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respeitando a clausula do contrato que previa que nao poderiam comunicar aos demais realizadores o que pretendiam fazer. A historia teria que abordar a data crucial, direta ou indiretamente, e cada episodio deveria ter a duracao de 11 minutos e 9 segundos cravados. A apresentacao que se segue e a ordem em que os episodios sao exibidos em "11'09''01". Em aspectos tecnicos, esteticos e narrativos, a iraniana Samira Makhamalbaf realizou o melhor de todos. A filha do veterano Mohsen Makmalbaf tem apenas 22 anos, mas parece que aprendeu todos os meandros do cinema iraniano. No curta a camera circula livre, na mao, com uma fluidez lenta. Alem disso, Samira utiliza atores amadores criancas, num episodio sutil que mostra uma vila miseravel no Ira, onde refugiados afegaos trabalham na confeccao de tijolos, abalada pela chegada de uma professora, que tenta fazer as criancas trocarem o trabalho pelos estudos e descobrirem o mundo la fora. Vindo da Nouvelle Vague, Claude Lelouch e nome conhecido na cinematografia mundial. Sua versao da historia e romantica e otimista. Um caso de amor em NY, entre um guia turistico (que inevitavelmente ira ate as Torres Gemeas) e uma fotografa surda-muda. O episodio deixa a desejar, forcando um final feliz egoista de um drama insignificante em meio a uma catastrofe mundial. Youssef Chahine faz diferente. O diretor e um oasis na cinematografia de seu pais e nao decepciona ao entregar o episodio mais polemico de todos. Ele narra a conversa de um cineasta, tambem de nome Chahine, com o fantasma de um marinheiro americano, morto num atentado em Beirute. Chahine tenta convencer o fantasma de que os atentados contra alvos americanos existem por varios motivos relevantes, como o numero de vitimas que as operacoes dos EUA fizeram pelo mundo e acaba o levando a casa de um kamikaze palestino, onde assistem a preparacao do homem-bomba. E um filme provocador, o realizador mostra a o que veio, sem meias palavras. Ao evocar o conflito que destrocou sua patria, Danis Tanovic descobre um meio de falar do dia 11 de setembro. Mostra uma mulher indo a Srebenica participar de uma manifestacao de viuvas da guerra da Bosnia que, ao chegar ao local, ve que todos ouvem as noticias dos ataques nos Estados Unidos. Logo, a manifestacao foi cancelada, mas ela insiste que deve acontecer e sai sozinha pelas ruas, sendo acompanhada depois pelas outras. E um filme de uma ideia so, como se nao conseguisse vislumbrar o impacto que o evento causou, mostrando a indiferenca do cineasta com o drama alheio e ainda entregando uma historia sem nenhum atrativo.Uma fabula esperancosa veio de Burkina Faso pelas maos de Quedraogo Idrissa. Um dos melhores episodios de "11'09''01", e sobre alguns meninos que avistam Bin Laden no seu povoado e resolvem captura-lo para receber a recompensa milionaria dos americanos. E delicado, feito com criatividade, abordando a triste situacao do continente por uma otica diferente, que nao e piegas nem muito ideologica. Ken Loach nao precisa de apresentacoes. E um cineasta super premiado, instigante e talentoso. O episodio dele coloca um chileno exilado na
Inglaterra recordando outro 11 de setembro, o de 1973, dia do golpe de estado contra o presidente Salvador Allende. Loach foi bem sucedido ao contar, utilizando basicamente imagens de arquivo, a participacao americana na acao. Resultou disso um filme, do ponto de vista narrativo e estetico, didatico demais, engajado demais, tentando doutrinar demais o publico. Apesar disso, e emocionante, fala sobre exilio, tragedia, dor de um povo, no melhor estilo documental e realista do britanico. Chegamos ao episodio do garoto-prodigio Alejandro Gonzales Inarritu. Com ares de videoarte, e um filme pretensioso, aonde a tela escura e sem imagens (a maior parte do tempo) domina o filme, com sons e ruidos da televisao e radio de todo o mundo sobre o 11 de Setembro. Algumas vezes, a tela se ilumina para mostrar cenas de corpos caindo do World Trade Center. Enfim, e tolo, e chato, nao faz nada, a nao ser repetir a cena dos corpos despencando das torres, querendo ser chocante. De Israel, das maos habilidosas de Amos Gitai, surge um episodio bacana, aonde uma apresentadora musa do noticiario de TV, chega ao local de um atentado kamikaze numa rua em Jerusalem, um pouco antes dos ataques em Nova Iorque. Amos quer tracar paralelos entre o terrorismo politico e o terrorismo midiatico. Para isso ele utiliza muitos planos-sequencia, quase sem cortar os takes. Mesmo assim, entrega um filme sutil e critico, tantos aos EUA quanto ao governo israelense. Entregando o ultimo trabalho de uma carreira muito prolifica, o japones Shohei Imamura realiza um episodio onde um ex-combatente de guerra (2a Guerra Mundial) que, na volta para seu vilarejo natal, nao fala, nao anda, nao convive entre os homens. Seus habitos viraram os de uma cobra: ele rasteja, engole ratos inteiros e, se nao for cercado, desaparece para viver na natureza. Filosofico, um retrato da natureza humana, de uma dureza narrativa que so um cineasta como Imamura seria capaz de filmar. Mira Nair filma em NY. Ela, indiana, conta a saga de uma familia de paquistaneses muculmanos, imigrantes, ja americanizados, que veem o filho desaparecer no dia da tragedia. Eles saem pelas ruas, junto com FBI, que procuram o menino pelos motivos errados: acreditam que ele seja um terrorista. O filme de Mira carece de surpresas e substancia. E raso, apesar de abordar o preconceito dominante nos EUA. Para finalizar, Sean Penn, o ator, diretor, roteirista e democrata ferrenho, enche o espectador de grandes expectativas. O episodio retrata um policial aposentado (o grande Ernest Borgnine), depressivo e sozinho, morando num apartamento acabado, proximo as Torres Gemeas. Acorda no dia 11 de setembro com o Sol invadindo o apartamento e na TV, passam cenas do ataque ao World Trade Center, mas a atencao dele esta focada nas flores que estao na janela, herdadas da mulher e que, milagrosamente, voltam a florescer. E uma bela narrativa, ainda que muito subjetiva e numa abordagem que foge do eixo tematico, de um lirismo redentor que deve ter dado certo alivio a Penn, que preferiu nao entregar uma historia mais vigorosa aos abatidos americanos.
Jude Law and Cat Power plays Jeremy and Katya in "My Blueberry Nights""A few years ago, I had a dream. It began in the summer and was over by the following spring. In between, there were as many unhappy nights as there were happy days. Most of them took place in this cafe. And then one night, a door slammed and the dream was over."...for the later parade O meu mais fervoroso desejo sempre foi o de conseguir me expressar nos meus filmes, de dizer tudo com absoluta sinceridade, sem impor aos outros os meus pontos de vista Andrei Tarkovski I wanna make you smile whenever you're sad Carry you around when your arthritis is bad All I wanna do is grow old with you. I'll get your medicine when your tummy aches build you a fire if the furnace breaks Oh it could be so nice, growin old with you. I'll miss you, kiss you, give you my coat when you are cold. Need you, feed you, I'll even let you hold the remote control. "A tirania do tema unico e sobretudo a tirania do personagem sem movimento, paralisado num enredo unico e pobre. De um modo geral, nosso cinema deveria olhar menos para baixo e erguer os olhos, se nao para cima, onde estao os poderosos, ao menos para os lados: cineastas falando do seu mundo. Do contrario, passaremos a vida repetindo a mesma formula de 90% dos filmes nao-ficcionais brasileiros: os que tem, repletos de piedade e de indignacao, filmam os que tem menos ou nada tem. Chega de tanto zelo missionario, de tao bons sentimentos. Por que nao enfrentar o que e realmente dificil? A vida da gente, os nossos afetos, a nossa eventual mediocridade, a nossa eventual impotencia? Basta olhar a Argentina e aprender um pouco com eles. A respeito do debate do trafico, acho que ja estamos fazendo isso ha muito tempo. **Certamente nao e o cinema que dara uma contribuicao importante para a discussao. Nao e o nosso papel. O papel do cinema e refletir sobre si mesmo. E avancar a gramatica".Joao Moreira Salles, documentarista A Dama na Agua mesmo com todo os seus defeitos e o mais belo filme de M. Night Shyamalan. E eu os digo o porque: E uma declaracao de principios a sua forma de fazer cinema, uma carta de amor a mise-en-scene. Toda a engrenagem de seus filmes esta exposta nesta fabula. Nunca vou esquecer-me da forma como ele constroi a aparicao da ninfa do mundo aquatico Story desde o primeiro plano do filme, simplesmente anulando o contracampo; o extremo cuidado com o plano final de Cleveland refletido na agua; e a beleza do tempo de corte no fade out final. Simplicidade que se transforma em imagens singelas e com uma magia extra, cortesia tambem da fotografia de Chris Doyle.Qual outro cineasta construiria tao belos planos dentro de um filme Hollywoodiano nos dias de hoje? com excecao de WKW, creio que somente o realizador indiano. Ja aguardo ansiosa seu proximo filme. Bai Ling e Miriam Yeung no episodio "Dumplings", de
Fruit ChanFalar do trabalho de Christopher Doyle (aka. Chris Doyle / Kefeng Du / Ho Fung To) e primeiramente, me remeter a uma coisa que ouvi alguns anos atras de outro grande diretor de fotografia, o meu amigo Alziro Barbosa: "fotografar antes de mais nada e pintar com a luz". Se o principio do ato fotografico se baseia na utilizacao, de forma inteligente e criativa, das fontes de luz (sejam elas naturais ou artificiais), Chris Doyle pode-se considerar o maior expressionista da cinematografia mundial.A sua camera descortina as cenas, danca nos planos e nos revela imagens sublimes, plasticamente soberbas, principalmente nos filmes de Wong Kar-Wai, a colaboracao do fotografo inventivo com o diretor amante do design gera tomadas lindas, mas que nao sao somente belas e sim "significam", todo o cenario e as coisas falam, nao somente os atores, compondo uma narrativa rica que se absorve em camadas. A mao e o olhar do fotografo australiano sao experientes e sabem exatamente tornar real a concepcao estetica pensada anteriormente.Chris trabalha quase que exclusivemente na Asia (aslavo as excecoes, como o remake do Psicose de Gus Van Sant e a producao australiana Rabbit proof-fence), pois para ele "o cinema americano esta seco de boas ideias" e completa: "Eles (falando dos ocidentais, Chris se refere a si proprio como oriental) acreditam em uma formula. Eles categorizam. Eles tentam explicar as coisas em vez de descobri-las. Eles falam antes de olhar."A uniao com WKW dura mais de 10 anos e so resultou em belos e profundos filmes, como Days of Being Wild, Chunging Express, Fallen Angels, Ashes of Time, Happy together, In The Mood for Love, 2046 e Eros (episodio "A Mao"), alem de publicidade e videoclipes (o soberbo Six Days - DJ Shadow). Mas esta e uma relacao complexa. Num casamento artistico estruturado pela busca da perfeicao, Kar-wai e Doyle tem ritmos opostos. O primeiro e lento -levou 3 anos para terminar In The Mood For Love e mais cinco anos para concluir 2046-; o segundo tem pressa, quer acabar logo um projeto e partir para outro (na China, Doyle adota outro nome: Du Ke Feng, algo semelhante a "igual ao vento"). Agora parece que estao tracando caminhos opostos, no ultimo filme do diretor de Hong Kong, My Blueberry Nights, Chris deu lugar a Darius Khondji, que tambem sera o fotografo do remake de A Dama de Shangai (o classico do Orson Welles), a ser dirigido por WKW em 2008.Maggie Cheung em "Heroi" de Zhang YimouUma pena, sabendo que a colaboracao entre os dois gera obras cinematograficas de valor irrefutavel, mas Chris Doyle parece estar satisfeito com os novos rumos que a sua carreira vem tomando. Ele continua fotografando filmes , principalmente na China, sendo os ultimos o doentio 3...Extremos (3 episodios, dirigidos por Fruit Chan "Dumplings", Takashi Miike "Box" e Park Chan-Wook "Cut") e o inedito Green Tea (de Zhang Yuan), e agora quer voltar a direcao (tinha se aventurado anteriormente em 1999, com Away with Words), apos realizar um dos 20 episodios do filme Paris Je t'aime (ao lado de Walter Salles, Gus
Van Sant, Mathieu Kassovitz, etc.) ele negocia um projeto que e um epico de artes marciais (estilo que bem conhece, vide sua fotografia em Ashes of Time e Heroi, de Zhang Yimou).Enquanto Kar-wai tece suas tramas de colisoes amorosas e desencanto, Doyle encena, na sua propria vida, uma improvavel biografia de desencontros e encontros, ele saiu da Australia com 18 anos, ja foi escavador, praticou medicina e foi marinheiro, e assim conheceu toda a Asia.Christopher DoyleDiz que seu fascinio pelo Oriente e pelo cinema aconteceram por acidente. "Queria aprender uma lingua, e calhou de ser o chines. Tinha bastante tempo livre quando era estudante, e alguem pos uma camera na minha mao. O espanto tanto em relacao ao que a lingua me permitiu falar e dividir, e negociar o espaco entre as maneiras como eu e a camera vemos, sao o porque daquilo que sou." Ou seja, Doyle viu muitas coisas e embarcou de cabeca numa vida sem limites, como se fosse um personagem de filme, o que lhe permitiu usar sua experiencia como base para a criacao artistica. Alem, claro, da bagagem e do proprio gosto de cada um. Para ele, importam os aspectos subjetivos. "As formas mais elevadas sao danca e musica. Um corpo no espaco e um poema; um som em coracoes alheios e para sempre. Seguro a camera para dancar com os atores, para da-los o maior espaco possivel para serem quem eles precisam ser e para estar tao perto deles como se fosse dar um beijo. Entao o espectador, pode ser beijado tambem." No que ele completa: "Nao se existe uma forma de aprender a fazer filmes, tem que faze-los, descobri-los, deixar a sensibilidade aflorar acreditar no que se esta filmando e se permitir ser engolido pela historia, pela estetica do que se esta criando".A maneira de capturar tudo o que foi falado e assistindo os filmes. Olhar a poesia visual dos filmes fotografados por Chris Doyle (em especial os dirigidos por WKW) ultrapassa qualquer entendimento.
meu Almodovar preferido*Un Ano de Amor Lo nuestro se acaboy te arrepentiras de haberle puesto fina un ano de amor.Si ahora tu tevaspronto descubrirasque los dias son eternos y vacios sin mi.Y de noche, por la noche,por no sentirt solorecordarasnuestros dias felices,recordaras el sabor de mis besosy entenderasen un solo momentoque significaun ano de amor.Te has parado a pensarlo que sucedera,todo lo que perdemosy lo que sufriras?.Si ahora tu te vas no recuperaraaslos momento felices que te hice vivir.Y de noche, por la noche,por no sentirte solorecordaras el sabor de mis besosy entenderasen un solo momentoque significaun ano de amor.Y entenderasen un solo momentoque significaun ano de amor. Para que servem os nossos nomes, certidao de nascimento, se no final das contas o que conta e quem somos e as atitudes que tomamos perante amigos e parceiros amorosos? E se temos nomes, por que entao, para tudo que fazemos sao os numeros que nos identificam: CPF, RG, No da conta do banco, etc. E o nosso nome? ele nao passa de um mero coadjuvante, uma impressao do que somos sem na verdade termos consciencia de quem somos! nao e?Um pouco anarquista esta introducao? niilista talvez? Pois entao, o filme A Concepcao, dirigido pelo iniciante Jose Eduardo Belmonte e produzido pela Olhos de cao (de Paulo Sacramento, que se especializa em produzir longas B.O. com tematicas polemicas, como Amarelo Manga e Cama de Gato), nao e um soco, e um chute no estomago de quem o ve, e vai muito alem da premissa niilista.A humanidade esta doente.O filme se passa em Brasilia, comeca com o cotidiano de alguns jovens filhos de diplomatas que trabalham fora do Brasil. Vivem em um apartamento Alex, Lino e Liz. Sao todos jovens e com um grande fator em comum: nao aguentam mais o tedio do Distrito Federal. Esse tedio vai dar lugar a outras sensacoes. Tudo muda quando Lino e Alex vao a zona e la conhecem X, personagem sem nome e sem historia, mestre em falsificar documentos e alquimista. Os dois rapazes logo se interessam pelas ideias de X, os tres encerram a noite nos lencois.No dia seguinte, X propoe a formacao de um falso movimento, A Concepcao, que prega entre outras coisas como, a morte do ego, abolir o dinheiro, o caminho do excesso, nem que pra isso seja necessario o uso de drogas, viver cada dia como se fosse o ultimo. Dai comeca um festival hedonista (tal qual em Os Idiotas, de Lars Von Trier, filme-simbolo do Dogma 95) levado as ultimas consequencias e reagado a drogas, rock, sexo e delitos.O que querem os concepcionistas? Nada de magnifico, so querem viver, celebrar a morte do seu ser a cada 24 hs, abrir mao dos numeros, dos cartoes, fraudar pessoas, ser um alguem a cada dia, se relacionar com pessoas sem distincao de sexo, abusar dos psicotropicos, ultrapassar fronteiras."Conceda-te esse momento de liberdade, abra mao de ser quem voce pensa que e"...O caminho e mais ou menos esse. Entao, ta a fim de ser um concepcionista?Agora, ser chamado de o trainspotting brasileiro? Nao penso que
seja por ai.....o diretor certamente se influencia pele filme de Danny Boyle, assim como por Clube da Luta ou os filmes de Larry Clark (diretor de Kids) ou mesmo pelo cinema Marginal de Sganzerla & Bressane, criando uma estetica diferente no cinema Brasileiro, tecida de um frescor juvenil, num grande prisma de absolutamente toda possibilidade de fazer um cinema sujo: camera tremida, desfocada, granulada, sons oscilantes, cores alteradas, efeitos especiais, cartoons, planos curtos, cortes rapidos, narrativa fragmentada e nao-cronologica, tendo a captacao em diferentes formatos: super-8, digital, 16mm, 35mm e cam de celular.Narrativamente, e perigoso, mas ao mesmo tempo corajoso a forma como a tematica de um grupo vivendo uma ideologia hedonista (algo como o ocorrido em Os Sonhadores, de Bertolucci), alheios ao mundo em que vivem e defendendo uma bandeira, e a ligacao que a historia desses jovens cria com um publico ultrapassar a barreira do choque e criar uma conexao, suscitando reflexoes sobre o que esta sendo visto. Os concepcionistas, buscam legitimar uma vida que ja levavam. As leis sao feitas para se moldarem ao cotidiano, e nao o contrario. Essas proprias leis, paradoxalmente, impedem que sejam cumpridas, e deixam claras que nao atingem objetivo nenhum alem do proprio prazer. Com isso, cria-se um 'link' antropofagico com o publico, a medida em que somos devorados pelas falas e atitudes daqueles personagens. Mas eu me pergunto: e a experiencia? pra mim, ela existiu no momento em que o filme se formou na minha mente como uma utopia, que se fora de controle, nos 'traga' de volta a realidade. A fala final de Lino ilustra essa desesperanca e vazio: "um dia....eu poderei viver tudo isso que ate hoje so foi parte de uma experiencia adquirida...eu poderei sumir sem viver, ser niguem....um dia".Nos nunca fomos nem deixaremos de ser...Concepcionistas
"O Cinema esta morto. vida longa ao Cinema", ele disse.Para o cineasta Peter Greenaway, um filme e feito sobretudo de imagens em movimento. Ao diretor, interessa mais a composicao do plano cinematografico do que a construcao do roteiro. Seu olhar tem a mesma sensibilidade da visao de um pintor, ocupado em representar meticulosamente na tela as cores, a disposicao dos objetos no cenario, o movimento dos atores diante da camera. Nao e a toa que as suas preocupacoes esteticas dizem de cara quem Greenaway e: um artista plastico que, antes de comecar a extensa carreira no cinema, dedicou tempo integral a pintura. "A unica arte que me ensinou algo foi a pintura, eu penso que ela e arte suprema. Michael e Georgina se encontram no banheiro multicolorSe voce quiser contar historias, seja um escritor e nao um cineasta", disse Greenaway pouco antes da estreia de O Cozinheiro, o Ladrao, sua Mulher e o Amante, em 1989. Marcado pelo estilo barroco de figurinos e cenarios, o filme acaba de ser lancado em DVD e confirma ser o melhor longa-metragem do cineasta ate o momento. Apesar da enfase na plasticidade de cada sequencia, O Cozinheiro, o Ladrao, sua Mulher e o Amante nao desmerece a forca de uma boa historia que lembra o teor visceral das tragedias classicas gregas. Morte, sexo e poder norteiam a historia do gangster Albert Spica (Michael Gambon) que janta todas as noites no restaurante Le Hollandais em companhia de seus capangas e da esposa Georgina (Helen Mirren). Cansada do comportamento violento do marido, Georgina comeca a flertar com o bibliotecario Michael (Alan Howard). A traicao estimula Spica a preparar uma cruel vinganca contra Michael, que por sua vez sera vingado por Georgina. Enquanto isso se evidencia o contraste entre o rico e pedante Spica, que tambem e proprietario do restaurante, e o humilde e atencioso chef de cozinha Richard. E, no meio de toda a trama, um garotinho pontua cada ato com uma melancolica cancao como se suprisse o papel do coro tragico. Spica ve-se obrigado a degustar uma iguaria exoticaSensacoes oriundas do baixo ventre exercem suma importancia em O Cozinheiro, o Ladrao, sua Mulher e o Amante. Ha uma intrinseca relacao entre a arte culinaria e o sexo. "No mundo antigo, os romanos e os gregos sempre pensaram que a alma residia no abdomen; apenas os cristaos acreditavam que ela habitava o peito. As civilizacoes primitivas ensinaram que a barriga e o centro do corpo e sua propria gravidade, mas o cristianismo subverteu esse principio ao considerar o coracao como o amago do homem", comentou Peter Greenaway sobre o filme. O cineasta tambem nao poupa o espectador da violencia e da escatologia para provocar uma reflexao mais intensa sobre as paixoes do homem moderno e sua natureza animal. Logo no inicio, vemos a polemica cena em que o ladrao, Albert Spica, violenta um homem na entrada do restaurante e o obriga a comer os excrementos dos cachorros que estao latindo e brigando. O contraponto a sujeira externa e a cozinha esverdeada, cujo cenario denota assepsia e purificacao. Alias,
cada espaco apresenta cor e luz diferente para enfatizar sua importancia cenica no decorrer das acoes. "A cozinha e verde porque representa a floresta de onde vem todo o alimento; o restaurante e vermelho por ser onde toda a violencia ocorre; o banheiro, onde os amantes fazem amor pela primeira vez, e como o paraiso, e como tal ele tinha de ser branco; tem uma breve sequencia no hospital que e iluminada com amarelo porque para mim e a cor das criancas, dos ovos, dos recem-nascidos; e finalmente a cor da biblioteca que e ouro, representando 'a epoca dourada do aprendizado', o idilico tempo em que tudo no Jardim do Eden era maravilhoso", chegou a explicar Greenaway na epoca do lancamento do filme nos cinemas. O quadro de Frans Hals que inspirou Greenaway no seu BanqueteConvem observar o quadro "Banquete dos Oficiais da Companhia da Guarda de Sao Jorge", do holandes renascentista Frans Hals, que propositalmente enfeita a parede do salao principal do restaurante para dar conta do exercicio de poder de Spica, durante as fartas e exoticas refeicoes, e tambem para criticar os bons costumes da Gra-Bretanha. Todo o moralismo britanico e cristao desmorona na cena final, que apenas os espectadores de estomago forte conseguem suportar e e de um lirismo primoroso, onde Georgie desafia o marido a cumprir o prometido, a devorar o amante morto.
as criancas.Para os medicos britanicos, os fabricantes de alimentos deveram ser obrigados a publicar claramente os dados sobre calorias, acucar, sal e gordura.Propoem ainda ao Governo que imponha o denominado "imposto sobre o gordura" que foi aplicado em alguns paises escandinavos para penalizar os que consomem produtos considerados nao saudaveis.A academia da medicina britanica iniciara ainda uma pesquisa de seis meses para mostrar que e possivel vencer a batalha da obesidade. Ao fim desse periodo, o resultado sera divulgado com as sugestoes de medidas a serem adotadas.Extraido de FSP