Autor: Gabriela Casadei | Publicado: 2011-09-18T20:38:00-07:00

&nbsp;ESCOLHA PESSOAL:


Cildo Meireles 

Cildo Meireles é reconhecido como um dos mais  importantes artistas brasileiros contemporâneos. Aos 10 anos de idade  muda-se para Brasília, onde tem contato com a arte moderna e contemporânea.  A partir de 1963, estuda com Barrenechea e acompanha a produção  artística internacional por livros e revistas. Nesse momento, se  impressiona com a coleção de máscaras e esculturas africanas da  Universidade de Dacar, exposta na Universidade de Brasília (UnB). Por meio de publicações, conhece o Grupo Neoconcreto,  do Rio de Janeiro. Sente-se atraído pelo movimento e se interessa pela  possibilidade aberta pelo grupo "de pensar sobre arte em termos que não  se limitassem ao visual". No entanto, diferentemente daqueles artistas, seu trabalho, na época, é gestual e figurativo - um desenho de natureza expressionista.Em 1967, muda-se para o Rio de Janeiro. Nesse ano, o  desenho passa para segundo plano, e o artista abandona a figuração  expressionista, voltando-se para obras tridimensionais. Sua primeira  instalação é Desvio para o Vermelho, no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM/RJ), em 1967. Cria os Espaços Virtuais: Cantos  (1967-1969), fragmentos de ambientes em que dois planos se cruzam  abrindo uma fresta entre eles. Em 1970, participa da exposição coletiva  Information, no Museum of Modern Art (MoMA), de Nova York. A mostra  reúne boa parte da produção de matriz conceitual da década de 1960.  Cildo Meireles leva as Inserções em Circuitos Ideológicos  (1970), série de trabalhos em que imprime frases subversivas em cédulas  de dinheiro e garrafas de Coca-Cola, deslocando a recepção da obra da  dimensão de "público" para a de "circuito". A intervenção política em  objetos banais é constante em sua produção entre 1970 e 1975, como Árvore do Dinheiro (1969), Introdução a uma Nova Crítica (1970) e O Sermão da Montanha: Fiat Lux (1973).Mora nos Estados Unidos de 1971 até 1973. Ao retornar ao  Brasil, concentra-se nas linguagens conceituais e na apropriação de  objetos não-artísticos. Em 1974, termina a primeira versão do trabalho Malhas da Liberdade (1976). Realiza, em 1975, a instalação Eureka/Blindhotland,  em que investiga propriedades sensoriais não visuais dos objetos  utilizados. Na segunda metade da década de 1970, amplia essa discussão  em esculturas como A Diferença entre um Círculo e uma Esfera É o Peso (1976), Estojo de Geometria (1977) e Rodos (1978).No início da década de 1980, alguns elementos pictóricos são incorporados às suas instalações e esculturas, como em Volátil (1980), Maca (1983), Cinza (1984) e Para Pedro (1984). Realiza Missão/Missões (1987), instalação feita com óstias, moedas e ossos, e Através  (1989), um ambiente labiríntico formado por objetos e materiais  utilizados para delimitar&nbsp;ou interditar espaços, como grades e  alambrados. Em 2001, realiza Babel, instalação sonora e  luminosa feita com rádios sintonizados em diferentes estações, que  retoma e atualiza seus trabalhos com discos de vinil da década de 1970. É  o segundo artista brasileiro a ter uma exposição retrospectiva de sua  obra na Tate Modern, em Londres, em 2008.
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Obra em Inhotim:Desvio para o Vermelho: Impregnação, Entorno, Desvio 1967 - 1984

Desde o fim da década de 1960, Cildo Meireles tem se afirmado como voz  única na arte contemporânea, construindo uma obra impregnada pela  linguagem internacional da arte conceitual, mas que dialoga de maneira  pessoal com o legado poético do neconcretismo brasileiro de Lygia Clark e  Hélio Oiticica.
Seu trabalho pioneiro no campo da arte da instalação prima pela  diversidade de suportes, técnicas e materiais, apontando quase sempre  para questões mais amplas, de natureza política e social. Neste sentido,  Desvio para o Vermelho é um de seus trabalhos mais complexos e  ambiciosos – concebido em 1967, montado em diferentes versões desde 1984  e exibido em Inhotim em caráter permanente desde 2006. Formado por três  ambientes articulados entre si, no primeiro deles (Impregnação) nos  deparamos com uma exaustiva coleção monocromática de móveis, objetos e  obras de arte em diferentes tons, reunidos “de maneira plausível mas  improvável” por alguma idiossincrasia doméstica. Nos ambientes  seguintes, Entorno e Desvio, têm lugar o que o artista chama de  explicações anedóticas para o mesmo fenômeno da primeira sala, em que a  cor satura a matéria, se transformando em matéria. Aberta a uma série de  simbolismos e metáforas, desde a violência do sangue até conotações  ideológicas, o que interessa ao artista nesta obra é oferecer uma  seqüência de impactos sensoriais e psicológicos ao espectador: uma série  de falsas lógicas que nos devolvem sempre a um mesmo ponto de partida.
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Fonte: www.itaucultural.org.br ; www.inhotim.org.br&nbsp;


ESCOLHA DO GRUPO:
Tunga 

Tunga            Palmares, PE, 1952; reside e trabalha no Rio de Janeiro

True Rouge 1997
Técnica mista Mixed mídia

Desde meados dos anos 1970, Tunga cria obras de um imaginário exuberante  em desenho, escultura, instalação, filme, vídeo e performance. Seu  impulso multimídia está associado a uma compreensão da arte como campo  multidisciplinar, em que filosofia, ciências naturais e literatura andam  ao lado das artes visuais; trata-se de compreender as ações físicas de  uma obra como parte do pensamento sobre ela, evitando-se a dissociação  entre teoria e prática de um mesmo fenômeno. Não raro, para o artista é  importante também ultrapassar os limites entre ciência e fantasia,  realidade e ficção, resultando na criação de uma mitologia própria. Em  vários de seus trabalhos, o artista contrata performers para realizar  algo parecido a rituais performáticos, “inaugurando” a obra. Para  denominar estas obras, prefere o termo “instauração” a performance ou  instalação, que definiria de maneira mais satisfatória algo que, a  partir daquele ato, começa a existir. True Rouge pertence a este grupo  de trabalhos. Na instalação, atores nus interagiram com os objetos  pendentes: recipientes que contêm um líquido viscoso, vermelho, que  derramam sobre si e os vidros, remetendo aos ciclo vitais. O trabalho  surge do poema que lhe dá título, escrito por Simon Lane e que descreve  uma ocupação do espaço pelo vermelho, valendo-se de trocadilhos entre a  língua inglesa e francesa. Os objetos que pendem do teto, unidos por  estruturas interdependentes, aludem a um grande teatro de marionetes:  uma escultura de manipulação, que, se valendo da gravidade, não chega,  contanto, a tocar o chão.


&nbsp;Fonte: www.inhotim.org.br&nbsp;


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