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Die Branche spricht oft über den Wert, den Modewochen einer Stadt bringen – ihre wirtschaftlichen Effekte, den Rummel, den kulturellen Austausch und das Engagement der Gemeinschaft. Allerdings können die Kosten für unabhängige Marken manchmal überwältigend hoch sein, wodurch sich diese Veranstaltungen weniger lohnen. Bei der Londoner Modewoche gab es in dieser Saison unbestreitbare Lücken, angefangen bei der Abwesenheit des Designers Christopher Kane, der Anfang des Jahres Insolvenz anmeldete, bis hin zu den jungen Talenten S.S. Daley und Nensi Dojaka. Außerdem musste die aufstrebende Modeschöpferin Dilara Findikoglu ihre Show aufgrund unzureichender finanzieller Mittel absagen, wie die New York Times berichtete.
In einer Zeit, in der die großen Marken weiter expandieren und immer aufwändigere Produktionen auf die Beine stellen, haben aufstrebende Designer:innen Mühe, die Aufmerksamkeit und die Plattform zu bekommen, die sie brauchen, um ihre noch jungen Unternehmen zu kultivieren. London mag eine Brutstätte für Nachwuchstalente sein, aber es bleibt eine außergewöhnlich teure Stadt, die viele dazu zwingt, eine schwierige Entscheidung zwischen der Aufrechterhaltung ihrer Geschäfte und der Umleitung von Ressourcen in nicht unbedingt notwendige Marketing-Ausgaben zu treffen. Designer:innen sollten nicht gezwungen sein, sich zwischen der Aufrechterhaltung ihrer Geschäfte und der Präsentation ihrer Kollektionen auf der Modewoche entscheiden zu müssen. „Ich glaube nicht, dass es jemals schwieriger war, ein:e unabhängig:e Designer:in in London zu sein, als in diesem Moment“, so Caroline Rush, die Geschäftsführerin des British Fashion Council.
Positive Aspekte trotz Rückschläge
Trotz dieser Rückschläge hatte die London Fashion Week in dieser Saison auch positive Aspekte zu bieten. Die Veranstaltung fiel mit der Design Week zusammen, was zu zahlreichen Pop-ups und Kooperationsveranstaltungen in der ganzen Stadt führte. Mit diesen Aktivitäten wurde die Arbeit visionärer Designer:innen und Künstler:innen gewürdigt, die, obwohl sie nicht über die Ressourcen von Luxuskonzernen verfügen, innovative Ansätze und die Entschlossenheit zeigen, die den Status quo in Frage stellen. Darüber hinaus finden in London derzeit drei Modeausstellungen statt, die den tiefgreifenden Einfluss der Mode auf das Leben der Gesellschaft verdeutlichen. Diese Ausstellungen reichten von "Chanels Manifest" im Victoria & Albert Museum bis hin zu der Retrospektive "Rebel: 30 Years of London Fashion" im Design Museum und "The Missing Thread: Unerzählte Geschichten der schwarzen britischen Mode" im Somerset House.
Es gab auch übergreifende Veranstaltungen, darunter die kuriose und starbesetzte Feier der britischen darstellenden Künste von Vogue World mit einem roten Teppich, der der New Yorker Met Gala ähnelte, und die Ausstellung Design Transforms der Universität Central Saint Martins, bei der die Arbeit von Produktdesigner:innen mit Hochschulabschluss in Zusammenarbeit mit dem nachhaltigen Unternehmen UPM gefeiert wurde. Sogar die ikonische Londoner U-Bahn wurde vorübergehend von der Traditionsmarke Burberry übernommen, indem die Londoner Bond Street in Burberry Street umbenannt und mit dem neuen blauen Logo der Marke versehen wurde, wenn auch zur Verwirrung einiger Pendler:innen.
Von etablierten bis hin zu aufstrebenden Designer:innen, hier ein Überblick über die Highlights der Londoner Modewoche.
Burberry
Bei der zweiten Show von Daniel Lee für Burberry stand viel auf dem Spiel, und die Vorfreude war groß. Lees Aufgabe ist es, den Umsatz anzukurbeln, insbesondere bei den Accessoires, einem Bereich, in dem Burberry hinter anderen Luxusmarken zurückgeblieben ist. Bei dieser Präsentation standen vor allem Schuhe und Taschen im Mittelpunkt, die sein Fachwissen aus seiner Zeit bei Celine und Bottega Veneta widerspiegeln. Für die Frühjahrskollektion 2014 schien Lee die Kollektion zu straffen und konzentrierte sich darauf, die Auswahl an Silhouetten und Optionen zu verringern, insbesondere beim ikonischen Trenchcoat, der mit einem taillierten Gürtel frisch und raffiniert erschien und eher eine dauerhafte Investition als einen flüchtigen Trend verkörperte. Kleider und Anzüge verströmten Klarheit und Relevanz und waren eher für das urbane Leben als für die Fantasie auf dem roten Teppich gedacht. Die Schuhe waren besonders stark, mit einer neuen Sandale, einem Slipper und Stiefeln. Mit deutlich weniger Karos lieferte Lee Realitätsnähe.
Simone Rocha
Fans von der Schuhmarke Crocs werden von Simone Rochas perlen- und spitzenbesetzter Version begeistert sein, die wohl das romantischste und eleganteste Paar Crocs ist, das je gesehen wurde. Unter dem Titel "Dress Rehearsal" und im Mulryan Centre for Dance, wo das English National Ballet probt, betonte Rocha die tatsächliche Relevanz ihrer wunderschön bestickten Kleider für die Welt. Kombiniert mit einer silbernen Biker-Lederjacke waren sie tragbar, ohne dabei zu kostbar zu wirken. Rochas Beherrschung von Stoffen, sowohl im Hinblick auf ihre Ästhetik als auch auf ihre Fähigkeit, sie zu manipulieren, um Drapierungen, Schnitte oder Falten zu kreieren, war offensichtlich, insbesondere bei den rosafarbenen und roten Kleidern mit Raffungen am Hals und an den Ärmeln – eine charakteristische Technik, die möglicherweise in der kommenden Couture-Kollaboration mit Jean Paul Gaultier wieder auftaucht.
JW Anderson
Die Kollektionen des Designers J.W. Anderson sind für ihre farbenfrohen und eigenwilligen Ideen bekannt, doch hinter den Schichten und Konzepten verbergen sich echte, tragbare Kleidungsstücke. In der SS24-Kollektion wurde ein neu gestalteter Kapuzenpulli präsentiert, der durch Andersons Kunstfertigkeit in neue Proportionen gebracht wurde. Die Cargohose stand im Rampenlicht, ein alltägliches Kleidungsstück, das die Sportbekleidung über viele Saisons an der Spitze der Mode gehalten hat. In Kombination mit einer Bikerjacke oder einem doppelreihigen Blazer sorgt sie für einen frischen Look, ohne aufgesetzt zu wirken.
Chet Lo
Chet Lo ließ sich von verführerischen Drucken aus der alten chinesischen Erotikkunst und Shunga inspirieren. Als chinesisch-amerikanischer Jugendlicher erlebte der Designer Sexualität als Tabu. China ist nach wie vor eines der wenigen G20-Länder, die die gleichgeschlechtliche Ehe nicht legalisiert haben. Lo ist überzeugt, dass Kleidung zur Befreiung beitragen kann – eine Philosophie, die sich in seiner Kollektion widerspiegelt. Ob maßgeschneiderte Hosen mit Hüftschlitzen oder Strickkleider mit Neckholder, die mit einem monogrammierten Scherenprint verziert sind, er möchte allen Menschen das Gefühl geben, dass sie am besten zu sich selbst passen und selbstbewusst sind.
Emilia Wickstead
Emilia Wicksteads Kollektion verströmte eine Atmosphäre von Saint Tropez und der französischen Riviera, die an die 20er und 30er Jahre erinnerte, als die Region ein Zufluchtsort für Künstler:innen und ein Spielplatz für Berühmtheiten wie Picasso und Lee Miller war. Üppige, mehrschichtige Streifen in Orangetönen, Himmelblau und Sonnenblumengelb schmückten verschiedene Silhouetten, von einem schulterfreien, durchsichtigen Kleid bis hin zu einem schlichten Mantel und einem Zweiteiler, der die Show eröffnete. Wicksteads Markenzeichen waren kühn und kokett, aber was sie wirklich vermittelte, war Freiheit, die die Art und Weise widerspiegelt, wie sich Künstler:innen selbst kleiden und sich durch Mode ausdrücken.
Ukrainische Designer in London
Die ukrainischen Modemarken Kseniaschnaider, Elenareva und Nadya Dzyak präsentierten ihre Frühjahr-Sommer-Kollektionen 2024 auf der Londoner Modewoche im Rahmen der Ukrainian Fashion Week (UFW), die aufgrund der anhaltenden Konflikte nicht in Kiew stattfand. Trotz Luftschutzsirenen und Raketenangriffen setzten die ukrainischen Designer:innen ihre Arbeit fort und die UFW bot während ihrer dritten internationalen Saison kontinuierliche Unterstützung.
Kseniaschnaiders Kollektion zeigte KI-generierte Denim-Silhouetten, die aus Experimenten und Verspieltheit entstanden. Die Designerin Olena Reva von Elenareva erforschte das Thema der weiblichen Macht, indem sie sich der alten trypillischen Kultur zuwandte und Drucke präsentierte, die von Ornamenten auf trypillischen Tonkrügen inspiriert waren. Nadya Dzyak ließ sich von der Arbeit der Künstlerin Polina Raiko inspirieren, deren Museumshaus in Oleshky nach der Zerstörung des Kakhovka-Damms durch Russland überflutet wurde. Dzyak wollte Raikos Gemälde auf ihre Kleider übertragen und so eine Atmosphäre schaffen, die das künstlerische Erbe wertschätzt, selbst wenn dieses vom Wasser fortgespült wurde.
Dieser übersetzte Beitrag erschien zuvor auf FashionUnited.com