Document ID: /fineweb-2-swissfilter-quality_10-filterrobots/filtered/03442.jsonl.gz/1101

In einer Zeit, in der Museumssammlungen versuchen, mehr Frauen und farbige Künstler zu integrieren, stellt Julie Mehretu ein starkes Symbol des Fortschritts dar, das seltene Beispiel einer zeitgenössischen schwarzen Malerin, die bereits in den Kanon eingetreten ist.
Während die Black Lives Matter-Bewegung weiterhin eine nationale Abrechnung anheizt, wird Mehretu in einer der vielen Kunstinstitutionen ausgestellt, die für eine tief verwurzelte Geschichte des Ausschlusses weißer Männer verantwortlich gemacht werden.
Mit diesem ungewöhnlichen Status – sowohl als Agentin des Wandels als auch als Mitglied des Establishments – bereitet sich Mehretu darauf vor, den gesamten weitläufigen fünften Stock des Whitney mit der umfassendsten Übersicht ihrer Karriere zu übernehmen, die am 25. März der Öffentlichkeit zugänglich gemacht wird .
„Wir sehen diesen Aufruf zum Wiederaufbau“, sagte Mehretu während eines Zoom-Interviews aus ihrem Studio in Chelsea in der Nähe des Museums und bemerkte „all diese wichtigen Arbeiten, die nicht gesehen wurden“. Erst jetzt, bemerkte sie, bekommen die Künstler, die sie inspiriert haben – wie Sam Gilliam, Coco Fusco, David Hammons und Daniel Joseph Martinez – endlich ihre Anerkennung von Institutionen, Galerien und Sammlern.
„Es wird gründlich darüber nachgedacht, wen Sie zeigen und wer ins Museum kommt und wie Sie das verschieben“, sagte sie. „Es gibt viel, was man herausfordern muss.“
Ein großes Werk, „Ghosthymn (after the Raft), 2019-2021“, während seiner Entstehung. Es bezieht sich auf „Das Floß der Medusa“ von Théodore Géricault, aber auch auf „das Ausmaß der Prekarität, das durch die Pandemie und die verkörperte Angst in diesen ersten Monaten aufgedeckt wurde“, sagte Mehretu. Kredit… Josefina Santos für die New York Times
Mehretu, 50, wirkt nicht revolutionär. Mit flauschigen Haaren und einer dunkel umrandeten Brille strahlt sie stattdessen eine bedachtere Herangehensweise aus – ständig nachforschend, untersuchend, ringend. Ein typisches Mehretu-Gespräch mit Querverweisen führt vom Massaker auf dem Platz des Himmlischen Friedens über Le Corbusier zum Kolonialismus.
Während also die Ereignisse des letzten Jahres Mehretus Thema vielleicht mehr Resonanz verliehen haben, sagte die Künstlerin, dass sie sich die ganze Zeit mit diesen Themen beschäftigt hat – Revolte, Migration und Rebellion.
„Das ist die Realität der meisten Menschen, wenn Sie eine Person of Color sind“, sagte sie und fügte hinzu, dass Rassismus „zu einem enormen Wohlstandsgefälle in diesem Land beigetragen hat, und wenn Sie das studieren, ist es sehr klar, dass es so sein muss eine echte Form der Wiedergutmachung.“
Diese Wiedergutmachung beinhaltet, wer Ihre Geschichte erzählen darf. Da Museen im ganzen Land sich zu größerer Vielfalt verpflichten, wen sie ausstellen, mieten und fördern, ist Mehretus Whitney-Retrospektive auch ein wichtiger Schritt für zwei Farbkuratorinnen.
Christine Y. Kim, die Kuratorin für zeitgenössische Kunst am Los Angeles County Museum of Art, organisierte die Umfrage gemeinsam mit Rujeko Hockley, einer stellvertretenden Kuratorin am Whitney, und präsentierte sie letztes Jahr (die Ausstellung musste sechs Monate früher geschlossen werden, weil des Ausbruchs von Covid-19). Die drei Frauen fühlen sich schwesterlich verbunden, da sie durch das Studio Museum in Harlem eine gemeinsame Geschichte haben – Mehretu war dort Artist in Residence; Hockley war kuratorischer Assistent; und Kim hatte verschiedene Positionen als Kuratorin inne.
„Diese starke Zusammenarbeit zeigt nicht nur die Bedeutung und Wichtigkeit jeder ihrer blühenden Praktiken“, sagte Thelma Golden, Direktorin des Studio Museum, „sondern auch ihre bahnbrechenden Wege.“
Monumental in ihrer Größe und Reichweite erforscht Mehretus Whitney-Show wiederkehrende Themen wie Kapitalismus, Globalismus und Vertreibung, wobei sie sich auf Schichten visueller Bilder, ein Lexikon von Hieroglyphen und alte Stadtpläne stützt. Angesichts der Proteste und der Pandemie erscheint die Ausstellung, die zum High Museum of Art in Atlanta reiste und ihre Tournee im kommenden Oktober im Walker Art Center in Minneapolis beenden wird, besonders relevant.
„In Julies Arbeit steckt ein unglaublicher Sinn für Menschlichkeit, sie schafft einen Raum, ein Gefühl, einen Moment, um über unsichtbare Körper, Migrationen, verlorene Geschichten, komplexe Kommunikation, Protest und Versammlung nachzudenken“, sagte Kim. „Die Abwesenheit von Körpern, aber die Präsenz der Menschheit im Stillstand schwingt in diesen Gemälden auf mysteriöse und intensive Weise mit.“
Hockley fügte hinzu, dass „sie und ihre Arbeit viel mehr zu bieten haben, als wir meiner Meinung nach anerkannt oder verstanden haben.“
Die vielschichtige, multidimensionale Natur von Mehretus Arbeit hat es immer schwierig gemacht, sie zu fassen. In ihren Bildern passiert so viel – Figuration ebenso wie Abstraktion; wirbelnde Linien sowie Farbfäden; subtile Bezüge zur Geschichte sowie eine klare Auseinandersetzung mit aktuellen Ereignissen.
„Julie ist die Malerin, an die ich mich wende, wenn ich darüber nachdenken möchte, wie ich die Grenze zwischen Abstraktion und Figuration, zwischen lokalen und globalen Anliegen, zwischen malerischer Zurückhaltung und freudiger Hingabe überwinden kann“, sagte der Künstler Glenn Ligon. „Sie ist gleichzeitig Historienmalerin und Afrofuturistin.“
Mehretus Leinwand „Conjured Parts (eye), Ferguson“ aus dem Jahr 2016 beispielsweise beginnt mit einem Foto eines unbewaffneten Mannes mit erhobenen Händen, der während der Proteste nach der tödlichen Erschießung von Michael Brown in Ferguson Polizisten in Schutzausrüstung gegenübersteht , Mo., im Jahr 2014.
Das Ergebnis ist ein fuchsia-grünes Gewirr, das sowohl Feuer als auch Verwirrung hervorruft. Wie ein Verkehrsunfall, der schnell von einem rasenden Auto oder einer von Graffiti verdeckten U-Bahn-Werbung erblickt wird, erfordert es vom Betrachter, hässliche Details unter einem schönen Ganzen zu verstehen.
Die Pandemie hat das gesamte Unternehmen der Umfrage informiert. Mehretus Show könnte helfen, einen Whitney wiederzubeleben, der jetzt mit begrenzter Kapazität arbeitet. Während seines Laufs bis zum 8. August kann sich die Welt vollständiger wieder öffnen.
Die Sperrung veränderte Mehretus übertriebenen Lebensstil und gab ihr die seltene Gelegenheit, langsamer zu werden, jeden Abend mit ihren beiden Jungen – die sie gemeinsam mit ihrer ehemaligen Frau, der Künstlerin Jessica Rankin, erzieht – zu Abend zu essen und tiefer über ihre Ziele nachzudenken Denniston Hill, die Künstlerresidenz, die sie 2004 gemeinsam mit dem Künstler Paul Pfeiffer und dem Historiker Lawrence Chua in den Catskills gründete. Mehretu blieb während der Pandemie dort.
„Ich hatte noch nie so viel ununterbrochene Zeit, um an einem Ort zu bleiben und mich auf ein Ritual einzulassen“, sagte Mehretu und fügte hinzu, dass sie es genoss, alle vier Jahreszeiten im Land zu durchleben und zu verstehen, „was passiert, wenn die Zeit vergeht“.
Das Virus unterbrach Mehretus Arbeit selbst, darunter ein großes Diptychon, das in der Whitney-Galerie mit Blick auf den Hudson zu sehen sein wird, eine 12 x 15 Fuß große Leinwand mit dem Titel „Ghosthymn (after the Raft), 2019-2021“. Erst im vergangenen Herbst, als sie in ihr New Yorker Atelier zurückkehrte, konnte Mehretu die Arbeit an dem Gemälde wieder aufnehmen, das sich auf die rechtsextremen Proteste in Chemnitz 2018 in Deutschland, Brexit-Kundgebungen gegen Einwanderung und das Gemälde „The Raft of die Medusa“ des französischen romantischen Malers Théodore Géricault.
Sie zitierte auch „das Ausmaß der Prekarität, das durch die Pandemie und die verkörperte Angst in diesen ersten Monaten aufgedeckt wurde“, die die Arbeit informierten, darunter Schwankungen im Nachrichtenzyklus, „Aufstände des Sommers und die grundlegende Enthüllung der Tropen des amerikanischen Exzeptionalismus“.
Die Whitney-Show, die etwa 30 Leinwände sowie 40 Arbeiten auf Papier umfasst, wird zwei neue Tusche- und Acryl-„Mind-Wind Field Drawings“ umfassen, die starke, kinetische Linien und kaum wahrnehmbare verschwommene Farben umfassen.
Die Betrachter finden ihre frühesten Recherchen und Zeichnungen aus der Graduiertenschule und die ersten Gemälde, in denen sie ihre Unterschrift erfand, die die Künstlerin als „Beharren, Beharren des Seins“ definiert.
Mehretu wurde 1970 in Addis Abeba als Tochter eines äthiopischen Vaters (Professors für Wirtschaftsgeographie) und einer amerikanischen Mutter (einer Montessori-Pädagogin) geboren und zog im Alter von 7 Jahren mit ihrer Familie nach East Lansing, Michigan, um den politischen Unruhen in Äthiopien zu entkommen.
Sie besuchte das Detroit Institute of Arts, wo die farbenfrohen abstrakten Streifen des amerikanischen Künstlers Morris Louis einen starken Eindruck hinterließen. „Ich habe versucht, solche Gemälde zu malen“, sagte Mehretu.
In der Whitney-Show können die Besucher sehen, wie sich Mehretus Gemälde im Laufe der Zeit entwickelt haben, größer wurden, architektonische Pläne einschlossen und eine soziale und politische Dimension erlangten. Die Ausstellung hebt die Auseinandersetzung des Künstlers mit strukturellen Formen wie dem Stadion hervor; Ikonographie wie Nationalflaggen; und Meilensteine der jüngeren Geschichte wie der Krieg gegen den Terror oder Hurrikan Katrina.
Inmitten einer Explosion des Interesses an schwarzen figurativen Künstlern bleibt Mehretu der Abstraktion verbunden. Dennoch beeinflusst sie weiterhin Künstler in mehreren Disziplinen. „Das Werk hat eine Anziehungskraft, die einen in ihren Kosmos hineinzieht“, sagte die Malerin N. Dash. „Es macht Aktivität, Währung und Energie sichtbar, die die digitale Vorstellungskraft in etwas Lesbares verwandelt.“
Trotz der potenziellen Komplikationen dieses Moments – einen Platz am Tisch zu haben, während der Tisch unter die Lupe genommen wird – fühlt sich die Whitney-Show für Mehretu wie eine Art Heimkehr an. Als Doktorandin an der Rhode Island School of Design in den späten 1990er Jahren, sagte Mehretu, wurde sie stark von den bahnbrechenden Ausstellungen des Museums mit schwarzen Künstlern wie Frank Bowling und Jack Whitten sowie von der kuratierten Ausstellung „Black Male“ beeinflusst von Golden.
(Ihre berufliche Beziehung zu Whitney begann mit ihrer Aufnahme in die Biennale 2004 und setzte sich mit der Gruppenausstellung 2017 fort: „An Incomplete History of Protest: Selections from the Whitney’s Collection, 1940–2017.“)
„Es ist ein Raum, in dem sich ein gewisses Gefühl für Möglichkeiten eröffnet hat, und es war ein so wichtiger Marker für mich in der Stadt“, sagte Mehretu.
Mehretu sagte, sie achte auch sehr auf die Geschichte des Whitney als Ziel von Kritik, oft wegen einer bestimmten Arbeit in seiner Biennale oder in jüngerer Zeit wegen der Berufsverbände eines Treuhänders.
Ironischerweise ist der Künstler wohl Teil genau des Systems geworden, das einige Aktivisten derzeit zu demontieren versuchen. Sie wurde mit einem „Genius Grant“ der MacArthur Foundation (2005) und einer Medal of Arts des US-Außenministeriums (2015) ausgezeichnet.
Zu ihren wichtigsten Aufträgen gehören ein „Mural“ von 2009, das von Goldman Sachs für den Hauptsitz von Battery Park in Auftrag gegeben wurde, und eine monumentale Erkundung des amerikanischen Westens für das Atrium des San Francisco Museum of Modern Art im Jahr 2017.
Und ihre Arbeit ist in die Reihen der Kunstmarkttrophäen eingetreten und erreichte 2019 bei einer Auktion von 5,6 Millionen US-Dollar für ihren „Black Ground (Deep Light)“ bei Sotheby’s Hongkong einen Höchststand.
Auf die Frage, wie sie damit umgeht, das System herauszufordern und ein Teil davon zu sein, sagte Mehretu, dass diese Frage jedem Künstler in den Vereinigten Staaten gestellt werden sollte. „Rassismus ist ein amerikanisches Problem, es ist nicht das Problem der Schwarzen, das es zu lösen gilt“, sagte sie. „Jeder in diesem Land sollte über unsere Geschichte der weißen rassistischen Gewalt nachdenken und darauf reagieren. Dieses Bewusstsein beeinflusst, was ich tue. Meine Arbeit besteht darin, hier zu sein. Ich bin hier, wir sind hier und wir sind im Gebäude.“