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Style et détails des costumes Alexander Amann
Sur Mesure / 2023
Maintenant que vous avez été correctement présenté à certains des plus pièces célèbres du répertoire de musique classique , j'ai pensé qu'un aperçu des différentes époques qui composent l'histoire de la musique classique serait la prochaine étape logique. Le terme est très large, couvrant la musique du Moyen Âge à nos jours. L'article tentera de vous présenter quelques styles et idées différents de chacune des périodes musicales du monde occidental, ainsi que de les contextualiser pour expliquer les différents développements et mettre en évidence les compositeurs importants. Il ne s'agit en aucun cas d'un guide complet mais d'un aperçu visant à aider le novice à mieux comprendre la musique classique. En raison de la grande échelle (nous parlons après tout de mille ans de musique), tout n'a pas été couvert. Par exemple, toute musique après 1945 a été exclue, car il y a tellement d'écoles et d'approches que l'article ne bénéficierait pas vraiment de quelques centaines de mots.Table des matièresDévelopperEffondrement
Bien que la musique ancienne ait existé en tant que musique d'église et de cour, c'est bien la musique d'église ancienne, et en particulier la musique d'église vocale, qui allait devenir la musique hautement sophistiquée de Bach, Beethoven et Brahms. Bien que la musique des troubadours, des madrigaux et des ménestrels ait de nombreuses vertus, l'article se concentre davantage sur la musique d'église.
Manuscrit musical médiéval
Tout commence ici, avec une seule ligne de notes. Le chant monophonique, également appelé plain-chant, s'est développé dans divers centres à travers l'Europe. Comme la musique de cour, elle était locale, basée sur les liturgies locales et différentes régions produisaient différents styles de chant. Écoutez la différence entre le chant mozarbique du Portugal et de l'Espagne et le chant amborisien. Les deux font des versions de la partie «Gloria in Excelisus Deo» de la messe.http://www.youtube.com/watch?v=qqiCs3oL3yg
Cela a commencé à changer avec la standardisation de la messe et du chant par l'Église catholique en 1011 après JC. Le résultat fut le chant grégorien, dérivé du mélange des styles de chant des deux principaux centres européens Rome, le centre de l'église, et Paris, le centre. Cela est venu remplacer presque toutes les formes locales de chant. Ici encore, écoutez le Gloria mais fait comme un chant grégorien.
Avec cette normalisation, des développements ont commencé à se produire. Peu à peu, d'autres lignes ont été introduites dans la musique, passant par Organum. Une grande partie de cette musique est encore anonyme. Une fois de plus, différents centres ont expérimenté différentes approches de l'organum, peut-être le plus important était l'anglais. Bien que l'organum fleuri de St Martial ait été le plus important sur l'organum ultérieur, laissant la place à la célèbre école Notre-Dame, l'organum anglais a privilégié l'intervalle de la tierce, qui deviendrait la voie par laquelle la musique modale conduirait à la tonalité majeure / mineure. , Mais plus là-dessus plus tard. Ceux-ci ont ensuite été développés par deux des premiers compositeurs connus, d'abord par Léonin et plus tard par Pérotin. Les deux ont fourni de nombreuses nouvelles techniques de composition, la plus vitale étant le rythme modal, des notes essentiellement irrégulières disposées selon un motif régulier.http://youtube.com/watch?v=gtkmnhnHWhw
La principale différence est que là où le style de Léonin évoluait davantage vers de longues lignes fleuries, Pérotin se concentrait davantage sur l'utilisation de voix plus élaborées, apportant un début ferme à la polyphonie.
Le mouvement initial était de lisser les éléments qui étaient devenus importants dans le style médiéval tardif. Cela impliquait en particulier de simplifier certains rythmes. Cependant, cela a fourni un style plus fluide et à bien des égards ajouté à un rythme plus concentré qui se déplaçait davantage vers la fin de la pièce. L'intervalle de la tierce, avec sa plus grande couleur (mineur et majeur) est devenu plus valorisé. À l'époque médiévale, il était considéré comme un dissonant, et donc subordonné au cinquième et au quatrième.
La musique est progressivement redevenue plus complexe dans la musique de Johannes Ockehem. Son penchant pour les chanoines s'exprime dans sa Missa Prolationum. Cela a été lié à l'augmentation des détails observés dans les arts visuels à l'époque.
Dans les années 1470, le premier impact de l'imprimerie se fait sentir dans la musique. La notation musicale a commencé à prendre forme, permettant l'idée de transmettre la musique et de la faire reproduire plus fidèlement. Cela signifiait également que l'élément local, comme avec l'uniformisation de la messe par l'église en 1011, était dépassé par un internationalisme croissant, en particulier le style franco-flamand de la polyphonie. Avec cela est venu une augmentation de la simplification particulière avec G.P. Palestrine. L'évolution vers un style plus clair est due en partie à la Contre-Réforme et au Concile de Trente. Essentiellement, la décision avait été prise que la musique polyphonique de l'époque rendait les paroles, les textes sacrés divins, incompréhensibles. Ils abandonnèrent l'entremêlement de plusieurs voix dans le style canon d'Ockehem au profit d'imitations de duos et de trios qui se structureraient en cinq ou six sections. Il y avait également de plus en plus de passages d'homophonie (plusieurs voix se déplaçant dans un rythme similaire) pour les passages d'une importance particulière. Palestrina a finalement développé un style de contrepoint fluide à partir de ceux-ci, permettant à la fois clarté et intérêt musical.
L'obsession de l'époque pour l'Antiquité, en particulier les Grecs, a conduit certains à expérimenter une forme de théâtre musical, où la voix racontait une histoire accompagnée d'instruments, essayant essentiellement de reproduire le drame grec. Ils réussissent, un peu. Ils ont créé une forme de théâtre musical qui est toujours présente aujourd'hui, bien que le degré auquel il ressemble au drame grec traditionnel soit discutable.
Encore une fois, nous voyons une localisation s'installer au sein de la musique, car la période baroque offre une variété de compositeurs de divers endroits. Le terme lui-même était à l'origine utilisé comme une insulte au style très orné et apparemment incohérent de la musique. Il est depuis devenu un terme pour décrire un large éventail de compositeurs sur une période de 150 ans. L'un des compositeurs de transition était Jacopo Peri. Il a travaillé pour diverses églises et tribunaux, notamment les Médicis. Son style est nettement moins complexe que la plupart de la musique de la Renaissance avant lui ou que le style plus ornemental qui caractériserait le baroque. Peu de ses œuvres sont jouées aujourd'hui, et souvent uniquement par curiosité. Néanmoins, il est, selon certains, le véritable inventeur d'une nouvelle forme appelée Opéra qui sera plus tard révisée par Claudio Monteverdi dans son L'Orfeo.
L'incomparable J.S. Bach
Les ingrédients de base qui caractériseront la musique baroque ultérieure sont une harmonie tonale sous la forme d'une basse continue (une ligne de basse continue) sur laquelle serait jouée une polyphonie tonale, inspirée du contrepoint développé à la Renaissance. L'intervalle de tierce qui prenait peu à peu de l'importance pour les compositeurs a permis l'émergence des tonalités majeures et mineures comme moyens de gérer la dissonance et le chromatisme qui seront l'élément clé jusqu'à la fin du 19esiècle. A cela s'ajoute la conceptualisation du tempérament égal, divisant les octave en douze parties. Étonnamment, ce ne sont pas douze demi-tons parfaitement accordés. Il y a en fait douze intervalles non accordés, mais le degré auquel ils sont désaccordés est exact, ce qui signifie qu'ils s'équilibrent. Cela a permis la modulation entre les touches. Le Clavier bien tempéré de Johann Sebastian Bach est en quelque sorte une réalisation et une célébration de cette standardisation. La musique instrumentale prend tout son sens. En particulier les instruments à clavier, à savoir le clavecin et l'orgue, sont devenus les piliers de la musique.
J. S. Bach est le géant de cette époque, bien qu'il soit loin d'être le musicien le plus célèbre de l'époque, sa notoriété s'est accentuée à partir du 19ème siècle. Son poste principal était celui de conducteur à Leipzig, essentiellement le responsable de la musique de cette ville. Il a créé de nombreuses œuvres variées, à partir de cantates chorales, de messes, de préludes, de partitas. À l'exception des œuvres théâtrales (comme les opéras), le catalogue de Bach couvre toutes les formes, instruments et orchestres de l'époque.
L'imprimerie a également ouvert la voie à la normalisation. Des textes pédagogiques ont été produits, dont Gradus ad Paranassum (1725) de Johann Fux systématisant le contrepoint des périodes antérieures et Archangelo Corelli, qui a organisé la technique et la pédagogie du violon. La période a également permis une plus grande distinction individuelle. Les compositeurs et les interprètes ont commencé à devenir célèbres à part entière, leur savoir et leur savoir-faire étant transmis soit par la pédagogie, soit dans la presse louant leurs talents.
Bien que la liturgie fournisse encore une base pour certaines œuvres, les compositeurs ont choisi d'organiser le matériau différemment. La forme est devenue plus importante, car la nécessité de rester dans une seule tonalité nécessitait des méthodes d'organisation du matériel musical pour revenir à la «tonique» ou à la tonalité d'origine. Cela a fourni le cadre pour sonate forme ainsi que l'idée de thème et de variations. Les bases de la forme encapsulaient celle du binaire (AABA) ou du trio (ABC).
Pendant la Renaissance, l'accent s'est déplacé sur l'Antiquité classique (d'où son nom) et les gens ont essayé de l'imiter dans le nouvel art et l'architecture. Alors que l'accent était toujours mis sur la formalité et la hiérarchie, tout comme pendant le baroque, l'accent était davantage mis sur une division claire, un contraste fort et un style plus simple, contrairement au style complexe et ornemental du baroque. En termes simples, la polyphonie a cédé la place à une seule mélodie accompagnée d'une harmonie subordonnée. Révéler le changement de modulation, comme entre le premier et le deuxième thème d'une sonate, est devenu de plus en plus important. La connaissance des musiciens plus âgés avec leur expertise technique était nécessaire, mais le nouveau style est venu des musiciens plus jeunes. C.P.E. Bach a prouvé une excellente combinaison de ces deux. Il a acquis de son père la connaissance des techniques anciennes mais a pu les utiliser dans des styles plus récents appréciés du public. Cette période de transition qui conduira des gens comme Joseph Hayden et Wolfgang Amadeus Mozart daté d'environ 1730-1760. Le fait est que Bach, bien que toujours respecté, était devenu une sorte de relique.
La simplicité avait aussi des raisons et des avantages économiques. Le goût pour la nouvelle musique est devenu une fixation publique, mais les ressources dont disposait un compositeur étaient plutôt limitées. Alors que Bach disposait de tous les musiciens de Leipzig, Mozart, par exemple, devait embaucher des musiciens, ce qui signifiait des répétitions, et les répétitions coûtaient de l'argent. Afin de limiter le budget, les pièces ne nécessitant qu'une seule répétition deviennent à la mode.
Un rassemblement de cour pour écouter de la musique
Pendant cette période, la musique de cour (les compositeurs étaient au service des nobles) a prospéré. Le c notre orchestre de Mannheim était le plus célèbre à l'époque et a donc influencé les styles musicaux de nombreux compositeurs, dont Hayden et Mozart. Hayden est souvent appelé le père des deux Symphonie et le Quatuor à cordes . Dès son plus jeune âge, il a reçu une formation musicale et a finalement été embauché comme choriste à la cathédrale Saint-Étienne de Vienne. En vieillissant, sa voix a mûri défavorablement et suite à une farce mal reçue d'un collègue choriste, il a été renvoyé. Par la suite, il a occupé divers emplois et, réalisant son manque de connaissances en théorie musicale et en composition, il a étudié de nombreux textes qui avaient été rendus disponibles sous forme imprimée pendant la période baroque (notamment le traité de Fux) et a étudié le travail de C.P.E. Bach. Cela a finalement conduit à son emploi dans le domaine Esterházy, ce qui l'a aidé à développer son style et son succès.
L'autre grand changement économique était que les musiciens devenaient de plus en plus des agents libres. Avant, la musique n'était créée qu'à l'intérieur et pour la cour. Mozart, par exemple, a vendu des abonnements à ses concerts pour se financer, plutôt que de compter sur le mécénat royal. D'autre part, Hayden a utilisé la stabilité de sa nomination à la cour pour se concentrer sur la création de nouvelles façons de composer et de structurer des œuvres dans la nouvelle esthétique de l'époque, Mozart a recherché le succès dans le domaine public. Cela signifiait être un interprète virtuose et composer des opéras. Les deux ont permis de jouer sur plusieurs nuits et des horaires de tournées, permettant à Mozart de générer un revenu viable. Il a également préféré une plus grande utilisation des accords chromatiques et une combinaison de mélodies au sein d'une seule œuvre. Sa formation avec Hayden lui a fourni une approche plus structurée et disciplinée qui l'a amené à devenir plus coloré et virtuose. Son style de composition exigeait plus d'attention et d'interaction au sein de l'orchestre et posait un plus grand défi aux musiciens individuels. Cette approche plus technique exigeait plus du compositeur que de l'interprète, et le public en demandait plus. Dans le même temps, ces exigences accrues en matière de compétences ont différencié le classicisme ultérieur vers 1780 de la période de transition antérieure (1740-1760). Hayden et Mozart étaient tous deux considérés comme des génies à l'époque et connaissaient un grand succès.
Dans la suite, une nouvelle génération de musiciens fait son apparition, et le plus connu et le plus acclamé est définitivement Ludwig van Beethoven . Tout comme Mozart, il a acquis une réputation d'interprète virtuose, particulièrement remarqué pour son improvisation. Cependant, ses compositions ont un impact encore plus grand : elles sont plus longues, plus complexes. plus «pianistique» par opposition à «vocal», et a assuré une plus grande interaction entre les instruments, conduisant à un nouveau style. La première notion classique de simplicité plutôt que de complexité était usurpée. La forme a permis une plus grande exploration du matériau musical. L'endroit le plus clair pour voir cela est dans les sections de développement des œuvres de Beethoven. Plutôt que l'espièglerie de Mozart, Beethoven a retravaillé ses thèmes de manière large, audacieuse et compliquée. Son objectif principal était de créer une œuvre d'art monumentale et originale. En conséquence, son approche de la qualité signifiait qu'il créerait moins de volumes : alors que Hayden a composé plus de 100 symphonies, Mozart en a écrit 41 et Beethoven à peine 9 symphonies . Cependant, l'intensité émotionnelle et la sophistication musicale qui existent dans les symphonies de Beethoven indiquent le changement ultime. Bien que Beethoven ait commencé sa carrière en tant que classiciste, il l'a terminée en tant que proto-romantique.
L'intérêt croissant pour la nature, la glorification de la pensée subjective et l'intérêt pour le surnaturel caractérisent le romantisme. La standardisation qui s'est opérée à l'époque classique a été testée et poussée à ses limites, car chaque compositeur avait sa propre approche subjective. par conséquent, les styles de forme libre tels que les nocturnes, les rhapsodies et les préludes sont devenus populaires. Un excellent exemple de ceci est Frédéric Chopin . Il a incorporé des éléments de musique folklorique dans ses mazurkas, bien qu'elles soient destinées à la salle de concert.http://www.youtube.com/watch?v=e8PJsjO1u5w
Les musiciens sont devenus libres de la noblesse car les musiciens pouvaient désormais fonctionner de manière indépendante ou par l'intermédiaire de diverses organisations d'éducation musicale. L'un de ces moyens était l'intérêt accru pour la musique des classes moyennes, ce qui offrait aux compositeurs un moyen de gagner un revenu régulier. Chopin, par exemple, n'a donné que quelques concerts. Ses revenus habituels provenaient des leçons et de la vente de ses manuscrits.
Cette indépendance a conduit d'autres à avoir de grands horaires de tournées et de concerts. Les compositeurs et les interprètes sont essentiellement devenus des rock stars, adulées par le public. Deux des principaux exemples sont le violoniste Nicollo Pananini et Franz Liszt. Paganini a effectivement inspiré la liste, avec sa prouesse technique au violon, pour l'assortir au piano. Les duels sont devenus une caractéristique régulière entre pianiste. Liszt avait une rivalité particulière avec Sigismond Thalberg, un collègue compositeur et virtuose, où ils essayaient essentiellement de réduire la popularité de l'autre dans les médias. Cela ne fonctionna pas vraiment et donc, pour régler les comptes, le 31 mars 1837, Liszt et Thalberg eurent un duel dans le salon de la princesse Cristina Belgiojoso. Chacun a d'abord joué un morceau déjà dans son répertoire. Puis chacun a joué une pièce d'extrême difficulté technique qu'il avait préparée spécifiquement pour la rencontre. Liszt était Réminiscences de Robert le Diable. Bien que cela ait été qualifié de match nul par les personnes présentes, Thalberg, qui avait rivalisé avec Liszt pendant de nombreuses années, ne l'a plus jamais défié.
De l'autre côté de ce spectre se trouvait Wagner. Wagner voulait créer Gesamtkunstwerk (l'œuvre d'art totale) dans laquelle les éléments poétiques, visuels, musicaux et dramatiques de l'art se rejoignaient. Les orchestres se développaient au cours de cette période avec l'introduction de plus d'instruments et de rôles plus importants pour ceux qui existaient déjà. Mais pour Wagner, les progrès étaient trop lents. Il la voulait encore plus grande. Certains instruments qu'il a spécifiés pour ses orchestres tels que l'octobass, une basse si grosse qu'il fallait des gens pour en jouer. Il était également l'un des rares compositeurs de cette période à obtenir le patronage sous la forme de Louis II de Bavière. Cela lui a permis de construire le Bayreuth Festspielhaus (Festival Theatre). Ici l'orchestre est caché sous une hotte pour d'une part le soustraire à la vue de l'orchestre, le drame était primordial chez Wagner, et d'autre part pour corriger l'équilibre entre les chanteurs et l'orchestre. La musique utilisait de plus grandes quantités de chromatisme et de dissonance qui ajoutaient à l'effet dramatique de la musique. Bien que le cycle de l'anneau soit l'œuvre mammouth de cette époque, c'est le prélude de Tristan und Isolde, avec le célèbre accord de Tristan (00:12) qui met en évidence le désir émotionnel et le défi chromatique qui caractérisent l'œuvre de Wagner.
Au début du 20e siècle, les compositeurs étaient fatigués des conventions et de la standardisation qui s'étaient produites à l'époque de la pratique courante et ont commencé à explorer davantage de méthodes pour organiser leur musique. Pour certains, cela signifiait simplement étendre ces conventions, comme Sergei Rachmaninoff qui a composé de la musique dans le style romantique jusque dans les années 1940.
Igor Stravinski
D'autres ont choisi de redéfinir, muter ou rejeter les conventions précédentes. Claude Debussy était l'un de ces compositeurs. Initialement fasciné par wagner La musique tonale hautement chromatique de est finalement arrivée à la conclusion qu'il s'agissait d'un magnifique coucher de soleil pris pour une aube. Lui, comme d'autres, s'était rendu compte que l'approche de la tonalité de Wagner était une limitation de la tonalité. Il a donc cherché d'autres manières d'organiser son matériel. D'une certaine manière, il a regardé en arrière et a utilisé des modes pour ses compositions tout comme pendant les périodes médiévales et de la Renaissance. Cela lui a donné une ambiguïté tonale et la liberté de déplacer sa musique comme en témoignent Prélude à l'après-midi d'un faune . Il révèle également l'utilisation par Debussy d'harmonies non fonctionnelles, où, au lieu de faire avancer la pièce, l'harmonie colore simplement la mélodie. Pendant cette période, les cuivres et les instruments à vent ont commencé à concurrencer les instruments à cordes traditionnels.
Une autre œuvre gigantesque du début du 20ème siècle a été Igor Stravinski C'est Le Sacre du Printemps. Provoquant une énorme indignation publique et une quasi-émeute lors de sa première en 1913, la pièce, avec ses mélodies apparemment cacophoniques qui se mêlent et la nature violente des rythmes forts, a révélé de nouveaux domaines de fascination de l'ère moderniste. Plutôt que d'avoir la hauteur comme élément principal de la musique, elle est devenue subordonnée à l'atmosphère créée par la texture, le rythme et le ton.
et enfin Arnold Schoenberg et la musique dodécaphonique. Alors que Debussy et Stravinsky recherchaient des techniques et des sons nouveaux et exotiques pour créer leur musique, Schoenberg s'est fixé sur les bases mêmes de l'ère de la pratique courante, les douze tons de tempérament égal. Parfois appelée musique atonale, pour éviter que cela ne tombe dans le chaos complet, Schoenberg a dérivé un système qui exigeait que les douze tons soient utilisés successivement, puis que cette succession soit répétée pour le reste de la pièce. Le système, bien qu'abordé dans une direction différente de celle de ses contemporains, nécessitait également une plus grande concentration sur la texture, l'instrumentation, la dynamique et le rythme.
Bien que créant un effet intéressant, voire obsédant, il n'a pas vraiment été bien accueilli. Néanmoins, la technique de Schoenberg a joué un rôle central dans la musique occidentale au cours des décennies suivantes avec des compositeurs tels que Pierre Boulez et Stockhausen développant sa technique de douze tons dans un sérialisme complet, dans lequel chaque élément, de la hauteur à la dynamique en passant par le rythme, était soumis à un système rigoureux. Encore une fois, les résultats n'étaient pas populaires et beaucoup, comme les minimalistes, l'ont rejeté catégoriquement.
J'espère que cette introduction à l'histoire de la musique classique occidentale vous a donné une idée des différents styles à différentes époques. Plus que tout, j'espère que cela vous permettra d'apprécier davantage les différents types de musique. Quelle est votre époque préférée de la musique classique, ou quels sont vos compositeurs préférés ? S'il vous plaît laissez-nous savoir dans les commentaires.