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o intimo, modesta, ausente de joias, tem como maior adorno a propria beleza natural como a paisagem que a cerca, o que poderia justificar a inscricao do reverso.Obras da decada de 1480 - A Alta Renascenca.Na decada de 1480 recebeu tres importantes encomendas e comecou outro trabalho ainda, cujo tema abriu uma rotura em termos de composicao. Infelizmente, dois desses tres trabalhos nunca foram acabados (devido sua partida para Milao) e o terceiro levou tanto tempo, que tornou-se alvo de longas negociacoes ao longo da sua execucao e pagamento. Uma destas pinturas e Sao Jeronimo no Deserto. Esta pintura e associada com um periodo dificil da vida de Leonardo, e coincide com sinais de melancolia encontrados em seu diario: "Achei que estava aprendendo a viver; estava apenas aprendendo a morrer." A composicao da pintura foge as praticas costumeiras da epoca; Sao Jeronimo, como um penitente, ocupa o centro da figura, levemente inclinado diagonalmente, e visto quase que de cima. A sua forma, ao ajoelhar-se, adquire um contorno trapezoide, com um braco esticado a borda exterior da pintura, e seu olhar virado para a direcao oposta; alguns estudiosos apontam na obra ligacoes com os estudos anatomicos de Leonardo. Da Vinci serviu-se de um modelo de madeira e pano para conceber a figura do santo, como se fazia na altura. Para o poder pintar nesta posicao, a cabeca de Leonardo colocava-se a mesma altura que o meio da tibia do modelo, pintando-o na diagonal. Por toda a extensao do quadro esta o seu simbolo, um grande leao cujo corpo e cauda formam uma espiral dupla ao longo da base do espaco da pintura. Outra caracteristica que se destaca e o cenario incompleto, de rochas escarpadas, contra o qual a figura esta delineada. Outra composicao um tanto quanto atrevida, os elementos paisagisticos e o drama pessoal ressoam na obra de arte inacabada: A Adoracao dos Magos, encomenda dos monges de San Donato a Scopeto. E uma composicao muito complexa sobre cerca de 250 cm de largura e comprimento de uma placa de madeira. Para este trabalho o artista esbocou varios desenhos e numerosos trabalhos e estudos preparatorios, incluindo um detalhe de uma perspectiva linear das ruinas de um edificio classico. Mas em 1482 Leonardo saiu com destino a Milao por ordens de Lourenco de Medici, em tributo a Ludovico Sforza, o mouro, e a pintura e todo o trabalho que havia tido foi abandonada.Milao, 1482-1499Em Milao, o primeiro registro de Leonardo da Vinci e um contrato de uma Confraria religiosa intitulada Imaculada Conceicao, datado de 25 de Abril de 1483, para a pintura de um retabulo para abrilhantar o altar da capela de Sao Francisco, o Grande. O resultado seria o terceiro mais importante trabalho pictorico do artista, A Virgem dos Rochedos.A Virgem dos Rochedos.A encomenda era a execucao de pinturas com a ajuda dos imaos Ambrogio e Evangelista de Predis, para um grande e complexo altar, ja construido anteriormente por Giacomo da Maiano. Leonardo, encarregado do painel central, escolheu pintar um enfatico momento da infancia de Cristo, quando o pequeno Joao Baptista, com a
protecao do anjo Uriel, conheceu a Sagrada Familia numa gruta do Egito, cena da tradicao crista dos livros apocrifos e de uma Florenca deixada para tras, de inumeras lendas sobre Sao Joao Batista. Neste cenario rochoso que evoca a um passeio de infancia do artista ao Monte Ceceri (proximo do territorio florentino), Joao reconhece e adora Jesus como o Cristo. A pintura mostra uma misteriosa beleza como as graciosas figuras ajoelhadas em adoracao em torno do Menino Jesus, em uma paisagem selvagem de queda de rochas e um vale de aguas azuis, e coincide com a abandonada Adoracao dos Magos devido ao seu naturalismo e contraste de luz e sombra (chiaroscuro), aqui distintamente visivel. A pintura solenemente declara a riqueza do conhecimento estilistico do traje e da sua representacao, a julgar pela concepcao notavel do vestuario de Uriel (que compete com a simples tunica enegrecida azul da Virgem), impressa numa figura sobria e imponente, que perde lugar na segunda versao onde assume outra pose, desta feita mais singela, cedente a uma nova Virgem vestida de um manto de azul brilhante, suavizando o cenario aspero e contrastando com a representacao da primeira versao. Apesar das avantajadas medidas, cerca de 200 por 120 cm (a segunda versao existente cerca de 190 por 120 cm), a pintura da Virgem nas Pedras nao e tao complexa quanto a encomenda dos monges de Sao Donato, constando em cena somente quatro figuras em vez de cerca de cinquenta - cuja forma conjunta completa uma piramide triangular - numa paisagem rochosa, em vez de detalhes arquitetonicos. Eventualmente, a pintura foi acabada. De fato, duas versoes desta pintura foram feitas, uma entregue a Confraria religiosa e a outra levada para a Franca pelo proprio Leonardo. Acredita-se que a versao do Louvre seja a primeira das versoes, pintada entre 1483-1486, ou mais cedo. A segunda versao, pertecente a National Gallery desde 1880, foi vendida pela igreja em 1781, e,certamente, em 1785 tornou-se posse de Gavin Hamilton, que a levou para a Inglaterra, onde passou por varias colecoes. Nesta versao e provavel a participacao de outros artistas como Ambrogio de Pedris, e, de certo modo, mesmo tratando-se de uma pintura mais madura, seu naturalismo perde lugar para um idealismo muito maior do que o da versao anterior. Atualmente, existe a especulacao de uma outra versao (Versao Cheramy), em que Leonardo tenha participado, cronologicamente anterior a versao de Londres.Encargos na Corte.Entre 1487 e 1490 Leonardo assume uma posicao de destaque na corte milanesa. O seu trabalho nao se resumia a pintar, e entre outras coisas, tambem era responsavel pela organizacao de festividades, trabalho que intimamente nao o contentava; trabalhou varios anos na realizacao de uma estatua equestre para o antecessor de Ludovico, Francesco Sforza, que nunca concluiu e na edificacao de estruturas defensivas, como arquiteto militar do duque. Leonardo tambem participou da decoracao de quartos e apartamentos da corte (sendo somente parte da Salla delle Asse trabalhada por volta de 1498, o que restou deste encargo), e na decoracao do refeitorio dos padres dominicanos de Santa Maria delle Grazie(1495-1498). E nesta epoca de
grandes feitos que inumeros retratos de mulheres intimamente ligadas ao seu patrono sao realizados, entre eles o retrato de uma jovem muito admirada na corte, cujo resultado seria uma mistura da linguagem iconografica de Ginevra de' Benci e o naturalismo da Virgem dos Rochedos.Dama com Arminho.Entre as suas obras acabadas ocupa uma posicao de destaque um retrato de uma senhora da aristocracia, que segura nas maos um arminho: o retrato de Cecilia Gallerani, mundialmente conhecido como Dama com Arminho. Pintado por volta de 1488, o quadro concentra todas as inovacoes de Leonardo na epoca: a representacao do rosto virado em uma posicao de tres-quartos, o gesto da mao, a definicao da forma pela luz e a representacao do movimento interrompido visando uma estrutura helicoidal. Cecilia parece reagir a presenca de alguem fora da pintura, em um movimento de giros de cabeca e tronco, o arminho de tamanho um tanto exagerado, repete-lhe o gesto, a mao curvada elegantemente corresponde, por sua vez, ao movimento do animal, criando um sintonia entre modelo e o arminho. De fato, a linguagem iconografica utilizada por Leonardo nesta obra -que nos remete a uma pintura de sua fase inicial, a Ginevra de' Benci-, fez com que permanecessem varios misterios em relacao ao simbolismo do arminho. Acredita-se que o arminho e uma alusao ao apelido da jovem aristocrata, visto que o som de Gallerani e remanescente da acepcao grega para arminho, galee. Noutra vertente, o animal e considerado um sinal de pureza, pois, acreditava-se, o arminho preferia morrer em uma cacada, do que se refugiar em alguma toca, para nao sujar seu manto branco. Porem, a razao mais provavel e a terceira, ou seja, a alusao a Ludovico Sforza. A jovem era a amante de eleicao de Ludovico e, a partir de meados de 1488, este comecou a usar o arminho como um dos seus emblemas. Assim Ludovico, sob a simbolica forma de animal, surge no regaco da jovem, bem penteado e acariciado pelas maos da sua amante. Existem provas documentais de que o quadro pertenceu a retratada.Obras da decada de 1490 -Retratos de Perfil.O Retrato de Mulher de Perfil (c. 1493-1495), trata do retrato da esposa de Ludovico Sforza, Beatriz d'Este. Pintado, provavelmente, por Ambrogio de Pedris, com a qualidade do traco da cabeca da retratada sugerindo, segundo Martin Kemp, professor emerito de pesquisa em historia da arte na Universidade de Oxford, que Leonardo tenha participado da pintura, se responsabilizando pelas bases do desenho. A atribuicao e reforcada de forma reciproca com a atribuicao de um quadro a que, inicialmente, foi dada origem alema, do seculo XIX, mas que foi, em 2009, atribuido a Leonardo. Trata-se de um retrato de mulher igualmente de perfil e com caracteristicas semelhantes ao retrato de Cecilia Gallerani, que foi identificado gracas a uma impressao digital e analises cientificas. Inicialmente denominado Mulher de Perfil com Vestido da Renascenca, foi renomeado de La Bella Principessa por Kemp, que identificou a retratada como Bianca Sforza, filha de Ludovico Sforza e sua amante Bernardina de Corradis. Os membros da familia Sforza sempre foram retratados em perfil,
em contraste com as amantes de Ludovico que nao eram. Por volta deste periodo datam-se mais dois retratos atribuidos ao artista, o inacabado Retrato de um Musico, seu unico retrato pictorico masculino e La Belle Ferroniere, retrato de Lucrezia Crivelli, amante de Ludovico, encerrando um ciclo de retratos femininos na corte milanesa. Ha uma referencia documentada de uma encomenda, possivelmente do duque Ludovico Sforza, presente em uma lista que instruia um de seus funcionarios, Marchesino Stanga, com tarefas que lhe exigiam atencao. Uma das tarefas era que apresse Leonardo, o florentino, a terminar o trabalho no refeitorio delle Grazie, que ele comecou, para que se ocupe em seguida do outro salao do refeitorio delle Grazie; e que os contratos que ele assinou com sua mao sejam cumpridos, pois o obrigam a terminar o trabalho dentro do tempo que sera combinado com ele - Ludovico Sforza.A Ultima Ceia, a pintura mais famosa de Leonardo, da decada de 1490, e A Ultima Ceia (1495-1498), pintada no refeitorio dos padres dominicanos de Santa Maria delle Grazie em Milao. E uma obra fundamental da historia da Arte. A pintura apresenta a ultima ceia, partilhada por Jesus com seus discipulos, antes de sua captura e execucao. Mostra o momento especifico em que Jesus, de acordo com o relato biblico, teria dito aos apostolos que um deles o trairia. Leonardo mostra a consternacao que esta afirmacao provocou entre os doze seguidores de Jesus. O romancista Matteo Bandello observou Leonardo trabalhando na obra, e escreveu: "Por diversas ocasioes, presenciei Leonardo dirigir-se logo pela manha para se dedicar a pintura de A Ultima Ceia. Costumava permanecer ali, desde o nascer do sol ate o entardecer, sem deixar os pinceis descansarem de suas maos, pintando sempre, sem comer nem beber. Depois, por tres ou quatro dias, nao voltava a tocar no trabalho" - Matteo Bandello. Isto, de acordo com Vasari, estava alem da compreensao do prior, que o atormentou ate que Leonardo pedisse a intervencao de Ludovico. Vasari descreve como Leonardo, atormentado com a duvida de sua capacidade de retratar os rostos de Cristo e do traidor Judas, disse ao duque que seria obrigado a usar o proprio prior como seu modelo. Quando terminada, a pintura foi aclamada como uma obra-prima do desenho e da caracterizacao, porem rapidamente deteriorou-se, a tal ponto que, cem anos depois de seu termino, a obra foi descrita por um observador seu como "completamente arruinada". Leonardo, em vez de usar a tecnica mais confiavel do afresco, utilizou-se da tempera sobre uma superficie feita basicamente de gesso - o que resultou num material sujeito ao mofo e a esfarelar-se. Apesar disso, a pintura continua a ser uma das obras de arte mais reproduzidas de todos os tempos, e incontaveis copias suas sao feitas corriqueiramente, das maneiras mais variadas - de tapetes a camafeus. Leonardo pintou A Ultima Ceia, um incrivel trabalho, o mais sereno e distante do mundo temporal, durante anos caracterizado por conflitos armados, intrigas, preocupacoes e emergencias. Ele a declarou como concluida, embora eternamente insatisfeito, e continuou trabalhando nela. Foi exposta a vista de todos
e contemplada por muitos. Desde entao ele foi considerado sem discussao como um dos primeiros mestres da Italia, senao o primeiro. Os artistas vinham de muito longe, para, no refeitorio do convento de Santa Maria delle Grazie, analisar cuidadosamente a pintura, copiando-a e discutindo-a. O rei da Franca, ao chegar em Milao, acariciou a ideia impossivel de remover o afresco da parede para levar para o seu pais. Durante a sua realizacao inumeras lendas foram tecidas em torno do mestre e seu trabalho. Os relatos de Bandello e Giraldi, dedicados a temas radicalmente diferentes, incluiem tambem a genese de A Ultima Ceia.Explode em Milao a Segunda Guerra Italiana (14991504), e Ludovico Sforza e deposto. Apos a destruicao de seu modelo em argila para o Gran Cavallo pelas tropas francesas, Leonardo sente-se fortemente motivado a abandonar a cidade. Acompanhado de Salai e seu amigo Luca Pacioli parte, passando por Mantua e depois Veneza, sendo ai empregado como engenheiro e arquiteto militar, e, no ano seguinte, vai para Florenca.Obras da decada de 1500 - Retorno a Florenca, 1500-1506.Em Florenca estao documentadas uma ou duas pequenas pinturas da Virgem com o Menino, trabalhadas por Leonardo e seu atelie, por volta de 1501 em uma carta de Pietro da Novellara para Isabella d'Este, a grande dama do Renascimento protetora das artes em Mantua. A pintura da Virgem do Fuso -como no caso da Virgem dos Rochedos com mais de uma versao-, destinava-se ao secretario de Estado frances Florimond Robertet, sendo-lhe entregue, provavelmente, uma de suas versoes em 1507, em Blois.Virgem do Fuso.A Virgem do Fuso retrata uma cena de um forte vinculo entre mae e filho -um amor maternal que se repetiria em pinturas como A virgem e o menino com Santa Ana-, o que leva a crer que a pintura fosse destinada a devocao privada. O nome da obra baseia-se no fuso de significado ambiguo presente na pintura. Ao longo dos tempos, varios criticos tem atribuido diversas interpretacoes ao fuso, mas o mais certo e mesmo que represente uma cruz, mas simplesmente, de forma simbolica. De fato, as enormes inteligencia e criatividade de Leonardo permitiam-lhe tratar todos os assuntos que lhe provocavam algum interesse recorrendo a simbolos. Caso queira representar uma cruz, especialistas apontam duas hipoteses, sendo a mais provavel a segunda. Muitos creem, baseando-se nas copias existentes, que o Menino mira o fuso (simbolicamente, a cruz) com uma devocao perplexa, reforcada pela expressao do seu olhar, que parece agradado com o objeto que tem em maos. No entanto, em segunda hipotese esta a ideia de que o Menino brinca com o fuso com alegria, o que seria considerado uma heresia na altura em que foi pintada, caso este represente uma cruz. A imagem de Jesus brincando com a cruz nao seria aceita pela conservadora sociedade, e menos ainda pela Igreja e pelo Tribunal Inquisidor, o que reforcaria os fins de devocao privada. Atualmente, existem duas versoes associadas a Leonardo, mas as atribuicoes nao sao unanimes. E provavel que as pinturas sejam copias do original de Leonardo, de autoria dos pupilos do artista, com ou
sem o auxilio do mestre.Entre as obras realizadas por Leonardo na decada de 1500 esta um pequeno retrato, conhecido como Mona Lisa ou La Gioconda, "a risonha". A pintura e famosa principalmente pelo sorriso elusivo no rosto da retratada, e pela qualidade misteriosa, possivelmente provocada pelo fato de que o artista sombreou sutilmente os cantos de sua boca e olhos, para que a natureza exata do sorriso nao pudesse ser determinada. Este sombreado peculiar, pelo qual a obra e conhecida, veio a ser chamado de sfumato ("esfumacado"). Vasari, que se acredita ter conhecido a pintura apenas pela sua reputacao, disse que o seu "sorriso era tao agradavel que parecia ser divino, em vez de humano; e aqueles que o viram ficaram espantados ao descobrir que ele parecia tao vivo quanto o original". Outra caracteristica observada nesta obra e o vestido sem adornos (uma maneira de evitar que o espectador nao tenha a sua atencao desviada dos olhos e das maos da retratada), o cenario de fundo, dramatico, no qual o mundo parece estar no estado de fluxo continuo, com uma coloracao controlada, e a natureza extremamente suave da tecnica de pintura, que emprega tintas a oleo aplicadas como se fossem tempera, e misturadas de tal maneira na superficie que as pinceladas nao podem ser percebidas. Vasari expressou a opiniao de que a maneira com que Leonardo fez a pintura faria mesmo "o mais confiante dos mestres (...) desesperar-se e desanimar." O estado perfeito de conservacao em que a pintura se encontra, e o fato de que nao existem outros sinais de reparos relevantes ou pinturas sobrepostas e extremamente raro numa pintura desta idade. A identidade do modelo e motivo de controversias, acredita-se que seja Lisa del Giocondo (Lisa Gherardini), mulher de um comerciante florentino, Francesco del Giocondo, com base em notas escritas de Agostino Vespucci de 1503 em um livro impresso de Cicero, de 1477 (parte do acervo de livros datados da primeira fase da imprensa), encontradas na Biblioteca da Universidade de Heidelberg, confirmando a afirmacao de Vasari, que identificou a pintura como "Monalisa" em sua publicacao em 1550, em referencia a Lisa del Giocondo. Descobriu-se tambem que Lisa tinha sido mae recentemente, e o retrato foi realizado possivelmente em comemoracao da recente maternidade. Esta teoria e reforcada pela descoberta de um fino veu negro -utilizado pelas aristocratas toscanas durante, e alguns meses apos a gestacao-, durante pesquisas do Centro de Pesquisa e Restauracao dos Museus da Franca (C2RMF) e o Conselho Nacional de Pesquisas do Canada (NRC), quando a pintura foi submetida ao exame em infravermelho. Lillian Schwartz, cientista dos Laboratorios Bell, sugere que a Mona Lisa e, na verdade, um autorretrato de Leonardo, porem, vestido de mulher. Esta teoria baseia-se no estudo da analise digital das caracteristicas faciais do rosto de Leonardo e os tracos do modelo. Comparando um auto retrato de Leonardo com a mulher do quadro, verifica-se que as caracteristicas dos rostos alinham-se perfeitamente. Essa hipotese ganha enfase em O Codigo da Vinci, best-seller de Dan Brown. Em 1506, o entao governador frances do ducado de Milao, Charles
d'Amboise, solicitou ao governo de Florenca a permissao para a viagem de Leonardo a Milao, para resolver o problema de trabalhos pendentes. A permissao concedida era de tres meses, entretanto, o artista acabou permanecendo na cidade mais tempo do que o previsto. Mona Lisa (1503-1507Louvre) e o retrato que mais tem rendido, em termos de literatura -tem dado origem a contos, romances, poemas e ate mesmo operas- e parodia -desde seu tempo, como a Monna Vanna de Salai- em toda a historia da arte. Foi uma obra famosa desde o momento da sua criacao; e inspirou muitos, como o jovem Rafael, que se embebedou nela. Seu sorriso sutil e visto em sua crueldade e tem sido considerado o implacavel sorriso de mulher que escraviza os homens. Outros foram deslumbrados pelo seu encanto, pela sua docura. Para o critico Walter Pater, simboliza o "espirito moderno com todos os seus tracos patogenicos", considerando como a "beleza extraida desde o interior, trabalhando a carne, celula por celula". Provocado pelo mestre no modelo com o toque do alaude, como citado por Vasari: "Mona Lisa era muito bela e Leonardo, ao mesmo tempo que a pintava, procurava que tivesse alguem cantando, tocando algum instrumento ou brincando. Desta forma, o modelo foi mantido em um bom humor e nao adotava um aspecto triste, cansado [...]".Retorno a Milao, 1506-1513.Nao se sabe ao certo a natureza da origem do trabalho inacabado, e sugerido tratar-se da Virgem dos Rochedos versao de Londres, em que, em uma sentenca judicial datada de 27 de abril, era cobrada a finalizacao da pintura a Leonardo e Ambrogio de Pedris. Possivelmente, a pintura inicial tratava de uma cena de adoracao ao Menino Jesus, ja que exames em infravermelho realizados em 2005 revelaram uma pintura diferente oculta, por baixo da versao visivel, entretanto, Leonardo retomou a composicao da anterior Virgem dos Rochedos de 1483, com leves alteracoes, e figuras maiores e mais monumentais do que a versao anterior. O fator da execucao da mesma pintura e alvo de controversias, mas sabe-se que a versao de Londres foi a entregue, de fato, a confraria, mesmo provavelmente, ainda inacabada, e a anterior ficou em maos de Leonardo. Leonardo teve uma estranha carreira, de nao cumprimento de prazos, de encomendas inconcluidas ou mesmo jamais entregues, o que resultava em clientes insatisfeitos e frequentes cobrancas. Destes trabalhos inacabados, parece existir um importante que retoma as posicoes obliquas de pinturas anteriores como Sao Jeronimo no Deserto, e cuja origem nao e necessariamente de uma encomenda. A Virgem e o Menino com Santa AnaNessa nova pintura, a coroacao dos muitos desenhos e esbocos do tema, abordado pelo artista em diversas ocasioes como em A Virgem, o Menino, Sant'Ana e Sao Joao Batista, Leonardo emprega novamente o sutil efeito do sfumato. A pintura retrata a Virgem Maria (cujo manto parece evocar a igualmente obliqua Virgem Benois, uma de suas primeiras Madonas), seu filho Jesus e sua mae Santa Ana, avo de Jesus, em uma cena privada e intimista. O que faz esta pintura incomum e que ha duas figuras posicionadas obliquamente, sobrepostas. Maria esta