Música Eletrônica e sua História
Autor: Dj Juscielton Silva | Publicado: 2012-02-01T06:41:00-08:00



Música&nbsp;electronica&nbsp;&nbsp;ou&nbsp;eletrônica&nbsp;&nbsp;(eletrónica/eletrônica)&nbsp;é toda&nbsp;música&nbsp;que é criada ou modificada através do uso de equipamentos e instrumentos electronicos,&nbsp;tais como&nbsp;sintetizadores,&nbsp;gravadoresdigitais,&nbsp;computadores&nbsp;ou&nbsp;softwares&nbsp;de&nbsp;composição. Os&nbsp;softwares&nbsp;são desenvolvidos de forma a facilitar a criação.

Por sua história passou de uma vertente da&nbsp;música erudita&nbsp;(fruto do trabalho de compositores visionários) a um elemento da&nbsp;música popular, primeiramente bastante relacionado ao&nbsp;rock&nbsp;e posteriormente discernindo-se como um&nbsp;gênero musical&nbsp;próprio (principalmente relacionado com a música popular nos sub-estilos considerados dançantes tais como o&nbsp;techno,&nbsp;acid,&nbsp;house,&nbsp;trance&nbsp;e&nbsp;drum 'n' bass, desenvolvidos a partir do auge da&nbsp;música disco&nbsp;no final da&nbsp;década de 1970). Actualmente existem várias ramificações do estilo, tanto eruditas como populares.

Originalmente relutada por ter sua tecnologia evoluída muito mais rapidamente que sua&nbsp;estética, só passou a ter princípios e tradição após a&nbsp;Segunda Guerra Mundial,&nbsp;com o trabalho de franceses na&nbsp;música concreta&nbsp;e de alemães naElektronische Musik.



Década de 1850 a 1940: os primeiros artistas e equipamentos

A habilidade de gravar sons é absolutamente necessária para a produção de música eletrônica, e é certamente bastante útil. O primeiro precursor do&nbsp;fonógrafo&nbsp;foi inventado em&nbsp;1857&nbsp;quando&nbsp;Leon Scott&nbsp;gravou pela primeira vez impressões de som em&nbsp;cilindros&nbsp;revestidos em&nbsp;carbono. Duas décadas depois, em&nbsp;1878&nbsp;Thomas A. Edison&nbsp;patenteou o fonógrafo, que utilizava cilindros similarmente ao dispositivo de Scott. Apesar do mecanismo ter se mantido inalterado por um tempo,&nbsp;Emile Berliner&nbsp;desenvolveu o fonógrafo em disco em 1897.[2]

Data de&nbsp;1897&nbsp;o mais antigo instrumento musical electroacústico. Foi uma invenção de&nbsp;Thaddeus Cahill, conhecida como&nbsp;dinamofone&nbsp;ou&nbsp;telarmónio. A máquina consistia num&nbsp;dínamo&nbsp;eléctrico, associados a&nbsp;indutores&nbsp;electromagnéticos&nbsp;capaz de produzir diferentes&nbsp;frequências&nbsp;sonoras. Estes sinais eram comandados por um&nbsp;teclado&nbsp;e um painel de controlos e difundidos pela linha telefónica, cujos terminais estavam equipados com&nbsp;amplificadores&nbsp;acústicos, colocados em locais públicos. Veio a verificar-se que a emissão musical interferia com as chamadas telefónicas, o que era insustentável. O instrumento tinha a capacidade de sintetizar sons com os&nbsp;timbres&nbsp;desejados, por sobreposição de parciais&nbsp;harmónicos. O sistema que permitia este desempenho tornava a máquina extremamente complexa e de dimensões gigantescas. O compositor&nbsp;Ferrucio Busoni&nbsp;mostrou interesse pela invenção, potencialmente geradora de novos conceitos harmónicos, não tendo no entanto apoiado directamente o projecto. A tecnologia foi posteriormente usada para o desenvolvimento do&nbsp;órgão Hammond. Entre&nbsp;1901&nbsp;e&nbsp;1910, Cahill desenvolveu três versões maiores e mais complexas que o original, a primeira pesando setetoneladas, e a última, acima de duzentas. Com a queda do interesse público, em&nbsp;1912&nbsp;a empresa de Cahill estava falida.





Um modelo das&nbsp;Ondas Martenot



O teremim e o movimento futurista

Com o final da&nbsp;Primeira Guerra Mundial&nbsp;os primeiros avanços foram no sentido de tornar os equipamentos mais económicos e compactos. Uma dessas invenções foi o&nbsp;teremim, desprovido de teclado, munido de dois detectores de movimento que controlavam o&nbsp;volume&nbsp;e a altura do som a partir do movimento livre das mãos do executante. Um outro exemplo de instrumento é o&nbsp;Ondas Martenot, inventado em&nbsp;1928&nbsp;por Maurice Martenot&nbsp;e usado em obras como "Turangalîla" e "Trois Petites Liturgies" de&nbsp;Olivier Messiaen. Mais tarde surgiram instrumentos&nbsp;polifónicos&nbsp;como o&nbsp;Givelet&nbsp;e o&nbsp;órgão Hammond, cujos potenciais foram imediatamente reconhecidos e explorados. O Givelet tinha a capacidade de ser programado, o que foi mais tarde largamente ultrapassado pelos&nbsp;sintetizadores&nbsp;e pelos&nbsp;computadores&nbsp;que viriam a surgir cerca de 25 anos mais tarde. Produzido por&nbsp;Laurens Hammond&nbsp;a partir da fundação de sua empresa em&nbsp;1929, o órgão Hammond era baseado nos princípios do telarmónio junto com outras tecnologias como as primeiras unidades de&nbsp;reverberação.

O movimento&nbsp;futurista, iniciado na&nbsp;Itália&nbsp;pelo poeta&nbsp;Filippo Marinetti, rapidamente se expandiu pela&nbsp;Europa, na defesa da liberdade da expressão artística, que se revelou na música pela utilização de técnicas de produção sonora não convencionais até então, dando-se valor ao que é considerado "barulho".&nbsp;Luigi Russolo&nbsp;propôs, na&nbsp;década de 1910, em&nbsp;The Art of Noises,&nbsp;a composição musical a partir de fontes sonoras do meio ambiente, na busca da variedade infinita dos ruídos. O efeito prático desta proposta foi a construção de instrumentos produtores de ruído como o&nbsp;Intonarumori. O primeiro concerto da série&nbsp;The Art of Noises&nbsp;ocorreu em&nbsp;21 de abril&nbsp;de&nbsp;1914, e em junho concertos similares ocorreram em&nbsp;Paris.

O compositor francês&nbsp;Edgard Varèse, foi pioneiro na exploração de novos conceitos de expressão musical. A sua técnica de instrumentação revelava um ruptura com a escola vigente no&nbsp;Conservatório de Paris, quebra essa absolutamente necessária para a aceitação de fontes electrónicas na composição musical. O conceito de análise e de "regenese" dos sons foi explorado por Varèse na sua obra instrumental, obrigando-o a utilizar os instrumentos como componentes de massas sonoras de diferentes&nbsp;timbres, densidades e&nbsp;volumes. As aspirações de Varèse no campo da música electrónica foram bloqueadas por razões financeiras e pelo deficiente apoio que recebeu. As obras teóricas de Thérémin, inventor do instrumento com o mesmo nome, debruçavam-se sobre os princípios analíticos na música, de forma sistemática e científica, antecipando a metodologia da composição de música electrónica.

Na França, um dos instrumentos eletrônicos mais famosos são as&nbsp;ondas Martenot, inventadas em&nbsp;1928&nbsp;por&nbsp;Maurice Martenot, e desenvolvidas para reproduzir os sons microtonais encontrados na&nbsp;música hindu. Após demonstração por Maurice em Paris, compositores começaram a utilizar o instrumento. Já o&nbsp;trautônio&nbsp;também foi inventado em 1928, e em&nbsp;1940&nbsp;Richard Strauss&nbsp;o utilizou.

Essa nova classe de instrumentos microtonais por natureza foi adotada lentamente pelos compositores, mas, a partir do início da década de 1930, houve um aumento substancial de novos trabalhos incorporando esses e outros instrumentos eletrônicos.





Uma fita cassete usada em&nbsp;magnetofones



Novos equipamentos magnéticos

Darius Milhaud&nbsp;e&nbsp;Percy Grainger&nbsp;utilizaram a capacidade de gravação e reprodução em&nbsp;vinilpara deformar sons gravados através da variação da velocidade de leitura. Hindemith interessou-se especialmente pela capacidade de reproduzir os sons dos instrumentos acústicos electronicamente, ideia que Varèse conseguiu contornar. Na&nbsp;década de 1930, os principais avanços foram nos sistemas de&nbsp;gravação. Depois de tentado um sistema de gravação&nbsp;óptica, revelou-se mais vantajosa a gravação em&nbsp;suporte magnético. O maior avanço ocorreu na&nbsp;Alemanha&nbsp;em&nbsp;1935, com a invenção do&nbsp;magnetofone, que utilizava fitas plásticas impregnadas de partículas de&nbsp;ferro. A fita magnética não permitia no entanto a visualização por meio de gráficos do som, desvantagem que teve pouca importância. Até1945, as principais linhas de desenvolvimento foram na concepção do som musical, no interesse pelos princípios da acústica, que permitiram o avanço no campo da música electrónica.

Década de 1940 e 1950: música concreta e&nbsp;Elektronische Musik

A&nbsp;Segunda Guerra Mundial&nbsp;forçou o desenvolvimento tecnológico a vários níveis que, cessado o fogo, se revelou determinante no progresso da música electrónica. O clima de reconstrução económica proporcionou incentivos de várias instituições, sobretudo das&nbsp;emissoras de rádio, que dispunham de&nbsp;estúdios&nbsp;bem equipados. Em&nbsp;1946, o&nbsp;ENIAC&nbsp;foi inventado, o primeiro&nbsp;computador&nbsp;no sentido moderno da palavra. Em&nbsp;Paris&nbsp;e&nbsp;Colónia&nbsp;estabeleceram-se duas diferentes correntes na música electroacústica&nbsp;que duraram toda a segunda metade do&nbsp;século XX: respectivamente a corrente da&nbsp;música concreta&nbsp;e a&nbsp;Elektronische Musik.

A partir do fim da década de 1950 o termo&nbsp;música eletroacústica&nbsp;começa a ser adotado. Ele designa a música de instrumentos acústicos gravados, cujas gravações podem ser manipuladas, combinadas, montadas e superpostas.[7]

Desenvolvimentos dos franceses

O grupo francês foi resultado da iniciativa de&nbsp;Pierre Schaeffer, engenheiro electrotécnico, criador do conceito de música concreta, assim chamada por partir da gravação e transformação em estúdio de objetos sonoros (sons do ambiente, dos ruídos aos&nbsp;instrumentos musicais) recusando a utilização de instrumentos electrónicos. Eles foram responsáveis pelas primeiras&nbsp;mixagens.[8]&nbsp;Na mesma época,&nbsp;Paul Boisselet&nbsp;realizava experimentos com&nbsp;osciladores&nbsp;eletrônicos. As primeiras composições de Schaeffer, que incluíam a manipulação sonora por meio da variação da velocidade ou do sentido de leitura das gravações, tinham um efeito musical fraco, incoerente pela sua natureza fragmentária. Em&nbsp;1948&nbsp;foi apresentada peça&nbsp;Etude aux chemins de fer,[9]&nbsp;e no ano seguinte,&nbsp;Variations sur une flûte mexicaine, outra obra da música concreta. Mais tarde, com a melhoria da tecnologia e em associação com o&nbsp;compositor&nbsp;Pierre Henry&nbsp;e o&nbsp;engenheiro&nbsp;Jacques Poullin, fundando em&nbsp;1958&nbsp;o&nbsp;Groupe de Recherches Musicales, surgiram as primeiras composições de resultado satisfatório:&nbsp;Symphonie pour un homme seul,[10]&nbsp;primeira sinfonia de música concreta,[9]&nbsp;e a ópera&nbsp;Orpheé 51, esta última utilizando aparelhos como o&nbsp;Morphophonee os&nbsp;Phonogènes, que operavam sobre gravações em&nbsp;fita magnética.





Pierre Boulez&nbsp;em&nbsp;2004



Curso de Verão de Darmstadt

Como resultado do desacordo gerado entre&nbsp;franceses&nbsp;e&nbsp;alemães, no curso de Verão deDarmstadt&nbsp;(1951), Schaeffer publicou o ensaio&nbsp;Esquisse d’un solfège concret&nbsp;que veio reafirmar e sistematizar as suas ideias no panorama de então. Os seus estudos levaram-no à publicação, em&nbsp;1966, de&nbsp;Traité des objets musicaux, com base dos estudos preliminares de Esquisse d’un solfège concret. Nesse trabalho, Schaeffer estabeleceu 33 critérios de classificação divididos pelas três dimensões fundamentais do fenómeno sonoro – o plano harmónico, o plano dinâmico e o plano melódico – que permitiam 54 mil combinações distintas.

Apesar dos estudos aprofundados que efectuou, Schaeffer não conseguiu mais do que meras ligações passageiras com compositores como&nbsp;Boulez,&nbsp;Messiaen,&nbsp;Milhaud,&nbsp;Varèse&nbsp;eStockhausen, estes talvez desencorajados pelos resultados sonoros pouco refinados. À medida que técnicas de processamento electrónico se tornavam mais aceitas, os princípios da música concreta perdiam prosperidade. A conjuntura forçou Schaeffer à mudança para um perspectiva mais universal -&nbsp;experiences musicales&nbsp;– o que levou à aproximação ao conceito da&nbsp;Elektronische Musik. No início dos&nbsp;anos 1960, Henry fundava o seu próprio estúdio,&nbsp;Xenakis&nbsp;começava já a utilizar os computadores, dois exemplos entre as muitas outras linhas de inovação, chegando assim ao fim o monopólio de Schaeffer.

No curso de&nbsp;Darmstadt&nbsp;os&nbsp;cientistas&nbsp;Robert Beyer&nbsp;e&nbsp;Meyer-Eppler&nbsp;apresentaram trabalhos sobre a síntese sonora electrónica que despertaram o interesse de alguns dos compositores presentes, entre eles&nbsp;Herbert Eimert. Os três homens formaram uma associação informal que, com o apoio do director técnico da&nbsp;Rádio de Colónia, foi pioneira na criação de estúdio de música electrónica na Alemanha. As primeiras experiências musicais, apresentadas em&nbsp;Paris, datam de&nbsp;1952&nbsp;e revelam a utilização de técnicas de&nbsp;serialismo&nbsp;integral, na sequência do desenvolvimento pós&nbsp;Segunda Escola de Viena. Os processos de composição seriais foram motor do desenvolvimento da síntese electrónica, com o intuito de poder manipular, individualmente, cada uma das propriedades dos sons, distanciando-os assim da sua origem primitiva. A grande questão punha-se: "será que os sons electrónicos, enquanto fonte universal de material sonoro, podem gerar um sistema estruturador coerente correspondente ao tonalismo?" A resposta estaria num estudo mais aprofundado da síntese sonora, com base nos conhecimentos&nbsp;matemáticos&nbsp;da&nbsp;acústica&nbsp;musical. Foi consensual que o gerador de sinais era o instrumento mais adequado como fonte do material electrónico. Produz sons sinusoidais (simples) que, sobrepostos, formam todos os outros sons. Outros aparelhos foram utilizados, para além do gerador de sinais: geradores de ruídos, o&nbsp;monocórdio, e o&nbsp;melocórdio&nbsp;- um instrumento com a capacidade de produzir&nbsp;Klangemodelle&nbsp;(sons formados pela sobreposição de determinadas&nbsp;frequências).





Karlheinz Stockhausen&nbsp;em2005



Desenvolvimentos de Stockhausen

O estúdio foi amplamente divulgado na comunidade musical.&nbsp;Stockhausen&nbsp;foi um dos compositores que estabeleceu uma longa ligação com o estúdio. Lá, realizou muitas das suas obras, entre elas os&nbsp;Studier I&nbsp;eII. Utilizou nesses estudos ferramentas como o cálculo de frequências com base em relações harmónicas, oserialismo&nbsp;de intensidades e durações, o&nbsp;eco&nbsp;e a&nbsp;reverberação, a inversão sonora ou a&nbsp;note mixtur. A técnica da note mixtur baseia-se na sobreposição de sons sinosoidais que não apresentam relações harmónicas com um som fundamental. Na produção do efeito de reverberação, utilizavam-se inicialmente câmaras de reverberação onde o som era emitido e regravado. Caíram em desuso pelo espaço que ocupavam e foram substituídas por métodos mais simples. Para a modulação dos sons eram empregues&nbsp;filtros&nbsp;afinados para certos centros de frequências, que permitiam favorecer ou empobrecer o som num certo campo de harmónicos.&nbsp;Kontakte&nbsp;(1950-1960) é uma das obras mais importantes de Stockhausen, que combina sons electrónicos com a execução, em tempo real, de partes para&nbsp;piano&nbsp;e&nbsp;percussão.

Em&nbsp;1956, o músico compôs&nbsp;Gesang der Jünglinge, o primeiro trabalho de grande porte do estúdio de Colónia, baseado em um texto do&nbsp;Livro de Daniel. A obra é citada como inaugural da&nbsp;música eletroacústica.Paralelamente, um desenvolvimento tecnológico importante foi a invenção do sintetizador&nbsp;Clavivox&nbsp;por&nbsp;Raymond Scott&nbsp;e auxílio de&nbsp;Robert Moog.

Erase-record-replay

A tecnologia&nbsp;erase-record-replay&nbsp;desenvolvida inicialmente para a produção de eco, foi aí explorada de outras formas, na criação de&nbsp;loops, por exemplo. Outra das características importantes na obra é a utilização da espacialização, através da colocação&nbsp;altifalantes&nbsp;de forma conveniente no espaço de execução. Outros compositores, tais como&nbsp;Brün,&nbsp;Hambräus,&nbsp;Heiss,&nbsp;Kagel,&nbsp;Koenig,&nbsp;Ligeti&nbsp;e&nbsp;Pousseurcontribuíram para a extensa produção do estúdio de Colónia. Estes criadores de&nbsp;electronische musik, constituíram a face oposta à corrente francesa da música concreta, complementando-se no desenvolvimento da&nbsp;electroacústica&nbsp;até meados da década de 1960.

Música computacional

Surge o conceito da&nbsp;música computacional, gerada ou composta como o auxílio de um computador. É também um ramo de estudo que examina tanto a teoria quanto a aplicação de tecnologias na área de música. Muito do trabalho nessa área está na relação entre a&nbsp;teoria musical&nbsp;e a&nbsp;matemática. A primeira composição de computador foi gerada na&nbsp;Austrália&nbsp;por&nbsp;Geoff Hill&nbsp;no computador&nbsp;CSIRAC. Posteriormente,&nbsp;Lejaren Hiller&nbsp;usou um computador na&nbsp;década de 1950&nbsp;para produzir trabalhos que eram então executados por músicos convencionais. Ele é o compositor da&nbsp;Suite Illiac&nbsp;(1956), a primeira inteiramente automática e programada.&nbsp;O trabalho de&nbsp;Max Mathewsnos&nbsp;Laboratórios Bell&nbsp;resultaram no influente&nbsp;programa de computador&nbsp;MUSIC I.&nbsp;Pierre Barbaud, que já havia proposto em&nbsp;1950&nbsp;a introdução da matemática na composição musical, fundou o grupo de música algorítmica em&nbsp;1958&nbsp;junto com&nbsp;Roger Blanchard.

Expansão mundial

A partir da década de 1950, diversos grupos de pesquisa desse novo ramo de música fomentado por franceses e alemães estavam sendo abertos pelo mundo.&nbsp;O laboratório de música experimental da&nbsp;Universidade de Colúmbia,&nbsp;Estados Unidos&nbsp;(1953), o estúdio experimental de&nbsp;Herman Scherchen&nbsp;na&nbsp;Suíça&nbsp;(1954), um estúdio de música experimental no&nbsp;Japão&nbsp;(1954), o&nbsp;Studio di Fonologia&nbsp;da&nbsp;italianaRAI&nbsp;(1955), um estúdio de música experimental na&nbsp;Polônia&nbsp;(1957). A intensificação das pesquisas resultou em novos instrumentos, como um sintetizador controlado por uma fita de&nbsp;papel perfurado, começando a era dos sintetizadores.

Década de 1960 e 1970: sintetizadores pessoais e a música popular





Minimoog&nbsp;Voyager, um&nbsp;sintetizador&nbsp;analógico



Devido à complexidade em compor com um sintetizador ou computador, a maioria dos compositores continuava a explorar a música eletrônica usando o&nbsp;música concreta&nbsp;ainda nadécada de 1960. Mas como tal estilo não era gracioso, alguns compositores iniciaram pesquisas para melhorar a tecnologia nesse sentido, levando a três times independentes buscando o desenvolvimento do primeiro&nbsp;sintetizador&nbsp;pessoal.

O primeiro desses sintetizadores foi o&nbsp;Buchla, aparecido em&nbsp;1963, produto do trabalho do compositor&nbsp;Morton Subotnick. Outro sintetizador foi o criado por&nbsp;Robert Moog,[15]&nbsp;sendo o primeiro a usar um&nbsp;teclado&nbsp;ao estilo de&nbsp;piano. Em&nbsp;1964&nbsp;Moog convidou o compositor&nbsp;Herb Deutsch&nbsp;para visitar seu estúdio em&nbsp;Trumansburg. Moog já havia encontrado-se com Deutsch um ano antes, ouvido sua música, e decidido seguir a sugestão do compositor para a construção de módulos para música eletrônica. Na época de visita de Deutsch, Moog já havia criado protótipos de osciladores controlados, equipamento que Deutsch usou por um tempo, e posteriormente Moog criou um filtro controlado por voltagem. Moog então foi convidade para a Convenção&nbsp;AES&nbsp;em&nbsp;Nova Iorque&nbsp;no qual apresentou o artigo "Electronic Music Modules" e vendeu seu primeiro sintetizador ao coreógrafo&nbsp;Alwin Nikolais.

Em&nbsp;1964, Stockhausen compôs&nbsp;Mikrophonie I&nbsp;para tam-tam, microfones de mão, filtros e potenciômetros. No ano seguinte foi compostaMikrophonie II&nbsp;para&nbsp;coro&nbsp;órgão Hammond e moduladores.

Adoção pela música popular

Apesar da música eletrônica ter começado nas ramificações da&nbsp;composição clássica, após alguns anos ela foi adotada pela&nbsp;cultura popular. Um dos primeiro exemplos é o tema para&nbsp;televisão&nbsp;do seriado&nbsp;Doctor Who&nbsp;composto por Delia Derbyshire, em&nbsp;1963.

No final da&nbsp;década de 1960&nbsp;Wendy Carlos&nbsp;popularizou a música de sintetizador com os dois notáveis álbuns,&nbsp;Switched-On Bach&nbsp;e&nbsp;The Well-Tempered Synthesizer, que reproduziram peças de J. S. Bach usando o Moog.[16]&nbsp;O equipamento gerava somente um nota por vez, então para gerar a composição Carlos teve que sobrepor as gravações em um amplo trabalho de estúdio. As primeiras máquinas também eram bastante instáveis, e perdiam a afinação com facilidade. Apesar disso, muitos músicos como&nbsp;Keith Emerson&nbsp;do&nbsp;Emerson Lake and Palmercomeçaram a usar os equipamentos, inclusive em turnê. O&nbsp;teremim, que é extremamente difícil de ser executado, foi também usado na música popular. O teremim elétrico foi usado em "Good Vibrations" do&nbsp;The Beach Boys. Já os&nbsp;Beatles&nbsp;usaram o&nbsp;mellotron&nbsp;em "Strawberry Fields Forever" e o pedal de volume em "Yes It Is".





O&nbsp;Kraftwerk&nbsp;em concerto



Assim que a tecnologia evoluiu e os sintetizadores tornaram-se mais baratos, foram sendo adotados por várias bandas de&nbsp;rock,[17]&nbsp;tais como&nbsp;The Silver Apples&nbsp;e&nbsp;Pink Floyd, usando os equipamentos como substitutos ao&nbsp;órgão.

Krautrock e jazz fusion

Na&nbsp;década de 1970&nbsp;o estilo eletrônico foi revolucionado pela banda&nbsp;alemã&nbsp;Kraftwerk, que usou a eletrônica e&nbsp;robótica&nbsp;para simbolizar a alienação então atual do mundo em relação atecnologia. Outras bandas contemporâneas e contemporâneas que também incorporaram o som eletrônico à música popular e principalmente ao&nbsp;rock&nbsp;incluem&nbsp;Tangerine Dream,&nbsp;Can,Neu!&nbsp;e&nbsp;Popol Vuh. Tal movimento acabou sendo pejorativamente chamado pela imprensainglesa&nbsp;da época como&nbsp;krautrock&nbsp;(uma referência ao apelido&nbsp;sauerkraut&nbsp;dos alemães, que significa&nbsp;chucrute, um prato tradicional daquele país), mas acabou sendo aceito pelo tempo devido à grande influência de tais bandas.

Alguns pianistas de&nbsp;jazz&nbsp;como&nbsp;Herbie Hancock,&nbsp;Chick Corea,&nbsp;Joe Zawinul&nbsp;(Weather Report) e&nbsp;Jan Hammer&nbsp;(Mahavishnu Orchestra) começaram a usar os sintetizadores em gravações de&nbsp;jazz fusion&nbsp;entre&nbsp;1972&nbsp;e&nbsp;1974. As gravações&nbsp;I Sing the Body Electric&nbsp;de Weather Report e&nbsp;Crossings&nbsp;de Herbie Hancock usaram sintetizadores para efeitos de som em contraste de somente um substituto ao&nbsp;piano.

A composição para&nbsp;Forbidden Planet, por&nbsp;Louis and Bebe Barron, foi completamente composta usando o&nbsp;teremim[18]&nbsp;em&nbsp;1956. Assim que os sons eletrônicos tornaram-se mais populares nas composições, outros&nbsp;filmes&nbsp;de&nbsp;ficção científica&nbsp;como&nbsp;Blade Runner&nbsp;e&nbsp;Alien&nbsp;passaram a depender no efeito de ambiente formado por tais instrumentos.

Década de 1980 a 2000: a música eletrônica para o grande público





Conectores&nbsp;MIDI&nbsp;em um aparelho eletrônico



No final da&nbsp;década de 1970&nbsp;e início da&nbsp;década de 1980&nbsp;houve grande interesse na inovação em instrumentos de música eletrônica, amplamente pela substituição dos sintetizadores analógicos por versões digitais, além dos primeiros&nbsp;samplers. Na época os samplers eram, tal qual os primeiros sintetizadores, espaçosos e caros, mas em meados da década de 1980 foram desenvolvidos para tornarem-se mais disponíveis aos músicos.

Similarmente aos samplers, a música eletrônica foi amplamente difundida a partir da década de 1980 através da popularização dos&nbsp;computadores pessoais. A partir de então era possívelemular&nbsp;as funcionalidades de instrumentos musicais ou de sintetizadores através da criação, manipulação e apresentação virtual de som. Percebeu-se que diferentes equipamentos não conseguiam comunicar-se entre si devido à diferenças em suas tecnologias. Para solucionar o problema foi criado o&nbsp;MIDI, um&nbsp;protocolo de comunicação&nbsp;destinado a comunicação, controle e sincronização de informações de aúdio entre dispositivos como&nbsp;teclados, sintetizadores e processadores de som.[19]&nbsp;Concebido em&nbsp;1980, proposto para padronização em&nbsp;1981&nbsp;e introduzido de fato em agosto de1983&nbsp;(versão 1.0), o MIDI tornou-se um dos padrões mais notáveis da indústria da&nbsp;informática&nbsp;e atualmente é aceito na maioria dos equipamentos de aúdio e instrumentos musicais eletrônicos. O advento dessa tecnologia permitiu que um simples comando ativasse qualquer dispositivo do estúdio remotamente e em&nbsp;sincronia, respondendo de acordo com as condições predeterminadas pelo compositor.





Um&nbsp;Roland TR-808



Electro e música industrial

Os novos tipos de sons eletrônicos contribuíram para a formação da&nbsp;música industrial, começada por grupos como&nbsp;Throbbing Gristle&nbsp;em&nbsp;1975,&nbsp;Wavestar&nbsp;e&nbsp;Cabaret Voltaire. Artistas como&nbsp;Nine Inch Nails&nbsp;em&nbsp;1989,&nbsp;KMFDM&nbsp;e&nbsp;Severed Heads&nbsp;usaram as inovações damúsica concreta&nbsp;e aplicaram à&nbsp;música dance&nbsp;e&nbsp;rock. Durante esse tempo, artistas de&nbsp;dubcomo&nbsp;Tackhead&nbsp;gravaram composições com modelos da música industrial que pavimentaram o interesse a bandas como&nbsp;Meat Beat Manifesto&nbsp;e produtores de&nbsp;downtempoe&nbsp;trip hop&nbsp;como&nbsp;Kruder &amp; Dorfmeister. Destaque especial para o surgimento do&nbsp;synth pop&nbsp;(amúsica pop&nbsp;tocada com o predomínio de sintetizadores) nessa época, que revelou Mega bandas de reconhecimento mundial e influência enorme dentro da música eletrônica comoAlphaville,&nbsp;Depeche Mode,&nbsp;New Order,&nbsp;Information Society,&nbsp;A-Ha&nbsp;e logo depois,&nbsp;Pet Shop Boys&nbsp;e&nbsp;Erasure.

Ainda durante o começo da década de 1980 desenvolveu-se em&nbsp;Detroit&nbsp;o&nbsp;electro, uma forma de&nbsp;hip hop&nbsp;misturada com o timbre dos sintetizadores analógicos (usando várias referências de&nbsp;Kraftwerk), baseado amplamente nas&nbsp;caixas de ritmos&nbsp;como o&nbsp;Roland TR-808. Ainda que seja mais associado com o&nbsp;hip hop&nbsp;e usado no&nbsp;breakdance&nbsp;da época, o electro é considerado uma forma de música eletrônica. O estilo foi resgatado nos anos 2000 com o&nbsp;electroclash&nbsp;mas decaiu pela grande influência de novos estilos de música eletrônica tais como o&nbsp;house.





Cultura da discoteca, uma das precursoras da música eletrônica dançante



Música eletrônica dançante

O estilo passou então de uma mera ferramenta para os músicos diversificarem e desenvolverem novos sons e timbres musicais apoiando-se em outros estilos musicais para ganhar uma cena própria. Com o sucesso da&nbsp;música disco, que atingiu seu auge entre&nbsp;1977e&nbsp;1979&nbsp;em parte devido ao filme de 1977 "Saturday Night Fever", a&nbsp;década de 1980&nbsp;e décadas seguintes na música eletrônica foram marcadas pelo surgimento da música eletrônica dançante, levando ao desenvolvimento de novas ramificações como o&nbsp;techno, ohouse&nbsp;e o&nbsp;trance. A música eletrônica torna-se a partir de então, além de um estilo musical, um estilo de vida marcado pelas&nbsp;raves&nbsp;(eventos sociais de elevação de consciência baseados em música eletrônica[20]) e pelos&nbsp;DJs&nbsp;(músicos que utilizam instrumentos musicais eletrônicos para executar composições).

O desenvolvimento do&nbsp;techno&nbsp;em&nbsp;Detroit&nbsp;e&nbsp;house music&nbsp;em&nbsp;Chicago&nbsp;na&nbsp;década de 1980, além do&nbsp;acid house&nbsp;no&nbsp;Reino Unido&nbsp;no início da&nbsp;década de 1990&nbsp;aceleraram o desenvolvimento e a aceitação da música eletrônica na indústria da música, introduzindo a música eletrônica dançante às casas noturnas. A composição eletrônica pode seriar ritmos mais rápidos e precisos que os criados pela&nbsp;percussão&nbsp;tradicional, além de oferecer a possibilidade de misturas e adição de outros elementos como&nbsp;instrumentos musicais&nbsp;tradicionais e&nbsp;vocais. O estilo desenvolveu-se de tamanha maneira a tornar-se comercialmente acessível que mesmo artistas&nbsp;pop&nbsp;chegaram a compor usando o estilo, como nos álbunsBelieve&nbsp;da cantora&nbsp;Cher,&nbsp;Ray of Light&nbsp;da cantora&nbsp;Madonna&nbsp;e&nbsp;Fever&nbsp;da Cantora&nbsp;Kylie Minogue. Destaque para os álbuns&nbsp;Music for the Masses&nbsp;de&nbsp;Depeche Mode&nbsp;e&nbsp;Power, Corruption and Lies&nbsp;de&nbsp;New Order, que se tornaram álbuns chaves no desenvolvimento da música eletrônica em geral.





Rave&nbsp;em&nbsp;Belo Horizonte,&nbsp;2006



Raves


Um elemento importante para o desenvolvimento da música eletrônica dançante foi o desenvolvimento das&nbsp;raves. Tais festas de música eletrônica começaram como uma reação às tendências da&nbsp;música popular, a cultura de&nbsp;casas noturnas&nbsp;e o&nbsp;rádio&nbsp;comercial. Seu objetivo primordial era a interação entre pessoas e elevação da consciência (uma fuga da realidade) através de diversas formas de arte. A música eletrônica teve papel fundamental em tais festas na medida em que proporciona através das batidas repetitivas e progressivas um efeito hipnótico nos participantes, potencializado pela utilização de entorpecentes. A partir do desenvolvimento do estilo eletrônico na&nbsp;década de 1980&nbsp;foram promovidos eventos em regiões rurais destinados a reunião de pessoas, dança e utilização de&nbsp;ecstasy. De forma análoga, o&nbsp;movimento hippie&nbsp;da&nbsp;década de 1960&nbsp;pregava a reunião das pessoas e a utilização de drogas (especialmente o&nbsp;LSD) como forma de elevação de consciência. Mesmo com a reação negativa da mídia em relação a tal cultura o estilo foi se desenvolvendo, resultando em um estilo de vida para os participantes. Outros gêneros musicais presentes em&nbsp;ravesincluem o&nbsp;drum and bass&nbsp;e a&nbsp;música ambiente. A partir do final da&nbsp;década de 1990&nbsp;o termo caiu em desuso pelos seus participantes naEuropa&nbsp;devido à massificação e desvirtualização do uso.





DJ Marky&nbsp;em apresentação



Acid&nbsp;e&nbsp;drum and bass


O&nbsp;acid house&nbsp;foi um estilo derivado da&nbsp;house music&nbsp;levado para o&nbsp;Reino Unido&nbsp;no final dadécada de 1980&nbsp;para tornar-se parte integrante da cultura local de&nbsp;raves. Foi amplamente dependente do&nbsp;sintetizador&nbsp;e&nbsp;sequenciador&nbsp;Roland TB-303, o que tornava seu som bastante característico. O&nbsp;acid&nbsp;foi uma das maiores influências para a criação do&nbsp;drum and bass(originalmente conhecido como&nbsp;jungle&nbsp;até por volta de&nbsp;1995), um estilo de música eletrônica dançante caracterizado pela batida rápida e pesada ("seca") da bateria, com a presença marcante do&nbsp;baixo. Um dos maiores divulgadores do estilo foi o DJ&nbsp;britânico&nbsp;Goldie.[21]&nbsp;Outro DJ relevante ao&nbsp;drum and bass&nbsp;é o&nbsp;brasileiro&nbsp;Marky, um ícone da música eletrônica no país. Sendo considerado um renovador do estilo no final da&nbsp;década de 1990, Marky também é reconhecido no Reino Unido, terra natal do&nbsp;jungle.

Trance


Outra vertente da música eletrônica dançante é o&nbsp;trance. Apesar de suas origens datarem desde a&nbsp;década de 1970&nbsp;com artistas como&nbsp;Klaus Schulze, foi a partir de artistas de&nbsp;acid house&nbsp;que acabou ganhando uma cena própria, com a cena techno da&nbsp;Alemanha&nbsp;no início da&nbsp;década de 1990;&nbsp;Frankfurt&nbsp;é geralmente referenciada como o berço do estilo. No mesmo período desenvolvia-se em&nbsp;Goa,&nbsp;Índia, outro movimento da cena eletrônica baseado no&nbsp;EBM, o&nbsp;Goa trance, influenciado pela&nbsp;cultura da Índia&nbsp;e pela&nbsp;música psicadélica&nbsp;da&nbsp;década de 1960. O gênero foi migrado para a&nbsp;Europa&nbsp;em&nbsp;Londres, desenvolvendo-se de forma a ramificar-se no que atualmente chama-se&nbsp;EuroTrance. A partir da década de 1990, o desenvolvimento para um trance melódico e comercial possui como expoentes compositores como&nbsp;Paul Oakenfold,&nbsp;Paul van Dyk&nbsp;e&nbsp;Tiesto. Tais artistas foram tornando-se cada vez mais aceitos comercialmente, o que originou o&nbsp;EuroTrance.