HISTÓRIA DA ARTE
Autor: Solbernardo | Publicado: 2011-07-19T18:39:00-07:00



Fernando Pessoa e sua relação com o movimento Modernista Português
É de suma importância relembrarmos primeiramente sobre o Modernismo em Portugal antes de começarmos a falar deste grandioso poeta. 

Como toda estética literária advém de um contexto histórico e político, o Modernismo português surgiu sob um clima de grande instabilidade interna, com greves sucessivas, aliado às dificuldades trazidas pela eclosão da Primeira Guerra Mundial. 

O assassinato do rei Carlos X, em 1910, foi o ponto de partida para a proclamação da República. Com isso, surgiu a necessidade de defender as colônias ultramarinas, razão pela qual o povo português manifestou todo o seu saudosismo de maneira acentuada. 


A lembrança das antigas glórias marítimas e a lamentação pelo desconcerto que dominou o país após o desaparecimento de Dom Sebastião serviram de berço para o nascimento de uma revista que representaria o Modernismo propriamente dito, a revista “Orpheu”, publicada em 1915. 

Fazendo parte dela estavam presentes figuras artísticas importantíssimas, tais como: 
Mário de Sá-Carneiro, Luís Montalvor, José de Almada-Negreiros e Fernando Pessoa. 

Seu conteúdo baseava-se no questionamento dos valores estabelecidos estética e literariamente, na euforia frente às invenções oriundas da Revolução Industrial e na libertação de todas as regras e convenções referentes à produção artística da época. 
Os ecos Futuristas na valorização da máquina e da velocidade aparecem já no primeiro número dos versos do poema “Ode triunfal”, de Alberto Caeiro, um dos heterônimos do poeta em estudo. 


Dando enfoque principal a Fernando Pessoa, o mesmo nasceu no dia 13 de junho de 1888 na cidade de Lisboa. Levou uma vida anônima e solitária e morreu em 1935, vítima de uma cirrose hepática. 


Quando falamos deste genioso artista, é necessário fazermos uma distinção entre todos os poemas que assinou com o seu verdadeiro nome - poesia ortônima e todos os outros, atribuídos a diferentes heterônimos, dentre os quais destacam-se Alberto Caeiro, Álvaro de Campos e Ricardo Reis. 

A questão da heteronímia resulta de características pessoais referentes à personalidade de Fernando Pessoa: o desdobramento do “eu”, a multiplicação de identidades e a sinceridade do fingimento, uma condição que patenteou sua criação literária e que deu origem ao poema que segue:


Autopsicografia 

O poeta é um fingidor. 
Finge tão completamente 
Que chega a fingir que é dor 
A dor que deveras sente. 
E os que lêem o que escreve, 
Na dor lida sentem bem, 
Não as duas que ele teve, 
Mas só a que eles não têm. 

E assim nas calhas de roda 
Gira, a entreter a razão, 
Esse comboio de corda 
Que se chama coração 

Pessoa, Fernando. Lírica e dramática, In: Obras de Fernando Pessoa 



No que se refere aos heterônimos, vejamos: 


Alberto Caeiro 

É uma poesia aparentemente simples, mas que na verdade esconde uma imensa complexidade filosófica, a qual aborda a questão da percepção do mundo e da tendência do homem em transformar aquilo que vê em símbolos, sendo incapaz de compreender o seu verdadeiro significado. 


A Criança 

A criança que pensa em fadas e acredita nas fadas 
Age como um deus doente, mas como um deus. 
Porque embora afirme que existe o que não existe 
Sabe como é que as cousas existem, que é existindo, 
Sabe que existir existe e não se explica, 
Sabe que não há razão nenhuma para nada existir, 
Sabe que ser é estar em um ponto 
Só não sabe que o pensamento não é um ponto qualquer. 

Ricardo Reis 

O médico Ricardo Reis é o heterônimo “clássico” de Fernando Pessoa, pois observa-se em toda sua obra a influência dos clássicos gregos e latinos baseada na ideologia do “Carpe Diem”, diante da brevidade da vida e da necessidade de aproveitar o momento. 


Anjos ou Deuses 

Anjos ou deuses, sempre nós tivemos, 
A visão perturbada de que acima 
De nos e compelindo-nos 
Agem outras presenças. 
Como acima dos gados que há nos campos 
O nosso esforço, que eles não compreendem, 
Os coage e obriga 
E eles não nos percebem, 
Nossa vontade e o nosso pensamento 
São as mãos pelas quais outros nos guiam 
Para onde eles querem E nós não desejamos. 

Álvaro de Campos 


Heterônimo futurista de Fernando Pessoa, também é conhecido pela expressão de uma angústia intensa, que sucedeu seu entusiasmo com as conquistas da modernidade. 
Na fase amargurada, o poeta escreveu longos poemas em que revela um grande desencanto existencial. Como podemos observar: 


Tabacaria 

Não sou nada. 
Nunca serei nada. 
Não posso querer ser nada. 
À parte isso, tenho em mim todos os sonhos do mundo. 
Janelas do meu quarto, 
Do meu quarto de um dos milhões do mundo que ninguém sabe quem é 
(E se soubessem quem é, o que saberiam?), 
Dais para o mistério de uma rua cruzada constantemente por gente, 
Para uma rua inacessível a todos os pensamentos, 
Real, impossivelmente real, certa, desconhecidamente certa, 
Com o mistério das coisas por baixo das pedras e dos seres, 
Com a morte a por umidade nas paredes e cabelos brancos nos homens, 
Com o Destino a conduzir a carroça de tudo pela estrada de nada. (...). 
Por Vânia Duarte&nbsp;A Arte RenascentistaINTRODUÇÃO 


Na  medida em que o Renascimento resgata a cultura clássica,  greco-romana,  as construções foram influenciadas por características  antigas,  adaptadas à nova realidade moderna, ou seja, a construção de  igrejas  cristãs adotando-se os padrões clássicos e a construção de  palácios e  mosteiros seguindo as mesmas bases. 




ARQUITETURA 


Os  arquitetos renascentistas perceberam que a origem de construção   clássica estava na geometria euclidiana, que usava como base de suas   obras o quadrado, aplicando-se a perspectiva, com o intuito de se obter   uma construção harmônica. Apesar de racional e antropocêntrica, a arte   renascentista continuou cristã, porém as novas igrejas adotaram um novo   estilo, caracterizado pela funcionalidade e portanto pela  racionalidade,  representada pelo plano centralizado, ou a cruz grega.  Os palácios  também foram construídos de forma plana tendo como base o  quadrado, um  corpo sólido e normalmente com um pátio central,  quadrangular, que tem a  função de fazer chegar a luz às janelas  internas 






 
"Hospital Tavera" Alonso de Covarrubias -- Toledo, Espanha 

   
"Praça do castelo de Vigiano" Bramante -- Lombardia, Itália ESCULTURA 


Pode-se  dizer que a escultura é a forma de expressão artística que  melhor  representa o renascimento, no sentido humanista. Utilizando-se da   perspectiva e da proporção geométrica, destacam-se as figuras humanas,   que até então estavam relegadas a segundo plano, acopladas às paredes ou   capitéis. No renascimento a escultura ganha independência e a obra,   colocada acima de uma base, pode ser apreciada de todos os ângulos. 
Dois  elementos se destacam: a expressão corporal que garante o  equilíbrio,  revelando uma figura humana de músculos levemente torneados e  de  proporções perfeitas; e as expressões das figuras, refletindo seus   sentimentos. Mesmo contrariando a moral cristã da época, o nu volta a   ser utilizado refletindo o naturalismo. 
Encontramos várias obras  retratando elementos mitológicos, como o Baco,  de Michelangelo, assim  como o busto ou as tumbas de mecenas, reis e  papas. 






 
"Busto de Lourenço de Médicis" Michelangelo 

   
"Estátua Eqüestre" Donatello -- Piazza do Santo, Pádua 

PINTURA 


Duas  grandes novidades marcam a pintura renascentista: a utilização da   perspectiva, através da qual os artistas conseguem reproduzir em suas   obras, espaços reais sobre uma superfície plana, dando a noção de   profundidade e de volume, ajudados pelo jogo de cores que permitem   destacar na obra os elementos mais importantes e obscurecer os elementos   secundários, a variação de cores frias e quentes e o manejo da luz   permitem criar distâncias e volumes que parecem ser copiados da   realidade; e a utilização da tinta à óleo, que possibilitará a pintura   sobre tela com uma qualidade maior, dando maior ênfase à realidade e   maior durabilidade às obras. 






 
"Adão de Albrecht Dürer, Museu do Prado -- Madri 

   
MONALISA "Monalisa" de Leonardo da Vinci, Museu do Louvre - Paris Em  um período de ascensão da burguesia e de valorização do homem no   sentido individualista, surgem os retratos ou mesmo cenas de família,   fato que não elimina a produção de caráter religioso, particularmente na   Itália. Nos Países Baixos destacou-se a reprodução do natural de   rostos, paisagens, fauna e flora, com um cuidado e uma exatidão   assombrosos, o que acabou resultando naquilo a que se deu o nome de   Janela para a Realidade. 


As obras abaixo são de  Antonio Allegri (Corregio) e refletem bem o  espírito do renascimento,  caracterizadas por elementos que remontam ao  passado clássico,  elementos religiosos e por grande sensualidade,  destacando a perfeição  das formas e a beleza do corpo, junto a presença  de anjos. 






 
"Danae" Galeria Borghese 

   
"Júpiter e Io" Kunsthistoriches Museum -- Viena 

   
"Nossa Senhora da Cesta" national Gallery -- Londres 

   
"Noli me Tangere" Museu do Prado -- Madri&nbsp;O termo Renascimento é comumente aplicado à civilização      européia que se desenvolveu entre 1300 e 1650. Além de reviver      a antiga cultura greco-romana, ocorreram nesse período muitos progressos      e incontáveis realizações no campo das artes, da literatura      e das ciências, que superaram a herança clássica. O ideal do humanismo foi sem duvida o móvel desse progresso e tornou-se      o próprio espírito do Renascimento.
Trata-se de uma volta deliberada, que propunha a ressurreição      consciente (o re-nascimento) do passado, considerado agora como fonte de inspiração      e modelo de civilização. Num sentido amplo, esse ideal pode      ser entendido como a valorização do homem (Humanismo) e da natureza,      em oposição ao divino e ao sobrenatural, conceitos que haviam      impregnado a cultura da Idade Média. 
Características gerais Racionalidade 
 Dignidade do Ser Humano
 Rigor Científico 
 Ideal Humanista 
 Reutilização das artes greco-romana 
ARQUITETURA Na arquitetura renascentista, a ocupação do espaço pelo      edifício baseia-se em relações matemáticas estabelecidas      de tal forma que o observador possa compreender a lei que o organiza, de qualquer      ponto em que se coloque. 
“Já não é o edifício que possui o homem,      mas este que, aprendendo a lei simples do espaço, possui o segredo      do edifício” (Bruno Zevi, Saber Ver a Arquitetura) 
Principais características Ordens Arquitetônicas 
 Arcos de Volta-Perfeita 
 Simplicidade na construção 
A escultura e a pintura se desprendem da arquitetura e passam a ser autônomas    
Construções; palácios, igrejas, vilas (casa de descanso      fora da cidade), fortalezas (funções militares) 
O principal arquiteto renascentistaBrunelleschi - é um exemplo de artista completo renascentista, pois      foi pintor, escultor e arquiteto. Além de dominar conhecimentos de      Matemática, Geometria e de ser grande conhecedor da poesia de Dante.      Foi como construtor, porém, que realizou seus mais importantes trabalhos,      entre eles a cúpula da catedral de Florença e a Capela Pazzi.    
PINTURA Principais característicasPerspectiva: arte de figura, no desenho ou pintura, as diversas distâncias      e proporções que têm entre si os objetos vistos à      distância, segundo os princípios da matemática e da geometria.    
Uso do claro-escuro: pintar algumas áreas iluminadas e outras na      sombra, esse jogo de contrastes reforça a sugestão de volume      dos corpos. 
Realismo: o artistas do Renascimento não vê      mais o homem como simples observador do mundo que expressa a grandeza de Deus,      mas como a expressão mais grandiosa do próprio Deus. E o mundo      é pensado como uma realidade a ser compreendida cientificamente, e      não apenas admirada. 
Inicia-se o uso da tela e da tinta à óleo. 
Tanto a pintura como a escultura que antes apareciam quase que exclusivamente      como detalhes de obras arquitetônicas, tornam-se manifestações      independentes.
Surgimento de artistas com um estilo pessoal, diferente dos demais, já      que o período é marcado pelo ideal de liberdade e, conseqüentemente,      pelo individualismo. 
Os principais pintores foramBotticelli - os temas de seus quadros foram escolhidos segundo a possibilidade      que lhe proporcionavam de expressar seu ideal de beleza. Para ele, a beleza      estava associada ao ideal cristão. Por isso, as figuras humanas de      seus quadros são belas porque manifestam a graça divina, e,      ao mesmo tempo, melancólicas porque supõem que perderam esse      dom de Deus. 
Obras destacadas: A Primavera e O Nascimento de Vênus. 
Leonardo da Vinci Ele dominou com sabedoria um jogo expressivo de luz e sombra, gerador de      uma atmosfera que parte da realidade mas estimula a imaginação      do observador. Foi possuidor de um espírito versátil que o tornou      capaz de pesquisar e realizar trabalhos em diversos campos do conhecimento      humano. 
Obras destacadas: A Virgem dos Rochedos e Monalisa. 
Michelângelo Entre 1508 e 1512 trabalhou na pintura do teto da Capela Sistina, no Vaticano.      Para essa capela, concebeu e realizou grande número de cenas do Antigo      Testamento. Dentre tantas que expressam a genialidade do artista, uma particularmente      representativa é a criação do homem. 
Obras destacadas: Teto da Capela Sistina e a Sagrada Família 
Rafael Suas obras comunicam ao observador um sentimento de ordem e segurança,      pois os elementos que compõem seus quadros são dispostos em      espaços amplo, claros e de acordo com uma simetria equilibrada. Foi      considerado grande pintor de “Madonas”. 
Obras destacadas: A Escola de Atenas e Madona da Manhã. 
ESCULTURA Em meados do século XV, com a volta dos papas de Avinhão para      Roma, esta adquire o seu prestígio. Protetores das artes, os papas      deixam o palácio de Latrão e passam a residir no Vaticano. Ali,      grandes escultores se revelam, o maior dos quais é Michelângelo,      que domina toda a escultura italiana do século XVI. Algumas obras:      Moisés, Davi (4,10m) e Pietá. 
Outro grande escultor desse período foi Andrea del Verrochio. Trabalhou      em ourivesaria e esse fato acabou influenciando sua escultura. Obra destacada:      Davi (1,26m) em bronze. 
Principais Características Buscavam representar o homem tal como ele é na realidade 
 Proporção da figura mantendo a sua relação        com a realidade 
 Profundidade e perspectiva 
 Estudo do corpo e do caráter humano 
O Renascimento Italiano se espalha pela Europa, trazendo novos artistas        que nacionalizaram as idéias italianas. São eles: 
 Dürer * Hans Holbein 
 Bosch * Bruegel 
Para seu conhecimento A Capela Sistina foi construída por ordem de Sisto IV (retangular      40 x 13 x 20 altura). E é na própria Capela que se faz o Conclave:      reunião com os cardeais após a morte do Papa para proceder a      eleição do próximo. Lareira que produz fumaça      negra - que o Papa ainda não foi escolhido; fumaça branca -      que o Papa acaba de ser escolhido, avisa o povo na Praça de São      Pedro, no Vaticano 
Michelângelo dominou a escultura e o desenho do corpo humano maravilhosamente      bem, pois tendo dissecado cadáveres por muito tempo, assim como Leonardo      da Vinci, sabia exatamente a posição de cada músculo,      cada tendão, cada veia. 
Além de pintor, Leonardo da Vinci, foi grande inventor. Dentre as      suas invenções estão: “Parafuso Aéreo”,      primitiva versão do helicóptero, a ponte elevadiça, o      escafandro, um modelo de asa-delta, etc.
Quando deparamos com o quadro da famosa MONALISA não conseguimos      desgrudar os olhos do seu olhar, parece que ele nos persegue. Por que acontece      isso? Será que seus olhos podem se mexer? Este quadro foi pintado,      pelo famoso artista e inventor italiano Leonardo da Vinci (1452-1519) e qual      será o truque que ele usou para dar esse efeito? Quando se pinta uma      pessoa olhando para a frente (olhando diretamente para o espectador) tem-se      a impressão que o personagem do quadro fixa seu olhar em todos. Isso      acontece porque os quadros são lisos. Se olharmos para a Monalisa de      um ou de outro lado estaremos vendo-a sempre com os olhos e a ponta do nariz      para a frente e não poderemos ver o lado do seu rosto. Aí está      o truque em qualquer ângulo que se olhe a Monalisa a veremos sempre      de frente. 
Fonte: www.historiadaarte.com.br

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A arte egípcia &nbsp;
Refere-se à arte desenvolvida e aplicada pela civilização do antigo Egiptorio Nilo no Norte da África.  Esta manifestação artística teve a sua supremacia na religião durante  um longo período de tempo, estendendo-se aproximadamente pelos últimos  3000 anos antes de Cristo e demarcando diferentes épocas que auxiliam na clarificação das diferentes variedades estilísticas adoptadas: Período Arcaico, Império Antigo, Império Médio, Império Novo, Época Baixa, Período Ptolemaico  e vários períodos intermédios, mais ou menos curtos, que separam as  grandes épocas, e que se denotam pela turbulência e obscuridade, tanto social e política
O tempo e os acontecimentos históricos encarregaram-se de ir eliminando os vestígios desta arte ancestral, mas, mesmo assim, foi possível redescobrir algo do seu legado no século XIX,  em que escavações sistemáticas trouxeram à luz obras capazes de  fascinar investigadores, coleccionadores e mesmo o olhar amador. A  partir do momento em que se decifram os hieróglifos na Pedra de Roseta é possível dar passos seguros a caminho da compreensão da cultura, história, mentalidade, modo de vida e naturalmente da motivação artística dos antigos egípcios.&nbsp;  como artística. Mas embora sejam reais estes diferentes momentos da  história, a verdade é que incutem somente pequenas nuances na  manifestação artística que, de um modo geral, segue sempre uma vincada  continuidade e homogeneidade.
Motivação e Objetivos
A arte do antigo Egito serve políticos e religiosos. Para compreender a que nível se expressam estes objetivos é necessário ter em conta a figura do soberano absoluto, o faraó. Ele é o representante de Deus na Terra e é este seu aspecto divino que vai vincar profundamente a manifestação artística.Deste modo a arte representa, exalta e homenageia constantemente o faraó e as diversas divindades da mitologia egípcia,  sendo aplicada principalmente a peças ou espaços relacionados com o  culto dos mortos, isto porque a transição da vida à morte é vista,  antecipada e preparada como um momento de passagem da vida terrena à vida após a morte, à vida eterna e suprema.O faraó é imortal e todos seus familiares e altos representantes da sociedade têm o privilégio de poder também ter acesso à outra vida. Os túmulos são, por isto, dos marcos mais representativos da arte egípcia, lá são depositados as múmias ou estátuas (corpo físico que acolhe posteriormente a alma, ka) e todos os bens físicos do cotidiano que lhe serão necessários à existência após a morte.
 Estilo e Normas
A arte egípcia é  profundamente legal.Todas as representações estão repletas de  significados que ajudam a caracterizar figuras, a estabelecer níveis hierárquicos  e a descrever situações. Do mesmo modo a "simbologia" serve à  estruturação, à simplificação e clarificação da mensagem transmitida  criando um forte sentido de ordem e racionalidade extremamente  importantes.A harmonia  e o equilíbrio devem ser mantidos, qualquer perturbação neste sistema  é, consequentemente, um distúrbio na vida após a morte. Para atingir  este objetivo de harmonia são utilizadas linhas simples, formas estilizadas, níveis rectilíneos de estruturação de espaços, manchas de cores uniformes que transmitem limpidez e às quais se atribuem significados próprios.A hierarquia  social e religiosa traduz-se, na representação artística, na atribuição  de diferentes tamanhos às diferentes personagens, consoante a sua  importância. Como exemplo, o faraó será sempre a maior figura numa  representação bidimensional e a que possui estátuas e espaços arquitectónicos  monumentais. Reforça-se assim o sentido simbólico, em que não é a noção  de perspectiva (dos diferentes níveis de profundidade física), mas o  poder e a importância que determinam a dimensão.As CoresA  arte egípcia, à semelhança da arte grega, apreciava muito as cores. As  estátuas, o interior dos templos e dos túmulos eram profusamente  coloridos. Porém, a passagem do tempo fez com que se perdessem as cores  originais que cobriam as superfícies dos objetos e das estruturas.As  cores não cumpriam apenas a sua função primária decorativa, mas  encontravam-se carregadas de simbolismo, que se descreve de seguida:Preto (kem): era obtido a partir do carvão de madeira ou de pirolusite (óxido de manganésio do deserto do Sinai).  Estava associado à noite e à morte, mas também poderia representar a  fertilidade e a regeneração. Este último aspecto encontra-se relacionado  com as inundações anuais do Nilo, que trazia uma terra que fertilizava o  solo (por esta razão, os Egípcios chamavam Khemet, "A Negra", à sua terra). Na arte o preto era utilizado nas sobrancelhas, perucas, olhos e bocas. O deus Osíris era muitas vezes representado com a pele negra, assim como a rainha deificada Ahmés-Nefertari. 
Branco (hedj): obtido a partir da cal ou do gesso,  era a cor da pureza e da verdade. Como tal era utilizado artísticamente  nas vestes dos sacerdotes e nos objetos rituais. As casas, as flores e  os templos eram também pintados a branco. 
Vermelho (decher):  obtido a partir de ocres. O seu significado era ambivalente: por um  lado representava a energia, o poder e a sexualidade, por outro lado  estava associado ao maléfico deus Set, cujos olhos e cabelo eram  pintados a vermelho, bem como ao deserto, local que os Egípcios  evitavam. Era a vermelho que se pintava a pele dos homens. 
Amarelo (ketj):  para criarem o amarelo, os Egípcios recorriam ao óxido de ferro  hidratado (limonite). Dado que o sol e o ouro eram amarelos, os Egípcios  associaram esta cor à eternidade. As estátuas dos deuses eram feitas a  ouro, assim como os objetos funerários do faraó, como as máscaras. 
Verde (uadj): era produzido a partir da malaquite do Sinai. Simboliza a regeneração e a vida; a pele do deus Osíris poderia ser também pintada a verde. 
Azul (khesebedj): obtido a partir da azurite (carbonato de cobre) ou recorrendo-se ao óxido de cobalto. Estava associado ao rio Nilo e ao céu. 
Lei da Frontalidade Embora seja uma arte estilizada é também uma arte de atenção ao pormenor, de detalhe realista, que tenta apresentar o aspecto mais revelador de determinada entidade, embora com restritos ângulos de visão.  Para esta representação são só possíveis três pontos de vista pela  parte do observador: de frente, de perfil e de cima, e que cunham o  estilo de um forte componente de estática, de uma imobilidade solene.
O corpo humano,  especialmente o de figuras importantes, é representado utilizando dois  pontos de vista simultaneos, os que oferecem maior informação e  favorecem a dignidade da personagem: os olhos, ombros e peito representam-se vistos de frente; a cabeça e as pernas representam-se vistos de lado.O fato de, ao longo de tanto tempo, esta arte pouco ter variado e se terem verficado poucas inovações, deve-se aos rígidos cânones e normas a que os artistas deveriam obedecer e que, de certo modo, impunham barreiras ao espírito criativo individual.
A conjugação de todos estes elementos marca uma arte robusta, sólida, solene, criada para a eternidade


O ArtistaOs  criadores do legado egípcio chegam aos nossos dias anônimos, sendo que  só em poucos casos se conhece efectivamente o nome do artista. Tão pouco  se sabe sobre o seu carácter social e pessoal, que se crê talvez nem  ter existido tal conceito no grupo artístico de então. Por regra, o  artista egípcio não tem um sentido de individualidade da sua obra, ele  efectua um trabalho consoante uma encomenda e requisições específicas e  raramente assina o trabalho final. Também as limitações de criatividade  impostas pelas normas estéticas, e as exigências funcionais de  determinado empreendimento, reduzem o seu campo de actuação individual  e, juntamente com o facto de ser considerado um executor da vontade  divina, fazem do artista um elemento de um grupo anónimo que leva a cabo  algo que o transcende.O trabalho é efectuado em oficinas, onde se reúnem os executores e os seus mestres nas diferentes tipologias artísticas, escultores, pintores, carpinteiros e mesmo embalsamadores. Nestes locais trabalha-se em série e os trabalhos saem em série.No  entanto é possível identificar diferenças entre distintas obras e  estilos que reflectem traços individuais de determinados artistas, onde  se observam, por exemplo, inovações a nível de composição decorativa. Do  mesmo modo tanto é possível reconhecer artistas com talento,  genialidade e perfeito conhecimento dos materiais em obras de grande  qualidade, como artistas que se limitam a fazer cópias.Mas  o artista é também visto como um indivíduo com uma tarefa divina  importante. Mesmo que se trate de um executor ele necessita de contacto  com o mundo divino para poder receber a sua força criadora. Sem ele não  seria possível tornar visível o conteúdo espiritual, o invisível. O próprio termo para designar este executor, s-ankh, significa o que dá vida.
 Ilustração de Imhotep, o primeiro arquitecto conhecido.Período Arcaico ou TinitaDurante o Período Arcaico, e após a descoberta da escrita,  o Egipto está unido e o seu desenvolvimento acelera, estabelecendo-se e  cristalizando-se já aqui os traços principais do que será a arte  egípcia. Pouco sobreviveu desta época, mas alguns túmulos e o seu  respectivo recheio possibilitam uma ideia da arte da época. Perde-se o  primitivismo formal e são ainda presentes alguma influências da arte mesopotâmica, especialmente nas fachadas de templos, e domina ainda o uso do adobe cozido ao sol, substituído no final do período pela pedra.
 Império Antigo 
Pirâmides de Gizé

A III dinastia é remetida por alguns autores já para o início do Império Antigo. Com a transição para a pedra surge também a arquitectura monumental e a vincada noção egípcia de eternidade vinculada ao faraó. A mastaba assume-se como o túmulo para particulares por excelência, inicialmente em forma quadrangular ou de pirâmide truncada (mais tarde a pirâmide de degraus). As proporções do corpo humano tornam-se mais equilibradas e harmoniosas, cresce a atenção ao pormenor. É também desta altura Imhotep,  o nome do primeiro construtor a ficar registrado, responsável pelo uso  da pedra talhada e da sua aplicação, não só a uma função, como também a  objetivos expressivos. A edificação assume um objetivo simbólico.Com o Império Antigo estabelece-se a calma e a segurança, bases ao próspero e veloz desenvolvimento da sociedade onde se estabelecem hierarquias governamentais. Durante a IV dinastia edificam-se as monumentais pirâmides faraónicas de Gizé (Quéfren, Quéops e Miquerinos) que fascinam pela sua impressionante construção. Talha-se a Esfinge perto da pirâmide de Quefren em dimensões monumentais, assumindo-se e homenageando-se o poder faraónico, embora na V dinastia se reduzam as dimensões monumentais para proporções mais humanas. É também nesta altura que se impulsiona o gosto pelas estátuas-retrato  de grande robustez pelo seu volume cúbico e imobilidade. As figuras  apresentam-se de pé (em que a perna esquerda avança ligeiramente à  frente) ou sentadas (na V dinastia surge também a posição do escriva  sentado de pernas cruzadas) e denota-se a diferente coloração da pele  usada nas figuras masculinas (mais escura) e femininas (mais clara). Em  termos de decoração tumular propagam-se as representações realistas do  quotidiano.
 Escultura 
Uma tríade de MenkauréNo  que diz respeito à escultura podem ser estabelecidas diferenças de  concepção entre a estatuária real e a estatuária de particulares. Na  primeira verifica-se um desejo de imponência, enquanto que a segunda  tende para um maior realismo, detectável em trabalhos como o grupo  escultórico de Rahotep e Nofert (IV dinastia).A  estátua do rei Djoser colocada no serdab do seu complexo funerário em  Sakara revela ainda ligações com a arte do período anterior, mas como o  rei Khafré e a sua conhecida estátua em diorite na qual o deus-falcão Hórus protege com as suas asas, oriunda do seu templo funerário em Guiza, nota-se já uma evolução. Do rei Menkauré  chegaram até aos dias de hoje as chamadas díades e tríades. As  primeiras consistem em estátuas do rei com a sua esposa, a rainha  Khamerernebti II. Quanto às tríades, o rei surge representado com a  deusa Hathor e uma personificação de um nomo.Do  tempo da V dinastia são escassas as estátuas de reis, mas em  compensação abundam as estátuas de particulares. São desta época as  várias estátuas de escribas que se encontram hoje em dia no Museu Egípcio do Cairo e no Museu do Louvre,  que retratam estes funcionários na pose de pernas cruzadas, uma forma  de representação que se manterá até à Época Greco-Romana.Os materiais utilizados na escultura deste período foram diorite, granito, xisto, basalto, calcário e alabastro.Império MédioApós  o período de decadência do poder central e de instabilidade política  que foi o Primeiro Período Intermediário (e que se reflectiu na arte com  o abandono dos cânones estabelecidos) inicia-se o Império Médio que corresponde à XI e XII dinastias.ArquiteturaNa  arquitetura adaptam-se os padrões estilísticos anteriores ao nível da  construção, procurando-se retomar a construção de pirâmides. Contudo,  estas pirâmides não atingem a grandeza das pirâmides do Império Antigo.  Construídas com materiais de baixa qualidade e com técnicas deficientes,  o que resta hoje destas construções é praticamente um monte de  escombros. As mais altas pirâmides construídas nesta época foram a de Senuseret III (78 metros) e a de Amenemhat III (75 metros).Mentuhotep,  monarca que reunificou o Egipto após o Primeiro Período Intermediário,  manda construir nas região de Tebas Ocidental o seu complexo funerário,  no qual se detectam elementos da arquitectura do Império Antigo, como um  templo do vale que conduz através de um caminho processional ao templo  funerário junto à rocha.
 Pintura e estruturaA  principal característica da pintura e baixos-relevos egípcios é a  representação de figuras humanas segundo a lei da frontalidade, ou seja,  com a cabeça e os pés de perfil e o resto do corpo de frente. Da  escultura egípcia destaca-se o contraste entre estátuas colossais,  rígidas e sem expressão dos faraós e as estatuetas de particulares, tais  como funcionários e escribas, as quais apresentavam expressividade e  naturalismo de movimentos. A expressão humana na escultura vai ganhar  uma nova dimensão e realismo nesta época, passando-se a representar nas  estátuas reais o envelhecimento. Mesmo a representação bidimensional  perde a sua dependência dos cânones adoptando uma maior naturalidade e  mesmo noções de profundidade tridimensional. Nesta época criam-se  esfinges reais nas quais o rosto do monarca surge emoldurado por uma  juba, como é o caso de uma esfinge de Amenemhat III. Os locais onde a  Pintura do Antigo Egipto melhor se manifestou foram os túmulos dos  governadores dos nomos, em cujas paredes se recriam cenas de caça,  pesca, banquetes ou danças. Seguindo a tradição anterior, o dono do  túmulo surge representado em tamanho superior às outras personagens. A  pintura é realizada sobre estuque fresco ou sobre relevo.
 Artes decorativas e outras artes 
Hipopótamo em faiançaAs artes decorativas do Império Médio conhecem uma das épocas mais importantes, sobretudo no que diz respeito aos trabalhos de joalharia.  Os amuletos, os pentes, os espelhos, as caixas e as candeiais  caracterizam-se pela sua beleza. São bastante conhecidos os pequenos  hipopótamos em faiança decorados com motivos vegetais.A literatura desenvolve o gosto pelo provérbio, o romance, a história, passa também a obedecer a outras funções como as de influenciar a política,  homenagear faraós e mesmo descrever e caracterizar profissões. Mas  também a cunhar este momento está a inquietude herdada do período  anterior.
 Segundo Período IntermediárioEste é mais um período escuro e de inseguridade do qual pouco se sabe e no qual se praticaram mais a matemática, a medicina e a cópia de papiros de épocas anteriores.
 Império Novo[editar] Arquitetura 
Templo de HatchepsutNo Império Novo  dá-se de novo a unificação do Egipto e a arte volta ter mais uma das  suas épocas de ouro, com um novo começo em que se vão reavivar as  tradições do passado e em que as forças criadoras vão erguer vários  edifícios de pedra de construção arrojada e que ainda hoje podem ser  admirados.Foi na capital do Império Novo, a cidade de Tebas, que se ergueram os grandes edifícios desta época. A divindade da cidade era Amon  e seu principal centro de culto era o Templo de Karnak, ao qual  praticamente todos os monarcas do Império Novo procuram acrescentar  estruturas como pilones.No  Império Novo os reis abandonaram a tradição de serem sepultado em  pirâmides, optando por mandar escavar os seus túmulos nos rochedos  próximos, num local hoje são designado como Vale dos Reis.  Nesta atitude são seguidos pelos altos dignitários. A principal razão  para esta mudança estaria relacionada com uma tentativa de evitar os  saques. Porém, a intenção revelou-se fracassada: dos túmulos desta era  apenas chegaram intactos até à época contemporânea o de Tuntankhamon, o  do casal Iuia e Tuia (genros do rei Amen-hotep III e pais da rainha Tié) e dos dignitários Sennedjem e Khai.Num local conhecido como Deir el-Bahari encontra-se o templo funerário da rainha Hatchepsut, mandando construir pelo seu arquitecto Senemut. O templo enquadra-se perfeitamente na falésia de calcário em que se encontra, situando-se junto ao vizinho templo de Mentuhotep II, construído quinhentos anos antes.
 A arte de AmarnaMas ainda na XVIII dinastia dá-se, com Amen-hotep IV (que mudou o nome para Akhenaton), uma revolução religiosa, em que o faraó proclama um "monoteísmo" com o culto de uma só divindade, o disco solar Aton. Nesta altura propaga-se o chamado “Estilo Ekhenaton” ou Estilo Amarniano (em função do nome moderno da cidade mandada construir por Akhenaton, Amarna),  que se caracteriza por ser muito naturalista, em que se tenta quebrar  com as regras anteriores da solidez e imobilidade. As obras deste  período têm maior fluidez e flexibilidade. Principalmente na escultura  assumem-se formas orgânicas e pouco geométricas,  que atingem por vezes aspectos de caricatura. Os membros da família  real são representados em cenas da vida familiar (aspecto completamente  novo na arte egípcia) com crânios alongados, que não se sabe se seriam  representações veristas da família (avançando alguns autores a hipótese  de que a família real sofreria de síndrome de Marfan)  ou apenas uma espécie de vanguarda artística. Apesar dos eventuais  excessos, data deste período o famoso busto da esposa de Akhenaton, Nefertiti, descoberto em 1922 por uma equipa arqueológica alemã na casa do seu autor, o escultor Tutmés.O gosto pela representação do mundo animal e vegetal está igualmente presente. Os sucessores de Akhenaton devolvem a arte aos padrões anteriores e com Tutancámon está-se já, de novo, no politeísmo.Da XIX dinastia egípcia é de referir Ramsés II que impulsionou diversas construções. Neste momento dá-se o pico da pintura e do relevo e a literatura abandona o pessimismo voltando-se para o relato ligeiro de histórias mitológicas, fábulas, épicos de guerra e também para poesia  romântica. Até ao final deste período vão-se impor estilos variados não  representativos, que retomam antigas tradições, especialmente a nível  da escultura.
 Terceiro Período Intermediário 
Pendente em ouro de Osorkon II, que representa uma tríade de deuses composta por Osíris (ao centro), Hórus e Ísis
A  época que se seguiu ao reinado de Ramsés III foi marcada pela  progressiva desagregação do poder faraónico, sendo os últimos soberanos  da XX dinastia meros reis fantoches. O Terceiro Período Intermediário,  época que compreende cerca de trezentos e cinquenta anos e que  corresponde à XXI até à XIV dinastias, vai continuar no essencial a arte  desenvolvida no Império Novo.Deste  período destaca-se a perfeição alcançada no trabalho dos metais, que se  detecta em trabalhos como as máscaras funerárias dos reis Psusennes I e  Chechonk II, no pendente em ouro de Osorkon II e na estátua em bronze  da adoradora divina de Amon Karomama.
 Época BaixaA  XXVI dinastia conseguiu reunificar o Egito, dando início à Época Baixa  que se desenrola até à XXX dinastia, embora a presença de povos  estrangeiros, como líbios, núbios e persas, é constante neste período.Durante  a Época Baixa o centro do poder real vai localizar-se na região do  Delta, onde se encontram as capitais das várias dinastias, como Sais,  Mendes e Sebenitos. São nestas cidades que se ordenam os grandes  trabalhos arquitectónicos.Na  escultura da Época Baixa verifica-se um arcaísmo, uma inspiração nos  modelos da época do Império Antigo. Na XXVI dinastia nota-se igualmente o  apuro na polidez da pedra, dando origem a trabalhos que alguns autores  denominam como "arte lambida".
 Egipto ptolemaico 
Templo de Filas, em Assuão.
Em 343 a.C. o Egito assiste ao segundo período de dominação persa que termina em 332 a.C.,  quando Alexandre Magno conquistou o Egito. Após a sua morte será  fundada no país das Duas Terras, por um dos seus generais, Ptolemeu I,  uma dinastia que governará o país até à conquista romana de 30 a.C..Apesar da sua origem macedónia, a dinastia ptolemaica  adoptou as formas artísticas dos Egípcios. Os reis ptolemaicos foram  representados nos templos como os antigos faraós. Das obras que ainda  hoje se podem visitar no Egito permaneceram, em maior parte, as do  período grego onde a arte adquire a forte influência da harmonia helenística. São desta época os conhecidos templos de Ísis em Filas, o templo de Hórus em Dendera e o templo de Edfu.