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Die prophetischen Gemälde von Roy Lichtenstein
Roy Lichtenstein ist hoffnungslos
Vom Comic zur bildenden Kunst transformiert Lichtenstein das Bild.
Comic-Quellen zur bildenden Kunst: Die Transformation
Dicke schwarze Umrisse durchdringen das Bild ohne Abweichungen in der Schattierung, nur in Größe und Form. Gelbe Blöcke zwischen diesen schwarzen Linien bilden das Haar einer Blondine, das ihr braunes Gesicht umgibt. Bei näherer Betrachtung sind Ben-Day-Punkte sichtbar, die den blassen Teint der Frau ausmachen. Schwarze Linien bilden ihre Augenbrauen und Gesichtszüge. Wieder einmal werden Ben-Day-Punkte verwendet, um ihre traurigen blauen Augen zu formen, während eine weiße, schwarz umrandete Träne über ihr Gesicht läuft. Einzelne Farbblöcke repräsentieren einen Hintergrund und einen Vordergrund. Eine Gedankenblase über ihrem Kopf ermöglicht dem Betrachter einen Blick in den Geist des Subjekts. Die Komposition ist auf den ersten Blick leicht zu verstehen, eine traurige Frau beklagt ihre gescheiterte Beziehung. Dieses Bild könnte leicht Teil einer größeren Erzählung wie eines Comics sein, aber hier ist das Bild Roy Lichtensteins ÖlgemäldeHoffnungslosDieses Bild konnte in einem Museum ausgestellt oder in einem Buch reproduziert werden, aber im Gegensatz zu Lichtensteins Ausgangsmaterial wird es nicht in Massen verbreitet und ist sicherlich nicht billig oder einfach zu kaufen, wie ein Comic ist. Dieser Pop-Künstler gab durch den Einsatz von Techniken der Massenmedien und die Aneignung weit verbreiteter Themen, hauptsächlich Werbung und Cartoons, eine Aussage über Kunst, Kultur und eine Vorhersage darüber ab, was bald aus beiden werden würde.
Um zu verstehen, wie die Arbeit von Lichtenstein interpretiert werden kann, ist es am besten, zunächst zu untersuchen, was der Künstler mit seinem Thema macht. Wie transformiert er die Bilder aus Comics, wenn er sie von Hand auf Leinwand reproduziert? Das Bild wird vergrößert und häufig der Winkel geändert, und ein Teil des Motivs wird entfernt. Beispielsweise werden Wörter und Hintergrundmotive, die für das Hauptbild nicht wichtig sind, häufig entfernt.
Seine Eliminierung bestimmter Details und die Hinzufügung anderer sind wichtig, um die Komposition zu vereinheitlichen, ausgewogener und formaler zu strukturieren. Das Bild wird so weit wie möglich abgeflacht, wodurch die Figur und der Bodenraum zusammengeführt werden. Im Wesentlichen verwandelte Lichtenstein eine Kopie in ein Originalkunstwerk (Mercurio, 2010, 43). Lichtenstein nutzt die Sprechblase auch effektiv und ändert die Form des Ballons und die Größe, sodass das Bild wiedergegeben und vereinheitlicht wird. Albert Boine (1968-69) argumentiert in einem Artikel fürKunstjournaldass die Verwendung der Sprechblase der wichtigste Aspekt der Kompositionsstruktur in Lichtensteins Arbeit ist (156). Ohne die Sprechblase würde der Komposition die Comic-Verbindung so fehlen, dass das Gemälde unwirksam und unwichtig würde. Interessant ist auch, wie die Sprechblase uns Einblick in das Bild gibt, in das, was das Motiv auf dem Bild denkt und fühlt. Zum Beispiel inHoffnungslosOhne die Verwendung der Sprechblase hätten wir keine Ahnung, warum die Frau weint, aber deshalb wissen wir, dass sie von einer Beziehung traurig ist, die nicht geklappt hat.
Es gibt auch ein Element der Aufregung in Lichtensteins Comic-beeinflussten Werken. Seine Bilder veranschaulichen einen Moment der Aktion, der festgehalten wurde. Dieser Momentaufnahme-Blick zu einem bestimmten Zeitpunkt ermöglicht es den Gemälden, allein zu stehen, von ihrem narrativen Inhalt entfernt und in die Welt der bildenden Kunst gebracht zu werden. Hier kann die Arbeit ohne die zugrunde liegende Geschichte, die im Original-Comic enthalten war, angesehen und interpretiert werden. Die Tatsache, dass er das Bild ohne die Erzählung allein stehen lässt, ist ein sehr wichtiger Aspekt seiner Transformation. Dies unterbricht den rasanten Konsum der Massenmedienbilder, das gedankenlose Lesen eines einfachen Comics (Busche. 1989, 14). Der Betrachter wird dann gebeten, genauer hinzuschauen, tiefer einzutauchen und darüber nachzudenken, was dargestellt wird. Lichtenstein überarbeitet das Comic-Image als Präsentation formaler Eigenschaften, die ein Klischee oder ein Stück Massenmedien darstellen, und gibt damit die Aussage ab, dass wir in Massenmedien aufgetaucht sind und uns selbst in der Welt der bildenden Kunst nicht entziehen können vom Kommerz konsumiert (19).
Das wahre Thema
Das Thema in Lichtensteins Arbeit kann nicht vollständig ignoriert werden. Die Verwendung von Kriegs- und Romantik-Comics fordert uns auf, über die Folgen des Krieges nachzudenken, Werte in Frage zu stellen, die einst von Amerikanern als selbstverständlich angesehen wurden, und die Techniken zu hinterfragen, mit denen die Massenmedien die Konsumgesellschaft antreiben, die im Nachkriegsamerika tobt. Die Bilder zum Thema Romantik fordern uns auf, unsere eigenen Prioritäten in Frage zu stellen, unser überdramatisches Liebesleben, unsere Liebe zu Filmen und Fantasien und das, was uns blind macht oder von den wirklichen Problemen in der amerikanischen Gesellschaft ablenkt. Er benutzt die Medien der Massen, die Werkzeuge für die Scheuklappen, um uns darüber nachdenken zu lassen, was in unserem Leben und in der Welt insgesamt vor sich geht. Er zeigt uns einen Spiegel von uns selbst, von dem, was gerade in Amerika geschah und was passieren wird, wenn wir weiterhin so engagiert und besessen von Massenmedien, Konsumismus und Kommerz sind.
Sein Einsatz von Kriegshelden ist leicht eine politische Aussage über den Krieg, aber könnte es auch eine Aussage über den Maler des abstrakten Expressionismus und sein Image als modernistischer Held sein? Er macht eine Aussage über die Idee des brillanten Künstlers, die Idee des abstrakten Expressionismus, dass Kunst von innen kommt und voller Gefühle und Begierden und unbewusster Argumentation für das Werk ist. Bei der Untersuchung des gesamten Kontextes von Lichtensteins Karriere, von seinen frühen Arbeiten mit Comics und Werbung bis hin zu seiner fortgesetzten Verwendung dieses Comic-Stils bei der Darstellung anderer Motive wie der Serie Stillleben und Pinselstriche, wird deutlich, dass sein wahres Thema Kunst ist selbst.
Quelle Vs. Malerei
Dieses Bild zeigt, wie Lichtenstein seine Quelle von einem Comic zu einer „schönen“ Kunst gemacht hat.
Zweimal entfernt
In einem Interview erklärt Lichtenstein diese Pop-Art, da sie wie die reale Sache aussieht und keine Repräsentation der Sache; es ist eine Intensivierung (Swenson. 1963, 339). Er verwendet einen entfernten und mechanischen Stil, um Emotionen auszudrücken, und repräsentiert damit das Klischee, in dem wir alle leben, die Welt der Kultur und die Massenmedien des Nachkriegsamerikas. Er repräsentiert eine zweimal entfernte Realität, indem er die falsche Realität der Medien aufgreift und bearbeitet und sie in der Kunstwelt neu repräsentiert (Mercurio. 2010, 43). Trotz der Dinge, die Lichtenstein tut, um sein Thema zu ändern, sehen sie immer noch aus wie die Comics, aus denen das Ausgangsmaterial stammt. Dieses Element seiner Arbeit verwischt die Grenze zwischen dem, was handgemalt ist und dem, was mechanisch reproduziert wird. Dies wird dann wichtiger als die tatsächlich dargestellten Bilder, insbesondere in den frühen Arbeiten der 1960er Jahre. Lichtensteins Gemälde sind eine Kombination aus Handarbeit und industriellen oder mechanischen Methoden, bis zu dem Punkt, an dem die Unterscheidungen vom Auge des Betrachters nicht mehr unterschieden werden können. Diese Verwischung der Grenzen zwischen Mensch und Maschine lenkte die Aufmerksamkeit vom Inhalt weg und auf die Verwendungsmethode (35). Indem er die Grenzen zwischen der Hand und dem mechanischen Prozess verwischt, beweist er, dass das Auge den Unterschied zwischen den Techniken der Kunstproduktion und denen der Massenmedien nicht erkennen kann. Dies führt dazu, dass seine Arbeit in einen sehr konzeptuellen Bereich eintritt, in dem die Arbeit selbst sehr wenig vom eigentlichen Thema abhängt und mehr von der Technik, mit der er sie produziert hat.
Der Verfall des modernen Helden
Seine Arbeit wird immer in einem sehr ausgeprägten 'neu komponierten' Stil ausgeführt. Mike Lobel prägte den Ausdruck 'Lichtensteinize (Bois, 485)', um zu erklären, was er seinen Quellen antut, wenn er sie aneignet. Lobel behauptet auch, Lichtenstein habe an modernistischen Vorstellungen von Originalität und Kreativität festgehalten (485). Lichtenstein scheint nicht so sehr an diesen Begriffen festzuhalten, wie er sie erkennt. Er scheint zu verstehen, dass die Moderne am Rande des Verfalls, des Todes steht, aber noch nicht vollständig vorbei ist. Wenn wir uns Lichtensteins Karriere als Ganzes ansehen, sehen wir, dass er ein umfassendes Verständnis und Wissen über die europäischen Meister hatte, aber auch ein Verständnis für die Werkzeuge der Massenmedien und den Zustand der amerikanischen Kultur. Seine Arbeit zeigt ein Verständnis dafür, dass die Kunstwelt nicht länger an den Grenzen festhalten kann, die die Moderne aufgebaut hat. Die Regeln, an denen sie so lange festgehalten hat, werden alt und veraltet.
Lichtensteins Arbeit stellt den Zerfall der modernistischen Idee der Heldenkünstler dar und sagt die postmoderne Denkweise voraus, die sich zur Zeit seiner Arbeit entwickelte. Lichtensteins Arbeit ist im Sinne der Moderne, dies ist unbestreitbar durch seine Aneignung der Bilder, die Art und Weise, wie er seine Formen und Figuren vereint und verändert, wodurch die Leinwand etwas minimal, abgeflacht und in sich geschlossen wird. Nach den Maßstäben von Clement Greenberg und seinen Anhängern fällt Lichtensteins Werk in die Kategorie der modernen Malerei, es ist ein flaches, in sich geschlossenes Bild, doch das Thema, das er verwendet, ist kitschig, was für diejenigen, die es waren, ein Problem darstellen würde Einhaltung der Greenbergschen Theorie. Lichtensteins Arbeit ist dann eher eine Vorhersage der Postmoderne und des Fallens und Versagens der Grenzen zwischen Hoch- und Niedrigkultur. Es ist eine Aussage darüber, was passieren wird, was passiert ist.
Pinselstrich mit Splatter
Dies ist eindeutig eine Aussage über den abstrakten Expressionisten, den Helden der modernen Kunstwelt.
Die Forderung, Leben und Kunst wieder zu vereinen
Bis 1964 hatte er sein Ziel erreicht, seine Bilder so aussehen zu lassen, als wären sie industriell hergestellt worden, und er begann, seinen Comic-Stil auf andere Motive zu übertragen, wie seine Pinselstrichserie, eine weitere offensichtliche Aussage über den malerisch abstrakten expressionistischen Helden. Es geht um die romantische Kunstgeschichte und die Bedeutung, die der Pinselstrich in einem Gemälde spielt (Mercurio. 221). Er wandelt seinen Comic-Stil auch in andere Genres wie Landschaften und Stillleben um, die integraler Bestandteil der Geschichte der Malerei der westlichen Moderne sind. Dies unterstreicht erneut die Bedeutung der Kunstgeschichte in seiner Arbeit. Lichtensteins Karriere begann zu einer Zeit, als Kunst stark vom täglichen Leben getrennt war. Ein Großteil der Kunst vor der Pop-Art und der Kunst, die mit der Pop-Art konkurrierte, war minimal und ohne eigentliche Themen. Lichtensteins Kunst verlangt, dass Kunst und Leben wieder vereint werden. Es besteht darauf, dass das Jetzt gesehen und betrachtet und reflektiert wird. Es geht nicht um eine ästhetische Erfahrung oder eine Erfahrung, die von Tag zu Tag getrennt ist, sondern um eine Darstellung des Alltäglichen und Gewöhnlichen in Ihrem Gesicht, die berücksichtigt werden muss, des Staates Amerika im Moment sowie den Stand der Technik.
Die Aussage, dass das Leben Kunst und Kunst das Leben widerspiegelt, muss unter Berücksichtigung von Lichtensteins Verwendung von Comic-Bildern angewendet werden, da er seine Inspiration aus der realen, alltäglichen Welt bezieht. Wenn sich Leben und Kunst gegenseitig widerspiegeln, kann man auch davon ausgehen, dass Hochkultur / bildende Kunst auch Niedrigkultur und die kommerzielle Kunst widerspiegeln müssen, die von den Massenmedien geliefert wird, und umgekehrt. In einem kurzen, einseitigen Aufsatz von Keith Roberts fürDas Burlington Magazine(1967) liefert ein interessantes Beispiel für dieses Phänomen. Lichtensteins Arbeit wurde stark von Werbung beeinflusst, und jetzt ist seine Arbeit die Inspiration einer Werbefirma namens Red Star Parcels. Diese Firma hat Änderungen an der typischen Werbung vorgenommen und diese durch das Format eines Lichtenstein-Gemäldes mit vereinfachten Comicfiguren und einer einheitlichen Sprechblase ersetzt (514). Dieses Beispiel zeigt, wie sich der Kreis von Kunst und Massenmedien geschlossen hat. Lichtenstein bezog seinen Einfluss zuerst auf Anzeigen und Comics, die im Umfeld der Kunstwelt noch ausgefeiltere und besser sichtbare Bilder produzierten. Dann nahmen die Werbemittel diese bearbeiteten Bilder und überarbeiteten sie, um den Bedürfnissen des Werbetreibenden zu entsprechen. Es ist möglich, dass ein anderer Künstler mitkommt und diese Bilder aufnimmt, sie nach Belieben bearbeitet und eine Art Kunstwerk produziert. Dies ist ein konkretes Beispiel für die Idee, dass Kunst das Leben widerspiegelt oder dass Massenmedien und bildende Kunst miteinander verbunden sind, bis zu dem Punkt, an dem sie in diesem Jahrhundert untrennbar und zeitlich ununterscheidbar sind.
Beweis in der Postmoderne
Wir können jetzt sehen, dass genug Zeit vergangen ist und seine 'Vorhersage' wahr geworden ist. Wir sind an einem Ort in der Kunst angekommen, der sehr verschwommen, sehr postmodernistisch und insgesamt sehr kompliziert ist. Durch Lichtensteins Arbeit können wir sehen, dass die Postmoderne ohne die Moderne nicht existieren kann und könnte. Aufgrund der Industrialisierung, der Technologie, der Massenmedien, der Globalisierung und der Kultur insgesamt gibt es keine Möglichkeit mehr, Grenzen und Unterscheidungen zwischen Hoch und Niedrig, zwischen Kommerziell und Reiner Kunst aufzuheben. Diese Grenzen verschmelzen seit sehr langer Zeit. Lichtenstein war nicht der einzige Künstler, der mit seiner Arbeit solche Aussagen und Vorhersagen gemacht hat, aber seine frühe Verwendung von Comics zeigt uns, dass er anders dachte, er suchte nach verschiedenen Dingen für Quellenmaterialien. Er verstand den Zusammenbruch, der in der amerikanischen Kultur vor sich ging, und er nahm ihn und verwendete ihn, um Werke zu schaffen, die sehr bekannt und allgemein beliebt sind, und selbst wenn sie nicht so sind, als würden sie eine wichtige Aussage machen. 'Auch in vielerlei Hinsicht scheint Lichtenstein ein Prophet zu sein' (Mercurio, 31).
Stillleben mit Kristallschale
Dieses Bild verwischt die Linien des in der bildenden Kunst bekannten Stillleben-Genres mit denen eines Comics oder eines Cartoons.
Quellen
- Bois, Buchloh, Foster und Rosalind Krauss.Kunst seit 1900: Moderne, Antimodernismus und Postmodernismus. London: Thames & Hudson, 2005. 337-339, 483-487.
- Boime, Albert. 'Roy Lichtenstein und der Comic.'KunstjournalVol. 28, No. 2, Winter 1968-69, 155-159.
- http://www.jstor.org/stable/775210?origin=JSTOR-pdf&69. (abgerufen am 29.03.2012
- Busche, Ernst A.Roy Lichtenstein: Pop Paintings: 1961-1969.S.I. : Schirmer, 1989.
- 'Roy Lichtenstein dekonstruieren.' Letzte Änderung 2000, http://davidbarsalou.homestead.com/LICHTENSTEINPROJECT.html
- Merkur, Gianni. Roy Lichtenstein: Meditationen über Kunst. Mailand: Skira, 2010.
- Roberts, Keith. 'Roy Lichtenstein und das populäre Bild.'Das Burlington MagazineVol. 880, Juli 1976, 514-515.
- http://www.jstor.org/stable/878465?origin=JSTOR-pdf (abgerufen am 03.04.2012)
- Smith, Roberta. 'Hoch- und Tiefkultur treffen sich auf einer Einbahnstraße.'New York Times,5. Oktober 1990.
- http://www.nytimes.com/1990/10/05/arts/review-art-high-and-low-culture-meet-on-a- one-way-street.html? pagewanted = all & src = pm ( abgerufen am 04.04.2012)
Kurzer Dokumentarfilm über Lichtensteins Kunst
Schau, Mickey
Lichetenstein war ein Vorläufer der Pop-Surrealismus-Bewegung, die Ikonen der Popkultur aufnimmt und sie in bildende Kunst verwandelt.
Bemerkungen
John M. Spezeskivon Boston am 08. April 2015:
Ich mag Bilder mit Donald und Mickey