アート映画
ハリウッドで作られているようなマスマーケット向けの映画は、あまり鑑識眼のない観客にアピールするものであると指摘する研究者もいる。こうした人々は、よりよく考えて作られ、質も高い映画に導く助けになってくれるかもしれない文化的エリートとしての映画批評家に頼っている。大衆的な趣味とハイカルチャーの間の断絶を橋渡しするため、こうした映画批評家は映画に行く人々鑑識眼を育てるべく、馴染みのないコンセプトを解説してこうした映画をより魅力的なものに見せるよう、期待を寄せられている。たとえば、映画批評家はレビューを通してこのようなアート映画分析の言葉を提供することにより、観客が映画についてもっと真剣に考えられるよう促すことができる。
1970年代にはスタンリー・キューブリックの『時計じかけのオレンジ』(1971) のように暴力的な映画やベルナルド・ベルトルッチの『ラストタンゴ・イン・パリ』(1972) のように激しい性描写のあるアート映画が作られる一方、アンドレイ・タルコフスキーの『惑星ソラリス』(1972)、『鏡』(1975)、『ストーカー』(1979)、テレンス・マリックの『地獄の逃避行』(1973)や『天国の日々』(1978) のように詩的で内省的なアート映画も作られた。1970年代のアート映画のもうひとつの特徴としては、奇抜な登場人物やイメジャリーを目立たせる方向性への回帰があり、こうした傾向はニュー・ジャーマン・シネマの監督ヴェルナー・ヘルツォークの作品で妄執的なタイトルキャラクターが登場する『アギーレ/神の怒り』(1973) や、泥棒と錬金術師が神秘の地を探すアレハンドロ・ホドロフスキーのサイケデリックな『ホーリー・マウンテン』のようなカルト映画に顕著である。マーティン・スコセッシの映画『タクシードライバー』(1976) は『時計じかけのオレンジ』に見られる、暴力的で崩壊しつつある社会に生きる疎外された人々を描くというテーマを受け継いでいる。スコセッシの映画に見受けられる暴力と沸き起こる怒りの描写は、デヴィッド・リンチの夢のようにシュルレアリスム的なモノクロの『イレイザーヘッド』(1977) などとは対照的である。
ジョナサン・グレイザーの『アンダー・ザ・スキン 種の捕食』は2013年に第70回ヴェネツィア国際映画祭で上映され、翌年インディペンデントスタジオであるA24により劇場公開された。スカーレット・ジョハンソン主演で、人の姿をしたエイリアンがグラスゴーで男たちをセックスに誘い、捕食する様子を描いた作品である。セクシュアリティ、人間性、客体化といったテーマを扱っており、非常に高い評価を受けた。「傑作」と評するむきもあり、批評家のリチャード・ローパーは「芸術としての映画について我々が語る時我々が話すもの」だと評している。
2010年代は「アートホラー」が再び作られるようになり、『ブラック・スワン』(2010)、『イノセント・ガーデン』(2013)、『複製された男』(2013)、『ババドック~暗闇の魔物~』(2014)、『オンリー・ラヴァーズ・レフト・アライヴ』(2014)、『グッドナイト・マミー』(2014)、『イット・フォローズ』(2015)、『ウィッチ』(2015)、『哭声/コクソン』(2016)、『ゲット・アウト』(2017)、『マザー!』(2017)、『サスペリア』 (2018)、『ハウス・ジャック・ビルト』(2018)、『ミッドサマー』(2019)、『ザ・ライトハウス』(2019)、『パラサイト 半地下の家族』(2019)などが例としてあげられる。
アルフォンソ・クアロン監督が1970年代にメキシコで過ごした子供時代をもとに作った『ROMA/ローマ』(2018) はモノクロで撮影されており、クアロンの過去作同様、必然として訪れる死や階級をテーマとしている。この作品はストリーミング大手のNetflixが配給し、Netflix作品としては初めてアカデミー作品賞にノミネートされた。