REGÊNCIA
Autor: Livieira | Publicado: 2012-09-24T08:32:00-07:00


Trabalho de autoria de:Wellington Cardoso da Silva&nbsp;


Regência
É o ato de transmitir a um conjunto vocal ou instrumental o conteúdo  rítmico e expressivo de uma obra musical, através de gestos.  
Gestos
Os gestos devem ser capazes de indicar claramente as diferentes  articulações, recriando um tecido sonoro vivo para a expressão  musical, transmitida a um conjunto vocal ou instrumental.

“A música é a mediadora entre a vida dos sentidos e   a vida do espírito”. (L.V.&nbsp;Beethoven)

Introdução  
É importante começar esclarecendo que este trabalho e conjunto de   iniciativas, não possuem o objetivo de inovar ou treinar ninguém para  este ministério do louvor.
Simplesmente tem o objetivo de deixar a disposição de nossos irmãos   conservos e outros interessados, como material que possa ser consultado,   revisado e melhorado para o bem e desenvolvimento de todos os que   amam a música e exerce esta arte, que é a regência na igreja para louvar ao   nosso grande DEUS, pois ELE, somente ELE é digno de todo louvor,  honra e glória por nós seres vivos e por todos os seres celestiais.  
“Louvai ao SENHOR, pelos seus atos poderosos,  louvai-o conforme a Excelência da sua Grandeza”  
Deus seja louvado.  









Arte da Regência
1. A Regência  
Definição de regência:  Regência é o ato de transmitir a um conjunto vocal   ou instrumental o conteúdo rítmico e expressivo de uma obra musical,  através de gestos.  
2. Histórico  
“Habite ricamente em vós a palavra de Cristo; instruí-vos e aconselhaivos mutuamente em toda a sabedoria, louvando a DEUS com salmos e  hinos e cânticos espirituais, com gratidão, em vossos corações”  (Col.3:16).  

A Regência remonta à época do Teatro Grego (ano 300 AC) na figura do "Diretor de Coro", que dirigia  os músicos e cantores que faziam parte das peças.  
Bem mais tarde, já na Idade Média (~ano 1.0 DC), a Regência aparece na Igreja, onde o "Mestre de  Capela" conduz o Coro através de sinais manuais de altura das notas (manossolfa), pois ainda não  havia escrita musical. Finalmente, o Regente passou a dirigir Orquestras. Ainda assim, na época de  Bach e Vivaldi (séc.18) havia uma dupla regência. O Diretor da Orquestra sentava-se ao cravo e dava  as ordens necessárias, mas no decorrer da execução a verdadeira regência ficava a cargo do Violinista  Principal. O regente é denominado de Spalla (na Itália); Concert Máster (na Inglaterra) e Konzert  Meister (na Alemanha) que tinha a função de conduzir o ritmo e a interpretação dos demais músicos.  
Hoje estas responsabilidades ficam a cargo do Regente da Orquestra, ficando ao Violinista Principal - (Spalla), apenas a responsabilidade pela comunicação entre a orquestra e o Regente, ou seja, é o  porta-voz da Orquestra, além das suas responsabilidades musicais: afinação dos instrumentos da  orquestra, solos etc.  
O Regente da Orquestra hoje, é urna figura importantíssima na Salas de Concertos, pois ele completa o  triângulo musical “Compositor x Regente x Executante”. Em suma, o Regente é o elo entre o compositor  e o conjunto executante de sua obra.  
Na Congregação Cristã no Brasil o Regente de Orquestra é denominado Encarregado de Orquestra.  Portanto deste ponto em diante usaremos o termo “Encarregado de Orquestra”.  

3. Pontos importantes na regência  
O Encarregado de Orquestra deve ser admirado pelos músicos por sua  humanidade e não somente respeitado por seu ministério. Seu  verdadeiro trabalho inclui muito além de notas afinadas e ritmos  corretos.  
Cultive suas qualidades e riqueza interior: humildade, obediência e submissão.  
Expressão Facial
Não tente substituir a clareza de seus gestos pela sua expressão facial. Embora ela possa ajudar a acentuar   a expressão de determinados trechos, não se rege com a face, principalmente utilizando expressão de mau  humor para gestos enérgicos.  
Postura Corpo ereto, braços acima da cintura em posição confortável e visível a todos os músicos.  
Uso das mãos
A regência em si é transmitida através das mãos. Uma delas, geralmente a direita marca os tempos do   compasso e a outra indica a dinâmica e o colorido orquestral.  
Entrada Entrada ou ataque é o início da música.
A entrada tem que ser uniforme, ou seja, todos os músicos devem   iniciar tocando no mesmo momento.  
Fecho ou Corte
A finalização da música é tão importante quanto à entrada. Os músicos devem fechar juntos. Não deve   sobrar e nem faltar tempo.  



4. Técnica de regência  
Movimento 
A técnica de gesticulação está sujeita ao temperamento artístico do Encarregado e a interpretação do Hino  pelo mesmo, para transmitir a orquestra.   
Todavia nem sempre as normas e condutas do Encarregado são  claras e precisas devido a determinados gestos que causam uma  execução falha e imprecisa e muitas vezes imperceptível ao músico  e organistas.  
O movimento uniforme de ambos os braços, aplicado com  insistência, é monótono e inexpressivo. Os gestos com movimentos  uniformes de ambos os braços, devem ser dissociados,  conservando-se para um dos braços as acentuações rítmicas e  para a outra o colorido daquilo que a primeira descreve ritmicamente.  
Por este motivo diz-se que o melhor crítico do Encarregado é a própria orquestra que ele conduz.  Aconselha-se uma gesticulação discreta mais enriquecida de lances que revelem o verdadeiro sentido  emocional do (louvor ou súplica) que se desenvolve no Hino.  
Níveis de regência Os níveis da regência, ou seja, o ato de reger acontece em vários níveis distintos:  
1 No mais imediato, os gestos do Encarregado devem indicar ao músico quando e como tocar.  
2 Num segundo nível, ele deve frasear o discurso musical, conseguindo dar a cada frase sua inflexão  adequada, destacando-a dos acompanhamentos, pausas e respirações longas.  
3 Do ponto de vista mais elevado, ele deve ser capaz de articular a forma da música, conseguindo  estruturar o equilíbrio formado entre o início, meio e conclusão do sentimento em cada Hino.  
Aquecimento e alongamento físico  
Antes de atender um ensaio, é muito importante fazer exercícios de aquecimento, com o alongamento dos  braços e das mãos, isto a ajudará a evitar fadigas fora de hora. Estique os braços, para frente, para trás,  puxar o cotovelo (no peito e atrás da cabeça), enfim; várias ações de aquecimento de braços, mãos, etc.  
Lembre-se sempre:   - Na frente do espelho, para aquecer, tirar a "ferrugem" faça uma regência 4/4, 12/8.  
- Use roupas leves, um blazer que não seja curto ou não limite seus movimentos, tenha os braços livres.  



Exercícios diários  
Todos os dias faça o seguinte exercício: deixe os braços caírem livres, soltos e depois jogue-os para trás, e  em seguida, com empulso para frente o braço sobe sozinho sem esforçar a subida e depois deixe cair livre  e novamente repetir esta série de exercícios.  
Faça os diagramas com a batuta ou um pedaço roliço de   madeira em uma parede com cerâmica todos os dias dos   símbolos métricos 1/4; 2/4; 3/4; 4/4; 6/8; 9/8 e 12/8.  
Vale também, lembrar que depois destes exercícios deve reger normalmente frente a um  espelho todos os símbolos métricos e indicar entradas com a mão esquerda em cada tempo  separadamente por símbolos métricos 1/4; 2/4 e etc.   
Exemplo 1 – estou regendo um 4/4, por exemplo, faço a regência 4 vezes e indico com a  mão esquerda o primeiro tempo, e continuo regendo quando reger a segunda vez indico o  segundo tempo e assim fazer com todos os símbolos métricos.   
Exemplo 2 – faça uma seqüência de regência começando com 1/4; 2/4; 3/4; 4/4; 6/8; 9/8 e  12/8 sem parar indicando sempre o primeiro tempo com as duas mãos.  
Exercício útil – praticando os exemplos 1 e 2, use pesos de 1 kg nas mãos e indique  entradas no 1º. Tempo, 2º., 3º. e 4º respectivamente, com a mão esquerda.   
Outras dicas relevantes: antes de sair de casa faça uma alimentação leve.  Pratique estes exercícios todos os dias.  



5. Concepção da Forma  
A música é uma arte nas quais os compositores têm à disposição um sistema de notação muito claro e  preciso, com o qual podem ser grafadas as idéias musicais mais sutis. Por isso, pode parecer para muitos  que bastaria respeitar exatamente as indicações dos compositores e a métrica musical, e o tema estaria  fielmente interpretado. A verdade, no entanto, está muito longe disso.  
Nas melhores orquestras do mundo, aquelas que poderiam tocar sozinhas de tão precisas que são, é  necessário a batuta de um Encarregado para dar o "Sopro Divino" que cria a alma e origina a vida da  música.   
Na Congregação devemos estar em profunda comunhão tocando ou durante a regência, deixando o Espírito  Santo nos reger e reger a orquestra, porque é na comunhão que o Senhor nos guia e opera na Igreja.  
É neste nível em que se diferenciam os Encarregados, pois junto com a  espiritualidade e humildade é importante saber transmitir aos músicos a  concepção ou sentimento musical do Hino.  



6. Postura do regente a frente da Orquestra  
A posição do corpo do Encarregado à frente do conjunto musical, influi semelhantemente na execução.  
O Encarregado deve conservar uma atitude de autoridade e respeito diante  da orquestra, seus gestos devem estar ao alcance das vistas de qualquer  integrante da orquestra.  
a) Corpo ereto, sem as características da posição militar de sentido.  
b) Braços acima da cintura arqueados e em sentido horizontal,  movimentando-se livremente para a direita e esquerda, e ainda para cima  até a altura da cabeça.  
c) O tórax poderá acompanhar os movimentos dos braços, porém jamais deverá ser curvado para frente em  atitude de quem quer tocar as mãos no chão ou inclinado para trás com as mãos para cima como em  atitude de quem quer tocar o teto.   
d) Constante relaxamento muscular dos braços, pescoços e tórax para fácil flexibilidade dos movimentos  graciosos circulares e leves.  
e) Dissociação de movimentos simultâneos dos braços.  
Advertência: As gesticulações exageradas causam cansaço proveniente das constantes elevações dos  braços, além de deselegante prejudica a autoridade de comando, fazendo com que os músicos se esforcem  aleatoriamente para tocar juntos e indiferente aos gestos do Encarregado, cujo comportamento é  repreensível e comprometedor para a orquestra, e isto não.é.reger.uma.orquestra.  

7. Meios de expressão  
Os meios de expressões de que o Encarregado dispõe para comunicar-se com os músicos são três:  - O gesto.  
- A mímica.  
- A palavra.  
A expressão mais completa e importante  é o gesto.  
A mímica, nem sempre produz o efeito desejado.  A palavra, obviamente deverá ser usada somente nos ensaios, porém instruindo no essencial referente a  determinado detalhe da composição musical.  



8. A Regência na Congregação Cristã no Brasil  
É usada somente nos Ensaios, através dos Encarregados de Orquestras   (Locais ou Regionais).  
Embora a finalidade dos Ensaios seja tão somente preparar os músicos para uma boa execução dos Hinos  nos Cultos, os princípios básicos da Regência podem e devem ser utilizados para haver um bom  aproveitamento sempre levando em consideração:  
a) Afinação  b) Conceituação Gestual  c) Marcação do compasso (Símbolo Métrico)  d) Entradas  e) Articulação  f) Andamento  g) Fecho/Corte  h) Volume da massa orquestral  i) Formação da Orquestra  j) Posição dos Instrumentos na Orquestra  

Afinação 
Como é do conhecimento de todos, a afinação correta é a primeira coisa que o Encarregado deve procurar  ao iniciar o ensaio, afinando primeiro cada categoria de instrumentos, lembrando sempre dos naipes das  cordas que precisam ser afinados todas as (4) quatro cordas conforme a seguinte sugestão da corda grave  para a corda aguda:  
- Violinos: Sol, Ré, Lá e Mí  - Violas: Dó, Sol, Ré e Lá  
- Violoncelos: Dó, Sol, Ré e Lá   
Normalmente as cordas são afinadas em cordas “dobles” soltas (quinta justas), entretanto pode se escolher  entre dar o tempo para a afinação individual em quintas justas ou se preferir afinação por corda para todos  do mesmo naipe, este procedimento (no ensaio) é melhor pois é mais prático para se afinar e garante a  afinação dos instrumentos de cordas de uma só vez tendo como base o apoio do órgão para cada corda.   
Após proceder a afinação de todas as categorias de instrumentos dá-se a afinação geral, através da “Nota  Lá”. Normalmente isto é o bastante, entretanto se antes de começar a ensaiar os hinos, o Encarregado  quiser confirmar a afinação, ele pode pedir que a orquestra execute uma escala qualquer, pois é comum, ao  se iniciar o ensaio, aparecer algum instrumento desafinado. Em principio, qualquer escala serve, mas como  sugestão recomenda-se a “escala de Dó Maior” por ser mais fácil execução sem partitura.  
Durante a afinação o Encarregado deve observar que quando for solicitada a escala em “Dó Maior” toda a  orquestra soe em uníssono seguindo a correspondência abaixo:  
Hinário/Instrumento  Escala  Em “Dó”   Dó Maior (Natural)  Em “Sib”   Ré Maior (2#)  Em” Mib”   Lá Maior (3#)  

Conceituação Gestual 
Nosso propósito consiste, pois em levar aos nossos irmãos Encarregados o conhecimento básico aplicável  aos nossos Hinos e orquestra através dos quais nossos irmãos músicos e organistas muito lucrarão com  este simples conhecimento, muito embora não se lhe exija a prática da gesticulação.   
Quanto maior for o nosso gesto, menores serão as possibilidades de expressão, quanto mais altos forem os  gestos menores a possibilidade de expansão do gestual. Atenção deve ser dada na gesticulação, porque se  ao bater um tempo, se articular batuta, pulso, cotovelo, ombro, cabeça e tronco, os músicos terão muita  dificuldade em entender qual dos movimentos está indicando o tempo.  



Assim, através de análises os gestos foram classificados de acordo com os movimentos rítmicos e  expressivos. Esta classificação compreende cinco (05) gestos principais e característicos, conforme a  seguir:  

1) Ligadoarticulado   

&nbsp;2) Destacado    articulado  leve

3) Subdividido


&nbsp;4) Isolado  
&nbsp;5) ”Staccato” da mão (golpe que compreende somente o movimento da mão).  
Recomendamos o “Ligado” como a gesticulação básica para regência  aplicável aos nossos Hinos, portanto todos os esclarecimentos serão  levando em consideração esta gesticulação, não entraremos em  detalhes nos demais gestos.  
1.1 Ligado contínuo  
Este gesto descreve um movimento ininterrupto e sem apoio sobre os tempos. É empregado, em geral, nos  andamentos moderados onde se requer pouca intensidade sonora da orquestra, mas pode servir aos  andamentos vivos desde que a linha melódica e seu acompanhamento assim o permitam.   
Observe abaixo que não há ângulo agudo nas passagens dos tempos dos compassos.  
acentuado (com intensidade)   leve (com menor intensidade)  Golpes com o   movimento conjugado do  braço, antebraço e mão.  



1.2 Ligado articulado  
Podemos exemplificar este gesto no movimento do metrônomo, cujo pêndulo oscila acentuando cada  tempo, mas perfazendo um trajeto sem repouso sobre cada marcação. É um movimento ligado mas não  contínuo, pois acentua ligeiramente cada tempo que marca. A intensidade sonora em geral no ligado  articulado não deve ir além do (mf) meio forte justamente devida as acentuações (nunca forte), entretanto  ao se observar um trecho musical o gesto ligado articulado pode ser empregado quando houver a presença  de notas em “Staccato”.  

Marcação do Compasso 
Pode ser feita por uma ou pelas 2 mãos com ou sem Batuta e de forma Italiana ou francesa. Sempre que  houver necessidade de se ajustar o andamento, pode haver subdivisão 6/8, 6/4 em 6; 9/8, 9/4 em 9; 12/8,  12/4 em 12. Alguns Hinos 2/4 e 2/2 às vezes necessitam marcação em 4. Estas subdivisões não implicam  em mudança de andamento.  
Na marcação dos símbolos métricos podemos omitir gestos para facilitar a regência. O emprego da opção  corresponde, em geral, aos andamentos mais acelerados. Aliás todo e qualquer símbolo métrico pode estar  sujeito a reduções de gestos. No compasso binário pode ser reduzido em um (01) só gesto, ternário pode,  igualmente ser marcado em um (01) tempo. O quartenário, da mesma forma, pode ser reduzido a dois (02)  tempos, assim como os compassos de seis e nove tempos podem ser a dois (02) e três (03) tempos,  respectivamente.  
Esclarecimento: muitas vezes usa-se o termo “compasso” ao invés de “símbolo métrico”, entretanto,  compasso é o espaço compreendido entre duas barras e independe do número de notas existentes entre as  barras para definição se o tempo é binário ou ternário (em dois ou três) unidades de tempo, entretanto já  está difundida entre nós na prática como vício.   
Observe o ângulo agudo  caracterizando o acento sobre  os tempos.  
Deve ser aplicado para  Fraseado em destacado  (Staccati)  












Forma geométricaForma natural circular   

Exemplo de Símbolo Métrico 4/4  























FORMA GEOMÉTRICA FORMA NATURAL CIRCULAR  1  





Entradas Deve existir uma indicação clara de movimento do ataque, que pode ser dividido em 4 segmentos.  
1- Descanso: Após a localização do Hino a ser ensaiado, Encarregado e Orquestra  estão à vontade.  
2- Atenção: O Encarregado levanta as mãos e os músicos imediatamente se  colocam em posição com a nota inicial debaixo do(s) dedo(s).  
3- Pulsação: O pulso deve estar reto, ficando a mão como uma continuação do  braço. Ao tocar no ponto de marcação preparatório do primeiro tempo (ICTUS), o gesto deve ser idêntico  aquele que fazemos quando queremos verificar se um ferro de passar roupa está quente. É um "Gesto  Elástico", que não empurra o ponto (ICTUS), mas sim, tira a energia do contato.  
O braço direito indica principalmente a marcação do tempo, da dinâmica e da articulação, ficando para o  esquerdo as entradas, os cortes e o fraseado.  O Encarregado de Orquestra deve praticar uma marcação contínua do compasso com o braço direito e,  com o esquerdo, indicar entradas em cada um dos tempos.
&nbsp;O Encarregado através de um gesto preventivo faz a Orquestra saber que o ataque é iminente. Este gesto  preventivo nada mais é que a batida de 1 tempo para que todos respirem e entrem juntos. O tempo  percorrido entre o gesto preventivo e o ponto exato de ataque, deve ter a mesma duração compreendida  entre um e outro tempo do compasso que se inicia. Assim, o tempo de duração empregado entre o gesto  preventivo e o ponto de ataque, depende, logicamente do andamento do Hino.   
A velocidade do gesto indicará o tempo; o peso, a dinâmica;   a forma do gesto (angular ou redondo) indicará a articulação.  
Não é só com relação ao primeiro tempo do compasso que se aplica o gesto preventivo. Este é empregado,  também, para o ataque em qualquer tempo ou fração deste compasso ou seja pode ocorrer no início do  Hino ou no decorrer quando houver uma interrupção causada por pausas, fermatas, cadências, mudanças  de movimentos, etc. A indicação da Pulsação variará de acordo com o tipo de compasso (quartenário,  ternário, binário) e com tempo de entrada do hino (tético ou anacruse). O gesto preventivo em compasso  tético tem o desenho de um cabo de guarda-chuva e o ataque é no primeiro tempo.  







Já em anacruse, o gesto preventivo vem de cima para baixo e o ataque será no tempo correspondente:  
Quando a anacruse for fracionada, marca-se um sinal de contagem e o ataque dá-se em cima.  
4 - Ataque:  Para de melhor entendimento e orientação no ataque do início do Hino, preferimos utilizar nestes exemplos  apenas a forma geométrica angular apenas para orientação. Estas formas de ataque devem ser  desenvolvidas para a Regência Ligada contínuo semicircular.  




Autor: Wellington Cardoso da Silva – A venda é proibida.   Página 20  




COMPASSOTÉTICO       ANACRUSE INTEIRA             ANACRUSE FRACIONADA 

Articulação 
As diferentes articulações: staccato, legato, detaché e marcato, por exemplo, são formas de se obter  diferentes texturas sonoras.   
Os gestos do Encarregado devem ser capazes de indicar claramente  essas diferentes articulações, recriando um tecido sonoro vivo para a  expressão musical.  
Devem-se orientar os músicos, principalmente os de instrumentos de sopro, para que se evitem tocar muito  forte e todas as notas iguais, pois acabam esquecendo da Prosódia Musical - que é a ligação do fraseado  musical com o fraseado da letra do Hino (Prosódia Musical) ocorrendo um som monótono e sem  expressão.   
O Encarregado deve estar atento para as regras básicas que dão clareza à boa interpretação. Na Música  sacra deve ser utilizada a interpretação erudita, segue algumas orientações para melhor compreensão dos  pontos básicos:  





1 - Ligaduras de notas iguais:  Quando duas notas de mesma altura são ligadas, a segunda deve receber menos volume da primeira.  
Observações: Os números acima das notas representam as diferenças de volume entre elas.  
2- Ligaduras de notas de alturas diferentes:  Quando duas notas de alturas diferentes estão ligadas, a segunda deve receber menos volume que a  primeira, independentemente do intervalo ser ascendente ou descendente.  
Observações: Os números acima das notas representam as diferenças de volume entre elas.  
3- Síncopas:   A Sincopa por definição é o deslocamento (mudança) do acento métrico que, ao invés de cair em tempos  fortes do compasso, é deslocado para partes fracas, entretanto não podemos generalizar sua  interpretação, pois esta sofre mudanças de intenções, de acordo com o estilo e o gênero.  
A Sincopa produz o efeito de deslocamento das acentuações naturais.  
3.1 As notas que antecedem e seguem a nota sincopada devem ser tocadas mais curtas do que está  escrito e cerca de três vezes mais leve que a nota sincopada ou enfatizada.  
3.2 A nota sincopada deve ser tocada próxima do seu valor completo e receber três vezes mais volume do  que a nota precedida e a seguinte.  
3.3 A nota sincopada não deve ser tocada displicentemente, de maneira rude e inacabada. Quando tiver  uma colcheia, deve-se tomar cuidado ao tocá-Ia, para que ela não seja atacada de forma tão árdua, no  lugar de ser enfatizada.  
Fermata  





Observações: Os números acima das notas representam as diferenças de volume entre elas.  
No caso especial do Hino 66 deve-se evitar ou de preferência inverter esta acentuação levando em  consideração a Prosódia Musical evitando a ênfase exagerada na sincopa que acaba tirando o caráter da  acentuação silábica das palavras do Hino.   
4. Contratempo:  
.  Notas executadas em tempo fraco ou parte fraca do tempo, ficando os tempos fortes ou partes fortes dos   tempos preenchidos por pausas, também provoca efeito de deslocamento da acentuação natural,  porquanto o tempo sobre o qual deveria recair a acentuação é preenchido por silêncio-pausa.  
5. Colcheias pontuadas:  
5.1 Não se deve tocar com o mesmo volume de som a nota que segue a figura pontuada. A colcheia  pontuada, por exemplo, é mais forte que a semicolcheia que a segue.  
5.2 Em oposição ao estilo popular, não se pode executar como tercinas. Deve-se respeitar o valor integral  de cada nota.  
5.3 Sempre que estas figuras, colcheia pontuadas mais semicolcheia, aparecem numa passagem duas ou  mais vezes seguidas, a corrente de ar deve parar por um instante depois de cada colcheia pontuada. Em  outras palavras, cada colcheia pontuada é separada da semicolcheia e com menor duração que o escrito.  Porém, para a semicolcheia é dado o valor total e ela é tocada legato.  



Observações: Os números acima das notas representam as diferenças de volume entre elas.  
5.4 Quando somente uma dessas figuras aparecerem na melodia, a colcheia pontuada deverá ser tocada  legato (atribuindo seu valor integral). Neste caso, a colcheia pontuada deve soar como uma semínima  seguida por uma pequena apoggiatura.  
Andamento 
Cinética Musical   (do grego kine = movimento), também chamada de agógica (ou agoge)  é a parte da música que estuda a velocidade ou andamento com que  uma peça musical ou um hino deve ser executado.  
Etimologicamente, o termo “agógica” tem as suas raízes no verbo grego “ago” que significa: conduzir,  andar, levar. Contudo, este termo, como hoje nós o conhecemos, foi criado pelo musicólogo alemão Karl  Wilhelm Julius Hugo Riemann (1849-1919), em 1884, e que designa as flutuações de tempo introduzidas  na execução de uma composição musical, com o fim de deixar uma margem à expressão.   

As indicações de andamento mais corriqueiras, do mais lento para o mais rápido, são as seguintes:  • Gravíssimo: Menos de 40 batidas por minuto (bpm). Extremamente lento;   
• Grave: de 40 a 48 bpm. Muito lento; grave; sério; demasiadamente vagaroso;   
•  Largo: de 48 a 58 bpm. Lento, muito vagaroso;   
• Larghetto: de 59 a 65 bpm. Um pouco mais rápido que o largo;   
• Adagio: de 6 a 72 bpm. Devagar; calmo; lentamente;   
• Andante: de 73 a 80 bpm. Em passo tranqüilo; andando;   
• Andantino: de 80 a 95 bpm. Um pouco mais rápido que o andante;   
• Moderato: de 96 a 104 bpm. Velocidade moderada; moderadamente;   
• Allegretto: de 105 a 120 bpm. Mais rápido que o moderato e mais lento que allegro;   
• Allegro: de 121 a 140 bpm. Depressa; rápido;   
• Vivace: de 141 a  168 bpm. Vivo; com vivacidade;   
• Presto: de 169 a 180 bpm. Muito depressa; muito rápido;   
• Prestíssimo: de 181 a 208 bpm. O mais depressa possível.   bpm = batidas por minuto  





No caso dos nossos Hinos não existe andamento rígido, pois conforme temos  ouvido os ensinamentos das Reuniões Gerais de Encarregados de Orquestra,  um determinado Hino terá maior ou menor velocidade dependendo de como o  Espírito Santo estiver guiando o culto, entretanto existe a lista referencial de  velocidades média para cada Hino e coros.  
Durante os ensaios, o Encarregado de Orquestra pode requerer maior  velocidade do que o referencial, mais apenas a título de exercício para  melhorar a leitura musical.   (Acima a foto de um metrônomo)  
Observações: O importante é que o Hino seja ensaiado no andamento correto e que um mesmo  andamento seja observado em todas as estrofes do Hino, portanto toda e qualquer referência é nula sem  guia do Espírito Santo.  


Fecho ou Corte 
É a indicação do término da estrofe ou do próprio Hino. Identicamente ao ataque, o fecho/corte tem que ser  simultâneo. A orquestra deve atender o sinal do Encarregado e cortar o som ao mesmo tempo.  

Esse sinal é dado por uma ou pelas duas mãos, num movimento circular indicando corte

Não se deve recolher as mãos, elas têm que ficar visíveis, principalmente se for final de estrofe, pois as  mãos devem estar prontas para o gesto preventivo da entrada da estrofe seguinte.  
FERMATAS: Existem duas formas de terminação:  
1 - Terminação sem fermata - Marca-se os tempos que existirem e fecha-se no final da contagem.   Ex: Hino 5, 29.  2 - Terminação com fermata - Não se marcam os tempos, indicam-se somente duração da fermata,  fechando em seguida. Ex: Hino 47, 15.  



Volume da Massa Orquestral 
Nos ensaios, cada Encarregado de Orquestra deve chamar atenção dos  músicos para a relação “tamanho orquestra” x “sala de reunião”.  
Existem locais que comportam uma orquestra de 100 músicos e há outras que 100  pessoas é a capacidade total da sala de reunião. Neste caso é uma questão de bom  senso, pois a orquestra não deve ser barulhenta, o som deve ser agradável para que a  irmandade tenha prazer em cantar. Além disso, estamos sujeitos a Lei do silêncio.   
Caso a orquestra seja numerosa numa congregação pequena, é evidente que o volume de cada  instrumento tem que ser menor que o volume de som de uma orquestra numa congregação maior.  
Proporções  Outro ponto a ser considerado é a proporção de instrumentos de metal, palheta e cordas. Numa orquestra  onde haja grande número de trompetes, além de se procurar conseguir dos mesmos um som suave, o  Encarregado poderá dividi-Ios em soprano e contralto, procurando, evidentemente, manter o soprano em  evidência, mas nunca o volume da massa orquestral e andamento deve ser percebido, devido aos  trompetes, saxofones ou instrumentos da harmonia.  
Deve-se sempre buscar o equilíbrio sonoro com leve domínio das cordas, flautas e madeiras. As cordas e  as madeiras, por possuírem o timbre mais suave, devem ser em maior número. Já os saxofones e metais,  por apresentarem um timbre bem mais potente, devem ser em menor quantidade. Nas orquestras em que  os instrumentos de metais superam os de cordas e de madeiras, apresentam um som muito estridente.  
Sugestão de percentual de instrumentos por naipe  Para que haja um bom equilíbrio na sonorização é aconselhável na medida do possível, que os percentuais   em número de instrumentos, sejam os seguintes:  Cordas (38%); Madeiras (25%); Saxofones (15%); e  
Metais (2%), entretanto estes percentuais tratam-se apenas de uma sugestão.   



Formação da Orquestra 
As vozes relacionadas para cada instrumentos são apenas sugestões.  Cada encarregado deve orientar os músicos conforme a necessidade do  momento.  
CORDAS  Violino - Soprano (natural ou oitava) ou   Contralto natural   Viola – Tenor ou contralto  Violoncelo - Baixo  
MADEIRAS  Flauta - Soprano   Oboé – Soprano  Clarinete – Soprano  Corne Inglês – Contralto  Clarone Mib – Tenor  Clarone Sib – Baixo  Fagote - Baixo  
SAXOFONES  Sopranino – Soprano  Soprano – Soprano  Alto – Contralto  Tenor – Tenor  Barítono – Baixo  Baixo - Baixo  
METAIS  Trompete - Soprano  Fluegelhorn – Contralto ou Soprano  Trompa – Contralto  Trombonito,Trombone, Saxhom – Tenor  Bombardino - Baixo  Tuba Sinfônica (bombardão) - Baixo  
Finalizando, lembramos de um fenômeno interessante: da mesma forma que um bom instrumentista tira o  "seu" som, qualquer que seja a qualidade do instrumento que esteja em suas mãos, o bom Encarregado faz  o mesmo com cada orquestra que reger, entretanto tudo irá depender da comunhão da orquestra e  principalmente dos requisitos básicos que são: Obediência, humildade, sinceridade e o desejo de melhor  servir ao nosso grande DEUS, pois ele é o Senhor da perfeição.  



Posição dos Instrumentos na Orquestra 
A regra básica é dividir as vozes pelos respectivos naipes, na ordem:  cordas, madeiras, teclas, saxofones e metais.  
Um ponto muito importante é o posicionamento de instrumentos na orquestra.  A partir do púlpito a ordem de posicionamento sugerida é:  
Naipe: CORDAS  Violino, Viola e Violoncelo  
Naipe:  MADEIRAS / TECLAS  
Flauta transversal, Flauta contralto  Acordeão   Oboé, Oboé d'amore, Corne inglês, Fagote  Clarinete, Clarone Mib, Clarone Sib  
“Naipe”: SAXOFONES  Sopranino, Soprano, Contralto, Tenor, Barítono e Baixo  
Naipe: METAIS  Trompete (Pistão), Trompete Pocket ou Piccolo, Cornet, Flugelhorn e Trompa  Trombone, Trombonito, Saxhom e Melofone  Barítono, Eufônio (Bombardino) e Saxtrompa  Tuba (Baixo ou bombardão)  
"A pontualidade de cada músico e organista reflete a   dimensão de seu zêlo para com a obra de Deus!"  
Autor: Wellington Cardoso da Silva – A venda é proibida.   Página 29  
9. Formação de Músicos eruditos  
Estas idéias são sugestões para a formação de músicos eruditos, para a  análise e aplicação pelo encarregado na escola musical.  
Tornou-se fundamental criar um padrão de ensino musical com metodologia para formar músicos eruditos, e  conscientes da necessidade e disciplina para a interpretação solene de hinos sacros de louvores e súplicas  a Deus.   

Orientação aos alunos 
• Sugerir um padrão de ensino com orientação dirigida à execução, leitura e interpretação solene de  hinos sacros de louvores e súplicas a Deus.  
• Oriente o candidato a diferenciar e perceber os elementos musicais na partitura: ritmo, andamento,  sobretudo lembrar de respeitar o sentimento escrito em formato de notas pelo compositor.  
• Desenvolver o preparo técnico do candidato a músico que permita o domínio instrumental na  execução em orquestra, embocadura correta; palhetas ou boquilhas apropriadas à execução de  música clássica, ajustes básicos, manutenção e limpeza.  
• Dar ênfase ao uso de métodos de autores clássicos e partituras clássicas, ou que possui igual  objetivo, para a formação de músicos eruditos.  
•  Incentive o candidato a buscar informações extracurriculares e não apenas as convencionais, para   o sucesso do aprimoramento de estudo, participar de eventos, shows, concertos de orquestras,  ouvirem músicas clássicas e contemporâneas do período barroco, medieval, etc.  
• Preparar o aluno com elementos da gramática musical, história da música e principalmente a  história do instrumento escolhido. Se possível com elementos multimídia (som, vídeo, fotos, etc).  



Considerações 

conscientes de suas responsabilidades

• Atender a demanda musical da maior orquestra não-profissional do mundo, formando candidatos  
• Sugerir ao aluno que pesquise por referências e métodos adicionais para se aperfeiçoar  constantemente, e da leitura e execução de peças clássicas.  
• Fidelizar gerações de músicos que estarão preparados para instruir futuros alunos com a  metodologia sugerida.  
• Delegue responsabilidades aos seus instrutores e auxiliares, e confie em suas posições.  
Estas ações e outras iniciativas aos alunos; somadas ao estudo dos hinos com esta disciplina; do  aprimoramento do domínio e parte técnica no instrumento; e com a boa freqüência nas aulas de música e  nas atividades complementares dos alunos; o resultado será apenas um: colher o belo e saudável fruto do  esforço para o louvor e glória de Deus.  

10. História da Música  
Resumo dos grandes períodos da história da música.  
Pré-história (dos primórdios ao nascimento de Cristo): A música nasceu com  a natureza, ao considerarmos que seus elementos formais, som e ritmo, fazem parte  do universo e, particularmente da estrutura humana. O homem descobriu os sons que  o cercavam no ambiente e aprendeu a distinguir os timbres característicos da canção das ondas se  quebrando na praia, da tempestade e das vozes dos vários animais selvagens.  
Música na antiguidade (do nascimento de Cristo até 400 D.C.): O mistério continuou a envolver a  música da antiguidade pela inexistência de uma notação musical clara. No entanto, as antigas civilizações  cultivavam a música como arte em si mesma, embora ligada à religião e à política. Nas grandes civilizações  antigas - Egito, Grécia, Roma - a música tinha um papel fundamental em todas as atividades do dia-a-dia.  
Música medieval (400 - 1400): O período é marcado pela música modal praticada nas “himnodias” e  “salmodias”, no canto gregoriano, nos “organuns polifônicos”, nas composições polifônicas da Escola de  Notre-Dame, nas “Ars Antiqua” e “Ars Nova” e ainda na música dos trovadores e troveiros.  
Renascimento (1400 - 1600): Nos séculos XV e XVI a música vocal polifônica passa a conviver com a  música instrumental nascente. Destacam-se a polifonia franco-flamenga (França e região de Flandres parte  da Holanda e Bélgica atuais), a polifonia da escola romana e a música dos madrigalistas italianos.  

Barroco (1600 - 1730): Neste período predomina uma música vocal instrumental voltada para o texto a  ser cantado. É a época das primeiras óperas, das grandes cantatas e oratórios e da fuga, definindo o início  da música tonal. A polifonia, com as vozes melódicas independentes do coro, cede lugar à homofonia.   
Pré-Classicismo: Desde o início a ópera é a música mais popular na Itália, fazendo a transição entre o  barroco e o classicismo. O seu principal compositor é Alessandro Scarlatti (1660-1725), pai de Domênico  Scarlatti (1685-1757), e a cidade de Nápoles foi o centro da atividade operística.  
Clássico ou Classicismo (1730 - 1810): O passo definitivo para a música tonal é dado com a sonata  clássica. Nela os momentos de tensão e relaxamento tornam-se a base da construção formal de obras para  instrumento solo e posteriormente para quartetos de cordas, trios e sinfonias. Haydn e Mozart fazem da  sonata a forma musical mais importante do final do século XVIII e início do século XIX.  
Pré-Romantismo (1790 - 1820): Entre o fim do século XVIII e o começo do século XIX, o rígido  formalismo clássico estava em declínio, sem que, no entanto, nenhum outro estilo se pusesse à vista.   
Romantismo (1810 - 1880): Sobre bases tonais sólidas, o período romântico é o derradeiro momento da  música tonal. As formas livres, lieds, prelúdios, rapsódias, o sinfonismo, o virtuosismo instrumental e os  movimentos nacionais incorporam elementos alheios à tonalidade escrita do classicismo e esta lentamente  se desfaz.  
Impressionismo (1880 - 1920): Esse movimento surge na França, em meados do século XIX, como um  novo modo de percepção do mundo, que se reflete principalmente na música e nas artes plásticas. A arte  do extremo oriente de inspiração dos impressionistas se revela na valorização da sonoridade dos  instrumentos musicais e dos jogos harmônicos.  
Modernismo (1910 - 1940): As catástrofes sociais que abalaram o mundo na primeira metade do século  X mostraram o quanto era falso continuar fazendo música em termos de passado.   
Música contemporânea: Decorre diretamente do serialismo de Webern, da música de Olivier Messiaen  (1908-1992) e do italiano Luigi Dallapicolla (1904-1975). Consiste em um sistema em que são  acrescentadas à série de alturas uma série de durações, uma série de intensidade e uma série de timbres.   
Música erudita no Brasil: A mais remota referência à música no Brasil encontra-se na carta de Pero  
Vaz de Caminha, que relata ao rei de Portugal a musicalidade dos nativos. Outras referências aparecem  nas anotações do padre Manoel da Nóbrega que chega ao Brasil com os primeiros jesuítas, a partir de  1549, mencionando a música de catequese realizada, em geral, a partir de melodias gregorianas.  




Arte da Regência – Módulo 2  
“Dá instrução ao sábio, e ele se fará mais sábio; ensina ao justo, e ele  crescerá em entendimento” (Provérbios cap. 9.9)  
1. Introdução  
No “Módulo I” foi tratado sobre as posturas mais adequadas recomendada durante a regência, entretanto  abaixo estaremos delineando tecnicamente algumas recomendações aconselháveis no exercício da  regência musical.  
Entretanto como já foi deixado claro que este trabalho não tem o objetivo de inovar ou treinar ninguém para  este ministério do louvor; e simplesmente tem o objetivo de deixar a disposição de nossos irmãos conservos  e outros interessados.  
E assim, possa ser consultado, revisado e melhorado para o bem e desenvolvimento de  todos os que amam a música e exerce esta arte, que é a regência na igreja para louvar ao  nosso grande DEUS, pois ELE, somente ELE é digno de todo louvor, honra e glória por  nós seres vivos e por todos os seres celestiais.  
Assim como todos outros elementos da música, regência é uma habilidade que necessita ser  cuidadosamente estudada. Infelizmente, é um assunto no quais os nossos alunos candidatos na escolinha e  para a grande maioria ainda falta à devida orientação sobre regência durante o aprendizado musical  principalmente para os instrutores (as) de música.  
Mas frequentemente e comum é que as práticas de solfejo adquiridas nas escolinhas acabam sendo  também aplicadas durante os ensaios como se solfejasse o Hino perante a orquestra e organistas para a  condução das nossas orquestras.  







2. Regência no púlpito  
Obviamente, a regência deve ser realizada ao lado da tribuna e não atrás, pois não é  possível que nossos irmãos e organistas consigam a visualização necessária dos  gestos que estão sendo feito caso o Encarregado se mantenha atrás da tribuna.  
Estando ao lado da tribuna, o Encarregado deve transmitir um senso de liderança e  autoconfiança.   
Entretanto, em tudo deve estar presente a humildade e respeito para com a orquestra e irmãs organistas.  
Mostrar autoconfiança e liderança é para que a orquestra sinta alegria em tocar,   tendo no Encarregado a sua frente como alguém que sabe o que está fazendo.  
Espaço do regente  









3. Posicionamento dos pés  
Os pés devem estar retos, com um pé ligeiramente na frente do outro (recomendável) para manter o  equilíbrio, estando apartado, afastado ao lado de 30 a 40 cm. Vide a imagem a seguir.  
Não se deve bater/marcar com o pé enquanto se rege, deve ser evitado este ato a todo custo. Apenas o  movimento da mão direita deve preferivelmente manter o tempo.  

4. Posição das mãos e braços  
Quando em regência, os cotovelos devem ser mantidos ligeiramente para fora e  para frente do corpo e não preso ao corpo. Isto permite um movimento livre das  articulações dos ombros, cotovelo, pulso e dos dedos.   
Para conseguir a posição correta gire o dorso das mãos para cima, até que as  pontas dos dedos indicadores e polegares se encontrem, com isso, os cotovelos  também terão se projetado, naturalmente, um pouco para frente e para os lados. Então faça os ajustes,  afastando as mãos de forma que fiquem alinhadas com os ombros e que braços, antebraços, mãos e  ombros não fiquem tencionados.  
Lembrando, durante a gesticulação nenhuma parte do gesto deve estar abaixo ou escondido atrás de  qualquer obstrução, estante, hinário ou tribuna.  





Ponta  
Haste  Cabo ou bulbo  
Função das mãos 
A função da mão direita como já comentado preliminarmente é manter o tempo  assegurando o ritmo enquanto a mão esquerda é destacar de alguma maneira as  qualidades expressivas da música. Existe um debate considerável sobre se é  conveniente pessoas canhotas inverter estas posições, porém não se recomenda  esta inversão de posição.  
A mão direita pode indicar a dinâmica (variando o tamanho da batida) e o estilo musical (variando a forma e  o peso da batida). Similarmente a mão esquerda pode às vezes ser empregada para ajudar os músicos  (orquestra) a tratar um “sttacato”, um “acellerando” ou começo ou fim de uma frase. Desta forma, é sempre  bom lembrar que as funções das mãos devem ser mantidas separadas tanto quanto possível.  
Quando as duas realizam as mesmas ações fica uma como espelho da outra e o resultado é que ambos  Encarregados e orquestra musicalmente têm uma expressão espelhada pobre musicalmente não  representando o sentimento descrito no texto da composição do Hino.  
As mãos devem ser mantidas ligeiramente abaixo do pulso,   palma faceando o chão e os dedos juntos ligeiramente curvados.  

5. Regência com a batuta  
Mesmo fora da Congregação Cristã no Brasil existe um debate se o maestro ou Encarregado deve ou não  usar a Batuta. Esta discussão teve inicio entre os séculos 18 e 19, alguns Maestro principalmente aqueles  que dirigem corais não substitui os dedos da mão pela Batuta.   
A grande maioria dos maestros de orquestra e bandas prefere e considera a batuta como uma habilidade  para amplificar o tamanho dos gestos do maestro, além de fazê-los mais claros.   
A Batuta por si só já é um símbolo de autoridade.  





Escolha da batuta 
Uma batuta deve ser selecionada como um instrumento musical do Encarregado e não deve ser de  qualquer forma improvisada. Deve se ter o cuidado nesta seleção, acima de tudo, avaliada quanto a forma e  desenho.   
No mercado atualmente existem vários tipos, tamanhos e formas de batutas, entretanto ao selecionar uma  batuta os Encarregados devem avaliar os seguintes aspectos:  
a. Balanceamento, equilíbrio da batuta.  b. Leveza.  c. Tipo de cabo ou bulbo.  d. Material do cabo ou bulbo.  e. Cor da Haste da Batuta.  f. Tamanho da batuta. 
Vamos conhecer mais sobre estes aspectos a seguir:  
a. Balanceamento, equilíbrio da batuta.  Para verificar o balanceamento e equilíbrio de uma batuta deve-se segurar na batuta e verificar o ponto  onde se cruza o dedo indicador com o polegar. Após a localização deste ponto, coloca-se a batuta  atravessada sobre o dedo indicador esticado exatamente no ponto de “Grip” ponto do cruzamento dos  dedos indicador e polegar.   
A Batuta balanceada mantem-se equilibrada sobre o dedo indicador sem pender nenhum dos lados para  baixo. Confira o exemplo na figura a seguir.  
b. Leveza da Batuta  Uma boa batuta deve ter o mínimo de peso ou quase sem peso.  


&nbsp;c. Tipo de Cabo ou bulbo  Existem vários tipos de cabo (pêra, esferas, etc.) cada Encarregado deve verificar o tipo de cabo que lhe  permita uma melhor posição de grip no cabo da batuta na palma da mão. Recomendamos os cabos esferas  aos iniciantes no uso da batuta, porque não tem necessidade de tencionar os dedos anular e mínimo que se  fecha sobre o cabo evitando que a Batuta se solte da mão durante a regência.  
d. Material do Cabo  Os materiais mais comuns dos cabos são: Plásticos, madeiras e cortiças.  Como uma recomendação para os cabos de cortiça aos iniciantes no uso da batuta, por serem mais leves e  de fácil Grip evitando escapar das mãos durante a regência.  
e. Cor da Batuta  A cor da Batuta de preferência deve ser branca para que permita uma boa visualização para os músicos  principalmente para os últimos músicos em orquestras grandes. As cores escuras dificultam a visualização  dos músicos do fundo principalmente em ensaios à tarde com as luzes desligadas ou na parte da manhã.  
f. Tamanho da Batuta  O tamanho da batuta é também um ponto de discussão entre os grandes maestros, alguns preferem adotar  que o comprimento da batuta deve ser desde a ponta do dedo indicador até o cotovelo, entretanto esta  regra nem sempre funciona, e em geral as batutas com haste de 13 a 15’ (polegadas) são recomendadas e  bastante suficientes.  
Posição de grip da batuta e mão esquerda 
É necessário conhecer e ter atenção que a batuta é essencialmente a extensão da mão direita. Isto significa  que o foco da atenção da orquestra precisa estar na ponta da batuta e não em cima da mão.   
Preferivelmente a “haste” da Batuta deve estar no mesmo nível com os dedos da mão esquerda, isto implica  que o cotovelo e braços esquerdos estarão pouco na frente do braço direito.   
Se a mão direita for estendida igualmente com a mão esquerda, o foco  da orquestra estará nas mãos, e isto fará o uso da batuta supérfluo.    







Ao usar a batuta a palma da mão deve estar para baixo com a batuta prendida entre o polegar e o dedo  indicador. O cabo da batuta pode estar no centro da palma da mão (esfera), prendido com os dedos anular  e mínimo. A batuta deve estar apontando para frente ligeiramente à esquerda em paralelo a orquestra e  esta posição não deve tencionar o pulso.  
Não se deve prender a batuta demasiadamente firme (forte), porque isto criará uma tensão  desnecessária travando o pulso e impedindo os movimentos.  
Posição de grip na batuta (mão direita)  







6. Posicionamento para a Regência  
Conceitos fundamentais  
Os planos horizontais, do vertical e da intensidade se marcam fora do espaço em que ocorrem os gestos de  regência. Embora haja alguma variação entre maestros neste respeito, o plano horizontal (da esquerda para  a direita do corpo) é ajustado geralmente na área do peito para o lado direito do corpo.  
O plano vertical é centrado ligeiramente a direita do centro (na frente do ombro direito) e se entende da  cintura do maestro ao alto da cabeça.  
Alguns livros de regência recomendam que o ponto de foco (altura dos Olhos) ou Fulcrum, onde é o  encontro destes dois planos e é também a área geral onde a mão esquerda deve descansar quando não  estiver em uso.  
Para maior clareza dos movimentos do Encarregado de Orquestra, deve-se procurar não violar as seguintes  regras:  
• Quando o pulso está em movimento, não se mexe o braço.  
• Quando o braço está em movimento, não se mexe o pulso.  
• Se o braço está totalmente esticado no movimento preparatório, o gesto se inicia no ombro, a dinâmica  será forte para fortíssimo. O andamento será provavelmente largo e vigoroso.  









• Se o antebraço é usado no gesto preventivo, o antebraço deverá formar um ”L” na configuração com o   braço. O pulso não deve se movimentar, neste caso o nível de dinâmica será  mezzopiano e forte.  
• Se o pulso é usado no gesto preventivo (preparatório) cobrirá menos espaço na movimentação da  batida. O cotovelo deverá formar um ângulo agudo (fechado) em forma de “V” com o antebraço ao lado do  corpo mais não colado ao mesmo, apenas paralelo. O nível de dinâmica alcançado será do pianíssimo ao  mezzoforte.  
Plano de Regência  
O plano de regência é dividido em zonas 1, 2 e 3 é usado para obter uma atenção maior da orquestra,  avançando para os músicos ou retraindo os braços e executando gestos menores.   
Ambas as mãos podem trabalhar neste plano ou somente uma mão, principalmente a direita.  













Posição básica do braço  
A figura abaixo indica a posição básica do braço.   Deixe o braço direito cair livremente e curve o cotovelo, formando a letra “L”.  
Posição Básica em “L”  
Movimento do pulso  

(Click para cima)(Click para baixo) 

Para cima  “Click”  
Para os lados  “Flick”  (Flick para Esquerda)                                              (Flick para Direita).  




7. Gestos preventivos  
Movimento preventivo para o ataque  
É um movimento da batuta tão importante quanto os demais movimentos. É especial porque neste momento  ocorre um ajuste silencioso sinalizando as instruções que devem ser seguidas pela orquestra.  Os fatores são:  
- O tempo.  - O nível de dinâmica da primeira sonoridade.  
- A articulação da primeira sonoridade.  
Não “prepare” a preparação: A Batida preparatória executada inadequadamente é uma causa comum de  um ataque pobre da orquestra. Antes de iniciar a batida é importante assumir neste instante a autoridade  descrita anteriormente, com os braços e as mãos nas posições apropriadas, o Encarregado deve fazer  contato dos olhos com a orquestra antes de executar o movimento preparatório.  
Indique sua intenção de ataque – inspire: Uma recomendação para deixar a orquestra em alerta é mover  as mãos para cima da posição de prontidão e inalar (puxar o ar com o nariz) como se fazendo uma  respiração (vírgula longa), sem fazer ruído (mímica) obviamente como uma indicação de sua intenção de  ataque.   

Dois tipos de problemas ocorrem com freqüência causando ataques pobres pela orquestra:  
1. Tendência de hesitar no topo do ciclo, isto confunde e resulta na produção de  insegurança na orquestra.  
2. Ausência ou a Falha na respiração (inalação) quando o Encarregado respira antes da  batida preparatória e não durante.   
A batida preparatória assegura a clareza no ataque sobre o ponto central ou ponto ICTUS da primeira  batida, mas se a musica inicia com o compasso incompleto ou seja no tempo Dois (2) então a batida Um (1)  é a batida preparatória.  











Se a música inicia na batida Três (3), então a batida Dois (2) será a batida preparatória e assim  sucessivamente para a batida Quatro (4) e (5) e etc.  
No caso de anacruse fracionada ser a batida inicial, deve-se seguir o mesmo conceito de batida  preparatória, o gesto deve ser feito como se o ataque caísse sobre a batida precedente.  
Gesto preventivo  
Gestos preparatórios para o ataque  Binário, ternário, quaternário e de seis tempos.  
a) Se o Hino ou música começa em qualquer parte da batida 1, o gesto preventivo deve se iniciar na batida  2.   
b) Se o Hino ou música se inicia em qualquer parte da batida 2, o gesto preventivo (preparatório) deve se  iniciar na batida 1.  














&nbsp;a) Se o Hino começa em qualquer parte da batida 1, o gesto preventivo deve iniciar na batida 3. No caso de  pausa após a batida preparatória deve ser adicionado claramente um “Click” no movimento da batuta  imediatamente após o gesto preventivo.  
b) Se o Hino começa em qualquer parte da batida 2, o gesto preparatório deve ser feito na batida 1. (“Click”  sobre a pausa após a preparação).  
c) Se o Hino começa em qualquer parte da batida 3, o gesto preventivo deve ser feito sobre a batida 2.  (“Click” na pausa 1 tempo após a preparação).  
















&nbsp;a) Se o Hino começa em qualquer parte da batida 1, o gesto preventivo deve começar na batida 4.  Como  anteriormente, a batida para cima é um gesto preventivo. Com a pausa adicionar um “click”. (na pausa da  quiáltera).  
b) Se o Hino começa em qualquer parte da batida 2, o gesto preparatório deve ser feito na batida 1.  Adicione “Click” na pausa após o gesto preventivo.  
c) Se o Hino inicia em qualquer parte da batida 3, o gesto preventivo deve ser feito na batida 2.  d) Se o Hino inicia em qualquer parte da batida 4, o gesto preventivo deve ser feito na batida 3.  













Seis (6) TEMPOS   6/8 – 6/4 – 6/16 – 6/32  a) Se o Hino inicia na batida 1, o gesto preventivo deve ser feito na batida 6. (Para cima).  
b) Se o hino começa na batida 2, o gesto preventivo deve ser feito na batida 1.  
c) Se o Hino começa em qualquer parte da batida 3, o gesto preventivo preparatório deve ser feito na batida  2. A divisão do Seis (6) e (3+3) determina posição do gesto, logo o gesto preventivo inicia a direita do corpo  e move-se para a esquerda e então volta cruzando o corpo no plano de regência para alcançar a batida 4.  
d) Se o Hino começar em qualquer parte da batida 4, o gesto preventivo deve ser feito na batida 3. A divisão  3 + 3 determina a posição do gesto. O gesto inicia na direita do corpo, movendo para esquerda, cruzando o  corpo para a direita no plano de regência para alcançar a quarta (4) batida.  




&nbsp;e) Se o Hino começar em qualquer parte da batida 5, o gesto preventivo deve ser feito na batida 4. O gesto  preventivo cruza o corpo da esquerda para a direita. A batida 5 é para cima e para dentro e para a esquerda  preservando o gesto oposto ao movimento.  
f) Se o Hino começar em qualquer parte da batida 6, o gesto preventivo deve ser  feito na batida 5. O gesto  preventivo (preparatório) inicia no meio do corpo e move-se para a direita do corpo.  

8. Fermatas  
A fermata é um assunto tão complexo que muitos livros de regência  dedicam capítulos inteiros considerando a maneira correta na qual  deveria ser feito.  
Temos diferentes tipos de fermatas e três tipos de finais, conforme seus fonemas, ou seja, terminação da  frase do hino ou música.  
a) Fermata Conclusiva;
&nbsp;b) Fermata de Preparação, que só tem uma curta cesura, produzindo uma espécie de tensão  para a frase musical que deve seguir a esta;
&nbsp;c) Fermata Continuativa, que não acarreta nenhuma interrupção;
&nbsp;d) Fermata Suspensiva, sobre uma pausa;
&nbsp;e) Caso especial.  
Nestas poucas linhas, consideramos preferivelmente os princípios básicos mais importantes.  







Em geral a fermata envolve uma parada da pulsação rítmica da música. Quando se encontra a Fermata a  batuta deve ficar parada, mais deve continuar movendo lentamente, vagarosamente ao longo da linha  horizontal indicando que o som deve ser sustentado.   
Quando a fermata é sustentada é o Encarregado que decide, entretanto o tempo da nota sobre a qual a  fermata é colocada, na qual deve ser maior que o valor da nota escrita.  
Como conhecer melhor as (5) cinco maneiras básicas de terminar a fermata em notas:   
Conclusiva  
Corte do som completamente, este tipo é frequentemente marcado com uma “cesura” ( l ) ou respiração  longa, na contagem e requer um corte e uma batida preparatória antes de prosseguir no tempo.  
Preparação  
Somente uma ruptura ligeira (leve) do som; este tipo não requer uma batida preparatória, ao invés disso, o  corte age como uma batida preparatória. Tais fermatas são algumas vezes indicadas na contagem com uma  marca de apostrofe ( ‘ ).  



Muitos maestros se sentem inseguros quando executando o recurso da fermata para completar o corte  (cesura) ( l ), não considerando a frase do hino e se esta foi ou não a intenção do compositor. Como  resultados, na maioria das vezes estão incorretas.  
O Tipo de corte de fermata Preparação é o mais indicado na dúvida e geralmente é o pretendido pelo  compositor mesmo que o apostrofo não esteja indicado na contagem. Vale lembrar que na grande maioria  dos hinos com fermata, o tipo preparação de terminação é o mais recomendado quando a fermata se  apresenta no meio do compasso (entre e no meio de semifrases) e o primeiro tipo de corte de fermata é  indicado para finais de estrofe e final de coro do hino.  
Decidir qual o tipo de corte de fermata não é tarefa fácil, portanto o hino deve ser analisado no seu contexto  musical fraseológico para a aplicação correta de terminação da fermata.   
Continuativa  
Reger (conduzir) diretamente para a próxima nota sem quebra entre elas. Este tipo de fermata é talvez o  mais difícil de executar lisamente. Neste caso, a preparação para o próximo ataque é atualmente a  continuação do movimento de deslocamento da batuta.  
Suspensiva  
Envolve a maneira correta de sustentar uma fermata quando esta aparece sobre um descanso ou pausa.  Neste caso, a batuta para sobre a pausa e não se movimenta durante a fermata da pausa. Então o  Encarregado deve fazer o gesto preparatório usual para indicar a primeira batida da próxima barra de  compasso ou do tempo.  
Em tal caso, o comprimento do silêncio é influenciado pelo que precedeu a fermata em geral quando toda  orquestra está tocando forte, um período maior de silêncio é necessário.  





Caso especial  
Fermata sobre linha em movimento: é uma situação que ocorre, quando uma fermata é colocada sobre  uma linha em movimento. A melhor solução é continuar batendo o tempo até a última batida da voz em  movimento. Isto é, após tudo, onde realmente é o início da fermata.  
9. Gesto de corte / fecho de fermata  
O corte de fermata pode ser definido como um gesto musical simples consistindo em duas partes:  
a) A mão direita para a batida onde sempre a “Fermata” é indicada. (Em baixo, no meio, no final do  compasso ou qualquer ponto rítmico dentro da medida do compasso).  A dinâmica da Fermata é definida pela zona em que a batuta é mantida.  
b) O corte do movimento é um gesto de responsabilidade da mão esquerda para a cessação do som.  Recomenda-se como hábito, executar os cortes com a mão esquerda em conjunto com a mão direita.