悲喜劇
戯曲のジャンルは、劇中で人が死ぬか否か、そして本筋がどのように死に至るかの二次的方法において決定されていたので、フレッチャーは事件に焦点を当てた定義をした。Eugene Waithは、以後10年間でフレッチャーが発展させた悲喜劇は様式として定着したと指摘する。それは、突然の予期せぬ新事実の発見、常軌を逸した筋、離れた場所、複雑で作為的な修辞への頑なな関心などである。
フレッチャーの同時代人の作家たちでは、フィリップ・マッシンジャー(Philip Massinger)やジェームズ・シャーリー(James Shirley)の悲喜劇が成功を得ることができた。リチャード・ブルーム(Richard Brome)も、成功とはいかなかったが、悲喜劇を試みた。さらに多くの他の同時代人、ジョン・フォード(John Ford)、ロドウィック・カーレル(Lodowick Carlell)、サー・アストン・コカイン(Aston Cockayne)などが悲喜劇に挑戦した。
悲喜劇は1642年の劇場閉鎖(イギリス・ルネサンス演劇#終焉を参照)までかなり人気を保ち続け、フレッチャーの作品は王政復古期(English Restoration)でもまだ人気があった。18世紀には、古いスタイルは当然趣味の違いから退けられた。最終的には、「ハッピー・エンドのついたを伴う悲劇」は、今でも人気のあるメロドラマに発展した。
古典時代の「悲喜劇」の完全かつ公式な定義は存在しない。アリストテレスは『詩学』で二重の結末を持つ悲劇について論じた時、ルネサンス期の「悲喜劇」に似たものを念頭に置いていたように見える。この点で、たとえば『アルケスティス』のような古代ギリシア・ローマ演劇の多くが悲喜劇と呼べるかも知れないが、筋を除けばはっきりした特性は持たない。「悲喜劇」という言葉の起源はプラウトゥスで、『アンフィトリオン』のプロローグで、神々を俗物的な芝居に登場させる弁明に使ったものである。