Van Gogh, Murder or Suicide?
By: Betho Ieesus
Tags: Vincent Van Gogh, Painting, Van Gogh, Murder, Suicide

Murder or Suicide? A life of mismatches, troubled, plagued by mental instability, endless doubts about himself, about God, about us, his children, and even about his practical ability to be a painter. So was Van Gogh, the ultimate expression of the word misunderstood, poor, and mentally unstable. He had a tragic end, poorly explained, involved in mysteries that never tire of coming out of the darkness and do not allow rest for a lonely soul who, upon leaving, said, according to his beloved brother Theo: “Sadness will never pass.”

Born in the Dutch upper-middle-class on March 30, 1853, he had a strict mother who indoctrinated her children in the importance of social status. He manifested artistic gifts since he was a child but ended up being an art seller, a profession that his older brother — Theo — would embrace, becoming a crucial figure in his life. Depressed, he abandoned the art trade after being transferred to London to be a Protestant missionary in Belgium, in an intense questioning about his own existence. The misconduct of those who, claiming to be Christians, lived as pagans disappointed him. Van Gogh was literal, loyal, and consistent. Solitude, persistent inner sadness, and anguish led him to his safe haven, painting. It was 1881. He needed to be with him all the time in front of this existential mirror.

Averse to traditional rules, willing to show the different world he saw and felt, he was bitterly misunderstood. He did not understand that his imposing stance ended up damaging his social life and accepting his art that was still developing. In a way, Van Gogh never failed to have a childlike, enthusiastic spirit, signaling his discoveries to the four winds. Ludic. Intense.

Thus, he began a real journey into the unknown in the arts in an almost parallel universe. He excused himself — most of the time — from the technique of pre-drawing his models, whether they were still lifes, human figures, or landscapes, creating a strangeness to the visual, an expanded reality, looming in contrast of proportions and colors that shocked his contemporaries. He was not spared! Nothing sold in his entire life, just one or two pictures. Unusual, he was in a hurry; He wanted to get straight to the point, hit the target on the fly. Judging by his later fame, he was right and paid the price by offering art ahead of his time, creative and modern. A genius, he is currently the star of several museums and private collections. In the age of consumption Wal-Mart, he is one of the biggest sellers of reproductions that delight homes and offices worldwide. There is wild energy, bright, young tones that feed the global imagination in surprises with each stroke.

He had hallucinations, ate little, drank a lot, causing hospitalizations and expulsions from almost everywhere he tried to live. He counted on the support of his beloved brother, who ran to help him, financed him, buying his paintings that he never managed to sell. Van Gogh, a million-dollar painter today, was a martyr who plunged into the hero’s trajectory to send his message to eternity. He followed the myth of Jesus and the saints, those destined for greatness who lose everything to win, the paradox of pure Christianity that Van Gogh once dreamed of. Idealized.

In 1886 he moved to Paris looking for visibility and teaching. He met Lautrec, who became one of his admirers, together with Gauguin, with whom he developed a friendship of love and hate. The mutilation of part of his ear is due to one of their fights. Both held strong opinions about art-making, and the intransigence of the “flying Dutchman” didn’t help.

Impressionism was already giving way to post-impressionism in a constant struggle in the arts for renewal. Van Gogh remained to the end in evolution, with some calling him post-impressionist. Always abusing the impact of increasingly vivid colors, distorted images, in a flirtation that made room for expressionism as an artistic movement. His trumpets announced new positions of artistic making, influenced his peers like no one else. He was a nonconformist.

The Bedroom — 1888

In 1888 he settled in Arles, where his famous twisted cypress trees and sunflowers — along with wheat and olive trees — would create his unsurpassed brand. However, his outbreaks are becoming frequent. In Saint Rémy de Provence, the homeopath Paul Gachet would help him a lot by the bond of trust established, including making him accept his hospitalization peacefully after the mutilation episode, where the treatment was effective. No one would not love Van Gogh if he allowed himself to be known for his weaknesses and sweetness. He was a sick person looking for help, always.

Reinstated, he moved to Auvers-Sur-Oise, his last home … However, before knowing more about his final days, we will rest our eyes and minds admiring his art.

After the famous fight with Gauguin, Van Gogh, lonely with his friend’s departure, has his moment of reflection. Discussions about art-making and even the bizarre gift request of a painting denied by Van Gogh simply became internal conflicts. That remarkable moment is wide open in this self-portrait. The expression of inner emptiness is on his face. The cool colors speak of the breach of trust and friendship. In his heart, it is winter. The look lost to nothing is a cry for help with the exposure of your pain. The dressing is placed in the foreground. He does not want to hide his feelings and actions. In the background, a picture set between distant mountains, with female figures, denotes the need for contact with nature, for female maternal aspects of welcoming, mother earth, the mark of her work. The cap is blue, the color of the sky at nightfall, God, in which he places his hopes for sanity and social acceptance. The frontal black is his trick for anyone to find his mind’s real path. He is afraid of definitive condemnation. Everything for him now is the distance, doubt … he needs protection. Will society allow you to continue doing what he likes best in the places he likes the most? Does anyone hear his cry for help? He wants to be seen and understood and is in front of his painting easel warning people that Van Gogh wants to be appreciated by the human being he is, with his qualities and defects. He is not an object or commodity for the mercantilist society. Self-Portrait with Bandaged Ear. 1889. Oil on Canvas (60x49cm)

12 Sunflowers 1889 — Oil on canvas

As a former art salesman, Van Gogh knew very well that he would need something to identify him, and that search led him to sunflowers, a fact happily confessed to his brother Theo in a letter. He said: “the sunflowers are mine, my brand”. This is confirmed by the impression he made on Gauguin when he exhibited them at the low-income restaurant Grand Bouillon du Chalet in Paris, initiating the controversial friendship. In this oil on canvas, we once again see the breaking of the initial sketch paradigm so that the brushstrokes flow freely, capturing the actual energy of nature, the beauty, the “rough” power of this flower: vibrant, rough, without ephemeral delicacy. Its seeds are energizing, exposed, and planting is productive, resistant to pests and the weather, which created a great bond with the master of parallel reality.

In this powerful image, he places us in front of imperfection, in which sunflowers with great vitality mix, one of which is broken, on the right side, facing downwards, representing very well the circle of life that alternates with birth and death, joy and sadness, ups and downs so familiar to the artist. The background is green like the fields where they grew up and represent the union of male and female, which generates the life and action of the observer, who builds the table, stability, and wants to imprison beauty, its essence in the vase, human work that tries to domesticate and use what is vital.

The Potato Eaters — 1885

The potato originates from the Andes, near Lake Titicaca, on the border between Peru and Bolivia. The conquest of the New World discovered it and a large number of other plants. These became the nutritional base in the Old World. Easily cultivated, this root has adapted to the harsh European winters, giving food to many vulnerable people. In Holland, the potato made history by feeding poor families and becoming a symbol of those people less favored by the savage economic liberalism of the beginning of the industrial revolution. Populations accumulated in pockets on the outskirts of large cities, driven out of the countryside by hunger, now had a piece of wood to cling to in the great ocean of capitalist selfishness.

Religious, questioning, and touched by the social drama, Van Gogh registered the mix of joy and anguish as nobody else. This paradox of having little but still rejoicing with the distance from hunger. He admired the honesty of those who feed on the fruit of their own labor, so he exaggerates the rough lines to expose this life’s harshness. The weak light symbolizes the scarcity of resources. Savings are everywhere, the hands are calloused, the clothes are simple, but there is a conformity for the food on the table, the wealth of riches. The tones are dark, realistic, strong like those of Jean-François Millet, his most significant influence. An instant photo of the material difficulties in the countryside on small farms, in 1885. Van Gogh did not want embellished, mitigated poverty. He tried to report the despair and tension of those who had not guaranteed their bread even though they carried society on their shoulders.

Wheat Field with Cypresses (1889)

This work of oil on canvas reveals the positive state of mind at that moment. First sketched in charcoal, brushes become spears, pointed at the canvas in an expressionist, transitional attitude. Yellow and greens full of brightness, in the plan the vegetation revolted by the wind in dialogue with the sky, where clouds in various shades of blue and green reflect the sun as if projecting over the land. The cypress represents the stem that pierces the extra world, establishing communication, seeking transcendence, elevation. It is on the secondary plane, but with a sentinel’s attitude, part of the artist’s worldview that seeks contact with the divine, the answer. In this scenario, the wind would be the presence of the supernatural, of internalized religion. Was the Holy Spirit stirring heaven and earth in his message? Van Gogh’s religiosity arises. It is storm and questioning. It is part of your search for the truth. A man of proselytizing personality, dialogue with God never ceases.

The Starry Night — oil on canvas 1889

Voluntarily admitted to a psychiatric hospital after cutting off part of his own ear, Van Gogh remains very productive, and again the sky becomes an expressionist tangle in the courageous trajectory of the impact of style. The search for originality is not an accident. He knew his market and assumed that it would attract everyone’s attention along the way. Painted inside the walls of the sanatorium, this painting is imagined in everything. Again the cypress appears, this time being in the foreground and with the same characteristic of a communication rod between the worlds. The small village, which we can imagine to represent the artist himself, is suffocated, oppressed by the gigantic sky and mountains. Humble houses and a church, the cluttered perspective plan says everything about the artist’s overflowing interior. Constellations are like suns, lights amid storm and darkness. They illuminate your interior and the city, reveal the path beyond the mountains, beyond the horizon, in a recurring biblical meaning of the revealed mystery, the promised and found happiness. Again, the technical challenge of painting using almost only one color is brilliantly accomplished: its psychological complexity is outlined, and the need to move between lights and shadows is now a fact.

But …

To consider Van Gogh just a normal man with rejection problems or a madman to be isolated is a mistake. Just like treating him like an atheist or a disillusioned missionary: he’s all of that together. However, his wounds were exposed, and this stigmatized him. Note: who in this world voluntarily interns themselves? Is this madness or sanity? So clearly, we see a sensitive man looking for a medicine that was not available in his time. It is worth remembering that until the discovery of penicillin in 1928, most soldiers died of secondary injuries, so we lost track of how quickly science has evolved over the past 100 years. Today, Van Gogh’s destiny would be different.

For those who assume that creativity and madness are symbiotic, a disappointment. No, creativity is an adaptive component of the human being, and everyone will experience moments of creativity in their lives, intense or not, artistic or not. After all, the simple washing machine once depended on a creative inventor. We don’t need to romanticize artists, warriors, or criminals to forgive them, condemn them, or have explanations. Art needs no description of the human nature of its creators. Art is to be experienced. It was born to represent our inner space, record our lives for future generations, and generate empathy among us, human gregarious. Beautiful or not, banal or genius.

Portrait of Dr. Gachet — 1890 — oil on canvas and right side engraving.

Concluding …

Van Gogh — after the treatment — found some peace in Auvers-Sur-Oise, in the north of France, he wanted to be closer to his brother Théo and to his doctor, Paul Gachet. He was looking for affection because several painters had also moved there. There were 70 paintings, between landscapes and portraits, like the melancholic “Portrait of Dr. Gachet”, described by him as a true friend. This work would reach astronomical value 100 years later. A sign of gratitude for his friend and protector, and he also produced his only engraving — both shown above. Proactive, full of life and plans, theoretically committed suicide by painting one more of his paintings in the field with his equipment stolen. Indeed a strange and meaningless story for a person looking to renew himself. A person who tried to be close to his brother, doctor, and friends. However, currently, the hypothesis of murder committed by two teenagers is being considered, one of whom would have an “eccentric friendship” with the painter according to reports of the time. Sad in both cases. For us, however, art is enough. Long live Van Gogh!

Van Gogh, Assassinato ou Suicídio?

Assassinato ou Suicídio? Uma vida de desencontros, conturbada, atormentada pela instabilidade mental, pelas dúvidas sem fim a respeito de si próprio, sobre Deus, sobre nós, seus filhos, e até sobre sua efetiva habilidade de ser um pintor. Assim foi Vincent Willem van Gogh, a expressão máxima da palavra gênio incompreendido, pobre e mentalmente instável. Teve um fim trágico, mal explicado, envolvido em mistérios que não cansam de sair da escuridão e não permitem descanso para uma alma solitária que ao partir disse, segundo seu amado irmão Théo: “A tristeza nunca vai passar”.

Nascido holandês de classe média alta em 30 de março de 1853, teve uma mãe rígida que doutrinou seus filhos na importância do status social. Manifestou dons artísticos desde criança mas acabou sendo um vendedor de artes, profissão que seu irmão mais velho — Théo — iria abraçar, tornando-se a figura mais importante de sua vida. Deprimido, abandonou o comércio de arte depois de ser transferido para Londres para ser missionário protestante na Bélgica, em um questionamento intenso sobre sua própria existência. A má conduta daqueles que, se dizendo cristãos, viviam como pagãos o desiludiu. Van Gogh era literal, leal e coerente. A solidão, a tristeza interior persistente e a angústia o conduziram a seu porto seguro, a pintura. Era 1881, ele precisava estar consigo o tempo todo diante desse espelho existencial.

Avesso às regras tradicionais, disposto a mostrar o mundo diferente que via e sentia, foi amargamente incompreendido. Não entendia que sua postura impositiva acabava por prejudicar seu convívio social e a aceitação de sua arte que ainda se desenvolvia. De certa forma Van Gogh nunca deixou de ter um espírito de criança, entusiasmado, sinalizando aos quatro ventos suas descobertas. Lúdico. Intenso.

Sendo assim, iniciou uma verdadeira jornada ao desconhecido nas artes em um universo quase que paralelo. Aboliu para si — na maioria das vezes — a técnica de pré-desenhar seus modelos, fossem naturezas mortas, figuras humanas ou paisagens, criando uma estranheza a visual, uma realidade expandida, agigantada em contrastes proporções e cores que chocou seus contemporâneos. Não foi poupado! Nada vendeu durante toda sua vida, um ou dois quadros apenas. Incomum, tinha pressa; queria ir direto ao assunto, atingir o alvo na mosca. Julgando por sua fama posterior ele estava certo e pagou o preço oferecendo arte avante de seu tempo, uma arte inventiva e moderna. Genial, é atualmente estrela de diversos museus e coleções particulares. Na era de consumo Wal-Mart é um dos maiores vendedores de reproduções que alegram e encantam lares e escritórios pelo mundo. Existe uma energia selvagem, tons berrantes, jovens, que alimentam o imaginário global em surpresas a cada pincelada.

Tinha alucinações, comia pouco, bebia muito provocando internações e expulsões de quase todos os lugares onde tentou viver. Contava com o apoio de seu amado irmão que corria para acudi-lo, o financiava, comprando seus quadros que nunca conseguiu vender. Van Gogh, um pintor de milhões de dólares nos nossos dias, foi um mártir que mergulhou na trajetória do herói para mandar sua mensagem para a eternidade. Seguiu o mito de Jesus e dos santos, daqueles destinados à grandeza que tudo perdem para poder ganhar, o paradoxo de um cristianismo puro com que Van Gogh um dia também sonhou. Idealizou.

Em 1886 mudou-se para Paris procurando visibilidade e ensino, conheceu Lautrec que se tornou um de seus admiradores assim como Gauguin com quem desenvolveu uma amizade de amor e ódio. A mutilação de parte de sua orelha se deve a uma das brigas entre eles, ambos com opiniões fortes sobre o fazer artístico e muito da intransigência do “holandês voador”.

O impressionismo já estava cedendo seu lugar ao pós-impressionismo em um constante embate nas artes no sentido da renovação. Van Gogh permaneceu até o fim em evolução, sendo que alguns o chamam de pós-impressionista. Sempre abusando do impacto de cores cada vez mais vivas, imagens distorcidas, em um flerte que abria espaço para o expressionismo como movimento artístico. Suas trombetas anunciaram novas posturas na pintura, influenciaram seus pares como ninguém. Ele foi inconformismo.

O quarto — 1888

Em 1888 se estabeleceu em Arles, onde seus famosos ciprestes retorcidos e girassóis — junto com trigos e oliveiras -, criariam sua marca insuperável. Contudo, os surtos vão se tornando frequentes e o homeopata Paul Gachet, em Saint Rémy de Provence, o ajudaria muito pelo vínculo de confiança estabelecido, inclusive fazendo-o aceitar pacificamente sua internação logo após o episódio de mutilação, onde o tratamento surtiu efeito e evoluiu para alta. Não havia quem não amasse Van Gogh caso se permitisse conhecê-lo em suas fragilidades e doçura de trato. Era uma pessoa doente procurando ajuda, sempre.

Restabelecido mudou-se para Auvers-sur-Oise, sua última morada… Entretanto, antes de saber mais sobre seus últimos dias, descansaremos nossos olhos e mentes admirando sua arte.

Depois da conhecida briga com Gauguin, Van Gogh, solitário com a partida do amigo, tem seu momento de reflexão. As discussões sobre o fazer artístico e até o bizarro pedido de presente de um quadro negado por Van Gogh simplesmente se tornaram conflitos internos. Esse momento marcante é escancarado neste autorretrato. A expressão de vazio interior está no seu rosto, as cores frias falam da quebra de confiança e amizade. Em seu coração é inverno. O olhar perdido para o nada é um pedido de socorro com a exposição de sua dor. O curativo é colocado em primeiro plano, ele não quer esconder seus sentimentos e ações. Ao fundo, um quadro ambientado entre montanhas distantes, com figuras femininas, denotam sua necessidade de contato com a natureza, de aspectos maternais femininos de acolhimento, mãe terra, marca de sua obra. O gorro é azul, cor do céu em um anoitecer, Deus, em quem deposita suas esperanças de sanidade e aceitação social. O preto frontal é sua artimanha para ninguém encontrar o real caminho de sua mente, tem medo da condenação definitiva. Tudo para ele agora é distância, dúvida… precisa de proteção. A sociedade vai permitir que continue fazendo o que mais gostava nos lugares que mais gostasse? Alguém ouve seu pedido de socorro? Ele quer ser visto e entendido e está à frente de seu cavalete de pintura alertando as pessoas que o ser humano Van Gogh quer ser apreciado pelo ser humano que é, com suas qualidades e defeitos. Ele não é objeto ou mercadoria para a sociedade mercantilista. Autorretrato com a Orelha Cortada. 1889. Óleo sobre Tela (60x49cm).

12 Girassóis- 1889

Como ex-vendedor de arte Van Gogh sabia muito bem que precisaria de algo que o identificasse e essa busca o levou aos girassóis, fato alegremente confessado a seu irmão Theo em carta. Ele dizia: “os girassóis são meus, minha marca”. Isso é comprovado pela impressão que causou a Gauguin quando os expunha no restaurante de baixa renda Grand Bouillon du Chalet em Paris, iniciando a controversa amizade. Neste óleo sobre tela mais uma vez vemos a quebra do paradigma do esboço inicial. Nele as pinceladas fluem livremente, captando a verdadeira energia da natureza, a beleza, a potência “rude” dessa flor: vibrante, áspera, sem delicadeza efêmera. Suas sementes são energizantes, expostas e seu plantio é produtivo, resistente as pragas e ao rigor do tempo, características que criaram um grande vínculo com o mestre da realidade paralela.

Nessa poderosa imagem, ele nos coloca diante da imperfeição em que girassóis com grande vitalidade se misturam, sendo um deles quebrantado , ao lado direito, virado para baixo, representando muito bem o círculo da vida que se alterna com nascimento e morte, alegria e tristeza, altos e baixos tão comuns ao artista. O fundo é verde como os campos onde cresceram e representam a união do masculino e feminino, que gera a vida e a ação do homem observador, que constrói a mesa, a estabilidade, e quer aprisionar a beleza, sua essência no vaso, obra humana que tenta domesticar e se servir do que é vital. 12 Girassóis 1889 — Óleo sobre tela.

Os comedores de batata — 1885

A batata é originária da Cordilheira do Andes, na região próxima ao lago Titicaca, fronteira do Peru e da Bolívia. A conquista do Novo Mundo a descobriu, revolucionando a agricultura da Europa, junto a uma grande quantidade de outras plantas que se tornaram a nova base nutricional no Velho Mundo. De fácil cultivo, esse tubérculo se adaptou aos rigorosos invernos europeus, dando oportunidade de alimento a um grande número de vulneráveis. Na Holanda, a batata fez história alimentando famílias pobres e se tornando símbolo dessas pessoas menos favorecidas pelo liberalismo econômico selvagem do início da revolução industrial. Populações acumuladas em bolsões nas periferias das grandes cidades, expulsas do campo pela fome, tinham agora uma madeira para se agarrar no grande oceano do egoísmo capitalista.

Religioso, questionador e sensibilizado pelo drama social, Van Gogh registrou como ninguém o misto de alegria e angústia. Esse paradoxo de ter pouco mas mesmo assim se alegrar com o distanciamento da fome. Ele admirava a honestidade daqueles que se alimentam com o fruto de seu próprio trabalho, assim exagera nos traços rudes para expor a dureza dessa vida. A luz fraca simboliza a escassez de recursos, a economia está por todos os lados, as mãos são calejadas, as roupas são simples, mas existe uma conformidade pelo alimento à mesa, a riqueza das riquezas. Os tons são escuros, realistas, fortes como os de Jean-François Millet, sua maior influência. Uma foto instantânea das dificuldades materiais no campo nas pequenas propriedades, em 1885. Van Gogh não queria a pobreza embelezada, mitificada. Ele queria denunciar o desespero e a tensão de quem não tinha garantido seu pão embora carregasse a sociedade nos ombros. “Os

comedores de batata” — óleo sobre tela — 1885.

Essa obra revela o estado de espírito positivo desse momento. Esboçado primeiro à carvão nela seus pincéis se tornam lanças, são apontadas para tela em atitude quase expressionista, de transição. Amarelo e verdes cheios de brilho, no plano a vegetação revolta pelo vento que está em diálogo com céu, onde nuvens em vários tons de azul e verde refletem o sol como se se projetassem sobre a terra. O cipreste representa a haste que perfura o extra mundo estabelecendo comunicação, buscando a transcendência, elevação. Ele está no plano secundário, porém em atitude de sentinela, parte da visão de mundo do artista que procura o contato com o divino, a resposta. Nesse cenário o vento seria a presença do sobrenatural, da religião interiorizada. Seria o Espírito Santo remexendo céus e terras em sua mensagem? A religiosidade de Van Gogh aflora, é tormenta e questionamento. É parte de sua busca pela verdade. Homem de personalidade proselitista, nunca cessa o diálogo com Deus. “Campo de Trigo com Ciprestes” — óleo sobre tela — 1889.

A Noite Estrelada — 1889

Internado voluntariamente em hospital psiquiátrico depois de decepar parte de sua própria orelha, Van Gogh continua muito produtivo e outra vez o céu se torna um emaranhado expressionista na trajetória corajosa do impacto de estilo. A busca pela originalidade não é um acaso, ele conhecia seu mercado e supunha que chamaria a atenção de todos nesse caminho. Pintado dentro das paredes do sanatório, este quadro é em tudo imaginado. Outra vez o cipreste aparece, sendo desta vez em primeiro plano e com mesma característica de haste de comunicação entre os mundos. A pequena vila, que podemos imaginar ser uma representação do próprio artista, é sufocada, oprimida pelo gigantismo do céu e das montanhas. Casas humildes e uma Igreja, o plano de perspectiva desordenando diz tudo sobre o interior fervilhante do artista. As constelações são como sois, luzes em meio à tormenta e à escuridão. Elas iluminam seu interior e a cidade, revelam o caminho para além das montanhas, além da linha do horizonte, em um recorrente significado bíblico do mistério revelado, da felicidade prometida e encontrada. Outra vez o desafio técnico de pintar usando quase tão somente uma cor é brilhantemente realizado: sua complexidade psicológica está em evidência e a necessidade de seguir entre luzes e sombras agora é fato consumado. A Noite Estrelada — óleo sobre tela 1889.

Porém…

Considerar Van Gogh um homem apenas normal com problemas de rejeição ou um louco a ser isolado é um equívoco. Assim como tratá-lo como um ateu ou um missionário desiludido: ele é tudo isso junto. Porém suas feridas ficaram expostas e isso o estigmatizou. Anotem: quem neste mundo se interna voluntariamente? Isso é loucura ou sanidade? Sendo assim claramente vemos alguém muito sensível esperando, buscando um remédio que não havia em seu tempo. Cabe lembrar que até a descoberta da penicilina em 1928 a maior parte dos soldados morreu de ferimentos secundários, sendo assim perdemos a noção da rapidez com que a ciência evoluiu nesses últimos 100 anos. Hoje o destino de Van Gogh seria outro.

Para aqueles que supõem que a criatividade e a loucura são simbióticas da ciência já temos o desmentido. Não, a criatividade é um componente adaptativo do ser humano e todos experimentarão momentos de criatividade em suas vidas, intensos ou não, artísticos ou não. Afinal, uma simples máquina de lavar roupa um dia também dependeu de um inventor criativo. Não precisamos romantizar artistas, guerreiros ou criminosos para perdoá-los, condená-los ou termos explicações. A arte não precisa de explicações sobre a natureza humana de seus criadores. A arte é para ser vivida. Ela nasceu para representar nosso espaço interior, registrar nossas vidas para gerações futuras e gerar empatia entre nós, gregários humanos. Bela ou não, banal ou genial.

“Retrato do Dr. Gachet”, 1890 — óleo sobre tela e ao lado direito gravura.

Concluindo…

Van Gogh — depois do tratamento — encontrou alguma paz em Auvers-sur-Oise, no norte da França, queria ficar mais perto do irmão Théo e do médico Paul Gachet. Procurava afeto pois para lá também haviam se mudado vários pintores. Foram 70 pinturas, entre paisagens e retratos, como o melancólico “Retrato do Dr. Gachet”, descrito por ele como amigo verdadeiro. Essa obra atingiria valor astronômico 100 anos depois. Um agradecimento de sua personalidade gentil ao amigo e protetor, sendo que dele também produziu sua única gravura. Ambas acima. Proativo, cheio de vida e planos, teoricamente se suicidou pintando mais um dos seus quadros no campo tendo seu material roubado. Com certeza uma história estranha e sem nexo, para uma pessoa que procurava se renovar, que procurou ficar perto de seu irmão, médico e amigos. Contudo, atualmente se considera a hipótese de assassinato cometido por dois adolescentes sendo que um deles teria uma “amizade excêntrica” com o pintor segundo relatos da época. Triste em ambas as hipóteses. Para nós, seja como for, basta a arte. Viva Van Gogh!

Betho Ieesus