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pretensao epica que nao falhou completamente em suas intensoes, mas falou nos resultados, pelo menos em termos de recepcao. E poucas coisas sao mais deliciosas para um cinefilo do que assistir a um epico frustrado: uma mistura de gratificacao sadica e culpa vexatoria frente a um deus que falhou. O filme foi dirigido por Ronald Donaldson, um nome facilmente esquecivel, diretor de diversos filmes de menor envergadura. Um diretor australiano que passa longe da alcunha de mestre ou de revolucionario, mas que se mostrou um realizador competente e eficiente ao ponto de emplacar alguns sucessos em Hollywood, como por exemplo o abacaxi Cocktail, com Tom Cruise. Nao sou um profundo conhecedor/admirador da filmografia de Donaldson, mas posso afirmar sem medo que em The Bounty, ele fez um grande trabalho.O filme e esteticamente esmerado. Muito bem fotografado, montado e com inumeros planos bem estudados que lhe conferem uma certa classe. Um uso muito certeiro dos dispositivos cinematograficos classicos. Transparencia a moda antiga. O elenco e particularmente digno de nota, pois se nao sou um grande partidario da teoria de que e um ator quem faz o filme, neste caso em particular o elenco atingiu uma confluencia rara que se mostrou muito salutar ao filme, e inegavelmente um ima para cinefilos, visto o estatuto de limbo dado ao filme. Temos Sir Laurence Olivier, a lenda, em um pequeno papel. Anthony Hopkins em plena forma, e antes da histeria em torno de sua figura. Daniel Day Lewis ja forjado como o grande ator que se confirmaria nos anos a seguir. Liam Neeson, como um bully, em um de seus papeis mais solidos e interessantes. Ja no caso de Mel Gibson, fica a impressao de que nao teve seu personagem tao bem construido quando se le a respeito do Fletcher Christian da vida real. Gibson constroi um homem misteriosos de olhar vazio bastante diferente dos tipos careteiros que faria mais tarde (justa excecao para o seu Hamlet de 1990). Mas no final acaba funcionando, primeiro que e inegavel que o sujeito tem carisma de sobra, e segundo porque existe uma tonelada de coisas acontecendo em torno de sua atuacao. O unico senao estetico do filme, que considero grave ao ponto de comprometer a experiencia, e a trilha sonora inteiramente executada com um sintetizador, e composta por Vangelis, a lenda grega do instrumento. Ele certamente tem talento e sua musica ambient cai muito bem no documentario Cosmos, embalando os lindos devaneios de Carl Sagan e criando um clima etereo na medida. O mesmo para o seu trabalho no futurista Blade Runner, ou ate mesmo no tema classico de Carruagens de fogo, onde funcionou e ajudou na construcao antologica da sequencia-chave do filme, mesmo que este tambem seja um filme de epoca. Contudo para The Bounty, a escolha se mostrou totalmente inapropriada. O filme teria se beneficiado enormemente de uma trilha organica atemporal. Infelizmente os timbres datados dos sintetizadores acabaram por contaminar o filme, no qual o espaco sonoro nao e, de maneira alguma, solidario com aquilo que se ve em cena. Toda a impressao subjetiva do termo
"epico" se esvai no momento da audicao das frias melodias dos sintetizadores. Realmente nao cola, e o sentimento de dissociacao cognitiva e inevitavel. Nao se monta E o vento levou com uma trilha de frevo e nem Deus e o diabo na terra do sol com uma trilha de Strauss. Mesmo entendendo que a decada de 80 foi a decada do sintetizador, muitos filmes cairam nesta armadilha, e acabaram, talvez por este motivo, caindo em descredito ou se expondo ao ridiculo. Os temas e motivos do filme, mesmo que nao tenham sido fortemente elaborados pelo realizador, permanecem todos la, pois na verdade ja estavam presentes na historia original: uma boa reflexao sobre o custo da moral civilizatoria ocidental, e de seus efeitos amplificados pelo choque cultural. A constatacao da sexualidade reprimida dos europeus, a negacao da propria civilizacao, o inevitavel primitivismo inerente aos seres humanos. Enfim, um filme mais curioso do que espetacular, mas ainda assim um otimo filme. Titulo Original: The BountyAno: 1984Pais: UKDiretor: Ronald DonaldsonAwards: Indicado Cannes(legendas em Portugues - Br)
Dois jovens dandis da classe alta de New York cometem um homicidio por motivos banais, e como prova de arrogancia e transgressao, resolvem ocultar o cadaver dentro de um bau que se encontra bem no meio da sala onde a dupla organiza uma festa que comecara em minutos. Durante a recepcao, os outros convidados se perguntam insistentemente onde estaria o rapaz que nao compareceu a festa, sem desconfiarem entretanto que ele estava ali bem perto de todos. Apos mais de 400 postagens me dei conta que jamais havia postado nada de Hitchcock neste blog. Um vil sacrilegio a ser reparado imediatamente. O mestre britanico e comumente aclamado por suas obras mais populares, como os classicos Psicose, Janela indiscreta e Passaros, mas em minha modesta opiniao, seu melhor momento e esse filme, considerado "menor", mas que julgo um dos mais instigantes e emblematicos de seu cinema.Hitchcock e no imaginario coletivo um diretor sempre associado ao suspense e terror, e Festim Diabolico corrobora com essa visao unidimensional, mas ele na verdade foi um realizador plural, e, de acordo com muitos teoricos, um dos mais completos da historia, tendo cumprido a transicao do cinema mudo para o falado com maestria, coisa que poucos conseguiram, e ainda forjando uma assinatura eterna. Em 1948, Hitchcock ja estava muito bem instalado em Hollywood, para onde trouxera sua genial gramatica com sucesso. Neste momento ele estava cada vez mais interessado em psicanalise e psicologia humana, temas que se popularizavam cada vez mais entre o publico leigo, imprimindo progressivamente elementos pulsionais nos seus personagens, ate chegar mais tarde a apoteose edipiana de Psycho, ja nos anos 60. Assim, seus filmes passam a ser tambem estudos informais do carater humano, e Festim e um belo exemplo desta tendencia. Hitchcock se foca aqui no narcisismo patologico, tiranico, do mesmo tipo que Oscar Wilde tratou em seu livro O retrato de Dorian Gray. Nao por acaso existe uma especie de fio condutor conceitual ligando os temas de ambas as historias.Ambas fazem uma correlacao entre a faceta narcisica da personalidade, o dandismo, e a homossexualidade masculina, que Hitchcock, num ato de ousadia (o ano era 1948 e o pais os EUA) bancou e colocou em cena. Fazer de um filme um recurso de estudo gender, nos anos 40, na America, ja seria suficiente para tirar Hitchcock do cliche suspense. E verdade que antes, esse caso baseado em fatos reais, foi encenado na Broadway, mas o fato e que sempre existiu maior tolerancia com o tema gay no meio teatral. Por isso, pode ser considerado um milagre que o filme de Hitchcock tenha escapado do controle do codigo estreito de moral e conduta, uma vez que a relacao de casal entre os dois protagonistas e mostrada abertamente, guardada as proporcoes para a epoca. Mas o que se ve e bastante claro, o suficiente para que o filme sofresse boicote por alguns distribuidores americanos na epoca.No plano estetico o filme e ainda mais surpreendente. Primeiramente ele foi fotografado nos primordios do Technicolor, e como o sistema ainda engatinhava, o resultado nao era dos mais vividos. Entretanto,
o filme possui uma adoravel tonalidade sepia nao intencional, que lhe tatuou de maneira indelevel com o selo dos anos 40. Mas essa nao e uma especificidade desse filme. Seu verdadeiro phallus e a sua cenografia: ele se passa em tempo real, o que subverte de certa forma o proprio modo de representacao do cinema classico, que tradicionalmente picota o tempo e o espaco em diversos fragmentos, e depois nos devolve uma construcao a partir dos mesmos. Aqui Hitchcock abriu mao deste direito exclusivo do cinema, para nos ofertar um filme em narrativa e cenografia lineares, de modo a criar um verdadeiro exercicio de auto reflexao, pela negativa, do cinema e de seu modo de producao (o mesmo dispositivo que vimos recentemente em Birdman). Alias, uma das marcas inovadoras de Hitchcock era justamente a auto-reflexividade, tendo ele proprio feito uma aparicao Cameo em praticamente todos os seus filmes, o que se tornou uma assinatura pessoal, mais tarde copiada por muitos diretores. Em Festim, dada as exigencias do roteiro, teve de improvisar um anuncio luminoso com a sua imagem, que se ve atraves da janela, que faz parte de um conjunto cenico absolutamente estilizado e teatral. Com tudo isso, Festim diabolico pode ser estudado tambem como um tratado sobre as relacoes fenomenologicas do cinema e do teatro. Todos os planos sao planos sequencia, enormes, de 10 minutos cada um (o quanto durava uma bobina de filme na epoca), tao magnificamente bem coreografados entre atores e operadores de camera Technicolor (que eram gigantescas na epoca), que so isso ja valeria parar tudo para ver o filme. Para amarrar os planos Hitchcock usou o recurso de focar em close up nas costas dos personagens, como forma de dissimular os cortes, embora existam dois ou tres cuts tradicionais ao longo do filme, que aparentemente estao la para servir de lembrete ao espectador que ele ainda esta no cinema. O roteiro e um luxo, vetorial, auto explicativo, e e solidario com a cenografia proposta. Um roteiro tipico da era de ouro de Hollywood, epoca onde todos os relatos eram facilmente entregues sem osso e sem gorduras. No final das contas Hitchcock brinca com a linguagem que dominava tao bem, e praticamente transporta o espectador do cinema para o teatro, para paradoxalmente nos presentear com um filme brilhante. Um lembrete da dimensao ironica e britanico-sarcastica da sua personalidade.Titulo Orginal: RopeAno: 1948Diretor: Alfred HitchcockPais : USAAwards: Edgar Allan Poe Awards
tamanho reduzido da condicao de transitoriedade humana face ao infinito intimidante do universo. Uma reflexao sobre a terrivel constatacao de que estamos todos finalmente a deriva em meio ao absurdo do nada. Esta dimensao existencialista e complementada por sequencias de flashbacks que explicam os motivos tragicos do porque destas pessoas, duas mulheres e um homem, se encontrarem nesta situacao. Peixoto prioriza as formas. Junto com Edgar Brasil criou um repertorio imagetico belo e desafiador, experimental, alegorico e que, com a amplificacao da montagem, resultam em uma forte experiencia cinematografica em uma epoca em que tais recursos eram ainda ineditos no Brasil. O filme e tambem expressionista pois o seu apanhado de imagens ilustra em varios momentos estados da alma.Peixoto, a epoca da transicao para o cinema falado, faz um filme que e mudo, e muito mudo, pois utiliza cartoes de legendas em apenas dois momentos. Todo o resto do filme e um puro desfile de imagens que afirmam a potencia estetica e auto suficiente do cinema a cada plano. As imagens falam por si, sem necessidade de dialogos e explicacoes. Aparentemente Peixoto conhecia a teoria de Germaine Dullac, que em 1927 escrevia que o verdadeiro realizador de cinema deveria limar-se de toda "impureza" exogena e nao proprias a esta arte (literatura, teatro, etc) para que se encontre a verdadeira essencia de um filme dentro da "consciencia" dos movimentos e ritmo, das imagens e entre as imagens. Limite e marcado por uma certa lentidao proposital, chegando por vezes a beiras da imobilidade, o que pode ser entendido como um artificio contestador, visto que o cinema denota movimento por excelencia. A narracao nao e entregue de forma linear, nao existe respeito nem a estabilidade do quadro, nem as regras cartesianas de fotografia, com pontos de vista exoticos e inovadores, e ate o uso de negativos de imagens na montagem final, um verdadeiro ato de ousadia, foi empregado. Como violacao-mor ao estatuto do cinema transparente, Peixoto organiza uma mise-en-abyme de uma sala de cinema, e filma a tela exibindo um filme de Chaplin, num gesto de auto reflexividade do cinema sobre si proprio e sobre toda a cadeia de sua producao, difusao e exploracao. O cinema olhando para o cinema e pensando em si proprio era a este momento um tipo de metalinguagem que dificilmente apareceria de forma tao explicita e estruturada, e antecipava em algumas decadas questoes-chave do pos-modernismo.Gonzaga, o chefao da Cinedia, assistiu ao filme e ficou impressionado com tamanha ousadia, mas logo percebeu que nao se tratava de uma obra para ser explorada em um circuito comercial. Estava certo de que o sentimento de estranheza, tedio e revolta suscitados por Limite nao seriam o tipo de experiencia prezada pela recepcao-alvo do seu estudio, isto e, o grande publico avido pela experiencia de um filme divertido e escapista antes de mais nada, e cuja ultima coisa que queria ao pagar um ingresso era ser desafiado pelas imagens abstratas feitas por um diretor de vinte e poucos anos. Temeroso que o filme fosse taxado de arrogante ou mesmo provocasse reacoes violentas, Gonzaga achou por
bem exibi-lo unicamente em secoes privadas para os membros do cineclube carioca Chaplin e depois engaveta-lo. Gonzaga estava ciente da dupla via de fascinacao suscitada pelas imagens: se por um lado elas sao sedutoras ao ponto de atingirem o status de divindade, por outro sao capazes de despertarem uma furia cega e destrutiva, como a onda de iconoclastia que varreu a Europa na guerra dos trinta anos. Existem rumores de que houveram de fato reacoes violentas nas sessoes teste do filme, mas nunca li nada a respeito em fontes fidedignas.Sendo assim, por causa deste percurso pouco habitual, Limite ja nasceu com uma aura cult gigantesca, que acabaria por transforma-lo rapidamente em lenda. O filme circulou pela America e Europa, e sua fama atraves do boca a boca nao parava de crescer. Ele se transforma em fetiche de cinefilos por todo o mundo, a ponto de Georges Sadoul, um dos mais celebres historiadores e autores franceses de literatura sobre cinema no pre guerra, ter pego um aviao ate o Brasil na esperanca frustrada de assistir uma versao completa da obra, fato que pode ser comprovado em seu livro Historia do cinema Mundial. Orson Welles, e (diz-se) Serguei Eisenstein eram loucos pelo filme, alem de, mais recentemente Scorcese e David Bowie declararem um grande encanto por ele. Ao longo dos anos, as raras copias foram pouco a pouco desaparecendo, de modo que no final dos anos 50 seu estado de deterioracao exigiu um trabalho de recuperacao que duraria 20 anos, terminando em 1978. Durante este periodo de desaparecimento o filme literalmente tornou-se uma lenda, e diversas pessoas perguntavam se o filme havia de fato existido, ou se tudo nao passaria de um factoide muito bem elaborado. Ele foi recentemente digitalizado pela World cinema foundation, de Martin Scorcese, e nao parou mais de rodar o mundo em mostras e festivais. Foi eleito nos anos 80 o filme mais importante do cinema brasileiro, de acordo com a Cinemateca Brasileira. Entretanto toda a qualidade e aura mitologica do filme nao resultaram automaticamente em unanimidade ao seu respeito. Muitos criticos do filme apontam Limite como um produto "nao brasileiro", uma vez que foi realizado por um jovem que nascera e passara a quase totalidade da vida no continente europeu, e que tendo sido o resultado de um imaginario forjado no exterior, nao poderia ser considerado como um filme nacional de fato, tendo sido rodado apenas "por acaso" no Brasil. O proprio Glauber Rocha, no contexto de seu conhecido radicalismo, possuia uma grande ma vontade em relacao ao filme, mesmo sem jamais te-lo assistido, simplesmente pelo fato que, dentro de seu pensamento marxista radical, o filme foi o fruto de uma mente burguesa e internacionalista, sem apresentar nenhuma preocupacao social, constituindo-se numa ultrapassada "contradicao historica".Do meu ponto de vista tais acusacoes seriam infundadas e mesmo, com todo respeito ao grande Glauber, delirantes. Limite e obviamente um filme que de fato se apropria deliberadamente de uma gramatica filmica em voga nos movimentos de vanguarda europeus, do construtivismo russo ao expressionismo alemao. Negar este fato seria desonesto. De certa forma este
aspecto do filme seria por si so positivo, pois quebra um pouco a hegemonia eurocentrica dentro da producao modernista dos anos 20-30. Entretanto, e indo bem alem, a dimensao antropofagica da obra e evidente uma vez que o filme e produto direto do dinamismo artistico europeu do momento, mas ele finalmente trata de personagens brasileiros, evoluindo em meio a exuberante natureza tropical de pindorama, envolvidos com problemas brasileiros, e que ja expunha alguma de nossas precariedades. Limite e puro canibalismo, apropiacao que torna mais forte, seguindo o paradigma do projeto estetico forjado por Oswaldo de Andrade. Limite e o outro, sempre restando ele mesmo. Em relacao a acusacao de Rocha, e preciso ter em mente que naquele momento os modernistas estavam mais interessados em inovacoes esteticas do que em pregacao ideologica. Mario Peixoto foi um realizador "educado na sensibilidade, inteligencia e coragem", e nunca mais na vida ele dirigiria um outro filme, mas mesmo assim, o conjunto de sua obra ja estava completo.Titulo Original: LimiteAno: 1931Pais: BrasilDiretor: Mario PeixotoAwards: Nenhum
suposto 'dever moral' de afirmar que a sociedade brasileira contemporanea e irremediavelmente constituida a partir de elementos e camadas de um passado de escravidao, luta de classe, casa-grande e senzala, etc. Este e inclusive todo o ponto central da teorizacao de Glauber Rocha e de sua estetica da fome. Esta interessante e valorosa ideia acabou porem ao longo dos anos por criar um padrao. Para os seus criticos, a ideia central do manifesto acabou se tornando um cliche ao longo dos anos, repetido ad infinitum, e se tornando finalmente um sub genero (favela-movie) que tornou o cinema brasileiro internacionalmente visto muito mais como uma curiosidade etnografica do que como cinema. De fato, uma premissa basica dentro da historia da arte e que quando determinado conceito se difunde a ponto de se banalizar, acaba se esvaziando de sua essencia primordial.Mas o fato de Aquarius estar de certa forma inscrito nesta longa tradicao do cinema nacional nao faz dele apenas um amontoado de cliches. Longe disso. Se o tema central do filme e sim, uma alegoria obvia sobre luta de classes, do binomio casa grande-senzala, do arquetipo da mulher sozinha que se bate heroicamente contra a dominacao do patriarcado, e claro, nao poderia faltar uma mencao a ditadura militar, (ou seja, todos temas centrais do debate politico da esquerda brasileira), Kleber Mendonca Filho complexifica as coisas e adiciona temas inerentes a condicao humana, sexualidade, solidao, conflito familiar, doenca, morte, liberdade, drogas, etc, de modo a criar um discursos filmico polissemico e que o coloca em condicoes de multiplos usos alem da obviedade da pregacao marxista. Ele comporta temas que ultrapassam a agenda exclusiva da esquerda, mas que sao tambem prezados pelos liberais de costume, alinhando-se a ideias libertarias ao convocar questoes como a uniao civil homossexual, o uso recreativo das drogas, a questao do racismo que invade o espaco publico, e acima de tudo, o direito sagrado a liberdade de ir e vir e estar onde bem quiser uma vez que voce haja dentro dos principios da lei. O filme respira muitos ares, e e nesta oxigenacao que se encontra o seu merito. Por uma destas coincidencias interessantes da existencia Aquarius conta a historia de uma senhora a ponto de ser despejada de sua casa. Porem esta historia guardava uma estranha sintonia com a senhora da vida real que estava a ponto de ser despejada da presidencia da republica federativa do Brasil. Obviamente, o filme foi produzido muito antes dos eventos reais de Brasilia se sucederem, mas dentro do contexto social do pais a epoca do seu lancamento, o filme foi automaticamente coaptado como um 'simbolo de luta' da esquerda, e instrumentalizado para fins politicos. O ingenuo ato de protesto protagonizado pelo elenco e realizador em Cannes - como sao ingenuos boa parte dos ideais e causas 'revolucionarias' em geral - acabou custando caro para o filme, o que foi uma pena. Aquarius passou a ser visto nao mais como cinema, mas como fetiche da esquerda. Com isso, uma boa parte da recepcao adotou uma posicao fobica em relacao ao filme. Nem o poderoso
selo da Globo filmes, co-produtora e paradoxalmente especie de bete noire alvo da ira de qualquer esquerdista de carteirinha que se preze, serviu para abrandar as coisas. Kleber Mendonca Filho virou imediatamente persona nao grata, e Aquarius se transformou em alvo de boicotes e linchamentos publicos, acabando por ter uma carreira mais prolifica fora do Brasil, o que e realmente uma lastima. E uma carreira realmente prolifica, pois o filme tem tido uma distribuicao massiva, em mais de 50 paises, alem de participar de selecoes em festivais de peso mundo afora, e ser o foco de debates e conferencias em cineclubes pela Europa. Mas no Brasil o ressentimento continuou.Como cinema, puramente, Aquarius ja nasce como grande expoente do Cinema Pernambucano, cuja impressionante forca nao e novidade para quem acompanha este blog desde o principio. Pelo que tudo indica, sera o filme que ira mais longe dentre todos seus congeneres, me permito elucubrar. Ate este momento em que nos encontramos, eu diria que Aquarius e o apogeu do cinema pernambucano. Existe alias uma pretensao epica em Aquarius, no bom sentido. Mesmo sendo um filme relativamente 'pequeno', em termos de tamanho de producao. Porem esta vocacao esta la. Desde sua duracao bem maior que a media dos filmes comerciais, ate o fato de ser divido em capitulos, dispositivo que por si so conota virtuosidade. Separado em atos, o filme equaciona a tensao dramatica em tres partes, sinalizando que os cuidados de producao e o estudo da cenografia atingem niveis estratosfericos. Realmente, Aquarius e um prazer para qualquer cinefilo. Muitos travellings, composicoes sublimes e apuro tecnico invejavel. Direcao de arte magnifica (cortesia Globo filmes ?) e cuidado meticuloso. Uma clara referencia historico poetica ilustra tamanho apreco. Um onipresente poster do filme Barry Lyndon, de Stanley Kubrick, o mestre, no meio da sala de Clara, e o elemento cenico cuja intertextualidade possui dupla funcao: por um lado Kleber Mendonca talvez queira lembrar ao cinefilo aplicado que houve em seu esforco um cuidado de producao proporcional aquele dedicado por Kubrick, ao seu filme mais artesanal. Por outro ele talvez queira dialogar um pouco com a historia de resiliencia e da progressiva decadencia que Barry Lyndon enfrenta (inclusive uma amputacao) em paralelo a personagem de Sonia Braga em seu Aquarius. De toda forma, ha sempre um pouco de apropriacao em qualquer forma de intertextualidade, e citar Kubrick e sempre revigorante na experiencia cinefila (outros exemplos de metalinguagem estao no comentario sobre a sala de cinema que desaparece e no 'motivo da janela', amplamente explorado no filme). Por fim, Sonia Braga. Ela mesmo, contribui para o projeto de grandeza de Kleber, uma vez que e uma atriz de carreira solida em cinema, uma star cujo nome e rosto ja habitam o imaginario cinefilo internacional depois de muitas decadas.Um dos pontos chaves do cinema pernambucano e a celebracao e o vinculo emocional com a propria terra, no caso a cidade de Recife. Em Aquarius a cidade e mais do que isso, e se transforma em personagem, em mae violada pela voracidade da especulacao imobiliaria e demais mazelas sociais, em sintonia