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S’il y a une bien une date clé à retenir marquant le bouleversement des habitudes classiques, c’est 1948. Pierre Schaeffer marque sans le savoir l’histoire du « sampling ». En utilisant des sons enregistrés, modifiés puis montés en studio, il donne naissance à la musique concrète. Lui et son équipe explorent et découvrent une nouvelle manière de conceptualiser la musique en partant non plus d’une partition ou d’une pensée, mais directement du matériel sonore pour arriver à une idée. C’est deux ans plus tard, à Cologne, que les vibrations s’entremêlent pour la première fois entre circuits électroniques et acoustiques et que la musique électronique voit le jour. Apparaissent ensuite les premiers synthétiseurs. En 1964, Robert Moog confectionne le tout premier synthé utilisant un clavier semblable au piano. L’histoire est marquée à jamais. L’expérimentation sonore, l’apparition puis la démocratisation de ces nouveaux instruments, notamment auprès des groupes de rock de l’époque, ainsi que la création de la Musical Instrument Digital Interface (MIDI) dans les années 80 ont par la suite provoqué une véritable synergie entre la technologie et la création musicale. La norme MIDI, intégrée dans presque tous les instruments électroniques aujourd’hui, a permis leur compatibilité, et de connecter entre eux chaque outil de production, du synthé au logiciel. J’éviterai dans cet article de m’étaler sur le sujet analogique/numérique, étant donné que mes connaissances sur le sujet sont encore quelque peu limitées. La différence entre les deux réside principalement dans la manière dont le son est traité. Une chose est sure : la musique ouvrait ses frontières à une multitude de possibilités et à un pouvoir de création quasi-infini. La musique électronique et électro-acoustique vient bouleverser l’ordre des sons. L’ère du numérique a tout particulièrement multiplié le champ des possibles. Comparé à un instrument classique soumis aux lois de l’acoustique, l’individu est désormais amené à ré-imaginer continuellement sa matière sonore. On pourrait considérer la composition électronique comme un « collage » puisé dans de nombreux canaux différents : pistes digitales, bruit environnants, enregistrements acoustiques ; tout devient source d’inspiration, manipulable à l’infini, et ce notamment grâce à la création d’échantillonneurs (ou samplers). Chants d’oiseaux ou claquements de porte, tout est matière à exploitation. Possibilités infinies, création, destruction, reconstruction, spatialisation, il ne s’agit plus là d’écriture, mais d’architecture musicale. La musique électronique est pour moi le reflet d’une sensibilité presque poétique, où chaque détail compte. Marquée par de grandes figures comme Kraftwerk ou Jean-Michel Jarre, mais aussi par le développement de la house music à Chicago et de la techno de Détroit, la musique électronique s’inscrit peu à peu dans un mouvement « Do it yourself ». En plus de ne plus être limitée en création, elle devient accessible à tous.
L’émergence de nouveaux instruments comme les boites à rythmes, ou toute autre forme d’interface homme/machines, rendent la musique presque ludique. Elles ont participé au changement de profil du musicien, capable de produire depuis chez lui et de manière complétement autonome. C’est cette toute nouvelle approche, liant production et interprétation, qui garantit l’originalité des styles populaires d’aujourd’hui. Il est désormais très facile de se lancer dans la production, en commençant par développer son home studio, choisir son MAO (ou DAW en anglais) préféré, et en se procurant un contrôleur midi pour se lancer dans l’aventure. Une fois arrangée, votre track devra passer par la case post-production : soit Mixing et Mastering afin d’obtenir un son clair et équilibré qui brillera dans n’importe quelle sortie audio. Si vous êtes un adepte du hardware, cette partie du traitement sonore peut vous être largement facilitée !
Voici donc pour les plus intéressés quelques concepts indispensables à connaître avant de se lancer dans la production :
ADSR (Attack, Decay, Sustain, Release) : Type de modulation affectant l’enveloppe du son : représente la courbe que peut prendre le signal. Il existe d’autres envelope generators plus complexes comme DADSR. L’attack correspond au temps que met le son pour atteindre son amplitude maximum, avant d’entamer un temps de chute (decay), et de maintien (sustain). Le release correspond au temps de résonance sonore après le relâchement de la touche.
BPM (Beats per minute) : Définit la vitesse de votre morceau. C’est aussi de manière générale une façon de classer les sous-genres de la musique électronique. Par exemple, il est commun de définir la techno par un 120-140 bpm, et la Drum and bass par un 160-180 bpm.
Équaliseur (EQ) : Permet de corriger et ajuster les différentes fréquences d’un son.
Compresseur : Effet audio analogique ou numérique destiné à réduire la dynamique d’un son, soit éviter les écarts de niveau trop importants d’un signal.
Filtre : Effet sonore permettant de couper ou diminuer les fréquences hautes ou basses d’une piste ou d’un groupe de pistes. On parle de High-pass filter, Low-pass filter, ou cut-offs.
Kick vs snare : Grosse caisse vs caisse claire d’une batterie.
MAO : Musique assistée par ordinateur. Définit l’ensemble des d’outils et logiciels informatiques utiles à la création : Ableton, Logic Pro, Protools, etc.
Mixing vs Mastering : Traitement de chaque piste individuelle vs traitement du mix final pour sa distribution.
Pattern : Désigne une structure rythmique de base. Par exemple, voici un pattern classique appliqué en techno industrielle :
Sidechain : Technique qui consiste à affecter la dynamique d’un signal grâce à un signal externe, par exemple une autre piste du morceau. Le plus souvent, c’est une technique employée en compression. Faire ressortir un kick en réduisant la puissance d’un autre instrument, comme une bass, est un exemple d’application courant de sidechaining.
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