Livro traz panorama das artes gráficas desde o Império
Autor: ilustrações artisticas | Publicado: 2012-02-20T05:44:00-08:00

Antes de ser um mapeamento  exaustivo do design brasileiro desde que a primeira máquina de impressão  chegou aqui há dois séculos, o livro "Linha do Tempo do Design Gráfico  no Brasil" é uma obra panorâmica que reúne peças representativas da  produção gráfica brasileira entre 1808 e o fim do século passado. Com  lançamento dia 1.º março, no Instituto Tomie Ohtake, o livro foi  organizado e projetado por Elaine Ramos, diretora de arte da editora  Cosac Naify, em parceria com o designer Chico Homem de Melo, professor  da Faculdade de Arquitetura e Urbanismo (FAU) da USP. Colecionador de  peças gráficas produzidas no Brasil em todas as épocas, o designer  garimpou nos sebos da cidade algumas preciosidades que estão no luxuoso  volume - aproximadamente 30% das peças, entre capas de livros, discos,  ilustrações de revistas, cartazes de cinema e teatro, anúncios  publicitários e páginas de jornais. 

São 1.600 imagens  reproduzidas da coleção do designer, de acervos públicos e particulares,  antiquários e livreiros. A primeira delas, de 1747, saiu da oficina de  Antonio Isidoro da Fonseca. É um rara peça gráfica impressa no Brasil no  longo período de três séculos em que a atividade tipográfica esteve  proibida no País por decreto da Corte portuguesa. Obviamente, por temer o  poder subversivo da palavra impressa, ela ordenou a interrupção das  atividades do gráfico em seguida. Impedidos de exercitar sua arte, os  tipógrafos tiveram de esperar a chegada da família real e, mesmo assim,  só na segunda metade do século 19 é que alguns deles, mais corajosos,  desafiaram as convenções para brincar com palavras e imagens, abrindo  caminho para a experimentação moderna. 

Os periódicos dedicados à  sátira política, que proliferam na década de 1860, são os veículos  desse furor experimental, revelando caricaturistas como o alemão  Henrique Fleiuss, o italiano Angelo Agostini e o brasileiro Rafael  Bordalo Pinheiro como pioneiros da arte da ilustração. 

Artistas  gráficos ousados exigem editores igualmente sintonizados com o  experimentalismo. Homem de Melo destaca o papel do escritor Monteiro  Lobato e da editora que levava o seu nome, nos anos 1920, na descoberta  de jovens talentos. Ele revelou o versátil J. Prado e apostou, um ano  antes da Semana de Arte Moderna de 1922, nas inovações do carioca de Di  Cavalcanti, que, aos 24 anos, assinou para ele uma revolucionária  graphic novel, "Os Fantoches da Meia-Noite". 

Nem todos os  artistas gráficos foram tão modernos. "É certo que os ilustradores desse  segundo período das artes gráficas no Brasil descendem do humor e da  pintura realista", observa Homem de Melo. Enquanto a vanguarda russa  levantava a bandeira do construtivismo, os ilustradores brasileiros  curtiam a ressaca do art nouveau, abraçando três anos depois da Semana  de 22 o grafismo art déco, embora nenhum dos dois estilos fosse  predominante, segundo Homem de Melo. As revistas modernistas (Klaxon,  Arlequim, Ariel) deram um novo impulso aos artistas experimentais, que  renovaram o repertório visual com o geometrismo de Tarsila do Amaral e  Paim. 

Nos anos 1930, a questão da identidade brasileira,  levantada pelos modernistas, marca o advento de uma nova arte gráfica  que revela Goeldi e Santa Rosa como ilustradores preocupados com ela.  Nos anos 1940, a fotografia colorida concorre com a sutileza e elegância  dos traços de ambos - e a orgia cromática da popular revista O Cruzeiro  estabelece as regras do mercado até que o Brasil dos anos JK resolve  ingressar de fato na modernidade com Brasília, a bossa nova e a arte  concreta. Foi na década de 1950 que a Bienal trouxe a abstração para o  Brasil e a arquiteta Lina Bo Bardi criou um instituto para a difusão do  design. "Os anos 1950 foram os da semeadura, a década de 1960 foi a da  explosão e a seguinte, a da consolidação do design brasileiro", resume  Homem de Melo. 

A editora de arte Elaine Ramos, que organizou  anteriormente a "bíblia" da disciplina, História do Design Gráfico, de  Philip Meggs e Alstron Purvis, diz que a hegemonia do modernismo  eclipsou outras escolas e tendências que o livro resgata. "A questão da  autoria não foi nosso foco, era a linha do tempo e o valor individual  das peças que nos interessava." Naturalmente, não se ignorou a presença  de criadores como Alexandre Wollner, Geraldo de Barros, Almir Mavigner,  Mary Vieira e Amilcar de Castro, mestres da linguagem construtiva nos  anos 1950, década que viu nascer aqui a arte do austríaco Eugênio  Hirsch. O livro de design dá especial atenção aos anos 1960 e 1970, que  ampliou o diálogo com a arte gráfica estrangeira, como comprova a capa  do disco Milton (de Kélio Rodrigues, 1970), tributo ao designer  americano Milton Glaser. 

Nas décadas mais recentes, a dupla de  autores identifica a volta da ilustração no lugar da fotografia como  sintoma mais forte de uma certa retromania. "A manipulação das imagens  pelos meios eletrônicos é exagerada", analisa Elaine Ramos, enquanto  Homem de Melo justifica o fenômeno como fruto de um certo "esgotamento  da linguagem fotográfica digital, que leva o artista a tentar a  recuperação do sabor original do design gráfico". Hoje, segundo ele, há  uma certa mania conceitual "que conduz os criadores a fórmulas e à perda  da espontaneidade".