Fundamentos del Arte II. Arte del Siglo XX (II) Bloque VI: El Art Decó

**EL ART DECÓ**

## 1. Introducción. Los felices años 29

Tras la **Primera Guerra Mundial** (1914-18), uno de los conflictos  más  mortíferos de  la  historia,  en  la  que  por cierto, España adoptó una posición oficial de neutralidad, como Suiza, Luxemburgo o los países escandinavos, se inicia una etapa que ha sido denominado como los **felices** o **locos** años veinte. Fue la época del jazz, del cine, del Charlestón y de una desenfrenada alegría de vivir en una época de expansión económica, optimismo hacia el futuro y auge del consumo.

Los **avances científicos** y **tecnológicos** se aprecian en la medicina, aviación, la industria automovilística y el surgimiento de los primeros electrodomésticos como aspiradoras, planchas, lavadoras e incluso lavavajillas, solo al alcance de una minoría. Se popularizó la **radio** y el uso del teléfono. Se fue difundiendo  en la sociedad occidental la mentalidad **consumista** y se favoreció la inversión en bolsa, el crédito y la venta a plazos. Muchos consumidores se endeudaron viviendo por encima de sus posibilidades, lo cual a la larga tendría consecuencias funestas.

También tuvieron efectos positivos la demanda de la construcción de rascacielos como por ejemplo en Nueva York, la ciudad ***déco*** por antonomasia.

Son **hechos históricos** relevantes de aquella época:

* La creación de la **Sociedad de Naciones** como institución internacional para evitar que un conflicto como el de la Gran Guerra volviera a repetirse.
* El triunfo del comunismo en Rusia, liquidado su imperio y su familia real, tras la sangrienta guerra civil. Se crea la **URSS**, Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas.
* **Estados Unidos** se afianza como potencia mundial. Su rápido desarrollo económico estaba basado en una economía capitalista, dominada por la innovación técnica, con escasa intervención del Estado. De esta forma se disminuían costes y se  aumentaba  la producción, obteniendo  más  beneficios. El *crack* de la Bolsa del 29 daría al traste con este auge económico propiciando la llegada de la Gran Depresión de los años 30.
* **Alemania**,asfixiada por las onerosas disposiciones del Tratado de Versalles, experimentó una grave crisis de su sistema financiero mientras trataba de lograr una estabilidad democrática con la **República de Weimar**.

* La situación en **Francia** no era mucho mejor, lo que propició el descontento social que se traduciría en una inestabilidad política permanente.

* **Japón** extendió su presencia en Asia apoderándose de Corea, zonas de China y colonias alemanas del Pacífico.

* Las **dictaduras** también se expandieron por el sur de Europa:

Mussolini en Italia, Salazar en Portugal, Primo de Rivera en España o Alejandro I en Yugoslavia.  En el caso de  España  durante la  dictadura  de Miguel Primo de Rivera (1923-30) la economía estuvo fuertemente dirigida desde el poder, es decir, vigilada y potenciada por el Estado. Se produjo así, una fuerte intervención estatal en todos los ámbitos económicos.

* Desde el punto de **vista cultural**, los años 20 son una época fascinante en la que confluyen diversos movimientos de vanguardia como el grupo *De Stijl*, el Surrealismo o *la Bauhaus* en paralelo a esa otra alternativa a la vanguardia que fue el *Art Déco.*

## 2. **EL ART DÉCO: CONCEPTO Y DELIMITACIÓN**

Con el término Art Déco denominamos a un **movimiento artístico complejo y contradictorio** que se desarrolla, en sentido estricto en los años 20 pero, en sentido general, desde aproximadamente 1910 hasta 1939. Hoy por hoy, todavía está a debate la definición exacta y el alcance de esta corriente cultural.

Su nombre es un apócope del término francés **décoratif** alusión a la **Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes**, celebrada en París en 1925, donde se presentó por primera  vez  este  estilo.  Fue  una muestra de diseño de interiores, objetos decorativos, cerámica, muebles, lámparas,  esculturas,  piezas textiles, moda, etc. Participaron casi todos los países europeos, con la excepción de Alemania, entonces el país que había perdido la guerra.

El vocablo déco surgió en torno a los años 60 en Inglaterra e Italia, coincidiendo plenamente con el revival retro de este estilo.

El Art Déco fue el primer y último estilo suntuoso del siglo XX. Surgió en Francia, concretamente en París y su difusión ha sido amplísima por todo el mundo: *Estados  Unidos,  Italia, España,  Inglaterra,  la India,  Australia, Japón, etc.*

Tuvo una expansión global pero sin ningún manifiesto que lo sustentara. Lo complejo de este movimiento y su carácter incierto propició que más que de Art Déco podemos hablar de art Décos (en plural) dada la variedad de soluciones formales que vamos a encontrar en esta corriente artística.

Fue fundamentalmente u*n estilo arquitectónico y de artes decorativas*. Preconizaba la idea de arte total y que este estilo impregnara toda la vida cotidiana (desde la moda, hasta el mobiliario, pasando por el diseño industrial, joyas o artes gráficas). Produjeron *desde objetos de lujo hasta diseños industriales*. La intención era crear obras modernas y elegantes que simbolizaran riqueza y sofisticación. Fue básicamente un movimiento artístico “de moda”, con la voluntad intencionada de crear estilo.

Ha sido un estilo muy **menospreciado** y minusvalorado durante décadas por los  artistas  de vanguardia  y  los críticos de arte por su **carácter fuertemente esteticista**. Y es que los artistas déco buscaban sin reparos la **belleza**, la **excelencia**, utilizando materiales costosos. Fue considerado como un estilo frívolo, nostálgico, sentimental, e incluso anticuado. Hoy se piensa que el Art Déco es, a la vez, una **alternativa** y una síntesis de las  primeras  **vanguardias**. Particularmente  el **cubismo** y el **futurismo** italiano están en la base de muchas de sus propuestas.

Aunque este estilo pasó de moda durante la Segunda Guerra Mundial, durante los **años 60** hubo un renovado interés por el diseño *Art Déco* (se le denominó *Retro*)

### **2.2 Del *Art Nouveau* al *Art Déco* o la evolución desde el arte basado en la naturaleza al arte geométrico**

No se entiende el *Art Déco* sin tener en cuenta a su predecesor, **el Modernismo o *Art Nouveau****.* Cronológica y estilísticamente, es evidente que hay una cierta continuidad y **evolución** de un estilo al otro. El Modernismo está finiquitado hacia **1910**, fecha aproximada en la que se va forjando el *Déco*. Ambos comparten muchos puntos en común:

* Son estilos **esteticistas**, que preconizan como valor supremo la belleza. Buscan embellecer la vida cotidiana. En cierto sentido son herederos del Romanticismo y del Movimiento *Arts & Crafts*. El contrapunto al *Art Déco* sería la *Bauhaus*, escuela artística alemana que huye de la ornamentación y  del esteticismo,  intentando  crear formas limpias y geométricas vinculándolas con la producción industrial.

* Desean que su estilo abarque las Bellas Artes y las Artes Decorativas y el Diseño por igual. Es la búsqueda del arte total.

* Ambos movimientos pretenden ser reflejo de la **modernidad** de su época. Recordemos que el lema de  la vertiente modernista

vienesa, la Secesión, señalaba: “a cada época su arte, a cada arte, la libertad”.

* El Modernismo pretendía ser el arte de la **burguesía** triunfante. El *Art Déco* contaba entre sus comitentes con **elites adineradas**. Paulatinamente, los diseños exclusivos de uno y otro se imitarían, popularizarían y difundirían entre todas las clases sociales. Así por ejemplo, el estilo *Déco* lo podemos encontrar en hoteles, restaurantes, transatlánticos, cines, teatros y gasolineras.

* La **fortuna crítica** de estos movimientos ha sido particularmente negativa, por parte sobre todo de los artistas de vanguardia. En general, ambos estilos son hoy en día apreciados, especialmente el Modernismo.

* No reniegan de la **ornamentación**. Si en el Modernismo primaba la decoración de carácter *floral* y los sinuosos arabesco (como el célebre golpe de látigo  de  Víctor Horta) en  el  *Déco* prefieren

los  motivos  ornamentales **geométricos** y  depurados, de  formas simples y claras, estilizadas y simétricas. En esa pasión por lo geométrico está presente la
huella **cubista** así como la fascinación por la velocidad y las máquinas
de raíz **futurista**. Los **temas omnipresentes** en el estilo déco son
las diagonales, las líneas en zigzag, las líneas rectas, círculos, cuadrados, ciervos, galgos, gacelas, las fuentes, olas, espirales, estrellas, palmas, rayos de sol, y por supuesto, la temática femenina (vestida o desnuda). Si en el Modernismo encontrábamos **mujeres** de silueta reloj de arena con pelo
largo y ondulado en el *Art Déco* en cambio, aparecen muchachas andróginas, con silueta cilíndrica y pelo corto a lo
*garçonne*. En ambos estilos está
presente el influjo **oriental**.

* ·

Las i**nfluencias**
**perceptibles en el *Art Déco* son**
muy variadas. Aparte del arte de vanguardia hay que destacar: la naturaleza, el
arte egipcio, aborigen, africano, maya y azteca, los ballets rusos de
Diágilev... A estos elementos hay que añadir, a partir de 1925, el creciente
impacto de las máquinas, que se plasmaban repetidas o solapadas y en los años
treinta se impusieron formas derivadas del diseño aerodinámico. La línea recta
se convirtió en una fuente de belleza.

* ·

El  *Art*
Déco  *difiere  del*
Art  Nouveau  que
enfatizaban  el  carácter
único  y  la
originalidad  artesanal  de
formas orgánicas. Con el tiempo los objetos art déco se difundieron
masivamente gracias a su producción industrial.
**3. PINTURA Y ESCULTURA DÉCO Tamara DE LEMPICKA (1898-1980)**

María  Górska más conocida como **Tamara DE LEMPICKA**. Transgresora,
independiente y moderna, es la **pintora**
del estilo **Art Déco** por antonomasia,
un compendio del espíritu de esa época. Nació en el seno de una familia
adinerada en Varsovia (Polonia). Su padre abandonó a la familia cuando era
pequeña y será criada por una abuela y su tía. Estudió en Suiza. Vivió en San
Petersburgo (Rusia) y allí se casó muy joven con un abogado ruso, Tadeusz
Lempicka, de quien tomaría el apellido. Desde niña sintió fascinación por el
arte y el lujo. Le encantaban las
joyas,  particularmente  las
esmeraldas,  los  diamantes
y  los rubíes. Artista cosmopolita
y viajera, vivió en Polonia, Rusia, Francia, Estados Unidos y Méjico. En Méjico
pasó sus últimos años y allí murió en 1980.

Cuando estalló la revolución bolchevique en 1917 huyó con su marido a **París** donde viviría una vida mundana,
de fiestas y excesos, pero donde también se convertiría en la **retratista** de las celebridades de la
época. En 1926 se divorció de su primer marido. Viajó en numerosas ocasiones a
Italia. A pesar de su aparente vida glamurosa, sufrió intensas depresiones que
no le daban tregua.

Esta fascinante artista, que tuvo una vida de película, fue adorada
y  despreciada  a
partes  iguales,  pues  para
algunos vanguardistas  representaba el
paradigma de lo kitsch o un personaje esteticista de otra época. Ella y su arte
eran considerados como la esencia de la frivolidad. Su pasión por la belleza y
el lujo no casaban con los artistas de vanguardia.

Aunque no la faltó trabajo como retratista de las elites
aristocráticas, en el mundo del arte no fue aceptada en general, ni por sus
colegas pintores ni por los críticos de arte.

Su objetivo como
pintora no era copiar la realidad sino **crear**
un nuevo estilo**, brillante y de colores luminosos donde predomine la** elegancia **de las figuras representadas.**
Y es que Lempicka  se  especializó
en  **retratos  de mujeres déco**,
con fondos arquitectónicos de **rascacielos**
de ese estilo, muy abundantes en sus cuadros. En sus obras retrata el nuevo
paradigma de la mujer de los años 20 y 30, mujeres que pretenden ser
emancipadas, que fuman, conducen su propio coche, adoptan una indumentaria un
tanto andrógina, con cabello        a lo
garçon, que hacen deporte, viajan y disfrutan de la vida... Muchos retratos de **líneas netas** y **pulidas** son desnudos y en ocasiones, muestra abiertamente escenas
de homosexualidad femenina. Los cuerpos que pinta suelen ser muy **escultóricos**, con formas rotundas, como
si fueran estatuas clásicas pero sin estar basadas en las proporciones
perfectas del canon griego.

Las **miradas** de los
retratados suelen ser **melancólicas**,
tristes o pensativas. Consideraba que se autorretrataba en todas sus obras.

Sus referentes estéticos son muy variados: oscilan entre la pintura
italiana del **Renacimiento** (en  especial adoraba la obra de Bronzino), las
conexiones con las odaliscas rotundas
del neoclásico francés Jean Auguste Dominique **INGRES** y sobre todo el influjo del **Cubismo**.

Las líneas depuradas, facetadas y geométricas que dominan su obra
también nos remiten a **PICASSO**, y no
solo al cubista, sino también al más “clásico” de la “vuelta al orden” de los
años 20. Entre sus profesores en París destaca el **neocubista** André **LOTHE**.
Sin duda Lothe es el que más profundamente marcó su obra pictórica y de él
asimiló un cubismo “blando”. Asimismo, hay ciertas coincidencias entre Lempicka
con los pintores alemanes de la Nueva Objetividad, epitomizan el glamour
decadente de la época de la República de Weimar.

Sus pinturas parecen **imágenes** de revistas de **moda**. Concede mucha importancia  a
la  pose,  la
vestimenta, incluso el maquillaje. Incluso ella misma posaba como si
fuera una estrella de cine, siempre sofisticada, siempre elegante y a la
última. De hecho la llegaron a comparar con la mítica Greta Garbo con la que
guardaba un cierto parecido.

Su etapa dorada como
pintora coincide plenamente con el período déco, fundamentalmente en la década
de los años 25 al 35. Se casó dos veces y tuvo una hija Kizette, a la que
retrató con frecuencia en cuadros que están entre lo mejor de su producción.

En los años 40 se estableció en Estados Unidos con su segundo y
millonario marido  e  inició
allí  una  etapa abstracta intentando formar parte de la
pintura americana con escaso éxito.

Las **celebridades hollywoodenses**
adoran los cuadros de Tamara de Lempicka. Es frecuente que el estilo déco o
neodéco decora muchas de sus mansiones. Por eso no es extraño que  la actual y
principal coleccionista de las obras
de  Lempicka  sea  **Madonna**
**y  también,  aunque**
en  menor  medida,
el  actor  **Jack  Nicholson**
**y  la  cantante** Barbara  Streisand**.**

Entre sus pinturas
podemos destacar: ***la Duquesa de la Salle*** (1925) es un retrato maravilloso que
muestra a una mujer andrógina, que viste un *tuxedo*
*de corte masculino. Las referencias arquitectónicas no faltan en el fondo*
del cuadro.

En ***La bella Rafaela***, de 1927, se han observado reminiscencias del
tenebrismo de Caravaggio con su énfasis en el juego entre luces y sombras. Pero
en esta obra el foco se ha centrado en el cuerpo escultural de la mujer
representada.

Su ***Autorretrato en un Bugatti verd*e** (1929)
es su cuadro posiblemente más conocido. En ella se representa como una mujer
moderna y distinguida, llevando guantes y un
sombrero  muy  ajustado
tipo  *cloche.* Aparece conduciendo
un coche deportivo Bugatti–que nunca tuvo-­‐ sugiriendo la idea de velocidad y
las máquinas temas que fascinaban a los artistas de vanguardia, en especial a
los vinculados con el futurismo italiano. Capta, como en una fotografía, un
momento exacto. Esta pintura fue un encargo para la portada de una publicación
alemana llamada *Die Dame* especializada
en promover la imagen de una mujer moderna. Por eso es una obra que está a
caballo entre las bellas artes y el diseño gráfico y de moda. El maquillaje
también es muy *déco*.

***La música*** (1929) es una bella alegoría sobre este arte. Es
representada como una elegante mujer de pelo oscuro, absorbida en su
interpretación musical. Recordemos que las referencias a la música fueron muy
habituales en la pintura cubista a inicios del siglo XX.

El más ávido coleccionista de las obras de Tamara de Lempicka fue el ***doctor***
Boucard ***al que retrató  con***
apariencia de espía de película en 1929. De hecho, durante la Segunda Guerra
Mundial tangencialmente se vio envuelto en actividades de espionaje.  Su yate fue utilizado por la Resistencia  francesa
para  transportar municiones y
andando el tiempo lo adquirió  el magnate
griego Aristóteles Onassis. En este cuadro, el famoso bacteriólogo aparece con
los simbólicos tubos de ensayo y microscopio para que  no
nos  quede  duda
de  su filiación laboral. Como
ganó mucho dinero con sus investigaciones médicas pudo adquirir retratos de
Lempicka. Este retrato nos transmite una imagen muy glamurosa del doctor, muy
lejana al trabajo real de un científico. Esta pintora también retrató a la
esposa e hija de Boucard.

**4. Entre el Arte de Vanguardia y el *Art Déco:* Constantin BRANCUSI y Pablo GARGALLO**

En la escultura *déco* abundan
las piezas de pequeño tamaño muy decorativas y realizadas con excelentes
materiales.

**Tangencialment**e algunos artistas de vanguardia rozan el *Art Déco*. Este hecho es frecuente en los
artistas de la denominada  **Escuela  de**
París**,  especie  de**
“cajón  de  sastre”
que  aglutina  a
pintores  y  escultores
de  difícila dscripción a un
estilo determinado o que  muestran  en
sus  producciones  varias
tendencias  simultáneamente. Estos
artistas se establecieron en **París**,
la capital del arte durante los primeros decenios del  siglo
XX.  Son ejemplos de ello el
rumano Constant Brancusi y el español Pablo Gargallo, que aun siendo muy  diferentes, muestran puntos en común y en
algún caso se acercan al *Art Déco.*

El escultor rumano **Constantin**
BRANCUSI **(1876-1957) después de una formación clásica en la escuela de**
Bellas Artes de **Bucarest**, se estableció en **París**. Trabajó durante
un tiempo en el taller de un escultor academicista y después un mes con **Rodin**.
Brancusi fue el escultor innovador que definió la escultura moderna:
esquemática, primitiva y geométrica. Sus orígenes rumanos también le
influyeron. Recordemos que **Rumanía** es un país con una tradición milenaria
en la talla de madera y la escultura en piedra. Sus fuentes de inspiración
fueron los mitos, el folklore y el arte primitivo así como las esculturas en
madera de **Gauguin**. Brancusi muestra un gusto por las formas abstractas
(aunque a él despreciaba que le denominaran con ese calificativo). En su
producción escultórica predominan las superficies muy **pulidas** en bronce
y mármol de formas depuradas y sin ornamentación, reducidas  a lo **esencial**. Sus  esculturas
ejemplifican representaciones
arquetípicas  del tema que
representan como en su célebre obra ***El***
beso. ***Conviene recordar que este tema ya lo había tratado con éxito***
Rodin. Del ***Beso*** de Brancusi
existen  varias versiones que abarcan
desde el año  1907 hasta  1945. Su primer *Beso* está fechado en los años **1907**‐**1908.** Representa
un giro radical en la producción escultórica de la época. Se desentiende
totalmente de su maestro Rodin. Busca una nueva realidad plástica, despojada y
reducida a la simplicidad más esencial, sin detalles ni motivos ornamentales,
nada decorativa. Es un bloque de piedra formada por dos bustos de perfil
pegados uno al otro. Parecen plasmar la frase bíblica “y serán un solo
cuerpo...” porque hasta el ojo lo comparten. Solo la presencia del cabello y
otras formas anatómicas levemente  insinuadas  nos permiten deducir la presencia de dos
seres. Se ha interpretado como una metáfora
del  artista  frente
a  su materia. En 1910, Brancusi
retomó este tema para un monumento funerario en recuerdo de una joven rusa que
se suicidó por amor queriendo simbolizar la fuerza de este sentimiento frente a
la eternidad. La versión del **Beso** de 1916 es la más geométrica de la
serie que dedicó a este tema. Refleja la influencia del Cubismo y la
fascinación de este escultor por el arte primitivo, africano, asirio y egipcio.

A  diferencia  de
Auguste  Rodin,  Brancusi
trabajaba  directamente  con
los  **materiales** (mármol,
piedra,  bronce, madera y metal) sin utilizar modelos
en yeso o cerámica. Tallaba directamente la piedra o el material que fuese.
Brancusi  fue  amigo
íntimo  de  muchos
**artistas**,  sobre  todo
dadaístas  y  surrealistas
entre  los  que
sobresalen Marcel Duchamp, Man Ray o Tristan Tzara.

Retratos,
cabezas y bustos fueron frecuentes temas en la obra de Brancusi fruto de
encargos de diversos coleccionistas. Solía hacer numerosas versiones de sus
obras.

Otro ejemplo destacado de su producción que le acerca al geometrismo
elegante y pulido del ***Déco*** es
la ***Musa dormida*** (1909-10), cuyo
ejemplar en bronce nos recuerda también a otras piezas de **Gargallo**. La
forma ovoide de la musa para Brancusi
era lo absoluto. El **sueño** nos remite al Simbolismo y al
Surrealismo, tema capital en ambos movimientos. Se ha interpretado como una
reflexión sobre la realidad presente más en el interior del ser humano y en el
sueño que en el mundo exterior. El refinamiento extremo de esta obra nos remite
a  otras
culturas,  principalmente asiática.

Por su parte, ***la columna sin fin*** (1918) sugiere la
idea del infinito por la repetición de idénticas formas romboidales y refleja
la afinidad de Brancusi con lo sagrado, cósmico y mítico.

**Pablo GARGALLO (1881-1934)**

Gargallo, con sus coetáneos **Picasso**
**y** Julio González**, son los**
máximos representantes españoles de la escultura de **vanguardia** e investigan en técnicas y materiales, en especial con
el **hierro**, convertido, gracias al
desarrollo industrial en todo un material simbólico.

Hijo de un herrero, Pablo Gargallo nació en un pueblo de **Aragón**, Maella y murió en Reus
(Cataluña) en 1934. Cuando el pequeño Pablo contaba siete años se traslada con
su familia a vivir a **Barcelona** y
allí aprendería los primeros rudimentos del arte con su maestro Eusebio Arnau.
Con Arnau empezó de aprendiz y años después colaboraría con él en la
realización de diversos encargos escultóricos. Estudió en la Escuela de Bellas
Artes de la Lonja. En sus inicios realiza un arte realista. Asiduo a las
tertulias del café ***Els Quatre Gats***, allí conoce a Nonell o Picasso, involucrándose
en los círculos **modernistas** de la
ciudad condal. A inicios del siglo XX, se instala en **París** durante un año gracias a una beca. En París le impacta la
obra de **Rodin** y en la Ciudad de la
Luz conoce al poeta y pintor Max Jacob. Se deja influir por el arte de
vanguardia, en particular el **Cubismo**.
En Madrid trabajó como medallista y en Barcelona realizó las esculturas que
decoran el Hospital de Santa Cruz y San Pablo.

También diseñó y realizó joyas. Gargallo destacó en el empleo del **metal**
**en sus esculturas (bronce, hierro, incluso plomo y cobre) siendo sus obras**
un juego entre lo lleno y lo vacío. Son muy
innovadoras  e ingeniosas sus **máscaras**
**y** rostros en chapa metálica**. En su producción plástica, hay**
esculturas que no rechazan la tradición  pero en general obras predomina la investigación
vanguardista, a caballo entre el **cubismo** y el **expresionismo**, como
se aprecia en su  obra  cumbre,
***El  profeta*,** fechada en 1933. La pugna
entre **masa‐vacío** es una de sus características más esenciales e
innovadoras como se aprecia en sus esculturas dedicadas a las *bailarinas*, el *David*, la actriz *Greta Garbo*,
*Kiki de Montparnasse*, *el Profeta* y muchas otras.

Habitualmente
usaba **plantillas  de cartón** para hacer las esculturas de
chapa metálica. Con los cartones recortados podía hacer varias versiones de una
misma obra  y  calcular la
cantidad  de  metal que
necesitaba. A partir daba forma a las piezas de hierro en caliente,
golpeando el metal con un yunque. Para terminar unía las distintas piezas
mediante soldadura.

De **Julio González** aprendió la técnica de
la soldadura autógena. Sus últimos diez años de vida los pasó en París aunque
eventualmente viajaba a Barcelona a realizar diversos encargos. Murió con tan
solo 53 años cuando estaba en la cubre de su carrera. En **Zaragoza** se halla un museo enteramente dedicado a su obra, abierto
en 1985. Pablo Gargallo, el genio del vacío, está considerado como uno  de  los
escultores más **importantes** del siglo
XX.

Si tuviéramos que destacar alguna obra vinculada  o
cercana  al  *Art  Déco* serían  muy
representativas  su *Autorretrato* (1927), las esculturas
dedicadas a  *Greta Garbo* (1930) y sobre todo ***Kiki de Montparnasse*** (1928), por sus formas geométricas y sus
superficies pulidas de bronce. También ***La***
cabeza pensativa de mujer ***que nos recuerda muchísimo a la*** Musa dormida *de Brancusi'*, aunque la
del español (1908) es anterior a la del escultor rumano (1909-10). Kiki de
Montparnasse, también llamada la “Reina de Montparnasse”, barrio mítico de
artistas de París. Este retrato nos transmite la imagen de una mujer fascinante
y moderna, aunque Gargallo apenas la conoció. Estas dos obras son ejemplos de
escultura de vanguardias esteticistas, esquemáticas y geométricas. Por lo
demás, sus esculturas de desnudos femeninos ***noucentistas**,* podrían pasar perfectamente por
esculturas *déco.*

**5. JOYERÍA Y MODA *DÉCO***

**Notas distintivas de la joyería *Déco***

Sintetizando mucho, podemos considerar como **notas distintivas** de la joyería *déco*
*las siguientes:*

·
La joyería de este estilo muestra una fuerte
ligazón con el mundo de la **moda**. Las
tipologías de joyas más en boga están en función de la indumentaria típica de
la época. Así por ejemplo, el **cabello a**
lo *garçonne* **influyó en el diseño**
de joyas ya que al exponer las orejas y el cuello, permitía la introducción de **largos pendientes**. Cartier, por
ejemplo, se adaptó a los nuevos tiempos y diseñó joyas para ser llevadas con el
pelo corto.

·
El vestido sin cintura y la afición por los **deportes** que se desarrolló en los años
veinte ayudó a popularizar el **reloj de**
pulsera**. El vestido característico de esta etapa era sin mangas y ello**
permitía al diseñador de joyas imaginar toda clase de decoraciones para la **muñeca** y **el brazo**. Surgieron diversos
tipos  de  **brazaletes**.  Podían
tener diseños de flores, dibujos geométricos o motivos exóticos. Se
podía llevar hasta cuatro o cinco de ellos a la vez. Por  otro  lado,  el
sombrero  campana  o  ***cloche*,** que
hizo  su  aparición
en  el  invierno
de  1923  fue
otro  de  los símbolos del *Art Déco.* Cuando  la mujer
salía sin  su  *cloche*,
resaltaban el cabello  con  clips de pedrería, que se llevaban planos
sobre la cabeza o con un ***bandeau***.

·
Como en el resto de las artes, la joyería *Déco* es una evolución de su precedente *Nouveau*, pero ambas siempre, con la
misma carga **esteticista.** De diseños
esencialmente florales se evoluciona hacia formas claramente **geométricas**, aunque la temática
naturalista no se abandona.

·
Los **motivos**
principales '*en el diseño de joyas* Art
Déco *son formas simples: cuadrados, círculos, zigzag, rectángulos,*
triángulos u otros. Las formas abstractas procedentes de la arquitectura  de
las  antiguas civilizaciones, de
los zigurats babilónicas y de los templos escalonados mayas y aztecas, se
vieron reflejados en el diseño de joyas. Se eliminaron los detalles superfluos
tendiendo a la simplificación máxima.

·
La influencia del arte de vanguardia,
particularmente el **Cubismo,**
Constructivismo ruso, Fauvismo y Neoplasticismo**, está presente en muchos de**
sus diseños. Del mismo modo, la huella de otras épocas y estilos. son bien evidentes, particularmente
del arte **egipcio.** La influencia **oriental** es palpable en muchas
joyas (India, Persia, China, Japón, etc.) así como el exotismo de los Ballets
Rusos de Diágilev. Otras **influencias** provenían de las colonias francesas
de **África**: máscaras tribales o estatuillas.

·
Las joyas *Déco*
*pretenden ser diseños exclusivos, '*lujosos
**y** elegantes**, solo aptos  para**
una  minoría  que
los pudiera costear. Afortunadamente, tuvo un gran auge la **bisutería** que propició que los motivos *déco* se difundieran a costes mucho más
reducidos.

·
Son joyas de **rica policromía** de influencia en algún caso, *fauvista*.

·
Como
sabemos,  el  estilo
*Déco* está
lejos  de  ser
homogéneo.  Por  ello
encontraremos  joyas  de  líneas  muy **depuradas**
**y otras mucho más recargadas.**

·
Se diferencian las joyas del día de las joyas
para la noche.

·
Las **tipologías** son muy variadas, son
verdaderas obras de arte en miniatura. Tienen mucha importancia los accesorios.
Podemos destacar: anillos; pendientes; colgantes o *pendants*; broches; clips para el pelo; collares de perlas; pulseras
y brazaletes; tiaras,  diademas  y  *bandeaux*
*(diadema  con  forma*
de  banda sobre la frente);
relojes; *vanity case* (o cajitas de
maquillaje); *cigarette case* (pitilleras);
los bolsos-joyas se confeccionaban con telas lujosas o pieles exóticas y con
monturas o cierres de oro o platino. orientales.

·
Por lo que se refiere a los **materiales**,
suelen ser siempre de gran calidad. Se pusieron de moda las perlas, los corales
(se le atribuían grandes propiedades, como la de prolongar la vida), el jade (muy
valorado, causaba furor, era de influencia oriental), el ámbar, el ónice, la
piedra de luna, el lapislázuli, los rubíes, las esmeraldas y aguamarinas y
otras piedras exóticas. Nuevos diseños ligeros, muchas veces montados en
platino, sustituyeron a las antiguas joyas pesadas que los tejidos ligeros no
podían sostener. También son habituales los diamantes, el oro, la plata, la laca
y los esmaltes. Como material más peculiar, podemos destacar la cáscara de
huevo aplastada, que se empleaba en las pitilleras.

·
En cuanto a los **diseñadores  déco** predominan
los franceses. Hay que señalar que no se circunscriben únicamente a este
estilo. Entre ellos destaca Cartier.

**5.1 El arte de CARTIER. Comparación de las joyas *DÉCO* de CARTIER con las de otras épocas**

Cartier simboliza la **joyería de**
lujo **con mayúsculas, definida por la belleza de sus diseños, la riqueza y**
elegancia de los materiales y la perfección del acabado.

El origen de esta emblemática empresa de joyería parisina se encuentra
en el siglo XIX. En 1847 **Louis-François CARTIER** era un empleado en el
taller de joyería de Adolphe Picard. Años después se estableció por su cuenta
cerca del Palais Royal. El **refinamiento** de las joyas de Cartier, de
inspiración antigua y clásica, no tardó en llamar la atención de una **clientela**
**elegante.**Alfred**, hijo de Louis-**
François,  se  hizo
cargo  del  negocio
en  1874.  Paralelamente,  el
descubrimiento  a  finales
de  los  años
1860  de yacimientos de **diamantes** en Sudáfrica tuvo un impacto
enorme en el mundo de la joyería al proporcionar una repentina abundancia de
piedras de gran calidad. Las joyas de ese periodo estaban montadas en
guarnición de plata y oro, características de la época, y estaban inspiradas en
el estilo Louis XV, también conocido como estilo Guirnalda, que alcanzó su
punto culminante en 1890 y seguiría de moda hasta la Primera Guerra Mundial.
Entretanto, para resolver el problema de oxidación de la plata, Cartier empezó
a usar el platino, cuyas maleabilidad, blancura y resistencia le permitieron
realizar monturas etéreas que parecían encajes y guirnaldas de diamantes.

Alfred tuvo tres hijos: Louis, Pierre, y Jacques. En 1898, Louis se
asoció a su padre en el negocio familiar, y sus hermanos lo siguieron unos años
después. Demostró tener sensibilidad hacia la belleza e instinto para el
comercio, y en 1899 convenció a Alfred de que había que trasladarse a la calle
más elegante de la ciudad, al número 13 de la Rue de la Paix, que actualmente
sigue siendo el edificio emblema de la Casa Cartier.

Ya en **1904**, aparecieron diseños visionarios
que se caracterizaban por sus líneas geométricas y sus formas abstractas, en
claro contraste con el estilo Guirnalda. En el año **1909** se produjo un importante acontecimiento artístico: los Ballets
Rusos de Sergéi **Diágilev** triunfaron
en París. La explosión de colores yuxtapuestos fascinó a Louis Cartier. Una de
sus combinaciones favoritas era la de azul y verde, que se tradujo en una
magnífica mezcla de turquesas, lapislázuli y jade o de piedras preciosas como
los zafiros y las esmeraldas.

Los grandes cambios de los felices **años 20**, con su prosperidad
económica e innovación técnica sin precedentes propiciaron una -limitada-
emancipación femenina y su transformación en la manera de vestirse y de
peinarse. La tendencia volvió a cambiar en los años **treinta** con el
regreso de una silueta  más  femenina,
con  la  cintura marcada y el pelo más largo. Debido a
las dificultades económicas de la época, las llamadas “piedras finas”
sustituyeron a los diamantes, más costoso.

El **ónix u ónice** se usaba
desde la primera década del siglo XX y se convertiría en una de las piedras
favoritas de Cartier. Ponía de relieve los diamantes y reforzaba las líneas de
las piezas de joyería. Entre esa primera década y la de los años treinta, el **cristal de roca** pulido se convirtió en
otro de los materiales preferidos de Cartier.

Fue bastante antes de la Primera Guerra Mundial cuando Cartier apostó
por la modernidad del estilo ***Déco*** en sus piezas, de forma casi
visionaria, en un momento en el que se estaba fraguando este estilo. En la
exposición de **París de Artes Decorativas**
e Industriales **de** *1925*, **Cartier expuso con gran éxito**
sus joyas, no junto al resto de sus compañeros de profesión, sino en el  Pabellón de la Elegancia rodeado  de
los  modistas  más
destacados  de  la época.

Las formas puramente geométricas se limitaron a las monturas de
broches o a los motivos decorativos de ciertos objetos, como las pitilleras. A
finales de los años veinte, con el estilo *Art*
Déco *se volvió a la ligereza del '*platino
**y al brillo de los** diamantes **que**
habían caracterizado los valores tonales de principios de siglo. Se

Los joyeros de la Casa Cartier, especialmente Louis Cartier, se **inspiraban** en otras **épocas, estilos y civilizaciones.**

Louis Cartier sentía verdadera pasión por las **culturas exóticas**.
Si el **arte islámico** le resultaba verdaderamente fascinante (había
conformado una exquisita colección de miniaturas persas) las **artes egipcias,**
chinas e indias **tuvieron similar influencia en las piezas de Cartier a**
partir de 1910. Reunió una extraordinaria **biblioteca** de obras de consulta
que le sirvieron de inspiración para sus diseños de joyas. También buscó **fragmentos**
**auténticos de arte antiguo que incorporaba en sus creaciones de joyas y**
otros objetos. Cartier realizó una interpretación única de las piezas de estilo
*Art Déco* de los años veinte
mediante  una  inusual combinación  de
fragmentos  de  arte antiguo no europeo con monturas
modernas.

**- Egipto**

La
fascinación de Louis  Cartier por  la **civilización egipcia** y su
herencia  cultural se manifiesta  a partir de 1910, cuando incorpora un toque
específicamente egipcio en sus joyas. Sin embargo, en 1922, cuando Howard
Carter descubrió la tumba de Tutankamón, volvió a colocar a Egipto en el centro
de su atención creativa. Las piezas de inspiración egipcia de Cartier pueden
dividirse en dos grupos distintos: las joyas y objetos decorados con adornos
egipcios como los que figuraban en las obras de consulta, y aquellos que
incorporaban una antigüedad egipcia auténtica.

Entre los motivos de **inspiración**
**egipcia destacan la flor del loto, el escarabeo y la esfinge, en**
brazaletes, clips de hombro y broches. Despojadas de su significación
simbólica, aquellas imágenes confirieron una ligera feminidad y un nuevo
exotismo al diseño de joyas. Diamantes, rubíes, esmeraldas y zafiros se
alternaban con piedras semipreciosas como el ónice.

- **Persia y la India** fueron
una fuente continua de inspiración para Cartier.

En 1911, Jacques Cartier viajó por primera vez a la **India**, donde fue testigo del gran
respeto que las joyas y relojes parisienses suscitaban en los marajás. Esos
soberanos invertían grandes sumas en piezas de Cartier y le confiaban sus
propias piedras para que las montara en piezas contemporáneas, generalmente en
platino. Este contacto con la India también inspiró a Cartier en el diseño de
magníficos aderezos de estilo hindú. Las
piedras  labradas mediante
técnicas lapidarias tradicionales de la India abrieron nuevas vías  a
la  creatividad  de
Cartier.  Rubíes, zafiros y esmeraldas
eran cinceladas formando hojas o cuentas gallonadas y engastadas en joyas con
motivos de frutas y frondas conocidas como las piezas *Tutti Frutti.*

Los joyeros también buscaron una inspiración de **origen persa** para su creación de piezas como turbantes y diademas,
con una paleta de colores rosa, amarillo, malva y rojo cereza.

**- Extremo  Oriente**

Durante el periodo Art Decó, los *vanity*
cases *y las pitilleras realizadas bajo la huella del arte oriental*
conocieron un éxito sin precedentes. Su diversidad de dimensiones daba a los
diseñadores mucha libertad creativa. El **jade**
**antiguo era una piedra muy apreciada en los diseños de joyería.**

**-** **China:** el oriente más exótico inspiró a Cartier, en particular las
pagodas y dragones chinos, especialmente para sus diseños de broches. Los
lacados solían estar presentes en los *vanity*
case*.*

**- Japón:** la
forma  del  *vanity  case* provenía  del  **“inro**”  japonés (una
cajita  dividida  en
varios  compartimentos). Aunque
pequeño, en él se acomodaban todos los elementos necesarios: espejo, polvera,
barra de labios y peine. Las *vanity case* solían
ser rectangulares, oblongos u ovalados, y colgaban de un cordón de seda.

**Los relojes de pulsera Cartier**

Desde que abrió sus puertas al público en 1853, la casa Cartier ha
creado **relojes** de diversos tipos. En 1904, Louis Cartier regaló al **aviador**
**brasileño Alberto Santos Dumont un reloj cuya esfera era visible mientras**
pilotaba su aeronave. Comercializado en 1911, el **reloj de pulsera Santos** fue
el primer reloj concebido para ser llevado únicamente en la muñeca. Los tres
modelos siguientes conocerían el mismo éxito inmediato.

**5.2 Coco CHANEL  y la revolución del traje femenino**

La escalera de caracol es una metáfora que podría resumir la vida de
Coco **Chanel**: su ascensión social,
cultural y económica, su relación con el éxito y la fama, y al mismo tiempo su
soledad, sus altibajos amorosos y su coraza con la que se protegía del mundo.
Por otro lado, la escalera de su *Maison* de
París en su vida era su lugar emblemático ya que le encantaba observar desde
ella a las modelos, dando los últimos retoques a sus diseños antes de ser
mostrados en los desfiles.

Gabrielle Bonheur “Coco” Chanel nació el 19 de agosto de **1883** en
Saumur (Francia)  y murió en París un
domingo, el 10 de enero de **1971**, precisamente el único día de la semana
que no trabajaba.

Tuvo una **vida** de novela o de película, llena de luces y
sombras, de golpes maestros y genialidades. Como Tamara de Lempicka, era una
gran fabuladora sobre sus vivencias, marcadas por diversos traumas (como el
abandono de su padre) o la muerte en accidente de tráfico del que fuera su gran
amor, el británico rico y cultivado Arthur Edward “Boy” Capel.

A
los 12 años se queda huérfana de madre e ingresa con sus dos hermanas en la
Abadía de **Aubazine** para ser educada por las monjas ya que su padre no se
hizo cargo de ella. En ese monasterio orfanato aprendió a coser y se quedó
fascinada con el arte sacro, en particular las vidrieras de la iglesia, futura
fuente de inspiración para su **logotipo**. Desde muy joven trabajó como **dependienta**
**de una mercería y como corista por las**
noches.  Muy solicitada por los
oficiales, se enamoró de uno de ellos, un jinete de buena familia, gracias al
cual se inicia como **sombrerera** en París. En 1910, con tan solo 27 años,
abrió su propia casa de modas en el 21 de la Rue Cambon parisina, y dos años
más tarde, en Deauville *y* Biarritz,
estalló su fama Chanel no fue una diseñadora más. Fue una **creadora**
de vanguardia **que revolucionó la moda propiciando  la formación**
de un nuevo **paradigma**
**de mujer: moderna,**
elegante, sofisticada y libre, ajena a corsés
e imposiciones. Favoreció así,
la emancipación de la mujer a través de la indumentaria. Es la innovadora que
fulmina la moda decimonónica con sus diseños de **inspiración masculina**,
un tanto andróginos en sus inicios, pero de una gran feminidad al mismo tiempo.
Fomentó el corte de pelo ***Bob***.

Chanel, en sintonía con su época, transformó la **silueta** femenina
de una manera **revolucionaria**: acortó la falda, eliminó el corsé, liberó
la cintura, favoreció la libertad de
movimientos.  Esta  nueva
silueta  sencilla  que
tiene mucho que ver con el sobrio **funcionalismo arquitectónico** de
su tiempo, lo plasmó en su diseño más icónico y revolucionario:  '*la* Petite
Robe Noir ***(PRN o LBD), un vestido negro de cóctel que creó en 1926.***
Chanel  fue  de
las  primeras diseñadores en
valorar el **negro** como el color
epítome de la elegancia. Hasta entonces era un color de luto y el color de la servidumbre.
Sea como fuere es un diseño clásico, atemporal. Supuso en cierta medida la **democratización**
**de la moda porque este atuendo podía ser fácilmente imitado. El largo de la**
falda tenía que ser justo por debajo de la rodilla, lo que se conoce como “**el**
largo Chanel**”. Le horrorizaban las minifaldas y que los hombres y mujeres**
vistieran igual. Le encantaban los pantalones y los tejidos de punto.
Interpretó de una forma nueva la **feminidad,** convencida de que la
independencia proporciona el poder.

Chanel
también puso de moda **broncearse** la
piel. Para ella el aroma era tan importante como la indumentaria por eso se
dedicará también a crear **perfumes**.
Asimismo, fue la primera modista diseñadora de joyas con diamantes. La revista
Time la eligió como una de las 100 figuras más influyentes del siglo XX.

Chanel se codeó con lo más granado de la **intelectualidad** y los
artistas de la época. Fue **amiga** de la mítica Misia Sert y también de su
marido, el pintor español José María Sert; viajaba con el cineasta Visconti;
también trató a Picasso y Dalí; defendió a muerte a Diághilev (le costeó su
entierro en Venecia) y apoyó sin ambages al músico Igor Stravinsky costeando
sus colaboraciones con los Ballets Rusos para que él tuviera trabajo. También
ayudó con  frecuencia  a  **Jean  Cocteau**,
especialmente  para  que
abandonara  sus  adicciones.
Fue  una  apasionada
de  la literatura.

En los años treinta empezó a diseñar para **Hollywood**: Marlene
Dietrich, Greta Garbo, Gloria
Swanson…  La escritora Colette
escribió su vida.

Al estallar la **II Guerra**
Mundial **cerró su casa de modas y se convirtió en sospechosa**
colaboracionista de los nazis por sus amistades con un oficial alemán. Después
de pasar un tiempo en **Suiza**, en los
años cincuenta reapareció en el mundo de la alta costura con gran éxito.

\*Las camelias.

\*Los zapatos bicolores.

\*El bolso 2.55.

\*El sastre (traje en dos piezas) Chanel en tweed. Para este traje de
chaqueta se inspiró en el uniforme de su orfanato.

\*El perfume Chanel nº 5.

\*Los collares de perlas.

\*El *rouge* Chanel.

Hecha a sí misma,
fue la personificación de la **elegancia**
**y luchó en igualdad de circunstancias que los hombres. Creó un gran *emporio* que llegó a tener más de 3500 empleados**
y que abarcaba la moda, la joyería
y el maquillaje. Coco Chanel fue una diseñadora que creó un **estilo** que sería imitado por las mujeres
de distintas clases sociales. Controvertida, exigente
y  difícil, trabajadora  incansable, siempre
creando  e  innovando,
su  temperamento  y  su talante dejaron
un legado que hoy sigue estando vigente.  Chanel
es la marca de más **éxito** de todos los tiempos.