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Eu nao procuro perfeicao. Lembre-se: eu te amei, por seus defeitos. E, a uns tempinhos atras, eu escrevi de uma forma meio desanimada que tava meio "cansada" dessa vida que tava levando. Deus ouviu minhas oracoes e transformou o que eu achava que nao tinha mais jeito em uma coisa totalmente nova, totalmente diferente de tudo o que ja veio, de tudo o que ja passei. Minha vida ta mudando, to crescendo, serio, por incrivel que seja, EU ESTOU PERCEBENDO QUE ESTOU CRESCENDO. haha To levando as coisas a serio, to tendo responsabilidades e lidando com elas, to virando aquilo que um dia tinha medo de ser, mas que sempre chega pra todos. Gracas a Deus, ta dando tudo certo, eu to feliz, to animada e pedindo para que isso seja so o inicio bom de uma fase boa. Claro que, terei que me "desfazer" de certas coisas, certas pessoas, certos lugares, certos momentos e ate de certas risadas. Porem, acredito que tudo tambem vira em dobro. Nao vou me desligar totalmente de meus amigos do colegio e nem vou deixar de ve-los, somente vou correr atras do que ja perdi, do que ja deveria ate ter. Sentirei muita falta da vidinha que tava levando tambem, ate porque, bem ou mal, o que vivemos sempre e nosso, sempre sera lembrado, TUDO faz falta, por pior que seja(nao que seja o caso), tudo faz! Ja no amor, nao perderei muito nao, contando que o individuo nem faca ideia de nada do que sinto(por menorzinho que seja rs) nao vou perder, porque nunca tive, portanto, me considero livre para ir embora tranquila, sabendo de que, ele nao sentira minha falta, pelo menos eu acho que nao. rs Entao, acho que o que voce poderia me desejar e boa sorte, pois estou tomando o rumo certo agora e quero continuar assim durante... muito muito tempo. Eu vou dar um ponto de audienciapra quem nao gosta de mim.E um canal falidoonde so a hipocrisia pede bis. Parece facil ao falar, mas dificil ao tentar por em pratica... O esporte predileto do nosso planeta e andar para tras. No final dos anos 20, o mercado de animacao norte-americano, importantissimo filao da industria cinematografica da era pre televisiva, era esquematicamente dividido em duas grandes correntes, representadas pelos dois gigantes principais: a corrente familia, representada pela Disney, que embora ainda estivesse anos luz de distancia do bom mocismo que viria ostentar mais tarde, produzia cartoons voltados para um mercado familiar; e os Estudios Fleischer, cujas producoes eram claramente voltadas para o publico adulto, seguindo a mesma tradicao acida dos quadrinhos adultos do inicio do seculo. A America vivia os ultimos anos de uma chamada era progressista, que culturalmente resultou num salutar liberalismo de costumes, que vistos da perspectiva moral conservadora e politicamente correta de nossos dias parecia bastante espantosa. Eram os anos que antecederam a criacao do infame "codigo" instaurado em 1934 por Will Hayes, presidente da associacao dos produtores americanos de cinema, e que moldaria a industria pelos proximos 30 anos.Hayes estabeleceu uma especie de patrulha de mandamentos
codigo foi de certa forma indelevel. Ate hoje uma especie de codigo informal funciona como patrulha moral que escolhe o que as pessoas podem ver ou nao, sobretudo para agradar aos espectadores do cinturao da biblia, grandes pagadores de ingresso. Se um filme quer ser blockbuster naquelas bandas, ainda hoje nao pode ousar muito. O mercado de DVDs domesticos nos USA, por exemplo, recebe comumente duas versoes dos filmes, sendo a versao 'limpa', sem profanacoes, cenas picantes, ou linguagem dita inadequada, aquela que pode ser apreciada por mormons, pentecostais ou outros grupos de satanistas-cristaos, e vendidos sem problema nos Wal Mart da vida.Portanto me parece interessante voltarmos aqui a um exemplo canonico da era pre codigo, com o filme da postagem em questao, Minnie the moocher. Obra dos estudios Fleischer, que geralmente apresentava protagonistas humanos, enquanto a Disney preferia lancar mao de um vasto bestiario que era por si so, senao uma especie de censura, pelo menos uma maneira de amenizar potenciais choques. Na Fleischer os protagonistas eram quase sempre humanos, e sua estrela precoce era Betty Boop, que embora tenha sido concebida originalmente como um poodle, evoluiu para a caricatura de uma pessoa real, a cantora Helen Kane; uma mulher que encarnava a epoca o proprio ideal progressista. Betty era unica entre os personagens de cartoon, pois ela era sensualizada e ostentava formas femininas. Outros personagens femininos dos cartoons contemporaneos eram pueris e assexuados, e na maior parte do tempo; clones de sua contra parte masculina, como a Minnie mouse, forma feminina de seu amasio Mickey. Na verdade todos os personagens Disney eram castrados, assexuados, enquanto Betty Boop era dotada de formas generosas, e as ostentava em vestidos curtos, decotados, enquanto saboreava charutos cubanos, um escandalo para a epoca. No episodio em questao; Betty e claramente mostrada como filha de imigrantes judeus do leste da Europa, fato que desagradaria o codigo sobremaneira, uma vez que suas diretrizes pretendiam mostrar uma America homogenea, branca, anglo saxa e protestante unicamente. Alem disso era anorexica e se envolveu com o maloqueiro Bimbo ao ponto de decidir deixar a familia para fugir com ele. Como se nao bastasse, o filme e uma especie de video clip da cancao de mesmo nome, sucesso eterno na voz do figuraca Cab Calloway, que viveria o resto da vida nas barbas dela, tendo feito uma participacao antologica em Os irmaos cara de pau; de John Landis; onde a interpreta, ja idoso, para o deleite de uma turba impaciente. Minnie The Moocher (Minnie a desocupada) nao era exatamente o tipo de cancao que as mamaes cantariam para os filhos, mas uma musica que fala do cotidiano de uma tal Minnie que se envolveu com um cafetao maconheiro, viciado em cocaina e opio, figurinhas faceis na paisagem das grandes cidades americanas entre os anos 10 e 30, e clara referencia ao caso de amor entre Betty e Bimbo (repare na maneira como Bimbo caminha). A foca que canta a cancao foi animada por rotoscopia, a partir da danca registrada do proprio Calloway. E como no showbizz nada se cria, e no
maximo se transforma, o filme ja era uma referencia / parodia da serie classica Silly Sinphonies (aquele das caveirinhas dancando), realizada anos antes pelos estudios Disney, igualmente espetacular, sendo a versao Fleischer evidentemente mais carregada no surreal e ofensivo. Minnie the Moocher e um dos ultimos suspiros de liberalismo de Hollywood antes do codigo Hayes entrar em vigor, dois anos mais tarde. Um classico. Titulo Original: Minnie the MoocherAno: 1932Pais: USADiretor: David Fleischer
Documentario sobre a vida de Kurt Cobain produzido ao longo de 8 anos, pelo diretor Brett Morgen, utilizando-se de diversos dispositivos de mise-en-scene, como cenas de arquivos (alguma realmente raras e extremamente pessoais), animacao e entrevistas, e que mostra a breve vida do atormentado musico que se tornaria um dos maiores icones populares da segunda metade do seculo XX. Dono de um talento peculiar e inegavel, Cobain e o Nirvana representam para muitos, dentro do universo da musica popular, o ultimo momento em que algo autentico, genuino, vindo literalmente do nada, chegou ao mainstream e se instalou ali de forma meteorica, de modo a transformar de maneira duravel o proprio status quo da industria musical dali para a frente. O choque provocado pelo Nirvana foi um fenomeno muito mais cultural do que estetico, ate porque o som do grupo, longe de ser inovador, fazia uma interessante releitura do rock como um todo nos ultimos 30 anos: dos Beatles ao Metal, do Rock de arena ao Punk, mas que paradoxalmente foi recebido como algo "novo" ao ponto de catalizar os anseios de uma geracao inteira que aparentemente ate o momento nao possuia uma voz propria. Mas o que faz a historia de Kurt ser tao fascinante ? Montage of Heck mostra a trajetoria de um rapaz erratico, cuja personalidade depressiva era fruto em parte do contexto socio-cultural do qual foi egresso: uma cidade esquecida no noroeste americano, cenario de um pesadelo white trash em que o tedio e a perda de proposito sao os sintomas colaterais mais evidente do sonho americano. Kurt nao tinha vontade e nem a pretensao de se tornar a voz de sua geracao. Aparentemente pretendia apenas usar seu "pequeno" grupo para expressar sua enorme frustracao atraves da musica. Kurt nao tinha grandes pretensoes de carreira, alem de uma desculpa para nao ter um emprego de verdade, tomar drogas e ser aceito. Mas foi entao que a banda lancou Nevermind, e a sinceridade emocional da obra tocou fundo no coracao de milhares de pessoas. Kurt nao conseguiu lidar com o peso da responsabilidade de ser escolhido emblema de uma geracao da qual ele proprio se julgava o maior dos impostores, e o resto e historia. Historia que Brett Morgen passa a limpo nesse belo documentario, necessariamente anti-heroizante, cujo nome e derivado de um experimento sonoro caotico, gravado de forma caseira por Kurt em 1988, e com o qual o filme compartilha um certo teor anarquico. Titulo original: Kurt Cobain Montage of HeckAno: 2015Diretor: Brett MorgenPais: USAAwards: Sundance Film Festival / Festival de Berlin Uma pergunta intrigante me persegue ha muitos anos, e que ultimamente nao me sai da cabeca: por que Spielberg segue quase que solenemente ignorado pelos teoricos de cinema, tanto da corrente culturalista e historica, quanto da corrente estetica ? Porque seu cinema e comumente preterido diante de outras coisas mais "serias" ? Visto a estatura de seu cinema, relativamente pouca coisa se escreve dentro da literatura academica sobre as suas praticas cinematograficas. Neste contexto, em geral, suas capacidades tecnicas e retoricas (isto e, arte retorica no contexto
mas que eu chamo de sintaxe, de assinatura estilistica: tratam-se de seus filmes-conceito, cristalizados em torno da figura de um garoto solitario que ve-se obrigado a encarar a incompreensao e a crueldade do mundo adulto. Basicamente o argumento de Pinoquio, historia pela qual o diretor possui uma obsessao doentia, e cita a exaustao em seus filmes. Essa e a chave mestra que abre todos os filmes de Spielberg. O conflito de crescer. E justamente este motivo que aparece muito bem definido no grosso de sua filmografia classica, seja muito explicitamente em filmes como "ET", "Peter Pan", "A Cor purpura", no magistral "Inteligencia Artificial" e no muito injusticado "Imperio do Sol". Nestas primeiras amostras o motivo e evidente, e nao ha disfarces. Mas o mesmo motivo tambem aparece travestido de metaforas em filmes como "Encurralado", "Tubarao", "Amistad", "Minority report", "Prenda-me se for capaz", "Lista de Schindler" e claro, "Contatos imediatos". Em todos os filmes deste segundo grupo um homem-menino precisa enfrentar sozinho forcas aparentemente invenciveis como um caminhoneiro psicopata, nazistas, senhores de engenho, o governo, ou mesmo simbolos psicanaliticos classicos como o nada sutil tubarao, ou mesmo a policia. Mesmo em obras onde a dor de crescer nao seja o argumento principal do filme, o motivo aparece em alegorias e sub-textos do relato principal: Indiana Jones precisa superar seu medo de cobras, em Jurassic Park as criancas desgarradas precisam enfrentar sozinhas os dinossauros, e Tom Cruise precisa escapar sozinho dos alienigenas em Guerra dos mundos.Sao nestas ocasioes filmicas que Spielberg deita e rola, e coloca em pratica um tipo peculiar de cinema agridoce, de narrativa sombria, pontuada pelo sentimento de solidao, sufocamento e ausencia de happy end "de verdade". O fantastico, quando presente nos filmes, esta la muito mais para causar desconforto (dinossauro, alienigena, poltergeist, etc) do que para criar simplesmente um mundo de pura imaginacao, como e o caso por exemplo dos filmes da Disney. Se Spielberg resistir a tentacao de poluir demais o filme com (complete aqui com o que voce quiser: efeitos, duracao, atuacao, melodrama, etc), entao esta criado um classico. E o classico do dia e Contatos imediatos do terceiro grau, que e para mim a sua obra mais querida, e que o colocou, tal como Adao retratado no topo da capela sistina, momentaneamente em contato direto com o cinema-total das deidades. Passada esta breve introducao, passo a minha experiencia pessoal como recepcao deste filme. O conheci ha muitos anos, e nas inumeras vezes que o assisti, sempre houve a eclosao do sentimento de plenitude cinefila do tipo mais salutar, que acaba por agregar o filme ao seu patrimonio cultural-emocional de forma indissociavel ao ponto de torna-lo nao apenas uma referencia eterna, mas algo que definira um pouquinho quem voce e, isto e, caso voce acredite, como eu, que o que define em grande parte uma pessoa e tudo aquilo que ela leu, escutou e assistiu. O que ela viveu vem em segundo plano, porque a vida real nao passa de uma palida sombra do mundo idealizado das artes. De uma repeticao vulgar da ideia (no sentido platonico) do
sublime. A leitura que proponho aqui deste filme e tambem um exemplo pessoal interessante da teorizacao de Jacques Aumont, que diz justamente que a analise de um filme e algo interminavel. Uma vez o espectador se apropria do filme ele vai habitar eternamente o dominio das elucubracoes do sujeito, na condicao de objeto de desejo, libidinal, no sentido freudiano, do termo. Ele sera tema de visitacoes recorrentes, de modo que sua imanencia seja lentamente absorvida, num longo processo de pequenas epifanias, em conta-gotas, que se juntam para formar um todo ao longo dos anos. Contatos imediatos e uma polissemica reflexao filmica, uma complexa construcao intelectual, extremamente bem elaborada, e que se insere a 100% na onda de revisionismo anti americano que varreu os Estados Unidos em meados dos anos 70. O pais havia passado, nos ultimos 10 anos, por uma sequencia de traumatismos que acabaram por colocar em jogo a sua propria identidade: a crise dos misseis de Cuba, o assassinato de Kennedy, de Luther King, os disturbios raciais, a Guerra do Vietnam, o escandalo de Watergate e a renuncia de Nixon. Aparentemente o pais chegava no fim de uma utopia, ao fim de uma auto proclamada inocencia, tao solidamente forjada pelos pais fundadores da nacao americana ao longo de sua existencia. Spielberg apresenta entao a sua leitura pessoal deste marcante momento, disfarcada em um filme de fantasia pueril e escapista em uma primeira analise, mas que na verdade e uma obra exemplar da teorizacao sobre a aproximacao fenomenologica do cinema com a historia, de Marc Ferro. Contatos imediatos e um filme de ficcao onde em nenhum momento se dizem palavras de ordem ou slogans politicos, mas que capta e reproduz o status quo daquele momento americano de maneira precisa, de modo a servir de documento historico tao valido e fiavel do seu tempo, quanto qualquer outra fonte ou arquivo.Se o sonho americano parecia se desintegrar, Spielberg cria um filme estruturado em torno de tres alegorias de ruptura dos mitos mais fundamentais do sonho americano: familia, liberdade e religiao. Todos esses valores sao fortemente questionados no filme, e mostrados em rota de inevitavel implosao, mas tudo com cara de blockbuster censura livre. E justamente o tipo de trabalho sutil e provocador de um prodigio que conseguiu infiltrar sua reflexao politicamente incorreta no coracao das massas, utilizando-se para isso do proprio modus operandi do sistema ao qual direcionava a sua critica. Coisa de genio.O primeiro pilar a ser destruido e a nocao tradicional de familia. Roy, o protagonista do filme, e um sujeito claramente desconfortavel dentro dos termos contratuais do esteriotipo de familia americana de classe media. Seu casamento e um fracasso, e a relacao com seus filhos e distante e conflituosa. Este e um ponto insistente do filme: Roy e o arquetipo spielberguiano do garoto-homem solitario despreparado para enfrentar os desafios do mundo adulto. Um tipico meninao da geracao baby-boomer (Spielberg ?) mergulhado eternamente em sua fantasia de Peter Pan. O fato e que, na decada de 70, o divorcio atingia proporcoes exorbitantes nos Estados Unidos, tornando-se praticamente o destino natural de
boa parte das unioes, e o filme simplesmente ilustra esta patologia e sugere que talvez possa mesmo haver algo de errado na formula do casamento tradicional. Roy nao apresenta em momento algum, qualquer sinal de hesitacao ou arrependimento em deixar sua familia e seus filhos para tras. Seu projeto pessoal e sua prioridade e pronto. Longe de ser entendido como uma atitude questionavel, o gesto de Roy e claramente revestido de heroismo. Uma pequena amostra do individualismo-a-todo-custo que iria um pouco mais tarde varrer o pais durante a era Reagan, da qual Spielberg e, nao por acaso, um dos simbolos maiores. O outro nucleo familiar do filme e o da mae solteira cujo filho (Barry) e abduzido pelos alienigenas. A familia sao penas os dois, sem nenhum pai a vista. Um possivel repositorio de figura paterna de Barry poderia ser o proprio Roy, ja que uma certa tensao romantica se cria entre ele e a mae do menino, mas fica muito claro que assumir um filho de uma mulher solteira nao e sequer uma opcao para Roy, que segue na direcao de seu projeto pessoal.O segundo pilar destruido e o mito americano da liberdade. Do pais que tomou para si a alcunha de terra da liberdade, e que fez desta divisa a sua profissao de fe ao ponto de empurrar esta retorica goela a baixo do mundo, nem que para convencer a todos precise se valer da forca de um porrete. E neste provocador ponto que Spielberg enfia um dedo inteiro dentro da ferida, representando a America como um estado totalitario, mentiroso, policial, inescrupuloso e sem limites, capaz ate mesmo de matar os seus proprios cidadaos opostos aos seus interesses. Mas Spielberg decide ir mais longe e chama o governo americano de nazista atraves da sequencia de embarque dos evacuados na area de pouso das espaconaves. Estas pessoas sao evacuadas em trens de carga, transportados como animais dentro de vagoes, exatamente como os deportados eram mandados aos campos de concentracao pelos nazistas na segunda guerra. Para garantir a analogia, Spielberg filmou e montou a sequencia com um esmero tremendo, baseado, quase que plano por plano, em filmes documentarios da epoca: ele capta o frenesi da multidao dos evacuados com suas valises de couro tentando embarcar a qualquer custo no trem que, julgam, ira salvar sua vida. Esse elemento cenico da valise de couro e o objeto figural chave da sequencia. Ninguem nos anos 70, no meio oeste americano, possui uma valise de couro dos anos 40. Spielberg, profundo conhecedor do assunto holocausto, e aplicado aluno de sinagoga na sua adolescencia, sabia do que estava falando. O embarque no trem ja nao fazia mais referencia aos cafundos do meio oeste americano, mas nos transporta ao leste europeu da segunda guerra. Pura poesia de imagens, puro genio. A cena e assistida por impassiveis guardas fardados, munidos de cacetetes e, sim, pastores alemaes, a moda dos guardas da Gestapo. Como diria Jello Biafra, America uber alles.O terceiro pilar destruido no filme e talvez o mais tabu, e e o que aparece de maneira mais cifrada.
Trata-se da demolicao do mito religioso americano, inseparavel do seu imaginario popular. A America, desde a sua fundacao ve-se, como escreveu Herman Mellville, como sede de uma nova alianca estabelecida entre o Deus judaico-cristao e os homens, representados pela figura dos peregrinos puritanos que chegaram ao continente americano para molda-lo a sua imagem e semelhanca. Ao longo do filme, uma alegoria escatologica conduz a narrativa: uma nave espacial vira buscar um grupo de escolhidos para leva-los a um lugar paradisiaco no ceu, onde a vida e eterna e todo o sofrimento terminara. E justamente nessa substituicao do mito da segunda vinda do Cristo para levar a sua igreja, por uma forca tecnologica redentora, que Spielberg aponta para onde esta (ou deveria estar) direcionada verdadeiramente a fe da humanidade. Uma profissao de fe no materialismo. Da supremacia da materia sobre o espirito. Da constatacao sartriana do homem que se afastou de Deus, no caso, em direcao do tecnologico, que longe de ser mostrado como terror, e mostrado de maneira utra celebrada, quase eterea. A figura do messias e substituida pelo arquetipo junguiano da crianca divina, (sobre o qual ja escrevi aqui), assumido obviamente pelos simpaticos extra terrestres.O "sacerdote" que conduz e faz a intermediacao de todo o processo do "arrebatamento dos fieis" e, sintomaticamente, um nao americano, mais precisamente um ufologo frances, pais de destaque na demografia do ateismo, e lugar onde o termo foi criado no seculo 16. A escolha de Spielberg por Francois Truffaut para o papel de Lacombe foi no minimo comovente. Alem de demonstrar todo a sua admiracao pela nouvelle vague, na figura de um de seus expoentes maximos, Spielberg agradece ao mestre na forma de um presente, dando lhe finalmente a oportunidade de participar de uma grande producao Hollywoodiana, uma fantasia nutrida por Truffaut desde os tempos de juventude, em que animava cine-clubes em Paris, sob a tutela de seu "pai" Andre Bazin. Titulo Original: Close encounters of the thord KindAno: 1977Pais: USADirecao: Steven SpielbergAwards: BAFTA / Golden Globe / Hugo Awards / New York Film Critics / National Socienty of Film Critics
Se os antigos mitos, sonhos e paisagens permanecem os mesmos, a maneira como estes sao entregues se transformou em um produto de consumo imediato, rapido. Processado na forma de contornos perfeitos, mas efemero, pouco permanentes, a maneira da vida semi-significativa na era digital. Se Andy Wharol estava certo em afirmar que mesmo as imagens mais simplorias, mundanas e processadas, sao capazes de causar uma repercussao, so o tempo dira. Kung Fury e muito insistente nesta questao, nao apresentando nenhum plano sequer de cenografia tradicional. Pelo contrario, o filme e sarcasticamente composto dentro desta nova tendencia narrativa do cinema, cuja direcao de arte, paisagens e imersao espacial simulam cada vez mais o universo dos video games. Kung Fury quer ser artificial. Uma forma de expressao que vem cada vez mais se firmando como forma dominante no cinema de grande consumo, e que pode se firmar de maneira preponderante na paisagem cultural do seculo 21. James Cameron, Peter Jackson e Guillermo del Toro sao os expoentes maximos desta nova sintaxe, que esta longe de ser uma unanimidade, sobretudo entre os mais apegados ao modos de representacao mais tradicionais. Mas aparentemente os modos de representacao acompanham o movimento das sociedades que os produzem. Convocando aqui a espetacular teorizacao de Noel Burch, e fazendo uma extrapolacao, o homem das cavernas pintava na solidez da rocha para afirmar sua propria capacidade de permanencia. O homem do renascimento comecou a pintar em perspectiva porque ele passou a se colocar em perspectiva humanista dentro da existencia. O homem do final do seculo 19 precisou adaptar seu modo de representacao a modernidade de um tempo em que as coisas mudavam rapido demais, e por isso criou o cinema, isto e, a imagem em movimento constante, como a sociedade em que estava inserido. No seculo 21 aparentemente o cinema vai virar um enorme video game: ultra veloz, ultra ruidoso, ultra violento, ultra colorido, ultra explosivo. Uma indigesta overdose de adrenalina.Titulo Original: Kung FuryAno: 2015Pais: SueciaDiretor: David SandbergAwards: Cannes(Legendas em Portugues)