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Noch sind die Kinos hier geschlossen – und das wird wohl auch noch ein paar Tage so bleiben. Da kommen die Vorschläge für die besten Kunstdokumentarfilme von luxurydefined, dem Online-Magazin von Christie’s International Real Estate, gerade recht. Denn gerade jetzt wäre die beste Gelegenheit, einige der grossartigen Filme, die über Kunst und Künstler gemacht wurden, reinzuziehen. Von London über Peking und New York bis hin zu Picasso, Basquiat und Stella – hier sind 10 der Lieblingsfilme von luxurydefined:
Jacqueline Weld verbrachte die Sommer 1978 und 1979 damit, Peggy Guggenheim zu interviewen, um Material für ihre Biografie der revolutionären Kunstmäzenin, Peggy: The Wayward Guggenheim, zu sammeln. Die Bänder gingen jedoch verloren und wurden nie von der Öffentlichkeit gehört.
An einer Stelle in diesem Film sagt die serbische Performance-Künstlerin lachend in die Kamera: “Ich möchte eine echte Kunstform sein, bevor ich sterbe.” Der Blick in ihren Augen verrät jedoch, dass sie es todernst meint.
Aus bescheidenen Anfängen – sie formten Sperrholzstühle im Gästezimmer ihrer Wohnung in Los Angeles – beeinflusste das Ehepaar Charles und Ray Eames als ArchitektInnen, IndustriedesignerInnen und FilmemacherInnen das Amerika des 20. Jahrhunderts.
Nachdem er bereits Filme über Bill Viola, Marc Quinn und Brett Easton Ellis gedreht hat, wendet sich der Dokumentarfilmer Gerald Fox dem legendären Fotografen Robert Frank zu.
Um den kreativen Prozess des grössten Künstlers des 20. Jahrhunderts einzufangen, musste der Filmemacher Henri-Georges Clouzot einen radikalen Ansatz wählen. Er arbeitete mit dem Kameramann Claude Renoir zusammen, dem Enkel von Pierre-Auguste Renoir, und die beiden verwendeten transparente Leinwände, um Picassos Pinselstriche einzufangen, während er sie auftrug.
Künstlern wird oft vorgeworfen, verblüffende, gnomische Aussagen über ihre Arbeit zu machen, doch dieser Dokumentarfilm von 1972 ist überraschend klarsichtig. Vielleicht liegt es daran, dass der Regisseur, Emile de Antonio, ein Insider der Kunstwelt war, der viele der Maler kannte, bevor sie berühmt wurden. Was auch immer der Grund sein mag, er holt auf jeden Fall das Beste aus seinen Protagonisten heraus, einer illustren Gruppe von abstrakten und Pop-Künstlern wie Andy Warhol, Willem de Kooning, Helen Frankenthaler und Jasper Johns.
Regisseur Andrew Neel erkundet die Kämpfe, die seine Grossmutter Alice Neel als Malerin, alleinerziehende Mutter und Künstlerin, die sich den Konventionen widersetzte, durchlebte. Neel arbeitete zu einer Zeit, in der Pop Art in Mode war. Ihre expressionistischen Darstellungen von Freunden und KünstlerkollegInnen, gemalt in dickem Impasto und zurückhaltenden Farben, wurden als nostalgisch abgetan.
In diesem dreistündigen Dokumentarfilm über die Londoner National Gallery, der über einen Zeitraum von 12 Monaten gedreht wurde, gibt es keine Erzählung. Stattdessen zeichnet die Kamera die Minutien des Museumslebens auf: Führer, die Schulkindern Vorträge halten; Reinigungskräfte, die die Böden der Galerie polieren; Kuratoren, die Bilder neu anordnen; und die obligatorischen Privatbesichtigungen.
Sara Driver wurde zu ihrem Film über die Kunstszene im New York der späten 1970er Jahre inspiriert, nachdem ihre Freundin Alexis Adler – eine ehemalige Mitbewohnerin von Jean-Michel Basquiat – ihr den Inhalt eines Banktresors zeigte, der mit seinen Zeichnungen und Schriften gefüllt war.
“Ich sah, was sie hatte, und dachte, das ist nicht nur ein Fenster zu ihm, sondern auch ein Fenster zu New York in diesem speziellen Moment.”, sagte sie 2018 in einem Interview.
Der chinesische Künstler Cai Guo-Qiang ist bekannt für seine Verwendung von Schiesspulver, das er auf Leinwänden zündet, um versengte Zeichnungen zu schaffen, und das er für grosse pyrotechnische Aktionen verwendet – vor allem bei den Olympischen Spielen in Peking 2008.