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a ganhar novas caracteristicas que prenunciam o Renascimento. Sua principal particularidade foi a procura o realismo na representacao dos seres que compunham as obras pintadas, quase sempre tratando de temas religiosos, apresentava personagens de corpos pouco volumosos, cobertos por muita roupa, com o olhar voltado para cima, em direcao ao plano celeste. Os principais artistas na pintura gotica sao os verdadeiros precursores da pintura do Renascimento (Duocento): * Giotto - a caracteristica principal do seu trabalho foi a identificacao da figura dos santos com seres humanos de aparencia bem comum. E esses santos com ar de homem comum eram o ser mais importante das cenas que pintava, ocupando sempre posicao de destaque na pintura. Assim, a pintura de Giotto vem ao encontro de uma visao humanista do mundo, que vai cada vez mais se firmando ate ganhar plenitude no Renascimento. Retiro de Sao Joaquim entre os Pastores - Giotto Obras destacadas: Afrescos da Igreja de Sao Francisco de Assis (Italia) e Retiro de Sao Joaquim entre os Pastores. * Jan Van Eyck - procurava registrar nas suas pinturas os aspectos da vida urbana e da sociedade de sua epoca. Nota-se em suas pinturas um cuidado com a perspectiva, procurando mostrar os detalhes e as paisagens. Obras destacadas: O Casal Arnolfini (acima) e Nossa Senhora do Chanceler Rolin. VITRAIS DA ARTE GOTICA Os vitrais sao elementos importantes na arquitetura gotica: ao deixarem passar a luz do Sol, criavam um ambiente sereno e multicolorido. Eram feitos de vidro e molduras metalicas. COMO DIFERENCIAR AS IGREJAS ROMANICAS DAS GOTICAS? As igrejas romanicas tem arcos redondos e ambiente escuro, solene. As catedrais goticas tem arcos pontudos e ambiente leve, claro. OUTRAS DIFERENCAS: IGREJA ROMANICA IGREJA GOTICA
dos principais certames oficiais do pais. Fez viagem de estudos a Europa em 1950. Participou das tres primeiras Bienais de Sao Paulo. Fez parte do Grupo Santa Helena, nucleo da futura Familia Artistica Paulista. O que, entretanto, o distingue dos demais integrantes do Grupo do Santa Helena e da Familia Artistica Paulista e o seu colorido, intenso, profundo, quase ingenuo: ao lado de Alfredo Volpi, Zanini e um dos grandes coloristas da moderna pintura brasileira O GRUPO DOS 19 Formado por 19 pintores, que expuseram em 1947, na Galeria Prestes Maia, logo apos o termino da Segunda Guerra Mundial. Entre eles, era comum o fato de todos serem jovens. Reunidos pelo Instituto Cultural Brasil - Estados Unidos a mostra apresentou trabalhos de cunho expressionista devido ao forte sentimento de terror ocasionado pelo massacre das guerras. O mercado de arte nesta ocasiao era ainda muito pequeno tanto que quase nao haviam galerias de arte neste momento. Hoje sabemos que eles sao os principais artistas que compoe o quadro da arte contemporanea do Brasil, com reconhecimento nacional e internacional. Aldemir Martins A natureza e a gente do Brasil sao os temas mais frequentes da obra do artista plastico cearense Aldemir Martins: em seus desenhos, gravuras e quadros, veem-se cangaceiros, galos, peixes, gatos, frutas e paisagens tem a marca registrada da brasilidade, nos tracos fortes e nas cores vibrantes, em que se mesclam influencias cubistas e fauvistas, resultando num estilo muito peculiar e original. Muitos de seus desenhos e pinturas foram reproduzidos em produtos industrias como pratos, bandejas, xicaras e embalagens. Alem disso, foram usadas na abertura da telenovela "Gabriela, Cravo e Canela", baseada na obra de Jorge Amado.
Dois Seres (1919) de Lasar Segall Essa arte nova aparece inicialmente atraves da atividade critica e literaria de Oswald de Andrade, Menotti del Picchia, Mario de Andrade e alguns outros artistas que vao se conscientizando do tempo em que vivem. Oswald de Andrade, ja em 1912, comeca a falar do Manifesto Futurista, de Marinetti, que propoe o compromisso da literatura com a nova civilizacao tecnica. Mas, ao mesmo tempo, Oswald de Andrade alerta para a valorizacao das raizes nacionais, que devem ser o ponto de partida para os artistas brasileiros. Assim, cria movimentos, como o Pau-Brasil, escreve para os jornais expondo suas ideias renovadores de grupos de artistas que comecam a se unir em torno de uma nova proposta estetica.Antes dos anos 20, sao feitas em Sao Paulo duas exposicoes de pintura que colocam a arte moderna de um modo concreto para os brasileiros: a de Lasar Segall, em 1913, e a de Anita Malfatti, em 1917. A Estudante Russa (1915) de Anita Malfatti. A exposicao de Anita Malfatti provocou uma grande polemica com os adeptos da arte academica. Dessa polemica, o artigo de Monteiro Lobato para o jornal O Estado de S. Paulo, intitulado: A proposito da Exposicao Malfatti, publicado na secao Artes e Artistas da edicao de 20 de dezembro de 1917, foi a reacao mais contundente dos espiritos conservadores. O homem amarelo. 1915-16. oleo s/ tela (61x51). Col. Mario de Andrade, Instituto de Estudos Brasileiros da USP, SP. No artigo publicado nesse jornal, Monteiro Lobato, preso a principios esteticos conservadores, afirma que todas as artes sao regidas por principios imutaveis, leis fundamentais que nao dependem do tempo nem da latitude. Mas Monteiro Lobato vai mais longe ao criticar os novos movimentos artisticos. Assim, escreve que quando as sensacoes do mundo externo transformaram-se em impressoes cerebrais, nos sentimos; para que sintamos de maneira diversa, cubica ou futurista, e forcoso ou que a harmonia do universo sofra completa alteracao, ou que o nosso cerebro esteja em pane por virtude de alguma grave lesao. Enquanto a percepcao sensorial se fizer normalmente no homem, atraves da porta comum dos cinco sentidos, um artista diante de um gato nao podera sentir senao um gato, e e falsa a interpretacao que do bichano fizer um toto, um escaravelho ou um amontoado de cubos transparentes. Em posicao totalmente contraria a de Monteiro Lobato estaria, anos mais tarde, Mario de Andrade. Suas ideias esteticas estao expostas basicamente no Prefacio Interessantissimo de sua obra Pauliceia Desvairada, publicada em 1922. Ai, Mario de Andrade afirma que: Belo da arte: arbitrario convencional, transitorio - questao de moda. Belo da natureza: imutavel, objetivo, natural - tem a eternidade que a natureza tiver. Arte nao consegue reproduzir natureza, nem este e seu fim. Todos os grandes artistas, ora conscientes (Rafael das Madonas, Rodin de Balzac.Beethoven da Pastoral, Machado de Assis do Braz Cubas) ora inconscientes ( a grande maioria) foram deformadores da natureza. Donde infiro que o belo artistico sera tanto mais artistico, tanto mais subjetivo quanto mais se afastar do belo natural. Outros infiramo que quiserem. Pouco me importa. (Mario de
apreciados em nosso pais, para dar lugar a um novo estilo completamente contrario, e do qual, nao se sabia ao certo o rumo a ser seguido. No Brasil, o descontentamento com o estilo anterior foi bem mais explorado no campo da literatura, com maior enfase na poesia. Entre os escritores modernistas destacam-se: Oswald de Andrade, Guilherme de Almeida e Manuel Bandeira. Na pintura, destacou-se Anita Malfatti, que realizou a primeira exposicao modernista brasileira em 1917. Suas obras, influenciadas pelo cubismo, expressionismo e futurismo, escandalizaram a sociedade da epoca. Monteiro Lobato nao poupou criticas a pintora, contudo, este episodio serviu como incentivo para a realizacao da Semana de Arte Moderna. A Semana, na verdade, foi a explosao de ideias inovadoras que aboliam por completo a perfeicao estetica tao apreciada no seculo XIX. Os artistas brasileiros buscavam uma identidade propria e a liberdade de expressao; com este proposito, experimentavam diferentes caminhos sem definir nenhum padrao. Isto culminou com a incompreensao e com a completa insatisfacao de todos que foram assistir a este novo movimento. Logo na abertura, Manuel Bandeira, ao recitar seu poema Os sapos, foi desaprovado pela plateia atraves de muitas vaias e gritos. Embora tenha sido alvo de muitas criticas, a Semana de Arte Moderna so foi adquirir sua real importancia ao inserir suas ideias ao longo do tempo. O movimento modernista continuou a expandir-se por divulgacoes atraves da Revista Antropofagica e da Revista Klaxon, e tambem pelos seguintes movimentos: Movimento Pau-Brasil, Grupo da Anta, Verde-Amarelismo e pelo Movimento Antropofagico. Todo novo movimento artistico e uma ruptura com os padroes utilizados pelo anterior, isto vale para todas as formas de expressoes, sejam elas atraves da pintura, literatura, escultura, poesia, etc. Ocorre que nem sempre o novo e bem aceito, isto foi bastante evidente no caso do Modernismo, que, a principio, chocou por fugir completamente da estetica europeia tradicional que influenciava os artistas brasileiros. Manifesto Antropofagico Publicado na Revista Antropofagia (1928), propunha basicamente a devoracao da cultura e das tecnicas importadas e sua reelaboracao com autonomia, transformando o produto importado em exportavel. O nome do manifesto recuperava a crenca indigena: os indios antropofagos comiam o inimigo, supondo que assim estavam assimilando suas qualidades. A ideia do manifesto surgiu quando Tarsila do Amaral, para presentear o entao marido Oswald de Andrade, deu-lhe como presente de aniversario a tela Abaporu (aba = homem; poru = que come). Estes eventos da Semana de Arte Moderna foram o marco mais caracterizador da presenca, entre nos, de uma nova concepcao do fazer e compreender a obra de arte.
unicas, extremamente belas, mas principalmente como mercadorias, que incentivam uma reificacao (ou transformacao em coisa), e a alienacao da arte feita para poucos e carentes de uma visao critica a respeito.A intencao da industria cultural nao e promover um conhecimento, porque conhecer levanta questionamentos, rompe paradigmas e necessita de novas respostas. Esse sistema incorpora nos participantes uma nova necessidade: a necessidade do consumo, geradora de mercadorias proprias para a venda e vinda do capitalismo e desta forma e possivel representar e incentivar o produto ao inves do conhecimento. O conhecimento, por sua vez, se torna produto da elite e e sobre esses aspectos que Adorno e Horkheimer questionam quando tratam de industria cultural. Sobre a forma pela qual as artes e o conhecimento humano sao tratadas e se tornaram de facil manipulacao. [7]No entanto, falar de industria cultural levanta tambem questoes sobre a comunicacao, a cultura e a manipulacao de massas.Comunicacao de massaA industria cultural e a comunicacao de massa nao podem ser tratadas como coisas distintas, pois, ambas sao capazes de atingir um grande numero de individuos, de transmitir um conhecimento ou de alienar. Sao pertencentes a cultura de massa a televisao, o radio, os jornais, as revistas e toda e qualquer fonte de informacao. Nao pelo que sao, mas sim por serem utilizadas pela elite com o real intuito de manipular a populacao.O primeiro passo para o surgimento de um veiculo de comunicacao veio atraves de Gutenberg. Com os tipos moveis de imprensa, Gutenberg trouxe novos meios e mais ageis para a reproducao (principalmente de livros). A criacao deste "meio de comunicacao" nao pode ser vista como responsavel pela industria cultural, mas pode se ter, atraves dai, o surgimento de uma cultura elitizada (pois o consumo era destinado a uma elite de letrados) de uma reproducao em grande escala, e de uma objetivacao cada vez maior do lucro.Kitsch e o termo usado para denominar uma nova forma de arte: a pseudo-arte. Com o surgimento da nova classe media e a grande demanda informacional, tornou-se necessario a cultura e a arte uma adaptacao ao seu novo publico e a producao em massa.[8]Para Silva (2011)[9] , a industria cultural descaracterizou a arte, deixando de lado a sua verdadeira essencia. Do homem como autonomo, da beleza impossivel na vida real, mas possivel atraves da arte. Para esse autor, tal adaptacao da arte e cultura foram causadas pela filosofia capitalista. Como o sistema dominante necessita de lucro, a aceitacao e a alienacao massificada para a sua sobrevivencia, transforma a cultura em mais um dos instrumentos do capitalismo.
mas os limites entre essas cores sao bem nitidos. Para seu conhecimento: O Museu Internacional de Arte Naif e um projeto do joalheiro e desenhista de joias frances Lucien Finkelstein, e comecou a funcionar em janeiro de 1995, no Cosme Velho, zona sul do Rio de Janeiro, numa casa tombada que ja serviu de atelie para o pintor Eliseu Visconti (autor das pinturas do Teatro Municipal do Rio).Seu acervo, de quase 10 mil quadros de artistas de carca de 130 paises, o torna o maior do mundo. O Museu recebe uma media de 2.000 visitantes por mes. No verao, quase metade do publico e composta de turistas estrangeiros. No resto do ano, o forte e a visita de grupos escolares.Lucien Finkelstein chegou ao Rio em 1948. Tinha 16 anos e veio a passeio, visitar parentes. Gostou, resolveu ficar e comprou seu primeiro quadro naif, uma pintura de Heitor dos Prazeres, "Sambistas". Dali para frente se tornou um grande colecionador de pinturas.
o contraste entre luz e sombra, mas a gradacao da claridade, os meios-tons, as penumbras que envolvem areas de luminosidade mais intensa.Obra destacada: Aula de Anatomia. ESCULTURASuas caracteristicas sao: o predomio das linhas curvas, dos drapeados das vestes e do uso do dourado; e os gestos e os rostos das personagens revelam emocoes violentas e atingem uma dramaticidade desconhecida no Renascimento. Bernini- arquiteto, urbanista, decorador e escultor, algumas de suas obras serviram de elementos decorativos das igrejas, como, por exemplo, o baldaquino e a cadeira de Sao Pedro, ambos na Basilica de Sao Pedro, no Vaticano.Obra destacada: A Praca de Sao Pedro, Vaticano e o Extase de Santa Teresa. Para seu conhecimentoBarroco: termo de origem espanhola Barrueco, aplicado para designar perolas de forma irregular.
Enquanto a arte egipcia e uma arte ligada ao espirito, a arte grega liga-se a inteligencia, pois os seus reis nao eram deuses, mas seres inteligentes e justos que se dedicavam ao bem-estar do povo. A arte grega volta-se para o gozo da vida presente. Contemplando a natureza, o artista se empolga pela vida e tenta, atraves da arte, exprimir suas manifestacoes. Na sua constante busca da perfeicao, o artista grego cria uma arte de elaboracao intelectual em que predominam o ritmo, o equilibrio, a harmonia ideal. Eles tem como caracteristicas: o racionalismo; amor pela beleza; interesse pelo homem, essa pequena criatura que e a medida de todas as coisas; e a democracia. ARQUITETURA As edificacoes que despertaram maior interesse sao os templos. A caracteristica mais evidente dos templos gregos e a simetria entre o portico de entrada e o dos fundos. O templo era construido sobre uma base de tres degraus. O degrau mais elevado chamava-se estilobata e sobre ele eram erguidas as colunas. As colunas sustentavam um entablamento horizontal formado por tres partes: a arquitrave, o friso e a cornija. As colunas e entablamento eram construidos segundo os modelos da ordem dorica, jonica e corintia. - Ordem Dorica - era simples e macica. O fuste da coluna era monolitico e grosso. O capitel era uma almofada de pedra. Nascida do sentir do povo grego, nela se expressa o pensamento. Sendo a mais antiga das ordens arquitetonicas gregas, a ordem dorica, por sua simplicidade e severidade, empresta uma ideia de solidez e imponencia - Ordem Jonica - representava a graca e o feminino. A coluna apresentava fuste mais delgado e nao se firmava diretamente sobre o estilobata, mas sobre uma base decorada. O capitel era formado por duas espirais unidas por duas curvas. A ordem dorica traduz a forma do homem e a ordem jonica traduz a forma da mulher. - Ordem Corintia - o capitel era formado com folhas de acanto e quatro espirais simetricas, muito usado no lugar do capitel jonico, de um modo a variar e enriquecer aquela ordem. Sugere luxo e ostentacao. Os principais monumentos da arquitetura grega: a) Templos, dos quais o mais importante e o Partenon de Atenas. Na Acropole, tambem, se encontram as Cariatides homenageavam as mulheres de Caria. b) Teatros, que eram construidos em lugares abertos (encosta) e que compunham de tres partes: a skene ou cena, para os atores; a konistra ou orquestra, para o coro; o koilon ou arquibancada, para os espectadores. Um exemplo tipico e o Teatro de Epidauro, construido, no sec. IV a.C., ao ar livre, composto por 55 degraus divididos em duas ordens e calculados de acordo com uma inclinacao perfeita. Chegava a acomodar cerca de 14.000 espectadores e tornou-se famoso por sua acustica perfeita. c) Ginasios, edificios destinados a cultura fisica. d) Praca - Agora onde os gregos se reuniam para discutir os mais variados assuntos, entre eles; filosofia. PINTURA A pintura grega encontra-se na arte ceramica. Os vasos gregos sao tambem conhecidos nao so pelo equilibrio de sua forma, mas tambem pela harmonia entre o desenho,
as cores e o espaco utilizado para a ornamentacao. Alem de servir para rituais religiosos, esses vasos eram usados para armazenar, entre outras coisas, agua, vinho, azeite e mantimentos. Por isso, a sua forma correspondia a funcao para que eram destinados: - Anfora - vasilha em forma de coracao, com o gargalo largo ornado com duas asas;- Hidra - (derivado de ydor, agua) tinha tres asas, uma vertical para segurar enquanto corria a agua e duas para levantar; - Cratera - tinha a boca muito larga, com o corpo em forma de um sino invertido, servia para misturar agua com o vinho (os gregos nunca bebiam vinho puro), etc. As pinturas dos vasos representavam pessoas em suas atividades diarias e cenas da mitologia grega. O maior pintor de figuras negras foi Exequias. A pintura grega se divide em tres grupos: 1) figuras negras sobre o fundo vermelho 2) figuras vermelhas sobre o fundo negro 3) figuras vermelhas sobre o fundo branco ESCULTURA A estatuaria grega representa os mais altos padroes ja atingidos pelo homem. Na escultura, o antropomorfismo - esculturas de formas humanas - foi insuperavel. As estatuas adquiriram, alem do equilibrio e perfeicao das formas, o movimento. No Periodo Arcaico os gregos comecaram a esculpir, em marmores, grandes figuras de homens. Primeiramente aparecem esculturas simetricas, em rigorosa posicao frontal, com o peso do corpo igualmente distribuido sobre as duas pernas. Esse tipo de estatua e chamado Kouros (palavra grega: homem jovem). No Periodo Classico passou-se a procurar movimento nas estatuas, para isto, se comecou a usar o bronze que era mais resistente do que o marmore, podendo fixar o movimento sem se quebrar. Surge o nu feminino, pois no periodo arcaico, as figuras de mulher eram esculpidas sempre vestidas. Periodo Helenistico podemos observar o crescente naturalismo: os seres humanos nao eram representados apenas de acordo com a idade e a personalidade, mas tambem segundo as emocoes e o estado de espirito de um momento. O grande desafio e a grande conquista da escultura do periodo helenistico foi a representacao nao de uma figura apenas, mas de grupos de figuras que mantivessem a sugestao de mobilidade e fossem bonitos de todos os angulos que pudessem ser observados. Os principais mestres da escultura classica grega sao: - Praxiteles, celebrado pela graca das suas esculturas, pela languida pose em S (Hermes com Dionisio menino), foi o primeiro artista que esculpiu o nu feminino. - Policleto, autor de Doriforo - condutor da lanca, criou padroes de beleza e equilibrio atraves do tamanho das estatuas que deveriam ter sete vezes e meia o tamanho da cabeca. - Fidias, talvez o mais famoso de todos, autor de Zeus Olimpico, sua obra-prima, e Ateneia. Realizou toda a decoracao em baixos-relevos do templo Partenon: as esculturas dos frontoes, metopas e frisos. - Lisipo, representava os homens tal como se veem e nao como sao (verdadeiros retratos). Foi Lisipo que introduziu a proporcao ideal do corpo humano com a medida de oito vezes a cabecas. - Miron, autor do Discobolo - homem arremessando o disco. Para seu conhecimento: Mitologia: Zeus:
senhor dos ceus; Ateneia: deusa da guerra; Afrodite: deusa do amor; Apolo: deus das artes e da beleza; Posseidon: deus das aguas; entre outros. Olimpiadas: Realizavam-se em Olimpia, cada 4 anos, em honra a Zeus. Os primeiros jogos comecaram em 776 a.C. As festas olimpicas serviam de base para marcar o tempo. Teatro: Foi criada a comedia e a tragedia. Entre as mais famosas: Edipo Rei de Sofocles. Musica: Significa a arte das musas, entre os gregos a lira era o instrumento nacional. A Grecia com suas montanhas e com o ceu quase sempre azul e seu clima suave faziam um dos mais maravilhosos e melhores paises do mundo. Foi nesse cenario e que a arte deu um salto, que fez toda a humanidade amadurecer de uma forma inimaginavel A arte chamada de arte mecenica do final da epoca do bronze, se desenvolveu tanto em arquitetura como pinturas e esculturas que apos esse desenvolvimento seria conhecida como arte helenistica. Arte Mecenica As manifestacoesartisticas gregas, encontraram os seus alicerces numa filosofia antropocentrica de sentido racionalista que inspirou as duas caracteristicas fundamentais deste estilo: por um lado a dimensao humana e o interesse pela representacao do homem e, por outro, a tendencia para o idealismo traduzido na adocao de regras fixas (analogas as leis da natureza) que definiam sistemas de proporcoes e de relacoes formais para todas as producoes artisticas. A principal caracteristica das artes plasticas gregas esta no fato de serem essencialmente publicas, pois era o Estado que patrocinava as obras como fontes, pracas, templos, etc. Mesmo quando encomendadas por particulares, eram frequentemente expostas em locais publicos. Nas artes plasticas, evidencia-se a combinacao do naturalismo (detalhes dos corpos, como, por exemplo, o vigor dos musculos) com a severidade e a regularidade do estilo. Na realidade os corpos feitos neste periodo, eram corpos perfeitos, pois os gregos eram muito antropocentricos, por isso usamos ate hoje a expressao " ele e um deus grego", pois as esculturas dos deuses eram de corpos muito perfeitos. Para que as esculturas pudessem serem feitas, foram preciso muitos estudos, para encontrar um material que nao de quebrasse tao facil, e que aguentasse muito peso, pois muitas pedras , como o marmore se quebram com o proprio peso. Alem de estudos sobre o material perfeito para se fazer o trabalho, eles tiveram que estudar a anatomia do corpo humano. Na Grecia os artistas nao estavam submetidos a convencoes rigidas, pois as estatuas nao tinham uma funcao religiosa, como no Egito.Apos as vitorias sobre os persas, houve uma epoca crescente do naturalismo, onde os escultores ja dominavam a "forma humana", comecaram a representar todos os tipos de acao, como por exemplo um atleta atirando um disco. Um dos maiores escultores dessa epoca, foi Fidias que esculpiu as duas estatuas a de Atena para o Partenon, e a do Zeus de Olimpia. Zeus Atenas Eram obras colossais, com adornos de marfim e ouro. As esculturas do Partenon mostram a grandeza do estilo e do desenho de Fidias, sua forca esplendorosa, delicadeza e sutileza. Deve-se a este artista, ainda, os enormes frisos desse