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在2003年2月全美音樂獎之成人抒情（Adult Contemporary）類別當中，席琳獲得“最喜愛的藝術家”（Favorite Artist）獎項。同年3月25號席琳發行第8張英語專輯《一顆心》（''One Heart''），濃縮了她對于生命中的快樂的欣賞和感激之情。大量的流行舞曲類歌曲構成了《一顆心》的主體部分，與她以前曾經被廣泛接受的令人感動的成人抒情歌曲完全不一樣。《一顆心》也取得了一定程度的成功，在全球銷售超過八百萬張，成為全球年度前十名。翻唱自羅伊·奧比森的首支單曲《我開了一整夜的車》（I Drove All Night）開始了席琳與Chrysler汽車公司的商業合作，成為新車款代言的電視廣告曲。這首歌融合了流行舞曲、搖滾風格、流行速度感及帶電的新世代口味，重新詮釋80年代女歌手辛蒂·羅波（Cyndi Lauper）的89年經典曲，席琳唱出了專屬于她的個人風格，曲風更加強勁有力，是專輯中最為出彩的作品，與專輯同名單曲《一顆心》輕快愉悅的風格，如沐春風般鼓動人們相信愛的力量，將會因此找到暢快人生出口。
盡管她的專輯仍然取得成功，反而席琳連續兩張專輯在評論界不太成功，這種延續商業成功的趨勢逐漸有緩慢下來的跡象。席琳后期的作品在電臺上的點播越來越少，這是由于席琳的歌曲主題和內容都只適合在成人抒情電臺上播放，及受到了年齡增長的潛規則限制，也就只能獲得很少的點播。電臺對于席琳、瑪麗亞·凱莉以及惠特尼·休斯頓這樣的流行歌手的支持度越來越少了，它們的播放熱點是那些快節奏歌曲。
1996年至2003年這段期間是席琳最為成功的時候，於2000年席琳被美國滾石雜誌評為美國90年代最重要的三位歌手之一（另二位是瑪麗亞凱莉、惠妮休斯頓）。
歌手席琳·迪翁於加拿大蒙特婁演唱會演出。
2003年3月至2007年12月，席琳在拉斯維加斯展開了為期五年的駐唱演唱會，命名為“新的一天...”（A New Day），五年間的場次總數為七百三十二場，票房斬獲近四億美元，載譽全球，成為史上最高票房女子演唱會的第二名。流行樂天王邁克爾·杰克遜也觀看了席琳的演出，席琳亦表示當晚只看到邁克爾一人在臺下觀看著她的表演。盡管門票非常的昂貴，演唱會也受到了觀眾們的廣泛好評。自從2003年開始演出以來，幾乎每晚的票都全部售罄。根據專業報紙《The Pollstar》的報道，席琳在2005年上半年賣出了三十二萬二千張票，票房收入總計達到四千三百九十萬美元，在告示板半年總結的票房排行榜上，席琳排名第二位。直到2005年6月為止，總共三百八十四場演出中有三百一十五場的票是全部售罄。基于演唱會的巨大成功，席琳的駐唱合約由2005年完結延長至2007年，席琳創造了超過七百場座無虛席的表演，具體的酬勞並沒有公佈。席琳的駐唱表演的錄音也匯編成了一張現場專輯作了商業發行，同樣取得巨大成功。另外，席琳的駐唱演唱會於開幕前被眾多媒體名為《音樂界史上最大的賭注》，這是基於以往並沒有任何一位歌手像席琳那樣相當冒險地在同一個地點舉辦極為龐大數目的演唱會，所有媒體都不太看好這次的演唱會，因為是需要到歌迷親自從世界各地流入拉斯維加斯中看演唱會，而並不是歌手本身飛往世界各地開辦演唱會，最終這“賭注”成為了非常成功的開創先河的實驗，為後續不少前輩、平輩及後輩歌手的發展模式留下了一條全新的道路。
2004年10月，席琳發行第九張英語專輯《奇蹟》（''Miracle''），席琳的音樂開始轉向更加具有母性色彩。《奇蹟》是席琳聯同攝影家Anne Geddes跨媒體合作的專輯，合作的中心主題是表現嬰兒和母親。這張專輯由一些搖籃曲和散發著母性光芒的歌曲組成，其中最引人注目的作品是翻唱爵士樂之父路易斯·阿姆斯壯（Louis Armstrong）的名曲《如此美妙的世界》（What A Wonderful World）以及《美麗的男孩》（Beautiful Boy）。這張專輯幾乎沒有引起任何反應，這是基於這張專輯屬於非主流的音樂。告示板雜志的Chuck Taylor撰文稱單曲《美麗的男孩》是“一個意料之外的珍品”，并表示席琳是“經典且全能的藝術家”；而《Entertainment Weekly》的Nancy Miller則評論道：“地球媽媽的整個表演都只是機會主義者的行為體現”。另一方面，同年席琳從奧斯卡最佳男主角麥克·道格拉斯（Michael Douglas）的手中獲得了《世界音樂獎》的鉆石獎，并得到《史上最暢銷女藝人》（The Best-selling Female Artist of All Time）的表彰。
2007年，席琳發行她的第十張專輯《把握機會》（''Taking Chances''），這張專輯引起全球熱銷，在至少十三個國家打進前十二名，成為告示板之歐洲音樂排行榜的第一名，席林重回天后地位，這張專輯全球銷量已經超過三百萬張。同時期在此不久之前，席琳亦發行了一張法語專輯《她們》（D'elles），專輯在加拿大及法國登上第一名成績，全球銷量已超過一百萬張。
2008至2009年，因應宣傳兩張新專輯，席琳於是決定舉辦一次全球大型的世界巡迴演唱會，《把握機會》（Taking Chances）世界巡迴演唱會在2月14日從南非約翰尼斯堡起跑，這是席琳八年來第一次巡迴演出，并且首次涉足中國（包括澳門及上海），範圍涵蓋世界四十二座城市，北美五十五座城市，共九十七座城市。最終票房成績驚人，共斬獲兩億八千萬美金票房，列為全球女歌手票房第三名的巡迴演唱會。2008年5月22日，法國總統薩科齊在總統府愛麗舍宮舉行儀式，授予席琳迪翁榮譽騎士勛章。當天，席琳·迪翁在母親、丈夫兼經紀人、兒子等眾多親友的陪伴下來到愛麗舍宮，她表示十分榮幸能夠被授予騎士勛章。
2008年席琳發行一張精選輯《極上完美》（''Complete Best''），此精選集只在日本發行，另外亦發行了一張新歌加精選專輯《吾愛：終極精選集》（''My Love: Ultimate Essential Collection''），《極上完美》是一張成功的精選輯，在日本銷售超過20萬張；而《吾愛：終極精選集》這張專輯也在全球銷售超過200萬張。
結束了世界巡迴演出後，席琳開始休息了起來，在這段期間裡，席琳產下了雙胞胎過著家庭生活，甚少接觸工作。
2011年，席琳回歸拉斯維加斯凱撒皇宮進行簡單名為“席琳秀”（Celine）的長期演出，演出合共長達四年，後期再續約延長至2019年。此次駐唱模式與上次駐唱大不同，純為樂隊、舞臺效果及歌手三方面的演出，少了以往加入舞者以戲劇性的表演演出。駐唱直至2014年7月29日為止，已吸引超過八十七萬人次觀看，暫時斬獲超過一億三千萬美金的票房收入，剛好平了席琳於1998年的世界巡迴演唱會票房的紀錄，成為席琳個人名下第三高票房的演唱會。
2012年11月，席琳發表了她全新的法語專輯《放手去愛》（''Sans Attendre''），在法國首周空降冠軍，銷量達到九萬六千張，最終拿下2012年年度專輯亞軍（2012年年度法語專輯冠軍）。在加拿大更是打破記錄，成為Nielsen Soundscan自1995年統計以來首周銷量最高的法語專輯（加拿大首周銷量最高的專輯也是席琳自己的《談情說愛》（''Let's Talk About Love''）），并且發行兩個月銷量超過二十萬，成為加拿大2012年僅有的銷量超過二十萬的五張專輯之一，專輯亦獲加拿大朱諾獎數項提名。《放手去愛》還奪下比利時冠軍寶座，更是創造了近年來法語專輯的又一奇跡：時隔十多年年再次登上英國專輯榜。《放手去愛》（Sans Attendre）是2012年全球最暢銷法語專輯，在法國總共售出80萬張，獲認證為鑽石唱片，此專輯是自1998年以來第一張鑽石唱片，是席琳個人第五張在法國的鑽石唱片，為女歌手中歷史第二名，在全球亦售出超過一百五十萬張。
2013年，席琳在中央電視臺春節聯歡晚會上受邀演出，是中國春晚有史以來最大牌的巨星。在高曉松指導下，用音標注音的幫助，席琳只用了五個小時就學會中文歌曲《茉莉花》。當晚席琳身著Dolce & Gabbana 2012秋季系列的金色亮片裙亮相，以靈歌唱法與宋祖英合作演唱了中國民歌《茉莉花》，并獨唱了個人代表作《我心永恒》，獲得好評。
同年，全新英文大碟《為愛重生》（''Loved Me Back To Life''）同名首張單曲于7月27日在魁北克演唱會首唱，各大媒體以“醉人”（Fascinating）、“了不起”（Great）、“現代感”（Modern）等形容詞給與高度評價，更評以4.9分的高分（5分為滿分）。《為愛重生》（Loved Me Back To Life）專輯正式於2013年11月1日發行，專輯在加拿大極為成功，首周銷量為十萬六千張，成功打入加拿大歷史中首周銷量紀錄第九名，使席琳在歷史首周銷量榜有三張專輯入榜，為全部歌手中之最，專輯亦在加拿大獲四白金銷量認證，成績不俗。其他地區如英國獲白金唱片認證，法國獲雙白金唱片認證，比利時、南非、波蘭、瑞士等國家亦獲金唱片認證，美國售出約為二十八萬張，總計下來全球銷量約為一百五十萬張，基於市場大不如前，成績尚算成功，還能剛剛好比肩當紅歌手的銷售成績。
2014年6月29日，席琳發表了一段視頻為2014年年底的亞洲巡迴演唱會打開序幕，率先公布了日本的四場資料，分別於名古屋巨蛋、大阪巨蛋及東京巨蛋舉行四場演唱會，其中東京巨蛋將會舉行兩場，預計最多吸納總人數為約十八萬人次。傳聞中國大陸、臺灣、菲律賓、馬來西亞及澳門等亦是此亞洲巡迴演唱會的分站，巡迴演唱會詳情亦需等待官方進一步確認。2014年8月13日，席琳官方發表了一份聲明，鑑於丈夫雷尼癌癥情況復發及席琳喉嚨發炎情況並未完全康復，席琳將會取消是次亞洲巡迴演唱會及暫時全面停止在拉斯維加斯的駐唱，直至另行通知。席琳將會暫時休息並把重心再一次放在家庭之中，不得不把手中兩個演唱會項目取消及延後，基於亞洲巡迴演唱會中的日本站及菲律賓站已開售，大約十多萬張票將會進行退票工作，席琳亦向全球歌迷致歉，希望能體諒席琳目前家庭及健康的情況，亦答謝歌迷一直以來的愛戴及支持。
2015年3月25日，席琳接受了《早安美國》的獨家訪問，內容談及丈夫雷尼的癌癥情況及復出細節，席琳在采訪中不禁流淚談道丈夫必須依靠餵食管幫助進行吞食，自己每天重複地親身照顧癌癥復發的丈夫及現年四歲的雙胞胎；席琳另一方面亦宣布基於丈夫情況已變好，將於今年8月27日重返凱撒官繼續進行駐唱表演，屆時將會有重大改變，包括歌曲及演出細節。
2016年2月23日，席琳收拾心情重返拉斯維加斯舞臺，當晚席琳狀態維持原本一貫的水準，但當演唱至《獨自一人》（All By Myself）的後半段的時候，席琳控制不住情緒憶起剛離世的丈夫，完成不了完整的表演，全場觀眾站起來為席琳鼓掌以示支持及鼓勵，場面令人相當動容。同年5月22日，席琳獲《告示牌》（Billboard Music Awards）頒發《時代標誌終生成就獎》（Icon Award）以認可席琳在文化層面上的影響力及其在創造力上和娛樂文化上具有偉大傑出及歷久不衰的表現，席琳在音樂典禮上表演了皇后樂隊的《定必堅持下去》（The Show Must Go On），旨在獻給剛離世的丈夫，並藉著告訴他席琳繼續會撐下去。《告示牌》給予席琳一個特別的驚喜，遨請了席琳的長子查爾斯作為特別嘉賓為席琳頒發獎項，席琳看到兒子上臺的一刻，激動得流下了淚，並表示自己不想在兒子面前哭，想在三個孩子面前擔當成一個堅強的母親，在講辭的最後，席琳舉起獎項，向離世的丈夫大喊道：The Show Must Go On！（我會繼續堅持下去！）。二天後，於同年5月24日，席琳發表了新法語單曲《再一個夜晚》（Encore Un Soir），內容講述時間及歌曲是獻給離世的丈夫，單曲是由法國傳奇音樂家讓-雅克·高德曼（JJ Goldman）曲詞包辦，該單曲以三天的成績在法國空降冠軍，並連續取得兩周單曲榜的冠軍位置，成為席琳在法國的第六支冠軍單曲，同時也打破了法國個人最多在榜冠軍曲的紀錄，總冠軍周數為38周。同年6月20日起，席琳將會舉行法語巡迴演唱會，主要涉足北美洲及歐洲，總場數暫為28場且已完全售罄，這將會是席琳個人法語巡迴演唱會生涯中，票房為最高的一次。
2017年1月20日，席琳在官方臉書公布將會為電影《美女與野獸真人版》的原聲帶獻唱，席琳表示相當榮幸可以再一次為這電影演唱一首全新的歌曲，名為《將瞬間變成永恆》（How Does A Moment Last Forever）。而席琳個人於1991年為動畫版演唱的《美女與野獸》同名主題曲亦被收入當中，但歌曲將會被亞莉安娜·格蘭德（Ariana Grande）及約翰·傳奇（John Legend）攜手翻唱。1月25日，席琳發表了視頻正式宣佈將舉行2017夏季歐洲巡迴演唱會，演唱會將會涉足英國、荷蘭、法國、瑞士、德國、丹麥、瑞典等國家，總數為16場的演唱會。基於反應熱烈，英國及法國將會追加總數為7場的演出，總場數暫為23場。1月27日，席琳與關·史蒂芬妮（Gwen Stefani）共同參與了《今日秀》（Today Show）的訪談，內容談及了席琳將成為史蒂芬妮2017年的美國《好聲音》（The Voice）隊的助教，以協助隊上的參賽者在比賽上給予指點及意見。5月21日，為慶祝電影鐵達尼號20周年紀念，席琳出席美國2017年告示牌頒獎典禮（Billboard Music Awards）並擔任表演嘉賓，穿上一身高貴典雅全白色高級訂製禮服演唱其主題曲《我心永恆》（My Heart Will Go On），全場觀眾亦跟著席琳一起高唱及在表演結束時給予站立掌聲以示尊敬。告示牌亦表揚席琳的表演為當晚全場最佳的表演，讚嘆席琳歌聲的全面性以及歌曲的影響力會像歌曲名字一樣永恆。其他眾多媒體也對席琳的表演讚不絕口，其中滾石雜誌將宏偉及莊嚴的形容詞套用在席琳的表現上，亦評鑑整個表演從頭到尾都是相當出色，並讚嘆席琳再一次展示其優秀的音域及其對歌曲收尾的即興哼唱部分發揮得相當的優美。7月21日，席琳的唱片公司發行了一張法國限定的精選專輯《只有些少》（Un peu de nous），專輯純粹為近期巡迴演唱會的副產品，在零宣傳的情況下，專輯亦輕鬆登上了法國專輯榜連續三周冠軍位置，成為了席琳個人的第18張法國冠軍專輯。8月5日，席琳在蘇格蘭進行最後一場的夏季巡迴演唱會，正式宣告為歐洲巡迴演唱會拉下序幕以及即將回歸至拉斯維加斯進行剩下9月份以後的場次，25場的小型巡迴演唱會最終斬獲超過6300萬美金的票房。
2018年1月12日，席琳在官方臉書公布將會於本年度夏季將會舉行一場小型巡迴演唱會，將會涉足亞洲及大洋洲作為本次巡迴演唱會的主要演出地方，包括東京、澳門、臺北、新加玻、雅加達、曼谷、馬尼拉、悉尼、布里斯班、珀斯、墨爾本及奧克蘭，總數為22場，最終演唱會斬獲5738萬美金。其中臺北場次打破了海外歌手的票房紀錄及場次紀錄，獲得總數3億臺幣紀錄以及連開三場的紀錄。同年5月3日，席琳發行了新單曲及新音樂錄影帶《浴火重生》（Ashes），此曲是為《死侍2》（Deadpool 2）獻唱主題曲。9月24日，席琳正式宣佈其駐唱演唱會將於2019年6月8日完滿結束，歷時8年時間，連同著之前首輪駐唱時間已經歷了15年之久的時間，代表著拉斯維加斯一個娛樂時代的終結，席琳亦表示不會再續簽於拉斯維加斯的合約。AEG Presents / Concerts West的聯合首席執行官約翰梅格倫（John Meglen）告訴ET雜誌說道：「席琳當年用了很大的信心於拉斯維加斯做出如此大的賭注－－《新的一天...》，看看她如何改變了現時拉斯維加斯的娛樂格局。她當年開始的是一個對常人來說是非常瘋狂的理念，但現時已經成為了常態，現在每個歌手都想在拉斯維加斯演唱。我們所有人都非常感謝席琳讓拉斯維加斯成為世界娛樂之都。」
2019年4月3日，席琳於美國洛杉磯舉辦了一場特別的發佈會，宣佈今年將舉辦一場大型的世界巡迴演唱會，暫時只公布了66場的北美地區的場地，9月18日將於魁北克為起點出發。同時，席琳亦宣佈了今年11月亦會推出一張新專輯，同名為《勇氣》（Courage），席琳只透露了其專輯有與希雅（Sia）再度合作，亦錄了48首歌曲去分配在新專輯中。2019年6月8日，拉斯維加斯秀正式完美落幕，結束總歷時16年的駐唱長跑，席琳同時演唱了新專輯中的單曲《獨自飛翔》（Flying On My Own）並上載至官方Youtube頻道作為離開拉斯維加斯的告別曲及其編寫事業新一頁的歌曲，寓意席琳就算失去了老公同行也能獨自面對及決定自己未來的事業路。9月18日，席琳同時間發表了三首新單曲作為新專輯的主打歌曲，分別為專輯同名單曲《勇氣》（Courage）、《不完美》（Imperfections) 及《承受》（Lying Down）。11月15日，新專輯正式發行，在全球Itunes銷量榜名列第一名長達一周，在美國《告示牌200大專輯》（Billboard 200）中空降第一名，成為繼2002年專輯《新的一天》（A New Day Has Come）後再拿下冠軍位置，拿下個人名下第5張美國冠軍專輯，亦成為繼芭芭拉·史翠珊（6個10年）及珍娜·傑克森（4個10年）後，與惠妮·休斯頓（3個10年）、布蘭妮·斯皮爾斯（3個10年）及瑪丹娜（3個10年）並列第3名在3個10年內都有冠軍專輯紀錄的女歌手。新專輯在各媒體拿下正面的評價，當中滾石雜誌（Rolling Stone Magazine）將新專輯評定為3星半，形容席琳的新專輯推出的時間點相當完美及專輯風格令人驚喜，像當年雪兒的專輯《相信》（Believe）一樣，值得年青一輩再次欣賞及認可這位跟得上時代腳步的天后，亦稱席琳的音樂事業從不需要所謂的捲土重來，因席琳的流行音樂使我們一直需要她。
席琳·迪翁在紐約長島演唱"River Deep Mountain High"
席琳·迪翁現場演唱
席琳·迪翁演唱"I'm Alive"
2001年席琳成為母親，誕下第一位長子。
2005年卡特琳娜颶風襲擊美國后，平時很少提及政治話題的席琳在《賴瑞金現場》節目中抨擊了小布什政府在救助災民時的反應和動員速度簡直慢得出奇：“還有那么多人在等待救援。（政府拖沓的作為）在我看來是無法接受的... 為什么（美國政府）往其它國家派飛機瞬間涂炭掉萬千生靈就那么容易呢？我們本應（在危難時刻積極）為自己的國家效力。”訪談過后，她還表示“我在和賴瑞金或者其他人上熱播節目時，我們就是公眾矚目的焦點，這一點很重要。我當然有自己的觀點（想要表達），但我是一個歌手，不是一個政客。”
2010年12月，席琳產下雙胞胎兒子。
2015年3月25日，席琳接受了《早安美國》的獨家訪問，內容談及丈夫René的癌癥情況及復出細節，席琳在采訪中不禁流淚談道丈夫必須依靠餵食管幫助進行吞食，自己每天重複地親身照顧癌癥復發的丈夫及現年四歲的雙胞胎；席琳另一方面亦宣佈基於丈夫情況已變好，將於今年8月27日重返凱撒官繼續進行駐唱表演。
2016年1月14日，席琳的丈夫雷內於拉斯維加斯的家中因不敵癌癥而逝世，終年73歲。席琳的丈夫早於1999年被發現患上癌癥，其後治療成功，後在2014年後期發現癌癥復發，正面並積極地對抗病情長達一年多，可惜最終依然不敵病情離開世界。雷內的葬禮將會以國葬的形式進行，並且選址在當年1994年與席琳結婚的地方蒙特利爾聖母聖殿（Notre-Dame Basilica）中舉辦。另外相當不幸地，席琳的哥哥丹尼爾亦於雷內離世不到一天的時候也離開了這個世界，亦是因為癌癥而帶走丹尼爾的生命。
席琳認識了在荷里活工作的當紅造型師Law Roach，亦因此把她的衣著潮流提升。而於2018年7月，席琳不時把西裝打扮放上社交網站，引起粉絲們的討論。
席琳的音樂受流行、搖滾、福音、R&B和靈魂等多種風格影響。她的歌詞內容則多以“對貧困和饑餓的關注”、“在心靈與精神層面的探尋”以及“對愛與浪漫的詮釋”為主題。在第1個孩子出生后，席琳逐漸增加有關了“母愛”這一新主題的作品數量。
席琳從小至今視不少巨星為偶像，如安瑪莉、芭芭拉·史翠珊、麥可·傑克森、艾瑞莎·弗蘭克林、卡洛爾·金及比吉斯等人，這些人都是曾經相互以不同形式合作過的。另一方面，席琳還欣賞不少前輩，如雪兒、蒂娜·特娜及伊特·珍等。除此之外，席琳還相當欣賞及相當愛慕於與她同時代的一位女歌手惠特尼·休斯頓，縱使媒體經常拿兩者作唱功上的比較，但席琳在不少媒體中依然對惠特尼的音樂及聲音讚口不絕。
有不少評論批評席琳作品中的煽情元素過于泛濫，甚至使之為流行音樂和靈魂樂的一個退步(retreat)。《Rolling Stone》雜志的Keith Harris說“席琳（作品中過多）的煽情元素是空洞無物的，讓人感覺有些輕浮于表面，而非絕那種（本該有的）靦腆與羞澀之感... (她)處于艾瑞莎 - 惠特妮 - 瑪麗亞這一系列人物所走過軌跡的最后一環。不但沒有發生（與剛才所列軌跡相比的）偏差，席琳還實實在在地成為了流行音樂中特定的一類煽情風格的活廣告——（煽情程度）多多益善，天花亂墜都嫌不夠，情感越成熟就代表越真實。”與此形成對比的是她的法語作品。她的法語作品比英語作品風格更多變，意味也更深沉（指情感的表達不會停留于表面）。正因為這樣，她的法語專輯獲得了很高的褒獎。
曾有評論因席琳很少參與歌曲制作，認為這樣會導致其作品顯得泛而不精，缺少來自歌手本人的情感共鳴。席琳在音樂環境中長大，姐妹都是音樂人。她自己涉獵過鋼琴、吉他等多種樂器。在專輯《Falling into You》的錄制過程中，她也親自演奏了Fender Stratocaster。雖然參與得不多，但席琳確實參與過一些歌曲的創作。其中還包括一些寫給其他歌手（如Marc Dupre）的歌曲。伴隨事業發展，她在各音樂制作環節中的參與度也在逐漸增加。在制作第1張英語專輯時，她表達過一些對制作的不滿。如果當時她積極參與到制作過程中去，也許這些到制作后期才出現的爭論就可以更早避免。另外，當時她對英語的掌握還未達到很熟悉的程度，在參與交流的時候有些意思可能不能表達到恰到好處。在第2張專輯《席琳·迪翁》制作時，她對各環節增加了更多的監督，希望能打消掉先前評論家們對上一張專輯中某些不足之處的指指點點。她認為宣布這張專輯的完成又將是一個令人憂慮的選擇，因為仍不可能會令其他人100%滿意，但已經算是達到自己心目中的標準了。除在早期幾張法語專輯中有親自寫過一些歌曲外，席琳還在《Let's Talk About Love》和《These Are Special Times》中寫過幾首歌。
席琳經常會在各種媒體節目中被拿出來說事，比如開一些小的玩笑或者被人故意模仿取樂。搞怪模仿的對象多是她的口音和各種習慣性手勢。其中對她的搞怪頻率比較高的節目有《MADtv》、《周六夜現場》、《南方公園》、《Royal Canadian Air Farce》和《This Hour Has 22 Minutes》等。不過，席琳曾表示自己對此并不在意，而且覺得能有不少人樂意花時間去模仿自己是一件足以津津樂道的事情。她還邀請過曾經在《周六夜現場》中模仿過自己的Ana Gasteyer在自己的紐約演唱會上現場表演。2015年，在第55屆《瑞典旋律節》中，主持人桑娜·尼爾森就模仿席琳·迪翁唱了一段她當年奪冠的歌曲《Ne partez pas sans moi》。
席琳的聲音被視為流行音樂界最有影響力的聲音之一。美國版時代雜誌（Time Magazine）於1996年稱席琳為流行天后（The Divas of Pop）並獨佔雜誌封面。Linda Lister在《Divafication: The Deification of Modern Female Pop Stars》中將對90年代唱片業有巨大影響的席琳、惠特尼·休斯頓和瑪麗亞·凱莉等女藝人稱為“流行樂女王”(Queen of Pop)。《Blender》雜志曾將席琳列為“22位最偉大的歌手”(22 Greatest Voices in Music)中的第9名。而《Cove》雜志則將她列在“100位杰出流行歌唱藝人”(The 100 Outstanding Pop Vocalists)中的第5名。人們常拿席琳的歌唱風格與瑪麗亞·凱莉及惠特尼·休斯頓作比較，也常拿席琳的嗓音與她本人的偶像芭芭拉·史翠珊作比較。
不少資料認為，席琳擁有橫跨5個八度的音域。但可以肯定的是，席琳至少擁有從B2到Eb6共跨越3個八度的音域。席琳曾自認為是一個次女高音(mezzo-soprano)。不過，古典的音域分類方式如何應用于新形勢的音樂演唱本身就是一個存在一些爭議的問題。音樂指揮家長野健曾經表示自己很想聽一聽席琳唱歌劇是什么效果。他聽完席琳演唱《卡門》中的2段獨唱后，未對音域進行詳細分類，只是評論說“你唱的是女高音”。人們用“細而略帶鼻音”(thin, slightly nasal)、帶有“急促的稍低音”(a raspy lower register)和“玻璃鈴鐺一樣清脆的高調”(bell glass-like high notes)等詞描述她的音質。
席琳的唱功常受到評論褒獎。《The Buffalo News》的Jim Santella曾描述“席琳·迪翁的聲音像鐵拳藏在鵝絨手套中一般（剛柔相濟），其力量隱蔽在柔滑的顫音之中，透露出其在唱功方面的強大造詣。”《The Buffalo News》的另一評論員Jeff Miers說：“她的聲音超越到了人類的極致。她（能）全力沖上高音，同時自如地收發顫音，還能完美地把握好音調（的微妙變化）。整個過程就像是她在干凈利落地將一束玉米剝皮。”《The New York Times》編輯Stephen Holden說席琳的“各方面功夫都很齊全。她可以對各種技巧信手拈來，演繹出攝人心魄的歌唱表現，能在穩住音調細微波動的同時長時間地飚出高音。而在二人合唱中... 能看出她是個(配合程度)很靠得住的和聲。（即指她的配合水平高，與別人總能很快默契配合。）”長野健說“(席琳是一個)有敏銳聽覺、良好資質以及完美境界的音樂人，令人羨慕嫉妒”。《時代》編輯Charles Alexander說“(她的)聲音能從輕聲的低語毫不費力地滑移到極高的音調，仿佛一種融力量感與優雅于一體的甜蜜的樂笛聲。”
對于經常演唱的法語曲目，席琳將自己的唱腔裝飾得更精致和更具表現力，帶上了一層“更富有溫柔和親密感”(more tender and intimate)的抒情色彩。與席琳有過密切合作的法國唱作人Luc Plamondon曾稱席琳吸納了法國、魁北克、美國三地的歌謠演唱風格。她的同名專輯上寫著“記住這個名字，因為這個聲音將使你永久無法忘懷”(Remember the name because you'll never forget the voice)。
音樂製作人及前任美國偶像裁判之一蘭道爾·大流士·蘭迪·傑克遜說："席琳·迪翁、惠特尼·休斯頓及瑪麗亞·凱莉是在黃金時代裡擁有最棒聲音的歌手，很多女歌手都很推祟。"
文化評論家卡爾·威爾遜指出，席琳的知名度與影響力是依然流存，這些東西都可以在美國偶像裡一一體現。在過去十年的大規模音樂現象下，席琳依然非常札實地成為年輕人采樣成為歌手的對象。
現代很多歌手都深受席琳影響或視她為偶像，如蕾哈娜、布蘭妮·斯皮爾斯、芮塔·歐拉、克莉絲汀·阿奎萊拉、喬許·葛洛班、愛黛兒、女神卡卡、黛兒塔、里歐娜·路易斯、亞莉安娜·格蘭德、法蘭克海洋、夏芮絲、泰勒絲、珍妮佛·哈德森、喬安娜·李文絲奇、潔西 J、裘汀·史芭克絲、凡妮莎·哈金斯、費絲·希爾、凱蒂·佩芮、凱莉·克萊森及蘿拉·菲比安等人。在蘿拉的其中一張專輯Toutes les femmes en moi中，她展現了她極愛幕席琳的一面，專輯裡其中一段文字寫下："我會一直一直注意著你的音樂，欣賞著你對音樂的熱情，嘗試跟你一樣把歌曲唱得有它的色彩和和諧。"
除了不少人把席琳當成偶像外，很多歌手亦對席琳的聲音表示欣賞及對席琳的唱功表示讚嘆，如卡洛爾·金、碧昂絲·諾利斯、艾爾頓·強、妮可·舒辛格、萊諾·李奇、酷玩樂團、卡洛斯·山塔那、賈斯汀、雪兒、仙妮亞·唐恩、讓-雅克·高德曼、尼歐 (歌手)、芭芭拉·史翠珊、盧奇亞諾·帕華洛帝、比吉斯、喬治·馬丁等人。
在法語文化層面上，席琳一直致力於將法語音樂帶到世界各地進行演唱，令世界各地不同的人都能接觸法語音樂，其中席琳於1995年的一張專輯《他們》（D'eux）是目前全球最高銷量的法語專輯，在一些非法語國家如英國、日本、波蘭、希臘等市場取下非預期性的成功，其中英國更拿下金唱片認證的創先河的紀錄。於2008年5月22日，席琳在巴黎接受法國總統薩科齊親自頒發法國最高榮耀的法國榮譽軍團勳章，勳章認證席琳在宣傳法語文化上有著極高的推動力及影響力。除了後期把法語文化推動到世界各地外，席琳已經早於1996年接受了法國政府文化部頒下來的法蘭西藝術與文學勳章中的騎士勳章以表揚席琳在文學界或藝術界是具有傑出貢獻的人物。
在加拿大音樂行業層面上，於1999年，席琳成為了繼布萊恩·亞當斯及安瑪莉後第三位歌手進駐加拿大廣播名人堂（Canadian Broadcast Hall of Fame）以認證席琳對加拿大音樂行業的高度貢獻。2013年7月26日，席琳亦在加拿大接受了加拿大總督頒發的加拿大勳章，此國家級獎項以認證席琳在加拿大國家層面上有著極高的影響力。同年也在加拿大拿下加拿大星光大道（Canada's Walk of Fame）中屬於自己的星星。
美國VH1將席琳位列於《史上最偉大流行文化偶像前200名》（200 Greatest Pop Culture Icons of All Time）排行榜中的第64名，歌手排名中的第12名。於2003年，VH1也把席琳評為《影片時代最佳50大女性》（50 Greatest Women of the Video Era）中的第10名。美國搖滾名人堂也將席琳其中之一的專輯《戀上你》（Falling Into You）列於其《史上最權威的200張專輯》（The Definitive 200 Albums）排名榜中的第97名。2004年，席琳也在美國荷里活星光大道（Hollywood Walk of Fame）以歌手身份拿下屬於自己的星星。
法語錄音室專輯
*《》（1995年）（D'eux）
*《》（1998年）（S'il Suffisait D'aimer）
*《》（2003年）（1 Fille & 4 Types）
*《》（2007年）（D'elles）
*《放手去愛》（2012年）（Sans Attendre）
*《》（2016年）（Encore Un Soir）
英語錄音室專輯
*《》（1990年）（Unison）
*《》（1992年）（Celine Dion）
*《》（1993年）（The Colour of My Love）
*《真愛》（1996年）（Falling Into You）
*《》（1997年）（Let's Talk About Love）
*《》（1998年）（These Are Special Times）
*《》（2002年）（A New Day Has Come）
*《》（2003年）（One Heart）
*《》（2004年）（Miracle）
*《》（2007年）（Taking Chances）
*《》（2013年）（Loved Me Back to Life）
*《》（2019年）（Courage）
席琳事業生涯裡總共舉辦了14次正式且有數字統計的巡迴演唱會及駐唱演唱會，總票房達到14億+美元，全球只有兩位女歌手能達到如此的高度，另一位是麥當娜。以下將回顧一下各個巡演的票房成績。
*“Céline... une seule fois”的票房將紀錄於“Sans Attendre Tour”內，基於此演唱會並不是官方地包括在此巡演內，所以特別地分開列出來以便認知。
*私人演唱會、慈善演唱會及聯辦演唱會亦不包括在本次統計之內。
總票房（美金）
A New Day ..
2003年至2007年
約2,930,000名
$390,800,000
Celine Show
2011年至2019年
1,174,175名
$296,206,248
約150,000名
$2,000,000
約500,000名
$12,000,000
1993年至1995年
約1,300,000名
$33,000,000
約2,200,000名
$80,000,000
約2,300,000名
$133,000,000
$279,200,000
457,923名
$63,335,375
$57,383,611
2019年至2020年
122場(暫時)
Les Chemins De Ma Maison
1983年至1984年
約40,000名
C'est Pour Toi
約45,000名
$1,500,000
$13,000,000
Sans Attendre + Céline... une seule fois
9場+1場(10場)
101,963名+41,298名(143,261名)
$19,937,637+$5,670,255($25,607,892)
Summer Tour 2016
347,332名
$47,861,258
直至2016年為止，席琳總共舉辦了最少1900場或以上的演唱會，總共吸納了超過14,000,000名觀眾參與，總票房亦超過13億美金或以上。另一方面，席琳是全球舉辦過最多正式演唱會場數的歌手。
古希臘羅馬時期的音樂存在的時間約為公元前3200年~公元400年。這部分的音樂資料只能從考古而來，從發掘出的繪畫、雕塑及少量流傳下來的詩歌文學與哲學著作可以進行了解，但幾乎是不可能聆聽與欣賞。有資料統計這一階段殘存下來的樂譜還不到10件，但是從殘存下來的雕塑等諸多文化遺產可以看出曾經存在過的輝煌與成就，古希臘的大哲學家都曾對音樂進行過討論與研究，這被后人視為西方音樂之源。
在公元前12世紀~前8世紀荷馬時期的兩部史詩反映了古希臘的音樂文化。史詩本身既是文學作品又是音樂作品，它由職業彈唱藝人“阿埃德”用一種叫基薩拉的樂器伴奏吟唱。
公元前776年，古代奧林匹克運動會開始舉行，在比賽時常伴有音樂，后來產生了音樂比賽。
公元前7世紀~前6世紀，斯巴達把音樂作為國事活動與教育的重要手段，使音樂得到了進一步的發展。
公元前146年后，古羅馬征服希臘后，它的文化主要受益于希臘，同時又吸收了敘利亞、巴比倫、埃及等國的文明成果。
二十世紀古典音樂，是指自1900年至2000年，繼承歐洲古典音樂而來的一個音樂紀元，這個世紀沒有一種統治性的風格，作曲家創造出各種各樣的音樂。現代主義、印象主義和等音樂都可以追溯到世紀之交之前的幾十年，但它們之所以能被包括在內，是因為它們跨越了19世紀、比共曉時期風格的音樂更進一步。新古典主義和表現主義音樂大約出現在1900年之後。簡約音樂開始於本世紀較晚時候，可以看作是從現代到後現代時代的轉變，儘管有一些說法認為後現代主義早在大約1930年已經興起。無調性、序列主義、具體音樂和電子音樂都是在本世紀發展起來的。爵士樂和民間音樂對當時的許多作曲家都有重要影響。
在此之前，古典音樂有兩大流派：古斯塔夫·馬勒與理察·施特勞斯的後浪漫樂派、和德布西的印象樂派。其分派下音樂種類更是繁多。
到了1960年代至1970年代，更出現了當代音樂包括了如布列茲的序列音樂、極簡音樂，斯蒂夫·萊奇和菲利普·格拉斯使用簡單三音和弦，皮埃爾·謝弗的具體音樂，哈里·帕奇、阿洛伊斯·哈巴和其他人的微分音音樂，還有約翰·凱吉的機遇音樂。
在現代音樂之前，作為前繼者的歐洲古典音樂家有巴托克·貝拉、馬勒、理察·史特勞斯、浦契尼、德布西、艾伍士、艾爾加、荀白克、拉赫瑪尼諾夫、普羅高菲夫、史特拉汶斯基、肖斯塔科維奇、布瑞頓、柯普蘭、卡爾·尼爾森等人。當時古典音樂也和爵士樂相互影響，同時在兩個領域作曲的音樂家有蓋希文及伯恩斯坦。
現代音樂一個極重要的特點是開始有所謂傳統及前衛之分別，它們的音樂原則在一方佔極其重要性者，在另一方往往不是那麼重要或不被接受。例如魏本、卡特、瓦雷茲、米爾頓·巴比特等人對前衛領域有重要貢獻，但是，在此領域外就常常被攻擊。隨著時間，前衛的概念已經逐漸的被接受，兩個領域彼此之間的分野不再那麼壁壘分明，並且出人意表的，這些開拓性的技巧常常被流行音樂所引用：披頭四、平克·佛洛伊德、麥克·歐菲爾德、超脫樂團、電臺司令等等耳熟能詳的歌星，還有許多電影使用的配樂。
必須注意的是，這篇文章僅僅提領出二十世紀音樂的大綱，所提到的音樂家在一個方面做出貢獻，並不代表他只在該領域發揮。例如史特拉汶斯基在他作曲家生涯的不同時期，他同時被認為是浪漫樂派、新古典主義、以及序列音樂的成員。
20世紀的經濟和社會型態對音樂也有重大的影響力，世界在工業化時代有了逐漸進步的錄音和回放設備，從錄音帶到CD到DVD，有了廣播和電視，以及整個資本主義脈絡的內嵌。相反在19世紀，人們大多自己創作音樂，或者在音樂會上聽到音樂。
其中分為浪漫主義和印象/神秘主義兩類，後者是前衛的現代音樂的先驅。
許多種音樂都被賦予所謂現代性的名詞，但即使如此它們之間常有非常大的差異。會如此的原因，在於認為二十世紀這一段時間，世界上有極大的改變，有著全新的社會和活動的意義。而所謂藝術也應該接受這樣全新的基礎，也就是一種新的美學。現代性擷取十九世紀的進取精神、對於嚴謹態度和技巧進步的慎重，然而把藝術從十九世紀的規則和形式釋放出來。取一個例子來說，建築師法蘭克·勞埃德·萊特以工具來製圖，並非他無法使用徒手製圖，而是他認為「機器是未來，所以我想用機器造美」。在二十世紀流行的各式音樂運動，包括新古典主義、序列主義、實驗主義、都可以追溯至此概念。
荀白克是二十世紀一個重要的人物。他的早期作品屬於後浪漫風格，被瓦格納和馬勒所影響，但稍後他放棄了這一整個路徑，改而寫作無調性的音樂——這種作曲法被認為他的首創。他發明了十二音列作曲法，企圖取代傳統的調性系統。他的學生，魏本和貝爾格更進一步擴展了這一理論，並且在應用上也有所成就。因而他們三位被稱為勛伯格三人組，或第二維也納樂派。如同名字暗示的，這種新音樂意欲達致如同古典的維也納樂派的影響力，如同海頓、莫札特和貝多芬一樣。
勛伯格的音樂和他的追隨者在當時遭受極大的質疑，到現今也仍是如此。聽眾們發現他的音樂難以捉摸，並且毫無旋律感。儘管如此，像（或月宮小丑）此般的樂曲仍然持續的被演奏和研究，與其相襯，許多當代的接受度較高的樂曲反而被人們遺忘。造成此一結果的原因是，這一由他領進的理論影響力之巨大，即使創作調性音樂的作曲家們也莫不被影響。許多作曲家在此之後就不再依靠傳統調性系統來寫作音樂。
十二音列的技巧也被其他的作曲家所改變，為了控制音樂的其他層面，而非原本意圖的控制音高，例如音符的強弱或是起奏的方法，藉以創造完全序列化的音樂。米爾頓·巴比特便據此創造了自己的時序系統，使得每個音符的起奏點之間的時間距離也呈現序列的關係。魏本的「點描派」風格使樂曲中的每個個別的聲音都具備結構的重要性，這個風格影響了二戰後的作曲家如布列茲和史托克豪森。諷刺的是，在多年無人問津之後，十二音列作曲法一度在50-60年代的歐洲被奉為圭臬，然後之後又回到了低潮。不論新舊作曲家們又使用了調性系統，這一方面的音樂家們形成了後來的新古典主義、浪漫音樂、或簡約音樂潮流。斯特拉文斯基在年輕時曾在林姆斯基-高沙可夫門下學習，後來變成現代樂派、然後是新古典主義派、在最後勛伯格-{}-死後成為序列主義派。
在二十世紀早期的現代作曲家如喬治·安太爾和其他人作出了驚駭眾人的作品，因為他們的作品都展現了對音樂傳統的漠不重視或者諷刺性的浮誇態度。艾伍士就曾引用流行音樂，經常使用多重調性的音樂，而其結果是極端的不協調，並且旋律看起來有著幾乎不可能被演奏的複雜性。亨利·考埃爾在演出自己的鋼琴獨奏樂曲時，是同時在鋼琴內部彈撥琴弦，並且同時敲擊琴鍵，或者使用他的手臂或樂譜來演奏tone cluster。瓦雷茲也寫作高度不協調的樂曲，使用不尋常的和音（sonority）和未來主義式的名稱；他同時夢想著能夠使用電子器材創作音樂。清楚的闡述不和諧對位法的概念，這個技巧後來被卡爾·拉格爾斯、和其他等人使用。史特拉汶斯基和謝爾蓋·達基列夫因為他們的作品「春之祭」加以尼金斯基的舞蹈，引致了一場暴動而逃離。大流士·米堯和保羅·欣德米特探索了多調性音樂的領域。阿馬德奧·羅爾丹特地設計了敲擊音樂的合奏嵌入於傳統的作曲技巧中，這個想法立刻被瓦雷茲和其他人所仿效。魏爾基礎於德國歌舞廳音樂的特質寫作了膾炙人口的「三便士歌劇」。
在前衛領域的現代作曲家，他們經常寫作無調性音樂、有時探索十二音列作曲法、使用大量的不和諧和聲、引用或模仿流行音樂、或者甚至由觀眾來激發他們作曲的靈感。
新古典主義在音樂史上指的是20世紀，一個回歸「普工實用」和聲技巧的音樂運動，它混和了許多不協和以及新式節奏的概念，作為和古典主義的區分。史特拉汶斯基、亨德密特、普羅高菲夫、巴托克·貝拉等等一些人經常被當作這個潮流中重要的成員，另外，尚有多產作曲家米堯和同時期的浦朗克。
新古典主義與藝術上回歸理性模型的潮流是同時發生的，可以視為對於一次大戰的回應。這樣一種較為小型、簡化而有秩序的取向，被認為是對於過度激動而疲乏的感性主義的回應。而當時的經濟狀況也驅使作曲家們走向小型合奏的規模，因而這種「do more with less」的尋求得到了具體的實踐。史特拉汶斯基的大兵的故事（L'Histoire du Soldat）、頓巴敦橡園協奏曲、管樂交響曲、C大調交響曲都是例子。他的新古典主義音樂在浪子的歷程一部歌劇中達到頂點，該劇劇本由現代主義詩人威斯坦·休·奧登所寫。
史特拉汶斯基在這一領域中的競爭者是德國作曲家保羅·欣德米特。他混和了尖銳了不協和音、複調性和free ranging chromaticism into a style which was "useful"。他用這種方法同時寫作室內樂和管弦樂，最有名的例子大概是畫家馬蒂斯交響曲（Mathis der Maler），而室內作品如法國號奏鳴曲。
新古典主義在美國受到歡迎，娜迪亞·布朗熱一派的音樂家基於他們對史特拉汶斯基的理解，散佈了各式各樣的概念。他們的學生，艾略特·卡特、柯普蘭、羅伊·哈里斯、米堯、皮亞佐拉和維吉爾·湯姆森，都曾一度是新古典主義的作曲者。
新古典主義最易辨別的特徵是使用三全音作為穩定音程的旋律，色彩性的在固定音型中加上不協和音和塊狀和聲，以及自由混合的多重節奏（polyrhythm）。新古典主義迅速的贏得了許多聽眾，那些反對無調性音樂作為「真正」現代音樂的人，更加支持這個潮流。
某些現代派作曲家使用了一些民族音樂來增加音樂中的節奏性以及和聲變異性。例如:
在歐陸，匈牙利音樂家巴托克·貝拉和高大宜，和鄰國捷克音樂家楊納傑克，都研究了他們國家中的民歌音樂，然後使用之於他們自己的作品之中。
在美洲，巴西的海托爾·維拉-羅伯斯和美國的查理斯·艾伍士，則發揮了源於匈牙利的李斯特的複調性音樂。他們和而鄰近墨西哥的夏威士都在創新音樂風格的同時，仍有使用部分美洲原住民的民族音樂和歐裔或非裔國民的傳統音樂片段。
英國的佛漢-威廉斯雖然常被歸為印象樂派作曲家，但公眾對其認識卻多來自其英國民間音樂改編的古典樂作品，如和。澳洲的葛人傑也同樣把很多英語世界的民謠收集和改編成古典音樂。
後現代主義可以說成是對現代主義的一種回應。後者斷言人類活動的產物（特別是透過機巧來製造或創造的）是技藝本身的中心主題。而藝術的作用乃是在於引起人們對於物體的沉思，一位作曲評論家Steve Hicken如是說。這個現代主義原則看起來可回溯至杜象的達達主義、具象音樂樂派、以及由埃德加·瓦雷茲和其他人發起的實驗電子音樂。然而，後現代主義的觀點是，人存在的主要形式是，個體涵蓋在所有人的產物之中。
約翰·凱吉是二十世紀音樂一個卓越的指標，他的影響力隨著年歲穩定的成長，並且被許多人認為是後現代音樂的創辦者之一。凱吉在他的樂曲之中表現質疑音樂的根本定義，強調所有「聲音」都必然會是音樂的觀點。在「4分33秒」中，凱吉展示了他的概念，即非意圖的聲音和樂器的聲音同樣，符合音樂的合法性。他亦引目地使用了即興音樂與「製造的聲音」，為了鎔鑄一種新的有趣而不同的音樂類型。他的音樂無疑反映了他的想法：沒有「音樂」或是「噪音」，只有「聲音」，聲音的組合即可成為音樂性的事件。而非強調任何關於思想注意力或者限制音樂成為必然藝術的思想。
然而凱吉由於方法上的差異，被一些人認為是前衛的。由於這個理由，許多人認為他的音樂不具吸引力。有趣的是，似是與凱吉的「非決定論」對立的「過度決定論」序列音樂家，也同樣生產音效上差不多效果的音樂，許多序列音樂家如布列茲和史托克豪森也同樣使用即興的程序。麥可·尼曼主張，在實驗主義的音樂這一體系中，簡約主義即同時是序列主義和非決定論兩者的反動，而兩者也是簡約主義的資助者，而成為一種辯證關係。
後現代主義的思想在音樂和繪畫上的發生具有相似的情境。一方面，對於機械論式的詮釋喜好逐漸降低，現代主義的手段被棄置；取而代之的是個人主義化的風格和實驗主義。但是，後現代主義拒絕了解釋性的立場：the need to be "in" on the joke as it were。相反地，他們採取大眾的眼光，成為他們的美學指導。在此運動中首先與現代主義明顯切斷，採取凱吉給予的靈感並且強調聲音層次的樂派是簡約音樂。
二十世紀後期，許多作曲家開始探索現在稱作「極簡音樂」的領域。這個類型最精確的定義，常常是針對於音樂行進方面的指涉：許多樂段經常重複並且層次有序的排列起來，藉此技巧製造整體性的音效。早期的例子包括特里·賴利的《C音》和斯蒂夫·萊奇的「Drumming」。賴利經常因為的《C音》這部作品被視為「極簡音樂之父」，這部作品是由許多旋律的小節組成，並且由演奏者依照自己喜好的速度來演奏。這群先鋒音樂家——精確地說包括特里·賴利、菲利普·格拉斯、斯蒂夫·萊奇和La Monte Young等人——他們的目的是讓音樂成為適合所有人的藝術，並且表達他們對於古典作曲技巧的質疑，他們並非潛伏地在樂曲中寫入這種意念，而是相當明白的表達出來。極簡音樂一個與以前的音樂最不同而重要的差異，在於使用一種稱作「out of phase」的技巧，這個技巧使用了不齊拍的旋律，使兩個以上的旋律主線既分開又結合。它讓演奏者自行決定樂曲的細節，一個明顯的對比是理查·華格納的萊茵河的黃金，它雖然用了不同的樂段來層疊，符合一個特徵，但是它所有的旋律都由一個節拍控制，是古典的合拍音樂。
極簡音樂家和傳統聆聽者之間常有爭議，批評者認為這種音樂過度重複以及情感上空洞，而支持者則認為這種靜態的元素在理解樂曲轉進的微小變化相當有優勢。即使如此，極簡音樂已經造成非常廣泛的影響，例如並非屬於經典極簡主義的卡爾海因茲·史托克豪森和利蓋蒂。而另外如阿沃·帕特、約翰·塔文納、戈雷斯基等音樂家則開創了所謂精神性的「Holy Minimalism」的領域，尤其是戈雷斯基所寫的三號交響曲是90年代最暢銷的古典音樂專輯。
而從第二波的極簡音樂繼承者開始，這些人又被認為具有一些非極簡音樂的特徵。這些人包括約翰·亞當斯和他的學生寫作歌劇音樂。極簡音樂此一發展大大擴張了所謂音樂，以及作曲家和樂曲的領域。
二十世紀的科技進步使得以電子途徑製作聲音成為可能，而這有許多方法，有些音樂家使用插電的樂器來演奏古典樂曲，例如梅桑在許多樂曲中使用馬特諾電子琴；有些70至80年代的音樂家使用合成器、有些電腦時代的音樂家則使用電腦。
還有作曲家放棄樂器而使用錄音帶來創作音樂，錄製音效後，有計劃地將它們放置於音樂之中。皮埃爾·謝弗就是這種作法的先驅者，稱作具體或具象音樂。而如卡爾海因茲·史托克豪森則採用純電子途徑來創作音樂。在美國，米爾頓·巴比特使用RCA Mark II合成器來創作。有時候此種電子音樂又會混合傳統樂器，卡爾海因茲·史托克豪森的「Hymnen」、埃德加·瓦雷茲的「Déserts」、馬里奧·大衛朵夫斯基的「Synchronisms」是幾個顯著的例子。（不過今日演奏「Déserts」一曲時，有時會省略錄音帶的部份）
在電影音樂方面，利用替亞佛烈德·希區考克的《鳥》一片創作了背景音效；也替《2001太空漫遊》一片編寫了電子配樂。
幾個著名以電子樂器，演奏古典音樂傳統風格的作品包括：
* 的「Film Music」
* 特里·賴利的「A Rainbow in Curved Air」、「Shri Camel」
* 的「Silver Apples」、「The Wild Bull」、「Return」
* 溫蒂·卡洛斯的「Sonic Seasonings」、「Switched-On Bach」
* 約翰·庫利奇·亞當斯的「Light Over Water」
* 埃德加·瓦雷茲的「Poème électronique」
伊阿尼斯·澤納基斯是另一個使用電腦和電子樂器的現代作曲家，他也自己發明了一種電子樂器。
、和等人創造了現場演奏電子音樂的形式。
有幾個專攻電子音樂的機構在二十世紀之中崛起，巴黎的IRCAM大概是他們之中最著名的一所研究中心。
簡約音樂家諸如斯蒂夫·萊奇的影響力（特別是「Drumming」一作）明顯影響了後來的人如DJ Spooky他們的作品。這是二十世紀音樂和電子音樂（如trip-hop、trance、drum'n'bass）交互影響的極佳範例。
許多作曲家將爵士樂風格融入了古典作品中，數個著名的例子包括：
* 蓋希文，Rhapsody in Blue
* 德布西，Golliwog's Cakewalk (from Children's Corner，1908)
* 史特拉汶斯基，Ragtime for 11 instruments (1918)
* 保羅·興德米特，1922 Suite für Klavier
* 魏爾，Threepenny Opera (1928)
* 克熱內克，Jonny spielt auf (1926)
* ，A Few Dozen (1955)
* ， Clarinet Concerto (1956)
「New Complexity」是當代歐洲的前衛音樂潮流，他們的音樂家有布萊恩·芬尼豪赫、、等人。另一個方向朝著器樂技巧和音色的擴張，例如赫爾穆特·拉亨曼、等人的作品。還有令一個值得注意的潮流乃是「頻譜音樂」，著名的音樂家包括、，還有「後頻譜音樂」的卡伊婭·薩里阿霍 、等人。
# 第二次世界大戰前
## 印象主義
## 路易吉·魯索洛
## 表現主義
## 新古典主義
## 新國民樂派
# 第二次世界大戰后至1960年代前
## 序列音樂、整體序列音樂（Total serialism）
## 偶然音樂（Aleatory music）、隨機音樂（Stochastic music）、不確定性音樂（Indeterminacy music）、無聲音樂（Silence piece）、先鋒派、實驗派（Experimental）
## 微分音音樂
## 電子音樂、錄音帶音樂（Tape music）、合成器音樂（Synthesizer music）、計算機音樂（Computer music）、噪音音樂（Noise music）、具體音樂
# 1960年代以后
## 第三潮流（Third stream music）
## 極簡主義
## 新浪漫主義音樂（New romanticism）
## 實驗音樂
# 世紀末之前
## 鑲嵌音樂（Collage music）
## 新音色（New color）
# 流行音樂
## 爵士樂
## 鄉村音樂
## 搖滾樂
*  MICROCOSMS: A Simplified Approach to Musical Styles of the Twentieth Century by Phillip Magnuson
*  Dolmetsch.com: music history online: music of the 20th century by Dr. Brian Blood
*  Art of the States
*  BabelScores 推廣和傳播新的音樂
*  4′33" Vierdreiunddrei?ig München Musikverlag
《施氏食獅史》是一篇由中國語言學家趙元任所寫的同音文章，全文共92字（連標題97字），每字之普通話拼音都為shi（注音符號為ㄕ），只是聲調相異。
這篇文言文作品在書面閱讀或者用其他漢語族語言朗誦時並無問題（如粵語有入聲就不太會有同音問題）。文言文始于先秦時期，如果在先秦時期的人們用口音表達這些同音文，當時的人們能夠聽得懂。作者專門在現代漢語普通話讀音中挑選同音字寫了這篇文言文，因為要遷就同音字，因而文章內容顯得很不合邏輯，現實中沒有人要吃十只獅子后來又在吃時發覺獅子是石獅子的荒謬事，要看懂，要具有文言文功底，不具有文言文功底的人，照樣很難看明白原文的意思。惟使用現代標準漢語普通話朗讀或者將作品官話拉丁轉寫的時候，問題則浮現，會感覺很繞口，因為只有四個調的國語普通話同音字較多。
20世紀50年代初期，有人認為漢語應該拉丁化，漢字應該全部改為拼音，如此低齡兒童就沒有了認識成百上千的漢字的痛苦。而《施氏食獅史》正誕生于此時。有人認為，作者趙元任是想引證漢語拉丁化所帶來之荒謬。
有支持漢語拉丁化的人指出：趙元任是國語羅馬字的主要設計者，認為他只是舉例說明，按現代標準漢語拼音的漢語拉丁化，只適合白話文，不適合文言文和文白相雜的文章。而趙元任本人也說：“這些當然是極端的例子。如果你要是寫語言，當然不會有問題。因為你寫的要是不夠清楚（假定你把語言裡的聲音全寫出來而仍舊不夠清楚），那你本來話就沒有說清楚。在多數文字用處的場合，我覺得現在就可以用國語羅馬字拼音文字。”有人認為，趙元任用這種在現實口語中根本不會出現之情況，來反面證明漢字拉丁化之可能。
* 和《施氏食獅史》一起創作出來的，還有《羿裔熠邑彝》《季姬擊雞記》。
* 1980年，一本電腦王碼打字教本內含有《施氏食獅史》供打字練習。有人發現，王碼比拼音更方便輸入《施氏食獅史》。但是該文章僅是一個特殊的例子。
*  獅食豕史，隋景芳所著的另一篇同音文章，全文共六百字，是目前最長的同音文章。
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阿圖爾·魯賓斯坦，   （，，），美籍波蘭裔猶太人，著名鋼琴演奏家，生於波蘭羅茲，是20世紀最杰出、也是“藝術生命”最長的鋼琴家之一，常被世人尊稱為「魯賓斯坦大師」。
他一看見鋼琴一聽到琴聲就為此樂器著迷；7歲時，他就在羅茲的一個慈善音樂會上演奏莫扎特、舒伯特和門德爾松的鋼琴曲。他的第一位正規的鋼琴老師是阿道夫·普雷齊納（Adolf Prechner）。后來，他被送到華沙，師從亞歷山大·羅伊茨基（Alexander Rozycki）學鋼琴；1897年去了柏林，師從海因里希·巴斯（Heinrich Barth）；還得到羅伯特·卡恩（Robert Kahn）和馬克斯·布魯赫的理論指導。1900年，他在波茲坦擔任莫扎特《》（K.488）中的獨奏登臺表演；同年，他在柏林約阿希姆的指揮下再次成功演奏此曲，隨后他在德國和波蘭巡回演出。
1903年，魯賓斯坦在瑞士遇到帕德列夫斯基之后去了巴黎，和穆勒管弦樂隊一起演奏，認識了拉威爾、杜卡斯和蒂博。他還在作曲家圣桑面前演奏過圣桑創作的《G小調鋼琴協奏曲》并得到贊揚。魯賓斯坦取得的最佳藝術獎賞在于他收到的一份美國合約。1906年，他在紐約卡內基音樂廳和費城管弦樂團表演他最喜愛的圣桑協奏曲里的獨奏。他在美國的巡回演出并不完全成功，因此，他回到歐洲繼續深造。1915年，他和倫敦交響樂團一起表演；1916年至-1917年，他在西班牙舉行了為數眾多的獨奏音樂會，結果極為成功；離開西班牙后他去了南美，表演也深受當地人喜愛；他逐漸形成一種演奏西班牙和拉丁美洲音樂的特別才能，他演奏的伊薩克·阿爾貝尼斯和曼努埃爾·德·法雅的鋼琴曲成為西班牙調性的典范。海托爾·維拉-羅伯斯為他創作了至今為止最難演奏的鋼琴曲《魯德波伊瑪》（''Rudepoêma''）。
1946年，魯賓斯坦加入美國籍。1958年，他在波蘭舉行自己戰后的第一場音樂會；1964年，他在莫斯科、列寧格勒和基輔演奏；無論在波蘭還是在蘇聯，他都收到了人們熱烈的贊揚。但是，由于納粹在二戰期間殺害了他的家人，他發誓永不在德國演出。1976年89歲時，他在倫敦舉辦了告別獨奏音樂會。1982年，魯賓斯坦卒于瑞士日內瓦。
在好萊塢，魯賓斯坦為好幾部電影配樂，還在電影《卡內基音樂廳》（Carngeie Hall,1947）和《人與音樂》(Of Men and Music)里以自己的身份出現。1975年，一部名為《阿圖爾.魯賓斯坦，對生活的熱愛》（Artur Rubinstein, Love of Life）的電影紀錄片上演；一部90分鐘的電視特別節目《90歲的魯賓斯坦》（Rubinstein at 90） 被播放，標志著他已進入90高齡。
魯賓斯坦獲得過為數眾多的國際榮譽；是法蘭西藝術學院院士，為授予法國榮譽勛位及波蘭榮譽勛章；獲得倫敦皇家愛樂協會的金獎及美國多所大學授予的榮譽博士學位。他多次訪問以色列并支持它。1974年，一個以他名字命名的國際鋼琴比賽在耶路撒冷開幕。1976年，他獲得由福特總統授予的美國自由勛章。
魯賓斯坦是肖邦音樂的最佳演繹者之一，他那如火般的熱情和詩意的情感抒發非常適合于肖邦音樂的演奏。在古典樂曲方面，他的演奏傾向于形成氣勢磅礴的效果，他并沒有沉迷于矯揉造作的風格，他演奏的莫扎特，貝多芬，舒曼和勃拉姆斯的作品的確非常鼓舞人心。幽默風趣的他經常拿那些據說被他遺漏的大量音符開玩笑，但他宣稱，對音樂本身最糟的違背行為就是在節奏和力度方面的迂腐不變。他是個講究舒適生活的人，是對宴會和晚宴毫不厭倦的賓客，還能說大多數歐洲語言，包括俄語和自己的母語波蘭語，雖然時不時出點語法毛病，但是很流利。
* 在晚年生活中，他患上了嚴重的視網膜炎并最終完全失明；但是，即使生活在這樣的情況下他也沒有忘記對生活樂趣的享受。他曾經認為：“美酒，女人和音樂”這條標語對他來說是80%的女人，20%的美酒和音樂。
* 《Webster's New World Dictionary of Music》 ISBN 978-7-5382-7578-0
* 《The Penguin Guide to Compact Discs》 ISBN 7-80103-136-9