Document ID: /fineweb-2-swissfilter-quality_10-filterrobots/filtered/02822.jsonl.gz/15

Kemijsko čišćenje 101: kada to učiniti + što tražiti u kvalitetnoj kemijskoj čistionici i zašto može biti štetno
Odjeća / 2024
Sada kada ste se pravilno upoznali s nekima od više poznata djela iz repertoara klasične glazbe , mislio sam da bi pregled različitih razdoblja koje čini povijest klasične glazbe bio sljedeći logičan korak. Pojam je vrlo širok i obuhvaća glazbu od srednjeg vijeka do danas. Članak će vas pokušati upoznati s nekoliko različitih stilova i ideja svakog od glazbenih razdoblja u zapadnom svijetu, kao i kontekstualizirati ih kako bi se objasnili različiti razvoji i istaknuli važni skladatelji. Ovo nipošto nije sveobuhvatan vodič, već pregled čiji je cilj pomoći početnicima da bolje razumiju klasičnu glazbu. Zbog velikog opsega (ipak govorimo o tisuću godina glazbe) nije sve pokriveno. Na primjer, svaka glazba nakon 1945. bila je isključena, jer postoji toliko mnogo škola i pristupa da članak ne bi imao koristi od nekoliko stotina riječi.SadržajProširitiKolaps
Iako je rana glazba postojala kao crkvena i dvorska glazba, rana crkvena glazba, a posebno vokalna crkvena glazba, na kraju će postati visoko sofisticirana glazba Bacha, Beethovena i Brahmsa. Iako u glazbi trubadura, madrigala i ministranta ima jako puno vrlina, fokus članka više je na crkvenoj glazbi.
Srednjovjekovni glazbeni rukopis
Sve počinje ovdje, s jednim redom bilješki. Jednoglasno pjevanje, koje se naziva i obično pjevanje, razvilo se u raznim središtima diljem Europe. Poput dvorske glazbe, bila je lokalna, temeljena na lokalnim liturgijama, a različite regije proizvele su različite stilove pjevanja. Poslušajte razliku između Mozarbskog pjevanja Portugala i Španjolske i Amborisanskog pjevanja. Obojica rade verzije dijela mise 'Gloria in Excelisus Deo'.http://www.youtube.com/watch?v=qqiCs3oL3yg
To se počelo mijenjati standardizacijom mise i pjevanja od strane Katoličke crkve 1011. godine. Rezultat je bilo gregorijansko pjevanje, proizašlo iz miješanja stilova pjevanja dva glavna europska središta Rima, središta crkve, i Pariza, političkog centar. Ovo je zamijenilo gotovo sve lokalne oblike pjevanja. Ovdje ponovno poslušajte Gloriju, ali izvedenu kao gregorijanski koral.
S ovom standardizacijom se počeo razvijati. Postupno je u glazbu uvedeno više linija, krećući se kroz Organum. Velik dio ove glazbe još uvijek je anoniman. Ponovno su različiti centri eksperimentirali s različitim pristupima organumu, a možda je najznačajniji bio engleski. Iako su floridne orgulje sv. Martiala bile najznačajnije na kasnijim orguljama, ustupivši mjesto slavnoj školi Notre Dame, engleske orgulje favorizirale su interval terce, što će postati put kojim će modalna glazba dovesti do dur/mol tonaliteta. , ali o tome kasnije. Kasnije su ih razvila dva najranija poznata skladatelja, prvi Léonin, a kasnije Pérotin. Obje su pružile mnoge nove skladateljske tehnike, od kojih je najvažnija bila modalni ritam, u biti nepravilne note raspoređene u pravilan obrazac.http://youtube.com/watch?v=gtkmnhnHWhw
Primarna razlika je u tome što se Léoninov stil više kretao prema dugačkim kitnjastim linijama, Pérotin se više usredotočio na korištenje složenijih glasova, donoseći čvrst početak polifoniji.
Početni potez bio je izglađivanje elemenata koji su postali istaknuti u kasnom srednjovjekovnom stilu. To je posebno značilo pojednostavljenje nekih ritmova. Međutim, to je omogućilo tečniji stil i na mnogo načina doprinijelo fokusiranijem ritmu koji se pomaknuo više prema kraju djela. Interval terce, sa svojim većim koloritom (mol i dur) postaje više cijenjen. U srednjovjekovnom razdoblju smatran je disonantom, te stoga podređen petom i četvrtom.
Glazba je postupno ponovno postala složenija u glazbi Johannesa Ockehema. Njegova sklonost kanonima može se čuti u njegovoj Missa Prolationum. To je povezano s povećanjem detalja koji su se u to vrijeme vidjeli u vizualnim umjetnostima.
U 1470-ima prvi utjecaj tiskarskog stroja osjetio se u glazbi. Notni zapis počeo je poprimati oblik, dopuštajući ideju prijenosa glazbe i njezine vjernije reprodukcije. To je također značilo da je lokalni element, kao i kod standardiziranja mise od strane crkve 1011. godine, nadmašen rastućim internacionalizmom, posebno francusko-flamanskim stilom polifonije. S tim je došlo do povećanja pojednostavljenja, posebno kod G.P. Palestrina. Prelazak na jasniji stil djelomično je nastao zbog protureformacije i Tridentskog sabora. U biti, donesena je odluka da tadašnja polifona glazba čini tekstove, božanske svete tekstove, nerazumljivima. Napustili su miješanje nekoliko glasova u kanonskom stilu Ockehema u korist imitacije dueta i tria koji bi strukturu izgradili u pet ili šest dionica. Bilo je i sve češćih odlomaka homofonije (više glasova koji se kreću u sličnom ritmu) za odlomke od posebne važnosti. Palestrina je na kraju od njih razvio slobodni tečni stil kontrapunkta, koji je omogućio i jasnoću i glazbenu zanimljivost.
Opsjednutost antikom iz tog razdoblja, posebice Grcima, navela je neke na eksperimentiranje s oblikom glazbenog kazališta, gdje je glas pričao priču uz pratnju instrumenata, u biti pokušavajući replicirati grčku dramu. Uspiju, donekle. Stvorili su oblik glazbenog kazališta koji je i danas prisutan, iako je upitan stupanj u kojem nalikuje tradicionalnoj grčkoj drami.
Opet vidimo lokalizaciju koja je zavladala glazbom, budući da barokno razdoblje nudi niz skladatelja s raznih mjesta. Sam izraz izvorno je korišten kao uvreda za vrlo kićen, naizgled nekoherentan stil glazbe. Od tada je postao izraz za opisivanje širokog spektra skladatelja u razdoblju od 150 godina. Jedan od prijelaznih skladatelja bio je Jacopo Peri. Radio je za razne crkve i dvorove, ponajviše za Medicijeve. Njegov stil znatno je manje složen od većine renesansne glazbe prije njega ili više ukrasnog stila koji bi karakterizirao barok. Malo se njegovih djela danas izvodi, i to često samo kao kuriozitet. Ipak, on je, prema nekima, pravi izumitelj nove forme nazvane Opera koju će kasnije revidirati Claudio Monteverdi u svom L’Orfeju.
Neuporedivi J.S. Bach
Osnovni sastojci koji će karakterizirati kasniju baroknu glazbu su tonska harmonija u obliku basso continua (neprekidne bas linije) na kojoj će se svirati tonska polifonija, inspirirana kontrapunktom razvijenim tijekom renesanse. Interval terce koji je polako postajao važan za skladatelje omogućio je pojavu durskih i molskih tonaliteta kao načina upravljanja disonancijom i kromatizmom što će biti ključno obilježje do kraja 19.thstoljeća. Dodatno tome je konceptualizacija jednakog temperamenta, dijeljenje oktava u dvanaest dijelova. Začudo, ovo nije dvanaest savršeno ugođenih polutonova. Zapravo postoji dvanaest, neusklađenih intervala, ali stupanj do kojeg su neusklađeni je točan, što znači da se međusobno uravnotežuju. To je omogućilo modulaciju između tipki. Dobro temperirani klavir Johanna Sebastiana Bacha na neki je način ostvarenje i slavlje te standardizacije. Instrumentalna glazba došla je na svoje mjesto. Posebno instrumenti s tipkama, naime čembalo i orgulje, postali su glavni oslonci glazbe.
J. S. Bach je velikan ovog doba, iako je bio daleko od najslavnijeg glazbenika tog vremena, njegova slava posebno raste od 19. stoljeća nadalje. Njegovo glavno mjesto bilo je as dirigent u Leipzigu, zapravo čovjek zadužen za glazbu tog grada. Stvorio je mnoga raznolika djela, od koralnih kantata, misa, preludija, partita. S iznimkom kazališnih djela (kao što su opere), Bachov katalog pokriva sve oblike, instrumente i orkestre tog razdoblja.
Tiskarski stroj također je otvorio put standardizaciji. Nastali su pedagoški tekstovi, uključujući Gradus ad Paranassum (1725.) Johanna Fuxa koji je sistematizirao kontrapunkt ranijih razdoblja i Archangela Corellija, koji je organizirao violinsku tehniku i pedagogiju. Razdoblje je također dopuštalo veće individualne razlike. Skladatelji i izvođači počeli su postajati poznati sami po sebi, a njihovo znanje i stručnost prenosili su se ili kroz pedagogiju ili u tisku koji je hvalio njihove talente.
Iako je liturgija još uvijek bila temelj za neka djela, skladatelji su odlučili organizirati materijal na drugačiji način. Forma je postala važnija, budući da je potreba da se ostane unutar jednog ključa zahtijevala metode organiziranja glazbenog materijala da se vrate na 'toniku' ili kućni ključ. Ovo je dalo okvir za sonata forma kao i ideja teme i varijacija. Osnove oblika sadržavale su binarni (AABA) ili trio (ABC).
Tijekom renesanse fokus se pomaknuo na klasičnu antiku (otuda i naziv) i ljudi su to pokušali oponašati u novoj umjetnosti i arhitekturi. Dok je naglasak još uvijek bio na formalnosti i hijerarhiji, kao i tijekom baroka, fokus je bio više na jasnoj podjeli, snažnom kontrastu i jednostavnijem stilu, za razliku od složenog, ornamentalnog stila baroka. Jednostavnije rečeno, polifonija je ustupila mjesto jednoj melodiji praćenoj podređenom harmonijom. Otkrivanje promjene u modulaciji, kao što je između prve i druge teme sonate, postalo je sve važnije. Bilo je potrebno znanje starijih glazbenika s njihovom tehničkom stručnošću, ali noviji stil došao je od mlađih glazbenika. C.P.E. Bach je pokazao izvrsnu kombinaciju ovo dvoje. Od oca je stekao znanje o starim tehnikama, ali ih je mogao upotrijebiti u novijim stilovima koji su bili omiljeni u javnosti. Ovo prijelazno razdoblje koje bi dovelo do sličnih Joseph Hayden i Wolfgang Amadeus Mozart datira oko 1730-1760. Činjenica je bila da je Bach, iako još uvijek cijenjen, postao neka vrsta relikvije.
Jednostavnost je imala i ekonomske razloge i koristi. Sklonost novoj glazbi postala je javna fiksacija, ali resursi dostupni skladatelju bili su prilično ograničeni. Dok je Bach imao na raspolaganju sve glazbenike u Leipzigu, Mozart bi, primjerice, morao angažirati glazbenike, što bi značilo probe, a probe koštaju. Kako bi se ograničio budžet, u modu su ušli komadi koji zahtijevaju samo jednu probu.
Dvorsko okupljanje da se čuje glazba
U tom je razdoblju cvjetala dvorska glazba (skladatelji su bili u službi plemića). c naš orkestar iz Mannheima bio je najpoznatiji u to vrijeme, te je stoga utjecao na glazbene stilove mnogih skladatelja, uključujući Haydena i Mozarta. Haydena se često naziva ocem i jednog i drugog Simfonija i Gudački kvartet . Još kao dječak stekao je glazbenu izobrazbu i naposljetku je angažiran kao zborist u katedrali svetog Stjepana u Beču. Kako je rastao, njegov glas je nepovoljno sazrijevao i nakon loše primljene šale na račun kolege zborista bio je otpušten. Nakon toga je preuzeo razne poslove i, uvidjevši nedostatak znanja o glazbenoj teoriji i kompoziciji, proučavao je mnoge tekstove koji su bili dostupni u tisku tijekom razdoblja baroka (najpoznatije Fuxovu raspravu) i proučavao rad C.P.E. Bach. To je naposljetku dovelo do njegovog zapošljavanja na imanju Esterházy, što mu je pomoglo da razvije svoj stil koji definira i uspije.
Drugi veliki ekonomski pomak bio je da su glazbenici sve više postajali slobodni agenti. Prije se glazba stvarala samo unutar i za dvor. Mozart je, primjerice, prodavao pretplatu na svoje koncerte kako bi se financirao, umjesto da se oslanja na kraljevsko pokroviteljstvo. S druge strane, Hayden je iskoristio stabilnost svog sudskog imenovanja da se usredotoči na stvaranje novih načina skladanja i strukturiranja djela unutar nove estetike tog razdoblja, Mozart je tražio uspjeh u javnoj domeni. To je značilo biti virtuoz i skladati opere. Oba su omogućila sviranje tijekom nekoliko večeri i rasporede turneja, što je omogućilo Mozartu da ostvari održiv prihod. Također je preferirao veću upotrebu kromatskih akorda i kombinaciju melodija unutar jednog djela. Trening s Haydenom pružio mu je strukturiraniji, discipliniraniji pristup koji ga je doveo do toga da postane živopisniji i virtuozniji. Njegov skladateljski stil zahtijevao je veću pozornost i interakciju unutar orkestra te predstavljao veći izazov za pojedine glazbenike. Ovaj više tehnički pristup zahtijevao je više od skladatelja kao i od izvođača, a publika je žudjela za više. U isto vrijeme, ovi povećani zahtjevi za vještinama razlikovali su kasniji klasicizam oko 1780. od ranijeg prijelaznog razdoblja (1740.-1760.). I Hayden i Mozart su u to vrijeme smatrani genijima i uživali su veliki uspjeh.
U nastavku se pojavila nova generacija glazbenika, a svakako najpoznatiji i najhvaljeniji Ludwig van Beethoven . Kao i Mozart, stekao je reputaciju virtuoznog izvođača, osobito poznat po improvizaciji. No, njegove su skladbe imale još veći odjek: bile su duže, složenije. više 'pijanistički' za razliku od 'vokalnog', te je osigurao veću interakciju između instrumenata, što je dovelo do novog stila. Rani klasicistički pojam jednostavnosti nad složenošću bio je uzurpiran. Forma je omogućila više istraživanja glazbenog materijala. Najjasnije mjesto na kojem se to vidi je u razvojnim dijelovima Beethovenova djela. Umjesto Mozartove razigranosti, Beethoven je preradio svoje teme na velike, hrabre i komplicirane načine. Njegov glavni fokus bio je stvaranje monumentalnog, originalnog umjetničkog djela. Kao posljedica toga, njegov pristup kvaliteti značio je da će stvoriti manje svezaka: dok je Hayden skladao preko 100 simfonija, Mozart ih je napisao 41, a Beethoven samo 9 simfonija . Međutim, emocionalni intenzitet i glazbena sofisticiranost koji postoje u Beethovenovim simfonijama ukazuju na krajnji pomak. Iako je Beethoven započeo svoju karijeru kao klasičar, završio ju je kao protoromantičar.
Sve veći interes za prirodu, glorifikacija subjektivnog mišljenja i interes za nadnaravno obilježili su romantizam. Standardizacija koja se dogodila tijekom klasičnog razdoblja testirana je i dovedena do svojih granica, jer je svaki skladatelj imao svoj, subjektivni pristup. posljedično, slobodni stilovi poput nokturna, rapsodija i preludija postali su popularni. Glavni primjer za to je Frederick Chopin . U svoje je mazurke ugradio elemente narodne glazbe, iako su one namijenjene koncertnoj dvorani.http://www.youtube.com/watch?v=e8PJsjO1u5w
Glazbenici su postali slobodni od plemstva jer su glazbenici sada mogli djelovati samostalno ili kroz razne glazbene obrazovne organizacije. Jedan takav način bio je kroz povećani interes srednje klase za glazbu, a to je omogućilo put u kojem su skladatelji mogli redovno zaraditi. Chopin je, primjerice, održao tek nekoliko koncertnih izvedbi. Njegov uobičajeni prihod dolazio je od predavanja i prodaje njegovih rukopisa.
Ova neovisnost dovela je druge do velikih rasporeda turneja i koncerata. Skladatelji i izvođači postali su zapravo rock zvijezde koje je publika obožavala. Dva glavna primjera su violinist Nicollo Pananini i Franz Liszt. Paganini je svojim tehničkim dostignućima s violinom zapravo nadahnuo List da ga uskladi s klavirom. Dvoboji su postali nešto kao redovita pojava između pijanista. Liszt je imao posebno rivalstvo sa Sigismondom Thalbergom, kolegom skladateljem i virtuozom, gdje su u biti pokušali smanjiti popularnost onog drugog u medijima. To baš i nije upalilo pa su se Liszt i Thalberg 31. ožujka 1837., da bi se obračunali, dvobojili u salonu princeze Cristine Belgiojoso. Svaki je prvo svirao komad koji je već bio na njihovom repertoaru. Zatim je svaki odigrao komad ekstremne tehničke težine koji su pripremili posebno za susret. Lisztovo je bilo Reminscences de Robert le Diable. Iako su ga prisutni prozvali neriješenim, Thalberg, koji se godinama natjecao s Lisztom, nikada ga više nije izazvao.
Jedna suprotna strana ovog spektra bio je Wagner. Wagner je želio stvoriti Gesamtkunstwerk (cjelovito umjetničko djelo) u kojem su se spojili poetski, vizualni, glazbeni i dramski elementi umjetnosti. Orkestri su u tom razdoblju rasli s uvođenjem više instrumenata i većim ulogama postojećih. Ali za Wagnera napredak je bio presporo. Želio je još veće. Neke je instrumente odredio za svoje orkestre, poput oktobasa, basa koji je toliko velik da je ljudima bilo potrebno da ga sviraju. Također je bio jedan od rijetkih skladatelja iz tog razdoblja koji je dobio pokroviteljstvo u obliku Ludwiga II od Bavarske. To mu je omogućilo da izgradi Bayreuth Festspielhaus (Festivalsko kazalište). Ovdje je orkestar skriven ispod kapuljače kako bi se prvo maknuo iz vidokruga orkestra, Wagneru je drama bila primarna, a zatim kako bi se ispravio balans između pjevača i orkestra. Glazba je koristila veće količine kromatizma i disonance što je pridonijelo dramatičnom učinku glazbe. Iako je Ciklus Prstena mamutsko djelo ovog doba, Preludij iz Tristana i Izolde, s poznatim Tristanovim akordom (00:12) ističe emocionalnu čežnju i kromatski prkos koji su karakterizirali Wagnerovo djelo.
Do početka 20. stoljeća skladatelji su postali umorni od konvencija i standardizacije koji su se pojavili tijekom ere uobičajene prakse i počeli su istraživati više metoda organiziranja glazbe. Za neke je to jednostavno značilo proširenje ovih konvencija, poput Sergeja Rahmanjinova koji je skladao glazbu u romantičarskom stilu čak do 1940-ih.
Igor Stravinski
Drugi su odlučili redefinirati, izmijeniti ili odbaciti prethodne konvencije. Claude Debussy bio jedan od tih skladatelja. Izvorno fasciniran Wagner Njegova vrlo kromatična tonska glazba na kraju je došla do zaključka da se radi o prekrasnom zalasku sunca koji se pogrešno smatra zorom. On je, kao i drugi, shvatio da je Wagnerov pristup tonalitetu ograničenje na tonalitet. Stoga je tražio druge načine organiziranja svoje građe. Na neki način gledao je unatrag i koristio moduse za svoje skladbe baš kao u razdoblju srednjeg vijeka i renesanse. To mu je dalo tonsku dvosmislenost i slobodu da pomiče svoju glazbu kao što svjedoči Preludij u Faunovo poslijepodne . Također otkriva Debussyjevu upotrebu nefunkcionalnih harmonija, gdje, umjesto da tjera djelo naprijed, harmonija jednostavno boji melodiju. U tom su razdoblju limena i puhačka glazbala počela konkurirati tradicionalnim gudačkim instrumentima.
Još jedno ogromno djelo s početka 2. stoljeća bilo je Igor Stravinski Posvećenje proljeća. Poznato kao izazivanje ogromnog javnog bijesa i gotovo nereda na svojoj premijeri 1913., djelo je sa svojim naizgled kakofoničnim ispreplitanjem melodija i nasilnom prirodom snažnih ritmova otkrilo nova područja fascinacije modernističkog doba. Umjesto da visina tona bude primarni element u glazbi, ona je postala podređena atmosferi koju stvaraju tekstura, ritam i ton.
I konačno Arnold Schönberg i dvanaesttonska glazba. Dok su Debussy i Stravinski tražili nove i egzotične tehnike i zvukove kako bi stvorili svoju glazbu, Schoenberg se fiksirao na same temelje ere uobičajene prakse, na dvanaest tonova jednakog temperamenta. Ponekad se naziva atonalnom glazbom, kako bi spriječio da ovo padne u potpuni kaos, Schoenberg je izveo sustav koji je zahtijevao da se svih dvanaest tonova koristi jedan za drugim i da se taj niz ponavlja do kraja djela. Sustavu, iako mu je pristupljeno iz drugačijeg smjera nego njegovi suvremenici, također je zahtijevao veći fokus na teksturu, instrumentaciju, dinamiku i ritam.
Iako stvara zanimljiv, čak proganjajući učinak, nije baš dobro prihvaćen. Unatoč tome, Schoenbergova tehnika bila je ključna u zapadnoj glazbi sljedećih nekoliko desetljeća sa skladateljima poput Pierre Boulez i Stockhausen razvijajući svoju tehniku dvanaest tonova u potpuni serijalizam, gdje je svaki element od visine tona do dinamike do ritma bio podvrgnut rigoroznom sustavu. Opet, rezultati nisu bili popularni i mnogi su ga, poput minimalista, odmah odbacili.
Nadam se da vam je ovaj uvod u povijest zapadne klasične glazbe dao dojam o različitim stilovima u različitim razdobljima. Više od svega nadam se da će vam omogućiti da više cijenite različite vrste glazbe. Koje je vaše preferirano razdoblje klasične glazbe ili koji su vam omiljeni skladatelji? Javite nam u komentarima.