O cesto da gávea de onde observo o mundo - 6ª mirada: Cunha e a arte vista além de seus materiais
Autor: Monte Alverne | Publicado: 2017-01-05T05:14:00-08:00


Olá!



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Como eu já disse no meu
texto anterior, a partir de uma base em São Luiz do Paraitinga fui rodeando uma
série de lugares, recomendados na base da interação com a galera local. Uma
dessas recomendações acabou me conduzindo até a municipalidade de Cunha, a
princípio para um ponto específico, que depois foi sendo enriquecido com outros
papos e outras dicas. 






Cunha é mais uma cidade
que se originou no tráfego das tropas, mas já aqui temos um contato com a
Estrada Real, uma espécie de trajeto que ligava os portos às cidades do
interior de Minas Gerais, e por onde circulavam pessoas e mercadorias. O marco
abaixo era utilizado para dar uma ideia das distâncias percorridas aos
transeuntes, e fica situado no trecho em que eram comunicadas as cidades de
Cunha e Paraty, já no Rio de Janeiro.






O local recomendado para
visitação ficava numa derivação dessa estradinha. É a Pedra da Macela, um
mirante natural a mais de mil e oitocentos metros que, em dias de bom tempo,
permite visualizar toda a região de Cunha e a baía de Angra dos Reis, bem como
a precitada Paraty. Só que, como é comum nessas encostas, o tal tempo bom só
pode ser aferido in loco, o que não
foi o caso. Basta uma nuvenzinha marota parar no morro ao sair de sua rota do
mar ao continente.






Macela é o nome de uma
planta que serve para fazer um chá calmante e para encher travesseiros e almofadas.
De fato, é muito comum em toda a região, como a amostra que temos abaixo. De
início, é uma flor, que, com o amadurecimento, vira essa espécie de paina.






O caminho para o pico da
Pedra da Macela começa pela porteira de Furnas, que não permite a passagem de
nada motorizado. Dali, é uma ladeira interminável de quatro quilômetros, numa
base de concreto. Há várias sendas espalhadas pela estrada, que servem de
pouso, porque ninguém é de ferro.






Há momentos de profunda
desesperança. A subida é muito íngreme, e é necessário não esquecer de trazer
alguma água, além de se utilizar calçados confortáveis. Eu não estava com nada
disso, apenas com minha patroa e nossa coragem. No final das contas, o tempo
não ajudou. Tudo o que vimos foi uma densa neblina e uma tapeçaria de nuvens.
Nada de mata, nada de cidade, nada de mar. Faz parte.






Estando ainda cedo, fomos
caçar mais terra para esbater. E há uma boa oferta de água para ensopar a
bermuda. Vou mencionar aqui as cachoeiras que ficam na estrada do Monjolo.
Primeiro há a Cachoeira do Desterro, uma queda dupla com uns 10 metros de
altura, e, logo em seguida, há a Cachoeira dos Pimentas, uma longa cadeia de
quedas d’água, com uns cem metros de comprimento.






A Cachoeira dos Pimentas não
tem quedas verticais. Ao contrário, vai deslizando pelo seu leito como se fosse
um tobogã, e forma uma série de remansos em sua extensão, permitindo fácil
balneabilidade em suas águas gélidas.






O governo disponibilizou
uma inesperada boa infraestrutura no local, que é gerido por um pessoal da
própria comunidade. Há um deck para banhos de sol, uma demarcação para
estacionamento e uma lanchonete, além de providenciais WC’s. Bela dica para
levar crianças.






Há também uma trilhazinha
que leva ao alto da barragem que forma a cachoeira e abastece a cidade, de
nível fácil.






Tanto empenho na caminhada
faz aflorar uma fome leonina. Lá vamos nós conhecer o centro da cidade, em
busca de alimento. Almoçamos em um dos vários casarões espalhados pela cidade,
que foi adaptado para servir de restaurante. Aliás, também aqui encontramos
belas amostras de construções coloniais.










Um dos sobrados estava com
sua estrutura exposta, de modo a ficar disponível para nosso aprendizado como
funciona uma construção em pau-a-pique e taipa de pilão.






Tem a igrejona na praça?
Tem, sim senhor. Uma igreja em estilo barroca, a matriz é dedicada a Nossa
Senhora da Conceição.






Uma curiosidade desta
igreja é sua parte traseira, onde está situada uma vila de sobradinhos antigos
e uma fonte de água circulante. Não sei se se trata de uma referência à boa
quantidade de quedas d‘água da região serrana. Pode ser que sim.






Também em Cunha, assim
como em outras cidades da região, temos o velho Mercado Municipal. Pequeno, mas
que abriga uma parte importante do artesanato popular local.






Como não viajei em alta
temporada, peguei um contratempo: alguns dos lugares que gostaria de visitar
estavam fechados, como o Lavandário e a Cervejaria Wolkenburg, o que já é
motivo suficiente para ensejar uma nova visita. Na medida em que isso ocorrer,
adendarei este texto.


Mas o principal destaque
de Cunha, no campo humano, fica por conta de seus produtores de cerâmicas. Há
muitos ateliês, principalmente concentrados em um bairro chamado Vila Rica (mas
não só).






As próprias casas onde
atuam os ceramistas, são, por si só, uma atração à parte. Todas possuem um ar
bucólico, que mistura um ar meio rural com a afetividade da casa da vovó.






Muitos dos ceramistas
utilizam uma técnica oriental para o cozimento de suas peças, e há fornos
coletivos – que incluem verdadeiros rituais para sua abertura. Mas há também
fornos menores, situados nos próprios ateliês, como esse que eu flagrei no
subsolo de um deles.






As peças produzidas se
destacam por não serem exatamente utilitárias, mas criações artísticas que
visam mais enfeitar do que servir para uso quotidiano. Isso faz com que seu
preço se estenda para além de sua mera manufatura. Há todo um trabalho
intelectivo e criativo por trás.






O resultado é meio que uma
fusão entre uso e adorno, o que nos remete ao mesmo assunto tratado neste post: o que podemos considerar arte?






Naquele texto, tratamos do
assunto utilizando como baliza a teoria da formatividade de Luigi Pareyson.
Aqui, convocaremos o filósofo analítico inglês Richard Wollheim para nos ajudar
a compreender os limites da arte.&nbsp;

Wollheim foi um cara que
se ocupou da arte sob o prisma da Filosofia da Linguagem, ou seja, a arte é um
jogo de significantes e significados que buscam dar expressão a alguma forma de
comunicação. E, da mesma forma que a linguagem, a arte não se destaca do
contexto social e ambiental que o artista vive. Por isso, é absolutamente
indissociável o que a arte expressa daquilo que o artista é. Em suma, uma obra
sempre diz algo do artista. Desta forma, a Filosofia da Linguagem dá à Estética um caráter epistemológico.


Mas o ser humano produz
inúmeros artefatos, que nem sempre podem ser considerados artísticos. O homem
produz artigos de técnica, que podem ou não ser meras repetições, mas que assim
mesmo dão trabalho e refletem as habilidades de um determinado ofício. O que é
capaz de estabelecer uma diferença entre ambos é a intencionalidade do artista. Quando uma peça é manufaturada para
ser arte, o artista o faz com a intenção de que seja arte, quer carregá-la com algum
sentido subjetivo que escapa do mero aspecto objetivo. Esse é o artista, e não
o artífice.


Agora fica mais fácil de
compreender porque a obra de arte carrega alguma coisa do artista. Isso ocorre
porque, da mesma maneira que a linguagem, a arte leva em seu bojo uma intenção
de se expressar que é própria do seu autor, única, e que, da mesma forma que a
frase mapeia o mundo na tese pictórica de Wittgenstein (é obrigatório ler este texto se você não conhece tal teoria), o sentido da obra mapeia a intenção
do artista. Para tanto, ele usa aquilo que Wollheim chama de tematização, que é a ação deliberada do
artista sobre um suporte que traduza sua intenção, como os traços sobre a tela
que caracterizam a pintura. 


A obra de arte é, então,
um código posto contendo uma ideia transmitida, que deve ser reconstruída mentalmente
por quem a aprecia. Quanto melhor a técnica utilizada pelo artista, mais
capacidade de leitura e reconstituição terá o espectador e o crítico. Neste
sentido, quem informa que um objeto qualquer é uma obra de arte é o próprio
artista. No outro polo, pode-se reconhecer seu sentido ou não, mas não é seu
atributo identificá-la como tal.


Neste momento, poderemos
pensar no movimento idealizado por Tristan Tzara e liderado por Marcel Duchamp,
o Dadaísmo. Este movimento procurava romper com os ditames acadêmicos sobre
arte, subvertendo sua lógica. Por exemplo, nomeando objetos do dia-a-dia como
obras artísticas, o chamado ready made.
A obra “A Fonte”, de Duchamp, é o magnum
opus desta ideia: um mictório nominado como escultura.








(Disponível em: http://ecoarte.info/ecoarte/wp-content/uploads/2012/11/Fonte-urinol-Marcel-Duchamp-1917.jpg)




Devo reconhecer isto como
obra de arte? O autor diz que é. Cabe a mim concordar ou não, mas o fato é que
há uma mensagem sendo transmitida, e meu papel é decodificá-la: um protesto, uma
crítica, uma autocrítica, um sarcasmo, uma ofensa... Duchamp colocou algum
significado em sua obra, ou mesmo vários, da mesma forma que uma frase retrata
a realidade. Essa mensagem pode ou não ser compreensível, pode estar carregada
de ambiguidade, mas é uma mensagem. Nesse sentido, é arte.


Mas Wollheim vai mais
longe. Para fazer uma análise crítica séria da obra de arte, e levando em
consideração que o artista fala de si, não basta observá-la como um amontoado
de traços sobre uma tela (Wollheim fala sobre a pintura, mas essa regra pode
ser espraiada para qualquer modalidade artística). É preciso compreender a vida
e o contexto social do autor, a fim de ter em mãos algum nível de perfil
psicológico do mesmo. Somente compreendendo razoavelmente a história pode-se
ter um mínimo de entendimento da mensagem. Somente verei um mictório se não
compreender o contexto em que Duchamp o nomeou como obra de arte. Terei em
Mondrian (vide este post) um desenhador de linhas retas, em
Toulouse-Lautrec um devasso (leia este) se não entender porque eles se
exprimiram da forma com a qual o fizeram. Isso porque temos nós, como
espectadores, uma diferença cultural em relação ao autor, que precisa ser
mitigada para que a interpretação e reconstituição da mensagem seja a mais próxima
possível da intenção almejada.


É preciso, para isso, ter
uma disposição mental de transcender aquilo que meramente vemos. E aqui a
intencionalidade muda de lado. Quando olhamos para um quadro pendurado na
parede, vemos nele um objeto. Ainda não ligamos nossos “dispositivos”
interpretativos e vejo na tela apenas um amontoado de cores e traços. É o que
Wollheim chama de ver-como (seeing-as). A partir do momento em que
retiro o suporte tela da minha consciência e coloco-me no papel de receptor de
uma mensagem, preferentemente munido de todo o contexto do emissor, já não vejo
o quadro como um objeto, mas como a concreção de uma ideia, de onde posso extrair
sua abstração. Já não vejo-como; esse é o processo de ver-em (seeing-in). Em
resumo, eu desloco o papel do quadro de significante para significado, elemento
primordiais para constituir a linguagem, como bem ensinou Ferdinand deSausurre.


E as cerâmicas de Cunha,
podem ser consideradas obras de arte? Bem, sob o prisma de Wollheim, quem deve
me dizer isso é o artista. É óbvio que a cerâmica é uma mídia mais limitada que
uma tela de pintura ou uma partitura, mas é construída com intenção e essa
intenção pode carregar algum tipo de ideia, através de suas formas, das figuras
traçadas nela ou de sensações táteis, como aspereza, rugosidade, aderência,
impermeabilidade... Isso tudo pode levar consigo uma certa transmissão de
ideias, uma intenção consciente, mesmo que seja para que o artista diga
simplesmente: “eu acho esse padrão bonito, e você?”. Esse é o momento em que
vou dar meu “ver-em” ao invés do “ver-como”, e resolver comigo mesmo se acho
belo ou não, se acho arte ou não.


Recomendação de leitura:


Wollheim, como eu já
disse, cuida especificamente de pintura neste livro, e dá muitos exemplos dos
processos de sua teoria, o que é muito interessante. Mas suas ideias são
facilmente acomodáveis a qualquer tipo de expressão artística, sem nenhuma
forçação de barra.


WOLLHEIM, Richard. A pintura como arte. São Paulo: Cosac
&amp; Naify, 2002.