Ilustres Desconhecidos
Autor: Rogério Cesar de Oliveira | Publicado: 2015-02-08T19:38:00-06:00


A história da cinematografia
mundial é pródiga em filmes marcantes, de inquestionável qualidade, mas que por
algum motivo ficaram fadados ao esquecimento, seja na forma de temporadas
rápidas e rasteiras nos cinemas, seja da forma de abandono e acumulando poeira nas
prateleiras das locadoras.



Temáticas radicais,
linguagens ousadas, títulos nacionais equivocados ou simplesmente aquele caso
do “filme-certo-na-hora-errada”. Os motivos para o ostracismo são os mais
variados. Mas o fato é que muitos filmes merecem serem redescobertos, de modo
que se faça justiça a seus atributos. E nesses tempos bicudos de Festas de
Oscar previsíveis e entreguistas, cinemas 3D, filmes cheios de recursos
tecnológicos e vazios de conteúdo, promover uma “garimpagem cinematográfica”
pode se revelar um exercício dos mais prezeirosos.



Aqui vão alguns desses “tesouros
escondidos”:





ANOS DE REBELDIA (Out Of Blue,
1980)









Após a consagração de Sem
Destino, &nbsp;pequeno épico contra cultural
dos anos 60, o diretor Denis Hopper amargava um profundo ostracismo, somado a
doses cavalares de drogas e álcool. No final dos 70, em meio ao sepultamento
dos ideais de “paz e amor” da geração hippie e à explosão do niilismo punk,
Hopper gerou este envolvente e incisivo diário do cotidiano de C.B. (Linda
Manz, em atuação impecável), uma garota interiorana às voltas com pequenos
delitos e transgressões que venera Elvis Presley e Sid Vicious, sempre bradando
aos quatro cantos “Kill All The Hippies!”. O reencontro com o pai, Don Barnes
(Dennis Hopper), recém-saído da prisão será o estopim de uma saga de decadência
e auto-destruição. Um verdadeiro soco no estômago. O título original faz
referência à canção “Hey Hey My My (Out Of The Blue) de Neil Young que, aliás,
é o tema principal do filme.





ESPANTALHO
(Sacrecrow, 1973)









Dono de uma filmografia bissexta
e pouco conhecida, principalmente por suas produções mais convencionais nos
anos 80 em diante, o diretor nova-iorquino Jerry Schatzberg aderiu ao cinema
provocador que caracterizou os férteis anos 70. Em 1971 já havia dirigido The
Panic In Needle Park, um retrato deprimente de viciados que freqüentavam o “Parque
das Agulhas” em New York. Dois anos depois rodou este tocante road-movie que,
por trás de seu enredo, mostra uma visão realista, triste e desoladora da
América pós-Vietnam e pós-Watergate. Em uma estrada da Califórnia, dois desconhecidos,
Max (Gene Hackman) e Lion (Al Pacino), se encontram. Lion é um marinheiro que
passou seis anos no mar e deseja reencontrar a esposa e conhecer o filho. Max é
um ex-presidiário que saiu da prisão há pouco e planeja ir para Pittsburg, onde
deseja abrir um lava-carros. A odisséia em busca de uma vida melhor marcará a
vida de ambos. Um pequeno clássico.





LIQUID
SKY (1982)









Produção independente realizada
pelo diretor russo Slava Tzukerman, que em 1976 havia se radicado em Nova York.
Na linha “ame ou odeie”, é uma película de ficção científica com toques eróticos
e marcada por fortes referências pós-punk e alternativas que tanto
caracterizavam o underground da Big Apple nos anos 80. Margaret (Anne
Carlisle), uma modelo bissexual, vive em uma cobertura em Manhattan e certa noite
recebe a visita de um alienígena que está em busca de um alimento raro em seu
planeta: uma substância produzida pelo cérebro humano no momento do orgasmo
(conhecida pela gíria “Liquid Sky”, daí o título) que, para eles, tem o mesmo
efeito da heroína para os humanos. &nbsp;Considerando
o estilo de vida, digamos, hedonista, de Margaret, o alienígena se aproveitará
disso para conseguir seu alimento, matando os(as) parceiros(as) de Margaret no
momento do “clímax”. Retrato fiel da época em que foi feito, mostra-se uma
pequena pérola da transgressão.





PARA
SEMPRE NA MEMÓRIA (Permanent Recording, 1988).









No estilo “gente como a
gente”, esta produção independente passou batida pelos cinemas brasileiros e
saiu diretamente no mercado de home video.
O ponto de partida é o suicídio de David (Alan Boyce), um rapaz com vida
aparentemente perfeita: talentoso, popular na escola, divertido e cheio de
amigos. A partir desse evento o filme investiga seu impacto nas pessoas que
conviviam com ele, entre elas seu melhor amigo, Chris (um então desconhecido
Keanu Reeves). Sem apelar para o melodrama, o filme capricha no desenvolvimento
dos personagens e não busca soluções fáceis. Trilha sonora assinada por Joe
Strummer.





A BARRIGA DO ARQUITETO (The Belly
Of An Architect, 1987).









O cineasta britânico Peter
Greenaway, quando criança, desejava ser pintor. Tal interesse posteriormente
influiu diretamente em seus filmes, muitos deles marcados por parâmetros
estéticos da pintura. Aqui temos a história de Kracklite (Brian Dennehy, que
constumeiramente trabalhava como coadjuvante de produções norte-americanas), um
arquiteto americano que vai para Roma dirigir a exposição do arquiteto francês
Etienne-Louis Boulée, seu grande ídolo e influência profissional. Kracklite
enfrenta a animosidade de uma equipe que não compartilha de sua idolatria por
Boulée. Sua esposa Louise (Chloe Webb) é permanentemente assediada pelo
co-organizador da exposição, Caspasian (Lambert Wilson), quando começa o
inferno astral do arquiteto, acometido por fortes dores no estômago. Quando
descobre que seu ídolo ingeria alimentos parecidos com os seus, fica paranóico
e achando que sua jovem esposa o está envenenando, e acaba criando uma
esquisita obsessão por barrigas. Com o perdão do trocadilho, um filme de
difícil digestão, mas não menos fascinante. &nbsp;





TRAGAM-ME
A CABEÇA DE ALFREDO GARCIA (Bring Me The Head Of Alfredo Garcia, 1974).









O comportamento difícil do
cineasta Sam Peckinpah e o seu conhecido alcoolismo o tornaram persona non grata entre os grandes
estúdios de Hollywood, o que lhe dificultava o acesso ao financiamento de suas
produções. Seu filme anterior, Pat
Garrett &amp; Billy The Kid (1973), foi escorraçado por público e crítica.
Assim, para levar a cabo esta produção, foi para o México, realizando-a com um
orçamento de fome e contando com equipe local. O ponto de partida é simples e direto.
Um milionário mexicano, ao descobrir que sua formosa filha foi engravidada por
um aventureiro local, o tal Alfredo Garcia, põe a cabeça do sujeito a prêmio e
oferece 1 milhão de dólares a quem lhe trouxer o souvenir macabro. Benny
(Warren Oates, um dos atores favoritos de Peckinpah), um pianista de boate, ao
saber da recompensa, arma um plano bizarro: ir até o cemitério onde Alfredo
está enterrado, arrancar-lhe a cabeça com um facão e colocar a mão na bolada.
Naturalmente, nem tudo ocorrerá como o planejado. Duramente realista, repleto
de personagens decadentes e maltrapilhos e com o inevitável banho de sangue ao
final, bem ao estilo do diretor, o filme, para variar, recebeu pedradas da
crítica. Com o passar dos anos acabou ganhando fama de legítima obra-prima
maldita do controverso diretor.



O
SALÁRIO DO MEDO (La Salaire de La Peur, 1953).









Baseado na obra homônima de
Georges Arnauld e dirigido por Henri-Georges Clouzot, conta a história de Mario
(Yves Montand), um estrangeiro que vive em um país miserável da América Central
e deseja voltar para a França. Lá recebe uma proposta: junto com mais três
homens, transportar um enorme carregamento de nitroglicerina em dois caminhões
por estradas esburacadas. Ainda que possua um forte subtexto político (o
material transportado será utilizado para extinguir um incêndio em um poço
petrolífero de uma multinacional norte-americana, mostrando o país onde vive
Mario como um verdadeiro quintal do imperialismo do Tio Sam), o filme
sustenta-se como um poderoso e eletrizante thriller, que ganha contornos
envolventes com sua bela fotografia em preto-e-branco. Em 1977, o diretor
William Friedkin rodou um remake da obra de Clouzot intitulado O Comboio do
Medo que, diga-se de passagem, praticamente enterrou sua carreira. Fique com o
original.





GOSTO
DE SANGUE (Blood Simple, 1984).









Filme independente que
apresentou ao mundo os irmãos Joel e Ethan Cohen, que posteriormente se
consagrariam com produções como Barton
Fink (1991), Fargo (1996), O Amor Custa Caro (2003) e Bravura Indômita (2010). Julian (Dan
Hedaya) é dono de um bar no Texas e desconfia de que sua esposa, Abby (Frances
McDormand), está tendo um caso com um de seus empregados, Ray (John Getz).
Marty decide contratar um detetive para investigá-los e acaba tendo seus
prognósticos confirmados. Enfurecido, ele propõe um novo acordo com o
investigador: matar a esposa e o amante enquanto ele estiver fora da cidade.
Mas o detetive tem seus próprios planos. Esse film noir oitentista e envolvente foi recebido de braços abertos
pela crítica e levou o prêmio de melhor filme no Festival de Sundance em 1985,
muitos anos antes desse evento se tornar uma festa indie sem-graça.





A
ÚLTIMA MISSÃO (The Last Detail, 1973)










Um dos diretores-símbolo da
Nova Hollywood, Hal Ashby caracterizava-se por filmes extremamente pessoais
como Ensina-me a Viver e Muito Além do Jardim. Talvez não tivesse a virulência
de seus contemporâneos, mas ainda assim era capaz de criar obras que mexiam com
os valores do american way of life. Aqui ele conta a história de dois
marinheiros, Billy (Jack Nicholson) e Mulhall (Otis Young), encarregados de
escoltar para uma prisão naval o jovem marinheiro Meadows (Randy Quaid),
condenado por um pequeno furto em um evento de caridade da esposa de seu
superior. À medida que rumam para a prisão, Billy e Mulhall se afeiçoam a
Meadows e ficam sensibilizados com o rapaz, vítima de uma pena exagerada que
irá lhe tirar os melhores anos de sua vida – decidem então proporcionar
momentos memoráveis a ele, antes de enfrentar o xilindró. Com diálogos
excelentes e contando com uma abundância incrível de palavrões, o filme tem
como principais pilares a química impecável entre os três protagonistas e o
aprofundamento dos personagens, deixando claros ao espectador seus conflitos,
fraquezas e motivações. Recomendado.