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낭만파 시대의 보수적이며 절대음악적 교향곡 작곡가들

상위 문서: 낭만파 시대의 교향곡과 교향시

같이 보기: 표제 음악, 낭만파 시대의 음악적 특징

## 역사적, 이론적 배경

물론 음악적으로는 전형적으로 고전파 음악 스타일을 지칭하겠지만

낭만파 시대에 와서 음악미학자 한슬릭 등이

이론적 차원에서의 '절대 음악' 개념을 확립하기 시작함

* 낭만파 이전에는 음악이
* 말로 직접 표현하는 것보다
* 추상적이라 열등하게 여겨졌음

(그래서 그때만 해도 르네상스 가사그리기 수준으로

음악이 '말(내용)을 전달하기 위한 수단' 정도로

시에 철저히 종속된 수단으로 여겨졌으며

빈면에 기악 음악은 비교적 홀대받으며

주로 춤곡이나 배경반주 정도의 위치를 차지했음)

* 그런데 낭만파 시대에 오면서는
* 가사, 내용이 없는 음악의 그런 특징이
* 더 높은 차원의 표현이라고 평가했다고 함

고전파 시대부터 절대음악적 스타일은

이미 많이 존재했다는 평가는 있지만

특히 베토벤이 (화성, 선율, 대위법, 형식미 등)

음악미 그자체를 분석하며 진지하게 듣도록

의도한 편이라고 한다

* 그래서 베토벤을 시작으로 낭만파 시대부터 음악이
* 작곡가 내면의 삶과 고충 등 진지함의 개념을 정립하게 되었다고 함

학문적으로 절대음악 개념을 확립하기 시작한 건 낭만파 시대부터이다

## 이념적 특징

음악은 소리 외에 아무 것도

표현하지 않는다고 생각했음

* 결국 오직 음들의 울림만이
* 음악의 내용이라는
* 믿음이라고 볼 수 있음

하지만 음들의 울림을 중시한다는 점에서

당시에 동시에 발달한 표제 음악의 개념과도

맥이 닿는 부분이 있었다고 보기도 한다

* 이 시대 기악음악의 발달과 더불어
* 절대음악 논쟁이 일어났는데
* 당시에는 가사가 없는 기악음악이 최고의
* 예술적 매체라고 생각했다고 함

그러니까 악기를 통해 가사가 아닌

음 그 자체만 들어도 좋을 정도로

음 그 자체의 표현을 중시했다는 의미

* 그래서 성악의 비중이 밀린 부분도 있었음

어쨌든 현대에 와서는

이런 사상적인 배경이

베토벤에게서 시작되었다고 봄

* 또한 이 이념은 사람마다
* 다르게 느끼는 내용은
* 음악에 필수적이지 않다고 생각하여
* 따라서 오직 구성된 소리의 형식미 만이
* 중요하다고 주장한다고 함

주로 작곡가 브람스, 음악미학자 한슬릭 등이 이 관점을 주장했음

## 한슬릭의 절대음악관

그는 “Vom Musikalisch-Schonen”(1854),

즉, '음악적으로 아름다운 것에 관하여'란 책에서

낭만파 시대의 과도한 감정표현을 비판했음

* 그리고 특수하게 음악적인 아름다움은
* 무엇인가를 규명하고자 노력하면서
* 절대음악적 관점을 옹호하게 되었음

그래서 그는 음으로 울리며 움직이는 형식이라는 개념을 내세우며

* (“tönend bewegte Formen”)

'음악의 목적은 오직 음악미의 구현이다',

'음악미라는 것은 결코 자신 이외의 다른 목적을 가지지 않는다',

'음악은 오직 음이 내용이자 형식이다'

“음으로 울리며 움직이는 형식이 음악의 내용이다”라고 주장했음

* 이런 그의 시각은 20세기 음악 발전의 계기가 되었다고 하며
* 그는 같은 유파라고 할 수 있는 브람스를 지지하여
* 신고전주의 악파를 형성했다고 함

그래서 그는 낭만파 표제음악 특유의

환상, 추상성, 감정과다스러운 걸 비판했으며

감정표현이 궁극적인 게 아니라고 주장했음

* 왜냐하면 다른 예술도 감정표현을 하기 때문이며
* 그렇기 때문에 소리 그 자체의 구조와 아름다움을 추구하여
* 음악만이 가진 아름다움을 발굴해야 한다고 주장했기 때문이다
* (결국 소리만이 중요하다는 의미)

## 인도 음악을 통해 알아보는 절대 음악 개념

일반적인 한국인들은 인도의 음악 언어에 대해 잘 모른다

* 그래서 전쟁, 죽음에 대한 인도 음악을 들어도 이해할 수가 없는 것이다.

이래서 음악이 구체적 내용을 알 수 없고 추상적이란 것을 알 수 있으며

그런 이유로 고전파 시대까지만 해도 이런 속성을 가진 음악이 열등하게 취급받았다고 한다.

* 하지만 말할 수 없는 걸 표현하는 추상성 때문에
* 낭만파 시대에 와서야 가치가 떡상했다고 한다

## 음악적 특징

고전파 시대부터 시작된 (소나타) 형식,

그리고 주제, 화성, 관현악법을 계승하여

그 개념 안에서 음악적 상상력을 표현하려고 했음

* 다만 소리(구조) 자체의 서정적 아름다움을 나타내려고 했다고 함

19세기 중반 이후로 보수적, 절대음악적 트렌드가 잠시 침체하기도 했으나

이후에 보수적인 브람스로 인해 다시 보수적인 악파가 부활했다고 함

(브람스로 인해 절대 음악 개념이 좀 더 구체적으로 강화되었다고 보기도 함)

* 브람스 이후 후기 낭만파 시대에도 브루크너와 말러가
* 보수적, 절대음악적 교향곡 전통을 계승했다고 함

다만 이런 작곡가들이 절대음악이나 표제음악 중

어느 한가지 방향으로만 작곡한 것도 아니고

경향적으로 어느 방향을 더 많이 썼는지의 차이일 뿐이다

## 주요 작곡가 목록

슈베르트, 멘델스존

* 고전파 음악과 낭만파 음악의
* 과도기적 작곡가로 평가됨

슈만

* 교향곡 4개를 작곡했음

브람스

브루크너 등

## 멘델스존(Felix Mendelssohn, 1809~1847)

다만 그는 교향시 스타일을 안 쓴 건 아니다

* 해당 문서 참조

슈만
--

해당 문서 참조
고전파 시대의 기악 음악

상위 문서: 고전파 음악

같이 보기: 고전파 음악의 음악적 특징

## 대략적 특징

바로크 시대부터 기악이 성악과 동등한 지위를 차지하게 된 이후로

기악음악의 비중이 더 커져서 기악음악의 전성기를 맞기 시작했음

* 다만 당시의 기악음악은
* 성악음악에서 차용한 어법을 통해
* 새로운 독립성을 얻었다고 한다

그래서 고전파 시대의 시대정신과 연계되어

고대 그리스의 객관성, 이성, 감정억제,

형식의 균제와 명쾌성 지향이 강하게 드러났음

* 이에 따라 (형식에 맞게) 명확하고 간결하고
* 노래하는 듯한 선율이라는
* 개념적인 요소가 강화되었음

그리고 당연히 당시의 시대적 상황에 따라

중상류층 아마추어 음악 향유인들과도 맞물려

(거기에 걸맞는) 기악음악이 발달되었음

* 뭐 이런 식의 역사를 거치면서
* 고전파 시대의 기악 음악이
* 이후의 음악적 틀을 확립하는 기반이 되었음

## 춤 문화와의 관계

이전에도 그랬지만 춤곡을 연주하기 위해 기악음악을 연주하는 경우가 많았음

* 상류층을 위해 작곡된 관현악 춤곡이 연주되는 경우도 있었고
* 농민을 위해 민속 가락의 곡조가 연주되는 경우도 있었음

그러니까 춤추기 위해 음악을 연주하는 문화가 모든 계층에서 있었음

## 이전 바로크 시대 기악음악과의 관계

바로크 특유의 프렐류드, 토카타,

푸가, 코랄, 모음곡을 포함한

바로크 시대 주요 기악음악 장르가

이때부터는 사장되기 시작했음

* 대신 대조적인 분위기, 속도가 번갈아 나오는
* 3~4악장 구성의 소나타 형식 기반의 장르가 주류로 부상했음

하지만 바로크 시대의 협주곡과

신포니아, 건반악기 소나타,

독주자 건반악기 조합, 실내 앙상블은

고전파 시대에 와서도 그 구조가 계승되며

명맥이 이어져오긴 했다

* 다만 갈랑 양식의 영향을 받아
* 반주가 가벼워지고
* 음악적 주기가 드러나며
* 악구가 간결하게 구획되는
* 표현적인 선율이 강조되었음

그리고 조성 패턴에서도 변화가 있었음

* 바로크 시대보다 장음계 곡이 압도적으로 선호되었기 때문임

장음계는 기쁨과 자연스러움을 준다고 여겼으며

카타르시스를 위해 구슬픈 단조를 쓴다는 생각 자체가

올드하게 여겨졌기 때문임

* 특히 초반의 조성이 장조가 되고 그 다음에 관계단조,
* 마지막으로 다시 원래 조성으로 돌아가는 식으로 대조성을 구현했음

## 고전파 시대의 기악 음악과 소나타 형식

당시의 기악 음악 전부는 소나타 형식에서 파생된 형태이다

* 고전파 시대의 소나타 형식 문서 참조

## 고전파 시대의 관악기 발달

클라리넷이 1710년경 발명되었으며,

18세기 후반에는 클래식하면 대표적 목관악기라고 인식되는

오보에, 바순, 플루트도 고안되었음
2도막형식

특징
--

바로크 춤곡이나 고전파 시대의 소나타의 스케르초(혹은 미뉴엣), 트리오 등의 악장에서 나타나며

두 개로 이루어진 각 부분을 도돌이표나 반복 표시를 통해 반복하는 방식으로 각 부분을 분명히 드러내는 경우가 많음

## 2도막형식의 분류

단순2도막형식(simple binary form)

* A가 반복된 다음에 대조적인 단락 B가 나타난 후
* 다시 A 단락이 반복(재현)되지 않는 형식으로

순환2도막형식(rounded binary form)

* 해당 문서 참조

## 연속적 2도막형식(continuous binary form)

단순2도막이든, 순환2도막이든

조성적으로 단락A가 반종지를 갖거나

새로운 조의 정격종지로 끝나면

앞에 연속적이라는 말을 붙여 명명함

* (연속적 단순2도막 형식, 연속적 순환2도막 형식)

## 단락적 2도막형식(sectional binary form)

연속적 2도막형식과는 반대로

단락 A의 종지가 원래 조성의

정격종지로 끝나는 형식

* (단락적 단순2도막 형식, 단락적 순환2도막 형식)
1970년대의 스티븐 손드하임과 해롤드 프린스 콤비

상위 문서: 스티븐 손드하임/해롤드 프린스와의 콤비 시절

## 당시 그들의 성향

그들은 '컨셉 뮤지컬' 성향의 작품들을 제법 만들었다고 할 수 있다.

* 일반적인 통합 뮤지컬과는 다르게
* 기승전결과 감미로운 음악 등의 요소가 확실한
* 비교적 대중적인 구성이 조리있게 엮였다기 보다는
* 무대 디자인이나 스토리 구조부터 시작해서
* 뮤지컬의 전체적인 구성이 좀 더 추상적인
* 현대 예술 사조에 가깝다고 할 수 있다.

보통 1970년대에 뮤지컬계 역시 일종의 세대교체가 되면서

이런 추상적인 현대 예술 사조를 받아들이게 되었다고 한다.

* 브레히트의 소격 효과에서 영향을 받아서 그런지
* 대체적으로 '해설'자 기능을 하는 부분이 많다

## 대표적인 작품들

컴퍼니(1970)

폴리즈(1971)

소야곡(리틀 나잇 뮤직, 1973)

태평양 서곡(1976)

스위니 토드(1979)

## 소야곡(리틀 나잇 뮤직, 1973)

'컴퍼니', '폴리즈'에서 나타난 인간 관계들이

더 복잡한 양상으로 나타나며

여러 세대들의 복잡한 삼각관계 역시 다뤄지고 있다.

* 역시 기존작처럼 사랑과 인생의 덧없음에 관한 주제를 유도한다고 할 수 있으며
* 음악 및 외형적인 스타일은 전반적으로 19세기 스타일이라고 볼 수 있다.

왈츠의 박자 등을 통해 이런 복잡한 삼각관계를 암시한다고 한다

## 태평양 서곡(1976)

19세기 강제 개항을 당한 일본 역사를 묘사한 작품으로

배경에 맞게 가부키적인 요소를 반영했으며

해설자를 두어 극에 관여했다고 한다.

* 심지어 무대 소품이나 의상을 바꾸는 사람들 역시
* 가부키처럼 검은 베일을 쓴 사람들이 맡았다고 한다

한국 배우를 포함하여 당시 기준으로는

가장 많은 동양계 배우들이 출연했다고 한다

* 대표곡으로는 'Chrysanthemum Tea'(국화차), 'Please Hello'
* 'Someone In A Tree(나무 안의 누군가) 등이 있으며
* 이런 곡들의 가사 역시 5-7-5조의 하이쿠 스타일로 작사되었다고 한다

## 스위니 토드(1979)

손드하임이 1970년대를 결산하며 완성한 대작으로

19세기에 '사람을 죽여 인육 파이를

만들도록 했다고 소문난 악마 이발사'에 관한 도시전설,

특히 크리스토퍼 본드가 각색한 버전을 원작으로 삼아

빅토리아 시대의 음울한 분위기,

싸구려 대중 잡지 연재 소설같은 컨셉같이

19세기의 엽기와 멜로를 버무려서

휴 휠러가 대본을 쓴 손드하임의 작품이라고 할 수 있음

* 아예 이 작품은 최초로 개별 곡들의 연속이 아닌
* 하나의 교향곡으로써 뮤지컬 내용 전체를
* 연계시킨 스타일이라고 할 수 있다

무대 역시 암전 없이 회전 무대를 통해

의도적으로 한 막 내내 쉴새 없이 이야기를 몰아갔다고 한다

* 그리고 손드하임이 좋아하던 브레히트 스타일로
* 해설가 역을 동원하여 재미와 관심을 의도한
* 일종의 '소격 효과'를 노리기도 했음
너바나 이전의 얼터너티브 락 밴드

상위 문서: 얼터너티브 락

## R.E.M.

Byrds라는 유명 고전 포크 락 밴드의 기타 스타일과

멜로디 (후크)에서 영향을 받은 듯 한

초기 얼터너티브 락의 주요 개척자격 밴드 중 하나

* 커트 코베인도 좋아했던 밴드이기도 했음

## The Smiths(더 스미스)

보컬 '모리세이'와

기타리스트 '자니 마'로

유명한 밴드

* 이들의 음악적 역량으로
* 80년대부터 브릿팝의 원형을
* 개척한 밴드로 평가받음

## The Cure

1980년대 후반부터

포스트 펑크에서

얼터너티브로 노선 전환

U2
--

사회 운동가 성향의 보컬리스트 '보노'와

특유의 리드미컬한 딜레이 주법으로 유명한 '엣지'로 유명한 밴드

* 1980년대부터 얼터너티브 스타일에 영향받긴 했지만
* 1991년 발매된 'Achtung Baby'에서
* 확실히 얼터너티브로
* 본격적인 전환을 했다고 평가받음

한국에서는 이 91년도 음반이 출시될 당시에는 익숙하지 못했다가

이후에 얼터너티브 락의 인지도가 궤도에 오른 후

이 'Achtung Baby' 앨범의 미학을 이해하기 시작했다고 함

## 소닉 유스

소닉 유스는 벨벳 언더그라운드같은

실험적인 아방가르드 락 음악의 영향을 받아

이후 상업화되어 팝적인 요소를 받아들이면서도

기존의 조성(선법) 체계 무시 성향이 아예 전멸하진 않아서(?)

불협화음 요소를 꾸준히 융합한 동시에

그밖에도 기존의 일반적인 곡 구조를 무시했음

* 1980년대 후반부터 포스트 펑크에서 얼터너티브로
* 노선을 전환하기 시작한듯 하며
* 실험적인 노이즈 락 성향의 밴드로
* 너바나의 커트 코베인과 친분이 있었다고 함

노이즈 락은 이후 그런지 발생에 영향을 끼쳤다고 하며

커트 코베인도 그런지 발생에 영향을 준

이 노이즈 락 밴드를 좋아했다고 할 정도로

얼터너티브 락의 선구자 평가를 받는 밴드라고 할 수 있다.
015B

상위 문서: 1990년대 한국의 대중음악

## 간단한 소개

1990년대 시대적 감성과 트렌드를 잘 읽어내

당시의 대중적 감성에 어필한 그룹

* '**공일오비**'라고 읽는다.

특징
--

멤버들 중 보컬이 없어서 국내 최초로 객원 가수 시스템으로 운영했음

* 이런 이유로 주목을 받았다고 한다

그저 사랑(연애)타령뿐만이 아닌 사회적인 메시지를 담은 작품도 다양하게 선보였음

* 현실도피적인 메시지를 담아 노래하는 뮤지션들과는
* 정 반대의 노선을 취했다고 볼 수 있으며
* 도시인으로써 연애 등에 관한 고민을 마주하며 직접 해결하려는
* 당시 젊은이들의 솔직한 정서가 있다고 볼 수 있다.
US 개러지 하우스

주로 쓰는 악기
 파생된 형태

국내에서는 'US 개러지 하우스'가 '하우스의 대명사'라는 약간의 오해가 있는것같다. 소위 '시부야 케이'와 비슷한 소울풀, 재지한 하우스라서 오용이 심한듯. 과거 온스타일 같은 된장끼 넘치는 매체에서 자주 틀어주던 장르이다.(물론 US 개러지 하우스는 주로 서양 된장삘을 살리기 위해서 자주 튼 듯) 심지어는 EZ2DJ같은 리듬게임에서도 하우스의 대명사 취급받았던듯하다.(Stay 같은 곡들...)

## 전형적인 US 개러지 음악

Adeva - In & Out Of My Life

Adeva - Respect

Adeva - Musical Freedom

Adeva - Warning

Adeva - I Thank You

Adeva - Beautiful Love

Blaze - Get Up

Blaze - So Special

Blaze - We All Must Live Together

Blaze - Lover Man

Blaze - Miss My Love

Masters At Work - The Ha Dance

Masters At Work - Our Mute Horn

Masters At Work - 69 Steps

Masters at Work - Gonna Get Back To You

Masters at Work - Can't Stop the Rhythm

Hardrive - No Cure

Hardrive - Sindae

Hard Drive - Just Believe

Hardrive - Deep Inside

Masters at Work - I Can't Get No Sleep

Masters at Work - When You Touch Me

Loleatta Holloway - 엄밀히는 개러지 하우스가 아니지만 주로 후대의 개러지 하우스 DJ에 의해 리믹스된 형태가 되었다.

Loleatta Holloway - Love Sensation

Loleatta Holloway - Catch Me On The Rebound

Loleatta Holloway - Runaway

Loleatta Holloway - The Greatest Performance Of My Life

Loleatta Holloway - That's What You Said

Loleatta Holloway - Dance What Cha Wanna

Loleatta Holloway - Good Good Feeling

Loleatta Holloway - Mama Don't, Papa Won't

Loleatta Holloway - I May Not Be There When You Want Me
남성 성부의 음역대

상위 문서: 성악음악

설명
--

여자보다 남자 목소리가 더 낮음

* 남성 성부 중에서도 음역에 따라
* 카스트라토, 테너, 바리톤, 베이스로 구분된다.
* (카스트라토에서 베이스로 갈 수록 더 낮아짐)

테너
--

남성 음역 중 가장 높은 음역을 담당하는 성부로

높은음자리표, 낮은음자리표 둘 다 사용해서 기보할 수 있음

* 하지만 높은음자리표를 사용할 경우
* 기보된 것보다 실음을 더 낮게 연주해야 함
* (낮은음자리표인 경우 기보음과 실음의 높이가 같음)

보통 영웅적이고 정열적 사랑을 표현하는 주인공을 담당한다고 함(소프라노와 비슷한 위치)

## 바리톤

테너와 베이스의 중간 음역을 담당하는 성부

* 강하고 따뜻한 음색을 지녀서
* 극적이고 영웅적인 역할을 담당한다고 함

## 베이스

남성 음역 중에서도 최저음역대에 속함

* 오페라에서는 주로
* 왕, 용사, 아버지 역할을
* 담당한다고 함

## 카스트라토

지금은 사실상 없지만

16세기에 처음 등장했음

* 이태리 교회 합창을 위해서
* 어린 남성을 거세해서
* 만들어졌다고 한다.

성인 남성의 힘찬 음량과

소년의 맑고 아름다운 음향을 다 갖춘

혼종적인 특징을 지녀

바로크 시대의 초기 오페라에서

주연급으로 등장했다고 함

* 지금은 카운터테너가 담당하는 듯 하며
* 이 성부가 등장하는 영화로는 '파리넬리' 등이 있음
네아폴리탄 화음

상위 문서: 서브도미넌트

## 기원, 유래

'네아폴리탄'은 나폴리의 영어식 표기이므로, '나폴리 (6)화음'이라고도 부른다

18세기 나폴리 악파 계통의 오페라 등에서 유래(혹은 애용)하였으므로, '나폴리'라는 뜻의 이름이 붙었다고 한다

하지만 그 전부터(17세기 후반) 이탈리아 작곡가를 중심으로 네아폴리탄 화음을 쓰는 관습은 있어왔다고 한다.

* 이때쯤 퍼셀의 아서왕(1691)을 비롯해서 코렐리나 토렐리 작품에도 자주 사용되었다고 한다.

혹자는 16세기부터 이 화음이 나타났다고 보기도 한다.

* 어쨌든 이후의 바하모베 라인 역시
* 곡에 훌륭한 효과를 주기 위해
* 이 화음을 사용했다고 한다.

더 이후 낭만파 시대의 쇼팽도 역시 이 화음을

정서적으로 접근해서 사용했다고 한다.

설명
--

단조 혹은 선법에서 파생되었다고 한다.

단조의 diatonic ii도화음의 근음을 반음 낮춰 변화시킴

1전위를 사용한 형태가 권장된다.

* 2전위의 종지적 용법, 증6화음처럼
* 주로 고전 화성학에서 다뤄지는
* 서브도미넌트 코드이다

보통 N6으로 표기한다고 한다.

## 기능적 특징

흔히 I와 V 사이, 즉 V 앞에서 V의 도착을 준비하는 중개화음으로 기능함

* 그런 이유로 서브도미넌트 코드로 인식되기도 한다고 한다.

## 전조에서의 적용 예시

CM: I

FM(전조): N6 | (I64) | V7 | I

※ N6는 네아폴리탄 화음의 표기이다
낭만파 시대의 주요 피아노 음악 장르의 양상

상위 문서: 낭만파 시대의 피아노 음악

설명
--

당시 특성상 아마추어와 전문가 음악이 분화되는 양상을 띄었다

* 하지만 전문가가 아마추어를 위한 음악을 만드는 등
* 이 둘은 서로 공생한다고도 볼 수 있었다

## 교육용

체르니(1791-1857, 오스트리아 출신) 등의 작품들을 포함함

* 체르니는 베토벤의 제자였으며
* 조성별 연습, 스케일 등의 기초기법 연습용 곡으로
* 한국의 피아노 학원에서도 유명함

## 전문 연주용

기존의 소나타와 푸가를 비롯한

발라드, 연습곡, 춤곡 등등

* 당시에는 소품 중심적 경향도 공존하여
* 소품에도 표현적 요소가 발달한 측면도 있었지만
* 전문 연주용 음악의 경우 특히
* 대가적 연주를 위한 화려하고
* 극적인(드라마틱) 성격을 지녀
* 표현적 요소와 테크닉이 발달되고
* 반음계적 화성을 사용하며
* 비르투오소적인 피아노 음악이 많았고
* 그쪽으로 특화된 경향이 있었음

그런 이유로 위에서 설명한

이 장르의 작곡기법상 특징으로 인해

순간적이고 음향적 효과가 발달하여

한 순간의 정념이나 분위기를 포착하며

이 역시 당시 전문가를 위한

피아노 음악의 주요 지분을 차지했다

* 그리고 당시답게 서술적 제목의 작품들이 많았다고 한다
1950년대의 음악

상위 문서: 팝

같이 보기: 1950년대

설명
--

최초로 블루스와 로큰롤(55년도부터)이 주류에 편입하기 시작된 시기이다.

* 이 때부터 대중음악은 기존의 고전적 팝 음악 장르와는 점점 거리를 두기 시작했으며
* 고전적 팝 음악이 차지했던 위상에 많이 도전했으며
* 결국 그 도전이 성공한 경우도 많았다

물론 스윙과 서로 긴밀한 영향을 주고받던 스탠다드 팝(고전적 팝 음악)은 여전히 생명력을 유지하고 있었다.

* 스폰지밥도 50년대 미국 만화영화에서 영향을 받았는지
* (50년대 영향을 받은 다른 미국애니도 많지만)
* 전형적인 50년대 스탠다드 팝 사운드를 반영한다.

이 시대에 유로비전 송 콘테스트가 시작되었다.

음악을 유통하는 매체 기술 등도 발전했다

* 45rpm의 싱글반
* TV의 보급
* 트랜지스터 라디오 등

## 클래식, 오페라

* Martinu, Bohuslav - Intermezzo for Large Orchestra
* Karl Amadeus Hartmann – Symphony No. 5 Symphonie Concertante
* Norman Dello Joio – The Triumph of Saint Joan
* Duke Ellington - Harlem
* George Antheil - Sonata for flute and piano
* Ralph Vaughan Williams – The Pilgrim's Progress
* 그 유명한 4분 33초(침묵)
* Jean Barraqué - Piano Sonata
* Leonard Bernstein – Trouble in Tahiti
* Arthur Honegger - A Christmas Cantata
* Eugen Suchoň - Metamorphosis
* Menna - Arwel Hughes
* Edmund Rubbra - Symphony No. 6
* György Ligeti - Métamorphoses nocturnes
* Jerome Moross - The Golden Apple
* Alan Hovhaness - Mysterious Mountain (Symphony No. 2)
* Gerald Finzi – Cello Concerto
* Lukas Foss – Griffelkin
* Samuel Barber - Summer Music
* Morton Feldman – Piano Piece B
* Douglas Moore – The Ballad of Baby Doe
* George Crumb -  Sonata for Solo Cello
* Karlheinz Stockhausen - Klavierstück XI
* Bernd Alois Zimmermann - Canto di speranza
* Ildebrando Pizzetti – Assassinio nella Cattedrale
* Andrew Imbrie - Violin Concerto
* Tadeusz Baird – Four Essays
* Samuel Barber – Vanessa
* Douglas Lilburn - Symphony No. 2
* Sylvano Bussotti – Piano Pieces for David Tudor
* Francis Poulenc – La Voix humaine
* Karlheinz Stockhausen – GESANG DER JÜNGLINGE

## 뮤지컬

* Guys and Dolls(아가씨와 건달들)
* Three Little Words
* Kiss Me, Kate(콜 포터 문서 및 기타 유튜브 링크 참조)
* On Moonlight Bay
* New Faces of 1952
* Singin' in the Rain
* Me And Juliet
* The Jazz Singer
* Three Sailors and a Girl
* On Your Toes(발 끝으로, 1930년 ~ 1943년동안의 로저스와 하트 콤비 문서 참조)
* A Star Is Born
* Damn Yankees(빌어먹을 양키스)
* It's Always Fair Weather
* Irma La Douce
* High Society(상류사회, 콜 포터 문서 참조)
* The Music Man(뮤직 맨)
* The Pajama Game(파자마 게임)
* West Side Story(웨스트 사이드 스토리)
* Mardi Gras
* Redhead
* Li'l Abner

## 기타 곡들

* Le Déserteur - Boris Vian
* Mera Joota Hai Japani - Shankar Jaikishan
* Mon Dieu(cover)
* 싱가포르 국가
* 大中恩 - サッちゃん
1990년대 한국의 대중음악

상위 문서: 한국 대중음악의 시대적 변천사

같이 보기: 1990년대의 음악, 1990년대의 영미권 음악

설명
--

1987년 직선제 개헌(6, 29 선언) 이후 민주화 과정을 거치면서

검열이 제법 약화되어 해금된 곡들이 많았으며

* 1996년에는 가요음반 사전 심의제도 철폐된 수준에 이르게 되었다

민주화 이후 소비문화 개념을 가진 세대인 X세대의 등장으로

대중음악도 이런 사회적 변화에 영향을 받을 수 밖에 없었다

## 서태지와 새로운 트렌드의 등장

1990년대부터 서태지 등장 이후의 한국 대중음악이

댄스, 일렉트릭, 힙합 트렌드로 전환하는

대격변이 일어났다고 평하기도 한다

## 이 시대의 주요 장르 및 아티스트

댄스 - 일렉트릭 - 힙합 계열

* 서태지
* 현진영
* 각종 (1세대) 아이돌 가수들

(팝) 발라드

* 김건모
* 신승훈
* 조성모
* 공일오비(015B)
* 각종 싱어송라이터
	+ 윤종신
	+ 김동률
	+ 이적
	+ 윤상
	+ 토이
* 여성 가수들
	+ 이은미
	+ 이소라
	+ 박정현

포크 혹은 락 계열 싱어송라이터

* 윤도현
* 강산에
* 신해철
* 이승환(초기에는 팝 발라드 장르를 겸했음)

인디 음악

* 크라잉넛
* 노브레인
* 자우림

트로트

* 송대관
* 태진아
* 설운도
* 현철

## 서태지 이후의 국내 대중가요 혁명

서태지와 아이들 문서 및

한국 힙합의 역사 문서 참조

## 당시의 트로트 씬

당연하게도 트로트는 계속 건재했다

이때부터 트로트 4인방 시대가 열려

* 송대관
* 태진아
* 설운도
* 현철

이들의 방송 활동도 활발했다

 95년도의 국내 히트곡 모음

김건모 - 아름다운 이별

김대일 - 사랑보다 좋은 사랑

김신우 - 기억해줘

이문세 - 후회

K2 - 잃어버린 너

임종환 - 느낌

황세옥 - 결론

사랑을 할 거야 - 녹색지대

015B - 슬픈 인연

장혜진 - 내게로

이오시프 코프존 - 백학(모래시계)

김건모 - 잘못된 만남

구본승 - 미궁

최민수 - 의미없는 시간

소방차 - G cafe

김원준 - 세상은 나에게(창공)

최민우 - 마지막 연인

박강성 - 잊기 위해서(아들의 여자)

이덕진 - 기다릴 줄 아는 지혜

박미경 - 이유같지 않은 이유

투투 - 그대 눈물까지도

DJ. DOC - 슈퍼맨의 비애

김창남 - 선녀와 나무꾼
가곡의 기원

상위 문서: 가곡, 낭만파 시대의 독일 가곡

## 바로크 시대까지의 역사

독일 가곡의 경우 멀게는 12~13세기 중세 독일에서 시작된

미네징어와 마이스터징어에 그 기원을 두기도 한다

* 학자들에 의하면 그런 장르는 이후
* 르네상스의 무반주 다성리트와
* 바로크시대의 숫자저음 반주 가곡으로
* 이어진다고 보고 있다

전반적으로 르네상스 시대까지의 세속 성악의 경우

중창 형태의 다성 성악 음악이 주류였음

* 이후 바로크 시대까지는
* (오페라 아리아 등)
* 독창이 발달을 시작했으며
* 숫자저음 반주 기반이다보니
* 자연스럽게 호모포니적으로 변했음

하지만 당시에는 아직 가곡이 많이

본격적인 위치로 올라선 것 까지는 아님

## 본격적 발전

하지만 본격적으로는 낭만파 시대에 발전하기 시작했다

* 가곡의 본격적 시작 문서 참조
그레고리오 성가

상위 문서: 중세의 성가

개요
--

중세의 여러 지역에서 발생하던 평성가 중에서

로마를 중심으로 발전하여

뒷날 프랑스에서 확립된 성가

라틴어로 불렀음

* 5일 만에 끝내는 클래식 음악사 (공)저: 김태용

## 그레고리오 성가의 성격 및 특징

(물론 현대 비신자들의 입장에서는 당연히 미적인 관점에서 감상하게 되겠지만)

엄연히 이 음악은 엄숙한 종교적 의식적 의미를 지녔음

* 그러니까 애국가같이 매우 기능적인 음악이었음

예외적인 경우를 제외하면 주로 남성 사제들에 의해 전문적으로 연주되었음

* Carol Neuls-Bates, *Women in Music* p. 3.

아직 초기 중세 음악이라서 제창(unison)이었음

* https://books.google.co.kr/books?id=E76CIeMFz2MC&q=Western+Plainchant+gregorian+unison&dq=Western+Plainchant+gregorian+unison&hl=ko&sa=X&ved=0ahUKEwjc76Xr5vLkAhXPyYsBHRP6C3kQ6AEIKDAA

중세 음악답게 역시 8선법의 범주로 작곡되었음

* Wilson, *Music of the Middle Ages* p. 11.

## 그레고리오 성가 중 '기리에', '화답송'(haec dies), '알렐루야'

셋 다 가사가 짧음

* (화답송의 경우 시편의 한 구절만 노래하게 되고
* 알렐루야의 경우 '알렐루야'라는 한 단어와 시편구절로 구성되어 있다
* (알렐루야의 경우 '야' 부분을 늘리는 멜리스마를 유빌루스라고 부름)

이런 짧은 가사를 수식하는 용도로 멜리스마 양식을 가진다

## 여러가지 그레고리오 성가의 변천 형태

중세의 학자들은 책에 적힌 원문의 내용을 보강하거나 해설하는 주석을 다는 것을 즐겨 했다

그런 이유로 전체적인 책 내용이 확장되는 결과를 낳았다

심지어는 그레고리오 성가에도 9세기 전반부터 이런 현상이 나타나기 시작하여

~~배보다 배꼽이 더 큰~~ 새로운 성가도 창조되었음 ~~ㄷㄷ...~~

* 트로푸스
* 부속가 등
1970년대의 락 뮤지컬

상위 문서: 황금기 이후의 차세대 뮤지컬들

같이 보기: 락 뮤지컬 및 성 해방적 뮤지컬의 시작, 1960년대의 락 뮤지컬, 1970년대의 락

## 당시 락 뮤지컬의 시대적 특징

당시의 락 음악은 한창 발달, 분화하는 단계에 있었다.

* 당시의 락 음악 뿐만 아니라 락 뮤지컬 역시
* 그런 분화에 영향을 많이 줬던
* 1960년대 후반 영국 락 밴드의 기법적 개념에서
* 영향을 받았다고 평가된다.

그리고 1960년대만 해도 싸이키델릭이나

히피, 68운동 등으로 대표되는

급진적 성향이 강했던 락 뮤지컬이

좀 더 특정 계층을 겨냥한 '컬트 뮤지컬'과

종교적인 소재를 뼈대로 한 락 뮤지컬로

분화되기 시작했다고 할 수 있다

## 60년대 후반 영국 락 밴드와의 관계

특히 영국에서 락 음악 기법이 많이 고도화되는 경향이 있었다고 하며

특히 비틀즈의 '페퍼 상사' 앨범은 거의 신성불가침급의 명작으로 평가받고 있다.

* 이 앨범은 첨단 음향기법 역시 적용되었으며
* 게다가 락 음악 사상 최초로 음반 전체를 아우르는
* 하나의 통일된 주제(컨셉)로 구성된
* 일종의 아트 락적인 앨범이기도 했다고 평가받아
* 이후의 락 음악 발전에도 강한 영향을 줬다고 평가받는다

그리고 영국 락 밴드인 '더 후'의 앨범 '토미'는

단순한 컨셉 앨범을 넘어 서사적이면서도

대사를 노래로 처리한, 이른바 '락 오페라'적 성격으로

이후 '뮤지컬적인 앨범'으로 평가받게 된다.

* 하지만 내용적으로 많이 튀는 컬트적 성격 때문에
* 일찍이 영화화되긴 했지만 뒤늦게
* 브로드웨이 뮤지컬로 만들어졌다고 한다.

이런 기법의 발전을 통해 단순한 음악적 발전만이 아닌

'락 뮤지컬' 개념이 싹틀 수 있었다고 평가된다

## '컬트 뮤지컬' 개념의 부상

컬트 뮤지컬이라는 것은 말 그대로

일부의 독특한 마니아층을 겨냥한

개성적 성향의 뮤지컬을 의미함

* 당시에 락을 즐겨듣던
* 젊은층을 타겟으로 한
* 이런 좀 더 매니아틱한
* 락 뮤지컬 개념이
* 부상하게 되었다고 한다

## 대표적인 작품

종교적 성향의 락 뮤지컬

* 지저스 크라이스트 슈퍼스타(1971)
* 갓스펠(1971)

컬트 성향의 락 뮤지컬(컬트 뮤지컬)

* 그리스(1972)
* 록키 호러 쇼(1973)

## 지저스 크라이스트 슈퍼스타(1971)

앤드루 로이드 웨버와 팀 라이스 콤비의 작품

* 해당 문서 참조

## 록키 호러 쇼(1973)

뉴질랜드 출신의 리처드 오브라이언이

공상 과학과 공포 영화를 소재로 하여

1950년대 스타일의 음악적 스킨을 입힌

패러디 스타일의 컬트적 뮤지컬이라고 할 수 있음

* 뮤지컬보다는 영화판이 더 인기가 높았던
* 전형적인 컬트 뮤지컬이다보니
* 이런 이유로 브로드웨이에 진출하는 데
* 오랜 시간이 걸렸다고 한다

 당시에 존재했던 락 뮤지컬이 아닌 뮤지컬들

보수적 뮤지컬 및 손드하임의 예술적 뮤지컬이 공존했다

* 1970년대의 보수적 뮤지컬,
* 스티븐 손드하임/해롤드 프린스와의 콤비 시절 문서 참조
낭만파 시대의 표제적인 교향곡과 교향시

상위 문서: 낭만파 시대의 교향곡과 교향시

같이 보기: 표제 음악

## 교향시의 의미

낭만주의 시대의 음악답게 간단히 말해서

오케스트라를 통해 시(문학)나 회화적인 내용이나

혹은 그를 통해 드러나는 감정을

음악적인 형태로 표현한 표제적 형태 혹은

단악장으로 된 표제 교향곡의 일종이라고 말할 수 있다.

* tone(음악) poem(시)라고도 부르기도 한다

## 교향시의 구성

그밖에도 교향시의 경우

줄거리에 대한 구분은 있음

* 하지만 대부분 여러 주제들이
* 반복, 변형, 발전되며
* 곡이 진행되는 식으로
* 자유로운 형식의
* 단악장 오케스트라의
* 편성으로 구성된다

(하지만 그 안에서도 실질적으로

대조적인 성격과 빠르기 등의

표현에 따라 나뉘어지는 내용의 전개에 따라

여러 부분으로 나눠서 분석할 수 있다)

## 교향시의 발달

고전파와 낭만파 시대 사이의 과도기에 있어서

위대한 작곡가라고 평가되는 베토벤의 교향곡에서부터

'교향시' 등의 개념이 분화되기 시작한다

* 더 자세히 말하자면, 이때부터 본격적으로 '절대음악'과
* '교향시' 등의 범주에 속하는 '표제 음악'(프로그램음악) 개념이
* 분화되기 시작한 것이라고 할 수 있다.

다시 말하지만 대체적인 윤곽은 고전주의 양식이라고 할 수 있다.

* 하지만 후기 낭만주의라고 할 수 있는 말러부터는
* 좀 더 다양해지고 과감해졌고
* 서구보다 좀 더 바깥의 선율적인 것도
* 반영되기 시작되었으며
* 오케스트라 규모가 더 노골적으로
* 확장되었다고 할 수 있다.

## 교향시를 쓴 당시의 작곡가들

프란츠 리스트가 교향시를 창시한 시초라고 하며

그 후에도 슈트라우스 등이 많은 교향시를 남겼다.

* 프란츠 리스트 문서 참조

## 생상(**Camille Saint-Saëns,** 1835~1921)

'동물의 사육제'라는 유명 레퍼토리로 유명한 생상은

김연아의 피겨스케이트 경기 선곡으로도 유명한

'죽음의 무도' 등의 대표적 교향시를 남겼음

* (시적 내용은 다음과 같다)
* 휘청 휘청 휘청 노래 속의 죽음
* 발꿈치로 무덤을 내려치며
* 죽음이 한 밤중에 춤곡을 연주한다.
* 휘청 휘청 휘청 바이올린을 연주하며
* 겨울 바람은 불어오고 밤은 어둡다
* 탄식이 나무 속에서 들려온다.
* 희미하고 창백한 해골을 지나
* 수의를 입고 달리고 뛰어오른다.
* 휘청 휘청 휘청 날렵하게
* 뼈가 부러지는 소리가 들린다.
* 휙, 갑자기 멈추며 앞으로 달려간다.
* 앞으로 내달리며 날아오른다.
* 수탉이 운다.

시의 내용을 보면 알 수 있듯이 이 곡은

할로윈스러운 정서를 묘사했다고 볼 수 있으며

이게 유럽 전통의 문화적 정서라고 함

* 어쨌든 이 곡도 (낭만파) 음악이
* 표현력을 가진다는 사례로 취급될 수 있음

## 민족주의 사조와의 관계

19세기 후반에도 교향시는 민족주의 작곡가들에 의해 더욱 발전되었음

* 낭만파 시대의 민족주의적 교향곡과 교향시 문서 참조
낭만파 시대 영국의 민족주의 음악

상위 문서: 후기 낭만파 시대의 민족주의 음악

## 주요 작곡가 목록

엘가(1857~1934)

본 윌리엄스(1872~1958)

구스타프 홀스트 등

## 엘가(1857~1934)

바그너와 브람스의 영향을 많이 받은 후기 낭만파 스타일의 작곡가

* 비교적 민요 등의 민속적 재료 등의 영향이 별로 안 크므로
* 민족음악적 성향보다는 독일, 빈 중심의
* 낭만파 음악의 특징을 더 많이 드러냄

하지만 선율 윤곽적인 면에서

넓은 도약과 급격한 하행이

특징이라는 점 때문에

영국적 작곡가로 평가받음

* 그의 작품인 '수수께끼 변주곡'(1899)에서
* 이런 특징이 잘 드러난다고 하며
* 이 작품은 또한 변주곡 하나하나마다
* 그의 특이한 영국 친구들을 묘사함

그밖에도 그는 장엄한 분위기의

'위풍당당 행진곡'(Pomp and Circumstance op. 39 March No. 1, 1901~1907)도 작곡했음

## 본 윌리엄스(1872~1958)

그는 시대적으로나 영향받은 작곡가로나

후기 낭만파에 속하는 만큼

인상파에 속하기도 한다고 할 수 있음

* 그는 16세기 영국 다성 음악,
* 찬송가, 민요 등의
* 민속적 소재를 자주 첨가했으므로
* 당시의 다른 작곡가들보다 덜 복잡하며
* 접근성이 좋은 대중적 경향이 강했음

또한 그는 민족주의 색채가 없는 건 아니고

영국 색채를 비교적 의식하긴 한 편이라

“모든 예술 중에서도 음악은

민족의 영혼을 표현한다“는 모토 아래

자기나라 민요를 수집하고

민속 선율 기반의 대규모 교향곡도 작곡했음

* 또한 그는 1934년에
* 대표작이라고 할 수 있는
* '푸른 옷소매(그린슬리브스)
* 선율(주제)에 의한 환상곡(판타지)'과
* '영국 성가집'을 작곡했음

푸른 옷소매 주제에 의한 판타지의 경우

원래 영국의 민요 선율 기반으로

오페라 “사랑에 빠진 존 경” 에 등장하는 선율이기도 함

* 이 선율은 도리안 선법과 5음 음계로 구성되어 있다고 한다
1990년대 한국의 아이돌

상위 문서: 1990년대 한국의 대중음악

특징
--

1990년대는 HOT를 시작으로

국내에서 아이돌 문화가

본격적으로 시작된 시대라고 볼 수 있다

## '성장형' 컨셉

일종의 성장형 컨셉으로

미소년 - 전사 - 성숙 컨셉(남성)이 단계적으로 부여되거나

발랄 - 청순 - 성숙 컨셉(여성)이 단계적으로 부여되는 경향이 있었다

한계
--

아이돌과 댄스는 절대로 불가분의 관계였지만

~~붕어~~'립싱크'라는 아킬레스건이 존재하여

인간미가 떨어진다고 비난의 평을 하는 부류들도 존재했다

* 이후에는 실력형 아이돌도 많이 생기고 시장도 세분화되었다

## 주요 그룹들

HOT

젝스키스

신화

G.O.D(지오디)

S.E.S

핑클
고전파 시대의 오페라 코미크

상위 문서: 이탈리아 이외의 고전파 오페라

설명
--

오페라 코미크는 프랑스식 희극 오페라의 일종이다.

## 장르 생성의 시대적 배경

바로크 시대부터 자국의 오페라 전통이 존재했던 프랑스는

1750년대 이태리 희극 오페라에 자극도 받았지만

단순한 영향을 받는 방향이 아닌

오페라 종주국이라고 할 수 있는

이탈리아 오페라와의 차별성을 염두에 뒀다고 한다

* 그런 상황 속에서 프랑스적인 전통과 더불어
* 계몽주의 사상과 (보드빌 등) 대중적인 곡조의 영향으로
* 좀 더 평민 성향이라고 할 수 있는
* 오페라 부파 및 막간극(인테르메초) 영향을 받아서
* '오페라 코미크'라는, 음악이나 내용적인 부분에서도
* 대중적인 성향의 오페라 장르가 발생했다고 한다.

## 그레트리

18세기 후반에는 '그레트리'라는

뛰어난 오페라 코미크 작곡가가 활동했음

* 그는 복합적 양식에 속하는 작품을 썼으며
* 고로 이 작품은 기존의 프랑스 오페라,
* 즉 서정적 비극과 거의 차이가 없었다고 한다.

특징
--

레치타티보 대신 대사를 사용했음
낭만파 시대의 독일 오페라

## 역사적 배경

낭만파 이전인 고전파 시대까지는 이태리식 오페라의 틀을 차용했다고 함

* 물론 징슈필이 존재했지만 그것도 이태리식 기반이었다고 함

19세기 낭만파 시대에 와서는 독일이 낭만주의 운동의 발원지였던 만큼

독일 오페라 역시 낭만주의 성향이 가장 강했다고 볼 수 있음

* 원래 독일 오페라의 전통은 레치타티보 대신
* 대사로 해결하는 징슈필로 대변할 수 있음
* (그것을 기반으로 당시 독일어 오페라가 발전했다고 함)

하지만 19세기에는 프랑스 그랑 오페라의

대하적, 낭만적 영향도 받았음

* 거기에 독일적인 요소를 발전시켜
* 궁극에는 독일 오페라가
* 바그너로 대표되는 음악극 개념을
* 창안할 경지에 올랐을 정도로
* 음악과 극의 조화가 특징임

## 독일 낭만파 오페라 전통의 확립

19세기 초반 칼 마리아 폰 베버(1786~1826)에 의해

독일 낭만파 뿐만이 아니라 민족주의적 오페라 전통이 확립되었다고 함

* 교향시에서는 말러가 파격적인 스타일을 선보인 한편
* 오페라의 경우 바그너가 전통에서의 이탈을 보여줬음
* (오케스트라 역할 비중 증대 등의 기법으로 암시성을 강화시켰음)

## 당시 독일 오페라의 특징

중창과 합창의 역할이 증대되었음

* 그리고 특정한 장면을 위한 길고 서술적인
* 오케스트라의 연주와 오케스트라의 음색(음향)을
* 극의 전개에 있어 효과적으로 사용할 정도로 중시하여
* 오케스트라가 교향시처럼 직접 서사를 이끌 정도로 만들었음

그밖에도 당대의 이태리 오페라나

프랑스 오페라와는 전적으로 달라서

신화 기반의 초자연적(초현실적) 존재, 신비주의적 서사, 주제와

중세의 여러 전설 및 철학적 사고에 기반한 이야기를 다뤘음

* (그러니까 환상의 세계, 선악, 영혼, 신, 복수,
* 헌신적 사랑에 의한 구원 등을 소재로 삼아
* 조금 무겁고 심각한 면이 있음)

즉, 반지의 제왕처럼 게르만(독일) 신화에서 유래한 내용으로

마법적인 판타지 내용, 즉, 평범한 사람의 신비한 힘 획득,

우주의 기운 등과 관련된 내용이라고 할 수 있음

* 이게 바로 나치 국뽕, 게르만주의, 선민사상과 연관되어
* 유태인 학살과도 연관이 있다고 한다 ~~ㅎㄷㄷ~~

화성적으로는 주로 복잡한 화성을 사용하여 극적인 전개를 나타내었음

* 그리고 이태리 오페라에
* 1도 영향 받은 게 없는 건 아니라서
* 이탈리아 스타일의 아리아와
* 이야기(서사) + 민요 조합에 기반한
* 독일적 소재가 섞인 게 바로 독일식임

## 대표적인 작곡가

카를 마리아 폰 베버

리하르트 바그너 등

## C. M. Weber(카를 마리아 폰 베버)의 경우

신비로운 신화를 주 소재로 한 징슈필인

'마탄의 사수'(Den Freischutz 혹은 자유의 사수),

오이리안테(1823), 오베론(1826) 등으로 유명한

전형적 낭만주의 오페라 작곡가

* 그는 오페라 비평가로서도 활동했으며
* 오페라 서곡이 오페라 내용과
* 음악을 함축적으로 나타내야 하며
* 독일 오페라는 음악과 그와 관련된 모든 요소가
* 통합적으로 조화로워야 한다는 주장으로
* 오페라의 방향성을 제시했음

즉, 바그너의 '종합예술직품' 개념을 미리 제시한 셈이라고 볼 수 있음

* 이는 그의 작품인 '마탄의 사수'에서 잘 드러남

## 리하르트 바그너(R. Wagner)의 경우

'음악극' 개념을 주창한

대표적인 독일 오페라 작곡가이자

자기 철학이 강하여 그걸 제시할 정도로

문화예술계 전반에도

지대한 영향을 끼친 인물

* 리하르트 바그너의 오페라 문서 참조
고전파 시대의 독일 가곡

상위 문서: 고전파 시대의 성악 음악

설명
--

(물론 낭만파 시대에

좀 더 본격적으로 꽃피운

부분이 있었지만)

고전파 시대부터

고정적 피아노 반주를 가진

가벼운 독창 노래들이 나타났다.

* 당연히 이 시대만 해도
* 장르 및 시대적 특성상
* 이런 장르가 좀 경시된 부분이 있었지만
* 하이든, 모차르트, 베토벤 모두
* 가곡 형식의 작품을 썼다.

## 베토벤의 경우

특히 베토벤의 경우 'Ich Liebe Dich'(그대를 사랑해, WoO 123)라는 가곡이 유명하다고 할 수 있다.

* 그밖에도 베토벤은 '아델라이데'(Op. 46)를 작곡했음

아델라이데 말고도 6곡 구성으로 연가곡의 시초로 여겨지며

자신이 사랑했던 테레제에게 바친 6개의 가곡으로

피아노 반주가 적극적으로 곡의 진행에 관여하고

깊은 사색을 요하는 작품의 분위기 등

양식적으로 고전파 시대의 단순하고 민요적 가곡의 특징을 넘어서서

낭만파 시대의 본격적 lied(예술가곡) 발전의 가교로 평가받는

'먼 곳의 연인에게'(An die ferne Geliebt, Op. 98, 1816) 등을 작곡했다.

* 베토벤은 가곡을 작곡한 시점(19세기 전후)으로도
* 고전파 이후의 낭만파 시대와도 과도기적으로 겹친다고 할 수 있다.

## 그밖의 경우

크라우제, 힐러, 슐츠, 라이하르트, 첼터 등도 가곡을 작곡했다고 한다.

* 이런 곡들은 연주자의 눈높이를 위해 쉽고 단순한 특징이 있다고 한다

이 장르 작곡에 중요한 역할을 한 북독일 작곡가들에는

텔레만, C. P. E. 바흐, 카를 하인리히 그라운이 있다고 한다

## 요한 프리드리히 라이하르트

성악 선율이 피아노 성부 맨 위 음과 동일하며

이 선율은 시의 악구, 리듬, 강세와 완벽히 들어맞으면서도 단순성과 품위를 지녀

기교적으로 정교하게 만들어진 민속노래같은 감성의 '마왕'을 작곡했음
낭만파 시대의 그랑 오페라

상위 문서: 낭만파 시대의 프랑스 오페라

## 낭만파 시대 당시 프랑스의 상황

역사적이고 심각한 주제들을 다루는 스타일의

grand opera(그랑 오페라, 즉, '큰 오페라'라는 의미)가 유행이었음

특징
--

당시 비중과 위상이 늘어나던

중산층 위주를 타겟으로 하여

풍부한 낭만주의적 요소 기반으로

중산층을 사로잡기 위한 새로운 유형의

대규모 스펙타클 블록버스터 위주의

비주얼 엔터테인먼트 중시에

입각한 특징을 보여줌

* 이런 이유로 중창, 합창,
* 오케스트라 모두 대규모 편성으로
* 환상적 음색과 효과적인 사운드를 나타내었고
* 비주얼적으로는 고도의 무대장치와
* 의상, 특수효과 등이 강조되어
* 색채적인 장관성을 과시하는
* 형태가 되었음(블록버스터)

결과적으로 이로 인해

야생의 자연환경이나

초자연적인 요소들도 반영되거나

여기에 역사적, 이국적,

민속적 요소가 섞였음

* 그밖에도 역사적 대 사건 뿐만 아니라
* 실존 인물 역시 다뤘으며
* 길이 역시 5막 정도로 장대했음

다른 나라 오페라도 마찬가지였지만

대체적으로 화려하고 귀족적이고,

발레의 역할이 커졌음

* (이는 이태리와의 경쟁심의
* 발로였다고도 할 수 있음)

(그리고 프랑스에서

레뷰 같은 쇼가 발달한 것도

대중, 시민계층을 위한 화려함,

블록버스터 취향을

충족시키기 위한 거라고 함)

## G. Rossini(로시니)의 경우

Guillaume Tell(‘기욤‘이라서 프랑스식, 1829) 등이 그랑 오페라에 속함

* 이탈리아 작곡가로써
* 프랑스의 그랑 오페라를 쓴 사례로
* 그랑 오페라 중에서도 대표작으로 인정받음

이 오페라는 화성, 오케스트레이션, 웅대한 합창,

덜 장식적인 성악 양식을 사용하여

그의 작품 중 가장 낭만주의적으로

접근하여 만든 오페라라고 한다

* 그는 오페라에도 낭만주의 사조가 반영되면서
* 보수적 이태리 오페라 양식에서 벗어나기 위해
* 프랑스적 양식으로 작곡을 했는데
* 그렇게 만들어진 작품이 바로 기욤 텔이라고 함

이 기욤 텔은 사람들 사이에서

재미가 없다는 평도 있으며

그렇다보니 서곡으로 더 유명하다고 한다

* 이 서곡은 맥도날드 3천원
* 광고에도 사용되었고
* 말을 타는 느낌의 선율과
* 뒷내용의 분위기를 예고하는
* 동기가 발달했으며
* 연주회용 서곡과 비슷하게
* 독립적으로 연주되기도 함

## 베를리오즈의 경우

어릴때부터 뭔가 조기교육을 받거나 악기를 잘 다루거나 하는 식으로

우리가 생각하는 일반적인 코스를 밟은 작곡가는 아니었음

* 하지만 그의 작품은 특유의 독창적인 문학적, 예술적 감수성으로
* 표제 교향곡과 오페라 분야에서 불세출의 작품을 남겼음

## 베를리오즈의 '트로이 사람들'(1858)

5막 구성의 그랑 오페라

* 고전적이고 서사적 대본에
* 극도로 절제된 반음계주의와
* 선율 장식이 특징으로
* 순수하면서도 표현력 있는 효과를
* 나타냈다고 할 수 있음

이 작품은 륄리, 라모, 글룩, 마이어베어를 계승하여

불세출의 작품으로 프랑스 오페라 역사에 남았다고 평가됨
낭만파 시대의 기악 음악

상위 문서: 낭만파 음악

설명
--

이전 시대들과 마찬가지로

성악 비중보다는 기악 음악이 발달하면서

기악 음악이 비중이 커졌다

* 이는 당시에 음을 보는 관점과 관련이 있다고 한다
* (낭만파 음악/다양한 사조의 부상 문서 참조)

## 낭만파 시대의 기악 음악의 종류(분류) 예시

오케스트라 음악

* 교향곡
* 교향시
* 협주곡
* 연주회용 서곡 등

실내악 및 피아노 음악

* 캐릭터 피스(성격소품)가
* 가장 대표적이라고 할 수 있음

표제 음악

## 낭만파 시대의 표제음악적 작곡가들

가장 최초의 기원은 베토벤의 작품 스타일에서 분화된 것이라고 볼 수 있으며

그 다음 베를리오즈부터 본격적인 형태의 표제음악을 찾을 수 있다고 한다.

* 그 다음 리스트부터 본격적인 '교향시',
* 그리고 그 다음 바그너의 음악극으로
* 계보가 이어진다고 할 수 있다.
Diatonic 코드에서의 코드스케일과 텐션

상위 문서: 코드스케일과 텐션, diatonic

설명
--

C 장조 기준으로 설명한 것이다

조성 내의 diatonic 코드가 아니라도 화성학적 기능과 충돌하지 않으면 사용할 수 있다.

코드 오른쪽에 붙은 괄호로 제시된 숫자가 바로 텐션이다

* CM7(9) 이런 식

## 3화음(트라이어드)일 경우

코드 이름 옆에

add + 텐션 숫자를 붙인다

* Cadd9 이런 식으로

## 코드스케일에서 텐션을 찾는 조건

1, 3, 5번음 각각의 바로 다음에 있는 2, 4, 6음이 1, 3, 5번과 각각 반음관계에 있지 않은 것 중에서 고른다

1도
--

C Ionian

IM7 = CM7(T)

M7 코드를 토닉으로 사용할때 쓴다

2음(T9)과 6음(T13)을 텐션으로 갖는다

* CM7(9, 13)으로도 표기 가능하다

2도
--

D Dorian

m7 코드를 서브도미넌트로 사용할때 쓰임

IIm7 = Dm7(SD)

2음(T9)과 4음(T11)을 텐션으로 갖는다

* Dm7(9, 11)으로도 표기 가능하다

당연히 m7 형태의 Rel.2에도 적용된다

3도
--

E Phrygian

IIIm7 = Em7

4음(T11), 경우에 따라 ♭6음(T♭13)을 텐션으로 갖는다

* Em7(11, ♭13 - 5음 없을 경우)으로도 표기 가능하다

4도
--

F Lydian

IVM7 = FM7

M7코드를 서브도미넌트로 사용할때 쓰임

2음(T9), #4음(T#11), 6(T13)음을 텐션으로 갖는다

* FM7(9, #11, 13)으로도 표기 가능하다

5도
--

G Mixolydian

V7 = G7

V(도미넌트)의 코드스케일이다

2음(T9), 6음(T13)을 텐션으로 갖는다

* G7(9, 13)으로도 표기 가능하다

도미넌트가 마이너 코드 계열로 해결되면

코드스케일은 Mixolydian, 텐션은 (♭13, ♭9)가 기본이 된다

아니면 그냥 도미넌트에서 사용 가능한 텐션은 9음 및 9음에서 반음 올라가거나 내려간 음(9, #9, ♭9),

11음에서 반음 올라간 음(#11) 및 13음 및 13음에서 반음 내려간 음(♭13) 전체가 다 가능하다고 보기도 한다

* 왜냐하면 어차피 도미넌트 코드 자체가 불안정하기 때문에 다 어울린다고 보는 경우가 있기 때문이다.

6도
--

A Aeolian

VIm7 = Am7

m7코드를 토닉으로 사용할때 쓰인다

2음(T9), 4음(T11)을 텐션으로 갖는다

* Am7(9, 11)으로도 표기 가능하다

7도
--

B locrian

VIIm7(♭5) = Bm7(♭5)

4음(T11), ♭6음(T♭13)을 텐션으로 갖는다

* Bm7(♭5)(11, ♭13)으로도 표기 가능하다

m7(♭5) 형태의 Rel.2는 무조건 이 로크리안의 코드스케일과 텐션을 따른다
Now's the Time

상위 문서: 찰리 파커

설명
--

찰리 파커 특유의 리듬 감각을 정제하여

12마디 블루스를 반음계적 화성과 혼합시켜

당시의 혁신적이었던 비밥 장르의 곡

* 기존의 블루스 연주자들도
* 이런 파커의 혁신적 방식을
* 받아들이고 소화시켰다고 한다

## 곡의 특징

12마디 전체에 걸쳐 단일한 리프로 반복적 변주를 했으며

곡이 녹음된 1950년대(1953년)는

1940년대보다 음향 기술이 좋아져서

악기 각각의 소리의 조화를

선명하게 들을 수 있게 되어

이 곡의 진가 역시 명확히 알 수 있게 되었다

## 곡의 특징

서주 - 코러스 12개 - 코다로 구성되어 있음

코러스 2에서는 찰리 파커가 12마디를 다시 반복하고

코러스 3에서는 그가 코러스 솔로를 5번 시작한다
교회 선법

상위 문서: 중세의 음악 이론, 선법

같이 보기: 음계

설명
--

교회의 성가 선율을 만들기 위해

고대 그리스 음악이론에서 빌려온 선법

특징
--

종지음(각 선법마다 가지고 있어서 거의 곡이 맨 마지막으로 향하게 되는 음) 외에도

중심음(특별히 강조되는 음)이 있었음

* 그밖에도 조성시대 이전의 과거이다보니~~악마의 음~~
* '시'음이 기피되는 특징이 있다

분류
--

총 8가지로써

정격선법과 거기에 각각 대비되는 변격선법 반반씩 나뉘어져 있다

* 변격선법의 경우 정격선법의 이름 앞에 'hypo'라는 말이 붙는다

## 정격선법과 변격선법과의 차이

정격선법

* 각각의 종지음으로부터 옥타브 위까지를 음역대로 구성함

변격선법

* 정격선법과 종지음이 같지만
* (음역이) 종지음에서 완전4도 아래부터
* 완전5도 위까지 펼쳐져 있음

## 교회 선법의 중심음

정격선법

* 일반적으로 종지음에서 완전 5도 위의 음
* 역시나 '시'음을 거부하므로
* 만약 종지음에서 완전 5도 위의 음이 '시'일 경우
* '도'가 중심음이 됨

변격선법

* 정격선법의 중심음으로부터 3도 아래의 음
* 역시나 '시'음을 거부하므로
* 만약 이 3도 아래의 음이 '시'가 될 경우
* 역시 '도'가 중심음이 됨

## 정격선법의 종류

아이오니아 선법

도리아 선법

프리지아 선법

리디아 선법

믹솔리디아 선법

에올리아 선법

로크리아 선법

## 시편창법과의 관계

교회선법의 중심음 중에서 A나 C가

중심음이 될 경우가 가장 많음

* 시편창법은 성무일도에서
* 빠지지 않는 시편을 노래할 때
* 이 두 음 중 한음을 (노래하듯이)
* 낭송음으로 사용해서
* 낭송하는 방법이라고 할 수 있음
기악의 주법을 지시하는 표현

상위 문서: 주법을 지시하는 말

## 기악의 주법을 지시하는 말에 속하는 것들

레가토

스타카토

마르카토

테누토 등

## 레가토(legato)

높이가 다른 연속적인 두 음을 끊지 않고 이어서 연주하는 것

* 이음줄(slur)로 나타내거나
* 말로 지시하거나 아니면
* 두가지 다 사용하여 지시함

까다로운 주법이라고 하며

피아노에서는 연속되는 두 음을

같이 붙은듯(겹친듯) 만 듯

묘하게 연결하여 연주함

## 스타카토(staccato)

   레가토와 반대로 음을 하나하나 짧게 끊어서 연주하는 것

* 보통 해당 음표의 1/2정도 길이로 연주하며
* (사실상 곡의 맥락에 따라 연주자가 재량껏 해석하여 연주함)
* 오른쪽의 그림과 같이 음표의 위나 아래에 점을 붙여 표시함

스타카토보다 더욱 짧게 끊어서 연주하는 것은 '스타카티시모'(원음 길이의 1/4)라고 함

* 메조스타카토의 경우 '하프 스타카토'라고도 불리며
* 이는 스타카토에 이음줄을 덧붙여 표시하게 되며
* 스타카토보다는 약간 길게 연주함(원음 길이의 3/4 정도)

## 마르카토(marcato)

   음 하나 하나를 또렷하게 강조하여 (약간 끊어 치듯) 연주하는 것

* 직접 'marcato'(혹은 marc.)라고 표기하거나 기호를 써서 표기함

## 테누토(tenuto)

테누토 표시가 된 각각의 음의 길이를

충분히 지속하여 연주하는 것

* 건반을 지긋이 눌러 연주하면 되며
* 음표의 위나 아래에 '-'라고 표기하거나
* 'ten.'이라는 약자를 사용하여 표기함

## 글리산도(glissando)

음높이가 다른 두 음을 연주할 때

가능한 그 사이의 모든 음을 훑어

미끄러지듯 연주하는 주법

* 현악기의 경우 두 음 사이의 모든 반음계적 음들을 거쳐 연주하게 되지만
* 피아노나 하프 등의 악기는 온음계적인(diatonic) 음들만 거쳐서 연주하게 됨

## 페르마타(fermata)

특정 음표나 쉼표를 2~3배 늘여 연주하라는 지시어

* 이 기호가 겹세로줄 위에 위치하게 되면 '곡의 마침'을 나타냄
1980년대의 영미권 음악/연도별 흑인음악 주요 앨범 리스트

상위 문서: 1980년대의 영미권 음악, 흑인 음악

같이 보기: 1980년대의 재즈

## 1980년

* Michael Jackson - Off the Wall
* Brothers Johnson - Light Up the Night
* Jermaine Jackson - Let's Get Serious
* Cameo - Cameosis
* Diana Ross - Diana
* George Benson - Give Me The Night
* Zapp - Zapp
* The Jacksons - Triumph
* Stevie Wonder - Hotter than July

## 1981년

* Stevie Wonder - Hotter than July
* The Gap Band - The Gap Band III
* Smokey Robinson - Being with You
* Raydio - A Woman Needs Love
* Rick James - Street Songs
* Luther Vandross - Never Too Much
* Kool & the Gang - Something Special
* Earth, Wind & Fire - Raise!
* Al Jarreau - Breakin' Away
* Roger - The Many Facets of Roger

## 1982년

* Earth, Wind & Fire - Raise!
* Bobby Womack - The Poet
* Shalamar - Friends
* Atlantic Starr - Brilliance
* Ray Parker Jr. - The Other Woman
* Stevie Wonder - Stevie Wonder's Original Musiquarium I
* The Gap Band - Gap Band IV
* Aretha Franklin - Jump to It
* Evelyn King - Get Loose
* Luther Vandross - Forever, for Always, for Love
* Lionel Richie - Lionel Richie
* Marvin Gaye - Midnight Love

## 1983년

* Marvin Gaye - Midnight Love
* Michael Jackson - Thriller
* Lionel Richie - Can't Slow Down

## 1984년

* Lionel Richie - Can't Slow Down
* Michael Jackson - Thriller
* Luther Vandross - Busy Body
* Cameo - She's Strange
* Jermaine Jackson - Jermaine Jackson
* Tina Turner - Private Dancer
* Prince and the Revolution - Purple Rain
* Stevie Wonder - The Woman in Red

## 1985년

* New Edition - New Edition
* Ashford & Simpson - Solid
* Tina Turner - Private Dancer
* Luther Vandross - The Night I Fell in Love
* Whitney Houston - Whitney Houston
* Freddie Jackson - Rock Me Tonight
* Stevie Wonder - In Square Circle

## 1986년

* Stevie Wonder - In Square Circle
* Sade - Promise
* Janet Jackson - Control
* Billy Ocean - Love Zone
* Run–D.M.C. - Raising Hell
* Anita Baker - Rapture
* Cameo - Word Up!

## 1987년

* Jody Watley - Jody Watley
* Michael Jackson - Bad
* Stevie Wonder - Characters

## 1988년

* Michael Jackson - Bad
* Stevie Wonder - Characters
* Terence Trent D'Arby - Introducing the Hardline According to Terence Trent D'Arby
* George Michael - Faith
* Al B. Sure! - In Effect Mode
* EPMD - Strictly Business
* Bobby Brown - Don't Be Cruel
* Public Enemy - It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back
* Anita Baker - Giving You the Best That I Got
* Luther Vandross - Any Love
* Keith Sweat - Make It Last Forever

## 1989년

* Anita Baker - Giving You the Best That I Got
* Karyn White - Karyn White
* Guy - Guy
* Slick Rick - The Great Adventures of Slick Rick
* De La Soul - 3 Feet High and Rising
* LL Cool J - Walking with a Panther
* Heavy D & the Boyz - Big Tyme
* Soul II Soul - Club Classics Vol. One
* EPMD - Unfinished Business
* The D.O.C. - No One Can Do It Better
* Babyface - Tender Lover
* Maze - Silky Soul
* Janet Jackson - Janet Jackson's Rhythm Nation 1814
* Regina Belle - Stay with Me
낭만파 시대의 협주곡/고전파 시대와의 차이

상위 문서: 낭만파 시대의 협주곡의 주요 특징

설명
--

이때부터 교향악적 협주곡 개념이 부상했음

* 그러니까 이때부터 오케스트라와 독주가
* 각각 동등한 비중이 되었다는 의미임

그리고 현악기뿐만 아니라 관악기도

곡의 발전에 섬세한 주도적 역할로 발전했음

* 그밖에도 카덴차 부분 역시 변화, 진보했음

## 낭만파 시대 협주곡과 카덴차

고전파 시대와는 달리 낭만파 시대에 오면

악장 뒷부분에서뿐만아니라 곡 시작과 중간에도

카덴차(cadenza, 1악장 이후의 기교 부분)가 나타나게 됨

* 이는 독주자의 화려한 기교가 더더욱 중시되어
* 카덴차가 그를 과시하기 위한 장치적 성격이라고 할 수 있어서
* 비르투오소(virtuoso)적이라고 할 수 있음

이 역시 낭만적인 표현이 특징이라고 할 수 있다

* 그리고 이 카덴차 역시
* 즉흥연주의 몫으로 남기지 않고
* 이를 미리 악보로 일일이
* 기보하여 구체화시켰음
기욤 드 마쇼/미사 노트르담

## '미사 노트르담' 에서 '노트르담'의 의미

파리가 아니고

마쇼가 생애를 보냈던

랭스의 대성당 이름임

특징
--

최초로 6개의 미사 통상문 전체를 다성음악으로 작곡했음

게다가 당시로써는 이례적인 규모인 4성부로 작곡되었음

* 이런 점 때문에 음악사적으로 엄청 중요하게 평가됨

## 미사 통상문 전체가 4성부 곡으로 작곡된 것이 음악사적으로 중요한 이유

* 다성음악은 전례음악을 다성화하면서 시작되었음
* 원래는 그 중에서 주로 응답적으로 부르는 부분들을
* 다성으로 작곡했으므로
* 미사 고유문들 위주로 다성화되었음

* 하지만 14세기에 들어서는 작곡가들이
* 가사 내용이 매번 바뀌는 고유문보다는
* 항상 가사가 일정한 통상문에 관심이 쏠리게 되었음
	+ 게다가 14세기에 와서는 통상문의 음악을
	+ 특별히 하나의 묶음으로 인식하게 되어서
	+ '기리에'부터 '미사가 끝났으니'까지의 6가지 통상문을
	+ 한 벌로 모아놓기도 했음

* 그 이후 15세기부터는 통상문 전체를
* 하나의 음악 작품으로 작곡하게 되었으며
* 현재에는 이런 장르를 통틀어
* '미사'라고 부르게 되었기 때문임
	+ 하지만 마쇼의 후배 작곡가들이
	+ 직접 마쇼를 따라하는 방식으로 미사곡을 작곡하진 않아서
	+ 15세기에 미친 직접적 영향력이 어느 정도인지는 짐작하기 힘들다

## 미사 노트르담을 구성하는 여섯 부분의 형식적 분류

글로리아, 크레도

* 가사가 긴 편이라
* 실러블적으로 처리되며
* 콘둑투스 양식임

나머지 테노르 네 부분

* 동형리듬 기법으로 작곡되어
* 모테트적 형식이 드러나긴 하지만
* 모든 성부가 같은 가사를 부른다는 것이 결정적 차이
1890년대의 베를린 오페레타

상위 문서: 대중적 오페라 개념의 부상/1890년대 유럽 대륙의 경우

설명
--

오스트리아의 빈에 비해서

아직 오페레타에 있어서는

주변부에 머물렀던 경향이 컸었다

* 그래도 19세기 중엽에도 이미
* 나름 오페레타를 생산하긴 했으며
* 1890년대가 되면 파울 링케같은 작곡가가
* 독일 고유의 오페레타 역사에서
* 본격적인 한 획을 그엇다고 할 수 있다

## 파울 링케

대표적인 작품으로

단막극인 '지상의 비너스'(1897)와

오페레타인 루나 부인(1899)가 있음

* 루나 부인의 경우 간소한 서사의 풍자적 내용의 레뷰 스타일로
* 1막 4장 구조의 해학적이고 환상적이며 볼 거리 많은
* 베를린 오페레타의 전형으로 평가받고 있다고 함
3중주

(英, 佛, 獨, 伊, 西): trio

설명
--

3대의 악기로 구성된 실내악 형태

* 3중주에 편성된 악기 중 하나는
* 첼로, 바순 등의 저음악기로 편성됨

대표적으로 현악 3중주, 피아노 3중주,

목관 3중주, 호른 3중주 등이 있음

## 현악 3중주(string trio)

바이올린, 비올라, 첼로로 편성됨

 객석

## 피아노 3중주(piano trio)

피아노, 바이올린, 첼로로 편성됨

 객석

그리고 표를 보면 알 수 있겠지만 지휘자가 없는 실내악 특성상

피아노와 바이올린 자리는 서로 긴밀한 위치에 배치해서

서로 신호를 교환하고 호흡을 맞춰서 연주하는 특성을 띈다고 한다.

* 그리고 피아노, 첼로의 경우 음역만 커버할 수 있다면
* 다른 악기로 대체하는 경우도 있다고 함

그리고 바이올린이 먼저 신호를 주는 리더 역할을 담당하는 경우가 많다고 함

## 목관 3중주(woodwind trio)

플루트, 클라리넷, 바순으로 편성됨

* 공연 시 악기 배치의 형태는 현악 3중주와 같은 원리라고 할 수 있으며,
* 플루트가 상성부이므로 현악 3중주에서의 바이올린처럼 배치된다고 할 수 있음

## 호른 3중주(horn trio)

호른, 바이올린, 피아노로 편성됨

* 피아노 3중주와 마찬가지로
* 첼로 대신 호른이 배치되므로
* 공연 시 악기 배치 역시
* 첼로 대신 호른이 배치된
* 피아노 3중주와 같다고 보면 됨
경과부(소나타 형식)

상위 문서: 제시부(소나타 형식)

## 등장 위치

제1주제 이후에 등장함

기능
--

동적인 음형과 화성진행을 통해

원래 (기본)조성이나 새로운 조성의

딸림화음(dominant chord) 진행을 통해

제2주제를 준비시키는 역할을 함

## 조성적 측면에 의한 경과부의 분류

전조적 경과부(modulating transition)와

비전조적 경과부(non-modulating transition)로 나눌 수 있음

## 전조적 경과부(modulating transition)

전조를 포함하는 경과부로

새로운 조성에 대한 딸림화음(dominant chord)을 향함

* 경과부의 대부분이 이 유형임

## 비전조적 경과부(non-modulating transition)

조성 변화 없이 1주제부터 설정된

원래(기본) 조성의

딸림화음(dominant chord)으로 향하는 경과부

* 초기 모차르트 소나타에서 많이 보이며
* 조성 변화가 없는 대신
* 반음계적 화성을 통해
* 조성을 불안정하게 하며
* 동적인 리듬과 음형을 동반함으로써
* 경과적 기능을 수행함

## 선율적 측면에 의한 경과부의 분류

종속적 경과부와 독립적 경과부로 나눌 수 있음

* 종속적 경과부의 경우 경과부가 제1주제의 시작선율로 시작되며
* 독립적 경과부의 경우 경과부가 1주제와 다른 선율 소재로 시작됨
(역사를 통해 본) 락의 사회적 성격

상위 문서: 락

설명
--

일반적으로 봤을때 락은 청년중심의 수많은 서브컬처 기반으로

60년대의 반항적 히피문화에 기반한 부분이 많으며

탈권위주의를 바탕으로 한 변화와 혁신을 동력으로 삼아

급진적인 사회 이념적인 측면을 쉽게 찾아볼 수 있다고 주장하는 경우가 많다

* 즉, 락은 단순한 음악 장르가 아닌
* 문화와 삶의 방식을 대표하는 정도라고 할 수 있음
* (락 스피릿, 반항성이란 특징은
* 음악적 양식만으로는 설명 불가능함)

## 락의 탄생에 이바지한 청년 (공동체) 중심의 수많은 서브컬처

권위있는 각종 백과사전들과 학술서적 등의 내용에 의하면

일반적인 팝처럼 매스 미디어에 의한 철저한 점잖은 성인(기성세대)취향, 대중편향적 성격이 아닌

청년 (공동체) 중심의 수많은 '서브컬처'(학문적으로 엄밀한 용어는 아님)들에 기반하고 있으며

(그러니까 현대의 거의 많은 문화적 요인과 상호작용함)

* (애초에 최초의 로큰롤부터 청년 중심으로 지지받기 시작했으며
* 서브컬처 기반의 언더그라운드에서 자생하여 스스로 주류의 위치에 오르는 성격을 가진다
* 이런 이유 때문에 국내외 막론하고 락의 '진정성'(Authenticity)이라는 담론이 뜨겁게 형성되고 있는 것이다
	+ 상업적 매체로 유통되지만 아이러니하게도 비상업적이면서도 라이브, 예술지향적인 태도를 보인다고 할 수 있겠다
고전파 시대의 현악 4중주

상위 문서: 고전파 시대의 실내악

설명
--

현악 4중주의 연주 방식 자체가

음악적으로 특유의 안정적 짜임새를 가능하게 하였고

상류층의 고상한 취향을 대변하기 때문에

고전파 시대의 음악적 이상을 반영하게 되었으며

그런 이유로 이 현악4중주가 당시에 유행하여

고전파 실내악의 대명사처럼 여겨졌다.

* 위에서 말했듯이 기악음악이 지향하는 바가
* 4성부 체제 음향에서 잘 표현되기도 했으며
* 바로크, 전고전파 시대와 고전파 시대 사이에 일어난 계속저음의 쇠퇴 역시
* 이런 시대적 변화에 촉매제로 작용하여
* 독립적이면서도 필수적인 형태로서의 4성부 체제가
* 확실히 자리잡게 되었다고 한다.

## 당시 현악4중주의 편성과 성부 짜임새

제1, 제2바이올린, 비올라, 첼로로 편성되었음

* 제1바이올린이 주선율 위주를,
* 첼로가 베이스를 담당했으며
* 나머지 악기가 내성의 짜임새를 채웠음

하지만 독주 부분을 즐기기 위해

각 성부가 모두 동등한 중요성을 갖는

협주적 4중주곡과

마치 음악적 대화를 나누듯이

연주자들이 짧은 동기를 교환하는

4중주곡을 작곡하기도 했음

## 모차르트의 현악4중주

삼마르티니와 하이든이 정립한 현악 4중주에 영향을 받아

초기에는 디베르티멘토 계열의 현악4중주(K. 136~138)를 선보였으며

그 이후에는 '비엔나 4중주'와 '하이든 4중주'를 작곡했다.

* '하이든 4중주'의 경우 하이든에 헌정하기 위한 목적이지만
* 하이든처럼 스케르초를 쓰지 않고 대신
* 비앤나의 전통에 따라 미뉴에트를 사용했다고 한다.

그밖에도 그는 '사냥 4중주'와 '불협화음 4중주' 등을 작곡했으며.

그가 작곡한 현악 4중주 곡의 수는 26개에 달한다고 한다.

## 대표곡 목록

하이든 현악 4중주 77번 in C

* 알레그로 C, 소나타 형식(1악장)
* 아다지오 G 변주곡(2악장)
* 알레그로 C 미뉴엣(3악장)
* 프레스토 C 소나타(4악장)

3가지로 구성된 중기 베토벤의 라주모프스키 4중주곡(Op. 59)과

* 이 곡은 오케스트라적 역동성이 두드러지는 동시에
* 특유의 러시아 민요적인 멜로디는
* 전형적인 고전파 음악 스타일이라고 할 수 있겠지만
* 내적 사고를 요하는 불규칙성이 자주 드러나고
* 불협화적 화성이 대담하게 사용되었는데
* 이는 시대가 흐르면서 이 장르의 성격이
* 단순 귀족 여흥용이 아닌 공공음악회 연주용으로
* 점점 변모하기 시작했기 때문이라고 한다.

베토벤의 하프 4중주(Op. 74)와 F 단조 4중주(Op. 95)

그리고 후기 베토벤의 4중주 5가지(Op. 127, 130, 131, 132, 135)와

대(大) 푸가 4중주(Op. 133) 등

* 후기로 갈 수록 좀 더
* 낭만파 음악의 특징이라고 할 수 있는
* 표제적이면서도 좀 더 형식파괴적이며
* 특유의 자유로운 선율, 화성,
* 그리고 셈여림(다이나믹스), 빠르기 등을 살펴 보아도
* 베토벤은 역시 '고전파'와 '낭만파'의
* 가교격 인물이라고 할 수 있겠다.

그리고 대(大) 푸가 4중주(Op. 133)도

당시에 이미 굳어진 호모포니 위주의 흐름 속에서도

내적 진실성과 외적 구조성의 조합을 위해

베토벤이 과감히 다성적인 접근으로 작곡했다고 한다.

* 그밖에도 그의 마지막 현악 4중주인
* 'F 장조 4중주'(Op. 135)의 피날레 부분은
* 곡의 멜로디와 일종의 연계 작용을 하도록
* 어울리는 문구를 같이 삽입했다고 한다.
Owen's 6 Figure Grid References

## 6 Figure Grid Reference Owen Bowditch

The 6 Figure Grid Reference is used to pinpoint exact locations. The 6 Figure Grid Reference is used all

over the world, in maps.

The 6 Figure Grid Reference works in two parts the first 3 numbers are based on the X axis (Eastings)

and the last 3 numbers are based on the Y axis (Northings).

The 6 Figure Grid Reference has two parts and like a 4 Figure Grid Reference we take the numbers that

are on the grid. For example the farm and the school:

This gives us a rough estimate of where the farm and school are. We then have to find the last figures

for the x and y axis. Imagine between 34-35 is divided by 10, we get 341, 342 etc. The school is located

at 342 on the X axis and we do the the same with the Y axis and the school is located at 813. We do this

with the farm as well and we get this:

Farm- 34\_82\_

School- 34\_81\_

Answer:

Farm- 345821

School- 342813
고전시대의 음악이론

상위 문서: 고전시대의 음악

같이 보기: 중세의 음악 이론

특징
--

고대 그리스인들은 음악을 수학(과학적) 관점

* 피타고라스 등

또는 윤리학적 관점에 입각해 바라봤다

* 플라톤, 아리스토텔레스 등

## 피타고라스(수학, 과학적 관점)의 경우

수학자답게 완전음정을 발견하였다

* 1:2 비율관계를 가진 두 망치소리의 음정은 옥타브 관계(완전 8도)
* 2:3 비율관계를 가진 두 망치소리의 음정은 완전 5도
* 3:4 비율관계를 가진 두 망치소리의 음정은 완전 4도 관계라는 것을 알아냄

여기에서 더 나아가서 우주의 (물리적) 질서(태양 및 주요 행성 간의 이동 속도 관계)와 음정 관계를 결부시키려는 시도도 했다 ~~오버워치 캐릭터인 시그마의 사상적 뿌리일지도 모른다 이 소리는 뭐지~~

이런 과학, 논리적 사고는 후대에도 영향을 줘서 대위법이나 화성법 등의 음악이론 발달의 토대가 되었음

* 현대인이 듣기에는 완전음정이 텅 비어있다는 느낌이 들지만 이성적으로 판단했을때
* 음 2개가 서로 완전히 조화롭게 통일된 느낌도 들었기 때문에
* 당시 사람들이 완전음정을 중시했다고 한다.

그만큼 이 시대 사람들은 이성으로 파악되는 단순하고 조화롭고 평온한 소리를 추구했던 거라고 볼 수 있다

## 플라톤(윤리학적 관점)의 경우

피타고라스의 음악이론을 계승하고 과감하게 개념적인 확장을 했으면서도

좀 더 윤리학적 관점('좋은 음악', '나쁜 음악'을 구별하여 좋은 음악을 추구하자는 사상)을 더 강조하게 되었음~~씹선비~~

* 대충 말하자면 '좋은 음악을 들으면 좋은 교육이 되어 음악적으로도 우아해지며,
* 그런 원리로 인해 옳고 그름을 분별할 수 있게 되고
* 반대로 그런 의미에서 나쁜 음악은 그 반대가 되어버리니 권장하지 말자는 식으로 얘기했음

한술 더떠서, 특정 음계 자체가 (성품에) 나쁘다는 딱지를 붙이기도 했음(도리안 스케일은 용맹하고, 프리지안 스케일은 불안한 느낌을 준다는 식)

* ~~좀 씹선비같긴 하지만 요즘도 특정 음악이나 장르에 대해~~
* ~~꼰대질하는 부류들이 있긴 하며(힙찔이 욕하는 등)~~
* ~~무엇보다도 '태교음악'이라는 개념이 아직도 있는 걸로 보아서~~
* ~~플라톤의 무시무시한 영향력을 가히 짐작할 수 있겠다~~

이 당시에는 음악의 사운드 그 자체보다는

말과 윤리(음악보다는 음악 속에 있는 가사 등)를 더 중시하다보니

음악의 교육적 기능을 더 중시하여

이상적 인간을 육성하기 위해서 그랬다고 한다

* 그래서 영웅서사와 교훈 위주의 관점이 지배적이었음

이런 식으로 인간의 이성과 이상에 맞게 인간을 육성하는 전통은

이후에 대학 교양교육에도 영향을 줬다고 한다

## 당대 그리스 미술사조와의 관계

아는 정보와 메시지에 대한 기록과 전달을 중시하여

기호적이라고 할 수 있는, 동시대의 고대 이집트 예술사조와는 다르게

이런 식으로 이상적인 수적 비율, 조화, 균형, 보이는 대로 아름답게 묘사(아름다움을 보이는 대로 재현)하고

인간 개발을 위한 교양에 대한 개념이 있는 등을 특징으로 하는 사조는

그리스의 미술뿐만 아니라 다른 예술이나 철학에서도 드러났다고 할 수 있다.

* 이런 식으로 인간의 이성과 이상을 중시하면서 음악을 수학, 과학, 윤리적 관점으로 바라보게 되었다고 한다.
1990년대의 락

상위 문서: 1990년대의 영미권 음악

같이 보기: 1990년대의 락 차트

## 이 시대의 주요 장르

팝 펑크

* 원래 70년대부터 원시적 형태로 존재하긴 했는데
* 90년대부터 (얼터너티브 - 펑크 리바이벌 물결과 연계되어) 대중화됨

얼터너티브 락(그런지, 포스트 그런지)

* 원래 80년대 후반부터 대중화되기 시작해서
* 90년대에 전체적 음악시장 판도를 바꿔버린 장르

NWOAHM(New wave of American heavy metal)

* 얼터너티브 메탈
	+ 뉴메탈
* 그루브 메탈
* 메탈코어
* 인더스트리얼 메탈을 중심으로 한
* 미국 메탈의 거대한 시대적 흐름을 주도한 운동을 표현하는 말
	+ 해당 문서 참조

## 얼터너티브 락의 주요 하위 장르

그런지

브릿팝

포스트 그런지

뉴메탈
감정과다양식

상위 문서: 바로크와 고전파 시대 사이의 과도기

(獨): **Empfindsamer style**

설명
--

갈랑 양식에 표현적 요소가 더해진 독일의 양식

* 이 양식의 경우 넘쳐나는 인간 감정을
* 긍정적인 것으로 조명하려고 했으며
* 인간의 감정 표출을 건전한 삶의 기준으로 삼아
* 감정과다를 중시하는 관점이 반영되었다

이 장르가 독일식 이름을 가지고 있으며

대표곡 중의 하나가 C. P. E. 바흐의 것이긴 하지만

이 양식도 갈랑 양식처럼 이태리에서 유래했다고 한다

* 비발디의 일부 후기 협주곡에서도 분명히 이런 증거가 드러난다고 함

## 음악적 특징

풍부한 표현, 열광적이고 자유롭게 말하는 듯한 칸타빌레 멜로디,

갑작스러운 화성의 변경, 반음계주의, 흥분된 리듬

아다지오 악장, 단조의 사용이 특징이며

바로크의 도식적인 감정이론에 반발하여

솔직하고 자연스러운 감정 표현을 존중하며

갑작스러운 기분의 변화가 특징적이다

* 이 양식을 표현하기에 적합했는지
* 음량은 적지만 강약 표현이
* 좀 더 풍부해지기 시작한
* 클라비코드(및 클라비어 계열 악기)가
* 주로 사용되었다고 한다

## 대표적 감정과다양식 작곡가들

스카를라티, 삼마르티니, 갈루피, 텔레만, J.C.바흐(영국)

C.P.E.Bach(임마누엘 바흐, 클라비코드로도 유명함),

바겐자일(비엔나), 슈타미츠(만하임 악파) 등이 있다.

## 대표적인 곡

C. P. E. 바흐의 '피아노소나타 A장조'(Wq. 55/4, H. 186) 등이 있다.

* 특히 이 작품 중에서 '2악장' 부분이 가장 두드러지게 나타난다고 함

## C. P. E. 바흐의 '피아노소나타 A장조'(Wq. 55/4, H. 186)

원래 이 곡은 피아노가 없던 시절의

건반악기를 위한 곡이지만

흔히 '피아노소나타'로 번역된다.

* 1악장은 격정적 느낌으로
* 여러가지 연주 음형들을
* 배치하는 등의 방식을 통해
* 음향 대조에 의한 적극적 표현력을
* 보여줬다고 평가되며

2악장은 느린 템포와 어울리는 약박 기준의 선율 주기와 동시에

셋잇단음표와 짧은 부점 음형을 포함한

가지각색의 리듬 패턴과 스카치 스냅 음형(영문위키 링크 참조),

음 5개와 13개로 만들어낸 비대칭적이고 화려한 장식적 음형과 구조,

이런 식으로 만들어진 리듬 간의 대비,

끊이지 않고 흥분하는 듯 변하는 꾸밈음,

그밖에도 장식적 음계와 장단조를 넘나드는 전조 등이

넘쳐 흐르는 듯한 들뜨고 활기찬 감정을 표현하여

감정과다양식을 잘 드러냈다고 평가된다.

* 이후 C. P. E. 바흐는 선율의 색다른 전환, 박에서의 쉼표,
* 강약의 갑작스러운 변화, 예상치 못한 화성 이동과 상행하는 동형 진행으로
* 불안과 흥분을 야기하는 방법을 탐구했으며,
* 또한 그는 정서적으로 활발한 기악 작품에도
* 음악적인 대화와 레치타티보 패시지 등
* 오페라적인 요소를 도입하여 표현력을 발전시켰음
Tempus Fugue-it

상위 문서: 버드 파월

## 이 곡을 만들 당시 버드 파월의 상황

병원에 몇달간 입원했었고, 또 다시 입원할 일이 생기긴 했지만

그의 위엄쩌는 영감과 창의적인 작곡, 그리고 피아노 실력은 녹슬지 않았었다

* 심지어 이때 기존 곡의 코드진행을 사용하긴 했지만
* 바로크식 대위법과 모던 재즈 화성기법을 적용한
* 창작곡을 구상해서 만들 정도였다

이때 부드러운 셋잇단음과 싱커페이션 쉼표의 우아한 곡인 Celia와 함께

이 곡을 발표하게 된 것이다

## 곡 설명

제목은 일종의 언어 유희이며

* 푸가와 라틴어 격언을 섞은 말장난이다

1949년에 녹음된 32마디 대중가요 형식의 비밥 재즈 곡이다

서주 - 코러스 1(헤드) - 간주곡 - 코러스 2 - 코러스 3 - 코러스 4 - 코러스 5(헤드) - 코다 순의 구성이다

* 코러스 1(헤드)에서 압도적으로 강력한 베이스 라인과
* 빠른 꾸밈음으로 장식된 불협화음 코드가 특징이다
AC/DC

설명
--

호주의 하드 락 밴드

## 70년대 대표 앨범

AC/DC - High Voltage

AC/DC - Dirty Deeds Done Dirt Cheap

AC/DC - Let There Be Rock

AC/DC - Highway to Hell

## 80년대 대표 앨범

AC/DC - Back in Black

AC/DC - For Those About to Rock We Salute You

AC/DC - Flick of the Switch

AC/DC - Blow Up Your Video

## 90년대 대표 앨범

AC/DC - The Razors Edge

AC/DC - Ballbreaker

## 2000년대 대표 앨범

AC/DC - Stiff Upper Lip

AC/DC - Black Ice

## 대표적인 컴필레이션 앨범

90년대

* AC/DC - Bonfire

2010년대

* AC/DC - Iron Man 2(사운드트랙)
1970년대 한국의 포크 음악

상위 문서: 1970년대 한국의 대중음악

설명
--

포크 장르는 원래 미국에서 유래했으며

당시 월남전 등으로 인해

미국에서 히피나 반전 운동 등의 저항적 사회분위기가 기승을 부릴때

포크가 융성했으며

이런 미국 히피들의 음악적 움직임은 우드스탁 페스티벌때 극대화되었음

이런 것들을 계기로 미국 등지에서 융성하게 된 포크 음악이 한국에도 도입되어 발전했음

* 당시의 일본도 전공투 등의 급진적 분위기 때문인지
* 미국과 한국과는 또 다른 독자적인 갈라파고스 포크 음악이 발달했던것 같다(링크 참조)

## 당시 한국의 포크 문화

일본 포크와 마찬가지로 청년 대학생들의 문화였음

대학생이 MT에서 부르고, 청바지, 생맥주 문화를 즐기며

통기타를 치면서 부른다는 강한 이미지가 있었음

* 군사독재시대에 미국 포크의 저항적 특성을 받아들여 반체제적 성격이 강했음

## 주요 아티스트

한대수

김민기

양병집

세시봉 아티스트

양희은

## 한대수

국내의 1세대 포크 뮤지션

히피의 문화를 적극 받아들였음

* 히피문화의 영향으로 패션 뿐만 아니라
* 음악적으로도 자유와 저항성이 엿보였음

그런 이유로 군사독재정권에서 탄압받기도 했음

## 김민기

역시 저항적 싱어송라이터 중 하나

양희은이 부른 '아침이슬'로 유명함

## 세시봉의 아티스트

서울 무교동의 음악살롱 '세시봉'을 거점으로 한 포크 아티스트들로써

조영남, 윤형주, 송창식, 이장희, 김세환 등이 있었음

## 양희은

특징

* 특유의 청아한 목소리를 현재에도 유지하는 것으로 유명함
* 사랑, 이별 등의 감정을 담백하고 품위있게 표현하는 것으로 평가됨

파급력

* 의도한 것은 아니지만
* '아침이슬'이 사회적 파급력을 얻어
* 사회운동과 엮인 적도 있었음
I'm Coming Virginia

상위 문서: 베니 카터

설명
--

윌 마리온 쿡과 도널드 헤이우드가 1926년에 작곡한 재즈 스탠다드

* 베니 카터 특유의 편곡적 특징이 드러나는 곡이기도 함

베니 카터 버전의 경우 국경과 인종을 넘은 통합적 팀이 연주했으며

1938년에 녹음되었음

## 음악적 특징

베니 카터의 알토 색소폰 솔로와

장고 라인하르트의 기타 코러스

그리고 베니 카터 특유의 편곡에서 보이는

절정적 색소폰이 특징임

## 곡의 형식(베니 카터 버전)

24마디 대중가요 형식의 빅 밴드 스윙

서주 - 코러스 1 - 간주곡 - 코러스 2 - 코러스 3 - 코러스 4 - 간주곡 - 코러스 5 순서로 구성되어 있으며

하나의 코러스는 A-A'-B 형식으로 구성되어 있음

* 코러스 1에서 베니 카터 특유의 절정적 색소폰을 느낄 수 있음
고전파 시대의 협주적 교향곡

상위 문서: 고전파 시대의 협주곡

설명
--

고전파 시대 특유의 협주곡 형태 중 하나

* 참여하는 독주 악기의 수에 따라
* 이중, 삼중(다중) 협주곡 등으로 불리며
* 주 음악적 재료가 독주자에게 위임된 형태임

이런 토대 안에서 이 작품의 작곡가나 연주자 모두 기량을 뽐낼 수 있게 된다고 함

## 이런 형태가 나타나게 된 시대적 배경

1770년경 음악회 중심의 생활이 점차 확장되자

커다란 관현악 음향에 맞춰 대가적인 독주와

유쾌한 선율을 선호하는 파리 대중의 취향에 반응하여 탄생했다고 함

## 바로크 시대의 합주협주곡과의 차이점

독주 악기들이 여러 개이므로

얼핏 보면 바로크 시대의

합주협주곡(콘체르토 그로소)를

떠올릴 수는 있을 지도 모른다.

* 하지만 독주 악기들의 역할 면에서
* 그것과는 음악적 성격에서
* 다르다고 할 수 있다.

## 대표적인 작곡가

슈타미츠, 하이든

모차르트, 베토벤 등
낭만파 시대 북유럽의 민족주의 음악

상위 문서: 후기 낭만파 시대의 민족주의 음악

특징
--

민속 선율, 민요적인 요소 등이 반영되었다고 함

## 대표적인 작곡가

노르웨이의 에드워드 그리그(1843~1907)와

대표작인 '핀란디아'로 유명한

핀란드의 시벨리우스(1865~1957) 등이 있음

## 그리그의 대표작

페르귄트 모음곡

* 어떤 젊은 노르웨이 농부의 체험을 그린 연극 음악

피아노 협주곡(1868)

* 슈만의 피아노 협주곡을 모델로 삼은 작품

그밖의 가곡 및 피아노 소품 다수

* 이 가곡 및 피아노 소품들은
* 5음음계, 장단조 혼용,
* 노르웨이 민요 특유의 선율 및 화성 등
* 노르웨이 고유의 민요적 특성이
* 잘 드러난다고 평가됨

## J. Sibelius(시벨리우스)의 '핀란디아'

1917년 러시아로부터 독립하기 전이었던

러시아 점령기 당시에

출판의 자유 보장 투쟁을 하던

당시 핀란드의 상황 속에서

민족주의를 대변하는 상징이 된 작품

* 그리고 이 작품의 세 번째 주제로 등장하는 선율은
* 핀란드의 국민 정서를 대변하는 선율로써 널리 확산되었다
낭만파 시대의 프랑스 오페라와 발레

## 당시 프랑스 오페라의 전반적인 특징

당시 프랑스인들은 오페라에

이야기 구조, 말의 전달을 중시했으며

인위적으로 기교적인 성악 양식보다는

무대 비주얼적 화려함을 추구했음

* 그래서 그들은 이전의 프랑스 발레 전통과
* 대규모 합창, 호화스러운 비주얼 및
* 그에 비해 장식성이 약한 아리아 양식 등
* 기존 프랑스 오페라 고유의 전통적인 면모들을 고수했음

그밖에도 당시 프랑스 오페라는

사랑, 가족, 애국충정 및

역사적 사건에 대한 시각 제시 등과 관련된

다양한 주제와 내용을

기발한 볼거리와 함께 연출했음

* 이 연출을 위한 수단으로써
* 무대장치 기술의
* 대혁신을 보여줬다고 한다.

## 당시 프랑스 오페라의 분류

오페라 코미크, 서정 오페라, 그랑 오페라로 분류할 수 있음

* 하지만 대사, 레치타티보의 정도와 규모를 제외하고
* 실질적으로 이 셋의 서사 내용적 차이는 없음

비제의 카르멘도 비극적 내용이지만 말로 하는 대사라서 오페라 코미크임

## 서정 오페라

위의 것들 이외에도

서정 오페라(Lyric Opera) 역시

19세기 후반에 나타나서

인기를 얻었다고 한다

* 낭만파 시대의 프랑스 서정 오페라 문서 참조

## 오페라 코미크와 오페레타

당시에는 고전파 시대부터 존재하여

레시타티브 없이 대화로 된 게 특징이라

오페라와 연극의 중간 격이라고 할 수 있는

'오페라 코미크'도 인기였음

* 이 장르는 겉치레를 덜 중시하고
* 소규모라서 출연자 규모도 작고
* 음악도 단순하였으며
* 희극적 내용을 담았음
* (가벼운 내용의 오페라를 의미)

(꼭 그렇지 않더라도

레치타티보가 노래가 아닌

대사로 되어있는 경우를

그냥 오페라 코미크라는 이름으로

싸잡아 불렀다고 함)

* 이 장르는 19세기 중반에 오면서
* 오페레타로 발전하기 시작했음

오페레타와 관련된 내용은 대중적 오페라 개념의 부상/유럽 대륙의 경우 문서를 참조 바라며

오페라 코미크에 대한 또 다른 설명은 낭만파 시대의 프랑스 서정 오페라 문서를 참조 바람
그루브 메탈

주로 쓰는 악기
 파생된 형태

## 대표적인 앨범 목록(80~90년대)

Machine Head - Burn My Eyes

Machine Head - The More Things Change...

Pantera - Cowboys from Hell

Pantera - Vulgar Display of Power

Pantera - Far Beyond Driven

Pantera - The Great Southern Trendkill

Exhorder - The Law

White Zombie - God of Thunder

Fear Factory - Demanufacture

Sepultura - Chaos A.D.

Sepultura - Against

Annihilator - King of the Kill

Prong - Beg to Differ

Vicious Rumors - Something Burning

Vicious Rumors - Cyberchrist

Jag Panzer - Dissident Alliance

## 대표적인 앨범 목록(2000년대 이후)

Machine Head - Through the Ashes of Empires

Machine Head - The Blackening

Machine Head - The Black Procession

Machine Head - Unto the Locust

Machine Head - Bloodstone & Diamonds

Pantera - Reinventing the Steel

Lamb of God - New American Gospel

Lamb of God - As the Palaces Burn

Lamb of God - Ashes of the Wake

Lamb of God - Sacrament

Lamb of God - Wrath

Lamb of God - Resolution

Lamb of God - VII: Sturm und Drang

Sepultura - Nation

Sepultura - Roorback

Sepultura - Dante XXI

Sepultura - A-Lex

Sepultura - Kairos

Sepultura - The Mediator Between Head and Hands Must Be the Heart

Sepultura - Machine Messiah

Soulfly - Prophecy

Soulfly - Dark Ages

Soulfly - Conquer

Soulfly - Omen

Soulfly - Enslaved

Soulfly - Savages

Soulfly - Archangel

Cavalera Conspiracy - Inflikted

Cavalera Conspiracy - Blunt Force Trauma

Throwdown - Venom & Tears

Throwdown - Deathless

Anthrax - Worship Music

Anthrax - For All Kings

Five Finger Death Punch - War Is the Answer

Annihilator - Waking the Fury

Prong - Carved Into Stone

Prong - Ruining Lives

Prong - Songs from the Black Hole

Vicious Rumors - Sadistic Symphony

## 퓨전 그루브 메탈 앨범 목록

프록메탈계

* Gojira - Terra Incognita
* Gojira - The Link
* Gojira - Maciste All'Inferno
* Gojira - From Mars to Sirius
* Gojira - The Way of All Flesh
* Gojira - L'Enfant Sauvage
* Gojira - Magma
* Byzantine - The Fundamental Component
* Byzantine - ...And They Shall Take Up Serpents
* Byzantine - Oblivion Beckons
* Byzantine - Byzantine
* Byzantine - To Release Is to Resolve
* Annihilator - Carnival Diablos
* Annihilator - All for You
* Annihilator - Schizo Deluxe
* Annihilator - Metal

얼터너티브, 뉴메탈계

* Anthrax - Volume 8: The Threat Is Real
* Anthrax - We've Come for You All
* Five Finger Death Punch - American Capitalist
* Five Finger Death Punch - The Wrong Side of Heaven and the Righteous Side of Hell, Volume 1
* Five Finger Death Punch - Got Your Six
* Sepultura - Roots
* Machine Head - The Burning Red
* Prong - Prove You Wrong(인더스트리얼도 퓨전)
* Prong - Cleansing(인더스트리얼도 퓨전)
* Prong - Rude Awakening(인더스트리얼도 퓨전)

인더스트리얼계

* Annihilator - Remains
* Prong - Whose Fist Is this Anyway?
* Prong - Scorpio Rising
* Prong - Power of the Damager