Semana da arte moderna de 1922
Autor: alunos do 9anob | Publicado: 2011-09-16T17:03:00-07:00

Anita Catarina Malfatti
Nasceu em São Paulo, em 1896, e seus primeiros estudos artísticos foram  orientados pela mãe, pintora amadora. Em 1912 foi enviada para a  Alemanha, a fim de cursar a Academia de Belas-Artes de Berlim, após  curto estágio em Dresden. A própria artista, em depoimento de 1939,  assim descreveu esses primeiros tempos na Europa: "Em Berlim continuei a  busca e comecei a desenhar. Desenhei seis meses dia e noite. Um belo  dia fui com um colega ver uma grande exposição de pintura moderna. Eram  quadros grandes. Havia emprego de quilos de tintas, e de todas as cores.  Um jogo formidável. Uma confusão, um arrebatamento, cada acidente de  forma pintado com todas as cores. O artista não havia tomado tempo para  misturar as cores, o que para mim foi uma revelação e minha primeira  descoberta. Pensei: o artista está certo. A luz do sol é composta de  três cores primárias e quatro derivadas.

Os objetos se acusam só quando saem da sombra, isto é, quando  envolvidos na luz. Tudo é resultado da luz que os acusa, participando de  todas as cores. Comecei a ver tudo acusado por todas as cores. Nada  neste mundo é incolor ou sem luz. Procurei o homem de todas as cores,  Louis Corinth, e dentro de uma semana comecei a trabalhar na aula desse  professor." Após uma curta passagem pela Alemanha se dirigiu a Paris e  retornou ao Brasil em 1914 quando realizou sua primeira exposição  individual. Em 1917 após estudos feitos nos Estados Unidos realizou  outra exposição. Criticas feitas ao seu trabalho por reacionário como  Monteiro Lobato a desestabilizaram e sua obra declinou logo após. Seus  trabalhos foram expostos na Semana de Arte Moderna de 1922 e em outras  exposição onde foi premiada e consagrada.
Para Mário de Andrade, outro expoente do modernismo brasileiro: "foi  ela, foram os seus quadros, que nos deram uma primeira consciência de  revolta e de coletividade em luta pela modernização das artes  brasileiras."

Emiliano Augusto Cavalcanti de Albuquerque Melo - Di Cavalcanti
Possível autor da iniciativa de 1922, Emiliano Augusto  Cavalcanti de Albuquerque Melo, artisticamente conhecido como Di  Cavalcanti, nasceu e morreu no Rio de Janeiro. Teve seu trabalho  publicado pela primeira vez em uma revista, em 1914. Realizou sua  primeira mostra individual em 1917, como desenhista; era então na  opinião de Mário de Andrade, "o menestrel dos tons velados", e utilizava  como meio de expressão predileto o pastel, evocando figuras femininas  "de angelitude então em voga". Em 1921 realizou sua primeira exposição  de pinturas e em seguida presenciou a Semana de Arte Moderna, ao que  parece originada de uma sugestão de Di Cavalcanti e Paulo Prado.

Compareceu com 12 obras nas quais se observa certa persistência de  tendências passadas, como o Impressionismo e o Simbolismo, temperadas  com algumas pitadas de Expressionismo. As críticas, como de costume a  qualquer forma de mudança na arte da época, foram intensas e  arrasadoras. Após a Semana, Di Cavalcanti embarcou para a Europa onde se  dedicou exclusivamente à pintura e onde sofreu muitas influências no  trabalho. Retornando ao Brasil realizou nova mostra e uma exposição  individual. Mário de Andrade não poupou elogios aos seus trabalhos e à  maneira explendida como mostrou o Brasil como ele é. Suas coisas, sua  gente, sua alegria. A década de 40 foi o apogeu do talento de Di  Cavalcanti, que se tornou um dos mais notáveis pintores brasileiros  gerados pelo modernismo.

Flávio de Resende Carvalho
Pioneiro da arquitetura moderna brasileira, pintor desenhista,  escritor, Flávio de Resende Carvalho estudou na Inglaterra e sempre se  distinguiu pelo arrojo e pelo ineditismo de sua atuação. Foi um  inovador, acostumado, desde o princípio, a nunca pisar caminhos já  sulcados. Sua originalidade revelou-se, por exemplo, no Bailado do Deus  Morto, quando realizou cenários luminosos para uma sinfonia coreográfica  de seu amigo Camargo Guarniere. Ou ainda em sua ridicularizada  tentativa de impor, aos brasileiros, um traje mais adequado ao clima do  país, desfilando com um saiote pelas ruas de São Paulo. Grande pintor e  desenhista ligado ao Expressionismo, teve na figura humana seu tema  favorito, sendo famosos os retratos que fez de personalidades da vida  cultural brasileira, como Mário de Andrade e José Lins do Rego.

Mas foi nos desenhos da Série Trágica, realizados junto ao leito de  morte de sua mãe, em 1947, que Flávio de Carvalho atingiu o auge de sua  arte. Sobre esses trabalhos, escreveu Almeida Sales: "Não sabendo  expressar-se mais profundamente
do que por intermédio de sua gagueira de traços acumulados sobre a  folha alva, ousou transformar o quarto da mãe morrendo em ateliê de  registro do estranho fato. Saiu da alcova trágica como um deus que  tivesse detido o processo inexorável da morte. Debaixo
do braço, folhas riscadas com carvão guardavam, indelevelmente, a mais  extraordinária fotografia de todos os tempos: os últimos estertores da  vida de uma anciã entrando na morte, fixado pelo homem nascido de suas  entranhas".

Alberto da Veiga Guignard
Ainda adolescente, Alberto da Veiga Guignard, seguiu com sua  família para a Europa onde cursou as academias de Arte de Florença e  Munique, e expôs por duas vezes no Salão de Outono, em Paris.  Referindo-se a si mesmo na terceira pessoa,
Guignard disse, em 1960, que “de acadêmico passou a moderno , após ter  visto uma exposição de arte moderna alemã: o modernismo o fascinou." Em  1929, retornou ao Rio de Janeiro e lecionou na Fundação Osório e na  Antiga Universidade do Distrito Federal, além de montar seu ateliê.

De meados da década de 30 até o final da vida, Guignard evoluiu  gradativamente, sempre concedendo primordial importância ao desenho.
Em 1944, mudou-se para Minas Gerais a convite de Juscelino e foi como  paisagista que atingiu seu apogeu sobretudo das séries Jardim Botânico,  Itatiaia, Parque Municipal de Belo Horizonte, Lagoa Santa, Sabará e Ouro  Preto. Guignard era dotado de excelente técnica, pintando em camadas  finas, que se sucediam umas sobre as outras, à maneira dos antigos. Sua  pintura é, preferentemente, lisa, ignorando o empaste.

Ismael Nery
Descendente de índios, negros e holandeses, Ismael Nery, tinha dois  anos de idade quando sua família se fixou no Rio de Janeiro; aos 15,  matriculou-se na Escola Nacional de Belas-Artes, da qual foi aluno  rebelde e displicente. Ao contrário de Di Cavalcanti, Tarsila e Vicente  do Rego Monteiro, Ismael Nery buscava o universal: nunca o preocupou a  eventualidade de uma pintura brasileira. Por outro lado, em toda a sua  obra assoma um só tema: a figura humana. Foi, na verdade, um clássico,  cevado na profunda admiração que devotava a Ticiano, Tintorreto,  Veronese e Rafael - admiração que estendeu a
Chagall, Max Ernst e Picasso. Em sua produção, pouco extensa - cerca de  cem óleos, apenas, e de um milheiro de aquarelas, guaches e desenhos,  distinuem-se três fases: a expressionista, de 1922 a 1923; a cubista, de  1924 a 1927 e a surrealista, de 1927 ao fim da vida. Se artisticamente o  período expressionista-cubista é o mais importante e fecundo  (influência de Picasso), o último, marcado por Chagall, é historicamente  o de maior relevo, tendo sido Ismael o introdutor do surrealismo entre  nós.

Lasar Segall
Pintor, escultor, desenhista e gravador, Lasar Segall nasceu  em 1891 em Vilna, na Lituânia, e nessa cidade (então parte integrante do  território russo) deu início ao seu aprendizado, com o escultor e  gravador Markus Antokolski. Em 1906 emigrou para a Alemanha, estudando  na Academia de Belas-Artes de Berlim entre 1907 e 1909, quando foi  desligado por ter participado da Freie Sezession — uma exposição de  artistas descompromissados com a estética oficial — na qual conquistou o  Prêmio Max Liebermanu. Em 1910 transferiu-se para Dresden,  freqíientando a Academia de Belas-Artes local na qualidade de  Meisterschúller (aluno instrutor), dispondo de atéliê próprio e de plena  liberdade de expressão. Em Dresden, no mesmo ano, realizou sua primeira  mostra individual, com pinturas ainda fortemente marcadas pelo  Impressionismo de Liebermann. Tinha Segall cerca de vinte anos quando  começou a se afastar gradativamente da influência de Liebermann e a se  aproximar do Expressionismo.

Sempre em busca de novos caminhos, estava em 1912 nos Países Baixos, e  em 1913 aventurou-se até o Brasil, onde realizou a primeira exposição de  arte moderna. No mesmo ano retornou à Alemanha; em 1914, cidadão russo  que era, foi internado num campo de concentração. Essa amarga  experiência lhe serviria, anos mais tarde, na abordagem de alguns de  seus quadros mais trágicos, inspirados pela guerra de 1939. Até 1923  Segall permaneceu na Alemanha, onde publicou quatro álbuns de  litografias e águas-fortes e realizou exposiç6es individuais em Hagen  (1920), Frankfurt (1921) e Leipzig (1923). A Alemanha vencida  proporcionava-lhe campo propicio ao trágico e rude Expressionismo dc sua  mocidade. Aos 32 anos, já senhor de sua técnica, praticava urna  temática pessoal: velhos leitores do Talmude, camponeses e mendigos,  indigentes e crianças, evocações da terra natal e retratos de parentes e  intelectuais, auto-retratos. Seu desenho é incisivo e anguloso; o  colorido, forte e cru, O corpo humano é deformado de modo a melhor  evocar paixões e sofrimento. Em 1923, decidiu voltar ao Brasil,  radicando-se definitivamente em São Paulo, onde, no ano seguinte,  efetuou nova mostra individual, e realizou a decoração do Pavilhão de  Arte Moderna de Dona Olivia Guedes Penteado. Casando-se em 1925 com uma  discípula, Jenny Klabín, adotou como sua a nova terra, naturalizando-se  mais tarde cidadão brasileiro. Ao mesmo tempo, deu inicio às pinturas de  temática brasileira — mulatas com filhos ao colo, marinheiros e  prostitutas, favelas e bananeiras — expostas em 1926 em Berlim, Dresden e  Stuttgart, em 1927 cm São Paulo em 1928 no Rio de Janeiro.

Em 1929 Segall passou a esculpir, criando, em madeira, pedra e gesso,  as mesmas figuras sofridas e solitárias que já eternizara em pinturas,  desenhos e gravuras. Cabe recordar que seu primeiro mestre, Antokolski,  foi. um dos mais importantes escultores russos do século XIX: sua obra,  influenciada por Rodin, oscila entre os temas judaicos e as grandes  personagens da história russa, sem falar nos mártires e santos do  cristianismo, que muito o seduziram. Pode-se aventar a hipótese de uma  influência, leve mas duradoura, de Antokolskí sobre Segall escultor.  Após ter realizado uma exposição em Paris, em 1932, Segall fundou, com  outros artistas, a Sociedade Pró-Arte Moderna SPAM — da qual foi, por  assim dizer, a alma. Duas de suas series mais importantes de pinturas  tiveram Inicio em 1935: as interpretações da natureza de Campos do  Jordão e os Retratos de Lucy (sua jovem aluna Lucy Citti Ferreira).  Foram intervalos de calma, nos quais vibram tonalidades líricas. Em  1936, porém, o artista estava de volta à antiga ambiência de tragédia e  solidão: é a época de suas primeiras pinturas de temática social, que  lhe garantiram um lugar de destaque entre os principais expressionistas  do século. Essas pinturas preludiam a iminente conflagração mundial, os  massacres, o genocídio. Pogrom.
Na pio de Emigrantes, Guerra, Campo de Concentrado. Os Condenados e as  gravuras do álbum Visões de Guerra (1940-1943) compõem uma dramática  seqüência de sofrimento, raras vezes expresso, em obras pictóricas, de  modo tão intenso e profundo. Uma grande exposição realizada em 1943 no  Museu Nacional de Belas-Artes, no Rio de Janeiro (não sem incidentes  criados pelos pintores tradicionalistas ou acadêmicos), colocou  definitivamente Sega11 entre nossos maiores artistas. Em 1944 a temática  das prostitutas, que vinha desde os tempos da mocidade em Berlim, de  novo irrompe nas gravuras do álbum Mangue. A mesma temática ressurge  numa de suas últimas séries de pinturas,4s Erradias, de 1949. Neste  mesmo ano, tem inicio uma nova fase, interrompida pela morte em 1957: As  Florestas. Lasar Segall é tipicamente expressionista. Enquadrando-se  como artista de técnica e temperamento europeus, pode também ser  considerado brasileiro, não só porque viveu entre nós vários anos,  chegando mesmo a se naturalizar, mas porque se inspirou em nossa gente e  em nossas coisas, chegando, em certos momentos, a ser tocado pela  luminosidade tropical.

Foi excepcional como pintor, como desenhista, como gravador — nas três  técnicas — e como escultor, Além do mais, contribuiu poderosamente para a  implantação da arte moderna em São Paulo e no Brasil, cujos limites  culturais alargou. Sua temática é, no dizer de Geraldo Ferraz, a do  sofrimento humano- O drama de sua raça judaica e, mais do que isso, o  drama da raça humana, ameaçada de extermínio pela violência e pela  intolerância, motivaram-lhe os quadros mais sofridos. Segall nunca foi  maior nem mais sincero do que quando retratou os desamparados e os  oprimidos-+, e em suas grandes obras de cunho social chega a evocar o  Goya dos Desastres de Ia Guerra e o Picasso de Guernica. No fim da vida  tornou-se mais lírico, adotando por vezes tom bucólico ante a paisagem  de Campos do Jordão; sentiu também o apelo do não-figurativismo, na  série As Florestas, que presenciou experiências formais e cromáticas;  mas tinha necessidade da figura humana para externar seus sentimentos. E  é como grande pintor figurativo, um dos maiores que viveram no Brasil,  que será sempre evocado.

Milton Dacosta
Nascido em1915 em Niterói, foi um artista precoce. Sua primeira  participação no Salão Nacional de Belas-Artes se deu em 1933, e sua  primeira mostra individual realizou-se em 1936, na Galeria Santo  Antônio, no Rio. Dacosta estudou na Escola Nacional de Belas-Artes, onde  foi aluno de Marques Júnior. Suas primeiras produções, paisagens de  cunho naturalista, são exercícios de um rapaz de pouco mais de 15 anos,  nos quais já se evidenciavam certas qualidades como um agudo senso de  construção formal, uma tendência inata a captar o essencial das coisas, o  horror ao regional, ao folclórico e ao anedótico. Por volta de 1940,  Dacosta abandonou sua primeira maneira e, sob influência da Escola de  Paris, iniciou uma nova fase, marcada pela influência de Cézanne,  Modigliani, De Chirico e, entre os brasileiros, Portinari.

Essa influência se mostra presente em sua tendência construtiva, sua  atmosfera rarefeita em certos quadros, e nos pescoços longos e nas  cabeças ovaladas de seus ciclistas e banhistas além do despojamento e  severidade de certas naturezas mortas. A influência maior, contudo,  proveio do Cubismo, mas de um cubismo adaptado à circunstância  brasileira e às peculiaridades do temperamento do pintor. Foi essa  paixão pelo cubismo que fez Dacosta substituir gradualmente o  Impressionismo de suas primeiras obras por uma arte mais estruturada,  mais construída. Em 1955, recebeu o prêmio de melhor pintor brasileiro  na Bienal de São Paulo e de viagem ao estrangeiro no Salão de  Belas-Artes de 1944. Várias vezes expôs individualmente e participou de  mostras coletivas. Teve salas especiais na VI Bienal de São Paulo, em  1961, e nas I Bienal da Bahia, em 1966.

Tarsila do Amaral
À margem da Semana de Arte Moderna, despontaram algumas  personalidades importantes, sem as quais não seria possível apresentar  um quadro completo da criação modernista, pois sua obra é fundamental  tanto pelo nível expressivo quanto pela originalidade da solução. E não é  exagerado afirmar que entre esses criadores isolados se encontram  alguns dos maiores artistas brasileiros deste século, como Tarsila do  Amaral, Antônio Gomide, Celso Antônio de Meneses e Osvaldo Goeldi.  Tarsila do Amaral nasceu em Capivari, no interior do Estado de São  Paulo. Estava perto dos trinta anos quando, em 1916, -deu início à sua  carreira de artista, tornando-se aluna dos escultores Zadig e Mantovani.
Em 1917 era aluna de Pedro Alexandrino, nada tendo feito que deixasse  pressupor o alto nível que atingiria sua pintura, anos mais tarde.  Depois dc curto estágio no ateliê do pintor alemão Georg Fischer Elpons,  em 1920 Tarsila seguiu para a Europa, cursando por algum tempo a  Academia Julian, de Paris, e o ateliê de Émile Renard, retratista da  moda. Certas figuras femininas de Tarsila, executadas por volta de 1922,  em pálidas cores com predomínio de azuis, evocam diretamente o estilo  desse mestre, o qual teve o mérito de encorajá-la em direção à  modernidade. Em 1922, Tarsila expunha em Paris, no pacato Salão dos  Artistas Franceses, uma pintura que evocava o passado, sem remeter ao  futuro. Nesse mesmo ano, contudo, retornando ao Brasil, decidiu  modificar sua orientação estética; ao mesmo tempo, ligou-se aos  intelectuais que formavam o Grupo Klaxon: Mário de Andrade, Oswald de  Andrade, Menotti dei Picchia e Sérgio Buarque de Holanda, entre outros.

Logo depois formou, com os três primeiros e Anita Malfatti, o Grupo dos  Cinco, de vida efêmera; em 1923 encontrava-se de novo em Paris para  estudar seriamente. Em janeiro de 1923, ainda sob a influência do  Impressionismo, pintou Paquita, a Espanhola. Na obra seguinte — A Negra —  já se acham algumas das características que marcam sua grande obra. Por  essa época, a artista começou a freqüentar os ateliês dos principais  mestres cubistas. Como escreveu Sérgio Milliet, em 1924, na Revista do  Brasil, "André Lhote foi o seu primeiro mestre. Com ele conheceu a  necessidade de uma reação contra o boichevismo impressionista. Lhote,  pintor secundário, é excelente professor. Traço de união entre o cubismo  e o academismo. Seu segundo mestre foi Fernand Léger. Mais um passo  para a frente: mecanismo da vida moderna, assunto novo, síntese, ritmo,  movimento. Quis, porém, conhecer os requintes da nova tendência e  dirigiu-se a Albert Gleizes. Geometria, abstração do objeto, criação.  Passou pelas três fases do cubismo. Convinham-lhe todas parcialmente.

E continuou a ser Tarsila do Amaral". Ao mesmo tempo em que seu  espírito se abria e amadurecia, Tarsila conhecia Picasso e De Chirico,  Brancusi, Manuel de Falia, Stravinsky, André Breton, Cendrars, John dos  Passos e outros plasmadores da arte do século XX. Em 1924, durante uma  viagem às cidades históricas de Minas Gerais, em companhia de Oswald de  Andrade e do poeta Blaise Cendrars, Tarsila descobriu o Brasil: as obras  que compôs nos anos seguintes constituem a fase "pau-brasil", da qual  E. E. C. B. é altamente significativa. Tal fase resume-se, segundo  Sérgio Milliet, em alguns poucos ingredientes: "As cores ditas caipiras,  rosas e azuis, as flores de baú, a estilização geométrica das frutas e  plantas tropicais, dos caboclos e negros, da melancolia das  cidadezinhas, tudo isso enquadrado na solidez da construção cubista". Em  1926 Tarsila casou-se com Oswald de Andrade. Um dia, em 1928,  surgiu-lhe, sem premeditação, um quadro diferente, início da chamada  fase "antropofágica", na qual se situam seus quadros mais importantes.

A própria Tarsila assim descreve o início dessa fase: "Eu quis fazer um  quadro que assustasse o Oswald, uma coisa que ele não esperava. Aí é  que vamos chegar no Abaporu. O Abaporu era figura monstruosa, a  cabecinha, o bracinho fino, aquelas pernas compridas, enormes, e junto  tinha um cacto, que dava a impressão de um sol, como se fosse também uma  flor. Oswald ficou assustadíssimo e perguntou: ‘Mas o que é isso? Que  coisa extraordinária!’ Ele telefonou para o Raul Bopp: ‘Venha  imediatamente aqui, que é para você ver uma coisa!’ Raul Bopp foi lá no  meu ateliê, na rua Barão de Piracicaba, assustou-se também. Oswald  disse: ‘Isso é como se fosse selvagem, uma coisa do mato’, e o Bopp  concordou. Eu quis dar um nome selvagem também ao quadro e dei Abaporu,  palavra que encontrei no dicionário de Montoya, da língua dos índios.  Quer dizer ‘antropófago’”. Baseando-se nessa obra, Oswald de Andrade  elaborou toda uma teoria, da qual a Revista de Antropofagia seria o  órgão oficial. Em 1931 Tarsila viajou para a União Soviética, chegando a  realizar, em Moscou, uma exposição individual; ao regressar,  impressionada com o que lá observara, pintou alguns quadros de tema  social, entre eles duas obras-primas: Operários e 2•a Classe. Essa fase  social pouco duraria, pois logo em seguida a artista retornou à sua  temática caipira, agora resolvida num espírito talvez mais lírico.

Tais retornos de Tarsila a fases anteriores tornaram-se habituais: em  1946, pintL ras como Primavera ou Praias retomavam "o gigantismo onírico  da fase antropofágica, agora imersa num lirismo novo, pontilhista  quase, em meios tons"; Fazenda outras obras feitas após 1950 de novo  apresentam "as tônicas da fase pau-brasil no colorido de baú, porém  sensivelmente suavizado". Na verdade, concluída sua fase social dos anos  30, Tarsila repetia-se Sua última grande obra — o mural Procissão do  Santíssimo em São Paulo no Século XVIII — foi-lhe encomendada em l95~  pelo Governo do Estado de São Paulo. Tarsila do Amaral faleceu a 17 de  janeiro de 1973, deixando obra relativamente pequena: cerca de 250  óleos, meia dúzia de esculturas, três gravuras e umas poucas centenas de  desenhos, conforme o recenseamento levado a cabo por sua biógrafa Aracy  Amaral. Uma das precursoras do que se poderia chamar de pintura  nacional brasileira, Tarsila soube emprestar a seus temas um lirismo  intenso, adaptando formas e cores brasileiras à severa disciplina  cubista.

Vicente do Rego Monteiro
Respondendo a um inquérito entre artistas, organizado por Walmir Ayala,  Vicente do Rego Monteiro alinhou, como influências que mais fundamente o  marcaram. ‘o Futurismo, o Cubismo, a estampa japonesa, a arte negra, a  Escola de Paris. nosso Barroco e sobretudo a arte do nosso ameríndio da  ilha de Marajó". Nascido em Recife, em 1899, numa família de artistas.  já em 1911 Vicente do Rego Monteiro estava em Paris (em companhia da  irmã mais velha), cursando, por pouco tempo, a Academia Julian. Talento  precoce, cri 1913 participou do Salão dos Independentes, na capital  francesa. De volta ao Brasil em 1917, dois anos mais tarde realizou, em  Recife, sua primeira mostra individual; em 1920 e 1921, apresentou-se no  Rio de Janeiro, em São Paulo e Recife. Em São Paulo entrou em contato  com os artistas e intelectuais que desencadeariam a Semana de Arte  Moderna da qual participou com dez de pinturas: três retratos, duas O  duas Lendas Brasileiras, Baile no e dois quadros intitulados Cubismo.

Logo em seguida retornou a Paris, e integrou-se a tal ponto na vida  artística e cultural da capital francesa que nos anos 20, era dos  pintores estrangeiro mais conceituados na França, com assídua e notável  participação em mostras duais e coletivas. Expondo na Galeria Fabre, em  1925, mereceu do critico Maurice Raynal as mais religiosas referências:  "Em vez de se dedicar comodamente caligrafia acadêmica, Rego Monteiro  repudiou essa tradição latina, que sufoca geralmente os artistas do seu  país, para ressuscitar a influência da tradição indígena, que devia ser a  primeira a provocar e inspirar todo artista brasileiro". Em 1928, nova  individual, na Galeria Bernheim, Jeune, também em Paris, motivou  comentários favoráveis do grande pintor e teórico do Purismo. Amédée  Ozenfant. No ano seguinte, o crítico Geo-Charles consagrou-lhe um ensaio  dos mais religiosos. Por essa época,
Vicente integrou-se aos principais grupos de vanguarda artística  parisiense, juntando-se a Ozenfant, Metzinger e Herbin no grupo L’Effort  Moderne.

Quadros de sua autoria eram adquiridos pelo Museu de Arte Moderna e  pelo Museu do Jeu de Paume. de Paris, pelo Museu de Grenoble e pelo  Palácio dos Congressos Internacionais, de Liège. Alternando praticamente  toda a sua existência entre a França e o Brasil, Vicente só pouco antes  de falecer desfrutou algum prestigio maior em sua terra natal, onde  nunca chegou a receber a consideração que sua importância exigia. Por  outro lado, nem sempre ele se manteve fiel à pintura, pois  considerava-se pelo menos tão bom poeta quanto pintor. Foi o fundador da  revista Renovação, em Recife, e de 1947 a 1956 manteve em Paris La  Presse à Bras, editora que lançou várias plaquetas de poesia; com outros  poetas, fundou o Mia de Poémes do
Salâo de Maio (1948/52) e organizou o Primeiro Congresso Internacional  de Poesia, realizado cm Paris em 1952. Como escritor, mereceu, em 1960,0  Prêmio Apollinaire, por seu Livro de poemas Broussais — La Charité.
Em 1957, fixou-se no Brasil. passando a lecionar sucessivamente na  Escola de Belas-Artes de Recife, na de Brasília e de novo na de Recife.

Em 1966 o Museu de Arte de São Paulo dedicou-lhe uma retrospectiva, o  mesmo tendo feito, após sua morte, em 1970,0 Museu de Arte Contemporânea  da Universidade de São Paulo. Muitas das melhores telas de Rego  Monteiro perderam-se num incêndio, no fim da década de 20; anos mais  tarde, o artista tentou reproduzi-Ias de memória ou lançando mão de  esboços e desenhos preliminares; mas, evidentemente, as obras perderam  muito em emoção e sentimento. Em seus melhores momentos, Vicente é  pessoal, embora aparentado a outros artistas de seu tempo. Sua  peculiaridade é a insistência com que abordou temas nacionais, o que o  transforma em precursor de uma tendência artística latino-amenricana.  Seu mundo de idéias oscilava entre as figuras do panteão americano e a  Bíblia, os clássicos e outros temas grandiloqüentes, que tornam sua arte  grave e profunda.

Mas ele sentiu também, como poucos, a sedução do movimento fascinado  que era pela dança e pelo esporte — e, homem de seu tempo, em  determinada fase da carreira viu-se empolgado pelo não figurativismo.  Características de sua arte são a plasticidade, a sensação volumétrica  que se desprende dos planos, a textura quase imaterial, de tão leve, o  forte desenho, esquematizado. e a ciência da composição, que o torna um  clássico, preocupado com a construção das formas. Vicente do Rego  Monteiro foi também escultor, tendo deixado figuras em madeira,  articuladas, num espírito afim com o do cubista Léger. Sua influência  tendeu a crescer após sua morte: a ele, de certo modo, é que se referem  muitos dos melhores artistas contemporâneos do Nordeste, inclusive João  Câmara e Gilvan Samico.

&nbsp; Izaias Luiz . 9º Ano "B".