HISTORIA DO ROCK
Autor: [DJ] FĿαvinhøØ | Publicado: 2012-03-04T18:04:00-08:00

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&nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; ROCK’N’ROLL – COMO TUDO COMEÇOU   
Como não poderia deixar de ser, a    história do rock começa com um grito: o grito do negro, que veio para a    América como escravo e influenciou a sociedade norte-americana com a sua    musicalidade. Em fins de 1950, nos Estados Unidos, a chamada “geração    silenciosa”, marcada pelo fim da Segunda Guerra Mundial, viu-se frente a    um ritmo até então desconhecido, derivado da sonoridade de um povo    marginalizado. 
O primeiro grito negro cortou os céus    americanos como uma espécie de sonar, talvez a única maneira de fazer o    reconhecimento do ambiente novo e hostil que o cercava. À medida que o    escravo afundava na cultura local - representada, no plano musical, pela    tradição européia – o grito ia se alterando, assumia novas formas.(MUGGIATI,    1973, p. 8)
Antes de definir o rock, é preciso    considerar o nascimento do blues - resultado da fusão entre a música    negra e a européia. Este ritmo se encontra nas raízes musicais dos    primeiros artistas de rock e sua denominação decorre da palavra “blue”,    que em língua inglesa também significa “triste”, “melancólico”. Assim,    essa nova música “doce-amarga” se transformou na principal base para a    revolução sonora da década de 50. 
No entanto, é preciso enfatizar que,    além do grito negro e das notas melancólicas do blues, a dança e,    principalmente o som das guitarras elétricas, foram fatores essenciais    para a caracterização do rock. Neste ponto é que se encontra uma    variação do blues: o rhythm and blues.
O ‘rhythm and blues’ é a vertente    negra do Rock. É ali que vamos buscar, quase que exclusivamente (e só    digo quase por espírito científico), as origens corpóreas do Rock.    Reprimidos pela sociedade ‘wasp (white, anglo-saxon and protestant)’, a    mão-de-obra negra, desde os tempos da escravidão, se refugiava na música    (os blues) e na dança para dar vazão, pelo corpo, ao protesto que as    vias convencionais não permitiam. (CHACON, 1985, p. 24)
Caracterizado como uma versão mais    agressiva do blues, o rhythm and blues se formou a partir da necessidade    dos cantores em se fazer ouvir nos bares em que tocavam, já que os sons    dos instrumentos elétricos exigiam um canto mais gritado (MUGGIATI,    1973). Ainda assim, para a consolidação da primeira forma do rock - o    rock’n’roll - houve também a fusão com a música branca, a chamada    country and western (música rural dos EUA). Chacon (1985) compara esse    gênero ao blues, na medida em que representava o sofrimento dos pequenos    camponeses, o lamento.
Os principais atingidos pela revolução    sonora do rock’n’roll foram os jovens, inicialmente nos Estados Unidos e    depois no mundo todo. Nos primeiros anos da década de 1950, estes jovens    se encontravam em meio a disputas entre o capitalismo e o comunismo (a    guerra da Coréia em 1950) e a uma valorização do consumismo, da    modernização, fruto do progresso científico gerado no pós-guerra.    
Nessa época, a tradicional sociedade    norte-americana passou a ser contestada pelos jovens, os quais foram    rotulados de rebeldes sem causa. Os filmes de Hollywood representavam a    alienação jovem; o personagem de James Dean, no filme Juventude    Transviada (1955), representava o comportamento adotado pela juventude:    recusar o mundo sem no entanto chegar a uma visão crítica da realidade,    divididos entre amor/pacifismo e violência/autodestruição. (MUGGIATI,    1973)
No entanto, mais do que o cinema, a    música se firmou como o canalizador das idéias contestatórias dos    jovens, frente à insatisfação com o sistema cultural, educacional e    político. E o rock’n’roll era o ritmo que ditaria esse comportamento.
...a vibração negra, sua voz grave e    rouca, sua sexualidade transparente e seu som pesado agora alimentado    pela guitarra elétrica, tudo isso parecia bem mais atrativo a milhões de    jovens, inicialmente americanos mas logo por todo o mundo, que pareciam    procurar seu próprio estilo de vida. (CHACON, 1985, p. 25)
O rock’n’roll, afinal, surgiu na    América como um movimento da contracultura, visto que suas primeiras    manifestações eram contrárias aos valores até então veiculados: “(...)    figuravam convites à dança e ao amor (não necessariamente ao casamento),    descrições de carros e de garotas, histórias de colégio e dramas da    adolescência...”(MUGGIATI, 1985, p. 19-20)
Em 1954, Bill Haley and his Comets, com    a música (We´re Gonna) Rock around the clock, levou os jovens a    ingressarem nesse novo ritmo – que no início era apenas um modismo - a    partir da expressão contida no título da música, ou seja, dançando sem    parar (around the clock). Esta música, que lançou Bill Haley para o    sucesso mundial, também fez parte do filme Blackboard Jungle (Sementes    de Violência). 
A denominação deste novo gênero, que    revolucionou a maneira de fazer e ouvir música a partir de 1950, veio de    um disc-jockey norte-americano, Alan Freed, que se inspirou em um velho    blues: My daddy he rocks me with a steady roll (Meu homem me embala com    um balanço legal). Ele foi um personagem importante para os primeiros    momentos do rock, já que passou a divulgar ‘festinhas de rock’n’roll    após o programa de música clássica que mantinha em uma rádio em Ohio.    Tudo começou quando foi convidado por um amigo a visitar uma loja de    discos em que viu vários jovens dançando ao som de uma música que até    então ele nunca havia parado para ouvir: o rhythm and blues. (MUGGIATI,    1973, p. 36)
O rock é muito mais do que um tipo    de música: ele se tornou uma maneira de ser, uma ótica da realidade, uma    forma de comportamento. O rock ´é´ e ´se define´ pelo seu público. Que,    por não ser uniforme, por variar individual e coletivamente, exige do    rock a mesma polimorfia (...)Mais polimorfo ainda porque seu mercado    básico, o jovem, é dominado pelo sentimento da busca que dificulta o    alcance ao porto da definição ( e da estagnação...) (CHACON, 1985,    p. 18-19)
Assim, o ritmo dançante da música de    Bill Haley contagiou os jovens e também levou muitos outros artistas a    seguirem seus passos. Ele adaptou o ritmo do swing (ritmo dançante) ao    som das guitarras elétricas e transformou (We´re Gonna)Rock around the    clock no hino oficial do rock’n’roll. Depois de Haley, outros artistas    da década de 50, como Chuck Berry, Little Richard, Buddy Holly e Jerry    Lee Lewis também marcaram presença na história do rock’n’roll. A música    do ex-trombadinha negro, Chuck Berry, foi inclusive inspiração para    outros artistas que apareceram no cenário do rock anos mais tarde.    Johnny B. Goode, de autoria de Berry, é até hoje ouvida e tocada por    muitos amantes do rock em geral. 

    Um dos artistas mais importantes dos  primeiros anos do rock’n’roll foi Elvis Presley. Como explica Chacon (1985), “só  um símbolo sexual, devidamente municiado pelos melhores autores e ‘cantando e  suando como um negro’ poderia transformar aquele modismo numa verdadeira  revolução”. A sensualidade presente na voz rouca e na sua maneira de dançar, que  transformaram Elvis numa superestrela do rock, tornou-o um exemplo clássico da  influência negra sobre a sociedade branca norte-americana – aspectos para os  quais Chacon (1985) chama a atenção. Além disso, sua história também tem pontos  em comum com a de outros artistas: vidas atribuladas, envolvimento com drogas,  relacionamentos desfeitos e um triste fim. Estes foram também alguns dos  ingredientes das vidas de Jerry Lee Lewis, que teve muitos problemas com bebida  e se casou várias vezes ou de Buddy Holly, que morreu ainda jovem em um desastre  de avião.    
O envolvimento com drogas e a vida    atribulada dos artistas de rock ficaram marcados como algumas das    características do gênero; a vida dos artistas citados acima demonstra    que isso começou ainda nos primórdios do rock’n’roll. 
“O Rei do Rock”
Elvis Aaron Presley nasceu em 8 de    janeiro de 1935, em Tupelo, Mississipi, em um casebre de dois cômodos.    Seu irmão gêmeo, Jesse Garon, morreu ao nascer. Talvez levada pelo    sentimento dessa perda, a mãe de Elvis, Gladys, idolatrava o filho.
Desde criança, Elvis interessava-se pela  música; aos oito anos ganhou da mãe sua primeira guitarra. Ele ia com seus pais  à igreja freqüentemente e adorava música gospel, o que o fez entrar para um  coral. Além da música que ouvia na igreja, Elvis tornou-se um ouvinte assíduo de  rádios que tocavam blues e r&amp;b(rhythm and blues).    &nbsp;Em 1948, Elvis mudou-se com a família    para Memphis, onde seu pai arranjou um emprego de caminhoneiro. Como não    se preocupava muito com os estudos, Elvis contentava-se em garantir o    mesmo emprego de seu pai, mas continuava a interessar-se por música. 
No último ano escolar, o até então    tímido Elvis Presley começou a chamar atenção. Ele levava o violão para    a escola (chegou a ganhar um concurso de talentos) e adotou um estilo de    cabelo diferente, mais comprido, além de usar roupas vistosas e    multicoloridas. Foi quando conseguiu um emprego como chofer que percebeu    a chance para uma reviravolta na sua vida:
Naquele verão, em seu novo emprego    (...) para uma companhia de eletricidade, Elvis estacionou durante a    hora do almoço diante do número 706 da Union Avenue, em Memphis. Pagou    quatro dólares e saiu com o único exemplar do primeiro disco de Elvis    Presley, um acetato de dez polegadas com uma canção em cada lado.”    (MUGGIATI, 1985, p.30)
Este primeiro disco que gravou pela Sun    Records não impressionou o dono da gravadora, Sam Phillips. Mas quando    ele juntou-se ao guitarrista Scotty Moore e ao baixista Bill Black, uma    brincadeira de estúdio chamou a atenção de Phillips, que os mandou    continuar com a gravação. Essa brincadeira era a música That’s all Right    (Mama), do bluesman negro Arthur “Big Boy” Crudup e virou o primeiro    sucesso comercial de Elvis Presley. A partir daí iniciaram turnê pelos    Estados Unidos. 
A gravação de That’s all Righ (Mama)    representou a “síntese da música blues e country que deu origem ao    chamado ‘rockabilly’ (...) uma criação de Elvis Presley, que combinou o    estilo vocal rouco e emocionado e a ênfase no ‘feeling’ rítmico do    blues...” (Friedlander, 2002, p. 70) O guitarrista Scotty Moore também    contribuiu para esse estilo, ao misturar o estilo country de tocar com a    nota sustentada do blues.
O sucesso do rock’n’roll fez com que as    grandes gravadoras procurassem novos artistas. A RCA, percebendo o    efeito de Elvis nas platéias, pagou à Sun 35 mil dólares pelo último ano    de seu contrato. Assim, Elvis Presley caiu nas mãos do “coronel” Tom    Parker.
Como aponta Friedlander (2002), Elvis    não era o mais talentoso instrumentista ou compositor, mas ele teve “o    momento” e “a equipe”, o que fez toda a diferença. A brilhante    capacidade de Tom Parker para divulgação e gerenciamento da carreira de    Elvis foi essencial para sua transformação em “Rei do Rock”.
Assim, seguiram-se centenas de discos,    dezenas de filmes e longas turnês, embalados pela histeria das fãs que    não resistiam à sensualidade de Elvis. Em 1956, ele gravou Heartbreak    Hotel e I Want You, I Need You, I Love You. As duas músicas conquistaram    o primeiro lugar das paradas de sucesso, sendo que no final deste ano, o    domínio era literalmente seu. Don’t Be Cruel e Hound Dog formavam um    compacto duplo que chegou ao primeiro lugar. Entretanto, gradativamente    Elvis ia perdendo sua vida própria, sendo cada vez mais manipulado para    fins comerciais.   
No final dos anos 50, Elvis    alistou-se no exército, quando teve seu cabelo – “um dos símbolos da    masculinidade roqueira’ – cortado. “Impulsionado pela imagem de Elvis,    ‘o patriota’, sua fama (...) aumentou, inclusive entre os adultos”.    (id. p. 73)
Durante o período em que se alistou,    Elvis perdeu a mãe, fato que muitos consideram nunca ter sido superado    por ele. No início dos anos 60, enquanto o rock’n’roll seguia seu curso,    Elvis resolveu gravar “baladas água com açúcar”, como It’s Now ou Never    e Are You Lonesome Tonight?. Nesta época, ele não dominava mais as    paradas, deixando até mesmo de apresentar-se em público e perdendo a    postura de “roqueiro rebelde”.
Em 1968, Elvis volta aos palcos, mas    estava exausto. A partir de 1970, seu comportamento autodestrutivo    começou a preocupar alguns de seus amigos. Elvis havia engordado    bastante (tinha que fazer dietas para apresentar-se em público) e estava    usando tantas drogas, que chegou ao ponto de não conseguir levantar da    cama em certos dias. O depoimento de um amigo constata que “seu corpo    não funcionava mais como o de um ser humano normal. (...) Ele era uma    farmácia ambulante”. (id. p. 75)
Essa fase também representou o    isolamento de Elvis, que vivia fechado em sua mansão em Graceland. Em 16    de agosto de 1977, seu organismo esgotou-se, e ele morreu no banheiro de    sua mansão, com pelo menos dez tipos de drogas circulando pelo seu    corpo. 
Até o final de sua carreira, Elvis    Presley emplacou 107 canções de sucesso, o que representa um recorde –    os Beatles ocupam o segundo lugar com a marca de 48 canções. Até hoje    considerado por muitos o “Rei do Rock”, a importância de Elvis reside no    fato de foi ele quem solidificou o rock como um estilo de música    popular. Para a juventude de sua época, foi o representante da rebeldia,    sexualidade e vitalidade.
A “Geração Beat”
Em fins de 1950, o rock’n’roll já se    apresentava como um produto inserido no sistema cultural. A postura de    diversos setores da sociedade havia mudado em relação ao rock: se antes    ele era maldito, condenado pelos setores mais conservadores, agora já    fazia parte dos valores da sociedade em geral. Nessa época, o gênero    sofreu um “esvaziamento”, provocado pela intensa comercialização dos    discos de rock’n’roll e a divulgação de ritmos dançantes. 
Essa ´comercialização´, esse    abrandamento do fogo do rock, repercute entre os próprios artistas    negros quando à prosperidade da Era de Eisenhower promove o aparecimento    de uma classe média negra que se pretende ´respeitável´ e    psicologicamente embranquecida. (MUGGIATI, 1973, p. 41)
Ao mesmo tempo em que o rock’n’roll se    expandia, alguns músicos negros passaram a criar um tipo de música mais    suave, até mesmo religiosa: “Era uma música sob medida para servir de    pano de fundo sonoro à TV...”(id.) 
Um dos presidentes dos Estados Unidos    no final da década de 1950, Eisenhower foi um herói da Segunda Guerra;    sob seu governo, o país era considerado o guardião da paz no mundo,    apesar da entrada na Guerra do Vietnã. Esse acontecimento desencadeou    muitas manifestações por parte dos jovens, que condenavam a guerra.   
Por volta de 1960, um novo personagem    surge no cenário do rock, movido pelo ideal de revolução e por forte    sentimento político: Bob Dylan, o “apanhador nos campos de centeio”.    Como compara Muggiati (1973), Dylan é a personificação de Holden    Caulfield, o garoto desajustado do livro de J. D. Salinger – personagem    considerado o ponto de ruptura no modelo juvenil americano da década de    50.
Paralelamente à música de Dylan, o    movimento beatnik também movimentava a América, inclusive influenciando    na composição das músicas e na postura dos jovens da época. A expressão    beat, segundo Mugiatti (1985, p. 61), poderia representar “batida”,    “ritmo” ou também “derrotado”, “cansado”, enquanto que nik    relacionava-se a “esquerdismo”, “rebelião”. Jack Kerouac e Allen    Ginsberg foram importantes representantes da estética beat.
A música de Dylan se encaixa em um novo    “modelo” de rock que surgia no começo da década de 60: a canção de    protesto. Junto com Joan Baez, uma cantora de ascendência mexicana,    Dylan se tornou o porta-voz da juventude pela liberdade, contra a guerra    do Vietnã e o preconceito racial. Em 1963, os dois estavam na Marcha dos    Direitos Civis sobre Washington, ao lado do líder negro Martin Luther    King.
A música de Dylan e Baez era a chamada    folk song. Ao som de violão, voz e gaita, eles se preocupavam com a    poesia das letras; o importante, nesse caso, era a mensagem a ser    transmitida. Uma das canções de Dylan de maior sucesso foi Blowin’ in    the Wind; ele também publicou um livro de poemas, intitulado Tarantula,    em 1966. Joan Baez teve uma de suas canções, Diamonds and Rust,    regravada anos mais tarde por uma banda de heavy metal, Judas Priest.
No entanto, a influência de Bob Dylan    (vaiado no Festival de Newport por se apresentar ao som de guitarra    elétrica) e Joan Baez foi se dissolvendo a partir de 1965, como explica    Chacon (1985):
...parece ter sido o ano da virada.    O burburinho que vinha se formando no início da década, seja no sentido    Rock, seja num sentido mais amplo, tomou contornos rápidos a partir    daquele ano e tornou São Francisco a nova capital do mundo juvenil.    

“DÁ LICENÇA, ME DEIXA BEIJAR O CÉU?”   
Na década de 60, as roupas coloridas,    cabelos compridos e o “flower power” tomaram conta da América, mais    especificamente da Califórnia, com o movimento hippie. Movidos pelo    slogan “paz e amor”, esses jovens que se entregaram à ideologia do    pacifismo, do amor livre e das “viagens” de LSD representaram um    movimento importante para a contracultura: “o movimento hippie vai    construir suas comunidades em meio a um clima astrológico que previa    (...)o advento de um novo mundo”(CHACON, 1985. p. 63). Eles esperavam    pela “Era de Aquário” em meio à busca pelo prazer: “...não havia lugar    para a injustiça social, a degradação da natureza e a opressão    humana.”(MUGGIATI, 1985, p. 41)
Neste contexto, acontece o Festival de    Monterey, em 1967, quando surge uma nova estrela que teria seu nome    gravado na história do rock: Janis Joplin. Essa branca do Texas, que    passou a adolescência ouvindo cantoras negras de blues como Bessie Smith    e Billie Holliday, “aos 17 anos abandona a família para cantar em troca    de bebida nos bares de beira de estrada, seguindo a trilha errante dos    cantores de blues” (MUGGIATI, 1973, p. 45). A voz rouca de Janis e sua    interpretação nos palcos a tornaram uma das cantoras mais sensuais de    todos os tempos; uma de suas frases confirma essa característica, mas    também demonstra a sua dor ao lidar com as pressões da carreira: “Faço    amor no palco com 25 mil pessoas e depois vou para casa sozinha” (id.,    1985, p. 13).
Outro importante artista que deixou seu    nome marcado como um dos maiores guitarristas de rock foi Jimi Hendrix.    Influência para muitos outros que vieram nas décadas seguintes, Hendrix    inaugurou o virtuosismo nas canções de rock; o uso de tecnologia para a    distorção de sons, apresentações de contorcionismos com a guitarra e o    visual extravagante foram marcas registradas deste astro do rock.
Seu relacionamento quase sexual com    a guitarra se assemelha à dança de acasalamento de uma espécie estranha,    de uma raça interplanetária. Além das contorções corporais, Jimi joga    com as distorções sonoras, arrancando notas incríveis da guitarra,    envenenada por uma quantidade de novos recursos eletrônicos. (id.,    p. 17)
No início, Hendrix formou o The Jimi    Hendrix Experience, mas sua carreira se consolidou realmente como    artista solo, acompanhado, muitas vezes, por outros músicos. Uma de suas    canções mais conhecidas, Hey Joe, conta a história de um marido que mata    sua esposa; essa música, inclusive, foi regravada nos anos 90 por uma    banda brasileira, O Rappa.
The Doors foi outro grupo que surgiu em    1967 e teve uma curta, porém marcante carreira. Jim Morrison, vocalista    e líder da banda, mostrava grande sensualidade no palco. Um dos    interesses de Morrison, que também havia estudado técnicas    cinematográficas em Los Angeles, era o xamanismo, antiga religião    asiática. No dicionário, xamã significa “sacerdote mágico, que entra em    transe”, e essa descrição é adequada à postura de Jim Morrison. A música    The end, do mesmo disco da clássica Light my Fire, foi incluída no filme    Apocalipse Now, de Francis Ford Copolla.
Uma possível explicação para o nome The    Doors a inspiração da banda no livro de Aldous Huxley, de 1954, The    doors of perception, o qual se relacionava às sensações provocadas pelo    uso de drogas. Como explica Muggiati (1973), artistas como Jim Morrison    buscavam o efeito da sinestesia em suas canções – “o estímulo que atua    sobre um canal sensorial parece evocar imagens de outro canal tão    prontamente como se fossem sensações do mesmo ‘modo’”. Para isso, as    drogas exerciam papel fundamental: “naqueles dias a vida ou corria muito    rápida (como quando se rebobinava um filme) ou então tudo parava, no    torpor das drogas (como em câmara lenta).” (id., 1985)
Ainda houve muitos outros grupos que    caracterizaram o rock de São Francisco, influenciado pela cultura dos    hippies e, conseqüentemente, pelo psicodelismo. Entre eles, The Grateful    Dead, Buffalo Springfield, The Byrds, The Mamas and Papas (autores da    clássica California Dreamin’), Creedence Clearwater; mas um que merece    destaque é o Jefferson Airplane. 
Como explica Muggiati (1973), o grito    de guerra do Jefferson Airplane, liderado pela vocalista e compositora    Grace Slick, era Feed your head! (Alimente sua cabeça). Isso demonstra    uma das características do rock desta época, que, além de ser chamado de    acid rock (rock-ácido), também ficou conhecido como head-music (música    de “cuca”, ou de “curtição”).
Entretanto, em 1970, as mortes de    importantes representantes do acid rock abalaram a ligação entre a    música e as drogas: Jimi Hendrix é sufocado com seu próprio vômito,    depois de uma intoxicação de barbitúricos e Janis Joplin é encontrada em    seu quarto, vítima de overdose de heroína. No ano seguinte, Jim Morrison    morre devido a uma parada cardíaca. Os três formaram a chamada    “Santíssima Trindade Trágica do Rock”, como compara Muggiati, e marcam    uma época de transição - a partir de 1970, o rock sofre uma nova    mutação. 
A Invasão Inglesa 
Antes da história continuar na América,    é preciso se deslocar para a Inglaterra. Desde o início da década de    1960 o país apresentava uma movimentação no cenário do rock, bandas se    apresentando nos pubs (bares) londrinos. Neste contexto, os jovens    protestavam contra a corrida nuclear e o passado histórico do país    justificava as manifestações desta geração: “...os ingleses tinham a II    Guerra, o colonialismo, o espírito vitoriano e outras imagens e culpas    da História que pareciam alimentar muito mais a produtividade    musical...” (CHACON, 1985, p. 30) Musicalmente, era comum entre os    artistas britânicos a referência ao skiffle, um ritmo de percussão    baseado nos sons de instrumentos improvisados.
Assim como na América o consumo foi    supervalorizado no início da história do rock’n’roll, este também o foi    na Inglaterra a partir de 1960 e mais uma vez o cinema procurou retratar    esses valores. Nesta época foram produzidos os filmes da série James    Bond, em que o personagem é um espião perseguindo seus objetivos a    qualquer custo. 
A classe que ascendeu na Inglaterra foi    a operária, que finalmente, sob a influência do blues, deu os primeiros    passos para o surgimento de importantes grupos de rock. Inclusive, uma    cidade operária – Liverpool - foi o berço de uma das principais bandas    da história do rock – e talvez a principal: The Beatles.
O Submarino Amarelo
No início de 1956, John Lennon formou o    conjunto The Quarrymen, que nada mais era do que uma reunião informa de    amigos. O grupo se estabilizaria em 1960, com Paul McCartney e George    Harrison como guitarristas, Stu Sutcliffe no baixo e o baterista Pete    Best.
Neste mesmo ano, The Quarrymen deixa de    existir; em seu lugar, surge uma “banda profissional de rock’n’roll’, os    Beatles. O nome foi uma combinação da palavra beetle (besouro) com uma    expressão comum à época para o rock: música beat. A referência aos    insetos foi uma homenagem ao grupo de Buddy Holly, chamado Crickets    (grilos). 
Em 1962, os Beatles foram tocar em    Hamburgo, Alemanha, quando encontraram o baterista Ringo Starr, que    tocava com os Hurricanes. Pouco tempo depois, ele substituiria Pete    Best.   
Finalmente em agosto deste mesmo ano, o grupo entraria nos estúdios de    Abbey Road para a gravação do primeiro compacto da banda, com as músicas    P.S. I Love You e Love me Do. Nesta época, Stu Sutcliffe havia deixado    os Beatles e Paul tomou a posição de baixista do grupo. &nbsp;
Com o segundo single, Please Please Me,    os Beatles alcançaram o topo das paradas britânicas. A esta altura,    Brian Epstein já era o empresário da banda; sua disposição e talento em    vender a imagem do grupo o transformaram no “quinto beatle”. 
Em 1963, apenas um ano depois do    primeiro lançamento dos Beattles, a Beatlemania eclodiu na Inglaterra.    Brian Epstein e o produtor George Martin, da EMI, decidem partir com a    banda para os Estados Unidos, cientes da popularidade do grupo. Em 1964,    os Beatles conquistam a América com I Want to Hold Your Hand. A    apresentação da banda no programa de televisão de Ed Sullivan – o mesmo    que tinha lançado Elvis Presley – foi a alavanca para que a mídia    norte-americana passasse a publicar matérias sobre os “Fab Four” (como    eram conhecidos). 
Ainda neste mesmo ano, os Beatles    lançam seu primeiro filme, A Hard Day’s Night, em que representam a    banda sendo perseguida por uma legião de fãs fanáticas. A trilha sonora    do filme trouxe canções como Can’t Buy me Love e a romântica And I Love    Her – a primeira de uma série de baladas de Paul McCartney.
Durante os shows dos Beatles, quase não    se ouvia suas músicas, devido à quantidade de garotas que gritavam    histericamente pelos músicos. A partir de 1965, o grupo passou a se    preocupar mais com as composições, deixando o amor romântico de lado e    empenhando-se em explorar outros temas. O disco Rubber Soul, lançado    neste mesmo ano, marca o amadurecimento da banda, visível na crítica    social de Nowhere Man ou nas referências abstratas de Norwegian Wood,    entre outras composições deste disco.
O ano de 1966 marca a primeira    experiência dos Beatles com o LSD (até então, a maconha era a droga mais    consumida). Revolver, lançado neste ano, confirmou a mudança de direção    que apenas havia sido esboçada no álbum anterior. George Harrison    aparece como um compositor importante, colocando suas referências à    música indiana, como o som de cítara em Love to You. Neste disco, a    dupla de compositores Lennon-McCartney praticamente se desfez, na medida    em que o vocalista geralmente era o autor da canção que interpretava.
Junto com a mudança de rumo da banda,    também veio a decisão de parar com as turnês. Com mais tempo livre, cada    beatle resolveu se isolar por um tempo. Nesse meio tempo, John Lennon    conheceu a artista plástica Yoko Ono, George Harrison viajou Índia, Paul    McCartney voltou a estudar artes e Ringo Starr saiu de férias.    
Em 1967, eles se reuniram novamente    para a produção do álbum que mudaria definitivamente os padrões do    rock’n’roll: o experimental Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band.
Apropriadamente chamado de cabaré    alucinatório (...) o álbum dá a idéia de um concerto o vivo – o barulho    de público e a faixa título introdutória são seguidas pelo resto das    canções, por um refrão final de Sgt. Peppers, e o bis, ou epílogo, A Day    in the Life. (FRIEDLANDER, 2002, p. 135)
Na verdade, este álbum foi concebido    como a materialização de uma fantasia dos quatro integrantes da banda,    que introduziram elementos artísticos inovadores em cada uma das    canções. Ele foi composto como uma colagem, em que o trabalho do    produtor George Martin foi fundamental para tornar possível as    experimentações sonoras pretendidas pelos Beatles. Na música A Day in    the Life, por exemplo,a banda quis introduzir no final uma nota audível    somente pelos cachorros; realmente, fica a impressão de um espaço    “vazio” quando se escuta esta música. A capa de Sgt Pepper’s também    demonstra o experimentalismo pretendido pelo grupo; personagens    admirados pelos Beatles, como Karl Marx, Jung, o Gordo e o Magro,    William S. Burroughs, Aldous Huxley, amigos como Dylan, Sutcliffe e os    Rolling Stones, povoam a colagem de um retrato acima de um jardim de    maconha (imperceptível aos executivos da gravadora).
Em agosto de 1967, os Beatles são    atraídos pela meditação transcedental do guru indiano Maharishi Mahesh    Yogi. Enquanto eles buscavam por uma regeneração espiritual, recebem a    notícia de que Brian Epstein havia morrido, por excesso de remédios para    dormir –esse fato foi como um presságio para a dissolução da banda    poucos anos depois. 

    Com a perda de Brian Epstein – e  influenciados pelos conselhos do Maharishi - os Beatles passaram a se preocupar  com os negócios da banda pessoalmente. Com uma idéia de Paul, decidem lançar o  filme The Magical Mistery Tour, sobre uma viagem psicodélica em um ônibus. No  entanto, nem o filme, nem a trilha sonora tiveram sucesso; muitos críticos  consideraram a empreitada uma “bomba promocional”. Alguns dos poucos números bem  recebidos pela crítica foram I am the Walrus, Fool on the Hill e a canção  título.    
Em 1968, os Beatles se encontram    novamente com o Maharishi; eles partem com uma comitiva para a Índia,    mas não ficam por muito tempo. O interesse do guru indiano por    autopromoção logo veio à tona, e os Beatles compuseram a canção Sexy    Sadie, em alusão a essa decepção: “’Sexie Sadie, what have you done/You    made a fool of everyone’ (Sexie Sadie, o que você fez/você fez todo    mundo de idiota)”. (id., p. 138)
De volta para a Inglaterra, a banda    resolveu se dedicar à expansão dos negócios da Apple, a empresa que    haviam fundado em 1967 para cuidar do marketing dos Beatles. O primeiro    projeto desta companhia foi um desenho animado baseado em uma composição    de 1966, Yellow Submarine; o resultado se mostrou uma “festa colorida    para olhos e ouvidos”. 
Em novembro deste ano, o primeiro disco    da Apple foi lançado; as trinta canções do White Album, como ficou    conhecido, foram acomodadas em um álbum duplo. Depois do desastre de    Magical Mistery Tour, este lançamento representou o melhor momento dos    Beatles após a morte de Epstein. Helter Skelter, While my Guitar Gently    Weeps, Ob-La-Di,Ob-La-Da, Blackbird e Piggies, entre outras, são algumas    das canções deste disco, marcado por diversidades estilísticas. No    entanto, apesar deste bom momento musical, internamente as coisas não    andavam muito bem.
Cada vez mais os integrantes dos    Beatles se afastavam um dos outros, dedicando-se mais aos seus projetos    individuais. Assim, após o lançamento de White Album, a tentativa de    realizar um projeto grandioso para o ano de 1969 – batizado de Get Back    - não deu certo. O projeto começou em janeiro, mas as gravações foram    abandonadas no dia 30, quando os Beatles promoveram um show no telhado    prédio da Apple. - a última apresentação dos Beatles. O compacto Get    Back/Don’t Let Me Down, com os resquícios da gravação, foi lançado em    abril deste ano, para agradar aos fãs. 
O casamento de Lennon com Yoko Ono e    MacCartney com a fotógrafa Linda Eastma, em março de 1969, foi    sintomático do individualismo que se instaurou entre os membros da    banda, já que refletia o desejo de cada um por interesses pessoais.    Mesmo em meio a esse “clima de separação”, Abbey Road é lançado pela EMI,    constituindo um fenômeno de vendas. 
Quando Abbey Road chegou às lojas, os    Beatles já não eram uma banda; cada integrante estava mais envolvido com    seus projetos solo e haviam rejeitado a proposta de uma turnê    norte-americana. Como a banda ainda precisava cumprir seu contrato com a    EMI, algumas canções do antigo projeto Get Back foram transformadas no    disco Let it Be, que nem sequer foi produzido por George Martin. Este    disco continha apenas dez músicas e representou o “amargo” fim dos    Beatles, que foi anunciado oficialmente em 1970.
Pedras que Rolam
Entretanto, não só do sucesso dos    Beatles vivia a Inglaterra. Rolling Stones e The Who são exemplos de    grupos que surgiram na década de 60 e que marcaram o rock em muitos    sentidos.
O verso de uma canção de blues de Muddy    Waters – rolling stones gather no moss (pedras que rolam não criam    musgo) - dá o nome ao conjunto fundado pelo guitarrista Brian Jones. O    vocalista, Mick Jagger, torna-se o líder da banda após a saída de Jones.    A influência negra é uma das marcas do grupo, além da sensualidade e uma    certa androginia, características da performance de Jagger.
O repertório dos Rolling Stones é um    verdadeiro ‘erotikon’ e, se o grande tema de suas canções é a alienação,    o assunto certamente é sexo. Não foi por acaso que um de seus maiores    sucessos, a música que marcou seu estilo, se chamou ‘(I can´t get no)    Satisfaction’, comentário cáustico sobre a impotência do homem moderno.    Nos concertos, Mick Jagger costuma rebolar com a malícia de um travesti    e manipula o microfone fálico com mil insinuações. (MUGGIATI, 1973,    p. 94)
Em 1968, os Stones exploram o    engajamento político na música Street Fighting Man, influenciados pelas    manifestações políticas de massa que emergiam. A música, composta por    Mick Jagger e Keith Richards, torna-se hino dos revolucionários e é    censurada pela polícia de Chicago. 
Diz a canção...: ‘Everywhere I hear    the sound of marching, charging feet, boy/Comes summer here and the time    is right for fighting in the streets, boy’. – ‘Por toda parte ouço o som    de pés marchando, atacando, boy/O verão chegou e a hora é de lutar nas    ruas, boy’. (...) E, no final, a canção dos Stones também tende para a    solução individual em detrimento da política: ‘But what can a poor boy    do/Except sing in a rock´n´roll band/Guess in sleepy London town there´s    just no place for a street fighting man’. – ‘Mas que pode um garoto    pobre fazer/Exceto cantar num grupo de rock’n’roll?/Pois na sonolenta    cidade de Londres, não há lugar para um homem de briga-de-rua.’    (id., p. 25)
A música dos Stones é da mesma época de    Revolution, dos Beatles. Esta última também foi composta a partir do    contexto político-social de 1968, marcado principalmente pelas    manifestações de maio deste mesmo ano. Os críticos passam a analisar    Revolution e Street Fighting Man e a compará-las, sendo que consideram a    primeira como uma “contra-revolução” e a segunda como a “verdadeira    revolução”. Mas, tanto as últimas estrofes da música dos Stones quanto    uma declaração de Jagger – “Eles devem pensar que ‘Street Fighting Man’    é capaz de promover uma revolução...Eu bem que gostaria que isso fosse    verdade” (id.) – demonstram que a idéia dos críticos se baseia em    suposições.
Outro grupo inglês desta época que    merece destaque é o The Who. A banda torna-se um exemplo claro da busca    pela sinestesia e a sensualidade nas músicas. Esses dois aspectos são    visíveis na ópera-rock Tommy, composta pelo guitarrista Peter Towshend.    A música conta a história de um menino que nasceu cego, surdo e mudo –    imagem alusiva à repressão social dos indivíduos. Os pais do garoto o    levam a médicos e até a milagreiros, até que um dia ele passa por uma    experiência psicodélica e tem seus sentidos liberados. Já foram    realizadas várias encenações para a apresentação da história de Tommy.
O refrão cantado por Roger Daltry em    tom de súplica, ‘See me, feel me, touch me, heal me’ é um apelo em favor    da abertura das percepções, do descondicionamento, da libertação dos    sentidos. Nota-se na frase uma superposição dos diversos ‘modos’    sensoriais.” (MUGGIATI, 1973, p. 95)
A performance do The Who foi o ponto    que mais caracterizou o grupo inglês, um dos primeiros a destruir    instrumentos no palco (não se esquecendo dos rituais de Hendrix com a    guitarra). Este costume, que se tornou comum em muitas bandas de rock    que despontariam anos depois, tem explicações antropológicas. Segundo    estudiosos das manifestações culturais de antigas tribos, a raiz desta    atitude dos artistas de rock está no potlatch. 
O potlatch é uma prática das    sociedades primitivas que consiste na troca ou destruição de bens pelos    chefes do clã ou da tribo. O líder afirma com esse gesto sua    independência, mostrando maior capacidade de retribuir do que de    receber. (...) desafia assim os chefes de outras tribos a negarem, como    ele, a riqueza, recolhendo desse ato de aparente autodestruição um    prestígio político imenso, e reforçando sua imagem junto aos seus.    (MUGGIATI, 1985, p. 100)
A destruição nos palcos era aceita pelo    público, o que caracteriza uma nova forma de comunicação entre a banda e    a platéia de seus shows. O grupo inglês passou a infundir uma nova    atitude para o rock, que o tornou mais pesado e sofisticado – o que se    convencionou chamar hard rock.
Sob esse novo contexto, registra-se o    surgimento de guitarristas herdeiros do virtuosismo de Hendrix, como por    exemplo Eric Clapton e Jimmy Page, ambos fortemente influenciado pelo    blues. 
Em fins de 1960, Clapton ingressou no    Cream. Como o próprio nome indica (“creme”), a preocupação era com a    elaboração instrumental, ou seja, muitas melodias e solos de guitarra    bem trabalhados; o grupo alcançava os níveis sonoros de uma orquestra    apenas com o som de estúdio. O Cream teve grande repercussão, sendo que    em 1968, o LP Disraeli Gears era o mais vendido nos Estados Unidos.
Jimmy Page tocou incialmente com The    Kinks e Joe Cocker. A convite de seu amigo, o também guitarrista Jeff    Beck, integra o Yeardbirds (que posteriormente se transformaria no Led    Zeppelin, nos anos 70). Essa banda caracterizou-se pela presença de    grandes guitarristas (Eric Clapton também havia tocado neste grupo).    Page influenciou muitos guitarristas que surgiram nas décadas seguintes    e também se utilizava das escalas de blues para compor músicas de rock.
Ainda antes da virada 1960/1970 se    firmar como a época de novas revoluções musicais, acontece a sagração da    contracultura: o festival de Woodstock, entre os dias 15 e 17 de agosto    de 1969. Após os acontecimentos políticos de 1968, o festival    representou a convergência cultural do movimento hippie. Em um grande    campo aberto em White Lake, New York, cerca de 500 mil pessoas viveram    três dias de “paz e música”, embaladas pelo som dos maiores artistas de    rock da época. 
O ingresso para um dia de Woodstock    custava 7 dólares, mas a maioria do público quebrou as cercas e entrou    sem pagar nada. Joan Baez, Janis Joplin, Jimi Hendrix, The Who, Grateful    Dead, Joe Cocker, Jefferson Airplane, Iron Butterfly, Creedence    Clearwater, entre outros, se apresentaram a uma multidão que aguardava o    sonho hippie ser concretizado. Na realidade, os que vivenciaram os três    dias de festival, “saíram de lá sentindo-se ungidos de santidade, como    seres privilegiados de outro planeta, superior”(MUGGIATI, 1985, p.45). O    evento foi documentado em um filme de mais de três horas de duração,    dirigido por Michael Wadleigh

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“O SONHO ACABOU”
Apesar de Woodstock representar a    confirmação da ideologia hippie, quando a imprensa finalmente passou a    se interessar pela contracultura, o ano de 1969 marca o fim da era em    que se anunciava essa “sociedade utópica”. Os assassinatos da atriz    Sharon Tate (mulher do diretor de cinema Roman Polanski) e do casal    Labianca, cometidos por hippies fanáticos, seguidores da seita liderada    por Charles Manson, abalaram o mundo e ajudaram a exterminar o movimento    hippie nos Estados Unidos. ”Misturando Bíblia e Beatles em sua    imaginação distorcida, Manson lhe dava uma interpretação altamente    pessoal, em que se via como o agente de um novo Apocalipse.” (MUGGIATI,    1985, p. 49)
Tanto na casa de Sharon Tate quanto na    casa dos Labianca, foram encontradas inscrições a sangue nas paredes. No    último caso, as palavras PIGS e HELTER SKELTER foram escritas com o    sangue das vítimas na porta da geladeira. As palavras são alusões a duas    canções dos Beatles: Piggies e Helter Skelter. 
Além do caso Tate-Labianca, o    ex-guitarrista do Rolling Stones, Brian Jones, morre em 1968; o    acontecimento antecipou a perda da tríade Janis-Hendrix-Morrison, já    citada. Esses fatos resultaram em um grande desfalque para a música,    tornando o fim da década de 1960 uma sucessão de acontecimentos tristes    para o rock.
O Festival de Altamont, que aconteceu    em uma pista de corridas desativada a uns 60 quilômetros de São    Francisco, vem engrossar a lista de tragédias da época. Trezentas mil    pessoas, que esperavam para ver, entre outros, Rolling Stones e    Jefferson Airplane, depararam-se com a falta de organização do festival,    programado de última hora. Muita sujeira, drogas, doenças e quatro    mortes foram os resultados de Altamont. O documentário da turnê    americana dos Stones, Gimme Shelter, mostra a cena de um jovem negro que    puxou um revólver e foi esfaqueado por membros do “Hell Angels” – os    seguranças improvisados do evento.
Manson e Altamont atingiam em cheio    as duas maiores entidades do rock, os Beatles e os Rolling Stones, e    mostravam como a música podia ser perigosa e desencadear forças    negativas e violentas entre um público imaturo e dominado por impulsos    de destruição. Assim, o mundo e a contracultura ingressaram na feia    realidade de 1970. (MUGGIATI, 1985, p. 50-52)
A década que se iniciava mostrava-se    caracterizada por um forte individualismo, contrastando com o    engajamento político e o sonho da comunidade alternativa, pregado pelos    hippies. Como se não bastassem todas as mortes que ocorreram nesta    época, também registrou-se o fim dos Beatles, em 1970.
Em fins de 1960, houve a confluência de    várias novas tendências do rock, normalmente caracterizadas pela    preocupação com a elaboração sonora das canções. "O ano de 1967 é    marcado no 'rock' por uma verdadeira revolução conceitual, onde o vulgar    é soterrado por um 'status' equivalente a qualquer revolução de outrora    (...)o fato foi que o rock intelectualizou-se" (MONTANARI, 1988, p. 66).   
O Rock como Forma de Arte
Um dos rótulos que surgiu ainda antes    da virada da década de 70 foi o rock progressivo, fortemente    influenciado pela música clássica e pelas inovações tecnológicas. O    grupo de maior destaque nesta categoria é o inglês Pink Floyd, mas antes    deles, o Alan Parsons Project apresentava uma nova proposta de rock, em    que veiculavam pelo rádio os Contos de Mistério e Imaginação, de Edgar    Allan Poe. O King Crimson também inovou neste sentido, ao lançar álbuns    conceituais como In the Court of King Crimson e In the Wake of Poseidon.
Outro grupo que também contribuiu para    o desenvolvimento do progressivo e deu o primeiro passo para a mistura    entre o rock e a música erudita foi o Moody Blues. Em 1968, esta banda    gravou com a Orquestra Sinfônica de Londres, inaugurando a composição de    “poemas orquestrais”, em que se destacava o “forte clima descritivo das    canções”. 
A música erudita, nesta época, teve    importância fundamental para as composições de rock. Muitos músicos se    utilizavam da influência de compositores como Bach ou Mozart para a    elaboração de canções, expandindo as fronteiras musicais. Rick Wakeman,    do Yes, possuía formação em música clássica e a utilizou nas suas    canções de rock.
Da junção do nome de dois bluesmen    americanos, Pink Anderson e Floyd Council, surgiu na Inglaterra o grupo    que se transformou em um ícone para o rock como forma de arte; o Pink    Floyd se caracterizava pela preocupação com os efeitos especiais das    apresentações ao vivo como complementação para sua música. Vários    clássicos foram lançados pela banda, como The Dark Side of the Moon    (1973) e The Wall (1979); este último rendeu também um filme homônimo,    de 1984.
Outra conquista do Pink Floyd foi    superar a barreira entre os sons perfeitos fabricados em condições    ideais no estúdio e a música forçosamente problemática das apresentações    ao vivo. Eles conseguiram isso completando seus espetáculos com efeitos    visuais que realçassem o clima de sua música e, evidentemente, ampliando    também a formação costumeira do grupo, um quarteto. (MUGGIATI, 1985,    p. 62-63)
Uma das contribuições do progressivo    foi a composição de “poemas tonais” para o rock, em climas sombrios, de    pesadelo. Essa caracterização mais intimista para as canções contrastava    com o clima de celebração do rock dos anos 60 (psicodelia). Outras    bandas, como Genesis e Jethro Tull surgiram nesta época, inserindo-se no    contexto das experimentações sonoras. 
...o Rock parecia dominado pelo seu    lado intelectual, pelo progressivo, pelo acadêmico, pelo auditivo. Não    se deixara de dançar, mas sentar diante do aparelho de som e ESCUTAR    tornara-se algo tão comum que o percentual de rockeiros dançantes    diminuíra se comparado com o da época do rock’n’roll. (CHACON, 1985,    p. 44)
Nos Estados Unidos, 1967 foi o ano de    um compositor que ampliou o cenário do rock : "um músico anarquista    resolve desvencilhar suas farpas contra a mediocridade da vida    consumista norte-americana. O nome dele é Frank Zappa...(MONTANARI,    1988, p. 66). As influências de Zappa iam desde a música eletrônica à    erudita, o que era verificável nas fusões que realizava em suas músicas:    "Zappa sacode o 'stablishment', ganhando rapidamente o rótulo de    'maldito'" (id.). As experimentações de Frank Zappa eram baseadas no uso    de ruídos, técnicas de colagem, percussão; ao contrário dos músicos de    rock que se iniciavam pelos blues, ele freqüentava aulas de música    contemporânea. 
Mas ainda havia muito mais para    acontecer nos anos 70, que muitos, erroneamente, caracterizam como a    “década em que nada aconteceu”. Outra vertente que modificou a    sonoridade do rock foi o heavy-rock. Como argumenta Chacon (id., p.    39-40):
Na primeira vez que alguém distorceu    uma guitarra inaugurou uma outra variante do Rock que representaria sua    imagem esteriotipada aos frágeis ouvidos do não-iniciado: o heavy-rock    (Rock pesado), ou rock-pauleira, como é mais conhecido, quebrava com as    seqüências do Rock-tipo-Beatles e atendia a um mercado mais feroz e    ansioso por um batida mais violenta... 
O som das bandas de heavy metal existe    para ser consumido, preferencialmente, nas apresentações ao vivo. As    bandas se preocupam em tocar muito alto, o que já contribuiu para    especulações de que o metal faria mal aos ouvidos; no entanto, isso não    foi comprovado. O caso da surdez de Brian Wilson, dos Beach Boys, é um    exemplo claro desta controvérsia, visto que o som da banda é    relativamente calmo perto da sonoridade do metal. Vocais estridentes (ou    guturais), preocupação com o visual da banda e performances ousadas nas    apresentações ao vivo são outros aspectos do heavy metal.
Jimi Hendrix e o Cream foram grandes    inspiradores para este sub-gênero do rock. Muggiati (1985, p. 89)    explica que o heavy-rock foi um subproduto do acid rock, na medida que    provocava no ouvinte uma “intoxicação sonora”. Por sua vez, o Iron    Butterfly (“borboleta de ferro”) foi um grupo que influenciou a    denominação das bandas de heavy metal, devido à referência “metálica” em    seu nome. 
Um importante crítico de rock, Lester    Bangs (ex-editor da revista Cream) retirou o termo “heavy metal” de um    romance de William Burroughs e o associou ao rock depois desta expressão    ser incluída em uma música do Steppenwolf. Esta música, Born to be wild,    remete ao som de um “trovão de metal pesado” e faz parte da trilha    sonora do filme Easy Rider (Sem Destino), de 1969, que contribuiu para a    disseminação do rock pesado.
Além desta versão, existe uma outra, em    que o termo “heavy metal” surgiu quando uma grande fábrica explodiu no    mesmo dia de uma apresentação do Led Zeppelin.
Bandas inglesas como Black Sabbath e    Deep Purple se firmaram como importantes representantes do heavy metal    no início dos anos setenta. A primeira recebeu esta denominação derivada    da influência “satanista” para os nomes das bandas de heavy metal.    Outras que despontariam anos depois também se incluiriam nesta vertente,    em que composições e visual sombrios são comuns. 
A influência do Black Sabbath e do Deep    Purple foi marcante para as décadas posteriores; muitas compilações e    tributos às duas bandas foram lançados, mas o Purple continua em    atividade, mesmo depois de muitas mudanças em sua formação original. O    guitarrista Richie Blackmore, um dos fundadores do Deep Purple, (e    atualmente em carreira-solo) foi um dos pioneiros na influência da    música erudita nas canções de rock pesado - tradição que ser firmaria    anos depois com grupos de heavy metal dos anos oitenta e noventa.
O Black Sabbath trouxe as primeiras    imagens de “morte, demônios e ocultismo” às canções de rock, além de    lançar vocalistas importantes, como Ozzy Osborne e Ronnie James Dio.    Este último, que havia sido anteriormente vocalista do Elf (banda com    inspiração no blues), depois ingressou no Rainbow, grupo de Richie    Blackmore após a saída do Deep Purple. Inicialmente conhecido como    Richie Blackmore’s Rainbow, este grupo com tendências ao hard rock    lançou em 1976 um disco que se tornou clássico: Rainbow Rising.    Considerado um dos maiores vocalista de metal, atualmente Dio se dedica    à própria banda, firmando uma carreira pós-Sabbath bem sucedida.
Ozzy cantou com o Black Sabbath na    primeira fase da banda; é da sua época clássicos como Iron Man e a    homônima e sombria Black Sabbath. Após sair do Sabbath, em 1978, também    se lançou com sua própria banda, continuando em atividade até hoje. A    vida de Ozzy freqüentemente foi associada a histórias surpreendentes:
Célebre pelas imagens de mutilação    de animais durante seus shows, Osbourne, como reza a lenda, teria tomado    dolorosas injeções anti-rábicas depois de ter arrancado, com os dentes,    a cabeça de um morcego jogado pela platéia. (FRIEDLANDER, 2002, p.    381)
Um grupo do final dos anos sessenta e    que se destacou durante a década de 70 foi o Grun Funk Railroad. A    inspiração para o nome da banda surgiu de um trocadilho com o nome de    uma estrada de ferro chamada Grand Trunk and Western Railroad.
Essa banda de Detroit não recebeu muito    prestígio entre os críticos, mas agradou ao público. O Grun Funk abriu    vários shows para o Led Zeppelin, em muitos casos, roubando a atenção da    platéia. Entre os temas de suas músicas, sexo, política, religião e    ecologia estavam entre os mais comuns. A inovação de suas músicas ficava    por conta da utilização de instrumentos pouco comuns em grupos de rock,    como violão, piano, alguns tipos de percussão e orquestra.

    O grupo que realmente comandou as  transformações na sonoridade do rock para essa época foi o Led Zeppelin. Em uma  fusão do blues com o hard rock, construíram sua carreira como os maiores  representantes do trinômio “sexo, drogas e rock’n’roll” nos anos 70.    &nbsp;Uma “Escada para o Céu” 
O Led Zeppelin começa quando os    Yeardbirds se desintegram. Em 1967, o guitarrista Jimmy Page foi deixado    por seus companheiros com uma agenda de shows para cumprir e dívidas    para pagar. Com a finalidade de resolver esse problema, Page sai à    procura de integrantes para uma nova banda, os New Yeardbirds.
O primeiro a integrar o novo grupo é o    baixista John Paul Jones, que mostra a Page uma matéria de jornal sobre    Robert Plant – vocalista de uma banda chamada Hobbstweedle. A mesma dica    foi dada pelo cantor Terry Reid, que anteriormente havia sido cogitado    para a vaga. Page e Jones foram assistir a uma apresentação do    Hobbstweedle e ficaram tomados pela presença de palco e pela voz de    Robert Plant. Ele passou a integrar o New Yeardbirds em agosto de 1968.    O baterista John Bonham foi o último a entrar para o grupo, a convite de    Plant.
Após concluir a formação da banda, o    New Yeardbirds saiu em turnê para cumprir a agenda do antigo grupo. Com    o fim das apresentações, ainda neste mesmo ano gravaram um disco que    recebeu o novo nome da banda: Led Zeppelin. Segundo o jornalista Sérgio    Martins (Bizz, 1999), a denominação veio de Jimmy Page, que se lembrou    de uma citação de Keith Moon (baterista do The Who) sobre a viagem em um    “zeppelim de chumbo”. 
Sob contrato com a Atlantic Records, o    Led Zeppelin iniciou uma turnê pelos Estados Unidos, um dia depois do    Natal de 1968. Essa idéia partiu do empresário Peter Grant, também    chamado de “o quinto zeppelin”.
Nos Estados Unidos, o Led Zeppelin    conseguiu a popularidade que o seu primeiro disco não alcançou no Reino    Unido. A onda de psicodelia ainda tomava conta do cenário do rock, e a    sonoridade pesada da banda chamou a atenção do público rockeiro – que    aprovaram a influência blueseira e os uivos do vocalista da banda.    Canções como Good Times Bad Times e Communication Breakdown são    composições deste primeiro disco. 
Led Zeppelin II é lançado em 1969,    alcançando o primeiro lugar nas paradas americanas. Thank You, canção de    Plant para sua mulher na época, Maureen, o clássico do rock pauleira,    Whola Lotta Love e Moby Dick, são destaques desse álbum.

Após o lançamento do segundo disco, o Led  Zeppelin decide sair em turnê pelo Reino Unido, agora com sua carreira  consolidada pelo sucesso nos Estados Unidos. Esse disco rendeu ao grupo o título  de “melhor banda da Inglaterra” pela Melody Maker. O sucesso do Led Zeppelin  provocou sua ascensão como legítimos de “rock stars”; as groupies (fãs  fanáticas) disputavam a atenção dos músicos da banda e os negócios iam bem. O  interesse de Jimmy Page pelo ocultismo, assim como seu vício em heroína, já eram  conhecidos.    &nbsp;No entanto, antes da produção de Led    Zeppelin III, os integrantes da banda encontraram-se cansados e    resolveram se isolar para compor. Canções como Tangerine e Since I’ve    benn Loving You são algumas das que estão neste disco.
Em 1973, o Led Zeppelin lança um álbum    sem título e que passaria a ficar conhecido como “Quatro Símbolos’,    entre outras denominações. Essa referência deve-se aos símbolos    impressos na contracapa do álbum, relacionados a cada integrante da    banda. Esse disco foi o de maior vendagem para o Led Zeppelin, rendendo    mais de 16 milhões de cópias nos últimos 25 anos. A canção mais popular    do grupo, Stairway to Heaven, faz parte deste álbum. Sobre essa música,    Friedlander (2002, p. 339) comenta:
Page e Plant dividiram a música em    dois níveis dinâmicos(...). El começava suavemente com a introdução do    violão de Page e um longa citação de versos, aumentando gradualmente até    explodirem em um rock completo (...) A letra obscura, cantada com a voz    de um trovador piedoso, refletia o interesse de Page pelo folclore    britânico e celta e seguia a busca de uma mítica dama por sua “escada    para o céu ou nirvana espiritual’. 
Em 1973, o grupo lança Houses of the    Holy, marcado por canções funk e reggae (como em D’yer M’aker). Este    álbum recebeu o primeiro lugar nas paradas do Estados Unidos e    Inglaterra ao mesmo tempo. Entretanto, as apresentações do grupo são    comprometidas depois do acidente de carro sofrido por Robert Plant.    Assim, eles lançam o documentário The Song Remains the Same (1976), que    mistura cenas do dia-a-dia dos integrantes com um show no Madison Square    Garden.
Durante a turnê deste álbum, após a    recuperação do acidente de Plant, seu filho, Karac, morre de um vírus    desconhecido. Assim, a banda faz outra pausa e volta em 1979, com In    Through the Outdoor, com a canção All my Love dedicada ao filho do    vocalista. Um ano após esse lançamento, acontece a última turnê européia    do Led Zeppelin; enquanto os integrantes da banda se preparavam para    viajar aos Estados Unidos, John Bonham bebe além da conta e não consegue    ensaiar.
No dia seguinte à embriaguez de Bonham,    o baterista é encontrado morto, sufocado em seu próprio vômito (assim    como aconteceu com Hendrix). Em dezembro desse mesmo ano, os integrantes    remanescentes anunciam que sem Bonham, é impossível continuar com o Led    Zeppelin.
O trovão setentista do Led Zeppelin    quebrou as fronteiras do rock em sua época, estendendo sua influência    para grupos que surgiram posteriormente: Aerosmith, Guns’n’Roses e Rage    Against the Machine são alguns exemplos.
O Rock de “Plumas e Paetês”
Em meados de 1970, o heavy metal    continuou a se expandir, inaugurando os anos 80 com uma profusão de    bandas importantes para este sub-gênero do rock. Mas antes de se    apresentar o cenário metal dos anos oitenta, é preciso destacar outras    vertentes do rock que se desenvolveram ainda na década de 70.
Um movimento paralelo ao metal, muitas    vezes mesclando-se a ele, e que marcou o início desta década foi o    glitter rock, também conhecido como glam rock. Som pesado, muito brilho    nas roupas e visual andrógino eram as características principais de    grupos como T-Rex, Kiss e artistas como David Bowie e Alice Cooper. Este    último, comumente chamado de “tia Alice”, foi o desencadeador da    androginia no rock, antes esboçada por Mick Jagger e também seguida por    Marc Bolan, do T-Rex.
Em outras palavras, algo como um    rock de plumas e paetês em que os músicos apareciam fortemente    maquilados ou até mesmo travestidos. Em Alice Cooper, o lado sexual era    mais um recurso para agredir o público, pois Alice (nascido Vincent    Furnier, filho de pastor) era ‘cria’ de Frank Zappa, o pai espiritual    dos freaks de todo o mundo ... (MUGGIATI, 1985, p. 67-68)
Apesar de não se encaixarem    especificamente neste gênero, os grupos ingleses Queen e Judas Priest,    formados em 1970, eram adeptos do visual extravagante, aliando-o a uma    pesada sonoridade.
Liderado por Fred Mercury, o Queen    utilizava experimentações vocais e instrumentais em suas composições. A    clássica Bohemian Raphsody é mais um exemplo da influência da música    erudita no heavy metal, verificado na introdução e nas vocalizações    desta música. 
Bohemian Rhapsody foi lançada em    1975. Uma verdadeira ópera rock, no sentido mais literal das palavras.    Taxada de experimentalista pela gravadora uma música como aquela    dificilmente chegaria a ser um hit. Mais do que isso, porém, Bohemian    Rhapsody se tornou no maior clássico da banda e seu primeiro single a    chegar ao número 1. (WHIPLASH, dez/2002)
Esta era a época dos grandes concertos    de rock e o Queen não fugia à regra; Fred Mercury desempenhava seu papel    de frontman de maneira eficiente, devido ao seu carisma com o público. A    partir de 1980, a banda acrescenta instrumentos eletrônicos e começa a    se influenciar pela dance music, que se tornaria uma febre nesta década.    No entanto, após quase duas décadas de existência, em 1991 a banda sofre    a perda de Fred Mercury, que morre de complicações decorrentes da AIDS.    O álbum Innuendo, lançado neste mesmo ano, marca a despedida do    vocalista e líder da banda: "com menções depressivas e letras    subjetivas, um Fred Mercury fraco insinua um difícil adeus, com músicas    como The Show Must Go On (O Show Deve Continuar) e These are the Days of    Our Lives (Esses São os Dias de Nossas Vidas)" (id.). A partir de 1992,    várias coletâneas de tributo à banda foram lançadas, sendo que a última    é de 1999. 
Ainda hoje uma banda bem conceituada    entre os apreciadores do gênero, o Judas Priest foi uma bandas    precursoras do heavy metal moderno. As características que lhe    conferiram esse título foram a adoção de roupas de couro e adereços de    metal e "a união do peso e temática violenta criados pelo Black Sabbath    à velocidade dos grupos como o Led Zeppelin” (id.). Além disso, a    presença de dois guitarristas na banda - KK Downing e Glenn Tipton - se    tornou uma das marcas das bandas de heavy metal que surgiriam    posteriormente.
O auge da carreira internacional do    Judas Priest se deu entre 1982 e 1984, com o lançamento dos álbums    Screaming for Vengeance e Defender of the Faith, mas logo após essa    fase, um fato marcou a imagem da banda. Um caso de suicídio de dois fãs    foi amplamente explorado pela imprensa, que culpou o grupo pela morte    dos dois garotos. Mesmo após ficar confirmado que as causas nada tinham    a ver com a música do Judas Priest, esse caso se tornou corriqueiro com    outras bandas e artistas de rock.
Após a boa fase, em 1986 a banda lançou    o álbum Turbo, que não foi bem aceito pela crítica e pelo público, que    não esperava pela fusão com instrumentos eletrônicos, marcante neste    disco. O produto final se mostrou muito "comercial e forçado, marcando o    ponto mais baixo na carreira da banda".
Em 1992, o vocalista Rob Halford (hoje    em carreira solo) abandou o Judas Priest para montar o Fight; em seu    lugar entrou Ripper Owens. O vocal de Ripper sempre foi associado ao de    Halford, o que ajudou a não descaracterizar as músicas antigas da banda.