DIREÇÃO DE ARTE
Autor: Fred Klaus | Publicado: 2011-11-13T15:46:00-02:00






A melhor definição do que é a direção de arte em cinema eu escutei da cineasta Lina Chamie: “tudo que você vê na tela, enquadrado pela câmera, é direção de arte.”

O diretor de arte é uma espécie de “maestro visual”: ele coordena, afina
 e harmoniza os elementos visuais que compõe a cena, que será iluminada e
 fotografada para um filme ou para a TV. Sua orquestra é composta de 
cenógrafos, cenotécnicos, pintores, figurinistas, maquiadores, 
cabelereiros, produtores de objetos, técnicos de efeitos especiais e 
mais recentemente, especialistas em computação gráfica. A equipe sob sua
 responsabilidade é como uma orquestra: cada um dos membros precisa 
estar afinado, precisa conhecer a partitura, precisa executar 
corretamente e inspiradamente a sua parte para que o conjunto da obra 
seja belo e harmonioso.

Realizar a direção de arte de um filme é tarefa complexa que envolve 
pesquisa, cálculo de custos, gerenciamento de pessoas, além de um 
profundo conhecimento sobre história da arte, técnicas de construção de 
cenário, criação 3D em computador, iluminação, fotografia.

O diretor de arte precisa se relacionar com os outros departamentos do 
filme, especialmente com o diretor de fotografia e o coordenador da 
produção. Na TV o trabalho é um pouco diferente do cinema, porque 
geralmente as pessoas têm contrato fixo e um departamento onde se 
armazena o material de cena, chamado contra-regra, mas a lógica do 
trabalho permanece a mesma do cinema. É fácil identificar visualmente 
uma novela, por exemplo, que possui boa direção de arte de uma que não 
tem. A boa direção de arte faz com que novelas de época, por exemplo, 
tenham todos os elementos visuais harmoniosos e dentro da época 
retratada, sem misturas.

A direção de arte não foi sempre assim. No início do cinema, o que se 
via na tela era uma transposição das técnicas teatrais de cenotécnica, 
maquiagem e figurino. O cinema dos primórdios, da década de 1910 a 1920,
 era teatral, a composição visual ainda se apoiava na pintura e na 
fotografia. Quando assistimos Metrópolis de Fritz Lang ou o Encouraçado 
Potemkin de Eisenstein a impressão que temos é de uma grande ópera 
filmada ou de quadros numa exposição, com cenários grandiosos em longos 
planos abertos, cada um dos planos estudado como se fosse uma pintura. O
 cinema ainda engatinhava, descobria através do experimentalismo como 
criar uma linguagem própria.

A técnica influenciou muito nesse processo, as câmeras não possuíam 
mobilidade, o filme tinha limitações. As primeiras atrizes do cinema 
mudo usavam maquiagem amarela para aumentar o contraste com os olhos, o 
filme, de pouca sensibilidade à luz, deixava a pele humana cinza.

Com a evolução dos equipamentos e com o desenvolvimento de uma linguagem
 cinematográfica, surgiu a necessidade de mais profissionais 
especialistas em criar elementos visuais para o olhar da câmera. O 
aumento da equipe fez com que fosse criada a figura do diretor de arte.

Na década de 40, os estúdios americanos trabalhavam como grandes 
indústrias cinematográficas, com vários filmes sendo produzidos ao mesmo
 tempo. O fator técnico decisivo para a logística da filmagem era o 
technicolor, que exigia uma câmera grande que trabalhava com quatro 
chassis de filme ao mesmo tempo, fixada em gruas ou travellings para 
poder ser movimentada, operada por até 6 pessoas. A falta de mobilidade 
exigia o máximo controle de condições climáticas e de iluminação. Tudo 
se construía em estúdio, mesmo as ruas externas onde Gene Kelly dançou 
na chuva, tudo era iluminado artificialmente.

O technicolor, pela forma como produzia o filme colorido, exigia que se 
usassem cores fortes e contrastantes nos figurinos e cenários. O 
trabalho da direção de arte era limitado ao conjunto de regras do 
technicolor, não se usavam cores pastéis, não se usavam semitons.

A Nouvelle Vague veio resgatar o ar livre, produzindo filmes em preto e 
branco com câmeras leves em ambiente externo. O realismo italiano 
valorizou o homem, o ambiente humano retratado como ele é. O cinema 
começou a ter variedade de linguagens e estilos.

Hollywood seguiu com sua vocação industrial e continuou produzindo, os 
atores e atrizes se transformam em ídolos e mitos. Walt Disney começa a 
produzir animações na década de 50. A Cinecittá italiana começa a 
produzir também em escala industrial, com seus estúdios-cidade. E o 
diretor de arte ganha mais espaço para trabalhar.

A partir da década de 1970 direção de arte passou a ser um conceito 
muito mais sofisticado. Um dos grandes cineastas que transformou o 
trabalho do diretor de arte foi Stanley Kubrick, o outro foi Frederico 
Fellini.

Kubrick, fotógrafo e perfeccionista, transformava cada um de seus filmes
 em obras de arte visuais. Em 1974, realiza Barry Lyndon e dá condições a
 suas duas diretoras de arte para que realizem um filme de época de uma 
forma que não havia ainda sido feita. A direção de arte faz uma extensa 
pesquisa sobre as roupas da época, as perucas, a maquiagem. Kubrick 
autoriza sua equipe a comprar roupas em leilões, peças originais da 
época de Barry Lyndon. Cada plano é produzido como pintura, mas não 
qualquer pintura, como as pinturas da época em que o filme se passa. 
Kubrick manda fabricar uma câmera especial para filmar à luz de velas. O
 resultado é um filme lento, com ambientes irretocávies, iluminado 
apenas com luz natural e velas, onde cada personagem está perfeitamente 
caracterizado como se vestia na época, onde cada cenário e locação foi 
preparado para dar a impressão ao espectador que voltou no tempo, que o 
que está assistindo é uma reconstituição perfeita.

Fellini era um dos cineastas mais criativos de todos os tempos, 
surrealista e humanista. Fellini criou uma galeria de personagens 
bizarros e cenários de sonhos. A Cinecittá, em pleno auge, foi seu 
ambiente. Seus filmes tem uma linguagem visual muito particular, que 
mistura reconstruções de lugares reais em estúdio – como a réplica da 
Fontana di Trevi, que aparece em Oito e Meio – com cenários 
evidentemente artificiais, como o oceano de plástico e o fundo pintado 
de La Nave Va.

Outro cineasta que permitiu inovação foi George Lucas com seus filmes de
 ficção científica. Lucas faz o primeiro Star Wars com a técnica 
desenvolvida pelos estúdios Disney para criar cenários realistas: placas
 de vidro pintadas onde os personagens são depois “colados” na montagem 
do filme. As técnicas de montagem ainda eram as mesmas desde a década de
 20. Descontente com o resultado, Lucas abriu a Industrial Light and 
Magic. A direção de arte ganhou um novo departamento: a computação 
gráfica.

Apesar de toda a tecnologia atual e das quase infinitivas possibilidades
 de produção, o princípio criativo do diretor de arte permanece o mesmo:
 transformar em realidade o que o diretor e os roteiristas do filme 
imaginaram. Construir mundos de sonhos, seja no mundo real em estúdio, 
seja
no computador. Um filme sem direção de arte pode ser um bom filme; um filme com boa direção de arte será sempre um filme melhor.

Daniela Castilho é diretora de arte, artista plástica e designer
Artigo originalmente publicado na Gazeta Mercantil em 30 de junho de 2006 no Caderno Fim de Semana, página 04

Nota: Esse texto pode ser republicado e distribuído livremente, para fins-não comerciais, desde que seja dado o crédito ao autor.