2008 - Ensaio Crítico - A partir da Primavera Nocturna, Claudia Bakker, Galeria Graça Brandão, Porto-Portugal
Autor: Artur Souza | Publicado: 2012-09-23T07:07:00-07:00



Brasil. Anos 60 (1960). A hegemonia do capital das multinacionais, partindo da internacionalização, deu origem a uma nova etapa do Capitalismo. As medidas adotadas por João Gulart com a finalidade de atenuar o grave problema da desigualdade social e as pressões políticas que vinha sofrendo dos movimentos de esquerda, fez com que as camadas sociais dominantes (elites dominantes do capital nacional: classe média e alta), percebessem os sintomas que poderiam romper com a manipulação das massas. Aliadas ao governo americano, com a participação do Congresso e do Exército instauram no dia 31 de março de 1964 a Ditadura Militar. Imposta por Atos Constitucionais, fundamentadas por leis e decretos militares, estabelendo um período de vinte anos de repressão às manifestações culturais, sindicais e anulação de direitos adquiridos em acordos conseguidos por movimentos sociais.
É neste contexto político que surge o principal movimento artístico pós-modernista brasileiro caracterizado pelo protesto político e social: a Tropicália. Um movimento que se inicia na música por Gilberto Gil, Caetano Veloso, Nara Leão, Gal Costa, Tom Zé, da banda Mutantes e Torquato Neto, dentre outros. Movimento este que procurava universalizar a linguagem da Música Popular Brasileira, incorporando elementos da cultura jovem mundial, como o rock, a psicodelia e a guitarra elétrica. Unindo o popular, o pop e o experimentalismo estético. Composições de caráter crítico que compunham o quadro complexo em que o Brasil estava imergido.
O Movimento Tropicalista teve seu campo expandido da música às artes plásticas compartilhando de estéticas e conceituações ligadas diretamente aos percausos políticos que o Brasil estava a enfrentar. Hélio Oiticica ao utilizar materiais efêmeros (madeira, carvão, terra crua, tecido) denunciava a democracia “faltante”, agindo como um artista propositor: o artista apresenta as ferramentas plasticamente construídas e o espectador é o ator sobre este trabalho (obra). Democratizando as obras e o acesso do público ao espaço de exposições como metáfora a supressão das liberdades individuais de expressão.
Desenvolve-se após este período uma produção embasada na desconstrução dos elementos primeiros da arte (suporte e material) partindo para uma arte conceitual ligada e o “experimentalismo” nas artes visuais. Claudia Bakker - artista carioca, atuante no eixo Rio-São Paulo, que realiza desde 1994 instalações e performances, com o registro fotográfico, que novamente são retrabalhados e resignificados em novos suportes - ao intervir ora sobre o espaço, ora sobre o suporte, com materiais efêmeros (luzes, maças, tecidos e cordas etc), tende a retomar estes experimentos com o efêmero.
A exposição “A Partir a Primavera Nocturna” é a retomada das experiências estéticas decorridas da exposição “Primavera Nocturna” na Fundação Eva Klabin, Rio de Janeiro, no ano de 2007, onde interviu sobre uma sala de jantar com cordas e documentou em uma série de fotografias, expostas posteriormente. Nesta exposição apresentada no Porto, Portugal, retoma o desenho abstrato a sua produção artística. Mas com a significante influência cromática presente em sua exposição anterior, assim como os tropicalistas que utilizavam luz e cor como elemento simbólico e significativo nas obras.
Ao se penetrar o “cubo branco” da Galeria Graça Brandão o expectador se depara com o silêncio-branco da galeria entrecortado com sons-vermelhos. A calma-limpa-branca maculada por desenhos. Muito mais silêncio, do que sons. Poucos trabalhos apresentados, seis . A primeira vista o espectador observa apenas três trabalhos, dois a recepcionar o espectador (“É Primavera e a Espuma do Mar Brilha à Noite” 164,5x134,5cm, “Na primavera Nocturna o Céu é Rosa ao Entardecer” 164,5x134,5cm, ), um à esquerda e outro a direita, e um ao fundo ( “O Dragão Vermelho e as Algas Flutuantes”, 164,5x134,5 cm) . Mas o caminho da exposição nos leva a observação da parte central da exposição, ritmicamente constante com a série fotográfica “Fragmentos da Primavera Noturna” (8 fotografias de 11,5x10cm), que liga a presente exposição a anteriormente apresentada, em 2007. Mas isso ainda deixa um grande espaço branco para o entendimento do espectador, que logo é iluminado pelo texto da exposição, onde a artista lança os fios ao expectador para que possa tecer sua história e suas interpretações sobre as experiências estéticas apresentadas. O texto da exposição serve como “fio condutor” ao expectador que pode sentir-se na corda bamba entre continuar a observar o trabalho e ir embora.
Há no trabalho de Bakker uma inquietação e uma “regressão” ao passado, as questões da infância, a linha vermelha que se estende sobre o tecido branco, percorrem o espaço limpo e tentam traçar caminhos, emaranhados no tempo e no espaço, ora revisitando-os ora traçando novos rumos (construções lineares mais “limpas”).
Há na exposição um caminho que ora pode tentar ser conduzido pelo texto e ora pela série de fotografias da exposição realizada no Brasil, a ocorrência da redução de escala, se comparado o trabalho intervencionista, sugere uma “maquetização” com a fluência e dispersão de mais cordas pelo espaço.
Os trabalhos expostos recorrem ao gesto, algo presente nos trabalhos expressionistas abstratos, como os trabalhos de Pollock, mas o rítmo é constante com linha melódica única. Nota-se o movimento gerado pelo desenrolar e re-enrolar o novelo e a linha. Na tentativa de tecer. De tercer sobre o tecido algo biográfico. A posterior “colocação” sobre o tecido branco. Criação de pontos confusos de grande emaranhado, nós, desenhos livres, ora harmônicos ora desconexos na sinfonia do quadro, criando composições ora equilibradas ora dissonantes. E a propagação da cor-som-energia pelo espaço expositivo. Os trabalhos estão enclausurados sob moldura e vidro. Que impedem que as correntes de ar gerem na planaridade do tecido uma reverberação, o movimento livre, a ondulação do próprio suporte unindo-se a emissão de luz vermelha, que poderia gerar ao trabalho as interferências construtivas e destrutivas sobre o desenho.
“A imagem, entendida como forma de apropriação do mundo, fica a oscilar entre a sua apresentação e a sua modificação. Com efeito, a imagem do mundo pode ser tanto a representação da realidade como a constituição verbal que permite mediar a figura do mundo (p.15)” Fernando Guimarães, em A Obra de Arte e o seu Mundo (Quasi Edições), cita a abstração na produção contemporânea delimitando um caractér subjetivo e claramente visto nos trabalhos apresentados na exposição. Os títulos dos trabalhos remetem a uma contemplação ora “com os olhos de ver” e tentar “achar” algo pictórico, ora em tentar traçar um percurso conceitual que o ligue a experiência proposta pela artista, que além de traçar uma conexão com o trabalho de Hélio Oiticica ao utilizar do “cromatismo vermelho” em seus trabalhos se liga ao trabalho de Arthur Bispo do Rosário (1909-1989), artista sergipano, “esquizofrênico-paranóico” que parmaneceu por cinquenta anos internados em um manicômio em Jacarépagua, Rio de Janeiro, que produzia objetos com materiais oriundos do lixo e de sucata que, após serem descobertos, foram classificados como arte vanguardista e relacionados ao trabalho de Marcel Duchamp, mas o seu trabalho mais conhecido é o “Manto da Apresentação”, que seria utilizado no Dia Juízo Final e marcaria a passagem de Deus na Terra, além de manipular signos com a construção de discurso fragmenta a comunicação em códigos privados, criando assim a abstração ao espectador, mas significante ao nível da experiência pessoal do artista.
Os trabalhos apresentados em “A Partir da Primavera Nocturna” se interligariam a uma produção surrealista se não fosse o carácter conceitual e dialético, que também é evocado no trabalho de Bispo do Rosário: o que é artesanal (?), qual o “limite” entre o objeto de arte e o artesanato (?) e para elém disso qual o limite entre o real e a abstração (?). Os três artistas partindo de algo manualmente feito (artesanal) e consceitualmente construído (“obra de arte”, na contemporaneidade) quebram esta barreira. Bakker propõe isto em um período onde a arte é marcadamente influenciada pelo fluxo veloz do byte, com a manipulação e criação virtual. O retorno ao artesanal é, se não, um suspiro de liberdade individual artística a “evolução” desenfreada e aniquiladora que a tecnologia parece impor a arte e a vida, um retorno, um pouco calmo sobre o colo da avó que trama em suas mãos sua memória e a sua vida. Há maternalismo. Na primavera as flores reaparecem sobre os campos demarcando um período de fertilidade e de multiplicação, o vermelho oriental-sangue marca o período de início e fim, a felicidade floral e o término em sangue.
Os trabalhos apresentados nesta exposição estão conectados com a produção contemporânea brasileira dos anos 60 e 70. Não é uma exposição de fácil percepção para o expectador, que ao percorrer as galerias comerciais da Miguel Bombarda, no período, pode achar “só mais uma”, não valorando, primeiro pelo desconhecimento cultural, dos aspectos históricos e sociais ao qual as obras surgem, se quiser “fruir” o trabalho apresentado e tentar conectar-se interpretativamente a autora. É uma exposição para ser vista com calma e paciência para se tentar criar um fio entre os trabalhos, e para tornar significativa a experiência de contemplação e construção própria de significados, uma vez que a artista apresenta uma “obra aberta”. Olhar e tentar perceber em si onde os fios o tocam e onde tecem significados com o apresentado. Remeter a infância colorida e as experiências táteis. Brincar com o fio da vida que é vermelho.




os trabalhos referenciados estão no site da artista:&nbsp;http://www.claudiabakker.com.br/