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A capaBurt Bacharach e aquele cara por detras das cancoes que voce gosta mas nao sabe quem e o compositor. Sempre tive as minhas reservas em relacao a easy listening. Achava esses maestros uns usurpadores, se apropriando de cancoes para fazer um tipo de musica detestavel, para tocar em ambientes onde ela e acessoria. Da mesma forma, os seus ouvintes sao pusilanimemente de ocasiao sequer curtem o que estao ouvindo.Fora que eles tem centenas de discos que vendem bem, mas que nao tem coerencia nenhuma: sao coletaneas de cancoes para ouvir tomando o cha das cinco e tocavam nas extintas emissoras de radio do tipo vitrolao, para umas audiencia com uma indiferenca de gatos.Claro que nem todos sao assim: cito como exemplo um Hugo Montenegro ou um Henry Mancini. Estes, por exemplo, pelo menos compunham o proprio material e detinham uma originalidade autoral que transcendia o arranjamento puro e simples.Mas o cara que transcendeu de fato essa reputacao nefasta do easy listening e o Burt Bacharach. Apesar do seu fundamento classico (foi inclusive aluno do Milhaud, aquele do Boi No Telhado), ele sempre teve uma aproximacao com a musica popular a partir do jazz. Como muitos da sua geracao, onde podemos incluir Carole King, comecou como musico de estudio e, a partir dos anos 50, se tornou um compositor do tipo Tim Pan Alley gente insuspeita que fazia musica por encomenda. Nessa epoca emplacou Story Of My Life, com o Marty Robbins (El Paso) e Magic Moments com o Perry Como. Porem, virou uma especie de cavalo de batalha da Dione Warwick. Junto com Hal David, eles seriam os que empurrariam Bacharach rumo aos umbrais da musica popular.Warwick foi quem mais gravou Bacharach. Juntos, eles puserem quase quarente compactos no topo da parada da Billboard. A partir dela, muitos o regravariam e se tornariam fieis interpretes, como Dusty Springfield e Cilla Black (so para citar duas, no meio de tanta gente).Burt trabalhou quase uma decada como compositor e arranjador. So foi lancar discos proprios la por 1965, quando saiu o Hit Maker! Burt Bacharach Plays His Hits, pela Liberty. No entanto, a melhor parte da sua discografia e a dos anos em que foi artista da Alpert & Moss, a A&M. O primeiro elepe dessa nova fase aparece quatro anos depois de seu debut, com Reach Out. Na verdade, ele passa o seu repertorio a limpo, em versoes instrumentais. E o caso desse disco aqui, Make It Easy On Yourself, de 1970. Foi o primeiro dele que comprei (nunca achei o primeiro em vinil, apenas fui ouvi-lo com o advento da ja falecida Usina do Som). Comprei os dois dois primeiros discos da A&M em sequencia, acho que ate na mesma loja. Gosto de ouvi-los especialmente porque eles me recordam exatamente a epoca em que os ouvi pela primeira vez algo que todos tem, e isso me deixa um tanto nostalgico daqueles tempos. Como ele fez no Reach Out, Bacharach canta numa faixa no caso a que da nome ao disco, Make It Easy On Yourself (um original de 1962, que rendeu
a Dione Warwick o primeiro lugar nas paradas e aos Walker Brothers tambem, cerca de dois anos depois). Mesmo nao sendo la um grande cantor, a peca de resistencia e, com efeito, a sua propria voz pequena. Sem sombra de duvida, a melhor versao. Temas como Whoever You Are I Love You ou Shes Gone Away, por exemplo, sao ligeiramente subestimadas, mas se notabilizam tambem pelo arranjo coisa que Burt e mestre em transformar criacoes pop em pequenas suites.O disco ainda tem Any Day Now, que Elvis havia recem regravado, Ill Never Fall In Love Again (cantada pelo coro feminino da orquestra e, e claro, This Guys In Love With You.A historia dela e bastante curiosa. Herb Alpert (um dos donos da A&M havia perguntado ao Burt se ele tinha alguma cancao para mostrar-lhe. Bacharach nao tinha nada. No entanto, se lembrou de que tinha uma cancao dele e que ele nao levava muita fe nela, ja com letra pronta, do Hal David. Resolveu repassa-la ao trompetista da Tijuana Brass. Herb resolveu canta-la (os discos da Tijuana Brass, como se sabe, sao de musica instrumental) e ficou dez semanas no primeiro lugar da Billboard. De Easy Listening.Confesso que, gracas ao Burt Bacharach, minha revolta contra musica de elevador se aplacou para sempre. Link nos comentarios
A capaEu me recordo quando o In Utero saiu, em fins de 1993. Naquele tempo, nao existia Internet e os compact-discs eram muito caros (nos ainda encontravamos certa viabilidade em comprar vinil, diferente de hoje, onde isso se da mais por mero diletantismo). NA verdade, eu so fui escutar o album meses depois, numa versao em fita cassete pirata (com capinha e tudo), e a gravacao era ripada de vinil, mesmo. Eu era entao meio fanatico pelo Nirvana. Estava no Ensino Medio, e ouvia o Nevermind quando acordava, antes de sair para a escola (estudava de tarde) e quando chegava em casa, a noite. Acho que as primeiras audicoes do In Utero foram pouco anteriores aquele incidente onde Kurt Cobain foi internado as pressas apos uma overdose de drogas, na Italia. Aquilo naturalmente assustou todo mundo. Ou, nem tanto, ja que a gente conhecia (ou, pelo menos, achava que conhecia) Cobain a ponto de achar algo digno da sua biografia de bizarrices. E nos meio que nos inspiravamos naquela personalidade maluca de um cara que parecia estar com o "foda-se" ligado o tempo todo.Minha primeira impressao ao ouvir o ultimo disco da banda deve ter sida a opiniao corrente. Ouvindo em sequencia, a primeira faixa, "Serve the Servants" tinha la algum apelo comercial e lembrava um pouco o punk pop tipico do Nevermind. Porem, de "Scentless Apprentice" em diante, o disco parecia uma descida aos infernos; parecia que cada faixa exalava algo de morbido, hospitalar, sombrio, desde o desespero terapia do grito de "Rape Me" ate o fim do mundo a la Leonard Cohen (!) de "Pennyroyal Tea". Mesmo as faixas de apelo comercial (ou como disse Krist Novoselic), as faixas que eram como portas para a ligacao do ouvinte com o disco) eram sombrias. A impressao final era desoladora: o In Utero jamais iria se equiparar ao seu antecessor. Eu nao entendi o disco, parecia uma negacao de tudo, porque era um album anti-comercial. Mesmo que eles tivessem a pressao de fazer um disco a altura de Nevermind e, com efeito, Kurt tivesse capacidade de fazer um disco naquele mesmo nivel, parecia evidente que nao era o que ele tinha em mente. Logo, o novo trabalho parecia uma provocacao, um acerto de contas, uma rejeicao a tudo e a todos. De fato, isso rendeu problemas ao Nirvana. Depois da primeira audicao, alguns executivos da Geffen execravam o resultado final, e achavam que era necessario comecar tudo do zero. Cobain defendeu o material ate o fim, muito embora tenha cedido (ate por disensao com as ideias do produtor, Steve Albini) com relacao a mixagem final de algumas faixas, como "Heart-Shaped Box". Albini fora escolhido pela banda por seu trabalho com os Pixies, que Kurt adorava; contudo, no fim das contas, ele acabou virando apenas um mero engenheiro de som. Talvez o diferencial em sua producao tenha residido justamente no fato de que Cobain queria um som propositalmente mais cru. Steve teve duas ideias um tanto peculiares: primeiro, redimensionou a microfonacao da bateria de Dave Grohl: em alguns casos, ela era disposta em
uma especie de cozinha dos estudios Pachyderm, em Cannon Falls, Minnesota, uma casa no meio do mato, que Krist chamou de "gulag", ja que era um estudio improvisado no fundo de uma tapera, literalmente onde o diabo havia perdido as botas. A outra eureca original de Albini foi nao fazer qualquer tipo de double traking dos vocais de Kurt; tudo seria captado com uma voz apenas. Isso e notavel em todo o In Utero e e a sua marca registrada. Algumas faixas, como a citada "Pennyroyal Tea" mais parecem vozes-guia. Em outro momentos, como em "Scentless Apprentice", os vocais de Cobain chegam a desaparecer debaixo da marca de guitarras, nos refroes.O curioso e que justamente as faixas com acento folk, como "All Apologies", a supracitada "Pennyroyal Tea" e "Heart-Shaped Box" apareceram nas paradas e, apesar do carater anti-comercial do album, In Utero chegou ao primeiro lugar na Billboard, navegando sobre todo o udigrudi de entao. No entanto, o inacreditavel aconteceu: pouco tempo depois do incidente durante a turne italiana, Cobain cometia suicidio - ha exatos vinte anos atras.Desnecessario dizer que, com o desaparecimento do lider do Nirvana, o disco ganhou outra dimensao. Alguem ja disse (infelizmente nao me lembro a fonte, para poder cita-la aqui comme il faut), mas a morte redimensiona totalmente a obra de um artista. A medida em que surgiam pormenores da vida de Cobain pela imprensa afora (muitos acusando a midia de te-lo "suicidado"), as palavras aladas e a sorte do musico foram imbricadas a leituras, releituras e subleituras das letras das cancoes do disco. Todos queriam achar evidencias dos atos futuros do compositor nas entrelinhas, e In Utero era um prato cheio de alguem submerso em desespero. A propria torpeza das faixas e a crueza do disco, que mais perecia um testamento abortado a forceps, tudo subiu aos ceus ante ao turbilhao da espiral tragica de Kurt Cobain.Estou re-ouvindo In Utero vinte anos depois. Acho que ainda e dificil de entende-lo - se era a metade de uma trajetoria musical ou o fim inexoravel e iminente dessa mesma trajetoria. O que e um album diante da posteridade?Link nos comentarios.
A capa O encontro historico entre Tom e Elis foi o final feliz de um longo e tortuoso episodio que os separou dez anos antes, em 1964, desde os testes para a producao do disco Pobre Menina Rica, de Carlos Lyra, como trilha sonora da peca de mesmo nome. Jobim era co-produtor. No fim, ele a refugou em favor de Dulce Nunes. A alegacao, segundo as mas linguas, era a de que o compositor teria antipatizado com os modos dela. Verdade ou mentira, ficou a historia de que a Pimentinha fora dispensada por ser muito caipira. Anos depois, a historia nao se dissipara. Ele foi questionado sobre o assunto, e negou tudo, e disse que ja tinha o nome de Dulce em mente, antes dos testes. Mesmo assim, ela levou muito tempo para se refazer daquele veto, embora cantasse muita coisa de Tom e Lyra no Fino da Bossa. No ano seguinte, a gauchinha faria contrato com a Philips, no calor da hora da suas apresentacoes no Festival da Cancao da TV Excelsior, quando elis venceu com Arrastao. No mesmo ano, ela lancava seu primeiro disco pelo selo, Samba eu Canto Assim. O problema e que Elis e Tom tinham ninguem menos que Ronaldo Boscoli em comum, ja que, na epoca, ela era casado com o conhecido autor de Lobo Bobo. Pois Boscoli acabou servindo para aplacar ressentimentos e quebrar o gelo entre a maior cantora e o maior compositor do Brasil. O resultado aconteceu em 1969, quando a cantora resolveu registrar um tema de Jobim em disco (Wave). A partir de entao, ele seria notorio frequentador de seus albuns. Dois anos depois, Roberto Menescal tocou para Elis a mais nova criacao de Tom: Aguas de Marco. Ela gostou tanto que a incluiu em seu disco posterior. Foi quando brotou em sua mente a ideia de fazer um album-encontro, so com cancoes de Jobim. Em 1974, quando Elis, separada de Boscoli ha dois anos e re-casada, agora com Cesar Camargo Mariano, fez dez anos de casa na Philips, a gravadora lhe deu o presente uma sessao de estudio com Tom em Los Angeles, onde o maestro entao vivia, junto com a turma de exilados da brazillian jazz West Coast: Aloysio de Oliveira, Moacyr Santos, e Laurindo de Almeida. Apesar do choque de geracoes inicial, as coisa foram se arranjando. Elis partiu com uma lista de quinze musicas favoritas, dentro de um repertorio de vinte e cinco numeros que o compositor havia sugerido. Juntos, eles chegaram a um termo no tocante ao repertorio, amalgamando sucessos com cancoes menos conhecidas. O meio termo era a sobriedade das cordas que Tom utilizaram em producoes de Creed Taylor (Verve) um tanto amerizanizadas, como Tide com a modernidade nada ortodoxa de teclado guitarra e contrabaixo eletrico, por parte de Cesar Camargo Mariano. Os arranjos ficariam a cargo dele, em cima de indicacoes de Jobim (Mariano se baseou no arranjo original de Corcovado, por exemplo), que participaria em suas proprias com vocais, flauta e piano. A batuta seria de Bill Hitchcock, e que daria o toque norte-americano na
sonoridade do album. Foi esse choque de geracoes e a diversidade de musicos durante as gravacoes (entre eles, Oscar Castro Neves) o responsavel pelo primoroso ecletismo do disco. A Trama relancou o disco, ha coisa de dez anos atras, em versao remasterizada em SACD. Para o trabalho de reconstituicao do album, realizado em Los Angeles, Cesar Camargo Mariano refez todo o caminho anterior, faixa a faixa. Primeiro, ele se debrucou diante da matriz do disco, a fim de digitalizar a fita analogica, com o cuidado de nao desgastar mais o tape, transferindo o material para uma fonte eletronica. Finda a primeira parte, ele descobriu diferencas entre o elepe de 1974 e os tapes, principalmente com relacao ao acabamento nas mixagens, cortes mal feitos ou fades bruscos (aquele lance quando a musica vai baixando). A outra secao curiosa eram os deliciosos ruidos de estudio, como contagens, falas, risadas, versoes alternativas (os famigerados outtakes) uma especie de mania tipica de fa, mas que dao um toque de realismo ao disco. A verdade e que, de certa forma, hoje nao existe tanto a preocupacao em limpar as gravacoes nos discos, e a inclusao desses tracos e muito comum em reedicoes de velhos discos de jazz. Cesar Camargo pode desmontar a desgastada fita de audio de uma polegada, abrir os oito canais das gravacoes originais e redistribuir todos instrumentos e vozes no sistema de surround. Curioso e que tal sistema demonstra perfeitamente que repassar a fita analogica para o disco digital serve apenas para conservacao. Para um material historico, e quase jogar perolas aos porcos o velho AAD, onde gravadoras se limitam a fazer uma fotocopia sonora do tape do velho vinil. Para o ouvinte que ja conhece o disco, as faixas estao mais longas, ja que a edicao foi refeita. E em alguns casos, o tempo de algumas cancoes foi aumentado. O oficio de recuperacao prescinde do fator artesanal e do arqueologico para chegar a um resultado digno de ser lancado em compact-disc. E o resultado e incomum. Pelo menos, para os puristas e os fetichistas de arranjos minimalistas, o salto para o surround e maior do que o do elepe para o CD. Alem de puxar os instrumentos para o ouvido, a muicalidade separa totalmente as respectivas texturas sonoras, na verdade, jogando o ouvinte (principalmente colocar os fones-de-ouvido) dentro da gravacao, cara a cara com Elis Regina. Como nao poderia deixar de ser, Elis & Tom foi produzido pelo Aloysio de Oliveira, como nos bons tempos da Elenco, quando registrou muitos outros encontros historicos, como Caymmi e Vinicius. No repertorio que entrou para o estudio, constam perolas como a ja citada Aguas de Marco, o cavalo de batalha de Elis. As velhonas Corcovado, So Tinha que Ser Com Voce (com e Aloysio) , Brigas Nunca Mais (com Vinicius, do Chega de Saudade, de 1959), Fotografia (velho sucesso com Sylvinha Telles e um dos primeiros exitos de Jobim), Inutil Paisagem (gravada originalmente pelo sexteto de Sergio Mendes, nos anos 60), a valsinha alegre Chovendo na Roseira; a egotrip Retrato em Branco e Preto (a melhor
do disco), e Triste. As duas ultimas seriam copiadas por Joao Gilberto para o Amoroso, de 1977. Ja o outro lado do disco reside na delicadeza dos verdadeiros hai-kais sonoros, de temas menos conhecidos de Tom, porem nao menos inspirados. Como a langorosa Pois E (com Chico Buarque), Modinha (com Vinicius) so com arranjo de cordas de Hitchcock, O que Tinha de Ser e uma prosodia em cima do Soneto da Separacao, de Vinicius de Moraes, com um dramatico arranjo de cordas ligeiramente wagneriano, estilo Tristan Und Isolde. No novo lancamento, constam dois outtakes, ou sobras de estudio: a versao original de Fotografia, bastante diferente da que saiu no elepe de 1974 (que foi regravada no Brasil). A primeira gravacao soa moderna demais, e demasiadamente moldada com bateria. A outra surpresa do disco e Elis cantando Bonita (What can I say/To You/Bonita?), que Tom havia gravado no seu A Certain Mr. Jobim, mas que a cantora preferiu nao incluir, por discordar do resultado final e de seu sotaque na letra.
A capaConheci Ray Price por causa do Willie Nelson. O compositor de "Crazy", classico na voz da maior cantora de country de todos os tempos, Patsy Cline, fez o que ninguem na epoca imaginaria: empreender um verdadeiro crossover entre o sisudo Nahville Sound para uma versao desgarrada do genero que, ja no final dos anos 70, se transmutaria no Outlaw, um misto de hillibily hippie, que abriria o country para outros publicos e, de quebra, rejuvenesceria o proprio estilo, nos arredores do que chamamos hoje de "Americana". Quando ele jovem, Nelson era um compositor prolifico para cantores de Nashville. Em 1963, em parceria com Price, ja famoso ha quase dez anos, principalmente por conta de um grande sucesso, "Crazy Arms", eles lancaram um album que se tornaria um masterpiece: Night Life. No influente 1001 Albuns You Must Her Before You Die, Will Fullford Jones classificou o disco de "o In Wee Small Houres do country". Nao sei se todos os meus leitores aqui entenderao a analogia. Frank Sinatra fez um disco de fossa, composto apenas de baladas. A comparacao, portanto, nao e de algibeira; todavia, cabe salientar que a fossa e uma tematica recorrente no universo country (e no southern soul tambem, mas isso e uma outra historia). Portanto, nao haveria novidade em tal nota lugubre aqui. A questao e que a originalidade de Night Life reside no fato de que, num determinado contexto, long-plays de country nao eram tao comuns aquela epoca. E, mais do que isso, dentro das possibilidades, estamos falando de uma lenda, que e o falecio Ray Price, ja um interprete proeminente e que, sim, gozava de popularidade suficiente para lancar um elepe. Assim, mais do que lancar um disco, Price criou um album conceitual - ai sim podemos entender a faliz analogia de Fullford, onde a tonica e a boemia. Price apresenta o tema antes da primeira faixa, a guisa de preludio. Em seguida, desfila um maravilhoso terco de cancoes que falam de separacoes, amores destruidos, mulheres dissolutas, amores nao-correspondidos, arrependimento, homens traidos - que varam noites a foi procurando seus arrufos em honky-tonks (no basfond, no butecao, tomando u pisque cauboi e jogando sinuca ate as sete para as dez da manha).Fazendo um parentese: e curioso verificar que, mesmo sabendo como e latente essa lirica destinada a dor de corno seja algo que atraia um publico gigantesco - no country norte-americano e alem dele. Para tanto, nao precisamos ir tao longe: basta lembrarmos de classicos de Hank Williams, como "Take These Chains From My Heart', "Crazy Heart" ou "Wedding Bells". O country ianque, como o nosso "cognato" serrtanejo, sempre destilou a tematica da "dor de corno". No entanto, enquanto esse genero aqui e espartanamente execrado, la, nos Estados Unidos, musicos como Ray Price, e outros, do mesmo extrato, como Merle Haggard, George Jones e o proprio Nelson, sao verdadeiros herois entre seus pares.Isso explica, alias, como o country teve tamanho apreco e apelo suficiente para influenciar o jovem rock'n roll - e foram com efeito os seus protagonistas os responsaveis (de Gram Parsons ate Kurt Cobain)
por citar gente como os Louvin Brothers como influencias seminais em seus respectivos trabalhos. Tal fato tambem explica, pois, o motivo pelo qual Night Life foi parar na lista dos 1001 Albuns - um grande passo no sentido de consolidacao e popularizacao do country alem das suas fronteiras. PS: quem ja curtiu uma fossa vai gostar de Night Life.PS: 2 Oucam "Pride", pra mim, a melhor do disco. Link nos comentarios
A capaDurante a sua trajetoria como disc-joquei na radio Mundial, o Big Boy lancou uma serie de producoes musicais interessantes. Poucos como ele na epoca sabia o que acontecia no mundo da musica internacional. Muito do que de fato era sucesso passava pelo crivo dele, desde grandes lancamentos de grandes artistas quanto muita coisa obscura, porem de qualidade. Nos discos dedicados aos seus miticos Bailes da Pesada, ele misturava muita coisa boa de soul norte-americano, como os Meters, quanto faixas obscurissimas, como "Timothy" (the Buoys) ou "People of the World" que, volta e meia, tocavam nos programas da radio Mundial isso ainda numa epoca romantica do radio, quando o jaba nao moldava 100% da programacao de uma emissora. Alias, muitos desses artistas obscuros chegaram a aparecer na Mundial ou nos seus bailes, e muita coisa morreu com ele, a medida em que, pelo menos, para os seus fas, permaneceram porem ligados ao mito do Big Boy.Um exemplo disso e o Whisky David. A banda virou um sucesso local no Rio por causa dele. Big Boy chegou a inclui-la no disco The Big Boy Show. Muitos que viveram aquela epoca certamente associam "Charley" aos tempos da Mundial. Porem, por decadas, muita gente nao sabia do que se tratava. Dizia-se que era uma banda escocesa. Outros, que era um conjunto de hard rock britanico radicado na Espanha. "Onde estara o meu amigo Charley? Volta bicho...Cade aquela sua alegria, sua juventude? A rapaziada ta com saudades de voce...". Assim comeca a faixa na coletanea do Big Boy onde o DJ improvisa uma historia maluca, de um rapaz que fugiu de casa. Talvez, por conta disso, poucos que soubessem ingles tivessem se dado conta de que a letra e sobre um cachorro, e nao sobre uma pessoa. Mas o que muitos nao sabiam e que eles haviam lancado um disco inteiro. O album saiu em 75, e se chama "Rusty Rock". Ao que consta, o material caiu nas maos do Big Boy, que o divulgou por conta, mas nenhuma gravadora se interessou em lancar o disco inteiro afinal de contas, quem de fato bancava a cena rock no Brasil nos anos 70 eram radialistas como o Newton Duarte. Em 1975, nenhuma gravadora apostaria em bandas de rock ainda mais um grupo obscuro como o Whisky David, a despeito de todo o seu apelo. Serviu como balao de ensaio, e ficou restrito a Charley que, por sinal, e a unica balada do disco. O mais curioso e toda a mistica de anos-luz distantes da Internet deram margem a toda a sorte de especulacoes e lendas sobre o Whisky David. Muitos chegaram a afirmar que ele era um andrajo, que vivia pelo circuito boemio de Londres, ate que Don Brewer, baterista da Grand Funk Railroad, resolveu chama-lo para uma jam, depois de ve-lo cantar a capella pelas ruas. Mais tarde, ele teria bancado a gravacao que viria a ser o "Rusty Rock". Porem, por problemas contrtatuais, Don nao quis assinar a producao do elepe. Dois anos depois, David teria morrido atropelado depois de tomar hectolitros de uisque.Mesmo depois
do advento da Internet, as informacoes sobre o Whisky David eram escassas. Mesmo assim, o proprio bolachao apareceu pela web, naquela fase de ouro das paginas de upload que apareceram no rastro da novidade do Rapidshare, a partir de 2004 ate o Stop Piracy Act, em 2010. Naquele tempo, alguns blogs reproduziram o "Rusty Rock" na integra. Contudo, como nada e perfeito, o disco foi ripado do vinil. Ao que consta, ate hoje, eu nunca achei o album em formato digital. o que se pode apurar hoje e ate existe um verbete na Wikipedia, e que Whisky David e David Waterston. Um escoces que radicou-se na Espanha em 1966 e , dez anos depois, lancou o seu u nico trabalho, justamente "Rusty Rock". Waterson era um roadie dos Yardbirds e, naquele ano, montou uma banda, chamada The Shakers (nada a ver com os uruguaios de mesmo nome). na verdade, nao fora Don Brewer o idealizador de "Rusty Rock" mas, sim, Fernando Arbex, dos Los Brincos, que produziu o disco. Por conta disso, muitos achavam ate que nao existisse David nenhum, e o vocalista do Whisky (outra lenda urbana) fosse o proprio Arbex fazendo um impersonator que misturava Bon Scott com Dan McCafferty, o vocalista do Nazareth. Link nos comentarios