CARTOGRAFIAS HUMANAS - por Hélio Schonamnn
Autor: Hélio Schonmann | Publicado: 2016-09-10T15:17:00-03:00


Douglas Norris foi um representante da arte paulistana naquilo
que ela tem de mais subterrâneo. A mostra Douglas Norris: cartografias humanas
constitui uma primeira iniciativa, póstuma, destacando recortes significativos
de sua obra. Uma exposição que visa a estimular pesquisas sobre um artista
irredutivelmente recluso, que se tornou virtualmente desconhecido em seu
próprio meio.

Em seus desenhos, gravuras e
pinturas, drama e lirismo adensam-se mutuamente. O olhar de Douglas busca
abrangência na compreensão do humano, criando um universo de imagens que amplia
nosso espaço de reconhecimento e identificação com o outro. São Paulo é um de
seus focos preferenciais. Os retratos que realizou traçam um mapeamento
sensível da população paulistana, com ênfase na pluralidade étnica, cultural e
social. Essa atração pela diversidade resulta na montagem de um rico mosaico
humano, vinculando sua poética à urbe construída por levas de imigrantes. Mas
tal abordagem não se reduz ao registro da colorida tipologia local. Douglas vai
além: busca no Outro a base para a construção de uma cartografia afetiva que o
localize no mundo. Mergulhando na alteridade, encontra caminhos para realizar
ampla reflexão sobre a condição humana. 

Enquanto São Paulo se agiganta como paisagem das massas
anônimas que hoje conhecemos, o artista a focaliza na perspectiva das múltiplas
existências individuais que a constituem. A prostituta, o mendigo, o bêbado;
Gino e o Sr. Jacó; o ferroviário, o faixa-preta, o sambista: cada um dos
retratados apresenta-se em sua força e fragilidade, provocando empatia no
observador. De um raro depoimento seu, extraímos trecho que ilustra os laços
que o vinculam aos modelos: “Perto do rio Tietê, retratei uma garotinha de nome
Ondina. Um rapaz, de pouca
fala, ficava nos observando. Convidei-o a ser retratado. Um dia, a bonequinha
da menina caiu dentro do rio e o rapaz, mesmo vestido, pulou dentro da água
para salvá-la. Voltei lá diversas vezes para desenhar e descobri que aquele
rapaz era bandido. Ondina me deixou a boneca de presente e o rapaz, seu
isqueiro. A arte muda tudo” (“Fragmentos do artista: Douglas Norris”, de Luiz
Ricardo Rufo). A relação entre arte e lugar ganha, nessa narrativa,
densidade e significação: Douglas entende seu papel não apenas como o de
observador e intérprete da vida, mas como de sujeito ativo, que interfere na
dinâmica da existência. 

Sua obra é resultado do cruzamento de diferentes referências. A
trágica metafísica da solidão, plasmada por Edward Munch – que projetou na
relação homem/natureza os dramas da existência e da consciência – é uma delas.
Não por acaso, os jovens artistas alemães do início do século XX –
particularmente os membros do Die Brücke – deixam nele também sua marca,
principalmente no que se refere à expressividade do sinal gráfico e à
utilização desabrida da cor. Mas Douglas foge às deformações hiperbólicas do
grupo. Seu desenho se vale de deformações expressivas sim, mas elas não elidem
a volumetria estrutural da imagem. 

Identificamos de imediato vínculos entre seu universo e o de
Oswaldo Goeldi, assim como reconhecemos a distância poética que separa os dois
artistas. A luz que banha a gravura de Douglas revela a forma em plenitude, ao
contrário do luminismo dramático e noturno de Goeldi. A abordagem do retrato
individual marca bem esse distanciamento, assim como sua visão da cena
paulistana: edifícios que lembram pesados blocos monolíticos dominam esses
cenários, enfatizando a escala mínima das figuras, impondo-se a elas – um
conjunto que pode ser pensado como o avesso dos retratos, plenos de empatia. Na conjunção entre os dois polos,
forja-se o humanismo do artista. 

Mas Douglas não é somente o
observador apaixonado de uma São Paulo em rápida transição. É atraído também
por outra realidade: a da paisagem física e humana do litoral paulista, a ponto
de se autointitular “caiçara por adoção e coração”. Essa identificação motiva a
criação de imagens nas quais a praia e o mar não evocam, jamais, conteúdos
exóticos ou tropicais, constituindo um habitat repleto de significados
existenciais.

No desenho de Douglas, podemos identificar referências outras
além das nórdicas. 
O ensinamento dos mestres do primeiro Renascimento, como Giotto e Masaccio –
que pensaram a forma em chave escultórica – se faz presente. Essa marca pode ser creditada 
à convivência com artistas da “geração santahelenista”, particularmente Raphael
Galvez, pintor e escultor que desempenha papel fundamental em sua trajetória,
tornando-se grande amigo e orientador. 

No extenso trabalho de pintura que realiza, a paisagem
sobressai como um dos temas dominantes. Suas primeiras telas apresentam
abordagem correlata à das xilogravuras, no que se refere à busca por clareza e
solidez. Percebemos nelas sua admiração pelas obras de Aldo Bonadei e dos
metafísicos italianos. Mas o desdobramento desse trabalho vai fazê-lo trilhar
caminho diverso. Em telas realizadas na década de 1990, o cenário é constituído
por um magma soturno, envolvente. Uma fatura visceral, mista de gestualidade e
fusão, constrói a atmosfera pesada dessas imagens. Cabe destacar a assimilação
que testemunhamos, aqui, das lições de Ernesto de Fiore. Mas o tom da série de
pequenas e impactantes telas é bem mais intimista, denso e trágico,
contrastando com a nota épica, expansiva e translúcida das pinturas de De
Fiori. Esse conjunto crepuscular, em que o contraluz tem protagonismo, bem pode
ser pensado como um réquiem à singular trajetória do artista.

Partindo do corpo-a-corpo com o cotidiano e do caldo de
referências que o nutriu, Douglas Norris desenhou com nitidez uma tessitura
pessoal de empatia e angústia, potência e fragilidade. Olhar nascido de olhares
diversos. Olhar que se expande e se aprofunda em sua circunstância.