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"Vida y trabajo" (una obra Metro-arte) del artista Alejandro "Mono" González en [estación del Metro] Parque Bustamante

La obra mural “Vida y Trabajo”, del artista Alejandro “Mono” González y ubicada en la Estación del Metro de Santiago “Parque Bustamante” permite a esta investigación profundizar y revisar la noción de “arte marginal” para elaborar una propuesta crítica sobre una “estética de lo subalterno” desde el muralismo urbano a lo largo de la historia gráfica social, particularmente desde la experiencia de la Brigada Ramona Parra en el contexto del vínculo entre las nociones de arte y política. Con todo, nuestra propuesta apunta a la reflexión sobre nuestra historia reciente en el contexto de la sociedad de la “sobremodernidad”. En esta perspectiva, el arte marginal es comprendido en su dimensión crítica, más allá de la común oposición con el arte “oficial”, ubicándolo en sus constantes relaciones con las estéticas del malestar
Play — documento virtual

La obra Play contiene la modesta pretensión de ser una alegoría de la forma de vida presente. Para ello se vale de tres elementos que atraviesan y la componen. Dos de ellos, el computador y el maniquí, son indiscutibles objetos comunes en la vida cotidiana; el tercero, por el contrario, es una camilla que a pesar de provenir de un ámbito más específico viene a cerrar el conjunto. Entre los tres representan, como síntesis el deseo del hombre de modificar su mundo a su propio arbitrio y decisión, pero desde la convicción última que la mayor transformación que se puede lograr es la que proviene del cambio, no ya del espacio externo sino del microcosmos, vale decir, la propia persona.
Informe de creación artística de una individua con matrícula de alumna tesista en pintura

A continuación el proceso de informe de tesis que he desarrollado los años sucesivos a mi egreso de la escuela como alumna de pregrado; En ella realizo un análisis formal de mis piezas que, enaltecido a la calidad de tapiz, son producto formal de una investigación que da interés a la textura a partir de dicotomía de tejer entre tijeras. Probablemente sea un proceso mismo sucesivo lo que va componiendo el artefacto; digamos, que al solucionar características definidas tanto de su flexibilidad o textura consecutiva a su finalidad, es probable que, como elemento , este se oriente a construir el verdadero artefacto más que relatar el proceso .: el proceso es visual y se justifica mediante la funcionalidad de la pieza misma. Dejo como precedente este informe que introduce mi trabajo de cuatro años en el cual me gustaría realzar la técnica a un estado de posesión única y genuina, pensando que quizás la única forma y opción concebir esta producción en su posteridad, será sobrepasando otra locación para así diversificar la idea en la transversalidad. Podría ser una solución hipotética, advertir entonces, que al multiplicar la producción de tapices de tijeras análogos, más se acerca a su deconstrucción, que probablemente sea infinita, pero que evidencia la idea de hacer un tapiz ya no es un ejercicio sino un oficio.
Glosario técnico de diseño teatral

Si hay algo que me cautivó de mi carrera, fue la inmensa diversidad que ofrecía para desarrollarme profesionalmente por su heterogeneidad, riqueza en contenidos y experiencias técnico-humanistas, áreas que simplemente invocaban mi vocación y espíritu.
 Si hay algo que me cautivó de mi carrera, fue la inmensa diversidad que ofrecía para desarrollarme profesionalmente por su heterogeneidad, riqueza en contenidos y experiencias técnico-humanistas, áreas que simplemente invocaban mi vocación y espíritu
El Cuerpo Femenino en el Arte Alemán como Estrategia Política del Tercer Reich

El arte del Tercer Reich es especialmente más complejo que otros, pues pocos regímenes políticos reforman en tan breve lapso de tiempo la sicología de un país. Entre 1933 y 1945 el término cultura fue una de las principales claves operativas nacionalsocialista. Así lo estableció infatigablemente la prensa oficialista: “El Estado de Adolf Hitler se ha hecho cargo de todas las manifestaciones artísticas, pasadas y presentes, para integrarlas en la idea sublime del volk”. “Con el renacer del Volkish aumenta la posibilidad de un arte nuevo y auténtico, enraizado en el pueblo alemán” 2 Bajo este complejo panorama, la propuesta de lasiguiente tesina radica en la importancia de profundizar algunas de las problemáticasestéticas que surgen en la producción del arte oficial del Tercer Reich, alzando la miradamás allá de los indudables reparos que éste período conlleva, para aislar en cierta medidalas producciones y desarrollos artísticos, integrándolos a la historia del artecontemporáneo, pues frecuentemente el arte nazi se obvia, dejando un vacío en lacontinuidad de la historia del arte alemán. Mucho se ha discurrido sobre el estancamiento cultural de Alemania en el período del Gobierno Nacionalsocialista, tras su marcado hermetismo con las corrientes contemporáneas, principalmente en lo que respecta a la pintura, escultura y, en menor medida, a la arquitectura (que fue, como se verá más adelante, una disciplina mucho más flexible con los influjos vanguardistas), gracias al constante culto que Hitler y sus hombres le rendían a las influencias clásicas, especialmente a la cultura helena. Sin embargo, con lo referente a los medios de comunicación masiva, el nacionalsocialismo tomó una postura muy avanzada para la época, pues los nazis comprendían perfectamente la complejidad y necesidad de la propaganda constante como vital herramienta, indispensable para perpetuar el poder y así penetrar en el inconsciente colectivo. Por ello, se justifica plenamente la creación del Ministerio de Propaganda y Cultura comandado por Joseph Goebbels, principal hombre de la organización nazi y mano derecha del Führer, quien implementó dominios directos en todos los medios de comunicación masiva, recalcando su énfasis en la prensa, radio y cine. Por lo mismo, la importancia de la imagen tomó un rol inconmensurable, innegable para Hitler, quien vislumbró a tiempo la relevancia de manipular la información como medio de persuasión, luego de la Primera Guerra Mundial
Qué ves cuando te ves

Esta memoria tratará de interpretar de alguna manera como el hombre contemporáneo, se sitúa en una estructura social que de alguna forma ha modificado los valores de antaño, posicionando y priorizando un valor superfluo como el cuerpo. Quizás la modificación a los valores comienza cuando el hombre rompe el vínculo con la comunidad y pasa a ser un individuo. La sociedad de tipo individualista realiza una ruptura del concepto de comunidad, como la pérdida del continuo con respecto de un dios creador y de la inclusión del hombre en ese relato
El diseño de vestuario en cine: — superficie textil y paleta cromática del diseño de vestuario en relación a la fotografía cinematográfica

El trabajo profesional de diseñar vestuario en cine es uno de los campos laborales donde el diseñador teatral egresado de la Universidad de Chile se ha desarrollado con mayor fuerza durante los últimos años. Esto debido a que, entre otros contenidos en nuestra formación universitaria aprendemos a desarrollar propuestas de vestuario para las artes escénicas, mediante la utilización de elementos plásticos y expresivos como la creación de una silueta, la selección de la superficie textil y la elección de color. Todos estos elementos visuales permiten definir la tridimensionalidad del personaje: su perfil psicológico, físico y social en congruencia con la interpretación que hagamos con el director del texto dramático. Desde ese punto de vista, el diseño de una propuesta de vestuario para un proyecto cinematográfico nos parece un campo laboral creativo y sobretodo muy atractivo de abordar.
Conservación y restauración en la historia desde la Grecia clásica al Siglo XIX

La tesis se enfoca en la historia de la conservación y la restauración desde la Grecia Antigua, la Restauración y cultura antropológica en Roma, la Edad Media, El Renacimiento, El Barroco y sus nuevos conceptos en restauración y Siglo XVIII y la  Nueva Filosofía del Arte, el nacimiento de academias y museos, la influencia de las ciencias naturales en la técnicas de restauración y conservación, el siglo XIX, el movimiento arqueológico en Francia y la restauración monumental en España, Italia, y Gran Bretaña, finalizando con algunas conclusiones de carácter preliminar y anexos bibliográficos.
Modificaciones Naturales Corporales a la Materialidad Escultórica

En la década de los 70, una gran tribu urbana de Inglaterra denominada punk, escandalizan a la puritana y conservadora nación, destacan y alardean con su aspecto tan chocante como recargado de elementos ajenos al cuerpo. Usan peinados extravagantes, maquillaje excesivo, accesorios y cadenas, como a su vez adornan sus cuerpos con tatuajes y la reutilización de los piercing. Después de 25 años, todas estas prácticas de adornos y modificaciones corporales han pasado a ser elementos indispensables para quien quiera parecer un hombre moderno. Sin embargo, este fenómeno remite a la paradoja que existe y procede a una relación intercultural, que se basa en técnicas usadas por tribus antiguas en oriente como en otros lugares del mundo y que poseen un sentido religioso, estético o de identidad. Además, con este fin, no basta con rebuscar en tradiciones que ni siquiera son nuestras, ya que son los elementos que dejan escapar a las normas sociales que están implantadas en nuestra sociedad, por ende se trabaja por la codificación de los cuerpos y el ajuste corporal de la propia apariencia, que es un desafío a la normalidad. Por estas razones es que esta memoria la he dividido en cuatro capítulos en los cuales trato aspectos históricos, por ejemplo, cómo el hombre a través del tiempo ha usado su propio cuerpo como soporte para expresar distintas visiones, ya sean, estéticos, religiosos, sociales, místicos etc. Posteriormente, en este trabajo abordo lo que esta pasando actualmente en este ámbito y también expongo las características de este tipo de rituales modernos, con sus motivos de acción, ya sea que, se encuentren en un contexto tribal, objetivo o individualista, continuando además su desarrollo y de que manera se realiza este fenómeno intercultural para que se lleve a cabo como parte de esta generación. Por lo expuesto, he querido basarme en este tema, reflexionar sobre el y poder así, en relación a lo planteado ejecutar y realizar mi unidad de creación y que da cuenta en el último capítulo
Ejercicios de interpretación — el material dicta el estilo

La palabra de origen japonés se deriva de Oru: doblar y Kami: papel; es decir, doblar papel. Es el arte milenario de hacer figuras doblando papel. Sus orígenes se remontan al periodo Heian (794-1185), años en que Japón cierra sus puertas a los extranjeros y se dedica a trabajar con todos los conocimientos adquiridos. En esa época el papel aún es un artículo raro, precioso y muy costoso, el plegado del papel era una diversión que sólo el rico podía darse. Los primeros textos (2 ) en los que se habla del origami, se hace referencia a como eran plegados los poemas y cartas de amor, no sólo tenía una gran importancia el contenido literario sino la elección del papel y el tipo de plegados, ya que estos eran elegidos de acuerdo a la ocasión. Claramente los Origamis no sólo eran una forma de entretención practicada inicialmente por la nobleza y la gente más adinerada (3 ) sino que además está cargado de un significado simbólico y religioso, por lo que con el tiempo se fue extendiendo a todas las clases sociales, especialmente en el periodo Tokugawa (1603-1867), una etapa de gran movimiento cultural, en el que éste además era un medio de estratificación social. Un ejemplo de ello son las orikatas (4 ) transmitidas de generación en generación dentro de la clase sacerdotal sintoísta, los estilos de origami servían para distinguir el samurai aristocrático, quien pliega, según la escuela de Ise, de los granjeros y campesinos, seguidores de la escuela de Ogasawara En los templos budistas los noshis (5 ) eran ofrendados para simbolizar la suerte al guerrero. Los motivos y las formas dependían del ritual o culto en el que se empleaban, por ejemplo en las bodas sintoístas se hacían figuras de mariposas; una hembra y un macho cerraban dos botellas de sake que en medio de la ceremonia eran servidas, unificando su contenido en una sola copa, de la que bebían los novios como un símbolo de amor constante. Con el desarrollo de la base de la rana, el origami adquirió mayor uso ceremonial, entre las geishas, por ejemplo, se puso de costumbre fijar una rana de papel a un pilar después de atender a un cliente preferido, pues como en japonés la palabra rana y el verbo volver se pronuncian de la misma manera, estas simbolizaban la esperanza de que el cliente volviera. Con el tiempo la práctica del origami se fue extendiendo no sólo a lo largo de todo el país y de todas las clases sociales, sino también hacia occidente, incluso hoy es una herramienta empleada en vastos campos de la educación
Representaciones sociales de la danza contemporánea en la ciudad de Punta Arenas

La siguiente investigación se enfoca desde el modelo metodológico de investigación cualitativa, específicamente desde la teoría constructiva representativa de Gonzáles Rey; desde esta perspectiva se analiza la danza contemporánea pensada como fenómeno socio- cultural en base a la teoría de representaciones sociales, dicha teoría se enmarca en la visión de mundo de que los seres humanos somos seres sociales que construimos significados en base a modelos representacionales que simbólicamente se disgregan en actitudes, creencias y valores. Específicamente en este estudio se abordan las representaciones sociales de la danza contemporánea en función de la visión que poseen las personas relacionadas al medio de la danza en la ciudad de Punta Arenas.
La armonía en el tango: Un estudio desde el análisis armónico

El presente Seminario de Título es un trabajo de investigación sobre el uso de la armonía clásico-romántica en el lenguaje musical del repertorio de Tango. A través del análisis armónico de su discurso musical, hemos querido demostrar que este género logra constituir notables ejemplos para el estudio de ciertas temáticas específicas de la armonía, posibles de ser utilizados en el ejercicio de la docencia de esta asignatura básica para la formación musical especializada. Para ello, se realizó un estudio exhaustivo sobre el Tango, su historia y evolución, su relevancia social y su estilística musical, cuya síntesis se expone en la Introducción de este escrito. Con respecto a la Armonía, abordamos las temáticas de Modulación, Progresiones Armónicas, Intercambio Modal, Armonía Alterada y Ritmo Armónico, ejemplificadas a través de 92 trozos musicales analizados, extraídos de 23 tangos. Nuestro objetivo fundamental consiste en brindar un material didáctico de análisis armónico como un apoyo a la enseñanza de la Armonía, basado en un repertorio alternativo al tradicionalmente usado, en este caso de música popular urbana latinoamericana, que motive y estimule al estudiante en su aprendizaje
Cultura y hegemonía — notas sobre la construcción del "Hombre Nuevo" en la Unidad Popular

Esta investigación se asienta en un territorio específico desde dónde examinar el valor de la cultura en el proyecto político de la Unidad Popular: se trata de la teoría, y la escena intelectual que la pone en operación. La apuesta es trazar un método de análisis que permita comprender de un modo orgánico la signada «política cultural», teniendo como premisa la dilucidación del papel que —en teoría pero también en la práctica—le cabría a la cultura y al arte en este proceso social. Lo anterior no quiere decir que se desaloje a priori cualquier manifestación particular de ésta relación entre cultura y política —tanto a nivel de figuras y formas como de contenidos e idearios—, sino que la apuesta es a comprender esas particularidades dentro de un horizonte teórico mayor, que pueda darnos luces sobre el proyecto general que se intentó materializar —fallida o acertadamente— en el gobierno de la UP.
Licenciada en artes, con mención en artes plásticas

La obtención de un diploma al finalizar la carrera nos posiciona en la sociedad como verdaderos “artistas profesionales”. Seamos buenos o malos, con futuro o sin futuro, con talento o sin él, no importa. Lo esencial es que tenemos un documento para acreditar nuestra condición. “La gran mayoría de los artistas posee un diploma universitario en su especialidad” señala el teórico cubano Gerardo Mosquera en “Copiar el Edén”, analizando lo que ocurre respecto a la institucionalidad del arte chileno. Y es que sucede que ser considerado artista -visual- en nuestro país está condicionado generalmente al haber cursado estudios universitarios.
El motivo del cuerpo en la estética neobarroca — la intensidad significante en El obsceno pájaro de la noche y el Ciclo Cremáster

Esta investigación titulada El Motivo del Cuerpo en la Estética Neobarroca: La intensidad significante en El Obsceno Pájaro de la Noche y el Ciclo Cremáster. Desarrolla el concepto neobarroco proponiendo dos obras para el análisis y desarrollo del concepto: El Obsceno Pájaro de la Noche del escritor chileno José Donoso y el ciclo de videos titulado Ciclo Cremáster del artista visual Matthew Barney. La investigación está dividida en una introducción, tres capítulos principales y las conclusiones. La Introducción tiene por objetivo introducirnos al tema del neobarroco, plantear el problema de estudio e identificar la hipótesis. El primer capítulo permite abarcar el concepto neobarroco, el objetivo es desarrollar un concepto transversal que permita su aplicación a las dos obras que se proponen, revisando el trabajo de dos autores que han contribuido al desarrollo del concepto: Severo Sarduy y Omar Calabrese. El segundo capítulo implica un análisis de El Obsceno Pájaro de la Noche, aplicando el concepto de neobarroco antes desarrollado y deteniéndose con especial interés en el motivo del cuerpo. La tercera parte también es de análisis, en este caso de un ciclo de videos titulado Ciclo Cremáster, de Matthew Barney, se aplica en el análisis el concepto neobarroco acotándose al motivo del cuerpo y la identidad sexual. En la conclusión se exponen algunos resultados obtenidos en la investigación.
Evaluación y propuesta de preservación de una colección de registros sonoros

Una gran cantidad de colecciones de registros sonoros se encuentran depositadas en distintas instituciones culturales de nuestro país y por la importancia que revisten se hace necesario adoptar medidas que aseguren su conservación en condiciones adecuadas. Esto, en muchos casos significa aplicar tratamientos de costos significativos y/o realizar cambios o modernizaciones tecnológicas. Pero, la escasez de los recursos destinados a la preservación de estas colecciones implica que no todas ellas puedan recibir tratamiento inmediato y se hace entonces necesario evaluar las colecciones para generar un ranking que determine cuáles de ellas tienen mayor prioridad y deben ser tratadas con los recursos disponibles y cuáles pueden esperar. Sin embargo, evaluar colecciones y determinar prioridades no es todavía una práctica institucional común y además, de ser necesario, el cambio de paradigma tecnológico (del dominio análogo al dominio digital-informático) en el ámbito de los archivos audiovisuales de nuestro país impone la necesidad de contar con profesionales del Sonido que sean capaces de enfrentar esta tarea. En particular, en el Departamento de Extensión Cultural de la Biblioteca Nacional existe una colección que registra actividades artísticas y culturales realizadas entre los años 1986 y 2008 y que merece preservarse como testimonio para generaciones futuras. En este contexto, la presente Memoria de Título se preocupa de recopilar información relevante y evaluar, en base a ella, dicha colección, para luego proponer acciones para su preservación
Pachakuti

PachaKuti significa la transformación del todo, un cambio general del orden, una inversión, donde lo que esta ”arriba” pasa a “abajo” e inversamente igual. Es un cambio que, según los pueblos andinos, ha ocurrido otras veces. El último Pachakuti aconteció con la llegada de los españoles, hace más de 500 años, y la leyenda oral andina nos habla de uno nuevo, que estaría sucediendo nuevamente en estos tiempos, donde lo que originalmente estaba arriba vuelve a su lugar. He llamado a este trabajo así pues al observar la separación de los humanos de su entorno natural, y mirar cómo, a través del desarrollo de la sociedad moderna hemos ido dejando a la naturaleza excluida de todo, cómo desconocemos sus ciclos, y además los alteramos con nuestras formas, creo que un cambio es inminentemente necesario, en casi todo orden de cosas: social, cultural y ambiental esencialmente.
Una mirada a la compañía teatral La Troppa — visualidad y diseño escénico

La gestación de este proyecto surge luego de ver por primera vez la obra teatral Gemelos en el 2000 y quedar con la sensación de haber vivido un momento mágico, muy intimo, tan bello, pero tan crudo a la vez... las emociones afloraban incontrolablemente, el sentimiento de gratitud hacia aquellos que me hicieron vivir una experiencia tan conmovedora y las ansias de indagar en el origen de un espectáculo de tal calidad, belleza estética y profundo contenido, fueron las claves para internarme en el mundo de La Troppa.
Del arte público comunitario a la intervención monumental — una revisión crítica al arte público norteamericano de las últimas dos décadas

La presente tesina tiene por objetivo responder a la pregunta de cómo se articula la relación entre arte público y ciudad en la actualidad. Esta pregunta refiere no solamente a la cuestión de “lo público”, largamente discutida en la bibliografía desde los años 90 en adelante , ni tampoco al modo como se puede comentar la ciudad desde el arte –una cuestión que se ha vuelto recurrente en el arte público y que tiene que ver con potenciar a la ciudad como contenido no como material para ser representado . Esta pregunta refiere a la manera cómo a través del arte público se puede acceder a un sentido visual/espacial de la ciudad. A la forma cómo se pone en forma, se modela, transforma, materializa, visualiza la noción abstracta de ciudad. En este sentido, la pregunta busca indagar en el potencial artístico de las operaciones del arte público ya que, en muchos casos, los aportes históricos y teóricos del arte público no han superado la idea de que el arte es algo que viene después de la ciudad, siempre a destiempo, retrasado y para suplir las falencias de otras disciplinas. Nuestra hipótesis es contraria a esta opinión: la ciudad es algo que puede ser comprendida desde otros medios, a través de otros dispositivos y mecanismos. En este sentido, el arte público moldea, construye y da forma visual/espacial a la ciudad. Para tratar de demostrar esta hipótesis esta investigación se centrará en algunas prácticas desarrolladas en la costa este de los Estados Unidos de América desde los años 60, principalmente en Nueva York, ya que cuenta con una nutrida historia en el medio norteamericano, siendo el lugar emblemático de este medio y un espacio donde se pueden encontrar obras y proyectos de los más importantes artistas de esta línea. Así también, Nueva York se puede pensar como la culminación del concepto moderno de ciudad, instaurado hacia mediados del siglo XIX en el París de Haussmann. Es decir, Nueva York ha sido considerada, en esta tesina, como un ejemplo paradigmático para pensar la relación entre arte y ciudad, tomando como eje al arte público.