Mostra Tiradentes SP 2017
Autor: Yuri Deliberalli | Publicado: 2017-03-30T20:31:00-03:00








No último dia 23, o Cinesesc deu início a quinta
edição da Mostra Tiradentes SP, que é fruto de uma parceria entre o Sesc e o
Festival de Tiradentes para trazer os longas e curta-metragens exibidos neste
festival para São Paulo, dando uma segunda chance para filmes que, em sua
maioria, jamais chegarão ao circuito comercial brasileiro.



Talvez seja por isso que o ambiente da mostra seja
festivo, porque não há a pressão de mercado sobre as obras, bem como é uma nova
oportunidade para os cineastas dividirem o seu filme com o público,
participarem de discussões e celebrarem um trabalho realizado com muito
esforço, sem dinheiro e sem perspectivas mercadológicas.



A mostra se estendeu até o dia 29 de março, porém
tivemos a oportunidade de estarmos presentes apenas no dia da abertura e nos
dias 25 e 26 de março, o que traduz um total de 14 filmes vistos, entre longas
e curtas-metragens.



No dia 23, a mostra abriu com a exibição de Baronesa, filme de Juliana Antunes que
venceu o prêmio do Júri do Festival de Tiradentes deste ano. Trata-se de um
filme que espelha uma certa tendência do cinema brasileiro atual em representar
setores desprivilegiados da sociedade por meio de uma estrutura formal calcada
num misto de ficção e documentário, cujos expoentes são diretores como Affonso
Uchôa e Adirley Queirós. Curiosamente, Uchôa é o montador de Baronesa e não dá para negar que o filme
é influenciado pelo seu A Vizinhança do
Tigre (2016), contudo, falta a Baronesa
o senso de finalidade do olhar sobre a situação marginalizada das duas mulheres
negras que vivem na Vila Mariquinha em Belo Horizonte, tornando o filme mais um
daqueles exercícios que veem na representatividade um fim em si mesma.



O sábado foi iniciado com a exibição de quatro
curtas-metragens. O primeiro foi Nunca é
Noite no Mapa, de Ernesto Carvalho, um filme reflexivo e bem humorado sobre
as contradições sociais inerentes ao Google Maps, que visa mapear um mundo
ideal, mas acaba por espelhar também os problemas sociais brasileiros. Tal
filme foi seguido por Maldição Tropical,
de Luísa Marques e Darks Miranda, um experimento imagético fantasmagórico sobre
a experiência modernista, como se o clico arquitetônico brasileiro fosse
formado por situações que se renovam e não se acabam ao longo do tempo. O
terceiro curta foi Ferroada, de
Adriana Barbosa e Bruno Mello Castanho, mais um filme que toma o seu objeto de
estudo – o poeta Tico – por meio do misto do ficcional com o documental, ou
seja, nada de novo no front. Por fim, tivemos a exibição do curta Cinemão, de Mozart Freire, um filme
altamente estetizado sobre o underground
do cinema pornô gay pernambucano, cuja beleza plástica por vezes não traduz o
calor dos corpos.







Logo após os curtas, deu-se lugar ao longa-metragem Sem Raiz, de Renan Rovida. É um filme
politicamente posicionado a ironizar o mantra do “empreendedorismo é o futuro”
que parece dominar o cenário político brasileiro recentemente. Isso implica
dizer que a obra não está preocupada em ser ambígua ou aberta a interpretações,
pois já toma o lema do “seja você mesmo um empresário” como uma premissa
ridícula e falaciosa sobre os nossos tempos, o que não deixa de ser limitador
sobre o ponto de vista da dramaturgia.



O longa-metragem seguinte foi Entre os Homens de Bem, da dupla Caio Cavechini e Carlos Juliano
Barros, um documentário um tanto tradicional sobre essa figura anômala em nosso
Congresso Nacional que é Jean Wyllys. A montagem tenta traduzir por meio das
imagens as contradições entre Jean e a bancada parlamentar ultraconservadora,
porém acaba por ficar reduzida ao jogo dos depoimentos contrapostos e a imagens
de um Congresso que faz questão de nos lembrar que o Estado laico é um
princípio ainda distante.



Num dia caracterizado por trabalhos irregulares, não
surpreende que o filme mais consistente seja Guerra do Paraguay, do veterano Luiz Rosemberg Filho. Um libelo
anti-belicista filmado num preto-e-branco que desloca a narrativa dos tempos
para encenar que o encontro entre um soldado da Guerra do Paraguai e uma atriz
pode refletir um ideário de guerra imutável ao longo dos séculos, em que o
discurso pacificista, sempre mais articulado, será constantemente sufragado
pela brutalidade do comportamento bélico. É sobre a dicotomia do pacifismo e do
belicismo, bem como do homem e da mulher.







Assim como no sábado, o domingo abriu com mais uma
seleção de três curtas. O primeiro deles foi Minha Única Terra é na Lua, de Sergio Silva, em que um jogo de
duplos é estabelecido durante uma entrevista consistente em 36 perguntas entre
os dois atores, cuja força dramática reside quase que totalmente sobre os
ombros de Gilda Nomacce. Em seguida veio Vando
Vulgo Vedita, de Leonardo Mouramateus e Andreia Pires, em que corpos e
câmera entram em simbiose no balé sensual encenado numa praia esquecida de
Fortaleza e, com isso, transformam o filme num daqueles momentos que fazem um
festival valer a pena. O último curta foi Tempos
de Cão, da dupla Ronaldo Dimer e Victor Amaro, um filme episódico e
dramaticamente limitado sobre a resistência pessoal em meio a uma crise de
água.



Com o fim dos curtas, veio Um Filme de Cinema, de Thiago B. Mendonça, o primeiro e mais
estranho longa da seleção deste ano. Estranho porque se trata de um filme
infantil em meio a longas de forte conteúdo político, o que não quer dizer que
também não exista política na infância. Aliás, Thiago deixa bem claro que uma
criança está longe da ingenuidade que lhe atribuem, ainda que seu filme se
contente em manter-se em um lugar confortável tematicamente, especialmente no
que toca ao interesse da pequena Bebel por fazer um filme. Talvez falte um
pouco do Shyamalan de A Visita a
Thiago.



O segundo longa-metragem foi o pavoroso Intimidade Pública, filme claramente
honesto de intenções (poucos não o são), mas pobremente decupado e de uma
dramaturgia que beira aos novelões turcos da Band.







A nossa participação se encerrou com a sessão de Subybaya, de Leo Pyrata, o filme mais
instigante de toda a mostra. Afora seus elementos formais bem-acabados,
especialmente a fotografia e a montagem, trata-se de um filme tematicamente
provocador ao posicionar sua protagonista feminina, em tese, sob o ponto de
vista do homem para, imediatamente depois, ser invadido por um grupo de
mulheres contestadoras dos rumos do filme. Criticar a si mesmo seria um escudo
contra as críticas alheias? Espancar o diretor homem é um sinal de feminismo?
Leo Pyrata levanta as questões e deixa ao público os embates que ele mesmo
tenta travar em sua encenação. É filme para se rever e debater.



De um modo geral, os filmes que pudemos conferir nesta
Mostra Tiradentes SP de 2017 compartilham de um senso marginalizado, porque não
procuram se adequar a parâmetros pré-estabelecidos, e de uma ideia de
representatividade que, como já dissemos, é por vezes vista com um fim em si
mesma. É louvável que tenhamos filmes dirigidos por mulheres, homossexuais e
negros, mas isto jamais pode torna-los automaticamente bons apenas por conta de
serem realizados por membros das minorias, o que parece ser o grito de guerra
daqueles que expuseram seus filmes neste festival. Disto decorre a nossa
conclusão de que a dramaturgia - o elemento que move o cinema – é jogada ao
escanteio em prol do “dar as vozes”.