Melhores Filmes de 2014 - Parte II: O Top 10
Autor: Nathanael Buzelli (Civerts) | Publicado: 2015-03-22T00:21:00-03:00


Já foi publicado: Menções Honrosas 

10 Birdman (Birdman or The Unexpected Virtue of Ignorance)


SURTADO. A décima posição é do ganhador do Oscar de Melhor Filme de 2014, algo que, como você deve saber, eu critiquei e continuarei criticando da mesma maneira que critiquei a vitória de O Discurso do Rei em 2010 (que ficou fora do meu Top 10, por sinal). O filme de Alejandro G. Iñarritu pode ser definido pela palavra surtado, não por inovador, não por genial. A ideia de utilizar o plano sequência para espelhar o perfeccionismo do personagem principal vai por água abaixo quando percebemos que em determinado momento este mesmo personagem se deixa levar pela sua loucura, assumindo de vez o personagem Birdman e deixando a peça em segundo plano. Afinal, ele é egoísta e todos sabemos disso. Esse é só um dos excessos de Alejandro G. Iñarritu no comando do filme. Outro momento de excesso, bem claro, é o baterista tocando a trilha sonora do filme no meio dos cenários para ilustrar a perturbação do protagonista (o teatro seria sua mente?), mas qual o motivo de fazer isso uma vez que a trilha sonora de BATERIA já deixa isso bastante claro! É basicamente o mesmo erro de Trapaça no ano passado, o filme assume postura de filme moderno mas não consegue deixar de lado as diversas redundâncias.&nbsp; 





Aí
 você me pergunta: Mas então porque este filme está no seu Top 10? 
Porque os atores estão tão bem, mas tão bem que você acaba por relevar 
todos os problemas, e a fotografia de Emmanuel "Chivo" Lubezki consegue 
segurar a atenção de qualquer estudante de cinema como eu. Se Birdman não assumisse tanto a postura de film art como
 assumiu e tivesse se postado como uma grande paródia de Hollywood, que 
vive de filmes de super-heróis mas se considera arte em diversos 
momentos, o filme iria muito além e talvez arranjasse uma posição melhor
 no meu top 10. O que não dá pra acontecer é eleger esse filme como o 
melhor do ano e ainda ter que ouvir seu diretor dizer que a verdadeira 
arte só será reconhecida com o tempo - como se seu filme fosse arte e 
como se fosse ser lembrado daqui a 20, 15 anos.
Cena mais marcante: Michael Keaton de cueca precisa atravessar a Times Square para chegar ao Teatro.

9 Sob a Pele (Under the Skin)


Mesmo que você não perceba de primeira, não é difícil dizer que Sob a Pele é um filme ecológico. Ele simplesmente consegue passar a mensagem que Avatar enrolou, enrolou, enrolou e não passou: estamos destruindo a beleza do nosso planeta. Dirigido e adaptado por Jonathan Glazer, um diretor conhecido por uma carreira na indústria musical, trabalhando com clipes, foi vaiado em diversos festivais ainda em 2013, mas, surpreendentemente, quando o filme estreiou nos EUA no primeiro semestre desse ano, muitos o consideraram uma das melhores ficções científicas dos últimos 10 anos (3º lugar segundo a Rolling Stone). A minha ansiedade cresceu e quando vi o filme demorei um tempo para digerir e finalmente apreciar a performance de Scarlett Johansson, a qual define o filme por si só - a alienígena que não conhece seu corpo e não entende a beleza deste; quando finalmente passa a descobri-lo, percebe que tal beleza pode gerar uma série de consequências "ruins". Isso seria o mesmo que falar das pessoas que vivem neste planeta e não conhecem ou não entendem a beleza deste, os que acham que conhecem procuram ganhar dinheiro em cima disso, acarretando destruição.&nbsp;




Glazer e Johansson entraram em sintonia e, graças também à grande fotografia do filme, criaram uma grande ficção científica (claramente influenciada pela estética de Kubrick misturada a estética oitentista de Ridley Scott). Talvez daqui a alguns anos e volte a olhar esse ranking e pense: "caramba, podia subir um pouco (ou muito)" - bem, este é um daqueles filmes que melhoram com o tempo...quem sabe não se transforma em uma obra-prima no futuro?


Cena mais marcante: (SPOILERS) A cena final é uma aula de fotografia e um dos momentos mais "fortes" do cinema em 2014. A Alienígena admira a beleza de seu corpo
destruído antes de se ver destruída por completo.&nbsp;

8 O Ano Mais Violento (The Most Violent Year)


Esteticamente falando, este é o filme que mais se 
aproximou de "O Poderoso Chefão" em anos, desde a fotografia rebuscada aos 
figurinos de importância profunda para os personagens, da Nova Iorque 
oitentista até a poderosa performance de
 Oscar Isaac (uma das melhores do ano, sem dúvida), créditos a Jessica 
Chastain, que teria indicado Isaac para o papel. Para mim não há dúvidas
 que este foi o melhor filme de JC Chandor, um cineasta que segue em 
completa ascenção. Infelizmente, como em todos 
seus outros filmes, Chandor não se importa muito com publicidade, uma vez que eles estão em cartaz e disponível para que o 
mundo possa apreciá-los.


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É
 Nova Iorque, 1981.&nbsp;Em um dos invernos mais violentos da história da 
cidade, o imigrante Abel Morales (Isaac) e sua esposa, Anna 
(Chastain), tentam prosperar nos negócios, mas não conseguem 
escapar da corrupção, decadência e brutalidade que dominam a região, e 
são obrigados a agir de uma maneira diferente. A fotografia lembra muito
 o segundo chefão, sempre explorando o contraste de claro e escuro, 
contando dignamente uma história que gira em torno do contraste entre 
glamour e podridão que tomava conta da cidade naquele tempo. O Ano Mais Violento poderia até ser uma bela sequência a Taxi Driver, retratando
 o que teria acontecido após a tentativa de Travis de melhorar a cidade:
 a decadência. Naquela época, a Guerra Fria continuava assustando e 
ninguém tinha ideia do que aconteceria no dia seguinte. O governo estava
 mais preocupado em tratar de política externa do que cuidar do seu 
próprio país (não é a toa que na mesma época a HQ Watchmen foi
 publicada). Os figurinos, como falei anteriormente, contam uma história
 a parte, de extrema importância para o entendimento do estado dos 
personagens - a evolução, como num épico do submundo. O filme também 
pode ser facilmente relacionado a Os Bons Companheiros, mas no final das contas, o pensamento é um só: Oscar Isaac seria um bom Don para
 a família Corleone (muito melhor que o Vincent do terceiro filme). 
Jessica Chastain surpreendentemente está mais controlada neste filme. 
Ela costuma se esbaldar em expressões forçadas, mas neste filme ela 
volta aos tempos de A Árvore da Vida e deixa Isaac comandar o 
filme, apenas pontuando momentos importantes com extrema sutileza (se 
fosse mais gritante, seria indicada ao Oscar com certeza). 


Cena mais marcante: O filme funciona muito como um todo, mas a cena de abertura é lindíssima.





7 O Grande Hotel Budapeste (The Grand Budapest Hotel)


O que mais posso falar de Wes Anderson? Na minha humilde opinião, O Grande Hotel Budapeste é o filme mais divertido e bonito que W.A. já fez, apesar d'eu achar Os Excêntricos Tenenbaums melhor.
 Tantos personagens, todos interessantes, com um ritmo quase que 
perfeito, com timing cômico e cenas de perseguições acertadas. O elenco 
num filme de Wes nunca foi melhor e, apesar do grande Royal Tenenbaum 
ser considerado o ícone dos filmes de Anderson (Gene Hackman chegou a 
ganhar um Globo de Ouro por sua performance), eu acredito que Monsieur 
Gustave H. (Ralph Fiennes) será sempre lembrado por seu humor perfeito e
 elegância natural.&nbsp;






Wes queria criar algo que fizesse referência aos filmes de Ernst Lubitsch, principalmente aos da década de 1930 (To Be or Not to Be, Trouble in Paradise, Monte Carlo), e conseguiu fazer algo até melhor (muito devido as cores e a seu estilo único). Misturando diversas sub-plots
 a uma estética expressionista com retoques de histórias em quadrinhos 
de época (como as de Hergé e Eisner). Eu não sei como pode-se não amar 
um filme como este, de longe o que mais assisti da minha lista (já vi 
pelo menos 4 vezes).&nbsp; 

Cena mais marcante: São tantas, mas sempre que penso neste filme lembro da hilária cena no Castelo, após o anúncio da herança. 


6 Selma


Político e forte contra o racismo (ótimo para se ver depois de Mississippi em Chamas). Apesar
 de um roteiro mais frágil e de uma direção que ainda busca definir sua 
estética, comparado com o grande vencedor do Oscar do ano passado, 12 Anos de Escravidão, Selma consegue
 atingir um nível de excelência devido a uma performance: Davi Oyelowo e
 seu Martin Luther King. Não tenho palavras o suficiente para definir o 
poder de sua atuação, não só em relação ao espectador, mas em relação 
aos atores que estavam no set e provavelmente foram influenciados por 
sua performance. A diretora Ava Duvernay utiliza a mesma tática que 
Steve McQueen utilizou em 12 Anos de Escravidão, mostrando 
somente o necessário para que o espectador saiba da dor e da dificuldade
 de se viver nas respectivas épocas em que esses filmes se passaram. E 
aí vem a parte mais difícil: isso ainda existe. A canção "Glory", que 
ganhou o Oscar em um dos momentos mais emocionantes da história da 
premiação, é brilhante ao lembrar do que aconteceu em Ferguson no ano 
passado e que continua a acontecer e repercutir anualmente. Quando será 
que isso chegará ao fim? A luta continua e, como diz a canção, quando a 
glória chegar ela será NOSSA; não minha, não sua, mas todos nós.





Cena mais marcante: A cena do "massacre" na ponte de Selma foi essencial para conscientizar o espectador, até eu chorei vendo aquilo.
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5 Garota Exemplar (Gone Girl) 


Não importa o que aconteça, no final das contas David Fincher sempre aparece no meu top 10, praticamente sempre no top 5. Toda vez que vou ao cinema ver um filme do Fincher me pergunto quando que verei algo melhor que A Rede Social, não foi dessa vez novamente, mas tive o prazer de ver um dos melhores suspenses das últimas décadas. Frio, quente, levemente cômico, levemente assustador, Garota Exemplar é um suspense que deixaria Alfred Hitchcock feliz da vida, começando por um ensinamento: adapte obras que não são conhecidas do grande público, assim, aquela história será considerada obra sua, e não do autor - disse o mestre do suspense a entrevista com François Truffaut no final da década de 1950. Por mais que muitos tenham buscado ler a obra de Gillian Anderson após o filme, Garota Exemplar será sempre lembrado como o filme de David Fincher, do mesmo diretor de A Rede Social, Clube da Luta e Zodíaco, todos adaptações.&nbsp;




Fincher conseguiu extrair até o melhor de Ben Affleck, que teria mais espaço na mídia não fosse a performance de sua companheira de tela: Rosamund Pike. A femme-fatale clássica dos filmes noir da era ouro hollywoodiana, completamente influenciada pela personagem de Gloria Swanson em Crepúsculo dos Deuses (falei sobre isso na crítica), mas mesclando uma elegância que Swanson não tinha (afinal, isso é um filme moderno, a loucura não pode ser explícita, mas desenvolvida para que haja empatia com a personagem). Por mais que fique a sensação que Fincher ainda não tenha atingido um auge em sua carreira (sempre melhorando), sua estética já se tornou clara e talvez daqui há 20 anos possamos olhar para trás e dizer: estávamos vivendo a era David Fincher.



Cena mais marcante: A cena do beijo sob a "chuva de açúcar", ao som do tema principal - assustador e encantador ao mesmo tempo - gerou um eyegarsm, devido a qualidade visual da cena. 



4 Foxcatcher


Após a Mostra de Cinema de São Paulo, eu não sabia se tinha gostado mais de Leviatã ou
 de Foxcatcher. O filme de Bennett Miller é impactante, um tapa na cara 
de muitos americanos que costumam desprezar o perdedor. O final "USA, 
USA, USA" enquanto um devastado Mark Schultz entra em cena é pura 
coragem, o que rendeu o prêmio de Melhor Diretor em Cannes para Miller, 
enquanto seu filme era cotado para vencer a Palma de Ouro. Muito melhor 
que Winter Sleep, ao meu ver, Miller conseguiu criar uma obra 
atemporal, mas muito significativa e com performances definitivas para o
 trio principal - Carrel, Tatum e Rufallo - pra ser sincero, é difícil 
imaginar que eles possam fazer algo melhor do que isso. Mas não é só de 
atuações e de um roteiro corajoso que vive Foxcatcher, a 
fotografia - simples, mas sempre sem revelar tudo que poderia - e a 
trilha sonora transformam esse drama num thriller em que todos os 
personagens saem perdendo.&nbsp;




Como
 na imagem mostrada acima, John Du Point é retratado como um fracassado,
 que tinha dinheiro e achava que isso poderia transformá-lo num 
vencedor. Ele sempre foi um cavalo, controlado por sua mãe (a ótima 
Vanessa Redgrave), mas nunca conseguiu controlar outros "cavalos". 
Durante a melhor cena do filme, Dave Schultz (Rufallo) é perguntado pelo
 entrevistador, o que faz de John Du Point um mentor, não só um 
treinador, e com todo o respeito que seu personagem faz transparecer, 
ele não consegue responder. E mesmo com toda a segurança, evitando 
chatear Du Point, Dave acaba assassinado. Seria o governo americano como
 Du Point? Não consegue controlar todo mundo e acaba resolvendo as 
coisas com violência e derramamento de sangue. Essa é a pergunta que 
Miller propõe a você, e é por isso que ele não foi recebido com a mesma 
glória dentro de seu país. Apesar da coragem e da indicação ao Oscar de 
Melhor Diretor, Foxcatcher vai muita mais além da simples crítica ao tratamento dado pelos torcedores, ataca a alma americana.

Cena mais marcante: Como
 já disse acima, a cena da entrevista é aula de atuação. Bennett Miller 
deve ter batido o pé para ter mantido essa cena no filme, produtores 
normalmente a veriam como descartável.

3 Leviatã (Leviafan)



Todos sabemos que a Rússia é corrupta e que ela está decadente, apesar do que nosso amigo Putin tenha a dizer. Agora, qual é a melhor maneira de contar essa história? Do jeito que Leviatã fez. A crítica o queria como vencedor da Palma de Ouro (assim como eu), pois o diretor Andrey Zvyagintsev traz um conto naturalista, em que a terra morta está diretamente ligada aos personagens. O personagem principal está prestes a perder a sua propriedade e deposita toda sua confiança no amigo, que está mantendo um caso com sua&nbsp; mulher. A terra corrupta leva os personagens a agirem de maneira corrupta, deixando a fidelidade de lado pelo simples prazer do sexo, e no final, assim como a terra que morre, a personagem feminina principal decide morrer também.&nbsp;




Com planos brilhantes (como este acima), cenários de literalmente tirar o fôlego, uma montagem eficiente, Leviatã utiliza as formas, tradição do cinema russo, para traduzir a manipulação do estado para as telas do cinema: quadros na mis-èn-scene, cortes com carga simbólica, uma música atonal para deslocar o espectador para uma realidade que ele pode não estar sentindo. Mas o que dizer quando grande parte do mundo é corrupto, principalmente o Brasil. São Paulo está morrendo também, e com ela nós vamos juntos, porque sua terra também define quem você é. O estado, ou políticos, manipulando congregações e fiéis pelo simples desejo de enriquecer, sem se importar como, acaba dando brechas para que o leviatã (um demônio segundo a Bíblia) se manifeste, e destrua tudo o que já foi belo um dia. &nbsp;

Cena mais marcante: O churrasco/festa nas montanhas é memorável.


2 Era Uma Vez em Nova Iorque (The Immigrant)


James
 Gray já se provou um dos melhores, senão o melhor, cineasta clássico em
 "Hollywood", e não é diferente com esse belíssimo filme. The Immigrant estreiou
 no Brasil pela primeira vez em 2013, no Festival do Rio, vindo de 
Cannes - onde não recebeu as melhores críticas (diz a lenda que Gray 
alterou o filme após Cannes, mexendo na montagem), mas foi prejudicado 
por uma briga entre Gray e o distribuidor, Harvey Weinstein. De birra, 
Weistein alterou a data de estreia do filme, de dezembro de 2013 para o 
primeiro semestre de 2014. Resultado: Ninguém lembrou do filme no Oscar e
 em outras premiações, mas seria este o melhor filme de Gray?&nbsp;







O filme começa em 
1921, onde as irmãs polonesas Magda (Angela Sarafyan) e Ewa Cybulski 
(Marion Cotillard) partem em direção a Nova Iorque, em busca de uma vida
 melhor. Mas, assim que chegam, começam a enfrentar problemas: Magda 
fica doente e Ewa, sem ter a quem 
recorrer, acaba nas mãos do cafetão Bruno (Joaquin Phoenix), que a 
explora em uma rede de prostituição. A chegada de Orlando (Jeremy 
Renner), mágico e primo de Bruno, mostra um 
novo amor e um novo caminho 
para Ewa, mas o ciúme do cafetão não deixará o amor entre Orlando e a 
polonesa crescer. Mais uma vez, como um fiel discípulo do cinema 
clássico americano, melodramático, trágico, Gray desenvolve seus 
personagens com perfeição, mas desta vez ele tem a Nova Iorque dos anos 
20 como plano de fundo, pré-crise da bolsa de valores e que poderia 
servir como um bom prelúdio a O Grande Gatsby (o livro, não os 
filmes). Gray não faz um filme moderno e em momento algum alega que está
 fazendo.
 Se em Amantes o amor é deixado de lado por uma vida mais fácil, 
neste caso a felicidade é tragicamente impedida pela terra opressora e 
sua população em busca do "american dream". O lugar onde a história 
acontece tem um papel fundamental também, 
afinal, perto da grandeza da natureza e da grandeza da cidade, somos 
pequenas formigas, imagine como seria a vida para aqueles que não fazem 
parte desta grandeza, os imigrantes? Bruno representa a América 
opressora
 enquanto Orlando representa a América das oportunidades, ambos se 
apresentam e se apaixonam pela imigrante do título original, fazendo com
 que ela sinta medo e ansiedade, paixão e curiosidade, como muitos 
imigrantes devem ter sentido no século passado, quando a América era 
extremamente imperial e opressora para muitos, e a terra das 
oportunidades e da esperança para muitos outros. A personagem de Marion 
Cotillard, entretanto, é forte, diferente de todas as outras que 
provavelmente não suportaram a "busca pela felicidade"; a tragédia entra
 em cena quando a mais forte de todas é também a que mais sofre, por não
 aceitar o que está fazendo e por ter a possibilidade de vida melhor, 
arruinada por aquele que a ama.

Cena mais marcante: Não
 é um filme que tenha uma cena mais marcante, entretanto, o primeiro 
encontro entre Orlando e Ewa é um tanto quanto "mágico".&nbsp;


1 Boyhood - Da Infância à Juventude (Boyhood)



No final, não tinha como ser outro filme. Boyhood é o filme de geração definitivo, como nosso colaborador, Thiago, já falou no audiocast do Cineland Awards, há quase dois meses atrás. A beleza do crescimento, da juventude, do descubrimento, afinal, não há nada mais belo e mais desconhecido do que a vida em si, e a maneira como Richard Linklater traduz o crescimento para o cinema é no mínimo interessante: novamente, o naturalismo, a terra influenciando seu crescimento e sendo ponto importante para uma mudança de atitude. Mason sr. (Ethan Hawke) passa anos fora de sua cidade para voltar e decidir que é hora de mudar - às vezes, é preciso de distância para poder enxergar as possibilidades com clareza. Os cortes muito bem pensados pela editora Sandra Adair (há 21 anos colaboradora de Linklater) consegue fazer o filme fluir mas ao mesmo trazer carga antropológica para a trama, como na memorável cena do rio, após um acampamento entre pai e filho - a fogueira se apaga, como a vida há de acabar um dia, mas o rio, o ciclo da vida, sempre continuará a fluir e a girar.&nbsp;




Os momentos te definem, diz Mason jr. (Ellar Coltrane) no final, e como poderia ser o contrário? Afinal, somos pequenos comparados ao tempo/espaço, como poderíamos mudar algo que já está estabelecido? Olhamos para o Grand Canyon e percebemos que a natureza é grande e quase eterna, está mudando constantemente nos últimos 100 milhões de anos, enquanto nós não vivemos em média 100. O momento tem que nos definir e nos fazer crescer, ainda que passemos por momentos ruins, por términos de relacionamentos, por separações. As oportunidades vêm e vão, mas as lembranças e a gratidão por ter feito algo fica e nos ajuda a construir a nossa personalidade. Boyhood não só mudou a vida de quem assistiu ou de quem faz cinema, mas de seus atores também, que vão olhar pra frente sabendo que parte de sua história pertence ao mundo agora, e nós do mundo não poderíamos ser mais gratos por um filme que entendesse tão bem o que é usar o tempo ao seu favor (falando como quem faz cinema) e o que é crescer numa geração marcada pelo anúncio do fim (a natureza que morre, a sociedade que se degrada, a ética abalada, a moral destruída). Para ler mais sobre Boyhood acesse a crítica publicada em Agosto do ano passado.




Cena mais marcante: A cena final é de uma beleza indescritível.