Autor: Luciéllen Reis- Teatro Valores 2011(Tarde) | Publicado: 2011-05-29T09:20:00-07:00

O Teatro Nônovamente o japonês pergunta se Heidegger leu alguma coisa sobre o teatro japonês tradicional  Nô. E ele responde sim. A palavra Nô&nbsp;  significa poder, talento, fazer algo, realizar, concretizar. Éantiqüíssima essa forma teatral. Origina-se nas danças sagradas rituaisexecutadas por ocasião das colheitas, inspiradas nas escrituras budistas. Podemser classificadas de cinco formas: sobre os deuses, sobre a guerra, sobre amulher, sobre os assuntos históricos e sobre temas sobrenaturais,fantasmagóricos. No primeiro e no último assunto é visível a questão do Sagrado.Oficialmente as origens desse tipo de teatro são obscuras, se perdem na noite dostemposHeidegger faz referência a um estudo de Oscar Benl sobre Seami Motokiyo,às vezes, também grafado como Zeami Motokio (1363-1443), filho de KuanamiKiotsugu (1333-1384) que na idade média, século XIV compilou muitos textosorais e os escreveu na forma de peças teatrais.Autor, ator e dançarino, Zeami teve uma carreira brilhante até que, porintrigas palacianas, caiu em desgraça com o governo, e para não ser morto, torna-se monge budista e vai para o exílio. No ano seguinte é perdoado e volta.Tanto o teatro 
 Nô&nbsp; 
 quanto as outras artes zen são, em grande parte, &nbsp;&nbsp;comoos ritos, manifestações do Sagrado, do novo no sentido originário, do aparentemente inesperado e concomitantemente um apelo &nbsp;da experienciação queo budismo nos propõe. Em uma peça teatral, ao se encenar uma planta ou umapedra ou qualquer outro aspecto da natureza, da physis,a tradição oral dizia que devíamos respeitá-los e reverenciá-los pois também o reino vegetal e o reinomineral têm “alma”. E que fora da natureza o ser humano não é completo. Os dois começam a conversar sobre o vazio e naseguinte o japonês faz uma aproximação importante da experiência do vazio, dadescrição do vazio como é visto na filosofia oriental e a descrição de Heideggersobre o ser. Diz o japonês: ‘Para nós, o vazio é o nome mais elevado para sedesignar o que o senhor quer dizer com a palavra ser...” E o alemão não o refuta,não discorda dele.Por fim, o que vemos nesta conversa entre um japonês e Heidegger é que este último conhecia bem o pensamento oriental, conhecia bem o pensamentobudista a ponto de corrigir em algumas partes o pensamento do japonês e suatendência à ocidentalização. Assim, vemos proximidade entre as formulações deHeidegger e as do budismo zen.O teatroNô tem muito de dança, a noção de movimento é importante nessa arte, pois é um princípio budista de que tudo está em movimento, nada estáparado. Em uma peça deste tipo, o ator não age com grande ênfase, a proposta éesvaziar-se e assim, sem gestos viçosos, vigorosos ele encontra-se em um jogode cena silencioso. É uma arte muda, interior, profunda, bastante requintada. Opúblico assiste a alusões aparentemente simples, às vezes, a movimentoscontidos em si próprio, esse artista interpreta o texto com sentimento e disposiçãode ânimo e emoções.
Teatro kathakali  Kathakali, o teatro sagrado

ORIGEM:
Segundo lendas hindus Vishnu reencarnou na terra pela sexta vez na forma de Parasurama,  para proteger a supremacia espiritual e social da casta dos Brâmanes.  Após inúmeras guerras, ele finalmente resolveu abandonar sua trajetória  sangrenta e, em forma simbólica, lançou seu machado ao mar. Com o golpe,  a arma caiu no sul da índia e sua violência fez emergir uma faixa de terra a qual Parasurama chamou de Malabar. Para  povoar essa terra sagrada, foram levadas famílias de Brâmanes que  formaram uma sociedade extremamente religiosa e ritualística.    Hoje em dia Malabar é chamada de Kerala (a terra dos templos). O intenso comércio de especiarias e o ouro negro atraiam viajantes de  todo o mundo, misturando assim diferentes culturas à forte  religiosidade do lugar e o gosto por grandes rituais com a constante  presença de elementos dramáticos, fazendo surgir assim a mais rica forma  teatral da Índia : O teatro Kathakali.
 CARACTERÍSTICAS:
 É o estilo de dança-teatral mais popular da Índia
 É um espetáculo raro, inclusive na Índia. Lá ela acontece após a época das monções, em celebrações religiosas de agradecimento.
 É exclusivo para homens
  Existe exatamente como visto hoje há pelo menos 400 anos
  O teatro-dança de Kathakali recebe inclusive influência das antigas artes marciais de Kerala
 Existem muitas passagens com reflexões morais e de sabedoria que  sempre são faladas pelos personagens mais importantes e em sânscrito,  uma língua que não é mais comum na Índia desde o ano 300 a.C, mas é  considerada nobre e sagrada, falada até hoje pelos brâmanes. Enquanto os  deuses, heróis e personagens importantes falam no dialeto  aristocrático, as mulheres, escravos e personagens menores falam o  dialeto da classe baixa. As peças terminam assim como começam: com uma  prece.
 Não há valorização de expressões ou ações nas peças hindus. A  tristeza é representada por uma leve melancolia. Beijar, comer, dormir  ou gritar é considerado indelicado.
 Como nas peças gregas, havia um freqüente contato entre a Terra e o Céu.
 Na Índia não existem palavras distintas para dança e teatro, nem em  sânscrito ou em qualquer dialeto falado pelo país. Daí percebe-se o quão  profundamente ligadas essas duas artes estão neste país que as vê como  um só.
 PALCO e MÚSICA:
  Na Índia acredita-se que todo palco seja sagrado pois é um local  escolhido pelos deuses para que se dê a eterna luta entre o bem e o mal.  Por o Kathakali ser essencialmente hindu tudo nele é cheio de  significados religiosos e realizado como um ritual.
  O palco é simples. Á frente usa-se uma lamparina alimentada por óleo de coco.
  Por ser ritual, antes da peça começar, o vocalista inicia uma canção invocatória acompanhado por címbalos e percussão.
  Durante o ritual de inicialização, um ator permanece por trás das cortinas realizando uma performance .
 MAQUIAGEM E FIGURINO:
  A maquiagem determina, no kathakali a natureza dos personagens. 
 Cada personagem têm uma roupa e maquiagem específica. Ambos são altamente elaborados.
 O ator leva três horas e meia só pra se maquiar e duas horas para se vestir antes de cada apresentação.
 AS CORES:
 Verde: herói
  Bigode, protuberância no nariz ou no centro da testa (Chuttippu): demônio-guerreiro
  Bigode branco (veluppu-tadi): personagem Hanuman, do épico Ramayana, que possui boa natureza
  Bigode preto (karuppu-tadi): selvagem com características heróicas
  Bigode Vermelho (Chokanna-Tadi): características terríveis e destrutivas
  Maquiagens onde há o predomínio de preto: moradores das florestas, caçadores e demônios femininos
 
PERSONAGENS: (3 tipos em geral)
 Sattvik (denominado Pacha) - nobre, heróico, generoso e refinado ex: Rama e Krishna
  Rajasik (denominado Kathi) - não só heróis e sim pertencentes a classe dos demônios guerreiros ex: Kamsa e Ravana
  Tamasik (denominado Kari) - caçadores, moradores da floresta e demônios femininos
 
ATOR:    
 No kathakali temos então o Ator-bailarino e ainda com características  de guerreiro. Devido a influencia religiosa, ator do kathakali é também  um ator-sacerdote e, por isso, deve ser capaz de responder cada aspecto  da sua vida num equilíbrio constante de sua arte que é sempre regida  harmoniosamente pelos elementos.
  A formação física destes atores obedece ainda a antiga tradição de guerreiros e artistas marciais de Kerala. 
  Em nenhuma outra forma teatral do mundo pode-se encontrar tamanha  complexidade e precisão na formação técnica do ator quanto no Kathakali.
  Para ser ator de Kathakali os pretendentes passam por rigoroso  treinamento com dedicação exclusiva, durante anos, quase sob regime  militar que começa aos 8 anos. Tudo isso serve para desenvolver uma  cadeia muscular antinatural e rigorosamente definida com a finalidade de  permitir o intenso fluxo de energia, assim como ter um corpo que  suporte essa carga. Há a remodelagem da estrutura corporal do ator com  um dia que começa às 4h da manhã com massagens, exercícios físicos e de  olhos, treinamento de passos, coreografias e memorização dos textos  clássicos e prática de ritmos. As intermináveis repetições associadas à  severidade com que os erros são punidos moldam e disciplinam a  concentração e a mente. O descanso é quinzenal, porque é obvio que os  hindus não têm motivos para guardar o Domingo. Todo o processo é  supervisionado por um Guru (que significa aquele que dispersa a sombra).
 
O indiano Nanda Kumaran levou 17 anos estudando a arte sagrada  Kathakali. "Deixei de ser estudante aos 31 anos. Só depois do meu  casamento é que o guru me deu permissão para deixar de ser aluno". 
"Se o bailarino é aquele que busca o ar, que anseia pelo espaço, pelo  etéreo, o ator vai de encontro a terra, que castiga sob seus pés para  retirar dela sua energia. Suas mãos buscam o céu e seus pés agarram e  excitam aterra. Se a ação do guerreiro é como a do fogo, que destrói  enquanto queima, nem bom nem mau, consumindo a si mesmo sem hesitar, o  sacerdote se relaciona coma água, com a qual purifica e santifica.  Enquanto o fogo guerreiro se move impetuosamente e age buscando cumprir  seu papel sem apegos, a água sacerdotal busca a serenidade e, ainda que  seja perturbada, sua natureza a guia na direção da paz."
(The Mirror of Gesture: Abhinaya Darpana of Nandikesvara) 

"Por ser o Kathakali uma dança sagrada e ritual para os hindus, ela se  torna uma ambigüidade por demais complexa para os ocidentais. O ocidente  não entende uma arte espiritual. É um povo adiantado materialmente, mas  muito atrasado espiritualmente. O Teatro é uma manifestação da alma e  por isso requer devoção e fervor, pois é necessário sempre mergulhar  profundamente nas coisas às quais nos dedicamos. O ocidente nos pede  minerais, água, gases. Mas devemos escavar em busca de petróleo. Porque  gases, minerais e água devem ser simplesmente a conseqüência dessa  busca. É sempre na intenção do petróleo que devemos escavar o que  almejamos. Se eu decidisse doas um milhão de rúpias a alguém, em notas  de uma rúpia, eu precisaria de um milhão de notas. Mas se preferisse  doar essa quantia em ouro, bastaria um pequeno pedaço e ele teria o  mesmo milhão."
(Agandanadam, velho sábio hindu) 
Referência: Kathakali e a música (inglês)



       :: Kabuki


UMA FORMA DE TEATRO POPULAR ESTILIZADO.       
O exagerado levado aos extremos faz com que seja mais fantástica ainda.       
O Kabuki representa a arte popular dos últimos IV séculos, quebrando de vez com o requinte aristocrático de então. Em vez da moral silenciosa do zen, o kabuki foi o inverso de tudo que já se fez em termos de arte no Japão da época. O Kabuki surge junto aos comerciantes que fomentam a transformação dos ideais da sociedade. Como que até aquela época o país estivesse fechada aos anseios da população, dominada sob o estigma dos guerreiros samurais, agora, quando reina a paz e a tranqüilidade embevece o país, o pensamento volta-se para “recuperar” o tempo perdido.       
De repente um matraquear quebrando o silêncio: as cortinas nas cores preta, marrom e verde dão descerradas e o cenário surge desplendorosamente rica em cores berrantes com adereços por todo o lado. Está dando início a mais um espetáculo de kabuki, o mais popular teatro tradicional japonês. O que causa maior impacto é o efeito visual levado aos extremos do exagero, onde cada detalhe possui importância vital para compor o clima da época, fantasticamente delineada. Assistir a esse espetáculo só é possível indo ao Japão ou aproveitando as turnês que as companhias kabuki fazem ao redor do mundo.       
Para os japoneses, o kabuki é a arte dedicada ao deleite da gente comum, satisfazendo os caprichos contemporâneos, gostos e desejos de uma época. Em todos os aspectos, ele é elegante e vulgar, cômico e trágico, desenvolvendo o tema central da peça através de um ritmo que compõe-se de ka, bu, ki, ou seja, “cantar”, “dançar” e “representar”. O teatro kabuki não deve ser visto como algo muito sério, intelectual ou filosófico, mas como uma representação elaborada de entretenimento popular que não deixa de ter suas raízes artísticas.       
Apesar dos 400 anos que o separa de sua remota origem, a continuação do kabuki é decorrente da herança familiar dos atores que estão a dezesseis gerações ininterruptas nessa atividade artística. As peças em sua grande maioria são tiradas dos fatos da gente comum e também da vida aristocrática. Num processo acumulativo, o kabuki veio associando influências em primeiro lugar no teatro Nô e do Kyogen e, posteriormente refugiou-se dentro do enredo do Bunraku (teatro de marionetes). O kabuki passou então a se definir com as próprias características no fim do século XIX, quando ocorreu sua fase de amadurecimento.       
Transformando-se em mulher.       
No início só as mulheres atuavam dentro do kabuki e vestiam se como homens ao representarem personagens masculinos. O governo proibiu o “Okuni-kabiki”, como era chamado, devido ao escândalo que provocou na época, quando os homens que ia assistir estavam mais preocupados com a beleza das atrizes do que propriamente com o espetáculo. O “okuni” dava ênfase exagerada no sensual e no sensacional, convertendo-se no fator decisivo da imoralidade da sociedade, amante do prazer e das coisas mundanas. Tudo isso era reflexo da era Genroku, séc. XVII. Posteriormente surgiu o “Wakashu-kabiki”, formado unicamente por rapazes, mas acabou se degenerando e finalmente proibido também.       
O verdadeiro kabuki como conhecemos hoje surgiu posteriormente formado somente por homens. A arte de se transformar em mulher foi criada na época em que atores especializavam-se nessa modalidade. A beleza de “Onnagata” obedeceu a um padrão idealizado por homens, ou a forma de como a mulher devia portar-se. Aquela feminilidade exagerada não é natural do desempenho de uma mulher, mas calcada em certos conceitos da observação masculina. Na Inglaterra da Idade Média, os atores das peças Sheakesperiana também tinham que se travestir-se de mulheres, não sendo, portanto uma característica unicamente do Japão.       
Assumindo o personagem.       
O que realça a presença dos artistas kabuki é a maquiagem altamente estilizada, marcando os contornos dos olhos, os cílios e a boca. Cada cor está ligada a uma simbologia que representa o temperamento do personagem, assim como o branco é usado por mulheres e jovens apaixonadas, o vermelho retrata a ira e a cólera, o cinza a melancolia, azul-preto os vilões e o verde os espíritos diabólicos e visitantes de outro mundo.       
A vestimenta participa desse conjunto multicor ajudando a caracterizar o ator kabuki. Tudo é absurdamente exagerado o que o torna mais atraente. O choque visual não se limita somente a esses parâmetros; a mímica possui força de expressão, os movimentos são feitos em cadência com alto nível de perfeição sugestiva culminando em uma pose dinâmica de equilibrada força e beleza conhecida como “Mie”.       
O “Mie” é a pose exagerada e estilizada algumas vezes conduzido por um só ator, outras pelo grupo todo, quando de uma cena que tenha que expressar ira, determinação ou outro sentimento de emoção forte que a situação exija. Os olhos enviesados, os braços estendidos, dedos rijos, provocam uma impressão de força concentrada e precisa. Pode até ser grotesco e sobre-humano, mas insere em si o eixo central da arte kabuki.       
Por um repertório popular.       
O kabuki por atuar dentro das camadas populares não se preocupava em agradar o governo como fazia o teatro Nô. Os dramas históricos são tratados até com ironia em que guerreiros e nobres são figuras centrais de tais narrações; a maioria derivada do Bunraku (teatro de marionetes). ::        Kabuki
       UMA FORMA DE TEATRO POPULAR ESTILIZADO.       
O exagerado levado aos extremos faz com que seja mais fantástica ainda.       
O Kabuki representa a arte popular dos últimos IV séculos, quebrando de vez com o requinte aristocrático de então. Em vez da moral silenciosa do zen, o kabuki foi o inverso de tudo que já se fez em termos de arte no Japão da época. O Kabuki surge junto aos comerciantes que fomentam a transformação dos ideais da sociedade. Como que até aquela época o país estivesse fechada aos anseios da população, dominada sob o estigma dos guerreiros samurais, agora, quando reina a paz e a tranqüilidade embevece o país, o pensamento volta-se para “recuperar” o tempo perdido.       
De repente um matraquear quebrando o silêncio: as cortinas nas cores preta, marrom e verde dão descerradas e o cenário surge desplendorosamente rica em cores berrantes com adereços por todo o lado. Está dando início a mais um espetáculo de kabuki, o mais popular teatro tradicional japonês. O que causa maior impacto é o efeito visual levado aos extremos do exagero, onde cada detalhe possui importância vital para compor o clima da época, fantasticamente delineada. Assistir a esse espetáculo só é possível indo ao Japão ou aproveitando as turnês que as companhias kabuki fazem ao redor do mundo.       
Para os japoneses, o kabuki é a arte dedicada ao deleite da gente comum, satisfazendo os caprichos contemporâneos, gostos e desejos de uma época. Em todos os aspectos, ele é elegante e vulgar, cômico e trágico, desenvolvendo o tema central da peça através de um ritmo que compõe-se de ka, bu, ki, ou seja, “cantar”, “dançar” e “representar”. O teatro kabuki não deve ser visto como algo muito sério, intelectual ou filosófico, mas como uma representação elaborada de entretenimento popular que não deixa de ter suas raízes artísticas.       
Apesar dos 400 anos que o separa de sua remota origem, a continuação do kabuki é decorrente da herança familiar dos atores que estão a dezesseis gerações ininterruptas nessa atividade artística. As peças em sua grande maioria são tiradas dos fatos da gente comum e também da vida aristocrática. Num processo acumulativo, o kabuki veio associando influências em primeiro lugar no teatro Nô e do Kyogen e, posteriormente refugiou-se dentro do enredo do Bunraku (teatro de marionetes). O kabuki passou então a se definir com as próprias características no fim do século XIX, quando ocorreu sua fase de amadurecimento.       
Transformando-se em mulher.       
No início só as mulheres atuavam dentro do kabuki e vestiam se como homens ao representarem personagens masculinos. O governo proibiu o “Okuni-kabiki”, como era chamado, devido ao escândalo que provocou na época, quando os homens que ia assistir estavam mais preocupados com a beleza das atrizes do que propriamente com o espetáculo. O “okuni” dava ênfase exagerada no sensual e no sensacional, convertendo-se no fator decisivo da imoralidade da sociedade, amante do prazer e das coisas mundanas. Tudo isso era reflexo da era Genroku, séc. XVII. Posteriormente surgiu o “Wakashu-kabiki”, formado unicamente por rapazes, mas acabou se degenerando e finalmente proibido também.       
O verdadeiro kabuki como conhecemos hoje surgiu posteriormente formado somente por homens. A arte de se transformar em mulher foi criada na época em que atores especializavam-se nessa modalidade. A beleza de “Onnagata” obedeceu a um padrão idealizado por homens, ou a forma de como a mulher devia portar-se. Aquela feminilidade exagerada não é natural do desempenho de uma mulher, mas calcada em certos conceitos da observação masculina. Na Inglaterra da Idade Média, os atores das peças Sheakesperiana também tinham que se travestir-se de mulheres, não sendo, portanto uma característica unicamente do Japão.       
Assumindo o personagem.       
O que realça a presença dos artistas kabuki é a maquiagem altamente estilizada, marcando os contornos dos olhos, os cílios e a boca. Cada cor está ligada a uma simbologia que representa o temperamento do personagem, assim como o branco é usado por mulheres e jovens apaixonadas, o vermelho retrata a ira e a cólera, o cinza a melancolia, azul-preto os vilões e o verde os espíritos diabólicos e visitantes de outro mundo.       
A vestimenta participa desse conjunto multicor ajudando a caracterizar o ator kabuki. Tudo é absurdamente exagerado o que o torna mais atraente. O choque visual não se limita somente a esses parâmetros; a mímica possui força de expressão, os movimentos são feitos em cadência com alto nível de perfeição sugestiva culminando em uma pose dinâmica de equilibrada força e beleza conhecida como “Mie”.       
O “Mie” é a pose exagerada e estilizada algumas vezes conduzido por um só ator, outras pelo grupo todo, quando de uma cena que tenha que expressar ira, determinação ou outro sentimento de emoção forte que a situação exija. Os olhos enviesados, os braços estendidos, dedos rijos, provocam uma impressão de força concentrada e precisa. Pode até ser grotesco e sobre-humano, mas insere em si o eixo central da arte kabuki.       
Por um repertório popular.       
O kabuki por atuar dentro das camadas populares não se preocupava em agradar o governo como fazia o teatro Nô. Os dramas históricos são tratados até com ironia em que guerreiros e nobres são figuras centrais de tais narrações; a maioria derivada do Bunraku (teatro de marionetes). O drama doméstico por outro lado, é essencialmente voltado para a vida da classe plebéia identificando-se com seus problemas e sonhos. No kabuki, o real parece mergulhar para o campo da encenação, dando lugar para os aspectos superficiais da elocução e da cor. A própria estória relegada a um segundo plano.        O kabuki sempre esteve atento às exigências de sua época, adaptando-se às condições do momento. A vivacidade está justamente nessa constante renovação que torna a temática mais popular. Agora, com a vinda dos tempos modernos, o kabuki viu-se forçado novamente a buscar apoio junto ao se grande público. Em contrapartida, surgiu o teatro contemporâneo junto a outras formas de lazer. O kabuki defronta-se com esse dilema: manter-se como está ou absorver influências do mundo atual. É um problema que cabe ao próprio teatro kabuki resolver.
O drama doméstico por outro lado, é essencialmente voltado para a vida da classe plebéia identificando-se com seus problemas e sonhos. No kabuki, o real parece mergulhar para o campo da encenação, dando lugar para os aspectos superficiais da elocução e da cor. A própria estória relegada a um segundo plano.        O kabuki sempre esteve atento às exigências de sua época, adaptando-se às condições do momento. A vivacidade está justamente nessa constante renovação que torna a temática mais popular. Agora, com a vinda dos tempos modernos, o kabuki viu-se forçado novamente a buscar apoio junto ao se grande público. Em contrapartida, surgiu o teatro contemporâneo junto a outras formas de lazer. O kabuki defronta-se com esse dilema: manter-se como está ou absorver influências do mundo atual. É um problema que cabe ao próprio teatro kabuki resolver.Tragédia Grega:
A Tragédia Grega: 
   
Dionísio,o deus do teatro  
Comumente, entre nós, modernos, a palavra "tragédia" tornou-se uma aplicação costumeira para designar um acontecimento doloroso, catastrófico, acompanhado de muitas vítimas, ou ainda para descrever o desenlace de uma paixão qualquer que redundou num horrível assassinato. Para os gregos, entretanto, tragikós era outra coisa. A tragédia definia acima de tudo uma forma artística, ou algo que somente ocorria entre os grandes. Na visão de Aristóteles, um dos primeiros a estudar o impacto dos espetáculos teatrais, a tragédia seria "uma representação imitadora de uma ação séria, concreta, de certa grandeza, representada, e não narrada, por atores em linguagem elegante, empregando um estilo diferente para cada uma das partes, e que, por meio da compaixão e do horror provoca o desencadeamento liberador de tais afetos."A tragédia como catarse
  

   
Aristóteles   criou o conceito de catarse  
Aristóteles não preocupou-se em estabelecer qualquer teoria sobre a tragédia nem concentrou-se nos aspectos técnicos do espetáculo mas no comportamento do público. Concluiu que o espetáculo trágico para realizar-se como obra de arte deveria sempre provocar a Katarsis, a catarse, isto é a purgação das emoções dos espectadores. Assistindo as terríveis dilacerações do herói trágico, sensibilizando-se com o horror que a vida dele se tornara, sentindo uma profunda compaixão pelo infausto que o destino reservara ao herói, o público deveria passar por uma espécie de exorcismo coletivo. Atribui-se à concepção de Aristóteles, que associa a tragédia à purgação, ao fato dele ter sido médico, o que teria contribuído para que ele entendesse a encenação dramática como uma espécie de remédio da alma, ajudando as pessoas do auditório a expelirem suas próprias dores e sofrimentos ao assistirem o desenlace.O Herói Trágico
O centro do espetáculo teatral gira em torno do destino infeliz do herói, tema comum a maior parte das narrativas e das sagas antigas. Nelas ele é apresentado como uma figura radiante, um vencedor que está no esplendor da vida, usufruindo dos feitos das suas armas, envolto numa auréola de glória quando, repentinamente, vê-se vítima de uma alteração brusca do destino. Um acontecimento sensacional, terrível, sufoca as suas alegrias, conduzindo-o à desgraça, arremessando-o ao mundo das sombras. Assim é que Édipo é rei de Tebas, onde casou com a rainha viúva e com a qual teve quatro belosfilhos (dois varões e duas moças), quando tudo deu para desabar ao seu redor. Em outra peça, Agamemnon, o rei de Micenas, ao retornar para casa vitorioso depois de ter pilhado Tróia, sucumbe pelo golpe assassino de Cliptemnestra, sua mulher, e do amante dela. Prometeu, o titã que trouxe do Olimpo o fogo dos céus para os homens, banido, termina preso e encadeado no alto das montanhas do Cáucaso.
   
Agamemnon   retorna para morrer  
Homero e a tragédia
Os poemas de Homero, tanto a Ilíada como a Odisséia, oferecem vários desses momentos de infelicidade pelos quais os grandes passam: o desespero de Aquiles quando perde o seu amigo Pátroclo num combate; o encontro de Ulisses com Aquiles na morada dos mortos; a desgraça de Heitor, o bravo guerreiro morto num duelo pela defesa da sua cidade; a humilhação de Príamo, o velho rei de Tróia, que é obrigado a suplicar a Aquiles pela devolução do corpo do filho. O objetivo do poeta porém não é exatamente o mesmo do autor dramático. Esses episódios da "Ilíada" e "Odisséia" fazem parte da narrativa geral cuja intenção é enaltecer a bravura e os feitos dos combatentes e não provocar a compaixão ou qualquer outro sentimento piedoso nos leitores ou ouvintes. Segundo Albin Lesky "a epopéia homérica é para a objetivação do trágico na obra de arte somente um prelúdio."
   
Orestes,   o vingador (escultura de Simart)  
Os postulados do trágico
Para poder-se dizer que um espetáculo é uma tragédia é preciso que ele apresente certas características facilmente identificadas pelo público. Em primeiríssimo lugar, deve revelar a dignidade da queda. O herói é sempre uma figura reconhecidamente grande, importante, que consegue manter a integridade moral quando as coisas desandam ao seu redor. É pois, um estóico. Depois, há de verificar-se a importância da altura da queda, transmitindo a idéia da caída de um mundo de segurança e felicidade, que se vê ilusório, para as mais profundas das misérias. Queda, diga-se, que o herói deve aceitar em sua consciência. Não se entende como tragédia o caso da vítima ser alguém sem vontade, conduzido como se fosse um surdo-mudo para a desgraça, um marionete inconsciente dos deuses. E, por último, a tragédia resulta de uma falta absoluta de solução. Não há outra saída do que aquela determinada pelos acontecimentos que vão se descortinando frente ao herói.Estoicismo e tragédia

   
Sêneca,   o romano que compôs tragédias (tela de Rubens)  
A tragédia também tornou-se uma inspiração para a filosofia estóica que, desde os seus princípios, estava determinada a demonstrar os terríveis estragos que a paixão humana provocava. O sábio estóico Sêneca (4 A.C.- 65) serviu-se de peças com urdidura trágica como uma admoestação e advertência para mostrar o desespero que acomete aqueles que se deixam guiar por elas ao não saberem impor limites ao ardores do coração, submetendo-o aos poderes da lógica (esta, comumente, foi a interpretação da tragédia que chegou a nós no Ocidente com força bem maior do que aqueles que os grandes autores dramáticos da Ática lhe davam).Cristianismo e tragédia
Para alguns autores cristãos a tragédia é um gênero que pertence exclusivamente ao mundo pagão. O cristianismo teria banido a tragédia por que ela simplesmente não se enquadra na idéia da alma pecadora que atinge sua redenção por uma graça de Deus, pois não há salvação nem perdão para o herói trágico. Ela, a tragédia, só seria possível na cultura pré-cristã que desconhecia os princípios do arrependimento e da absolvição, ou o gesto inesperado e miraculoso da graça divina (o artificio do Theos ex machiné, largamente utilizado por Eurípides, foi interpretado por muitos como um recurso teatral, não pertinente à essência da concepção grega da tragédia). Pode-se até conjeturar ter sido a própria vida de Cristo uma tragédia definitiva, uma catástrofe moral de tamanha dimensão que superou todos os possíveis dramas, não deixando espaço emocional para que nada mais pudesse emparelhar-se ao sofrimento do Salvador. A representação popular da paixão e do martírio de Jesus, que até hoje é encenada nos autos religiosos, inibiu para sempre a dramaturgia cristã.Originalidade do teatro
Sabemos que os poetas da Grécia Antiga exploraram outros gêneros, tais como o drama satírico e a comédia, mas nenhum deles teve a transcendência alcançada pela tragédia, fazendo com que o espetáculo trágico fosse o que mais profundamente se enraizou na tradição cultural moderna. 

Muitas das contribuições culturais que nos chegaram pela mãos dos gregos, tais como a Filosofia, a Geometria, a Pintura Cerâmica, a Arquitetura, a Música, a História, a Medicina, a Literatura Épica e Lírica, a Mitologia, etc., com certeza eram de origem Oriental. O mesmo, porém, não se deu com o Teatro. Se Pitágoras e Platão abeberam-se da filosofia e da geometria egípcia ; se Heródoto inspirou-se nas crônicas anatólicas, persas e egípcias; se mesmo Homero inspirou-se em narrativas épicas de outros povos, tal não pode dizer-se dos autores trágicos. A Tragédia é a mais pura criação da cultura grega antiga e, quando transplantada para outras culturas, não encontrou a mesma receptividade.
   
O teatro   grego, um espetáculo de massas  
Os concursos trágicos
As encenações trágicas, tais como as conhecemos, tiveram início com a institucionalização da chamada Dyonissia, os "Concursos Trágicos", no governo do tirano ateniense Pisístrato (cerca 536-534 a.C.). Famoso por ter sido "hábil e bonacheirão", o autocrata rapidamente compreendeu a potencialidade política do Teatro, dele lançando mão para popularizar o seu regime. Sólon (668-559 a.C.), o mais famoso legislador ateniense, ao dar-se conta disso, certa vez abandonou em pleno andamento, uma representação que assistia em protesto contra a manipulação política das artes. O velho sábio, desiludido, retirou-se do teatro sentindo-se vencido.   

   
Uma   "persona"  
Naquela época a encenação teatral ainda dava seus primeiros passos e seu apogeu só se deu no século seguinte, no século V a.C., ao surgir a trindade dos soberbos autores trágicos: Ésquilo, Sófocles e Eurípedes. O ciclo da tragédia só encerrou-se quando, à época de Aristóteles, no século IV a.C., o jovem teatrólogo Agaton compôs peças cujos elementos não se inspiram mais na tradição, e sim resultam da sua própria criação. O período abarca mais ou menos uns cento e cinqüenta anos, mas o seu apogeu concentrou-se do início das guerras persas (490-480 a.C.) até encerrar-se com a morte de Eurípedes em 406 a.C. (dois anos antes da capitulação de Atenas perante Esparta), isto é uns 70 ou 80 anos. Literariamente seus marcos seriam a primeira apresentação de "Os Persas" de Ésquilo, que se supõe tenham ocorrido em 472 a.C., e as "As Troianas" de Eurípedes em 415 a.C.
   A   organização das dionisíacas  
   Mês   Denominação da festa  
   Dezembro   A   Pequena Dionisíaca  
   Janeiro   A Lanea  
   Fevereiro   Anthesteria  
   Março   A   Grande Dionisíaca, celebrada após a procissão das Panatenéias, que duravam   seis dias  
Em cada uma delas, concorriam apenas três poetas, escolhidos pelo Honorável Arconte, o patriarca da cidade. A inscrição era voluntária, cabendo ao autor apresentar três tragédias e um drama satírico, - uma tetralogia. Cabia ao Estado (Theorica) a premiação dos poetas e a manutenção, durante a temporada, do sustento dos hypocrites (os atores). Os integrantes do coro por sua vez eram mantidos por patrocinadores privados, em geral atenienses ricos que procuravam ganhar o respeito da sociedade e o reconhecimento público com a prática do mecenato. Feita a escolha dos três autores, o nome deles era submetido a uma votação por uma comissão de 500 juízes (50 de cada um dos demos da cidade) que colocavam o nome do seu preferido escrito numa pequena esfera que, depois, era depositada numa das dez urnas existentes no Pártenon. A obra daquele que foi indicado começa a ser representada a partir do horário matutino, sendo que as dos outros preencherão os dias restantes até que o festival se encerrasse. O poeta escolhido tinha o seu nome anunciado pelo heraldo e, em seguida, ele era coroado pelo Honorável Arconte com uma coroa de hera, a planta sagrada de Dionísio.