thegoodfellas/blogset-br huggingface dataset:
que vemos emAkira, Podersem Limitesrevela a alienacao de jovens que, de repente, nao sabem o quefazer com tanto poder e se perdem em suas escolhas eticamentecapengas. Nao a toa vemos em uma das imagens de publicidade dofilme a frase boys will be boys (meninos serao meninos), istoe, com muito ou poder nenhum, meninos sempre agirao como meninos,faltando-lhes a responsabilidade de agir como homens. Por isso gostodo titulo original do filme: Chronicle.Todo jovem escreve a sua propria cronica, a sua propria trajetoriapara o bem ou para o mal.
A INVENCAO DE HUGO CABRET Titulo original: (The Invention of Hugo Cabret) Elenco: Asa Butterfield, Chloe Moretz, Jude Law, Helen McCrory, Ben Kingsley, Emily Mortimer, Christopher Lee, Sacha Baron Cohen, Ray Winstone Direcao: Martin Scorsese Distribuidora: Paramount Pictures 2012 E dispensavel explicar ou procurar segredos em Hugo Cabret nao fosse tao fascinante. E um filme didatico sem ser didatista; faz muitas alusoes sem ser hermetico; esta longe dos cliches piegas que geralmente filmes com personagens infantis insistem em se apegar; nao promete nada mais alem daquilo que cumpre. E um filme sobre filmes, uma justa e singela homenagem ao cinema, dando os devidos creditos a quem de direito, por isso emoldurado na Franca, onde realmente o cinema comeca, uma vez que foi la que nasceu o cinematografo dos irmaos Lumiere. Hugo e um filme metalinguagem e nao esconde sua intencao de brincar com a arte do cinema de como teve inicio, seus artistas, o ambiente magico, as primeiras surpresas com os efeitos de camera, a transposicao da linguagem do teatro e da literatura (o mise-em-scene), a mistura de generos (comedia, romance, aventura, ficcao cientifica entre outros), exatamente como Georges Melies fez. Se alguem me dissesse: Vamos assistir a um filme de aventuras com criancas que precisam desvendar um segredo que deve salvar o mundo? Diria nao. Exceto aqueles que tenho que cumprir tabela para acompanhar meu filho de 11 anos. Hugo foge desse estereotipo e o fato de ter duas criancas como protagonistas nao significa que e um filme para criancas. As criancas estao la, mas estao como representacao da experiencia que o cinema proporciona, ou seja, uma fe incondicional na fantasia, na ficcao, na mentira que so diz a verdade, como em um conto de fadas (ja falei sobre isso em A Dama na Agua). Alias, Hugo nao e outro senao o proprio Scorsese: um menino que, apesar de ter perdido tudo o que tinha, precisa criar algo, algo que o salve, que lhe de sentido. E para que nao digam que falei bobagem, o proprio cineasta afirmou: Sou muito parecido com Hugo. Mesmo sendo um dos maiores diretores vivos do cinema norte-americano e fazendo um filme a cada dois anos, imagino que Scorsese pense como todo artifice, isto e, a proxima obra e unica, aquela que finalmente trara a redencao. Ouso dizer que foi quase isso o que aconteceu. Nao pelo Oscar, pois esse nao e o primeiro de Scorsese que recebe varias indicacoes, mas porque o cineasta parece ter feito um filme para ele mesmo, para o seu deleite de homem que ultrapassou a barreira dos 70 anos. Um filme que alimenta a sua alma mais do que a de outros. Essa e uma invencao primeiramente dele para ele. Tambem dispensa repetir que Hugo deve levar os principais premios tecnicos. Fotografia (Paris em inicio de seculo XX e incrivel), som, efeitos especiais e outros sao obrigatorios. Mas um efeito em particular me chamou a atencao: o filme foi feito em 3D. Aqui cabe uma palavrinha pessoal sobre isso. Hugo Cabret e ate agora o unico filme que de fato
explorou algumas boas possibilidades dessa tecnologia e de um modo diferente. Ao inves que tentar dar sustos jogando as coisas em sua cara, faz com que voce passeie pelo cenario por tras dos objetos e pelos cantos de uma estacao de trem. E o mais proximo da sensacao de estar no ambiente, coisa que vai demorar um bom tempo para isso se tornar mais real, e nao creio que o 3D fara isso (tecnologia que esta longe de ser nova e existe desde a decada de 50). Alguem pode dizer que Avatar foi sensacional em 3D. Na verdade, a nao ser pela tecnologia de captacao de movimento, que nem nisso foi pioneiro, Avatar foi um filme comum, mesmo em 3D. Ja disse e torno a dizer: Avatar e filme previsivel, uma repeticao de Titanic numa floresta surreal. Se e para defender uma postura ecologica mais radical, prefiro infinitamente Danca com Lobos, que antecede e supera o discurso piegas de Cameron. Essencialmente o filme Hugo faz do tempo e a capacidade de criacao do ser humano como seus temas fundamentais. O tempo tem como simbolo os relogios que o menino Cabret precisa manter funcionando, e a criacao tem como simbolo o automato que o menino Cabret precisa fazer funcionar. O cinema se faz com a ilusao do tempo inserido numa maquina de criacao, o cinematografo. A pelicula nada mais e que a impressao das imagens em fotogramas que, movimentados, nos dao a ilusao de movimento ou, em outras palavras, da relacao do tempo com o espaco. Para nos isso nao e inedito como foi para os primeiros que tiveram a sensacao de um trem invadindo a sala de cinema (Scorsese refaz essa cena tres vezes no filme), mas continua sendo basicamente a mesma tecnica. As imagens congeladas sao jogadas em um tempo burilado e moldado para que o filme surja diante de nossos olhos e permitam que uma historia seja contada. E necessariamente uma tecnica, uma acao conscientemente cientifica, produzida por um aparelho (agora por muitos aparelhos tecnologicos). Mas, de forma paradoxal, o tempo e simultaneamente o efeito entre a nossa mente e as coisas, um espaco onde encontramos a nossa intuicao e imaginacao. E um lugar magico onde o cinema faz de conta que e real. Na verdade, e real e irreal ao mesmo tempo. E ja que o cinema surgiu na Franca, suscito dois franceses para nos ajudar a entender o tempo: Henri Bergson e Gaston Bachelard. Nao, nao sao cineastas, se bem que tambem criaram obras primas que promovem a compreensao de outras obras primas. Para Bergson o vivido, ou seja, o tempo cotidiano e parecido com o do cinema, pois e feito de momentos que, somados, formam um todo que nos oferece a sensacao de fluidez, de tempo continuo. A isso ele chama de duracao. O tempo duracao e igual a ilusao dada pelo cinema e so pode ser vivido e nao analisado ou percebido de forma logica, como na ciencia. Portanto, e o tempo do sentido, dos simbolos, dos sonhos e fantasias e da intuicao. Para Bachelard, ao
contrario de Bergson, mas em complemento, o tempo nao e feito de fragmentos em movimento na duracao, isto e, de quadros que sao postos em movimento no espaco, mas dentro do proprio fragmento ou quadro. Isso significa que, para Bachelard, o tempo e relativo. A ilusao provocada pelo movimento dos fotogramas, que nos fazem pensar que as imagens estao em acao, nao exclui que a imagem, aquela congelada, estatica, esta impressa em cada fotograma. Ela nao e menos real que o movimento. Basta vermos quem antes do cinema, as imagens eram movimentadas pela narracao, no caso da literatura, e pela admiracao, no caso da pintura. Logo, para Bachelard o tempo e o instante e nele podemos encontrar um universo inteiro, construir sonhos, imaginarios e viver nossa capacidade onirica. Em apenas um quadro, um fotograma, se esconde um mundo. Melies, o grande homenageado do filme, exatamente como um magico, um ilusionista, sabia trabalhar no acetato com essas duas formas de encarar o tempo. Recortava e aprimorava cada fragmento e os punha em movimento, criando a ilusao que e e sempre sera o cinema. Ha um outro aspecto do tempo no filme que nao esta tao explicito assim: o tempo e o simbolo por excelencia da morte, da vida que se escoa; e marcado pela inevitabilidade. Se por um lado Melies esta idoso e perdeu a forca para encontrar algum sentido para a vida, Hugo Cabret ainda conta com essa forca avassaladora que e encontrar um proposito, um sentido para a sua primeva vida. Scorsese esta entre esses dois polos. Nao, Scorsese nao; todo criador esta entre esses dois polos, ou, diria mais, toda criatura. O tempo so pode ser vencido ou domesticado no trabalho enquanto forca criativa do ser humano. Fazendo coro com o filosofo alemao Heidegger, nos muitos modos de ser, contamos nossa historia e, ao contar nossa historia, vamos sendo-ai contra o tempo. Todo trabalho, porque muda a natureza do tempo em nossa consciencia, e toda forma de narrar quem somos, faz com que tenhamos a ilusao de que existimos e temos uma identidade. Quando esquecemos quem somos (Melies se esqueceu), a morte, atrelada ao tempo que se escoa, vence. Portanto, a narratividade, ou a possibilidade de contarmos nossa propria historia se confunde com as artes narrativas como o teatro, o cinema, a literatura e ate os RPGs. Artes representadas pelo livreiro e pela menina que adora livros e aventuras. O cinema e uma forma de matar a morte e vencer o tempo, de criar com o proprio tempo, simbolo da morte, a vida pela narrativa. Em um bom filme, nos encontramos, achamos nossa capacidade de dizer quem somos enquanto humanos. O cinema, faz parte da vitalidade humana contra o tempo, como outras artes. Ainda bem que Scorsese nao utilizou um aparelho projetor e um menino como representacao do cinema que fala do cinema, pois teria apenas imitado a metalinguagem utilizada em Cinema Paradiso. Ele foi original e utilizou um automato, um robo que realmente existe e foi criado entre 1768 e 1774 e esta exposto no Musee d Art et
D Histoire em Neuchatel, Suica, e realmente desenha figuras como no filme. O automato e um personagem misterioso e tem um olhar, uma feicao entre a alegria e a tristeza, as duas faces da vida (do teatro?), que nos leva a fascinacao. Como Hugo, sabemos que e apenas um boneco com engrenagens, mas, mesmo sem movimento algum, quebrado, parece estar vivo; a qualquer momento nos da a sensacao de que vai desenhar algo, produzir suas imagens. Trata-se de uma fascinacao pelo automatismo que vem de um impulso inconsciente e estrategico da tecnologia, impulso esse que podemos encontrar na antiga relacao com as primeiras maquinas intrinsicamente ligadas ao tempo: o relogio. Ora, nao preciso ir muito longe para voce ja ter percebido que o automato e a metafora de Scorsese para o cinematografo ou o tal do projetor. Inclusive porque as engrenagens do automato reproduzem o mesmo som de um projetor de cinema em funcionamento e, tanto o projetor quanto o automato, fabricam suas imagens. Imagens que finalmente ganham vida depois que uma chave na forma de um coracao poe o boneco em movimento. Para Scorsese a tecnologia basica do cinema e sempre a mesma, mas sozinha nao consegue fazer a sua magica. As engrenagens ate que funcionam, mas sem coracao, sem humanidade, o cinema nao encanta, frustra. A chave para o cinema, independente da mudanca de tecnologia, sempre sera o coracao humano. No fim do seculo XIX e inicio do seculo XX houve um crescimento da ciencia de forma espetacular, principalmente depois da revolucao industrial. A Europa toda foi seduzida por um frenesi que se originou nas possibilidades infinitas que as maquinas criaram. Muitos cientistas se imaginaram e foram medidos como deuses criadores. Foi dessa epoca as principais obras literarias que expressaram o paradoxo com a ciencia e as maquinas: O medico e o monstro, Eu, robo, O homem bicentenario, Frankenstein, Homem eletrico; etc. Foi a evolucao e o desenvolvimento do mito do Golem da tradicao folclorica judaica. Dizendo de outro modo, o aspecto de misterio, de magica do Golem, ainda esta presente em qualquer maquina. Mesmo que saibamos como algo funciona, ainda existe uma dimensao de nossa ignorancia que propicia fantasiarmos que algo magico esta dentro daquele objeto, como o ratinho de corda que aparece em uma cena do filme. Talvez sejam fantasias que herdados de nossos ancestrais e seu mundo encantado, onde tudo era magico e sobrenatural. Isso nos faz pensar que nao e por acaso que o automato do filme inspire tanta empolgacao em Hugo e Melies, e a maquina do cinema desperte em Scorsese a ideia de que cada filme e um Golem. Golens nao podem mais ser controlados depois que se lhes da vida. Uma obra deixa de ser do autor depois que este lhe da a vida. O psicanalista Pichon-Riviere, conhecido por suas contribuicoes na analise de grupo, mas pouco conhecido por sua critica a arte, escreveu alguns textos que foram reunidos em um livrinho chamado O processo de criacao. Nele o psicanalista genebrino (argentino por escolha) expoe a sua curiosidade para com o mobile. Mas
porque o mobile? Porque nas artes visuais modernas o mobile e talvez o objeto mais simples e primitivo que causa o mesmo efeito de fascinacao pelo movimento que qualquer maquina causa, como se aquilo estivesse vivo. Que me certifiquem a Psicologia e a Psicopedagogia que descobriram os efeitos do mobile no desenvolvimento dos bebes. O mobile seria o esboco, a realizacao mais rudimentar do sonho do ser humano de encontrar ou criar uma maquina com um motor perpetuo. Hoje sabemos pelas leis da termodinamica que isso e praticamente impossivel. No entanto, o mobile, assim como o catavento, precisa apenas de uma brisa e, o mais importante, produz movimento sem o auxilio humano. Ora, e nao e isso que o cinema faz? Quantas vezes estamos na sala de cinema e o que vemos e apenas o movimento (mobile) das imagens e nos esquecemos completamente que por tras de nos esta um projetor e que na pelicula esta impressa o resultado de um trabalho complexo? Foi o grande pioneiro nessa arte do mobile, Alexander Calder (um de seus mobiles esta exposto no MASP) que disse: O universo e real, mas voce nao pode ver. Tem de imagina-lo. Se pudessemos psicanalisar Hugo a partir de Pichon-Riviere, poderiamos dizer que Hugo passa por um processo de redescoberta da figura de seu pai, ou aquele com o qual manteve o seu mais intimo vinculo. A experiencia de redescoberta pode ser angustiante ou gratificante. Diante dessa nova situacao emergem os medos basicos, como o temor em abandonar os vinculos referenciais anteriores (ansiedade depressiva) e o medo do ataque (ansiedade paranoide). Talvez seja isso que fez com que Hugo passasse de uma identificacao com o automato para uma introjecao, ao ponto de ter um pesadelo em que ele proprio seria um automato. De acordo Pichon-Riviere, a introjecao aproxima-se da incorporacao, que constitui o seu prototipo corporal. Traduzindo: e mais ou menos como quando voce sai do cinema imaginando que e o heroi que voce acabou de ver em acao. No caso de Hugo a tensao e maior porque ele proprio se confunde com o automato e com a figura do pai. O autor descreve que o individuo projeta nas diferentes areas os vinculos do bem e do mau, numa situacao de ambivalencia. Razao porque mantem uma relacao ambigua e de desconfianca com o passado e com o presente. A saida? Resignificar a partir do automato (do cinema?). O boneco passa a ser o ponto de partida, mas tambem a ponte que liga o seu vinculo passado com os atuais vinculos que estabelece. Enfim, assim como para Hugo o automato e a maquina de sua criatividade, que lhe cura, o cinema e a maquina que cura tanto aquele que o faz (Scorsese) como aquele que assisti. Cinema e ludoterapia; um serio brinquedo do ser humano.
A DAMA NA AGUA Titulo original: (Lady in the Water) Lancamento: 2006 (EUA) Direcao: M. Night Shyamalan Atores: Paul Giamatti, Bryce Dallas Howard, Noah Gray-Cabey, Jeffrey Wright. Duracao: 110 min A fruicao e uma bencao e uma maldicao. Bencao porque permite a simples diversao, sem preocupacoes ou responsabilidades; e uma maldicao porque permite igualmente a contaminacao pelo senso comum e pelo olhar pouco atento. Quem vai ao cinema para assistir obras de certos diretores apenas pela fruicao, nem deveria ir. E o caso de Shyamalan que, desde Sexto Sentido, fez com seus filmes fossem amados ou odiados. Odiados pelos que querem apenas diversao e tem preguica de interpretar, amados pelos que se habituaram ao sentido ambiguo de seus roteiros. Nao e a primeira vez que saio do cinema ouvindo imprecacoes contra seus filmes com frases do tipo: Que porcaria, nao entendi nada; Nossa, que fim ridiculo. A partir de Sinais, esse assistente bobo-alegre insiste em acreditar que todo filme e que toda historia so tem sentido se ele puder interpretar de forma literal. Se o que ele esta vendo nao for exatamente aquilo que ele realmente esta vendo, nada mais e possivel. Nao lhe passa pela cabeca, nem mesmo com um minimo de desconfianca, que o autor pode estar querendo dizer algo alem das imagens que dancam diante de seus olhos. Isto me lembra o hipocondriaco que, acostumado com as capsulas de seu remedio sempre da mesma cor, fica confuso e angustiado diante de capsulas de outra cor. Nessa situacao, a mudanca de cor revela a sua verdadeira doenca. Depois de algumas obras, Shyamalan percebeu essa atitude de seus assistentes e fez um filme que os provocasse ainda mais. Foi esperto o suficiente ate para incluir em A Dama na Agua, logo no inicio, os incapazes: Os homens esqueceram como ouvir. E olha que muito possivelmente Shyamalan nao esta falando apenas de seu filme, mas de toda historia que provoca a vontade de interpretar, compreender e, mais ainda, viver os mitos. E, entenda-se mitos aqui nao como falsidades, mas como o que eles realmente sao, ou seja, historias gravidas de sentido, prenhes de simbolos universais do ser-humano. Ouso afirmar que Shyamalan fez esse filme justamente para nao fazer sucesso, exatamente para nao ter grande bilheteria, pois, de outro modo, o seu proprio filme seria um fracasso. O fracasso do filme foi tambem o seu sucesso. Sim, eu sei, alguns devem imaginar que essa e uma hipotese ruim, no minimo maluca. Mas explico. Por toda a narrativa fica claro que a historia so pode ser compreendida por aqueles que sao capazes de se tornarem novamente criancas ou se puderem ser despertados com uma sensacao de alfinetes e agulhas. Ora, Shyamalan ja sabia que pouca gente entenderia esse filme, que bem poucos sentiriam suas agulhas e alfinetes o que torna o filme legitimo em sua tentativa de apontar como a maioria das pessoas esta com a sua sensibilidade aos mitos embotada pelo processo civilizatorio que exige verdades adultas, racionais e logicas, para nao dizer domesticadas por uma falsa seriedade. Como disse um outro critico:
para Shyamalan esse filme e uma declaracao de principios que indica como uma historia deve ser contada. Shyamalan, nisso, exige que seu expectador acredite no que ele poe na tela simplesmente porque o acordo silencioso entre o expectador e a ficcao nao permite outra possibilidade. Nao acreditar no que se esta assistindo e negar o proprio cinema, e negar que uma historia possa ser contada. Isso sim e um absurdo maior do que qualquer conto de ninar. A narrativa do cineasta indiano, naturalizado estadunidense, e muito simples e segue outras narrativas de outras obras que ele realizou. Ele apresenta seus personagens no inicio, revelando como cada um deles nao encontra sentido ou proposito claro para a vida. Como e dito no filme: Ninguem sabe quem e, ate que todos se envolvam. Diante da catastrofe ou de evento negativo, cada personagem encontra a sua forca interior e, por consequencia, a sua identidade. Ou, nas palavras de Storie, a dama Narf: Voce tem uma finalidade. Todos os seres tem uma finalidade. Ao encontrarem a sua identidade, sao capazes de realizar atos heroicos e salvarem-se a si mesmos. Os herois de Shyamalan sao pessoas comuns, insossas e, talvez por isso, incomode tanto os que desejam grandes herois em filmes de pastiche, com sucesso garantido. O protagonista e Cleveland Hipp e, como a propria Dama Narf aprendeu em sua escola, Cleveland significa terra ou pais dos montanhas. Shyamalan provoca duplamente seu expectador. Por um lado, ele indica que o tipo de escola que Storie frequenta pouco se preocupa com conteudos formais e se concentra nos sentidos da vida escola centrada na cultura imaterial e simbolica e nao na cultura material e de producao. Afinal nao e disso que o filme trata? Por outro lado, Storie mostra que um nome e carregado de identidade e sentido. Alias, o nosso nome proprio ja e um dos primeiros passos para comecarmos a contar a nossa propria historia e, por consequencia, acharmos a nossa identidade. Nomes tem significados, assim como sobrenomes, e estao encharcados da cultura de nossos antepassados, de nossa ancestralidade. Cleveland tinha perdido sua identidade com a morte de sua esposa e filhos. Nao conseguia mais contar a sua historia, por isso dizia que ninguem o conhecia no condominio. Para continuar a ajudar as pessoas, como antes, pois tinha sido medico, tornou-se um zelador prestativo; tornou-se um Quiron, isto e, o centauro ferido que curava. Quiron, segundo a mitologia grega, foi o centauro que ensinou os principais herois e foi grande amigo de Hercules. Foi adotado por Apolo, que lhe ensinou artes, musica, poesia e outras ciencias. Foi medico e astrologo, unindo assim os saberes misticos com os saberes cientificos. Ao ser ferido por uma flecha de Hercules, Quiron nao morreu (a flecha de Hercules para qualquer outro centauto seria fatal), uma vez que era imortal, sendo um filho de um Tita (Cronos). Cleveland so reencontra a sua identidade quando cuida de Storie, acredita nela e a cura. Cleveland reaprende a contar sua historia na historia de Storie a gagueira era sinal de sua incapacidade de narrar e
se faz crianca (a cena do sofa em que ele se faz parecer uma crianca e hilaria mas muito representativa). Ele, ferido, se cura porque Storie lhe salvou, ou melhor, recontar a estoria de si mesmo lhe salvou. Ha mais psicanalitico do que isso? Para acompanhar essa transformacao e que surge o simbolo classico da mudanca: as borboletas. Outro nome carregado de sentido e o da propria Dama Narf, Storie, que, como palavra aponta, significa estoria. Veja que o termo que usei nao foi historia e sim estoria, infelizmente em desuso na lingua portuguesa. Enquanto historia se aproxima mais do sentido historiografico, que exige provas documentais e raciocinios cientificos, estoria se aproxima mais do sentido ficcional, que exige uma crenca incondicional e voluntaria, semelhante a da crianca, que nao pede provas do conto de ninar que lhe e contado. A historia requer verificacao; a estoria requer fe. Cada um do condominio deve entrar na estoria de Storie para igualmente encontrarem a sua propria historia. Em certo sentido Shyamalan esta pedindo a mesma fe infantil ao telespectador. A piscina onde Storie vive e um buraco de Alice. A diferenca e que enquanto Alice entra no mundo fantastico do Pais das Maravilhas, Storie sai de seu mundo fantastico e entra no mundo real dos humanos. Dessa vez os humanos e que precisam entrar no mundo fantastico de Storie, mas sem sair de seu mundo real. Sendo uma narf, Storie tem um carater mistico, tipico dos elementais; uma fada ou elfa ligada aos poderes da natureza. Storie e o duplo de cada um de nos, que suscita um encontro com a nossa natureza mais intima, selvagem e ancestral. E, como muitos seres misticos, ela tem forte apelo feminino. Apelo em que Shyamalan explora o trajeto psiquico da historia do ser humano no culto da Dama. De acordo com o grande psicologo das profundezas, Carl Jung, o culto da Dama poderia ser a atracao pela figura arquetipal feminina que completa nossas almas, a Sofia dos gregos, a Virgem-Mae dos catolicos romanos, as divindades feminoides dos nossos antepassados. Ela desperta a libido na sua mais pura essencia, entendendo que o significado da palavra libido etimologicamente quer dizer experimentar um violento desejo, e sofrer todas as suas consequencias. E uma palavra ambigua, que serve tanto para nos remeter ao desejo da vida como ao desejo da morte. Os personagens do condominio estao entre essas duas margens. O fato de Storie viver dentro de uma piscina, em um buraco cheio de agua, reafirma a sua natureza mistica, das mulheres-sereias. Alem do peixe quase sempre representar em muitas culturas a reabilitacao dos instintos primordiais, a deusa lua, em muitas mitologias, tem uma cauda de peixe e um dorso de mulher. Vick Ran e o escritor que nao conseguia mais escrever. Sendo uma especie de duplo de Cleveland, precisa ter contato com Storie para reencontrar a sua identidade de escritor e continuar a historia. Sem esse contato, a historia nao tem seguimento e a fantasia termina. Ver Storie e ver a sua historia. E necessario coragem para isso (a palavra vikram