Autor: Sarah,Thais,Julia,Roberta e Beatriz | Publicado: 2012-06-06T11:31:00-07:00




O Cinquecento e o Maneirismo Italiano:

O Cinquecento (século XVI)
 é a derradeira fase da Renascença, quando o movimento se transforma, se
 expande para outras partes da Europa e Roma sobrepuja definitivamente 
Florença como centro cultural, especialmente a partir do pontificado de Júlio II.
 Roma até então não havia produzido grandes artistas renascentistas, e o
 classicismo havia sido plantado através da presença temporária de 
artistas de outras partes. Mas com a fixação na cidade de mestres do 
porte de Rafael, Michelangelo e Bramante formou-se uma escola local, tornando a cidade o mais rico repositório da arte da Alta Renascença e da sua continuação cinquecentesca,
 onde a política cultural do papado deu uma feição característica a toda
 esta fase. Boa parte dessa nova influência romana derivou do desejo de 
reconstituir a grandeza e a virtude cívica da Roma Antiga,
 o que se refletiu na intensificação do mecenato e na recriação de 
práticas sociais e simbólicas que imitavam as da Antiguidade, como os 
grandes cortejos de triunfo, as festas públicas suntuosas, as 
representações plásticas e teatrais grandiloquentes, cheias de figuras 
históricas, mitológicas e alegóricas.[14]
Na seqüência do saque de Roma de 1527 e da contestação da autoridade papal pelos Protestantes
 o equilíbrio político do continente se alterou e sua estrutura 
sócio-cultural foi abalada, com conseqüências negativas principalmente 
para a Itália, que além de tudo deixava de ser o centro comercial da 
Europa enquanto novas rotas de comércio eram abertas pelas grandes 
navegações. Todo o panorama mudava de figura, declinando a influência católica,
 perdendo-se a unidade cultural e artística recém conquistada na Alta 
Renascença e surgindo sentimentos de pessimismo, insegurança e 
alheamento que caracterizam a atmosfera do Maneirismo. Apareceram escolas regionais nitidamente diferenciadas em Roma, Florença, Ferrara, Nápoles, Milão, Veneza, e o Renascimento se espalhou então definitivamente por toda a Europa, dando frutos em especial na França, Espanha e Alemanha, tingidos pelos históricos locais específicos. A arte de longevos como Michelangelo e Ticiano registrou em grande estilo a transição de uma era de certezas e clareza para outra de dúvidas e drama que viu aparecer a Contra-Reforma e se dirigia para o Barroco do século XVII.[24]
Um dos impactos mais importantes da Reforma Protestante
 sobre a arte renascentista foi a condenação das imagens sagradas, o que
 despovoou os templos do norte de representações pictóricas e 
escultóricas de santos e personagens divinos, e muitas obras de arte 
foram destruídas em ondas de fúria iconoclasta.
 Com isso as artes representativas sob influência reformista se voltaram
 para os personagens profanos e a natureza. O papado, porém, logo 
percebeu que a arte podia ser uma arma eficiente contra os protestantes,
 auxiliando em uma evangelização mais ampla e mais sedutora para as grandes massas do povo, e durante a Contra-Reforma foram sistematizados uma nova série de preceitos baseados na teologia
 contra-reformista, que determinavam em detalhe como o artista deveria 
criar sua obra de tema religioso. Mas assim, se por um lado a 
Contra-Reforma deu origem a mais encomendas de arte sacra
 pela Igreja Católica, a antiga liberdade de expressão artística que se 
verificara em fases anteriores desapareceu, uma liberdade que permitira a
 Michelangelo decorar seu enorme painel do Juízo Final, pintado no coração do Vaticano,
 com uma multidão de corpos nus de grande sensualidade, ainda que o 
campo profano permanecesse pouco afetado pelas novas regras, que eram 
bastante dogmáticas e moralistas [25][26]
 Apesar disso, as aquisições intelectuais e artísticas da Alta 
Renascença que ainda estavam frescas e resplandeciam diante dos olhos 
não poderiam ser esquecidas de pronto, mesmo que seu substrato 
filosófico já não pudesse permanecer válido diante dos novos fatos 
políticos, religiosos e sociais. A nova arte que se fez, ainda que 
inspirada na fonte do classicismo, o traduziu em formas inquietas, 
ansiosas, distorcidas, agitadas, ambivalentes, apegadas a preciosismos 
intelectualistas, características que refletiam os dilemas do século.[24]
O Maneirismo, que cobre os dois terços finais do século XVI e depois se confunde com o Barroco,
 foi um movimento que tem gerado historicamente muito debate entre os 
historiadores da arte. Depois do século XVII ele passou a ser encarado 
com desprezo, como uma degeneração mórbida e afetada dos ideais 
clássicos autênticos. Nos dias de hoje, porém, essa visão já não 
permanece, tendo sido revisada através de duas vertentes da crítica. 
Para uns ele se manifestou em uma área geográfica tão vasta e de maneira
 tão polimorfa e tão distinta do Quattrocento e da Alta 
Renascença, que se tornou um dilema inconciliável descrevê-lo como parte
 do fenômeno original, basicamente classicista e italiano, pois 
parece-lhes que em muitos sentidos ele constitui uma completa antítese 
dos princípios clássicos de proporção equilibrada, unidade formal, 
clareza, lógica e naturalismo, tão prezados pelas fases anteriores e que
 definiriam o "verdadeiro" Renascimento. A consequência foi estabelecer o
 Maneirismo como um movimento independente, reconhecendo uma nova e 
vigorosa forma de expressão no que se chegou a ver como decadência e 
distorção, tendo sua importância realçada por esses traços fazerem dele a
 primeira escola moderna de arte. A outra vertente crítica, contudo, o 
analisa como um aprofundamento e um enriquecimento dos pressupostos 
clássicos e como uma legítima conclusão do ciclo do Renascimento; não 
tanto uma negação ou desvirtuamento daqueles princípios, mas uma 
reflexão sobre sua aplicabilidade prática naquele momento histórico e 
uma adaptação - às vezes dolorosa mas em geral criativa e bem sucedida -
 às circunstâncias da época.
&nbsp;

Pontormo: A Deposição da Cruz, 1525-1528. Santa Felicita, Florença.



&nbsp;&nbsp;&nbsp;

Lutero aos 46 anos (Lucas Cranach, o Velho, 1529).





As artes do Renascimento:

Nas artes o Renascimento se caracterizou, em linhas muito gerais, pela 
inspiração nos antigos gregos e romanos, e pela concepção de arte como 
uma imitação da natureza, tendo o homem nesse panorama um lugar 
privilegiado. Mas mais do que uma imitação, a natureza devia, a fim de 
ser bem representada, passar por uma tradução que a organizava sob uma 
óptica racional e matemática, num período marcado por uma matematização 
de todos os fenômenos naturais. Na pintura a maior conquista da busca 
por esse "naturalismo organizado" foi a recuperação da perspectiva,
 representando a paisagem, as arquiteturas e o ser humano através de 
relações essencialmente geométricas e criando uma eficiente impressão de
 espaço tridimensional; na música foi a consolidação do sistema tonal,
 possibilitando uma ilustração mais convincente das emoções e do 
movimento; na arquitetura foi a redução das construções para uma 
dimensão mais humana, abandonando-se as alturas transcendentais das 
catedrais góticas; na literatura, a introdução de um personagem que 
estruturava em torno de si a narrativa e mimetizava até onde possível a noção de sujeito.





Pintura:

&nbsp;Sucintamente, a contribuição maior da pintura do Renascimento foi sua nova maneira de representar a natureza, através de domínio tal sobre a técnica pictórica e a perspectiva
 de ponto central, que foi capaz de criar uma eficiente ilusão de espaço
 tridimensional em uma superfície plana. Tal conquista significou um 
afastamento radical em relação ao sistema medieval
 de representação, com sua estaticidade, seu espaço sem profundidade e 
seu sistema de proporções simbólico - onde os personagens maiores tinham
 maior importância numa escala que ia do homem até Deus - estabelecendo 
um novo parâmetro cujo fundamento era matemático, no que se pode ver um 
reflexo da popularização dos princípios filosóficos do racionalismo, 
antropocentrismo e do humanismo. A linguagem visual formulada pelos 
pintores renascentistas foi tão bem sucedida que permanece válida até 
hoje.[13][30]

O cânone greco-romano de proporções voltava a determinar a construção da figura humana; também voltava o cultivo do Belo tipicamente clássico. A pintura renascentista é em essência linear; o desenho era agora considerado o alicerce de todas as artes visuais
 e seu domínio, um pré-requisito para todo artista. Para tanto, foi de 
grande utilidade o estudo das esculturas e relevos da Antiguidade, que 
deram a base para o desenvolvimento de um grande repertório de temas e 
de gestos e posturas do corpo. Na construção da pintura, a linha 
convencionalmente constituía o elemento demonstrativo e lógico, e a cor 
indicava os estados afetivos ou qualidades específicas. Outro 
diferencial em relação à arte da Idade Média foi a introdução de maior 
dinamismo nas cenas e gestos, e a descoberta do sombreado, ou claro-escuro, como recurso plástico e mimético.[14][30]

Giotto,
 atuando entre os séculos XIII e XIV, foi o maior pintor da primeira 
Renascença italiana e o pioneiro dos naturalistas em pintura. Sua obra 
revolucionária, em contraste com a produção de mestres do gótico tardio como Cimabue e Duccio, causou forte impressão em seus contemporâneos e dominaria toda a pintura italiana do Trecento, por sua lógica, simplicidade, precisão e fidelidade à natureza.[31] Ambrogio Lorenzetti e Taddeo Gaddi
 continuaram a linha de Giotto sem inovar, embora em outros 
características progressistas se mesclassem com elementos do gótico 
ainda forte, como se vê na obra de Simone Martini e Orcagna. O estilo naturalista e expressivo de Giotto, contudo, representava a vanguarda na visualidade desta fase, e se difundiu para Siena, que por um tempo passou à frente de Florença nos avanços artísticos. Dali se estendeu para o norte da Itália.

No Quattrocento as representações da figura humana adquiriram 
solidez, majestade e poder, refletindo o sentimento de autoconfiança de 
uma sociedade que se tornava muito rica e complexa, com vários níveis 
sociais, de variada educação e referenciais, que dela participavam 
ativamente, formando um painel multifacetado de tendências e 
influências. Mas ao longo de quase todo o século a arte revelaria o 
embate entre os derradeiros ecos do gótico espiritual e abstrato, 
exemplificado por Fra Angelico, Paolo Uccello, Benozzo Gozzoli e Lorenzo Monaco, e as novas forças organizadoras, naturalistas e racionais do classicismo, representadas por Botticelli, Pollaiuolo, Piero della Francesca e Ghirlandaio. Nesse sentido, depois de Giotto o próximo marco evolutivo foi Masaccio,
 em cujas obras o homem tem um aspecto nitidamente enobrecido e cuja 
presença visual é decididamente concreta, com eficiente uso dos efeitos 
de volume e espaço tridimensional. Dele se disse que foi "o primeiro que soube pintar homens que realmente tocavam seus pés na terra".[30] Junto com Florença, Veneza representa a vanguarda artística européia no Quattrocento, dispondo de um grupo de artistas ilustres, como Jacopo Bellini, Giovanni Bellini, Vittore Carpaccio, Mauro Codussi e Antonello da Messina.
 Siena, que já fizera parte da vanguarda em anos anteriores, agora 
hesitava entre o apelo espiritual do gótico e o fascínio profano do 
classicismo, e perdia ímpeto. Enquanto isso também outras regiões do 
norte da Itália começavam a conhecer o classicismo, através de Perugino em Perugia; Francesco Laurana em Urbino; Pinturicchio, Masaccio, Melozzo da Forli, e Giuliano da Sangallo em Roma, e Mantegna em Pádua e Mântua.[32] Também deve-se lembrar a influência renovadora sobre os pintores italianos da técnica da pintura a óleo, que no Quattrocento
 estava sendo desenvolvida nos Países Baixos e atingira elevado nível de
 refinamento, possibilitando a criação de imagens muito mais precisas e 
nítidas e com um sombreado muito mais sutil do que o que era conseguido 
com o afresco, a encáustica e a têmpera.
 As telas flamengas eram muitissimo apreciadas na Itália exatamente por 
essas qualidades, e uma grande quantidade delas foi importada, copiada 
ou emulada pelos italianos.[13]

Mais adiante, na Alta Renascença, com Leonardo da Vinci, a técnica do óleo se refinou e penetrou no terreno do sugestivo, ao mesmo tempo em que aliava fortemente arte e ciência. Com Rafael
 o sistema classicista de representação visual chegou a um apogeu, e se 
revelou a doçura, a grandeza solene e a perfeita harmonia. Mas essa 
fase, de grande equilíbrio formal, não durou muito, logo seria 
transformada profundamente, dando lugar ao Maneirismo. Aqui Michelangelo,
 coroando o processo de exaltação do homem, levou-o a uma nova dimensão,
 a do sobre-humano, abrindo-lhe também as portas do trágico e do 
patético. Com os maneiristas toda a noção de espaço foi então alterada, a
 perspectiva se fragmentou em múltiplos pontos de vista, e as proporções
 da figura humana foram distorcias com finalidades expressivas ou 
meramente estéticas, formulando-se uma linguagem visual mais dinâmica, 
vibrátil, subjetiva, dramática e sofisticada. Pontormo, Veronese, Romano, Tintoretto, Bronzino, e Michelangelo em sua fase madura foram exemplos típicos do Maneirismo plenamente manifesto. Giorgio Vasari,
 um pintor e arquiteto maneirista de mérito secundário, também deve ser 
lembrado por sua importância como biógrafo e historiador da arte, um dos
 primeiros a reconhecer todo o ciclo renascentista como uma fase de 
renovação cultural e o primeiro a usar o termo "Renascimento" na 
bibliografia, em sua enciclopédica Le Vite de' più Eccellenti Pittori, Scultori e Architettori, uma das fontes primárias para o estudo da vida e obra de muitos artistas do período.



&nbsp; &nbsp;&nbsp; Giotto: Deposição de Cristo, ciclo de afrescos na Capela Scrovegni (1304-1306), Pádua.



&nbsp; Masaccio: Cristo e o tributo, 1425-1428. Capela Scrovegni.

&nbsp; Rafael: A Escola de Atenas, 1509. Vaticano.



&nbsp; Fra Angelico: Anunciação, c. 1440. Museu Nacional de São Marcos, Florença.



&nbsp; Piero della Francesca: Flagelação de Cristo, 1460. Galleria Nazionale delle Marche, Urbino.


&nbsp; Pietro Perugino: O batismo de Cristo, ca. 1481-83. Capela Sistina.

&nbsp;&nbsp;&nbsp;

Parmigianino: Madonna do pescoço longo, 1534-40. Uffizi.

&nbsp;

Bronzino: Alegoria do triunfo de Vênus, 1540-1545. National Gallery of London.

&nbsp;
Federico Barocci: A Madonna do povo, 1579. Uffizi.

&nbsp;&nbsp;

Michelangelo: O Juízo Final, 1534-41. Capela Sistina.




Escultura:
&nbsp;Na escultura os sinais de uma revalorização de uma estética classicista são mais antigos, datando do século XIII. Nicola Pisano em torno de 1260 produziu um púlpito para o Batistério de Pisa que é considerado a manifestação precursora da Renascença em escultura. Na passagem do século XIII para o século XIV seu filho Giovanni Pisano
 levaria seu estilo mais longe e dominaria a cena em Florença no 
primeiro terço do século, e seria um dos introdutores de um gênero novo,
 o dos cruxifixi dolorosi, de grande dramaticidade e larga 
influência, até então incomum na Toscana. Seu talento versátil daria 
origem a outras obras de suma elegância e austeridade, de linhas limpas e
 puras, como o retrato de Enrico Scrovegni. Suas Madonnas, relevos e o púlpito da Catedral de Pisa
 são, por outro lado, muito mais movimentados e graciosos, com elementos
 góticos mesclados a um novo senso de proporção e espaço que infere seu 
estudo dos clássicos.Contemporâneos como Tino di Camaino seguem aproximadamente a mesma linha de trabalho, num cruzamento de correntes que seria típico de todo o Trecento. Em meados do século Andrea Pisano se tornaria um dos escultores mais importantes da Itália, autor dos relevos da porta sul do Batistério de Florença e sendo nomeado arquiteto da Catedral de Orvieto. Foi mestre de Orcagna, cujo tabernáculo em Orsanmichele é uma das obras-primas do período, e de Giovanni di Balducci, autor de um requintado e complexo monumento funerário na Capela Portinari de Milão.
Apesar dos avanços dos mestres citados acima, sua obra ainda reflete o
 embate entre as tendências antigas e modernas, e elementos góticos 
ainda são nitidamente visíveis em todos eles. Para o fim do Trecento surge em Florença a figura de Lorenzo Ghiberti, autor de relevos no Batistério de São João, onde os modelos clássicos são recuperados por completo. Logo em seguida Donatello conduz os avanços em várias frentes. Nas suas obras principais figuram as estátuas de profetas do Antigo Testamento. Deles talvez o Habacuc seja a mais impressionante, uma imagem cujo porte lembra fortemente um romano com sua toga,
 quase extraído diretamente da retratística da Roma republicana. Ousou 
ao modelar a primeira figura de nu de grandes dimensões em volume 
completo desde a antiguidade, o David de 1430. Também inovou na estatuária equestre, criando o monumento a Gattamelata, a mais importante obra em seu gênero desde o Marco Aurélio romano do Capitólio. Por fim, sua descarnada Madalena penitente,
 em madeira, de 1453, é uma imagem de dor, austeridade e transfiguração 
que não teve paralelos em sua época, reintroduzindo um pungente senso de
 drama e realidade na estatuária que só se viu no Helenismo.
Na geração seguinte, Verrocchio se destaca pela teatralidade e dinamismo das composições. Seu Cristo e São Tomé tem grande realismo e poesia. Compôs um Jovem com um golfinho para a fonte de Netuno em Florença que é o protótipo da figura serpentinata, que seria o modelo formal mais prestigiado pelo Maneirismo e Barroco. Sua obra maior, o monumento equestre a Bartolommeo Colleoni é uma expresão de poder e força mais impressionante que o Gattamelata. Desiderio da Settignano e Antonio Rosselino também merecem lembrança. Florença continuou o centro da evolução até o aparecimento de Michelangelo,
 que trabalhou em Roma para os papas - e também em Florença para os 
Medici - e foi o maior nome da escultura desde a Alta Renascença até 
meados do Cinquecento. Sua obra passou do classicismo puro do David, do Baco, e chegou ao Maneirismo, expresso em obras veementes como os Escravos, o Moisés, e os nus da Capela Medici em Florença. Artistas como Baccio Bandinelli, Agostino di Duccio e Tullio Lombardo também deixaram obras de grande maestria, como o Adão deste último. Encerram o ciclo renascentista Giambologna, Francesco da Sangallo, Jacopo Sansovino e Benvenuto Cellini, com um estilo de grande dinamismo e expressividade, tipificado no Rapto das Sabinas, de Giambologna. Artistas importantes em outros países da Europa já iniciavam a trabalhar em linhas claramente italianas, como Adriaen de Vries no norte e Germain Pilon
 na França, espalhando o gosto italiano por uma grande área geográfica e
 dando origem a várias formulações sincréticas com escolas regionais.

&nbsp;&nbsp;&nbsp;
&nbsp;Nicola Pisano: Adão, púlpito do Batistério de Pisa.


&nbsp;&nbsp;
Giovanni Pisano: Retrato de Enrico Scrovegni, Capela Scrovegni, Pádua (Cópia do Museu Pushkin).

&nbsp;&nbsp;
Agostino di Duccio: Madonna, século XV. Museo dell'Opera di Santa Maria del Fiore.


&nbsp;&nbsp;
Ghiberti: A história de José, painel da Porta do Paraíso, Batistério de São João.


&nbsp;&nbsp;&nbsp;

Donatello: Habacuc. Museo dell'Opera del Duomo.


&nbsp;&nbsp; Verrocchio: São Tomé e Cristo, 1466-83, Orsanmichele, Florença.

&nbsp;&nbsp;&nbsp;

Michelangelo: Baco, Museu del Bargello.


&nbsp;&nbsp;&nbsp;
Giambologna: O rapto da sabina, 1581-82. Loggia dei Lanzi, Florença.





Música: 
Em linhas gerais, a música
 do Renascimento não oferece um panorama de quebras abruptas de 
continuidade, e todo o longo período pode ser considerado o terreno da 
lenta transformação do universo modal para o tonal, e da polifonia horizontal para a harmonia vertical. O Renascimento foi também um período de grande renovação no tratamento da voz e na orquestração, no instrumental e na consolidação dos gêneros e formas puramente instrumentais com as suítes de danças para bailes, havendo grande demanda por animação musical em todo festejo ou cerimônia, público ou privado.Na técnica compositiva a polifonia melismática dos organa, derivada diretamente do canto gregoriano,
 é abandonada em favor de uma escrita mais enxuta, com vozes tratadas de
 maneira cada vez mais equilibrada. No início do período o movimento 
paralelo é usado com moderação, acidentes
 são raros mas as dissonâncias duras são comuns. Mais adiante a escrita a
 três vozes começa a apresentar tríades, dando uma impressão de tonalidade. Tenta-se pela primeira vez escrever música descritiva ou programática, os rígidos modos rítmicos cedem lugar à isorritmia e a formas mais livres e dinâmicas como a balada, a chanson e o madrigal. Na música sacra a forma da missa se torna a mais prestigiada. A notação evolui para adoção de notas de menor valor, e mais para o final do período passa a ser aceito o intervalo de terça como consonância, quando antes apenas a quinta, a oitava e o uníssono o eram.Os precursores desta transformação não foram italianos, mas franceses como Guillaume de Machaut, autor da maior realização musical do Trecento em toda Europa, a Missa de Notre Dame, e Philippe de Vitry,
 muito elogiado por Petrarca. Da música italiana dessa fase inicial 
muito pouco chegou a nós, embora se saiba que a atividade era intensa e 
quase toda no terreno profano, sendo as principais fontes de partituras o
 Codex Rossi, o Codex Squarcialupi e o Codex Panciatichi. Entre seus representantes estão Matteo da Perugia, Donato da Cascia, Johannes Ciconia e sobretudo Francesco Landini. Somente no Cinquecento a música italiana começou a desenvolver características próprias e originais, sendo até então muito dependente da escola franco-flamenga.[43]
O predomínio de influências do norte não significa que o interesse 
italiano pela música fosse pequeno. Na ausência de exemplos musicais da 
Antiguidade para serem emulados, filósofos italianos como Ficino se 
voltaram para textos clássicos de Platão e Aristóteles em busca de 
referências para que se pudesse criar uma música digna dos antigos. 
Nesse processo um significativo papel foi desempenhado por Lorenzo de' 
Medici em Florença, que fundou uma academia musical e atraiu diversos 
músicos europeus,[11] e por Isabella d'Este,
 cuja pequena mas brilhante corte em Mântua atraiu poetas que escreviam 
em italiano poemas simples para serem musicados, e lá a récita de 
poesia, assim como em outros centros italianos, era geralmente 
acompanhada de música. O gênero preferido era a frottola, que já mostrava uma estrutura harmônica tonal bem definida e contribuiria para renovar o madrigal,
 com sua típica fidelidade ao texto e aos afetos. Outros gêneros 
polifônicos como a missa e o moteto fazem a esta altura pleno uso da 
imitação entre as vozes e todas são tratadas de um modo semelhante. 
Compositores flamengos importantes trabalham na Itália, como Adriaen Willaert e Jacob Arcadelt, mas as figuras mais célebres do século são Giovanni da Palestrina, italiano, e Orlande de Lassus, flamengo,
 que estabelecem um padrão de para a música coral que seria seguido em 
todo o continente, com uma escrita melodiosa e rica, de grande 
equilíbrio formal e nobre expressividade, preservando a inteligibilidade
 do texto, aspecto que no período anterior muitas vezes era secundário e
 se perdia na intrincada complexidade do contraponto.
 A impressão de sua música se equipara à grandeza idealista da Alta 
Renascença, florescendo em uma fase em que o Maneirismo já se 
manifestava com força em outras artes como a pintura e escultura. No 
final do século aparecem três grandes figuras, Carlo Gesualdo, Giovanni Gabrieli e Claudio Monteverdi,
 que introduziriam avanços na harmonia e um senso de cor e timbre que 
enriqueceriam a música dando-lhe uma expressividade e dramatismo 
maneiristas e a preparariam para o Barroco. Monteverdi em especial é 
importante por ser o primeiro grande operista da história, e suas óperas L'Orfeo (1607) e L'Arianna (1608, perdida, só resta uma famosa ária, o Lamento) representam o nobre ocaso da música renascentista e os primeiros grandes marcos do barroco musical.

&nbsp;Arquitetura:
A permanência de muitos vestígios da Roma antiga
 em solo italiano jamais deixou de influir na plástica edificatória 
local, seja na utilização de elementos estruturais ou materiais usados 
pelos romanos, seja mantendo viva a memória das formas clássicas. Mesmo assim, no Trecento o gótico
 continua a linha dominante e o classicismo só viria a emergir com força
 no século seguinte, em meio a um novo interesse pelas grandes 
realizações do passado. Esse interesse foi estimulado pela redescoberta 
de bibliografia clássica dada como perdida, como o De Architectura de Vitrúvio, encontrado na biblioteca do mosteiro de Monte Cassino em 1414 ou 1415. Nele o autor exaltava o círculo como forma perfeita, e elaborava sobre proporções ideais da edificação e da figura humana, e sobre simetria e relações da arquitetura
 com o homem. Suas idéias seriam então desenvolvidas por outros 
arquitetos, como o primeiro grande expoente do classicismo 
arquitetônico, Filippo Brunelleschi, que tirou sua inspiração também das ruínas que estudara em Roma. Foi o primeiro a usar modernamente as ordens arquitetônicas de maneira coerente, instaurando um novo sistema de proporções baseado na escala humana. Também se deve a ele o uso precursor da perspectiva
 para representação ilusionística do espaço tridimensional em um plano 
bidimensional, uma técnica que seria aprofundada enormemente nos séculos
 vindouros e definiria todo o estilo da arte futura, inaugurando uma 
fertilíssima associação entre a arte e a ciência. Leon Battista Alberti
 é outro arquiteto de grande importância, considerado um perfeito 
exemplo do "homem universal" renascentista, versátil em várias 
especialidades. Foi o autor do tratado De re aedificatoria, que se tornaria canônico. Outros arquitetos, artistas e filósofos acrescentaram à discussão, como Luca Pacioli em seu De Divina Proportione, Leonardo com seus desenhos de igrejas centradas e Francesco di Giorgio com o Trattato di architettura, ingegneria e arte militare.
Dentre as características mais notáveis da arquitetura renascentista está a retomada do modelo centralizado de templo, desenhado sobre uma cruz grega e coroado por uma cúpula, espelhando a popularização de conceitos da cosmologia neoplatônica e com a inspiração concomitante de edifícios-relíquias como o Panteão de Roma. O primeiro desse gênero a ser edificado na Renascença foi talvez San Sebastiano, em Mântua,
 obra de Alberti de 1460, mas deixado inconcluso. Este modelo tinha como
 base uma escala mais humana, abandonando o intenso verticalismo das 
igrejas góticas e tendo na cúpula o coroamento de uma composição que 
primava pela inteligibilidade. Especialmente no que toca à estrutura e 
técnicas construtivas da cúpula, grandes conquistas foram feitas no 
Renascimento. Das mais importantes são a cúpula octogonal da Catedral de Florença, de Brunelleschi, que não usou andaimes apoiados no solo ou concreto na construção, e a da Basílica de São Pedro, em Roma, de Michelangelo, já do século XVI.
No lado profano aristocratas como os Medici, os Strozzi, os Pazzi, asseguram seu status ordenando a construção de palácios de grande imponência e originalidade, como o Palácio Pitti (Brunelleschi), o Palazzo Medici Riccardi (Michelozzo), o Palazzo Rucellai (Alberti) e o Palazzo Strozzi (Maiano), todos transformando o mesmo modelo dos palácios medievais italianos, de corpo mais ou menos cúbico, pavimentos de alto pé-direito, estruturado em torno de um pátio interno, de fachada rústica e coroado por grande cornija, o que lhes confere um aspecto de solidez e invencibilidade. Formas mais puramente clássicas são exemplificadas na Vila Medici, de Giuliano da Sangallo. Variações interessantes deste modelo são encontradas em Veneza, dadas as características alagadas do terreno.
Depois da figura principal de Donato Bramante
 na Alta Renascença, trazendo o centro do interesse arquitetônico de 
Florença para Roma, e sendo o autor de um dos edifícios sacros mais 
modelares de sua geração, o Tempietto, encontramos o próprio Michelangelo, tido como o inventor da ordem colossal
 e por algum tempo arquiteto das obras da Basílica de São Pedro. 
Michelangelo, na visão dos seus próprios contemporâneos, foi o primeiro a
 desafiar as regras até então consagradas da arquitetura classicista, 
desenvolvendo um estilo pessoal, pois fora segundo Vasari
 o primeiro a abrir-se para a verdadeira liberdade criativa. Ele 
representa, então, o fim do "classicismo coletivo", bastante homogêneo 
em suas soluções, e o início de uma fase de individualização e 
multiplicação das linguagens arquitetônicas. Ele abriu caminho, pelo 
imenso prestígio que desfrutava entre os seus, para que a nova geração 
de criadores realizasse um sem-número de experimentações a partir do cânone
 clássico de arquitetura, tornando esta arte independente dos antigos - 
ainda que largamente devedora deles. Alguns dos mais notáveis nomes 
desta época foram Della Porta, Sansovino, Palladio, Fontana, Peruzzi e Vignola. Entre as modificações que esse grupo introduziu estavam a flexibilização da estrutura do frontispício e a anulação das hierarquias das ordens antigas,
 com grande liberdade para o emprego de soluções não ortodoxas e o 
desenvolvimento do gosto por um jogo puramente plástico com as formas, 
dando muito mais dinamismo aos espaços internos e às fachadas De todos os derradeiros renascentistas Palladio foi o mais influente, e ainda hoje é o arquiteto mais estudado em todo o mundo. Foi criador de uma fértil escola, chamada Palladianismo, que perdurou, com altos e baixos, até o século XX.
&nbsp; Brunelleschi: Spedale degli Innocenti.

&nbsp; Alberti: Fachada de Santa Maria Novella.

&nbsp;
&nbsp;Michelozzo Michelozzi: Palazzo Medici-Riccardi.

&nbsp; Giuliano da Sangallo: Vila Medici.

&nbsp;&nbsp;

Michelangelo: A cúpula de São Pedro.
&nbsp; 
&nbsp;
&nbsp;Palladio: Villa Capra.

&nbsp;&nbsp;&nbsp; Della Porta: Villa Aldobrandini.

&nbsp; Vignola: Palazzo Farnese.



&nbsp;