O QUE É ARTE?
Autor: Júlio Valério | Publicado: 2012-10-20T12:02:00-07:00





O artista norte-americano Jeff Koons ao lado de uma de suas obras.



Por Júlio Valério Neto



A discussão sobre o que é Arte
não é nova. O que define uma obra de arte? O que faz alguns merecedores do
título de artista? Talento é o que responderá a grande
maioria. Observando o panorama dos últimos anos e, sem querer parecer conservador
esteticamente, assalta-me a dúvida se tudo aquilo que se chama de Arte ( com A
maiúsculo) e&nbsp; as obras que ocupam os
museus contemporâneos mereceriam o título.



Desde que saiu das cavernas e
dominou a linguagem, o ser humano se transformou em artista. Característica intrinsecamente
humana, linguagem e arte surgiram praticamente juntas em algum lugar
há cerca de 40 mil anos. Muitas foram as civilizações e as culturas que se alteraram
na história, mas em todas se pôde perceber a presença do artesão, do artista e de
obras de arte. Em várias civilizações foram sua maior evidência e seu maior
legado, como no caso dos egípcios, gregos e romanos. Passaram-se os séculos, os
impérios desapareceram, se converteram em cinzas, mas as obras de arte do
passado estão lá, como testemunha de outros tempos. 



No século XX, muita coisa mudou
na política e na sociedade. Guerras devastadoras, revoluções comunistas, crises
mundiais, o surgimento da televisão, as viagens ao espaço, revolução sexual da
década de 60, etc... Quem nasceu em 1910 e morreu no inicio do século 21,
talvez tenha visto a maior transformação tecnológica e de comportamento da
humanidade em toda sua história. Durante grande parte desse período, as artes
retrataram e desafiaram o estado das coisas, o Status quo reinante. Mais do que
representar seu tempo, como faziam os artistas e artesãos das cortes européias,
o artista em grande parte do século XX, queria transformar a realidade. Como
disse Bertold Brecht, não bastava ser espelho da realidade, era preciso
transformar essa realidade em algo melhor. &nbsp;Tal ideia - do artista contestador e insubordinado - e &nbsp;foi dominante até meados dos anos
70, quando a lógica mercantil abraçou o mundo das artes sem maiores escrúpulos. Embora marchands e
galerias tenham existido em todas as épocas, é a partir desse período que a
obra de arte irá se transformar em “commodity”, em uma forma de investimento lucrativo.
São exemplos disso, os recordes de valores que os quadros de Van Gogh atingiram
na década de 80, quando bancos japoneses passaram a adquirir os trabalhos do
artista holandês ou grandes empresas passaram a formar coleções e investir
em centros culturais ao redor do mundo.



O artista passa então a buscar a
autopromoção, a visibilidade a qualquer custo. A sociedade do espetáculo exigia
artistas-celebridade. Pouco importava o que criavam, a imagem do artista e a
áurea que o cercava eram o importava. Poderiam ser bons, mas não bastava, era
preciso estar sob os holofotes. Se antes Picasso se recolhia em seu pequeno e
frio ateliê em Paris e Jackson Pollock fugia para o deserto para fazer suas
obras, agora os artistas buscavam cada vez mais aparecer, talvez o maior
exemplo disso tenha sido Andy Warhol que era tão conhecido quanto uma estrela
de rock, e, dizem, ria quando as pessoas pagavam na época 50 mil dólares por uma
serigrafia sua que era feita em 15 minutos. Mas muitos outros vieram após
Wahrol, que era talentoso e possuía obras instigantes. Mas com Andy Warhol foi
possível ver que já não bastava criar, era preciso estar na mídia, nos eventos,
circular com as estrelas do cinema, tornar-se, em alguns casos, maior que a própria obra, ou virar,
em caso extremo, uma marca (no sentido comercial, como Coca Cola, Nike, Adidas). Junto com a fama, em geral, vinham a valorização dos
trabalhos, as encomendas, e ao mesmo tempo a inversão do papel do artista como
transgressor e questionador. Dois exemplos de artistas que se transformam
marcas valorizadas, em detrimento do que produzem, são o artista americano Jeff
Koons, com seus objetos kitsch e exagerados e o artista inglês Damien Hirst com
seus trabalhos sensasionalistas e de gosto duvidoso. 



Artista inglês Damien Hirst ao lado de uma obra criada por ele&nbsp;que

&nbsp;traz um tubarão conservado em formol.&nbsp;Apesar de super valorizado&nbsp;no

&nbsp;mercado de arte, sua produção inclui obras sensacionalistas e de gosto duvidoso.&nbsp;



Essa característica de nossa
época, os artistas-celebridade, super expostos, não foi um fenômeno que sempre
existiu. Durante grande parte da história, artistas não tiveram status algum,
eram considerados apenas artesãos. No renascimento italiano, a coisa começa a
mudar e o artista passa a ser criador e assinar suas obras. É possível fazermos
uma relação entre o Estado-Nação, que surge nesse período na Europa, e o
“surgimento” dos artistas nacionais, que em geral acompanharão a corte de reis
e rainhas e servirão para fixar a identidade nacional. Inversamente a isso, em
grande parte do século 20, o movimento foi para se destronar o autor, tirá-lo
da posição de superioridade que ocupava, derrubá-lo da torre de marfim. Período
de grandes guerras e revoluções, a verdadeira arte desse período se tornava um
grito de desespero, revolta, incompreensão, conforme o caso. Dentro desse modelo, enquadram-se o quadro Guernica, de Picasso ( o horror e a tragédia da guerra) e
o expressionismo abstrato de Jackson Pollock ( a incompreensão do pós-guerra e a
presença do perigo nuclear) 



Muitos críticos apontam para a
Arte de Rua (Street Art, em inglês), como uma forma de arte mais verdadeira,
mais engajada, que representaria melhor nosso tempo, com mais liberdade e
independência, baseado na transgressão, na gratuidade e no anonimato. Talvez...
Talvez... tive a oportunidade de participar da produção de um pequeno vídeo-documentário
sobre graffiti em 2011 e antes também trazia a&nbsp;ideia&nbsp;de que, com certeza, se tratava de um movimento transgressor e independente, mas qual não foi a minha surpresa ao ver que o mesmo culto à
personalidade, a mesma vontade de entrar em galerias estava presente também na
arte de rua. A vida não é fácil para ninguém, você me dirá! Eu concordo, mas
que não nos assentemos, então, sobre discursos que não se sustentam. 



Para a escritora Susan Sontag, avaliar
o que é Arte passa por critérios e padrões que envolvem a cultura ( no sentido
amplo), pela noção de racionalidade( tão em desuso) e pelo sentido de
comunidade ( no sentido amplo).&nbsp; O uso
desses três elementos excluiria uma parcela enorme de “artistas” conceituados e
valorizados. Se por um período ( do pós-guerra até os anos 70), ser classificado como artista era algo de certa forma indesejado, pois se queria romper a ordem social e buscava-se
o despojamento, hoje ser considerado “artista” é antes de tudo garantir acesso
a galerias e a retorno financeiro. Você me dirá que são sinais dos tempos!
Talvez, infelizmente. 



Há um fato curioso e uma daquelas
coincidências em que a realidade supera a nossa capacidade de imaginar. O dia
17 de setembro de 2008 é considerado o marco inicial e definidor da crise
financeira global que atinge o planeta desde então. Nessa data, o banco
americano Lehman Brothers teve sua falência decretada em Nova York, para o
desespero da econômica mundial. Enquanto isso, do outro lado do Atlântico, o
artista Damien Hirst realizava em Londres o maior leilão que se tem notícia,
depois de vender cerca de 220 obras, Damien Hirst faturou naquele dia cerca de
200 milhões de dólares (o recorde anterior era de Picasso, com 20 milhões de
dólares). A economia mundial afundava e os investidores transformavam as obras
de arte em uma mercadoria para se investir. Não poderíamos esperar outra coisa,
dirão os céticos, tudo é mercadoria! Mas é aí que se enganam! 



Uma das funções básicas do
artista é responder ao caos, à hipocrisia de sua época, mais ou menos como o
menino que grita que o rei está nu na fabula infantil. O exemplo emblemático do
leilão de Hirst evidencia que se antes o artista buscava a “desvalorização” (inclusive
financeira) da obra e a iconoclastia como um valor, atualmente, a lógica
mercantil coloca preço em tudo e se torna o fim, o alvo de uma parcela enorme
de artista, custe o que custar, ainda que a um custo ético, como no caso das obras de Hirst. E como conseqüência o valor monetário da obra acaba definindo o que
é Arte ou não. Não importa o valor estético, o conceito, a técnica, etc... Valem
as cifras ainda que sejam obras em que se evidenciam o embuste, a alienação e o
mau gosto.