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Demetria Lovato. Nome que ultimamente vem sendo cada vez mais comentado no mundo da musica. Apos uma temporada em uma clinica de recuperacao voltada a disturbios alimentares, a queridinha da Walt Disney esta de volta, e com tudo. Com novo album prestes a ser lancado, Demi cada vez mais instiga seus fas com tweets intrigantes, sendo um deles, um pedido de compartilhamento musical com ninguem menos que a banda Marron 5. Sem mais delongas, o que realmente comenta-se atualmente e quanto a mais recente faixa lancada pela cantora. Trata-se de All Night Long, uma parceria de Lovato com Timbaland e Missy Elliott. Muito se esperava do single e agora pode ser conferido aqui. http://unbroken920.net/ Lungs, o album de estreia do Florence + The Machine, ainda que tenha permanecido como um representante do cenario indie, rendeu vendas de quase 1,000,0000 de copias so em solo americano. Por isso a expectativa pelo lancamento do seu sucessor. Marcado para o dia das bruxas, Ceremonials teve titulo e capa revelados essa semana. Depois de ter declarado que aprendeu a controlar melhor sua voz para o novo album, a escocesa Welch deixou os fas com agua na boca lancando o primeiro videoclipe dessa nova fase em sua carreira. What The Water Gave Me ate combina com o album ao qual pertence, o clipe simples/ritualistico casando com o titulo do disco. A musica, que no final das contas e o que importa, continua de primeirissima qualidade. Confira ai embaixo, se e que voce ainda nao viu. Como ja e de costume: O Anagrama tarda, mas nao falha! Prometemos uma lista completa dos melhores discos de 2015 pra voces, e finalmente entregamos, com a nossa melhor tentativa de colocar em review esse ano maravilhoso, cheio de diversidade e propostas interessantes trazidas por novatos e veteranos no mundo da musica. Recem-saidos do Grammy, agora e a nossa vez de celebrar o que encontramos de melhor nas radios, no Spotify e, infelizmente, fora dele, nos ultimos 12 meses. Ja foi Carnaval, ja foi Grammy e ja foi a lista de melhores albuns dO Anagrama. Agora sim, 2016 pode comecar de vez! . 25) Back to the Woods Lancamento: 15 de setembro Gravadora: Independente Producao: Tk Kayembe 50m36s por Caio Coletti A penultima faixa de Back to the Woods, segundo album completo de estudio de Angel Haze, se chama "Exposed". Sobre as batidas e sintetizadores influenciados pelo dream pop do produtor TK Kayembe (unico produtor do album todo), Angel rima com a fluidez e honestidade que se tornou sua marca, misturando relatos do seu relacionamento (recentemente terminado) com a modelo Ireland Baldwin com pedacos de memorias e confissoes de sua infancia e adolescencia ja largamente documentadas em todas suas letras. Parece covardia chamar so uma das faixas de Back to the Woods de Exposed, no entanto em cada uma das 13 cancoes reunidas nesse lancamento independente, Haze escreve, entrega as rimas e canta (sim, e como canta) com os nervos a flor da pele, como um fio de alta tensao desencapado. Sobre o titulo do disco, elx declarou em sua conta no
Twitter: Eu estou voltando para casa, para mim mesmx. Para o lugar na minha mente em que eu me sinto melhor, onde eu realmente importo. Eu pertenco a floresta. No final da faixa "The Woods", que fecha o album, Haze aparece em uma gravacao falada, lembrando das vezes em que fugia da vida domestica, da mae pouco atenciosa, dos abusos de um parente proximo, do pai ausente, para o meio da floresta e la sentia como se finalmente se encaixasse em alguma coisa, em um mundo que e grande demais ate para si mesmo. Ao contrario do disco anterior dx rapper, intitulado Dirty Gold e lancado por uma grande gravadora, Back to the Woods nao tenta entregar solucoes faceis para as perturbacoes na cabeca de Haze. Sua intensidade e sua natural introspeccao sao traduzidas pela producao do Kayembe com maestria, lancando batidas e sintetizadores graves a cada vez que Haze explode em rimas rapidas, e dando espaco para a voz dx artista respirar por cima de pianos suaves quando elx resolve cantar. Por falar nisso, nao so a voz dx americanx surpreende, como o seu faro para melodias tambem tendo escrito o album todo sem ajuda, Haze reverbera o relacionamento recem-terminado em faixas melancolicas e meditativas, por vezes ate doces, como "Moonrise Kingdom", inspirada no filme de mesmo nome dirigido por Wes Anderson. Belas composicoes r&b ecoam em "Gods" e "The Eulogy", que nao estariam deslocadas em um album mais experimental de Rihanna. O verniz pop que Haze adquiriu com a experiencia em gravadora nao foi embora, e isso so x torna mais acessivel e envolvente. O absoluto destaque do disco, no entanto, precisa ser "Babe Ruthless" (ai embaixo), alucinante faixa que quebra a suavidade de uma sequencia de cancoes de relacionamento para reafirmar a primazia de Haze entre seus contemporaneos no rap. Cheia de versos geniais e uma energia quase maniaca, Ruthless cai como uma luva para Haze, que se reconecta com as raizes mais expostas e as dores mais agudas de sua historia pessoal em Back to the Woods. O novo album dx rapper e uma declaracao corajosa de independencia musical tanto quanto e um argumento enfatico sobre abracar as proprias falhas, cicatrizes e sombras a fim de fazer as pazes com a pessoa que elas moldaram. Nao e facil, e Haze nao quer fazer parecer que e no fim das contas, e ai que mora o seu triunfo, e o seu indiscutivel apelo. . 24) Communion Lancamento: 10 de julho Gravadora: Polydor/Interscope Producao: Years & Years, Andy Smith, Mark Ralph, Two Inch Punch, TMS, Mike Spencer 48m26s por Henrique Fernandes Se em 2014, com apenas EP's e singles soltos, a banda britanica Years & Years ja tinha feito seu nome na cena alternativa da musica, 2015 foi o ano que invadiu tambem o mainstream com o lancamento do primeiro CD, Communion, em julho. O principal single do CD e talvez a musica mais famosa do grupo, "King" (ai embaixo), ja estourava nas radios e nas pistas de danca desde o comeco do ano, e com o lancamento do CD,
o destaque que a banda recebeu foi imenso. E nao e por pouco, visto que o grupo tem coisas muito interessantes que o fazem se destacar na cena musical atual: uma mistura muito bem orquestrada de sintetizadores, indie rock, pop, dance, house e r&b, juntamente com a voz ora angelical ora bruta do vocalista Olly Alexander, resultando num album que sabe caminhar muito bem entre o alternativo e o mainstream. Nao e um CD complexo: Communion conquista a maioria dos que o ouvem, e suas producoes nao sao as mais elaboradas ou dificeis. Seu trunfo aparece quando, num cenario onde a musica eletronica se resumia basicamente ao EDM, o alternativo nao fugia das mesmices das bandas de indie rock e o pop nao apresentava surpresas ha tempos, o Years & Years apareceu com um som novo que, ironicamente, soa muito nostalgico, e, talvez por isso, dificil de comparar com outras bandas que fizeram sucesso recentemente. "I broke my bones playing games with you", entoa Alexander em "Real", o primeiro single lancado e talvez a melhor musica do CD. Com um baixo bem marcado misturado com os sintetizadores, a musica mid-tempo resume a alma do disco: composicoes sobre o amor, relacionamentos (gays, vale ressaltar o vocalista e aberto sobre sua sexualidade e explora isso muito bem em suas letras), abandono e, mais importante, sobre vulnerabilidades, que tornam tudo muito verdadeiro para quem ouve. Communion caminha entre composicoes agitadas e mais calmas. "Shine" e o destaque mais alegre e romantico do CD, que cresce no ouvido e narra uma pessoa que esta experimentando os primeiros sabores de um novo amor. "King" e "Desire" se consagram como os hinos pop-dance e sao cancoes feitas para estourar nas pistas de danca e fazer ate os mais timidos agitarem seus corpos. Mais faixas mid-tempo aparecem, como as deliciosas "Take Shelter" e "Ties", onde novamente o baixo e os sintetizadores conseguem criar otimas combinacoes. Do outro lado nos deliciamos com musicas mais calmas como "Eyes Shut" e "Memo", composicoes onde voz e piano (com bons elementos eletronicos misturados) que mostram um letrista que se encontrou e se perdeu no amor varias vezes. O resultado de tudo isso e coeso e completo. Mostra varias facetas de uma so banda, porem consegue manter uma identidade unica. Acompanhado de um visual que mistura o dark e o colorido presente nas artes e nos otimos clipes do disco, Communion e um otimo debut. Funciona em casa e funciona na balada. Funciona pro alternativo e funciona pro mainstream. E e por isso que ele, e o Years & Years, deixaram sua marca no cenario musical de 2015. 23) A Head Full of Dreams Lancamento: 04 de dezembro Gravadora: Parlophone/Atlantic Producao: Daniel Green, Digital Divide, Rik Simpson, Stargate Duracao: 45m45s por Caio Coletti De certa forma, A Head Full of Dreams e mais break-up album do que o seu predecessor na cronologia do Coldplay, Ghost Stories. Mais catartico, mais honesto, mais grandioso e mais desavergonhadamente brega, em alguns momentos. Ao mesmo tempo em que traz as letras mais diretas (embora continuem belissimas) da banda,
A Head Full of Dreams e tambem um empreendimento musical tremendamente sutil. Qualquer um que ouviu "Birds" com atencao sabe do que eu estou falando a balada suplicante que emerge aos poucos do instrumental piscodelico, baseado na guitarra e no balanco do baixo, e uma bem-vinda surpresa, engolfando o ouvinte em uma alquimia que e inequivocamente pop, mas que mantem o cuidadoso lirismo que e a marca do Coldplay. A partir dessa faixa, o disco comeca a soltar as asas e mostrar exatamente em que tom ele completa o Ghost Stories, lembrado como o disco sombrio que faz a cronica da separacao entre Chris Martin e Gwyneth Paltrow, e qual e a historia que Martin e companhia pretendem contar aqui. A belissima "Everglow", com seu arpejo de piano que destoa de outras baladas do Coldplay, da a dica: A Head Full of Dreams toma distancia dos sentimentos imediatos e calorosos do fim de um relacionamento e analisa a forma como ele deixa marcas e revolucoes dentro de cada um. Mais ate do que isso, o Coldplay ousa encontrar a beleza nessas marcas, a melancolica realizacao de que a passagem de alguem pela nossa vida deixa alguma coisa em nos que nunca vai embora, nao importa quao longe tal pessoa va estar. E lindo que o A Head Full of Dreams diga isso, porque isso nao e dito o bastante nesse oceano de break-up albums feitos com a raiva, o ressentimento, os ciumes e a devastadora tristeza que vem das separacoes. No dueto com Tove Lo em Fun (para a qual nao achamos link para colocar aqui), as vozes conjuntas de Martin e da cantora sueca proclamam: So before its over, before you go/ Didnt we have fun?. Diversao e parte importante do album, sem duvida o disco do Coldplay que veio empacotado em mais alquimia pop em Hymn for the Weekend (ai ambaixo) a influencia e obvia, mas a verdade e que A Head Full of Dreams e todo moldado em um padrao pop do qual a banda britanica nunca foi adepta, nem mesmo no Mylo Xyloto. A boa noticia e que a escolha de ser pop funciona muito bem com o clima e o tema do album, nao importa o que os fas mais radicais e antigos possam falar. Nesse espirito que faixas como "Amazing Day" acontecem com sua estrutura simples, sua guitarra marcante e a batida que acompanha quase todo o album, o Coldplay se concentra na melodia e na evocacao meio-dolorosa, meio-satisfatoria, do dia perfeito do qual a musica fala. Em "Up & Up", Martin se dirige diretamente ao ouvinte e nos chama a nao desistir quando estamos passando por momentos de tristeza. A Head Full of Dreams e, de sua forma muito peculiar, uma obra-prima falha do que muitos chamam de poptimism, a valorizacao do discurso comum e agregador do pop para criar mensagens positivas e sentimento de verdade. Como foi o Coldplay que o produziu, nem todo mundo quis da-lo o beneficio da duvida quem quis deve ter se surpreendido. 22) Light Up the Dark Lancamento: 18
de setembro Gravadora: Parlophone Producao: Luke Potashnick Duracao: 49s58s por Caio Coletti Durante as 12 faixas de Light Up the Dark, o segundo album da inglesinha de 23 anos Gabrielle Aplin, por vezes parece que estamos ouvindo um pout-pourri do trabalho de algumas das melhores representantes desse estranho genero indie/folk/neosoul que deu vida a tantos artistas do atual cenario musical. As primeira faixas do disco, por exemplo, cheiram forte a Fiona Apple, com sua pegada rock transportando melodias sensiveis com letras desafiadoras, quase raivosas. Na excelente "Slip Away", Aplin canta sobre as guitarras e sobre a batida lenta e marcante um aviso a um amante controlador: Cant hold me down, cant drown me out/ Cause Ill slip away slowly/ The closer you hold me. Tematicamente, o album da voltas em torno de si mesmo com o tema dos relacionamentos falhos, seja por culpa da personalidade explosiva que Aplin incorpora aqui ou pelas faltas do companheiro a quem ela se dirige nos melhores momentos, e uma mistura dos dois, como no single Sweet Nothing (ai embaixo), co-escrita pela cantora Charlotte OC e transformada na mais distintivamente autoral cancao do disco pela voz de Aplin e pelo trabalho cuidadoso do produtor Luke Potaschnick, largamente responsavel pela mistura de referencias que ouvimos aqui. A inglesa empresta dicas da canadense Feist nas duas baladas mais melancolicas do album, as otimas "Heavy Heart" e "Shallow Love", que pegam a formula de folk contemporaneo registrada pela cantora e adicionam uma boa dose de soul nos vocais. Especialmente em Heavy Heart, Aplin impressiona quem quer que nao tenha se agradado muito com suas performances no disco anterior, English Rain saindo da zona de conforto do seu belo soprano, que leva Shallow Love e algumas outras faixas de Light Up the Dark nas costas, Aplin desce o tom para um agudo gritado e sentido, especialmente na ultima repeticao do refrao. A cantora vai ainda mais fundo no soul (e encontra ecos de Florence + The Machine, e claro) na assombrada "Anybody Out There?", uma balada que emerge dos teclados da mesma forma que tantas faixas da banda de Florence Welch (embora sem exatamente o mesmo clima mistico Light Up the Dark e um album decididamente terreno). As faixas mais doces, como "Hurt" e "What Did You Do?" (I never felt so lonely alone/ I never cared til you came along/ What did you do?/ What did you do to me?), buscam referencias em artistas como Christina Perri, Mumford & Sons e Of Monsters and Men, que exploram as partes mais delicadas do folk e do trovadorismo romantico. Com tantos nomes espalhados como pontos de localizacao no album, e facil achar que o Light Up the Dark e uma emulacao de tendencias sem uma artista com identidade propria, mas a magica que acontece com o disco de Aplin e que nao so ele vai atras das referencias certas, como pelo caminho consegue torcer e refazer os estilos de todas essas referencias em algo novo e interessante. Com esse segundo album, Gabrielle Aplin se anuncia como uma jovem artista com algo a
dizer, e uma forma unica, sutilmente diferente, de dize-lo nossa resposta nao poderia ser outra: seja bem-vinda. . 21) Blurryface Lancamento: 17de maio Gravadora: Fueled by Ramen Producao: Ricky Reed, Mike Eliozondo, Mike Crossey, Tim Anderson, Tyler Joseph Duracao: 52m23s por Nathalia Nasser Personificar um sentimento abstrato que e so descrito pela musica de forma melancolica e introspectiva e sinonimo de inovacao de cenario. O duo de pop esquizofrenico Twenty One Pilots produziu em 2015, alem de album, personagem com nome e caracteristicas especificas. Tyler Joseph preenche uma tela em branco com todos os atributos humanos negativos que enxerga em si, lida de frente com cada um deles e nomeia esses elementos: Blurryface. Afinal, so mesmo assim se pode entender e lidar com imperfeicoes; e ir alem, aceitando-as como parte de si. Essa nao e a primeira tentativa e concretizacao do Twenty One Pilots de trabalhar fora do que o cenario atual oferece aos musicos: o album anterior da dupla tambem sai do que se ve atualmente. Vessel possui duas das grandes caracteristicas que um artista de sucesso deve ter: musicas inteligentissimas e faceis de digerir, e um contrato com a gravadora Fueled By Ramen, que possui fas assiduos e fieis. A partir da confianca conquistada com Vessel e o amadurecimento adquirido, criou-se uma seguranca artistica o suficiente para escrever sobre tudo o que nao se diz: I was told when I get older all my fears would shrink, but now Im insecure and I care what people think (trecho de Stressed Out, logo ai embaixo). O Blurryface nao e de todo preto no branco. Alem desses elementos negativos com os quais o artista se depara, existe a raiva, a tristeza, e um segundo personagem: o evil, que, dentro do album, e o estado de espirito que mistura decepcao com odio. A tendencia de te fazer afogar dentro de si mesmo e colocar isso para fora. E dai que vem a utilizacao da cor vermelha dentro do encarte do album a historia e preta e branca, mas tambem vermelha, cor da raiva, da forte emocao, da paixao, da violencia. De tudo o que nao e pouco. Na digressao do album, Joseph menciona uma imagem de seu proprio rosto mutilado por conta da luta com seu adversario. E diante dessa parte visual, concretiza a perda dessa luta na nona faixa do album ("Polarize") quando diz: I wanted to be a better adversary to the evil I have done. Ao longo de todas as musicas que contam com detalhados rifs, um piano presente e marcante, um ukelele minucioso e screamos muito bem localizados, o Blurryface se apresenta aos poucos. O album da liberdade ao ouvinte para criar visualmente seu proprio personagem; e independentemente da imagem que se de ao Blurryface, ele e uma parte de nos que nao desejamos mostrar ao mundo. A contradicao que existe em expor os elementos negativos em letras, melodias, imagens e um design totalmente pensado em conceitos e parte do processo criativo da dupla. O Blurryface expressa sua dualidade de personagem e album quando deixa claro ao ouvinte a
capacidade que um ser inseguro tem: demonstrar a primeira vista a calma, seguranca e confianca. Mas e preciso se afundar pouco no album para saber que as musicas com batidas dancantes, eletronicas e os raps sao mesmo apenas fachadas. Ao representar o album nos shows, Joseph se caracteriza. Torna-se a propria personificacao do Blurryface. Ao contrario de artistas como David Bowie e Lady Gaga, que criam um alter-ego e se apresentam como outro ser humano, Joseph apenas destaca o personagem em sua propria imagem: abre a todos suas fraquezas com as maos pintadas de preto, representando a parte negativa e escura dentro de si, e o pescoco, tambem no mesmo tom, expondo o quanto isso e capaz de sufocar sua personalidade. A ultima faixa do album ("Goner") ilustra o sufocamento, o desespero, a necessidade por ajuda quando Joseph grita Dont let me be gone. Ouvir o Blurryface e concretizar a certeza de que a luta contra demonios e inimigos internos nao e em vao. O Twenty One Pilots foi capaz de aceitar todos os atributos negativos de si pintando uma tela de preto, branco e vermelho. Cada pessoa que ouviu o Blurryface criou, sem duvidas, suas proprias cores. Uma criacao que vale a pena, o album e a carga conceitual. 20) Grand Romantic Lancamento: 16 de junho Gravadora: Fueled By Ramen Producao: Jeff Bhasker Duracao: 46m17s por Caio Coletti Como a voz do fun., o americano Nate Ruess trouxe a vida cancoes que arquivavam aquele raro equilibrio entre bombasticas e delicadas, criando uma assinatura melodica tao reconhecivel que ficou clara ate em "Just Give me a Reason", seu dueto com P!nk. Na sua primeira aventura solo, Ruess curiosamente abandona muito dessa tal melodia reconhecivel, preferindo explorar cantos e excentricidades as quais sua voz nao esta acostumada o resultado e um belo album que ainda preserva o casamento de pompa com sensibilidade que marcou o fun., mas que pronuncia seu vocalista como um artista solo muito distintivo, que merece ser acompanhado. A maioria do disco e co-composta por Ruess com Emile Haynie (cujo proprio album de estreia esta aqui na nossa lista, na posicao #11) e o produtor Jeff Bhasker. Ambos ja trabalharam com o fun., mas emprestam a Grand Romantic uma leveza que nao pertence ao repertorio da banda da qual Ruess e o mais famoso integrante ate quando colocam o vocalista para trabalhar com instrumentais mais inflados, vide a otima "Great Big Storm", as composicoes aqui carregam melodias de tons mais simples, abertos, que permitem a Ruess explorar expressividades diferentes, mais otimistas ou menos pretensiosas, que na sua banda principal. Tematicamente, o disco e um longo pronunciamento de romantismo, como o titulo anuncia. Mesmo quando se distancia um pouco do tema para falar acidamente de fama e cultura da celebridade em "What This World is Coming To", dueto com Beck que faz parte da secao de instrumentais mais suaves, levada todo pelo violao, Ruess acaba voltando a declaracoes de amor grandiosas e teatrais, auxiliadas por pianos poeticos, o eventual uso de uma secao de sopros e batidas rarefeitas. A delicada e
dolorida "Take it Back" tambem faz parte desse pacote, assim como a orquestrada "It Only Gets Much Worse", duas baladas de expressividade oposta, mas que se casam bem no comeco e no final de Grand Romantic, um album que passeia com habilidade por variacoes de um mesmo tom e nunca se torna repetitivo. Basta comparar essas duas baladas com a animada "You Light My Fire", que nao estaria deslocada no album de nenhuma diva pop do momento, e com a guitarra inspirada de "Harsh Light", unica composicao em parceria com o companheiro de fun. Jack Antonoff. Conforme Grand Romantic acaba com um recorde de dramaticidade na belissima "Brightside", que repete um pedaco da melodia da faixa que abre o disco, "AhHa", e facil perceber que o que amarra esse album dispar e espetacular em um todo coerente e a voz elastica e ecletica de Ruess, sempre atingindo agudos impressionantes nao pelo prazer de poder atingi-los, mas para realcar um ou outro aspecto da melodia. Grand Romantic e o album de um grande vocalista que trabalha, pensa e se comporta como um grande compositor focado, com um tema forte que une todas as faixas, uma visao musical clara, e a sutileza para integra-la em cada aspecto do fazer musical. 19) Confident Lancamento: 16 de outubro Gravadora: Hollywood/Island/Safehouse Producao: Mitch Allan, Babydaddy, Carolina Liar, Jason Evigan, Carl Falk, Ilya, Steve Mac, Max Martin, Ali Payami, Laleh, Rami, Stargate, Gustaf Thorn Duracao: 38m59s por Caio Coletti Acompanhar a trajetoria de Demi Lovato de 2008, quando saiu o Dont Forget, para ca, tem sido uma jornada reveladora do amadurecimento de uma artista que sabe onde quer chegar e como chegar la, mas tambem tem nocao de que a estrada e longa e que o tempo e um fator decisivo nela. Claro, nos vimos isso acontecer com outras artistas tambem: notavelmente, com suas companheiras de Disney Channel Miley Cyrus e Selena Gomez, cada uma a sua maneira mas o que diferencia Demi dessas e de outras cantoras atualmente e a forma como sua jornada de amadurecimento aparece claramente, sonoramente, na musica. Isso vai alem dos notados problemas pessoais pelos quais a artista passou, dos disturbios alimentares ao vicio em alcool e drogas, e a relacao conturbada com o pai, representada aqui na bela "Father", uma faixa apropriadamente gospel, com seus corais e cordas elevando Demi para cantar diretamente ao falecido pai, entoando um dolorido I hope that heavens giving you a second chance. O amadurecimento de Demi esta tambem na forma como ela, a cada album, se aproxima de generos e elaboracoes musicais novas na tentativa de se encontrar. Acompanhar os resultados e sempre no minimo curioso, e, nos melhores momentos, espetacular. Confident, o quinto album de estudio da cantora, comeca com a arrebatadora faixa-titulo, "Confident", e seus trompetes e batidas militares por cima da declaracao corajosa de confianca da cantora, e segue ligado no 220 com o hit Cool for the Summer (logo ai embaixo), que troca os trompetes por sintetizadores rasgados e a mensagem desafiadora por uma languida insinuacao de experimentacao sexual. Aos 23 anos,