Ilha Nua (1960) - Crítica
Autor: CONDE | Publicado: 2016-09-09T22:52:00-03:00


&nbsp;“A Música é uma
revelação bem mais profunda que toda sabedoria e toda filosofia. ”



Beethoven&nbsp;



Em 1931 com o
mundo vivendo a febre de um cinema falado ainda insipiente, poucos foram o que
perceberam, que o som, ainda não sabiamente utilizado, fizera o cinema
regredir. Afinal o cinema conseguira atingir o ápice dos recursos de linguagem
silenciosa e a chegada de uma nova tecnologia, imprimia aos filmes o uso
contínuo de um recurso ainda não incorporado dentro da tecnologia existente.
Chaplin percebera isso. Ele nunca fora contra o cinema falado ou sonoro. Só que
dois motivos o impediam a aderir a nova tecnologia. O primeiro era o fato de
que percebera que a sonorização impusera a arte um retrocesso momentâneo. O
novo recurso era mal utilizado e limitava muito o resultado nas telas. O
segundo era mais pessoal. Carlitos o seu personagem que ele aperfeiçoara
durante mais de uma década não casava com a novidade. Ele fazia uso da
pantomima para se expressar e ganhar as telas. Só que o diretor inglês
percebera que o som permitiria o aperfeiçoamento da própria arte de Carlitos e
fazendo uso de alguns recursos sonoros (ruídos, trilha sonora) lança um filme
imperecível: Luzes da Cidade.





Quase trinta
anos mais tarde Shindô produz o filme que talvez seja a sua obra-prima: Ilha
Nua. Um filme poema onde não se emite nenhuma palavra. Onde a simplicidade rima
com a beleza e a pureza. Ele nos conta a história de um casal de camponeses e
seus dois filhos que levam uma vida fatigante, ao habitarem uma ilha deserta e
sem água doce, e de lá extraírem sua sobrevivência através da agricultura, as
custas de buscaram água numa ilha próxima, em exaustivos vai e vens. 



A força do filme
nasce da forma como Shindô conta sua história a começar pelas magnificas
imagens (o plano de abertura é de uma felicidade e poder hipnótico genial: uma
câmera faz um sobrevoo de helicóptero em torno do pedaço de terra cercado de águas)
que se casam com uma música belíssima. A música fecunda a imagem, como a água
fecunda a terra. Serão esses dois elementos (e alguns ruídos) que irão de forma
harmoniosa dispensar o recurso de qualquer fala, nos enfeitiçando do começo ao
fim da narrativa.



Como em Onibaba,
Shindô também faz uso de cenas repetitivas da vida cotidiana. Os carregadores
de água se transformam em gladiadores modernos em batalha contra uma terra
árida e ingrata. As contínuas escaladas na ilha, tornam-se constantes provas épicas.
Se a mulher tomba em determinado momento, isso se deve ao fato dela não se
poupar fisicamente em nenhum instante, sendo mais esforçada que ele, mas ela
acaba se reerguendo devido a obstinação desse último e se resigna com o
destino. O filme é um hino a coragem, a abnegação e a vida. O filme mostra
pessoas trabalhando de corpo e alma e ganha um caráter universal, e sobretudo
trágico, por que ao seu final eles se dão conta que seus esforços não serão
devidamente recompensados e que terão de continuar essa faina apesar de tudo,
até o encontro com a morte, com o esgotamento final.



A audácia do
filme vem de sua simplicidade elaborada e complexa. As experimentações de seu
diretor. Ele retira dos gestos cotidianos as emoções ordinárias e reais:
Alegria, fadiga, preguiça, raiva diante da morte. O roteiro é rudimentar
(repetição de gestos, registros quase documentais do trabalho diário) e ao
mesmo tempo genial e mitológico (Mito de Sísifo). Todo som que nos chega é
natural e rudimentar (Ondas, barulho de ramos, de água derramada penetrando a
terra, sons de passos, de vento balouçando as ervas, etc) mas compõem um quadro
de uma grande riqueza emocional. O diretor usa o recurso do plano fixo e de
travellings seguindo o deslocamento dos personagens e de câmeras balançando ao
ritmo dos barcos. Ainda que tudo seja muito elaborado e feito com reflexão, mesmo
com a câmera distante, ele consegue captar as emoções dos personagens de forma
pungente, presa a detalhes como tais quais os pés filmados em close-up, o
derramar da água sobre as plantas e a transitoriedade dos personagens e seus
sentimentos.



As vistas amplas
sobre a ilha e os numerosos planos panorâmicos retomam sempre o tema do duro
labor dos personagens na sua luta vã contra uma natureza que no final sempre
dará a última palavra. Shindô tem a felicidade de captar o simples para
alcançar o universal cativando o espectador, em cenas como o vai e vem das
ondas sobre a praia, enquanto um ouriço boia, um travelling seguindo uma
criança através da praia, planos mostrando o esforço para conduzir a água até
as alturas. A música retoma quase sempre o mesmo tema, reforçando a repetição,
mas as emoções são distintas em função do instrumento que o toca (flautas,
violoncelos, violino, voz humana, etc). A música serve ao filme, o ritmando com
planos musicais vestidos de máscaras tradicionais, jungindo a obra da natureza
com o rufar dos tambores. De certa forma o diretor se apropria do burlesco do
Cinema mudo (sobretudo na cena dos funerais, onde caímos num sentimentalismo
chapliniano). Todo diálogo é inútil: os rostos dos personagens são mais que
suficientes para passar as alegrias, as decepções, sem que o filme desague numa
dramatização. O tapa, o grito de exaustão de uma mulher face a uma natureza
impiedosa, torna-se muito mais presente em nosso ser, apesar de isolados pela
trilha sonora.



Um filme que
parece romper as normas estabelecidas, mas que em realidade mergulha nas forças
primevas do cinema: Um cinema onde a música, o som e as expressões suplantam
qualquer diálogo. Um filme impar dentro da filmografia nipônica e mundial.&nbsp;





Escrito por Conde Fouá Anderaos