POR QUE A GENTE NÃO CHAMA DE PUNK?
Autor: [DJ] FĿαvinhøØ | Publicado: 2012-03-04T18:02:00-08:00

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Como explica o jornalista José Augusto    Lemos (Bizz, ago1999), em fins de 1960 houve uma “reformulação visual”,    seguida pelos jovens: “quem andava de jeans, camiseta e cabelos    compridos, imediatamente passou a ser identificado como ‘hippie velho’”.
Nesta época, a movimentação política e    (junto com ela) a violência faziam parte do cotidiano dos jovens, tanto    na América quanto na Inglaterra. Como já foram citados, o movimento    contra a guerra do Vietnã e a campanha contra a corrida nuclear, além do    desemprego, denotavam o descontentamento da sociedade, em particular dos    jovens.
A "violência gratuita" de cenas do    filme A Clockwork Orange (Laranja Mecânica), de Stanley Kubrick, era    repetida pela juventude nas ruas. Lemos (id.) relata que, banido das    ilhas britânicas, o clássico de Kubrick também ditava a moda, sendo    considerado um possível inspirador para a nova vertente que despontaria    no cenário do rock: o punk. “(...)se havia uma coisa de que os ‘punks’    faziam questão de ser era contra a cultura. Nos dicionários, ‘punk’ quer    dizer ‘droga’, ‘coisa sem valor’, ‘podre’, ‘doente’. (MUGGIATI, 1985, p.    69)
Bob Dylan e Joan Baez ainda tinham    forte presença no cenário musical e político da América quando o    primeiro embrião do punk apareceu em Nova Iorque. Artistas de renome,    como Andy Warhol, faziam parte da vanguarda artística da cidade; logo    surgiriam grupos de rock que movimentariam a cena musical. 
Outro personagem dessa época, que    circulou tanto no meio glitter quanto entre os que fundariam o punk, foi    David Bowie. Tanto por isso quanto por seu visual extravagante,    andrógino, o adjetivo mais associado a ele sempre foi "camaleônico". Sua    incursão pelo meio musical também contou com a influência da eletrônica;    mas a importância de Bowie ainda se estendeu para a fase pós-punk: ele    foi o responsável pelo resgate de artistas importantes como Lou Reed    (ex-Velvet Underground) e Iggy Pop (ex-Stooges). 
O Velvet Undergroud (subterrâneo de    veludo), foi uma das bandas que impulsionou outros grupos e artistas    solo que passariam a caracterizar o punk. Esta banda surgiu em 1965,    depois que Lou Reed mostrou ao guitarrista John Cale duas canções que    havia composto: Heroin e Waiting for the man. Ele tocou as duas músicas    ao violão e, como contou Cale (McNeil, McCain, 1997, p. 20), era    diferente de tudo o que Dylan e Baez faziam:
Na primeira vez que Lou Reed tocou    'Heroin' pra mim, fiquei totalmente pasmo. A letra e a música eram tão    obscenas e devastadoras. Mais que isso; as canções de Lou tinham tudo a    ver com meu conceito de música. Nessas canções de Lou rolava um lance de    assassinato do personagem. Ele tinha profunda identificação com os    personagens que relatava. Era o 'Método' atuando na canção.    
O primeiro empresário do Velvet    Underground foi o escritor e colunista de rock Al Aronowitz, que o    considerava um grupo de "marginais" e sua música, "inacessível". Apesar    disso, levou-o a tocar no Café Bizarre, quando Andy Warhol conheceu a    banda e se tornou o novo empresário. A partir daí, o Velvet passou a    ficar conhecido pela vanguarda artística de Nova Iorque, composta por    poetas, músicos, artistas plásticos e cineastas. Estes criticavam o    movimento hippie não só em termos musicais, mas também visuais e em sua    ideologia. As drogas e o sexo também faziam parte da cultura dos    "pré-punks", mas a cannabis e o LSD foram substituídos pela heroína e    anfetamina, enquanto que o sexo foi visto com uma liberdade ainda maior;    muitos dos artistas da época se assumiam bissexuais.
A cantora Nico (que também atuou em    filmes de Fellini) fez parte do Velvet no primeiro disco da banda, mas    havia muitos desentendimentos entre Reed e ela. Considerado o líder do    Velvet, Reed sempre desejou seguir em carreira solo; após o lançamento    desse primeiro disco, desmanchou a banda. Mas a transgressão de valores    e a "crueza" de suas canções transformaram Lou Reed no "padrinho do    punk", como comparam McNeil e McCan (id., ibid., p. 437). Nas palavras    de Lou Reed: "O velho som era alcoólico. A tradição foi finalmente    quebrada. A música é sexo, drogas e alegria. E a alegria é a piada que a    música entende melhor. (id., p. 30)
Por volta de 1967, outra banda surgiu    para complementar a cena "pré-punk" da América: os Stooges. Liderada por    Iggy Pop, esta banda começou quando o mesmo decidiu fazer "seu próprio    blues simples" e compôs a música I wanna be your dog. Além disso, outra    influência definitiva para Iggy decidir fundar sua banda foi Jim    Morrison; apesar de não gostar do som e da poesia dos Doors, ele    admirava a postura sensual e misteriosa de Morrison. Assim, juntando a    vontade de criar uma nova sonoridade para o rock à preocupação com o    visual das banda nas apresentações ao vivo, os Stooges, marcaram o    início de um movimento que culminaria com o punk rock. O primeiro    guitarrista da banda, Ron Asheton, caracteriza a sonoridade da banda em    sua primeira apresentação (id., p. 57):
A gente inventou alguns instrumentos    que usou no primeiro show. A gente pegou um liquidificador com um pouco    de água e colocou um microfone bem embaixo dele e ligou. Tocamos isto    por uns quinze minutos antes de entrar no palco. Era um som incrível,    especialmente saindo das caixas de som, todo desconjuntado. A gente    tinha uma tábua de lavar roupa com microfones. Então Iggy calçava    sapatos de golfe e subia na tábua de lavar e ficava meio que arrastando    os pés por ali. A gente pôs microfones nos galões de sessenta litros de    óleo (...) usou dois martelos como baquetas. Peguei emprestado até o    aspirador de pó da minha mãe porque o som parecia o de um motor a jato.    Sempre adorei aviões a jato. 
A influência do glitter rock era    visível nas caracterizações dos artistas da época. Para essa primeira    apresentação, Iggy se vestiu com um "grande camisolão" que ia até os    tornozelos, pintou a cara de branco, raspou as sobrancelhas e colocou    uma peruca de folha de alumínio torcida. Scott Asheton, o baterista da    banda, conta que veio daí o apelido Iggy Pop (id.): 
Nós tínhamos um amigo chamado Jim    Pop (...) que havia perdido quase todo o cabelo, incluindo as    sobrancelhas. Por isso, (...) a gente começou a chamá-lo de Pop. (...)    Iggy começou a suar e aí descobriu pra que servem as sobrancelhas. Perto    do fim do show, os olhos dele estavam totalmente inchados por causa de    todo aquele creme e purpurina. 
Contemporâneos dos Stooges o MC5 era    uma banda marcada pelo radicalismo político. Musicalmente, este grupo    não apresentava muita inovação (o que ficava por conta dos Stooges), mas    seu surgimento foi importante para firmar o que viria a ser a    característica de muitas bandas de punk rock: a crítica de oposição ao    governo.
O MC5 tocou na convenção do Partido    Democrata em Chicago, em 1968, mas foram expulsos do local por    policiais. Na época, ele viviam em repúblicas estudantis que pareciam    "comunas vikings", onde todos liam o Livro Vermelho de Mao Tse-Tung.    Eles faziam parte do movimento dos Panteras Brancas, que, apesar da    política de revolução, também cultivavam uma postura sexista, de    submissão das mulheres.
Outros artistas que também contribuíram    para a formação da identidade punk foram Patti Smith e os New York    Dolls. 
Inicialmente envolvida apenas com a    poesia, Patti Smith foi uma das primeiras a circular por Nova Iorque com    roupas e cortes de cabelo diferentes. Uma grande admiradora de Rimbaud,    ela também poderia ser uma das precursoras da ideologia punk do it    yourself (faça você mesmo), já que, em muitos casos, improvisava seus    versos durante as apresentações de poesia. 
O New York Dolls adaptou o exagero do    visual e da androginia glitter até mesmo na sua denominação -    dolls=bonecas, enquanto sua música minimalista ganhava cada vez mais    admiradores. Eles passaram a fazer shows na Inglaterra, onde imprimiram    um som contrário ao progressivo que dominava o cenário do rock na época.
Em 1975, Legs McNeill junta-se a dois    amigos que tinham o projeto de fundar uma revista, a qual ele chamou    Punk. Nas palavras do próprio autor, “‘punk’ pareceu ser o fio que    conectava tudo que a gente gostava – bebedeira, antipatia, esperteza sem    pretensão, absurdo, diversão, ironia e coisas com um apelo mais    sombrio”.(id. p.222)
Assim, aquele estilo musical que se    definia no cenário norte-americano desde 1971, recebeu um nome. E a    partir do ano do surgimento da Punk, a banda que sintetizaria o    movimento também despontou no cenário norte-americano: os Ramones.
Rock em Três Minutos
O Ramones formou-se em 1974, em Nova    York, quando as “canções de dois minutos e meio” de Joey (vocal), Johnny    (guitarra) e Dee Dee (baixo) começaram a chamar atenção na emergente    cena punk. 

        A denominação “Ramones” veio do baixista  DeeDee, a partir de uma referência a Paul McCartney, que nos primeiros anos da  carreira dos Beatles, usava o codinome “Ramon”. O mesmo costume foi adotado para  os integrantes da banda, que recebiam o sobrenome Ramone.    &nbsp;Em 1976, com o baterista Tommy Ramone    já incluído na banda, os Ramones ocupavam lugar de destaque no cenário    musical, com canções como Beat on the Brat, Blitzkrieg Bop e Now I Wanna    Sniff Some Glue. Assim, neste mesmo ano o grupo viajou à Inglaterra,    injetando ao nascente movimento punk deste país o mesmo estímulo do    cenário norte-americano. Ainda em 1976, Ramones Leave Home, o segundo    álbum da banda, foi lançado.
A partir desta época, a banda fazia turnês  incessantemente. Para os próximos lançamentos, o Ramones “suavizou” sua  sonoridade. Músicas como Sheena is a Punk Rocker e Rockaway Beach foram  incluídas em Rocket to Rússia, o terceiro álbum, de 1977 – em que também está  presente a balada Here Today, Gone Tomorrow. Nesta época, Tommy deixou o grupo,  preferindo a atividade de produtor dos Ramones.    
Tommy foi substituído por Marc Ramone;    seu primeiro disco com a banda, Road to Ruin, foi o primeiro a conter    somente doze canções e durar mais de uma hora e meia. Este álbum não    teve muita aceitação por parte do público, apesar dos esforços de    divulgação – nem mesmo o lançamento simultâneo do filme Rock’n’Roll High    School trouxe prestígio a esse disco.
Nos anos 80, os Ramones tentaram maior    apelo comercial com o lançamento de End of the Century e Pleasant    Dreams, mas essa tentativa mostrou-se ilusória. A energia dos anos 70    voltou no disco lançado em 1984, Too Tough to Die, O baterista Marky    Ramone havia deixado o grupo nesta época, sendo substituído por Richie    Ramone, mas em 1987, Marky retornou ao grupo.
&nbsp;Em 1989, os Ramones ganham grande    exposição com a música Pet Sematary, trilha sonora de um filme de    Stephen King. No entanto, essa mesma época marca uma das substituições    mais significativas da banda: Dee Dee Ramone, o “punk mais verdadeiro”    do grupo, sai para tocar com o Chinese Dragons. Em seu lugar, entrou    C.J. Ramone; essa substituição trouxe uma “energia juvenil” ao som da    banda, mas a saída de Dee Dee foi muito sentida pelos fãs e pelos    próprios integrantes do Ramones. 

Nos anos 90, a presença do Ramones no    cenário do rock, assim como do punk rock em geral, foi sendo subjugada    pela exposição de grupos representante de outros estilos. O derradeiro    álbum, Adios Amigos, é de 1995. 
O Ramones foi fundamental para definir    os contornos do punk rock e seus descendentes, constituindo referência    para vários grupos que despontaram no cenário do rock nas últimas    décadas. Em 15 de abril de 2001, Joey Ramone morre em um quarto de    hospital, depois de seis anos com um câncer linfático. Sua morte    representou uma perda irreparável para o rock em geral. 
Anarquia para o Rock’n’roll    
A expansão do punk rock para a    Inglaterra (vide o sucesso dos Dolls naquele país) provocou o surgimento    de grupos como Sex Pistols e The Clash. Os primeiros surgiram em 1975,    mas seu primeiro single, Anarchy em the U.K. foi lançado um ano depois,    quando fecharam contrato com o maior selo da Inglaterra, a EMI.
Anarchy in the U.K. caracterizou-se    pelo ataque à tradição a à autoridade, comuns na estética punk. Os    integrantes da banda freqüentemente incitavam a platéia de seus shows,    como pode ser exemplificado com a frase do vocalista Johnny Rotten a uma    platéia em abril de 1976 : “‘Eu aposto que vocês não nos odeiam com a    mesma intensidade com que nós odiamos vocês!’” (Friedlander, 2002, p.    356)
The Clash começou em julho de 1976,    depois que Joe Strummer viu uma apresentação dos Pistols e decidiu    formar uma banda, que “transcendeu” a simplicidade e agressividade do    punk. O Clash envolveu-se com o ativismo político, criticando o    imperialismo e o racismo e influenciou-se por outros ritmos, como o    reggae. 
A Diluição do Punk
O caráter de adaptação do punk rock ao    mainstream, no qual o Clash foi um dos representantes, formou uma nova    tendência que tomou conta do cenário musical da década de 80: a new    wave. Esta definição foi inventada pela imprensa, para designar a fusão    do punk e a música pop, em que elementos de um e outro encontraram-se na    sonoridade de um mesmo grupo (ou artista solo).
As letras destes grupos adotavam a    atitude punk de crítica à sociedade, mas sem o elemento de choque. O    visual e a performance de palco também foram resgatados do punk.
As bandas inglesas da primeira síntese    da new wave foram o Police, o Jam, Billy Idol, Joe Jackson e o    Pretenders (que contava com a cantora norte-americana Crissie Hynde). Um    dos principais artistas desta onda, que influenciou outros    posteriormente, foi Elvis Costello. Ele foi um dos que passaram a    utilizar os sintetizadores em suas composições.
Programador de computadores, vivendo    com mulher e filho no subúrbio, ele nutria aspirações artísticas e    compunha com a ajuda de um Fender Jazzmaster. Descoberto por um caçador    de talentos, se tornou da noite para o dia a nova atração do rock inglês    (com o grupo The Attractions). (MUGGIATI, 1985, p. 87)
Nos Estados Unidos, a new wave também    se desenvolveu, com os grupos Talking Heads, Cars, Devo, B-52 e o    Blondie – o grupo da vocalista Debbie Harry e um dos mais    representativos deste estilo. O Blondie, junto com o Pretenders,    representou a ascensão feminina no rock.
Em 1980, a fusão punk-pop “estava    apenas florescendo nas rádios; em poucos anos, entretanto, ela teria    proliferado e invadido a mídia. O ingrediente-chave do sucesso da new    wave era a ligação da música com o vídeo...” (FRIEDLANDER, 2002, p. 369)    A institucionalização dessa dinâmica se deu com o nascimento da MTV, em    1981. Esse canal de televisão passou a divulgar videoclipes da mesma    forma que as rádios executavam as músicas, sendo que o papel de    apresentador, desempenhado pelos VJ’s, tomou o lugar dos DJ’s. Assim,    com a MTV, a new wave encontrou um instrumento eficaz para sua    divulgação, mas a música comercial logo tomou conta da programação do    canal. 
Antes de continuar descrevendo o    cenário dos anos 80, é preciso voltar um pouco no tempo, quando a dance    music surgiu (em meados de 1970) entre os menos radicais, que não se    encaixavam na estética punk. Entre os ícones da época, estão grupos como    os Bee Gees e o Abba, a primeira banda sueca a fazer sucesso fora do    país. Outros artistas também passaram a fazer parte do cenário, como    Diana Ross e Olívia Newton-John.
Entretanto, os mega astros Michael    Jackson e Maddona foram os que realmente trouxeram ao pop uma verdadeira    “força impulsionadora” para os anos 80, realizando a fusão da dance    music com outros elementos que se relacionassem à dança, ao movimento.
Conhecido anteriormente, quando ainda    era um astro infantil (integrante do Jackson 5), Michael gravou seu nome    através da dança, os vídeos de suas apresentações ao vivo e também os    rumores em torno de sua vida pessoal. O álbum Thriller, de 1982, foi o    disco mais vendido da história da música, com mais de 40 milhões de    cópias.
Thriller era um prato cheio para o    mainstream do pop/rock: um talentoso compositor e contador de histórias;    um dançarino perfeito e inovador, que criou um estilo de dança    combinando imagens de hip hop, Broadway e discoteca (incluindo o    moonwalk), músicas com batidas bem marcadas; uma composição de músicas    rápidas e baladas; participações dos astros contemporâneos Paul    McCartney (...) e Eddie Van Halen... (FRIEDLANDER, 2002, p. 378)
Enquanto Jackson refletia sua    importância através da síntese entre “discoteca, funk e hip hop”,    Maddona ascendeu nesta mesma época provocando polêmica com temas como    “raça, sexismo, atividade sexual, orientação sexual e poder”. Ela também    percebeu a força dos videoclipes como instrumento promocional para seus    discos e passou a explorar imagens que provocavam discussões morais.   
Maddona aparece em Like a Virgin em    uma camisola branca nupcial, mas seus movimentos são eróticos. Quem é    ela, virgem ou prostituta? É Marilyn Monroe? As roupas que ela veste nos    shows são um mero modelito prostituta ou ela está redefinindo a moda e o    poder sexual? (id. p. 379) 
QUANTO MAIS ALTO MELHOR    
Enquanto astros do pop tomavam conta do    cenário musical, o heavy metal também se expandiu, até chegar à virada    1980/90 com uma profusão de subgêneros. A junção do hard rock e o metal    tradicional tornaram esse gênero o mais popular da década. No fim da    década de 70, surgiram grandes grupos de metal inglês, que se firmariam    pós-1980, como Iron Maiden, Samson, Def Leppard, Motorhead e Saxon -    produtos da New Wave of British Heavy Metal, liderada pelo Judas Priest.   
As bandas de heavy metal consistem    geralmente em bateria, baixo e uma ou duas guitarras, mas a partir de    80, bandas como Van Halen ampliaram seu som com o uso de teclados e    sintetizadores. Outra característica comum a essas bandas era a energia    dos integrantes no palco, como pode ser verificado com os shows do Iron    Maiden (donzela de ferro), que recebeu esse nome em alusão a um    instrumento de tortura medieval. Depressão e juízo final, entre outros,    são assuntos comuns nas canções da banda - o último disco, Brave New    World, leva o nome da clássica obra de Aldous Huxley, Admirável Mundo    Novo, que constitui uma fantasia sobre a humanidade no futuro. O    vocalista, Bruce Dickinson (que havia se separado do grupo em 1992 e    voltou quase dez anos depois) também conta com uma bem-sucedida carreira    solo. A alquimia figura entre seus temas favoritos, sendo que um de seus    discos chama-se Chemical Wedding.
O Iron Maiden constitui uma das bandas    mais queridas dos críticos de heavy metal em geral. Na época em que    Dickinson deixou a banda, porém, o vocalista que o substituiu, Blaze    Bailey, foi alvo de muitas críticas negativas, tanto por parte dos fãs    quanto desses mesmos críticos. Atualmente, o Iron Maiden conta com três    guitarristas em sua formação, já que o antigo guitarrista, Adrian Smith,    voltou ao grupo junto com Bruce Dickinson. 
O Def Leppard surgiu como um grupo de    heavy metal, mas passou a utilizar efeitos especiais que o desligaram    deste gênero, mudando seu estilo. Em meados da década de 80, o sucesso    do Guns’n’Roses demonstrou a forte presença do metal; no início, o metal    era um estilo “cult”, como compara Friedlander (2002), mas acabou por    ampliar seu apelo, inserindo-se no mainstream.
A presença de palco de Axl Rose,    vocalista do Guns’n’Roses, era marcante por seu estilo de cantar e se    movimentar durante as apresentações ao vivo. Appetite for Destruction,    de 1987, representou a mistura do hard rock com a emocionalidade do    blues. Após a separação da banda, só restou Axl Rose da formação    original. A apresentação do Guns no último Rock in Rio, em 2001, mostrou    que ainda existem muitos fãs da antiga fase. Apesar de músicas como    Sweet Child O’ Mine e Welcome to the Jungle agitarem a platéia,    atualmente a presença do Guns’n’Roses é bem menor. 
Outro estilo do metal que despontou na    década de 80 foi o speed metal. Segundo Friedlander, o exemplo mais bem    sucedido dessa tendência foi o Metallica – banda que combinou um    destacado trabalho de guitarra com execuções rápidas e sincronizadas.    Com a profusão de estilos do heavy metal, entretanto, categorizar uma    banda tornou-se tarefa difícil; muitos críticos e até mesmo fãs do    Metallica poderiam classificar a banda como uma representante do thrash    metal. 
O speed metal também contou com a    representatividade do guitarrista sueco Yngwie Malmsteen. Seus solos,    marcados por velocidade e precisão, refletem a influência do guitarrista    na música clássica; na juventude, Malmsteen estudou violão clássico e    piano.
Um dos maiores expoentes para o thrash    são os integrantes do Sepultura – banda brasileira de grande repercussão    no exterior. Os vocais rosnados e o peso da guitarra e bateria    caracterizam o som dessa banda, formada no início dos anos 80,    influenciada por Black Sabbath e Venom. Quando Max Cavalera saiu da    banda, em 1997 (para formar o Soulfly), um novo vocalista foi adicionado    ao grupo – o norte-americano Derrick Green. Embora muitos ainda sintam a    falta de Max, Derrick provou ser um bom substituto.
O heavy melódico foi outra vertente    deste gênero que cresceu nos anos 80, expandindo-se na década seguinte,    inclusive com a presença de bandas brasileiras – que se aproveitaram da    aceitação do Sepultura no exterior para ampliar seu mercado.
Bandas como Helloween e Gamma Ray    (Alemanha), Raphsody (Itália), Viper e Angra (Brasil) são algumas das    representantes do metal melódico, caracterizado por músicas de melodias    fortes, vocais de tons “operísticos” e virtuosismo com as guitarras. A    influência erudita também é detectada em alguns desses grupos, como os    brasileiros citados.
O Viper retrata o início da profusão do    metal melódico no Brasil. O último disco com participação do vocalista    André Matos, Theatre of Fate, é de 1986. Após esse álbum, Matos sai com    a desculpa de estudar para ser maestro e forma o Angra – banda de grande    repercussão no Brasil e no exterior. O Japão, principalmente, mostrou-se    um bom mercado para os grupos de heavy metal melódico, especialmente    para o Angra.
Apesar de encontrar-se alheio à música    eletrônica, o heavy metal também sofreu a influência desta “febre” dos    anos 90. Assim surgiu o chamado alternative metal de bandas como Korn,    Soulfly e Limp Bizkit, que além das batidas eletrônicas, utilizam linhas    vocais “sincopadas”, como o hip hop e guitarras heavy metal. 
O Estilo Certo na Hora Certa
Como explica o jornalista André    Barcinski, “no início dos anos 80, Nova York criou um monstro: o    hardcore”. As bandas que despontaram nesse cenário eram ligadas a    gravadoras independentes, fanzines e shows em clubes locais, quando    passaram a ganhar atenção do público. As músicas caracterizavam-se por    serem “simples”, contrárias ao virtuosismo do heavy metal – gênero de    forte presença naquela década.
Bandas como Murphy’s Law, Sheer Terror    e Agnostic Front são algumas que surgiram neste cenário. Esta última    destacou-se como a pioneira do hardcore em Nova York, quando passou a    lotar os clubes da cidade.
O Agnostic Front formou-se em 82,    quando algumas bandas de Los Angeles e San Francisco (Black Flag e Dead    Kennedys, respectivamente) já configuravam o cenário, influenciadas pelo    punk. O som da banda caracterizava-se pela velocidade dos riffs. Em    1986, com o disco Cause For Alarm, o grupo inaugura o gênero crossover,    que misturava thrash metal com hardcore. 
Experiências pessoais e o retrato da    vida de pessoas comuns são temas recorrentes ao Agnostic Front. Em 1992,    o baixista Craig Setari afirmou que “acredita na música como instrumento    de politização e de conscientização”, assim como os outros integrantes    da banda.
O movimento hardcore, entretanto, não    resistiu ao tempo; como destaca André Barcinski: “o tempo passou, o    público se subdividiu em facções de gostos e tendências variadas”. A    violência dos shows foi um dos fatores para que estes deixassem de ser    agendados e muitas bandas acabarem. No entanto, em fins da década de 80,    nasceu um novo gênero, derivado da cena hardcore, que viria a    representar um fenômeno para os anos 90: o grunge.
Bandas como Mudhoney, Melvins, Tad,    Soudgarden, L7 e a principal delas, Nirvana, representavam o chamado    “som de Seattle”, já que esta cidade caracterizou-se como o “local de    nascimento” de muitas bandas de rock nos anos 90. O Pearl Jam, ainda    hoje em atividade, também derivou-se deste som. 
A gravadora Sub Pop foi a catalizadora    da cena grunge, apesar de ter perdido grande parte das bandas para    gravadoras maiores já em 1992. Um dos fundadores, Bruce Pavitt, credita    o surgimento das bandas de Seattle “ao bom nível sócio-econômico dos    garotos da cidade, sem muitos problemas para comprar instrumentos ou    discos”. Além disso, Pavitt aponta a existência de vários clubes de    hardcore, que tornaram possível a um público jovem tomar contato com    grandes bandas.
Nas palavras de Barcinski, o Mudhoney    tornou-se a banda mais tradicional de Seattle, “musicalmente falando”.   
A banda entra no palco, toca uma    música, pára, decide qual a próxima música e detona. Nada armado, nenhum    resquício de showbizz. São quatro caras, se divertindo tanto quanto os    outros cem, duzentos ou cinco mil à sua frente. (BARCINSKI, 1992, p.    114)
Uma das bandas que excursionou com o    Nirvana, o Tad caracteriza-se pelo som “bem barulhento”. Os riffs são    meio lentos, “meio Black Sabbath” e as músicas são repletas de    microfonia. Em 1992, o Tad era a terceira banda que mais vendia discos    pela Sub Pop – atrás do Nirvana e do Mudhoney .
Mesmo que as bandas citadas sejam    importantes para o grunge, o Nirvana tornou-se o representante mais    importante para esse estilo e, na opinião de muitos críticos, músicos e    fãs, uma das maiores bandas que já existiram.