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Nos ultimos anos, a ficcao cientifica vem dado bons frutos, cada um com uma particular mensagem como tema principal. Lunar foca no existencialismo, Gravidade no renascimento e Interestelar no amor. Contudo, nenhum desses excelentes filmes, digamos de passagem, levaram a serio a parte cientifica do genero como Perdido em Marte. Um longa que alem de celebrar o valor da ciencia, trata sobre a solidariedade humana e, junto com Tomorrowland, comprova a importancia do conhecimento em nossas vidas. Principalmente quando se tem a missao de sobreviver em um lugar com as probabilidades minimas de vida. Apos um periodo conturbado como diretor, chegando no apice com o fraco Prometheus, Ridley Scott vem de encontro com sua melhor forma, apresentando mais um otimo trabalho em sequencia depois do ja interessante Exodos Deuses e Reis. Desta vez, com uma historia adaptada por Drew Goddard (que dos recentes trabalhos recomendo a serie Demolidor da Netflix) do livro de Andy Weir, Scott tem sob controle seus excessos e entrega um dos filmes mais divertidos e interessantes do ano. O conflito principal do roteiro nasce quando o astronauta Mark Watney (Matt Damon), no meio de uma saida de emergencia de Marte, e deixado para tras por sua equipe e a melhor previsao de sobreviver neste desolado planeta e de apenas um mes. Para nao esperar a morte certa, o botanico resolve usar a ciencia para manter-se vivo ate que uma equipe de resgate chegue, nem que isso dure anos para acontecer. E nesta parte que a ficcao ganha definitivamente o status de cientifica, mostrando as maneiras possiveis de aplica-la para, por exemplo, plantar batatas e criar agua em um lugar que nao ha condicoes para isso. Para envolver o publico na empreitada de Mark, Goddard usa de uma forma organica os dialogos expositivos, mostrando o astronauta sempre gravando suas ideias e conquistas em relatorios, tambem sendo uma saida do personagem para nao cair na loucura provocada pela solidao. Entretanto, e o carisma e o talento de Damon que ajudam na relacao do protagonista com o publico e assim torcamos para que ele consiga sair desta situacao. Como nao torcer para alguem que sempre se mostra disposto e otimista e bem humorado diante o desafio? E quando este forte personagem se entrega em momentos de fraqueza, nao ha como nao sentir uma certa empatia. Felizmente o filme nao se baseia apenas em Mark e se mantem equilibrado fora de Marte com um elenco pra la de gabaritado tanto no nucleo da NASA quanto na equipe de astronauta. Nesta parte, a uniao das pessoas em ajudar o proximo ganha importancia ao mostrar personagens dispostos a resgata-lo, sem precisar de nenhum antagonista para colocar dificuldades nisso, pois as divergencias do planeta e a burocracia politica sao o bastante para deixar tudo mais dificil. Neste timaco que Scott se acostumou a trabalhar, vale destacar a diversificada equipe liderada pela competente Jessica Chastain e os personagens da NASA interpretados por Chiwetel Ejiofor e Jeff Daniels. Interessante como se tem, desta vez, personagens sobrios e inteligentes de suas acoes, bem diferente de alguns que gostam
de brincar com cobrinhas alienigenas. Outro ponto que me chamou a atencao foi a opcao do roteiro em nao individualizar os EUA como salvador do dia, trazendo outras nacionalidades para ajudar no resgate. O deslize mais evidente do roteiro e a do personagem de Donald Glover (da ja saudosa Community) que faz o tipico genio esquisito que chega com a solucao certa na hora certa. O alivio e que os cliches do filme mais ajudam do que atrapalham o andamento da historia. Apesar do drama vivido pelo protagonista e que se eleva no tenso e belissimo terceiro ato, Perdido em Marte e tambem muito divertido. As piadas envolvendo o projeto sobreviver de Mark e da NASA ajudam aliviar um clima que poderia ser bem dramatico. Mas nada se compara a trilha sonora de Harry Gregson-Williams que sabe os momentos certos de inserir sons nao-diegeticos, principalmente quando investe nos sucessos dos anos 80. Starman de David Bowie caiu como uma luva em uma sequencia, sem falar da sacada genial da musica dos creditos finais que deixarei em segredo para nao estragar a mesma surpresa que tive. Aproveitando ao maximo o espaco deixado por Scott com seus planos abertos para retratar a isolacao do protagonista, ao mesmo tempo que fecha o plano para criar claustrofobia, o diretor de fotografia Dariusz Wolski impressiona em transmitir nao so a hostilidade do planeta vermelho, mas tambem a beleza de poder admirar aquele deserto todos os dias. Elogiar o trabalho da producao de design comandada por Arthur Max seria chover no molhado, ja que ultimamente o genero vem proporcionando excelentes resultados neste departamento e, neste caso, nao foi diferente. Perdido em Marte e com certeza um dos relevantes lancamentos do ano, conseguindo entreter como um blockbuster e celebrar o melhor do ser humano, algo nao muito popular nos filmes atualmente. Alem de criar novas e boas perspectivas para os proximos projetos de Ridley Scott. So espero que essa viagem a Marte o ensinou alguma coisa para suas futuras empreitadas ao espaco. Trailer:
Se amadurecer e sofrer, entao se pode dizer que O Sol e Para Todos e um livro sobre crescimento. Escrito na decada de 60, o romance era, ate o ano passado, filho unico da escritora estadunidense Harper Lee. Recentemente, em meio a uma fumarenta cortina de duvidas, foi anunciada a sequencia dessa obra-prima Go Set a Watchman, em portugues, Va, coloque um vigia (nada poetico). O Sol e Para Todos e um bom titulo, mas menor que o titulo original, To Kill a Mockingbird. Mockingbird e um tipo de ave inexistente no Brasil, mais comumente encontrada nos Estados Unidos. Uma especie de passaro inofensivo. Matar passaros inofensivos e uma boa metafora para uma sociedade inexplicavelmente covarde. O livro e encarado por muitos, e e possivelmente, uma autobiografia de Lee, que viveu sua infancia no interior estadunidense com um pai advogado e um irmao mais velho. E dito ate que o personagem Dill, amigo das criancas, e ninguem menos que Truman Capote, um velho conhecido da escritora e famoso escritor de A Sangue Frio. Jean Louise Scout Finch e uma querida e pertinaz personagem e conquistara ligeiro o leitor. E sob os olhos dessa menininha de seis anos de idade que essa historia sera contada. Anos 30, Maycomb County, Alabama, um estilo de vida tipico de interior estadunidense: ruralista e preconceituoso. Na primeira parte do enredo, tem-se uma visao ampla da cidade e de alguns de seus moradores, alem de se evidenciar bastante o cotidiano de Scout e Jem, seu irmao mais velho. Dill, um amiguinho dos irmaos, tambem sera um personagem recorrente na narrativa. Figura de extremo enlevo e Boo Radley, um jovem vizinho dos Finch que nunca sai de casa. E como e costumeiro de cidades interioranas se desenvolverem folclores sobre tudo aquilo de que nao se conhece, diversas sao as estorias envolvendo a incognita de Radley. As criancas se aproveitam desse suspense para fantasiarem e passarem seus dias na pacata cidade. Discutem os habitos de Boo e desafiam uns aos outros a encostarem a mao na casa do rapaz, que julgam mal assombrada. Atticus Finch, pai de Scout e Jem, admoesta constantemente os filhos para que deixem o pobre vizinho em paz. Talvez o apice da primeira parte desse dicotomico enredo e quando Jem acha, por varios dias, presentes num buraco de uma arvore na calcada de Boo Radley: medalhas, pequenas esculturas (aparentemente dele e da irma), canivete, etc. Se antes a curiosidade do leitor a respeito de Boo era latente, agora sera devastadora. A segunda parte do romance nao e de maneira nenhuma menos importante que a primeira, e deixara a antiga curiosidade do leitor morna, quase esquecida pelo seu enlevo criativo e comovente. Atticus Finch e de um carater impecavel, inatingivel, chega a ser ate sedutor. E e esse homem, que tem como profissao a advocacia, que defendera um negro acusado de estupro. No local e momento em questao, uma tarefa quase irrealizavel. Apesar de muitas evidencias mostrarem que Tom Robinson nao cometeu tal crime, a cabeca de um negro deve rolar, isso e o que os moradores
de Maycomb querem. Atticus, antes respeitado, passa a ser motivo de escarnio, e e claro, isso respinga em Scout e Jem. O singular comportamento de Atticus em relacao a atitude dos moradores surpreende o leitor. Repreende Scout por ela brigar na escola ao tentar defende-lo. Nao se sinta ofendida quando alguem lhe disser uma expressao feia. Isso nao deve atingi-la, apenas revela a pobreza de quem falou.... A hombridade de Atticus e, de maneira nenhuma, cafona. Sua visao romanceada e encantadora e comovente. Ele e um heroi, mas um perfeito humano, que sabe que tem passado e aprendeu com ele; chora por dentro para nao preocupar os filhos, e mesmo com um medo contido, segue pelos caminhos que julga corretos (e que sao). Diversas vezes questionado por Scout sobre o motivo de estar defendendo Robinson, Atticus e peremptorio. Scout, devido a natureza do seu trabalho, ao longo da sua vida um advogado tem sempre um caso que o afeta a nivel pessoal. Penso que este e o meu. Com certeza vai ouvir algumas coisas desagradaveis na escola, mas me faca um grande favor: mantenha a cabeca levantada e os punhos em baixo. Nao ligue pro que te digam e, sobretudo, nao deixe que eles te irritem. Tenta, para variar, lutar com a cabeca... Vera que e uma boa solucao, embora custe a aprender. Na obra, a tristeza do povo negro e personificada em Tom Robinson, que mesmo trabalhador e bondoso, sente a discriminacao em um tribunal injusto. Diversas sao as passagens que poderao marejar os olhos do leitor, umas delas e o termino do julgamento. Alguem estava me cutucando, mas eu relutei em tirar os olhos do pessoal la de baixo e do vulto solitario de Atticus que deixava o recinto. Srta. Jean Louise? Olhei para o lado. Em volta de nos e no outro lado do balcao, os negros ficavam de pe. A voz do reverendo Sykes soou tao distante quanto a do juiz: Srta. Jean Louise, levante-se. O seu pai esta passando. Harper Lee nao precisa de delongas ao narrar o iconico Atticus. Ali, um homem perdedor sai do tribunal em que os negros que estao assistindo levantam para que ele passe. Gostar dessa obra nao e uma questao de gosto. Nao so por ser um classico, ele realmente e muito bom. Nao somente pela acuidade da escrita, nao por ser atemporal, nao pelo seu contexto historico, nao pelo genero indecifravel, nao pelo impacto, nao pela imprevisibilidade, nao pela influencia. Sim pela sinceridade, sim por apesar de nao ser ingenuo, ainda assim ter um senso de esperanca em suas veias ideologicas. O Sol e Para Todos ou To Kill a Mockingbird e um traco em linha reta na vida de um leitor. A partir dele, voce sabera o que precisa ser lido e o que pode ser esquecido.
comedias rasas empurradas goela-abaixo toda semana nos grandes complexos cinematograficos, rapidamente resolve dar ao drama uma chance. Da chance a aprovacao, o sucesso de Que Horas Ela Volta?. O filme em si conta a historia da empregada domestica Val (Regina Case), a qual trabalha ha anos para a familia de classe media alta de Barbara (Karine Teles), morando inclusive na mesma casa que seus patroes. Distanciada por muitos quilometros da filha Jessica (Camila Mardila), da qual teve que se separar para ir em busca de oportunidades de emprego em Sao Paulo, ela nao acompanhou de perto sua educacao e seu crescimento, mas ve uma chance de reaproximacao quando a filha vem para a capital cosmopolita brasileira a fim de prestar vestibular. Entretanto, as visoes de Val e Jessica sao diametricamente opostas no que diz a respeito a forma como a empregada deve se comportar em relacao a seus patroes, o que acaba ocasionando inumeros conflitos entre as duas e respingando ate na estrutura familiar de Barbara. O roteiro e a direcao de Ana dialogam perfeitamente a medida que ambos nao pretendem ser complexos em sua linguagem, mas sim encarregam a propria subjetividade das personagens e das situacoes que protagonizam de dar esta complexidade ao filme. Praticamente tudo que se presencia nas quase duas horas de projecao e lotado de simbologias, as quais podem ser compreendidas tanto pela parcela do publico que esta assistindo a obra com atencao para pescar cada detalhe quanto pela que compreende tais simbologias ao se reconhecer nos papeis e nas situacoes a que o filme nos submete. O reconhecimento da populacao nas personagens e ate mesmo em ambientes e objetos e um dos grandes trunfos da obra, por sinal. Tanto atraves do nucleo familiar de Barbara quanto do ciclo social que envolve Val e Jessica, vamos identificando nas figuras os mais diversos setores da sociedade brasileira. Barbara e a tipica mulher que nao age de forma desigual com as outras classes sociais por maldade, mas sim porque foi educada em um sistema quase estamental de classes em que ela, como representante da classe dominante, nao deve nunca deixar de exercer o seu poder sobre os outros, ainda que isso implique em momentos de compaixao feitos por tabela, apenas para deixar sua consciencia limpa e manter um falso clima de harmonia por meio da alienacao; Val, exatamente do outro lado, foi educada pelo mesmo sistema quase estamental de classes, mas, por sua vez, ela, como representante da classe oprimida, deve servir de forma inquestionavel aqueles que, por obrigacao, proporcionam o seu sustento e reconhecer os momentos de compaixao destes como sinais de afeto e gratidao (ainda que isto nao corresponda a realidade). Val e Barbara vao vivendo entao esta ordem inquestionavel com certa harmonia ate que chega Jessica, que vem justamente com a funcao de expor as contradicoes do sistema a que as duas estao submetidas. Tendo vivido distante da realidade dos grandes centros e tambem da realidade de ainda maior desigualdade social da epoca em que Val foi criada, Jessica cresceu em um pais em que os de
menor renda se acostumaram nao a subserviencia, mas sim em um pais que implementou gradativas leis e projetos para fins de inclusao social. A isso, soma-se o fato de Jessica ter tido como tutor um professor de Historia, o que provavelmente ajudou ainda mais a florescer sua natureza questionadora e nada conformista. Como coadjuvantes, mas nao menos importantes, existem Fabinho e Carlos, filho e marido de Barbara, respectivamente. Fabinho revela-se uma figura contrastante, revelando ao mesmo tempo um afastamento da mae por ter conhecimento de que ela nunca sera capaz de se comportar da forma humana e afetuosa de Val, mas tambem tendo a mesma visao limitada de Barbara (de forma um pouco mais atenuada, porem), o que faz com que ele observe Jessica como se fossem de mundos diferentes, se surpreendendo quando, por exemplo, a menina diz que almeja uma vaga de Arquitetura na USP ou quando insinua que nao e virgem. Ja Carlos simboliza aquele que foi educado pelo pensamento burgues, mas que nao absorveu as ideias deste para si, tendo sido inclusive uma vitima do mesmo, o que acabou resultando tanto em frustracao profissional quanto pessoal. E a inveja da postura critica e lotada de atitude de Jessica (ausente em todos aqueles com quem sempre conviveu) que faz com que ele, inclusive, se atraia (e por que nao dizer que se apaixone?) por ela. Com tanta responsabilidade em suas costas por meio da construcao de personagens tao amplos e complexos em sua essencia, e de esperar muito do elenco. E pode se esperar mesmo, porque ele cumpre todas as expectativas a que esta submetido. Regina Case opta por uma atuacao construida toda em cima de detalhes gestuais e de pequenos gestos, como olhares e sorrisos, o que diferencia sua Val da caricatura completa com que as empregadas domesticas sao representadas usualmente pelo cinema e pela televisao. Preocupacao parecida tem Karine Teles, em uma atuacao repleta de cuidado para humanizar a sua personagem e nao transforma-la em uma megera folhetinesca. Ja Camila Mardila brilha como uma grande revelacao, fazendo a construcao de uma Jessica poderosa ao mesmo tempo que com a ingenuidade que se e de esperar de uma jovem em momentos de grande sensibilidade, como quando tem de confrontar a sua vida amorosa. Lourenco Maturelli, como Carlos, tambem se destaca naquela que e uma das personagens mais dificeis do filme, aparentando inexpressividade ao inicio, mas conseguindo levar o publico para seu lado pouco a pouco. Michel Joelsas, que ja havia trabalhado com o texto de Muylaert ao protagonizar O Ano Em Que Meus Pais Sairam de Ferias e que aqui interpreta Fabinho, tambem faz uma otima representacao do tipico adolescente de classe media de cidades como Sao Paulo, mostrando todo seu potencial em cenas como a da sua reacao no pos-vestibular. Ainda que em papeis bem menores (praticamente participacoes especiais em alguns casos), vale destacar o trabalho de Helena Albergaria, Luis Miranda e Luci Pereira, tendo a primeira aparecido em producoes nacionais recentes, como Quando eu Era Vivo e Trabalhar Cansa, e os dois ultimos sendo normalmente encontrados em
papeis comicos na televisao. A cuidadosa direcao de arte de Marquinho Pedroso e fotografia de Barbara Alvarez sao essenciais na construcao imagetica do filme, seja pela mera ambientacao ou pela relacao da ambientacao com as personagens, uma vez que os cenarios aqui funcionam praticamente como uma personagem que tem vida propria e que sem a qual a trama nao poderia ser completamente contada. A trilha de Fabio Trummer tambem merece destaque, acompanhando com equilibrio os momentos comicos e dramaticos do filme, sem nunca exagerar e sendo capaz de emocionar varias vezes. A musica Essa Trouxa Nao E Sua, composta pelo mesmo, se encaixa perfeitamente com a tematica e o tom do filme, ficando entao a dica para aqueles que nao quiserem assistir o filme ate o encerramento dos creditos finais darem uma pesquisada pelo tema na internet depois. Dessa forma, e possivel dizer que Que Horas Ela Volta? resgata da melhor forma as maiores caracteristicas do cinema latino americano: a reflexao e a critica social. Aqui, a idealizadora Anna Muylaert funciona como Jessica, expondo ao publico, composto tanto por inumeras Val quanto por inumeras Barbara, as desigualdades sociais e as contradicoes de um sistema que muitas vezes vamos aceitando sem qualquer tipo de questionamento, sem pesar as consequencias que esse tipo de postura acaba tendo para a sociedade como um todo. Melhor ainda e constatar o crescente sucesso do filme, apontando para que cada vez mais pessoas o estao assistindo e fazendo com que torcamos para que cada um destes espectadores acabe se tornando tambem um questionador desta ordem em que vivemos. Na musica Essa Trouxa Nao E Sua, que mencionei ha pouco, a alusao e clara ao fato de Val ter abdicado da criacao da propria filha, de sua dignidade e de suas individualidades para se dedicar a vida de seus patroes, mas e possivel ainda tracar outro paralelo: caso a trouxa que tratemos seja a causa da desigualdade social, o macrocosmo da obra, essa trouxa e nossa sim e dela nunca devemos deixar de cuidar, o que, neste caso, significa confrontar, questionar e lutar pela mudanca. Trailer:
Apesar de uma filmografia curta como diretor (apenas 4 longas), Frank Darabont pode ser considerado um dos grandes do cinema contemporaneo, visto que todas suas obras foram grandes sucessos de publico (em termos de recepcao e nao exatamente de numeros de bilheteria) e de critica, principalmente quando olhamos para Um Sonho de Liberdade e A Espera de um Milagre, justamente seus primeiros e melhores filmes. Talvez o humanismo recorrente em sua carreira, mesmo nos mais improvaveis temas, tenha sido o motivo para sua presenca como principal produtor da serie The Walking Dead quando, em outubro de 2010, ela estreava na AMC lotada de expectativas. Na serie que conta a historia de um mundo dominado por zumbis e em que a boa convivencia entre seres humanos restantes e a unica chave para a sobrevivencia, nao havia melhor pessoa que Darabont para estar dando as cartas. Dessa forma, a primeira temporada de The Walking Dead acabou sendo das melhores producoes ja exibidas pela televisao em muito tempo, se tornando uma referencia na forma de conduzir suas personagens de forma a deixar o publico simplesmente vidrado no que acontece na tela. O terror causado pela presenca dos zumbis acabou dividindo as atencoes com um terror ainda maior, aquele causado pela iminencia de conflitos entre pessoas em um mundo que por si so ja era suficientemente conflituoso. Dali surgiram cenas classicas (como atravessar no meio de uma multidao de zumbis sem ser atacado?) e personagens inesqueciveis. O embate entre Rick (Andrew Lincoln) e Shane (Jon Bernhtal) por Lori (Sarah Wayne Callies), as enormes discrepancias entre os irmaos Dixon, a opressao de Carol (Melissa McBride) pelo marido, por exemplo, foram todas situacoes que enriqueciam cada episodio da producao que se passava. Na primeira metade da segunda temporada, as personagens interessantes continuavam, mas o roteiro parecia simplesmente nao se desenvolver. Ja em sua segunda metade, mais grandes momentos surgiram junto a sensacao de estar novamente assistindo a uma serie de altissima qualidade. Entretanto, da terceira temporada em diante, The Walking Dead entrou em um decrescimo de qualidade tao drastico e repentino que e ate dificil de enumerar os motivos que podem ter levado a serie a se distanciar tanto, em termos de qualidade, do que apresentou em seus primeiros momentos. Teria a saida de Darabont da producao sido tao prejudicial assim? Ou seria simplesmente a onda de popularidade da serie que levou os roteiristas a reduzirem a complexidade do trabalho que vinham desenvolvendo com tanta destreza? Provavelmente uma mistura dos dois fatores (e ate de mais alguns). Sem Darabont, a serie perdeu o humanismo que a caracterizou em seu principio. Com o vilao Governador (David Morrissey) o qual foi o responsavel ainda por segurar as pontas de Walking durante um tempo -, ainda sobraram alguns momentos para se discutir a relacao entre os seres humanos na terceira e ate em parte da quarta temporada. Entretanto, nos momentos restantes, tudo o que se podia ver eram as personagens em situacoes banais (logicamente que aqui uso o termo banal dentro do contexto de um apocalipse zumbi) e muito distantes dos
sao repeticoes constantes, sendo que ocasioes totalmente novas nunca sao desenvolvidas, mantendo sempre a sensacao da serie andar em circulos. Trocando por miudos, a impressao que se tem e a de que pode-se tranquilamente deixar de acompanhar a serie por varias temporadas que quando retornarmos nao teremos perdido nada. Obviamente que, ao longo das tres ultimas temporadas, houve bons momentos. A subtrama do hospital e da endemia dos porcos na quarta temporada foram momentos extremamente originais em que a serie aparentava ter se recuperado e tomado seus rumos novamente, porem acabaram sendo conflitos resolvidos de maneira muito rapida, como que para The Walking Dead voltar logo aos seus cliches de sempre; como se a cota de criatividade dos roteiristas por temporada tivesse se esgotado. Mas, como ha sempre uma luz no fim do tunel, a quinta temporada se encerrou com um dos melhores episodios dentro de muito tempo. Com uma duracao maior do que o normal, foi tao bom que pareceu ate mais curto. Frenetico, teve mais acontecimentos do que as tres ultimas temporadas inteiras, alem de ter sido um estudo de personagens como ha tempo nao se via na serie. Sequencias tanto de acao quanto de drama bem dirigidas, bem atuadas e todas inseridas dentro de uma logica unica do episodio, Conquer soou como o suspiro de renovacao que a serie esta precisando. Por ora, o que nos resta e esperar que assim The Walking Dead prossiga, sem, como de costume, se perder nos cliches que si propria criou. E ah, antes que eu me esqueca! Uma coisa e inegavel: a abertura continua otima. Trailer: