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Geboren 1966, lebt und arbeitet in Lemberg. 1984 - Abschluss an der Taras Shevchenko State Art School in Kiew. Die Kombination mehrerer kreativer Berufe (ein Künstler, ein Designer und ein Drehbuchautor) beeinflusst Ravskys künstlerische Art, verkörpert im Stil der „neuen alten Meister“. Die Werke des Künstlers befinden sich in Museen und Privatsammlungen in der Ukraine, den USA, Norwegen, Deutschland, Polen, Russland, Estland und Holland.
Eugene Ravsky präsentiert eine neue Serie, die auf dem antiken griechischen Text des blinden Homer basiert, der an die Abwesenheit von Licht gewöhnt war. Ravsky hat zwei Jahre gebraucht, um zur Ilias zu gelangen, deren Erscheinungsdatum sich historisch mit der Revolution der Würde überschneidet. Im Rahmen des Phänomens der "neuen alten Meisterschaft" hatte Ravsky bestimmte Aussagen getroffen, die den Gleichklang dreier Sprachen bildeten - der homerischen Epen, der Malweise Caravaggios und der Offenheit der Zeitgenossenschaft für die dargestellten Themen. Ravsky sagt vorsichtig: "Ich wollte nicht in den Fight Club abrutschen. Aber ich habe es trotzdem getan, weil diese Bilder extrem stark sind. Es war sinnlos, nur die Ilias neu zu illustrieren: Ich wollte sie in unserer Zeit zeigen - um die Helden von damals aufzudecken".
Die Serie zeigt Kriegsszenen: Duelle, Verhandlungen, Verzweiflung, Streitereien, Rufe, Drohungen, Klagen und Todesfälle. Die Virmenska-Straße in Lemberg wurde zu einem Schauplatz, der wie eine unveränderliche Bühne auf dem Kriegsschauplatz dekoriert ist. Die roten Vorhänge dienen als Vorhänge und symbolisieren gleichzeitig das Blut. Der Ort ist überfüllt, denn es gibt mehr Helden als Schauspieler. Die Statisten (bis auf einen - den Besitzer eines Cafés - sind alle Künstler aus Lemberg) spielen keine Heldenrollen, sondern Charaktere. So tritt Ravskys Freund, der Maler Volodymyr Kostyrko, in verschiedenen Bildern als Patroklos oder Hektor, als Grieche oder trojanischer Soldat auf. Aufgezählte Massaker (Massaker I, Massaker II) maskieren echte Krieger, anstatt sie als porträtierte Helden darzustellen. Anstelle der Vielfalt der Arme sieht man Muskeln in verschiedenen Stadien der Anspannung. Die Kostüme der Kämpfer (im weiten Sinne des Wortes "Kostüm", das z.B. Borys Vian dem Ausdruck "Adam und Evas Kostüm" gibt) bilden das einzig wahre Gesicht - das Gesicht des Krieges.
In erster Linie beeinflusst Homer die Macht der Bilder als Schöpfer von Archetypen, die in der Lage sind, Generationen zu lehren, und als Begründer der Schlachtästhetik, die Ravsky zu imitieren versucht: "Homer beschreibt Schlachten auf faszinierende Weise. Wo Verletzungen entstanden sind, wie sie entstanden sind, wie sich ein Knie entspannt oder anspannt... Davon erzählt der Großteil des Textes".
Es gibt viele Gründe für diese überaus zeitgemäße Aufgabe, den Wettstreit zwischen Gemälden und einem Epos zu gewinnen, dessen Ursprung auf einem Ton in der Dunkelheit und der Unfähigkeit, Bilder der Wirklichkeit wahrzunehmen, beruht. Einige Gründe liegen in der direkten Verbindung des heroischen Geistes mit dem Trojanischen Krieg und der Unmöglichkeit, ohne einen solchen Appell mit Zuversicht über den Ausgang ins Licht und die "Friedenszeit" zu sprechen. Der eigene Grund des Autors ist die Absicht, Lücken in den fehlenden Handlungen zu füllen. Die Ilias, neu gelesen vom italienischen Schriftsteller Alessandro Baricco, wird ebenfalls zu einer vielstimmigen Ergänzung der Reihe. Hier bietet Baricco zwei Vorstellungen von Schönheit: "Die Ilias ist wahrscheinlich ein Plädoyer dafür, dass der zeitgenössische Pazifismus diese Schönheit [des Krieges] nicht vergessen oder leugnen sollte, als hätte es sie nie gegeben. Die Behauptung, der Krieg sei nur die Hölle, ist eine verderbliche Lüge. <...> Für mich besteht das wahre, prophetische und mutige Streben nach Frieden in der sorgfältigen und vor anderen verborgenen Arbeit von Millionen Handwerkern, die eine andere Schönheit und ein anderes Licht schaffen, das nicht mit dem Tod verbrennt. Dies ist eine utopische Absicht, der ein unbegreiflicher Glaube an den Menschen zugrunde liegt. <...> Früher oder später werden wir in der Lage sein, Achilles von der Grausamkeit des Krieges abzuhalten. Weder Angst noch Schrecken werden ihn zurückbringen. Es wird eine andere Schönheit sein - strahlender als seine eigene und unendlich weicher" (Omero. Iliade, 2004).
Wenn wir Ravsky grundlos in den Kreis solcher Künstler aufnehmen, müssen wir feststellen, dass das Hauptthema seiner Caravaggio-ähnlichen Serie nicht die allumfassende Dunkelheit ist, sondern das "weiche Licht" - die andere Schönheit, die der stärkste Held sehen kann. Er verliert es jedoch in seiner eigenen Kraft.
Es ist das Licht, das die Möglichkeit zum Sehen und die Kraft zum Handeln gibt.
Borys Filonenko
Quelle: The Iliad | Ya Gallery
Geboren 1966 in Lemberg. Sein Vater arbeitete in einer Flugzeugfabrik, seine Mutter arbeitete als Krankenschwester. Pro Nach Angaben des Künstlers war sein Vater sensibel für Kunst. Ich ging mit ihm zu Skizzen, machte eine Schachtel für Farben. In den Jahren 1978-1984 studierte Yevhen Ravsky an der Republikanisches Kunstinternat benannt nach Taras Schewtschenko in Kiew: Er trat hier ein, nachdem sein Vater in der Zeitung auf eine Anzeige über die Einstellung von Auszubildenden gestoßen war (Cymbalista, 2015). Über die Bildung künstlerischer Rawskis Sprachen wurden stark beeinflusst Werk Michelangelo und Caravaggio, für die er sich in der Schule zu interessieren begann.
Nach der Schule nahm Ravsky Unterricht beim ukrainischen Grafiker Andriy Chebykin und mehrmals versuchte, das Kiewer Kunstinstitut zu betreten. Durch die großen Er nahm nicht am Wettbewerb teil und der Künstler kehrte nach Lemberg zurück. Hier kam er unter der Leitung des Grafikers Yuri Charyshkin in die Jugendabteilung der Union of Artists, wo er Mikhail Moskal, Igor Podolchak (Kosmolinskaya, "Ilias": reload, Zbruč, 2014).
Aktive Ausstellung Er begann seine Tätigkeit im Jahr 1993. Er war Stipendiat des polnischen Programms "Gaude Polonia". Anschließend skizzierte die Arbeit von Eugene Ravsky In Bezug auf die Kunst der Vergangenheit gehört er zu den "neuen-alten Meistern". Das Konzept, das vom amerikanischen Kritiker Donald beschrieben wurde Kuspit. Dieser Trend entstand aufgrund der "erstickenden Situation in der zeitgenössischen Kunst" als Folge von welche Künstler begannen, zum visuell gesättigten zurückzukehren Kunst im Gegensatz zu konzeptuell. Die sogenannten "Neu-Alt-Meister" bedienen sich des Klassikers Techniken der figurativen Malerei, Nachahmung der westlichen klassischen Schule, Verwendung traditioneller akademischer Techniken (erfunden und beliebt in Renaissance), aber auf symbolischer Ebene appellieren sie an ein Umdenken Bilder der zeitgenössischen Kultur (Filonenko, 2017, 53).
Seine Werke sind oft bestimmte Neuinterpretationen klassischer Texte. Zum Beispiel die Basis seiner Serie "Ilias" (2014) Gelegter Klassiker Text von Homer. Der Künstler betont, dass er es nicht ist Ich habe gerade eine Neuillustration gemacht:
"Ich versuche, über das zu sprechen, was bereits gesagt wurde, aber auf eine andere Art und Weise (...) Ich habe gesucht nach meine Sprache, so erzählt, dass es unsere Zeit war (...) Ich wollte ihr alles zeigen manchmal – um den Schleier dessen zu lüften, was diese Helden waren" (Filonenko, 2017, 129).
Daher sind die Hauptteilnehmer an Schlachten, Verhandlungen, Berufungen und Verzweiflung auf Rawskis Leinwänden Lemberger Künstler werden in Jeansah, und die Szene ist Virmenskayas Heimatstraße, dargestellt als Arena eines Operationsgebiets mit prächtigen roten Vorhängen. In der Serie "Warner Schwestern anwesend" (2009) befasste sich Rawski mit den Werken Shakespeares, insbesondere mit den Werken von "Macbeth", "Romeo und Julia", sie mit erkennbaren Bildern der modernen Massenkultur zu verflechten. Auf der symbolischen Ebene zieht der Autor also eine Parallele zu Shakespeares Macbeth und der moderne Batman: "Auf demselben Feld befinden sich Texte über das Vorbildliche, aber gefährliches Heldentum und der schrecklichste Despotismus, gleich in ihrem Streben nach Dunkelheit" (Filonenko, 2017, 95).
Quelle:
Jewhen Ravskyi - Deutschland | Lwiw Interaktiv (lvivcenter.org)
Ecce Homines
Die lateinische Maxime, die der Lemberger Künstler als Titel der Ausstellung verwendete, soll diesmal im "kollektiven Unbewussten" die Figuren und Dilemmata wiederbeleben, die jede Phase der Entwicklung der westlichen Kultur unerbittlich begleiteten: von biblischen Geschichten bis zum Erscheinen des Bildes eines neuen Menschen in der Renaissance. In der bildlichen "Paraphrase" des Buches der Bücher sind Menschen in modernen Dekorationen gezwungen, die Rollen ihrer alttestamentlichen Vorfahren zu erfüllen – zu beten, sich selbst oder ihren Nächsten zu opfern... "Kein Suchen und Antworten, nur Artikulation zur Tradition" erlauben es dem "alten neuen Meister", den Eindruck der Erniedrigung zu erwecken, der den menschlichen Geist "in Zeiten des sich wandelnden Fortschritts" befallen hat. Wenn traditionelle menschliche Werte in Frage gestellt werden, entsteht ein Gefühl der Freizügigkeit, das zu einer weiteren Illusion der Zivilisation wird. Und der Künstler hat keine andere Wahl, als an die Zeiten vergangener Zeiten zu appellieren, als die Ordnung der Dinge ewig und unveränderlich schien.
Obwohl die ursprüngliche Idee der Ausstellung darin bestand, an die religiöse Moral zu appellieren, wurde die Idee der Ausstellung im Zuge der Anhäufung visueller Bilder transformiert. Von der "Eitelkeit", die eine Illustration für den biblischen Ausdruck "Eitelkeit, Eitelkeit" sein sollte, ging Rawski zum drängenden Problem der modernen Gesellschaft über – dem Mangel an spirituellen Richtlinien, der zu einer neuen Bedrohung der kulturellen Degeneration wird. Aber was auch immer es ist, "ich glaube", auch wenn der Gegenstand des Glaubens unbekannt bleibt.
Quelle:
Ecce Homines | Ya Galerie (yagallery.com)
Die Frau eines Helden
Die Frau als Bild eines Helden
Das Besondere an dieser Ausstellung ist, dass sie Gemälde und Grafiken aus verschiedenen Zeiten zeigt, die durch das gemeinsame Thema des Mythos verbunden sind. Aber nicht nur das. Diese Werke haben auch das Bild einer Frau gemeinsam, die ständig zwischen Realität und Mythos, zwischen Märchen und Gegenwart "wandert".
1990 schuf Ravsky eine Reihe monumentaler grafischer Werke, die in der Lemberger Kunstgalerie (die Abteilung am Mytna-Platz, heute das Pinsel-Museum) ausgestellt wurden. Zu dieser Serie gehörten Werke, die die biblische Delila (der Text des sechzehnten Kapitels des Buches der Richter) darstellten, eine schöne Philisterin, die dem mythologischen Helden Samson die Macht nahm, indem sie ihm eine Haarlocke abschnitt. Nach Delilas verräterischer Tat verlor der mächtige Simson seine Kraft, wurde gefangen genommen, geblendet und gefangen gehalten. Diese Geschichte wurde oft in der bildenden Kunst dargestellt, da die Künstler nicht nur von der biblischen Geschichte, sondern auch von der magischen Kraft der Frauen fasziniert waren, denen man übernatürliche Kräfte zuschrieb. Im Jahr 1500 malte Andrea Montagna diese Geschichte mit einem Baum, auf den er "foemina diabolo tribus assibus est mala peior" schrieb, d. h. er nannte eine Frau einen "Teufel". Im 17. Jahrhundert. Jahrhundert malte Rubens eine Szene mit Delilah in einem Bordell, wobei er die Macht der menschlichen Leidenschaft durch die rote Farbe ihres Schleiers hervorhob.
Theologen wiesen gewöhnlich darauf hin, dass die Geschichte von Samson und Delila die Schwäche des Menschen zeigt, der übermäßige Emotionen der Vernunft und dem Glauben unterordnen muss, da er sonst zugrunde geht. In Ravskys Gemälden aus den 1990er Jahren war Delila in der Tat das Bild einer Frau, die einen Mann beherrscht, eine Frau der Schönheit und eine Frau des Teufels. Dieses Bild einer starken Frau wird seit 2014 neu interpretiert. Ravsky begann, mythische Amazonen zu malen, Kriegerinnen, die seit der Antike die Fantasie beflügeln. Diese Amazonen sind sowohl mythisch als auch real, eine Hommage an die Kriegerinnen des modernen ukrainischen Krieges. In Ravskys Gemälden werden sie jedoch nicht auf kriegerische Weise dargestellt - hier ist der Mythos der Amazonen mit den biblischen Szenen des Leidens Christi verwoben. Auf diese Weise stellt die Ausstellung die Transformation des Frauenbildes und unserer Welt von einem Mythos (die Frau als Teufelin) zu einem anderen (die Frau als Retterin) dar.
Und was verbirgt sich in den Schatten?
Die Ausstellung der Werke von Yevhen Ravsky vereint verschiedene Werke: sowohl solche, die in der Vergangenheit entstanden sind, als auch aktuelle Werke, die sich mit Mythen beschäftigen: antike, biblische und moderne. Jedes Bild basiert zwar auf einem realen Modell, zeigt aber dennoch bestimmte emotionale Zustände, so dass es sich nicht um Porträts handelt, sondern um Allegorien oder Metaphern ("verallgemeinerte Bilder", wie Kosmolinska schrieb). Daher ist die "Kreuzigung" hier kein Eingriff in die christliche Interpretation, sondern eher ein Opferbild, wie die "Pieta". Es handelt sich um eine konventionelle Handlung, die sich auf die traditionelle Ikonographie stützt, aber einen anderen Zweck verfolgt. Es ist kein Zufall, dass die Frau hier als Verkörperung der Emotionalität erscheint, zumindest aus männlicher Sicht. Im historischen Mythos ist die Frau ein ambivalentes Geschöpf - sie ist begehrenswert und gefährlich, schwach und allmächtig zugleich.
Ravskys Bilder fragen daher: Wer ist eine Frau? Wer ist ein Held? Wer ist ein Mann? Gegen wen kämpft der heilige Juri? Wollte Maria die Jungfrau Maria sein? Hatte Samson Angst vor Delilah? Auf vielen Bildern finden wir merkwürdige Schatten, die vom Künstler als "Abdrücke" realistischer Formen interpretiert werden. Worum könnte es sich dabei handeln? Offensichtlich von Ambivalenz. Derselbe Widerspruch und dieselbe Ambivalenz wird durch Ravskys Zeichnungen unterstrichen, die zu Zeugnissen und Bildern von verlassenen Ruinen werden, Spuren menschlicher Aktivitäten und irdischer Konflikte zeigen. Sie haben eine sparsame Bildsprache, nur Linien und Formen, Bäume und Minen, Zeichen und Fragen... Man sollte nicht über sie reden, sondern sie betrachten und über sie nachdenken.
Bohdan Shumylovych
Weihnachten im Kriegszustand
Yulia POLIKOVSKA
Freiwillige aus Lemberg, die das Militär seit Beginn des Krieges im Osten des Landes unterstützen, haben Grußkarten, Kalender und Malbücher vorbereitet, um den Männern, die in den ukrainischen Streitkräften dienen und an der Front kämpfen, Grüße zu schicken. Die Spendenaktion im Rahmen des ukrainischen Militärpostkartenprojekts wird dazu beitragen, Grüße an alle zu senden.
Den Soldaten der ukrainischen Streitkräfte ein frohes Weihnachtsfest und ein glückliches neues Jahr zu wünschen, ihnen die Wärme ihres Zuhauses zu vermitteln, eine positive Stimmung zu schaffen und sie darin zu bestärken, dass ihre Aufgabe eine besondere Mission ist, den Frieden und die Ruhe in ihrer Heimat zu schützen - das ist die Idee einer Gruppe von Freiwilligen aus Lemberg, die seit Beginn des Krieges im Osten des Landes, der durch die Aktionen des benachbarten Aggressorstaates ausgelöst wurde, das Militär unterstützen.
Die Freiwilligen haben Grußkarten, Kalender, Plakate, Malbücher für Kinder und Banner entworfen, um allen, die derzeit in den ukrainischen Streitkräften dienen, zu helfen, die Freude und Fürsorge ihrer Lieben zu spüren. Sie wurden von einem der Freiwilligen, dem bekannten Lemberger Künstler Yevhen Ravsky, gemalt.
"Wir dachten, wir sollten Karten anfertigen, um den Jungs zu gratulieren, damit sie ihre Familien und Freunde beglückwünschen können. Die Postkarte soll von einem breiten Publikum wahrgenommen werden, daher habe ich bewusst eine künstlerische Sprache gewählt, die verständlich und nah an den Menschen ist - ich habe die Figuren im Comic-Stil dargestellt und mit den Farben auf die gleiche Weise gearbeitet, obwohl ich in meiner eigenen Arbeit, der Grafik und der Malerei, anderen künstlerischen Prinzipien folge", so Yevhen Ravsky gegenüber Z. Der Künstler stellt fest, dass Militärpostkarten, die in Ländern, die ihre Armee und ihr Militärpersonal ehren, üblich sind, in der Ukraine kaum hergestellt wurden. Die Karten, die jetzt gedruckt werden, sollen übrigens an die Militärs aus unseren Partnerländern verteilt werden, die sich jetzt auf ukrainischem Boden befinden, damit sie ihren Familien Urlaubsgrüße schicken können.
Nach Angaben des Künstlers waren die Themen für die Karten einfach und natürlich: Die Neujahrskarte zeigt moderne Verteidiger der Ukraine - einen Signalmann und einen getarnten Scharfschützen -, die in der Silvesternacht Wache halten und Grüße an ihre Lieben und die gesamte zivilisierte Welt senden. Für die Weihnachtskarte griff der Künstler Yevhen Ravsky auf die Idee der Krippenspiele der galizischen Sternsinger zurück: Die Soldaten der ukrainischen Streitkräfte erscheinen in der Gestalt der drei Könige aus der biblischen Geschichte.
Die Freiwilligen beschlossen außerdem, ein Malbuch für Kinder zu entwickeln - eine Schwarz-Weiß-Version der Karten, die die Kinder in ihren eigenen Farben ausmalen und an ihre Familien schicken können. "Diejenigen, die im Krieg gekämpft haben, erinnern sich noch immer gern an die Zeichnungen, die ihnen von Kindern geschickt wurden. Sie trugen sie bei sich und bewahren sie immer noch auf. Es ist sehr rührend: Die Kinder haben sie als Verteidiger angesprochen", sagt Yevhen Ravsky.
Seine Zeichnungen werden auch für den Druck von Kalendern und Postern verwendet, die in Kantinen und Gemeinschaftsräumen von Ausbildungszentren angebracht werden, um eine festliche Atmosphäre für die Soldaten zu schaffen.
"Insgesamt haben wir uns für eine Auflage von 25.000 Exemplaren entschieden: zwei Arten von Postkarten, Malbücher für Kinder, Kalender, Poster und Banner", so Andriy Rozhnyatovsky gegenüber Zbruc.
Die Freiwilligen sind überzeugt, dass solche Gesten der symbolischen Unterstützung eine große Motivationskraft haben: Die Jungs fühlen sich unterstützt und respektiert, und das wird zu einer treibenden Kraft für die Entwicklung der neuen ukrainischen Armee.
Genau das ist die Wirkung des früheren Projekts der Lemberger Freiwilligen, das anlässlich des Tages des Verteidigers der Ukraine auf Pokrova durchgeführt wurde. Damals wurden den Eltern aller Wehrpflichtigen, die im 184. Ausbildungszentrum der ukrainischen Streitkräfte und seinen Einheiten in der Region Lemberg Dienst tun, Briefe der Anerkennung für die Erziehung ihrer Söhne oder Töchter überreicht. Insgesamt, so Andriy Rozhnyatovsky, wurden mehr als 1.500 solcher Anerkennungsschreiben überreicht.
Quelle:
Різдво у стані війни | Збруч (zbruc.eu)
Das Louvre-Projekt
"Louvre" - die Herausforderung des Spiels
Natalia Kosmolinska
"Die Postmoderne ist kein 'Genre', kein 'Stil' und darüber hinaus keine 'Schule', der man 'angehören' kann. Die Postmoderne ist eine Situation.... Der postmoderne Künstler ähnelt einem Kind, das plötzlich ein Erbe von mehreren Generationen älterer Verwandter erhalten hat... Goldbarren scheinen ihm eine ausgezeichnete Grundlage für ein Spielzeughaus zu sein, ein riesiger Rubin ist nur deshalb schön, weil er wie eine Beere aussieht, und aus Wertpapieren stellt sich heraus, dass man einen Drachen kleben kann ... Das Kind "hebt" die traditionellen Methoden der Verwendung von Schätzen auf: Er beutet nicht aus, sondern manipuliert; nicht akkumulieren, sondern spielen."
"Kunstalphabet", Max Fry
Zu Beginn des XIX Jahrhunderts wurde der Louvre (der in Paris) wegen der großen Anzahl von Kunstsammlungen, die in ihm ausgestellt waren, der Palast der Künste genannt. Daher ist der Name des Projekts – "Louvre", das diesen Sommer im Lemberger Kunstpalast von der Kiewer "I-Galerie" präsentiert wurde, nicht so "arrogant", wie es auf den ersten Blick scheint. Dies ist ein typisches ironisch-postmodernes Spiel mit klassischen Objekten-Bilder-Kontexten, das es Ihnen ermöglicht, zu "desakralisieren" und dementsprechend in die Ebene einer möglichen Situation zu übersetzen, die bis dahin unmöglich schien. "Louvre" in Lemberg: Warum NICHT? – erklärte der Kurator des Projekts Pavlo Gudimov und hatte Recht. Zumindest aus Sicht des Kunstmanagements. Weil moderne Lemberger Bürger, die sich nicht den Feinheiten intellektueller postmoderner Praktiken verschrieben hatten, die Aufschrift "Louvre" auf Werbeplakaten und Bannern für selbstverständlich hielten – "unser" Pinsel war gerade in den Louvre gegangen... Daher waren wir aufrichtig überrascht über die Ausstellung, dass es dort keine Artefakte aus dem Louvre gab. Stattdessen gibt es Werke von "ihren" Lemberger Bewohnern, die sich entschieden haben, in der sogenannten "doppelten Kodierung" zu "spielen" – einer klassischen Technik der Postmodernisten, deren Zweck es ist, die Sackgasse von Konventionen, Tabus, Genre, ideologischem und jedem anderen Rahmen mit Hilfe von Ironie zu überwinden.
Ironie ist eine großartige Möglichkeit, uns von all unseren "Richtig-Falsch", "Gut-Schlecht", "Kunst ist keine Kunst" zu distanzieren... Es war die Ironie – eine Art Betäubung, eine exquisite Art, nicht in Hysterie und Verzweiflung zu verfallen –, die Künstler und andere denkende Bürger des sowjetischen Raums vor dem Druck der Absurdität des Systems rettete. Obwohl Theoretiker in europäischen und amerikanischen Kulturen Mitte der 1990er Jahre den "Tod der Postmoderne" konstatierten, ist ihr Diskurs in postsowjetischen Gebieten, einschließlich der unabhängigen Ukraine, immer noch relevant. Vor allem für Lemberg mit seiner Dominanz eines "sehr ernsten" konservativen historisch-museal-traditionellen Kontextes. Um nicht lange zu erklären, warum, können wir uns darauf beschränken, einen der Theoretiker der sogenannten "Jenaer Romantik", Friedrich Schlegel, zu zitieren: Die Ironie beraubt die Grenzen bestimmter Berufe, Epochen und Nationalitäten, macht eine Person universell, passt sie "entweder an ein philosophisches System an, dann an philologische, kritische oder poetische, historische oder rhetorische, alte oder moderne..."
Die Werke von Volodymyr Kostyrko und Yevhen Ravsky bieten meiner Meinung nach eine sehr treffende Version der ironischen Synthese der Sprache der klassischen akademischen (dh für die Mehrheit der Lemberger Öffentlichkeit verständlichen) Malerei und moderner Inhalte, die dieser Stadt und dieser Zeit angemessen sind. In ihrer Version ist dies nicht die Ironie von Ortega y Gasset, der in der Arbeit "Entmenschlichung der Kunst" ein Gleichungszeichen zwischen Ironie und Spiel, Spaß setzt. Dies ist die Ironie von T. Man, wenn Intellektualismus Emotionalität nicht ausschließt und nicht Gleichgültigkeit, "Winterlichkeit", Arroganz bedeutet... Dies ist bereits, so derselbe Mann: "Epische Ironie... Größe, die Zärtlichkeit für wenig nährt." Daher ist das Louvre-Projekt eine Einladung zur Reflexion im Raum verschiedener Bedeutungen, ein Versuch, das Erbe des historischen und kulturellen Erbes von Lemberg vor dem Hintergrund der Welt zu überdenken, und ein Versuch, die Ausbeutung durch seine Zeitgenossen-Erben zusammenzufassen. Eine tiefe Kenntnis des Kontexts ermöglicht es den Autoren, ein möglichst angemessenes Verständnis der Realitäten zu schaffen. In dieser Situation spielt die Malerei die Rolle eines Mediums zwischen traditionellem Handwerk und zeitgenössischen künstlerischen Kommunikationspraktiken.
Das Louvre-Projekt teilte das Publikum klar in "qualifiziert", "unqualifiziert", aber interessiert (ich verstehe nicht, erkläre es mir) und "unqualifiziert-feindlich" (wenn ich es nicht verstehe, ist es alles g...). Und hier möchte ich wieder das "Art Alphabet" von Max Fry zitieren: "Die höchste Zeit, um sich an die Zauberformel von John Barth zu erinnern: "Der Schlüssel zu Schätzen sind die eigentlichen Schätze" – heute ist der Kontext selbst so wertvoll wie das Kunstwerk, für das wir ihn studieren. Es gibt die Meinung, dass eine starre Bindung an den Kontext die Entstehung von "Kunst für einen engen Kreis" provoziert. Ich kann argumentieren: Niemand hindert Sie daran, sich jederzeit diesem "engen Kreis" anzuschließen. Die einzige Voraussetzung ist "das Vorhandensein von erkenntnistheoretischem Durst". Das heißt, das Nagen von Wissen. Die Faulen und Unneugierigen machen sich vielleicht keine Sorgen."
Die Situation, warum es in Lemberg, das behauptet, die Kulturhauptstadt der Ukraine zu sein, so wenig künstlerisch bewusste und ein so schwaches Maß an kritischer Reflexion der Kunstkritik gibt, hängt meiner Meinung nach direkt proportional davon ab, dass in der Stadt nicht nur das Museum für moderne Kunst fehlt, sondern zumindest Kunstabteilungen der zweiten Hälfte des zwanzigsten Jahrhunderts in bestehenden Museen: die National- und die Kunstgalerie, wo der Betrachter die Möglichkeit hätte, zu sehen, Diese Kunst endete nicht im Jahr 1939. Es ist mir immer noch ein Rätsel, was unsere zertifizierten Kunsthistoriker und Kulturwissenschaftler seit zweiundzwanzig Jahren tun, wenn die Geschichte der ukrainischen Kunst (einschließlich Lembergs) der zweiten Hälfte des zwanzigsten Jahrhunderts hauptsächlich in folkloristischer Form weiterexistiert. Das heißt, jeder Künstler hat seine eigene Fabel, und jeder Kunsthistoriker hat seine eigene Version. Dementsprechend fehlt der Stadt das Verständnis dafür, dass die Kultur zu Beginn des XXI. Jahrhunderts nicht auf vorgefertigte Bedeutungen beschränkt ist, die wir aus der Vergangenheit geerbt haben. Darüber sprachen wir mit Vita Susak, einer bekannten Lemberger Kunsthistorikerin, Leiterin der Abteilung des XIX-XX Jahrhunderts. Nationale Kunstgalerie von Lemberg.
V.S.: "Mir scheint, dass der künstlerische Juli in Lemberg sehr ereignisreich war. Es sind Ereignisse eingetreten, die in der Regel "hinter den Kulissen" bleiben. Nicht nur für Touristen, sondern auch für Anwohner. Die Bürger von Lemberg kennen vielleicht Trush, Novakivskyi, Kulchytska ein wenig mehr, weil es ihre Museen gibt und dies aus dem Unterbewusstsein fließen kann. Sachkundigere werden sich noch an die Schule von Selsky und Zvirinsky erinnern. Aber nur wenige Fachleute, die alle Ausstellungen besuchen, wissen, wie sich das künstlerische Leben der Stadt nach dem Zweiten Weltkrieg tatsächlich entwickelt hat und wie es heute funktioniert. Daher leben die Einwohner von Lemberg in der Stadt und wissen nicht, dass diese Stadt voller Künstler ist. Dass hier nicht nur viele rein ukrainische Prominente leben, sondern auch in Europa oder Amerika anerkannte Künstler, die ständig und erfolgreich im Ausland ausgestellt werden, renommierte Auszeichnungen von internationalen Festivals, Biennalen, Triennalen erhalten... Dies sind zwei parallele Welten, die sich nicht überschneiden. Vielleicht liegt einer der Gründe für diese paradoxe Situation darin, dass unsere Museen keine Dauerausstellung haben, die diese Kunstperiode – die zweite Hälfte des zwanzigsten Jahrhunderts – präsentieren würde. XXI Jahrhundert. In der Kunstgalerie gibt es nur Säle des neunzehnten Jahrhunderts und einen kleinen Saal von Lemberg aus der Zwischenkriegszeit.
N.K.: "Es gab einen Saal, in dem Werke von Künstlern der zweiten Hälfte des zwanzigsten Jahrhunderts symbolisch ausgestellt wurden.
V.S.: "Es war die Idee unseres ehemaligen Direktors Borys Voznytskyi, die Werke auf diese Weise von der Decke bis zum Boden aufzuhängen, um zu zeigen, dass wir ETWAS ausstellen können, aber nicht WO. Aber diese Herausforderung blieb unansprechbar. Und jetzt wurde es ganz aufgelöst, weil es keinen Platz gab, um Pinsel auszustellen, der aus dem Louvre kam, und das Dach im Museum für sakrale Skulpturen, in dem es ausgestellt ist, wurde nicht repariert, und es ist nicht bekannt, wann es sein wird? Daher ist diese Kontinuität des künstlerischen Prozesses, seine Vielfalt wirklich nirgends zu sehen.
K.N.: "Daher hat der durchschnittliche Betrachter, bewusst oder unbewusst, den Eindruck, dass Klassiker, alles, was die Kunst in früheren Jahrhunderten gemacht hat und was er jetzt in Museen sieht, sich lohnt, und was er dort nicht sieht, alle möglichen modernen Experimente wertlos sind.
V.S.: "Das ist ein häufiges Problem einer Gesellschaft, die nicht darauf vorbereitet ist, zeitgenössische Kunst zu verstehen und wahrzunehmen. Denn heute ist es notwendig, sich etwas Mühe zu geben, um ein Kunstwerk in einem alten undichten Teppich zu sehen (wir sprechen über die Werke von Andriy Sahaidakovsky). Es ist notwendig, eine gewisse Beweglichkeit und Plastizität der Wahrnehmung zu haben. Es ist nicht nur so, dass sie zeitgenössische Künstler aus Lemberg nicht kennen, sondern Jackson Pollock, Andy Warhol sind auch Namen, die sie nicht erreichen. Für den durchschnittlichen Ukrainer endet das Bildungsniveau in Bezug auf Kunst bestenfalls auf dem Niveau von Picasso und Matisse. Und schlimmstenfalls – auf die Impressionisten.
N.K.: "Du hast Dali vergessen, sie kennen ihn auch.
V.S.: "Daher ist dieser Ausbruch der Aktivität und die Demonstration dieser beiden konzeptionellen Projekte: der Louvre im Lemberger Palast der Künste und die Leere in der Kunstgalerie, auch vor dem Hintergrund von Ferien und Ferien, wirklich ein Ereignis. Dies sind große, gut durchdachte und vorbereitete Projekte. "Louvre" ist ein Projekt, das eine große und bedeutende Bühne in der Arbeit zweier sehr interessanter Lemberger Künstler – Yevhen Ravsky und Volodymyr Kostyrko – darstellt. Dies sind ihre Reflexionen über ihre Beziehung zu der Stadt, in der sie leben. Schon der Name – "Louvre" – ist in gewisser Weise auch eine Herausforderung für die Stadt. Dies ist einerseits, wie ich in der Anmerkung geschrieben habe, eine äußere Herausforderung für die Tatsache, dass Lemberg wirklich ein Potenzial und Erbe hat, das eine "Louvre"-Haltung verdient, und andererseits ist es die persönliche Beziehung von Autoren zu alten Meistern und die Anwendung der Sprache alter Meister auf einige moderne problematische Themen, wie zum Beispiel in der Reihe, die Subkulturen gewidmet ist "Ich mag keinen Fisch". Die Tatsache, dass Ostap Drozdov uns zu seinem politischen Programm einlud und eine Stunde lang über künstlerische Themen sprach, zeigte, dass sich die Leute dafür interessierten.
N.K.: "Das zeigte sich in der großen Aktivität derer, die zur Ausstellung kommen wollten. Es ist toll, dass es eine Führung (kostenlos) gab, so dass jeder, der zusätzliche Erklärungen brauchte, sie erhielt.
V.S.: "Die Tatsache, dass sogar der französische Botschafter gekommen ist, um den Louvre in Lemberg zu sehen, ist auch sehr aufschlussreich! Er reagierte sehr lebhaft, beteiligte sich an diesem Spiel der Installationen... Die Ausstellung "Voids" (Andriy Sahaidakovsky und Andriy Boyarov), die buchstäblich parallel zum Louvre-Projekt eröffnet wurde, wurde vom berühmten Lemberger Forscher für zeitgenössische Kunst Bohdan Shumylovych initiiert. Er wollte Lemberg wirklich zeigen, dass es nicht nur so traditionell malerisch und dekorativ ist, sondern dass hier interessante konzeptionelle Suchen nach dem Untergrund stattfanden, die noch nicht in die offizielle Geschichte der ukrainischen Kunst von Lemberg eingegangen sind. Die Ausstellung "Voids" war vielleicht weniger erfolgreich für die breite Öffentlichkeit, aber sehr wichtig für das künstlerische Umfeld. Es gab einen sehr relevanten Dialog über Malerei auf alten Teppichen, Fotos und Videos. Die ausgestellten Werke enthüllten die Lücken jener weiten Räume, in denen sich das menschliche Leben abspielt. Dies ist der materielle Raum, den wir suchen, aber nutzen und wegwerfen. Und dies ist ein sehr mächtiger Medienraum, der zuerst durch das Fernsehen und dann durch das Internet in unser Leben getreten ist. Und das ist wirklich eine riesige Leere, multipliziert mit der unbegrenzten Kraft des "Absaugens" von Menschen in diesen virtuellen Raum. Das Wort, das nicht die Antwort, sondern jetzt der Schlüssel zu den großen Fragen der Existenz des modernen Menschen ist, klang außerdem auf sehr lembergische Weise durch Lemberger Künstler. Es spielt keine Rolle, dass jemand irgendwo einmal so etwas auf ähnliche Weise getan hat. Das gemeinsame Merkmal dieser Ausstellungen ist, dass sie von Künstlern geschaffen werden, die die Nuancen des Raumes dieser Stadt sehr gut spüren. Die Teil dieser Stadt sind.
N.K.: "Was wäre, wenn diese beiden Ausstellungen irgendwo in Kiew, Charkiw, Donezk oder Europa gezeigt würden: Polen, Deutschland, Frankreich?...
V.S.: "Das Louvre-Projekt wurde speziell für Lemberg ins Leben gerufen und konzentriert sich auf den Dialog mit dieser Stadt. Eine andere Stadt erfordert meiner Meinung nach eine Rochade. Wahrscheinlich sollte der Name auch anders sein. Das Projekt "Voids" erscheint mir universeller. Was die Gesamtkreativität all dieser Künstler betrifft, so werden sie seit langem und erfolgreich außerhalb von Lemberg ausgestellt, häufiger als hier. Deshalb würde ich mir wünschen, dass solche Aktionen öfter in Lemberg stattfinden.
Ich habe auch mit dem bereits erwähnten Bohdan Shumylovych über die Relevanz des Louvre-Projekts für Lemberg gesprochen.
N.K.: "Für mich, für das Lemberger Publikum, ist die Postmoderne das optimale Format, um in die zeitgenössische Kunst einzusteigen, weil es einerseits eine Form gibt, die jeder versteht, weil sie realistisch ist, andererseits gibt es mehrere inhaltliche Ebenen, in die man eintauchen kann...
B.S.: "Wenn wir über Kostyrko und Rawski sprechen, sind dies zwei Autoren, die für die Lemberger Öffentlichkeit und die ukrainische Öffentlichkeit im Allgemeinen sehr geeignet sein sollten. Denn wir alle wissen, wie wenig sich der ästhetische Rahmen, der während der Ukrainischen SSR vorherrschte, verändert hat. Postmoderne Konzepte kamen ziemlich sporadisch zu uns, auf der Ebene einzelner Autoren oder Praktiken. Wenn wir über die 1990er Jahre sprechen, dann war die Einführung "westlicher" Kunstmodelle ziemlich aggressiv und radikal. Und es gab praktisch kein Verständnis seitens der Gesellschaft. Wenn wir über die Aktivitäten von Kunstgruppen in der ersten Hälfte der 1990er Jahre sprechen, der gleichen Masoch Foundation, basierte dies eher auf einigen Provokationen, Geplänkeln und manchmal Negationen. Dies kann durch die Notwendigkeit erklärt werden, den sowjetischen Kanon, das beschleunigte System, zu zerstören, da dies sonst wie durch Aggression unmöglich war. Aber zehn Jahre sind vergangen, und jetzt werden Sie niemanden mit Aggression überraschen. Und das ist ein normaler Prozess: Wir mussten zehn Jahre lang etwas zerstören, und jetzt sind wir in der Phase, in der wir erkennen, dass es zumindest einen Markt (Kunstmarkt) gibt. Und der Markt selbst passt die Bedürfnisse an, manche wollen abstrakt, andere – realistisch. Aber wenn wir über die allgemeinen sozialen Rahmenbedingungen sprechen, hat sich seit der Sowjetzeit nicht viel geändert. Obwohl die Künstler sie so aktiv angegriffen haben, erwarten die Menschen immer noch so grundlegende "stalinistische" Dinge von der Kunst: Kunst sollte verständlich und lehrreich sein, das heißt, "Schönheit lehren".
N.K.: "Sie wollen, dass Kunst ein rein ästhetischer Bestandteil des Lebens ist. Kurz gesagt, es ist formuliert als "mach mich schön".
B.S.: "In der Kommunikation mit Menschen der älteren Generation (sowohl Künstlern als auch Nicht-Künstlern) hört man oft, dass Kunst dort etwas braucht... Dies ist ihr Modell der Vision der Rolle der Kunst in der Gesellschaft. Zeitgenössische künstlerische Praktiken appellieren mehr an die kommunikative Funktion von Kunst und Kultur im Allgemeinen. Wenn wir zum Louvre-Projekt zurückkehren, ist es reine Postmoderne, deren Idee darauf basiert, das gesamte künstlerische Erbe der Menschheit zu zitieren. Darauf baut das Studium an unserer Lviv Academy "als Künstler" auf. Und dann, um du selbst zu werden, musst du dich entweder auf irgendeine Weise davon lösen oder anfangen, es auf irgendeine Weise zu schlagen. So machte sich der berühmte Lemberger Künstler Kopistyansky auf dem zeitgenössischen Kunstmarkt ausschließlich auf dem postmodernen Paradigma einen Namen. Er kopierte die Gemälde unserer Galerie, ummantelte dann die Stühle, riss sie in Stücke – machte Installationen. Das heißt, er hat mit seiner Arbeit tatsächlich gezeigt, dass er unter einem so totalen Druck auf die Kunstgeschichte steht, dass er als Künstler nichts anderes tun kann, als Kopien von Kopien zu machen. Und dann zerbrich sie und entlarve sie als kaputt... Das heißt, er kann sich nicht außerhalb dieses Kontextes befinden. Derzeit stellt er im MOMA aus. Er ist in Lemberg nicht mehr bekannt, aber es war Lemberg, das ihn so postmodern machte. Er wurde hier gebildet. Rawski und Kostyrk fanden ihre Methode, über die Gegenwart zu sprechen, aber in der Sprache der klassischen Kunst. So bilden sich ironische Konstruktionen, eine so gewisse Dichotomie, dass sie für die breite Öffentlichkeit wiederum verständlich ist. Denn hier wird poetisch und textuell gedacht. Sie nehmen das "Bild" nicht nur visuell wahr, sondern sie brauchen eine Art Erzählung, eine Erzählung. Kostyrka und Rawski haben diese Erzählung. Die Leute mögen dieses Spiel von ihnen.
N.K.: "Lemberg ist eine ideale Plattform für die Postmoderne. Wir alle werden durch die bloße Tatsache des Zusammenlebens mit der Altstadt in die Bedingungen des postmodernen Spiels versetzt: ihre Geschichte und all diese Attraktionen.
B.S.: "Was die Frage betrifft, ob die Postmoderne heute relevant ist, so ist sie nicht verschwunden... In der Tat kann nichts sterben. Einmal sprachen sie über den Tod der Malerei, aber hier ist es, wo sind wir ohne Malerei... Vielmehr geht es darum, dass die Menschen weniger an reiner Ironie und Flirten interessiert sind und Künstler jetzt dazu neigen, nach Beispielen für Inspiration in der Hochmoderne zu suchen, in Picasso, Mondrian... Die Postmoderne wandelt sich nun in neue Formen. Posthumanismus, digitale Kulturen, Bio-Kunst entstehen... All dies ist bereits sehr weit von der klassischen Postmoderne entfernt, die der Louvre präsentiert.
N.K: "Es gibt die Meinung, dass diese Ausstellung in Kiew weniger klar sein wird, weil der historische Diskurs dort viel weniger relevant ist als in Lemberg. Und dass es in Polen völlig uninteressant sein wird, weil die Malerei dort schon ein Anachronismus ist.
B.S.: "Die Ausstellung wurde von einem sehr mächtigen Textapparat begleitet. Für mich war es an manchen Stellen sogar zu viel. Ich mag es, ein Element des Geheimnisses zu bewahren. Und wenn diese Ausstellung nach Odessa oder Charkiw kommt, wird es nicht schwer sein, sie zu verstehen. Wenn Sie sich für Kunst interessieren, wenn Sie überhaupt in den Prozess involviert sind, werden Sie ihre Zitate und Anspielungen lesen. Wenn nicht, ist es schwierig. Was den Westen betrifft, ja, in der Tat gibt es in erster Linie zeitgenössische Kunst. Aber "Malerei" ist das "Highlight" unserer Region, und so ist es auch. Ein weiteres "Highlight" der Lemberger Kunst, das buchstäblich vor unseren Augen liegt, ist die Kunst der Performance dank der Initiative "Dzyga" mit ihrer Woche der zeitgenössischen Kunst und der School of Performance.
N.K: "Wir hatten am Anfang große Angst, dass diese Ausstellung aufgrund mehrerer aggressiver Geschichten vom Publikum negativ wahrgenommen wird. Aber 95% haben es sehr positiv wahrgenommen. Und auch die ältere Generation. Und am negativsten war die Reaktion von Vertretern kreativer Gewerkschaften. Und – unterschiedlichen Alters, was für mich seltsam war. Was mich betrifft, sollte die ältere Generation zumindest auf eine gute akademische Malschule reagieren, das ist jetzt eine Seltenheit. Aber als mich mehrere jüngere Künstler aggressiv fragten: "Natalka, was ist das?", war das ein Schock für mich.
BS: "Es gibt zwei polare Umgebungen in Lemberg, die glauben, dass das, was andere tun, Scheiße ist. Obwohl sie den gleichen Bildrahmen verwenden können, gibt es kein Verständnis. Es scheint mir, dass sie gut gelesen haben, dass Kostyrko und Rawski nicht nur "erkennbare Bilder" haben, sondern hinter ihnen viel Ironie und viel Kritik an dem, was passiert. Und im Lager des Akademismus wird Ironie nicht akzeptiert. Sie beziehen sich ständig auf sehr erbärmliche Dinge: auf den Aufbau einer Nation, auf die Wiederbelebung der Spiritualität... Dies sind Referenzen, hinter denen man sich leicht verstecken kann. Und sie verstecken sich hinter ihnen und nennen es hohe Kunst. Einer der Gründe für diese Situation ist, dass es in Lemberg nicht genug kluge reiche Leute gibt. Diejenigen, die existieren, ziehen es vor, der Kirche Geld zu geben, weil es gute PR ist, und diejenigen, die die "lebendige Kultur" unterstützen könnten, sind dazu nicht bereit. Es gibt hier kein Unternehmen, das bereit wäre, in zeitgenössische Kunst in Lemberg zu investieren. Für mich ist die Situation mit der Ausstellung "Odessa School", die bereits in Donezk und Kiew zu sehen war, sehr anschaulich, und das sollte nach Lemberg kommen. Seine Initiatoren sind Odessa-Sammler, und sie umfassten alle vom Akademismus bis zum Nonkonformismus. So konstruieren sie bereits ein bestimmtes Narrativ der Odessaer Kunstschule. Diese Sammlung hat keinen Platz, aber es ist nur eine Frage der Zeit, wo sie präsentiert wird. Und in Lemberg gibt es nicht einmal Akteure in diesem Bereich der zeitgenössischen Kunst. Ich kann mir gar nicht vorstellen, wer hier eine solche Sammlung haben könnte.
N.K.: "Aber das Nationalmuseum schon. Und die Kunstgalerie hat. Es gibt jedoch weder dort noch in der Lage, den akademischen Teil der Ausstellung zumindest geringfügig zu reduzieren, um Platz für ein oder zwei Säle für die Ausstellung des zwanzigsten Jahrhunderts zu schaffen. In diesem Jahr feiert das Nationalmuseum den 100. Jahrestag des Geschenks von Metropolit Sheptytsky, dort wurde ein Komplex mächtiger Ausstellungen entwickelt, unter denen sich jedoch keine zeitgenössische Kunst befindet. Das Konzept der Feierlichkeiten ist es, das Erbe zu präsentieren, aber Sheptytsky hat auch zeitgenössische Künstler einbezogen! Er war sehr aktiv am künstlerischen Prozess dieser Zeit beteiligt. Aber die Geschäftsführung hatte nicht einmal die Idee, eine moderne künstlerische Komponente in das Feierprojekt einzubeziehen.
B.S.: "Wir müssen feststellen, dass die meisten Museumsmanager in der Ukraine keine Ahnung von der Bedeutung der zeitgenössischen Kunst haben. Schließlich geht es um die Idee der zeitgenössischen Kunst selbst. Das Louvre-Projekt im Lemberger Kunstpalast könnte ein Versuch sein, ein Gespräch zu beginnen, warum ist das so? Warum die Menschen in Lemberg Angst vor zeitgenössischer Kunst haben und sich hinter Romantik, Kolorismus, sakraler Malerei verstecken... Lemberg braucht dringend eine Erzählung, damit Studenten und diejenigen, die die Kunst von Lemberg studieren oder einfach nur interessiert sind, sehen können, "woher wachsen die Beine?" Wo ist die Linie der Selskys, wo Lysyk "imitierte", wo ist die Rolle von Medvid und seinem Kreis, wo ist der Lemberger Untergrund, derselbe Aksinin mit Sahaidakovsky und Yagoda, den die offizielle Kunstkritik von Lemberg immer noch nicht berücksichtigt. Und einige Konservative aus der ukrainischen Kultur äußern sich noch aggressiver: "Verbieten und einsperren!" Und was sie tun, 70 km von uns im Westen, jenseits der polnischen Grenze, gilt bereits als hohe Kunst. Wenn es eine solche Ausstellung gäbe, würde sie die Situation ausgleichen, es wäre endlich möglich, konsequent verschiedene Strategien und Taktiken zu "präsentieren", so dass wir das ganze "Bild" sehen könnten: diese malen Porträts von veröffentlichten Figuren, diese experimentieren mit Form und Raum... Wer hat gesagt, dass Formalismus böse ist? Stalin? Lasst uns umdenken... Die Positivität solcher Orte – Museen für zeitgenössische Kunst – ist nur eine Gelegenheit zum Dialog: Was ist das und warum wird es getan? Derzeit gibt es in Lemberg keinen solchen Ort. Von Zeit zu Zeit wird der Lemberger Palast der Künste – und alle anderen Museen fungieren als Tempel, und Kunstwerke dort haben den Status von Ikonen, die sie schützen.
Bilder:
Aus Karten zu Weihnachten, "Ilias", "Ecce Homines" (siehe, die Menschen)
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