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Paul Salamoff. Du kennst seinen Namen vielleicht nicht, aber du kennst definitiv seine Arbeit. Er ist seit fast 30 Jahren eine feste Größe in der Filmindustrie, vielleicht am besten bekannt für seine Beiträge zu Spezialeffekten und Spezialeffekt-Make-up in Filmen wie „Batman & Robin“, „Shallow Hal“ und „Secondhand Lions“ sowie im Fernsehen Serien wie „Land of the Lost“. Er hat unter anderem auch an den visuellen Effekten in „Starship Troopers 3“ mitgewirkt. Aber Paul hört hier nicht auf. Er ist auch Schriftsteller. Als Romanautor wurden seine Kurzgeschichten in Horror-Anthologien aufgenommen, was ihm Anerkennung als zweifacher Nominierter für den Bram Stoker Award einbrachte. Er hat Graphic Novels geschrieben, darunter „Logan’s Run“ und „Discord“ sowie Ausgaben von „Vincent Price Presents“. Er ist auch der Autor von „On The Set: The Hidden Rules of Movie Making Etiquette“. Und dann ist da noch sein Talent als Drehbuchautor für Projekte wie „The Dead Hate The Living“, „The St. Francisville Experiment“ und „Alien Siege“ für den Kanal SyFy. Und habe ich erwähnt, dass er auch Produzent ist? Und was ist mit seiner über zwölfjährigen Tätigkeit bei The Academy of Science-Fiction, Fantasy & Horror Films und seiner mehrjährigen Produktion der Saturn Awards? Bei all dem sollte man meinen, PAUL SALAMOFF hätte alles geschafft. Nicht ganz. Es hat eine Weile gedauert, aber er hat sich endlich der Regie zugewandt und bringt uns nun mit ENCOUNTER sein Regiedebüt mit erzählerischem Spielfilm.
ENCOUNTER, ein zugegebener „Sci-Fi-Nerd“, ist ein fesselndes Science-Fiction-Drama, das von Salamoff geschrieben und inszeniert wurde, und erzählt die Geschichte von Will, einem Mann, der infolge eines Unfalls behindert ist, der ihn nicht nur im Rollstuhl zurückließ, sondern auch seinen nahm Tochter von ihm und zerstörte seine Ehe. Leider geht Wills Behinderung über das Physische hinaus ins Emotionale. Er schließt sich von der Welt ab, ist in sich selbst, seinen Erinnerungen, gefangen und verbringt seine ganze Zeit damit, Bilder seiner Tochter aus der Erinnerung zu malen. Er hat eine unterstützende Gruppe von Freunden, aber selbst sie können nur so viel Unterstützung, so viel Trost bieten, besonders wenn Will dafür nicht empfänglich ist. An einem bestimmten Abend, während Will in seinem Garagenatelier malt, machen sich seine Freunde Brent, Marcus und Jonathan auf den Weg zu einer Nacht unter den Sternen, trinken, reden und beklagen das Leben.
Aber alles ändert sich, als sie sehen, wie ein leuchtendes Objekt durch den tintenschwarzen Nachthimmel schießt und auf einem nahe gelegenen Feld landet. Fasziniert, und obwohl sie Erwachsene sind, finden sie den kleinen Jungen in jedem von ihnen auf der Suche nach Abenteuern, machen sie sich auf den Weg, um das Objekt zu finden. Es dauert nicht lange, bis dieses übergroße, wie ein Tannenzapfen aussehende Hülsending in Flammen auf einem lokalen Weizenfeld steht. Und natürlich, genau wie sie als Kinder Murmeln und Frösche aufsammelten und als Souvenirs mit nach Hause nahmen, beschließen sie, dieses „Ding“, wahrscheinlich einen Meteor, mit nach Hause zu nehmen. Aber einmal zu Hause, treten all das Abenteuer und die Neugierde in den Hintergrund, um bei allen Angst zu haben. . .außer Will. . . und einige Bundesagenten, die ebenfalls den Streifen über den Himmel miterlebten.
Mit Luke Hemsworth, Anna Hutchinson, Cheryl Texiera, Glenn Keogh, Vincent Ward, Chris Showerman und dem erfahrenen Schauspieler Tom Atkins taucht Salamoff in ENCOUNTER in einige schwierige und herausfordernde Themen ein, die überzeugende und zum Nachdenken anregende philosophische Themen zur Diskussion stellen. Salmoff präsentiert einige interessante Charakterstudien, insbesondere mit Chris Showermans Jonathan und Luke Hemsworths Will, und erweckt diese Themen durch Farbe, Rahmung und einige gute altmodische Filmemacherei mit praktischen Effekten visuell zum Leben.
Was im Gespräch mit PAUL SALAMOFF laut und deutlich zum Ausdruck kommt, ist sein Enthusiasmus, seine Aufregung und seine Leidenschaft nicht nur für das Handwerk des Filmemachens, sondern auch für das Geschichtenerzählen und die Fähigkeit, alle Werkzeuge in der filmischen Werkzeugkiste einzusetzen, um die Geschichte zum Leben zu erwecken. Seine Ideen zu Themen und Charakteren sind stark und dank seiner Fähigkeiten weiß er, wie man diese Ideen visuell umsetzt.
Während unserer eigenen langen Telefonbegegnung vertieften wir uns mit Paul und sprachen über BEGEGNUNG. . .
Nun, Paul, was soll ich sagen? Du bist wirklich ein Alleskönner! All die Arbeit, die Sie im Laufe der Jahre geleistet haben. All Ihre FX-Arbeit, Ihre VFX, Ihre SFX, Ihr SFX-Make-up, alles kommt hier mit der Geschichte zum Tragen, die Sie mit ENCOUNTER erzählen. Ich bin von Anfang an fasziniert von dieser Geschichte. Die philosophischen Aspekte davon sind überzeugend und regen zum Nachdenken an. Für mich fühlt es sich wirklich so an wie Brit Marlings „Another Earth“.
Vielen Dank. Ja. Gut gut! Das war tatsächlich eine der Inspirationen.
Sie gehen an Orte, an denen [Brit] und ihr Partner in ihren Projekten hingehen, und das gefällt mir wirklich. Und wir können bis zu den letzten 10, 15 Minuten des Films schmoren und köcheln, und dann endet der Film und du sagst: „Oh mein Gott!“ Dann denkst du noch mehr nach. Ich liebe es, wenn ein Film das tut und dich zum Nachdenken anregt, und das machst du hier so gut. Da frage ich mich, woher kommt diese Geschichte? Dies ist definitiv eine Out-of-the-Box-Geschichte.
Vielen Dank. Weißt du, was wirklich lustig ist? Ich habe mich eigentlich als Autorin beschrieben, als würde ich versuchen, über den Tellerrand hinauszuschauen und solche Sachen, also versuche ich immer, mich dem Genre ein bisschen von links zu nähern, verstehst du, was ich meine? Nur von der Seite, weil ich so viele Filme gesehen habe. Vor allem Science-Fiction. Seit ich fünf Jahre alt war, als ich irgendwie von „Star Wars“ und „Logan’s Run“ und dann von „Doctor Who“ besessen war, habe ich einfach so viel Science-Fiction gesehen. Also finde ich gerne Dinge, die mich überraschen und nähere mich ihnen aus verschiedenen Blickwinkeln. Das hier ist also, wenn ich ganz ehrlich bin, aus einer schmerzhaften Scheidung vor Kurzem entstanden, bei der mir irgendwie der Boden unter den Füßen weggezogen wurde. Ich wollte eine Geschichte erzählen, die sich mit Verlust und Trauer und irgendwie mit dieser Angst vor dem Unbekannten befasst. Ich hatte vor Jahren ein Treatment für ENCOUNTER geschrieben. Es war in meinem kleinen Ideenheft. Und als mir die Gelegenheit gegeben wurde, bei einem Film Regie zu führen, und mir gesagt wurde: „Hey, finde einfach etwas, das du für ein geringeres Budget machen kannst“, habe ich das herausgezogen und gesagt: „Wow! Diese Geschichte ist immer noch realisierbar und ich könnte diese Themen darin untersuchen.“ Das ist also wirklich, woher das geboren wurde. Das Drehbuch kam einfach aus mir heraus. Der erste Entwurf wurde in sehr kurzer Zeit geschrieben. Es war etwas, mit dem ich irgendwie umgehen musste, wie kathartisch.
Ich finde es toll, dass Sie diese Themen wie Trauer, wie Verlust, wie Angst, Angst vor dem Unbekannten angehen und sie durch Ihre Charaktere präsentieren, eine vielseitige Mischung von Charakteren, und jeder hat sein eigenes Gefühl von Verlust, Trauer oder Angst. Es ist also nicht nur das Offensichtliche mit dem Charakter von Will. Es bricht bei allen zusammen. Sie sind alle versteinert von dem Unbekannten, davon, was auch immer das auf dem Feld ist. Und es ist wie: „Oh mein Gott, es wird uns bei lebendigem Leibe auffressen!“ Sie hatten keine Angst, es nicht aufzuheben, zu nehmen und in den Bierkühler zu werfen und es zurück ins Haus zu bringen. Aber werfen Sie es aus dem Bierkühler und dann haben Sie etwas, das wie ein überwucherter Tannenzapfen aussieht, und plötzlich heißt es: „Geh nicht in die Nähe, geh nicht in die Nähe!“
Ich weiß es wirklich zu schätzen, dass Sie das über die Idee des Verlustes sagen, denn darum geht es. Sie alle repräsentieren Verlust auf unterschiedliche Weise. Unbedingt. Und das liegt nicht nur daran, dass viele Leute nur bedrückt sind und Will, weil er der Offensichtlichste ist. Die Sache ist, wie bei Teresa. Teresa hat diesen Verlust des Selbstwertgefühls, weil sie ihr ganzes Leben lang eingeschüchtert wurde, einen missbräuchlichen Vater hatte und ihren Ehemann, der sie nicht körperlich misshandelt, aber emotional ein bisschen. Brent, der kein schlechter Kerl ist, aber er hat diesen Verlust, als würde er sich entmannt fühlen, weil er körperlich seinen Job verloren hat. Also schlägt er leider auf die eine Person ein, die da ist, um ihm zu helfen. Er misshandelt Teresa nicht körperlich; er liebt sie und kümmert sich um sie, respektiere sie. Aber er ist so verloren, weil er sich so entmannt fühlt, dass er sie im Stich gelassen hat. Und leider [in] der menschlichen Natur schlagen wir manchmal auf die Menschen ein, die uns wichtig sind.
Besonders gern. Brent ist in einem Identitätskrisenmodus. Und dann haben Sie natürlich Marcus, der, wie wir sehr schnell erfahren, vor dem Verlust einer Fußballkarriere steht.
Das gibt es also, aber es ist wirklich eine Glaubenskrise. Das ist die physische Manifestation der Tatsache, dass er seine Karriere und seine Zukunft verloren hatte. Aber die Sache ist, dass er für ihn bestimmte Überzeugungen hat, und das widerspricht allem, woran er glaubt. Es ist also eine Art Glaubenskrise, die so etwas wie dieser Verlust, diese Krise ist.
Dann natürlich Jonathan, den ich für eine sehr interessante Charakterstudie halte. Er ist sehr interessant, weil er wie der leichtfertige „Mister Party Hearty“ der Gruppe rüberkommt, und dann ist er versteinert, und dann lernt man langsam ein bisschen mehr über ihn, besonders wenn man ihn mit Professor Westlake zusammenbringt, der brillant gespielt wird Tom Atkins.
Vielen Dank. Tom wurde beim Miami Sci-Fi Film Festival als bester Nebendarsteller in Miami ausgezeichnet. Er wurde als bester Nebendarsteller ausgezeichnet.
Tom hat so eine Karriere und er ist immer so gut und solide und stark.
Es war so lustig mit Tom. Er sagte zu mir, weil er diesen Film liebt, er liebt diesen, als er das Drehbuch las, wollte er es einfach unbedingt machen. Er hat sich sofort entschieden. Aber das Lustige war, dass er sagt: „Ich bin es so gewohnt, wie der Böse [Guy] zu spielen, der harte Kerl. Ich bin es nicht gewohnt, den netten Kerl zu spielen.“ Und das Beste an Tom ist, dass er ein wunderbarer Mensch ist. Er ist buchstäblich. Ich liebe ihn so sehr. Das tue ich wirklich. Ich freue mich sehr, wieder mit ihm auszugehen. Ich war gerade beim Abendessen und gehe nächste Woche in einen seiner neuen Filme, weil er in der Stadt ist. Und er ist einfach so ein wunderbarer Mensch auf so eine sehr unterstützende und sehr herzliche Art. Und er liebte diesen Film wirklich und er liebte es wirklich, Professor Westlake zu spielen.
Diese Dynamik, die Sie mit den Charakteren Jonathan und Westlake haben, ist wirklich aufschlussreich. Das ist eine der interessantesten Charakterdynamiken, die Sie jenseits von Will und was auch immer diese Kreatur ist, haben.
Die Sache mit John ist, dass John derjenige ist, der am meisten verloren ist. Er ist einfach verloren. Er erreichte seinen Höhepunkt in der High School. Er ist einer dieser Leute, die in der High School ihren Höhepunkt erreicht haben, und er kann einfach keinen Job behalten. Er kann eine Freundin nicht festhalten. Er ist irgendwie wie diese angehaltene Entwicklung und er ist mental nicht darauf vorbereitet, mit dem umzugehen, was vor sich geht. Und es ist lustig; Viele Leute achten nicht wirklich darauf, was in der Eröffnungsszene mit ihnen gesagt wird. Ich habe tatsächlich einige Rezensionen, in denen diese Eröffnungssequenz abgelehnt wird. Es gibt einen Haufen von „einheimischen Tölpeln, die nur über nichts plaudern“. Sie plaudern nicht über nichts. Das Mädchen, von dem John spricht, Rachel, das ist das Mädchen später an der Bar. Es ist eine wichtige Sache in ihrer Beziehung. Es verrät viel über ihn. Also setze ich sie irgendwie in diese Eröffnungsszene ein. Aber oft denkt man in einer Eröffnungsszene einfach, dass sie nur über nichts reden, aber das sind sie nicht. Alles, worüber sie in dieser Eröffnungsszene sprechen, hat tatsächlich Relevanz für den Rest des Films. Es ist einfach aus dem Zusammenhang gerissen.
Wenn es um Will und die Kreatur geht, liegt dort Ihre wirklich starke Emotionalität. Und das zu beobachten, denn hier ist er und es ist im Wesentlichen eine Art fühlendes Wesen, mit dem er sich verbindet, mit dem er kommuniziert. Und wir gehen auf die Reise, wie er im Rollstuhl gelandet ist, warum er in einem so schlechten Geisteszustand ist. Und es ist durch diese Verbindung. Er kann das mit niemand anderem artikulieren, weil es so ist wie: „Hör auf damit.“ Es ist der Moonstruck-Moment, in dem alle ihn einfach schlagen und sagen wollen: „Hör auf damit.“
Ja! „Hör auf damit.“ Ich weiß genau, was du sagst. Ich liebe den Film übrigens. Als ich jünger war, habe ich in einem Kino gearbeitet und „Moonstruck“ gespielt. Ich glaube, ich habe „Moonstruck“ sechs oder sieben Mal gesehen, also weiß ich genau, wovon du sprichst. Hau ab!
Aber so behandeln ihn alle. Und Luke Hemsworth als Will? Ich verehre Lukas. Ich habe ihn in der Vergangenheit mehrfach interviewt und ich denke, er ist der unbesungene Hemsworth-Bruder.
Ja! Als wir neulich ein Q&A machten, machte er gewissermaßen selbstironische Bemerkungen, dass er der „andere“ Hemsworth sei. Und ich sage: „Alter, du bist wie DER Hemsworth, auf den sie achten sollten.“ Er ist der wahre Deal. Er ist ein wirklich solider Schauspieler in der Art, wie er an Material herangeht und wie er darüber spricht. Wir haben viel über diese Figur gesprochen und viel geprobt, bevor wir den Film tatsächlich gedreht haben. Jedes Mal, wenn ich mir den Film anschaue, sieht man, wie sehr er sich da reingesteckt hat. Und er hat viele Sachen gemacht. Eines der Dinge, die er tat, war, dass er absichtlich nicht mit seiner Frau und seinen Kindern sprach, während wir den Film drehten, um ihn in einen emotionalen Zustand zu versetzen, in dem er das vermissen würde. Und es war wirklich schwer für ihn. Er hat offensichtlich mit seiner Frau darüber gesprochen und es war nicht nur so: „Hey, ich werde einfach nicht mit meinen Kindern sprechen.“ Es war einfach perfekt gemacht, damit er wirklich in diesen emotionalen Zustand kommen konnte. Natürlich keine Spoiler, aber wenn Sie in diesen letzten Akt einsteigen, ist es wirklich emotional. Der Versuch, bei dem Film Regie zu führen, war emotional für mich, denn das war offensichtlich mein Umgang mit einigen meiner Dämonen, und das war hart. Dieser dritte Akt war schwer zu drehen.
Ich denke, ein großer Teil dessen, was Luke in dieser Rolle so stark macht, und in anderen Rollen, die er gespielt hat, wie in „Kill Me Three Times“ oder sogar in „Hickok“, ist, dass er auf der Bühne gearbeitet hat und Theaterarbeit in Down Under und gemacht hat Ich denke wirklich, dass man dadurch ein viel besseres Verständnis von Verbindungen bekommt, als einfach in eine Film- oder Fernsehrolle zu springen. Es kommt hier wirklich heraus mit dem, was Luke mitbringt. Er und Ihr Außerirdischer werden zum Herzstück dieses Films.
Eines der Dinge, die ich am Set die ganze Zeit zu den Schauspielern gesagt habe, war: „Schaut, ich weiß, dass da all diese seltsamen Sachen sind, und Fesseln, die aus seinem Hals kommen, und es gibt Kreatureneffekte und solche Sachen. Wir machen ein Drama. Wir machen „Manchester By The Sea“. Wir machen keinen Science-Fiction-Film. Ich möchte, dass du diese Realität beibehältst, denn wenn du nicht in der Realität bleibst, wird das nicht funktionieren. Sobald sich das Lager anfühlt, sind wir fertig.“ Und mir war sehr bewusst, dass ich wirklich an die Grenzen dessen gehe, womit sich die Leute wohl fühlen könnten, insbesondere mit dem Tether. Ich bin ein großer Fan von David Cronenberg und Clive Barker, aber weil [Will] sich mit so etwas wie Körperdysmorphien und seltsamen ungewöhnlichen Dingen befasst, wollte ich das einfach annehmen, obwohl ich weiß, dass es für manches Publikum eine Herausforderung sein könnte, es könnte ein bisschen zu 'ick-factor' oder was auch immer sein. Ich wollte, dass die Schauspieler einfach in dieser Realität bleiben. Was würde passieren? Wie würden Sie darauf reagieren, wenn es wirklich so wäre? Deshalb ist meine Lieblingsszene, als sie Will zum ersten Mal in dieser Szene im Wohnzimmer herausgezogen haben. Ich habe versucht, das zu konstruieren, also lasse ich die Schauspieler all das sagen, was das Publikum gerade denkt; das Publikum vom Haken lassen. Das Letzte, was Sie wollen, ist, dass Sie nicht wollen, dass das Publikum sagt: „Nun komm schon, sie würden dies oder jenes fragen.“ Und wir werden all das ansprechen.
Ein großer Teil der Verbindungsfähigkeit und der Resonanz mit dem Charakter von Will und dem Alien ist das eigentliche Alien selbst und eure Konstruktion davon in seinen verschiedenen Formen. Ich liebe es, wie es sich verändert. Es verwandelt sich. Je mehr es sich mit Will oder Teresa verbindet, desto mehr wächst es. Und ich denke, das ist wirklich ein faszinierender Aspekt. Aber ich bin neugierig, angesichts Ihres Hintergrunds und dann mit Ihren außerirdischen Kreaturen-Schöpfern, Jerry [Constantine] und Neil [Damman], und David Miller, den Sie an Bord geholt haben, wie sind Sie vorgegangen, um das Aussehen und die Anwendungen und Eigenschaften von zu entwerfen dieses Wesen?
Als ich mich mit Jerry Constantine zusammensetzte, den ich schon sehr lange kenne, er ist mein Ansprechpartner, sagte ich zu ihm: „Schau mal …“ Im Traum möchte ich, dass die Leute ein Standbild für meinen Film sehen , dass das Ding so kultig sein kann, dass man es von ENCOUNTER kennt. Es gibt auch eine gewisse Einfachheit im Design. Aber ich sagte: „Ich möchte nicht, dass es vermenschlicht wird. Ich möchte nicht, dass es einen Mund hat. Ich möchte nicht, dass es Augen hat. Ich möchte keine erkennbaren Eigenschaften haben, die wir verstehen können. Dass es bis zu einem gewissen Grad außerhalb unseres Verständnisses liegen soll.“ Und selbst wenn es sich ändert, wird es in jeder Variation fast unkenntlich. Es baut gewissermaßen auf sich selbst auf. Und ich wollte ungewöhnliche Farben wie Violett und Orange verwenden, die nicht wirklich typische Farben sind, weil sie darstellen sollen Außerirdischer . Wenn ich Alien sage, nicht H.R. Gigers [Werke]. Ich meine nur Außerirdischer . Das ist eine fremde Sache und nicht von dieser Welt. [Ich will es nicht] übererklären. Ich weiß genau, was es tut.
Es gibt Regeln, die ich vollkommen verstehe, die ich dem Publikum nicht erkläre. Ich liebe das europäische Filmemachen in dem Sinne, dass man es nicht zu sehr erklären muss. Wo Sie Sachen übererklären, denke ich, dass es dem Film wirklich eine Ebene nimmt. Ich weiß genau, was dieses Ding tut. Exakt. Aber es war nicht nötig, es zu erklären; nur um es irgendwie anzudeuten oder diese Fragen zu stellen, damit das Publikum eine Art Entscheidung treffen kann. Sogar am Ende des Films, keine Spoiler, können Sie entscheiden, ob Sie gerade etwas Schönes oder etwas Schreckliches gesehen haben. Es ist deine Interpretation des Endes. Offensichtlich hat die Geschichte ein endgültiges Ende, aber es gibt auch eine gewisse Zweideutigkeit. Es liegt an Ihnen zu entscheiden. Es werden einige Fragen gestellt, die der Wahrheit entsprechen könnten. Und dann könnte eine andere Frage auch die Wahrheit sein. Ich wollte dieses offene Ende führen. Ich wollte, dass es dich verfolgt und dich zum Nachdenken anregt. Das war also eine ganze Herangehensweise an das Design und da wir wussten, dass wir ein so begrenztes Budget hatten, sollten es eigentlich nur etwa 12 digitale Effekte sein. Die besten Effekte in Filmen sind praktische Effekte, die visuell verstärkt werden. Ich hatte Glück mit Neil Damman, weil er den Film einfach so sehr liebte. Ich glaube, er arbeitete damals an „Solo“. Es ging ihm gut, wie viel er an diesen Filmen verdiente, aber er sagte: „Weißt du was? Das ist auf der Seite. Ich werde Ihnen dabei helfen und machen Sie sich nicht so viele Gedanken darüber, wie viel das kostet. Ich werde innerhalb Ihres Budgets arbeiten.“ Und ging einfach wirklich darüber hinaus. Am Ende hatten wir über 114 Aufnahmen mit digitalen Effekten. Und das sind alles 2D-Effekte, weil wir uns keine 3D-Effekte leisten konnten. Es ist also alles 2D-Zeug. Nur Verbesserungen. Sogar all diese Transformationen, wenn [das Alien] größer wird und wächst, das ist alles praktisch. Da gibt es keine digitalen Effekte. Ich würde mich mit meinen Kameramännern und meiner Crew zusammensetzen und sagen: „Du musst mir vertrauen.“ Ich habe, wie gesagt, 14 Jahre lang Effekte gemacht. Und ich würde die Kamera hier halten und ich würde das Ding einfach vor die Kamera rollen. Ich würde einfach diese kleine Nahaufnahme machen und es so schieben. Es wird die Illusion geben, wenn es bearbeitet wird, es wird die Illusion geben, dass es wächst. Es gab keine Anbaugeräte. Es gab eine Sache, die wir hatten, und das war ein Gummistück, das wir dehnen und bewegen konnten. Aber ansonsten war alles nur Illusion. Nur Illusion. Es geht darum, praktische Effekte richtig einzusetzen und richtig zu filmen. Sie täuschen das Publikum also im Grunde, damit es denkt, dass es etwas sieht. Aber es wächst nie. In keinem davon wächst etwas.
Es dreht sich alles um den POV und wie Sie ihn angeln. Sprechen Sie mit mir über die Zusammenarbeit mit Ihrem DP, mit Denton Adkinson. Hattet ihr ein Storyboard? Angesichts Ihres Hintergrunds würde ich denken, dass Sie beide Wege gehen könnten – Storyboard oder Shot List oder beides. Was waren Ihre Überlegungen, insbesondere bei Ihrer Beleuchtung? Ich muss sagen, die Garage, als wir Will zum ersten Mal in der Garage sehen und er malt, ist die visuelle tonale Bandbreite dieser Szene absolut schön. Die Beleuchtung ist wunderschön und passt perfekt zu den Jungs draußen im Feld. Diese tintenschwarze Nacht, und dann sehen Sie, wenn sie das Feld erreichen, und wir sehen den Streifen am Himmel, als das Ding zu Boden fällt. Weizen brennt und hat einen schönen Glanz. Es ist vergleichbar mit dem Leuchten, das Will verspürt, wenn er in der Garage sitzt und malt.
Oh mein Gott!! Kann ich dir etwas sagen? Dieser Film ist dir wirklich gelungen. Du hast es wirklich verstanden. Vielen Dank, dass Sie diese Fragen gestellt haben. Ich muss Ihnen sagen, dies ist eines der besten Interviews, die ich je über eines meiner Projekte geführt habe! Du hast das verstanden und du bekommst tatsächlich das Zeug, das da war, von dem ich dachte, dass es unsichtbar wäre, von dem die Leute nicht mitbekommen würden, vielleicht nur auf einer subtextuellen Ebene. Aber bevor wir über Storyboards sprechen, lassen Sie mich einen Moment über Denton Adkinson, meinen DP, schwärmen. Jetzt ist er jemand! Wir haben das in Augusta, Georgia, gemacht und ich wollte das hauptsächlich mit einer Augusta-Crew machen. Denton war so etwas wie „der“ DP da unten. Ich glaube, ich habe ihn schon einmal kurz getroffen, weil ich ihnen schon seit einiger Zeit dabei helfe, ihre Film-Community aufzubauen. Aber mir wurde im Grunde und ohne Zweifel gesagt: „Übrigens, wenn Sie diesen Film machen, werden Sie Denton als Kameramann verwenden.“ Und ich bin wie: “In Ordnung.” Er schien ein netter Kerl zu sein. Also lernten Denton und ich uns kennen und redeten einfach ein bisschen miteinander. Und wir haben uns einfach verbunden. Er ist jetzt wie ein Bruder für mich. Und ich sage Ihnen, was er in den Film eingebracht hat, ist … Ich möchte keinen Film ohne ihn machen. Es gibt eigentlich zwei Leute, für die ich kämpfe. Mir wurden einige andere Filme angeboten und ich dachte: „Es gibt zwei Leute, ohne die ich nicht arbeiten werde. Und das sind Denton, mein DP, und Panka Kounera, meine Komponistin.“ Und mit Denton haben wir wirklich über die Farbe und die Verwendung von Farbe in diesem Film gesprochen; der Bernstein in der Garage, der übrigens ein Set war. Das war eigentlich ein Set, das wir gebaut haben. Der Bernstein, und das war es, es war dieses Leuchten, diese Blase, die [Will] für sich selbst geschaffen hatte. Übrigens gab es in dieser Szene nur sehr wenig Farbkorrektur. Wir hatten einen großartigen Koloristen für den Film. Aber es gab sehr wenig Farbkorrektur, weil die Beleuchtung so perfekt war. Jeder Charakter, wie auch die Agenten, hatte seine eigene Farbpalette. Lukes Charakter Will hatte seine eigene Farbpalette. Und auch, wenn Sie in der Eröffnungsaufnahme des Schmetterlings bemerken, was offensichtlich eine Bedeutung hat, geht er von sehr satt aus, aber wenn er diesen Graben hinuntergeht, beginnt die Farbe zu diesem Stahlgrau abzufließen, das die Agenten darstellt. Und im Laufe des Films werden die Farben ein bisschen lebendiger. Die Orangen werden oranger. Da war also diese Art von Verzweiflung, die zu Hoffnung führte. Es gab definitiv das Ding, dass wir das anführten. So wie Sie den Bernstein beschrieben haben, war das seine kleine kollektive Blase. Aber wenn diese Blase platzt, wird es etwas kälter, wenn die beiden Welten in Wills Leben eindringen.
Und natürlich nehmen Sie diese Farbe auch im Alien auf. Wenn die Blase in der Garage platzt, wird diese Farbe übertragen, während das Alien pulsiert. Also zwischen jeder seiner Schuppen oder was auch immer es bedeckt ist, dann sehen wir diese Farbe wieder. Es verschwindet also nicht. Je.
Ja. Ja. Ich möchte nicht zu viel [sagen], aber es repräsentiert Hoffnung. Das ist eines der anderen Themen in diesem Film, ist Hoffnung. Das war also repräsentativ für die Farbe, wie Orange. Eine andere Sache sind die Storyboards. Das ist also eine großartige Frage. Und hier ist das Ding. Ich kann nicht zeichnen, um mein Leben zu retten. Aber ich wollte auf jeden Fall ein Storyboard für diesen Film erstellen, weil ich zum ersten Mal bei einem Film Regie führte und ich das auf keinen Fall vermasseln würde. Ich wollte vorbereitet sein. Weil dies die einzige Chance ist, die ich habe, mache ich besser den besten Film, den ich mit den Ressourcen, die ich habe, machen kann. Ich habe dieses Programm namens Frame Forge 3D, das ist wie ein vorheriges Programm, in dem ich wirklich gut geworden bin. Ich habe Storyboards für andere Leute und andere Dinge damit gemacht. Ich beendete das Storyboarding des gesamten Films mit über 1400 Storyboards. Das wirklich Erstaunliche daran war, dass ich meine Schauspieler zu mir nach Hause kommen lassen konnte. Mein Büro ist wirklich verrückt. Es sind überall die Spielzeuge und Modelle. Ich besitze die Tardis-Konsole aus dem Fernsehfilm „Doctor Who“ von 1996. Das ist in meinem Büro. Und ich habe eine Art Kino in meinem Büro.
Also setzte ich mich mit allen zusammen und zeigte ihnen im Grunde den gesamten Film als Animation, bevor wir ein einzelnes Bild drehten. Einer der Schauspieler sagte: „Das ist ein Geschenk. Das ist absolut ein Geschenk.“ Weil sie den Film gesehen haben. Ich habe sie nur irgendwie hindurchgeführt. Auf der Blu-ray gibt es einen Vergleich zwischen Storyboard und Film. Sie können wirklich sehen, wie ähnlich es ist. Ich war am Set nicht daran gebunden, aber ich hatte den Film bereits in meinem Kopf konzipiert. Das war also der Film in meinem Kopf. Ich habe keine Aufnahmelisten verwendet. Ich habe am ersten Tag versucht, eine Aufnahmeliste zu verwenden, und ich konnte mich einfach nicht darum kümmern, also habe ich die Storyboards als meine Aufnahmeliste verwendet. Und weisst du was? Wir kamen pünktlich, unter dem Budget und hatten während der 15-tägigen Dreharbeiten nie eine zweite Mahlzeit. Ich habe alles gedreht, was ich schießen wollte. Jeder in der Crew, jeder, einschließlich der PA, bekam eine Kopie der Storyboards. Das wollte ich. Und wir hatten sie am Anfang, also hatte jeder sie immer. Mein Assistent hatte sie immer neben mir und wenn es irgendwelche Fragen gab, konnte ich einfach auf das Storyboard zeigen und es war wie: „Oh, ich verstehe.“ Natürlich wurden am Set Anpassungen vorgenommen und so weiter, aber es war so eine großartige Abkürzung. Ich denke, das ist ein Fehler, den viele Leute machen; Sie halten manchmal so viel Zeug so nah an der Brust. Sie müssen erkennen, dass das Drehen eines Films eine so kollaborative Erfahrung ist und das Ego nur im Weg steht. Ich bin nicht egoistisch. Ich bin sehr kreativ. Wir hatten also kein schlechtes Ei. Wir hatten niemanden mit einem Ego am Set, vom Executive Producer abwärts. Rob Hollocks ist ein großartiger ausführender Produzent. Und dann meine Produzentin Amy Bailey, es war ihr erster Film als Produzentin und sie war die einzige Produzentin des Films, und sie hat ihn aus dem Park gehauen, weil sie verstanden hat, dass es nicht darum geht, Probleme zu verursachen, sondern darum, sicherzustellen, dass alles reibungslos läuft . Und das tat es. Und wir hatten eine Crew, die wirklich verstand, was wir machten. Jeder am Set verstand den Film, den wir machten.
Also muss ich dich fragen, Paul, was hast du jetzt, da dein erster Spielfilm fertig ist, draußen ist und jeder ihn sehen kann, was hast du über dich als Regisseur gelernt, das du jetzt weiterbringen wirst oder kannst in Ihre zukünftigen Projekte mitnehmen?
Ich habe viel gelernt, denn hier ist das Interessante. Ich habe mich nie als Regisseur gesehen. . . Das war eine sehr kalkulierte Sache, dass ich bei dem Film Regie geführt habe. Ich fühlte mich bereit. Aber zuerst bin ich Autorin. Ich bin ein Geschichtenerzähler. . .Die Leute denken, ich möchte bei allem, was ich schreibe, Regie führen, und das stimmt nicht. Ich sage: „Das überlasse ich den Profis.“ Ich mag die kleineren Geschichten, die ich geschrieben habe. Das sind diejenigen, an deren Regie ich interessiert bin, und hier ist, was ich gelernt habe. Stellen Sie sicher, dass Sie diese ruhigen Momente zulassen. Nicht jede Szene muss von Dialogen getragen sein. Wir würden drehen und bevor ich den Schauspielern Action zurufen würde, würden wir definitiv die Kameras laufen lassen. Selbst als die Szene vorbei war, ließen wir sie laufen, denn das Schöne an Digitalaufnahmen, wir haben auf der Red Dragon gedreht, ist, dass Sie sich keine Sorgen um das Brennen von Filmen machen müssen. Also ließen wir die Kamera laufen, damit wir diese ehrlichen Momente bekommen. Und es war erstaunlich für mich, als wir in die Redaktion kamen!
Es heißt, dass wir zwei Redakteure dafür hatten. Der erste, Doug Jacobson, hat großartige Arbeit geleistet, um den Film zusammenzustellen, aber es brauchte wirklich Kevin Ross, der einer der Emmy-nominierten Redakteure von „Stranger Things“ war, um dort hereinzukommen und dieses Tempo zu finden, diese Momente zu finden, diese stillen Momente. Das ist also eines der Dinge, bei denen ich es kaum erwarten kann, das nächste, bei dem ich Regie führe, einzubringen. In Filmen muss es nicht um ständige Dialoge gehen. Sie können sich um diese ruhigen, introspektiven Momente drehen, und es ist nicht langweilig. Da ist diese Angst: „Oh mein Gott, wenn bei mir nicht ständig etwas passiert, wird sich das Publikum langweilen.“ Aber die Ironie für mich ist, dass ich ein großer Fan von Filmemachern wie Andre Tarkovsky bin, dessen [Filme] manche Leute damit vergleichen, wie sie Farbe trocknen sehen. Aber das sind die Filme, die ich liebe. „Blade Runner“ ist mein Lieblingsfilm aller Zeiten und das ist ein sehr gleichmäßiger Film. Und ich habe das Gefühl, dass das Tempo für ENCOUNTER darin besteht, dass es ein langsamer Film ist, aber es bewegt sich in einem guten Tempo. Das ist ein nettes Kompliment, das ich immer bekomme. Niemand langweilt sich dabei. Es bleibt nicht länger willkommen. Es sind 92 Minuten und das ist die perfekte Länge dafür. Es tuckert einfach mit. Es dauert seine Zeit, aber es tuckert mit. Und das war für mich sehr wichtig, denn manchmal können sich 92 Minuten wie eine Ewigkeit anfühlen. Das ist also wirklich das Richtige, was ich gelernt habe.
Seien Sie auch stolz auf sich selbst und wissen Sie, dass Sie in der Lage sind, Dinge zu tun. Vertrauen Sie sich und Ihren Instinkten. Es gab Zeiten am Set, in denen ich buchstäblich dachte: „Okay, ihr müsst mir vertrauen. Ich verspreche dir, das wird funktionieren. Ich weiß nur, dass es funktionieren wird.“ Und dann einfach loslegen. Ich freue mich also sehr auf den nächsten, um wirklich damit zu beginnen, die Grenzen dessen zu erweitern, was hoffentlich meine Unterschriften werden wird. Die drei größten Einflüsse darauf waren David Cronenberg, Denis Villeneuve und Atom Egoyan. Ich bin ein großer Fan von „The Sweet Hereafter“ und „Exotica“. Eigentlich die meisten seiner Filme. Ich liebe die Art und Weise, wie er mit Drama umgeht und wie er mit Charakteren umgeht. Um dieses Feeling hineinzubringen, aber mit meiner eigenen Stimme. Also finde ich meine Stimme und ich fühle sie, und ich freue mich darauf, das bei allem, was ich als nächstes tue, zu erforschen, um wirklich damit anzufangen, die Grenzen des visuellen Geschichtenerzählens zu erweitern, denn am Ende des Tages, wenn Sie Regie führen ein Film, es ist ein visuelles Geschichtenerzählen.
von debbie elias, exklusives interview 03.10.2019