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Interview geführt von Yamina Benaï
THE OFFICIAL: Die Ausstellung entwickelt auf erneuerte Weise den Rahmen der Themen, die Ihrer Arbeit zugrunde liegen: Migrationen, Übergänge von einem Ort zum anderen, Art des Blicks auf das Andere ... Diese Werke haben wurde speziell für die Ausstellung in einem sehr kurzen Zeitraum, nämlich drei Monaten, gemacht, was eine Tour de Force darstellt ...
JULIEN CREUZET: Ich denke, dass die Frage der Zeit / Dauer als Leistung nicht wichtig ist. Es ist sicherlich bedauerlich, in so kurzer Zeit produzieren zu müssen, aber für mich ist es nicht das, was bleiben muss. Was bleiben muss, ist vielmehr, wie es möglich ist, bestimmte, manchmal kompliziert zu formulierende Dinge über die Frage der Strömungen, des Exils, der Begegnung zu übermitteln. Treffen, die nicht immer glücklich sind und manchmal kompliziert sein können. Für mich entspricht es auch dem Bereich der Formen: Es ist das Gleiche wie eine Zeichnung, eine Skulptur, ein Video. Hier können Sie eine ganze Fantasie, viele innere Dinge einbringen.
Es fällt auf, dass Sie trotz Ihrer Jugend (31 Jahre) eine extreme Reife der Reflexion über die Formen haben, die Sie bearbeiten möchten, und über den künstlerischen Weg, den Sie gewählt haben.
Wir bewegen uns in Bereichen, die manchmal zu geschlossen sind und die nicht jünger sind. Ich glaube, dass viele junge Künstler viel zu sagen haben und manchmal mehr als einige. Wenn man Medizin studiert, kann man als Arzt praktizieren. von dem Moment an, in dem man Künstler wird, ist es eher zufällig. Einige Künstler haben sehr früh mit dem Üben begonnen, wie Orlan mit seinen ersten Fotos, die mit 16 Jahren aufgenommen wurden. Die wirkliche Chance besteht darin, Ihre Arbeit zur richtigen Zeit zu zeigen und von der notwendigen Unterstützung zu profitieren. Das macht den Unterschied, wie hier bei der Stiftung.
Jenseits der Stärke der inneren Erfahrung, die durch erzwungene Abreise entsteht - was eine mögliche Rückkehr nicht ausschließt - der verbale Missbrauch des anderen gegenüber dem schwarzen Mann, der Sie sind ist vollständig in dem langen Gedicht geschrieben, das den Kurs begleitet.
Es ist nicht nur das. Mit einer Ausstellung kann man eine Geschichte erzählen und diese Geschichte kann die Form einer Fiktion annehmen: Ich benutze natürlich autobiografische Elemente, aber das versuche ich nicht zu vermitteln. Ich neige dazu, Visionen vorzuschlagen, und ich entwickle eine Fiktion, sobald ich denke, dass ich Formen erschaffe sowie eine Verbindung zwischen diesen verschiedenen Formen, ein Zirkulationsmittel ... Ich entscheide, wie ich will geben, um zu sehen. Ich kann so den Blick lenken. Natürlich können einige Elemente in dieser Ausstellung hart und hart sein, aber ich denke, dass es eine große Anzahl verschiedener Einträge gibt. Es kommt darauf an, wie das, was ich vorschlage, den Betrachter überqueren oder treffen kann. Ein Besucher sagte mir, dass er nichts von meiner Arbeit verstehe, dass es nicht sehr interessant sei: Ich muss es akzeptieren. Ich denke, dass es notwendig ist, die Freiheit den Zuschauern zu überlassen, während ich meine Arbeit durch die Stimme verkörpere, die Singularität, die sich für mehrere mögliche Interpretationen öffnet, aber auch die Möglichkeit menschlicher Begegnungen bietet, die durch verschiedene Phasen gehen.
Das Exil ist ein immer wiederkehrender Begriff in der Hervorrufung Ihrer Arbeit, ein unsichtbarer Rahmen, der Sie sowohl trüb als auch glühend umgibt und bereit ist, sich beim geringsten Auftauchen der Erinnerung, des Gefühls der Wunde auszudrücken ...
Das Wort "Exil" ist nicht meins, weil es ein Nein voraussetzt, aber es ist nicht diese Idee, an der ich arbeiten möchte. Ich bevorzuge den Begriff "Migration", der kein Nein, sondern eine Bewegung enthält. Ich konzentriere mich lieber auf das Hin und Her. Wie die Geschichte der Qualle - portugiesische Physalia oder Galeere - die es mir ermöglicht, Skulpturen zu bauen - entwickelt sie sich und führt nach den Stürmen mit warmem Wasser zu den Stränden der Normandie. Dann stellt sich die Frage, wie das "Anderswo" in das "Hier" eintritt. Es ist diese Bewegung, die mich interessiert. In dieser Bewegung entfalten sich Geschichten, auf die man sich konzentrieren kann. Wie das im Kurs vorgestellte Video, das ein Fenster in der Geschichte symbolisiert und ein "mögliches" Ereignis hervorruft, oder dieses andere Video, das auf halbem Weg zwischen einem historischen und einem wissenschaftlichen Diskurs eingesetzt wird. Die Frage ist, wie man sich selbst sein kann, je nach geografischem Kontext, je nach Realität? Wie stellen Sie sich ein Kind vor, das in einem bestimmten Kontext adoptiert und aufgezogen wurde, der von verschiedenen Strömungen durchzogen ist? Dieses Kind hat sich nicht verändert, sondern vom anderen gelernt, es wird das, was es sein muss. Dies sind sehr komplexe Themen. Für mich gibt es immer eine Möglichkeit, es sollte kein Hindernis geben. Was schön ist, ist, wenn Dinge entkommen und ein Ergebnis liefern können, das wir nicht erwartet haben.
Ihre Praxis des dichterischen Schreibens, sehr vollständig, begleitet, folgt oder geht Ihrer plastischen Schöpfung voraus. Wie sind diese beiden Handlungsfelder definiert?
Historisch haben bildende Künstler und Dichter immer eine sehr schöne Porosität offenbart. Diese Bestimmungen gehen jedoch mit der Globalisierung verloren, und die Frage nach Erfolg und Leistung ist entscheidend geworden. Angesichts dessen müssen wir kompetenter werden, weshalb wir uns auf eine Disziplin konzentrieren mussten, um sie gut zu kontrollieren. Ich gebe nicht vor zu sagen, dass ich ein guter Zeichner, ein guter Bildhauer oder ein guter Videofilmer bin: Ich realisiere all diese Dinge gern und wenn sie sich in einem Ausstellungsraum treffen, werden sie sehr interessant. Die Schwäche einer Form kann wieder an Stärke gewinnen, wenn sie mit einer anderen in Beziehung gesetzt wird. Eine Ausstellung ist ein Raum, in dem man herumlaufen und so verschiedene Sinne ansprechen kann.
Sie entscheiden über die Zuordnung und Anordnung der Formen, um Landschaftsanteile in der Gesamtlandschaft der Ausstellung zu erzeugen. Leben diese Formen unabhängig voneinander?
Ja, weil sie in der Realität gefangen sind. Einerseits, weil ich von meinem Job leben muss; andererseits, weil ich nicht übermenschlich bin und neue formen für andere ausstellungen produzieren muss. Ich möchte in meiner Herangehensweise nicht starr sein: Meiner Meinung nach kann sich ein Individuum jeden Tag selbst in Frage stellen, sich selbst in Frage stellen, seinen Standpunkt ändern. Ich denke, dass die Frage des Feldes der Formen auf die gleiche Weise funktionieren kann: Wenn die Form heute so positioniert ist, sagt sie etwas aus; in einem anderen Raum kann sie uns anders informieren. Dies gibt Sichtweisen, Emotionen, multiple Wahrnehmungen. Ich muss auch über die Frage der Jahre nachdenken, um über die Zukunft meiner Formen im Laufe der Zeit nachzudenken.
In der Pressemitteilung wird auf Achille Mbembé verwiesen: Dies stellt den Ansatz auf eine philosophische und soziologische Lesart.
Ich bin es nicht, der es zitiert, aber ich lasse es los. Wir könnten alles lenken wollen, aber Freiheit kommt auch, wenn wir Menschen unsere Arbeit an das anpassen lassen, was sie wissen. Ich beziehe mich nicht direkt auf Mbembé, aber die Versöhnung seines Denkens mit meinem Ansatz ist nicht unbedingt falsch, es kann Momente der Verbindung geben. Das finde ich interessant: Institutionen setzen sich heute aus Mediatoren, Kuratoren zusammen, es ist notwendig, eine pädagogische Zeitschrift, eine Vermittlung der Ausstellung, ein Forschungsprogramm usw. zu erstellen. All dieses Gerät ermöglicht es, dem anderen die Freiheit zu lassen, über die Arbeit eines Künstlers nachzudenken. Ebenso wie ein Forscher entscheiden kann, sich für die Arbeit eines Künstlers zu interessieren und eine Diplomarbeit zu schreiben. Sollten die von dieser Person eingerichteten Links als falsch angesehen werden? Kunst unterliegt der Interpretation, und je mehr Interpretationen möglich sind, desto mehr Verknüpfungen können hergestellt werden, desto mehr funktioniert sie.
Julien Creuzet: "Die ganze Entfernung vom Meer,
für die Ölfilamente
Mancenilliers stoppen uns Herzschlag. -
Regen hat dies möglich gemacht (...) "
Ausstellung vom 23. Januar bis 19. Februar
Ricard Unternehmensstiftung
12, rue Boissy d'Anglas, 75008 Paris,
(Polizeistation: Mélanie Bouteloup, Direktorin von Bétonsalon - Zentrum für Kunst und Forschung)
www.fondation-entreprise-ricard.com
Julien Creuzet: " Der Regen hat es möglich gemacht, seit dem sterbenden Berg ist der Berg still geblieben.
Kriegseinschläge, Raketentropfen. Nach alledem wird der Vulkan vielleicht seinerseits protestieren. -
Die ganze Entfernung vom Meer (...) ".
Ausstellung vom 24. Januar bis 14. April in Bétonsalon
9, Esplanade Pierre Vidal-Naquet, 75013 Paris,
www.betonsalon.net
Eine Broschüre mit einem schönen Text von Cédric Aurelle begleitet diese überparteiliche Ausstellung.