PÓS-IMPRESSIONISMO 2º ANO
Autor: taniaartes | Publicado: 2014-08-11T14:57:00-07:00


PÓS-
IMPRESSIONISMO

O&nbsp;pós-impressionismo&nbsp;foi a expressão artística utilizada
para definir a&nbsp;pintura&nbsp;e,
posteriormente, a&nbsp;escultura&nbsp;no
final doimpressionismo,
por volta de&nbsp;1885,
marcando também o início do&nbsp;cubismo, já no início doséculo XX. O pós-impressionismo designa-se
por um grupo de artistas e de movimentos diversos onde se seguiram as suas
tendências para encontrar novos caminhos para a pintura. Estes, acentuaram a
pintura nos seus valores específicos – a cor e bidimensionalidade.

A maioria de
seus artistas iniciou-se como impressionista, partindo daí para diversas
tendências distintas. Chamavam-se genericamente pós-impressionistas os artistas
que não mais representavam fielmente os preceitos originais do impressionismo,
ainda que não tenham se afastado muito dele ou estejam agrupados formalmente em
novos grupos.

Sentindo-se
limitados e insatisfeitos pelo estilo impressionista, alguns jovens artistas
queriam ir mais além, ultrapassar aRevolução de Monet. Aí se encontra a
gênese do novo movimento, que não buscava destruir os valores do grande mestre,
e sim aprimorá-los.

Insurge-se
contra o impressionismo devido à sua superficialidade ilusionista da análise à
realidade.

Movimentos
impressionistas como o&nbsp;Pontilhismo&nbsp;ou o&nbsp;Divisionismo&nbsp;nunca são chamados pós-impressionistas
mas sim de neo-impressionistas.[

Os pintores
mais consagrados desta época foram:

Vincent van
Gogh

Paul Gauguin

Henri de Toulouse-Lautrec

Paul Cézanne

Odilon Redon

Georges
Seurat

Eliseu
Visconti



Expressionismo
Esse movimento esteve em oposição ao Impressionismo e focou mais nas sensações
que a arte proporcionava. Ele mostrou os sentimentos humanos e suas
preocupações no início do século XX. Esse movimento ora fora esquecido, ora
lembrado no decorrer do século por causa das sensações que o mesmo proporcionava.
Ele surgiu na Alemanha, em Dresden, entre 1904 e 1905. Seus participantes&nbsp;
foram&nbsp;Ernest Ludwig Kichner&nbsp;(1880-1938),&nbsp;Karl
Schmidt-Rottluff&nbsp;(1884-1976) e&nbsp;Erich Heckel&nbsp;(1883-1970),
juntos formavam o grupo chamado&nbsp;Die Brüche&nbsp;na tradução,
significa&nbsp;A Ponte.
Suas características são:

Representação dos sentimentos humanos através de
linhas e cores. Algo que já vinha sendo trabalhado por Van Gogh, em que cor e
deformação mostravam o interior do homem moderno;

Deformação da realidade;

Pessimismo em relação ao mundo;

Foge das regras tradicionais da arte;

Melancolia.
Principais pintores:
Edvard Munch&nbsp;(1863-1944) - sua obra mais destacada foi 'O grito',
por causa da expressão das linhas, cores e seres que mostravam as angústias do
homem moderno; Outra obra é 'Cinco Mulheres na Rua', em que retratava
como era a burguesia.


Fauvismo ou Fovismo
Esse movimento surgiu em 1905, em&nbsp;Paris&nbsp;e foi fruto de uma crítica no
Salão de Outono, por&nbsp;Louis Vauxcelles. Jovens foram chamados de&nbsp;fauve,
que significa feras, pelas suas pinturas agressivas com cores puras.
Características

Formas simplificadas;

Utilização de cores puras (tal como são nos tubos
de tinta);

As pinturas não representam a realidade (cores e
figuras são sugestão dos artistas).
Artistas

André Derain&nbsp;(1880-1954);

Othon Friesz&nbsp;(1879 – 1949);

Maurice de Vlaminch&nbsp;(1876 – 1958);

Henri Matisse&nbsp;(1869-1954) –&nbsp; ele foi uma das maiores
expressões do estilo e procurou mostrar as formas das figuras, sem se preocupar
com a realidade e as cores. Um exemplo é a obra&nbsp;'Natureza-morta com
Peixes Vermelhos'&nbsp;(1911). A composição era organizada de acordo com as
cores puras e algumas figuras da obra.
Apesar disso, muitos dos autores fauvistas não foram aceitos ao apresentarem
suas obras.



Cubismo
O cubismo surgiu de uma obra feita por&nbsp;Cézanne, que
retratava a natureza com figuras geométricas.&nbsp;Outros&nbsp;artistas do estilo se
aprofundaram e buscaram mostrar os objetos como se estivessem abertos. Assim,
ele evoluiu para dois tipos: oCubismo analítico&nbsp;e o&nbsp;Cubismo
sintético.
Cubismo analítico&nbsp;(1908-1911) – desenvolvida por&nbsp;Picasso e
Braque:

Seu estilo era a utilização de poucas cores;

Definição de um tema apresentado em todos os
ângulos;

Perda da realidade, sendo impossível reconhecer as
figuras.
Cubismo sintético&nbsp;– fugia dessa perda de realidade, mas ainda
buscava retratá-la de várias formas. Foi chamado, também, de colagem, porque
eles colocavam tudo o que podiam, como letras, números, vidros, etc., com o
intuito de criar novos efeitos e despertar a atenção.
Principais artísticas

Pablo Picasso(1881-1973) – ele era um gravador e escultor e
introduziu várias técnicas ao estilo:&nbsp;

na fase azul(1901-1904) retratou tristeza e melancolia;

na fase rosa(1905-1907) retratou acrobatas e arlequins.

Outra técnica advinda da arte africana foi a
elaboração da estética cubista. Ele deformava todas as partes do corpo humano e
destruia a harmonia das formas. Retratou isso em sua obra&nbsp;Les
Demoiselles d'Avignon. Ele começa a retratar obras sobre a realidade dos
conflitos e guerras, em seu famoso mural,&nbsp;Guernica&nbsp;(1937). Por
último, em&nbsp; suas gravuras, de 1907 a 1972, suas obras gravadas eram
expressivas com o desenho, opondo claro e escuro.

Georges Braque(1882-1963) – para ele, a pintura não era uma
descrição da realidade. Ele passou pela fase do Cubismo analítico, sendo
destaque a obra 'O Português'. E, após 1913, passa a representar os objetos
pelo Cubismo sintético, destacando as partes significativas da obra.

Fernand Léger&nbsp;(1881-1995) – representava um novo cubismo:
para ele, as máquinas e o crescimento industrial, do final do século, eram tão
importantes quanto uma escultura. Com isso, um novo mundo pode ser construído.
Uma obra que enfatiza isso é&nbsp;'Elementos Mecânicos'&nbsp;e o&nbsp;'Tipógrafo'.
Em 1925, com seu contrato com o arquiteto Le Corbusier, descobre a importância
dos murais e procura superar a diferença entre uma obra e um&nbsp;desenho industrial.
Características

Utilização de formas geométricas nas obras;

Falta de perspectiva (três dimensões dos seres);

Estética cubista (destruição da harmonia e
decomposição da realidade).



Abstracionismo&nbsp;
Surgiu de uma tela de&nbsp;Wassily Kandinsky&nbsp;(1866-1944), chamada
Batalha. Na pintura, abstracionista não há relação entre a realidade, cores e
formas. Conhecem essa técnica os pintores&nbsp;Mikhail Larionov&nbsp;(1881-1964)
e&nbsp;Natália Gontcharova&nbsp;(1881-1962), russos que valorizavam a
relação com as cores, mas não com o tema da obra.
Já em 1912,&nbsp;Vladimir Tatlin&nbsp;(1885-1956), em viagem a Paris,
gostou das colagens cubistas e resolveu implantar no novo estilo: pintura em
relevo com vários materiais e figuras abstratas, dando origem ao&nbsp;Construtivismo.
Os escultores Antoine Pevsner (1886-1962) e Naum Gabo (1890-1977), juntamente
com Tatlin, criaram várias peças abstratas, dando-lhes o nome de construções ao
invés de esculturas.
A&nbsp;Revolução Russa, em 1922, veio acabou com o construtivismo.
Tatlin se ligou a ela, Gabo e Pevsner deixaram o país, quando o governo
revolucionário fechou os ateliês dos artistas. Mas, logo depois, em 1931, eles
dão origem ao movimento chamado&nbsp;Criação Abstrata. A partir das
primeiras pesquisas, logo começou a fazer parte da pintura moderna, e duas
tendências surgiram em seguida:

Abstracionismo sensível ou informal&nbsp;– predominam os sentimentos
e emoções e as cores são associadas com elementos da natureza. Por exemplo, a
obra Domingo, de Kandinsky.

Abstracionismo&nbsp; Geométrico&nbsp;– cores e forma são
organizadas de acordo com as composições geométricas. Por exemplo, as obras de
Piet Mondrian: ele buscava a essência dos objetos que se harmonizam com o
universo. Retratada em 'Árvore Vermelha'.

A partir das décadas de 20 e 30, linhas diagonais e
curvas foram trocada por horizontais e verticais que, juntamente às cores,
trouxeram equilíbrio às obras.
Em busca de outras tendências da pintura do século XX, se destacaram, novos
estilos que caracterizaram as primeiras décadas do século XXI. Valorizavam a
velocidade das máquinas e do cotidiano e as tendências produzidas pela cultura
industrializada.



Futurismo
O futurismo é um estilo influenciado pelo movimento literário&nbsp;Manifesto
Furista, criado por&nbsp;Filippo Tommaso Marinetti,&nbsp;em 1909.
Ele era&nbsp;um poeta e escritor italiano que sugeriu às pinturas a velocidade
das máquinas e a exaltação do futuro. Para os pintores desse estilo, os
artistas não tinham essa visão de futuro. Com outro manifesto, criado por&nbsp;Umberto
Boccioni, Luigi Russolo, Carlo Carrà, Giacomo Balla e Gino Severini, em
1910, Milão, nas obras eram representadas os movimentos em si. Usaram cores,
retas, curvas que dessem ideia de velocidade.&nbsp;Ex.:peça em bronze 'Formas
Únicas de Continuidade no Espaço', do escultor&nbsp;Umberto Boccioni.
Os estudos de Freud sobre psicanalismo e a política mostravam a complexidade da
sociedade moderna. Em crítica à cultura europeia, surgiram:

Pintura Metafísica&nbsp;– uma pintura que mostrava
a falta de sentido da sociedade contemporânea: mistério, luzes, objetos,
sombras e cores intrigantes. Tinha como principal artista,&nbsp;Giorgio De
Chirico&nbsp;(1888-1979), um pintor italiano, com suas obras 'O Enigma
da Chegada' e 'O Regresso do Poeta'.


Dadaísmo

Artistas e intelectuais franceses e alemães se reuniram em oposição à&nbsp;Primeira Guerra Mundial.
Foram para Zurique, na Suíça, e em 1916, criaram o&nbsp;Dada, cujo
significado é&nbsp;cavalo de pau, palavra encontrada por&nbsp;Hugo
Ball&nbsp;e&nbsp;TristanTzara&nbsp; num dicionário alemão-francês.
Assim como o nome, a arte não significava nada, da mesma forma que a guerra.

&nbsp;Características:

Elementos fugiam do racional e eram combinados por
acaso;

Os artistas negavam a sua cultura e representavam
um protesto;

Obras utilizavam a colagem para retratar o estilo,
com críticas e sátiras à desordem da Europa;

Eles utilizavam o princípio do automatismo
psicológico, proposto por Freud, em que “os atos praticados pelos homens são
automáticos e independentes de um encadeamento de razões lógicas.”

Isso deu origem ao&nbsp;Surrealismo, do
escritor e poeta André Breton (1896-1966), na França, em 1924. Nesse novo
estilo, as obras eram representações ilógicas do subconsciente, como imagens
vistas em sonhos ou alucinações. Às vezes, representavam aspectos da realidade
em excesso, com elementos inexistentes. Um dos principais artistas desse estilo
é&nbsp;Salvador Dali&nbsp;(1904-1989).
Essa pintura deu origem às duas tendências:&nbsp;Figurativa, com os
artistas, Salvador Dali e Marc Chagall e&nbsp;abstrata, com Joan Miró e
Max Ernest.
Nos grandes centros urbanos industrializados, com a recuperação da&nbsp;Segunda Guerra Mundial, a
indústria estava a todo o vapor. O consumismo começou a fazer parte da
sociedade no início da segunda metade do século XX. Veja as expressões que mais
se destacaram:



&nbsp;Op Art
Expressão do inglês,&nbsp;optical art, que significa arte óptica.&nbsp;Victor
Vasarelyn&nbsp;é o responsável por iniciar essa arte através da plástica do
movimento. As pinturas possuem representações de figuras geométricas e cores,
preto e branco ou coloridas. Toda a obra sugeria o movimento e era uma arte que
estava em constante mudança.

Suas pesquisas se desenvolveram na década de 60,
cuja manifestação para exposição coletiva se deu no&nbsp;Museu de Arte
Moderna de Nova York, em 1965. Outro artista importante é Alexander Calder
(1898-1976), na criação de móbiles associando-os aos retângulos das telas de
Mondrian sugerindo movimento.

Chamada de&nbsp;Mobile em Dois Planos, de
início o observador podia movimentá-los; depois de 1932, ele verificou que a
simples ação do vento podia fazer isso.


Pop Art&nbsp;
Pop Art,&nbsp;no português, significa&nbsp;arte popular, surgiu
nos Estados Unidos, por volta de 1960 e atingiu vários lugares do mundo.
Os artistas retratavam o dia a dia das grandes cidades norte-americanas,
relacionando a arte com a vida comum. O tema da arte era símbolos da grande
massa consumidora e da era industrializada, ou seja, aquilo que fazia sucesso.
Destaques:
Marilyn Monroe, uma ilustração feita por&nbsp;Andy Warhol, com o
método de produção em série de cores e repetição de imagens.

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