Para que serve a Arte na Educação?
Autor: Associação de Arte-Educadores do DF ASAE DF | Publicado: 2011-06-24T11:27:00-07:00

     Para que serve a Arte na Educação?&nbsp;            24/01/2008&nbsp;             Ana Mae Barbosa *






Para possibilitar o acesso à Cultura e para tornar as pessoas mais  inteligentes. Vejamos a primeira afirmação. Em um país como o Brasil  onde a arte é pouco divulgada (com exceção da música popular e do  cinema) de que forma um cidadão pode desfrutar de seu direito de acesso à  cultura? Não só é pouco divulgada como, em geral, quando é divulgada  isso é feito em linguagem hermética. A internet tem democratizado o  acesso a museus e exposições e tem dado visibilidade a trabalhos de  muitos artistas, mas ainda não confere reconhecimento ao artista. Para  alguém ser reconhecido como artista é necessário participar de  exposições em museus, bienais, galerias, sair na Bravo, etc. Enfim, ser  abençoado por algum curador. É com os curadores que está o poder de  designar alguém como artista. A maioria deles é homem, vem das classes  altas e é agente nacional do código hegemônico europeu e norte-americano  branco.
Quantas mulheres já foram curadoras da Bienal? Rigorosamente, duas  que quiseram inovar, fizeram um trabalho coerente com suas teorias e  foram massacradas pelos críticos homens. A administração das Artes vive  nas trevas no Brasil. Novamente meu termômetro é a Bienal de São Paulo,  em que foi reeleito um presidente depois de surgirem dúvidas sobre seu  procedimento ético. Quem elegeu foi um conselho de ricos, pois o  Conselho da Bienal se transformou em escada social para novos ricos, ou  melhor, um meio de aparecerem na Revista Caras. A proposta curatorial  salvadora da próxima Bienal é isomórfica: um retorno, fora de lugar, ao  conceitualismo movido por oportunismo. Tudo isto com dinheiro do  Governo, o meu e o seu imposto, porque os ricos do Conselho não abrem a  bolsinha.
O que já tem sido feito para melhorar o acesso à arte para a grande  massa? E o que ainda pode ser feito? Nos últimos anos, os museus,  centros culturais e mega-exposições têm se preocupado em criar  departamentos educacionais, contratando educadores para facilitar a  mediação entre Arte e Público. A qualidade é variável e o empenho  também. Muitas vezes, o educativo existe na instituição para trazer  público, para inflar a estatística, para mostrar ao patrocinador que  numerosas pessoas viram a exposição. Em geral, reside aí o empenho em  trazer levas de escolares às Bienais de Arte e do Livro.
Outras instituições realmente se interessam em dar acesso à Arte a  todas as classes sociais. Quando dirigi o MAC/USP fui criticada por dar  ênfase ao educativo quando só o Museu Lasar Segall e o próprio MAC  investiam na Arte/Educação. O trabalho foi tão frutífero que operou uma  transformação no ensino da Arte nas escolas de todo o Brasil e trouxe a  imagem da Arte para a sala de aula. A ampliação do educativo das  instituições de Arte, a pesquisa para verificar os resultados da ação, a  análise e sistematização a partir de publicações são iniciativas que  ajudariam na descoberta de outras possibilidades. Principalmente, nos  ajudariam a analisar que tipo de mediação praticamos nos muitos museus  do Brasil, e com que conceitos de cultura estamos operando. Queremos  convencer que os valores da burguesia são verdades imutáveis ou queremos  que cada pessoa, independente do grupo cultural a que pertence, seja  capaz de formular valores estéticos? Somos convencionais, populistas,  messiânicos ou construtores de significados? Há de tudo isto nos  educativos de museus e centros culturais no Brasil e há excelentes  trabalhos que constroem diálogos entre a Arte, a Cultura e a  Subjetividade dos observadores. Um país só pode ser considerado  culturalmente desenvolvido se tiver uma produção de alta qualidade e uma  compreensão desta produção também de alta qualidade. No Brasil,  precisamos democratizar a compreensão da Arte e da Cultura.
Resta-me agora argumentar que a Arte torna a pessoa mais inteligente.  Para isto recorrerei à consistente metapesquisa de James Catterrall,  Critical Links: Learning in the Arts and Student Social and Academic  Development. O pesquisador da Universidade da Califórnia, em Los  Angeles, examinou mais de 60 pesquisas acerca da contribuição das Artes  para a educação de crianças de cinco anos até a adolescência. O maior  número de estudos se refere à contribuição da música, seguido pelo  teatro. Infelizmente, Catterrall encontrou apenas quatro estudos  demonstrando a importância das Artes Visuais para o desenvolvimento da  capacidade de aprender outras disciplinas. Foi no campo de investigações  sobre o raciocínio espacial que Catterrall encontrou quase 300 estudos  científicos nos quais podemos nos basear para defender a idéia de que as  Artes Visuais desenvolvem o raciocínio espacial e, a partir dele,  também desenvolvem habilidades específicas para ler, escrever e falar a  linguagem verbal. Precisamos de mais pesquisas em relação ao papel das  Artes Visuais na qualidade da performance acadêmica dos alunos.
A grande ênfase na importância do ensino das artes para o  desenvolvimento dos processos de cognição – não só em Arte mas em todas  as áreas de conhecimento – se deve aos resultados de uma pesquisa  norte-americana que mostrou que, por uma década, os alunos que obtiveram  os dez primeiros lugares nos exames equivalentes ao ENEM no Brasil  haviam cursado pelo menos duas disciplinas de Arte. Enquanto nos Estados  Unidos, os alunos do ensino médio escolhem as disciplinas que vão  cursar, no Brasil não há liberdade de escolha e o currículo parece  prescrição médica. Portanto, nem se poderia fazer uma pesquisa destas  por aqui. A pesquisa americana despertou o interesse dos pesquisadores  em demonstrar as possibilidades de transferência de aprendizagem, quando  a Arte é aprendida mobilizando-se processos cognitivos, da imaginação  ao planejamento.
A pesquisa Artes Visuais : da exposição à sala de aula comprova que  os professores que buscam os museus e centro culturais como laboratórios  de pesquisa visual para seus alunos o fazem sabendo da importância da  Arte para o desenvolvimento dos processos cognitivos em geral. Foi esta  convicção que os levou a conseguir adesão dos colegas de história,  português, matemática, informática para trabalhar interdisciplinarmente a  partir das Artes Visuais. Eles reafirmaram a eficiência da Arte para  desenvolver formas sutis de pensar, diferenciar, comparar, generalizar,  interpretar, conceber possibilidades, construir, formular hipóteses e  decifrar metáforas.
Rudolf Arnheim foi um dos expoentes da idéia de Arte para o  desenvolvimento da Cognição. Sua concepção se baseia na equivalência  configuracional entre percepção e cognição. Para ele perceber é  conhecer. Ulric Neisser e Nelson Goodman colaboraram com esta visão.  Arrisco a afirmar que o Projeto ZERO que Goodman iniciou e financiou  pessoalmente foi a maior fonte de pesquisas sobre a Cognição em Arte e a  Cognição através da Arte.
Arte depende de julgamento e obriga a poucas regras que precisam ser  conhecidas antes de se ousar desafiá-las. Estas regras são para Arnheim a  gramática visual subjacente a todas as operações envolvidas na cognição  como recepção, estocagem e processamento de informação, percepção  sensorial, memória, pensamento, aprendizagem, etc. Acusado de formalista  no início dos anos oitenta, na efervescência do Pós-Modernismo, Arnheim  vem sendo recuperado pelos cognitivistas pois sua gramática visual não  se comprazia apenas na forma, mas derivava de uma negociação contextual  mental e se dirigia ao contexto perceptual. A princípio, se trabalhava a  percepção desta gramática visual só a partir da percepção do mundo  fenomênico. Nos anos 80, precisamente a partir de 1983 (Festival de  Inverno de Campos do Jordão), o esforço cognitivo de apreender a imagem  da Arte ampliou o campo de ação do ensino da Arte, da percepção visual,  da interpretação da linguagem visual a partir da cultura que a produziu.  A imagem produzida por artistas entrou na escola para ampliar o sentido  cognitivo da Arte.
Cognição é o processo pelo qual o organismo se torna consciente de  seu meio ambiente. A Educação promovida pelas ONGs democráticas, de  gestão comunitária, nos alertam acerca da importância da arte para a  tolerância à ambigüidade e a exploração de múltiplos sentidos e  significações. Esta dubiedade da Arte a torna valiosa na Educação. Arte  não tem certo e errado. Tem o mais ou o menos adequado, o mais ou o  menos significativo, o mais ou o menos inventivo. Nós todos que  trabalhamos com Arte seriamos menos inteligentes se estivéssemos longe  Dela.









* Ana Mae Barbosa é Professora Titular aposentada da USP, onde  atua no Doutorado em Arte/Educação na ECA. Mae também é consultora do  Canal Futura e da área de Formação da Petrobrás Cultural. Foi presidente  da International Society of Education through Art (90-93) e Diretora do  Museu de Arte Contemporânea da USP (87-93). Publicou 19 livros sobre  Arte e Arte/Educacão, entre eles Arte/Educação Contemporânea (Cortez,  2006) e Artes Visuais : da exposição à sala de aula (com Rejane Coutinho  e Heloisa M Sales .EDUSP, 2005). E recebeu prêmios como o Grande Prêmio  de Crítica da APCA e o prêmio Edwin Ziegfeld nos Estados Unidos.&nbsp;