A Música Barroca I - Sua História e Particularidades
Autor: Flavia Vasques | Publicado: 2012-04-27T12:27:00-07:00


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A história



Muitas das inovações associadas com a música
Barroca foram estimuladas por um desejo contínuo, já evidente durante o Renascimento,
de recuperar a música da antiguidade clássica. Os grego antigos
haviam escrito repetidamente sobre os poderes da música de incitar paixões nos
ouvintes. Entretanto, os poucos manuscritos de música Grega antiga conhecidos
na época eram pouco compreendidas, o que permitiu muita especulação sobre a sua
natureza. Ao final do século XVI, um grupo de poetas, músicos
e nobres,
entre eles Vincenzo Galilei, Giulio
Caccini e Ottavio Rinuccini, passaram a se reuinir na
casa do Conde de Vernio (Giovanni de' Bardi) em Florença,
com a finalidade de discutir assuntos relacionados às artes, e em especial a
tentativa de recriar o estilo de canto dos dramas Gregos antigos.

Dos encontros da Camerata Fiorentina, como
este grupo passou a ser conhecido, surgiu um estilo musical que estabelecia que
o discurso era o aspecto mais importante na música. O ritmo da música deveria
ser derivado da fala, e todos elementos musicais contribuiam para descrever o afeto representado no
texto, sistematizando-se a chamada doutrina dos afetos, de grande influência para
o desenvolvimento da música barroca. Portanto, este estilo, que logo foi
conhecido como seconda pratica para
contrastar com a polifonia renascentista tradicional ou prima pratica, era
composto por um única parte vocal acompanhada por uma parte instrumental.

Esse acompanhamento era chamado de baixo
contínuo, e consistia de uma única melodia
anotada, sobre a qual um grupo de instrumentos adicionavam as notas necessárias
para preencher a harmonia implícita no baixo, frequentemente assinaladas
através de cifras indicando os intervalos apropriados. O baixo continuo
estabeleceu uma polaridade entre os registros extremos: a melodia aguda e o
linha do baixo eram os elementos essenciais, e as partes intermediárias eram
deixadas ao gosto dos intérpretes. Nos anos 1630, esta
combinação passou a ser designada pelo termo monodia,
um estilo que se encontra entre a fala e o canto. Essa flexibilidade
permitiu que os solistas ornamentassem as melodias livremente sem
precisar se preocupar com regras de contraponto,
permitindo assim que demonstrarem suas habilidades virtuosísticas. Para tirar
máximo proveito da capacidade de cada instrumento ou da voz, os compositores
começaram a desenvolver escritas idiomáticas para cada meio, ao contrário da música renascentista onde as partes
poderiam ser executadas intercambiavelmente com instrumentos ou com voz.

Não é possível dizer que o início do Barroco já
apresentava um sistema tonal definido, porém se observa uma
preferência gradual pelas escalas diatônicas maiores ou menores, e um
maior senso de centro de atração tonal. A emergência da seconda pratica
não significou que a tradição polifônica havia sido suplantada; ambos estilos
coexistiram por todo o período barroco. Claudio Monteverdi publicou madrigais
escritos em ambas práticas, e a mesma flexibilidade na escrita também teve
lugar na air de cour francesa.

A monodia, combinada com a nova técnica do recitativo,
finalmente permitiu aos compositores escrever uma ópera,
ou seja, um drama cantado do início ao fim. A ópera L'Orfeo
de Monteverdi de 1607 é usualmente considerada a primeira obra a combinar
música e drama satisfatoriamente. Na Alemanha,
Heinrich Schütz adaptou as novas técnicas para
alguns de seus motetos sacros policorais, e foi o
compositor da primeira ópera alemã, Dafne (1627).

A maior parte da música instrumental publicada
nesta época são as suítes de danças em vários movimentos e as variações sobre transcrições
de obras vocais (geralmente intituladas canzonas,
partitas
ou sonatas)
ou sobre baixos ostinatos
(chacona
ou passacaglia).
Gêneros livres, como a fantasia e a tocata para
instrumentos de teclado também faziam parte destas coleções.





Particularidades
do estilo



Desenvolvimento extenso do uso da polifonia e
contraponto . Os acordes tem uma ordem hierárquica em suas progressões tonais,
tanto funcional como cadencial.[1]
que definem a tonalidade progressiva do barroco musical. A harmonia era
acompanhada e definida pelo basso
continuo criando uma necessidade do intérprete de ser um virtuoso na
arte do período para não deixar a musicalidade se desviar do aspecto tonal da
época---visto que quase sempre o basso continuo não era escrito e chamava pela
improvisação, dando então o dom de virtuosidade a quem melhor improvisasse.
O contraponto era intenso, especialmente na forma de tema e variação. A modulação tonal na música
barroca é freqüente. Devido a incapacidade física de um cravo prover dinâmicas
variadas a arte da música barroca voltava a habilidade da performance em
termos de articulação. Entre outras particularidades dos estilos desenvolvidos
na música barroca, inlcluem-se:

Monodia;
homofonia
     com uma voz diferente cantando por cima do acompanhamento, como nas árias
     italianas;
Expressões mais dramáticas, como na ópera.
Combinações de Intrumentações e vozes mais
     variadas em conjunto a oratórios e cantatas
Notes inégales (Francês para "notas
     desiguais") usadas. Técnica barroca que envolvia o uso de notas
     pontuadas que eram usadas para substituir notas não pontuadas, dentro de
     um mesmo tempo que alternavam entre duração de valores longos e curtos;
a ária
     (curta peça cantada em uma cantata, ou instrumental na suíte);
o Ritornello
     (estilo que contém breve passagens instrumentais entre os versos
     cantados);
o concertante (o estilo
     que contrasta entre a orquestra e os instrumentos solos, ou pequeno grupo
     de instrumentistas);
instrumentação precisa anotada (no período
     anterior, a Renascença, a partitura raramente listava os instrumentos);
notação musical escrita idiomaticamente melhor
     para cada instrumento específico.
Notação musical para interpretação virtuosa,
     tanto instrumental como vocal
ornamentação
Desenvolvimento profuso na tonalidade da
     música ocidental (escala maior e menor)
cadenza, uma seção ad lib
     nas cadências das partituras para o virtuoso improvisar.






O APOGEU DA MÚSICA INSTRUMENTAL



Pela primeira vez na
história, música e instrumento estão em perfeita igualdade. Nesse período a
instrumentação atinge sua primeira maturidade e grande florescimento. Pela
primeira vez surgem gêneros musicais puramente instrumentais, como a suíte
e o concerto.
Nesta época surge também o virtuosismo, que explora ao máximo o instrumento
musical. Johann Sebastian Bach e Dietrich Buxtehude foram os maiores virtuoses
do órgão. Jean-Philippe Rameau, Domenico Scarlatti e François Couperin eram virtuoses do cravo. Antonio
Vivaldi e Arcangelo Corelli eram virtuoses no violino.