'DOIS', DE ÉRICO NOGUEIRA - O DOM DE SER OUTRO
Autor: Jessé de Almeida Primo | Publicado: 2015-04-15T19:45:00-07:00


Segue um ensaio publicado em 2012 na revista eletrônica LeiaTom, uma iniciativa do jornalista Rafael Guedes, a quem mais uma vez agradeço o convite.

&nbsp; 

René
Girard diz que sempre seremos miméticos e para não nos envolvermos em
rivalidades a saída não é tornarmo-nos originais, mas – di-lo inspirando-se nos
Evangelhos – termos a sabedoria para escolher o melhor modelo, que é Cristo. De
algum modo, Jorge Luís Borges, em This craft of verse (Harvard Press,
2000), confirma esse princípio ao falar da relação entre Platão e seu mestre,
Sócrates. Aquele, quando sentia saudades do amigo, para ouvir-lhe a voz,
escrevia os diálogos. O mesmo Borges, numa das páginas mais comoventes
dedicadas a um mestre, escreve: “Se não me engana, tu gostavas de mim, Lugones,
e ficaria feliz que gostasses de alguma coisa que escrevi. Isso nunca
aconteceu, mas desta vez tu folheias as páginas e lês com gosto algum verso,
talvez porque tenhas reconhecido nele tua própria voz” (El hacedor,
Emecé, 1975). T. S. Eliot, em “Tradition and the individual talent”, afirma que
a marca pessoal de um poeta é perceptível quando sentimos a presença de outros
que o antecederam, e não é algo que acontece com iniciantes, mas um fenômeno
que se manifesta na maturidade.

Quem
afirma o oposto incorre no que Girard chama de “mentira romântica”.
Desnecessário dizer que nem essa mentira é original, uma vez que os primeiros
românticos, Adão e Eva, caíram na lábia da serpente que lhes garantiu que se
comessem do fruto seriam como deuses… E o resultado é muitos ainda hoje dizerem
fiat lux.

Érico
Nogueira, autor de O livro de Scardanelli (É Realizações, 2008) e Dois
(É Realizações, 2010), é o exato oposto da mentira romântica, é um anacrônico
assumido cuja referência é a poesia greco-latina antiga. Esses dois livros
foram elaborados a partir de um projeto bem definido, o qual não poderia ser
concebido por um autor de líricas ou “emoção pensada”, ou de lampejos poéticos
de valor absoluto, algo atomizado, em que cada poema deve ser avaliado sem
nenhuma relação com os que o seguem. Pelo contrário, cada um se desenvolve em
outro até formar um corpo único, como ocorre com a poesia de Bruno Tolentino, a
quem o primeiro livro é dedicado, ou com João Cabral de Melo Neto. A matéria em
seu livro de estréia é a loucura que se manifesta não numa desordem mental, mas
na obsessão geométrica ilustrada pela limpidez das composições arcádicas de
sabor horacianas, as quais, por sua vez, já eram um resgate desesperado de uma
idealizada civilidade pastoril da antiguidade: 



a pérola hipotética entre os teus
escólios

não foi achada, se é que alguma
há;

como trazer o sol de lá pra cá?



que,
de algum modo, se estende no livro seguinte, com uma voz que atribui ao passado
uma nobreza necessária:



Roma, enfim – chego bem, só que
tarde demais;

estátua e praça e tudo não como o
esperado

(o mundo é tão certinho na
fotografia)



e
o tal projeto começa pela escolha do poeta do qual a voz será usada, a de
Hölderlin, e não apenas a voz, mas as 23 líricas que este, louco, compôs sob o
nome “Scardanelli”. Seguindo a partitura de cada lírica, isto é, a forma exata,
o metro, etc., compôs a primeira parte do livro, “O livro das horas”. Sob o
mesmo ânimo, mas com voz própria, compôs as duas partes seguintes, a seqüência
de sonetos ingleses cujo registro coloquial antecipa “Deu branco” de Dois
e formam “Cancioneiro inglês ou de Sandra Gama”, e “Cadernos de Exercícios”,
onde, para fazer jus ao título, deparamos diversas formas da tradição poética
(Cf. em meu ensaio “O esquadro da loucura” ou no posfácio de Carlos Felipe
Moisés uma análise mais detida desse livro).

Já
em Dois, a voz se manifesta menos na escolha formal que nos motivos.
Primeiro as Elegias romanas, de Goethe, um contemporâneo de Hölderlin,
abrem a seqüência “Dois”, uma meditação sobre o abismo formado entre a carne e
o espírito, abismo que, escancarado, submete a carne a um desejo tão arbitrário
quanto infrutífero:



Ou seja: o espírito, que tenho
pouco,

e vou perdendo quanto mais
existo,

onde estará, se Roma é este poço

de secreções e beijos de granito?



ou&nbsp; pode também resultar no ver o outro como algo
alheio demais para se relacionar:



Armaduras de membros desiguais,

insistindo na cópula impossível

—————————————–

Pólos contrários de aquoleoso
imã,

os olhos se abraçaram sem se unir



&nbsp;O motivo goethiano, curiosamente, dilui-se na
música de outros autores. O verso “Serrotes, chaves, chaves e martelos” que faz
soar o clangor de metais tem exatamente o mesmo ritmo, elocução e metro de
“Cheguei. Chegaste. Vinhas fatigada.” de Olavo Bilac. Ou algo mais deliberado,
de Dante:



Ao meio-dia andava pela estrada,

sem paralela ou perpendicular,

da linha reta, estúpida e
enfadada



Por
fim, o Hölderlin do livro de estréia retorna na seqüência “Deu branco” (“sempre
fico melhor perto desse alemão”, justifica o poema 5) em que a reflexão da
série “Pão e vinho”, ou por outra, o choque entre a idealização
mítico-histórica de uma grande civilização e a que existe de fato (“…o brilho/
da Grécia de presépio desses alemães”) e mais a dessacralização da vida (“hoje
o homem não nasce com o signo na testa,/mas com o rabo virado pra lua…”) migram
dos hexâmetros greco-latinos do original alemão para os dodecassílabos
portugueses, a resultar, como no livro anterior, numa anacronia a diluir-se em
outra anacronia: o modelo escolhido é um autor da virada do século XVIII-XIX,
que, por sua vez, recuou estilisticamente à antiguidade, porém, dessa vez,
Érico Nogueira opta por um registro menos castiço nessa imitação, reproduzindo
a mobilidade do português paulista atual (cf. Dirceu Villa, prefácio, p.
14-15).&nbsp; Essa mobilidade faz-se notar
mesmo quando três versos seguidos mantêm exatamente o mesmo acento (2, 4, 6,
8):



É sempre assim: bater o ponto de
saída

e “Ufa, até que enfim” e “Hoje,
só amanhã”

pensar picando a mula, o cérebro
fervendo



Ou
seja, a uniformidade acentual não torna a melodia dos versos a mesma: há
aceleração&nbsp; com uma estacada na quarta
sílaba no primeiro verso, uma suspensão rítmica que dá o ar parentético no
verso seguinte, e o disparo no terceiro, e tal mobilidade parece conferir sabor
de simultaneidade, muita vez sugerindo alguém meditabundo em meio a
agitações(“‘É tanta gente que não pára de existir’/ concluo, em inevitável
colisão com a rua”).

Quando
se pensa que tudo acabou (“…vou dormir; amanhã/bater o ponto de saída, belo
fim.”), eis que surge o medieval Guido Cavalcanti que empresta sua voz para a
“Coda”. O poema da vez é a famosa Balladetta (“Perch’i’non spero di tornar già
mai) emulada por Mário Faustino (“Por não ter esperança de beijá-lo”), por T.
S. Eliot (“Because I do not hope to turn again”) e traduzida nos anos 50 por
Bruno Tolentino (“Porque não espero mais voltar um dia”)… Porém, aqui o
aproveitamento da voz alheia não tem a mesma reverência dos exemplos anteriores
e serve a um propósito mais jocoso. Chamou-me atenção ser o único caso em que a
adequação natural à música do poema de saída, por amor a essa
musicalidade,&nbsp; abre seu espaço para a
paródia, como&nbsp; se lêssemos&nbsp; não propriamente a poesia nocariana, mas as
diversões de Juó Bananère, tal se este escrevesse no estilo límpido de Tomás
Antônio Gonzaga e animado pelo melhor humor cético de Swift…

A
escolha do diminutivo “musiqueta” para substituir “baladdetta” já diz tudo. Por
outro lado, o tom patético do original, ainda que em nada prejudique em sua
beleza e leveza, tornaria o poema muito fora do tom não fosse o recurso
humorístico usado por Nogueira (“vai tu, leve, leviana,/direto à amada
minha/que, bela, mas burrinha,/vai dar-te alto valor.”), que retoma (por isso a
coda) a disputa “passado ideal” versus “presente vulgar” já discutido em “Deu
Branco”, assim como&nbsp; os versos, “conversa
com a alma e com esta musiqueta/ sobre o encontrão – ai, ai – de corpo e
mente”, retomam o “carne e pouco espírito” da seqüência “Dois” e seu espírito
cindido. Esse, por sua vez, se relaciona com a “clara dupla” do universo de
Scardanelli, um Jano autista que “olha o mundo deste e do outro lado”, embora
não perceba ambos os lados como parte de um todo.

Essas
duas obras mostram que Érico Nogueira não é apenas uma de nossas maiores vozes
poéticas do cenário nacional como alguém que com muita alegria se entrega às
outras vozes sem deixar de ser ele mesmo, e o faz com um nível de expressão
lingüística que não demorará por que o vejamos posto lado a lado com a melhor
poesia já escrita em língua portuguesa, tamanha a desenvoltura e o efeito
plástico de seu verbo. Ele já é o poeta maduro de que Eliot fala e tem
sabedoria de escolher os melhores modelos, como recomenda Girard.




quinta-feira,
24 de maio de 2012