Isso é arte?!
Autor: Produção Cultural em Revista | Publicado: 2012-06-10T10:15:00-07:00





Charge extraída do blog:

http://dialogico.blogspot.com.br/2007/09/charge-do-kayser-com-comentrios-do.html&nbsp;







Quantas vezes, diante de uma obra de arte, nos surpreendemos
perguntando a nós mesmos se aquilo que estamos vendo é realmente uma OBRA DE
ARTE? A palavra arte, ainda hoje, é atribuída para “coisas” que possuem
sinônimo de técnica aprimorada ou de beleza. Isso poder ser conferido ao
período em que a industrialização teria colocado o operário distante dos meios
de produção, o artista frente às produções artesanais, o que o destacaria das
demais produções industriais, do comum, do cotidiano. O artesão era considerado
como o transformador de materiais brutos ou materiais únicos.









O objetivo artístico, hoje, requer uma percepção mais corpórea,
sensorial e reflexiva. A partir do convite ao espectador em se envolver nesses
processos, os novos canais de recepção começam a se delinear. Os canais
pré-existentes já não conseguem mais conter essas mudanças de percepção/recepção
da arte, pois estariam ainda a espera de uma produção que está distante das
questões da vida comum. Ao se aproximar das práticas do cotidiano, a arte, na
maioria das vezes, se torna irreconhecível, assustador, inteligível.









Apresentarei algumas as reflexões de autores que abordam a
questão do distanciamento do público das artes visuais a partir do Modernismo,
fase de ruptura do tradicionalismo cultural associado às correntes artísticas
anteriores.









Vale ressaltar que as reflexões que serão descritas abaixo
integram a introdução de meu trabalho de conclusão de curso em Produção e
Política Cultural, no qual proponho a realização da ação Formação de público e
Capacitação de agentes culturais: Artes Visuais e Produção cultural que
consiste na execução de atividades práticas e teóricas sobre artes visuais e
produção de projetos.









Bryan O’Dorthey no livro No interior do cubo branco: A ideologia do Espaço
de Arte, afirma que no século XIX, os artistas, motivados pelos
questionamentos sobre os critérios que norteavam suas produções, baseados em
suas próprias contextualizações históricas, começaram a reavaliar seus
trabalhos a partir de descobertas técnicas. Com isso, seus trabalhos
tornaram-se imprecisos naquilo que se propunham e portanto foram rejeitados
pelo circuito da arte vigente àquela época. O impressionismo é citado, por O’Dorthey,
como exemplo dessa transformação. Para as instituições e também para o público
foi um susto ao ver os novos modelos de pintura que rompiam algumas regras que
legitimavam a produção de arte. Para entender a obra de arte exposta era
necessário compreender as pesquisas e os processos que levaram os artistas
chegarem à obra pronta. Ao serem inseridas no circuito de arte, as obras
impressionistas ainda necessitavam de um público que deveria deter o
conhecimento do processo de criação da obra exposta, o que contribuía para
aumentar o distanciamento entre obra e público.









O século XX herdou do século anterior os processos experimentais
da arte, que trouxe uma produção artística cheia de descobertas de formas e
expansão de seus materiais. A arte começava um processo evolutivo e histórico
da própria arte, proporcionando várias traduções para o estudo como também
exigia cada vez mais um público especializado. Essas novas condições em que a
arte estava sendo produzida e notada resultariam na extensão do canal entre
obras de arte e seu público, inclusive gerando cada vez mais uma eletização de
conhecimento sobre o campo da arte. 









No livro “A obras de arte na era de sua reprodutibilidade
técnica”,Walter Benjamin destaca que a arte produzida nas primeiras décadas do
século XX era uma arte que perdia sua aura e como consequência disso o
espectador tinha que ter um novo posicionamento perante uma obra de arte. A
aura mencionada por“Benjamin” estava relacionada à forma única e autêntica da
obra artística que permanecera até o início do século XX. Com a perda da aura
da obra de arte era necessário um novo modelo de percepção, e assim como
O’Dorthey, Benjamin indica que a lacuna entre a obra e o espectador aumentava
ainda mais.









Segundo Arthur Danto, em “Após o fim da arte: a arte
contemporânea e os limites da história”, as artes visuais sofreram alterações
mais fortes quanto à sua estética e percepção a partir da década de 1960.
Abria-se um caminho fecundo para o fazer da arte através da experimentação e
como consequência a recepção da arte, a busca por novos desafios, materiais e
técnicas passaram a exigir um novo posicionamento do espectador diante a obra
de arte. Para Danto os anos de 1990 foram marcados pela fixação da ideia de que
o espectador deveria, além de sentir e experimentar, também participar e
refletir sobre a obra artística.









Conforme descrito na publicação “Arte Contemporânea, Uma historia
concisa” de Michael Archer, todos os processos descritos a partir da metade do
século XX teriam carregado as relações do público com a arte contemporânea com
debates e estranhamentos, o que exigia um posicionamento dos artistas e dos
espectadores mais estruturados política e socialmente, o que nem sempre
acontecia.









Para Rodrigo Naves em “A forma difícil: ensaios sobre a arte
brasileira”as artes visuais possuem a menor penetração pública que poderia ser
explicada por materiais e suportes utilizados e à própria desconfiança do
objeto exposto ser considerado obra de arte. Aí então, seria gerada uma má
expectativa no observador/espectador com relação daquilo que estaria
encontrando. Naves cita também que a história das artes visuais brasileiras é
frágil e desconhecida por grande parte da sociedade, e que fica restrita a
pequenos círculos de especialistas que possuem como função a organização do
sistema de arte. Ele defende ainda que uma timidez de forma teria proporcionado
a perda da força da produção artística brasileira. Para confrontar a perda
dessa força, Naves cita a produção internacional que, ao contrário, ao
abandonar o ilusionismo, teria fortalecido seus elementos formais com grande
intensidade. A força da presença da forma seria determinante para a relação
entre obra e espectador.









As rupturas de formas e sentidos ocasionados pelas
experimentações e pelos processos artísticos podem ser um dos principais
motivos que originaram o distanciamento entre público e obra de arte. Até hoje,
essas características –iniciadas de forma mais forte no século XIX – são as
provocadoras das tensões entre os questionamentos sobre o que é arte.









Ana Paula