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La fotografía, en un inicio preciosista y luego tétrica, es de un gran nivel.

La contención, tanto formal como gestual de los intérpretes es su mejor baza, logrando Ryan Fleck, su joven director, que la humana y dura historia se imponga a cuestiones vanas estéticas que pudieran mejorar el aspecto visual de la cinta, pero que repercutiría negativamente en el realismo del film.

Eso creo yo que es la magia de un director.

Y más para un director con tan poca trayectoria, aunque sí mimada por la crítica y amparada por el público.

Nos encontramos ante un filme diferente, un director con una visión distinta que sin duda a dado un nuevo empaque al género.

Hasta el más animoso se cansará al poco rato de una trama tan infantil (dicho en el peor de los sentidos) que si fuera analizada en profundidad provocaría más risas que asombro.

Pero en medio de esa banda sonora de escasa calidad, de esa fotografía imposible, de sus diálogos repetitivos e intencionadamente penosos, de la indecente ambientación que recrea supuestos planos exteriores captados bajo la penuria económica, emerge "el talento inútil número 12" para dar paso a un guión brillante, a un esmerado montaje y a unos efectos especiales que poco tienen que ver con el Grindhouse que se homenajea.

El que fuera considerado "mejor director del mundo" en los años ochenta gracias a títulos como Alien o Blade Runner, con un estilo -por momentos- comparable al de Stanley Kubrick en Los Duelistas, experto narrador de localizaciones (Black Rain), indiscutible maestro de la estética y contundente director de actores, capaz de extraer las mejores interpretaciones que quienes han trabajado bajo sus órdenes (Thelma y Louise, La Teniente O"Neil), todavía persigue el reconocimiento de un premio Oscar.

En cuanto a las interpretaciones, se podría decir que el resto del reparto está realmente bien, pero queda absolutamente eclipsado por la presencia de Bill Murray.

Y la niña, esa niña presentada por el director como la más capaz de morder a la bestia desde dentro y sin acobardarse, es la esperanza de una Corea tan adormecida como su protagonista, tan convencida de su inutilidad como ese padre despertado tan sólo por la tragedia de ver morir a su hija.

El Atardecer por lo menos cumple con creces la segunda de estas características, mientras que de la primera hay más dudas, ya que se trata del segundo largometraje de Lajos Koltai, un brillante director de fotografía, y si no basta recordar sus colaboraciones con el no menos genial István Szabó.

Tengamos en cuenta que todos los responsables de esta película, desde el director hasta el creador de la banda sonora, pasando por el escritor de la novela Compte enrere en la que se basa el guión, son personas que viven en la España de 1.974, que llegan a obsesionarse por la figura de Salvador, que lo tratan en todas sus dimensiones y que muestran un relato en el que se cuida hasta el detalle más insignificante.

El resultado es un producto más preocupado en mostrar la fastuosidad de la Rusia zarista, las dotes interpretativas de Ralph Richardson (importante actor del teatro inglés) y la extraordinaria belleza de la protagonista (su rostro siempre aparece iluminado cuando todo permanece en penumbra), que en relatar con precisión la dramática historia.

Paul Hagiis, quien se diera a conocer por escribir el guión de "The millon dollar baby", realiza aquí una película de bajo presupuesto sin que técnicamente se note en ningún momento del metraje, llena de inteligencia y de emoción.

En El experimento será una mujer (Maren Eggert) quien sirva de contrapunto al universo perverso recreado en esa cárcel experimental movida bajo el binomio carcelero-preso (o si se quiere el hegeliano amo-esclavo), y la única encargada de devolver al personaje interpretado por el siempre estupendo Moritz Bleibtreu (Las partículas elementales) a la realidad.

Rueda compone bien su interpretación aunque su constante cara de amargamiento (cualquiera diría que estuvo todo el rodaje de resaca) y sus momentos de "mamá guay" sean en ocasiones chirriantes.

Muy divertida, montada de miedo, con un montón de carteles orientativos de lo más chik y con una elaborada trama que no lleva más de noventa minutos de buen cine.

Otra de las partes negativas a destacar son los errores, uno de ellos de trazo gordo, puesto que, y sin desvelar nada de la trama, podían haber revisado un poquito el guión para no quedarse en evidencia.

Lo mejorcito del reparto, y no es por barrer para casa.

Pero no quiero un director que entre a juzgarlas con su catecismo de valores.

En el plano positivo, tiene una banda sonora cumbre del caspismo, creada en exclusiva para la película.

Aún así, es un producto interesante y muy entretenido dentro del actual panorama cinematográfico en los USA, y por supuesto nos hace tener la mirada atenta en su director, que espero no se dedique a las payasadas que hacía su padre, quien por cierto ha estrenado entre nosotros 'Mi Super Ex-Novia', que si me acerco a verla será unicamente por ver a Uma Thurman.

Es sin duda, la peor película del director (que no ha llegado a mejorar su obra maestra Amores perros, 2000).

Y volviendo a la película: actores secundarios brillantísimos en personajes con apenas un par de secuencias (los ya nombrados amigos y socios del "escuadrón de Mercaderes de la Muerte"; la aceradísima crítica al Hollywood actual a cargo de Rob Lowe y Adam Brody; los imponentes Robert Duvall como capo del tabaco y Sam Elliot como el canceroso Hombre de Marlboro; o el hilarante William H. Macy como el tramposo senador Finistirre), planificación y fotografía elegantes, diseño de producción tan ponzoñoso como el propio texto (ese cartel del bar donde se reúnen los Mercaderes de la Muerte).

Pero es que un guión tan milimetrado y prodigioso como el de la película original es, hoy por hoy, un imposible.

Y lo hace utilizando un rico, espectacular y glorioso reparto coral monopolizado por mujeres.

Zombie, cuya música no es santo de ninguna de mis abundantes devociones, es (por el contrario) un director con punch, diríamos, uno de los que ha sabido entender sin excesivo tiempo en la industria de qué convulso modo funciona y cómo es posible matrimoniar cine de entretenimiento, vendible, consumible sin más miramientos ni subterfugios culturales y, por añadidura, un envoltorio técnico, narrativo y hasta actoral más que decente.

Este vehículo para lucimiento de la directora y la actriz principal que se convierte en una de las películas más aburridas del panorama actual.

Isaac, en sus labores como director, no ansía en absoluto el don de la originalidad, y es por este motivo, aunque parezca contradictorio, donde se encuentra lo único salvable del film, la intrascendencia asumida por el director crea un estilo visual referencial, sin ningún atisbo de personalidad, pero realizado de manera correcta, funcional y sin pretender en ningún momento involucrarse en tareas más complejas.

¿como se puede escribir un guión taaaaan aburrido teniendo como respaldo cuatro libros y el apoyo casi incondicional del autor de las novelas?

Aunque su presencia en el "argumento" sea totalmente accidental y por lo tanto breve, es la única que puede responder a la intención del director para que el espectador encuentre la belleza que se supone busca el protagonista.

La trama ya es escabrosa y la verdad es que las actuaciones, los colores del film, los escenarios y la banda sonora ayudan bastante a lograr una atmósfera opresiva y bastante perturbadora.

Una historia sustentada en un guión quebradizo, hijo de un argumento desfasado que no consigue captar la atención del respetable.

Lucas Haas es The Pin, el hombre detrás del crimen, un personaje un poco excesivo, pero fundamental, representa una conexión entre el mundo que se crea el director y el nuestro de una manera que ni siquiera puede el protagonista, del que solo vemos el despertador de su casa: The Pin vive con su madre y en el sótano tiene una habitación donde representa el papel de padrino de la mafia de los chavales de veintitantos.

a lo mejor el director más pretencioso y ególatra del momento.

La trama es típica: chico presenta chica a su familia.

Aún y así, su director, solventa con una elegante e insospechada sequedad aquellos asesinatos que muestra en pantalla.

Gracias a su variabilidad de géneros, tanto fantásticos, de aventuras, dramáticos, políticos como cómicos, se permite que su guión presente muchos detalles, anéctodas (¡cómo me reí con algunas escenas divertidas y deprimentes a la vez!), etc. Y claro, como todo buen guión, presenta una estructura formidable, extraña, clara y precisa.

a la navarresa que ha buscado su director.

"Se buscan voluntarios para un experimento social por un período de 2 semanas, alta remuneración; absténganse de acudir aquellos que no puedan soportar situaciones extremas"Con este inquietante anuncio comienza "Das Experiment" (El Experimento), un sofocante thriller inspirado en hechos reales (el experimento de la prisión de Stanford, en 1971, recordado como una aberración y con unos acontecimientos que acabaron en tragedia), dirigido por Oliver Hirschbiegel, debutante en el largometraje pero con gran experiencia en la televisión alemana y que, quitando algunos defectos, típicos en las óperas primas de muchos directores, resuelve bastante bien una película donde su tótem es la historia que nos cuenta.

Lo demás, escenas exageradamente previsibles, un presidente estadounidense demasiado cachondo y un guión desastrosamente repetitivo y calcado al anterior que espero que no vuelva a repetirse.

Cada capítulo de la historia se encabeza por un rótulo que puede darnos pistas sobre sus protagonistas (el hombre del motel, los espeleólogos, el hombre del camino) y no sigue un orden lineal sino que el director juega a explicar la historia mediante saltos en el tiempo o flashbacks de manera que la historia se cuenta desde todos los puntos de vista de los distintos personajes.

La primera es que la película está dirigida con corrección y tiene un ritmo entretenidillo, aunque la acción avance un poco a tronpicones de tópico en tópico, que hace que las dos horas de película no se hagan excesivamente largas (aunque se noten).La segunda es que, como Scott es director de culto, muchos se dejan engañar y ven calidad donde no la hay.

Es cierto que lo que más se valora en un director y su inteligencia es que se muestre aséptico y sepa llevar ese sentimiento al espectador, sin tratar de hacer juicios ni justificar, dejándonos a nosotros el papel de la decisión.

Pese a tener los sólidos pilares de un excelente guión y una buena dirección, una película puede venirse abajo si las interpretaciones no están a la altura.

También resaltar como la fotografía de Peter Suschitzky ilustra esta batalla constante entre el hombre y su (in)consciente o su pasado, ya que algunos personajes parecen estar siempre en la sombra, semiocultos.

El guión se desajusta de los tópicos cuando abraza, sin rubor, la fantasía, la imaginación espoleada por ese lemming fantasma que ha venido de la tundra y que se ha instalado en las conversaciones, en los postres, en toda la maquinaria bizarra de este artefacto de cruda digestión, pero interesante y valioso para apuntalar la idea de que el cine europeo es estupendo y que puede alejarse de las facturas americanas, sin renunciar a un brioso espectáculo cinematográfico.

Por si no tuviéramos bastante con la recreación de los supuestos hechos el director termina la película con una galería de fotografías reales guardándose para el final una imagen aterradora que provoca que el espectador sufra más de la cuenta y salga del cine con una idea demasiado clara de lo sucedido.

Rodada en Rusia y en Londres, con una impresionante dirección artística de Andrej Andrejew, una excelente fotografía y un exquisito vestuario diseñado en París, se fracasa estrepitosamente en la contratación del actor principal (un debutante del que nunca más se supo) y, lo que es peor, se falla en la estructura narrativa.

Antropología de parvulario, exotismo de revista de viajes en papel couché, caricatura simiesca de un guión que podría haber dado más caso de que no hubiesen querido insistir en asuntos de tan escaso interés para un espectador moderno, ajeno a estos darwinismos de opereta, a estos prontuarios facilones donde el choque de dos culturas semeja el lánguido apareamiento de dos koalas.

En este caso lo que hace el director es reescribir el patrón sobre el que abordar el género de asesinos en serie y reformular su discurso en base a criterios más literarios, más cercanos a modelos setenteros como Todos los hombres del presidente ( sé que no soy el único que ha visto esta similitud, de hecho antes de verla era ésta la única información que tenía del film ) o incluso JFK .

Para Allen, supuso su primer Oscar como Mejor director en 1977, además del Oscar al Mejor guión original co-escrito junto a Marshall Brickman y con ciertos toques autobiográficos.

El autor se desmarca de la crueldad de Houellebecq: reviste su trama de locura, de humor también, de verismo.

Y no es porque el peculiar director haya dejado de lado casi toda su personalidad rodando un thriller del todo vulgar y corriente.

Si en un gesto de buena voluntad (y considerable esfuerzo) el espectador decide adherirse al mensaje optimista que motiva las acciones de la trama, y se deja arrastrar por el espíritu positivo de una comedia romántica sin más pretensiones, no tardará en descubrir que el guión, típicamente americano, alterna diversos comentarios de indudable ingenio, encaminados a sonsacar una leve sonrisa, con un sinfín de chistes extraídos de las peores galas de Billy Crystal.

Pero aunque algunas situaciones de Scoop recuerdan a otras comedias del director como Misterioso asesinato en Manhattan o La maldición del escorpión de Jade, la nueva película está años luz de aquellas hilarantes comedias.

No hay emoción, ni una trama más o menos sólida, y se nota horrores que al contrario que The Prestige, que se basaba en una novela consistente, esta otra se basa en un relato corto y si, lo que quiero decir es que esta historia daría para un sencillo capítulo de The Twilight Zone en lugar de haber presentado una arrogante y sosa, muy sosa películas de esas que les gustan a las madres.

Pese a ello, en "[Rec]" hay algunos de los mejores sustos vistos en un cine en mucho tiempo y sin necesidad de subidones de volumen en la banda sonora, recurso facilón imposible aquí por la ausencia de la misma.

Levy se afilia a este segmento validísimo de cine orientado al más genuino consumo familiar: todo es festivo, todo se deja conducir por una mansa corrección política y, por añadidura, el guión ( que en su simplicidad cela variados registros y propone un amplio abanico de lecturas ) da un sugestivo repaso por la Historia, aunque sea Historia de andar por casa y no indague más allá de los saludos de los romanos o de la rudimentaria gestualidad de los hombres de las cavernas.

No destriparé más la trama porque sino acabaré por explicaros ese interesante final.

"Finalmente se puede decir que Eli a creado una película gore policticamente correcta en la cual el marketing y la distribución de esta crean en el espectador unos animos que se quedan defraudados ante una trama bastante simple y poco atrayente.

Parte de la sinopsis del producto original pero el director (responsable de Crying Freeman y El pacto de los lobos) estira las situaciones, provocando el hastío.

Está narrada con brío e incluso tiene algún momento de suspense que se agradece pero básicamente es un vehículo para Will Smith a semejanza de "Yo robot" (2004, Alex Proyas), película correctamente filmada, con un director visualmente solvente, con escenas de masas (esos flashbacks totalmente innecesarios), acción, carreras y tiros, que es de lo que se trata.

A partir de este patético personaje, Marc Lawrence desarrolla una trama sencilla pero efectiva; una trama que acercará al desvencijado músico la posibilidad de volver a alcanzar el éxito que perdió hace más de 20 años.

La nueva entrega de las aventuras de estos idolatrados mutantes viene capitaneada por Brett Ratner (Hora Punta, El dragón rojo) en detrimento de Bryan Singer, director de las dos películas anteriores y que ha cambiado de superhéroe al encargarse de Superman Returns.

Lynch te insinúa y tú interpretas.

El guión es un sinsentido total y absoluto.

Tan mal veía el panorama la actriz que estaba pensando en retirarse del mundo de la interpretación cuando, como se suele decir, Ken Loach llamó a su puerta con este papel y trastocó sus planes y su mundo.

William Hurt, Michael Gambon, Joe Pesci, John Turturro, Alec Baldwin o Angelina Jolie, además del propio De Niro, interpretan con solidez cada uno de sus breves roles.

Muy buena fotografía y soberbios decorados, para una historia con múltiples lecturas donde la moral y ética tienen una gran importancia.

A ese viaje nos invita su director, con gran gusto musical y buen oficio en la puesta en escena.

Cuenta con un guión de lo más tópico y sin intensidad.

'Mujeres en el parque' me pareció aburrida, descuidada y, lo que es peor, parece hecha solamente para su director y su guionista.

Tratándose de la ópera prima de un escritor uno podría pensar que el guión sería el punto fuerte de la película.

Los directores que quieran experimentar, siempre pueden hacerlo contando sus propias historias, que proyectarán ante un reducido grupo de intelectuales, quienes veneran lo que no entienden y llaman "transgresión" a lo que no es más que mera estupidez.

Las películas con varias historias siempre me han atraído, si bien es cierto que lograr un equilibrio entre todas ellas es muy difícil, y solo los grandes directores, basados en buenos guiones logran conseguirlo.

Este versátil actor lleva una carrera imparable como ya dije al principio, viniendo de la TV y de una serie como "El Príncipe de Bell-air" que estuvo años en antena, era muy complicado sacarle del contexto al que pertenecía el presonaje que interpretaba, sin enbargo y con todas sus excentricidades a cuestas, Will se ha hecho así mismo toda una estrella, friki a más no poder pero, estrella.

Nadie destaca sobre los demás en este reparto de multitud de personajes, porque, en el fondo, y aunque no sea lo políticamente correcto, a todos nos gusta ser malos.

Lo mejor de la película, sin duda, es su excepcional reparto, brillantes todos, aunque destacan especialmente Ana Fernández, David Arnaiz y un gran José Luis García Pérez.

En segundo lugar me gustaría destacar la fotografía de Natasha Braier, fría pero cercana, que retrata con una mirada nostalgica y glaciar la costa uruguaya.

Las actuaciones de la mayoría del reparto resultan inocentonas y poco profesionales.

Interpretar tantas veces a Papá Noel le ha mermado sus facultades artísticas.

A pesar de no estar entre las mejores películas del director neoyorkino, supera a muchas de sus comedias más recientes, como "Todo lo demás" o "Desmontando a Harry", y forma parte, sin duda, del mejor cine de humor que se puede ver actualmente.

Entre la vida y lo soñado tal como era el tema de "A waking life", el proyecto anterior con este estilo del director Richard Linklater.

Es el estilo Eastwood, el cual poco se parece con el de muchos otros directores.

El toque Blake Edwards y casi (repito, lo de casi) el de otros maestros de la comedia clásica, como Lubitsch, planea en la mente de su director, Pierre Salvadori, que se está convertiendo, con el permiso de Veber, en la gran esperanza francesa en el terreno de la comedia de enredos y equívocos.

Sé que no es lo mismo, pero así se puede explicar que un director americano no tenga que ser fiel al máximo con unos antepasados que en definitiva no le importan nada.

La primera "Clerks" tengo que reconocer que no me entusiasmó del todo, no comprendí que pretendía hacer el director con esa estética en blanco y negro, ni tampoco entendí la crítica social con ese humor ácido que había en la película.

Él llena con su carisma y su fuerza en pantalla los huecos de un guión que tiene lo justito y poco más.

Un episodio del que el protagonista masculino sólo conserva una fotografía, un mensaje que no escuchará, la evocación de un libro que nunca debió regalar y una eterna pregunta en la mirada: ¿Cómo se consigue vivir con el pasado?.El hermetismo de la enfermera "pelirroja" (Sarah Polley) que le cuidará durante unos días.

Si bien la historia pudiera parecer algo inconclusa, al echarse algo en falta el por qué de la infertilidad femenina (aunque a decir verdad, no es lo más importante y le dedica algunas breves pinceladas), la trama resulta interesantísima: 18 años sin nacer un niño, los problemas (tan actuales) de la inmigración ilegal llegan a puntos inverosímiles, el caos se apodera de todas las capitales mundiales.

Es quizás eso lo que salva la cinta, su director James Mangold sabe hacer su trabajo y realiza el film con efectivismo y precisión sin poder atribuirle ningún error ya que técnicamente y visualmente es perfecta.

Poco convincente me parece Li Gong como mujer de Luís Tosar, me parece que tanto exotismo sobraba y podían haberse buscado una latina que fijo hubiera convencido muchísimo mas, aparte de que la pareja Farrell-Gong es totalmente artificial y no le encuentro justificación en la trama, creo que se lo podían haber saltado totalmente.

He llegado a leer críticas que lo que más destacan de la película es que la protagonista, que hace una interpretación sencillamente increíble, se pasa toda la película desnuda.

De hecho Promesas del Este es uno de esos films que merece la pena ser vistos con subtítulos para apreciar las actuaciones y el trabajo interpretativo de todos sus participantes.

La película es básicamente un duelo interpretativo entre dos actrices que demuestran que sus reiteradas nominaciones no son fruto de una inspiración momentánea.

Para mi, el merito es del director, habiendo acertado totalmente en el reparto, poniendo como ultimo ejemplo, a Naomi Watts, que puede parecer algo sosa incluso, pero que para mi interpreta perfectamente a su enfermera, que atraviesa un mal momento en su vida, como nos enteramos por frases causales en sus comidas familiares y busca desesperada un objetivo, o ese policía especializado en mafia rusa que apenas aparece dos veces, contrapunto del barbero mafioso que también aparece poco, pero que en ambos casos son vitales para la historia.

Hugh Grant interpreta a una estrella del pop caída en desgracia.

Destacar nombres, tanto directores como actores, como Coen, Binnoche, Coixet, Payne, Portman, Nolte, Rowlands, Suwa, Gazzara, Coixet, Salles, Tykwer, Schmitz (quizás su corto sea el mejor junto al de Depardieau y el de Payne), Castellito, Chomet (¡putos mimos!), Sandino Moreno, etc.

De todos modos es una película muy digna y recomendable que consigue mantener intacto el suspense con giros cuidados con interpretaciones bastante notables.