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PETER ATENCIO macht alles. Film. Fernsehen. Werbung. Videokunst. Atencio, ein mit dem Emmy ausgezeichneter Regisseur und Produzent, ist vor allem für seine Arbeit als Regisseur und ausführender Produzent des Comedy-Central-Hits „Key & Peele“ sowie seines Erfolgsfilms „Keanu“ für New Line Cinema bekannt. Schalten Sie den Fernseher ein oder besuchen Sie das Internet und es ist fast unmöglich, einige seiner Werke nicht zu sehen, sei es bei Comedy Central, Adult Swim, MTV, „Funny Or Die“ oder bei kommerziellen Marken wie Pepsi und Hyatt. Aber jetzt bringt Peter sein mehr als zehnjähriges Talent als Produzent/Regisseur von JEAN-CLAUDE VAN JOHNSON zu Amazon, was sich als der Breakout-Hit der Serie erweisen sollte.
Einfallsreich, originell und lustig, mit allen filmischen Qualitäten eines großen Actionfilms, spielt JEAN-CLAUDE VAN JOHNSON Jean-Claude Van Damme als Kampfsport- und Filmsuperstar Jean-Claude Van Damme, der aber auch als „Jean-Claude Van Johnson“, dem gefährlichsten Undercover-Agenten der Welt. Traurigerweise verschwanden Van Damme und Van Johnson nach einem gebrochenen Herzen beide vor einigen Jahren in den Ruhestand und leben nun ein plastisches Leben in Halbabgeschiedenheit in den Hügeln von Hollywood. Aber eine zufällige Begegnung mit Van Dammes geliebter Vanessa bringt ihn auf die Idee, dass er sie zurückgewinnen kann, WENN er wieder im Spiel ist, beide Spiele. Er kehrt als Huckleberry Finn in einer Neuinterpretation von „Tom Sawyer“ vor die Kamera zurück und ist Undercover, sei es Jean-Claude Van Johnson oder Jean-Claude Van Damme, und er sieht sich den größten Feinden gegenüber, denen er je begegnet ist, während die Gefahr ihn ruft seiner Welten.
Zu JCVD gesellen sich Kat Foster als Vanessa, Moises Aries als Jeremiah und Phylicia Rashad als Jane, Agentin und Undercover-Chefin von JCVD.
In diesem exklusiven Interview mit PETER ATENCIO gehen wir „undercover“ tief in die Tiefe und sprechen über die Mechanik von JEAN-CLAUDE VAN JOHNSON, vom Casting über die Kameraführung bis hin zum Schnitt, der Konstruktion, dem Ton-to-Sound, der Partitur und mehr!
Peter, JEAN-CLAUDE VAN JOHNSON ist so originell, so erfinderisch. Absolut fabelhafter Spaß! Und Jean-Claude Van Damme zu sehen, der einen großartigen Sinn für Humor hat, ihn auf diese Weise heraustreten zu sehen, macht dies zum perfekten Fahrzeug und Schaufenster für ihn.
Ja, total! Und das tut er, er hat einen sehr guten Sinn für Humor.
Aber was noch wichtiger ist, für mein Geld ist das, was Sie als Regisseur jeder dieser Episoden und die Arbeit mit Ihrem unglaublichen DP Jas Shelton eingebracht haben, das, was die Serie von anderen unterscheidet. Dave Callahams Geschichte und Drehbuch mit der durchgehenden Serie sind erhöht, weil dies so hochglanzpoliert ist. Ihre Actionsequenzen sind absolut erstaunlich. Ich weiß nicht, wie Sie es mit einem sicherlich begrenzten Budget gemacht haben, aber es hat ein Blockbuster-Feeling, ein großes Tentpole-Film-Feeling.
Wow, gut, danke! Was Jas angeht, ich möchte mit niemand anderem zusammenarbeiten, weil er so talentiert und so gut in dem ist, was er tut. Wir haben sehr, sehr hart an der Action gearbeitet, und ich hatte ein großartiges, großartiges Team, das daran gearbeitet hat. Neben Jas hatten wir den Stuntkoordinator Casey O’Neill, der in gigantischen Filmen gearbeitet hat. Ein Teil des Spaßes an dieser Show liegt darin, dass wir in L.A. drehen mussten und es so viele talentierte Leute gibt, die in Filmen arbeiten, die hier Familien haben und hier bleiben wollen. Wir haben viele Leute aus der Filmwelt dazu gebracht, es zu machen, weil es ein kürzerer Zeitplan ist und es einfach wirklich gut geklappt hat. Wir hatten also ein wirklich tolles Team. Es war viel Spaß.
Es kommt wirklich, wirklich auf dem Bildschirm durch.
Nun, danke, das ist gut zu hören.
Sie haben ein Drehbuch in der Hand. Wie sind Sie dann dazu übergegangen, das, was sehr augenzwinkernd, sehr witzig beginnt, miteinander in Einklang zu bringen, aber dann, wenn Sie durch die sechs Folgen gehen, bekommen Sie einige echte Ernsthaftigkeit und Dramatik und schließlich kommt etwas echtes Herz zum Vorschein. Es ist eine schöne Entwicklung. Wie haben Sie sich als Regisseur hingesetzt, wie haben Sie sich hingesetzt und Ihr visuelles Konstrukt und die emotionale tonale Bandbreite Hand in Hand entworfen, um dies zu erreichen?
Diese Roadmap zu haben, sie auf der Seite zu haben, war wirklich das Beste. Es war immer ein Teil unserer Diskussion. Das wollten wir schon immer machen. Wir wollten diese emotionalere Seite von JC [Jean-Claude Van Damme] zeigen. Wir wollten den Leuten vorgaukeln, dass sie etwas sehen würden, das einfach sehr lustig und albern und übertrieben ist, und es dann irgendwie geerdeter machen und es auf diese dramatischere Art von interessantem Niveau bringen. Und so ist die Idee hinter der Optik und der Art und Weise, wie die Serie produziert wird, diesen Bogen zu spiegeln. Also haben wir es ein bisschen größer, alberner, komödiantischer in Bezug auf das Aussehen und das Gefühl angefangen und wollten diese visuellen Samen pflanzen, die sich dann auszahlen würden, wenn wir es ein bisschen mehr an diesen klanglich anderen Ort brachten, während wir es auch taten damit es sich zusammenhängend anfühlt. Das Wichtigste für mich war zu wissen, dass es an diesen Punkt kommen würde, an dem man wirklich mit ihm als Charakter fühlen muss, um sicherzustellen, dass alle Samen auf die richtige Weise gepflanzt werden und Sie es wirklich sind haben diese Reise auf eine sehr organische Weise mitgemacht, sodass sie es nicht wirklich bemerken. Wir hoffen, dass die Leute am Ende der letzten Folge diese emotionale Bindung spüren und sich um ihn kümmern, die sie nach der ersten Folge nie für möglich gehalten hätten. Es ist also wirklich nur eine Menge Planung, wir hatten eine sehr gesunde Menge an Vorbereitungszeit für die Show. Wir näherten uns dieser Show eher wie ein Film als eine traditionelle Fernsehshow. In der Lage zu sein, alle Episoden zu leiten, hilft dabei eine Tonne. Wir haben es geplant und strukturiert und es eher wie einen Spielfilm denn wie eine TV-Show angegangen.
Hand in Hand damit hat Ihr Redaktionsteam eine unglaubliche Arbeit geleistet. Wer kümmert sich um Ihren Schnitt für alle sechs Folgen?
Wir hatten zwei Redakteure für die Serie. Wir hatten einen Redakteur für den Piloten, der leider nicht bei der gesamten Serie dabei sein konnte, weil so viel Zeit dazwischen lag. Aber wir hatten zwei großartige Redakteure. Unser leitender Redakteur war dieser Typ Ron Rosen, der von Prestige TV kommt. Er hat Filme gemacht, er hat ein bisschen von allem gemacht und passte einfach so gut. Sie haben also wirklich einen tollen Job gemacht. Es ist so eine tonale Balance in der Show, man muss wirklich Momente des völligen Wahnsinns haben und dann diese sehr geerdeten Charaktermomente und sie haben es jedes Mal einfach aus dem Park gehauen.
Aber es gibt eine großartige Synergie, in der trotz dieser Höhen und Tiefen von Episode zu Episode alles zusammenhängt. Ist es für Sie als Regisseur von Vorteil, wenn Sie denselben Cutter haben, der an allem arbeitet, damit er diesen Rhythmus und Fluss und diese Kadenz hat?
Es ist. Wir hatten keinen einzigen Redakteur, der an allem gearbeitet hat, aber das ist nur ein Teil meiner Aufgabe, das zu überwachen und sicherzustellen, dass wir tonal am richtigen Ort sind, und auch für Dave [Callaham]. Wir beide sind also wirklich ein Tag-Team, um sicherzustellen, dass von Folge zu Folge dieser Zusammenhalt besteht, über den wir sprechen. Aber es ist interessant, weil ich davon spreche, es wie einen Spielfilm anzugehen, und dann muss man es noch wie eine Serie schneiden. Als wir in die Post gingen, machten wir also wirklich eine Episode nach der anderen, also war es fast so, als würden wir uns die Show in gewisser Weise selbst ansehen, während wir durch die Redaktion gingen. Es blieb nicht viel Zeit, um zurückzugehen und Anpassungen auf der Grundlage von Dingen vorzunehmen, die in späteren Episoden passiert waren. Wir mussten wirklich nur darauf vertrauen, dass wir die ganze Zeit über in die richtige Richtung gingen.
Etwas, das mir aufgefallen ist und das mir sehr gut gefallen hat, war, dass wir Phylicias Figur Jane in Folge vier plötzlich nicht mehr sehen. Sie kommt in fünf und dann in sechs zurück und haut es wirklich aus dem Park. Dasselbe gilt für Moises [Arien]. Wir sehen ihn nicht in fünf, aber er kommt in sechs zurück. Sie fragen sich also, und es sitzt dort in Ihrem Kopf: 'Wo sind sie?' Also muss ich Sie und Dave für die Belohnung loben, die Sie uns mit diesen Charakteren geben.
Nun gut, gut. Ich bin froh. Es ist lustig, insbesondere Moises, ich war überrascht, wie viele Menschen wirklich an dieser Figur hängen. Er hat nicht viel Bildschirmzeit. Aber selbst bei seinem ersten Vorsprechen für uns bringt er diese Realität in diese Figur, in der man ihn einfach halten und beschützen möchte, und damit er die Auszahlung bekommt, die er tut, war es wirklich, wirklich lohnend.
Er hat diese große Verletzlichkeit, und dann sind wir schockiert.
Und dann kommt dieser große Wahnsinn heraus!
Unbedingt! Etwas anderes, das so wichtig ist, ist, dass wir bei einer Fernsehserie immer an die gleiche Themenmusik gewöhnt sind. Themenmusik am Anfang, Themenmusik am Ende. Hier hat jede Episode einen anderen Abspann-Song. In der ersten Folge haben Sie das Thema von „Willkommen zurück, Kotter“. Du hast mich zum Lachen gebracht, sobald ich solche Töne gehört habe. Aber dann ziehen Sie mit jeder folgenden Episode einen weiteren Nadeltropfen als Ihren Abspann, der diese Episode wirklich widerspiegelt. Wie herausfordernd war es, die eigentliche Musik in die Serie zu integrieren? Dies ist nicht nur Nachtflug wie eine typische Serie.
Oh ja. Nein, nein, es ist sehr, sehr pointiert. Ich liebe es, Musik für Sachen auszuwählen. Musik im Allgemeinen ist für mich ein großer Teil des Prozesses. Es ist wie das zweite Skript für alles, woran Sie arbeiten. Es ist eine emotionale Linie. Also diesen Abspann-Song zu haben – all die Dinge, die in dieser Episode passiert sind, wirklich in einen Song zu unterteilen – das ist definitiv eine große Herausforderung. Ich habe viel Zeit damit verbracht, für jede Folge viel Musik zu hören, um herauszufinden, was sich einfach richtig anfühlt, was dich berührt, wenn es herauskommt. Du gehst zu Black und sagst: „Oh Mann, dieser Song ist großartig.“ Tatsächlich bestand die größte Herausforderung nach der Auswahl darin, diese Songs zu löschen, da einige dieser Songs sehr obskur sind. Wir haben einen Song von Serge Gainsbourg und Brigitte Bardot, der sehr, sehr schwer zu klären war. Wir haben also ein großartiges Musiklizenzierungsteam, unsere Musikbetreuerin Maggie Phillips, aber sie hatten eine sehr schwierige Aufgabe, obskure französische Musik und solche Dinge zu klären, und sie haben es jedes Mal geschafft. Sie haben alles, was wir brauchten.
Ich wollte Sie danach fragen, weil ich weiß, wie schwierig die Lizenzierung und die Freigabe sind. Und wie teuer es ist.
Es kann sicher teuer werden. Ja, das war ein Teil des Vorteils, etwas obskureres Zeug auszuwählen, war, dass man manchmal einen kleinen Deal bekommt. Manchmal nicht. Es gab ein paar Fälle, in denen es darauf ankam, den Tag des Soundmixes zu mögen, an dem wir sagten: „Bitte, bitte.“ Wir hatten ein Backup bereit, aber niemand möchte jemals ein Backup verwenden, aber wir bekamen jeden Song, den wir wollten, was großartig war.
Und dein Sounddesign ist hier so gut umgesetzt. Du opferst nicht. Wir hören die einzelnen Schüsse, wir hören die Messer, die verschiedenen Messerstile. Der Klang ist anders, wenn sie durch die Luft fliegen. Die Kleinigkeiten, die Liebe zum Detail, die Sie hier haben, ist erstaunlich.
Ich bin besessen von Klang. Ein Teil des Vorteils, dies mit Scott Free und Amazon zu tun, war, dass sie die Bedeutung davon wirklich verstanden. Sie verstanden, dass dies die Erfahrung sowohl als Zuschauer als auch in Bezug auf die Hervorhebung von dem, was sonst da draußen ist, verbessern kann. Wir hatten also wirklich eine gesunde Menge Zeit dafür, denn ich denke, das Wichtigste beim Sounddesign ist Zeit. Das muss man sich im Raum anhören. Den richtigen Ton muss man finden. Wenn es nicht stimmt, musst du zurück zum Reißbrett gehen, neue Sachen finden. Und wir hatten wirklich die richtigen Ressourcen und ein großartiges Soundteam. Wir haben den ganzen Sound bei Technicolor auf dem Grundstück von Paramount gemacht. Unsere Mixer und unsere Sounddesigner waren erstklassig und haben wirklich, wirklich gute Arbeit geleistet.
Und dann die Mischung mit dem Sound und dem zugrunde liegenden Scoring, sehr wichtig.
Ja. Das war Joe Trapanese, ein unglaublicher Komponist. Er war jemand, mit dem ich schon lange zusammenarbeiten wollte, und besonders dafür. Es fühlte sich einfach so richtig an für das, was er so gut macht. Aber ich dachte immer: „Nun, er ist ein großer Filmtyp, er wird das auf keinen Fall wollen“, und der Leiter von Amazon Music sagte: „Ich habe mit Joe gesprochen, er wäre wirklich daran interessiert. ” Und wir trafen uns und verstanden uns einfach. Seine Musik trägt so viel zur ganzen Show bei, nur in Bezug auf die Emotionen, die er hervorruft, aber auch in Bezug auf die Reichweite. Seine Musik ist einfach Musik in Filmqualität und sie ist wirklich, wirklich schön.
Besonders gern. Aber auch sehr scharf, was Sie und Joe hier getan haben, wie Sie sicher feststellen, dass die Musik das Publikum so oft überwältigen und führen kann, anstatt als Unterströmung dem Dialog und dem, was passiert, zu folgen. Ihre Musik führt hier nicht.
Das ist wirklich wahr. Es geht für mich zurück auf das Geschichtenerzählen. Ich mag es immer, wenn die Musik zum Geschichtenerzählen beiträgt, das Geschichtenerzählen beeinflusst, aber nicht das Geschichtenerzählen macht. Es ist also definitiv ein empfindliches Gleichgewicht. Es gibt viele Tracks, auf denen Sie einfach Joes Musik spielen könnten, ohne Dialoge oder Soundeffekte, und es würde absolut funktionieren. Wenn Sie damit als Basis beginnen, wird alles andere, was Sie hinzufügen, nur das Sahnehäubchen sein.
Ich wäre nachlässig, Sie nicht nach den erstaunlichen Besetzungen zu fragen, die Sie haben. Sie haben zunächst JC, aber dann bringen Sie Carlo Rota hinzu, der großartig ist. Da ist Richard Schiff drin, der in zwei Folgen auftaucht. Sie haben Moises [Arias] und natürlich Phylicia Rashad, die hier bisher gegen den Typ spielt. Mit dieser Leistung ist Clair Huxtable schon lange vorbei. Clair hat das Gebäude verlassen!
Ja. Phylicia hatte so viel Spaß. Ich konnte es nur sagen. Jedes Mal, wenn sie am Set war, genoss sie es einfach so sehr. Ich denke, dass sie für die Art von Arbeit, die sie macht, und die Stücke, in denen sie spielt, eine unglaubliche Schauspielerin ist, also weißt du dramatisch, dass es ihr gut gehen wird. Aber reinzukommen und dann kann sie mit den Besten von ihnen Landschaften kauen und ihr Gewicht herumwerfen und dieser Badass sein, von dem ich wusste, dass sie die ganze Zeit in ihr steckte. Sie ist bemerkenswert in der Rolle. Und wirklich, du hättest bei niemandem das durchziehen können, was sie durchgezogen hat.
Was ich an Phylicia liebe, ist, dass ich weiß, wie wählerisch sie mit den Rollen ist, die sie übernimmt. Bei „Empire“ hat sie hervorragende Texte; eine wirklich fleischige Rolle dort. Und im Laufe der Jahre, sogar zurück zu „Murder, She Wrote“, einer Doppelfolge dort, und „Touched by an Angel“, solchen Dingen, tendiert sie aufgrund des Schreibens zu Rollen. Als ich sah, dass sie daran beteiligt war, wusste ich sofort, dass hier irgendwo Qualität steckt, auch ohne ein einziges Bild zu sehen. Sie wäre nicht hier, wenn es keine Qualität gäbe.
Sie wertet definitiv alles auf, womit sie an Bord kommt, und als wir anfangs an sie für die Figur dachten, dachten wir: „Nun, sie würde niemals Ja dazu sagen.“ Und sie las das Drehbuch und hatte sehr nachdenkliche Dinge über das Drehbuch zu sagen. Sie wollte mit Dave und mir sprechen und ihr einziger Kommentar war: „Vielleicht muss meine Figur nicht so viel fluchen.“ Und wir sagten: „Nein, es ist wichtig, dass Jane schwört.“ Und sie sagte: 'Großartig, dann bin ich bereit zu fluchen.' Sie war an Bord, also ja, es war großartig. Sie war die Beste. Ich kann nicht genug schöne Dinge über sie sagen.
Wie herausfordernd war es, die Rolle von Vanessa zu besetzen, weil man jemanden finden muss, der in der Lage ist, mit JC auf körperlicher Ebene, auf komödiantischer Ebene, „mano-y-mano“ zu gehen . Das kann keine einfache Jagd für Sie gewesen sein.
Es war nicht. Es war nicht. Wir haben uns mit vielen Schauspielerinnen getroffen. Ein Teil der Herausforderung dieser Show bestand darin, dass Sie an dem Punkt, an dem wir diese Rollen besetzten, nur ein Drehbuch hatten. Und die Leute hören von ihren Agenten: „Oh, es ist eine Komödie, es ist Jean-Claude Van Damme“ und sie denken, es wird klanglich etwas ganz anderes als das, was es letztendlich war. Sie denken also, dass es breit sein wird. Viele Leute kamen herein und dachten: „Oh, das ist eine Parodie, oder?“ Wir sagen: „Nein, nein, das ist keine Parodie, das soll eine eigene Sache sein.“ Jemanden zu finden, der den richtigen Ton treffen konnte, war an und für sich schon eine Herausforderung. Und dann, mit Vanessa, der Figur, spreizt sie diese Linie wirklich, weil sie in der ganzen ersten Folge auf JC wütend sein muss. Ich denke, für jede Figur, aber besonders für Frauen, denke ich, ist es eine Herausforderung, eine Figur zu spielen, die irgendwie wütend und sogar ein bisschen gemein gegenüber der Hauptfigur sein soll, für die das Publikum Sympathie empfinden soll. Ich denke, es ist einfach schwierig, das richtig hinzubekommen, ohne dass es das Publikum abschreckt. Ich denke, manchmal schaut man sich eine Aufführung an und die Leute schrecken davor zurück. Um also die Wärme und die Menschlichkeit in all den Dingen zu finden, die Vanessa wirklich braucht, müssen Sie verstehen, warum sie wütend auf ihn ist, und sehen, was der Reiz ist, was die Anziehungskraft ist, warum dieser Filmstar aus dem Ruhestand kommen würde, um ihn zu verfolgen Sie. Es war ein harter Balanceakt und als Kat [Foster] zum ersten Mal hereinkam und ein Vorsprechen aufzeichnete, sahen Dave und ich es uns an und es war nur so: „Okay, wir haben Vanessa gefunden.“ Das war es, sie hat es einfach getroffen, sobald sie hereinkam. Sie hat diesem Charakter wirklich Leben und Sensibilität und Verletzlichkeit und Stärke eingehaucht, die nicht immer auf der Seite war. Das war etwas, das sich im Verlauf der Geschichte ein bisschen mehr auf Vanessa konzentrierte, und vieles davon hat mit Kats Fähigkeit zu tun, sie zu dieser sehr ausgearbeiteten und sehr starken Figur zu machen.
Ich muss dich fragen, Peter, was hast du durch diesen Prozess der Sechs-Episoden-Serie, durch die Entwicklung, durch die Arbeit mit Dave, die Arbeit mit JC, was hast du über dich als Regisseur gelernt, was du jetzt weiterbringen kannst zukünftige Projekte? Hoffentlich eine zweite Staffel davon!
Das ist eine gute, sehr anspruchsvolle Frage. Das war mein erstes Projekt nach „Keanu“, und „Keanu“ war ein sehr schwieriger Prozess. Es hat mir viele Lektionen auf die harte Tour beigebracht. Es ließ mich viele Dinge erkennen, in denen ich als Regisseur besser werden musste. Und so war diese Show sozusagen die erste Gelegenheit, die ich hatte, um viele dieser Lektionen zu nutzen. Und während ich in dieser Show immer noch viele Lektionen auf die harte Tour gelernt habe, weil ich denke, dass man das einfach jedes Mal tun muss oder es nicht richtig macht, hat mir diese Show viel Selbstvertrauen gegeben, um dramatischere Sachen anzugehen. Das war das erste Mal, dass ich etwas gemacht habe, das in ein wahres Drama übergeht. Es gibt immer noch Momente der Heiterkeit, es gibt immer noch Comedy, aber es gibt auch einige Charaktersachen, die … es wurde am Set sehr emotional, manchmal in einige dieser Sachen einzusteigen. Es machte mich wirklich hungrig, mehr davon zu tun. Das ist es also, was ich von der Erfahrung weggehe, in der Hoffnung, dass ich mehr davon machen kann.
Von Debbie Elias, Interview 30.11.2017