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dessa nova relacao, se o teatro e um duplo da vida, a vida e um duplo do verdadeiro teatro. Para Artaud, o teatro deve ser considerado como um Duplo nao desta realidade cotidiana e direta, da qual ele, aos poucos, se reduziu a ser uma copia inerte, tao va quanto adocicada, mas de uma outra realidade perigosa e tipica, na qual os Principios, tais como os delfins, no instante em que mostram suas cabecas se apressam em retornar a obscuridade das aguas. Ja o conceito de Crueldade foi muitas vezes percebido erroneamente como sangue ou sadismo, mas para Artaud a Crueldade esta vinculada com a propria renovacao que propunha no que diz respeito ao rigor, aplicacao e decisao implacaveis, determinacao irreversivel, absoluta. Artaud pretende uma nova santificacao do teatro e uma pureza so encontrada nos rituais, onde a honestidade esta acima de meros valores comerciais. Crueldade tambem quer dizer sofrimento da alma exposta e triturada do ator perante uma plateia que tambem deve expor e deixar triturar sua propria alma, em retribuicao. O Teatro da Crueldade foi criado para devolver ao teatro a nocao de uma vida apaixonada e convulsa; e e nesse sentido de rigor violento, de condensacao extrema dos elementos cenicos, que se deve entender a crueldade sobre a qual ele pretende se apoiar. Mas quando necessario a Crueldade podera e devera ser sangrenta, a afirmacao de uma terrivel e, alias, inevitavel necessidade, pois o seu teatro e uma resposta dura e implacavel a todo sofrimento a que foi acometido, seu teatro transporta para o palco a miseria do corpo humano. Artaud se explica: a guerra que pretendo fazer provem da guerra que fazem a mim. A obra de Antonin Artaud, seja no teatro ou na poesia, seja como ator ou encenador, seja mesmo como artista plastico, e uma obra que traz dentro de si a marca do sofrimento. Ja em 1915, portanto, aos 19 anos de idade, e acometido por uma crise de depressao e destroi varios de seus textos. Pela primeira vez e internado em um sanatorio. Dai ate sua morte, sao inumeras curtas internacoes e diversos tratamentos para desintoxicacao. A partir de 1938 permanecera internado ate sua morte. A crueldade consiste em extirpar pelo sangue e ate sangrar a esse deus, o azar bestial da animalidade humana inconsciente, la onde se encontrar. Internado em Ivry, Artaud sofria de dores terriveis provocadas, provavelmente, por um cancer no anus. Para se livrar, fazia uso do laudano e cloral, drogas sinteticas que, inevitavelmente provocariam dependencia e, em doses excessivas, provocariam a morte. Artaud sabia disso. Teve a liberacao do seu medico para usar a droga livremente. Existem alguns biografos que defendem o suicidio, embora nada se possa provar. Talvez overdose acidental. Artaud continua ainda incompreendido em seu pensamento e em suas propostas para o teatro. Crueldade, magia, duplo, sangue, esperma, hieroglifos, gritos e gemidos... Parece tudo tao simples! Ele tenta explicar: O teatro da crueldade nao e o simbolo de um vazio ausente, de uma espantosa incapacidade para realizar-se em sua vida de homem. E a afirmacao de uma terrivel
e alias inelutavel necessidade. Como nao compreender seu grito desesperado de dor e agonia? Mas Artaud nao era assim tao previsivel! Ele mesmo havia declarado que era preciso romper a linguagem para tocar na vida. O seu teatro foi uma incansavel busca por essa nova linguagem que deveria surgir do seu proprio rompimento. Artaud ficou sozinho. Como companhia apenas seu sapato, seus papeis, canetas e as drogas. E provavel que tenha se matado? Talvez. Mas com certeza a morte para ele foi apenas o fim do sofrimento. Um mes antes de morrer, a transmissao radiofonica de seu poema PARA ACABAR COM O JULGAMENTO DE DEUS, foi proibida pelo diretor da radio estatal. Mas copias clandestinas foram feitas e se pode ouvir Artaud, gritando, gemendo, grunhindo, cumprindo o que prometera. POST-SCRIPTUM - Quem sou eu? / De onde venho? / Sou Antonin Artaud / E basta que eu o diga / Como sei dize-lo / Imediatamente / Voces verao meu corpo atual / Partir em pedacos / E se recompor / Sob dez mil aspectos notorios / Um corpo novo / Onde voces nao poderao / Nunca mais / Me esquecer.
Eu compreendo a guerra, general. Meu filho morreu nela.(Da mulher de um pescador, em O Julgamento de Luculus Bertolt Brecht)O maior flagelo da humanidade acompanha o homem desde sempre. E muito ainda deve demorar para que consigamos viver num mundo em que a guerra seja apenas parte dos verbetes das enciclopedias e dicionarios, como um fato historico que deveria ser visto como uma aberracao ou uma extravagancia deslimitada, um acontecimento pitoresco que nos causasse apenas curiosidade e nada mais, pois tao distante que nem dor deveria nos causar. A necessidade de se fazer guerra e com ela se impor pela forca diante do mundo e como uma droga que provoca dependencia fisica e psicologica ou a insulina, absolutamente vital para o combate ao diabetes. O capitalismo se alimenta de guerra e vai torna-la, cada dia mais, necessaria para sua sustentacao. Em seu ultimo estagio o imperialismo , como estamos assistindo hoje, essa condicao esta se exacerbando de tal maneira que ja torna o mundo um grande campo de batalha onde, a cada dia novos inimigos precisam ser encontrados (ou fabricados!) para se justificar as acoes belicas. Com sua extraordinaria lucidez, o dramaturgo e encenador alemao, Bertolt Brecht afirmava que a guerra e necessaria dentro do capitalismo, isto e, para o capitalismo. Esse sistema economico baseia-se numa guerra de todos contra todos, dos grandes contra os grandes, dos pequenos contra os pequenos, dos grandes contra os pequenos. Ja se deveria ter reconhecido que o capitalismo em si e uma desgraca, a fim de se reconhecer que a guerra e as desgracas que ela produz sao ruins isto e, desnecessarias. E a voracidade do sistema que gera a guerra nao tem fim. E novas guerras precisam ser criadas para alimentar o medo de Cronos, que engolia seus filhos assim que nasciam, para garantir que nao o destronassem. A guerra torna-se, entao, mercadoria, numa sociedade em que o modo de producao e determinado pelo poderio belico. Cada baioneta, uma vida humana! E ja nem se usam mais baionetas! O teatro nao se furtou, ao longo de sua historia, de refletir e denunciar as mazelas provocadas pela guerra. Atento a realidade do seu tempo e sem abrir mao do seu compromisso historico, o teatro tem sido um guardiao incansavel da paz e da soberania dos povos, colocando em cena personagens e situacoes que nos convocam a repensar os mais crueis mecanismos de destruicao da guerra e as suas mais terriveis herancas; geracoes e mais geracoes esfaceladas e destruidas, cuja historia nao sobreviveu senao na memoria de suas perdas. Novamente Brecht: Noite. / Os casais / Vao para a cama. /As jovens mulheres parirao orfaos. Em TROIANAS, o tragediografo grego Euripides (484? - 406 a.C.) nos apresenta o mais belo poema contra a brutalidade e irracionalidade da guerra, o mais terrivel exemplo do que a guerra e capaz, e se levanta, em cada palavra, em cada silencio das mulheres cativas, contra a estupidez e a barbarie! Um canto de paz em que o derrotado e o grande heroi, pois covardemente vencido, guarda para si a honra maxima
de ter lutado por uma causa justa. A vitoria dos gregos, sob o seu ponto de vista, se esgota em si mesma, pois como afirma Cassandra, em seu mais lucido delirio: Desejo apenas te convencer, minha mae e nao e delirio que a troiana gente e mais feliz que a grega. Tudo por uma mulher!... Por uma so paixao, so por Helena, quantos gregos pereceram? Por uma mulher levada de seu lar nao pela forca, mas por vontade propria. Para resgatar Helena quantos foram dizimados em arduas lutas cujo premio nao seria nem a sobrevivencia de sua patria nem a preservacao de suas fronteiras. E os que tombaram jamais tornaram a ver seus filhos e a mao que em terra estranha os sepultou nao foi da esposa amada. As mulheres morrem viuvas; os pais idosos morrem sem deixar filhos para perpetuar a familia; e sobre seus tumulos parente algum vira depositar lagrimas. Este e o premio que mereceram... de seus crimes e melhor silenciar; que a musa jamais me empreste sua voz para cantar tais infamias. Quanto aos troianos que gloria poderia ser maior? Morreram pela patria! Euripides escreveu TROIANAS possivelmente em 416 a.C., e hoje, quase dois mil e quinhentos anos depois, voltamos a discutir a relacao do teatro com a guerra, numa tentativa de entender o processo historico que a envolve. Nao e muito diferente, pois os interesses continuam sendo os mesmos. Quando levei a cena minha versao de TROIANAS, os Estados Unidos estavam invadindo o Afeganistao e logo depois o Iraque, numa clara demonstracao de que tudo o que Euripides escreveu continuava absurdamente atual: os interesses economicos as rotas do mar Egeu para os Gregos e o petroleo iraquiano para os americanos e as falsas justificativas para as invasoes de Troia e do Iraque o rapto de Helena e as bombas de destruicao em massa de Sadan Houssein estavam colocadas de forma a legitimar qualquer acao belica. Euripides nao foi unico tragediografo grego a discutir a guerra em suas pecas, mas certamente foi o que mais incisivamente se voltou contra ela, colocando o seu teatro em favor da luta pela paz, contra a exploracao do homem pelo homem. O ciclo troiano serviu de inspiracao a muitos, mas nenhum cantou os horrores da guerra como Euripides. O teatro se transforma e e proprio do seu tempo. Ele so existe a partir de uma relacao estreita com valores culturais e sociais. A maneira de se fazer teatro, sua expressao estetica e politica, e determinada pelo grau de liberdade que cada povo desfruta em seu momento historico. Quanto maior a liberdade, mais livre sera sua expressao; quanto menor a liberdade, maior a sua combatividade contra esse estado de opressao e censura, maior a sua necessidade de denuncia forma e conteudo se unem criando uma nova estetica que vai refletir essa contradicao basica do ser humano: necessidade/possibilidade, pois e dela que o teatro se alimenta. No periodo de ditadura militar, o teatro brasileiro encontrou um caminho proprio para denunciar as arbitrariedades do regime ao mesmo tempo em que lutava por um estado democratico
de direito. O teatro brasileiro (obviamente, aquele comprometido com seu tempo e sua historia) nao podia ser de outra maneira senao aquela, porque foi naquele solo que ele foi germinado e deu seus frutos. No periodo de guerra, o processo nao e diferente, pois o estado de guerra vai estabelecer novos parametros norteadores das relacoes sociais e essa situacao especifica vai gerar um teatro que reflita as condicoes de vida provocadas pela convivencia diaria com bombardeios e mortes. Brecht: Muitas coisas aumentarao com a guerra / Aumentarao / As posses dos poderosos / E a pobreza dos que nada tem / Os discursos dos governantes / E o silencio dos governados. Brecht vive a experiencia das duas grandes guerras mundiais e isso vai marcar irreversivelmente toda sua obra. Formula uma nova teoria de teatro que visa explicar e fazer entender as lutas que o homem trava no seu dia-a-dia contra os diversos tipos de opressao, das mais simples as mais complexas. Acredita no teatro como um poderosissimo agente de transformacao social e busca, a cada instante de sua vida, novos elementos que contribuam para o melhor entendimento das relacoes sociais. Necessitamos de um teatro que nao nos proporcione somente as sensacoes, as ideias e os impulsos que sao permitidos dentro do respectivo contexto historico das relacoes humanas (em que as acoes se realizam), mas tambem que empregue e suscite pensamentos e sentimentos que ajudem a transformacao desse mesmo contexto. E um pacifista e a condenacao da brutalidade da guerra esta presente em diversas pecas e inumeros poemas. Coloca o seu teatro a disposicao da luta pela paz, pela democracia e pelo socialismo. Um teatro que promova um posicionamento critico e leve a uma transformacao: sem opinioes e objetivos nada se pode representar, nada se pode mostrar: como e que alguem podera discernir o que e que vale a pena saber? A menos que o ator se satisfaca em parecer um papagaio ou macaco, ele tem de adquirir conhecimento sobre o convivio humano, patrimonio de sua epoca. As terriveis experiencias da guerra e sua incansavel luta contra o capitalismo vao balizar seu pensamento teatral anticapitalista e antiimperialista. Brecht propoe uma profunda e radical reorientacao do fazer teatral, norteado pelo materialismo historico e dialetico, estabelecendo novas possibilidades de analise, como podemos ver por exemplo, em Mae Coragem e Seus Filhos, escrita nos anos 1938/39: Capelao Estao enterrando o general. E um momento historico. Mae Coragem Golpearam minha filha no olho. Para mim este e que e um momento historico. Ela ja esta meio destruida, nao vai nunca conseguir um marido. E e muda, tambem por causa da guerra quando era crianca um soldado lhe enfiou alguma coisa na boca. O Queijinho (seu filho) eu nao vou ver mais; onde esta Eilif (outro filho) so Deus sabe. Maldita seja a guerra! Costuma-se dizer que o teatro mexe com as pessoas. Na verdade, o teatro, por suas caracteristicas, tem uma capacidade extraordinaria de transformar as pessoas. E como sao os homens que transformam a sociedade, o teatro tornar-se, entao, um grande cadinho de inquietacao, onde se
estimulam e se aprimoram as consciencias. Provocando uma reflexao profunda sobre as relacoes sociais estabelecidas no palco, o homem e instigado a lancar um novo olhar sobre a sua propria existencia e dela passa a questionar pontos que antes nao lhe preocupavam. E essa tomada de posicao, provocada por uma relacao intima, visceral e unica ator/publico , e que faz do teatro, sim, um grande agente de transformacao. O fato de ser obra de arte viva lhe confere qualidades especificas, que as outras artes nao conseguem atingir tao plenamente. O ator em cena promove entendimentos e tomadas de posicao que poucos discursos politicos conseguiriam. Isso confere ao ator e ao homem de teatro uma responsabilidade historica da qual nao podem se furtar, sob o risco de sua arte se consumir em si mesma. Com os olhos voltados para o mundo, o teatro se apropria dos problemas de outros povos e os toma para si, e sobre eles registra para o seu publico o seu compromisso historico. Os conflitos e as dores dos homens nao mudam muito. A violencia atinge a todos, em maior ou menor grau; sua discussao nao e qualitativa. Nao se pode, portanto, pensar na guerra como um fenomeno que atinge somente aquele determinado povo; sua brutalidade vai encontrar eco em outros povos, que vao reagir a ela solidariamente e, com certeza, o teatro estara pronto para gritar, com todas as suas possibilidades, se insurgindo declaradamente contra os atos de violencia inerentes a guerra, tornando-se, assim, uma arte internacionalista. Estamos vivendo um momento historico em que a ocupacao a paises soberanos esta na ordem do dia! O mundo foi, novamente e de forma arbitraria, dividido em dois blocos: o eixo do bem contra o eixo do mal. Sem a ameaca do bloco socialista no leste europeu, o imperio norte-americano teve que buscar imediatamente novo inimigo para continuar sua insaciavel necessidade de dominacao! Mas temos que ter claro tambem que a resistencia ao projeto imperialista ganha mais forcas e mais adeptos. Nos ultimos anos tenho dedicado meu trabalho de dramaturgo e encenador teatral a uma profunda discussao sobre a guerra. Ciclo que se iniciou com a estreia de TROIANAS, em 2002, passando por CANUDOS um retrato de um dos maiores massacres cometidos em nosso pais , em 2004, depois com CANTOS DE AMOR MULHER um terrivel lamento de maes que perderam seus filhos na guerra de Troia , em 2005 e, finalmente, JOANA a luta de Joana Darc contra a ocupacao inglesa na Franca, estabelecendo claramente uma denuncia da invasao do Iraque. A guerra e uma cruel realidade que ainda nos acompanha. Hoje acompanhamos ao massacre que ocorre na Libia, com as forcas da ONU matando civis. O modelo de democracia imposto pelos Estados Unidos so se concretiza a partir do uso da violencia. E isso que se faz! E a isso que assistimos! Mais uma vez, entao, e preciso debater, refletir e buscar caminhos de luta no sentido de pressionar governantes para que revejam suas politicas externas e para que o teatro continue, como sempre, a servico da paz mundial!
O melodrama e o genero teatral que mais sofreu preconceitos ao longo de sua historia, e sofre ainda, seja por sua estrutura formal de efeitos mirabolantes e absurdos ou pelo conteudo, muitas vezes, inverossimil de seus enredos ou do comportamento psicologico de suas personagens. A ma fama do melodrama, para aproveitar a expressao usada por Eric Bentley, pode ser melhor explicada quando se percebe a sua destinacao, ja que a tragedia fala ao coracao, a comedia a mente e o melodrama aos olhos (entenda-se, glandulas lacrimais).... a bondade perseguida pela maldade, um heroi perseguido por um vilao, herois e heroinas perseguidos por um mundo perverso, - Eric Bentley resume de maneira extraordinaria a estrutura dramatica do melodrama e e exatamente essa estrutura que se estabelece a partir da eterna luta entre o bem e o mal ou, se preferirem, e talvez seja ate mais adequado no nosso caso, do mal contra o bem, que vamos encontrar na singular obra dramatica daquele que e considerado o Moliere brasileiro, Martins Pena (Rio, 1815 Lisboa, 1848). Poucos conhecem os dramas escritos por Martins Pena. Existe apenas uma edicao, datada de 1956, organizada por Darcy Damasceno e Maria Filgueiras que, com muita sorte, pode ser encontrada em algum sebo, fora isso, absolutamente nada! E pouco tambem foi escrito sobre essa obra, e os destaques que merece em um ou dois livros sobre a Historia do Teatro Brasileiro, sao severamente duros em suas poucas linhas que se dedicam mais a resumir o enredo do que fazer uma avaliacao critica de cada uma das pecas: Fernando ou O Cinto Acusador (1837?)D. Joao de Lira ou O Repto (1838)D. Leonor Teles (1839)Itaminda ou O Guerreiro de Tupa (1840)Vitiza, O Nero de Espanha (1840)Drama Sem Titulo (incompleto - 1847?) Seis obras, sendo uma delas apenas fragmento, de um valor historico e cultural surpreendente, pois nos revelam Martins Pena investigando um genero ao qual pouco se dedicaria ao longo de sua brevissima carreira. Pecas praticamente ineditas, pois apenas Vitiza mereceu uma encenacao no Teatro Sao Pedro, em setembro de 1841, sob um silencio geral da critica e Fernando foi transformada em comedia por um grupo paulista ha alguns anos. Para Sabato Magaldi a falta de uma verdadeira linguagem tragica reduziu muito o alcance dessas experiencias, no que temos que discordar do grande critico brasileiro: Martins Pena nao quis escrever tragedias, isso e bastante claro, sua intencao era escrever melodramas, basta observamos as tecnicas utilizadas, que nao sao tecnicas da tragedia. Discordar tambem quando ele afirma que a montagem dos dramas hoje nao representaria outro merito senao o de mostrar ao publico um documento historico. Martins Pena foi, nao em todos que escreveu naturalmente, um bom autor de melodramas. Dominava sua estrutura e, em suas pecas mais bem acabadas, vamos verificar, sim, um bom uso dessas tecnicas. E mais, a sobrevivencia e permanencia do melodrama nos dao elementos para acreditar que suas pecas sao mais do que documentos historicos. Basta ver a producao da telenovela brasileira, que em termos melodramaticos fica devendo muito pouco as mexicanas, obviamente nao estamos discutindo as qualidades
relacao a Hamlet, afirma causticamente: o miseravel melodramazinho prossegue ate o seu climax. Nao queremos a postura acida de Abel, mas temos que concordar que o bardo ingles se rendeu, sim, em varios momentos a um efeitozinho melodramatico. Convenhamos que a perda do lencinho por Desdemona, que servira de peca fundamental para incrimina-la definitivamente, e muito fragil, porem Shakespeare precisava disso e lancou mao de um recurso que, se nao enfraquece a tragedia, e pelo menos muito suspeito. Suspeitos tambem sao os varios recursos utilizados por Martins Pena: em Fernando ou O Cinto Acusador, DHarville, o mocinho da historia, e preso no mesmo calabouco onde fora preso o seu pai, tambem vitima de Fernando, mas o maior efeito se da quando DHarville descobre o esqueleto do pai e junto dele o famigerado cinto acusador, onde esta escrito com sangue as seguintes palavras: Vitima das perseguicoes do infame Fernando Strozzi. Um homem de honra viu aqui sua hora suprema. Aquiles, vinga a morte de teu pai, ai se revela toda a maldade de Fernando e o possivel desenlace da trama perfida. Em Vitiza, surge milagrosamente um certo Eremita, que vai revelar o grande misterio que envolve a trama: Orsinda e mae de Aldozinda. So para registrar: Orsinda e apaixonada por Roderigo que e o grande amor de Aldozinda; por ciume doentio Orsinda mata Aldozinda com um punhal, e esta, misteriosamente, ressuscita na hora de ser enterrada. No Brasil, o melodrama nao morreu com Martins Pena, no teatro brasileiro contemporaneo vamos encontrar em Nelson Rodrigues, um dos mais melodramaticos de nossos autores. Em todas as suas pecas, de Vestido de Noiva a O Beijo No Alfalto, ou de A Falecida a Toda Nudez Sera Castigada, o naturalismo, muitas vezes aliado ao expressionismo (e ate mesmo em suas farsas), ha uma contaminacao evidente do melodrama, seja nos recursos, seja na linguagem, na paixao doentia ou nas situacoes criadas. O confronto entre as personagens e sempre marcado pelo exagero das obsessoes, motivacoes passionais ou revelacoes surpreendentes. Com sua genialidade, Nelson Rodrigues, utilizou-se do melodrama com mestria sem igual, mas isso nao o torna menos melodramatico e moralista. A derrota do mal, o que nao quer dizer necessariamente vitoria do bem, acompanha o melodrama como maxima moral: a punicao para os crimes e fundamental e dela nao se escapa. Ha uma definicao absoluta: se eu sou mau, eu nao sou bom; se eu sou bom, eu nao posso ser mau. E nessa relacao nao ha duvida nem culpa e cada personagem tem consciencia do seu carater. O melodrama e esquematico e nao dialetico. Fazendo um estudo comparativo com a tragedia, Ivete Huppes em seu excelente e fundamental MELODRAMA O Genero e sua Permanencia, explica que a forca implacavel da escolha, que dilacera a tragedia, e contornada no melodrama. Num certo sentido, este passa ao largo dos dilemas brutais que jogam os herois tragicos entre duas ordens de razoes, ambas aceitaveis. Aqui as personagens se movimentam num mundo muito mais simples. Na ha nuancas. O universo das possibilidades humanas esta reduzidos a duas alternativas rotuladas desde o comeco,
uma corresponde ao bem; a outra, ao mal. O conflito e claramente um embate entre campos separados e as personagens como os espectadores tem suficiente lucidez para distinguir um ao outro. Tanto o vilao como o heroi anunciam sua identidade. Nao podemos analisar a obra melodramatica de Martins Pena sem entender os parametros impostos pelo melodrama; o que temos que analisar e se a partir desses parametros ele realizou a contento suas pecas. O seu amadurecimento fica patente quando observamos o conjunto de sua obra. Nao podemos e nem queremos desconhecer que o comediografo superou em muito o autor melodramatico, mas isso nao diminui o seu valor, apenas acentua suas preferencias e melhores habilidades. Tanto para a comedia quanto para o melodrama Martins Pena viveu pouco, mas nesse curto periodo nos legou um acervo extraordinario com o que melodrama tem de mais genuino. Lothar Hessel e Georges Raeders, em O Teatro No Brasil Sob Dom Pedro II, reafirmam o que temos tentado demonstrar: menos realizados que as comedias, os dramas parecem ter sido exercitacoes para alguma obra-prima a que, pela brevidade de sua vida, nao conseguiu chegar.