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Oscar - que hora ou outra mistifica cada vez mais o "ser" americano no mundo de hoje, abracando uma causa civica que, provavelmente, sem querer acaba enaltecendo o modo de vida e a coragem no momento das realizacoes que so uma patria e um unico povo parece ter.Sem apelar para o extremismo - nisso Affleck se mostra bastante inteligente na conducao da trama- e nem deixar o climax cair, o roteiro vencedor do Oscar, do talentoso Chris Terrio, revisita um fato historico, de 1979, que marcou a historia de Hollywood e do governo americano, que se juntaram numa invencao gigantesca para resgatar seis refugiados no Ira, que se encontrava em plena revolucao contra o sistema politico nacional e a intromissao tao caracteristica dos norte-americanos. Tony Mendez (Affleck, pessimo), agente da CIA, e o grande mentor do plano de fuga dos refugiados e, conforme o combinado, finge-se de diretor de Cinema, procurando locacoes em terras iranianas. O plano estabelecia a cada um dos refugiados um papel nessa fantasiosa producao, tornando quase impossivel o descobrimento por parte dos rebeldes, que supostamente acreditariam na farsa.O filme de Affleck comeca muito bem. A narracao rapida do comeco causa tensao e promete um filme fervoroso, pronto para dar o sangue ficticio a historia de Tony Mendez. Logo depois, em fantastica habilidade tecnica, o filme corta para as cenas de revolucao nas ruas de Teera, capital do Ira, em que os rebeldes ensandecidos, numa lingua assustadora, ameacam invadir a Embaixada dos EUA. O som e incrivel, a montagem tambem beira a perfeicao e a trilha sonora se traduz impecavel, ate que Affleck, o ator, entra em cena. Apoiado em cameras estranhas, pouco inspiradas, Affleck comeca a filmar a decomposicao de todo o roteiro, os truques para colocar o plano em pratica, a chegada ao Ira e finalmente a saida do pais, com todos os seis refugiados salvos. Algumas das cenas se mostram primarias, os cliches mais bestas sao vistos de olhos fechados, como a cena em que o personagem de Affleck fica olhando, com olhos marejados, a felicidade dos "refens libertados", enquanto esses retribuem com olhar de agradecimento e veneracao. Muito infantil. Affleck ainda conta com um Alan Arkin chato e um John Goodman "paquitao" transitando pelo seu filme. De forma geral, o elenco e bastante chato e os personagens montados demais; os dialogos sao longos e pouco explicativos e, durante todo o tempo piadas hollywoodianas sem a menor graca vaos endo jogadas ao espectador, exemplo disso e a premissa "argofuckyourself", repetida mais vezes que o necessario por inumeros personagens. So pra nao deixar passar, Argo e o nome do roteiro do filme-fake. Embora tenhamos um inicio promissor, o resultado final acaba por se revelar uma verdadeira besteira, totalmente esquecivel como a maioria das questoes levantadas pelo filme. Se voce nao for norte-americano, metade dessa historia ja nao deveria ser tao fascinante assim.Ben Affleck amadureceu? Sim, de forma espantosa. Mas dai ate lhe responder com o Oscar de Melhor Filme e um tremendo exagero ufanista, que so nao percebeu quem nao quis. E ainda teve gente exigindo Oscar
Nao se sabe muito bem qual o momento de dar fim a alguma coisa. Simples. Em qualquer tipo de situacao prazerosa o fim e sempre a pior parte. O termino de um relacionamento de marido e de pai, o esquecimento de um ciclo coletivo e valorizado e os prazeres dos vicios mundanos sao temas abordados pelo eficiente Despedida em Las Vegas (1995), filme do duvidoso diretor Mike Figgis.A obra anda sobre cacos afiados, todos pertencentes a vida de John O"Brien, que se suicidou dois meses depois de lancar o livro em que se baseou o filme. Trata-se de uma projecao que sangra todos os percalcos da vida desse homem alcoolatra, abandonado em suas conviccoes e sonhos. A fidelidade as folhas e emocionante, mesmo que melancolica, induz a um sentimento prioritario a qualquer ser humano: solidariedade. Nessa obra, entao, somos levados a vida de dois socios de uma vida miseravel, necessitados do carinho do mundo, mas jogados cada vez mais em direcao ao abismo da solidao e da morte.Ben, personagem de Nicolas Cage, e o sujeito quebrado que vai levantar as pautas produzidas por O'Brien e, mais tarde, por Figgis. Um homem sem emprego, jogado pela mulher e esquecido pelo filho, e que, para somar como argumento, tem um vicio terrivel no alcool, atropelado pela sua condicao. De forma mais simples, o individuo e um beberrao abandonado pelas pessoas mais importantes de sua vida. Nao pense, assim, que Ben possa ser uma personagem superficial, pelo contrario, o roteiro e tao rico que a figura desse homem cresce assombrosamente, focando numa fragilidade plena no semblante de Cage, estourando um balao de melancolia que arrasta toda nossa atencao para o trabalho de atuacao, de fato, a ser aplaudido.Quando Ben decide se mudar para Las Vegas e la beber ate morrer, seu mundo vira de cabeca para baixo. Ele conhece Sera (Elizabeth Shue, exuberante), uma prostituta que se apaixona por Ben e compoe a atmosfera mortal que acompanha os personagens. Sera surge para tornar nitida a situacao precaria em que Ben se afunda cada dia um pouco mais, e sera, ate o fim, a mao amiga que levara o cara ate a beira do precipicio. Se existe tentativa de controlar a furia de Nicolas Cage, Elizabeth Shue devolve tudo com flores mortas. Sua situacao tambem nao e forte o bastante para salvar Ben, mesmo que ela o entenda, seu unico artificio e ser companhia de um homem rejeitado.Nicolas Cage poderia ter uma carreira brilhante e invejavel. Comecou bem. Ainda muito novo, recebeu essa indicacao ao Oscar, saiu vencedor e louvado do Kodak Theatre; era o proximo-homem do Cinema. Seu talento deixou o mundo espantado. A caracterizacao perfeita do sujeito alcoolatra que anda aos tropicoes em busca de morte, e que seja, enfim, a vida; a transicao da mente sobria para a aura fantasiosa e de novo para a sobriedade, culminando na depressao; faces de um mergulho existencial do ator em busca da verdade. Extremamente detalhista, Cage realmente impressiona em cena. Da fragilidade, aparente na cena em que, no meio do sexo oral, pede que Sera pare
e volte a conversar com ela, demonstrando profunda habilidade do ator, ao ter que migrar da gloria ao prazer (estimulado por drogas), para a sutil percepcao humana, ate a infantilidade e agressividade habituais em pessoas alcoolatras.Cru e vazio, Nicolas Cage levou muito a serio o perfil do homem inconsequente, brincalhao. Talvez, hoje, esteja perdido no mundo e nas ideias como Ben estava. Diferentemente, em Ben ainda havia uma consciencia forte de seu estado, da sua falta de relevancia.
A prova maxima da influencia de Bette Davis no Cinema esta em A Estranha Passageira (1942), bem no instante em que a atriz entra em cena. O diretor Irving Rapper usa sua camera para fazer suspense quanto a presenca da atriz em seu filme. Primeiro mostras as maos, depois faz ela descer um lance de escadas mostrando so a silhueta da atriz, quando, passeando pelo novo mundo daquela personagem, foca, finalmente, no rosto estelar e aflito de Davis.Charlotte Vale e uma das figuras mais marcantes que Bette Davis interpretou, seja pela eficiencia do produto final, que resultou num filme impecavel para a epoca, e tambem certificado na pele da atriz. "A Estranha Passageira" sofre de um mal comum, o tempo. As relacoes propostas pelo filme, tanto as relacoes familiares tao conservadoras e ineficientes do comeco dos anos 40, como na atitude libertadora de Charlotte, se encaixam muito bem no tempo em que estao, porem, envelhecem. As formas de persuasao entre membros da mesma familia ja nao sao as mesmas, por isso, parece ser um filme muito distante da realidade contemporanea, o que tambem nao deve colocar em cheque todo o trabalho dos envolvidos no filme, mas, infelizmente, o sentimento de busca de identidade daquele mundo fica cutucando o espectador durante toda a projecao.Davis e a filha controlada pelas vontades e pulso firme da mae, interpretada com forca por Gladys Cooper. Mais do que tentar se libertar das redeas da mae, Charlotte procura por uma personalidade propria, o que ja e um ponto muito positivo para o filme, descentralizando a figura da mae, que aparece mais como uma coadjuvante de peso, pronta pra tornar a vida da filha um verdadeiro inferno na Terra. O conceito de epifania esclarece bem o que tenta ser a personagem de Bette Davis: o autoconhecimento, a aparicao e a manifestacao do que "sou" na verdade. Ate la, Charlotte ainda e vitima da tirania da mae, que a transforma numa mulher a beira de um ataque de nervos. A inseguranca reina no semblante da filha.Fica dificil saber a idade de Charlotte, presa numa narrativa nao-linear que foge dos preceitos da epoca. Hora com 18 anos, alegre, feliz, pronta para amar, hora com 27, amargurada, afundando na tristeza. A via-crucis de Charlotte se completa com o aparecimento de uma paixao na viagem de navio rumo ao Rio De Janeiro. As proibicoes desse amor correspondido levam Charlotte a repensar sua vida, que numa volta triunfal, assume a postura da mulher dominante, dona do proprio nariz, mas que, ainda, tem o abismo diante de seus pes: a mae.Mais uma vez, sempre com muito merecimento, Bette Davis teve sua atuacao indicada ao Oscar, quando, dessa vez, acabou perdendo para Greer Garson, que na epoca foi premiada por um trabalho em parceria com William Wyler - o fantastico Mr. Wyler. Na dor, na esperanca, na prisao ou na duvida, onde estiver, repito, Bette Davis estara no unico lugar em que deveria estar. "E com isso cortei tambem a minha forca. Ouca: respeite mesmo o que e ruim em voce, sobretudo o que imagina que
e ruim em voce - nao copie uma pessoa ideal, copie voce mesma - e esse seu unico meio de viver (...) Pegue para voce o que lhe pertence, e o que lhe pertence e tudo o que sua vida exige (...)Gostaria mesmo que voce me visse e assistisse minha vida sem eu saber. Ver o que pode suceder quando se pactua com a comodidade da alma".Clarice LispectorSe existe uma coisa que os filmes indicados ao Oscar 2013 realmente nao conseguiram foi unanimidade, e aqui eu quero dizer, claro, que nem algo proximo a isso foi visto. Pudemos ver, por exemplo, Os Miseraveis agradar muita gente e, ao mesmo tempo, ser regurgitado por outra grande parcela dos espectadores. Prova disso e que o mesmo aconteceu com Lincoln, As Aventuras de Pi, Argo (talvez o mais proximo do caloroso abraco do publico), O Lado Bom da Vida, A Hora Mais Escura e o proprio Indomavel Sonhadora - acho que Amor e o unico que nao entra nessas estatisticas um tanto improvisadas.Indomavel Sonhadora (Beasts of the Southern Wild, EUA. 2012) mergulha num universo de magia e instintos humanos, tornando-se severamente contemplativo, dai, talvez, venha a sua condicao de nao agradar a todos: o filme em nenhum momento e auto-explicativo, pelo contrario, exige do publico comprometimento e um coracao sensivel pronto para navegar na precaria zona de mangue de Nova Orleans, onde se passa a historia da roteirista Lucy Alibar e do diretor Benh Zeitlin.A fita se passa num lugar denominado "A Banheira", uma ilha no meio de uma barragem, que apos a passagem do furacao Katrina fica totalmente inundada e praticamente inabitavel. Nesse lugar, cresce de forma instintiva a pequena Hushpuppy (Quvenzhane Wallis). Embora a menina viva com o pai (Dwight Henry), este nao se mostra um perfeito educador, delegando a filha mais forca e garra do que uma crianca na idade dela deveria ter. O ponto alto e central do filme fica mesmo na relacao de interdependencia entre a menina e o pai, que arrasado numa doenca silenciosa, desconstroi a imagem do pai protetor visando o crescimento do instinto de sobrevivencia da filha. Zeitlin responde de forma muito bela em seu primeiro longa. A fotografia iluminada preenche o mundo fantastico de Hushpuppy, a trilha sonora e carinhosamente trabalhada na emocao das personagens, sem contar a linda camera que se movimenta como se lutasse contra um naufragio, buscando sempre na presenca de sua protagonista o suspiro seguinte. A grande beleza de indomavel Sonhadora revela-se na construcao conquistadora do mundo de Hushpuppy. A mente que briga animais fantasticos, que fogem de algum dos extremos do planeta para encontrar a menina ali naquele cenario desolador, tambem e a mente guerreira de uma comunidade toda, que as margens da sociedade, vai alongando o tempo de vida naquela regiao perigosa. Hushpuppy e o simbolo de um ideal comum aquelas familias: Ser do lugar que te pertence. A concretizacao da figura da menina com simbolo se da principalmente pela forca eloquente do pai, que sem a figura da mae desaparecida, vai injetando em Hushpuppy os mais diferentes instintos animais,
provocando uma agigantamento impressionante da menina, que tem tambem na narracao o seu principal veiculo de convencimento do publico. Basicamente, quem ve na garotinha a chance de controlar esses instintos de sobrevivencia, da com os burros n'agua. Hushpuppy e blindada, uma fusao de inocencia e forca bruta.Quvenzhane Wallis, indicada ao Oscar de Melhor Atriz, e uma real forca da natureza. A pequena garota de sotaque sulista destacado, gera no espectador momentos de puro desarme, onde as limitacoes de cada um passam a ser ultrapassadas e a revelacao de uma nova pessoa pode acontecer. Wallis preenche a tela com a natureza de sua imagem e interpretacao, reserva para sua personagem cada espaco vazio, cada sensacao desconfortavel, cada nova esperanca de dias melhores. Um brinde e muita saude a menina Wallis.
Al Pacino ja era um ator consagrado quando finalmente recebeu seu primeiro e unico Oscar. Alguns de seus filmes se tornaram classicos dentro da historia do cinema e, claro, que muito disso vem da presenca do ator. Quem nao se lembra, por exemplo, da magnifica interpretacao de Pacino em Um Dia de Cao (1975), do vigor de sua arte em Serpico (1973), ou da extrema entrega de Scarface (1983)? A verdade e que nessa incrivel carreira tem filme bom que nao acaba mais. E nao e pretensao cita-los, e fato. A trilogia O Poderoso Chefao, Donnie Brasco, O Pagamento Final e mais uma serie de outros titulos sugerem uma trajetoria estelar, de muito reconhecimento e de continuidade inegavel. Atualmente, Al Pacino resolveu brincar de fazer cinema. Brinca tanto a ponto da duvida pairar sob sua figura. Quem se propoe a conhecer Al Pacino como ator dos anos 2000 tera poucas surpresas boas. Entao, sugiro que volte no tempo e conheca o monstro que habita a alma desse ator.Perfume de Mulher (1992) respira ares de Al Pacino. Se imaginar o filme sem o ator, fica dificil acreditar que o resultado pudesse ser o mesmo ou ate mesmo levemente parecido. A criacao de um personagem consumido por padroes e preconceitos, que ele mesmo lanca e que tambem o atingem, deram a chance que Al Pacino buscou a vida toda: uma interpretacao complexa e emocionante. Sim, mil personagens com as mesmas caracteristicas passaram pela vida do ator, mas nenhum com a carga de vida e experiencia contida em seu cerne como o tenente-coronel cego Frank Slade, o dual e notavel personagem de Al Pacino.A cegueira e o maior empecilho na vida de Frank, obvio, e no feriado de Acao de Gracas junto de uma especie de cuidador, interpretado por Chris O'Donnell, resolve fazer uma viagem a Nova York, onde vai desfrutar dos maiores prazeres da vida, segundo ele, antes de cometer suicidio. Frank permanece recluso, morando nos fundos da casa de uma parente. As pessoas que se aproximam dele possuem serias dificuldades em manter convivencia, seja pela falta de empatia suplantada pela arrogancia do militar ou ate mesmo pelo estilo de vida extremamente reservada, contida em ambientes escuros, frios e carregados de sentimento de impotencia.A viagem ate Nova York, o recheio desse bolo, implica na visualizacao real da personagem de Al Pacino. Aquele homem recluso e deprimido se revela, entao, um sonhador. Aquele tango fascinante, em que o ator desfila todo seu charme e talento, e um exemplo digno de uma vida deixada para tras, de um sentimento pedindo olhos, bocas e poros abertos. Da-se, entao, a explosao na atuacao de Pacino.O'Donnell ate tenta dividir o protagonismo do filme com o veterano, mas a tarefa se traduz numa impossibilidade catastrofica, pontuando um filme nao tao bem-sucedido no seu final, lancando inumeros cliches e sensacoes ja vividas, ja vistas. Mas Al Pacino e genio. A magia de seu trabalho resplandece aos olhos de qualquer um, mesmo no seu olhar vazio e que nada ve, mas que encanta e supera milhoes de finais felizes. Bette Davis deve
agradecer na eternidade a chance que teve de trabalhar os mais diversos tipos de personalidade que algumas mulheres podem desvendar ao longo de sua vida. De mentirosa a mocinha, de louca a assassina, todos quase sempre sob a batuta de um diretor bastante sensivel, pronto pra tirar o sangue da atriz, sem que ela abandone a mais bela das coisas da arte de atuar: a naturalidade. Despe-se de sua vaidade - e, por isso, acho Kate Winslet tao parecida com Davis - com uma forca muito natural, mistificando a si propria como uma atriz inabalavel e inatingivel. Simplesmente, alguns nascem destinados a fazer exatamente aquilo, prova disso e o talento e infinitas oportunidades que Davis encontrou em sua caminhada. Onde quer que ela estivesse, aquele era o unico lugar que ela deveria estar.Em A Carta (1940), segunda parceria da atriz com o diretor William Wyler, novamente temos uma atriz entregue ao papel, consumida pelos misterios e focada no destino de sua personagem. Fazer o espectador acreditar piamente naquilo que esta vendo nao e tarefa facil, mas, como ja citado, Bette Davis exala ar fresco, restando como unica opcao viver o drama que ela vive. Pouquissimos atores tem esse poder de convencimento, de controle absoluto de cena e dos olhares.Leslie Crosbie, personagem de Davis em "A Carta", e um prato cheio para a destemida atriz, que habitualmente deita e rola com a historia dessa mulher com aspectos duais. Leslie e americana e mora na Asia com o marido (Herbert Marshall) e, num dia qualquer, apos momentos de desespero acaba matando um homem que tentou violenta-la. Com o apoio de marido e do advogado, Leslie alega legitima defesa. O que a mulher nao contava era com o aparecimento da viuva em posse de uma carta, revelando uma ligacao muito maior entre vitima e suspeito.O desespero anda de maos dadas com Leslie, que alem de temer que seu segredo seja desvendado, tambem assume uma postura enigmatica quanto ao limiar de todos os problemas. Na verdade, se existe, sobretudo, falhas na conducao do filme, provavelmente essa se perde na poderosa presenca de Davis, que nao deixa mais espaco para outra conclusao. Leslie esbanja comprometimento mesmo nas cenas mais descartaveis, em que a tensao de sua postura simplesmente nao cai, pelo contrario, e como alimentar dragoes.A personagem no filme rendeu a quarta indicacao oficial de Bette Davis ao Oscar, que, naquele ano, nem ela e nem Katharine Hepburn tiveram chances contra Ginger Rogers, premiada pelo papel em Kitty Foyle (1940). Embora nao seja dos melhores filmes da carreira da atriz, Bette Davis reune todos os pre-requisitos para estar em qualquer lista de qualquer premio.
"Diego, houve dois grandes acidentes na minha vida: o bonde e voce. Voce sem duvida foi o pior deles."Se entrasse numa tela, a vida de Frida Kahlo nao seria tao superlativa como se pode imaginar. Nao e questao de ser nem de ter, e so uma constatacao humana. A pintora mexicana viveu uma vida bem simples no que se pode traduzir nos dias de hoje, viveu como quis, mas apenas vivendo. Ha quem pensa que o vendaval que foi Kahlo depende muito de uma vida insana, regada a droga e bebida ou, ate mesmo, assombrada por amantes autoritarios, mulheres com tendencias apaixonantes e quadros de peso crucial para uma personalidade desconcertante. Frida foi uma mulher em cem mil. A prova de sua humanidade esta na sua arte, na sua liberdade.Frida (EUA, 2003), filme da diretora Julie Taymor, brilha exatamente no seu proposito libertario, contar aos trancos e barrancos a vida solar de uma mulher que enfrentou questoes postumas, momentos violentos e como transferiu a tragedia e a simplicidade para seu trabalho. Quem planta pecado nao colhera Deus e Frida somente sonhou em com o viver. No papel da pintora esta a tambem mexicana Salma Hayek, que tambem entrou como produtora da obra. Salma e indiscutivel na sua representacao de Kahlo, a atriz tem em seu cerne a admiracao pela artista, e algo que acontece em poucos encontros, talvez o mais visivel a curto passado seja a performance assombrosa de Marion Cotillard como Edith Piaf. O fato de existir um sentimento nacional entre uma artista viva e outra morta e palpavel e quase olfativo nesses filmes biograficos. Sao performances catastroficas dentro do proprio caos. Talvez entenda assim o que e sentir a liberdade atraves da tela. La pelas tantas de sua vida, Frida Kahlo protestou vivencia, conquistou seus contrarios e foi montando um sensacional roteiro de vida, isso torna o filme tao interessante, tornando desnecessaria uma postura avaliativa. Seu principio e conquistar sem ao menos te forcar a nada. Frida faz isso sozinha.Com a dor crescendo a olhos nus, a perseguicao da essencia de Kahlo e, de fato, um senso e uma direcao tomada por todos os profissionais do filme. Alguns pensam e veem uma mistificacao em torno da figura da pintora, mas nao, e so uma obra pronta pra declarar a relacao social e humana da arte e do sofrimento, da liberdade e da lagrima. Aqui, Kahlo esta onde deveria estar, sem estrelismos, apenas conquistando, causando reconhecimento.O relacionamento com o artista Diego Rivera tambem e abordado dentro da perspectiva cinematografica, somando mais humanidade as contradicoes (ainda assim, normais) de Frida Kahlo, entenda que seus problemas so estavam visiveis a outros olhos humanos.Movimentista, louca, conquistadora, pataquada, egocentrica, e muitas outras caracteristicas foram aplicadas na personagem real. O que e verdade? Nao sei. A percepcao da mao hollywoodiana fica naquele singelissimo bigode ostentado por Salma Hayek, quando, na realidade, todo mundo que conhece Kahlo sabe que ali existia um vasto bigode. Rivera (interpretado pelo otimo Alfred Molina) tambem parece mais plausivel na sua arte do que na representacao do cinema, alguns o acusavam de