Verder die grondbeginsels van tekening: interpretasie van bewyse in meesterlandskaptekeninge - Tekening - 2021
Verder die grondbeginsels van tekening: interpretasie van bewyse in meesterlandskaptekeninge
Baie wonderlike landskapstekeninge is gemaak as voorbereidende studies, opvoedkundige oefeninge of inligtingsjoernale en nie as voltooide kunswerke nie. Ons kan nou die vrylik gemaakte grafiese beelde bestudeer vir bewyse van die essensiële tekens, idees en prosedures wat hierdie kunstenaars ontwikkel het.
deur M. Stephen Doherty
Pastorale toneel met klassieke figure
deur Claude Gellée (genaamd Claude Lorrain), ca. Versameling The Cleveland Museum of Art, Cleveland, Ohio. Uitsig oor die Acqua Acetosa
deur Claude Gellée (genaamd Claude Lorrain), ca. 1645, pen en bruin ink en kwas met bruin en grys was oor grafiet op roompapier,
10 3/16 x 15 15/16. Versameling The Cleveland Museum of Art, Cleveland, Ohio.
Die kunsgeskiedenis word dikwels saamgevat uit stukkies bewyse en suiwer spekulasie, en tekeninge is dikwels die waardevolste hulpbronne vir die uitvoering van die soort ondersoek. As iemand byvoorbeeld dekades van individuele studies vir 'n groot fresco ontdek, verstaan ​​hulle al die verskillende komposisionele idees wat die kunstenaar oorweeg het voordat hy die voltooide versiering uitgevoer het. En wanneer 'n noukeurig gedetailleerde grafietstudie gekoppel is aan 'n skildery van twee strydende gode, kan geleerdes sien hoe die kunstenaar ateljeetekeninge van gehuurde modelle omskep het in 'n emosioneel gelaaide skildery van hoogste konflik.
Sommige kunstenaars van die Ou Meester-landskap is deur die kunstenaars opgeplak, sodat dit as deel van 'n voorstel vir 'n voornemende skilderkliënt gebruik kon word, gedupliseer word om verskeie versamelaars te bevredig wat elkeen dieselfde tekening wou hê, of as geskenk aan 'n beskermheer wat die kunstenaar se loopbaan. Maar selfs hierdie verfynde tekeninge kon hul eienaars nie as groot kunswerke beïndruk nie, wat blyk uit die feit dat die versamelaars dit selde gelys het in die inventaris van hul besighede. Selfs toe veilinghuise die landskapstekeninge te koop aangebied het, was hulle geneig om dit saam te groepeer om as baie eerder as as individuele skatte verkoop te word.
Vir diegene van ons wat probeer om ons vaardighede as kunstenaars te verbeter, is daar baie te leer uit die afstudie-studies en die gepoleerde tekeninge. En landskapstekeninge is dikwels een van die interessantste stukkies bewyse oor die gedagtes en metodes van die Ou Meesters wat ons bewonder. Dit is soos die eerste konsep van 'n roman, die onveranderde weergawe van 'n openbare toespraak, of die onveranderde partituur van 'n simfonie. Dit bied waardevolle insig wat ons help om ons eie vermoëns om kuns te skep, uit te brei.
tekening tydskrif het 'n groep meestertekeninge gekies om na te gaan, met elkeen die geleentheid om 'n belangrike aspek van die kunstenaar se magte te ondersoek. Almal word weergegee in boeke wat nog in druk is, en verskeie is tans te sien in die National Gallery of Art, in Washington, DC.
Agostino Carracci (1557–1602): Leer van die natuur
Agostino Carracci, saam met 'n ouer broer en 'n neef, het 'n sterk invloed op die ontwikkeling van die Barokstyl van die laat 16de en vroeë 17de-eeuse kuns in Italië gehad vanweë die foto's wat hulle uitgevoer het, en miskien meer belangrik, as gevolg van die baie studente wat hulle opgelei het. Van die belangrikste lesse wat Carracci vir jong kunstenaars aangebied het, was die waarde daarvan om direk uit die natuur te trek, soos aangetoon deur hierdie vinnig uitgevoerde, ekspressiewe studie van ineengeslote bome. 'N Mens kan amper voel hoe die wind deur die blare slaan wat met 'n reeks gekrulde lyne in 'n horisontale patroon uitgetrek is. En die boomtakke kry dimensies met lyne wat die natuurlike kromme van hul vorm volg, en sodoende die spel van lig en skaduwee beklemtoon.
ca. 1590, bruin ink,
7 7/16 x 5 11/16.
Soos baie kunstenaars wat uitgeblink het met teken met 'n penpen, spandeer Carracci 'n aantal jare sy vaardighede as drukker. Die krag en beheer wat nodig is vir die manipulering van 'n etsnaald of 'n graafboom het kunstenaars goed gedien toe hulle 'n gesnede veer in hul hande gehou het en verskillende hoeveelhede druk toegepas het om die breedte van 'n geverfde lyn te verhoog of te verminder. 'N Mens kan jou voorstel dat terwyl Carracci onder 'n boom sit en sonder enige voorlopige grafiet- of houtskoollyne trek, hy sy pen moeiteloos om die vorm van die blare en takke gelei en die druk verhoog het toe die skaduwees verdiep en dit verminder terwyl die sonlig aan die linkerkant raak. van 'n stam of blaar.
Die meeste tekeninge wat in hierdie periode gemaak is, beklemtoon lyn-oor-toon, dus ink was 'n baie geskikte medium om tekeninge te maak. Die beelde het meer krag en permanensie in ink as as hulle in houtskool of gekleurde kryt gedoen word, veral as die tekeninge in sketsboeke gemaak is waarvan die bladsye teen mekaar sou vryf soos die kunstenaar hulle van plek tot plek gedra het.
Omdat kunstenaars te alle tye gereeld hul sketsboeke by hulle gehou het, en dikwels ophou om notas te maak oor 'n landskap, figuur of gebou wat hul aandag getrek het, het die bindings wat die boeke bymekaar gehou het, gereeld uitmekaar gebars en moes hulle met nuwe repies papier herstel word of leer. Soms bind die kunstenaars verskillende stelle tekeninge saam, eerder as om 'n sketsboek met die oorspronklike bladsye te herstel. Hulle wil dalk al hul landskapstekeninge in een folio saamstel om dit makliker te maak; of hulle sal miskien bladsye wat vuil of ongebruik is toe hulle die lakens in mekaar vasgeplak het, wil uitskakel.
Thomas Gainsborough (1727–1788): Bevryding van skilderkuns
Met die werk van die meeste groot meesters is daar 'n direkte ooreenstemming tussen die onderwerp en styl van hul tekeninge en skilderye. Portretskilders soos John Singer Sargent het honderde portrettekeninge vir houtskool gemaak; meesters van groot figuurlike komposisies, soos Tiepolo, het dosyne inktekeninge geskep van uitvinders wat in die ruimte draai. en skilders van pastorale landskaptonele, soos Claude Lorrain, het landskappe geteken met dieselfde komposisies as in sy rustige, laatmiddag geverfde uitsigte.
Beboste landskap met 'n stroom
ca. middel-1780's, swart en wit
kryt op grysblou papier.
Dit is dus opvallend dat 'n kunstenaar soos Thomas Gainsborough, wat bewonder is vir sy portrette van Engelse here en dames, die tekenwerk as 'n geleentheid beskou om nuwe materiale, konsepte en uitdrukkingsstyle te verken. Hierdie voorbeeld van sy eksperimentele kryttekeninge is tans in die National Gallery of Art te sien in 'n vertoning met die titel "Private Treasures: Four Century of European Master Drawings." In die katalogusbeskrywing van die werk lewer Jennifer Tonkovich, die mede-kurator van teken en afdrukke by The Morgan Library Museum, waar die show in New York City ontstaan ​​het, kommentaar dat "hoewel [Gainsborough] soms studies gemaak het oor portrette, maar landskappe oorheers onder die kunstenaars se tekeninge, en hy het honderde sketse gedurende sy loopbaan vervaardig. Deur op papier te werk, het hy die vryheid gehad om te eksperimenteer met onkonvensionele kombinasies van media en om die natuur te bestudeer en op te neem vir sy eie persoonlike plesier, onverwant aan formele kommissies. "
Tonkovich vergelyk hierdie tekening van Gainsborough met "die ideale tradisie van Claude Lorrain. Hy vermy die konvensionele instrumente om die toneel met bome op te stel en 'n sentrale fokus te vestig; hy toon ook geen spoor van menslike of dierlike teenwoordigheid nie, behalwe vir 'n eensame skaap - getrek met die grootste beknoptheid - bo-op die heuwel links. Gainsborough het die plaat uitgevoer met 'n laag ritmiese, diagonale krytstrepe wat die lig van die landskap beklemtoon. Die versagde, afgeronde kenmerke van die rotse en bome, en die veeragtige oppervlakpatroon wek 'n welige, dramatiese omgewing op, wat die landskappe van die Britse romantiese skool behou. '
'N Mens kan maklik verstaan ​​hoe 'n kunstenaar wat die meeste van sy kunsvaardighede aan die Engelse samelewing bestee het, plesier sou vind in die skep van eksperimentele tekeninge. Na alle waarskynlikheid sou hy sy gesonde verstand verloor het as hy nie verligting gekry het van vleiende hertoginne en dowagers nie.
Thomas Cole (1801–1848): Toevoeging van emosie aan waarnemings
Alhoewel Thomas Cole gerespekteer word as een van die stigters van die Hudson River-skool - die eerste inheemse kunsskool in Amerika - lyk sy skilderye dikwels buitengewoon sentimenteel, moralisties en oordrewe. Byvoorbeeld, 'n siklus van skilderye, The Voyage of Life, illustreer die lewe van 'n man van kleins af tot ouderdom toe hy op 'n rivier beweeg wat verander van 'n rustige stroom na 'n ramp waterval en uiteindelik 'n donker oseaan wat beskerm word deur engele. Cole gebruik 'n reeks voor die hand liggende toestelle - 'n drywende wieg, 'n vurk in die rivier, 'n donker storm - om te preek oor die gevolge van ouderdom, slegte oordeel en 'n gebrek aan deug.
'N Uitsig op die berg
Pass Called the Notch
in die Witberge
1839, olie, 40 3/16 x 61 5/16.
Versameling Nasionale Galery
van Art, Washington, DC.
In teenstelling met sy skilderye, lyk die landskapstekeninge van Cole soos kuis studies oor die natuur. Die lineêre grafietondersoeke toon weinig bewyse van uitvindsel of oordrywing, wat daarop dui dat 'n mens waarskynlik nog kon vasstel presies waar hy gestaan ​​het toe hy die landskap naby sy ateljee langs die westelike oewer van die Hudsonrivier in Catskill, New York, getrek het. Dit is slegs wanneer 'n mens 'n tekening vergelyk met die olieverfskildery waarop dit gebaseer is, dat 'n mens kan verstaan ​​hoe Cole sy oortuigings opgelê het - of die geloofstelsel van 'n jong nasie wat homself probeer onderskei.
Die onderwerp van hierdie tekening, Crawford's Notch in die White Mountains in New Hampshire, was die terrein van 'n tragiese lawine wat die lewens van Samuel Willey, sy vrou, hul vyf kinders en twee gehuurde mans geneem het. Willey het 'n skuiling weg van die voet van die berg gebou, waar hy gedink het dat hy en sy gesin veilig sou wees as so 'n gebeurtenis sou plaasvind, maar op 28 Augustus 1826 het die afgebuigde klippe die skuiling verpletter en die huis gespaar. Cole het twee jaar na die gebeurtenis die terrein besoek en in 1839 teruggekeer om die presiese voorkoms van die berg, vallei en huis te maak.
Toe Cole na sy ateljee terugkeer om 'n skildery te maak gebaseer op die tekening, het hy die komposisie begin skuif, figure byvoeg en weersomstandighede uitvind. 'N Man ry nou verby 'n simboliese dooie boom op 'n perd wat gevaar ervaar, 'n pa en sy kinders kom uit die huis om die ruiter te groet, en reënwolke bars op die top van die berg en begin met die tragiese gebeure.
Daar is beweer dat Cole se aanvullings en afwisseling deels voorgestel is deur Nathaniel Hawthorne se gefiktionaliseerde weergawe van die Willey-ramp. Hawthorne se kortverhaal, The Ambitious Guest, verander die natuurramp in 'n dag van berekening vir Willey en sy dogters, wat hoop dat hul besoeker hulle kan help om hul selfsugtige ambisies te bereik. In haar boek The Anatomy of Nature: Geology American Landscape Paint, 1825–1875 (Princeton University Press, Princeton, New Jersey), skryf Rebecca Bedell dat "aangesien Cole ywerig literêre assosiasies gesoek het met die webwerwe wat hy geskilder het, lyk dit waarskynlik dat hy die verhaal van Hawthorne sou geken het." Bedell verwys verder na 'n siklus van skilderye deur Cole, The Course of Empire, wat illustreer dat "dit trots en ambisie (onder ander sondes) is wat die val van die ryk tot gevolg het. Hawthorne se verhaal wys op dieselfde les, die idee dat trots en ambisie 'n val voorafgaan. '
Om die voorlopige tekening van Cole en die resulterende skildery te vergelyk, is soos om die ontwikkeling van 'n tydskrifomslagillustrasie deur J. C. Leyendecker of Norman Rockwell te bestudeer. Die grondstof wat inherent is aan die tekening van lewende modelle word verander om 'n verhaal te vertel wat vinnig verstaan ​​kan word. Gebare, gesigsuitdrukkings en liggaamsposisies word aangepas om die mees onthullende episode in die verhaal te beklemtoon en om die emosionele impak van die onderliggende boodskap te verhoog. In die geval van Cole is menslike gebare, natuurlike vorme en weersomstandighede die elemente wat gebruik word om die gevoel van drama te verhoog.
William Stanley Haseltine (1835–1900): Fokus op beduidende verkoopbare sienings
Alhoewel alle kunstenaars verkies om onderwerpe te teken en te verf wat hulle interesseer, moet diegene wat daarop gemik is om landskapfoto's te verkoop, verskeie voorverwagtinge onder voornemende kopers hanteer. Een daarvan is dat versamelaars landskappe met historiese, geologiese, omgewings- of persoonlike belang verkies; en die ander is dat welgestelde individue geneig is om na dieselfde eksklusiewe liggings te trek. Dit was waar in die 19de eeu toe Thomas Moran en James Abbott McNeill Whistler honderde afdrukke, tekeninge en skilderye van almal se gunsteling stad, Venesië, Italië, verkoop het; en dit is vandag waar wanneer kunstenaars foto's van ryk gemeenskappe soos Palm Beach, Santa Fe en Carmel by the Sea verkoop. Die agterste strate van Podunk mag skilders fassineer, maar dit is onwaarskynlik dat versamelaars hul entoesiasme sal deel vir die skitterende voorkoms van 'n onbeduidende stad.
Rotse by Nahant
ca. 1864, grafiet en waterverf,
14¼ x 20. Versameling Museum of Fine
Arts, Boston, Boston, Massachusetts.
Dit was geen toeval dat Haseltine dosyne gedetailleerde tekeninge van rotsformasies langs die kuslyn by Nahant, Massachusetts, die modieuse somergat vir die ryk Boston-inwoners wat geologiese betekenis gehad het, geskep het nie. Na alle waarskynlikheid het Haseltine die kuslyn ontdek terwyl hy aan die Harvard Universiteit was, waar hy lid was van die Harvard Natural History Society. Louis Agassiz was 'n dosent aan die kollege wat sy natuurgeskiedenisstudente gereeld na Nahant geneem het om vir hulle ysgeskeer, gepoleerde gesteentes van vulkaniese oorsprong te toon wat gedink het tot die oudste op aarde was.
Die spesifieke kuslyn was 'n perfekte onderwerp vir Haseltine se presiese tekeninge en olieverfskilderye omdat hy geglo het dat alles in die natuur die moeite werd is om te skilder, mits 'n mens die betekenis daarvan ontdek. Die foto vertel dan sy eie verhaal. " Soveel ryk kunsversamelaars was geïnteresseerd in die verhaal wat in Haseltine se foto's van Nahant vertel is dat hy skaars kon tred hou met die vraag na hulle.
Haseltine gebruik tekenmateriaal en tegnieke wat honderde jare gereeld deur kunstenaars gebruik word. Hy werk op blou- of gryskleurige papier met donker grafiet of houtskool, en voeg dan hoogtepunte met wit kryt by. Hy kon effektief drie afsonderlike waardes ontwikkel met slegs twee tekenmateriaal. Alhoewel Haseltine se tekeninge oor die algemeen goed bewaar is, het baie ander sulke tekeninge op gekleurde papier agteruitgegaan. Dikwels is hierdie koerante geverf met vlugtende kleure wat mettertyd vervaag of verander het, of die ink wat vir die tekening gebruik is, blyk onstabiel te wees en die beelde kontras verloor het. Die tekeninge wat die beste behoue ​​gebly het, is gewoonlik tekenings waarop die kunstenaar die oppervlak met 'n professionele kleur waterverf, kaseïne of gouache verkleur het, en dan die donker en ligte merke op daardie middelkleurige kleure aangebring het. Die gewildste kleure was blou, bruin, grys en groen. Daar is deesdae 'n aantal argiewe, getinte artikels beskikbaar vir kunstenaars om te gebruik vir landskapstekening, sommige saamgebind in sketsboeke wat velle van drie of vier verskillende kleuropsies bied. Byvoorbeeld, Fabriano maak sowel die Fabriano Quadrato Artist's Journal as die Artist's Journal-pads met soveel as 12 verskillende gekleurde papiere wat ideaal is vir tonale landskapstekening; en Legion maak sy veelsydige Stonehenge-papier in verskillende subtiele skakerings wat perfek is vir tonale tekening in grafiet, houtskool of kryt.
Daniel Garber (1880–1958): Foto's interpreteer
Die Indiana-gebore kunstenaar Daniel Garber het sy opleiding aan die Cincinnati Art Academy en die Pennsylvania Academy of the Fine Arts in Philadelphia voltooi in 'n belangrike tyd in die geskiedenis van die Amerikaanse kuns. Skilders word sterk beïnvloed deur die Franse Impressioniste wat hulle ontmoet het terwyl hulle in Europa gestudeer het, of waarvan die foto's deur Amerikaanse versamelaars verkry is; en hulle was gefassineerd met die moontlikhede wat fotografie hulle bied.
Garber het op albei hierdie kragte reageer, en hy het 'n interessante metode ontwikkel om sy foto's te gebruik as die bron van sterk tekstuurtoontekeninge wat ooreenstem met die impressionistiese estetika. Eerstens het hy geneig om te werk op gelê papier wat relatief dun, swaar groot was en 'n kenmerkende lineêre weef gehad het. 'N Afgelegde papier soos Fabriano Roma is baie minder geneig om die deurlopende toon op 'n foto na te boots as 'n sagte, vormvormige papier soos Legion Stonehenge of Rives BFK. 'N Vel gelegde papier - wat meer gereeld geassosieer word met skryfbehoeftes - is die beste geskik vir tekeninge met subtiele kleure, eerder as dié wat diep, swaar bewerkte donker gange benodig.
Die kunstenaar het ook sy tekeninstrument op so 'n manier hanteer dat dit vlekke van kleure in plaas van soliede, harde vorms gelaat het. Garber het moontlik na 'n foto gekyk om die ruimtelike verhoudings op die toneel te verstaan, maar hy het die verhoudings vertolk terwyl hy sy tekening ontwikkel. Dieselfde kan gesê word van die metodes wat Monet gebruik het om die voorkoms van 'n tuin of 'n hooimaak vas te lê. Die Fransman het afsonderlike stukke verf aangebring wat saamgevloei het as dit van 'n afstand gesien is.
Hierdie spesifieke tekening van 'n steengroef was die oorsprong van een van die olieverfskilderye van Garber, en die onderwerp verskyn weer in verskeie van sy etse. Die steengroef het hom die geleentheid gebied om die uitwerking van lig op 'n diep skeuring, 'n berg wat op die berg hang, en 'n liggaam van weerkaatsende water te bestudeer. Interessant genoeg is ander kunstenaars ook aangetrokke tot steengroewe as onderwerpe van hul skilderye, vermoedelik omdat die liggings 'n verskeidenheid landskapsvorme in een klein gebied aangebied het, en omdat hulle 'n mate van privaatheid verleen het, wat 'n mens nie langs 'n seestrand of openbare meer kon vind nie.
Garber het 'n effektiewe manier getoon om verbeelding, styl en persoonlike inhoud tot 'n andersins meganiese opname van 'n landskap te bring; en hy het gewys hoe tekenings 'n integrale deel kan word van die interpretatiewe proses van die verwerkliking van skilderye en afdrukke.
Soos wat jy gelees het? Bekome a tekening intekenaar vandag!
Kyk die video: Top 10 Tips with OneNote for 2020. Everyday Office (Junie 2021).
Vyf fantastiese geskenke vir kunstenaars | Waterverfuitgawe
Beginners: 'n Inleiding tot kleurteorie
Dean Mitchell: Verf jou hart
Portrette wat verkoop
Was met Gouache
Waterverf: Charles Reid: Natuurlike en outentieke waterverf
Paul Jacksons Waterverfstegnieke: verf van silwer en goud
Dit is 'n kuns herlewing! Raak opgewonde met hierdie tegniek
Terme vir digitale fotografie: RGB en CMYK
Top 10 kunstegnieke-video's
Die Spontane Gees van akrielkunstenaar Denise Athanas
Copyright 2021 \ Kunstenaarsnetwerk - kreatiewe inhoud, opvoeding en produkte vir die kunstenaarsgemeenskap \ Verder die grondbeginsels van tekening: interpretasie van bewyse in meesterlandskaptekeninge