A Consciência Nada Silenciosa de "Quiet Earth"
Autor: Joelmar Fernando | Publicado: 2012-12-09T11:38:00-08:00



O inicio de Quiet Earth, filme Neozelandês do ano de
1985, demonstra em sua abertura um sol estático e um mar em movimento
intercalado com os gritos de gaivotas que circulam sobre a paisagem complexa e
paradoxal, onde em uma só imagem, se é possível estabelecer uma figura mítica (do
sol) inerte em sua magnitude e o transladar da fugacidade da vida representada
pelo mar e as marés que ao pouco se distanciam do cenário belo. 



A imagem inicial
de Quiet Earth prenuncia a totalidade
do filme - trata-se aqui da possibilidade de um modo de vida fugaz diante da
beleza de um universo distante (representado pela estrela alva) e intocável - inteiramente
permanente. De fato, um trocadilho – pois, se tudo o que as mãos humanas tocam
faz-se leviano e passageiro, aquilo que só podemos admirar com os olhos
continua eterno, pra sempre, e inerente ao contínuo. Se a principio nada
conclui se estamos diante de um sol dormente ou nascente, é no transcorrer da
paisagem cinematográfica que o sol anuncia que as trevas foram se embora e que
ele amanhece. Assim, o Sol cresce, expõe sua grandeza exuberante e bela. Um
novo dia se inicia.



Geoff Murphy, diretor de Quiet Earth, continua a brincar com o telespectador. Em uma cena
quando às 6:11 da manhã, Zac (personagem principal da história) continua inacordado,
o relógio marca exatos 6:12. Um choque de explosão desperta o protagonista. Mas,
porque as seis e doze? Não tão simples como elucidativo, a ideia que resta
sobre um fim de um mundo não é a plena destruição do Todo. O fim do mundo de
Murphy, já no inicio é o duplo vivenciado pelo cientista. Mais além, Geoff fala
pelo filme de uma vivencia imaginaria fugidia do real, a duplicação da realidade
e de suas figuras da consciência. Seis, - o singular- no seu dobro, doze. Doze
- a dupla face de um mundo tão conhecido, mas que desabitado torna-se incognoscível
(inapreensível).



As primeiras
cenas após o despertar da consciência de Zac, o cientista, mostram-no no laboratório
onde trabalha e começando a ficar ciente de um mundo desabitado onde somente
ele existe como ser humano. Uma mensagem avisa-o: “Proceder com o projeto
flashligth como agendado”. A Palavra “flashlight” nesse contexto implica “Lanterna”.
E será sobre este símbolo que Zac irá passar todo o o enredo cinematográfico.
Afinal, o que o filme deixa implícito no seu inicio, é que a operação na qual
se dedicara o cientista já havia sido completa. Zac de alguma forma pulou a
etapa. Não jogou o jogo como os demais.



O primeiro esforço
de Zac Hobson após a destruição parcial do laboratório é buscar uma referencia simbólica.
Pra isso ele pontua-se, depreende-se, auto-intitulando como o “o único ser
humano na terra”. Todavia, pra quem afinal era dirigida a mensagem? Qual o
receptor da informação?



Um pouco de álcool,
uma melancolia ressentida e vejam só - Zac torna-se um policial, inclusive
exercendo as atribuições do cargo dentro de um carro de patrulha. O clamor, indiferente,
continua o mesmo: “Por favor, alguém apareça”. Muito comum e abordado nos
filmes desse gênero e recorrente na vida cotidiana, outro passo dado por Hobson
é sublimar-se diante da realidade - toca-se o sax, um som uníssono e rasgado. Para
um cientista sem maestria na arte da sublimação, Zac não é, lógico, o homem das
artes, pelo contrário é o cientista (a figura da razão desencontrada)
perante&nbsp; um mundo sem nexo e onde a
vontade de verdade reduz e diminui&nbsp; sua
vontade de potencia. 



Os mesmos “Seis
e doze”. Retorna aos vinte minutos do filme. Nesse ponto já como um trauma
instaurado, é o que propõe o diretor à reflexão do telespectador. Indiferente ao
que tenha acontecido, o efeito foi de inscrição psicológica e o retorno do recalcado
aponta-se como um regime de baixa compensação da realidade. Quebra-se o relógio,
o personagem começa a distanciar-se de sua realidade. Ironicamente a voz diz: “O
tempo parou na terra”. Mas não é de um tempo cronológico de que se esta
falando, é do inconsciente estruturado como linguagem e com sua máxima da
atemporalidade (inconsciente desconectado com a ideia do tempo cronológico) que
a voz insidiosa vem alertar e proclamar. 



A insistência de
Hobson nas mensagens radiofônicas não é necessariamente um apelo ou busca por
algum outro sobrevivente. A mensagem é auto-referencial. É preciso que se diga,
quantas vezes forem necessárias, a história que simplifica a sua condição de
ser vivente. As mensagens são como bússolas, lanternas, que insistentemente visa
a situa-lo novamente na realidade e, também, é um gozo exarcebado. A vivência
contínua do sintoma, o real da angustia, repetido ciclicamente e lançado para
si; o que desencadeará mais tarde a cena bizarra, delirante e alucinada, de Zac
ensaiando uma partida de sinuca consigo mesmo. Solitário em mundo habitado só
por ele, o protagonista passa a encenar outros atores - transpõe os elementos
da sua (in)consciência para uma realidade imaginária mergulhada na realidade autóctone.



Sem ter um outro
onde possa reconhecer-se. O cientista encontra-se diante de um espelho -
vestido como um traje feminino, afeminado-, emociona-se ao se ver e se tocar. A
ambigüidade da sexualidade apresenta-se. Os paradigmas da sexualidade
desaparece mediante a inexistência das convenções sociais. 



Com um terço do
filme, começa ficar evidente o que a Psicanálise moderna tanto apregoa como a “possibilidade
da travessia da neurose para psicose”. Mediante as situações experienciais de Zac,
seu comportamento vai tendendo cada vez mais amplamente para uma psicose. Traços&nbsp;paranoicos&nbsp; delírios de grandeza e religiosos, falas inteiramente delirantes. A
realidade tornada distintiva - prontamente a psicose se anuncia e prevalece.









Quando
finalmente, Zac encontra alguém. Esta pessoa, uma mulher chamada Joanne, está
armada. Pronta para atacar ela diz: “Nao
é de verdade”. Novamente o talento do diretor nos deixa indagativos sobre qual
fato não é verídico: a arma ou a mulher que aparece num contexto que até então
era totalmente desorganizado, psicótico.



Durante as próximas
cenas, Hobson e sua companheira lutam contra a ideia do solipsismo e quando
juntos sentem uma nova ruptura da realidade, Joanner ao ligar para Zac e
perguntá-lo onde ele está, um novo trocadilho aparece: ele&nbsp; está na Mental Street com a Hill Crest em San Diego na California.
Nada mais simbólico, no sentido conotativo, do que uma Rua das Mentes e a Hill
Crest, localidade conhecida pela ~tolerance and acceptance~, ou seja, a tolerância
e aceitação. De novo, Geoff Murphy brinca, já que no desenvolver das próximas
fotografias o ar de serenidade de Zac irá revelar uma personalidade conformada
e adaptada com os fatos, completamente tolerante com os planos materiais e
psicológicos - não relutante, mas com uma inclinação maior a dialogar e falar a
respeito das possíveis causas do que aconteceu consigo e o mundo. Quando o ator
se localiza depois do iminente abalo da realidade, ele quer aqui dizer que se
encontra mentalmente disposto a aceitar e ser tolerante com a realidade que se
apresenta.


A inserção de um
terceiro personagem no filme, Api, traz&nbsp;
a tona pelo menos duas questões, 1) se estão realmente todos vivos ou
mortos e o questionamento do problema tão comum a Filosofia da Mente que é a problemática
do encontro da mente individual com as outras mentes, ou seja, a intersecção da
existência possível de uma realidade compartilhada a partir das experiências
psicológicas individuais em interação com a intersubjetividade. Nesse sentido,
todos relatam um episódio de possível morte ou quase morte; Zac que poderia ter
morrido num suicídio ao tomar altas doses de um remédio para insônia chamado Mogadon
(Nitrazepan como é conhecido no Brasil); Joanne, ao ter recebido um choque no
banheiro; e Api, ao duelar pela sobrevivência com seu amigo na beira do lago.
2) O triangulo amoroso que se instala; fluxo de sentimentos que podem ser
originados por ex-habitantes de um mundo predominantemente monogâmico e o que será
feito da sexualidade, uma vez que as fantasias sexuais, principalmente, na
figura da mulher são emergentes.



De fato, Joanne pouco
tempo depois de conhecer Api, convida-o a partilhar uma relação. Afinal, ela
esclarce: “que deve amar a todos que a amam” – nesta frase explicitamente
erotizada - ela aponta a oportunidade de um sexo desregrado e compartilhado. Mas
ao saber que o mesmo havia “matado” a mulher do seu amigo, defronta-se com a percepção
que tanto Zac quanto Api, diminuem sua autonomia. Joanne reivindica seu estatuto
de mulher emancipada. Durante uma briga entre ambos os machos, seu instinto de sobrevivência
a faz atirar entre os dois e ela declara que prefere viver num mundo sem ambos
do que ter que submeter-se a um relacionamento onde ela se objetaliza perante o
desejo masculino. Nessa cena, especificamente, é da mulher feminista e ciente
dos seus malogros que o filme aponta a necessidade de uma libertação ideológica
- que mesmo em um mundo apocalíptico pode advir. Joanne luta contra o sistema e
tenta quebrar o paradigma dominante de uma sociedade machista - nesse caso, de
homens ainda arraigados a uma visão da mulher como fonte exclusiva de prazeres
e suscetível as ordens e mandos do masculino.



De um ponto de
vista romântico, a cena mais trágica da película, é a constatação de Zac de que
Joanne e Api não são reais, são apenas sua imaginação, de que tudo que ocorre
no mundo é fruto de seus atos. O movimento compensatório e a fuga da realidade
do cientista é um recurso direto ao ato de ter que enfrentar os fatos de que a
sua amante anseia sexualmente o seu rival. Na fuga da dor da perca de seu
objeto amado,&nbsp; Zac acaba por legitimar
essa relação. Joanne e o Api estão próximos, no campo imaginário, os desvios
sexuais e suas realizações já ocorrem. Se não realmente não são reais para Zac,
então tudo é permitido. Eles retiram de si o que ainda restava de pudor e restrição
a uma trama de amor a três. De fato, o quadro psicótico de Zac retorna, agora a
ideia é que Joanne e Api não só se amam, mas já se conheciam há tempos.



O
desencadeamento desse pensamento vai resultar em uma nova investida suicida. A
certeza intransigente de não mais dar conta de uma relação a três, ou pior, de ser
o nao-preferido (o numero dois) vai fazer com ele ponha fim em sua própria
historia. Entre a bela cena de consumação do ato sexual de Api e Joanne, Zac se
dirige com um caminhão superlotado de dinamites e decidamente acaba onde tudo começou
- no laboratório. A morte de Zac Hobson é intercalada com uma sublimação a um
outro campo hemisférico. O ciclo esta de volta com o seu mar. Desta vez não
mais com a exuberância de um sol inerte, mas com a totalidade de um universo
que assim como as marés estão em constante fluxo e refluxo. A vida continua novamente,
no inabitável, espaço da irrealidade de si. Lá esta Zac, o cientista, de frente
para o mar - onde as ondas vão e sempre voltam, nunca as mesmas. Há de se
concluir que é das aparências e das figuras da consciências que a Quiet Earth discute. Terra Silenciosa,
numa tradução mais literal, é o espaço nada tranqüilo da consciência de um
homem perdido em seu próprio mundo.