Crítica de cinema — Sem condescendência de província
Autor: Carlos Alberto Bisogno | Publicado: 2015-04-26T17:12:00-07:00


&nbsp;Por Aluysio, em 26-04-2015 - 10h53







7Solidões — Se iniciativas como o Cineclube Goitacá, toda
quarta no Oráculo, e o Cine Jornalismo, um sábado por mês na Associação da
Imprensa Campista (AIC), têm funcionado como espaços de resistência, no sentido
de estimular o debate sobre arte e cultura no município — ainda que, no segundo
caso, se tenham passado outras seis edições anuais antes de finalmente surgir
alguém com conhecimento de jornalismo e cinema o suficiente para finalmente
exibir (ontem) o necessário “A montanha dos sete abutres” (1951), do mestre
austríaco Billy Wilder —, o que dizer do fazer cinema em Campos?



Presidente da AIC, Vitor Menezes contou com apoio do
Sindipetro do qual é assessor para dirigir o também necessário longa de
documentário: “Forró em Cambaíba” (2013). Nele, o jornalista prevaleceu sobre o
cineasta no equilíbrio entre a denúncia de utilização dos fornos da antiga
usina para queima de corpos de presos políticos mortos, durante a Ditadura
Militar (1964/85), e a autofagia homicida das ações do MST em seu acampamento
na mesma usina, em pleno regime democrático. Mas se a realidade não permite
mais ilusões em nenhum lado da nossa sociedade, como fica nela o cinema de
ficção?



Numa cidade onde até a inauguração das novas salas
Kinoplex, no Shopping 28, as salas do Cine Araújo, no Shopping Boulevard, só
exibiam filmes estrangeiros em versão dublada, na pressuposição de que
espectador de cinema em Campos é analfabeto, há a possibilidade de aqui se
fazer cinema não só falado em português pelos lábios da tela, como ainda por
cima com pretensão de arte? Na tradução por escrito, sem dublagem, do alemão do
filósofo Friedrich Nietzsche à língua do escritor campista José Cândido de
Carvalho, a resposta é dada logo na abertura de “7Solidões”, novo filme de
Carlos Alberto Bisogno: “E aqueles que foram vistos dançando foram julgados
insanos por aqueles que não podiam ouvir a música”.



Exibido ao público pela primeira vez em alto-mar, na
plataforma Pampo PPM-1, no dia 18, já que seu diretor, produtor, roteirista,
montador, fotógrafo e mixador é mais um que divide a função de cineasta com as
atividades profissionais ligadas à extração de petróleo na Bacia de Campos,
“7Solidões” terá sua estreia no continente em outro espaço de resistência na
arte e na cultura do município, não só no cinema, como em teatro e música: o
Serviço Social da Indústria (Sesi). Capitaneado pelo incansável Fernando Rossi,
na próxima quarta, dia 29, a partir das 20h, o Teatro do Sesi exibirá o filme
considerado por Bisogno seu primeiro longa, não pela duração inferior a 50 minutos,
mas por sua estrutura, que realmente o distingue de “Efígie” (2009), “Vertigem”
(2010), “A serpente e o corvo” (2011) e do promissor “Neve negra” (2011),
curtas de ficção anteriores do diretor.



Em seu mais recente trabalho, sempre marcado pela câmera contemplativa,
muitas vezes lenta, tão distante de Hollywood quanto um dos seus grandes
diretores contemporâneos, Terrence Malick, e dotado de um senso de fotografia
brilhante, bebendo em fartos goles no gargalo do mestre brasileiro Walter
Carvalho, toda a dança mostrada na tela tem como eixo um protagonista em três
tempos. Na infância, interpretado por Gael Nunes (filho de Bisogno com sua
assistente de fotografia e esposa, a jornalista Lívia Nunes); na juventude, por
Rudá Sanchéz; e na velhice por Orávio de Campos Soares. Este, diretor
consagrado há décadas no teatro campista se revela uma grata surpresa, em sua
maturidade, como ator de cinema. Na narração em off do começo do filme, a voz
de Orávio pergunta mais de uma vez: “Qual é a cor da nossa memória?”.



Nas cores esmaecidas da fotografia refinada, na busca de
uma luz europeia sob sol tropical, a cor da pele dos três atores é do mesmo
barro carreado pelo Paraíba do Sul que deságua e tinge o oceano Atlântico neste
pedaço de litoral. Ao lado sul do rio, entre as ruínas de Atafona, o personagem
anônimo de Rudá passeia com a amada, vivida por Maria Clara Oliveira. Em
contrapartida, navegando contra o tempo da narrativa, à margem norte do
Paraíba, o pequeno Gael tem o parque eólico de Gargaú como fundo da infância do
protagonista junto aos pais, interpretados por Paolla Souza e Tonin Ferreira,
em seu segundo bom trabalho no cinema sob mesma direção, mais uma vez contido
no histrionismo, após estrelar “Neve negra”.



Mas se Orávio e Tonin aparecem bem, ambos estão em pontas
extremas e opostas ao tempo que preenche no centro a maior parte do filme. E
nem é preciso entender muito de cinema para perceber que não rolou química de
casal entre Rudá e Maria Clara. Ainda na bela externa à beira mar de Atafona,
na qual aparecem juntos pela primeira vez, os dois não conseguem sincronizar
direito nem os rodopios de dança que tentam dar um no outro enquanto caminham
pela areia.



Na mesma sequência, entre o mar e as ruínas das casas por
ele destruídas, quando a câmera dá a sorte de enquadrar o casal junto ao acaso
de um vira latas passando lento em sentido contrário, Maria Clara primeiro
segura o vestido que corria o risco de levantar com o vento, para depois virar
o rosto quando Rudá tenta beijá-la. Com pudores absolutamente descabidos numa
atriz, em direção oposta à do cão e das cordas que sobem a Sinfonia nº 3 de
Henryk Górecky, na música de fundo, ela mata o que poderia ser uma grande cena
da sua personagem — e do filme.

&nbsp;Curiosamente, onde o casal vai demonstrar melhor entrosamento
é nas cenas de sexo, com movimentos vigorosos dos corpos sob uma ducha fraca,
dentro do banheiro do apartamento, enquanto vagueiam pelo corredor e sala três
amigos: Bruno Alves, Carolina Muylaert e o violeiro Roberto Sávio. É então que
se dá o melhor momento desse núcleo jovem, quando Bruno lê no livro “Ilusões
perdidas”, de Honoré de Balzac, o solilóquio do “ser ou não ser”, de
Shakespeare em “Hamlet”. Sentindo o que seu personagem lê, independente de
onde, ele acentua o tom da voz à porta do banheiro fechada por dentro, enquanto
ecoa seu lamento shakespeariano aos ofegantes e mudos Maria Clara e Rudá: “A
agonia do amor não retribuído”.



Ao som de “Where did you sleep last night”, do Nirvana, é
nessa agonia que se revela a traição passada, no quarto materno do agreste de
São Francisco, numa perseguição de sina até o presente, nos corredores da
UFF-Campos. Entre os dois tempos e margens do mesmo rio, o lamento de Hamlet
encontra refrão na voz pungente e rascante de Kurt Cobain: “Minha garota, minha
garota, não minta para mim/ Me diga onde você dormiu a noite passada”.



“A vida é um encontro de solidões”, diz Orávio, na última
fala do filme. E muitas vezes os encontros, sobretudo se reencontros, só são
possíveis com o perdão ao outro, ao passado, a nós mesmos. Se não livra ninguém
da morte ao final, até lá esse perdoar pode ofertar redenção a toda uma vida.
Nesse acerto de contas entre a mãe encarnada madura por Adriana Medeiros e o
filho Rudá, alcançado pela dúvida do pai morto, se dá não só a ruptura com essa
sina, como são paridas as cenas mais plásticas do filme, em pleno Cemitério do
Caju, numa concepção gráfica impensada a um cinema que vive e respira em
Campos.



Todavia, visivelmente preocupada com a articulação das
palavras, Adriana não consegue conferir às sílabas, no cinema, a mesma
naturalidade de uma das atrizes mais respeitadas no teatro de Campos. E essa
dificuldade pode ser tanto da (ainda) pouca intimidade de atores de palco com a
marcação completamente diferente da câmera, quanto da imposição talvez
demasiada do roteirista, que igualmente (ainda) não brilha na construção de
diálogos ou na direção de atores, como faz em fotografia e cenografia.





Adriana não teria culpa, por exemplo, se um roteiro
preocupado demais com o pedantismo gramatical entre próclise e ênclise lhe
impusesse: “Lembro-me que sua avó me dizia”. Para um filme de 2015, na boca de
uma personagem do povo em tempo presente, o paralelepípedo soaria neolítico,
sobretudo se lembrado que há 91 anos, desde 1924, o nosso modernista Oswald de
Andrade já advertia em seu famoso poema “Pronominais”: “Dê-me um cigarro/ Diz a
gramática/ Do professor e do aluno/ E do mulato sabido/ Mas o bom negro e o bom
branco/ Da Nação Brasileira/ Dizem todos os dias/ Deixa disso camarada/ Me dá
um cigarro”.



Entretanto, como se trata do mesmo diálogo onde Adriana
também diz “Nunca irá faltar trabalho para ele”, no exato momento em que a
câmera corta para o enquadramento de um lavrador conduzindo um arado puxado por
boi, em meio ao canavial, tudo entalhado no mármore branco de uma lápide,
encontrar com a solidão desse cinema deveria ser necessidade coletiva desta
taba goitacá.



Pelo todo da obra, Mateusinho pensou em dar três
estrelas, mesmas que daria em separado ao roteiro, mas que seriam cinco caso a
análise fosse só à fotografia, ou duas, se o julgamento se ativesse ao conjunto
das interpretações. Porém, sem nenhum dinheiro e apoio, num cinema feito de
superação, sobretudo por parte do seu realizador, que talvez acumule a solidão
de tantas funções por não ter a quem delegá-las, sem negar brilho estético à
sua artesania, a avaliação final rejeita qualquer condescendência de província.



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