- Olhar -
Autor: Eduardo Cambui Jr. | Publicado: 2016-03-11T18:08:00-03:00


Lápis dermatográfico - 13,5 x 21,3 cm - 2016


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Produzir atualmente um trabalho de pintura e/ou desenho é algo relativamente fácil dada a enorme variedade de materiais e cores disponíveis no mercado, da possibilidade de comprar via internet, enfim, a facilidade na aquisição destes materiais soa nos ouvidos como música, logicamente se for comparado há outros tempos (e nem é preciso voltar muito no tempo). Na história da arte, por muito tempo o próprio artista produziu seu material, buscando os pigmentos para conseguir as cores desejadas e mesmo com uma paleta restrita, eles conseguiam resultados ótimos. Talvez esta facilidade toda que temos em conseguir uma gama enorme de cores já prontas para usar acabe "atrapalhando" um pouco o desempenho, já que trabalhar com uma paleta restrita exige muito mais do artista, forçando-o a desenvolver sua técnica. Algumas vezes, me imponho este tipo de desafio e o trabalho de hoje foi o resultado de uma destas experiências.

O processo artístico


Diferente do que muitas pessoas pensam, e acho que já tinha comentado por aqui outras tantas vezes, geralmente o artista mais experiente não fica sentado por um longo tempo na frente de uma tela em branco (ou qualquer outro suporte) esperando que uma luz paire sobre sua cabeça lhe mostrando o que fazer. É claro que cada indivíduo tem suas particularidades, mas geralmente quando o artista senta para para fazer algo, ele já sabe o que vai fazer ainda que nem sempre a ideia esteja totalmente nítida em sua mente. No meu caso específico, eu escrevo as ideias assim que elas surgem e as deixo nesta lista ganhando corpo, germinando lentamente. Algumas vezes, recorro a esta lista (às vezes apenas para incrementar a própria ideia) e escolho uma delas, onde faço um trabalho menor como um desenho (colorido ou não) e se eu perceber que esta ideia funcionou bem, depois de mais um tempo eu produzo um trabalho maior, como uma pintura em tela. Normalmente a ideia escolhida ganha uma melhor produção, os detalhes são mais bem pensados, enfim, mas ao mesmo tempo, muitas das outras ideias que figuram na lista acabam não saindo do papel, porque esta lista cresce continuamente. Algumas vezes uma ideia fica muito tempo nesta lista, amadurecendo, até que num determinado momento ela ganha corpo de repente e toma sua forma.





Nos trabalhos que envolvem personagens, uma coisa que tento trabalhar mais é o olhar. Numa pintura ou desenho, transmitir algo numa única imagem é bem complicado e o olhar acaba se tornando uma importante ferramenta para isto. Em trabalhos que buscam passar uma mensagem mais complexa, todo recurso disponível é muito válido, seja o olhar, o gestual, etc. No fim das contas, a observação minuciosa é vital para o artista em todo trabalho, não importa qual seja ele. Além disso, a estrutura física do olho humano é extremamente interessante, como as cores que as íris possuem, a composição da pupila, enfim, observando de muito perto e devidamente iluminado, o olho é esteticamente magnífico, mesmo naqueles de cor escura.



Neste trabalho, por conta do material que foi usado também, não tive como detalhar ainda mais a complexa estrutura do olho. Neste desenho é interessante observar que a direção do traço tenta acompanhar a estrutura muscular do rosto. Ajuda muito que o desenhista tenha algum conhecimento (mesmo que superficial) da anatomia humana. Estudar a anatomia faz com que o artista seja muito mais seguro e intuitivo ao produzir desenhos do corpo humano. Gosto de pensar que o desenho tem que ser pensado quase como uma escultura, para dar a correta sensação de profundidade.



Referências





Neste desenho específico, não houve uma referência direta no que diz respeito à outros artistas da área. Aconteceu muito mais pela observação mesmo! Mas o trabalho em fotografia de Suren Manvelyan acabou me servindo indiretamente para melhorar ainda mais a produção deste trabalho. Suren é um fotografo armênio que tirou uma série de fotografias em ultra closes com uma câmera de alta resolução tanto do olho humano quanto dos olhos dos animais, tornando muito mais fácil perceber a incrível composição dos olhos. Seu trabalho é fantástico e seguramente vou ter que recorrer a eles no futuro para outras pinturas que tenho em mente.



Mas se fizermos um exercício de memória para buscar um grande mestre do passado que tenha tido uma grande contribuição para a fidelidade dos desenhos de olhos, acredito que ninguém supera Leonardo Da Vinci (e nem é preciso tanto esforço assim pra lembrar dele), tanto no que diz respeito à reprodução fiel em sua obra quanto em seus estudos de observação da anatomia humana, onde Leonardo dissecava os corpos dos cadáveres para entender melhor o seu funcionamento e desenhá-los. Se me lembro bem, Leonardo chegou até a escrever sobre isto elaborando uma espécie de "receita", com orientações para a melhor forma de dissecar um olho.


Estudos de proporções do olho e do rosto - Leonardo Da Vinci




Chega até ser meio redundante comentar isto aqui, já que é uma espécie de consenso de todos em todos os cantos, mas Leonardo Da Vinci pode ser incluído sem medo de errar num seleto top 10 dos maiores gênios que a humanidade já viu.




A Obra




Apesar de considerar este trabalho muito mais como um pequeno esboço melhor elaborado, o resultado foi muito satisfatório. A textura do lápis dermatográfico, que pode muitas vezes ser um empecilho importante para alcançar detalhes, neste caso me ajudou muito para criar a ilusão de textura da pele. Inclusive este desenho me levou a rever alguns outros que eu tinha feito antes e que retratavam olhos ou olhares. Inclusive, acabei encontrando muitos detalhes que poderiam ser melhorados nestes trabalhos antigos, um dilema que não tem como ser evitado.





O uso de uma referência é sempre uma ferramenta muito útil, sobretudo para alcançar melhores resultados, afinal, nada melhor para o artista do que um exercício de observação. No caso de desenho ou pintura de pessoas, os artistas do passado (e ainda hoje, alguns continuam fazendo isso) utilizavam os modelos que posavam para eles, enquanto o trabalho era feito. Já fiz isso também, mas prefiro utilizar a fotografia, até mesmo pela maior comodidade do modelo (e do artista).



Considerando que utilizo bastante a fotografia para orientar o meu trabalho (ainda que dificilmente eu siga exatamente a mesma composição da imagem utilizada, funcionando muito mais como um quebra cabeças que eu vou montando as partes depois), acredito que meu trabalho possa ser rotulado como fotorrealista (meio genérico, é bem verdade), mesmo que eu não tenha como objetivo criar em pintura ou desenho a mesma ilusão de fidelidade da fotografia, como os artistas desta vertente normalmente fazem. Mas com o tempo, vamos pegando o jeito.


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