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James Gaffigan © Festival de Saint
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Symphony Concert 9
Lucerne Symphony Orchestra | James Gaffigan | Ekaterina Semenchuk
Mendelssohn | Berlioz | Rossini | Busoni | Strauss
Mon, 22.08. | 19.30 | No. 16312
Vergangenes Konzert
James Gaffigan © Festival de Saint
22.
Aug
Monday
19.30
Symphony Concert 9
Lucerne Symphony Orchestra | James Gaffigan | Ekaterina Semenchuk
Lucerne Symphony Orchestra © Christian Flierl
Lucerne Symphony Orchestra
The Lucerne Symphony Orchestra, which was founded in 1806, is one of the oldest orchestras in Switzerland. Along with its various concert series, which it performs in the Kultur- und Kongresszentrum Luzern (KKL), the orchestra plays in all of the opera productions at the Luzerner Theater. Their season is devoted not only to the classical-romantic repertoire; rarities and contemporary works are also regularly performed. Recent years, for example, have included commissions for pieces by Wolfgang Rihm, Sofia Gubaidulina, Marc-André Dalbavie, Pascal Dusapin, David Philipp Hefti, and Fazıl Say. Since September 2011 the American James Gaffigan has served as Music Director; guest conductors in the recent past have included Peter Eötvös, Michael Gielen, Neeme and Kristjan Järvi, Sir Neville Marriner, Andris Nelsons, Leonard Slatkin, and Tugan Sokhiev. Jonathan Nott, who helmed the Lucerne Symphony Orchestra from 1997 to 2002, regularly returns to conduct. Its subscription cycles have presented such celebrated soloists as Martha Arge-rich, Isabelle Faust, Vilde Frang, Hilary Hahn, Gidon Kremer, Lang Lang, Radu Lupu, Viktoria Mullova, Maria João Pires, and Krystian Zimerman. The orchestra’s achievements have been documented by recordings of works by Schreker, Bernstein, Weill, Krenek, Rihm, Say, and Gubaidulina; their recording of Dvořák’s Sixth Symphony under James Gaffigan was chosen by the critics of the New York Times as one of the Top Music Recordings of 2014. The musicians regularly go on tour: to Japan in 2008, China in 2011, Israel in 2013, and South America in 2014. In the past season the Lucerne Symphony Orchestra performed in Zagreb and Istanbul and additionally completed a tour in June and July 2016 to four Asian countries, giving a total of eight concerts in South Korea, China, Singapore, and India.
LUCERNE FESTIVAL (IMF) debut on 23 August 1993, with Vladimir Kiradjiev conducting works by Schnittke.
August 2016Other dates
James Gaffigan © Festival de Saint
James Gaffigan
James Gaffigan has served as Music Director of the Lucerne Symphony Orchestra since 2011. He is additionally First Guest Conductor of the Gürzenich Orchestra Cologne and the Netherlands Radio Philharmonic. Born in 1979 in New York, Gaffigan studied at the New England Conservatory of Music in Boston and the Shepherd School of Music in Houston. He began his career as an assistant to Franz Welser-Möst in Cleveland and as Associate Conductor of the San Francisco Symphony. Gaffigan’s international breakthrough came in 2004, when he won first prize at the Sir Georg Solti Conducting Competition in Frankfurt/Main. Since then he has worked with many renowned European orchestras, including the Munich Philharmonic, the London Philharmonic, the London Symphony Orchestra, the Sächsische Staatskapelle Dresden, the Czech Philharmonic, the Zurich Tonhalle Orchestra, the Orchestre de Paris, and the Orchestra of the Age of Enlightenment. In the United States he has conducted the Cleveland and Philadelphia Orchestras, the Chicago and San Francisco Symphonies, and the Los Angeles Philharmonic. In the 2015-16 season he expanded his spectrum and made his debut with the New York Philharmonic as well as at the Bavarian Staatsoper, where he led Mozart’s Don Giovanni. In the area of music theater his credits have included engagements at the Glynde-
bourne Festival, where he has conducted Mozart’s Così fan tutte, Rossini’s La Cenerentola, and Verdi’s Falstaff. He appeared at the Vienna Staatsoper in 2011 in a production of Puccini’s La bohème, and his most recent engagement there, in November 2015, was for Mozart’s Figaro. Gaffigan’s discography includes works by Wolfgang Rihm, Antonín Dvořák, and Sergei Prokofiev; in February 2016 he released a recording of the Britten and Korngold violin concertos with the Frankfurt Radio Symphony Orchestra and Vilde Frang.
LUCERNE FESTIVAL debut on 20 August 2012 with Rihm’s Nähe fern and Brahms’s First Piano Concerto, with Hélène Grimed as the soloist.
August 2016Other dates
Ekaterina Semenchuk © Sheila Rock
Ekaterina Semenchuk
The Russian mezzo-soprano Eka-
terina Semenchuk studied at the Conservatory in St. Petersburg and acquired her first stage experiences at the Opera Studio of the Mariinsky Theater, where she became a member of the ensemble. It was with this company that she also gave her first performances in the West: at La Scala in Milan and the Metropolitan Opera in New York. Since then Semenchuk has been a regular guest artist at the world’s major companies. She has performed Olga in Tchaikovsky’s Eugene Onegin at the Royal Opera House in London and Preziosilla in Verdi’s La forza del destino at the Staatsoper Berlin. She has also appeared as a Verdi performer at the Salzburg Festival: Eboli in Don Carlo in 2013 and Azucena in Il trovatore in 2015. In 2015 she made her debut at the Vienna Staatsoper as Giovanna Seymour in Donizetti’s Anna Bolena, and in the fall of 2016 she will sing Verdi’s Lady Macbeth at Los Angeles Opera and Amneris in Aida at San Francisco Opera. Ekaterina Semenchuk’s repertoire additionally encompasses French operas, from Bizet’s Carmen (which she has performed at the Arena di Verona) through Saint-Saëns’ Samson et Dalila to Berlioz’s Roméo et Juliette, Les Troyens, and Benvenuto Cellini. Her credits in the concert hall include Verdi’s Requiem with such conductors as Gustavo Dudamel, Valery Gergiev, and Sir Antonio Pappano; she has additionally sung Mahler’s Das klagende Lied at the Ravinia Festival, Proko-fiev’s Alexander Nevsky at the Accademia Nazionale di Santa Cecilia, and Berlioz’s La Mort de Cléopâtre at the Amsterdam Concertgebouw and the Vienna Konzerthaus. As a lieder singer she has collaborated with Semion Skigin, Dmitry Efimov, and Helmut Deutsch. In 2005 Ekaterina Semenchuk performed in Gretchaninov’s Credo for the wedding of Prince Charles and Camilla Parker Bowles.
August 2016
«Musik geht tiefer als Klischees»
James Gaffigan über Heroinen, verkannte Komponistinnen und junge Dirigentinnen
Lieber Herr Gaffigan, für Ihren Auftritt mit dem Luzerner Sinfonieorchester haben Sie ein perfekt auf das Festivalthema «PrimaDonna» zugeschnittenes Programm zusammengestellt. Haben Sie diese ungewöhnliche Werkfolge schon einmal dirigiert?
Nein, das heutige Programm ist tatsächlich speziell. Als ich vom diesjährigen Festivalschwerpunkt erfuhr, kam mir sofort die Turandot von Ferruccio Busoni in den Sinn, den wir in der vergangenen Saison beim Luzerner Sinfonieorchester in den Fokus gerückt haben und der dieses Jahr seinen 150. Geburtstag feiert. Busoni ist ein auch in der Schweiz viel zu wenig bekannter Komponist. Seine Musik ist verrückt und modern, dabei immer aus der Tradition erwachsen, und die Turandot-Suite ist eines seiner zugänglichsten, ja zündendsten Stücke. Zudem war mir von Anfang an klar, dass ich in diesem Konzert eine Sängerin dabei haben wollte. Für Ekaterina Semenchuk haben wir zwei Werke ausgewählt, die völlig unterschiedliche Frauenfiguren portraitieren und bei denen sie zudem die ganze Spannweite ihrer grossen und zugleich ungemein beweglichen Stimme vorführen kann: Berlioz’ La Mort de Cléopâtre ist sehr lyrisch, hier geht es vor allem um vokale Farben. Rossini dagegen ist ein Feuerwerk, voller schneller Noten. Als «Opener» bot sich Mendelssohns Melusine an, und am Schluss darf mein Orchester mit dem Tanz der sieben Schleier zeigen, was es kann – und wie sehr es sich in den vergangenen Jahren weiterentwickelt hat.
Komponiert haben die musikalischen Frauenportraits des heutigen Abends ausschliesslich Männer. Was wenig verwunderlich ist, handelt es sich doch um ziemliche Männerphantasien: von der «reinen» Heldin Jeanne d’Arc bis zu den männermordenden «femmes fatales» Turandot und Salome. Was fasziniert Männer gerade an solchen Bildern von Weiblichkeit?
Eigentlich handelt es sich doch um Heroinen! Der «männermordende» Aspekt scheint mir da zweitrangig. Salome etwa bekommt, was sie will – und stirbt dann. Ich denke, dass die Komponisten (und nicht nur sie) einfach von der Stärke solcher Frauen wie Salome oder Kleopatra fasziniert waren. Heute gelangen glücklicherweise immer mehr Frauen in Führungspositionen, aber in den vergangenen Jahrhunderten war das eben noch ganz anders.
Bedient die Musik der ausgewählten Werke die Klischees von Weiblichkeit oder entwirft sie komplexe Figuren?
Die Musik geht tiefer als die Klischees. Man muss sich nur Strauss’ Tanz der sieben Schleier anhören: wunderschöne und gleichzeitig geradezu vulgäre Musik. In nur neun Minuten entwirft Strauss ein differenziertes Portrait – wobei sich die Stimmung innerhalb weniger Sekunden komplett ändern kann. So «switcht» er zum Beispiel einmal von einem extrem dissonanten Akkord der Blechbläser in strahlendes Dur, um dann wieder zu den düsteren Klängen zurückzukehren – und wir sehen in diesem kurzen Moment, sozusagen in vollem Sonnenschein, ein 16-jähriges Mädchen vor uns, das für ihren Stiefvater tanzt und dabei einen Strip hinlegt. Schlagartig wird uns deutlich, wie grotesk diese Situation eigentlich ist.
Grundsätzlicher gefragt: Gibt es so etwas wie typische musikalische Chiffren, um Weiblichkeit zu charakterisieren, etwa auch auf der Opernbühne?
Natürlich, Komponisten haben beispielsweise besonders zarte Melodien ersonnen, um weibliche Figuren musikalisch darzustellen, oder sie lassen die Sängerinnen bei einem Duett in lieblichen Terzen singen. Übrigens: In Strauss’ Salome stehen viele Passagen, die den Frauen zugeordnet sind, im Dreiertakt, während die «männliche» Musik im Zweiertakt daherkommt. Doch, wie schon gesagt, wir haben uns glücklicherweise wegbewegt von solchen Stereotypen.
Heute erobern Komponistinnen die Konzertpodien, aber jahrhundertelang hatten sie es schwer, überhaupt wahrgenommen zu werden und wurden nicht zuletzt deshalb schnell vergessen. Gibt es Künstlerinnen, die Sie faszinieren und die Sie zur (Wieder-)Entdeckung empfehlen?
Meine Nummer eins unter den Komponistinnen der Vergangenheit ist Lili Boulanger: eine ausserordentliche Künstlerin, die leider viel zu früh – mit nur 24 Jahren – starb. In der kommenden Saison dirigiere ich beim Oslo Philharmonic ihre Kantate Faust und Helene – das wollte ich schon lange einmal machen. Und es gibt noch so viele andere: Clara Schumann etwa oder Alma Mahler, die interessante Lieder geschrieben hat, der ihr Gatte Gustav aber das Komponieren untersagte. Bei den Komponistinnen unserer Tage ist das Spektrum viel grösser, und ich denke – etwa bei Jennifer Higdon oder bei Olga Neuwirth – nicht «Oh, Musik von einer Frau!», sondern «Oh, was für tolle Musik!»
Das Dirigieren ist bis heute eine Männerbastion geblieben, auch wenn sich momentan einiges tut. Wie schätzen Sie die Entwicklung ein: Werden Frauen am Pult, auch als Chefdirigentinnen renommierter Orchester, in ein paar Jahren völlig normal sein?
Hoffentlich, und es tut sich ja tatsächlich einiges. Man denke nur an die körperliche Präsenz auf der Bühne: Ich bin von eher kleiner Statur und dirigiere deshalb anders, als das beispielsweise der «Riese» Furtwängler getan hat. Eine Frau dirigiert wieder ganz anders – das ist heute völlig normal. Doch scheint mir, dass es momentan eine richtiggehende Obsession für junge Dirigentinnen gibt. Was verständlich ist, weil Frauen über so lange Zeit nicht die gleichen Möglichkeiten hatten wie ihre männlichen Kollegen – von den vielen dummen, unqualifizierten oder bösartigen Kommentaren zu ihrer Befähigung einmal abgesehen. Ich habe allerdings Angst, dass sie heute allzu sehr gepusht werden, von Veranstaltern wie Kritikern. Das erinnert mich ein wenig an den Hype um die junge Dirigentengeneration vor einigen Jahren, von Gustavo Dudamel und Robin Ticciati bis zu Andris Nelsons, Yannick Nézet-Séguin oder mir selbst. Plötzlich durften wir bereits am Anfang unserer Karriere mit den Top-Orchestern auftreten. Das tut nicht immer gut und kommt manchmal einfach zu früh. Man braucht deshalb ein Umfeld, das einen gut berät, damit man nicht zu viel auf einmal angeht. Und ein Management, das einen nicht in die falsche Richtung drängt. Das wünsche ich auch den vielen grossartigen jungen Dirigentinnen, von denen einige in diesem Sommer bei LUCERNE FESTIVAL gastieren.
Die Fragen stellte Malte Lohmann
Die gesamte Serie «Frauenfragen» können Sie im Festival-Blog nachlesen.