问题：﻿23 岁，无任何绘画基础，从头开始学素描的话该怎么自学？ 求过来人指点迷津，本身是色弱，出于兴趣，从小喜欢画画，但一到上色就不行了。于是慢慢的没有坚持去学了，现在想工作之余涂鸦点什么的，至少比打 dota 看…
话题：﻿艺术、绘画、美术、素描、绘画基础
回答：﻿题主关于怎么自学素描，教画画的周sir一万多字的回答已经非常全面了。再写下来下面的答案，是想提供一个不同的角度，什么是素描的角度。以下是回答：中国传统文化自古以来有“道”和“术”的分别。术，是指你可以驱动和支配什么；道，是探究什么东西驱动和支配着你，也就是探究什么东西驱动和支配着人类。这句话我在王东岳先生《人类文明的前途在哪里？》的开篇听到，感觉玄之又玄，不明觉厉。但，生活其实比哲学朴素得多，你抬头看见秋风扫落叶，心头泛起一阵伤感，赶忙掏出挎兜里的手机按下拍摄键。然后配上一句“满地尽黄昏，叶子的离去是风的追逐还是树的不挽留？”发到微信。驱动和支配你的“道”，就是希望低调的转告好朋友们，亲，冬天真冷，敏感而脆弱的我好像没穿秋裤，求点赞求安慰。而你可以驱动和支配的“术”，就是你兜里一万多的iphonexsmax和你的拍照技术，加上会背两句古诗。和画油画，搞雕塑这种只有一少部分人精通的专业技术相比，拍照片作为现代人的基本技能，没谁说自己不会。但有人告诉你，其实你还会画素描，你会信么？素描门采尔今天我们要说的素描，就和拍照片一样本来人人都会画。只不过这些年活生生被一群拥有话语权的专业人士，以敛财为目的，以毁人不倦为手段，忽悠成了垄断行业，让我们感觉玄之又玄，不明觉厉而已。如今素描不仅是进入美术学院的必经之路，还恬不知耻的归纳在“绘画考级系统”中，把学画画分成三六九等，只是为了收孩子那几十块钱一节的“专业素描学费”。为什么说素描本来人人都会？我们都知道孩子先会画一个“苹果”，然后才会发出“pingguo”的读音，识字后才会写下“苹果”两个字，再大一点更知道苹果不仅好吃，还代表了肾。从自然而然的成长规律看，孩子画的苹果是简单的线条，是自发的、最方便的一种表达方式。只要孩子能拿起蜡笔，就会本能的画出痕迹，这就是最原始的“素描”——素描是一种艺术观念的原始表现方法。这种原始特质决定了素描的两个突出特点：一是普通，二是很少成为独立作品。普通是因为画素描的笔是我们熟悉不过的铅笔、钢笔、粉笔、蜡笔，不存在任何的高难技巧。《神奇幻象》是一位叫黑鹰的人画的画，记录了他脑中的一个幻觉片段：自己化作雷神，骑着马使者在空中显灵，马鞍上的图案是冰雹，锯齿波浪线是闪电形成的能量波，二目圆睁就是在射出闪电。黑鹰《神奇幻想》铅笔彩色铅笔黑鹰是拉科塔印第安人，从未学过绘画，更没参加过素描培训班。但黑鹰的确不是普通人，他是有超能力“往返于两个世界之间”的萨满，东北话叫神灵附体，跳大神的。拉科塔印第安人是美洲大陆原住民，他们原本居住在美国西部的草原上。在他们的世界观中，横扫大平原的暴风骤雨是雷神和他们的马使者显灵，所以黑鹰作为神在人间的代理人，会有如此的幻觉，并且画了下来。素描是不是足够普通？连跳大神的萨满都可以借助它，表达自己的想法。素描的第二个特点是很少成为独立作品。从古至今素描一直作为艺术家的私人记录而存在，它更像是用画笔写下的日记。安妮，收到的13岁生日礼物是一个日记本，从此开始写日记，她把之后两年多的躲避纳粹生活，沮丧的心情，对性的朦胧，对父母婚姻的担忧，都朴素的记录在了日记里。这是一本纯粹为自己写，自己看的私人记录。后来安妮在电台中听到有人在收集大家的日记和信件，作为荷兰人在占领之下苦难生活记录，她为之动心，才决定把自己的日记出版。之后，安妮对这本私人日记进行了改写、编辑、润色，并删去自己觉得不够生动或有趣的地方，还增加了一些内容。1945年安妮因为斑疹伤寒在德国集中营死去，出版日记成了她的遗愿。还好，幸存下来的爸爸最终完成了女儿的夙愿将日记出版，也就是今天我们看到的《安妮日记》。虽然日记出版了，但安妮并不是为了出版而写。同理，画家笔下的一幅幅素描和安妮日记一样，是画家只为自己画，给自己看的记录。素描达·芬奇一幅绘画作品，很少是提笔即画，而是从一个想法开始，逐步确定主题，构图，初稿，人物形象等等，有了完善的构思后，才会开始动笔绘画。从想法到动笔，需要频繁的更改，会接连不断碰到妨碍画下去的问题，怎么办？还有，平时闪念而过的点子，看到了好的素材，想要钻研某个点，怎么办？这些或研究、或记录、或随手涂鸦的草图，就是素描。素描达·芬奇被称为最伟大画家的达·芬奇只留下了大约12幅绘画作品，其中几幅还没有画完。但他留下了几百幅素描和上千页的笔记，里面画满了各种新奇的想法和图像，透过这些素描，可以还原他的丰富的思辨能力和敏锐的观察力，更能证明他非凡的创造力和天赋。在《论绘画》中，达·芬奇建议同行的画家们：要时刻带着能轻松装进口袋的笔记本和一支笔，看到人们哈哈大笑、打架和聊天的时候，寥寥几笔画下来。因为人的记忆里有限，但世间万物是动态的，变化无穷。《对子宫中胎儿的研究》羽毛笔墨水红粉笔黑粉笔达·芬奇和安妮日记一样，当时的达芬奇是单纯的为了记录和研究而画下了这些素描草图。今天看，他的很多手稿的确非凡，比如详尽的人体内部解剖图，这样的画法在14世纪很少见，因为教会禁止一切对尸体的亵渎，包括解剖。达芬奇是少数被允许的人之一，据说教会打算通过他的素描来获得人的躯体里存在灵魂的证据。达芬奇的素描也并不是以作品为目的，而是用素描为自己提供超越当时技术的观察方式，超越文字的记录方法，是以记录、观察、思考为目的。所有画家画素描的原因都和达芬奇一样，作为观察世界后思考的结果，并为自己的创作提供素材。这就是为什么很少看到大尺寸的素描，因为需要迅速完成，并且大量积累。我们都知道，德加擅长画芭蕾舞女，与其说擅长不如说德加除了舞女，对其他的题材都不感兴趣。作为印象派画家中的王思聪出身，雄厚的财力让德加可以随意在VIP观众席，在排练室，在后台休息室中贴身近距离观察舞女们最富有变化的躯体姿势。他一边欣赏，一边快速在本子上画下一幅舞女素描，笔下透出的是一种身临其境的感觉。同时，眼神不停飘移到旁人身上，边画边寻找下一个目标。《整理舞鞋的舞女》粉色纸石墨炭笔白色粉笔德加德加的一些素描更接近我们今天说的“速写”——像写字一样快速的画下一种姿势。日积月累的速写为画家提供了源源不断的创作灵感。看到舞女后面的网格么，德加在他后来的两幅作品中都使用了这个正在排练的姿势，网格可以快速的把这个动作临摹过去。普通和快速积累的特质，决定了素描对于艺术家的价值：用来观察世界，理解研究，记录表达。素描很像美剧越狱中Michael的纹身，或安妮日记，是关键的资料，是时间的索引。也正因如此，画家笔下的素描不需要顾忌结果好不好，不需要在意是否完整，只需要在“所见所想”中截取最感兴趣的任何一个局部，然后想方设法画出来所有的细节，去观察，去练习。《雅典学院》草图木炭粉笔2.8X8米拉斐尔拉斐尔在正式动笔自己的巨作《雅典学院》之前，用了很长时间画了一幅长8米的素描稿。这幅素描稿在之后的正稿上起到了非常关键的作用——让画面非常准确，因为正稿是非常复杂的湿壁画。湿壁画是什么东西？你一定有洗衣服混色的经验，如果把一套地摊儿买的大红秋衣秋裤和其他衣服混在一起滚洗衣机，恭喜你，这一锅衣服都会呈现暖暖的粉红色，并且上色牢固，再怎么洗也洗不掉了。湿壁画就是这个原理，在画画之前先在墙壁上涂一层熟石灰，然后把线稿的草图誊上去。之后，需要详细画那里，就在哪里涂上一层更细密的熟石灰，趁潮湿的时候调和颜料进行绘画。墙壁中石灰的空隙和水溶性，颜色就会被墙体表面吸收，永久的融合在一起。也因此湿壁画过程繁琐，耗时耗力，不仅要掌握好湿润度，而且当时的颜料昂贵，一旦画错修改起来很麻烦。多亏了素描草图，提供了在最后定稿前进行反复修改的途径。《雅典学院》拉斐尔《雅典学院》7.6米长，拉斐尔为它画的素描草图是1:1比例的8米长，难度系数相当高。倒也不是一次性就画完，过程中还需要画大量的小幅、单幅的研究性素描来帮助构思那几十个姿态表情各异的人物形象，这些单幅素描就被称作过程稿。今天的职业画家，依旧保存着过程稿和素描草图定稿的绘画习惯。谷钢老师的油画作品《大庆人》有2.5米高3.95米宽，其中的绝大部分人物和场景，都有他实地采风的原型。作品的背后有着几百幅的素描速写，几十幅的1:1过程稿，可以说一幅画就可以做一个画展。《大庆人》油画2.5X3.95米谷钢中国美术馆藏《大庆人》草图《大庆人》人物准备稿《大庆人》小稿看来，画家从来不为了画素描而画素描，背后的驱动力是进行观察和思考，是素材和积累。解决了为什么画素描，再回头来看这素描应该怎么画，就简单多了。那到底用什么画素描，怎么画？吃火锅要用筷子，吃披萨拿手抓，吃0.5分熟的牛扒要用飞飞快的刀和叉子，如果用筷子捅准渍你一身老血，画素描也是一样一样的。很多人印象中素描就是铅笔画，还真未必。你可能会问，画素描难道不是用铅笔？素描素描，“素”是关键。日本爱情动作片中有一类专门的素人系列，就是非职业的平常人、普通人的本色出演。本就不是职业演员拼不得演技，凭的是朴素单纯的劲儿。素描的素其实是这个意思：普通、单纯、本色。画素描的本质不在铅笔，很多笔都可以。木炭，粉笔，蜡笔，都行。以上的笔有一个共同特点——都在利用固体粉末在纸上反复摩擦而留下痕迹，被统称为干材料。反过来，调和粉末后让色料微粒悬浮在液体中流到画面上，像钢笔，针管笔，毛笔，就是湿材料。这些工具做画笔，都可以画出来素描。小时候学画，会在画材店一捆一捆的买中华牌铅笔，批发0.25元一根，便宜，好用。因为可以轻易擦除修改，铅笔成了素描最有效的工具，很得画家们的芳心。不过和平时写字的铅笔不一样，画家用的铅笔凭借软硬度不同分成了从H-B的系列类型，9H最硬留下的痕迹最浅，9B最软痕迹也最深。深浅软硬的变化是因为铅笔中含石墨的比例不同，越硬越少，越软越多。IlkaGedő是匈牙利人，犹太人大屠杀的幸存者，1944年她被关进布达佩斯犹太人区，面对镜子中憔悴、无助的这张脸，IlkaGedő画下了一幅铅笔自画像，她用铅笔对皮肤、头发、衣服、背景和眼睛进行了柔和的处理。浅色的硬铅笔在纸上的摩擦力度被用来控制细节，创造丰富的质感，卷发和眼睛用了更重颜色的软铅笔。《自画像》铅笔纸本IlkaGedőIlkaGedő在集中营的大部分时间，都在用简单的铅笔进行绘画，画自己的同伴，画老人和孩子，画下了自己无助的样子。这些素描，今天已经成为记录人类耻辱行为的珍贵资料。在铅笔被发明之前，金属做的银笔也是常用的素描工具。锡、铜、银和铅丝都可以刻下痕迹。我在小时候最喜欢干的就是在电闸箱里找废弃的铅丝，拿来在木头上在纸上画来画去。意大利文艺复兴的画家们最喜欢的不是铅丝，而是银丝，他们把银丝夹在木棍子里，然后在木板涂上一层骨粉，用银笔画画。涂抹骨粉相当于涂了一层白底子，而银丝画下的痕迹因为氧化会慢慢失去光泽变暗变黑，时间越久图画就越明显，这种逐渐随时间变深的过程相当值得等待。拉斐尔的素描《母与子》里面，就用银笔塑造出了细腻的明暗感。《母与子》粉色底色纸银笔拉斐尔明暗，正是素描的关键，可以帮你在平面的纸上画出来立体三维效果。画家嘴里经常说的明暗关系，也没那么深奥：假设有一道光射到人脸上，脸的正面因为受光而变亮，侧面因为转折过去没有被光照到就显的更暗，这就是立体。脸正面窄的人受光面小，亮的部分也小，就是天生小脸，反之就是大脸。化妆时在脸侧画阴影，是明暗立体的最典型应用。在一张平面的大脸上，强行模拟出转折明暗，把一部分正脸假装变成侧脸混淆视听，就会显得脸小。按这个套路，在人脸上的化妆就是素描。真实物体的转折越剧烈，明暗对比就更强烈，借此可以塑造出很强的立体感。在素描工具里公认木炭最适合画强烈的明暗对比，因为它和铅笔和银笔都不一样，更粗，更黑，更强大。掐着木炭条在粗糙的纸上轻轻一涂，就特别黑，如果想修改也容易，用面包屑蹭一蹭就变浅了。木炭也有优良之分，柳条炭是公认的良品，质地温润，摩擦压感层次丰富，大概相当于时尚界的爱马仕。利用炭笔的自然炭头可以画出相当柔和的线条，侧过来用一指长的木炭边可以快速铺满画面，拿砂纸把炭头磨尖了又可以描摹细节，还有，用纸团或手指对画好的笔痕进行揉擦，就会有意想不到的柔和混合效果。《老妇人》木炭莱昂·奥古斯丁·莱尔米特一样的木炭，在不同的画家手里也不一样，甚至大相径庭。珂勒惠支的自画像和奥古斯丁画的老妇人，同样的木炭，同样的写实，同样的精彩，不一样的是各自充满了画家的个性。你看珂勒惠支对手臂大刀阔斧的处理，再看奥古斯丁老妇人脸上丝毫毕现的皱纹和斑点，淋漓的展现出了木炭笔触的丰富力量。《左侧面自画像》木炭珂勒惠支看了这么多的铅笔，银笔，木炭，会误以为黑白是素描最常见的样子，据此很多人对彩色铅笔、色粉笔和蜡笔画出的画产生了曲解，觉得不是素描。但素描可不意味着单色。我们想想看，彩色铅笔的画法和铅笔没有任何不同，只不过笔芯里掺入了蜡和颜料。今天被收藏在大都会艺术博物馆中的《利比亚女巫》，是米开朗基罗在1511年完成的素描，用的就是红色粉笔。《利比亚女巫》红色粉笔米开朗基如果仔细看，他用了平行线和交叉线两种方法来画出明暗关系，这种排线在素描里被称作“上调子”。调子，就是对物体表面光照效果的一种黑白灰处理。前面咱们还提到了画舞女的德加，再回头看他的色粉笔画，同样是用素描调子，用不同颜色的色粉笔，如梦如幻的再现了因光照而产生的富有变化的皮肤质感。好看！《梳头发的女人》色粉笔德加对素描的定义重要的不在于是否有颜色，而是是否以观察、研究为目的。修拉用细致的炭精笔排调子，画下了《塞纳河边的树》。他的研究目的却是明暗和深度，这幅画的焦点，并不是前景中粗壮的大树，而是特意弯曲的树干诱惑着我们关注到静静地河面。嗯，深远感由此可见。《塞纳河边的树》炭精笔修拉你看，尽管用了各色工具，还是没有画家为了画素描而素描，都抱有一定的研究目的，或观察，或记录，或思考，或想象。梵高甚至用棕色的钢笔墨水为他的播种者画下的草图，是看起来最不像素描的素描。最早的钢笔是把空心的芦苇切割成可以装填墨水的笔管，墨水则需要从木炭中提炼出来，所以是黄棕色。梵高通过改变钢笔笔触的粗细和方向，创造了这种起伏、不安的素描。《日出播种者》钢笔和棕色墨水梵高《日出播种者》油画梵高中国传统书画中用狼毫、猪鬃做出的毛笔，也是画素描的好工具。90年代上小学的孩子们，都对两种练习记忆犹新，一个是珠算，另一个就是毛笔字了。这让中国人对毛笔和水墨的掌握驾轻就熟，用水调和墨汁的深浅就可以实现素描的黑白灰明暗。这种画法也影响了国外的画家，画家刘晓东就说，看过不少老外用毛笔画速写，画的如此之好，令人咋舌。《从蒙特马里奥向南看台伯河》克劳德·洛兰法国画家克劳德·洛兰在1640年画了一幅很像中国水墨的风景素描，缜密的笔触中透出的是广阔的乡村风景，前景中的对比强烈，远山背景柔和，是典型用素描明暗制造出的景深感。《大丽花、石榴和棕榈树》马蒂斯受到水墨的影响，马蒂斯也用遒劲有力的毛笔画下了《大丽花、石榴和棕榈树》，用单纯的线条和水墨，写生了一幅绘画。你可以说这是一幅素描，也可以说这是一幅绘画作品。一个男人是个负责任的父亲，同时也可以是一个孝顺的儿子。我们完全没必要像高考试卷的标准填空题一样强求明确的分类和答案。相反，认识到绘画中分类的自由度，是对艺术深层的理解。对画种或风格分类的自由，也越来越多的被今天的艺术家所利用，让绘画和素描的内涵变的愈加丰富。《Nobson》系列保罗·诺布尔保罗·诺布尔的作品就是铅笔画，还是巨大的像一面墙一样的单张素描，很多幅都超过2.5米高。并且，这一大堆的素描组成的是他幻想的一个城市“诺布森新城”，有诊所，有购物中心，有学校和体育场。画画嘛，总有灵感的来源。2013年证券时报网报道《辽宁铁岭陷鬼城危机：楼盘均价3千入住率不足四成》，铁岭新城我在4年前去过，的确如鬼城一般，高楼林立，马路宽阔，人烟稀少，在车里看着闪烁的红绿灯，恍如隔世。这样的鬼城在中国今天恐怕不在少数。英国也曾经干过这种不靠谱的事儿，20世纪英国建筑商开发了数个郊区新城，但也是人少房多跟2013年的铁岭新城一样鬼都不来一个，逐渐被人遗忘，抛弃。《Nobson》系列保罗·诺布尔诺布尔的灵感正是来源于此，他画笔下的诺布森新城市政府条幅写的是“没有风格，只有技术，没有意外，只有错误”。素描，应该是小尺寸，应该用铅笔，应该是黑白的，最起码是单色，这些呆板印象都被有创造力的画家们一一打破。其实打破的根本不是素描，打破的是我们的惯有思维。素描从未变过，它就是画家用来观察、思考、记录、研究的手段。任何人都可以去画建筑，画等火车的人，画摇曳生姿的树木，画阿猫阿狗。也可以一板一眼的画石膏像，画大卫和拉奥孔，更可以画你见到的任何东西，画你脑子里浮现但世间不一定存在的任何东西。前人走过的艺术道路，总归要被总结，以教育的方式传递下去。为了书写历史的方便，素描在大部分的艺术史中大致按时间线分成了几个阶段。（这里引用的是唯伟老师的一篇回答内容）第一阶段是文艺复兴时期以创作草图和分工绘画为目的的师徒制、网格法素描。第二阶段是17-18世纪以门采尔为代表的法国学院派素描，以古典主义审美为金线，以现场写生为主、从整体到局部的素描训练。第三阶段是19世纪的苏联契斯恰科夫素描教学体系，以唯物主义美学为基础，强调观察和形体在素描中的核心地位，也正是这时候黑、白、灰、高光、反光这五大调子被总结出来。分阶段并不是分好坏。穿着全套装备在绿洲中厮杀的头号玩家们，和对着15寸电视在手柄上按下↑↑↓↓←→←→BA的玩家相比，幸福感很可能不分伯仲。时间线只是总结素描的一条线索，并不意味着它们之间存在者根本的差别。我们今天熟悉的中国特色素描培训体系，是从苏联阶段而来。它以徐悲鸿的倡导为主，以第一位来到中国的苏联苏里科夫美术学院教授马克西莫夫同志在中央美术学院开设“马训班”为起点，给中国素描产生了巨大的影响。不过，这些素描的进化历史尘归尘、土归土，素描终结者“美术高考“横空出世。几十年的美术加试催生了大批应试培训班，无一例外让素描成为“画石膏体石膏像”，“黑乎乎的一坨”的样子。这也是为什么陈丹青会说“每次看到这种中国式的素描，我就想死，我觉得我宁可一辈子不画。”如果想深入了解为什么中国素描成了今天畸形，变态、僵硬的体系，为什么变得和艺术毫无关系，我推荐一篇唯伟老师在知乎专栏的文章《中国绘画界的素描基础教学到底是怎么一回事？》，写的明白，清楚。最后，我想说，素描，不仅仅是石膏体、石膏像，不仅仅是拉奥孔、大卫和海盗，更不是培训班老师嘴里的三大面五大调子，如果这样理解素描，就会陷入一种曲解的困境，进而曲解了艺术。在艺术教育里，艺术只是一种达到目标的方法，而不是一个目标;艺术教育的目标是使人在创造的过程中，变得更富有创造力，而不管这种创造力将施于何处。假如孩子长大了，而由他的美感经验获得较高的创造力，并将之应用于生活和职业，那么艺术教育的一项重要目标就已达成。——罗恩菲德美国教育家罗恩菲德提出了一个很重要的教育观念，艺术教育是人成长经历中的一种工具，艺术教育的根本目的是顺应儿童自然发展的本性，重视创作过程，忽视创作结果。素描就像写字一样，是我们每个人都可以做的事。我们为了表达的本能而说话，画家和我们一样为了表达的本能而画画。只不过，画家选择艺术作为驱动自己的“道”；选择不停的练习和完善画法，作为自己能够驱动和支配的“术”。素描，是这术其中重要的一部分，一扇门而已。推开它，看到的可能就是艺术。这篇7000多字的回答，参考了两本书《艺术的真相》和《认识艺术》，也推荐给你。