thegoodfellas/blogset-br huggingface dataset:
Nao se deixe enganar pelo titulo nacional ridiculo. Tres e demais (Rushmore, 1998) e a segunda incursao de Wes Anderson por tras das cameras, e se revela uma obra espirituosa e inusitada sobre a multipolaridade de uma pessoa. No caso, a de Max Fischer (Jason Schwartzman), que reune em si varias caracteristicas que o tornam o arquetipo perfeito do CDF e, quica, do loser aquele conceito tao nefasto engendrado nos EUA que caiu no uso popular dalem das fronteiras do pais. Sua trajetoria e acompanhada de perto pela camera de Anderson, que o flagra no ambiente de uma escola de ensino medio, dentro do qual ele tem de lidar com a animosidade de seus colegas, que manifestam constante intento de atormenta-lo. Entretanto, Max nao e exatamente (ou somente) daqueles jovens timidos que experimentam o vilipendio de forma omissa. Quando ve necessidade, ele adota uma conduta pro-ativa e faz acontecer para vingar seu orgulho nerd.O tal titulo nacional boboca ganha um leve sentido quando entram em cena os outros dois vertices daquilo que, em pouco tempo, configura-se como um triangulo amoroso. Max se torna amigo e, em seguida, apaixona-se pela Srta. Rosemary Cross (Olivia Williams), uma complicada professora da pre-escola. Para chegar junto dela, Max busca uma ajudinha de Herman Blume (Bill Murray, sensacional), um milionario cuja felicidade e inversamente proporcional a quantia pecuniaria de que dispoe. Inicialmente o seu mentor, Herman logo se apaixona por Rosemary tambem, e a parceria entre ele e Max e inevitavelmente rompida: os dois passam a se digladiar, ocupando lados ostensivamente opostos em uma especie de trincheira sentimental. A verdade e que ambos sucumbem as armadilhas de seus coracoes e demonstram grande falta de tato para lidar com elas. Com isso, surgem momentos engracadissimos em Tres e demais.Muitos dos elementos que se tornariam marcas registradas do realizador mais adiante se encontram presentes nesse filme. O principal deles e o olhar de sensibilidade e humor acurados sobre seus personagems, que coloca suas mazelas e pequenas bizarrices e contradicoes em alto-relevo. Tanto Max quanto Herman apresentam tracos um tanto cartunescos, mas nao e nada que comprometa a verossimilhanca de ambos e impeca uma leve ou profunda identificacao por parte do espectador. Max e do tipo multitalentos: ja gastou boa parte de seu tempo livre em atividades extracurriculares das mais diversas possiveis, como cuidar da edicao do jornal da escola ou presidir um clube de astronomia, e que sao mostradas em uma sequencia divertida e curiosa. Essa inclinacao do personagem para ocupacoes tao dispares e um dos indices de sua personalidade complexa, dificil de encampar e resumir em duas ou tres palavras. E e exatamente essa confluencia de contradicoes que o tornam tao proximo do espirito de multiplicidade de tantos outros jovens. Seu jeito de ser leva ate mesmo a pensar que ele poderia perfeitamente ser um sobrinho ou um neto do Boris Yellnikoff (Larry David) de Tudo pode dar certo (Wheatever works, 2009), outro sujeito de varios talentos e que, como Max, exibia um comportamento algo misantropo.Por sua vez, Murray faz miserias interpretativas na pele e no corpo de
Herman, iniciando aqui uma parceria altamente produtiva com Anderson, a qual permanece ate hoje e ja rendeu seis filmes contando com esse e passando pela animacao O fantastico Sr. Raposo (The fantastic Mr. Fox, 2009), na qual usou apenas sua voz para dar vida ao Texugo. No filme em questao, ele confere uma mistura de graca e impavidez ao seu Herman, somada a alguns espasmos melancolicos que fazem oscilar o sentimento de apreco pelo personagem. Afinal de contas, ele entra no meio da jogada de Max com quem, aquela altura, ja simpatizavamos e tira tudo de seu lugar. Por outro lado, nao chega a ser possivel classificar um ou outro como vilao ou mocinho: esse tipo de nomenclatura nao encontra respaldo na filmografia de Anderson, cujo nome, alias, traz as mesmas iniciais de Woody Allen, outro mestre no arduo trabalho de construcao de caricaturas plausiveis. A comparacao entre Max e Boris, portanto, e mais uma das associacoes possiveis e imaginaveis entre as obras de ambos, de qualidade e relevancia bem proximas.O campo de Anderson foi e continua sendo o cinema independente. Seus filmes nao demontram a menor preocupacao em alcancar platerias numerosas: antes, trazem consigo toda a fidelidade do diretor a um estilo proprio, particular e que dialoga com outras referencias ao mesmo tempo. Tres e demais se mostra exatamente assim. Com seus 90 e poucos minutos de duracao, o filme destila uma narrativa fluente e personagens comicos e multidimensionais com quem se poderia facilmente esbarrar nos corredores da vida, alem de meditar, com discreta irreverencia, sobre nossas tendencias a falas e atitudes tantas vezes incoerentes. Anderson tambem gosta de colaboracoes duradouras, dai a recorrencia de Murray e do proprio Schwartzman em sua filmografia, assim como Owen Wilson, com quem tambem conserva uma relacao de co-autoria em varios de seus trabalhos, incluindo esse. E ainda sobra espaco para as pontas de Connie Nielsen e Luke Wilson, atores subestimados para boa parte da critica que tem la o seu valor. Com Tres e demais, Anderson nos faz perceber que, quando o assunto sao as querelas do coracao, atos inesperados vem como cartas na manga. E os absurdos da vida sao melhor analisados com umas boas pitadas de sarcasmo.
Copacabana me engana (idem, 1968) conta a historia de Marquinhos (Carlo Mossy), um bom vivant da Zona Sul carioca que, levando a vida na flauta, adia seus compromissos com a realidade de um jovem adulto. No primeiro plano do filme, o protagonista caminha pelas ruas do bairro-titulo ao som de Baby, eternizada na voz aguda de Gal Costa, cujos versos aparentemente ingenuos dao conta de denunciar um estado de coisas desordenado que provem da submissao da nacao brasileira a um regime ditatorial, iniciado poucos anos antes do momento em que se passa a trama. Aos poucos, o diretor Antonio Carlos da Fontoura situa o espectador no cotidiano frivolo de Marquinhos, que aprecia muito a esbornia com os amigos e e daqueles que se deixa influenciar pelo que eles pensam e dizem que deve ser feito, como conquistar uma bela mulher. Aquela pressao tipica dos companheiros, com vistas a garantir a masculinidade do rapaz sobre o qual eles a aplicam, parece nao estar circunscrita a um tempo especifico.A principal fonte de deleite feminino de Marquinhos e seus amigos e o apartamento em frente ao dele. Da janela, eles podem observar os habitos de belas vizinhas e torcer para ve-las se despindo diante dos seus olhos avidos de mulheres formosas. Numa dessas espiadas, ele flagra Irene (Odete Lara), um tanto mais velha do ele e com uma sensualidade quase irresponsavel que balanca suas estruturas de jovem aprendiz de amante. Ele tambem a encontra em uma lanchonete, e ganha o incentivo dos amigos para se aproximar dela, o que acaba fazendo de um modo um tanto desastrado, mas eficaz. O envolvimento entre os dois nao tarda a se concretizar e, durante um certo periodo, a vida de Marquinhos muda, fazendo-o adotar um comportamento menos imaturo, ja que vai experimentando algumas benesses do amor.Em pouco mais de 90 minutos, Copacabana me engana sintetiza com desenvoltura uma juventude sem perspectiva, que caminha a esmo pelas ruas da cidade e vive de improvisos, como se o amanha fosse um tempo distante demais para ser necessario se preocupar com ele. Tanto Marquinhos quanto Irene tem suas vidas atravessadas pelo tedio e pela incompletude, e um relacionamento amoroso entre eles nao da conta de preencher essas lacunas interiores que eles carregam consigo. O romance entre ambos acaba sendo apenas um ensaio mal desenvolvido, tornando-o comparavel a paixao desbotada dos personagens principais de A aventura (Lavventura, 1960), um dos olhares melancolicos de Michelangelo Antonioni para a apatia do homem moderno. Quando o vazio de Marquinhos se une ao vazio de Irene, o resultado so pode ser um abismo profundo de carencias e pendencias que eles precisam resolver consigo mesmos antes de mais nada, o que so comprova que ninguem pode funcionar como alternativa ao tedio de ninguem. Um relacionamento solido nao se constroi a base de escapismo.Por muitos indicios, Copacabana me engana e um filme do seu tempo, mas consegue ultrapassa-lo ao abordar as questoes citadas anteriormente. Por outro lado, ele se mostra como um tipico filme brasileiro sessentista ao exibir um pais ainda distante do prestigio perante as nacoes estrangeiras,
enxergado como um reduto perene de desfiles carnavalescos e mulatas sestrosas. Sem falar na classe media de ecos provincianos que se evidencia no comportamento e nas falas dos pais de Marquinhos, que lutam para que o filho encontre um rumo na vida e siga o exemplo do irmao mais velho, interpretado por Claudio Marzo. Com isso, o filme alcanca um bom equilibrio entre a comedia de costumes e o romance desengoncado que pende para o drama sem perder a leveza. Estamos diante de um cronica da paixao na cidade, dessas que acontecem em todo lugar todos os dias e que nao chegarao a se tornar noticia no dia seguinte, a nao ser que deem origem a um crime passional. O preto e branco da fotografia assinada por Affonso Beato e Jorge Bodansky, por sua vez, responde por boa parte do charme do filme, de alma indiscutivelmente carioca.Existem tracos autobiograficos em Copacabana me engana, devidamente pensados por Fontoura, tambem responsavel pelo roteiro e que fazia a sua estreia em ambas as funcoes aqui. Paulista nascido em 1939, ele proprio se mudou para o bairro quando crianca e cruzou algumas de suas referencias pessoais com outras do lugar, engendrando uma apaixonante visao sobre a importancia de ter paixao pela vida. Some-se a isso o otimo trabalho de montagem de Mario Carneiro e a remissao de ideias cinemanovistas e temos quase uma pequena gema, daquelas que, muitas vezes so sao descobertas apos um certo esforco de garimpo. E uma pena que ele mesmo, com o passar dos anos, tenha se tornado um diretor de expressao palida, com titulos pouco empolgantes em sua filmografia. Os personagens do longa sao gente absolutamente comum, que se preocupa em ser correspondida no amor mas tambem com o preco da gasolina e do paozinho, porque a vida tem seu lado pragmatico que nao pode ser perdido de vista. A mimese criativa de Fontoura, portanto, e habil, e digna de ser conferida.
Celebrado por entusiastas fieis na contemporaneidade, Woody Allen galgou o primeiro degrau de uma carreira proficua ha mais de quarenta anos. Nascia com Um assaltante bem trapalhao (Take the money and run, 1969) um realizador eximio, de capacidade admiravel para conceber retratos apurados de pessoas e fatos inusitados inseridos no cotidiano. Nessa estreia, ele apostou em piadas rapidas e eficientes, uma clara contribuicao dos anos precedentes em que poliu sua verve comica nos palcos, como um dos precursores do stand-up comedy que foi. A trama do filme gira em torno de Virgil Starkwell (o proprio Allen), um ladrao sem qualquer talento para exercer seu oficio. Sua historia e narrada no melhor estilo mockumentary, que ele voltaria adotar outras duas vezes, a saber: em Zelig (idem, 1983) e Poucas e boas (Sweet and lowdown, 1999). Com isso, tudo sugere que o protagonista realmente tenha existido e acaba por deixar o longa com um gostinho mais divertido.O titulo em um portugues e um tanto infeliz, mas tem la a sua cota de pertinencia. Afinal, os roubos de Virgil sao sempre frustrados, devido a circunstancias diversas que, ora o impedem de conclui-los, ora nao permitem que ele escape impunemente do local do delito. E essas dificuldades tem potencial para gerar risadas deliciosas no espectador, que se ve diante de um filme curto e fluido, ainda com poucas marcas autorais que viriam a se multiplicar e desenvolver ao longo dos anos. E possivel afirmar que esse seja um filme despretensioso e descompromissado, de um estetica semelhante aos trabalhos da decada seguinte de Allen, como Bananas (idem, 1971). Por outro lado, e possivel notar que a argucia do diretor ja estava presente em Um assaltante bem trapalhao, sobretudo nas falas do narrador onisciente que pontua os passos da trajetoria erratica de Virgil e tece comentarios nem sempre positivos a respeito dele. E como se Allen estivesse plantando as primeiras sementes do que viria a ser o seu cinema, e as regasse com um timing comico que anda raro nos dias de hoje.Virgil pode ser analisado como o prototipo do sujeito deslocado e em dificuldades amorosas que Allen refinaria ao longo de sua carreira, normalmente sendo interpretado por ele mesmo e que viria a ser considerado como o seu alter ego para muitos, alias, aquele seria o proprio cineasta, o que ele ja fez questao de desmentir em entrevistas, e que tambem e um dos argumentos que seus detratores utilizam com demasiada frequencia, chamando-o egocentrico. Entre uma e outra tentativa de roubo, esse sujeito desencaixado de certas convencoes sociais passa temporadas na cadeia, e so pensa em novas possibilidades de acertar com um novo crime. E, enquanto nao o vemos se dar mal mais uma vez, conhecemos um pouco mais de sua vida e personalidade atraves dos depoimentos colhidos para o filme, sobretudo os de seus pais, hilariamente disfarcados por conta da vergonha que sentem do filho. A mae tenta contemporizar e defender Virgil, dizendo que, apesar dos pesares, trata-se de um bom rapaz, enquanto o pai demonstra sua indignacao por ter tentado colocar Deus no coracao do
filho e nao ter obtido sucesso.E bem verdade que a entrada de Virgil para o mundo do crime deriva diretamente de seu complexo de inferioridade, desenvolvido desde a infancia, em sequencias que o mostram ainda como um garotinho ruivo e de oculos, sempre em fuga e desejoso de ser aceito. Trata-se de mais um indicio das futuras recorrencias allenianas: a leitura (algo) psicanalitica de um personagem que, (quase) inevitavelmente, desemboca em traumas e eventos dos primeiros anos de vida. Para seus admiradores, e um exercicio bastante interessante e produtivo buscar essas referencias ao longo do filme, e elas se tornam mais claras para quem ja tiver conferido previamente um ou mais filmes seguintes do diretor, que permitem a adocao de parametros de comparacao. Entretanto, Um assaltante bem trapalhao dispensa pre-requisitos, mesmo porque e a obra inaugural de Allen, o qual entraria em um ritmo de producao de tirar o folego poucos anos mais tarde, que se traduz no lancamento de um filme por ano desde o inicio da decada de 80, mais precisamente com Sonhos eroticos de uma noite de verao (A midsummer night's sex comedy, 1982). De la para ca, surgiram inumeros trabalhos que conquistaram publico e critica, embora ele nunca tenha se firmado como uma unanimidade: opinioes heterogeneas a respeito de qualquer coisa sempre existirao.Allen teria estreado como diretor, segundo alguns, tres anos antes com O que ha, tigresa? (What's Up, Tiger Lily?, 1966), mas e dificil falar em direcao para esse filme quando, na verdade, ele apenas redublou as falas dos personagens, tendo concebido um roteiro juntamente com Senkichi Taniguchi. Portanto, Um assaltante bem trapalhao e que acaba por atender as prerrogativas daquilo que se pode chamar de filme proprio de um diretor, sendo muito mais sensato aponta-lo como sua estreia no celuloide. Entre as curiosidades relativas ao filme, esta o fato de a data de nascimento de Virgil ser a mesma de Allen: 1 de dezembro de 1935, o que leva o personagem a ter seus 34 anos. Nessa idade, sobrava disposicao no cineasta para a comedia fisica, e ele se desdobrou em varias cenas de correria e perseguicoes, muitas delas bastante divertidas a sequencia em que ele tenta assaltar uma loja de animais e sai correndo de la com um macaco atras dele e um achado do humor nonsense. Com o tempo, ele abandonaria a interpretacao de personagens que exigissem muito de sua envergadura fisica, preferindo os tipos hipocondriacos e com ataques de panico. Outro detalhe interessante dos bastidores e que Allen decidiu dirigir o filme por medo que as filmagens se tornassem caoticas como as de Cassino Royale (idem, 1966). Assim, ele teria o controle da producao e nasceria aqui um cineasta de olhar clinico, bom piadista, verborragico, cheio de autorreferencias e varios ingredientes que o fariam conquistar um sequito de entusiastas leais.
O cruzamento de historias paralelas compreende um nicho cinematografico explorado com certa recorrencia. Diretores de diferentes calibres ja expuseram seus retratos de encontros e acasos envolvendo diversos personagens, e ha exemplares bons e ruins desse que pode ser considerado um subgenero da setima arte. Que o diga Alejandro Gonzalez-Inarritu, cuja filmografia e quase inteiramente composta de titulos que congregam multiplas tramas. Fernando Meirelles tambem decidiu fazer o seu filme-painel, e o resultado, infelizmente, revela-se limitrofe entre o erro e o acerto. Com sua colagem de narrativas, 360 (idem, 2012) e um palco espacoso para uma serie de coincidencias forcadas e personagens revestidos de um incomodo verniz a maior parte do tempo. Aos poucos, o roteiro de Peter Morgan, do otimo A rainha (The queen, 2006) vai apresentando seus tipos e revelando as suas fragilidades, em um crescente preocupante de rumos obvios.Tudo comeca com uma sessao de fotos que, de longe, remete a Closer Perto demais (Closer, 2004), especificamente na cena em que Anna (Julia Roberts) fotografa Dan (Jude Law) em seu estudio. Aqui, um cafetao de quinta categoria esquadrinha os olhares e demais expressoes faciais de uma jovem que abracou a prostituicao como meio para ganhar a vida. Ela protege a irma mais nova com unhas e dentes afiados, disposta a impedir que a garota se perca como ja aconteceu com ela. No entanto, nao hesita em ir para a cama com aquele homem asqueroso que lhe promete mais dinheiro em troca de relacoes sexuais. Mais adiante, a teia que a relaciona a outros personagens comeca a ser tecida, e se chega a Michael (Jude Law, novamente ele), um homem em viagem de negocios que nao se furta de contratar os servicos da tal jovem, mas tem o azar de encontrar com um colega de trabalho (Moritz Bleibtreu) que o esta pressionando a aceitar uma proposta com a qual ele nao concorda. A prostituta o espera e, na tentativa de se mostrar um homem integro e fiel a toda prova, ele discursa hipocritamente para o homem, dizendo-se terminantemente contra a ideia de sair com garotas de programa.Dai para a frente, Meirelles continua levando sua camera supostamente escrutinadora para passear em outros espacos, apresentando Rose (Rachel Weisz), a esposa de Michael, que tambem esta longe de ser um poco de fidelidade e mantem um caso com Rui (Juliano Cazarre), brasileiro que vive ha alguns anos em Londres e, por sua vez, esta traindo a namorada Laura (Maria Flor) com Rose. A moca acaba descobrindo o erro cometido por ele e decide retornar ao Brasil. Em seu caminho no aeroporto, acaba conhecendo um senhor (Anthony Hopkins) que esta a procura da filha ha muito tempo, sempre sem sucesso, e Tyler McGregor (Ben Foster), um maniaco sexual recem-saido da cadeia que ainda nao demonstra seguranca suficiente para andar pelas ruas sem o risco de uma recaida. Com o primeiro, Laura ensaia os passos de uma relacao filial, mas nao a desenvolve porque seus caminhos se separam no momento em que ela decide conhecer melhor Tyler. Chega a irritar a ingenuidade da garota diante dele, que
se esforca para nao dar vazao ao seu instinto sexual deturpado enquanto esta na sua companhia. Ela chega a ficar a sos com ele, que procura resistir bravamente aos proprios impulsos, em uma agonia quase animalesca. Flor, alias, reafirma, com esse papel, a sua condicao de atriz limitada, causando a sensacao de que esta sempre fazendo mais do mesmo. Ainda sobra espaco para um traficante de pessoas (Mark Ivanir), que esta na cola da tal jovem prostituta apresentada la no comeco da historia.Espargidos em cenarios multinacionais que incluem cidades como Londres, Bratislava, Paris e Viena, os personagens de 360 tem poucas chances de se mostrar para alem de uma construcao de tipos chapados. E de se espantar o quanto o elenco rende um pouco mais do que medianamente na pele de personagens de contornos esquematicos e perfis rasos, que nao sao aprofundados principalmente por conta do excesso de tramas, constatacao que soa obvia diante da ambicao do diretor e do roteirista em abracar tantas realidades diferentes em tao pouco tempo. Mesmo os atores que costumam oferecer interpretacoes grandiosas, por vezes, beiram a canastrice aqui, como e o caso de Hopkins, cujas escolhas oscilam entre bons e maus papeis. Ate mesmo Weisz, que ganhou o seu Oscar de melhor atriz coadjuvante na primeira vez em que foi dirigida por Meirelles, em O jardineiro fiel (The constant gardener, 2005) esta constrangedora em cena a maior parte do tempo, a ponto de se parecer com uma boneca de porcelana em seu visual e em suas atitudes.O diretor vinha do acerto de Ensaio sobre a cegueira (Blindness, 2008) quando decidiu dirigir 360, e se esperava que ele pudesse alcancar novamente um bom resultado. Afinal, seu curriculo tambem apresenta Cidade de Deus (idem, 2002), grande projetor da internacionalizacao do cinema brasileiro que arrancou da Academia de Hollywood quatro indicacoes ao Oscar, ainda que nao tenha trazido nenhuma estatueta para casa. Para quem carrega tao bons trabalhos pregressos, esse aqui e frustrante. Conjugar diferentes narrativas e administrar bem muitos personagens e possivel. Era exatamente o que Robert Altman adorava fazer e ele sempre acertava, sobretudo quando cruzou as trajetorias de 22 pessoas em Short cuts Cenas da vida (Short cuts, 1993), costurando uma serie de tramas originalmente literarias. Nesse sentido, talvez o maior problema de 360, no fundo, nem seja o excesso de personagens, mas sim a maneira preguicosa como eles sao desenvolvidos na tela e o uso de acasos forcados, resultando em uma tentativa coxa de superposicao de recortes urbanos contemporaneos. E, de proposito ou nao, a grande ironia que depoe contra o filme esta em seu proprio titulo. Afinal, o grande problema de se dar um giro de 360 graus e retornar exatamente ao lugar de onde se partiu.