Uma Reflexão sobre a Arte Contemporânea (por Aracy Amaral)
Autor: Marcelo Nunes | Publicado: 2011-12-27T18:32:00-02:00



Anselm Kiefer, Winterland, 2010

Quero terminar o ano com uma reflexão muito corajosa e apropriada da historiadora e crítica de arte Aracy Amaral, publicada no site Fórum Permamente, sobre os caminhos da arte contemporânea:


"Cena Artística: Arte Contemporânea 
Vemos as pessoas, aparentemente entediadas, visitando Bienais, ou uma  exposição de arte, individual ou, sobretudo, coletiva, nacional ou  estrangeira. Por quê? Na verdade, quem se surpreende, se impacta, com o  que vê? Mas, pergunto: haveria algo para se surpreender do que é  apresentado?
Caminhamos, flanamos, o olhar  vagando pelas peças, não nos detendo em nenhuma... Por que nos  deteríamos em alguma? Nenhuma nos demanda maior atenção. Por vezes  aflora um sorriso leve, outras vezes emerge a irritação quando vemos o  clima de “parque de diversões” que parece dominar em muitas coletivas  como se esse fosse o objetivo. Distrair as pessoas? “Interagir”? como se  estivéssemos mexendo com gadgets como os que adquirimos em lojas de  museus?
Afinal, o que vem a ser arte em nossos  dias? Boa pergunta, que nos fazemos todos e mesmo artistas, curadores,  críticos, jovens artistas se fazem indagações e arriscam respostas. Mas  seriam satisfatórias essas respostas?
Um artista percorre os  longos quilômetros de fronteira entre o Rio Grande e o Uruguay, reunindo  pedras ao longo do percurso, ou persegue a busca do som nas nascentes  de águas de bacias hidrográficas do Brasil, ou propicia que se veja um  ângulo dos céus a partir de uma caverna em terras arduamente escavadas,  um artista caminhante projeta registrar em poéticos desenhos, diários e  fotos sua trajetória ao longo de um projeto no Atacama, tudo é idéia,  tudo é arte? Ou seja, qualquer forma de projeção imaginosa é arte, mesmo  que despossuída de uma realização formal  que demande domínio de certa  natureza, alguma mestria, para ser fixada numa película, numa tela, num  papel, ou num DVD para fins de projeção.
Mudou a natureza do que se pensava  denominar de “arte”. Assim como as coisas mais habituais que fazemos  hoje em nosso cotidiano, que pareceriam impensáveis há 40-30 anos atrás:  como não andar quase com dinheiro e sim com cartões de plástico, com os  quais pagamos quaisquer gastos em todos os países do mundo, possuir o  Brasil mais celulares que telefones fixos, a comunicação instantânea  para obter informações antes só  possíveis em bibliotecas ou em livros  pesquisados pacientemente, obter imagens de obras de arte de outros  séculos eletronicamente sem recorrer a outras máquinas  ou laboratórios  especializados ou museus, enfim, o mundo é outro!
Mas aceitar  tudo isso significa estarmos sendo demasiado indulgentes para com as  manifestações de nosso tempo? Não sei. Respeito as realizações citadas  acima pois conheço o percurso dos artistas e sei de sua seriedade e da  inserção desses projetos em sua trajetória. Mas em mais jovens, como  explicar? Será totalmente desnecessário que o artista pintor de hoje  saiba desenhar, quando na palavra “desenho/designo” está implícito o  sentido de projeto? Será esse pintor de hoje bom fotografo ou sua  metodologia é projetar imagens fotográficas para pintar sobre elas? Com  que qualidade, ou caráter, em sua gestualidade pictórica? 
Exaurida a busca da excelência da forma,  esgotadas as preocupações políticas que durante muito tempo inspiraram  os artistas de maneira velada ou direta, inexistente hoje o domínio  técnico na elaboração das obras (pois sabemos que freqüentemente são  executadas por profissionais que nada têm a ver com a sua concepção), o  que resta? Se nosso pensamento vai para instalações, realizadas por  assistentes deste novo entrepreneur que é o artista de nossos dias, este  homem que trabalha por vezes com técnicos que ao computador ou nas  oficinas realizam por ele seu trabalho enquanto o “criador” está ao  celular, ou na classe executiva de algum vôo para um de seus destinos  por seus compromissos internacionais, que o tornam um nômade constante,  quais os instantes em que, trancado diante do monitor, num quarto de  hotel ou em casa, pode conceber com calma suas próximas peças ou  exposições?
Quantos são os artistas que em sua solidão,  tentando obter resultados diversos de seu discurso anterior, lutam por  uma revelação numa tiragem nova de uma gravura, ou pelejam diante de uma  tela... Não tentando terminá-la às pressas, a fim de colocá-la no  próximo leilão, mas a fim de compará-la com suas obras anteriores...  Este personagem está difícil de ser encontrado nas novas gerações, mais  ansiosa pelo sucesso, por sua inserção segura no mercado, sem qualquer  preocupação com algo que se chama “qualidade”. Afinal, para quê? Pois há  colecionadores jovens que agora querem poder exibir o que o galerista  lhes aponta sem sequer ter noção do percurso, das origens tão recentes  desse artista.
Há hoje pouca coisa de qualidade e busca  ao nível dos caminhos de um Anselm Kiefer, de um Francis Bacon, de um  Bill Viola, ou Bob Wilson, das reflexões iluminadas de Anish Kapoor. Ou  das tecnologias manipuladas por Olafur Eliasson presentes em todos os  quadrantes do mundo. A palavra de ordem é estar presente em leilões e  Bienais, e vender. O catálogo deste ano dos leilões de Seul, na Coréia,  nos assombrou com sua quantidade de artistas “qualquer coisa”. Mas os  coreanos também assim poderiam denominar nossos criadores ao ver um  catálogo de uma nossa Bienal, ou de um nosso leilão de sucesso, ou de  uma feira de arte ocidental com suas dezenas de galerias.
Talvez a nossa fadiga esteja dando sinais por vermos tanto de arte como  rejeito de uma sociedade industrializada, os detritos como arte, por  exemplo, Hirschhorn. Que vimos em museu de Maastricht, na Holanda, há  alguns anos, depois na 27ª. Bienal de São Paulo  e  agora na Bienal de  Veneza, onde no pavilhão da Suíça seu enorme labirinto se assemelha ao  lixo reciclável. Ou seja, limpo, porém detrito e lixo. A arte a partir  da sociedade de dejetos da industrialização chegou há quase um século  (pela ordem: com Picasso, Duchamp, Schwitters...), mas me pergunto: veio  para ficar? Porque  já a vimos entre nós, com a sensibilidade de uma  Sara Ramo, por exemplo, mas sempre na presença de dejetos. Pois há que  diferenciar entre o resíduo industrial seletivamente colhido e disposto  pelo artista, como já o realizou Jac Leirner, ou uma Rivane  Neuenschwander, e o dejeto organizado no espaço como estamos  mencionando. 
 Deve-se observar, contudo, que há  também o “rechazo” como se diria em espanhol, da sociedade, disposto em  labirinto com outro espírito, talvez até mesmo o de natureza morta  construída pelo tempo com o pó, com a força da passagem do tempo – à  maneira da riqueza visual/plástica de um Morandi - e que vimos nesta  Bienal de Veneza nos tensionados  espaços percorríveis em labirinto de  um Mike Nelson da Grã-Bretanha. Mas que caminhando pelos meandros de  seus espaços soturnos eles perdem de seu espírito e magia, concebidos  sem duvida por seu criador, pela multidão apressada que percorre quase  aos trancos o pavilhão britânico.
Tudo é arte? Onde a  indignação do artista para com a sua sociedade senão nesse seu olhar  despectivo pelo que o rodeia e do que ele se vale para sua fama e  sucesso? Ou isso é indignação? Difícil de dizer. Há ainda artistas mais  jovens que surpreendem o publico por perseguirem um desejo formal? Ou  naturalmente, pelo tempo em que vivemos, um de seus olhos está no  trabalho e o outro no curador que poderia convidá-lo para um evento  relevante? E que importa? Vende-se bem no dias que correm, dizem com  certa ansiedade os artistas mais palatáveis que os veteranos (mas,  porque?).
Arte de participação? onde? Hoje o  publico é passivo, passeia pelos espaços expositivos, vê vídeos, observa  nos monitores as últimas inovações, tal como quando de volta à casa, se  senta diante do computador e liga a TV para a novela ou noticiário ou  segue os últimos e-mails ou mensagens em seu celular avançado... Resta  algo dessa rápida exposição de seus olhos frente a uma criação sensível?  (ou são estas indagações improcedentes, posto que também a presença  constante de uma tela na parede da sala  acaba por neutralizá-la a  nossos olhos tornando-a invisível...?)

A realidade de um país emergente
E de repente a exposição da Índia no Maxxi, novo Museu de Arte Moderna  de Roma, apresenta a manualidade a partir do lixo industrial como fonte  de criatividade, (como na exposição dos primeiros anos do século Future  is handmade realizada na Holanda nos surpreendeu com inovações  cromáticas e de materiais). A exposição da Índia pode soar como fora do  mainstream, algo estranho para o mundo  tecnologizado, minimalista das  artes ocidentais, sobretudo de um país como o Brasil, que se pretende  “avançado” (pobre país o nosso, o IDH que o diga, o analfabetismo que o  diga, o quase nulo número de livros lidos por habitante que o diga, país  hipócrita, recheado de preconceitos, justiça e polícia que se vendem,  leis que só existem impressas válidas para uma exclusiva minoria, de  impunidade dominante, corrupção que ajuda o desnivelamento social, onde o  esporte será rei por decreto por mais 5 anos !). Mas é sem duvida, a  exposição da Índia,  uma resposta criativa, pois recorre ao dejeto  reconstruído, para suas criações.
Na verdade, o mundo é  múltiplo. É vário, como as religiões e apenas três as categorias de  gente: os muito ricos, os que se agüentam  desejando ascender, e os  miseráveis:  sem país, vivendo em campos de refugiados ou em barracas,  quando ocorrem inundações ou terremotos,  aguardando a piedade de um  hipotético governo que lhes trará alguma dignidade.
Até lá,  somos uma minoria irrisória que seguimos vendo exposições... Afinal,  qual é a real importância da arte como abertura para experimentações  sensoriais, para fazer de um cidadão um ser sensível e esclarecido para  observar seu tempo através da resultante realizada pelos artistas...&nbsp; 
 Mesmo assim, como evitar que o  mundo da arte não soe pretensioso... quando não pleno de realizações  rasas, os artistas mais novos pouco sabendo que já se fez há 30-40 anos  algo que hoje concebem pensando que são os primeiros... Quanta  perplexidade e indagações  diante desta fronteira da arte  contemporânea...!

O poder da arte-educação
Por  outro lado, qual a real função da arte-educação, que gera tantos  seminários e conferências? Quais os intelectuais conhecidos que se podem  citar como interessados em arte-educação? Aparentemente somente dentro  dos limites acadêmicos, pois são raros os que abordam o debate critico  ou as questões da arte de nosso tempo. Estarei sendo desconhecedora de  fatos reais? O objetivo dos arte-educadores é levar mais público aos  museus? ou desenvolver nas crianças o senso de criatividade  estimulando-a a “fazer arte”, segundo impulsionava há décadas Ivan Serpa  a fim de formá-los como melhores cidadãos? Ou ajudar o visitante a  “saber ver” arte?
Antes na cena artística a prioridade eram os  artistas e suas criações, depois ascenderam em importância os curadores,  anteriormente conhecidos como “organizadores” de exposições, e que se  interpuseram entre o artista e a forma de apresentar seus trabalhos,  quase assumindo uma autoria, nem sempre bem sucedida. Hoje as cartas na  mediação são dadas por arte-educadores. Mas o que dizer quando lhes é  dado participar de remontagem de um acervo como o da Pinacoteca do  Estado, e percebe-se como resultado uma interferência na coleção, na  retirada de certa solenidade que a meu ver deve imperar no espaço  expositivo na apresentação das obras, ocorrendo um desmembramento de  obras de primeira grandeza na tradição desse museu, que, como tantos,  possui, claro, lacunas a serem ainda preenchidas. O que dizer quando  percebemos uma acentuada ocupação “educacional” do espaço museológico?  Essa prioridade não deveria ser uma grave e adequada disposição das  peças do acervo a partir de uma visão critica/histórica dessa mesma  coleção?
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Comemorativa?
Falando de nossa  agitada cena artística, impossível deixar de mencionar a poderosa  exposição da coleção do Museu Astrup Fearnley, de Oslo, Noruega, aberta  na Fundação Bienal. Uma grande exposição como essa, que em três andares  exibe a vasta coleção de arte contemporânea de um museu, sempre é bem  vinda. Acho interessante para os artistas e amadores de arte locais  conhecer os trabalhos originais de artistas tão celebrados, de hoje. Mas  não me falem em comemoração de 60 anos da Bienal. O que essa mostra tem  a ver com nossas Bienais? Não importa o valor que deve ter custado essa  exposição, pois se a Bienal pode, que a faça. Mas considerar que essa  exposição tem alguma relação com a historia das Bienais de São Paulo em  seus tumultuados 60 anos que acompanhamos desde a primeira em 1951, é  algo bem diferente.
Não se falou em seu iniciador, Matarazzo  Sobrinho, nos diversos diretores e curadores das Bienais ao longo das  décadas, dos artistas premiados e representados em sessenta anos,  estrangeiros e brasileiros. Nenhuma palavra. Não houve comemoração. Foi  trazida uma coleção com a presença de obras de primeira grandeza de  artistas hoje festejados internacionalmente, seja britânicos como  norte-americanos, entre outros de varias nacionalidades. Mas não  ocorreu, que se saiba, nenhuma comemoração na expressão da palavra.
 Pode-se admirar a importância das  aquisições do museu norueguês, mas passa em branco, ao visitante que  percorre a imensa exposição, o nexo entre ela e os 60 anos das Bienais  de São Paulo. Parece ter faltado um historiador de arte junto à Fundação  Bienal, alguém que orientasse a entidade do ponto de vista do que seja  uma celebração. Artistas que já participaram das principais Bienais,  artistas premiados? Aliás, este recorte já foi tentado, se bem me  lembro, nos anos 70. Mas se houve agora ampla possibilidade financeira  para uma mega-exposição, porque então não fazê-la homenageando pelo  menos certos artistas que marcaram, em nosso meio, com sua presença, a  nossa Bienal?   

Aracy Amaral
Novembro de 2011"