Steve Mcqueen
Autor: Terreiro Eu Sou a Rua | Publicado: 2010-09-02T13:32:00-03:00


Biografia


Steve McQueen é um artista e cineasta britânico nascido em 1969, em Londres. Vencedor do Golden Camera no festival de Cannes, um Turner Prize e um BAFTA. Atualmente vive em Amsterdã.

Frequentou a Drayton Manor High School. Fez curso de artes em Hammersmith and West London College em seguida freqüentou a escola de Artes e Design no Chelsea College of Art and Design e belas artes no Goldsmiths College quando interessou-se por filmes primeiramente.

Saindo de Goldsmiths em 1993 estudou na Tisch School em Nova Iorque mas, ficou pouco pois considerou a abordagem do lugar experimentalmente insuficiente para ele.

Os filmes de Mcqueen são geralmente estrelados por ele mesmo, são minimalistas e em branco e preto. São influenciados pela nouvelle vague e pelos filmes da Factory de Andy Warhol.

Bear (1993) e DeadPlan (1997) - Releitura da cena do filme de Buster Keaton na qual uma parede de uma casa cai sobre o próprio Mcqueen que fica imóvel e é ‘’salvo’’ por estar posicionado exatamente na altura da única janela existente. 

Estes dois filmes tem em comum o fato de serem em branco e preto e mudos. O primeiro filme de Mcqueen a ter som foi Drumroll (1998) que foi também seu primeiro filme a usar múltiplas imagens.O filme, realizado com três câmeras, foi também exibido em três paredes de uma sala fechada. McQueen tem uma única instalação: White Elephant (1998).

Em 2008, Mcqueen realizou o filme Hunger a respeito da greve de fome ocorrida em 1981 numa prisão da Irlanda e, por ele, ganhou os prêmios: Camerá d’Or (primeiro filme do diretor); Sydney Film Festival Prize; 2008 no Diesel Discovery Award no Toronto International Film Festival (pelo voto da imprensa que participa do festival); o New Generation Film 2008 no Los Angeles Film Critics e melhor filme no London Evening Standard Film Awards em 2009.

Atualmente está sendo cotado para a realização do filme Fela, sobre a vida do musico e ativista africano Fela Kuti.

Tradução livre do artigo da Wikipédia: http://en.wikipedia.org/wiki/Steve_McQueen_(artist)



Seleção de exibições solo

2009

British Pavilion, 53rd Venice Biennale; Queen and Country, Scottish National Gallery of Modern Art; Edinburgh and Middlesborough Institute of Modern Art, Middlesborough.

2008

Queen and Country, Royal Festival Hall, Barbican Centre, London and Liverpool Biennial; Pursuit, Baltic Centre for Contemporary Art, Gateshead, Tyne and Wear; Marian Goodman Gallery, Paris.

2007

Running Thunder, Thomas Dane Gallery, London; Gravesend/Unexploded, 52nd Venice Biennale, Venice; Queen and Country, Imperial War Museum, London; Gravesend, Renaissance Society, Chicago; Queen and Country, Central Library, Manchester, commissioned by the Imperial War Museum and the Manchester International Festival.


Seleção de exibições em grupo 

2008

International 08, Liverpool Biennale; 7th Gwangju Biennale, Gwangju, Korea; Wizard of Oz, CCA Wattis Institute, San Francisco.

2006

The Starry Messenger: Visions of the Universe, Compton Verney, Warwickshire; Die Neue Kunsthalle III, Kunsthalle Mannheim, Mannheim, Germany.

2005

Film: Illusion and Imagination in der Kunst, Staatliche Kunsthalle, Germany; En Attente, Forum D'art Contemporain, Luxenbourg; Atlantic and Bukarest, Kunstmuseum Basel, Switzerland; Do You Believe in Reality?, Taipei Fine Arts Museum, Taipei; WOW (The Work of the Work), Henry Art Gallery, Washington; Faces in the Crowd: The Modern Figure and Avant-Garde Realism, Castello di Rivoli, Turin, Italy; Time Clash, Museu de Arte Contemporanea de Serralues, Portugal.



Opinião de críticos

Resumo da reportagem Mourning Glory:

O autor comenta a respeito de muitos filmes de Mcqueen. No primeiro parágrafo o filme Girls, Tricky de 2001 é descrito da seguinte maneira: em 15 minutos de filme, Tricky(o produtor musical Adrian Thaus) está num escuro estúdio londrino e parece ter uma epifania enquanto executa um hino frenético e fuma seu cigarro. A câmera de Mcqueen o circunda e temos a impressão do desejo se transformando em sonoridade.

O jornalista afirma que o filme nos faz ver quanto controlado o momento de perda de controle pode ser e quão ultra-consciente pode ser ‘’martelar’’ o subconsciente.

O filme é tão apreciado que o jornalista o compara a ouvir músicas da Billie Holiday ou do Jimmy Hendrix ou assistir à cena de Fred Aster e Ginger Rogers e assemelha à algo que ele viu em Muhammad Ali quando ele nocauteou George Foreman.

No terceiro parágrafo o trabalho Once Upon a Time – que é a reprodução das imagens lançadas pelo Voyager II, da NASA em 1977 sobre a vida na Terra (esse projeto tinha a função de ‘’nos apresentar’’ aos alienígenas) com uma trilha sonora que pode ser muitas pessoas falando em uma língua que não existe ou talvez seja a junção de muitas línguas. O curioso é que não há imagens de morte, doença ou guerras. E daí vem a discussão de Mcqueen sobre quem somos e quem mostramos ser.

Um outro projeto de Mcqueen, citado no penúltimo parágrafo é o filme 7th Nov. de 2001um filme de 24 minutos em que vemos apenas a parte de cima da cabeça de um homem negro e a trilha sonora é Marcus, um primo de Mcqueen, assumindo como acidentalmente atirou e matou seu próprio irmão.


Mourning Glory


A British video artist engaged with history both as a participant and as an outsider


By Jerry Saltz Feb / 2005 


Turner Prize winner Steve McQueen's steamy video Girls, Tricky (2001) shows the creative act unfolding. I melted while watching it. On-screen we see musician-producer Tricky (Adrian Thaws) deliver several takes of a manic song in a darkened London sound studio. McQueen's camera circles Tricky as he puts himself through a kind of psychic avalanche, performing a frenetic hymn, coaxing supernatural sounds from himself while smoking what looks like a giant spliff. Over the course of 15 minutes, we watch as lived experience, thought, and desire are transformed into sonic matter. Girls, Tricky lets you see how controlled this moment of losing control is and how ultra-conscious tapping into the subconscious is. At one point, just when you think Tricky is in another universe, he stops, opens his eyes, and calmly says, "That was good; let's do it again."


De Kooning famously said, "Content is a glimpse." Girls, Tricky provides a glimpse of something I've heard in the voices of Howlin' Wolf, Billie Holiday, and Roy Orbison; Johnny Cash, Kurt Cobain, and Dolly Parton on "Jolene." I saw it in Muhammad Ali just after he knocked out George Foreman, Marlon Brando in Apocalypse Now, the skipping dance of Fred Astaire and Ginger Rogers, and the way Warhol put his fingers to his pouty mouth. I can hear it in Miles Davis; Jimi Hendrix's "Voodoo Child"; the way the lead singer on "Louie Louie" barks, "Let's give it to 'em right now"; and now in Tricky's possessed song. It's the sight or sound of someone turning him- or herself inside out so that one of the selves that lives inside them can momentarily appear. For these reasons a young artist I know, Anat Elberg, calls Tricky "the black Vito Acconci." When someone renders something this raw this well, it begins a journey into forever.


Forever and the limits of identity are places McQueen is interested in—a limbo where self and culture intermingle, where fiction and reality blend into history. This intermingling is rampant in Once Upon a Time (2003), a majestic 70-minute video in which 116 of the images that were launched into space by NASA aboard the Voyager 2 space probe in 1977 are projected in Goodman's darkened main gallery. These pictures were meant to represent us to aliens. Here, each one is screened for a minute before it slowly fades into the next. Few viewers will likely see the entire work in one sitting.


Which may be the point. At this speed, the images are tyrannically oppressive. Kitschy, pious, and ragingly anal, all are universalizing representations of human- kind. We see babies being born, benevolent old folks, diligent factory workers, and decent farmers. Children play; animals walk in splendor; an astronaut floats in space. But there is no death or disease, no bad blood or sorrow. It's an after-school special by way of "The Family of Man." Roland Barthes lambasted such depictions as "amply moralized and sentimentalized." Homi Bhabha notes "the position of social authority" images like these assume. Susan Sontag asserts that pictures of this type "deny the determining weight of history." McQueen, who says they're about "our so-called knowledge," allows us to see all of them as a single picture—a portrayal not of who we are but of how we want to be seen. It's an American version of Leni Riefenstahl's Olympia, a sort of psychological black box that provides evidence of our attempt to manage images and deny death. This gigantic fake self-portrait clarifies why postmodernism and its ideas about pictures being biased took shape around the same time Voyager was launched. Once's soundtrack of people speaking in tongues highlights the aspirational side of these pictures, the hope that we're not alone in the universe.


In the rear gallery, the riveting 7th Nov. (2001) evokes another kind of speaking in tongues—the language of trauma and repentance. Projected for 24 minutes is the solitary image of a prone black man seen from the crown of his head. A pronounced scar runs across the top of his skull. On the soundtrack, McQueen's cousin Marcus recounts how he accidentally shot and killed his brother. It's a terrible story told with sorrow, insight, and verve. The stillness and stateliness of this black body—which contrasts with the horror of the story—recalls Mantegna's dead Christ and surrealist photos of truncated bodies. Here, the head is a black planet, an empty eye, or an abstract phallus. It is Rembrandt-esque, mysterious, and somber. The killing of a brother together with the scar suggest the mark of Cain. Rosalind Krauss has written about "images that do not decorate but rather structure the basic mechanisms of thought." That's what this image and soundtrack do. McQueen's 7th Nov. is a contemporary history painting, a modern-day Death of Marat. It is a requiem and a confession, a cautionary tale about being human and being black, and an allegory for white society's discomfort with blackness.


McQueen is a very serious artist. His work is sumptuous but laced with bittersweet mourning and the feeling that he's engaging with history both as a participant and as an outsider. His vision is grand and symphonic, and so is this show.



Trechos de uma entrevista com Steve Mcqueen (14 setembro, 2009)

Por Laura Barnett

O que o fez começar?

Poder desenhar desde pequeno. Quando eu tinha quatro ou cinco anos, um desenho que fiz da minha família foi escolhido para ser publicado num banner da livraria Shepherd's Bush em Londres. Eu me lembro de passar por ele com meu pai e minha mãe, me sentido orgulhoso.

Qual foi sua maior revelação?

Alguém me pagando muito dinheiro por um filme em 1995. Eu estava trabalhando meio-período no Marks &amp; Spencer,e pensei ‘’Oh, agora eu posso largar o trabalho’’. 

Qual canção você escolheria como a trilha sonora da sua vida?

Blue in Green do Miles Davis. É tão boa. É como o blues. É como a cara do Buster Keaton.

O mundo da arte é focado no dinheiro?

Estou cheio do mundo da arte, pra falar a verdade. Ele não vai muito além do seu próprio rabo e fica chato.

Qual o maior problema da arte hoje?

Falta de ambição, e medo. 

Tem alguma verdade em dizer 1% de inspiração, 99% tranpiração?

Eu diria que é mais 50/50. O esforço necessário para trazer uma idéia para o mundo real pode ser épico. 

Qual a pior coisa que alguém disse a respeito de você? 

Tento não lembrar de nada ruim. A maioria dessas coisas foram ditas quando eu estava na escola, pelos professores: ‘’Mcqueen, você não vai chegar a lugar algum.’’. No geral, acho que tive muita sorte.

Tradução livre do artigo do The Guardian.



Reflexão autoral



Steve Mcqueen é um artista completo. Acho que ele poderia também estar na Pele do Invisível ou no Dito, Não dito, Interdito. O trabalho de Mcqueen vai da grande crítica política - o seu trabalho Queen and Country, por exemplo, que foi a impressão de selos com os rostos dos soldados ingleses mortos na guerra do Iraque - à reflexões totalmente subjetivas como em Once Upon a Time. 

O trabalho que virá para a 29ª Bienal, Static, é uma filmagem da Estátua da Liberdade de diversos ângulos (algo recorrente em Mcqueen) e propõe uma reflexão sobre o que é a liberdade nos dias de hoje e como vivemos com ela (ou se realmente a possuímos).

Acho que é importante discutir todas essas questões no terreiro do EU SOU A RUA já que elas atingem a todas as pessoas, em todos os lugares. No caso de Mcqueen a ‘’rua’’ é uma metáfora para o mundo.



Bibliografia

http://www.artfund.org/queenandcountry/index.php site do projeto ‘’Queen and Country’’

reportagens:

http://www.guardian.co.uk/artanddesign/2009/sep/14/steve-mcqueen-artist-filmmaker entrevista The Guardian.

http://www.villagevoice.com/2005-02-01/art/mourning-glory/ reportagem Mourning Glory

http://www.guardian.co.uk/artanddesign/jonathanjonesblog/2008/jun/26/canstevemcqueensavebritish - artigo sobre Mcqueen na Bienal de Veneza (junho, 2008)

videos:

http://www.youtube.com/watch?v=yeaTWZTqC2Q&amp;NR=1 - extrato do filme Deadplan

http://www.youtube.com/watch?v=s2K9ZeBe-HA&amp;feature=related - extratos de filmes do Buster Keaton

http://www.youtube.com/watch?v=Mw7WJLZmVF4 - trailer do filme Hunger

http://www.youtube.com/watch?v=79lV_EEOaiI - Mcqueen falando sobre Hunger 

http://www.youtube.com/watch?v=AjQyN8refrc - Mcqueen falando sobre sua participação na Bienal de Veneza