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amor ou de amizade; sem se esconderem mesmo atras de um passado, e possivel aos personagens desnudarem sem constrangimento o que realmente sao e esconderem atras de si seu nome, seu amor, seu passado. Por mais que haja perguntas a serem feitas, nao ha respostas a serem dadas. Parece que estamos em um lugar onde as instituicoes nao chegam, onde nao ha coercao; e o sexo, como expressao maxima da vontade, como expressao mesma do Individuo, explode com total naturalidade desde a primeira cena em que os personagens se encontram no apartamento. Por outro lado, o apartamento nao e um lugar feliz. Parece que os personagens retornam sempre pra la em busca de algo que nao encontram e de fato, eles acabam se prendendo a este lugar de modo ate obsessivo. O apartamento e so um espaco, e como um espaco, parece que la falta alguma coisa. Alguma coisa alem das mobilias. Assim como nos personagens falta algo alem de seu nome e seu passado. La fora, eles ganham nome. Jeanne tem um noivo (Jean-Pierre Leaud), um noivo que quer transformar o amor deles em cinema. O que talvez seja a metafora mais completa que alguem ja tenha encontrado para expressar a artificialidade dos relacionamentos pelo menos dos relacionamentos convencionais, aqueles que se passam do lado de fora. Ouvimos sempre falar na brutal diferenca que distancia um beijo cinematografico de um beijo real. Entao: todos os beijos que ele da em Jeanne sao cinematograficos. Seu reencontro, suas declaracoes de amor, ate seu pedido de casamento: tudo e cinema, e arte, e atuacao. E tudo como se fosse uma reproducao, uma imagem, uma representacao. A questao nao e apenas nao ser autentico ou nao ser sincero, e muito mais: e que tudo o que eles sentem so pode ser sentido atraves da lente de uma camera. Se o cinema representa a vida, o amor deles representa o amor deles. Em ultima analise, tudo o que eles vivem e representado. E mesmo se ousarmos encarar o cinema como algo entre a vida e a arte como nos disse Godard sabemos: a vida deles e como algo entre uma vida e nada. Nesse meio termo, deslizamos para o vazio o vazio que permeia o amplo espaco do apartamento sem mobilia. Marlon Brando, por sua vez, e Paul. Paul acabou de vivenciar o suicidio de sua esposa. Americano, ele errou por muitos anos ate terminar em Paris o que o torna um personagem desnorteado, sem horizonte (quadro que se completa quando ele se declara ateu; e proibe sua sogra de trazer um padre para o enterro de sua esposa). E como se ele entendesse o seu suicidio, mesmo que ela nao tenha deixado cartas ou quaisquer explicacoes. Nao apenas o suicidio da esposa; e como se ele entendesse o suicidio algo que nao faz sentido na cabeca da velha religiosa. Quando viva, sua esposa tinha um amante e ele o sabia, e era como se isso tambem pra ele fizesse sentido, ao mesmo tempo em que nao fazia. Porque de certo modo o vazio e coerente.
E nao saberemos o que ela buscava ao vestir o amante com um macacao exatamente igual ao de Paul, ou ao tentar arrancar o papel de parede do quarto do amante com as proprias maos, a fim de deixar o lugar semelhante ao quarto onde dormia com o marido. Assim como nao saberemos o que Paul e Jeanne buscavam naquele apartamento. E como se, ao buscar algo, nao buscassem nada. Qual das duas vidas que cada um vive e a verdadeira? Sem que tal pergunta fosse respondida, a partir de um momento essas vidas cessam de ser paralelas e comecam a interferir uma na outra. Jeanne esta em uma cena do filme de seu noivo (que ao mesmo tempo e a vida de ambos) em que esta experimentando o vestido de noiva. Com uma terrivel ironia ela compara o casamento ao casamento dos posters, e define o casal como trabalhadores vestidos de macacao que repetidamente consertam o casamento como se conserta o motor de um carro. Entao define o amor: os trabalhadores vao a um lugar secreto. Eles tiram os macacoes e viram homens e mulheres de novo, e fazem amor. De repente ela abandona as filmagens, sem avisar, foge para o apartamento e declara sua paixao a Paul em um dos momentos mais marcantes do filme. Mais tarde, quando ela retorna ao apartamento e nao o encontra mais, desespera-se, e, de um modo muito simbolico (que para a psicanalise deve render interpretacoes fantasticas), acaba convidando seu noivo a irem morar la. Mas Paul na verdade nao a tinha abandonado: ele tinha resolvido que comecariam tudo de novo, e o mais importante; sem o apartamento: comecariam uma vida do lado de fora. Mas, ao contrario das expectativas, em lugar do entusiasmo e alegria sobreveio a Jeanne uma agonia inexplicavel; o espaco vazio do apartamento foi substituido pelo vazio da vida; e Jeanne nao gostou de descobrir quem Paul era por mais que durante quase todo o filme ela quisera e tentara conhece-lo. E eis que, o que talvez fosse somente o primeiro tango, acabou sendo o ultimo. Ao se conhecerem, eles se desconheceram, e o que seria o inicio de um amor foi na verdade seu fim. Esta que sem duvida e uma das maiores obras ja feitas sobre o vazio existencial apresenta ao homem moderno, atraves de uma poesia linda e amargurada, as suas duas opcoes unicas: o imenso vazio de uma vida sem sentido ou o mediocre vazio de um apartamento sem mobilia. E se na instabilidade inerente a este encontramos a estabilidade inerente aquele, e vice-versa, nossa escolha nao e mais que uma questao de perspectiva: nao se trata de uma esperanca. Qual das opcoes e a vida real e qual e a sua catarse: eu nao saberia dizer sem ser simplista. E e exatamente isso que torna a ultima cena tao enigmatica: Jeanne ensaia o que falara para o noivo sobre o homem morto em sua varanda (a varanda de um apartamento que finalmente tem seus moveis): Eu nao sei quem ele e, nao o conheco; e nos
nao sabemos e muito menos ela o sabe se tais frases, afinal, sao falsas ou reais.- Francis Bacon Essa critica (por falta de melhor designacao) nao estaria de jeito nenhum completa, nem tao pessoal, se eu nao citasse aqui um nome fundamental: Francis Bacon. Nao confundir com o filosofo! Trata-se simplesmente do meu pintor favorito, o que mais me fascina, e ao mesmo tempo mais me agonia. E por que estou citando o seu nome? Porque eu surpreendi-me quando vi, logo no inicio do filme, na introducao, durante a apresentacao de algumas referencias tecnicas, dois quadros do Bacon sendo exibidos na tela. Certo de que essa iniciativa do Bertolucci nao seria de jeito nenhum aleatoria, pesquisei, e descobri algo que eu sou leigo demais para que tivesse percebido sozinho: a fotografia do filme, de Vittorio Storaro, e toda inspirada em quadros do Bacon. Uma sacada genial que, ao menos na minha cabeca, e absolutamente coerente: sempre vi Bacon como o pintor do vazio, da desilusao, do desespero. Da irracionalidade e da falta de sentido. O proprio ja disse: O homem compreende que e um acidente, um ser absolutamente futil, que deve jogar ate o final sem motivo. Se voce quiser saber um pouquinho mais sobre Francis Bacon e ver alguns quadros dele, entre no album dedicado a ele em meu orkut: http://www.orkut.com.br/Main#Album?uid=4899410086037152614&aid=1257430478- Complemento Como complemento a minha critica que por ser demasiadamente pessoal deixou a desejar referencias a quesitos tecnicos e curiosidades deixo aqui recomendado um link sobre o filme que achei realmente interessante e elucidativo:http://webcache.googleusercontent.com/search?q=cache:ZHA9dtq4IDsJ:www.blogpaedia.com.br/2008/12/10-mitos-que-ainda-pairam-sobre-o-filme.html+ultimo+tango+em+paris+criticas&cd=22&hl=pt-BR&ct=clnk&gl=br- Premios Circulo dos Criticos de Cinema de Nova York, EUA Premio de Melhor Ator Academia Britanica de Cinema e Televisao, Inglaterra Premio de Melhor Ator Indicado ao Oscar de Melhor Ator (Marlon Brando) e Diretor (Bernardo Bertolucci)
Titulo Original: Kirschbluten - Hanami.Origem: Alemanha / FrancaAno de lancamento: 2008Site oficial: http://www.kirschblueten-film.de/Direcao: Doris Dorrie.Roteiro: Doris Dorrie.Producao: Harald Kugler e Molly Von Furstenberg.Fotografia: Hanno Lentz.Edicao: Frank C. Muller e Inez Regnier.Musica: Claus Bantzer. Elenco:Elmar Wepper, Hannelore Elsner, Aya Irizuki, Maximilian Bruckner, Nadja Uhl, Birgit Minichmayr, Felix Eitner, Floriane Daniel, Celine Tanneberger, Robert Dohlert, Tadashi Endo, Sarah Camp, Gerhard Wittmann e Veith von Furstenberg.Comentario(?) breve:O que falar de Cerejeiras em Flor? Essa nao e uma mera pergunta introdutoria. E uma duvida cruel. Cerejeiras em Flor nao e um filme sobre o qual se escreva, sobre o qual se reflita, sobre o qual se indague. Cerejeiras em Flor nao e definitivamente um filme para o qual se de nota. Cerejeiras em Flor e pura emocao, e por emocao nao se leia metafora, pois nao ha interpretacoes para tal metafora. Cerejeiras em Flor e a historia de um homem velho, um homem que amava sua esposa sem a compreender e sem a aceitar, um homem cujos filhos o amavam sem compreender-lhe e sem minimamente aceita-lo, um homem que so conheceu sua esposa - atraves da arte - depois que esta morreu, quando ele ja nao podia imaginar onde ela estivesse mesmo sabendo que ela estava em algum lugar , mas antes de tudo um homem que nunca se conheceu, um homem que so foi compreendido por uma pessoa uma pessoa que nao foi sua esposa , ou talvez por duas, mas nenhuma delas portadora de seu sangue ou de seu amor talvez de sua paixao. Mas Cerejeiras em Flor nao e um filme sobre paixao menos ainda sobre amor; nem sobre a efemeridade em si mesma. E um filme sobre o que? Um filme sobre as cerejeiras em flor. Isso e uma metafora? Nao. E uma arte. E uma explosao ou antes uma implosao. Nao vou falar sobre Cerejeiras em Flor. Nao sei e nao me arrisco a tentar a transcrever sentimentos que ainda nao vivi. Como prometido, aqui vai minha primeira dica.O cinema conheceu em sua historia varias escolas, varias correntes. O mais famoso exemplo talvez seja a Nouvelle Vague, movimento frances liderado por figuras como Godard e Truffaut, e que foi em grande parte responsavel por elevar o cinema ao status de arte. Temos ainda a ramificacao no cinema do movimento surrealista, onde temos grande destaque para as obras-primas que Luis Bunuel realizou em conjunto com Salvador Dali, Um Cao Andaluz e A Idade do Ouro; e o conhecido expressionismo alemao da decada de 20, escola responsavel por perolas como O Gabinete do Dr. Caligari, Nosferatu e Metropolis. Mas provavelmente, entre todos esses, o movimento que eu mais goste seja o Dogma 95. Eis seus dez preceitos:- Filmar em locacoes, sem cenarios- Filmar com som direto e sem trilha sonora- Usar camara no ombro- Filmar em cores e sem iluminacao artificial- Abolir filtros e trucagens-Abolir acoes superficiais (assassinatos, armas, etc.)- Sem referencias temporais ou geograficas- Os filmes de genero sao inaceitaveis- O filme deve ter versao final em 35 mm.- O diretor nao deve ser creditadoO resultado de tudo isso e uma estetica
dialeticamente oposta a que Hollywood nos acostumou e filmes aos quais dificilmente nos ajustamos. E o mais interessante: trata-se de um choque nao somente sobre a concepcao comercial de cinema, mas mesmo sobre o que a maioria de nos entende como cinema artistico. Afinal, estamos imensuravelmente longe da estetica impecavel e deliciosa de um Tarkovsky ou mesmo de um Bertolucci.O principal articulador dessa ideia maluca e Lars von Trier (um dos meus cineastas favoritos), diretor dinamarques que tornou-se mundialmente reconhecido com obras posteriores ao movimento Dogma, principalmente Dogville, de 2003, estrelado por Nicole Kidman. Recentemente realizou o que talvez seja o terror mais agoniante, explicito e bem acabado e ao mesmo tempo lindo de todos os tempos: Anticristo, um dos meus filmes favoritos, embora eu absolutamente nao o recomende a todos. Curiosamente, Anticristo, seu ultimo filme, e dedicado a Tarkovsky.A quem tiver curiosidade de conferir o que foi o Dogma 95, recomendo Os Idiotas, filme de Lars von Trier de 1998 mas nao esperem algo divertido ou minimamente agradavel; ao contrario, preparem-se para um espanto em todos os sentidos do termo; ou, pelo menos, para duas horas bem cansativas.
politicos; vemos o povo simples da Sicilia, essa linda e tradicional ilha bem ao sul da Italia, pouco afetada pelos privilegios da unificacao e ate hoje uma das regioes mais pobres do pais; vemos a cultura italiana, seu modo de ser, acontecimentos bem tipicos como quando jogam pratos pelas janelas das casas no ano novo, quebrando tudo. Temos aquele clima de cidade pequena, com todos os seus personagens tipicos temos ate o louco que nao causa medo, mas riso, e quem mora ou ja morou em cidade pequena sabe que isso e de praxe. Tudo bem ambientado de um modo bem ameno, mesmo que muitos tenham sido os danos da Segunda Guerra, mesmo que muitos nao tenham voltados, entre eles o pai de Toto, e um pos-guerra esperancoso, cheio de promessas, de planos, de vida. As pessoas vivem. E um dos principais lugares onde as pessoas de fato vivem e o Cinema Paradiso; e nao e apenas onde elas vivem, mas o que lhes da a vida, e mesmo que isso esteja especialmente simbolizado no personagem de Toto, e tambem perceptivel em cada personagem da cidade: o casal que trocou os primeiros olhares nesse cinema para depois frequenta-lo com seu filho, o velho chorao que sabia todas as falas de cor e as repetia antes mesmo dos personagens dos filmes, os moleques que se masturbavam com a suntuosa beleza de Brigitte Bardot. E dentro deste cinema onde os personagens se constroem, de modo que ele nunca pode ser visto como apenas um lugar. Assim como Alfredo nao e apenas um homem. O proprio diretor, Giuseppe Tornatore, salientou que quis representar nele uma personificacao do cinema. Alfredo reclama a todo tempo de seu emprego, mas jamais o deixara, pois cada vez que escuta o deleite daqueles que assistem a um filme que ele esta projetando, e como se fosse ele mesmo a lhes causar o deleite. E e essa sensacao de auto-realizacao que ele acaba incondicionalmente passando para Toto, nao apenas incondicionalmente mas contra seu proprio desejo: porque ele nao via nesse trabalho ingrato um futuro para Toto. E e pensando no futuro de Toto que Alfredo o manda embora para Roma. Mas nos percebemos, mais nitidamente do que nunca a nossa vida o mostraria (quem sabe talvez quando chegassemos ao final dela e olhassemos para tras com a mesma delicada nostalgia com a qual Toto o fez) que ter um futuro nada tem a ver com grandeza. Porque tudo o que Toto viveu fora de sua aconchegante cidadezinha na Sicilia e fora de seu querido Cinema Paradiso foi exatamente tudo o que viveu de menos importante. Nao obstante tenha conquistado fama ou prestigio, dinheiro ou mulheres. De tudo o que construiu em sua vida, o que lhe restou ao final dela de mais significativo, de mais pleno, foram as cenas cortadas que o padre censurara. E e por isso que e impossivel assistir a cena final sem chorar. E e por isso que e impossivel lembrar dela sem que o os olhos umedecam. Talvez o que mais importe na vida de um
homem seja aquilo que conquistou ou que o conquistou quando crianca. A mensagem que um filme tao lindo nos lega e apenas aquilo que Alfredo disse a Toto antes dele partir: Seja o que for que fizer, ame-o como amou a cabine do Cinema Paradiso quando era pequeno. Se nao amarmos tudo o que fazemos em nossa vida desse mesmo modo, nao podemos chama-la vida. - Alguns adendos A parte tecnica do filme e bem simples, no sentido de ser tradicional, sem muitas inovacoes, mas dentro do que se propoe e impecavel. Os atores sao perfeitos, a crianca que interpreta o menino Toto e um achado, consegue transmitir exatamente o ar maroto e sincero que lhe e cabido curioso o fato do ator ter o mesmo nome e o mesmo apelido do personagem, o que o diretor jocosamente chamou de destino. Philippe Noiret, que faz Alfredo, consegue ser quase mais fofo que o proprio Toto. A direcao e extraordinaria para um segundo filme, e as tao lindas e caracteristicas paisagens da Sicilia ilha onde o diretor nasceu -, junto com a trilha sonora do mestre onipresente do cinema, Ennio Morricone, contribuem de modo elementar para a sensacao de delicadeza e lirismo que Tornatore almejou. Como ja foi dito, toda a tecnica e muito simples, quase rudimentar; a trilha sonora, por exemplo, tem sempre o mesmo mote, nao ha tomadas trabalhosas e as pitadas de comicidade sao bem tipicas; mas cada um desses elementos e coeso com a essencia de um filme que nao e feito essencialmente para intelectuais, mas para poetas. Um outro adendo e sobre o romance de Toto e Elena (a jovem Agnese Nano). Embora muito bonito, nao sei se, do modo que foi posto, esse romance era muito cabivel ao momento ou ao menos necessario; ele deu um tom melodramatico um pouco excessivo que nao permeia o mote principal do filme: este tem uma sensibilidade mais simples, mais mundana, e principalmente mais simbolica. O tom romantico do filme, o lirismo, a nostalgia, a emocao, representando uma homenagem ao cinema, e mais do que ao cinema, a vida, esta nas entrelinhas, nao no que e explicito. Choramos enquanto Toto, ja velho, assiste as cenas censuradas do cinema, nao pelo modo como isso se mostra, mas por tudo o que isso significa, e, por mais profundo que seja tudo o que isso significa, nao e preciso para representa-lo mais do que algumas cenas de beijo que foram cortadas. E tudo muito simples, contido; e a poesia dos modernistas, que toca as emocoes mais vitais sem nunca usar mais que vocabulos corriqueiros. Mas de qualquer modo, com todos os seus excessos, e impossivel nao nos emocionarmos com a longa espera de Toto por uma janela que nao se abre. Talvez exatamente o que o filme quer nos mostrar nesse ponto e que o amor nao existe sem excessos. - O cinema Minha primeira impressao do filme causou-me a principio certo repudio pelo tipo de cinema que ele propos-se a homenagear. As referencias sao todas a grandes astros da classica Hollywood. Humphrey Bogart,
Clark Gable, Greta Garbo. Vemos tambem Brigitte Bardot, o maior produto de exportacao da Franca dos anos 60. Apenas uma mencao isolada a Luchino Visconti, grande cineasta italiano. O cinema de massa, industrial, ovacionado com toda a cara de pau. Mas rapidamente mudei o angulo pelo qual estava observando. O objetivo de Cinema Paradiso nao e ser critico do ponto de vista social, nao e apresentar analises ou ideologias; como eu disse, nao e um filme para intelectuais e aqui estava eu querendo ser intelectual. Aquela pequena sala de cinema, naquela pequena cidade de gente tao simples na ilha de Sicilia, nao condizia com obras do grande cinema artistico se Hollywood e cinema de massa, aquela justamente era a massa. O que Cinema Paradiso se propoe nao e homenagear o cinema elitizado que, por mais profundo que seja, devido a todas as debilidades do nossa realidade socio-economica nao consegue sair da ambiente academico; Cinema Paradiso homenageia simplesmente o que o cinema banal, o cinema nao como arte, mas como apenas cinema, consegue despertar na pessoa simples, naquela pessoa que nao tem cultura, mas que tambem nao tem superfluidades, que vai ao cinema nao para estudar, mas para rir, para namorar, para chorar e repetir as falas dos personagens, e mesmo para se masturbar. Nao estou nao seria eu mesmo se fizesse isso legitimando Hollywood, mas encarando-o com a otica de Cinema Paradiso; a mesma otica daqueles que nao tem embargo para fazer criticas sociais. E nao acho que Cinema Paradiso deixe em sua homenagem o cinema artistico de lado, mas apenas nao o coloca como foco; porque o foco desse filme e exatamente aquilo que e simples e acessivel, que consegue tocar a todos do mesmo modo. Que e simples mas desperta emocoes profundas; antes de tudo desperta emocoes; e desperta a propria vida.Premios:Oscar 1990 (EUA)Venceu na categoria de Melhor Filme Estrangeiro.Globo de Ouro 1990 (EUA)Venceu na categoria de Melhor Filme Estrangeiro.Festival de Cannes 1989 (Franca)Recebeu o Grande Premio do Juri.Indicado a Palma de Ouro.Premio Cesar 1990 (Franca)Ganhou o premio de Melhor Poster.Indicado na categoria de Melhor Filme Estrangeiro.Academia Japonesa de Cinema 1991 (Japao)Indicado na categoria de Melhor Filme Estrangeiro.Premio David di Donatello 1989 (Italia)Venceu na categoria de Melhor Musica (Ennio Morricone).BAFTA 1991 (Reino Unido)Venceu nas categorias de Melhor Ator (Philippe Noiret), Melhor Ator Ator Coadjuvante (Salvatore Cascio), Melhor Filme em Lingua Nao Inglesa, Melhor Trilha Sonora Original e Melhor Roteiro Original.Indicado nas categorias de Melhor Fotografia, Melhor Figurino, Melhor Diretor, Melhor Edicao, Melhor Maquiagem e Melhor Direcao de Arte.
Designed by Gerald ScarfeWith Bob Geldof as Pinkfilm Music Produced by Roger Waters, David Gilmour and James GuthrieExecutive Producer Steve ORourkeProduced by Alan MarshallAnimation Directed by Gerald ScarfeScreenplay by Roger WatersDirected by Alan Parker(dados retirados diretamente do encarte do dvd)elenco: Bob Geldof (Pink) Christine Hargreaves (Mae de Pink) James Laurenson (Pai de Pink) Eleanor David (Esposa de Pink) Kevin McKeon (Jovem Pink) Bob Hoskins (Empresario) David Bingham (Pequeno Pink) Alex McAvoy (Professor) Marjorie Mason (Esposa do professor) Ellis Dale (Medico) Robert Bridges (Medico americano) Ray Mort James Hazeldine Jenny Wright Nota: 10 (parametro/categoria: cinema)Trata-se meramente de um dos filmes mais poeticos da historia. Profundo, sensivel, sarcastico, impiedoso, o filme, atraves de letras delicadas de musicas delicadas e imagens intensamente delicadas, desconstroi toda uma cadeia de valores atraves da construcao de um muro. Construir e desconstruir: e a tematica que transpassa toda a obra. E e o que acontece conosco ao nos depararmos com obras de arte verdadeiras: nos construimos e nos desconstruimos. E as vezes isso doi. - A construcao do muro The Wall quer que doa, e nao tem pudor nenhum ao fazer doer. A imagem da mae de Pink e tao desconcertante porque e terrivelmente material, e uma imagem quase palpavel. O filme nao constroi uma personagem peculiar, uma mae que tem determinados defeitos a serem apontados, defeitos que seriam realcados e enfatizados pra justificar o tijolo que ela representa no muro de Pink. Nao. A mae de Pink e um tijolo em seu muro apenas por ser mae: em ultima instancia, todas as maes sao tijolos no muro de seus filhos; em ultima instancia, todos comecam a construir seu muro na maternidade. Nossas maes nos passam seus medos. Nao por maldade, ao contrario, por serem maes demais. Ou de menos. Por simplesmente terem parido, por terem em seus filhos uma parte de si mesmas. Do mesmo modo, a guerra e simplesmente a guerra, nao e uma guerra injusta, uma guerra de fins sujos, ou pode ate ser, mas isso tudo so seria procedente do fato de em primeira instancia tratar-se de uma guerra. Pink perdeu seu pai na guerra, e tudo o que resta e a foto no album. Roger Waters transmite-nos tao bem essa sensacao porque ele proprio perdeu seu pai na guerra. Mas o fato e que nos proprios, como seres humanos, perdemos muito de nos proprios em todas as geracoes passadas perecidas em guerras. Todos nos perdemos nossos pais. A guerra e a lenta degeneracao de uma alma coletiva. Tudo isso e apenas mais um tijolo no muro. E a escola! Ah, a escola... sendo nada mais que uma continuidade da familia, da estrutura de legitimidade e hierarquia da familia, da transmissao vertical de conhecimento, nada menos coeso que se constituir em mais um e definitivo tijolo. Rendendo um dos trechos mais famosos do filme, que muitas pessoas conhecem apesar de desconhecerem a existencia do filme (eles julgam ser o clipe da musica Another Brick in the Wall part.2). As criancas compartimentadas como em campo de concentracao, trabalhando em unissono como em linhas de montagem (literalmente