EXCURSÃO PARA A 8º BIENAL DO MERCOSUL EM POA - NOVEMBRO 2011
Autor: Mariane Valéria Berger | Publicado: 2011-11-19T16:35:00-08:00


EXCURSÃO COM A TURMA 105 DO CURSO NORMALPARA A BIENAL E FEIRA DO LIVRO EM POA

ABAIXO OBRA DE LUIS GÁRCIGA:NOME DA OBRA:&nbsp;&nbsp;FIBRA ÓPTICATrabalha prioritariamente com videoarte, performance e arte relacional. Tem pesquisado a relação entre arte e documentação a partir de obras que podem ser situadas entre o registro da realidade e a construção de ficções. A produção de Luis Gárciga investiga a noção de território dentro do contexto cultural, social e político de Cuba. Em sua trajetória, o artista buscou discutir as diferentes concepções e relações que sua geração, a de seus pais e a de seus avós estabeleceram com a nação e particularmente com o pedaço de terra em que vivem. Sua prática artística aborda a geografia, as fronteiras, os limites físicos e humanos de Cuba sem desprezar as variantes históricas e os acontecimentos mais urgentes da ilha. Seu trabalho é também um modo de romper o isolamento geográfico e comercial de Cuba na era global. Uma de suas experiências mais instigantes se aproveitou da relativa imunidade da arte para conseguir que sapatos atravessassem ilegalmente as fronteiras. O transporte de obras de arte passa a ser um modo de proporcionar aos familiares de cubanos que moram no exterior o envio de produtos para seus parentes que vivem isolados na ilha. Sua obra lida direta e ironicamente com as enormes dificuldades dos trâmites alfandegários.Os aparatos velhos e em mau funcionamento da parte cubana viajam para compor a instalação na 8ª Bienal do Mercosul. Durante a mostra, os parentes e amigos levam para o armazém equipamentos e informações que serão enviados para Cuba. O trabalho vai se modificando durante o tempo de exposição, através da substituição de um dispositivo por outro e através da incorporação de toda a informação que, invisivelmente, será traficada para Cuba. As regras alfandegárias e o uso limitado e precário da internet na ilha colaboram para que as distâncias entre Cuba e outros países geograficamente próximos seja ainda maior. Fibra óptima encontra uma brecha no sistema e trata ironicamente das condições atuais que retardam a entrada da tecnologia e de informações na ilha.

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&nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; ABAIXO OBRAS DE JEAN FRANÇOIS BOCLÉ:NOME DA OBRA:&nbsp;CONSOMMONS RACIALJean&nbsp;François Boclé vem negociando seu duplo pertencimento (Caribe-Europa) através de obras que envolvem as temáticas de raça e de identidade nacional. Muitos de seus trabalhos representam o resultado de processos extensos de busca de objetos em diversas partes do mundo, objetos que ele vai acumulando até tomarem uma dimensão conceitualmente consistente. Em obras como Le petit musée des horreurs coloniais (2007 – em processo), Boclé reúne, em vitrines, objetos encontrados em mercados de pulgas ou em lojas de diversas partes do mundo, brinquedos infantis e fotografias familiares que se referem à imagem do negro na cultura popular: “Subverto os pequenos hábitos e procedimentos museológicos dos templos do saber etnológico e histórico. Convido o público para outra visita: um olhar fatigado, comovido, errante”. As instalações de Boclé mostram até que ponto – antes das reivindicações culturais dos anos 1980 e das conquistas sobre os direitos de autodeterminação e autorrepresentação de comunidades “invisibilizadas”, como os povos indígenas ou os afrodescendentes – a publicidade usava a imagem do índio ou do negro para produtos alimentares ou de limpeza, reforçando o estereótipo de certas raças na função de empregados domésticos.
&nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp; &nbsp;Consommons racial! é uma grande prateleira na parede, onde caixas e frascos de diversos produtos comerciais se acumulam como num supermercado. Um olhar mais atento a essa colorida justaposição de imagens revela que em todos os produtos aparece a imagem caricaturizada de um personagem de raça negra ou é utilizada uma referência textual à raça, com nomes como “Aunt Jemima”, “La Blanquita”, “La Negrita”, ou simplesmente “Negro”. Os traços raciais são exagerados até devirem um estereótipo: olhos abertos, boca grande, dentes brancos, em uma expressão de alegre conformidade de um papel social forçado pelo colonialismo, ou, como é definido pelo artista, “[o] sorriso de aceitação beata de uma relação de poder desigual”.




ABAIXO OBRA DE&nbsp;LUCÍA MADRIZNOME DA OBRA: PRELÚDIOO modo como as relações de poder estruturam a sociedade é um tema central na obra de Lucía Madriz. As construções identitárias em torno da mulher pautaram seus primeiros trabalhos, que aos poucos passaram a enfocar outros interesses, como “a propriedade intelectual, a privatização de recursos naturais e bens de domínio público, a segurança e a soberania alimentar e a conversão da natureza em mercadoria”, nas palavras da crítica Tamara Díaz. Um exemplo são as instalações realizadas com grãos de milho, arroz e feijão, trabalhos que questionam o uso de sementes geneticamente modificadas pelos efeitos trazidos à saúde e ao meio ambiente, pelo impacto junto às populações rurais e pela dependência econômica gerada pelo modelo. A preocupação ambiental marca a produção recente de Lucía, para quem a “arte é um meio de apresentar questões e estabelecer um diálogo com o público”. O entendimento está na base de Mi experimento verde (2010), um guia prático para adquirir hábitos sustentáveis e tornar-se um cidadão mais responsável com o planeta. A publicação é acompanhada de um blog, em que os interessados podem compartilhar seus aprendizados.Prelúdio (2011) inspira-se em imagens que ilustram a conquista das Américas, a exemplo das gravuras de Johannes Stradanus (1523-1605), Theodore de Bry (1528 - 1598) e Theodor Galle (1571-1633). Trata-se de representações que funcionam como documentos históricos, recriando fatos, paisagens, vestimentas, objetos e costumes. Realizada com feijões e pedrinhas em diferentes tons, a instalação aponta para o entendimento das noções de história, território e identidade como narração, interpretação ou construção cultural.










ABAIXO OBRA DE&nbsp;MARCELO CIDADENOME DA OBRA: lUTO E LUTAO trabalho de Marcelo Cidade se insere nas fronteiras entre espaços externos e internos. Frequentemente, ele opera a partir do deslocamento de objetos cotidianos emblemáticos, como carrinhos de supermercado para discutir o consumismo ou blocos de concreto ou pedaços de calçada para abordar a cidade. Algumas de suas experiências embaralham as marcas já presentes no espaço público, como os vestígios de fogueiras, com intervenções e grafites elaborados para se camuflarem na urbe. A demarcação de território por meio de pichações ou a ironia sobre o controle por simulações de câmeras de vigilância estão entre suas propostas. Em sua pesquisa, o artista aborda a relação do cidadão com o espaço vigiado e agressivo em que vive, rodeado por muros cobertos por cacos de vidro ou espetos antipombos. De modo crítico, ele repensa o território em que vivemos e nos faz refletir sobre a pobreza da vida social urbana. São recorrentes em seu vocabulário elementos cinzas, particularmente o cimento e os instrumentos da construção civil.Em Luto e luta (2008), uma pilha retangular de blocos de concreto, elementos que acionam diretamente a ideia de construção, se apoia sobre a bandeira do Brasil. É como se esses módulos volumosos e pesados formassem uma lápide que encobre o símbolo nacional. Em vez de a bandeira aparecer sobre o túmulo, como nas homenagens aos heróis nacionais, ela surge embaixo, como elemento vencido. O sonho construtivo brasileiro dos anos 1950 – momento marcado pelo otimismo e pelo ideal desenvolvimentista – é um projeto soterrado, uma ruína de algo que não se realizou completamente.




ABAIXO OBRA DE&nbsp;REGINA SILVEIRAnOME DA OBRA:&nbsp;To be continued... (Latin American puzzle)Silveira é amplamente conhecida por seu trabalho sobre as convenções da representação e por sua pesquisa de décadas sobre a luz e a sombra. Muitas de suas obras têm uma aproximação fenomenológica, privilegiando o paradoxo visual e a experiência corporal sobre consequências de cunho mais político ou sociológico. Entretanto, a sombra tem implicações complexas na linguagem e, em consequência, Silveira a utiliza para fazer comentários sobre o poder, como em Os grandes (1981), em que um grupo de personagens com aparência de políticos ou dirigentes projeta enormes sombras sinistras; ou como em Encontro (1991), em que cada personagem projeta a sombra de uma arma ou ferramenta de aspecto ameaçador. Em Paradoxo do santo (1994), Silveira contrapõe uma imagem de um pequeno santo popular que representa Santiago Matamoros com a sombra da estátua equestre do Duque de Caxias, patrono militar do Brasil, para fazer um poderoso comentário sobre duas formas de dominação na América Latina: a militar e a religiosa.To be continued... (Latin American puzzle) é um quebra-cabeça gigante, cujas peças, apesar de se encaixarem perfeitamente, nunca conseguem armar uma imagem global correta ou completa. Cada uma delas tem imagens estereotípicas de América Latina: Che Guevara, Carlos Gardel, a Virgem de Guadalupe, os monumentos eqüestres dos precursores da Independência, os mariachis, as igrejas coloniais, as guerrilhas revolucionárias, as culturas indígenas pré-colombinas, os animais andinos, as frutas tropicais, Carmem Miranda, os militarismos... Nas palavras de Silveira, “a montagem do quebra-cabeça compõe inevitavelmente narrativas abertas e caóticas que misturam diferentes geografias, épocas e culturas. Uma obra (quase diria ‘turística’) que revela o olhar precário do ‘outro’ estrangeiro, que conhece apenas, quando muito, estereótipos da nossa cultura e ‘paisagens’”.



 
ABAIXO: &nbsp;Todos os símbolos das bandeiras
formam a bandeira de um planeta em paz
com suas fronteiras.






ABAIXO OBRAS DE LAIS MYRRHA:Nome da obra: onde nunca anoiteceÉ da desconfiança sobre a capacidade da cartografia representar o mundo que o trabalho de Lais Myrrha trata. O apagamento físico e simbólico, procedimento recorrente em sua obra, se dá também em relação aos mapas. Trata-se da dissolução não apenas das fronteiras presentes nos continentes e mares, mas das impressões sobre papel de atlas geográficos. Como se a “provisoriedade” das representações cartográficas, principalmente nos mapas políticos, invalidasse sua pertinência. A artista, reconhecendo os limites da cartografia, parece sonhar com o extermínio da sua pretensa objetividade científica. Em um de seus trabalhos há a ideia de espelhamento do céu no chão, tentando captar o movimento das estrelas, numa espécie de carta celeste em processo. A investigação sobre a representação do tempo na cartografia surge de modo poético em seu trabalho. Ao longo de sua trajetória, a artista trabalhou diretamente com os símbolos nacionais. Realizou pinturas em que sobrepõe a imagem das bandeiras de todos os países do mundo. Em uma das telas, as bandeiras foram organizadas em ordem alfabética decrescente e em outra na ordem crescente. Mais do que a síntese dos símbolos das nações, trata-se justamente da constatação da impossibilidade de uma imagem totalizadora que reúna todos os países. Em sua obra, é como se as fronteiras geopolíticas fossem redesenhadas. A artista nos coloca o desafio de nos reposicionarmos em relação aos horizontes a partir da consciência do lugar que ocupamos.Onde nunca anoitece transforma o amanhecer, a luz, em sinal sonoro. Podemos dizer que se trata de uma representação visual e sonora do planeta Terra. Cada relógio está situado num ponto onde se encontram um meridiano e um paralelo. O resultado é um arranjo semelhante à projeção plana do mapa-múndi. Os meridianos do mapa possuem relógios que marcam precisamente o horário local e cada relógio desperta no alvorecer do local que representa. Sucessivamente, cada um dos relógios anuncia o dia numa espécie de cartografia do tempo.



ABAIXO OBRA DE&nbsp;LUIS ROMERO:Nome da obra: cielo (céu)Um dos principais interesses de Luis Romero é o valor comunicativo dos sinais gráficos no espaço público. Seu projeto Tipos Móviles [Tipos Móveis] já foi realizado em contextos muito diversos, como Londres, Cartagena das Índias (Colômbia), Buenos Aires e Bogotá. O processo consiste em identificar no lugar da exposição uma prensa tipográfica, tecnologia obsoleta que está rapidamente desaparecendo ao ser substituída pela impressão digital, mais rápida e barata. Com a ajuda de voluntários, usualmente artistas locais, Romero reativa a prensa e produz com eles uma série de cartazes tipográficos de grande força visual. Alguns dos cartazes têm uma forte intencionalidade política, outros são mais próximos à poesia concreta. Os cartazes são colocados no espaço urbano, onde coexistem com os cartazes comerciais, estabelecendo um interessante diálogo com as retóricas da persuasão publicitária. Romero também se interessa pela linguagem gráfica das bandeiras, que pretendem comunicar, com diferentes tipos de códigos visuais, conceitos abstratos como liberdade, independência, riqueza, poder e território. No contexto de um país em plena revolução política, onde o sistema de museus foi acusado de elitismo, Romero lidera, há seis anos, o Oficina #1, um espaço artístico independente em Caracas.Para realizar a instalação Cielo [Céu] (2010) Romero selecionou as bandeiras nas quais aparecem as figuras do sol, da lua ou das estrelas, bordando essas formas com linha branca sobre tecido negro. As bandeiras mantêm sua estrutura gráfica, mas as cores características são substituídas por esse fundo negro que as unifica. Desligadas de outros elementos, como franjas, escudos e textos, das associações políticas, das cores e das referências religiosas, de formas, como a meia lua ou certos tipos de estrela, as bandeiras configuram um enorme céu cheio de constelações, um utópico território universal.




ABAIXO OBRAS DE&nbsp;
ÂNGELA&nbsp;DETANICO E RAFAEL LAIN:&nbsp;
Utilizam o design e a tipografia para desenvolver sistemas de escrita – ou de compreensão e organização do mundo. A arbitrariedade de mecanismos de representação como alfabetos e cartografias e o fato de eles sempre envolverem uma interpretação da realidade estão na base de suas criações. Exemplo disso é O mundo justificado... (2004), em que os artistas redesenham o mapa-múndi com linhas gráficas diagramadas como um texto: justificadas, alinhadas à esquerda, centralizadas e alinhadas à direita. Ao sugerir diferentes conformações geopolíticas, o trabalho evidencia o caráter arbitrário desse sistema de notação, que não apenas representa o mundo, mas o recria, redefinindo o que é centro, periferia, norte, sul, etc. Uma das obras mais conhecidas da dupla é a fonte Utopia (2001/2003), que combina elementos da arquitetura moderna de Oscar Niemeyer – letras maiúsculas – a exemplos da ocupação informal das cidades brasileiras – letras minúsculas. A tipografia cria paisagens urbanas caóticas, que apontam não só para a fragilidade do projeto moderno, mas para as profundas diferenças e tensões que compõem um cenário em constante reconfiguração.Em Sol médio (Cruzeiro do Sul) (2011) os artistas criam um sistema de representação de um dos símbolos mais conhecidos do hemisfério meridional: a constelação que permite identificar o polo sul. Quatro pirâmides distribuem-se no espaço, seguindo o desenho do Cruzeiro do Sul. Por meio de um jogo de projeções, vemos a suposta incidência do sol sobre a paisagem e os efeitos de luz e sombra gerados ao longo do dia, de acordo com a posição de cada objeto




ABAIXO OBRA DE&nbsp;MIGUEL LUCIANO&nbsp;A famosa insurreição conhecida como o Grito de Lares, em 1868, significou o início de um processo que eventualmente levaria à independência de Porto Rico – que durou pouco, pois os Estados Unidos, nesse momento, em plena expansão imperialista, ganharam o controle da ilha em 1898, como resultado da guerra contra a Espanha. Desde então, Porto Rico vem mantendo uma ambígua condição nacional que hoje se expressa no status de "Estado Livre Associado", no qual a moeda e o passaporte são norte-americanos, mas, ainda, o idioma é o espanhol e a cultura é a caribenha. Dessa última, particularmente a música popular parece ser um dos últimos espaços de resistência cultural dos porto-riquenhos diante do avanço irrefreável da cultura de massa norte-americana na ilha. Miguel Luciano toma traços típicos da cultura boricua, os singulariza e propõe obras cheias de humor, em que, frequentemente, o público é convidado a participar. Muitas das suas obras são apresentadas no contexto das comunidades de porto-riquenhos nos Estados Unidos, que nasceram ou cresceram lá, com a nostalgia de uma ilha idealizada que é evocada a partir de fragmentos descontextualizados. Luciano apropria, combina e transforma jogos e ditados populares, comidas de rua e imagens religiosas, “Misturando nostalgia tropical com [elementos] urbanos [...] [que] assinalam a incapacidade das comunidades transplantadas de recriar seu passado”.Na série de pinturas reunidas para a Bienal do Mercosul, Luciano &nbsp;reinterpreta as etiquetas de produtos comerciais impressas em Louisiana, o primeiro porto de entrada de imigrantes porto-riquenhos nos Estados Unidos e uma das primeiras representações da cultura boricua neste país. Luciano justapõe imagens de produtos comerciais com ícones religiosos e uma multidão de referências culturais e políticas que falam da difícil relação entre as duas culturas para se referir a questões como identidade nacional, intervencionismo militar, tensões comerciais e anedotas locais.