Jamaican pulse
Autor: Raphael Fonseca | Publicado: 2016-12-18T23:21:00-02:00







Realizada entre os dias 25 de junho e 11 de setembro, a exposição
“Jamaican pulse: art and politics from Jamaica and the diaspora” foi realizada
no Royal West of England Academy, na cidade de Bristol, na Inglaterra. Conforme
os textos compartilhados com o público afirmavam, se tratava da maior exposição
já feita em solo inglês a respeito da produção de arte na Jamaica e em uma
cidade que concentra o terceiro maior número de jamaicanos no Reino Unido. A
exposição, portanto, por si só já se configurava como um evento importante no
que diz respeito ao seu ineditismo e desejo de oferecer ao público o que podia
ser visto como um panorama da “arte jamaicana” ou, melhor dizendo, da “arte na
Jamaica”. 



A relação entre a Inglaterra e a Jamaica, importante lembrar, se deu através
da invasão, exploração e escravidão da ilha caribenha desde 1655, logo após
mais de um século de domínio espanhol. Impressiona lembrar que a independência
da Jamaica em relação aos britânicos apenas se deu em 1962 e faz com que o país
tenha uma história democrática jovem de pouco mais de cinquenta anos. Aquilo
que poderia ser chamado de “passado colonial” não se trata de um fenômeno tão
reservado a uma memória dos tempos anteriores, mas ainda se sente diariamente
nos diversos problemas sociais percebidos na Jamaica. A relação entre imagem e
pós-colonialismo, portanto, se configurava como uma lembrança constante durante
o percurso expositivo.







A curadoria feita por Kat Anderson e Graeme Mortimer Evelyn ocupava o
espaço expositivo por meio de dois diferentes núcleos. O primeiro, que recebia
o espectador na entrada, reunia artistas contemporâneos que vivem na Jamaica ou
fora de lá. Já o segundo, intitulado “20th century artworks”, era baseado em
obras de coleções importantes como a da National Gallery of Jamaica (Kingston)
e a coleção Cavin-Morris, de Nova Iorque. Além das obras ali expostas, uma
série de performances e trabalhos colaborativos foi realizada fora do espaço institucional.



Quando o corpo do espectador entrava na primeira sala da exposição –
dedicada à arte contemporânea –, era notável o grande número de obras ali
reunidas; ficava claro que se tratava de um projeto que se esforçou para
atingir seu título de maior exposição desse porte quanto ao número de obras.
Por outro lado, essa espécie de horror
vacui curatorial impedia que algumas obras fossem contempladas sem a
interferência direta de outras. Além disso, eram poucas as obras – com exceção
da grande instalação de Andrea Chung – que convidavam o nosso corpo a ter
experiências que não fossem tão frontais em relação às imagens. Se por um lado
a grande reunião de obras era louvável, por outro era difícil não se questionar
se o número de obras não poderia ser menor para favorecer uma forma de
mostra-las com mais espaço de respiração.



















Dividida em temas que continham textos sobre diferentes aspectos da
cultura jamaicana como “No man is an island”, “Mr. Politician Man” e “Out of
many, one people”, ao caminhar no núcleo contemporâneo era possível estabelecer
alguns vínculos formais e temáticos entre as obras selecionadas. Podemos
afirmar que a presença do corpo humano e, mais do que isso, a reflexão em torno
do corpo negro e da negritude eram temas que percorriam grande parte das obras
ali reunidas. Estatisticamente, a população negra na Jamaica diz respeito a
mais de noventa por cento da população total. Mesmo assim, a estrutura
socioeconômica desigual do país contribui com o racismo e o confronto entre uma
elite econômica que ainda é em sua maior parte branca e as classes mais pobres.
Parece natural, portanto, que diversos dos artistas presentes na exposição se
questionem sobre aspectos da vivência cotidiana negra na Jamaica.



Logo na entrada da exposição se via uma obra de Ebony G. Patterson,
artista de Kingston que nos últimos anos ganhou atenção devido às suas
participações na edição deste ano da Bienal de São Paulo e de exposições
individuais em Nova Iorque. Sua obra feita do encontro entre pintura, tapeçaria
e apropriação de objetos “II Treez in a forest” versa sobre a pose ostensiva do
corpo negro masculino na Jamaica decorado com roupas caras e joias em contraste
com a potência plasticamente decorativa de suas imagens. Esses rostos, porém,
não possuem a cor negra de seus membros e tem sua pele tomada por alvejante
para clarear seus corpos. Mais à frente, as pinturas de Kimani Beckford também
investigam o protagonismo do corpo negro, mas através de uma fatura mais
melancólica. Trajes aparecem ao centro de suas composições e remetem a
diferentes posições na sociedade jamaicana, mas um olhar atento perceberá que
se tratam de vestimentas sem corpos – fica o ícone do poder, saem as
identidades e a possibilidade da negritude estar presente. Ao fundo dessa
grande sala, as cores de Leasho Johnson também se destacavam e confrontavam
imagens de mulheres negras escravizadas em plantações coloniais de banana e um
corpo contemporâneo, sinuoso e sexualizado, em que a mulher é vista entre o
emporadamento e a objetificação.



Essa reflexão sobre a relação entre corporeidade, gênero e sexualidade
se fazia presente em outras obras que roçavam na problemática presença da
homofobia (embasada legalmente) na Jamaica. Camille Chedda apresentava uma
pintura em que um célebre monumento de Kingston – o “Redemption song”, de Laura
Facey – era recodificado: no lugar de um homem e mulher negros frente a frente,
por que não dois homens negros? Essa imagem aciona rapidamente a história da
sexualidade no país e possibilita que se estabeleça diálogos, por exemplo, com
a extensa pesquisa de Lawrence Graham-Brown em torno de performance e
homossexualidade negra e masculina. Além de realizar uma performance em
Bristol, o artista mostrou estranhos objetos que refletiam sobre a intimidade
das relações humanas. Uma série de fotos era encadernada como uma espécie de
diário e era exposto ao lado do que parecia um jockstrap de ícones culturais jamaicanos que almejavam a liberdade
política e poética dos corpos.



Como qualquer exposição que tente apresentar o panorama de uma
identidade nacional – algo tão comum nas curadorias que tendem a uma nova
colonização cultural em museus na Europa e nos Estados Unidos – era inevitável
percorrer a exposição e não concluir que a maior parte das obras reunidas acaba
por apresentar “temas jamaicanos” para um público estrangeiro. Por vezes, como
nesses trabalhados referidos, esses tópicos apresentavam potência; em outros
momentos, pareciam ser eclipsados pela insistência dessa seleção curatorial.
Por outro lado, as poucas obras que pareciam fugir a esse pertencimento
identitário explícito chamavam a atenção positivamente pela sua exploração
formal e matérica. Era bom perceber que nem todos os artistas jamaicanos ali
mostrados estavam interessados na “jamaicanidade” da imagem – nesse sentido
podemos destacar as pesquisas de Deborah Anzinger e seu interesse pela relação
entre pintura, escultura, reflexo e instalação, e um interessante objeto de
concreto de Camille Chedda que mais do que “mostrar” os clichês jamaicanos, os
enterrava e ocultava da visão do espectador.

















Creio que o maior problema dessa exposição quanto às suas estratégias
curatoriais diz respeito a essa divisão estanque entre o “contemporâneo” e
aquilo que poderíamos chamar (mesmo que o termo sempre atrapalhe) de “moderno”.
Em vez de criar diálogos transhistóricos e mostrar como alguns tópicos
contemporâneos tem, certamente, raízes no passado, o público era apresentado a
duas exposições que pareciam irmãs distantes. Talvez fosse mais interessante
contrapor obras e também informar mais ao público a respeito de artistas tão
importantes para a história da arte na Jamaica como Albert Huie, Everald Brown
e Evadney Cruickshank. Suas imagens e seus interesses de pesquisa em campos tão
diferentes como os da abstração, da pintura de paisagem e da representação de
retratos e tipos jamaicanos – sem falar em suas faturas pictóricas totalmente
diferentes – mereciam um cuidado maior para evitar com que a entrada no
segmento histórico da exposição não parecesse algo tão enfadonho quanto comparado
com a primeira unidade da curadoria.







Mesmo
com as fragilidades aqui apontadas, certamente “Jamaican pulse” se configurava
como uma importante exposição. Ao sair da exposição, a curiosidade em torno da
produção de arte na Jamaica era certamente ativada e convidava a continuar a
pesquisar e descobrir outros aspectos, artistas e tópicos da produção de arte
na ilha. O pulso da Jamaica apresentado na exposição era certamente acelerado e
excessivo, mas esse mesmo aceleramento provocava o desejo por conhecer mais e,
se possível, apresentar criticamente outros modos de expor e interpretar
imagens a partir da espinhenta relação entre arte, Jamaica e contemporaneidade.








(texto publicado originalmente na Artnexus de dezembro/2016-fevereiro/2017)