thegoodfellas/blogset-br huggingface dataset:
fazer com seu cinema. Quer fazer dramas, Tudo o que eu vejo em volta e sofrimento humano, diz ele, mas todos insistem que suas comedias antigas sao muito melhores. Ha sempre alguem querendo dar um palpite. Ele sofre cobrancas da critica, dos fas, de amigos, amantes, mas, sobretudo, dele mesmo. Em seu apartamento, bizarramente decorado com grandes fotografias em preto e branco, seus produtores, seu agente e sua secretaria insistem que ele deve comparecer ao fim de semana que esta sendo preparado por uma famosa critica de cinema para homenagea-lo. O evento acontecera em um hotel no litoral. Essa viagem dara inicio a uma rememoracao pessoal do protagonista que se mostra no filme por um belissimo entrecruzamento de realidade, memorias e imaginacao.Com a saida de todos, Sandy encontra-se so na sala de seu apartamento. Ele olha para fora da janela e entao ouvimos uma voz que vem do fora-de-campo: Em que esta pensando quando voce olha para la?. Sandy responde e aproxima-se de Dorrie, uma complicada e bela mulher que havia sido um grande amor no passado. De uma hora para outra, ela aparece ali, do seu lado, e os dois conversam amorosamente. Ouvimos entao um alarme que soa alto e de outro angulo percebemos o personagem que ainda olha sozinho para o mundo la fora. Sem cortes ou flash-backs, Sandy rememora Dorrie. E confuso e o espectador fica um tempo sem entender ja que, durante a viagem, Sandy se lembrara de Dorrie como alguem que ja nao esta mais com ele. Mas ela nao estava ali, na sala de seu apartamento? Era apenas uma lembranca, um desejo do protagonista que surge no filme assim, despretensiosamente.Em muitos momentos a memoria sera evocada dessa forma no filme de Woody Allen: atraves de belas sequencias que so depois descobrimos se tratar de uma lembranca ou imaginacao do personagem por estarem imbricadas nos outros planos. Acompanhamos uma cena como se ela estivesse de fato acontecendo e, de repente, atraves de um corte da montagem (e algumas vezes mesmo sem ele), podemos descobrir se tratar de uma lembranca, talvez um sonho, imaginacao ou mesmo outro filme do diretor protagonista. A metalinguagem e marcante em Memorias e crucial para dizer da memoria do personagem e do proprio diretor. Woody Allen parece nos falar que suas lembrancas tambem sao atravessadas pelos filmes, reais e imaginados. E isso e bem possivel, pois o cinema faz parte de sua propria historia de vida.A bela fotografia em preto e branco de Gordon Willis desempenha um papel importante na busca da figuracao das lembrancas. O universo da memoria e, na maioria das vezes, confuso e pouco distinto. As tonalidades do filme e alguns planos em lugares escuros nos remetem a esse lugar abstrato e onirico dos pensamentos e rememoracoes. Nada e muito claro quando tentamos nos lembrar de momentos passados e epocas vividas. Igualmente interessante para dizer da confusao que envolve o lugar das memorias e a presenca, no filme, do absurdo e de imagens que, talvez, poderiamos chamar de surrealistas: Voce pode me dar um autografo? um fa pede a Sandy
Bates, e completa: Eu nasci de cesariana.. Ou como no momento em que Sandy fica nervoso quando uma fa invade seu quarto para que eles durmam juntos e vemos, em seguida, uma cena em que um grupo de homens em companhia de Sandy tentam capturar sua raiva que havia escapado. A raiva e um mostro peludo que esta a solta assassinando varias pessoas. Ela e, entao, encontrada com a mae de Sandy nos bracos, a proxima vitima.Dessa maneira, Memorias segue, a cada plano, mostrando a dificuldade que temos de rememorar nossa vida e os momentos que se ja se foram e tambem para dar vazao a sentimentos e sensacoes nao expressas, principalmente quando passamos por momentos de crise e questionamentos, como acontece com Sandy. E preciso imaginar para lembrar; criar metaforas mentais absurdas para conferir sentido a alguns acontecimentos ou sentimentos.O uso da camera subjetiva e tambem um ponto importante de Memorias. Varias vezes observamos o que o personagem ve: pessoas estranhas, figuras exoticas claramente inspiradas nos personagens fellinianos, um mundo vazio, por vezes sombrio. Essa possibilidade de olharmos atraves dos olhos do protagonista possibilita um acesso a subjetividade do personagem: talvez as coisas sejam diferentes, mas as vemos pelo olhar de um diretor atormentado por suas proprias questoes.Essas imagens do absurdo que conferem certo sentido ao real e metaforizam o estado do personagem atravessam todo o filme: Sandy ve, por vezes, cenas de sua infancia. O garoto que ele foi anos atras esta no jardim pelo qual esta passando ou fazendo magicas no bar em que ele conversa com alguns conhecidos. Uma dessas cenas e particularmente bela: da janela de uma lanchonete, Sandy ve um grande elefante na praia. Junto ao elefante, ele se ve garotinho abracando sua mae em agradecimento pelo inusitado animal de estimacao como presente. Sua mae, no entanto, e Dorrie, o amor de anos atras, o que nos lembra a bela cena de Fellini em que a mae de Guido o beija apaixonadamente e se transforma, com um corte, em sua mulher. O garotinho, entao, sai para o fora-de-campo para voltar como Sandy, ja mais velho, que agradece um belo presente que Dorrie lhe dera. Os dois saem caminhando pela praia e Sandy conta a Dorrie sobre o presente que sempre quis quando pequeno: um elefante. E maravilhoso, pois em uma breve cena, varios aspectos da vida e das relacoes do protagonista estao presentes com uma metafora. Dorrie havia sido como uma mae? O presente que ela lhe dera traz uma questao da infancia?Com inspiracao felliniana, Memorias e, sobretudo, um filme de e sobre Woody Allen. Nao ha como deixar de notar que Sandy e uma condensacao das questoes que atravessavam os pensamentos do diretor a epoca de realizacao do filme. Esta tudo la: a infancia, as questoes com a mae, a psicanalise, os amores, o jazz, as escolhas e os dilemas como cineasta, a tentativa de se tornar menos engracado diante de um mundo tao cruel. Todas essas sao questoes allenianas. E no inicio mesmo do filme que Woody Allen introduz um elemento que diz da
marca autoral de Memorias: dentro do vagao do qual Sandy Bates procura fugir desesperadamente soava um barulho de um relogio e havia, no bagageiro, uma mala que derramava areia como uma ampulheta que marca o tempo. Nao podemos deixar de pensar na questao menos pessoal e mais existencial de Sandy/Allen, dessa vez contrastante com a de Guido/Fellini: o tempo urge, o universo esta se decompondo (como Sandy afirma em uma das cenas com seus produtores) e a humanidade sofre. Se nada dura, por que eu ainda faco filmes, ou por que faco qualquer coisa? pergunta ele aos alienigenas que surgem ao final do filme. Nos gostamos dos seus filmes, respondem eles. Principalmente as comedias antigas. Depois de algumas outras perguntas, Sandy diz: Mas eu nao deveria parar de fazer filmes e fazer algo importante como ajudar os cegos, ou virar um missionario, algo assim?. Ao que o alien responde: Deixa eu te falar uma coisa. Voce nao faz o tipo missionario. E voce tambem nao e o Super-homem, voce e um comediante. Quer fazer a humanidade um grande favor? Conte piadas mais engracadas!. Sandy entao desabafa: Sim, mas preciso achar um sentido para tudo isso!. A belissima melodia de Glenn Miller fecha o dialogo e podemos assim pensar: simplesmente nao ha sentido para isso tudo. Um artista procura dar sentido atraves de sua arte e essa e tambem uma forma de transformacao.Filmes citados:81/2 (81/2), Federico Fellini, (1963)A doce vida (La dolce vita), Federico Fellini, (1960)Interiores (Interiors), Woody Allen, (1978)Memorias (Stardust memories), Woody Allen, (1980)
cresce uma intimidade surpreendente entre Fred e Hugo para tao pouco tempo de convivencia, ainda que ambos estivessem ebrios de vinho. O beijo da mulher (assim como, obviamente, a roupa dos dois e talvez tambem a luz precisa e efemera daquela hora do dia ) e que denuncia a unidade desse encontro, pois o gesto se repete uma, duas vezes, sempre visto por angulos diferentes. A mudanca do enquadramento e da posicao da camera mostra justamente o deslocamento fisico e simbolico da perspectiva com que se observa a cena.Na primeira vez em que aparece, assistimos de longe a cena, como um observador posicionado fora da historia, que tem acesso apenas a superficialidade das relacoes. Ha, inclusive, uma barreira propriamente fisica que separa a camera da acao: uma mureta de pedra que circunda a casa. Ja na segunda aparicao, uma camera na mao, o audio em parte cortado (so ouvimos, ao fundo, o som dos passarinhos e, de forma sutil, o barulho do copo, da cadeira, dos passos da mulher), e a aproximacao do enquadramento compoem uma imagem claramente diferente, assim como seus efeitos. Se, por um lado, percebemos a historia mais de perto, vemos as expressoes e a interacao ocorrida naquele espaco-tempo com mais nitidez, a alteracao no audio da outra estetica e significacao a cena. Se ela adquire um tom onirico, se ganha maior importancia, se e carregada, a partir de entao, de um possivel imaginario caracteristico da lembranca (ja que a memoria, ao lembrar, tambem cria e modifica), cabe ao espectador dizer. O certo e que a cena perde a banalidade que poderia ter, fazendo-nos olhar mais atentamente ao que se passa ali. Ha algo, portanto, a ser visto e revisto, lembrado. Poderiamos fazer suposicoes: talvez a retirada de Fred(erique), deixando o marido e vizinho pela primeira vez a sos e o inicio de tudo o que vai se desenrolar a partir de entao. Talvez a permanencia de Fred(eric) ja denunciaria sua mudanca de desejo e de postura que vai se acentuar com o passar da historia. Afinal, ele estava com dificuldades de ter relacoes sexuais com a mulher (por disfuncao erectil) e aquela seria uma oportunidade de tentar, mais uma vez, contornar aquele problema. E quando, pela terceira vez, a cena torna a se apresentar, o ponto de vista e destituido de toda e qualquer afastamento e neutralidade. O audio se restringe unicamente ao som dos passarinhos cantando, ao fundo: e a visao que importa agora. Vemos tudo de muito perto, dessa vez pelo olhar de Hugo. Ele assiste ao beijo de despedida e revela uma expressao de ironia, um sorriso sarcastico, um prazer desconfiado naquela demonstracao de carinho. A perfeicao que aquele gesto simboliza que nesse ponto do filme nos ja o vimos criticar muitas vezes, apontando suas falhas e defendendo a ilusao que de fato representa comeca, assim, a nos causar um estranhamento. Ha algo de errado acontecendo. Ha algo de tragico por acontecer. Hugo prenuncia com os olhos que aquela perfeicao comecaria a ruir.De fato, depois desse plano, os acontecimentos tomam um rumo cada vez mais
explicito. Frederique observa o marido com olhar pensativo, melancolico. Corte. Voltamos a madrugada primeira e vemos Hugo questionar Fred e seus problemas sexuais. Corte. Mais uma vez, marido e mulher tem uma tentativa frustrada de fazer amor. Os personagens entram num caminho sem volta. O casal a dancar tango, duplicando em movimento a pintura afixada a parede do quarto de Frederic e Frederique, ja nao sao dois jovens apaixonados, mas dois homens adultos. E a banda continua a tocar sua musica, embalando os personagens, dando cadencia a historia. O tempo passa, a gravidade da crise no casamento dos dois aumenta, Frederique comeca a oscilar entre lucidez e loucura, escancarando sua fragilidade. As insonias de Frederic se acentuam, ele abandona mais e mais o leito conjugal (que Arthur, seu filho, comeca a ocupar), e enfim vemos, seguidamente, a declaracao que um e outro se fazem (Fred e Hugo): ao despedir-se, naquela madrugada, apos uma conversa que durou mais do que o previsto, Hugo expressa seu interesse por Fred. E esse se revela, por sua vez, quando toma conhecimento da partida do vizinho, indo procura-lo em frente a boate gay que frequenta e apenas encostando delicadamente sua cabeca na dele. Aproximamo-nos do fim. Frederique, as lagrimas, nua e desesperada, finalmente grita a verdade: voce esta apaixonado. Frederic assume seu desejo e, na (quase) cena final (ja que o filme termina mesmo com os musicos tocando para a camera), deixa mulher e filho. O que seria um ato indecoroso e mostrado com tamanha sensibilidade e beleza que abandonamos todo e qualquer juizo moral. Evocando a memoria do espectador, o ciclo do filme se fecha: o pai, que e despertado pelo filho no comeco, que chamado para brincar diz que e indestrutivel e inoxidavel, carrega a crianca de volta para sua cama e a deixa ali dormindo, se desculpando: Eu nao sou inoxidavel, eu nao sou invencivel... Eu voltarei....Filme citado: O homem da sua vida (L'homme de sa vie), Zabou Breitman (2006).
por Alexandra DuarteUm ceu aberto azul celeste, cadeiras na porta de casa. Dona Zefinha, 94 anos, diz nao lembrar-se de quase nada, mas faz uma reza de quase dois minutos, sem falhar-lhe a lembranca em nenhum momento. Assim comeca a visita de Eduardo Coutinho e sua equipe ao sitio de Aracas, uma comunidade do interior da Paraiba. Nesse momento, ele esta a procura de uma locacao e pessoas que falem da vida no sertao para fazer um documentario. Nao existe um projeto, nem uma pesquisa previa para a realizacao do filme, o que fica claro nos primeiros offs, nos quais Coutinho explica suas intencoes. O Fim e o Principio (2005) e um documentario que vai trilhar seus proprios caminhos. Isso fica evidente na escolha em filmar (e inserir na montagem final) os trajetos percorridos pela equipe com uma camera em maos, que parece ter vida propria ao desbravar uma comunidade do sertao da Paraiba, em apenas, quatro semanas. No mesmo ano, outra equipe adentra o sertao de Minas Gerais, Pernambuco e da Bahia. Mas, por esses lados, o inicio se da com um canto entoado bem no meio da caatinga. Aboio (2005), tambem um documentario, comeca sem nenhuma explicacao, diferentemente do filme de Coutinho. O que mais marca e a trilha sonora, importante personagem das historias que serao contadas. O filme comeca com o som de um sino superposto em seguida a um canto forte e alto na voz de um homem. Para introduzir a historia, a documentarista Marilia Rocha opta por imagens em super 8 e preto e branco da caatinga e de seus personagens (animais, vegetacao, sol escaldante e vaqueiros), que obedecem o ritmo da trilha sonora. So na segunda sequencia, imagens em preto e branco de aparencia envelhecida acompanham a narracao em off de um homem que conta naquele tempo....Os dois filmes sao distintos quanto aos efeitos visuais e sonoros que provocam. O Fim e o Principio guarda relacao com toda a obra de Coutinho. E uma reuniao de varios depoimentos, encadeados e ao redor de temas comuns: a vida no sertao, a velhice, a morte. E um filme feito da espera e da paciencia. Na cena em que conversa com Leocadio, Coutinho pergunta: E hoje, voce quer conversar? ali, deixa escapar que aquela nao era a primeira tentativa de conversa, que a aproximacao demanda tempo e confianca. Ja Aboio segue no ritmo da cantoria dos vaqueiros, mais interessado numa imagem que de conta de expressar e falar das forcas, das cores, da historia e, claro, do cotidiano dos vaqueiros no sertao. E um filme mais poetico, ou seja, a construcao de significados foge dos padroes narrativos e busca provocar mais sentimentos com a imagem do que com os depoimentos. Tanto e assim que grande parte destes sao reproduzidos em offs e as imagens - descoladas das falas - acrescentam significados, ao inves de meramente ilustrarem o que e dito. Marilia tambem explora na plasticidade da imagem as varias camadas e texturas do sertao. A secura, por exemplo, e sugerida pela luz estourada, e a aridez pelo travelling acelerado
em meio a vegetacao nativa.Aparentemente sao filmes sobre a vida no sertao. Mas, um olhar mais atento mostra que o mais importante nesses filmes e a capacidade de resistencia das antigas tradicoes. As imagens em super 8, as fotografias que aparecem dos vaqueiros e as frequentes frases iniciadas com naquele tempo; na epoca do meu pai, provam, em Aboio, tal forca em resistir. E a memoria de uma epoca e de sua tradicao que e trilhada no presente dos filmes, cuidadosamente tecida pelos vaqueiros do sertao por um lado, e, por outro, pelos moradores de Aracas. O ato de tecer a memoria e metaforizado na cena em que Rita tece um fio de algodao, indicando o principio do filme que Coutinho procurava na Paraiba. Aracas e um lugarejo do Brasil, esquecido pela cidade grande. O sitio torna-se um atrativo, apenas em epocas de eleicao, para politicos a caca de eleitores. O unico carro que vemos no filme e uma Kombi eleitoral (alem, e claro, do carro da equipe de filmagem). Ate os moradores mais jovens se esquecem de Aracas, como, por exemplo, a sobrinha de Ze de Sousa, que passa todo o dia fora da comunidade. Em uma percepcao filosofica, a memoria e considerada fruto do esquecimento. Enquanto construcao de uma lembranca efetiva, so existe memoria porque ha o esquecimento. O documentario, em uma de suas linhas mais expressivas, busca pelo que foi esquecido e registra a construcao da memoria, por meio dos recursos tecnicos e narrativos que o cinema proporciona. Em O Fim e o Principio, isso se da atraves da fala e, principalmente, da imagem duradoura dos corpos de Zefinha, Mariquinha, Ze Assis, Maria Borges e tantos outros.Ha no encadeamento de conversas uma sugestao: tudo se passa como se a equipe fosse uma parente distante do Rio de Janeiro que viaja a Paraiba e, ao chegar, vai fazer as visitas, como e de praxe no interior. No inicio do filme, Rosa traca um mapa de Aracas localizando espacialmente seus parentes. A camera ao filmar o caminho da equipe em suas visitas, reproduzindo o caminho tracado no papel, transporta o espectador para aquele universo.Na maioria das vezes, os anfitrioes oferecem cafe, um tradicional inicio para uma boa palestra (em outros lugares fala-se prosa). Os velhinhos gostam de conversar e Coutinho esta disposto a ouvir. Falam sobre as rezas, as lendas, as dificuldades que enfrentaram no sertao, os tempos de juventude. A memoria de muitos e impressionante e revela a forca de uma cultura oral marcada por arcaismos como palestra, ligeirinho, barruada (confusao), arengando (brigando), entre outros. Tudo isso contribui para o tom de conversa, como rememoracao e criacao de uma intimidade, efeitos produzidos pelo filme.Alguns moradores sao mais desconfiados e levam um tempo ate se renderem a conversa, como Chico Moises. A equipe nao tem pressa. Com o tempo, sorrisos, risadas e, logo, Chico Moises transforma-se, e a conversa dura mais de tres horas.A cena final de O Fim e o Principio se da ao redor da mesa, primeiro cheia na hora do almoco e depois vazia. O fim e na
verdade o principio. O filme comeca recuperando e construindo junto aquelas pessoas uma colcha de retalhos, que resulta na memoria coletiva da comunidade, memoria feita atraves dos afetos. No fim, quando Coutinho vai se despedir dos moradores a relacao de amizade firma-se na fala de Ze Assis: Dexa sodade na gente.Aboio tambem termina com saudade. O ultimo depoimento e de um senhor que tem amor ao que faz. Ele compara o aboio a uma oracao, um carinho feito ao gado. Segue-se um corte seco e as imagens voltam ao preto-e-branco em registro de super 8. Um quintal de animais, filmado bem de perto, e em um ultimo off, um homem cantarola um aboio, que comeca assim: Fazer de quem tem saudade e termina: o saudade companheira, de quem nao tem companhia. O filme de Marilia Rocha tenta reconstruir a tradicao do aboio, canto tradicional entre os sertanejos para manter a boiada unida. Talvez, por isso, o som seja tao marcante. Mas o trabalho com as imagens e sem duvida baseado na recuperacao do passado. Assim, os dois filmes, ainda que usando de recursos diferentes, valem-se de um olhar atento e interessado para construirem em conjunto com as comunidades a imagem que represente com forca e sentimento o sertao. Essa imagem e a memoria, a presentificacao de um tempo que nao volta, mas pode e deve ser recordado, re-vivido e resignificado. A memoria que revela a resistencia da tradicao, mantida pela cultura oral, pela preservacao das crencas e rituais sertanejos.Filmes citados:O Fim e o Principio, Eduardo Coutinho (2005) Aboio, Marilia Rocha (2005)
mexe com as estruturas familiares e desafia as autoridades. A figura de lideranca de Wenger e questionada, sua onisciencia e colocada em xeque, ele proprio fraqueja e se contradiz, ora foge da culpa, ora a assume. Pela sua oscilacao, ele nao e poupado, ao contrario do professor da outra versao.Interessante perceber, ainda, que, embora a reflexao sobre o nazismo tenha inspirado Wenger (assim como o professor Ross e o proprio Jones, o original), nao e por meio da figura de Hitler ou a comparacao com a juventude hitlerista e o Holocausto que o movimento entra em choque. Essa mudanca tambem e um ponto a favor de Gansel: a obviedade maniqueista e moralista apenas passa perto do filme alemao, mas nao o define.A Onda de Gansel tem uma forca propria e independe de seu substrato. Nao tem funcao didatica como protagonista. E, sozinho, um tratado sobre ideologia, manipulacao, emulacao e, sobretudo, sobre a humanidade, tal qual A Experiencia (Das Experiment, 2001), de Oliver Hirschbiegel. Os dois exploram os limites conflituosos da psique colocada em evidencia. Apesar de tomarem caminhos opostos, ambos tratam de experiencias que fugiram ao controle e tem desfechos parecidos. Entretanto, podemos nos forcar a analisar que, em A Onda, o movimento proposto pelo professor Wenger perdeu o controle muito antes e de maneira mais inevitavel do que a simulacao de prisao em que o desregulado guarda Berus esta envolvido.Como ninguem tinha pensado nisso antes?A contracorrente do movimento e exemplificada pela personagem Karo (Laurie, na outra versao), uma aluna que se recusa a fazer parte dA Onda. Embora nem mesmo Wenger possa perceber, no primeiro momento, Karo compreende mais do que qualquer um dos outros colegas o verdadeiro significado daquela experiencia. O dilema quase piegas de seu namorado Marco (ou Dave, na historia dos EUA), dos membros mais entusiastas dA Onda que se surpreende ao agredir a namorada (detalhe: na versao estadunidense, Dave empurra Laurie, na alema, Marco da um tapa forte no rosto de Karo), marca o ponto de virada da historia e a move para o final quase inevitavel.Nao se trata de fazer vista grossa para eventuais defeitos na narrativa ou na diegese de A Onda de Gansel, mas de ressaltar em que meandros o filme pode ir alem na reflexao do totalitarismo intrinseco ao ser humano. Os alunos de Wenger so valorizam a comunidade e o sentimento de pertenca de maneira subjetiva, e pecam por ignorar que A Onda so faz sentido porque alimenta o individualismo de cada um. E, decerto, o que acontece com Tim, o freak da turma (nas outras versoes, o personagem e Robert). Todos os problemas de auto-estima do adolescente engatilham as melhores sequencias do filme e criam um novo conflito, completamente inexistente nas outras versoes. Ao espectador mais incredulo, o climax de A Onda de Gansel pode parecer forcado e nao menos vicioso do que o moralismo de Dawkins e Rhue. Mas a ousadia do diretor alemao em ir ate o extremo da situacao e problematizar nao apenas o que aconteceu, mas o que poderia ter acontecido naquela escola californiana, em 1967, e
valiosa.Toda a nossa doutrinacao ficcional alavancada por episodios reais de violencia no mundo adolescente como os retratados em Elefante, de Gus Van Sant, e Querida Wendy, de Lars Von Trier e Thomas Vinterberg, nos levam a prever a atitude de Tim. Como espectadores, ate queremos que ela aconteca, mas nos confundimos na hora de apontar os culpados. A punicao sobre o desfecho desagradavel do movimento e do filme, por consequencia recai sobre Wenger. O personagem quebra a quarta parede e nos olha nos olhos, como que nos encarasse e nos perguntasse se ele e mesmo o culpado, ou se a culpa e da historia, ou do nosso fascista adormecido. Percebemos logo que o desfecho, por mais decepcionante que possa ser (e nao acho que seja), e o as na manga de Gansel. Ele foge com maestria do moralismo, caminha sobre a corda bamba do maniqueismo, e nos faz sentir o gosto amargo da inevitabilidade.Filmes Citados:A Onda (Die Welle), Dennis Gansel (2008)A Onda (The Wave), Johnny Dawkins (1981)A Experiencia (Das Experiment), Oliver Hirschbiegel (2001)Querida Wendy (Dear Wendy), Thomas Vinterberg e Lars Von Trier (2005)Elefante (Elephant), Gus Van Sant, 2003