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Hoje o Gilvan acentou as pedras de Sao Thome (ou Canjiquinha) na parede do balcao e na borda da psicina.Ta ficando show!!!*fotos tiradas pelo celular. escrito por: Publicitaria O que seria do amarelo se todos gostassem do azul? E isso o o que respondo cada vez que alguem me pegunta: - Por que piscina amarela? 1- Quem foi que disse que piscina so pode ser azul?2- Se vc me conhece, sabe que sou ousada em algumas coisas...3- Tenho HORROR a mesmice.4- Td muito normal e chato5- A cor e linda6- Vai combinar com a edicula7- Quem "ta pagaaaanoooo" somos nos, entaaao...se nos gostamos...ne?!Olha ela aE!O nome: SIBRAPE MOSAICO KORMANEstampa Mosaico KormanCriada em tons de areia, a estampa forma um mesclado de cores cruas colorindo mosaicos. A tendencia e usar materias naturais, portanto, apostamos nesses tons no vinil, comentam os arquitetos Carina, Ieda e Silvio Korman, que propuseram a tonalidade a SIBRAPE. E mais, a nossa assinatura vai na borda do vinil. Literalmente, assinamos em baixo.A nova estampa e uma releitura da Mosaico, de tons azuis e efeito praiano, que continua na colecao de estampas SIBRAPE.Mosaico Chocolate LupiMosaico KormanTop Model GreenEscrito por: Publicitaria Bom, em exatamente uma semana estaremos mudando! Oba, oba...fotos novas!!! Ufa! Achamos o sofa...e sem estar procurando!!!Estavamos em uma manha chuvosa na cidade de Americana (interior de SP) a procura de tecido suede roxo. E ao passarmos em frente a uma loja de moveis, decidimos entrar. Maridao gostou de um sofa logo de cara, daqueles de modulos, baixo. Particularmente eu o acho pouco confortavel, mas esteticamente e bem bonito e caberia na nossa sala.Mas, de curiosidade e fucando a loja, achamos um que foi paixao a primeira sentada! rs ENLOUQUECEMOS! E voltamos para busca-lo apos 15 dias. Td bem que a loja pediu mais 45 dias UTEIS para a entrega, e e nessas horas que testamos nosso dom de ser paciente e saber esperar!Nossa nova aquisicao tem 3,05 de largura, cabe 6 pessoas confortavelmente. E retratil e reclinavel, aberto fica com 1,70 m. E marrom e o seu tecido e suede. Bem parecido com esse da foto! Olha ai! O DUVIDA CRUEL!!!Encontrar um sofa perfeito pro home virou uma aventura louca! Encontramos uns lindos, confortaveis, com chaise, sem chaise, retratil, de suede, de chenile, de camurca, enfim...de todos os tipos. Mas sabe quando vc nao consegue visualizar nenhum na sua sala? Assim foi comigo! Nada se encaixa na maneira que sonhei.Esses foram modelos cotados por mim, da uma olhada e no outro post conto minha mais nova ideia.Uns irao amar, outros nem tanto. O que importa? A gnt achar que ficou DEMAIS!!!Prezamos pelo conforto em 1 lugar e depois a beleza, afinal e uma sala de home, ne?! La reine MargotDirecao: Patrice ChereauFranca, 1994 A paixao de Joana d'ArcDirecao: Carl Theodor DreyerFranca, 1928 Um rosto. Um fato historico. Uma camera. Cinema, muito cinema. A paixao de Joana dArc e um filme de paralelos. Paralelos e um milhao de interpretacoes e principalmente, emocoes. De um lado traz a simplicidade de seu cenario e a complexidade de sua heroina. A tradicao do
formalismo e o apelo do realismo. A repressao da sociedade e a paixao de uma so pessoa, uma so alma o contra plongee dos juizes catolicos ingleses e o plongee de Joana. Elementos que nao se embatem, mas se complementam e dramatizam da maneira mais avassaladora. Avassalador para o cinema. Para a arte. Para a humanidade. O filme e dirigido pelo dinamarques Carl Theodor Dreyer em 1929 na Franca. Sua versao original foi recuperada somente nos anos 80, dada a censura na epoca de sua realizacao.O longa comeca com um relato dos realizadores: tudo o que sera visto foi baseado nos autos originais do julgamento de Joana dArc martir do povo frances, lider na Guerra dos Cem Anos no seculo XV, queimada na fogueira pelos autos-de-fe e canonizada em 1920 pela igreja catolica. Veremos, portanto, uma representacao de um fato veridico. Na cena seguinte, uma jovem de cabelos curtos entra, assustada, em um salao. Homens carrancudos armados com lancas, homens velhos com suas vestimentas clericais. Iniciam-se as perguntas, ou melhor, as acusacoes. A jovem, Joana (Renee Jeanne Falconetti) chora no centro do salao, e assim permanecera durante todo o filme. No centro da historia. Exposta a todos aqueles que ali estao, simplesmente para faze-la confirmar uma versao dos fatos criada por eles. Nao ha um grande cenario. Nao ha externas com excecao da sequencia final. Nao ha muitos objetos de cena. Temos a frente das paredes cinza, personagens. Um conjunto de velhos repugnantes exprimidos em primeiros planos, cercando a heroina. A martir, Joana, que permanece em um maravilhoso excesso de closes, no centro da flagelacao. Os planos proximos dilaceram personagem e atriz. Podemos comecar a perceber e interpretar esses e outros elementos da narrativa que serao responsaveis por sua dramaticidade angustiante e por sua linguagem unica. O filme se aproxima do formalismo quando constroi uma narrativa poetica baseada na imagem. Mas, neste caso, a poesia da imagem nao esta na ambiguidade ou subjetividade dos elementos pela camera capturados, mas sim na expressao dos rostos expostos em super closes. Na captura de seu sofrimento, na captura da subjetividade propria dessas faces. A camera nao e, portanto, descobridora de um mundo fantastico, utopico, pertencente aos sonhos; a camera e reveladora de um mundo igualmente subjetivo, mas que vive no corpo do ator. Vemos tambem presente caracteristicas do realismo. A introducao do filme e prova disso. Deixar claro que o roteiro se baseia nos registros originais entao encontrados, do julgamento de Joana. Outro fator importante e o sentimento de identificacao e comocao que nutrimos para com a protagonista. Sofredora, acompanhamos sua angustia, seu medo, sua impotencia. Sentimos extrema compaixao e raiva pela injustica cometida. Vemos Joana responder as perguntas sem saida dos inquisidores. A vemos tendo seus cabelos raspados e sendo humilhada na sala de torturas; a vemos assinar um documento falso ate abrir mao de sua crenca e sua fe para ser salva da fogueira e condenada a prisao perpetua; a vemos voltar atras em sua decisao e preferir o inferno momentaneo da fogueira ao inferno constante que seria sua vida se vivesse na
negacao de sua religiosidade. Acompanhamos, assim, sua trajetoria. Os momentos finais que a tornariam uma martir. Alem disso, A paixao de Joana dArc traz uma relacao individuo/sociedade interessante. Cleber Eduardo, critico de cinema, em seu artigo Quantos e quais Dreyer na revista Contra Tempo, destaca: "E curioso ouvir tanto o diretor como muitos de seus admiradores valorizarem exclusivamente a capacidade dreyeriana de tornar palpaveis os tormentos humanos quando essa aparente abstracao e menos provocada por algum mal da alma inerente ao humano (como em Bergman) e mais por forcas concretas da estrutura social. Dreyer tem uma notavel sensibilidade para enxergar em seus mundos miudos, fechados em casa ou em pequenas comunidades (no campo ou na cidade, na gente simples ou na elite), tracos de uma ordem produtora desses micro-universos. Se no Neorrealismo italiano, a tematica era caracterizada pela critica de carater politico, de denuncia a uma sociedade injusta, que produz e exclui os pobres, em um contexto historico especifico, em A paixao de Joana dArc, Dreyer concentra sua critica ou denuncia a sociedade e seu peso atemporal, herdeira do passado e opressora do presente e do futuro. Sociedade que oprime de maneira muito maior e marginaliza aqueles que percebem seu fardo, sua impotencia, em um tom existencialista, filosofico. Um retrato da opressao de almas que nao veem saida, do macro ao micro. Do paralelo, do contraste de toda a historia da humanidade macro e sua influencia direta na individualidade de uma unica pessoa micro.A paixao se torna entao um avanco, um marco na linguagem cinematografica e um tesouro para a arte e para a humanidade. Alem de reunir as caracteristicas recem-estabelecidas para o cinema de maneira evidente e extrema (closes, montagem paralela, a mocinha do filme, o genero cinematografico, neste caso o drama historico, elementos estabelecidos por D W Griffith em 1915 com o Nascimento de uma nacao) reune caracteristicas realistas que formariam mais tarde o neorrealismo na Italia, no final dos anos 30 e 40.Para a humanidade tornar-se algo intocavel por trazer uma representacao de parte importante de sua historia, nunca vista de modo tao chocante. Uma representacao e uma reflexao intensa e existencial, dramatica, filosofica, triste, que evidencia a opressao tanto no tempo de seus personagens quanto na era de sua realizacao. Uma obra imensa. Que invade, que mostra a forca do cinema em sua plenitude. Que e atual e sempre sera. Que traz a poesia imagetica estampada no rosto de Joana dominada por Fontanetti. E o realismo de uma personagem, da alma, da sociedade, do homem... Enfim, arte caotica e sublime.
Germania anno zeroDirecao: Roberto RosselliniItalia, 1948 O realismo. Uma nova forma de ver o cinema. De pensar o cinema. De sentir o cinema. Um filme de movimento. Pertencente e condutor de suas caracteristicas. Um filme de autor. De ideologia, de critica. De personagens. Reais e palpaveis. Que estao ali, no meio de tudo, assim como nos estamos no meio do mundo. Alemanha, ano zero e uma das principais obras do neorrealismo italiano. A direcao e do premiado italiano Roberto Rossellini, um dos mais importantes artistas do movimento, diretor tambem de Roma, cidade aberta de 1945.Berlim destruida pela guerra. Um grupo de trabalhadores discute por comida. Entre eles um menino. Edmund (Edmund Moeschke) e cacula da familia. Ele a irma se sacrificam para sustentar a familia o pai doente e o irmao mais velho que lutara na guerra. Um retrato real, preocupado com a sociedade da epoca. A camera esta ali apenas para fotografar a acao dos personagens, de maneira discreta, fria. Ela nao trata de impor significados ou subjetividades a narrativa. A narrativa acontece pelo desenrolar da acao, da vida dos que estao ali a sua frente. Assim como a montagem, que nao cria um segundo sentido, ou um segundo mundo com a ordem das imagens. A historia acontece em seu sentido cronologico, a montagem tambem.Edmundo busca nos mais diferentes lugares dinheiro ou comida, tendo como cenario sempre uma cidade devastada, morta, cruel. Seu antigo professor de comportamento nazista e pedofilo, Ennig (Erich Guhne), promete ajuda-lo em troca de alguns favores. O tom critico de Rossellini esta fortemente presente. A cidade esta destruida, assim como seus moradores. Todo personagem parece um tanto quanto desprezivel em algum momento. Mas fica claro que cada um sofre a sua dor, todos sao vitimas. Vitimas do meio. Reflexo da cidade destruida, da completa desesperanca no futuro. Sao pecas que representam as dores de pessoas reais de uma epoca especifica. Entretanto, nao sao frias ou genericas. Ao contrario, alcancam sua particularidade minuciosa, seu ponto de comocao, de redencao.A dramaticidade nao se da pela sensacionalismo, pela trilha sonora, pela montagem, ou por alguma situacao climax. A dramaticidade esta sempre presente no retrato frio e cruel da cidade. No instinto de sobrevivencia dos protagonistas. Nas locacoes reais de predios, pracas, casaroes e ruas em ruinas. E, claramente, em seu final. Edmund, apos distorcer os conselhos de Enning, decidi matar o pai, livrando a familia do peso de um invalido. Nos damos conta entao, de que o desespero do menino e maior que tudo. Maior que o amor pelo proprio pai. Assim como as ruinas, cada personagem teve suas emocoes destruidas pela guerra. Ha, apenas, o caos. O caos nas ruas, nos sentimentos, nas atitudes. A frieza da dor, da ressaca de um combate ignorante, sem sentido. Edmundo se joga do alto de um predio. Aquilo e maior do que qualquer um pode suportar.Na contramao do ja imponente cinema hollywoodiano da epoca, o neorrealismo italiano propoe uma nova estetica, baseada na experiencia da realidade. A imagem nao e a base do filme como no formalismo. Rossellini conta uma historia nua,
desarmada de subjetividade. De tom critico, politico, social. De uso da arte como ferramenta para a humanidade, para a sociedade. De maneira negligente para com um cinema. Mas sim de forma consciente. Acida. Sensivel. Nua. Humana. O ponto de partida para um outro cinema.
estetica surge e existe em funcao do conteudo, assim como o conteudo surge e existe em funcao da estetica. A historia se torna a soma de ambos. Relacao provavelmente nao exclusiva a Limite. Talvez pertencente ao proprio cinema.Exemplos dessa relacao nao faltam. Como os constantes planos detalhes nos cabelos dos personagens, desde a primeira ate a ultima cena, do cabelo curto e liso da mulher 1 ate seu cabelo molhado na sequencia final; os cabelos enrolados e baguncados do homem e da mulher 2. E como se fosse, e efetivamente tornando-se, o cabelo parte indispensavel de cada um. O conjunto de planos que enfatizam objetos da sala de costura fita metrica, botoes, tesoura elementos que nao exercem funcao direta na narrativa, senao o desejo de situar o espectador no espaco fisico da personagem de maneira ludica. Um primeiro plano do homem sentado no barco, no qual se ve somente sua orelha e seu pescoco. Angulos inesperados, como na conversa entre a mulher e um homem, fotografado de baixo do chao evidenciando mais o poste ao fundo do que os proprios personagens. A sequencia do cemiterio e a cena nonsense dos homens fumando em frente ao tumulo da mulher que compartilharam. A sequencia que mostra por minutos imagens de nuvens, do mar, de pescadores. E o barco, sempre presente. O barco e seus tripulantes, a deriva. Exemplos da forma / conteudo; conteudo / forma. O final e igualmente pessimista. O homem e o primeiro em saltar do barco, a mulher 2 tenta em vao impedi-lo. Suas maos nao sao capazes de faze-lo. Mas o mar a chama tambem. O fundo a chama. Ela, porem, nao tem coragem de pular. Joga-se deitada ao chao do barco que comeco a afundar, desistindo, mas sem lidar com o fardo da decisao de terminar com sua propria existencia, entregando-se ao futuro inevitavelmente desfavoravel. Alguns minutos de imagens do mar em furia, a mulher 1, a unica que restara no barco, a unica que persistira em sobreviver , agarrada a um pedaco de madeira, mesmo sabendo que sera tambem engolida pelo mar. Levada ao fundo como os outros. Nao ha maneira de vencer, nem de se libertar. A morte e o destino obrigatorio da vida. E novamente sua imagem e as maos acorrentadas, presas. E finalmente, o mar. Mais calmo. O vencedor. O unico que sobrou no final. Intacto e indiferente aqueles que por ali estiverem. Assim como a vida. A arte e o passatempo. A estetica e a tecnica. A forma, conferindo a subjetividade ao conteudo e o conteudo conferindo a subjetividade a forma. Contrastes. Contrastes que muitas vezes se complementam. Se parte da estetica formalista propoe uma relacao mais restrita de dois fatores, podemos tambem tomando como base os mesmos argumentos adotar uma visao mais ampla ou mais pessoal. E interpretar. Interpretar e sentir o que o cinema nos propoe, o que Limite enquanto exemplar singular do cinema nos propoe. Afinal, e disso que estamos falando. De um pedaco de arte pura e as intencoes de seu criador.
GloriaDirecao: Sebastian LelioChile, 2013 Divertido. Sensivel. Apaixonante. Melancolico. Vivo. Gloria. Um filme que fala sobre a vida. Sobre as alegrias, as tristezas. Os problemas, os amores de uma geracao anterior representada, viva em sua protagonista. Viva na tela. Viva em nossas maes, tias, avos, irmas, em cada mulher que conhecemos. E tambem em cada um de nos.Gloria (Paulina Garcia) e uma cinquentona divorciada. Sua maior distracao: frequentar - e dancar muito- bailes para a terceira idade. Rodolfo (Sergio Hernandez) e um dos homens que Gloria conhece em uma dessas noites cheias de musica, bebida e solidao tambem. Porem, desta vez, na relacao com Rodolfo,ela ve a possibilidade de algo mais serio. Conhecemos entao a familia de Gloria. Seus dois filhos, sua nora, seu ex-marido e ate mesmo a nova mulher de seu ex-marido. Enquanto que sua relacao com Rodolfo torna-se mais e mais complicada, ja que ele, casado e com duas filhas, nao considera a possibilidade do divorcio.Percebemos entao, relacionamentos que todos conhecemos bem. Familia. Sempre ha satisfacoes. Sempre ha problemas. E no meio de tudo isso, Gloria. Uma mulher. 50 e tantos anos. O que a vida ainda pode lhe dar? O que ela ainda espera da vida? Sao perguntas menores, sem importancia. O que o diretor chileno faz questao de mostrar e justamente o oposto. Nao ha tempo para questionamentos, ou demasiado melodrama. Gloria, a mulher, esta ali, seguindo em frente em meio a tudo. A tudo o que foi sua vida, a tudo o que e sua vida. Divertida, apaixonante. Paulina tambem esta presente em Gloria, esta viva. Assim como todos nos, pois no desenrolar da historia, nos damos conta da fragilidade tao presente em nosso dia. O trabalho, a familia, os amigos, os relacionamentos amorosos. Tudo e tao fragil, tao sensivel, tao vazio. Sim, inevitavelmente chegamos ao vazio. Novamente. Isso e tudo o que a vida tem a nos oferecer? Talvez sim, talvez nao. Mas Gloria esta ai. Eu tambem. Voce tambem. Todos nos. Correndo. Trabalhando. Nos estressando. Melancolicos. Fracassando tantas vezes em nossos relacionamentos, tentando entender nossa familia. Dancando. Aproveitando alguns momentos, outros nao. Vivendo.Gloria esta repleto de cenas brilhantes em sua simplicidade. Ver a protagonista dancando musicas dos anos 70 e 80 - e bebendo muito. O nu de Gloria e Rodolfo nas tao francas - e divertidas no caso da cena no hotel - cenas de sexo do casal. A terapia do riso. O jantar, nao tao bem sucedido, com toda a familia. A vinganca "armada" de Gloria contra Rodolfo. E, nao poderiamos esquecer, da perfeita cena final. Realmente nao poderia ser de outra forma. Gloria - sozinha e bebada - termina dancando. Dancando ao som da musica Gloria de Umberto Tozzi. Alias, a trilha sonora - que inclui Aguas de Marco - e tambem apaixonante.O grande destaque fica mesmo por conta de Paulina Garcia. A atriz foi premiada como melhor atriz no Festival de Berlim no ano passado. Gloria e o quarto longa dirigido pelo chileno Sebastian Lelio, recebendo tambem outros premios no Festival de Berlim, no Festival de San Sebastian, fez parte da
pior - nem o melhor - trabalho de Almodovar. E sem duvidas um filme que merece ser assistido. E interpretado, centenas e centenas de vezes ate ser essencialmente compreendido. Um retorno. Provocante. Desleixado. Amoral. Sincero.Los amantes passajeros e o filme mais recente do premiado diretor espanhol, Pedro Almodovar. Quatro reconhecimentos no Festival de Cannes, dois Globo de Ouro, dois Oscar e quatro Bafta sao alguns dos premios do cineasta. Mulheres a beira de um ataque de nervos, Tudo sobre minha mae, Fale com ela e A pele que habito sao alguns de seus trabalhos mais conhecidos.
preto, danca com a mae nua pela casa no meio da noite. O menino diz entao que ja nao teme a noite, pois sua mae se dissolveu na escuridao. Belo. Por sua vez, Jaime finalmente se da conta que o ditador que idolatrava, Stalin, e tao sujo e despota quanto Ibanez. Apos um ataque em praca publica, e preso e duramente torturado. Quando encontrado, volta a sua casa, onde se ve como um fracassado. O processo, porem, chega ao fim. Jorge queima literalmente suas amarras, seu cabresto, sua idolatria cega por Stalin que apenas o destruia e o seu antigo eu. A familia termina por ir embora de Tocopilla, recomposta, reconstruida.A transicao de sentido entre as duas partes do filme pode gerar certa duvida. Se na primeira parte esperamos ver Alejandrito se impor em um mundo repressivo, na segunda o pai do menino e quem recebe os castigos da realidade. Antes, responsavel por condenar o filho por seu comportamento, ele, mesmo adotando um comportamento impecavel segundo seu conceito, tambem e massacrado por uma realidade dura, cruel, fria. Pergunto-me entao qual a relacao dessas duas etapas? A redencao do menino ao mundo, ou a do pai ao menino? Nao sei. Talvez nao saberemos. Talvez nao se deva saber.De linguagem unica. Jodorowsky utiliza de toda a liberdade poetica para colocar ele e sua familia como personagens em uma historia fantastica. Em uma historia que se mostra preocupada com uma epoca de ditaduras e repressao e com a crenca das pessoas em falsa politica, falsa religiao e falsa sociedade. Sim, um retrato critico tambem. Que fala da pobreza de dinheiro e de espirito de forma ludica desde a primeira cena. Condenando claramente a falta de inventividade, de paixao, de pureza, de felicidade de alguns seres humanos. O cinema entao e explorado em todo o esplendor de sua poesia. Nao de sua tecnica, mas de seu conteudo, de sua tematica e daquilo que desperta, atraves das emocoes, em cada um de seus espectadores.
Only God forgivesDirecao: Nicolas Winding RefnFranca, 2013 De indiscutivel estilo. Cada luz, cada cena. Uma mistura de cores, precisa, bela. Cada enquadramento, cada movimento. A trilha sonora hipnotizante. Cada elemento presente nessas cenas, cada objeto que ocupa com significado um lugar exato na imagem. Nada se ve por acaso, nada se coloca por acaso. Na precisao, a mais pura execucao do cinema. Me pergunto, porem, o que sobra de tudo isso no final ? O filme e de 2013, dirigido por Nicolas Winding Refn, que tambem assina a direcao de Drive. As acoes sao demasiadamente longas e entrecortadas. Nada se entrega ao espectador. Nada vem pronto. A camera e contemplativa. Da primeira a ultima cena. A primeira: um ringue com lutadores ocidentais. Julian (Ryan Gosling), o dono do lugar, assiste a luta. Billy (Tom Burke), irmao de Julian, anda pelas ruas. Em um bordel, ele, descontrolado, ataca as mocas e o dono do lugar. Um policial e um senhor em uma cela. O senhor mata Billy, tambem na cela, e depois tem seus punhos cortados pelo policial, o tenente Chang (Vithaya Pansringarm). Uma sucessao de cenas violentas e desmontadas. Ou melhor, montadas de maneira nao cronologica e apelativamente dramaticas. Um clima de tensao esta presente em cada momento, como se algo explosivo estivesse prestes a acontecer. Mas nao acontece. Ha apenas a brutalidade de personagens frios, como bonecos, que tem por instinto e unica reacao a violencia, em um mundo pesado, utopico, alheio.A atmosfera muito se aproxima da formalista. A sensacao de estar em um sonho, em um pesadelo e constante. A historia conta-se por imagens, poucos e irrelevantes dialogos. Cada plano e explorado em sua exaustao, estatico para sua maior contemplacao. A imagem fala por si so. A imagem grita. Causa estranhamento e desconforto, assegurando a cada quadro um poder energico. A montagem entrecortada e repleta de elipses propicia tambem a constante presenca do extracampo aquilo que sabemos que esta acontecendo mas nao vemos, caracteristica do realismo.Com a chegada de sua mae, Crystal (a excelente Kristin Scott Thomas), Julian enfrenta um dilema: ela exige que o filho vingue a morte do irmao, que, ja se sabe, estuprou e matou a filha de 16 anos daquele que se tornaria seu assassino. Julian contraria a vontade de sua mae e nao o faz. Mas, mesmo assim, se ve envolvido em um ciclo de violencia, como vitima e como agente. Cercado por pessoas e elementos que nao controla, que funcionam com energia propria, movidos pela estranheza de um submundo cego e cruel.Ja a esse ponto podemos nos perguntar: o que ha nesses personagens? Quem sao eles? Colados ao cenario, tornando-se objetos de cena e fantoches da narrativa afetada, estilizada, unica. Eles continuam colados. Sem emocao. Percebemos assim, que a dramaticidade nao se baseia nos personagens em si, mas no conjunto de suas acoes caracterizadas e absorvidas pelo meio no qual estao inseridos. Pela beleza e singularidade de seus rostos que, mais uma vez, sao bonecos. Do diretor, do roteiro, da montagem. Da acao. Mas nao sao emocao. Nao emocionam. Nao dizem nada. Apenas prometem.O