História da Arte  - Resumo
Autor: Douglas Artes | Publicado: 2014-05-25T13:02:00-07:00




HISTÓRIA DA ARTE



A "história da arte" é uma&nbsp;ciência multidisciplinar&nbsp;que
procura estudar de modo objetivo a arte através do tempo, classificando as
diferentes formas de&nbsp;cultura, estabelecendo a
sua&nbsp;periodização&nbsp;e
salientando as características artísticas distintivas e influentes. Veremos a
seguir os principais períodos e correntes artísticas que influenciaram a
cultura ocidental.



Arte na Pré-História&nbsp;(25000
a.C.) -&nbsp;A&nbsp;ARTE PRÉ-HISTÓRICA&nbsp;foi a produção cultural dos homens da pré-história, a
partir dos desenhos, símbolos, riscos etc, coloridos ou não nas paredes das
cavernas. Também era usado como meio de comunicação.&nbsp;Embora&nbsp;esse período seja chamado de Pré-Historia, não é
correto chamá-lo assim, porque, não existe anterioridade à História e sim à
escrita. No entanto existia uma forma de comunicação chamada de pintura
rupestre ou gravura rupestre, que podem ser considerados como a
"escrita" dos homens pré-históricos.&nbsp;Esses desenhos ensinam muitas coisas sobre os homens
primitivos, como, por exemplo, que eles eram animistas, ou seja, acreditavam
que os elementos da natureza, como a água, o sol, o fogo, a terra, e outros.
Muitas dessas figuras mostram cenas de caça ou de adoração aos deuses. Os
desenhos nas paredes também serviam para mostrar aos deuses os animais que eles
queriam caçar.&nbsp;&nbsp;Observando as
estatuetas, percebemos que retratam somente figuras femininas, com formas
arredondadas e fartas (seios e nádegas avantajados) e onde eram valorizados os
órgãos reprodutores.



A&nbsp;ARTE ANTIGA&nbsp;refere-se à&nbsp;arte&nbsp;desenvolvida pelas&nbsp;civilizações&nbsp;antigas&nbsp;após
a criação da&nbsp;escrita&nbsp;e que se estende até o&nbsp;paleocristão.



Arte Mesopotâmia (4000 a.C.)&nbsp;– Os povos
mesopotâmios (civilizações que se desenvolveram na área das terras férteis
entre os rios Tigres e Eufrates) eram compostos pelos povos sumérios, os
assírios, os babilônicos e os persas. As principais manifestações da
arquitetura mesopotâmica eram os palácios, em geral muito grandiosos. Como não
havia muita pedra, as paredes tinham que ser grossas, pois eram feitas de
tijolos, ladrinhos e argila.&nbsp; A construção mais representativa era o
“Zigurate”, construção de vários andares – sete em geral sobre a qual havia um
altar para observar o céu.&nbsp;Os escultores representavam o corpo humano de
forma rígida, sem expressão de movimento e sem detalhes anatômicos (pés, mãos e
braços ficavam colados ao corpo, coberto com longos mantos; os olhos eram
completados com esmalte brilhante). As estátuas conservavam sempre uma postura
estática ante a grandiosidade dos deuses. A arte demonstra a religiosidade e o
poder dos governantes. São figuras religiosas de animais alados, estatuetas de
olhos circulares, relevos em paredes representando guerras e conquistas
militares e pictogramas representando fatos da realidade daqueles povos. Neste
período o homem dominou com precisão a técnica fundição de metal, assim também
se criou muitos objetos, esculturas e jóias com metais e pedras preciosas.



Arte do Egito (3000 a.C.) -&nbsp;No
Antigo Egito as obras de arte possuíam um possui forte caráter religioso e
funerário. Essas características podem ser explicadas em função da crença que
os egípcios tinha na vida após a morte. Há representações artísticas de deuses,
faraós e animais explicadas por textos em escrita hieroglífica. As pinturas
eram feitas nas paredes das pirâmides ou em papiros. Representavam o cotidiano
da nobreza ou tratava de assuntos do cotidiano. Uma das características principais
da arte egípcia é o desenho chapado, de perfil e sem perspectiva artística.&nbsp;A Lei da Frontalidade funda-se no princípio de
valorizar o aspecto que mais caracteriza cada elemento do corpo humano.
Desenhado de perfil, o rosto é mostrado ao máximo. De frente, se resume a uma
oval. No rosto de perfil, o olho é representado de frente, por ser este seu
aspecto mais característico e revelador. O tórax também apresenta-se de frente,
e as pernas e os pés, onde apenas se vê o dedo grande, são vistos de perfil.&nbsp;



Arte na&nbsp;Grécia
Antiga&nbsp;(2000 a.C.) -&nbsp;Os artistas gregos
buscavam representar, através das artes, cenas do cotidiano grego,
acontecimentos históricos e, principalmente, temas religiosos e mitológicos. As
grandes obras de arquitetura como os templos, por exemplo, eram erguidos em
homenagem aos deuses gregos.&nbsp;&nbsp;Um dos
templos gregos mais conhecidos é a Acrópole de Atenas, que foi construído no
ponto mais alto da cidade, entre os anos de 447 a 438 a.C.



A arquitetura grega
antiga pode ser dividida em três estilos:&nbsp;Coríntio,
Dórico e Jônico. A pintura grega também foi muito importante nas artes da
Grécia Antiga. Os pintores gregos representavam cenas cotidianas, batalhas,
religião, mitologias e outros aspectos da cultura grega. Os vasos, geralmente
de cor preta, eram muito utilizados neste tipo de representação artística.
Estes artistas também pintavam em paredes, principalmente de templos e
palácios.&nbsp;As esculturas gregas
transmitem uma forte noção de realismo, pois os escultores gregos buscavam
aproximar suas obras ao máximo do real, utilizando recursos e detalhes. Nervos,
músculos, veias, expressões e sentimentos são observados nas esculturas. A
temática mais usada foi a religiosa, principalmente, representações de deuses e
deusas. Cenas do cotidiano, mitos e atividades esportivas (principalmente relacionadas
às Olimpíadas) também foram abordadas pelos escultores gregos.&nbsp;



Arte Romana&nbsp;(século
VIII a.C.) -&nbsp;Com forte influência dos etruscos, a arte romana antiga
seguiu os modelos e elementos artísticos e culturais&nbsp; dos gregos e chega a
"copiar" estátuas clássicas. É a época da construção de monumentos
públicos em homenagem aos imperadores&nbsp;romanos.
A pintura mural recorre ao efeito tridimensional. Os afrescos da cidade de
Pompéia (soterrada pelo vulcão Vesúvio em I a.C.) são representativos deste
período.&nbsp;Um dos legados culturais
mais importantes que os etruscos deixaram aos romanos foi o uso do arco e da
abóbada nas construções.&nbsp;



ARTE MEDIEVAL,
sendo uma derivação direta da arte romana, inicia com a&nbsp;ARTE&nbsp;PALEO
CRISTÃ (século II), após a oficialização
do&nbsp;cristianismo&nbsp;como religião do&nbsp;Império Romano.
Trabalharam as formas clássicas para interpretar a nova doutrina religiosa.
Porém, logo o estilo clássico se pulverizou em uma multiplicidade de escolas
regionais, com o aparecimento de formas mais esquemáticas e simplificadas. Na
arquitetura destacou-se como o tipo&nbsp;basílica,
enquanto que na escultura os&nbsp;sarcófagos&nbsp;assumiram
papel destacado, bem como os mosaicos e as pinturas das&nbsp;catacumbas. A
etapa seguinte constituiu a chamada&nbsp;ARTEBIZANTINA (século IV), incorporando influências orientais e gregas, e tendo
no ícone e nos mosaicos seus gêneros principais. A&nbsp;ARTE ROMÂNICA&nbsp;(século
XI)&nbsp;seguiu-lhe paralelamente, recebendo
a influência de povos bárbaros como os&nbsp;germânicos,&nbsp;celtas&nbsp;e&nbsp;godos. Foi o primeiro estilo de arte internacional depois
da queda do Império Romano. Eminentemente religiosa, a maioria da arte românica
visa a exaltação e difusão do cristianismo. A arquitetura enfatiza o uso de
abóbadas e arcos, começando a construção de grandes catedrais, que continuará
durante o&nbsp;gótico. A escultura se desenvolveu principalmente no âmbito
arquitetônico, com formas esquematizadas. A&nbsp;ARTE&nbsp;GÓTICA&nbsp;se desenvolveu entre os&nbsp;(séculos XII),&nbsp;sendo um momento de florescimento econômico e cultural. A arquitetura
foi profundamente alterada a partir da introdução do&nbsp;arco ogival&nbsp;e
do&nbsp;arcobotante, nascendo formas mais leves e mais dinâmicas, que
possibilitaram a construção de edifícios mais altos e com aberturas maiores,
tipificados na catedral gótica. A escultura continua principalmente enquadrada
na obra arquitetônica, mas começou a desenvolver-se de forma autônoma, com
formas mais realistas e elegantes inspirados pela natureza e, em parte, numa
recuperação de influências clássicas. Aparecem grandes retábulos escultóricos e
a pintura desenvolve técnicas inovadoras como o óleo e a têmpera, criando-se
obras de grande detalhamento.



A&nbsp;Idade Moderna&nbsp;inicia
no&nbsp;RENASCIMENTO (séculos XV e XVI), período de grande esplendor
cultural na Europa. A religião deu lugar a uma concepção científica do homem e
do universo, no sistema do&nbsp;humanismo. As novas
descobertas geográficas levaram a civilização européia a se expandir para todos
os continentes, e através da invenção da&nbsp;imprensa&nbsp;a cultura se universalizou. Sua
arte foi inspirada basicamente na arte clássica greco-romana e na observação
científica da natureza. Na pintura, novas técnicas passam a ser utilizadas: uso
da tinta a óleo, por exemplo, buscava aumentar a ilusão de realidade.&nbsp; A
escultura renascentista é marcada pela expressividade e pelo naturalismo. A
xilogravura passa a ser muito utilizada nesta época.&nbsp;Principais
artistas:Hieronymuns Bosch; Albrecht Dürer; Jan van Eyck; Sandro
Boticcelli; Donatelo;&nbsp;Leonardo da Vinci; Rafael Sanzio;&nbsp;Michelangelo&nbsp;Buonarotti.
Giuseppe Arciboldo.



Sua continuação produziu o&nbsp;MANEIRISMO&nbsp;(meados do séc XVI), com a
emergência de um maior individualismo e um senso de drama e extravagância,
proliferando em inúmeras escolas regionais.&nbsp;O
Maneirismo foi um estilo e um movimento artístico europeu que constituí
manifesta reação contra os valores clássicos prestigiados pelo&nbsp;humanismo&nbsp;renascentista.
O termo surge da expressão&nbsp;a
maniera de, usada para se referir a
artistas que faziam questão de imprimir certas marcas individuais nas suas
obras e procuravam efeitos bizarros que já apontam para a&nbsp;arte&nbsp;moderna, como o alongamento das figuras humanas e os
pontos de vista inusitados.&nbsp;Também foi importante nesta fase a
disputa entre&nbsp;protestantes&nbsp;e&nbsp;católicos&nbsp;contra-reformistas, com
repercussões na arte sacra.&nbsp;Shakespeare,&nbsp;Cervantes,&nbsp;Camões,&nbsp;Andrea Palladio,&nbsp;Parmigianino,&nbsp;Monteverdi, El Greco&nbsp;e&nbsp;Michelangelo&nbsp;são alguns de seus
representantes mais notórios.



No período&nbsp;BARROCO&nbsp;(final do séc XVI)&nbsp;fortaleceram-se
os Estados nacionais, dando origem ao&nbsp;absolutismo. Como reflexo disso a arte se
torna suntuosa e grandiloquente, privilegiando os contrastes acentuados, o
senso de drama e o movimento. Nas artes visuais destaca a cor e não o formato
do desenho. As técnicas utilizadas dão um sentido de movimento ao desenho. Os
efeitos de luz e sombra são utilizados constantemente como um recurso para dar
vida e realidade à obra. Os temas que mais aparecem são: a paisagem, a
natureza-morta e cenas da vida cotidiana.&nbsp;Principais artistas:&nbsp;Caravaggio;
Peter Paul Rubens; Rembrandt; Gian Lorenzo Bernini; Diego Velásquez; Jan
Vermeer e Antônio Francisco Lisboa “Aleijadinho”,&nbsp;Molière&nbsp;(Dramaturgo),&nbsp;Bach&nbsp;e&nbsp;Haendel(Compositores),



Sua sequência foi o&nbsp;ROCOCÓ&nbsp;(surgido a partir de meados do
século XVIII), com formas mais leves e elegantes, privilegiando o
decorativismo, a sofisticação aristocrática e a sensibilidade individual. Ao
mesmo tempo se firmava uma corrente&nbsp;iluminista, pregando o primado da razão e um
retorno à natureza. Foram importantes, por exemplo,&nbsp;Voltaire,Jean-Jacques Rousseau,&nbsp;Carl Philipp
Emanuel Bach,&nbsp;Jean-Antoine Houdon,&nbsp;Antoine Watteau,&nbsp;Jean-Honoré Fragonard.



No&nbsp;final do século XVIII&nbsp;emergem
duas correntes opostas: o&nbsp;Romantismo&nbsp;e o&nbsp;Neoclassicismo, que dominarão até&nbsp;meados
do século XIX, às vezes em sínteses ecléticas, como na obra de&nbsp;Goethe. OROMANTISMO&nbsp;enfatizava a experiência
individual do artista, com obras arrebatadas, visionárias e dramáticas,
enquanto que oNEOCLASSICISMO&nbsp;recuperava o ideal equilibrado do
classicismo e impunha uma função social moralizante e política para a arte. Na
primeira corrente podem ser destacados&nbsp;Victor Hugo,&nbsp;Byron,&nbsp;Eugène Delacroix,&nbsp;Francisco de Goya,&nbsp;Frédéric Chopin,&nbsp;Ludwig van Beethoven,&nbsp;William Turner,&nbsp;Richard Wagner,&nbsp;William Blake,&nbsp;Albert Bierstadt&nbsp;e&nbsp;Caspar David
Friedrich, e, na segunda,&nbsp;Jacques-Louis David,
Jean-Auguste-Dominique Ingres,&nbsp;Mozart,&nbsp;Haydn&nbsp;e&nbsp;Antonio Canova.

ARTE MODERNA&nbsp;&nbsp;é um
termo que se refere às&nbsp;expressões artísticas&nbsp;surgidas
no final do&nbsp;século XIX, que se
estenderam até a metade do&nbsp;século XX. Na arte moderna vê-se a influência da&nbsp;Revolução Industrial,
das&nbsp;máquinas a vapor,
do aumento das&nbsp;velocidades, da&nbsp;fotografia, do&nbsp;cinema, do&nbsp;avião, do estudo da&nbsp;mente&nbsp;entre
outros elementos que contribuíram para a mudança do pensamento e das atitudes.



Realismo&nbsp;surge entre&nbsp;1850
e 1900&nbsp;&nbsp;fruto das artes produzidas na Europa. Ele foi
influenciado pela industrialização que dominava a época.&nbsp;O homem
contemporâneo entendeu que precisava ser realista, tendo uma visão mais técnica
e deixando um pouco de lados as emoções humanas.Destaca a realidade física
através da objetividade científica e crua. Estas obras são inspiradas pela vida
cotidiana e pela paisagem natural. Aparecem fortes críticas sociais e elementos
do erotismo, provocando criticas dos setores conservadores da sociedade
européia do século XIX.Principais artistas:&nbsp;Gustave Courbet; Honoré
Daumier; Édouard Manet; Jean-François Millet e Auguste Rodin.&nbsp;



Impressionismo (1880)&nbsp;- Através da
luz e da cor os artistas do impressionismo buscam atingir a realidade.&nbsp;Ênfase nos temas da natureza, principalmente de
paisagens; Uso de técnicas de pintura que valorização a ação da luz natural;
Pinceladas soltas buscando os movimentos da cena retratada, uso de efeitos de
sombras coloridas e luminosas.&nbsp;Principais artistas:&nbsp;Claude
Monet; Edgard Degas; Auguste Renoir e Georges Seurat.



Pós-impressionismo ( Final do séc XIX
) -&nbsp;Designa um grupo de artistas que procuram de várias
maneiras amplia a linguagem visual da pintura para além do impressionismo. Os
mais influentes pós-impressionistas foram Paul Gauguin, Paul Cézanne e Van
Gogh. Outros importantes pós-impressionistas foram, entre outros, Henri
Rousseau, Georges Seurat, Henri de Tourlouse-Lautrec.&nbsp;É o período
marcado pelas experimentações&nbsp; individuais. Os artistas fogem dos padrões
clássicos, utilizando recursos de luz e cor. O cromatismo é muito utilizado.



O&nbsp;Simbolismo&nbsp;foi um
movimento artístico e literário que surgiu na França na&nbsp;década de 80 do
século XIX. Constituindo uma reação contra o materialismo e mecanização da
civilização industrial, esta corrente rejeitava simultaneamente o Realismo, o
Romantismo e o impressionismo, acreditando que a arte deveria exprimir idéias a
partir de uma concepção simbolista das formas e da cor. Os pintores simbolistas
apresentavam especial preferência por temáticas místicas ligadas a religião, a
lendas, morte ou pecado, impregnado de forte teor moralizante, para as quais a
técnica do fresco adequava perfeitamente.&nbsp;Principais artistas:&nbsp;Paul
Gauguim,&nbsp;Odilon Redon,&nbsp;Maurice Denis,&nbsp;Sérusier,&nbsp;Gustav Klimt&nbsp; e&nbsp;Edvard Munch.



Conhecendo um pouco mais: ART NOUVEAU



Art Nouveau&nbsp;(Pronúncia
francesa:&nbsp;[aʁ nu'vo])&nbsp;é uma
filosofia e estilo internacional de arte, arquitetura e arte aplicada –
especialmente as artes decorativas- que foram mais populares de 1890 – 1910. O
nome “Art Nouveau” é francês para “arte nova”. Uma reação à arte acadêmica do
século 19, o movimento da Art Nouveau foi inspirado por formas e estruturas
naturais, não somente em flores e plantas, mas também em linhas curvas.
Arquitetos tentavam harmonizar com o ambiente natural. Ela também pode ser
considerada uma filosofia do desenho de mobílias, que foi desenhado de acordo
com a construção e a parte feita da vida ordinária.



MOVIMENTOS DE VANGUARDA&nbsp;- Em seu
sentido literal, vanguarda (que vem do francês Avant Garde, "guarda
avante") faz referência ao batalhão militar que precede as tropas em
ataque durante uma batalha. Daí deduz-se que vanguarda é aquilo que "está
à frente".&nbsp;Desta dedução surge a definição adotada por uma série de
movimentos artísticos e políticos do fim do século XIX e início do século XX.
Os movimentos europeus de vanguarda eram aqueles que, segundo seus próprios
autores, guiavam a cultura de seus tempos, estando de certa forma à frente deles.



Expressionismo&nbsp;&nbsp;foi um
movimento artístico e cultural de&nbsp;vanguarda&nbsp;surgido na&nbsp;Alemanha&nbsp;no&nbsp;( início do&nbsp;século XX&nbsp;), transversal aos campos
artísticos da&nbsp;arquitetura,&nbsp;artes plásticas,&nbsp;literatura,&nbsp;música,&nbsp;cinema,&nbsp;teatro,&nbsp;dança&nbsp;e&nbsp;fotografia. Manifestou-se inicialmente através
da pintura, coincidindo com o aparecimento do&nbsp;fauvismo&nbsp;francês, o que tornaria ambos os&nbsp;movimentos artísticos&nbsp;os
primeiros representantes das chamadas "vanguardas históricas".&nbsp;O
expressionismo compreende a&nbsp;deformação&nbsp;da&nbsp;realidade&nbsp;para expressar de forma subjetiva
a natureza e o ser humano, dando ênfase à expressão de&nbsp;sentimentos&nbsp;em relação à simples&nbsp;descrição&nbsp;da realidade.&nbsp;Artistas
expressionistas:&nbsp;Edward Munch, Amedeo Modigliani, Ernest Ludwig
Kirchner; Paul Klee, Francis Bacon, Alberto Giacometti, Marc Chagal, Diego
Rivera, Candido Portinari.



Fauvismo&nbsp;(do&nbsp;francês&nbsp;les fauves, "as
feras", como foram chamados os pintores não seguidores do&nbsp;cânone&nbsp;impressionista, vigente à época) é uma corrente
artística do início do&nbsp;século XX, que se desenvolveu sobretudo&nbsp;(entre
1905 e 1907).&nbsp;Os&nbsp;pintores fauvistas receberam influências de Van Gogh, através de
seu emocionalismo e ardor passional pelas cores exacerbadas, e de Gauguin, com
seu primitivismo e visão elementar da natureza. A nova estética é obedecer aos
impulsos instintivos ou as sensações vitais e primárias. Criar desobedecendo a
uma ordem intelectual, onde as linhas e as cores devem jorrar no mesmo estado
de pureza das crianças e selvagens, desobedecendo às regras tradicionais da
pintura. Evitam a ilusão da tridimensionalidade. Agora a tela se apresenta
plana, obtendo apenas comprimento e largura. Baseiam-se na força das cores
puras.&nbsp;Principais artistas: Henri Matisse; André Derain e Maurice de
Vlaminck.



Cubismo&nbsp;(1907)&nbsp;–&nbsp;Cubismo&nbsp;é
um movimento artístico que surgiu no&nbsp;século XX, nas&nbsp;artes plásticas, tendo como principais
fundadores&nbsp;Pablo Picasso&nbsp;e&nbsp;Georges Braque.&nbsp;&nbsp;O&nbsp;quadro&nbsp;"Les demoiselles
d'Avignon", de Picasso,&nbsp;1907&nbsp;é
conhecido como marco inicial do&nbsp;Cubismo. Nele ficam evidentes as
referências a&nbsp;máscaras africanas, que
inspiraram a fase inicial do cubismo, juntamente com a obra de&nbsp;Paul Cézanne.

Historicamente o Cubismo originou-se
na obra de Cézanne, pois para ele a pintura deveria tratar as formas da
natureza como se fossem cones, esferas e cilindros. Entretanto, os cubistas
foram mais longe do que Cézanne. Passaram a representar os objetos com todas as
suas partes num mesmo plano. É como se eles estivessem abertos e apresentassem
todos os seus lados no plano frontal em relação ao espectador.&nbsp;Na verdade,
essa atitude de decompor os objetos não tinha nenhum compromisso de fidelidade
com a aparência real das coisas.



Futurismo (1909) -&nbsp;Movimento inicia-se
oficialmente com a publicação do manifesto futurismo, do poeta italiano Filippo
Marinetti. O texto rejeita o moralismo e o passado, exalta a violência e propõe
novo tipo de beleza, baseada na velocidade. As obras futuristas têm o objetivo
de criar o mesmo ritmo e espírito da sociedade industrial. Os futuristas
expressam a violência e representam a dinâmica e movimento, para tanto
distorcem a imagem do espectadro, reproduzindo no quadro, imagens seqüenciadas
como numa fita de cinema.&nbsp;Principais artistas:&nbsp;Giacomo Balla;
Carlo Carra e Umberto Boccioni.



Dadaísmo&nbsp; (Década de 1910) -&nbsp;Revolucionário,
anárquico e anticapitalista, o dadaísmo, prega o absurdo, o sarcasmo, a sátira
crítica e o uso de diversas linguagens, como pintura, poesia, escultura,
fotografia e teatro.&nbsp;Embora a palavra&nbsp;dada&nbsp;em
francês signifique "cavalo de madeira", sua utilização marca o&nbsp;non-sense&nbsp;ou falta de sentido que pode ter a linguagem (como na fala de um bebê).
Para reforçar esta ideia foi estabelecido o mito de que o nome foi escolhido
aleatoriamente, desta forma, abrindo-se uma página de um dicionário e inserindo-se
um estilete sobre ela. Isso foi feito para simbolizar o caráter antirracional
do movimento, claramente contrário à&nbsp;Primeira Guerra
Mundial&nbsp;e aos padrões da arte estabelecida
na época.&nbsp;&nbsp;Principais artistas:&nbsp;Hugo Ball, Francis Picabia,
Marcel Duchamp e Man Ray.&nbsp;&nbsp;



Abstracionismo (Década de 1910) -&nbsp;A arte abstrata
tende a suprimir toda a relação entre a realidade e o quadro, entre as linhas e
os planos, as cores e a significação que esses elementos podem sugerir ao
espírito. Quando a significação de um quadro depende essencialmente da cor e da
forma, quando o pintor rompe os últimos laços que ligam a sua obra à realidade
visível, ela passa a ser abstrata.&nbsp;Principais correntes e variações do
abstracionismo:

Abstracionismo informal, lírico&nbsp;ou&nbsp;abstracionismo
expressivo&nbsp;inspirava-se no instinto, no inconsciente e na intuição
para construir uma arte imaginária ligada a uma "necessidade
interior". ênfase na composição livre.&nbsp;Principais artista:&nbsp;Wassily
Kandinsky e Franz Marc;

O&nbsp;Suprematismo&nbsp;foi
um movimento&nbsp;artístico&nbsp;russo, centrado em formas&nbsp;geométricas&nbsp;básicas - particularmente o
quadrado e o círculo - e tido como a primeira escola sistemática de&nbsp;pintura abstrata&nbsp;do movimento&nbsp;moderno.&nbsp;Principal
artista:&nbsp;Kasimir Malevitch;

O&nbsp;Neoplasticismo&nbsp;defendia
uma total limpeza espacial para a pintura, reduzindo-a a seus elementos mais
puros e buscando suas características mais próprias.&nbsp;Principal
artista:&nbsp;Piet Mondrian;

O&nbsp;gestualismo,&nbsp;pintura
gestual&nbsp;ou&nbsp;action painting&nbsp;é uma forma de&nbsp;pintura abstracta&nbsp;onde se pode observar o
gesto pictórico. Este tipo de&nbsp;pintura&nbsp;não apresenta esquemas prévios, e
surgiu em&nbsp;Nova Iorque, nos anos
40 do&nbsp;século XX, sob
influência dos processos&nbsp;surrealistas&nbsp;de
pintura automática. Os sinais e os gestos de pintar como meio expressivo foram
as bases desse tipo de pintura. Essa corrente originou-se do expressionismo
abstrato. Seu objetivo era a libertação das formas de Vladimir Tatlin. A
pintura gestual recebeu influência dos chineses e japoneses.&nbsp;Principais
artistas:&nbsp;Jackson&nbsp;Pollock,&nbsp;Franz&nbsp;Kline&nbsp;e&nbsp;De Kooning.



Construtivismo (1915)&nbsp;-&nbsp;Caracterizou-se,
de forma bastante genérica, pela utilização constante de elementos&nbsp;geométricos,&nbsp;cores primárias,&nbsp;fotomontagem&nbsp;e atipografia&nbsp;sem&nbsp;serifa. O&nbsp;Construtivismo&nbsp;teve
influência profunda na arte moderna e no&nbsp;design moderno&nbsp;e está inserido no contexto
dasvanguardas&nbsp;estéticas europeias do início do&nbsp;Século XX.&nbsp;&nbsp;Defende a arte funcional, que
deve atender as necessidades do povo e informar sobre a revolução. A arte deve
fabricar objetos para a vida do povo e não apenas luxo para os ricos. A pintura
e a escultura devem ser funcionais, por isso aparecem muito ligadas à
arquitetura e ao design. A escultura é a grande forma de expressão,
principalmente em metal.&nbsp;Principais artistas:&nbsp;Naum Gabo e
Antoine Pevsner.



Pintura Metafísica (Década de 1910) –&nbsp;Estilo que se
contrapõem ao futurismo e cubismo.Recusa&nbsp;da&nbsp;expressão&nbsp;do&nbsp;movimento;&nbsp;o&nbsp;afastamento&nbsp;relativamente&nbsp;à&nbsp;estética&nbsp;industrial&nbsp;ou&nbsp;ligada&nbsp;à&nbsp;máquina;&nbsp;aprocura&nbsp;de&nbsp;objetos&nbsp;do&nbsp;quotidiano&nbsp;e&nbsp;de&nbsp;espaços&nbsp;urbanos&nbsp;para&nbsp;criar&nbsp;um&nbsp;universo&nbsp;misterioso.&nbsp;A
pintura deve criar uma impressão de mistério, através de associações pouco
comuns de objetos totalmente imprevistos, em arcadas e arquiteturas puras,
idealizadas, muitas vezes com a inclusão de estátuas, manequins, frutas,
legumes, numa transfiguração toda especial, em curiosas perspectivas. A pintura
metafísica explora os efeitos de luzes misteriosas, sombras sedutoras e cores
ricas e profundas, de plástica despojada e escultural. Tem inspiração na
Metafísica, ciência que estuda tudo quanto se manifesta de maneira
sobrenatural.&nbsp;Principais artistas: Giorgio de Chirico e Giorgio
Morandi.



Arte Surrealista (Década de 1920) -&nbsp;Os artistas
exploram o inconsciente e as imagens&nbsp; que não são controladas pela razão.
O surrealismo usa associações irreais, bizarras e provocativas. O rompimento
com as noções tradicionais da perspectiva e da proporcionalidade resulta em
imagens estranhas e fora da realidade.
Principais artistas:&nbsp;Marc Chagall; Joan Miró; Salvador Dalí; René
Magritte; Max Ernst; Frida Kahlo.



Conhecendo um pouco mais: BAUHAUS E
ART DÉCO



A&nbsp;Staatliches-Bauhaus&nbsp;foi uma escola de&nbsp;design,&nbsp;artes plásticas&nbsp;e&nbsp;arquitetura&nbsp;de&nbsp;vanguarda&nbsp;na&nbsp;Alemanha. A Bauhaus
foi uma das maiores e mais importantes expressões do que é chamado&nbsp;Modernismo&nbsp;no&nbsp;design&nbsp;e na&nbsp;arquitetura, sendo a primeira escola de design do mundo.



Art déco&nbsp;foi um movimento popular internacional de&nbsp;design&nbsp;que durou de&nbsp;1925&nbsp;até&nbsp;1939, afetando as&nbsp;artes decorativas,
a&nbsp;arquitetura,design&nbsp;de interiores&nbsp;e&nbsp;desenho industrial, assim como as&nbsp;artes visuais, a&nbsp;moda, a&nbsp;pintura, as&nbsp;artes gráficas&nbsp;e&nbsp;cinema.&nbsp;&nbsp;Representou a
adaptação pela sociedade em geral dos princípios do&nbsp;cubismo.
Edifícios, esculturas, joias, luminárias e móveis são geometrizados. Sem abrir
mão do requinte, os objetos têm decoração moderna, mesmo quando feitos com
bases simples, como concreto armado e compensado de madeira, ganham ornamentos
de&nbsp;bronze,&nbsp;mármore,&nbsp;prata,&nbsp;marfim&nbsp;e outros materiais
nobres.



Considera-se que a&nbsp;ARTE
CONTEMPORÂNEA, em seus&nbsp;estilos,&nbsp;escolas&nbsp;e&nbsp;movimentos,
tenha surgido por volta da segunda metade do&nbsp;século XX, mais precisamente após a&nbsp;Segunda Guerra Mundial,
como ação de ruptura com a&nbsp;arte moderna.

Depois da&nbsp;guerra&nbsp;os
artistas mostraram-se voltados às verdades do&nbsp;inconsciente&nbsp;e interessados pela
reconstrução da&nbsp;sociedade. Sobrepôs-se aos
costumes, a necessidade da produção em massa. Quando surgia um movimento na
arte, este revelava-se por meio das variadas&nbsp;linguagens,
através da constante experimentação de novas técnicas.

A arte contemporânea se mostrou mais
evidente na&nbsp;década&nbsp;de 60, período
que muitos estudos consideram o início do seu estado de plenitude.&nbsp;&nbsp;A
efervescência cultural da década começou a questionar a sociedade do
pós-guerra, rebelando-se contra o estilo de vida difundido no&nbsp;cinema, na&nbsp;moda, na&nbsp;televisão&nbsp;e na&nbsp;literatura.

Além disso, os avanços tecnológicos
foram convulsivamente impulsionados pela&nbsp;corrida espacial&nbsp;e, como mostra dessa
influência, as formas dos objetos tornam-se, quase subitamente, aerodinâmicas,
alusivas ao espaço, com forte recorrência ao brilho do&nbsp;vinil. A&nbsp;ciência&nbsp;e atecnologia&nbsp;abriram caminho à percepção das
pessoas, de que a arte feita por outros, poderia estar a traduzir as suas
próprias vidas.

A consciência&nbsp;ecológica&nbsp;e o&nbsp;reaproveitamento de materiais&nbsp;são temas
recorrentes, que se popularizaram no final do&nbsp;século XX.&nbsp;Em paralelo, a&nbsp;revolução digital&nbsp;e a consequente&nbsp;globalização, por meio da&nbsp;internet, formam o período mais recente da
contemporaneidade.



De 1945 a 1965 - Entre os movimentos
mais célebres estão:&nbsp;Arte bruta,&nbsp;Arte informal,&nbsp;Expressionismo
abstrato,&nbsp;Arte cinética,&nbsp;Combine,&nbsp;Assemblage,&nbsp;Pop art,&nbsp;Fluxus,&nbsp;Op art&nbsp;entre outros.



Após 1965 até os dias atuais - Os
movimentos mais significativos são:&nbsp;Minimalismo,&nbsp;Arte conceitual,&nbsp;Body art,&nbsp;Instalação,&nbsp;Hiperrealismo,&nbsp;Videoarte,&nbsp;Happening,&nbsp;Arte povera,&nbsp;Transvanguarda,&nbsp;Internet art,&nbsp;Arte urbana,&nbsp;Grafiti&nbsp;entre outros.



Pop Art&nbsp; (Década de 1950) -&nbsp;As histórias em
quadrinhos e a mídia visual e impressa são os elementos de referência da pop
art. Humor e crítica ao consumismo são constantes nas obras de pop art.&nbsp;Principais artistas:&nbsp;Richard
Hamilton; Allen Jones; Robert Rauschenberg; Jasper Johns; Andy Warhol; Roy
Lichtenstein; e David Hockney.



Op Art&nbsp;(Década de
1950) -&nbsp;é um termo usado para descrever a arte que explora a
falibilidade do&nbsp;olho&nbsp;e pelo uso de&nbsp;ilusões ópticas. A
expressão "op-art" vem do inglês (optical art) e significa “arte
óptica”. Defendia para arte "menos expressão e mais visualização".
Apesar do rigor com que é construída, simboliza um mundo mutável e instável,
que não se mantém nunca o mesmo.&nbsp;Os trabalhos de op art são em geral&nbsp;abstratos, e muitas das peças mais conhecidas
usam apenas o preto e o branco. Quando são observados, dão a impressão de
movimento, clarões ou vibração, ou por vezes parecem inchar ou deformar-se.&nbsp;Principais
artistas:Ad Reinhardt&nbsp;,&nbsp;Alexander Calder,&nbsp;Youri Messen-Jaschin&nbsp;e&nbsp;Victor Vasarely.



A&nbsp;arte&nbsp;cinética, é uma corrente
das artes plásticas que explora efeitos visuais por meio de movimentos físicos
ou&nbsp;ilusão de óptica&nbsp;ou
truques de posicionamento de peças.&nbsp;Artistascomo&nbsp;Marcel Duchamp,&nbsp;Alexander Calder&nbsp;,&nbsp;Vasarely&nbsp;,&nbsp;Jesus Raphael Soto&nbsp;,&nbsp;Yaacov Agam,&nbsp;Jean Tinguely&nbsp;,&nbsp;Pol Bury&nbsp;e
o brasileiro&nbsp;Abraham Palatnik&nbsp;,
são apontados como expoentes desta linguagem.



A&nbsp;arte conceitual&nbsp;foi
iniciada nos anos 60 do seculo XX&nbsp;(1965);prevaleceu pela década de
70 o que implicou uma remodelação dos processos criativos e expressivos.Nesta
arte valoriza-se mais a ideia da obra do que o produto acabado, sendo que às
vezes este (produto) nem mesmo precisa de existir. É bastante expressada
através de fotografias, vídeos, mapas, textos escritos e performances. Não
existem limites muito bem definidos para que uma obra seja considerada Arte
Conceptual já que esta abrange vários aspectos tendo como intenção desafiar as
pessoas a interpretar uma ideia, um conceito, uma crítica ou uma denúncia. O
objetivo é que o observador reflita sobre o ambiente, a violência, o consumo e
a sociedade. Esta arte é vivenciada por todos os observadores do mesmo modo ou
seja, ela não possui nenhuma singularidade aos olhos de quem a vê.&nbsp;Principais
artistas:&nbsp;Marcel Duchamp, Sol LeWitt, Joseph Beuys, John Cage, Nam
June Paik, Yoko Ono.



O&nbsp;minimalismo&nbsp;nas
artes plásticas surge após o ápice do expressionismo abstrato nos Estados Unidos.
Contrapondo-se a esse movimento, o minimalismo procurava através da redução
formal e da produção de objetos em série. O caráter geométrico demonstra forte
influência construtivista, e a limpeza formal. Quebra as barreiras até então
presentes entre pintura e escultura. O&nbsp;design minimalista acaba por criar
produtos baseados numa redução formal extremamente forte e no uso de cores
neutras (ou mesmo ausência de cores). Outras características são as repetições
simétricas e na música a composição com poucas notas musicais, valorizando a
repetição sonora.&nbsp;&nbsp;Sol LeWitt,
Frank Stella, Dan Flavin, Philip Glass (compositor), Samuel Beckett
(dramaturgo).&nbsp;Em oposição ao minimalismo surgiu o pós-minimalismo, neste movimento os
artistas davam mais caráter humano e vivo às obras minimalistas.



Arte Povera&nbsp;("Arte
Pobre" em&nbsp;português) é um
movimento artístico que sePrincipais artistas:&nbsp;desenvolveu
originalmente na&nbsp;segunda metade da&nbsp;década de 1960&nbsp;na&nbsp;Itália. Os seus adeptos utilizam materiais de
pintura (ou outras expressões plásticas não convencionais, como por exemplo
areia, madeira, sacos, jornais, cordas, terra e trapos) com o intuito de
"empobrecer" a obra de arte, reduzindo os seus artifícios e eliminar
as barreiras entre a Arte e o quotidiano das sociedades.

Esta corrente artística surgiu e
desenvolveu-se ao longo da década de 1970, período em que os artistas voltaram
a sua atenção para as temáticas da natureza e seus derivados, rompendo com os
processos industriais e revelando a sua critica ao empobrecimento de uma
sociedade guiada pelo acumular de riquezas materiais.



Hiperrealismo&nbsp;é um gênero
de pintura e escultura que tem um efeito semelhante ao da&nbsp;fotografia&nbsp;de alta resolução. O
hiperrealismo é uma evolução do&nbsp;fotorrealismo.&nbsp;Os hiperrealistas acrescentam
maior emotividade às obras do que os fotorrealistas.&nbsp;Artistas fotorrealistas:&nbsp;Ralph Goings,&nbsp;Chuck Close,&nbsp;Don Eddy,&nbsp;Robert Bechtle,&nbsp;Richard McLean, Klapheck e Delcol.&nbsp;Principais artistas hiperrealistas:Chuck Close, Ron
Mueck, Jorge Melício, Sam Jinks. &nbsp;



NOVAS FORMAS DE EXPRESSÃO DA ARTE CONTEMPORÂNEA



Uma&nbsp;instalação&nbsp;(krafts)
é uma&nbsp;manifestação artística&nbsp;onde a obra é
composta de elementos organizados em um ambiente. É uma obra de arte que só
"existe" na hora da exposição, é montada na hora, e após isto é
desmontada, sendo que de lembrança da mesma só ficam fotos e recordações...

Uma das possibilidades da instalação
é provocar sensações:&nbsp;frio,&nbsp;calor,&nbsp;odores,&nbsp;som&nbsp;ou
coisas que simplesmente chamem a atenção do público ao redor.&nbsp;Principais artistas:&nbsp;Anish Kapoor,&nbsp;Lee Bul,&nbsp;Christo e Jeanne-Claude,&nbsp;Barbara Kruger,&nbsp;Richard Long,&nbsp;Chen Zhen.



Intervenção Urbana&nbsp;é um tipo de
manifestação&nbsp;artística, geralmente realizada em áreas
centrais de grandes cidades. Consiste em uma interação com um objeto artístico
previamente existente (um monumento, por exemplo) ou com um espaço público,
visando colocar em questão as percepções acerca do objeto artístico. São
trabalhos notadamente voltados para uma experiência estética que procura
produzir novas maneiras de perceber o cenário urbano e criar relações afetivas
com a cidade que não a da objetividade funcional que aplaca o dia-a-dia. A
intervenção artística tem ligações com a&nbsp;arte conceitual&nbsp;e geralmente inclui uma&nbsp;performance. Consiste em um desafio ou, no mínimo,
um comentário sobre um objeto (eventualmente, um objeto artístico)
preexistente, através degrafites,&nbsp;cartazes, cenas de&nbsp;teatro&nbsp;ao ar livre ou acréscimo de outros elementos
plásticos, de forma a modificar o significado ou as expectativas do senso
comum, quanto a esse objeto.



Intervenção é o acréscimo de elementos
em uma obra de arte; ou também usado para qualificar o procedimento de promover
interferências em imagens, fotografias, objetos ou obras de arte preexistentes.
Intervenção, nesse caso, possui um sentido semelhante à apropriação,
contribuição, manipulação, interferência. Colagens, assemblages, montagens,
fotografias e desenhos são trabalhos que frequentemente se valem desse tipo de
procedimento.



Conhecendo um pouco
mais: RELEITURA



A&nbsp;releitura&nbsp;é uma
nova versão de uma obra de arte já existente. Assim como o termo, a “releitura”
é uma nova forma de ler e ver a obra, uma forma de criticá-la ou homenageá-la
em forma de imagem, escultura, música ou vídeo.



Intervenção Urbana&nbsp;é um tipo de
manifestação&nbsp;artística, geralmente realizada em áreas
centrais de grandes cidades. Consiste em uma interação com um objeto artístico
previamente existente (um monumento, por exemplo) ou com um espaço público,
visando colocar em questão as percepções acerca do objeto artístico. São
trabalhos notadamente voltados para uma experiência estética que procura
produzir novas maneiras de perceber o cenário urbano e criar relações afetivas
com a cidade que não a da objetividade funcional que aplaca o dia-a-dia. A
intervenção artística tem ligações com a&nbsp;arte conceitual&nbsp;e geralmente inclui uma&nbsp;performance. Consiste em um desafio ou, no
mínimo, um comentário sobre um objeto (eventualmente, um objeto artístico)
preexistente, através degrafites,&nbsp;cartazes, cenas de&nbsp;teatro&nbsp;ao ar livre ou acréscimo de outros elementos
plásticos, de forma a modificar o significado ou as expectativas do senso
comum, quanto a esse objeto.



Conhecendo um pouco
mais: GRAFITI



Grafíti&nbsp;(do&nbsp;italiano&nbsp;graffiti, plural de&nbsp;graffito)
é o nome dado às inscrições feitas em paredes, desde o&nbsp;Império Romano. Considera-se&nbsp;grafite&nbsp;uma
inscrição caligrafada ou um desenho pintado ou gravado sobre um suporte que não
é normalmente previsto para esta finalidade. Por muito tempo visto como um
assunto irrelevante ou mera&nbsp;contravenção, atualmente o grafite já é
considerado como forma de expressão incluída no âmbito das&nbsp;artes visuais,&nbsp;mais especificamente, da&nbsp;street
art&nbsp;ou&nbsp;arte urbana&nbsp;-
em que o artista aproveita os&nbsp;espaços públicos,
criando uma linguagem intencional para interferir na cidade. Alguns artistas
expoentes na arte do Grafiti:&nbsp;Jean-Michel Basquiat,
Os gêmeos, Banksy.





A&nbsp;Land Art, também
conhecida como&nbsp;Earth Art&nbsp;ou&nbsp;Earthwork&nbsp;é o
tipo de&nbsp;arte&nbsp;em que o terreno natural, em vez de
prover o ambiente para uma obra de arte, é ele próprio trabalhado de modo a
integrar-se à obra.

Em resumo é uma forma de intervenção
onde o suporte é a própria natureza. Esta intervenção pode ser realizada na
paisagem, no espaço natural ou até mesmo utilizando elementos naturais.&nbsp;A&nbsp;Land
Art&nbsp;surgiu em finais da&nbsp;década de 1960, em parte como consequência de
uma insatisfação crescente em face da deliberada monotonia cultural pelas
formas simples do&nbsp;minimalismo, em parte
como expressão de um desencanto relativo à sofisticada&nbsp;tecnologia&nbsp;da cultura&nbsp;industrial, bem como ao aumento do interesse
às questões ligadas à&nbsp;ecologia.&nbsp;Principais artistas:&nbsp;Robert Smithson, Robert Morris,&nbsp;Richard Long,
Frans Krajcberg,&nbsp;Christo e Jeanne-Claude.



A&nbsp;Body Art&nbsp;(do
inglês, arte do corpo) é uma manifestação das artes visuais onde até o corpo do
próprio artista pode ser utilizado como suporte ou meio de expressão. Surgiu no&nbsp;final
da década de 60&nbsp;como uma das mais populares e controvertidas formas de
arte a se disseminar. Em uma abordagem mais específica, surgiu como reação à
impessoalidade da&nbsp;arte conceitual&nbsp;e
do&nbsp;minimalismo, em análise mais ampla tem sido
considerada um prolongamento destes.

O espectador pode atuar não apenas de
forma passiva, mas também como voyeur ou agente interativo. Via de regra, as
obras de Body art, como criações conceituais, são convidam: à reflexão, ao
enfado, ao choque, ao distanciamento ou ao riso. Foi na década de 1960 que essa
forma de arte se popularizou e se espalhou pelo mundo. Há casos em que a body
art assume o papel de ritual ou apresentação pública, apresentando, portanto,
ligações com o&nbsp;Happening&nbsp;e a&nbsp;Performance.

Alguns artistas&nbsp;que
trabalharam com Body Art:&nbsp;Yves Klein,&nbsp;Youri
Messen-Jaschin



Performance&nbsp;designa as apresentações de dança, canto, teatro,
mágica, mímica, malabarismo, referindo-se ao seu executante como&nbsp;performer.
Na segunda metade do século XX surge um gênero artístico nos Estados Unidos que
se chama Performance Arte (Performance Art) que surge como uma
modalidade de manifestação&nbsp;artística&nbsp;interdisciplinar
que - assim como o&nbsp;happening&nbsp;- pode combinar&nbsp;teatro,&nbsp;música,&nbsp;poesia&nbsp;ou&nbsp;vídeo, com ou
sem público.&nbsp;Difere do&nbsp;happening&nbsp;por ser mais cuidadosamente elaborada e não envolver necessariamente a
participação dos espectadores. Em geral, segue um "roteiro"
previamente definido, podendo ser reproduzida em outros momentos ou locais. É
realizada para uma platéia quase sempre restrita ou mesmo ausente e, assim,
depende de registros - através de&nbsp;fotografias,
vídeos e/ou memoriais descritivos - para se tornar conhecida do público.



O&nbsp;happening&nbsp;(traduzido do&nbsp;inglês,
"acontecimento") é uma forma de expressão das&nbsp;artes visuais&nbsp;que, de certa maneira, apresenta características das&nbsp;artes cênicas.
Neste tipo de obra, quase sempre planejada, incorpora-se algum elemento de
espontaneidade ou improvisação, que nunca se repete da mesma maneira a cada
nova apresentação.



Conhecendo um pouco
mais: LIP DUB e FLASH MOB



Lip dub&nbsp;ou&nbsp;LipDub&nbsp;é um tipo de vídeo que combina sincronização labial ou&nbsp;dublagem&nbsp;de
áudio para produzir um&nbsp;videoclipe musical. É habitualmente produzido filmando grupos de pessoas que fazem
sincronização labial ao som de um aparelho móvel de reprodução musical, sendo o
áudio original reposto mais tarde na edição do vídeo.



Flash Mobs&nbsp;são aglomerações instantâneas de pessoas em certo
lugar para realizar determinada ação inusitada previamente combinada, estas se
dispersando tão rapidamente quanto se reuniram. A expressão geralmente se
aplica a reuniões organizadas através de e-mails ou meios de comunicação
social. Os mais comuns são aquelies que envolvem um grupo de pessoas que
realizam coreografias ou músicos que aos poucos vão se juntando em orquestra.
Outros flash mobs organizam-se em eventos como o Subway Party (neste dia as
pessoas viajam de metro sem calças) e Zombie walk (Marcha dos zumbis, os
participantes se fnatasiam de zumbis e saem as ruas). O Urban Playground (usar
o espaço urbano para promover encontros onde as pessoas possam divertir-se,
como uma batalha de bolhas de sabão, uma gigantesca luta de travesseiros,&nbsp;batalhas
medievais com armas e armaduras de papelão)
Subway Party, Zombie walk, Pillow Fight.



ARTE E TECNOLOGIA NAS EXPRESSÕES CONTEMPORÂNEAS



A arte sempre acompanhou a história
da humanidade, desde aspetos culturais, sentimentais e ideológicos. Com os
avanços científicos, surgimento de novas tecnologias e meios de comunicação, os
artistas contemporâneos passaram a incorporar mecanismos e descobertas
científicas nas formas de expressão artística. Veremos algumas:



A&nbsp;&nbsp;vídeo-arte&nbsp;&nbsp;é
uma forma de expressão artística que utiliza a tecnologia do Video em artes
visuais. Desde os anos 1960, a videoarte está associada a correntes de
vanguarda. Alguns dos principais representantes deste tipo de arte são&nbsp;Nam June Paik,&nbsp;Wolf Vostell,&nbsp;Joseph Beuys,&nbsp;Bill Viola, Gary Hill.



Internet art&nbsp;ou&nbsp;web
art&nbsp;é a designação de um&nbsp;movimento&nbsp;global&nbsp;de&nbsp;arte contemporânea&nbsp;a
qual é produzida&nbsp;"para"&nbsp;e&nbsp;"pela"&nbsp;internet.&nbsp;Depois que a&nbsp;rede mundial de computadores&nbsp;deixou de
ser de uso exclusivo dos&nbsp;cientistas&nbsp;e&nbsp;militares, os&nbsp;artistas&nbsp;encontraram na “web” uma
possibilidade de expressão e interação com o usuário.

Umas de suas principais
características estéticas envolvem a&nbsp;interatividade, por meio da qual o
interagente, atuador ou usuário é capaz, em alguns casos, de modificar o
conteúdo do que está sendo acessado, em tempo real, de modo a transformar o
evento em função de sua participação.



Arte computacional, também conhecida
como&nbsp;Arte Tecnológica, busca desenvolver métodos e técnicas
computacionais numa perspectiva estética.



Arte digital&nbsp;ou&nbsp;arte
de computador&nbsp;é aquela que se produz no ambiente gráfico
computacional. Tem por objetivo criar obras de artemultimídia&nbsp;por intermédio de&nbsp;software&nbsp;e&nbsp;hardware, em um espaço&nbsp;virtual. Existem diversas categorias de arte
digital, tais como:&nbsp;pintura digital,&nbsp;impressão
digital,&nbsp;modelagem digital,&nbsp;fotografia digital,&nbsp;animação digital,&nbsp;vídeo digital&nbsp;entre outras. Os resultados
também podem ser apreciados depois de "impressos" em um suporte&nbsp;2D&nbsp;ou
em um objeto&nbsp;3D, mas
são melhor exibidos no próprio ambiente em que foram produzidos.&nbsp;



A&nbsp;arte transgênica&nbsp;é
uma nova forma de arte baseada no uso de técnicas da engenharia genética para
criar seres vivos únicos, A natureza desta nova arte é definida não somente
pelo nascimento e crescimento de uma nova planta ou animal, mas acima de tudo
pela relação entre artista, público e organismo transgênico. Organismos criados
no contexto da arte transgênica podem ser levados para casa pelo público para
ser criados no jardim ou como companheiro em relação dialógica com os humanos.





Fontes: Wikipédia e diversos sites.





No link abaixo também tem ótimos e
resumidos textos e exemplos da história da Arte e da Arquitetura -&nbsp;Blog
AG Arquitetura.



Breve resumo - História da Arte e Arquitetura.&nbsp;