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HEK Net Works
En mars 2020, la HEK a lancé la série de projets HEK Net Works, qui invite des artistes à réaliser des projets basés sur le net, spécifiquement imaginés pour les canaux numériques de la HEK. Il s’agit pour les créatrices et les créateurs d’occuper l’espace virtuel d’une façon qui correspond à leur pratique artistique.
La série a vu le jour pendant le premier confinement mis en place du fait de la pandémie de Covid 19, en mars 2020. Initialement organisées chaque semaine, les contributions se poursuivent à un rythme mensuel depuis l’été 2020.
La fermeture des musées imposée par la situation sanitaire dans le monde entier a fragilisé la situation déjà précaire des artistes qui ne disposent d’aucun revenu régulier. À travers cette initiative, la HEK a soutenu le travail de celles et ceux qui conçoivent les projets basés sur Internet. Depuis, la série a intégré à part entière les activités en ligne de la HEK.
Markus Aebersold & Chris Handberg
“…the more there is”
Markus
Aebersold et Chris Handberg ont créé une composition audiovisuelle qui se veut une exploration des espaces auditifs et imaginaires. Influencée par les conditions d'isolement - le texte a en fait été écrit pendant la période de confinement des artistes en Islande - l'œuvre invite le spectateur à s'immerger dans une expérience méditative guidée. Les artistes se demandent si les expériences imaginées sont plus ou moins réelles que les expériences vécues, et par analogie, ils se demandent si les expériences virtuelles, en ligne, sont moins ou aussi incisives que les expériences du monde réel. Dans quelle mesure les espaces et les objets imaginés peuvent-ils véhiculer des significations s'ils ne sont jamais communiqués ou partagés avec d'autres individus ?
L'œuvre est accessible sur le portail Vimeo de la HEK. Les artistes encouragent les spectateurs à utiliser des écouteurs et à visionner la vidéo en plein écran.
Dans leur pratique artistique, Markus Aebersold et Chris Handberg étudient les relations entre la technologie et l'être humain spirituel. Des sujets tels que l'anxiété numérique, la foi en la science, l'espoir et la réalité sont omniprésents dans les problèmes qu'ils explorent. Ils travaillent sur les ponts que nos sens établissent entre l'espace virtuel, physique et mental et sur notre capacité à croire aux trois simultanément. Le dialogue artistique du duo produit des œuvres qui sont une matérialisation des souvenirs partagés d'une mythologie technologique inexistante. Les œuvres sont à la fois des monuments, des représentations et des matérialisations de ces mythes. Markus Aebersold (*1988 CH) et Chris Handberg (*1989 DK) vivent et travaillent à Bâle, où ils ont été diplômés ensemble de l'Institut d'art HGK FHNW en 2017. En 2020, ils ont été nominés pour le prix suisse des artistes émergents et en 2021 pour le prix Basel Media Art.
UBERMORGEN
crypto manifesto tokens #1 - #10
En octobre et novembre, la nouvelle édition de HEK Net Works aura la forme d'une série de NFTs créés par UBERMORGEN, les crypto manifesto tokens #1 - #10.
Ni politique ni idéologique, mais résolument actionniste, investigateur et parfois provocateur, c'est ainsi que se présente le duo d'artistes internationaux UBERMORGEN. Le travail de lisvlx et Luzius Bernhard est basé sur des recherches approfondies et aboutit généralement à des projets basés sur le réseau, des codes et des interventions délibérément perturbatrices dans divers systèmes - qu'il s'agisse des médias de masse, des technologies ou même de l'ordre juridique.
UBERMORGEN est apparu pour la première fois dans les médias internationaux lorsqu'ils ont lancé leur célèbre intervention sur le discours politique, Vote-Auction. La plate-forme en ligne Vote-Auction a été créée pendant l'élection présidentielle américaine de 2000 et prétendait permettre aux Américains de vendre leur vote en ligne. D'autres œuvres d'UBERMORGEN ne sont pas moins provocantes et critiques. GWEI - Google will Eat itself vise à déconstruire Google en tant que géant international en développant un système d'autocannibalisme économique dans lequel l'argent généré par l'utilisation d'espaces publicitaires est automatiquement investi dans des titres Google et redistribué à une communauté de consommateurs.
Le duo s'est également penché sur le médium des NFTs, une première itération étant The D1cks - dont deux font partie de la collection HEK. Dans cette série de NFT, UBERMORGEN se moque du désir croissant du public pour des PFP (photos de profil) en créant une collection de PFP de pénis pixelisés. Dans leur dernière collection NFT, UBERMORGEN adopte une fois de plus une approche ironique du hype du marché international des crypto-monnaies avec leur série de crypto manifesto tokens #1-#10. Décrits comme des NFT "haute couture", les crypto manifesto tokens, qui sont basés sur le nouveau manifeste en 10 parties du duo, seront lancés tous les trois jours en octobre dans le cadre de HEK Net Works et frappés sur la plateforme fx(hash).
Artist Statement:
UBERMORGEN
crypto manifesto token #01-#10
chain my heart
The últra contemporary! minted declaration of intentions, motives, & views of UBERMORGEN caught in 16k, merged in 2018, wounded amour-propre lab-grown meat of post crypto 1995.
On methodologies, politics of existence, legal & structural models, beyond media, NFT haute couture, new chain structured media & web(3) reality & ¿Gesamtkunstwerk? Biopunk & financial curiosity in l'origine du pixel one-of-one polarising dark research & radical AI, pink binary primitivism & conceptualism.
What does it even mean?
Entertainment is our success.
Bio:
UBERMORGEN (‘the day after tomorrow’, CH/AT/US, *1995) is an artist duo with a steady worldwide presence, a synthesis of autistic actionist lizvlx (Liz Katlein) & pragmatic visionary Luzius Bernhard (formerly Hans Bernhard). They are net.art pioneers, ‘Media Hackers’ widely recognized for their Online Actionism, Haute Couture NFTs & Websites, Polarising Social Experiments, Radical Research, Dark AI, Binary Primitivism & Conceptualism; Artfacts calls their work ‘Ultra Contemporary’. CNN called them 'Maverick Austrian Business People' during their Vote-Auction project, reaching 500 million worldwide & challenging the FBI, CIA, & NSA (US presidential election 2000). A series of conceptual hacks (EKMRZ Trilogy, 2005-08) shook the foundations of the dominating e-commerce giants: ‘Google Will Eat Itself’, ‘Amazon Noir’, & ‘The Sound of eBay’. In 2021, ‘The Next Biennial Should be Curated by a Machine’ used AI-TikTikPop to catapult visitors into 64 twisted parallel universes. Today ‘UNINVITED’ AI Horror Film & Crypto Art collide to create deeply nostalgic synthetic organisms and ‘The D1cks’, hand-pixelated 1 of 1 Haute Couture NFTs reveal ‘L‘Origine du pixel’. UBERMORGEN's work has been exhibited throughout the world, for example in New York, Sydney, Shanghai, Singapore and Tokyo, often in digital spaces.
WEB http://ubermorgen.com
INSTAGRAM @ubermorgen_77
TWITTER @UBERMORGEN_COM
EPK: https://www.ubermorgen.com/UM/UBERMORGEN_PORTFOLIO_EPK_8MB.pdf
HEK Net Works: DISNOVATION.ORG «LIFE SUPPORT SYSTEM»
«LIFE SUPPORT SYSTEM»
La série HEK Net Works présente un projet en réseaux produit spécifiquement pour nos espaces en ligne, notre site web et nos réseaux sociaux. Ce mois-ci, nous présentons LIFE SUPPORT SYSTEM de DISNOVATION.ORG.
Le point de vue occidental sur le monde qui nous entoure repose essentiellement sur une compréhension économique de l'environnement. Lorsque nous pensons aux ressources naturelles, nous prenons en compte notre consommation et nous les évaluons en fonction de leur utilité économique pour nous. L'importance du travail accompli par la biosphère et tous les écosystèmes qui la composent - permettant ainsi que la vie se développe - est uniquement évaluée en fonction de sa valeur directe et extrinsèque pour l'espèce humaine. Pour l'édition du mois de HEK Net Works, DISNOVATION.ORG transmet en direct sur le site web de HEK le champ de blé intérieur LIFE SUPPORT SYSTEM, qui rend tangible l'ampleur du travail accompli par notre biosphère.
DISNOVATION.ORG nous fait prendre conscience de notre relation avec l'environnement en cultivant du blé hors sol sur une surface d'un mètre carré précisément mesuré. Toutes les substances nécessaires à la croissance des plantes, telles que l'eau, la lumière, la chaleur et les nutriments, sont systématiquement calculées et peuvent être observées à tout moment par les spectateurs. Avec sa surface d'un mètre carré, le LIFE SUPPORT SYSTEM a la capacité de générer tous les quatre mois l'apport calorique nécessaire à une personne pour une seule journée. Pour fournir à une personne suffisamment de nourriture pour une année, il faudrait 100 cultures de blé de ce type, exploités sans interruption. Étant donné que le blé, en tant qu'aliment de base, a fourni la majeure partie des calories nécessaires aux habitants de l'Europe tout au long de notre histoire, LIFE SUPPORT SYSTEM souligne l'immense quantité de ressources et de travail nécessaire pour fournir de la nourriture à l'humanité. Pourtant, nous considérons les accomplissements de notre biosphère comme tout à fait banals et ne pensons pas au fait que le soleil, la pluie, le vent et de nombreux autres facteurs essentiels à notre production alimentaire sont à notre disposition gratuitement. En effet, sans cette disposition de la nature, dont nous supposons naturellement la disponibilité, la culture artificielle du blé, telle que nous la voyons dans le LIFE SUPPORT SYSTEM, s'élèverait à un prix de 200-400 € par kilogramme. Si l'on considère que le prix habituel du marché pour le blé cultivé de manière conventionnelle est de 30 cents par kilogramme, c'est un chiffre impressionnant. L'agriculture telle que nous la connaissons exige une intervention radicale dans la nature. Néanmoins, les systèmes hors sol entraînent des dépenses de matériel et d'énergie si élevées qu’ils ne constituent pas une alternative viable, du moins pas pour le moment, comme nous pouvons le constater dans cette expérience de culture en intérieur.
Le LIFE SUPPORT SYSTEM nous fait prendre conscience de l'immensité du travail que nous laissons nos écosystèmes accomplir gratuitement pour nous. Le travail de la biosphère, qui se déroule en arrière-plan, devient ainsi perceptible, ce qui peut nous amener à réévaluer la valeur que nous accordons à notre environnement naturel. En fin de compte, nos systèmes économiques actuels seraient inopérants sans la contribution fondamentale des ecosystèmes.
DISNOVATION.ORG est un collectif de recherche créé à Paris en 2012, dont les membres principaux sont Maria Roszkowska (PL/FR), Nicolas Maigret (FR) et Baruch Gottlieb (CA/DE). Ils travaillent à l'interface de l'art contemporain, de la recherche et du hacking, et composent des équipes sur mesure pour chaque investigation en collaboration avec des universitaires, des activistes, des ingénieurs et des designers. En particulier, leurs récentes provocations artistiques visent à alimenter des réflexions et des pratiques Post-Croissance, tout en opérant une déconstruction méthodique des promesses présentant la "croissance économique" et les "solutions technologiques" comme remèdes aux désastres écosystémiques largement causés par ces dernières. Ils ont récemment coédité A Bestiary of the Anthropocene avec Nicolas Nova, un atlas des créatures hybrides d’origine anthropique, et The Pirate Book, une anthologie sur le piratage de contenus culturels.
Les travaux de DISNOVATION.ORG ont été exposés, performés, publiés et commentés internationalement, par exemple au Centre Pompidou (Paris), au transmediale (Berlin), au Museum of Art and Design (New York) et au China Museum of Digital Arts (Pékin).
Eva & Franco Mattes
Panorama Cat, 01.08.2022
La série HEK Net Works présente un projet en réseaux produit spécifiquement pour nos espaces en ligne, notre site web et nos réseaux sociaux. Ce mois-ci, nous présentons Panorama Cat de Eva & Franco Mattes.
La popularité des chats dans la culture pop sur internet a culminé avec la manifestation du sous-genre mème LOLcat. En réponse à ce phénomène, Eva & Franco Mattes ont créé des sculptures taxidermiques telles que Half Cat (2020) ou Ceiling Cat (2016) qui, dans leur absurdité, sont une métaphore des images en circulation, interconnectées et souvent manipulées, devenues virales. En jouant avec la sensation et la particularité du sujet populaire du mème, en l'amenant dans un espace réel, le chat est retiré de son contexte. Le duo d'artistes Eva & Franco Mattes ont centré leur travail sur l'imagerie en réseau depuis le milieu des années 90. Par leur pratique, les artistes invitent le public à réfléchir à son rôle en tant que destinataire et contributeur de contenu en ligne, tout en tendant un miroir aux modèles comportementaux d'une société en réseau. Pour l'édition de ce mois-ci de la série HEK Net Works et dans la continuité de la série sur les chats, Eva et Franco Mattes présentent une version du mème LOLcat basée sur les médias sociaux.
Déclaration des artistes :
Panorama Cat est une sculpture basée sur le phénomène internet "panorama fails". La photographie panoramique est une technique de photographie, utilisant un logiciel spécialisé, qui capture des images avec des champs de vision allongés horizontalement. Auparavant, la création de panoramas demandait beaucoup de travail et seuls les photographes avertis savaient comment s'y prendre, en assemblant manuellement les photos sur l'ordinateur. Les choses ont changé ces dernières années avec l'introduction de la fonction de photo panoramique dans les téléphones, qui permet à chacun de prendre une photo panoramique, puisque 'le téléphone peut tout faire pour vous.' Avec la popularisation de cette fonction, les erreurs se sont multipliées : 'Les photos panoramiques ratées sont si mauvaises qu'elles sont bonnes.'
Eva & Franco Mattes (IT) sont un duo d'artistes basé à New York. Ils sont considérés comme les pionniers de l'art sur Internet. Leur travail comprend des vidéos, des installations et des sites web. Souvent empreint d'humour, le travail d'Eva et Franco Mattes s'intéresse à l'impact social, éthique et politique de la condition de réseau sur la société. Ils ont exposé dans le monde entier et sont représentés dans les collections du SFMOMA (San Francisco), du Whitney Museum of American Art (New York), du Fotomuseum Winterthur, du X Museum (Karlsruhe) et du Walker Art Center (Minneapolis).
Eva Papamargariti
Untether (Exhaustion/Excess), 01.06.2022
Pour la série HEK Net Works, l'artiste a présentée sur nos réseaux sociaux une collection de courtes vidéos mettant en scène des avatars qui interpellent le public par leur comportement énigmatique et leurs monologues.
À l'aide de logiciels de modélisation et d'animation 3D, Eva Papamargariti crée des paysages et des créatures fantastiques, parfois inquiétants, qui résultent souvent de la combinaison d'éléments incongrus. Pour la série HEK Net Works, l'artiste présente sur nos réseaux sociaux une collection de courtes vidéos mettant en scène des avatars qui interpellent le public par leur comportement énigmatique et leurs monologues. Cette série de vidéos complète l'intervention de Papamargariti à la Liste Art Fair de Bâle, où la HEK est présente en tant qu'institution invitée.
Déclaration de l'artiste :
«Untether (Exhaustion/Excess) est une courte série de vidéos qui aborde une pléthore de corps qui émergent, parfois comme un seul corps collectif et parfois comme des entités uniques. Ces avatars particuliers, qui ressemblent à des personnages de jeux vidéo ou à des créatures mythologiques, font des gestes, bougent leur corps de manière léthargique ou extatique, s'engagent dans des mouvements et des expressions inattendus ou banals - tout en se synchronisant, s'abandonnant ou s'unissant les uns aux autres encore et encore, créant ainsi une chorégraphie étrange dans laquelle ils tentent de s'identifier. Parfois, ils posent des questions et révèlent leur pensée intérieure, sans que l'on sache vraiment s'ils se parlent à eux-mêmes, s'ils se parlent entre eux ou s'ils essaient de communiquer avec les spectateurs ou d'autres créatures/avatars.»
Eva Papamargariti est une artiste basée entre Londres et Athènes. Elle a exposé son travail dans des institutions, des musées et des festivals tels que le New Museum (New York), le Whitney Museum (New York), la Tate Britain (Londres), le MAAT Museum (Lisbonne), le Museum of Moving Image (New York), le MoMA PS1 (New York), le Musée d'art contemporain de Montréal (Montréal), la Biennale d'Athènes (Athènes), la Biennale de Thessalonique (Thessalonique) et le Festival Transmediale (Berlin).
Studer / van den Berg
fungible giveaway, 01.05.2022
Pour la série HEK Net Work de ce mois-ci, Studer / van den Berg nous avant demander d'être plus fongiques.
The Republic of Fungi, un projet en cours du duo d'artistes Studer / van den Berg, nous offre des champignons uniques en leur genre. Chaque champignon numérique unique, généré en temps réel et en 3D, est accompagné d'un certificat HTML numéroté lors de son téléchargement, permettant de le visualiser sur un navigateur web. Les hôtes peuvent observer la rotation de leur champignon, se laisser envoûter par sa rotation incessante et partager ou échanger leurs certificats pour construire leurs propres communautés. À une époque où les réseaux sont hypercommercialisés, le don de champignons fongibles gratuits et prêts à être échangés est un commentaire sur le discours actuel concernant les jetons non fongibles (NFT) et aussi un hommage à la culture des champignons. En tant que métaphore de la coexistence symbiotique mais également parasitaire au sein d'un réseau, capable de produire des substances en échange avec l'environnement, le champignon est considéré comme un modèle pour une société post-humaine interconnectée.
Votre jeton fongible peut être téléchargé via le lien suivant : http://studervandenberg.ch/Rep...
Pour une vue 3D du champignon générée en temps réel, naviguez dans votre dossier de téléchargement et trouvez le bon d'achat nommé «giveawayXXX.html». Ouvrez le fichier dans votre navigateur web (Google Chrome ou Firefox) et cliquez sur le bouton «champignon».
HEK Net Works a présenté l'œuvre de Studer / van den Berg intitulée fungible giveaway du 01.05.2022 au 31.05.2022.
Studer / van den Berg est un duo d'artistes suisses qui ont marqué l'art médiatique suisse depuis plus de 30 ans. Monica Studer, de Zurich, et Christoph van den Berg, de Bâle, sont considérés comme des pionniers de l'art informatique suisse, tout en ayant une présence internationale grâce à leur pratique distinctive qui explore la relation entre l'espace physique et numérique. Les œuvres des artistes se caractérisent par de subtils récits fictifs placés dans des environnements hybrides. En utilisant les technologies actuelles, Studer / van den Berg questionnent le développement des nouveaux médias et leur influence sur le monde physique.
Myriam Thyes
SMART PANTHEON RGB, 01.04.2022
Dans son travail vidéo interactif SMART PANTHEON RGB, Myriam Thyes aborde le thème de la dévotion quasi religieuse que nous témoignons à nos appareils mobiles.
L'œuvre fait référence à la fresque de Michel-Ange "La création d'Adam" dans la chapelle Sixtine, une représentation du récit de la création de la Genèse sur laquelle Dieu et le premier homme, Adam, sont tous deux représentés avec les bras et les mains tendus l'un vers l'autre. L'œuvre nous permet de nous glisser dans le rôle des deux, celui de la main de Dieu et celui de la main d'Adam. Grâce à des gestes de zoom doux, nous nous déplaçons en spirale dans une boucle infinie de mains manipulant des smartphones. Un travail sensoriel qui se concentre sur le mouvement des mains et qui fait réfléchir à la relation que nous entretenons avec nos smartphones. En collaboration avec Carsten Heisterkamp, l'artiste a créé pour la série HEK Net Works de ce mois une œuvre basée sur son travail vidéo précédent, Smart Pantheon, qui permet aux utilisateurs de s'immerger davantage dans leurs appareils mobiles.
L'œuvre est accessible ici et est optimisée pour les iPhones et les iPad: smartpantheon.thyes.com
HEK Net Works a présenté l'œuvre de Myriam Thyes intitulée SMART PANTHEON RGB du 01.04.2022 au 30.04.2022.
Myriam Thyes est une artiste suisse et luxembourgeoise qui vit et travaille actuellement entre Düsseldorf et Zurich. Son travail est centré sur les symboles sociaux et culturels ainsi que sur les questions relatives à leur influence et à leur évolution au fil du temps. Par son travail pictural sur les symboles, elle souhaite élargir les perspectives et inciter à l'échange. Thyes a étudié à l'Académie des arts de Düsseldorf et a exposé dans différentes institutions et festivals internationaux et a reçu de nombreux prix. Elle est représentée par la fondation imai, Düsseldorf, et videokunst.ch, Berne.
Dorota Gawęda & Eglė Kulbokaitė
Południca, 01.03.2022
Sous la forme d'une série de vidéos animées par le duo d'artistes Dorota Gawęda et Eglė Kulbokaitė, la démone slave Południca fait des ravages sur le compte de médias sociaux de la HEK aux alentours de midi.
Selon un folklore slave, Południca, appelée la fille de midi, apparaît aux travailleurs des champs à la campagne au moment le plus chaud de la journée et les tourmente avec des questions difficiles. Ceux qui ne parviennent pas à répondre correctement aux questions subissent divers châtiments et tourments allant de la malédiction à la décapitation. Au
cours du mois de mars, Gawęda & Kulbokaitė posteront régulièrement sur le compte Instagram de la HEK une série de montages audiovisuels d'animations et de séquences vidéo basés sur leur toute nouvelle œuvre de performance -lalia. Jouant avec l'ambiguïté de la figure mythologique, et la transposant dans un contexte plus moderne, les
artistes créent une métaphore des angoisses contemporaines face au malaise écologique et social.
HEK Net Works a présenté l'œuvre de Dorota Gawęda et Eglė Kulbokaitė intitulée Południca du 01.03.2022 au 31.03.2022.
Dorota Gawęda et Eglė Kulbokaitė travaillent ensemble en tant que duo d'artistes basé à Bâle depuis 2013. Leur œuvre interdisciplinaire ancrée dans le féminisme et la fiction navigue entre performance, installation, parfum, sculpture, peinture et vidéo. Les deux artistes originaires de Pologne et de Lituanie sont diplômées du Royal College of Art de Londres, au Royaume-Uni. Elles ont exposé au niveau international, notamment au Kunstverein Hamburg (2021), au Centre d'Art de Genèva (2021), au Kunstverein Leipzig (2021), au Swiss Institute, New York (2020), au Den Frie, Copenhague (2020), au MWW, Wroclaw (2020), Kunstverein Düsseldorf (2020), Palais de Tokyo, Paris (2018), 6e Biennale d'Athènes (2018), MMOMA, Moscou (2018), ICA, Londres (2017), MOMA, Varsovie (2016), 9e Biennale de Berlin (2016) et MaM, Paris (2015), entre autres. Elles ont également participé à de nombreuses résidences internationales à la Alserkal Arts Foundation, Dubaï (EAU), La Becque, La Tour-de-Peilz (CH) et Onassis AiR, Athènes (GR). Dorota Gawęda et Eglė Kulbokaitė sont les lauréates du Swiss Performance Art Award 2021 et de la résidence CERN Collide 2022. Elles sont également membres fondatrices du Young Girl Reading Group (2013-2021).
Dani Ploeger & Greenman Muleh Mbillo
Ûiiti, 01.02.2022
Dans leur œuvre Ûiiti (le traitement), Ploeger et Mbillo inversent les fonctions courantes des smartphones. Les appareils de mise en réseau qui nous permettent de passer irrévocablement d'une application à l'autre, sollicitant constamment notre attention par des sons, des messages sonores et des vibrations, deviennent des supports de réflexion intérieure, de méditation et de transcendance.
En créant une toile numérique qui peut être utilisée pour générer des motifs sonores répétitifs par le toucher, Ploeger et Mbillo mettent les utilisateurs dans un état contemplatif. Pendant l'utilisation de l'application, toutes les autres fonctions du téléphone mobile sont bloquées afin de pouvoir s'engager pleinement dans l'expérience. Ploeger et Mbillo exposent et instrumentalisent ainsi l'attention que nous portons tous les jours à notre téléphone portable et nous introduisent dans une nouvelle utilisation et une nouvelle contemplation de ce compagnon permanent. Les formes symboliques du design sont inspirées d'un voyage spirituel que les deux artistes ont effectué avec un guérisseur traditionnel de la tribu Akamba du Kenya. Les sons intonants proviennent d'enregistrements sur le terrain d'un instrument rituel que Ploeger et Mbillo ont réalisés au Kenya. L'application peut être téléchargée sur le Google Playstore et ne peut être utilisée qu'avec Android: play.google.com
L'application «Ûiiti» met l'écran en mode pin, pour sortir du mode pin effectuer les trois manipulations possibles suivantes:
- Navigation gestuelle : Balayez vers le haut et maintenez la pression.
- Navigation à 2 boutons : Touchez et maintenez enfoncées les touches Retour et Accueil.
- Navigation à 3 boutons : Maintenez le doigt appuyé sur Retour et Aperçu.
HEK Net Works a présenté l'œuvre de Katrin NiedermeierDani Ploeger et Greenman Muleh Mbillo intitulée Ûiiti du 01.02.2022 au 28.02.2022.
Greenman Muleh Mbillo est un penseur, agriculteur, artiste et philosophe de l'ancien système et des traditions Akamba, basé à Nairobi. Il a étudié l'ingénierie mécanique, mais a principalement développé ses domaines d'intérêt actuels en étudiant dans des contextes non institutionnels, notamment la pratique du médecin et de la prêtresse Kanukwa.
Dani Ploeger est un artiste médiatique et conceptuel et un théoricien culturel. Après avoir grandi dans la campagne néerlandaise, il a obtenu un doctorat en études des médias et de la performance à l'université du Sussex, au Royaume-Uni. Il est actuellement chercheur à la Royal Central School of Speech and Drama de l'université de Londres et membre du V2_Lab for the unstable media à Rotterdam. Son travail artistique est représenté par Art Claims Impulse à Berlin.
Depuis 2016, Dani et Greenman ont collaboré à divers projets de recherche artistique au Kenya, dans le cadre de www.disobedientdevices.org. Leurs travaux ont été exposés au Musée national de Nairobi, à l'Alliance française de Nairobi et à l'Institut britannique d'Afrique de l'Est, entre autres. Pour plus d'informations sur le contexte de l'ouvrage, voir le texte de Greenman et Dani: www.disobedientdevices.org/tech-of-transcendence.
Katrin Niedermeier
Somehow Clothing, 07.12.2021
Dans son travail, Katrin Niedermeier réfléchit aux connexions oscillantes entre l'espace virtuel et le monde réel, tout en étudiant l'influence des technologies et de l'économie numérique sur la condition humaine. Son œuvre récente Somehow Clothing fusionne le monde virtuel des avatars et le commerce d'artefacts numériques avec des performances, des vidéos et la création de vêtements réels.
Niedermeier a copié des produits numériques en vente en ligne, tels que des avatars féminins et leurs accessoires et environnements fictifs, ainsi que les éléments promotionnels et publicitaires des sites web vendant ces produits, tels que les slogans et les contrats de licence. À partir de ces éléments, l'artiste a produit une série limitée de vêtements, de pulls et d'écharpes. Ces vêtements sont donc une traduction d'informations numériques en matériau analogique tricoté, chaque vêtement représentant spécifiquement des poses inactives sur les sites web de vente d'avatars. Ce travail fait principalement référence aux stéréotypes liés à la représentation du corps des femmes et de leurs fonctions dans les univers virtuels. Dans un second temps, ces pulls sont interprétés par la danseuse professionnelle Zina Vaessen, qui interprète ensuite les poses des avatars virtuels, transposées dans les vêtements, dans une danse contemporaine. Les vidéos des danses sont publiées sur les réseaux sociaux de la HEK, fermant en quelque sorte - ou plutôt multipliant - la boucle reliant le virtuel et le réel. Grâce à ces actions multiples de traduction, de rétroaction et de réintroduction dans les nouveaux médias, ces avatars peuvent être réactivés par le public qui peut acheter les vêtements et les porter à son tour. Les vêtements sont en vente sur le site web de l'artiste :
https://katrinniedermeier.com/...
HEK Net Works a présenté l'œuvre de Katrin Niedermeier intitulée Somehow Clothing du 07.12.2021 au 10.01.2022.
Katrin Niedermeier (née en 1978 à Munich, DE) a obtenu son master en 2019 à l'Institut Kunst HGK, FHNW à Bâle. Elle a précédemment étudié le design de mode à Munich et à Oslo et a travaillé comme styliste pour Christian Dior et Jeanne Lanvin à Paris, et Nicky Hilton à Los Angeles. Parmi ses expositions et projections vidéo récentes, citons : To Be Human à Zona Mista, Londres (2021), Phenomenal Ocean à Ocean Space, Venise (2019), ihood au Kunsthaus Baselland, Muttenz (2019), color your color à EMAP Ewha Media Art Presentation, Séoul (2019), Hidden Bar, Art Basel (2019) et les expositions collectives Digital Festival DA-Z, Zürich (2020), et Hyperconscience au Shadok, Strasbourg (2018).
Ed Fornieles
Associations 12#, 08.06.2021
Le dernier projet d'Ed Fornieles, Associations, est un regard personnel sur l'environnement culturel dans lequel nous vivons. L'artiste a collecté des photos sur Internet, les ordonnant en séries d'images par un processus associatif basé sur les similitudes de forme et de contenu : de l'image d'une main à celle d'une famille pour aboutir à une maison et enfin au globe terrestre.
Ailleurs, l'association d'un couple se tenant par la main conduit à un baiser passionné, le globe à un dinosaure et la paume ouverte d'une main au super-héros Tony Stark interprété par Robert Downey Jr. En créant des chaînes d'associations, Fornieles trace ses propres prédilections, goûts et partis pris ainsi que les limites d'un espace plus large de possibilités culturelles. Comme dans ses œuvres précédentes, l'artiste illustre ici sa recherche permanente sur la façon dont l'identité se forme, se reproduit et se maintient à travers la myriade de pressions qui composent la vie quotidienne.
L'œuvre Associations 12# d'Ed Fornieles sera présentée sur notre feed Instagram tout au long du mois de juin.
Ed Fornieles est un artiste qui travaille à Londres. Il a exposé à la Serpentine Gallery, à la Chisenhale Gallery, au Martin Gropius Bau, parmi d'autres institutions et galeries.
Martina Menegon
It feels like home, 11.05.2021
Dans It feels like home, l'artiste négocie également la perception et les formes de son propre corps. La chambre à coucher de Menegon, scannée grossièrement en 3D, est présentée en vue orthogonale et se remplit cycliquement de clones virtuels d'elle-même, scannés en 3D à très basse densité, chacun en vue perspective.
Martina Menegon est une artiste qui travaille avec la réalité interactive et augmentée. Dans son travail, Menegon crée des assemblages intimes et complexes d'éléments physiques et virtuels qui explorent le moi contemporain et sa physicalité synthétique. Elle expérimente l'étrange et le grotesque, le soi et le corps, et le dialogue entre la réalité physique et la réalité virtuelle pour créer des expériences désorientantes qui deviennent perceptibles malgré leur nature virtuelle.
Pendant le lockdown, elle a créé plusieurs œuvres, par exemple pour la plateforme virtuelle Mozilla Hubs, où elle continue à développer ses recherches sur la réalité virtuelle et les images 3D. Cet espace très personnel et intime est désormais accessible en ligne à tous et à toutes, et ses habitants, malgré leur nature virtuelle, deviennent perceptibles lorsque le curseur de l'utilisateur les touche et interagit avec eux. Toutes les heures ou à chaque rafraîchissement de page, la gravité de la pièce virtuelle peut changer de façon aléatoire, provoquant un changement de perception de l'espace.
Tu peux visiter l'œuvre jusqu'au 08.06.2021 ici. Il est recommandé d'utiliser Chrome ou Firefox.
Déclaration de Martina Menegon:
«It feels like home est une intervention en ligne qui utilise l'espace synthétique du navigateur comme une scène pour déployer une sculpture virtuelle interactive, performative et générative. Expérimentant la notion de sculpture numérique, It feels like home réfléchit à la spécificité du site dans les espaces virtuels et hors ligne, tout en subissant des transformations horaires et algorithmiques, devenant un processus performatif qui produit continuellement des résultats inattendus et imprévisibles qui dépendent du fuseau horaire hors ligne de chaque visiteur. Surtout après plus d'un an de pandémie, enfermé à l'intérieur et constamment en ligne, les notions de temps, de maison et d'espace personnel se sentent en constante évolution et contradiction, impuissantes et transitoires.»
Martina Menegon (*1988) vit et travaille actuellement à Vienne, en
Autriche. Elle est assistante universitaire et chargée de cours au
département d'art transmédia de l'université des arts appliqués de
Vienne, où elle enseigne la " Digital Design and Virtuality ". Elle
enseigne également les outils multimédias pour les arts interactifs à
l'université IUAV de Venise (MA Digital Exhibit, BA Multimedia Arts)
avec Klaus Obermaier et Stefano D'Alessio. Elle est actuellement
responsable de la réalité étendue et conservatrice de l'"Area for
Virtual Art", une plateforme d'expériences immersives et de rencontres
fondée par sound:frame et Pausanio. Elle fait également partie de
l'équipe de commissaires du festival d'art des nouveaux médias CIVA de
Vienne.
Dirk Koy: Raum, 13.04.2021
Raum, 13.04.2021
Son œuvre Raum est un dessin numérique et analogique en mouvement, à 360°, exposé en exclusivité du 13.04.2021 au 11.05.2021 dans le cadre de HEK Net Works et réalisée durant le lockdown. À cette époque où les possibilités de déplacement étaient très limitées, l'espace naturel proche, l'espace numérique et l'imagination offraient la possibilité de quitter la maison pour découvrir d'autres lieux. Dans cette œuvre, un espace est créé qui conduit les utilisateurs à l'intersection entre la réalité et la virtualité.
Raum est à découvrir en ligne sur la page Vimeo de la HEK et sur nos réseaux sociaux du 13.04.2021 au 11.05.2021. Le son et le mouvement créent une expérience immersive dans un environnement qui semble mobile et organique, mais qui, dans sa gestation, ne peut exister que dans un espace numérique.
Déclaration de Dirk Koy :
"Le dessin au crayon, la photographie, la texture numérique et le mouvement fusionnent en un grand tout. Tout semble se mettre en place. Le spectateur devient partie prenante de l'action et décide du point de vue qu'il souhaite adopter. Les différentes couches de médias commencent à correspondre les unes aux autres et permettent au spectateur de plonger dans un monde poreux et incontrôlé. Le bas et le haut se dissolvent, des couches d'images individuelles s'ouvrent, des choses apparemment souterraines remontent à la surface : imprévisibles, erratiques, avec de longues pauses, puis à nouveau continues. Le familier devient étrange, l'étrange devient familier."
Dirk Koy est un artiste suisse et un professeur d'art médiatique à la HGK FHNW de Bâle. Formé à l'origine comme graphiste, Koy travaille principalement avec des médias audiovisuels. Dans ses œuvres maintes fois primées, il expérimente des images et des environnements quotidiens, en utilisant des techniques analogiques et numériques. L'artiste crée des œuvres audiovisuelles surprenantes dans lesquelles la perception du spectateur est souvent remise en question.
Ted Davis
GLITCH.ext, 09.03.2021
Le site GLITCH.ext de Davis permet aux visiteurs d'accéder à la façade virtuelle de la HEK, le site web hek.ch. Les images, les textes et tous les éléments HTML formant la structure du site peuvent être modifiés par le visiteur d'un simple clic de souris. Si l'on continue à déplacer la souris sur l'élément choisi, il est possible d'influencer le résultat du glitch. En s'appuyant sur le récent p5.glitch (2020) de l'artiste - une bibliothèque de glitching au niveau de l'octet dans p5.js - une extension de navigateur complémentaire pour Chrome permet également aux utilisateurs de continuer à glitchter le reste du web.
GLITCH.ext est visible du 09.03.2021 au 13.04.2021 sur notre site web hek.ch
Déclaration de Ted Davis :
"Alors que la culture est passée du physique au virtuel au cours de la dernière année de Covid-19, GLITCH.ext rend hommage aux glitches dans le domaine analogique et numérique : Tout d'abord, à la façade même de la HEK, H3333333K (2015) de !Mediengruppe Bitnik, un glitch JPEG mis en œuvre de manière architecturale. Deuxièmement, le navigateur déformant les sites web tels que Glitch Browser (2005) de Dimitre Lima (DMTR), Ant Scott (BEFLIX) et Iman Moradi, qui a rendu toutes les images d'un site web donné au format JPEG via un serveur proxy. Pendant mes études de master à Bâle (2007-2009), qui ont débouché sur un mémoire centré sur le problème du format de fichier JPEG, Precise Mishandling of the Digital Image Structure, l'échange virtuel avec les artistes à l'origine de Glitch Browser et les ateliers locaux de reniflage vidéo de !Mediengruppe Bitnik ont contribué à façonner ma pratique en développement. Ils se sont joints à une exposition croissante aux notions de révélation de l'invisible, d'exploitation des médias numériques sous la surface et d'art en réseau. Depuis TEXT2IMAGE + HEADer_REMIX (2009), au cours des dix dernières années, le glitch continue de se frayer un chemin dans mon travail, avec son flux infini d'images surprenantes et d'artefacts uniques à découvrir."
Ted Davis est un artiste multimédia, un designer et un éducateur originaire des États-Unis et basé à Bâle, en Suisse. Depuis 2010, il enseigne le design d'interaction au sein du Visual Communication Institute, The Basel School of Design HGK FHNW. Son travail et ses enseignements explorent la volatilité des médias numériques à travers les glitches et la réactivation des anciens "nouveaux médias" par des moyens de programmation plus récents. Ses projets open-source (basil.js, XYscope, P5LIVE) permettent aux designers de programmer dans Adobe InDesign, de rendre des graphiques vectoriels sur des écrans vectoriels et de créer des visuels codés en direct et en collaboration.
Rosa Menkman
The BLOB of Im/Possible Images, 09.02.2021
Pendant sa résidence au CERN, Menkman a fait des recherches sur les images impossibles, en demandant aux scientifiques d'imaginer des images 'impossibles' de tout objet ou phénomène qu'ils jugent important. À la suite de cette exploration, Menkman a créé un faible poly rendu de la masse non quantifiable d'images possibles et impossibles qui sont très difficiles ou tout simplement impossibles à résoudre, en raison des contraintes de nos technologies de traitement de l'image. The BLOB of Im/Possible Images présente quelques images spéciales et liminaires qu'elle a recueillies dans le cadre de cette recherche en cours.
Certaines de ces images n'auraient peut-être jamais trouvé le chemin de nos yeux, elles peuvent rester impossibles ou n'exister que dans les recoins hypothétiques de la BLOB, qui fonctionne comme une archive d'images Im/Possible. The BLOB of Im/Possible Images s'accompagne également d'un appel ouvert pour les images impossibles : avec un formulaire accessible depuis l'intérieur du BLOB, Menkman invite à soumettre de nouvelles images à l'archive.
The BLOB of Im/Possible Images est visible du 09.02.2021 au 09.02.2021 ici : newart.city/show/menkman-blob-of-im-possibilities
Déclaration de Rosa Menkman:
"Mon travail se concentre sur les artefacts de bruit qui résultent d'accidents dans les médias analogiques et numériques (tels que les glitchs et les artefacts d'encodage et de rétroaction). Je pense que les artefacts résultant de ces accidents peuvent faciliter un aperçu important de l'alchimie autrement obscure de la normalisation par le biais des résolutions. La normalisation des résolutions est un processus qui impose généralement l'efficacité, l'ordre et la fonctionnalité de nos technologies. Elle n'implique pas seulement la création de protocoles et de solutions, mais aussi l'obscurcissement des compromis et la mise en boîte noire des possibilités alternatives, qui risquent par conséquent de rester à jamais invisibles, voire oubliées. Par cette recherche, qui est à la fois pratique et théorique, j'essaie de découvrir ces résolutions anti-utopiques, perdues et invisibles ou simplement 'trop bonnes pour être appliquées', pour trouver de nouvelles façons de comprendre, d'utiliser et de percevoir à travers et avec nos technologies".
Rosa Menkman s'intéresse aux conséquences des accidents dans les médias numériques et analogiques. Son travail utilise les éléments visuels de l'image numérique tels que les distorsions et les erreurs de couleur, en les réinterprétant et les mettant en scène dans divers médias, par exemple des installations, des œuvres vidéo et des projets en ligne. L'œuvre vidéo The Collapse of PAL (2010) emploie autant des erreurs que de bandes sonores comme dispositifs narratifs pour raconter l'histoire du signal PAL désormais obsolète. L'artiste examine également l'histoire du traitement et de l'archivage des données d'images numériques dans diverses œuvres, telles que DCT:SYPHONING (2015-2017). Sous le titre Glitch Moment(um), elle a publié en 2011 un livre qui traite de la pertinence esthétique et culturelle du glitch art, et l'a établi comme un genre.
Marc Lee
Bobi Wine vs Museveni, 12.01.2021
Bobi Wine vs Museveni est une version de Political Campaigns, créée pour la
série HEK Net Works. Ce qui compte aujourd'hui, ce sont les Likes et les
Retweets, qui errent à travers l'écran comme des étoiles (Museveni) et
des cœurs (Wine), se battant pour la victoire. Quelle que soit la fin de
L'artiste suisse Marc Lee crée des projets artistiques interactifs en réseau. Dans ses travaux, il expérimente les données et les méthodes des technologies de l'information et de la communication afin d'examiner de manière critique leurs effets culturels, sociaux et politiques.
L'œuvre en ligne Bobi Wine vs Museveni filtre les derniers messages Twitter et YouTube contenant les termes "Bobi Wine" et "Yoweri Museveni" et les tisse en un journal télévisé sauvage (24 heures sur 24, 7 jours sur 7). Une émission de télévision sur Internet qui nous confronte à des opinions qui ne sont pas toujours de simples variations de notre propre opinion. Robert Kyagulanyi Ssentamu, plus connu sous son nom de scène Bobi Wine, est une star pour la jeunesse en Ouganda. Il fait du rap, de la politique et, en tant que candidat présidentiel le plus prometteur, il est une menace pour le président ougandais Yoweri Museveni. L'élection aura lieu le 14 janvier 2021. Bobi Wine a grandi dans la révolution numérique, a accès aux stratégies des activistes politiques et à leur expression créative. Il utilise Internet comme un espace public virtuel où ses disciples se réunissent, partagent leur vie et leurs idées, sont ouverts aux commentaires et aux débats. Il y a plusieurs réalités en Ouganda. Grâce à des plateformes comme Twitter et YouTube, nous pouvons voir à quoi ressemble le véritable Ouganda et à quoi il pense. Que disent vraiment les Ougandais ? Quelles sont les idées qu'ils projettent ? Quel genre de discours est tenu sur ces plateformes autour des élections présidentielles ? L'interaction des stratégies artistiques et des stratégies politico-activistes peut-elle conduire à la démocratie en Ouganda ? Qu'est-ce que cela signifie pour l'avenir du pays ?
Gysin & Vanetti
24 times, 08.12.2020
L'œuvre créée pour notre série HEK Net Works, 24 times, fait partie de la série Clock et consiste en 24 variations autour du thème de l'horloge. Chacune de ces 24 horloges affiche l'heure du jour en temps réel, mais avec des formats différents et inhabituels. Il en résulte des compositions rythmées de chiffres, de lettres et de signes, comme la somme de tous les chiffres qui composent les heures, minutes et secondes d'un moment donné, ou l'apparition d'un coucou toutes les demi-heures.
24 times (from the Clock series) est visible du 08.12.2020 au 12.01.2021 ici: https://24times.gysin-vanetti.com
Astuce : ouvrez le site sur votre téléphone portable, choisissez une des 24 horloges et ajoutez-la à votre écran d'accueil pour obtenir votre montre personnalisée !
S'inscrivant dans une tradition qui va de l'art concret à l'art cinétique et programmé, les artistes Andreas Gysin et Sidi Vanetti développent des projets qui font souvent appel à des systèmes mécaniques récupérés. L'œuvre Zürich HB Flap (2016) en est un exemple spectaculaire. Gysin & Vanetti ont obtenu le panneau de signalisation mécanique monumental de la gare centrale de Zurich, composé de 452 éléments de split-flaps - et remplacé en 2015 par un panneau numérique - pour le reprogrammer afin de créer une installation cinétique. Leurs transformations, que les artistes appellent "géométries trouvées", prennent souvent un caractère ludique et parfois absurde. Par exemple, ils ont créé une projection en videomapping pour la façade d'une église baroque à Locarno (S.Antonio, 2007), chorégraphié une série de phares mobiles (Fari, 2014-16) ou programmé une machine à dessiner sur sable pour produire des compositions géométriques (Sabbia, 2017).
IOCOSE
Moving Tasks Forward, 10.11.2020
OICOSEs récent travail, Moving Tasks Forward, fait partie d'une série d'œuvres centrées sur l'idée de faire avancer le monde, qui jouent souvent ironiquement sur la double signification du concept d'aller de l'avant. Moving Tasks Forward est disponible du 10.11 au 8.12.2020 ici pour l'application web Trello.
Déclaration de IOCOSE sur leur travail Moving Tasks Forward (2020):
"Moving Tasks Forward est un script qui peut résoudre la longue liste de tâches qui inondent nos listes de choses à faire quotidiennes. Les listes de choses à faire en ligne sont un outil courant pour organiser tout type d'activité professionnelle dans un délai donné. Habituellement, une liste portant le nom de "To Do" et contenant des tâches encore à faire est placée sur le côté gauche de l'écran. Lorsque l'utilisateur termine une tâche, il la fait avancer, sur le côté droit de l'écran, généralement sous une colonne au nom rassurant comme "Done", "Erledigt", "Fatto". Le script "Moving Tasks Forward" automatise et rationalise ce processus. Une fois lancé dans le navigateur, le script fait avancer les tâches automatiquement à intervalles réguliers, qu'elles aient été effectivement réalisées ou non. Il en résulte un double effet positif : la réduction drastique du stress généré par les tâches inachevées, associée à un sentiment inestimable de satisfaction d'avoir fait notre part, contribuant à faire avancer le monde entier, une tâche à la fois. Avec Moving Tasks Forward, IOCOSE poursuit sans relâche le mouvement du monde vers l'avant, un objet à la fois."
Fondé en 2006 par quatre artistes (Matteo Cremonesi, Filippo Cuttica, Davide Prati, Paolo Ruffino), IOCOSE examine comment les récits qui entourent
le futur de la société et de la technologie laissent des traces sur le présent. En utilisant une variété de médias, ils portent un regard particulier sur la culture des médias et les communautés numériques. Ils ont créé des fictions qui commentent de manière critique des phénomènes existants, tels que les pathologies induites par les jeux vidéo (Game Arthritis, 2011), la création collective de théories du complot (A Crowded Apocalypse, 2012) ou des services en ligne pour vendre des protestations personnalisées (Instant Protest, 2017).
Michael Mandiberg
Virtual Background, 13.10.2020
Dernièrement, Mandiberg a peint le fond des ami·es avec lesquel·le·s Mandiberg a passé des appels vidéo pendant le confinement ; pour notre série HEK Net Works, Mandiberg en met certains à disposition pour qu'ils servent de fond virtuel à nos conversations en ligne.
Les "Virtual Backgrounds" de Michael Mandiberg peuvent être téléchargées ici du 13.10 au 10.11.2020 et être utilisées comme fond virtuel lors d'appels vidéo en ligne.
Déclaration de Michael Mandiberg sur leur travail Virtual Background (2020):
"Lorsque New York a fait une pause pour COVID-19, mes contacts humains et ma communication ont cessé. Comme beaucoup de travailleurs de l'information, je me suis retrouvé·e à passer des heures d'appels vidéo quotidiens. Une rotation de visages familiers, assis en face de moi dans des pièces inconnues, ponctuait ma journée de travail. J'ai visité des bureaux improvisés, les cuisines de collègues et les chambres d'enfants de mes étudiant·e·s, observant la façon dont les gens choisissent de cadrer leur environnement pour un appel, ou le négligent complètement. En réponse, j'ai commencé une série de peintures qui capturent et rassemblent ces interactions. Chaque tableau correspond à l'un des appels vidéo que j'ai passés pendant ma quarantaine, et représente la chambre de la personne que j'ai appelée. Chaque tableau mesure 6" x 11" et reflète les proportions 9:16 de l'appel Zoom. Si possible, j'ai essayé de terminer chaque tableau dans le laps de temps de l'appel vidéo d'où il provient. Cependant, lorsque les exigences de mon appel m'empêchent de peindre, je me suis laissé·e le temps d'achever les tableaux après coup. Je peins ces pièces sans la personne qui est assise devant la caméra. Ce faisant, cette série sert d'enregistrement des interactions marquées par l'absence. L'absence est due à des objectifs de mauvaise qualité, à des algorithmes de compression et à des connexions inégales qui transforment les couleurs blanc cassé en rose clair, en jaune et en bleu froid. Cette pratique de la peinture m'a aidé à faire face à l'épuisement cognitif de tous les appels vidéo, et à l'anxiété de l'auto-isolement pendant que les sirènes hurlaient dans les rues autour de moi. Je sais que l'isolement est un privilège, mais pour moi, c'est un privilège nécessaire, car je suis immunodéprimé·e. Peindre ces toiles a été une tentative d'enregistrement de la mémoire, tout autant qu'une pratique d'autoguérison et de préservation. Le temps a changé en l'absence d'une routine régulière et j'ai perdu la notion du jour. Ces peintures m'aident à garder une trace des expériences numériques qui sont plus susceptibles de s'échapper et d'être oubliées. Ce sont des souvenirs, et des mémoriaux.“
Michael Mandiberg est un·e artiste interdisciplinaire qui réfléchit sur les dimensions sociopolitiques des technologies de l'information, tout en explorant leurs expressions poétiques. Mandiberg a développé un logiciel qui convertit tous les prix sur une page web en leur valeur équivalente en barils de pétrole, et a ainsi attiré l'attention sur une crise écologique en cours (Oil Standard, 2005). Mandiberg a fondé l'initiative Art+Féminisme(2013-en cours), qui vise à promouvoir la présence des femmes dans l'encyclopédie en ligne Wikipedia. Mandiberg a également écrit un logiciel qui transforme l'ensemble de l'encyclopédie en ligne en 7 473 volumes de 700 pages entre 2009 et 2016, soulignant l'incongruité d'une telle opération (Print Wikipedia, 2009-16). Son travail récent, Postmodern Times(2016-18), consiste en des courts métrages commandés à la plateforme de crowdsourcing en ligne fiverr.com, pour la création d'un film qui reprend le thème du célèbre film de Charlie Chaplin, Modern Times, pour proposer un portrait actuel du travail à l'ère numérique.
Ann Hirsch
What A Cutie, 08.09.2020
What A Cutie (2020) est une vidéo que l'artiste a créée sur son iPhone à partir d'une collection de photos et de vidéos prises par Hirsch sur sa fille Elisheva, âgée de quatre mois. Ce geste examine l'automatisation technologique à une époque d'identité sociale publique. Plus précisément, comment de grandes entreprises médiatiques telles qu'Apple ou Facebook, volent nos informations mais adoucissent le coup en nous offrant de petits cadeaux comme des publicités ciblées, des suggestions de mots à envoyer par e-mail ou des vidéos préfabriquées que nous pouvons partager avec nos amis.
Ann Hirsch est une artiste basée à Los Angeles qui s'intéresse à la façon dont l'identité se manifeste dans la culture populaire et sur le web. Elle examine souvent la honte culturelle et la façon dont elle est appliquée aux genres.
Déclaration de l'artiste:
"Quoi qu'il en soit, nous avons trouvé que l'iPhone faisait un travail formidable en saisissant le meilleur contenu et en le rassemblant de manière à vraiment célébrer la fille de l'artiste et à faire gonfler nos cœurs. Cette vidéo est probablement aussi bonne, sinon meilleure, que celle que Hirsch ferait elle-même.
Nous sommes si souvent absorbés par la "surveillance," les blockchains" et la "visibilité en ligne" que nous n'avons parfois pas le temps d'apprécier la beauté des petits bébés. Il est vrai que nous nous sentons un peu coupables de partager cette vidéo (même si l'artiste a insisté) parce que nous pensons à Jeff Bezos et aux Zuckerberg et nous nous demandons s'ils vont voler ces images de ce pauvre bébé et les vendre à des sociétés de bébés? Ou au gouvernement? La traquer pour le reste de sa vie? Mais nous avons alors décidé de ne pas nous attarder sur tout ce qui est hors sujet, car la priorité est de faire voir aux gens le bébé de l'artiste. De plus, nous allons seulement garder cette vidéo pendant un mois environ, puis elle sera retirée afin de ne pas exposer Elisheva TROP souvent, vous savez?
C'est drôle, en fin de compte, cette œuvre d'art nous a fait réfléchir! Qu'est-ce qui est le plus important, que les gens voient le bébé de l'artiste ou que les gens voient son art? Hmmm, nous n'en sommes pas sûrs. L'ego des artistes est si fragile que leur estime de soi se retrouve souvent prise dans leurs "bébés," qu'il s'agisse de leurs œuvres ou de leurs enfants. C'est un peu triste qu'ils ne puissent pas s'en séparer, mais en tant qu'institution artistique, notre travail consiste à renforcer le sentiment d'estime de soi de l'artiste et à lui faire savoir «Tu es important !»"
Molly Soda
Cutting My Bangs At Home!, 11.08.2020
Molly Soda (alias Amalia Soto) est une artiste portoricaine qui vit et travaille actuellement à New York. Elle est devenue une célébrité sur Internet grâce à ses performances sur le web par le biais des plateformes de médias sociaux. Cutting My Bangs At Home! est visible du 11.8 au 8.9.2020 ici: https://vimeo.com/446837667
Déclaration Molly Soda sur son travail Cutting My Bangs At Home! (2020):
«Dans cette vidéo, je tâche de suivre divers tutoriels de coupe de cheveux sur YouTube, en particulier pour un style de coiffure appelé ‘curtain bangs.’ Beaucoup de ces vidéos ont été mises en ligne au cours des derniers mois du lockdown, car la plupart des gens n'ont pas eu accès à un coiffeur et ont beaucoup plus de temps libre. La vidéo fait office d'archive personnelle et de capsule temporelle de ce moment très précis dans le temps grâce à une coupe de cheveux à domicile. La webcam me sert de miroir pour me couper les cheveux.»
En tant qu'artiste, elle interroge la construction de l'identité personnelle et sa réception, en décomposant de manière ludique la représentation des femmes dans la culture populaire. Son travail comprend le tout premier Tween Dreams, une série humoristique pour adolescents dans laquelle elle a joué chaque personnage, Me and My Bear, dans lequel elle documente ses engagements avec un ours en peluche d'un mètre quatre-vingt-dix, et Should I Send This, une lecture de tous les messages de son compte Tumblr. En 2017, elle a co-édité avec Arvida Byström le livre Pics or It Didn't Happen: Images Banned From Instagram. Elle a été qualifiée d'anthropologue des médias sociaux culturels et son travail a été présenté dans des musées et des galeries du monde entier.
Joana Moll
Ultimate solvers, 07.07.2020
Ultimate solvers, sa contribution à la série HEK Net Works, révèle la philosophie techno-utopique des sociétés internationales de design à travers leurs slogans cyniques. Ultimate solvers est visible du 7.7 au 14.7.2020 ici: www.janavirgin.com/HEK/
Joana Moll est une artiste qui vit et travaille à Barcelone et à Berlin. Son travail analyse les répercussions du techno-capitalisme sur les dynamiques sociales et le développement même des technologies numériques. Les thèmes tels que la surveillance, l'exploitation lucrative des données personnelles et l'impact écologique des technologies numériques sont récurrents dans son travail. Elle a créé des installations sur Internet qui affichent en temps réel la production de CO2 générée par la recherche globale des utilisateurs de Google. Elle a également exposé les pratiques actuelles des sites de rencontres en ligne et leur utilisation douteuse des données privées.
Déclaration de Joana Moll sur son travail Ultimate solvers (2020):
«La crise COVID-19 a mis en évidence un échec systémique massif sur les plans social, écologique, politique et économique. Même si les causes et les conséquences de cette crise sont très complexes et profondes, on nous a répété à maintes reprises qu'elle pouvait être résolue avec une autre application. Cette approche technique de résolution des problèmes est communément appelée techno-solutionnisme. Le techno-solutionnisme tend à simplifier et à obscurcir les différentes réalités qui déclenchent les problèmes particuliers qu'il tente de résoudre; il ne permet tout simplement pas de faire face aux problèmes. Même s'il a été démontré que le techno-solutionnisme ne fonctionne pas lorsqu'il s'agit de résoudre des événements très complexes, comme la pandémie mondiale actuelle, il est une fois de plus adopté avec enthousiasme comme la seule réponse possible à une situation critique. Mais qui définit et met en œuvre ces solutions technologiques? ‘Ultimate solvers’ rassemble une série de slogans, d'identités de marque et de supports graphiques utilisés par les principales entreprises qui prescrivent des correctifs technologiques pour annoncer leurs produits. Il est intéressant de noter que ces sociétés ont tendance à utiliser un langage assez précis pour définir ce qu'elles font réellement de manière très imprécise. Néanmoins, ces sociétés comprennent précisément comment tirer profit des réalités que leurs technologies créeront et dont elles tireront parti. On ne peut pas s'empêcher de se demander quelles seront les implications à long terme de la résolution de problèmes systémiques très complexes avec des solutions technologiques réductionnistes. L'avenir n'est pas brillant.»
exonemo
Realm, 02.06.2020
Leur nouvelle œuvre "Realm" invite l'utilisateur à explorer un site web qui s'affiche cependant différemment selon que l'utilisateur utilise la version pour ordinateur ou la version mobile du navigateur. “Realm” est visible du 26.5 au 2.6.2020 ici: https://exonemo.com/realm/
Le duo d'artistes japonais exonemo a été formé en 1996 et est composé de Sembo Kensuke et Akaiwa Yae. Ils explorent les technologies numériques de manière ludique et amusante et ont créé des œuvres en ligne depuis les premières années du World Wide Web. Plus particulièrement, leurs travaux étudient les incohérences entre les outils analogiques et numériques et entre la réalité physique et virtuelle. Ils organisent également des événements collectifs, tels que l'IDPW et l'Internet Yami-Ichi.
Déclaration de exonemo sur leur travail “Realm” (2020):
«Nous savons que nous sommes entre ici et là, entre le naturel et l'artificiel, entre le futur et le passé. Et nous y verrons toujours un royaume. Quelqu'un annonce qu'il pourrait être touché, mais personne n'y a jamais touché et personne ne le sait. »
Fatih Holland
Touchscreen, 19.05.2020
Pour la série HEK Net Works, Holland a créé un nouveau GIF, qui se concentre plutôt sur le thème de la distance due à la quarantaine et au désir, ou à la frustration, du toucher qui est remplacé par des contacts virtuels en ligne. Le GIF est visible du 19.5 au 26.5.2020 ici: http://faithholland.com/touch/touch.html
Faith Holland est une artiste américaine basée à New York dont le travail se concentre sur la déconstruction des images des corps sexuels dans la culture populaire. En particulier, Holland pratique une réappropriation féministe de l'imagerie pornographique par une fétichisation de la technologie comme un acte performatif et subversif. Son travail comprend des performances, des vidéos, des installations et des sites web thématiques. Les GIF sont une partie importante de son travail, dont la série Visual Orgasms est exemplaire. Il s'agit d'une visualisation métaphorique colorée et joyeuse de l'orgasme sous de multiples formes, telles que l'abondance de cascades et de feux d'artifice.
Déclaration de Faith Holland sur son travail "Touchscreen" (2020):
"Dans 'Touchscreen', différentes mains se tendent pour toucher l'appareil photo. Il semble qu'elles se frottent contre l'écran lui-même, mais elles simulent un contact avec vous. Avec ces caresses, le spectateur et l'écran s'effondrent; on nous demande de nous identifier à un morceau de verre plat et insensible. Dans ce nouvel environnement où le toucher est devenu dangereux, nous acceptons cette simulation plus volontiers, tout comme les simulations de fêtes, de réunions et de cours."
Lauren Huret
Kimey’s feed, 12.05.2020
Pour la série HEK Net Works, Huret produira des stories sur Instagram pendant une semaine, en puisant et réutilisant directement les contenus postés par les célébrités - en particulier la famille Kardashian-West-Jenner - qui ont un nombre impressionnant de followers et qui, par conséquent, accompagnent et définissent la vie quotidienne de millions de personnes.
Les œuvres de Lauren Huret examinent les systèmes de croyance produits par les médias, en particulier des réseaux sociaux, sur nos habitudes et comportements. L'artiste utilise intelligemment les outils de création disponibles, comme la possibilité de créer des images et des vidéos enrichies d'éléments graphiques tels que des smileys, des icônes et des textes.
Déclaration de Lauren Huret sur son travail "Kimye’s feed" (2020):
"Depuis des années, je suis fascinée par la création complète de l’auto-fiction publique, théâtralisée, de la sphère privée des célébrités via l’utilisation des nouvelles technologies et des réseaux sociaux. Cette production iconique totale, entièrement médiatisée, s’incarne pour moi complètement dans la figure des Kardashian-West-Jenner. Ils produisent une économie inédite et de nouveaux rituels médiatiques, génèrent un imaginaire commun qui nous paraît tout à la fois proche et lointain grâce aux réseaux sociaux (et véhiculent des valeurs parfois problématiques). Cette semaine, en investissant le compte Instagram de la HEK, j’ai décidé de poster des « stories » fabriquées, bricolées, recomposées, faites entièrement à partir du matériel posté sur Instagram par les Kardashian-West-Jenner. Comme un peintre peignant un paysage qu’il aurait sous les yeux, je composerai ces images en n’utilisant que des applications de modifications d’image installées sur mon téléphone et outils mis en place par les réseaux sociaux pour fabriquer des images. Sorte de journal de recherche, les « stories » crées cette semaine seront peut-être une possibilité de repenser le culte, l’influence et l’imagerie développés par les stars comme nouvelles icônes religieuses et politiques."
:: vtl :: aka Dimitry Morozov
Under pressure, 05.05.2020
Pour HEK, il a créé une petite machine qui casse automatiquement les bulles d'un film d'emballage à bulles, afin que le public puisse apprécier le processus et se détendre pendant la période de confinement. L'installation fonctionne et est visible en direct du 5.5 au 12.5.2020 ici: vtol.cc/filter/works/under-pressure
L'artiste russe ::vtol: : aka Dmitry Morozov est un artiste et chercheur transdisciplinaire. Il se consacre aux arts médiatiques contemporains, notamment le son, la robotique et l'installation, en mettant l'accent sur le lien entre les systèmes émergents et les nouveaux types de synthèse technologique. Il a réalisé de nombreuses installations robotiques, qui touchent à des thèmes tels que l'écologie, la société de l'information et les relations interpersonnelles.
Déclaration de ::vtol: : sur son travail "Under pressure" (2020):
"En ces temps turbulents, tout le monde manque vraiment des rituels et des actions habituels qui permettent un certain équilibre. L'un des passe-temps favoris de beaucoup de gens est de faire éclater le papier bulle. 'Under pressure' est un mécanisme qui le fait automatiquement : une machine inutile dont la seule fonction est de faire éclater des bulles dans le film. La machine est installée dans mon atelier et via la diffusion sur YouTube, n'importe qui peut la regarder, détruisant ainsi son stress. L'idée de cette machine m'est venue il y a de nombreuses années et, au début, je l'ai conçue comme une machine à très grande échelle. Les circonstances ont donné un résultat différent: d'une part, il s'est avéré important et urgent de réaliser ce travail à cette époque; d'autre part, la machine a dû être produite en petites dimensions et avec des matériaux aléatoires trouvés dans mon atelier."
Jonas Lund
I just stare at my computer waiting for something to happen, 28.04.2020
Intervening on the website of HEK, Swedish artist Jonas Lund produced a script for a period of seven days that reveals the presence of other users in real time. Each movement with the cursor left traces of this movements on the screen, in the form of graphics generated by an online community, reminiscent of the aesthetics of the nineties. Every website visitor could try out the digital work exclusively from 28.04. to 05.05.2020 at www.hek.ch.
Lund experiments with different formats of art production and distribution, playfully questioning the existing models related to the commercialization of art. In particular, he explored the emergence of new habits in the art world with the appearance of new digital tools. For example, he conceived the exhibition Critical Mass (2017) that evolves and changes over time, depending on an online survey that enables users to select their preferences regarding the exhibition design. He has also created 100,000 shares in the form of crypto currency tokens, allowing shareholders to have a say in his artistic career and future practice.
Statement by the artist:
"Since HEK first invited me to do something on their website two weeks ago, I've been mulling it over, finding it surprisingly difficult to find the right angle or approach. Everything is at the moment naturally surrounding Covid-19, so making work about anything else feels not too relevant, yet making work specifically about Covid-19 feels like it's too early, too much. Most of the days of the lockdown I just stare at my computer waiting for something to happen. For people who are used to working at home, it shouldn't be a big difference, but it feels completely different. I wonder if more people feel this way, if we are all connected through this moment, what if I could see you move when I move? Synchronised serendipitous movements across space. In I just stare at my computer waiting for something to happen every users trail is synchronised with all the visitors to the website and you see everyone's cursor trail. The cursor is chosen at random from the complete archive of cursors from the RealWorld Graphics website, and is unique to one person. Revealing the loneliness and the togetherness at the same time through a serendipitous meeting at the HEK website."
Addie Wagenknecht
The perfect cat eye with your zoom date, 21.04.2020
In her new video The perfect cat eye with or without your Zoom date for the HEK Net Works series, American artist Addie Wagenknecht (*1981) takes over the popular makeup tutorial format, common on media channels like YouTube, to instruct the viewer on her beauty routine. However, as she proceeds to apply mascara and lipstick to her face, she takes advantage of this opportunity to talk about security gaps in video communication platforms like Zoom – especially when used for intimate and erotic exchanges – and to propose alternative solutions.
Especially in this time of lockdown, when digital interaction has replaced live contact, new forms of communication are once again raising privacy issues. Exploiting the format of beauty video tutorials, Wagenknecht talks about digital privacy and data security policies, involved in platforms such as Zoom or Whatsapp.
In her artistic practice, Addie Wagenknecht deals with questions related to net culture and cyber security. Liminal Laws, her first solo exhibition in Switzerland presented at HEK in 2016, examined the effects of media technology on society, while also addressing the unequal distribution of access to information among the population. She lives and works in Innsbruck, Austria.
Keiken
Ozone, 14.04.2020
For the HEK Net Works series, the art collective Keiken has released Ozone, a new filter and series of short performative videos, posts, stories and live stream on HEK’s Instagram. Ozone introduces a new fictional and tongue-in-cheek digital spiritual practice called ‘Ozone Layering’ formed during the lockdown. Users must practice still or slow movements whilst their environment moves around them. The filter maps the environment onto the users’ faces, creating a personal connection. With this new work, Keiken plays on trends, rituals and language used on Instagram and in social media.
Ozone layering method.
Step 2:
Once you have found the filter, take three deep breaths and then press record. Film yourself standing still or with slow movements with the filter on (this can either be a short 15 second session or a longer one, I like to go no longer than a 5 minute livestream).
Step 3:
Post the Ozone Layering session either through stories or posts, don’t forget to post a caption to spread the Ozone Layering spiritual message and gain more followers.
Step 4:
Once lockdown is over, we will practice faster movements, the speed of these movements will be organic and dependant on whether cap.
Joan Heemskerk (JODI)
GOL and NBKM, 07.04.2020
GOL (Game of Life) and NBKM (no body knows me) are part of the overarching work complex x20xx (http://x20xx.com/), a series of visual scenarios relating to personal, scientific or news events, which are expanded and continued at loose intervals.
JODI (JoanHeemskerk and DirkPaesmans) were among the pioneers of Net.art in the mid-1990s. From the very beginning, they have investigated and subversively undermined the conventions, structure and protocols of the Internet in their works. They work with computer programs, computer games and video and actively intervene in the language and code of these systems. With their radical disruptions, they draw attention to the mechanisms of these systems and our use and relationships with them.
Maria Guta
Day of my Life, 31.03.2020
Artist Maria Guta was stranded in Bucharest, Romania (her country of birth) during the first lockdown of the Covid 19 pandemic and was unable to travel back to Switzerland, where she lives in Neuchatel, for months. For the HEK Net Works series, she realized a video that shows her in the apartment in Bucharest, staging herself as a bored housewife. With the ironic refraction of her situation, Guta addressed on the one hand her experiences of growing up in the so-called Eastern Bloc, as well as the current situation of social distancing and isolation during the pandemic.
Statement by the artist: «In an age where the idea of a totalitarian, restrictive regime is mostly a somber reminder of a pre-1989 era (or material for dystopian scenarios) it’s interesting to observe how the world – starting with some of the most democratic countries – is suspending «voluntarily a couple of the most basic human rights and freedoms by imposing the first nationwide lockdowns since World War II. And, although the causes are of a very different nature today, I can’t stop myself from drawing a line between the current restrictions and those experienced by prior generations (me included, as a kid growing up in Romania in the late 80s) under totalitarian regimes.
During Ceausescu’s dictatorship but also a while after (through the harsh transitional period that followed the “89 revolution), the greatest form of escapism were Hollywood movies (in communism only available through the VHS black market). Because of my then early age and a certain naivety, I initially became fascinated with American „cheap” cinema, soap operas and later on Latin-American telenovelas, where everyday life was blending in a fantasy world and reality was basically represented as illusion. This fictional form of escapism was very “first-degree” rewarding for eyes and senses, and most comforting in times of discomfort. That’s also when I started impersonating different characters, which is a big part of my practice today.
All the best from Bucharest!»
Read the whole text on Vimeo
https://bit.ly/3dGU0Hu