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Mit einer bereits erfolgreichen Karriere als Stuntman und Stuntkoordinator bei einigen der größten Filme und Franchises Hollywoods, „Mission Impossible II“, „X-Men Origins: Wolverine“, „Men In Black“, „Get Shorty“ und „Live Free or Stirb langsam“, um nur einige zu nennen, springt BRIAN SMRZ mit dem actiongeladenen, hochoktanigen 24 HOURS TO LIVE auf den Regiestuhl. In seiner zweiten Rolle als Regisseur eines Spielfilms (der erste war „Hero Wanted“ im Jahr 2008) wurde Smrz für „24 HOURS TO LIVE“ von keinem geringeren als „John Wick“-Produzenten Basil Iwanyk angezapft.
Mit Ethan Hawke als Travis Conrad, ehemaliger Soldat, der zum Söldner für die Schattenfirma Red Mountain in Südafrika wurde, erfüllt Hawke Travis mit einer seltenen Menschlichkeit und spielt mit den Schwächen und Schwächen des Menschen – sei es bei Travis oder seinen Feinden – mit großartigem Ergebnis . Wir treffen Travis zum ersten Mal, wie er mit seinem Schwiegervater sauft und nicht in der Lage ist, mit dem Leben nach dem Tod seiner Frau und seines Sohnes im Jahr zuvor fertig zu werden, als er von seinem Kumpel Jim auf Befehl von Red gerufen (auch bekannt als „befohlen“) wird Mountain-CEO Wetzler, dass er sofort zurückkommen und den Whistleblower Keith ermorden muss, bevor er in einer UN-Untersuchung über die wahren Vorgänge bei Red Mountain aussagen kann; Vorgänge, von denen Travis keine Kenntnis hatte.
Als Intel enthüllt, dass Keith von Interpol Agent Lin beschützt wird und sich in Südafrika aufhält, begibt sich Travis ebenfalls dorthin, um Keith zu finden und zu töten. Unnötig zu erwähnen, dass es zu einem Showdown zwischen Travis und Lin kommt, bei dem Lin Travis tötet. Aber Travis stirbt nicht. Er wird von einem Arzt wiederbelebt, der für Red Mountain an einem Frankenstein-ähnlichen Verfahren gearbeitet hat. Das Problem mit der Wiederbelebung ist, dass sie nur vorübergehend ist und Travis nur noch 24 Stunden zu leben gibt, was gerade genug Zeit für ihn ist, eine neue Aufgabe zu erfüllen – Lin dazu zu bringen, Informationen, die sie hat, weiterzugeben und sie dann zu töten. Als Versicherung haben Jim und Co. Lins Sohn entführt. Der immer noch trauernde Vater steht nun vor seinem größten moralischen Dilemma. Führt er seine Befehle aus oder dreht er den Spieß um und hilft Lin, nachdem er die Wahrheit hinter den Josef-Mengele-ähnlichen Experimenten erfahren hat, die Red Mountain durchgeführt hat? Wie auch immer die Entscheidung ausfällt, 24 HOURS TO LIVE nimmt sowohl in der Geschichte als auch in der Handlung eine Vitalität und Intensität an, die mehr als berauschend und letztendlich zum Nachdenken anregend ist.
In diesem exklusiven Interview mit Regisseur BRIAN SMRZ spricht er über praktische Stunts und Action, Charaktere und Casting, Sicherheit, Sound, organisches Verhalten und manchmal „Wing It“ und mehr. . .
Ich freue mich sehr, Sie bei diesem Film im Regiestuhl zu sehen, Brian. Es ist eine originelle Prämisse, und Sie haben Ethan [Hawke], der sich in den letzten Jahren mit Action-Rollen wirklich gut entwickelt hat. Wie ist dieser Film zu dir gekommen, Brian?
Es kam zu mir von den Produzenten von „John Wick“, Basil Iwanyk und diesen Jungs. Um ehrlich zu sein, kam es zu mir, weil „John Wick“ so ein Hit war, dass sie nach wem sonst noch aus dieser Actionwelt suchen konnten, um einen Film zu machen. Sie kamen also irgendwie zu mir, weil „John Wick“ ein Hit war und mein Name wegen meiner Arbeit auftauchte. Also ging ich runter und traf ihn, er mochte mich und er gab es mir. Und zu der Zeit war Ethan [Hawke] nicht daran interessiert, also gingen wir einfach zum Casting.
Was denkst du über das Drehbuch von diesem hier, als du es gelesen hast? Es hat eine nette Wendung, und dieses ganze wissenschaftliche Verfahren, bei dem Menschen in armen, unterentwickelten und benachteiligten afrikanischen Ländern als Versuchskaninchen verwendet werden, um es zu entwickeln, um Sie von den Toten zurückzubringen, aber es funktioniert nur, um Sie 24 Stunden lang am Leben zu erhalten Original.
Um ehrlich zu sein, als ich das Drehbuch bekam, haben wir eine Menge Änderungen daran vorgenommen. Die erste Hälfte, oder die ersten 40 von 100 Seiten, war ziemlich nah an dem, was sie sind, aber wir haben viele Änderungen vorgenommen, um einfach alle Punkte zu verbinden, damit es versucht, einen Sinn zu ergeben und alles zusammenzukommen. Ich dachte, es wäre wirklich interessant zu versuchen, wie Sie sagten, ein bisschen Science-Fiction, ein bisschen Realität, ein bisschen übertrieben zu verbinden. Versuchen Sie einfach, alles miteinander zu vermischen. Versuchen Sie, etwas zu machen.
Ich denke, Sie haben wirklich großartige Arbeit geleistet, und Sie haben sie auch auf globaler Ebene umgesetzt.
Ein Teil davon hängt mit den Dreharbeiten in Südafrika zusammen. Das war das einzig Schöne. Ich habe es wirklich gemocht, in Südafrika zu drehen. Eines der großartigen Dinge daran ist natürlich, dass der Dollar sehr stark ist, also konnten wir unser Budget dort ausdehnen. Und die Landschaft nutzen zu können, machte es schön. Zumindest filmen Sie nicht irgendwo und versuchen, es so aussehen zu lassen, als wäre es woanders. Das war also eine große Hilfe. Behandeln Sie es für sich. Passen Sie es an, wo es war.
Es trägt wirklich zum Realismus und zur Glaubwürdigkeit bei, und das habe ich sehr geschätzt. Es war nicht so weit draußen im linken Feld, und es ist ein sehr kluger Schachzug, es auf dieser globalen Ebene zu haben. Also, wie bricht man zusammen und nähert sich einem Film wie diesem, der so actionlastig ist? Wie unterteilen Sie es in das, was Sie praktisch vor der Kamera tun werden, oder ob Sie dafür Spezialeffekte hinzufügen werden? Wie gehen Sie vor, um dies aufzuschlüsseln und mit Ihrer DP zusammenzuarbeiten? Ben Nott ist die Zusammenarbeit mit Ethan [Hawke] nicht fremd.
Nein, ist er nicht. Das Wichtigste für mich ist, dass ich alles so praktisch wie möglich mache. Ich bin schon lange dabei, also sind mir persönlich die Filme zu computergeneriert geworden, die Action schon, und ich denke, die meisten Leute, die in der Actionwelt sind, fühlen sich so. Also versuchen wir, wo immer wir können, es herunterzufahren und so viel real wie möglich zu machen. Schauen Sie, ich liebe die Technologie und die Computergrafik und alles. Wenn Sie es brauchen, brauchen Sie es, und es ist großartig. Und ich denke, die meisten Visual-Effects-Typen stimmen dieser Aussage auch zu. Sie tun so viel real wie Sie können, und verbessern dann das, was Sie brauchen. In diesem speziellen Film, wo wir einen sehr begrenzten Zeitplan und Zeit und alles hatten, diktiert das wirklich, wo man aufhört. Wir mussten das CG-Blut sehen. Wir haben hauptsächlich Nicht-Waffen verwendet. Sie werden Airsoft-Waffen genannt, also haben wir die Waffen nicht mit Platzpatronen geladen und wir machen keine Squibs. Das ist super zeitaufwändig. Und um ehrlich zu sein, oft, und ich habe Tonnen davon gemacht, also haben wir ein paar echte Squibs gemacht, aber zum größten Teil sind etwa 90 % davon CG.
Es kommt wirklich auf die Zeit an, denn oft wäre es großartig, wenn Sie die Blutpackungen und die echten Waffen und all das machen könnten. Es würde tatsächlich noch mehr Realismus hinzufügen, aber es würde ernsthaft viel zu viel Zeit für das, was wir hatten, hinzufügen. Außerdem ist es offensichtlich einfach sicher. Es ist sicher und einfacher aufzubewahren, das war also eine große Sache. Das sind die wichtigsten Dinge, die im Film CG sind. Und Ethan hat tatsächlich seine eigenen Blutschläge gemacht. Wir haben ihn sowohl am Anfang als auch am Ende blutig getroffen, wenn er angeschossen wird. Er hat es tatsächlich auf die altmodische Art und Weise gemacht, was hilft, weil es ihm etwas gibt, worauf er reagieren kann, und es hat einfach ein viszeraleres, realeres Gefühl. Als das Gebäude am Ende explodiert, haben wir auch eine echte Explosion an der Basis gemacht. Wir haben mit einer echten Explosion angefangen, aber dann haben wir die Computerübernahme, weil wir dort nicht einmal ein Gebäude hatten. Es gab kein Gebäude. Roter Berg. Es gab überhaupt kein Gebäude. Es war nur ein grüner Bildschirm, als er durchfährt und in das Gebäude fährt. Und dann hatte ich ein kleines Versatzstück, wo wir mit einem Auto hineingefahren sind. Aber wenn er am Tor sitzt und du zusiehst und siehst, dass er gleich auf das große Gebäude zufährt, ist das alles CG. Wir hatten ein Set auf der Bühne für drinnen und wir haben Paul Anderson verwendet, das Zimmer seiner Figur Morrow war ein echter Drehort draußen in Kapstadt.
Es kam wirklich darauf an, zu versuchen, so viel real wie möglich zu tun. Wenn ich ein echtes Gebäude hätte finden können, hätte ich ein echtes Gebäude benutzt, aber wo finde ich ein echtes Gebäude, auf das ich zufahren kann, das den Komplex schließen und mich hineinfahren lässt? Es wird einfach nicht passieren. Sie machen Kompromisse. Du überlegst: „Was kann ich wirklich tun? Was kann ich nicht?“ Und von dort gehen. Und schauen Sie sich Ihren Zeitplan und Ihre Zeit und all das Zeug an.
Ich muss Ihnen sagen, diese Szene war sogar eine meiner Notizen zum Film – „dritter Akt, Auto fährt in Glasgebäude. Sehr cool!' Diese ganze Sequenz ist nahtlos.
Weißt du, wir haben tatsächlich ein altes Gebäude gefunden, in das sie uns hineinfahren ließen, also sind wir mit einem Auto in das Gebäude gefahren und haben das Glas durchbrochen, aber es sind vielleicht nur die letzten 50 Fuß oder 100 Fuß. Selbst dann sind es nur grüne Bildschirme, die mit dem realen Ort übereinstimmen, an dem wir all die breiteren Dinge gemacht haben. Auch hier ist es meiner Erfahrung nach praktisch, weil ich in so vielen verschiedenen Situationen war, dass ich weiß, womit wir mit CG und Real davonkommen und wie man beides miteinander verbindet.
Sie haben in den frühen 80er Jahren in diesem Geschäft angefangen, also haben Sie solche Veränderungen in der Branche gesehen, aber ich bin so froh zu hören, dass Sie immer noch ein Purist sind und es so oft wie möglich zu praktisch, praktisch, praktisch zurückkehrt.
Ja. Selbst mit dem großen Budget, den „X-Mens“ und all dem, würde ich immer dafür kämpfen, so viel real wie möglich zu machen. Und wieder werden die meisten Visual-Effects-Experten dieser Theorie tatsächlich zustimmen. Es gibt dir einfach eine gute Basis. Selbst wenn sie Dinge ändern werden, möchten Sie die Dinge erden. Sie möchten, dass die Leute glauben, was sie sehen, denn wenn Sie das nicht tun, ist es Ihnen egal. Wenn du nicht glaubst, dass sie in Gefahr sind, dann verlierst du alles damit, dich darum zu kümmern, was mit der Figur passiert, wenn du wirklich nicht glaubst, dass sie in Gefahr ist.
Ich freue mich sehr, dass Sie Colin Follenweider als Ihren Stunt-Koordinator für diesen Film gewonnen haben.
Er war großartig. Ich denke, es war seine erste Stunt-Koordination, um ehrlich zu sein, aber ich habe in den letzten Jahren einige Male mit ihm zusammengearbeitet, also hatte ich das Gefühl, dass er gut passen würde. Ich wurde im Grunde mit mir und ihm in Afrika abgesetzt. Das ist es. Ich kannte sonst niemanden, also ist das ein kleiner Deal. Ben [Nott] war großartig, aber ich kannte ihn vorher nicht. Ich kannte niemanden, aber sie haben dort drüben in Kapstadt gute Leute.
Wie sind Sie und Ben [Nott] beim Design der Visuals und des Shootings selbst vorgegangen? Offensichtlich haben Sie einiges davon mit einem Storyboard versehen. Ich bin sicher, Sie haben auf der Liste geschossen, aber hier geht es nicht nur darum, die Action zu fotografieren. Sie fügen wirklich ein paar nette visuelle Akzente mit dem Dutching der Kamera hinzu. Ein paar schöne POV-Aufnahmen zwischen Ethan und dem kleinen Jungen. Welche Art von Diskussionen hatten Sie beide über die gesamte visuelle tonale Bandbreite, die Sie wollten, aber auch darüber, zu variieren und die Winkel für das Geschichtenerzählen zu nutzen?
Ben und ich haben uns, wie gesagt, sehr gut verstanden. Gerade während der Vorbereitung haben wir uns kennengelernt, und ich war sehr darauf bedacht, dass es sich einfach organisch anfühlt, damit es nicht statisch ist. Ich habe nicht versucht, große Sturzflüge zu machen. Machen Sie einfach ein organisches, echtes Gefühl. Und so kamen wir beide, nur um die Dinge durchzusprechen, ziemlich schnell auf die gleiche Seite. Ja, ich habe das Gefühl, dass es gut geklappt hat. Er war ein guter Kerl. Ich hatte Glück, ihn zu bekommen.
Du bringst wirklich ein paar schöne, intime Aufnahmen mit Ethans Charakter Travis und Paul Andersons Charakter Jim ein. Du hast uns wirklich mit den Charakteren verbinden lassen. Sie werden nicht auf Distanz zum Publikum gehalten.
Recht. Nein, und Paul war auch großartig. Es war wirklich eine Freude, mit ihm zu arbeiten. Ich kannte ihn auch nicht. Ich meine, ich kannte niemanden, aber ja, nein, er stellte sich als großartig heraus.
Wie viel Zeit haben Sie und Ihr Cutter Elliot Greenberg damit verbracht, diesen Film zu schneiden?
Nun, wir hatten unseren zehnwöchigen Director’s Cut, und ich muss ehrlich sagen, ich hatte ziemlich schnell einen Schnitt. Ich hatte in ungefähr fünf Wochen einen Schnitt, der sich nicht viel verändert hat, um ehrlich zu sein. Am Ende zeigte ich Thunder Road den Schnitt des Films, wahrscheinlich in fünf, sechs Wochen. Wir haben kleine Änderungen vorgenommen, die wir beibehalten haben. Sie haben es immer fein abgestimmt, aber es hat sich nicht drastisch geändert. Die Sache ist die, mein Produzent Jon Kuyper war unnachgiebig, als wir anfingen. Er sagte: „Brian, schneide das Ding ab!“ Er versuchte immer wieder, mich dazu zu bringen, es zu kürzen. Am Ende war es wie ein 95-seitiges Drehbuch, also hatten wir nicht viel Fett drauf. Als du in den Schneideraum gingst, habe ich es auf eine bestimmte Weise gedreht, damit es nicht so ist, als hätte er eine ganze Menge Auswahlmöglichkeiten von „Lass uns das hierher verschieben, das dorthin verschieben“. Es hat einfach nicht wirklich funktioniert, also war es so, als würde man es einfach zusammenbauen. Am Ende haben wir zwei Szenen aus dem Film herausgeschnitten, aber größtenteils passte es so zusammen, wie wir es gedreht hatten. Ich mag Elliot. Er ist toll.
Du hast fest geschossen! Ich liebe, was Elliott in „No Escape“ gemacht hat, und was er mit Stallone und Schwarzenegger in „Escape Plan“ gemacht hat. Aber mit „No Escape“ hat er richtig abgefahren, und es sah richtig gut aus. Ich fand ihn besser geschnitten als „Fantastic Four“.
„Fantastic Four“ ist interessant, weil ich dort Elliot kennengelernt habe. Ich habe ihn dort getroffen, und obwohl ich nicht an „Fantastic Four“ gearbeitet habe, war ich an der Gestaltung der Endsequenz beteiligt. Es war nur eines dieser Projekte, und sie holten mich dazu, um beim Design zu helfen, aber ich habe eigentlich nichts gefilmt. Aber ich hatte mit Elliot zu tun, weil ich mir nur angesehen habe, was sie hatten. Ich habe mich einfach gut mit ihm verstanden. Aber zu diesem Zeitpunkt hatten sie andere Redakteure dort, also gab es mehrere Redakteure bei „Fantastic Four“. Aber ich mochte Elliots Persönlichkeit, also verstanden wir uns gut, und er war auch großartig darin. Ich mag ihn wirklich.
Wie schwierig war es, diesen Film zu besetzen? Ethan Hawke ist in den letzten Jahren mit „In A Valley of Violence“ und „Magnificent Seven“ wirklich zu seiner eigenen „Action“ geworden und hat so viel seiner eigenen Stuntarbeit gemacht. Und ich weiß, dass er in Courtney Solomons „Getaway“ alles selbst gefahren ist, also denke ich, dass er eine ausgezeichnete Wahl war, um hier Travis zu spielen.
Als wir Ethan bekamen, und das war eine Entscheidung, denn das ist nicht wie jeder andere Actionfilm. Es hat definitiv ein bisschen Ethan-Hawke-Drama-Tiefe, und das war ein Teil der Sache. Es ist wie, lasst uns einen Film machen, der einen Schauspieler hat, der nicht unbedingt mit Actionfilmen in Verbindung gebracht wird, und ihn damit kombinieren. Er hat viele [der Stunts] selbst gemacht. Er war gut. Er hat es getan, wo er es tun musste, und dann haben wir hin und wieder jemanden reingeworfen, wo es ihm leichter fiel. Aber das meiste hat er geschafft.
Rutger Hauer als Schwiegervater von Travis. Es ist immer wieder spannend, ihn zu sehen. Er hat nur minimale Bildschirmzeit, aber es spricht wirklich für den Charakter, der Travis dann ist. Und dann kommt Paul [Anderson] und Liam Cunningham dazu. Wie kam Ihr Casting ins Spiel?
Ethan war eigentlich derjenige, der Rutger vorgeschlagen hat. Sie waren Freunde. Sie hatten ein paar Filme zusammen gemacht. Wir alle dachten, das sei eine wirklich großartige Idee, weil ich wirklich jemanden wollte, der älter ist, und er ist ungefähr 71, was ich für ein perfektes Alter hielt. So war die Rolle geschrieben, aber es war interessant, denn als wir versuchten zu besetzen, brachten alle immer wieder Namen von jüngeren Leuten zur Sprache. Ich sage: „Nein, der Typ muss um die 70 Jahre alt sein.“ Als Ethan Rutger erwähnte, fand ich ihn großartig, und wir sprachen mit ihm, und es war wunderbar, mit ihm zu arbeiten. Er ist einfach eine wahre Freude. Und dann kam Paul. Wir hatten tatsächlich Common. Ich weiß nicht, ob Sie das wissen, dass Common ursprünglich die Rolle des Paul spielte, und er brach ab. Er sagte, es hätte mit Musikkram zu tun, Last-Minute-Musik. Ich hatte Common getroffen und wir hatten ein wirklich tolles Gespräch. Er war begeistert, es zu tun, und dann hat er uns verlassen. Wenn Sie in letzter Minute Änderungen vornehmen und dort drüben in Afrika sind, kam es ein bisschen darauf an, wen wir bekommen konnten. Und dasselbe gilt für Liam [Cunningham]. Leute, die in England waren, haben es einfacher gemacht, weil es wirklich schwierig ist, Jungs dazu zu bringen, in letzter Minute für einen kurzen Teil vorbeizukommen. Es ist ein 24-Stunden-Flug, und um jemanden für ein paar Tage mitzubringen, und dann, oh, du musst nach Hause gehen, und dann kommst du zurück, also wurde es ein bisschen so, dass es für uns besser war, wenn wir könnte Menschen verwerfen, die an diesem Ende der Welt waren. Aber gleichzeitig wollten wir Schauspieler, die nicht unbedingt superkommerziell, sondern wirklich gute Schauspieler waren. Ich war also sowohl mit Paul als auch mit Liam zufrieden. Wir waren alle wirklich begeistert, die Jungs zu bekommen.
Ich denke, die Kontraste und Ähnlichkeiten in den Charakteren zwischen Jim und Travis, dass Ethan und Paul die Rollen spielen, ich mag wirklich, was Sie ihnen erlaubt haben.
Ich habe es wirklich deutlich gemacht. Mit beiden hatte ich am Anfang ein Gespräch. Es war mir einfach sehr wichtig, dass wir uns ihnen sehr verbunden fühlen. Andernfalls gibt es bei diesen beiden am Ende keine Auszahlung. Paul, ich weiß nicht, ob du es weißt, er hat im wirklichen Leben einen wirklich starken englischen Akzent, also dachte ich, dass er einen wirklich guten Job gemacht hat, einen amerikanischen Akzent zu machen. Aber ich denke auch, dass er es wirklich gut gemacht hat, einfach zu glauben, dass sie eine gemeinsame Vergangenheit haben. Ich fand, dass die beiden das wirklich toll gemacht haben.
Dann sind Sie hier in einem schweren Actionfilm und haben es auch mit einem kleinen Kind zu tun, das bezaubernd ist, möchte ich hinzufügen.
Ja wir waren. Er ist hinreißend und es war interessant, weil alle ständig versuchten, mich dazu zu bringen, jemand anderen zu besetzen. Du sprichst von Ethans Sohn, dem, auf den er zurückgeblitzt ist. Ja, er ist ein entzückender kleiner Kerl. Es war interessant, weil er offensichtlich ein Einheimischer ist, und sie versuchten immer wieder, mich dazu zu bringen, jemanden zu bekommen, der älter ist, weil solche kleinen Kerle nicht sehr gut zuhören, und er war einfach phänomenal. Er hörte wirklich gut zu und war sehr aufmerksam. Es war großartig, mit ihm zu arbeiten.
Natürlich hatten Sie den anderen jungen Mann, Jeremy Yong, der Christopher spielte, den Sohn von Qing Xus Charakter Lin. Er hat mir am Anfang einfach das Herz gestohlen, wo Ethan zu ihm kniet und über den Rucksack und Hulk und Wolverine spricht. Die Einstellung, die Jeremy darin an den Tag legte! Er war großartig als Christopher.
Das war knifflig, weil die Stimme von Qing Xu durch die ganze Sache synchronisiert wird. Also suchten wir nach einem asiatischen Jungen, der einen kleinen englischen Akzent hatte, und es war einfach sehr schwierig. Es ist tatsächlich seine erste Schauspielrolle. Er ist wie ein Superstar-Gitarrentyp. Er war bei „Little Big Shots“ und „America’s Got Talent“ und all dem dabei. Er ist es gewohnt, aufzutreten, aber es war seine erste Schauspielrolle. Daher habe ich es auch sehr genossen, mit ihm zu arbeiten. Er war gut. Er war ein guter Kerl.
Ich muss Sie nach Ihrem Sound fragen, weil in Actionfilmen der Dialog so oft beeinträchtigt wird. Geräusche werden durcheinander. All das haben Sie hier nicht. Was waren deine Überlegungen zu deinem Sounddesign und der Zusammenarbeit mit deinen Soundleuten? Wir können den Unterschied zwischen den verschiedenen Waffen hören. Wir können Body Hits, Body Slams hören. Sie haben hier ein schönes Hörerlebnis.
Nun, ich werde sagen, sie haben mir die besten, besten Leute für die Tonbearbeitung und das Mischen gegeben [Kelly Oxford, Sunny Warkentin]. Sie sind alle tolle Jungs. Und ich stimme Ihnen zu, der Sound ist so wichtig, und deshalb ist es einfach großartig, die besten Leute in Kapstadt zu haben. Ich weiß, wie wichtig Sound ist, also haben wir wirklich versucht, unser Bestes zu geben, um ihn nicht als selbstverständlich zu betrachten. Versuchen Sie, die Dinge so leise wie möglich zu machen. Versuchen Sie, dort alle benötigten Sounds zu erhalten. Und dann hatte ich wieder das Glück, dass Basil und Kent Kubena, er war eine Art mein Partner und er war großartig, sie wollen wirklich einen Qualitätsfilm machen. Sie versuchen nicht, einfach einen Film zu machen und: „Hey, lasst uns ihn verkaufen und rausgehen und fertig sein.“ Jeder versucht wirklich mit Herzblut, es so gut wie möglich zu machen. Das ist also nur ein Schlüsselelement, ein gutes Produktionsteam zu bekommen, das sich wirklich darum kümmert, und das hatte ich definitiv. Das ist definitiv etwas, das ich mitnehme, das wahrscheinlich eines der wichtigsten Dinge ist, einfach ein Team von Leuten hinter sich zu haben, die auf derselben Seite stehen und einen guten Film machen wollen. Und wissen Sie, es kommt oft vor, dass das nicht passiert. Alle daran beteiligten Personen? Ich war begeistert von ihrer Einstellung und dem, was sie zu tun versuchten, also fühle ich mich glücklich. Ich würde wirklich noch einmal darauf drängen und versuchen sicherzustellen, dass das intakt ist, weil es schwierig ist, einen Film zu machen. Sie brauchen alle Hilfe, die Sie bekommen können.
Natürlich machen Sie sich bei Actionfilmen und praktischen Stunts auch Sorgen um die Sicherheit, und wenn Sie nicht das Beste haben, gehen Sie dort ein Risiko ein.
Das ist eine Sache mit der Sicherheit. Weil ich schon so lange dabei bin, egal wie sehr ich möchte, dass etwas gut aussieht, werde ich niemals Kompromisse bei der Sicherheit eingehen. Auch das bedeutet nicht, dass Unfälle nicht passieren können. Aber das ist das Größte. Die Leute werden gehetzt, und so werden die Leute verletzt, und das werde ich einfach nicht zulassen. Es liegt mir einfach nicht im Blut, weil ich Unfälle gesehen habe, und normalerweise passieren sie deshalb, weil die Leute in Eile sind. Das ist schon lange in mir verankert.
Jetzt, wo du es durch 24 HOURS TO LIVE geschafft hast, Brian, was hast du im Regieprozess über dich selbst gelernt, das du nun hoffentlich weiterbringen wirst, um bei weiteren Filmen Regie zu führen?
Ich wusste das alles. Das sind Sachen, die ich schon kannte. Das Drehbuch ist so wichtig, dass alle Story-Elemente ausgearbeitet sind. Bereiten Sie so viel wie möglich vor. Es gibt einfach so viele Dinge, denn sobald Sie mit den Dreharbeiten zu einem Film wie diesem beginnen, bleibt einfach keine Zeit, sich neu zu gruppieren. Ich denke, ich habe gerade gelernt, damit umzugehen, und ich glaube, dass es mir besser gehen wird. Hoffentlich mache ich, wie Sie sagten, weiter und mache sie weiter, und ich denke, nur mit der Erfahrung werde ich einfach weiter besser darin werden, zu lernen, was wichtig ist und was nicht, und wie man sich richtig auf den Tag vorbereitet. Sie werden die Dinge immer beflügeln, und egal, wie viel Sie sich vorbereiten, die Dinge sind organisch, und das sollten sie auch sein, aber so viel ich im Voraus ausarbeiten kann, ist einfach extrem wichtig.
von Debbie Elias, Interview 21.11.2017