CINEMA - VANGUARDA FRANCESA
Autor: b.Boscher | Publicado: 2012-10-24T19:30:00-07:00



Trabalho para o professor Pedro Camargo, do 1o período de Comunicação Social da Puc-Rio. Nota 10. Cinema da Vanguarda Francesa;

"Entende-se, com
este termo - vanguarda -, um movimento que investe um interesse ideológico na
arte, preparando e anunciando deliberadamente uma subversão radical da cultura
e até dos costumes sociais, negando em bloco todo o passado e substituindo a pesquisa
metódica por uma ousada experimentação na ordem estilística e técnica" 

(Giulio Carlo Argan)



INTRODUÇÃO

&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; A vanguarda francesa – também denominada
avant-garde – foi um movimento que aconteceu nos anos 20, no contexto do
pós-guerra (I Guerra Mundial) e teve caráter artístico, mais expressivamente
percebido no cinema francês, o qual vislumbrava uma reciclagem do cinema francês.
A situação do país no final da guerra – instabilidade econômica, política e
social – gerou um terreno fértil no plano cinematográfico. O descontentamento
foi evidenciado na França pelo crítico e escritor Louis Delluc com filmes
comerciais, quando os artistas vanguardistas começaram a se interessar pelo
ramo cinematográfico. 

&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; A fase é de procura da legitimação de sua linguagem e
exploração de suas possibilidades visuais, posto que o histórico
cinematográfico ainda é muito recente. Momento que coincide com as
multiplicidades de tendências e manifestos propondo um novo rumo estético pelos
vanguardistas na área das artes. Os movimentos vanguardistas foram subdivididos
em surrealismo e dadaísmo, os quais
apresentam novas formas de expressão, linguagem e meios de composição e
configuração, ou seja, uma nova forma de lidar com a realidade. Com isso os
cineastas franceses foram diretamente influenciados, posto que estavam
preocupados com uma nova estética e linguagem cinematográfica, o que levaria ao
diálogo constante entre a arte e o cinema. 

&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; A fase denominada de experimentação foi fundamental no
contexto de repensar o cinema enquanto arte e suas potencialidades e recursos
expressivos na criação de uma linguagem singular. 

&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; Louis Delluc, considerado líder do grupo, almejava fazer
um cinema intelectualizado e autônomo, inspirando-se na pintura impressionista.
Desse ideal gerado por Delluc nascem obras como Fièvre (Febre, 1921), do
próprio Delluc, La Roue (A roda, 1922), de Abel Gance, e Couer Fidèle (Coração
Fiel, 1923), de Jean Epstein. Colocando o dadaísmo em tela, surge o filme
Entract (Entreato, 1924), de René Clair, quem também estreia, no mesmo ano,
Paris qui dort (Paris que dorme), filme que mostra um cineasta louco
imobilizando a cidade com um raio misterioso. Um dos nomes mais brilhantes
desse grupo foi Germaine Dulac, destacando-se com “La Souriante Mme. Beudet”
(1926) e “La Coquille et le Clergyman” (1917).

&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; O abstracismo foi posto em cena com “L’Étoile de Mer” (A
estrela do mar, 1927), de Man Ray; já o surrealismo com os polêmicos “Um Chien
Andalou” (O cão andaluz, 1928), “L’Âge d’or” (A idade dourada, 1930), de Luis
Buñuel e Salvador Damí, e “Sang d’um poète” (1930), de Jean Cocteau. 



O
MOVIMENTO

&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; Os filmes vanguardistas utilizavam novas
técnicas de enquadramento, montagem e ritmo, e suas temáticas se baseavam em
fatos pitorescos com abordagem poética. Pode ser dividido em três fases, que
veremos mais a frente.

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<![endif]--><!--[if !vml]--><!--[endif]-->&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; Inspirados pela luminosidade e pela
plasticidade da pintura impressionista, os cineastas começaram a montar uma
forma estética abordando o tratamento poético. Para estes cineastas, o que
importava era o cinema em um nível abstrato. As ideias de André Breton, foram
fundamentais para o movimento, servindo também, posteriormente, como base do
surrealismo. 

<!--[if !supportLists]-->·&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;
<!--[endif]-->ANDRÉ
BRETON (1896-1966): foi
um escritor francês, poeta e teórico do surrealismo. Publicou o Primeiro
Manifesto Surrealista em 1924.

“Os
artistas e escritores devem expressar o pensamento de maneira livre, espontânea
e irracional, externando os impulsos da vida interior, sem controle de ordem
estética, racional ou moral” (1924). 

&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; Procurando defender o conceito de que a
arte deveria libertar-se das exigências da lógica e da razão para expressar o
inconsciente e os sonhos na sua essência sem preocupações morais, Breton,
juntando artistas ligados, anteriormente, ao movimento Dadá, enfatizou o papel
do inconsciente na atividade criativa. Seu objetivo era que a nova forma de
exposição da arte deveria afirmar a contrariedade aos valores sociais vigentes,
em síntese, construir “um homem novo em uma sociedade nova”. 

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<![endif]--><!--[if !vml]--><!--[endif]-->&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; O contexto era uma reação direta ao
clássico regime imposto ao cinema – e também à literatura e à pintura -, o
narrativo; visava, inclusive, alcançar uma realidade superior, onde o
inconsciente deveria emergir. Os principais temas lançados por Breton eram
sonhos e desejos, marcado pelo filme “O cão Andaluz” (1928), de Buñuel em
parceria com Salvador Dalí. Outro filme do marco do movimento foi “A idade de
ouro” (1930), também de Buñuel. Os filmes não se interessavam em enredos e
montagens lineares, mas sim em expressar desejos não racionalizados e
principalmente o desprezo pela ordem burguesa. Esses longas permanecem potentes
e atuais, sobretudo nas críticas. 

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<![endif]--><!--[if !vml]--><!--[endif]-->

<!--[if !supportLists]-->o&nbsp;&nbsp;
<!--[endif]-->LUIS
BUÑUEL(1900-1983): Nascido
na Espanha, de origem católica, estudou com jesuítas e frequentou a
Universidade de Madri. Em 1920, fundou o primeiro cineclube na Espanha, e em
1925 mudou-se para Paris, onde envolveu-se no movimento vanguardista. Realizou
“O cão andaluz”, “A idade de ouro”; em 1947, no México, deu continuidade às
suas produções cinematográficas. Produz obras-primas do cinema contemporâneo
embora dificultado por sua surdez, como “Os esquecidos” (1950), “O alucinado”
(1953), “O fantasma da liberdade” (1974), entre outros.



<!--[if !supportLists]-->o&nbsp;&nbsp;
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<![endif]--><!--[if !vml]--><!--[endif]-->LOUIS
DELLUC: A primeira fase do movimento vanguardista foi muito
centrada em Delluc, fato que se deve à sua direção de três filmes dramáticos: "Fièvre" (1922), "La Femme de Nulle
Part" (1922) e "L´Inondation" (1924). Foi dele a ideia de fazer
um cinema intelectualizado e autônomo, além disso, mais do que seus filmes, as
suas críticas favoreceram muito o desenvolvimento da pesquisa estética pelos
cineastas da vanguarda. 



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<![endif]--><!--[if !vml]--><!--[endif]-->A
segunda fase do movimento caracterizou-se por filmes narrativos originados de
obras literárias, e utilizou técnicas inovadoras como superposição, foco suave
e ângulos diferentes com a câmera. Filmes como
"La Souriante Madame Beudet" (1922), de Germaine Dulac , "Feu
Mathias Pascal" (192 &nbsp;4) e "L' Inhumaine", de Marcel L'
Herbier foram importantes nesta fase, unidos às inovações de Jean Epstein que,
com seu filme “La Chute de La Maison Usher” (1928), retratava uma saga de
histórias de Edgar Allan Poe. 

Alguns diretores tiveram um caráter mais ousado, como Claude
Aurant-Lara, quem criou uma narrativa experimental, onde empregava três quadros
colocados lado a lado no filme de 45mm em “Fait-Diver” (1924), e também em uma
versão de “How to Star a Fire” (1928-1929), de Jack London.

Dois
diretores merecem destaque: Abel Gance e Dimitri
Kirsanov. Primeiramente, Gance, anos antes do início oficial do Avant-Garde,
realizou o experimental de ficção científica repleto de distorções fotográficas
“La Folie du Docteur Tube” (1916). Provando seu talento e seu caráter
totalmente inovador nove anos depois com o épico “Napoleon”, no qual empregou
três telas em separado através do processo denominado Polyvision. 

A terceira fase é marcada por cineastas que se alternam entre
produções “revoltosas” e comerciais, e outros que eram estritamente não
comerciais. Estes últimos eram participantes do núcleo de intelectuais de
artistas dos anos 20, a favor dos bolcheviques russos e totalmente contra a
burguesia deste período. Seus filmes eram considerados “antiburgueses”. Os
principais representantes desta tendência cinematográfica eram os dadaístas, um
grupo mais radical e anárquico entre todos os vanguardistas deste período. 

- No movimento Dada a referência ao cinema tem o significado de
negação e ironia dos valores estéticos tradicionais, tendo como preocupação o
ritmo e o movimento. A importância da luz, e seu significado pelos
vanguardistas, levou à realização de um trabalho original e estupidamente
importante à História do Cinema. 

Os primeiros indícios dadaístas se manifestaram no lançamento de
René Clair, “Paris que Dort” (1923), o qual utilizou os primeiros truques
franceses. Chamando ainda mais a atenção do público veio “Entr’act” (1924),
roteiro de Francis Picabia, trilha sonora de Erik Satie e inspirado em Mark
Sennett. Este filmeco foi criado para ser reproduzido no intervalo entre dois
atos do ballet Telàche, do próprio Picabia, cujo título significa “não há
encenação hoje”. O filme tinha características no mínimo duvidosas, posto que
suas imagens sucediam-se em uma relação não causal e esvaziada de qualquer
lógica, pot[em, ainda sim, nos mostra ângulos inusitados de uma bailarina
barbuda e ritmos frenéticos de um funeral, até balões infláveis soltos no ar e
imagens de Man Ray e Marcel Duchamp jogando xadrez, com panorâmicas tão rápidas
que se reduziam a manchas disformes na tela. A utilização de planos agressivos
e desprazerosos propositalmente, caracterizam a comédia de perseguição de um
artista que, no final, some com todas as personagens, inclusive ele mesmo. 

Dimitri Kirsanov, com “Ménilmontante” (1924), trabalhou sozinho e
conseguiu, ainda assim, criar montagens formidáveis e superposições líricas. A
personagem central de seu filme – uma órfã seduzida e castigada -, posteriormente
aparece em seu poema cinematográfica “Brumes d’Automne”, feito com chuva,
névoa, paisagens do outono e lágrimas. Outra produção independente foi “Rapt”
(1933), um experimento com contraponto auditivo e visual de Kirsanov. 

Para os dadaístas, o objetivo foi alcançado com o filme, afinal a
intenção era realmente escandalizar a plateia, como aconteceu na noite de sua
estreia. O auditório dividiu-se em dois, aqueles que vaiavam e xingavam e o
furor dos aplausos de pé. Era isso mesmo o que eles queriam, escandalizar e
provocar a burguesia francesa, e, posteriormente, as cidade de Londres e Nova
York. 

<!--[if !supportLists]-->o&nbsp;&nbsp; <!--[endif]--><!--[if gte vml 1]><v:shape
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<![endif]--><!--[if !vml]--><!--[endif]-->MAN RAY: Seu nome foi um dos mais
importantes do movimento, responsável por inovações no setor fotográfico. Em
1915, conhece Duchamp, com quem funda o Dadá nova-iorquino. Em 1921 tem contato
com a pintura surrealista. Trabalha como fotógrafo para
financiar a pintura e, com a nova atividade, desenvolve a sua arte, a
raiografia, ou fotograma, criando imagens abstratas (obtidas sem o
auxílio da câmara) mas com a exposição à luz de objetos previamente dispersos
sobre o papel fotográfico. Pintor e fotógrafo, fez
seu primeiro filme, “Le Retour &nbsp;à La Raison” (1923), em um único dia. O título
refere-se a um retorno à razão, mas, antagonicamente, o filme revela-se
totalmente sem razão. Utilizando radiogramas – quadros feitos por objetos
colocados diretamente sobre a película, como alfinetes e botões -, o filme
gerava efeitos metálicos à tela. O corpo nu de uma mulher foi um dos únicos
movimentos concretos do filme, o qual possuis cenas pitorescas em um contexto
não pitoresco. Essa obra é considerada dadaísta, não só pelos elementos
utilizados, como também pelos seus resultados, uma vez que causou uma reação
violenta na plateia, tendo, inclusive, sua projeção interrompida após três
minutos.

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<![endif]--><!--[if !vml]--><!--[endif]-->Seu segundo filme foi lançado em 1927, “Emak-Makia”, e significa
“deixe-me em paz”. É marcado por formas abstratas e não abstratas que se movem
à luz, volta a usar o truque usado anteriormente, desafiando a estética
tradicional e tecendo um efeito surpreendente ao filme. No ano seguinte o
produtor e diretor filme “L’Étoile de mer”, com o auxílio de uma
técnica chamada solarização, pela qual inverte parcialmente os tons da
fotografia, uma história de amor complexa baseada em
um poema de Robert Desnos. Um texto poético nunca havia sido tão bem
interpretado por um cineasta, conseguindo criar harmonia entre o próprio texto
e as imagens de fundo psicanalítico co &nbsp;m sugestões vagas de perversões sexuais, as
quais eram distorcidas por espelhos e filtros disformes. Por ter um caráter
extremamente surrealista, este filme se diferencia de suas obras anteriormente
dadaístas. 

Man Ray recebeu uma proposta de Dudley Murphy, um produtor
americano, para fazer um filme “experimental”. Com poucos dias ele percebeu que
precisaria de ajuda financeiro, o que fez com que seu projeto ficasse
inacabado. O mesmo ocorreu quando Dudley se juntou a Léger, porém, este
terminou o filme com seus próprios recursos, elaborando “Le ballet Mécanique”
(1924), uma dança visual de ritmos mecânicos. 

"Em
lugar de pintar pessoas, comecei a fotografá-las, e desisti de pintar retratos
ou melhor, se pintava um retrato, não me interessava em ficar parecido.
Finalmente conclui que não havia comparação entre as duas coisas, fotografia e
pintura. Pinto o que não pode ser fotografado, algo surgido da imaginação, ou
um sonho, ou um impulso do subconsciente. Fotografo as coisas que não quero
pintar, coisas que já existem.", por Man Ray.

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<![endif]--><!--[if !vml]--><!--[endif]-->&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; O filme “Anemic
Cinema” (1926), primeiro de Marcel Duchamp, cujo título brinca com as letras da
palavra cinema, põe em movimento esferar rotatórias que,&nbsp; ao girarem, provocam no espectador uma
sensação estranha, como uma nova dimensão. Inscr &nbsp;itas nos espirais, as letras vão formando
frases indecifráveis, compondo um dos fenômenos visuais mais puros, sensíveis e
fascinantes, tentando produzir filmes estereoscópicos. 

&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; Os filmes vanguardistas foram
denominados por alguns de “cinema absoluto” ou “cinema puro” devido a sua
ênfase nos valores rítmicos e estéticos. O irmão de René Clair intitulou suas
obras de “Cinq minutes de cinema pur” (1926) e “Reflets de Lumiére et de
Vitesse” (1925). 

<!--[if !supportLists]-->o&nbsp;&nbsp; <!--[endif]-->LUIS BUÑUEL: Sua obra cinematográfica, sempre aclamada pela crítica, porém
cerca por uma aura de escândalo, o fez um dos cineastas mais controversos do
mundo, sempre fiel a si mesmo. Estreou com o filme mais famoso do Avant-Garde,
escrito utilizando
o
método surrealista do "cadáver esquisito",
“Um Chien Andalou” (1929), em parceria com Salvador
Dali. Alguns consideram-no como um ataque a Garcia Lorca, antigo parceiro de
Dalí e Buñuel, porém, devido à aversão de Buñuel a <!--[if gte vml 1]><v:shape
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  o:title=""/>
 
<![endif]--><!--[if !vml]--><!--[endif]-->homossexuais, eles separaram-se. O filme se caracterizava por ser
totalmente Freudiano e poético, feito com o automatismo necessário para a
liberação do “eu”. Apresentava imagens desconexas e perturbadores que pareciam
ter sido retiradas do nosso inconsciente; não tinha nenhuma gag que pudesse ser
racionalmente explicada. Sua peculiaridade era não caber ao filme um sonho, uma
piada ou até mesmo o esteticismo. A intenção era única e totalmente a
penetração da vida latente, de evidenciar a angústia e o amor, atirando ao
mundo o humor negro. Sua primeira imagem já mostra uma navalha cortando um olho
em primeiro plano, cena que anuncia o quão diferente o que está para ser visto
é de qualquer outra coisa já mostrada, provocando um dos maiores sustos da hist &nbsp;ória cinematográfica. 

<!--[if gte vml 1]><v:shape id="Imagem_x0020_3" o:spid="_x0000_s1031"
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 <v:imagedata src="file:///C:\Users\Bruna\AppData\Local\Temp\msohtmlclip1\01\clip_image021.png"
  o:title=""/>
 
<![endif]--><!--[if !vml]--><!--[endif]-->Buñuel levou o cinema ao nível do sensível. Para ele a realidade
está aliada á surrealidade. Mesmo sendo parceiros, os objetivos de Dali e
Buñuel eram divergentes quanto ao resultado do filme. Dli queria penetrar o
incandescente, onde sonho e realidade se misturariam, confundindo-se em um ato
de libertação. Para Buñuel importante era o deboche ao burguês, sua intenção
era ultrapassar os limites Freudianos, erguendo-se na angústia, na revolta e na
recriação do sonho.

Em 1930, Buñuel filme “L’Age d’Or” com uma colaboração parcial de
Dali. O filme não permitia interpretações abstratas e não se prestava à
digestão dos burgueses. Sua história era violentamente realista e surrealista
sobre sexo e inibição, recebendo severas críticas até mesmo do próprio diretor,
Buñuel. Devido a sua controvérsia o filme foi recebido por bombas, proibido, e
suas cópias destruídas. Por essa limitação da exibição não possuiu uma
influência cinematográfica tão grande. 

Com seu primeiro filme, a dupla foi prontamente admitida ao grupo
surrealista de André Breton, frequentando suas reuniões assiduamente e
cumprindo seus ditames. Nessas obras emblemáticas estavam patentes
de forma concentrada e intensíssima todos os temas básicos que a sua obra
posterior continuaria a reflectir mais discretamente, mas com igual poder: o amor louco,
o anti-clericalismo,
a rebeldia e inconformismo diante do estabelecido e do convencional, uma ânsia
de transcendência, expressos em imagens oníricas e alucinantes, cheias de
dureza, de corrosivo humor negro e de uma candura
embriagante.

<!--[if !supportLists]-->o&nbsp;&nbsp; <!--[endif]--><!--[if gte vml 1]><v:shape
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<![endif]--><!--[if !vml]--><!--[endif]-->GERMAINE
DULAC: foi uma francesa cineasta, teórica de cinema
, jornalista e crítica. Poucos anos depois de seu casamento, embarcou em uma
carreira jornalística em uma revista feminista, tornando-se mais tarde
interessada no filme. Com a ajuda de seu marido e amigo, fundou uma &nbsp;empresa de cinema e dirigiu alguns trabalhos
comerciais antes de se envolver, aos poucos, nas áreas impressionista
e surrealista. Ela é mais conhecida
hoje por seu filme impressionista, La Madame Souriante Beudet,
e sua experiência surrealista, La Coquille et le Clérigo
(1928). Sua carreira como cineasta sofreu após o início dos film &nbsp;es sonoros, e ela passou a última década de
sua vida trabalhando em noticiários de Pathé
e Gaumont. Dulac se
interessou por cinema em 1914 por causa de sua amiga, a atriz Stacia Napierkowska.
Logo após fundou DH Films, com o apoio financeiro prestado pelo marido. A
empresa produziu vários filmes entre 1915 e 20, todos dirigidos por Dulac e
escritos por Hillel-Erlanger. Estes incluíram ennemies
Les Soeurs (1915-1916; primeiro filme de Dulac), Vénus Victrix, OU Dans
l'ouragan de la vie (1917), Géo, le mystérieux (La vraie richesse,
1916), entre outros. Dulac e seu marido se divorciaram em 1920. &nbsp;Ela continuou sua carreira no cinema,
produzindo ao mesmo tempo simples e complexos filmes comerciais pré- surrealistas e narrativas, como suas duas obras mais famosas. Ambos os
filmes foram lançados antes da época de tomada de Un Chien Andalou (1929).

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<![endif]--><!--[if !vml]--><!--[endif]-->ABRL GANCE: era um cineasta, produtor
e editor de filmes, além de ator e escritor francês. Foi um gigante com
ambições frustradas. Com 19 anos, atuou em seu primeiro filme “Moliére”. &nbsp;Ele continuou atuando e escrevendo roteiros
antes de formar a sua própria companhia de produção em 1911.
No mesmo ano, ele fez seu primeiro filme, La Digue, mas foi um fracasso.
Sua nova produção, Victoire de Samothrace, no qual ele apareceria ao
lado de Sarah Bernhardt,
foi cancelado com a eclosão da Primeira Guerra Mundial.
Devido a sua frágil saúde, Gance não participou da guerra e voltou a fazer
filmes, agora com mais sucesso. Em 1919, ele obteve reconhecimento
internacional com seu filme épico de três horas J’Accuse, um filme
contra a guerra que incluiu cenas de batalhas ao longo do fim da Primeira
Guerra. O filme usou técnicas experimentais que &nbsp;Gance desenvolveria mais tarde em seu filme
maior, Napoléon
(1927).
O sucesso desse filme foi prejudicado pela duração de seis horas e por
necessitar de equipamentos &nbsp;de projeção
especiais, particularmente em sua parte final, a qual a tela triplica em
tamanho para mostrar um panorama chocante de um campo de batalha, a
"polivisão" com projeção de cenas em três telas justapostas.. Também
introduz as técnicas narrativas mais revolucionárias que o cinema conheceu até
então: emprega câmeras em trenós, movidas por controle remoto, e objetivas
envolvidas em espuma, para serem socadas, câmeras movidas a cilindros de ar
comprimido e postas em dorsos de cavalos; tela dividida em nove imagens; câmera
acoplada a um pêndulo; máquinas para fazer jorrar milhares de litro de água
numa simulação de tempestade. O filme foi mutilado de todas as formas pelos
distribuidores, afim de não viabilizar a sua comercialização.&nbsp; 

Em La Roue, ele
empregou, pela primeira vez, a chamada "montagem acelerada", com o
intuito de transmitir a ideia abstrata da velocidade. Um maquinista enlouquece
e abandona o trem que, desembestado, corre em direção à catástrofe. Os planos
decupados mostram sucessivamente o trem, as rodas em movimento, o rosto calmo
de uma passageira que ignora o seu destino. A cada momento, essas imagens são
retomadas em planos cada vez mais curtos e gestos cada vez mais rápidos,
fazendo o público acompanhar a marcha para o desastre.

A indústria
cinematográfica ainda era muito chula para a ampla visão de Gance.

&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; 

A vanguarda francesa, causadora de furor nos anos 20, desapareceu
nas décadas seguintes. Porém não se pode relacionar seu fim ao surgimento do
cinema sonoro, já que os próprios vanguardistas fizeram criativas experiências
que mesclavam imagens com sons, mesmo sendo reproduzidos ao vivo da sala de
projeção. A partir de 1920, surge politicamente regimes totalitários defensores
de ideias conservadores completamente hostis a qualquer tipo de movimento
vanguardista. Esses governos encararão a vanguarda como uma forma degenerada de
arte e chegam até a censurar obras e perseguir seus realizadores. Também veio a
Depressão, que forçavam os artistas a engajarem-se sociológica e politicamente.
Esses fatos tornam as possibilidades de artes vanguardistas remotas e sombrias,
fazendo com que alguns criadores abandonassem a cinematografia ou realizassem
filmes de caráter comercial, fossem para a América ou tornassem-se
clandestinos. 

O SURREALISMO

&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; O surrealismo
surge nos anos 20 durante os movimentos vanguardistas, no período de entre
guerras, e viriam a definir o modernismo daquela época. Reúne artistas ligados
ao dadaísmo, o que gera um contexto mundial. Fortemente influenciadas por
teorias de Freud e também pelo Marxismo, afim de enfatizar o papel do
inconsciente na atividade criativa. Seu principal objetivo foi produzir uma
arte que, para os integrantes do movimento, estava sendo aniquilada pelo
racionalismo. O principal líder e mentor deste movimento foi André Breton. 

&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; A palavra surrealismo supõe-se ter
sido criada em 1917 pelo poeta Guillaume
Apollinaire (1886-1918),
jovem artista ligado ao Cubismo, e autor da peça teatral As
Mamas de Tirésias (1917), considerada uma precursora do movimento.

Um
dos principais manifestos do movimento é o Manifesto
Surrealista de (1924).
Além de Breton, seus representantes mais conhecidos são Antonin Artaud no teatro, Luis Buñuel no cinema
e Max Ernst, René Magritte e Salvador Dalí no campo das artes plásticas.

<!--[if !supportLists]-->§&nbsp; <!--[endif]-->Visão Surrealista: era uma combinação do
representativo, do abstrato, do irreal e do inconsciente. Utilizavam como
metodologia a colagem e a escrita automática. Para os surrealistas a arte deve
libertar-se de toda e qualquer exigência da lógica e da razão, indo além da
consciência cotidiana, afim de expressar, desse modo, o mundo do inconsciente e
dos sonhos. É afirmado pelo manifesto e nos textos posteriormente escritos, a
rejeição à ditadura da razão e valores burgueses como pátria, família,
religião, trabalho e honra. A forma de libertar o homem da existência
utilitária são o humor, o sonho e a contra lógica. A escrita automática é usada
de forma a buscar o impulso criativo artístico através do acaso e do fluxo de
consciência despejado sobre a obra. Eles escrevem por impulso, sem planejar, de
preferência de forma coletiva para que o pensamento vá se completando aos
poucos. Por exemplo: uma pessoa escreve algo no papel e outra completa, mas de
forma sem coesão e sentido, sem lógica, e assim sucessivamente. 

O
filme “Um cão andaluz” de Buñuel e Dali foi elaborado com metade de um sonho de
Dali e outra metade de um sonho de Buñuel, sem necessariamente haver uma lógica
consciente e de entendimento, porém, um discurso inconsciente que busca
dialogar com outras formas de leitura da realidade. 

O
Surrealismo destacou-se nas artes, principalmente por quadros, esculturas ou
produções literárias que procuravam expressar o inconsciente dos artistas,
tentando driblar as amarras do pensamento racional. Entre seus métodos de
composição estão a escrita
automática.

Como
muitos dos primeiros participantes do Surrealismo foram originados do Dadaísmo,
uma separação entre Surrealismo e Dadaísmo na teoria ou na prática pode ser
difícil de ser estabelecida, apesar das declarações de Andre Breton sobre o
assunto não deixarem dúvidas sobre sua própria claridade e sobre suas
diferenças. 

As
raízes do Surrealismo nas artes visuais tomam características do Dadaísmo e do
Cubismo, assim como da abstração de Wassily Kandinsky, do Expressionismo e do
Pós-Impressionismo.