Bharata natyam e Ballet clássico
Autor: dancaindianabrasil | Publicado: 2015-06-10T08:23:00-07:00




Reflexões sobre as
técnicas de dança clássica indiana Bharatanatyam
e o ballet clássico europeu


Miriam Lamas Baiak

(Artigo publicado no livro "Mitos e símbolos na cena contemporânea - Interlocuções oriente-ocidente")




&nbsp;


O homem não tem só
linguagem, ele é linguagem, assim como todas as criaturas e coisas que nos
parecem inanimadas (...) na dança, falamos numa linguagem, que, sem dúvida é
muda, mas é certamente uma linguagem sensivelmente mais antiga do que aquela
que usa a língua. A linguagem de movimento do corpo, assim como toda arte,
surge do silêncio (Wosien, 2000, p. 27). 


&nbsp;


A dança é uma forma de linguagem provavelmente mais antiga
que a fala, que sempre mostrou as expressões humanas; é uma forma artística,
mas sua experiência não é apenas estética. Ela também compreende, percebe, cria
e transforma o mundo (Portinari, 1989; Wosien, 2000). Segundo Wachsmuth (2006),
esta linguagem pode dizer e ser verdadeira muito mais que a fala.&nbsp; 


Para Barreto (2004) a dança é uma forma de linguagem que
comunica ideias e valores. Cada estilo carrega em si uma cultura, uma filosofia
de vida, uma formação de conhecimentos humanos que, através dos séculos, foi
experienciada e compartilhada, recriando fatos, histórias e saberes e os
interpretando; esta é a essência de toda arte. 


&nbsp;


O
sentido da dança é a própria existência humana. Por isso só é possível
compreender este sentido na experiência, seja na experiência estética, a experiência da beleza ou ainda nas
experiências educacionais, recreativas ou ritualísticas (Barreto, 2004, p. 76.
Grifo da autora). 


&nbsp;


Segundo Katz (2005), em toda região do planeta o ser humano
dança desde tempos imemoriais, sendo esta uma linguagem universal, que “(...) não
só é necessária e tem sido necessária, mas igualmente que a arte continuará
sendo sempre necessária” (Fischer, 1959, p.11). A autora afirma ainda:


&nbsp;


Muitos representam a
dança como a expressão de um eu interior. Outros como ligação com o sagrado.
Dança como aquilo que dá forma ao invisível. No entanto, ela também poderia ser
tomada como um modelo para o entendimento dos acontecimentos do mundo. Por se
constituir como uma evidenciação do trânsito entre o biológico e o cultural,
modeliza as questões permanentes ao homem, da evolução à tecnologia, dos sistemas
auto-organizados à temporalidade. Afinal, exatamente porque os cérebros inovam
tanto, é que o comportamento inventa primeiro e a anatomia muda depois. Onde
mais senão na dança isso se explicita no próprio modo de fazer? Onde mais
explicar isso senão na noção de semiose peirceana, aquele processo que sempre
determina uma mudança de hábito? (2005, p.168).


&nbsp;


Como arte, a dança é interpretada de várias formas por
várias pessoas, mas busca por meio dos movimentos corporais as expressões, como
alegria, tristeza, ira, medo, surpresa, nojo e desprezo que, para Ekman, citado
por Schubert (2006), são universais. Para Lovejoy, citado por Geertz, muda-se o
local, a época, o figurino dos atores, mas os movimentos “surgem dos mesmos
desejos e paixões dos homens e produzem seus efeitos nas vicissitudes dos
reinos e dos povos” (1989, p. 46).


O homem começou a dançar na Pré-História para expressar-se,
comunicar-se com sua tribo e com os deuses; pela exuberância física; para a
fertilidade da terra e do homem; em nascimentos, casamentos e falecimentos;
para pedir sol ou chuva. A dança era sinônimo de religião e a religião sinônimo
de vida, e estas davam sentido aos movimentos humanos e significados à sua
expressão. Durante anos o homem foi codificando e decodificando esses
movimentos de acordo com suas crenças, necessidades e habilidades. Assim, as
diferentes danças surgiram em cada canto do mundo, cada qual com sua
particularidade e seus simbolismos (Baiak, 2007). 


&nbsp;


Breve histórico do Bharatanatyam


&nbsp;


Afirma-se que, na região sul da Índia, mais especificamente
no estado de Tamil Nadu, a dança começou a se desenvolver dentro de uma
combinação de mitologia, religião e arte. Em cada região, ela expandiu-se, resultando
em oito estilos clássicos. Suas bases remetem, provavelmente, aos tratados milenares
Natya Shastra de Bharata Muni e Abhinaya Darpana de Nandikesvara, escritos, sistematizados e
desenvolvidos pelos povos arianos. Passando dos templos para os teatros, e da
Índia para o mundo, as danças clássicas indianas vêm sofrendo modificações em
sua estrutura e transformando a vida de seus bailarinos (Andrade, 2007). 


O Natya Shastra,
também
chamado de Natya Veda, conta
a história e a origem das artes dramáticas da Índia; Natya é a poesia, a
música, a dança que forma o drama; e Shastra quer dizer escritura. Andrade
(2008) traduz o termo por “tratado sobre o teatro”. Tal tratado, cuja escrita é
atribuída ao sábio Bharata Muni,
relata que a dança foi criada pelo deus Brahma.
O Natya Shastra possui 6000 versos em
36 capítulos. Nele estariam reunidas as palavras e o conhecimento do Rigveda, os gestos do Yajurveda, a música do Samaveda, e o sentimento, a emoção e a
espiritualidade do Atharvanaveda<!--[if !supportFootnotes]-->[1]<!--[endif]-->, tratando sobre moral e espiritualidade
e introduzindo uma nova forma de expressão: a arte performática. Existe uma
divergência entre os historiadores segundo sua data de origem, variando entre o
século II a.C. e o século III d.C.


As danças clássicas indianas são classificadas,
de acordo com o Natya Shastra,
em três categorias: Nritta ou purakkoothu
(dança pura), criada pelo deus Shiva
na sua forma Tandava (energia forte,
vigorosa); Nritya ou ahakkoothu (dança
expressiva); e Natya (drama). (ANDRADE, 2008)


Em Nritta o movimento é baseado no ritmo
da música que não possui um poema cantado . Essa dança tem um caráter puramente
decorativo e de embelezamento por meio da forma e do ritmo. 


Já Nritya expressa sentimentos e conta
estórias através de hastas (gestos de mãos) e abhinaya (expressões
da face e do corpo). Os principais hastas
usados são os asamyukta (simples, contendo 28 gestos) e os samyukta
(compostos, contendo 24 gestos). Em Nritta
não são usados todos os hastas
existentes. 


Natya se refere a uma peça completa
composta de música, dança e arte dramática, incluindo a fala cantada.


As danças ainda são divididas em: margi, que são as danças clássicas,
seguindo uma tradição e um repertório, narrando histórias dos deuses e dos
épicos hindus; e desi, danças
folclóricas, que são simples e fazem parte de um costume específico. (ANDRADE,
2008)


O Abhinaya Darpana, de Nandikesvara (s.d), define
seis elementos: nrtya (dança), gita (som), abhinaya (gestos), bhava (emoção),
rasa (sentimento) e tala (ritmo), dando a definição e a
aplicação destes, divididos em quatro partes:
angika abhinaya, que seriam os
movimentos do corpo; vachika abhinaya, que seriam a poesia, o texto
falado ou cantado; aharya abhinaya, fala do vestuário, ornamentos,
maquiagem e cenários; e a quarta parte fala sobre os estados emocionais (satvika abhinaya). 


Andrade (2008), Sarabhai (2007), entre outros, consideram
a dança clássica indiana do estilo Bharatanatyam, antes conhecido como karnatakam, dasiattam ou sadir;
a arte clássica mais antiga da Índia. Os karanas (retratados sob a forma de esculturas de dança), registrados
nos templos do estado de Tamil Nadu, comprovam a origem desta dança, que foi
preservada e desenvolvida pelo sistema devadasi, passado de geração a
geração. 


&nbsp;&nbsp; É
calculado que o Bharatanatyam tenha em torno de 5000 anos (VATSYAYAN,
2007), tendo sido originado às margens do rio Caurevy, Tamil Nadu,
Índia. Cresceu, no entanto, além de dentro do próprio estado, como nos estados
de Karnataka e Andra Pradesh, depois do século X. Podemos ver
esculturas que retratam esse crescimento nos Templos de Brihadishwara em
Tanjavur, Sarangapani em Kumbakornam, Nataraja em Chidambaram
e os Templos de Kanchipuram. 


A palavra bharata tem sua origem em
várias raízes. Bharata é o antigo nome da Índia; o nome do sábio a quem Brahma
concedeu as escrituras sagradas; e também deriva da palavra bharata, da
qual se podem extrair as três sílabas: bha, que significa bhava ou expressão; Ra, que significa raga ou modo
musical, e ta, que
significa tala ou ritmo. A palavra natyam, que deriva de nat (movimento, ação), significa “a arte
da dança”; e nela estariam embutidas as três silabas acima. Para Ganga (1997),
isto significa que para existir a dança, ela deve ter emoção, melodia e ritmo, atuando
juntos o corpo e a mente do dançarino. A civilização indiana possui milênios de
história, baseada em filosofias e doutrinas religiosas, resultado da fusão de
diversos povos, principalmente de arianos e dravídicos. O declínio da arte
hindu começou com a invasão dos mulçumanos no período medieval (1100 d.C. -
1500 d.C.), e depois em 1757 d.C. com a Companhia inglesa das Índias Orientais
que se estabeleceu em Bengala; cerca de cem anos depois todo o território
indiano já era dominado pela Inglaterra, principalmente os estados atualmente
correspondentes ao Paquistão e Bangladesh, período em que a dança esteve
incluída muitas vezes na função do estado britânico, segundo Gaston (1996). 


&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; A arte ocidental começou a ser
introduzida na sociedade e se tornou acessível ao público; enquanto a hindu
deixou de ser patrocinada, apreciada e entendida pelos ingleses e pelos
próprios indianos, chegando-se à sua proibição.


Em 1947, a Índia consegue sua independência com o
movimento da “não violência”; e foi dividida em República da Índia e república
Islâmica do Paquistão. Este marco histórico foi fundamental para sua
ocidentalização e para sua influência no mundo europeu.


Com a ocidentalização, as tradições indianas
passaram a ser vistas de outra forma, com novas críticas e leituras. Assim,
três elementos fundamentais da tradição foram modernizados: a forma de ensino e
preservação da dança, o lugar das apresentações e a soberania da classe devadasi (Andrade, 2008). Devido a essas
mudanças, a dança indiana pode novamente ganhar força e valor em seu
território.


Segundo Kothari (2000) uma das pessoas mais importantes na ressignificação
de um dos estilos de dança de Tamil Nadu, após o reinado britânico, foi Rukmini
Devi, que antes de iniciar seus estudos na dança indiana, fez ballet clássico sob os cuidados de Anna
Pavlova, grande bailarina clássica que se inspirou na cultura indiana e
japonesa para suas produções.


Rukmini Devi deu ao Bharatanatyam um novo capítulo. Para Sarada (1985, apud Gaston,
1996), a Kalakshetra, escola fundada
por ela e com professoras devadasis,
melhorou a dança por meio de sua visão artística e de ensino, que incluía um
sistemático estudo de teoria. Desta forma, desenvolveu-se um novo estilo.


Os bailarinos do século XX adaptaram as
tradições aos tempos modernos, levando a dança para fora do templo e ensinando
para pessoas de todas as castas e nacionalidades, assim como também os
bailarinos indianos começaram a ir para outros países levando sua dança e
aprendendo outras, explorando questões multiculturais como a história,
religião, espiritualidade, visão corporal, entre outras.


Durante este período (1950 à 1990) a dança
esteve tanto no templo como fora dele, fazendo com que, anos mais tarde, se
tornasse uma forma de entretenimento com maior dimensão em sua forma, podendo
ser apresentada tanto em grupos, como trios, duos e solos. Sendo arte, sua
percepção é individual: uns podem vê-la com um propósito devocional ou
espiritual&nbsp; e outros podem vê-la apenas
como uma forma abstrata. A arte chega diferente em cada espectador, levando ao
público, além de lazer, uma nova forma de ver a vida, o mundo real e o mundo
irreal; a dança em si tem o poder de criar um mundo diferente na mente de cada
espectador, de acordo com suas experiências, e este mundo é capaz de gerar
novas informações e conhecimentos para uma vida.


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O ballet
clássico na Europa e sua história


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O ballet europeu
teve origem nas danças de salão e nas festas principescas (triunfos), com temas
de deuses, heróis e príncipes, e eram apresentados durante o banquete real. O
primeiro Triunfo apresentado foi em 1489, em Tortona, na Itália, em ocasião do
casamento do Duque Sforza (Milão) com Isabela de Aragão. O tema foi a mitologia
grega: Jasão e os Argonautas. Anos mais tarde, Catarina de Médices mudou-se para
a França para casar-se com o Duque de Orléans, futuro Rei Henrique II, levando
consigo o “requinte florentino” em matéria de arte, tendo produzido grandes
espetáculos (WOSNIAK, 2003).


Em 1638 nasceu Luís XIV, que desenvolveu grande gosto pela
arte e, no ano de 1653, aos quatorze anos, apareceu no Ballet de la Nuit, como o Rei Sol, que derrota as trevas. Esta
personagem tornou-se seu símbolo como monarca. Luís XIV criou diversas
instituições para promover a arte e, em 1669, criou a Academie Royale de Musique, que também era dotada de uma escola de
dança, que mais tarde veio a ser a Ópera de Paris. (WOSNIAK, 2003)


Em 1760, Jean George Noverre, em sua obra Lettres sur le ballet et les arts
d’imitation expõe sua teoria acerca do ballet
d’action, sob a forma de 35 cartas, num movimento de ideias renovadoras.
Segundo Wosniak (2003), ele conclamou o ballet
a falar à alma e não somente aos olhos, criticando o virtuosismo acrobático,
tendo feito com que o ballet tomasse
um novo rumo: a expressão dramática.


No entanto, foi somente no Romantismo que essa dança ganhou
seus maiores progressos: os cenários tornaram-se mais sofisticados, as roupas
ganharam maior leveza, ampliando a possibilidade de movimento dos bailarinos, e
a sapatilha de ponta foi usada pela primeira vez, tornando-se símbolo do ballet clássico.


No final do século XVII, o ballet clássico, tendo atingido seu apogeu na Europa, mudou seu
cenário para a Rússia, onde desenvolveu um estilo próprio adequado à realidade
de seu povo. Marius Petipa, Lev Ivanov, Agrippina Vaganova, entre outros, foram
uns dos principais responsáveis pela técnica russa e pelo seu reconhecimento no
mundo, produzindo obras (como O Quebra
Nozes, O Lago dos Cisnes, A Bela
Adormecida, entre outras) até hoje remontadas pelas principais companhias
de dança das Américas, da Europa e da Ásia. Assim como no reinado de Luís XIV,
no entanto, os ballets começaram a
ficar repetitivos. Dançarinos como Serge Diaghilev, Michel Fokine e Vaslav
Nijinski surgiram para, mais uma vez, levar o ballet clássico ao seu apogeu e para o mundo.


Os Ballets
Russos de Diaghilev foram, durante vinte
anos, o centro das atenções, das transformações, das inovações, das influências
do ballet no mundo e, talvez, o
último. Segundo Michailowsky, citado por Wosniak (2003), a influência dos
bailados russos se manifesta em todas as cenas da Europa Ocidental, Central e
das próprias Américas, impondo a nova escola de ballet artístico russo.


&nbsp;


Ballet
clássico europeu e dança indiana: entrecruzamentos


&nbsp;


Abaixo
segue-se algumas aproximações que necessitam de investigação mais aprofundada,
fazendo parte de uma pesquisa em andamento.


Nota-se que o ballet ganhou força perante a sociedade e teve seu ápice nos
séculos XVIII e XIX na França (Portinari, 1989), na mesma época em que a Índia
era invadida pelos ingleses e pelos franceses.


Segundo Soneji (2010), depois da
primeira apresentação de dança indiana na Europa, em 1838, vários libretistas
escreveram óperas e ballets com temas
indianos, pois as dançarinas indianas encantaram o público europeu, assim como
deixaram fascinadas as principais bailarinas francesas da época, Marie Taglioni
e Fanny Elssler. Segundo Canton (1994), os contos orientais começaram a ser
levados à França neste mesmo período. A autora também cita que a Kalakshetra, academia internacional de
artes fundada por Rukmini Devi, incluía aulas de ballet clássico como parte de seu treinamento de Bharatanatyam.


Abaixo segue uma lista de alguns ballets com temas e/ou personagens indianos:


-Le dieu bleu (1912). Lenda hindu de
Cocteau e Madrazo, música de Reynaldo Hahn, decorações e vestuários de Bakst,
coreograifa de Fokine.


-
O sonho da dança (29/05/1911).
Bailado em sete cenas. Libreto e coreografia de Alexander Gorsky; música de
Bhams, Glazunov, Tchaikovsky, Luigini e Rubinstein; cenários de Amable e Ryan.
Estreado no Teatro Alhambra, Londres.


-
La Bayadère (4/02/1877). Bailado em quatro
atos e sete cenas. Música de Ludwing Minkus, libreto de Khudenov, coreografia
de Marius Petipa. Estreia no Teatro Marinsky. 


­-
Os frescos de Adjanta (1923),
inspirado na mitologia hindu, usando seus gestos e suas formas. Coreografia de
Anna Pavlova e Ivan Clustine.


-
Casamento hindu e Radha e Krishna, incluídos no
espetáculo: Impressões orientais (13/09/1923).
Ballet em três atos. Coreografia &nbsp;de Uday Shankar; música de Comalata Banerji. Estreia
no Convent Garden – Royal Opera House.


-
Excelsior (1881). Ballet em seis
partes e 12 cenas. Libreto e coreografia de Luigi Manzotti; música de Romualdo
Marenco; cenários e figurinos de Alfredo Edel. Estreado no Teatro alla Scala,
de Milão.


-
Triunfo do amor (21/01/1681).
Coreografia de Lully; libreto de Phillipe Quinault e Isaac Benserade; figurinos
de Jean Bérain. Estreado no Saint Germain em Lave, no casamento de Maria Ana
Cristina Vitória e apresentada ao público no dia 6 de maio do mesmo ano no
Palácio Real de Paris.


A dança clássica indiana e a europeia
surgiram em países e em épocas diferentes, mas essas duas técnicas
possivelmente se encontraram quando o ballet
clássico foi codificado e o Bharatanatyam
reformulado. Para Fischer
(1959), a arte reflete a capacidade do homem de associar e circular
experiências e ideias; por isso, as semelhanças entre essas duas danças podem
ser entendidas como o resultado do “encontro” de duas sociedades
distintas.&nbsp; 


Segundo
Mauss (1974), a técnica é uma tradição que muda de acordo com cada sociedade e
época, tendo diversos meios para diversos fins. Por isso, temos várias técnicas
no mundo, pois cada indivíduo, cada sociedade possui uma cultura e uma história
diferente da outra. 


O ballet clássico e o Bharatanatyam podem ser caracterizados por reconhecer critérios e
padrões: ambos são padronizados por uma elite e são apresentados após anos de
treino. Além disso, é necessário conhecimento da técnica para sua completa
apreciação. 


As técnicas
corporais seriam nada mais que a capacidade do corpo de adaptar-se diante de
variadas situações, criando, assim, um hábito que é passado às novas gerações e
muda de acordo com cada povo e com cada período histórico. Quando duas ou mais
técnicas se encontram em algum período da história, elas podem se fundir,
levando às futuras gerações uma tradição modificada pela influência de outra
sociedade e cultura. Levando em consideração as teorias de desenvolvimento
humano de Gallahue e Ozmun (2001) somos resultado da nossa genética, do meio em
que vivemos e das tarefas que realizamos. Portanto, se Rukmini Devi fez ballet clássico, o estilo desenvolvido
por ela do Bharata natyam &nbsp;pode ter sofrido influência do ballet ocidental. Assim, também o
ocidente pode ter levado da Índia não apenas temas para seus ballets, mas também movimentos corporais,
como o fez Anna Pavlova que, além de resgatar o que a Europa havia esquecido,
os grandes monumentos e as belas tradições das danças indianas, sofreu
influência corporal em suas composições, com a ajuda de um bailarino indiano,
Uday Shankar, com quem montou espetáculos como Radha and Krishna e Hindu
Wedding, que foram sucesso na Europa, nos Estados Unidos e na própria
Índia. Pavlova foi muito aplaudida com suas coreografias inspiradas na técnica
e na temática das danças indianas (KOKHAR, 2009).


Segundo
McCarthy (2012), o estilo Kalakshetra
é o que apresenta mais diferenças em suas características da dança antiga que
hoje chamamos Bharatanatyam, tendo
uma grande variedade de influências, inclusive do ballet europeu e muito mais do que os indianos gostariam de
admitir. Podemos ver e interpretar vários princípios do ballet em suas produções de solo e dramas. Sua dança é cartesiana,
geométrica e com um equilíbrio estrito. Em seus dramas, as cenas da corte e da
natureza, o enredo narrativo, as entradas especiais para diferentes funções, as
danças de caráter - que separam o urbano do pastoral, o mortal do imortal - e o
corpo de baile são difíceis de desassociar dos ballets do século XIX. Segundo Khokar (2009), Anna Pavlova era uma
e Rukmini Devi outra, mas ambas estavam ligadas pela dança.


Mesmo que o
papel do Bharatanatyam nos templos
tivesse uma dimensão totalmente diferente daquela do ballet nos palácios europeus (Gaston, 1996), não deixam de
apresentar semelhanças técnicas que podem ser o resultado de um encontro no
final do século XVIII e início do século XIX. 


Algumas evidências históricas
apontam para uma possível relação entre a dança clássica indiana Bharatanatyam, principalmente o estilo Kalakshetra (desenvolvido por Rukmini
Devi), e o ballet clássico. Ainda são
poucos, contudo, os estudos científicos sobre este tema, e mais estudos neste
campo do saber se fazem necessários. Para
Gaston (1996) a visão artística do Bharatanatyam
sempre vai ser diversa e ele continuará, como toda arte, se adaptando e
mudando. 


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<!--[endif]-->




<!--[if !supportFootnotes]-->[1]<!--[endif]-->
Todos os quatro são tratados que versam sobre diferentes temas, sendo: Rigveda – livro dos hinos; Yajurveda – o livro do sacrifício; Samaveda – o livro dos cantos; e Atharvanaveda – o livro dos rituais.

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