thegoodfellas/blogset-br huggingface dataset:
trafico em geral, confronto entre gangs rivais, falta de influencia politica, machismo, discriminacao em geral e tantos outros.Apesar de todas as causas citadas acima, a mais importante delas e a ma distribuicao de renda que resulta na privacao da educacao e melhores condicoes de moradia. Todo esse circulo vicioso se origina a partir da falta de condicoes de uma vida digna que faz com que as pessoas percorram caminhos ilegais e criminosos.Existem autoridades que acreditam na solucao da violencia por meio de reforco policial, equipamentos de seguranca e na invasao de regioes onde o trafico se localiza, porem tais situacoes somente geram maiores problemas, pois nessas situacoes pessoas inocentes que sao vitimas dessa situacao acabam sendo confundidas e condenadas a pagar por algo que nao cometeu.A violencia urbana engloba uma serie de violencias como a domestica, escolar, dentro das empresas, contra os idosos e criancas e tantos outros que existem e que geram esse emaranhado que se tem conhecimento. Inumeras sao as ideias e os projetos feitos para erradicar a violencia urbana, porem cabe a cada cidadao a tarefa de se auto-analisar para que a minuscula violencia que se tem feito seja eliminada a fim de que grandes violencias sejam suprimidas pela raiz.
dos principais motivos para a ocorrencia de casos de violencia em salas de aula e a falta de educacao domestica. Quando os pais nao impoem limites para os filhos desde crianca estao contribuindo para formar um individuo que nao respeitara normas e convencoes, e, principalmente o outro. A constatacao da necessidade de se impor limites e reconhecida pela pedagogia e pela psicologia como instrumentos para a formacao equilibrada do jovem e uma contribuicao fundamental para o futuro adulto.
mais ricas da filmografia mundial; apesar disso, Yasujiru Ozu e esquecido ate em seu pais, como mostrou Wim Wenders em seu documentario Tokyo Ga e, ainda hoje, e o cineasta dos menos conhecidos no ocidente mesmo em sua epoca (comecou nos anos 1920 com o cinema silencioso e encerrou nos anos 1962, quando faleceu). Um dos motivos e de que os distribuidores achavam que suas realizacoes eram demasiadamente japonesas, com pouco apelo comercial para os olhos ocidentais pois nada mostrava das aventuras de samurais ou de lendas magicas japonesas. Ao contrario, com raras variacoes, Ozu filmava dramas familiares e urbanos, num Japao em processo de ocidentalizacao e do choque de geracoes. Redescoberto apos a sua morte, inclusive no Brasil, pode-se constatar a universalidade de seus filmes, expostas com uma simplicidade tematica e estetica e cujas nuances, complexas, a tornam de uma beleza incomparavel, uma referencia para cineastas contemporaneos como o proprio Wim Wenders e o iraniano Abbas Kiarostami.Pai e Filha e um filme exemplar na sua monotematica filmografia. Ozu, com seu peculiar metodo, a camera baixa e estatica, a lente de 50 mm que nao distorce nem enfatiza as imagens, a posicao frontal dos atores, extrai o mais profundo retrato das relacoes humanas, da familia e dos vizinhos, o amor nao revelado, os compromissos que nao poderao ser firmados, onde as verdades tem menor importancia que os sentimentos, mas estes brotam, contemplativos, nas imagens fixas, sem que Ozu manipule quaisquer recursos que induzam o espectador. Ozu trata da incompletude da vida com serenidade, a aceitacao que alguns ja entenderam como um olhar zen-budista. A historia e de extrema simplicidade. Pai viuvo e escritor (Chishu Ryu) e filha (Setsuko Hara) vivem juntos e em paz. No entanto, os vizinhos do vilarejo acham um escandalo a filha, aos 27 anos, ainda nao ter arrumado um noivo. O pai tambem passa a se preocupar com a situacao e se vale de alguns artificios para lhe arranjar um esposo, a revelia da filha pois, para esta, o pai nao pode viver solitario uma vez que o julga dependente demais. Sao felizes juntos mas, a esta felicidade, se impoe os valores sociais incontornaveis, para os quais nao existe outro caminho senao a submissao. Basicamente, o filme e isso, e Ozu filma o dia a dia, sem que qualquer fato extraordinario quebre a linearidade do cotidiano, ainda que seja o do nao acontecer. E no ordinario da vida, de todas as nossas vidas, o campo onde Ozu extrai toda a sua poesia, muitas vezes de uma contida tristeza. O nao dito, ou melhor, aqueles sentimentos os quais sabemos que as palavras dos personagens nao expressam, e o que importa para Ozu. Indizivel que vem por imagens de rigor formal, camera baixa e fixa a altura dos tatames japoneses, nos torna como contempladores daquelas personagens, mais que espectadores avidos por desenlaces emocionantes. Nao, antes de tudo, Ozu nos respeita, e filma o tempo exato da vida e da natureza humana. Recusa-se a jogar com nossas emocoes.Os personagens se dirigem diretamente a nos, ou seja, a camera sem, porem, nos
olhar. O final do filme, na foto acima, o velho pai, agora definitivamente solitario, tem de aprender a descascar uma maca, e daquelas cenas na qual a tristeza encontrou a sua mais poetica traducao. A vida e assim mesmo e aceitemos como ela e, parece nos dizer. Ozu e o mestre sereno que respeitou a vida e a natureza das coisas, entao dediquemos a ele nao apenas o todo nosso respeito, mas tambem o todo o nosso amor a beleza de seu cinema unico e universal.
De todos os herdeiros da linguagem classica criada por Griffith - e todos, de uma epoca do cinema, o sao - John Ford e, pela excelencia, o mais legitimo, acrescentando aquela gramatica pioneira, a poesia (a beleza como retrata o velho oeste) e a prosa (a dimensao humana das pessoas simples). Classico dos classicos, John Ford jamais se considerou um autor; ficou famoso a sua apresentacao, quando dizia simplesmente: Meu nome e John Ford e faco westerns.Filmando longe dos estudios, tinha o seu porto seguro, onde os mitos, com suas verdades e mentiras, com os vivos e os mortos, lhe eram presentes, somados a amplidao das pradarias, respirando a aventura e a liberdade: o Monument Valley, seu ceu azul radiante e suas imensas e avermelhadas rochas brotando do chao. Nesta paisagem, John Ford realizou o mais belo e amargo de todos os westerns, Rastros de Odio.O filme narra a saga de Ethan Edwards (John Wayne), personagem solitario e taciturno, que teve o que lhe restou da familia (a de seu irmao) dizimada pela tribo do Chefe indigena Scar, em busca da unica sobrevivente, Debbie (Natalie Wood), raptada pelos indios e, como se vera, incorporada a tribo. E uma busca movido pelo odio e pela vinganca, especialmente pela morte de seu disfarcado amor por Martha, esposa de seu irmao e mae de Debbie. A jornada dura seis longos anos, nas quais John Ford nos mostra, nao sem chocar, o odio que Ethan nutre pelos indios. E uma das polemicas do filme, porem bem menor que a do racismo explicito de Griffith em O Nascimento de Uma Nacao em 1919. Mas nao se pode acusar John Ford de racista; anos depois, ele faz Crepusculo de uma Raca, libelo em favor dos povos indigenas dizimados pelos conquistadores brancos. O que move Ethan e a sede de vinganca junto da qual todos os sentimentos envolvidos a ela, inclusive esse odio. Por outro lado, nao ha qualquer exaltacao aos brancos e as suas conquistas como em Griffith, sem esquecer que o proprio Ethan e um derrotado sulista; nao e de nenhum processo civilizatorio que trata o filme, mas de uma extrema amargura de Ethan a quem apenas a vinganca faz algum sentido. Nao obstante a tragedia de Ethan (a interpretacao de John Wayne figurara em qualquer antologia de qualquer genero), John Ford principia, em sua filmografia, uma revisao dos mitos do oeste, a ponto de, nos posteriores O Homem que Matou o Facinora, e no proprio Crepusculo de Uma Raca refletir que muitas das lendas nao passaram de...lendas, e de mentiras que derramaram muito sangue, de indios e brancos. Mas John Ford sempre foi contrario a filmes de tese. O grande poeta e prosador do oeste encerra um ciclo de sua carreira,e o faz utilizando-se dos planos do inicio e final de Rastros de Odio, uma porta que emoldura a chegada e a partida de Ethan e sua solidao ao vento. Dizem que Jean Luc Godard ia as lagrimas todas as vezes que assistia ao ultimo encontro entre Ethan e Debbie; desconfio que o bravo irlandes John
Quando ouvimos termos como ode a liberdade vemos paisagens com elementos naturais, o ceu, o mar, as montanhas, e sentimos, decerto, ate a brisa do vento como fossemos passaros cujo destino e onde a vontade e o desejo levem. Ou vemos pessoas, circulando por todos os lados, num fluxo continuo na qual, nos mesmos, nos perdemos anonimamente. Observarmos, num e noutro caso, antes de tudo, o movimento, serenos ou rapidos, da vida. E aqula ausencia de responsabilidades, sem amarrasNo entanto, Um condenado a morte escapou de Robert Bresson, e diametralmente o oposto daquelas imagens. Tambem ode a liberdade, e realizada dentro de uma prisao nazista, onde os prisioneiros nao podem conversar, sequer olhar para os companheiros, todos a espera de seu veredito, em regra, a morte. Tudo e arido, especialmente na cela onde o protagonista, Andre Devigni, passa a maior parte do filme, num regime de rigor extremado; ha ate mesmo escassez de dialogos, e quando, em dado momento, aparece um companheiro de cela, ficam a duvida se nao se trata de um nazista infiltrado. O titulo sugere tudo o que nos e mostrado numa historia baseada em livro ( e tambem no passado real pois o proprio Bresson esteve preso por mais de um ano em razao da resistencia ao nazismo).Mas, a essa espera da morte e com varias ideias fatalistas cruzando no monologo interior do personagem, Robert Bresson nos mostra que a luta pela vida se impoe. Apesar de ser um dos melhores dramas ja mostrados, pode se assistir a esta pelicula como uma aventura, nao daquelas romanticas, mas da aventura do real, do trabalho meticuloso da fuga numa situacao extrema. O filme e essa construcao e o que vemos sao cenas de uma perfeicao raras vezes vista. Rigor e formalismo sao a essencia do cinema de Bresson que se expressam atraves de seu minimalismo, onde nada, nenhuma cena, sobra. O cinema, segundo Bresson, e um movimento interior e, deste modo, antes de minimalista, podemos afirmar que e essencialista, uma vez que trata dos valores fundamentais mas que so se revelam quando postos em cheque, quando nos vemos enclausurados por qualquer dessas estruturas do poder, seja ela qual for. Ha, no processo meticuloso e planejamento e execucao da fuga, mais que motivacoes idealistas: a busca da liberdade para Bresson e sobretudo espiritual ainda que, para atingi-la, se enfrente os riscos da morte e os muros de concreto. Filme frances essencial e otima chance para resgatar esse grande cineasta que foi Robert Bresson. Escrevo ainda sob o impacto do show do Paul McCartney ha uma semana, resistindo a tentacao de descrever as varias maravilhas que embalaram uma noite inesquecivel. Mas como este espaco e dedicada a cinema e filmes, uma pequena e paradoxal homenagem e comentar o documentario Let It Be, lancado ha exatos 40 anos. Paradoxal pois trata-se do registro da dissolucao, ou o comeco dela, da maior banda de todos os tempos e todo clima de tensao esta la, as claras, sem disfarces, o que dara sempre, a todos que amam os Beatles, uma sensacao de tristeza e melancolia
ao assistir o filme. Os Beatles se notabilizaram, entre tantas outras qualidades (fora a musica, claro), pela alegria da vida, pelo humor nonsense, pela aventura da experimentacao, e este imaginario popular muito se deveu aos filmes A Hard Days Night, Help, Magical Mistery Tour e Yellow Submarine. Nao obstante terem composto algumas das musicas mais tristes como Eleanor Rigby, Long Long Long, She Leaving Home, e outras certamente tensas como Yer Blues, Helter Skelter, a imagem dos Beatles eram luminosas como encontrar amigos que te entendem e te levantam o astral. A ideia do filme foi de Paul, assumidamente o lider da banda na epoca, e consistia em filmar tudo e da maneira mais honesta possivel o cotidiano da banda durante os preparativos de um show. O nome original era Get Back e representaria, para Paul, uma volta as origens, sem efeitos nem grandes producoes, um som mais proximo ao inicio da carreira. E assim iniciaram as filmagens. Mas desabaram todos os problemas em razao do desinteresse de John Lennon e George Harrison que ja nao suportavam as pressoes e nem a lideranca otimista e negligente de Paul. John estava apaixonado por Yoko Ono e nao desgrudava dela; no filme e quase como se fossem um so. George e quase sempre irritacao e, noutras vezes, apatico; uma das cenas mais famosas e sua discussao com Paul. Quanto a Ringo Starr, embora sempre tenha sido a figura do amigo de todos, agregador, a frustracao geral tambem o abate. Tudo esta la, em 90 minutos. E um registro, e nisso reside a sua ousadia. Nao ousadia formal, pois o diretor Michael Lindsay-Hoog segue basicamente os padroes estabelecidos pelo que se convencionou a chamar de cinema verdade na Europa ou cinema direto no Estados Unidos. Mas, ao capturar o real, sem subterfugios, sem filtros que nao fossem a edicao de 28 horas de filmagem, Let it Be nao registra o ser, pois certamente, como ja disse acima, e para todos os que conhecem, o fenomeno Beatles e muito mais; registra antes o tempo, ou seja, trata-se de recorte de um momento de uma banda que, saberemos depois, durara apenas alguns meses e mais um disco. Triste, tenso e melancolico, e sobretudo humano, assim como todos brigamos, desanimamos, queremos mudar de vida e de trabalho, mesmo que este trabalho seja nos Beatles. Pois Let it Be e honesto na medida em que mostra John, Paul, George e Ringo como individuos em busca do caminho para suas vidas, tendo de enfrentar toda situacao que os desagrada a ponto de nao conseguirem se comunicar. Mas ha a musica, e e dos Beatles! E mesmo uma pessoa com o coracao de pedra se encantara, quando nao se comover, com os quatro rapazes, ainda jovens mas envelhecidos pelo fastio do sucesso, quando estes compoem, ensaiam e tocam suas melodias. Ai temos a lenta progressao ate chegar, John e Paul cantando juntos a "Two of Us"; o raro blues de George Harrison em "For You Blue"; John e Yoko dancando ao som da inusitada e bem humorada"Besame Mucho"; o fantastico show
no telhado dos estudios de Abbey Road com "I've Got a Feeling" "Get Back" e "Don't Let Me Down"; e as lindas e singelas "The Long and Winding Road" e "Let It Be", num registro sem os efeitos, talvez as musicas que melhor capturaram aquele momento.
O iraniano Abbas Kiarostami e o maior cineasta em atividade do mundo, mas qualquer de suas obras, numa primeira visao, pode, ao mesmo tempo, causar tanto o encantamento pela rara beleza como o tedio pela lentidao e do nao acontecer, tudo na mesma medida. E de paradoxos a filmografia de Kiarostami: sob a aparente e quase obvia simplicidade, sem qualquer radicalismo visual, ha um processo sofisticadissimo de captacao do real, do jogo na qual verdade e ficcao se permeiam e se confundem. Alem da excepcional beleza estetica, sonora e narrativa de seus filmes que se harmonizam com a natureza, ha dois aspectos de respeito ao humano fundamentais em Kiarostami: no modo de filmar os atores, quase na sua totalidade amadores, e sua relacao com o proprio espectador, ja nao mais um sujeito passivo diante da imposicao de um diretor do que assistir, mas como um verdadeiro participante na jornada proposta em cada um de seus filmes.A Vida Continua ou A Vida e Nada Mais, os dois titulos vinham juntos quando exibido no Brasil, faz parte de certa e nao declarada trilogia com Atraves das Oliveiras e Onde fica a Casa de Meu Amigo. E preciso contar um pouco destes filmes e relaciona-los para entender o metodo Kiarostami de trabalhar com o real. Onde fica a Casa de Meu Amigo e a unica historia independente que narra a saga de lealdade de dois garotos amigos na aldeia iraniana de Koker. A Vida Continua conta a historia do diretor de Onde fica a Casa de Meu Amigo e seu filho em busca das criancas atores deste filme na aldeia de Koker, atingida pelo terremoto em 1990 e saber se estao vivas. E Atraves das Oliveiras, narra incidentes de um amor entre atores na filmagem de A Vida Continua na qual o diretor e seu filho sao atores secundarios. Neste jogo de entrelacamentos, A Vida Continua e o filme do meio, mas com autonomia ficcional e narrativa.A busca do diretor e de seu filho pelos atores mirins e feito com um velho automovel percorrendo a arida paisagem devastada pelo terremoto no Ira. Tudo apontara para o tragico. Mas nao trilha por esse caminho, certamente mais facil, Kiarostami. Ele prefere a vida. A reconstrucao dos seus moradores a partir dos escombros, com o barulho intermitente de caminhoes, britadeiras, marretadas, todos os sons e imagens se dirigem para os elementos vitais, como se a vida fruisse involuntariamente aos sentimentos que poderiamos impingir pelas milhares de mortes que sabemos presentes.Pois este elemento vital respira em todos os instantes nos caminhos percorridos pelo diretor e seu filho. As narrativas de tomadas longas, as vezes com a camera mais distante, como as nos inserir nas paisagens, apresentam esse fluxo de vida, nao com uma profusao de imagens, mas com o tempo preciso da apreciacao, o tempo do convite a viver com aquelas pessoas, junto delas. Em muitos momentos, pelo fato de ter sido filmado em locacoes, com iluminacao natural e atores amadores, parecera um documentario, mas de um tipo diverso, na qual participamos num processo invisivel de envolvimento com a
situacao que de fato ocorreu, o terremoto. Este realismo, ou a nossa propria percepcao do real, se da em outro nivel, como se nos proprios percorressemos naquele tempo, os mesmos caminhos, ainda que nos detenhamos por esta ou aquela historia, pessoa ou lugar em particular.Os caminhos de Kiarostami sao, ao mesmo tempo complexos e simples como os proprios caminhos de nossas vidas. Filmando as pessoas e suas vozes, ja nao mais o vemos como moradores de qualquer aldeia devastada por um terremoto e nao sentimos mais qualquer diferenca entre nos e os iranianos trabalhando para retomar suas vidas: somos todos de uma mesma comunidade universal em busca da felicidade que nos une.A modernidade em Kiarostami nao permite fechar o filme (a nossa vida e fechada?) mas em abri-la em varias possibilidades e a nos convidar a complementa-las. Esta e a chave do filme, a nos permitir, espectadores, a preencher lacunas, a sermos co-realizadores, numa generosidade praticamente inexistente em qualquer das artes. E, sobretudo, a nao nos perecer pelas tragedias inerentes a vida. Em uma cena tocante e inusitada para nos, o filho do diretor pede a este para permanecer uma tarde num acampamento de refugiados pois ira passar na televisao o jogo Brasil e Escocia na Copa de 1990. E a vida e nada mais.
Diarios de Motocicleta Dir. Walter SallesE a historia da iniciacao deum mito, mas Walter Salles preferiu um registro menor, da descoberta da AmericaLatina pelo olhos do jovem Ernesto Guevara, junto com seu amigo, numa versao deDom Quixote cujo Rucinante e um dos personagens, ao menos na primeira metade dofilme, e que da nome ao filme, a motocicleta cambaleante La Poderosa II, umaNorton 500 CC.Para Walter Salles a estrada e umcampo de descobertas, ou seja, de descobrir uma essencia atraves da aventura,seja pelo impulso da juventude como neste Diarios, ou seja pelo acaso em, porexemplo, Central do Brasil, seu outro filme.E a jornada do heroi que, no casodo filme e na vida, nao o sera sem dificuldades e riscos. Ao contrario, o jovemErnesto e asmatico, e todas as cenas das crises sao angustiantes. Mas o que oempurra pra frente? Ha atualidades neste belo filmede Walter Salles como os mineiros chilenos, sendo explorados nas minas de cobre(cujo soterramento, e espetacular resgate televisivo nos aponta que aexploracao continua) ou chocante corte de Machu Pichu para Lima do Peru para acidade de Cuzco.Sensiveis interpretacoes, assimcomo a fotografia suave, toda construcao se da atraves do mergulho e das paisagensaos olhos do jovem Che. O que Che Guevara representaainda, neste mundo anodino, capitalista e impessoal? Onde fica a aventura, asdescobertas, a indignacao e a busca daqueles que estao do outro lado do rio?Nao sei, mas desconfio que enquanto as pessoas se sentirem tocadas e tenham oimpulso de tambem embarcar nesta viagem, ainda havera o desejo e o chamado paraa aventura, com ternura e paixao, e que nao morreu na selva da Bolivia, como oque aconteceu com Che, e nunca morrera enquanto ainda houver injusticas,preconceitos e exclusao neste mundo. Nao e o primeiro filme de Martin Scorsese de uma banda de rock. Em 1978 ja havia realizado o notavel A Ultima Valsa, o show de despedida do The Band que acompanhava Bob Dylan; Scorsese fez ainda recentemente um documentario do proprio Dylan e produziu outro em que homenageia o blues. Tampouco e a primeira incursao dos Stones no cinema. Tirando as participacoes de Mick Jagger e Keith Richards em alguns filmes, ja foram filmados tres documentarios, todos de qualidade, por gente do calibre de Jean Luc Goddard (Sympathy for The Devil 1968), os irmaos Maysles (Gimme Shelter-1970) e Hal Ashby (Lets Spend Night Together 1983). O que entao faz este filme de diferente?Sem comparar com os filmes protagonizados pelos Stones, o processo de filmagem e semelhante a Ultima Valsa na qual Scorsese procurou, na captura da imagens de um show, recursos de apuro cinematografico onde a tecnologia e o abundante recurso da movimentacao das varias cameras, enquadramentos, cenografia e iluminacao trouxessem ao maximo a sensacao de estar dentro do palco, com o ponto de vista o mais privilegiado possivel, nao simplesmente o da plateia/espectador. Scorsese de fato cria essa proximidade absoluta com os Rolling Stones e realiza um processo na qual ele proprio nao se ausenta; e participante ativo, apontando as sequencias que pretende filmar, a posicao das cameras, o teatro, a luzes, e ate mesmo procurando saber do
repertorio para criar abordagens filmicas de cada cancao. E este processo da elaboracao do show duplamente filmado, os Rolling Stones de um lado e Martin Scorsese de outro, a sua maior particularidade e que o distingue dos demais filmes dos Stones.Alem disso, pode-se dizer, Scorsese e fa dos Stones, nao desses que fazem tietagem mitificadora, mas de quem conhece profundamente seus discos e sua importancia cultural. Tanto que o repertorio sera inusitado a quem conhece apenas os sucessos dos Rolling Stones mas sera um deleite aos fas de longa data. E claro que nao podiam ficar de fora Jumpin' Jack Flash que abre o show, Tumbling Dice, Satisfaction, Sympathy For The Devil, Brown Sugar e Start Me Up. Mas de resto, sao contempladas cancoes que nao figuram nos mega-shows que se acostumaram, preferindo o repertorio da fase mais criativa do final dos anos 1960 e 1970, com curiosa enfase nos discos Exile in Main Street de 1972 e Some Girls de 1978.Ha as participacoes previsiveis e dispensaveis: mais de Jack White (Loving Cup) e menos de Christina Aguilera (Live With Me). E como os Stones sempre costumam a homenagear os cantores de Blues, o filme traz o grande Buddy Guy em Champagne & Reefer. Mas sao as apresentacoes dos Stones, eles proprios, com as novas rugas e a velha energia, a batida economica e sobria de Charlie Watts, os poderosos riffs de Keith Richards e o carisma do maior showman do rock Mick Jagger, aliados ao virtuosismo tecnico de como Scorsese os retrata, ainda a alma do filme. Tem seus varios grandes momentos: a singela As Tears Go By (primeira cancao composta por Jagger e Richards) que nunca fora cantada por Mick Jagger num show antes por eles terem vergonha!; You Got The Silver que era um folk, se tornou um blues arrastado e tenebroso na voz de Keith Richards; e a caipira Faraway Eyes, na melhor cena do filme, quando Mick e Keith, num dueto, juntam suas cabecas e se aproximam no mesmo microfone, esquecendo neste breve instante os milhoes de dolares acumulados, a mesquinharia do poder, as rusgas e brigas do passado, cantando simplesmente como dois velhos amigos.