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ele aparenta ser um homem bem mais velho. Ha um detalhe no filme: Para parecer mais velho, Orson Welles jogou o negativo no chao. Essa especie de telejornal tem uma funcao narrativa de grande eloquencia. Alem de ser uma ironia, nos ficamos sabendo que o telejornal nao esta sendo exibido para o publico, mas para alguns jornalistas. As primeiras informacoes sao narrativas sobre o personagem. Dentro desta narrativa o roteiro e disparado em cima da procura por Rosebud. Ha tambem a relacao de ambiguidade no filme. O cara vai pesquisar quem foi Rosebud. O filme tem narradores diferentes, a verdade e subjetiva. Ninguem sabe quem e Charles Foster Kane. A verdade e relativa. No video abaixo, cenas do inicio do filme. Nao encontramos as cenas com as narrativas originais em Ingles, somente as cenas ditas em Alemao. Entretanto, as imagens resumem um pouco do contexto citado: O professor tambem comenta sobre o plano de transicao mostrado no inicio do filme, que demonstra um projetor passando... No fundo, o cinejornal, que o telespectador descobre que nunca foi exibido para o publico, mas sim para a imprensa, que o esta assistindo. Diz o professor: A cena vai se desenvolvendo com apenas duas fontes de luz forte. Welles queria uma cena parciamente cura e parcialmente clara. O filme tenta exarcebar a ambiguidade das coisas: Claro e escuro/ Luz e sombra. O filme coloca a imprensa sobre um questionamento visual. Essa e uma fotografia muito influenciada pelo expressionismo alemao. O personagem fica escuro de um lado e iluminado de outro, o que seria tecnicamente errado. E muito interessante o recorte no rosto dos personagem. A luz fica na frente dele. Ai instaura-se a duvida pela imagemm, que fica cheia de fumaca, nao fica plana. Quanto ao movimento de camera que aparece no letreiro da cena, o professor comenta: O movimento de camera nesta cena e interessante.O efeito letreiro passar por dentro na fusao. A camera sai de baixo e vai repousar no persoangem. A camera continua se movimentando. O Orson Welles trabalha bem com o espaco onde esta filmando. Em relacao a profundidade de campo, o professor exemplificou com as imagens finais da sequencia, onde se da o dialogo entre Susan Foster Kane e hum homem. Diz o professor: E a relacao com o foco que da profundidade ao campo. A silhueta em primeiro plano e homem e a do terceiro plano e Susan Foster Kane. Ciccarini segue explicitando as cenas do filme, a partir da cena do Diario do tutor. Comenta o professor: O filme vai assumir agora o ponto de vista do diario. O narrador passa a ser o diario. A camera se movimenta e entra metaforicamente o diario. Passou la pra dentro. Em relacao aos planos de sequencia, o professor comenta: O menino joga a bolinha de neve. Dai acontece o corte. A partir de agora comeca um plano de sequencia especial: O menino bricando, aparentemente e uma imagem normal. Mas a camera comeca a se movimentar para tras, nos revelando na verdade tres pessoas na cena. A profundidade de campo faz com
que o menino continue no quadro. O que esta sendo discutido ali e o futuro do menino. A profundidade de campo, que mostra o menino numa imagem no meio, de fora da janela, brincando inocentemente, ajuda a complexidade". Essa profundidade de campo e uma das mais notaveis do filme. O menino falando ao longe, a voz dele entrando...(..) nao ha corte. Orson Welles cria um movel com roda- a camera levanta e passa por ali. Os outros diretores trabalham muito em corte. O Orson Welles nesta cena trabalha sem corte. O movel com rodinha e algo que surge ali entre outras coisas. Ele consegue trazer a influencia do teatro sem teatrilizar. Orson Welles mantem o espaco para o ator atuar, nao precisa cortar. O ator tem continuidade. Abaixo a referida sequencia citada, que infelizmente, apenas conseguimos encontrar com a narrativa tambem dublada em alemao: Ja a sequencia seguinte, mostra a cena, onde segundo professor, dase uma passagem e vinte anos muito sutil, demonstrando assim uma elipse. A camera baixa foca no menino olhando um adulto de cinema para baixo, demonstrando entao o ponto de vista infantil daquela realidade. O guardiao de Kane entusiasticamente lhe deseja a Merry christmas e a imagem corta, com o tutor desejando A happy new year para Charles, ja adulto. A sequencia segue mostrando Orson Welles pela primeira vez no filme com o seu aspecto normal, de 25 anos. A cena mostra a redacao de um jornal, com pessoas indignadas em relacao a algumas manchetes. O professor comenta a questao de Orson Welles usar o teto rebaixado na cena: Nao se via teto em hollywood. O Orson Welles quiz mostrar o teto no filme, inclusive rebaixado. Isso era novidade, por que ele gostava de lidar com lente e tamanho das pessoas. Quando assistimos esse filme, redimensionamos a propria ideia de cinema. Olha como o cinema e uma mentira...voce so presta atencao no dialogo e no cenario esta rolando toda uma perspectiva. No video abaixo, as referidas cenas: O professor ainda faz mais comentarios sobre Orson Welles: Os diretores de cinema passam a assistir o cidadao Kane, que se torna entao referencia. Continuando a carreira, Orson Welles faz Soberba (The Magnificent Ambersons, 1942). Dizem que havia um plano de sequencia que foi um dos melhores de todos os tempos, mas que infelizmente se se perdeu. Dizem que ele chorou quando isso aconteceu. O filme tem um desfecho que nao foi ele quem filmou, foi filmado por outro diretor. No filme A marca da maldade (Touch of Evil, 1958), o estuido mexeu em tudo. Mas voce sabe que foi algo modificado. O estudio fez uma versao postuma e uma versao do estudio. Orson Welles tambem filmou Shakespeare: Otelo e MacBeth. Um dos seus ultimos fimes foi Air for fake.O cinema americano e cheio de paradoxos. O Orson Welles morreu gordo e teve uma vida muito dificil. Ainda sobre o Cidadao Kane, o professor comenta: O filme foi indicado a 11 oscars, mas desaparece nos anos 40. A RKO tira as copias de circulacao. A critica americana constroi um outro discurso
sobre a figura de Orson Welles. Entao, desta forma, muitos diretores americanos apssam a ser valorizados pela critica Francesa, como Alfred Hitchcock. Neste momento, o professor traz a lembranca do filme Dirigindo no escuro (Hollywood Ending 2002), onde Wood Allen interpreta um diretor cego. Neste filme, a critica francesa o elogiou muito. Segundo o professor, em uma dada ocasiao, Woddy Allen comentou: Ainda bem que existem os franceses. Film Noir A aula prosseguiu elucidando o estilo Film Noir. Comenta o professor: O nome film noir foi dado alias pela critica francesa. Neste estilo, ha a predominancia do preto, da sombra, e da escuridao...algo bem semelhante ao kane. Geralmente tramas policiais, crimes, poluicao sao coisas inerentes a esse tipo de filme. Existe tambem a possibilidade da ideia da verdade. Ninguem confia em ninguem. A trama vai sempre te enganando. A verdade e sempre mutavel e transitoria. Mas ao mesmo tempo muito encantador. No filme Fame fatale, com Humprey Bogart, por exemplo, existe o aspecto da seducao, que e tambem ambiguo. Existe tambem uma mistura de glamour com critica. O visual do noar classico e portanto o constraste de claro e escuro (...). Esses filmes foram mais comuns nos anos 40 e 50. Mas mesmo o cinema colorido tem alguns exemplos, intitulados de Noar Moderno. Podemos dar o exemplo de China Town e Blade Runner. Esse estilo tem a influencia do expressionismo alemao..e existe um vazio, voce nao sabe como e a verdade. Os classicos do cinema noar sao Pacto de sangue, Laura, A beira do Abismo e A marca da Maldade, que sao de meados das decadas de 40 e 50. Nos anos 90, o filme Los Angeles cidade proibida traz um pouco deste estilo. Sin city, de Robert Rodrigues e Femme Fatale, de Brian de Palma tambem mostram tambem. O Casablanca tem tambem algo do Noar. O Bogart e uma figura do Noar. Neorealismo Italiano O professor deu prosseguimento a aula abordando a questao do Neorealismo Italiano, qu segundo ele, e um momento central e definidor da historia do cinema. Comenta o professor sobre esse aspecto: O neorealismo italiano e o momento da historia em que a historia do cinema se bifurca. Rosselini vem modernizar. No periodo pos guerra, 1945, onde a Italia havia perdido a guerra, o que acontece nesse momento, e que ate pelo facismo, os cineastas estao interessados em mostrar a realidade do pais. O neorealismo traz entao atores amadores e uma ideia fortemente neorealista. E um cinema que quer mostrar, mas nao encenar a realidade. (...) .O estudio principal Italiano da epoca, a Cinecitta, estava quebrada. E mais um cinema pensado a partir das condicoes. O paradigma ate entao era do cinema de estudio, com bastante dinheiro e equipamentos. Chega entao o cinema neorealista, que nao tem tripe e nao tem muita luz, como em vidas secas, dirigido por Nelson Pereira dos Santos, onde a fotografia e aridissima. (...) O cinema realista lida com pessoas comuns e tem um enredo simples. Neste momento, o cinema, ao inves de buscar historias complicas, comoeca a lidar com historias que comecam
a ser simples. Tolstoi diz que Se quiser ser universal canta a sua aldeia. No Neorealismo ha uma mudanca de paradigma. Fala-se muito do presente,tudo e quase documental. E um cinema que vai direto na realidade. Esse movimento do Rosselini, esse ato de pegar a camera e ir para a rua liberta o cinema: Uma camera na mao e uma ideia na cabeca (...).O neorealismo em um dado momento, comeca a influenciar o cinema americano. Em Roma Cidade Aberta, Rosselini mostra a resistencia contra os nazistas em roma. E quase um documentario sobre a Italia pos guerra. (...). Os filmes Noar sao belos, mas tristes. Neste ponto, o professor conta algo sobre o citado filme, o que definiu com uma semifofoca: O Roma Cidade Aberta chega nos USA. A Ingrid Bergman fica apaixonada pelo roteiro do filme...e resolve entao ir a Italia conhecer o Rosselini e se apaixona por ele. O Rosselini fez a trilogia da guerra: Roma Cidade Aberta (1945), Paisa (1946), Alemanha, ano zero (1948). O neorealismo dura enquanto dura o contexto do Rosselini. Entao, o neorealismo enquanto forca vai ate a decada de 50. Talvez seja esse um dos momentos que mais influenciaram o cinema, que dura cerca de 10 anos. (...) O Glauber Rocha foi uma das figuras que trouxe o estilo Noar para o Brasil. A belissima Ingrid Bergman e Roberto Rosselini A aula prosseguiu com a exibicao de belissimas e tocantes cenas do filme Ladroes de Bicicleta (1948), de Vittorio de Sica, que de acordo com Ciccarini e um dos classicos do cinema neorealista. O professor comenta: Esse e um filme importantissimo na historia do cinema. O Kane, O Encouracado Potemkin e Ladroes de Bicleta, ficam brigando para ser o melhor filme... O filme mostra pai e filho, que sao atores amadores, abaixo cenas do filme: A trama da historia se inicia quando Antonio Ricci e seleccionado para um trabalho que consiste em colocar Posters pela cidade. O grande problema e que o trabalho exige uma bicicleta e ele tinha acabado de vender a sua para conseguir sustentar a familia por mais algum tempo. Sem outra hipotese, Antonio e a sua mulher Maria regressam a loja de penhores para tentar recuperar a bicicleta, trocando-a por outros bens que ainda tinham. Tragicamente, logo no primeiro dia de trabalho, a bicicleta e roubada. Desesperado, Antonio comeca a vasculhar toda a cidade com o seu filho Bruno,em busca da preciosa bicicleta. E essa busca atraves dos mais variados locais que centraliza toda a narrativa. do filme. Comenta o professor, mostrando as cenas do video: Quem escreveu o roteiro foi Zavattinni, que se baseiou em varias historias conhecidas.O neorealismo tem um aspecto documental. Parece que realmente a rua foi filmada. O plano aberto da rua interfere o minimo possivel na realidade. O De Sicca tinha metodos no limite do questionavel...Por exemplo, ele acusou o menino do filme de ter roubado algo, so pra fazer ele chorar....Parece que ele fez uma terapia de choque. A fotografia do filme e mais escura. Dizem que um desses carros nao estavam combinados. Eu ja
vi essa cena mais de 30000 vezes. Esse filme tem um simbolismo bonito. O menino desconstruindo a figura paterna. O filho devolvendo o chapeu pro pai (...) e uma atuacao rica. O De Sicca filma muito. O que acontece no final? Nada! Eles morrem de fome! A aula prosseguiu abordando Luchino Visconti, que segundo o professor, e um dos grandes artistas Neorealistas. Comenta o Rafael Ciccarini: O Visconti fez o filme Obsessao, de 1942. Alguns o consideram como sendo o filme pioneiro do neorealismo. Esse filme tem uma trama comum, onde uma mulher planeja com o amante o assassinado do marido, e vem com uma centelha neorealista. Outros filmes neorealistas de Visconti sao A terra firme, e Belissima. Ultrapassando o Neorealismo, Visconti fez filmes como Rocco e seus irmaos, O Leopardo e Morte em Veneza. O cinema pelo mundo Ciccarini prosseguiu a aula, dando enfase a alguns diretores que ajudaram a construir a historia do cinema, nas decadas de 40 e 50. O professor comenta: Nao da pra falar em movimento. Dentro dessa faixa temporal eu elegi alguns diretores. Ingmar Bergman, foi um dos diretores mais celebres da historia do cinema. Ele se tornou um nome conhecido e respeitado e lidava com questoes centrais e filosofica, como a morte, a culpa e a existencia. (...) Todo artista precisa fazer arte e Bergman vai sem nenhum tipo de pudor tentar descer ao lugar mais fundo. Quase nunca foi uma experiencia leve ou prazeirosa. Bergman e tambem diretor de tearato e comecou a fazer filmes na decada de 40. Berger se aprofunda na alma feminina. Neste instante, Janaina, integrante do nosso grupo, fez uma comparacao com Chico Buarque, por que o mesmo e tido como um dos artistas brasileiros que mais entendem a alma feminina. Ingmar Bergman e Chico Buarque de Hollanda...poetas da alma feminina? Ciccarini citou algums filmes produzidos por Bergman, como Sonata de Outono, onde ele contrascenou com a belissima Ingrid Bergman, que curiosamente nao e sua parente, como o sobrenome e os nomes que sao parecidos poderiam sugerir. Outros filmes que foram produzidos por ele sao Persona, Gritos e Sussuros (1956) e Os morangos Silvestres (1957). O professor salienta que Bergman lida com o rosto de uma maneira singular e potente: Bergman demonstra que o cinema e a arte que mostra a verdade do corpo humano como nenhuma outra. Bergman nao e o cineasta para voce ir com a turma assistir e comer pao de queijo. Para assistir os seus filmes se faz preciso uma certa sensibilidade e um certo sexto sentido. A aula prosseguiu abordando a figura de Fellini. Comenta o professor: Fellinni e alguem que construiu um universo extremamente particular, com nocoes de fantasia, de verdade e mentira, que sao nocoes muito difundidades. O ser humano em sua visao e tambem o sonho que ele ainda nao foi. Neste sentido, a ficcao e um documentario da alma. Uma das obras primas do Felini e o filme Eu me recordo, onde ele rememora sua infancia. O filme traz um mergulho visceral na vida que ele teve ou que ele queria
ter tido. No filme oito e meio, Fellini constroi uma especie de alterego, uma especie de autocritica em relacao ao cinema, talvez abordando a questao dele ser um dito mulherengo...O filme tem algo relacionado com paciencia e tolerancia. Vale a pena dar uma chance ao filme. E um dos filmes mais oniricos da historia. Frederico Fellini A aula prosseguiu abordando a figura de Luis Bunel, que segundo Ciccarini foi um grande genio do cinema espanhol. O professor elucida: Ele produziu o Cao Andalluz....e tem uma carreira longa e variada. Foi talvez o grande anarquista a historia do cinema. Com uma capacidade critica, ele lia com muito humor. Seus temas prediletos sao a igreja e o moralismo. Ele ironiza ricos e pobres. No filme Veridiana , por exemplo, ironiza a Santa ceia. Nos anos 50 ele filmou Os Esquecidos, que mostra de certa forma como os valores se submetem a realidade. Em O Anjo exterminador (1962), ele mostra a Burguesia aristrocrata jantando. Na hora de ir embora as pessoas nao conseguem deixar a sala. Surrealmente as pessoas nao conseguem deixar a sala. O filme tem interpretacoes marxistas, na medida em que se concebe numa metafora das proprias prisoes que os homens criam. O homem se faz prisioneiro das proprias convencoes. Luiz Bunuel O professor finalizou sua excelente explanacao comentando de Billy Wider, que segundo ele e um dos grandes carpinteiros do roteiro e fez todos os generos. Comenta Ciccarini que os seus principais filmes foram: 1- Pacto de sangue, que tem o estilo Noar. 2- Farrapo Humano, com Willian Hurts, que linda com o tema do alcoolismo. 3-A montanha dos abutres, com Kirk Douglas. 4- Testemunha de acusacao, que e um thiller. 5-Se meu apartamento falasse e 6-Quanto mais quente melhor, com Marilyn Monroe. Estudo: Grupos Espiritas 2a Parte / Ricardo Mizrahy Nossa aula, teve prosseguimento com o estudo de excelente Ricardo Mizrahy Polakiewicz, que dissertou mais uma vez sobre os aspectos do trabalho em grupo. Abaixo, postamos a 2a parte do o excelente estudo feito pelo Ricardo. Abaixo segue a apresentacao de slides usada por Ricardo. Um dos destaques de nossa aula foi o Hilario Henrique Lisboa, que chegou a nossa aula fazendo uso de um psicodelico capacete...Nao sabemos ainda o motivo do uso do referido capacete.... Mas Henrique continua sendo motivo de muitos risos em nossa turma. Que ele continue sempre com essa alegria! ABRACOS A TODOS E ATE A PROXIMA!
patrao: Se eu me atrasei foi por causa da musica...eu sempre tapava as minhas orelhas. Numa determinada cena, passada num onibus, o garoto tapa os ouvidos. Outras criancas que tambem estao no onibus acham estranha essa atitude. O menino diz: Seus olhos a destraem. Se voce fechar os olhos aprendera melhor. Khorshid e obcecado por quatro batidas que o acompanham diariamente, quatro batidas harmonizadas de maneira que o fazem lembrar das primeiras notas da quinta sinfonia de Beethoven. Nos seus caminhos, Khorshid e seguido por uma simpatica garotinha de nome Nadirah. Nadirah, que se veste de roupas coloridas e decora as unhas com petalas de flores, esta sempre ponta a oferecer os melhores conselhos ao seu amigo e ser sua guia pelos seus caminhos confusos. Thiago chamou a atencao para que verificassemos a questao do enquadramento e dos planos mais longos e abertos no filme. Sendo interessante que servisse de base alguns aspectos do filme para a producao de curtas, ja que O silencio mostra um trato diferente com relacao a imagem, constroi uma linguagem propria, explorando com vigor qualidades visuais e sonoras. Apos a exibicao do filme os membros de nosso grupo fizeram alguns comentarios. O consenso geral era de que muitos dos aspectos do filme, e ate mesmo as expressoes dos personagens, por vezes apatica, tinham um jeito extremamente distinto do cinema usual, o qual estamos costumados a assistir. Todos concordaram, entretanto, que o filme tem uma mensagem universal sobre a sensibilidade. A simplicidade do cinema iraniano, com cenas ternas, proximas da natureza e com dialogos curtos, sera com certeza motivo para repensarmos varios aspectos da producao cinematografica, no intuito de fazer um cinema que consiga alcancar diversos aspectos da alma humana. Na segunda parte da aula, Thiago explicitou os pormenores do Programa CELTX, um processador de texto criado especialmente para roteiros. Portanto, o maior destaque deste programa e a ferramenta para elaboracao de roteiros, com intuitivos atalhos para a sua formacao, que e a padrao do cinema. O endereco para dowload do programa e http://celtx.com/download.html Thiago iniciou sua explanacao sobre o CELTEX elucidando que, ao abrimos o programa, ele nos oferecem varias opcoes. No entanto, somente a parte central que nos interessaria, da questao da escrita do roteiro propriamente diata. Foi lucidado algumas questoes importantes em relacao ao CELTX e exemplificou a escrita do roteiro, usando roteiros produzidos por membros de nosso grupo. Abaixo resumimos algumas da suas explicacoes: Sempre que voces forem escrever, escrevam o titulo do filme (Clicando em pagina titulo)Deve-se sempre colocar uma tralha # na frente da indicacao da cena. O cabecalho deve vir sempre em caixa alta, tal como no exemplo #1 HALL DE ENTRADA/ INT/DIA. A acao e sempre o que esta acontecendo na cena. O que esta sendo filmado. Voce faz o cabecalho, da enter e vai para a acao. Toda vez que entrar o personagem voce coloca o seu nome em caixa ala.A vantagem desse programa e que ele tem corretor ortografico. os dialogos do CELTX sao colocados sempre na parte central. Ja a rubrica, vai entrar embaixo do personagem. Exemplo:
LAURA (chorando) Cena de credito e tambem e feita pelo roteiristaNa formatacao padrao, o CELTX nao coloca o nome do personagem em negrito Em relacao ao tamanho do papel, colocar o papel que voce ira imprimir. O ideal e utilizar o tamanhoa A4Na verdade o roteiro e feito de cenas, personagens, partes do cenario, entre outras coisas. Voce pode inserir antes do roteiro o perfil do personagem, entre outras informacoes que julgue relevante.O montador e o diretor tem que ter uma afinidade muito boa. Se voce tem um diretor que e aberto a outras ideias facilita muito o trabalho, na hora da edicao. A aula prosseguiu com Thiago exibindo um curta intitulado No ponto, produzido por ele na Escola Livre de cinema. Thiago mostrou algumas curiosidades na producao do curta. Foi mostrado tambem as fotografias still no processo de criacao de making off. Thiago elucidou que o referido curta foi filmado em dois dias e foi bem trabalhoso. A aula foi finalizada com a exibicao do filme Perro Come Perro (Cao come cao-2008), um filme Colombiano dirigido por Carlos Moreno. O filme traz a historia de um poderoso traficante de drogas de Cali, que comeca a praticar maldades para vingar a morte de seu afilhado. O filme causou um certo desconforto em alguns membros de nosso grupo, devido principamente a algumas cenas de violencia exacerbada. Exibir Album Completo Entretanto, Thiago intentou mostrar com o filme os aspectos de uma montagem muito bem feita e a camera sempre conduzindo para o interior dos personagens, de uma forma bem realista. A fotografia do filme retrata o calor e o suor de um ambiente violento e decadente. Alem disso, o filme mostra uma certa questao espiritual, abordando a obsessao. O desconforto produzido pela exibicao do filme deu vazao a varias discussoes produtivas, no sentido do grupo repensar o que e realmente produzir cinema ou que aspectos devemos ou nao abordar no Cinema Espirita. Helen, membro do nosso grupo, nos trouxe uma opiniao bem interessante em nossa lista de discussao, que sintetiza bem essa questao da producao da arte e do cinema espirita. Reproduzimos abaixo a referida mensagem: Eu sempre adorei filmes e assisti e assisto a todos os generos (exceto terror e massacre da serra eletrica). E nunca me senti afetar por eles. Eu sempre tive para mim, que sao ficcao. Quando acabam, tudo se desfaz. E eu ja passo para o proximo filme, sem maiores preocupacoes. De todos os filmes que assisto, eu sempre tiro alguma licao positiva. Em alguns, ultimamente, eu sinto a necessidade de fazer preces depois. Por aqueles que se encontravam ainda nesses contextos negativos, e por mim, para afastar-me desses contextos. Por isso, tive uma grande surpresa, com os fatos que eu vou narrar abaixo. Desde os 14 anos, leio as obras espiritas de Andre Luiz, pois, moravamos no interior e minha mae teve a oportunidade de aproximar-se de um Sr. espirita e ele emprestou-lhe os livros da serie. Ela gostou e passou para que lessemos. Comecamos de Nosso Lar, e fomos seguindo a sequencia. Eu tive que pular dois