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Dos procesos musicoterapéuticos en cáncer hematológico

La siguiente monografía está basada en dos procesos musicoterapéuticos realizados en la unidad de hematología oncológica del Hospital Clínico De La Universidad De Chile, con dos jóvenes de veintidós y quince años, que padecen de leucemia Promielocítica y leucemia Linfoblástica aguda, respectivamente. Una de las motivaciones centrales que me llevó a escoger el tema “Musicoterapia en Oncología”, fue la inquietud de conocer a fondo el trabajo que desarrolla la musicoterapia clínica en una enfermedad catastrófica como el cáncer hematológico o leucemia. Específicamente, cómo, a través de la improvisación, la creatividad y las diversas técnicas musicoterapéuticas, el paciente oncológico logra estructurar y reorganizar sus áreas enfermas. Además, tuve gran interés por conocer una institución clínica Chilena, abierta a la incorporación (al menos como un proyecto de práctica) de una terapia relativamente nueva en nuestro país, como es la musicoterapia. Finalmente, el gran problema del ser humano de vivir en constante temor a la muerte, es un tema que he reflexionado por largo tiempo y que me pereció pertinente abordar desde otra perspectiva, para generar una instancia de crecimiento personal a partir de la relación musicoterapéutica. Es así como me aventuré en esta hermosa experiencia, que se fundamenta en los trabajos teóricos de grandes profesionales de la musicoterapia, como lo son Benenzon, Priestley y Gerwitz, Even Rud, Gustavo de Gauna, Carolyn Kenny, entre otros, que confían y creen en el poder expresivo y creativo del paciente en la música, como elementos dinámicos y estructurantes de los procesos internos y vinculares de los seres humanos. Además de complementar dichos fundamentos con los aportes de la psicooncología y la vasta experiencia de Lawrence LeShan en el trabajo psicológico para movilizar el sistema inmunológico del paciente oncológico. El objetivo central de este trabajo es presentar fielmente los dos procesos terapéuticos, a través de una descripción minuciosa de los sucesos sonoros, corporales y musicales relevantes y de los elementos emergentes de cada paciente, de tal forma, que el lector pueda establecer relaciones y asociaciones entre ambos. La metodología usada, consiste en presentar un marco teórico que permita contextualizar e informar sobre los tipos de leucemia que padecen los pacientes, y luego en proponer un marco teórico musicoterapéutico que aporte los fundamentos necesarios para llevar a cabo el análisis y las conclusiones. Posteriormente se presenta la metodología y técnicas, los perfiles e historia musical de cada paciente y el contexto donde se desarrolló la intervención. Más tarde, se describe el setting instrumental usado en la terapia, sintetizando el uso de los instrumentos y recursos en un cuadro resumen. Posteriormente se realiza una descripción detallada de las producciones sonoras y verbalizaciones relevantes de cada fase, para finalmente analizar cada parte de ambos procesos y hacer una comparativa de las necesidades expresivas que experimentó cada paciente. La monografía finaliza con una conclusión personal del trabajo realizado
El beat chileno, el beat progresivo - psicodélico chileno y los sicodélicos (1964-1968)

Nuestra propuesta académica apunta a reivindicar una época en que la industria cultural y musical nacional, así como el Beat Chileno y el Beat Progresivo-Psicodélico Chileno, junto a todo su pretexto y a su contexto, intervinieron, indirecta y directamente, en cambios que experimentó nuestra sociedad urbana criolla.
Una publicidad de lo indecible — pintura y desplazamientos contextuales

Esta Tesis desarrolla un análisis a partir de una breve relectura de mi trayectoria de producción de obra y de las incipientes concepciones esbozadas en ella, cuestiones como el realismo y la autonomía de una producción de arte, para posteriormente asociarlas a un contexto, al reconocimiento de una problemática actual de la imagen. Habiendo asumido en el análisis la funcionalización de la imagen producto de la práctica publicitaria y la operación cosmética implícita en la imagen digital como el contexto político de operación, se proponen tres desplazamiento formales que corresponden al marco operacional identificado. Estos desplazamientos plantean la supresión de la pintura como soporte y añaden el elemento comunicacional (publicitario) a la trama conceptual determinada. La introducción de estos desplazamientos, tanto en la reflexión como en el ámbito público, obliga al análisis a intentar definir la operación que sustenta esta investigación. Se aborda el problema de la transgresión de un orden estético en relación a la diferenciación y se plantea la intervención artística asociada a la introducción de lo indeterminado en lo determinado. Esto implica, finalmente, llevar el análisis a cuestionarse por un posicionamiento del arte en relación a sí mismo y en relación a los requerimientos institucionales y del sistema estético imperante. Por último, las conclusiones revelan las contradicciones y las dificultades de la postura asumida, pero también presentan las convicciones que movilizan este trabajo
Lo que queda del exceso

El documento aborda los problemas propios de un trabajo de artes visuales desde su gestación, hasta su constitución en obra. Contiene la documentación, la lectura y el análisis de una serie de trabajos de arte elaborado a partir de más de 400 imágenes fotográficas de un solo motivo. Esta serie de imágenes conforma el cuerpo iconográfico fundamental de mi trabajo, visible en todas las exposiciones aquí registradas. Esta memoria se puede leer como “una historia de lo visible”, la experiencia de un ejercicio cuyo único propósito fue centrar la atención en lo visible y en la documentación de esos pocos habituales momentos de atención. Pero también es la historia de lo invisible, es decir, de lo no evidente, de lo problemático de este trabajo. Así es como el texto contiene giros poéticos y complejos que son necesarios para leer el trabajo visual y que no puedo explicar de otra manera pues la escritura es aquí, el lugar donde se problematiza la producción. Se trata entonces de una bitácora que no se concentra exclusivamente en la simple descripción del proceso de obra, sino que intenta abordar y formular también el problema en toda su complejidad formal, técnica y conceptual.
Camuflaje (de acople) — estrategia operativa de producción

La articulación de una operación específica de las artes visuales en cuanto producción de obra (personal) con carácter político en la actualidad es la principal apuesta de este texto. Al comprender que corresponde a un enunciado algo extenso, o sobre todo, tremendamente complejo, para este trabajo he optado en primera instancia por un análisis territorial de las artes visuales en cuanto dinámicas del contexto global en relación a la producción de imágenes como lenguaje social. Nociones como biopolitica, espectáculo de masas y producción (de consumo y de imaginarios), nos plantean el primer escenario al cual enfocar este trabajo. De él desprenderemos los cruces teórico / prácticos necesarios para (re) articular una propuesta operativa acotada. La que por su parte, se construye con tres pilares operacionales: repetición, acople y resignificación (éste último como la formación de conjuntos para una relectura). Este texto ha sido construido en gran medida desde el pre—grado, pero sobre todo, a partir de los textos elaborados por mí durante el propio Magíster; de esta manera, el texto funciona como una recopilación de antecedentes y al mismo tiempo como soporte para la elaboración de las propuestas específicas de operación política actual. La estructura remite al análisis de las dinámicas del contexto general o entorno relacionado con la producción de imaginarios colectivos a través de diversas herramientas a disposición, de ésta manera establecemos cruces entre estrategias publicitarias y producción de arte urbano —por sobre todo relacional y contextual— simultáneamente planteo la reorganización paulatina de un mapa operativo durante mi proceso productivo (asumiendo la importancia de la reubicación de conceptos y de la singularidad material de cada propuesta) durante los últimos siete años, con el fin de resumir una estrategia acorde con la movilidad de signos, propia de nuestro contexto socio-cultural
Restauración de cerámicas patrimoniales del Museo Arqueológico de La Serena

El presente informe constituye la síntesis escrita del trabajo de restauración de tres piezas pertenecientes a las colecciones del Museo Arqueológico de La Serena y correspondientes a hallazgos de la misma región a la que pertenece el museo. En este documento mostraremos las distintas etapas de intervención de dichas piezas, además de algunos aspectos relevantes a considerar para su restauración y posterior conservación. Ejemplo de esto constituye todos los datos relacionados con su hallazgo, los datos relevantes de las culturas a la que pertenecen, las intervenciones anteriores de las piezas, etc.
Gestión cultural en situación de pobreza: investigación cualitativa de proyectos originados desde la población y financiados por el estado

El presente estudio abarca la gestión cultural en situación de pobreza y conforma una investigación cualitativa basada en proyectos originados desde la población y financiados por el Estado. Dentro de esta temática, busca establecer qué resultados cualitativos respecto a su desarrollo han observado los participantes de proyectos de este tipo. Para conseguir el objetivo se estableció realizar la investigación a través del enfoque cualitativo y del alcance exploratorio, desarrollando el sustento teórico en las temáticas pobreza, arte y desarrollo social. Como metodología de investigación se determinó la utilización de entrevistas focalizadas, realizándolas a quince participantes de proyectos concordantes con el tema de estudio, en este caso, tres propuestas efectuadas mediante Fondart. El análisis se desarrolló en tres pasos, distinción de temáticas abordadas en las entrevistas, clasificación de fragmentos de texto en las categorías temáticas y redacción del informe de análisis. La investigación determinó que los proyectos son efectivos por cuanto los participantes observan aprendizajes y cambios positivos respecto a su desarrollo. Se determinó además que si bien se logra efectividad, esta podría alcanzar niveles mayores si se trabajara en torno a la profesionalización del área fomentando la continuidad y alcance de las propuestas
Imagen fantasma — visualidad e historia en las obras de Enrique Lihn y Eugenio Dittborn

Esta investigación hace suyo un ajuste metodológico respecto al modo de pensar la relación entre las imágenes artísticas y la historia. Tal ajuste descansa en el reconocimiento de que las primeras no se hallan meramente inscritas, como un punto sobre una línea, en las estructuras diacrónicas de la segunda. Supone también que, en su doble condición sincrónica y anacrónica, la imagen cala, fisura y reordena la experiencia del tiempo histórico en que ella misma se presenta. Dos obras de autores chilenos —Enrique Lihn y Eugenio Dittborn― son abordadas en este estudio como instancias que permiten pensar ese ajuste, porque propiamente lo producen como efecto de sus operaciones estéticas y críticas. Se trazan aquí los antecedentes teóricos para formular esta hipótesis y se los dispone analíticamente en vías de leer las poéticas de la imagen en ambas obras como soportes de un desmontaje histórico ―acontecido en una experiencia temporal signada por la interrupción, la discontinuidad y el retorno― en cuya entrelínea podría descubrirse también un contradiscurso de la historiografía del arte chileno
Práctica musicoterapéutica en un joven con parálisis cerebral

Esta Monografía está basada en la Práctica de Musicoterapia realizada a un joven de 15 años con Parálisis Cerebral perteneciente a la Fundación Coanil (Corporación de Ayuda al Niño Limitado). El lugar de la intervención se realizó en las dependencias de la Escuela Ruca Rayen ubicada en el Hogar Los Jazmines en Avenida Larraín 9940, La Reina, Santiago de Chile. El tratamiento tuvo una duración de tres meses aprox. con sesiones repartidas dos veces a la semana, inspirado en distintas orientaciones Musicoterapéuticas creadas por importantes y reconocidos profesionales del área tales como: el Modelo de Improvisación libre de Juliette Alvin, conceptos de abordaje terapéutico de Gustavo Gauna y Gabriel Federico. Este proceso Musicoterapéutico aplicado a este joven obtuvo resultados muy beneficiosos para su desarrollo emocional, motriz y cognitivo.
Arte social y espacio público — relaciones entre arte, ciudadanía y entorno urbano

Esta investigación se ha enfocado en el análisis respecto del concepto arte social, el cual se referiría a expresiones cuyas principales motivaciones se alejarían de la especificidad del campo artístico, para involucrarse en ámbitos de la sociedad que resultan de interés para el artista, en cuanto temática como destino principal de la obra. Teniendo como punto de partida los antecedentes teóricos y experiencias artísticas que serían inscribibles en este concepto –principalmente a nivel latinoamericano y con énfasis en el contexto chileno durante la dictadura iniciada en 1973-se reflexionó sobre su posible aplicación a cuatro obras realizadas en el Chile contemporáneo, específicamente en la última década, teniendo en cuenta los cambios que ha enfrentado la sociedad chilena desde entonces. Actualmente, el contexto social otorga motivaciones políticas diferentes, pero existen de todos modos conflictos de desigualdad social, y de relación con la memoria de los acontecimientos pasados. Todo esto es considerado por algunos artistas, para desarrollar propuestas que se relacionen con el espacio público, en sus posibilidades de experiencia abierta y de comunicación con sus habitantes. En las obras de arte social, el entorno es fundamental en la obra, es parte de ella en tanto problema, campo de interacciones y material significante. Las propuestas abordadas se llevaron a cabo en el espacio público, por lo cual resultó fundamental considerar los códigos que los artistas usaron para generar estrategias de validación social, así como también las posibilidades de relación de la obra con el espacio público y la ciudadanía, tomando en cuenta que las obras de arte social dialogan con una multiplicidad de variables: contexto histórico, político, económico, social y urbano. A lo anterior se incluyó el análisis de las eventuales reacciones de los transeúntes respecto de la obra, las cuales no estarían preestablecidas y que podrían, en ocasiones, articularse como respuestas e incluso indicios de diálogo con el problema planteado
Imagen, figura y sentido

La tesis consta de dos partes principales, dedicadas a Aristóteles y a Kant respectivamente. El problema desde el cual se ha interrogado la obra de estos pensadores es el problema del estatuto de la imagen. La hipótesis de base que orienta la indagación es que en conexión con la imagen y la imaginación es posible reconocer las huellas de la emergencia de lo ideal en el discurso filosófico. La tesis pone en relación esta cuestión con la discusión del límite entre formas conceptuales y no conceptuales (figurales) de significación. En efecto, la distinción misma entre formas conceptuales y no conceptuales de significación involucra procedimientos figurales. Lo que intentamos sentar es que esta última información tiene su fundamento en la necesidad de incorporar componentes imaginarios en cualquier explicación del sentido en el que es posible hablar de conceptos. El examen de la obra de Aristóteles y de Kanti tiene por objeto aportar evidencia indirecta a esta última tesis, mostrando cómo, en el caso de estos dos exponentes paradigmáticos de una filosofía rigurosamente conceptual, la discusión de la imagen no sólo se presenta justo allí donde se trata del límite a partir del cual es posible hablar de conceptos, esto es, allí donde estas filosofías intentan delimitar aquella facultad (dynamis, kraft) cuyo poder es la contemplación o la formación de conceptos -dejando situada así a la imaginación entre la sensibilidad y el entendimiento-, sino que la imagen es, sutilmente, sometida a procedimientos figurales para permitir el encuentro de ambas facultades.
La llave, el cofre y las herramientas: un acompañamiento del proceso creativo a través del arte terapia en el fortalecimiento de la resilencia

El siguiente informe expone la experiencia de práctica con Arte Terapia, realizada entre septiembre y diciembre del año 2009, en un hogar que acoge a niñas y adolescentes que han sido vulneradas de sus derechos dentro de sus propios hogares. Dicha experiencia se realiza de forma individual con K, una niña de 13 años, inmigrante, víctima de abandono y abuso sexual desde etapas muy tempranas de su desarrollo.
Procedimiento de pérdida

La presente Tesis, tiene por objeto desplegar un análisis al procedimiento de pérdida como metodología de realización de obra, en el trabajo de arte de Luis Guerra. En los primeros 3 capítulos se establecen las bases del desarrollo que configuran la hipótesis de trabajo. A través de una descripción detallada de los acontecimientos que configuran el material de la tesis, se hace, paralelamente, el despliegue teórico de su contenido. El primer capítulo hace mención a la secuencia de obras desarrolladas durante el período 2003-2004, denominado aquí como Trilogía del Cuerpo. El segundo capítulo, nombrado De los Otros, esta conformado por los referentes artísticos, estableciendo a través de la explicitación de sus prácticas visuales, los modelos de formación esgrimidos como metodología referencial de trabajo. De esta forma, se analizará la deuda contraída con metodologías de trabajo de otros artistas, seleccionados por afinidad a la propuesta personal del artista, a saber: la obra del artista checo Jiri Kovanda, y el artista chileno Eugenio Dittborn. El tercer capítulo, de la Celebración de la Incertidumbre analiza y describe los trabajos producidos entre el periodo de 2006-2009, como la Trilogía del Objeto Perdido. Finalmente, en el último capítulo, Nómada y Sin Casa, se analiza, a modo de conclusión teórica, la circunstancialidad que opera como sustancia de la metodología de trabajo elegida
La revolución ilustrada de la música chilena 1960-1973 — Una aproximación al problema del arte

El presente estudio, aborda el proceso político vivido en Chile durante el período 1960- 1973, desde del discurso académico-musical de la izquierda. Partiendo de la base de una correlación entre el desarrollo de las discusiones estratégicas con las políticas culturales, se instala la discusión sobre el rol que jugó la música de tradición escrita, como ejemplo de una manifestación burguesa, en la configuración del marco cultural del proceso revolucionario en relación a la discusión e implementación de la vía chilena al socialismo. Con el objetivo de dilucidar el papel de los espacios académicos en la configuración del discurso político de la época y en la manera en que este articula los mecanismos para construir una nueva sociedad, se trasladan las divergencias teórico-políticas de la izquierda al desarrollo de sus políticas culturales, vistas principalmente desde el espacio musical académico. Considerando que el arte como espacio cultural propio de la burguesía, hizo igualmente parte del desarrollo del pensamiento y las políticas de la izquierda del período, abordamos las problemáticas propias del medio musical para graficar el conflicto inherente a la configuración de un discurso revolucionario bajo parámetros ilustrados. Específicamente, la música entendida bajo los parámetros de autonomía del arte, donde opera como manifestación propiamente burguesa. Será posible ver a lo largo de este estudio, que en el medio musical académico, se vivió una fuerte lucha por la resignificación de sus manifestaciones, politizando el repertorio y apropiándose de espacios tradicionalmente definidos apolíticamente. Sin embargo, veremos también que en su mayoría estas acciones apuntan a problemas de forma, más que de fondo. Puesto que los actores del medio académico musical abordaron el problema de la carga de clase que conlleva el ‘arte’, apelando a masificarlo y difundirlo, instalando un discurso político a través de la música, sin establecer una discusión, mucho menos un quiebre, en el entendido del rol ideológico estructural del arte en el orden establecido que pretendían cambiar. Finalmente, mediante el caso particular del período analizado, este estudio establece una crítica al entendido de la supremacía moral del arte, estableciendo un cuestionamiento sobre el contenido ideológico de su definición
Creer — una imagen expresa más que mil palabras

El presente trabajo describe una intervención arte terapéutica en un caso infantil con diagnóstico de trastorno déficit atencional con hiperactividad, sospecha de trastorno afectivo bipolar y la sospecha de abuso sexual, dados los síntomas presentados. El paciente recibe tratamiento psicoterapéutico y farmacológico hace 6 años. Por la gravedad del caso y dado que los tratamientos brindados no han sido completamente efectivos es derivado a arte terapia para explorar un nuevo recurso terapéutico y complementar los tratamientos anteriores. La intervención realizada consta de 12 sesiones individuales durante las que el paciente puede expresar por medio de un lenguaje visual, no verbal y simbólico, aquello que le perturba permitiendo relevar material que clarifique su diagnostico y le ayude en su tratamiento psicoterapeútico
Educación y formación de público — influencia de la educación artística en los consumidores de arte

    El presente trabajo de investigación pretende determinar la influencia que es capaz de ejercer la calidad de la enseñanza recibida en la asignatura de Artes Visuales en el público consumidor de Arte. Sea este en espectáculos gratuitos o pagados, en la compra de objetos de valor artístico o el disfrute estético en diferentes espacios de consumo cultural. El Método utilizado para la realización de esta investigación consideró la realización y consulta de diferentes encuestas a público y profesores de Arte, entrevistas con diferentes agentes del mundo cultural y la investigación en diferentes fuentes bibliográficas especializadas, considerando además nuestra propia experiencia enseñando Artes y trabajando en Museos y Centros Culturales. Los resultados obtenidos son presentados en un capítulo final de conclusiones, las cuales están basadas en la previa exposición de las pruebas recogidas durante la labor investigativa en capítulos parcelados de acuerdo con el área o ámbito explorado.
La experiencia del peso y el peso de la experiencia — el cambio de paradigma en la concepción del tiempo y el espacio en la escultura contemporánea a partir de la obra de Richard Serra

Labrado sobre el creciente despliegue de la técnica y de la ciencia, el espacio-tiempo que habitamos hoy se somete y administra, de manera desmesurada, al servicio del desarrollo político y económico, lo cual, sumado a una proliferante evolución tecnológica, trastorna nuestra percepción de la realidad relegando la experiencia a una condición cero. El presente estudio pretende dar forma a la hipótesis de que la escultura de Richard Serra interroga esta realidad mediante una obra que se cuela en las propias tramas de la experiencia cotidiana, conformándose como una indagación clave en el cambio de paradigma que va desde la escultura moderna hacia la contemporánea. En vías de despejar su sentido, esta investigación coloca bajo examen el escenario en el que su obra se inscribe y el contexto histórico de su emergencia, incluyendo un análisis a las tramas organizacionales que regulan el espacio público contemporáneo así como a las diversas formas en que la escultura lo interviene y habita