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La mise en jeu d'un vécu émotionnel transmis au public lors du chant est capitale tant pour le chanteur, que pour son public. Elle permet au chanteur de modifier les ordres que ses nerfs transmettent à son larynx, pour le meilleur ou le pire selon l'habileté de ses gestes.
Comment utiliser son cerveau et ce qui déclenche les émotions, à savoir les représentations symboliques perçues par le sujet, de façon optimale?
Comment utiliser les éléments de perception du corps (vision, ouïe, propriocéption, ressenti) pour apprendre à maîtriser cette coordination?
Comment nourrir sa voix de ce vécu interne?
Comment trouver le juste milieu entre "être froid sur scène" et "en faire trop"?
Cette partie du travail se fonde tant sur l'approche et l'adresse du texte faites par les comédiens (sous-texte, Stanislavski,...) que sur les recherches actuelles au niveau de l'utilisation de soi et du potentiel humain. (Anthony Robbins, technique Alexander, éléments de recherches de psychothérapie cognitive et comportementale)
Comme je ne suis pas (du tout!) thérapeute, il s'agit de m'assurer que l'élève a à sa disposition les meilleurs outils pour utiliser son système neuro-émotionnel, tout en évitant d'évoquer les composantes concrètes des éventuels bloquages présents.
La nature même de cette coordination la rend délicate à aborder et nécessite soin, mesure et persévérance de la part de l'élève et du professeur.
Le but visé est l'expression unique et authentique de l'individu en pleine possession de ses moyens.