ARTE CONTEMPORANEA (http://www.coladaweb.com/artes/arte-contemporanea-parte-1)
Autor: Gisele Boucherville | Publicado: 2012-03-21T13:03:00-07:00

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Arte contemporânea, reunião  de uma notável diversidade de estilos, movimentos e técnicas. Essa  ampla variedade de estilos inclui a penetrante pintura realista Gótico  americano (Grant Wood, 1930, Art Institute of Chicago, Illinois), que  retrata um casal de agricultores do Centro-oeste americano e, ainda, os  ritmos abstratos da tinta salpicada da pintura Preto e branco (Jackson  Pollock, 1948, acervo particular). No entanto, mesmo que fosse possível  dividir a arte contemporânea por obras figurativas, como o Gótico  americano, e por obras abstratas, como Preto e branco, encontraríamos  uma surpreendente variedade de estilos dentro dessas duas categorias.
 Da mesma forma que o Gótico  americano, pintado com precisão, é figurativo, a Marilyn Monroe (Willem  de Kooning, 1954, acervo particular) pode ser considerada figurativa,  apesar de suas pinceladas largas mal sugerirem os rudimentos de um corpo  humano e características faciais. 
O abstracionismo, além disso,  apresenta uma série de abordagens distintas: desde os ritmos dinâmicos  de Pollok em Preto e branco à geometria de ângulos retos da Composição  em vermelho, amarelo e azul (Piet Mondrian, 1937-1942, Tate Gallery,  Londres), cujas linhas e retângulos sugerem a precisão mecânica da  máquina. 
Outros artistas preferiram uma  estética da desordem, como no caso do artista alemão Kurt Schwitters,  que misturou jornais, selos e outros objetos para criar a Imagem com um  centro luminoso (1919, Museu de Arte Moderna, Nova York). 
Assim, o século XX apresenta mais do  que variedade de estilos. Foi no período moderno que os artistas  produziram pinturas não somente com materiais tradicionais, como o óleo  sobre tela, mas também com qualquer material que estivesse disponível.  Essa inovação levou a criações ainda mais radicais, como a arte  conceitual e a arte performática. Com isso, ampliou-se a definição de  arte, que passou a incluir, além de objetos palpáveis, idéias e ações.

CARACTERÍSTICAS DA ARTE CONTEMPORÂNEADevido a essa diversidade, é difícil  definir a arte contemporânea incluindo toda a arte produzida no século  XX. Para alguns críticos, a característica mais importante da arte  contemporânea é sua tentativa de criar pinturas e esculturas voltadas  para si mesmas e, assim, distinguir-se das formas de arte anteriores,  que transmitiam idéias de instituições políticas ou religiosas  poderosas. 
Já que os artistas contemporâneos não  eram mais financiados por essas instituições, tinham mais liberdade  para atribuir significados pessoais às suas obras. Essa atitude é, em  geral, denominada como arte pela arte, um ponto de vista quase sempre  interpretado como arte sem ideologia política ou religiosa.
 Ainda que as instituições  governamentais e religiosas não patrocinassem a maioria das artes,  muitos artistas contemporâneos procuraram transmitir mensagens políticas  ou espirituais. O pintor russo Wassily Kandinsky, por exemplo, achou  que a cor combinada com a abstração poderia expressar uma realidade  espiritual fora do comum, enquanto que o pintor alemão Otto Dix criou  obras de cunho abertamente político que criticavam as diretrizes do  governo alemão. 
Outra teoria defende que a arte  contemporânea é rebelde por natureza e que essa rebeldia fica mais  evidente na busca da originalidade e de vontade de surpreender. O termo  “vanguarda”, aplicado à arte contemporânea com freqüência, vem da  expressão militar avant-gard — que em francês significa vanguarda — e  sugere o que é moderno, novo, original ou avançado. 
Muitos artistas do século XX tentaram  redefinir o significado de arte ou ampliar a definição de modo a  incluir conceitos, materiais ou técnicas jamais antes a ela associadas.  Em 1917, por exemplo, o artista francês Marcel Duchamp expôs uma  produção em massa de objetos utilitários, inclusive uma roda de  bicicleta e um urinol, como se fossem obras de arte. 
Nas décadas de 1950 e de 1960, o  artista americano Allan Kaprow usou seu próprio corpo como veículo  artístico em espetáculos espontâneos que, segundo ele, eram  representações artísticas. Nos  anos 1970, o artista americano que seguia o estilo do earthwork, Robert  Smithson, usou elementos do meio ambiente — terra, rochas e água — como  material para suas esculturas. Como conseqüência, muitas pessoas  associam a arte contemporânea com aquilo que é radical e perturbador. 
Ainda que a teoria da rebeldia  pudesse ser aplicada para explicar a busca por originalidade que  motivava um grande número de artistas do século XX, seria difícil  aplicá-la a um artista como Grant Wood, cuja obra Gótico americano  rejeitou claramente o exemplo da arte de vanguarda de sua época. 
Outra característica fundamental da  arte contemporânea é o seu fascínio pela tecnologia moderna e a  utilização de métodos mecânicos de reprodução, como a fotografia e a  impressão tipográfica. No início da década de 1910, o artista italiano  Umberto Boccioni procurou glorificar a precisão e a velocidade da era  industrial em suas pinturas e esculturas. Por volta da mesma época, o  pintor espanhol Pablo Picasso incorporou às suas pinturas uma nova  técnica, a colagem, que usava recortes de jornais e outros materiais  impressos. 
Seguindo a mesma linha, porém, outros  artistas contemporâneos buscaram inspiração nos impulsos espontâneos da  arte infantil ou na exploração das tradições estéticas tradicionais de  culturas que não fossem industrializadas ou ocidentais. O artista  francês Henri Matisse e o suíço Paul Klee foram influenciados por  desenhos de crianças; Picasso observou de perto máscaras africanas e  Pollock desenvolveu sua técnica de salpicar tinta sobre a tela,  inspirando-se nas pinturas com areia dos índios norte-americanos. 
Sob  outra perspectiva, porém, afirma-se que a motivação básica da arte  contemporânea é criar um diálogo com a cultura popular. Com essa  finalidade, Picasso colou pedaços de jornal em suas pinturas, Roy  Lichtenstein transportou tanto o estilo quanto o tema das histórias em  quadrinhos para suas pinturas e Andy Warhol fez a representação das  sopas enlatadas Campbell. No entanto, ainda que derrubar as barreiras  entre a arte de elite e a cultura popular seja algo típico de Picasso,  de Lichtenstein e de Warhol, não é típico de Mondrian, Pollock ou da  maioria dos abstracionistas. 
Cada uma dessas teorias é convincente  e poderia explicar as muitas estratégias usadas pelos artistas  contemporâneos. No entanto, até mesmo essa breve análise mostra que a  arte do século XX é diversa demais para se encaixar em qualquer uma de  suas muitas definições. Cada teoria pode contribuir para resolver uma  parte do quebra-cabeça, mas nenhuma delas em separado representa a  solução.

ORIGENSA arte impressionista do final do século XIX  antecipou muitas das características da arte contemporânea. Elas incluem  a idéia da arte pela arte, a ênfase na originalidade, a exaltação da  tecnologia moderna, o fascínio pelo primitivo e o compromisso com a arte  popular. (Veja Impressionismo e Pós-Impressionismo)

PRIMEIRAS DÉCADAS DA ARTE CONTEMPORÂNEAOs historiadores da arte têm  relacionado a fragmentação da forma na arte do fim do século XIX e  início do XX à fragmentação da sociedade da época. As crescentes  realizações tecnológicas da Revolução Industrial ampliaram a distância  entre as classes média e trabalhadora. 
As mulheres lutavam por direitos de  igualdade e de voto. A visão da mente, apresentada pelo pai da  psicanálise, Sigmund Freud, estipulava que a psique humana, longe de  estar unificada, era repleta de conflitos e contradições emocionais. A  descoberta da radiografia, a teoria da relatividade de Albert Einstein e  outras inovações tecnológicas sugeriam que a experiência visual já não  correspondia mais à visão de mundo da ciência. 
Várias formas de criatividade artística refletiram essas tensões e desenvolvimentos. 
Na literatura, James Joyce, T. S.  Eliot e Virginia Woolf experimentaram novas estruturas narrativas,  gramática, sintaxe e ortografia. Na dança, Sergei Diaghilev, Isadora  Duncan e Loie Fuller revolucionaram em figurinos e coreografias pouco  convencionais. 
Na música, Arnold Schönberg e Igor  Stravinski compuseram obras que não dependiam da estrutura melódica  tradicional. A música, além de ter sido uma das artes em que mais foram  feitas experiências, transformou-se na grande fonte de inspiração para  as artes visuais.
 No final do século XIX e no começo  do XX, muitos críticos de arte foram influenciados pelos filósofos  alemães Arthur Schopenhauer e Friedrich Nietzsche, que haviam proclamado  que a música era a mais poderosa de todas as artes, já que causava  emoções por si, e não através da imitação do mundo. Muitos pintores do  movimento simbolista do final do século XIX, como Odilon Redon e Gustave  Moreau, tentaram superar o poder de sugestão direto da música, pintando  formas abstratas, realidades mais imaginárias do que o observável.  Redon e os simbolistas criaram as bases para a arte abstrata.

NOVA OBJETIVIDADEApós a destruição sem precedentes   causada pela Primeira Guerra Mundial (1914-1918), alguns artistas   perderam sua fé na arte abstrata. Muitos deles passaram a acreditar que   ela parecia fútil e superficial em um momento em que milhões de pessoas   morriam, cidades inteiras sofriam com a escassez de alimentos, a   corrupção política florescia e os soldados mutilados na guerra   retornavam. 
Na Alemanha, os artistas pertencentes  a um movimento  conhecido como Neue Sachlichkeit (Nova objetividade)  acreditavam que,  para abordar esses problemas, a arte não deveria se  dissociar da  experiência da vida quotidiana, perseguir ideais  filosóficos abstratos  ou investigar a psicologia individual de seu  criador.
 Esses artistas,  entre eles George  Grosz e Otto Dix, defendiam uma volta a modos de  representação mais  tradicionais, além de um comprometimento direto com  as questões sociais  e políticas urgentes da época. O Vendedor de  fósforos (1920,  Staatsgalerie, Stuttgart), de Dix, por exemplo, rejeita o  cubismo, o  expressionismo e a abstração em favor de um tipo de  representação de  compreensão mais imediata. 
Ao abordar o tratamento  insensível  concedido a soldados que tinham arriscado suas vidas por sua  pátria,  essa pintura mostra um soldado mutilado vendendo fósforos em uma  rua  enquanto é claramente ignorado pelos passantes. Dix sabia que o   tratamento oferecido aos veteranos de guerra dependia de sua classe   social. Assim, sua pintura não apenas denunciava a guerra de um modo   geral, mas também as tensões sociais específicas que dividiam a Alemanha   na época.

A ARTE CONTEMPORÂNEA APÓS A SEGUNDA GUERRA MUNDIALAinda que a Europa tenha sido o   centro reconhecido da arte contemporânea na primeira metade do século   XX, hoje a maioria dos críticos concorda que após a Segunda Guerra   Mundial (1939-1945), houve um deslocamento para os Estados Unidos. Nos   anos 20 e 30, muitos artistas americanos, inclusive Charles Demuth,   Arthur Dove, Marsden Hartley e John Marin, tentaram adotar elementos do   cubismo ou do futurismo em suas obras. Mas esses movimentos eram  originalmente europeus e foram considerados essencialmente estranhos aos  Estados Unidos. 
Na década de 1930, alguns artistas  norte-americanos  revoltaram-se contra as influências européias na arte  americana. O  Gótico americano, de Grant Wood, é uma obra típica de um  movimento  conhecido como regionalismo, cujo objetivo era valorizar o  tipicamente  americano, usando um estilo que evitasse qualquer  referência ao  modernismo europeu. Para outros artistas  norte-americanos, os arroubos  regionalistas somente poderiam prejudicar  a arte.

DESENVOLVIMENTOS DO PÓS-GUERRA NA EUROPAÀ medida em que o abstracionismo   evoluía na América, outros movimentos semelhantes surgiam na Europa. O   Art informel, termo usado para distinguir a abstração gestual da   abstração geométrica na Europa, está relacionado em primeiro lugar ao   artista francês Pierre Soulages, além de Hans Hartung Wols, dois   artistas que nasceram na Alemanha, mas trabalharam na França. 
Assim como  os abstracionistas, esses  artistas enfatizavam o gesto do pintor, a  pincelada, além das  qualidades físicas da tinta, especialmente sua  textura. Assim,  procuravam dar a impressão de pura espontaneidade, sem  preparação  artística ou cálculos. Dentro do  art informel havia um grupo  chamado tâchistes (da palavra francesa  tâche, que significa "mancha" ou  "borrão"). O poeta e pintor belga  Henri Michaux e o pintor francês  Georges Matthieu estavam entre os  tâchistes mais importantes. 
As telas  grandes de Matthieu  misturavam cores intensas com um estilo abstrato que  tomava como base  as linhas, a pincelada e o interesse pela caligrafia  asiática. Matthieu  concebeu suas obras rapidamente, às vezes até mesmo  em público,  valorizando a liberdade do artista para pintar sem idéias  preconcebidas  e sem atingir um resultado previsível. 
Alguns críticos  associavam essa  qualidade com o existencialismo. A preocupação com a  textura física é  evidente no art informel e no tâchisme e também aparece  nas obras do  pintor francês Jean Dubuffet. Mas, ao contrário de seus  colegas que  também produziam arte abstrata, Dubuffet enfocava a figura  humana e se  inspirava na arte das crianças, dos loucos e de outros que  ele  acreditava desprovidos de influencias culturais corruptoras.  Denominou  seu estilo de art brut (em francês, arte bruta) e, desde  então, esse  termo é utilizado para se fazer referência à arte de  Dubuffet. 
Assim como muitos artistas  contemporâneos anteriores, ele  procurava inspiração em fontes alheias à  tradição ocidental. Rejeitava a  idéia de que a arte devesse ser  esteticamente agradável ou, apenas,  ilustrar a realidade visual. Seu  estilo de desenho, deliberadamente  seco, enfatizava um processo de  criação lento e difícil. Desse modo,  rejeitava a facilidade e a  impulsividade dos pintores abstratos em favor  de uma arte mais  primitiva, crua e bruta.

NOVAS FORMAS DE ARTENas décadas de 1960 e de 1970, vários   movimentos surgiram para tentar libertar a arte da influência do   mercado artístico, sistema no qual as obras de arte se transformavam em   mercadorias para serem compradas e vendidas como investimento   financeiro. 
Um grupo de artistas, às vezes  chamado de pós-minimalista,  queria criar formas que tivessem um período  de vida curto demais para  serem vendidas. O escultor Richard Serra,  por exemplo, jogou chumbo  derretido em um canto da Galeria Leo  Castelli, em Nova York, para uma  série de obras chamada Splashing  (1968). Seu objetivo não era apenas  produzir uma arte efêmera, que não  fosse vendável, mas também expressar  as propriedades inerentes do metal  líquido, que passaram a ser visíveis  apenas quando esse material  entrou em atividade. 
Os artistas Robert  Smithson, Michael  Heizer, Walter De Maria e Nancy Holt também se  engajaram no movimento  de incorporar as forças da natureza à uma obra de  arte. Esses artistas  decidiram levar suas obras para o ar livre e criar  o que ficou  conhecido como earthworks (ver Arte e arquitetura dos  Estados Unidos).  Ao invés de pincéis ou lápis, usavam máquinas de  terraplanagem e  outros equipamentos para transformar a terra em formas  esculturais  gigantescas. A obra Spiral Jetty (1970), de Smithson, por  exemplo, era  uma gigantesca espiral de terra, pedra e cristais salinos  que se  estendia nas margens do Grande Lago Salgado, em Utah. Essa obra  não era  apenas grande demais para ser comprada ou vendida, como também   vulnerável às forças da natureza, como a chuva, o vento e a erosão.
Movimentos da arte contemporânea:
Cubismo
Futurismo
ExpressionismoDadaísmo
Surrealismo
Pop-arte

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