Geopolítica da Cafetinagem e o Corpo Artista – Parte II post da Bianca Ferrari
Autor: Lucio | Publicado: 2014-12-17T23:44:00-02:00

&nbsp;Como vimos na primeira parte do texto, nas décadas de 60/70 iniciou-se um forte movimento de resistência, por parte dos artistas, ao chamado “sistema da arte”. Essa questão foi fortemente problematizada, passando a integrar a poética do trabalho artístico. O mesmo se deu nos anos em que o Brasil se encontrava sob regimes ditatoriais, é evidente que nesse período a principal questão era outra: como oferecer resistência a algo que incide diretamente sobre o próprio corpo? Claro que, para aqueles que estavam buscando manter a ordem estabelecida, isso não era positivo e, a fim de se manterem no poder, não se contentaram apenas em ignorar as expressões do corpo vibrátil, eles desconsideram ou censuram suas expressões, bloqueando assim sua força de criação. Assim, com a promulgação do Ato Institucional número 5 (AI-5), esse movimento recrudesceu e no Brasil passamos a ter um período de baixa produtividade cultural, que só foi retomada com o fim da ditadura, no inicio dos anos 80. Porém, apenas mais recentemente é que vimos a força critica da arte ser retomada por uma geração de artistas que surgiu na década de 90 no Brasil, despertando novamente as questões levantadas a respeito do “sistema de arte”. De qualquer forma, a arte sempre busca tratar de questões do seu tempo e fazer com que elas se tornem visíveis, sendo evidenciadas e problematizadas. Colocá-las em discussão tem sido o seu papel. Suely Rolnik em seu texto “Desentranhando Futuros” explica como se dá essa construção e essa fusão entre arte e política: “É desse tipo de resistência e de problematização que emana o poder que terá uma proposta artística de ativar na subjetividade daqueles que vivenciam a sensibilidade ao concentrado de forças que nela se presentifica, e, por extensão, as forças que agitam o mundo a sua volta.” Nessa última frase, ela se aproxima de um conceito trabalhado por Fernanda Raquel em seu texto “Corpo Artista”, onde ela ressalta a importância do ambiente no fazer artístico. Para isso, ela se apoia na teoria do corpomidia de Christine Greiner e Helena Katz que afirma que não há separação entre o corpo e seu ambiente e, com isso, derruba todos os dualismos existentes como “dentro e fora”, “sujeito e objeto” e, claro, “corpo e ambiente”: “Se o sopro em torno também compõe a coisa, a cultura (entendida como produto do meio, do em torno) encarna no corpo. O que está fora adentra e as noções de dentro e fora deixam de designar espaços não conectos para identificar situações geográficas propicias ao intercambio de informação. As informações do meio se instalam no corpo, o corpo, alterado por elas, continua a se relacionar com o meio, mas agora de outra maneira, o que leva a propor novas formas de troca. Meio e corpo se ajustam permanentemente num fluxo inestancável de transformações e mudanças (Greiner e Katz, 2001). Dessa forma, podemos concluir que existe uma co-relação entre corpo e ambiente, ou seja, uma troca efetiva entre eles onde ambos se transformam nessa relação. Assim, estabelecer conexões com o ambiente, se torna uma condição de sobrevivência. Fernanda Raquel, através de uma citação de Jorge Vieira, explica como isso se aplica ao campo da arte: “Todo sistema artístico, como todo bom sistema vivo, é um sistema aberto. Todo sistema aberto necessita abrir para um certo meio ambiente. “Ele
depende desse meio ambiente, ele tem que realizar trocas com esse meio ambiente para poder permanecer vivo (Jorge Vieira, 2008)”. Tomamos por sistema aqui todo agregado de elementos que são relacionados entre si, fazendo emergir propriedades novas, coletivas e compartilhadas. Portanto, agora fica claro do porque questões politicas foram se fundindo a arte e dissolvendo as fronteiras que as separavam. Se não há separação entre “corpo e ambiente”, entre “dentro e fora” e, com essa mistura entre poesia e politica, entre macro e micropolítica (vide parte I), é óbvio que essa fusão ocorra. Entender que essas dicotomias não existem, é também entender o processo de criação artístico (ou de qualquer outra natureza), que está extremamente permeado pelas questões que estão ocorrendo em seu em torno. O surgimento de uma questão sempre ocorre a partir daquilo que atravessa os nossos corpos, provocando mudanças e causando uma crise de sentido em nossas referências. É essa inquietação que desencadeia o trabalho do pensamento e, consequentemente, o processo de criação. Nós criamos porque algo de nossa vida cotidiana nos impulsiona a essa criação. Mas como se da essa politização do corpo em cena? Ela acontece justamente através da adoção das estratégias comunicativas que se efetivam na relação corpo x ambiente e explicitam o caráter politico do gesto. Assim, o corpo, apresentado como elemento fundamental de intervenções politicas, aparece também como possibilidade de resistência a elas. É por isso que é tão importante estarmos atentos a tudo aquilo que nos envolve e também aos afetos com os quais estamos sempre em relação. Porém, atualmente isso não está ocorrendo, já que estamos sofrendo uma anestesia da nossa vulnerabilidade. Como vulnerabilidade entendemos: “Condição para que o outro deixe de ser simples objeto de projeção de imagens pré-estabelecidas e possa se tornar presença viva, com a qual construímos nossos territórios de existência e os contornos cambiantes de nossa subjetividade (Suely Rolnik)” Ou seja, é a perspectiva de que o outro se torne um ser ativo e não mais seja enclausurado em sua passividade que somente recebe informações, mas não se relaciona com elas. Para ativar essa vulnerabilidade tem que ativar a capacidade do sensível, ou seja, a capacidade de ser atingido pelas coisas. Porém, durante muitos anos, ela foi recalcada e hoje, a imagosfera (vide definição na parte I) contribui para essa condição, pois ela enrijece a criação e bloqueia a sua potencia critica fazendo com que ela fique submetida à lógica mercantil-midiática. Além disso, ao proporcionar aquela falsa sensação de prazer e felicidade obtida através do consumo, acaba com as inquietações, que como já vimos, tem papel fundamental para o artista ou qualquer outro criador: “Ora, o estado de estranhamento constitui uma experiência crucial, porque como anteriormente sugerido, ele é o sintoma das forças da alteridade que reverberam em nosso corpo e exigem criação. Ignorá-lo implica o bloqueio da potencia pensante que move a ação artística.”. Assim sendo, podemos considerar que as praticas artísticas realmente eficazes são aquelas que têm a potência e a capacidade de se relacionar com todas as questões vigentes de sua época estando permeadas por tudo aquilo que pode ser visto e sentido ao seu entorno. E quanto mais precisa sua linguagem, mais pulsante sua qualidade intensiva e maior seu poder de interferência no meio onde circula. Concluo com uma frase de Félix Guattari que ilustra bem todas essas questões: “Quando uma ideia é valida, quando uma obra de arte corresponde a uma mutação verdadeira, não é preciso artigos na imprensa ou na tv para explicá-la. Transmite-se diretamente, tão depressa quanto a gripe japonesa.”.