification du volume du buste. Il n’y a pas de drapés complexes comme le cou qui est presque cylindrique avec un visage presque ovale. Il y a une certaine géométrisation. C’est l’un des derniers portraits de profil.

**Portrait de la duchesse d'Urbino**

* Les femmes sont plus idéalisées que les hommes. La géométrisation est plus poussé sur le visage de la femme. Elle a une forme d’ovale parfaite.
* Les femmes se mettent du maquillage pour devenir blanches. La femme a les sourcils épillés avec le front bombé et une coiffure extrêmement complexe. Elle utilise des postiches avec des bijoux comme associés.

Même si les portraits sont réalistes mais ce sont des portraits sociaux, censés symboliser la puissance de la famille d’urbino. Le fond présenté est la terre d’Urbino. Cela montre que Monsieur et Madame dominent les terres d’Urbino.
Le Baptême du Christ (Verrocchio)

**Le Baptême du Christ** est un tableau commencé par Andrea del Verrocchio et achevé par Léonard de Vinci entre 1472 et 1475. Il représente saint Jean Baptiste donnant le baptême au Christ dans les eaux du Jourdain. Il est exposé à la Galerie des Offices de Florence.

## Description

* Nous avons Saint Jean-Baptiste, le Christ, la colombe, des anges. C’est une OA typique de Verrocchio.
* Les lignes très ondulées, incisées sont caractéristiques de Verrocchio qu’on retrouve chez Botticelli.
* L’expressivité des lignes met en avant dans l’OA. L’artiste cherche l’expressivité que la beauté plastique. Cette expressivité va de paire avec le naturalisme.
* Cette OA est importante car elle a été en partie réalisée par Léonard. L’ange et certaines parties du paysages sont réalisées par Léonard. On a des factures différentes.
* L’ange de gauche est dans la contre tradition florentine à la recherche de la beauté idéale. C’est une figure très idéalisée (issu de Filippi) . Ils ont une position simple. Ces positions différentes permettent d’avoir différents jeux d’ombre et de lumière ainsi que les drapés.
* Léonard a dessiné une série de drapées (extraordinaires) qui peuvent être représentées comme une OA à part entière. Pourtant ce ne sont que des études de dessin préparatoire. Ces artistes commencent à offrir des dessins aux nobles etc, ce qui est assez nouveau à l’époque.
* Les détails sont importants pour Léonard.
* Les lignes de contours sont assurées par Léonard. Cette caractéristique plastique de Léonard donne un caractère fantastique.
* On distingue la différence entre l’art de Léo et Verrocchio, tandis que Botticelli on voit qu’il est influencé par Verrocchio.
La Vierge de l'Annonciation

**La Vierge de l'Annonciation** (en italien : Annunciata di Palermo, Annonciation de Palerme), est un tableau d'Antonello de Messine de la Première Renaissance. Il s'agit d'un des chefs-d'œuvre du peintre réalisé entre 1474 et 1476, et dans lequel il applique le plus haut degré de son art. Le tableau de petit format (45 × 34,5 cm) constitue l'un des trésors de la Galleria Regionale della Sicilia à Palerme, et l'un des plus célèbres, si ce n'est la plus célèbre3 des peintures de Sicile.

Avec une grande économie de moyens, uniquement par la gestuelle et l'expression faciale de Marie, Antonello parvient à représenter l'ensemble du déroulement de l'Annonciation. Le tableau omet l'élément essentiel qui permet d'identifier au premier coup d’œil une Annonciation : l'ange Gabriel — et l'hypothèse d'un diptyque démembré, qui aurait représenté l'ange sur un autre panneau, est à écarter formellement, dans la mesure où aucune trace d'attaches ni de fixations n'est décelable sur le panneau de Palerme.

## Description

* Absence de l’ange Gabriel
* Le corps n’est pas montré entièrement
* Bleu  : caractère céleste du Christ et le rouge : caractère de la Passion.
* La Vierge est importante car elle symbolise l'incarnation.
* Position de rigueur et de retenue. La main droite avance, geste d’acceptation. Elle paraît apaisée mais pas réjouie.
* Le livre est l’ancien testament annonçant la venue du Messie. Il y a des éléments traditionnels.
* Elle prend pour appui des portraits. Elle a une vue ¾ avec un fond de “mort”. C’est un portrait d'une scène religieuse qui va se multiplier. Le premier plan est important pour assurer le plan spatial sinon ce serait trop plat. Derrière on a un volume très massif, assez synthétique, jeu de lumière mettant en valeur le jeu des volumes.
* Cela permet de rapprocher la Vierge des fidèles. Ce sont des images de la devotion moderna. concept qui apparaît en Flandre au 14 ème siècle, ce qui a pour but d’approcher des fidèles de la religion.
Art celte

Les Celtes n'ayant laissé que très peu de traces écrites de leur civilisation, celle-ci nous est avant tout connue grâce à leur art, largement redécouvert durant la deuxième moitié du XXᵉ siècle. L'art celte privilégie les petits objets utilitaires comme des armes, des bijoux, des ustensiles domestiques ou religieux.
La Belle Ferronnière

**Portrait de femme dit "La Belle Ferronnière"** est un un tableau de 62 × 44 cm peint entre 1495 et 1497 sur un panneau en bois de noyer et exposé au Musée du Louvre à Paris. Il est attribué à Léonard de Vinci et à son atelier.

Plusieurs identifications du modèle ont été proposées : Lucrezia Crivelli, Cecilia Galleriani, qui furent maîtresses de Ludovic Le More, duc de Milan, Béatrice d'Este qui fut son épouse. L'appellation de Belle Ferronnière vient d'une confusion de ce portrait avec un autre, censé représenter la femme de Le Ferron, maîtresse de François Ier et dite la Belle Ferronnière. La confusion a été facilitée par le bijou, appelé ferronnière, que le modèle porte sur le front.
La Chambre des Époux

**La Chambre des Époux** (en italien Camera degli Sposi, initialement Camera magna picta) est une pièce voûtée du donjon nord-est du Castello San Giorgio, dans le Palazzo Ducale de Mantoue (Italie) qui s'ouvre sur le lac di Mezzo par deux fenêtres au nord et à l'est. Cette pièce est située au piano nobile (réservé aux réceptions) pour les invités de marque qui abrite aussi les archives secrètes du couple ducal. Les murs dans leur entier sont peints à fresque, œuvre du peintre de la Renaissance Andrea Mantegna pour exprimer la puissance du couple dirigeant Gonzague à ses invités de marque. L'ouvrage, exécuté entre 1465 et 1474, est exceptionnel parmi les œuvres de son temps.

## Description

* Pièce d’apparat. Ce n’est pas une chambre. C’est une pièce où le prince accueillait les invités.
* Mantegna applique la totalité de la pièce. Il prolonge l’architecture par le trompe l’œil, l’architecture feinte afin de faire rejoindre l'espace architectural et l’espace des gens (une sorte de kiosque).
* Cette technique a un nom c’est la “quattratura”.
* Le plafond est étonnant. C’est une fausse voûte ouverte au ciel. Devant la balustrade il y a des persos avec des filles riantes. Il y a un aspect ludique. Cela demande une maîtrise de dessin en raccourci. Il y a des imperfections mais cela fonctionne. C’est la première voûte ouverte de l’art italien. C’est un prototype.
Moïse défend les filles de Jethro

**Moïse défend les filles de Jethro** est une peinture à l'huile sur toile réalisée de 1523 à 1524 par le peintre italien de la Renaissance Rosso Fiorentino.

## Description

* Scène de l’ancien testament.
* Les filles sont à la fontaine. Il est tiré de l’exode.
* C’est une scène religieuse. Ici on a du mal à sentir l’aspect religieux. On a un enchevêtrement de nus. Moïse est au centre en train de massacrer les personnages du 1er plan.
* Les musculatures sont développées en boule, influence de Michel-Ange.
* Il y a une difficulté de lecture, voire incompréhensible. Aucune règle n'est respectée. On a une mêlée furieuse de corps anthropomorphiques. Ce type de tableau est condamné par le Concile de Trente.
* C’est totalement anti-réaliste.
* On ne sent pas la profondeur spatiale.
* Maniérisme : cadrage serré avec accumulation des persos placés sur le même plan quasiment, tous s’imbriquent.
* Sujet très violent grâce à la multiplication des lignes brisées.
* Le drapé du personnage de gauche n’est pas du tout réaliste. C’est un effet plastique totalement fantaisiste.
* La lumière unifie les éléments mais il n’y pas de clair-obscur. Tendance à blanchir les couleurs. Palette acide et demi-teinte avec une expressivité qui passe par le corps (et le visage aussi) comme Michel-Ange.
* On a la déformation des corps. Les visages du fond nous font penser aux marques de la tradition antique. On a devant nous une scène de théâtre.
* Composition spirale influence Michel-Ange.
Marine, étude de nuages

**Marine, étude de nuages** (entre 1856 et 1857) est une photographie de Gustave Le Gray, épreuve sur papier albuminé à partir de deux négatifs verre au collodion. Ses dimensions sont 32 cm de hauteur et 39 cm de longueur et est exposée au musée d'Orsay.

"Et il n'était que temps que l'art vînt s'en mêler" : ainsi Nadar salue-t-il l'entrée de Gustave Le Gray en photographie dans *Quand j'étais photographe*, un ouvrage paru en 1900. De fait, Le Gray agit en artiste lorsqu'il réalise ses paysages purs, des vues de la forêt de Fontainebleau autour de 1855 ou des marines en 1856-1857. Il bannit toute anecdote de ces oeuvres, et leur confère une dimension universelle.

Cette marine, qui est plutôt une étude de ciel d'une admirable sérénité, est sans doute une des plus impressionnantes et des plus poétiques de toutes celles de Le Gray. Il est le premier à utiliser à une aussi grande échelle et avec une maîtrise consommée le collodion humide, mis au point en 1851. Cette technique est apte à transcrire à la fois le mouvement compact des flots et la lumière du ciel, mais ces deux éléments nécessitent un temps de pose différent. Aussi, Le Gray réalise un véritable tour de force technique en combinant deux négatifs, l'un pour les nuages, l'autre pour la mer.

On connaît environ une vingtaine de marines de Le Gray, qui obtiennent un succès considérable à Londres puis à Paris. On parle à leur sujet dans la *Revue photographique* de 1859 de "tableaux enchantés" et l'on écrit : "Rien de plus beau que ces marines, nous avons vu des peintres de talent en admiration devant ces photographies".
La monomane de l'Envie

**La Monomane de l’envie** dit aussi **La Hyène de la Salpêtrière** est un tableau de Théodore Géricault datant des années 1819-1822 et appartenant à la série des cinq portraits de fous (les monomanes) qu’il a réalisés pendant ces années. Ce portrait se trouve dans les collections du musée des Beaux-Arts de Lyon qui l’a acquis en 1908.

Ce tableau appartient à une série de cinq portraits d’aliénés peints par Géricault. Au sujet de ces portraits, il est d'usage d'écrire que l'on ne connaît pratiquement rien de leurs origines. Dans une lettre de 1863, le critique Louis Viardot relate leur découverte, par hasard, en Allemagne, bien après la mort de l’artiste et qualifie ces fous de monomanes. Il spécifie la nature des obsessions de chacun d'entre eux : le vol d'enfants (Springfield, Museum of Fine Arts), le commandement militaire (Winterthur, collection Oskar Reinhart am Römerholz), le vol (Gand, musée des Beaux-Arts), le jeu (Paris, musée du Louvre) et l'envie. Selon lui, ces portraits auraient été peints entre 1820 et 1824 - une date probablement erronée - pour son ami le docteur Étienne Georget, médecin chef à la Salpêtrière.

En fait aucun document n'atteste les liens entre les deux hommes, ni même l'intérêt de Georget pour ce type de représentations - à la différence de Jean Étienne Esquirol, dont les travaux permettent alors à la psychiatrie de se structurer, qui avait fait dessiner plus de 200 aliénés dans le but de publier ses observations sur ce sujet. S'éloignant de tout pittoresque, l'artiste peint à travers la représentation de cette malade anonyme une véritable effigie clinique, rompant avec les règles traditionnelles du portrait. L’élévation de ce modèle, désormais considéré comme digne d’être représenté, impose le peuple comme nouvel acteur de l’histoire en ce temps post-révolutionnaire. Les tourments intérieurs deviennent également un thème clé du romantisme.
L’Enlèvement de Ganymède

**L'Enlèvement de Ganymède** – en italien Ratto di Ganimede – est un tableau réalisé par le peintre italien Le Corrège vers 1530.

## Description

* Scène mythologique donc prétexte de représenter une scène exotique et érotique.
* Il y a un mélange de naturalisme (chien) et d'idéalisation.
* On a un format pas commun permettant d'avoir un caractère ascensionnel.
* On a le phénomène de déséquilibre et d'équilibrage.
* Normalement les éléments les plus lourds sont en bas et légers en haut. Ici le peintre a fait l’inverse.
* Le Corrège place des éléments comme le chien. Le chien nous invite à entrer dans la composition. Ensuite notre œil monte en accompagnant l’ascension de Ganymède. Après le chien on a le tronc qui a la forme du chien. C’est un élément stabilisateur et de transition. Il sert de socle dans le groupe. Le seul élément qui unie les trois éléments est l’arbre. C’est une sorte de béquille.
* On a les caractéristiques classiques du Corrège comme le caractère brumeux/vaporeux (peinture tonale et sfumato de Léonard). Le paysage est une tâche. Cela permet une bonne intégration des figures dans l’environnement pour avoir un réalisme.
* Palette en demi-teinte et douce, caractéristique du Corrège.
* On retrouve ces moyens plastiques dans le baroque.
* Chaque élément a une position différente pour donner du mouvement. On a du dessin en raccourci, contre-plongée etc ce qui participent à l’animation de l’ensemble.
L'École d'Athènes

**L'École d'Athènes** est une fresque du peintre italien Raphaël, située dans la Chambre de la Signature (les Stanze) des musées du Vatican, l'une des quatre Chambres de Raphaël situées à l'intérieur du palais apostolique. C'est l'une des œuvres picturales les plus importantes de la Cité du Vatican. Cette fresque symbolique présente les figures majeures de la pensée antique.

## Description

* Fresque illustrant le goût du Quattrocento.
* Commandé pour la bibliothèque personnelle du pape d’où le sujet philosophique et très intellectuel symbolisant la fusion de la pensée antique et le christianisme. Au centre, on a Platon et Aristote.
* On est dans la philo platonicienne : le bon, le bien et  ?. On est entre le profane et le sacré. On dénoncera cette fusion suite au Concile de Trente.

Jules II est un pape humaniste.

* Le personnage de gauche serait inspiré de Michel-Ange. Les personnages sont placés dans un contexte antiquisant. On s’inspire de l’antiquité.

Basilique de Saint-Pierre : on reconnaît la nef dans l’OA.

* La composition est symétrique, hérité des âges passés dont le Quattrocento.
* Au-delà des lignes horizontales et verticales, on a la perspective mathématique à point central. On a une architecture qui sert à creuser l’espace.
* On a la perspective atmosphérique, visible au fond.
* La présence des lumières permet d’unifier la composition. La lumière vient de la droite (on regarde les ombres portées).
* C’est un dessin qui a tendance à aller vers la beauté plastique idéale. On est dans le beau florentin, souligné par des jeux de drapées assez simples.
* Nous sommes bien dans la tradition florentine. Le dessin domine. La palette bien après. Elle sert à isoler les figures avec les tonalités chaudes et froides permettant de dynamiser l’image. Tout cela est classique.
* Exemple de la Renaissance classique → Ecole d’Athènes
* Les personnages sont placés les uns des autres avec les têtes placées toutes à la même hauteur, référence au bas-relief de l’antiquité.
* C’est une composition très stable. On voit que Raphaël procède de la même façon que Léonard : placer les persos par groupe avec des gestuels particuliers pour les rendre vivants.
* Michel-Ange est isolé (clin d’oeil à son caractère).
Baptistère de Saint Louis

Le bassin dit **Baptistère de Saint Louis** est un objet d'art islamique, en laiton martelé, orné d'un décor incrusté d'argent, d'or, et de pâte noire. Il a été produit dans la zone syro-égyptienne, sous la dynastie des Mamelouk par le dinandier Muhammad ibn al-Zayn. Ses dimensions sont 22 cm de hauteur et 50,2 cm de diamètre.

## Description

Le « baptistère de Saint Louis » est l’un des plus grands chefs d’œuvre de l’art islamique. Il constitue une énigme : aucune inscription sur cet objet incontestablement princier n’indique le nom de son destinataire.

Le surnom du bassin n’apparaît pas avant la seconde moitié du 18e siècle. Il suggère que l’objet fut rapporté en France par Louis IX, mais lorsque celui-ci mourut en 1270 le bassin n’existait pas encore.

Ce dernier a servi au baptême des enfants de France, en particulier à celui de Louis XIII à Fontainebleau en 1601. En 1856, le bassin sort du Louvre et sert une ultime fois pour le baptême, à Notre Dame de Paris, du prince impérial Napoléon-Eugène, fils de Napoléon III. Deux écus sur le rebord intérieur, aux armes de France, ont été ajoutés au 19e siècle.

L’iconographie apparaît comme une représentation du pouvoir mamluk : souverains en trône flanqués de deux émirs symboles de l’État, le porte-écritoire et le porteur d’arme ; procession d’émirs portant des armes ou d’autres emblèmes de charge ; cavaliers qui semblent représenter les exercices militaires et les joutes violentes, souvent mortelles, qui avaient lieu sur l’hippodrome en présence du sultan.

Huit blasons scandent les frises animalières qui bordent la composition externe. On distingue des fleurs de lys qui ont été ajoutées après l’achèvement du décor. Elles recouvrent des blasons sous-jacents : un lion rampant, à l’origine peut-être incrusté d’or sur fond de cuivre rouge. Ce meuble alterne avec un second en forme de « clef » qui était aussi incrusté d’or. Le lion rampant évoque le blason de la famille des Lusignan à Chypre, qui possédait des métaux produits en terres mamloukes : un bassin au nom de Hugues IV (MAO 101) et un plateau (MAO 1227) sont tous deux conservés au Louvre. Les armes de France, à l’intérieur du bassin, dissimulent des écus vides, dont la forme est similaire à ceux du bassin d’Hugues IV. Ils étaient probablement destinés à recevoir les armes du destinataire du bassin.
Rui Yashio

**Rui Yashio** is a first-year student at Tsukinomori Girls' Academy and the violinist and composer of Morfonica.

Rui, along with the rest of Morfonica, are recurring characters of the World Protection Security Agency series. She later plays a major role in WPSA: Horizon Forbidden West.

## Appearance

Rui has just past chin-length, dark brown hair and thin, brownish-red eyes. Her bangs are parted to her left and go down past her chin. Part of her bangs goes between her eyes, down to the base of her nose.

## Personality

Rui is a talented individual who is always at the top of her class. She has a dry personality and is always aiming for top results, and speaks in a polite manner. She is very logical and a realist, but can also be blunt when it comes to her opinions, especially if it's about talents or music. In addition to her logical nature, she plans out her days and schedules very thoroughly, and as such doesn't understand things like people hanging out or taking detours after school. Due to her stoic and composed look, Rui says that people tend to think she's angry even when she's not.
L'Assomption de la Vierge (Le Corrège)

**L'Assomption de la Vierge** est une fresque qui décore le dôme de la Cathédrale de Parme en Italie. Réalisée par Le Corrège entre 1526 et 1530, elle serait inspirée du travail de la perspective de Melozzo da Forlì.

## Description

* Dimensions très importantes. Il y a plus de nuées et de personnages ce qui posent un problème de lisibilité.
* Le problème de lisibilité est dû aux dimensions colossales de la coupole.
* La lumière du centre est la lumière divine de Dieu.
* On a un aspect un peu brouillon au centre. Cela manque de recul. Le baroque ne s’intéresse pas à la lisibilité de l’OA mais à la pression.
* On ne voit plus entre les murs et la voûte. On a des oculi, des arrêts. La coupole commence au-dessus des oculi. Cette volonté d’unifier l’espace est propre au maniérisme. On gomme l’architecture.
* Ce type de composition, l'usage des lumières etc, on retrouvera dans les coupoles.
Mobilier de la chambre de Mme Guimard

Le **mobilier de la chambre de Mme Guimard** est un ensemble de meuble de style Art nouveau réalisé à partir de 1909 par l'architecte lyonnais Hector Guimard, et aujourd'hui conservé au musée des Beaux-Arts de Lyon.

Exceptionnelle illustration de l'Art Nouveau, cette chambre à coucher a été conçue par Hector Guimardl'un des plus célèbres représentants de ce courant artistique du tout début du XXe siècle.

En 1909, Guimard s'installe avec son épouse dans l'hôtel particulier qu'il a conçu avenue Mozart à Paris. Dans ce bâtiment qui s'élève sur trois étages, l'artiste met en œuvre son programme de conception "totale" alliant architecture et décoration intérieure : mobilier, carrelages, moquettes, vitraux, papiers peints, tissus des rideaux, linge de table.

Ces meubles ont été réalisés dans du bois de poirier, plaqués d'érable moucheté pour le lit et la coiffeuse. Au mur, un nu, dans un cadre de Guimard, est l'œuvre de son épouse américaine Adeline Oppenheim, artiste peintre réputée. Le lustre et l'applique en verre et bronze proviennent du salon.

Cet ensemble est, avec la salle à manger exposée au musée des Beaux-Arts de Paris - Petit Palais, l'unique témoignage de cette remarquable recherche d'unité stylistique où le raffinement des matériaux se conjugue avec la souplesse des formes inspirées par le monde végétal.

## Sources

* wikipedia
* Musée des Beaux-Arts de Lyon
La Piste de l'Orégon

**La Piste de l'Orégon** ou **Emigrants traversant les plaines** (1869) est une huile sur toile d'Alfred Bierstadt, exposée à Butler Institute of Américain Art à Youngstown.

Bierstadt peint le ciel resplendissant du couchant en couleurs exagérées, style parfois appelé luminisme, afin de mieux capter l'atmosphère de la scène.

## Description

*La Piste de l'Oregon* est orné d'une « majesté de montagne violette » et d'un coucher de soleil rouge et flamboyant dans ce **paysage** typiquement **romantique** de l'Ouest. L'artiste Albert Bierstadt a idéalisé l'Occident en dramatisant ses grands espaces, ses crêtes rocheuses et sa verdure luxuriante avec son utilisation habile du **luminisme**.

La technique combinait profondeur, détail et obscurité pour refléter non seulement l'immensité de la nature, mais aussi la place de l'humanité en elle. Le tableau nous invite à l'histoire de l'esprit déterminé dont dépendait ce groupe de cinquante chariots bâchés d'émigrants pour leur voyage de plus de 3 200 kilomètres.

Les émigrants peints de Bierstadt dans *La Piste de l'Orégon* étaient un groupe d'Allemands sur lesquels l'artiste s'est rendu lors de son expédition à travers le col des Rocheuses. Cette rencontre fortuite a énormément affecté Bierstadt puisque sa propre famille avait émigré d'Allemagne alors qu'il n'était qu'un tout-petit. En les immortalisant dans son panorama panoramique de l'Occident, l'artiste nous donne un point de référence auquel il pourrait lui-même s'identifier.

Cet artiste faisait partie de l'Hudson River School, un groupe de peintres **paysagistes romantiques du** milieu du XIXe siècle, ainsi nommé d'après la région dans laquelle le mouvement a commencé. Pour créer ce style hautement théâtral, Bierstadt a souvent utilisé une topographie inexacte - tout en modifiant les détails et la profondeur - pour invoquer l'immensité de la nature sauvage que l'on ne pouvait trouver qu'en Occident.

Les toiles surdimensionnées de Bierstadt étaient richement prodiguées avec des vues à couper le souffle - de magnifiques panoramas - que ceux qui avaient vu ces peintures ont été contraints de voyager en train en Occident pour en être témoins par eux-mêmes. Cependant, il est dit que lorsqu'ils ont finalement atteint le vrai Occident, les voyageurs ont été déçus par la vue relativement terne.

Cette idéalisation romantique de l'Occident est considérée comme une réponse à l'industrialisation croissante de l'Amérique. Le désir de la beauté naturelle et illimitée et de l'émerveillement illimité de la frontière immaculée était une inspiration que beaucoup de membres de l'Hudson River School ne pouvaient ignorer.
Art de la Grèce antique

L’**art de la Grèce antique** a exercé une influence considérable sur la culture de nombreux pays des temps anciens à nos jours, en particulier dans les domaines de la sculpture et de l'architecture. À l'ouest, l'art de l'Empire romain s'est largement inspiré des modèles grecs.

## Époque archaïque

### Artistes notables

* Ergotimos et Kleitias
* Amasis (potier)
* Exékias
* Peintre d'Andokidès
* Euphronios
* Peintre de Berlin
* Peintre de Brygos
* Douris

## Époque classique

### Artistes notables

* Myron
* Polyclète
* Callimaque
* Praxitèle

## Époque hellénistique

### Artistes notables

* Lysippe
* Boéthos de Chalcédoine
* Polyeuctos
* Philoxène d'Érétrie

## Sources

### Sites

* Art de la Grèce antique - Wikipedia, [consulté le 22 février 2021]
La Crucifixion (Mantegna)

**La Crucifixion** est un tableau du peintre italien Andrea Mantegna réalisé en 1456-1459. Cette tempera sur panneau de bois de peuplier représente la crucifixion de Jésus-Christ avec de nombreux personnages et plusieurs chevaux au pied des trois croix. Élément central de la prédelle du retable de San Zeno commandé par Gregorio Correr pour le maître-autel de la basilique San Zeno de Vérone, elle est aujourd'hui conservée au musée du Louvre, à Paris, en France.

## Description

* La perspective mathématique et la perspective atmosphérique.
* Volonté de Mantegna de vous faire participer à l’OA. Il aménage toujours un plan pour inviter le spectateur à entrer dans la composition. Le spectateur est considéré comme un pécheur.
* Composition asymétrique, assez simple, une perspective à une pointe de fuite, source lumineuse (venant de la droite). Il y a une fonction symbolique (le bon larron et le mauvais larron)
* Éléments antiquisants.
* Niveau anatomie, il ne maîtrise pas encore mais il va s’améliorer.
* Dessins très incisifs. Il y a un goût pour le drame. Cela n’existe pas à Florence. On peut en trouver chez les Allemands.
La Transfiguration (Raphaël)

**La Transfiguration** est le dernier tableau peint par Raphaël, commencé en 1518, inachevé de sa main en 1520, date de sa mort. Il est conservé à la Pinacothèque de la cité du Vatican.

## Description

* Testament de Raphaël.
* Les apôtres voient le Christ en gloire. Dieu parle à travers les nuées. Ici, Jésus est représenté comme le véritable Messie, attendu par les Juifs.
* Traditionnellement, on a un public tout autour. L’objectif est de rapprocher la scène des fidèles.
* On a une composition simple héritée du Pérugin. On a un registre terrestre et un registre céleste. Ils sont séparés par une ligne horizontale et par des éléments de liaison comme les mains. On a un parcours visuel ascendant. Ce registre va devenir le modèle de registre des retables.
* L’expressivité des figures frappe dans le tableau. On a la gestuelle et l'expression des visages.
* On a un clair-obscur important qui dramatise la scène. C’est très léonardesque. La palette est sophistiquée avec la multiplication des demi-teintes. Ce sera une palette caractéristique du maniérisme.
La Déposition (Pontormo)

**La Déposition** (en italien, Deposizione) est une peinture à l'huile sur bois datant de 1526 - 1528 environ réalisée par le peintre toscan Jacopo Pontormo.

## Description

* Dans cette grande composition, Pontormo s’inspire de la sculpture de la pietà de Michel-Ange.
* Iconographie : on a la Vierge, le Christ et beaucoup d’autres personnages. Ce n’est pas classique. Les personnages sont difficiles à identifier. On n’y croit pas du tout. Les éléments fantastiques ont disparu (pas d’auréoles, ni ailes, ni croix). Pontormo prend une certaine liberté de l’iconographie. Il a une volonté de renouveler l’iconographie. Il se distingue de la tradition florentine en s’intéressant à l’expression des personnages.
* Plastique : on a une palette très acidulée (comme les bonbons). On a un cadrage serré sur beaucoup de personnages qui sont placés au même plan. On dirait un empilement. Il y a une disparition de la profondeur spatiale (à part le ciel bleu). Cela donne un effet d’étouffement (c’est voulu). Multiplication des jeux courbes et contre-courbes. Cela donne un aspect brouillon, ce qui participe au drame. On a la ligne serpentine (très marquée sur le Christ). Certains éléments nous invitent à entrer dans la composition comme le drapé vert. Il y a absence du clair-obscur, de peinture tonale, sfumato. C’est une peinture très claire qui joue beaucoup les couleurs. On prime le beau dessin très appuyé avec une facture très lissée.
* On est dans la tradition du beau dessin florentin.
* La composition est aberrante.
Alfons Mucha

Autoportrait (1899) d'Alfons Mucha

**Alfons Mucha** est un artiste tchécoslovaque.

## Biographie

Il est né le 24 juillet 1860 à Eibenschütz en Moravie méridionale. Son père était un huissier au palais de justice. À l’âge de 12 ans, il devient choriste boursier à la cathédrale Saint Pierre et Saint Paul de Brno, capitale de la Moravie, où il effectue ses études là-bas également. Plus tard il travaille auprès de son père.

En 1878, il a postulé sa candidature à l’École des Beaux Arts de Prague , qui est rejetée. Pour subvenir à ses besoins, il continue de travailler au palais de justice, tout en faisant du théâtre amateur et en dessinant des emblèmes et motifs pour des associations et des revues patriotiques.

L’année suivante, il travaille à Vienne en tant qu’apprenti peintre en décors. Ensuite il commence à faire des photographies. Malheureusement il perd son emploi suite à un incendie.

Pour gagner sa vie, il travaille en tant que portraitiste. C’est à partir de 1885 qu’il entame des études à l’École des beaux-arts de Munich. Deux ans plus tard (1887), il s’installe à Paris, en menant une vie de Bohème, pour suivre les cours de l’Académie Julian et de l’Académie Colarossi. C’est à Paris qu’il commence à travailler en tant qu’illustrateur pour des éditeurs parisiens et praguois.

Il fait la connaissance de Paul Gauguin en 1891 qui deviendra son ami. En 1894, il reçoit une « mention honorable » au Salon de Paris pour des études à l’huile pour « Scènes et épisodes de l’histoire d’Allemagne » qu’il a réalisé 3 ans avant. La même année, Mucha va connaître ses années de gloire. En effet il dessine sa première affiche pour Sarah Bernhardt, « Gismonda » qui va connaître un vif succès, que l’artiste sera débordé de commandes. Il signe un contrat avec Sarah Bernhardt pendant 6 ans pour la conception des affiches.

Durant sa carrière artistique, il connaît de nombreuses expositions dédiées à ses œuvres, reçoit différents commandes de la part des États, des distinctions et des voyages, est membre de différentes organisations, enseigne des cours d’art.

Après ses nombreux voyages, Mucha entame un projet historique. Dévoué à sa nation, il travaille « l’Épopée slave », un ensemble de 20 tableaux représentant l’histoire slave entre 1910 et 1928. Il la considère comme une œuvre majeure.

En 1934, il est élevé au rang d’Officier de la Légion d’Honneur par l’État français.

Il meurt le 14 juillet 1939 à Prague après l’invasion de la Tchécoslovaquie par l’Allemagne.