Blackness, uma história de amor
Autor: Vinícius Aranha | Publicado: 2017-03-05T10:19:00-08:00






Kendrick Lamar começa seu penúltimo e mais conceitual álbum, To Pimp a Butterfly, com um sample do hino soul "Every N*gga is a Star" crescendo e crescendo até ser cortado pela batida psicodélica e funky do Thundercat. Em Moonlight - Sob a Luz do Luar, esse mesmo hino soul estabelece o clima do filme antes de ser cortado pelo som ostensivo do motor do carro de um dos personagens. Mesmo que o filme tenha sido divulgado mais pelo "realismo social" diante do seu concorrente no Oscar, La La Land, existe desde esse momento inicial uma musicalidade bem demarcada em Moonlight, talvez até um pouco exibida.



A gente sabe que o hip hop e o R&amp;B tomaram a frente na representatividade da cultura negra dessa parte do globo, coisa que nenhum gênero ou cenário do cinema americano alcançou assim ainda. É interessante notar como essa ideia de detalhar a trajetória de um jovem negro com um olhar nem tão de dentro, e nem tão de fora, ou os dois ao mesmo tempo, é uma premissa que o próprio Kendrick já explorou muitas vezes em seus discos, buscando um novo tipo de empatia, além das questões sociais propriamente ditas - ano passado Beyoncé também fez coisa parecida. O cinema ainda estava muito preso às visões sociais cirúrgicas de um Matador de Ovelhas, ou às caricaturas vingativas do blaxploitation. Barry Jenkins parece ter encontrado na musicalidade uma expressão não necessariamente nova, mas diferente dentro desse contexto - a construção de uma pequena epopeia negra cheia de elipses, repetições poéticas, memórias, e câmeras girando em torno de corpos gregos azuis.



Não se pode ignorar, de qualquer jeito, o quanto Moonlight parece experimentar muita coisa com o digital, às vezes sem saber o que está fazendo. É um filme independente, com orçamento mínimo, e que explora certas liberdades de linguagem que conceitualmente fazem sentido, mas nem sempre são orgânicas - há uma cena, por exemplo, em que a gente experiencia um momento pelo ponto de vista estético de uma personagem viciada e em abstinência, e naquele instante o filme tenta construir uma dramaticidade a partir dessa visão mesmo, do nada. São pequenas variações de olhar que criam em Moonlight uma estranheza, mas também uma certa fantasia, com uma teatralidade bem de cinema. Como se o filme existisse em seu próprio tempo, mítico e expansivo em seu minimalismo.

Nesse ponto, é evidente a influência de autores asiáticos ultrassensíveis como Hou Hsiao-Hsien, Tsai Ming-Liang e, principalmente, Wong Kar Wai. As abstrações criam "vitrines" de fantasia, mas o foco é no drama, dialogando com subjetividades diferentes enquanto o maior elo entre as "pontas soltas" visuais do filme continua nos atores: Barry Jenkins encontra em cada um deles uma expressividade singular, algo de tão enérgico e cuidadoso que vai além de tudo que o digital pode ter proporcionado ao filme, nunca perdendo de vista o calor humano.







O sentido que se constrói disso é que é o mais interessante. Apesar de ser o primeiro vencedor do Oscar de melhor filme com um protagonista LGBT, Sob a Luz a do Luar não se preocupa muito com as consequências da sexualidade em si do personagem. O que o filme foca dessa questão ainda está muito mais ligado ao peso de "ser negro", já que a tragédia de Chiron é precisar forjar uma masculinidade tóxica em si mesmo para sobreviver na comunidade, no dia-a-dia violento e viciado, num universo esquecido pelo governo e pela sociedade que acaba estimulando o fracasso e a auto-destruição. Tudo isso é muito mais uma questão racial que o roteiro resolve por deixar o personagem encontrando a si mesmo, até estar em paz com quem é. Jenkins quer abordar a negritude em si antes de falar de qualquer outra coisa, um sentimento de melancolia e confusão em ter que lidar com essas pressões constantes.



Por isso que faz sentido esse visual de poesia trágica; o menino azul e frágil é uma figura invisível à sociedade que Moonlight quer transformar em mito e em memória de um povo, de um imaginário coletivo. Fazendo contraste, os olhares tristes e os gestos mínimos estão ali para mostrar o quanto isso é uma simples tentativa de cinema, uma abstração rápida cheia de sensibilidade que não irá resolver o problema de fato. A violência continuará na vida desses personagens amaldiçoados, mas por um instante, a câmera busca eternizá-los. A questão da identidade é muito forte aqui porque ela se permite a sujar as mãos em ambiguidade - há algo de aterrorizante e também de gracioso em aceitar quem se é nessas circunstâncias, em todas as suas nuances. Sim, faz muito, muito sentido.