turkish-nlp-suite/AkademikDerlem huggingface dataset:
Yağlıboya resim restorasyonu ve etiği

Tarihsel ve kültürel varlıkları zamanın yıpratıcı ve yok edeci etkenlerinden koruma düşüncesi, kültürlerin geleceğe aktarılması amacını içermektedir. Bu amaçla eserlerin korunması ve onarımı söz konusudur. Yüzyıllar önce üretilmiş olan geleneksel yağlıboya resimler olumsuz çevre koşulları ve yapılan çeşitli mühadalelerle bir bozulma sürecine girmiştir. Geçmiş dönemlerde restorasyon amacıyla birçok yanlış uygulamalar yapılmış olmasına rağmen, bir taraftan doğrusu nasıl olmalı sorusuna aranan yanıtlarla 18. yüzyıl başlarında restorasyon, bilimsellik düzeyine gelmiştir. Yağlı boya resmin Avrupa'da en yoğun bulunduğu ülke İtalya olduğu için yağlıboya resim restorasyonunun gelişimi de bu ülkeden başlayarak diğer Avrupa ülkeleri, Amerika ve Japonya'ya da yayılmış, uluslararası bir bilim dalı haline gelmiştir. Resmin alt yapısı tüm detaylarıyla bilimsel araçlar yardımıyla incelenebilmededir. Restorasyon öncesinde yapılan bu incelemelerle resmin durumu tespit edilmekte ve dokümantasyon sağlanmaktadır. Bu veriler ışığında teşhisi yapılan hasarların gerekli tedavi işlemlerine karar verilmektedir. Zaman, çevre faktörleri ve resmin kendi fiziksel yapısına bağlı olarak gelişen hasarlar, vernik, boya tabakaları, astar sıva ve taşıyıcı zemin üzerinde çatlama, yarılma, kırılma, kabarma ayrılma, kopma, tuvalde ise yırtılma delinme, kesilme ve deformasyon şeklinde kendi gösterir. Fiziksel yapısı zayıflamış olan tuvalin boya tabakaları ile olan tutuculuğunu yeniden oluşturmak üzere bilinen ve ispatlanan kurallar içinde bazı takviye çalışmaları yapılır. Bu işlemler ile kabarmış, çatlamış kalkmış ayrılmış olan boya ve zemin tabakaları tespit edilip sabitleştirilir. Bu yöntem sağlamlaştırmak için yeterli gelmiyorsa, orijinal tuvalin yeni bir beze yapıştırılması önerilir. Bu yöntem ülkemizde rantualaj adıyla bilinmektedir. Bazı riskleri olan rantualaj işlemi, başarılı bir şekilde yapıldığı takdirde resim uzun bir süre sağlam kalabilir. Temizleme, restorasyonun en önemli ve tecrübe gerektiren işlemlerinden biridir. Resimlerin, temizleme safhasında yapılan çeşitli inceleme ve testlerle kullanılacak solventler ve miktarı tespit edilir. Eski ve kötü rötuşlar, sonradan eklenen boyalar görsel veya bilimsel yöntemlerle ortaya çıkartılıp temizlenir. Rötuş işlemi, restoratörün yeteneğini ortaya koyar. Resmin boya tabakasında dökülmüş olan bölümler, özel yapılmış bir alçı ile doldurulur. Dolgunun boya dokusuyla uyumu çok önemlidir. Dolgusu yapılan resim, suluboya, guaş, tempera, pigment ve vernikli özel rötuş boyaları gibi geriye dönüşümlü malzemelerle, orijinal boya tabakasına müdahale edilmeden yalnızca hasarlı kısımlar bilinen imitative, noktalama, rigattino gibi yöntemlerle rötuşlanır. En son aşamada resim, sonradan kolay çıkartılabilen, yumuşak, doğal veya sentetik özel bir resim verniği ile verniklenir. Restorasyonda yapılan tüm işlemler içinde amaç, hasarlı bir resmi sağlamlaştırıp yeniden hayat kazandırmaktır. Bu noktada restoratörün göz önünde tutması gereken en önemli unsur, uygulanan malzeme ve yöntemlerin geriye dönüşümlü olması ve resme zarar vermemesi olmalıdır..
Sanatsal imgenin hareketli imgeye dönüşüm sürecinde izleyiciyle etkileşimi

Bu çalışmanın kapsamında, günümüzde karşılaşılan hareketli dijital imgelere dair bilgi boyutu ve izleyici ile olan etkileşimleri kültürel ve tarihsel perspektif içerisinde aydınlatılması hedeflenmiştir. Analog fotoğraf karesinin imgesel varlığı sanat öncesi imgenin halinden beslenmektedir ve bu doğrultuda dokunuşun izini taşımaktadır. İnsanoğlunun hareket kavramına olan bilinç ve bilinçaltı süreçlerindeki yatkınlık doğrultusunda bu tez dahilinde hareketli dijital imgeler olarak tanımlanan ve izleyicilerle karşılaşan sanal dünyaya ait görüntüler, estetik ve etik tartışmalar doğrultusunda değerlendirilmiştir. Fotoğraf karesi ve hareketli dijital görüntüyü varoluş biçimlerindeki farklılıklar açısından birbirinden ayıran bu tez, analog fotoğrafın imgesini sanat öncesi imgenin halinden ve hareketli dijital imgeyi ise sanat sonrası imgenin halinden beslenen bir izlekte konumlandırmıştır. Hareketli dijital görüntülerin, imgeleşme süreçlerini incelemiştir. Bu izlek doğrultusunda sanat öncesi imgeler ve sanat sonrası imgeler başlıklarından yola çıkarak hareketli dijital görüntülerin iyi/kötü, güzel/çirkin varoluş biçimlerinin yanı sıra haysiyetli/zelil ve hatta pornografik anlamdaki değerlendirmeler içerisindeki estetik ve etik tartışmaları gerçekleştirilmiştir. Hareketli dijital görsel/görüntü/imge tanımlamalarının kavramsal süreçlerini tespit etme üzerinden bir yöntemi olan bu tezin asıl amacı olarak varılmak istenen tartışma alanı hareketli dijital imgelerin izleyiciler ile olan etkileşim sürecini ortaya koymaktadır.
Yapı elemanı olarak kullanılan tuğlanın sanat eserine dönüştürülmesi

Tuğla, insanoğlu tarafından çok eski çağlardan beri bilinen ve kullanılan bir yapı malzemesidir. Tuğlanın basitliği içinde kullanıcıya sunduğu avantajlar, onu her çağın vazgeçilmez yapı malzemesi haline getirmiştir.. Bu avantajlarını estetik uygulamalarda da koruyan tuğla, tarih boyunca mimari süsleme ve dekorasyonda kullanılan anahtar birim olmuştur. 1980'lerden sonra tuğla endüstrisinin gelişimi ve sanat dünyasındaki değişimlerle bu çevrelerde önemi artmış, daha sonra çamur, pişmiş bloklar ve farklı modüller halinde seramik, heykel gibi sanat dallarında daha yaygın olarak kullanılmaya başlanmıştır. Bu yüksek lisans tez çalışmasında, tuğlanın yapı malzemesi olarak başladığı ve sanat eserine dönüştüğü bu süreç tarihsel, sanatsal, sosyal ve teknik açılardan incelenmiş, bu malzemeyle çalışan sanatçılar ve çalışmalarından örnekler sunulmuştur. Tuğlanın çağdaş sanatta kullanım özellikleri, sanata yaptığı katkılar ve sanatın tuğla endüstrisine yönelen talepleriyle bu sektörde şekillenen gelişim de irdelenmiştir. Bu kapsamda ilerleyen çalışmada, çağdaş sanatta tuğla kullanım türleri sınıflandırılmıştır. Sonuç olarak, tuğlanın, çağdaş sanat potasında klasik formundan çamura dönüşüp, karakterini kaybetmeden yeni formlara bürünerek nasıl eridiği örneklerle ortaya konulmaya çalışılmıştır.
Orta Anadolu düğün geleneğinin öğrenci resimlerine yansıması

Çocuklara geleneklerimizin varlığını hissettirmek, hatırlatmak ve algılamalarını, iç dünyalarını, dışa aktarımalarını sağlayabilmek önemlidir. Bu araştırmada; öğrencilerin, Orta Anadolu düğün geleneklerinin resimlerine yansıması konusunda kültür ve gelenekler hakkında farkındalıkları, geçmişş ile günümüz arasındaki köprü olan değerlerimize, yaşanmışlıklara, yükledikleri anlamları ortaya koymak, düğün geleneği ile ilgili imgelerin hangilerini yansıtabildiklerini belirlemek amaçlanmıştır. Çalışmanın evreni, Ankara ilindeki iki Anadolu Lisesi, 9. ve 10. sınıf öğrencilerinden oluşturulmuştur. Çalışma grubu olarak 40 öğrenci ile çalışılmıştır. Öğrencilerden toplanan resimler betimsel içerik analizi yöntemi ile analiz edilmiştir. Orta Anadolu geleneğine ilişkin olarak öğrencilerin duygu ve düşüncelerini yansıttıkları resimler ve görüşme formuna verdikleri cevaplar bu araştırmanın verilerini oluşturmuştur.
Sürrealizm bağlamında moda marka sanat ilişkisi

Sosyal, politik ve kültürel anlamda çok geniş etkilere sahip olan sürrealizm felsefesi, moda tasarımında ve moda endüstrisi üzerinde de etkili olmuştur. Sürreal ideolojinin modayla olan etkileşimi, sanatsal boyutta algıda farklılık yaratırken, ilerleyen süreçlerde ticari tasarım stillerinin oluşmasının önde gelen yapı taşlarından biri olmuştur. Sürrealist sanatçılar ile moda tasarımcıları arasındaki işbirlikleriyle başlayan bu etkileşim, günümüz çağdaş modacılarının modaya olan bakış açısını da değiştirmiştir. Bağımsız ve yaratıcı bir düşünce şekli olan sürrealizm, moda alanında yeni ifade şekillerinin yolunu açmıştır. Daha özgür ve daha yaratıcı tasarımların ortaya çıkışıyla birlikte modanın yorumlanışı ve algılanışı da değişmiştir. Sanatsal kimliği yeniden şekillenen tasarımcı, özgürleşmiş, bununla birlikte markalaşma süreci ivme kazanmıştır. Sürreal düşünce sistemi, etkin bir markalaşma stratejisi yaratma sürecinde önemli bir konum elde etmiştir. Sürrealist düşünce yöntemleri, zihinde ayırıcı algılamalar oluşturmasıyla, bireysel ve kurumsal markaları günümüz ticaret ortamında daha tercih edilir kılmaktadır.
Art nouveau bağlamında exlibris sanatı

Bu tezde öncelikle exlibris ve Art Nouveau'nun tarihsel sürecinin anlatılmasının yanı sıra özellikle Art Nouveau döneminde ortaya çıkan exlibrisler incelenmiş ve örneklerine yer verilmiştir. Art Nouveau, 19. yüzyılın sonları ile 20. yüzyılın sonları arasında tüm Avrupa ve Birleşik Devletlerde büyük ün kazanan dekoratif bir üsluptur. En belirgin özellikleri zarif, dalgalı çizgiler, bitki motifleri, hayvan ve kadın figürlerinin kullanılmış olmasıdır. Bu dönemde eserlerde anlatılan konudan çok göze hoş görünmesi esas alınmıştır. Exlibris, kitabın sahibini tanıtan, kitabın iç kısmına damgalanan ve kişiye özel tasarlanan özgün tasarımlardır. Tarihte en eski exlibrisin M. Ö. 1400 yıllarından Mısır Kralı III. Amenhotep'e ait olduğu bilinmektedir. Exlibris Art Nouveau döneminde yani 19. yüzyılda altın çağını yaşamıştır. Bu dönemde resimli exlibrisler ortaya çıkmış ve yine aynı dönemde kitaba yapıştırılma işlevinin dışında, biriktirme objesi olarak da algılanmaya başlanmıştır. Exlibris koleksiyonculuğuna olan ilgi artmıştır. Exlibrisle ilgilenenler topluluklar kurulmuş ve dergiler yayınlanmaya başlamıştır.
Sanat akımlarının moda markalarına etkileri ve bir moda haftası tanıtımı için uygulama çalışmaları

Modern moda olgusunun doğduğu 19. yüzyıldan günümüze kadar moda tasarımcıları çoğu araştırmacı tarafından sanatçı olarak ele alınmış, birçoğu da kendini diğer modacılardan ayırarak sanat akımlarından etkilenerek sanat icra ettiğini savunmuştur. Bu çalışmada tarihsel bir yaklaşım ile sanat akımları ve moda tasarımı arasındaki bağlantı sorgulanmıştır. Çalışmanın birinci bölümünde moda kavramı ve modanın tarihsel süreci özet bir şekilde anlatılmıştır. Devamında ise modanın sanatla olan etkileşiminden bahsedilerek moda tasarımı alanında giyilebilir sanat kavramı ve bu alandaki önemli gelişmeler aktarılmıştır. Tezin ikinci bölümünde öncelikle moda markası kavramı hakkında bilgiler verilmiştir. Moda markasının oluşumu incelenerek nasıl endüstrileştiğine dair araştırmalar yapılmıştır. Devamında ise moda ve markanın kavramsal açıklamalarına değinilmiştir ve moda markası yönetiminin pazarlamadaki yeri ve önemi vurgulanmıştır. Son olarak dünyaca ünlü moda markaları incelerek moda dünyasını nasıl etkiledikleri ve nasıl yön verdikleri sorularına cevap aranmıştır. Tezin üçüncü bölümünde ise moda markalarına ve tasarımına yön veren modern sanat akımları incelenmiştir. Bu akımlar arasında özellikle kübizm, sürrealizm, fütürizm ve konstrüktivizm detaylı bir şekilde anlatılmış ve moda tasarımcılarını hangi yönlerde etkilediklerine dair detaylı açıklamalar verilmiştir. Bu noktada sanat kavramı ve moda kavramı arasındaki sıkı ilişki irdelenmiştir. Aynı zamanda moda markalarının nasıl oluştuğu, sanattaki önemi ve sanat akımlarının modayla etkileşimi incelenmiştir. Dördüncü ve son bölümde ise uygulama çalışmalarından bahsedilmiş ve günümüzde düzenlenecek olan bir moda haftası için modern sanat akımlarından sürrealizm akımı temel alınarak moda illüstrasyonlarından oluşturulan projeler uygulanmıştır. Tanıtım çalışmaları için, afiş, davetiye ve eşantiyon ürünler tasarlanmıştır.
Çiçek natürmortları

Önceleri akademisyenler tarafından pek rağbet görmeyen natürmort'un, üretim ve sanatsal kaygılar açısından diğer resim türlerinden bir farkı olmadığı anlaşıldığında, akademisyenler ve diğer sanatçılar tarafından daha çok üretildiğini görüyoruz. Avrupa resim sanatına önceleri dini resimlerin içine, dolaylı anlatım aracı olarak giren çiçekler, daha sonraları çiçek natürmortları olarak karşımıza çıkıyorlar. Böylece resim sanatının bir türü olan natürmort içinde 'çiçek natürmortları' adlı bir bölüm oluşturuyorlar. Resim sanatı tarihinde bir kayıt oluşturan natürmortlar, dönemlerinin sosyoljik, ekonomik, dinsel birçok özelliğini bazen açıkça, bazen de ipuçları olarak bizlere anlatıyorlar. Gerçek anlamda ilk natürmortları 'Zurbaran' da, J. B. Chardin'de, 'Caravaggio', da görüyoruz. Çiçekleri ise 'Jan Brueghel', 'Bosschaerf gibi sanatçıların natürmortlarında buluyoruz. Çiçekler genellikle kapalı bir mekan içerisinde bulunan bir masanın üzerindeki vazo, çeşitli kaplar ve sepetler içinde ya da doğrudan masa üzerinde, çeşitli form, renk ve kurgu ile resmedilirler. Çevresindeki nesneler de esas itibari ile artık çiçeğin kendi anlatımına ve çiçek de resmin bütününün anlatım diline hizmet eder. Tüm bunlar aym zamanda sanatçının duygu ve düşüncelerine hizmet için kullanılır. Natürmort'da genel olarak sınırsız espas kullanılmamıştır. Natürmort resimlerin genel olarak kapalı bir mekanda yapıldığım düşünülürse hava perspektifinden yoksun olduğunu söyleyebiliriz. Daha çok rengin ve formun, genişlik ve derinlik izlenimi veren olanaklarından ve natürmort nesnelerinin geometrik yapı ve gurgulanımmdan kaynaklanan espaslar oluşturulmuştur. Bu durum izleyiciyi betimlenen nesneye bakmakla sorumlu kılar ve resmin kendisini algılama olanağını verir. Bu çiçek natürmortları için de geçerlidir. Buna rağmen birçok sanatçı uyguladıkları teknikle ve üsluplarıyla gözü uzun zaman resmin üzerinde dolaştırmakta, tutmaktadırlar. 17 yüzyılda değişmeye başlayan ekonomik ve sosyal düzenle birlikte natürmortun da en çok revaç gören dal olmasına neden oldu. Öyle ki bu yüzyılda resim türlerinden en fazla natürmort üretilmiş ve el değiştirmiştir. 19 yüzyıl, bütün alanlarda olduğu gibi resim sanatında da yeni akımları başlatmış ve modem resmin kapılarını aralamıştır. 19. Yüzyıl empresyonist, ekspesyonist ve kübist sanatçıların ileri gelenleri, modern resmin temellerini atan sanatçılar, natürmort'u bir deney ve arastana alam olarak görmüş, kullanmışlardır.
Psiko-hedonist teori açısından George Santayana estetiğinde güzelliğin doğası

Tezin amacı George Santayana estetiğinde güzellik kavramının doğasını incelemektir. Bu inceleme, Santayana'nın estetik düşüncelerinin değerler alanıyla bağlantılı olduğu varsayımı üzerinden gerçekleştirilmiştir. Tezin kapsamı, Santayana'nın genel felsefi düşüncelerini de içerir. Santayana, natüralist bir filozoftur. Bu yöndeki düşünceleri estetik görüşlerini etkiler. Bu yüzden aralarındaki bağlantı işaret edilmiştir. Bu bağlantıyı işaret etmek için kullanılan yöntem, onun felsefe tarihindeki yerini ele almak şeklindedir. Ardından estetik görüşleri incelenmiştir. Tezin varsayımı, onun estetik görüşlerinin değerler alanından kaynaklandığıdır. Bu alan, ahlaki iyi, etik doğruluk kavramlarıyla birlikte düşünülmelidir. Bu kavramlar, onun estetik görüşlerini şekillendirir. Bu varsayım tezin sonuç bölümünde vurgulanmıştır.
Anadolu uygarlıklarından Friglerin bezeme repertuarının güncel yorumu ve serigrafi tekniğine uygulanması

'Anadolu uygarlıklarından Frigler'in bezeme repertuarının güncel yorumu ve serigrafi tekniğine uygulanması' konulu bu çalışmada Frig Uygarlığının tarihi, coğrafyası, dili, dini ve sanatı ele alınmıştır. Bu bilgilerden yola çıkılarak Frig dönemine ait bezemeler taranmış ve genel bir değerlendirme yapılmıştır. Frig Devleti'nin tarihsel süreci ve coğrafyası, sanatı ve kültürel yapısı genel bir çerçevede anlatılmıştır. Frigler'in arkeolojik buluntuları incelenerek kullanılan bezeme repertuarı bilgisayarda vektörel tabanlı programla serigrafi baskı tekniğine uygun bir hale getirilmiştir. Frig bezemelerinde kullanılan simgeler ve sembollerin anlamları hakkında araştırma yapılmıştır. Bu araştırmada; Frig uygarlığına ait eserleri, kompozisyon ve motif özelliklerini inceleyerek, motif ve kompozisyonlarından esinlenerek, günümüz bakış açısıyla öznel bir bağlamda ele alınmış ve yorumlanmıştır. Frig kültürünün özgün tasarımlarla hediyelik eşya ve tekstil alanında faaliyet gösteren araştırmacılara örnek teşkil edeceği ve katkıda bulunacağı düşünülmektedir. Ayrıca araştırmada serigrafi baskı tekniği hakkında temel bilgilere yer verilmiş, söz konusu motif tasarımlarından bir tanesi dak keten üzerine 4 kişilik mutfak kullanımına yönelik koleksiyon üretiminde kullanılmıştır. Ayrıca bu serigrafi baskı tekniği uygulama aşamaları ayrıntılı olarak analiz edilerek, fotoğraflarla sunulmuştur.
Cihat Burak'ın resimlerinde hayal ve mizah

Bireyin algısına kılavuzluk eden, hayallerdir. Nesnenin ilişkiler sistemi, hayali için de geçerlidir. Nesnenin anlatımı, hayalde karışık, düşüncede ise nettir. Bu karışık yapı dolayısıyla da hayal, düşünceyi de özünde barındırır. Anı ise, hayallerin canlanmasıdır. Mizah ise çelişkilerin saklanılmak istenirken açığa çıkmasından başka bir şey değildir. Cihat Burak, toplumsal eleştiriye yatkınlığı, kullandığı biçim ile içeriğin karşılıklı etkileşim içinde olmasını da gerekli kılmıştır. İnsanların gülünç, abartılı, sorumsuz ve benzeri halleriniresimlemiş, gözlemlerini bize olduğu gibi yansıtmıştır. Hazırlanan bu çalışmada da Cihat Burak'ın sanatı bu bağlamda incelenmiştir.
Hayao Miyazaki ve eserlerinin semiyolojik olarak incelenmesi

Bu çalışma, Miyazaki'nin önemli eserlerini kültürel ve tematikle ilgili göstergelere referanslara dayanarak incelemiştir. Tüm bu oluşumlar araştırılırken yönetmenin eserlerle bağlantılı olduğu düşünüldüğü yaşamına ve erken dönem yaratılarına da değinilir. Dolayısıyla hayatına yön veren tarihi, politik ve inançsal gibi oluşumlara zaman zaman yer verilmiştir. Aynı zamanda yönetmenin kullanmayı tercih ettiği geleneksel animasyon yöntemleriyle teknolojik yöntemlerin yapay durmayarak uyumlu biçimde bütünleştirilerek yaratıcı bir şekilde yeniden tanımlamasına ve görsel kodlarına odaklanılır. Bu kapsamda yönetmenin ufuk açıcı eserlerinin tema temelli analizlerinin yanı sıra belirli yaratıları için özel olarak tasarlanmış araç ve yöntemlerin ve püf noktalarının teknik tabanlı analizleri sunulmaktadır.
Pas lekelerinin seramik form ve yüzeylerde somutlaştırılması

20. yüzyılın sanat alanlarında önem kazanan bireyselleşmeyle birlikte geleneksel ifade biçimlerinin yerini, yenilikçi ve özgün sanatsal arayışlar almaya başlamıştır. Kendi döneminin dünya görüşüyle biçimlenen sanatsal anlatımın gerçekleşmesinde, her sanat kendi anlatım dilini, kendine özgü araçlarıyla kurmuştur, Sentetik Kübizm'den günümüz resim sanatına uzanan süreçte, geleneksel resim malzemesi olan boyanın dışında; malzemenin çeşitlilik gösterdiği görülmüştür. Bu ifade biçimi, aykırı malzeme kullanımıyla sanata farklı bakış açısı getirmiş ve yeni bir anlatım dili oluşturmuştur Bu çalışmanın başlangıç aşamasında, alternatif bir malzeme olan paslanmış metalin yüzey üzerindeki iz etkisini anlamaya yönelik araştırma ve deneylerle, iz ve metal bağlamı üzerine resimsel ve estetik çözümlemeler yapılarak, Metalin zaman içerisinde göstermiş olduğu değişiminin; eskime, yaşlanma, yok olma, tükeniş, çürüme, bozulma, süreç gibi kavramların karşılığı olarak benimsenmiş. Yalnız resim alanına has bir özellik olan iki boyutlu yüzeyde yaratılan eserlerden yola çıkarak seramik formlarda reaksiyonun sunduğu lekelerin üç boyuta aktarılmaya çalışılmasını konu edinmiştir. Bu düşünce özgün seramik formlarda uygulamayı amaçlamıştır. Çalışmanın ilk bölümünde resim sanatında karışık malzeme sonucu alternatif boya yerine kullanılan pas ve paslanma süreci, malzeme ile çalışan sanatçılardan örnekler, malzemenin sanata olan etkisi, anlatılmaya çalışılmış. Çalışmanın son bölümünde ise, pas lekelerinden yola çıkılarak ve estetik kaygılar güdülerek, temel amaç olan etkileşim ve yaratım sürecinin seramik formlarda uygulanması hedeflenmiştir.
Grafik tasarımda görsel bütünlük oluşturmada tipografi ve görseller arasındaki ilişki

Günümüz bir iletişim ve enformasyon çağıdır. Kalabalık şehir merkezlerinde yoğun is tempolarında çalışan bireylerin etrafı yüzlerce görsel mesaj ve grafik tasarım ürünü ile sarılmıştır: Amblem ve logolar, ilanlar, afisler, kitap, dergi ve albüm kapakları, gazeteler ve reklam panoları... Tüm bu grafik tasarım ürünleri birbiriyle büyük bir rekabet içindedir. Grafik tasarımın amacı okunan ve izlenen iki boyutlu görüntüleri tasarlayarak izleyiciye bir mesaj iletmek, bir ürün ya da hizmeti tanıtmaktır. Grafik tasarım ürününün başarısı, mesajını hedef kitlesine iletebilmesine bağlıdır. Mesajın basarıyla iletilebilmesi için ise tasarımda görsel bütünlük oluşturmak gerekmektedir. Grafik tasarımda görsel bütünlük, tüm tasarım elemanlarının birbiriyle ilişki içinde düzenlenerek tamamlanmışlık hissi yaratılmasıyla sağlanır. İzleyici bir mesajda daima bütünlük arar; aksi halde tasarıma olan ilgisini kaybeder. Sağlıklı bir iletişim için grafik tasarımcı birçok farklı alanda uzmanlaşmalıdır. Temel tasarım eleman ve ilkeleri; grafik tasarımın temel elemanları olan format, görsel ve tipografi; görsel algılama bu alanların basında gelmektedir. Tipografik elemanlar, sözel bilgileri içeren ve ileten harf, rakam ve noktalama işaretlerinden oluşan yazılarken; görsel elemanlar fotoğraf ve illüstrasyonlardır. Fotoğraf, ışığa duyarlı bir malzeme üzerine ışığın odaklanması ile oluşturulan görüntülerin geneladıyken; illüstrasyon çizim, boyama ya da bilgisayar ortamında alanında uzman programlarla resimleme gibi tekniklerle oluşturulan, biçimden çok konuyu vurgulayan görsellerdir. İnsan gözü etrafında gördüğü şeyleri bir bütün olarak algılamaktadır. Ve bu algılama modelinde parçaların tek baslarına sahip oldukları özelliklerin bütüne olan katkıları önem kazanmaktadır. Bu çalışma, grafik tasarımda görsel bütünlük oluşturmada görseller ve tipografi arasında kurulacak olan ilişkinin önemine dikkat çekmiş; bu ilişkinin kalitesinin nasıl yükseltileceği sorununa cevaplar bulmaya çalışmış ve vurgulamıştır.
Müzelerde bilgilendirme grafiği tasarımı ve Kütahya Çini Müzesi uygulama önerisi

Görsel iletişim araçlarından biri olan 'bilgilendirme tasarımı' grafik dilin ve görsel iletişimin betimleme işlevinin kullanıldığı temel bir alandır. Birçok konuda olduğu kadar toplumsal mekanlarda da hayatı kolaylaştırmak, zamanı verimli kullandırmak ve kargaşayı önlemek bilgilendirme tasarımı tasarımının birincil görevleri arasındadır. Bilgilendirme tasarımları işlenmemiş bilginin, daha iyi ve ne şekilde insana aktarılabileceği problemine eğilir ve bu sayede insanların çevresini daha etkin algılayabilmesi için de gereklidir. Örneğin metro/otobüs güzergah şemaları, form/doküman tasarımları, haritalar, eğitim dokümanları bilgilendirme tasarımlarının faaliyet alanına girmektedir.'Müzelerde Bilgilendirme Grafiği Tasarımı ve Kütahya Çini Müzesi Uygulama Önerisi' adlı tez çalışması sayesinde ziyaretçilere, Kütahya şehrinin en ayırt edici özelliği olan çini sanatını tanıma ve çini kültürünü yakından keşfetme imkanının sunulabilmesi amaçlanmaktadır. Bilgilendirme tasarımı, müze ziyaretçilerinin ve ilgililerin Çini Müzesi'ne olan ilgilerinin arttırılmasının yanı sıra müze koleksiyonlarının da gelecek nesillere aktarılmasına büyük katkı sağlayacaktır. Bilgi grafikleri ile ilgili sağlıklı örneklerin çoğalmasının, bu çalışmada da ileri sürüldüğü gibi, kültürel varlıkların akılda kalıcılığına ve korunmalarına büyük bir katkı sunması beklenmektedir. Araştırmanın birinci bölümünde, iletişimin tanımı, tarihi konumu ve görsel iletişimin günümüze kadar geçirdiği değişimlere değinilmiştir. İkinci bölümde, bilgilendirme tasarımı başlığı altında ilgili konular detaylı bir şekilde incelenmiş, bilgilendirme tasarımı diğer tasarım dallarına göre konumlandırılarak ortak ve farklılık arz eden noktalarına değinilmiştir. Araştırmanın üçüncü bölümünde ise müze terimi ve müzecilik ile ilgili literatür taraması yapılmış ve müze ve müzecilik kavramları ele alınmıştır. Görsel iletişim tasarım yöntemleri içerisinde ayrı bir disiplin olan bilgilendirme tasarımı tasarımı alanında hazırlanan bu tez çalışmasının alanla ilgili uygulama çalışmaları yapan tasarımcılar ve araştırmacılar için kaynak niteliğini taşıyan bir çalışma olabileceği düşünülmektedir.