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contido na pasta do comercial Whiskas. Segundo ele, no caso Whiskas existem quatro situacoes (cenas), tendo como pano de fundo um trabalho semiotico. Para cada sequencia ha sapatos especificos.Ainda sobre o comercial Whiskas, Theo comentou: Foi apresentada a mesma cozinha com varios angulos diferentes.Foi tambem elucidado as mock ups que aparecem no video (maquetes), que segundo Theo, se traduzem numa representacao do produto artisticamente feito. Diz Theo: Existem verdadeiros laboratorios de criacao de mock ups.Outros comerciais como o comercial da Directv e outro feito para o Governo de Minas Gerais, tambem foram mostrados.Theo faz mais algumas elucidacoes:O importante e entender a importancias da producao. As coisas podem ser bem planejadas. O que eu acho importante e isso: Da pra fazer. Claro que quando se trata de uma filmagem de 30s, o minimo detalhe e um processo.Quando falamos em producao executiva, nao falamos que e uma pessoa em si, mas uma instituicao. Quem define como e onde comecar e o produtor junto com o diretor em relacao a n variaveis.Theo tambem desenhou uma especie de esquena da hierarquia da producao, que reproduzimos abaixo. O esquena mostra os diversos membros da equipde de producao e seus respectivos assistentes. Clique na figura para visualiza-la ampliada: Sobre o esquema, comentou Theo: Essa estrutura que eu estou mostrando mostra que e importante assumir esses papeis. Mesmo amadoristicamente fazer filmes e fazer um trabalho importante. Todo esse processo demanda aprendizado como qualquer profissao. O dia que eu souber o suficiente para imprimir meu estilo ai eu aprenderei. Theo, pediu um Dever de Casa para o nosso grupo, tendo como base um briefing. Por enquanto eu quero que a gente faca a decupagem como produtor, se perguntando: Isso vai ser filmado onde? E importante que voces orcem esse filme. E por fim mostrarei o filme realizado.Thiago Franklin finalizou a aula deste ultimo Domingo com a exibicao do curta Mudanca de rumo,com roteiro e direcao de Ana Maria Martins.Alguns extras do filme Up, altas aventuras, que ilustram com entrevistas precisas aspectos da producao de num filme, tambem foram mostrados.Abracos a todosAte a proxima!
nesta epoca. Neste instante, Guigo comentou que o movimento de videoarte dos anos 80 tinha uma visao similar ao movimento dadaista, mas muitos artistas nao tinham uma causa para se rebelar, por isso muitos trabalhos nao faziam muito sentido. Comenta o professor: Eu nao tenho problema nenhum com o rompimento das regras, mas tenho que saber onde eu quero chegar. Voltando ao Entracte, o professor ainda comentou: Foram produzidas tres versoes de musicas para esse filme. Renoir e os outros artistas tinham uma preocupacao em discutir o papel da arte dentro de uma discussao politica. A aula prosseguiu elucidando a figura de Vertov: Na Uniao Sovietica contemporanea dos jovens materialistas como o Einsestein surgiu Vertov, que se distinguia da maioria dos cineastas da epoca. Vertov se tornou um cineasta oficial. Criou uma nova cara para o cinema. Ele propos o filme Um homem com a camera. Este filme nao e um documentario que narre alguma coisa, mas mostra imagens sensoriais. Vertov vai procurar expor esse cotidiano de forma poetica. Num determinado momento a camera de assume. Isso se verifica no Cine olho/cine verdade, ou seja, aquele cinema direto, nao muito elaborado. Vertov vai inclusive fazer varios pararelos do olho humano tal como fossem persianas. O professor mostrou o video da abertura do filme citado, elucidando que o filme simboliza exatamente o processo quas artesanal da producao do cinema. Sobre a cena, onde uma mulher esta costurando, Guigo comenta: Vertov vai tratar o processo de fazer um filme tal como se fosse um processo de costura. Vertov lida muito bem com a questao ritmo, do dominio do tempo e da manipulacao do tempo. Hoje aqui em Belo Horizonte existe uma dupla chamada Grivo que faz um trabalho parecido tal como se fazia nauquela epoca. A aula prosseguiu mostrando um trecho de uma sequencia de perseguicao do classico O iluminado (The Shinning, 1980)de Stanley Kubrick, com Jack Nicholson. Durante o inverno, um homem (Jack Nicholson) contratado para ficar como vigia em um hotel no Colorado e vai para la com a mulher (Shelley Duvall) e seu filho (Danny Lloyd). Porem, o continuo isolamento comeca a lhe causar problemas mentais serios e ele vai se tornado cada vez mais agressivo e perigoso, ao mesmo tempo que seu filho passa a ter visoes de acontecimentos ocorridos no passado, que tambem foram causados pelo isolamento excessivo. O professor comenta: Na ultima aula eu trabalhei a sequencia de perseguicao. Aqui existe um outro componente, o terror e a tensao. Em relacao a sequencia do labirinto, onde Jack Nicholson persegue o garoto, o professor chamou a atencao para a questao da duracao dos planos: Presta atencao na duracao dos planos...(...) Esse labirinto e bem menor do que aparenta no filme. O professor chama a atencao para a figura da personagem de Shelly Duvall no filme, que segundo ele funciona simbolicamente como um carrinho de frutas, ou seja, a figura da personagem e um observador externo a perseguicao, que no processo de montagem e um elemento que redimensiona, oferece mais tempo a sequencia da acao, permitindo avancos no tempo e
no espaco. Sobre a sequencia do labirito, o professor ainda tece alguns comentarios: O Kubrick fo bem preciso nesta sequencia. Quando ele quer deixar a sensacao que o menino esta fugindo, mostrando o menino correndo. Em Seguida, Guigo chama a antecao para o posicionamento da camera na cena final, da derrota de Jack Nicholson: O Kubrick joga muito bem com a musica e o som de vento. A aula prosseguiu elucidando o genio Alfred Hitchcock. O professor comenta: O que e o suspense? E a antecipacao. O expectador tem uma informacao que o personagem nao tem. E a sensacao de estar suspendido...quando eu sei, mas nao posso interferir. O Hitchcock e o grande dominar do tempo. Ele consegue esticar e comprimir o tempo, manipulando as emocoes do jeito que ele quer. (...), O tempo cinematografico nao e o mesmo tempo da vida real. No cinema, se eu vou tomar agua, ja me cortam com o copo na mao...O Hitchcock vai jogar tudo isso isso, dando a sensacao que as coisas sao externas. Ele vai oferecer sensacoes como se tivesse passado um tempo enorme(...). O professor prosseguiu elucidando o classico de Hitchcock, Janela indiscreta (Rear Window,1954), com James Stuart e Grace Kelly: Um fotografo ve o mundo atraves da janela. Isso e o cinema! Esse filme e uma grande metafora do cinema. Com a lente da camera vemos o filme sob os olhos do James Stuart. Tudo o que ele ve a gente ve junto Em seguida, foi exibida algumas cenas do referido filme. Guigo comenta: James Stuart liga para o cara...a Grace Kelly vai para o jardim. As imagens do James Stuart que aparecem constante, funcionam como um carrinho de fruta. O Hitchcock cria um elemento no filme e reveste de uma importancia que nao tem...O telefonema nao serve para nada! Guigo ainda elucida que varias sequencias mostradas, como uma mulher se matando, servem apenas como um elemento para compressao do filme. Alem disso, Os elementos minuciosos usados por Hitchcock, como o proprio vestido usado por Grace Kelly, e proposital, para desviar a atencao do telespectador. Da a impressao que passou muito mais tempo, pelo tempo que ele estendeu para comprimir. Existe o jogo do ver e nao ver entre os personagens. Quando a policia chega ja um certo alivio na conclusao da cena. O professor tambem comentou o quao infelizes sao alguns cineastas que tentam refilmar os classicos de Hitchcock: Dai que na refilmagem de Psicose nao existe o mesmo time e precisao. Hitchcock coprime, ri da cara da gente o tempo todo! O professor seguiu a aula comentando outro classico de Hitchcock: O homem que sabia demais (The man who knew too much, 1956). Na trama do filme, pouco antes de morrer, um espiao ingles conta para o doutor Ben McKenna e sua esposa Jo, dois turistas inocentes, algum segredo que os envolve em um caso internacional de espionagem. Seu filho e sequestrado e, sem saber em quem confiar, eles tem de lutar para recupera-lo. Foi exibido o video da cena classica do concerto, no referido filme. O maestro da
Orquestra e Bernard Hermman. Essa foi a mais longa sequencia musical do cinema. Na musica executada, o apice e justamente no instante em que os cimbalos acabam transformando-se num verdadeiro instrumento da morte. No instante em que os cimbalos tocam, o assassino vai disparar um tiro contra o primeiro-ministro ingles nas dependencias do Albert Hall de Londres. Sobre a cena em questao, Guigo comenta: Percebam com ele vai usar os elementos, vai encolher e estender...A sequencia tem uma musica monotona, tocada pelo maaestro Bernard Herman. Mesmo nao sendo uma sequencia classica de perseguicao, ao mesmo tempo que ele vai criando um labirinto nas dependencias do teatro. Notem a precisao dos cortes em relacao a musica...ele mostra o vilao com um acorde presado. A musica e melancolica, pesada...Ele esta usando a mesma metafora do Janela indiscreta. A personagem de Doris Day esta ali amarrada, ela sabe o que acontece e nao pode falar nada. Cada vez que entra um novo personagem, entra tambem um novo movimento. Ele vai esticando a sequencia, que ainda nao se resolveu...a mesma coisa que ele fez no outro filme. Depois ele acelera...e quem podia fazer alguma coisa ainda esta no mesmo ponto. Ele joga com a musica, que vai ficando chata, insurportavel...Ele vai trabalhando esta tensao ate o limite. Continuando o professor ainda comentou: Comecaram a crufificar o Hitchcock por que ele tinha uma boa nocao de montagem. Hitchcock se definia como expectador da vida. Era baixinho, feio...e a maneira dele se sobressair era pelo cinema. Entao ele, contrariando as expectativas, desenvolve um filme sem corte: Festim diabolico. Ele era um genio, que dominava a questao de tempo e montagem como ninguem. Montagem nao e chamar a questao para uma realidade que se quer ver? Neste filme ele mantem toda as questoes do suspense e da tensao. O professor mostrou um video o filme citado, Festim Diabolico (Rope,1948). No filme, Brandon (John Dall) e Philip (Farley Granger) matam David Kentley (Dick Hogan), um colega da escola preparatoria, apenas para terem a sensacao de praticar um assassinato e provar que conseguem realizar o crime perfeito. Para desafiar os amigos e a familia, resolvem convida-los para uma reuniao no apartamento deles, onde colocam a comida em cima de um bau e dentro do mesmo esta o corpo da vitima. O professor comenta: Existe o tempo todo uma insinuacao de uma ligacao homossexual entre os dois personagens principais. (...) A janela ao fundo mostra uma pintura da cidade de New York, que vai escurecendo ao logo do filme...e uma pintura falsa. (...) O filme chama-se em Ingles A corda. Quando voce tira sse nome traduzindo de forma diferente, voce tira a forca do filme. Hitchcock edita o filme na medida de onde ele coloca a camera. Ele fez um filme continuo, sem cortes, utilizando longas sequencias. A aula prosseguiu a aula elucidando o aspecto da montagem no classico, Ladroes de Bicicleta, de Vitorio de Sicca; filme este que ja fora elucidado anteriormente em nossas aulas pelo professor Rafael Ciccarnini. O filme mostra a comovente historia do pai e seu filho em
busca de sua bicicleta roubada, da qual depende a manutencao do emprego recem obtido e a manutencao da familia. Comenta Guigo: Este e considerado um dos filmes mais importantes do neorealismo italino. O neorealismo tras cineastas que, sem grandes recursos financeiros, vao para as ruas filmar gente. O professor tentava chamar a atencao para o fato de que nos filmes neorealistas Italianos, podemos perceber gravacoes em amplos exteriores, planos sequencia, participacao de nao-atores nos papeis principais. Estes filme tambem tentam elucidar tematica da miseria, da solidao, do sofrimento, o realismo em primeiro lugar, em certos momentos de linha documental, elementos que vieram influenciar cineastas e movimentos cinematograficos do mundo inteiro em diferentes epocas, inclusive o Cinema Novo, no Brasil. O professor comenta: A crianca no filme simboliza o fim da inocencia que a guerra trouxe, o menino tem que ver o mundo com ele e. Em seguida, Guigo mostrou um video do filme Ikiru (1952) de Akira Kurosawa.filme trata da existencia humana com extrema beleza e poesia ao destrinchar a historia de um homem que se ve a beira da morte. O professor comenta: Filme como esse tem uma volta para o ser humano. O tema e social, mas estou preocupado como isso se reflete no ser humano. Estou vivendo uma situacao minina..de repente o mundo cai em cima de him. Continuando a elucidar filmes semelhantes com temas sociais, o professor citou o filme Kasper Hauser, do diretor alemao Erner Herzog, que tras a historia de um jovem que viveu durante toda a vida em um cativerio. O professor mostrou tambem um video sobre o filme, e comentou: O diretor nao e exatamente um humanista neste filme...Ele resolve pensar o filme para fazer. Ele tinha uma relacao de amor e odio com o ator principal, klaus Kinsk, que e o pai da atriz Natasha Kinsk. O filme e baseado em fatos reais. Eles vao criando Kasper Hauser, descobrindo que ate os 20 anos ele nao via as pessoas. colocam kasper Hauser num circo de aberracoes...ate ele ser assassinado misteriosamente.No filme, hora nenhuma o diretor cai na solucao facil do plano contra plano. A aula prosseguiu com Guigo elucidando o movimento da Novelle vague. A Nouvelle vague (Nova onda) foi um movimento artistico do cinema frances que se insere no movimento contestatario proprio dos anos sessenta. Sem grande apoio financeiro, os os filmes da Nouvelle vague eram caracterizados pela juventude dos seus, unidos por uma vontade comum de transgredir as regras normalmente aceites para o cinema mais comercial. Segundo Guigo, os jovens cineastas deste movimento foram inspirados por Andre Bazin. Os cineastas mais relevantes desse movimento sao Jean-Luc Godard, Francois Truffaut, Alain Resnais, Jacques Rivette, Claude Chabrol e Eric Rohmer. Curiosamente, um dia apos nossa aula deste Domingo. Eric Rohmer faleceria. Sobre o Nouvelle vague, Guigo comenta: Se o neorealismo e o cinema japones estavam voltados para o ser humano no meio social, a Nouvelle Vague vai questionar a adaptabilidade do ser humano no seu entorno. Como o cotidiano influiu na personalidade das pessoas. Com o proposito de ilustrar um pouco a atmosfera
desse movimento, o professor exibiu alguns trechos do filme O acossado (A Bout de Souffle", 1960), de Jean Luc-Godard. Comenta o professor: Na Paris dos anos 60, Um jovem ladrao de automoveis (Jean-Paul Belmondo) mata um policia e foge com a sua namorada americana (Jean Seberg) para Paris.Os cineastas da Nouvelle vague tinham uma profunda admiracao pelo cinema medio norte americano. Mostrando alguns cortes do referido filme, o professor salienta: Esses cortes nao sao acidentes. Ele nao esta preocupado com os angulos. Existem varios cortezinhos que se consagraram como uma estetica. Ele tirou os pontos mortos da cena e gostou do resultado. Thiago, membro do nosso grupo, chamou a atencao para um provavel erro de continuidade existente numa cena, onde a atriz primeiramente esta sem oculos. A imagem corta logo em seguida para a atriz sem o par de oculos... Guigo elucidou que talvez isso tem sido algo proposital, ja denunciando um pouco do estilo Nouvelle vague. O professor tambem comentou sobre o filme Alphaville, tambem de Godard. Foram exibidos alguns trechos do referido filme. No filme, a populacao da cidade futurista de Alphaville e dominada pelo computador Alpha 60 que aboliu os sentimentos. O professor comenta: Talvez o mais condicional sob o ponto de vista da linguagem seja ese filme. Godard traz a literatura Pulp, a qual ele era fascinado. Ele resolveu fazer uma ficcao cientifica. O computador Alpha 60 proibe as emocoes. O Godard tem muito a preocupacao existencialista. Esse filme vai questionar: Por que quem me dominar e tambem quem me deixa falar? A aula prosseguiu elucidando o cinema novo brasileiro. O professor comenta: O cinema brasileiro, nos movimentos que haviam ate entao, nao era um movimento de proposicao de nada. Nao havia ate entao uma forma de fazer....Com o eco do neorealismo italiano, varios cineastas comecam a questionar. Na Franca surge a Nouvelle vague. No Brasil, o cinema novo nasceu com uma perspectiva de falar conta a opressao, mas nao do jeito que as massaas queria ouvir, pois era um cinema feito para intelectuais e artistas, mas nao para o publico medio. O cinema novo foi o cinema que ajudou a transformar a cara do Brasil. O cinema novo questiona a sociedade sob o ponto de vista da imprssao. O grande expoente do cinema novo foi o Glauber Rocha. Estava contido ai o cinema marginal..que questionava o cotidiano, a familia, a vidinha....com o brega e o samba de morro. Eu sou muito suspeto para falar do cinema novo, pois eu sou Glauberiano convicto. O professor prosseguiu a aula exibindo algumas imagens do filme Deus e o Diabo na terra do sol, de Glauber Rocha. No filme, um sertanejo de nome Manoel decide juntar-se a um grupo religioso liderado por um santo (Sebastiao) que lutava contra os grandes latifundiarios e em busca do paraiso apos a morte. Os latifundiarios decidem contratar Antonio das Mortes para perseguir e matar o grupo. Comenta o professor sobre o filme, comparando uma determinada cena sobre a famosa cena da escadaria de Odessa, de o Encouracado Pontenkim, de Eisestein, ja elucidado em nosso curso
pelo professor Rafael Ciccarini: Ele vai matar o fanatismo a religiao e a fuga facil da violencia. Lembra o encouracado Potemkim. Ele mostra o Antonio das mortes varias vezes do mesmo jeito do instrumento da reperssao do Pontemkim. Sobre o personagem de Yonna Magalhaes, que no filme faz a esposa do sertanejo Manuel, o professor comenta: O tempo todo a Rosa e o unico personagem que tem o pe no chao. O Antonio nao tem os pes no chao quanto ela, mas e o unico que atua, nao so reage.... O professor prossegue: E uma cinema que ja nao esta tao preocupado com a continuidade e a logica espacial. A musica de cordel aparece como um coro da tragedia grega que explica a acao e apresenta os personagens. Sobre as cenas finais do filme, Guigo comenta: Quando a Yona Magalhaes cai e tropeca correndo, nao existe leitura, nao existe explicacao. Ele vai terminar o filme na fronteira entre o mar e o sertao. Ele sai do Cordel e vai para o Vila Lobbos. O filme esta editado de forma que os personagens sao constituidos de forma alegorica. O Glauber e o cinema novo de forma geral neste momento estavam fazendo um chamado para a esperanca. Ele acredita na luta do homem. Em seguida o professor abordou o filme Terra em transe, tambem de Glauber Rocha. Num pais ficticio chamado Eldorado, o jornalista e poeta Paulo (Jardel Filho) oscila entre diversas forcas politicas em luta pelo poder. O professor comenta: Se em Deus e o diabo ele trabalhava alegoricamente, aqui ele abandona completamente isso. Tudo e uma encenacao aqui. Nao tem o titulo de verdade. Foi tambem comentado, o filme O bandido da luz vermelha, de Rogerio Sganzerla: Esse filme tem uma influencia da Nouvelle vague francesa. Baseado na historia real do bandido da luz vermelha, este e um filme completamente alegorico, com elementos pois radical que o cinema novo. Aqui comeca a questao do cinema novo vrsus underground....a interacao das coisas. A narrativa vai sendo construida quase como um videoclipe. Rogerio vai jogando com essa estrutura Pop o tempo tudo. Tudo e possivel. Ele encontra uma forma diferente de falar, mas nao quer mobilizar. A intencao aqui e criticar. Em seguida, o professor comentou sobre outro filme de Sganzerla, que se revela no cinema marginal, que segundo o professor, ao contrario do cinema novo, vai para o protesto e o grito puro... O filme em questao e Sem Essa Aranha, de Sganzerla, montado em longos planos-sequencia e com a participacao de Jorge Loredo, o Ze Bonitinho, o professor comenta: O cinema marginal tinha a necessidade de incomodar e surgiu no final da decada de 70. O ze bonitinho naquele momento ja era um personagem da cultura popular. (...) O cinema novo era basciamente um cinema de comunistas radicais. O marginal tambem era comunistas. O cinema novo e suas influencias foi ultimo grande movimento do cinema infelizmente. No final dos anos 90 surgiu o dogma, um manifesto de alguns cineastas dinarmarqueses , trata-se de um ato de resgate do cinema como feito antes
da exploracao industrial feita por hollywood. O professor elucidou que apenas alguns filmes das decadas que se seguiram ousaram em sua estrutura. Ele citou uma excecao, o flme Corra Lola corra(Lola Rennt, 1998), do alemao Tom Twinker. O professor comenta: O filme mostra o dominio das cortes. As imagens filme tem uma estrutura pendular e em espiriral. Lembra O cd room...tem uma estrutura de videoclipe. Esse filme nao gerou uma onda de imitacoes, mas vai se apropriando das novidades tecnologicas da epoca em questao. E um filme em camadas. A aula foi finalizada com a exibicao do curta O Nordestino e o toque da Lamparina, de 1998, tendo o roteiro e a direcao de Italo Maia. O filme retrata a vida sofrida do sertanejo do Brasil, mostrando seus sonhos, fantasias e criatividade ao encontrar uma lamparina magica. Finalizamos por aqui, com desejos de um ano novo repleto de emocoes cinematograficas. Ate a proxima...
recreio ou na noite festiva, descendo desprevenidos para o desequilibrio e para a morte. . . E, em vos falando, com o meu sofrimento transformado em palavras, rogo-vos a esmola dos pensamentos amigos para que eu regresse a mim mesmo, na escabrosa jornada da propria restauracao. Psicografia de Francisco Candido Xavier. A aula prosseguiu com a exibicao de alguns curtas produzidos pela Escola. O primeiro filme exibido foi Os Peixes nao falam (2005), que tem roteiro e direcao de Gleiber Batista. No filme, uma desilusao amorosa leva um homem ao limite de sua existencia, provocando um confronto com forcas sobrenaturais. Thiago comenta sobre o filme: Esse filme foi rodado em pelicula...em 16 mm. Com a camera da escola, todo o audio teve que ser dublado, na pos producao pois a camera da escola nao e Blimpada. O curta seguinte, ja havia sido exibido anteriormente em nossa aula e valeu a pena ser visto novamente. Uma mulher desperta em ambiente estranho e, junto a um ciclista, ve-se aprisionada a uma perturbadora realidade. O filme tem roteiro e direcao de Gabriel Martins Alves. Thiago chamou a atencao para o recurso da animacao utilizado na cena do atropelamento: O recurso da animacao e usado como alternativa em cenas que nao sao possiveis filmar... (principalmente quando nao existe recursos). Existem varias maneiras de voce fazer uma cena de atropelamento. Abaixo a exibicao dos filmes citados, os quais tem a producao executiva de Claudio Costa Val. Obs: Os dois filmes estao no mesmo video abaixo: O proximo filme exibido foi Xeque-Mate (2005), de apenas 2 minutos de duracao. O filme mostra dois homens, um ambiente sombrio, um jogo de xadrez e nada de som... Um dos atores do filme e o proprio Claudio Costa Val, professor de nossa turma. O roteiro e a direcao sao de Pedro Di Lorenzo. Xeque Mate A mulher que sabia demais (2005), em seu prosseguimento a exibicao dos filmes. O filme, foi inspirado levemente no conto de Wood Allen. Uma investigacao leva um detetive a questionar seus sentimentos ao descobrir uma mulher exuberante e uma atividade proibida por lei. A Mulher que sabia demais O proximo filme exibido foi um curta de animacao chamado VOO (2006). O filme traz a historia de um menino da cidade grande, que tem sua visao de mundo transformada ao ver o voo de um passaro. Essa animacao em cor tem a duracao de apenas 1 minuto. As animacoes do referido filme foram produzidas por Felie Fraga Costa Val, Luiz Felipe Maciel Pedro Fraga Costa Val. A direcao e de Daniel Franchini. Voo O proximo curta exibido foi Compasso de Espera. Baseado num suposta obra de nome Ensaios inacabados de uma mente doente (ficticia ou nao?), o filme tenta trazer a tona o ambiente da confusao mental de um homem, que transforma o ambiente a sua volta em uma especie de confusao surrealista. O roteiro e de Adrianan Fattini. Prosseguindo a aula, foi exibido o curta Eu, meu olho e o que me olha (2007), com roteiro e direcao de Juliana Paraguassu. O filme traz um pequeno