turkish-nlp-suite/AkademikDerlem huggingface dataset:
Grafik tasarımın postmodern sanat anlayışı ile etkileşimi

Sanayileşme ile birlikte bağımsızlaşan grafik sanatı, öncesinde diğer sanat biçimlerine koşut gelişmiştir. Modernleşmede kendi geleneğini oluşturmuş, modern sonrası dönemde ise zincirlerinden tamamen kurtulmuştur. Dijital çağda yaşamın vazgeçilmezlerinden biri haline gelmiş, Postmodern sanat anlayışı tarafından yüceltilmiştir. 20. yüzyıl başındaki, öncü sanat gruplarının grafiği kullanarak yaptığı çalışmalar ve ürettikleri deneysel yapıtlar postmodern sanat ve grafik tasarım birlikteliğinin erken örnekleridir. Dadaistler tarafından bulunan kolaj, postmodern grafik tasarımı için çok önemlidir. 20. yüzyılın ikinci yarısında ise özellikle pop sanat için grafik, çıkış noktalarından biridir. Pop sanatın çoğu temsilcisi grafik geçmişşinden gelmektedir. Yalnız pop değil, postmodernizm diğer sanat biçimleri de sık sık grafiğe başvurmaktadır. Bu çalışmada amaçlanan, postmodern dönemdeki anlayışının ve diğer sanat biçimleriyle iletişiminin görünür kılınmasıdır. Bu çerçevede amacımızın anlaşılır olabilmesi için öncelikle grafik sanatının tarihine değinilmiş, daha sonra modern ve postmodern dönemdeki gelişim sürecinden bahsedilmiştir. Postmodern dönemdeki parçalanma grafiğin besleyici noktalarındandır. Bu parçalanmışlık, anlamı zaman zaman geri plana itmiş, tasarımdaki sanatsal yapılanmayı öne çıkarmıştır. Küreselleşme ise grafik sanatçılarının önüne yeni dikkat noktaları getirmiştir. Postmodern dönemin sanat ve yaşam birlikteliği söylemi ile örtüşen bu noktalar, modern dönemde göz önüne alınmayan ahlaki noktalardır. Tasarımcı, eserlerini hazırlarken azınlık hakları, toplumsal cinsiyet, göç kavramı ya da kimlik gibi noktaları göz önünde bulundurmak sorumluluğu taşır hale gelmiştir.
Bir görsel anlatım dili olarak modernizm ve postmodernizmin tipografiyle çözümlenen afişlere etkisi

'Bir Görsel Anlatım Dili Olarak Modernizm ve Postmodernizmin Tipografiyle Çözümlenen Afişlere Etkisi' isimli bu araştırma tezi beş bölümden oluşmaktadır. İlk bölüm, problemin tespiti ve çalışmanın amacının aktarıldığı kısım olmaktadır. İkinci bölüm modernizm ve postmodernizm'de sanatın özelliklerine değinilerek, dönemlerin düşünce sistemleri, öncüleri ve temel yaklaşımları baz alınarak modern dönemden postmodern döneme geçişi incelenerek oluşturulmuş, modernizm ve postmodernizm sürecinde afişlerin incelenmesiyle birlikte sonlandırılmıştır. Üçüncü bölümdeyse tipografinin kural-kuralsızlık bağlamında tarihsel dönüşümüne yer verilmiştir. Afiş tasarımının algılanması ve anlamlandırılmasıyla birlikte oluşan afiş türlerinin sanat akımları sürecinde değişimi ve gelişimi araştırılmıştır. Dördüncü bölümde tipografiyle çözümlenen afişlerde modern ve postmodern yaklaşımlar başlığı altında Türkiye'de ve Dünya'daki modern ve postmodern afişlere ve bireysel deneysel işlerime de yer verilerek sonlandırılmıştır. Bu inceleme sonucunda, tipografiyle çözümlenen modern ve postmodern afişlerin, içinde var olduğu dönemin sorunlarını göstermede, birçok tasarımcı için yol haritası niteliği olacağı yönünde zenginleştirilip, netleştirilmeye çalışılmıştır.
Türkiye'de endüstriyel tabela reklamcılığı uygulamalarının analizi

Reklam tabelaları, özellikle perakende satış yapan veya hizmet sunan küçük ve orta ölçekli ticari işletmelerin yaygın kullandıkları görsel iletişim araçlarıdır. Tabelaların pazarlama iletişimindeki rolü potansiyel müşteriyle iletişim kurmaktır. Bu iletişimin doğru kurulması, tabela tasarımı, üretimi ve uygulamalarına nesnel bir temel sağlar. Düzgün tasarlanmayan ve kötümalzemelerle üretilen reklam tabelaları beklenen faydayı karşılamaktan uzaktır. Ayrıca uygulandıkları çevrenin özellikleri ve binanın mimari detaylarıyla ilişkilideğildirler. Uygulandığı yerlerde görsel karmaşaya ve çok çirkin görüntülere yol açmaktadır. İnsana ve çevreye karşı sorumluluk duymayan tabelacılar, reklamverenler ve yerel yönetimler etkileri oranında bu sorunun ortağıdır. Bugünün endüstriyel üretim teknolojileri ve tasarım imkanlarıyla işlevselreklam tabelaları üretilebilmektedir. Aynı zamanda çevre ve mimariyleuyumunu da mümkün kılabilmek gibi bir potansiyele sahiptir. Fakat sahip olunan potansiyel kullanılmamakta ve daha mütevazı bir sonuca razıolunmaktadır. Bu araştırma; Türkiye'de reklam tabelası endüstrisinde faaliyet gösteren işletmelerde üretilen tabelaların tasarım ve uygulama sorunlarına odaklanmıştır. Çevre ve mimariyle uyumu, grafik tasarımı, malzeme ve uygulama sorunları analiz edilerek çözüm önerileri getirilmeye çalışılmıştır.
Çağdaş tipografik tasarımda postmodern yaklaşımlar

Grafik tasarımının en önemli öğelerinden biri olan tipografik tasarımlar, Johannes Gutenberg'in baskıda kullanmış olduğu ilk halinden günümüze kadar birçok değişimden geçmişştir. Tipografik tasarımların, asıl amacı, uygulama alanlarında vermek istediği mesajı doğru bir şekilde, hedef kitlelere görsel şekliyle en iyi şekilde aktarılabilmesi ve tasarım dili oluşturmada algı biçimlerimizi yazı tasarımına dönüştüren en iyi iletişim araçlarından biridir. Bu tezin amacı postmodern düşüncenin, 1980 yılından günümüz çağdaş döneme gelen süreçte tipografik tasarımlar üzerinde yaklaşımları görülmüş, ve bu yaklaşımlar etkisini kaybetmiş ve tekrardan, günümüzde tipografik tasarımlar üzerinde yaklaşımlar görülmeye başlamıştır, postmodern yaklaşımın nedenlerini araştırmak ve günümüz çağdaş tipografik tasarımlar üzerindeki yaklaşımlarını geldiği son noktayı incelemek ve bu bağlamda nedenlerini ortaya koymaktır. Aynı zamanda tipografik tasarımların uygulama alanlarında, okunurluk ve okuturluk kaygısı gütmeden tasarlanabilmesinin nedenlerini araştırmak ve tipografik tasarımların uygulama alanlarındaki kullanımın geldiği son noktanın ortaya çıkartılması amaçlanmıştır. Bu tez baştan sona kadar tipografik tasarımların tarihsel olarak ilk başladığı dönemden günümüz çağdaş döneme gelen sürece kadar, dönemsel değişimleri, etkilendiği akımlar, yenilikler, oluşumlar, ve günümüzde tipografik tasarım dili olarak geldiği son noktaya kadar araştırılmıştır.
Op art sanat akımının ambalaj grafiğine yansımaları

İnsanoğlu varoluşundan günümüze kadar her alanda farklı ürünleri saklama ihtiyacı duymuştur. Varoluş nedenlerinden biri saklama olan ambalaj, daha sonraları tüketim toplumunun artmasıyla pazarlama aracı olarak kullanılmıştır. Bununla birlikte kullanıldığı alanlarda genişlemiştir. İlk zamanlar da saklama ve muhafaza etme amacı taşıyan ambalaj daha sonra düşüncelerin ve grafik üsluplarında yer aldığı bir pazarlama aracına dönüşmüştür. Zaman içerisinde ürün ambalajının dışında kullanılan grafik öğelerin görsel algı oluşturarak hedef kitleye hitap etmesi sağlanmıştır. Bu nedenle grafik ürünler sanat akımlarıyla paralel ilerlemişlerdir. Bu şekilde bakıldığında Op-Art görsel bir mesajla hedef kitleye bir ileti sunar. Bu araştırmanın konusunda ise ambalaj grafiği ve Op-Art sanat akımı irdelenmiştir. Op-art sanat akımının ambalaj grafiğindeki yeri ve önemi incelenmektedir. Çalışma kapsamında Op-Art'ın kullanıldığı ambalaj grafiği tasarımlar incelenerek aralarındaki ilişkinin açığa çıkması hedeflenmiştir.
Grafik tasarımda yaratıcılık olgusu ve yaratıcılığı etkileyen faktörlerin incelenmesi

Yaratıcılık için, insanın sahip olduğu özellikler arasında hem biyolojik hem de psikolojik olarak incelenip açıklanmaya çalışılan kavramların arasında yer aldığı söylenebilir. Birçok alanda kendine yer bulmuş bu kavram, ortaya çıktığı ilk günden bugüne kadar en çok psikoloji, sosyal psikoloji ve sonrasında eğitim bilimleri disiplinlerinde incelendiğini söylemek yanlış olmaz. Yaratıcılık olgusu ve kavramların gelişimini geçmişşten günümüze incelediğim bu tez çalışmasında, birey ve toplum nezdindeki önemi ve grafik tasarıma yansımalarını ortaya koydum. Yaratıcılık kuram ve tekniklerine hakim olup, yaratıcılığı etkileyen faktörleri fark edebilen tasarımcıların ortaya çıkardığı eserler toplumda kolayca ayrıştırılabildiği gibi farkındalık yaratıcı bir noktaya oluşmaktadır. Bu sürecin bir grafik tasarımcı için önemi yadsınamayacak kadar mühimdir. Yaratıcılığın beslendiği noktaları kavrayabilen sanatçıların eser ve tasarımlarını etkileyen psikolojik ve sosyolojik birçok unsuru yaşamlarında barındırdıklarını gözlemlemek mümkündür. Ayrıca, yaratıcılığın en önemli aşaması olarak değerlendirilebilecek olan fikir üretme sürecine hakim olmanın yararlarını ve bu sürecin ne şekilde ilerlediğine dikkat çekmek istedim. Fikir üretme aşamasında karşımıza çıkan bir diğer konu ise tasarımcıların çoğunlukla esinlenmek adı altında taklit eserler ortaya koymaları. Yaratıcılığa iyi ve kötü örnek oluşturan çalışmalarla ele aldığım yaratıcılık ve yaratıcılığı etkileyen tüm faktörlerin etkisi bu araştırmanın tartışma konusudur.
Grafik tasarımda dijital tasarımın etkisi

Günümüzde bilgisayar icat edilip grafik tasarım bilgisayar ortamına geçtikten sonra özgünlüğün olmadığı tasarımlar ve yapılan tasarımlar sadece anlık düşünülüpyapılan çalışmalardır. Aslında grafik tasarım bilgisayar ortamına geçmesiylesınırlamaların olmamasıyla daha üstün bir biçimde yapılıyor olması grafik tasarımın gelişmesi için güzel bir gelişme. Çünkü deneysel yaptığımız tasarımları dijital ortamda sınırlama olmadan daha üstün hale getirerek yapabiliyoruz. Sanatın ve tasarımların daha iyi bir şekilde yansıtılmasında dijital ortam büyük bir avantajdır. Dijital tasarım yaklaşımı bu bağlamda grafik tasarım için etkili bir araç olarak görülse de aslında baktığımız zaman büyük bir sorunumuz vardır. Günümüzde kullanım amacı çıkar meselesine döndüğü için yapılmak için yapılan anlamsız, mesajı anlık ileten kalıcı olmayan, özgün olmayan tasarımlarmeydana geliyor. Konu başlığına bağlı kalarak dikkat çekmek istediğim nokta dijital ortamda yapılan çalışmaların görsel bütünlük oluşturmamanın yapılan tasarımlarınbirbirine benzeyen özgün olmayan, sanat ve tasarım içerikli olmayan, mesajıniletilmemesinin sebeplerini nitel araştırma yöntemi ile araştırılarak sorunun sebebi ortaya çıkarılmıştır.
Grafik tasarım ve toplumsal cinsiyet

'Grafik Tasarım ve Toplumsal Cinsiyet' başlıklı tezimin oluşum süreci; Sanatta Yeterlik ders aşamasında Sayın Canan Beykal'dan almış olduğum Kültür Göstergeleri dersi projesiyle başladı. Günümüzde bireyler yaşamlarının her anında imaj ve mesaj bombardımanına tabi tutuluyorlar. John Berger'in dediği gibi, tarihin hiçbir anında insanoğlu bu kadar çok görsel malzeme tacizine uğramadı. Her grafik tasarım ürünü bir mesaj içerir. Mesajın bir düz anlamı; bir de yan anlamı vardır. Bu tezin konusu; tam da yan anlamları çözmek, farklı yıllar içinde üretilmiş grafik tasarım ürünlerinde, özellikle dergi, kapak ve iç sayfalarında, afişlerde ve ders kitaplarında, yüzyıllardır oluşmuş, kemikleşmiş toplumsal cinsiyetin izlerini sürmektir. Kadın ve erkek nasıl olunur, kadın ve erkekten beklenilen roller nelerdir? Neden her cins için belli roller kabul görmüştür? Toplumsal cinsiyet rolleri nasıl inşa edilir? Tüm bu sorular kadınların tarihi yazılmaya başlandıktan sonra sorulmaya başlandı. 'Tarihin, bilimin, tasarımın öznesi erkektir' önermesinin kadınlar tarafından sesli dile getirilmesinden sonra araştırmalar başladı. Tabii ki, kendisine sunulan bu toplumsal rolleri benimsemiş olsun, olmasın; pek çok kadın zaman içinde bu rolleri sorgulamaya başladılar. Edebiyatta, tarihte, sosyolojide, psikolojide, biyolojide olsun; müzikte, reklamlarda, sinemada, siyasette ve sanatta bu sorular sorulmuştu. Grafik tasarım disiplininde de sorulması gerekiyordu. Bu tez bu tür sorgulamaların bir ürünü sayılabilir.
Yüksek baskı tekniği yöntemi ile 5-7 yaş grubuna yönelik hikaye kitabı uygulaması

Sanat tarihi boyunca önemli bir yeri olan ve birçok sanatçı tarafından kullanarak günümüze kadar gelen baskıresim tekniği sanatın vazgeçilmez tekniklerinden biridir. Yüksek baskı tekniği, düz bir yüzey üzerinde boya alması istenen yerlerin yüksekte, basılması istenmeyen yerlerin ise oyularak çıkarılması ilkesine dayalı ilk baskıresim tekniğidir. Yüksek baskı tekniğinde linolyum ve ağaç kalıplar kullanılmaktadır. Yüksek baskı tekniği dünyada başlangıçta çoğaltım amacı için kullanılırken tarihsel süreç içinde belli değişme, gelişme ve yorumlama ile ünlü ressamların eserlerini çoğaltmak ve yaygınlaştırmak amacıyla kullanılmıştır. 17. yüzyılda Japonya'da uygulanan yüksek baskı, Avrupalı sanatçıları etkilemiş sanatsal ifade aracı olarak tekrar büyük bir ivme kazanmıştır. Linolyum ise ilk olarak 1867 yılında Fransz Çizek'in sanat eğitimi verdiği okullarda kullanılmış teknik Picasso'nun bulduğu eksiltme yöntemi ile en üst seviyelere ulaşmıştır. Türkiye'de ise ilk olarak yüksek baskı tekniklerinden ağaç baskı 1730 yılında İbrahim Müteferrika'nın bastığı 'Tarihi Hindi Garbi' adlı kitapta kullanılmıştır. Sanatın önemli ögelerinden biri olan yüksek baskı, sanat eğitiminde gereken ilgiyi görmemesi kaygı vericidir. Türkiye'de yüksek baskı tekniğinin uygulanması çocuk hikaye kitaplarında pek rastlanmamaktadır. Nitel özellik taşıyan bu araştırmada, kaynak ve alan taraması yapılmıştır. Yüksek baskı tekniğini çocuk hikaye kitaplarında uygulayan sanatçıların çalışmaları değerlendirilmiştir. Betimsel yöntemlerin, yayın tarama tekniklerinin kullanıldığı bu araştırma ile yapılan masal araştırmalarının sonucunda, belirlenen sorunların giderilmesi ve üzerinde tartışma' olanağının artırılabilmesi için Ondokuz Mayıs Üniversitesi Güzel Sanatlar Eğitimi Bölümünde 'Yüksek Baskı Tekniği Yöntemi ile 5-7 Yaş Grubuna Yönelik Hikaye Kitabı Uygulaması' başlığıyla bir atölye çalışması yapılmıştır. Bu çalışma sürecinde 24 öğrenciyle çalışılmış ve 20 adet kitap tasarımıyla sonuçlandırılmıştır. Araştırmacı tarafından bu çalışma için yapılan uygulama süreci sonunda, linol baskı tekniği ile örnek bir kitap tasarlanmıştır. Ortaya çıkan ürünler, araştırmanın en önemli verilerini oluşturmaktadır. Bu araştırma ile, sanat tarihinde ve sanatçı uygulamalarında, geçerli bir ifade dili olarak yerini almış olan baskıresim tekniklerinden, yüksek baskı tekniğinin 5-7 yaş grubuna yönelik hikaye kitaplarında uygulanabilirliğinin, betimlenmesi amaçlanmaktadır.
Ampersand sembolünün grafik tasarımında yeri, önemi ve kullanım alanları

Bu tezin konusu ampersand sembolünün grafik tasarımında yeri, önemi ve kullanım alanlarının tespit edilmesidir. Çalışma dört bölümden oluşmaktadır. Birinci bölüm giriş niteliği taşımaktadır. Bu bölümde çalışmada ortaya konulan problemin tespiti yapılmış, çalışmanın amacının ne olduğu belirtilmiş, araştırmanın metodolojisi ortaya konmuş ve ünitelerin planı yapılmıştır. İkinci bölümde tasarım ve grafik tasarımı ile ilgili genel bilgilere değinilmiştir. Bu bölümde tasarımın tarihine, tasarım sürecine, tasarım dallarına, tasarım ilkelerine değinilmiş ve grafik tasarımının tarihi gelişimi üzerinde durulmuştur. Üçüncü bölümde ampersand işaretiyle ilgili genel bilgiler verilmiş, bu işaretin tarihi gelişimine, kullanım alanlarına ve tasarımlarına değinilmiştir. Son olarak her yıl 8 Eylül'de kutlanan 'Geleneksel Ampersand Günü'yle ilgili bilgilere yer verilmiştir. Dördüncü bölümde ise çalışmanın sonuçlarına, alan yazına katkısına değinilmiş; geleceğe yönelik çalışma alanlarına vurgu yapılmış ve öneriler sunulmuştur.
Bizans resim sanatında perspektif

Genelde sanat tarihinde Bizans, özelde resim sanatı tarihinde Bizans resim sanatı özel bir yere sahiptir. Onun bu özelliği tamamen kendine özgü karakterinden kaynaklanmaktadır. Bizans resim sanatında perspektif konusu incelenirken bir teknik olarak perspektif tekniğinin açıklanması, sınıflandırılması, insan algısının ve algı hatalarının kavranması gerekmektedir. Tüm bunların ışığında Bizans resim sanatının ana karakteri, bu karakteri oluşturan temel özellikleri göz önüne alınmalıdır. Tez çalışmamızda da benzer bir yol izlenmiştir. İzlenen yöntem ışığında Bizans resminde perspektif uygulamalarına dair bir sonuca ulaşmak hedeflenmiştir.
Görsel iletişimde bir etki unsuru olarak tipografi ve fotoğraf birlikteliği: Tipofoto

İletişim, insanlığın tarihsel gelişim su recinde yaşamsal önem taşıyan bir eylemdir. İnsanoğlu iletişim örgu su nu kurarken, duygu ve du şu ncelerini aktarırken çeşitli semboller oluşturmuş; motifler, desenler, resimler ve su slemelerde karşımıza çıkan bu sembolleri zaman içinde dile dönu ştu rmu ştu r. Resim sanatının başlangıcı sayabileceğimiz bu eylem sanatsal ifadeler ve iletişim arasındaki bağın derinliğini vurgulaması bakımından önemlidir. İletişimde yazının kullanılması ise toplumsal, ku ltu rel, sanatsal, ekonomik, tarihsel açılardan devrim niteliğinde bir gelişme olmuştur. Yazı insanlık tarihinin belleği olarak; dil, inanç, ulusal kimlik, ku ltu r, sosyo-ku ltu rel yapı, ekonomi, coğrafi konum ve benzeri gibi değişkenlere bağlı olarak farklı biçimlerde gelişim göstermiştir. Tarihe ışık tutan belgeler yazı sayesinde gu nu mu ze ulaşmıştır. Gelişen teknik buluşlarla yazının kurgulanması su reci tipografinin doğmasına olanak sağlamıştır. Yazının grafik tasarım disiplini içindeki önemi; hem anlatım gu cu nden, hem de estetik-plastik değerlerle ele alınarak yorumlanabilmesinden kaynaklanır. Bu bağlamda fotoğrafın gelişimi ve grafik tasarımda kullanılmasının yaygınlaşması da tipografi ile birlikte ele alınmasını gu ndeme getirmiştir. Bu çalışmada fotoğraf ile tipografi, tarihsel gelişim su reçleri içinde ele alınarak incelenecektir. Tipografi ve fotoğrafın bir arada kullanımının tarihsel ve gu ncel örnekleri, bu alandaki belli başlı eğilim ve teknikler değerlendirilecektir. Hem fotoğrafın hem de tipografinin kendine özgu görsel öğelerinin bir arada kullanılışı ile grafik tasarım ve grafik sanatlarda ortaya konmuş etkiler irdelenecektir. Böylelikle tipografi ve fotoğrafın birlikteliğinin grafik tasarımdaki önemi ve gelişmeye açık yönu ortaya konulacaktır. Grafik tasarım bağlamında fotoğraf ve tipografi birlikteliğinin önemi, tasarımdaki rolu , izleyici ile kurduğu etkileşim, bu çalışmanın temel araştırma alanını oluşturmaktadır. Aynı zamanda bu çalışmada; fotoğraf ve tipografinin birlikte kullanılmasıyla ortaya konan etki, iletim ve anlatım gu cu u zerinde durulmuştur.
Conceptual artwork as type: An account of dematerialization in conceptual art

Bu tez, Lucy Lippard ve John Chandler tarafından sanat bağlamına sunulmuş maddesizleşme kavramını, sözcük-temelli kavramsal sanat işlerinin birer tip olarak karakterize edilmesi yoluyla inceler. Maddesizleşme kavramını ilişkin olarak, kavramın tartışmalı ve belirsiz bir kavram olduğu iddia edildi. Maddesizleşme kavramını açıklamak adına, sanat işi ile maddesizleşen sanatnesnesi arasında bir ayrım yapıldı. Bu ayrımı takiben, kavramsal sanat bağlamında, sanat işi kavramının sanatnesnesi kavramına oranla daha uygun olduğu iddia edildi. Bu anlamda sanatnesnesi, sanat işinin bir parçası ya da bir son ürünü olarak alındı. Sanat işinin bir nesne veya sonuç ürünü olarak reddi, kavramsal sanat işlerinin geçici ve kısa süreli karakteristiği ve sözcüklerin sanatsal malzeme olarak kullanımı göz önüne alındığında, kavramsal sanat işlerinin birer tip olduğu iddia edildi. Kavramsal sanatta sözcük kullanımının, birçok sözcük-temelli kavramsal sanat işinde görülen maddesizleşme sürecini pekiştirdiği iddia edildi. Kavramsal sanat işlerinin birer tip olarak karakterize edilmesi üzerinden maddesizleşme kavramı açıklandı. Son olarak, sözcük-temelli kavramsal sanat işlerinde sanatnesnesi maddesizleşirken, maddesizleşen sanat nesnesinin yerini sözcüklerin aldığı iddiasında bulunuldu.
20. yüzyıl Türk seramik sanatçılarının kültürel üretimlerindeki düşünsel altyapılar

Sanatçılar bir toplumun önderleri, yol göstericileri ve örnek kisileridir. Seramik sanatı geçmişsten gelen ve geleceğe uzanan önemli bir sanat dalı olarak karsımızaçıkmaktadır.20. yüzyıl Türk Seramik Sanatçılarının Kültürel Üretimlerindeki DüsünselAltyapılar' baslıklı çalısmanın konusunu; 20. yüzyılda yasamıs ve yasamakta olan Türk seramik sanatçılarının çalısmalarını ne sekilde ortaya koyduklarını açıklamak olmustur. Bu çalısmanın amacı; Türkiye'de bulunan seramik sanatçıları hakkında bilgi vererek, yaptıkları kültürel üretim ve etkinliklerine açıklık getirmektir. Bu amaç doğrultusunda her sanatçı bir bölüm olarak ele alınmıstır. Bölüm baslıkları altında sanatçılar hakkında kisisel bilgiler, kültürel üretim ve etkinlikleri, düzenledikleri ve katıldıkları sergiler, aldıkları ödüller, yayınları vs. ler verilmistir. Seramik sanatçıları da toplumun geleneksel normlarını geleceğe aktarırken, yeniyaklasımlar, çağın teknolojik gelisimine uygun yeni anlayıslar sergileyerek, geleneksel sanat anlayısına farklı boyutlar getirerek, yeni sanat eserleri meydana getirmektedirler. İçdürtüleriyle beslenen sanatçılar, eserlerini üretirlerken, hayal güçlerinin yanında içinde bulundukları toplumdan ve yasadıkları çevreden etkilenirler. Hayal ve etki mekanizmaları eser için düsünsel altyapıyı olusturur. Sanatçı bunları birlestirerekeserini meydana getirir. Toplumun üzerine düsen ise; bu sanatçılara gereken önemi vererek, üretilen sanat eserlerinden ve sanatçılardan haberdar olmaktır. Çünkü kendi elindeki değerlerin farkında olmayan toplumların yerlerinde sayarlar ve ilerleme kaydedemezler. Konunun amacını; Türkiye'de bulunan seramik sanatçıları hakkında bilgi vermek, sanatçıların eserleriyle yaptıkları kültürel üretim ve etkinliklerini açıklamakolusturmustur. Bu amaç doğrultusunda her sanatçı ayrı bir bölüm olarak ele alınmıstır. Çalısma seramik sanatçılarıyla yapılan kisisel görüsmeler, mail yoluyla yapılan bilgi alısverisinin yanında, konuyla ilgili yazılı kaynaklardan ve ilgili web sitelerindekibilgiler neticesinde hazırlanmıstır
Edgar Degas'nın resimlerinde bale teması

sanatında bale, sanatının merkezine oturttuğu bir temadır. Bu dönemde var olan opera ve balelere giderek sahne ve sahne arkasından çalıştığıpozlarda Degas, tekrar tekrar resmine hizmet edecek doğru pozları arar gibidir. Yaptığı bu karakalem çalışmalar daha sonra anlamlı bir bütün oluşturacak şekilde bir araya gelir. Sanatçının eserlerinin bütününe baktığımızda önceden monotip baskılarında, pastel veya yağlıboya çalışmalarında oluşturduğu kompozisyonlardan parçaların farklı şekillerde bir araya getirilerek yeni resimler olarak kullanıldığı da görülür. Bu tavır Degas'nın çalışmalarını oluştururken, izlediği ve versiyonlar şeklinde önümüzesunduğu bir şekil olarak karşımıza çıkar. Arka planda var olan tek bir balerin ya dasiluet şeklindeki bir balerin grubunu öne çıkararak ya da zaman zaman netalgılanmayan uzaktaki bir detayın kadrajın en can alıcı yerine yerleştirildiği bu yaklaşımda, sanatçının kompozisyonunu oluşturmada her türlü yolu denediğinigörürüz. Sanatçının bazı resimlerinde kullandığı karartı gibi belirsiz orkestra ya da kalabalık seyirci yığını gibi öğeler, daha sonradan terk edilmiş gibi gözüken diğer öğelerle birlikte alınır ve izleyiciye sunulur. Bu da bize Degas'nın, opera ve baleyleilgili izlenimlerine ve gözlemlerine ne kadar sadık kaldığını göstermektedir. Araştırmacı bir şekilde gözlemlerini ortaya koyma yöneliminde, kişisel bir duyguinceliğinin ve sezginin rolü büyüktür. Teknik olarak baktığımızda sanatçının ilk döneminde ortaya koyduğu eserlerde var olan pastel renk kullanımı son döneme doğru canlı, parlak tonlarınçarpıcı bir şekilde kullanılmasına doğru gider. Konturlar yer yer daha dağınıklaşır. Pastel malzemesinin kullanım imkanlarıyla yarattığı doku ve jestsel fırça sürüşleriDegas'nın resimlerindeki empresyonist etkiyi arttırır. Işığın doğru ve etkili kullanımıyla da beslenen teknik anlatımındaki özgünlük ve zenginlik Degas'yı, empresyonizm içinde önemli bir yere taşımıştır.