Autor: Grazie Gra | Publicado: 2012-05-08T17:13:00-07:00








O homem que pintava com a almaAndré Petry, de NY -&nbsp;Veja&nbsp;- 23.02.2011
O autor britânico Geoff Dyer escreveu certa feita que o pintor Edward Hopper (1882-1967) 'poderia pretender ser o mais influente fotógrafo americano do século XX, mesmo sem ter tirado uma fotografia sequer'. (...) Realista imaginativo, Hopper retratou com subjetividade a solidão urbana e a estagnação do homem causando ao observador um impacto psicológico. A obra de Hopper sofreu forte influência dos estudos psicológicos de Freud e da teoria intuicionista de Bergson, que buscavam uma compreensão subjetiva do homem e de seus problemas. O tema das pinturas de Hopper são as paisagens urbanas, porém, desertas, melancólicas e iluminadas por uma luz interessantíssima.&nbsp;
O senhor de cabelos grisalhos e barriga proeminente exclamou: “Esse homem é sexualmente reprimido”. O senhor estava diante da tela&nbsp;Early Sunday Morning, que Edward Hopper pintou em 1930&nbsp;(veja reprodução abaixo). Junto com um grupo de vinte pessoas, ele escutava os comentários sobre o quadro feitos pela guia da exposição&nbsp;Modern Life: Edward Hopper and His Time, no Whitney Museum, em Nova York. A guia, uma senhora de idade avançada e compleição franzina que gesticulava com a bolsa pendurada no pulso esquerdo, dizia que a pintura mostrava uma fileira de janelas no 1º andar tão enigmáticas quanto as vitrines do térreo, mas talvez pertencessem a um prostíbulo. Atiçado pela sugestão erótica, o senhor grisalho pediu a palavra, fez citações freudianas e disse que as longas sombras na calçada, projetadas pelo hidrante e pelo poste de barbeiro, eram “óbvias referências penianas” de um homem reprimido. A guia sorriu gentilmente, alguns visitantes também, talvez divertindo-se com o ousado alcance da interpretação.Nada em&nbsp;Early Sunday Morning&nbsp;é óbvio, mas é certo que Edward Hopper (1882-1967), um ícone da pintura americana da primeira metade do século XX, fez quadros abertos a leituras distintas, às vezes até opostas. Ao longo da carreira, a avaliação crítica de sua obra sofreu mudanças radicais. Ele já foi considerado subjetivo e objetivo, realista e modernista, formalista solitário e individualista nostálgico. Mas nunca escapou à crítica, nem antes nem agora, a tremenda densidade psicológica de seus quadros, inclusive nas telas em que, como em&nbsp;Early Sunday Morning, não há pessoa alguma. Na exposição do Whitney Museum, que reúne 32 obras de Hopper e outras quarenta de quase trinta contemporâneos, a melhor parte está justamente na vastidão psicológica de seus quadros. Neles, há uma verdade suspensa, atemporal, como que congelada por um elemento que permeia delicadamente toda a sua obra: a impossibilidade da comunicação humana, a certeza de que somos essencialmente solitários. Hopper pintou a melancolia da existência. Só um mestre tira tanto da ponta de um pincel.A exposição, que ficará até o dia 10 de abril, é uma aula sobre a obra de Hopper na medida em que a compara com a de seus colegas. Vendo-se o que os outros são e o que Hopper nunca foi, descobre-se um pouco mais do que ele é. A meio caminho entre realistas e modernistas, ele bebeu nas duas fontes mas nunca pertenceu a nenhum grupo artístico, apesar de ter estudado com Robert Henri (1865-1929), o príncipe do realismo americano do início do século. Nas três viagens que fez a Paris na primeira década, absorveu influência de Édouard Manet e Edgar Degas, e não se interessou por Pablo Picasso ou Henri Matisse. O que chama atenção é a perseverança com que manteve seu estilo e sua temática durante toda a carreira: sempre retratou cenas da vida real, sempre lhes deu dimensão psicológica e nunca se encantou com abstracionismos. Não cedeu à exuberância americana do início do século nem se converteu em defensor dos pobres e oprimidos. Manteve a constância de tema e técnica mesmo tendo vivido acontecimentos traumáticos, como as duas guerras mundiais e a depressão dos anos 30. Foi, sempre, um poeta da solidão.Consta que Hopper lia todos os dias um mesmo ensaio do poeta&nbsp;Ralph Waldo Emerson&nbsp;(1803-1882) em que há uma definição elegante da solidão:&nbsp;“O grande homem é aquele que, no meio da multidão, mantém com perfeita doçura a independência da solidão”. Em&nbsp;Night Windows, de 1928, uma mulher vestida de vermelho apanha algo no chão de seu apartamento, provavelmente em Nova York, cidade onde Hopper viveu a maior parte de sua vida. Em&nbsp;The Barber Shop, de 1931, a mulher lê uma revista inteiramente alheia aos acontecimentos ao seu redor. Em&nbsp;Gas, de 1940, o dono do posto de gasolina faz alguma coisa nas bombas à beira da estrada. Em todos, há um elemento comum: o personagem está só, entretido consigo mesmo, numa solidão talvez inevitável mas não triste. Já se disse que Hopper é o pintor da América triste, mas talvez seja uma confusão entre melancolia e tristeza. Em Hopper, a solidão tem um quê de melancolia, mas não é triste, não é desesperada. Examinando-se essas três telas — todas presentes na exposição do Whitney —, percebe-se que a solidão de Hopper é reparadora, sólida, quase aconchegante. São exemplos assombrosos da “perfeita doçura” da “independência da solidão”.Um elemento definidor de Hopper é seu manejo estupendo da luz. Ele pesquisava intensamente antes de pintar. Chegava a ir a um determinado lugar várias vezes, sempre à mesma hora, para estudar as minúcias da luz e das sombras. O resultado é que a luz de Hopper é tão pesada, tão quente, tão sólida que parece quase mágica, irreal. Daí talvez venha sua genialidade: sob a irreverência desse clarão intenso, a solidão que Hopper retrata ganha na tela uma dimensão de conforto, de esperança. Hopper costumava carregar na carteira a cópia de um verso de&nbsp;Goethe:&nbsp;“O começo e o fim de toda a atividade literária é a reprodução do mundo que me cerca por meio do mundo que está dentro de mim”. É essa a precisa definição da obra de Hopper. Ele narra o mundo ao seu redor, mas seu filtro pessoal dá à realidade cotidiana essa dimensão psicológica que tira o fôlego do espectador. Sim, talvez o que estivesse dentro de Hopper fossem dores terríveis, quem sabe repressões dramáticas, como sugeriu o senhor grisalho em visita à exposição. Mas o certo é que Hopper usava pincéis, mas pintava com a alma — e que delícias visuais extraordinárias sua alma nos legou.










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