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Anri Sala (nascido em 1974, Tirana , Albania ) e um artista contemporaneo, cujo principal meio e o video. Estudou arte na Academia de Artes da Albania 1992-1996, tambem estudou video na Ecole Nationale des Arts Decoratifs, Paris e direcao do filme em Le Fresnoy, Studio National des Arts contemporains, Tourcoing . Vive e trabalha em Paris. Sua instalacao video Dammi i colori ("De-me as cores") esta em exposicao na Tate Modern , em Londres. A instalacao reflete sobre a transformacao de Tirana, em 2003, por meio de cores. A instalacao inclui uma conversa com o prefeito de Tirana, Edi Rama , um amigo pessoal do artista e a forca por tras dessa transformacao. Air-Cushioned Ride, 2006 Video, 64 Alguns lugares nao guardam edificios ou datas a serem lembrados, mas produzem sua propria trilha sonora. Com essas palavras, retiradas de suas anotacoes, Anri Sala descreve a ambientacao de Air-Cushioned Ride (2006). O video documenta uma descoberta de Sala enquanto atravessava o estado do Arizona, nos Estados Unidos, ouvindo musica barroca no radio de seu carro. Assim que o artista entrou numa area de descanso para motoristas a margem da estrada, o sinal de radio sofreu a interferencia de varios caminhoes estacionados. Ao circular continuamente o agrupamento de caminhoes, Sala ouvia a musica country transmitida por uma segunda estacao de radio que interrompia, de modo intermitente, a musica barroca. Ao som dessa trilha, o video de Anri Sala mostra caminhoes chegando e partindo do estacionamento e uma linha de horizonte sem fim. Numa clara referencia ao genero road movie, Sala investiga a ideia de um lugar intermediario, que nunca e o ponto de partida ou de chegada, mas que desenvolve suas potenciais qualidades a partir do tempo. Anri Sala, que estara na Bienal, questiona a politica a partir do som SILAS MARTIda Folha de S.Paulo Um casal se separa. As perguntas dela sao murmurios que se perdem no espaco. As respostas dele sao solos violentos de bateria. Tambores abafam o discurso verbal e o som embaralha forma e conteudo. O casal no video "Answer Me" (Responda-me), do artista Anri Sala, 36, tenta desfazer o romance dentro do domo erguido pelo arquiteto Buckminster Fuller sobre as ruinas da Berlim arrasada pela Segunda Guerra Mundial (1939-1945). Era a antiga estacao de espionagem dos Aliados, que tentavam decifrar o trafego radiofonico vindo do outro lado do muro. Toda a obra desse artista albanes, um dos maiores nomes escalados para a proxima Bienal de Sao Paulo, que comeca em setembro, se estrutura em torno do som e de sua relacao com a arquitetura na tentativa de aferir mudancas politicas. O videoartista albanes Anri Sala que visitou Sao Paulo para palestra e pesquisas Seu video sobre a separacao entre rajadas de tambor nao estara na mostra paulistana, mas da ideia do que sera seu proximo trabalho, ainda em preparacao. "E uma forma de fugir de simbolismos de linguagem, de escapar dos grandes temas, ja que o som e menos construido, nao pode ser emoldurado", afirma Sala em entrevista a Folha num hotel em Sao Paulo. Essa moldura impossivel
do som e sempre um predio ou um contexto explorado por seu tipo de acustica, mas nunca vazio de historia. Se nao o domo geodesico de Buckminster Fuller, pode ser, entao, uma sala de musica aposentada em Bordeaux ou a Casa de Vidro de Lina Bo Bardi, que o videoartista visitou no Brasil. Ele nao deve usar os projetos da arquiteta no trabalho que vai mostrar em Sao Paulo, mas garante que a nova obra tem a ver com o contexto da cidade e o tema de arte e politica desta edicao da Bienal. Sala antecipou a Folha que seu proximo filme tambem gira em torno de um predio agora interditado, mas ainda "rico em memorias". Filme mudo "A musica ressuscita o passado desse predio; as novas melodias fazem o som do passado parecer mais atual do que o do presente." Do mesmo jeito que explorou o eco dos domos em Berlim, Sala agora busca resquicios da sonoridade punk que encheu nos anos 60 a casa de concertos da Cite du Grand Parc, em Bordeaux, cenario do filme que estara na Bienal em setembro. "Estou interessado na ideia de friccao que o som pode criar." Num de seus primeiros trabalhos, Sala buscou a mesma friccao. Encontrou um filme mudo de um discurso de sua mae, uma militante comunista, feito na epoca do regime. Mandou entao legendar o filme com as palavras perdidas, reinterpretadas por leitura labial. Diante das novas imagens, Valdet, a mae do artista, nao acredita na traducao das palavras e nega ter pensado daquele jeito. Mais do que o resgate de um discurso perdido, a traducao da obra exalta a passagem linguistica entre dois momentos historicos, a Albania antes e depois do comunismo. "Mudancas politicas trazem uma mudanca de sintaxe, o que parecia articulado nos anos 60 e 70 ja nao e mais hoje", diz Sala. Tambem heranca de um regime obsoleto, ha mais distincoes entre branco e negro na lingua nativa do Senegal, pais africano dominado pela Franca ate os anos 60, do que para outras cores, como azul e vermelho. Sala explora isso num filme em que tres criancas repetem os nomes dos tons entre o preto e o branco ate virar uma especie de melodia abstrata. "Ha algo muito importante nesse espaco intervalar, quando a lingua se transforma em som puro", diz. "Sao tao sensiveis a cor da pele que resistiram as cores tradicionais. Nao havia motivo para brigar pelo vermelho, pelo amarelo. E essa linguagem desconhecida repetida ate o ponto em que acaba se tornando melodica." Anri SalaDammi i Colori 2003Video 16 minutesTate link video: http://video.google.com/videoplay?docid=8965426400791308088# http://ruthhedges.wordpress.com/2008/01/07/anri-sala-%E2%80%93-a-second-look/ http://www.inhotim.org.br/arte/texto/de_parede/152 http://www1.folha.uol.com.br/folha/ilustrada/ult90u716271.shtml http://vimeo.com/8254763
1958 se inscreve na Escola Nacional Cristobal Rojas em Caracas no curso de Arte Pura. Em 1960 se muda para o Brasil. No Rio de Janeiro frequenta cursos livres de pintura e xilogravura na Escola Nacional de Belas Artes. Maiolino desde o inicio se integra ao novo meio cultural. Em 1967. Ela foi uma das artistas a participar da mostra Nova Objetividade Brasileira, no MAM, Rio de Janeiro, organizada por Helio Oiticica e assina junto este e com outros artistas a Declaracao de Principios Basicos da Vanguarda. Em mediato de 1971 o Pratt University em Nova York lhe concede uma bolsa de estudo para frequentar os atelies do International Graphic Center, Workshop. Neste momento a representacao e abandonada e na decada de 70 ao trabalho do desenho e gravura, se acrescentam as instalacoes, filme super 8, videos, fotografia. Em 2005, a Pinacoteca do estado de Sao Paulo realiza a primeira exposicao retrospectiva da artista, no Brasil: Entre Muitos Retrospectiva, com a curadoria de Paulo Venancio Filho. Esta mesma exposicao com o nome Territories of Immanence e montada no Miami Art Central, Florida, USA em 2006. Em 2007 faz parte da exposicao internacional e itinerante: Wack! Art and the Feminist Revolution, no Moca, Los Angeles, e no The National Museum of Women in the Arts, Washington, DC, USA. No mesmo ano participa da exposicao: New Perspectives in Latin American Art. 19302006: Exposicao de Obras de uma decada de aquisicoes, MoMA, New York, U.S.A. Para este ano de 2009, esta sendo preparada: Sine Die, exposicao retrospectiva itinerante, que abrange varios aspectos da producao da artista, incluindo videos e fotografias, (Fotopoemacao). Mostra que inaugura na Fundacao Antoni Tapies, Barcelona, Espanha e seguira ao Camden Arts Centre, Londres, Inglaterra. Obras da artista encontram-se em museus brasileiros, estrangeiros e colecoes como o MoMA de Nova York e FRAC Lorraine, de Paris. A partir da decada de 1970, comeca a trabalhar com diversas midias, como a instalacao, a fotografia e filmes. Participa, em Curitiba, do 1o Festival do Filme Super-8, premiada com o filme In-Out, Antropofagia, seu primeiro trabalho em video. Participa tambem do Festival Internacional do Filme Super-8, no Space Cardin, em Paris; da 5a Jornada Brasileira de Curta-Metragem, em Salvador; e do 2o Festival Nacional de Curta-Metragem, na Alliance Francaise du Bresil, no Rio de Janeiro. No final da decada de 1970, a artista passa a se dedicar a performances. Em 1978, realiza Mitos Vadios, num terreno baldio da rua Augusta, em Sao Paulo, e, em 1981, na rua Cardoso Junior, Entrevidas, quando duzias de ovos de galinha sao espalhados pelo chao, para que o publico tivesse que driblar um campo minado. Na decada de 1980, comeca a trabalhar com a argila por influencia do artista argentino Victor Grippo. Em 1990, recebe o premio de melhor mostra do ano, da Associacao Brasileira de Criticos de Arte - ABCA, pela exposicao individual realizada em 1989, no Centro Cultural Candido Mendes. Realiza em Nova York, em 2002, exposicao retrospectiva acompanhada do livro A Life Line/Vida Afora. A nova obra da artista Anna Maria Maiolino pode ser definida de
uma maneira bastante simples, apesar de ter relacoes com temas sofisticados. Trata-se de uma grande instalacao com 3 mil quilos de argila modelada em um salao. La a materia, que nao passa pelo forno, desidrata, petrifica e depois vem a ser reciclada. A argila aparentemente segue padroes como blocos, cilindros e espirais. Ha uma desigualdade inevitavel entre as pecas por terem sido geradas por pulsoes diferentes. Apesar disso, a artista e prosaica ao falar sobre o proprio trabalho, que desde o inicio do mes esta em exposicao no Camden Arts Centre, em Londres. Para Anna, na verdade, e argila modelada. Nao tenho nenhuma representacao. Quero a presenca da entropia, do trabalho realizado conta a artista, referindo-se a si mesma na terceira pessoa. Suporte muda, a forca nao No nivel da estetica (uma palavra que ficou velha, prefiro o termo poetica), as preocupacoes nascem de certos enfoques no seu interior, certas motivacoes psiquicas e subjetivas iguais. Um poema fala de maneira diferente de um video. Quando se utiliza diferentes midias, o discurso se alarga e fica mais rico. A artista comecou seus estudos formais de arte na Venezuela, para onde os pais imigraram antes de tentar a vida no Brasil. Desde 1958 expos regularmente no pais, e quando se mudou para o Rio seguiu aulas de pintura e xilogravura na Escola de Belas Artes da UFRJ. Nos anos seguintes participou de saloes no Brasil e na Venezuela, ganhando premios e uma exposicao individual em Caracas. Em 1965, aproximou-se dos questionamentos do movimento conhecido como Nova Objetividade e assumiu como temas dominantes a condicao feminina, o cotidiano e a politica. Sao desse periodo obras com A espera, O heroi e Glu-Glu-Glu, xilogravura que mostra um homem fazendo um banquete sobre uma privada. Era um momento muito bonito e especial, as utopias estavam no ar apesar dos militares diz. A politica entra em questao quando me afeta. Meu trabalho nao era sobre a ditadura, era sobre a vida. Em 1968, naturalizou-se brasileira e mudou-se para Nova York com o marido, o artista Rubens Gerchman. Na cidade teve contato com artistas latino-americanos com propostas experimentais de linguagem e abandonou a representacao. Voltou ao Brasil em 1972, onde vive desde entao, primeiro no Rio e atualmente em Sao Paulo. Considero-me brasileira pela minha formacao. Herdei toda a minha mensagem dos artistas mais pungentes e vivos da arte brasileira. Sua producao a partir da decada de 1970 se caracteriza pela diversidade de suportes, primeiro poesia e desenho, depois as mais variadas formas. A instalacao Entrevidas, de 1981, consiste num espaco com o piso ocupado com 70 duzias de ovos naturais de galinha, por onde os visitantes caminham como se estivessem num campo minado. A instalacao foi propositalmente concebida num momento particular da vida politica do pais, da abertura democratica. A argila veio ha cerca de 20 anos. Eu fazia entao muitos desenhos com agua, mas quis fechar um ciclo. Quando voce vai para uma coisa tao imaterial como desenho com agua, e preciso colocar os pes no chao. A argila e terra, o maximo da materialidade explica. A
potencialidade plastica da sombra projetada pela superficie irregular das pecas, dentro e fora de seus limites fisicos". Fernando Cocchiarale MAIOLINO, Anna Maria. Anna Maria Maiolino: relevos. Rio de Janeiro: Centro Cultural Candido Mendes, 1989 "Foi justamente na passagem da pintura para essa forma hibrida que e o relevo - pintura/escultura - que Maiolino parece ter atingido sua maturidade como artista e sua exata significacao para a arte brasileira atual.Ai ela expande e carrega de novos significados e possibilidades a recente tradicao artistica local de operar entre os limites da pintura e da escultura, uma vez que em seus relevos a hibridizacao nao se da apenas em relacao aos aspectos formais que envolvem a pintura e a escultura, mas igualmente a partes significativas das historias desses dois procedimentos artisticos: elaborados segundo as tecnicas tradicionais da modelagem e guardando no seu processamento tracos referentes a historia ancestral da escultura (e mesmo da gravura), esses trabalhos igualmente contemplam a historia da pintura pela enfase dada ao lado pictorico constitutivo do relevo, nao apenas pela manutencao da dependencia em relacao a parede como igualmente pela utilizacao de pigmentos e texturas muito tipicas do universo pictorico.Outro dado significativo nesta nova fase e que, quando aquelas formas se liberam do espaco totalmente plano da tela e do papel, renasceram tensionadas nao apenas entre a pintura e a escultura, mas igualmente entre o retangulo e o oval, o racional e o irracional, o objetivo e o subjetivo. Sao formas que se apresentam ao mundo como um lugar determinado - uma operacao tipica da arte moderna em geral e das obras neoconcretas em particular - e, ao mesmo tempo, representam, mapeiam de novo um lugar afetivo, impregnado de memoria, o ovulo originario.Neles sao perceptiveis as representacoes dos tons, das cores, da topografia mediterranea da infancia da artista, em equilibrio perfeito com a apresentacao de cada relevo em si mesmo, como resultado de um conjunto de operacoes motoras e perceptivas, formas de intenso impacto visual". Tadeu Chiarelli MAIOLINO, Anna Maria. Anna Maria Maiolino: um, nenhum, cem mil. Sao Paulo: Gabinete de Arte Raquel Arnaud, 1993. "Ao fazer uma opcao pelo pensamento da acao, descobri na frase de Pirandello 'Um, Nenhum, Cem Mil' o sentido que a artista buscava imprimir na sua obra. De fato, uma aunidade que se repete, vai como que desfazendo os limites das diferencas singulares e transformando-se, diante de olhos menos avisados, em massa uniforme, que anula os contornos especificos da forma. Um que e cem mil passa a ser nenhum por uma acao generalizadora do pensamento, que se desvincula da experiencia radical do real, em que as coisas pulsam em sua unicidade. Quando Maiolino enfatiza o gesto, como unidade primeira da acao do artista, o que esta querendo dizer e que no ato de fazer formas simples como as cobrinhas e os bolinhos (tecnicas primeiras da moldagem em argila) ha uma retencao, uma marca, da individualidade. O que se repete, entao, no ato mesmo do fazer, para alem da cobrinha e da bolinha em si, e a unicidade de um gesto que retem a singularidade que o
produziu. E mais, cada gesto possui o limite da materia, e e no jogo entre intencao e materializacao, entre gesto e materia, que se delineiam os contornos singulares da forma. Logo, cada cobrinha ou bolinha, de fato, nao e igual a outra". Marcio Doctors MAIOLINO, Anna Maria. Anna Maria Maiolino: um, nenhum, cem mil. Rio de Janeiro: Centro Cultural Banco do Brasil, 1994. Todos esses objetos tem a marca da mao. E a mao que faz, modela, compacta, aperta, amassa, estica. A mao faz, e o molde. Em geral, tudo que a mao realiza no dia-a-dia tende a desaparecer sem nos darmos conta. Ate mesmo no proprio momento em que agimos. Ela age e nos esquecemos aquilo que ela toca, apanha, pega, puxa, entre tantas outras acoes. De alguma maneira, esses objetos de argila de Anna Maria Maiolino podem muito bem representar o somatorio das acoes cotidianas que a mao realiza desmemoriadamente. Sao testemunhos concretos do fazer rotineiro que costuma dissiparse sem registro. Em cada um deles esta presente o tempo e a acao necessaria para a sua realizacao. Eles merecem literalmente o nome que designa genericamente o objeto de arte: trabalho. Paulo Venancio Filho De: Para (Serie Fotopoemacao), 1974fotografia,45 x 50 cmColecao da artista www.museuvirtual.com.br/targets/.../maiolino/.../index.html www.cultura.gov.br/brasil_arte_contemporanea/?... pt.wikipedia.org/wiki/Anna_Maria_Maiolino www.canalcontemporaneo.art.br/_.../perfil_individuo.php?... www.bienalmercosul.art.br/.../anna-maria-maiolino www.escritoriodearte.com/listarQuadros.asp?artista... www.itaucultural.org.br/.../index.cfm?...
Antonio Dias nasceu em Campina Grande (PB) em 1944. As circunstancias da vida nordestina, rigorosa e incerta, fizeram dele e de sua familia um grupo de nomades, pois os primeiros anos de sua vida se passaram vagando de uma cidade para outra, no sertao alagoano, na orla maritima e tambem nos Estados de Alagoas e Pernambuco. CRITICAS "A diversidade dos trabalhos de Antonio Dias, seja na pintura, na escultura ou na utilizacao do disco ou do videoteipe, situa-se num espaco onde o artista nao pode mais se conformar com regras preestabelecidas. E na experiencia da modernidade que, com astucia, sua obra aparece. (...) Neste novo espaco, onde todos os gatos sao pardos, o processo de producao do trabalho torna-se importante ponto de referencia. A dispersao e diversificacao orientadas por uma coerencia poetica mantem o carater assistematico das diversas intervencoes e producoes. Essa tem sido uma das marcas dos trabalhos de Antonio Dias. Quando nos aproximamos de uma de suas realizacoes, necessitamos de um certo estrabismo: um olho no que esta exposto, outro no problema formulado. (...) Se certos artistas resolveram prolongar o gesto da tradicao, isto e, a repeticao, Dias reclamou e praticou de modo radical o direito da ruptura. Isto sem os subterfugios e atalhos faceis das mudancas de comportamento, mas com a transferencia de uma etica baseada nas razoes do seu proprio trabalho. (...) Muitos de seus trabalhos, na sua tematica, condensam todo o esqueleto que sustenta o essencial da producao de nossa epoca". Paulo Sergio Duarte DUARTE, Paulo Sergio. A astucia de permanecer sempre novo. Arte Hoje, Rio de Janeiro: Rio Grafica e Editora, v. 1, n. 4, p. 31, out. 1977. "A impossibilidade da Obra, a possibilidade da arte - esta contradicao governa a operacao de Antonio Dias a um ponto tal que, mimetizando o filosofo, poderiamos denomina-la um Astucia da Arte. O raciocinio do artista atravessa o gesto criado inaugural para seguir o percurso problematico da obra no mundo. O resultado, este sim, vai constituir a obra de arte. Ela sera afinal a soma, ou antes, o residuo de todas as mediacoes: negadas as intencoes, violadas as formas, decifrados e distorcidos os conteudos, so ai a obra de arte aparece no sentido pleno do termo. E desse modo ela se apresenta como o oposto do desvelar puro e metafisico da Ideia: o que o trabalho traz e uma carga magnetica de encontros e conflitos, construcoes e destruicoes, decisoes e indecisoes. (...)E, a meu ver, foi exatamente a pressao para repotencializar o projeto de emancipacao moderno que compeliu o artista a buscar materias espessas, avessas e resistentes a tradicao moderna. Somente o ato singular e 'arbitrario', ininteligivel a demarche da ciencia, de resgatar o momento da pre-historia e da natureza, somente uma investigacao 'improdutiva' dessa ordem, conseguiria manter a arte contemporanea no registro do Atual, contra os varios arcaismos em moda, os renitentes obscurantismos sempre a espreita. (...)E o prevalecimento final, em meio a tantas nuances expressivas, de uma certa ordem grafica, antipictorica, reitera a astucia do trabalho. E mais uma prova de sua alergia as identificacoes e
so como criador de linguagem, mas em seu papel politico de produtor.Antonio Dias e, ainda, o nexo principal entre os neoconcretistas e os artistas dos anos 70: entre Helio Oiticica e Cildo Meireles, Lygia Clark e Tunga, os nao-objetos e Waltercio Caldas, nao se distanciando de Ivens Machado e Iole de Freitas, ou mesmo dos que atuavam nos anos 60 ao lado de Cildo, como Barrio, Raimundo Collares e Antonio Manuel. Dias tempera a presenca da palavra entre a arte conceitual e a tradicao da poesia concreta. E encontrado elaborando sobre a fenomenologia da percepcao e a recuperacao traumatica do sujeito. Responde a violencia atraves da politizacao e do despojamento de seus materiais. (...)Para Antonio Dias, a arte e pratica social, abrangendo sua producao e circulacao como mercadoria, e a critica social do processo de institucionalizacao, como na serie The Illustration of Art (1971-78). O incorformismo politico encontra seu diagrama na reavaliacao critica do sentido da propria forma, portanto da linguagem enquanto campo social. Sao signos da resistencia e de uma producao que recusa os parametros idealistas da mera 'arte engajada'. a descoberta de The Annotated Alice (1960), de Martin Gadner, assinalou um 'corte epistemologico' para o olhar de Dias. 'Minhas leituras nao sao propriamente de economia: logica simbolica, matematica, ciencias, coisas que me fazem imaginar situacoes plasticas (...). O que me marcou muito', - prossegue o artista, 'foi um artigo de Robert Smithson. Era interessante a questao dos sites e non-sites. Pegava mapas de nao-lugares de Lewis Carrol'. Para redefinir o estatuto do objeto, Dias joga xadrez com Duchamp por intermedio de Alice". Paulo Herkenhoff DIAS, Antonio. Antonio Dias. Sao Paulo: Cosac & Naify, 1999. p. 27 e 30. Faca Voce Mesmo: Territorio Liberdade, 1968 Titanium400 x 600 cmColecao: Daros-LatinamericaFoto: The National Museum of Modern Art, Tokyo, 1968 Madeira pintada, 10 pecas30 x 30 cmColecao ParticularFoto: Vicente de MelloCoHab, 2002 Terracota8 x 14 x 20 cmColecao ParticularFoto: Francisco Baccaro http://www.antoniodias.com/ http://www.pitoresco.com.br/brasil/dias/dias.htm http://www.mercedesviegas.com.br/adias14.htm http://www.itaucultural.org.br/aplicexternas/enciclopedia_ic/index.cfm?fuseaction=artistas_biografia&cd_verbete=556