Review de “Clockwork Angels”
Autor: Luiz Castanheira | Publicado: 2012-06-30T22:08:00-03:00





Review   de   “Clockwork   Angels”&nbsp;



O   Rush   retorna   ao   melhor   da   sua   forma   (da   fase   clássica   que   vai   de   2112   até   Moving   Pictures),   em   um   lançamento   que   mistura   um   cenário   steampunk   (estética   que   serve   de   inspiração   para   o   primeiro   álbum   inteiramente   conceitual    da   banda),   temas   universais,   composições   de   consistente   excelência   individual   (e   de   inegável   somatório   coesivo)   e   uma   cristalina   confiança   em   todo   o   processo   da   produção,   algo   que   só   chega   com   a   definitiva   maturidade.&nbsp;



A   estética   steampunk   é   perfeita   para   os   trabalhos.   Em   um   mundo   onde   o   passado   e   o   futuro   parecem   coexistir,   fica   impossível   ignorar   o   presente,   o   “melhor   dos   tempos”.   A   jornada   do protagonista   de   Clockwork   Angels   é   uma   fascinante   metáfora   para   a   vida   de   qualquer   indivíduo,   desde   o   momento   em   que   se   percebe   capaz   de   pensar   o   mundo   e   (talvez)   modificá-lo,   até   o   ponto   em   que   se   nota   (talvez)   não   ser   capaz   de   fazê-lo   por   muito   mais   tempo.   Os   poderes   de   Peart,   enquanto escritor,   nunca   estiveram   tão   evidentes   (especialmente   na   segunda   metade   do   álbum),   com   rigoroso senso   estrutural   e   não   se   rendendo   as   maravilhas   do   fantasioso   mundo   subjacente.   Aqui,   O   Professor   simplesmente   dá   aula   de   ficção   especulativa.



Nada   mais   justo   que   a   imensa   influência   sessentista   em   todas   as   composições.   Berço   histórico   do álbum   conceitual   de   rock   e   do   rock   progressivo   e,   mais   do   que   tudo,   da   adolescência   do   trio canadense.   Isso   é   algo   que   sempre   esteve   presente   na   música   do   Rush,   mas   que   aqui   comparece   com   uma   renovada   urgência   e   uma   palpável   pureza,   transcendendo   tudo   que   a   banda   fez   anteriormente   nesse   sentido.



&nbsp;Com   a   chegada   da   definitiva   maturidade   da   banda,   a   preocupação   composicional   caiu   fortemente   sobre o   essencial:   ênfase   em   grooves   de   bateria   e   de   baixo,   solos   de   guitarra   mais   naturais,   vocais   que procuram   fugir   das   convenções   típicas   do   rock,   passagens   instrumentais   que   soam   como   improvisações   e   mesmo   (surpreendentemente   inspirados   e   não   pomposos)   arranjos   de   cordas   e   de   piano   que   de   fato    contribuem   para   a   desejada   organicidade.   Sendo   impossível   não   mencionar,   nisso   tudo,   o   estupendo   produtor   Nick   Raskulinecz,   o   principal   responsável   por   fazer   o   álbum   fluir   tão   bem   (com   aparente   inesgotável   energia)   e   dar   a   necessária   autossuficiência   a   cada   canção.




Faixa   a   Faixa



Caravan   (09/10)   Começo   da   viagem   do   protagonista,   com   a   atmosfera   de   válvulas   de   alívio   de   vapor   funcionando   como   perfeita   metáfora   para   a   excitação   a   flor   da   pele   típica   da   juventude.



“In   a   world   where   I   feel   so   small
I   can’t   stop   thinking   big”



A   sua   seção   instrumental   parece   uma   continuação   da   vibração   de   Malignant   Narcissism   ( do   álbum   anterior ),   com   uma   atitude   extremamente   funkeada,   capaz   de   entortar   qualquer   pescoço.



Brought   Up   To   Believe   I   (08/10)   Introdução   da   principal   preocupação   existencial   do   protagonista,   descrita   com   ironia   e   sarcasmo   típicos   dos   mais   jovens   (fãs   de   rock?).   Apresentação   de   mais   um personagem,   O   Relojoeiro,   o   máximo   regente   daquela   terra   (e   o   foco   do   conflito   heroico).   Monstruoso   riff   de   introdução   e   um   pesado   riff   de   verso.   O   primeiro   refrão   com   melodia   sessentista   do   álbum   e   um   belíssimo   pós-refrão   em   que   essa   melodia   se   desenvolve   organicamente   até   um   natural   clímax   (algo   que   irá   se   repetir   em   outras   faixas).



“Until   our   final   breath
The   joy   and   pain   that   we   receive
Must   be   what   we   deserve
I   was   brought   up   to   believe”


Clockwork   Angels   (10/10)   Faixa   mais   progressiva   do   álbum   (e   a   mais   progressiva   da   banda   em   mais   de   30   anos).   Uma   abertura   (rock   operística)   clássica   que   sugere   os   temas   que   serão   tocados   (com espetacular   sucesso   cinemático)   durante   toda   a   duração:   verso   com   a   guitarra   (bastante)    limpa   e   cantado   no   contratempo   (em   grande   momento   vocal   de   Lee),   capturando   o   deslumbramento   do   protagonista   em   meio   a   Praça   Cronos,   ponte   dinâmica   e   bastante   sincopada,   emulando   o   frenesi   da   grande   cidade   capital   da   história   e   um   refrão   em   que   os   vocais   e   os   tambores   se   combinam   para   evocar   o   clima   comunal   e   a   prece   destinada   aos   titulares   Anjos   Mecânicos.



“Clockwork   angels,   spread   their   arms   and   sing
Synchronized   and   graceful,   they   move   like   living   things
Goddesses   of   Light,   of   Sea   and   Sky   and   Land
Clockwork   angels,   the   people   raise   their   hands...   As   if   to   fly”



Após   o   belo   solo   de   Lifeson,   ocorre   uma   inesperada   seção   vanguardista   (blues),   cuja   aspereza   contrasta   absurdamente   com   a   polidez   do   restante   da   faixa,   especialmente   quando   a   sua   última   linha   é   repetida   no   retorno   de   tal   passagem,   o   que   sublinha   a   dúvida   do   protagonista   (e   a   acidez   de   Peart).



“   'Lean   not   upon   your   own   understanding'   
Ignorance   is   well   and   truly   blessed
Trust   in   perfect   love,   and   perfect   planning
Everything   will   turn   out   for   the   best”



The   Anarchist   (9/10)   Uma   curiosa   estrutura,   onde   todo   o   arranjo   é   passado   uma   vez   inteira   sem   voz   (ou   algo   assim)   e   recomeça   com   a   guitarra   solitária.   Incrível   levada   de   Peart   sobre   os   tons   (é   a   levada   da   ponte,   mas   é   tocada   também   como   introdução),   uma   inspirada   harmonia   para   o   refrão   que   simplesmente   grita   “RUSH!”   (mas   que   soa   fresca   e   dinâmica),   outro   pós-refrão   interessante  que   conduz   a   um   espetacular   solo   de   Lifeson   com   influência   oriental,   do   qual   retornam   gritando   (confiantemente)   ainda   mais   “RUSH!”.   A   faixa   é   cantada   sob   o   ponto   de   vista   de   outro   personagem,   O   Anarquista,   mas   os   temas   permanecem   absurdamente   universais.



“The   lenses   inside   of   me   that   paint   the   world   black
The   pools   of   poison,   the   scarlet   mist,   that   spill   over   into   rage
The   things   I’ve   always   been   denied
An   early   promise   that   somehow   died
A   missing   part   of   me   that   grows   around   me   like   a   cage”



Carnies   (7/10)   A   mais   fraca   do   álbum.   Com   bons   momentos,   mas   que   não   se   faz   maior   do   que   a soma   das   suas   partes.   As   coisas   realmente   ruins   são   a   emasculada   parte   de   guitarra   do   refrão   (algo   que   chega   a   ser   incompreensível   depois   do   belo   riff   de   abertura   e   que   simplesmente   mata   o   refrão   que   surge   após   o   clímax   ao   final   da   ponte)   e   a   tradicional   levada   em   paradiddle   de   Peart   para   a   parte   seguinte   (que   soa   surrada   e   destoa   do   frescor   que   ele   traz   para   o   restante   do   material).   Entretanto,   o   maior   problema   aqui   é   mesmo   a   fragilidade   do   incidente   narrado   (o   protagonista   evita   um   ataque   a   bomba   do   anarquista,   mas,   vítima    das   circunstâncias,   tem   que   deixar   a   cidade   as   pressas,   com   medo   da   multidão   furiosa)   e   a   letra   que   não   parece   ir   além   disso,   seja   lá   o   modo   que   se   olhe   para   ela.



Halo   Effect   (7/10)   A   simplicidade   dessa   balada   recupera   o   fluxo   das   composições   e   sugere   um   possível   início   de   amadurecimento   por   parte   do   protagonista,   reconhecendo   o   dilema   de   se   projetar   um   ser   idealizado   sobre   um   de   carne   e   osso   (o   que   não   se   resume   a   relacionamentos   românticos).   A   posição   da   canção   no   álbum   também   parece   adequada   dentro   da   história,   soando   de   modo   natural   ele   refletir   sobre   o   seu   mal   sucedido   caso   com   uma   acrobata,   com   quem   trabalhara   no   parque   de   diversões   referido   na   canção   anterior,   durante   o   seu   forçado   exílio.



“What   did   I   see? 
Fool   that   I   was 
A   goddess,   with   wings   on   her   heels 
All   my   illusions 
Projected   on   her 
The   ideal,   that   I   wanted   to   see”



Seven   Cities   Of   Gold   (9/10)   A   atmosfera   da   titular   cidade   perdida   é   muito   melhor   capturada   do   que   foi   a   do   titular   parque   de   diversões   de   Carnies.   Algo   muito   simples,   mas   extremamente   bem   feito.   Tal   atmosfera   de   improviso   flui   fantasticamente,   até   a   última   microfonia   da   guitarra   de   Lifeson,   sem nunca   quebrar   o   seu   exótico   encanto.   Obviamente   não   devemos   tomar   a   busca   pela   mítica   cidade   pelo   seu   valor   de   face,   com   o   protagonista   completamente   perdido   fisicamente   no   deserto.   A   imagem   da   imensidão   gelada   sugere   metaforicamente   um   estado   depressivo   e   mesmo   suicida.



“The   nights   grow   longer,   the   farther   I   go
Wake   to   aching   cold,   and   a   deep   Sahara   of   snow”

“That   gleam   in   the   distance   could   be   heaven’s   gate
A   long-  awaited   treasure   at   the   end   of   my   cruel   fate”



The   Wreckers   (10/10)   A   melhor   canção   de   rock   em   recente   memória.   A   captura   da   essência   da   própria   beleza.   Talvez   a   melhor   performance   vocal   da   carreira   de   Lee.   Dominada   pela   simplicidade,   não   existe   sequer   ponte,   pois   eles   tinham   a   absoluta   confiança   que   a   mera   sugestão   do   refrão   já   arrepiaria   até   a   alma.   A   seção   pós-refrão   é   cinematicamente   indescritível,   orgástica   até.   Faltou   somente   um   solo   final   de   Lifeson,   que   esperamos   ver   e   ouvir   na   versão   ao   vivo   da   faixa.   Nosso   herói   conseguiu   retornar   do   deserto   gelado    somente   para   ser   ainda   mais   maltratado   por   Peart,   tornando-se   o   único   sobrevivente   (de   toda   a   tripulação   do   navio   em   que   conseguira   carona)   do   ataque   dos   titulares   saqueadores   (que atraíram   sua   presa   simulando   um   porto   seguro   em   meio   a   tempestade).   É   clara   a   metáfora,   mais   uma   vez   sobre   percepção   (com   elementos   de   medo   e   esperança   se   conectando   a   fé   do   protagonista),   mas   é   impossível   não   sublinhar   o   fato   que   somente   ele   sobreviveu   (Selena   e   Jackie).



“All   I   know   is   that   sometimes   you   have   to   be   wary
Of   a   miracle   too   good   to   be   true
All   I   know   is   that   sometimes   the   truth   is   contrary
Everything   in   life   you   thought   you   knew
All   I   know   is   that   sometimes   you   have   to   be   wary
’Cause   sometimes   the   target   is   you ”

“All   I   know   is   that   memory   can   be   too   much   to   carry 
Striking   down   like   a   bolt   from   the   blue ”



Headlong   Flight   (10/10)   Mais   importante   do   que   sobreviver   é   querer   continuar   a   viver.   Justapondo citações   musicais   da   clássica   Bastille   Day   com   o   protagonista   revivendo   as   memórias   de   sua   vida   ( algo   inspirado   dentro   da   história   por   um   certo   “Alquimista”   chamado   “Friedrich   Gruber”   que   dizia:   “Eu   queria   poder   fazer   tudo   isto   de   novo.” ),   temos   um   fascinante   uso   de   metalinguagem   e   o   momento   mais   emocionante   do   álbum.   A   faixa   é   simplesmente   maravilhosa,   com   o   hipnótico   riff   de   baixo   de   Lee,   a   selvageria   minimalista   de   Peart   e   o   eletrizante   solo   (com   direito   a   Wah-Wah)   de   Lifeson.



“I   learned   to   fight   and   learned   to   love   and   learned   to   steal
I   wish   that   I   could   live   it   all   again”



Brought   Up   To   Believe   II   (10/10)   Talvez   a   faixa   mais   vanguardista   da   história   da   banda,   em   outro grande   momento   vocal   de   Lee.   Mesmo   rejeitando   a   fé   advinda   do   que   lhe   foi   ensinado   nos   seus   anos   de   infância,   o   protagonista   confessa   a   si   mesmo   que   vê   nela   a   base   para   a   sua   remanescente   crença   no   ato   de   dar   e   receber   amor.



“I   still   choose   to   live
And   give,   even   while   I   grieve
Though   the   balance   tilts   against   me
I   was   brought   up   to   believe”



Wish   Them   Well   (10/10)   Musicalmente   na   linha   de   The   Wreckers,   com   rearranjo   de   partes   como   visto   em   The   Anarchist.   Extrema   confiança   composicional,   excelente   seção   instrumental   e   mais   um   belo   pós-refrão,   como   viemos   a   esperar   nesta   segunda   metade   do   álbum.   Nosso   herói   decide   que   para continuar   com   a   sua   vida   ele   deve   deixar   completamente   para   trás   as   pessoas   que   o   prejudicaram   de algum   modo   e   seguir   em   frente,   simplesmente   desejando   boa   sorte   e   partindo   (e   nada   mais).   Apesar   do   ar   sombrio   da   faixa   anterior,   Peart   dá   um   final   feliz   ao   seu   protagonista   (Carrie   e   Olivia).



“Thank   your   stars   you’re   not   that   way
Turn   your   back   and   walk   away
Don’t   even   pause   and   ask   them   why
Turn   around   and   say   goodbye”



The   Garden   (10/10)   Uma   das   melhores   músicas   da   carreira   da   banda,   exalando   atmosfera   rock   progressiva   setentista,   porém   com   tocante   simplicidade.   Talvez   a   melhor   letra   de   Peart,   brincando   com   os   múltiplos   níveis   de   entendimento   já   estabelecidos   (e   com   o   próprio   tempo)   de   maneira   inspirada,   resumindo   a   real   grandeza   de   “todos   os   possíveis   mundos”.   Se   esta   for   mesmo   a   despedida   da   banda   em   estúdio,   fica   difícil   imaginar   algo   mais   adequado.   E   de   volta   ao   início   na   fazenda...   Finding   My   Way   To   The   Garden.



“The   measure   of   a   life   is   a   measure   of   love   and   respect
só   hard   to   earn,   so   easily   burned
In   the   fullness   of   time
A   garden   to   nurture   and   protect”