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hahah estou fazendo 16 aninhos, finalmente...kk outro dia mesmo o baterista do Nick me mandou feliz aniversario no twitter e hoje ja faz um ano.. muita coisa aconteceu... e espero que coisas melhores venham..kk como o show dos Jonas no Brasil ainda esse ano ... UM SONHO. LEMBRA QUE EU PASSEI NA UCLA? pois e ta tudo pronto, e enquanto isso eu to na vida boa(estudando muito) kkkk infelizmente precisamos estudar, mais o que eu vim falar foi o seguinte vou fazer a despedida para vcs... eu prometi e vou cumprir essa historia e muito importante para mim, simplesmente porque ela e meu caso de amor , ai eu conto tudo e uma boa forma de desabafar, sei que muita gente nao vai gostar mais vai ser uma terapia... isso vai ser ate melhor para vcs me conhecerem melhor... BOM vou usar Jemi para nao sitar nome de ninguem... no final dessa historia irei contar como foi para mim passar por tudo isso... ESPERO QUE VCS GOSTEM... nao sei se irei postar todos os dias apesar de ferias, nem sei se irei fazer maratona... posso pensar bem... nao vou exigir comentarios mais gostaria que comentassem para saber a opiniao de vcs... Fiz um video para mostrar para vcs o que vai acontecer mais ou menos na historia.... nao vou apresentar os personagens, porque se nao fica sem graca vcs vao descobrindo durante.... Foto: Ana FonsecaO excelente Gustavo de Araujo A elogiosa versao de Philoktetes, em cartaz no Projeto Novas Caras, e a do dramaturgo alemao Heiner Muller (1929-1995), publicada em 1965. Estabelecendo um dialogo com o texto classico de Sofocles e com o de Andre Gide, Muller confere um certo ineditismo ao mito grego, distanciando ele da tragica subserviencia do homem aos designios divinos, propondo algumas questoes eticas fundamentais, sem que as alteracoes levem a pensar a versao como um resultado de alguma atualizacao (no sentido meramente temporal do termo). Apresentado no Brasil pela primeira vez em 1988 (direcao de Marcio Aurelio), o espetaculo agora dirigido por Paulina Nolibos tem, alem do merito de trazer ao publico porto-alegrense um contato com esse texto tao importante da dramaturgia mundial, um saldo altamente positivo: apresentar o ator Gustavo de Araujo. A producao e pequena, mas nao modesta. No texto, Muller exclui o coro e foca a situacao no dialogo entre apenas tres personagens: Ulisses (Luciano Heidrich), Neoptolemo (Luciano Bisol) e Filoctetes (Gustavo de Araujo). No que se refere a interpretacao dos atores, considerando o fato da peca ter sido apresentada em uma janela que se destina a apresentacao de novos profissionais, encontram-se bons trabalhos diante de um texto tao duro, esse ainda mais rigido pela importancia da retorica em sua encenacao. Embora, o dizer dos dialogos careca de mais corporalidade e menos formalismo, e evidente que houve notavel trabalho de interpretacao em artistas que ainda convivem com sua propria inexperiencia. O resultado e, apesar das adversidades, um bom trabalho de direcao que se ve atraves da positiva forma como os tres atores dispoem os corpos em cena: os pes bem firmes no chao, os
joelhos flexionados e os ombros abertos, o que, em alguns momentos, faz com que as palavras parecam sair mecanicas e, por isso, sem vida. Ressalta-se, sem duvida, o fato de que isso raramente acontece em Gustavo de Araujo, que interpreta o protagonista, cujo unico ponto negativo a ser levantado e que, em poucas ocasioes, o volume de sua voz e baixo demais, dificultando a boa assistencia. Araujo interpreta o protagonista em uma peca que dura quase duas horas. Suas falas sao extensas e numerosas. Boa parte de seu texto e dito praticamente deitado no chao (o personagem fora picado por uma cobra nos pes) e seu figurino foi feito com cores pasteis. Ou seja, os desafios para um ator ainda em estagio de formacao sao muitos e, consequentemente, os seus meritos por te-los transpostos sao ainda maiores. O ator segura a plateia, mantem a atencao e exibe um resultado brilhante no uso do ritmo e da variacao tonal, da exploracao de marcas corporais de verossimilhanca e de valorizacao das intencoes. Presente no texto, a aparicao de palhacos no inicio e no entreatos e um dos pontos mais negativos da peca dirigida por Nolibos. Clown e um genero interpretativo tao serio quanto a tragedia e enquanto genero narrativo. Colocar dois atores em roupas de palhacos e estimula-los a fazerem brincadeiras em cena faz a producao sair do feito apesar das dificuldades e ir para o mal feito. Intencao de Muller, a articulacao entre a reflexao sobre etica proposta pelo texto e aquela proposta pelo jogo entre clowns nao se cruza na producao de Nolibos pelo desequilibrio existente na viabilizacao delas. Enquanto a tragedia e apresentada com louvor, as cenas dos clowns, nem de longe, sao dignas dele. O constrangimento so nao e maior do que diante das intervencoes da banda Stella Can, que acontecem antes do primeiro e do segundo ato e no final da peca. O rock em ingles, cantado por tres jovens garotas em roupas contemporaneas, nao estabelece nenhuma possibilidade de articulacao com a peca e permite pensar que a opcao foi um aproveitamento da oportunidade da janela publica para mostrar o trabalho musical, o que seria extremamente negativo. Para que a Guerra de Troia seja vencida, e preciso que entrem em jogo as armas de Heracles (Hercules, em latim) e Filoctetes, que esta isolado na Ilha de Lemnos, as detem. Busca-las e o que move Ulisses e Neoptolemo, situacao que permite pensar sobre a relacao entre os homens e o poder (Levar Filoctetes para a guerra trara poder a Ulisses e a Neoptolemo?), os homens e os seus instrumentos (Quem e mais importante? Filoctetes ou as armas que ele tem?) e os fatos e as noticias sobre eles (O que aconteceu na Ilha de Lemnos nao e o mesmo que sera espalhado. Quais as implicacoes?). Por levantar essas questoes, o espetaculo Philoktetes, com varios aspectos positivos acima levantados, consiste em um grande momento na execucao desse projeto tao valoroso que e o Novas Caras. Parabens.*Ficha tecnica:Autor: Heiner MullerDirecao: Paulina NolibosAssistencia de Direcao: Raquel ZepkaElenco: Gustavo de Araujo, Luciano Bisol e
Luciano HeidrichTrilha Sonora: Stella Can: Baixo - Juliana Nolibos | Guitarra - Luiza Gressler | Bateria - Mariana CorbelliniFigurino: Paulina Nolibos e Evelyn MandiarCenario: Grupo NucleoIluminacao: Lucca Simas e Fabricio MirandaProducao: Gustavo de Araujo e Georgia Manfroi
Foto: Julio Appel Muito a aplaudir A bilha quebrada, primeiro espetaculo do Coletivo Confucios e Confusos, e um dos melhores espetaculos gauchos de teatro adulto de 2011. O trabalho, cuja direcao e de Clovis Massa, e resultado do premio de incentivo a pesquisa teatral no Teatro de Arena. Com alteracoes sutis, o texto se apresenta livremente inspirado na obra homonima do dramaturgo alemao Heinrich von Kleist (1777-1811), escrito em 1806 e encenado pela primeira vez dois anos depois. Resistindo ao romantismo alemao, em voga no teatro e na literatura na epoca do seu lancamento, a obra se apresenta como uma comedia ainda com bastante influencia do genero farsesco. Com isso se quer apontar que a situacao dramatica privilegia a cristalizacao das figuras que, estando enrijecidas, sao responsaveis pela evolucao rapida da narrativa no processo de desenredamento das tramas e subtramas em que a historia se estrutura. Em um tribunal, o Juiz, seu Escrivao e o Meirinho aguardam a chegada de um Desembargador. Quando esse chega, atende-se ao primeiro caso do dia: o caso da bilha (jarra) quebrada. Dona Martha e mae de Eva que e noiva de Ruprecht que e sobrinho de Brigida. A peca de ceramica se espatifara no chao quando Ruprecht encontrou um homem no quarto de Eva em certa noite passada. Nao se sabe quem e esse homem, mas, desde entao, o noivado foi desfeito. Eva, entao, esta triste pelo fim do namoro, Martha, por sua vez, esta revoltada com a sua reliquia quebrada e Ruprecht afirma nao ser o responsavel pelo desastre, mas quer saber quem o foi. Brigida, enfim, e chamada para testemunhar e o Desembargador acompanha a resolucao no intuito de avaliar o procedimento do Juiz, cujo cargo e ambicionado pelo Escrivao. Como se ve, trata-se de um texto em que todos os personagens sao movidos por conflitos internos que os ligam ao todo da narrativa por sua propria natureza (egoismo, sensibilidade, ambicao, avareza, etc), essa de aparencia independente da situacao especifica em que todos se encontram. A bilha quebrada, assim, esta proxima, enquanto farsa, de sua ascendente Commedia Dell Arte, uma vez que, no texto de meados do seculos XIX, os personagens do genero moderno-renascentista podem ser facilmente encontrados: o casal de Enamorados (Eva e Ruprecht), o Brighella (o Escrivao Licht), a Colombina (o Meirinho), o Dottore (o Desembargador Walter) e o Pantaleao (o Juiz Adao e a Dona Marta), todos pertencentes a tradicao teatral italiana. Codificados e com muitas indicacoes que sao necessarias (e bem vindas) a boa fruicao de uma obra desse tipo, a conducao nesse sentido facilita a vida do espectador na medida em que o dispensa de maiores apresentacoes acerca de quem participa da historia, convidando a plateia para que se va direto ao ponto, ou seja, a historia em si. Os poucos pontos negativos dessa montagem de A bilha quebrada dizem respeito ao desequilibrio do que se ve em termos de construcao de personagem: dos oito atores que compoem o elenco, apenas tres exibem um bom trabalho. Larissa Tavares e uma delas ao dar a ver uma Eva cheia de
Massa Direcao Musical e Trilha Sonora: Marcao Acosta Cenografia: Marco Fronckowiak Assistente de Cenografia: Yara Balboni Objetos de Cena: Maura Sobrosa Iluminacao: Claudia de Bem Figurinos: Ro Cortinhas Maquiagem: Margarida Leoni Peixoto Fotos: Julio Appel Producao: MS2 Produtora Sandra Narcizo Elenco: Luis Franke (Juiz Adao), Luciano Pieper (Escrivao Licht), Renata Teixeira (Meirinho), Marcello Crawshaw (Desembargador Walter), Claudia Lewis (Dona Marta Rull), Larissa Tavares (Eva), Marcelo Mertins (Ruprecht) e Ariane Mendes (Dona Brigida).
Foto: divulgacaoPartir e so o comeco de chegar A nova producao da Oigale Cooperativa de Artistas Teatrais pode, como toda boa historia, ser resumida numa so frase: A historia de um menino que procura o seu irmao. Uma sentenca simples de cujos significados saem Uma aventura farroupilha. Convem a nos descobrir as texturas que esses sentidos ganham ao sair ao mesmo tempo de um livro, de um texto e de uma equipe talentosa de cabecas pensantes. Ao por a frase num ampliador, descobrimos que o menino e um colono vindo com seus pais da Alemanha. Tambem que o irmao precisa ser procurado porque fugira de casa para se juntar as tropas dos revolucionarios liderados pelo Cel. Bento Goncalves. E ai, nesses dois avancos, ja descobrimos duas faces de uma mesma epoca, a metade do seculo XIX: tempo de colonizacao europeia e tempo da Revolta dos Farrapos. O lugar? O Estado do Rio Grande do Sul. Dada a historia, passemos ao contador, ou melhor, aos contadores. O grupo Oigale e formado por seis atores que ha sete anos produzem espetaculos baseados em contos e lendas da regiao sul. O Negrinho do Pastoreio e Deus e o Diabo na terra de Miseria sao fortes exemplos da preocupacao que mostram ter com um trabalho de qualidade, e que tenha em seu interior a dificil mistura de elementos folcloricos, muita criatividade e um carisma reconhecivel. O resultado disso pode ser visto no conjunto de apoiadores e patrocinadores que, apesar da situacao dificil que varios grupos da capital convivem, acreditaram no sucesso da ideia baseados na responsabilidade que a marca Oigale orgulhosamente sustenta. Sediados num espaco que e tambem destinado a outros grupos teatrais no Hospital Psiquiatrico Sao Pedro, o grupo pode ser mais facilmente encontrado nas ruas, cercados por uma trilha de erva-mate, sobre pernas-de-pau e objetos, que se tornam outros objetos num ritmo perpassado pelas ideias que eles vao colecionando acerca de como contar bem uma boa historia com apenas o absolutamente necessario. E, em meio a tudo isso, descobrimos Uma aventura farroupilha como uma excecao no repertorio dessa importante trupe. A nova montagem se destina e e apresentada em sala escura, o que exige uma linguagem diferente da que o grupo esta habituado. Em linguagem, incluimos novo pensar a respeito da composicao de cenario, figurino, luz e trilha sonora, mas, sobretudo, da composicao dos personagens e da movimentacao de cena. Diferente das outras montagens, que comecam pelo refrao Oigale, Oigale, Oigale!, esta comeca pelos tradicionais tres toques de campainha, sendo que, ja no primeiro, assistimos a entrada dos musicos. A historia inicia na elevacao de uma casinha, que nos remete a familia alema, cuja historia sera o mote para o espetaculo. Mas a beleza poetica de elementos de cena tao lindos como a propria casinha e seus moradores a carta-pergaminho, a mesa que se torna barco e depois carrocao e as cinco lancas que se tornam barras da prisao tem seu sentido disperso no conceito de funcionalidade em que se prendeu a direcao. O mesmo aconteceu com a movimentacao dos atores, que deixam transparecer
as vezes um imenso vazio de significado artistico, esse sufocado pela tecnica a la Broadway do entra e sai de coisas e troca de roupa do elenco. A criatividade em excesso e dificil de manter por todo o espetaculo, que nao vai num crescente como deveria, ja que e dificil superar uma casinha de onde sai fumaca pela chamine e uma mesa que tao belamente transporta a familia alema a Colonia de Sao Leopoldo em 1838. Efeitos visuais como esses so encontraremos mais tarde, na figura do Cel. Bento Goncalves, que nos faz lembrar o magico de O magico de Oz. Ha um duelo imperioso (e desleal) entre os atores com seu talento exposto de forma diferenciada, e a imagem que se convenciona construir a cada segundo de espetaculo. Excelente a interpretacao de Vera Parenza, com certeza a melhor figura da narrativa. Seu olhar por entre a luz do lampiao, enquanto mae alema, e o que mais eficientemente resume o refrao Partir e so o comeco de chegar. Chegar e so o comeco de viver!. E o instante em que nos lembramos de que todo o resto so e importante enquanto for apenas resto. E as criancas, principal publico-alvo (o espetaculo esta em cartaz no horario das 16 horas), vibram com os restos ao mesmo tempo em que, de forma inconsciente, sentem a energia quando esta vem. Movimentos como o do Conde caminhando sobre a mesa dos Schmitt, ou o do Cel. Picucha cavalgando em sua Docinho sem esquecer da cena da batalha, quando os revolucionarios perdem para os imperiais divergem de marcacoes duvidosas, como a cena de Franz e Kurt conversando a respeito da guerra lida nos jornais de Herrmann, da lacada de Franz por Juvencio, de Ana Maria e seu lencol, das lembrancas de Franz ao voltar pra casa e ainda do encontro tao esperado dos irmaos, todas elas campo fertil para um lirismo que nao chega a aparecer. Falta motivacao narrativa na composicao da historia de cada personagem, e sentimos tambem a ausencia do que se convenciona marcante para o espetaculo desde o seu inicio: os grandes efeitos visuais, estes produzidos pela presenca ritualistica de acordes bem dados e elementos cenograficos bem transportados. No elenco masculino, destaca-se a interpretacao de Carlos Alexandre, que, procurando fugir dos opostos de que esta rodeado, caras e bocas canastronas de um lado e inexpressividade de outro, constroi figuras que nao sao meramente artificiais, mas que, em sua simplicidade, buscam resumir a essencia do espetaculo. Chama a atencao o seu Conde, o amigo Floriano e o oficial ingles. Bem como os figurinos, a dramaturgia atende as expectativas e e digna de elogios. A riqueza da historia, contada desde o inicio para criancas, renova o conceito de ingenuidade atraves de roupas que passam por guerras sem perderem a cor e o brilho, e dos dois irmaos que se encontram por acaso numa venda de beira de estrada. Nao poderia ser diferente, ja que convem a humanidade a manutencao dos sonhos nas criancas e tambem nos adultos. Excelente a incursao de uma proprietaria do que podemos
chamar de Casa de Tolerancia, bem como a reflexao sobre o acordo assinado em Ponche Verde, o que mostra os diferentes niveis de compreensao que a historia inicialmente escrita pelo imortal Moacyr Scliar guarda em si. Trilha sonora e iluminacao sao recursos que prescindem dos atores. A trilha e muito bem tocada e cantada ao vivo pelos atores (com destaque a cena de Garibaldi e Anita em que o mesmo acordeon e usado conjuntamente por Vera Parenza e Vinicius Petry), que nem sempre estao disponiveis para isso. Ha grandes momentos de silencio em cena, quando nossos ouvidos sentem a falta das vozes. Otima a interpretacao de Nun ade, du mein lieb Heimatland por Fernanda Beppler, que interpreta, nesse momento, o jornaleiro alemao Herrmann. Destoante a interpretacao da musica final, quando a expressao facial de alguns atores mostra que nem todos sabem a letra e outros parecem nao gostar dela. Quanto a iluminacao, a analise dela reporta o que ja foi dito acerca da ma utilizacao dos grilhoes da funcionalidade. Muito interessantes sao os recursos de sombras utilizados na contagem da historia. Unico fim da presenca do fundo branco (que expoe e esconde a presenca do Cel. Picucha e que tambem quebra o ritmo das entradas e saidas dos atorem em cena), as imagens dos animais (cavalos, coruja, cobra...) e a cena da conversa de Franz com seu pai sao, com certeza, um dos momentos mais carismaticos desse espetaculo. Junto a isso, lembramos do boneco de Franz, que e um forte referencial de toda a docilidade que o Oigale pretende para esse espetaculo. Enfim, na dicotomia entre fantasia e realidade, ficamos com o talento do grupo Oigale e com a apropriacao de uma frase dita em cena: Ser corajoso e tambem trabalhar com teatro orgulhosamente gaucho! Palmas para o Oigale pelos sete anos de vida e nosso agradecimento por mais essa montagem, que certamente tera muitos anos de vida, para o nosso beneficio!*Ficha tecnica:Texto: Moacyr ScliarDramaturgia: Tais FerreiraDirecao: Ramiro SilveiraElenco: Carlos Alexandre, Fernanda Beppler, Giancarlo Carlomagno, Hamilton Leite, Vera Parenza e Vinicius Petry Preparacao para teatro de sombras e bonecos: Paulo Martins Fontes Trilha sonora: Cristiano HanssenIlustracoes: Rodrigo RosaAssessoria historica: Tau GolinFigurinos: Heinz LimaverdeCenario e aderecos: Zoe DeganiArte grafica: Vera ParenzaCriacao de luz: Giancarlo CarlomagnoProducao: Oigale CAT
A critica desautorizada? No jornal, o Bonequinho que vai ao cinema aplaude sentado ou em pe. O Bonequinho tambem pode pular ou dormir dependendo do filme. E tem tambem a polemica figura do Bonequinho indo embora da sala de exibicao. O leitor ve e sabe, assim, se o filme foi considerado bom ou ruim. Se, na opiniao do jornal, vale a pena assisti-lo ou nao. Mas, quando quer explicacoes sobre o motivo do aplauso, da cochilada, dos pulos ou do abandono da obra, ou mesmo das quatro, cinco, tres ou nenhuma estrelinha, a analise critica se faz necessaria. A critica torna-se um grande passo alem da mera nota. Analisar uma obra, descreve-la a partir do seu ponto de vista, identificar marcas, fazer ver problemas, meritos, dificuldades vencidas e tentativas fracassadas so nao sao desafios maiores do que reunir todas essas informacoes em um so texto e publica-lo. Se, no primeiro momento, a opiniao fica entre amigos, mesas de bar, conversas ao telefone e trocas de inboxes no Facebook, no segundo, sabe Dionisio onde as palavras vao parar, porque uma vez impresso, virtualmente ou nao, a possibilidade de leitores do tal texto ai nao tem fim. Nao houve e nao ha uma faculdade de critica de teatro, tampouco de musica, de cinema, de literatura ou de artes visuais. Se quem escreve e alguem ligado unicamente a teoria, ele corre o risco de ser acusado de desconhecer a maquinaria teatral profundamente. Se for alguem da area, o problema fica ainda maior, pois Como e possivel falar mal da peca X se nela esta o meu amigo ator, o meu futuro diretor, o meu ex-figurinista? ou Se a esposa dele esta na peca Y, como ele vai falar mal do diretor?. A autoridade para escrever a critica ganha, a cada dia, mais forca na propria critica nesse tempo em que todos escrevem e publicam suas opinioes ou podem simplesmente desenhar bonequinhos, oferecer curtires ou usar de qualquer outra forma para divulgar sua avaliacao sobre determinada obra de arte. Houve um tempo em que um determinado grupo de pessoas ditava o canone a ser visto: os livros a serem lidos, um jeito certo de pintar, os programas de televisao censurados, os textos teatrais que poderiam ser produzidos. A igreja, o governo civil, a ditadura militar: o povo preguicoso tinha guias qualificados para andar na selva sem pecar. Nos jornais, os editores escolhiam os criticos de teatro entre os jornalistas que se interessavam pelo tema e, ainda hoje, quem escreve sobre arte no Caderno de Cultura, tambem corre o risco de escrever sobre futebol durante a Copa, sobre politica nas Eleicoes, sobre a Rihanna no Rock In Rio. No maior pais da America Latina, ha apenas duas pessoas que escrevem criticas de teatro em jornal e nao escrevem mais nada alem disso. Uma esta no Rio de Janeiro e a outra esta em Sao Paulo. Na exata linha oposta, Porto Alegre, Brasilia, Fortaleza, Curitiba e Belo Horizonte tem importantes festivais com producoes locais de altissima qualidade. De Manaus a Florianopolis, hoje ha mais salas de espetaculos e