Lịch sử hội họa
Hội họa Phương Tây > Ai Cập, Hy Lạp và La Mã

Ai Cập Cổ, một nền văn minh với truyền thống mạnh mẽ về kiến trúc và điêu khắc (cả hai đều được vẽ với những màu tươi sáng) cũng có nhiều bích họa trong đền thờ và các tòa nhà và các bức tranh minh họa trên bản thảo giấy cói. Tranh và trang trí trên tường của người Ai Cập thông thường là đồ họa, đôi khi mang tình biểu tượng nhiều hơn là thực tế. Hội họa Ai Cập miêu tả các chỉ số trong các đường biên in đậm và hình dạng phẳng, mà trong đó đối xứng là một đặc tính cố định. Hội họa Ai Cập có mối quan hệ mật thiết với ngôn ngữ viết - được gọi là chữ tượng hình Ai Cập. Các hình vẽ biểu tượng được tìm thấy trong hình thức ban đầu của ngôn ngữ viết. Người Ai Cập cũng vẽ lên vải lanh, một số bức còn sót lại đến ngày nay. Những bức tranh của người Ai Cập cổ còn tồn tại đến nay là do thời tiết cực kỳ khô nóng. Người Ai Cập cổ vẽ tranh để tạo ra một nơi thanh thản cho những người đã khuất. Chủ đề bao gồm chuyến đi qua thế giới bên kia hoặc những thần linh bảo vệ của họ giới thiệu người đã khuất với các vị thần của thế giới bên kia. Một vài ví dụ của những bức tranh như thế có thể kể đến là tranh về các vị thần và nữ thần Ra, Horus, Anubis, Nut, Osiris và Isis. Một vài bức tranh trong lăng mộ cho thấy những hoạt động mà có liên quan đến người đã khuất khi họ còn sống và mong ước sẽ tiếp tục thực hiện trong cõi vĩnh hằng. Trong thời kỳ Vương Quốc Mới và sau đó, Cuốn sách về cái chết được chôn cùng với người trong lăng mộ. Nó được xem như sự giới thiệu quan trọng về thế giới bên kia.
Sennedjem plows his fields with a pair of oxen, c. 1200 BC
Ancient Egypt,The Goddess Isis, wall painting, c. 1360 BC
Ancient Egypt, Queen Nefertari
Ancient Egypt, papyrus
Ancient Egypt
Ancient Egypt
Knossos, Minoan civilization, Bronze Age Crete
Pitsa panels, one of the few surviving panel paintings from Archaic Greece, c. 540–530 BC
Symposium scene in the Tomb of the Diver at Paestum, circa 480 BC Greek art
Mural of soldiers from Agios Athanasios, Thessaloniki, Ancient Macedonia, 4th century BC
Fresco of an ancient Makedonian soldier (thorakitai) wearing chainmail armor and bearing a thureos shield, 3rd century BC
Roman art, Pompeii, Villa of the Mysteries, c. 60-50 BC
Roman art showing Hercules nad Telephus
Roman art, Villa Boscoreale frescos, c. 40 BC
Roman art, Pompeii
Roman art, Pompeii
Roman art, Fayum mummy portraits from Roman Egypt
Roman art from the House of the Vettii, Pompeii, 1st century AD
Cupids playing with a lyre, Roman fresco from Herculaneum
Roman fresco with a seated Venus, the so-called "Dea Barberini", 4th century AD
Về phía bắc của Ai Cập là nền văn minh Minoan trên hòn đảo Crete. Các bức tranh tường được tìm thấy trong cung điện Knossos là tương tự như của người Ai Cập nhưng tự do hơn  nhiều trong phong cách. Khoảng năm 1100 trước Công nguyên, các bộ lạc ở miền bắc Hy Lạp chinh phục Hy Lạp và nghệ thuật Hy Lạp có một hướng đi mới.
Hy Lạp đã có những họa sĩ và nhà điêu khắc với tay nghề cao (mặc dù ở thời này cả hai chỉ được coi là lao động chân tay đơn thuần), và các kiến trúc sư. Đền Parthenon là một ví dụ về kiến trúc của họ còn tồn tại cho đến ngày nay. Các tác phẩm điêu khắc bằng đá cẩm thạch của Hy Lạp thường được mô tả như là hình thức cao nhất của nghệ thuật cổ điển. Tranh trên gốm và gốm sứ của Hy Lạp cổ đại cung cấp thông tin về cách thức chức năng xã hội ở Hy Lạp đại. Các bình vẽ màu đen và bình vẽ màu đỏ cho ta những ví dụ sống động về hội họa Hy Lạp. Một vài họa sĩ nổi tiếng Hy Lạp đã được ghi vào sử sách đó là Apelles, Zeuxis và Parrhasius, tuy nhiên không còn bất kì ví dụ nào về hội họa Hy Lạp cổ còn tồn tại, chỉ có những miêu tả bởi những người đương thời hoặc những người La Mã. Zeuxis sống vào năm 5-6 TCN và được cho là người đầu tiên sử dụng Sfumato. Theo Pliny the Elder, chủ nghĩa hiện thực trong các bức tranh của ông là như vậy mà thậm chí những chú chim đã cố gắng ăn nho trong tranh. Apelles được mô tả như những họa sĩ vĩ đại nhất của thời cổ cho kỹ thuật hoàn hảo trong bản vẽ, màu sắc rực rỡ và mô hình hóa.
Hội họa La Mã bị ảnh hưởng bởi Hy Lạp và phần nào đó có thể xem là hậu duệ của hội họa Hy Lạp cổ. Tuy nhiên, hội họa La Mã cũng có những đặc điểm độc đáo quan trọng. Những gì còn xót lại của hội họa La Mã chỉ là các bức tranh trên tường mà chủ yếu từ các biệt thự tọa Campania, ở phía Nam Italia. Hội họa La Mã có thể nhóm lại thành 4 " phong cách" hoặc thời kỳ chính và có thể bao gồm cả những ví dụ đầu tiên của trompe-l'œil, giả quan điểm và phong cảnh đơn thuần. Hầu hết những bức chân dung còn lại từ thời cổ đại là có một số lượng lớn là ảnh thờ cúng được tìm thấy trong các nghĩa trang cổ xưa của Al-Fayum. Mạc dù chúng vừa là những bức tranh đẹp nhất thời kỳ đó vừa có chất lượng tốt nhất, bant thân nó cũng thật sự ấn tượng và đưa ra một ý tưởng về các phẩm chất mà các công trình cổ phải có. Một số lượng rất ít các mẫu thu nhỏ từ các cuốn sách Late Antique vẫn tồn và một số lượng lớn các phiên bản của chúng có từ thời kỳ đầu Medieval.
Cotton Genesis A miniature of Abraham Meeting Angels
Byzantine icon, 6th century
Byzantine, 6th-century
Byzantine art mosaics in Ravenna
Book of Kells
Book of Kells
Evangelist portrait
Carolingian
Carolingian Saint Mark
Yaroslavl Gospels c. 1220s
Voronet Monastery
Chora Church
Cathedral of the Archangel
Bonaventura Berlinghieri, St Francis of Assisi, 1235
Cimabue's Santa Croce Crucifix
Duccio
Giotto
Giotto
Pietro Lorenzetti
Vitale da Bologna
Ambrogio Lorenzetti
Simone Martini
Simone Martini
Giottino
Andrei Rublev
Andrei Rublev, Ascension, 1408
Limbourg Brothers
Limbourg Brothers
Sự gia tăng của Kito giáo thể hiện một tinh thần khác và hướng tới một phong cách hội họa khác. Hội họa Byzatine, một trong những phong cách được thành lập vào thế kỷ thứ VI, đặt một sự tập trung mạnh mẽ vào sự duy trì hình tượng và phong cách truyền thống và thay đổi tương đối ít trong suốt hàng nghìn năm của đế chế Byzantine và tiếp nối truyền thống biểu tượng của Hy Lạp và Orthodox Nga. Hội họa Byzatine được cho ràng thể hiện tình cảm và biểu tượng của các giáo sĩ. Cũng còn lại rất nhiều tranh bích họa, nhưng chỉ có một số ít la tồn tại từ lâu hơn Byzantine. Nhìn chung ranh giới của Byzantium đối với sự trừu tượng, trong mặt bằng và phong cách cao cấp miêu tả rất cách điệu các nhân vật và phong cảnh. Tuy nhiên, có những thời kì, đặc biệt hội họa Macedonia thế kỷ X,  khi hội họa Byzantine trở nên linh hoạt hơn trong cách tiếp cận.
Trong thời kì hậu Thiên Chúa giáo cổ ở Châu Âu lần đầu tiên xuất hiện phong cách nghệ thuật bao gồm hội họa chính là nghệ thuật độc lập nước Anh, nơi mà chỉ còn xót lại một vài ví dụ (và dường như là phương tiện duy nhất mà hội họa đã được sử dụng) là những mô hình phát sáng thu nhỏ ví dụ như Book ò Kells. Chúng là những vật trang trí trừu tượng nổi tiếng nhất, mặc dù các nhân vật hay phong cảnh đôi khi cũng được miêu tả, đặc biệt trong tranh chân dung của Evangelist. Hội họa của Carolingian và Ottonian cũng chủ yếu tồn tại ở dạng bản thảo, mặc dù một số tác phẩm hoàn chỉnh cũng được bảo tồn, và hơn nữa còn được ghi chép lại. Hội họa thời kỳ này kết hợp hai tính chất biệt lập và "man rợ" ảnh hưởng mạnh mẽ bởi Byzatine và khát vọng phục hồi sự hoành tráng và sự đĩnh đạc cổ điển.
Các bức tường trong nhà thời La Mã và Gothic được trang trí với các bích họa cũng như các bức điêu khắc và đa phần trong số ít còn sót lại có cường độ mạnh và bao hàm cả năng lượng trang trí của nghệ thuật biệt lập với tính hoành tráng mới. Nhiều mô hình thu nhỏ trong bản thảo Illuminated tồn tại từ thời kỳ này, cho thấy các đặc điểm giống nhau mà được tiếp tục vào thời kỳ Gothic.
Tranh bảng trở nên phổ biến trong thời kỳ La Mã, dưới sự ảnh hưởng mạnh mẽ của hình tượng Byzantine. Đến giữa thế kỷ XIII, hội họa Trung cổ và Gothic trở nên thực tế hơn với sự bắt đầu với sự quan tâm tới miêu tả số lượng và quan điểm ở Italia cùng với Cimabue và sau đó là học trò của ông Giotto. Từ sau Giotto, việc sử dụng các thành phần bởi các họa sĩ bậc thầy cũng trở nên tự do và sáng tạo hơn rất nhiều. Họ được xem là hai bậc thầy hội họa Trung cổ trong văn hóa phương tây. Cimabue, trong truyền thống Byzantine, sử dụng  cách tiếp cận thực tế và kịch tính hơn cho các tác phẩm của mình. Học trò của ông, Giotto, đổi mới ở mức độ cao hơn cái mà lần lượt thiết lập nền tảng cho hội họa phương tây truyền thống. Cả hai đều là những người tiên phong trong xu hướng thiên nhiên hóa.
Các nhà thờ được xây dựng với ngày càng nhiều các cửa sổ sử dụng các loại kính với màu sắc sặc sỡ trở thành một yếu tố trong trang trí. Một trong những ví dụ nổi tiếng nhất cho điều này được tìn thấy tại nhà thờ Notre Dame de Paris. Từ thế kỷ XIV các xã hội Phương Tây giàu có và mầu mỡ hơn và các họa sĩ tìm thấy những khách hàng quen thuộc của mình trong giới quý tộc và thậm chí cả giai cấp tư sản.Các bản thảo thường có một nhân vật mới và những phụ nhữ gầy, thời trang được thể hiện cùng phong cảnh quanh họ. Phong cách này nhanh chóng được biết đến như phong cách Gothic và hội họa theo mảng quốc tế và tranh thờ cúng cũng đóng một vai trò quan trọng.
Fra Angelico
Filippo Lippi
Andrea Mantegna
Masaccio The Expulsion of Adam and Eve from Eden, before and after restoration
Paolo Uccello
Leonardo da Vinci
Raphael
Michelangelo
Albrecht Dürer
Giovanni Bellini
Titian
Leonardo da Vinci
Piero della Francesca
Giorgione
Jacopo Tintoretto
Sandro Botticelli
Robert Campin
Rogier van der Weyden
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Hieronymous Bosch
Pieter Bruegel
Hans Holbein the Younger
El Greco
Thời Phục Hưng được nhiều người cho rằng chính là thời kỳ vàng son của hội họa. Khoảng thời gian từ thế kỷ XIV xuyên suốt đến giữa thế kỷ XVII. Một số họa sĩ Italia như
 Paolo Uccello, Fra Angelico, Masaccio, Piero della Francesca, Andrea Mantegna, Filippo Lippi, Giorgione, Tintoretto, Sandro Botticelli, Leonardo da Vinci, Michelangelo Buonarroti, Raphael, Giovanni Bellini, và Titian đưa hội họa lên một tầm cao mới bằng sử dụng nhận thức, nghiên cứu của tỷ lệ và các bộ phận của con người, và thông qua sự phát triển của họ về một sự tinh tế chưa từng có trong kỹ thuật vẽ chì và vẽ màu.
Vào thế kỷ XV và XVI, các bức tranh mảng có thể được treo trên tường và di chuyển xung quanh theo ý muốn trở nên phổ biến trong cả nhà thờ và nhà riêng hơn là các bích họa trên tường hoặc các bức tranh kết hợp với một cấu trúc cố định, ví dụ như tranh thờ cúng. Thời Phục Hưng mang đến sự trối dậy của một phong cách hội họa gọi là trường phái Kiểu cách. Đặt vào hoàn cảnh của sự cân bằng các thành phần và tiếp cận nhận thức hợp lý đó các đặc điểm của hội họa vào cuối thế kỷ XVI, những người theo trường phái Kiểu cách tìm cách ổn định, tinh xảo và mơ hồ. Các cảm xúc khuôn mặt và cử chỉ của Piero della Francesca và Trinh nữ điềm đạm của Raphael được thay thế bằng các biểu thức khó khăn của Pontormo và cường độ cảm xúc của El Greco. Một số thập kỷ sau trườnng phái kiểu cách Phương Bắc thống trị nghệ thuật Hà Lan và Đức cho đến khi có sự xuất hiện của Baroque.
Bức tranh thời phục hưng phản ánh cuộc cách mạng của ý tưởng và khoa học (thiên văn học, địa lý) xảy ra trong thời gian này, nhà Cải cách, và những phát minh của in báo chí. Năm được coi là một trong những nhà điêu khắc vĩ đại nhất của hoa kỳ rằng họa sĩ không chỉ nghệ nhân, nhưng những nhà tư tưởng là tốt. Với sự phát triển của vẽ bức tranh trong thời phục Hưng, bức tranh giành độc lập từ kiến trúc. Sau nhiều thế kỷ thống trị bởi hình ảnh tôn giáo thế tục vấn đề từ từ trở về tranh của phương Tây. Nghệ sĩ có tầm nhìn của thế giới xung quanh họ, hoặc các sản phẩm của họ trí tưởng tượng của riêng trong bức tranh của họ. Những người có đủ khả năng các chi phí có thể trở thành người bảo trợ và ủy ban chân dung của mình hoặc gia đình của họ.
Caravaggio
Artemisia Gentileschi
Frans Hals
Peter Paul Rubens
Jan Vermeer
Rembrandt van Rijn
Diego Velázquez
Nicolas Poussin
José de Ribera
Salvatore Rosa
Claude Lorrain
Anthony van Dyck
Giovanni Battista Tiepolo
Antoine Watteau
Jean-Honoré Fragonard
François Boucher
Élisabeth Vigée-Lebrun
Maurice Quentin de La Tour
Thomas Gainsborough
Joshua Reynolds
Jean-Baptiste-Siméon Chardin
William Hogarth
Francis Hayman
Angelica Kauffman
Baroque liên kết với sự biến động của văn hóa Baroque, một phong trào thường được xác định bằng Thuyết Tuyệt đối và các phong trào Phản Cải cách hay Khôi Phục Công giáo; sự tồn tại của các bức tranh Baroque quan trọng trong trạng thái không có tính tuyệt đối và Tin Lành cũng có, tuy nhiên, nhấn mạnh tính phổ biến của nó, như phong cách lây lan khắp Tây Âu.
Hội họa Baroque đặc trưng bởi kịch tính tuyệt vời, màu sắc sâu, phong phú và cướng độ bóng sáng và tối. Hội họa Baroquechurddichs gợi lên cảm xúc và niềm đam mê thay vì lý trí bình tĩnh được đánh giá cao ở thời Phục Hưng. Trong thời kỳ bắt đầu từ khoảng năm 1600 và tiếp tục đến hết thế kỷ XVII, hội họa mang đặc điểm giống như Baroque. Trong số các họa sĩ lớn của Baroque như
Caravaggio, Rembrandt, Frans Hals, Rubens, Velázquez, Poussin, and Jan Vermeer, Caravaggio là một người thừa hưởng tính nhân văn trong hội họa của thời kỳ Phục Hưng. Cách tiếp cận thực tế đối với các chỉ số con người, vẽ từ đời sống thực tế và những mảng sáng đối chọi với nền tối đã tạo nên cú sốc tại thời điểm của ông và mở ra một chương mới trong lịch sử hội họa. hội họa Baroque thường kịch tính hóa các cảnh sử dụng hiệu ứng ánh sáng; điều này có thể được nhìn thấy trong các tác phẩm của Rembrandt, Vermeer, Lê Nain và La Tour.
Trong suốt thế kỷ XVIII, Rococo theo sau như một phần mở rộng nhẹ của Baroque, thường phù phiếm và khêu gợi. Rococo được phát triển đầu tiên trong nghệ thuật trang trí và thiết kế nội thất tại Pháp. Louis XV đã mang lại một sự thay đổi trong những nghệ sĩ hoàng gia và thời trang nghệ thuật nói chung. Các thập niên 1730, đại diện cho đỉnh cao của sự phát triển Rococo ở Pháp được minh chứng bằng các tác phẩm của Antoine Watteau và François Boucher. Rococo vẫn duy trì phong cách Baroque cho các hình thức phức tạp và các mẫu phức tạp, nhưng do thời điểm này, nó đã bắt đầu để tích hợp một loạt các đặc điểm đa dạng, trong đó có một số phong cách cho các thiết kế phương Đông và bố cục không đối xứng.
Các phong cách Rococo lây lan với nghệ sĩ Pháp và các ấn phẩm khắc. Nó được dễ dàng nhận được trong những phần Công giáo Đức, Bohemia, và Áo, nơi nó được sáp nhập với các truyền thống Baroque sống động của Đức. Đức Rococo được áp dụng với sự nhiệt tình đến nhà thờ và cung điện, đặc biệt là ở miền Nam, trong khi Frederician Rococo phát triển ở Vương quốc Phổ.
Các bậc thầy Pháp như Watteau, Boucher và Fragonard đại diện cho phong cách, cũng như Giovanni Battista Tiepolo và Jean-Baptiste-Siméon Chardin người được xem là phản đối Rococo bởi một số như họa sĩ Pháp tốt nhất của thế kỷ XVIII. Vẽ chân dung là một thành phần quan trọng của hội họa tại tất cả các nước, đặc biệt là ở Anh, nơi các nhà lãnh đạo William Hogarth, trong một phong cách hiện thực thẳng thừng, và Francis Hayman, Angelica Kauffman (người Thụy Sĩ), Thomas Gainsborough và Joshua Reynolds trong phong cách tâng bốc hơn ảnh hưởng bởi Anthony van Dyck. Trong khi ở Pháp trong suốt kỷ nguyên Rococo Jean-Baptiste Greuze (họa sĩ yêu thích của Denis Diderot), Maurice Quentin de La Tour, và Elisabeth Vigée-Lebrun đã hoàn toàn trở thành họa sĩ chân dung và lịch sử.
William Hogarth đã giúp phát triển một nền tảng lý thuyết cho nét đẹp Rococo. Mặc dù không cố ý tham chiếu đến phong trào, ông lập luận trong cuốn Phân tích về vẻ đẹp (1753) rằng các đường nhấp nhô và đường cong chữ S nổi bật trong Rococo là cơ sở cho ân sủng và vẻ đẹp trong nghệ thuật hoặc tự nhiên (không giống như những đường thẳng hay vòng tròn ở Cổ Điển). Sự khởi đầu của sự kết thúc cho Rococo đến vào đầu thập niên 1760 khi các nhân vật như Voltaire và Jacques-François Blondel bắt đầu lên tiếng chỉ trích về sự hời hợt và suy đồi của nghệ thuật. Blondel công khai chỉ trích các "mớ bòng bong vô lý của vỏ ốc, rồng, lau sậy, cây cọ cây và thực vật" trong nội thất đương đại. By 1785, Rococo đã biến mất khỏi thời trang ở Pháp, thay thế bằng các thứ tự và mức độ nghiêm trọng của các nghệ sĩ tân cổ điển như Jacques-Louis David.