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Demi abre o album com duas faixas tremendamente adultas, e que conservam seu poder mesmo quando o restante do Confident segue por outra direcao musical uma parte do novo disco chega influenciada pelo r&b, que nao e exatamente um genero estranho para Demi, mas que e explorado com gosto aqui, seja em "Old Ways" ou na imponente "Waitin' for You", nao por coincidencia duas faixas que examinam o passado da cantora e entregam sentencas de superacao. Os refraos grandiosos, levados pela garra dos vocais da cantora, se repetem em faixas como "Kingdom Come" (com participacao desnecessaria de Iggy Azalea) e "For You", que exploram caminhos mais eletronicos sem sairem da cadencia muito particular do disco. As baladas da vez ficam por conta das colaboracoes de Demi com a cantora/compositora Laleh juntas, elas armam a maior extravagancia vocal da carreira da cantora em "Stone Cold", uma das faixas que Demi mais explora ao vivo, mas que ganha toques de cordas e outras delicadezas de producao muito bem-vindas no estudio. E facil se esquecer de que Demi Lovato ainda e uma garota de 23 anos em Confident, que a ve chegar como uma poderosa entidade pop ao quinto album. Com um som cada vez mais distintivo e uma habilidade vocal e expressiva cada vez mais impressionante, Demi continua sua jornada em direcao a construcao de uma identidade que ainda vai marcar muito o nosso imaginario pop. E nos continuamos com ela, ganhando belas cancoes pelo caminho. 18) The Desired Effect Lancamento: 15 de maio Gravadora: Island/Virgin EMI Producao: Ariel Rechtshaid, Brandon Flowers Duracao: 39m05s por Nathalia Nasser Quase ao final do primeiro semestre de 2015, o mundo pop foi presenteado com um album forte e sofisticado. Brandon Flowers tinha uma proposta simples com The Desired Effect: relembrar o que o pop da decada de 80 teve de melhor. Para um talento nato como ele, ter um so album em pauta e o suficiente para um trabalho impecavel. Flowers viaja na carreira solo com muita maestria e sem deixar para tras nada do que lhe foi atribuido como um impecavel frontman de uma das maiores bandas de rock dos anos 2000. Depois de Flamingo, lancado em 2010, Flowers ainda pode gravar mais um disco com sua banda, e Battle Born trouxe ainda mais bagagem para sua performance e criacao. A escolha do jovem produtor vencedor do Grammy Ariel Rechtshaid, de apenas 36 anos, que recentemente trabalhou com artistas como Vampire Weekend, Sky Ferreira, Charli XCX e HAIM foi o toque final para um album pop que trouxesse ao mundo batidas fortes e dancantes dos anos 80. Essa parceria foi vitoriosa para a colecao dos artistas: o album foi considerado o album do ano pelo saudoso ingles The Sun, e pelo jornal californiano The San Francisco Examiner. A capa do album traz as chaves da figura de Brandon Flowers desde o The Killers: simplicidade e beleza. A tipologia, que lembra albuns como Thriller, de Michael Jackson, remete a quem compra apenas a imagem do que de fato existe no album: uma homenagem saudosa e perfeccionista do
que de melhor aconteceu na musica pop oitentista. Inteligentissimo na escolha dos poucos detalhes na capa, Flowers foi ainda mais feliz na escolha da primeira faixa. Dreams Come True apresenta ao ouvinte a tonalidade forte de sua voz, e nao deixa que ninguem esqueca sua brilhante carreira: e possivel ve-lo no palco performando com qualquer um dos figurinos iconicos de sua trajetoria. A abertura sinaliza perfeitamente o que vem pela frente: percussoes fortes, muitos backing-vocals femininos, trompetes e baixos muitissimo bem pontuados. A estetica continua linear com Cant Deny My Love (logo ai embaixo), primeira divulgacao do album, que conta com o que 2015 viu com muita sofisticacao de Flowers, Kendrick Lamar, e outros bons artistas: o funk. E bastante viavel imaginar essa faixa em especial em algum disco de Greatest Hits da primeira metade dos anos 80. Foi novidade para o publico que Flowers fosse tao inspirado pelo groove e funk hoje, nao restam duvidas. Ha tempos Flowers nao se sentia tao em casa com uma cancao: essa foi feita sob medida para sua voz e ritmo. Faixas como I Can Change que, alem do sample do classico Small Town Boy, tem participacao marcante de Neil Tennant , Lonely Town, Still Want You e Never Get You Right sao claros tributos as referencias e inspiracoes de Flowers. As cancoes sao ilustracoes claras de um romance oitentista. A ultima quase alcancou Cant Deny My Love: a voz de Flowers e quem faz quase que o trabalho todo na desenvoltura da musica. Untangled Love e, provavelmente, a faixa que mais e possivel lembrar e sentir tracos de albuns como Sams Town e Day & Age. Flowers foi feliz em revolucionar sua linha musical na carreira solo, e ainda assim e capaz de trazer sutilmente sua bagagem de artista rock dos anos 2000 sem perder a linearidade e uniformidade de um album sofisticado e easy-listening ao mesmo tempo. O trabalho de The Desire Effect recrutou tambem o que Flowers julgou de melhor em suas referencias contou com Bruce Hornby, grande pianista da decada de 80, e Tony Levin, baixista de Peter Gabriel e o que ve de melhor no seu cenario Angel Deradoorian, baterista bem criticada dos ultimos anos, que trabalhou com ninguem menos que Beck, vencedor do ultimo Grammy de melhor album. E possivel dizer que na escolha na ordem das faixas, Flowers o divide em dois, fazendo uma grande pausa no meio do album. A quinta faixa, Between Me And You, quase obriga o ouvinte a se desconectar da danca saudosa que lhe foi oferecida nas quatro faixas anteriores e se concentrar quase que completamente no ritmo sutil e nas batidas profundas da musica. O album anda em linha reta, conecta suas musicas quase que como tomadas, e visa o ritmo diretamente aos que gostam do lado mais calmo de Duran Duran e Pet Shop Boys. The Desired Effect foi uma equacao perfeita para as hiperboles da voz de Flowers, juntamente com sua necessidade e inspiracao. Por parte da producao, um masterclass de truques de producao da decada de oitenta. Um album
que foi prolixo e obvio em algumas letras, mas completamente capaz de induzir de forma sofisticada uma ideia simples com uma execucao magistral. 17) Another Eternity Lancamento: 27 de fevereiro Gravadora: 4AD Producao: Purity Ring Duracao: 35m23s por Caio Coletti Another Eternity, o segundo album de estudio do duo de eletronica canadense Purity Ring, comeca e termina com notas liricas igualmente delicadas: em Heartsigh (ai embaixo) a vocalista Megan James canta em tom suave e terno que vai roubar um suspiro do seu coracao, e coloca-lo no meu; em "Stillness in Woe", a narradora apaixonada se desculpa se sua proximidade assusta o parceiro, mas diz ter construido um reino com os seus sofrimentos. A jornada que existe entre essas duas cancoes e tao intensa musicalmente quanto e sutil e cuidadosa em seu conteudo lirico, buscando referencias interessantes para criar o que so podem ser descritos como poemas musicados, com raras intervencoes de ganchos e refraos mais pop. E um disco obstinadamente disposto a explorar as profundezas dos sentimentos mais ternos (mas tambem dos mais destrutivos) de uma relacao amorosa, e e um feito de producao e composicao que deveria elevar o status do duo canadense para artistas indispensaveis dentro da musica eletronica/indie. Musicalmente, e facil acompanhar a jornada do disco. Another Eternity comeca com baladas eletronicas que emergem de melodias delicadas e dos teclados e sintetizadores bem calculados, que flertam com o dream pop (vide "Push Pull"), acha tempo para trazer influencias do r&b minimalista de gente como a FKA Twigs na discretamente sensual "Repetition" (Watching me is like watching the fire take your eyes from you). O meio e marcado pela complexa e quebradica "Stranger Than Earth", que pesa um pouco mais nos sintetizadores graves e da a dica do clima do final do album, dominado por uma forca eletronica que se aproxima do witch house, especialmente no ultra-marcante refrao de "Flood on the Floor", e na dancante e grudenta "Begin Again" (Youll be the Moon, Ill be the Earth/ And when we burst/ Start over, oh darling). E impossivel nao notar que a cabeca do grupo e o compositor e produtor Corin Roddick. Apesar do auxilio da tambem vocalista Morgan James na producao, e do credito que eles dividem em tudo o que o Purity Ring ja fez, e Roddick quem cria as roupas que o duo usa nas apresentacoes ao vivo e os conceitos visuais dos clipes e dos discos, alem das letras das cancoes serem, em sua maioria, adaptadas de suas poesias. Ao mesmo tempo, a vocalista James toma um papel importante ao emprestar sutil modulacao ao material do companheiro, passando por cima de barreiras melodicas e se ajustando a repeticoes e filtros de voz diferentes com desenvoltura impar no cenario em que o duo se localiza. Com espirito de equipe impecavel e uma preocupacao refrescante em contar uma historia, o Purity Ring criou um dos albuns indie de eletronica mais bacanas do ano. 16) I Am Lancamento: 11 de setembro Gravadora: Island/Def Jam Producao: Leona Lewis, Toby Gad, Kevin Anyaeji, James Elliot, Naughty Boy, TMS, Eg White,
Wayne Wilkins Duracao: 35m35s por Caio Coletti Nao da para dizer que a carreira de Leona Lewis saiu dos trilhos em algum momento dos ultimos 10 anos desde que foi revelada pela terceira edicao do X Factor britanico. O problema aqui era justamente o contrario: Leona estava sempre, infalivelmente, na mesma rota. Os quatro albuns de estudio lancados antes de I Am seguem o mesmo estilo: baladas engrandecidas pela voz elastica e impressionante da inglesa de 31 anos, levadas por orgaos, pianos, e pelo talento dos compositores que ela recrutava a cada disco. Antes de I Am, em que Lewis co-escreve todas as faixas, ela so deu pitacos em algumas das composicoes da carreira aqui, ela trabalha quase exclusivamente com Toby Gad, conhecido por produzir Adele, Jessie J e Demi Lovato, para construir um album coeso em sua vontade de encaixar a artista em um nicho neo-soul que nao so e confortavel para ela, como coloca fogo nas baladas do seu repertorio e lhe parece muito mais autentico e carismatico do que a melancolia forcada de certos momentos dos discos anteriores. I Am nao e um album triste. Embora alguns criticos tenham o apontado como um break-up album, por suas referencias liricas a relacionamentos passados e sua reafirmacao de forca e auto-estima frente a adversidade, em muitos sentidos o que Leona canta aqui e a essencia da sua assertividade como mulher, como cantora e como artista. Os pianos animados pelas batidas dos singles Thunder" e Fire Under My Feet (ai embaixo) dao o tom da interpretacao e clima incendiarios do album, se chocando com a belissima e empoderadora "You Knew Me When", uma balada escrita por Diane Warren (indicada ao Oscar esse ano pela colaboracao com Lady Gaga em Til It Happens to You) que Leona interpreta com energia e entendimento da mensagem. O restante do album segue com leveza que e talvez a caracteristica mais surpreendente do trabalho novo da cantora. As batidas sem peso aparecem em "I Am", acompanhada por cordas que so tornam a faixa mais deliciosa; na excelente (e grudenta) "Ladders"; e em "I Got You", que termina com um agudo de arrepiar. E uma Leona mais eletronica, menos preocupada com a gravidade de seus instrumentais, mais livre para se expressar da forma que lhe convem a francamente dance "Another Love Song" segue por um caminho que a cantora ja havia ensaiado no single promocional "Collide", que acabou sendo excluido da versao normal do disco anterior, Glassheart (2012). Leona esta muito melhor buscando explorar suas vontades musicais, sua inspiracao lirica e sua voz e quem ganha com isso somos nos, ouvintes. 15) How Big, How Blue, How Beautiful Lancamento: 29 de maio Gravadora: Island Producao: Markus Dravs, Paul Epworth, James Ford, John Hill, Charlie Hugall, Kid Harpoon, Brett Shaw, Isabella Summers, Dan Wilson Duracao: 48m46s por Caio Coletti Os trompetes de What Kind of Man (ai embaixo), talvez a faixa mais distintiva do How Big How Blue How Beautiful, terceiro album de estudio do Florence + The Machine, anunciam a chegada de uma artista diferente daquela com a
qual nos familiarizamos no transcedental Ceremonials e no feral Lungs, as duas obras anteriores da banda. Sob a tutela do produtor Markus Dravs, conhecido por trabalhar com Bjork no classico Homogenic (1997), Welch e companhia engendram um som que brinca com as maiores referencias da banda, desde o gospel americano ate a Motown dos anos 70, entremeando baladas delicadas com cancoes mais pesadas, que trazem de volta a furia das guitarras e da percussao da The Machine. E um som mais organico do que o do Ceremonials, e mais maduro do que o do Lungs, mas isso nem sempre e um mar de flores: em certos momentos, How Big How Blue How Beautiful parece um album estagnado, obcecado por um tema e uma abordagem, que joga em terreno seguro. Mesmo com esses porens, o Florence + The Machine ainda cria uma das musicas pop mais unicas e interessantes do cenario. O inicio do album pega fogo, com o violao ritmico e os corais evocativos de um blue-eyed soul a la Stevie Nicks colorindo a excelente "Ship to Wreck", e a apoteose dos orgaos e sopros formando o cerne da cancao titulo, a longa e belissima "How Big, How Blue, How Beautiful" (a versao usada no clipe e reduzida). Quando chegamos na pancada Motown dos teclados e batidas de "Queen of Peace", ja estamos novamente encantados pela voz e pela capacidade estetica do Florence + The Machine, que na curta carreira ja deu vida a algumas da melodias mais espetaculares da musica pop contemporanea, com seu faro particular para soul e suas intrincadas composicoes. O carater mais terreno do novo album (Welch deu entrevista dizendo que, como um exercicio, o produtor Dravs a proibiu de escrever novas musicas que tem como tema a agua), no entanto, mostra-se uma restricao para os exercicios esteticos da banda. Embora, liricamente, seja uma ideia interessante ver Florence percorrendo metaforas e tematicas mais imediatas, encontrando formas de conciliar-se com as realidades da sua personalidade e do efeito dela nos seus relacionamentos, ao inves de trabalhar e retrabalhar o tema do escape e da morte, musicalmente o album sofre das limitacoes que a producao e o conceito lhe impoe. Aqui e ali, brilham lampejos de genialidade como Various Storms & Saints, uma balada crescente e sublime, e "St. Jude", cujo tom resignado combina com o instrumental quase todo composto por um orgao opressivo. No campo da composicao, o Florence + The Machine ainda e imbativel, com suas melodias escapando das convencoes que a producao lhe tenta impor, e da monotonia da construcao do album. Na explosao final de "Mother", no entanto, unica faixa nao produzida por Markus Dravs, fica claro que o conjunto britanico e muito melhor quando deixado livre para explorar suas possibilidades mais elevadas e suas vontades mais extremas. Em suma, o Florence + The Machine funciona melhor no calor da batalha do que no conforto da sala de casa. 14) Cry Baby Lancamento: 14 de agosto Gravadora: Atlantic Producao: Kinetics & One Love, Christopher J. Baran, KaraDioGuardi, Kyle Shearer, Daniel Weber, SmarterChild, Michael Leary, Michael Keenan,
Babydaddy, Michael Miller, Frequency, Aalias Duracao: 46m38s por Caio Coletti As cinco primeiras faixas de Cry Baby, album de estreia da Melanie Martinez, sao para serem devoradas em um folego so. Todas co-escritas por Martinez com o duo Kinetics & One Love (responsaveis por Airplanes, do B.o.B.) e produzidas pelos proprios, as faixas mantem a mesma vibe de tons suaves de teclado, remanescentes de caixinhas de musica, com batidas de hip-hop que remeteriam (um pouco demais) ao primeiro disco de Lana Del Rey, se a performance vocal de Mertinez nao fosse tao particular e seu veneno lirico tao pungente. Varias dessas musicas acabam se tornando destaques dentro do album evocando um cenario familiar de perfeicao a la anos 50, exatamente como Del Rey e Marina and the Diamonds (no Electra Heart), Martinez destila versos cinicos que sobem as cortinas desse ideal com a empolgacao pueril de uma filha adolescente revoltada. A minimalista e chocante "Sippy Cup" e a que vai mais longe: Hes still dead when youre done with the bottle, canta Martinez com maldade impar. Uma das jogadas mais espertas do Cry Baby, no entanto, e quebrar com essa exclusividade e uniformidade. A sexta faixa, Soap, troca de produtor e de instrumental, pesando a mao nos sintetizadores e mantendo a mesma verve venenosa e o ponto de vista juvenil para lidar com temas muito maduros. O melhor efeito dessa combinacao curiosa que Martinez desenvolveu para o album ocorre na bizarramente romantica "Training Wheels", estruturada como uma lovesong docil, mas temperada com referencias creepy a elementos da infancia (vide o titulo) e fantasmas de abuso sexual. Nao da para dizer que o Cry Baby e um disco sombrio, propriamente falando, mas e impossivel negar que as composicoes de Martinez e companhia carregam consigo uma identidade muito peculiar, de celebracao da excentricidade na superficie, e exploracao das profundezas do que significa ser um outsider no mundo compulsivamente padrao em que vivemos. A ciranda de produtores faz bem ao disco. Nas maos de Kara DioGuardi, Martinez ganha seu hit mais inescapavel, Pity Party (ai embaixo), distintivamente mais pop do que a maioria das outras faixas do album. Com o grupo de produtores SmarterChild, cria a melodia divertida e marcante de "Tag, You're It"; e em parceria com o pessoal do Frequency, fecha o disco com chave de ouro na indelevel "Mad Hatter", que usa e abusa de citacoes do classico Alice no Pais das Maravilhas, de Lewis Carroll, para reafirmar o ponto de excentricidade e expressividade de Martinez. Se aproximando de referencias muito atuais, como a ja citada Lana Del Rey e as batidas e ritmos de Lorde, a ex-concorrente do The Voice consegue cavar um espaco bem proprio dentro do cenario pop, jamais caindo na imitacao de suas colegas de genero, e se reinventando dentro de um unico conceito com o jeito genioso de uma artista pop legitima e unica. 13) Rub Lancamento: 25 de setembro Gravadora: I U She Music Producao: Peaches, Vice Cooler Duracao: 41m23s por Caio Coletti Faz 15 anos que a professora canadense de teatro e musica Merrill Nisker
adotou o codinome Peaches e lancou o disco The Teaches of Peaches, que garantiu, com seu improvavel hit "Fuck the Pain Away", a imortalizacao dessa personalidade transgressora da musica pop contemporanea, que atinge seu sexto album de estudio nao so em plena forma, mas provocadora e relevante como sempre. O segredo de Peaches e brincar com o trash e com a crueza das producoes enquanto destila, em plena atitude punk, sua raiva e vontade de desafiar o mundo. 15 anos depois de The Teaches of Peaches, as letras sexualmente explicitas podem nao chocar tanto, mas seguem um elemento libertador da sexualidade feminina, e revelador da opressao que ela sofre. Ao mesmo tempo, Peaches abusa do pastiche e do electroclash cru que compoem seu repertorio musical (embora o som hoje seja muito mais eletronico do que o de 15 anos atras) para criar uma transgressao que, acima de tudo, e tremendamente divertida e debochada, quebrando regras e barreiras explicitas e nao-explicitas no caminho da expressao completa e (naturalmente, sem forcar a barra) bem-humorada. O album comeca para valer depois da primeira faixa, a parceria com Kim Gordon em "Close Up", que ganhou clipe imperdivel logo antes do lancamento do disco. E na faixa-titulo "Rub (ai embaixo), no entanto, que Peaches mostra a que veio e porque ainda e dona da propria mensagem e da propria musicalidade levando as batidas orquestradas pelo co-produtor Vice Cooler com facilidade, a performer canadense canta com gosto uma celebracao da sexualidade feminina e da promiscuidade em geral. Explicita como o clipe, com um refrao destruidor que aumenta o volume dos sintetizadores cortantes com efeito espetacular e desagua numa hipnotizante repeticao do titulo da musica, Rub toca sem pudor, na melhor das tradicoes de Peaches, em assuntos que ainda sao tabu na musica mainstream, e engata em um refrao de mensagem positiva: Feel free/ Come with me/ Peachy!. As letras de Peaches podem nao ser profundas (sem trocadilhos), mas seu poder nao pode ser ignorado. Ainda mais hilaria e "Dick in the Air", em que Peaches solta versos que desmistificam e banalizam o orgao sexual masculino que, ca entre nos, ja e endeusado o bastante por ai. Mais sombria, a maldosa "Free Drink Ticket" conta com a voz modulada e distorcida da cantora sobre um sintetizador impressionantemente grave emoldurando a cinica descricao que Peaches faz de algum ex-namorado azarado. "Vaginoplasty" toca novamente na sexualidade feminina, criando uma ode aos grandes labios da cantora e, ao mesmo tempo, citando de maneira bem-humorada e intencionada a questao dos transgeneros. O grito final dessa transgressora de 48 anos vem ao lado da participacao improvavel de Feist em "I Mean Something", em que canta, meio resignada, meio desafiadora: No matter how old, how young, how sick/ I mean something!. E dizem que a Madonna que se manteve relevante. 12) Working Girl Lancamento: 10 de julho Gravadora: On Repeat/Dim Mak Producao: Brassica, Com Truise, Joe Cross, GRADES, Bram Inscore, Chris Kemsley, Lockhardt, Pat Lukens, Dan Nigro, Ariel Rechtshaid, David Sharma, Jas Shaw, Peter Wade Duracao: 46m17s por Caio Coletti Na inesperadamente bem-humorada faixa intro