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A obra do brasileiro Marcel Caram converge para signos que saltam da impessoalidade dos meios para um fim onde um mundo tenue passa a existir, entre o imaginario e as fronteiras da sublimacao, tao cara e unica a nos, validando, aquilo que chamamos de, arte. Por | Joao Roc A Arte assim como o ser humano e mutavel. Suas linguagens se agregam a novas experiencias, contemporaneas tecnologias e esta tornam-se, para o artista, ferramentas que possibilitam agregar a sua obra a outros elementos e lhe permite continuar criando o ate entao, inimaginavel. Nascida do avanco tecnologico da metade do seculo XX, com a evolucao dos hardwares e softwares, a Arte Digital trouxe ao mundo das artes novas abordagens que se disseminaram em intensos experimentos. No Brasil, um dos grandes pioneiros dessa vanguarda foi o artista plastico Waldemar Cordeiro, que desenvolveu estudos, sobre arte realizada no computador, ao lado do fisico Giorgio Moscati. Cordeiro tambem dirigiu, em Campinas, o Centro de Processamento de Imagens do Instituto de Artes, alem de produzir uma historica exposicao chamada Arteonica realizada na cidade de Sao Paulo em em 1971. Seguindo esta tradicao experimental e tomado pelo universo surrealista, Marcel Caram e, sobretudo, um desconector do mundo exterior e sua veloz aglomeracao, fazendo da sua arte, a arte de se reconectar a contemplacao magica, muito alem do sonho, muito alem da mera irrealidade ou dos artificios programados da modelagem sintetica. Sua obra conversa com cada objeto, caro ao nosso dia-a-dia, e tao proximo a nos. Acessar os sentimentos que se erguem no contato com sua pelicula oculta e um dos grandes triunfos deste artista. Caram subverte a logica gelida da criacao na maquina. Seu pictorico digitalismo, no lirismo da poesia, e capaz de, como um filme, nos submergir em tramas filosoficas e questionamentos para com as nossa relacao com o espaco ao redor. Para isso, o mineiro parece tracar um dialogo nos confins do desconhecido com duas referencias que surgem imediatamente no encontro com sua obra: Salvador Dali e Rene Magriitte. Do primeiro, a tendencia ao absurdo, ao grandioso mundo imaginario que e desbravado e que nos convida as imagens que causam, ate hoje, uma profunda e deliciosa estranheza. Mas e no universo do pintor belga que Marcel vaga em busca do antidoto inconsciente: O ordenamento dos objetos. O uso do espaco longinquo, a vastidao meticulosa, a jogo que nasce do questionamento entre artefatos reais e nossa relacao com os mesmos, as vezes ate, imperceptivel, mesmo que intima. A luz percorrendo ate aonde o olhar se perde, a solidao de personagens que parecem absurdamente iguais a nos em sua dimensao moldurada, a ausencia de uma poluicao visual, em outras palavras, certo enxugamento de ideias que o aproxima de Magritte. Percorrer os trabalhos de Marcel e fazer um estudo intrinseco. Permutar nossa visao de arte olhando acima os ombros das linguagens prefixadas (ou convencionais) e contornar o abismo que separa uma arte criada pela tradicao e outra que nasceu do seu tempo, nao nasceu para ser uma nova arte certamente, os elementos estao todos la, a amostra no resultado
definitivo. Apenas a pintura (neste caso) foi reafirmada. E a mesma, naquilo que desagua no fascinio. Marcel Caram se transmuta dentro do universo surrealista. Suas imagens inspiradoras, se revelam oniricas conversas que temos conosco, mas que ficam intraduziveis no barulho postumo das obrigacoes diarias, no calor insepulto que permanece e impede o raciocinio logico de nossas imaginacoes magnanimas. O artista parece que ouviu nossas confissoes depois de ler Rimbaud ou Lautreamont e com um mouse, as desenhou, usando os monitores como enquadramento de uma paisagem que joga com nossa percepcao de realidade. Recentemente sua obra foi selecionada no SoJie 6, uma especie de concurso cultural que reune artistas de varias partes do mundo. A exposicao acontece virtualmente, com renomados curadores e engloba arte digital, pintura convencional, fotografia. O festival e uma iniciativa da empresa australiana REDBUBBLE. Esta funciona como um mercado virtual, um especie de Spotify no sentido de alcancar novos artistas, permitindo-os expor e vender seus trabalhos e regular seus proprios precos. Os trabalhos de Marcel Caram podem ser visualizados na sua pagina no Flickr e tambem acessados e/ou comprados Aqui
Por | Joao Roc Vivemos tempos dificeis na arte. Esta buscando se redesenhar no olhar contemporaneo de novos artistas. Momento de entressafra entre Escritores, musicos, cineastas, artistas digitais e/ou do gueto, cada um tentando apalpar seu espaco e alguns almejando a reinvencao, enquanto outros, permanecem simplesmente atolados no jogo comercial. E sua arte (neste caso, sua musica) recem criada, portanto, potencialmente uma novidade, ja nasce velha. Falando especificamente na industria da musica. Com o advento da internet, produtores, bandas e todo o tipo de profissionais que trabalham no meio se viram em preocupantes quedas de vendas depois da farra que foi a decada de 90. A ultima decada do milenio aqui no Brasil sobretudo, houve, desde seu inicio, uma verdadeira explosao pop que levantou as vendagens a altos patamares e alavancaram jovens ambiciosos musicos (ambiciosos no sentido estritamente financeiro vamos deixar claro) ao status de grandes artistas tupiniquins. O Pop sempre existiu e obvio, algumas bandas na decada de 80 eram absurdamente comerciais, caricaturadas e sinistramente canalhas. Isso nao mudou na decada posterior, o que mudou foi o tamanho da coisa. Nao so no Brasil mas tambem no mundo todo, a internet causou grande impacto na forma de distribuicao e na relacao do artista e seu publico. Nascia ai um termo que sintetizava a angustia das gravadoras e a ira de profissionais, a cyberpirataria. Todavia, no Brasil temos um caso bastante curioso. A reinvencao da maquina pop nao em sua estrutura sonora, esta ha tempos sucateada e banalizada por suas letras sofriveis e sua postura pseudosentimental. Mas uma reinvencao que se da no campo da semantica. Sim, voce pode chamar de Tags, Marcadoras, novo estilos, sub-generos, seja la o for, mas a grande verdade e que a industria fonografica conseguiu se manter viva no Brasil nesses ultimos anos gracas a uma forma de renovar as prateleiras e o gosto do ouvinte lhe entregando, em sua concepcao, digamos, sinica, novos generos e dentro dele, variantes que se atropelam na sua falta de logica e conteudo. Este e o ultimo elemento que vamos encontrar em uma busca profunda. O golpe e sempre o mesmo, para cada discutivel estilo, outro semi-estilo acompanhando. Entao temos o sertanejo (que na verdade nao passa de musicas romanticas chupadas de estilos bregas da decada de 80) e depois temos, vejam so, o Sertanejo Universitario, a principio um sertanejo mais jovem, mais animado, mas que garante um enxurrada de novos rapazes e duplas que irao fazer a felicidade dos donos de gravadoras. Depois temos o Funk. Com grande incentivo midiatico, um pano de fundo social para validar a figura dos novos artistas. Logo depois o Funk Ostentacao um estilo de letra que lembra muito alguns artistas negros americanos que versam sobre carros de luxo, mulatas gostosas e cordoes de ouro. O que la parece uma reafirmacao social, aqui nao passa de modinha barata e antagonicamente pobre em sua estrutura sonora. Claro, um sem numeros de grupos se agregaram ao novo estilo No Para um pequeno movimento underground, uma especie de faca voce mesmo do norte do Brasil. Artistas do chamado
TechnoBrega encontraram na distribuicao manual uma forma de retrabalhar sua divulgacao para alem das radios ou gravadoras. O resultado foi um intercambio entre frentes que poderiam ventilar este trabalha e o faziam e o baixo custo da obra/disco, refletindo em bom lucro para os seus autores. Mas nem mesmo assim se fugiu muito do vazio de inovacoes que a musica pop brasileira tenta disfarcar atraves da criacao dessas ilusoes ortograficas. O Techno la, tem mais a ver como isso vai soar no Marketing, no contato com um publico que acredita em uma que algo moderno surgiu de um estilo que sempre foi discriminado no pais. O tiro foi certeiro, com direito ate a uma apaixonada resenha de Nelson Motta no Jornal. A criacao de novas nomenclaturas para enquadrar determinadas variantes nao e novidade e muito menos e uma invencao brasileira. Na musica eletronicas, uma pequena mudanca de andamento do som ja coloca este num estilo diferente se o andamento fosse so alguns BPMs mais acelerados. O rock mesmo possui uma gama de generos que moldam em muitos casos a orientacao musical de muitos fas. Mas em se tratando da industria da musica aqui no Brasil, isso foi como achar agua no deserto. A invencao de falso estilos, novas variantes que desandam para um mesmo fim explicitamente plagiador, a fabricacao de novos artistas a cada temporada, mantendo aquecida as vendas e mostrando a efemeridade de como estas novas celebridades vao e se vao. Tudo e uma forma de fazer a roda da fortuna continuar girando. Entretenimento puro e amoral. A musica tratada como mercadoria que vai ser consumida com alcool e outras drogas. Uma farra de mulheres e homens, quase, desesperados por aquela cancao, aquele hit que ira coloca-los nos holofotes. A sociedade do espetaculo transformando a arte em uma escada para ser pisada e fatiada em Talk Shows. Para a industria, e tudo novo de novo. A musica neste universo puramente capitalista, e so um meio.
Por | Joao Roc Doze anos de nossas vidas. Foi este o tempo que Richard Linklater de (Antes do Amanhecer, 1995) passou para nos entregar seu novo trabalho chamado Boyhood. E provavelmente a fluidez que sentimos nesta pelicula e muito fruto desta paciente modelagem, ou um tempo sendo esculpido em tela e em cada personagem, como sugere o livro Esculpir o Tempo do Andrey Tarkovsky. A pergunta que talvez possamos fazer depois da experiencia de assistir Boyhood e: Por que tudo isso? Por que a vida? Por que fazemos o que fazemos e por que as coisas funcionam deste jeito, que jeito? Nao sei, o seu, o meu jeito. A principio pode ate parecer um questionamento puramente juvenil, talvez ate seja, mas enquanto vamos mergulhando nas experiencias, mudancas, escolhas destes personagens; e como se estivessemos tambem a ver, como um videotape, recortes de nossas vidas e pudessemos por algum momento perceber, de fora, mudando de lugar com um imaginario telespectador, nossas posturas, razoes e motivacoes para continuar vivendo e nesse processo, parar, algo tao caro nesses nossos tempos modernos, e entender o que esta acontecendo e por qual transformacao estamos passando neste exato instante. Todos nos; adultos, criancas, jovens... O tempo, um rio congelado onde abriga cada acontecimento que vai, de alguma forma e ate certo ponto, influenciar o proximo passo, como uma grande teia, um grande painel de sensacoes, um poema sendo escrito, mas que nao temos nocao de estar a escrever a nao ser que alguem diga: Estais a escrever sua historia? E voce se da conta que sim e foi isso que fez Richard Linklater em seu novo trabalho e talvez por isso esteja sendo tao aclamado pela critica. Nao a toa, Christopher Nolan fez um paralelo com sua obra prima, Interestelar, e Boyhood. La o tempo e implacavel e aquilo que por escolhas nao pudemos viver, irreversivelmente perdem-se num limbo de dor, tao demasiadamente humana. Na construcao de Linklater, e como se estivessemos no olho do furacao, o mundo ao redor acontecendo. Pais divorciando, novos amigos, velhos amigos partindo, pessoas diferentes em lugares diferentes dos nossos, ao mesmo tempo em que vivemos algo aqui, ali perto, talvez no vizinho ou no parente que nao falas ha algum tempo, coisas estao acontecendo, a fluidez, o envelhecimento, novos amores, novo emprego, nova cidade, nova casa, novo ano chegando e com eles, para alguns, novas promessas, como num grande alvoroco, a vida como um hipopotamo, como no delirio de Machado de Assis em Bras Cubas, levando-nos sem pedir permissao aos confins. Como nota, o trabalho de Ellar Coltrane e fantastico e foi muito facilitado pela grande atuacao de Patricia Arquette e magnifica construcao de Ethan Hawke como o pai que mora longe e visita os filhos nos finais de semana. Na verdade, Richard Linklater entregou para cada um, um documentario de suas proprias vidas como ator. Cada ator e atriz fizeram nestes doze anos, varios filmes, inclusive o diretor. Boyhood acabou sendo o retrato de suas vidas, outros rumos, outros caminhos nao so como artistas, mas como pessoas e e nesse
sentido que esta obra e arte no sentido de ser tao espelho, tao universalmente fiel ao fluxo natural da vida e fazer uma leitura nossa capaz de nos envolver em sua profundidade. Pulamos de paginas em paginas, certas coisas nao podem ser mudadas mas podem ser reescritas em outra epoca, em novas formas de olhar, sentir, enquanto ha a vida ha experiencias, elas existirao, quer voce tenha nocao ou nao, podemos controlar certas escolhas mas algumas sao como vem, independentes de nos e o que vai acontecer e um sublime mundo desconhecido. Vivamos entao!!!
Por | Joao Roc O ingles Nigel Godrich e um engenheiro de som que estudou na SAE - Escola de Engenharia de Audio - de Londres. Com a oportunidade de trabalhar ao lado do lendario John Leckie, no historico, Abbey Road Studios, ajudou a produzir o segundo album do Radiohead, em 1995, e todos os discos dos ingleses ate os dias de hoje. Alem de colocar sua marca em albuns pontuais de grupos do calibre de um R.E.M, dos franceses do Air, Metric e artistas iconicos como Paul McCartney por exemplo. Godrich tambem e musico, em 2010, lancou um album com a banda Ultraista, onde compos, arranjou e produziu o belo trabalho. Mas, alem de um grande legado na discografia de figuras importantes de sua geracao, Nigel reformulou o conceito de apresentacao aos moldes da internet, modernizando a ideia de performances acusticas no seu pontual The From The Basement. Em 2006, convidou Dilly Gent, James Chads, John Woollcombe para produzir uma serie que captasse as bandas em seu real visceralidade -Sem plateias, sem intervencoes de Mcs ou apresentadores engravatados com piadas de bolso para codificar os sentimentos do ouvinte/telespectador/usuario. O fluxo do programa seria determinado pelo proprio artista, sua arte ali, sendo executada sem cortes, sem oportunidade de maquiar qualquer tipo de realidade. O local escolhido foi o Maida Studios, um aglomerado de estudios da BBC que estava prestes ha completar cem anos. Algumas apresentacoes tambem foram no Berkeley Street Studio, em Los Angeles. From The Basement e um documento visual fantastico e talvez tenha sido esta a intencao de Nigel. Trazer as bandas para um territorio seu, quase como um ensaio catartico, fechado, claustrofobico na criacao, no afunilamento de sua obra exposta para cameras em HD e depois canibalizada para um publico sedento. Detalhes de maos, passos, acordes verossimeis, baquetas e palhetas sob a otica do detalhe, da intima execucao e recriacao da obra. Rosto, gestos, sensacoes e guitarras acusticas sendo tocada em sua intrinseca conversa silenciosa, no suor criativo do autor. De The White Stripes a Kieran Hebden (Four Tet), as escatologicas performances de Thom Yorke e seu Radiohead as confissoes sublimes de Pj Harvey ou Back. Das guitarradas nervosas de um Queens Of The Stone Age aos messianicos rifs do Sonic Youth, desaguando em Jam Session dos Red Hot Chilli Peppers e poeticas reverberacoes de Damien Rice ou Fleet Foxes. . Mas do que a efemeridade que alcanca o universo das producoes de hoje, o trabalho visual e o resultado definitivamente impar de Godrich garante uma atemporalida sonora - para alem do disco- para alem dos concertos ao vivo ou participacoes em programas. Temos a oportunidade, de mesmo detras das lentes do monitor ou da TV, nos conectarmos com um lado mais palpavel, sem amarras, quase como se, por uma obra do destino, pudessemos participar das sessoes de gravacao destes artistas. Como ouvintes e como cumplices e confidenciassemos sua genialidade, atraves desta profunda experiencia sensorial, para as proximas geracoes. Quem cuidara de nos nos derradeiros anos de nossas vidas? Esta e so uma entre tantas perguntas implicitas em Nebraska,
ultimo filme de Alexander Payne de (Os Descendentes, 2011 e Sideways - Entre umas e outras, 2004) lancado em 2013, mas que estreou no Brasil apenas em 2014. E esse questionamento assustador e vivido com maestria por Bruce Dern na pele de Woody Grant, um idoso que ao receber um panfleto publicitario pelo correio, passa a acreditar cegamente que ficou milionario. Grant quer viajar para o estado de Nebraska, andando se for o caso, para receber o premio. O roteiro escrito por Bob Nelson vai aos poucos escancarando as feridas e as relacoes do patriarca da familia com seus proximos. Isso envolto em um preto e banco estatico, quase desbotado, como o percurso do tempo, em personagens perdidos em meio ao fim das grandes ilusoes do mundo. Tudo na fotografia magistral do ateniense Phedon Papamichael. Em sua terceira parceria com Alexander Payne. Como sao frageis as relacoes humanas. E o que parece sugerir a pelicula em sua jornada adentrando o passado de Woody. Alcoolatra e absurdamente teimoso, nao muito distante da realidade de muitos senhores de idade que conhecemos. Sua historia com cada um dos dois filhos, esposa, amigos, conhecidos, o proprio pais, tudo parece desaguar num limbo daquilo o que foi um dia e que jamais retornara. Grant, ao saber que esta possivelmente rico, depara-se, quase, inconscientemente, com velhas dividas e cobrancas. Vem a torna, questoes do passado e o peso de quem ele foi. Emergem em disputas ocultas e verdades sendo confessadas. Em meio a crise economica, familias se desfazendo, antigos sonhos americanos sendo destrocados pela realidade dos fatos, tudo e condensado em uma grande panela de pressao de palavras que implodem inevitavelmente. O que voce vai deixar para seus filhos? Ou, o que voce vai deixar para as outras pessoas? Outro ponto relevante nesse trabalho de Alexander Payne. Ao ser questionado pelo filho David Grant (Will Forte) sobre, o porque, querer tanto ficar milionario neste - ponto da vida - Se ele ja tinha tudo que precisava, o impetuoso Sr. Grant releva que quer deixar alguma coisa para os seus descendentes. Ate entao, para nos, era apenas uma estripulia da meia idade, mas agora sabemos que existia uma causa permanente, singela e desesperadora em toda essa obsessao pelo eventual bilhete premiado. Automaticamente nos perguntamos: O que vamos deixar? Nosso carater? Nossa moral? Nossa casa? Nosso amor pela patria? (Woody Grant era um veterano da Guerra), um bem material, imaterial? Depende de cada um responder. Uma resposta que nao sera dada por nos, certamente. A solidao e iminencia da morte. A fantastica atuacao de Bruce Dern se mostra quase como um espelho, do que, por ventura, podemos nos tornar. A realidade de que o tempo permanece voraz em nossa pele, em nossa sanidade, em nossas palavras e gestos. A solidao do incomunicavel. Do nao poder locomover-se, nao como antes, das necessidades de ter alguem por perto, das mudancas de humor, o passado como um retrato distante e impenetravel. O ciclo da vida seguindo em seu leito natural para o esquecimento, ou nao. Nunca saberemos. Aqueles que nos amam, permanecem conosco.
No final das contas, ja nos fins dos dias, so aqueles que de fato viveram com verdade ao nosso lado e que sao provas da existencia do amor. Como o jovem David Grant, que mesmo sabendo que tudo terminaria em uma frustrante constatacao, acompanhou o pai nesta insana aventura e o fez para se reaproximar. Unir a familia novamente, todos juntos, com seus defeitos e qualidades. Essas sim sao as memorias que devem ser carregadas eternamente. A vida, um unico percurso, para errarmos ou nao, mas nunca deixarmos de viver. Nebraska e daqueles filmes que nos tomam. Pela experiencia com a arte. Pelo olhar acido, corrosivo sobre a realidade da vida, mas tambem um trabalho que versa sobre as relacoes que realmente valem a pena. O seguir em frente como um ato natural e o amar, como aquilo que ficara impregnado em nosso rastro oculto. Um grande filme, uma bela obra prima de Alexander Payne.
Por | Joao Roc Com pouco mais de 20 anos, Simon Reynolds ja era um dos grandes nomes da revista britanica Melody Maker. Esta havia, na decada de 60, se tornado uma das grandes referencias da musica underground do Reino Unido, considerada a voz do progressivo. Entretanto, perdeu espaco com o advento do Punk. Entao, anos depois, para rivalizar com a forte NME, um grupo de jovens impetusos escritores comecaram a redesenhar o periodico e este em pouco tempo se revelaria um dos mais febris e pontuais da critica musical inglesa, ja nos finais dos anos 70. Recuperando seu posto e sendo a porta-voz de novos grupos, movimentos e a cena pos-punk ate o inicio dos anos 90. Beijar o Ceu foi lancado pela Editora Conrad com traducao de Camilo Rocha e traz alguns dos mais fantastico trabalhos da critica musical dos anos oitenta e noventa sob a escrita analica, seria e apaixonada de Simon Reynolds. Os artigos versam sobre a rivalidade entre Hip-Hop e Indie Rock por exemplo. O critico adentra o universo dos Rappers, com profunda analise sobre trabalhos como Rhythm King de Schoolly ou Music Madness de Mantrnix, passando pelos Beastie Boys. Para Renolds existe uma ruptura de aborbagens entre o pop que ele chama de branco e o que ele chama de negro. O primeiro busca raizes na realidade: O rock branco se volta cada vez mais para dentro, garipando o estreito veio de seu proprio passado enquanto que o segundo se agarra a protolocos sexuais e caricaturas utopicas Outra pontual artigo e o fantastico Peal Jam versus Nirvana. Reynolds traca um imparcial paralelo entre os dois frontmans. Enquanto Vedder parece exibir um tom messianico em suas apresentacoes com o Peal Jam, uma especie de lider de uma geracao de jovem perdidos, o Nirvana parecia querer sabotar sua proprio carreira depois do aclamado Nevermind. Mas ao contrario do que possa parecer, apesar das intensas contradicoes e do aparente (e real) antagonismo entre ambos, o escritor nao julga, nao ergue planos morais ou filosoficos, se atenta a fatos, palavras, letras das musicas e o contexto daqueles anos, para no final escrever taxativamente: Junte Vedder e Cobain e voce tera algo proximo de um ser humano por inteiro Outra grande trabalho dessa coletania de artigos que e Beijar o Ceu se faz sobre a banda inglesa Pink Floyd e sua primeira figura iconica, Syd Barrett. Simon se concentra em um dos temas centrais do grupo, o fim da infancia, as relacoes do antigo vocalista em seu contexto familiar e como isso moldou a visao dos primeiros albuns, sobretudo Piper at the gates of dawn (1967) e A Saucerful of secrets (1968) dos Floyds. Em outro ponto de grande relevancia nesta passagem e quando Reynolds analisa a importancia do Pink Floyd para bandas que nasceram justante de sua tematicas pastorais, como o shoegazes e indo mais a fundo, o legado da banda britanica para a geracao rave dos ano 90. Ainda dos anos 90 mas especificamente nos anos 00, Simon Reynolds faz uma analise sobre como uma banda com alta vendagem