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Ich mache dir keine Vorwürfe, wenn du das Wort Monolith nie wieder hören willst. Es war sicherlich einer der am meisten missbrauchten Begriffe des Jahres 2020. Es bedeutet offiziell „ein Stein“ (mono für einen und lith für Stein oder Schnitzerei, vom griechischen Wort Lithos) und wurde letzten Herbst in Überstunden gedrängt, als die sozialen Medien von Berichten über „mysteriöse Monolithen“ überschwemmt wurden.
Vielleicht liegt das wahre Rätsel darin, wie das Wort Monolith, obwohl es falsch war, sofort und weltweit übernommen wurde, um diese Säule zu beschreiben – eine Säule von Metall, nicht Stein –– das im November in einem abgelegenen Teil der Wüste von Utah entdeckt wurde und eine Reihe von Nachahmerskulpturen hervorbrachte.
Der Stahlmonolith, der in einem abgelegenen Gebiet von Utah platziert wurde, wurde weggekarrt, kurz nachdem er im November von Wildtierbiologen entdeckt worden war. Kredit… Ministerium für öffentliche Sicherheit von Utah, über Associated Press
Solche Fragen der Nomenklatur wurden durch „Between the Earth and Sky“, eine schöne und außerordentlich zeitgemäße Gruppenausstellung in der Kasmin Gallery in Manhattan, neu geweckt. Es vereint 22 Werke, einige neu, einige ziemlich alt, die alle als „monolithische Skulpturen“ bezeichnet werden. Dies dehnt natürlich die Definition aus; Nur vier der Werke bestehen tatsächlich aus Stein, während andere aus Materialien wie Bronze, Ton und geblasenem Glas bestehen. Aber lassen wir uns nicht auf den Punkt ein. Wir wollen nicht die monolithische Polizei sein.
Sagen wir einfach, die Show ist ein temperamentvoller und äußerst unterhaltsamer Blick auf das Thema Vertikalität mit ihren unvermeidlichen Höhen und Tiefen. Es ist nicht einfach zu erklären, wie die Form der freistehenden Säule, eine Form so elementar wie ein Besenstiel und so alt wie der erste Mensch, der versuchte, ein paar Steine aufzustapeln, im Laufe der Jahrhunderte mit so viel Bedeutung gesattelt wurde, besonders in Bezug auf spirituelle Erhebung und Transzendenz.
Im Vergleich zu horizontalen Vektoren, die die liegende menschliche Figur und Ruhezustände hervorrufen können, trägt die Vertikale Andeutungen des Kosmischen. In der Erde verankert, nach oben gerichtet, deutet es auf die Welt jenseits unserer Schreibtische hin – etwas, das größer ist als wir selbst und viel beständiger. Gefeierte Megalithen wie die in Stonehenge oder auf der Osterinsel zielen nicht darauf ab, unser Innenleben auszuloten oder Einblicke in Leiden zu gewähren, sondern eine allgemeine Sehnsucht nach der Majestät des Himmels und der Sterne einzufangen.
Ein Teil dieser Energie wird in Ugo Rondinones „the dignified“ (2019) wiederverwendet, dem neuesten Werk in der Kasmin-Show und einem der denkwürdigsten. Es besteht aus einem charismatischen Riesen mit einem großen Blausteinbrocken als Kopf und zwei unterschiedlich großen Platten als Beine. Seine Haltung deutet darauf hin, dass sein Gewicht auf sein hinteres Bein verlagert wird, was informell ist und ihm das Gefühl gibt, weniger wie eine altsteinzeitliche Gottheit zu sein als wie ein gewöhnlicher Typ, der herumsteht und auf seine Verabredung wartet.
Das Rondinone könnte tatsächlich im Freien besser aussehen, ebenso wie Huma Bhabhas ähnlich übergroßer „God of Some Things“ (2011), eine klobige Bronzegöttin mit beneidenswerter Haltung. Großskulpturen müssen aus einer gewissen Entfernung betrachtet werden, wenn sie in ihrer Gesamtheit mit der Luft, die sie verbessern, gesehen werden sollen. Bei näherer Betrachtung können sie in ihren eigenen Texturen verschwinden, und wenn Sie durch die Ausstellung gehen, werden Sie vielleicht feststellen, dass Sie eher Oberflächen als Silhouetten studieren – sei es die geschwärzte Patina von Per Kirkebys „Torso I“ (1983) oder die erdige Walnuss von Saint Clair Cemins „Girl and Thoughts“ (2014), ein Wunderwerk komplizierter Schnitzereien.
Grundsätzlich gibt es in dieser Show zwei Arten von Säulen. Es gibt aufrichtige Kolumnen, wie die oben erwähnten. Und im Einklang mit dem postmodernen Geschmack für amüsierten Skeptizismus gibt es ironische Kolumnen – Kolumnen, die die Form verspotten oder geschickt untergraben.
In der letzteren Kategorie besteht Marie Watts fesselnde „Blanket Story: Indian Territories, Round Dance, Grandmother“ (2016) aus einer hohen, vierseitigen Säule, die aus einem Stapel ordentlich gefalteter Decken konstruiert wurde. Anstelle einer starren, unveränderlichen Säule hat Watt, ein Bürger der Seneca-Nation, uns ein Denkmal für Wärme und Variabilität gegeben. Es gibt insgesamt Dutzende von Decken, jede leicht abgenutzt, und es ist überraschend zu erkennen, wie lange man damit verbringen kann, eine rosa Wolldecke mit Satinrand im Vergleich zu einer grauen mit flauschigen Fransen zu betrachten.
Einen weiteren Blick auf traditionelle Denkmäler liefert Rachel Harrison, die New Yorker Bildhauerin, deren viel bewunderte Retrospektive im Whitney Museum vor etwas mehr als einem Jahr stattfand. Ihre „Boss Revolution“ (2015) greift die popkulturelle Form einer Telefonzelle auf, die selbst ein vergangenes Denkmal des 20. Jahrhunderts ist. Harrisons Kiosk strahlt ein lässiges Chaos aus, mit einem schwarzen Telefon mit Wählscheibe, das in der Luft baumelt, für immer abgehoben, und einem übergroßen Foto einer Frau, die ihr Gesicht hinter einem Hoodie versteckt. Die Kommunikation ist eindeutig zusammengebrochen, und das Vorhandensein von Weißen Seiten, die zum Betrachter herausragen und aufgeklappt zu einer ganzseitigen Anzeige für einen Anwalt für Personenschäden werden, bietet wenig Sicherheit.
Kolumnensatire erreicht ihren Höhepunkt in Tom Sachs’ „Here III“ (2017), einem Insider-Witz, der sich ein wenig blass anfühlt. Es ist eine Hommage an Barnett Newman, den verehrten abstrakten Expressionisten, dessen charakteristische „Reißverschluss“-Gemälde mit ihren dünnen Streifen, die von riesigen Farbfeldern isoliert sind, der Vertikalität einen neuen Schwung verliehen. Newmans „Here III“ (1965-66), ein langgestreckter Stahlsockel, der sich von seinem Cor-Ten-Sockel in den Himmel erhebt (nicht in der Ausstellung und gehört dem Nasher Sculpture Center in Dallas), ist die Inspiration für Sachs‘ gleichnamige Skulptur , eine absichtlich schäbige und minderwertige Nachbildung, die unvollendet aussieht, Bleistiftmarkierungen und freiliegende Schrauben trägt. Es scheint zu sagen: „Ich werde nie so gut sein wie Barney.“
Auch James Lee Byars raubt offen die Kolumne eines Vorgängers. Byars, eine dandyhafte Figur mit Zylinder, die 1997 starb, war beliebt für seine Performances und weggeworfenen Arbeiten aus Papier. Aber seine „Figur des Todes“ (1987), die bei Kasmin einen eigenen Raum einnimmt, ist das Gegenteil von Vergänglichkeit. Bestehend aus einem Stapel weißer Marmorwürfel, die eine Hommage an Constantin Brancusis „Endlose Säule“ darstellen, deutet es darauf hin, dass sich selbst ein Abtrünniger wie Byars gelegentlich nach Dauerhaftigkeit und einer Oberfläche von makelloser Perfektion sehnte.
Die älteren Künstler der Schau zeigen sich dagegen unangefochten in ihrer Kunstliebe. Ironie wird in den Arbeiten von Beverly Pepper, deren „Ptolemy’s Wedge II“ (2010) sich ganz um das Gleichgewicht dreht, und Isamu Noguchi, diesem unvergleichlichen Kenner der Steine, ausgebügelt. Seine späte Schnitzerei „Gift of Stone“ (1982) ist eine 7 Fuß hohe Säule aus hellgrauem Granit, die genaues Hinsehen belohnt. Was auf den ersten Blick wie eine typische Feuersteinoberfläche erscheinen mag, entpuppt sich als dramatische Textur mit Dellen und Dellen und Kaskaden von pointillistischen Punkten. „Gift of Stone“ gipfelt oben in einem klingenähnlichen 45-Grad-Winkel, wodurch das Stück wie ein steinzeitliches Werkzeug für Riesen aussieht.
Wie die meisten Gruppenshows provoziert auch diese diesen merkwürdigen Reflex, der Sie dazu bringt, sich nach den auffälligen Auslassungen zu sehnen. Wo ist Brancusi, für den Anfang? Wo sind Anne Truitt und John McCracken, beide beispielhafte minimalistische Bildhauer, die die Säule in ein Vehikel für verblüffende Darstellungen glänzender Farben verwandelten? Letzten Herbst tauchten ihre Namen sehnsüchtig als mögliche Macher der Pop-up-Kolumne in Utah auf, die inzwischen entfernt wurde und deren Schöpfer unbekannt ist.
Trotz seines übergeordneten Themas will „Between the Earth and Sky“ nicht endgültig sein. Es hat auch nicht den Anspruch, das wissenschaftliche Gewicht einer Museumsstudie zu haben. Es wird kein Katalog mitgeliefert, und die Informationen, die den Besuchern zur Verfügung gestellt werden, beschränken sich ziemlich auf Vitalwerte. Nichtsdestotrotz ist die Show in ihrem historischen Schwung ambitioniert und umfasst eine Auswahl antiker und Stammesstücke.
Es gibt eine geschnitzte Steinsäule aus Veracruz, Mexiko, sowie Holzfiguren und Masken aus Zentralafrika und Papua-Neuguinea. Obwohl sie ein wenig verloren und kontextlos wirken, bieten sie zusammen eine großzügige Beschwörung der wesentlichen Rolle, die alte und Stammeskunst in der Entwicklung der modernen Skulptur gespielt haben, die jeden von Picasso an gelehrt hat, dass manchmal die emotional „wirklichste“ Form ist eine, aus der realistische Details entfernt wurden.
„Between the Earth and Sky“ kommt zu einem glücklichen Zeitpunkt. Abgeschlossen und pandemieverrückt, hatten die meisten von uns in letzter Zeit mehr als ihren Anteil an Horizontalität, blieben zu Hause und schlurften von Zimmer zu Zimmer. „Es liegt nicht in unserer Macht, in eine vertikale Richtung zu reisen“, schrieb die französische Philosophin Simone Weil und erklärte, warum wir „keinen einzigen Schritt in Richtung Himmel machen können“.
Aber wenn unsere Füße keine vertikalen Distanzen zurücklegen können, können es unsere Augen, und hier geht es darum, eher vertikal orientierte Skulpturen zu betrachten, ob sie technisch Monolithen sind oder nicht.
Zwischen Erde und Himmel
Bis zum 27. Februar in der Kasmin Gallery, 509 West 27th Street, (212) 563-4474; <email-pii>. Nach Vereinbarung geöffnet.