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Gil Vicente e geralmente considerado o primeiro grande dramaturgo portugues, alem de poeta de renome. Ha quem o identifique com o ourives, autor da celebre custodia de Belem, mestre da balanca, e mestre da retorica do rei Dom Manuel. Enquanto homem de teatro, parece ter tambem desempenhado as tarefas de musico, ator e encenador. E frequentemente considerado o pai do teatro portugues, ou mesmo do teatro iberico ja que tambem escreveu em castelhano - partilhando a paternidade da dramaturgia espanhola com Juan Del Encina.A obra vicentina e tida como reflexo da mudanca dos tempos e da passagem da Idade Media para o Renascimento, fazendo-se o balanco de uma epoca onde as hierarquias e a ordem social eram regidas por regras inflexiveis, para uma nova sociedade, onde se comeca a subverter a ordem instituida. Foi, o principal representante da literatura pre-renascentista portuguesa, anterior a Camoes, incorporando elementos populares na sua escrita que influenciou, por sua vez, a cultura popular portuguesa.Guimaraes e um dos locais que reclama ser o berco do dramaturgo, assim como tambem reivindicam seu nascimento as cidades de Lisboa e a Beira Baixa.Apesar de se considerar que a data mais provavel para o seu nascimento tenha sido em 1466, ha quem proponha as datas de 1460, ou ainda entre 1470 e 1475. Se nos basearmos nas informacoes veiculadas na propria obra do autor, encontraremos contradicoes. O Velho da Horta, a Floresta de Enganos ou o Auto da Festa, indicam 1452, 1470 e antes de 1467, respectivamente. Desde 1965, quando decorreram festividades oficiais comemorativas do 500o do nascimento do dramaturgo, que se aceita 1465 de forma quase unanime.Gil Vicente era ourives quando escreveu a sua primeira obra, uma imitacao do Auto del Repelon, de Juan Del Encina a quem pede emprestada nao so a historia, mas tambem as personagens com o seu respectivo idioma, o saiagues.Apesar das muitas controvesias a respeito de sua data de nascimento, de sua origem e se era ourives ou nao, sabe-se, ao menos que casou-se com Branca Bezerra, de quem nasceram Gaspar Vicente(que morreu em 1519) e Belchior Vicente(nascido em 1505). Com a morte de Branca, casou novamente com Melicia Rodrigues, de quem teve Paula Vicente (1519-1576), Luis Vicente (que organizou a compilacao das suas obras junto com a irma Paula) e Valeria Borges. Presume-se tambem que Gil Vicente tenha estudado em Salamanca.O seu primeiro trabalho conhecido, a peca Auto da Visitacao, tambem conhecido como Monologo do Vaqueiro, foi representada nos aposentos da rainha D. Maria I, consorte de Dom Manuel, para celebrar o nascimento do principe (o futuro Dom Joao III) - sendo esta representacao considerada como o marco de partida da historia do teatro portugues, acontecimento que se deu na noite de 8 de junho de 1502, com a presenca do rei, da rainha, de Dona Leonor, viuva de Dom Joao II e Dona Beatriz, mae do rei. Um dos raros casos na historia em que se uma data para a fundacao de um Teatro.Gil Vicente tornou-se, a partir de entao, responsavel pela organizacao dos eventos palacianos. Dona Leonor pediu ao dramaturgo a repeticao da
peca pelas matinas de Natal, mas o autor, considerando que a ocasiao pedia outro tratamento, escreveu o Auto Pastoril Castelhano. A encenacao incluia um ofertorio de prendas simples e rusticas, como queijos, ao futuro rei, ao qual se pressagiavam grandes feitos. Dona Leonor se tornou sua grande protetora.Se foi realmente ourives, terminou a sua obra-prima nesta arte - a Custodia de Belem - feita para o Mosteiro dos Jeronimos, em 1506, produzida com o primeiro ouro vindo de Mocambique. Tres anos depois, tornou-se vedor do patrimonio de ourivesaria do Convento de Cristo, em Tomar, Nossa Senhora de Belem e no Hospital de Todos-os-Santos, em Lisboa. Em 1511 e nomeado vassalo de el-Rei e, um ano depois, representante da bandeira dos ourives na "Casa dos Vinte e Quatro". Em 1513, o mestre da balanca da Casa da Moeda, Gil Vicente, foi eleito vereador de Lisboa. Sera ele que dirigira os festejos em honra de Dona Leonor, a terceira mulher de Dom Manuel, em 1520, um ano antes de passar a servir Dom Joao III, conseguindo o prestigio do qual se valeria para se permitir a satirizar o Clero e a Nobreza nas suas obras ou mesmo para se dirigir ao monarca criticando suas acoes. Como o fez em 1531, por ntermedio de uma carta ao Rei onde defende os cristaos-novos.Gil Vicente morreu em lugar desconhecido, talvez em 1536, porque e a partir desta data que se deixa de encontrar qualquer referencia ao seu nome nos documentos da epoca, alem de ter deixado tambem de escrever a partir desta data.E evidente que o teatro portugues nao nasceu com Gil Vicente. Esse mito, criado por varios autores, sobretudo por seu proprio filho, Luis Vicente, por ocasiao da primeira edicao da "Compilacao" da obra completa do pai, podera justificar-se pela importancia inegavel do autor no contexto literario da peninsula iberica, mas nao e de todo verdadeiro ja que existiam manifestacoes teatrais antes da noite de 8 de junho de 1502.Os dois atores mais antigos portugueses sao, Bonamis e Acompaniado, que, durante o reinado de Sancho I, realizavam um espetaculo de "arremedilho", tendo sido pagos pelo rei com uma doacao de terras. O arcebispo de Braga, Dom Frei Telo, refere-se, num documento de 1281, a representacoes liturgicas por ocasiao das principais festividades catolicas. Em 1451, o casamento da infanta Dona Leonor com o imperador Frederico III, da Alemanha foi acompanhado tambem de representacoes teatrais. Tambem nas cortes de Dom Joao I, Dom Afonso V e Dom Joao II, se faziam encenacoes. Contudo, pouco resta dos textos dramaticos pre-vicentinos. Alem das eclogas dialogadas de Bernardim Ribeiro, Cristovao Falcao e Sa de Miranda, Andre Dias publicou em 1435 um "Pranto de Santa Maria", considerado um esboco razoavel de um drama liturgico.A obra de Gil Vicente vem no seguimento do teatro iberico popular e religioso que ja se fazia. Os temas pastoris, presentes na escrita de Juan del Encina vao influenciar fortemente a sua primeira fase de producao teatral e permanecerao esporadicamente na sua obra posterior, de maior diversidade tematica e sofistificacao. De fato, a sua obra tem uma vasta
Deus Menino, da noite natalina, demonstrando ai um zelo lirico e uma vontade de harmonia e de pureza artistica que nao existe nas suas mais conhecidas obras de critica social.Ha um forte contraste nos elementos cenicos usados por Gil Vicente: a luz contra a sombra, nao numa luta feroz, mas em convivencia quase amigavel. A noite de natal torna-se tambem aqui a imagem perfeita que resume a concepcao cosmica de Gil Vicente: as grandes trevas emolduram a gloria divina da maternidade, do nascimento, do perdao, da serenidade e da boa vontade.
SOFOCLESSofocles era um admirador de Fidias que, na mesma epoca, criava em marmore, bronze e marfim a imagem do homem semelhante aos deuses. Da mesma forma que Fidias deu uma alma a estatuaria arcaica, Sofocles deu alma as suas personagens. Ele pos em cena personalidades que se atreveram a como a pequena Antigona, cuja figura cresce por forca das obrigacoes assumidas por vontade propria. a desafiar o ditame dos mais fortes: nao vim para encontrar-vos no odio, mas no amor.Os deuses submetem o rebelde ao sofrimento sem saida. O homem tem consciencia dessa ameaca, mas por suas acoes forca os deuses a ir ate os extremos. Para o homem de Sofocles, o sofrimento e a dura, mas enobrecedora escola do Conhece-te a ti mesmo, por suas proprias maos.Sofocles da aos deuses a vitoria, o triunfo integral, porque sofre o destino terrestre sobre todos os abismos do odio, arrebatamento, vinganca, violencia e sacrificio. O significado do sofrimento reside em sua aparente falta de significado. Pois em tudo isso nao existe nada que nao venha de Zeus. - Diz ele ao final de As Traquinias.Foi da natureza inalteravel do conceito de destino sofocliano que Aristoteles derivou a sua famosa definicao de tragedia cuja interpretacao tem sido debatida ao longo dos seculos, que o critico e dramaturgo alemao Lessing entende como a purificacao das paixoes pelo medo e pela compaixao. Ao passo, que atualmente tambem e interpretado como o alivio prazeroso do horror e da aflicao.A tragedia comove profundamente o coracao. Ja que o faz transcender ate o prazer catartico de uma libertacao que alivia. Tendo a sua essencia inteiramente orientada para outro objetivo, a tragedia logra, por isso mesmo, atingir por comocao o amago de uma pessoa, que podera sair transformada deste contato. O USO DAS MASCARASAs mascaras existem desde a Pre-historia, quando o homem ainda nao havia criado a escrita. Algumas mascaras primitivas, tinham uma aparencia grotesca, porque eram feitas com o objetivo de espantar os maus espiritos, ligados a crencas de alguns povos. Ja na Antiguidade, os povos gregos e egipcios faziam mascaras mortuarias, copias feitas de pessoas ilustres que ficariam eternizadas como herois. Algumas chegaram a ser feitas de ouro, imaginando-se que o espirito retornaria para a pessoa que as usasse; outras serviam para ornamentar as urnas funebres, com o objetivo de relembrar o rosto dos mortos. Ainda na Grecia antiga, surgem as mascaras teatrais, usadas para substituir o rosto original do ator, amplificar sua voz e definir a fisionomia do personagem. Hoje, a mascara e usada em bailes e desfile de carnaval, festas a fantasia, e na sociedade em diferentes profissoes: os medicos e dentistas usam mascaras cirurgicas, protegendo a si e os pacientes; o soldador protege-se das fagulhas com uma mascara metalica; os bombeiros utilizam mascaras especiais. No esporte, o esgrimista, o jogador de futebol americano e o lutador de boxe olimpico nao pode entrar em combate sem sua mascara. Servem paraprotecao, mas tambem servem para a construcao de uma identidade, de um imaginario acerca daquela funcao na sociedade, o que remete, ainda que de forma longinqua, as antigas
por Andre Breton, principalmente este: Nao sera o medo da loucura que nos forcara a abaixar a bandeira da imaginacao.Artaud assistiu, em 1931, na exposicao colonial, a representacao do Teatro de Bali, que foi o ponto de mudanca em que Artaud radicalizou as suas propostas de uma nova estetica teatral, apresentadas no primeiro manifesto do Teatro da Crueldade.Estava lancada a pedra fundamental e filosofal da revolucao teatral de Artaud: a crueldade, a peste, a loucura, a possessao, a encarnacao de Dionisio na fragmentacao cenica, o teatro total no absoluto da cena do teatro alquimico e do teatro magico.Se o signo da epoca e a confusao de valores de uma sociedade entre guerras, de uma pseudo-esperanca socialista que igualaria os homens, de signos artisticos de uma cultura europeia em necessaria implosao. Dai, de certa maneira, as percepcoes de Artaud acerca do teatro de Bali e de suas lisergicas experiencias no Mexico sao a base de sua radical proposta de renovacao cultural.Diz ele no prefacio de O teatro e seu duplo: o que falta, certamente, nao sao sistemas de pensamento; sua quantidade e suas contradicoes caracterizam nossa velha cultura europeia e francesa; mas quando foi que a vida, a nossa vida, foi afetada por esses sistemas?O teatro, o verdadeiro, se serve de instrumentos vivos, continua a agitar as sombras nas quais a vida nunca deixou de pulsar. O ator que nao refaz duas vezes o mesmo gesto, mas que faz gestos, se mexe, e sem duvida brutaliza formas, mas por tras dessas formas, e atraves de sua destruicao, ele alcanca o que sobrevive as formas e produz a continuacao delas.O teatro que nao esta em nada, mas se serve de todas as linguagens gestos, sons, palavras, fogo, gritos encontra-se exatamente no ponto em que o espirito precisa de uma linguagem para produzir suas manifestacoes.E a fixacao do teatro numa linguagem palavras, musica, luzes, sons indica sua perdicao em curto prazo, sendo que a escolha de uma determinada linguagem o gosto que se tem pelas facilidades dessa linguagem; e o ressecamento da linguagem acompanha sua limitacao.O teatro que nao se fixa na linguagem e nas formas destroi as falsas sombras e prepara o caminho para um outro nascimento de sombras cuja volta agrega-se o verdadeiro espetaculo da vida.Romper a linguagem para tocar na vida e fazer ou refazer o teatro; e o importante e nao acreditar que esse ato deva permanecer sagrado, isto e reservado. O importante e crer que nao e qualquer pessoa que pode faze-lo, e que para isso e preciso uma preparacao.E preciso acreditar num sentido da vida renovado pelo teatro, onde o homem impavidamente torna-se o senhor daquilo que ainda nao e, e o faz nascer.Antonin Artaud, em sua obra critica um teatro realizado de forma mecanica propondo tecnica para um teatro alquimico capaz de transformar de modo contundente a propria ideia de civilizacao que, tornaria a um certo estado de confluencia, civilizacao e cultura, cultura e teatro, nao mais existiriam de forma isolada, como se constituiu na nossa civilizacao ocidental, de inspiracao greco-romana.Artaud foi sem duvida o grande semeador de
sonhos e de questoes que acompanham pensadores do teatro contemporaneo, ao longo de todo o seculo XX, como Grotowski e Peter Brook.Ao contrapor a cultura a fome, Artaud coloca em questao a necessidade da cultura se as pessoas passam fome no mundo, e, mesmo confirmando as palavras de Heiddeger, de que Arte nao e utensilio, que Arte nao serve para nada, Artaud vai a busca de uma Arte verdadeira e nao de sua utilidade. O importante, para o mestre Artaud e justamente extrair da cultura o que dela mais se assemelha a fome, uma arte magica, essencial, na beira no abismo nietzchiano da origem da tragedia.No entanto, toda a trajetoria de Artaud esteve associada a inumeros problemas de saude e neurologicos. Aos 24 anos comecou a tomar tintura de opio para aliviar suas dores de cabeca e tornou-se dependente quimico. Foi internado diversas vezes. Sofreu varios tratamentos para loucura, e, de certa forma isso o levou a questionar e subverter a propria nocao de loucura em seus textos, como, por exemplo, em "Van Gogh: o suicidado pela sociedade".Artaud nos provoca indo de encontro a uma arte velha e desinteressante. O teatro verdadeiro nao se fixa na forma, nem perdura no tempo/espaco, criando outras relacoes tempo/espaco. As falsas sombras seriam aqueles empecilhos que obscurecem a visao, possibilitando assim o desvelar da propria obra, que e a manifestacao da propria vida. O ator e parte dessa manifestacao/obra, se tornando obra de arte viva.Essa nocao do Ator integrante e integrado a obra lhe foi escancarada ao conhecer o Teatro de Bali. As tecnicas desse teatro, sua disciplina, com os atores se colocando como parte da obra, onde o magico reside nesse manifestar de mundo.Em 04 de marco de 1948, Artaud foi encontrado morto na sua cama. Oficialmente, vitima de um cancer do anus.Sobre o teatro contemporaneo cabe ainda que brevemente uma pequena reflexao: ha uma crise, estetica, etica, economica. Ha uma crise, assim como havia na epoca de Antonin Artaud e de seus colegas surrealistas, no entanto o que parece importante e refletir a luz da iminencia da morte do teatro, da iminencia da necessidade de um renascimento para la dos formalismos que engessaram o fazer teatral em formulas e tecnicas que nao sao o fundamento da arte, justamente porque o fundamento nao e arte. A verdade do ator em cena nao e resultado de uma equacao matematica na qual se coadunam esses elementos. E algo como saltar no abismo, transcender a toda e qualquer perspectiva racional. Para o ator, cada atuacao e esse salto no abismo, pois para Artaud, o teatro deveria fornecer essa transformacao radical, tanto para o Ator, quanto para o espectador.Artaud, muito provavelmente foi o primeiro pensador a pensar o teatro do ponto de vista mais abrangente possivel: O que e arte? O que e cultura? Filosoficamente se lancou num debate entre essencia e forma, entre conteudo e existencia ignorado por seus antecessores. Lancando mao de uma proposta utopica em seu carater magico ao vislumbrar um teatro alquimico, um teatro tao violento, tao poderoso que seria capaz de transformar ator e
publico.BIBLOGRAFIAARTAUD, Antonin, Van Gogh, um suicidado pela sociedade, Sao Paulo, 1995.______________ , O teatro e seu duplo, Sao Paulo, Martins Fontes, 1999.______________ , Los Taharumara, LIMA, Carlos, O teatro surrealista: Revolucao e utopia.PAVIS, Patrice, Dicionario de teatro, verbete: Artaud, Sao Paulo, Perspectiva, 2000.
Quando um personagem nasce, adquire imediatamente tal independencia inclusive do seu proprio autor, que pode ser imaginado por todos em tantas outras situacoes em que o autor nao pensou inseri-lo, e as vezes pode adquirir tambem um significado que o autor jamais sonhou em dar-lhe!"Seis Personagens em Busca de Autor" TemaLuigi Pirandello nasceu em Agrigento, na Sicilia, em 28 de junho de 1867. Foi um dramaturgo, poeta, romancista. Tornou-se um grande renovador da estetica teatral, com seu profundo sentido de humor e sua originalidade. Suas obras mais famosas sao: Seis personagens a procura de um autor, Assim e, se lhe parece, Cada um a seu modo, Vestir os nus, Esta noite se improvisa, Henrique IV e, o inacabado Gigantes da Montanha. Seu romances O falecido Mattia Pascal e "Um, Nenhum e Cem Mil" tambem foram transformados em teatro e cinema.Em seu livro Do teatro ao teatro, ha um capitulo chamado: O Humorismo, no qual o autor propoe que o comico nasce de uma percepcao do contrario. Mas essa percepcao pode se transformar num sentimento do contrario: e quando aquele que ri procura entender as razoes da piada", abrindo mao, assim, do distanciamento. Pirandello separa o comico do humoristico. Diz que para passar da atitude comica para a atitude humoristica e preciso renunciar ao distanciamento e a superioridade.Luigi Pirandello participou da campanha "coleta do ouro", organizada pelo ditador italiano Benito Mussolini, que visava levantar fundos para o pais. A campanha era uma resposta a Liga Nacoes que impos sancoes economicas a Italia apos esta ter invadido e declarado guerra a Etiopia (1935-36). Nesse periodo, alinhado com o fascismo de Mussolini, Pirandello ganhou o Nobel em 1934 e doou todo o premio para a campanha de anexacao da Etiopia.Pirandello foi um dos mais importantes autores do teatro moderno europeu. Inovador em sua estetica dramaturgia. Suas pecas fazem uma analise psicologica da natureza humana, baseando-se na obra de Sigmund Freud e de Alfred Binet.Estudou na Universidade de Roma e especializou-se em filologia na Universidade de Bonn, Alemanha. Ao voltar a Italia, alguns anos depois enfrenta problemas financeiros que levam sua mulher a loucura. Passa a dar aulas de italiano e escreve o primeiro romance de sucesso, O Falecido Mattia Pascal (1904), cuja principal influencia e o realismo italiano do seculo XIX.Em Os Velhos e os Jovens (1913), critica a decadente burguesia italiana. Para o teatro, o primeiro sucesso e Assim e se lhe parece, de 1917.Em 1921 inaugura a estetica do teatro dentro do teatro com Seis personagens a procura de um autor; tida como sua principal peca.Outro sucesso e Henrique IV, de 1922, em que a loucura aparece camuflada sob a aparencia de normalidade.E assim que Pirandello qualifica a sua ultima obra, "Os Gigantes da Montanha", quando esta ainda a meio caminho no seu trabalho de escrita: Humorous/Tragedy, este aparente paradoxo nos oferece uma combinacao de sombras e de luz, de encantos e de crueldade. Cotrone, e o magico poeta, porta-voz de Pirandello, que convida-nos, do crepusculo ate a madrugada, no espaco duma noite, a rasgar a trama do tempo que passa. O seu
territorio e uma "casa ceu". Se se passar a porta, penetra-se num vasto quarto escuro, camara de eco, lugar de todos os sortilegios. Para provocar a travessia das aparencias e o aparecimento da verdade escondida no fundo de cada um de nos, torna-se encenador. O teatro dele, o seu palco, e o inconsciente. Como Lewis Caroll, diverte-se a fazer com que o Ser e o Parecer se confrontem. Chega mesmo a fazer reluzir a tentacao de se desfazer o parecer para sempre, em proveito da total liberdade do ser. O seu jogo e desembaracar o impulso vital, reconhecer a pulsao da morte, aceitar os desejos escondidos "nas cavernas do instinto". O subterfugio e tanto mais eficaz quanto os seus hospedes de uma noite sao atores. Sao sete atores, ultimos elementos de uma companhia desgastada, arruinada, com falta de publico para quem representar. Ser e parecer, entre estes dois polos oscila, precisamente, no trabalho dos atores. Cotrone lembra-lhes que a essencia da arte esta contida nos jogos dramaticos ou nos jogos divertidos da infancia. Acreditar, abandonar-se como as criancas: entao tudo se torna possivel. E prova-o! Mas no nosso pobre mundo, aquele que Cotrone abandonou ha muito, e o principio de realidade que prevalece. Uma companhia de teatro, fixa ou itinerante, precisa do publico para viver e para sobreviver. Esta historia expoe-nos o conflito tragico entre as razoes irreprimiveis da arte e uma sociedade onde a arte so tem a justificacao do mercado. Apesar do seu lado utopista e marginal, o mundo de Cotrone e dos seus amigos, os Scalognati, oferece, todavia, tracos do real; e um mundo onde se exprime um certo realismo mistico, um realismo magico, e sobretudo, um realismo metafisico. Aquela fugitiva tentacao de abandono, de renuncia, Ilse Paulse, a grande atriz caida, resiste. Partira, sozinha, para enfrentar os "Gigantes", enquanto as ultimas palavras da peca ficam a ressoar de pavor no meio do ruido crescente: "Tenho medo, tenho medo..." Sera preciso segui-la ate ao fim? Sera preciso prestar atencao ao aviso de Cotrone? Sera preciso vencer, ou ceder ao medo dos "Gigantes"? Porque, finalmente, quem sao aqueles "Gigantes"?O "grande Outro"? As figuras impossiveis de olhar dos nossos medos ancestrais? Uma parte de nos mesmos... Em dez de dedzembro de 1936, Pirandello morreu, em Roma, Italia, aos 79 anos.