O impacto do ensino da arte (ou da falta dele) na percepção do mundo
Autor: Milton Paulo de Oliveira | Publicado: 2015-12-27T19:25:00-08:00



            


            
                                Por

                Camille Paglia&nbsp;

01.06.2015

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Camille Paglia&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; &nbsp;&nbsp;&nbsp; foto: TomCabral/ SantoLima

    

        

 "A arte é o casamento do ideal e do real. Fazer arte é um ramo da 
artesania. Artistas são artesãos, mais próximos dos carpinteiros e dos 
soldadores do que dos intelectuais e dos acadêmicos, com sua retórica 
inflacionada e autorreferencial. A arte usa os sentidos e a eles fala. 
Funda-se no mundo físico tangível." - Camille Paglia, 
 Imagens cintilantes
 



  A escritora norte-americana Camille Paglia é conhecida por desafiar as
 ideias em voga nos mais diversos campos. Professora de Humanidades e 
Estudos Midiáticos da University of the Arts da Filadélfia, é autora de 
obras que misturam cultura pop, história da arte, sexualidade e os 
diferentes meios que tornam o homem um espectador: seja na frente da 
televisão, de um Pollock ou de sua própria vida.



  Em sua mais recente obra, 
 Imagens cintilantes - uma viagem através da arte desde o Egito a 'Star Wars'
 (Apicuri, 2014), Camille retorna ao local que a consagrou, a crítica à 
arte contemporânea. No livro, a autora analisa 29 obras que considera 
fundamentais na história da arte e afirma, com certa decepção, que os 
jovens deixaram ofícios como a pintura e a escultura para emprestar sua 
lealdade à tecnologia e ao design industrial.



  Paglia resumiu o panorama que motivou a criação de Imagens cintilantes: 

“O
 olho sofre com anúncios piscando na rede. Para se defender, o cérebro 
fecha avenidas inteiras de observação e intuição. A experiência digital é
 chamada interativa, mas o que eu vejo como professora é uma crescente 
passividade dos jovens, bombardeados com os estímulos caóticos de seus 
aparelhos digitais. Pior: eles se tornam tão dependentes da comunicação 
textual e do correio eletrônico, que estão perdendo a linguagem do 
corpo." 

De acordo com ela, esta degeneração gradativa da 
percepção/expressão tem um grande inimigo: o mercado – das galerias às 
instituições de ensino. Segundo a norte-americana, este mercado não é 
apenas um objeto a ser combatido, mas sim um profundo problema de visão 
sobre a vida, que parte, também, do espectador. Ensinado a enxergar o 
mundo apenas de forma política e ideológica, o homem contemporâneo teria
 perdido a esfera do sensível, do invisível, do metafísico. Este 
contexto de constante estímulo atinge a sociedade como um todo, como 
Camille argumenta logo na introdução da obra:



  “A vida moderna é um mar de imagens. Nossos olhos são inundados por 
figuras reluzentes e blocos de texto explodindo sobre nós por todos os 
lados. O cérebro, superestimulado, deve se adaptar rapidamente para 
conseguir processar esse rodopiante bombardeio de dados desconexos. A 
cultura no mundo desenvolvido é hoje definida, em ampla medida, pela 
onipresente mídia de massa e pelos aparelhos eletrônicos servilmente 
monitorados por seus proprietários. A intensa expansão da comunicação 
global instantânea pode ter concedido espaço a um grande número de vozes
 individuais, mas, paradoxalmente, esta mesma individualidade se vê na 
ameaça de sucumbir.



  Como sobreviver nesta era da vertigem? Precisamos reaprender a ver. Em
 meio à tamanha e neurótica poluição visual, é essencial encontrar o 
foco, a base da estabilidade, da identidade e da direção na vida. As 
crianças, sobretudo, merecem ser salvas deste turbilhão de imagens 
tremeluzentes que as vicia em distrações sedutoras e fazem a realidade 
social, com seus deveres e preocupações éticas, parecer estúpida e 
fútil. A única maneira de ensinar o foco é oferecer aos olhos 
oportunidades de percepção estável – e o melhor caminho para isso é a 
contemplação da arte."



 Ainda em seu texto introdutório, Camille critica as instituições de 
ensino por falharem completamente no ensino da visão que nos tiraria 
desta vertigem. Se precisamos reaprender a ver, as faculdades de arte, 
para ela, poderiam ser consideradas mais um empecilho do que uma 
parceira nesta tarefa. Leia, abaixo, o que ela tem dizer sobre isso a 
partir de excerto do livro 
 Imagens cintilantes:



  “É de uma obviedade alarmante que as escolas públicas norte-americanas
 têm feito um mau serviço na educação artística dos estudantes. Da 
pré-escola em diante, a arte é tratatda como uma prática terapêutica – 
projetos com cartolina do tipo “faça você mesmo" e pinturas com os dedos
 para liberar a criatividade oculta das crianças. Mas o que de fato faz 
falta é um quadro histórico de conhecimentos objetivos acerca da arte. 
As esporádicas excursões ao museu, mesmo que haja um por perto, são 
inadequadas. Os cursos de história da arte deveriam ser integrados ao 
currículo do ensino primário, fundamental e médio - uma introdução 
básica à grande arte e a seus estilos e símbolos. O movimento 
multiculturalista que se seguiu à década de 1960 ofereceu uma tremenda 
oportunidade para expandir o nosso conhecimento do mundo da arte, mas 
suas abordagens têm com demasiada frequência sacrificado a erudição e a 
cronologia em favor de um partidarismo sentimental e de queixumes 
rotineiros.



  Era de se esperar que as faculdades que oferecem cursos de artes 
liberais dessem ênfase à educação artística, mas não é esse o caso. O 
atual currículo, de estilo self-service, torna os cursos de história da 
arte disponíveis, mas não obrigatórios. Com raras exceções, as 
universidades abandonaram toda noção de um núcleo de aprendizado. Os 
departamentos de humanidades oferecem uma mixórdia de cursos feitos sob 
medida para os interesses de pesquisa dos professores. Tem havido um 
gradual eclipse, nos Estados Unidos, do curso de história geral da arte,
 que cobria magistralmente, em dois semestres, da arte das cavernas ao 
modernismo. Apesar de sua popularidade entre os estudantes, que se 
recordam deles como pontos culminantes em suas vivências universitárias,
 os cursos gerais são cada vez mais vistos como excessivamente pesados, 
superficiais ou eurocêntricos – e não há mais vontade institucional de 
estendê-los para a arte mundial.



  Jovens professores, criados em meio ao pós-estruturalismo, com sua 
suspeita mecânica da cultura, consideram-se especialistas, e não 
generalistas, e não foram treinados para pensar sobre trajetórias tão 
vastas. O resultado final é que muitos alunos de humanidades se formam 
com pouco senso da cronologia ou da deslumbrante procissão de estilos 
que constituía a arte ocidental.



  A questão mais importante acerca da arte é: o que permanece e por quê?



  As definições de beleza e os padrões de gosto mudam constantemente, 
mas padrões persistentes subsistem. Defendo uma visão cíclica da 
cultura: os estilos crescem, chegam ao ápice e decaem para tornarem a 
florescer, num renascer periódico. A linha de influência artística pode 
ser vista claramente na cultura ocidental, com várias interrupções e 
recuperações, desde o Egito antigo até hoje – uma saga de 5 mil anos que
 não é (como diria o jargão acadêmico) uma “narrativa" arbitrária e 
imperialista. Grande número de objetos teimosamente concretos – não 
apenas “textos" vacilantes e subjetivos – sobrevivem desde a antiguidade
 e as sociedades que moldaram.



  A civilização é definida pelo direito e pela arte. As leis governam o 
nosso comportamento exterior, ao passo que a arte exprime nossa alma. Às
 vezes, a arte glorifica o direito, como no Egito; às vezes, desafia a 
lei, como no Romantismo.



  O problema com abordagens marxistas que hoje permeiam o mundo 
acadêmico (via pós-estruturalismo e Escola de Frankfurt) é que o 
marxismo nada enxerga além da sociedade. O marxismo carece de metafísica
 – isto é, de uma investigação da relação do homem com o universo, 
inclusive a natureza. O marxismo também carece de psicologia: crê que os
 seres humanos são motivados apenas por necessidades e desejos 
materiais. O marxismo não consegue dar conta das infinitas refrações da 
consciência, das aspirações e das conquistas humanas.



  Por não perceber a dimensão espiritual da vida, ele reduz 
reflexivamente a arte à ideologia, como se o objeto artístico não 
tivesse outro propósito ou significado além do econômico ou do político.



  Hoje, ensinam aos estudantes a olhar a arte com ceticismo, por seus 
equívocos, suas parcialidades, suas omissões e ocultos jogos de poder. 
Admirar e honrar a arte, exceto quando transmite mensagens politicamente
 corretas, é considerado ingênuo e reacionário. Um único erudito 
marxista, Arnold Hauser, em seu épico estudo de 1951, A história social 
da arte, teve bom êxito na aplicação da análise marxista, sem perder a 
magia e o mistério da arte. E Hauser (uma das influências iniciais do 
meu trabalho) trabalhava com base na grande tradição da filologia alemã,
 animada por uma ética erudita que hoje se perdeu.



  A arte é o casamento do ideal e do real. Fazer arte é um ramo da 
artesania. Artistas são artesãos, mais próximos dos carpinteiros e dos 
soldadores do que dos intelectuais e dos acadêmicos, com sua retórica 
inflacionada e autorreferencial. A arte usa os sentidos e a eles fala. 
Funda-se no mundo físico tangível.



  O pós-estruturalismo, com suas origens linguísticas francesas, tem a 
obsessão pelas palavras e, com isso, é incompetente para interpretar 
qualquer forma de arte além da literatura. O comentário sobre arte deve 
abordá-la e descrevê-la em seus próprios termos. Deve-se manter um 
delicado equilíbrio entre os mundos visível e invisível. Aqueles que 
subordinam a arte a uma agenda política contemporânea são tão culpados 
de propaganda e rigidez literal como qualquer pregador vitoriano ou 
burocrata stalinista.&nbsp;

Fonte:&nbsp; http://www.fronteiras.com/artigos/o-impacto-do-ensino-da-arte-ou-da-falta-dele-na-percepcao-do-mundo