recursal/Fanatic-Fandom huggingface dataset:
Sir Waffington III

"Straight off the iron and too hot to handle!"

—Sir Waffington III, Death Screen

**Sir Waffington III** is one of the multiple minor bosses fought in the Sugarland Shimmy boss level of Inkwell Isle Two. She is a subject randomly summoned by Baroness Von Bon Bon, the level's primary boss.

## Description

### Appearance

Sir Waffington III is a large, brown-colored, slightly cube-shaped, flying waffle with squarish eyes and nutcracker-like teeth. Her "hat" and a pair of wings appears to be made out of butter.

## Battle

She will be selected randomly by Baroness Von Bon Bon for the first phase of the boss battle. Sir Waffington III, after being selected, flies around the arena and will split herself into 9 pieces in a spread attack and reverts back to her original form. In Simple mode, she doesn't do anything besides fly around. In Expert mode, she will only shoot either in the four cardinal directions at first, and then fire the diagonals, or vice versa; she has a shorter delay to split again.

When defeated, she will break apart as if she was doing her attack but the pieces will fly off the screen and the teeth section will implode on itself and disappear. Hitpoints = 250/250/305

## Gallery

Sir Waffington III about to split for attack.Sir Waffington III's knockout.
## Trivia

* Although Tina Nawrocki designed the character as though it were male, naming it 'Sir Waffington III' in a Tweet, the game's localization assetbundle classifies it as female.
	+ Sir Waffington III is male in *Cuphead Volume 2: Cartoon Chronicles & Calamities*, claiming descent from 'a long line of maple syrup men'.
* She is often mistaken for a chocolate bar due to the brown color, rectangular pattern design, and the fact that chocolate bars can also be split into an a number of pieces. However, the butter wings, on top of her and her death quote *"Straight off the iron and too hot to handle!"* are signs of her being a waffle.

### Inspirations and similarities

* Sir Waffington III's name is a pun on the name of an athlete called Sir Washington.
Whippet Creampup

* Base
* Phase 4

**Whippet Creampup** is a character of *Cuphead* residing in Inkwell Isle Two and serves as both the castle and loyal pet of Baroness Von Bon Bon.

## Appearance

Whippet Creampup seems to be a large squared cake with whip cream on its turrets. Its mouth is blocked by Candy Canes, which often open up to release the minions. It has two eyes under its turrets. While it normally has white sclera, it will change to yellow and its pupils become more slanted when it becomes feral. Additionally, it has two large arms which have four tube-like fingers that it uses to drag itself around. It also has some mints on the back of each of its hands. The Cuphead Show reveals they actually have four rows of candy cane-like fangs that are positioned like a grinder.

## Battle

### Phase 2 and 3

After the first of the Baroness' subjects is defeated, Whippet Creampup starts to spawn a Jelly Bully out of its mouth every once in a while.

### Phase 4

After the third subject is defeated, the Baroness comes up a wicked idea, and grins manically at the thought. She then pulls on Whippet's cream, agitating it, and making it feral. She then orders it to kill the cups. It starts crawling forward to chase the player and spawns Patsy Menthol as the Baroness keeps attacking the player. When it's defeated, it slams its hands on the ground in a fit of rage.

In Simple Mode however, Baroness does not command it to pursue after the cups, and will simply take them out using her candy cane shotgun. Upon Baroness being defeated in this mode, Whippet will be disappointed with the outcome.

## Gallery

Knockout spriteWhippet Creampup as shown in The Cuphead ShowWhippet chasing after the brothers.Simple Knockout
## Trivia

* Whippet Creampup's name is a pun on 2 food related items, "Whipped Cream", and "Cream Puff".
	+ It also doubles up as a reference to Whippet being a pet dog of some kind - Whippet (a type of dog breed) and Cream**pup** (a shortening of puppy). It also sounds like whip, which can be used to make a sled dog mush. With this in mind, Whippet Creampup is essentially the Baroness's attack dog.
	+ Out of all the Baroness minions, only Whippet Creampup (and Sargent Gumbo Gumbull) have made an animated debut in 'The Cuphead Show' so far, albeit the only one being alongside Baroness Von Bon Bon: Gumbo simply serves a cameo. It is voiced by Zoe Moss.

### Inspirations and similarities

* Creampup is similar in design and movement to the moving barn from *Swing You Sinners!*, a Fleischer cartoon referenced multiple times in *Cuphead*.
Toast

**Toast** was a cut boss in *Cuphead*. He has only been seen in very early concept art for the game that might have been before the game had a prototype of some sort.

## Description

### Appearance

Toast resembles a piece of bread. It is unknown if Toast would have been toasted. He has a little black dot for a nose, similar to Goopy Le Grande. Toast also has lips that make a full loop around his mouth. In his phase two sprite, he becomes a flat piece of toast popping out of a toaster with his eyes being on both sides of his head, with a mouth full of sharp teeth in the center. The toaster he comes out of has legs and feet, implying that it can get up and chase the player, similar to that of Baroness Von Bon Bon.

*Only known concept art*Toast with big nose
## Trivia

* One of Toast's design seem to be heavily based on the gravestones from the cartoon "Swing You Sinners!".
가곡의 본격적 시작

상위 문서: 낭만파 시대의 성악 음악, 낭만파 시대의 음악적 특징, 가곡의 기원

같이 보기: 예술가곡

설명
--

고전파 시대에도 가곡을 만드는 움직임 자체는 있어 왔음

* 산업화 시대 및 중산층 발달로 인한 수요 때문에
* (가정용을 포함한) 피아노의 개량 및 대량 보급 등으로
* 이로 인해 가곡 문화 발달에 시너지 효과를 내었음

(일반적으로 봤을 때에는)

결과적으로 19세기부터 (가곡의 왕) 슈베르트 등이

본격적인 독일 가곡의 시대를 열어

가곡이 독립적 장르의 위치에 올랐다고 볼 수 있다.

## 피아노 발달과의 관계

산업화 시대를 통한 피아노의 개량, 대량 보급 등으로

19세기 가정과 사교회 등에서 피아노가 입지를 가졌음

* 이 당시에도 개량된 피아노는 새로운 페달기법으로 풍부하고 다양한 음색을 낼 수 있게 되어
* 사람의 노랫소리와 어울리는 이상적인 반주가 가능한 경지에 이르는 데 영향을 줬음

피아노 곡도 서정적이면서도 화려하고 극적이며 기교적 스타일로 발전했음

* 가곡의 표현력을 확장시키는 적극적인 표현 도구로써
* 피아노의 역할이 확장되었다고 볼 수 있음

## 시대 변화와의 관계

귀족 계급의 쇠퇴와 도시 중산층의

영향력 확대가 일어나는 동시에

중산층에게도 피아노가 보급되면서

그들의 수요에 맞는 가곡이 필요했음

* 그래서 이 시대부터 가곡이 발달했다고 한다.

귀족들이 즐기던 가정음악 문화가

중산층에게도 유입되면서

귀족이 즐기던 전통적 가정 음악에

새로운 가정 음악 문화가 섞이며

발달하기 시작했다고 한다

* 아름다운 선율 + 쉬운 반주를 통해
* 최소의 노력, 최대의 효과라는
* 가성비 효용을 누릴 수 있는 장점이 있다 보니
* 가정 음악에 가장 적합한 매체라는 메리트로
* 가곡이 그 당시에 발달할 수 있었음

그래서 19세기 독일을 중심으로

본격적으로 가곡이 발달하게 되었음

## 독일의 경우

18세기 후반부터

괴테, 쉴러, 하이네 등의

서정시 문학이 꽃피었음

* 이 영향으로 19세기 작곡가들이
* 가곡 작곡을 활발히 하기 시작했다고 함

그런 이유로 독일의 가곡이 발전하게 되었다고 함

* 이렇게 된 배경에는
* 음악과 시를
* 동등한 위치로 보기 시작한
* 당시 상황과 관련이 있음

그렇다보니 시에서 표현되는 끝없이 변화하는 감정, 분위기를

경직되게 한가지 기법만 사용하지 않고

추상적인 음을 효과적으로 활용해 여과없이 표현하려는

당대 경향과도 관련이 있다고 볼 수가 있음
Turtle

The **Turtle** is an enemy fought in the High Seas Hi-Jinx! boss level of Inkwell Isle Three.

## Appearance

The Turtle is a orange sea turtle with frontal limbs with hands but ventral flippers. It wears a red bowler hat with a black stripe and has a barrel cannon installed within his sea green and yellow shell.

## Characteristics

In the first phase for the boss battle against Cala Maria in the High Seas Hi-Jinx! level, it can be one of the three enemies Cala can summon, traveling towards the left side of the screen. The cannon on his back shoots out bombs that will explode and release bullets in eight directions. In Simple mode, the bomb will just explode in the four cardinal directions. It can be disposed of by shooting at him, after which it will hide back in his shell and raise a white flag in defeat.

## Trivia

### Inspirations and similarities

* Turtle bears a striking resemblance to the character Toby Tortoise from two of Disney's Silly Symphonies cartoons *The Tortoise and the Hare* and *Toby Tortoise Returns*.
그리스(뮤지컬)

상위 문서: 1970년대의 락 뮤지컬

설명
--

워렌 케이시 작사,

짐 제이콥 작곡의

1972년작 뮤지컬

* 전형적인 오프-브로드웨이계의
* 컬트 뮤지컬로 출발하긴 했지만
* 결과적으로 대중 전체의 열광적 호응을 받은
* 1970년대의 락 뮤지컬 내지는
* 1970년대의 로큰롤 리바이벌
* 뮤지컬 중 하나이기도 함

특징
--

1950년대에 청춘을 보낸 작사, 작곡가 덕분에

1950년대 당시에 유행했던 로큰롤과 패션 스타일, 그리고 학창 시절의 청춘과

그 나이대에 있을법한 사랑, 자존심 대결 등의 내용을

센스있게 담을 수 있었다고 한다

* 이런 특징 덕분인지 현재에도
* 생명력을 유지하는 작품이라고 한다.

## 대표곡 목록

Summer Nights

* 특히 영화판에서 인기를 얻은 곡이기도 함

여담
--

유명 배우 리처드 기어도

브로드웨이판 뮤지컬에

출연한 적이 있었다고 한다
낭만파 시대의 공공 공연장 발달 양상

상위 문서: 낭만파 음악/시대적 상황

설명
--

낭만파 시대에는 공공 공연장이 발달했다.

* 이는 당시의 공연 레퍼토리 확장과
* 아마추어와 프로를 망라한
* 악단 대규모화 및 분화와도 관계가 있다

## 낭만파 시대 이전의 공연장

낭만파 시대 이전에도 이태리, 영국 등에 이미 공공 공연장은 존재했음

* 하지만 낭만파 시대만큼 본격적인 수준으로 발달하진 않았음

주막에도 조잡한 서민 공연장이 설치되기도 했었음

## 낭만파 시대 이후의 공연장 발달

낭만파 시대에는 특권층 전용 공공연주장의 확대가 일어났음

* 이런 상황에서 관객 확장도 일어났다고 함

동시에 하층민들을 위한 (술집 겸) 공연장도 같이 발달하며 공연장 형태가 분화되었음

## 당시의 공연 문화 형태와 영국식 뮤직 홀 문화

동시에 영국에서는 뮤직 홀이라는 공연 형태도 생겨났는데,

식사가 제공되는 일종의 라이브하우스, 유흥시설같은 느낌이었음

* 근대적인 클래식 음악 전용 공연장처럼
* 음악에 집중하는 시설은 아니지만
* 음악의 대중화, 보편화에 영향을 주며
* 다양한 음악발전의 토대가 되었다고 한다

그리고 공연과 음악에 집중하는

근대적인 공공 공연장은

19세기 말에야 정착되었다고 함

* 그 이전에는 현재의 라이브하우스처럼
* 공연을 보면서 식사를 하거나
* 술을 먹거나 사교 활동을 했다고 함
Robot Monkey

**Robot Monkeys**are enemies fought in the Run 'n Gun level Funfair Fever from Inkwell Isle Two.

## Appearance

Robot Monkeys are small tin robots a blue and red striped hat with a orange bobble, a red shirt, blue overalls with orange buttons and black shoes.

## Characteristics

These little guys appear on the last tent of the level. There will be about three rows of them hanging from canes across the path and the player(s) will either have to shoot them or dash through them with the Smoke Bomb to even move foward.
과거의 역사적 건축과 음향

상위 문서: 음악음향학

## 로마 원형 극장과 음향학

로마시대에 조성된 도시에는 반드시 원형극장을 두었음

* 32계단으로 구성된 객석은 3000여명을 수용 가능한 크기이며
* 지은 지 2000여년이 된 계단이지만
* 무너진 계단이 거의 없을 정도로 보존 상태가 좋아 보임

이 극장은 이 곳을 담당하는 여행가이드의 말에 따르면

음향 구조가 특별히 설계되어 극장 끝까지 메아리가 울려

(소리가 잘 증폭된 후) 모든 객석에까지 소리가 잘 전달되는 구조라고 함

* (누구든지 연주 무대지점 쪽에서 말을 하면 모든 관객이 소리를 들을 수 있을 정도)

실제로 여행객들이 이 시설의 효과를 체험하는 동영상이 존재함

* (특정 지점을 벗어나면 효과가 없는 게 신기함)

## 고대 그리스의 에피다우로스 원형극장(기원전 4세기경에 건설)

건축가 폴리클레이토스 2세가 설계했음

* 많은 음향전문가들이 경탄할 정도로 음향효과 탁월
* (뒷줄에서도 소리가 들릴 정도)

1881년부터 체계적 발굴이 이루어졌으며

1960년대에 이르러서야 비로소 그 원형을 복원할 수 있었음

## 그리스 로마 시대의 원형극장과 음향학

고대 그리스, 로마 등의 국가에는 이런 원형극장들이 있었음

이런 극장들은 대부분 많은 인원을 수용해야 하므로 공연예술, 연설용으로 건설되었음

* 그래서 앰프, 스피커 없이도 객석 전체적으로 손실 없이 소리가 잘 들리도록 설계되엇다고 함

이런 고대의 신비를 분석할 수 있게된 것은 그리 오래된 일이 아니라서,

현대에 전자장치 등을 통해 분석해서야 비로소 이런 원리를 알게 되었다고 함

## 당시 그리스 로마 시대 극장의 음향 구조적 특징

이 극장의 음향 구조적 특징은 모양과 재료에서 나옴

* 부채꼴 구조가 소리가 다른 매질에 부딪쳐서 손실이 일어나지 않게 하는 구조적 특징이 있고
* 석회암이 소리를 흡수하지 않고 반사시킴으로써 소리를 멀리까지 전달하는 역할을 도와줌

석회암들은 수많은 청중들이 만들어내는 소음들 중 웅성거리는 소리와 같은 저주파를 흡수하여

이 배경소음을 줄여주는 여과 기능을 갖고 있음

* 그뿐만 아니라, 고주파를 청중 속으로 반사해서 그 효과를 증폭시키는 기능을 갖고 있다고 함

그리고 계단식으로 만들어진 굴곡은 천연의 음향 포착 기능을 하며

배우나 음악가의 저주파 음역을 흡수하기도 함

* 하지만 청중은 버추얼 피치라고 불리는 현상을 통해
* 사라진 부분의 저주파를 머릿속에서 복구함으로써
* 완벽한 소리로 인지하게 됨
* (일종의 착시 비슷한 효과인듯 함)

과학자들은 이런 고대 극장의 놀라운 음향이 우연에 의해 만들어진 것일뿐

설계자들이 이런 음향 원리를 이해하진 못했다고 말한다.

* 이후에도 다양한 재료들을 활용해서
* 이런 원형극장과 같은
* 효과를 내기 위한 시도를 했지만
* 성공하진 못했다고 함

## 중세시대 교회의 음향

교회에서는 미사를 통해 천상의 소리와 같은

신비로운 음향에 신도들이 빠져들 수 있을 만큼

웅장하고 장엄한 음향을 연출하고자 했음

* 그래서 돔 구조의 천장을 이용하거나 고대 그리스 원형극장이 그랬듯
* 대리석으로 벽을 세움으로써 풍부한 잔향을 만들고자 했음

하지만 요즘은 효과적인 원형 및 음악의 전달을 위해서 성능 놓은 음향 장비를 쓰는 경우가 더 많아졌음
낭만파 시대의 연주회용 서곡

상위 문서: 낭만파 시대의 오케스트라 음악

설명
--

주제를 가진 낭만파 시대의 오케스트라 음악이긴 한데

전통적인 소나타의 1악장 형식을 가지는 단악장 구성의 장르

* 하지만 일반적인 서곡과는 달리
* (오페라 등과는) 독립적인 성격으로
* 연주 그 자체를 목적으로 하는
* 표제적인 특징을 지님
* (그래도 오페라 서곡만
* 연주되는 관습은
* 이전에도 있었다고 함)

연주회에 가면 처음에 이 장르를 연주하는 편이긴 하지만

그래도 전체적으로는 기존 장르와 독립적이라서

단독으로 연주되는 경향을 가지고 있다

특징
--

(주로) 단악장의 sonata allegro 형식을 띈다

* 그리고 고전적 소나타 형식이긴 하지만
* 이 장르는 낭만파 시대의 음악답게
* 특유의 독창적 음형과 관현악의
* 음색을 사용하는 것이 특징임

## P. Tchaikovsky(차이코프스키)의 경우

1812 overture(1812년 서곡, 1880년 작곡) 등이 이에 포함됨

* 나폴레옹의 러시아 침공과
* 러시아 승리를 담은 작품으로
* 대포소리 묘사 부분이 있어서
* 실제로 대포를 동원하기도 했을 정도

## J. Brahms(브람스)의 경우

Academic overture(1880) 등이 이에 포함됨

* '대학축전 서곡'이라는 이름으로 번역되기도 하지만
* 사실 명예박사학위에 대한 감사의 의미를 담은 작품

## 멘델스존의 경우

핑갈의 동굴(1830) 및 '한여름 밤의 꿈'(1826, op. 21) 등이 있음
고전파 시대의 종교 음악

상위 문서: 고전파 시대의 성악 음악

설명
--

고전파 시대가 되면서부터 종교 음악은

바로크 전통의 지속이라는 양상을 띄는 동시에

더더욱 종교 음악이 중심에서 밀려났다

* 그래서 교회 음악은 전통을 고수하거나
* 오페라 등 최신의 세속 양식을 받아들이며
* 관현악 반주, 다카포 아리아,
* 레치타티보 아콤파냐토 등을 사용하는 등
* 변화하는 양상을 보였음

실제로 오페라 작곡가들이 교회음악을 작곡하는 경우가 많았음

* 모차르트 레퀴엠 중에서 '진노의 날'은
* 교회 공연장에서 연주하기엔 너무 음향적으로 울려서
* 세속적인 콘서트용 음악이란 것을 알 수 있으며
* 이를 통해 당시 교회음악의 세속화를 짐작할 수 있음

## 고전파 시대의 미사곡

고전파 시대 초기에는 음악적 목적상 형식적으로 종교적인 제약을 받긴 했지만

그 이후에는 조금씩 이런 제약이 풀어진 경향이 있었다.

* 게다가 이런 교회 음악 역시 세속음악의 요소 역시 받아들이면서
* 미사곡 역시 종교적 기능성보다는 음악성, 예술적 성격이 더 커졌다고 한다.

이런 경향에 대해 부연설명을 하자면 당시의 작곡가들이

그 시대의 취향에 맞는 여러 가지 형태의 교회음악을

복합적으로 창작했을 정도였다고 볼 수 있다

* 이 시대의 대표 작곡가 3대장인 하모베 역시
* 오케스트라 음향을 섞은 미사 음악을 작곡했다고 한다.

하이든은 미사곡 10여개를 작곡했으며

* (하이든 문서 참조 바람)

모차르트의 경우 여러 미사곡을 작곡했는데

그밖에도 그는 '레퀴엠'을 완성하지 못하다가 죽었다.

* 그리고 베토벤의 경우 규모와 내용 면에서 독보적이며
* 음악의 표현력을 위해 곳곳에서 세속 음악적 요소를 가미시킨
* '장엄 미사'(1819~1823)를 남겼다고 한다.

## 고전파 시대의 오라토리오

이미 18세기 전반부터 오라토리오는 오페라와 매우 유사해졌다고 한다.

* 심지어는 오페라와 오라토리오 작가들이 겹칠 정도이기도 했다고 한다.
* (다만 일종의 종교적 연극이므로 배우의 연기와 무대연출이 없고 해설자가 있다는 차이는 있음)

당시의 오페라와 마찬가지로 기본적으로 이태리적 전통이 주류를 형성했으며

18세기 중엽을 지나면서 도식적 구성에 대한 비판과 함께 새로운 작곡 양식이 개척되었다고 한다.

* 그리고 고전파 시대의 오라토리오 대표 작곡가는 하이든이라고 할 수 있으며
* 천지창조(1797~8) 등이 대표적인 작품으로 꼽힌다.

그리고 베토벤도 '감람산의 예수'라는 제목의 오라토리오를 작곡했다.

## 루터교의 경우

개인 예배를 강조하는 경건주의, 우아함, 단순함의 가치가 부상하면서

갈랑 양식에 따른 회중 찬미가로 구성된 예배 음악이 시작되었다고 함

## 아메리카 대륙의 경우

각 언어권이나 구성 민족에 따라 식민 모국의 (종교, 세속)음악적 양식이 유입되었다

* 뉴잉글랜드 지방의 경우 3도음정이 없는 특이한 대위법이 특징었다고 함

아니면 아메리카 대륙에 유입된 각종 민족들의 영향이 융합되는 양상도 있었음

* 낭만파 시대의 미국 음악 문서도 같이 참조 바람
낭만파 시대의 민족주의적 교향곡과 교향시

상위 문서: 낭만파 시대의 교향곡과 교향시, 후기 낭만파 시대의 민족주의 음악, 낭만파 음악/다양한 사조의 부상

같이 보기: 20세기의 민족주의 음악, 월드 뮤직

## 당시 민족주의 음악이 부상할 수 있었던 이유

서유럽 중심 (특히 독일, 오스트리아 빈)의

음악 어법에 대한 반감도 있었고

귀족, 부르주아 (중산층) 중심의

음악에 대한 반감도 있었고

* (그래서 당시의 실내악에 대한 반감과도 연관됨)

당시 그런 지역 중심으로 이루어진

제도화된(돈 있는 자들의)

음악 교육에 대한

반감도 있어서 그렇다고 함

* 그래서 이 3가지 문제에
* 모두 대응할 수 있는 대안이
* 바로 민속음악이라고 생각했음

당시 민족주의자들은

농민, 하층민, 어린이 등의 문화가

때묻지 않은 문화라고 여겼음

* 따라서, 민속음악이
* 민족의 속성을
* 잘 드러낸다고 믿었으며
* 그런 이유로 지역의
* 소소한 음악적 색채를 추구했음

그리고 이러한 민족주의적 경향은 모두가 평등하다는

수평적 사회관에서 비롯되었다고 한다

* 이런 경향 속에서 민담, 설화, 민요 등을
* 수집하거나 출판하는 경우도 증가했다고 함

## 당시 민족주의적 교향곡의 특징

당시 작곡가, 음악학자들은 민요를 연구했으며

각 지역의 민속음악적 요소를 작곡에 활용했음

* 그래서 민족주의 음악에서는 19세기 후반의
* 민요적 요소(특색있는 민족 고유의 민속음악의 선율)와
* 민속적 자료(민속 춤곡 리듬 등)들을 사용했으며
* 이러다보니 자연스럽게 장단조 이외의 선법, 5음음계도 사용하게 되었고
* 기타, 민속피리, 민속현악기 등의 민속악기도 사용했다고 함

그리고 당시의 민족주의적 교향곡과 교향시는

고전적인 다악장의 교향곡 형식 파생형 뿐만 아니라

단악장의 교향시 형식 역시 공존했다고 볼 수 있음

* 낭만파 음악/다양한 사조의 부상 문서도 참조 바람

## 주요 민족주의 교향곡 작곡가 목록

Glinka(글린카)

Grieg(그리그)

Borodin(보로딘) 등

## 그밖의 주요 작곡가 목록

차이코프스키

드보르작

스메타나

시벨리우스 등
곡 분석법

상위 문서: 음악, 음악이론

설명
--

곡을 듣고 코드를 따고 악보를 그려 분석할 수도 있지만 곡이 기록된 악보를 보고 곡을 분석할 수도 있다.

악보 분석법 문서 참조

## 악기와 음색

우리는 곡을 분석할때

곡을 구성하는 개성있는 악기들의 조화를 느낄 수 있는데

이 악기마다 들리는 고유의 개성에 관한 것들이라고 할 수 있음

* 해당 문서 참조

## 합주(앙상블) 편성 인원에 따른 분류

2명: 듀오(듀엣)

3명: 트리오

4명: 쿼텟

5명: 퀸텟

6명: 섹스텟

* 보컬도 당연히 편성 수에 합산된다
* 반드시 (리듬 등을 제공하는 드럼 등의) 특정 악기가 들어가야 하는 것은 아니며
* 편성은 자유이다

## 리듬에 따른 분석

우리는 일정한 템포나 속도 안에서 움직이는 형태의 리듬을 포착하여 분석할 수도 있고

연주되는 음(표) 사이의 속도나 길이 관계에서 나타나는 리듬을 포착하여 분석할 수도 있음
1980년대의 스티븐 손드하임과 해롤드 프린스 콤비

상위 문서: 스티븐 손드하임/해롤드 프린스와의 콤비 시절

설명
--

'아름다운 시절'(Merrily We Roll Along, 1981)이라는 뮤지컬을 계기로

그들은 콤비 관계를 마무리했음

## 아름다운 시절(Merrily We Roll Along, 1981)

과거부터 예술쪽을 꿈꾸던 세 친구들이 실제 예술가가 되어

예술성과 상업성의 조화에 대한 가치관의 충돌 및 토론을 다뤘다고 함

* 이 뮤지컬이 나온 시점상 지난 과거를 반추하는 특징인지
* 음악적으로 좀 더 진보적인 현대음악이라기 보다는
* 뮤지컬의 황금기까지의 고전적 쇼툰 스타일로 회귀했다고 한다

그런 만큼 해롤드 프린스로써는

기존에 그들이 해왔던

컨셉 뮤지컬이 아니다 보니

연출하기 힘들었다고 한다

* 그래서 그런지 연출이 어설프다고 생각했는지
* 결국 청중이 호응해 주지 않아서
* 결국 단 16회만에 막을 내렸다고 한다
갓스펠

상위 문서: 1970년대의 락 뮤지컬

설명
--

지저스 크라이스트 슈퍼스타처럼

성경의 내용(예수의 마지막 7일 - 예수 최후의 날)을 소재로 한

오프-브로드웨이계 뮤지컬

* 스티븐 슈워츠가 작사, 작곡을 맡았음

특징
--

(음악 스타일이나 소재 채택 면에서)

지저스 크라이스트 슈퍼스타와

공통적인 특징을 갖긴 했음

* 하지만 이 작품이 좀 더
* 성서 본연의 내용을
* 살렸다고 할 수 있음

그밖에도 친근한 멜로디와

컨트리 등의 대중적 스타일이 섞였으며

아기자기하면서도 간소하게

세트를 구성할 수 있다는 장점 덕분에

학예회나 교회 공연에서도

사랑받는다는 장점이 있다고 한다

## 대표곡

Day by Day 등

* 이 곡 역시 젊은 입맛을 잡았다고 함

다른 수록곡들을 알고 싶다면

영문위키의 관점 참조 바람
고전파 시대의 피아노 소나타

상위 문서: 고전파 시대의 실내악

같이 보기: 고전파 시대의 협주곡, 고전파 시대의 소나타 형식, 피아노의 등장

## 피아노의 발명

18세기 초엽에 크리스토포리라는 사람이

줄을 망치로 때리는 장치를 이용해

줄을 보다 섬세하고 강하게 치는 구조의

악기를 발명하였다고 한다.

* 피아노의 원래 명칭은 '피아노포르테'이며
* 피아노는 이 '피아노포르테'의 약칭이다.

하지만 전고전파 시대까지는 피아노가 현대적인 수준만큼 개량이 안되었다

* 그래서 피아노가
* 아르페지오식 혹은
* 숫자저음 기반의
* 화성반주 기능 위주를
* 담당했다고 한다.

## '피아노 소나타'의 시작

'클라비어'는 건반악기를 총칭하는 말인데 피아노가 중심적 악기로 부상하면서

고전시대의 건반악기 독주 소나타는 곧 피아노를 위한 것으로 받아들여졌고

이는 피아노의 표현 역량이 그만큼 경쟁력을 갖췄다는 것을 의미한다.

* 이전 시대의 쳄발로(하프시코드)나 클라비코드 보다 더
* 확실히 강약 조절을 할 수 있는 피아노가 등장하면서
* 음악적 표현력의 범위가 확장되었다고 할 수 있다.

이 악기는 교향곡이나 실내악 등

다양한 장르의 음악어법을 고루 수용할 수 있어서

편곡용 악기로도 쓰였다는 장점이 있다.

* 이렇다 보니 피아노가 중심적 악기로 부상하게 되며
* 당시부터 시작된 유기적이면서도
* 규칙성이 강조된 소나타 형식에 따른
* 피아노 소나타가 작곡되기 시작했다고 한다.

당연히 피아노에 솔로 악기 역시 동반되는

바이올린 소나타 및 플루트 소나타 역시

이때부터 시작된 것이다.

* 그리고 피아노의 위상 강화는
* 바로크 시대의 삼중주 소나타가
* 고전파 시대의 기악 음악 장르로 변하면서
* 이루어진 부분도 있으며
* 계속저음 반주의 위상도 쇠퇴하면서
* 화음 반주를 담당하던 건반악기는
* 음악적으로 차츰 독자적 역할을
* 확보하게 되었다고 한다.

이런 현상에는 피아노가 중상류층 여성의 교양이 되면서

곡의 주도권을 잡기 좋은 위치가 되었기 때문이라는 말도 있다.

* 이런 현상을 거치면서 건반악기가 더 이상
* 계속저음 반주에 안주하지 않게 되었으며
* 18세기 중후반을 지나고 18세기 후반에
* 피아노도 음악계의 주목을 받으면서
* 건반악기는 실내악 작품 발전에
* 주도적 역할을 하게 되었다고 한다.

어쨌거나 이런 흐름 속에서

고전파 시대 이전에 사용되었던

쳄발로(하프시코드) 및 클라비코드는

이 시대부터 도태되었다고 한다.

* 그리고 피아노는 훌륭한 독주 악기이기도 하므로
* 특히 이 시대부터 정착된 다악장 체제를 지닌 소나타에서
* 탁월한 역량을 발휘했다고 한다.

## 18세기 후반의 독주 피아노소나타 발전의 기반을 닦은 작곡가들

바흐의 아들인 C.P.E 바흐와 J.C 바흐를 들 수 있다.

* C.P.E 바흐의 경우 3악장 구성의 독주 건반악기 소나타를 많이 작곡했으며
* 그것을 이론적으로 뒷받침하는 건반악기 교습서(1753)를 남겼다.

## 음악적 특징

고전파 시대의 음악답게

빠-느-빠의 악장 순으로 구성됨

* 빠른 악장은 대개 소나타 형식의 구조를 가진다.

## 당시에 피아노 소나타를 작곡한 대표적 작곡가들

하이든(50여 곡 작곡), 모차르트(20여 곡 작곡), 베토벤(32곡 작곡) 등을 꼽을 수 있음

* 하이든은 2~3개짜리 악장 구성의 소나타를 작곡했고
* 모차르트의 경우 보통 3악장 구성의 소나타를 작곡했음
* (베토벤의 경우 하단 항목 참조)

## 당시의 음악적 경향에 따른 그밖의 음악적 기법의 변화

그런데 이 시대부터는 한 성부가 주도적 역할을 하기 시작하면서

바로크를 풍미했던 숫자저음 기법이 쇠퇴하게 되기 시작한다고 한다

* 이때부터는 오히려
* 건반악기와 같이 연주하는 악기가
* 피아노 연주 음과 맞물리도록
* 화음을 맞춰주는 식으로
* 기법이 변화하게 되었다고 한다.
20세기 말 이후의 순수 음악/테크놀로지와의 관계

상위 문서: 20세기 말 이후의 순수음악

## 컴퓨터 음악의 발전

당시 전자 음악의 패러다임은 컴퓨터 음악이 주도하여 변화, 발전하게 되었음

* 1980년대에는 아예 PC도 발달하여
* 이런 경향에 기름을 부었다고 할 수 있음

## 기타 멀티미디어의 발전과의 관계

이 당시부터 멀티미디어가 좀 더 급속도로 발전하기 시작했음

* 음악 역시 이런 영향을 받아 변모하기 시작했음

그런 이유로 전자음악 뿐만이 아니라

어쿠스틱 음악 작품에 멀티미디어 기법이

융합된 형태도 많이 보여준다고 함

* 대표작으로 토마스 아데의 In Seven Days(2008)
* 탄 둔의 인터넷 오케스트라 에로이카(2"30)
* 그밖에도 로리 앤더슨같은 작곡가의 작품들도 꼽을 수 있음

## 토마스 아데의 경우

멀티미디어 화면과 피아노+오케스트라가

융합된 방식이라고 볼 수 있음

## 탄 둔의 경우

인터넷으로 오케스트라 단원을 모집하여

(유튜브 심포니 오케스트라라는 이름으로)

이벤트성으로 연주를 하는 방식이었음

## 로리 앤더슨의 경우

로리 앤더슨이라는 작곡가 겸 연주자의 경우

클래식의 범주라고는 하기 힘들지만

이런 시도의 맥락 아래에 속한다고 볼 수 있음

* 그녀는 보코더 기법으로
* 신디사이저와
* 목소리를 결합시켰음

## 프랑스의 스펙트럴리즘

한편 헝가리의 리게티, 폴란드의 펜데레츠키 등으로 대표되던

1960년대 이후의 음색작곡(음향음악)에서

1970년대 이후 프랑스 등지에서 그리지, 뮤라이 등에 의해

스펙트럼 음악 사조(스펙트럴리즘)가 대두되기 시작됨

* 스펙트럼 음악은 기계적으로 특정 음의 배음들을 분석 후
* 어쿠스틱 악기가 직접 그 음의 배음들을 동시에 연주하여
* 그로 인해 만들어지는 음색을 추구하는 방식이라고 할 수 있음
감정이론

상위 문서: 바로크 음악양식의 특징

설명
--

바로크 시대에는 '감정이론'이라는 개념에 근거하여 음악적 표현을 하기 시작했다

## 감정이론에 따른 음악적 표현 방식

감정이론에 따르면 음악작품은 특정한 감정을 유발시키고 자극하도록 한다고 생각했다

* 하지만 사적인 감정이라기보다는
* 일반적 감정을 표현하는 게 목적이라서
* 체계적으로 규제된 어법으로 전달되어야 했다

그런 이유로 르네상스식의 단순한 가사그리기 수준을 넘어설 정도의 표현이 일어나기 시작했다

## 감정이론에 따라 어떻게 바로크 시대 작곡가들이 음악적 표현을 했을까?

바로크 작가 대부분은 각 감정을 표현하는 음악어법들을 작품에 적용했음

특히 긴 곡의 경우 각각의 악장이나 부분이

오직 하나의 감정을 표현하도록 했음

* 마테존같은 이론가들이 당시에 이론서들을 만들어 체계화시켰다고 함

## 마테존 등의 이론가들이 쓴 이론서의 주요 내용들

구체적인 음형들이 수사학적인 특수한 모형과 기법에 비유되었으며

이런 수사학적인 근거들은 곡 분석용이라기보다는 작곡용의 지침이었음

* 작품을 만드는 과정도
* 수사학의 3단계 규칙이 적용된다고 인식했음

전곡 전반에 걸쳐 박자기호와 마디 사용이 일반화되었음
The King's Leap

The castle seen in the Edge Magazine

**The King's Leap** is a series of stages that take place in a floating castle above Inkwell Isle Four. It is hosted by the King of Games, and features five bosses, all of whom are modeled after chess pieces: the Pawns, the Knight, the Bishop, the Rook, and the Queen.

Shooting and charms (except the Astral Cookie) are locked for all these boss fights, and players must parry their opponents or manipulate things that can be parried to win.

For each boss that is defeated, the King will reward the player two coins, save for the Queen, whose defeat nets the player three coins. He uses his scepter as a lever to spin his flying castle around to the next available challenge, though he will prompt the player to leave if the previous fight took too many attempts. If the player leaves the Leap, the ladder to it may appear in another location on the isle. Once all the King's challenges are complete he will not kick you out anymore and the ladder will permanently appear near the docks.

Once all of his champions are defeated, you can freely choose which challenge to take on and a gauntlet can be selected, the King will rotate his castle once and stops at the Pawns' room. Defeating it does not have any benefit in-game besides the congratulations of the King but it will net an achievement.

## Walkthrough

 The Knight | Players must parry his plume whenever he lets his guard down to damage him.
 The Bishop | Players must blow out all the candles before they are able to parry him.
 The Rook | Players must parry the pink heads that come out from his grindstone.
 The Queen | Players must parry the fuse of cannons to try and send cannonballs flying towards her.
 The Gauntlet | Players must fight all and each one of the five bosses.

## Soundtrack

### King of Games' Castle

 King of Games' Castle
 King of Games' Castle (Rococo)

### Battle

 The Knight
 The Bishop
 The Rook
 The Queen
 Original soundtrack

## Gallery

Pawns EntranceKnight EntranceBishop EntranceRook EntranceQueen EntranceOverworld icon
## Trivia

* This is based on the scrapped boss level The Airship, wherein all the bosses there had to be defeated by parrying, as shown with Jelly the Octopus. In fact, some code are reused from the bosses there.
* The castle was designed by Screen Novelties, who were also behind the DLC trailer from the 2021 Game Awards and the stop-motion Rotograph sequences in *The Cuphead Show!*
* Different music for Bourree on the Board plays for The Pawns, The Knight, The Bishop, and The Rook. The Pawns use the xylophone solo. The Knight uses the violin fiddle. The Bishop uses the acoustic guitar solo, and The Rook uses the trombone solo.

### Inspirations and similarities

* The name may be inspired by King's Landing, the main capital area for the royals in George R. R. Martin's *A Song of Ice and Fire*/*Game of Thrones* franchise.
* The King's Leap was an old name of a chess move that ultimately evolved into "Castling".
	+ This is quite fitting, as the structure is a floating castle.
고전시대의 음악

상위 문서: 고전시대

설명
--

고전시대의 서양 음악은 주로 고대 그리스, 로마 지역의 음악을 말한다

* 이 문서에서는 18세기의 '고전파 음악'이 아닌 '고대 그리스, 로마시대'에 속하는 시대의 음악을 다룬다

## 시대적 의의

이 시대에는 음의 멜로디를 문자기호 형태로 기록한 악보가 있긴 했지만

해독법은 물론 그 악보의 수 자체부터 한계가 있어서 중세인들이 고전시대의 곡들을 알 수가 없었다

* 결국 중세인들은 고전시대의 음악을 직접 모방하기 보다는
* 고전시대(고대 그리스, 로마)의 음악이론만을 통해서 자기네들의 음악을 무에서 창조해 나갔다
* 하지만 다르게 생각해보면 고전시대부터 전승된 음악이론은
* 중세에는 물론 현재에도 계승, 발전되고 있다는 의미라고 볼 수 있다

## 고대 그리스와 관련된 'music'의 어원

고대 그리스 신화의 음악의 여신, '뮤즈'에서 유래함

* http://www.perseus.tufts.edu/hopper/text?doc=Perseus:text:1999.04.0057:entry=mousikh/
구스타프 말러의 시대적, 음악적 특징

상위 문서: 구스타프 말러

설명
--

그의 생애는 20세기까지 걸쳐 있으며

인용 기법 및 미니멀한 관현악 편성 등을 쓰는 등의 특징으로

실제로 20세기 음악에도 영향을 끼친 기법의 창시자라고 할 수 있음

* 그리고 그는 주로 교향곡을 위주로 작곡했음

## 기악적 특징

말러 이전까지만 해도 작곡자들은 그래도 기본 틀을 유지하는 경향이 있었음

* 하지만 그는 독일 교향곡 전통을 계승하면서도
* 후기 낭만파의 전형적인 작곡가답게
* 작품과 오케스트라 규모 및 색채도
* 고전적인 2, 3관 편성에서 벗어나며
* 전통적 소나타 형식과 악장 수, 관현악법에서 벗어나서
* 전례없이 확장되기 시작하는 등
* 다양한 오케스트라의 효과를 극대화하면서
* 전통적 양식에서 벗어나는 특징을 보인다.
* (그래도 전통적인 악기를 사용하긴 했음)

## 선적, 대위적 특징

그밖에도 고전 및 대위법 시기의 양식을 모방하여

지속음과 오스티나토를 통한 가늘고 선적인 구조와

(전통적 화성진행으로부터의 탈피 등)

전통 화성 구조라기 보다는 성부가 적어 간결한 구성의 폴리포니로써

각 성부가 이루어내는 대위법적 선율을 세세하게 감지(대위법적 성긴 짜임새)할 수 있음

* (이런 특징 역시 오케스트레이션의 변화라고 할 수 있음)

## 말러의 인용 기법

그밖에도 그는 이미 존재하는 음악적, 사운드적 요소를

음악에 차용하는 인용 기법을 즐겨 쓰기도 했다

* 우주적 개념, 서정성, 오스트리아 민요,
* 자연 묘사, 대중적 춤 리듬, 코랄,
* 행진곡, 패러디 등의 자연, 민속적, 세속적 소재를
* 병행적으로 사용하여 이를 변형, 발전시켰음

## 표제적 특징

그리고 당연하게도 그는 낭만파 작곡가로

표제적 성격의 음악을 썼다고 할 수 있음

총평
--

한마디로 말해서 위의 특징을 종합해서 살펴보면

혹자는 이런 스타일을 '복잡한것같은데 단순하다'라고 하거나(복잡성과 단순성의 결합)

'대중적 민요적 요소의 결합'이라고 설명하기도 함
낭만파 시대의 합창 음악

상위 문서: 낭만파 시대의 성악 음악

설명
--

오케스트라 음악이나 오페라 외에도

오라토리오, 칸타타에서도 합창이 사용되었음

* 그밖에도 아마추어 합창곡 및
* 연주용 관현악 반주의 합창곡 뿐만 아니라
* 미사곡, 찬송가, 레퀴엠, 모테트 등의 종교음악이나
* 독창자들을 위한 앙상블 역시 합창이 사용되었음

## 음악적 특징

르네상스 ~ 고전파 시대와 마찬가지로

계속 전통적인 다성음악적 기법이 많이 사용되었음

* 그러니까 르네상스, 바로크 식의 다성음악이나
* 수직화성적인 코랄 성향이 강했다고 보면 됨

그리고 종교적 합창 음악의 경우

천주교와 개신교 위주로 많이 작곡되었음

## 세속 합창 음악

멘델스존의 '최초의 발푸르기스의 밤'(1843)이 유명함

* 이 곡은 독창자 4명, 혼성합창, 오케스트라를 위해 작곡되었음

그밖에도 브람스의 작품도 유명함

* 리날도(1868), 애도의 노래, 운명의 노래,
* 운명의 여신의 노래 등이 대표적임

## 천주교 합창 음악

베를리오즈, 생상스, 포레 등의 미사곡과 레퀴엠 등이 대표적임

* 그밖에도 리스트의 '미사 코랄리스'(1865), '헝가리 대관식 미사'(1867),
* 부르크너의 'E 단조 미사, 'F 단조 미사', '테 데움' 등의 미사곡이 유명함

당시에 일어났던 천주교회음악의 부흥이

이런 종교적 합창 음악 생산의 촉매제 역할을 했음

## 개신교 합창 음악

멘델스존, 브람스 등이 대표적 작곡가임

* 멘델스존은 시편 11개를 작곡했으며
* 그밖에도 모테트, 칸타타, '테 데움' 등을 작곡했음

브람스의 경우 바흐의 전통을 따랐으며

무반주 혼성 합창곡인 '마리아의 노래' 등의 대표작을 남겼음

## 오라토리오

멘델스존의 경우

* '파울루스', '엘리아' 등의 오라토리오를 작곡했으으며
* 이런 오라토리오 작품들은 헨델의 극적인 연주회용 오라토리오와
* 바흐의 개신교 합창음악 양식에 바탕을 두었음

브람스의 경우

* '독일 레퀴엠'이 유명하며
* 이 작품의 가사는
* 루터 성경 기반이라서
* 가톨릭이 아닌
* 개신교 음악으로 분류됨
1920년대의 뉴욕 재즈/시대적 배경

상위 문서: 뉴올리언스와 스윙 재즈 사이의 과도기/뉴욕의 상황

같이 보기: 1920 ~ 1930년대의 틴 팬 앨리

## 간략한 설명

1920년대 뉴욕 재즈가 발전할 수 있었던 요인에는 여러가지가 있다

* 매스 미디어 및 관련 매체
* 음향 기술 등

※ 대중음악과 매체, 기술 등의 관계에 대해 더 알고 싶으면 대중음악 문서 참조

## 매스 미디어 및 관련 엔터테인먼트 산업 의 발달

전국적으로 영향을 미치는 엔터테인먼트 산업과 매스 미디어가 본격적으로 시작되어

미국의 사회, 문화 중심지인 뉴욕에 뿌리를 박기 시작했음

* 매니저
* 대행사
* 출연계약자
* 홍보담당자
* 콘서트홀
* 극장
* 박물관
* 미술관
* 라디오
* 텔레비전
* 신문
* 라디오
* 잡지 등등등

이런 이유로 매스 미디어와는 다른 방식으로 성장해온 대중음악 장르인 재즈도 대중성을 얻기 위해

결국 이런 매스미디어를 통해 성장할 수 있었음

## (매스 미디어와 관련된) 매체 기술의 발달

물론 녹음(음향), 라디오, 영화 기술은 19세기 후반에 등장하긴 했지만

20년대 당시에는 이런 기술들이 급속도로 발전하기 시작했음

* 이런 기술들에 의해 음악 역시 매우 급격하고 더 널리 전파, 발전하기 시작했음
* 뉴욕에서 제작된 소리가 동시에 방송을 탈 수 있게 되었고
* 그런 음반들이 일주일 내로 캘리포니아에 도착할 수 있게 되었음

## 녹음(음향) 기술의 발전

원래는 녹음 기술에 마이크가 적용되지 않아 녹음 수준이 ~~좆~~구렸는데

20년대부터는 본격적으로 마이크를 쓰게 되어(일렉트릭 녹음 방식)

특정 악기들의 소리와 그런 각각의 조화를 확실히 더 선명하게 느낄 수 있게 되었으며,

1920년 이래로 축음기와 음반 가격이 급격히 낮아지면서

침체기였던 녹음 산업이 또다시 활기를 찾았음

* 이런 상황 속에서 크루너 등의 현대 대중적 개념의 보컬이 발달하기 시작했음

## 라디오 기술의 발전

1920년대 이전의 라디오는 잡음도 심했고 반드시 헤드폰을 껴야 해서 고작 ~~고오급~~ 장난감 수준에 불과했지만

탄소 마이크 기술과 이후에 축전기 마이크의 발명으로 인해 좀 더 생생한 음질을 낼 수 있게 되어

1921년에 본격적인 '방송매체' 형태로써의 라디오 방송이 생기기 시작했음(피츠버그 KDKA 개국)

* 그 이후로도 NBC, CBS 등이 개국하여
* 이 사상 초유의 대중매체가 전국적으로 영향력을 떨치기 시작했음

## 매체 기술 발달에 의한 여가 문화의 변화

집에서도 문화를 즐길 수 있게 되었음

* 집에서 방송을 즐기고 음반을 수집하는 등의 ~~덕질~~ 문화 형성이
* 전 국민적으로 가능해졌다는 의미

## 영화 제작 기술의 발전

1927년에 워너브라더스가 최초로 '대화가 녹음된' 영화를 발표했음(재즈 싱어)

## 대규모 이주

한편 남쪽에서 북쪽, 동쪽 위주로 이주한 흑인들 외에도

(유럽계를 중심으로) 서쪽에서 동쪽으로 이주하는 경향도 컸다
1950~1960년대의 재즈 보컬리스트

상위 문서: 재즈 보컬리스트

설명
--

1950년대는 고전적 팝 음악 가수들의 황금기라는 인식이 있다

* 비슷하게도 역사적으로 고전적 팝 음악과 밀접한 연관이 있었던
* 당시의 뮤지컬 쪽에서도 황금기를 누리고 있었다고 한다

## 1950년대가 고전적 팝 음악 가수들의 황금기였던 이유

시대적 특성

* 그만큼 우월한 가수들이 엄청나게 많이 생겼으며
* 20~50년대까지 양적으로 음악적 레퍼토리가 많이 축적되어
* 고전적 팝 음악의 정착기에 접어든 셈이기도 했기 때문이다

기술적 특성

* 45rpm 싱글반과 가정용 TV가 출현하여
* 가수들에게 유리할 수 있었다

## 1950년대 당시의 매체 기술의 상황

50년대 45rpm의 싱글반 기술의 발명

* 신인 가수들과 원히트 원더 가수(히트곡이 하나뿐인 반짝 가수)들의 활동 장벽을 낮춘 동시에
* 코믹한 내용의 고전적 대중가요인 노블티 송 발매를 촉진한 부분도 있었다

가정용 TV의 출현

* 음악과 코미디를 결합시킨 버라이어티쇼가
* 오후에도 인기를 발휘할 정도였음
* 이런 인기있는 프로에는 당연히 가수들 위주로 구성되었음

## 당시 재즈의 상황

이런 식으로 가수들이 빅 밴드의 자리와 밴드 리더의 권위를 빼앗아가곤 있었지만

그런 가수들이 부른 장르는 여전히 스윙(재즈)였다

* 왜냐하면 그 가수들도 오랫동안 스윙 재즈 속에서 성장해왔으며
* 로큰롤은 너무 젊고 신생 장르라는 이유로 꺼려 다른 대안이 없었다고 한다

## 대표적인 가수

프랭크 시나트라가 가장 유명한 가수 중에 하나였다

* 프랭크 시나트라 문서 참조

그 외에도 냇 킹 콜 등이 유명했다

* 냇 킹 콜 문서 참조
가브리엘 포레

상위 문서: 낭만파 시대의 프랑스 가곡

설명
--

낭만파 시대 프랑스 가곡 분야에서

가장 대표적인 작곡가 중 하나

## 음악적 특징

5도가 아닌 3도관계 베이스 진행 및

7화음(세븐스 코드), 9화음, 11화음 등을 해결 없이 사용하여

전통적 기능화성 및 장단조 체계를 모호하게 함으로써

이런 전통적 음악체계에서의 탈피를 보여주고 있음

* 이를 통해 상징주의 시와 궁합이 맞는
* 음악적 분위기를 형성했음

## 대표작

'달빛'(Claire de lune)

'꿈을 꾼 후'

'만돌린' 등이 유명함

* 그 외에도 그는 가곡 125곡을 작곡했음

## 가브리엘 포레가 작곡한 '달빛'(Claire de lune)의 음악적 특징

시적 내용을 표현하기 위해

당시의 음악적 특징이라고 할 수 있는

화성적 확장을 적용했다.

* 그리고 중심조성은 단조이면서도
* 화성, 가락단음계의 이끔음(leading tone)인
* 7음을 반음 내린 음을 혼용하여
* 자연단음계, 즉 선법적인 면을 가미하여
* 곡의 시적인 분위기를 더한다.

그밖에도 조성의 4, 5도 화음이 번갈아 오는데

으뜸(1도)화음이 나오지 않기 때문에

조성확립이 제대로 되지 않는

모습 역시 관찰할 수 있다.

* 그밖에도 장단조 혼용이
* 사용된 것 역시 나타난다.
낭만파 시대의 오케스트라 음악

상위 문서: 낭만파 시대의 음악적 특징, 낭만파 시대의 기악 음악

설명
--

새로운 악기 개발과

콜 레뇨, 스피카토, 뮤트(기) 등

여러 다양한 실험적 주법을 통한

새로운 음색 추구로 인해

음악 언어가 확장될 수 있었음

* 서정적 음색은 주로 관악 등이,
* 음색의 재미있는 변형은
* 약음기(뮤트기) 등이 담당했음

그리고 사회가 분화되고 음악이 전문화되면서

오케스트라의 편성도 대형화(확장),

분화, 전문화되는 양상을 보였으며

오케스트라의 수 증가로 인해

귀족의 의뢰 대신 상업적 요구로 먹고사는

직업 연주자의 증가 양상도 나타났음

* 그리고 베를리오즈의 환상 교향곡에서도
* (콜 레뇨, 피치카토, 스피카토 등)
* 이런 실험적인 바이올린 주법 등을 확인할 수 있음

## 오케스트라의 시초?

바로크 시대 프랑스의 륄리의

베르사유 궁정 악단이 시초라고 함

* 하지만 고전파 이전이다 보니
* 관악기의 비중이 있었다기 보다는
* 바이올린 중심이었음

## 당시 오케스트라의 발달

19세기에 런던 필(1813), 뉴욕 필(1842),

베를린 필(1882), 빈 필(1842) 등의

대규모 오케스트라가 창단되었음

* 오케스트라가 확대되다보니
* 전문적인 근대적 지휘자 개념도
* 확립되기 시작했음

## 당시 지휘자의 위상 변화

이전까지만 해도 지휘자의 역할은

박을 세는 사람 정도의 개념이었음

* 륄리도 근대적인 지휘봉이 아닌
* 큰 쇠막대기로 박자를 쿵쿵 하며 맞추다가
* 실수로 발을 찧어 균에 감염되어 죽었다고 함

그렇게 낭만 시대 이래로

지휘자는 음악의 해석자이자

스타(마에스트로)가 된 것이다

## 당시 관현악법의 발달

고전파 시대의 관현악법의 경우 주선율 등이

제1바이올린 위주의 구성이라고 할 수 있음

* 낭만파 시대에 오면 관악기가 주제를 이끄는 경향이 더 커졌음

이는 금관악기 밸브의 개선에 힘입은 것으로

덕분에 관악기의 힘이 강해졌다고 한다

* 원래 호른은 밸브가 없었다고 한다

결론적으로 (목관과 금관, 피아노 등)

악기의 기교적, 음향적 가능성이

더 확장되었다고 할 수 있음

## 대규모 공연장 및 공연 문화 발달, 그리고 레퍼토리 확장과의 관계

당시에는 특정 계층에서 전 계층으로 공연 문화가 개방되었으며

아마추어에서 프로, 소규모에서 대규모 편성까지 연주자가 확장되었음

* 그리고 이전에는 당대 작곡가들이
* (귀족들의 의뢰로)
* 그때그때 작품을 만들어
* 공연하는 경향이 있었음

하지만 이때부터는 당대에 성행했던

기교주의에 대한 반발 등으로 인해

옛 것을 발굴하고 그걸 모범적인 것으로

삼으려는 움직임도 있었음

* 그래서 당시 레퍼토리가 바로크 및
* 고전파 음악으로도 확장되었음

그래서 낭만파 시대에 와서야 완전히 본격적인 차원에서의

'클래식 음악'이란 개념이 정립되었다고 할 수 있음

## 당시 오케스트라 음악의 편곡 경향

누구나 쉽게 관현악 음악을 즐길 수 있도록

당시 오케스트라 음악이 많이 편곡되었다고 한다

* 리스트도 파가니니나
* 베토벤의 오케스트라 작품을
* 피아노로 편곡한 것으로 유명하다

그리고 그런 곡들이

피아노 두 대의 편성 등으로

편곡되기도 했다고 한다

## 오케스트라를 위한 표제 음악

방송에 자주 나오며

교향시 형태를 띈다는

특징이 있음

* 더 자세한 내용은
* 낭만파 시대의 기악 음악 문서의
* '낭만파 시대의 표제음악적 작곡가들'
* 항목을 참조 바람
낭만파 시대의 피아노소나타

상위 문서: 피아노소나타, 낭만파 시대의 피아노 음악

설명
--

이 때에는 고전파 시대의 피아노소나타 구조의 확장, 변형이 일어났음

## 슈베르트의 경우

슈베르트는 피아노소나타 21곡을 작곡했으며

베토벤 전통을 계승했음

* 이런 이유로 그의 피아노소나타는
* 고전파와 낭만파 사이에서
* 일종의 가교 역할을 했음

그리고 그는 일종의 표제적 소나타라고 할 수 있는

'방랑자 환상곡'(D. 760)도 작곡했음

## 리스트의 경우

단악장 구조이면서도

고전적 소나타처럼

4부분으로 나누어지는

소나타(b 마이너 소나타)

한 작품만을 남겼음

* 이 곡이 아주 유명한
* 대형 마스터피스라고 함

(단테 소나타의 경우 순례연보 안의 작품이지

단독적인 형태의 소나타 작품이라고 볼 수 없다고 함)

* 그리고 이 작품은 그가
* 교향시에서 사용한 순환구조를
* 피아노소나타에 적용했다고 함
7화음

상위 문서: 화음

같이 보기: 3화음

정의
--

3화음의 5음 위에 그 3도 위의 음을 더 올려 놓은 형태의 화음

* 재즈에서는 7화음을 기본적으로 제시하여 교육하는 경향이 있음

## 장조에서의 7화음

   1, 4도화음이 장7화음, 2, 3도화음이 단7화음

5도화음이 장단7화음, 7에서 반감7화음 형태를 띔

## 단조에서의 7화음

3, 6도화음이 장7화음, 1, 4도화음이 단7화음

5도화음이 장단7화음. 2도화음이 반감7화음

7도화음의 경우 감7화음 혹은 장단7화음 형태를 띔

## 실제적으로 전통적 조성화성에서 사용되는 7화음

1도의 경우 단7화음 형태,

3도의 경우 장7화음 형태가 사용됨

## 재즈 이론에서 단조의 7화음 표기

장음계에 비해서 자연단음계는 3도, 6도, 7도가 반음 내려가므로 재즈에서는 장음계의 화성 표기를 기준으로 단조의 화성을 표기한다

* 그런 이유로 **자연단음계**의 경우 1도부터 순서대로
* **Im7, IIm7(♭5), ♭IIIM7, IVm7, Vm7, ♭VIM7, ♭VII7**로 표기되며
* **화성단음계**의 경우 7도가 리딩 톤으로 반음 올라가
* **ImM7, IIm7(♭5), ♭III+M7, IVm7, V7, ♭VIM7, VIIº7**가 되고
* **가락단음계**의 경우 6도 역시 다시 반음 올라가
* **ImM7, IIm7, ♭III+M7, IV7, V7, VIm7(♭5), VIIm7(♭5)**가 된다

결국 단조에서 사용 가능한 1도 화음의 경우 **Im7, ImM7**

2도 화음의 경우 **IIm7(♭5), IIm7(좀 더 명확한 조성 확립을 위해 덜 사용됨)**

3도 화음의 경우 **♭IIIM7, ♭III+M7**

4도 화음의 경우 **IVm7, IV7**

5도 화음의 경우 **Vm7(이끔음이 없으므로 도미넌트로 사용 불가), V7**

6도 화음의 경우 **♭VIM7, VIm7(♭5)**

7도 화음의 경우 **♭VII7(이끔음이 없으므로 도미넌트로 사용 불가), VIIº7, VIIm7(♭5)**이 있다고 할 수 있음
고전파 협주곡 형식의 예시

상위 문서: 고전파 협주곡의 형식

특징
--

악기에 대한 폭넓은 이해,

독주 악기와 오케스트라의 적절한 조합,

적절한 선율, 반음계 사용, 전조,

대위법의 능수능란한 사용으로

모차르트가 당시의 협주곡에서

가장 두각을 나타냈다고 한다.

* 반면 하이든은 전고전파 시대 전후에
* 협주곡을 많이 작곡했다고 한다.

## 모차르트의 '피아노 협주곡 21번 C 장조'(K.467)의 경우

1악장은 알레그로 마에스토소 C (소나타 형식)

2악장 안단테 F(세도막 형식)

3악장 알레그로 비바체 아싸이 C, 론도로 구성된다

* 그리고 이 작품은 화성의 주요 구성음을
* 저음에서 연주하고 반 박자 쉰 후
* 다른 구성음들을 상성부에서 음정 간격을 좁혀 반복하는
* 전형적인 고전파식 화성 반주 양식을 사용하고 있다

## 모차르트의 '피아노 협주곡 23번 A 장조'(K.467) 1악장의 경우

제시부의 경우 오케스트라의 연주 다음에

솔로 악기가 오케스트라 반주에 따라오는

전형적인 이중 제시부의 방식을 갖고 있으며

제시부를 구성하는 2주제는 악기에 따라

으뜸조(Tonic) 혹은 딸림조(Dominant, 으뜸조에서 5도 상행) 조성이 사용된다.

* 제1주제는 제1바이올린에 의해 선율적으로 연주되며
* 제2주제는 오케스트라 전체 연주 후
* 바이올린이 뒤따라서 연주되는데
* 활달한 8분음표에 모차르트 특유의 반음계가 곁들여진다.

이 작품은 전형적인 소나타 형식이라고 할 수 있지만

솔로와 오케스트라 합주가 번갈아 온다는 특징 때문에

바로크 시대의 리토르넬로를 떠올리기도 한다고 한다.

* 발전부의 경우 제시부와는 다르게 새로운 선율로 시작하지만
* 제1주제와 제2주제의 특징 일부가 반영되어 변형되는 식으로 엮이며
* 피아노와 오케스트라 간의 대화같은 진행이 되며
* 다양한 전조로 분위기 변화를 주고 있다.

재현부의 경우 오케스트라 전체가 연주하며 시작되며

제시부 뿐만 아니라 후반부의 발전부 소재와 얽힌 구조를 보여준다.

## 베토벤의 '바이올린 협주곡 D 장조'(Op. 61) 1악장의 경우

팀파니의 규칙적인 4박자 연주 및

그와 조화를 이루는 선율이

중요한 특징이라고 할 수 있으며

제1주제의 목관 연주도 역시

주의해서 들어볼 만 하다.

* 제2주제의 경우 관악기의 장조로써 처음 제시되는데
* 바로 다음 현악기의 단조 연주로 반복되고 있고
* 그 다음 이 요소를 가공, 발전시키고 있다.

베토벤은 이 작품에서 전통적이고 단순한

바이올린 주법에 의한 음형을 사용하고 있지만

이것을 독창적으로 오케스트라와 조화시키고 변화시킨다.

* 그래서 이것을 연주하는 데 있어서 내면적인 해석 면에서 어렵다고 한다.

베토벤은 오케스트라의 웅장함을

이 작품의 독주 악기인

바이올린을 배려하여

이 둘을 조화시키는 데 신경을 써서

이 작품을 만들었다고 한다.
StudioMDHR

2013 → (present)

**StudioMDHR Entertainment Inc.** (commonly referred to as **StudioMDHR** (shorthand for **Studio M**ol**D**en**H**aue**R**)) is a Canadian video game company founded by two brothers: Chad & Jared Moldenhauer. They have finished working on their 1st game: *Cuphead*, released on September 29, 2017, exclusively for Xbox One & Steam (PC).

## Team

Studio MDHR has 19 people on their team so far:

* **Lead Game Designer:** Jared Moldenhauer
* **Art Director:** Chad Moldenhauer
* **Animators:** Hanna Abi-Hanna, Jake Clark, Joseph Coleman, Tina Nawrocki, Thomas "Smo" Smolenski
* **Assistant Animator:** Danielle Johnson
* **Inker:** Marija Moldenhauer
* **Digital Painter:** Tyler Moldenhauer
* **Lead Developer:** Eric Billingsley
* **Developers:** Kezia Adamo, Tony Coculuzzi
* **Hand-Lettering Artist:** Warren Clark
* **Font Guru:** Mark Simonson
* **Composer:** Kristopher Maddigan
* **Painters:** Caitlin Russell, Ali Morbi
* **Director of Experience:** Ryan Moldenhauer
Ranger

"Damage increases with range. Keep your distance for maximum power."

—Unused description

**Ranger** is an unused weapon from *Cuphead.* It would likely have been obtained through purchasing it in Porkrind's Emporium.

## Strategy

The Ranger was shown in the E3 2014 trailer for *Cuphead,* having a circular shape that fire straight out of the finger gun, and having two sharp explosion effects every time it hits an enemy. However, it was scrapped during development.

In the game, it takes on a placeholder of a round, dark red circle with a black outline, and will suddenly expand upon impact as it explodes (thus the development name *Exploder*). In version 1.3+, the Ranger graphics has been updated, it uses the generic bullet used by Zeppeling as placeholder and the explosion is now a purple-ish cloud with black outline. As the projectile gets farther, it increases in size slightly, dealing more damage and having a bigger explosion the farther it hits an enemy from (thus the name *Ranger*).

**EX: Risky Burst** - Fires a small-sized bullet, identical in design to the regular projectile, but immediately creates a huge explosion upon impact. It bounces off the hitbox or side of the screen once and can deal damage to the player if not dodged. In version 1.3+, the ricocheted bullet becomes pink and can be parried. It does refund a Super Meter card but does not count for the parry count scoring at the end screen.

## Gallery

Animation of the weapon in use.Old Ranger/Exploder sprite.
1980년대의 영국산 뮤지컬

상위 문서: 1980년대의 뮤지컬

설명
--

1980년대 브로드웨이의 침체기동안에

당시의 영국(런던, 웨스트엔드)산 뮤지컬이

일종의 구원투수 역할을 했다

* 당시의 브로드웨이 업계의 구성원 모두
* 이런 영국 뮤지컬과 아티스트들을
* 당시의 브로드웨이 뮤지컬 시장에 산소호흡기를 대어
* 1600여개의 일자리 창출 효과까지 이루어낸 공로로 인해
* 노사를 가리지 않고 대환영했다고 한다

물론 미국식 뮤지컬의 원류을 뿌리깊게 파 보면

영국에서 시작된 것이라고 생각되기는 하지만

현대적 개념의 뮤지컬은 미국이라고 할 수 있다.

* 하지만 당시의 브로드웨이는
* 본격적인 현대적 개념의
* 뮤지컬 종주국이라는
* 체면을 챙길 여유도 없이
* 그저 영국에 많이 의존할 뿐이었다고 한다

## 영국 뮤지컬과 미국 뮤지컬 간의 관계

런던의 브로드웨이라고 할 수 있는 웨스트엔드는

영미권인 만큼 미국의 브로드웨이와

교류 및 우호관계가 역사적으로 크다고 할 수 있다.

## 당시 영국산 뮤지컬이 국제적 감각을 갖추고 성공했던 이유

물론 영국도 ~~이후에 브렉시트를 하게 되는~~

 영미권이면서도 섬나라이긴 하지만

엄연히 유럽쪽 국가이고 해서

유럽 대륙과 가까워 교류도 많이 했으며

유럽 공연물을 받아들이고 소비,

그러니까 그런 것들을 번안, 배급, 기획했던

역사가 길었기 때문이었다

* 이런 이유로 관련 노하우를 쌓으며
* 국제적 감각을 키워 나갔다고 하며
* 이는 훗날 1980년대 이후
* 성공의 기반이 되었다고 한다

## '빅 4'와 '세계 4대 뮤지컬'

당시에 이렇게 대중적으로도

센세이션을 다시 일으킨

이런 대표적인 영국산 뮤지컬을

영미권에서는 '빅 4'라고 불렀으며

한국에서는 그냥 '세계 4대 뮤지컬'이라는 식으로

조금 거칠게 오역된 범주로써 불렀다

* 이런 열풍의 시작은 단연
* 현재의 우리들에게도
* 아주 유명한 뮤지컬로 손꼽히는
* '캣츠'(1982)라는 뮤지컬이
* 그 시발점이 되었다고 한다.

이 '빅 4'를 구성하는 뮤지컬들은

'캣츠', '레 미제라블', '오페라의 유령',

그리고 '미스 사이공'이라고 할 수 있다.

* 그밖에도 당시에는 '모라 불리는 다섯 남자', '폴리스' 등의
* 영국 뮤지컬들 역시 상연되고 있었다고 한다.

## 당시의 영국산 뮤지컬과 관련된 인물들

앤드류 로이드 웨버(작곡가)와 팀 라이스 콤비

트레버 넌(연출가)

클로드-미쉘 쇤베르그와 알랭 부블릴 콤비

카메론 매킨토시(프로듀서) 등을 들 수 있음

## 클로드-미쉘 쇤베르그와 알랭 부블릴 콤비

클로드-미쉘 쇤베르그와 알랭 부블릴 콤비의 1980년대 뮤지컬 문서 참조

 1980년대의 유럽 대륙계 혹은 유럽 대륙풍 뮤지컬

해당 문서 참조
건반악기의 특징

상위 문서: 건반악기

## 주요 장점들

넓은 음역을 연주할 수 있음

양 손, 그러니까, 열 손가락 다 자유롭게 쓸 수 있음

접근성이 용이함

## 건반악기가 넓은 음역을 연주할 수 있는 이유

좌우로 움직이기 편하여 팔의 움직임을 고려할 수 있음

* 그런 이유로 다른 악기에 비해 연주하기 편하기 때문

## 건반악기가 양 손, 그러니까, 열 손가락 다 자유롭게 쓸 수 있는 이유

한 손은 음정을 담당하고 한 손은 활을 움직이는 등

양손이 서로 다른 역할을 하는 현악기나

또 열 손가락을 다 사용하지 않는 관악기에 비해

양손의 모든 손가락을 자유롭게 쓸 수 있음

* 그런 이유로 다양한 표현이 가능하다는 게 장점임

## 건반악기가 접근성이 용이한 이유

무엇보다도 건반악기는 초보자들에 있어

굉장히 접근성이 좋다는 아주 큰 장점이 있음

* 현악기는 누르는 위치에 따라 미세하게 음정이 달라지고,
* 또 활의 사용에 따라서도 음색이 많이 달라지므로 연주하기 어려움
* 그리고 관악기는 호흡에 따라 소리 질이 달라지며,
* 또 음에 따른 운지가 달라지므로 마찬가지로 연주하기 까다로움

하지만 건반악기는

건반을 누르면 정해진 소리가 나는

단순한 구조를 갖고 있으므로

다른 악기에 비해 쉽게 접근할 수 있음

* 즉, 현악기나 관악기는 초기 진입장벽이 높아서
* 흥미를 가지기 쉽지 않다는 단점이 있지만
* 피아노는 그렇지 않다는 의미임

그래서 지금도 많은 사람들이 음악을 하려면

피아노를 기본으로 해야 한다는 말을 하기도 함

## 건반악기의 단점

하지만 일단 낮은 진입장벽을 넘어 들어오면, 눈물나는 고통이 따름

* 열 손가락을 다 쓰는 만큼,
* 또 어쩌면 더 많은 다이내믹을 표현할 수 있는 만큼,
* 더 복잡하고 연습할 것이 많고
* 심지어 발 까지 사용해야 하기 때문임
낭만파 시대의 피아노 음악

상위 문서: 낭만파 시대의 기악 음악

같이 보기: 피아노의 진화

## 당시 피아노의 진보 양상

이때에는 피아노의 음색과 음량이 폭넓게 개량되어

당시 작곡가들과 궁합이 맞는 악기가 되었음

* 셈여림도 명확해지고
* 모든 셈여림에서 꽉 차고
* 부드러운 소리를 낼 수 있게 되었음

그런 이유로 능숙한 기교를

갖춘 피아니스트들이

표현할 수 있는 만큼

자유로운 표현이 가능해졌음

* 페달 역시 개량되어
* 다양한 음색을 낼 수 있게 되었음

그리고 무엇보다도 화성, 선율 둘다 동시에 가능한

이상적인 악기가 바로 피아노이므로

당시 작곡가들에게 많은 영감을 주었다고 함

* 더 자세한 내용은 피아노의 매력, 피아노의 진화 문서 참조
2중주

(英): duo

설명
--

일반적으로 선율악기와

* (바이올린, 첼로, 플루트, 클라리넷 등)

피아노가 같이 연주하는 실내악의 일종

* 그래서 같은 편성의 같은 곡이라고 해도
* 어떤 경우는 독주(solo)라고 할 때도 있고
* 2중주(duo)라고 할 때도 있음

## 피아노만을 편성한 2중주의 형태들

간혹 피아노 두 대가 나오는

'피아노 2중주'(piano duo 혹은 two piano) 혹은

한 대의 피아노를 두 사람이 연주하는

'피아노 듀엣'(piano duet 혹은 four hands 혹은 연탄 - 連彈)도

2중주 형태에 속한다

* 피아노 2중주의 경우
* 상성부가 퍼스트 피아노(객석에서 왼쪽에 위치)를 맡고,
* 객석에서 오른쪽 피아노가 세컨드 피아노임

그리고 세컨드 피아노 뚜껑의 구조적 특성상

피아노 소리가 빠져나오는 쪽과

반대 방향에 객석이 있으므로

세컨드 피아노의 뚜껑을 빼놓고 공연한다고 함
고전파 소나타 형식의 악장별 특징

상위 문서: 고전파 시대의 소나타 형식

같이 보기: 고전파 시대의 피아노 소나타

설명
--

대체적으로 빠-느-빠 순의 구조라고 할 수 있으며

이는 바로크 실내소나타의 구조적 맥락에서부터 유래한 거라고 한다.

## 1악장

특히 소나타의 1악장 형식을 보고

특별히 '소나타 형식'이라고 부르기도 한다

* 해당 문서 참조

## 2악장

서정적이고 느린 템포이며 1악장과 대조적인 조(전조)가 사용됨

* 형식적으로는 보통
* 3도막 형식(ABA)
* 론도풍의 2도막 형식(AABA)
* 주제와 변주 형식
* 소나티네 형식(발전부가 없는 1악장 형식)
* 앞서 말한 1악장 형식(소나타 알레그로)이 사용됨

여기서는 특히 관계조(subdominant, dominant)로 전조되는 경향이 있다고 할 수 있다

* 피아노소나타의 경우 미뉴엣과 트리오로 구성됨

특히 베토벤 소나타의 2악장이 느리다고 함

## 3악장

미뉴에트나 스케르초(특히 베토벤이 사용했음) 형식으로 채워짐

* 하지만 3악장 구성의 형식의 경우
* 미뉴에트나 스케르초가 생략됨(링크의 '예시' 파트 참조)

특히 모차르트가 3악장짜리 피아노소나타를 자주 작곡했음

## 4악장

으뜸조로 이루어짐

* 소나타 알레그로(1악장) 혹은
* 론도 형식(ABACA 혹은 ABACABA) 내지는
* 소나타-론도 형식이 사용된다

특히 베토벤이 4악장의 구조를 사용했음

## 이런 악장별 특징의 예시

Mozart piano sonata no. 9, k.311

* **1악장 : allegro D sonata form**
* **2악장 : andante G rondo**
* **3악장 : allegro D rondo**

Beethoven violin sonata no.5 op.24 in F

* **1악장 : allegro F sonata form**
* **2악장 : adagio Bb sonata form**
* **3악장 : allegro F scherzo**
* **4악장 : allegro F rondo**
가믈란 음악

상위 문서: 인도네시아 음악의 종류

설명
--

인도네시아에서 아직도

대중적 생명력을 가지고

계속 변화하는 장르라고 할 수 있는

인도네시아의 대중음악 장르

* 하지만 타악 오케스트라적 특징이
* 강하다고 볼 수 있다.

## 음악 구조적 특징

다성적 계층 구조와 순환적 시간 구조로

슬렌드로(5음음계의 일종)와

펠로그(7음음계의 일종) 음계를

빈번하게 사용한다는 특징이 있다

## 기악적 특징

주로 사론 등의 메탈로폰(실로폰 종류)과 징(공)을 사용하며

중부 자바 등의 경우 레밥이라는

2현의 아랍계 현악기를 사용하기도 하거나

대편성일 경우에는 첼룸풍이라는

현악기도 동원된다고 하며,

순다 지방에서는 대나무로 만든

칼룽과 안클룽이라는 타악기를 사용하기도 한다

## 문화적 특징

그 외에도 전통 사회에서 시작된 오래된 장르인 만큼

우리네 농악처럼 공동체적인 개념을 내포한다는 말도 있다

* 그래서 그런지 합주하는 악기마다
* 난해한 연주를 하지만
* 그게 섞여 잡음을 만들지 않아
* 아주 복잡하면서도
* 음이 조화롭게 섞인다는 특징이 있다

## 참고할만한 곡

Sekar Jupun

* 인도네시아 음악 문서 참조 바람

## 참고 문헌 및 링크

한국어 위키의 관점

한국어 위키의 관점 2

온리뮤직 사이트의 게시글

브리태니커 사전

세계일보의 기사

 월드뮤직, 세계로 열린 창(심영보 저) - '가믈란의 나라, 인도네시아' 파트 참조
고전파 협주곡의 형식

상위 문서: 고전파 시대의 협주곡

## 1악장

협주곡에서의 1악장 형식은 특별히

'협주곡 소나타 형식'(concerto-sonata form) 혹은

간단히 '협주곡 형식'이라고 불리는

협주곡에 특화된 소나타 알레그로 형식(빠름)이라고 할 수 있으며

제시부가 2개나 있음

* 이 경우는 소나타 형식의 전개에
* 바로크 시대의 협주곡의 곡 구성을
* 끼워 만든 형태라고 할 수 있음

그리고 재현부 끝의 카덴차에서는

독주 악기만 연주됨

## 2악장:

교향곡과 같음(느림)

* 그리고 이 부분은
* 매우 선율적이고
* 서정적이라고 할 수 있다.

## 3악장:

교향곡과 같음(빠)

* 그리고 카덴차가 올 수 있고
* 소나타 형식과 론도 형식이
* 결합된 형태가 흔하다고 한다.

※ 왜 3악장 구조인 것이냐면 비발디 시대의 협주곡 전통과 관계가 있기 때문이라고 한다.
Prelude and Proclamation

**Prelude and Proclamation** is a song that appears in Cuphead: The Delicious Last Course. It is performed by Suba Sankaran, who lead a choir consisting of Dylan Bell, Heather Bambrick, Shannon Butcher, Aaron Jensen, and Rique Franks, in character as The Queen’s Choristers. It is a brief song which serves as a greeting to Cuphead and his allies to indicate that the King of Games has arrived and invited them to fight in The King's Leap.

## Lyrics

(instrumental intro)

**The Queen’s Choristers**: *The King of Games greets you,*

*with pomp and much ado,*

*to thine’s own game, play true,*

*or thus thou fate shall rue!*
2000년대 이후 한국의 인디 음악

상위 문서: 2000년대 이후 한국의 대중음악

설명
--

2000년대 중반에는 인디씬이 약간 침체되는 느낌도 공존했다

* 특히 카우치 파동 등으로
* 그런 현상에 말뚝을 박는 느낌도 있었다

하지만 2000년대 이후, 특히 2000년대 후반부터

매스컴에서도 인디 음악이 반영되는 경우가 많아졌다

* 기존의 펑크나 모던 락 위주의 구도에서 탈피하여
* (뭔가 특정한 스타일로 인디를 설명하기 힘들 정도로)
* 좀 더 개성있는 색채를 추구하는 밴드들도 많아졌다

이런 추세 속에서 (기타 선진국과 비슷하게도)

인디와 오버그라운드 씬 사이에 놓인

경직된 장벽 및 인식이

완화되는 경향 역시 생기기 시작한다

* 이런 현상 덕분에 오버그라운드에
* 인디에서 가능한 실험적인 요소,
* 그러니까 일종의 신선한 피를
* 수혈하는 수준으로 자극을 주는 셈이며
* (해외 선진국처럼) 제작을 제외한
* 유통 파트에 한해서만 메이저 자본이 담당하여
* 메이저 자본 구조의 경직성 및
* 그로 인한 창작의 자유(권리) 침해를 줄일 수 있는
* 토양을 마련하는 동시에
* 인디 뮤지션 입장에서는 좀 더
* 질 좋은 메이저급 인디 음악을
* 기획할 수도 있는 셈이므로
* 이런 현상을 토대로 한국의 음악 씬 전반이
* 구조적으로 건강해질 수 있다고 주장하는 사람들도 많다
* 물론 이러기 위해서는 기존의 인디 팬들도
* 인디씬의 '진정성' 개념에만 고착되지 말고
* (원래 인디씬에 있었던 밴드가 오버로 진출한다 해도)
* 끊임없이 순수하게 응원해 줘야할
* 필요가 있다고 주장하는 경우도 존재한다

(외국의 경우 오아시스, 백스트릿 보이즈도

인디 레이블 출신이었다가 포텐을 보인 후

메이저로 가서 성공했다고 한다)

* 사실 백스트릿 보이즈의 경우
* 우리가 알고 있는 순수한(?)
* 인디 개념에 입각한 레이블이라기보다는
* 과거에 무명 밴드 매니저였던 사기꾼이
* 아이돌 인기에 편승해서 급조한
* 근본없는 신생 레이블이라고 할 수 있다
* (물론 기존부터 건재했던 레이블의 경우와는
* 다르다고 할 수 있겠지만 말이다)

## 인디의 세방화(glocalization)

특히 2010년대부터는 SNS 등의 발달로

특정 시간, 특정 공연장에

관객들을 동원하기 쉬워진 부분이 있어서인지

부산 및 지방에서도 인디 공연이 뜨거워진 부분이 있다

* 이런 부산 씬의 인디밴드들이
* 해외에 나가 공연하는 사례도 급증하기도 했다

마치 선진국의 사례와 비슷한

긍정적인 현상으로 볼 수 있겠다

## 대표적인 아티스트

장기하와 얼굴들

국카스텐

10센치

혁오

* 예능 등의 푸쉬에 힘입어
* 대중에게도 아주 친숙한
* 인디 출신 밴드 중의 하나로
* 혁오 이전의 국내 인디 밴드 색깔과 비교했을때
* 확실히 구별될 정도로 다른 사운드와 정서가
* 특징이라고 할 수 있다

이디오테잎

* 라이브로 연주하는 어쿠스틱 드럼과
* 전통적인 기타와 베이스 편성을 대체하는 듯한
* 2성부의 일렉트로닉 (신디사이저) 사운드의
* 실험적 조화를 선보이며
* 당연히 리프는 일렉트로닉 사운드로
* 대체되는 구조의 음악을 선보임

잠비나이

* 락 밴드 편성에 국악기의
* 독특한 조화가 특징인 밴드로
* 동계올림픽에서 출연하기도 했으며
* 해외 인지도도 높아
* 해외의 페스티벌에
* 자주 초청되기도 하는 밴드

홍갑

* 서울예대를 나온 세션 기타리스트 출신으로
* 노련한 경력을 갖고 있다고 말할 수 있으며
* 그럼에도 불구하고 솔로 활동에서는
* 담백하고 절제된 음악을 하고 있다고 볼 수 있으며
* 솔로활동에서는 보컬도 겸하여
* 초저예산의 자비, 자가 제작으로
* 자본에 속박되지 않고
* 실험적인 인디 정신을 보여주며
* 독특한 정서와 훌륭한 작사작곡,
* 매력적인 음색 및 음악적 실험을 꾀하여
* 인디 매니아 사이에서 인정받는 뮤지션

그 외의 많은 뮤지션들...
5중주

(英): quintet

설명
--

악기 5대로 편성된 실내악 편성의 일종

* 현악, 피아노, 목관 5중주가 이 범주에 속함

그리고 다른 실내악과 마찬가지로

바이올린에서부터 더블베이스까지의 현악기 편성 중 일부는

(관악기를 포함한) 다른 악기로 약간 교체되기도 한다고 함

## 현악 5중주(string quintet)

제1바이올린, 제2바이올린, 비올라, 첼로, 더블베이스로 편성됨

 객석

역시 제1바이올린이 리더로서 큰 제스처로 신호를 주고 주선율을 연주하는 등의 역할을 함

## 피아노 5중주(piano quintet)

피아노, 제1바이올린, 제2바이올린, 비올라, 첼로로 편성됨

 객석

역시 제1바이올린이 리더의 역할을 담당함

## 목관 5중주(woodwind quintet)

플루트, 오보에, 클라리넷, 호른, 바순으로 편성됨

 객석

여기서 바순은 저음을 담당한다고 함
낭만파 시대의 독일 가곡

상위 문서: 낭만파 시대의 성악 음악, 낭만파 시대의 음악적 특징

같이 보기: 예술가곡

설명
--

당시 독일에서는 시(노래)와

피아노가 결합된 예술가곡(리트)이

19세기 내내 전성기를 이뤘음

정의
--

당대의 대문호였던 괴테나 하이네 등의 시를 음악으로 표현한 것

* 낭만파 시대에서 발달한 것을 보았을 때
* 이 장르 역시 가을 감성에 어울린다고 볼 수 있음
* (가사가 있어서 낭만주의 예술가곡의
* 표현력이 발달할 수 있다고 볼 수 있으며
* 운율이 있어서 작곡에 유리했다고 한다)

이 시기의 독일 (예술) 가곡은 다른 말로 '리트'(lied)라고도 불린다

특징
--

시(가사), 피아노, 성악이 공존하는

위치의 내용적 구성이라고 할 수 있음

* 여기서 피아노는 단순한 성악 반주가 아닌
* (시의 내용이나 성악 선율과 시너지를 내는 등)
* 그 이상의 역할이라고 볼 수 있음
* (그런 이유로 가곡에서 성악파트보다 오히려
* 피아노 반주가 더 멋있는 활약을 선보일 때도 있으며
* 이를 통해 가곡의 표현력이 확장되었다고 볼 수 있음)

왜냐하면 이 시대의 사조는

음악이 가사의 시녀 정도로

낮게 취급되는 것을 거부했음

* 그러니까 음악과 시가 동등한,
* 즉 시의 표현력만큼
* 다채롭고 자율적인
* 음악의 표현력이 중요해진
* 사상 하에 있었기 때문임

그렇다보니 이 때에는 고전파마냥

특정 가사나 상황에 특정 음형이 1대 1로 대응되는

기계적 표현방식 위주의 스타일에서

벗어나기 시작했다고 볼 수 있음

## 슈만의 가곡

근대 독일 가곡을 본격적으로

발전시켰다고 평가받는 슈만은

대문호 하이네의 시를

소재로 삼아 가곡을 썼음

## 슈만의 연가곡(Song Cycle)

'시인의 사랑'(Dichterliebe)과 -

* 모두 16곡으로 구성으로
* 슈베르트의 '겨울 나그네'처럼
* 여러가지 이미지의 나열에 따른
* 곡 구성을 보여주고 있음
* (가사는 고클래식 링크 참조)

여인의 사랑과 생애(Frauen lieben und leben) 등이 있음

* 총 8곡 구성으로 연가곡 답게 길이가 긴 편이라고 할 수 있으며
* 유사한 동기 사용과 유기체적인 조성 관계를 통해
* 순환적 기법을 적용한 작품이기도 하다.
* (가사는 곽근수의 음악이야기 홈피 링크 참조)

※ 이 작품들은 시가 표현하는 감정의 굴곡뿐만 아니라

계획적인 조성 구조를 통해 개별 곡들을 유기적으로 묶어

따로 분리할 수 없는 하나의 큰 작품으로 만들어진 것임

* 이런 (연작) 작법은 19세기의
* 유기체론적 사고에 입각한 것으로
* 당시의 많은 음악 장르에 적용되었으며
* 슈만의 캐릭터 피스에서도
* 이런 특징이 드러난다고 할 수 있다
나탈리 콜

상위 문서: 흑인 음악

같이 보기: 냇 킹 콜

설명
--

1950~1960년대에 유명했던

재즈 보컬리스트 냇 킹 콜의 딸이자

유명한 흑인 음악 뮤지션이었던 인물

## 초기 활동

6살부터 아버지 냇 킹 콜의 앨범에 피처링했으며

11살에는 아버지와 같이 공연도 했을 정도였다고 한다

## 본격적인 활동

물론 어린 시절 공연 경험이 있긴 했지만

진짜 본격적인 활동은 대졸 후부터였다

* 전공은 음악과는 다른 것을 택했다

어쨌든 대학을 졸업한 후

'블랙 매직'이라는 밴드로써 활동하다가

이후에 캐피톨 레코드와 계약하여

본격적인 메이저에 진출하게 된다고 한다

* 원래부터 리듬 앤 블루스나
* 소울 계열에 많은 영향을 받아서
* 그쪽 색채를 드러냈다고 한다.

그리고 작곡과 프로듀싱 전문 듀오였던

척 잭슨과 마빈 얀시를 만나

그들의 도움으로 녹음을 했다고 한다

* 마빈 얀시와는 1976년에 결혼도 했다고 한다

이렇게 1970년대까지 발표한 음반 6장 모두

골드 이상의 성적을 받았음

## 1980년대 이후

1980년대부터는 부진했으며

이미 1970년대부터 드러났던 마약 문제로 인해

* 이미 대학 때부터 마약을 했다고 함

1983년에 재활 과정을 거치게 되었다고 한다

* 게다가 1980년부터 마빈 얀시와 이혼했다고 한다
1890년대의 프랑스 오페레타

상위 문서: 대중적 오페라 개념의 부상/1890년대 유럽 대륙의 경우

 빅토르 로제

희극에 오페레타적 노래가 첨부된 것에 가까운 스타일을 띄었다고 한다

* 즉 희극처럼 대사가 길어지고 플롯이 탄탄해졌다고 한다

대표적인 작품으로 '자매들이 팔아 버린 조세핀'(1886)과

'크레레트의 28일'(1892)가 있으며

둘 다 현재 프랑스에서 가끔 공연된다고 한다

## 앙드레 메사제

전형적인 가벼운 오페레타 형식 속에서도

아주 세련된 음악을 넣는 스타일로 평가됨

* 대표적인 작품으로 '귀여운 미쉬'(1897)가 있는데
* 이 작품의 성공을 계기로 명성을 쌓기 시작했다고 하며
* 그 밖에도 베로니크(1898)같은 작품들도 유명하다고 한다

## 루이 간

프랑스인이 좋아하던 서커스에

단순한 러브스토리를 버무린

'서커스 예술가들'(1899)이라는 작품을 통해서

명성을 얻은 작곡가로

그 이후 '플루트 연주자 한스'(1906)를 발표했음

* 이 작품의 스토리는
* 그 유명한 '피리 부는 사나이'를
* 비틀고 패러디한 내용이라고 한다
냇 킹 콜

상위 문서: 흑인 음악, 1950~1960년대의 재즈 보컬리스트

같이 보기: 나탈리 콜

설명
--

재즈와 부드러운 스탠다드 팝,

그리고 컨트리를 간혹 병행한

재즈 보컬리스트 중의 하나

* 그 외에도 배우, 피아니스트뿐만 아니라
* TV에서 자기 이름으로 된 쇼에서
* MC같은 것들 역시 겸했다고 한다

## 초기 생애

1917년 앨라배마 주 몽고메리에서 태어났음

* 아버지는 침례교회 목사,
* 어머니는 교회 오르간 주자로
* 어머니에게 오르간을 배웠다고 하며
* 다른 형제들 역시 음악을 공부했다고 한다

그 후 그와 형제들은 그들이 결성한

6중주 밴드에서 활동했으며

이후 30년대에는 빅 밴드에서

피아니스트로 활동했다고 한다

* 이때 클럽 주인의 눈길을 받았는지
* 이를 계기로 '킹 콜 트리오'라는
* 3인조 그룹으로 활동하게 된다

## 보컬리스트 활동의 시작

'킹 콜 트리오'로써 활동했을 때 우연찮은 일로

어떤 손님이 노래를 불러달라고 했다

* 이 때 'Sweet Lorraine'이라는 곡을 불러서
* 전설이 되었다고 하고,
* 이때를 계기로 본격적인
* 보컬리스트의 영역도
* 겸하게 되었다고 한다.

## 그 이후

1956년에는 자기 이름으로 된 쇼의

MC로도 활동하는 등

명성의 정점에 올랐음

* 하지만 1964년에 암에 걸렸다는 걸 알아차렸고
* 1965년에 결국 세상을 떠나게 되었다

마빈 게이도 당시에 추모 음반을 내며

그를 '우상'으로 존경했다고 한다

* 하지만 그의 딸이었던 '나탈리 콜' 역시
* 그의 뒤를 이어 재능을 뽐냈다고 한다