thegoodfellas/blogset-br huggingface dataset:
saida do brasileiro no inicio da tarde desta terca-feira (23), apos o vazamento de informacoes de que o atleta quebrou o pe nos treinamentos para o combate.Neste momento, o UFC procura opcoes para substituir Rafael dos Anjos e manter Conor McGregor no evento. De acordo com veiculos especializados americanos, Donald Cerrone e Anthony Pettis ja se ofereceram a direcao do evento.Jose Aldo ja foi procurado, mas sua equipe descartou a luta por falta de tempo habil de preparacao. O brasileiro foi derrotado por McGregor em dezembro passado na disputa do cinturao dos pesos-penas.
ilustracao. Mas, valeu pelo presente fortuito e inesperado). Eugene Delacroix e considerado um dos maiores representantes do romantismo frances. Na sua obra convergem a voluptuosidade de Rubens, o refinamento de Veronese, a expressividade cromatica de Turner e o sentimento patetico de seu grande amigo Gericault. O pintor sublimava os sentimentos atraves da cor com maestria, Embora tenha escrito que nem sempre a pintura precisa de um tema um lema posterior das primeiras vanguardas, ele vai entrar em contradicao com a maioria de suas obras. Inspirado pela e durante a guerra de independencia da Grecia (1821-1829), o artista vai produzir uma obra inigualavel, L'espoir desarme - Ekphrasis de "La Grece expirant sur les ruines de Missolonghi, de 1827 (Museu de Bordeaux). Esse tributo se da atraves de uma quase-alegoria retratando o final da batalha de Scio (Quios), onde 20.000 gregos foram mortos a facada pelos turcos. Uma mulher representando a Grecia, com toda sua majestade, de maos e bracos abertos, retrata a esperanca desarmada. Seria o fim da Grecia terminando em ruinas (expirant sur les ruines)? Ao fundo, no canto direito superior, ve-se uma figura de um capitao otomano em tipica pose altiva de vitorioso. No canto inferior direito a mao de um soldado comparece entre os escombros como testemunha dos milhares de gregos massacrados. As cores se aproximam de uma paleta monocromatica, e o acentuado claro-escuro sublinha o aspecto funesto do drama. O termo grego Ekphrasis serve de prefacio enfatico ao entendimento da obra. Joao Adolfo Hansen, professor da FFLCH, da USP, explica: phrazo = fazer entender, e a raiz ek=ate o fim. O quadro e um discurso pictorico que poe sob os olhos com energeia e vividez aquilo que deve ser mostrado. Conheco poucas obras de arte com tal amalgamacao e continuidade entre o titulo e seu conteudo, como se nao pudesse existir um sem o outro. O quadro a Primavera de Botticelli (examinado mais adiante), e uma delas, mas seu titulo nao perde o significado pela ausencia do mesmo. Pode-se dizer que La Grece... comunga com uma escrita pictorica, se arriscamos inverter o sentido de imagem escrita, conceito esse introduzido e desenvolvido pela escritora libanesa Nada Moghaizel em seu livro exemplar, Images Ecrites. Da Internet retirei o poema abaixo, com o mesmo titulo e em louvor ao quadro de Delacroix. O autor, da Academia de Letras de Clermont Ferrand, Franca, assina com o bizarro codinome mushroom(!). Uma tentativa de qualquer homenagem e valida, mas o resultado e frustrado por versos que nao retratam a intencao exposta pelo pintor. A poesia esta falando de uma outra personagem, uma outra mulher. Nao ha aqui a minima Ekphrasis ligando o poema, alias, um belo soneto, a ilustracao. Seule dans cette obscurite effrayantCherchan toujours son amour evanouiElle se perd dans ces noirceurs qui la tourmententEt l'oppressent. Elle n'entend rien, plus aucun cris.Sombres et immobiles, les pierres parsementLe sol pour se faire happer par les abimes.A chaque pas, la lumiere quelle semeEclaire les ombres, meme les plus infimes. Mais dans les meandres de ses froides penseesUn sentiment dinjustice nait et se propage.Ces longs cheveux noirs
finissent par se melerAux ombres de la mort. Et elle reste en cageEnchainee a la betise la plus totaleImpuissante a une mort aussi brutale O poeta britanico Lorde Byron talvez nutrisse a mesma paixao de Delacroix pela Grecia. Esse pais sugeria todos os temas susceptiveis de exaltar sua alma desejosa de libertacao de um academicismo e prestes a conquistar sua liberdade. A Grecia encarnava um apelo as origens de uma civilizacao ameacada. Era uma luta entre o berco da civilizacao dita ocidental e a civilizacao oriental. A morte de Byron na batalha de Missolonghi, em 1824, leva essa exaltacao ao seu paroxismo.O Massacre de Scio e um relato de Delacroix pintado no mesmo ano da batalha (a esquerda). Finalmente, em 1830, o pintor vai entao homenagear a vitoria grega pintando La Liberte guidant les peuples (acima, a direita). Essas duas obras estao expostas no Louvre.
"Arte e Arte ou e Merda" (Portinari, apud E. Galeano em Espelhos) Pos-tudo, ex-tudo, nadaAugusto de Campos (15/09/2005) Uma artista inglesa expos e vendeu a uma galeria, por 350 mil dolares, a cama onde ela passou a noite trepando e onde havia varias camisinhas usadas. Isso e arte?O artista belga Win Delvoye enviou para a Bienal de Veneza uma lata contendo seu coco. A obra foi denominada Merda do artista. No ano seguinte, ele industrializou o processo, criando, com um projeto de 200 mil dolares, uma engenhoca que fabrica merda, vendendo cada latinha dessa merda por 1.000 dolares. Em 2002 uma dessas latinhas foi comprada pela Tate Galery por quase um milhao de libras. Isso e coco, quer dizer, isso e arte? Vito Aconti, ex-marido de Marina Abramovic montou numa galeria uma instalacao chamada Seedbed, que consistia em que ele ficasse sobre um estrado se masturbando durante oito horas por dia, durante duas semanas, dizendo em voz alta todas as fantasias que os assistentes lhe despertavam. Arte? Haggens descobriu um metodo de plastificar os cadaveres e realizou algumas exposicoes com esses seres mortos que passaram por esse processo (pos-moderno) de mumificacao. Ai havia gente com o ventre aberto, fetos, animais pela metade, enfim, aquilo que se chama de museu de horrores. Na Feira Internacional de Arte Contemporanea, em Paris, em 1975, a performance de Herman Nitsch, patrocinada pela galeria Rodolf Stadler, consistia numa serie de missas negras. Resultado: no dia seguinte ainda havia 2 cm de sangue sobre os 250 metros da galeria.Marina Abramovic, em 1972, apresentou a obra Ritmo 0, que consistiu em ficar parada junto a uma mesa sobre a qual havia alguns objetos: uma arma, um machado, mel, tinta, perfume, baton, azeite, etc. Ela ficava ali exposta e a disposicao dos expectadores que tinham num cartaz orientacao de como atuar naquela obra de arte: ha 72 objetos sobre a mesa que podem ser usados em mim conforme desejado. Eu sou o objeto. Como noticiou a imprensa, seis horas depois suas roupas haviam sido rasgadas e a arma tinha sido apontada para sua cabeca. Assim ela apenas radicalizou outra performance quando, certa feita, passou 12 dias na Sean Kelly Galery totalmente exposta a curiosidade do publico enquanto passantes, bebados, operarios curiosos viam todas as suas intimidades. Esses sao apenas alguns dos exemplos das dezenas de obras de arte contemporanea que tem seu estatuto de valor estetico questionado por Affonso Romano de Sant'Anna no seu ousado livro Desconstruir Duchamp: arte na hora da revisao (editora Vieira & Lent, 2003). A partir da grande receptividade de um artigo publicado no jornal O Globo, no ano de 2001, denominado Arte um equivoco alarmante, Sant'Anna acabou escrevendo mais 50 artigos. Eles sao saborosos de se ler, instigantes na suas argumentacoes e ousados em suas proposicoes sobre os rumos da arte atual. O livro da o diagnostico: a arte meteu-se num grande imbroglio. Os culpados: Duchamp e uma legiao de curadores, leiloeiros, marchands e galeristas que decidem o que e arte e o que tem valor enquanto tal. Pouco resta aos criticos, ensaistas e historiadores
da arte, condenados ao silencio e ao temor da contestacao a ordem artistica vigente.E ao artista resta alguma decisao? Quantos artistas nao estao traumatizados, paralisados, congelados de medo diante do desejo de pintar figuras, como se os talibas os fossem pegar em flagrante?, questiona Sant'Anna. Mas, diz o autor, e preciso comecar a contestar os proprios contestadores que, de um momento para outro, se petrificaram, se academizaram, se midiatizaram. Segundo seu diagnostico, Duchamp deu um xeque-mate na arte ha quase 100 anos e, desde entao, ela ficou paralisada, prisioneira de sua propria revolucao. E e Duchamp, pai da arte conceitual, e seus correligionarios, os alvos principais dos ataques de Sant'Anna.Afinal, nao foi o proprio abusado Duchamp que dizia que seus seguidores haviam se tornaram vitimas de sua propria artimanha? Joguei o urinol na cara deles como desafio e agora eles o admiram como um objeto de arte por sua beleza estetica.Embora o urinol tivesse desaparecido daquela exposicao em Nova York, para onde Duchamp o enviou, ele comecou a produzir copias de seu urinol, a assina-las para diversos museus para inseri-las no sistema artistico que condenara. So em 1964 autenticou oito outras pecas semelhantes, caindo na repeticao que tantas vezes condenou. O anti-artista virou artista, a anti-arte, arte. O feitico virou contra o feiticeiro. O contestador sucumbiu a cultura do mercado. E, no final da decada de 90, a Tate Gallery de Londres comprou uma das copias por quase um milhao de libras, diz Sant Anna. Pensar Duchamp atraves de suas proprias problematizacoes e desconstruir o desconstrutor. O livro se encarrega dessa tarefa blasfema com muita propriedade.O urinol nos revelou que todos podemos ser artistas, basta termos a atitude de escolher um objeto qualquer e denomina-lo arte. O trabalho bracal teve dessa forma seus dias contados (tecnica para que?). O que interessa e a receita, nao o bolo. Interessa o conceito, nao o fazer. Dessa forma tudo pode ser arte... se assim o quisermos. Se tudo e arte, nada e arte. Se uma gosma espermatica ou um bule velho de cafe podem ser arte, qualquer leigo, sem o minimo talento para a arte, poderia se perguntar: por que nao eu tambem? Calma la, tudo bem que democratizamos o talento, mas nem todos podem ser chamados de artista. Apenas os que o sistema artistico, composto por leiloeiros, curadores, galeristas e divulgadores (nao criticos de arte), amparados numa estrategia de marketing que rendera alguns bons dolares, decidir chamar de artista sera artista. Estes produzirao o que veremos nas Bienais distribuidas pelo mundo afora. Interrogacoes: quem nunca sentiu uma enorme insatisfacao, um tremendo vazio, diante de uma colecao de obras contemporaneas expostas nas mais famosas galerias e bienais de arte do mundo? Quem nunca sentiu que ali nao havia grande coisa para se apreciar ou que desse o que pensar? Quem e que apos estar diante da presenca arrebatadora da pintura de um Edward Munch, de um Francis Bacon (participantes anos atras da Bienal de Sao Paulo na secao historica), quem e que num momento desse nao percorreu a Bienal com tremendo desgosto pelo que era
ali exposto como o melhor da criacao contemporanea (arte e contemporanea? Goya e Rembrandt sao apenas o passado, ou o presente e o futuro tambem?). Nao seria, pensamos, uma covardia expor esses gigantes diante das miseras expressoes artisticas contemporaneas? Alias, a curadora da proxima Bienal de Sao Paulo ja se encarregou de desfazer essa humilhacao, retirando o nucleo historico da proxima exposicao. Texto extraido de: http://www.digestivocultural.com/colunistas/coluna.asp?codigo=1709 ***
La Primavera di StabiaAfresco romano (c. 100 A.D,) descoberto em Vila Arianna (Castellmare di Stabia, Italia), hoje no Museu Arqueologico Nacional de Napoles Flora (1790)Angelika Kauffmann (1741-1807), pintora neoclassica suica. Flora (1913) Louise Abbema (18531927), pintora e escultora francesa da belle epoque FloraDo quadro A Primavera (1485), de Boticelli . FloraDo quadro Nascimento de Venus (1482), de Boticelli Flora. Godess of blossom and flowers (1894) (*). De Morgan Foundation, London. Evelyn De Morgan (1855-1919), pintora inglesa da escola pre-rafaelita(*) A seguinte inscricao e encontrada no scroll perto do pe de Flora, no canto direito inferior: Io venge da Firenze e sona FloraQuella citta dai Fior prende NormanzaTia Fiori son nata ed or cambio dimeraFra i monte della scozia avio mea stanzaAccoglietemi ben e vi sia caroNelle nordiche nebbie il meo TesoroIlustracoes que evidenciam a influencia de Botticelli no quadro Flora, de De Morgan.Morgan teria se inspirado na postura do rosto de Venus, no estampado florido do vestido e na cor do manto da figura de Flora do Nascimento de Venus. Nascimento de Venus (1485), de Botticelli Flora de De Morgan Notar o arco do pescoco, inclusi-ve sua acentuada convexidado, e a inclinacao do rosto da Venus de Botticelli (acima) e da Flora de De Morgan.Destaques para a seme- lhanca do estampado de flores das vestimentas de Flora nos dois quadros No Nascimento de Venus (1486), ao inverso do quadro Primavera, Botticelli despe a Virgem Maria (ver neste Blog Botticelli Uma Deusa Vestida). Venus foi concebida quando o Tita Cronos castrou o deus Urano e os seus genitais cairam ao oceano, fecundando-o. E a Venus Anadyomene, aquela que sai da espuma do mar. Botticelli apresenta uma deusa desnuda, desembarcando na ilha de Chipre em uma concha aberta, impulsionada pelo deus do vento e sob uma chuva de rosas brancas. O quadro e uma pintura alegorica que justapoe, nao so elementos mitologicos gregos e romanos, como tambem funde a deusa paga com a Virgem crista.A figura da direita representa a ninfa Flora, que personifica a primavera. Em seu movimento, ela se adianta para cobrir a nudez da deusa. Seu vestido e manto, ambos estampados de flores, sao mais uma alusao a primavera, estacao onde os poderes sensuais de Venus estao no auge. A esquerda esta Zefiro, deus do vento do ocidente, com a esposa raptada Cloris. No quadro Primavera Botticelli tambem retrata as duas ninfas, ilustrando um poema de Ovidio, no flagrante onde Zefiro transforma Cloris em Flora, a deusa das flores. Assim como ocorreu no quadro Primavera, tambem aqui nao parece haver muita duvida sobre a intencao do pintor de representar a transfiguracao de um sincretismo religioso. Botticelli fora largamente influenciado pela obra do filosofo florentino Marsilio Ticino. Nessa obra, "Ficino tentava mesclar as concepcoes pagas e a teologia medieval em uma unica doutrina. Por oposicao a uma Venus inferior, terrena, sua Venus Celeste simbolizava a humanidade, a compaixao, o amor, e sua beleza abria as portas do ceu aos mortais" (Rose Marie & Rainer Hagen, 1997). O casal Hagen vai ainda mais longe. Na Idade Media, atribuiam-se os simbolos tradicionais de Venus,
as rosas, por exemplo, a personagem que dominava o cenario artistico e era o polo oposto, a Virgem Maria. Acontece o mesmo com a concha. Em relacao com a deusa paga, a concha representava, tal como a agua, a fertilidade e ainda, devido a sua semelhanca com o sexo feminino, o prazer dos sentidos e a sexualidade. Mas, quando forma uma aboboda sobre a madona do retabulo de Sao Barnabe (a direita, em baixo) simboliza a virgindade. A ambivalencia desse simbolo indica mais um ponto em comum entre as figuras miticas da Antiguidade e da Idade Media. Botticelli despe a Virgem, inverte a concha e da a luz Venus. Reparem que Botticelli poderia ate mesmo ter usado o mesmo modelo nas duas representacoes.
cabeca. Assim ela apenas radicalizou outra performance quando, certa feita, passou 12 dias na Sean Kelly Galery totalmente exposta a curiosidade do publico enquanto passantes, bebados, operarios curiosos viam todas as suas intimidades. Esses sao apenas alguns dos exemplos das dezenas de obras de arte contemporanea que tem seu estatuto de valor estetico questionado por Affonso Romano de Sant'Anna no seu ousado livro Desconstruir Duchamp: arte na hora da revisao (editora Vieira & Lent, 2003). A partir da grande receptividade de um artigo publicado no jornal O Globo, no ano de 2001, denominado Arte um equivoco alarmante, Sant'Anna acabou escrevendo mais 50 artigos. Eles sao saborosos de se ler, instigantes na suas argumentacoes e ousados em suas proposicoes sobre os rumos da arte atual. O livro da o diagnostico: a arte meteu-se num grande imbroglio. Os culpados: Duchamp e uma legiao de curadores, leiloeiros, marchands e galeristas que decidem o que e arte e o que tem valor enquanto tal. Pouco resta aos criticos, ensaistas e historiadores da arte, condenados ao silencio e ao temor da contestacao a ordem artistica vigente.E ao artista resta alguma decisao? Quantos artistas nao estao traumatizados, paralisados, congelados de medo diante do desejo de pintar figuras, como se os talibas os fossem pegar em flagrante?, questiona Sant'Anna. Mas, diz o autor, e preciso comecar a contestar os proprios contestadores que, de um momento para outro, se petrificaram, se academizaram, se midiatizaram. Segundo seu diagnostico, Duchamp deu um xeque-mate na arte ha quase 100 anos e, desde entao, ela ficou paralisada, prisioneira de sua propria revolucao. E e Duchamp, pai da arte conceitual, e seus correligionarios, os alvos principais dos ataques de Sant'Anna.Afinal, nao foi o proprio abusado Duchamp que dizia que seus seguidores haviam se tornaram vitimas de sua propria artimanha? Joguei o urinol na cara deles como desafio e agora eles o admiram como um objeto de arte por sua beleza estetica.Embora o urinol tivesse desaparecido daquela exposicao em Nova York, para onde Duchamp o enviou, ele comecou a produzir copias de seu urinol, a assina-las para diversos museus para inseri-las no sistema artistico que condenara. So em 1964 autenticou oito outras pecas semelhantes, caindo na repeticao que tantas vezes condenou. O anti-artista virou artista, a anti-arte, arte. O feitico virou contra o feiticeiro. O contestador sucumbiu a cultura do mercado. E, no final da decada de 90, a Tate Gallery de Londres comprou uma das copias por quase um milhao de libras, diz Sant Anna. Pensar Duchamp atraves de suas proprias problematizacoes e desconstruir o desconstrutor. O livro se encarrega dessa tarefa blasfema com muita propriedade.O urinol nos revelou que todos podemos ser artistas, basta termos a atitude de escolher um objeto qualquer e denomina-lo arte. O trabalho bracal teve dessa forma seus dias contados (tecnica para que?). O que interessa e a receita, nao o bolo. Interessa o conceito, nao o fazer. Dessa forma tudo pode ser arte... se assim o quisermos. Se tudo e arte, nada e arte. Se uma gosma espermatica ou um bule velho de cafe podem ser arte, qualquer leigo,
sem o minimo talento para a arte, poderia se perguntar: por que nao eu tambem? Calma la, tudo bem que democratizamos o talento, mas nem todos podem ser chamados de artista. Apenas os que o sistema artistico, composto por leiloeiros, curadores, galeristas e divulgadores (nao criticos de arte), amparados numa estrategia de marketing que rendera alguns bons dolares, decidir chamar de artista sera artista. Estes produzirao o que veremos nas Bienais distribuidas pelo mundo afora. Interrogacoes: quem nunca sentiu uma enorme insatisfacao, um tremendo vazio, diante de uma colecao de obras contemporaneas expostas nas mais famosas galerias e bienais de arte do mundo? Quem nunca sentiu que ali nao havia grande coisa para se apreciar ou que desse o que pensar? Quem e que apos estar diante da presenca arrebatadora da pintura de um Edward Munch, de um Francis Bacon (participantes anos atras da Bienal de Sao Paulo na secao historica), quem e que num momento desse nao percorreu a Bienal com tremendo desgosto pelo que era ali exposto como o melhor da criacao contemporanea (arte e contemporanea? Goya e Rembrandt sao apenas o passado, ou o presente e o futuro tambem?). Nao seria, pensamos, uma covardia expor esses gigantes diante das miseras expressoes artisticas contemporaneas? Alias, a curadora da proxima Bienal de Sao Paulo ja se encarregou de desfazer essa humilhacao, retirando o nucleo historico da proxima exposicao.Texto extraido de: http://www.digestivocultural.com/colunistas/coluna.asp?codigo=1709 Sumario de AcroarteIsso e Arte?Botticelli-Uma Deusa VestidaBotticelli-A Virgem Maria DespidaBotticelli-Suas MulheresDelacroix-Um Quadro em ProsaVenus ao EspelhoAs Tres GracasFlora-Deusa das Flores
O primeiro contato que tive com Botticelli, ao vivo e a cores, mas sem grandes impactos, foi no Museu do Louvre em 1968. Entretanto, iriam se passar mais de vinte anos para que eu pudesse me impregnar com duas de suas obras. Foi na Galleria degli Uffizi, Florenca, em 1991, onde estao expostas A Primavera (restaurado em 1978) e o Nascimento de Venus (restaurado em 1987) A Primavera, de 1481 (a partir da esquerda: Mercurio, as Tres Gracas, Venus (?) e Cupido, Flora, Cloris e Zefiro), festeja a chegada da estacao. Para a quase unanimidade dos historiadores de arte a composicao representaria o imperio de Venus no qual penetram o amor, a alegria, a fertilidade e a estacao com a sua profusao de flores. Seria a deusa a protagonista presente? Desconhece-se quem primeiro identificou perto de quarenta especies vegetais (!), incluindo alguns frutos e varias flores. No meio do bosque das laranjeiras surge a personagem que questionamos ser Venus. Por cima dela o seu filho Cupido, com os olhos vendados, atira sua flecha de amor em uma das Gracas. Cupido vai alem do quadro ao ilustrar que o amor e cego. O artista coloca, com extrema sutileza, a cabeca de Venus no centro de um vitral circular dominado pelo azul do ceu, ao fundo, e ramos de folhagem (a direita). O circulo e induzido por dois arcos de circunferencia, um de cada lado da deusa, formado por dois troncos curvos de arvores. Essa aureola empresta a deusa um ar de Madonna, aparencia que e ainda reforcada pelo veu em sua cabeca inclinada, pelos cabelos cobertos, pela veste recatada e gesto liturgico da mao direita. E flagrante a diferenca com a deusa do Amor nua e de cabelos esvoacantes do Nascimento de Venus. Na extremidade direita do quadro surge a divindade de Zefiro, deus do vento do ocidente, brisa amena que banha o bosque de orvalho e cobre a terra com o perfume de inumeras flores. A poesia lirica romana de Ovidio teria servido de inspiracao a Botticelli. O deus e figurado no momento do rapto de Cloris (a esquerda). Zefiro esta representado sob a forma de um ser azul esverdeado tentando agarrar uma ninfa de vestes transparentes (Cloris) e que olha para o deus com espanto. Da sua boca caem flores (quando fala, seus labios expelem flores (Ovidio)) que se misturam com as que decoram o vestido de outra figura ao lado dela Flora. Flora da um passo a frente e tira do regaco as rosas que deita no jardim. Como deusa das flores, com esse gesto, ela simboliza a imagem do titulo do quadro: inicio da Primavera. Ovidio poematiza o principio da estacao como o momento da metamorfose quando Zefiro transforma a ninfa Cloris em Flora, a deusa das flores Eu hoje sou Flora, aquela que era chamada de Cloris. As Tres Gracas, servas de Venus, estariam configurando tres aspectos do amor: beleza, desejo e felicidade? Seriam elas, Talia, a que traz flores, Aglaia, brilho e esplendor e Eufrosina, jubilo e alegria. Com vestes transparentes, bailam alegres e de maos dadas.