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Wie Man Künstler Wird – Laut Kandinsky
Der russische Künstler Wassily Kandinsky gilt als einer der ersten westlichen Vertreter der abstrakten Malerei, bekannt für seine bunten Felder mit spinnenartigen Linien und Formen.
Er entwickelte zunächst viele der Theorien, die seine Praxis in seinem bahnbrechenden Text Concerning the Spiritual in Art (1911) prägten, wo er seine Lehren für das künstlerische Schaffen als spirituellen Akt darlegte. Später, während seiner elfjährigen Lehrtätigkeit am Bauhaus, erweiterte er diese Ideen in Point and Line to Plane (1926).
Aber Kandinsky wollte nicht, dass seine Theorien präskriptiv sind. Bei Artmaking ging es, so betonte er, um Freiheit. Dennoch gibt es einige Lektionen, die Künstler beachten sollten, wenn sie den Anforderungen von Kandinsky entsprechen sollen. Wir beginnen mit fünf unten.
Lektion 1: Bringen Sie Ihre innere Welt zum Ausdruck, nicht die neuesten künstlerischen Trends.
Laut Kandinsky könnte ein Objekt nur dann berechtigt als Kunst angesehen werden, wenn es sich um eine unverfälschte, äußere Manifestation des Geistes des Künstlers – seiner authentischen Gedanken und Gefühle – handelt. Trotz der theoretischen Grundlagen seiner Arbeit glaubte Kandinsky, dass die Theorie nach und nicht vor dem wahren künstlerischen Schaffen kam.
Er fühlte, dass der Ausdruck der inneren Realität entscheidend war, um moralische Integrität zu erreichen. Alles andere würde nicht nur den künstlerischen Wert untergraben, sondern auch dem Künstler geistig schaden. Darüber hinaus sollten echte Künstler darauf vorbereitet sein, ein Leben lang missverstanden zu werden.
Lektion 2: Malen Sie keine Gegenstände. Malen Sie abstrakte Formen.
Die „jetzt ikonischen Heuhaufen“ von Monet waren ein früher Einfluss auf Kandinsky, der von seiner eigenen Unfähigkeit beeindruckt war, die realen Objekte zu identifizieren, auf die sich die Formen bezogen. Zuerst verblüfft über diese Trennung, nahm Kandinsky bald seine Möglichkeiten wahr und bestand schließlich auf einer Kunst, die nicht nur abstrahiert, sondern völlig ungegenständlich war.
Kandinsky experimentierte mit Kompositionen, die von Linien, einfachen geometrischen Formen und den energetisierten Punkten bevölkert waren, an denen sie sich trafen oder überlagerten: http://www.kunstdrucken.com/page/search/tags/Wassily-Kandinsky. Im Gegensatz zu Künstlern, die in einem suprematistischen oder konstruktivistischen Stil arbeiten, war er nicht daran interessiert, eine Reinheit der Komposition um ihrer selbst willen zu erforschen oder zu erreichen, und hielt das Bekenntnis zu bestimmten formalen Qualitäten für unwichtig. Vielmehr verkörpern seine Formen, selbst in ihren einfachsten Iterationen, Referenzen an die Innenwelt des Künstlers.
Lektion 3: Nähern Sie sich der Farbe als Fenster in die menschliche Seele.
Während der Impressionistischen Malerei führte Kandinsky in unorthodoxe Formen des Farbverhaltens ein, die Fauvistischen Gemälde, die er von 1906 bis 1907 in Paris sah – mit ihren wilden Farben, die vollständig von der realen Welt getrennt waren, erwiesen sich als noch einflussreicher. Kandinsky nahm diese Art von Freiheit in der Farbe an und trieb sein Denken einen Schritt weiter.
Beeinflusst von der Theory of Colors (1810), die der deutsche Schriftsteller Johann Wolfgang von Goethe ein Jahrhundert zuvor veröffentlicht hatte, glaubte Kandinsky, dass jede Farbe eine eigene Persönlichkeit habe. Zum Beispiel war Grün wie eine Kuh: friedlich und doch stark. Gelb, obwohl warm und erdig, stellte ebenfalls Wut dar und konnte zutiefst beunruhigend sein. Blau hingegen war sowohl ruhig als auch himmlisch und konnte als eine Art transzendentale Spiritualität erlebt werden.
Kandinsky verglich Farben mit den Tasten eines Klaviers und die menschliche Seele mit dem Klavier selbst. Als ein Künstler Farben benutzte, spielte er oder sie in Wirklichkeit verschiedene Musiknoten und verursachte „Vibrationen in der Seele“.
Lektion 4: Injizieren Sie den Rhythmus in Ihr Bild, wie eine Partitur.
Die Verbindung zwischen Malerei und Musik war für Kandinsky mehr als nur eine metaphorische Analogie. Er hatte höchstwahrscheinlich eine Synästhesie, ein Zustand, in dem zwei oder mehr der Sinne einer Person miteinander verflochten sind. Ein Zeichen dafür war die beeindruckende Erfahrung, die er einst bei einer Aufführung von Wagners Lohengrin machte, in der er eine Vision von Linien und Farben hatte, die sich parallel zur Partitur der Oper präsentierten.
Kandinsky bemerkte, dass Farben auch ohne Synästhesie implizite akustische Qualitäten haben: Niemand würde Gelb mit tiefen Tönen und Tiefblau mit hohen Tönen in Verbindung bringen. Farben beeinflussten den Betrachter also nicht nur in Bezug auf ihre visuellen Assoziationen, sondern auch auf die von ihnen erzeugten Klänge (ob sie nun bewusst gehört wurden oder nicht), und ein Gemälde täte gut daran, wie eine Partitur komponiert zu sein.
In „Punkt und Linie zu Flugzeug“ (1926) erweitert Kandinsky Elemente wie Rhythmus und Verstärkung. Ein Künstler sollte mit Wiederholung, Ordnung und Maßstab experimentieren, nicht nur mit Farben, sondern auch mit Punkten, Linien und Flächen. Das waren, so glaubte er, die Bausteine einer Komposition.
Lektion 5: Indem Sie originelle Werke schaffen, werden Sie die Menschheit bereichern.
Kandinskys Philosophie über spirituelles Leben und Kunst basiert auf der Idee eines dreistufigen Dreiecks, das die gesamte Menschheit umfasst, wobei die Abschnitte von oben nach unten fallen, von klein bis groß. Das Dreieck bewegt sich langsam – fast unmerklich – vorwärts und aufwärts, hin zu einer höheren Ebene der Erleuchtung. Die Spitze des Dreiecks stellt den aktuellen Tag dar, während die nächsten Segmente das zukünftige Alter darstellen.
Die spirituell am stärksten erhöhten Menschen leben im oberen Teil und sind als solche die kleinste Gruppe; sie sehen heute, was andere erst morgen verstehen werden. Künstler gibt es in jedem Segment des Dreiecks, und diejenigen, die über die Grenzen ihres Abschnitts hinausblicken können, sind Propheten, die „geistige Nahrung“ anbieten, die erst in der kommenden Zeit vollständig von dem Segment unten erfasst wird.
Die Gedanken, Gefühle und Handlungen des Künstlers, wenn sie in Kunst übersetzt werden, haben die Kraft, das spirituelle Klima seiner Gesellschaft zu beeinflussen. Der Künstler ist verpflichtet, sein Talent zu nutzen, um auf diese Weise einen positiven Einfluss zu erzielen, um ein aufrichtiges, originelles Werk zu schaffen, das der Menschheit zu einer kollektiven Erleuchtung verhilft.