Autor: Sakura Haruno(Luana) | Publicado: 2011-09-25T05:19:00-07:00

História dos animes          Origem: Wikipédia, a enciclopédia livre.
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A história do anime, o gênero de animação de origem japonesa, começa na segunda década do século XX, com uma série de curtametragens similares aos achados em outros países, influenciados pelas obras da Disney em grande parte.
Algum tempo depois da Segunda Guerra Mundial, começaram a surgir grandes companhias dedicadas tanto às séries televisivas como aos longas-metragens, entre as que destaca Toei.
Mesmo que muitas seguiram em ativo nas últimas década do século XX, e seguem no início do século XXI, uma série de diretores e criadores de histórias alcançaram renome próprio neste gênero, bem por obras de grande fama, como Katsuhiro Otomo com Akira ou Akira Toriyama com Dragon Ball, como por seus compridas e premiadas trajetorias, como Hayao Miyazaki.

   Índice[esconder]1 Primeiros trabalhos 1.1 Pioneiros
1.2 Primeiros avanços técnicos
1.3 II Guerra Mundial
1.4 Pós-guerra
1.5 Bunraku

2 A indústria de animação 2.1 Toei Doga
2.2 Osamu Tezuka
2.3 Séries para televisão
2.4 Os robôs gigantes
2.5 O formato OVA
2.6 Finais do século XX
2.7 Inícios do século XXI

3 Referências
 
[editar] Primeiros trabalhos[editar] Pioneiros   A batalha do macaco e do caranguejo: feito por Seitaro Kitayama em 1917Em 1906 aparece o primeiro filme de animação, "Humorous Phases of funny face", do produtor americano James Stuart Blackton.  Em 1907 se fez a primeira produção de animação japonesa, em onde sai um  menino marinheiro. Em 1908 aparece na França "Fantasmagorie", do  desenhista Emile Cohl e produzida por Gaumont. Este tipo de filmes de  animação chega nos cinemas japoneses para 1910. Entre 1914 e 1917 se  exibiram aproximadamente 93 filmes de animação estrangeiros, sendo as  americanas as de maior popularidade. Ante tal fenômeno, os produtores  japoneses começaram a plantear-se a realização de cinema de animação  nacional.
A companhia Tennenshoku Katsudo Shashin (Tenkatsu) é quem reage  primeiro, encarregando em 1916 ao desenhista de mangá Oten Shimokawa um  filme do gênero. Naquela época não existia documentação no Japão sobre  as técnicas de animação, por isso a tarefa de Shimokawa não foi fácil.  Não obstante, conseguiu realizar o primeiro filme de animação japonesa,  Imokawa Mukuzo, Genkanban no maki (Mukuzo Imokawa e o guarda da entrada)  estreada em janeiro de 1917. Por sua vez, o pintor de estilo ocidental  Seitaro Kitayama, interessado pelos filmes estrangeiros de animação que  via, apresenta um projeto de realização própria à companhia Nippon  Katsudo Shashin (Nikkatsu), que esta aceita encargarle. Kitayama também  não era um experto na animação, mas a base de provas e erros, conseguiu  terminar Saru Kani gassen (A batalha do macaco e o caranguejo), baseada  em um conto popular japonês, que foi estreada em maio de 1917. Shimokawa  e Kitayama começaram a realização de seus filmes em 1916, coincidindo  com a implementação do desenhista de mangá de corte político Sumikazu  Kouchi, que por encargo agora da companhia Kobayashi Shokai, estrearia  em junho de 1917 Hanawa Hekonai, Shinto no maki (Hekonai Hanawa e sua  nova espada), com um samurai como protagonista.
A história do cinema de animação japonês começa efetivamente em 1917  graças aos trabalhos destes três pioneiros, mas não se conserva cópia de  nenhuma destes filmes por isso se desconhecem outros dados. A de Kouchi  foi a mais elogiada delas pelas críticas da época, sendo além disso a  primeira a rodar-se, mesmo que se estreasse depois dos outros dois. Em  Março de 2008, foi encontrado em uma loja de antiguidades dos curtas de  animação pioneiros: Namakura Gatana de 1917 e Urashima Tarō de 1918.[1]  Shimokawa chegou em realizar cinco filmes de animação, mas devido à  sobreexposición ao reflexo luminoso que comportava o processo, seus  olhos experimentavam grande cansaço, por isso decidiu abandonar este  trabalho e voltar a desenhar mangá. Kouchi também se apartou do cinema  de animação após realizar quatro filmes, mas depois voltaria  temporariamente a este campo devido a que personalidades da esfera  política lhe encarregaram curtos de propaganda. Pelo contrário,  Kitayama, se dedicou plenamente à realização de filmes de animação.  Começou empregando como ajudantes a jovens aspirantes a pintores, aos  que ensinava as técnicas do desenho animado. Kitayama, que em 1917  chegou em realizar até dez filmes, apresenta esse mesmo ano um filme  baseada no personagem infantil Momotaro, que consegue exportar à França,  convertendo-se no primeiro produto de animação japonesa que chega em  ocidente. Kitayama cria seus próprios estudos de cinema em 1921 mas o  Grande terremoto de Kanto de 1923 destruirá suas instalações de Tokyo,  por isso decide mudar-se para Osaka.
Ali se aparta dos desenhos animados para dedicar-se a rodar  documentários informativos para uma empresa de notícias local. Não  obstante, a grande importância do trabalho de Kitayama residirá em haver  ensinado as técnicas da animação a uma série de jovens que prosseguirão  o trabalho que ele começou.
Um destes foi Sanae Yamamoto,  (cujo nome original era Zenjiro Yamamoto). Era um aspirante a pintor  que acudiu a trabalhar aos estudos de Kitayama, onde ficou fascinado  pelo mundo do desenho animado. Ao ir-se seu professor de Tokyo, Yamamoto  decide independentizar-se e formar seus próprios estudos de animação.  Em 1925 realiza Ubasute yama (A montanha onde se abandona aos velhos),  que tem como tema o respeito e cuidado dos idosos. Consegue o patrocínio  da Secretaria de Educação para uma série de filmes de animação de corte  educativo, e entre suas obras mais representativas se encontram Usagi  to Kame (O coelho e a tartaruga, 1924) e Nippon ichi no Momotaro (Taro  Pêssego, o número 1 do Japão, 1928).
Também desta época é Shiobara Tasuke, dirigida por Hakuzan Kimura.  Este trabalhava pintando murais de anúncio para as salas  cinematográficas, mas muda sua profissão para dedicar-se aos desenhos  animados, destacando em breve pelas suas histórias de samuráis. Em 1932  roda o primeiro filme erótica da animação japonesa, Suzumi-Bune (O  passeio noturno em navio), que lhe custa ser detido pela polícia, que  além disso confisca o filme. Kimura, indivíduo do qual se desconhecem  muitas coisas, entre elas as datas de nascimento e morte, se retirará  depois deste incidente. Existem rumores que uma cópia foi vendida  ilegalmente ao estrangeiro, mas em qualquer caso Suzumi-Bune se  transformou em um filme fantasma, impossível de ver. Aparentemente se  tratava de uma transferência à tela do mundo erótico criado pelos  artistas do Ukiyo-e do período Edo.
Outro discípulo dos pioneiros (neste caso de Sumikazu Kouchi) foi  Noburo Ofuji, que começou a produção de desenhos animados graças à ajuda  econômica de sua irmã maior, Yae, sendo seu primeiro filme Baguda-jo no  tozoku (O ladrão do castelo de Baguda, 1926). Como material de trabalho  utilizava o tradicional papel Chiyo, popular desde o período Edo, mas  suas cores não puderam ser recolhidos pela fotografia em branco e preto  da época. Ofuchi também realizou vários filmes de animação com  silhuetas, como foi o caso de Kujira (A baleia, 1927), cujas imagens fez  acompanhar com a música da ópera Guillermo Tell de Rossini. Ofuchi  dedicou muito tempo a estudar a possibilidade do cinema sonoro e em cor,  e graças à ajuda de sua irmã, conseguiu realizar quase todos seus  filmes praticamente só.
Em 1923, ano do Grande terremoto de Kanto, Yasuji Murata ingressa na  recém formada Yokohama Cinema Shokai, em princípio dedicada à importação  de filmes estrangeiros. Murata começa a trabalhar ali pintando  esporadicamente murais de filmes para os cinemas, mas o presidente da  companhia lhe contrata como empregado fixo ao ver seu talento para o  desenho. Murata também escrevia os rótulos para os filmes estrangeiros  da companhia, mas, impressionado pelos filmes de animação de John  Randolph Bray que aquela importava, propõe a seu presidente a produção  própria de fitas similares. Autodidata da matéria, Murata escolhe uma  popular história infantil para sua primeira realização, Saru Kani gassen  (A batalha do macaco e o caranguejo, 1927). Desde então até que deixa a  companhia em 1937, Murata roda cerca de 30 filmes de desenhos animados,  a maioria de corte educativo.
[editar] Primeiros avanços técnicos   A lebre e a tartaruga de Sanae Yamamoto feito em 1924Normalmente o trabalho de animação era muito laborioso. A empresa  Yokohama Cinema Shokai se antecipou a seus competidores ao comprar uma  nova câmara de motor automático que não requeria movimentar uma  manivela, o qual permitia acelerar o trabalho. O primeiro filme rodada  com esta câmara será Kaeru wa kaeru (Uma rã é uma rã, 1929), encarregada  novamente a Yasuji Murata.
Para o cinema de animação, o celulóide é um material indispensável,  mas no Japão não se fabricava. O celulóide começou a distribuirse com  profusão nos Estados Unidos no final de 1914 com os trabalhos de Earl  Hurd, quem além disso o patenteou. Como produto de importação, o  celulóide era muito caro no Japão, por isso no seu lugar se empregava  uma espécie de cartolina sobre a qual se desenhavam as personagens, que  depois se recortavam e fotografavam (sistema chamado cut out).[2]  Murata era um professor desta técnica e não tinha nada que invejar a  seus competidores que usavam celulóide. Como título mais representativo  de animação por cut out destaca seu Tsuki no miya no Ojo sama (A rainha  do Castelo da Lua, 1934).[3]
   Chikara to Onna no Yo no Naka de Kenzo Masaoka feito em 1932O primeiro a utilizar no Japão o tão prezado celulóide para o cinema  de animação foi Kenzo Masaoka, nascido em uma família endinheirada de  Osaka. Após estudar desenho em uma Escola de Artes, inicialmente entra  no mundo do cinema como ator, abandonando logo depois em favor da  realização de desenhos animados. Seu primeiro filme foi Nansensu  monogatari Sarugashima (A absurda história da ilha dos macacos, 1930),  sobre um rapaz criado por um macaco. Masaoka realizou também o primeiro  filme de animação sonora, Chikara to onna no yo no naka (As mulheres e a  força movimentam o mundo, 1932), onde utiliza parcialmente o ainda caro  celulóide. Masaoka não poupou despesas para aumentar a qualidade de  seus filmes, e assim a partir de Chagama ondo (O ritmo da chaleira,  1934) empregará o celulóide para o total de suas obras. Outro de seus  títulos, Mori no yosei (A fada da floresta, 1935), recebeu elogios de  seus colegas no mundo da animação e foi comparado aos curtas Silly Symphonies de Walt Disney.
Enquanto que a maioria dos cineastas contemporâneos se dedicavam a  fazer filmes de propaganda bélica para o exército nacional, Masaoka  realizará durante a guerra uma obra de grande poesia que fará esquecer  as penúrias da época e que ficará para a posteridade do gênero, Kumo to  churippu (A tulipa e a aranha, 1944). De suas fitas de pós-guerra, a  mais representativa será Sute neko Tora-chan (Tora, o gato abandonado,  1947), sobre uma gata que decide criar a um gatito que foi abandonado.  Masaoka, por haver sido o primeiro a introduzir o celulóide nos desenhos  animados e o primeiro também em realizar um filme sonora desta  modalidade, foi chamado o pai da animação japonesa e é respeitado como  tal.
[editar] II Guerra Mundial   Taro Melocotón, o guerreiro divino dos mares: o primeiro longa metragem de anime com áudio feito em 1943Em 1933, Mitsuyo Catedral é contratado pelos estudos de Kenzo  Masaoka. Catedral era um desenhista que destacou em breve pela grande  rapidez com que realizava seu trabalho, que foi decisiva na  anteriormente citada Chikara to onna no yo no naka. Catedral, que  aprendeu a técnica de sonorização de Masaoka, em breve se independizó.  Seu primeiro filme foi Osaru Sankichi. Bokusen (Sankichi o macaco.  Defesa antiaérea, 1933), que recebeu muito boas críticas.
No dia 7 de dezembro de 1941 o Japão ataca a base norte-americana de  Pearl Harbour, começando sua participação na II Guerra Mundial. Então, a  Armada Imperial encarrega a Catedral um filme de propaganda que realce  os sucessos militares do Japão de cara aos mais jovens. Assim, com uma  equipe de cinco pessoas, Catedral realiza o filme de desenhos animados  Momotaro no umiwashi (As águias marínas de Taro pêssego, 1942), de 37  minutos de duração, que apesar de seu descarado caráter propagandístico,  teve grande sucesso entre o público infantil. Foi protagonizada pelo  personagem dos contos infantis Momotaro, que aqui é o capitão de um  porta-aviões, enquanto cachorros, macacos e perdizes serão os pilotos de  aviação. A frota inimiga vem dirigida por um personagem de grande  parecido com Brutus, antagonista de Popeye, que aqui corre de um lado  para outro fugindo dos ataques japoneses.
Catedral começa a fazer parte da Shochiku Doga Kenkyusho, onde também  se encontrava Kenzo Masaoka, e ali volta a receber um encargo da  Armada. Em janeiro de 1942, o Corpo de Pára-quedistas da Armada tinha  descido sobre a ilha de Sulawesi (Indonésia), conquistando a base  americana, por tanto se decidiu arejar também este primeiro sucesso do  corpo ante as crianças japoneses com outro filme de desenhos. Desta  maneira se façanha a realização de Momotaro, umi no shimpei (Taro  Pêssego, o guerreiro divino dos mares, 1943), com uma equipe de 70  pessoas (o maior até então na história da animação) e um tempo total de  elaboração de 14 meses. Finalmente se conseguiu toda uma superprodução  de 74 minutos de duração, mesmo que a equipe se tinha reduzido a 25  pessoas por haver sido chamado a filas parte do pessoal masculino e às  fábricas de armamento o feminino. Terminada a guerra, Catedral realizou  em 1947 Osama no shippo (A fila do rei), vagamente inspirada no famoso  conto de Hans Christian Andersen O traje novo do imperador, mas o filme  não se chegou em estrear. Depois disto, Catedral deixa o cinema e se  dedica a desenhar para as revistas de crianças, ou a desenhar  personagens para adornar a roupa infantil.
Em 1933 se estreia Ugoku-e Kori no tatehiki (O duelo do raposo e o  tejón em desenhos animados), que contava uma história protagonizada por  uns tejones que vivem em um templo budista. Um raposo que adotou a forma  de samurái chega ao templo, sucediéndose um duelo de transformações  entre os tejones e o raposo que termina com a derrota deste último.  Entre os gags que aparecem no filme, está o do raposo-samurái disparando  uma metralhadora. O diretor foi Ikuo Oishi, quem após filmar um anúncio  em desenhos animados para uma fábrica de chocolate, decidiu dedicar-se à  realização de cinema de animação. Sua obra mais representativa foi  Futatsu no Taiyo (Os dois sóis, 1929), mas com o estalo da guerra se  dedicou a realizar filmes de instrução para a Armada. Durante um destes  trabalhos, o navio no qual voltava de rodar umas tomadas no estrangeiro é  afundado por um submarino norte-americano, falecendo.
Em 1940 se estreia uma adaptação em desenhos animados da famosa ópera  de Puccini Madame Butterfly, Ou-Cho fujin no genso (Fantasia sobre a  Dama Borboleta), realizada pelo sistema de animação com silhuetas e  assinada por Kazugoro Arai e seu amigo Tobiishi Nakaya. Arai, que da  mesma forma que Tobiishi na verdade exercia como dentista, decidiu  dedicar-se à animação por sombras após ficar fortemente impressionado  pela visão da alemã Prinzen Achmed(1926) de Lotte Reiniger. Nos momentos  livres que lhes deixava sua profissão, ambos se dedicaram a estudar o  mundo da animação, chegando em converter-se em profissionais. Em 1942  Tobiishi morreu como conseqüência da guerra, mas Arai continuou seu  trabalho sozinho. De suas obras mais representativas destacam Ogon no  tsuribari (O anzol de ouro, 1939), Jack to mame no ki (Jack e a mata de  habichuelas, 1941) e Kaguya hime (A princesa resplandecente, 1942).
[editar] Pós-guerraCom a derrota do Japão em agosto de 1945 termina a II Guerra Mundial,  constituyéndose em outubro do mesmo ano a Shin Nihon Dogasha, dedicada à  produção de filmes de desenhos animados, com Sanae Yamamoto e Kenzo  Masaoka como figuras principais. Centrada em Tokyo, chegou em reunir até  100 pessoas para dedicar-se ao mundo da animação, mas a falta de  trabalho obrigou a dissolver a recém-nascida companhia. Em 1947,  contando então com a colaboração de Yasuji Murata, se forma no seu lugar  a Nihon Manga Eigasha, onde Masaoka conclui Sakura (A cerejeira), obra  que descreve as belezas de Quioto ao longo das quatro estações mas que,  no entanto, você não chega em estrear-se. Após isso, em 1948 Yamamoto e  Masaoka decidem independentizar-se de Nihon Manga Eigasha para formar a  Nihon Doga Company.
Em setembro de 1950, com grande atraso, se estreia no Japão o filme  de Disney Blancanieves e os sete anõezinhos (1937), que segundo se diz, o  diretor de animação Osamu Tezuka viu aproximadamente 50 vezes. Em 1952  Noburo Ofuji roda um remake de seu filme de 1927 Kujira (A baleia). À  idéia primitiva de animação por sombras, Ofuji acrescenta a inspiração  das vitrinas ocidentais para utilizar celofane colorido. No Festival de  Cannes de 1953 competiu na seção de curtos, mas finalmente o prêmio se o  levou Crina Blanc (Albert Lamourisse, 1953), ficando sua obra em  segundo posto. Se diz que Pablo Picasso viu então este trabalho de  Ofuji, pelo que ficou fortemente impressionado. Logo depois, o filme de  animação por silhuetas Yurei-sen (O navio fantasma, 1956) consegue um  prêmio especial em Veneza, com o que o nome de Ofuchi passa a ser  reconhecido no estrangeiro.
Em janeiro de 1950, o desenhista Ryuichi Yokoyama, conhecido pelo  mangá Fuku-chan, decide dedicar-se ao mundo da animação após haver visto  o curto de Disney The Skeleton Dance (1929), que se tinha estreado no  Japão em 1930. Para isso, compra uma câmara de 16&nbsp;mm e transforma sua  casa em estudo de cinema, que chamará Otogi Productions, começando o  trabalho em março do mesmo ano com uma equipe de seis pessoas. Seu  primeiro filme será o mediometraje Onbu ou-bake (O duende a ombros), da  qual fará uma projeção em sala privada em dezembro de 1955, com  assistência de várias personalidades da esfera cultural, entre elas  Yukio Mishima. Seu segundo filme será Fukusuke, estreada em salas  comerciais em outubro de 1957. Ao ano seguinte utilizará o amplo terreno  do jardim de sua casa para construir uns estudos maiores, aumentando  sua equipe a 23 pessoas. Após isso realiza seu terceiro filme, Hyotan  Suzume (1959), que conta a luta contra umas rãs malvadas que hão  quebrado a paz de uma aldeia de pacíficas congêneres. A seguir estreia  Otogi no sekai ryoko (Viagem ao redor do mundo, 1962), composta por  cinco partes, a terceira dos quais, Tatsumaki nem sukareta akai shatsu  (A camisa vermelha que se levou o ciclone), tem o interesse adicional de  referir-se ao estilo do ukiyo-e.
Otogi Productions necessitou consideráveis empréstimos de dinheiro  para poder realizar longas-metragens, mas não conseguiu recuperar o  investimento realizada, por isso terminou em quebra em 1972. Yokoyama  termina assim seu trabalho mas contribuiu à formação de novos técnicos  do gênero. Um deles, Shinichi Suzuki, chegou em realizar pela sua conta  um curtametragem de ciência-ficção titulado Purasu 50.000 nen (50.000  anos depois, 1961), que recebeu boas críticas na França por causa de sua  projeção no Festival Internacional de Curtametragens.
[editar] BunrakuNo Japão existe um teatro tradicional de bonecos chamado Bunraku, que  ainda se representa de vez em quando. No cinema de animação existe  também a variante de filmes de marionetes, cujo mais conhecido expoente  está na cinematografia tcheca. Tadahito Mochinaga (1919-1999) foi o  primeiro a produzir animação baseada no bunraku, e ensinou esta técnica  para o cinema de animação aos produtores chineses. Mochinaga, discípulo  de Mitsuyo Catedral, tinha sido encarregado de realizar filmes na China  durante a guerra, permanecendo ali até 1955. Ao retornar a o Japão forma  a Ningyo Eiga Seisakusha, dedicada ao cinema de marionetes e que  oferece nove títulos, dos quais destacam Uriko Hime to amanojaku (A  princesa Uriko e o diabo raivoso, 1956) e Chibikuro Sambo no tora taiji  (O negrito Sambo vence o tigre, 1956). Este último conseguiu o prêmio ao  melhor filme infantil no Festival de Cinema de Vancouver.
Como discípulos mais avantajados de Tadahito Mochinaga no cinema de  marionetes destacam Kihachiro Kawamoto (1924) e Tadanari Okamoto  (1932-1990). Kawamoto, após uma etapa trabalhando com Mochinaga, viaja  para Tchecoslováquia em 1963 para conhecer a seu admirado Jirí Trnka  (1912-1969), graças ao qual aperfeiçoa a técnica de animação de  marionetes. De volta a o Japão realizará com produção própria títulos  desta modalidade como Hanaori (A flor arrancada, 1968), Oni (O demônio,  1972), Dojoji (O templo de Dojo, 1976) e Kataku (1979), na sua maior  parte baseados em peças tradicionais do teatro Não ou o Kyogen.
Kawamoto conseguiu vários prêmios em festivos internacionais, dando  assim seu nome a conhecer no estrangeiro. Tadanari Okamoto, que aprendeu  também a técnica de Mochinaga, se independizará para formar a Eko xá,  dedicada ao público infantil. Seus trabalhos mais representativos foram  Fushigi na kusuri (Um medicamento estranho, 1965), Home my home (1970),  Chiko tão (1971) e Okon joruri (1982).
[editar] A indústria de animação[editar] Toei Doga Ver artigo principal: Toei DogaEm agosto de 1958 nasceu a maior produtora de cinema de animação do  Japão, Toei. Hiroshi Okawa, presidente da produtora, se fixa nas suas  viagens ao estrangeiro no cinema de desenhos animados norte-americano, e  decide colocar os meios necessários para o crescimento em qualidade do  gênero no Japão até fazê-lo exportável e competitivo. Até então, os  produtores de japoneses de cinema de animação contavam com instalações  muito pobres e equipes reduzidos, por isso não era possível realizar  longas-metragens tão notáveis como os ocidentais, nem alcançar-lhes  também não em longitude ou volume. Okawa, após estudar a situação do  gênero no Japão, decide comprar a companhia Nichido Eiga de Sanae  Yamamoto, passando este e seus 23 empregados a fazer parte de Toei, que  cria a subdivisão Toei Doga.
Okawa, ao som de seu lema favorito, temos que converter-nos na Disney  de Oriente, construiu uns estudos de três plantas com todas as  facilidades modernas, e pôs ao frente destes a Yamamoto como principal  responsável. Seu primeiro e espetacular trabalho será Hakujaden  (A legenda da serpente blanca, 1958), superprodução de 78 minutos na  qual trabalharam 109 pessoas e que se transforma no primeiro  longa-metragem em cor do cinema de animação japonês.
Graças ao sucesso desta primeira produção, Okawa se marcou o objetivo  de estrear um longa-metragem de animação por ano. Um dos que receberam  maior aceitação de crítica e público foi Oji no orochi taiji (O valente  príncipe derrota à serpente gigante, 1963), dirigida por Jugo Serikawa  (1931-2000), que procedia do cinema de imagem real (era ajudante de  direção de Nobuo Nakagawa e Kyotaro Namiki em Shintoho). Entre os  ajudantes de Serikawa neste filme estava o ainda desconhecido Isao  Takahata, assim como Yasuo Otsuka (1931), que era um funcionário  dedicado à luta anti-você droga que deixou seu trabalho para dedicar-se à  animação.
Takahata realizaria outra das obras-primas do cinema de animação de  Toei Doga, Taiyo no Oji. Horusu no daiboken (As aventuras de Horus,  Príncipe do Sol, estreada na Espanha como A princesa encantada, 1968),  baseada em uma mistura da saga Yukara com legendas escandinavas e que  contava a luta do valente príncipe Horus contra o país dos gelos e a  neve, dominado por um ser malvado e sua irmã menor Hilda, obrigada a seu  pesar a obedecê-lo. Hilda, que possui uma formosa voz, é incapaz de  resistir-se às ordens de seu irmão e tentará destruir a aldeia onde vive  Horus. Este tipo de tormento psicológico pela luta entre o bem e o mal  de um personagem, além disso feminino, não se tinha visto nunca no  cinema de animação, por isso foi muito comentado. O responsável  principal deste retrato psicológico foi Yasuji Mori (1925-1992),  enquanto que o jovem desconhecido que se encarregou do design das  paisagens da aldeia foi Hayao Miyazaki (1941), que ganhou prestígio  entre a profissão graças a isso. O tema da princesa encantada era o de  unir-se para fazer frente às dificuldades, mas isto foi também a  história que rodeou a sua filmagem: uma equipe com vontade de trabalhar  frente a uma produtora que não parava de colocar colas ante a contínua  escalada do orçamento e o prolongamento do trabalho. De fato, esteve a  ponto de paralisar-se a produção do filme, mas graças à insistência com  que Takahata e sua equipe defenderam sua causa ante seus chefes, pôde  terminar-se. Apesar das boas críticas que colheu, o filme, que tinha  custado uma fortuna, sofreu um duro fracasso comercial, do qual Takahata  foi obrigado a fazer-se responsável com uma redução de categoria e  salário mais que notável. Ante isso, Takahata e Miyazaki decidem  abandonar Toei logo depois e buscar a forma de continuar realizando  livremente filmes de desenhos animados. Outros títulos representativos  de Toei Doga foram Wan Wan Chushingura (Rock o valente, 1963, Daisaku  Shirakawa), Nagagutsu wo haita neko (O gato com botas, 1969, Kimio  Yabuki), Dobutsu Takarajima (A ilha do tesouro, 1971, Hiroshi Ikeda e  Yasuji Mori) e Tatsu no ko, Taro (Taro, o filho do dragão, 1979, Kirio  Urayama).
Toei Doga (que em 1998 mudará seu nome pelo de Toei Animation), se  antecipou a seus competidores ao começar em 1993 a digitalização do  processo de animação, que substituiu aos longos processos tradicionais e  que hoje dia é empregada na quase totalidade do gênero produzido no  Japão. Por isso, a Okawa lhe corresponde não só o mérito de ter apostado  pela animação japonesa conseguindo levá-la até um nível que permitisse  sua exportação a todo o mundo, mas também o de ter produzido sua  digitalização, criando com ambas decisões as bases para seu crescimento e  difusão.
[editar] Osamu Tezuka Ver artigo principal: Osamu TezukaOsamu Tezuka (1928-1989) foi também uma figura código. Era um  estudante de medicina que se viu obrigado a trabalhar nas fábricas  durante a guerra. Em abril de 1945, um dia que descansava da fábrica, vê  o filme de Mitsuyo Catedral Momotaro, umi no shimpei (Taro Pêssego, o  guerreiro divino dos mares, 1943) que, segundo o que anotou no seu  diário, lhe deixou impressionado até o ponto de prometerse realizar  algum dia seu próprio filme de animação. Com objeto de concretizar este  sonho, em 1961 formaria sua própria companhia, Mushi Production.
Sua primeira obra, de caráter experimental, é Aru machikado no  monogatari (História de um canto da rua, 1962). Com um fundo  antimilitarista, os protagonistas são as paredes de uma cidade,  testemunhas de uma apaixonada história de amor entre o pôster de um  violinista e o pôster de uma pianista, romance que será interrompido  continuamente pelos posters de um ditador. Com uma duração de 39 minutos  e um tom poético, Tezuka coordena a montagem e a direção, contando  neste último afastado com a ajuda de Eiichi Yamamoto (1936), procedente  de Otogi Productions, e Yusaku Sakamoto, que vinha de Toei Doga.
[editar] Séries para televisãoA seguinte realização de Mushi Production foi uma série para a  pequena tela. A televisão começou suas emissões no Japão em 1953, e as  primeiras amostras de animação que se televisionaram procediam dos  Estados Unidos, com grande popularidade entre o público infantil. Toei  Doga também se colocou a possibilidade de criar séries de desenhos para a  televisão, mas uma entrega por semana supunha um trabalho muito pesado  para ser rentável, por isso abandonou a idéia. Por outro lado, Tezuka,  ao frente de Mushi Production, decidiu enfrentar o desafio que isso  supunha, nascendo assim a primeira série da animação japonesa, com  entregas semanais de 30 minutos.
O tema eleito foi a personagem de mangá que o próprio Tezuka tinha  criado para aparecer periodicamente em uma revista shonen, o robô  Tetsuwan Atomu. O laborioso trabalho que supunha fazer quatro entregas  mensais aconteceu pelo sistema de animação limitada, que empregava a  menor quantidade possível de celulóide. Em janeiro de 1963 se começa a  emitir a série, que se ganhou em seguida a aceitação infantil, chegando  até um terço da audiência. Após isso, Toei Doga decide aproveitar o  fenômeno e em novembro do mesmo ano emite seu Okami shonen Ken (Ken, o  menino lobo, Sadao Tsukioka), segundo uma história original que de certo  modo se aproximava à Do livro da selva de Rudyard Kipling.
Janguru Taitei (O império da selva, 1966) é outra das obras mais  conhecidas de Tezuka, e a primeira do meio que utiliza a cor. No  entanto, naquela época a televisão em cor era um luxo que poucos podiam  permitir-se, por isso a maioria das crianças teve que vê-la em branco e  preto.
Estas obras de Mushi Production para televisão conseguiram vender-se  aos Estados Unidos, onde Tetsuwan Atomu foi rebatizada como Astroboy e  Janguru Taitei como Kimba, O Leão Branco, nomes com que mais demore  saltariam à Europa.
[editar] Os robôs gigantes(são chamados de mecha)
Graças ao sucesso das séries de televisão de Mushi Production e Toei  Doga, em breve surgiu a concorrência por parte de outras produtoras.  Qualquer gênero era suscetível de ser usado: esportes, fantasia, você  aventura, séries para garotos e para garotas,… Da mesma forma que  Astroboy, muitas destas séries se emitiram no estrangeiro. Já na década  dos 60 com o anime em branco e preto de Tetsujin 28-go, da produtora TCJ  e baseada no mangá homônimo de Mitsuteru Yokoyama  (considerado o criador do gênero) começou o tema dos robôs gigantes,  série que também se vendeu aos Estados Unidos onde a titularam Gigantor,  mesmo que não foi até princípios dos anos 70 quando começou o auge das  séries de robôs gigantes com a Mazinger Z, baseada nos personagens  criados por Go Nagai, à qual seguiiriam várias imitações.
Parte destas séries se exportaram, mas algumas delas resultaram  problemáticas em países como a França ou as Filipinas. Também houve  séries de caráter educativo baseadas na literatura ocidental, algumas  tão mundialmente famosas como Heidi, (1974), O cachorro de Flandres, (1975) ou Marco,  dos Apeninos aos Você ande, (1976). Destas, Heidi foi dirigida  principalmente por Isao Takahata, enquanto o design e paisagens das  cenas correu a cargo de Hayao Miyazaki. Inclusive viajaram à Suíça para  buscar paisagens reais que depois pudessem utilizar. A série se emitiu  na Itália em 1976, mas muitos pensaram que se tratava de uma série  italiana e não japonesa. Graças à série Uchu Senkan Yamato (Space Battleship Yamato, também traduzida como Star Blazers, 1974), a animação japonesa chegou em ser reconhecida.
Na sua primeira retransmissão não conseguiu uma repercussão  destacada, mas sim no seu segundo passe, e a partir que se efetuasse um  remontaje para sua exibição em salas cinematográficas, que provocou que  os jovens fizessem fila ante os cinemas desde a noite anterior à  estréia, feito com que foi recolhido por todos os periódicos do momento  como fenômeno sociológico. O criador dos personagens desta série foi  Reiji Matsumoto, e graças ao sucesso de Yamato, outras de suas obras  foram adaptadas à tela. Destas, a mais popular foi Galaxy Express 999 cujas adaptações para o cinema, realizadas por Rintaro começaram a estrear-se em 1979.
O motor das histórias arrancava de uma máquina de trem a vapor que,  no futuro, empreendia uma viagem a inclinação de diversos planetas,  seguindo a idéia do poeta e autor de contos infantis japonês Kenji  Miyazawa (1896-1933) em seu Ginga Tetsudo no yoru (Trem noturno da via  láctea). A imagem da locomotora sulcando o espaço era o laço de união  entre as histórias.
Em 1979 se emitiu a série de robôs gigantes Mobile Suit Gundam  de Yoshiyuki Tomino (1941), mas não conseguiu grande audiência. Não  obstante, a alcançou na sua segunda emissão, chegando também a montar-se  edições especiais para sua estréia em salas de cinemas (7 filmes entre o  ano 1981 e o 2002). Da saga Gundam se emitiram até seis séries  diferentes. Se venderam perfeitamente todo tipo de brinquedos e  reproduções de robôs inspirados em Gundam.
[editar] O formato OVAO formato OVA (Original Vídeo Animation) teve seu ponto culminante no  começo da década dos 80. Se tratava de produções lançadas diretamente  ao âmbito doméstico, sem haver sido emitida previamente pela televisão  ou estreada em cinemas. A maior qualidade juntamente com a situação  econômica do Japão fez com que este formato competisse com as séries  televisivas que os admiradores se davam o luxo de comprar.
O primeiro ova foi o de Dallos  realizado em dezembro de 1983. Era um anime de ciência ficção que foi  fruto do pioneiro esforço do estudo Pierrot, que se aventurou neste novo  e desconhecido feira livre.
[editar] Finais do século XXAs décadas dos 80 e 90 trouxeram coincidem com a irrupção a grande  escala do anime em ocidente, entre cujos principais expoentes estariam  séries como Dragon Ball (baseada no mangá homônimo de Akira Toriyama), Saint Seiya (Os Cavaleiros do Zodíaco), Yu Yu Hakusho de Yoshihiro Togashi, Rurouni Kenshin (Kenshin, o Andarilho ou Samurai X), Slayers, Neon Genesis Evangelion (do diretor Hideaki Anno), Marmalade Boy ou Kimagure Orange Road, Inuyasha de Rumiko Takahashi, Yu-Gi-Oh!  de Kazuki Takahashi, que permitiram o redescubrimiento do tema em  ocidente e que em muitos países abriram o caminho à criação de culturas otakus próprias. Assim como também a massificação das cicas mágicas como Sailor Moon e Magic Knight Rayearth.
[editar] Inícios do século XXIUma parte considerável dos mangás de sucesso no Japão acabam na  atualidade com sua versão em anime, exemplos claros dos quais são séries  como Bleach,One Piece,Inuyasha,Naruto, e Fullmetal Alchemist,  entre muitas outras. Começam a ser menos freqüentes as séries de anime  originais (no sentido de não estar baseadas em mangá) além de dar-se  muito menos o caso de mangá criado a partir de um anime.
Além disso, o terreno preparado no ocidente pelas séries das décadas  anteriores permitiu que grande parte do anime criado seja traduzido e  distribuído nos mercados de todo o mundo. Nos últimos anos surge além  disso em ocidente, da mão das culturas da década dos noventa, grande  quantidade de grupos e fansub que se encarregam de distribuir  ilegalmente por internet muitas séries de anime (e mediante escaneos  também os mangás mais conhecidos).
Referências ↑ Descobertos animes mais antigos do Japão. Site da extinta revista Henshin. Editora JBC (28/03/2008). Página visitada em 13/02/2010.
↑ Sharp, Jasper (2009). "The First Frames of Anime." The Roots of Japanese Anime, official booklet, DVD.
↑ Sharp, Jasper (September 23, 2004). Pioneers of Japanese Animation (Part 1). Midnight Eye. Página visitada em 10 December 2009.
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