Crítica Teatral: Maça
Autor: Herbert Silva Leão  | Publicado: 2016-08-03T00:10:00-03:00



UM PERCURSO DE MAÇÃ
(Percepções acerca da poética e estética do acontecimento cênico 
“Maçã”, uma realização do coletivo COATO no Laboratório de 
Experimentação Estética do Museu de Arte da Bahia)

Por Herbert Silva Leão









Em tempos frenéticos o ato de se reunir com 
seus pares em busca de um processo de aprendizagem em criação coletiva é
 uma potente fonte de produção de capital simbólico, importante na 
formação de nossa conduta social; tanto para os artistas integrantes, 
como para o público receptor dessa criação.

Com o vertiginoso avanço da globalização e 
das tecnologias, que mudam paradigmas na construção de nosso entorno e 
em nossas relações, como por exemplo as facilidades que chegam a nos 
desencorajar de sair de casa para confrontar o espaço e a convivência&nbsp;em
 locais públicos, é essencialmente de bom grado reconhecermos a 
importância de&nbsp;grupos, coletivos, companhias e artistas que de forma 
militante nos mostram o poder do&nbsp;vínculo, da troca e da experiência ao 
forjarem corealidades através de suas poéticas&nbsp;que nos propõe uma 
experiência estética.

Foi a partir de reflexões do gênero que fiz 
minha escolha de estar presente em “Maçã, um acontecimento cênico”, um 
espetáculo de préformatura&nbsp;do estudante de direção teatral da 
Universidade Federal da Bahia, Marcus Lobo, sob a orientação do Profº 
Doutor em Artes Cênicas, Gláucio Machado.
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Como pude encontrar no programa do espetáculo: “Escolher é um verbo de 
ação que requer um deslocamento […] automaticamente a escolha te faz 
excluir todas as outras opções e isso te impulsiona ou te faz 
retroceder.”
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Levantarei aqui, primeiramente, questões que me foram percebidas como
 escolhas poéticas para o desempenho do acontecimento cênico. Ciente de 
que o coletivo está em&nbsp;constante processo de investigação entre diversas
 áreas das artes contemporâneas, tendo&nbsp;como um dos pontos de apoio os 
fenômenos estudados pela etnocenologia, conceito&nbsp;que teve como precursor
 de seus estudos no Brasil, o ator, encenador e pesquisador&nbsp;Armindo Bião
 (1950 2013); portanto, as ideias aqui expostas não são imutável, 
assim&nbsp;como, nossas buscas e aprendizados, percepções e entendimentos.
Em seguida, esboçarei algumas questões estéticas, que dizem respeito 
ao recorte da cena (co-realidade)&nbsp;encenada (apresentada) pelos artistas 
(atores performers). Esboçarei aqui, partindo do pressuposto de que 
minha recepção do objeto artístico se deu através de materiais de 
referências, tanto de outras experiências artísticas vividas, como de 
textos lidos ou fatos da vida social que contribuíram para a decifração 
do fenômeno em questão, onde as mensagens e signos nele contidos foram 
captados através das ligações e sentidos aflorados pela experiência 
estética. Faço aqui uma alusão ao conceito forjado e ampliado pelo 
alemão Hans-Robert&nbsp;Jauss em sua estética da recepção, denominado de 
horizonte de expectativas.





Para que Maçã pudesse acontecer, o coletivo COATO ocupou, ou melhor, 
se instalou nas dependências do Laboratório de Experimentação Estética 
do MAB. O laboratório é como se fosse a casinha dos fundos do casarão do
 museu, e apesar de todos os problemas defrontados pelo coletivo para 
com a acessibilidade e peculiaridades do espaço, é de se comemorar o 
nascimento de mais um equipamento cultural, onde experimentações 
estéticas possam acontecer e criações virem a público. A instalação 
foi&nbsp;muito bem elaborada pelo COATO. O espaço foi disposto entre sala e 
antessala. A
antessala era uma câmara escura, com um foco de luz âmbar, em suas 
paredes pretas continham frases provocativas, a exemplo: “Qual corpo 
você habita hoje?”, desenhos abstratos, algumas fotografias e numa das 
paredes era exibido, logo na entrada do público, o aquecimento dos 
artistas numa projeção em tempo real que acontecia na sala&nbsp;principal. 
Logo após nos defrontarmos com tudo isso, uma hostess nos convidou 
para&nbsp;sala do ato, onde fomos recebidos por uma atriz-performer&nbsp;que 
caracterizada de sátiro&nbsp;esporrava boas-vindas&nbsp;em inglês num ritmo 
frenético. Ela nos convidava a ocupar os&nbsp;lugares, cadeiras e colchões, 
dispostos nas laterais da esquerda e da direita da sala que 
é&nbsp;interpelada por vigas de concreto, uma projeção tomava conta da parede
 lateral front e a&nbsp;técnica da outra lateral back, formando assim o 
centro para o acontecimento cênico.
Essa sala principal era igualmente escura, com iluminação advinda de 
lanternas utilizadas pelos performers e da projeção exibida. Cabides de 
paredes estavam dispostos por toda a sala descansando os figurinos dos 
performers que se encontravam nús.
As cenas aconteciam em um lúdico cenário formado praticamente por 
colchões infláveis que eram dispostos de variadas formas mudando a 
estética do espaço numa movimentação continua, realizada pelos artistas 
conforme o ato ia sendo executado. As falas dos performers foram 
compostas por uma bricolagem de potentes textos e indagações do coletivo
 (Bricolage por Levi Strauss em “O pensamento Selvagem” é: deslocamento 
de termos de um sistema classificatório para outro, construindo 
significados diversos em função dos novos arranjos obtidos). Dentre os 
escritos, uma criação coletiva entre os artistas membros, em bricolagem 
com “O Poder do mito” de Joseph Campbell que aborda os nascimentos 
virginais, o casamento, a trajetória do herói e o sacrifício ritual, 
“Abel” de Rafael Medrado que traz uma roupagem moderna da história 
bíblica “Caim e Abel”, “Psicose 4:48” de Sarah Kane, onde uma pessoa com
 depressão psicótica já não consegue diferenciar realidade de sonho. E 
um texto de abertura escrito pelo professor Raimundo Leão.
O texto bricolado tornase&nbsp;potente e pulsante, pois as falas assumidas
 pelos artistas em jogo trazem suas posições críticas perante o mundo, 
num misto de ficção e realidade numa linha tênue e limítrofe entre 
teatro e performance.
Os corpos em cena me lembraram a busca dos corpos sem orgãos, 
conceito de Deleuze inspirado em Antonin Artaud. (“O corpo sem orgãos é 
feito apenas de osso e de sangue […] o corpo sem orgãos não tem boca, 
não tem língua, não tem dentes. É você reconstruir o homem que você é. É
 plenitude e vazio, é carne sofredora convertida em 
“corpodeconsciênciadamorte.”

A abertura do acontecimento simbolizava o gênesis; a criação do mundo
 por Deus, a criação do homem, da mulher, o pecado original. Eva criada a
 partir de uma costela de Adão, teria o levado a pecar após a serpente a
 ter convencido de comer do fruto proibido e ela o convencer a fazer o 
mesmo. Submissão e definição dos corpos a partir de instituições 
sociais, formas de tornar nossos corpos dóceis e lógica baseada no 
patriarcado são alguns dos questionamentos levantados no acontecimento 
cênico.
Assim, o desenrolar seguiu trazendo a relação de Caim e Abel, os 
filhos do pecado, para a cena. Essa passagem levantava questões de 
paradigmas discriminatórios, como os quais nós humanos insistimos em 
rotular e classificar tudo e todos, gerando sofrimento e fragmentação 
nas relações sociais. Isso me veio a mente o romance “Caim” de José 
Saramago que remonta a história bíblica a partir de uma conversa deCaim 
com Deus, logo após ele ter assassinado seu irmão. Caim que acusado por 
Deus argumenta que o soberano também tem culpa no ocorrido, primeiro por
 não ter aceitado&nbsp;suas oferendas e segundo por não ter intervindo na 
tragédia. Ao ouvi-lo, o todo&nbsp;poderoso acaba admitindo sua falha diante 
da morte de Abel, e responde que recebeu&nbsp;apenas a oferenda do irmão para
 testar a fé de Caim. Em seguida o altíssimo faz um&nbsp;acordo que consiste 
no silêncio de Caim sobre sua parcela de culpa, e como recompensa&nbsp;o 
soberano não iria castigá-lo&nbsp;e lhe garantiria proteção até o fim da 
vida.

Ao desenrolar, questionamentos acerca de sexo, gênero, raça e credo 
eram suscitados e indagações eram levantadas ao público. Discussões 
acerca da violência contra a mulher,&nbsp;a luta por direitos democráticos, 
por reconhecimento de identidades minoritárias&nbsp;também eram 
compartilhados dentro do contexto.
Nós, público, estávamos diante de um conflito que nos proporcionara 
interrogações e reflexões acerca das lutas expostas. Ali as barreiras da
 imaginação estavam a dar suporte a questões que rodeiam nossa 
realidade. Uma performance que nos apresentou&nbsp;algo com a função social 
primordial do teatro que é nos fazer refletir acerca de nossas&nbsp;condutas 
na sociedade, não pelo meio da identificação com personagens, mas 
por&nbsp;identificação das lutas e causas em comum.
Essa escolha de um ato político que indica um forte comprometimento 
social dos participantes acaba trazendo um discurso político direto, que
 por vezes se perde com o sentido de arte para alguns teóricos, onde 
apesar de estar ligada a questões de nossas sociedades, ela se imbui 
disso para criticar e criar algo para além disso de forma sútil e 
inovadora. Esses caminhos que percorrem as artes, aqui as cênicas, de 
engajamento político direto possuem críticas do teor que leremos abaixo,
 que nos vale aqui como fonte de inspiração para levantarmos 
questionamentos acerca dos rumos da criação dos&nbsp;objetos/experimentos 
artísticos:

“Apresentando a sua vivência como obra, o 
performer-ator&nbsp;se desobriga-se&nbsp;de plasmar, no plano estritamente formal,
 um mundo simbólico que se&nbsp;sustente e, ao mesmo tempo, permaneça em 
contraste com o mundo real, no&nbsp;qual ele simplesmente existe. Por essa 
razão, atualizando a clássica relação&nbsp;entre a ética e a estética, que 
tem o valor como base comum, seria&nbsp;conveniente desenvolver, junto às 
preocupações técnicas sobre a “arte da&nbsp;performance”, uma preocupação 
ainda maior sobre a ética do espetáculo,&nbsp;uma vez que a performance pode 
se transformar num confortável disfarce
para “artistas” que tem pouco a mostrar, além de sua carência de atenção
 e&nbsp;reconhecimento, e quase nada a declarar, além do bordão de que a vida
 se confunde com a arte e de que ambas são efêmeras.”



Nos últimos 20% do acontecimento uma outra provocação foi lançada ao 
público, a de que o ato só chegaria ao fim se alguém se propusesse a 
comer uma maça trazida pelos atores para a cena, numa interação com o 
público que determina o término ou não do ato. Isso para mim, era a 
simbolização de que estamos todos no mesmo barco e que ao comer aquela 
maça estaríamos selando tal parceria com o presente e aquelas causas, 
aceitando nossa condição de construtor também de uma realidade plural e 
diversa. Desapegando de dogmas que por séculos causam sofrimentos.
Por fim, acredito que ao levantar questões e escrever sobre 
experiências artísticas, refletindo sobre escolhas poéticas e estéticas,
 acabamos por forjar uma (in)definição das&nbsp;artes em nosso tempo. Até que
 ponto a arte traz ou deve trazer o discurso político, social e 
econômico direto? Como os discursos do âmbito social e político direto 
trazidos&nbsp;pelo coletivo de uma forma marcante e direta, tomando partidos e
 posições. É claro que&nbsp;não podemos desconsiderar essas escolhas, até 
porque ser eclético pode nos trazer&nbsp;frustrações, vários são os caminhos e
 é preciso escolher, porém acredito que a sutileza&nbsp;ao levantar 
determinadas questões possui um poder maior de penetração nas 
reflexões&nbsp;que possam a vir ser levantadas pelos receptores, que não 
precisam ser iniciados em&nbsp;certos assuntos para poder compreender ou 
simplesmente serem conduzidos do começo&nbsp;ao fim pelas mesmas posições dos
 artistas em suas poéticas.


fotos divulgação: Talitinha Andrade



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Link da crítica no Blog Canto de Poesia da produtora cultural Gabriela Blenda