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manifestam antonimos um ao outro. Os esforcos para conciliar as duas partes se fazem quase como um atrativo a parte do filme, conforme o elemento familiar se torna mais presente na narrativa e seu choque com o proprio ambiente no qual ele se propoe se inserir fica claro.O resultado, porem, nao chega a ser dos mais agradaveis, ate porque muitos dos elementos acabam perifericos ou sao desperdicados no abandono da acao decidido pelos diretores. A bem da verdade, este novo Piratas do Caribe segue tambem na contramao dos antecessores no tocante a expandir o eixo da historia, preferindo reciclar elementos que deram certo no passado e fazer somente apostas seguras - o exemplo maior talvez esteja na personagem interpretada por Kaya Scodelario, que se a principio parece trazer algo novo na sua rebeldia logo se revela (e por consequencia se esgota) como mais um aparato de adaptacao da serie aos novos tempos, e na dispensavel cena pos-creditos. Neste meio tempo, o roteiro de Nathanson faz pouco proveito da figura de Salazar, primeiro oficial amaldicoado da franquia, na mesma medida que torna o oficial vivido por David Wenham (bem como a participacao de Paul McCartney) em mais um item de uma aparente forcada checklist de elementos obrigatorios.Mas todos estes problemas derivam, no fim, do choque de narrativas que acomete A Vinganca de Salazar, cujas dificuldades sinceras em conciliar propostas inconciliaveis terminam por remeter a franquia por acidente as suas proprias origens como envelhecida atracao de parque de diversoes, que buscava na epoca apenas a renovacao para manter o interesse de seu publico. As tentativas de adaptacao propostas por Rnning e Sandberg sao bem intencionadas, mas a imagem do carrossel permanece neste quinto Piratas do Caribe em toda a sua duracao, condenando-o a girar e girar sem ir a lugar nenhum e com os mesmos navios de sempre. E para o capitao Jack Sparrow, protagonista maior desta aventura em eterna continuidade (e unico personagem deste novo episodio que ao contrario dos outros evita o casamento e encontra no mar um lar), esta maldicao pode representar um conforto solitario e perigoso.Nota: 5/10
Adaptacao teatral encontra no vazio uma personificacao da assombracao.Por Pedro Strazza.Envolto em um clima claustrofobico anunciado desde o comeco com uma cena nada "glamurosa" de sexo no banheiro de uma balada, Una a principio surge como mais uma adaptacao cinematografica de uma peca de teatro guiada pelo conflito entre atores e o uso de espacos fechados para esbocar situacoes explosivas de drama. Baseada na peca Blackbird, o filme de Benedict Andrews nao demora para se aproveitar dos amplos espacos vazios do armazem onde grande parte de trama se passa para isolar seus dois protagonistas e o conflito vivido entre eles dentro de uma verdadeira grande caixa branca, "furada" por janelas que permitam ao publico enxergar o que se passa em seu interior.Se essa abordagem do material soa um pouco direta demais na sua traducao dramaturgica ao meio cinematografico - e ha momentos dramaticos suficientes no longa capazes de comprovar esta sua propensao exagerada de seguir pelo lado teatral - ela tambem revela progressivamente possuir suas proprias vantagens dentro da narrativa que Andrews constroi para trazer para a telona a obra escrita por David Harrower. A trama, que trata do reencontro entre a Una do titulo (Rooney Mara) com o homem que a abusou sexualmente na infancia, Ray (Ben Mendelsohn), quinze anos depois dos fatos ocorridos, e mero conduite para o diretor se aprofundar no interior amaldicoado de seus personagens, ambos donos de um trauma que se recusa a se desvencilhar de suas vidas.Assim como o recente Um Limite Entre Nos, Andrews opta por preservar o material na integra e sem recorrer a qualquer tipo de mudancas (Harrower inclusive e o unico creditado no roteiro). Mas se no filme oscarizado de Denzel Washington essa opcao desembocava em um tom de reverencia bastante pungente, com os atores enunciando os dialogos da mesma maneira que fariam no teatro, Una parece restringir a alianca com o teatro somente no espaco limitado ocupado por seus atores nas grandes salas do escritorio e moradia de Ray no qual seu drama reside. Essa sensacao de aprisionamento, logo transformada na claustrofobia citada acima, passa por uma questao essencial da natureza do conflito de Una com Ray que e o perfil de assombracao que um adquire sobre o outro e vice-versa, uma ressignificacao da relacao cuja maior evidencia surge sem surpresa nos olhares estupefatos da atuacao de Mendelsohn toda vez que ele descobre sua antiga vitima no ambiente.E embora essa atmosfera tenda a se diluir no uso recorrente de flashbacks e na transicao do ambiente impessoal do escritorio para o mais receptivo da casa de Ray - ao enfim escapar para o espaco aberto, o climax parece nao saber muito bem como lidar com essa nova perspectiva - Una consegue manter certa unidade ao manter sua protagonista como centro maior das atencoes. Ancorado pelo trabalho de Mara (uma atriz ja especializada nestes tipos introspectivos), o filme sabe expandir e refletir os sentimentos conflitantes de Una aos cenarios vazios habitados por ela e as pessoas que a rodeiam, tornando a figura que a assombra nao so em uma personificacao do outro como
"Volta" de Shyamalan concilia fabula e horror com leves rupturas.Por Pedro Strazza.Se houve um momento crucial a carreira de M. Night Shyamalan nestes quase 20 anos de altos e baixos na relacao com critica e publico, este talvez seja a parceria que o cineasta firmou com a Blumhouse Productions de Jasom Blum. Foi uma decisao que atendeu aos dois lados: se a produtora de terrores de baixo orcamento ganhou um nome de peso para impulsionar as ja bastante rentaveis bilheterias de suas producoes, o diretor voltou a trabalhar seu cinema de fabula dentro dos moldes do terror que o formou, estando agora melhor conectado a regras e convencoes de subgeneros baratos que possibilitam uma melhor e mais imediata aproximacao de sua narrativa com o publico.Este retorno e benefico a Shyamalan tambem por uma questao de auto-consciencia: se em trabalhos anteriores a este periodo suas belas historias de fe e espirito ora ou outra esbarravam no posicionamento de que tipo de producao ele queria fazer (algo que com certeza gerou as recepcoes divididas de obras como A Dama na Agua, Fim dos Tempos e A Vila), sua filiacao ao terror resolve esta questao ao mesmo tempo que o permite trafegar entre generos distintos (a comedia, o filme familiar e tambem o horror) com melhor naturalidade. E um misto de maior habilidade e precisao que, confundido por alguns como uma "volta a boa forma", tornam A Visita e agora Fragmentado muito mais acessiveis a qualquer tipo de publico.E uma mudanca de fim comercial, porem, que no fundo nao altera a essencia de seu cinema, que continua com as mesmas propensoes pelo menos desde O Sexto Sentido. Se os aspectos esteticos e relacionados a forma estao sempre evoluindo nos filmes de Shyamalan, sua missao permanece identica: encontrar um respiro na rotina, descobrir-se como um ser de potencial e renovar a esperanca em si mesmo. Sao temas que continuam fortes no seu cinema ate os dias de hoje, oscilando talvez entre uma maior e menor presenca imediata nas tramas de suas producoes.Mas se as tematicas permanecem inalteradas, como o diretor e capaz de se manter relevante sem se esgotar? No caso de Fragmentado, obra que e seu maior sucesso de bilheteria desde Fim dos Tempos, a resposta esta na potencializacao de sua forma e no intercambio de generos realizado por ele em um longa a principio estabelecido como um terror sadico. No filme, tres jovens adolescentes - encabecadas por uma tipica vitima de bullying chamada Casey Cooke (Anya Taylor-Joy) - sao sequestradas e enclausuradas em um quarto por Dennis, uma das 23 personalidades que habitam o corpo de Kevin (James McAvoy). De inicio perdidas e desesperadas sobre o porque de terem sido vitimas de tal ato, as tres logo ficam sabendo que estao ali para servirem de sacrificio a Besta, uma nova e mitica persona de Kevin que esta para se manifestar em seu interior.Alternando-se entre a situacao claustrofobica do cativeiro das meninas com investigacoes da rotina de Kevin durante o evento e do passado de Casey, Shyamalan desenvolve aos poucos e com um tom menos
esperancoso sua narrativa de fabula dentro dos limites da camara que cerca seus dois protagonistas. O suspense e mais uma vez a linha condutora do diretor, que se aproveita aqui dos relances de profundidade da fotografia de Mike Gioulakis - que emerso no meio com Corrente do Mal da toques labirinticos a producao, especialmente nas cenas de corredor - para potencializar estas possiveis instabilidades espaciais de um cenario fechado enquanto promove o mesmo equilibrio entre humor e horror que atingiu com A Visita.E ainda que mais para frente Fragmentado demonstre estar melhor antenado na tematica com outro trabalho de Shyamalan (o qual nao vale a pena revelar aqui para preservar os efeitos do longa), e justo com o excelente found footage dirigido pelo cineasta em 2015 que ele esta mais proximo no fim, seja por questoes formais - a melhor transicao e equilibrio entre os generos, o otimo trabalho do elenco, o uso ressaltado como "consciente" da camera - ou de formulacao - a revelacao da similaridade entre os traumas responsaveis por isolar Kevin e Casey passa de alguma forma pelo mesmo eixo de uniao das duas criancas em sua crise familiar. E um alinhamento nao planejado pelo diretor que nao exatamente tira forca dos jogos de tensao da producao mas fica responsavel por escancarar demais o processo narrativo do diretor, antecipando viradas e criando quebras nao esperadas entre fabula e horror. E para alguem que esteve sempre disposto a metalinguagem como Shyamalan, estas rupturas podem ser prejudiciais.Nota: 7/10
Remake estadunidense e bonito por fora, mas tem o interior vazio.Por Pedro Strazza.Toda refilmagem passa inevitavelmente por um processo de reformulacao de sentidos que ora ou outra ira desfazer o proposito do original para imbuir a trama de novos significados, independente do grau de fidelidade ao qual a producao busque com o antecessor. No caso de A Vigilante do Amanha - Ghost in the Shell, e evidente do inicio qual e o tom de solenidade com o qual o longa se dirige a animacao japonesa de 1995 em que se baseia, tendo o visual do filme de Mamoru Oshii (este por sua vez a adaptacao do manga de mesmo nome de Masamune Shirow) quase como um ponto de referencia intocavel, a ser atualizado somente pelos efeitos digitais de ponta.Mas se na imagem o longa dirigido por Rupert Sanders esta bastante decidido sobre o tipo de adaptacao que quer ser, mostrando uma preocupacao bastante evidente de se portar como uma reproducao fiel e nao antiquada do original, no conteudo a producao estadunidense se dissolve em um vazio de intencoes tao efemero quanto a metafora do "fantasma na concha" que da nome a obra em ingles. Isso porque Sanders parece querer evitar ao maximo o desafio de traducao ao qual sua obra passa na travessia de um imaginario oriental ao ocidental, preferindo englobar com exclusividade o clima soturno do sci-fi policial de Oshii que tentar abordar o caos tematico de reflexoes sobre a condicao existencial em que esta narrativa se insere.Isso comeca a ficar mais claro quando o longa comeca a criar maior distancia da animacao e efetivamente trilhar caminho proprio. Se o roteiro escrito por Jamie Moss e William Wheeler simplifica a jornada de Major (Scarlett Johansson) a procura de respostas ao estado de um sub-Robocop de tom comedido, e porque a producao em si nao possui qualquer ambicao com os temas da animacao que seja maior que o basico e esta atras aqui somente do ideal visual concebido por esta. Nao a toa, o filme segue a cartilha dos remakes hollywoodianos recentes de tratar situacoes marcantes do original (os dedos roboticos ramificados em mais dedos, a "fabricacao" da Major, as lutas e o mergulho na agua, o combate da protagonista com o robo aracnideo no final) como reles paradas nostalgicas obrigatorias, nao importando seu significado ou contribuicao real a trama. Esta decisao de seguir um tom mas nao um conteudo logo transforma o filme em um pastiche de referencias sem maior inspiracao, que consegue ate encontrar sobriedade(!) nos designs coloridos de neon do cenario futuristico. Nem mesmo a presenca de Takeshi Kitano no elenco - um verdadeiro showman no Japao que como ator tende a proporcionar a caricatura e a postura mais seria em perfeita sincronia na atuacao - consegue trazer um respiro a este novo Ghost in the Shell, que soa inerte nas suas tentativas de repetir os atrativos da animacao sem de fato se arriscar a se enveredar por eles.Este erro de concepcao (e de falta de percepcao) de certa forma aproxima A Vigilante do Amanha da refilmagem de Robocop,
outra producao que alem de tratar do eterno enfrentamento entre homem e maquina sob limites mais tenues tambem se fazia como uma versao compacta e sem margem para riscos da original. A comparacao, porem, nao vem para bem, pois enquanto o longa de Jose Padilha tinha pelo menos na atualizacao da trama e no advento de dilemas contemporaneos um escape para suas inevitaveis limitacoes, o remake de Sanders soa como um produto deslocado, incapaz de tanto dar vazao as questoes que tenta promover quanto de aproveitar o potencial de Johansson como atriz de acao, usando-a em cenas que ressaltam ainda mais o sentimento geral de repeticao e aborrecimento proporcionados pelo filme.Nota: 4/10
Preludio aprofunda problemas de Prometheus enquanto promove mistura dos elementos de diversos filmes da serie.Por Pedro Strazza.Alien: Covenant surge a principio como um filme de conciliacoes dentro da franquia. Misto assumido de sequencia de Prometheus e preludio do original de 1979, o longa serve ao diretor Ridley Scott exatamente como um canal de processo para que este una suas ambicoes filosoficas sobre a criacao ao clima de horror que consagrou ele e a serie em seus primordios, uma ponte capaz de unir o status atual do cinema do cineasta com os elementos que o identificaram no inicio. Tudo para clarificar, no fundo, um pouco mais das origens da criatura que e item central da marca, explicando como esta adquiriu a forma classica.E uma tentativa de reparacao de casamento que se percebe logo no inicio pelos interiores da nave que da nome a producao (o design e muito similar a da Nostromo) mas tambem no proprio tom da trama escrita por John Logan e Dante Harper, que abandona o vies epopeico do capitulo anterior para assumir de vez o conto de moral condenatoria a curiosidade humana e o suplicio sanguinolento que se segue. Depois de serem acordados antes do planejado por uma tempestade eletromagnetica e perderem o seu capitao (James Franco, numa aparicao bastante rapida), a tripulacao da nave colonizadora Covenant decide por desviar de sua rota para investigar um estranho sinal captado em uma planeta da regiao, cujas condicoes parecem bastante propicias para receber a humanidade em plena expansao.A promessa do paraiso sem surpresa se transforma em um inferno a ser vivido pelos personagens e os corpos mortos logo comecam a aparecer, mas e justo nestes momentos de climax que se percebe o quao distante esta Scott daquilo ao qual ele se propoe realizar no filme. O que em Prometheus era um choque nao planejado entre proposta e genero se converte aqui numa cisao propriamente dita, com a ambicao de seguir o debate de criador e criacao percorrendo um caminho muito diferente do horror no qual este se situa. E esta ruptura fica ainda mais evidente na indecisao do diretor sobre qual dos lados se filiar, o que faz a producao entrar em verdadeiro parafuso narrativo.Nao demora muito, entao, para que Alien: Covenant se solidifique como uma especie de grande colagem da franquia, misturando os labirintos claustrofobicos do original com o militarismo da sequencia dirigida por James Cameron e a proposicao aos questionamentos grandiloquentes de Prometheus. O filme parece disposto a agradar todos os tipos de publicos a partir desta mistura, mas nao funciona porque Scott demonstra nao estar afim de acrescentar algo de novo a ela: se a acao e o terror sao burocratizados ao nivel do desinteresse genuino, com o primeiro realizado a base de cortes rapidos e planos escuros e o segundo relegado ao gore pos-ato de tripulantes indistintos - algumas mortes sao escondidas pela camera, como na cena do chuveiro -, o debate da criacao e isolado do resto, o que torna suas insinuacoes ao horror um tanto quanto ridiculas. Isso sem contar os desandamentos da narrativa, que
amplifica a estupidez dos personagens (quem riu da burrice da tripulacao de Prometheus vai se divertir bastante em Covenant) e aposta em reviravoltas ingenuas do fato de serem nada surpreendentes.Se esta colagem mal planejada trai toda a versatilidade da serie - que parece ter sobrevivido ao longo dos anos justo por causa de suas constantes transformacoes e incursoes protagonizadas por diferentes cineastas -, o que ameniza todos estes problemas e se mantem como uma peca central para justificar todo o desastre em andamento e a figura de Michael Fassbender. Interprete duplo dos androides David e Walter, o ator ocupa em Covenant um vacuo de protagonismo sentido nos personagens humanos - principalmente Katherine Waterston, prejudicada por um papel de sub-Ripley desimportante a trama, mas tambem Billy Crudup e Danny McBride - em simultaneo que da legitimidade as ambicoes de Scott com estes preludios, ate porque seus androides carregam a frieza temida e desejada por seus criadores humanos em sua eterna busca por respostas.Mas o fato de Fassbender ser a essa altura o unico a carregar nas costas a historia e tambem um indicio do quao fora da rota esta Ridley Scott e a franquia, cuja tematica central do horror sempre permaneceu intrinseca a questoes maternais. Se o embate entre a Ripley de Sigourney Weaver com os xenomorfos (de certa forma carregado depois em Prometheus com Noomi Rapace) foi o motor que embalou os quatro primeiros Alien e permitiu suas consequentes metamorfoses, a figura masculina de David, por mais bem localizada que esteja em sua maleficencia, tende a relativizar tudo o que foi proposto sem um elemento de contraste adequado no mesmo ritmo que Alien: Covenant se afunda na banalidade de seus atos, personagens e condenacoes.Nota: 4/10
Pelo silencio, novo trabalho de Ira Sachs trabalha mudancas nos lacos comunitarios em tempos de recessao.Por Pedro Strazza.E curioso como Melhores Amigos encontra algumas semelhancas com o trabalho anterior de seu diretor, O Amor e Estranho, que vao alem da mera presenca de Alfred Molina no elenco de ambas as producoes. Tal qual seu antecessor, o novo longa de Ira Sachs carrega uma analise um tanto quanto inesperada de relacoes familiares, feita sob o teste das limitacoes financeiras impostas aos Estados Unidos no cenario pos-crise e que preza acima de tudo pela veracidade de tais conexoes frente ao avanco do tempo.A diferenca fundamental vem da natureza deste conflito. Se no longa protagonizado por Molina e John Lithgow eram turbulencias silenciosas passadas pelos dois com o restante da familia depois do primeiro ser dispensado de seu emprego e eles nao conseguirem mais bancar o apartamento onde moram, aqui e a morte do pai de Brian (Greg Kinnear) que o faz entrar em rota de choque com a locataria do espaco localizado no andar terreo do apartamento do falecido, a senhora Leonor (Paulina Garcia), que se recusa a pagar o novo valor do aluguel proposto por eles. A situacao delicada atinge em cheio os filhos de Brian e Audrey, Jake (Theo Taplitz) e Tony (Michael Barbieri), que recem-amigos e passando pelos percalcos naturais do fim do colegio querem que o problema se resolva bem para os dois lados.Ainda que a trama seja tratada como uma tipica dramedia, intercalando-se entre o cotidiano leve dos garotos com as indisposicoes de Brian e sua mulher Kathy (Jennifer Ehle) com Leonor, e visivel em Melhores Amigos o tom crescente de melancolia que se instaura na narrativa elaborada por Sachs, muito porque o roteiro escrito por ele e o brasileiro Mauricio Zacharias (em sua terceira colaboracao com o diretor) torna mais e mais evidente o peso que o aperto financeiro gera nos personagens. Se o longa comeca com tipicos acenos ao drama de luto, se aproveitando do fato do falecimento do avo de Jake ser o gatilho para a historia - a cena na qual Brian chora ao descer para buscar qualquer coisa para o velorio e a camera esconde seu rosto no momento do desmonte, por exemplo -, esta tendencia logo se dissipa em prol dos problemas gerados pela falta de dinheiro, uma ausencia muito mais imediata a todos os envolvidos.O aperto nas despesas, porem, e so o meio condutor para o filme se debrucar sobre a questao comunitaria, que em carater silencioso se faz como maior tematica da historia. Se em O Amor e Estranho o tema dos lacos de amizade na comunidade eram restritos a um efeito colateral (com o casal gay precisando dos amigos e familiares para sobreviver em tempos dificeis), em Melhores Amigos a sua durabilidade e posta a prova frente as mudancas geradas pela passagem da posse do espaco alugado por Leonor e o filho, com Brian dividido entre sustentar a propria familia e o custo alto de despejar uma pessoa que era tida em alta conta por seu pai. O vies da
modernizacao do bairro do Brooklyn, local onde a trama se passa, surge quase despercebida no filme, como uma desculpa criada pela irma de Brian, Audrey (Talia Balsam), para justificar o fim da relacao com a locataria; o que interessa mesmo a Sachs e este ritual quase cerimonial vivido pelo protagonista, tendo que assumir o posto de patriarca e os dilemas a serem resolvidos por ele - uma das cenas mais fortes do embate entre ele e Leonor, nao por acaso, acontece quando ela questiona sua masculinidade pela decepcao do pai por ele forcar a esposa ser a responsavel pelas contas de sua familia.E um cinema que em alguns momentos lembra os trabalhos de Yasujiro Ozu - principalmente quando as criancas resolvem fazer uma greve de silencio parecida com a feita pelas protagonistas de Bom Dia -, uma influencia que se faz notar melhor na forma como Sachs trabalha a trama sob um vies intimista, filmado em grande parte do tempo entre quatro paredes, disposto a enxergar o que esta em jogo para cada um dos envolvidos e o sofrimento silencioso derivado disso. E ter Ozu como referencia talvez seja o maior acerto do diretor aqui, ainda mais quando ele decide enfocar as consequencias finais do conflito nos caminhos tomados na amizade dos meninos e no espaco criado entre eles. As vezes, tudo que e necessario para refletir os danos esta na distancia entre duas pessoas no hall de um museu.Nota: 8/10