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tenha ouvido antes, mas aceita o acordo de que, sim, tudo aquilo fez parte do passado que compartilhamos com o protagonista, nao importando a idade que tenhamos. O mesmo acontece com os lugares, os empregos, as tensoes pelas quais os personagens passam, que talvez nao sejam as mesmas pelas quais passamos. O teatro, que entao promove o dialogo de igual para igual, se manifesta na forma como os atores fazem desaparecer o texto e todas as demais possiveis barreiras, produzindo um pouco do po magico que os bons artistas (e as boas obras) conseguem. O texto pode ser considerado dificil, porque e descritivo demais e narrativo de menos. Esconde-lo, felizmente, e merito dos atores, grupo em que se inclui Maureen Miranda e Carolina Foquemont, em especiais e pequenas participacoes. Ambas, ao tomar parte da cena, oxigenam o ambiente e permitem ao espectador fruir a obra com um pouco menos de absorcao e um pouco mais de criatividade. Num constante direcionamento vertical, Hirsch, Weber e Lage levam o publico para dentro de seus personagens, mas Miranda e Foquemont ratificam os acordos com a plateia na medida em que tornam a historia da ficcao mais parecida com as historias da nao-ficcao as nossas, talvez. Curitiba pode, assim, ser Porto Alegre, o Ocidente pode ser o bar da Joao Telles, os ipes podem ser os da Av. Venancio Aires, a loja de discos alternativos pode ficar abaixo do Viaduto Otavio Rocha. Essas possibilidades, que foram belamente apresentadas, sao o remedio contra a estagnacao que acontece no final do primeiro ato, quando o texto parece mais verborragico do que bom. Elas dao ritmo aos momentos em que ja entendemos a proposta, ja relacionamos os signos e estamos prontos para avancar, mas, apesar disso, pouco andamos. Emocional, o segundo ato acontece apoiado nas construcoes anteriormente feitas. Hisch conseguira, junto de seus atores e de sua equipe, estabelecer uma sintaxe que deixou o espetaculo fluido. Entre todos os elementos arregimentados nessa estrutura cheia de eficientes acordos, a iluminacao e o que mais se destaca. Bruel, que assina tambem a iluminacao do nao menos excelente Memorias da agua, oferece ao espetaculo um personagem a mais. Depois de ja ter participado de forma discreta, mas potente de varias construcoes de cena, num determinado momento, mini brutes sao acesos vagarosamente sobre a plateia. A situacao ficcional do palco invade a audiencia, cresce sobre nos, nos obriga a fechar os olhos e olhar para dentro, onde a catarse esta agindo ferozmente. Blackouts, por sua vez, ao mostrar a ausencia da luz, escondem o que deve ser visto pela nossa imaginacao. As diversas zonas do palco e da historia sao estabelecidas como parte da contagem e nao apenas como instrumentos dela, o que e de notorio valor.Em todos os aspectos, criteriosamente considerados na viabilizacao da peca, Hirsch e todos os responsaveis maiores por ela oferecem momentos de absoluto contentamento estetico. A producao, que marca por nos fazer sentir saudades de nos mesmos, deixara saudades das saudades que nos faz sentir.*Ficha tecnica:Criacao: Sutil CompanhiaProducao e realizacao: Sutil Companhia de Teatro Direcao geral: Felipe HirschElenco:
Guilherme Weber, Natalia Lage, Maureen Miranda e Carolina FoquemontCo-direcao: Murilo HauserCenografia: Daniela Thomas e Valdy LopesIluminacao: Beto Bruel Figurinos: Veronica JulianTrilha sonora pesquisada: Felipe HirschAssistencia e operacao de iluminacao e video: Sarah SalgadoTraducao do material original de pesquisa: Ursula e Erica Migon Assessoria de imprensa: Vanessa Cardoso FactoriaDesign grafico: Maria AndradeAssistente de producao: Bruno GirelloProducao executiva: Marcelo ContinCoproducao: Leandro Knopfholz ParnaxxDuracao do espetaculo: 180 minGenero: drama/comedia Classificacao etaria: 14 anosPor Rodrigo Monteirohttp://www.teatropoa.blogspot.com/ /
filme e imaginar o que escondia o inconsciente dessas duas grandes personalidades. Na verdade, trata-se de uma obra apreciavel apenas individualmente e que nos toca de forma diferente a cada vez que assistimos. Como exemplo, e absolutamente pessoal a descricao audiovisual da antologica cena em que um homem corta, com uma navalha, o olho de uma mulher. Lembramos de forma diferente pois a nossa memoria inventa de forma diferente, assim como tambem nunca e igual a forma de recorrermos a ela.
Senhores,Em junho, mes do cinema brasileiro, realizaremos a 4a edicao do Cineclube Escola da Serra, exibindo o filme Deus e o Diabo na Terra do Sol, considerado por muitos o melhor filme nacional de todos os tempos. Ele conta a historia de um nordestino que, apos matar seu patrao, se junta a um bando de cangaceiros.Evento: Deus e o Diabo na Terra do SolDirecao: Glauber RochaDuracao: 120Censura: 14 anosData: 17/06/2010Hora: 19hLocal: Auditorio da Escola da Serra (Rua do Ouro, 1900, Serra)Informacoes: 9631-7483*Quem se encontrar abaixo da censura devera levar uma autorizacao assinada por um responsavel. O primeiro episodio dO Decalogo e iniciado com a unica personagem que aparecera em todos os capitulos. Tido como anjo, santo ou ate mesmo diabo, trata-se de um homem que observa, zela e vigia em seu silencio. Existe, claramente, uma dicotomia entre ciencia e religiao. E o que o diretor nos apresenta nesse inicio de minisserie. Uma crianca se divide entre o pensamento logico do pai e as crencas da tia. Atormentado pelo amor de uma mae ausente, o menino procura o que nos procuramos nas religioes: abrigo,apoio e conforto. A busca pela fe nao deixa de ser o desejo de uma vida mais facil, com menos sofrimento. Coloca-se a culpa de tudo em Deus, assim como nele e depositada a confianca e a promessa reconfortante de uma nova existencia apos a morte. O garoto, completamente espavorido pela ideia racional do nosso fim biologico dita pelo pai (o coracao para de bombear sangue para o cerebro), e abracado e reconfortado pela possibilidade mistica de partir desse mundo e continuar vivendo. As religioes nada mais sao do que tentativas de driblar a morte. Temos necessidade de deixar algo para tras: uma boa lembranca ou uma obra a ser memorada. E o que fica da nossa temporada no mundo, o resto passa. A crianca, tratada como um adulto com todas as suas responsabilidades e demasiadamente atormentada para a sua idade, representa o dilema de todo ser humano que se preze: a angustia, pois so se e homem quando se angustia e questiona. Durante o filme, vemos as certezas inabalaveis colocadas a prova. O pai se questiona sobre a possibilidade de explicacao para todas as coisas, como na cena em que, como num sinal metafisico, um pote de tinta derrama em uma folha, revelando certa preocupacao com o lago congelado. O progenitor e culpado por nao impor limites ao filho, o que vira em forma de castigo quando o corpo do menino for retirado inerte do gelo e o Santo Zelador ja nao estiver mais ocupando seu posto. O computador, na pelicula, representa outra grande polemica: o advento da tecnologia. Por vezes ele parece ter vontade propria, por outras parece determinar o destino das personagens, ja que e por ele que o pai deduz que a camada congelada estava suficientemente grossa para ser patinada. Isso incita, inclusive, a existencia de uma alma para o artificial, ja que sua inteligencia nao nos e totalmente explicitada, mas ocupa, sem duvida, lugar privilegiado nos questionamentos do garoto. Como exemplo, a existencia (ou nao)
do nosso livre arbitrio. Os valores cristaos ditados pela tia (Deus existe) sao confrontados com a quebra da moral defendida pelo pai (Nao ha alma). Em nenhum momento uma personagem se julga melhor que a outra, pois nao ha esse parametro, ja que se tratam apenas de linhas diferentes de pensamento. Para minha critica, que sou ateu, ao final percebemos a parcialidade genial do diretor. Ha uma pequena vitoria, nao de Deus ou das crencas, mas da critica ao pensando logico (em que tudo pode ser explicado pela ciencia). A crianca e retirada morta do lago e todos se ajoelham. So resta seu registro eterno numa reportagem de TV.
Meus queridos,Na proxima quinta-feira (20/05) o Cineclube Escola da Serra ira exibir o filme Gritos e Sussurros, do mestre Ingmar Bergman. Ele conta a estoria de quatro mulheres encerradas numa casa de campo para cuidados de uma enferma em estagio terminal. Realidade e fantasia se misturam a medida que acompanhamos as lembrancas das personagens e descobrimos as frustracoes de cada uma. Uma profunda discussao sobre as angustias humanas. A sessao sera comentada e seguida de debate.Gritos e Sussurros e daquelas raras experiencias que um espectador carrega por toda a sua existenciaDuracao do filme: 106Censura: 18 anosData: 20/05/2010Hora: 18h30Local: Auditorio da Escola da Serra (Rua do Ouro, 1900, Serra)*Quem se encontrar abaixo da censura devera levar uma autorizacao assinada por um responsavel Em 1988, Kieslowski realizou a obra que o consagrou internacionalmente: O Decalogo.Uma minisserie para TV dividida em dez episodios que narram estorias passadas num mesmo condominio residencial de Varsovia.Baseando-se nos dez mandamentos, o diretor questiona os nossos valores morais e a nossa conduta, transportando essas regras de comportamento milenares para os dias atuais.Dois capitulos se transformaram nos filmes "Nao Amaras" e "Nao Mataras", que concorreram no Festival de Cannes e impulsionaram a carreira de Krzysztof para o mundo, tornado-o um dos grandes e lendarios diretores da historia do cinema. Voce me disse: Eu te amo E eu: Espere Eu ia dizer: Possua-me Voce disse: Va! Em 1962, Francois Truffaut realizou uma das maiores obras-primas da sua carreira e o melhor filme de amor de todos os tempos: Jules e Jim Uma Mulher Para Dois. Conta a estoria da amizade entre dois homens de paises diferentes, desde seu inicio ate o tragico fim. Jules e um alemao que mora em Paris e nao tem muito sucesso entre as mulheres. Jim e um Frances que vive rodeado de namoradas. Um dia eles tomam conhecimento da estatua de um rosto de mulher muito antiga, preservada num museu. A peca os impressiona de tal forma que eles se apaixonam por ela e decidem seguir seu sorriso por onde quer que va. E nesse ponto que eles conhecem Catherine, uma mulher que se comporta estranhamente para sua epoca, mas, por se parecer com a tal estatua, se torna irresistivel. O filme ostenta a rebeldia presente na juventude dos anos 60, embora se passe na decada de 10. Nao e apenas uma rebeldia politica, e sim, uma tentativa de cambiar os padroes ate entao vigentes. Sao os reflexos de uma juventude transviada transportados para a epoca em que se passa a estoria. Truffaut teve uma infancia dificil. A ausencia de amor e referencias parentais fez com que ele se tornasse um incompreendido. Furtava para pagar seus ingressos no cinema. Dai vem a vontade de transgredir, presente em varios filmes de sua vida. Em Jules e Jim, isso se manifesta intensamente e sob varios aspectos. A fotografia, por exemplo, dita o ritmo frenetico da pelicula. E ousada e diferenciada, assim como a musica (hora forte, hora suave), que acentua a relacao de contraste e inconstancia entre as personagens. A narracao contribui para o clima ligeiro, porem romantico que
o filme adquire. Catherine e uma mulher inconstante e impulsiva. Com ela, o trio comeca a se aventurar nas trapacas da vida, o que se convencionou a chamar de amor livre. Cinematograficamente, e uma verdadeira e intensa exploracao dos sentidos: cheiros, visoes, sons, sabores e outros. Trata-se de uma experimentacao de tudo: da vida, do sexo e da paixao. Na tela ha uma explosao de estimulos. A pelicula representa uma abertura sexual nunca antes vista no cinema. A troca entre os papeis do homem e da mulher. O famoso Turbilhao da Vida de Truffaut. Dificil de ser descrita (ate porque se trata de audiovisual), a beleza e construida atraves dos detalhes. Foi a primeira vez que se falou tao abertamente em menage e triangulo amoroso. Nesse ponto, o filme nos remete a Bande a Part, uma das grandes obras-primas de Godard (ou o filme de Godard para quem nao gosta de Godard, para os intimos). Aos poucos, os protagonistas desenvolvem uma forte relacao de dependencia, propria da paixao, porem com a forma mais profunda de ciume que ela acompanha. O amor entre os tres se torna obsessivo. Catherine adora ser bajulada, mas nunca da o braco a torcer. Quando nao recebe atencao, muda seu temperamento, demonstrando hostilidade. Os homens, no seu fascinio, nao percebem o jogo no qual estao se envolvendo e atendem a todas as vontades da mulher. Todos estao numa constante busca por uma liberdade idealizada, na mudanca dos padroes da sociedade e na quebra de regras. Estoura a Primeira Guerra Mundial e, com ela, e consumada a separacao das tres personagens principais, que so se verao juntas novamente apos o fim das batalhas. Esse longo periodo e suficiente para esfriar o relacionamento e por fim ao Turbilhao. Catherine se encontra triste, acorrentada pelo casamento e privada da sua tao sonhada falta de compromisso. Sua inconstancia e cada vez maior. A passividade de Jules a incomoda. E aqui que Jim reaparece, suscitando um amor que ha muito nao aparecia. A angustia da mulher esta na duvida entre os dois amigos. O passar do tempo e rapido, porem quase imperceptivel. As personagens nao envelhecem fisicamente, e sim na alma. Apos a linda cena em que Jeanne Moreau canta na presenca das protagonistas, vemos o retorno de um breve apice do grande Turbilhao, mas que nao se mostra tao verdadeiro quanto o primeiro. Os vais-e-vens da estoria determinam de vez o fim da rebeldia, da transgressao, da trapaca e da impulsao. Jules e Jim ja nao amam mais Catherine, mas continuam com ela por pura comodidade, por medo da mudanca. Tratam-na como uma deusa que precisa ser sempre adorada. Quando a mulher o percebe, e necessario reinventar a paixao. Sua busca pela liberdade nunca pode cessar, sendo que ela se materializa na opcao pelo suicidio e pelo assassinato de Jim. A liberdade da morte, que desemboca na bela sequencia final da cremacao dos corpos.
Ma Educacao e um dos filmes mais vertiginosos da carreira de Almodovar. Ele conta a estoria de Enrique e Ignacio, duas criancas que se apaixonam, se separam e se reencontram muitos anos depois. Ja pela abertura do filme, reconhecemos o processo autoral do diretor. O vermelho forte, a musica e as imagens quase caricaturais. Como nao podia deixar de ser, temos outra vez a metalinguagem. Enrique e um diretor que esta no meio de um bloqueio criativo. Ele passa o dia selecionando noticias interessantes nos jornais, para que lhe ocorra alguma ideia. E nesse momento que Ignacio, uma velha paixao da juventude, toca a campainha. O amor dos dois vem dos tempos das primeiras experiencias e da idealizacao. O roteiro A Visita, que Ignacio escrevera, e uma recapitulacao de sua infancia e uma criacao fantasiosa de como ele queria que sua vida adulta fosse. Uma expressao de fantasias ridiculas e absurdas, mas que nos agradam quando pensamos nelas. Sao ansias e desejos que dizem respeito ao momento do reencontro de ambos os apaixonados, mais uma vez idealizado. Vale ressaltar que Almodovar diferencia a estoria real do filme da do roteiro alternando widescreen e fullscreen. Nos e apresentada a existencia de Padre Manolo, um pedofilo que abusava sexualmente de Ignacio e que foi o responsavel pela separacao dos protagonistas. - Por minha culpa - Por sua culpa -Por minha culpa -Por sua culpa -Por minha maxima culpa O sangue desce pela testa de Ignacio, dividindo-a em duas, assim como o faz com sua vida. Mais uma vez o diretor nos coloca temas polemicos e os discute com naturalidade. Nesse caso, temos novamente a homossexualidade, os travestis, o uso de drogas e o abuso sexual de menores. Numa critica a igreja, Almodovar faz uma alusao a uma velha pratica da primeira metade do seculo passado. Quando alguem desconfiava que havia um jovem homossexual na familia, mandava-o para o seminario, onde se livraria do dever social do casamento. La, ele sofria abusos de padres mais velhos que tambem haviam chegado ali pelos mesmos motivos, traumatizando-o. Assim, quando crescesse, o jovem provavelmente se tornaria pedofilo, assim como os outros, e abusaria dos novos adolescentes que entrassem no seminario, tornado-se um ciclo. Apaixonados, os garotos se tocam pela primeira vez num cinema. Enrique se diz hedonista. Muitos criticaram o filme por tratar de criancas pervertidas, mas a homossexualidade e sentida desde a infancia. O processo de experimentacao e descoberta do movimento sexual e similar para heterossexuais e gays. Vemos, nos garotos do filme, as mesmas coisas que vemos em nos mesmos quando nos apaixonamos pela primeira vez. Como na linda cena que um gol e errado de proposito. Nos nos reconhecemos neles. Isso e uma coisa universal, nao importa a nossa orientacao sexual. O diferencial, no filme, e unicamente os traumas sofridos pelos garotos por causa dos abusos do Padre Manolo e pela separacao violenta. A cena na piscina pode ser encarada como apelativa, mas deve ser entendida como um avanco na quebra de tabus e na aceitacao da homossexualidade. Trata-se de certa abertura sexual. Foi a
primeira vez que um filme com um alcance de nivel internacional ousou tao profundamente numa cena erotica entre homens. Outros vieram depois. A dificuldade que Enrique tem em chamar Ignacio pelo seu nome artistico demonstra sua desconfianca. O sexo simboliza a busca daquele pela verdadeira identidade deste e sua curiosidade. Mostrando que nao podemos fugir de quem nos somos, Angel e desmascarado. Descobrimos que ele nao era Ignacio, e sim Juan, seu irmao. A Visita termina assim como termina o filme, com Ignacio morto. Nao temos testemunhas, apenas Deus, mas ele esta do nosso lado. Dizem os assassinos, padres divulgadores dos interesses da igreja. Juan e, de fato, um grande ator. Pela forma com que usa Padre Manolo e pela facilidade com que engana Enrique. O final nao podia ser menos almodovariano. A perseguicao obsessiva entre as personagens termina de forma tragica e o protagonista continua a fazer cinema com a mesma paixao. As citacoes cinematograficas, muito ricas nessa pelicula, caracterizam um estilo que se estende ate os dias de hoje. A trilha sonora e sempre magnifica e a fotografia tem seus grandes momentos. Apesar de nao estar entre os melhores da carreira do diretor, Ma Educacao e sedutor e talvez encante pela beleza, sensibilidade e naturalidade com que trata de temas que costumamos julgar tao mal.
"Filme como sonho, filme como musica. Nenhuma outra forma de expressao artistica e capaz, como o cinema, de vir ao encontro dos nossos sentimentos, penetrar nos recantos mais obscuros da nossa alma.""Segredos para os quais nao existem palavras e que so a cinematografia pode patentear" - Ingmar Bergman - Mestre, meu mestre querido Almodovar comecou sua carreira na Espanha como a representacao do movimento La Movida Madrilena na setima arte. La movida se concretizou nas capitais no final da decada de 70, apos a morte do ditador Franco. O clima era de liberdade. Apos anos tao densos, ninguem queria fazer arte com compromisso politico. A ideia era de libertacao, de prazer e de aproveitar a vida. Assim, vieram obras muito coloridas e vividas. Tambem era um tempo de abertura sexual. A mulher ganhava mais destaque no contexto da Espanha e comecava um processo de aceitacao da homossexualidade.Nesse ambito, o diretor ganhava fama. Suas estorias eram baseadas nos tempos em que fora funcionario publico e drag queen. Sua carreira se divide em duas principais partes: a decada de 80, quando fazia comedias escrachadas, porem com grande refinamento. A exemplo, Pepi, Luci, Bom y Otras Chicas del Monton, Maus Habitos e Que Fiz eu Para Merecer Isso? Ja a segunda fase, e marcada por uma preocupacao em discutir a condicao humana, sem nunca abandonar os elementos de comedia. O resultado sao filmes de intensa dramaticidade sobre assuntos que tocam a todos nos. Identificamos-nos com eles, de uma forma ou de outra. Destes, podemos citar Tudo Sobre Minha Mae (vencedor do Oscar), Fale com Ela e o mais recente Os Abracos Partidos.Seus assuntos sempre foram polemicos. Sua capacidade de discutir temas tabus com grande naturalidade sempre foi seu forte. Dentre os assuntos recorrentes encontram-se a homossexualidade, os travestis, o uso de drogas, a doacao de orgaos e o que tomamos como valores morais. As situacoes absurdas encontradas em suas peliculas o permitem discutir suas questoes profundamente, porem de forma divertida e emocionante ao mesmo tempo. Sem nunca abandonar o humor, Almodovar nos guia por caminhos contidos em nos mesmos, pelos quais so a arte pode nos acompanhar. E engracado como muita gente passa boa parte da vida tentando mudar algo em si para agradar os outros. O que nao e nada engracado, e que quando passamos muito tempo tentando mudar quem somos para agradar varias pessoas, terminamos deixando de ser quem nos somos, e isso implica principalmente em, terminamos nao gostando de nos mesmos. Antes de sair mudando quem somos, temos que fazer algumas perguntas: 1) O que eu vou mudar, e pro meu bem? 2) Isso vai mudar quem eu sou ou vai me fazer um melhor "eu"? 3) A pessoa que quer que eu mude, vale a pena? Tenho pensado bastante nisso. Terminei chagando na conclusao que, ja mudei tanto quem eu sou, que eu nao gosto de mim. Entao resolvi voltar a ser quem eu sou, e estou gostando bastante da sensacao. Resolvi ser eu mesmo, e nao vou mudar quem eu sou para agradar alguem, ate porque, se alguem nao gosta
de mim pelo que eu sou, nao tem como a relacao dar certo, seja relacao de amizade ou namoro. Por que? Simples, porque no final voce nao vai gostar de si e se tentar voltar a ser quem voce e, a pessoa que voce queria agradar, e quem nao vai gostar.Moral da historia, seja voce mesmo e as pessoas vao gostar, e se nao gostar, provavelmente nao valeria a pena o sofrimento de nao ser voce mesmo.