Cultura Brasileira
Autor: Thainá | Publicado: 2011-06-06T07:31:00-07:00

Há dois Brasil

Estão separados por um abismo, opostos. Rural e industrial. Há um Brasil  tecnologicamente avançado e há um Brasil onde ressoam, na literatura de  cordel, acordes e mitologias de um cancioneiro ibérico medieval.  Miserável e rico, ou dividido entre o bom selvagem e o capitalismo  selvagem. Há um Brasil formado por um encontro de culturas e há um  Brasil que, no entanto, reflete hoje as conseqüências da escravidão. A  rígida estrutura de classes e a imobilidade social no Brasil não se  alteraram com a queda do muro de Berlim ou o ocaso do império  soviético...
Há um Brasil sem pontos cardiais, que  pouco sabe sobre diálogos Leste/Oeste ou Norte/Sul. Este Brasil nunca  entenderia a lição de Torres-Garcia, que inverte o mapa da América do  Sul e diz que nosso Norte é Sul, ou seja, que o nosso ponto de  orientação deve ser determinado por nós mesmos. O Brasil desprezou até  agora o diálogo com os seus vizinhos. Até a década de 80 havia grande  dificuldade em assumir o bloco cultural latino-americano (com algumas  exceções como a crítica Aracy Amaral). Foram os comissários europeus e  norte-americanos que latino-americanizaram a arte brasileira. Tivemos  medo, suspeitas e mal-estar. Temíamos que nossas bananas fossem  confundidas como procedentes de alguma República bananeira qualquer.  Havia quem preferisse que fôssemos universais, uma espécie de filhos  mestiços da razão ocidental. Por que tanto medo? Já tínhamos a chave do  mundo: a Bienal de São Paulo, que hoje inclui artistas de mais de 80  países.
Há um Brasil que se lembra do mundo e  outro Brasil que se esquece de si mesmo. Esse primeiro Brasil tem  museus com cinco Cézannes ou cinco Van Goghs. O segundo Brasil não tem  nenhuma obra de Hélio Oiticica e nenhum museu até meados da década de  80. O Brasil é também um sistema de arte da eqüidistância: a mesma  distância política que separa os grandes centros brasileiros de arte dos  centros hegemônicos europeus e norte-americanos parece separar os  centros regionais e periféricos brasileiros dos centros hegemônicos do  país (São Paulo e Rio de Janeiro). Em outras palavras, o (neo/pós)  colonialismo das relações internacionais se reproduz como um (neo/pós)  colonialismo interno. Uma concentração de artistas e instituições de  arte corresponde a uma concentração de renda interna em um panorama de  graves desequilíbrios regionais estruturais.
A arte brasileira curou-se da  síndrome de atributo da razão. Livrou-se de ser uma espécie de  encarnação do Verbo, de ser uma ilustração de teorias. Desde o conto O  alienista, de Machado de Assis, a cultura do Brasil não sabe - nem quer  saber - dos limites entre a razão e a loucura transbordadas. Antonio  Manuel, realizou um filme com o título de Loucura e cultura. "Há uma  dúvida que pertence à clareza", escreve Waltércio Caldas. As aparências  não enganam, mas tampouco garantem nada. Nelson Leirner inscreveu um  porco recheado de palha num salão de arte, no período da ditadura. A  atitude de Leirner foi a introdução de um dilema indissolúvel para os  jurados do salão oficial, um pequeno diagrama da estrutura do Estado  autoritário: se o aceitassem como obra, os jurados demonstrariam não  saber distinguir um porco de uma obra de arte. Se o recusassem, estariam  confundindo uma obra de arte com um porco. Em última análise, a ação de  Leirner demonstrava a irracionalidade do terror. A arte é o "exercício  experimental da liberdade", afirmava há algumas décadas o crítico Mário  Pedrosa.
Poderíamos falar, no Brasil, de uma  arte de negociações. A antropofagia (na literatura de Oswald de Andrade  ou na pintura de Tarsila do Amaral) consagra uma formação étnica, de  negociação de valores culturais entre distintos grupos nativos, europeus  e africanos. Na ditadura, os artistas construíram uma arte de  resistência e um espaço político para a sua obra (Nelson Leirner, Cildo  Meireles, Antonio Manuel, Hélio Oiticica, Lygia Clark, Antonio Dias). As  relações de alteridade na fotografia de Rosângela Rennó ou de Paula  Trope, em suas fotos de meninos de rua, tiradas com uma câmera  desprezada, ao mesmo tempo em que esses meninos também fotografavam seus  objetos preferidos com a mesma câmera e se convertiam em sujeitos da  linguagem fotográfica. No campo da retórica, o Brasil se livrou do  miserabilismo. Em troca, não perdeu de vista o oprimido.
No Brasil, a idéia de eqüidistância  parece aludir à proximidade entre Paraíso e Inferno e à sua  equivalência. Contra um maniqueísmo entre os dois Brasis, existe uma  poética crítica na música de Chico Buarque de Holanda e Caetano Veloso,  ou na fotografia de Miguel de Rio Branco. As superfícies de cor de Rio  Branco, ora estridentes, ora suaves, resultam, em seu conjunto, imagens  rapsódicas do Brasil, como uma terrível e sedutora realidade que se  exala como "doce suor amargo".
Uma visão geral da música popular brasileiraFoi por volta de 1870, no Rio de  Janeiro (capital federal do país naquela época), que as freqüentes  reuniões de músicos aficionados começaram a moldar uma forma diferente  de tocar e compor. Essa forma genuína criada naquela ocasião, com base  no mesmo tripé português-índio-negro que forjou o nosso povo, podemos  considerar o marco inicial da música popular brasileira. Influenciada  pelas valsas, polcas, modinhas (canções populares urbanas), xotes  (música que acompanha uma antiga dança de salão de provável origem  húngara) e outros gêneros importados da época, essa nova música acabou  se ramificando em duas variações. Uma delas, mais harmônica e  europeizada, desembocou no choro. Outra, com mais ritmo e de inspiração  africana, resultou no samba.
Não se pretende esgotar, em poucas  linhas, a imensa diversidade que oferece a música popular brasileira  mais de 120 anos depois. Ritmos regionais (como o frevo, o maracatu, o  baião, o fandango, a guarânia ou o vanerão), a música das fronteiras,  modismos circunstanciais e outras manifestações, por absoluta falta de  espaço, serão tratados em outro momento.
A seguir, recordamos sob a  perspectiva da história, a trajetótia do choro, do samba (e das escolas  de samba), da bossa nova e do tropicalismo, apresentando um panorama  sobre a forma como estão presentes na atualidade. Evocamos também os  anos dourados do rádio, entre as décadas de 30 e 50, e o surgimento da  televisão, quando a vida cultural do país foi redimensionada por  completo.
O choroAs reuniões musicais do século  passado tinham o violão e o cavaquinho (pequeno violão de quatro cordas,  de origem européia) como base harmônica. Não raro aparecia a flauta  como instrumento de solo. O espírito de lamento na execução acabou por  fazer do choro um gênero específico, caracterizado também pelo caráter  lúdico das improvisações e pela linguagem própria do violão de sete  cordas (único instrumento harmônico criado no Brasil). Os conjuntos que  se dedicam ao choro são chamados regionais.
Embora tenha enfrentado períodos de hibernação, o choro é o gênero musical mais apreciado pelos instrumentistas brasileiros.
Compositores pioneiros: Joaquim Antonio Calado, Ernesto Nazareth, Chiquinha Gonzaga e Anacleto de MedeirosMaestros mais importantes: Pixinguinha e João Pernambuco.Grandes solistas: Benedito Lacerda, Jacob do Bandolim, Luperce Miranda, Abel Ferreira, Altamiro Carrilho e Copinha.Garantia de continuidade: Joel  Nascimento, Henrique Cazes, Maurício Carrilho, Luiz Otávio Braga, Paulo  Sergio Santos, Afonso Machado, Pedro Amorim e os conjuntos Galo Preto e  Nó Em Pingo D’Água.
O sambaGênero musical binário, que  representa a própria identidade musical brasileira. De nítida influência  africana, o samba nasceu nas casas de baianas que emigraram para o Rio  de Janeiro no princípio do século. O primeiro samba gravado foi Pelo  telefone, de autoria de Donga e Mauro de Almeida, em 1917. Inicialmente  vinculado ao carnaval, com o passar do tempo o samba ganhou espaço  próprio. A consolidação de seu estilo verifica-se no final dos anos 20,  quando desponta a geração do Estácio, fundadora da primeira escola de  samba. Grande tronco da MPB, o samba gerou derivados, como o  samba-canção, o samba-de-breque, o samba-enredo e, inclusive, a bossa  nova.
Compositores pioneiros: Sinhô, Caninha, Donga e Heitor dos Prazeres.Maestros mais importantes:  Ismael Silva, Bide, Armando Marçal, Ataulfo Alves, Wilson Batista,  Geraldo Pereira, Noel Rosa, Ary Barroso, Zé Keti, Candeia, Monarco,  Dorival Caymmi, Cartola e Nelson Cavaquinho.
Principais intérpretes: Orlando  Silva, Mário Reis, Silvio Caldas, Cyro Monteiro, Roberto Silva,  Jamelão, Aracy de Almeida, Carmen Miranda, Clementina de Jesus, Clara  Nunes e Elizeth Cardoso.
Garantia de continuidade:  Paulinho da Viola, João Nogueira, Martinho da Vila, Elton Medeiros,  Luiz Carlos da Vila, Arlindo Cruz, Zeca Pagodinho, Sombrinha, Cláudio  Jorge, Paulo César Pinheiro, Beth Carvalho, Alcione e Moacyr Luz.
A Escola de Samba
Uma coisa é o sambaOutra, a escola de samba. O samba  nasceu em 1917. A primeira escola surgiu uma década mais tarde.  Expressão artística das comunidades afro-brasileiras da periferia do Rio  de Janeiro, as escolas existem hoje em todo o Brasil e são grupos de  canto, dança e ritmo que se apresentam narrando um tema em um desfile  linear. Somente no Rio, mais de 50 agremiações se dividem entre as  superescolas e os grupos de acesso.
O desfile das 16 superescolas  cariocas se divide em dois dias (domingo e segunda-feira de carnaval),  em um megashow de mais de 20 horas de duração, numa passarela de 530  metros de comprimento, onde se exibem cerca de 60 mil sambistas. Devido à  enorme quantidade de trabalho anônimo que envolve, é impossível estimar  o custo de sua produção. Uma grande escola gasta cerca de um milhão de  dólares para desfilar, mas este valor não inclui as fantasias pagas pela  maioria dos componentes, nem as horas de trabalho gratuito empregadas  na concretização do desfile (carros alegóricos, alegorias de mão, etc.).  Com uma média de quatro mil participantes no elenco, cada escola traz  aproximadamente 300 percusionistas, levando o ritmo em sua bateria, além  de outras figuras obrigatórias: o casal de mestre-sala e porta-bandeira  (mestre de cerimônias e porta-estandarte), a ala das baianas, a  comissão de frente e o abre-alas.
Primeira escola de samba:  Deixa falar, fundada em 12 de agosto de 1928, no Estácio, Rio de  Janeiro, por Ismael Silva, Bide, Armando Marçal, Mano Elói, Mano Rubens e  outros sambistas (foi extinta em 1933).Primeiro desfile oficial: Carnaval de 1935, vencido pela Portela.Campeão do último desfile: Mocidade Independente, com o enredo "Criador e criatura", de Renato Lage.
A era de ouro do rádioNos anos 30, algumas coincidências  favoreceram o auge da era do rádio. Tanto esta como a indústria  fonográfica foram democratizadas, fazendo chegar ao Brasil várias  tecnologias em expansão, além de empresários estrangeiros. Soma-se a  isto o florescimento de uma geração singular e está resolvida a equação  capaz de explicar o grande momento de afirmação da música popular  brasileira, seja em termos de criação, interpretação, variedade ou de  concepções de arranjos.
Noel Rosa, Silvio Caldas e Orlando  Silva já estavam na capital. A eles se juntaram os talentos de Ary  Barroso (Minas Gerais), Dorival Caymmi (Bahia), Radamés Gnatalli (Rio  Grande do Sul) e Carmen Miranda (Marco de Canavezes, Portugal). Quando  Orlando Silva, apoiado no prestígio adquirido através do rádio e do  disco, paralisa o Vale do Anhangabaú, em São Paulo, já não se pode  tratar a nossa música como simplesmente "popular". O que estava  acontecendo era o que o pensador francês Edgar Morin denomina "uma  terceira via".
Antes do surgimento da chamada  cultura de massas, a distinção era mais fácil. De um lado estava o  popular e do outro, o elitista (no caso da música, o erudito), talvez  com exceção da música folclórica, aceita por todos. Com o aparecimento  das novas tecnologias de difusão, todas essas formas de cultura foram  permeadas por novos conceitos, com uma lógica própria que incorporou ou  beneficiou sua divulgação, mas que comprometeu inexoravelmente a sua  pureza. Não foi diferente no Brasil em relação à música e, talvez por  essa razão, os estudiosos gostem tanto de qualificar os anos 30 como a  Era de Ouro. Os talentos citados não estavam absolutamente contaminados  por tudo o que estava acontecendo até que, em 1950, a televisão chegou  ao Brasil e o rádio entrou em decadência.
Foi o rádio, por exemplo, que tornou  possível a carreira de Cyro Monteiro, rechaçado pela RCA como cantor. De  Francisco Alves a Cauby Peixoto, Ângela Maria, Emilinha Borba e  Marlene, o binômio rádio-disco explica o êxito de muitas pessoas, a  maioria já citada neste texto.
A bossa novaChega de saudade, João Gilberto,  1958. Aí se encontra a pedra fundamental da bossa nova, embora já  tivesse sido lançado no ano anterior o LP Canção do amor demais, de  Elizeth Cardoso (selo Festa), com músicas de Tom Jobim e Vinícius de  Moraes, no qual se ouviu pela primeira vez a marcação diferente do  violão de João Gilberto, um baiano recém-chegado de Juazeiro.
A capital federal passava por  mudanças estruturais: em vez das casas de Vila Isabel, os edifícios de  Copacabana e Ipanema; em lugar do rádio, a televisão; em substituição a  Getúlio, J.K.; das serenatas às boates. Tudo muito mais íntimo e mais  cool. O cenário estava preparado para que João chegasse e nos ensinasse a  "ser para sempre desafinados" (Saudosismo, de Caetano Veloso).
Logo em seguida aos shows  experimentais em vários clubes do Rio e de São Paulo, o batismo de fogo:  em 1962, a bossa nova faz sua estréia internacional em um show  histórico no Carnegie Hall, em Nova York. Pronto: a estética do sorriso e  da flor, do banquinho e do violão, do barquinho deslizando pelo suave  azul do mar estava pronta para ganhar o mundo.Principais compositores: Tom  Jobim, Newton Mendonça, Vinícius de Moraes, João Gilberto, Carlos Lyra,  Ronaldo Bôscoli, Durvan Ferreira, Sérgio Ricardo, Marcos e Paulo Sérgio  Valle, Roberto Menescal, Oscar Castro Neves, Edu Lobo e Baden Powell.
Principais intérpretes: João  Gilberto, Astrud Gilberto, Sylvia Telles, Nara Leão, Leny Andrade,  Wilson Simonal, Elis Regina, Nana Caymmi e Os Cariocas.
Principais instrumentistas: Luiz  Eça, Paulo Moura, Tenório Jr., Edson Machado, Sérgio Mendes, Zimbo  Trio, Tamba Trio, Eumir Deodato, Paulinho Nogueira e César Camargo  Mariano.
TropicalismoAs voltas que deu o mundo no final  dos anos 60 provocaram uma súbita agitação também no Brasil musical.  Cohn-Bendit (no aspecto político) e Bob Dylan, para não falar de  Hendrix, Janis Joplin, The Beatles, Santana e Rolling Stones, estenderam  aos trópicos suas influências e o modelo do banquinho e o violão deixou  de ser suficiente. Era indispensável assimilar outros recursos técnicos  lançados no mercado, adaptar-se à forma harmônica imposta pelo Norte:  guitarra, baixo, teclados e bateria.
O tropicalismo foi a melhor resposta  brasileira ao novo estilo (também humilde e popular, a jovem guarda).  Suas características: irreverência e informalidade, mas com teoria;  resgate do mau gosto, embora a ótica atacasse esse mesmo mau gosto; e  uma prática que incorporava a revolução dos costumes da época. A teoria  se baseava em Oswald de Andrade (Manifesto do Pau-Brasil) e na Semana  Modernista de 22, sendo influenciada pelos irmãos Campos (Augusto e  Haroldo), Décio Pignatary e o maestro Rogério Duprat. Há quem creia que o  movimento tenha durado apenas o que durou o ano de 1968, tendo se  esgotado quando Caetano e Gil foram presos, logo que se decretou o AI-5,  o mais arbitrário dos atos do golpe de 64 no Brasil. De qualquer forma,  suas influências ainda podem ser sentidas na música feita atualmente no  país.
Principais compositores: Caetano Veloso, Gilberto Gil, Torquato Neto, Capinan, Tom Zé e Macalé.Principais intérpretes: Gal Costa, Nara Leão (somente no LP-manifesto Tropicália), Mutantes e Rita Lee.Principais instrumentistas: Lanny Gordon, Naná Vasconcellos, Macalé, Perinho, Albuquerque, Perinho Santana, Perna Fróes, Tuzé de Abreu e Tuti Moreno.
O panorama atualO Brasil vive uma fase musical  ecumênica. Já não se sente a necessidade de derrubar o velho para erigir  o novo. Isto provém, especialmente, do espaço que abriram os gêneros  brasileiros em diversos lugares do mundo. Samba e choro são consumidos  no Japão. A música instrumental é reverenciada pelos mais destacados  músicos de jazz do planeta e ninguém pode se sentir atualizado (up to  date) se não conhece os principais compositores brasileiros.Devido a esse interesse do exterior,  as companhias gravadoras e as emissoras de rádio são mais generosas com  as percentagens de registro e execução do produto nacional. É lamentável  que, passada a fase dos festivais, a televisão tenha se tornado uma  sócia cada vez menos participante de nossos músicos. Não existe, na  programação das redes de televisão convencionais, nenhum espaço  significativo para a MPB.
Principais compositores:  Chico Buarque, Milton Nascimento, Djavan, Caetano Veloso, Gilberto Gil,  Ivan Lins, João Bosco, Guinga, Chico César, Cássia Eller, Fátima  Guedes, Cazuza, Renato Russo, Lobão, Lulu Santos, Suely Costa, Alceu  Valença, Fagner, Elomar, Geraldo Azevedo, Luiz Melodia, Joyce e Jorge  Benjor.

Principais intérpretes: Leila Pinheiro, Gal Costa, Nana  Caymmi, Leny Andrade, Zizi Possi, Elba Ramalho, Fafá de Belém, Simone,  Verônica Sabino e Itamara Koorax.
Principais instrumentistas: Cláudio  Roditi, Márcio Montarroyos, Paulinho Trompete (trompeta), Mauro Senise,  Leo Gandelman, Widor Santiago, Ion Muniz, Ivo Perelman, Raul  Mascarenhas (sax e flauta), Raul de Souza (trombone), Cristóvão Bastos,  Wagner Tiso, Gilson Peranzetta, Leandro Braga, Antonio Adolfo (piano),  Sebastião Tapajós, Helio Delmiro, Toninho Horta, Romero Lubambo, Dori  Caymmi, Ricardo Silveira (guitarra e viola), Rildo Hora (harmônica) e  Hermeto Paschoal (multi-instrumentista).
As danças folclóricasAs danças e espetáculos folclóricos  no Brasil são ricas formas de expressão artística popular. Os temas, o  ritmo, a indumentária e as coreografias revelam os três principais  componentes da cultura nacional em total interação. Há um grande número  de danças folclóricas brasileiras, que englobam desde os caboclinhos e  caiapós, dramatizações das primeiras guerras entre os portugueses e os  índios, representadas nos estados de Pernambuco e Alagoas, até a  cavalhada de Pirenópolis, no estado de Goiás, uma representação teatral  ao ar livre, que dura três dias e descreve a guerra entre os cristãos e  os mouros na península Ibérica. A cavalhada representa a sobrevivência  da tradição dos torneios medievais.
&nbsp;CapoeiraA capoeira é uma dança de luta,  ritualizada e estilizada, que tem sua própria música e é praticada  principalmente na cidade de Salvador, estado da Bahia. É uma das  expressões características da dança e das artes marciais brasileiras.  Evoluiu a partir de um estilo de luta originário de Angola. Nos  primeiros anos da escravidão havia lutas permanentes entre os negros e  quando o senhor de escravos as descobria, castigava ambos os bandos  envolvidos. Os escravos consideravam essa atitude injusta e criavam  "cortinas de fumaça" por meio da música e das canções, para esconder as  verdadeiras brigas. Ao longo dos anos, essa prática foi sendo refinada  até se converter em um esporte sumamente atlético, no qual dois  participantes desfecham golpes entre si, usando apenas as pernas, pés  calcanhares e cabeças, sem utilizar as mãos. Os lutadores deslizam com  grande rapidez pelo solo fazendo estrelas e dando espécies de  cambalhotas. O conjunto musical que acompanha a capoeira inclui o  berimbau, um tipo de instrumento de madeira em forma de arco, com uma  corda metálica que vai de uma extremidade à outra. Na extremidade  inferior do berimbau há uma cabaça pintada, que funciona como caixa de  som. O músico sacode o arco e, enquanto ressoam as sementes da cabaça,  toca a corda tensa com uma moeda de cobre para produzir um tipo de som  único, parecido com um gemido.
Os espetáculos folclóricosAlém das danças folclóricas, existem  também no Brasil muitos espetáculos populares de dança, verdadeiras  produções teatrais que têm sua origem em estórias da Idade Média. Esses  espetáculos, de origem portuguesa, foram se transformando  consideravelmente, devido a séculos de convivência com as diversas  culturas do Brasil. Mário de Andrade, uma grande autoridade em folclore  nacional, classifica esses espetáculos em quatro categorias: reisados,  cheganças, pastoris e ranchos.
ReisadosEsse espetáculo consiste em uma série  de 24 expressões folclóricas, das quais o bumba-meu-boi é a mais  popular. O enredo do boi está centrado nos infortúnios do touro  premiado, a quem um poderoso criador de gado procura intensamente, a fim  de melhorar o seu rebanho.
ChegançasEsse espetáculo folclórico, cuja  denominação significa "chegada", é apresentado durante a época de Natal.  Descreve a chegada por mar, dos mouros, sua derrota e, finalmente, seu  batismo, recebido por intermédio dos cristãos.
&nbsp;PastorisSua denominação significa "pastores".  Começou a existir como um espetáculo no qual eram entoados cânticos  natalinos em frente a um presépio que servia como preâmbulo para a missa  do galo. Atualmente é um evento secular. As mulheres arruaceiras  desfilam em filas paralelas, que recebem o nome de filas vermelhas e  azuis. Cada fila apresenta os mesmos personagens: o maestro, Diana, o  anjo formoso, a cigana, o homem velho (um comediante), a Estrela do  Norte e a Cruz do Sul, entre outros; As meninas cantam e tocam  tamboretes acompanhadas de violões e um só instrumento de sopro.
RanchosEntre as formas mais primitivas do  carnaval, tal como era festejado no Rio de Janeiro, encontravam-se os  ranchos, solenes e românticas estórias de amor representadas por  dançarinos que se movimentavam ao ritmo de marcha. Todos os anos eram  escritos novos ranchos e os grupos de dançarinos, que representavam  diferentes bairros do Rio, eram encarregados dessa função. Competiam  entre si para alcançar o reconhecimento do público e ganhar prêmios,  convertendo-se assim, nos precursores das escolas de samba.
O carnavalInversão do mundo: sobre as festas e o carnaval do BrasilTodas as sociedades alternam o sonho  com a realidade, a rotina e os momentos extraordinários. É quando  produzem seus ritos e festas e, com eles, constituem, consolidam e  celebram seus valores. Toda festa produz uma brecha na vida diária,  porque tem como objetivo consolidar e captar valores adormecidos pelo  cotidiano, dimensão na qual a vida se realiza presa aos ritmos  inevitáveis da produção e do consumo, do homem e da mulher, da criança e  do adulto, da casa e da rua, do parente e do estranho, dos padrões da  ordem e de seus eventuais desvios e rupturas.A estas mudanças drásticas,  planejadas e produzidas pela sociedade, a estas rupturas intencionais  com o cotidiano, chamamos festas, rituais, diversões, solenidades,  farras, bailes, cerimônias, jogos e carnavais. Os nomes variam mas  apontam para a quebra controlada da rotina. Somente nas festas pode-se  ver o austero chefe de família disfarçado de palhaço, descobrir que a  autoridade política é humana (porque também sabe rir e gosta de beber e  dançar) e contemplar a enigmática nobreza da empregada doméstica, agora  transformada em porta-estandarte de sua Escola de Samba.
Sobre as festas no BrasilPodemos dividir as festas brasileiras  em duas modalidades. Existem os "rituais de ordem", que legitimam e  exacerbam as posições sociais existentes, e os "ritos da desordem", que  promovem uma inversão do mundo e sugerem a eliminação temporária das  fronteiras entre os sexos, idades, etnias, espaços e classes sociais.O Brasil chama a atenção pelo  equilíbrio entre as "festas da ordem" (dominantes nos países do chamado  "primeiro mundo") e as "festas da desordem" (hegemônicas nas sociedades  tradicionais). Assim, toda a comunidade brasileira que se preze possui  seus ritos locais - desde as festas de santo às comemorações de datas e  personagens que somente têm sentido para aquele grupo específico. Não  obstante, festejam também as chamadas "grandes datas nacionais" (como o  Dia da Pátria, a Semana Santa) e os rituais de orgia da desordem, como o  Carnaval.
As festas da ordemPara o Brasil-nação, ou seja, o  Brasil concebido como uma coletividade constituída por cidadãos e  projetada em um território, existem as comemorações da Independência e  todas as outras solenidades cívicas ou modernas que caracterizam o  universo burguês, capitalista e individualista em que vivemos.
Ao contrário dos países que tomamos  como modelo, no entanto, não abandonamos outras formas de celebração.  Não desistimos, por exemplo, dos rituais católicos que têm como ponto  central não o indivíduo ou o ideal igualitário liberal, mas uma visão  hierarquizada e complementar do mundo. Tampouco nos esquecemos do  carnaval, que subverte a ordem burguesa e acentua uma sensualidade  aberta, muitas vezes chocante, para quem chega do chamado "primeiro  mundo".Na verdade, ao mesmo tempo em que a  comemoração da Independência tem como objetivo a idéia de Estado  Nacional, as solenidades da Semana Santa ritualizam os laços de  sacrifício (e contratuais) entre este mundo e o outro; enquanto o  carnaval, com seu riso franco e seu exagero, celebra uma renovação do  mundo, relativizando, entre outras coisas, os tabus sexuais, o trabalho  se dá como obrigação e a austeridade, como norma de vida.
Se, portanto, os "rituais da ordem"  dramatizam a modernidade, o progresso e a independência individual, os  "ritos da desordem" apontam para relações de interdependência. Neles,  todos são diferentes, embora complementares, frente a uma comunidade  moral que precede a existência do Estado nacional. Nessas celebrações,  substituem-se as autoridades politicamente constituídas pelas entidades  que governam a sociedade e o outro mundo: povo, personagens, santos,  deuses, mortos ou espíritos, conforme ocorre respectivamente no  carnaval, nas congadas, nos reizados, nas festas do Divino e nos rituais  afro-brasileiros do candomblé e da umbanda.
Temos, portanto, uma curiosa  polaridade no sistema de festas. Do lado da ordem, estão as comemorações  do Sete de Setembro, do Dia da Bandeira, do Dia do Soldado, as  Eleições, a Festa do Dia do Trabalho, os rituais de posse de cargos  públicos e todas as outras celebrações que obrigam a recordar eventos  básicos da história do Brasil como nação. Do lado da desordem, há um  conjunto de festas que funciona de outro modo.
As celebrações da desordemPrimeiro, porque a origem dessas  festas se perde no tempo, como é o caso dos reisados, das marujadas, das  festas do Divino e do carnaval. Depois, porque indicam ações "arcaicas"  e "elementares" - atos trans, anti ou a-históricos - como a troca de  presentes, o canto conjunto, a gargalhada irônica e uma sexualidade sem  responsabilidade jurídica. Realmente, se sabemos bem por que vamos a um  enterro, por que fazemos a festa de Nossa Senhora de Nazaré ou o Sete de  Setembro, não sabemos o porquê do carnaval, que parece ter razões que a  racionalidade moderna, científica e burguesa desconhece.O que mais chama a atenção nos  "rituais da desordem" e nas "festas populares", contudo, é sua  apresentação por segmentos cuja posição social é das mais humildes, mas  que, no momento da festa, surgem como aristocracia, organização militar  ou grupo mitológico.
Dessa forma, nas marujadas, nas  congadas, nos reisados e nas festas do Divino, a festa é organizada com o  objetivo de reconstruir o poder local. Nelas, há de tudo: generais,  capitães, sacerdotes, príncipes, reis, rainhas, embaixadores, ajudantes  de ordem, dentistas, médicos, patrões, vassalos, caseiros, mascarados,  juízes, prostitutas, mouros, cristãos paradigmáticos e cavaleiros que o  povo utiliza para formular a sua visão crítica e cômica das elites.Em um sentido profundo, essas festas  ressaltam, de forma cômica, uma série de traços que tipificam as classes  dominantes, como sua rigidez hierárquica, sua fascinação por títulos  honoríficos, sua extremada submissão, sua dura autoridade, sua rede de  intrigas e suspeitas, sua mesquinhez, sua proverbial desonestidade e sua  riqueza.
O denominador comum de todos esses  ritos é a inversão do mundo, o que permite identificar uma dura  realidade social, que surge transfigurada nos personagens fisicamente  perfeitos que, a partir do luxo das fantasias, uniformes, vestimentas ou  disfarces, distribuem beijos e graças a seus admiradores. Assim ocorre  nos desfiles carnavalescos, nos quais os pobres não se representam como  ricos, mas se transformam naquilo que a riqueza tem de melhor: sua  inerente nobreza e autoridade. Autoridade que momentaneamente reinstaura  as obrigações que os ricos devem ter para com os pobres.
Nas "festas da desordem", em geral, e  no carnaval em particular, a subordinação sombria da vida real é  temporariamente substituída por um drama luminoso de sedução, que  traspassa as barreiras sociais. Ali mesmo, no espaço urbano marcado por  todos os tipos de aparatos eletrônicos e por uma modernidade  individualista, um universo que obriga a aceitar a superioridade  financeira do rico de forma indiscutível, todos - desde o presidente até  o mais humilde varredor de rua - podem tornar-se cinzentos e mudar de  lugar, sendo simultaneamente atores e espectadores.Qual é a lição dessas festas e do carnaval?
Ao reverenciar uma sociedade híbrida,  na qual a modernidade não surge em estado puro e, necessariamente, se  nivela com a tradição local, ao formar uma densa paisagem social que é  trans, anti ou pós-moderna, essas festas enaltecem dois estilos de vida  que, em todas as partes, estiveram em guerra e em conflito.