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"Manhattan" (1979) dialoga com "Annie Hall" (1977, lancado no Brasil com o titulo de Noivo neurotico, noiva nervosa). O tema e o mesmo: o amor. O diretor Woody Allen traz o amor para a dimensao do cotidiano, sem os cliches dos filmes romanticos que acabam em final feliz ou tragedia.Em Annie Hall, o personagem principal Alvy Singer (Woody Allen) nao sabe o que quer e deixa escapar aquela que talvez fosse o grande amor da sua vida.Em Manhattan, Isaac Davis (Allen) pensa que sabe o que quer, mas tambem nao sabe. Aos 42 anos e namorando uma garota de 17 (Tracy, interpretada por Mariel Hemingway), Isaac acredita que e muito cedo para que a jovem se apaixone por ele e a aconselha a procurar rapazes da sua idade, que viva cada amor de sua juventude, cada um ao seu tempo. Mas o amor nao correspondido por Mary (Diane Keaton), uma mulher mais madura, expoe a fragilidade de suas conviccoes.As duvidas dos personagens sobre a pessoa ideal sao a fonte de suas insegurancas e ansiedades. Na tentativa platonica de buscar o verdadeiro amor, Alvy Singer e Isaac Davis se preocupam com o futuro e esquecem o presente. Com isso deixam de viver intensamente suas paixoes e acabam eternamente frustrados.A ultima frase de Manhattan e dita pela jovem Tracy e soa como uma filosofia profunda que Isaac, apesar de 25 anos mais velho, nao conseguiu perceber: "You have to have a little faith in people" ("Voce tem que ter um pouco de fe nas pessoas"). Com essa frase, Woody Allen encerra o filme e deixa em aberto a questao de dar uma chance ao destino - acreditar nas pessoas e nao tentar controla-las parece ser o segredo do amor.Manhattan tem como pano de fundo a cidade de Nova York. E nada mais nova-iorquino do que a escolha de George Gershwin para a trilha sonora do filme. Gershwin e Allen nasceram no Brooklin. E ambos sintetizam magistralmente, na musica e no cinema respectivamente, a cidade e seu tempo.O filme, todo rodado em preto e branco, cria uma atmosfera noir que contrasta com a realidade de Nova York, uma das cidades mais iluminadas do mundo. Woody Allen talvez queira revelar a essencia da cidade, retirando suas cores e expondo seus contrastes e tornando o filme mais intimista.Em ambos os filmes a trilha sonora e economica um estimulo a reflexao atraves dos dialogos com um minimo de interferencia da musica, que geralmente e usada no cinema para guiar as emocoes do espectador.Annie Hall tem uma rigidez formal e tecnica mais apurada que Manhattan. As cenas tem quase todas a mesma duracao de aproximadamente um minuto. O som e sempre inserido para marcar a transicao abrupta para uma nova cena. Esse controle do tempo e da transicao sonora das cenas mostra a preocupacao do diretor com a montagem do filme, deixando-o com um ritmo forte que prende o espectador e que mereceu o Oscar de melhor filme. Em Manhattan nao ha essa rigidez. Cenas da cidade com a musica de Gershwin ao fundo oferecem um contraponto aos dialogos,
deixando o espectador "respirar" e tornando a narrativa mais fluida e menos impositiva.Ambos os filmes oferecem ao espectador momentos de reflexao sobre o amor, o tempo e a vida. Como toda obra de arte nao perderam seu valor com o tempo, pelo contrario. A distancia de trinta anos que nos separa da epoca em que os filmes foram lancados oferece a possibilidade de um novo questionamento que complementa as reflexoes propostas por Woody Allen. Mais cedo ou mais tarde cada um se pergunta: o que fiz nos ultimos trinta anos e o que pretendo fazer nos proximos trinta? Uma questao que a propria vida nos coloca como crise da meia-idade.
Sim, nos sentimos perdidos diante da pintura de Gabriela Machado. Por pouco tempo, perdidos. Ou para sempre. As pinceladas, as cores, o empasto e a massa fazem a vez de guias. O espectador e levado a um novo lugar, o qual nao se sabe qual e nem se interessa saber. O que interessa e ser levado a esse novo lugar. Nos perdemos no lugar que acreditavamos ser definido para nos encontrarmos no indefinido. Ali, nao ha o genio que atinge o gesto pelo transe. Ha a mente, que pensa, e o corpo, que pulsa. Do artista e do espectador.Ha tambem, e fortemente, uma dose de ansiedade. Ansiedade do fazer, da cor, da descoberta, da surpresa. Penso, entao, que sua obra e um sacrificio, porem, nesse momento, ainda dessacralizado . Ha o risco em virtude da ansia, mas suas opcoes sao sempre sacrificios. Um apos o outro. Cores que surgem, mas, em razao de um novo gesto ansioso, desaparecem (sacrificam-se); contornos se delineam, e uma nova pincelada, certamente arriscada, deforma e reforma (sacrificam-se). A obra se constroi, entao, de sacrificios sucessivos. A artista renuncia a todo momento aquilo que ja estava para se aventurar em algo que nao esta, nem tampouco e. Suas pinturas sao repletas de vida. Para a pintora, o trabalho nao e para se olhar, mas para se jogar. Entretanto, tal e a forca, que somos sugados, apreendidos, atraidos. Mergulhamos num mar de significados, imagens, formas. A tinta se mistura na tela e nao na paleta se arrisca na tela e nao na paleta. Gabriela Machado nos atinge profundamente com seus sacrificios, com sua paixao. Por sua potencia, a pintura, enfim, se sacraliza.Felipe Abdala O artista Waltercio Caldas certa vez escreveu: Todos os prefacios se assemelham. Insinuam alguma ironia, resumem rapidamente o que vai acontecer e desaparecem antes do assunto principal(1). Podemos dizer o mesmo dos discursos de colacao de grau: Todos se assemelham, insinuam alguma ironia, apresentam alguns causos e desaparecem sem deixar vestigios. Falo em nome dos que aqui se formam sem me sentir muito a vontade com a tarefa que me foi dada, pois como posso falar por todos se cada um nos tem uma diferente concepcao do que seja a arte? Os matematicos sabem o que e a matematica, os biologos sabem o que e a biologia, mas nos, que agora nos tornamos bachareis e licenciados em artes visuais e bachareis em historia da arte, passaremos a vida inteira remoendo a pergunta: afinal, o que e a arte? Sao muitas as manifestacoes culturais que podemos dar o nome de arte e elas estao por toda parte, nao apenas nos museus e galerias, mas tambem nas ruas, nas igrejas barrocas do centro do Rio, nos bailes funk dos morros cariocas, no carnaval que se aproxima. Ate onde ha ciencia, ha arte: das projecoes geometricas da perspectiva renascentista a arte genetica de nossos dias, a arte se entranha acintosamente nas coisas do dia-a-dia transformando o lugar-comum. No entanto, a nossa concepcao de arte, isto e, aquilo que nos acreditamos ser arte, e na verdade o resultado de teorias
que surgem quando diferentes disciplinas sociologia, antropologia, psicanalise, filosofia, estetica, etc. se propoem a investigar e analisar essa variedade de expressoes simbolicas e culturais(2). E e nesse nao-lugar, nessa co-presenca entre as coisas da vida e o emaranhamento de teorias, que podemos dizer que a arte promove o encontro entre a razao e a sensibilidade, entre o pensamento e o sentimento. A obra de arte, produto da imaginacao criadora e do discurso teorico, nos lanca sempre um desafio aos sentidos e a imaginacao: decifra-me ou te devoro. E e ai que entra o trabalho do historiador da arte: nao deixar que a arte caia no esquecimento, nao deixar que ela desapareca por completo na velocidade do tempo e nos espacos do mundo. O historiador preserva a memoria do objeto da arte, traz a tona a sua lembranca; restaura as condicoes de sua inteligibilidade; garante as geracoes futuras que o passado esteja sempre presente; torna a obra de arte sempre disponivel a analise critica. Se ao artista cabe materializar uma ideia, ao historiador da arte cabe restituir ao pensamento a ideia contida na materia. Ao arte-educador, por sua vez, cabe a tarefa de transmitir um pouco essa historia, de despertar nao apenas o olhar, mas principalmente o senso critico para as coisas que nos cercam. Engana-se quem pensa que o professor sabe tudo. O exercicio do magisterio so se realiza por completo na dupla-troca de saberes e de experiencias que se da no convivio entre alunos e professores. E nisso talvez a arte seja a mais generosa e gentil das disciplinas: aquela que oferece maior possibilidade de dialogo entre alunos e professores, ja que o verdadeiro da arte surge do dissenso tanto quanto do consenso. Por fim, mas nao por ultimo, cabe ao artista a dificil tarefa de reinventar a arte constantemente. E atraves do ato de criacao que o artista transforma a ideia em materia, em processo ou procedimento artistico. A obra de arte e um estranhamento na direcao do sensivel(3), uma especie de alienacao do pensamento. Ao se libertar da obra o artista nao mais responde por ela. E no embate com o publico e com a critica de arte que serao negociados os significados da obra de arte. E ao fazer a arte o artista gera tambem os espacos de convivencias, de trocas de experiencias, de negociacao de sentidos, de ressignificacao simbolica e de partilha do sensivel(4). Para encerrar esse discurso, se a arte e uma ficcao da cultura europeia, uma invencao da cultura burguesa, pelo menos podemos afirmar que e a mais maravilhosa das ficcoes! Que sejam sempre bem-vindas todas as formas de arte. E que sejam igualmente bem vindas todas as criticas, pois, sem arte e sem pensamento critico, nos hoje nao estariamos aqui.*Discurso proferido por Agnaldo Rego na ocasiao da colacao de grau dos alunos dos cursos de Bacharelado em Historia da Arte, Licenciatura e Bacharelado em Artes Visuais da UERJ, em 18 de fevereiro de 2011 no Teatro Noel Rosa-UERJ. (1) Prefacio de Waltercio Caldas da primeira edicao do livro Manual da ciencia popular, 2.ed.ampl. Sao
Paulo: Cosac Naify, 2007.(2) Cf. CAUQUELIN, Anne. Teorias da Arte. Sao Paulo: Martins, 2005.(3) HEGEL, G.W.F. Cursos de Estetica I. 2.ed.rev. Sao Paulo: EDUSP, 2001.(4) Cf. RANCIERE, Jacques. A partilha do sensivel: estetica e politica. Sao Paulo: EXO experimental org.; Ed. 34, 2005.
...essa historia de macaco pintando tela, ja deu e vai dar o que falar, vao aparecer como o "Daniel" os que aproveitam a ocasiao para mandar um pensamento"Kaozistico delirante" e aparecer mais que o macaco, que e quem ta pintando na cena...rsrsrsPo, palmas pro macaco, se o cara fica "incomodado" e nao consegue digerir uma clara jogada de marketing da rede "grobo", ou melhor, finge que nao consegue, mas deve ate fazer parte dela, e outra questao.No final sobra pro povo, ou pro macaco....sacanagem...As pessoas do grupo (roberto, agnaldo, carol, lu, ...) disseram bem, a vida por si so apresenta as solucoes e explicacoes para os problemas e dilemas, nos e que escolhemos o caminho mais simples ou o mais complexo para vivencia-los...O povo nao quer isso ou aquilo, e nem precisa de nada para ter cultura, o povo quer dignidade, humanidade, condicoes satisfatorias de vida e so...Cultura se faz atraves disso, da vida, das coisas do cotidiano, que mescladas com as informacoes adquiridas, formais ou nao, ganham novos formatos e significados...e assim "vamo que vamo"...Cartola nao precisou da escola pra criar "As Rosas Nao Falam", precisou dela apenas para formaliza-la... mas teve que viver o que viveu, para perceber que realmente elas nao falam...Bate outra vezCom esperancas o meu coracaoPois ja vai terminando o verao,EnfimVolto ao jardimCom a certeza que devo chorarPois bem sei que nao queres voltarPara mimQueixo-me as rosas,Mas que bobagemAs rosas nao falamSimplesmente as rosas exalamO perfume que roubam de ti, aiDevias virPara ver os meus olhos tristonhosE, quem sabe, sonhavas meus sonhosPor fim...abracoUbirataO. Vi um documentario ontem chamado My kid could paint that (no Brasil com o titulo "Pintora aos 4 anos").Conta a historia da menina Marla Olmstead que comecou a pintar aos 4 anos por incentivo dos pais e virou sucesso nos EUA, vendendo alguns quadros por dezenas de milhares de dolares.Comecaram a questionar a autenticidade das obras: o pai podia ser o pintor ou ter ao menos dado uma maozinha (de tinta).No final chegaram a conclusao que a garota era capaz de pintar sozinha (ainda que houvesse ajuda do pai em alguns quadros, suspeita nao comprovada...).O legal e o debate sobre arte: a velha querela abstrato x figurativo; como ainda persiste entre o publico a ideia de que a producao artistica deve se destacar pela pericia tecnica; a ideia de que pintura abstrata qualquer um faz e coisas do genero.O documentario tambem nos faz pensar em como situar a producao de arte infantil em um mundo publico da arte feita por e para adultos. Ninguem duvida da genialidade de Mozart quando crianca... mas e quanto a pintura abstrata de Marla?Me lembrei de uma passagem de Michael Fried, citada por Paul Wood no livro Arte Conceitual, que diz que se o espectador nao e capaz de reconhecer que uma pintura e magnifica entao nao ha nenhum argumento critico que possa substituir esse sentimento *.Particularmente, gostei de algumas pinturas que vi pelo site (sem que necessariamente as considere "magnificas"). Nao gostei das que se parecem com trabalhos escolares.No geral, e um trabalho que tem um apelo visual
forte, um bom equilibrio de cores, "arte de gente grande".Quanto ao titulo do documentario (original em ingles), acho que o diretor Amir Bar-Lev foi sensacionalista demais. Se meus filhos pintam daquele jeito eu nao sei. Eu, com certeza, nao.___* WOOD, Paul. Arte Conceitual. Sao Paulo: Cosac Naify, 2002. p.40
A procura das nao evidencias, vivenciasO que importa para mim, querida Sofia, e que voce nao esteja entre aqueles que consideram o mundo uma evidencia(O mundo de Sofia)Ocorreu-me de repente que nao e preciso ter ordem para viver. Nao ha padrao a seguir e nem ha o proprio padrao: nasco.(Agua Viva)1Recentemente comecei a ler um livro que peguei emprestado com uma amiga ha pelo menos cinco meses. O fato e que desde a adolescencia queria ler O mundo de Sofia, mas so agora estou lendo. E talvez nao houvesse momento melhor. O romance juvenil aborda questoes filosoficas que durante toda historia da humanidade instigaram (e instigam) estemaravilhoso e complexo pequeno universo que e o ser humanoe tem sido pra mim um resgate de uma percepcao de mundo que escapa ao marasmo da vida adulta, das linearidades e das evidencias.E com esse pensamento que desejo falar da acao Bem me quer, mal me quer de Luana AguiarBem me quer, mal me quer a principio e uma performance em que a artista depila inteiramente uma de suas sobrancelhas.Com uma pinca e um pequeno espelho de mao Luana arranca delicadamente um por um os pelos que aos poucos dao lugar a uma [ausencia] com que nao sabemos lidar. A contradicao de leveza e dor tambem nos [afeta], nao sabemos se apreciamos a bela mulher que se olha no espelho desenhando sua sobrancelha ou se fechamos os olhos sentindo a dor daquele ato que ultrapassa o feminino. .{A questao e que nao sabemos o que fazer com aquilo que [nao] nos e uma necessidade evidente.A partir do momento em que somos colocados diante de uma situacao limitrofe2 que nos obriga a encarar a deformacao de um padrao visual ou comportamental ao qual estamos habituados (a simetria e a depilacao regular do excesso de pelos das sobrancelhas), essa situacao nao diz respeito apenas a um limite do corpo, mas a um limite cultural, um limite que e fruto dos condicionamentos sociais a que estamos submetidos em nossas relacoes. Bem me quer, mal me quer nao fala apenas do feminino, seu ponto chave sao os padroes da sociedade ocidental. A ausencia daquela sobrancelha e uma quebra do ritmo ao qual estamos condicionados.Bem me quer, mal me quer nao e apenas uma performance, pois nao se encerra quando termina a acao.Ela continua...Reverbera na propria artista e em quem quer que a encontre. Ela cresce viva e sem definicao, como as sobrancelhas que ja nao sao mais assimetricas3.E continua, poeticamente, resgatando aquilo que nos esquecemos: a percepcao de mundo que escapa das evidencias.Se na experiencia estetica da arte nos (re)lembramos dessa percepcao, sao nas vivencias que nos damos conta de como e dificil e prazeroso ser o pequeno universo que (re)inventamos ser.1 Um dos meus livros favoritos. Clarice Lispector em 1a pessoa.2 Situacoes Limitrofes e como a artista intitula a serie de performances que vem produzindo desde 2008 com a abordagem dos limites do corpo.3 No dia seguinte a performance a sobrancelha restante foi retirada para manter a simetria do rosto. A critica contemporanea encontra uma producao artistica bastante diferente
da obtida na arte moderna. Toda a discussao em torno de questoes proprias a arte da especializacao do meio e de uma negacao do passado que podemos entender como uma nova postura, atraves de valores diferentes do passado, mas com referencia nele , possibilitou uma consciencia maior a respeito da conceituacao da obra de arte e por um outro lado, um esgotamento do meio (devido a intensa exploracao de seus recursos). Com isso, a arte se encaminha para o desenvolvimento de outras questoes, modificando tambem o seu entorno, a forma como deve ser percebida, os criterios e os juizos de valor a ela aplicados. A arte contemporanea, ao contrario do que se percebe nas vanguardas, nao possui um sentimento negativo a arte do passado. E parte do que define a arte contemporanea que a arte do passado esteja disponivel para qualquer uso que os artistas queiram lhe dar. (DANTO, 2006, p.7). Essa nova producao coloca em xeque a critica de arte, ou pelo menos como ate entao era desenvolvida.Arthur Danto chama atencao para a obra de Warhol: o que muda profundamente com a mostra de Warhol, naquele momento historico, e que a obra de arte nao se submete mais a nenhuma forma particular e que a analise da obra de arte nao se faz atraves da visao, mas da analise filosofica. (DANTO, 2000, p. 200) A questao colocada aqui e que a obra de arte so se diferencia do que nao e arte por se encontrar no museu, nao ha um carater visual que denomine aquele trabalho como arte. Existe aqui uma questao conceitual, que vinha sendo muito bem trabalhada no modernismo. Por isso Duchamp faz tanto sentido hoje, pois atua no campo conceitual e nao no da visualidade que Greenberg procurava. Pois bem, se a visualidade na obra de arte nao mais tem importancia, que criterios se estabelecerao para esse julgamento? Possui-los-a alguma validade?O que aconteceu foi que o critico, a partir de entao, ja podia dissolver as fronteiras que o separavam da criacao artistica. Nao literalmente, como vinha fazendo ate entao, mas artisticamente. Por que? Porque a mediacao e a ideia passaram a ter maior importancia do que o produto final. O critico que sempre usou conceitos para falar da mediacao e do produto, quer dizer, dos elementos formais do trabalho, o critico passou a usar ideias para falar quase apenas de ideias. No fim, o que o critico estava fazendo era o mesmo que o artista. Os dois fazendo arte e fazendo critica. (LEINER, p. 57)A critica de arte assim como o que passou a ser produzido, teve que sofrer modificacoes, pois uma crise e colocada em questao. Acreditamos que essa mudanca tenha sido em primeira instancia em relacao a metodologia abordada. Nao mais se poderia fazer uma critica baseando-se em apenas um carater da obra de arte, a apreensao dessa producao so se faz possivel com a ampliacao do olhar.Uma outra caracteristica da critica contemporanea, e que ela e isso pode estar relacionado ao que Sheila Leiner atenta se propoe a estabelecer um dialogo com a obra, a
Este ensaio parte da afirmacao de Schopenhauer de que a musica tem uma "intima relacao" com a "essencia verdadeira de todas as coisas". Apresentaremos em linhas gerais uma interpretacao metafisica atualizada para algumas formas de arte "tradicionais" - pintura, escultura, fotografia e, especialmente, musica e danca.Nao acredito que exista uma "essencia verdadeira de todas as coisas". Acho que a verdade e circunstancial. Uma musica pode "cair bem" hoje e ser bastante ruim no dia seguinte, dependendo do "estado de espirito" do sujeito, tanto do musico quanto do ouvinte (nem sempre o musico esta nos seus melhores dias).Mas acredito que a arte alem de ser uma manifestacao culturalmente determinada tambem e uma realizacao do "espirito". Nao usaremos a palavra "espirito" na ampla concepcao hegeliana do termo, ou seja, em relacao a verdade e a vida, ainda que neste ensaio a palavra remeta a propria vida do artista.Qual seria a melhor ou "mais elevada manifestacao do espirito" nas artes?A musica e uma forte candidata (Schopenhauer e Nietzsche atestam isso).Acho que a danca tambem...Na musica ha uma relacao direta de "producao e consumo", de comunicacao entre artista (produtor) e espectador (receptor). A musica invade a alma, a reacao e imediata.A sensacao que tenho e que alguns artistas tiram o som da alma. Da-se portanto, uma relacao espiritual entre o musico e o ouvinte, que nao e determinada pela razao.Ha tanto na musica quanto na danca uma forte relacao com o corpo, ao contrario, talvez, das outras artes em que a relacao e mais com a materia. A musica e a danca sao materializadas, encarnadas, no corpo do artista, o que estreita o vinculo entre as duas naturezas, a do homem e a da arte.Na musica o instrumento torna-se parte do corpo para a constituicao da obra.Na danca o corpo faz-se obra. A danca e uma especie de hibrido de tempo e espaco em que o corpo e o movimento oferecem o instante de beleza plastica, como na fotografia e na escultura ou mais precisamente como a "fotografia de uma escultura".Lembremos que na epoca de Shopenhauer a musica era executada ao vivo, nao existia gravacao. Portanto, so havia musica e danca com a presenca do artista.Alguem pode alegar que o musico e apenas um interprete e que a "verdade" estaria na partitura. No entanto essa verdade so se revela no momento da execucao da obra.Para Hegel, a aparencia e essencial a essencia, a forma e a materializacao da essencia.Como nao ha corpo sem alma e vice-versa (excluindo-se consideracoes religiosas) talvez a musica e a danca sejam as "mais elevadas manifestacoes do espirito", ja que instrinsecamente relacionadas ao corpo e vivenciadas simultaneamente por artista e espectador.Na pintura e na escultura eu procuro recriar mentalmente (imaginar) o momento do gesto criador. Nao consigo relacionar a pintura com a musica, mesmo diante dos quadros do Kandinsky.Mas tento, e as vezes consigo, perceber a sutileza e a delicadeza de cada pincelada, o gesto criador, o que me faz entrar em contato com o "genio" do artista no instante da criacao, como na musica.Na arte conceitual esse jogo de recriacao mental
e de ordem inteiramente racional, ate que um significado qualquer se revele. Ha uma relacao forte com o entendimento, com o "interesse especulativo". Uma obra de arte conceitual esta para a primeira critica de Kant, assim como a arte objetual esta para a terceira critica, ou seja, a necessidade do conceito ou do significado determinado pelo entendimento em oposicao a fruicao sensivel e desinteressada.