Fundamentos del Arte II. Arte del Siglo XX (I) Bloque V: El surrealismo y otras vanguardias

## 1. El dadaísmo

Dentro del arte de vanguardia de inicios del siglo
XX, sin duda el movimiento más radical fue el **Dadaísmo**. En realidad, no fue un movimiento rupturista más, fue el **antiarte** por antonomasia, que pretendía
hacer tábula rasa del pasado.

El **Dadaísmo**
**fue una corriente artística y literaria que surgió en Zúrich (Suiza) en** 1916, **durante la Primera Guerra**
Mundial. Suiza era entonces un país neutral donde se refugiaron muchos jóvenes
durante la guerra. Algunos eran artistas procedentes
de  varios países europeos,  que

habían desertado o
huido de la guerra como  **Tristan**
Tzara **o** Hans Arp**. El**
fundador del Dadaísmo fue el poeta rumano **Tristan**
TZARA**. Los más destacados artistas dadá fueron** Francis Picabia, Marcel Duchamp, Hanna Hoch, **y el fotógrafo** Man Ray**.**

Los dadaístas rechazaban el arte en
un  sentido tradicional, la idea
de mímesis o  imitación  de
la  realidad. Las razones para
llegar a tal estado de ánimo, proceden fundamentalmente de su rechazo a la **Primera Guerra Mundial** y al
nacionalismo que  la  había provocado. El horror de la Gran   Guerra fue un   revulsivo

que agitó las conciencias de aquella época, y los artistas y el
mundo del arte no fueron menos sensibles a ella.

El Dadaísmo influyó en muchos artistas de Alemania, Francia, EEUU,
siendo germen para la creación de otros **grupos**,
en particular propiciaría el surgimiento del Surrealismo en la capital
francesa.

No se puede hablar de ***Dadá*** como algo unitario. No
presentaban un programa codificado ni único, sino que encontramos centenares de
manifiestos y escritos, complejos y contradictorios.

En un local público de resonancias ilustradas, el **Cabaret Voltaire** de Zúrich, realizaban
sus *performances*, sesiones
cómico-grotescas donde se burlaban de todos los valores, incluidos los
artísticos.

Hay muchas hipótesis sobre el origen del nombre **Dadá**. Una de ellas sostiene que este término lo encontró Tzara por
casualidad al abrir un diccionario. Otra teoría considera que la palabra Dadá
es el primer sonido que dice un niño. Sea como fuere, el Dadaísmo expresa una
actitud radical de subversión de valores, una forma de ver la vida, un estado
de ánimo **nihilista** y **libertario**. En realidad, la palabra
Dadá  no
tenía ninguna importancia, no significaba  absolutamente nada.

Los dadás proclamaron **la**
muerte del arte**. Se definían como anticubistas, antifuturistas y**
antiabstractos, para, a renglón seguido, utilizar todos los procedimientos de
esas vanguardias para llevar a cabo su **crítica**
**anti-arte. Pero no todo es negación en Dadá. Propugnaban a ultranza la**
defensa de la libertad, la espontaneidad, la anarquía, el humor, las
contradicciones, lo grotesco, el absurdo. En ocasiones caían en la violencia y
la agresividad.

Valoraban
el **azar**, el juego, el escándalo
público, la utilización de materiales heteróclitos para la creación. El
Dadaísmo se manifestó en una gran diversidad de ámbitos culturales: ***happenings***
***o*** performances ***(actuaciones improvisadas que interactúan con el***
público), poesía, fotografía, escultura, pintura y *collage*. Los dadaístas renunciaron a considerar obras de arte a sus
creaciones, a las que denominaron simplemente **objetos**.

El *happening*
*más importante del Dadaísmo en Alemania fue la **Primera Feria Internacional Dadá,** organizada en* **Berlín** en **1920**:
la exposición de un maniquí de cerdo vestido con uniforme de ejército alemán
produjo la clausura de la sala y un proceso a algunos organizadores del evento.
En Berlín los actos dadaístas presentaban una carga política y de denuncia
social que no estaba presente en los artistas dadaístas de otras  ciudades europeas.

La principal aportación del **Dadaísmo** al arte moderno es el cuestionamiento continuo de qué es
el arte, la conciencia de que todo puede ser cuestionado, en definitiva, **no hay reglas en el arte**. Gran parte de
lo que el arte actual tiene de provocación viene del Dadá. La mezcla de géneros
y materias propias del *collage* también
deben mucho a este movimiento1.

El artista más destacado del Dadaísmo fue **Marcel DUCHAMP.** Nacido en Francia
(1887‐1968), fue pintor, creador de *ready-­­mades,*
*y jugador empedernido de ajedrez. Muy joven se va a París, para estudiar*
arte, aunque no concluyó sus estudios. Pertenecía a una familia con destacados
pintores de la vanguardia parisina. Aunque sus **primeras pinturas** mostraban talento, produjo pocas obras en
comparación con  otros

artistas.
Duchamp comenzó a pintar en 1908. Fue ésta una época de titubeos y
experimentación con varias tendencias, partiendo  del Impresionismo. Duchamp estuvo
implicado en varios ***ismos*** como el Cubismo, el Futurismo, el Dadaísmo y también
llegó a colaborar con los surrealistas.Hacia 1913 prácticamente abandona la
pintura y serán muy pocos los cuadros que realice. ***Desnudo bajando una escalera*** es
una de sus pinturas más célebres. En ella expresa el movimiento continuo a
través de una cadena de figuras cubistas

superpuestas. La pintura causó furor en la
exposición "Amor y Show" que tuvo lugar en Nueva York en 1913. En
esta obra aúna elementos cubistas y futuristas. En 1923 realizó en su obra maestra, ***La***
novia puesta al desnudo por sus solteros, incluso***, una obra abstracta,***
conocida también como ***El gran vidrio*** (*Le Grand Verre*). Realizada en pintura y alambre sobre vidrio, fue
recibida con entusiasmo por parte de los surrealistas. Es una parodia del amor mecánico del mundo moderno.

```
La diferencia fundamental estriba en que el arte actual se toma en serio a sí
mismo, mientras que el Dadaísmo nunca olvidó el humor

```

Duchamp sentó las bases del arte conceptual con sus
***ready-mades***
***realizados a partir  de  1913:***
la ***Rueda de bicicleta sobre  un***
taburete***,*** el botellero ***o*** el urinario ***entre otros. El* ready-made *(del inglés ya hecho) es un***
objeto de uso común al que una mínima intervención del artista: firma, fecha,
presentación a una exposición y, sobre todo, una descontextualización y
recontextualización, convierten en obra de arte. Es la decisión del artista la
que hace del objeto industrial, un objeto
artístico.  Es  puro dadaísmo.

Duchamp estaba convencido de la
inutilidad de la pintura retiniana y de la necesidad de un arte basado en las
ideas. La elección de esos   *ready­ mades* jamás le fue dictada por un
placer estético. No eran, además, objetos únicos. De hecho, casi ninguno de los
*ready-mades* que existen hoy día es un
original en el sentido convencional del término. Esto supone ahondar en la
negación del arte como obra única e irrepetible, tal y como había sido
considerado durante siglos. *El urinario* también
llamado ***la fuente***, es uno de sus *ready-mades*
*más conocidos. Es una taza de urinario de porcelana. Es una obra dadaísta,*
realizada en 1917 que expuso en la primera muestra Dadá en Nueva York. Envió esta
obra firmada con el seudónimo R. Mutt, de Filadelfia. Provocó un gran escándalo
al presentarla bajo ese nombre de un conocido fabricante de material sanitario.
El comité, del que él mismo formaba parte, rechazó la obra y así comenzó el
escándalo. Durante la década de los 20 Duchamp se dedicó a la investigación de
teorías ópticas y realizó varios **cortometrajes**
**surrealistas como** *Anemic Cinéma* **(1925) y fotografías**
experimentales. Tras un periodo de dedicación como asesor de arte para
coleccionistas y museos estadounidenses, regresa a la creación de objetos
irónicos y absurdos. El sutil ingenio e ironía de este artista logró que estas
obras, aparentemente concebidas sólo para provocar el escándalo en el
espectador, se convirtieron con el paso del tiempo en una fuente de ideas para
ulteriores vanguardias, como las desarrolladas después de la Segunda Guerra
Mundial: el ***pop art*** y el  **arte conceptual**. Es frecuente
interpretar las obras de Duchamp con contenidos explícitamente sexuales y en
general, los análisis de su obra se mueven entre el psicoanálisis y los
cuestionamientos académicos e institucionales de las artes plásticas. Su
periodo creativo fue corto y después dejó que fueran otros los que
desarrollaran los temas que él había ideado; negó la calidad estética objetiva
de la obra de arte y valoró el comportamiento subjetivo. Esto fue
verdaderamente revolucionario. Llegado a un punto de no retorno, decidió
abandonar sus actividades artísticas  y
consagrar su vida a jugar al ajedrez.

### **Hans (Jean) ARP** (1887-1966)

Hans Arp fue un **polifacético** artista germano‐francés que cultivó la pintura, la
escultura y la poesía. Sin duda fue el **escultor**
**más interesante del grupo surrealista.**

Arp fue uno de los **fundadores** y participantes más activos del movimiento **Dadá**, durante toda  la
existencia de este grupo: desde 1916 hasta 1919. Una vez finalizada su
etapa dadá,  en  la
realizaba  relieves  polícromos
y grabados con  manchas,  se
vinculó  con  el
Surrealismo  llegando  a
participar  en  la primera exposición surrealista que tuvo
lugar en París en 1925. Fue una
figura  puente entre  el
Dadaísmo y el Surrealismo pero también colaboró con el movimiento
holandés ***De Stijl*** (El estilo); entre otros.

Su inspiración proviene de la **naturaleza**, mediante formas orgánicas abstractas, geométricas y
esenciales de líneas sinuosas que nos remiten a plantas, partes del cuerpo y
otros motivos. Realizó sus escultoras biomórficas en yeso, piedra y bronce.
Crecimiento, transformación, fecundidad y metamorfosis son los temas dominantes
en su obra. Fue uno de los primeros artistas de vanguardia en valorar el azar y
lo fortuito en la elaboración de su producción plástica, intentando minimizar
la actuación de la consciencia humana.

## 2. El surrealismo

El **Surrealismo**
**fue un movimiento de vanguardia artístico-literario surgido en Francia a**
partir del Dadaísmo, en el primer cuarto del siglo XX. En concreto, fue fundado
en **1924** en París, capital por aquel
entonces del arte más vanguardista. Aunque la difusión del Surrealismo se
produjo en la década de los años 20 y 30, coincidiendo en el tiempo con otros
estilos artísticos como el *Art Déco*,
su influencia será profunda y perceptible en buena parte del arte del siglo **XX.**

Mediante **Manifiestos**,
esto es, documentos de carácter reivindicativo muy usuales en los movimientos vanguardistas,
expusieron su ideario estético. Su punto de partida fue la publicación del
“Primer Manifiesto Surrealista” por el escritor francés André **BRETON**, auténtico *pope* o ideólogo del grupo, que actuó como verdadero dictador
artístico dando carta de naturaleza sobre quién o qué era o no surrealista.

Más que un movimiento artístico, se ha considerado
al Surrealismo como una **revolución,** donde
prima la fantasía, el deseo y la imaginación sobre lo racional, mesurado y
convencional.

Los surrealistas, en líneas generales, fueron un
grupo compacto y dogmático aglutinado en torno a su “líder”, Breton. Crearon **revistas surrealistas** como “Minotauro”
o “La Revolución Surrealista” donde se publicaban textos, dibujos o fotografías
de esta corriente artística.

El Surrealismo trata de plasmar el mundo de los **sueños,** del **subconsciente**, la **fantasía** y
la i**maginación** que escapan a la razón humana. Entre la
dicotomía mímesis o fantasía planteada ya por los griegos, los surrealistas
optan claramente por dar rienda suelta a la fantasía y la imaginación
desbordante. Heredan de románticos y simbolistas la valoración del mundo de los
**sueños** que enlazan con las teorías
del célebre psiquiatra vienés **Sigmund**
FREUD**. En efecto, el Surrealismo no se entiende sin la influencia de la**
teoría del psicoanálisis freudiana que preconizaba el estudio de la mente
humana, particularmente fobias y desórdenes mentales, a través de
procedimientos y técnicas terapéuticas como la interpretación de los **sueños**,
que pretenden hacer aflorar el **subconsciente** humano.

Por lo general, los surrealistas eran **libertarios** y **dogmáticos**. Nacieron para escandalizar y si no lo hicieran no
serían surrealistas. Reivindicaban el **azar**
**o la** sorpresa**, sin ninguna**
intención de crear cosas bellas o morales, bien al contrario, luchaban contra
los convencionalismos sociales. Paradójicamente, la postura de los Surrealistas
hacia la mujer fue veladamente **misógina**,
por más que algunas artistas

aparecieron vinculadas a este movimiento como las
pintoras **Leonora CARRINGTON**, **Remedios VARO, Maruja MALLO** o
la  fotógrafa  **Dora MAAR**.

Se les considera los **nuevos “románticos**” ya que el Surrealismo vendría a ser como una
herencia última del Romanticismo (componentes literarios, imaginativos,
valoración de la libertad absoluta). Pero el Surrealismo es también heredero
del **Dadaísmo**: la actitud polémica
frente a la realidad, la actitud de unir arte con vida, etc.

En principio era un movimiento de y para **escritores**,  pero
de   inmediato   se
vislumbraron las enormes posibilidades que ofrecía a la pintura y la
escultura. No existía ninguna técnica precisa que diera unidad  formal al Surrealismo pictórico o escultórico. Cada
artista elegía la opción que más le convenía, generalmente decantándose hacia
el **automatismo**, esto es, la
ejecución mecánica de actos sin la participación de la conciencia y la razón. **Joan MIRÓ** y **André MASSON** ejemplifican esta tendencia. De otra, cada vez
adquirió más fuerza la opinión de quienes creían que la **figuración naturalista** podría ser un recurso igual de válido. Es el
caso de **Salvador DALÍ o René MAGRITTE**.
En todos ellos son frecuentes las referencias **oníricas,** es decir, vinculadas al mundo de los sueños.

El Surrealismo
presenta múltiples **influencias**,
rastreables desde la Edad Media, incluyendo el Renacimiento, Manierismo,
Barroco, siglo XVIII, XIX o XX. Entre las más destacables destacan el

pintor
flamenco **EL BOSCO**, el manierista **ARCIMBOLDO**, el simbolista **Odilon REDON** o el pintor metafísico,
muy vinculado al  Surrealismo, el
italiano **Giorgio DE CHIRICO**.

El italiano nacido en Grecia  **Giorgio**
DE CHIRICO **(1888‐1978) perteneció a una corriente artística llamada** *pintura*
metafísica ***y ejerció un enorme influjo en los artistas surrealistas.***
Fue un precursor del Surrealismo en toda regla. Su pintura se basa en
composiciones oníricas en grandes y misteriosos escenarios arquitectónicos con
enigmáticos maniquíes y esculturas vinculadas al mundo clásico. En 1925
participó en  la primera exposición
surrealista para ser, poco después expulsado  del grupo por el propio
Breton, quien anteriormente, había admirado muchísimo su obra.

El
Surrealismo abarcó diversos **medios**
artísticos**, aparte de la pintura y la escultura, como la fotografía (Man**
Ray, Dora Maar), el cine (Luis Buñuel, Dalí, Man Ray), la moda (Dalí), la
producción de objetos heteróclitos (Dalí, Oscar Domínguez), el diseño gráfico y
publicitario, el mobiliario y la decoración de interiores, etc.

El arte surrealista investigó nuevas **técnicas**, como el ***frottage*** que consiste en
pasar una mina de grafito sobre un papel puesto sobre una superficie en
relieve. Fue “inventado” en **1925** por
Max Ernst. Es una técnica típicamente matérica de creación de imágenes a partir
de texturas. Es experimental y automática. Otra técnicas vinculadas a los
surrealistas son la ***decalcomanía*** (aplicar *gouache*
*negro sobre un papel el cual se coloca encima de otra hoja sobre la que se ejerce una ligera presión,*
luego se despegan
antes de que se sequen), el ***cadáver exquisito*** (en la
cual varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura o de un texto
sin ver lo que el anterior había hecho pasándose el papel doblado) o la **pintura automática**.

Los
surrealistas mostraron interés, además, por el arte realizado por pueblos
primitivos, el arte infantil, el de los dementes, etc.

Podemos distinguir varias **etapas** del Surrealismo, desde su fundación en 1924 hasta el final
de la Segunda Guerra Mundial. Su expansión abarcó no solo Europa, sino otras
partes del mundo como Estados Unidos, América
o incluso Japón.

### Joan Miró (1893-1983)

Breton

consideraba a Miró como “el más surrealista
de todos nosotros” por su automatismo psíquico puro. Miró era de origen catalán
y en 1923 se trasladó a **París**. Allí
pasó de pintar en plena naturaleza a pintar en el estudio. Dejó de lado sus
paisajes figurativos y empezó a utilizar el **automatismo** como metodología creadora.

Pobló su producción artística de su propio código de **imágenes** formado a base de signos y
marcas, de figuras biomorfas, cada vez más disueltas, como vemos en su cuadro ***El***
cazador '*(paisaje catalán)*:
figura totémica del campesino catalán con la pipa; las banderas (de Cataluña,
Francia y España); el sexo femenino (araña, estrella); el pescado-liebre
(criatura híbrida fantástica) y los ojos, omnipresentes en su obra, signos
mágicos como en otros surrealistas. En sus obras suelen aparecer **letras'*, como en*** El  cazador
***donde  encontramos  “SARD”***
que  puede aludir a la sardana o a sardina

La **temática** de
sus obras gira en torno a los sueños, la luna y las estrellas, la mujer y el
hombre, plantas y montañas. Entre **1924-27**
**Miró va a dar lugar a la segunda renovación del Surrealismo con sus** *tableau-poème*
***o pintura-poesía. Creó un grupo de pinturas radicalmente diferentes,***
con campos muy vacíos y disueltos, animados por pocos signos sueltos y con presencia
de algunas palabras. Ejemplo: ***Photo, este es el color de mis sueños***.
Es un intercambio entre palabra e imagen*,*
es un d*ialogo entre lo visual y lo verbal.*

**Miró** experimentó siempre con **técnica**s diversas: esculturas, cerámica, tejidos, litografía, escenografía…

En los años 40 se establece en España como
consecuencia de la invasión nazi en Francia, instalándose en Palma de Mallorca.

Allí continúa la serie de *Las Constelaciones*, inspirada en las combinaciones  que
le  sugieren  el
cielo  y  las
estrellas. A mediados de esta década y hasta bien entrada la
otra, se pone en contacto con el célebre ceramista **Llorens Artigas** y fruto de esa colaboración serán varios murales
cerámicos como el del *Sol y la Luna* para
la sede de la UNESCO en París. A finales de los años 60 e inicios de los 70
también realizará esculturas.

Tanto en Barcelona como en Palma de Mallorca,
donde vivió muchos años, se conservan fundaciones dedicadas a este artista.

### Salvador Dalí

    El artista más célebre del Surrealismo fue el catalán **Salvador DALÍ** (1904-1989). De personalidad compleja, megalómano, genial publicista de sí mismo, puede ser considerado también como un precursor de las *performances* de finales del siglo XX.

Dalí aportó al Surrealismo el componente autobiográfico de sus obras, y su **calidad técnica**, muy superior a los demás surrealistas y una riqueza de imágenes sorprendente, que procede en gran parte del catálogo casi infinito que le proporciona su imaginación y su conocimiento de la historia del arte (“imágenes dobles”).

Encontró un filón en una exploración en buena parte óptica que tiene que ver con la psicología de la percepción. Lo cultivó con la muy calculada intención de conquistar al público.

En el año **1929** se estableció en **París** y allí los surrealistas se quedaron deslumbrados  con su obra. Con él  se produce la tercera renovación de la imagen surrealista (la primera había sido con Max Ernst y la segunda con Miró). Dalí comenzó a

    cultivar por aquel entonces un método que llamará **paranoico-crítico**: consistía en crear una configuración de formas y colores que pueda interpretarse de múltiples maneras, pudiendo  ser una paisaje fantástico, de ruinas, quizá leornadesco inspirado en Giorgio de Chirico y que a su vez sea la figura de un ser humano, de un hombre que se disuelve, que se desvanece, quizá el propio Dalí que era un poco un personaje camuflado y camuflable. Así lo vemos en su obra ***El hombre invisible*** (1929) que es un poco  el  epítome  del discurso del  método,del método paranoico-crítico.

En 1930 pintó ***Mujer durmiente, caballo, león invisibles*** donde se muestran imágenes-dobles en las que aparecen una mujer, un caballo, un león y otras imágenes secundarias y ocultas (eróticas).

La obra cumbre de este sistema en el que  la pintura aparece como una acumulación de interpretaciones distintas e incompatibles sobre una misma configuración plástica, se aprecia en muchas de sus obras como en ***El enigma  sin fin*** de 1938. En este caso se produce la fusión de seis imágenes distintas: una señora remendando redes en Cadaqués, un filósofo recostado, un cíclope, un galgo, una naturaleza muerta con mandolina, y una bestia mitológica. Todos los géneros de la pintura mezclados. La verdad en pintura ya no  se  corresponde  con  la realidad.

Su **técnica** naturalista, de “buena cocina”, mostraba influencias de grandes pintores, desde El Greco, Velázquez o Goya. Paradójico y contradictorio, no abandonó nunca su capacidad de provocación y su  anhelo de sorprender al espectador.

Fue relevante también su labor como escritor, diseñador de joyas, decorador, escenógrafo, etc.

Los últimos quince años de su vida están jalonados por el reconocimiento nacional e internacional a toda su producción. Varios **museos** en España e internacionalmente están dedicados a este artista. El llamado **triángulo daliniano** lo forman el Teatro‐Museo Dalí en Figueras, el castillo de Púbol y su casa museo de Port Lligat (Cadaqués), todas en Cataluña. En 1982 se  inauguró el Museo Salvador Dalí en  St. Petersburg (Florida, Estados Unidos). En Londres también hay un museo dedicado a su producción artística llamado *Dalí Universe.* El rey Juan Carlos I le nombró Marqués de Púbol.

Entre sus obras destacamos: ***Muchacha en la ventana**, **La persistencia de la memoria, Leda atómica, El enigma sin fin…***

#### El surrealismo y el cine

La vinculación entre el Surrealismo y el cine fue muy estrecha. El cineasta más vinculado a este movimiento fue sin duda el aragonés **Luis BUÑUEL** (1900-1983). Conocido internacionalmente como uno de los directores de cine más destacados del siglo XX, sus películas, provocadoras y sorprendentes, intentan socavar  los convencionalismos sociales y morales de su época, y en especial el catolicismo.

A inicios de los años 20 vivió en **Madrid**, en la Residencia de Estudiantes,  donde  conoció  a  Salvador  Dalí  y Federico García Lorca. Realizó su primer viaje a **París** en 1924, donde frecuentó a numerosos artistas españoles, y se introdujo en el movimiento surrealista estudiando dirección con Jean Epstein, con quien luego colaboró en películas.

Buñuel fue un **pionero** del surrealismo cinematográfico. En sus películas no hay una lógica narrativa y lineal, sino que en ellas aflora el sueño, lo absurdo, lo irracional y la sexualidad que se debate entre el deseo y la realidad. A diferencia de otros cineastas vinculados al Surrealismo como Man Ray, Buñuel nunca da preeminencia a valores artísticos. Las imágenes **violentas** y crueles son parte esencial de sus películas intentando provocar respuestas no solo intelectuales sino también emocionales en el espectador

Con **DALÍ** colaboró en sus obras más surreales: *Un perro andaluz*, ***Un chien andalou*** (1929) y *la edad de oro*, ***L'âge d'or*** (1930).

En el corto film mudo ***Un perro andaluz*** la fuente de inspiración fue el mundo onírico de Buñuel y Dalí. En esta obra intentaron plasmar el automatismo puro, liberado de las rigideces de la razón, la lógica, la tradición narrativa y la unidad temporal. En esta sorprendente película a muchos niveles, muestra actos de violencia física irracional y deseo sexual descarnado. Una de las más célebres escenas de esta película  forma parte de las más **desasosegantes** de toda la historia del cine: es la del ojo de una mujer rebanado  con un cuchilla.

En la escena final, la “romántica” imagen de una pareja feliz deviene en el mismo hombre y mujer enterrados en la arena. Las posiciones de sus cuerpos y sus cabezas inclinadas son reminiscencias de la célebre pintura  de Millet, ***El Ángelus,*** (1859), obra que obsesionó a Dalí gran parte de su vida. Tanto  Buñuel como Dalí consideraban que esta película no podía ser analizada con parámetros  racionalistas.   Para Dalí, este film “consistía en una simple notificación de hechos... enigmáticos, incoherentes, irracionales, absurdos, inexplicables.”

Por su parte, Buñuel mostró su extrañeza con el hecho de que la burguesía aplaudiera  esta  obra,  porque  el buscaba precisamente lo contrario.

En 1930 Buñuel realizó ***la Edad de Oro**,* otra película emblemática de su producción. Fue su segunda colaboración con Dalí  y un paso más en su ataque a lo establecido,  concretamente  a  los  considerados  por aquel entonces pilares de la sociedad: la iglesia, el estado, la familia. La combinación surrealista de  sexo, violencia e imágenes inconexas hicieron el resto. Una muestra: en una de las escenas, aparece Jesucristo como un líder de una banda de libertinos sexuales que secuestraban y torturaban a mujeres jóvenes en un castillo. Los personajes parecían actuar como en sueños, o más bien pesadillas en una atmósfera de deseo sexual, frustración y fracaso. Con esta película Buñuel si consiguió su objetivo provocador y en la *première* de la misma hubo disturbios y se destruyeron pinturas surrealistas que estaban en el *lobby* del cine. El periódico Le Figaro la calificó de “obscena, asquerosa y sin tacto”. Las referencias anticatólicas propiciaron el disgusto del propio Dalí, que rehusó volver a trabajar con Buñuel. Recordemos que Dalí andando el tiempo se convirtió en un devoto católico a su manera. El Vizconde de Noailles, que sufragó los gastos de la película, fue amenazado con la excomunión. Esta película fue censurada hasta  1979.

En 1932 rodó el documental ***Las Hurdes***, conocido también como "Tierra  sin  pan".  En  él  refleja  la  miseria descarnada que se vivía en esa comarca extremeña. Es de un realismo casi surreal por lo que muestra. En este caso, la realidad supera a la ficción.

Buñuel perteneció al Partido Comunista español y durante **la guerra civil** española fue uno de los fundadores de la Alianza de Intelectuales Antifascistas para la Defensa de la Cultura. En 1938 regresó a **Hollywood** para realizar películas de propaganda republicana. En 1946 se trasladó  a  México,  donde  realizó algunas películas como "El ángel exterminador" (1962). Al final de su vida dirigió en España obras como  "Viridiana"  (1961)  o  "Tristana" (1970).

Por último, hay que recordar que **Salvador DALÍ** colaboró con el gran director de cine británico **Alfred HITCHCOCK** realizando parte de la escenografía de ***Recuerda*** (1945), incluso algún vestuario que llevaba la actriz Ingrid Bergman. En esta obra aparecen escenas oníricas donde, rememorando *un perro andaluz*, se cortan ojos, en esta ocasión con tijeras. Conviene recordar que el ojo, desde épocas prehistóricas incluso, presenta un valor apotropaico y que es un signo esencial de la plástica  surrealista,  tanto  en  pintura,  como escultura, joyas o indumentaria. Con **Walt Disney**, Dalí realizó el delicioso corto ***Destino*** (1946). Dalí en el fondo fue un cineasta frustrado puesto que tuvo muchos proyectos, con Greta Garbo, los *hermanos Marx* (era muy amigo de Harpo, *el mudo*), etc. pero no se llevaron a cabo. De todas formas, también realizó anuncios publicitarios.

## El grupo de Stijl

Dentro de las vanguardias históricas encontramos una **dicotomía** entre tendencias ligadas a lo sensitivo‐ sensual (como la abstracción lírica, cuyo máximo representante es Kandinsky) y otras más frías y cerebrales, que apelan más al intelecto como la abstracción geométrica. La  **abstracción  geométrica** está  representada  por  las  vanguardias  rusa  (**Suprematismo,  Constructivismo**)  y  holandesa (**Neoplasticismo,**también  llamada  grupo  ***De Stijl***).

El grupo ***De Stijl*** fue un movimiento de vanguardia abstracto geométrico,  muy  vinculado  al  Cubismo   y al Suprematismo ruso. La propia denominación *De Stijl* (que significa El Estilo) indicaba la búsqueda de una nueva estética siendo su objetivo, la combinación de la arquitectura, el diseño y la pintura, buscando  un  **arte  total**,  simple,  ordenado, elemental y puro. De ahí que Neoplasticismo no se restringió al ámbito pictórico, ya  que  los  principios  estéticos  de  este movimiento se dirigieron también hacia la arquitectura,  la  escultura,  el  diseño, etc.

Este grupo surgió en la **ciudad** holandesa de Leyden en **1917** y perduraría hasta  **1930** como  un movimiento artístico para la renovación radical del arte. El principal órgano de difusión del grupo fue la ***revista** De Stijl.* A la estética que desarrollaron la denominaron Neoplasticismo, es decir, buscaban una nueva  plástica,  una  nueva forma de crear arte.

Ha sido uno de los movimientos más **estudiados** por críticos e historiadores. Entre las **influencias** determinantes en los artistas de esta corriente cultural destaca la obra de **Frank Lloyd Wright** pues como señalaba J. P. Oud en 1925 “la influencia de este genio ha dominado la vanguardia de la arquitectura en Holanda, Polonia, Alemania, Francia…”. También se ha señalado el influjo de la arquitectura oriental, en especial la **japonesa**.

La poética del grupo Stijl se basaba en la búsqueda de la **abstracción pura**. Empleaban elementos plásticos primarios como la línea recta, el ángulo recto, el rectángulo, y utilizaban en exclusiva los colores primarios (amarillo, rojo, azul) y neutros (blanco, gris, negro). La **trascendencia** e influencia de este grupo ha sido enorme, tanto en arte como en arquitectura, decoración de interiores y diseño (desde ropa, cortinas, muebles, alfombras…).

##### PIET MONDRIAN (1872-1944)

Mondrian fue el ideólogo y el pintor más destacado del grupo holandés ***De Stijl.*** Sus pinturas son la base de la estética neoplasticista. Evolucionó desde el realismo y el Simbolismo hasta la abstracción, pasando por el Expresionismo. El **Cubismo** de Picasso y Braque le influyeron bastante, y a partir de este movimiento,  derivó hacia una **abstracción geométrica** pura. De hecho, su pintura es una vuelta de tuerca a la retícula cubista, a la que progresivamente simplificó en trazos horizontales y verticales con grandes planos de **color**. Buscaba reducir la pintura a lo esencial, una pintura despojada de toda referencia a la realidad. En consecuencia, el cuadro deviene un conjunto de líneas geométricas y de colores puros, bien delimitados. En su versión más extrema, esta propuesta llega incluso a rechazar el empleo de líneas **diagonales**, por entender que con ellas se rompe la pureza de la obra de arte.

La serie más célebre de Mondrian lleva por título el de ***composición con rojo, amarillo y azul,*** en la que campos  de  estos  tres  colores  aparecen  delimitados  y  enmarcados  por  líneas  negras  horizontales      y verticales.

Mondrian construye sus cuadros abstractos con la utilización de **colores** primarios (rojo, amarillo y azul) y  en ocasiones añade el blanco y el negro. Para él el arte no debe ser no figurativo y la representación debe limitarse a las **dos dimensiones**, rechazando cualquier idea de profundidad y de figuración. Su planteamiento teórico anhela un arte con **valor universal**, no individualista, una especie de indagación de  lo absoluto. En 1930 se unió al grupo *Cercle et carré* y en 1931 a *Abstraction­Création*. En 1938  se estableció en Londres y, en 1940 en los **Estados Unidos**. Mondrian ha sido uno de los pintores más **influyentes** del siglo XX trascendiendo la pintura y dejando su huella en las demás expresiones estéticas:

diseño, decoración, arquitectura, escultura, moda y cultura popular. Aunque sus **diseños** han sido trivializados en exceso.

Su cuadro ***Composición A** (1920)* es un buen ejemplo de su pintura no objetiva y neoplasticista. ***Broadway Boogie Woogie***, una pintura de su etapa americana (1942-43), es la culminación de su arte. En ella refleja el bullicio y la vitalidad de la vida en Nueva York y anuncia su papel esencial como nuevo centro de arte moderno tras la II Guerra Mundial.

## 3.  EL CINE DE ENTREGUERRAS

El cine entre la Primera y Segunda Guerra Mundial experimenta una etapa de **madurez** que coincidió con el gran momento de las primeras vanguardias o vanguardias históricas. Los jóvenes creadores que propugnaban un arte nuevo encontraron en el **cine** un vehículo perfecto para la propagación de sus ideas estéticas. Tal es el caso del **Futurismo** italiano, auténticos pioneros en el cine de vanguardia o el Expresionismo. De hecho, el **Expresionismo,** corriente plástica antinaturalista y atormentada aparecida en la  pintura alemana  en vísperas  de  la Primera Guerra  Mundial,  aportó sus  inquietantes ambientes  a   los

estudios cinematográficos y su estilo, con sombríos contrastes, fue pronto copiado por las grandes empresas cinematográficas de Hollywood.

El Expresionismo dio nombre a una corriente cinematográfica característica de la etapa de entreguerras.

Los principales exponentes del cine **expresionista** alemán son **Fritz LANG, MURNAU y Robert WIENE**.

El **cine expresionista** se caracteriza por su temática tenebrosa, sus imágenes de fuertes contrastes   visuales,   los   decorados   irreales    y

desasosegantes, el gusto por los ángulos violentos y unos encuadres en los que no resulta difícil percibir la influencia de pintores vanguardistas como el expresionista alemán Kirchner.

La **temática** que aborda el cine expresionista es muy variada, con frecuencia los argumentos hacen referencia a un mundo futurista (ciencia ficción), de intriga y misterio en ambientes de pesadilla, con monstruos, apariciones y personajes de todo pelaje y condición.

Algunos **directores** de talento produjeron tempranas obras maestras en este género, como el vienés **Fritz Lang** y, junto a ellos, surgieron excelentes **actores** que destacaron por sus caracterizaciones inquietantes.

Son **notas distintivas** de las películas de entreguerras vinculadas al Expresionismo:

·         La importancia de las **escenografías** de decorados pintados de clara tendencia expresionista, con acusados escorzos y arquitecturas fingidas que favorecen la sensación de movimiento y vértigo.

·         La relevancia de la **iluminación**, con fuertes contrastes de luces y sombras. Se valoran las sombras como elementos inquietantes y dramáticos. Un ejemplo lo podemos ver en la película *El Gabinete del Doctor Caligari* donde vemos como el doctor al extender sus manos proyecta su sombra sobre  el muro.

·         La vinculación-identificación entre el **paisaje o la arquitectura** de fondo y los **personajes** como factor dramático y expresivo.

·         El gusto por los **personajes** atormentados, misteriosos, un tanto siniestros. En ocasiones presentan doble personalidad, así por ejemplo, Caligari es al mismo tiempo un eminente doctor y un charlatán de feria.

·         El **vestuario** no es un atrezo más. Los personajes visten capas, sombreros de copa, etc., todo ayuda para  crear imágenes desasosegantes, que fomenten la inquietud y el misterio, incluso el terror.

·         Los **actores** gesticulan mucho, con ademanes abruptos y duros.

***El Gabinete del Doctor Caligari '''***(1920), Robert WIENE

***El gabinete del doctor Caligari*** (1920) es la película fetiche de este movimiento, en las que encontramos las características distintivas del Expresionismo antes señaladas. Con este film se inicia a  edad  de  oro  del  cine alemán. Posiblemente *El Gabinete del Doctor Caligari, Metrópolis* y *Nosferatu* sean las tres películas más conocidas de la corriente expresionista entre el gran público.

Esta película muda cuenta la historia  de un loco doctor hipnotista que utiliza a un sonámbulo  para  cometer crímenes. Este film se ha interpretado como

una **parábola** en clave política vinculado a  los  desastres de la Primera Guerra Mundial en la que el Caligari representa al gobierno militar alemán y el sonámbulo es el pueblo condenado a matar por sus gobernantes. Otros temas que la película aborda son el inquietante contraste entre la cordura y la locura, la percepción subjetiva de la realidad, y la dualidad de la naturaleza humana.

El gabinete del doctor Caligari ha sido definida como una película de culto y el gran crítico Roger Ebert la ha considerado como la primera película de **terror** de la historia del cine.

***4.2.  '''''***Cine ruso de Entreguerras. La construcción narrativa visual de "El acorazado Potemkin".

*El acorazado Potemkin* (*Bronenósets Potyomkin*, 1925) no es solamente la película más importante de **Eisenstein** (era su segundo largometraje) y la más representativa de todo el cine revolucionario soviético sino que se erige como una de las más notables e influyentes del periodo silente y, en opinión de numerosos historiadores, la mejor. Por supuesto es uno de los filmes más analizados y comentados de la historia.

Nació como uno de los ocho episodios de un proyecto sobre la fallida revolución de 1905 pero ya en Odessa el director letón reescribió casi totalmente el guión, que se separó bastante del inicial, más fiel a los acontecimientos históricos y centrado en este episodio. El rodaje duró poco más de una semana y durante el mismo **Eisenstein** y su operador experimentaron con objetivos, focos, plataformas para mover las cámaras, planos desenfocados... La película tuvo un gran éxito en el extranjero, siendo prohibida  en algunos países acusada de revolucionaria.

El desarrollo de este episodio revolucionario es, en realidad, una metáfora de la Revolución Rusa con la representación de las clases que sostienen el zarismo en el barco (los militares aristocráticos y los oportunistas, el clero, los intelectuales que se pliegan al poder como el médico, los indiferentes y los cobardes) y los grupos revolucionarios (el pueblo movilizado como marineros) y sus aliados (la pequeña burguesía en el puerto, las mujeres, los oprimidos...).

Algunos de los rasgos destacados de esta película son:

·         La **ausencia de protagonistas** individuales que sirvan para seguir todo el relato y la exaltación de  los movimientos colectivos. Ello no significa que no haya individuos reconocibles (Vakulinchuk, el capitán, el pope,...) pero no articulan toda la narración.

·         El **uso de rótulos** que, más que reflejar diálogos, exponen frases y mensajes que acentúan el  sentido de la narración.

·         La inserción de verdaderas **metáforas visuales,** un rasgo bastante extendido en el cine mudo pero al  que  **Eisenstein** dota  de una  fuerza especial en  su montaje: el  plato  con el  Padrenuestro,   los

marineros colgados del palo, las sombras de los soldados sobre la madre, el león de piedra que se despierta,...

# ·         La  abundancia  de  planos  detalle,

muchos      de      los      cuales    dan

verdadero valor simbólico a los objetos (el piano, la cruz, las gafas, los gusanos en la  carne) mientras otras acentúan el dramatismo de la acción (la mano pisada del niño, los ojos de las mujeres, la mano del pope,...). Hay una enorme cantidad y variedad de planos (1.029 planos, algo inaudito en su época) y ángulos (picados y contrapicados) y algunos movimientos de cámara.

·         La predominancia de **líneas de composición** oblicuas y triangulares que plasman la tensión de los acontecimientos expuestos.

·         Una **fotografía** muy variada: casi pictórica en las escenas de la bahía con los barcos y los reflejos del sol, fuertemente expresiva en los primeros planos de algunos rostros (los oficiales, el pope) y con numerosos efectos (desenfoques, claroscuro, sombras...).

·         Un **montaje** que ha quedado ya como modelo de la planificación a base de fragmentos y que, a diferencia del cine americano, no tiene en cuenta factores como el eje de relación, la continuidad o el salto progresivo entre planos primando el ritmo y el choque para acentuar la noción de conflicto.

·         En suma se busca unir **fondo y forma,** es decir, el mensaje revolucionario con una estética que provoque esa misma sacudida en los espectadores.

# La secuencia de la escalera de Odessa

La escalera de Odessa, en la que los cosacos masacran a la multitud desarmada, es seguramente la secuencia más analizada, elogiada e imitada de la historia del cine. La escena no figuraba en ninguno de los guiones preliminares ni en las notas de preparación del montaje de Eisenstein. El descubrimiento de la escalera fue accidental pero Eisenstein cuenta que "...fue la grandeza de estas escaleras lo que me dio la idea de la escena... Y puede ser que también jugase un papel importante una ilustración aparecida en un periódico de 1905 y que habría permanecido en el fondo de mi memoria...”. Con sus 120 escalones inspiró  a **Eisenstein** la película y éste cambió el sentido de la acción para acentuar el dramatismo del episodio.

Pese a contar con medios muy primitivos (una tosca vagoneta sobre unos irregulares raíles) para filmarla, logró con la rápida sucesión de planos en el montaje (unos 170 en poco más de seis minutos) darle un ritmo nunca visto hasta entonces. Es el montaje el que crea el tiempo fílmico, dilatando el tiempo real de acuerdo con las emociones y sensaciones que el director quiere provocar en los espectadores.

En esa secuencia se combina la masacre colectiva con las historias individuales de las dos mujeres que pierden a sus hijos y que conforman algunos de los planos más impactantes del film: la mujer que ve a su hijo herido y lo coge en brazos frente a los soldados y la que, al ser alcanzada por los disparos, empuja el carrito de su bebé escaleras abajo (una escena homenajeada en filmes de **Woody Allen**, **Francis Ford Coppola** o **Brian de Palma**).

Gran teórico de la estética fílmica, Eisenstein pone en práctica su teoría del *montaje de atracciones* en la que no considera el montaje como un recurso de continuidad de la narración sino que usa la  yuxtaposición

de los planos para provocar emociones (*montaje de choque*) o para que las imágenes trasciendan lo  narrado para expresar conceptos más elevados (*montaje intelectual*).

## MÚSICA Y DANZA DE ENTREGUERRAS Los Ballets Rusos de Sergei DIÁGUILEV

**Sergei DIÁGUILEV** (1872‐1929) fue una figura seminal de la *Belle Èpoque*, a caballo entre Rusia y Europa, entre el siglo XIX y el XX. Conocedor y experto en arte, además de afamado **empresario**, dotado de un gusto exquisito y un "radar" especial para detectar y patrocinar las experiencias artísticas más vanguardistas, su  ámbito  de  acción fueron la ópera  y los célebres Ballets Rusos que llevaban su nombre. Se consideraba a sí mismo un **mecenas**. Fundó con **Benois** la revista "El Mundo del Arte" así como patrocinó   diversas   exposiciones   bajo   ese    mismo

nombre. Lo interesante de Diáguilev es que supo ser, buscando el **arte total,** el nexo de unión entre la pintura, la música, la danza y la moda.  Fue un **innovador** incesante, de gustos exigentes.

Pretendió hacer del ballet la síntesis de todas las artes, un **arte total** en el que confluyen la música, la danza, los decorados y el vestuario.

Diáguilev fue un catalizador del arte de **vanguardia**. Su mayor logro fue su compañía de danza llamada los **Ballets Rusos** (1909‐29) con la que renovó completamente el panorama de la danza de su época. Sus ballets se representaron por toda **Europa**: Rusia (San Petersburgo), Francia (París), Inglaterra (Londres), España (Madrid, Barcelona), Italia, Centro Europa, etc.

Diáguilev contó para sus ballets con los mejores **artistas** tanto músicos como bailarines, escenógrafos y diseñadores. Consiguió que pintores de vanguardia realizaran sus decorados y el vestuario, incluso grandes modistas de la época como Coco **Chanel.** En veinte años montó cincuenta **ballets** diferentes  de  gustos muy audaces.

Sintetizando mucho, podemos distinguir **dos etapas** en la historia de su compañía de ballet:

·         El **primer período** se extiende desde **1909** hasta **1914**. Los diseños de esta etapa son tardorománticos, un tanto decadentes, y con clara influencia del *Art Nouveau*. El esteticismo, de **un exotismo** netamente oriental, muy abigarrado y deslumbrante, lo invade todo: son las escenografías y vestuarios del maravilloso artista ruso **León Bakst** que tanta trascendencia tendrá para la historia de los decorados teatrales.

Alexander **Benois** también será un artista capital, entre otros, en las escenografías de  esta etapa. El bailarín estrella de este periodo fue el magnífico Vaslav **Nijinksy**, gran intérprete, excelente bailarín, daba saltos extraordinarios. Atormentado y esquizofrénico, fue sin duda, uno de los bailarines más notables de toda la historia del Ballet.

De esta primera etapa podemos destacar el ***Preludio para la siesta de un fauno***, con música de **Debussy,** decorados y vestuario de León **Bakst**. La coreografía fue de una gran modernidad y fue realizada por Nijinksy, protagonista absoluto de este ballet de apenas 12 minutos de duración. Requirió 120 ensayos. Nijinsky se inspiró en la **Grecia arcaica** como lenguaje plástico para llevarlo a la escena, lo cual no encajaba del todo bien con los diseños y decorados de Bakst. En este ballet, el joven fauno  -Nijinsky‐  flirtea  y  "caza" a varias

ninfas. Está considerado como uno de los primeros ballets **modernos**. En general, la crítica fue positiva.

·         La **segunda etapa** se produce entre el estallido de la Primera Guerra Mundial y la muerte de Diáguilev en 1929. Esta etapa supuso una apuesta por la **vanguardia**, por la innovación y la creatividad. Nos permiten analizar el arte de vanguardia y su influencia en la escenografía y la moda. En el campo de la moda impulsó una auténtica revolución, desterrando la concepción decimonónica del vestido, inundando de color y exuberancia sus diseños  y liberando de rigideces al bailarín.

Los Ballets Rusos se refugiaron en  **España** entre 1914 y 1918, los años de la I Guerra Mundial, un período en el que les resultaba imposible ir de gira por los teatros donde  habían triunfado en sus primeros años. Recordemos que España no participó en la  Gran  Guerra.  El  rey  Alfonso  XIII  respaldó   la

presencia de la compañía en España. Pasaron seis meses de 1915 en **Suiza** y realizaron una primera gira por **Estados Unidos**.

Una vez terminada la Guerra del 14, Diaghilev y su *troupe* volvieron con frecuencia a España para actuar. La **muerte** del empresario en **1929** supuso el fin de la compañía.

**Artistas** rusos, franceses y españoles se agruparon alrededor de Diaghilev y su energía creadora. Entre los pintores **españoles** que colaboraron con Diaghilev, se encuentran nombres de artistas como José María   Sert,

Juan Gris, Joan Miró y sobre todo Pablo **Picasso**. Todos ellos diseñaron decorados y vestuario. También participaron compositores españoles de la talla de Manuel de **Falla**, así como directores de orquesta y bailarines.  Hubo muchos proyectos que no acabaron de materializarse.

En **San Sebastián** los Ballets Rusos representaron el Ballet “Las Meninas”, inspirado en la genial pintura de Velázquez. Un gran éxito fue “El sombrero de tres picos”, estrenado en **Londres** en 1919  con  decorados de **Picasso** y música de **Manuel de Falla**. Otros **artistas de vanguardia** que colaboraron con Diáguilev fueron  Goncharova, Giorgio de Chirico, Braque, Derain, y un largo etcétera.

El pintor fauvista francés **Henri MATISSE** colaboró con Diáguilev en varios proyectos de ballet siendo el más destacado ***el canto del ruiseñor*** de 1920. Es una traslación de su pintura, colorista y alegre, al vestuario y la escenografía.

**Pablo PICASSO** a través de Jean Cocteau, se puso en contacto con los Ballets Rusos de Diáguilev y realizó diversos proyectos para este empresario. En **1917** diseñó los decorados y vestuario para el ballet ***Parade*** (1917), con música de Erik Satie, basado en un texto  de

Jean Cocteau. La coreografía era de Massine. El argumento evoca una "parada" o anuncio en el que grupos de artistas circenses intentar atraer al público para que asistan a sus actuaciones en las barracas de feria.

El vestuario y el decorado nos remiten a las formas volumétricas características del Cubismo. ***Parade*** suscitó valoraciones en gran parte negativas tanto por parte del público como de la crítica por su carácter innovador desde todos los puntos de vista: plástico, musical, narrativo y coreográfico.

Realizó otras colaboraciones relevantes para obras como

***el tricornio (1919)*** realizó el telón, los decorados y el vestuario así como el maquillaje de los personajes.

**Igor STRAVINSKY** (1882-1971)

Compositor, pianista y director de orquesta ruso de origen ucraniano, **Stravinsky** está considerado como uno de los músicos más **relevantes** e innovadores del siglo XX. Sus influencias musicales parten del folklore popular ucraniano y ruso así como de la música francesa, en particular Claude Debussy y Ravel. Su producción musical es muy variada y se caracteriza por las **innovaciones técnicas**, particularmente en ritmo y armonía.

Para  los  Ballets  Rusos  de  Diáguilev  compuso: *El  pájaro  de  fuego*

(1910) que le elevó a la fama, así como *Petrushka* (1911) -con escenografía y vestuario de Alexandre Benois-y la controvertida y moderna *Consagración de la primavera* (1913). Colaboró con **Picasso** en el  ballet *Pulcinella* (1920) y con **Jean Cocteau** en *Edipo Rey* (1927).

En los años 20 adoptó la nacionalidad **francesa** y años después, durante la II Guerra Mundial se estableció en Estados Unidos para el resto de su vida, consiguiendo allí la nacionalidad americana. Murió en Nueva York en 1971.

*La Consagración de la Primavera* está considerada como una de las obras musicales más i**nfluyentes** del siglo XX. Fue estrenada en París en **1913**, con coreografía de Vaslav **Nijinsky**. El estreno parisino, en el teatro abarrotado de los Champs-Elysées, fue uno de los escándalos más sonados de la historia de la  música y la danza, por la reacción airada del público ante una pieza tan vanguardista. La violencia rítmica y disonante de la música irritó a una parte del público acostumbrado a la estética del Romanticismo. La **coreografía** de Nijinsky rompía con la concepción tradicional de la danza clásica. Los bailarines se movían con los pies torcidos hacia dentro, con posturas insólitas y apasionadas que causaron asombro. Se produjeron silbidos y disturbios en la sala que impedían escuchar con nitidez  la   música.  Se   ha   señalado

que las críticas iban dirigidas más hacia la coreografía de **Nijinsky** que propiamente a la música de Stravinsky. Recordemos que este músico era  prácticamente  un  compositor  desconocido  cuando  Diaghilev lo reclutó para sus Ballets Rusos. *La consagración de la primavera* era su  tercer  proyecto, después del exitoso *Pájaro de Fuego* y *Petrushka*.