Autor: Pâmela Barros | Publicado: 2011-10-26T14:47:00-02:00


Vereda da Salvação

1. Identificação do Livro1.1 Título:&nbsp;Vereda da Salvação1.2 Autor:&nbsp;Jorge Andrade2. Contextualização do Autor2.1 Alguns dados biográficos&nbsp;



Andrade, Jorge (1922 - 1984)
1.&nbsp;&nbsp;&nbsp; Biografia

Aluísio Jorge Andrade Franco (Barretos SP 1922 - São Paulo SP 1984). Autor. Um dos mais expressivos dramaturgos paulistas e brasileiros retrata com funda verdade e grande poesia cênica diversos panoramas da vida ligada à herança cafeeira; dedicando-se, posteriormente, a temas contemporâneos a sua época e ligados à vida metropolitana.
Jorge conclui sua formação como dramaturgo na Escola de Arte Dramática (EAD), em 1954. Seu primeiro texto é O Faqueiro de Prata, em 1951. No mesmo ano, escreve O Telescópio, dirigido por Paulo Francis, no Rio de Janeiro, com o elenco do Teatro Nacional de Comédia (TNC), em 1957. Ao invés das longas distâncias, esse telescópio aponta para as regiões da memória do autor, ao enfocar rastos de seu passado e figuras que bem conhecia.
Filho de fazendeiros e tendo vivido a cultura do meio rural, o autor trará para a cena profundas observações desse universo, especialmente sua derrocada e adaptação ao meio urbano, fonte dos conflitos que atravessam a maior parte de suas criações, como A Moratória, encenada, em 1955, por Gianni Ratto para a companhia de Maria Della Costa, espetáculo que lança a jovem Fernanda Montenegro.
Pedreira das Almas, retratando o período do esgotamento da exploração aurífera em Minas Gerais, durante a Revolução de 1842, sobe à cena em 1958, numa direção de Alberto D'Aversa para o Teatro Brasileiro de Comédia (TBC). O mesmo conjunto será responsável por algumas das mais expressivas criações do autor, como A Escada, em 1961, numa encenação de Flávio Rangel; Os Ossos do Barão, em 1963, com direção de Maurice Vaneau e, no ano seguinte, Vereda da Salvação, encenação de Antunes Filho, de 1964. Pela importância dessa realização em sua obra, o mesmo encenador voltará a colocá-la no palco, reformulada e revista, em 1993, com o Centro de Pesquisas Teatrais (CPT).
O tema último dessas criações, salientado pelo próprio Jorge em sua autobiografia Labirinto, editada em 1978, é a memória: "Nesta mistura de presenças concretas, até onde vai a realidade e começa a fantasia? [...] Penso que Proust é a volta ao passado; que o passado é a natureza; que a natureza é Rousseau; e que Rousseau é a raiz da nossa verdade".Esta nostálgica natureza - tempo feliz ou tempo de ordem - surge como o pano de fundo que move a maior parte das suas grandes personagens; entre os quais se sobressai Vicente, espécie de alter ego do autor que pontilha diversas de suas criações; ainda que denotando diferentes máscaras. Em A Escada, escrita em 1960, o autor retrata um casal de idosos, cujo futuro é discutido pelos filhos, moradores de um mesmo bloco de apartamentos. O tom nostálgico e a presença da memória voltam a infundir poesia à cena Jorgiana. Em Os Ossos do Barão, de 1962, única comédia que escreve, examina os escombros a que se reduziu o império de um barão do café e a vitoriosa ascensão de um imigrante.
O recurso à metalinguagem - evidenciando explicitamente os procedimentos da ficção dramática - bem como a exploração do tempo - superposição ou concatenação de ações no passado e no presente - contribuem para o refinamento expressivo Jorgiano, tornando essa exploração pelos labirintos da memória pontuada de recursos artísticos de alto quilate.
Trabalhando para a revista Realidade, Jorge é colocado frente a frente com os dramas da metrópole. Desses confrontos, nasce em 1963, Senhora da Boca do Lixo, sobre uma decaída protagonista da sociedade tradicional, que agora vive de contrabando. Presa, acaba encontrando a liberdade em função das ligações com altas personalidades que ainda mantém. Proibida pela Censura, a estreia dá-se em Portugal, em 1966. No Brasil é montada pela atriz Eva Todor, com direção de Dulcina de Moraes, em 1968.
Rasto Atrás retrata um ajuste de contas com o passado do autor e seus irreconciliáveis conflitos com o pai, ganhando uma encenação de Gianni Ratto, em 1966, para o TNC. Outra montagem de sucesso do texto ocorre em 1995, sob a direção de Eduardo Tolentino de Araújo para o Grupo TAPA, em São Paulo.
Em 1969, surgem duas novas realizações do autor: As Confrarias, em que flagra a vida das estratificadas sociedades eclesiásticas de Vila Rica, tomadas como metáforas da pouca mobilidade social, tendo como pano de fundo o ambiente do Brasil Colônia; e O Sumidouro, na qual põe em cena o dramaturgo Vicente e o bandeirante Fernão Dias. Ambas, pelas exigências cenotécnicas e grande elenco, nunca foram encenadas profissionalmente.
A ditadura não deixa de inspirar o autor: para a Primeira Feira Paulista de Opinião escreve A Receita, encenação de Augusto Boal, em 1968; e em 1977 lança Milagre na Cela, proibida pela Censura, porque exibe o estupro praticado por um delegado, além da violência dos torturadores durante as sessões de sevícias de uma freira. Baseada em fatos reais, o texto somente conseguirá subir à cena em 1981, numa encenação carioca do grupo Barr. Também em 1981, Jorge escreve um dos elos-atos da peça A Corrente, sendo que os outros dois são de Consuelo de Castro e Lauro César Muniz, para um espetáculo com Rosamaria Murtinho e Mauro Mendonça, enfocando três casais entrelaçados por uma trama em comum.
Permanecem inéditas algumas criações: As Colunas do Templo, 1952; Os Crimes Permitidos,1958; Os Vínculos, 1960; O Mundo Composto, 1972; A Zebra e A Loba, ambas de 1978.
Os sérios conflitos que manteve com o ambiente familiar, especialmente seu pai, que não aceita nele a existência de um artista, motivam Jorge Andrade a refletir, anos depois: "Então minha verdade saiu da terra, cresceu e ultrapassou a mata. Percebi como devia ser maravilhoso compreender, interpretar e transmitir! Partir da minha casa, minha gente, de mim mesmo e chegar ao significado de tudo, tendo, como instrumentos de trabalho, apenas as palavras e a vontade".Fez então cumprir-se o destino que traçou para si mesmo entre Proust e Rousseau, fazendo da narrativa um reencontro com sua natureza perdida.
Pela publicação de parte de sua obra, sob o nome de Marta, A Árvore e O Relógio, em 1970, Jorge recebe o troféu Molière. É reconhecido ao longo da carreira, através de algumas premiações, tais como Prêmio Saci de melhor autor por A Moratória, 1955, e por Os Ossos do Barão, 1963; Prêmio da Associação Paulista de Críticos Teatrais - APCT, de melhor autor por Pedreira das Almas, 1958; A Escada, em 1961; e Vereda da Salvação, 1964. No ano seguinte ganha, por Rasto Atrás, o 1º lugar de melhor autor do Serviço Nacional de Teatro - SNT.
É ainda o criador de algumas telenovelas e casos especiais, com destaque para Os Ossos do Barão, inicialmente em 1973 e regravada em 1997, O Grito, 1976; As Gaivotas, 1979; O Fiel e a Pedra, 1981; Os Adolescentes, 1981;  A Escada, 1981; Ninho da Serpente, 1982; e Mulher Diaba, em 1983. Vereda da Salvação transforma-se em filme, dirigido por Anselmo Duarte, em 1965.
Considerado um clássico da dramaturgia moderna, Jorge Andrade é objeto de diversas teses acadêmicas e ensaios que investigam aspectos inovadores de sua grande e diversificada obra. Sobre ele, pronunciou-se o crítico e ensaísta Anatol Rosenfeld: "No seu conjunto esta obra é única na literatura teatral brasileira. Acrescenta à visão épica da saga nordestina a voz mais dramática do mundo bandeirante. É única, esta obra, pela grandeza de concepção e pela unidade e coerência com que as peças se subordinam ao propósito central, mantido durante longos anos com perseverança apaixonada, de devassar e escavar as próprias origens e as de sua gente, de procurar a própria verdade individual através do conhecimento do grupo social de que faz parte e de que, contudo, tende a apartar-se, precisamente mercê da própria procura de um conhecimento mais aguçado e crítico, que situa este grupo na realidade maior da nação".

1.1 Vereda da Salvação 
Vídeo da peça Vereda da Salvação encenada pelos alunos do Teatro Escola Macunaíma em dezembro de 2009. Texto de Jorge Andrade. Direção: René Piazentin. Edição do vídeo: Cristiano Sartori.





1.2 Sinopse
Manoel, líder de um grupo de camponeses, se vê desesperado quando a estrada grande passa pelas terras dos camponeses. Tudo vira uma anarquia e começam a aparecer donos da terra de todos os lados. Sem dinheiro para comprar arame farpado e cercar as propriedades, de repente os camponeses percebem que eles é que estão cercados. E para continuar, foi preciso morar de favor. Os camponeses, que vivem afastados da civilização, sentem-se desiludidos das promessas não cumpridas e voltam-se contra seu líder.

1.3 Breve explanação da obra
Vereda da Salvação8/ 7/ 1964 - São Paulo/SPTeatro Brasileiro de ComédiaHistórico


Montagem de impacto do Teatro Brasileiro de Comédia em sua fase nacionalista, dirigida por Antunes Filho, com base em intenso trabalho de preparação dos atores, com exercícios específicos e laboratórios que visam a uma recriação naturalista de um ambiente rural tomado pela histeria religiosa. É a quarta peça de autoria de Jorge Andrade montada pela companhia e tem como temas o messianismo, a crença e a fé. O seu ponto de partida é um fato real, ocorrido em abril de 1955: a repressão policial e a morte de fanáticos religiosos da comunidade de Catulé, em Minas Gerais. O episódio é dramatizado pelo autor em estilo épico e de fundo trágico.


Os ensaios consomem árduos meses de trabalho de Antunes Filho junto ao elenco. Interessado num novo realismo, num estilo brasileiro de interpretação, o encenador elabora uma série de exercícios calcados sobre Stanislavski, enfatizando as contradições íntimas e as vivências pessoais dos intérpretes. Como ele mesmo explica "pela primeira vez no teatro brasileiro os atores se arrastam no chão. Foi um escândalo isso. Os atores cuspiam, se arrastavam [...]. Eu parti da seguinte proposta: tudo o que é romântico não interessa; vamos fazer a realidade, como se nós estivéssemos vendo alguém trabalhando, fazendo alguma coisa [...]".


Esse método integra-se à grande pesquisa que o diretor vem empreendendo com os atores (que, nos anos 1990, culminará num sistema inteiramente completo), mas as inovações muitas vezes parecem demasiadas. Diversas reportagens da época falam em "perda da auto-estima" e "condição animal" para descreverem esse processo, que almeja um supernaturalismo, desarmando os intérpretes de qualquer estereótipo expressivo.


Figuram no elenco grandes intérpretes tais como Raul Cortez, Cleyde Yáconis, Aracy Balabanian, Stênio Garcia; Lélia Abramo e Ruth de Souza.


Antunes Filho considera a encenação um divisor de águas, por propor uma nova linguagem teatral, mas observa que na passagem da sala de ensaios para o palco, a cenografia "doura a pílula" e prejudica o efeito pretendido. O resultado final, divide público e crítica, arrebanhando tanto elogios quanto reparos inflamados. O espetáculo fracassa e fica pouco tempo em cartaz. O crítico Sebastião Milaré, autor do livro Antunes Filho e A Dimensão Utópica, assim equaciona o projeto: "A sondagem temática através de exercícios físicos levava a um tipo de representação completamente novo e, conseqüentemente, a uma nova forma estética. De maneira que Vereda da Salvação levantou-se contra um pano de fundo de um teatro conformado com o Realismo, assumindo ares de 'coisa extravagante'. (...) E no bojo dos significados intrínsecos e extrínsecos da obra, é impossível desconhecer sua vinculação à história do teatro brasileiro pelo lado de uma linha 'maldita', que tímida e valentemente progrediu na contracorrente da nossa tradição dramática".
O crítico Décio de Almeida Prado ressalta, na encenação, suas virtudes e exageros: "A rusticidade, para o encenador atual, parece trazer consigo algumas conotações artísticas quase obrigatórias e a que Antunes Filho não escapou: o monumentalismo e patriarcalismo bíblicos, o aspecto 'pátio de milagres' etc. Ora, esta carga expressionista, que fazia a representação assemelhar-se por momentos a um ballet grotesco, abafa o texto, não o deixando falar por si, dissolvendo as palavras por entre a incessante movimentação cênica. Pior ainda, aumenta a distância já considerável que nos separava das personagens. (...) Somente no segundo ato a peça e a encenação articulam-se com perfeição, aprofundando progressivamente o caminho interior, preparando-se para atacar de frente essas terríveis provas que são as cenas de histeria individual e coletiva. Aí a direção de Antunes Filho afirma-se em grande vigor".2. Gêneros Literários de Veredas da Salvação&nbsp;
A peça faz parte de uma tradição sistemática de teatro e drama modernos brasileiros. Para tanto, além de destacar alguns elementos do desenvolvimento de uma estrutura teatral moderna do Brasil, serão explicitados os pressupostos teóricos do drama moderno - compreendendo teatro moderno brasileiro como a estrutura teatral e de drama nacionais modernos. Propõe-se uma análise dos principais elementos formais.3. Curiosidades sobre o autor

O seu maior sucesso teatral, a peça "Os Ossos do Barão", permanece até hoje, mais de quatro décadas depois, como uma marca de qualidade dos bons tempos do Teatro Brasileiro de Comédia, o TBC.

Sua estreia na televisão foi com a telenovela "Os Ossos do Barão", em 1973. Era uma adaptação que fundia duas peças: "A Escada" e "Os Ossos do Barão". Tornou-se polêmico e incompreendido com O Grito, em 1975.

Em 1978 publicou o romance autobiográfico "Labirinto", e, em 1979, escreveu "Gaivotas" para a TV Tupi, trabalho que lhe valeu o prêmio de melhor escritor de televisão do ano conferido pela Associação Paulista dos Críticos de Arte.

Seus últimos trabalhos para a televisão foram na TV Bandeirantes, na década de 1980, com "Os Adolescentes", "Ninho da Serpente" (um de seus maiores êxitos) e "Sabor de Mel", sua última novela, estrelada por Raul Cortez e Sandra Bréa.

Outras obras teatrais de Jorge Andrade são "Senhora na Boca do Lixo", "Rasto Atrás", "As Confrarias", "Milagre na Cela" e "O Sumidouro".

Jorge Andrade morreu vítima de uma embolia pulmonar, no INCOR, na cidade de São Paulo, seis meses depois de ter realizado uma operação para a implantação de três pontes safena e de ter sofrido um enfarte durante essa cirurgia. 
3.1 Outras obras de destaque do autor 
O Telescópio (1951): ambientada numa espaçosa sala de uma fazenda no interior de São Paulo, um casal de fazendeiros, seus filhos e alguns parentes estão reunidos após o jantar. Enquanto os mais velhos voltam sua atenção para o telescópio, com a finalidade de observar as estrelas, os jovens divertem-se jogando cartas. Essa aparente monotonia vai sendo substituída pela existência de duas percepções distintas das relações sociais, dadas a conhecer pelos diálogos. Para os mais velhos, a terra é responsável pela construção da identidade social e pela preservação da tradição e das raízes familiares. Os mais jovens, entretanto, olham para a propriedade procurando enxergar apenas o lucro e um potencial a ser explorado.

 A Moratória (1955): ambientada em dois tempos históricos – 1929 e 1932 – apresenta uma interpretação da Revolução de 1930 pela ótica de Joaquim, um cafeicultor endividado que perde sua fazenda na crise de 1929 e, em 1932, sobrevive na cidade, com a família, à custa do esforço de sua filha Lucília, que trabalha como costureira. Nesse drama familiar, Andrade discutiu a oposição entre o tradicional e o moderno, sendo este último apreendido pelo processo de proletarização da família do antigo fazendeiro.

 Pedreira das Almas (1957): a partir de uma interpretação acerca do povoamento e da atividade econômica da regiãocafeicultora do Estado de São Paulo, no século XIX. Inspirado na tragédia de Sófocles, Antígona, Jorge Andrade apresenta a cidade, Pedreira das Almas, que convive com o esgotamento dos veios auríferos. Urbana – matriarca da cidade e mãe de Mariana e Martiniano – luta pela preservação da tradição e da própria região. Em nome desse ideal opõe-se ao noivado de sua filha com Gabriel, soldado das forças liberais de 1842, que deseja partir em direção às terras do planalto. 

 Dado o seu envolvimento político, Gabriel é procurado pelas forças do Império. Nesse ínterim, o conflito familiar de Urbana com os filhos, pela liberdade do amigo, redunda na morte de Martiniano. As saídas de Pedreira são fechadas e o corpo do jovem assassinado fica insepulto, pois, como o cemitério está em construção a terra para a cerimônia fúnebre tem de ser trazida do vale ou, caso contrário, o enterro deverá ocorrer fora da cidade. 

 Como a condição do delegado é a entrega de Gabriel, Mariana manteve-se intransigente, mesmo com dois cadáveres sem jazigo, já que Urbana não suportou a imagem do filho morto. O conflito entre os princípios religiosos e os temporais tem um desfecho, nesse caso, contrário ao de Antígona, pois o delegado declina de sua missão, diante da insubordinação de alguns soldados. Mariana enterra seus mortos e assume o lugar de sua mãe em Pedreira das Almas. Gabriel parte rumo às novas terras. 

 A Escada (1961): a ação desenrola-se nos apartamentos de Maria Clara, Vicente, Helena Fausta e Francisco, filhos de Antenor e Melica. Estes últimos, por intermédio de suas expectativas, referendadas em uma sociedade que não mais existe, narram o cotidiano das demais personagens. 

 Morando cada mês no apartamento de um filho, Antenor e Mélica compartilham problemas e privacidade de todos os integrantes da família. No apartamento de Maria Clara, convivem com o noivado da neta Zilda com um mestiço, descendente de negros, e com a tristeza de Lourdes que, por imposição, rompeu o noivado com um descendente de italianos. Na casa de Vicente, acompanham a gravidez da nora, Isabel. Em meio à ausência de privacidade, desfrutada somente nas escadas do prédio, o casal critica os novos tempos e, na ânsia de reverter à situação, Antenor decide vender os terrenos do bairro do Brás, que teria herdado do Barão de Jaraguá. Novos tempos, os terrenos não mais lhe pertencem. Antenor é levado aos tribunais e, ao fim, junto com a esposa, é encaminhado a um asilo.

 Os Ossos do Barão (1962): Egisto Ghirotto, imigrante italiano, chegou ao Brasil para trabalhar nos cafezais do Barão de Jaraguá. Favorecido pela sua capacidade de poupança e pelas mudanças econômicas e sociais, enriqueceu e, paulatinamente, foi comprando os bens do Barão, inclusive a capela contendo os seus ossos. 

 Durante a comemoração do quadragésimo aniversário de sua imigração, Egisto anunciou no jornal a venda da capela e, por consequência, dos ossos do Barão, com a intenção de se aproximar dos descendentes para que seu filho, Martinho, venha a se casar com uma jovem da família do Barão de Jaraguá. Após vários desencontros e situações descrevendo a ascensão dos imigrantes e a decadência de famílias da aristocracia cafeeira, Egisto realiza seu sonho com o enlace de Martinho e Isabel e com a chegada do tão esperado herdeiro.

 A Senhora da Boca do Lixo (1963): a protagonista Noêmia, aristocrata decadente e contrabandista de produtos europeus, ao ser presa, vivencia situações de total estranhamento em relação ao mundo e aos valores que acreditava manter.

 Rasto Atrás (1965): peça de nuances acentuadamente autobiográfica, isso aparece de maneira ainda mais forte: Vicente, o protagonista, incompreendido por João José, abandona a casa paterna na juventude para seguir em busca da vocação de escritor. No entanto, embora tente romper com os laços, as lembranças o atormentam de tal modo que se torna imprescindível voltar – rasto atrás – para dar sentido à própria vida. 

 As Confrarias (1969): Jorge Andrade, utilizando-se da representação, presentifica os episódios relacionados à Conjuração Mineira, à decadência do ciclo do ouro e às irmandades. Sua escritura permite a identificação da realidade concreta, há a recuperação seletiva dos elementos daquele real, reagrupando-os dentro de uma nova escala de significações, a escala do verossímil. A peça é a primeira peça do ciclo Marta, a Árvore e o Relógio (ANDRADE, 1986), mas penúltima peça na ordem de criação, e retrata a história da personagem Marta que procura enterrar seu filho José. Como não pertence a nenhuma Confraria, não consegue este feito. O tema é, de certo modo, o mesmo de Antígona, a morte insepulta. Porém, ao contrário de Antígona, Marta quer manter o corpo do filho, para que o morto sirva aos vivos. “Sabe por que usei seu corpo?

 De repente, compreendi que quanto mais ligada a uma existência humana for a vida, tão menos terrível é a morte. E porque ... se eu o enterrasse com minhas mãos, esqueceriam que você viveu ... e porque morreu” (1986, p. 68). Durante a peregrinação, Marta percorrerá quatro Confrarias, cada uma delas representando uma classe social e seus interesses econômicos, fazendo uma representação da estrutura político-social das Minas Gerais, no final do século XVIII. 

 Em As Confrarias, o aspecto histórico estará relacionado diretamente com a literatura, o próprio Jorge Andrade afirmou: “ O teatro é uma representação viva de um fato, e nesse fato o personagem principal deve ser o homem” (Revista do Teatro, 1978, nº 10). O dramaturgo entende que se a arte não registra o homem, no tempo e no espaço, não é Literatura, pois como discurso, a Literatura caracteriza-se, antes de tudo, como uma prática social, na qual se inscrevem não só elementos da língua adotada, mas também das instituições.

 Sumidouro (1970): apresenta uma síntese entre a história de São Paulo e a trajetória de Vicente, a partir da escrita deste último sobre momentos da derradeira expedição de Fernão Dias, a serviço do rei de Portugal, com o objetivo de encontrar as minas de esmeraldas, cuja existência lhe foi revelada pela filha do cacique Nhenguiru, mãe de seu filho mameluco, José Dias.

 Marta, a Árvore e o Relógio (1970): No seu conjunto esta obra é única na literatura teatral brasileira. Acrescenta à visão épica da saga nordestina a voz mais dramática do mundo bandeirante. É única, esta obra, pela grandeza de concepção e pela unidade e coerência com que as peças se subordinam ao propósito central, mantido durante longos anos com perseverança apaixonada, de devassar e escavar as próprias origens e as de sua gente, de procurar a própria verdade individual através do conhecimento do grupo social de que faz parte e de que, contudo, tende a apartar-se, precisamente mercê da própria procura de um conhecimento mais aguçado e crítico, que situa este grupo na realidade maior da nação (ROSENFELD, Anatol).

 O ciclo Marta, a Árvore e o Relógio, compõe-se de dez peças:

 a. As Confrarias
 b. Pedreiras das Almas
 c. A Moratória
 d. O Telescópio
 e. Veredas da Salvação
 f. Senhora na Boca do Lixo
 g. A Escada
 h. Ossos do Barão
 i. Rasto Atrás
 j. Sumidouro

 Milagre na Cela (1977): dramatiza a repressão que se seguiu ao golpe militar de 1964. Não se trata de uma peça crítica apenas. Sendo a tortura um ato terrível e assim considerado por todos é fácil se opor a ela, difícil se opor a ela de forma que vá além do óbvio, como o fez Jorge Andrade.

 A peça se diferencia das críticas clichês, pois nos apresenta pensamentos inteligentes que se tornam ainda mais instigantes vistos não somente a condição em que são apresentados, mas, sobretudo as figuras que os apresentam. Não há somente crítica à tortura como ato isolado. Há crítica ao radicalismo em qualquer esfera. Há crítica às peneiras que cumprem a função de dissimular a visão. Há crítica ao preconceito que estereotipa e que espera de cada um em sua tarja nominal uma atitude pré-determinada. Há crítica à hipocrisia.
 Milagre na Cela de Jorge Andrade foi censurada na época da ditadura por tratar do tema de tortura.
 Na prisão que a Irmã Joana de Jesus Crucificado é jogada, há também a prostituta Jupira.
 Jupira é uma mulher que foi presa aos quinze anos por ter castrado um homem e que permanece há anos na cadeia com a função de amansar os presos. Segundo o delegado Daniel, Jupira foi feita sob medida para o que ele quer.
 &nbsp;Joana é colocada na mesma cela de Jupira, que por mais que esteja há anos na cadeia servindo de objeto e que tenha aprendido as mazelas da necessidade de sobreviver a qualquer custo ainda carrega em si a ingenuidade, como é de se perceber na fala que diz: "(...) Mas um dia ele pode me soltar. Quer preço melhor? E de vez em quando me traz uns machos. Não sei viver sem um macho entre as pernas.”.
 Joana é uma freira diferente das outras que convivia. Ela queria fazer algo de diferente e foi por isso que decidiu ser professora e freira no mundo real e não entre as quatro paredes de um convento.
 Estou fascinada por Joana, pois ela é a figura que desmistifica o que é considerado sujo e escarra com raciocínios inteligentíssimos o que é podre de fato.
 Jupira, por ter acreditado no que é estereotipado como figura casta no que diz respeito às freiras, surpreende-se com a revelação que Joana demonstra sua alegria por tê-la encontrado.
 Jupira a questiona: "Gosta de mim? Como freira?"
 Joana, acariciando o rosto de Jupira, responde: "Você é uma das melhores pessoas que conheci em minha vida."
 Jupira: "Eu? Uma puta de boca suja?”.
 Joana: "As palavras não sujam nada. Elas não têm mais nenhum significado no mundo de hoje. O que suja é o que fazem aqui. Vagina, bunda, seio... são mais limpas do que a opressão, violência, preconceito e desamor. Entende a diferença?”.
 O delegado Daniel, a fim de fazer Joana confessar o que não cometeu submete a freira a diversas torturas, não obtendo êxito.
 Daniel é um carrasco e é interessante observar a contradição que a peça denuncia ao colocá-lo no ambiente de trabalho e no doce lar.
 No doce lar, um doce homem, que ao ser questionado por sua mulher acerca do seu trabalho diz a frase que para mim foi a frase de maior frieza de toda a obra.
 Marina, preocupada o questiona: "Algum trabalho perigoso? Você vive envolvido com criminosos.
 Daniel: "Não. Serviço de rotina."
 Daniel, ao ver a resistência de Joana dá ordem ao carcereiro Cícero que a deixe sozinha na cela.
 Esse, entretanto, não faz simplesmente isso. Cícero leva Miguel, um temido criminoso a sela de Joana e o estimula a violentá-la.
 Joana diz a Miguel que sente que ele não é muito ruim como dizem e se sensibiliza com as feridas no seu rosto, o que leva Miguel a sentir um refúgio acolhedor naquele ambiente tão hostil. Joana não é violentada por ele.
 A cela que se encontram é repleta de poesias nas paredes, feitas por um poeta que ali esteve e que se suicidou. Joana também ama o poeta que só conheceu por meio das palavras. Suas feições são os frutos da imaginação que nasceram da semente de suas
 palavras.
 Daniel é estimulado a autorizar que levem Joana nua a sua sala e autoriza.
 Joana surge apenas de calcinha. "Ela não procura esconder o corpo com os braços, como se a nudez não significasse nada."
 Daniel inicia seu discurso perverso para fazê-la confessar o que não fez.
 Ele diz que Deus não pode fazer nada com o corpo de Joana, mas que ele pode e ela diz uma das frases que mais me fascinaram: "Eu sei. Você pode descer até o fundo da sua indignidade. Mas só assim eu posso conseguir o que é preciso."
&nbsp;Daniel faz a ameça de enfiar um cabo de vassoura em seu corpo.
 Ela pede o instrumento natural.
 A mulher engravida. O homem se apaixona por ela, fazendo com que ela conseguisse o que queria. Joana&nbsp;consegue que o homem ao "descer até o fundo da sua indignidade" se apaixonasse pelo que considerava um elemento subversivo e passasse a sentir incômodo pelo que faz.
 O bispo a visita.
 O momento da visita é um dos mais marcantes, pois é o momento que paradigmas se confrontam.
 O paradigma da pureza versus o paradigma da pureza como resultado do contexto.
 Joana diz ao bispo que não a compreende: "Aqui, sobretudo aqui, existem homens que precisam ser salvos. Agora vejo que viver lá fora é muito fácil, principalmente vivendo como vivia. O difícil é viver aqui e não se transformar em agente do demônio."

 Labirinto (1978): editada em 1978, é a memória: "Nesta mistura de presenças concretas, até onde vai à realidade e começa a fantasia? [...] Penso que Proust é a volta ao passado; que o passado é a natureza; que a natureza é Rousseau; e que Rousseau é a raiz da nossa verdade". Esta nostálgica natureza - tempo feliz ou tempo de ordem - surge como o pano de fundo que move a maior parte das suas grandes personagens; entre os quais se sobressai Vicente, espécie de alter ego do autor que pontilha diversas de suas criações; ainda que denotando diferentes máscaras. Em A Escada, escrita em 1960, o autor retrata um casal de idosos, cujo futuro é discutido pelos filhos, moradores de um mesmo bloco de apartamentos. O tom nostálgico e a presença da memória voltam a infundir poesia à cena jorgiana. 

3.2 Citações favoritas
“Não há lume de profecia mais certo no mundo que consultar as entrelinhas dos homens sacrificados. Consultem-se as entranhas dos que se sacrificaram e o que eles disseram e isso se tenha por profecia”; 

 “Ficou a crença no amanhã, hoje proibida! É preciso sobreviver, para o amanhã que virá. Não importa o cerrar da boca, se amanhã o protesto sairá da boca de milhões”; 

 “numa terra onde se retém o povo na ignorância como um filho bastardo em um mundo cada vez mais livre”; 

 "a única vereda da salvação é a que este aponta: fugir do mundo fechado e opressivo, negá-lo resolutamente pela crença que transfigura e dá realidade à ilusão".



4. Opiniões sobre o livro
Vereda da Salvação faz parte de uma série de dez peças escritas por Jorge Andrade reunidas em um volume intitulado Marta, a Árvore e o Relógio, publicado pela Editora Perspectiva em 1970. Em 1957 a peça começa a ser escrita e depois de oito versões é encenada pelo Teatro Brasileiro de Comédia em 1964, com direção de Antunes Filho. O espetáculo teve sua temporada encerrada com pouco mais de um mês de carreira. Diferente de outras peças que tiveram uma boa recepção do público de espectadores financeiramente favorecidos, e os quais assistiam a peças sob a ótica do fazendeiro, ainda que decadente. 

 Vereda da Salvação passa agora a ter como perspectiva o mundo, a visão do colono, do antigo posseiro. Segundo Magaldi, em seus estudos publicados juntamente com o volume no qual se insere a peça em questão, "para um público que guarda tantos vínculos com a aristocracia rural, Vereda parece quando menos chocante, senão um desagradável desafio, que se prefere não ouvir". Jorge Andrade buscou em acontecimentos ocorridos em Catulé, na fazenda São João da Mata, pertencente ao município de Malacacheta, interior de Minas Gerais, elementos para compor sua peça. Meeiros que eram membros da igreja Adventista da Promessa, exaltados pelo ardor religioso da Semana Santa, mataram quatro crianças, que estariam possuídas pelo demônio. A polícia, chamada pelo fazendeiro, pôs fim aos desvairados e ao tema em questão, matando todos os envolvidos na tragédia do fanatismo. A peça de Jorge Andrade serviu como argumento de roteiro para o filme de Tata Amaral, "Através da Janela", rodado em 1993. Já em janeiro de 2000, o diretor de teatro baiano Harildo Déda, juntamente com os alunos da Escola de Teatro da UFBA , fazem uma nova montagem de Vereda da Salvação no teatro Martim Gonçalves, e segundo o diretor o intuito é levar ao público as feridas abertas da Nação: a questão agrária, o sofrimento das populações rurais, a clarividência e a cegueira das questões políticas e religiosas.

 A hipótese de que em Vereda podemos encontrar aspectos do trágico, parece de início, evidente, pois o seu conteúdo está envolto daquilo que na modernidade costumamos chamar de tragédia. Contudo, é preciso verificar cuidadosamente sua estrutura e seus componentes dramáticos. A palavra trágica, já na Grécia Antiga, carrega um universo semântico relacionado a um destino implacável, a uma morte certa do protagonista, morte esta que tem o caráter purificador. O herói trágico é levado a uma situação de desmedida, e o faz por um modo de ser (hybris) ou por se deixar levar por uma ação falha. Em Vereda, Joaquim, dotado de sua hybris, “Segura, mãe! O Espírito Santo deu ensino só prá mim". "Sou o chefe DELE no mundo", acredita ser o próprio Cristo, "O outro Cristo morreu na cruz."., possuidor de poderes para julgar e condenar os membros de sua seita "Não tenho pecado nenhum, nenhum", e isto o levará a uma situação em que não há volta, a única saída possível é entregar-se à morte como forma de consagração, purificação, redenção dos seus pecados. Caminhar para a morte tendo consciência de que o desfecho poderia ser diferente, mas que já não é possível que o destino reverta os fatos, constitui a grande catástrofe do destino trágico. Para Staiger, (1969), a experiência trágica subjetiva, se manifesta quando o homem sabendo-se limitado busca o ilimitado por meio de ações que ultrapassam sua capacidade humana, sujeitando-o a toda espécie de consequências. Isso provoca um desequilíbrio que deve ser restaurado e esta restauração pode ser o seu aniquilamento ou um "happy end". Em Vereda, não há possibilidade de solução positiva. No momento em que se anuncia a chegada da polícia como representação da ordem que deve ser restabelecida, é o momento de escolher entre a dura realidade e a magia do sonho. E todos os membros da seita de Joaquim, até aqueles dotados de bom senso, recusam a voz da razão, a única possibilidade é a negação da realidade pela ilusão. Segundo Candido, em seu estudo dedicado a essa peça, publicado no volume de Marta, a Árvore e o Relógio (1986: 630-3) "a única vereda da salvação é a que este (Joaquim) aponta: fugir do mundo fechado e opressivo, negá-lo resolutamente pela crença que transfigura e dá realidade à ilusão".

 No gênero dramático, o trágico se configura por situações limites, pois não há drama sem tensão, não há tensão sem conflito, o homem que volta a si mesmo e que comete ações que o coloca em situações limites é um experimentador do trágico. Northrop Frye (1973) faz um estudo sobre a tipologia do trágico, no qual classifica a ficção trágica em cinco tipos diferentes: dionisíaca, romanesca, imitativa elevada, imitativa baixa e irônica. Na peça de Andrade, encontramos Joaquim, personagem de camada social inferior, o herói que quer ser mais do que é ou do que as suas condições lhe permitem, podemos até dizer que Joaquim é um alazón, um impostor, que nos leva ao reflexo sensitivo das lágrimas, que pode ser representado pela palavra patos. Para Frye (1973: 45) "a tradição fundamental do patos exigente é o estudo da mente isolada, a história de como alguém identificável com nós mesmos é dividido por um conflito entre o mundo interior e exterior, entre a realidade imaginativa e o tipo de realidade que é estabelecido por um consenso social". Assim é Joaquim, que no momento de sua queda, aceita-a pela incapacidade de agir, enfim, um herói vítima da estrutura social a que pertence. A figura do patos e do alazón, são para Frye (1973) características da tragédia imitativa baixa.

 Segundo Lesky (1976:31) "todo o trágico se baseia numa contradição irreconciliável", e essa contradição pode se dar entre os deuses, entre um deus e um homem, 
 entre os homens e ainda dentro de um só homem. No caso de Vereda, podemos encontrar duas contradições: a primeira entre Manoel e Joaquim. O primeiro, líder dos agregados perante os fazendeiros, vê aos poucos sua liderança minada pela autoridade que Joaquim adquire ao dizer-se encarnação de Cristo, autoridade espiritual. Manoel representa a ordem estabelecida pelos fazendeiros, é o chefe, mas não consegue modificar a situação dos meeiros. Havia tomado as terras de Joaquim, por ordem dos patrões e a rivalidade entre os dois se estabelece. Manoel perde sua liderança porque não tem capacidade de levar com sucesso aos fazendeiros, as reivindicações do seu grupo. Sem apoio, adere à liderança espiritual de seu antagonista e funde-se na irrealidade do grupo, passa a fazer parte do mundo dos oprimidos que no escapismo encontram a solução para a luta contra os opressores. Dentro das contradições irreconciliáveis que ocorre dentro de um só homem percebemos em Joaquim aquele que sentindo-se atingido profundamente em seu ser, deixa-se guiar pela sua ambição ou pela pressão de outros e acaba por transformar seu caráter num poço profundo, onde o erro, a culpa e a queda são inevitáveis. Meeiro que perde sua terra, não é muito apreciador do trabalho árduo, tem problemas no relacionamento com mulheres, é presa do complexo de Édipo, é um transgressor da ordem estabelecida, a de agregado que não aceita sua condição, não cumpre com o seu dever, mas dotado de hybris reverte a situação. Através do misticismo transforma sua fraqueza em força, sua insuficiência terrena em símbolo de sobrenaturalidade, se identifica a Cristo como fuga para suas frustrações e a partir daí supera os ressentimentos e passa a exercer o cargo de guia e purificador do grupo, incluindo até mesmo o seu antigo rival. Joaquim no ardor de sua "religiosidade" leva a si e o grupo a acontecimentos que tomam um rumo inesperado.

 Nas antigas tragédias gregas temos o coro desempenhando o papel daquele que possui o "sentido comum" da moderação, personagem coletiva que exprime as interrogações daqueles que assistem ao espetáculo. Em algumas tragédias gregas o coro aparece como verdadeiro ator, e, em outras, como espectador. Em Vereda, podemos reconhecer na personagem Dolor aquela que "representa ordinariamente a sociedade de onde o herói é gradualmente isolado" (Frye, 1973: 214-5). Da boca da mãe de Joaquim ouvimos palavras que representam a realidade vivida por aquela coletividade: "O pior demônio é essa ruindade que fizeram da vida da gente". (Andrade, 1996: 276) Dolor é o símbolo da mãe dolorosa que a princípio procura resolver os problemas do filho procurando-lhe uma mulher, tentando integrá-lo na ordem coletiva estabelecida. No momento em que é interpelada a proclamar a verdade de seus pecados, prefere conscientemente entregar-se à mistificação, pois prefere ver o filho caminhar para a morte a ter que lhe impingir uma realidade cruel. Dolor muitas vezes identifica-se como Maria, mãe de Jesus, que vê o filho indo para o Gólgota, mas pelo medo de destruí-lo com a verdade real dos fatos acaba mergulhando no mundo ilusório, aceitando a ficção: seu filho é o Cristo que irá redimir os pecadores e ela é Maria, concebida sem pecado. A mãe reconhece a insanidade do filho "Joaquim pensa que é Cristo, pois que morra assim! Essa alegria ninguém mais pode tirar dele! (Andrade, 1996:276). Nas palavras da mãe de Joaquim percebe-se a razão, o senso comum, a consciência do misticismo ali presente, e no momento de escolha entre razão e emoção, Dolor entrega-se ao amor materno que protege o filho da realidade e mergulha com ele no caminho que os levará à morte.

 Entre os critérios que definem o trágico, a queda é a que produz maior efeito catártico. A queda afeta o herói e o espectador. Todos sentem-se atingidos. Para Candido, "sob os esforços patéticos de Joaquim para voar aos céus, percebemos um mito da liberdade, um símbolo de energia em busca de expansão", enfim, estamos todos envolvidos no processo catártico.

 A morte, na tragédia grega, é o destino individual. O herói sofre as conseqüências de sua falha e paga pelo seu erro com sua morte ou com a morte daqueles que ama. Na peça

 de Jorge Andrade, o processo que leva os agregados ao seu destino de catástrofe se torna a sublimação de um longo sofrimento no mundo. Segundo Candido (1986:632), "fechados pelo latifúndio, esmagados pela miséria, privados dos elementos mínimos de realização pessoal, desamparados de qualquer instrumento que lhes permita afirmar-se no universo da propriedade e da espoliação - só resta aos agregados a saída para o transcendente". Vereda vai na contramão da tragédia grega, se nesta a morte é o símbolo do castigo dos deuses, naquela, é vista como entrada ao paraíso, privilégio de poucos. Mas, ainda no que diz respeito à morte, tanto em Vereda como nas tragédias gregas, ela simboliza a volta ao equilíbrio, no momento em que os meeiros, em transe coletivo se preparam para voar aos céus, se anuncia a intervenção da polícia, que vem restabelecer a ordem exterior; os proprietários chegam com os soldados e o massacre começa, enquanto o pano cai...

 Para Adelaide Cézar Caramuru (1999), o choque entre sujeitos que possuem valores diferentes é o que determina a existência de uma agon, e é na luta entre a liderança religiosa e a liderança social que se estabelece o conflito entre o antigo e o novo sistema em Vereda, e o desfecho marca a vitória da liderança social que é restabelecida na figura dos fazendeiros que chegam e põem fim ao conflito.

 Vereda da Salvação não é uma peça que possa ser comparada com as antigas tragédias, principalmente pelos seus elementos estruturais, mas nela podemos encontrar muitas pistas que nos levam ao caminho do trágico e principalmente àquilo que a dramaturgia moderna tem pregado a respeito da tragédia. O dramaturgo espanhol Alfonso Sastre, em sua obra intitulada "Tragédia", escrita em 1953, postulava que o enredo de uma obra que queira designar-se trágica, deve incluir "acontecimentos penosos que suscitam no sofredor, ou pelo menos no espectador, questões fundamentais a respeito do significado desses acontecimentos". O texto de Jorge Andrade não tem seu mérito simplesmente por simbolizar um grande problema social, "pois a arte não pode de forma alguma admitir sua transformação em conselheira da consciência moral, dando mais atenção ao sujeito representado que à 
 representação". (Benjamim, 1984:128), mas sobretudo pela capacidade artística de seu autor, que inscreveu a peça, segundo Candido (1986: 633) “em uma das mais altas produções da nossa literatura contemporânea.” 

 "Vereda da Salvação" é importante para a nossa dramaturgia, entre outras coisas, pela capacidade que o seu autor demonstrou de criar um grande símbolo para um grande problema social. Partindo do tipo de reação corrente em nossa sociedade rural, o messianismo, ele a interpretou em correlação estreita com o esmagamento econômico e a espoliação, dando-lhe vida por uma poderosa caracterização dramática. Sob os esforços patéticos de Joaquim para voar aos céus, percebemos um mito da liberdade, um símbolo de energia em busca de expansão, traduzido na forma acessível à mentalidade elementar daquela pobre gente. 

4.1 Aspectos a serem analisados (O enredo e sua importância como produto de uma cultura)

  A hipótese de que em Vereda podemos encontrar aspectos do trágico, parece de início, evidente, pois o seu conteúdo está envolto daquilo que na modernidade costumamos chamar de tragédia. Contudo, é preciso verificar cuidadosamente sua estrutura e seus componentes dramáticos. A palavra trágica, já na Grécia Antiga, carrega um universo semântico relacionado a um destino implacável, a uma morte certa do protagonista, morte esta que tem o caráter purificador. O herói trágico é levado a uma situação de desmedida, e o faz por um modo de ser (hybris) ou por se deixar levar por uma ação falha. Em Vereda, Joaquim, dotado de sua hybris, “Segura, mãe! O Espírito Santo deu ensino só prá mim". "Sou o chefe DELE no mundo", acredita ser o próprio Cristo, "O outro Cristo morreu na cruz.", possuidor de poderes para julgar e condenar os membros de sua seita "Não tenho pecado nenhum, nenhum", e isto o levará a uma situação em que não há volta, a única saída possível é entregar-se à morte como forma de consagração, purificação, redenção dos seus pecados. Caminhar para a morte tendo consciência de que o desfecho poderia ser diferente, mas que já não é possível que o destino reverta os fatos constitui a grande catástrofe do destino trágico. Para Staiger, (1969), a experiência trágica subjetiva, se manifesta quando o homem sabendo-se limitado, busca o ilimitado por meio de ações que ultrapassam sua capacidade humana, sujeitando-o a toda espécie de conseqüências. Isso provoca um desequilíbrio que deve ser restaurado e esta restauração pode ser o seu aniquilamento ou um "happy end". Em Vereda, não há possibilidade de solução positiva. No momento em que se anuncia a chegada da polícia como representação da ordem que deve ser restabelecida, é o momento de&nbsp;escolher entre a dura realidade e a magia do sonho. E todos os membros da seita de Joaquim, até aqueles dotados de bom senso, recusa à voz da razão, a única possibilidade é a negação da realidade pela ilusão. 


4.2 &nbsp;A visão de mundo e a postura crítica do leitor e do autor diante do conteúdo do livro 

 Vereda da Salvação não é uma peça que possa ser comparada com as antigas tragédias, principalmente pelos seus elementos estruturais, mas nela podemos encontrar muitas pistas que nos levam ao caminho do trágico e principalmente àquilo que a dramaturgia moderna tem pregado a respeito da tragédia. O dramaturgo espanhol Alfonso Sastre, em sua obra intitulada "Tragédia", escrita em 1953, postulava que o enredo de uma obra que queira designar-se trágica, deve incluir "acontecimentos penosos que suscitam no sofredor, ou pelo menos no espectador, questões fundamentais a respeito do significado desses acontecimentos". O texto de Jorge Andrade não tem seu mérito simplesmente por simbolizar um grande problema social, "pois a arte não pode de forma alguma admitir sua transformação em conselheira da consciência moral, dando mais atenção ao sujeito representado que à representação". (Benjamim, 1984:128), mas sobretudo pela capacidade artística de seu autor, que inscreveu a peça, segundo Candido (1986: 633) “em uma das mais altas produções da nossa literatura contemporânea.” 

 Ver ou expor uma situação ou um problema, no indivíduo ou no grupo, é apenas uma componente do processo literário; não a causa da sua eficácia. "Vereda da Salvação" nos atinge de maneira poderosa porque Jorge Andrade soube transpor em formas adequadas de expressão, que asseguram o seu rendimento dramático e produzem o sentimento da realidade. O drama se desenvolve e se torna cruciante graças à firmeza da psicologia, à técnica das cenas, às gradações e contrastes que dão sentido aos fatos expostos. É preciso ressaltar, a este propósito, o estilo vibrante e simples, nutrido pelo profundo senso metafórico da fala rústica, sem qualquer distorção de caipirismo literário. Graças a esta capacidade artística e àquela intuição dos valores simbólicos, a mensagem social se desprende sem esquematização, inscrevendo a peça entre as mais altas produções da nossa literatura contemporânea.



4.3 A intertextualidade com outras obras 
 O texto dramático Vereda da salvação (1957-63) de Jorge Amado e o filme Terra para Rose (1987) de Tetê Morais). A aproximação existente entre a construção estética das duas obras permite permite o estabelecimento de relações entre elas, visto que, embora façam parte de formas artísticas distintas, ambas são plasmadas dentro da convenção estética do documentário e problematizam um mesmo conteúdo-temático. Em Vereda da Salvação, a&nbsp;matéria figurada pertence a um surto messiânico-milenarista ocorrido no interior de Minas Gerais. Na semana Santa de 1955, dez famílias de agregados convertidos ao Adventismo da Promessa, que trabalhavam sob um acordo parceria na fazenda São João da Mata de José Aarão Queiros, envolvem-se num delírio místico coletivo e matam quatro crianças para libertá-las de uma suposta possessão demoníaca. Em Terra para Rose, a trama fílmica representa a ocupação da Fazenda Annoni, ocorrida em 1985, por trabalhadores rurais sem-terra do Rio Grande do Sul, sendo esteum dos dois mil conflitos pela posse de terras no Brasil da década de oitenta. O filme projeta em primeira plana a trajetória de Rose,trabalhadora rural sem-terra, que morre numa manifestação de agricultores em 31 de Março de 1987. As particularidades desses acontecimentos é o ponto de partida para Andrade e Moraes alcançarem as questões sociais, econômicas e políticas que envolvem a questão agrária brasileira. 


4.4 &nbsp;Elementos que tornam a obra atual
 É a quarta peça de autoria de Jorge Andrade montada pela companhia e tem como temas o messianismo, a crença e a fé. O seu ponto de partida é um fato real, ocorrido em abril de 1955: a repressão policial e a morte de fanáticos religiosos da comunidade de Catulé, em Minas Gerais. O episódio é dramatizado pelo autor em estilo épico e de fundo trágico. Os temas como fé, política, crença, economia, chamam a atenção do público. As injustiças sofridas por inocentes em todo o mundo, vítimas do desejo de poder e controle de alguns, servem como pano de fundo para vários acontecimentos da atualidade. A Igreja Católica ainda hospeda representantes que oprimem e controlam os fiéis visando, muitas vezes, os próprios interesses.

 Interessado num novo realismo, num estilo brasileiro de interpretação, o encenador elabora uma série de exercícios calcados sobre Stanislavski, enfatizando as contradições íntimas e as vivências pessoais dos intérpretes. Como ele mesmo explica "pela primeira vez no teatro brasileiro os atores se arrastam no chão. Foi um escândalo isso. Os atores cuspiam, se arrastavam. “Tudo o que é romântico não interessa; vamos fazer a realidade, como se nós estivéssemos vendo alguém trabalhando, fazendo alguma coisa.”

 Antunes Filho considera a encenação um divisor de águas, por propor uma nova linguagem teatral, mas observa que na passagem da sala de ensaios para o palco, a cenografia "doura a pílula" e prejudica o efeito pretendido. O resultado final, divide público e crítica, arrebanhando tanto elogios quanto reparos inflamados. O espetáculo fracassa e fica pouco tempo em cartaz. O crítico Sebastião Milaré, autor do livro Antunes Filho e A Dimensão Utópica, assim equaciona o projeto: "A sondagem temática através de exercícios físicos levava a um tipo de representação completamente novo e, conseqüentemente, a uma nova forma estética. De maneira que Vereda da Salvação levantou-se contra um pano de fundo de um teatro conformado com o Realismo, assumindo ares de 'coisa extravagante'. (...) E no bojo dos significados intrínsecos e extrínsecos da obra, é impossível desconhecer sua vinculação à história do teatro brasileiro pelo lado de uma linha 'maldita', que tímida e valentemente progrediu na contracorrente da nossa tradição dramática". 

 Vereda da Salvação é uma metáfora da sociedade atual. 

4.5 Passagens em destaque
 “Não se preocupe, Deus escolhe a hora certa para cada um”;

 “Eu acho bom, é que cada um cumpra com as suas obrigações”; 

 “Pai também responde pela divida do filho”; 

 “Deus alumia todo mundo num tempo só”; 

 “O senhor não é mais o chefe aqui, é Deus quem manda agora”; 

 “A gente tudo vai subir pro céu, encontrar o Paraíso, menos os pecadores”. 


Imagens de Vereda da Salvação:



















Por: Álisson Ricardo
Anderson Louzeiro
Antonio Evandro
Cleonilson Martins
José Ricardo
Silvino Pereira
Vitor Hugo
Viviane Monteiro
Yasmin Silva