Document ID: /fineweb-2-swissfilter-quality_10-filterrobots/filtered/02339.jsonl.gz/4

Gezichtshaar en baard laten groeien - Verzorgings-, styling- en scheertips voor mannen
Verzorging En Scheren / 2024
Nu je op de juiste manier kennis hebt gemaakt met enkele van de meer beroemde stukken uit het klassieke muziekrepertoire , dacht ik dat een overzicht van de verschillende tijdperken waaruit de geschiedenis van de klassieke muziek bestaat de volgende logische stap zou zijn. De term is erg breed en omvat muziek van de middeleeuwen tot nu. Het artikel zal proberen je kennis te laten maken met een paar verschillende stijlen en ideeën van elk van de muzikale periodes in de westerse wereld, en ze te contextualiseren om de verschillende ontwikkelingen uit te leggen en om belangrijke componisten te belichten. Dit is geenszins een uitgebreide gids, maar een overzicht bedoeld om de beginner te helpen klassieke muziek beter te begrijpen. Door de grote schaal (we hebben het toch over duizend jaar muziek) is niet alles aan bod gekomen. Muziek na 1945 werd bijvoorbeeld uitgesloten, omdat er zoveel scholen en benaderingen zijn dat het artikel niet echt baat zou hebben bij een paar honderd woorden.InhoudsopgaveUitbreidenInstorten
Hoewel oude muziek als kerk- en hofmuziek bestond, is het vooral de vroege kerkmuziek, en in het bijzonder de vocale kerkmuziek, die uiteindelijk de zeer verfijnde muziek van Bach, Beethoven en Brahms zou worden. Hoewel er veel deugden zijn in de muziek van de troubadours, madrigalen en de minstrelen, ligt de focus van het artikel meer op de kerkmuziek.
Middeleeuws muziekhandschrift
Het begint allemaal hier, met een enkele regel aantekeningen. Monofoon gezang, ook wel gewoon gezang genoemd, ontwikkelde zich in verschillende centra in heel Europa. Net als de hofmuziek was het lokaal, gebaseerd op lokale liturgieën en verschillende regio's produceerden verschillende stijlen van zingen. Luister naar het verschil tussen de Mozarbische Chant van Portugal en Spanje, en de Amborisan Chant. Beiden doen versies van het 'Gloria in Excelisus Deo' deel van de mis.http://www.youtube.com/watch?v=qqiCs3oL3yg
Dit begon te veranderen met de standaardisatie van de mis en gezang door de katholieke kerk in 1011 na Christus. Het resultaat was gregoriaans, afgeleid van het mengen van de zangstijlen van de twee belangrijkste Europese centra Rome, het centrum van de kerk, en Parijs, de politieke centrum. Dit kwam om bijna alle lokale vormen van gezang te vervangen. Hier nog eens luisteren naar het Gloria maar gedaan als gregoriaans.
Met deze standaardisatie kwamen ontwikkelingen op gang. Geleidelijk aan kwamen er meer lijnen in de muziek, die door Organum gingen. Veel van deze muziek is nog steeds anoniem. Opnieuw experimenteerden verschillende centra met verschillende benaderingen van organum, misschien wel de meest significante waren de Engelsen. Hoewel het bloemrijke organum van St. Martial het belangrijkste was op het latere organum, en plaats maakte voor de beroemde Notre Dame School, gaf het Engelse organum de voorkeur aan het interval van de terts, dat het pad zou worden waarlangs modale muziek zou leiden tot majeur/mineur-tonaliteit , maar daarover later meer. Deze werden later ontwikkeld door twee van de vroegst bekende componisten, eerst door Léonin en later Pérotin. Beide leverden veel nieuwe compositietechnieken op, waarvan de meest vitale het modaal ritme was, in wezen onregelmatige noten die in een regelmatig patroon waren gerangschikt.http://youtube.com/watch?v=gtkmnhnHWhw
Het belangrijkste verschil is dat waar Léonins stijl meer evolueerde naar lange bloemrijke lijnen, Pérotin zich meer concentreerde op het gebruik van meer uitgebreide stemmen, waardoor de polyfonie stevig begon.
De eerste stap was om elementen die prominent waren geworden in de laatmiddeleeuwse stijl glad te strijken. Dit betekende met name het vereenvoudigen van een aantal ritmes. Dit zorgde echter voor een meer vloeiende stijl en droeg in veel opzichten bij aan een meer gefocust ritme dat meer naar het einde van het stuk bewoog. Het interval van de terts, met zijn grotere kleur (mineur en majeur) werd meer gewaardeerd. In de middeleeuwen werd het als een dissonant beschouwd en dus ondergeschikt aan de vijfde en vierde.
Geleidelijk aan werd de muziek weer complexer in de muziek van Johannes Ockehem. Zijn voorliefde voor canons is te horen in zijn Missa Prolationum. Dit is gekoppeld aan de toegenomen detaillering die destijds in de beeldende kunst te zien was.
In de jaren 1470 werd de eerste impact van de drukpers gevoeld in de muziek. Muzieknotatie begon vorm te krijgen, waardoor het idee ontstond om muziek over te dragen en deze natuurgetrouwer te laten reproduceren. Dit betekende ook dat het lokale element, zoals bij de standaardisering van de mis door de kerk in 1011, werd overtroffen door een groeiend internationalisme, met name de Frans-Vlaamse stijl van de polyfonie. Hiermee kwam een toename van vereenvoudiging, met name met G.P. Palestina. De overgang naar een duidelijkere stijl kwam mede door de Contrareformatie en het Concilie van Trente. In wezen was men tot de conclusie gekomen dat de destijds polyfone muziek de teksten, de goddelijke heilige teksten, onbegrijpelijk maakte. Ze lieten de vermenging van verschillende stemmen in de canonieke stijl van Ockehem achterwege en kozen voor imitatie van duetten en trio's die de textuur zouden opbouwen tot vijf of zes secties. Er waren ook steeds meer passages met homofonie (meerdere stemmen die in een vergelijkbaar ritme bewegen) voor passages van bijzonder belang. Uiteindelijk ontwikkelde Palestrina hieruit een vrij vloeiende stijl van contrapunt, die zowel helderheid als muzikale interesse mogelijk maakte.
De obsessie van de periode met de oudheid, in het bijzonder de Grieken, bracht sommigen ertoe te experimenteren met een vorm van muziektheater, waarbij de stem een verhaal vertelde, begeleid door instrumenten, in wezen in een poging het Griekse drama na te bootsen. Ze slagen, enigszins. Ze creëerden een vorm van muziektheater die vandaag de dag nog steeds aanwezig is, hoewel de mate waarin het op traditioneel Grieks drama lijkt twijfelachtig is.
Opnieuw zien we een lokalisatie binnen de muziek, aangezien de barok een verscheidenheid aan componisten uit verschillende plaatsen biedt. De term zelf werd oorspronkelijk gebruikt als een belediging voor de zeer sierlijke, schijnbaar onsamenhangende stijl van de muziek. Sindsdien is het een term geworden om een breed scala aan componisten over een periode van 150 jaar te beschrijven. Een van de overgangscomponisten was Jacopo Peri. Hij werkte voor zowel verschillende kerken als rechtbanken, met name de Medici. Zijn stijl is aanzienlijk minder complex dan veel van de renaissancemuziek voor hem of de meer ornamentele stijl die de barok zou kenmerken. Weinig van zijn werk wordt tegenwoordig uitgevoerd, en vaak alleen als iets van een curiositeit. Toch is hij volgens sommigen de ware uitvinder van een nieuwe vorm, Opera genaamd, die later door Claudio Monteverdi zou worden herzien in zijn L'Orfeo.
De onvergelijkbare J.S. Bach
De basisingrediënten die de latere barokmuziek zouden karakteriseren, zijn een tonale harmonie in de vorm van een basso continuo (een doorlopende baslijn) waarop tonale polyfonie, geïnspireerd door het contrapunt ontwikkeld tijdens de Renaissance, zou worden gespeeld. Het interval van de terts dat langzaam belangrijk werd voor componisten zorgde voor de opkomst van majeur- en mineurtoonsoorten als manieren om dissonantie en chromatiek te beheersen, wat tot het einde van de 19e eeuw het belangrijkste kenmerk zou zijn.eeeuw. Daarnaast is de conceptualisering van gelijkzwevende stemming, het verdelen van de octaaf in twaalf delen. Verrassend genoeg zijn dit geen twaalf perfect afgestemde halve tonen. Er zijn eigenlijk twaalf niet-afgestemde intervallen, maar de mate waarin ze niet-afgestemd zijn, is exact, wat betekent dat ze elkaar in evenwicht houden. Dit maakte modulatie tussen toetsen mogelijk. Wohltemperierte Klavier van Johann Sebastian Bach is in zekere zin een realisatie en viering van deze standaardisatie. Instrumentale muziek kwam tot zijn recht. Met name de toetsinstrumenten, namelijk de klavecimbel en het orgel, werden de steunpilaren van de muziek.
J.S. Bach is de reus van deze tijd, hoewel hij verre van de beroemdste musicus van die tijd was, groeide zijn roem vanaf de 19e eeuw bijzonder. Zijn hoofdpost was als geleider in Leipzig, in wezen de man die de leiding had over de muziek van die stad. Hij creëerde veel gevarieerde werken, van koraalcantates, missen, preludes, partita's. Met uitzondering van theatraal gebaseerde werken (zoals opera's), omvat Bachs catalogus alle vormen, instrumenten en orkesten uit die periode.
De drukpers maakte ook de weg vrij voor standaardisatie. Pedagogische teksten werden geproduceerd, waaronder Johann Fux's Gradus ad Paranassum (1725) die het contrapunt uit de eerdere perioden systematiseerde en Archangelo Corelli, die viooltechniek en pedagogiek organiseerde. De periode maakte ook een groter individueel onderscheid mogelijk. Componisten en uitvoerders begonnen op eigen kracht beroemd te worden, hun kennis en expertise werden overgedragen, hetzij via pedagogiek, hetzij in de pers die hun talenten prees.
Hoewel de liturgie voor sommige werken nog steeds de basis vormde, kozen componisten ervoor om het materiaal anders te organiseren. Vorm werd belangrijker, omdat de noodzaak om binnen een enkele toets te blijven, methoden vereiste om muzikaal materiaal te ordenen om terug te keren naar de 'tonic' of home-toets. Dit bood het kader voor sonate vorm evenals het idee van thema en variaties. De basis van vorm omvatte die van binair (AABA) of trio (ABC).
Tijdens de Renaissance verschoof de focus naar de Klassieke Oudheid (vandaar de naam) en men probeerde dat na te streven in nieuwe kunst en architectuur. Terwijl de nadruk, net als tijdens de barok, nog steeds op formaliteit en hiërarchie lag, lag de nadruk meer op duidelijke scheiding, sterk contrast en een eenvoudigere stijl, in tegenstelling tot de complexe, ornamentele stijl van de barok. In eenvoudige bewoordingen maakte de polyfonie plaats voor een enkele melodie begeleid door ondergeschikte harmonie. Het onthullen van de verschuiving in modulatie, zoals tussen het eerste en tweede thema van een sonate, werd steeds belangrijker. De kennis van de oudere muzikanten met hun technische expertise was nodig, maar de nieuwere stijl kwam van de jongere muzikanten. CPE Bach bleek een geweldige combinatie van deze twee. Hij verwierf van zijn vader de kennis van de oude technieken, maar was in staat om ze te gebruiken in nieuwere stijlen waar het publiek de voorkeur aan gaf. Deze overgangsperiode die zou leiden tot onder meer Joseph Hayden en Wolfgang Amadeus Mozart daterend van omstreeks 1730-1760. Feit was dat Bach, hoewel nog steeds gerespecteerd, een soort relikwie was geworden.
De eenvoud had ook economische redenen en voordelen. De smaak voor nieuwe muziek werd een publieke fixatie, maar de middelen waarover een componist beschikte waren eerder beperkt. Waar Bach alle musici in Leipzig tot zijn beschikking had, zou Mozart bijvoorbeeld musici moeten inhuren, wat repetities zou betekenen, en repetities kosten geld. Om het budget te beperken, werden stukken die slechts één repetitie vergen, in zwang.
Een rechtbankbijeenkomst om muziek te horen
Gedurende deze periode bloeide de hofmuziek (componisten waren in dienst van edellieden). de c ons orkest van Mannheim was destijds de meest bekende en beïnvloedde daarom de muziekstijlen van vele componisten, waaronder Hayden en Mozart. Hayden wordt vaak de vader genoemd van zowel de Symfonie en de Strijkkwartet . Al als jonge jongen kreeg hij een muzikale opleiding en werd uiteindelijk aangenomen als koorzanger in de Stephansdom in Wenen. Naarmate hij ouder werd, werd zijn stem ongunstig gerijpt en na een slecht ontvangen grap op een collega-koorzanger werd hij ontslagen. Vervolgens nam hij verschillende banen aan en, zich bewust van zijn gebrek aan kennis op het gebied van muziektheorie en compositie, bestudeerde hij veel van de teksten die tijdens de barok beschikbaar waren gesteld via de druk (met name de verhandeling van Fux) en bestudeerde hij het werk van C.P.E. Bach. Dit leidde uiteindelijk tot zijn baan op het landgoed Esterházy, wat hem hielp zijn bepalende stijl en succes te ontwikkelen.
De andere grote economische verschuiving was dat muzikanten steeds meer free agents werden. Vroeger werd muziek alleen binnen en voor het hof gemaakt. Mozart verkocht bijvoorbeeld abonnementen op zijn concerten om zichzelf te financieren, in plaats van te vertrouwen op koninklijke patronage. Aan de andere kant gebruikte Hayden de stabiliteit van zijn hofbenoeming om zich te concentreren op het creëren van nieuwe manieren om werken te componeren en te structureren binnen de nieuwe esthetiek van die periode. Mozart zocht succes binnen het publieke domein. Dat betekende een virtuoos performer zijn en opera's componeren. Beide maakten het mogelijk om meerdere nachten en tourschema's te spelen, waardoor Mozart een levensvatbaar inkomen kon genereren. Hij gaf ook de voorkeur aan meer chromatisch akkoordengebruik en een combinatie van melodieën binnen een enkel werk. Zijn training bij Hayden gaf hem een meer gestructureerde, gedisciplineerde aanpak waardoor hij kleurrijker en virtuoos werd. Zijn compositiestijl vereiste meer aandacht en interactie binnen het orkest en vormde een grotere uitdaging voor individuele musici. Deze meer technische benadering vroeg meer van zowel componist als uitvoerder en het publiek verlangde naar meer. Tegelijkertijd onderscheidden deze toegenomen vaardigheidseisen het latere classicisme rond 1780 van de eerdere overgangsperiode (1740-1760). Zowel Hayden als Mozart werden destijds als genieën beschouwd en genoten veel succes.
Hierna verscheen een nieuwe generatie muzikanten, en de bekendste en meest geprezen was zeker Ludwig van Beethoven . Net als Mozart verwierf hij een reputatie als virtuoos uitvoerder, vooral bekend om zijn improvisatie. Zijn composities hadden echter een nog grotere impact: ze waren langer, complexer. meer ‘pianistisch’ in plaats van ‘vocaal’, en zorgde voor meer interactie tussen instrumenten, wat leidde tot een nieuwe stijl. De vroege classicistische notie van eenvoud boven complexiteit werd toegeëigend. Vorm maakte een grotere verkenning van muzikaal materiaal mogelijk. De duidelijkste plaats om dit te zien is in de ontwikkelingssecties van de werken van Beethoven. In plaats van Mozarts speelsheid herwerkte Beethoven zijn thema's op grote, gewaagde en gecompliceerde manieren. Zijn belangrijkste focus was het creëren van een monumentaal, origineel kunstwerk. Als gevolg daarvan betekende zijn kwaliteitsbenadering dat hij minder volumes zou maken: terwijl Hayden meer dan 100 symfonieën componeerde, schreef Mozart 41 en Beethoven slechts 9 symfonieën . De emotionele intensiteit en muzikale verfijning die in de symfonieën van Beethoven aanwezig zijn, duiden echter op de ultieme verschuiving. Hoewel Beethoven zijn carrière begon als classicus, eindigde hij deze als proto-romanticist.
De toenemende belangstelling voor de natuur, de verheerlijking van het subjectieve denken en de belangstelling voor het bovennatuurlijke kenmerkten de Romantiek. De standaardisatie die tijdens de klassieke periode plaatsvond, werd op de proef gesteld en tot het uiterste gedreven, omdat elke componist zijn eigen, subjectieve benadering had. bijgevolg werden vrije vormstijlen zoals nocturnes, rapsodieën en preludes populair. Een goed voorbeeld hiervan is Frederick Chopin . Elementen uit de volksmuziek verwerkte hij in zijn Mazurka's, hoewel die bedoeld zijn voor de concertzaal.http://www.youtube.com/watch?v=e8PJsjO1u5w
Muzikanten werden vrij van adel omdat muzikanten nu onafhankelijk of via verschillende muziekeducatieorganisaties konden opereren. Een van die manieren was door de toegenomen belangstelling voor muziek van de middenklasse, en dit zorgde voor een manier waarop componisten een regelmatig inkomen konden verdienen. Chopin gaf bijvoorbeeld maar een paar concertuitvoeringen. Zijn gebruikelijke inkomen kwam uit het geven van lessen en het verkopen van zijn manuscripten.
Deze onafhankelijkheid leidde ertoe dat anderen grote tourschema's en concerten hadden. Componisten en artiesten werden in wezen rocksterren, aanbeden door het publiek. Twee van de belangrijkste voorbeelden zijn de violist Nicollo Pananini en Franz Liszt. Paganini inspireerde lijst, met zijn technische prestatie met de viool, om het te matchen met de piano. Duels werden een vast onderdeel tussen pianisten. Liszt had een bijzondere rivaliteit met Sigismond Thalberg, een collega-componist en virtuoos, waar ze in wezen probeerden de populariteit van de ander in de media te verminderen. Dit lukte niet echt en dus hadden Liszt en Thalberg op 31 maart 1837 een duel in de salon van prinses Cristina Belgiojoso. Ieder speelde eerst een stuk dat al op hun repertoire stond. Daarna speelden ze elk een stuk extreme technische moeilijkheid uit die ze speciaal voor de bijeenkomst hadden voorbereid. Liszts was Reminscences de Robert le Diable. Hoewel het door de aanwezigen een gelijkspel werd genoemd, daagde Thalberg, die al vele jaren met Liszt concurreerde, hem nooit meer uit.
Een andere kant van dit spectrum was Wagner. Wagner wilde Gesamtkunstwerk (het totale kunstwerk) creëren waarin de poëtische, visuele, muzikale en dramatische elementen van kunst samenkomen. Orkesten groeiden in deze periode met de introductie van meer instrumenten en grotere rollen voor bestaande. Maar voor Wagner was de vooruitgang te traag. Hij wilde het nog groter. Sommige instrumenten specificeerde hij voor zijn orkesten, zoals de octobas, een bas die zo groot was dat mensen hem moesten bespelen. Hij was ook een van de weinige componisten uit deze periode die mecenaat kreeg in de vorm van Ludwig II van Beieren. Hierdoor kon hij het Bayreuth Festspielhaus bouwen. Hier is het orkest verborgen onder een kap om het ten eerste uit het zicht van het orkest te verwijderen, het drama was primair voor Wagner, en ten tweede om de balans tussen de zangers en het orkest te corrigeren. De muziek gebruikte grotere hoeveelheden chromatiek en dissonantie die bijdroegen aan het dramatische effect van de muziek. Hoewel de Ring Cycle het gigantische werk van deze tijd is, is het de Prelude uit Tristan und Isolde, met het beroemde Tristan Chord (00:12) dat het emotionele verlangen en de chromatische uitdagendheid benadrukt die het werk van Wagner kenmerkten.
Tegen het begin van de 20e eeuw waren componisten de conventies en standaardisatie die zich hadden voorgedaan tijdens het common practice-tijdperk beu en begonnen ze meer methoden te verkennen om hun muziek te organiseren. Voor sommigen betekende dit simpelweg het uitbreiden van deze conventies, zoals Sergei Rachmaninoff die tot ver in de jaren veertig muziek componeerde in de romantische stijl.
Igor Stravinsky
Anderen kozen ervoor om de vorige conventies opnieuw te definiëren, te muteren of te verwerpen. Claude Debussy was een van deze componisten. Oorspronkelijk gefascineerd door Wagner De zeer chromatische tonale muziek kwam uiteindelijk tot de conclusie dat het een prachtige zonsondergang was die werd aangezien voor een dageraad. Hij had zich, net als anderen, gerealiseerd dat Wagners benadering van tonaliteit een beperking tot tonaliteit was. Hij zocht dus andere manieren om zijn materiaal te ordenen. In zekere zin keek hij achteruit en gebruikte hij modi voor zijn composities, net als tijdens de middeleeuwen en de renaissance. Dit gaf hem een tonale ambiguïteit en vrijheid om zijn muziek te bewegen, zoals blijkt uit: De prelude op de middag van een Faun . Het onthult ook Debussy's gebruik van niet-functionele harmonieën, waarbij, in plaats van het stuk vooruit te stuwen, de harmonie gewoon de melodie kleurt. In deze periode begonnen koper- en blaasinstrumenten te concurreren met de traditionele snaarinstrumenten.
Een ander mammoetwerk uit het begin van de twintigste eeuw was: Igor Stravinsky 's De ritus van de lente. Beroemd veroorzaakte grote publieke verontwaardiging en een bijna rel tijdens de première in 1913, met zijn schijnbaar kakofone melodieën die zich vermengden en de gewelddadige aard van de sterke ritmes onthulde nieuwe gebieden van fascinatie van het modernistische tijdperk. In plaats van toonhoogte als het primaire element in muziek te hebben, werd het ondergeschikt aan de sfeer die werd gecreëerd door textuur, ritme en toon.
En tenslotte Arnold Schönberg en twaalftoonsmuziek. Terwijl Debussy en Stravinsky op zoek waren naar nieuwe en exotische technieken en geluiden om hun muziek te creëren, raakte Schönberg gefixeerd op de basis van het common practice-tijdperk, de twaalf tonen van gelijkzwevende stemming. Soms ook wel atonale muziek genoemd, om te voorkomen dat dit in een complete chaos zou vervallen, ontwikkelde Schönberg een systeem waarbij alle twaalf tonen achter elkaar moesten worden gebruikt en die opeenvolging voor de rest van het stuk moest worden herhaald. Het systeem, hoewel het vanuit een andere richting werd benaderd dan zijn tijdgenoten, vereiste ook een grotere focus op textuur, instrumentatie, dynamiek en ritme.
Hoewel het een interessant, zelfs angstaanjagend effect creëert, is het niet echt goed ontvangen. Niettemin was de techniek van Schönberg de komende decennia cruciaal in de westerse muziek bij componisten als Pierre Boulez en Stockhausen het ontwikkelen van zijn twaalftoonstechniek tot volledig serialisme, waarbij elk element, van toonhoogte tot dynamiek tot ritme, allemaal aan een rigoureus systeem werd onderworpen. Nogmaals, de resultaten waren niet populair en velen, zoals de minimalisten, verwierpen het ronduit.
Ik hoop dat deze inleiding in de geschiedenis van de westerse klassieke muziek je een indruk heeft gegeven van de verschillende stijlen in verschillende periodes. Bovenal hoop ik dat het je in staat stelt om de verschillende soorten muziek meer te waarderen. Wat is je favoriete tijdperk van klassieke muziek, of wat zijn je favoriete componisten? Laat het ons weten in de reacties.