ARTE MODERNA BRASILEIRA
Autor: Tarciane | Publicado: 2017-01-10T23:57:00-02:00




 Antecedentes do modernismo / Início do século XX

São Paulo, no início do século, era composta por uma sociedade com vestígios do período colonial, proveniente da área rural cafeeira que, enriquecida, avança sobre o urbano, desenvolvendo-o comercial e industrialmente. Era um estado em conflito com rápida urbanização: luz elétrica, transportes, vida social e facilidade de consumo de bens importados.


AMARAL. Tarsila do. Operários, 1933. Óleo sobre tela. 150 x 205 cm. Coleção Pálacio do Governo de Estado de São Paulo.




AMARAL. Tarsila do. La gare, 1925. Óleo sobre tela. 84,5 x 65 cm. S. l.. Coleção Particular.


Surgem as fábricas. Muitos imigrantes da Itália, da França e da Alemanha vêm trabalhar nas fazendas e nas indústrias. Sua influência se faz sentir em todos os aspectos da cultura. A modernização das cidades é simultânea a modernização da arte. Abrem-se diversas salas de cinema no Rio e em São Paulo. O contato com o que acontece na Europa é mais estreito e as influências são imediatas.Já era possível prever algo de novo na pintura. Os artistas viajavam à Europa e traziam na bagagem influências do Impressionismo como se pode observar na obra do artista Eliseu Visconti.


VISCONTI, Eliseu. Trigal, 1913/16.Óleo sobre tela. Coleção Particular.


 

A primeira aproximação do público paulista com a arte expressionista foi promovida pelas exposições, em 1913, de Lasar Segall (1891-1957), pintor Lituano que se transferiu para o Brasil. E em 1917, de Anita Malfatti (1896-1964), que estivera em Paris.


SEGALL, Lasar. Paisagem Brasileira, 1924.Óleo sobre tela. Museu Lasar Segall. São Paulo.


Em relação à arte acadêmica as transformações eram evidentes. Pinceladas mais soltas, desenho mais livre, cores intensas e expressividade maior. A partir das tendências europeias, mas com uma feição tropical, o Modernismo mostra suas primeiras manifestações no Brasil. 

PINTURAS: &nbsp;ACADÊMICA E MODERNISTAS


MEIRELLES, Victor A primeira missa no Brasil, 1861. Óleo sobre tela. Museu Nacional de Belas Artes/RJ. &nbsp;





















SEGALL, Lasar. Bananal, 1927. Óleo sobre tela. 87 x 127 cm. Pinacoteca do Estado de São Paulo.







MALFATTI, Anita. Uma estudante, 1915/17. Óleo sobre tela. 76,5 x 60, 5 cm. Museu de Arte Contemporânea de São Paulo. 


 Anita Malfatti

       A exposição de Lasar Segall em 1913 não causou polêmica. Afinal, tratava-se do trabalho de um “estrangeiro”, que teria, portanto, o “direito” de apresentar uma arte estranha ao gosto brasileiro. Mas com a exposição da pintora brasileira Anita Malfatti (1889 – 1964) a reação foi diferente.

      Malfatti, que nasceu em São Paulo e aí realizou seus primeiros estudos da pintura, teve grande importância nos fatos que antecederam o Movimento Modernista de 1922. Em 1912 foi para a Alemanha, onde frequentou a Academia de Belas-Artes de Berlim. Em 1914, de volta ao Brasil, realizou sua primeira exposição individual, mas sua primeira exposição mais famosa foi de 1917, que provocou a publicação de um artigo com severas críticas por parte do escritor Monteiro Lobato. Nessa mostra figuraram, por exemplo, A mulher de cabelos verdes e o homem amarelo que se tornaram marcos da pintura moderna brasileira.

Com críticas desfavoráveis a Anita Malfatti, muitos artistas uniram-se a ela em busca de uma arte brasileira livre das regras do academismo. Eis a grande importância histórica de Malfatti: ao ser criticada, chamou a atenção dos artistas inovadores e revelou que sua arte apontava novos caminhos, principalmente no uso da cor.


&nbsp;MALFATTI, Anita. O homem Amarelo, 1915/17. Óleo sobre tela. 61 x 51 cm. Coleção Mario de Andrade. São Paulo.


 O polêmico trabalho de Malfatti

          Hoje essas obras de Anita Malfatti não assustam nem causam estranhamento. Em 1917, porém, a mulher de rosto anguloso e cabelos verdes e este homem pintado de amarelo causaram espanto. Na época, em geral, pensava-se que a arte – em particular a pintura – deveria imitar a realidade. Essa foi justamente uma das novidades trazidas pela arte moderna: a ideia de que o artista deve ter total liberdade de imaginação e não se deixar limitar pela realidade.

            Os modernistas desejavam uma linguagem nova na literatura, na música e nas artes plásticas e foram buscar essa nova linguagem nas experiências dos movimentos do início do século na Europa, que estava em estado de guerra.

         O nacionalismo e o regionalismo brasileiro ansiavam por uma nova arte, que valorizasse as raízes nacionais a partir do internacionalismo da expressão artística dos movimentos da arte europeia.

             Anita, Brecheret e Segall estudaram na Europa, e a influência dos movimentos expressionista e cubista na arte do início do século europeu é visível nos seus trabalhos.

Di Cavalcanti

Depois das exposições de Segall e Malfatti, começou a desenvolver-se a ideia de uma mostra coletiva com o que havia de mais atualizado no país. Entre os artistas interessados nisso estava o pintor Di Cavalcanti, um dos incentivadores da Semana de Arte Moderna de 1922.

Di Cavalcanti (1897 – 1976), chamado Emiliano Augusto Cavalcanti de Albuquerque Melo, viveu na Europa e conheceu os artistas mais notáveis da época. Na década de 1940 sua arte, já amadurecida, conquistou espaço definitivo na pintura brasileira. Em sua obra destaca-se a presença da mulher negra, como podemos ver em Nascimento de Vênus.

Di Cavalcanti era pintor e caricaturista da época. Suas pinturas baseavam-se no Pós-Impressionismo e no Expressionismo. Di é considerado o articulador da Semana de Arte Moderna.

A insatisfação com a cultura vigente reafirma no modernismo a busca de uma verdadeiramente brasileira.

O trabalho de Di Cavalcanti foi influenciado por diversos pintores, como Picasso, Gauguin, Matisse e Braque, mas ele transformou essa influência em uma produção muito pessoal, associada aos temas nacionais. É assim, por exemplo, em Pescadores.


DI CAVALCANTI. Pescadores, 1951. Museu de Arte Contemporânea/USP, São Paulo.




O Brasil de Di Cavalcanti

Observe como essa cena é típica do Brasil: o casal de pescadores que vende seu produto próximo ao mar, as pessoas ao fundo com tabuleiros sobre a cabeça. São personagens que nos lembram que vemos nas cidades litorâneas do país. As cores e as formas que Di Cavalcanti dá a elas, porém, não são realistas; são escolhas dele.

A semana de Arte Moderna


DI CAVALCANTI. Capa do programa da Semana de Arte Moderna, 1922. São Paulo.


  &nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;Muitos artistas brasileiros aderiam ao Modernismo e, em fevereiro de 1922, no Teatro Municipal de São Paulo, realizaram a Semana de Arte Moderna, evento que contou com a participação de:

    


Artistas plásticos: Vitor Brecheret, Anita Malfatti, Di Cavalcanti, Vicente do Rego Monteiro.


Escritores: Mário de Andrade, Oswald Andrade, Ronald de Carvalho.


Músicos: Villa-Lobos, Guiomar Novaes, Ernâni Braga, Frutuoso Viana.


Arquitetos: Antônio Garcia Moya, Georg Przyrembel.




MONTEIRO, Vicente do Rego. Mulher diante do espelho, 1922. 98,3 x 69, 3 cm. Rio de Janeiro. Coleção Luiz Antonio de Almeida Braga.






         A abertura da Semana de Arte aconteceu com a palestra do escritor Graça Aranha, seguida de comentários do escritor Guilherme de Almeida sobre a música. Na mesma noite apresentou-se o compositor Villa Lobos com seu conjunto de música de câmara do Rio de Janeiro. Após o intervalo, Ronald de Carvalho profere uma palestra sobre escultura e pintura e começam os tumultos com vaias e assovios, que continuam nas outras duas noites de apresentações no Teatro Municipal. No último dia, após a apresentação de Villa Lobos e a pianista Guiomar Novaes, foi lançada a revista Klaxon com artigos sobre as ideias do movimento de renovação da arte brasileira.

      Os projetos, desenhos, pinturas e esculturas foram apresentados no foyer do Teatro Municipal. Antonio Maya e George Przyrembel apresentaram seus projetos arquitetônicos. As esculturas eram de Victor Brecheret e W. Haerberg. Os desenhos e pinturas expostos foram trabalhos de Anita Malfatti, Di Cavalcanti, John Graz, Zina Aita, Ferrignac, Vicente do Rego Monteiro, Oswald Goeldi, entre outros.

        A divulgação das novas ideias artísticas obteve o apoio discreto da imprensa, mas não faltaram críticas contrárias ao modernismo.

       A Semana de Arte Moderna de 1922 não aconteceu de repente; ela foi preparada aos poucos, desde o início de século por uma sucessão de acontecimentos e representou um descontentamento geral, por meio de um longo processo que acabou se disseminando em todos os campos da arte no Brasil.

     Essas ideias, porém só foram completamente aceitas anos mais tarde, devido ao longo processo de disseminação e de sedimentação das ideias nos diversos estados brasileiros.

       O modernismo se consolidou no salão da arte de 1931, onde não mais havia premiação e com a adesão de novos artistas.

     A geração pós Semana de Arte Moderna apareceu depois no Manifesto Pau Brasil de 1924 e no Movimento Antropofágico de 1928 de Oswald de Andrade inspirado na tela Abaporu de Tarsila do Amaral. O Abaporu foi uma tela criada para presentear Oswald de Andrade e seu nome foi sugerido pelo poeta Raul Bopp que o tirou de um dicionário da língua dos índios Tupi-Guarani, que significa antropófago. Bopp, depois de ver a pintura, diz a Oswald: Vamos criar um movimento em torno desse quadro. 


AMARAL, Tarsila do. Abaporu, 1928. Óleo sobre tela. 85 x 73 cm. Buenos Aires. Coleção Eduardo Constantini. 


 Nasceu o movimento antropofágico escrito por Oswald, que incitava a cultura brasileira a devorar a estética europeia e transformá-la numa arte brasileira; isto significava conhecer os movimentos modernos europeus e tratá-los, criando uma arte com feições nacionais.

O desenvolvimento artístico da primeira geração de modernistas impulsionou a criação das novas gerações nos anos 30 e 40 na fase fecunda da Modernidade Brasileira, construindo uma identidade artística nacional por meio do retorno às nossas raízes culturais e dos movimentos internacionais.

Tarsila do Amaral

Com Tarsila do Amaral (1886 – 1973), nascida em Capivari, estado de São Paulo, a pintura brasileira começa a procurar uma expressão moderna, porém mais ligada às nossas raízes culturais. Ela não participou da Semana de 1922, mas colaborou decisivamente para a arte moderna brasileira.


AMARAL, Tarsila do. Antropfagia,C. 1929. 126 x 142 cm. Fundação José e Paulina Nemirovsky. [S.l.]. 




 Sua carreira artística começou em 1916. Em 1920 foi para a Europa, onde estudou com mestres franceses até 1922. No mesmo ano veio ao Brasil, mas em 1923 voltou à Europa, onde passou pela influência impressionista e, depois, cubista. Nessa fase ligou-se a importantes artistas do modernismo europeu, como Picasso e Brancusi.

No ano seguinte, novamente no Brasil, iniciou a fase a que deu o nome de pau-brasil, caracterizada, segundo o crítico Sérgio Milliet (1898 – 1966), pelas “cores ditas caipiras, rosas e azuis, as flores de baú, a estilização geométrica das frutas e plantas tropicais, dos caboclos e negros, da melancolia das cidadezinhas, tudo isso enquadrado na solidez da construção cubista”. É o que observamos em O mamoeiro.

As obras que Tarsila produziu na década de 1930 expressaram a preocupação com os problemas sociais e com os trabalhadores. Um exemplo significativo desse tema é o quadro &nbsp;Operários. 

Vitor Brecheret: a escultura brasileira se moderniza

Foi graças principalmente a Vitor Brecheret (1894 – 1955) que, na década de 1920, a escultura brasileira ganhou um aspecto mais moderno. As obras Brecheret afastaram-se da imitação da realidade e ganharam expressão por meio de volumes e formas geométricas, de linhas simples. 

Brecheret produziu muito e criou obras gigantescas, como Monumento a Caxias e seu mais conhecido trabalho, Monumento às bandeiras, cuja maquete apresentou em 1920. Mas ele também assinou peças delicadas, como Bailarina e Tocadora de guitarra.


Bailarina (década de 1920), de Vitor Brecheret. Altura 38 cm. Fundação Escultor Victor Brecheret.



&nbsp;Escultura acadêmica



D. Pedro II

Francisco Manuel Chaves Pinheiro



    
&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;Escultura Modernista



Tocadora de Guitarra

Vitor Brecheret


Cândido Portinari

No início da década de 1920, Cândido Portinari (1903 – 1962) foi aluno da Escola Nacional de Belas-Artes. Em 1933, depois de uma viagem de estudos ao exterior, foi viver em Brodósqui, onde nasceu no interior de São Paulo. Iniciou, então, sua experiência com a pintura mural, que seria importante em sua obra. Nos famosos murais que pintou em 1938 para o então Ministério da Educação e Saúde, já aparecem os aspectos que o tornaram internacionalmente conhecido: o corpo humano sugerindo volume e os pés enormes, que transmitem a sensação de que as figuras se relacionam intimamente com a terra, sempre representada em tons muito vermelhos.

Portinari retratou retirantes nordestinos, cangaceiros e temas históricos. Dentre estes se destacam os grandes painéis de Tiradentes, hoje no Memorial da América Latina, em São Paulo, e o painel A guerra e a paz, pintando em 1957 para a sede da ONU. A infância em Brodósqui também esteve presente em sua obra. 


PORTINARI, Cândido. Os retirantes, 1944. Óleo sobre tela. 190 x 190 cm. Museu de Arte de São Paulo.




Cícero Dias


O pernambucano Cícero Dias (1908 – 2003) estudou pintura na Escola Nacional de Belas-Artes do Rio de Janeiro, mas logo abandonou o academicismo em busca de um caminho pessoal. Em 1928 realizou uma exposição em que já mostrava seu estilo: usando com frequência o azul e o vermelho, deu um tratamento pessoal às cenas da vida nordestina. Uma das obras mais famosas de Cícero Dias chama-se Eu vi o mundo... ele começava no Recife: um grande painel de quinze metros de comprimento por dois metros e meio de altura, pintado na década de 1920. O pintor foi viver na Europa em 1937 e lá permaneceu até o ano de sua morte.