Pintura
Autor: Stefani Felício | Publicado: 2011-10-15T06:04:00-07:00


História da arte ocidental


A&nbsp;história da arte ocidental&nbsp;diz respeito ao estudo, registro e discussão do desenvolvimento da&nbsp;arte&nbsp;em sua manifestação na evolução da&nbsp;sociedade ocidental. Esta história apresenta diferenças significativas em relação à evolução da arte no mundo oriental. Os estudos que tradicionalmente se faziam sobre&nbsp;história da arte&nbsp;normalmente levavam em consideração apenas a evolução deste campo da arte devido ao&nbsp;eurocentrismo&nbsp;corrente no mundo ocidental. Este estudo, no entanto, ao se considerar a&nbsp;cultura ocidental&nbsp;como elemento fundamental da vida contemporânea, faz-se necessário a fim de se compreender o alcance da arte ao redor do mundo, recebendo influências e sendo influenciada por outros movimentos. Estudiosos como&nbsp;Giulio Carlo Argan, por exemplo, consideram a&nbsp;arte contemporânea&nbsp;um desdobramento da crise da&nbsp;arte&nbsp;enquanto ciência europeia.

Esta&nbsp;história&nbsp;pode ser considerada predominantemente restrita ao contexto europeu por mais de três milênios: o núcleo principal da arte ocidental permaneceu no continente europeu até meados do&nbsp;século XX, especialmente após a&nbsp;II Guerra Mundial, quando o eixo desloca-se dali para os&nbsp;Estados Unidos.



Arte antiga


É na&nbsp;Antiguidade&nbsp;que surgem os primeiros conceitos teóricos a respeito da sistematização e estudo das artes. Ainda que cubra um período bastante longo, destaca-se aí a formulação da estéticaclássica, reunindo as culturas&nbsp;grega&nbsp;e&nbsp;romana.

Durante praticamente toda a Antiguidade, a arte esteve bastante associada às necessidades formais dos rituais religiosos: as várias formas de produção artística (pintura,&nbsp;escultura,&nbsp;arquitetura), buscavam de alguma forma trazer para o mundo mortal os valores do mundo divino. Esta visão de arte é especialmente encontrada nos egípcios e babilônios. Os&nbsp;gregos&nbsp;e&nbsp;romanos, porém, ainda que cultivem esta necessidade, caminharão para uma arte com novos significados. A arte, para eles, tornar-se-á uma forma de&nbsp;humanismo.

Não existia a noção de&nbsp;perspectiva, que só foi (brevemente) desenvolvida pelos gregos, em um conceito chamado&nbsp;escorço, mas ainda não sistematizado (algo que será feito apenas noRenascimento). Desta forma, a&nbsp;pintura egípcia, por exemplo, caracterizou-se por propor uma realidade em suas pinturas que se mostrava não apenas bidimensional como simbólica: os personagens de maior importância, como os&nbsp;faraós, eram representados em uma escala bem maior que as demais figuras.





Arte clássica: Grécia e Roma




Estatuaria classica&nbsp;Os gregos são responsáveis pelo conceito de arte que permeará praticamente toda a produção ocidental durante mais de 2000 anos. A palavra grega para a arte é&nbsp;tekné, que também significa&nbsp;técnica&nbsp;ou&nbsp;ofício. Este conceito está associado à ideia de&nbsp;mímese, que considera que no mundo real, a manifestação artística deve representar a busca do ideal. O ideal, para os gregos, é representado pela&nbsp;Perfeição&nbsp;da&nbsp;Natureza, desta forma, a arte deve ser perfeita. Portanto, segundo o ponto de vista clássico, a arte é imitação da Natureza, mas não se resume a um simples retrato dela, mas à busca de uma Natureza ideal e universal. A busca deste ideal universal de Natureza é, para a arte clássica, a busca da&nbsp;Beleza&nbsp;universal, pois a Natureza, sendo perfeita, é bela. Não existe separação, segundo este ponto de vista, entre&nbsp;arte,&nbsp;ciência,&nbsp;matemática&nbsp;e&nbsp;filosofia: todo o conhecimento humano está voltado à busca da perfeição.

Os gregos são responsáveis também por uma série de avanços do ponto de vista técnico da produção artística. A arte grega por excelência foi a&nbsp;escultura: os gregos desenvolveram-na de forma impressionante, considerados os exemplares de outras culturas do mesmo período. A busca pelas relações naturais perfeitas levou também a que a estatuária grega estabelecesse determinados padrões de beleza que a tornavam, ainda que absolutamente naturalista, distante da realidade cotidiana. As proporções dos corpos humanos ideais seguiam normas rígidas, de forma que a produção escultórica fosse uma busca e uma consequência destes padrões: como exemplo, a altura do corpo masculino deveria possuir aproximadamente sete vezes e meia a altura da cabeça. Estacanonização&nbsp;chegou até os dias atuais principalmente pela preservação dos textos&nbsp;vitruvianos&nbsp;durante a&nbsp;Idade Média, mas é possível que tratados diversos possuíssem regras diferentes.





Arte medieval




Durante a&nbsp;Idade Média&nbsp;a arte esteve predominantemente comprometida com o projeto de difusão e propaganda do&nbsp;Cristianismo&nbsp;europeu. Durante este período, visto que a vasta maioria dos camponeses era iletrada, as&nbsp;artes visuais&nbsp;eram o principal método para comunicar as ideias religiosas aos fiéis, juntamente da apresentação de&nbsp;sermões. A&nbsp;Igreja Católica&nbsp;era uma das poucas instituições ricas o suficiente para remunerar a obra dos artistas, e portanto a maior parte das obras eram de natureza religiosa (condicionando o que se conhece por&nbsp;arte sacra).

Desde a queda do&nbsp;Império Romano, muitas das técnicas artísticas desenvolvidas na&nbsp;Grécia Antiga&nbsp;foram perdidas, o que levou a&nbsp;pintura&nbsp;medieval a ser predominantemente bidimensional. Como não havia nenhuma noção de&nbsp;perspectiva&nbsp;na produção artística do período, as personagens retratadas eram pintadas maiores ou menores de acordo com sua importância e seu simbolismo e não de acordo com sua posição relativa à tela e ao olho do observador. Ao lado da pintura, a&nbsp;tapeçaria&nbsp;era a mais importante forma de arte medieval: as peças de tapeçaria eram elementos necessários para manter o calor interno dos&nbsp;castelos&nbsp;no inverno (os quais eram construídos predominantemente com&nbsp;pedra). A mais famosa tapeçaria medieval é o ciclo conhecido como&nbsp;A senhora e o unicórnio.

As duas principais manifestações arquitetônicas (principalmente relacionadas à construção de&nbsp;catedrais) eram o&nbsp;românico&nbsp;(até meados do&nbsp;século XII) e ogótico&nbsp;(de meados do&nbsp;século XII&nbsp;em diante). Apesar de ambas serem normalmente associadas a diferentes períodos históricos, elas nunca deixaram de ser construídas e eventualmente manifestavam-se paralelamente. Destaca-se também a formação das&nbsp;corporações de ofícios, especialmente durante o período do&nbsp;Renascimento comercial, reunindo artesãos que detinham o monopólio do conhecimento prático de determinado assunto.

Vale ressaltar que o&nbsp;povo&nbsp;durante a&nbsp;Idade Média&nbsp;não possuía o hábito da leitura, visto que eram poucos aqueles que tinham acesso à&nbsp;escrita&nbsp;e que podiam ler. Portanto, as&nbsp;artes visuais&nbsp;foram um dos principais meios encontrados pela Igreja Católica de passar para a&nbsp;sociedade&nbsp;os valores do&nbsp;cristianismo.

A maioria dos artistas medievais eram anônimos e o trabalho coletivo era bastante comum. Além disso, é difícil identificar artistas individuais no período.





O Renascimento


Durante a Idade Média europeia, as&nbsp;pinturas&nbsp;e&nbsp;esculturas&nbsp;tendiam a focalizar a&nbsp;religião, mais especialmente o Cristianismo. À medida que a Renascença emerge, porém, o foco dos artistas descola-se para o passado&nbsp;clássico, buscando influências na&nbsp;Grécia&nbsp;e&nbsp;Roma antigas, levando a profundas mudanças tanto nos aspectos&nbsp;técnicos&nbsp;quanto nos motivos e temáticas da pintura e escultura. Os pintores, então, passam a aumentar o realismo de seus trabalhos usando as novas técnicas da&nbsp;perspectiva&nbsp;(recém-redescoberta e bastante desenvolvida), representando mais autenticamente as três dimensões. A manipulação da luz e sombra, como o contraste de tom evidente nos trabalhos de&nbsp;Ticciano, foi aprimorada com as técnicas do&nbsp;chiaroscuro&nbsp;e do&nbsp;sfummatodesenvolvidas por&nbsp;Leonardo da Vinci. Os escultores, também, redescobriram muitas técnicas antigas como o&nbsp;contrapposto.

Seguindo o espírito&nbsp;humanista&nbsp;do período, a arte tornou-se mais laica em suas temáticas, buscando motivos na&nbsp;mitologia clássica&nbsp;em adição aos temas cristãos. Este gênero de arte costuma ser chamado de&nbsp;classicismo renascentista. Os três mais influentes artistas renascentistas são&nbsp;Leonardo da Vinci,Michelangelo Buonarroti&nbsp;e&nbsp;Rafael Sânzio, pertencentes à&nbsp;Renascença italiana.

Outra figura igualmente importante mas menos conhecida do Renascimento (neste caso, da renascença flamenca) é&nbsp;Jan van Eyck, pintor&nbsp;neerlandês.

Períodos relevantes


Renascimento italiano. Final do&nbsp;século XIV&nbsp;até meados do&nbsp;século XVI
Renascimento flamenco.&nbsp;século XVI






Maneirismo e barroco





Na arte europeia, o classicismo renascentista desmembrou-se em dois movimentos diferentes: o&nbsp;maneirismo&nbsp;e o&nbsp;barroco. O primeiro, uma reação contra a perfeição idealista do classicismo, empregou a distorção da luz e dos espaços da obra a fim de enfatizar seu conteúdo emocional e as emoções do artista. A arte barroca levou o representacionismo da Renascença para novos patamares, enfatizando detalhes e movimento na sua busca pela beleza. Talvez os mais conhecidos pintores barrocos sejam&nbsp;Rembrandt,&nbsp;Peter Paul Rubens&nbsp;e&nbsp;Diego Velázquez.

A arte barroca é frequentemente vista como parte da estratégia católica da&nbsp;Contrarreforma: o elemento artístico do revivescimento da vida espiritual na&nbsp;Igreja Católica. Além disso, a ênfase que a arte barroca deu à grandiosidade é vista como um reflexo do&nbsp;Absolutismo.&nbsp;Luís XIV&nbsp;disse: "Eu sou a grandiosidade encarnada", e muitos artistas barrocos serviram aos reis procurando por esse mesmo objetivo. Entretanto o amor barroco pelo detalhe é com frequência considerado como resultando em um excessivo ornamentalismo e, de certa forma, vulgar, especialmente quando o barroco evolui para o estilo decorativo dobarroco. Após a morte de Luís XIV, o barroco floresceu por um curto período, decaindo em seguida. Com efeito, a aversão à ornamentação excessiva do barroco foi o ímpeto para o advento do&nbsp;neoclassicismo.

Períodos relevantes


Maneirismo.&nbsp;século XVI.
Barroco. Do&nbsp;século XVII&nbsp;até meados do&nbsp;século XVIII.
Rococó. meados do&nbsp;século XVIII.





Neoclassicismo, romantismo, academicismo, realismo



À medida que o tempo passava, muitos artistas colocaram-se contrários ao ornamentalismo dos estilos anteriores e buscaram a arte anterior, mais simples, do Renascimento, formando o que ficou conhecido por&nbsp;neoclassicismo. O neoclássico foi o componente artístico do movimento intelectual conhecido por&nbsp;Iluminismo, o qual era igualmente idealista.&nbsp;Ingres,&nbsp;Canova&nbsp;e&nbsp;Jacques-Louis David&nbsp;estão entre os mais conhecidos neoclássicos.

Da mesma maneira que o maneirismo rejeitava o classicismo, o&nbsp;romantismo&nbsp;rejeitava as ideias iluministas e a estética neoclássica. A arte romântica enfocava o uso da cor e do gesto a fim de retratar a emoção, mas, como o classicismo, usava a&nbsp;mitologia&nbsp;clássica e a tradição como uma importante fonte de simbolismo. Outro importante aspecto do romantismo foi sua ênfase na natureza e no retrato do poder e da beleza do mundo natural, sempre idealizados de acordo com um&nbsp;eu. O romantismo foi também um grande movimento literário, especialmente na&nbsp;poesia. Entre os maiores artistas românticos estãoEugène Delacroix,&nbsp;Francisco Goya, e&nbsp;William Blake.





A Liberdade Guiando o Povo, de&nbsp;Eugène Delacroix, é um dos quadros mais famosos do&nbsp;Romantismo.



Muitos artistas deste período tenderam a apresentar uma posição centralizadora que levou-os a adotar simultaneamente características diferentes dos estilos romântico e neoclássico, de forma a sintetizá-los. As várias tentativas tomaram lugar na Academia Francesa, e coletivamente são reunidas na&nbsp;arte acadêmica. Considera-se que&nbsp;William-Adolphe Bouguereau&nbsp;encabece esta tendência da arte.

No início do&nbsp;século XIX, porém, a feição da Europa tornou-se radicalmente alterada pela&nbsp;industrialização. A pobreza, miséria e desespero estavam para ser o destino do novo&nbsp;proletariado&nbsp;criado pela "revolução". Em resposta a estas mudanças acontecendo na sociedade, surgiu o movimento&nbsp;realista. O realismo procurou retratar acuradamente as condições e dificuldades das classes populares na esperança de alterar a sociedade. Para o movimento, o artista deve representar o seu tempo, sem no entanto tomar um partido definido: deve retratar os pontos que considerar adequados, denunciando-os à sociedade. Em contraste com os românticos, que eram essencialmente otimistas com o destino humano, o realismo retratou a vida nas profundidades de uma terra urbana sem ordem. Como o romantismo, desenvolveu-se também como um movimento literário. Entre os grandes pintores realistas estão&nbsp;Gustave Coubert&nbsp;eEdouard Manet&nbsp;(este abre caminho para o&nbsp;impressionismo).

É interessante notar que, embora o neoclassicismo tenha sido deixado para trás quando do advento dos novos estilos, ele continuou a existir pontualmente e, em certos lugares, a&nbsp;arquitetura neoclássica&nbsp;perdurou até o início do&nbsp;século XX.

Períodos relevantes


Neoclassicismo. De meados do&nbsp;século XVIII&nbsp;até o início do&nbsp;século XIX&nbsp;(embora continue se manifestando pontualmente durante todo o século)
Romantismo. Fins do&nbsp;século XVIII&nbsp;até meados do&nbsp;século XIX.
Realismo. Meados do&nbsp;século XIX.





Impressionismo, pós-impressionismo



Surgindo da ética naturalista do realismo, mas ao mesmo tempo afastando-se dela, cresceu um grande movimento artístico: o&nbsp;impressionismo. Afotografia&nbsp;surge tomando o lugar da pintura de retratos e os artistas se voltaram para a busca do elemento fundamental da pintura, a se destacar da fotografia. Acharam-no na&nbsp;luz&nbsp;e no&nbsp;movimento. Os impressionistas foram os pioneiros no uso da luz na pintura como forma de capturar a vida como vista pelos olhos humanos.&nbsp;Edgar Degas,&nbsp;Edouart Manet,&nbsp;Claude Monet,&nbsp;Camille Pissarro&nbsp;e&nbsp;Pierre-Auguste Renoir&nbsp;estavam todos envolvidos com o movimento impressionista.

Buscando novas formas de expressão ou de diálogo com a realidade, surgiram artistas que, embora com uma origem impressionista, destacaram-se do movimento, prevendo o advento do&nbsp;moderno. Genericamente chamados de&nbsp;pós-impressionistas, os integrantes deste grupo (que não possuía qualquer ligação formal, sendo que muitas vezes eram desconhecidos uns dos outros) incluíam&nbsp;Vincent van Gogh,&nbsp;Paul Gauguin&nbsp;e&nbsp;Paul Cézanne.





Arte moderna


Embora a conceituação da arte moderna seja complicada (dependendo do ponto de vista, ela pode abarcar períodos e movimentos diversos), costuma haver um consenso de que ela está estritamente relacionada com as&nbsp;vanguardas artísticas&nbsp;que se proliferaram no início do&nbsp;século XX, consideradas como um desdobramento da obra do trio Van Gogh-Gauguin-Cezànne. De qualquer forma, a ideia de&nbsp;moderno&nbsp;está em geral relacionada com uma nova forma de lidar com o problema estético, repudiando as regras da&nbsp;tradição&nbsp;e buscando o "espírito da época". Por causa disto, os vários movimentos ditos modernos são, muitas vezes, antagônicos.

Seguindo os impressionistas vieram os&nbsp;fauves, às vezes considerado como o primeiro gênero "moderno" da arte. Assim como os impressionistas revolucionaram o uso da luz, também os&nbsp;fauves&nbsp;o fizeram com a&nbsp;cor, ao repensá-la enquanto expressão. Após o fovismo, a&nbsp;arte moderna&nbsp;começou a se desenvolver em todas as formas, indo do&nbsp;expressionismo&nbsp;(preocupado na evocação da emoção através de trabalhos objetivos de arte) ao&nbsp;cubismo&nbsp;(repensando o espaço bidimensional e sua relação com o espaço tridimensional) e ao&nbsp;abstracionismo. Estas novas formas de arte aumentaram os limites das noções tradicionais do que é "arte" e correspondiam às mudanças similares que aconteciam na sociedade humana, na tecnologia e no pensamento.

O&nbsp;surrealismo&nbsp;é normalmente classificado como uma forma de arte moderna. Porém, os próprios surrealistas se propuseram o estudo do surrealismo como uma nova era na história da arte, dizendo que aquela noção (surrealismo enquanto uma das faces da arte do período) simplificava demasiadamente a complexidade do movimento (que não deveria ser um movimento artístico), não mostraria adequadamente a relação do surrealismo com a&nbsp;estética&nbsp;e falsamente o caracterizaria como um movimento restrito a um determinado período. Os surrealistas estavam preocupados com a&nbsp;escrita automática&nbsp;do ser humano, reveladora de seu subconsciente.

Outras formas de arte moderna (algumas das quais relacionam-se com a&nbsp;arte contemporânea) incluem:

Dadaísmo
Futurismo
Construtivismo
Expressionismo abstrato





Arte contemporânea



Ainda que o eixo cultural internacional continue sendo predominantemente ocidental, tendo em Nova Iorque e Paris suas capitais tradicionais, a arte praticada nos últimos 50 anos tem, em geral rompido com este limite: a arte praticada no&nbsp;Oriente, na&nbsp;África&nbsp;e outros locais tem ganho mais destaque. Desta forma, a arte deixa de estar limitada aos conceitos ocidentais tradicionais, incorporando novas culturas e afastando-a cada vez mais da ideia de uma "tradição artística vernácula". Há, porém, diversos críticos que alegam que, ainda que exista uma aparente internacionalização da cultura, o ideário ocidental continua sendo vendido como modelo, e tudo o que for estrangeiro é vendido (e consumido) como "exótico".

Entre os movimentos da arte contemporânea que se destacam estão:

Minimalismo
Pop art
Arte conceitual