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Imagina ganhar um buque das tuas flores preferidas no meu caso, rosas vermelhas ou champagne. Recebes o ramalhete feliz, cheira as flores e, imediatamente, vais abrir o cartao. As flores nao eram de quem esperavas ou pior, e de alguem que detestas... Como elas, murchas mas bem antes do tempo. Assim e Buque, das Margaridas Danca, coreografado e dirigido por Laura Virginia, autora do livro homonimo, que inspirou a obra dancante - que estreou dia 14 no Teatro Newton Rossi, em Ceilandia, terminando sua temporada ontem (30), no Espaco Mosaico. A cena comeca na sala de espera do teatro e o clima e de um cabare. A plateia sentada, aguardando o sinal para entrar no teatro e eis que comeca a tocar Chico Buarque e surgem os bailarinos dois casais. Os homens (Beneto Reis e Julio Cesar Campos) vem buscar as mulheres da plateia para dancar como antigamente, com o rosto coladinho. E, enquanto dancam conosco, recitam poemas do livro Buque. As duas bailarinas Laura Virginia e Cleani Calazans dancam como que a chamar (os poucos) homens da plateia, aguardando-o que eles facam a gentileza de as tirarem para bailar. Passado um tempo, vao entao para o teatro, onde o espetaculo (diz a moca da recepcao) vai comecar. Mas ja nao havia? Esta primeira cena e como quando ganhamos um buque (e ainda nao sabemos de quem e): ficamos com o perfume no ar. Estamos felizes por recebermos estas flores. No teatro, a primeira cena, em que eles parecem em fuga. E, neste entremeio, recitam os poemas. Laura Virginia e multiartista e trabalha com varias linguagens: danca, literatura, musica e o Margaridas Danca, criado em 2004, busca tambem esta transdisciplinaridade. Mas sera que o caminho e este? Eu preciso dancar recitando poemas para usar as duas linguagens? Por vezes, o movimento sublinha o poema, por outras e o poema que sublinha o movimento. E redunda...O livro Buque e como uma colcha de retalhos traz poemas de diversas fases da vida da escritora, desde 1992. Assim, nao e o buque de uma flor a minha rosa, por exemplo mas de varias, daqueles que misturam varios aromas. No livro sao: gengibre, brunir, haiku e danca. Assim como no livro, a obra dancante traz os quatro momentos para o palco, representados por estados energeticos. Entao, para representa-los, eles se servem de tudo: de uma danca-kitsch - como diz Laura Virginia, oriunda das esteticas presentes em sua carreira (bale classico, moderno, contemporaneo e jazz) de uma trilha sonora que vai de Chico Buarque a Amy Winehouse, da mudanca de figurinos, de elementos cenicos (como ratinhos brancos andando pelo chao?), etc. A producao cenica, inclusive, e caprichosa com cortinas onde os poemas estao estampados, candelabros, manequins... Buque, a obra cenica, acaba por ser tambem este mosaico e perde em unidade dramatica seria ela, teoricamente, as nuances das diferentes flores? Uma das belas cenas e quando Cleani Calazans que por vezes se repete no movimento de rolar e terminar com uma perna estendida - atravessa uma diagonal do palco na penumbra do gelo seco, sob bolhas de sabao
produzidas pela plateia (corre de mao em mao o brinquedo), enquanto Laura Virginia esta do outro lado. As duas dancam por um bom tempo sem recitar poema algum. E, nesta hora, a danca fala tanto por si... Pra que, depois as palavras?Mas a toada do espetaculo e sempre a mesma, a obra e muito linear e, assim como as flores, a plateia vai murchando na cadeira. Vem, entao, a cena final o sabor da alegria numa danca-kitsch que soa exatamente assim (no sentido pejorativo), para nos tirar daquele marasmo e dar um brinde com direito a guloseimas a todos nos. O mosaico de flores, infelizmente, murchou antes do tempo e nem agua traria o vico de volta. O buque nao era de quem esperavamos...
O que nos levamos de nossospais? Suas historias determinam as nossas? Em que medida elas nos influenciam?Talvez um pouco disso nos venha a tona ao ver Mi vida despues, que abriuontem o Cena Contemporanea e segue ate amanha na Funarte, em Brasilia. Assimcomo imaginar que toda ditadura e igual em qualquer lugar. A peca e baseada na historiareal dos pais dos atores, que nasceram entre 1972 e 1983. A partir de fotos,cartas, roupas usadas, relatos, eles relatam a juventude de seus pais, os anos anteriorese posteriores ao nascimento daqueles que um dia estariam encenando suas vidas. Anosde chumbo, em plena ditadura no nosso pais vizinho, a Argentina. E, como, aover os relatos, nao pensar tambem na nossa historia politica? Como nao se emocionar com orelato do exilio do pai? Com a morte pela ditadura? Com a descoberta de que seuirmao, parceiro da vida toda, foi raptado? Do mesmo modo, como nao rir dealgumas situacoes vividas por eles. A historia real de pessoasque viveram a ditatura argentina poderia se tornar em algo enfadonho. Mas apeca e construida de modo dinamico num ritmo acelerado, em que as cenas saoquase que flashes. Imagens projetadas, videos, sons em fita cassete, os mais diversos recursos para deixar dinamico um espetaculo que fala do passado, que tem atores desde os 40 ate 20 e poucos anos e que tem a cara da juventude. O texto, mesmo quando serio, nao soa chato. Um momento muitointeressante e quando eles contam de forma fragmentada sonhos com seuspais. E quase uma aula de psicanalise. Inclusive, a relacao deles com o queforam seus pais, e um exercicio de auto-reflexao o que deles (nossos pais) existe em nos, afinal? Apeca poderia terminar ali e, parte das historias que vem depois, estar antesdesta bela cena. Sem projecoes para o futuro. Para que? A mitica personagem Blanche, de Um bondechamado desejo, ganha uma versao em solo de danca contemporanea, em que asdiversas nuances femininas sao apresentadas. Abailarina gaucha, radicada em Brasilia, Neila Baldi, estreia na proximasexta-feira (9), no Espaco Cultural Mapati, em Brasilia, o solo Blanche,inspirado na personagem principal de Um bonde chamado desejo, de TenesseeWillians. Em Blanche a bailarina traz as diversas facetas de uma mesma mulherque sao, tambem, algumas das nuances por que passam todas as mulheres. Aobra ganhou o Premio Funarte de Danca Klauss Vianna 2011, do Ministerio daCultura, e e a unica representante do Centro-Oeste em sua categoria. Trata-seda primeira vez que a mitica personagem de Tenessee Willians e transportadapara a linguagem da danca. Depois de Brasilia, o espetaculo segue paraSamambaia, de 16 a 18 de novembro, e Gama, no final de semana seguinte. Semcontar literalmente as situacoes vividas por Blanche, o espetaculo permeia seusestados fisicos e psiquicos. Assim, traz os contrastes da fragilidade e dafortaleza da personagem, da mulher sedutora e da mulher sonhadora, do medo dechegar e da coragem de lutar, da pessoa ardilosa e daquela que precisa apenasde um pouco de gentileza, daquela que chega com ar superior e, no final, cainum profundo abismo. Blanche e uma personagem muito complexa, tem umafragilidade fisica aparente, mas precisou ser uma fortaleza
para passar portudo o que passou. E quem de nos nao e assim, leoa e gata?, pergunta-se abailarina. ViverBlanche na danca e retomar o papel sob outro angulo, pois a bailarina haviaentrado em contato com a personagem ha cerca de 15 anos, quando fazia teatro emPorto Alegre, sua terra natal. Trata-sede uma personagem forte, que sempre me instigou e que gostaria de vive-lanovamente, mais madura artisticamente, diz. Para compor a dramaturgia doespetaculo, a bailarina se utilizou de imagens de sombras, criadas pelo artistaplastico Nazzareno Stanislau-Messbeway, que sao projetadas. A obra de Nazzarenodialogava com o conceito de Tenessee Willians, afinal, Blanche nao quer orealismo, nao suporta uma lampada nua e o escuro a conforta, explica. Tambema partir do que considera o conceito do autor americano, a bailarina optou poruma trilha composta por blues Ry Cooder e T-Bone Walker -, alem de usaralgumas composicoes criadas por Alex North para o filme Um Bonde chamadodesejo, de Elia Kazan. A concepcao da iluminacao e de Zizi Antunes, que dialoga com assombras do cenario. Comoparte do Premio Klauss Vianna, alem das 10 apresentacoes sendo metadepropositalmente em Regioes Administrativas que nao recebem muito este tipo deespetaculo estao previstas tambem, em cada cidade, oficinas gratuitas dedanca sobre o processo de criacao e o metodo Bale Classico Corpo Consciente,base do trabalho da artista.Servico:O QUE: Blanche Solo deDanca contemporanea com a bailarina Neila Baldi, baseado na obra de TenesseeWilliansQUANDO: De 9 a 11 de novembro,as 21h. Dia 12, as 21h sessao fechada para estudantes de Danca.ONDE: Espaco Cultural Mapati(707 Norte, bloco K, casa 5 Brasilia)QUANTO: R$ 20 (inteira)QUANDO: De 16 a 18 denovembro, as 21hONDE: Espaco ImaginarioCultural (QR 406, cj 30, lt 6 Samambaia)QUANTO: R$ 5 (preco unico)QUANDO: De 23 a 25 denovembro, as 21hONDE: Espaco CulturalBagagem (Qd 40, lj 16 Gama) QUANTO: R$ 5 (preco unico)
Na vida, estamos sempre a espera de um toque. O toque da caricia, do telefone, do despertador, da dica, os mais diversos toques. Em Tao proximo, a Quasar Cia de Danca discute as relacoes humanas, mas poderiamos dizer que e a danca do toque. Sem ele, o movimento nao acontece...Henrique Rodovalho quer, com Tao proximo, inaugurar um novo momento da companhia, depois de mais de duas decadas de atuacao. A ideia e ter maior interacao entre os bailarinos e nao tantos movimentos duos e solos, caracteristicos de seu trabalho. Quando a obra comeca pensamos que, de fato, teremos mudancas quem sabe drasticas na Quasar. Pela primeira vez, vemos uma danca de conjunto comum em companhias como o Grupo Corpo. Todos os oito bailarinos estao em cena, na penumbra, com a luz desenho de Rodovalho em partes do corpo. Movimentam-se como em um efeito domino um comeca e os outros continuam e tambem dancam sincronizados. O palco todo se ilumina, entao, e vem os duos tradicionais das coreografias de Rodovalho. Por vezes, a movimentacao e o figurino nos remetem a obra-prima So tinha de ser com voce (2005), com a diferenca de a musica ser eletronica e nao MPB. Mas nao sao a danca de conjunto ou a ausencia de solos como diz Rodovalho o que marca a nova obra da companhia. E a pele, o toque. No inicio, meio timido... sao toques que ja ocorriam em coreografias passadas, nos duos, em que um leva a outro movimento. Em outros momentos, realmente diferenciais. Sao, sobretudo, os silencios os momentos mais delicados (e bonitos) da obra, em que um simples toque pode dizer tudo... um pe deslizando na pele do outro, o dedinho caminhando pelo corpo do companheiro. Este encadeamento a partir do toque de pele, verdadeiro, nao o encostar-se ao colega e seguir o movimento como ja ocorria em outras obras, em seus duos e que traz um diferencial e lembra, por vezes, muito a danca contemporanea paulistana e o uso das tecnicas de educacao somatica. O que a pele produz no movimento? Como e senti-la e danca-la? E por isso que os momentos de silencio sao tao preciosos, pois chamam a nossa atencao para este toque. O figurino funcional, de Carlos Brasil, tambem e outra novidade no trabalho da Quasar. Ele nao apenas veste o bailarino ou danca com ele. Mas, sim, faz parte da coreografia, e a segunda pele dos bailarinos. E, neste uso, Rodovalho se arrisca um pouco e sai de sua zona de conforto coreografico da excelencia tecnica, com o uso da fragmentacao do corpo, que caracterizou a linguagem da Quasar ao longo dos ultimos anos. Corpos se enroscam nas roupas, que sao puxadas e servem de impulso para o movimento. Por vezes, este enroscar e encadear chegam a ser quase acrobatico e fica evidente o trabalho de yoga e pilates realizado pelo grupo. E belissima a cena das camisetas que se enrolam e amarram os bailarinos, que tentam se desvencilhar. Quantas vezes nao estamos nas relacoes amarradas? Queremos sair e nao conseguimos? Mais uma vez, nos remetemos a
danca contemporanea paulistana e, no uso da roupa como peca da obra dancante, como fez Mariana Muniz com o seu Parangoles (2008). A comicidade, outra caracteristica forte da Quasar, que havia sido praticamente deixada de lado em So tinha de ser com voce e resgatada em Por instantes de felicidade (2008), por vezes ate de uma forma infantil, retorna em Tao proximo. O humor sutil que vem do movimento, como a repeticao do gesto da mao, como que a implorar pelo toque... ou escancarado. Destaque para a bailarina Waleska Goncalves, de volta a companhia desde 2005 e, talvez por isso, com a comicidade sutil que marcou obras como Dividuo (1998). Por vezes, ela implora o toque, quer ser vista... e quantas vezes nos nao queremos so isso, um toque, um aconchego, alguem que nos enxergue? Outras ela e sadica, deixa-se tocar para expulsar... O sadismo, raro em obras de Rodovalho, por alguns instantes lembra No (2005), de Deborah Colker. As costuras entre as cenas sao feitas a partir do movimento anterior. A iluminacao destaca os movimentos e, por vezes, algumas intervencoes nos remetem a outras obras de Rodovalho, como Entre o corpo e o azul, criado para a Sociedade Masculina com faixas de luz do alto a baixo ou a luz lateral com a entrada dos bailarinos pelo chao. No cenario, apenas um tapete de pelucia, a afofar as relacoes. Por vezes, ele tambem danca, com a pelucia flutuando pelo espaco.Em meio a batida eletronica, os movimentos vao da delicadeza que nos lembram, alem de So tinha de ser com voce, alguns momentos da belissima Coreografia para ouvir (1999) a bruteza. As relacoes humanas sao tambem violentas, nos diz Rodovalho. Desde a obra-prima So tinha de ser com voce que Rodovalho nos devia algo que realmente valesse a pena. A ultima obra, Ceu na boca, havia sido feito em um momento conturbado da vida do coreografo, com perdas e separacoes. Talvez ele precisasse deste amadurecimento para produzir Tao proximo sem ser piegas. Porque, como diz o programa, ciclos se fecham, mas nao se encerram, necessariamente.
Fazer uma nova versao para uma obra consagrada que, alem de tudo, teve algumas versoes magnificas e uma tarefa bastante dificil. Pois foi este o desafio a que se propos Leonardo Ramos, diretor do Ballet de Londrina que estreou este ano A sagracao da primavera, em cartaz na ultima sexta-feira (4), em Brasilia.Para quem viu a otima versao de Pina Bausch, criada em 1975 e remontada em 2009, com apresentacao no Brasil, a comparacao e sempre inevitavel e, apesar de Ramos nao querer ter alguem como modelo, as referencias estao todas la. A abertura lembra muito a versao de Pina Bausch, pois o linoleo foi pintado de cor de terra na releitura alema, colocava-se terra, de fato, no palco. Do mesmo modo as bailarinas estao deitadas sob um pano cru com manchas avermelhadas o tecido vermelho, em Pina Bausch e o que caracteriza a escolhida, o sangue da mulher que sera sacrificada. O inicio da versao de Londrina e uma pintura. Todas as bailarinas deitadas no chao, sob este pano que, infelizmente, nao tem mais serventia no decorrer da peca numa espiral. Como se fossem flores o filme A Flor do Deserto teria sido fonte de inspiracao de Ramos. O figurino, de Ana Carolina Ribeiro, e todo cru, com manchas. Na essencia, quer-se mostrar o primitivo. No cenario, espelhos inclinados sob o teto que, dependendo do teatro, refletem completamente a danca, que ocorre muitas vezes no solo. Em um determinado momento, enquanto elas se movimentam, o reflexo no espelho, com as ranhuras no piso, e simplesmente lindo...Em sua peca, Ramos optou por uma versao da musica de Igor Stravinsky no piano, sem orquestra. Perde-se com isso, boa parte da forca musical considerada, em 1913, um ruido que, aliado as inovacoes na danca, mereceu uma vaia na sua estreia. Por outro lado, este arranjo lembra um pouco tangos de Piazolla e, esta mudanca, se reflete na escolha da movimentacao dos bailarinos as linhas geometricas do classico e uma inversao terra-ceu. Ao contrario da primeira versao, de Nijinsky, em que os pes batiam com a musica e o movimento era todo para a terra (de cima para baixo), na proposta de Ramos, sao de baixo para cima. Os bailarinos estao no chao, mas seus membros buscam o ceu... Ha a dominancia de quedas e lutas corporais. Para que tanta violencia?, indaga alguem na plateia. Ramos optou por movimentos que lembram a violencia do grupo catarinense Cena 11 que estava tambem em Brasilia, no mesmo final de semana. Sao corpos que caem, que se jogam, quase sem apoio mas com tecnica especifica para isso e que percutem no chao, contrastante com o piano musical. A escolhida e, sem duvida, que roupa a cena. Desde sua entrada no palco, sabemos que ela sera a virgem sacrificada. Pena que, exceto a respiracao ofegante, falte a ela e aos demais bailarinos a violencia e a dor em todo o corpo inclusive na face. Chega a ser contraditorio com a proposta do coreografo. Temos, assim, uma beleza, sem dor. Ramos optou pela violencia nos corpos para evidenciar a crueldade
desta escolha, ainda presente em muitas sociedades. Violencia nas quedas e tambem nas aberturas das pernas quase que esgarcadas, como que as virgens estivessem sendo estuprada. Movimentos no chao com abertura maxima que parecem sapos lembram, em muito, duas versoes antologicas tambem: de Bejart, em 1959, em que quase a danca faz referencia direta ao ato sexual, e de Preljocaj, de 2001 que coloca a virgem nua sobe o gramado verde (referencia direta da abertura do espetaculo).
O filme Duas vidas (de JonTurteltaub) conta a historia de um homem que, ao fazer 40 anos, repensa suavida. Quem nunca passou por isso? A vida que se tem e a que se queria ter e otema de A mecanica das borboletas, em cartaz no Centro Cultural Banco doBrasil ate 8 de abril. A obra de Walter Daguerre foicriada quando ele esteve em Cerro Branco, no interior do Rio Grande do Sul, eficou pensando o que seria aquela vida de lacar cavalo, aquela vida de fazenda,em contraste com a sua, cosmopolita. A partir desta dualidade, Daguerre seutiliza da lenda de Romulo e Remo para soltar suas metaforas a respeito dasnossas escolhas e da construcao dos nossos imperios. A mecanica das borboletasaborda estes temas contando a historia de Romulo, vivido por Eriberto Leao, que volta para casa20 anos depois de sair em busca do sonho de desvendar o mundo. Ele reencontra ogemeo Remo (Otto Junior), que manteve o negocio do pai e prosseguiu no mesmooficio, no mesmo lugar, e que tem o sonho de ter uma Harley Davidson, que usara para a sua vigem. Mas falta aindaa borboleta do carburador...Por horas, o texto parece piegas,mas Daguerre tem boas tiradas e nos leva a rir das situacoes da vida. Quem nunca repensou sua vida? Quemnunca comparou a sua vida com a dos seus irmaos? Mesmo soando piegas, Amecanica das borboletas e universal e, no conjunto, e a encenacao e boa apesar de algumas escolhas esteticas questionaveis. O cenario tenta retratar o espacoda historia e dispoe de recursos para desenrolar o enredo. A luz marca as passagens. A trilha sonorapontua os momentos de tensao e de embates mas, no final, e obvia, com Jorge Dexlere a referencia ao filme Diarios de uma motocicleta. Referencias, inclusive,e um dos recursos mais usados pelo dramaturgo ao longo de toda a historia. Outra escolha estetica e a dadirecao (Paulo de Moraes), que usa em seus atores um tipo de impostacao de voz quesoa falsa. E como se o texto estivesse apenas saindo da boca para fora, semverdade. Este elemento e gritante na primeira cena, mesmo na fala de SuzanaFaini, atriz com longa trajetoria, que faz o papel da mae. Por vezes, e como seestivessemos assistindo um video com um delay entre a voz e a interpretacao. Osmomentos de verdade parecem, somente, os de furia. No desenvolver da peca, ainterpretacao vai se acertando exceto no caso de Ana Kurtner, que parece teruma batata na boca e os textos nao soam mais como da boca para fora. Ou somosnos, espectadores, que nos acostumamos?Apesar de alguns porens, vale a pena sair de casa para ver a peca. E uma obra leve, mas que tras algumas reflexoes. Tipico programa de domingo. Mas nada que se aplauda em pe. Dois espetaculos esta semana no CenaContemporanea versavam sobre o amor. Os dois tinham o humor como pano de fundo.Uma obra brasileira de teatro "Trabalhos de amores quase perdidos eoutra estrangeira (de teatro fisico), da Espanha Apple Love. Duas obras que instigavam, mas queinfelizmente nao valiam a ida ao teatro. Premiado com Premio Shell, PedroBricio prometia
ao discutir as relacoes amorosas de pessoas na faixa dos 30anos. O espetaculo todo era permeado pela metalinguagem. Em cena, quatro atoresque, por hora, discutiam o texto a ser encenado. E, entao, por um bom tempo,era como se estivessemos vendo uma leitura dramatica. Dificil segurar um espetaculoassim. Cansa. E quando a obra tem mais de uma hora e nem todos os atores saobons, o resultado e a plateia saindo mais cedo. Em Apple Love parte do publicotambem saiu do teatro antes do fim do espetaculo. Eu nao consigo ser profundo. Eu souraso, em determinado momento o ator-narrador diz esta frase. A peca temalgumas boas tiradas, algumas cenas engracadas, mas nao passa de colagens decoisas que ja vimos em outros lugares. Nada original. E, ai, fica raso mesmo. Omais profundo de tudo foi o final: com a caixa cheia das cartas nao mandadas...A incomunicabilidade entre os amantes e sempre que penso nisso, algo taocomum na nossa era, lembro-me do otimo O silencio dos amantes, de Lya Luft era um dos temas a serem discutidos, segundo a sinopse. As cartas nao enviadaseram o simbolo do nao-dito. Mas so elas nao bastaram para dar mais sustancia aobra. Ja os espanhois da Cia Iker Gomesqueriam falar do amor total. Que amor e este? A obra entao comeca como seestivessemos no cinema assistindo ao trailer de algo muito esperado, talvez atede um show de rock. Oba, prometia, pensei. Mero engano. Mais uma vez cenasengracadinhas, com musica a la Sidney Magal, com videos clipes engracados lembravam Los autenticos decadentes, da Argentina. Mais nada. E com a mesmamusica que comecou, como num ciclo amoroso, termina. E a plateia sai com cara de boba.Entao o amor, no seculo XXI e isso, uma piada?