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Pronto. Hoje ja e dia 22 de dezembro de 2012 e o mundo nao se acabou.Pode parecer insolita a atual interpretacao enviesada do tal calendario maia, mas a questao e que um ou outro deve ter acreditado mesmo no apocalipse em pleno inicio de verao. A posicao dos numeros e a mistica do antigo povo devem ter abalado a neurose da vida que se leva por aqui. Mesmo que fosse apenas uma noticia engracada, mesmo que dissessemos que nao acreditavamos nesse fim, a verdade e que la no fundo, bem no fundo, alguns devem ter tratado de fazer aquilo que nao fizeram ate agora.Curiosamente, a musica brasileira traduziu esses sentimentos e sensacoes em, no minimo, dois momentos, com duas enfases distintas. A primeira foi com o mestre Assis Valente, que compos E o mundo nao se acabou, gravada em 1938 por Carmen Miranda e regravada por Adriana Calcanhoto em 2000. Nesse samba-choro, cheio de bossa e brejeirices, Carmem canta as loucuras que chegou a fazer a partir de um boato sobre o fim do mundo.A rigor, a letra mostra os desejos que, nos anos 1930, nao poderiam ser saciados. A noticia, pura conversa mole, indicava uma oportunidade que nao poderia ser perdida! Como se corria o risco de o caos ser mesmo instaurado (como o sol nascer antes da madrugada), a personagem tratou de aproveitar a situacao para descontar tudo que lhe era proibido: E sem demora fui tratando de aproveitar/ Beijei a boca de quem nao devia/ Peguei na mao de quem nao conhecia/ Dancei um samba em traje de maio. Como a historia era boato, tudo se complicou com as consequencias: Chamei um gajo com quem nao me dava/ [...] E festejando o acontecimento/ Gastei com ele mais de um quinhentao/ Agora eu soube, que o gajo anda/ Dizendo coisa que nao se passou.Esse jeito feliz de festejar o fim do mundo nao aparece na composicao de Paulinho Moska e Billy Brandao, O ultimo dia, gravada por Moska em 1995.A musica, de cadencia lenta e marcial, revela certa melancolia, sobretudo nos solos de violoncelo. Na letra, nao e mais o personagem alegre que age com a hipotese do fim proximo, mas e ele quem questiona seu amor sobre o que faria no caso de ser aquele o ultimo dia. Se os desejos nao sao mais tao nitidos, revelam-se as criticas do personagem a pessoa amada e a vida. Por exemplo, ele pergunta se a figura nao iria ao shopping ou a academia Pra se esquecer que nao da tempo/ Pro tempo que ja se perdia. Ou ainda, demonstra que seu interlocutor e superficial em sua vida ao questionar: Ia manter sua agenda/ De almoco, hora, apatia/ Ou esperar os seus amigos/ Na sua sala vazia.Agora, entre essas duas opcoes, me diga voce: o que faria se so lhe restasse o dia de hoje? Se o jazz ja se tornou uma linguagem universal, nao e estranho que haja um grupo desse tipo no Peru. Ao mesmo tempo, se a musica norte-americana se espalhou pelo mundo, ela nao ficou livre de contatos
e misturas com outros sons regionais. Pois e o que ocorre nos trabalhos de varios musicos e grupos de jazz na America Latina. Muitos deles trabalham numa chave hibrida, ou seja, com a mescla dos elementos musicais globalizados e os das tradicoes locais.Este e o caso do grupo Perujazz, criado em 1984, em Lima, capital peruana. Um album muito interessante e o duplo Perujazz en vivo. Suas qualidades estao na experimentacao e na criatividade das fusoes dos ritmos e instrumentos peruanos com a linguagem livre do jazz contemporaneo.A formacao e bastante inusitada. Por ser composto de contrabaixo (David Pinto), saxofone (Jean-Pierre Magnet), bateria (Manongo Mujica) e percussao (Julio Chocolate Algendones) portanto, sem um instrumento tipico de harmonia, como piano, violao ou guitarra , o som do grupo soa bastante original.As melodias sao trabalhadas, em muitas faixas do disco, pelo sax e pelo baixo em unissono, o que resulta numa sonoridade curiosa. As vezes, algumas musicas lembram as do grupo Weather Report. As semelhancas estao na presenca das percussoes (Alex Acuna, tambem peruano, e o porto-riquenho Manolo Badrena, no caso do WR), na proximidade entre os timbres dos baixos do peruano David e de Jaco Pastorius e nos saxes de Wayne Shorter (WR) e de Jean-Pierre.No entanto, as diferencas sao grandes. Neste CD, gravado ao vivo em 30 de novembro de 2001, Chocolate e Manongo sao elementos centrais. E pelos seus instrumentos entre eles, cajon, djembe, cencerro (gongue), vibrafone e congas que flui a alma das tradicoes musicais afro-caribenhas e afro-peruanas costeiras e andinas. Sao os casos da marinera, dos toques de santeria (o candomble cubano), da rumba, do mambo, entre outros ritmos utilizados.Algumas criacoes, sempre coletivas e baseadas na experimentacao e no improviso, homenageiam musicos importantes, entre eles, o beatle George Harrison (composta quando ele morreu), o trompetista do jazz Miles Davis e o cubano Perez Prado, o Rei do Mambo. Uma faixa de destaque e El tren (3a do disco 2). Nela, as percussoes (o cajon e o steel drum, um tambor metalico de Trinidad) imitam a dinamica sonora do trem, proximo ao que fez Villa-Lobos em Trenzinho caipira. Segundo o encarte do disco, este tema foi tocado num presidio na Italia e preocupou os guardas, pois fez com que os detentos gritassem com as sensacoes acusticas de liberdade!O disco e representativo do trabalho do grupo, que ja tocou em festivais de jazz na America e na Europa. O fato de ter sido gravado ao vivo faz com que suas experiencias aparecam claramente e revelem ao ouvinte todas as atmosferas sonoras criadas por Perujazz.
Para os mais novos, ate algum tempo atras, toda musica gravada era fixada em um suporte chamado disco que, por sua vez, vinha dentro de uma capa de cartolina. Essa embalagem, aparentemente simples, ganhou status de arte no Brasil entre o final dos anos 1950 e inicio dos 1960 e o marco dessa virada foram os trabalhos do designer Cesar G. Villela.Antes do LP de vinil (long playing), havia os bolachoes de 78 rpm com uma musica de cada lado. Eles eram lancados em funcao do sucesso das cancoes e as capas eram de papel com o nome da gravadora e um buraco no meio atraves do qual se via o selo redondo do disco com as informacoes. O maximo em termos de producao visual ocorria em lancamentos especiais de caixas contendo varios 78s de determinado artista.A arte grafica em capas se desenvolveu com os LPs que traziam mais faixas gravadas e maior espaco de ilustracao. Lancado pela Columbia nos EUA em 1948, ainda com 10 polegadas de diametro aumentado para 12 em 1952 , esse formato possibilitou que artistas visuais traduzissem o som do disco em imagens que, como nas embalagens, facilitam a venda.Aqui no Brasil, o LP foi lancado em 1952 e, no final da decada, Cesar Villela iniciava sua trajetoria de ilustrador na Odeon. Ele buscou maneiras de eliminar as imagens tradicionais usadas foto posada do cantor, paisagens bucolicas, mulheres bonitas etc. e substitui-las por solucoes visuais menos rebuscadas que produzissem comunicacao rapida em compasso com a modernidade das artes graficas.(1959)A guinada inventiva aconteceu quando foi convidado por Aloysio de Oliveira (musico, que acompanhara Carmen Miranda aos EUA com o Bando da Lua, e produtor) que, em 1963, fundou o selo Elenco e comecou a gravar o pessoal da bossa nova. Nao apenas por falta de dinheiro para grandes gastos com capas, mas tambem por conta do projeto que Villela ja testava, os discos da pequena gravadora, alem de trazerem a nata da musica brasileira da epoca, produziram uma verdadeira revolucao grafica.Os trabalhos do designer, em parceria com o fotografo Chico Pereira, se caracterizavam pelo uso do preto e branco, fotos em alto contraste, elementos graficos trabalhados nas letras (nome do artista, nome do disco etc.) e, quase sempre, quatro bolinhas vermelhas mescladas as imagens, sendo que uma era do logo criado para o selo. Segundo o proprio artista, o proposito era ter uma imagem limpa, economica e de comunicacao imediata.(1964)(1967)Essa aventura inovadora nao durou muito. Em 1964, Villela aproveitou a instabilidade politica e os amigos de musica que saiam do pais e foi para os EUA. Aloysio nao suportou a concorrencia e vendeu a Elenco para a Philips em 1967. Mas, o revolucionario projeto grafico tornou-se a grande marca visual nao so desse selo, mas da bossa nova. Ficou ainda na historia do disco, imitado por muitas gravadoras. Pode parecer chover no molhado, mas a velha maxima de que os opostos se aproximam encontra pleno sentido no disco El negro del blanco, gravado por Paulo Moura e Yamandu Costa e lancado em 2004 pela Biscoito Fino.A oposicao mais
evidente esta no nome do CD e em sua capa: o moreno septuagenario de blusa branca ao lado do rapaz gaucho de camisa preta e ambos sobre o nome negro, escrito em branco, e blanco, escrito em preto. Alem dessa aparencia, a juncao de ambos e raro momento de convivencia daquilo que, na verdade, nunca foi distante.Falecido em julho de 2010, o clarinetista Paulo Moura era desses instrumentistas de formacao integral e larga experiencia. Criado em familia de musicos de Sao Jose do Rio Preto (SP) e formado em conservatorios, orquestras de radio, bossa nova, choro e jazz no Rio de Janeiro, Paulo revela a tradicao do negro na musica instrumental brasileira ao sincretizar seu gingado a musica europeia. Ja em Yamandu, tambem criado em familia musical, a sintese e plena por ser um jovem musico da fronteira, espaco cultural que junta facilmente o Brasil as tradicoes latino-americanas. Em seu violao de sete cordas soa tanto o choro carioca como tangos, guaranias, valsas e chamames.Tudo isso se materializa no repertorio do CD. De um lado, o clarinetista traz a tradicao brasileira em choros de Severino Araujo (Um chorinho em aldeia) e do mestre Jacob do Bandolim (Simplicidade) e em sambas de Baden Powell; de outro, Yamandu incorpora cancoes do argentino Astor Piazzola (Decarissimo), o classico Gracias a la vida da chilena Violeta Parra, ate chegar a Cuba, com De camino a la vereda, de Ibrahim Ferrer, famosa pela gravacao no disco Buena Vista Social Club, de 1996.A rigor, as oposicoes estao alem dessas evidencias. Ao ouvir os arranjos, percebe-se aquilo que entranha cada musico. O clarinete soa suave e concentrado. Mesmo ao demonstrar destreza em solos e improvisos, o que ouvimos nao e apenas agilidade, mas a certeza de quem sabe que a velocidade nao e o principal. Revela, no fundo, a experiencia do anciao, a calma que existe naqueles que ja trilharam longos caminhos de vida e de musica.O excelente violonista gaucho e o oposto. Basta ve-lo ao vivo no palco para entender que o que se ouve em El negro del blanco e resultado de sua performance intensamente barroca. Seus gestos certeiros sao pungentes e fazem as cordas parecerem rasgar sua alma. Seu violao e forte, saliente, rapido e preciso, sempre em claro contraponto a suavidade das melodias do sopro. Se a intensidade de Yamandu e juvenil, daqueles que sabem o que desejam e que tem potencial para chegar la, Paulo Moura, ao contrario, ja chegou. Isso nao significa que nao estivesse aprendendo com o jovem gaucho. Mais que tudo, o clarinetista sabe aprender.Volupia e serenidade: este e o resultado do feliz encontro de Yamandu Costa com Paulo Moura.
Se voce pensa que a musica de Brasilia se resume aos grupos de rock dos anos 1980, esta muito enganado. A capital e berco de uma das principais bandas alternativas do momento, com cancoes bem feitas, shows lotados e performance de palco contagiante. Falo do Moveis Coloniais de Acaju.A turma surgiu em 1998 fazendo festas e bailes na cidade. O trabalho foi crescendo ate tocarem em outros lugares e gravarem, em 2004, o primeiro CD Idem em regime independente, lancado no ano seguinte. Depois de muitos festivais pelo Brasil e de uma turne pela Europa, gravaram na Trama seu segundo disco, com producao do conhecido Carlos Eduardo Miranda. O CD c_mpl_te (complete), lancado em 2009, foi muito bem recebido e tem sido base das apresentacoes da banda.Alias, um dos segredos do sucesso dos 9 musicos (!) e a atuacao ao vivo. Sem coreografias ensaiadas, sem foco unico, mas cheio de brincadeiras, sorrisos e conversas, o publico se diverte dancando e cantando, o que revela relacao mais franca com a plateia. Pelo menos foi o que vi num show recente em Sao Paulo. Um momento interessante foi quando, quase ao final, o vocalista Andre Gonzalez pede para as pessoas no teatro (lotado) deixarem o meio da plateia livre e ficarem nos lados e ao fundo. Quando o espaco se abriu, os musicos desceram, tocaram e cantaram rodeados por todos numa comunhao dificil de ver.Quanto a musica, o repertorio gira em torno do ska, ritmico jamaicano dancante. Mas, no ska do Moveis ha citacoes do rock e da musica brasileira, o que deixa o grupo muito mais perto da tradicao de misturas da cultura musical nacional.Nesse segundo disco, e possivel ouvir bem arranjos e letras, ambos de otima qualidade. No som, a base ritmica da cozinha (baixo e bateria) sustenta com firmeza e suingue a guitarra, os teclados e os fraseados de quatro instrumentos de sopro: flauta, sax tenor, sax baritono e trombone. Nas vozes, alem do coro, ouvimos um cantor sincero e sem afetacao. Nas letras, o tema do amor e recorrente, mas tratado com inteligencia e criatividade, longe dos lugares comuns ouvidos por ai.A faixa O Tempo, do segundo CD, e das mais interessantes. Nao apenas pela cancao em si, mas tambem pelo clipe produzido para ela. O filme foi todo feito em plano-sequencia (uma camera filmando sem cortes), gravado e transmitido ao vivo pela internet com interacao com o publico e a participacao dos grafiteiros do KollorsKingz. O objetivo do diretor Steve ePonto era trabalhar nocoes de tempo com camera acelerada enquanto os musicos cantavam e dancavam atras de um vidro sendo grafitado. (Ver abaixo.)Moveis Coloniais de Acaju e desses raros casos de boa musica e performance autentica, longe das bizarrices do pop mais acucarado. Alem disso, e exemplo de gerenciamento proprio de uma banda-empresa, pitacos de gravadora. Ha musicos que dedicam anos de suas carreiras em aperfeicoar a execucao de um instrumento musical. Tocam, experimentam, desdobram-se em metodos e estudos para retirar dele todas as sonoridades que imaginam poder produzir. Alguns desses musicos interagem tao fortemente com seus instrumentos que
ambos parecem ser uma coisa so, tamanha intimidade que constroem.Ha, porem, aqueles que, sem instrumentos musicais, criam com estupenda perfeicao harmonica, ritmica e melodica. Se eu disse sem instrumentos, retifico: eles podem usar a propria voz e o proprio corpo. Refiro-me, especificamente, ao grupo vocal cubano Vocal Sampling, formado por seis cantores que arranjam e cantam musicas a cappella, expressao em italiano que indica canto sem acompanhamento instrumental. Alguns do grupo cantam a letra da cancao enquanto os outros fazem a harmonia, reproduzem com a voz instrumentos de sopro (trompete, saxofone etc.), percussoes (bongo, tumbadoras, claves etc.) e ainda trabalham o som corporal (palmas, ruidos com a boca, batidas no corpo com as maos etc.).O grupo foi criado por estudantes da Escola Nacional Superior de Arte de Havana em 1992 e, hoje, e formado por Rene Banos Pascual (regente), Abel Sanabria Padron (percussao), Reinaldo Sanler Maseda (tenor), Jorge Nunez Chaviano (tenor), Renato Mora Espinosa (tenor) e Oscar Porro Jimenez (baritono). O sucesso cresceu durante a decada de 1990 ate chegar aos ouvidos do cantor de jazz Bobby McFerrin e de outros do pop, como Peter Gabriel, David Byrne, Carlos Santana, Paul Simon e Quincy Jones, que adoraram o trabalho dos cubanos. Em 1995, fizeram uma turne pelos EUA e, em 1996, participaram do 30o Festival de Jazz de Montreux, Suica. Depois vieram outras apresentacoes no Japao, na Europa, nos EUA e America Latina, sempre com destaque da critica.Ouvir a musica do Vocal Sampling e uma fantastica experiencia. Cada instrumento que imaginamos ter em uma cancao esta ali nas vozes de cada um deles. E nao basta afinacao. E preciso ter um absoluto controle do ritmo e grande organizacao harmonica das vozes. Como cubanos, conhecem a fundo a alma dos generos da ilha: rumba, son, bolero, guaracha e salsa. Um exemplo e o arranjo para Guantanamera, um classico da musica da ilha.O corpo de cada um deles se transforma nas performances ao vivo. A apresentacao de Hotel California, gravado pelo Eagles em 1976, e outro exemplo. No arranjo, os musicos-cantores reproduzem instrumentos do rock (em especial, a bateria, com pratos, caixa e ton-tons) e o famoso solo de guitarras em dueto, com direito a air guitar.
Como escrevi no post de 14/ago/2010, o disco Rubber Soul (1965) foi, na carreira dos Beatles, o inicio da transicao das musicas romanticas e juvenis para a criacao mais experimental e inovadora que se consagraria no famoso LP Sgt.Peppers Lonely Hearts Club Band (1967). Nessa transicao, houve um album de importancia crucial: Revolver, lancado em agosto de 1966. Nele, ja estavam instaladas as bases do que seria o Sgt. Peppers.Em primeiro lugar, a capa traz a psicodelia da epoca numa colagem de fotos e desenhos em preto e branco. Depois, a tematica amorosa nas letras nao e mais a unica. Alem de Here, there and everywhere (Lennon/McCartney), uma das mais belas cancoes de amor, ha Taxman, de George Harrison, que critica a cobranca de altos impostos no Reino Unido, Eleanor Rigby (Lennon/McCartney), que traca o perfil de uma personagem triste, e Im only sleeping, em que John canta a preguica de ficar jogado na cama assistindo ao mundo passar.O contato com as drogas, iniciado no ano anterior, aparece em She said, she said (Lennon/McCartney), composta apos uma festa regada a LSD e com a presenca do ator Peter Fonda. As sensacoes provocadas pelas substancias alucinogenas sao traduzidas nos arranjos que abusam dos efeitos de estudio possiveis na epoca, como fitas tocadas em sentido inverso, ruidos gravados sobre a melodia, vozes soltas etc.A ligacao com a musica oriental esta indicada nos arranjos com o sitar indiano e as tablas em Love you to (Harrison). Esse disco traz tres composicoes do guitarrista, o maior numero em relacao a outros albuns dos Beatles.As experiencias de estudio sao um dos pontos altos do trabalho. O produtor George Martin e o engenheiro de som Geoff Emerick (este com apenas 20 anos de idade) se esmeraram para criar condicoes tecnicas para as loucuras da banda. Por exemplo, como as mesas de gravacao da epoca limitavam-se a 4 canais e havia a necessidade de mais para o registro de instrumentos e efeitos, os tecnicos lancaram mao de gravacoes em sequencia de partes do arranjo. Por exemplo, em Eleanor Rigby, o quarteto de cordas foi gravado numa mesa e mixado. Depois, esse acompanhamento foi colocado em um dos canais de outra mesa e os tres canais restantes foram usados para as vozes. Varias cancoes desse album foram registradas dessa forma, para usar instrumentos e fontes sonoras alternativas.Outros equipamentos usados foram as caixas Leslie e o Artificial/Automatic Double Tracking (ADT) na voz. As caixas criavam mecanicamente um efeito de espacializacao no som gravado (uma especie de reverberacao) e, com isso, proporcionaram nova ambiencia sonora em estudio. O ADT consistia na gravacao dobrada para dar a sensacao de chorus. Eles sao percebidos no canto de John em Tomorrow never knows (Lennon/McCartney), cuja letra se baseava em textos de Thimothy Leary, o papa da contracultura. Junto dos efeitos, o instrumental mistura loopings de fitas gravadas, vozes e o sitar.Aos nossos ouvidos, tais articulacoes podem parecer primitivas. Mas, o que se deve observar em Revolver e a sintonia entre invencao artistica e criatividade na exploracao de tecnicas e equipamentos de gravacao. Quinta Feira e
valor magico no culto de Umbanda. E atraves do ponto riscado que os guias contam toda sua historia, sua origem e passagem do mundo material e astral.O ponto riscado e um emblema-simbolo. Os simbolos sao sinais expressos de forma que dao a entender uma intencao ou trajetoria humana. No caso do ponto riscado, os guias usam a pemba para poder riscar os seus pontos ou simbolos espirituais.Uma das grandes provas de incorporacao na Umbanda e o ponto riscado, pois acredita-se que se uma entidade nao estiver realmente bem incorporada ela nao sabera riscar o ponto que a identificara das demais.Guias: Abaixo encontram-se relacionadas as cores das Guias (no Candomble e chamado de Fio de Contas) de acordo com os Orixas: Exu preto e vermelho Ogun vermelho Oxossy verde Xango marrom Oxum claro azul Yansa ou Oya amarelo ouro Omolu e Obaluaye preto e branco Yemanja cristal/azul e branco Nana roxo Oxala branco A diferenca entre Tenda e Terreiro: A partir de 1904, comecaram a surgir no Rio de Janeiro varias casas de Umbanda denominadas de "tendas. O termo tenda era utilizado para designar e distinguir a forma de culto adotado. Tenda era a casa de Umbanda que era estabelecida em um sobrado, ou seja, no alto, pois era comum naquela epoca realizar sessoes nestes lugares. Como exemplo, Tenda do Caboclo-Mirim, Tenda do Caboclo da Lua, Tenda de Ogun Mege e assim sucessivamente.Ja o termo terreiro foi adotado para designar aquelas casas que eram estabelecidas no chao. Dai serem classificadas de Terreiro de Umbanda. O terreiro foi muito mais difundido do que as tendas devido ao proprio espaco oferecido para culto e foi com esse tipo de associacao religiosa que a Umbanda conquistou boa posicao no pais.Pretos-Velhos: Existe na Umbanda uma linda falange denominada de Falange dos Pretos-Velhos ou Linha das Almas. Originarios dos escravos no cativeiro, os pretos-velhos tem como caracteristica principal a pratica da caridade.Como disse, os pretos-velhos viviam no cativeiro amontoados em senzalas, alimentavam-se de mingau de farinha, inhame, toucinho, banana, enfim comiam tudo que tivesse calorias baratas. Eram submetidos as condicoes desumanas e implacaveis de trabalho. So os mais fortes sobreviviam.Um preto-velho quando incorpora no mediun vem de forma envergada, sob o peso dos anos de existencia em vida na terra, senta-se com a dificuldade das juntas enrijecidas e os musculos fatigados num pequeno banco de madeira, que lembra o antigo tosco que existia nas senzalas.Os pretos-velhos ainda fumam cachimbo de barro ou de madeira rudimentar, falando com os visitantes e filhos-de-santo, usando um linguajar comum aos escravos que nao falavam bem o portugues.Destaco abaixo alguns nomes de pretos-velhos que baixam prestando inumeras caridades: Pai Joaquim da Angola Pai Joaquim do Congo Tia Maria Vovo Benedita Vovo Maria Conga Vovo Maria Redonda Vovo Cambinda Vovo Luiza Vovo Rei do Congo Vovo Catarina DAngola CabocloNo culto de Umbanda, Oxossy e o chefe da linha de caboclos. O caboclo e a imagem do indigena nativo de nossa terra e quando incorporado, presta caridade, da passes, canta, danca e anda de um lado para outro em lembrancas aos tempos de aldeia.Conhecedores de