问题：﻿有哪些主题与死亡相关的艺术作品？中西方均可，不只局限于绘画 可能大伙误会了，提这个问题的初衷不是要穷尽所有，只不过我想扩展一下知识，比如我就知道梅杜萨之筏，马拉之死等等，所以大家畅所欲言，知道多少说多少，愿意说…
话题：﻿书籍推荐、艺术、当代艺术、绘画、艺术史论
回答：﻿谢邀～用艺术作品来表现死亡、讨论死亡是西方艺术中的一大传统。我在这里只抛砖引玉，谈一谈我了解的一些作品，供大家参考。*英国人马克·奎因（MarcQuinn）是一个以大胆创新和挑战传统闻名的雕塑家。他最突出地表现为使用非常规的创作材料，讨论身体的可变性，以及如何定义人类生命的问题。他的作品是如此的大胆和直白，使得很多观众甚至在美术馆里感到恶心和反胃，有时用“血淋淋”三个字来描述再恰当不过了。在1991年，奎因创作了一个自画像式的头像作品，取名为《自我》，成为了他的代表作。虽说这件雕塑的形态就是艺术家自己的头部，十分写实，但是这件作品的材料非同一般：来自于奎因自己的鲜血。在一年的时间中，奎因陆陆续续地抽取了自己8品脱的血液，这也大约是一个成年男子体内的血液总量，然后在特殊的冷冻处理后，制做成了自己的头部肖像。这件雕像被放在一个树脂材料的玻璃盒之中，连接着一个冰箱然后在画廊里展出。这是一种全新的展现自我肖像的残酷方式，用一种极度真实、极度直白，且极度生理化的手段来表现自己的面貌。奎因此后继续了这个系列。每五年，奎因都会重新抽取自己的血液，根据自己的样貌变化铸造新的肖像模子，然后制作一个全新的《自我》。通过观察比较《自我，1991》和《自我，2011》，我们便可以发现艺术家面容的变化。他的脸庞变得气喘吁吁，眼睛和嘴角的纹路都变得更深。这个系列仿佛是一个有自我生命的东西，会随着时间发生变化，它有血有肉，有专门的温度和湿度环境供其存活。我甚至可以想象，在艺术家本人死后，助手也会根据他生前立下的遗嘱，从他的身体里抽出最后的血液，根据他死去的样子制作出最后的一张脸，给奎因的人生画完这个血淋淋的句号。《自我》2011年的版本奎因出生于1964年，和同期的一批艺术家在九十年代中期开始在艺术界突起，后来，他们被称为“英国青年艺术家”团体（YoungBritishArtists）。这一批艺术家还包括大名鼎鼎的达明·赫斯特（DamienHirst）。他对于死亡主题和生命机体的有限性十分感兴趣。其标志性的作品是把动物的尸体浸泡在甲醛溶液里，诸如《自然历史》（NaturalHistory）和《生者对死者无动于衷》（ThePhysicalImpossibilityofDeathintheMindofSomeoneLiving）。后者把一条长18英尺的虎鲨泡在甲醛保存液中，并在玻璃柜里展示给人。这条鲨鱼带着大自然的威严和尸体的恐怖感，成为了20世纪后半叶最为出名的大型当代装置艺术作品之一。在2004年的拍卖中，这件作品的成交价格让赫斯特在当时在世艺术家中的拍卖价格排名全球第二。这条鲨鱼为赫斯特获得了特纳奖提名，虽然他没有获奖，但他最终将在1995年获得该奖项。他几乎立即将自己定位为当代艺术中的最具争议性的人物。赫斯特与他的鲨鱼赫斯特的艺术世界就像是一座专门保存亡灵的雕塑公园，一件件被肢解、被分裂、被展示的动物死尸是他最为著名，也是最为引发激辩的代表作。在1995年，赫斯特的一件展品，一头腐烂的奶牛和公牛，遭到了纽约公共卫生官员的禁止。原因是他们害怕“游客在展览现场中呕吐”。但赫斯特的脚步并没有就此停止，他继续追求那些令人震惊、害怕和甚至会引起人们呕吐且具有挑战性的艺术项目。在他涉足艺术之前，赫斯特曾在太平间工作过，很显然，他的艺术从那段经历中汲取了源源不断的灵感。并且，他还借用了另一位英国当代艺术家弗朗西斯·培根的视觉语言，对他的展示对象，即便是如同死亡一样的严肃且沉重的话题，也绝望而冷酷地采用了屠夫式的解构和坚定不移的毁灭。同时，赫斯特还是一位天主教徒。血腥的身体，往往是用于展示圣徒和基督之死；以及圣母和儿童，西方宗教绘画中的标志性主题，也常常出现在他的作品信息里。他认为，这是他审美感受的一个重要组成。赫斯特的另一条鲨鱼赫斯特那些泡在甲醛中的动物尸体就像是奎因的血头像，用视觉的形式让人们直视了死亡的真相、死亡的身体、腐朽与不朽等问题。存在争议的是，赫斯特的创作方法牢牢扎根于艺术历史和当代的现有资源。在对死亡问题的关注中，赫斯特的做法是简单的程序化呈现，简直像是回顾了欧洲静物画风格中的纪念品图像。他存放在死亡药剂中的动物尸体和古典绘画中荷兰人厨房里的死鹅，英国人猎狗嘴边的兔子几乎功能一样，是一种提醒着死亡率的图像，宣示着一种占有关系——从富足之家占有野味肉食到占有一种观看死亡肉体的权力。RobertRauschenberg.Monogram,1955-59.Oilpaintontaxidermicangoragoat而在使用生物材料的方面，赫斯特显然和20世纪后期的其他利用死亡动物和动物标本的当代艺术家不一样，其中包括美国人罗伯特·劳森伯格（RobertRauschenberg）和女性艺术家卡罗林·诗尼曼（CaroleeSchneemann）。他也不同于乔瑟夫·博伊斯（JosephBeuys）用生肉或是动物脂肪覆盖自己而产生的雕塑形式。赫斯特与他的同僚的不同之处在于，他将整个动物尸体直白而程式化地展示，成为了观众眼里不带温度且毫无表情的展示品。JosephBeuys-HowtoExplainPicturestoaDeadHare,1965而无论是赫斯特还是诗尼曼，在这些利用动物尸体的艺术家创作中，我们认识到自己的身体作为一种普通生命存在的虚弱和衰败。人类也不过是略微高级的动物，我们肌体的消亡、生命的流逝，这种随着时间发生的不可逆转的变化是那样的清晰可见，坚不可摧。以赫斯特、奎因为代表的这批刻画死亡的艺术家，或无情或有意，用讽刺艺术消费主义的试验和带有个人主义风格的作品不断实践着死亡的美学。*死亡，作为所有生命有机体的共同终点，成为了一种超越时间、超越个性的审美主题。实际上，这艺术史里发生的一切都与死亡息息相关。艺术出现的最初功能就是用于祭祀，而许多民族的宗教艺术就是用于建立一座生与死之间的沟通桥梁。15世纪的德国画家，汉斯·梅姆林（HansMemling）作为早期荷兰绘画的传统大师，就颇具诗性地描绘过《世俗虚荣和神圣救赎的三联画》（TriptychofEarthlyVanityandDivineSalvation，1485）。MemlingVanityandSalvation，1485这个史诗般的三联画将地球上存在的奢侈生命——裸体的青春美女，与死亡的骷髅舞蹈和永恒的地狱之焰放在一起。三幅画不仅在构图上颇为相似，而且画家把画中内容不断逼近到观众的跟前，让人们不得不把此生世界与死亡的想象放在一起进行比较。生的活力与死的冷笑都那样真实，那样靠近，令人难以忘怀。JanDavidszdeHeem,StillLifewithHam,LobsterandFruit,c.1653.而到了17世纪，看着静物画里某张桌上的那一大瓶新鲜甜美的花朵，每个人在心里其实都立刻得到了同样的信息——这是完美的瞬间和生命的顶峰，从这里开始，余下的岁月都是在走下坡路。这种并不积极的黑暗意识与死亡的不可逃避性紧紧相连，成为了许多艺术家创作的重要动力。PieterClaesz,StillLifewithaSkullandaWritingQuill，1628StillLifewithSkullandApplesPainting，PaulCezanne因此，艺术史里才出现了那么多静物画和风情画，把鲜美的花朵、或让人垂涎欲滴的水果和一个骷髅头置放在一起。今天的人们乍看之下会觉得不可思议，但画面背景中那一望无际的黑暗色调似乎又笼罩了一切，让它们都变得更加统一了。毕竟，老去、腐烂、消失，这个“向死而生”的生命轨迹是一个非常实际的问题，无论是对于人类还是对于植物来说。就连在19世纪里的画出了最耀眼阳光的文森特·梵高也画过死亡主题。《叼着香烟的骷髅头》（SkullofaSkeletonwithBurningCigarette）这幅未注明日期的画作大约完成于1885年至1886年间，目前就在荷兰的梵高艺术博物馆。SkullofaSkeletonwithBurningCigarette，1985byVincentVanGogh在人们看惯了梵高的向日葵与金色麦田之后，这一个在黑暗色调中突兀出现的吸烟骷髅一定会让每个观众都感到毛骨悚然和大吃一惊。梵高在安特卫普时期的另几幅小画中都出现过骷髅的形象，有的还把骷髅头画在了他最熟悉的金黄色之中，或是和一只猫咪画在一起，赋予了象征死亡的骷髅形象一种特殊的生命力，甚至还带有些玩世不恭的意味。Skeletonsketches，VincentVanGogh在传统的绘画学习中，艺术家都会花上好几年的时间去研究人体骨骼的结构与形态，而梵高的这些习作大约也是在这种情况下产生的。只有掌握了骨架的基础才能让肉体获得生命。艺术家倒是比很多人都更加明白这个道理，只有把事物的根本看透了，才会掌握些许生命的真实。死亡美学一直都有其诋毁者，特别是当它被用于解释神圣主题时。死亡美学的批评者认为，用有限的生命范围去谈论无限的可能，在固有的认知内表现超越认知的内在含义是毫无意义的，也是不妥的。Death_of_the_Virgin，Caravaggio_(1606)例如，卡拉瓦乔创作的《圣母玛利亚之死》，现在挂在卢浮宫内，就一直被其当时的委托教堂拒绝接受，原因是：艺术家描绘了一幅栩栩如生的圣母玛利亚的死亡，而她死得实在是太真实、太生动了。最终，委托教堂决定，卡拉瓦乔的作品被卡洛·萨拉塞尼（CarloSaraceni）的同名油画所取代，后者描绘的圣母玛利亚之死既可以被人接受，而作品气质上又略带感伤，关键是，玛丽亚看上去依然慈祥美丽，充满光辉，似乎根本不具备去死的能力。古典时期的绘画与雕塑总会自带一种简单纯粹的美感，即便是这种美是围绕在死亡与尸体周围的。我曾在今年初，于费城美术馆内看到了一件令我难忘的作品，可以说是刷新了我对古典主义死亡美学的认知。在一间展厅的尽头，深灰色的墙壁上挂着一套双联画，《耶稣受难像》（theCrucifixion）。这是一个在艺术史里出现过千万次的画面：耶稣被钉死在十字架上，血珠从掌心和脚部流下，而身旁的人则在做出悲伤祈祷的简单动作。RogiervanderWeyden，theCrucifixion在几何感的构图之中，艺术家做了许多简化的手法：天空的蓝调被降至暗灰，人物的衣饰是粉蓝粉红的呼应，粉红弱化为杏白，仿佛淡化的色彩才能诉说出主人公的哀伤。抑或是，每一处衣料的褶皱都被处理得干脆整齐，脚下的草地是那般的柔软细腻，都透露出艺术家精心营造出的平淡之美。若不是右边画面中挂着一具耶稣的苍白尸体，人们简直要忘记这是一个描述死亡的环境。这组画出自古典大师中的圣杰，尼德兰画师罗希尔·范·德·威登（RogiervanderWeyden）之手。为了传递出那种压倒性的悲伤感，两块红色帷幕的存在颇具创意地映衬出了前景中圣母的脆弱和苍白。她的外表朴素得如寻常妇人，伤心欲绝，瘫软坐在传教士约翰的怀抱中。围绕在耶稣周围的苦难感仿佛弥漫了整个空间，像空气一样拂过她的面庞。虽然，圣母的悲痛十分激烈，但这一切都压倒在了那片红色背景中。左边人物的苍白与飘动在空中的基督缠腰布，形成了画面里的平衡美。悲苦之情在两块画布间来回荡漾，却不动声色。这组作品的尺寸不小，人物大小几乎是真人的三分之二。凑近些观看，圣母脸上流淌下几颗逼真的泪珠，仿佛是这静谧夜空中唯一的声音。RogiervanderWeyden，theCrucifixion细节图耶稣钉上十字架的场景我看过很多次，但总不叫眼前的这一张干净、整洁、深沉。范·德·威登的创新就在赋予了这一常见题材一个复杂的构图和奇异的精神强度。细致的刻画是艺术家的惯常手法，但这幅受难图最为迷人的部分不在于耶稣。中央那一分为二的分裂形式感，鼓励着人们去重新思考观看的逻辑，放大了一种基督和他母亲的平行苦难。而那位笨拙的传教士蹒跚前行支持圣母伸出的双手，则像是在提醒观看者，去理解这位母亲的不平凡。这种母亲的忍受和旁人的帮助，才是叫这组作品最为珍贵和美好的地方，几乎要战胜死亡对于生命的摧毁性打击。*虽然，死亡美学与生命的脆弱和灵魂的过度有关，但死亡本身也意味着一种能量和状态的转换。这种转换，或者说是一种超越，同样带来了自己的美学和信仰。展现这种超越人类身体局限的美学作品表现出了一种潜在的转变关系，有时甚至是从一种堕落的生存状态升华到一种全新的高度。在这层意义上，奎因的《自我》系列就根植在这种基于肉身而形成的美学理想之上——把不可能实现的不朽和永生状态付诸于材料的使用中。MarcQuinnexhibitionatNationalPortraitGallery值得一提的是，类似这样的举动——把不是艺术材料的东西提炼和组装成艺术作品，恰恰是当代艺术家惯来就在实验的事情。我们可以把它理解为“艺术的炼金术”。而这样的方法，其创作的根本精神是一种潜在的对于灵感和神迹的召唤。因此，我们也可以说，艺术的炼金术所追求的精神和观念的转换与升华，其实是根植于类似于神学的逻辑基础之上的。奎因用自己的真血制作了自己的不死肖像，他的创作类似一种巫术和祭祀，就是一种基于从肉体到灵魂的升华与转换。人们常说，艺术家的创作是在传递一种想法，其实不如说是视觉化一种艺术家的发问。而这种想法与发问之间的区别，其实就是理解奎因的雕塑艺术以及思考不朽生命与死亡美学的关键点。ByTheDeathbed,byEdvardMunch我们可以这么说：人之所以能够实现自我观察，正是因为艺术家对我们的身体与死亡制造了一些复本；这些情绪和精神的复本被注入了新的意义和思考，并被放在了当代的困境和美术馆的审美环境之中。归根到底，艺术之所以能够发挥作用，正是因为艺术家创作的复本构成了观看的世界。死亡美学里的诗歌、绘画、雕塑等作品，变成了一个个可以被追溯、被研究、被拷问的文化产物，让人们看到了自己潜意识里已被克服的原始冲动，或是看到自己的心魔——它变成了美术馆里的尸体和那些令人恐惧的东西。===============希望对你们有帮助～如需转载，请私信获得我的同意，谢谢！