Document ID: /fineweb-2-swissfilter-quality_10-filterrobots/filtered/02203.jsonl.gz/12

Hoe maak je een vier in de hand knoop?
Accessoires / 2024
Vandaag deel ik met genoegen een speciale bijdrage van G. Bruce Boyer, a heer van vele talenten.InhoudsopgaveUitbreidenInstorten
G Bruce Boyer
Voorheen de herenmoderedacteur voor Stad en land , Esquire , en GQ , Mr. Boyer heeft meerdere opmerkelijke boeken over herenmode geschreven, waaronder: Fred Astaire-stijl en Gary Cooper – Blijvende stijl . Hij is toevallig ook een fervent jazzfan met een unieke diepgaande kennis van de wortels en erfenis van de meest prominente muzikanten in de industrie. In het volgende zal Mr. Boyer zijn kennis en passie voor de talenten van Jimmy Forrest, Johnny Hartman, Ray Charles en Frank Sinatra delen.
Voor meer informatie over Jazz, zie ook onze post op 30 jazzalbums waar je naar geluisterd moet hebben .
Er zijn twee dingen die je moet begrijpen. Ten eerste dat de tenorsaxofoon halverwege de twintigste eeuw het favoriete instrument was van R&B-, rock- en jazzmuzikanten. Niet de gitaar, niet de piano, niet de trompet. De tenorsax.
En ten tweede – en ik heb er echt een hekel aan om hier een veel te veel gebruikt woord te gebruiken, behalve dat het echt van toepassing is – is dat het iconische nummer van alle drie de muziekgenres hetzelfde was: de bluesy, stuwende, sensuele en urbane Night Train . Het nummer is geschreven door een tenorsaxofonist, in een tijd van onvergelijkbaar goede saxofonisten. Die man was Jimmy Forrest.
Jimmy Forrest
De verzameling getalenteerde saxofonisten halverwege de eeuw was onthutsend. Er was Coleman Hawkins, de vader van allemaal en een muzikant wiens invloed zich uitstrekte vanaf het moment dat hij zijn eerste opname maakte met Mamie Smith's Hound Dogs in 1923 tot vandaag; en de ongelooflijk hippe en gevoelige Lester Young, die graag achter de beat speelde in plaats van erop te duwen zoals de Hawk deed, en die Billy Holiday als haar beste begeleider beschouwde. Dan was er Ben Webster, die een ballad speelde als geen ander, en Illinois Jacquet, wiens solo's op zulke wilde nummers als Flying Home nooit zijn overtroffen.
En na hen, maar nog steeds in de jaren '50, kwamen Zoot Sims en Eddie Harris, en de geweldige school van honkers en schreeuwers zoals Earl Bostic (wiens favoriete begeleidende instrument een vibrafoon was), Sil Austin en Red Prysock die deel uitmaakten van Bop, Deels rock en deels swing, en de oneindig creatieve en complexe John Coltrane, Sonny Rollins en Sonny Stitt. Om niet te vergeten Cannonball Adderley, die zoveel genres heeft gemaakt en zijn eigen genre heeft beïnvloed, en van wie een saxofonist van me zegt dat er altijd iets te leren valt. Eerlijk gezegd kan de lijst maar doorgaan met enkele van de meest artistieke sidemen en studiomuzikanten die ooit hebben opgenomen.
En dan is er Jimmy Forrest. Musicologen, maar ook fans, hebben altijd moeite gehad om Forrest in een bepaald genre te plaatsen, hij lijkt zijn invloeden te hebben overgenomen en zijn stijl van overal te hebben ontwikkeld. Hij werd geboren in St. Louis in 1920 en speelde schijnbaar met elke grote jazzband, van Fate Marable en Jay McShann tot Ellington en Basie. In het begin van de jaren '50 had hij zijn eigen band, gespecialiseerd in snelle R&B's en bluesy ballads. Hij schreef en nam de iconische Nachttrein op in '52. Het was meteen een hit, gespeeld bij universiteitsconcerten en als achtergrond voor strippers in burleske huizen. Tegen ’55 had elke middelbare schoolband in het land Night Train in hun repertoire. Laat in de avond werd het gespeeld in elke met rook gevulde club met een live band in de VS. Het was geweldige cabaretmuziek om de eenzaamheid 's avonds laat en Scotch te begeleiden.
De stijl van Jimmy Forrest is een beetje moeilijk vast te pinnen omdat hij zoveel lijkt te begrijpen en het zo goed door elkaar haalt. Hij was gekomen door Swing en Bop, R&B en Rock 'n Roll. Hij was perfect in staat om een oud volksliedje als Annie Laurie of een kastanjepop als That's All te nemen en het te laten pulseren als een deeltjesversneller. Of hij kan ontspannen, meditatief en lyrisch zijn. Op ballads als Yesterdays of These Foolish Things is hij zo klagend soulvol als maar kan. Hij kon boffen met de beste van de nieuwe school, maar wist altijd dat melodie de essentie was van Old School, foot-tapping, home cooking jazz.
Criticus Joe Goldberg ging in zijn liner notes bij het album Out of the Forrest in op deze kwestie van labelen en zegt: ik zou Jimmy Forrests jazzroadhouse-muziek moeten noemen. Het is een goede oproep. Zoals criticus Tom Wilson het in zijn liner notes voor Most Much! lijkt eens te zijn: Veel van de hedendaagse superhippe jazzjongeren zijn vergeten dat jazz zowel emotioneel stimulerend als intellectueel opbouwend moet zijn. Jimmy Forrest is zeker in staat om je van je problemen af te helpen. Zegt iemand Amen!
Een selectie van albums in willekeurige volgorde
En je kunt Jimmy Forrest in actie zien in de video Last of the Blue Devils, wat ook nog eens de beste jazzvideo is die ooit is gemaakt.
Hij was de favoriete zanger van John Coltrane en de zachtste kat met de warmste stem die ooit zong. Alleen leek er niet genoeg ruimte voor hem te zijn in de naoorlogse muziekscene. Hij moest vechten om aandacht met Billy Eckstine en Nat Cole, om nog maar te zwijgen van alle witte crooners die de microfoon verdrongen. Om nog maar te zwijgen van het feit dat Afro-Amerikaanse zangers gewoon niet zo gemakkelijk overgingen naar een blank publiek. Er was Nat King Cole, er was Billy Eckstine, en... nou ja, er was eigenlijk Nat King Cole en Billy Eckstine. Of was er een andere reden waarom Johnny Hartman geen pauze kon krijgen? Dit is een man die een biograaf nodig heeft.
Vooral sinds vandaag geniet hij iets van een heropleving bij jongere fans van klassieke jazzzang. Het meeste van zijn werk is beschikbaar op cd's. Maar lange tijd, als je de naam Johnny Hartman noemde, leek niemand te weten over wie je het had. En hij blijft, zoals criticus A. B. Spellman in een van zijn liner notes zegt, een van de meest verwaarloosde zangers van het midden Bop-tijdperk. En de vooraanstaande jazzschrijver Will Friedwald geeft zijn gezaghebbende stem aan Hartman als hij zegt dat hij een van de grootste vertolkers van liefdesliedjes was die ooit heeft geleefd. Veel beter dan dat wordt het niet.
Johnny Hartman
Ik bevond me tussen de enorme menigte die niets van Hartman wist, totdat een vriend me naar die ongelooflijk zachte, warme, sensueel golvende stem draaide die sterk beïnvloed moet zijn door zowel Eckstine als Sinatra. Ik realiseerde me al snel dat het album van Coltrane-Hartman een van de beste jazzpresentaties was die ooit aan opnames was gewijd. Hun vertolking - want het is een samenwerking - van het bloedmooie Lush Life is een zeer gewaardeerd kunstwerk; het is twijfelachtig dat er ooit een betere versie van dat beklijvende nummer zal zijn. Je kunt me hierin vertrouwen.
Hartman werd geboren in Chicago in 1923, hetzelfde jaar dat de familie van een vierjarige Nathaniel Cole daarheen verhuisde vanuit Montgomery, Alabama. Beide mannen zouden op de Southside opgroeien en piano studeren en later zingen. De weg die Nat King Cole insloeg was om zijn jazztrio te vormen en kleine sensaties te veroorzaken in de kleine clubs in de stad. Johnny nam een periode in het leger en begon toen met optredens als frontman voor Earl Fatha Hines en vervolgens voor Dizzy Gillespie. Hij sneed een paar kanten met Erroll Garner. Uiteindelijk ging hij alleen naar buiten.
Hij maakte sporadisch albums, een in ’47, een ander in ’65, speelde het Newport Jazz Festival in ’75 en maakte zijn laatste opnamen in ’80. De geweldige samenwerking met Coltrane - de enige keer dat het John Coltrane Quartet ooit een zanger steunde voor zover ik weet - kwam op 7 maart 1963 in een opname van één sessie, op één na, elk nummer in één take. Er zit meer gevoeligheid, meer emotionele subtiliteit, meer muzikale finesse in die verzameling nummers dan enig balladalbum dat ik kan bedenken. En dat geldt ook voor Sinatra's In the Wee Small Hours album, waarvan ik altijd dacht dat het zo goed was als het ooit zou worden in opgenomen ballads.
Maar een groot deel van zijn carrière leek Johnny Hartman het massale recordkopende publiek niet te kraken. Hij werkte een aantal jaren in Engeland. Toen hij eindelijk terugkeerde naar de Verenigde Staten, nam hij met verschillende labels op, albums die nergens toe leidden. Hij leek altijd te ruziën, om Friedwalds woord voor de activiteit te gebruiken. Johnny Hartman stierf in 1983 in New York City. Maar zijn oeuvre, hoewel niets zo omvangrijk en productief als Cole of Sinatra, is niet onaanzienlijk, en hij heeft nooit een slecht album gemaakt. Net als Sinatra had hij een onberispelijke smaak en vertrouwde hij voor zijn materiaal voornamelijk op het Classic American Songbook. Zijn weg met een ballad als You are Too Beautiful, My One and Only Love, My Ship of zijn sublieme versie van It Never Entered My Mind is gewoonweg onvergelijkbaar cool. Wat een schande, voor hem en voor ons, dat hij nooit die onmiddellijke erkenning kreeg die hij zo rijkelijk verdiende.
Voor Trane, Blue Note.
Afgelopen juni was het de elfde verjaardag van de dood van Ray Charles, en het is nog steeds moeilijk voor mij om te beseffen dat er geen nieuw album zal komen. Ik vraag me nog steeds af wat hij zou hebben gedaan met sommige normen waar hij nooit tijd voor had gevonden, of wat zijn benadering van nieuwere dingen zou zijn geweest.
Aan de andere kant was Charles inderdaad productief en we hebben zoveel geluk dat we hebben wat we hebben. Over zijn prestaties vertellen zou een extreem geval zijn van het voor de hand liggende herhalen. Maar wat misschien het vermelden waard is op deze verjaardag, is wat hij deed met de muziek zoals hij die voor het eerst vond. Om enkele van de wortels van Ray Charles te beschouwen.
Als jonge persoon die opgroeide in de jaren 50, dacht ik niet te veel na over de wortels van de muziek waar ik naar luisterde. Ik vond het gewoon leuk om ernaar te luisteren en erop te dansen. Het werd wat ik denk dat acteurs bedoelen met zintuiglijke of lichaamsgeheugen: het plezier ging van mijn oren recht in mijn lichaam, en ik leerde het lied visceraal. Het was zelfs pas vele jaren later dat ik het onderscheid las dat de grote dichter en muziekcriticus Phillip Larkin over jazz had gemaakt: dat er een verschil is tussen een luisterend publiek en een dansend publiek, en tot na de Tweede Wereldoorlog en de geboorte van Bop-jazzmuziek was erg betrokken bij dansen. Ik maakte in de eerste plaats deel uit van een dansend publiek. Als het geen beat had waarop je kon dansen, was het niet echt muziek, vond ik.
Ray Charles
We dansten allemaal op Ray Charles, die al een lange lijst met hits had voordat zijn doorbraakhit What'd I Say langskwam. Maar nu ik luister, kan ik de geweldige Ray Charles in een context plaatsen die ik toen niet kon, en ik ben gaan begrijpen waarom de goede mensen bij Atlantic Records de driedelige set van zijn opnamen uit de jaren vijftig The Birth of Soul noemden. Soul, zoals Ray Charles het begon te ervaren en te vertellen, was een hete amalgaam van jumpblues, West Coast-balladstijl en gospel, en het zijn die elementen van zwarte muziek die uniek samenkomen in deze vroege opnames. Het is alsof Brother Ray een nakomeling is van Louis Jordan, Charles Brown, een flinke dosis The Dixie Hummingbirds en Swan Silvertones, een beetje Nat King Cole, en wat Amos Milburn en T-Bone Walker die erin gegooid worden om lekker te rocken. In die zin was hij zowel het hoogtepunt van deze stijlen en krachten, als het resultaat van het vermengen ervan.
Verschillende snitten uit die Atlantic-collectie weerspiegelen de verschillende invloeden en laten duidelijk de ongelooflijke versmelting zien die hieruit voortkwam. Het meest voor de hand liggend is de overeenkomst tussen Ray Charles bluesballadstijl en stem met die van de supersoepele bluesstylist Charles Brown. Het is zo dichtbij dat op Vol. 1 (1952 – 1954), drie delen – The Midnight Hour, Losing Hand en Funny But I Still Love You – klinken in alle opzichten als Charles Brown. Je moet goed luisteren om te weten dat het Ray Charles is die zingt en niet Brown. En dan klinkt het alsof iemand een perfecte imitatie van Brown doet. Niet te vergeten, toevallig, dat beiden ongelooflijk getalenteerde pianisten waren. Net als Nat Cole, een andere zanger-pianist die Ray een tijdje imiteerde.
Charles Brown (geboren in Texas, 1920) was tien jaar ouder dan Ray en zijn carrière begon een half dozijn jaar eerder dan die van Ray. Hij was in 1944 begonnen met opnemen met The Three Blazers en was toen al ontwikkeld als een vlotte bluesstylist, getuige het nummer Driftin' Blues op die eerste date, dat meteen een hit werd en een klassieker van de bluesballad blijft. genre tot op de dag van vandaag. Samen met deze warme bluesballads drukte hij zijn urbane stempel op versies van standards als Harbor Lights en Cottage for Sale. Hij had die vlotte, relaxte saloonstijl aan de westkust beter dan wie dan ook. Die opnames roepen een gevoel op van de stedelijke rokerige nachtclubs van de jaren 1940, beter dan alles wat ik kan bedenken, afgezien van een Humphrey Bogart-film.
Ray Charles begon eind jaren veertig met opnemen en bereikte pas in 1951 de R&B-hitlijsten. Losing Hand werd opgenomen in mei 1953. Maar die sessie produceerde ook It Should Have Been Me, een sprekende jumpblues waar Louis Jordan trots op zou zijn geweest; evenals Heartbreaker, met zijn echo's van T. Bone Walker's Bobby Sox Blues. Maar die cijfers waren realistisch gezien slechts een korte terugblik, want het was tijdens diezelfde sessie dat Charles Mess Around opnam, een nummer zo veel in het heden (dat wil zeggen, het heden 1953), een nummer waaruit zoveel blijkt dat hij zijn weg al gevonden heeft. eigen stem dat zijn dagen van het imiteren van Jordan, Brown, Nat Cole of wie dan ook voorbij waren. In ieder geval zo goed als voorbij, want hij bleef blues met gospel mixen - zoals veel solide kerkleden huiveringwekkend wisten - maar hij had zeker zijn eigen stem gevonden. Het maakte niet uit of hij zong en speelde met een snelle, pulserende beat of een tergend langzame beat, we vonden het allemaal geweldig. Die sessie bracht ook MaryAnn voort, met zijn latin beat en swing bridge zo kenmerkend voor de jaren 50. Maar Mess Around was Rock 'n Roll, het was swingende Soul, en het was de figuurlijke geboorte van Ray Charles.
Het duurde tot 1959 voordat broeder Ray overging naar het algemene blanke publiek met de enorme hit What'd I Say, maar tegen die tijd was hij al meer dan een half dozijn jaar een legende in de zwarte gemeenschap en gemakkelijk te identificeren. Disc jockeys, juke-jockeys, houseparty's, auditoriumdansen en openluchtconcerten hadden al ontelbare uren verzameld van This Little Girl of Mine, Hallelujah I Love Her So, Swanee River Rock, That's Enough, Yes Indeed, I Got a Woman, Drown in My Own Tears, Night Time is the Right Time, Rockhouse en nog een dozijn meer solide deuntjes. Na 1953 zou niemand hem met Charles Brown hebben verward. Of iemand anders. Broeder Ray had zijn stem gevonden.
bronnen:
Een eenvoudige maar puntige discografie voor de geboorte van de ziel
De Cool Cool Blues van Charles Brown, 1945 – 61. Jasmine, 2012.
Het beste van Louis Jordan, MCA, 1989.
The Dixie Hummingbirds: Compleet opgenomen werken, Document, 1996.
Het allerbeste van T-Bone Walker, Rhino, 2000.
Portret van Frank Sinatra
Er is zoveel geschreven over Sinatra, wat valt er nog te zeggen? Zijn leven, zijn carrière, zijn kunst zijn allemaal onder de loep genomen door zeer competente critici. Het lijkt vrijwel onmogelijk om alle boeken te hebben gelezen en dan te beseffen dat er waarschijnlijk nog twee of drie zullen verschijnen voordat ik deze zin afmaak. Heeft een andere jazzmuzikant zoveel aandacht gekregen? Zelfs zijn andere carrière als acteur te weerstaan?
En toch, voor zover ik weet, is er nog steeds iets mysterieus over de kern van zijn aantrekkingskracht. Ik blijf denken aan de keuzes van Sinatra. Niet zijn carrièrekeuzes, of zijn keuzes van echtgenotes, of filmscripts, of zelfs zijn keuze van muzikaal materiaal. Ik blijf denken aan zijn lyrische keuzes, de keuzes die hij maakt in elke regel van de teksten die hij zingt. Jazz presenteert, net als acteren, een oneindige en continue reeks keuzes voor de uitvoerder. In muziek, jij
Trek het kort of sleep het naar buiten. Kom hard op dit woord of dat, deze beat of die. Enjamb de lijnen, of laat veel ruimte om elkaar heen. Duw een extra frase of twee tussen de beat. En dat is nog maar het begin. Elke jazzzanger maakt gebruik van deze middelen om zijn eigen stijl te vormen. Sommige hiervan worden handtekeningen of gimmicks.
Sinatra, hoewel hij nooit echt zijn toevlucht nam tot gimmicks, was in staat om elk apparaat in het boek te gebruiken en meer dan een paar van zijn eigen apparaten uit te vinden. Hij was scherpzinnig, creatief en had tonnen ervaring. Maar wat zo merkwaardig is aan zijn keuzes, is dat ze zo goed lijken, zo duidelijk op het punt dat hij zijn interpretatie volledig aan het lied en aan ons opdringt. Kunnen we dit verklaren door simpelweg te zeggen dat het zijn zelfvertrouwen is met een tekst, of zijn aangeboren intelligentie? Andere geweldige jazzzangers - Tony Bennett komt meteen voor de geest - maken buitengewoon interessante, vaak verrassend interessante keuzes bij het zingen van een songtekst. We verwonderen ons. Mooi, zeggen we, daar had ik nooit aan gedacht. Maar bij Sinatra lijkt het precies het tegenovergestelde te zijn. We knikken alleen maar en zeggen ja. Hoe hij het zo vaak in de zak lijkt te krijgen, blijft een mysterie. Voor mij althans. Zijn keuzes lijken zowel toen als achteraf bijna onvermijdelijk. We kunnen nauwelijks bevatten dat het keuzes waren, ze prenten zich zo diep in onze geest. Het is het mysterie van de kunst en van de kunstenaar.
Sinatra's swingende sessie!!! En meer (hoofdstad)
Ik herinner me Tommy (Reprise)
Vlieg met me mee (Capitol)
Sinatra – Basie: een historische muzikale primeur (reprise)
Een swingende affaire! (Capitol)
Nice 'n' Easy (Capitol)