问题：﻿为何不会画画的人相较于经过美术训练的人画出的作品似更有艺术感？ 是不是没学过绘画的人画得出艺术却看不懂艺术，学过系统绘画及进入学院的人画不出艺术却提高了审美看得懂艺术？
话题：﻿艺术、绘画、美术、反智主义、美术教育
回答：﻿非也。在讨论这个问题之前，我要阐述一个观点，其实绝大多数人都是看不懂艺术的——不论是具象艺术还是抽象艺术，（我不是耸人听闻），可能立马会有人反对说:抽象艺术不好说，但是我能看懂具象艺术！而对此我要说的是：抽象艺术看不懂，具象艺术也同样是看不懂的。因为对于绝大多数人，具象艺术也不过是能看懂“画的是什么”这种程度，倘若再让他说出一二来，他就无从开口了。这不过是“看图说话”，仅仅能说出画面中的形象，对于画的价值和在艺术史上的地位就无从知晓了。而要看懂艺术，偏偏就必须要知道它的艺术史的地位，也就是要结合时代。以库尔贝的《库尔贝先生，您好》(Bonjour,MonsieurCourbet)为例，所有人当然看得出这是三个交谈的人！但是仅此而已吗？要知道，当时在学院中仍然盛行过去的观念，认为高贵的画必须表现高贵的人物，工人和农民仅仅适合给荷兰名家传统中的风俗画场面题材。而库尔贝显然开始了用另一种眼光，他想要画出跟现实情况一样的生活场面，他的“现实主义”就成为一场艺术革命的标志。库尔贝不想以任何人为师，仅仅以自然为师。他要的不是好看，而是真实。在这幅画中，他画的是他自己背着画家的用具徒步走过乡村，他的朋友兼顾主正在尊敬地向他打招呼。他把这幅画题名为《库尔贝先生，您好》(Bonjour,MonsieurCourbet)。在习惯于学院派艺术代表作品的人看来，这幅画必定显得十分幼稚。这里根本没有优美的姿态，没有流畅的线条，也没有动人的色彩。在“体面的”艺术家及其捧场者看来，一个画家把自己画成不穿外衣的流浪汉模样，这整个想法必然大逆不道。无论怎样，库尔贝就足希望给人这种印象。他想用他的画去抗议当时公认的程式，“惊吓有产阶级”，打掉他们的得意感，表现出与熟练地处理传统俗套之作相对立的、毫不妥协的艺术真诚所具有的重大意义。毫无疑问，库尔贝的画是真诚的。他在1854年写的一封颇有特色的信中说道：“我希望永远用我的艺术维持我的生计，一丝一毫也不偏离我的原则，一时一刻也不违背我的良心，一分一寸也不画仅仅为了取悦于人、易于出售的东西。”库尔贝有意抛弃容易取得的效果，决意把世界画成他眼睛看见的样子，这鼓励着许多人去蔑视程式，只凭他们的艺术良心办事。同样再举一个例子，现代主义之父塞尚的静物画，可能有人会觉得这还不如考前班画的静物呢！这怎么就大师了呢？应当承认，塞尚有些画并不这么容易理解。像这样一幅静物画，从插图中看可能没有多大成功的希望。如果我们把它跟17世纪荷兰名家卡尔夫对类似题材的把握十足的画法做一比较，它显得多么拙劣啊！水果盘画得那么笨拙，它的底座甚至还没有放在当中。桌子不仅从左向右倾斜，看起来还仿佛向前倾斜。那位荷兰名家在描绘柔软蓬松的表皮时表现十分出色，而塞尚画的则是色点的杂凑之物，使得餐巾看起来仿佛是用锡箔制成的。难怪塞尚的画最初被嘲笑为可悲的胡涂乱抹。但是不难看出造成外观笨拙的原因何在。塞尚已经不再把任何传统画法看成理所当然的画法。他已经决心从涂抹开始，仿佛在他以前根本没有绘画这回事。那位荷兰名家画静物画是为了显示他的惊人的艺术绝技；而塞尚选择他的母题是研究他想解决的一些特殊问题。我们知道他沉迷于色彩跟造型的关系，像苹果那样具有鲜艳色彩的圆形实体就是探究这个问题的一个理想的母题。我们知道他对做出平衡的设计很感兴趣，这就是他要把水果盘向左延伸去填补空白的原因所在。因为他想研究在相互关联的情况下桌子上各个物体的形状，所以他就把桌子向前倾斜，使它们都能被看到。这个例子大概能够表明塞尚是怎样成为“现代艺术”之父的。他力求获得深度感但不牺牲色彩的鲜艳性，力求获得有秩序的布局但不牺牲深度感，在他这一切奋斗和探索之中，如果有必要的话，有一点他是准备牺牲的，亦即传统的轮廓的“正确性”。他并不是一心要歪曲自然；但是，如果能够帮助他达到向往的效果，他是不大在乎某个局部细节是否变形的。他对布鲁内莱斯基发明的“直线透视”并不过分地重视，发现有碍他工作时，就把它抛开。当初发明那科学透视法毕竟是要帮助画家制造空间的错觉——像马萨乔在圣玛丽亚·诺韦拉教堂的湿壁画中所画的那样。塞尚不是打算制造一种错觉。他是想表现坚实感和深度感，而且他发现他放弃符合程式的素描法就能达到目的。他几乎没有意识到：这个无视“正确素描”的实例竟会引起艺术中的山崩地裂。所以，任何称之为大师的艺术家一定都有其时代背景，看懂艺术要明白画布背后的故事，而不是单单看到画布表面的技法。具象艺术如此，抽象艺术更是如此。现在还会有人能直言不讳地说“我能看懂（具象）艺术！”了吗？不多说了，切入正题，要说没学过画画的艺术家，还真有一位，这位业余画家是一位海关官员，曾在郊区过着不为人注意的恬静生活，他叫亨利·卢梭。亨利·卢梭的创作向他们证明，职业画家所受的训练可能毁掉他们成功的机会，绝不是一条出路。卢梭本人丝毫不了解正确的素描法，也不了解印象主义的诀窍。他用简单、纯粹的色彩和清楚的轮廓画出树上的每一片树叶和草地上的每一片草叶。可是不管在老练的人看来多么笨拙，他的画却有非常生动、非常单纯、非常有诗意的东西，人们不能不承认他是一位大师。也许在今看来，这和300年前的写实之王伦勃朗的肖像画相比，水平未免差太多了吧！别急，我们又要回到开头所讲的时代性了。高更提倡的原始主义对于现代艺术的影响大概更为持久，它预示着一场彻底的趣味的革命将要到来，那场革命大约开始于1905年，举办第一次“野兽派”画展的那一年。由于这场革命，批评家才开始发现中世纪早期作品的优美。这时艺术家已开始研究部落土著的作品（换句话说，人们开始追求原始的童心的纯真），跟学院派艺术家研究希腊雕刻那样热情。在当时已经开始的那一追求天真、纯朴的奇特竞赛中，那些跟卢梭本人一样对简朴生活已有直接经验的艺术家得天独厚。赞美卢梭，赞美“业余画家”的朴素、自学的手法，这使得其他艺术家把“表现主义”和“立体主义”的复杂理论当作不必要的负担而抛弃。他们想遵照“普通人”的理想，画出清晰而直率的画，使得树上的每一片树叶、地里的每一条犁沟都历历可数。要“回到实际”和“事实真相”，也去画普通人能够欣赏和理解的题材，这成为他们的骄傲。毫无疑问，卢梭是艺术家中少数没有学过画画却改变艺术发展走向的大师之一（其中原因也正是其观念为时代所需），除了卢梭，还有一位年代较晚一些的波普艺术最重要的代表人物之一——克莱因，就是著名的克莱因蓝。克莱因同样不会画画，但他的观念引发了一场蓝色革命，他的克莱因蓝也成为艺术史上最有名的颜色。曾被《纽约客》评价为“最后一位具有国际影响力的法国艺术家”的艺术狂人，从事艺术不到8年的时间，就与安迪·沃霍尔、杜尚和博伊斯一起，并称为20世纪后半叶对世界艺术贡献最大的4位艺术家。卢梭和克莱因虽然都没有经过系统地学习绘画，但他们一位在时代中诞生、一位开创了一个时代，他们的观念促使他们成为大师，换句话说，艺术史是观念的发展史，而不是技术的发展史。也就是说创作艺术的道路上，技术不是必须的，但观念一定是万万不可或缺的。但这不能代表技术就毫无价值，技术就像是自己的双手，观念就像自己的大脑，思考艺术用的是大脑，实施艺术则用的是双手，成功的艺术必然是成功的观念加上成功的技术。因此绝大多数艺术家仍需多年甚至一生的学习和奋斗，才能在艺术史添上自己的一笔色彩。这就不得不提到上帝给予人类的礼物——达芬奇了，没有任何人能够否定达芬奇的作品的艺术性，同时他传世的杰作也正是由于达芬奇博学的学识和一生的探索。意大利15世纪那些效法马萨乔的艺术家的伟大作品，有一个共同之处：作品的形象看起来有些僵硬，几乎像是木制的。奇怪的是，显然不是由于缺乏耐心或缺乏知识才造成了这种效果。在描摹自然方面，没有一个人能比杨·凡·艾克更有耐心；在素描和透视的正确性方面，没有一个人能比曼泰尼亚了解得更多。但是，尽管他们表现自然的作品壮观而感人，可是他们的人物形象看起来却像雕刻而不像真人。原因可能是当我们一根线条一根线条地、一个细部一个细部地去描摹一个人物时，描摹得越认真，我们就越不大可能想到它是活生生的人，有实际的运动和呼吸；于是看起来就像是画家突然对人物施了符咒，迫使它永远站在那里一动不动，像《睡美人》(TheSleepingBeauty)中的人物一样。艺术家们已经试验过各种方法来打破这个难关。例如波蒂切利曾在他的画中尝试突出他的人物形象的卷曲的头发和飘拂的衣衫，使人物轮廓看起来不那么生硬。然而，只有达芬奇找到了解决问题的有效办法。这就是：画家必须给观众留下猜想的余地。如果轮廓画得不那么明确，如果形状有些模糊，仿佛消失在阴影中，那么枯燥、生硬的印象就能够避免。这就是达芬奇发现的著名的画法，意大利人称之为“sfamato”(渐隐法)——这种模糊不清的轮廓和柔和的色彩使得一个形状融入另一个形状之中，总是给我们留下想像的余地。如果我们回头再看《蒙娜·丽莎》，就可以对它的神秘效果有些省悟了。我们看出达芬奇极为审慎地使用了他的“渐隐法”。曾经尝试勾画出或涂抹出一个面孔的人都知道，我们称之为面部表情的东西主要来自两个地方：嘴角和眼角。在这幅画里，恰恰是在这些地方达芬奇有意识地让它们模糊，使它们逐渐融入柔和的阴影之中。我们一直不大明确蒙娜·丽莎到底以一种什么心情看着我们，原因就在这里，她的表情似乎总是叫我们捉摸不定。当然还不仅仅是由于模糊就产生了这种效果，在它后面还大有文章。达芬奇做了一件十分大胆的事情，大概只有具备他那样高超才艺的画家才敢于如此冒险。如果我们仔细观看这幅画，就能看出两侧不大相称。在背景中的梦幻般的风景中，这一点表现得最为明显；左边的地平线似乎比右边的地平线低得多。于是，当我们注视画面左边时，这位女人看起来比我们注视画面右边时要高一些，或者挺拔一些。而她的面部好像也随着这种位置的变化而改变，因为即使在面部两侧也不大相称。然而，如果他不能准确地掌握分寸，如果他不是近乎神奇地表现出活生生的肉体来抵消他对自然的大胆违背，那么达芬奇使用这些复杂的手法就很可能创造出一个巧妙的戏法，而不是一幅伟大的艺术作品。再来看看达芬奇的部分手稿，显而易见达芬奇花费了比前人更多的精力去研究和学习。也正是这些探索成就了达芬奇，同时也可以表明一个不学无术的人根本就无法创作出那样的杰作的。参考见《艺术的故事》有时候看到想回答的问题就不想回答，回答了又怕火起来，我最初写这篇答案的时候关注问题的不过25个人，写来不过是为了自娱自乐，并没想让更多人看到，没想到上了热搜，于是他喵的总有各式各样的杠精冒出来影响心情还有，那些杠精不必“您”来“您”去地显得自己好像很尊重别人似的，我看的出你们既不尊重我的观点，更不尊重我，所以少惺惺作态好似一位伪君子