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Quelle comédie musicale de Lloyd Webber a été créée aux États-Unis le 10 décembre 1993 ? | Sunset Boulevard | [
"Cricket (1986), également appelé Cricket (Hearts and Wickets), a réuni Lloyd Webber avec Tim Rice pour créer cette courte comédie musicale pour le 60e anniversaire de la reine Elizabeth, jouée pour la première fois au château de Windsor. Plusieurs morceaux ont ensuite été utilisés pour Aspects of Love et Sunset Boulevard.",
"Lloyd Webber avait caressé l'idée d'écrire une comédie musicale basée sur le film acclamé par la critique de Billy Wilder, Sunset Boulevard, depuis le début des années 1970, lorsqu'il avait vu le film, mais le projet ne s'est concrétisé qu'après l'achèvement d'Aspects of Love lorsque le compositeur a finalement réussi à obtenir les droits de Paramount Pictures. Le compositeur a travaillé avec deux collaborateurs, comme il l'avait fait sur Aspects of Love ; cette fois, Christopher Hampton et Don Black partageaient le même crédit pour le livre et les paroles. Le spectacle a débuté au Adelphi Theatre de Londres le 12 juillet 1993 et a duré 1 529 représentations. Malgré la popularité de la série et sa diffusion étendue dans le West End de Londres, elle a perdu de l'argent en raison des dépenses considérables liées à la production.",
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"*1995 – Meilleure comédie musicale pour Sunset Boulevard",
"*1995 – Meilleure musique originale pour Sunset Boulevard",
"* Sunset Boulevard (1993)"
] | Andrew Lloyd Webber, baron Lloyd-Webber (né le 22 mars 1948) est un compositeur et imprésario anglais de théâtre musical.
Plusieurs de ses comédies musicales ont été diffusées pendant plus d'une décennie dans le West End et à Broadway. Il a composé 13 comédies musicales, un cycle de chansons, un ensemble de variations, deux musiques de film et une messe de requiem latin. Plusieurs de ses chansons ont été largement enregistrées et ont été des succès en dehors de leurs comédies musicales parentes, notamment "La Musique de la Nuit". du Fantôme de l'Opéra, "Je ne sais pas comment l'aimer" de Jesus Christ Superstar, "Ne pleure pas pour moi, Argentine" et "Tu dois m'aimer" d'Evita, "Any Dream Will Do" de Joseph et l'incroyable Dreamcoat Technicolor et "Memory" de Cats.
Il a reçu de nombreux prix, dont le titre de chevalier en 1992, suivi d'une pairie de la reine Elizabeth II pour services rendus à la musique, sept Tonys, trois Grammys (ainsi que le Grammy Legend Award), un Oscar et quatorze Ivor Novello Awards. , sept Olivier Awards, un Golden Globe, un Brit Award, les Kennedy Center Honors 2006 et le Classic Brit Award 2008 pour sa contribution exceptionnelle à la musique. Il a une étoile sur le Hollywood Walk of Fame, est intronisé au Songwriter's Hall of Fame et est membre de la British Academy of Songwriters, Composers and Authors.
Sa compagnie, le Really Useful Group, est l'un des plus grands exploitants de théâtre de Londres. Des producteurs de plusieurs régions du Royaume-Uni ont organisé des productions, y compris des tournées nationales, des comédies musicales de Lloyd Webber sous licence du Really Useful Group. Lloyd Webber est également président des Arts Educational Schools London, une école des arts du spectacle située à Chiswick, dans l'ouest de Londres. Il est impliqué dans un certain nombre d'activités caritatives, notamment la Elton John AIDS Foundation, Nordoff Robbins, Prostate Cancer UK et War Child. En 1992, il crée la Fondation Andrew Lloyd Webber qui soutient les arts, la culture et le patrimoine au Royaume-Uni.
Début de la vie
Andrew Lloyd Webber est né à Kensington, Londres, fils aîné de William Lloyd Webber (1914-1982), compositeur et organiste, et de Jean Hermione Johnstone (1921-1993), violoniste et pianiste. Son jeune frère, Julian Lloyd Webber, est un violoncelliste soliste renommé.
Lloyd Webber a commencé à écrire sa propre musique dès son plus jeune âge, une suite de six morceaux à l'âge de neuf ans. Il a également monté des « productions » avec Julian et sa tante Viola dans son théâtre de jouets (qu'il a construit sur la suggestion de Viola). Plus tard, il deviendra propriétaire de plusieurs théâtres du West End, dont le Palace. Sa tante Viola, actrice, l'a emmené voir plusieurs de ses spectacles et franchir la porte de la scène dans le monde du théâtre. Il avait également initialement mis la musique du Book of Practical Cats d'Old Possum à l'âge de 15 ans.
En 1965, Lloyd Webber était Queen's Scholar à la Westminster School et a étudié l'histoire pendant un trimestre au Magdalen College d'Oxford, bien qu'il ait abandonné le cours à l'hiver 1965 pour étudier au Royal College of Music et poursuivre son intérêt pour le théâtre musical.
Carrière professionnelle
Premières années
La première collaboration de Lloyd Webber avec le parolier Tim Rice fut The Likes of Us, une comédie musicale basée sur l'histoire vraie de Thomas John Barnardo. Bien que composé en 1965, il n'a été joué publiquement qu'en 2005, lorsqu'une production a été présentée au Sydmonton Festival de Lloyd Webber. En 2008, les droits des amateurs ont été libérés par la National Operatic and Dramatic Association (NODA) en association avec le Really Useful Group. La première représentation amateur a été celle d'une troupe de théâtre pour enfants de Cornwall appelée "Kidz R Us". Stylistiquement, The Likes of Us s'inspire de la comédie musicale de Broadway des années 1940 et 1950 ; il s'ouvre sur une ouverture traditionnelle comprenant un mélange de morceaux du spectacle, et la partition reflète certaines des premières influences de Lloyd Webber, en particulier Richard Rodgers, Frederick Loewe et Lionel Bart. À cet égard, elle se distingue nettement des œuvres ultérieures du compositeur, qui tendent à être soit majoritairement, soit entièrement composées, et plus proches dans leur forme de l'opéra que de la comédie musicale de Broadway.
En 1968, Rice et Lloyd Webber furent chargés d'écrire une pièce pour l'école préparatoire de Colet Court, qui aboutit à Joseph and the Amazing Technicolor Dreamcoat, un récit de l'histoire biblique de Joseph dans lequel Lloyd Webber et Rice pastichent avec humour un certain nombre de comédies musicales. des styles tels que le rock'n'roll à la Elvis, le Calypso et la musique country. Joseph a commencé sa vie comme une courte cantate qui a gagné une certaine reconnaissance dès sa deuxième mise en scène avec une critique favorable dans le Times. Pour ses performances ultérieures, Rice et Lloyd Webber ont révisé le spectacle et ajouté de nouvelles chansons pour l'étendre à une durée plus substantielle. Cela a abouti à une production de deux heures organisée dans le West End grâce au succès de Jesus Christ Superstar.
En 1969, Rice et Lloyd Webber ont écrit une chanson pour le Concours Eurovision de la chanson intitulée « Try It and See », qui n'a pas été sélectionnée. Avec des paroles réécrites, il est devenu "King Herod's Song" dans leur troisième comédie musicale, Jesus Christ Superstar (1970).
La suite prévue de Jesus Christ Superstar était une comédie musicale basée sur les romans Jeeves et Wooster de P. G. Wodehouse. Tim Rice était incertain quant à cette entreprise, en partie à cause de sa crainte de ne pas pouvoir rendre justice aux romans que lui et Lloyd Webber admiraient tant. Après avoir effectué un premier travail sur les paroles, il s'est retiré du projet et Lloyd Webber a ensuite écrit la comédie musicale avec Alan Ayckbourn, qui a fourni le livre et les paroles. Jeeves n'a eu aucun impact au box-office et a fermé ses portes après une courte période de seulement trois semaines. Plusieurs années plus tard, Lloyd Webber et Ayckbourn revisitèrent ce projet, produisant une version entièrement retravaillée et plus réussie intitulée By Jeeves (1996). Seules deux des chansons de la production originale sont restées ("Half a Moment" et "Banjo Boy").
Milieu des années 1970
Lloyd Webber a de nouveau collaboré avec Rice pour écrire Evita (1978 à Londres/1979 aux États-Unis), une comédie musicale basée sur la vie d'Eva Perón. Comme avec Jesus Christ Superstar, Evita est sorti d'abord sous forme d'album concept (1976) et mettait en vedette Julie Covington chantant le rôle d'Eva Perón. La chanson "Don't Cry for Me Argentina" est devenue un single à succès et la comédie musicale a été mise en scène au Prince Edward Theatre dans une production dirigée par Harold Prince et mettant en vedette Elaine Paige dans le rôle titre.
Patti LuPone a créé le rôle d'Eva à Broadway pour lequel elle a remporté un Tony. Evita a été un spectacle très réussi qui a duré dix ans dans le West End. Il a été transféré à Broadway en 1979. Rice et Lloyd Webber se sont séparés peu de temps après Evita. Dans une interview en 2011, LuPone a commenté "Il écrit de la musique de merde... Evita était sa meilleure partition, Evita dans sa bizarrerie - quand je l'ai entendu pour la première fois, j'ai pensé 'Je jure devant Dieu, il détestait les femmes' [...] Là Il y a des moments très romantiques dans sa musique, et il y a de vrais... trash dont il ne pense même pas à se séparer. Il n'est pas un très bon éditeur de ses propres trucs.
En 1978, Lloyd Webber se lance dans un projet solo, les "Variations", avec son frère violoncelliste Julian, basé sur le 24e Caprice de Paganini, qui atteint la deuxième place du classement des albums pop au Royaume-Uni. Le thème principal a été utilisé comme thème musical pour l'émission de longue date d'ITV, South Bank Show, tout au long de ses 32 années d'existence. La même année, Lloyd Webber compose également un nouveau thème musical pour la longue série documentaire Whicker's World, utilisée de 1978 à 1980.
années 1980
Lloyd Webber a fait l'objet de This Is Your Life en novembre 1980 lorsqu'il a été surpris par Eamonn Andrews dans le hall des studios Euston Road de Thames Television. Il sera honoré une seconde fois par l'émission télévisée en novembre 1994 lorsque Michael Aspel le surprendra au Théâtre Adelphi.
Lloyd Webber s'est lancé dans son prochain projet sans parolier, se tournant plutôt vers la poésie de T. S. Eliot. Cats (1981) allait devenir la comédie musicale la plus ancienne à Londres, où elle a duré 21 ans avant de fermer. À Broadway, Cats a duré 18 ans, un record qui sera finalement battu par une autre comédie musicale de Lloyd Webber, The Phantom of the Opera.
Starlight Express (1984) fut un succès commercial, mais reçut des critiques négatives de la part des critiques. Il a connu un record dans le West End, mais a duré moins de deux ans à Broadway. Le spectacle a également fait l'objet de deux tournées aux États-Unis, ainsi que d'une production australo-japonaise, une production en tournée britannique de trois ans, transférée en Nouvelle-Zélande plus tard en 2009. Le spectacle se déroule également à plein temps dans un théâtre construit sur mesure. à Bochum, en Allemagne, où il existe depuis 1988.
Lloyd Webber a écrit une messe de requiem dédiée à son père, William, décédé en 1982. Elle a été créée à l'église Saint-Thomas de New York le 24 février 1985. La musique religieuse faisait partie de l'éducation du compositeur et la composition s'inspire de un article qu'il avait lu sur le sort des orphelins cambodgiens. Lloyd Webber avait écrit à plusieurs reprises de la musique sacrée pour le festival annuel de Sydmonton. Lloyd Webber a reçu un Grammy Award en 1986 pour Requiem dans la catégorie de la meilleure composition classique. Pie Jesu de Requiem a obtenu une place élevée dans les charts pop britanniques. Peut-être en raison de sa grande orchestration, les représentations live du Requiem sont rares.
Cricket (1986), également appelé Cricket (Hearts and Wickets), a réuni Lloyd Webber avec Tim Rice pour créer cette courte comédie musicale pour le 60e anniversaire de la reine Elizabeth, jouée pour la première fois au château de Windsor. Plusieurs morceaux ont ensuite été utilisés pour Aspects of Love et Sunset Boulevard.
Lloyd Webber a également créé Le Fantôme de l'Opéra en 1986, inspiré du roman de Gaston Leroux de 1911. Il a écrit le rôle de Christine pour son épouse d'alors, Sarah Brightman, qui a joué le rôle dans les productions originales de Londres et de Broadway aux côtés de Michael Crawford dans le rôle du Fantôme. La production a été dirigée par Harold Prince, qui avait également dirigé Evita auparavant. Charles Hart a écrit les paroles de Phantom avec du matériel supplémentaire fourni par Richard Stilgoe, avec qui Lloyd-Webber a co-écrit le livre de la comédie musicale. Il est devenu un succès et est toujours diffusé dans le West End et à Broadway ; en janvier 2006, elle a dépassé Cats en tant que comédie musicale la plus ancienne à Broadway. Le 11 février 2012, le Fantôme de l'Opéra a donné son 10 000e spectacle à Broadway.
Aspects of Love a suivi en 1989, une comédie musicale basée sur l'histoire de David Garnett. Les paroles étaient de Don Black et Charles Hart et la production originale a été réalisée par Trevor Nunn. Aspects a duré quatre ans à Londres, mais a fermé après moins d'un an à Broadway. Depuis, il a fait une tournée au Royaume-Uni.
années 1990
Lloyd Webber a été invité à écrire une chanson pour les Jeux olympiques de Barcelone de 1992 et a composé "Amigos Para Siempre - Friends for Life" avec Don Black fournissant les paroles. Cette chanson a été interprétée par Sarah Brightman et José Carreras.
Lloyd Webber avait caressé l'idée d'écrire une comédie musicale basée sur le film acclamé par la critique de Billy Wilder, Sunset Boulevard, depuis le début des années 1970, lorsqu'il avait vu le film, mais le projet ne s'est concrétisé qu'après l'achèvement d'Aspects of Love lorsque le compositeur a finalement réussi à obtenir les droits de Paramount Pictures. Le compositeur a travaillé avec deux collaborateurs, comme il l'avait fait sur Aspects of Love ; cette fois, Christopher Hampton et Don Black partageaient le même crédit pour le livre et les paroles. Le spectacle a débuté au Adelphi Theatre de Londres le 12 juillet 1993 et a duré 1 529 représentations. Malgré la popularité de la série et sa diffusion étendue dans le West End de Londres, elle a perdu de l'argent en raison des dépenses considérables liées à la production.
En 1994, Sunset Boulevard est devenu un spectacle à succès à Broadway, ouvrant avec la plus grande avancée de l'histoire de Broadway et remportant sept Tony Awards cette année-là. Malgré cela, lors de sa fermeture en 1997, « l'entreprise n'avait pas récupéré son investissement déclaré de 13 millions de dollars ».
De 1995 à 2000, Lloyd Webber a écrit la chronique Matters of Taste dans le Daily Telegraph où il passait en revue les restaurants et les hôtels, et ceux-ci ont été illustrés par Lucinda Rogers.
En 1998, Lloyd Webber a sorti une version cinématographique de "Cats", filmée au Adelphi Theatre de Londres. David Mallet a réalisé le film et Gillian Lynne l'a chorégraphié. Le casting était composé d'interprètes qui avaient déjà participé au spectacle, dont Ken Page (l'original Old Deuteronomy à Broadway), Elaine Paige (l'original Grizabella à Londres) et Sir John Mills dans le rôle de Gus : le chat du théâtre.
En 1998, Whistle Down the Wind a fait ses débuts, une comédie musicale écrite avec des paroles fournies par Jim Steinman. Initialement ouvert à Washington, Lloyd Webber n'aurait pas été satisfait du casting ou de la production d'Harold Prince et le spectacle a ensuite été révisé pour une mise en scène londonienne dirigée par Gale Edwards. La production est probablement plus remarquable pour le succès numéro un de Boyzone "No Matter". What" qui n'a quitté que les charts britanniques lorsque le prix du CD single a été modifié pour le faire sortir du top dix officiel. Son The Beautiful Game a ouvert ses portes à Londres et n'a jamais été vu à Broadway. Le spectacle a eu une diffusion respectable au Cambridge Theatre de Londres. Le spectacle a été retravaillé en une nouvelle comédie musicale, The Boys in the Photograph, qui a eu sa première mondiale au Liverpool Institute for Performing Arts en avril 2008.
années 2000
Ayant obtenu un grand succès populaire dans le théâtre musical, Lloyd Webber a été désigné par le New York Times en 2001 comme « le compositeur le plus prospère de l'histoire sur le plan commercial ».
En 2002, il devient producteur et amène la comédie musicale Bombay Dreams à Londres. Avec la musique du compositeur de Bollywood A.R. Rahman et paroles de Don Black, il a été diffusé pendant deux ans au Apollo Victoria Theatre. Une production révisée de Broadway au Broadway Theatre deux ans plus tard n'a duré que 284 représentations.
Le 16 septembre 2004, sa production de The Woman in White a débuté au Palace Theatre de Londres. Il a duré 19 mois et 500 représentations. Une production révisée a débuté à Broadway au Marquis Theatre le 17 novembre 2005. Recueillant des critiques mitigées de la part des critiques, en partie à cause des absences fréquentes de la star de la série Maria Friedman en raison d'un traitement contre le cancer du sein, elle n'a fermé que trois mois plus tard, le 19. Février 2006.
Lloyd Webber a produit une mise en scène de The Sound of Music, qui a débuté en novembre 2006. Il a pris la décision controversée de choisir une inconnue pour jouer le rôle principal de Maria, qui a été découverte grâce à l'émission de télé-réalité de la BBC, How Do You Solve a Problem like Maria?, dans lequel il était juge. La gagnante de l'émission était Connie Fisher.
Il a été annoncé le 25 août 2006, sur son site personnel, que son prochain projet serait Le Maître et Marguerite ; cependant, il a été annoncé fin mars 2007 qu'il avait abandonné le projet.
En septembre 2006, Lloyd Webber a été nommé récipiendaire des prestigieux Kennedy Center Honors avec Zubin Mehta, Dolly Parton, Steven Spielberg et Smokey Robinson. Il a été reconnu pour sa contribution exceptionnelle aux arts du spectacle américains. [http://www.kennedy-center.org/programs/specialevents/honors/home.html The Kennedy Center Honors] Il a assisté à la cérémonie le 3 décembre 2006 ; il a été diffusé le 26 décembre 2006. Le 11 février 2007, Lloyd Webber a été présenté comme juge invité dans l'émission de télé-réalité Grease : You're the One that I Want ! Les concurrents ont tous chanté "Le Fantôme de l'Opéra".
Entre avril et juin 2007, il est apparu dans Any Dream Will Do ! de BBC One, qui suivait le même format que How Do You Solve a Problem Like Maria ?. Son objectif était de trouver un nouveau Joseph pour sa renaissance de Joseph et de l'incroyable Dreamcoat Technicolor. Lee Mead a remporté le concours après avoir quitté son rôle dans l'ensemble – et en tant que doublure dans Le Fantôme de l'Opéra – pour concourir pour le rôle. Le vote téléphonique des téléspectateurs pendant la série a permis de récolter plus de 500 000 £ pour l'appel caritatif annuel de la BBC pour les enfants dans le besoin, selon l'animateur Graham Norton à l'antenne lors de la finale.
Le 1er juillet 2007, Lloyd Webber a présenté des extraits de ses comédies musicales dans le cadre du Concert for Diana organisé au stade de Wembley, à Londres, un événement organisé pour célébrer la vie de la princesse Diana près de 10 ans après sa mort. BBC Radio 2 a diffusé un concert de musique des comédies musicales de Lloyd-Webber le 24 août 2007. Denise Van Outen a présenté des chansons de Whistle Down the Wind, The Beautiful Game, Tell Me on a Sunday, The Woman in White, Evita et Joseph and the. Amazing Technicolor Dreamcoat – ainsi que The Sound of Music de Rodgers et Hammerstein, que Lloyd Webber a relancé en 2006 au London Palladium, et la comédie musicale Bombay Dreams de 2002.
En avril 2008, Lloyd Webber a repris son rôle de juge, cette fois dans l'émission musicale de la BBC, I'd Do Anything. Le spectacle a suivi un format similaire à celui de ses prédécesseurs Maria et Joseph, impliquant cette fois une recherche d'une actrice pour jouer le rôle de Nancy dans une prochaine production du West End de la comédie musicale Oliver Bart de Lionel Bart ! La série présentait également une recherche de trois jeunes acteurs pour jouer et partager le rôle du personnage principal, mais la série se concentrait principalement sur la recherche de Nancy. Le rôle a été remporté par Jodie Prenger malgré la préférence déclarée de Lloyd Webber pour l'un des autres candidats ; les gagnants du rôle d'Oliver étaient Harry Stott, Gwion Wyn-Jones et Laurence Jeffcoate. Également en avril 2008. Lloyd Webber a participé à l'émission américaine American Idol, agissant en tant que mentor lorsque les 6 finalistes ont dû sélectionner l'une de ses chansons à interpréter devant les juges cette semaine-là.
Lloyd Webber a accepté le défi de gérer les candidatures du Royaume-Uni au Concours Eurovision de la chanson 2009, qui se tiendra à Moscou. Début 2009, une série intitulée Eurovision : Votre pays a besoin de vous a été diffusée pour trouver un interprète pour une chanson qu'il composerait pour le concours. Jade Ewen a obtenu le droit de représenter la Grande-Bretagne, gagnant avec It's My Time, de Lloyd Webber et Diane Warren. Lors du concours, Lloyd Webber l'a accompagnée au piano pendant la représentation. Le Royaume-Uni a terminé 5ème du concours. Le gagnant a été le Norvégien Alexander Rybak avec sa composition record du monde "Fairytale".
Le 8 octobre 2009, Lloyd Webber a lancé la comédie musicale Love Never Dies lors d'une conférence de presse tenue au Her Majesty's Theatre, où le Phantom original est diffusé depuis 1986. Étaient également présents Sierra Boggess, qui a joué le rôle de Christine Daaé, et Ramin Karimloo. , qui a interprété Phantom, un rôle qu'il a récemment joué dans le West End.
années 2010
Après l'ouverture de Love Never Dies, Lloyd Webber a de nouveau commencé à rechercher un nouvel interprète de théâtre musical dans la série BBC One Over the Rainbow. Il a choisi la gagnante, Danielle Hope, dans le rôle de Dorothy et d'un chien pour jouer Toto dans sa prochaine production scénique du Magicien d'Oz. Lui et le parolier et compositeur Tim Rice ont écrit un certain nombre de nouvelles chansons pour la production afin de compléter les chansons du film.
Le 26 février 2010, il est apparu dans l'émission Friday Night de la BBC avec Jonathan Ross pour promouvoir Love Never Dies.
Le 1er mars 2011, Le Magicien d'Oz a ouvert ses portes au Palladium Theatre, avec Danielle Hope dans le rôle de Dorothy et Michael Crawford dans le rôle du sorcier.
En 2012, Lloyd Webber a dirigé une nouvelle émission ITV aux heures de grande écoute, Superstar, qui a donné au public britannique la possibilité de décider qui jouerait le rôle principal de Jésus lors d'une prochaine tournée des arènes de Jesus Christ Superstar. La tournée des arènes a débuté en septembre 2012 et mettait également en vedette le comédien Tim Minchin dans le rôle de Judas Iscariot, l'ancienne Spice Girl Melanie C dans le rôle de Mary Magdalene et le DJ de la BBC Radio 1 Chris Moyles dans le rôle du roi Hérode. Les billets pour la plupart des salles ont été mis en vente le 18 mai 2012.
Webber a suscité la controverse avec une série de commentaires sur l'Eurovision dans une interview accordée au Radio Times. Il a déclaré : "Je ne pense pas que cela serve à quoi que ce soit de tourner autour du pot. Je n'ai vu aucun visage noir au programme de l'Eurovision 2012. J'ai été interrogé par la presse sur la course de Jade Ewen, et je pense que nous aurions terminé deuxièmes, mais Il y a un problème quand on va plus à l'est. Si vous parlez de l'Europe occidentale, c'est bien, mais de l'Ukraine, ce n'est pas très bien. » L'UER a corrigé Webber en lui disant que la chanteuse ukrainienne Gaitana était noire, que la gagnante suédoise de cette année, Loreen, était d'origine nord-africaine et accompagnée d'un danseur noir, et que la candidate française Anggun était indonésienne. Les organisateurs du concours ont également déclaré à Webber que le chanteur noir Dave Benton avait gagné pour l'Estonie en 2001. L'UER a catégoriquement nié le racisme dans son émission et a insisté sur le fait qu'elle unissait l'Europe trois soirs par an.
En 2013, Webber a retrouvé Christopher Hampton et Don Black sur Stephen Ward the Musical.
En 2014, il a été annoncé que le prochain projet de Webber serait une adaptation musicale du film School of Rock de 2003. Le 19 janvier 2015, des auditions ont été ouvertes pour les enfants âgés de neuf à quinze ans en coopération avec le programme d'éducation musicale School of Rock, qui a précédé le film de plusieurs années.
Accusations de plagiat
Lloyd Webber a été accusé de plagiat dans ses œuvres. Le compositeur néerlandais Louis Andriessen a commenté : « Il existe deux sortes de vol (dans la musique) : prendre quelque chose et ne rien faire avec, ou aller travailler sur ce que vous avez volé. La première est le plagiat. Andrew Lloyd Webber n'a pas encore imaginez une seule note ; en fait, le pauvre n'a jamais inventé une seule note tout seul. C'est plutôt pauvre".
Cependant, le biographe de Lloyd Webber, John Snelson, a réfuté ces accusations. Il a reconnu une similitude entre le mouvement Andante du Concerto pour violon en mi mineur de Mendelssohn et la chanson de Jesus Christ Superstar "I Don't Know How to Love Him", mais a écrit que Lloyd Webber :
...apporte une nouvelle tension dramatique à la mélodie originale de Mendelssohn à travers les émotions confuses de Marie-Madeleine. Le thème d'ouverture est peut-être Mendelssohn, mais le traitement rythmique et harmonique ainsi que les nouvelles lignes de développement mélodique très efficace sont ceux de Lloyd Webber. La chanson fonctionne à part entière, comme peuvent en témoigner ses nombreux interprètes et son public.
Dans des interviews faisant la promotion d'Amused to Death, Roger Waters, anciennement de Pink Floyd, a affirmé que Lloyd Webber avait copié un court riff chromatique de la chanson « Echoes » de 1971 pour des sections de Le Fantôme de l'Opéra, sorti en 1986 ; néanmoins, il a décidé qu’il ne voulait pas intenter de poursuite. L'auteur-compositeur Ray Repp a également affirmé que Lloyd Webber avait volé une mélodie différente de sa propre chanson "Till You". Contrairement à Roger Waters, Ray Repp a décidé d'intenter une action en justice, mais le tribunal s'est prononcé en faveur de Lloyd Webber.
Vie privée
Lloyd Webber s'est marié trois fois. Il épousa pour la première fois Sarah Hugill le 24 juillet 1971 et ils divorcèrent le 14 novembre 1983. Ensemble, ils eurent deux enfants ; une fille et un fils :
*L'hon. Imogen Lloyd Webber (née le 31 mars 1977)
*L'hon. Nicholas Lloyd Webber (né le 2 juillet 1979)
Il épousa ensuite la chanteuse Sarah Brightman le 22 mars 1984 dans le Hampshire. Il a choisi Brightman dans le rôle principal de sa comédie musicale Le Fantôme de l'Opéra, entre autres rôles notables. Ils divorcent le 3 janvier 1990.
Troisièmement, il épousa Madeleine Gurdon à Westminster le 9 février 1991. Ils ont trois enfants, deux fils et une fille, tous nés à Westminster :
*L'hon. Alastair Adam Lloyd Webber (né le 3 mai 1992)
*L'hon. William Richard Lloyd Webber (né le 24 août 1993)
*L'hon. Isabella Aurora Lloyd Webber (née le 30 avril 1996).
La Sunday Times Rich List 2006 l'a classé au 87e rang des hommes les plus riches de Grande-Bretagne, avec une fortune estimée à 700 millions de livres sterling. Sa richesse est passée à 750 millions de livres sterling en 2007, mais la publication l'a classé 101e en 2008. Il vit à Sydmonton Court, dans le Hampshire, et possède une grande partie de Watership Down, à proximité.
Lloyd Webber est un collectionneur d'art passionné par l'art victorien. Une exposition d'œuvres de sa collection a été présentée à la Royal Academy en 2003 sous le titre Préraphaélite et autres maîtres – La collection Andrew Lloyd Webber. En 2006, Lloyd Webber envisageait de vendre le Portrait d'Angel Fernández de Soto de Pablo Picasso au profit de la Fondation Andrew Lloyd Webber. En novembre 2006, il a retiré le tableau des enchères après avoir affirmé que l'ancien propriétaire avait été contraint de le vendre sous la contrainte dans l'Allemagne nazie. Un règlement à l'amiable a été conclu, dans le cadre duquel la fondation a conservé ses droits de propriété. Le 23 juin 2010, le tableau a été vendu aux enchères pour 34,7 millions de livres sterling à un enchérisseur téléphonique anonyme.
Lloyd Webber a été nommé pair à vie du Parti conservateur en 1997, mais fin 2015, il n'avait voté que 33 fois. Politiquement, Lloyd Webber a soutenu le Parti conservateur du Royaume-Uni, autorisant l'utilisation de sa chanson "Take That Look Off Your Face" dans un film promotionnel du parti vu par environ un million de personnes avant les élections générales de 2005. En 2009, il a publiquement critiqué l'introduction par le gouvernement travailliste d'un nouveau taux d'impôt sur le revenu de 50 % pour les plus hauts revenus britanniques, affirmant que cela nuirait au pays en encourageant les personnes talentueuses à partir. En août 2014, Lloyd Webber était l'une des 200 personnalités publiques signataires d'une lettre adressée au Guardian s'opposant à l'indépendance de l'Écosse à l'approche du référendum de septembre sur cette question.
En octobre 2015, Lloyd Webber a participé à un vote controversé de la Chambre des Lords sur un projet de réduction des crédits d'impôt, votant avec le gouvernement en faveur du plan.
Fin 2009, Lloyd Webber a été opéré d'un cancer de la prostate à un stade précoce, mais a dû être réadmis à l'hôpital en novembre pour une infection postopératoire. En janvier 2010, il a déclaré qu'il n'avait plus de cancer. Il s'est fait retirer complètement la prostate à titre préventif.
Honneurs et styles d'adresse
Honneurs
Andrew Lloyd Webber a été fait chevalier par la reine en 1992. En 1997, il a été créé pair à vie en tant que baron Lloyd-Webber, de Sydmonton dans le comté de Hampshire. Il est correctement appelé The Lord Lloyd-Webber ; le titre est avec un trait d'union, bien que son nom de famille ne l'est pas. Il siège en tant que membre conservateur de la Chambre des Lords.
Styles d'adresse
*1948-1992 : Monsieur Andrew Lloyd Webber
*1992-1997 : Sir Andrew Lloyd Webber Kt.
*1997-présent : Le très honorable Lord Lloyd-Webber Kt
Prix
Oscars
*1996 – Meilleure chanson originale pour « You Must Love Me » d'Evita (prix partagé avec Sir Tim Rice)
Une nomination pour la meilleure musique originale et adaptation : film Jesus Christ Superstar de 1973
Une nomination pour la meilleure chanson originale : "Learn to Be Lonely" du film de 2004 Le Fantôme de l'Opéra.
Globes dorés
* 1997 – Meilleure chanson originale pour « You Must Love Me » d'Evita (prix partagé avec Sir Tim Rice)
Plus une nomination pour la meilleure chanson originale : « Learn to Be Lonely » du film de 2004 Le Fantôme de l'Opéra.
Grammy Awards
*1980 – Meilleur album de casting pour Evita
*1983 – Meilleur album de casting pour chats
*1986 – Grammy Award de la meilleure composition contemporaine pour Requiem
*1990 – Prix Légende Grammy
Prix Tony
*1979 – Meilleure comédie musicale pour Evita
*1980 – Meilleure musique originale pour Evita (prix partagé avec Tim Rice)
*1983 – Meilleure comédie musicale pour chats
*1983 – Meilleure musique originale pour chats
*1988 – Meilleure comédie musicale pour Le Fantôme de l'Opéra
*1995 – Meilleure comédie musicale pour Sunset Boulevard
*1995 – Meilleure musique originale pour Sunset Boulevard
Prix Olivier
*1978 - Meilleure comédie musicale pour Evita
*1981 - Meilleure comédie musicale pour chats
*1986 - Meilleure comédie musicale pour Le Fantôme de l'Opéra
*2008 - Prix Spécial de la Société
*Trois autres prix de production
Autres récompenses
* 1988 - Drama Desk Award pour les orchestrations exceptionnelles pour Le Fantôme de l'Opéra
* 1993 - Étoile sur le Hollywood Walk of Fame pour le théâtre live
* 1995 - Praemium Impériale
* 1995 - Temple de la renommée des auteurs-compositeurs
* 2006 - Kennedy Center Honors
* 2008 - Prix Woodrow Wilson pour la fonction publique
* 2009 - Temple de la renommée du théâtre américain.
* 14 Ivor Novello Awards de la British Academy of Songwriters, Composers and Authors
* 7 Laurence Olivier Awards (dont Prix Spécial décerné pour son 60ème anniversaire en 2008)
Montre
Remarque : Musique composée par Andrew Lloyd Webber, sauf indication contraire.
* Nos goûts (1965)
Paroles de Tim Rice
Pas produit avant 2005
* Joseph et l'incroyable Dreamcoat Technicolor (1968)
Paroles de Tim Rice
* Jésus-Christ Superstar (1970)
Paroles de Tim Rice
* Jeeves (1975)
Paroles de Alan Ayckbourn
Révisé en 1996 sous le titre By Jeeves
*Evita (1976)
Paroles de Tim Rice
* Dis-moi un dimanche (1979)
Paroles de Don Black
* Chats (1981)
Paroles basées sur le livre des chats pratiques d'Old Possum par T. S. Eliot
Paroles supplémentaires d'après Eliot par Richard Stilgoe et Trevor Nunn
* Chanson et danse (1982)
Paroles de Don Black (révisées par Richard Maltby, Jr. pour Broadway)
Combinaison de variations (1978) et Dis-moi un dimanche (1979)
* Starlight Express (1984)
Paroles de Richard Stilgoe
Révisions ultérieures par Don Black et David Yazbek
Inspiré des livres Thomas the Tank Engine and Friends du révérend W. Awdry.
*Cricket (1986)
Paroles de Tim Rice
Créé pour le 60e anniversaire de la reine Elizabeth II
* Le Fantôme de l'Opéra (1986)
Paroles de Charles Hart
Paroles supplémentaires de Richard Stilgoe
D'après le roman de Gaston Leroux
* Aspects de l'amour (1989)
Paroles de Don Black et Charles Hart
D'après le roman de David Garnett
* Sunset Boulevard (1993)
Livre et paroles de Christopher Hampton et Don Black
Basé sur le film de Billy Wilder (1950)
* Sifflez dans le vent (1996)
Paroles de Jim Steinman
* Le Beau Jeu (2000)
Paroles de Ben Elton
Mis à jour sous le titre Les garçons dans la photographie (2009)
* La Femme en blanc (2004)
Paroles de David Zippel
D'après le roman de Wilkie Collins
* L'amour ne meurt jamais (2010)
Livre et paroles de Glenn Slater
Livre de Ben Elton et Frederick Forsyth
Paroles supplémentaires de Charles Hart
* Le Magicien d'Oz (2011)
Adapté du film Le Magicien d'Oz de 1939
Musique de Harold Arlen
Paroles de E.Y. Hambourg
Musique supplémentaire d'Andrew Lloyd Webber
Paroles supplémentaires de Tim Rice
* Stephen Ward la comédie musicale (2013)
Livre et paroles de Christopher Hampton et Don Black
* École du rock (2015)
Paroles de Glenn Slater
Livre de Julian Fellowes
Basé sur le film de 2003
Adaptations cinématographiques
Il y a eu un certain nombre d'adaptations cinématographiques des comédies musicales de Lloyd Webber. Jesus Christ Superstar (1973) a été réalisé par Norman Jewison ; Evita (1996) a été réalisé par Alan Parker ; et Le Fantôme de l'Opéra (2004) a été réalisé par Joel Schumacher et coproduit par Lloyd Webber. Cats, Joseph and the Amazing Technicolor Dreamcoat, Jesus Christ Superstar et By Jeeves ont été adaptés en téléfilms sortis sur DVD et VHS et souvent diffusés sur la BBC.
Une représentation spéciale du Fantôme de l'Opéra au Royal Albert Hall pour le 25e anniversaire a été diffusée en direct dans les cinémas début octobre 2011, puis diffusée sur DVD et Blu-ray en février 2012. La même chose a également été faite avec une version retravaillée de L'amour ne meurt jamais. Tourné à Melbourne, en Australie, le film a bénéficié d'une sortie cinématographique limitée aux États-Unis et au Canada en 2012, pour voir s'il serait viable de présenter le spectacle à Broadway. Il a reçu des critiques positives et s'est classé n°1 dans les charts DVD au Royaume-Uni et en Irlande, et a bien fonctionné en Amérique.
En février 2014, il a été annoncé que la société de production d'Elton John avait acquis les droits de Joseph and the Amazing Technicolor Dreamcoat et prévoyait de l'adapter en tant que nouveau film musical d'animation théâtral.
Autres travaux
*Variations (1978) – Un ensemble de variations musicales sur le Caprice en la mineur de Niccolò Paganini que Lloyd Webber a composé pour son frère, le violoncelliste Julian. Cet album mettait en vedette quinze musiciens de rock, dont le guitariste Gary Moore et le pianiste Rod Argent, et a atteint le numéro 2 du classement des albums britanniques dès sa sortie. Il a ensuite été combiné avec Tell Me on a Sunday pour former un seul spectacle, Song and Dance. Lloyd Webber a également utilisé la cinquième variation comme base pour Unexpected Song in Song and Dance. Le thème principal est utilisé comme thème musical du South Bank Show.
*Requiem (1985) – Une œuvre chorale classique composée en l'honneur de son père, William.
*Watership Down (1999) - Lloyd Webber et Mike Batt, compositeur principal de la bande originale de l'adaptation en série animée du roman du même nom de Richard Adams, ont composé la chanson "Fields of Sun". La chanson elle-même n'a jamais été utilisée dans la série et n'était pas non plus disponible sur la bande originale du CD sortie à l'époque. Il était cependant toujours crédité pour la chanson inutilisée dans les titres d'ouverture de la série. | http://www.triviacountry.com/ |
Qui a eu un hit n°1 des années 70 avec Kiss You All Over ? | Exile | [
"\" Kiss You All Over \" est une chanson de 1978 interprétée par le groupe Exile. C'était écrit par Mike Chapman et Nicky Chinn. Il a été inclus sur l'album du groupe Mixed Emotions, et il mettait en vedette Jimmy Stokley et le guitariste JP Pennington au chant principal. C'était un single numéro un aux États-Unis, mais s'est avéré être le seul grand succès d'Exile sur le marché du pop rock. Billboard l'a classée comme la chanson n ° 5 en 1978. Au Royaume-Uni, la chanson est sortie sur RAK Records de Mickie Most et a culminé au numéro 6 du UK Singles Chart. Dans cette chanson, un synthétiseur à cordes est utilisé.",
"* 2013 : Sur l'album Love Will..., Trace Adkins enregistre une reprise avec Exile (J.P. Pennington et Les Taylor)."
] | " Kiss You All Over " est une chanson de 1978 interprétée par le groupe Exile. C'était écrit par Mike Chapman et Nicky Chinn. Il a été inclus sur l'album du groupe Mixed Emotions, et il mettait en vedette Jimmy Stokley et le guitariste JP Pennington au chant principal. C'était un single numéro un aux États-Unis, mais s'est avéré être le seul grand succès d'Exile sur le marché du pop rock. Billboard l'a classée comme la chanson n ° 5 en 1978. Au Royaume-Uni, la chanson est sortie sur RAK Records de Mickie Most et a culminé au numéro 6 du UK Singles Chart. Dans cette chanson, un synthétiseur à cordes est utilisé.
Le chanteur principal de la chanson Stokley a été évincé du groupe en 1979, sa santé déclinant par la suite jusqu'à sa mort à l'âge de 41 ans en 1985. Le groupe s'est tourné vers la musique country après le succès synth-pop de "Kiss You All Over" et le Succès de 1979 "You Thrill Me" (atteignant la 40e place (Royaume-Uni n°67)) et "How Could This Go Wrong", #88 dans les charts. "Take Me Down" a atteint la troisième place de l'Euro Hit 40 au milieu des années 1980.
Versions de couverture
* 1978 : Une version de Jim Mundy et Terri Melton atteint la 87e place des charts Hot Country Songs.
* 1978 : Une version Disco a été reprise par Broadway
* 1979 : Avec le morceau "So Strange", Phyllis Hyman a repris cette chanson et a eu un petit succès disco, culminant au numéro 75.
* Toujours en 1979, Millie Jackson a repris cette chanson pour son album A Moment's Pleasure et elle est sortie en single en Europe.
* 1982 : Une version lovers rock de Samantha Rose produite par le producteur de reggae Winston Curtis est enregistrée à Londres.
* 1993 : Tiffany publie une version de son album Dreams Never Die, uniquement en Asie. L'album (et la chanson) ont été réédités aux États-Unis en 2005.
* 1997 : La version remixée du groupe No Mercy par Johnny Vicious et Darrin "Spike" Friedman atteint la première place du classement Billboard Hot Dance Club Play. Il a également atteint la 16e place du UK Singles Chart et la 47e place en Australie.
* 2013 : Sur l'album Love Will..., Trace Adkins enregistre une reprise avec Exile (J.P. Pennington et Les Taylor).
* 2016 : Une reprise de la chanson apparaît sur l'album Orders of Magnitude de la société de l'information.
Apparitions dans d'autres médias
La chanson a été présentée dans les films Happy Gilmore, Wild Hogs, Man on the Moon, Employee of the Month et Zookeeper. Il a également été utilisé en 2007 lors de l'émission Hockey Night In Canada de CBC lors d'un montage des célébrations de la Coupe Stanley à la fin du dernier match des séries éliminatoires de la Coupe Stanley. La chanson clôt la finale de la première saison de la série Amazon Red Oaks. | http://www.triviacountry.com/ |
Qu'est-ce qui a coûté la vie à la chanteuse Kathleen Ferrier ? | cancer | [
"Kathleen Mary Ferrier, CBE (22 avril 1912 - 8 octobre 1953) était une chanteuse contralto anglaise qui acquit une réputation internationale en tant qu'artiste de scène, de concert et d'enregistrement, avec un répertoire s'étendant de la chanson folklorique et des ballades populaires aux œuvres classiques de Bach, Brahms. , Mahler et Elgar. Sa mort d'un cancer, au sommet de sa renommée, fut un choc pour le monde musical et particulièrement pour le grand public, qui resta dans l'ignorance de la nature de sa maladie jusqu'après sa mort.",
"Ferrier reçut un diagnostic de cancer du sein en mars 1951. Entre les périodes d'hospitalisation et de convalescence, elle continua à se produire et à enregistrer ; sa dernière apparition publique fut dans le rôle d'Orfeo, au Royal Opera House en février 1953, huit mois avant sa mort. Parmi ses nombreux monuments commémoratifs, le Fonds de recherche sur le cancer Kathleen Ferrier a été lancé en mai 1954. Le Fonds de bourses d'études Kathleen Ferrier, administré par la Royal Philharmonic Society, décerne depuis 1956 des prix annuels aux jeunes chanteurs professionnels en herbe.",
"Au début de 1951, alors qu'elle était en tournée à Rome, Ferrier apprit la mort de son père à l'âge de 83 ans. Bien que bouleversée par cette nouvelle, elle décida de poursuivre la tournée ; son journal du 30 janvier indique : \"Mon papa est mort paisiblement après une grippe et un léger accident vasculaire cérébral\". Elle rentre à Londres le 19 février et se met aussitôt à répéter avec Barbirolli et le Hallé une œuvre qui est nouvelle pour elle : le Poème de l'amour et de la mer d'Ernest Chausson. Cela a été joué à Manchester le 28 février, acclamé par la critique. Deux semaines plus tard, Ferrier a découvert une grosseur sur sa poitrine. Elle a néanmoins rempli plusieurs engagements en Allemagne, aux Pays-Bas et à Glyndebourne avant de consulter son médecin le 24 mars. Après des tests à l'University College Hospital, un cancer du sein a été diagnostiqué et une mastectomie a été réalisée le 10 avril. Tous les engagements immédiats furent annulés ; parmi celles-ci figurait une série de représentations prévues de The Rape of Lucretia par l'English Opera Group, programmées dans le cadre du Festival of Britain de 1951.",
"Au début de 1953, Ferrier était occupé à répéter pour Orpheus, une version anglaise d'Orfeo ed Euridice qui sera présentée en quatre représentations au Royal Opera House en février. Barbirolli avait lancé ce projet, avec l'approbation enthousiaste de Ferrier, quelques mois auparavant. Son seul autre engagement en janvier était un enregistrement de récital à la BBC, dans lequel elle chantait des œuvres de trois compositeurs anglais vivants : Howard Ferguson, William Wordsworth et Edmund Rubbra. Au cours de son traitement hospitalier régulier, elle a discuté avec les médecins de l'opportunité d'une ovariectomie (ablation des ovaires), mais en apprenant que l'impact sur son cancer serait probablement insignifiant et que sa voix pourrait être gravement affectée, elle a choisi de ne pas se faire opérer. .",
"Peu de temps après la mort de Ferrier, un appel fut lancé par Barbirolli, Walter, Myra Hess et d'autres pour créer un fonds de recherche sur le cancer au nom de Ferrier. Des dons ont été reçus du monde entier. Pour faire connaître le fonds, un concert spécial fut donné au Royal Festival Hall le 7 mai 1954, au cours duquel Barbirolli et Walter se partagèrent gratuitement la direction d'orchestre. Parmi les objets figurait une interprétation de Quand je suis couché en terre de Purcell, que Ferrier avait souvent chanté ; à cette occasion, la partie vocale était jouée par un cor anglais solo. Le Fonds de recherche sur le cancer Kathleen Ferrier a contribué à la création de la chaire Kathleen Ferrier d'oncologie clinique à l'University College Hospital, en 1984. , il continuait de financer la recherche en oncologie."
] | Kathleen Mary Ferrier, CBE (22 avril 1912 - 8 octobre 1953) était une chanteuse contralto anglaise qui acquit une réputation internationale en tant qu'artiste de scène, de concert et d'enregistrement, avec un répertoire s'étendant de la chanson folklorique et des ballades populaires aux œuvres classiques de Bach, Brahms. , Mahler et Elgar. Sa mort d'un cancer, au sommet de sa renommée, fut un choc pour le monde musical et particulièrement pour le grand public, qui resta dans l'ignorance de la nature de sa maladie jusqu'après sa mort.
Fille d'un maître d'école du village du Lancashire, Ferrier a montré très tôt un talent de pianiste et a remporté de nombreux concours de piano amateur tout en travaillant comme téléphoniste à la Poste générale. Elle ne commença à chanter sérieusement qu'en 1937, lorsqu'après avoir remporté un prestigieux concours de chant au Carlisle Festival, elle commença à recevoir des offres d'engagements professionnels en tant que chanteuse. Par la suite, elle prend des cours de chant, d'abord avec J.E. Hutchinson et plus tard avec Roy Henderson. Après le déclenchement de la Seconde Guerre mondiale, Ferrier fut recruté par le Conseil pour l'encouragement de la musique et des arts (CEMA) et, au cours des années suivantes, chanta lors de concerts et de récitals dans toute l'Angleterre. En 1942, sa carrière prend un nouvel essor lorsqu'elle rencontre le chef d'orchestre Malcolm Sargent, qui la recommande à l'influente agence de gestion de concerts Ibbs and Tillett. Elle est devenue une artiste régulière dans les principales salles de Londres et de province et a réalisé de nombreuses émissions de radio sur la BBC.
En 1946, Ferrier fait ses débuts sur scène, lors de la première au Festival de Glyndebourne de l'opéra de Benjamin Britten, The Rape of Lucretia. Un an plus tard, elle fait sa première apparition dans le rôle d'Orfeo dans Orfeo ed Euridice de Gluck, œuvre à laquelle elle devient particulièrement associée. De son propre choix, ce furent ses deux seuls rôles à l'opéra. Au fur et à mesure que sa réputation grandissait, Ferrier noua d'étroites relations de travail avec des personnalités musicales majeures, dont Britten, Sir John Barbirolli, Bruno Walter et l'accompagnateur Gerald Moore. Elle se fait connaître internationalement grâce à ses trois tournées aux États-Unis entre 1948 et 1950 et ses nombreux séjours en Europe continentale.
Ferrier reçut un diagnostic de cancer du sein en mars 1951. Entre les périodes d'hospitalisation et de convalescence, elle continua à se produire et à enregistrer ; sa dernière apparition publique fut dans le rôle d'Orfeo, au Royal Opera House en février 1953, huit mois avant sa mort. Parmi ses nombreux monuments commémoratifs, le Fonds de recherche sur le cancer Kathleen Ferrier a été lancé en mai 1954. Le Fonds de bourses d'études Kathleen Ferrier, administré par la Royal Philharmonic Society, décerne depuis 1956 des prix annuels aux jeunes chanteurs professionnels en herbe.
Début de la vie
Enfance
La famille Ferrier est originaire du Pembrokeshire, dans le sud-ouest du Pays de Galles. La succursale du Lancashire est née au 19e siècle, lorsque Thomas Ferrier (le plus jeune fils du soldat Thomas Ferrier du Pembrokeshire Regiment) s'est installé dans la région après avoir été stationné près de Blackburn pendant une période de troubles industriels. Cardus, pp. 19-20 Kathleen Ferrier était née le 22 avril 1912, dans le village de Higher Walton, dans le Lancashire, où son père William Ferrier (le quatrième enfant de Thomas et Elizabeth, née Gorton) était le directeur de l'école du village. Bien que sans formation musicale, William était un membre enthousiaste de la société d'opéra locale et de plusieurs chorales, et sa femme Alice (née Murray), qu'il épousa en 1900, était une chanteuse compétente avec une forte voix de contralto. Ferrier, pp. 14– 16 Kathleen était la troisième et la plus jeune des enfants du couple, après une sœur et un frère ; quand elle avait deux ans, la famille a déménagé à Blackburn, après que William ait été nommé directeur de l'école St Paul de la ville. Dès son plus jeune âge, Kathleen s'est montrée prometteuse en tant que pianiste et a suivi des cours avec Frances Walker, une célèbre professeur de piano du nord de l'Angleterre qui avait été l'élève de Tobias Matthay. Le talent de Kathleen s'est développé rapidement ; en 1924, elle arriva quatrième sur 43 participants au concours de piano du Lytham St Annes Festival, et l'année suivante à Lytham, elle obtint la deuxième place.
Téléphoniste et pianiste
En raison de la retraite imminente de William et de la baisse des revenus familiaux qui en résulte, les espoirs de Ferrier de fréquenter une école de musique n'ont pas pu se réaliser. En août 1926, elle quitta l'école pour commencer à travailler comme stagiaire au central téléphonique GPO de Blackburn. Elle poursuivit ses études de piano auprès de Frances Walker et, en novembre 1928, fut lauréate régionale d'un concours national pour jeunes pianistes, organisé par le Daily Express. Bien qu'il n'ait pas réussi lors de la finale de Londres qui a suivi, Ferrier a remporté un piano droit Cramer en guise de prix. Le 10 mars 1929, elle fit une apparition bien accueillie en tant qu'accompagnatrice lors d'un concert au King George's Hall de Blackburn. Après d'autres succès au concours de piano, elle fut invitée à donner un court récital radiophonique dans les studios de Manchester de la BBC et, le 3 juillet 1930, fit sa première émission, interprétant des œuvres de Brahms et Percy Grainger. C'est à cette époque qu'elle termine sa formation et devient téléphoniste à part entière.
En 1931, âgée de 19 ans, Ferrier réussit ses examens de licence à la Royal Academy of Music. Cette année-là, elle commença des cours de chant occasionnels et, en décembre, chanta un petit rôle de mezzo-soprano dans une représentation à l'église de l'oratorio Elijah de Mendelssohn. Cependant, sa voix n'était pas considérée comme exceptionnelle ; sa vie musicale était centrée sur le piano et sur les concerts locaux, au King George's Hall et ailleurs. Leonard, pp. 19-20. Au début de 1934, elle fut transférée au central téléphonique de Blackpool et s'installa à proximité, pour être proche de son nouveau petit ami, un employé de banque nommé Albert Wilson. À Blackpool, elle a auditionné pour le nouveau service « d'horloge parlante » que le GPO s'apprêtait à introduire. Dans son enthousiasme, Ferrier a inséré une aspiration supplémentaire dans son audition et n'a pas été choisie pour la sélection finale à Londres. Sa décision en 1935 d'épouser Wilson signifiait la fin de son emploi au central téléphonique, car à cette époque, le GPO n'employait pas de femmes mariées. À propos de la carrière de Ferrier jusqu'à ce point, le biographe musical Humphrey Burton a écrit : « Pendant plus d'une décennie, alors qu'elle aurait dû étudier la musique avec les meilleurs professeurs, apprendre la littérature anglaise et les langues étrangères, acquérir des compétences scéniques et motrices et voyager à Londres allait régulièrement voir de l'opéra, Miss Ferrier répondait au téléphone, se mariait avec un directeur de banque et gagnait des concours de tinpot pour son jeu de piano."
Mariage
Ferrier rencontre Albert Wilson en 1933, probablement grâce à la danse, qu'ils adorent tous deux. Lorsqu'elle annonça qu'ils allaient se marier, sa famille et ses amis avaient de fortes réserves, au motif qu'elle était jeune et inexpérimentée, et qu'elle et Wilson partageaient peu d'intérêts sérieux. Le mariage eut néanmoins lieu le 19 novembre 1935. Peu de temps après, le couple déménagea à Silloth, une petite ville portuaire du Cumberland, où Wilson avait été nommé directeur de la succursale de sa banque. Le mariage n’a pas réussi ; la lune de miel avait révélé des problèmes d'incompatibilité physique et l'union n'était pas consommée. Leonard, pp. 26-28 Dans un article hommage écrit pour le 50e anniversaire de la mort de Ferrier, le journaliste Rupert Christiansen a écrit à propos de la sexualité de Ferrier qu'« il n'y a absolument aucune justification ». pour l'idée qu'elle était lesbienne, mais elle était peut-être sexuellement frigide". Les apparences extérieures furent maintenues pendant quelques années, jusqu'à ce que le départ de Wilson pour le service militaire en 1940 mette effectivement fin au mariage. Le couple divorce en 1947, mais reste en bons termes. Wilson épousa par la suite un ami de Ferrier, Wyn Hetherington ; il est décédé en 1969.
Début de carrière de chanteur
En 1937, Ferrier participa au concours ouvert de piano du Carlisle Festival et, grâce à un petit pari avec son mari, s'inscrivit également au concours de chant. Elle a facilement remporté le trophée du piano ; lors de la finale de chant, elle a chanté To Daisies de Roger Quilter, une performance qui lui a valu le meilleur prix vocal du festival. Pour marquer son double triomphe au piano et au chant, Ferrier a reçu une coupe de rose spéciale en tant que championne du festival.
Après ses victoires à Carlisle, Ferrier a commencé à recevoir des offres d'engagements de chant. Sa première apparition en tant que chanteuse professionnelle, à l'automne 1937, eut lieu lors d'une célébration de la fête des récoltes dans l'église du village d'Aspatria. Elle était payée une guinée. Après avoir remporté la coupe d'or au Workington Festival de 1938, Ferrier chanta Ma Curly-Headed Babby lors d'un concert à l'Opéra de Workington. Cecil McGivern, producteur d'une émission de variétés radiophonique de la BBC Northern, était dans le public et fut suffisamment impressionné pour la réserver pour la prochaine édition de son programme, diffusé depuis Newcastle le 23 février 1939. Cette émission - sa première en tant que chanteuse - a attiré une grande attention et a conduit à davantage de travail à la radio, même si pour Ferrier, l'événement a été éclipsé par la mort de sa mère au début du mois de février. Ferrier, pp. 39-40 Au Festival de Carlisle de 1939, Ferrier a chanté la chanson All Soul's Day de Richard Strauss, une performance qui a particulièrement impressionné l'un des juges, J. E. Hutchinson, un professeur de musique jouissant d'une réputation considérable. Ferrier devient son élève et, sous sa direction, commence à élargir son répertoire pour inclure des œuvres de Bach, Haendel, Brahms et Elgar.
Lorsqu'Albert Wilson rejoignit l'armée en 1940, Ferrier reprit son nom de jeune fille, chantant jusqu'alors sous le nom de « Kathleen Wilson ». En décembre 1940, elle apparut pour la première fois professionnellement dans le rôle de « Kathleen Ferrier » dans une représentation du Messie de Haendel, sous la direction de Hutchinson. Au début de 1941, elle auditionne avec succès comme chanteuse auprès du Conseil pour l'encouragement des arts (CEMA), qui organise des concerts et autres divertissements dans les camps militaires, les usines et autres lieux de travail. Au sein de cette organisation, Ferrier commence à travailler avec des artistes de renommée internationale ; en décembre 1941, elle chante avec l'Orchestre Hallé dans une interprétation du Messie avec Isobel Baillie, l'éminente soprano. Cependant, sa candidature auprès du responsable musical de la BBC à Manchester pour une audition a été rejetée. Fifield (éd.), p. 17 Ferrier a eu plus de chance lorsqu'elle a été présentée à Malcolm Sargent après un concert de Hallé à Blackpool. Sargent a accepté de l'entendre chanter et l'a ensuite recommandée à Ibbs and Tillett, l'agence de gestion de concerts basée à Londres. John Tillett l'accepta sans hésitation comme client après quoi, sur les conseils de Sargent, Ferrier décida de s'installer à Londres. Le 24 décembre 1942, elle emménage avec sa sœur Winifred dans un appartement à Frognal Mansions, Hampstead.
Célébrité
Réputation croissante
Ferrier donna son premier récital à Londres le 28 décembre 1942 à la National Gallery, lors d'un concert à l'heure du déjeuner organisé par Dame Myra Hess. Leonard, pp. 50-51 Bien qu'elle ait écrit « cela s'est très bien passé » dans son journal, Ferrier était déçue. avec sa performance et a conclu qu'elle avait besoin d'une formation vocale supplémentaire. Elle s'adresse au distingué baryton Roy Henderson avec qui, une semaine auparavant, elle avait chanté dans Elijah de Mendelssohn. Henderson a accepté de lui enseigner et a été son coach vocal régulier pour le reste de sa vie. Il expliqua plus tard que son « ton chaleureux et spacieux » était en partie dû à la taille de la cavité au fond de sa gorge : « on aurait pu tirer une pomme de bonne taille jusqu'au fond de la gorge sans obstruction ». Cependant, cet avantage physique naturel ne suffisait pas à lui seul à assurer la qualité de sa voix ; cela était dû, dit Henderson, à « son travail acharné, son talent artistique, sa sincérité, sa personnalité et surtout son caractère ».
Le 17 mai 1943, Ferrier chante dans Le Messie de Haendel à l'abbaye de Westminster, aux côtés d'Isobel Baillie et Peter Pears, sous la direction de Reginald Jacques. Selon le critique Neville Cardus, c'est ici par la qualité de son chant que Ferrier "a fait son premier appel sérieux aux musiciens". Sa performance assurée l'a conduit à d'autres engagements importants et à des travaux de radiodiffusion ; ses apparitions de plus en plus fréquentes dans des programmes populaires tels que Forces Favorites et Housewives' Choice lui ont rapidement valu une reconnaissance nationale. En mai 1944, aux studios Abbey Road d'EMI avec Gerald Moore comme accompagnateur, elle réalisa des enregistrements tests de musique de Brahms, Gluck et Elgar. Son premier disque publié, réalisé en septembre 1944, fut publié sous le label Columbia ; il s'agissait de deux chansons de Maurice Greene, toujours accompagnées par Moore. Son temps en tant qu'artiste d'enregistrement à Columbia a été bref et malheureux ; elle avait de mauvaises relations avec son producteur, Walter Legge, et après quelques mois, elle fut transférée chez Decca.
Au cours des derniers mois de guerre, Ferrier a continué à voyager à travers le pays pour répondre aux demandes croissantes de ses services de la part des organisateurs de concerts. À Leeds en novembre 1944, elle chanta le rôle de l'Ange dans l'œuvre chorale d'Elgar The Dream of Gerontius, sa première performance dans ce qui devint l'un de ses rôles les plus connus. En décembre, elle rencontre John Barbirolli alors qu'elle travaille sur une autre pièce d'Elgar, Sea Pictures ; le chef d’orchestre devint plus tard l’un de ses amis les plus proches et de ses plus fervents défenseurs. Le 15 septembre 1945, Ferrier fait ses débuts aux London Proms, en chantant L'Air des Adieux de l'opéra de Tchaïkovski La Pucelle d'Orléans. Même si elle chantait souvent des airs individuels, l'opéra n'était pas le point fort naturel de Ferrier ; elle n'avait pas aimé chanter le rôle-titre dans une version de concert de Carmen de Bizet à Stourbridge en mars 1944 et évitait généralement des engagements similaires. Néanmoins, Benjamin Britten, qui avait entendu son spectacle du Messie à l'abbaye de Westminster, la persuada de créer le rôle de Lucretia dans son nouvel opéra The Rape of Lucretia, qui devait ouvrir le premier festival de Glyndebourne d'après-guerre en 1946. Elle partagerait le rôle avec Nancy. Evans. Britten, pp. 83-85 Malgré ses réticences initiales, début juillet, Ferrier écrivait à son agent qu'elle « appréciait énormément [les répétitions] et je devrais penser que c'est la meilleure partie que l'on puisse avoir ».
Les représentations de Ferrier dans la course de Glyndebourne, qui débuta le 12 juillet 1946, lui valurent des critiques favorables, même si l'opéra lui-même fut moins bien accueilli. Lors de la tournée provinciale qui a suivi le festival, le festival n'a pas réussi à attirer le public et a subi de lourdes pertes financières.
En revanche, lorsque l'opéra arriva à Amsterdam, il fut chaleureusement accueilli par le public néerlandais, particulièrement enthousiaste pour l'interprétation de Ferrier. C'était le premier voyage de Ferrier à l'étranger et elle écrivit une lettre enthousiaste à sa famille : « Les maisons et les fenêtres les plus propres que vous ayez jamais vues, et des fleurs dans les champs tout le long ! » Suite à son succès dans le rôle de Lucretia, elle accepta de retourner à Glyndebourne en 1947 pour chanter Orfeo dans l'opéra Orfeo ed Euridice de Gluck. Elle avait souvent chanté l'air d'Orfeo Che farò (« Qu'est-ce que la vie ») en concert et l'avait récemment enregistré avec Decca. À Glyndebourne, les capacités d'acteur limitées de Ferrier ont causé quelques difficultés dans sa relation avec le chef d'orchestre Fritz Stiedry ; néanmoins, sa performance lors de la première soirée, le 19 juin 1947, suscita de chaleureux éloges critiques.
L'association de Ferrier avec Glyndebourne porte encore ses fruits lorsque Rudolf Bing, le directeur général du festival, la recommande à Bruno Walter comme soliste contralto dans une interprétation du cycle de chansons symphoniques de Mahler Das Lied von der Erde. Cela était prévu pour le Festival international d'Édimbourg de 1947. Walter hésitait au départ à travailler avec une chanteuse relativement nouvelle, mais après son audition, ses craintes se sont apaisées ; "J'ai reconnu avec plaisir qu'il s'agissait là potentiellement d'un des plus grands chanteurs de notre époque", écrira-t-il plus tard. Das Lied von der Erde était à cette époque largement inconnu en Grande-Bretagne, et certains critiques le trouvaient peu attrayant ; néanmoins, l'Edinburgh Evening News l'a trouvé "tout simplement superbe". Dans une biographie ultérieure de Ferrier, Lord Harewood a décrit le partenariat entre Walter et elle, qui a duré jusqu'à la dernière maladie du chanteur, comme « une association rare de musique, de voix et de tempérament ».
Sommet de carrière, 1948-1951
Le 1er janvier 1948, Ferrier part pour une tournée de quatre semaines en Amérique du Nord, le premier des trois voyages transatlantiques qu'elle effectuera au cours des trois années suivantes. À New York, elle a chanté deux représentations de Das Lied von der Erde, avec Bruno Walter et le New York Philharmonic. Alma Mahler, la veuve du compositeur, était présente à la première, le 15 janvier. Dans une lettre écrite le lendemain, Ferrier dit à sa sœur : « Certains critiques sont enthousiastes, d'autres peu impressionnés ». Après la deuxième représentation, diffusée d'un océan à l'autre, Ferrier donne des récitals à Ottawa et à Chicago avant de retourner à New York et de rentrer chez lui le 4 février.
En 1948, au milieu de nombreux engagements, Ferrier interpréta la Rhapsodie alto de Brahms aux Proms en août et chanta dans la Messe en si mineur de Bach au Festival d'Édimbourg de cette année-là. Le 13 octobre, elle rejoint Barbirolli et l'Orchestre Hallé pour une interprétation diffusée du cycle de chansons Kindertotenlieder de Mahler. Elle retourne aux Pays-Bas en janvier 1949 pour une série de récitals, puis quitte Southampton le 18 février pour entamer sa deuxième tournée américaine. Celui-ci s'est ouvert à New York avec un concert d'Orfeo ed Euridice qui a remporté les éloges de la critique new-yorkaise. Lors de la tournée qui suivit, son accompagnateur était Arpád Sándor (1896-1972), qui souffrait d'une maladie dépressive qui affectait gravement son jeu. Ignorant son problème, Ferrier fustige dans des lettres à son domicile « cet abominable accompagnateur » qui mérite « un coup de pied dans le pantalon ». Lorsqu'elle a appris qu'il était malade depuis des mois, elle a tourné sa fureur contre les organisateurs de la tournée : "Quel culot de me le confier". Finalement, alors que Sándor était trop malade pour comparaître, Ferrier réussit à recruter un pianiste canadien, John Newmark, avec qui elle noua une relation de travail chaleureuse et durable.
Peu de temps après son retour en Angleterre au début de juin 1949, Ferrier part pour Amsterdam où, le 14 juillet, elle chante lors de la première mondiale de la Spring Symphony de Britten, avec Eduard van Beinum et l'Orchestre du Concertgebouw. Britten avait écrit cet ouvrage spécialement pour elle. Au Festival d'Édimbourg en septembre, elle a donné deux récitals dans lesquels Bruno Walter l'accompagnait au piano. Ferrier estime que ces récitals représentent « un sommet auquel je tâtonnais depuis trois ans ». Une diffusion de l'un des récitals a été enregistrée plusieurs années plus tard; à ce sujet, le critique Alan Blyth a écrit : « Le soutien très personnel et positif de Walter pousse évidemment Ferrier à donner le meilleur d'elle-même ».
Les 18 mois suivants furent marqués par une activité presque ininterrompue, comprenant un certain nombre de visites en Europe continentale et une troisième tournée américaine entre décembre 1949 et avril 1950. Ce voyage américain innova pour Ferrier – la côte ouest – et comprenait trois représentations à San Francisco de Orfeo ed Euridice, sous la direction de Pierre Monteux. Lors des répétitions, Ferrier a rencontré la célèbre contralto américaine Marian Anderson, qui aurait dit de son homologue anglaise : « Mon Dieu, quelle voix et quel visage ! Au retour de Ferrier, le rythme effréné se poursuit, avec une succession rapide de concerts à Amsterdam, Londres et Édimbourg, suivis d'une tournée en Autriche, en Suisse et en Italie. À Vienne, la soprano Elisabeth Schwarzkopf était la co-soliste de Ferrier dans une interprétation enregistrée de la Messe en si mineur de Bach, avec l'Orchestre symphonique de Vienne sous la direction d'Herbert von Karajan. Schwarzkopf a rappelé plus tard le chant de l'Agnus Dei par Ferrier lors de la messe comme son point culminant de l'année.
Au début de 1951, alors qu'elle était en tournée à Rome, Ferrier apprit la mort de son père à l'âge de 83 ans. Bien que bouleversée par cette nouvelle, elle décida de poursuivre la tournée ; son journal du 30 janvier indique : "Mon papa est mort paisiblement après une grippe et un léger accident vasculaire cérébral". Elle rentre à Londres le 19 février et se met aussitôt à répéter avec Barbirolli et le Hallé une œuvre qui est nouvelle pour elle : le Poème de l'amour et de la mer d'Ernest Chausson. Cela a été joué à Manchester le 28 février, acclamé par la critique. Deux semaines plus tard, Ferrier a découvert une grosseur sur sa poitrine. Elle a néanmoins rempli plusieurs engagements en Allemagne, aux Pays-Bas et à Glyndebourne avant de consulter son médecin le 24 mars. Après des tests à l'University College Hospital, un cancer du sein a été diagnostiqué et une mastectomie a été réalisée le 10 avril. Tous les engagements immédiats furent annulés ; parmi celles-ci figurait une série de représentations prévues de The Rape of Lucretia par l'English Opera Group, programmées dans le cadre du Festival of Britain de 1951.
Carrière ultérieure
Une santé défaillante
Ferrier reprend sa carrière le 19 juin 1951, dans la Messe en si mineur au Royal Albert Hall. Elle a ensuite fait sa visite habituelle au Holland Festival, où elle a donné quatre représentations d'Orfeo et a chanté dans la Deuxième Symphonie de Mahler avec Otto Klemperer et l'Orchestre du Concertgebouw. Tout au long de l'été, son programme de concerts était entrecoupé de visites à l'hôpital ; cependant, elle était assez bien pour chanter au Festival d'Edimbourg en septembre, où elle donna deux récitals avec Walter et chanta le Poème de Chausson avec Barbirolli et le Hallé. En novembre, elle a chanté Land of Hope and Glory lors de la réouverture du Free Trade Hall de Manchester, un point culminant de la soirée qui, a écrit Barbirolli, "a ému tout le monde, notamment le chef d'orchestre, aux larmes". Après cela, Ferrier s'est reposée pendant deux mois pendant qu'elle subissait une radiothérapie ; son seul engagement professionnel en décembre était une session d'enregistrement de trois jours de chansons folkloriques aux studios Decca.
En janvier 1952, Ferrier rejoint Britten et Pears dans une courte série de concerts visant à collecter des fonds pour l'English Opera Group de Britten. Écrivant plus tard, Britten a rappelé cette tournée comme « peut-être la plus belle de toutes » de ses associations artistiques avec Ferrier. Malgré des problèmes de santé persistants, elle chante dans la Passion selon saint Matthieu au Royal Albert Hall le 30 mars, le Messie au Free Trade Hall le 13 avril et Das Lied von der Erde avec Barbirolli et le Hallé les 23 et 24 avril.Fifield ( éd.), p. Le 30 avril, Ferrier assista à une soirée privée à laquelle étaient présentes la nouvelle reine Elizabeth II et sa sœur, la princesse Margaret. Dans son journal, Ferrier note : « La princesse M a chanté, très bien ! ». Sa santé a continué à se détériorer ; elle a refusé d'envisager une série d'injections d'androgènes, estimant que ce traitement détruirait la qualité de sa voix. En mai, elle s'est rendue à Vienne pour enregistrer Das Lied et les Rückert-Lieder de Mahler avec Walter et la Philharmonie de Vienne ; le chanteur et le chef d'orchestre cherchaient depuis longtemps à préserver leur partenariat sur disque. Malgré des souffrances considérables, Ferrier a achevé les sessions d'enregistrement entre le 15 et le 20 mai.
Pendant le reste de l'année 1952, Ferrier assista à son septième Festival d'Édimbourg consécutif, chantant dans des performances de Das Lied, The Dream of Gerontius, Messiah et quelques chansons de Brahms. Elle a entrepris plusieurs sessions d'enregistrement en studio, dont une série d'airs de Bach et de Haendel avec Sir Adrian Boult et le London Philharmonic Orchestra en octobre. En novembre, après un récital au Royal Festival Hall, elle fut bouleversée par une critique dans laquelle Neville Cardus critiquait sa performance pour avoir introduit des « appels vocaux supplémentaires distrayants » destinés à plaire au public au détriment des chansons. Cependant, elle a accepté ses commentaires de bonne grâce, remarquant que "... c'est difficile de plaire à tout le monde - pendant des années, on m'a critiqué pour être un chanteur incolore et monotone". En décembre, elle a chanté dans Christmas Messiah de la BBC, la dernière fois qu'elle interprétait cette œuvre. Le jour du Nouvel An 1953, elle fut nommée Commandeur de l'Ordre de l'Empire britannique (CBE) sur la liste des honneurs du Nouvel An de la Reine.
Représentations finales, maladie et mort
Au début de 1953, Ferrier était occupé à répéter pour Orpheus, une version anglaise d'Orfeo ed Euridice qui sera présentée en quatre représentations au Royal Opera House en février. Barbirolli avait lancé ce projet, avec l'approbation enthousiaste de Ferrier, quelques mois auparavant. Son seul autre engagement en janvier était un enregistrement de récital à la BBC, dans lequel elle chantait des œuvres de trois compositeurs anglais vivants : Howard Ferguson, William Wordsworth et Edmund Rubbra. Au cours de son traitement hospitalier régulier, elle a discuté avec les médecins de l'opportunité d'une ovariectomie (ablation des ovaires), mais en apprenant que l'impact sur son cancer serait probablement insignifiant et que sa voix pourrait être gravement affectée, elle a choisi de ne pas se faire opérer. .
La première représentation d'Orpheus, le 3 février, a été accueillie avec une approbation critique unanime. Selon Barbirolli, Ferrier était particulièrement satisfaite du commentaire d'un critique selon lequel ses mouvements étaient aussi gracieux que ceux de n'importe lequel des danseurs sur scène. Cependant, elle était physiquement affaiblie par sa radiothérapie prolongée ; lors de la deuxième représentation, trois jours plus tard, son fémur gauche s'est partiellement désintégré. L'action rapide des autres membres de la distribution, qui se sont déplacés pour la soutenir, a maintenu le public dans l'ignorance. Bien que pratiquement immobilisée, Ferrier a chanté ses derniers airs et a pris ses rappels avant d'être transférée à l'hôpital. Cela s'est avéré être sa dernière apparition publique; les deux représentations restantes, initialement reportées au mois d'avril, ont finalement été annulées. Pourtant, le grand public ignorait la nature de l'incapacité de Ferrier ; une annonce dans The Guardian déclarait : « Miss Ferrier souffre d'une souche résultant d'une arthrite qui nécessite un traitement ultérieur immédiat. Elle a été causée par le stress physique impliqué dans la répétition et l'exécution de son rôle dans Orpheus ».
Ferrier a passé deux mois à l’hôpital universitaire. En conséquence, elle a raté son investiture au CBE ; le ruban lui a été apporté à l'hôpital par un ami. Pendant ce temps, sa sœur lui a trouvé un appartement au rez-de-chaussée à St John's Wood, car elle ne pourrait plus emprunter les nombreux escaliers de Frognal Mansions. Elle a déménagé dans sa nouvelle maison début avril, mais après seulement sept semaines, elle a été forcée de retourner à l'hôpital où, malgré deux autres opérations, son état a continué à se détériorer. Leonard, pp. 241-245. Début juin, elle a appris qu'elle avait été soignée. a reçu la médaille d'or de la Royal Philharmonic Society, la première chanteuse à recevoir cet honneur depuis Muriel Foster en 1914. Dans une lettre au secrétaire de la Société, elle a écrit que « cette nouvelle incroyable et merveilleuse a fait plus que tout pour me faire je me sens tellement mieux". Cette lettre, datée du 9 juin, est probablement la dernière que Ferrier a elle-même signée. À mesure qu'elle s'affaiblissait, elle ne voyait que sa sœur et quelques amis très proches et, même s'il y avait de courtes périodes de répit, son déclin était incessant. Elle est décédée à l'University College Hospital le 8 octobre 1953, à l'âge de 41 ans; date pour laquelle, tout en espérant encore se rétablir, elle avait entrepris de chanter A Mass of Life de Frederick Delius au Festival de Leeds en 1953. Ferrier a été incinérée quelques jours plus tard, au crématorium Golders Green, après un court service privé. Leonard, pp. 246-51. Elle a laissé une succession d'une valeur de 15 134 £, qui, selon son biographe Maurice Leonard, n'était « pas une fortune pour un homme de renommée mondiale ». chanteur, même selon les standards de l'époque".
Bilan et héritage
La nouvelle de la mort de Ferrier fut un choc considérable pour le public. Même si certains dans les cercles musicaux connaissaient ou soupçonnaient la vérité, le mythe persistait selon lequel son absence de la scène des concerts était temporaire. Le critique d'opéra Rupert Christiansen, écrivant à l'approche du 50e anniversaire de la mort de Ferrier, affirmait qu'« aucune chanteuse dans ce pays n'a jamais été plus profondément aimée, autant pour la personne qu'elle était que pour la voix qu'elle exprimait ». Sa mort, poursuit-il, « a littéralement brisé l'euphorie du couronnement » (qui avait eu lieu le 2 juin 1953). Ian Jack, rédacteur en chef de Granta, pensait qu'elle « pourrait bien être la femme la plus célèbre de Grande-Bretagne après la reine ». Parmi les nombreux hommages de ses collègues, celui de Bruno Walter a été souligné par des biographes : « La plus grande chose dans la musique dans ma vie a été d'avoir connu Kathleen Ferrier et Gustav Mahler, dans cet ordre. Très peu de chanteurs, écrit Lord Harewood, « ont mérité un discours aussi puissant de la part d'un collègue aussi expérimenté ». Lors d'un service commémoratif à la cathédrale de Southwark le 14 novembre 1953, l'évêque de Croydon, dans son éloge funèbre, dit à propos de la voix de Ferrier : « Elle semblait apporter dans ce monde un rayonnement d'un autre monde. »
De temps en temps, des commentateurs ont spéculé sur les directions que la carrière de Ferrier aurait pu prendre si elle avait vécu. En 1951, alors qu'elle se remettait de sa mastectomie, elle reçut une offre pour chanter le rôle de Brangäne dans l'opéra Tristan et Isolde de Wagner au Festival de Bayreuth de 1952. Selon Christiansen, elle aurait été "glorieuse" dans ce rôle et était également sollicitée par la direction de Bayreuth pour chanter Erda dans le cycle Ring. Christiansen suggère en outre que, compte tenu des changements de style au cours des 50 dernières années, Ferrier aurait pu avoir moins de succès dans le monde du 21e siècle : « Nous n'aimons pas les voix basses, d'une part - les contraltos ont maintenant un son bizarre et directeur, et même le La majorité des mezzo-sopranos devraient plus précisément être classées dans la catégorie des quasi-sopranos". Cependant, elle était « une chanteuse de et pour son époque – une époque de chagrin et de lassitude, de respect de soi national et de croyance en la noblesse humaine ». Dans ce contexte, « son art se dresse droit, austère, sans prétention, fondamental et sincère ».
Peu de temps après la mort de Ferrier, un appel fut lancé par Barbirolli, Walter, Myra Hess et d'autres pour créer un fonds de recherche sur le cancer au nom de Ferrier. Des dons ont été reçus du monde entier. Pour faire connaître le fonds, un concert spécial fut donné au Royal Festival Hall le 7 mai 1954, au cours duquel Barbirolli et Walter se partagèrent gratuitement la direction d'orchestre. Parmi les objets figurait une interprétation de Quand je suis couché en terre de Purcell, que Ferrier avait souvent chanté ; à cette occasion, la partie vocale était jouée par un cor anglais solo. Le Fonds de recherche sur le cancer Kathleen Ferrier a contribué à la création de la chaire Kathleen Ferrier d'oncologie clinique à l'University College Hospital, en 1984. , il continuait de financer la recherche en oncologie.
À la suite d'un appel distinct, augmenté du produit de la vente d'un mémoire édité par Neville Cardus, le Kathleen Ferrier Memorial Scholarship Fund a été créé pour encourager les jeunes chanteurs britanniques et du Commonwealth des deux sexes. Le Fonds, qui fonctionne depuis 1956 sous les auspices de la Royal Philharmonic Society, offrait initialement une récompense annuelle couvrant le coût d'une année d'études à un seul lauréat. Avec l'avènement de sponsors supplémentaires, le nombre et la portée des récompenses se sont considérablement élargis depuis lors ; la liste des lauréats des Ferrier Awards comprend de nombreux chanteurs de renommée internationale, parmi lesquels Felicity Palmer, Yvonne Kenny, Lesley Garrett et Bryn Terfel. La Kathleen Ferrier Society, fondée en 1993 pour promouvoir l'intérêt pour tous les aspects de la vie et de l'œuvre de la chanteuse, attribue depuis 1996 des bourses annuelles aux étudiants des principales écoles de musique britanniques. La Société a organisé une série d'événements pour commémorer le centenaire de la naissance de Ferrier en 2012. En février 2012, Ferrier était l'un des dix Britanniques éminents honorés par le Royal Mail dans la série de timbres « Britons of Distinction ». Un autre était Frederick Delius.
Un film documentaire biographique, Kathleen Ferrier, également connue sous le nom de ', a été réalisé par Diane Perelsztejn et produit par ARTE France en 2012. Il présentait des entretiens avec ses proches parents, amis et collègues pour produire une nouvelle vision de sa vie et de ses contributions aux arts. Kathleen Ferrier Crescent, à Basildon, Essex, est nommée en son honneur.
Enregistrements
La discographie de Ferrier se compose d'enregistrements en studio initialement réalisés sur les labels Columbia et Decca, et d'enregistrements tirés de performances live qui ont ensuite été publiés sous forme de disques. Dans les années qui ont suivi sa mort, nombre de ses enregistrements ont été réédités à plusieurs reprises sur les médias modernes ; entre 1992 et 1996, Decca a publié l'édition Kathleen Ferrier, incorporant une grande partie du répertoire enregistré de Ferrier, sur 10 disques compacts. Le discographe Paul Campion a attiré l'attention sur de nombreuses œuvres qu'elle a interprétées mais qu'elle n'a pas enregistrées ou pour lesquelles aucun enregistrement complet n'a encore fait surface. Par exemple, un seul air du Rêve de Gerontius d'Elgar, et aucune de ses interprétations de chansons du XXe siècle de Holst, Bax, Delius et d'autres, n'a été enregistrée. Seule une petite partie de sa Passion selon saint Jean a été capturée sur disque.
L'enregistrement de la chanson folklorique non accompagnée de Northumbrie "Blow the Wind Southerly", initialement réalisé par Decca en 1949, a été réédité à plusieurs reprises et fréquemment diffusé à la radio dans des émissions telles que Desert Island Discs, Housewives' Choice et Your Hundred Best Tunes. Une autre signature | http://www.triviacountry.com/ |
Quelle actrice a été élue Miss Greenwich Village en 1942 ? | Lauren Bacall | [
"Lauren Bacall (née Betty Joan Perske ; 16 septembre 1924 – 12 août 2014) était une actrice américaine connue pour sa voix distinctive et son look sensuel. Elle a été nommée 20e plus grande star féminine du cinéma hollywoodien classique par l'American Film Institute et a reçu un Oscar Honorary Award de l'Academy of Motion Picture Arts and Sciences en 2009, « en reconnaissance de sa place centrale dans l'âge d'or du cinéma ». \".",
"Par son père, elle était une parente de Shimon Peres (né Szymon Perski), le neuvième président d'Israël. Peres a déclaré : « En 1952 ou 1953, je suis arrivé à New York... Lauren Bacall m'a appelé et m'a dit qu'elle voulait se rencontrer, et nous l'avons fait. Nous nous sommes assis et avons parlé de l'endroit d'où venaient nos familles et avons découvert que nous étions originaires. la même famille... mais je ne sais pas exactement quelle est notre relation... C'est elle qui a dit plus tard qu'elle était ma cousine, je n'ai pas dit ça\". Ses parents ont divorcé quand elle avait cinq ans ; elle prit plus tard la forme roumaine du nom de famille de sa mère, Bacall. Elle ne voit plus son père et noue des liens très étroits avec sa mère, qui se remarie avec Lee Goldberg et est venue vivre en Californie après que Bacall soit devenue une star de cinéma.",
"nv_sr_1 Lauren Bacall - IMDb] Récupéré le 13/08/2015",
"Bacall a écrit deux autobiographies, Lauren Bacall By Myself (1978) et Now (1994). En 2006, le premier volume de Lauren Bacall By Myself a été réimprimé sous le titre By Myself and Then Some avec un chapitre supplémentaire.",
"Lauren Bacall est décédée le 12 août 2014 dans son appartement de longue date du Dakota, l'immeuble de l'Upper West Side surplombant Central Park à Manhattan. Elle avait 89 ans, soit cinq semaines avant son 90e anniversaire. Selon son petit-fils Jamie Bogart, l'actrice est décédée des suites d'un grave accident vasculaire cérébral. Son décès a été confirmé à l'hôpital presbytérien de New York. Elle est enterrée au Forest Lawn Memorial Park à Glendale, en Californie.",
"* Lauren Bacall par moi-même (1978)",
"* Elle fait l'objet de la chanson \"Just Like Lauren Bacall\" (2008), écrite par Kevin Roth."
] | Lauren Bacall (née Betty Joan Perske ; 16 septembre 1924 – 12 août 2014) était une actrice américaine connue pour sa voix distinctive et son look sensuel. Elle a été nommée 20e plus grande star féminine du cinéma hollywoodien classique par l'American Film Institute et a reçu un Oscar Honorary Award de l'Academy of Motion Picture Arts and Sciences en 2009, « en reconnaissance de sa place centrale dans l'âge d'or du cinéma ». ".
Bacall a commencé sa carrière en tant que mannequin, avant de faire ses débuts en tant qu'actrice principale avec Humphrey Bogart dans le film To Have and Have Not en 1944. Elle a continué dans le genre du film noir avec des apparitions avec Bogart dans The Big Sleep (1946), Dark Passage (1947) et Key Largo (1948), et a joué dans les comédies romantiques Comment épouser un millionnaire (1953) avec Marilyn Monroe et Designing Woman (1957) avec Gregory Peck. Elle a partagé la vedette avec John Wayne dans son dernier film, The Shootist (1976). Bacall a également travaillé à Broadway dans des comédies musicales, remportant les Tony Awards pour Applause (1970) et Femme de l'année (1981). Sa performance dans The Mirror Has Two Faces (1996) lui a valu un Golden Globe Award et une nomination aux Oscars.
Un mois avant son 90e anniversaire, Bacall est décédée à New York des suites d'un accident vasculaire cérébral.
Début de la vie
Bacall est née Betty Joan Perske le 16 septembre 1924 dans le Bronx, New York, fille unique de Natalie, née Weinstein-Bacal (1901-1977), une secrétaire qui a plus tard légalement changé son nom de famille en Bacall, et de William Perske, qui travaillait dans la vente. Ses deux parents étaient juifs. Selon Bacall, sa mère a immigré du Royaume de Roumanie via Ellis Island et son père est né dans le New Jersey, de parents nés dans une région de la Pologne appelée Terre de la Vistule, dans l'Empire russe.
Peu de temps après sa naissance, la famille de Bacall a déménagé à Ocean Parkway à Brooklyn. Elle a fait ses études avec le soutien financier de ses riches oncles dans un internat privé fondé par le philanthrope Eugene Heitler Lehman, nommé The Highland Manor Boarding School for Girls, à Tarrytown, New York, et à la Julia Richman High School à Manhattan.
Par son père, elle était une parente de Shimon Peres (né Szymon Perski), le neuvième président d'Israël. Peres a déclaré : « En 1952 ou 1953, je suis arrivé à New York... Lauren Bacall m'a appelé et m'a dit qu'elle voulait se rencontrer, et nous l'avons fait. Nous nous sommes assis et avons parlé de l'endroit d'où venaient nos familles et avons découvert que nous étions originaires. la même famille... mais je ne sais pas exactement quelle est notre relation... C'est elle qui a dit plus tard qu'elle était ma cousine, je n'ai pas dit ça". Ses parents ont divorcé quand elle avait cinq ans ; elle prit plus tard la forme roumaine du nom de famille de sa mère, Bacall. Elle ne voit plus son père et noue des liens très étroits avec sa mère, qui se remarie avec Lee Goldberg et est venue vivre en Californie après que Bacall soit devenue une star de cinéma.
Début de carrière et mannequin
En 1941, Bacall prend des cours à l'American Academy of Dramatic Arts, où elle est camarade de classe avec Kirk Douglas, tout en travaillant comme ouvreuse de théâtre au St. James Theatre et mannequin.
Elle a fait ses débuts d'actrice à Broadway en 1942, à l'âge de 17 ans, en tant que figurante dans Johnny 2 X 4. À cette époque, elle vivait avec sa mère sur Bank Street, à Greenwich Village, et en 1942, elle fut couronnée Miss Greenwich Village.
En tant que mannequin adolescente, elle est apparue sur la couverture de Harper's Bazaar (la couverture a depuis été qualifiée d'« emblématique »), ainsi que dans des magazines tels que Vogue. Elle était connue pour sa « grâce féline, ses cheveux blond fauve et ses yeux bleu-vert ».
Bien que l'on attribue souvent à Diana Vreeland la découverte de Bacall pour Harper's Bazaar, c'est en fait Nicolas de Gunzburg qui a fait découvrir Vreeland à la jeune fille de 18 ans. Il avait rencontré Bacall pour la première fois chez Tony's, un club de l'Est des années 50. De Gunzburg a suggéré à Bacall de passer à son bureau du Bazar le lendemain. Il confia ensuite sa trouvaille à Vreeland, qui s'arrangea pour que Louise Dahl-Wolfe photographie Bacall en Kodachrome pour la couverture de mars 1943.
La couverture de Harper's Bazaar a attiré l'attention de Slim, l'épouse du producteur et réalisateur hollywoodien Howard Hawks, qui a exhorté Hawks à demander à Bacall de passer un test d'écran pour To Have and Have Not. Hawks a demandé à sa secrétaire d'en savoir plus sur elle, mais la secrétaire a mal compris et a envoyé à Bacall un billet pour venir à Hollywood pour l'audition.
Hollywood
Après avoir rencontré Bacall à Hollywood, Hawks lui a immédiatement signé un contrat de sept ans avec un salaire hebdomadaire de 100 dollars américains et a commencé personnellement à gérer sa carrière. Il a changé son prénom en Lauren et elle a choisi « Bacall » (une variante du nom de jeune fille de sa mère) comme nom de famille. Slim Hawks a également pris Bacall sous son aile, l'habillant avec style et la guidant en matière d'élégance, de manières et de goût. À la suggestion de Hawks, Bacall a également été entraînée à rendre sa voix plus basse et plus grave au lieu de sa voix nasale aiguë et normale. Hawks lui a demandé, sous la tutelle d'un coach vocal, de baisser le ton de sa voix. Dans le cadre de sa formation, elle devait crier des vers de Shakespeare pendant des heures chaque jour. Sa taille de 5 pieds 8½ pouces, inhabituelle parmi les jeunes actrices du cinéma dans les années 1940 et 1950, l'a également aidée à se démarquer. Sa voix a été qualifiée de « grognement enfumé et sexuel » par la plupart des critiques et de « ronronnement de gorge ».
Lors de ses tests d'écran pour To Have and Have Not (1944), Bacall était si nerveuse que, pour minimiser ses tremblements, elle appuya son menton contre sa poitrine, fit face à la caméra et leva les yeux vers le haut. Cet effet, connu sous le nom de "The Look", est devenu une autre marque de fabrique de Bacall avec sa voix sensuelle.
Le personnage de Bacall dans le film a utilisé le surnom de Slim Hawks "Slim", et Bogart a utilisé le surnom de Howard Hawks "Steve". L'alchimie entre les deux a été immédiate selon Bacall. Elle et Bogart (qui était alors marié à Mayo Methot) ont entamé une relation amoureuse plusieurs semaines après le tournage.
Le rôle de Bacall dans le scénario était à l'origine beaucoup plus petit, mais pendant le tournage, son rôle a été révisé plusieurs fois pour l'étendre au rôle principal qu'il est devenu dans le film sorti. Une fois sorti, To Have and Have Not a catapulté Bacall au rang de célébrité instantanée, et sa performance est devenue la pierre angulaire de son image de star, dont l'impact s'est étendu à la culture populaire en général, influençant même la mode, ainsi que les cinéastes et autres acteurs.
Warner Bros. a lancé une vaste campagne de marketing pour promouvoir le film et faire de Bacall une star de cinéma. Dans le cadre de ses relations publiques, Bacall se rendit au National Press Club à Washington, D.C., le 10 février 1945. C'est là que l'agent de presse de Bacall, chef de la publicité chez Warner Bros. Charlie Enfield, demanda au 20- Bacall, 1 an, à s'asseoir au piano pendant que le vice-président américain Harry S. Truman jouait.
Après To Have and Have Not, Bacall fut vu aux côtés de Charles Boyer dans Confidential Agent (1945), qui fut mal accueilli par la critique. Selon sa propre estimation, cela aurait pu causer des dommages considérables à sa carrière, si son interprétation de la mystérieuse Vivian Rutledge à la langue acide dans le film noir de Hawks, The Big Sleep (1946), avec Bogart, n'avait pas permis une résurgence rapide de sa carrière.
The Big Sleep a jeté les bases de son statut d’icône du film noir. Elle serait fortement associée au genre pour le reste de sa carrière et serait souvent interprétée comme des variations du personnage de femme fatale indépendante et sensuelle de Vivian qu'elle jouait dans le film. Comme le décrit le spécialiste du cinéma Joe McElhaney, "Vivian affiche une maîtrise presque totale du mouvement et des gestes. Elle ne rampe jamais."
Bacall a joué avec Bogart dans deux autres films. Dans Dark Passage (1947), un autre film noir, elle incarne une énigmatique artiste de San Francisco. "Miss Bacall - génère beaucoup de pression en tant que fille aux yeux perçants et qui sait ce qu'elle veut", a écrit Bosley Crowther du New York Times à propos de sa performance. Et, en 1948, elle était dans le film à suspense mélodramatique de John Huston, Key Largo, avec Bogart et Edward G. Robinson. Dans le film, selon la critique de cinéma Jessica Kiang, "Bacall apporte au rôle une touche d'ambivalence et d'indépendance qui rend son personnage beaucoup plus intéressant que ce qui était écrit."
années 1950
Bacall a refusé des scénarios qu'elle ne trouvait pas intéressants et a ainsi acquis la réputation d'être difficile. Malgré cela, elle consolida encore davantage son statut de star dans les années 1950 en apparaissant comme la protagoniste d’une série de films qui remportèrent des critiques favorables.
Bacall a été choisi aux côtés de Gary Cooper dans Bright Leaf (1950). La même année, elle incarne une femme fatale à deux visages dans Young Man with a Horn (1950), une comédie musicale de jazz avec Kirk Douglas, Doris Day et Hoagy Carmichael.
De 1951 à 1952, Bacall a partagé la vedette avec Bogart dans la série radiophonique d'action-aventure souscrite Bold Venture.
En 1953, elle joue dans la comédie CinemaScope Comment épouser un millionnaire, un succès fulgurant parmi les critiques et au box-office. Réalisé par Jean Negulesco et avec Marilyn Monroe et Betty Grable, Bacall a reçu des avis positifs pour son tour dans le rôle de Schatze Page, une chercheuse d'or pleine d'esprit. "Les premiers honneurs en matière de propagation de la gaieté reviennent à Miss Bacall", a écrit Alton Cook dans le New York World-Telegram & Sun. "La plus intelligente et la plus prédatrice du trio, elle prend le contrôle total de chaque scène avec sa prestation acide de répliques vicieusement pleines d'esprit."
Après le succès de Comment épouser un millionnaire, on lui a proposé, mais elle a refusé, avec le soutien de Bogart, l'invitation convoitée du Grauman's Chinese Theatre à presser ses empreintes de mains et de pieds dans la cour cimentée du théâtre. Mais elle avait estimé à l'époque que "toute personne possédant une photo d'ouverture pouvait y être représentée, les normes avaient été tellement abaissées". Elle ne pensait pas avoir encore atteint le statut de grande star et était donc indigne de cet honneur : "Je veux sentir que j'ai mérité ma place parmi ce que mon entreprise a produit de meilleur."
À l’époque, Bacall était encore sous contrat avec la 20th Century Fox. Après Comment épouser un millionnaire, elle apparut dans une autre comédie CinemaScope réalisée par Jean Negulesco, Le Monde de la femme (1954), qui ne parvint pas à égaler le succès de son prédécesseur au box-office.
En 1955, une version télévisée du film révolutionnaire de Bogart, The Petrified Forest, a été jouée en direct dans Producers' Showcase, une anthologie dramatique hebdomadaire, mettant en vedette Bogart dans le rôle de Duke Mantee, Henry Fonda dans le rôle d'Alan et Bacall dans le rôle de Gabrielle, le rôle joué à l'origine. dans le film de 1936 de Bette Davis. Bogart avait initialement joué le rôle à Broadway avec la star du film suivant, Leslie Howard, qui avait assuré une carrière cinématographique à Bogart en insistant pour que Warner Bros. le jette dans le film à la place d'Edward G. Robinson ; Bogart et Bacall ont nommé leur fille « Leslie Howard Bogart » en signe de gratitude.
À la fin des années 1990, Bacall a fait don du seul kinéscope connu de la performance de 1955 au Museum Of Television & Radio (maintenant le Paley Center for Media), où il reste archivé pour être visionné à New York et à Los Angeles.
En 1955, Bacall a joué dans deux longs métrages, The Cobweb et Blood Alley. Réalisé par Vincente Minnelli, The Cobweb se déroule dans un établissement psychiatrique dans lequel le personnage de Bacall travaille comme thérapeute. C'était sa deuxième collaboration avec Charles Boyer et mettait également en vedette Richard Widmark et Lillian Gish. "Dans les deux seuls rôles vraiment sympathiques, M. Widmark est excellent et Miss Bacall sous-estime astucieusement", écrit le New York Times.
De nombreux spécialistes du cinéma considèrent Written on the Wind, réalisé par Douglas Sirk en 1956, comme une œuvre phare du genre mélodrame. Aux côtés de Rock Hudson, Dorothy Malone et Robert Stack, Bacall incarne une femme de carrière dont la vie est bouleversée de manière inattendue par une famille de magnats du pétrole. Bacall a écrit dans son autobiographie qu'elle ne pensait pas beaucoup au rôle, mais que les critiques étaient favorables. A écrit Variety, "Bacall s'inscrit fortement comme une fille sensée entraînée dans la folie de la famille pétrolière".
Alors qu'il luttait à la maison contre le cancer de l'œsophage de Bogart, Bacall a joué avec Gregory Peck dans Designing Woman et a reçu de solides critiques. La comédie musicale était son deuxième long métrage avec le réalisateur Vincente Minnelli et sortit à New York le 16 mai 1957, quatre mois après la mort de Bogart le 14 janvier.
Bacall est apparu dans deux autres films dans les années 1950 : le mélodrame réalisé par Jean Negulesco, The Gift of Love (1958), avec Robert Stack ; et le film d'aventure North West Frontier (1959), qui fut un succès au box-office.
Années 1960 et 1970
La carrière cinématographique de Bacall a décliné dans les années 1960 et elle n'a été vue que dans une poignée de films. Elle a joué à Broadway dans Goodbye, Charlie en 1959 et a connu une carrière réussie sur scène dans Cactus Flower (1965), Applause (1970) et Woman of the Year (1981). Elle a remporté des Tony Awards pour ses performances dans les deux derniers.
Applause était une version musicale du film All About Eve, dans lequel Bette Davis avait joué le rôle de la diva de la scène Margo Channing. Selon l'autobiographie de Bacall, elle et une petite amie ont eu l'opportunité en 1940 de rencontrer son idole Bette Davis à l'hôtel Davis. Des années plus tard, Davis a rendu visite à Bacall dans les coulisses pour la féliciter pour sa performance dans Applause. Davis a dit à Bacall: "Vous êtes le seul à pouvoir jouer ce rôle."
Les quelques films réalisés par Bacall pendant cette période étaient des véhicules de stars tels que Sex and the Single Girl (1964) avec Henry Fonda, Tony Curtis et Natalie Wood ; Harper (1966) avec Paul Newman, Shelley Winters, Julie Harris, Robert Wagner et Janet Leigh ; et Meurtre sur l'Orient Express (1974), avec Ingrid Bergman, Albert Finney, Vanessa Redgrave, Martin Balsam et Sean Connery.[http://www.imdb.com/name/nm0000002/?ref_
nv_sr_1 Lauren Bacall - IMDb] Récupéré le 13/08/2015
En 1964, elle est apparue dans deux épisodes de Mr. Broadway de Craig Stevens : d'abord dans "Take a Walk Through a Cemetery", avec son mari d'alors, Jason Robards, Jr., et plus tard dans le rôle de Barbara Lake dans l'épisode "Something to Sing About", avec la future co-star Balsam.
Pour son travail au théâtre de Chicago, Bacall a remporté le prix Sarah Siddons en 1972, puis à nouveau en 1984.
En 1976, elle partage la vedette avec John Wayne dans son dernier film, The Shootist. Les deux hommes sont devenus amis, malgré d’importantes différences politiques entre eux. Ils avaient déjà travaillé ensemble dans Blood Alley (1955).
Carrière ultérieure
Au cours des années 1980, Bacall est apparu dans le véhicule vedette mal reçu The Fan (1981), ainsi que dans certains films de stars tels que Health de Robert Altman (1980) et Appointment with Death de Michael Winner (1988). En 1990, elle a joué un petit rôle dans Misery, mettant en vedette Kathy Bates et James Caan.
En 1997, Bacall a été nominée pour l'Oscar de la meilleure actrice dans un second rôle pour son rôle dans The Mirror Has Two Faces (1996), sa première nomination après une carrière de plus de cinquante ans. Bacall avait déjà remporté un Golden Globe et était largement attendu pour remporter l'Oscar, mais il a perdu face à Juliette Binoche pour Le Patient anglais.
Bacall a reçu le Kennedy Center Honors en 1997 et, en 1999, elle a été élue l'une des 25 stars féminines de cinéma les plus importantes de l'histoire par l'American Film Institute. Sa carrière cinématographique a connu une sorte de renaissance et elle a attiré des critiques respectueuses pour ses performances dans des projets de grande envergure tels que Dogville (2003), Birth (2004), tous deux avec Nicole Kidman, et dans "Howl's Moving Castle" (2004), en tant que sorcière des déchets. Elle a joué un rôle principal dans The Walker de Paul Schrader (2007).
En 1999, Bacall a joué à Broadway dans une reprise de Waiting in the Wings de Noël Coward.
Ses activités commerciales dans les années 2000 comprenaient le fait d'être porte-parole de la chaîne discount Tuesday Morning (les publicités la montraient dans une limousine attendant l'ouverture du magasin au début de l'un de leurs événements de vente) et la production d'une ligne de bijoux avec la société Weinman Brothers. Elle était auparavant porte-parole célèbre de la nourriture pour chats High Point (café) et Fancy Feast. En mars 2006, Bacall a été vu à la 78e cérémonie annuelle des Oscars, présentant un montage cinématographique dédié au film noir. Elle a fait une apparition dans son propre rôle dans Les Sopranos, dans l'épisode d'avril 2006, "Luxury Lounge", au cours duquel elle a été agressée par Chris Moltisanti (joué par Michael Imperioli).
En septembre 2006, Bacall a reçu la première médaille Katharine Hepburn, qui récompense « les femmes dont la vie, le travail et les contributions incarnent l'intelligence, le dynamisme et l'indépendance de l'actrice quatre fois oscarisée », décernée par le Katharine Houghton Hepburn Center du Bryn Mawr College. . Elle a prononcé un discours lors du service commémoratif d'Arthur M. Schlesinger, Jr. au Reform Club de Londres en juin 2007. Elle a terminé son rôle dans The Forger en 2009.
Bacall a été sélectionné par l'Académie des arts et des sciences du cinéma pour recevoir un Oscar d'honneur. Le prix a été remis lors de la première cérémonie des Governors Awards le 14 novembre 2009.
En juillet 2013, Bacall a exprimé son intérêt pour le rôle principal dans le film Trouble Is My Business. En novembre, elle rejoint le casting du doublage anglais du film d'animation Ernest et Célestine de StudioCanal. Son dernier rôle remonte à 2014 : une apparition vocale dans l'épisode de la douzième saison de Family Guy "Mom's the Word".
Vie privée
Relations et famille
Le 21 mai 1945, Bacall épousa l'acteur Humphrey Bogart. Leur mariage et leur lune de miel ont eu lieu à Malabar Farm, Lucas, Ohio, la maison de campagne de l'auteur lauréat du prix Pulitzer Louis Bromfield, un ami proche de Bogart. Le mariage a eu lieu dans la Grande Maison.
Bacall avait 20 ans et Bogart 45 ans ; ainsi, elle était surnommée « Bébé ». Ils sont restés mariés jusqu'à la mort de Bogart d'un cancer de l'œsophage en 1957. Pressée par l'intervieweur Michael Parkinson de parler de son mariage avec Bogart et interrogée sur sa réticence notable à le faire, elle a répondu qu '«être veuve n'est pas une profession». Lors du tournage de The African Queen (1951), Bacall et Bogart se lient d'amitié avec Katharine Hepburn et Spencer Tracy. Elle a commencé à fréquenter des cercles non-acteurs, se liant d'amitié avec l'historien Arthur Schlesinger, Jr. et le journaliste Alistair Cooke. En 1952, elle prononça des discours de campagne pour le candidat démocrate à la présidentielle Adlai Stevenson. Avec d’autres personnalités hollywoodiennes, Bacall était un farouche opposant au maccarthysme.
Peu de temps après la mort de Bogart en 1957, Bacall entretint une relation avec le chanteur et acteur Frank Sinatra. Lors d'une interview avec Robert Osborne de Turner Classic Movies, Bacall a déclaré qu'elle avait mis fin à la romance, mais dans son autobiographie, elle a écrit que Sinatra avait brusquement mis fin à la relation après s'être mise en colère parce que l'histoire de sa proposition à Bacall avait atteint la presse. Lorsque Bacall était sortie avec son ami Irving Paul Lazar, ils ont rencontré la chroniqueuse de potins Louella Parsons, à qui Lazar a révélé les détails de la proposition.
Bacall a rencontré plus tard l'acteur Jason Robards. Leur mariage devait initialement avoir lieu à Vienne, en Autriche, le 16 juin 1961 ; cependant, les projets ont été abandonnés après que les autorités autrichiennes ont refusé d'accorder au couple une licence de mariage. Ils se sont également vu refuser un mariage à Las Vegas, Nevada. Le 4 juillet 1961, le couple se rendit à Ensenada, au Mexique, où ils se marièrent. Le couple a divorcé en 1969. Selon l'autobiographie de Bacall, elle a divorcé de Robards principalement à cause de son alcoolisme.
Bacall a eu deux enfants avec Bogart et un avec Robards. Son fils Stephen Humphrey Bogart (né le 6 janvier 1949) est un producteur de nouvelles, un réalisateur de documentaires et un auteur nommé d'après le personnage de Bogart dans « To Have and Have Not ». Sa fille Leslie Howard Bogart (née le 23 août 1952) porte le nom de l'acteur Leslie Howard. Infirmière et professeur de yoga, elle est mariée à Erich Schiffmann. Dans ses mémoires de 1995, Stephen Bogart a écrit : « Ma mère était une juive non pratiquante, et mon père était un épiscopalien non pratiquant », et que lui et sa sœur avaient été élevés épiscopaliens « parce que ma mère pensait que cela rendrait la vie plus facile pour Leslie et moi pendant cette période. ces années qui ont suivi la Seconde Guerre mondiale. Sam Robards (né le 16 décembre 1961), le fils de Bacall avec Robards, est un acteur.
Bacall a écrit deux autobiographies, Lauren Bacall By Myself (1978) et Now (1994). En 2006, le premier volume de Lauren Bacall By Myself a été réimprimé sous le titre By Myself and Then Some avec un chapitre supplémentaire.
Opinions politiques
Bacall était une fervente démocrate libérale et a proclamé ses opinions politiques à de nombreuses reprises. Bacall et Bogart faisaient partie des quelque 80 personnalités hollywoodiennes à envoyer un télégramme pour protester contre les enquêtes du House Un-American Activities Committee sur les « Américains soupçonnés de communisme ». Le télégramme indiquait qu'enquêter sur les convictions politiques des individus violait les principes fondamentaux de la démocratie américaine. En octobre 1947, Bacall et Bogart se rendirent à Washington, D.C., avec un certain nombre d'autres stars hollywoodiennes, au sein d'un groupe qui se faisait appeler le Comité pour le premier amendement (CFA), qui comprenait également Danny Kaye, John Garfield, Gene Kelly, John Huston, Ira Gershwin et Jane Wyatt.
Elle est apparue aux côtés d'Humphrey Bogart sur une photographie imprimée à la fin d'un article qu'il a écrit, intitulé "Je ne suis pas communiste", dans l'édition de mai 1948 du magazine Photoplay, écrit pour contrecarrer la publicité négative résultant de sa comparution devant le comité de la Chambre. Bogart et Bacall ont pris leurs distances avec les Dix d'Hollywood et ont déclaré : « Nous sommes à peu près aussi favorables au communisme que J. Edgar Hoover. »
Bacall a fait campagne pour le candidat démocrate Adlai Stevenson lors de l'élection présidentielle de 1952, l'accompagnant dans des cortèges avec Bogart et volant vers l'est pour aider dans les derniers tours de la campagne de Stevenson à New York et Chicago. Elle a également fait campagne pour Robert Kennedy lors de sa candidature au Sénat américain en 1964.
Dans une interview accordée en 2005 à Larry King, Bacall s'est décrite comme « anti-républicaine… libérale. Le mot en L ». Elle a ajouté qu '"être libéral est la meilleure chose que l'on puisse être au monde. Lorsque l'on est libéral, on est accueillant envers tout le monde. On n'a pas un petit esprit".
La mort
Lauren Bacall est décédée le 12 août 2014 dans son appartement de longue date du Dakota, l'immeuble de l'Upper West Side surplombant Central Park à Manhattan. Elle avait 89 ans, soit cinq semaines avant son 90e anniversaire. Selon son petit-fils Jamie Bogart, l'actrice est décédée des suites d'un grave accident vasculaire cérébral. Son décès a été confirmé à l'hôpital presbytérien de New York. Elle est enterrée au Forest Lawn Memorial Park à Glendale, en Californie.
Bacall avait une succession estimée à 26,6 millions de dollars et, dans son testament, elle a laissé 10 000 $ à son plus jeune fils, Sam Robards, pour qu'il prenne soin de son chien, Sophie. Bacall a également laissé de l'argent à deux de ses employées, Ilsa Hernandez et Maria Santos ; Hernandez a reçu 15 000 $ tandis que Santos a reçu 20 000 $. Bacall a laissé 250 000 $ chacun à ses plus jeunes petits-fils, les fils de Sam Robards pour l'université, et la majeure partie de sa succession a été partagée entre ses trois enfants : Leslie Bogart, Stephen Humphrey Bogart et Sam Robards. Elle possédait des œuvres d'art de plusieurs artistes, dont John James Audubon, Max Ernst, David Hockney, Henry Moore et Jim Dine.
L'Institut suédois du cinéma de Gärdet, Östermalm à Stockholm lui a rendu hommage avec une soirée spéciale trois mois après sa mort, le 12 novembre 2014. Le magazine Life a publié une édition spéciale sur sa vie. Et Turner Classic Movies (TCM) lui a rendu deux hommages télévisés, l'un raconté par Kelsey Grammer et l'autre raconté par Gregory Peck, un de ses amis depuis l'âge de dix-sept ans.
Dans une interview de 1996, Bacall, réfléchissant à sa vie, a déclaré à l'intervieweur qu'elle avait eu de la chance : « J'ai eu un mariage formidable, j'ai trois grands enfants et quatre petits-enfants. Je suis encore vivant. Je peux encore fonctionner. Je peux encore travailler », ajoutant : « Vous apprenez simplement à faire face à tout ce à quoi vous devez faire face. J'ai passé mon enfance à New York, dans le métro et les bus. Et vous savez ce que vous apprenez si vous êtes New-Yorkais ? Le monde ne vous doit rien.
Filmographie
Apparitions à la radio
Livres
* Lauren Bacall par moi-même (1978)
*Maintenant (1994)
* Par moi-même et ensuite certains (2005)
Récompenses et nominations
* 1967 : Femme au Pudding Hasty de l'Année
* 1970 Tony Award de la meilleure actrice dans une comédie musicale, applaudissements
* Prix Sarah Siddons de l'actrice de l'année 1972
* 1980 National Book Award dans la catégorie un an : Autobiographie[http://www.nationalbook.org/nba1980.html "National Book Awards – 1980"], nationalbook.org ; récupéré le 16 mars 2012. Il s'agissait du prix de 1980 pour l'autobiographie à couverture rigide. De 1980 à 1983, dans l'histoire du National Book Award, il y a eu deux prix pour les livres reliés et de poche dans la plupart des catégories, ainsi que plusieurs sous-catégories de non-fiction. La plupart des livres de poche primés étaient des réimpressions, y compris l'Autobiographie de 1980.
* 1981 Tony Award de la meilleure actrice dans une comédie musicale, femme de l'année
* Prix Sarah Siddons de l'actrice de l'année 1984
* Prix George Eastman 1990
* Prix Donostia 1992 (honoraire)
* Prix Golden Globe Cecil B. DeMille 1993
* 1994 National Board of Review Award pour la meilleure distribution, Prêt-à-Porter : Prêt-à-porter
* César d'honneur 1996
* Festival international du film de Berlin 1997, Berlinale Camera
* 1997 Screen Actors Guild Award pour la performance exceptionnelle d'une actrice dans un second rôle, Le miroir a deux visages
* 1997 Golden Globe Award de la meilleure actrice dans un second rôle – Film, Le miroir a deux visages
* 1997, San Diego Film Critics Society Award de la meilleure actrice dans un second rôle, Le miroir a deux visages
* Honneurs du Kennedy Center 1997
* Prix pour l'ensemble de sa carrière au Festival international du film de Stockholm 2000
* Prix pour l'ensemble de sa carrière au Festival international du film norvégien 2007
* Prix d'honneur de l'Académie 2009 en reconnaissance de sa place centrale dans l'âge d'or du cinéma.
;Nominations
* 1977 BAFTA Award de la meilleure actrice dans un rôle principal, The Shootist
* 1980 Primetime Emmy Award pour l'actrice principale exceptionnelle dans une série dramatique, The Rockford Files
* 1997 BAFTA Award de la meilleure actrice dans un second rôle, Le miroir a deux visages
* 1997 Oscar de la meilleure actrice dans un second rôle, Le Miroir a deux visages
En 1991, Bacall a reçu une étoile sur le Hollywood Walk of Fame au 1724 Vine Street. En 1997, une Golden Palm Star sur le Walk of Stars de Palm Springs, en Californie, lui a été dédiée. En 1998, Bacall a été intronisé au American Theatre Hall of Fame.
Dans la culture populaire
Film
* Le téléfilm de 1980, Bogie, réalisé par Vincent Sherman et basé sur un livre de Joe Hyams, raconte l'histoire de Bogart rencontrant Bacall alors qu'il tournait To Have and Have Not en 1943, et commençant la liaison avec elle qui conduisit à la dissolution de Le mariage de Bogart avec Mayo Methot. Bacall est interprété par Kathryn Harrold dans le film, Kevin O'Connor joue Bogart et Methot est joué par Ann Wedgeworth.
Animation
* Bacall et Bogart sont parodiés dans le court métrage Bacall to Arms (1946) de Warner Brothers Merrie Melodies.
Musique
* Bacall et Bogart sont référencés dans la chanson "Key Largo" de Bertie Higgins (1981).
* Bacall est référencé dans la chanson "Car Jamming" de The Clash (1982).
* Bacall et Bogart sont référencés dans la chanson "Freeze Tag" de Suzanne Vega (1985).
* Elle est référencée dans "Vogue", la chanson de Madonna de 1990. Bacall fut le dernier à mourir parmi les célébrités mentionnées.
* Elle fait l'objet de la chanson "Just Like Lauren Bacall" (2008), écrite par Kevin Roth.
Livres
* Bacall et son appartement de Manhattan sont présentés dans The Dakota Scrapbook (2014), un volume de photojournalisme sur l'histoire de l'immeuble Dakota à New York et de ses célèbres résidents au fil des ans.
Homonyme des Îles Marshall
* La ville de Laura, sur l'île de Majuro dans les Îles Marshall, est l'une des nombreuses villes insulaires portant le nom de code de célèbres pin-ups des forces américaines de la Seconde Guerre mondiale. | http://www.triviacountry.com/ |
Quel était le nom de l'autobiographie de Michael Jackson écrite en 1988 ? | Moonwalk | [
"En 1988, Jackson a publié sa seule autobiographie, Moonwalk, qui a duré quatre ans et s'est vendu à 200 000 exemplaires. Il a écrit sur son enfance, les Jackson 5 et les abus qu'il a subis. Il a également écrit sur son changement d'apparence faciale, l'attribuant à la puberté, à la perte de poids, à un régime végétarien strict, à un changement de coiffure et à l'éclairage de la scène. Moonwalk a atteint la première place sur la liste des best-sellers du New York Times. Jackson a sorti un film, Moonwalker, qui présentait des images en direct et des courts métrages mettant en vedette Jackson et Joe Pesci. En raison de problèmes financiers, le film n'est sorti en salles qu'en Allemagne ; sur d'autres marchés, il a été diffusé directement en vidéo. Il a fait ses débuts au sommet du classement Billboard Top Music Video Cassette, y restant pendant 22 semaines. Il a finalement été détrôné par Michael Jackson : The Legend Continues."
] | Michael Joseph Jackson (29 août 1958 – 25 juin 2009) était un chanteur, auteur-compositeur, producteur de disques, danseur et acteur américain. Surnommé le roi de la pop, ses contributions à la musique, à la danse et à la mode ainsi que sa vie personnelle médiatisée ont fait de lui une figure mondiale de la culture populaire pendant plus de quatre décennies.
Huitième enfant de la famille Jackson, Michael a fait ses débuts professionnels en 1964 avec ses frères aînés Jackie, Tito, Jermaine et Marlon en tant que membre des Jackson 5, et a commencé sa carrière solo en 1971. Au début des années 1980, Jackson est devenu une figure dominante de la musique populaire. Ses vidéoclips, dont ceux de "Beat It", "Billie Jean" et "Thriller" de son album Thriller de 1982, sont reconnus pour avoir brisé les barrières raciales et transformé le médium en une forme d'art et un outil promotionnel. La popularité de ces vidéos a contribué à la renommée de la chaîne de télévision MTV. L'album de Jackson en 1987, Bad, a donné naissance aux singles numéro un du Billboard Hot 100 américain " I Just Can't Stop Loving You ", " Bad ", " The Way You Make Me Feel ", " Man in the Mirror " et " Dirty Diana ". , devenant ainsi le premier album à avoir cinq singles numéro un sur le Billboard Hot 100. Il a continué à innover avec des vidéos telles que "Black or White" et "Scream" tout au long des années 1990 et s'est forgé une réputation d'artiste solo en tournée. À travers des performances scéniques et vidéo, Jackson a popularisé un certain nombre de techniques de danse complexes, telles que le robot et le moonwalk, auxquels il a donné son nom. Son son et son style distinctifs ont influencé de nombreux artistes de divers genres musicaux.
Thriller est l'album le plus vendu de tous les temps, avec des ventes estimées à 65 millions d'exemplaires dans le monde. Les autres albums de Jackson, dont Off the Wall (1979), Bad (1987), Dangerous (1991) et HIStory (1995), figurent également parmi les albums les plus vendus au monde. Il est reconnu comme l'artiste le plus titré de tous les temps par le Guinness World Records. Jackson est l'un des rares artistes à avoir été intronisé deux fois au Rock and Roll Hall of Fame, et a également été intronisé au Songwriters Hall of Fame et au Dance Hall of Fame en tant que seul danseur de la musique pop et rock. Ses autres réalisations incluent plusieurs Guinness World Records, 13 Grammy Awards, le Grammy Legend Award, le Grammy Lifetime Achievement Award, 26 American Music Awards – plus que tout autre artiste – y compris « l'Artiste du siècle » et « l'Artiste des années 1980 ». , 13 singles numéro un aux États-Unis au cours de sa carrière solo, soit plus que tout autre artiste masculin de l'ère Hot 100, et des ventes estimées à plus de 400 millions de disques dans le monde. Jackson a remporté des centaines de prix, faisant de lui l'artiste le plus récompensé de l'histoire de la musique populaire. Il est devenu le premier artiste de l'histoire à figurer dans le top 10 du Billboard Hot 100 au cours de cinq décennies différentes lorsque "Love Never Felt So Good" a atteint la neuvième place le 21 mai 2014. Jackson a parcouru le monde pour assister à des événements honorant son humanisme et , en 2000, le Guinness World Records l'a reconnu pour son soutien à 39 œuvres caritatives, plus que tout autre artiste.
Certains aspects de la vie personnelle de Jackson, notamment son apparence changeante, ses relations personnelles et son comportement, ont suscité la controverse. En 1993, il a été accusé d'abus sexuels sur des enfants, mais l'affaire civile a été réglée à l'amiable pour un montant non divulgué et aucune accusation formelle n'a été portée. En 2005, il a été jugé et acquitté de nouvelles allégations d'abus sexuels sur des enfants et de plusieurs autres chefs d'accusation après que le jury l'a déclaré non coupable de tous les chefs d'accusation. Alors qu'il se préparait pour sa série de concerts de retour, This Is It, Jackson est décédé d'une intoxication aiguë au propofol et aux benzodiazépines le 25 juin 2009, après avoir souffert d'un arrêt cardiaque. Le coroner du comté de Los Angeles a qualifié sa mort d'homicide et son médecin personnel, Conrad Murray, a été reconnu coupable d'homicide involontaire. La mort de Jackson a déclenché une vague mondiale de chagrin et une retransmission en direct de son service commémoratif public a été vue dans le monde entier. Forbes classe Jackson comme la célébrité décédée la mieux rémunérée, un titre détenu pour la sixième année consécutive, avec 115 millions de dollars de revenus.
vie et carrière
1958-1975 : Les débuts de la vie et les Jackson 5
Michael Joseph Jackson est né le 29 août 1958. Il était le huitième de dix enfants d'une famille afro-américaine de la classe ouvrière vivant dans une maison de deux chambres sur Jackson Street à Gary, Indiana, une ville industrielle et une partie de la région de Chicago. Zone métropolitaine. Sa mère, Katherine Esther Scruse, était une fervente Témoin de Jéhovah. Elle jouait de la clarinette et du piano et aspirait autrefois à devenir une artiste country et western, mais elle travaillait à temps partiel chez Sears pour subvenir aux besoins de la famille. Le père de Michael, Joseph Walter « Joe » Jackson, un ancien boxeur, était métallurgiste chez US Steel. Joe a également joué de la guitare avec un groupe de rythme et de blues local, les Falcons, pour compléter le revenu du ménage familial. Michael a grandi avec trois sœurs (Rebbie, La Toya et Janet) et cinq frères (Jackie, Tito, Jermaine, Marlon et Randy). Un sixième frère, Brandon, le jumeau de Marlon, est décédé peu de temps après sa naissance.
Jackson avait une relation difficile avec son père, Joe. En 2003, Joe a reconnu qu'il le fouettait régulièrement lorsqu'il était enfant. Joe aurait également abusé verbalement son fils, disant souvent qu'il avait un "gros nez". Jackson a déclaré qu'il avait été maltraité physiquement et émotionnellement lors des répétitions incessantes, bien qu'il attribue à la discipline stricte de son père le rôle important dans son succès. Dans une interview avec Martin Bashir pour le documentaire Living with Michael Jackson de 2003, Jackson a rappelé que Joe était souvent assis sur une chaise avec une ceinture à la main pendant que lui et ses frères et sœurs répétaient, et que « si vous ne le faisiez pas de la bonne manière , il te déchirerait, t'aurait vraiment."
Les parents de Jackson ont contesté les allégations d'abus de longue date, Katherine déclarant que même si le fouet est considéré aujourd'hui comme un abus, c'était une manière courante de discipliner les enfants à l'époque. Jackie, Tito, Jermaine et Marlon ont également déclaré que leur père n'était pas violent et que les coups de fouet, qui étaient plus durs pour Michael parce qu'il était plus jeune, les maintenaient disciplinés et à l'abri des ennuis. Parlant ouvertement de son enfance dans une interview avec Oprah Winfrey diffusée en février 1993, Jackson a reconnu que sa jeunesse avait été solitaire et isolée. Son profonde insatisfaction à l'égard de son apparence, ses cauchemars et ses problèmes de sommeil chroniques, sa tendance à rester hyper-compliant, notamment avec son père, et à rester enfantin tout au long de sa vie d'adulte sont cohérents avec les effets des mauvais traitements qu'il a subis lorsqu'il était jeune enfant.
En 1964, Michael et Marlon rejoignirent les Jackson Brothers, un groupe formé par leur père et qui comprenait les frères Jackie, Tito et Jermaine, en tant que musiciens suppléants jouant des congas et du tambourin. En 1965, Jackson a commencé à partager le chant principal avec son frère aîné Jermaine, et le nom du groupe a été changé pour Jackson 5. L'année suivante, le groupe a remporté un important spectacle de talents local avec Jackson interprétant la danse sur le tube de Robert Parker de 1965 "Barefootin' ". De 1966 à 1968, le groupe fait une tournée dans le Midwest, se produisant fréquemment dans une série de clubs noirs connus sous le nom de « circuit chitlin » en première partie d'artistes tels que Sam & Dave, les O'Jays, Gladys Knight et Etta James. Les Jackson 5 se sont également produits dans des clubs et des salons à cocktails, où des spectacles de strip-tease et d'autres numéros pour adultes étaient présentés, ainsi que dans des auditoriums locaux et des bals de lycée. En août 1967, lors d'une tournée sur la côte Est, le groupe remporte un concert nocturne amateur hebdomadaire au Apollo Theatre de Harlem.
Les Jackson 5 ont enregistré plusieurs chansons, dont "Big Boy" (1968), leur premier single, pour Steeltown Records, un label de Gary, Indiana, avant de signer avec Motown en 1969. Ils ont quitté Gary en 1969 et ont déménagé à Los Angeles. région, où ils ont continué à enregistrer de la musique pour Motown. Rolling Stone a décrit plus tard le jeune Michael comme « un prodige » doté de « dons musicaux écrasants » qui « est rapidement devenu le principal attrait et le chanteur principal ». Le groupe a établi un record avec ses quatre premiers singles : "I Want You Back" (1969), "ABC" (1970), "The Love You Save" (1970) et "I'll Be There" (1970). - a culminé au numéro un du Billboard Hot 100. En mai 1971, la famille Jackson a emménagé dans une grande maison sur un domaine de deux acres à Encino, en Californie. Au cours de cette période, Michael est passé du statut d’enfant artiste à celui d’idole des adolescents. Alors que Jackson commençait à émerger en tant qu'artiste solo au début des années 1970, il entretenait des liens avec les Jackson 5 et la Motown. Entre 1972, date du début de sa carrière solo, et 1975, Michael a sorti quatre albums studio solo avec Motown : Got to Be There (1972), Ben (1972), Music & Me (1973) et Forever, Michael (1975). "Got to Be There" et "Ben", les titres de ses deux premiers albums solo, sont tous deux devenus des singles à succès, tout comme une reprise de "Rockin' Robin" de Bobby Day.
Les Jackson 5 ont ensuite été décrits comme « un exemple avant-gardiste d’artistes noirs crossover ». Bien que les ventes du groupe aient commencé à décliner en 1973 et que les membres du groupe soient irrités par le refus de la Motown de leur permettre une contribution créative, ils ont réalisé plusieurs succès dans le top 40, dont le top cinq "Dancing Machine" (1974), avant de quitter la Motown en 1975.
1975-1981 : passer à Epic et Off the Wall
En juin 1975, les Jackson 5 signent avec Epic Records, une filiale de CBS Records, et se rebaptisent les Jacksons. Le frère cadet Randy a officiellement rejoint le groupe à cette époque, tandis que Jermaine a choisi de rester avec Motown et de poursuivre une carrière solo. Les Jacksons ont continué à tourner à l'international et ont sorti six autres albums entre 1976 et 1984. Michael, l'auteur-compositeur principal du groupe à cette époque, a écrit des tubes tels que "Shake Your Body (Down to the Ground)" (1979), "This Place Hotel " (1980) et " Can You Feel It " (1980).
Son travail au cinéma a commencé en 1978, lorsqu'il a joué le rôle de l'Épouvantail dans The Wiz, une comédie musicale réalisée par Sidney Lumet qui mettait également en vedette Diana Ross, Nipsey Russell et Ted Ross. Le film fut un échec au box-office. Alors qu'il travaillait sur le film, Jackson a rencontré le producteur Quincy Jones, même si ce n'était pas la première fois qu'ils se rencontraient (ils se sont rencontrés pour la première fois quand Michael avait 12 ans, chez Sammy Davis Jr.). Jones arrangeait la musique du film et accepta de produire le prochain album solo de Jackson, Off the Wall. En 1979, Jackson s'est cassé le nez lors d'un numéro de danse complexe. Sa rhinoplastie ultérieure ne fut pas un succès complet ; il se plaignait de difficultés respiratoires qui allaient affecter sa carrière. Il a été référé au Dr Steven Hoefflin, qui a réalisé la deuxième rhinoplastie de Jackson et les opérations ultérieures.
Off the Wall (1979), coproduit par Jones et Jackson, a établi Jackson en tant qu'artiste solo. L'album a aidé Jackson à passer de la pop bubblegum de sa jeunesse aux sons plus complexes qu'il créerait en tant qu'adulte. Les auteurs-compositeurs de l'album comprenaient Jackson, Rod Temperton, Stevie Wonder et Paul McCartney. Off the Wall a été le premier album solo à générer quatre succès dans le top 10 aux États-Unis : " Off the Wall ", " She's Out of My Life " et les singles en tête des charts " Don't Stop 'Til You Get Enough ". et "Rock avec toi". L'album atteint la troisième place du Billboard 200 et se vend finalement à plus de 20 millions d'exemplaires dans le monde. En 1980, Jackson a remporté trois prix aux American Music Awards pour ses efforts solo : album Soul/R&B préféré, artiste masculin Soul/R&B préféré et single Soul/R&B préféré pour "Don't Stop 'Til You Get Enough". Il a également remporté les prix Billboard Year-End pour le meilleur artiste noir et le meilleur album noir, ainsi qu'un Grammy Award pour la meilleure performance vocale R&B masculine en 1979 avec "Don't Stop 'Til You Get Enough". En 1981, Jackson a remporté les American Music Awards pour l'album Soul/R&B préféré et l'artiste masculin Soul/R&B préféré. Malgré son succès commercial, Jackson a estimé qu'Off the Wall aurait dû avoir un impact plus important et était déterminé à dépasser les attentes avec sa prochaine sortie. En 1980, il a obtenu le taux de redevances le plus élevé de l’industrie musicale : 37 % des bénéfices de gros des albums.
Jackson a enregistré avec le chanteur Queen Freddie Mercury de 1981 à 1983, y compris une démo de "State of Shock", "Victory" et "There Must Be More to Life Than This". Les enregistrements étaient destinés à un album de duos mais, selon Jim Beach, alors manager de Queen, la relation entre les chanteurs s'est détériorée lorsque Jackson a insisté pour amener un lama dans le studio d'enregistrement. Les collaborations n'ont été officiellement publiées qu'en 2014. Jackson a ensuite enregistré le single "State of Shock" avec Mick Jagger pour l'album Victory des Jacksons (1984). Mercury a inclus la version solo de "There Must Be More To Life Than This" sur son album Mr. Bad Guy (1985).
1982-1983 : Thriller et Motown 25 : Hier, aujourd'hui, pour toujours
En 1982, Jackson a combiné ses intérêts pour l'écriture de chansons et le cinéma lorsqu'il a contribué la chanson "Someone in the Dark" au livre d'histoires du film E.T. l'extraterrestre. La chanson, avec Quincy Jones comme producteur, a remporté un Grammy du meilleur enregistrement pour enfants en 1983.
Plus de succès est venu avec la sortie de son sixième album, Thriller, à la fin de 1982. L'album a valu à Jackson sept Grammys supplémentaires et huit American Music Awards, dont le Award of Merit, le plus jeune artiste à le remporter. C'était l'album le plus vendu au monde en 1983, et est devenu l'album le plus vendu de tous les temps aux États-Unis et l'album le plus vendu de tous les temps dans le monde, vendant un nombre estimé d'exemplaires. Il a dominé le classement Billboard 200 pendant 37 semaines et a été dans le top 10 des 200 pendant 80 semaines consécutives. C'était le premier album à contenir sept singles dans le top 10 du Billboard Hot 100, dont "Billie Jean", "Beat It" et "Wanna Be Startin' Somethin'". En décembre 2015, Thriller a été certifié pour 30 millions d'expéditions par la RIAA, ce qui en fait le seul album à réaliser cet exploit aux États-Unis. Thriller a remporté à Jackson et Quincy Jones le prix Grammy du producteur de l'année (non classique) en 1983. Il a également remporté l'album de l'année, avec Jackson comme artiste de l'album et Jones comme coproducteur, ainsi que la meilleure performance vocale pop. , Homme, récompense pour Jackson. "Beat It" a remporté le disque de l'année, avec Jackson comme artiste et Jones comme coproducteur, et le prix de la meilleure performance vocale rock masculine pour Jackson. "Billie Jean" a remporté à Jackson deux Grammy Awards, celui de la meilleure chanson R&B, avec Jackson comme auteur-compositeur, et celui de la meilleure performance vocale R&B masculine, comme artiste. Thriller a également remporté un autre Grammy pour le meilleur enregistrement technique – non classique en 1984, récompensant Bruce Swedien pour son travail sur l'album. Les AMA Awards de 1984 ont décerné à Jackson un prix du mérite et des AMA pour l'artiste masculin préféré, Soul/R&B, et l'artiste masculin préféré, Pop/Rock. "Beat It" a remporté les Jackson AMA pour la vidéo préférée, Soul/R&B, la vidéo préférée, Pop/Rock et le single préféré, Pop/Rock. Thriller lui a valu des AMA pour l'album préféré, Soul/R&B, et l'album préféré, Pop/Rock.
En plus de l'album, Jackson a sorti "Thriller", un clip vidéo de 14 minutes réalisé par John Landis, en 1983. Il "a défini les vidéoclips et a brisé les barrières raciales" sur Music Television Channel (MTV), une nouvelle chaîne de télévision de divertissement. à l'époque. En décembre 2009, la Bibliothèque du Congrès a sélectionné le clip vidéo « Thriller » pour l'inclure dans le National Film Registry. C'était l'un des 25 films désignés cette année-là comme « œuvres d'une importance durable pour la culture américaine » qui seraient « préservées pour toujours ». Depuis 2009, le « Thriller » sur le thème des zombies est le seul clip vidéo à avoir été inscrit au registre.
L'avocat de Jackson, John Branca, a noté que Jackson avait à ce moment-là le taux de redevances le plus élevé de l'industrie musicale : environ 2 $ pour chaque album vendu. Il réalisait également des bénéfices record grâce à la vente de ses enregistrements. La cassette vidéo du documentaire The Making of Michael Jackson's Thriller s'est vendue à plus de 350 000 exemplaires en quelques mois. L'époque voit l'arrivée de nouveautés telles que des poupées sur le modèle de Michael Jackson, apparues dans les magasins en mai 1984 au prix de 12 dollars. Le biographe J. Randy Taraborrelli écrit que « Thriller a cessé de se vendre comme un article de loisir – comme un magazine, un jouet, des billets pour un film à succès – et a commencé à se vendre comme un produit de base pour la maison. » En 1985, The Making of Michael Jackson's Thriller a remporté un Grammy pour le meilleur clip vidéo long format. Time a décrit l'influence de Jackson à cette époque comme "une star du disque, de la radio et du vidéo rock. Une équipe de sauvetage composée d'un seul homme pour le secteur de la musique. Un auteur-compositeur qui donne le ton pendant une décennie. Un danseur avec les pieds les plus chics de la rue. chanteur qui dépasse toutes les frontières des goûts, des styles et des couleurs". Le New York Times a écrit que « dans le monde de la musique pop, il y a Michael Jackson et il y a tout le monde ».
Le 25 mars 1983, Jackson a retrouvé ses frères pour une performance live enregistrée au Pasadena Civic Auditorium pour Motown 25: Yesterday, Today, Forever, une émission spéciale de NBC. L'émission a été diffusée le 16 mai 1983 devant un public estimé de téléspectateurs et mettait en vedette les Jacksons et d'autres stars de la Motown. On se souvient surtout du spectacle pour la performance solo de Jackson de "Billie Jean", qui a valu à Jackson sa première nomination aux Emmy. Vêtu d'une veste à paillettes noires distinctive et d'un gant de golf orné de strass, il a fait ses débuts avec son mouvement de danse emblématique, le moonwalk, que l'ancien danseur de Soul Train et membre de Shalamar, Jeffrey Daniel, lui avait enseigné trois ans plus tôt. Jackson a initialement refusé l'invitation à se produire au spectacle, estimant qu'il faisait trop de télévision à l'époque ; cependant, à la demande de Berry Gordy, Jackson a accepté de se produire en échange de temps pour faire une performance solo. Selon le journaliste de Rolling Stone, Mikal Gilmore, "Il y a des moments où vous savez que vous entendez ou voyez quelque chose d'extraordinaire... qui s'est produit cette nuit-là." La performance de Jackson a établi des comparaisons avec les apparitions d'Elvis Presley et des Beatles au Ed Sullivan Show. Anna Kisselgoff du New York Times écrivit plus tard : « Le moonwalk qu'il a rendu célèbre est une métaphore appropriée pour son style de danse. Comment s'y prend-il ? En tant que technicien, c'est un grand illusionniste, un véritable mime. Sa capacité à garder une jambe tendue pendant qu'il glisse tandis que l'autre se plie et semble marcher nécessite un timing parfait. Berry Gordy a déclaré à propos de la performance: "Dès le premier temps de Billie Jean, j'ai été hypnotisé, et quand il a fait son emblématique moonwalk, j'ai été choqué, c'était magique, Michael Jackson est entré en orbite et n'est jamais descendu."
1984-1985 : Pepsi, « We Are the World » et carrière dans les affaires
En novembre 1983, Jackson et ses frères se sont associés à PepsiCo dans le cadre d'un accord promotionnel de 5 millions de dollars qui a battu les records de l'industrie de la publicité pour le soutien d'une célébrité. La première campagne Pepsi Cola, qui s'est déroulée aux États-Unis de 1983 à 1984 et a lancé son thème « Nouvelle génération », comprenait le parrainage de tournées, des événements de relations publiques et des vitrines en magasin. Jackson, qui a participé activement à la création de la publicité emblématique, a suggéré d'utiliser sa chanson "Billie Jean" comme jingle avec un refrain révisé. Selon un rapport de Billboard de 2009, Brian J. Murphy, vice-président exécutif de la gestion de la marque chez TBA Global, a déclaré : « Vous ne pouviez pas séparer la tournée de l'approbation de la licence de la musique, puis de l'intégration de la musique dans le tissu Pepsi."
Le 27 janvier 1984, Michael et d'autres membres des Jacksons ont filmé une publicité pour Pepsi supervisée par le directeur Phil Dusenberry, directeur de l'agence de publicité BBDO, et Alan Pottasch, directeur créatif mondial de Pepsi, au Shrine Auditorium de Los Angeles. Lors d'un concert simulé devant une salle comble de fans, des pièces pyrotechniques ont accidentellement mis le feu aux cheveux de Jackson, provoquant des brûlures au deuxième degré de son cuir chevelu. Jackson a subi un traitement pour cacher les cicatrices et a subi sa troisième rhinoplastie peu de temps après. Pepsi a réglé à l'amiable et Jackson a fait don de son règlement de 1,5 million de dollars au Brotman Medical Center de Culver City, en Californie. Son Michael Jackson Burn Center est nommé en son honneur. Dusenberry a raconté plus tard l'épisode dans ses mémoires, Puis nous avons mis le feu à ses cheveux : aperçus et accidents d'une carrière au Temple de la renommée dans la publicité. Jackson a signé un deuxième accord avec Pepsi à la fin des années 1980 pour un montant de 10 millions de dollars. La deuxième campagne avait une portée mondiale dans plus de 20 pays et fournirait un soutien financier à l'album Bad de Jackson et à la tournée mondiale 1987-1988. Bien que Jackson ait eu des accords de soutien et de publicité avec d'autres sociétés, telles que LA Gear, Suzuki et Sony, aucun n'était aussi important que ses accords avec Pepsi, qui a ensuite signé avec d'autres stars de la musique telles que Britney Spears et Beyoncé pour promouvoir ses produits.
Le travail humanitaire de Jackson a été reconnu le 14 mai 1984, lorsqu'il a été invité à la Maison Blanche pour recevoir un prix du président Ronald Reagan pour son soutien aux œuvres caritatives qui aidaient les gens à surmonter l'abus d'alcool et de drogues, et en reconnaissance de son soutien à la publicité. Campagne de prévention de l'alcool au volant du Conseil et de la National Highway Traffic Safety Administration. Jackson a fait don de l'utilisation de « Beat It » pour les messages d'intérêt public de la campagne.
Contrairement aux albums ultérieurs, Thriller n'a pas eu de tournée officielle, mais le Victory Tour de 1984 a mis en vedette les Jacksons et a présenté une grande partie du nouveau matériel solo de Jackson à plus de deux millions d'Américains. C'était la dernière tournée qu'il ferait avec ses frères. Suite à une controverse sur la vente des billets du concert, Jackson a tenu une conférence de presse et a annoncé qu'il donnerait sa part des bénéfices, estimée à , à une œuvre caritative. Son travail caritatif et ses récompenses humanitaires se sont poursuivis avec la sortie de "We Are the World" (1985), qu'il a co-écrit avec Lionel Richie. La chanson a été enregistrée le 28 janvier 1985 et a été diffusée dans le monde entier en mars 1985 pour aider les pauvres aux États-Unis et en Afrique. La chanson a rapporté 63 millions de dollars pour lutter contre la famine et est devenue l'un des singles les plus vendus de tous les temps, avec 20 millions d'exemplaires vendus. "We Are the World" a remporté quatre Grammys en 1985, dont celui de la chanson de l'année décerné à Jackson et Richie en tant que co-auteurs-compositeurs. Bien que les directeurs des American Music Awards aient retiré la chanson caritative de la compétition parce qu'ils estimaient qu'elle serait inappropriée, le spectacle de l'AMA en 1986 s'est terminé par un hommage à la chanson en l'honneur de son premier anniversaire. Les créateurs du projet ont reçu deux distinctions spéciales de l'AMA : une pour la création de la chanson et une autre pour l'idée USA for Africa. Jackson, Quincy Jones et le promoteur du divertissement Ken Kragan ont reçu des prix spéciaux pour leur rôle dans la création de la chanson.
Les intérêts financiers de Jackson dans le secteur de l'édition musicale se sont accrus après que Jackson ait collaboré avec Paul McCartney au début des années 1980. Il a ensuite appris que McCartney gagnait environ 40 millions de dollars par an grâce aux chansons d'autres personnes. En 1983, Jackson avait commencé à investir dans les droits d'édition de chansons que d'autres avaient écrites, mais il était prudent avec ses acquisitions, n'enchérissant que sur quelques-unes des dizaines qui lui étaient proposées. Les premières acquisitions par Jackson de catalogues de musique et de droits d'auteur sur des chansons telles que la collection Sly Stone comprenaient "Everyday People" (1968), "1-2-3" de Len Barry (1965) et "The Wanderer" (1961) et "Runaround" de Dion DiMucci. Sue" (1961); cependant, l'achat le plus important de Jackson a eu lieu en 1985, lorsqu'il a acquis les droits d'édition d'ATV Music Publishing après des mois de négociation. ATV avait acquis les droits d'édition de près de 4 000 chansons, y compris le catalogue Northern Songs qui contenait la majorité des compositions de Lennon-McCartney enregistrées par les Beatles.
En 1984, Robert Holmes à Court, le riche investisseur australien propriétaire d'ATV Music Publishing, a annoncé qu'il mettait en vente le catalogue ATV. En 1981, McCartney s'est vu offrir le catalogue musical ATV pour 20 millions de livres sterling (40 millions de dollars). Selon McCartney, il a contacté Yoko Ono au sujet d'un achat commun en divisant le coût à 10 millions de livres sterling chacun, mais Ono pensait qu'ils pourraient l'acheter pour 5 millions de livres sterling chacun. Lorsqu'ils n'ont pas pu conclure un achat commun, McCartney, qui ne voulait pas être l'unique propriétaire des chansons des Beatles, n'a pas présenté d'offre seul. Selon un négociateur de Holmes à Court lors de la vente de 1984, McCartney a obtenu le premier droit de refus et a refusé d'acheter.
Jackson a été informé de la vente par son avocat, John Branca, en septembre 1984. Un avocat de McCartney a également assuré à Branca que McCartney n'était pas intéressé par une offre. McCartney aurait estimé que c'était trop cher, mais plusieurs autres sociétés et investisseurs étaient intéressés à soumissionner. Jackson a soumis une offre de 46 millions de dollars le 20 novembre 1984. Ses agents ont cru avoir conclu un accord à plusieurs reprises, mais ont rencontré de nouveaux soumissionnaires ou de nouveaux sujets de débat. En mai 1985, l'équipe de Jackson a quitté les négociations après avoir dépensé plus d'un million de dollars et quatre mois de travail de diligence raisonnable dans les négociations. En juin 1985, Jackson et Branca apprirent que The Entertainment Company de Charles Koppelman et Marty Bandier avait conclu un accord de principe avec Holmes à Court pour acheter ATV Music pour 50 millions de dollars ; cependant, début août, l'équipe de Holmes à Court a contacté Jackson et les pourparlers ont repris. Jackson a augmenté son offre à 47,5 millions de dollars, ce qui a été accepté car il pouvait conclure l'affaire plus rapidement, ayant déjà effectué la vérification préalable d'ATV Music. Jackson a également accepté de rendre visite à Holmes à Court en Australie, où il apparaîtrait au Channel Seven Perth Telethon. L'achat d'ATV Music par Jackson a été finalisé le 10 août 1985.
1986-1990 : Changement d'apparence, tabloïds, Bad, films, autobiographie et Neverland
La peau de Jackson était d'une couleur brun moyen dans sa jeunesse, mais à partir du milieu des années 1980, elle est progressivement devenue plus pâle. Le changement a bénéficié d’une large couverture médiatique, y compris des rumeurs selon lesquelles il aurait pu blanchir sa peau. Selon la biographie de J. Randy Taraborrelli, en 1984, Jackson a reçu un diagnostic de vitiligo, qui, selon Taraborrelli, pourrait être une conséquence du blanchiment de la peau. Il a affirmé que Jackson avait reçu un diagnostic de lupus. Le vitiligo a partiellement éclairci sa peau et le lupus était en rémission. Les deux maladies ont rendu sa peau sensible au soleil. Les traitements que Jackson a utilisés pour son état ont encore éclairci son teint, et avec l'application de maquillage en forme de crêpe pour uniformiser les taches, il pouvait paraître pâle. Jackson a également reçu un diagnostic de vitiligo lors de son autopsie, mais pas de lupus.
Jackson a affirmé qu'il n'avait subi que deux rhinoplasties et aucune autre chirurgie faciale, bien qu'il ait mentionné à un moment donné qu'il avait une fossette créée au menton. Il a perdu du poids au début des années 1980 en raison d'un changement de régime alimentaire et du désir d'avoir « un corps de danseur ». Des témoins ont rapporté qu'il avait souvent des vertiges et ont émis l'hypothèse qu'il souffrait d'anorexie mentale. Les périodes de perte de poids deviendraient un problème récurrent plus tard dans la vie. Au cours de son traitement, Jackson s'est fait deux amis proches : son dermatologue, le Dr Arnold Klein, et l'infirmière de Klein, Debbie Rowe. Rowe est finalement devenue la deuxième épouse de Jackson et la mère de ses deux enfants aînés. Il comptait également beaucoup sur Klein pour des conseils médicaux et commerciaux.
Jackson est devenu le sujet de rapports de plus en plus sensationnels. En 1986, les tabloïds ont publié un article affirmant que Jackson dormait dans une chambre à oxygène hyperbare pour ralentir le processus de vieillissement ; il a été photographié allongé dans une boîte en verre. Bien que cette affirmation soit fausse, selon les rapports des tabloïds largement cités, Jackson avait lui-même diffusé l’histoire fabriquée. Lorsque Jackson a acheté un chimpanzé nommé Bubbles dans un laboratoire, il a été rapporté qu'il était de plus en plus détaché de la réalité. Il a été rapporté que Jackson avait proposé d'acheter les os de Joseph Merrick (le "Elephant Man") et, bien que faux, Jackson n'a pas nié cette histoire. Bien qu’il ait initialement considéré ces histoires comme des opportunités de publicité, il a cessé de divulguer des contrevérités à la presse à mesure qu’elles devenaient plus sensationnelles. En conséquence, les médias ont commencé à fabriquer des histoires. Ces rapports sont devenus ancrés dans la conscience publique, inspirant le surnom de « Wacko Jacko », que Jackson en est venu à mépriser. Répondant aux rumeurs, Jackson fit remarquer à Taraborrelli :
Pourquoi ne pas simplement dire aux gens que je suis un extraterrestre venu de Mars ? Dis-leur que je mange des poulets vivants et que je fais une danse vaudou à minuit. Ils croiront tout ce que vous dites, parce que vous êtes journaliste. Mais si moi, Michael Jackson, je disais : « Je suis un extraterrestre venu de Mars, je mange des poulets vivants et je fais une danse vaudou à minuit », les gens diraient : « Oh, mec, ce Michael Jackson est cinglé. Vous ne pouvez pas croire un seul mot qui sort de sa bouche.
Jackson a collaboré avec les cinéastes George Lucas et Francis Ford Coppola sur le film 3D de 17 minutes Captain EO, qui a fait ses débuts en septembre 1986 à Disneyland original et à Epcot en Floride, et en mars 1987 à Tokyo Disneyland. Le film de 30 millions de dollars était une attraction populaire dans les trois parcs. Une attraction Captain EO a ensuite été présentée à Euro Disneyland après l'ouverture de ce parc en 1992. Les installations Captain EO des quatre parcs sont restées ouvertes jusque dans les années 1990 : l'installation parisienne a été la dernière à fermer, en 1998. L'attraction reviendra plus tard à Disneyland. en 2010 après la mort de Jackson. En 1987, Jackson s'est dissocié des Témoins de Jéhovah, en réponse à leur désapprobation de la vidéo Thriller.
Alors que l'industrie s'attendait à un autre succès majeur, le premier album de Jackson en cinq ans, Bad (1987), était très attendu. L'album a produit sept singles à succès aux États-Unis, dont cinq ("I Just Can't Stop Loving You", "Bad", "The Way You Make Me Feel", "Man in the Mirror" et "Dirty Diana". ) a atteint le numéro un du Billboard Hot 100. Il s'agissait d'un record pour la plupart des singles Hot 100 numéro un d'un album, y compris Thriller. En 2012, l'album s'était vendu entre 30 et 45 millions d'exemplaires dans le monde. Bruce Swedien et Humberto Gatica ont remporté un Grammy en 1988 pour le meilleur enregistrement technique – non classique et Michael Jackson a remporté un Grammy pour le meilleur clip vidéo, forme courte pour "Leave Me Alone" en 1989. La même année, Jackson a remporté un prix d'excellence. aux American Music Awards parce que Bad est le premier album à générer cinq singles numéro un aux États-Unis, le premier album à atteindre le sommet dans 25 pays et l'album le plus vendu dans le monde en 1987 et 1988. En 1988, "Bad" a remporté un American Music Award pour le single Soul/R&B préféré.
Le Bad World Tour a débuté le 12 septembre de la même année et s'est terminé le 14 janvier 1989. Rien qu'au Japon, la tournée a enregistré 14 salles combles et a attiré 570 000 personnes, soit presque le triple du précédent record de 200 000 en une seule tournée. Jackson a battu un record du monde Guinness lorsque 504 000 personnes ont assisté à sept spectacles à guichets fermés au stade de Wembley. Il a donné un total de 123 concerts devant un public de 4,4 millions de personnes.
En 1988, Jackson a publié sa seule autobiographie, Moonwalk, qui a duré quatre ans et s'est vendu à 200 000 exemplaires. Il a écrit sur son enfance, les Jackson 5 et les abus qu'il a subis. Il a également écrit sur son changement d'apparence faciale, l'attribuant à la puberté, à la perte de poids, à un régime végétarien strict, à un changement de coiffure et à l'éclairage de la scène. Moonwalk a atteint la première place sur la liste des best-sellers du New York Times. Jackson a sorti un film, Moonwalker, qui présentait des images en direct et des courts métrages mettant en vedette Jackson et Joe Pesci. En raison de problèmes financiers, le film n'est sorti en salles qu'en Allemagne ; sur d'autres marchés, il a été diffusé directement en vidéo. Il a fait ses débuts au sommet du classement Billboard Top Music Video Cassette, y restant pendant 22 semaines. Il a finalement été détrôné par Michael Jackson : The Legend Continues.
En mars 1988, Jackson a acheté un terrain près de Santa Ynez, en Californie, pour construire Neverland Ranch, pour un coût de 17 millions de dollars. Il a installé plusieurs manèges sur la propriété de 2 700 acres, dont une grande roue, un carrousel, une ménagerie, ainsi qu'une salle de cinéma et un zoo. Une quarantaine de personnes patrouillaient sur le terrain. En 2003, sa valeur était estimée à environ 100 millions de dollars. En 1989, les revenus annuels de Jackson provenant des ventes d'albums, des promotions et des concerts étaient estimés à 125 millions de dollars pour cette seule année. Peu de temps après, il devient le premier Occidental à apparaître dans une publicité télévisée en Union soviétique.
Le succès de Jackson lui a valu d'être surnommé le « roi de la pop ». Le surnom a été popularisé par Elizabeth Taylor lorsqu'elle lui a remis le Soul Train Heritage Award en 1989, le proclamant « le vrai roi de la pop, du rock et de la soul ». Le président George H. W. Bush l'a désigné « Artiste de la décennie » de la Maison Blanche. De 1985 à 1990, il a fait don de 455 000 $ au United Negro College Fund, et tous les bénéfices de son single « Man in the Mirror » ont été reversés à des œuvres caritatives. L'interprétation live de "You Were There" par Jackson lors de la célébration du 60e anniversaire de Sammy Davis Jr. a valu à Jackson une deuxième nomination aux Emmy.
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