sem mim: O caleidoscópio do Grupo Corpo
Autor: Guilherme | Publicado: 2011-08-26T03:52:00-03:00


Na Panela: Grupo Corpo - sem mim [Coreografia: Rodrigo Pederneiras; Iluminação e Cenário: Paulo Pederneiras; Figurinos: Freuza Zechmeister]Onde: Teatro Municipal do Rio de Janeiro
Segundo o dicionário, caleidoscópio é um aparelho óptico formado por um tubo de cartão ou de metal, com pequenos fragmentos de vidro colorido que se refletem em pequenos espelhos inclinados, apresentando, a cada movimento, combinações variadas e agradáveis. Eu só tinha colocado o olho num desses uma única vez na vida, até perceber que o espetáculo sem mim, do Grupo Corpo, pode, de algum modo, se enquadrar na mesma categoria.
Eu achava que Onqotô (2005), espetáculo que celebrou os 35 anos da companhia, era uma espécie de currículo do Rodrigo Pederneiras, um resumo da sua obra. Na série de coreografias dos anos 90, parecem ser lentos os avanços no vocabulário dos movimentos e a concepção geral dos espetáculos se repete (mesmo com o acabamento de altíssimo nível que deu fama ao Grupo, com cenários e luz de Paulo Pederneiras e figurinos da Freuza&nbsp;Zechmeister), com exceção de Bach (1996, com releituras de obras do compositor alemão feitas pelo Uakti na trilha sonora, cujo tom sublime e religioso contamina a coreografia), espetáculo &nbsp;bastante conciso que parece romper com a lógica dos antecedentes e&nbsp;que possui alguns dos melhores pas-de-deux criados pelo coreógrafo.&nbsp;21 (1991) é um marco e uma espécie de carta de intenções do Grupo Corpo, com trilha do Uakti (Tema em Sete&nbsp;é inesquecível); Nazareth (1993), com trilha do Zé Miguel Wisnik sobre obra de Ernesto Nazareth, envelheceu mal; e Sete ou Oito Peças para um Ballet (1994), à reboque da trilha sonora sensacional do Philip Glass interpretada pelo Uakti, é uma espécie de 21 Reloaded, porém melhor e com um dos desfechos mais arrebatadores do repertório. Depois de Bach, a estrutura básica de 21 é retomada em Parabelo (1997), com trilha de Tom Zé e Zé Miguel Wisnik, que explode no final em Xique-Xique, música arrasadora que torna a ovação algo inevitável, embora a coreografia tenha poucos grandes momentos (como em Baião Velho, onde se destaca um solo masculino ótimo). Se a estrutura herdada de 21 pareceu dar sinais de cansaço, nota-se, contudo, que os movimentos tornaram-se mais complexos e mais expansivos. Benguelê (1998), que possui talvez a melhor trilha sonora daquela década, composta por João Bosco, abre um leque mais variado de dinâmicas e aparecem regiões antes não exploradas por Pederneiras, como é o caso das brincadeiras com a gravidade tanto nos troncos torcidos dos bailarinos em direção ao chão quanto nos braços soltos e ondulantes. Além disso, o espetáculo tem climas variados, ao contrário do tom uniforme de Parabelo. O saldo, no final das contas, é evidentemente positivo: que outra companhia de dança brasileira pôs no bolso no mínimo 3 grandes obras durante a década?

O Corpo (2000) é um divisor de águas, não apenas porque inicia uma nova etapa e tenta se desvincular do tom regionalista e “brasileiro” dos espetáculos anteriores, mas porque é o um dos mais redundantes do Grupo. A trilha de Arnaldo Antunes é boa, urbana, diferente das outras, mas pesa. E Rodrigo construiu o balé com um naipe restrito de movimentos, alguns isoladamente interessantes, mas que soam repetitivos ao longo dos seus pouco mais de 40 min. Nem a concepção visual geral surpreende aqui. 
Eis que então começa uma espécie de revolução. De 2002 pra cá, ano de Santagustin, com trilha de Tom Zé e Gilberto Assis, a linguagem coreográfica e o estilo de Rodrigo Pederneiras atingiram uma dimensão, digamos, autofágica assustadora. Em Lecuona (2004), ele provou (o que já sabíamos desde Bach) ser mestre da composição de pas-de-deux. E em Onqotô (2005), com trilha de Wisnik novamente e Caetano Veloso, fez um resumo da sua obra e deu um passo adiante. Foi nesse ponto que começamos.
Eu disse que achava que Onqotô era uma espécie de resumo da obra de Pederneiras, porque é uma obra madura, que reúne as características do estilo que ele carrega desde 21 (movimentos centrados nos quadris, a maneira como ele agrupa os bailarinos etc.) por meio de uma espécie de reciclagem das outras coreografias, mas algo que não sei explicar mudou. Não é mais repetição. É aquilo que já vimos sendo recombinado, reprocessado, aparecendo, enfim, como algo novo. Não é picaretagem não, é um modo de fazer dança. Tanto que no meio desses procedimentos está Mortal loucura&nbsp;(dois casais em dinâmicas sexuais no chão, algo nunca visto antes em seus trabalhos), um dos ápices da criatividade do Rodrigo.
Eu disse que achava, mas não é só Onqotô, hoje, que pode ocupar essa posição. Porque depois dele veio Breu (2007), com uma trilha acachapante e “escura” do Lenine, mote para o espetáculo mais denso da companhia, radicalizando os procedimentos do espetáculo anterior. Se este &nbsp;resumia tudo e ainda explorava o chão, então Breu resumia tudo, explorava o chão de maneira mais expressiva, torcia e contorcia a lógica dos pas-de-deux criados anteriormente e, ainda por cima, dava um passo adiante mostrando que o Grupo Corpo não vivia somente da reprodução do passado. Uma obra obra-prima. 
Em Ímã (2009), com trilha completamente instrumental de Domenico, Moreno Veloso e Kassin (deliciosa, por sinal), Rodrigo Pederneiras resumiu tudo, explorou construções de pas-de-deux no chão e dinâmicas aéreas curiosas, propôs vários solos e, como se não bastasse, tudo isto debaixo de uma luz impressionante, tátil, volumétrica, onde seus bailarinos se moviam como partículas livres sem compromisso algum com narrativas, num jogo de cores de tirar o fôlego.
Todo esse blablabla é pra dizer que eu estava pessimista em relação à sem mim. Reparei que a trilha demorou pra ficar pronta e matérias lacônicas foram publicadas nos jornais em julho, onde Paulo Pederneiras parecia ainda não ter finalizado o processo de criação do cenário. Quando o espetáculo finalmente estreou em São Paulo, Helena Katz, uma das poucas críticas de dança que prestam, teceu mil elogios à sua concepção visual geral e, em relação à coreografia, disse que o Rodrigo tinha sido bem sucedido ao propor movimentos ondulados a partir dos pés dos bailarinos e que ele havia aproveitado trechos inteiros de outros balés, num procedimento de criação que merecia atenção. Ora, deduzi logo: Rodrigo não teve tempo para criar e fez uma colagem. 
Que tolo eu sou. 
Sob o som de uma trilha mestiça, delicada, ora empolgante, ora introspectiva (de Carlos Nuñez e Wisnik a partir de cantigas de Martin Codax, do século XIII), o que se revela desde o instante em que o tecido que compõe o cenário é erguido para dar passagem aos bailarinos (momento tão belo e tão simples)&nbsp;é um dos melhores espetáculos do Grupo Corpo. sem mim equilibra perfeitamente a pura felicidade dos requebrados com o corpo tenso da bailarina solitária. E são 20 anos que se fazem presentes no palco. Há referências coreográficas claras, por exemplo, de Benguelê (os saltinhos de “marionete”), 21, Parabelo, O Corpo. A fluidez que acompanha os solos de Mariana do Rosário, por exemplo, já estavam em Onqotô e reapareceu em Ímã. Um trecho inteiro de Bach foi utilizado, sugerido pela própria trilha (que se apropria do Prelúdio da Suite I para cello, em ritmo contagiante) e até mesmo Seis Instantes de Solidão, solo de Jacqueline Gimenes coreografado pelo Rodrigo, nitidamente se faz presente no solo de Cassilene Abranches e na dinâmica que antecede o belíssimo pas-de-deux dançado debaixo do tecido do cenário. Mas o que surpreende mesmo é que todas as dinâmicas de grupo da coreografia são complexas (e também complexificadas pelas informações que os figurinos acrescentam), quando percebemos os padrões, eles já mudaram, num jogo incessante. Se em Ímã alguns bailarinos tinham mais espaço que outros, em sem mim todos brilham. É como se tudo o que foi criado até então por essa equipe excepcional tivesse sido fragmentado e inserido no aparelho ótico do palco, apresentando, a cada movimento, combinações variadas e agradáveis.&nbsp;
Genial.