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academias, os dadaistas se dedicaram por completo a experimentacao, improvisacao e desordem. Os ready mades de Marcel Duchamp nao pretendiam outra coisa que nao dessacralizar os conceitos de arte e artista, expondo objetos do dia-a-dia como esculturas. Um dos mais escandalosos foi, sem duvida, o urinol que este artista frances se atreveu a apresentar no Salao dos Independentes, competindo com as obras de outros escultores. Sua intencao foi tao-somente demonstrar ate que ponto o criterio subjetivo do artista podia transformar qualquer objeto em obra de arte. Com exemplos desse tipo e outros, pode-se afirmar que Marcel Duchamp e sem duvida o primeiro pai da arte conceitual. Apareceram tambem, como na pintura, os primeiros antimecanismos, maquinas construidas com os elementos mais estapafurdios e com o unico objetivo de serem expostas para desconcertar e provocar o publico. Os criticos nao foram muito condescendentes com essas obras, que nao conseguiam compreender nem classificar. Tais manifestacoes, por mais absurdas e insolentes que possam parecer, comecaram a definir a plastica que surgiria nos anos seguintes. Ready-Made significa confeccionado, pronto. Expressao criada em 1913 pelo artista frances Marcel Duchamp para designar qualquer objeto manufaturado de consumo popular, tratado como objeto de arte por opcao do artista
fugindo de seu proprio controle, refletindo o estado de espirito do artista, aproximando-se do fim tragico da sua vida. Van Gogh, como todos que estao a frente de seu tempo, foi um artista incompreendido. Era pouco conhecido na arte mundial na epoca de sua morte, mas em seguida sua fama cresceu rapidamente. Sua influencia no Expressionismo e Fauvismo foi de grande valia, e pode ser visto em tantos outros aspectos na arte do seculo XX. Van Gogh era um rebelde, inclinado a solidao e insociavel. Filho de pastor, nasceu em Groot-Zundert, na Holanda em 1853 e trabalhou como artista somente nos ultimos dez anos de vida. Ou seja, dos 27 ao 37 anos. Na pintura, explicava sua tentativa de lutar contra a loucura da compreensao que tinha da essencia espiritual do homem e da natureza. Fotografia de Vincent van Gogh, 1876 (fotografo anonimo) Desajustado no seu lar, em sua terra e em sua sociedade, foi frustrado em relacao a constituicao de familia e amores. Teve dois romances que nao deram certo e trabalhou como vendedor em uma livraria, auxiliar em uma galeria de arte e como pastor de igreja. Van Gogh ficou nesta casa em Cuesmes, perto de Bruxelas, em 1880. Foi na epoca que ele morou la que decidiu tornar-se um artista. Inicialmente foi influenciado pelo pintor Rubens do Barroco e por gravuras japonesas, resultando em pinturas pesadas e sombrias. Depois das varias tentativas de empregar-se que nao deram certo, decidiu que sua missao seria trazer consolacao a humanidade atraves da arte e, mesmo que sofria de extrema pobreza e miseria, os dez anos antes de sua morte foram prodigios: cerca de 900 pinturas e desenhos. Os comedores de batatas, 1885. Oleo sobre tela. 82 x 114 cm. Museu Van Gogh, Amsterda. Em 1886 foi a Paris para juntar-se a seu irmao Theodore, afetuosamente chamado de Theo, gerente da Goupil galeria. Foi seu amparo emocional, afetivo e economico, pois van Gogh sobrevivia de favores e mesadas pagas por Theo. La, estudou com os impressionistas; entre eles Pissarro, Toulouse-Lautrec, Degas, Monet e Gauguin, e comecou a iluminar sua paleta escura e a pintar com pinceladas bruscas e pequenas, como os impressionistas da epoca. Desenho com giz pastel feito por Toulouse Lautrec em 1887, retratando Van Gogh Van Gogh, Par de sapatos. 34 x 41cm. 1887. Van Gogh tornou-se obsessivo por valores expressivos e simbolicos da cor e comecou a usa-las como reproducao de aparicoes visuais, atmosferas e luz. Quanto a isso, dizia: Ao inves de tentar reproduzir exatamente o que eu tenho sob meus olhos, eu uso a cor mais para expressar-me do que de forma forcada. Natureza morta com Absinto. Oleo sobre tela. 46 x 33cm, 1887. Van Gogh como a maioria dos impressionistas tomava Absinto, bebida com alto teor alcolico. Alguns historiadores chegaram a associar seus problemas de saude pela alta quantidade da bebida consumida pelo pintor. Afirmava que nao queria pintar quadros, e sim pintar a vida, pois seus temas sao a sua terra (paisagens, trigais, campo, naturezas-mortas) e os homens simples (camponeses, mineiros). Era contra o academicismo tecnico,
pois nao desejava fazer uma pintura classica, pintar "gente que nao trabalha". Planalto de La Crau, com Montmajour ao fundo. 73 x 92 cm, 1888. Tinha um temperamento explosivo e nervoso, o que o tornou ser uma companhia dificil de aturar. Mudou-se para Arles (Franca) onde achava que faria novos amigos, ou que seus amigos iriam junto, ajudando-o a fundar uma escola de arte. Gauguin foi o unico que levou a ideia a serio, o que fez com que ficasse hospedado na casa de van Gogh, onde pintavam, bebiam, discutiam ideias e iam a bordeis juntos. Van Gogh admirava Gauguin e chegou a enfeitar o quartinho que Gauguin ficaria em sua casa, com quadros de girassois amarelos. Sobre a orelha cortada, alguns pesquisadores dizem que ele sofria de uma doenca compulsiva que o fazia sentir muita dor, e que, com o corte da orelha ele poderia aliviar essa dor. Varias interpretacoes foram dadas por biografos e historiadores. A versao mais aceita atualmente e a de que, como sofria de lapsos de epilepsia, crises de humor e mania de perseguicao, ele haveria discutido e agredido o amigo Gauguin, tentando feri-lo com uma navalha. Tendo perdido a luta, e levado para a cama em lagrimas e com descontrole muscular. Arrependido, corta de proposito um pedaco da orelha e manda num envelope/jornal a mulher que motivou a briga, uma prostituta. Disse ainda a prostituta que se chamava Rachel que "guardasse esse objeto com cuidado." Campo de trigo com corvos, 1890. 50 x 103 cm. Alguns historiadores relatam ser sua ultima tela e retrata justamente os corvos sobrevoando belissimos trigais; o ceu escuro e baixo, e os corvos ameacadores incorporam seus graves problemas. Descreveu-o como vastas extensoes de trigo sob ceu tormentoso... nao precisei me esforcar para expressar tristeza e o extremo da solidao. Horas antes de morrer teria dito ao irmao Theo: "A miseria triunfou mais uma vez. A fome...!" Ele e socorrido, mas nao resiste, sendo sepultado em 30 de julho de 1890.] Assista a um trecho do filme "Sede de Viver", filme que retrata a vida de Van Gogh (de 1956): Aparecendo a cena em que ele estuda as pessoas para fazer "Os comedores de Batata", alem de aparicoes de Pissarro e tambem de Seurat. Muito legal! PAUL GAUGUIN Como o seu amigo Van Gogh, Paul Gauguin pinta a natureza tal como ele a sente. E um pintor desligado do impressionismo. Na sua obra, a forma ja nao se sujeita a cor. O seu intenso cromatismo afasta-o de qualquer limitacao naturalista; aplica as cores em amplas superficies de contornos definidos. Conhece de perto a pintura de Cezanne e de Pissarro e, seduzido pela obra de Emile Bernard, mestre do grupo de paisagistas de Pont-Aven (na Bretanha), adopta a composicao com figuras de formas simples sobre fundos abstractos. De entre as obras ambientadas na Bretanha sobressaem Le Christ Jaune e La Vision apres le Sermon. Le Christ Jaune Instalado nos Mares do Sul, enamora-se da vida simples e amavel dos indigenas polinesios, que se tornam no seu principal tema pictorico. Os protagonistas destes quadros
sao as mulheres e a vegetacao tropical. Ha que citar Femmes de Tahiti sur la Plage, Nave Nave Mahana, Te Tamari No Atua. Femmes de Tahiti sur la Plage Nos seus ultimos tempos, Gauguin, desalentado e doente, pinta uma serie de quadros que expressam uma profunda preocupacao existencial unida a uma sensualidade intensa, selvagem e perturbadora (Te Rerioa, Et lor de leur corps, Les Seins aus Fleurs Rouges, Never More). Les Seins aus Fleurs Rouges Et lor de leur corps
cerca de 5.730 anos (meia-vida e o tempo necessario para reduzir pela metade, atraves de desintegracao, a massa de uma amostra desse elemento radioativo. Depois que morre, o organismo deixa de receber carbono-14. Esse, agora um fossil, vai perdendo seu carbono-14 pela desintegracao (ou "decaimento"). Para medir o que restou de C-14 e preciso queimar um pedaco do fossil, transformando-o em gas, que e analisado por detectores de radiacao. O C-14, ao se desintegrar emite eletrons que podem ser captados pelos detectores. O indice de C-14 e comparado com o carbono nao radioativo, o C-12, para se checar quanto do carbono radioativo decaiu, e com isso determinar a data na qual o organismo morreu. Uma variante mais moderna da tecnica e a AMS (sigla em ingles para espectrometria de massa por acelerador), que tambem mede a proporcao na amostra do carbono-14. Sua vantagem e poder fazer a medicao, diretamente, sem que seja necessario queimar parte razoavel da amostra para fazer o teste. A datacao por esse metodo e especialmente valiosa para materiais organicos.
inscricoes. Os baixos-relevos egipcios, que eram quase sempre pintados, foram tambem expressao da qualidade superior atingida pelos artistas em seu trabalho. Recobriam colunas e paredes, dando um encanto todo especial as construcoes. Os proprios hieroglifos eram transcritos, muitas vezes, em baixo-relevo. PINTURA A decoracao colorida era um poderoso elemento de complementacao das atitudes religiosas. Suas caracteristicas gerais sao: * ausencia de tres dimensoes; * ignorancia da profundidade; * colorido a tinta lisa, sem claro-escuro e sem indicacao do relevo; e * Lei da Frontalidade que determinava que o tronco da pessoa fosse representado sempre de frente, enquanto sua cabeca, suas pernas e seus pes eram vistos de perfil. Hieroglifos No Egito Antigo a escrita mais usada era conhecida como escrita hieroglifica, pois era baseada em hieroglifos. Estes eram desenhos e simbolos que representavam ideias, conceitos e objetos. Os hieroglifos eram juntados, formando textos. Esta escrita era dominada, principalmente, pelos escribas. Os egipcios escreviam, usando os hieroglifos, no papiro (especie de papel feito de uma planta de mesmo nome) e tambem nas paredes de piramides, palacios e templos. Estes hieroglifos sao a principal fonte historica para entendermos a historia desta importante civilizacao antiga. Pedra de Roseta Em agosto de 1799, Napoleao Bonaparte realizou uma expedicao militar e cientifica para o Egito. Enquanto conduziam um grupo de engenheiros para o Forte Julien, proximo a cidade de Roseta, os soldados franceses se depararam com um fragmento polido de uma pedra entalhada com estranhos glifos cunhados separadamente em tres linguas diferentes: grego, demotico e hieroglifos. A pedra era uma estela (especie de coluna) de granito negro, de forma retangular, que media 112,3 cm de altura, 75,7 cm de largura e 28,4 cm de espessura. Percebendo o valor daquelas inscricoes, Napoleao Bonaparte logo ordenou a reproducao e o envio daqueles escritos para especialistas em linguas mortas. Em abril de 1802, Reverendo Stephen Weston foi capaz de traduzir a parte escrita em grego. No mesmo ano, o frances Antoine-Isaac Silvestre de Sacy e o sueco Johan David Akerblad interpretaram as inscricoes em demotico. No entanto, os hieroglifos pareciam ser indecifraveis. Somente apos 23 anos desde a data de sua descoberta que o frances Jean-Francois Champollion foi capaz de decifrar o codigo dos hieroglifos na Pedra de Roseta. Desta forma, foi possivel compreender o contexto da criacao da estela: as inscricoes foram feitas para registrar a gratidao dos sacerdotes egipcios ao farao Ptolomeu V Epifanio, o qual havia concedido ao povo a isencao de uma serie de impostos. De fato, as descobertas de Champollion permitiram que o mundo ocidental tivesse acesso aos milhares de anos da historia do Egito, aumentando ainda mais o fascinio dos europeus pela civilizacao dos faraos. Pedra de Roseta
entre o tratamento realista dos objetos e a atmosfera irreal dos conjuntos. Suas obras sao metaforas que se apresentam como representacoes realistas, atraves da justaposicao de objetos comuns, e simbolos recorrentes em sua obra, tais como o torso feminino, o chapeu coco, o castelo, a rocha e a janela, entre outros mais, porem de um modo impossivel de ser encontrado na vida real.
O Impressionismo e um movimento artistico surgido na Franca no seculo XIX que criou uma nova visao conceitual da natureza utilizando pinceladas soltas dando enfase na luz e no movimento. Geralmente as telas eram pintadas ao ar livre para que o pintor pudesse capturar melhor as nuances da luz e da natureza. A arte alegre e vibrante dos impressionistas enche os olhos de cor e luz. A presenca dos contrastes, da natureza, transparencias luminosas, claridade das cores, sugestao de felicidade e de vida harmoniosa transparecem nas imagens criadas pelos impressionistas. Os impressionistas retratam em suas telas os reflexos e efeitos que a luz do sol produz nas cores da natureza. A fonte das cores estava nos raios do sol. Uma mudanca no angulo destes raios implica na alteracao de cores e tons. E comum um mesmo motivo ser retratado diversas vezes no mesmo local, porem com as variacoes causadas pela mudancas nas horas do dia e nas estacoes ao longo do ano. O Impressionismo mostra a graciosidade das pinceladas, a intensidade das cores e a sensibilidade do artista, que em conjunto emocionam quem contempla suas obras. O Impressionismo foi um movimento artistico que revolucionou profundamente a pintura e deu inicio as grandes tendencias da arte do seculo XX. Havia algumas consideracoes gerais, muito mais praticas do que teoricas, que os artistas seguiam em seus procedimentos tecnicos para obter os resultados que caracterizaram a pintura impressionista. Principais caracteristicas da pintura: * A pintura deve registrar as tonalidades que os objetos adquirem ao refletir a luz solar num determinado momento, pois as cores da natureza se modificam constantemente, dependendo da incidencia da luz do sol. * As figuras nao devem ter contornos nitidos, pois a linha e uma abstracao do ser humano para representar imagens. * As sombras devem ser luminosas e coloridas, tal como e a impressao visual que nos causam, e nao escuras ou pretas, como os pintores costumavam representa-las no passado. * Os contrastes de luz e sombra devem ser obtidos de acordo com a lei das cores complementares. Assim, um amarelo proximo a um violeta produz uma impressao de luz e de sombra muito mais real do que o claro-escuro tao valorizado pelos pintores barrocos. * As cores e tonalidades nao devem ser obtidas pela mistura das tintas na paleta do pintor. Pelo contrario, devem ser puras e dissociadas nos quadros em pequenas pinceladas. E o observador que, ao admirar a pintura, combina as varias cores, obtendo o resultado final. A mistura deixa, portanto, de ser tecnica para se optica. A primeira vez que o publico teve contato com a obra dos impressionistas foi numa exposicao coletiva realizada em Paris, em abril de 1874. Mas o publico e a critica reagiram muito mal ao novo movimento, pois ainda se mantinham fieis aos principios academicos da pintura. Principais artistas: Claude Monet - incessante pesquisador da luz e seus efeitos, pintou varios motivos em diversas horas do dia, afim de estudar as mutacoes coloridas do ambiente com sua luminosidade. Claude Monet (1840-1926) fez parte do movimento impressionista na Franca, que teve inicio
em 1874 com a primeira exposicao do grupo no atelie do fotografo Maurice Nadar. A denominacao Impressionismo foi dada a partir de uma declaracao pejorativa do critico de arte frances Louis Leroy ao ver a tela de Monet Impression du Soleil Levant (ver quadro abaixo). O grupo ficou conhecido por realizar uma pintura ao ar livre, em frente ao motivo, numa nova concepcao de pintura, de celebracao dos espacos do mundo e da luz. Adotando um principio dinamico por excelencia, o grupo tambem eliminou as referencias mitologicas, religiosas e historicas para refletir a vida contemporanea e a nova Paris, as impressoes momentaneas e fugazes de seu cotidiano. Pierre Auguste Renoir (Franca - 1841-1919) Sem duvida e um dos artistas mais conhecidos e apreciados. Por que isso? Talvez pela sua maneira de procurar sempre retratar o que e bonito e agradavel e deixar os problemas e as coisa feias para o universo do mundo real. Para o seu mundo de artista Renoir levava unicamente o que lhe fazia bem aos olhos e a alma. Por isso e facil gostar de sua arte: nao precisa ser interpretada ou lida de modo intelectualizado e nem confrontada com principios ou ideias. Sem ser revolucionario e sem radicalizar contra qualquer conceito, Renoir firmou-se por uma aceitacao quase universal. A sua ideia nao era exatamente retratar a realidade, mas a maneira como essa realidade lhe causava uma impressao no instante dado. Junto com outros, como Monet que era seu principal amigo, criou assim a escola impressionista, em Paris, no final do seculo XIX. (fonte do texto: www.cyberartes.com.br) Edgar Degas - sua formacao academica e sua admiracao por Ingres fizeram com que valorizasse o desenho e nao apenas a cor, que era a grande paixao do Impressionismo. Alem disso, foi pintor de poucas paisagens e cenas ao ar livre. Os ambientes de seus quadros sao interiores e a luz e artificial. Sua grande preocupacao era flagrar um instante da vida das pessoas, aprender um momento do movimento de um corpo ou da expressao de um rosto. Adorava o teatro de bailados. Camille Pissarro (1830-903) foi uma especie de guru dos impressionistas. Participou de todas as exposicoes do grupo e influenciou Paul Cezanne (1839-1906) e Paul Gauguin (1848- 1903). Outros grandes nomes do movimento, como Claude Monet (1840-1926) e Alfred Sisley (1839-1899), frequentaram sua casa de Eragny-sur-Epte, ao norte de Paris. Aluno do realista Camille Corot (1796- 1875) na juventude, Pissarro comecou pintando paisagens e so mais tarde adicionou a presenca humana a seus quadros. Ligado ao anarquismo, gostava de retratar trabalhadores. O tema pouco glamouroso e a rejeicao da critica ao impressionismo dificultaram a venda de suas obras. Por isso, passou dificuldades. Em 1885, aderiu ao pontilhismo, mas foi criticado e o deixou. E mais lembrado pelo belo uso da luz em sua fase impressionista.
Uma cadeira com uma perna maior do que a outra, uma sobreposicao de traves de madeira de uma forma aparentemente comum, a louca de um lavatorio colocado de baixo para cima, uma pintura sem titulo com duas zonas pintadas de cor diferente, um conjunto de lampadas fluorescentes dispostas em fila indiana e a representacao de um quadrado amarelo gigante feito de alcatifa. Eis um conjunto minimo de exemplos do que poderia ser incluido numa exposicao de arte designada minimalista. Este movimento artistico, que ainda possui muitos seguidores em todo o mundo, teve o seu grande periodo de afirmacao nas decadas de 60 e 70. No entanto, poder-se-ao detectar diversos sinais antecessores nas decadas de 40 e, sobretudo, de 50. O seu principal centro de divulgacao, por essa altura, encontrava-se nos Estados Unidos da America, com especial destaque para as cidades de Nova Iorque e Los Angeles, onde um numero apreciavel de artistas comecou a produzir uma serie de trabalhos artisticos, que iam definitivamente contra tudo aquilo que havia sido estipulado durante seculos como obra de arte. Estes artistas pretendiam reagir nao so a entao novas correntes artisticas, como o Expressionismo Abstracto e a Arte Pop, como a todas as ideias que defendiam a arte como algo profusamente elaborado e, sobretudo, feita para agradar os sentidos atraves da complexidade de cores e formas. A arte minimalista preza a simplicidade, o completo despojamento e nao se esquiva a recorrer a objectos e materiais durante muito tempo inconcebiveis de ser utilizados em arte. No entanto, o tamanho e a dimensao das suas obras varia desde um simples objecto que cabe na mao ou uma pequena gravura, ate uma construcao geometrica em mais do que uma seccao e que ocupa varias salas ou um imenso painel ocupando uma vasta parede de 30 metros por 15. Sem duvida, que esta corrente artistica tera chocado tanto a generalidade dos criticos de arte, muito confortaveis nas suas concepcoes adquiridas e julgada sapiencia, como muitos dos visitantes dos museus e galerias de arte onde as suas obras conseguiram ver-se expostas. Como colocar no mesmo plano uma pintura de Jeronimus Bosch representando o juizo final e o urinol de porcelana de Marcel Duchamp? Donald Judd Se o expressionismo abstrato dominava as decadas de 1940 e 1950, o minimalismo era fenomeno dos anos 60. Conceito amplo, o minimalismo alude ou a reducao da variedade visual numa imagem, ou ao nivel de esforco artistico necessario para produzir tal reducao. A consequencia e uma forma de arte mais pura e livre de mistura que quaisquer outras, despojada de referencias nao-essenciais e incontaminada pela subjetividade. Recorrendo a poucos elementos plasticos e compositivos reduzidos a geometrias basicas, procura a essencia expressiva das formas, do espaco, da cor e dos materiais enquanto elementos fundadores da obra de arte. "menos e mais". O artista minimalista mais representativo foi o pintor Frank Stella, conhecido pelas suas pinturas austeras, constituidas por linhas e riscas de cor, paralelas, e pelas formas variadas e irregulares, embora geralmente simetricas, dos quadros Embora tenha comecado na pintura, a Arte Minimalista conheceu o seu maior
desenvolvimento na escultura. Os escultores usam normalmente processos e materiais industriais, como aco, plastico ou lampadas fluorescentes, na producao de formas geometricas, explorando as relacoes espaciais e a capacidade de a escultura interagir com o espaco envolvente, apostando na experiencia corporal do proprio espectador. Donal Judd Destacam-se as obras de Donald Judd, com as suas caixas uniformes em madeira, metal ou acrilico, pintadas com cores fortes, de Dan Flavin, com esculturas produzidas com tubos de luz fluorescente, de Sol LeWitt, com as construcoes em cubos e pinturas geometricas e de outros artistas como Robert Morris, Carl Andre, Richard Serra e Yves Klein Dan Flavin Sol Lewitt Robert Morris Carl Andre
as escolas especiais que, cada vez mais sao escassas, no entanto,foca-se mais no seu aprendizado formal, usando ferramentas adequadas para a suaaprendizagem".Fernanda Travassos enfatiza que e no ensino fundamental, quando este edesenvolvido numa escola regular, que os problemas se tornam mais evidentes."E que a partir do ensino fundamental, quando a crianca deve apreendermuitos novos conteudos escolares e, na maioria das vezes, as turmas das escolasregulares sao grandes, nao permitindo que o professor de uma atencaoespecializada ao aluno".Diante do exposto, a pergunta que se coloca e: por qual escola entao optar?.Fernanda Travessos alerta que nao existe uma "receita de bolo" paraestes casos. Ela tem razao pois as criancas com sindrome de Down, assim comooutra crianca qualquer, sao muito diferentes entre si, tanto acerca de suapersonalidade quanto em relacao aos diversos e variados interesses ehabilidades. Esses aspectos devem ser considerados pelos pais na hora dafecharem sua decisao."Algumas vezes aconselhamos uma mescla destes modelos", diz apsicologa. Porem, quando os pais nao conseguem escolher e sentem um peso muitogrande sobre a sua responsabilidade, argumentando de forma legitima que nao saoespecialistas em educacao, eles devem buscar um profissional qualificado daarea de psicologia ou pedagogia para que os ajude a fazer essa opcao de formacoerente com o seu modelo de familia e levando em conta a singularidade de seuproprio filho. "Uma experiencia exitosa para um amiguinho pode serdesastrosa para o seu proprio filho, visto que cada individuo portador ou naode sindrome de Down e unica", ressalta Fernanda Travassos.Fonte:http://guiadobebe.uol.com.br/bb5a6/sindrome_de_down__que_tipo_de_escola_e_melhor.htmPostado por Marilia as 13:05 3 comentarios