Continuação!
Autor: Thomas Jefferson | Publicado: 2011-03-28T07:53:00-07:00

A abordagem naturalistaDe acordo com a primeira abordagem, a música existe antes de ser  ouvida; ela pode mesmo ter uma existência autônoma na natureza e pela  natureza. Os adeptos desse conceito afirmam que, em si mesma, a música  não constitui arte, mas  criá-la e expressá-la sim. Enquanto ouvir música possa ser um lazer e  aprendê-la e entendê-la seja fruto da disciplina, a música em si é um  fenômeno natural e universal. A teoria da ressonância natural de Mersenne  e Rameau vai neste sentido, pois ao afirmar a natureza matemática das  relações harmônicas e sua influência na percepção auditiva da  consonância e dissonância, ela estabelece a preponderância do natural  sobre a prática formal. Consideram ainda que, por ser um fenômeno  natural e intuitivo, os seres humanos podem executar e ouvir a música  virtualmente em suas mentes sem mesmo aprendê-la ou compreendê-la. Compor, improvisar e executar são formas de arte que utilizam o fenômeno música.
Sob esse ponto de vista, não há a necessidade de comunicação ou mesmo  da percepção para que haja música. Ela decorre de interações físicas e  prescinde do humano
A abordagem funcional, artística e espiritual   Alegoria da Música, por Filippino Lippi.Para um outro grupo, a música não pode funcionar a não ser que seja percebida. Não há, portanto, música se não houver uma obra musical que estabelece um diálogo entre o compositor e o ouvinte. Este diálogo funciona por intermédio de um gesto musical formante (dado pela notação)  ou formalizado (por meio da interpretação). Neste grupo há quem defina  música como sendo "a arte de manifestar os afectos da alma, através do  som" (Bona). Esta expressão informa as seguintes características: 1)  música é arte: manifestação estética, mas com especial intenção a uma  mensagem emocional; 2) música é manifestação, isto é, meio de  comunicação, uma das formas de linguagem a ser considerada, uma forma de  transmitir e recepcionar uma certa mensagem, entre indivíduos  considerados, ou entre a emoção e os sentidos do próprio indivíduo que  entona uma música; 3) utiliza-se do som, é a ideia de que o som, ainda  que sem o silêncio pode produzir música, o silêncio individualmente  considerado não produz música.
Para os adeptos dessa abordagem, a música só existe como manifestação  humana. É atividade artística por excelência e possibilita ao  compositor ou executante compartilhar suas emoções e sentimentos. Sob  essa óptica, a música não pode ser um fenômeno natural, pois decorre de  um desejo humano de modificar o mundo, de torná-lo diferente do estado  natural. Em cada ponta dessa cadeia, há o homem. A música é sempre  concebida e recebida por um ser humano. Neste caso, a definição da  música, como em todas as artes, passa também pela definição de uma certa  forma de comunicação entre os homens. Como não pode haver diálogo ou comunicação sem troca de signos, para essa vertente a música é um fenômeno semiótico.
Definição negativaUma vez que é difícil obter um conceito sobre o que é a música, alguns tendem a definí-la pelo que não é:
A música não é uma linguagem normal. A música não é capaz de  significar da mesma forma que as línguas comuns. Ela não é um discurso  verbal, nem uma língua, nem uma linguagem no sentido da linguística (ou seja uma dupla articulação signo/significado),  mas sim uma linguagem peculiar, cujos modos de articulação signo  musical/significado musical vêm sendo estudados pela Semiótica da  Música.
A música não é ruído. O ruído pode ser um componente da música, assim como também é um componente (essencial) do som. Embora a Arte dos ruídos  teorizasse a introdução dos sons da vida cotidiana na criação musical, o  termo "ruído" também pode ser compreendido como desordem. E a música é  uma organização, uma composição, uma construção ou recorte deliberado  (se considerarmos os elementos componentes do som musical). A oposição  que normalmente se faz entre estas duas palavras pode conduzir à  confusão e para evitá-la é preciso se referir sempre à ideia de  organização. Quando Varèse e Schaeffer utilizam ruídos de tráfego na música concreta ou algumas bandas de Rock industrial, como o Einstürzende Neubauten,  utilizam sons de máquinas, devemos entender que o "ruído" selecionado,  recortado da realidade e reorganizado se torna música pela intenção do  artista.
A música não é totalizante. Ela não tem o mesmo sentido para  todos que a ouvem. Cada indivíduo usa a sua própria emotividade, sua  imaginação, suas lembranças e suas raízes culturais para dar a ela um  sentido que lhe pareça apropriado. Podemos afirmar que certos aspectos  da música têm efeitos semelhantes em populações muito diferentes (por  exemplo, a aceleração do ritmo pode ser interpretada frequentemente como  manifestação de alegria), mas todos os detalhes, todas as sutilezas de  uma obra ou de uma improvisação não são sempre interpretadas ou sentidas de maneira semelhante por pessoas de classes sociais ou de culturas diferentes.
A música não é sua representação gráfica. Uma partitura  é um meio eficiente de representar a maneira esperada da execução de  uma composição, mas ela só se torna música quando executada, ouvida ou  percebida. A partitura pode ter méritos gráficos ou estéticos  independentes da execução, mas não é, por si só, música
Definição socialPor trás da multiplicidade de definições, se encontra um verdadeiro  fato social, que coloca em jogo tanto os critérios históricos, quanto os  geográficos. A música passa tanto pelos símbolos de sua escritura  (notação musical), como pelos sentidos que são atribuídos a seu valor  afetivo ou emocional. É por isso que, no ocidente, nunca parou de se  estender o fosso entre as músicas do ouvido (próximas da terra e do folclore  e dotadas de uma certa espiritualidade) e as músicas do olho (marcadas  pela escritura, pelo discurso). Nossos valores ocidentais privilegiam a  autenticidade autoral e procuram inscrever a música dentro de uma  história que a liga, através da escrita, à memória de um passado  idealizado. As músicas não ocidentais, como a africana apelam mais ao imaginário, ao mito, à magia  e fazem a ligação entre a potencialidade espiritual e corporal. O  ouvinte desta música, bem como o da música folclórica ou popular  ocidental participa diretamente da expressão do que ouve, através da  dança ou do canto grupal, enquanto que um ouvinte de um concerto na  tradição erudita assume uma atitude contemplativa que quase impede sua  participação corporal, como se só a sua mente estivesse presente ao  concerto. O desenvolvimento da notação musical e a constituição  artificial do sistema de temperamentos consolidou na música, o dualismo corpo-mente típico do racionalismo cartesiano.  E de tal forma esse movimento se fortaleceu que mesmo a música popular  ocidental, ainda que menos dualista, se rendeu à sistematização, na qual  se mantém até hoje.
Música: um fenômeno socialAs  práticas musicais não podem ser dissociadas do contexto cultural. Cada  cultura possui seus próprios tipos de música totalmente diferentes em  seus estilos, abordagens e concepções do que é a música e do papel que  ela deve exercer na sociedade. Entre as diferenças estão: a maior  propensão ao humano ou ao sagrado; a música funcional em oposição à  música como arte; a concepção teatral do Concerto contra a participação festiva da música folclórica e muitas outras.
Falar da música de um ou outro grupo social, de uma região do globo  ou de uma época, faz referência a um tipo específico de música que pode  agrupar elementos totalmente diferentes (música tradicional, erudita, popular ou experimental).  Esta diversidade estabelece um compromisso entre o músico (compositor  ou intérprete) e o público que deve adaptar sua escuta a uma cultura que  ele descobre ao mesmo tempo que percebe a obra musical.
Desde o início do século XX,  alguns musicólogos estabeleceram uma "antropologia musical", que tende a  provar que, mesmo se alguém tem um certo prazer ao ouvir uma  determinada obra, não pode vivê-la da mesma forma que os membros das etnias  aos quais elas se destinam. Nos círculos acadêmicos, o termo original  para estudos da música genérica foi "musicologia comparativa", que foi  renomeada em meados do século XX para "etnomusicologia", que apresentou-se, ainda assim, como uma definição insatisfatória.
Para ilustrar esse problema cultural da representação das obras musicais pelo ouvinte, o musicólogo Jean-Jacques Nattiez (Fondements d’une sémiologie de la musique 1976) cita uma história relatada por Roman Jakobson em uma conferência de G. Becking, linguista e musicólogo, pronunciada em 1932 no Círculo Línguístico de Praga:

  Um indígena africano toca uma melodia em sua flauta de bambu.  O músico europeu terá muito trabalho para imitar fielmente a melodia  exótica, mas quando ele consegue enfim determinar as alturas dos sons,  ele está certo de ter reproduzido fielmente a peça de música africana.  Mas o indígena não está de acordo pois o europeu não prestou atenção  suficiente ao timbre dos sons. Então o indígena toca a mesma ária em  outra flauta. O europeu pensa que se trata de uma outra melodia, porque  as alturas dos sons mudaram completamente em razão da construção do  outro instrumento, mas o indigena jura que é a mesma ária. A diferença  provém de que o mais importante para o indígena é o timbre, enquanto que  para o europeu é a altura do som. O importante em música não é o dado  natural, não são os sons tais como são realizados, mas como são  intencionados. O indígena e o europeu ouvem o mesmo som, mas ele tem um  valor totalmente diferente para cada um, porque as concepções derivam de  dois sistemas musicais inteiramente diferentes; o som em música  funciona como elemento de um sistema. As realizações podem ser  múltiplas, o acústico pode determiná-las exatamente, mas o essencial em  música é que a peça possa ser reconhecida como idêntica.