Música na cultura medieval
Autor: Gran Circo Pravda | Publicado: 2012-11-08T11:40:00-02:00







Poucas vezes o Homem teve a sua 
                existência tão marcada pela espiritualidade quanto 
                na Idade Média, e poucas vezes foi tão feliz ao 
                tentar imprimir na arte os sinais do invisível. Para os 
                historiadores, não é tarefa fácil tentar 
                determinar o período de início e fim da Idade Média, 
                mas as propostas mais aceitas situam essa era da História 
                entre a queda da Civilização Romana no século 
                V, e o século XV, do Renascimento Humanista. Se aceitarmos 
                essa hipótese, poderíamos dizer que a música 
                medieval, em tese, acompanha essa cronologia e que foi produzida 
                por praticamente mil anos. Assim, ela nasceria com as primeiras 
                manifestações artísticas de uma nova cultura, 
                fundamentada na síntese das sociedades romana e germânica, 
                ambas articuladas pela Igreja. 

A 
                crise dessa sociedade marcaria também o declínio 
                da música medieval. Comparável aos documentos históricos 
                medievais em geral, o corpo de peças musicais do período 
                aumenta à medida que se aproxima o seu fim. Tal fato relaciona-se 
                principalmente ao desen-volvimento dos sistemas de notação 
                musical (portanto é uma questão de registro, não 
                devendo se confundir com um retrato da intensidade da prática 
                musical vigente). 

O surgimento e desenvolvimento da polifonia escrita 
                e das primeiras notações musicais no Ocidente deram-se 
                na Idade Média. Freqüentemente, o caráter litúrgico 
                ou paralitúrgico e festivo ligam a música aos ritos 
                religiosos (a exemplo do cantochão e do calendário 
                gregoriano), ou àqueles de reminiscência pagã 
                (como as festas da chegada da Primavera). 

É também nessa era que o amor profano 
                se expressa em todo seu refinamento na arte dos trovadores e que 
                a monofonia atinge a maturidade no Ocidente. 

O período da música medieval é 
                marcado pela estrutura modal praticada nas himnodias e salmodias, 
                no canto gregoriano, nos organuns polifônicos, nas composições 
                polifônicas da Escola de Notre-Dame, na Ars Antiqua e Ars 
                Nova e ainda na música dos trovadores e troveiros.





Música 
                Modal



A música modal se caracteriza pela importância 
                dada às combinações entre as notas e a seus 
                resultados sonoros particulares. De acordo com a função 
                e o texto cantado, o compositor usa um modo escalar diferente. 
                O fundamento da música modal é a composição 
                melódica, seja em uma monodia (uma só melodia) ou 
                em uma polifonia (mais de uma melodia, simultâneas).



Himnodias e Salmodias 
                

A música erudita no ocidente começa 
                com a proliferação das comunidades cristãs, 
                entre os séculos I e VI. Suas fontes são a música 
                judaica (os Salmos) e a música helênica sobrevivente 
                na antiga Roma. As principais formas musicais são as salmodias, 
                cantos de Salmos ou parte de Salmos da Bíblia, e himnodias, 
                cantos realizados sobre textos novos, cantados numa única 
                linha melódica, sem acompanhamento. A música não 
                dispõe, então, de uma notação precisa. 
                São utilizados signos fonéticos acompanhados de 
                neumas, que indicam a movimentação melódica.



Monodia Gregoriana

 A rápida expansão do cristianismo 
                exige um maior rigor do Vaticano, que unifica a prática 
                litúrgica romana no século VI. O papa Gregório 
                I (São Gregório, o Magno) institucionaliza o canto 
                gregoriano, que se torna modelo para a Europa católica. 
                A notação musical sofre transformações, 
                e os neumas são substituídos pelo sistema de notação 
                com linhas. O mais conhecido é o de Guido d'Arezzo (995? 
                1050?). No século XI, ele designa as notas musicais como 
                são conhecidas atualmente: ut (mais tarde chamada 
                dó), ré, mi, fá, sol, lá, 
                si.





Música 
                polifônica



Os sistemas de notação impulsionam 
                a música polifônica, já em prática 
                na época como a música enchiriades, descrita em 
                tratado musical do século IX, que introduz o canto paralelo 
                em quintas (dó-sol), quartas (dó-fá) e oitavas 
                (dó-dó). É designado organum paralelo e no 
                século XII cede espaço ao organum polifônico, 
                no qual as vozes não são mais paralelas e sim independentes 
                umas das outras.



Escola de Notre-Dame 
                

A prática polifônica dá um 
                salto com a música desenvolvida por compositores que atuam 
                junto à Catedral de Notre-Dame. Eles dispõem de 
                uma notação musical evoluída, em que não 
                só as notas vêm grafadas, mas também os ritmos 
                a duração em que cada nota deve soar. Mestre Leonin 
                e Perotin, o Grande, são os dois principais compositores 
                dessa escola, entre 1180 e 1230. Ambos, em seu modo de composição 
                rítmica, além da elaboração de vozes 
                novas sobre organuns dados, se abrem para composições 
                autônomas. Abandonam o fluxo rítmico do texto religioso, 
                obedecido no canto gregoriano, em troca de divisões racionais, 
                criando a base para escolas futuras.



Ars Antiqua 

Desenvolve-se entre 1240 e 1325, e suas formas 
                musicais perduram até o fim da Idade Média: o conductus, 
                o moteto, o hoqueto e o rondeau. O moteto é composto a 
                partir de textos gregorianos que recebem um segundo texto, independente 
                e silábico, cada vogal corresponde a uma nota, seja esta 
                repetição ou não da antecedente. Essa necessidade 
                de cantar cada vogal num novo som impulsiona a notação 
                rítmica. Os motetos que mais se destacam são realizados 
                com textos profanos sobre organuns católicos.



Ars Nova 

De 1320 a 1380 impera a Ars Nova, denominação 
                de um tratado musical do compositor Philippe de Vitry. O organum 
                e o conductos desaparecem, e o moteto trata de amor, política 
                e questões sociais. Variados recursos técnicos são 
                utilizados para dar uniformidade às diversas vozes da polifonia: 
                as linhas melódicas são comprimidas ou ampliadas 
                e muitas vezes sofrem um processo de inversão (sendo lidas 
                de trás para diante). 

Guillaume de Machaut é o grande mestre desse 
                período. Utiliza, com precisão, recursos como os 
                baixos contínuos e a isoritmia – relação 
                de proporcionalidade entre todas as linhas melódicas da 
                polifonia, possibilitando que as vozes se desenvolvam sobre uma 
                única base rítmica.



Música Profana 
                

A atividade de compositores profanos, como os minnesangers 
                e os meistersangers germânicos e os trovadores e troveiros 
                franceses, é intensa entre os séculos XII e XIII. 
                Os trovadores da Provença, ao sul da França, e os 
                troveiros, ao norte, exercem forte influência na música 
                e poesia medievais da Europa. Suas músicas de cunho popular, 
                em dialetos franceses, enfatizavam aforismos políticos 
                (como no compositor-poeta Marcabru), canções de 
                amor (Arnaud Daniel, Jofre Rudel e Bernard de Ventadour), albas, 
                canções de cruzadas, lamentações, 
                duelos poético-musicais e baladas. As bases para suas melodias 
                são os modos gregorianos, porém de ritmo marcado 
                e dançante, com traços da música de origem 
                moçárabe do mediterrâneo. 

Adam de la Halle (1237-1287) troveiro francês, 
                menestrel da corte de Roberto II de Arras, a quem acompanha em 
                viagens a Nápoles. Trata seus poemas em composições 
                musicais polifônicas, como os 16 rondós a três 
                vozes e 18 jeu partis (jogos repartidos), em que se destacam o 
                Jogo de Robin e Marion e o Jogo da folha, que 
                podem ser classificados como as primeiras operetas francesas.





Instrumentos 
                da Idade Média



Flauta Reta

As flautas retas englobam as flautas doces (flauta 
                de oito furos, um deles na parte posterior destinado ao polegar) 
                e as flautas de seis furos com agudos feitos através de 
                harmônicos, já que não possuem o furo posterior. 
                É classificado na Idade Média como instrumento de 
                som suave, baixo, diferenciado-se dos instrumentos altos, como 
                as bombardas.



Flauta Transversal 
                

Presente em Bizâncio pelo menos desde o século 
                XI, é pela primeira vez representada no manuscrito d’Herrade 
                de Landsberg. Os estudiosos dos instrumentos do período 
                estão de acordo em afirmar que a flauta transversal, bem 
                como as flautas retas, tinham formato cilíndrico



Cornamusa 

Instrumento de sopro que consiste de um chalumeau 
                melódico dotado de palheta dupla e inserido em um reservatório 
                de pele hermético (odre ou saco). O ar entra no odre através 
                de um tubo superior, com uma válvula para impedir o seu 
                retorno. Na Idade Média este instrumento podia ou não 
                ter um bordão



Viela de Arco 

Os instrumentos de cordas friccionadas da Idade 
                Média, chamados Vièle, Fiddle, Giga e Lira, 
                começaram a ser utilizados no século X, quando o 
                arco surge na Europa (introduzido provavelmente pelos árabes). 
                A Viela de arco pode ter formas bastante diversas e apresenta 
                normalmente de três a cinco cordas. Pode ser tocada apoiada 
                no ombro ou no joelho.



Viela de Roda ou Symphonia

É uma espécie de Viela em que o arco 
                é substituído por uma roda, que fricciona as cordas 
                sob a ação de uma manivela. As cordas são 
                encurtadas não diretamente pelos dedos, mas através 
                de um teclado.



Alaúde 

O Alaúde, na forma que a Renascença 
                tornou famosa, só foi introduzido na Europa no século 
                XII, pelos mouros, com seu nome árabe (Al’ud, 
                que se tornou Laud na Espanha, depois Luth na 
                França). No fim do século XIV, adquiriu aspecto 
                característico com caixa piriforme composta de lados de 
                sicônomoro e o cravelhal recurvado para trás.



Harpa 

As harpas são reconhecidas por sua forma 
                aproximadamente triangular e pelas cordas de comprimentos desiguais 
                estendidas num plano perpendicular ao corpo sonoro. As cordas 
                são presas por cravelhas, que podem variar de sete a vinte 
                e cinco. A pequena Harpa portátil veio sem dúvida 
                da Irlanda, com a chegada dos monges irlandeses (a Harpa é 
                o emblema heráldico deste país).



Percussão 

Antes do século XII, praticamente não 
                existiam, a exceção dos jogos de sinos (Cymbala) 
                empregados nos mosteiros. Só nos séculos XII e XIII 
                aparecem na Europa provenientes provavelmente do Oriente, os tambores 
                de dois couros, o pequeno tambor em armação, que 
                por vezes era dotado de soalhas (pandeiro), címbalos 
                de dedos, etc.



Flauta e Tambor 

Flauta de três furos tocada com uma das mãos 
                enquanto a outra toca o tambor que é sustentado no ombro 
                ou debaixo do braço pelo mesmo executante. Animava todas 
                as danças e festividades e o seu auge foi entre os séculos 
                XV e XVI. Este instrumento é até hoje presente em 
                algumas tradições no sul da França e no País 
                Basco. Taborin é o nome dado ao executante.



Flauta Dupla 

Os instrumentos de sopro duplos são conhecidos 
                desde a Antigüidade. A flauta dupla foi um instrumento bastante 
                utilizado e desapareceria somente no século XVI.



Rabeca 

Instrumento de cordas friccionadas com caixa monóxila, 
                isto é, escavada em uma só peça de madeira. 
                As formas variavam entre as ovais, elípticas ou retangulares. 
                De proporções menores do que a viela de arco tem 
                um som agudo e penetrante.



Saltério 

Aparece no século XII numa escultura da 
                catedral de Santiago de Compostela. Neste instrumento as cordas 
                são estendidas em todo o seu comprimento acima da caixa 
                de ressonância, ao contrário do princípio 
                da harpa. É tocado pinçando-se as cordas com os 
                dedos ou com plectro.



Organetto ou Portativo

Bizâncio foi o primeiro centro de construção 
                de órgãos da Idade Média. O Organetto é 
                o antecessor da Gaita de Fole escocesa. Também 
                chamado de Portativo, porque podia ser carregado pelo 
                executante.





Canto Gregoriano



A unificação da música 
                litúrgica concebida por São Gregório tornou-se 
                conhecida como Canto Gregoriano. Embora sucessivas pesquisas 
                tenham alterado pouco à pouco a interpretação 
                dos neumas (meios de notação musical e 
                avaliação rítmica usados do século 
                IX ao XII), há áreas em que as diferenças 
                entre os investigadores se mantêm até os nossos dias. 
              

O processo de unificação, e sobretudo, 
                de implantação, foi progressivo e lento, dando lugar 
                a diversas exceções em que foram reconhecidas liturgias 
                não gregorianas. É o caso do Canto Visigótico, 
                que passou a ser conhecido por Canto Moçárabe; 
                termo anacrônico, anterior à invasão da península 
                espanhola pelos árabes que se conservou até 1071, 
                quando foi abolido por Gregório VII. Nos fins do século 
                XI, esta modalidade só era praticada em poucas Igrejas, 
                mas foi recuperado pelo Cardeal Cisneros, que fundou a capela 
                moçárabe da Catedral de Toledo (Espanha) e editou 
                o Missale e o Breviarium, cantos moçárabes 
                em 1500 e 1502, respectivamente. 

Ao 
                regulamentar o canto litúrgico cristão, mantém-se 
                o princípio da homofonia, ao qual se acrescenta a ausência 
                de acompanhamento instru-mental. É destas características 
                que vem o nome de Canto Chão, (do latim, Cantus 
                Planus) utilizado pela primeira vez como sinônimo de 
                canto gregoriano por Jerônimo de Moravia, por volta de 1250. 
                Porém, o termo não é muito adequado para 
                denominar o canto religioso dos séculos XVII e XVIII. 

O sistema musical do Canto Gregoriano baseia-se 
                no sistema chamado Modal, embora tenha sofrido adaptações 
                sob a forma estabelecida pelos gregos. A primeira diferença 
                é a do sentido, descendente para os gregos e ascendentes 
                no gregoriano. Nas duas formas, coincidem no número, oito, 
                em sua origem. Nestes casos, os ímpares se conhecem como 
                autênticos e os pares como Plagales, por derivarem 
                dos primeiros. Juntaram-se, no século XVI, os modos maiores 
                e menores da música posterior, bem como os respectivos 
                plagales. Assim se chegou aos doze modos, chamados: dórico, 
                hipodórico, frígio, hipofrígio, lídio, 
                hipolídio, mixolídio, hipomixolídio, jónico, 
                hipojónico, eólico e hipoeólico. 
                O fato de ter utilizado, para os oito primeiros, as denominações 
                gregas foi a causa de que se generalizara a idéia da sua 
                correspondência com os modos gregos. 

Mantinha-se a homofonia e o ritmo era baseado na 
                pronúncia silábica. Introduziram-se as mudanças 
                com as quais a nota podia corresponder a uma sílaba ou 
                a um conjunto de sílabas, surgindo a vocalização. 
                Foram-se acumulando este e outros "desvios" com o decorrer 
                dos séculos até ao Motu Proprio do Papa 
                Pio X, no princípio deste século que implicou uma 
                revisão e reconsideração de todo o corpo 
                gregoriano, libertando-o de todas as "impurezas" acumuladas 
                pelo tempo. 

Por volta do século IX surgiu a Pauta 
                Musical. O monge italiano Guido d'Arezzo (995 - 1050), sugeriu 
                o uso de uma pauta de quatro linhas. O sistema é usado 
                até hoje no canto gregoriano. A utilização 
                do sistema silábico de dar às notas deve-se também 
                ao monge Guido d'Arezzo e encontra-se num hino ao padroeiro dos 
                músicos, São João Batista: 

 





Ut 
                queant laxit Ut queant 
                laxit 

Ressonare 
                fibris 

Mira 
                gestorum Mira gestorum 

Famuli 
                tuorum 

Solvi 
                polluti Solvi polluti 

Labii 
                reatum 

Sancte 
                loannes





Para adequar a sílaba com a pronúncia, 
                o Ut foi substituído 
                pelo Do.



Carmina Burana





Carmina Burana 
                é uma cantata cênica de poesias latinas medievais, 
                pretendida para ser representada e dançada, posta sobre 
                textos em baixo latim e baixo alemão, os quais foram extraídos 
                de uma colocação de duzentas peças poéticas 
                diversas compiladas pelo final do século XIII.

A palavra Carmina 
                é o plural de Carmen (em português, Canção). 
                O título inteiro significa literalmente: Canções 
                dos Beurens; esta última palavra se refere ao fato 
                de que os textos escolhidos para esta cantata secular foram descobertos 
                em 1803 em um velho mosteiro beneditino da Baviera, em Benediktbeuren, 
                no sudoeste da Alemanha.

Esta 
                cantata é emoldurada por um símbolo da Antigüidade, 
                o conceito da Roda da Fortuna, eternamente girando, trazendo 
                alternadamente boa e má sorte. É uma parábola 
                da vida humana exposta a constante mudança. E assim o apelo 
                em coral à Deusa da Fortuna (O Fortuna, Velut Luna) 
                tanto introduz quanto conclui a obra, que se divide em três 
                seções: o encontro do Homem com a Natureza, particularmente 
                com a Natureza despertando na primavera (Veris eta facies). 
                Seu encontro com os dons da Natureza, culminando com o dom do 
                vinho (In taberna); e seu encontro com o Amor (Amor 
                volat undique).

A maioria dos 
                mais de duzentos poemas sacros e seculares remonta ao século 
                XIII e foi escrita por um grupo profano de errantes chamados Goliardos. 
                Estes monges e menestréis desgarrados passavam o seu tempo 
                deliciando-se com os prazeres da carne e os poemas que eles deixaram, 
                faziam a crônica de suas obsessões por vezes ao ponto 
                da obscenidade.

Este manuscrito 
                abrange todos os gêneros, de versificação 
                erudita à paródias de textos sacros, incluindo canções 
                de amor e melodias irreverentes e até grosseiras. O fato 
                de que o texto original destes Poemas de Benediktbeuren 
                seja executada hoje em dia com tão extraordinário 
                sucesso artístico, permite ao ouvinte discernir ainda melhor 
                as intenções de Orff onde sua música não 
                se expressa claramente.

Como uma antologia, 
                Carmina Burana apresenta tudo o que o mundo cristão entre 
                os séculos XI e XII fora capaz de exprimir. Aquela época 
                não foi secionada como a nossa, nem inibida pelos nossos 
                tabus. Assim, os autores anônimos dessas saturnálias 
                escritas não temiam espalhar a chama incandescida pelo 
                contato inesperado de uma melodia litúrgica e uma blasfêmia, 
                mais precisamente um priapismo verbal, ou inversamente de uma 
                nova melodia profana e uma profissão de fé.

Neste sentido, 
                a coleção original restaura para nós, todo 
                um cosmo onde o Bem não existe sem o Mal, o sacro sem o 
                profano e a fé sem maldições e dúvidas: 
                a oscilação onde se encontra a grandeza da Humanidade.

A dialética 
                freudiana foi necessária para a redescoberta deste humanismo 
                medieval até então considerada bárbara e 
                cruel; uma vitalidade que permitiu ao homem sobreviver ao sofrimento 
                da guerra, o mundo infestado pela praga em que ele era submetido 
                à injustiça, à instabilidade, e mantido na 
                ignorância de tudo que não fosse santificado pelo 
                dogma. Sabemos que insultos dirigidos contra a autoridade, palavras 
                ofensivas e blasfêmias que temperavam de maneira acre a 
                expressão dessa energia vital eram herdadas do mundo antigo 
                e chegaram ao começo do renascimento na tradição 
                dos Carnavais e Triunfos que Lorenzo de Medicis 
                e Rabelais ilustrariam, cada qual por sua vez.

Esta genealogia 
                espiritual era tão familiar a Orff que ele concebeu Carmina 
                Burana como apenas o primeiro elemento de uma trilogia intitulada 
                Trionfi-Trittico Teatrale, que incluiria Catulli 
                Carmina (1943) e Trionfi dell'Afrodite (1952), uma 
                obra que revelou a significação do todo: só 
                o Desejo e o Amor podem capacitar o Homem a viver, lutar e crer.





 Frankfurt, 
                junho de 1937



A 
                primeira apresentação de Carmina Burana foi na Ópera 
                de Frankfurt em Junho de 1937. Causou uma grande impressão 
                sobre o público, e a aclamação mundial que 
                recebeu a partir daí prova que não perdeu nada do 
                seu efeito hipnótico.

A trilogia Carmina 
                Burana é obra coral de exuberante alegria e fortes acentos 
                eróticos; a obra, inicialmente destinada para representação 
                como ópera, venceu, porém, nas salas de concerto. 
                A música é deliberadamente anti-romântica. 
                É uma música inteiramente original, quase sem harmonia, 
                baseada só em elementar forma rítmica, acompanhada 
                por orquestra inédita: principalmente instrumentos de percussão 
                e vários pianos. 

O manuscrito 
                original inclui poucas melodias anotadas que Carl Orff levou em 
                consideração, mas não citou diretamente, 
                ampliando apenas sua atmosfera particular com instrumentos ancestrais 
                que usou em seu Método, aqueles mais exigidos pela música 
                contemporânea: uns poucos instrumentos de sopro, sem violinos, 
                mas uma ampla família de percussão. 

Não há 
                contradição entre a obra do compositor e seu Método: 
                ambos falam ao mesmo irredutível descendente dos homens 
                das cavernas, que aparentemente estão tão pouco 
                à vontade hoje em dia em seu universo de ar condicionado. 
                



&nbsp;Influências na cultura Pop



A
 música medieval&nbsp; tem grande e marcante influência na cultura dos dias 
de hoje. Diversas bandas de rock se inspiram em seu conceito ou no canto
 para conseguir sucesso. Alguns exemplos:





Nightwish 







&nbsp;Shaman











Angra







Epica







&nbsp;E muitas outras...



Não propriamente no som, mas na estética e cenário tem a famosa "Holy Diver". Confira e até a próxima postagem...



Dio - Holy diver