회화의 역사

회화의 역사는 선사 시대 예술가들이 만든 유물과 예술 작품으로 거슬러 올라가며, 모든 문화를 아우른다. 이는 간헐적으로 중단되기도 하였으나 고대부터 지속적으로 이어온 전통이다. 회화의 역사는 문화, 대륙, 그리고 수천 년의 시간을 넘어 21세기까지 이어지는 창의성의 지속적인 흐름으로 구성된다. 20세기 초까지 회화는 주로 재현적, 종교적, 고전적 모티프에 의존했으나, 그 이후에는 보다 순수한 추상적이고 개념적인 접근 방식이 인기를 얻고 있다.

동양 회화의 발전은 역사적으로 서양 회화의 발전과 평행하게 이루어졌으며, 일반적으로 몇 세기 앞서 나타났다. 아프리카 미술, 유대인 미술, 이슬람 미술, 인도네시아 미술, 인도 미술, 중국 미술, 그리고 일본 미술은 각각 서양 미술에 상당한 영향을 미쳤으며, 그 반대의 경우도 마찬가지였다.

초기에는 실용적인 목적으로 시작하여 제국, 개인, 시민, 종교적 후원이 뒤따랐으며, 이후 동서양의 회화는 귀족과 중산층이 고객이 되었다. 근대 초기, 중세에서 르네상스에 이르기까지 화가들은 교회와 부유한 귀족을 위해 일했다. 바로크 시대를 기점으로 예술가들은 보다 교육받고 번영한 중산층으로부터 개인적인 의뢰를 받기 시작했다. 마침내 서양에서는 프란시스코 고야, 존 컨스터블, 조지프 말로드 윌리엄 터너와 같은 낭만주의 화가들의 작품들로부터 "예술을 위한 예술"이라는 개념이 표현되기 시작했다. 19세기에는 상업적인 갤러리가 부상하여 20세기에 예술적 후원자의 역할을 하기 시작했다.

 선사 시대 

가장 오래된 것으로 알려진 예술은 40,000~60,000년 이상 되었으며(후기 구석기 미술), 인도네시아 술라웨시의 마로스 지구의 동굴에서 발견되었다. 가장 오래된 형태는 종종 손자국 스텐실과 단순한 기하학적 모양으로 구성되어 있다.

섬네일|2021년 연구자들은 인도네시아 술라웨시의 레앙 테동네에서 최소 45,500년 전의 것으로 추정되는 고대 동굴 예술을 발견했다. 멧돼지를 묘사한 이 작품은 세계에서 가장 오래된 구상 미술 또는 재현 미술의 사례로 인정받고 있다.

2018년 11월, 과학자들은 인도네시아 보르네오의 루방 제리지 살레 동굴에서 4만 년(아마도 52,000년) 이상 된, 당시 알려진 가장 오래된 동물 형상 벽화를 발견했다고 보고했다. 2019년 12월, 술라웨시의 마로스-팡케프 카르스트 동굴 에서 돼지 사냥을 묘사한 동굴벽화가 최소 43,900년 전의 것으로 밝혀져 더욱 오래된 것으로 확인되었다. 이 발견은 "가장 오래된 것으로 알려진 스토리텔링의 묘사이자 인류 역사상 최초의 구상 미술 사례"로 기록되었다. 2021년에는 인도네시아 술라웨시에서 발견된 돼지 동굴벽화가 45,500년 이상 된 것으로 보고되었다. 2024년 7월 3일, 학술지 네이처는 레앙 카람푸앙(Leang Karampuang) 동굴에서 발견된, 돼지와 상호작용하는 의인화된 인물을 묘사한 크기 91 x 38cm 크기의 동굴벽화가 약 51,200년 전의 것으로 확인되어 세계에서 가장 오래된 회화로 인정받았다는 연구 결과를 발표했다.

인도네시아, 프랑스, 인도, 스페인, 남아프리카, 중국, 호주 등 전 세계 곳곳에서 동굴벽화의 사례가 발견되고 있다.

이 그림들이 당시 사람들에게 어떤 의미였는지에 대해 다양한 추측이 제기되어 왔다. 선사 시대 예술가들은 동물의 영혼이나 정령을 붙잡아서 위해 사냥을 더 쉽게 하려는 목적으로 그렸을 수도 있고, 주변 자연에 대한 애니미즘적 시각과 경외심을 표현했을 수도 있다. 또한 인간에게 내재된 기본적인 표현 욕구의 결과이거나, 실용적인 정보 전달을 위한 목적이었을 수도 있다.

구석기 시대 동굴벽화에서 인간을 표현한 사례는 드물다. 주로 동물이 그려졌는데, 먹이가 되는 동물 뿐만 아니라 쇼베 동굴에서처럼 코뿔소나 대형 고양이과 동물과 같이 힘을 상징하는 동물들도 그려졌다. 때로는 점과 같은 기호가 그려지기도 했다. 드물게 인간의 모습이 묘사된 예로는 손자국 스텐실, 그리고 반인반수 혼합 형상이 있다.

프랑스 아르데슈의 쇼베 동굴은 기원전 약 31,000년경에 그려진 구석기 시대의 가장 중요한 동굴벽화를 담고 있는 유적지이다. 스페인의 알타미라 동굴벽화는 기원전 14,000년에서 12,000년 사이에 그려졌으며 들소 등을 묘사하고 있다. 프랑스 도르도뉴의 라스코 동굴에 있는 "황소의 방"은 가장 잘 알려진 동굴벽화 중 하나로 기원전 약 15,000년에서 10,000년 사이의 것으로 추정된다.

이 그림들에 어떤 의미가 있을 수 있지만, 그 내용은 알 수 없다. 동굴은 일반적인 거주 구역이 아니었으므로 계절적인 의례에 사용되었을 가능성이 있다. 동물 그림과 함께 기호들이 나타나는데 이는 마법적 용도일 가능성이 제기된다. 라스코의 화살 모양 기호는 때때로 달력이나 얼머낵으로 해석되기도 하지만, 증거는 여전히 불충분하다. 중석기 시대의 가장 중요한 작품은 스페인 카스테욘도의 싱글 데 라 몰라(Cingle de la Mola)에 있는 《행진하는 전사들》로, 기원전 약 7000년에서 4000년경의 것으로 추정된다. 사용된 기법은 아마도 안료를 바위에 뱉거나 불어넣는 방식이었을 것이다. 그림들은 양식화되어 있지만 상당히 사실적이다. 인물들은 겹쳐져 있음에도 불구하고 3차원적이지는 않다.

가장 오래된 것으로 알려진 인도 회화는 빔베트카 바위그늘과 같은 곳에서 발견되는 선사 시대의 암각화이며, 그중 일부는 기원전 5500년 이전에 제작된 것으로 추정된다. 이러한 회화 작업은 수천 년 동안 계속되었으며, 7세기 마하라슈트라주의 아잔타 석굴의 조각된 기둥들은 인도 회화의 훌륭한 사례이다. 주로 붉은색과 오렌지색의 다양한 색조를 띤 안료는 광물에서 추출되었다.

 동양 

섬네일|upright|용을 타고 있는 남자를 묘사한 견화, 비단에 그린 그림, 기원전 5~3세기 전국 시대, 후난성 창사 자단고(子彈庫) 1호묘 출토
동양 회화는 다양한 문화와 종교로부터 광범위한 영향을 받았다. 동양 회화는 역사적으로 서양 회화와 평행하게 발전했으며, 일반적으로 몇 세기 앞서 나타났다. 중국 미술, 한국 미술, 그리고 일본 미술은 각각 서양 미술에 상당한 영향을 미쳤으며, 그 반대의 경우도 마찬가지였다.

중국 회화는 세계에서 가장 오래되고 지속적인 예술 전통 중 하나이다. 초기 회화는 재현적인 것이 아니라 장식적이었으며, 그림보다는 패턴이나 문양이 더 많았다. 초기 도기는 소용돌이, 지그재그, 점, 또는 동물 그림이 그려져 있었다. 예술가들이 주변 세계를 재현하기 시작한 것은 전국 시대(기원전 403~221년)에 이르러서였다. 일본 회화는 일본 예술 중 가장 오래되고 고도로 세련된 분야 중 하나로, 다양한 장르와 양식을 아우른다. 일본 회화의 역사는 고유한 일본 고유의 미학과 외래 사상이 끊임없이 융합되고 경쟁해 온 긴 역사이다. 한국 회화는 고조선의 멸망 무렵인 기원전 108년경에 독립된 형태로 시작되어 세계에서 가장 오래된 전통 중 하나가 되었다. 그 시기의 예술 작품은 삼국 시대를 특징짓는 다양한 양식으로 발전했으며, 특히 고구려 왕실의 무덤을 장식한 벽화가 대표적이다. 삼국 시대와 고려 시대를 거치며 한국 회화는 주로 한국식 산수, 독특한 인물 묘사, 불교 중심의 주제, 그리고 한국 천문학의 급격한 발전에 힘입은 천체 관측의 강조가 결합된 특징을 보였다.

 동아시아 

섬네일|upright|전한 시대(기원전 202년 ~ 서기 9년)의 중국 채색 항아리
중국, 일본, 한국은 회화 분야에서 강력한 전통을 가지고 있으며, 이는 서예 및 판화와도 밀접하게 연결되어 있다(실제로 판화는 흔히 회화로 간주되기도 한다). 극동의 전통 회화는 수성 기법, 덜 사실적인 표현, "우아하고" 양식화된 주제, 도식적인 묘사 방식, 여백(또는 네거티브 스페이스)의 중요성, 그리고 인물보다는 산수를 주제로 선호하는 특징이 있다. 비단이나 종이 두루마리에 잉크와 색을 사용하는 것 외에도, 칠기 위의 금을 입히는 기법도 동아시아 예술에서 흔했다. 과거에 비단은 그림을 그리기엔 다소 비싼 매체였으나, 서기 1세기경 한나라의 환관 채륜이 종이를 발명하면서, 글쓰기뿐 아니라 그림 그리기에도 저렴하고 널리 보급된 매체가 되었고, 이로써 회화가 대중에게 더욱 쉽게 접근 가능해졌다.

유교, 도교, 불교 사상은 동아시아 미술에서 중요한 역할을 했다. 스미스소니언 프리어 미술관에 소장된 12세기 송나라 화가 임정규(林庭珪)의 《오백나한도》 등은 고전 중국 예술에 불교적 사상이 융합된 훌륭한 사례이다. 비단에 그린 이 그림에서 머리를 깎은 불교 나한들은 강가에서 옷을 빠는 실용적인 모습으로 묘사된다. 그러나 그림 자체는 시각적으로 매우 화려하며, 나한은 풍부한 디테일과 밝고 불투명한 색채로 표현되었고, 안개가 자욱한 갈색의 밋밋한 숲 배경과 대비를 이룬다. 또한 나무 꼭대기는 소용돌이치는 안개에 싸여 있어, 동아시아 미술에서 자주 나타나는 "여백"을 이룬다.

자포니즘에서 빈센트 반 고흐, 앙리 드 툴루즈로트레크와 같은 19세기 후반의 후기인상주의자들과 제임스 애벗 맥닐 휘슬러 같은 토널리즘 화가들은 가쓰시카 호쿠사이(1760~1849)와 우타가와 히로시게(1797~1858) 같은 19세기 초 일본 우키요에 예술가들을 숭상하고 그들로부터 영향을 받았다.

 중국 

left|섬네일|구영(1494~1552년) 작, 《한궁춘효도》(漢宮春曉圖)

현재 남아있는 중국 회화의 가장 이른 사례는 전국 시대(기원전 481~221년)의 작품으로, 비단에 그린 그림이나 바위, 벽돌, 석재로 만든 묘실 벽화이다. 이들은 종종 단순하고 양식화된 형식과 다소 원시적인 기하학적 패턴으로 이루어져 있었다. 이들은 흔히 신화 속 생물, 가정생활, 노동하는 모습, 또는 조정의 관리들로 가득 찬 궁전 장면을 묘사한 경우가 많았다. 이 시기에 이어지는 진나라(기원전 221~207년) 및 한나라(기원전 202년 ~ 서기 220년) 시대의 예술 작품은 그 자체로 예술적 표현 수단이나 개인적인 표현을 위한 것이 아니라, 장례 의식이나, 신화 속 신이나 조상신 등을 상징하고 기리기 위한 목적으로 제작되었다. 한나라 시대에는 궁정 관리와 가정 장면을 비단에 그린 그림뿐만 아니라, 말을 타고 사냥하거나 군사 행진에 참여하는 장면도 발견된다. 또한 병마용의 군사와 말 조각상과 같은 3차원 작품에도 채색이 이루어졌다. 중국 남부 난징에 기반을 둔 고대 동진(서기 316~420년)의 사회적, 문화적 분위기 속에서 회화는 고금 연주, 환상적인 서예, 시 쓰기 및 낭송과 함께, 유교 기반의 관료와 귀족들의 공식적인 여가 활동 중 하나가 되었다. 회화는 예술적 자기표현의 일반적인 형태가 되었으며, 이 시기 궁정이나 엘리트 사회 계층의 화가들은 동료들에 의해 평가되고 등급이 매겨졌다.

섬네일|upright=1.3|장승온(張勝溫) 작, 《석가모니불》, 서기 1173~1176년, 송나라 시기.
중국 정통 산수화의 확립은 중국 역사상 가장 유명한 예술가 중 한 명인 동진 화가 고개지(서기 344~406년)의 공로가 크다. 고개지의 긴 두루마리 그림처럼, 당나라(서기 618~907년)의 중국 예술가인 오도현은 《팔십칠신선권》과 같이 길고 수평적인 두루마리에 생생하고 고도로 섬세한 예술 작품을 그렸다(이는 당나라 때 매우 인기 있었다). 당나라 시대의 회화 작품은 이상화된 풍경을 표현하는데 중점을 두었으며, 사물, 인물, 활동의 수를 최소화하고 단색조를 사용하는 경향이 있었다(예: 건릉의 이덕왕릉 벽화). 또한 당나라 초기의 화가 전입본처럼 자신의 시대를 앞선 사실적 묘사로, 뛰어난 산수화를 그린 인물들도 있었다. 그러나 산수화가 전반적으로 더 높은 수준의 성숙도와 사실성을 갖추게 된 것은 오대 십국 시대(서기 907~960년)에 이르러서였다. 이 시기에는 동원과 같은 뛰어난 산수화가들과 고홍중의 《한희재야연도》처럼 일상 장면을 더욱 선명하고 사실적으로 묘사한 화가들도 등장했다.
섬네일|left|《비파와 산새》, 남송의 무명 화가 작. 이와 같은 화첩 형태의 그림은 남송(1127~1279) 시대에 유행했다.

중국 송나라 시대(서기 960~1279년)에는 산수화 뿐만 아니라, 초상화도 이전보다 더 표준화되고 세련되었으며(북송 휘종 등 참고), 명나라(서기 1368~1644년) 시기에 이르러 고전 시대의 성숙기에 도달했다. 13세기 후반과 14세기 전반, 원나라의 몽골 지배 하에 있던 중국인들은 정부의 고위직에 오를 수 없었고(몽골인이나 중앙아시아 출신만 가능하였음), 과거제도 중단되었다. 유교 교육을 받았으나 직업이 없던 많은 중국인은 대신 회화와 연극 예술에 매진함으로써, 원나라 시기는 중국 예술에서 가장 활기차고 풍요로운 시대 중 하나가 되었다. 한 예로 전선(錢選, 1235~1305년)은 송나라의 관리였으나 애국심 때문에 원나라 조정을 섬기기를 거부하고 회화에 전념했다. 이 시기의 뛰어난 예술 사례로는 1262년 작 유네스코 세계유산인 영락궁(永樂宮)의 풍부하고 상세한 벽화들을 들 수 있다. 궁궐 내부는 1,000제곱미터가 넘는 면적에 걸쳐 주로 도교적 주제를 담은 그림으로 덮여 있다. 송나라 때는 화가들이 사교 클럽이나 모임에 모여 자신의 예술이나 다른 이의 작품을 토론하기도 했으며, 귀중한 예술 작품을 거래하는 경우도 많았다. 그러나 다른 화가들의 예술에 대한 가혹한 비판도 많았으며, 이는 화가들 사이의 양식과 취향의 차이가 컸음을 보여준다. 서기 1088년, 박학다식한 과학자이자 정치가인 심괄은 화가 이성의 작품에 대해 다음과 같이 비판했다.

섬네일|《서예를 연습하는 건륭제》, 18세기 중반.
산수화처럼 신비로운 매력, 그리고 초현실적인 우아함을 가진 고도의 양식이 사실주의보다 선호되기도 했지만, 중세 송나라를 시작으로 자연을 생생하게 재현한 많은 중국 화가들도 나타났다. 이후 명나라 화가들은 자연물에 대한 복잡한 세부 묘사와 사실주의에 대한 송나라의 전통을 이어받았으며, 특히 밝은색의 꽃밭과 빽빽한 덤불 및 나무들 사이에 있는 동물(오리, 백조, 참새, 호랑이 등)의 묘사에서 특히 그러한 경향이 많이 나타난다(좋은 예로 워싱턴 D.C. 스미스소니언 박물관 프리어 갤러리에 소장된 명나라의 무명화 《조매도》(鳥梅圖)가 있다). 명나라에는 유명한 화가들이 많았는데, 구영은 당대에도 유명했던 명나라 시대 최고의 화가 중 한 명으로, 가정생활, 활기 넘치는 궁궐 풍경, 강 계곡과 안개와 구름에 휩싸인 험준한 산의 자연 풍경 등 다양한 주제를 작품에 담아냈다. 명나라 시대에는 회화와 관련된 오문화파와 절파와 같은 경쟁적인 화파들도 존재했다.

정통 중국 회화는 17세기 초 명나라 말기에 나타난 고도로 사실적인 초상화와 함께 근대 초기 청나라로 이어졌다. 강희제, 옹정제, 건륭제의 초상화는 사실적인 중국 초상화의 훌륭한 예이다. 건륭제 재위 기간과 19세기까지 유럽 바로크 양식의 회화가 중국 초상화에 뚜렷한 영향을 미쳤는데, 특히 명암을 이용한 시각적 효과에서 두드러졌다. 마찬가지로 동아시아의 회화와 기타 예술 작품(도자기와 칠기 등)은 16세기에 유럽과 처음 접촉한 이래 유럽에서 높이 평가되었다.

 중국의 유화 
서양의 유화 기법은 19세기에 중국에 들어오기 시작하여 20세기 초 중국이 서양과의 교류를 확대하면서 중국 예술가와 미술 학도들 사이에서 널리 퍼졌다. 이철부(李鐵夫), 홍일(弘一), 쉬베이훙, 안문량(顔文樑), 임풍면(林風眠), 방간민(方幹民), 판위량 등의 예술가들은 주로 파리와 도쿄로 유학을 떠나 서양 미술을 배웠다. 이들을 통해 인상주의, 입체주의, 야수파, 후기인상주의와 같은 예술 운동이 중국에서 성장하고 번성했으나, 제2차 세계대전과 중화인민공화국의 탄생으로 중단되었다. 당시 모더니즘 예술 양식은 당시의 정치적 이념과 맞지 않는다는 인식이 확산되고 사실주의만이 유일하게 용인되는 미술 형식으로 자리 잡았다. 그럼에도 불구하고 20세기 초 서양 미술과의 밀접하게 교류하면서, 중국 미술계에 지속적인 영향을 미쳤다. 유화는 중국 예술계에서 중요한 매체로 살아남았으며, 그 결과 전통 중국 수묵화 또한 변화를 겪었다.

 일본 

섬네일|upright=.6|무로마치 시대, 게이아미(1431~1485) 작, 《관폭도(觀瀑圖)》, 도쿄 네즈 미술관.
일본 회화(絵画)는 일본 예술 중 가장 오래되고 고도로 세련된 분야 중 하나로, 폭넓은 장르와 양식을 포괄한다. 일본 예술 전반과 마찬가지로, 일본화는 일본 고유의 미학과 수입된 사상이 융합되고 경쟁하는 과정을 통해 발전해 왔다. 우키요에(浮世絵, "부유하는 세계의 그림"이라는 뜻)은 17세기에서 20세기 사이에 제작된 일본의 목판화 및 회화 장르로, 풍경, 연극, 유곽 지역을 모티프로 한다. 우키요에는 일본 목판 인쇄의 주요 예술 장르이다. 일본 판화, 특히 에도 시대의 판화는 19세기 전반에 걸쳐 프랑스 회화에 엄청난 영향을 미쳤다. 한편 19세기 일본 화가들은 서양 회화 기법과 재료를 차용한 요가(洋画)라는 새로운 회화 기법을 발전시켰으며, 이러한 주목할 만한 예술가로는 하라다 나오지로, 후지시마 다케지, 구로다 세이키 등이 있다.

 한국 

한국 회화는 고조선의 멸망 무렵인 기원전 108년경에 독립된 형태로 시작되어 세계에서 가장 오래된 전통 중 하나가 되었다. 그 시기의 예술 작품은 삼국 시대를 특징짓는 다양한 양식으로 발전했으며, 특히 고구려 왕실의 무덤을 장식한 벽화가 두드러진다. 삼국 시대와 고려 시대를 거치며 한국 회화는 주로 한국식 산수, 독특한 인물 묘사, 불교 중심의 주제, 그리고 한국 천문학의 급격한 발전에 힘입은 천체 관측의 강조가 결합된 특징을 보였다. 조선 시대에 이르러서야 유교적 주제가 토착적 요소와 조화를 이루며 한국 회화에 뿌리를 내리기 시작했다.

한국 회화는 주로 닥종이나 비단에 검은색 붓을 사용하여 단색으로 표현하는 것이 특징이다. 이러한 스타일은 색채를 광범위하게 사용한 "민화"나 화려한 민속 예술, 무덤 벽화, 의례 및 축제 예술에서도 분명하게 나타난다.

 남아시아 

 인도 
섬네일|《빔베트카 바위그늘》, 암각화, 석기 시대, 인도

인도 회화는 역사적으로 종교적 신들과 왕들을 중심으로 전개되었다. 인도 미술은 인도 아대륙에 존재했던 여러 다양한 예술 학교들을 통칭하는 용어이다. 아잔타 석굴의 대형 프레스코화부터 정교한 무굴 세밀화, 그리고 탄조르 화파의 금 장식 작품에 이르기까지 다양한 회화 유형이 있다. 간다라-탁실라 지역의 회화는 서쪽의 페르시아 미술의 영향을 받았다. 동부의 회화 양식은 주로 나란다 화파를 중심으로 발전했다. 작품들은 대부분 인도 신화의 다양한 장면에서 영감을 얻었다.

 역사 

섬네일|left|아잔타 석굴 1번 굴의 프레스코화.
가장 이른 시기의 인도 회화는 선사 시대의 암각화였으며, 빔베트카 암굴과 같은 곳에서 발견되는 그림 중 일부는 기원전 5500년 이전에 제작된 작품이다. 이러한 전통은 수천 년 동안 계속되었으며, 7세기 경 작품인 마하라슈트라주의 아잔타 석굴의 조각 기둥들에서 인도 회화의 훌륭한 사례를 볼 수 있다. 주로 붉은색과 오렌지색의 다양한 색조인 색상들은 광물에서 추출되었다.

인도 마하라슈트라의 아잔타 석굴은 기원전 2세기로 거슬러 올라가는 바위를 깎아 만든 석굴 유적지로, 불교 종교 미술과 보편적 회화 예술 양면에서 걸작으로 인정받는 회화와 조각이 있다.

 마두바니 회화
마두바니 회화는 인도 비하르주 미틸라 지역에서 행해지는 인도 회화 양식이다. 마두바니 회화의 기원은 고대부터 이어져 내려온다.

 무굴 
섬네일|upright=1.4|left|《책과 서탁을 두고 앉아 있는 두 서기》, 북인도(무굴 학파)의 장식 테두리 조각, 약 1640–1650
무굴 회화는 일반적으로 책의 삽화와 세밀화에 국한된 독특한 인도 회화 양식으로, 16~19세기 무굴 제국 기간 동안 출현하고 발전하였다.

 라지푸트 
섬네일|upright|《어머니 여신》 18세기의 파하리 양식 세밀화. 파하리와 라지푸트 세밀화는 많은 공통된 특징을 공유한다.

라지푸트 회화는 18세기 인도 라지푸타나의 왕국에서 발전했다. 각각의 라지푸트 왕국은 독특한 양식을 발전시켰지만 몇 가지 공통된 특징이 있다. 라지푸트 회화는 라마야나와 마하바라타 같은 서사시의 사건들, 크리슈나의 삶, 아름다운 풍경, 그리고 인간 등 수많은 주제를 묘사한다. 세밀화가 라지푸트 회화의 선호되는 매체였으나, 여러 필사본에도 라지푸트 회화가 포함되어 있으며 궁전의 벽, 요새의 내부 방, 그리고 특히 셰카와이트의 하벨리 벽에도 그림이 그려졌다.

색상은 특정 광물, 식물 자원, 조개껍데기에서 추출하거나, 보석, 금과 은 등을 가공하여 얻기도 하였다. 원하는 색상을 준비하는 과정은 때때로 몇 주가 걸리는 긴 과정이었다. 사용된 붓은 매우 가늘었다.

 탄조르 
탄조르 회화는 타밀나두주 탄조르 마을에 기원을 둔, 중요한 남인도 고전 회화 양식이다. 이 예술 양식은 예술과 문학을 장려했던 촐라 왕조 가 지배하던 9세기 초로 거슬러 올라간다. 탄조르 회화은 우아함, 풍부한 색채, 그리고 세부 묘사로 잘 알려져 있다. 대부분의 그림 주제는 인도 신화에 나오는 힌두교 신들과 여신들, 힌두 신화속 장면들이다. 현대에 들어와 이 그림들은 남인도의 축제 기간 동안 매우 인기 있는 기념품이 되었다.

탄조르 회화를 제작하는 과정은 여러 단계를 거친다. 첫 번째 단계는 바탕 위에 이미지의 예비 스케치를 하는 것이다. 바탕은 나무 판 위에 비단을 붙여 만든다. 그 다음 분필 가루나 산화 아연을 수용성 접착제와 섞어 바탕에 바른다. 바탕을 더 매끄럽게 해야할 경우, 가벼운 연마재를 사용하기도 한다. 이 바탕 위에 그림을 그린 후, 이미지 속의 보석과 의복 장식을 준보석으로 꾸민다. 레이스나 실을 사용해 보석을 장식하기도 한다. 그 위에 금박을 붙인다. 마지막으로 염료를 사용하여 그림 속의 인물들에 색을 입힌다.

 마드라스 화파 
인도가 영국의 통치를 받던 시기, 영국 왕실은 마드라스에 매우 재능 있고 지적인 예술적 인재들이 있다는 것을 알게 되었다. 영국인들은 마드라스 주변에 거대한 정착지를 건설했고, 그곳에 조지타운에서 런던 왕실의 예술적 기대를 만족시킬 기관을 설립하였다. 이 기관이 마드라스 미술학교이다. 처음에는 전통 예술가들이 정교한 가구, 금속 공예품, 골동품을 제작하였으며, 그들의 작품은 여왕의 왕궁으로 보내졌다.

'모방'이 교육의 규범인 벵골 학교와 달리, 마드라스 화파는 새로운 양식, 논쟁, 경향을 '창조'하는 데 주력하고 있다.

 벵골 화파 

right|섬네일|시인 라빈드라나트 타고르의 조카이자 이 운동의 선구자인 아바니드라나트 타고르(1871–1951) 작, 《바라트 마타》(인도 어머니)
벵골 화파는 20세기 초 영국령 인도에서 번성했던 영향력 있는 예술 양식이다. 이는 인도 민족주의와 관련이 있었지만, 많은 영국 예술 관리자들이 장려하고 지원하였다.

벵골 화파는 이전에 라자 라비 바르마와 같은 인도 예술가들과 영국의 미술 학교들에 의해 장려되었던 아카데믹 미술 양식에 반대하여 일어난 아방가르드이자 민족주의 운동으로 등장했다. 서양에서 인도 영성 사상이 널리 확산된 이후, 영국의 미술 교사 어니스트 빈필드 하벨은 학생들이 무굴 세밀화를 모방하도록 장려함으로써 캘커타 미술학교의 교육 방식을 개혁하려 했다. 이는 엄청난 논란을 불러일으켰고, 학생들의 동맹 휴학과 이를 퇴보적이라고 간주한 민족주의자들을 포함한 지역 언론의 비판을 야기했다. 하벨은 시인 라빈드라나트 타고르의 조카인 예술가 아바니드라나트 타고르의 지지를 받았다. 타고르는 무굴 예술의 영향을 받은 여러 작품을 그렸는데, 그와 하벨은 이 스타일이 서양의 "물질주의"와 대조되는 인도의 독특한 영적 특성을 표현한다고 믿었다. 타고르의 가장 잘 알려진 그림인 《바라트 마타》(인도 어머니)는 힌두교 신들의 모습처럼 네 개의 팔을 가진 젊은 여성이 인도의 국가적 열망을 상징하는 물건들을 들고 있는 모습을 묘사한다. 타고르는 나중에 범아시아주의적 예술 모델을 구축하려는 열망의 일환으로 일본 예술가들과의 연결을 시도했다.

벵골 화파는 1920년대 모더니즘 사상의 확산과 함께 쇠퇴했다. 인도 독립 이후 인도 예술가들은 유럽 양식을 자유롭게 차용하고 이를 인도 모티프와 융합하여 새로운 형태의 예술로 만드는 등 더 큰 적응력을 보여주었다. 프랜시스 뉴턴 수자와 타예브 메타와 같은 예술가들은 서구적인 접근 방식을 택한 반면, 가네시 파인과 막불 피다 후세인과 같이 철저히 토착적인 작업 방식을 발전시킨 이들도 있었다. 오늘날 인도 시장의 자유화 과정 이후, 예술가들은 국제 예술계에 더 많이 등장하고 있으며, 이를 통해 이전에는 인도에서 볼 수 없었던 새로운 형태의 예술이 출현하고 있다. 지티시 칼랏은 1990년대 후반 현대적이면서도 일반적인 정의의 범위를 넘어서는 회화로 유명해졌다. 그러나 21세기의 인도 예술가들이 새로운 양식, 주제, 은유를 시도하는 것은, 이전에는 없었던 방식으로 미술 분야에 진출하고 있는기업들의 예술 분야 지원 없이는 이처럼 빠르게 인정 받기 힘들었을 것이다.

 현대 인도 회화 

암리타 셰르길은 인도의 프리다 칼로로 불리기도 하는 인도의 화가로, 오늘날 벵골 르네상스의 거장들과 어깨를 나란히 하는 20세기 인도의 중요한 여성 화가로 간주된다. 그녀는 또한 인도의 '가장 비싼' 여성 화가이기도 하다.

오늘날 그녀는 1976년과 1979년 인도 고고학 조사국에서 예술 보물로 선포한 "9인의 거장" 중 한 명이며, 그녀의 그림 중 100점 이상이 현재 뉴델리의 국립 현대 미술관에 전시되어 있다.

식민지 시대에는 서구의 영향이 인도 예술에 영향을 미치기 시작했다. 일부 예술가들은 구성, 원근법, 사실주의에 대한 서구적 기법을 사용하여 인도 주제를 표현하는 스타일을 발전시켰다. 자미니 로이와 같은 이들은 의식적으로 민속 예술에서 영감을 얻었다.

1947년 독립할 무렵, 인도에는 여러 미술 학교가 설립되어 현대적인 기법과 사상을 접할 수 있게 되었다. 이 예술가들을 소개하기 위해 갤러리들도 설립되었다. 현대 인도 미술은 일반적으로 서구 양식의 영향이 많이 나타나지만, 인도 고유의 주제와 이미지에서 영감을 받은 작품도 많다. 주요 예술가들은 처음에는 인도 디아스포라 사이에서, 나중에는 국제적으로 인정을 받기 시작했다.

1947년 인도 독립 직후 결성된 진보 예술가 그룹(Progressive Artists' Group)은 탈식민지 시대에 인도를 표현하는 새로운 방식을 모색하고자 했다. 창립자는 F. N. 수자, M.F. 후세인, S.H. 라자, K. H. 아라, S. K. 바크레, H. A. 가데 등 6명의 저명한 예술가들이었으며, 이 그룹은 1956년에 해체되었지만 인도 예술의 표현 양식을 바꾸는 데 지대한 영향을 미쳤다. 1950년대 인도의 거의 모든 주요 예술가들은 이 그룹과 연관되어 있었다. 오늘날 잘 알려진 이들로는 발 찹다, 마니시 데이, 무쿨 데이, V. S. 가이톤드, 람 쿠마르, 타예브 메타, 그리고 악바르 파담시 등이 있다. 자하르 다스굽타, 프로카시 카르마카르, 존 윌킨스, 나라야난 라마찬드란, 비존 초두리와 같은 다른 유명 화가들도 인도의 예술 문화를 꽃 피웠고, 현대 인도 미술의 아이콘이 되었다. 라이 아난드 크리슈나 교수와 같은 미술사학자들은 인도적 정서를 반영하는 현대 예술가들의 작품을 언급하기도 했다. 기타 바드헤라는 수피 사상, 우파니샤드, 바가바드 기타와 같은 복잡한 인도 영적 주제를 캔버스에 옮긴 것으로 찬사를 받았다.

인도 예술은 1990년대 초 경제 자유화와 함께 활기를 띄기 시작했다. 다양한 분야의 예술가들이 이제 다양한 스타일로 작업하고 있다. 자유화 이후의 인도에서 많은 예술가들이 국제 예술 시장에서 자리를 잡았는데, 추상 화가 나트바르 바브사르, 구상 예술가 데바죠티 레이, 그리고 거대한 포스트 미니멀리즘 예술 작품으로 주목받은 조각가 애니시 커푸어 등이 그 예이다. 미국과 유럽에도 인도 예술 작품을 소개하기 위한 많은 미술관과 갤러리들이 문을 열었다.

 동남아시아 

 인도네시아 

섬네일|upright|left|인도네시아 칼리만탄 구아 테웨트(Gua Tewet)의 "생명의 나무" 동굴벽화에 있는 손 스텐실

가장 오래된 것으로 알려진 동굴벽화는 44,000~50,000년 이상 된 것으로, 인도네시아 술라웨시의 마로스 지구의 동굴에서 발견되었다. 가장 오래된 유형은 손 스텐실과 단순한 기하학적 모양이며, 구상 동굴벽화 중 가장 오래된 것으로 확실하게 인정되는 것은 약 35,000년 전의 것이었다.

당시 가장 오래된 것으로 알려진 구상 미술 회화는 인도네시아 보르네오의 루방 제리지 살레 동굴에서 발견된 4만 년(아마도 52,000년) 이상 된 알려지지 않은 동물의 그림이었다. 그러나 2019년 12월, 술라웨시의 마로스-팡케프 카르스트 동굴에서 발견된 돼지 사냥을 묘사한 구상 동굴벽화는 최소 43,900년 전의 것으로 추정되어 더욱 오래된 것으로 확인되었다. 이 발견은 "세계에서 가장 오래된 스토리텔링의 기록이자 최초의 구상 예술 작품"으로 주목받았다.

섬네일|와양 《베베르》, 17th century
인도네시아 회화의 다른 사례로는 고사리와 코뿔새 같은 자생적인 자연 모티프를 바탕으로 케냐족(Kenyah) 전통 가옥의 벽을 장식하는 장식 예술이 있다. 또 다른 주목할 만한 전통 예술은 기하학적인 토라자(Toraja) 목각이다. 발리 회화는 원래 발리 전설과 종교 경전의 장면을 묘사하는 서사적 이미지였다. 고전 발리 회화는 종종 론타르(lontar) 필사본과 사찰 정자 천장을 장식했다. 유럽 전통을 따르는 주목할 만한 현대 인도네시아 화가로는 라덴 살레, 얀 토로프, 바수키 압둘라, 압둘라 수리오수브로토 등이 있으며, 이들의 주제는 풍경화와 초상화를 탐구한다.

 필리핀 

섬네일|upright|left|후안 루나 작,《 라 불라케냐》(La Bulaqueña), 1895

필리핀 회화는 전반적으로 다양한 문화적 영향이 융합된 것으로 볼 수 있지만, 현재는 동양적 뿌리를 지니고 있으면서도 서양적인 경향이 더 강하다.

초기 필리핀 회화는 마눙굴 항아리와 같은 필리핀의 의례용 도기에 장식된 붉은색 점토(흙과 물의 혼합물) 장식에서 발견할 수 있다. 술루의 상가-상가 동굴과 카가얀의 라우렌테 동굴에서 발견된 필리핀의 도기 제작 증거는 기원전 6000년경까지 거슬러 올라간다. 기원전 5000년경에는 전국적으로 도기 제작이 이루어졌다. 초기 필리핀인들은 이웃한 캄보디아인들보다 먼저, 그리고 태국인들과 비슷한 시기에 도기 제작을 시작했는데, 이는 빙하기에 광범위하게 도기 기술이 발전한 결과로 보인다. 회화의 추가적인 증거는 초기 필리핀인들, 특히 스페인 탐험가들이 '핀타도스(Pintados, 색칠된 사람들)'이라고 불렀던 비사야인들의 문신 전통에서 볼 수 있다. 그들은 다양한 색상의 안료를 사용하여 식물과 동식물, 그리고 천체를 참조한 디자인으로 몸을 장식했다. 현재까지 전해지는 초기 필리핀인들의 가장 정교한 회화 작품으로는 마라나오족의 예술과 건축에서 볼 수 있는데, 그들은 토로간(Torogan, 왕의 집)의 아름다운 파놀롱(Panolong)에 조각 혹은 채색한 나가 용과 사리마녹으로 잘 알려져 있다.

섬네일|후안 루나, 《파리의 생활》, 1892
필리핀인들은 17세기 스페인 통치 기간 동안 유럽 전통의 그림을 제작하기 시작했다. 초기 작품들은 교회 벽화와 성경에서 영감을 받은 종교적 이미지, 그리고 기독교 성상과 유럽 귀족을 묘사한 판화, 조각, 석판화 등이었다. 19세기와 20세기 사이의 대부분의 회화와 조각은 종교적, 정치적, 풍경적 주제를 혼합하여 표현했으며, 부드러움, 어둠, 밝음을 대비한 작품이 많았다. 다미안 도밍고와 같은 초기 모더니즘 화가들은 종교화 및 세속화를 모두 그렸다. 후안 루나와 펠릭스 이달고의 예술은 정치적 메시지를 표현했다. 페르난도 아모르솔로와 같은 예술가들은 포스트모더니즘을 사용하여 필리핀의 문화, 자연, 조화를 묘사하는 그림을 제작했다. 페르난도 조벨 등은 사실주의와 추상주의를 결합하였다.

 서양 

 이집트, 그리스, 로마 

섬네일|헬레니즘 미술 시기 그리스의 테라코타 장례용 벽화, 기원전 3세기
건축과 조각(둘 다 원래 밝은 색으로 채색됨)의 전통이 매우 강했던 고대 이집트에서는 사원과 건물에 많은 벽화를 남겼으며, 파피루스 사본에도 채색된 삽화를 그렸다. 이집트의 벽화와 장식 회화는 대부분 사실적이기보다 도식적, 상징적이다. 이집트 회화는 굵은 윤곽선과 평면적인 실루엣으로 인물을 묘사하며, 대칭성이 중요한 특징이다. 이집트 회화는 신성문자라고 불리는 문자 언어와 밀접한 관련이 있다. 초기 형태의 문자 언어에서 채색된 기호들이 발견된다. 이집트인들은 아마포 위에도 그림을 그렸으며, 그 잔해들이 오늘날까지 전해지는 것은 극도로 건조한 기후 덕분이었다. 고대 이집트인들은 사후 세계를 즐거운 장소로 만들기 위해 그림을 그렸다. 주제에는 내세로의 여정이나 사자를 지하 세계의 신들에게 인도하는 보호신을 소개하는 내용이었다. 예를 들어, 라, 호루스, 아누비스, 누트, 오시리스, 이시스와 같은 신의 모습을 그렸다. 일부 무덤 벽화는 사자가 살아있을 때 참여했던 활동과 영원히 계속하기를 원했던 일들을 묘사하였다. 이집트 신왕국 이후에는 사후 세계에 대한 입문서인 사자의 서가 매장된 사람과 함께 묻혔다.

고대 이집트 북쪽에는 크레타섬을 중심으로 한 미노스 문명이 있었다. 크노소스 궁전에서 발견된 벽화들은 이집트인 벽화와 유사하지만 양식 면에서 훨씬 더 자유롭다. 기원전 1600년경 시작된 미케네 문명에서도 미노스 크레타와 유사한 예술 작품이 생산되었다. 고대 그리스 미술은 그리스 암흑 시대 동안 훨씬 단순해 졌지만, 고졸기 그리스 동안 지중해 전역에 걸친 그리스 문명이 부흥하면서 오리엔탈 양식과 함께 새로운 형태의 그리스 예술이 탄생하였다.

섬네일|upright=1.35|《전차를 타고 있는 하데스와 페르세포네》를 보여주는 프레스코화, 그리스 베르기나의 에우리디케 1세 묘 출토, 기원전 4세기
고대 그리스에는 숙련된 화가와 조각가(당시에는 단순한 육체 노동으로 여겨졌다), 그리고 건축가들이 있었다. 파르테논 신전은 현대까지 남아있는 고대 그리스 건축의 대표작이다. 그리스 대리석 조각은 종종 고전주의 미술의 최고 형태로 묘사된다. 고대 그리스의 도예에 그려진 그림은 고대 그리스 사회가 움직였던 방식을 엿볼 수 있는 귀중한 자료이다. 그리스 회화는 흑회식 도기와 적회식 도기외에 거의 남아 있지 않지만, 이들을 통해 그리스 회화의 특징을 볼 수 있다. 문헌에 언급된 유명한 그리스 목판화 화가로는 아펠레스, 제욱시스, 파라시우스 등이 있으나, 고대 그리스 판넬화는 거의 남아있지 않으며 대부분 동시대인들이나 후대 로마인들의 기록으로만 전해진다. 제우크시스는 기원전 5-6세기에 살았으며 스푸마토를 처음으로 사용했다고 전해진다. 대 플리니우스에 따르면, 그의 그림은 너무 사실적이어서, 새들이 그려진 포도를 먹으려 했다고 한다. 아펠레스는 완벽한 드로잉의 기술, 찬란한 색채와 모델링으로 고전 고대의 가장 위대한 화가로 묘사된다.

로마 미술은 그리스의 영향을 받았으며 부분적으로는 고대 그리스 회화의 후손으로 간주될 수 있다. 그러나 로마 회화는 로마만의 고유한 특성을 지니고 있다. 현재 남아있는 로마 회화로는 남부 이탈리아의 폼페이와 헤르쿨라네움 같은 유적지 저택에서 발견된 벽화와 프레스코화가 대표적이다. 이러한 회화는 네 가지 주요 "양식" 또는 시기로 분류될 수 있으며, 트롱프뢰유, 의사 원근법, 그리고 순수 풍경화의 초기 사례가 나타난다. 고대 세계에서 살아남은 거의 유일한 초상화는 고대 후기 파이윰 묘지에서 발견된 여러 상반신 미라 초상화이다. 비록 이것들이 최고의 시기에 제작된 것도 아니고 최고 품질도 아니었지만, 그 자체로 인상적이며 고대 최고의 작품이 어떤 수준이었을지 짐작하게 해준다. 고대 후기 삽화본에 실려있는 세밀화도 극소수 남아 있으며, 중세 초기 그 사본들은 더 많이 남아 있다.

 중세 

기독교의 부흥은 회화 양식에 다른 정신과 목적을 불어 넣었다. 비잔틴 미술은 6세기경 그 양식이 확립된 이후 전통적인 도상학과 양식을 중시하였으며, 비잔틴 제국의 천년 역사와 그리스 및 러시아 정교회의 이콘 회화 전통을 통해 서서히 발전해 나갔다. 비잔틴 회화는 성스러운 느낌을 주며 이콘은 과거에도 현재에도 신성한 계시를 나타내는 것으로 여겨진다. 이 시기에 많은 프레스코가 그려졌지만, 모자이크에 비해 현존하는 작품은 많지 않다.

비잔틴 미술은 그 평면성과 고도로 양식화된 인물 및 풍경 묘사로 인해 현대의 추상과 비교되기도 한다. 비잔틴 미술의 일부 시기, 특히 10세기경의 이른바 마케도니아 미술은 보다 유연한 접근 방식을 보여준다. 14세기 초 팔라이올로고스 르네상스의 프레스코화가 이스탄불의 코라 교회에 남아 있다.
섬네일|upright|시도서
고대 이후 가톨릭 유럽에서 회화를 포함한 최초의 독자적인 예술 양식은 영국 제도의 도서예술이었으며, 현존하는 유일한 예는 켈스의 서와 같은 채식필사본의 세밀화들이다. 이 세밀화들은 추상적인 장식으로 가장 유명하지만, 때로는 인물이나 풍경도 묘사되었는데, 특히 복음서 저자의 초상화에서 두드러진다. 카롤링거 및 오토 왕조 미술도 주로 필사본으로 남아있으나, 일부 벽화가 남아있으며 더 많은 작품들은 기록으로만 전해진다. 이 시기의 예술은 도서예술과 "야만인"의 영향에, 비잔틴적 영향이 강하게 결합되었으며, 고전적인 기념비성과 균형감을 되찾고자 하는 열망이 돋보인다.

로마네스크 및 고딕 교회의 벽은 조각상과 프레스코화로 장식되었으며, 남아있는 소수의 벽화는 강렬한 인상을 주면서 도서 예술의 장식적 에너지와 인물 처리에 있어서의 새로운 웅장함을 결합했다. 이 시기에는 많은 채식필사본의 세밀화가 남아있는데, 이 또한 고딕 시대까지 이어지는 동일한 특징을 보여준다.

로마네스크 기간 동안 비잔틴 이콘의 강한 영향으로 패널화가 더욱 일반화되었다. 13세기 중반 무렵, 중세 미술과 고딕 회화는 이탈리아에서 치마부에와 그의 제자 조토에 의해 부피와 원근법의 묘사에 대한 관심이 시작되면서 더욱 사실적으로 변했다. 치마부에와 조토는 서구 문화에서 중세 회화의 거장으로 인정된다. 치마부에는 비잔틴 전통을 따르면서도 더 사실적이고 극적인 접근 방식을 사용했다. 그의 제자 조토는 이러한 혁신을 더 높은 수준으로 끌어올려 서구 회화 전통의 토대를 마련했다. 두 예술가 모두 자연주의로 향하는 움직임의 선구자였다.조토 이후 최고의 화가들은 구도 표현에 있어서 더욱 자유롭고 혁신적인 방식을 채택했다.

교회들은 건축 기술이 진화되면서 점점 더 창문이 많아지게 되었고, 이에 따라 화려한 스테인드글라스가 장식의 핵심이 되었다. 가장 유명한 예는 파리의 노트르담 대성당이다. 14세기 무렵 서구 사회는 더욱 부유해지고 교양을 갖추게 되었으며, 귀족과 심지어 부르주아지들도 화가들을 후원하기 시작했다. 채식 필사본은 새로운 성격을 띠게 되었고, 풍경화 속에는 날씬하고 세련된 옷을 입은 궁정 여인들이 등장했다. 이 양식은 곧 국제 양식으로 알려지게 되었으며 템페라 판넬화와 제단화가 중요하게 되었다.

 르네상스 및 매너리즘 

르네상스(프랑스어로 '부활')는 대략 14세기부터 17세기 중반까지 이어진 문화 운동으로, 고전 문헌 연구와 과학 발전을 촉진하여 유럽의 지적, 예술적 삶에 지대한 영향을 미쳤다. 15세기 초, 저지대 국가, 특히 오늘날의 플란데런에서 새로운 방식의 회화가 확립되었다. 림뷔르흐 형제를 비롯한 채식필사본의 발전에 힘입어, 예술가들은 가시적인 세계의 실체에 매료되어, 극도로 자연주의적, 사실적인 방식으로 사물을 표현하기 시작했다. 전통적으로(비록 잘못되었으나) 얀 판 에이크가 발명했다고 알려진 유화 기법이 도입되면서, 이러한 자연주의 묘사에 새로운 사실성을 더해주었다. 유화 매체는 이미 멜키오르 브루데를람의 작품에 사용되었지만, 얀 판 에이크와 로베르 캉팽과 같은 화가들은 유화의 가능성을 새로운 차원으로 끌어올려 그들이 추구했던 했던 자연주의를 표현할 수 있었다. 이 새로운 매체를 통해 이 시기의 화가들은 깊고 강렬한 색조의 풍부한 색상을 만들 수 있었다. 도자기와 같은 마감으로 빛나는 듯한 착시 효과를 내는 것이 플랑드르 화파의 특징이었으며 이탈리아에서 사용된 템페라 물감의 무광택 표면과는 큰 차이가 있었다.

고대 그리스와 로마의 예술에서 영감을 얻은 이탈리아인들과 달리, 북부인들은 중세 조각과 채식필사본의 양식(특히 자연주의)을 계승했다. 이 시기의 가장 중요한 예술가는 얀 판 에이크로, 그의 작품은 현재 초기 네덜란드 화파 또는 플랑드르 원시주의자(대부분의 예술가들이 현대 플란데런의 도시에서 활동했기 때문에)로 알려진 예술가들이 만든 최고의 작품으로 꼽힌다. 이 시기의 첫 번째 화가는 오늘날 로베르 캉팽으로 확인된 플레말의 거장(the Master of Flémalle)이었으며, 그의 작품은 국제 고딕 양식을 따른다. 이 시기의 또 다른 중요한 화가는 인간의 감정과 드라마를 강조한 구성을 보여준 로히어르 판 데르베이던으로, 예를 들어 그의 《십자가에서 내려지는 그리스도》는 15세기 가장 유명한 작품 중 하나이자 그리스도 수난을 묘사한 가장 영향력 있는 네덜란드 회화 중 하나로 꼽힌다. 그 밖에 이 시기의 다른 중요한 예술가로는 휘호 판 데르 후스(그의 작품은 이탈리아에서 매우 영향력이 컸다), 디르크 바오츠(북부 화가들 중 단일 소실점을 처음으로 사용), 페트루스 크리스투스, 한스 멤링, 그리고 헤라르트 다비트가 있다.

이탈리아에서는 고전 고대의 예술의 영향으로, 이상적인 형태를 강조하는 회화 양식이 발전하였다. 파올로 우첼로, 마사초, 프라 안젤리코, 피에로 델라 프란체스카, 안드레아 만테냐, 프라 필리포 리피, 산드로 보티첼리, 레오나르도 다 빈치, 미켈란젤로 부오나로티, 그리고 라파엘로 산치오와 같은 예술가들은 원근법, 인체해부학과 비례에 대한 연구, 그리고 드로잉과 회화 기술의 정교한 발전을 통해 회화를 더 높은 수준으로 끌어올렸다. 반면, 베네치아에서는 다소 더 자연주의적인 양식이 나타났다. 조반니 벨리니, 조르조네, 티치아노 베첼리오, 틴토레토, 그리고 파올로 베로네세와 같은 베네치아 화파의 화가들은, 드로잉의 정밀함보다는 풍부한 색채와 통일된 효과를 추구하는 데 중점을 두었으며, 보다 즉흥적인 화풍을 추구했다.

한스 홀바인, 알브레히트 뒤러, 루카스 크라나흐, 마티아스 그뤼네발트, 히에로니무스 보스, 그리고 대 피터르 브뤼헐과 같은 르네상스 시기의 플랑드르, 네덜란드, 독일 화가들은, 이탈리아와는 다른 접근 방식을 보여주었는데, 이는 더 사실적이고 덜 이상화된 방식을 택했다. 대 피터르 브뤼헐과 같은 북부 화가들 사이에서는 풍속화가 가장 인기 있는 표현 방식이 되었다.

프랑스의 국제 고딕 전통은, 고딕의 강렬한 색채와 콰트로첸토의 이탈리아적 원근법 및 입체감, 그리고 플랑드르 원시주의의 자연주의적 혁신을 통합하여 투르 화파(École de Tours)라고 하는 새로운 양식으로 발전하였다. 그 주요 대표자는 장 푸케, 네덜란드 출신의 바르텔레미 데이크, 장 클루에와 프랑수아 클루에, 장 페레알, 니콜라 프로망 등이 있으며, 퐁텐블로 화파도 포함된다.

르네상스 회화는 이 시기에 일어난 아이디어와 과학 혁명(천문학, 지리학), 종교 개혁, 그리고 인쇄기의 발명의 영향을 받았다. 판화 제작의 거장인 뒤러는 화가가 단순한 장인이 아니라 지식인이기도 하다고 주장했다. 르네상스 시기 이젤화가 도입되면서 회화가 건축으로부터 독립할 수 있게 되었다. 벽에 쉽게 걸 수 있는 이동식 그림인 이젤 회화는 가구, 벽 또는 다른 구조물에 고정된 그림을 대체하는 인기 있는 대안이 되었다. 수 세기 동안 종교적 이미지가 지배적이었던 서양 회화는 서서히 세속적인 주제로 돌아왔다. 예술가들은 주변 세계의 풍경이나 자신의 상상력을 그림에 표현하게 되었다. 경제력이 있는 사람들은 후원자가 되어 자신이나 가족의 초상화를 의뢰할 수 있었다.

전성기 르네상스는 매너리즘 양식을 탄생시켰다. 16세기 초 예술의 특징이었던 균형 잡힌 구성과 합리적인 원근법 대신, 매너리즘 화가들은 불안정성, 인위성, 그리고 의구심을 추구했다. 피에로 델라 프란체스카의 평온한 얼굴과 몸짓, 라파엘로의 고요한 성모자상은, 폰토르모의 고뇌 어린 표현과 엘 그레코의 강렬한 감정으로 대체되었다. 불안하고 불안정한 구성, 극단적이거나 단절된 원근법 효과, 양식화된 자세는 틴토레토, 폰토르모, 브론치노와 같은 이탈리아 매너리즘 화가들의 특징이며, 이후 헨드리크 골치우스, 바르톨로메우스 스프랑거, 요아힘 우테발과 같은 북부 매너리즘 화가들의 작품에도 나타났다.

 바로크 및 로코코 

바로크 회화는 바로크 문화 운동과 연관되어 있으며, 이 운동은 종종 절대주의, 반종교 개혁 또는 가톨릭 부흥과 동일시된다. 그러나 비절대주의 국가와 개신교 국가에서도 바로크 회화가 존재했다는 사실로부터, 이 스타일이 서유럽 전체로 퍼져나가 인기를 얻었음을 알 수 있다.

바로크 회화는 극적인 분위기, 풍부하고 깊이 있는 색채, 그리고 강렬한 명암 대비가 특징이다. 바로크 예술은 르네상스 동안 소중히 여겨졌던 차분한 합리성 대신, 감정과 열정을 불러일으키는데 중점을 두었다. 바로크 회화는 1600년경 시작되어 17세기 내내 지속되었다. 바로크 시대의 가장 위대한 화가로는 카라바조, 렘브란트, 프란스 할스, 루벤스, 벨라스케스, 푸생, 그리고 요하네스 페르메이르 등이 있다. 카라바조는 전성기 르네상스의 인본주의 회화를 계승한 화가이다. 실물을 직접 보고 그린 사실적인 인물 묘사와 어두운 배경에 대비되는 극적인 조명 기법은, 당시 사람들에게 충격을 주었고 회화사에 새로운 장을 열었다. 바로크 회화는 종종 조명 효과를 사용하여 장면을 드라마틱하게 연출하는데, 이는 렘브란트, 페르메이르, 르 넹, 라 투르, 그리고 호세 데 리베라의 작품에서 볼 수 있다.

섬네일|렘브란트, 유대인 신부, 약 1665–1669
이탈리아에서 바로크 양식은 카라치 일가, 귀도 레니, 루카 조르다노와 같은 같은 화가들의 웅장한 양식으로 그려진 종교화와 신화화에서 잘 드러난다. 피에트로 다 코르토나의 환상적인 교회 천장 프레스코화는 하늘을 향해 열려있는 듯한 착시효과를 만들어낸다. 네덜란드에서는 훨씬 더 차분한 유형의 바로크가 나타났는데, 그곳에서는 일상적인 주제의 이젤화가 중산층 수집가들에게 인기 있었으며, 많은 화가들이 풍속화, 풍경화, 해양화, 정물화 등 다양한 분야에 특화되었다. 페르메이르, 제라르 테르 보르흐, 그리고 피터르 데 호흐는 가정생활을 묘사하는 데 뛰어난 기법을 선보였고, 빌렘 클라에스 헤다는 정물화에 탁월한 재능을 발휘했다. 대조적으로 렘브란트는 모든 유형의 주제를 그리는 데 탁월했으며, 자신만의 독자적인 화풍을 발전시켰다. 그의 작품에서는 카라바조 화파로부터 유래한 키아로스쿠로와 어우운 배경을 기반으로 한 극적인 특성이 많이 나타나지 않는다.

18세기 동안 로코코은 바로크 양식의 연장선상에서 더욱 가볍고, 종종 경박하고 에로틱한 특징을 보였다. 로코코는 프랑스의 장식 예술과 실내 디자인에서 먼저 시작되었다. 루이 15세가 즉위하면서 예술가들과 전반적인 예술적 유행에 변화가 시작되었다. 1730년대는 앙투안 바토와 프랑수아 부셰의 작품에서 볼 수 있는 것처럼, 프랑스 로코코 양식이 절정에 달했던 시기였다. 로코코는 여전히 복잡한 형태와 정교한 문양에 대한 바로크적 취향을 유지했으나, 이 시점에 이르러서는 동양적 디자인과 비대칭적 구성을 포함한 다양한 특성을 통합하기 시작했다.

로코코 양식은 프랑스 예술가들과 판화 출판물과 함께 퍼져나갔다. 이는 독일, 보헤미아, 그리고 오스트리아의 가톨릭 지역에서 큰 인기를 얻어, 활기찬 독일 바로크 전통과 합쳐졌다. 독일 로코코 양식은 특히 남부의 교회와 궁전에 열광적으로 적용되었으며 프로이센 왕국에서는 프리드리히 로코코 양식이 발전했다.

프랑스의 거장 바토, 부셰, 프라고나르, 조반니 바티스타 티에폴로가 이 양식을 대표하며, 동시대에 활동했던 장 바티스트 시메옹 샤르댕은 18세기 최고의 프랑스 화가이자 안티 로코코로 유명하다. 초상화는 모든 국가의 회화에서 매우 중요한 요소였다. 특히 영국에서는 윌리엄 호가스가 직설적이고 사실주의적인 초상화의 대가이며, 프랜시스 헤이먼, 앙겔리카 카우프만(스위스인), 토머스 게인즈버러와 조슈아 레이놀즈 등은 안토니 반 다이크의 영향을 받아 아첨하는 듯한 초상화를 제작하였다. 로코코 시대 프랑스에서는 장 바티스트 그뢰즈가 초상화와 역사화에서 두각을 나타냈으며, 캉탱 드 라 투르와 엘리자베트 비제 르 브룅은 고도로 숙련된 초상 화가였다. 라 투르는 이 기간 동안 유행했던 파스텔 회화를 전문으로 했다.

윌리엄 호가스는 로코코 미학을 위한 이론적 토대를 마련하는 데 도움을 주었다. 그가 의도적으로 로코코 운동을 언급한 것은 아니었지만, 그는 《미의 분석》(1753)에서 로코코에서 두드러진 물결 모양의 선과 S자 곡선이 (고전주의의 직선이나 원과 달리) 예술이나 자연에서의 우아함과 아름다움의 기초라고 주장했다.

로코코는 1760년대 초 볼테르와 자크 프랑수아 블론델과 같은 인물들이 예술의 피상성과 퇴폐에 대해 비판의 목소리를 내기 시작하면서 종말이 시작되었다. 블론델은 당대 인테리어를 "조개껍데기, 용, 갈대, 종려나무와 식물들의 우스꽝스러운 뒤범벅"이라고 비난했다.

1785년 무렵 프랑스에서는 로코코 유행이 끝났으며 자크루이 다비드와 같은 신고전주의 예술가들의 질서와 진지함으로 대체되었다.

 19세기: 신고전주의, 역사화, 낭만주의, 인상주의, 후기인상주의, 상징주의 

로코코 이후 18세기 후반 건축과 회화에서 다비드와 그의 후계자 앵그르와 같은 예술가들로 대표되는 엄격한 신고전주의가 등장했다. 앵그르의 작품은 이미 많은 관능성을 포함하고 있었으나 낭만주의의 특징인 자발성은 없었다. 낭만주의는 인간의 의지보다 높은 자연 질서와 인물 및 자연으로서의 풍경에 주의를 돌렸다. 인류가 자연의 혼돈 앞에 무력하다고 보는 점에서, 인간의 자유의지를 강조한 계몽주의 이상에 반대한다. 인간이 자연의 힘 위에 있을 수 없다는 생각은, 인간이 만물 위에 있고 자신의 운명을 스스로 결정한다는 고대 그리스와 르네상스 시대의 이상과 상반된다. 이러한 사고방식은 낭만주의 예술가들이 숭고함, 무너진 교회, 난파선, 학살과 광기를 묘사하게 만들었다.

19세기 중반 무렵 화가들은 종교, 신화, 초상화 또는 역사만 묘사해야 한다는 후원자의 요구로부터 해방되었다. "예술을 위한 예술"이라는 이념이 프란시스코 데 고야, 존 컨스터블, 조지프 말로드 윌리엄 터너와 같은 화가들의 작품에서 표현되기 시작했다. 낭만주의 화가들은 풍경화를 인류의 유한함과 자연의 웅장함를 대조하여 표현하는 중요한 장르로 보았다. 그때까지 풍경화는 화가들에게 초상화나 역사화만큼 중요한 장르로 간주되지 않았다. 그러나 조지프 말로드 윌리엄 터너와 카스파르 다비트 프리드리히와 같은 화가들은 풍경화를 역사화에 필적하는 지위로 끌어올리는 데 성공했다.

이 시기의 주요 화가들로는 외젠 들라크루아, 테오도르 제리코, 조지프 말로드 윌리엄 터너, 카스파르 다비트 프리드리히 그리고 존 컨스터블이 있다. 프란시스코 데 고야의 후기 작품은 비이성적인 것에 대한 낭만주의적 관심을 보여주며, 아르놀트 뵈클린의 작품은 신비로움을 불러일으키고 유미주의 예술가 제임스 애벗 맥닐 휘슬러의 그림은 세련미와 퇴폐미를 동시에 불러일으킨다. 미국에서 낭만주의 풍경화 전통은 허드슨 리버 화파로 알려졌으며, 그 지지자들로는 토머스 콜, 프레더릭 에드윈 처치, 알버트 비어슈타트, 토머스 모란, 존 프레더릭 켄셋 등이 있다. 루미니즘은 허드슨 리버 화파와 관련된 미국 풍경화 운동이었다.

섬네일|left|《바느질하는 젊은 어머니》, 메리 카사트
주요 바르비종파 화가인 카미유 코로는 낭만주의와 사실주의 두 가지 경향을 모두 담아 그림을 그렸으며, 그의 작품은 최초로 야외 사생으로 그림을 제작한 외젠 부댕의 작품과 함께 인상주의를 예고했다. 부댕은 1857년에 모네에게 어린 클로드 모네에게 야외 풍경화를 소개시켜주기도 했다. 19세기 중반 사실주의로 이끈 중요한 인물은 귀스타브 쿠르베였다. 1860년대 후반부터 에두아르 마네, 클로드 모네, 오귀스트 르누아르, 카미유 피사로, 알프레드 시슬레, 베르트 모리조, 메리 카사트, 그리고 에드가 드가와 같은 인상주의자들은 이전에 대중에게 공개되지 않았던 보다 직접적인 방식으로 작업했다. 그들은 우화와 서사를 배제하고 세계에 대한 자신만의 느낌을 중요시했으며, 때로는 사전 습작 없이 뛰어난 드로잉 실력과 풍부한 색채에 의존하여 그림을 그렸다. 마네, 드가, 르누아르, 모리조, 카사트는 주로 인물 주제에 집중했다. 마네와 드가는 고전적인 규범을 당대의 상황에 맞춰 재해석했으며, 마네의 경우 이러한 재해석은 대중의 적대적인 반응을 불러일으켰다. 르누아르, 모리조, 카사트는 가정 생활에서 영감을 얻었으며 르누아르는 여성 누드에 집중했다. 모네, 피사로, 시슬레는 풍경을 주요 모티프로 삼았으며 빛과 날씨의 일시성이 그들의 작품에서 큰 역할을 했다. 시슬레가 인상주의 풍경화의 초기 원칙을 가장 충실했다면, 모네는 점점 더 다채롭고 변화무쌍한 환경 속에서 새로운 도전을 추구했으며, 이는 지베르니에서 그린 기념비적인 수련 연작에서 절정에 달했다.

섬네일|upright|에드바르 뭉크, 절규, 1893년, 표현주의의 초기 사례
피사로는 후기인상주의의 실험적인 기법들을 일부 수용했다. 빈센트 반 고흐, 폴 고갱, 조르주 쇠라와 같은 약간 젊은 후기 인상주의자들은 폴 세잔과 함께 예술을 모더니즘에 가까이 이끌었다. 고갱은 인상주의에서 벗어나 개인적인 상징주의를 추구했고, 쇠라는 인상주의의 분할된 색채를 프리즘과 같은 구성으로 과학적인 광학 연구로 변형시켰다. 반 고흐의 격렬한 물감 도포 방식과 풍부한 색채 사용은 표현주의와 야수파를 예고했으며, 고전적 구성과 자연 형태의 혁명적인 추상을 결합하고자 했던 세잔은 20세기 예술의 선구자로 간주되게 된다.

인상주의의 마법은 전 세계적으로 퍼져나갔으며, 차일드 하삼, 존 트와크먼, 시어도어 로빈슨과 같은 미국 인상주의자들의 회화에 중요한 영향을 미쳤다. 오스트레일리아에서는 아서 스트리턴, 프레더릭 맥커빈, 찰스 콘더와 같은 하이델베르크 화파 화가들이 야외에서 그림을 그리며 특히 오스트레일리아의 빛과 풍경에 관심을 가졌다. 인상주의는 또한 초상 및 풍경 화가인 존 싱어 사전트처럼 이론적으로 인상주의자가 아니었던 화가들에게도 영향을 미쳤다. 동시에 20세기로 전환되던 시기 미국에는 토마스 에이킨스의 인물화, 애슈컨 화파, 그리고 윈슬로 호머의 풍경 및 해경화에서 풍부하게 나타나는 토착적이고 거의 고립된 사실주의가 존재했으며, 이들의 회화는 모두 자연 형태의 견고함에 깊이 몰두한 것이 특징이다. 모호한 야경에 크게 의존한 환상적인 풍경은 앨버트 핑크햄 라이더와 랄프 알버트 블레이클록와 같은 지지자를 만들어냈다.

19세기 후반에는 다소 이질적인 여러 상징주의 화가 그룹이 활동했는데, 이들의 작품은 20세기 젊은 예술가들, 특히 야수파와 초현실주의자들에게 큰 영향을 미쳤다. 그들 중에는 귀스타브 모로, 오딜롱 르동, 피에르 퓌뷔 드 샤반, 앙리 팡탱라투르, 아르놀트 뵈클린, 에드바르 뭉크, 펠리시앙 롭스, 얀 토로프, 구스타프 클림트, 그리고 미하일 브루벨 같은 러시아 상징주의자들이 포함되어 있었다.

상징주의 화가들은 신화와 꿈의 이미지를 탐구하여 영혼의 시각적 언어를 찾았고, 고요하고 정적인 세계를 떠올리게 하는 그림을 추구했다. 상징주의에서 사용된 상징들은 주류 도상학의 친숙한 상징들이 아니라 지극히 개인적이고 사적이며 모호하고 애매한 의미를 담고 있다. 상징주의는 실제 예술 양식이라기보다 하나의 철학에 가까웠으며, 동시대의 아르누보 운동과 나비파에 영향을 미쳤다. 꿈과 같은 주제를 탐구한 상징주의 화가들은 시대와 문화를 초월하여 오늘날까지도 그 흔적을 찾아볼 수 있다. 베르나르 델바이는 르네 마그리트의 초상주의를 "상징주의에 프로이트를 더한 것"으로 묘사했다.

 20세기 현대 및 동시대 

반 고흐, 세잔, 고갱, 그리고 쇠라와 같은 화가들의 유산은 현대 미술의 발전에 필수적이었다. 20세기 초 앙리 마티스와 여러 젊은 예술가들은, 비평가들이 야수파라고 부른 "야생적이고" 다채로우며 표현적인 풍경화와 인물화로 파리 예술계를 혁명적으로 변화시켰다. 파블로 피카소는 자연의 모든 묘사가 정육면체, 구, 원뿔의 세 가지 입체로 환원될 수 있다는 세잔의 아이디어를 바탕으로 자신의 첫 번째 입체주의 회화를 그렸다.

 20세기의 개척자들 

섬네일|앙리 마티스 1909, 후기 야수파
반 고흐, 세잔, 고갱, 그리고 쇠라와 같은 화가들의 유산은 현대 미술의 발전에 필수적이었다. 20세기 초 앙리 마티스와 입체주의 이전의 조르주 브라크, 앙드레 드랭, 라울 뒤피, 그리고 모리스 드 블라맹크를 포함한 여러 젊은 예술가들은, 비평가들이 야수파라고 부른 "야생적이고" 다채로우며 표현적인 풍경화와 인물화로 파리 예술계를 혁명적으로 변화시켰다. 앙리 마티스의 《춤》 두 번째 버전은 그의 경력과 현대 회화 발전의 중요한 전환점이다. 이는 마티스가 초기 원시 미술에 매료되었음을 반영한다. 차가운 청록색 배경과 대비되는 강렬한 따뜻한 색채, 그리고 리드미컬하게 이어지는 춤추는 나체들은 감정적 해방과 쾌락주의의 느낌을 전달한다. 파블로 피카소는 자연의 모든 묘사가 정육면체, 구, 원뿔의 세 가지 입체로 환원될 수 있다는 세잔의 아이디어를 바탕으로 자신의 첫 번째 입체주의 작품을 그렸다. 피카소는 1907년 작품 《아비뇽의 처녀들》을 통해 아프리카 부족 가면을 연상시키는, 거칠고 원시적인 매춘굴 풍경을 묘사한 파격적인 작품을 창조했다. 이 작품은 피카소만의 새로운 입체주의 기법을 접목한 것으로, 다섯 명의 매춘부를 강렬하게 표현했다. 분석적 입체주의는 파블로 피카소와 조르주 브라크에 의해 공동으로 개발되었으며, 1908년경부터 1912년까지의 《바이올린과 촛대》가 대표적이다. 입체주의의 첫 번째 표현인 분석적 입체주의에 이어, 브라크, 피카소, 페르낭 레제, 후안 그리스, 알베르 글레이즈, 마르셀 뒤샹, 그리고 1920년대까지 수많은 다른 예술가들이 추구한 종합적 입체주의가 뒤따랐다. 종합적 입체주의는 다양한 질감, 표면, 콜라주 기법, 파피에 콜레 그리고 다양한 주제를 결합하는 것이 특징이다.

섬네일|left|피에르 보나르, 1913, 유럽 모더니즘 서사 회화

야수파(Les Fauves, 프랑스어로 야생 짐승들)는 20세기 초 색채를 통한 표현의 자유를 실험한 화가들을 말한다. 이 이름은 미술 평론가 루이스 보셀이 유머러스하게(찬사가 아닌 의미로) 그룹에 부여한 것이다. 야수파는 20세기 초 짧은 기간 동안 활동했던 예술가들 느슨한 그룹으로, 회화적 기법과 사실적 묘사보다는 풍부한 색채를 상상력 넘치게 사용하는 것을 강조했다. 야수파는 그림의 주제를 읽기 쉽게 만들고 원근법을 과장했다. 1888년 폴 고갱이 폴 세뤼시에에게 보낸 편지에는 야수파에 대한 흥미로운 예견이 담겨야수파에 대한 흥미로운 예견이 담겨있다.

야수파의 리더는 앙리 마티스와 앙드레 드랭이었으며, 각자 자신의 추종자들을 거느린 일종의 우호적인 라이벌이었다. 궁극적으로 마티스와 피카소는 20세기의 음과 양이 되었다. 야수파 화가로는 알베르 마르케, 샤를 카무앵, 모리스 드 블라맹크, 라울 뒤피, 오통 프리즈, 네덜란드 화가 키스 반 동겐, 그리고 피카소의 입체주의 파트너인 조르주 브라크 등이 포함되어 있었다.

섬네일|조르조 데 키리코 1914, 초기 초현실주의
야수파는 운동으로서 구체적인 이론이 없었으며, 1905년에 시작되어 1907년에 끝나는 짧은 기간 동안 세 번의 전시회만 개최하였다. 마티스는 나이가 많고 학구적인 미술계에서 이미 자리를 잡았기 때문에 운동의 선두주자로 간주되었다. 그의 1905년작 《초록색 선》(마티스 부인의 초상)은 파리에서 처음 전시되었을 때 센세이션을 일으켰다. 그는 즐거움을 주는 예술을 창조하고 싶다고 말했으며 장식으로서의 예술이 그의 목적이었다. 그의 밝은 색채를 사용한 것은 구성의 평온함을 유지하려 노력이라고 할 수 있다. 1906년 미술상 앙브루아즈 볼라르의 제안으로 앙드레 드랭은 런던으로 가서 인상주의 화가 클로드 모네의 유명한 연작을 패러디한 《런던 채링 크로스 다리》와 같은 야수파 스타일의 연작을 제작했다. 앙리 마티스와 피에르 보나르와 같은 거장들은 20세기 내내 어떤 사조에도 속하지 않고 자신의 서사적 스타일을 계속 발전시켰다.

1907년 무렵 야수파는 더 이상 충격적인 새로운 운동이 아니었으며 곧 비평가들의 레이더 망에는 새롭게 당시 현대 미술의 최신 발전인 입체주의이 잡혔다.
1907년 기욤 아폴리네르는 라 팔랑쥬에 발표한 기사에서 마티스에 대해 논평하며 "야수파는 사치스럽거나 극단적인 시도가 아니다. 마티스의 예술은 지극히 합리적이다"라고 말했다.
분석적 입체주의는 1908년경부터 1912년까지 파블로 피카소와 조르주 브라크에 의해 공동으로 개발되었다. 분석적 입체주의에 이어 1920년대까지 브라크, 피카소, 페르낭 레제, 후안 그리스, 알베르 글레이즈, 마르셀 뒤샹 등의 수많은 다른 예술가들이 추구한 종합적 입체주의가 뒤따랐다. 종합적 입체주의는 다양한 질감, 표면, 콜라주 요소, 파피에 콜레 그리고 다양한 주제를 결합하는 것이 특징이다.

제1차 세계대전이 끝나고 입체주의의 전성기가 지난 후, 파리에서 여러 운동이 일어났다. 조르조 데 키리코는 1911년 7월 파리로 이주하여 그의 형 안드레아(알베르토 사비니오로 알려진 시인이자 화가)와 합류했다. 형을 통해 그는 살롱 도톤의 심사위원인 피에르 라프라드를 만나, 자신의 꿈 같은 작품 《오라클의 수수께끼》, 《어느 오후의 수수께끼》, 《자화상》 등 세 점을 전시했다. 1913년에는 앙데팡당전과 살롱 도톤에 작품을 전시했으며 그의 작품은 파블로 피카소와 기욤 아폴리네르 등 여러 사람들의 주목을 받았다. 그의 강렬하고 신비로운 그림들은 초현실주의의 초기 발전에 중요한 역할을 한 것으로 평가받는다. 20세기 전반 유럽에서는 조르주 브라크, 앙드레 드랭, 그리고 조르조 데 키리코와 같은 거장들이 어떤 운동과도 무관하게 독립적으로 작품 활동을 하였다.

 현대 미술의 개척자들 

1920년까지 입체주의 이후 여러 중요한 운동이 등장했다. 미래주의(발라), 추상 미술(칸딘스키), 청기사파, 바우하우스(칸딘스키와 클레), 오르피즘(로베르 들로네와 프란티셰크 쿠프카), 싱크로미즘(모건 러셀), 신조형주의(몬드리안), 절대주의(말레비치), 구성주의(타틀린), 다다이즘(뒤샹, 피카비아, 아르프) 그리고 초현실주의(데 키리코, 브르통, 미로, 마그리트, 달리, 에른스트) 등이 그러한 예이다. 근대 회화는 모던 건축과 디자인에서 전위적인 영화, 연극, 현대 무용에 이르기까지 모든 시각 예술에 영향을 미쳤으며, 사진과 구체시에서 광고 예술과 패션에 이르기까지 시각적 경험의 표현을 위한 실험실이 되었다. 반 고흐의 회화는 20세기 표현주의에 큰 영향을 미쳤으며, 이는 야수파, 브뤼케(독일 화가 에른스트 키르히너가 이끄는 그룹), 그리고 에드바르 뭉크, 에곤 실레, 마르크 샤갈, 아메데오 모딜리아니, 카임 수틴 등의 표현주의 작품에서 확인할 수 있다.

러시아의 화가이자 판화가, 예술 이론가인 바실리 칸딘스키는 20세기의 가장 유명한 예술가 중 한 명으로, 일반적으로 근대 추상 미술의 선구자로 널리 알려져 있다. 초기 모더니스트로서 시각적 표현과 영적 표현의 새로운 양식을 탐구하던 그는, 동시대의 오컬트주의자와 신지학자들처럼 순수한 시각적 추상이 소리와 음악과 유사하게 공명한다는 이론을 세웠다. 즉 순수한 추상이 순수한 영성을 표현할 수 있다는 것이다. 그의 초기 추상화들은 일반적으로 《구성 VII》와 같은 제목을 붙여 음악 작곡가들의 작업과 연결을 시도했다. 칸딘스키는 자신의 저서 《예술에서의 정신적인 것에 대하여》에 추상 미술에 관한 많은 이론을 담았다.

로베르 들로네는 오르피즘(순수 추상과 큐비즘의 연관성을 보여주는 사조)과 관련된 프랑스 화가이다. 그의 후기 작품들은 파울 클레를 연상시키는 더 추상적인 경향을 보인다. 그가 추상 회화에 핵심적으로 기여한 점은 과감한 색채 사용과 깊이와 톤에 대한 분명한 애정이다. 칸딘스키의 초대로 들로네와 그의 아내이자 예술가인 소니아 들로네는 1911년 뮌헨 기반의 추상 예술가 그룹인 청기사파에 합류했으며 그의 예술은 추상으로 돌아섰다.

초기 추상의 다른 주요 개척자로는, 1917년 러시아 혁명 과 1924년 스탈린 정권의 압력으로 들판의 농부와 노동자를 그리게된 러시아 화가 카지미르 말레비치와, 그리고 바우하우스에서 거장다운 색채 실험으로 추상 회화의 중요한 개척자가 된 스위스 화가 파울 클레가 있다. 그 외에도 스웨덴 예술가 힐마 아프 클린트, 체코 화가 프란티셰크 쿠프카 그리고 1912년 오르피즘과 밀접하게 닮은 예술 운동인 싱크로미즘을 창시한 미국 예술가 스탠턴 맥도널드 라이트와 모건 러셀 등이 추상 회화의 중요한 선구자로 꼽힌다.

표현주의와 상징주의는 20세기 회화에서 서유럽, 동유럽, 북유럽의 아방가르드 미술을 지배했던 몇 가지 중요한 운동을 포함하는 광범위한 명칭이다. 표현주의 작품들은 주로 제1차 세계대전과 제2차 세계대전 사이에 프랑스, 독일, 노르웨이, 러시아, 벨기에, 그리고 오스트리아 등지에서 제작되었다. 표현주의 예술가들은 초현실주의 및 상징주의와 관련이 있으며, 각각 독특하고 기이한 개성을 지니고 있다. 표현주의 및 상징주의 화가들 중 가장 잘 알려진 그룹으로는 야수파, 브뤼케, 그리고 청기사파가 있다.

마르크 샤갈처럼처럼 흥미롭고 다채로운 예술가들은 표현주의에 큰 영향을 미쳤다. 그의 그림 《나와 마을》은 예술가와 그의 출신 배경 사이의 관계를 예술적 상징주의를 통해 탐구하는 자전적인 이야기를 담고 있다. 구스타프 클림트, 에곤 실레, 에드바르 뭉크, 에밀 놀데, 카임 수틴, 제임스 엔소르, 오스카르 코코슈카, 에른스트 루트비히 키르히너, 막스 베크만, 프란츠 마르크, 케테 슈미트 콜비츠, 조르주 루오, 아메데오 모딜리아니와 함께, 마스든 하틀리, 스티븐 데이비스와 같은 일부 미국인 화가들이 영향력 있는 표현주의 화가로 간주된다. 알베르토 자코메티는 주로 강렬한 초현실주의 조각가로 알려져 있지만, 그 역시 강렬한 표현주의 그림도 제작했다.

 추상 예술의 개척자들 

피트 몬드리안의 예술 또한 그의 영적 및 철학적 연구와 관련이 있다. 1908년 그는 19세기 말 헬레나 페트로브나 블라바츠키에 의해 시작된 신지학 운동에 관심을 갖게 되었다. 블라바츠키는 경험적인 수단에 의해 제공되는 것보다 더 깊은 자연에 대한 지식을 얻는 것이 가능하다고 믿었으며, 몬드리안은 남은 생애 동안 이러한 정신적 지식을 탐구하는 과정에서 많은 영감을 받았다.

섬네일|upright|left|피트 몬드리안, 《구성 제10호》 1939–1942, 데 스틸

데 스틸(De Stijl) 또는 신조형주의라고 불리는 이 운동은 1917년에 창립된 네덜란드의 예술 운동이다. 데 스틸이라는 용어는 1917년부터 1931년까지 네덜란드에서 활동한 예술가들의 작품을 통칭하는 데 사용된다.

데 스틸은 또한 네덜란드의 화가, 디자이너, 작가, 비평가인 테오 반 되스버그(Theo van Doesburg)가 이 그룹의 이론을 전파하기 위해 발행한 잡지의 이름이기도 하다. 이 그룹의 주요 구성원은 반 되스버그 외에 화가 피트 몬드리안, 빌모스 후사르, 바르트 판 데르 레크, 그리고 건축가 헤리트 리트펠트, 로베르트 판 트 호프, J. J. P. 오우트 등이 있었다. 그룹의 작업 기반이 된 예술 철학은 신조형주의 – 새로운 조형 예술(네덜란드어로 Nieuwe Beelding)로 알려져 있다.

섬네일|upright|모건 러셀, 《우주적 싱크로미》(1913–14), 싱크로미즘
데 스틸의 옹호자들은 영적 조화와 질서라는 새로운 유토피아적 이상을 표현하고자 했다. 형태와 색채의 본질로 환원하여 순수 추상과 보편성을 옹호했으며, 시각적 구성을 수직과 수평 방향으로 단순화하고 삼원색과 흑백만을 사용했다. 실제로 테이트 갤러리의 신조형주의에 관련 온라인 기사에 따르면, 몬드리안은 에세이 《회화 예술에서의 신조형주의》에서 이러한 경계를 명확히 제시했다. 그는 "... 이 새로운 조형적 이념은 외형의 특수성, 즉 자연적인 형태와 색채를 무시할 것이다. 반대로 그것은 형태와 색채의 추상에서, 즉 직선과 명확하게 정의된 삼원색에서 그 표현을 찾아야 한다"라고 썼다. 테이트 기사는 또한 이 예술이 "삼원색과 무채색, 정사각형과 직사각형, 직선과 수평 또는 수직선만을 허용한다"고 요약한다. 구겐하임 미술관의 데 스틸에 관한 온라인 기사는 이러한 특성을 다음과 같이 요약한다: "그것[데 스틸]은 직선, 정사각형, 직사각형의 기하학적 기본 원리에 강한 비대칭성을 결합하고, 순수한 원색과 검정색, 흰색을 주로 사용하며, 비구상적인 형태와 선의 배열에서 긍정적 요소와 부정적 요소 사이의 관계를 강조하는 것을 특징으로 한다."

데 스틸 운동은 입체주의적 회화뿐만 아니라 수학자 M. H. J. 쇠네마커스의 신플라톤주의 철학에 나오는 신비주의와 "이상적인" 기하학적 형태(예: "완전한 직선")에 대한 사상에서 영향을 받았다. 데 스틸의 작품은 바우하우스 양식과 건축의 국제주의 양식뿐만 아니라 의류 및 인테리어 디자인에도 영향을 미쳤다. 그러나 그것은 특정 사조(입체주의, 미래주의, 초현실주의)의 일반적인 지침을 따르지 않았으며 바우하우스와 같은 미술 학교의 원칙을 고수하지도 않았다. 그것은 공동 프로젝트이자 공동의 노력이었다.

 다다와 초현실주의 

섬네일|프란시스 피카비아, (왼쪽) 《지성소》, 1915년 7월 1일; (중앙) 《나체 상태인 미국인 소녀의 초상》, 1915년 7월 5일; (오른쪽) 《보았노라》, 뉴욕, 1915
섬네일|left|upright|마르셀 뒤샹, 《계단을 내려오는 누드 넘버 2》, 1912, 필라델피아 미술관
섬네일|upright|호안 미로,《 말, 파이프와 붉은 꽃》, 1920, 추상 초현실주의, 필라델피아 미술관
마르셀 뒤샹은 1913년 뉴욕 아모리 쇼에서의 악명 높은 성공의 여파로 국제적 명성을 얻었다(그 직후 그는 체스를 위해 예술 창작을 포기했다). 1913년 뉴욕 아모리 쇼에서 뒤샹의 《계단을 내려오는 누드 넘버 2》가 국제적인 화제가 된 후, 그는 《그녀의 독신자들에 의해 벌거벗겨진 신부, 조차도》(《라지 글래스》라고도 함)를 제작했다. 라지 글래스는 부분적으로는 회화, 부분적으로는 콜라주, 부분적으로는 구조물로서, 회화 예술을 급진적인 새로운 차원으로 끌어올렸다. 뒤샹은 제1차 세계대전 중 중립국인 스위스 취리히에서 시작되어 1916년부터 1920년 사이에 절정에 달했던 다다이즘 운동과 밀접하게 연관되었다. 이 운동은 시각 예술, 문학(시, 예술 선언문, 예술 이론), 연극, 그리고 그래픽 디자인을 아우르며, 반예술적 문화 작업을 통해 기존 예술계의 기준을 거부함으로써 반전 반정치적 메시지를 표출했다. 뒤샹외에도 프란시스 피카비아, 만 레이, 쿠르트 슈비터스, 트리스탕 차라, 한스 리히터, 장 아르프, 조피 토이버아르프 등이 다다이스트 운동과 관련이 있다. 뒤샹과 여러 다다이스트들은 또한 1920년대와 1930년대 유럽 회화를 지배했던 운동인 초현실주의 운동과도 관련이 있다.

1924년 앙드레 브르통은 초현실주의 선언을 발표했다. 회화에서의 초현실주의 운동은 아방가르드와 동의어가 되었으며, 추상에서 극사실주의에 이르는 다양한 예술가들의 작품을 특징으로 했다. 프란시스 피카비아는 1919년까지, 《기계는 빨리 돌아간다》와 같은 종이 작품들을 통해 취리히와 파리에서 다다 운동에 계속 참여하였고, 이후 다다를 벗어나 초현실주의 미술에 관심을 갖게 되었다. 이브 탕기, 르네 마그리트, 그리고 살바도르 달리는 특히 꿈의 이미지에 대한 사실적인 묘사와 상상을 환상적으로 표현하는 것으로 잘 알려져 있다. 호안 미로의 1923~1924년작 《경작지》는 추상에 가깝다. 사물과 인물, 성적으로 활동적인 인물들의 배치가 복잡하게 얽힌 이 초기 작품은 미로의 첫 번째 초현실주의 걸작이었다. 미로의 《경작지》는 보스의 《세속적인 쾌락의 정원》과 몇 가지 유사점이 있다. 비슷한 새 떼, 생명체가 솟아오르는 웅덩이, 그리고 거대한 분리된 귀는 모두 미로가 젊은 시절 프라도 미술관에서 보았던 네덜란드 거장의 작품을 떠올리게 한다. 추상적인 화풍을 추구한 호안 미로, 장 아르프, 앙드레 마송, 그리고 막스 에른스트는 특히 1940년대 미국에서 큰 영향을 미쳤다. 1930년대에 들어서면서 초현실주의는 일반 대중에게 더 잘 알려지게 되었다. 영국에서도 초현실주의 그룹이 발전했으며, 브르통에 따르면 1936년 "런던 국제 초현실주의 전시회"로 정점을 찍었으며 국제 전시회의 모델이 되었다. 일본, 라틴 아메리카(카리브해 및 멕시코 등)의 초현실주의 그룹은 혁신적이고 독창적인 작품을 제작했다.

달리와 르네 마그리트는 초현실주의 운동에서 가장 널리 알려진 이미지들을 창조했다. 마그리트의 1928/1929년 그림 《이것은 파이프가 아니다》는, 미셸 푸코의 1973년 저서 《이것은 파이프가 아니다》(영문판 1991년)의 주제가 되었다. 이 책에서는 이 그림 자체와 그림이 주장하는 역설을 다룬다. 달리는 1929년에 그룹에 합류하여 1930년에서 1935년 사이 시각적 스타일을 빠르게 자리잡는데 기여했다.

시각적 운동으로서 초현실주의는 평범한 사물에서 정상적인 의미를 박탈함으로써 심리적 진실을 드러내는 방법을 찾아내었다. 이를 통해 일반적인 형식적 구성과 지각을 넘어선 강렬한 이미지를 창조하였고, 때로는 보는 이의 공감을, 때로는 웃음을, 때로는 분노와 당혹감을 불러일으켰다.

1931년은 여러 초현실주의 화가들이 전환점이 되는 작품들을 제작한 해로 기록된다. 예를 들어, 달리는 특히 그의 작품 《기억의 지속》에서 유동적인 형태를 자신의 트레이드마크로 삼았는데, 이 작품에는 마치 녹아내리는 듯 축 늘어진 시계들이 등장한다. 이 작품은 시간의 불가사의한 신비와 부조리를 떠올리게 한다.

이러한 스타일의 특징, 즉 묘사적 요소, 추상적 요소, 그리고 심리적 요소의 결합은, 모더니즘 시대에 많은 사람들이 느꼈던 소외감과 더불어 내면 깊숙이 파고들어 "자신의 개성을 온전히 드러내고자 하는" 열망을 상징하게 되었다.
섬네일|막스 에른스트, 1920, 초기 초현실주의
1920년 《살인 비행기》를 그린 막스 에른스트는 본에서 철학과 심리학을 공부했으며, 정신병자가 경험하는 대안적 현실에 관심을 가졌다. 그의 그림은 정신분석학자 지그문트 프로이트의 편집증 환자 다니엘 파울 슈레버에 대한 연구에서 영감을 받았을 수 있다. 프로이트는 슈레버가 여성이 되고자 하는 환상을 거세 공포증으로 규정했다. 중앙에 있는 두 쌍의 다리는 슈레버의 양성애적 욕망을 가리킨다. 그림 뒷면에 적힌 에른스트의 비문은 다음과 같다. "그림은 그 대칭성 때문에 기묘하다. 두 성별이 서로 균형을 이루고 있다."

1920년대 동안 앙드레 마송의 작업은 파리에 갓 도착한 젊은 예술가 호안 미로가 새로운 초현실주의 회화에 뿌리를 내리는 데 엄청난 영향력을 미쳤다. 미로는 그의 딜러인 피에르 마티스에게 보낸 편지에서, 파리에서의 초기 시절 마송이 자신에게 중요한 지향점인지 언급했다.

개인적, 정치적, 그리고 직업적 갈등으로 초현실주의 그룹이 허공으로 흩어진 지 오랜 후에도, 마그리트, 미로, 달리 그리고 다른 초현실주의자들은 각자 고유의 시각적 예술 프로그램을 계속 정의하고 있다. 그 밖에 다른 저명한 초현실주의 예술가로는 조르조 데 키리코, 메레 오펜하임, 토옌, 그레구아르 미숑제, 로베르토 마타, 케이 세이지, 레오노라 캐링턴, 도로시아 태닝, 그리고 레오노르 피니 등이 있다.

 1차세계대전 전후 

섬네일|upright|파울 클레, 1922, 바우하우스
청기사파는 1911년부터 1914년까지 활동한 독일 미술 운동으로, 1905년 드레스덴에서 결성된 브뤼케와 함께 표현주의의 근간을 이루었다. 브뤼케의 창립 멤버는 프리츠 블레일, 에리히 헤켈, 에른스트 루트비히 키르히너,카를 슈미트 로틀루프였으며, 나중에 막스 페히슈타인, 오토 뮐러 등이 합류했다. 이 그룹은 20세기 근대 미술의 발전에 지대한 영향을 미치고 표현주의라는 새로운 양식을 창조한 선구적인 그룹 중 하나이다.

바실리 칸딘스키, 프란츠 마르크, 아우구스트 마케, 1909년작 러시아 무용수 《알렉산더 사카로프의 초상》을 그린 알렉세이 폰 야블렌스키, 마리안느 폰 베레프킨, 라이오넬 파이닝거 등은, 칸딘스키의 《최후의 심판》이 전시회에서 거부당한 것에 대한 반발로 청기사파 그룹을 창설했다. 청기사파는 명시적인 예술 선언문은 없었으나, 칸딘스키와 마르크를 중심으로 활동하였다. 가브리엘레 뮌터와 파울 클레도 참여했다.
섬네일|패트릭 헨리 브루스, 미국 모더니즘, 1924

이 운동의 이름은 1903년 칸딘스키가 제작한 그림에서 따온 것이다. 또한 마르크가 말을 좋아했던 점과 칸딘스키가 파란색을 사랑했던 점이 이 운동의 기원이 되었다는 설도 있다. 칸딘스키에게 파란색은 영성의 색으로, 파란색이 짙어질수록 영원함에 대한 인간의 욕망을 더 일깨운다고 여겨졌다.

제1차 세계대전과 제2차 세계대전 사이의 기간 동안 미국 화가들은 인정을 받기 위해 유럽으로 향하는 경향이 있었다. 마스든 하틀리, 패트릭 헨리 브루스, 제럴드 머피, 그리고 스티븐 데이비스 같은 예술가들은 해외에서 큰 성공을 거두었다. 뉴욕시에서 활동하던 앨버트 핑크햄 라이더와 랄프 알버트 블레이클록은, 1900년에서 1920년 사이의 진보적인 미국 회화에서 영향력 있고 중요한 인물들이었다. 1920년대 동안 사진작가 알프레드 스티글리츠는 자신의 갤러리 291에서 조지아 오키프, 아서 도브, 알프레드 헨리 마우러, 찰스 데무스, 존 마린 등의 예술가들과 함께, 유럽의 거장들인 앙리 마티스, 오귀스트 로댕, 앙리 루소, 폴 세잔, 그리고 파블로 피카소의 작품을 전시했다.

 사회적 각성 

섬네일|디고 리베라, 《교차로의 남자》를 재제작(명칭 변경: 《우주의 지배자》), 원래 1934년에 제작됨, 멕시코 벽화 운동

1920년대와 1930년대 대공황 기간 동안, 초현실주의, 후기 입체주의, 바우하우스, 데 스틸, 다다, 독일 표현주의, 표현주의, 그리고 앙리 마티스와 피에르 보나르 같은 거장다운 색채 화가들이 유럽 예술계를 주도했다. 독일에서 막스 베크만, 오토 딕스, 게오르게 그로스 등은 정치적 메시지를 담은 작품을 통해 다가올 제2차 세계대전을 예고했다. 미국에서는 정치적, 사회적 논평을 담은 사회적 사실주의 및 지방주의 운동이 예술계를 지배했다. 벤 샨, 토머스 하트 벤턴, 그랜트 우드, 조지 투커, 존 스튜어트 커리, 레지널드 마쉬 등의 예술가들이 두각을 나타냈다.

라틴 아메리카에서는 우루과이의 화가 호아킨 토레스 가르시아와 루피노 타마요 외에도 디고 리베라, 다비드 시케이로스, 호세 오로스코, 페드로 넬 고메스, 산티아고 마르티네스 델가도가 참여한 벽화 운동, 그리고 프리다 칼로의 상징주의 회화가 화려한 색채에 역사적, 정치적 메시지를 담아 이 지역 예술의 르네상스를 일으켰다. 프리다 칼로의 상징주의 작품들은 초현실주의 및 문학의 마술적 사실주의 운동과도 강하게 연결된다. 칼로의 많은 자화상에 담긴 심리적 드라마는 21세기 예술가들에게도 그녀의 그림이 여전히 생동감 있고 중요한 의미를 지닌다는 것을 보여준다.

섬네일|upright|그랜트 우드, 1930, 사회적 사실주의
'아메리칸 고딕'은 1930년 그랜트 우드가 그린 회화이다. 쇠스랑을 든 농부와 더 젊은 여성이 카펜터 고딕 양식의 집 앞에 서있는 모습을 묘사한 이 작품은 20세기 미국 예술에서 가장 잘 알려진 이미지 중 하나이다. 거트루드 스타인과 싱클레어 루이스 같은 미술 비평가들은 이 그림에 대해 호의적인 평가를 내렸는데, 이 그림이 시골 작은 마을의 삶을 풍자하기 위한 것이라고 생각했다. 따라서 이 그림은 셔우드 앤더슨의 1919년작 《와인즈버그, 오하이오》, 싱클레어 루이스의 1920년작 《메인 스트리트》, 그리고 문학 작품에서는 칼 반 베흐텐의 《문신한 백작 부인》과 맥을 같이 하는, 미국의 시골을 비판적으로 묘사하는 경향의 일부로 간주되었다. 그러나 대공황이 시작되면서 이 작품은 확고한 미국 개척자 정신을 묘사한 것으로 해석되기 시작했다.

디에고 리베라는 아마도 록펠러 센터 RCA 빌딩 로비에 있는 1933년 벽화 《교차로의 남자》로 대중에게 가장 잘 알려져 있을 것이다. 그의 후원자 넬슨 록펠러가 벽화에 블라디미르 레닌의 초상과 다른 공산주의 이미지가 포함된 것을 알자 리베라를 해고했고, 미완성 작품은 결국 록펠러의 직원들에 의해 파괴되었다. 영화 《크레이들 윌 락》은 이 논란을 극적으로 묘사하고 있다. 리베라의 아내인 프리다 칼로의 작품들은 종종 고통에 대한 적나라한 묘사가 특징이다. 그녀의 143점의 회화 중 55점이 자화상으로, 육체적, 정신적 상처를 상징적으로 표현하고 있다. 칼로는 멕시코 원주민 문화의 깊은 영향을 받았으며, 이는 그녀의 그림의 밝은 색채와 극적인 상징주의에서 분명하게 나타난다. 기독교와 유대교 주제 또한 그녀의 작품에 종종 묘사되지만, 종종 피비린내 나고 폭력적인 멕시코 전통 요소들을 초현실주의적 표현과 결합했다. 그녀의 그림들이 노골적으로 기독교적인 것은 아니지만, 멕시코 기독교 종교화 특유의 섬뜩한 요소들을 분명히 포함하고 있다.

정치적 활동주의는 다비드 시케이로스의 삶에서 중요한 부분이었으며, 그의 예술 경력을 제쳐두게 만들 정도로 영감을 주었다. 그의 예술은 멕시코 혁명이라는 격동적이고 혼란스러운 시기에 깊이 뿌리내리고 있었는데, 이 시기에는 다양한 사회·정치 세력들이 인정과 권력을 위해 투쟁했다. 1920년대부터 1950년대까지의 기간은 멕시코 르네상스로 알려져 있으며, 시케이로스는 멕시코적이면서도 보편적인 예술을 창조하려는 시도에 적극적으로 참여했다. 그는 잠시 그림을 포기하고 할리스코 주 광부들을 조직하는 데 전념하기도 했다.

 세계적 갈등 

1930년대에는 파블로 피카소를 비롯한 초현실주의와 관련된 많은 예술가들이 급진적인 좌파 정치 성향을 보였다. 1937년 4월 26일, 스페인 내전 동안 바스크 마을 게르니카는 나치 독일 루프트바페 콘도르 군단의 "게르니카 폭격"의 현장이 되었다. 독일군은 프란시스코 프랑코가 바스크 정부와 스페인 공화국 정부를 지원하기 위해 게르니카를 공격했다. 마을은 황폐화되었으나 비스카야 의회와 게르니카의 떡갈나무는 살아남았다. 파블로 피카소는 폭격의 공포를 기리기 위해 벽화 크기의 《게르니카》를 그렸다.

최종적인 형태의 《게르니카》는 유채로 그려진 높이 3.5 m, 너비 7.8 m에 달하는 거대한 흑백 벽화이다. 이 벽화는 직접적인 원인을 묘사하지 않은 채 죽음, 폭력, 잔혹함, 고통, 그리고 무력함을 묘사한다. 흑백을 선택한 것은 묘사된 장면의 강렬함과 대조를 이루며, 신문 사진처럼 생생한 현장감을 불러일으킨다.
이 그림은 1937년 파리에서 처음 전시되었고 그 후 스칸디나비아, 1938년 런던에서 전시되었으며, 1939년 안전하게 보관하기 위한 피카소의 요청으로 미국의 MoMA에 장기 대여되었다. 이 그림은 미국 전역의 박물관에 순회 전시된 후, 뉴욕시 근대미술관으로 돌아와 약 30년간 전시되었다. 마지막으로 이 그림을 스페인 국민들에게 선물로 주고 싶다는 파블로 피카소의 소망에 따라 1981년 스페인으로 보내졌다.
섬네일|막스 베크만, 《밤》, 1918–1919, 노르트라인베스트팔렌 미술전시관, 뒤셀도르프
1930년대의 대공황 기간부터 제2차 세계대전 기간까지 미국 예술은 그랜트 우드, 에드워드 호퍼, 벤 샨, 토머스 하트 벤턴 등이 주도했으며, 이들의 작품에는 사회적 사실주의와 미국 지역주의가 특징이었다. 《나이트호크스》(1942)는 늦은 밤 도심의 다이너에 앉아 있는 사람들을 묘사한 에드워드 호퍼의 회화이다. 이는 호퍼의 대표작일 뿐만 아니라 미국 예술에서 가장 잘 알려진 작품 중 하나로, 현재 시카고 미술관에 소장되어 있다. 이 작품은 호퍼의 고향인 맨해튼 그리니치빌리지에 있던(지금은 철거된) 다이너에서 영감을 받았다. 호퍼는 진주만 공격 직후 이 그림을 그리기 시작했다. 이 사건 이후 국가 전체에 커다란 우울함이 감돌았으며 이 그림에 그 느낌이 잘 나타나 있다. 식당 밖 도시 거리는 비어 있고, 안의 세 고객 중 누구도 서로를 쳐다보거나 대화하지 않은 채 각자의 생각에 빠져 있는 것처럼 보인다. 이처럼 현대 도시 생활을 공허하거나 외로운 것으로 묘사하는 것은 호퍼의 작품 전반에 걸쳐 나타나는 공통적인 주제이다.

독일과 동유럽 전역에서 나치의 세력이 확장됨에 따라, 1930년대 유럽 예술가들의 활동 영역이 급격히 악화되었다. 모더니즘 및 추상과 관련된 예술가에 대한 분위기가 적대적으로 변하면서, 많은 예술가들이 아메리카 대륙으로 떠났다. 독일의 나치 정권은 거의 모든 현대 미술에 대해 퇴폐예술이라고 낙인을 찍었다. 그러한 예술은 본질적으로 비독일적이거나 유대 볼셰비즘이라는 이유로 금지되었으며, 퇴폐 예술가로 확인된 이들은 직접적인 제재를 받았다. 여기에는 교수직 해임, 예술 전시 및는 판매 금지, 경우에 따라서는 예술 활동 완전 금지까지 포함되었다.

퇴폐 예술은 1937년 나치가 뮌헨에서 개최한 전시회의 제목이기도 했다. 이 전시회는 모더니즘 미술 작품들을 무질서하게 걸어놓고 작품을 조롱하는 설명문을 덧붙였다. 모더니즘에 대한 대중의 반감을 선동하기 위해 기획된 이 전시회는, 이후 독일과 오스트리아의 여러 다른 도시를 순회했다. 독일 예술가 막스 베크만를 포함한 많은 예술가들이 유럽을 떠나 뉴욕으로 향했다. 뉴욕시에서는 아실 고르키, 빌럼 더 코닝 등을 중심으로 한, 젊고 패기넘치는 모더니스트 화가들의 새로운 세대가 막 성숙해지고 있었다.

아실 고르키의 인물 초상(빌럼 더 코닝?)은 인물화, 입체주의, 그리고 초현실주의의 맥락에서 추상표현주의가 진화한 예이다. 아실 고르키는 친구들인 데 쿠닝, 존 D. 그레이엄과 함께 생물 형태의 모양을 가진 추상적인 구상 작품을 제작했는데, 1940년대에 이르러는 완전히 추상적인 회화로 진화했다. 고키의 작품은 기억, 감정, 형태에 대한 세심한 탐구를 바탕으로 선과 색채를 사용하여 감정과 자연을 표현하는 듯하다.

 세기 중반을 향하여 

섬네일|left|에드워드 호퍼, 《나이트호크스》, 1942, 미국 장면 회화
1940년대 뉴욕시는 미국 추상 표현주의의 전성기를 맞이했다. 이 모더니즘 운동은 앙리 마티스, 파블로 피카소, 초현실주의, 호안 미로, 입체주의, 야수파로부터 얻은 교훈들을 한스 호프만, 존 D. 그레이엄과 같은 미국의 위대한 스승들을 통해 결합한 결과이다. 미국 예술가들은 피트 몬드리안, 페르낭 레제, 막스 에른스트 그리고 앙드레 브르통 그룹, 피에르 마티스의 갤러리, 페기 구겐하임의 "이 세기의 예술" 갤러리, 등 여러가지 요인들로부터 혜택을 받았다. 프랜시스 베이컨, 프리다 칼로, 에드워드 호퍼, 루시언 프로이드, 앤드루 와이어스 등의 구상 작업은 추상표현주의에 대한 대안적 시각을 제시했다.

제2차 세계대전 이후의 미국에서 유행한 추상표현주의 회화는 잭슨 폴록, 빌럼 더 코닝, 아실 고르키, 마크 로스코, 한스 호프만, 클리포드 스틸, 프란츠 클라인, 아돌프 고틀리브, 마크 토비, 바넷 뉴먼, 제임스 브룩스, 필립 거스턴, 로버트 머더웰, 콘래드 마르카-렐리, 잭 트워크오브, 윌리엄 바지오츠, 리처드 푸세트-다트, 애드 라인하르트, 헤다 스턴, 지미 에른스트, 에스테반 비센테, 브래들리 워커 톰린, 그리고 테오도로스 스타모스 등 수맣은 화가들이 참여했다. 미국 추상표현주의라는 이름은 1946년 미술 평론가 로버트 코츠로부터 유래되었다. 이는 독일 표현주의자의 감정적 강렬함과 자기 부정, 그리고 미래주의, 바우하우스, 종합적 입체주의와 같은 유럽 추상 학파의 비구상적 미학을 결합한 것으로 평가된다. 추상표현주의, 액션 페인팅, 그리고 색면 회화는 뉴욕 화파와 동의어이다.

기술적으로 볼 때, 초현실주의는 자발적이고 자동적이거나 잠재의식적인 창조를 강조했다는 점에서 추상표현주의의 중요한 선구자였다. 잭슨 폴록이 바닥에 놓인 캔버스 위에 물감을 떨어뜨리는 기법은 앙드레 마송의 작픔에서 그 뿌리를 찾을 수 있다. 추상표현주의의 또 다른 중요한 징후는, 미국 북서부 예술가 마크 토비의 작업, 특히 그의 《흰색 글씨》 캔버스에서 찾아 볼 수 있는데, 비록 일반적으로 크기는 크지 않지만 폴록의 드립 페인팅에서 볼 수 있는 "전체적인" 물감 사용 방식을 예견한다.

 추상표현주의 

또한, 추상표현주의는 반항적이고 무정부적이며 매우 개성적이고 일부에서는 다분히 허무주의적이라는 이미지를 가지고 있다. 실제로 이 용어는 (주로) 뉴욕에서 활동하며 상당히 다른 양식을 가졌던 수많은 예술가들에게 적용되며, 심지어는 추상적이지도 표현주의적이지도 않은 작업에도 적용되었다. 폴록의 역동적인 "액션 페인팅"은 "복잡한" 느낌을 주며, 기술적으로나 미학적으로나 빌럼 더 코닝의 격렬하고 기괴한 《여성》 연작과는 다르다. 위 갤러리에서 볼 수 있듯이 《여인 V》는 1950년에서 1953년 사이 데 쿠닝이 제작한 3/4분 상반신 여성 인물을 묘사한 6점의 회화 연작 중 하나이다. 그는 1950년 6월 첫 번째 그림 《여인 I》(뉴욕시 근대미술관 소장)을 시작하여, 1952년 1월 또는 2월까지 이미지를 반복적으로 바꾸고 칠하기를 반복하다가 그림을 미완성 상태로 포기했다. 미술사학자 메이어 샤피로는 곧 데 쿠닝의 스튜디오에서 이 그림을 보고 예술가에게 지속할 것을 권유했다. 데 쿠닝은 그 대신 같은 주제로 《여인 II》(뉴욕 근대미술관 소장), 《여인 III》(테헤란 현대미술관 소장), 《여인 IV》(넬슨-아킨스 미술관 소장) 등 다른 세 점의 그림을 시작하였다. 데 쿠닝은 1952년 여름 이스트햄프턴에서 드로잉과 파스텔을 통해 이 주제를 더욱 탐구했다. 그는 6월 말, 또는 늦어도 1952년 11월까지 《여인 I》의 작업을 마쳤을 수 있으며 아마도 다른 세 점의 여인 그림들도 거의 같은 시기에 마무리되었을 것으로 보인다. 《여인》 연작은 분명히 구상 회화이다. 또 다른 중요한 작가는 프란츠 클라인으로, 그의 작품 《하이 스트리트》(1950)에서 볼 수 있듯이 잭슨 폴록을 비롯한 다른 추상 표현주의 화가들과 마찬가지로, 그의 즉흥적이고 강렬한 스타일 때문에 "액션 페인터"라는 별명을 얻었다. 그는 인물이나 이미지보다는 붓질과 캔버스 사용 자체에 집중했다.

클리포드 스틸, 바넷 뉴먼, 아돌프 고틀리브, 그리고 마크 로스코의 작품에서 평온하게 일렁이는 색채 블록(이들은 보통 표현주의라고 불리지 않으며 로스코 자신은 추상적이라는 것을 부인했지만)은 클레멘트 그린버그가 명명한 추상표현주의의 색면 회화로 분류된다. 한스 호프만과 로베르 머더웰(갤러리)은 모두 액션 페인팅과 색면 회화의 실천가로 널리 알려져 있다.

추상표현주의는 바실리 칸딘스키와 같은 20세기 초 러시아 예술가들과 많은 양식적 유사점을 가지고 있다. 비록 자발성 또는 자발적인 듯한 인상이 특징인 것은 사실이지만, 대부분의 그림은 특히 대형 작품의 특성상 세심한 계획을 거쳐 제작되었다. 예외라면 폴록의 드립 페인팅일 것이다.

왜 이 스타일이 1950년대에 주류의 인정을 얻었는지는 논쟁의 대상이다. 1930년대의 미국은 사회적 사실주의가 주류였다. 이 사조는 대공황뿐만 아니라 다비드 시케이로스와 디에고 리베라와 같은 멕시코의 사회적 사실주의자들에 의해서도 영향을 받았다. 그러나, 제2차 세계대전 이후의 정치적 분위기는 이러한 화가들의 사회적 저항을 오래 용납하지 않았다. 추상표현주의는 제2차 세계대전 중에 일어났으며 1940년대 초 뉴욕의 '이 세기의 예술 갤러리'와 같은 갤러리에서 전시되기 시작했다. 1940년대 후반부터 1950년대 중반까지는 매카시즘 시기였다. 제2차 세계대전 이후 미국에서 정치적으로 보수화되고 극심한 예술적 검열이 있었던 시기였다. 일부 사람들은 주제가 종종 완전히 추상적이었기 때문에 추상표현주의가 예술가들이 이 스타일을 추구하는 안전한 전략이 되었다고 추측했다. 추상 예술은 비정치적인 것으로 보일 수 있었다. 또는 예술이 정치적이라 하더라도 메시지는 주로 내부자들만 알 수 있었다. 그러나 이렇게 생각하는 이론가들은 소수이다. 미국 최초의 진정으로 독창적인 화파인 추상표현주의는, 전후 시대의 미국의 활력과 창의성뿐만 아니라 유럽의 미적 기준에 얽매이지 않는 미적 감각을 개발하려는 능력(또는 필요)을 보여주었다.

추상표현주의가 미국 전역으로 빠르게 확산되었지만 이 스타일의 주요 중심지는 뉴욕시와 캘리포니아, 특히 뉴욕 화파와 샌프란시스코 베이 지역이었다. 추상표현주의 회화는 대형 캔버스의 사용, (통상적으로 중심이 가장자리보다 더 중요한 것과 반대로) 전체 캔버스가 동일한 중요성으로 다루어지는 "올 오버" 접근 방식 등 몇가지 공통된 특징을 공유한다. 캔버스를 경기장으로 삼는 것은 액션 페인팅의 신조가 되었고, 그림 평면의 완전성은 색면 화가들의 신조가 되었다. 1950년대 동안 알프레드 레슬리, 샘 프랜시스, 조안 미첼, 헬렌 프랑켄탈러, 사이 트웜블리, 밀튼 레스닉, 마이클 골드버그, 노먼 블룸, 레이 파커, 니콜라스 카론, 그레이스 하티건, 프리델 주바스, 그리고 로버트 구드노 등을 포함한 많은 다른 예술가들이 그들의 추상표현주의 관련 회화를 전시하기 시작했다.

1950년대 동안 색면 회화(Color Field painting)는 마크 로스코, 클리포드 스틸, 바넷 뉴먼, 로베르 머더웰 그리고 아돌프 고틀리브의 작품을 중심으로 한, 특정한 추상표현주의를 지칭했다. 이 회화 양식은 넓고 평평한 색면으로 이루어진 추상화를 특징으로 하며, 미묘한 색채의 표면이 지닌 감각적이고 시각적인 느낌과 특성을 표현했다. 미술 비평가 클레멘트 그린버그는 색면 회화를 액션 페인팅과 관련이 있지만 다른 특징을 지녔다고 인식했다. 초기 색면 회화 작가들의 작품에서 나타나는 전체적인 규모와 게슈탈트는 마치 종교적인 경험처럼, 관능, 색채, 표면으로 이루어진 확장되는 우주에 대한 경외감을 불러일으킨다. 1960년대 초중반에 이르러 색면 회화는 줄스 올리츠키, 케네스 놀런드, 그리고 헬렌 프랑켄탈러와 같은 예술가들의 스타일을 지칭하게 되었는데, 이들의 작품은 2세대 추상표현주의와 래리 족스, 프랭크 스텔라와 같은 새로운 방향으로 나아가는 젊은 작가들의 스타일을 아우르는 용어로 자리 잡게 되었다. 클리포드 스틸, 마크 로스코, 한스 호프만, 모리스 루이스, 줄스 올리츠키, 케네스 놀런드, 헬렌 프랑켄탈러, 래리 족스 등과 같은 예술가들은 자연에 대한 참조를 크게 줄이고, 고도로 분절되고 심리적인 색채를 사용하여 그림을 그렸다. 일반적으로 이 예술가들은 식별 가능한 이미지를 제거했다. 헬렌 프랑켄탈러의 색면 회화의 대표작인 1952년 작 《산과 바다》에서 그녀는 처음으로 스테인(stain) 기법을 사용했다.

유럽에서는 초현실주의, 입체주의, 다다 그리고 마티스의 작품들이 계속되었다. 또한 유럽에서는 타시슴(미국 추상표현주의의 유럽판)이 새로운 세대를 사로잡았다. 세르게 폴리아코프, 니콜라 드 스탈, 조르주 마티외, 비에이라 다 실바, 장 뒤뷔페, 이브 클랭 그리고 피에르 술라주 등이 전후 유럽 회화의 중요한 인물로 꼽힌다.

결국 미국의 추상 회화는 네오다다, 색면 회화, 포스트 페인털리 어브스트랙션, 옵아트, 하드엣지 회화, 미니멀리즘, 세이프트 캔버스 회화, 서정적 추상, 신표현주의 그리고 추상표현주의의 계승과 같은 다양한 운동으로 진화했다. 추상화 경향에 대한 반작용으로 팝 아트를 비롯한 여러 새로운 이미지 운동이 등장했다.

 팝 아트 

앞서 1956년 영국의 로런스 앨로웨이는, 제2차 세계대전 이후 시대의 소비지상주의를 찬양하는 그림을 팝 아트라고 명명하였다. 이 운동은 추상표현주의와 해석학적이고 심리적인 내면에 초점을 맞추는 것을 거부하고, 물질적 소비 문화, 광고, 그리고 대량 생산 시대의 도상학을 묘사하고 찬양하는 예술을 선호했다. 데이비드 호크니의 초기 작품들과 리처드 해밀턴, 피터 블레이크, 그리고 에두아르도 파올로치의 작품들은 이 운동의 중요한 사례로 간주되었다.

미국에서의 팝 아트는 초기에 재스퍼 존스, 래리 리버스, 그리고 로베르 라우션버그의 작품들에서 상당 부분 영감을 받았다. 1920년대와 1930년대 제럴드 머피, 스티븐 데이비스 그리고 찰스 데무스의 회화가 미국 팝 아트의 토대를 마련했지만, 1950년대 중반 뉴욕시에서 로베르 라우션버그와 재스퍼 존스는 처음에는 추상표현주의 회화의 연장선처럼 보이는 예술 작품을 제작했다. 그러나, 이들의 작품과 래리 리버스의 작품은, 평범하고 문자적인 이미지를 사용하고 일상적인 재료를 작품에 포함시키고 결합시킨다는 점에서 추상표현주의와는 근본적으로 달랐다. 존스는 의자, 숫자, 과녁, 맥주 캔, 그리고 미국 국기와 같은 다양한 이미지와 사물을 사용하여 작품을 제작하였고, 리버스는 조지 워싱턴의 델라웨어 강 건너기와 같은 대중 문화에서 가져온 주제를 묘사하고 카멜 담배 광고의 낙타 이미지의 포함시켰다. 또한 라우션버그는 대중 문화, 하드웨어 상점, 고물상, 도시 거리, 그리고 박제에서 가져온 사물과 그림들을 포함시킨 놀라운 작품을 선보였는데, 이러한 요소들은 미국 예술에 급진적인 새로운 운동을 일으켰다. 결국 1963년경 이 운동은 팝 아트라는 이름으로 전 세계적으로 알려지게 되었다.

미국 팝 아트의 대표적인 작가로는 앤디 워홀, 클라스 올든버그, 웨인 티보, 제임스 로젠퀴스트, 짐 다인, 톰 웨셀만 그리고 로이 리히텐슈타인 등이 있다. 리히텐슈타인의 가장 중요한 작품은 틀림없이 '꽝!'(1963, 테이트 모던, 런던)일 것이다. 이 작품은 팝 아트의 가장 초기 사례 중 하나이며 DC 코믹스의 1962년호 《All-American Men of War》의 만화 한 장면을 각색한 것이다. 이 그림은 전투기가 적기에 로켓을 발사하여 빨간색과 노란색의 폭발이 일어나는 장면을 묘사하고 있다. 의성어 글자인 "WHAAM!"과 "나는 발사 통제 장치를 눌렀다... 그리고 내 앞의 하늘로 로켓들이 타올랐다..."라고 쓰인 말상자에 의해 만화적 느낌이 강조된다. 팝 아트는 대중 문화와 대중 매체 문화를 순수 미술과 결합하고, 유머, 아이러니, 그리고 널리 알려진 이미지와 내용을 주입한다. 1962년 10월 시드니 재니스 갤러리는 뉴욕시에서 최초의 팝 아트 그룹 전시회인 '새로운 사실주의자들'(The New Realists)을 개최했다. 시드니 재니스는 자신의 갤러리 근처 57번가 상점에서 전시를 열었다. 이 쇼는 뉴욕 화파에 큰 충격을 안겼고 전 세계적인 반향을 일으켰다. 앞서 1962년 가을, 패서디나 미술관에서 월터 홉스가 기획한 역사적으로 중요하고 획기적인 '일상 사물의 새로운 회화' 팝 아트 전시회는 미국 서부 전역에 큰 충격을 일으켰다.

뉴욕시 이스트 빌리지의 10번가 갤러리들을 중심으로 활동하던 예술가들은 미국 버전의 팝 아트의 공식화하고 있었다. 클라스 올든버그는 자신의 상점에서 채색된 오브제들을 만들었으며, 57번가의 그린 갤러리는 톰 웨셀만과 제임스 로젠퀴스트의 작품을 전시하기 시작했다. 나중에 레오 카스텔리는 앤디 워홀과 로이 리히텐슈타인 등의 작품을 전시했으며, 상업적 복제에 사용되는 기술인 벤데이 점(Benday dots)을 활용하였다. 뒤샹과 만 레이 등의 유머 감각과 반항심을 지닌 급진적인 다다이즘 예술가들과, (인물 사진과 교외 생활의 패러디로 유명해진) 알렉스 카츠, 클라스 올든버그, 앤디 워홀, 로이 리히텐슈타인 등의 팝 아티스트들 사이에는 연관성이 있다.

20세기 전반에 걸쳐 밀턴 에이버리, 존 D. 그레이엄, 페어필드 포터, 에드워드 호퍼, 발튀스, 프랜시스 베이컨, 니콜라 드 스탈, 앤드루 와이어스, 루시언 프로이드, 프랭크 아우어바흐, 필립 펄스타인, 데이비드 박, 네이선 올리베이라, 데이비드 호크니, 말콜름 몰리, 리처드 에스티스, 랄프 고잉스, 오드리 플랙, 척 클로스, 수잔 로텐버그, 에릭 피슬, 비야 셀민스 그리고 리처드 디벤콘 등의 많은 화가들이 현대적인 주제와 견고한 기술로 풍경화와 인물화 등 구상 회화를 계속 제작했다.

 구상, 풍경, 정물, 해경, 그리고 사실주의 

1930년대부터 1960년대까지 미국의 추상 회화는 추상표현주의, 색면 회화, 후기 회화적 추상, 옵아트, 하드엣지 회화, 미니멀 아트, 형태 캔버스 회화, 그리고 서정적 추상과 같은 운동으로 진화했다. 다른 예술가들은 이러한 추상화 경향에 대응하여, 1950년대의 베이 에어리어 구상 운동과 1940년대부터 1960년대까지의 새로운 형태의 표현주의와 같은 다양한 새로운 맥락을 통해 구상 미술을 계속 추구하였다. 이 시기 이탈리아에서는 조르조 모란디가 가장 앞선 정물 화가였으며, 일상적인 병과 주방 도구를 묘사하는 등 다양한 접근 방식을 탐구했다. 20세기 내내 많은 화가들이 사실주의를 실천하고 표현적인 이미지를 사용했다. 조르조 모란디, 밀턴 에이버리, 존 D. 그레이엄, 페어필드 포터, 에드워드 호퍼, 앤드루 와이어스, 발튀스, 프랜시스 베이컨, 레온 코소프, 프랭크 아우어바흐, 루시언 프로이드, 필립 펄스타인, 빌럼 더 코닝, 아실 고르키, 그레이스 하티건, 로버트 드 니로 시니어, 엘레인 데 쿠닝 등과 같은 다양한 화가들이 현대적인 주제와 견고한 기술, 그리고 독특한 표현력으로 정물화 풍경화 및 구상 회화를 실천했다. 앙리 마티스, 파블로 피카소, 피에르 보나르, 조르주 브라크 그리고 다른 20세기 거장들도 이들과 함께 했다. 특히 밀턴 에이버리는 색채 사용과 해경 및 풍경화에 대한 관심을 통해, 아돌프 고틀리브와 마크 로스코가 추구한 추상표현주의의 색면 측면뿐만 아니라 미국 화가들이 앙리 마티스의 작품에서 얻은 교훈과도 연결되었다.

《머리 VI》(1949)는 아일랜드 태생의 예술가 프랜시스 베이컨의 회화로, 제2차 세계대전 이후 유럽 표현주의의 한 예이다. 이 작품은 스페인 예술가 디에고 벨라스케스가 1650년에 그린 《인노첸시오 10세의 초상》을 왜곡한 버전이다. 이 작품은 베이컨이 1950년대와 1960년대 초반에 걸쳐 제작한, 총 45점에 달하는 벨라스케스 회화의 변형 연작 중 하나이다. 왜 그렇게 자주 이 주제를 다루느냐는 질문에 베이컨은 교황들에 대해 아무런 반감이 없으며, 단지 "이 색채들을 사용하기 위한 핑계를 원했을 뿐"이라며, "평범한 옷에 보라색을 칠하면 가짜 야수파처럼 보일 수 밖에 없기 때문"이라고 대답했다. 이 작품 속 교황은 분노와 공격성으로 부글부글 끓고 있으며, 어두운 색조는 이미지에 기괴하고 악몽 같은 분위기를 더한다. 배경의 주름진 커튼은 투명하게 처리되어 교황의 얼굴 사이로 떨어지는 것처럼 보인다.
이탈리아 화가 조르조 모란디는 미니멀리즘의 중요한 20세기 초 개척자였다. 1890년 이탈리아 볼로냐에서 태어난 모란디는, 경력 내내 몇 점의 자화상을 제외하고는 거의 전적으로 정물과 풍경에 집중했다. 색조, 색채, 그리고 구성의 균형에 대한 뛰어난 감수성을 바탕으로, 단순한 표현 기법으로 똑같은 친숙한 병과 꽃병들을 반복해서 묘사하여 주목할 만한 작품을 제작하였다. 모란디는 133점의 에칭을 제작했으며, 그의 드로잉과 수채화는 간결한 표현을 통해 추상에 가까운 형태를 띤다. 단순하고 반복적인 모티프와 색채, 명도 및 표면의 절제된 사용을 통해 모란디는 미니멀리즘의 예견적이고 중요한 선구자가 되었다. 그는 1964년 볼로냐에서 사망했다.

제2차 세계대전 이후 (파리 화파)라는 용어는 종종 미국 추상표현주의의 유럽 대응물인 타시슴을 지칭하는 데 사용되었으며, 그 예술가들은 또한 코브라와 관련이 있다. 중요한 지지자로는 장 뒤뷔페, 피에르 술라주, 니콜라 드 스탈, 앙스 아르퉁, 세르게 폴리아코프, 그리고 조르주 마티외 등이 있다. 1950년대 초 (항상 구상 예술가였던) 뒤뷔페와 드 스탈은 추상을 포기하고 형상과 풍경을 통한 구상 회화로 돌아왔다. 드 스탈의 작업은 전후 예술계에서 빠르게 인정받았으며 그는 1950년대의 가장 영향력 있는 예술가 중 하나가 되었다. 그가 1950년대 초 재현(해경, 축구 선수, 재즈 음악가, 갈매기)으로 복귀한 것은 미국 베이 에어리어 구상 운동의 영향력을 보여주는 전례로 볼 수 있는데, 리처드 디벤콘, 데이비드 박, 엘머 비숍, 웨인 티보, 네이선 올리베이라, 조안 브라운 등과 같은 많은 추상 화가들이 1950년대 중반 이후로 구상 회화로 돌아가는 비슷한 움직임을 보였기 때문이다. 드 스탈의 많은 후기 작품 – 특히 1950년대 중반의 얇고 희석된 캔버스 위 유채 추상 풍경화는, 1960년대와 1970년대의 색면 회화와 서정적 추상을 예견한다. 니콜라 드 스탈의 마지막 그림들에서 보여준 대담하고 강렬한 색채는 그 뒤를 이은 1960년대 팝 아트를 포함한 많은 현대 회화의 방향을 제시한다.

 아르 브뤼, 누보 레알리즘, 베이 에어리어 구상 운동, 네오 다다, 극사실주의 

1950년대와 1960년대 미국과 유럽의 추상 회화는 색면 회화, 후기 회화적 추상, 옵아트, 하드엣지 회화, 미니멀 아트, 형태 캔버스 회화, 서정적 추상, 그리고 추상표현주의와 같은 운동으로 진화하였다. 다른 예술가들은 이에 대한 대응으로 아르 브뤼, 플럭서스, 네오다다, 신 사실주의, 팝 아트, 베이 에어리어 구상 운동 그리고 나중에 1970년대의 신표현주의와 같이 새롭고 다양한 맥락을 통해 이미지가 다시 나타나도록 했다. 데이비드 박, 엘머 비숍, 네이선 올리베이라, 리처드 디벤콘등이 영향력을 발휘한 베이 에어리어 구상 운동은 1950년대와 1960년대 캘리포니아에서 번성했다. 이들(밀턴 에이버리, 에드워드 호퍼, 장 뒤뷔페, 프랜시스 베이컨, 프랭크 아우어바흐, 루시언 프로이드, 필립 펄스타인 등)은 20세기 내내 사실주의를 실천하고 이미지를 사용하며 현대적인 주제와 견고한 기술, 그리고 독특한 표현력을 가진 풍경 및 구상 회화를 실천했다. 하지만 더 젊은 화가들은 새롭고 급진적인 방식으로 이미지 사용을 연습했다. 이브 클랭, 마샬 레이스, 니키 드 생팔, 볼프 포스텔, 데이비드 호크니, 알렉스 카츠, 말콜름 몰리, 랄프 고잉스, 오드리 플랙, 리처드 에스티스, 척 클로스, 수잔 로텐버그, 에릭 피슬, 존 베이더 그리고 비야 셀민스 등 많은 작가들이 1960년대와 1980년대 사이에 두각을 나타냈다. 페어필드 포터는 거의 독학으로 배웠으며 추상표현주의 운동의 한가운데서 재현적인 작업을 생산했다. 그의 주제는 주로 풍경, 실내 풍경, 그리고 가족, 친구 및 동료 예술가들의 초상화였는데, 이중에는 존 애슈버리, 프랭크 오하라, 그리고 제임스 스카일러를 포함한 뉴욕 화파 작가들과 연관된 인물들이 많았다. 그의 많은 그림들은 메인주의 그레이트 스프루스 헤드 아일랜드에 있는 가족 여름 별장이나 그 주변을 배경으로 했다.

또한 1960년대와 1970년대에는 회화에 반대하는 반응이 있었다. 더글러스 크림프와 같은 비평가들은 애드 라인하르트와 같은 예술가들의 작업을 보고 "회화의 죽음"을 선언했다. 예술가들은 예술을 만드는 새로운 방식들을 연습하기 시작했다. 그 결과 플럭서스, 해프닝, 비디오 아트, 설치 미술, 메일 아트, 상황주의자, 개념 미술, 포스트미니멀리즘, 대지 미술, 아르테 포베라, 행위 예술 그리고 보디 아트 등의 새로운 운동이 두각을 나타냈다.

네오 다다는 또한 1950년대와 1960년대에 시작된 운동으로 추상표현주의와 오직 이미지 측면에서만 관련이 있었다. 이전의 회화 관습에서 벗어나, 제조된 오브제와 작가의 재료를 결합하는 것이 특징이었다. 이러한 경향은 재스퍼 존스와 로베르 라우션버그의 작업에서 잘 나타나는데, 그들의 1950년대 "콤바인"은 팝 아트와 설치 미술의 선구자 역할을 했으며 박제된 동물, 새 그리고 상업 사진을 포함한 대형 물리적 오브제를 조합하여 작품을 제작하였다. 로베르 라우션버그, 재스퍼 존스, 래리 리버스, 존 챔벌레인, 클라스 올든버그, 조지 시걸, 짐 다인, 그리고 에드워드 킨홀츠 등은 추상과 팝 아트 양면의 중요한 개척자였다. 이들은 새로운 예술 제작 관습을 창조하며, 진지한 현대 미술계에서 예술 작품의 일부로서 있을 법하지 않은 재료들을 과감하게 도입하였다.

 1950년대부터 1980년대까지의 새로운 추상 

색면 회화는 추상표현주의에서 벗어나 미국 회화의 새로운 방향을 분명히 가리켰다. 색면 회화는 포스트 페인털리 어브스트랙션, 절대주의, 추상표현주의, 하드엣지 회화 그리고 서정적 추상과 관련이 있다.

1960년대와 1970년대 동안 추상 회화는 다양한 양식을 통해 미국에서 계속 발전했다. 기하학적 추상, 옵아트, 하드엣지 회화, 색면 회화 그리고 미니멀 회화는 진보된 추상 회화의 몇 가지 상호 연관된 방향이었으며 일부 다른 새로운 운동들도 있었다. 모리스 루이스는 진보된 색면 회화의 중요한 개척자였으며 그의 작업은 추상표현주의, 색면 회화, 그리고 미니멀 아트 사이의 가교 역할을 할 수 있다. 두 명의 영향력 있는 스승 요제프 알버스와 한스 호프만은 미국의 새로운 세대 예술가들에게 그들의 진보된 색채와 공간 이론을 소개했다. 요제프 알버스는 기하학적 추상주의 화가이자 이론가로서의 작업으로 가장 잘 기억된다. 가장 유명한 것은 캔버스 위에 동심원으로 배열된 평평한 색채 사각형으로 색채 상호 작용을 탐구한 1949년에 시작된 '정사각형에의 찬사' 연작을 구성하는 수백 점의 회화와 판화이다. 예술과 교육에 관한 알버스의 이론은 다음 세대 예술가들에게 형성적이었다. 그의 그림들은 하드엣지 회화와 옵아트 양쪽의 기초를 형성한다.

요제프 알버스, 한스 호프만, 일리야 볼로토프스키, 버고인 딜러, 빅토르 바사렐리, 브리짓 라일리, 리처드 아누슈키에비치, 프랭크 스텔라, 모리스 루이스, 케네스 놀런드, 엘즈워스 켈리, 바넷 뉴먼, 래리 푼즈, 로널드 데이비스, 래리 족스, 알 헬드 그리고 미노 아르젠토 같은 다른 이들은 기하학적 추상, 옵아트, 색면 회화, 그리고 호프만과 뉴먼의 경우 추상표현주의와도 밀접하게 연관된 예술가들이다.

1965년 윌리엄 C. 자이츠가 기획한 '응답하는 눈'(The Responsive Eye)이라는 전시회가 뉴욕시 근대미술관에서 열렸다. 전시된 작품들은 프랭크 스텔라의 미니멀리즘부터 래리 푼즈의 옵아트, 알렉산더 리버만의 작업, 그리고 옵아트 운동의 거장들인 빅토르 바사렐리, 리처드 아누슈키에비치, 브리짓 라일리 등의 작업을 아우르는 광범위한 것이었다. 이 전시회는 움직임의 환상과 색채 관계의 상호 작용 모두에서 비롯되는 예술의 지각적 측면에 집중했다. 옵아트(optical art)는 착시를 사용하는 일부 회화 및 기타 예술 작품에서 나타나는 양식이다. 옵아트는 또한 기하학적 추상 및 하드엣지 회화와도 밀접하게 연관되어 있다. 비록 때때로 그것을 위해 사용되는 용어는 지각적 추상이다.

옵아트는 지각과 봄 사이의, 그림 평면과 환상 사이의 상호 작용에 관한 회화 방법이다. 옵아트 작품들은 추상적이며, 더 잘 알려진 작품들 중 다수는 흑백으로만 제작되었다. 관객이 그것들을 볼 때, 움직임, 숨겨진 이미지, 번쩍임과 진동, 패턴, 또는 부풀어 오르거나 뒤틀리는 인상을 준다.

색면 회화는 예술에서 불필요한 수사를 제거하고자 했다. 클리포드 스틸, 마크 로스코, 한스 호프만, 모리스 루이스, 줄스 올리츠키, 케네스 놀런드, 헬렌 프랑켄탈러, 존 호일랜드, 래리 족스 등과 같은 예술가들은 종종 자연에 대한 참조를 크게 줄였으며 고도로 분절되고 심리적인 색채 사용으로 그림을 그렸다. 일반적으로 이 예술가들은 식별 가능한 이미지를 제거했다. 특정 예술가들은 과거 또는 현재의 예술에 대한 참조를 인용했으나 일반적으로 색면 회화는 추상을 그 자체로 끝나는 목적으로 제시한다. 이러한 현대 미술의 방향을 추구하면서 예술가들은 각 그림을 하나의 통일되고 응집력 있으며 단일한 이미지로 제시하고자 했다.

 워싱턴 색채 화파, 세이프트 캔버스, 추상적 초상주의, 서정적 추상 

섬네일|left|로널드 데이비스 1968, 추상적 초상주의

프랭크 스텔라, 케네스 놀런드, 엘즈워스 켈리, 바넷 뉴먼, 로널드 데이비스, 닐 윌리엄스, 로버트 맨골드, 찰스 힌만, 리처드 터틀, 데이비드 노브로스, 그리고 앨빈 러빙은 1960년대 초부터 시작된 기간 동안 세이프트 캔버스의 사용과 관련된 예술가들의 예시이다. 많은 기하학적 추상 예술가들, 미니멀리스트들, 그리고 하드엣지 화가들은 직사각형 형식을 받아들이기보다 이미지의 가장자리를 사용하여 그림의 모양을 정의하는 것을 선택했다. 실제로 세이프트 캔버스의 사용은 주로 냉정하게 추상적이고 형식주의적이며 기하학적이고 객관적이며 합리적이고 선이 깨끗하며 뻔뻔스럽게 날카로운 모서리를 가졌거나 성격상 미니멀리스트인 1960년대와 1970년대의 회화와 관련이 있다. 앙드레 에머리히 갤러리, 레오 카스텔리 갤러리, 리처드 페이건 갤러리, 그리고 파크 플레이스 갤러리는 1960년대 뉴욕시에서 색면 회화, 세이프트 캔버스 회화 그리고 서정적 추상을 위한 중요한 쇼케이스였다. 추상표현주의의 신비주의, 과도한 주관성, 그리고 그림 그리는 행위 자체를 극적으로 가시화하는 것에 대한 강조 – 뿐만 아니라 평평한 직사각형을 진지한 회화를 위한 거의 의례적인 전제 조건으로 엄숙하게 수용하는 것에 반대했던 포스트 페인털리 어브스트랙션과의 연결이 있다. 1960년대 동안 색면 회화와 미니멀 아트는 종종 서로 밀접하게 연관되었다. 실제로는 1970년대 초까지 두 운동 모두 확실히 다양해졌다.

또 다른 관련된 1960년대 후반의 운동인 서정적 추상(용어는 알드리치 현대미술관의 창립자인 래리 알드리치에 의해 만들어짐)은 알드리치가 당시 많은 예술가들의 스튜디오에서 보았다고 말한 것을 포함했다. 그것은 또한 알드리치 박물관에서 시작되어 1969년부터 1971년 사이에 휘트니 미술관과 미국 전역의 다른 박물관들을 순회한 전시회의 이름이기도 하다.

섬네일|로니 랜드필드, 1968, 서정적 추상
1960년대 후반의 서정적 추상은 댄 크리스텐슨, 로니 랜드필드, 피터 영 등의 회화로 특징지어지며, 플럭서스 운동 및 포스트미니멀리즘(1969년 Artforum 페이지에서 로버트 핀커스-위튼에 의해 처음 만들어진 용어)과 함께 과정, 새로운 재료 그리고 새로운 표현 방식에 집중함으로써 추상 회화와 미니멀리즘의 경계를 확장하고자 했다. 산업 재료, 원자재, 가공품, 발견된 사물, 설치, 연쇄적 반복을 종종 포함하며 종종 다다와 초현실주의를 참조하는 포스트미니멀리즘은 에바 헤세의 조각에서 가장 잘 예시된다. 서정적 추상, 개념 미술, 포스트미니멀리즘, 대지 미술, 비디오, 행위 예술, 설치 미술은 플럭서스, 추상표현주의, 색면 회화, 하드엣지 회화, 미니멀 아트, 옵아트, 팝 아트, 극사실주의 그리고 누보 레알리즘의 지속과 함께 1960년대 중반부터 1970년대까지 현대 미술의 경계를 확장했다. 서정적 추상은 추상 화가들이 과정, 게슈탈트 그리고 일반적으로 반복적인 구성 전략에 우세하게 집중하며 다양한 형태의 회화적, 화상적 표현주의로 돌아왔던 1960년대 중반에 등장한 자유로운 형태의 추상 회화 유형이다.

서정적 추상은 색면 회화 및 추상표현주의와 유사점을 공유하며, 1968년작 로니 랜드필드의 회화 '윌리엄 블레이크를 위하여'(위)가 예시하듯이 특히 물감의 자유로운 사용 – 질감과 표면에서 그러하다. 직접적인 드로잉, 선의 서예적 사용, 붓질, 튀기기, 스테인, 스퀴지, 붓기, 그리고 뿌려진 물감의 효과는 겉보기에 추상표현주의와 색면 회화에서 보여지는 효과와 닮아 있다. 그러나 양식은 현저히 다르다. 1940년대와 1950년대의 추상표현주의 및 액션 페인팅과 구별되는 점은 구성과 드라마에 대한 접근 방식이다. 액션 페인팅에서 볼 수 있듯이 붓자국, 높은 구성적 드라마, 역동적인 구성적 긴장에 대한 강조가 있다. 반면 서정적 추상에서는 구성적 무작위성, 올 오버 구성, 저조하고 여유로운 구성적 드라마 그리고 과정, 반복, 그리고 올 오버 감수성에 대한 강조가 있다.

 하드엣지 회화, 미니멀리즘, 포스트미니멀리즘, 단색화 
섬네일|브라이스 마든, 1966/1986, 단색화

아그네스 마틴, 로버트 맨골드, 브라이스 마든, 조 베어, 로버트 라이먼, 리처드 터틀, 닐 윌리엄스, 데이비드 노브로스, 폴 모겐슨, 찰스 힌만은 미니멀리즘 및(마틴, 베어, 마든 제외) 1960년대 초부터 시작된 기간 동안 세이프트 캔버스의 사용과 관련된 예술가들의 예시이다. 많은 기하학적 추상 예술가들, 미니멀리스트들, 그리고 하드엣지 화가들은 직사각형 형식을 받아들이기보다 이미지의 가장자리를 사용하여 그림의 모양을 정의하는 것을 선택했다. 실제로 세이프트 캔버스의 사용은 주로 냉정하게 추상적이고 형식주의적이며 기하학적이고 객관적이며 합리적이고 선이 깨끗하며 뻔뻔스럽게 날카로운 모서리를 가졌거나 미니멀리스트인 1960년대와 1970년대의 회화와 관련이 있다. 바이커트(Bykert) 갤러리와 파크 플레이스 갤러리는 1960년대 뉴욕시에서 미니멀리즘과 세이프트 캔버스 회화를 위한 중요한 쇼케이스였다.

1960년대와 1970년대 동안 로베르 머더웰, 아돌프 고틀리브, 필립 거스턴, 리 크래스너, 사이 트웜블리, 로베르 라우션버그, 재스퍼 존스, 리처드 디벤콘, 요제프 알버스, 엘머 비숍, 아그네스 마틴, 알 헬드, 샘 프랜시스, 엘즈워스 켈리, 모리스 루이스, 헬렌 프랑켄탈러, 진 데이비스, 프랭크 스텔라, 케네스 놀런드, 조안 미첼, 프리델 주바스 같은 예술가들과 브라이스 마든, 로버트 맨골드, 샘 길리엄, 존 호일랜드, 션 스컬리, 팻 스타이어, 엘리자베스 머레이, 래리 푼즈, 월터 다비 배너드, 래리 족스, 로니 랜드필드, 로널드 데이비스, 댄 크리스텐슨, 조안 스나이더, 로스 블렉너, 아치 랜드, 수잔 크릴 등 수십 명의 젊은 예술가들이 광범위하고 다양한 회화를 생산했다.

섬네일|left|바넷 뉴먼, 무제 에칭 1(첫 번째 버전), 1968, 미니멀리즘
1960년대와 1970년대에는 추상 회화에 반대하는 반응이 있었다. 일부 비평가들은 애드 라인하르트와 같은 예술가들의 작업을 보고 "회화의 죽음"을 선언했다. 예술가들은 예술을 만드는 새로운 방식들을 연습하기 시작했다. 다음과 같은 몇 가지 새로운 운동이 두드러지게 나타났다: 포스트미니멀리즘, 대지 미술, 비디오 아트, 설치 미술, 아르테 포베라, 행위 예술, 보디 아트, 플럭서스, 해프닝, 메일 아트, 상황주의자 그리고 개념 미술 등이다.

그러나 여전히 추상 회화에서의 다른 중요한 혁신들이 1960년대와 1970년대 동안 일어났으며, 이는 애드 라인하르트, 바넷 뉴먼, 밀튼 레스닉, 그리고 엘즈워스 켈리로부터 영감을 받은 단색화와 하드엣지 회화에 의해 특징지어졌다. 아그네스 마틴, 알 헬드, 래리 족스, 프랭크 스텔라, 래리 푼즈, 브라이스 마든 등과 같이 다양한 예술가들이 단순화의 힘을 탐구했다. 색면 회화, 미니멀 아트, 하드엣지 회화, 서정적 추상, 그리고 포스트미니멀리즘의 수렴은 1980년대와 1990년대에 더 분명해진 운동들 사이의 구분을 흐릿하게 만들었다. 신표현주의 운동은 추상표현주의, 네오다다, 서정적 추상 그리고 포스트미니멀 회화에서의 이전 발전들과 관련이 있다.

 신표현주의 

1960년대 후반 추상표현주의 화가 필립 거스턴은 추상표현주의의 이른바 "순수 추상"을 버리고 다양한 개인적 상징과 사물들을 더 만화처럼 묘사하는 방식으로 회화에서 추상표현주의로부터 신표현주의로의 전환을 이끄는 데 도움을 주었다. 이러한 작품들은 표현적인 이미지를 부활시키는 데 관심이 있는 새로운 세대의 화가들에게 영감을 주었다. 위 갤러리에서 볼 수 있는 그의 1973년작 '회화, 흡연, 식사'는 구상으로의 최종적이고 결정적인 복귀의 예시이다.

1970년대 후반과 1980년대 초반에는 이탈리아, 독일, 프랑스 그리고 영국에서 거의 동시에 일어난 회화로의 복귀가 있었다. 이러한 운동들은 각각 트랜스 아방가르드, 노이에 빌데, 피구라시옹 리브르, 신표현주의, 런던 화파, 그리고 1980년대 후반의 스터키즘으로 불렸다. 이러한 회화들은 대형 포맷, 자유롭고 표현적인 자국 만들기, 형상, 신화 그리고 상상력으로 특징지어졌다. 이 장르의 모든 작업은 신표현주의로 이름 붙여졌다. 비평가들의 반응은 엇갈렸다. 일부 비평가들은 대형 상업 갤러리들에 의한 수익 동기에 의해 추진된 것으로 간주했다. 이러한 유형의 예술은 1980년대 후반의 예술 시장 붕괴 이후에도 21세기까지 계속 인기를 끌고 있다. 안젤름 키퍼는 유럽 신표현주의의 선도적인 인물로 1980년대까지 키퍼의 주제는 문명에서의 독일의 역할에 대한 집중에서 예술과 문화 전반의 운명으로 넓어졌다. 그의 작업은 더욱 조각적으로 변했으며 국가적 정체성과 집단적 기억뿐만 아니라 오컬트 상징, 신학 그리고 신비주의를 포함한다. 모든 작업의 주제는 전체 사회가 경험한 트라우마, 그리고 삶에서의 지속적인 재탄생과 갱신이다.

1970년대 후반 미국에서는 수잔 로텐버그와 같이 활기찬 표면으로 작업하고 이미지로 돌아온 화가들이 인기를 얻었으며, 이는 특히 위의 1979년작 '말 2'와 같은 회화에서 볼 수 있다. 1980년대 동안 에릭 피슬, 데이비드 살레, 장미셸 바스키아(낙서 예술가로 시작함), 줄리언 슈나벨, 그리고 키스 해링, 그리고 미모 팔라디노, 산드로 키아, 엔초 쿠키 같은 이탈리아 화가들이 미국의 신표현주의 아이디어를 정의했다.

신표현주의는 1970년대 후반에 인기를 얻어 1980년대 중반까지 예술 시장을 지배했던 모던 회화 양식이었다. 이는 1960년대와 1970년대의 개념 및 미니멀리즘 예술에 대한 반작용으로 유럽에서 발전했다. 신표현주의자들은 생생한 색채와 평범한 색채 조화를 사용하여 거칠고 격렬하게 감정적인 방식으로 인간의 몸과 같은 인식 가능한 대상들을(비록 때로는 사실상 추상적인 방식으로) 묘사하는 것으로 돌아갔다. 베테랑 화가 필립 거스턴, 프랭크 아우어바흐, 레온 코소프, 게르하르트 리히터, A. R. 펜크 그리고 게오르크 바젤리츠는 안젤름 키퍼, 에릭 피슬, 수잔 로텐버그, 프란체스코 클레멘테, 장미셸 바스키아, 줄리언 슈나벨, 키스 해링 등 약간 더 젊은 예술가들과 함께 이러한 강렬한 표현주의적 회화의 흐름에서 활동하는 것으로 알려지게 되었다.

회화는 여전히 현대 미술에서 존경받는 위치를 차지하고 있다. 예술은 더 이상 구상 대 비구상의 이분법으로 나뉘지 않는 열린 분야이다. 예술가들은 그들의 이미지가 재현적이든 추상이든 비평적인 성공을 거둘 수 있다. 통용되는 것은 내용, 매체의 경계를 탐구하는 것, 그리고 최종 목표로서 과거의 작품들을 반복하는 것을 거부하는 것이다.

 21세기로 이어지는 동시대 회화 

21세기 초에 동시대 회화와 일반적인 동시대 예술은 문화적 다원주의라는 아이디어로 특징지어지는 여러 인접한 모드로 계속된다. 오늘날 회화와 현재의 예술 및 현재의 미술 평론에서의 "위기"는 문화적 다원주의에 의해 야기된다. 이 시대의 대표적인 양식에 대해 합의가 없으며 그럴 필요도 없다. 무엇이든 통용되는 태도가 널리 퍼져 있다; "모든 것이 진행 중인", 따라서 "아무것도 진행 중이지 않은" 증후군이다; 이는 확고하고 명확한 방향이 없고 예술적 초고속 도로의 모든 차선이 가득 찬 미학적 교통 정체를 만들어낸다. 결과적으로 웅장하고 중요한 예술 작품들은 비록 매우 다양한 양식과 미학적 기질 속에서일지라도 계속 만들어지고 있으며, 시장이 그 가치를 판단하도록 남겨져 있다.

하드엣지 회화, 기하학적 추상, 전유, 극사실주의, 극사실주의, 표현주의, 미니멀리즘, 서정적 추상, 팝 아트, 옵아트, 추상표현주의, 색면 회화, 단색화, 신표현주의, 콜라주, 인터미디어 회화, 어셈블리지 회화, 디지털 페인팅, 포스트모던 회화, 네오다다 회화, 세이프트 캔버스 회화, 환경 벽화, 전통적인 인물 회화, 풍경화, 초상화 등은 21세기 초 회화에서 계속되고 있는 현재의 방향들 중 몇 가지이다.

아메리카
섬네일|과달루페의 성모를 그리는 성부. 호아킨 비예가스(Joaquín Villegas, 1713년 ~ 1753년 활동) 작(멕시코), 국립미술관 (멕시코).

북아메리카, 중앙아메리카, 남아메리카 및 카리브해 제도, 앤틸리스 제도, 소앤틸리스 제도 및 기타 섬들을 포함한 아메리카 대륙에서 유럽의 탐험과 정착이 이루어지기 전후 기간 동안, 토착 원주민 문화는 건축, 도예, 제도술, 직조, 조각, 조각상, 회화 및 벽화뿐만 아니라 기타 종교적 및 실용적 객체를 포함한 창의적인 작품들을 생산했다. 아메리카의 각 대륙은 고유하고 개별적으로 발전한 문화를 가진 사회들을 품고 있었으며, 이들은 토템, 종교적 상징성이 담긴 작품, 그리고 장식적이고 표현적인 회화 작품들을 만들어냈다. 아프리카의 영향은 특히 카리브해와 남아메리카의 미술에서 강하게 나타났다. 아메리카 원주민의 예술은 대항해 시대 동안과 그 이후에 서양 미술에 막대한 영향과 감화를 주었으며, 그 반대도 마찬가지였다. 스페인, 포르투갈, 프랑스, 네덜란드, 영국은 모두 15세기 이후 아메리카에서 강력하고 영향력 있는 식민 열강이었다. 19세기에 이르러서는 대서양을 가로질러 문화적 영향이 양방향으로 흐르기 시작했다.

멕시코 및 중앙아메리카

남아메리카

북아메리카

미국

캐나다

카리브해

이슬람

이슬람 내에서는 신자들이 우상숭배에 빠지는 것을 방지하기 위해 인간, 동물 또는 기타 구상적인 대상의 묘사가 금지되어 있다. 따라서 무슬림 문화권 내에는 종교적 동기에 의한 회화(또는 조각) 전통이 존재하지 않는다. 회화 활동은 주로 추상적인 기하학적 구성이나 꽃 및 식물 모양 패턴을 가진 아라베스크로 축소되었다. 건축 및 서예와 밀접하게 연결된 이 예술은 모스크의 타일 회화나 코란 및 기타 서적의 텍스트 주변 장식(채식)에서 널리 볼 수 있다. 사실 추상 미술은 현대 미술의 발명품이 아니라, 그 수 세기 전부터 pre-classical, 야만 및 비서구 문화권에 존재해 왔으며 본질적으로 장식적 또는 응용 예술이다. 유명한 삽화가 마우리츠 코르넬리스 에셔는 이러한 기하학적이고 패턴 기반의 예술에 영향을 받았다. 아르누보(오브리 비어즐리와 건축가 Antonio Gaudí)는 추상적인 식물 패턴을 서구 예술에 다시 도입했다.

구상적 시각화에 대한 금기에도 불구하고, 일부 이슬람 국가들은 회화 전통을 발전시켰는데, 이는 독자적인 예술로서라기보다는 기록된 문자의 동반자로서였다. 흔히 페르시아 세밀화(Persian miniature)로 알려진 이란 또는 페르시아 예술은 서사적 또는 낭만적 문학 작품의 삽화에 집중한다. 페르시아 삽화가들은 이슬람 이전 역사에서 명암과 원근법에 익숙했음에도 불구하고, 실제 세계의 실물과 같은 환상을 만들지 말라는 규칙을 지키기 위해 의도적으로 이를 피했다. 그들의 목표는 세상을 있는 그대로 묘사하는 것이 아니라, 시대를 초월한 아름다움과 완벽한 질서를 갖춘 이상적인 세계의 이미지를 창조하는 것이었다.

이란

동양 사학자 Basil Gray는 "이란은 그 자체로 매우 뛰어난 독특한 예술을 세계에 선사했다"고 믿는다. 이란 로레스탄주의 동굴들에는 동물과 사냥 장면을 묘사한 그림들이 남아 있다. 파르스주와 시알크 등의 유적은 최소 5,000년 전의 것이다. 이란의 회화는 카말렛딘 베흐자드와 같은 뛰어난 거장들이 새로운 화풍을 탄생시킨 티무르 시대에 절정에 달한 것으로 간주된다.

카자르 시대의 회화는 유럽의 영향과 Reza Abbasi가 도입한 사파비 세밀화 화파, 그리고 Mihr 'Ali의 고전적 작품들이 결합된 형태다. Kamal-ol-molk와 같은 거장들은 이란에서 유럽의 영향력을 더욱 진전시켰다. "커피하우스 회화"가 등장한 것도 카자르 시대였다. 이 화풍의 주제는 종종 시아파 서사시 등의 장면을 묘사하는 종교적 성격을 띠었다.

파키스탄

오세아니아

오스트레일리아

뉴질랜드

아프리카

아프리카의 전통 문화와 부족들은 조각과 부조를 선호하며 2차원적 표현에는 큰 관심이 없었던 것으로 보인다. 그러나 아프리카 문화의 장식 회화는 종종 추상적이고 기하학적이다. 또 다른 회화적 표현으로는 마사이인과 키쿠유족 문화의 의례 의식에 나타나는 보디 페인팅과 얼굴 페인팅이 있다. 특정 마을에서는 의례용 동굴벽화가 여전히 사용되기도 한다. 파블로 피카소와 다른 현대 예술가들이 자신들의 다양한 스타일에서 아프리카의 조각과 가면의 영향을 받았다는 점에 주목할 필요가 있다.
현대 아프리카 예술가들은 서구 미술 운동을 따르고 있으며, 그들의 회화는 서구 예술 작품과 거의 차이가 없다.

수단
섬네일|Old Dongola에서 발견된 중세 누비아인 벽화 속 그리스도의 세례

고대 이집트와 접경한 고대 누비아(즉, 현대의 수단)의 쿠시 왕국은 벽화와 채색된 물건을 포함한 다양한 예술을 생산했다. 쿠시 왕국보다 앞선 Kerma culture의 중심지인 수단의 Kerma 유적에서 발견된 기원전 약 1700년경의 벽화 파편에는 범선과 사다리가 있는 집들이 묘사되어 있는데, 이는 이집트 여왕 하트셉수트(재위 서기 약 기원전 1479–1458년) 시대의 부조 장면과 유사하다. 12세기 아부 살리(Abu Salih)에 의해 처음 묘사된 벽화의 고대 전통은 중세 누비아 시대까지 이어졌다.

에티오피아

섬네일|upright|에티오피아 가리마 복음서에 실린 복음사가 마르코의 에티오피아 채식 초상, 서기 6세기, 악숨 왕국

에티오피아의 기독교 미술 회화 전통은 서기 4세기 악숨 왕국 시대로 거슬러 올라간다. 악숨으로 망명했던 7세기의 무함마드 추종자들은 Church of Our Lady Mary of Zion을 장식한 벽화들을 묘사한 바 있다. 그러나 에티오피아에서 현존하는 가장 오래된 교회 벽화 예시는 티그라이주 데브레 셀람 미카엘 교회에서 발견된 것으로, 서기 11세기의 것이다. 채식필사본 속의 에티오피아 회화는 현존하는 가장 오래된 교회 벽화보다 앞선다. 예를 들어, 서기 4-6세기의 에티오피아 가리마 복음서는 당시의 비잔틴 미술 스타일을 모방한 채식 장면들을 포함하고 있다.

서양 미술에 끼친 영향

20세기 초, 파블로 피카소, 앙리 마티스, 폴 고갱, 아메데오 모딜리아니와 같은 예술가들은 아프리카 미술을 접하고 영감을 받았다. 기성 아방가르드가 외관의 세계를 반영해야 한다는 제약에 맞서고 있던 상황에서, 아프리카 미술은 지극히 잘 구성된 형태의 힘을 보여주었다. 이는 시각뿐만 아니라 종종 본질적으로 상상력, 감정, 신비주의적 및 종교적 경험에 반응하여 만들어진 것이었다. 이들 예술가들은 아프리카 미술에서 경이로운 표현력과 결합된 형식적 완벽함과 정교함을 보았다.

 같이 보기 

 20세기 서양 회화
 미술 시대
 장르의 계층
 화가 목록
 미술가 열전
 1800년까지의 이탈리아 예술가 연표

 내용주 

 각주 

 더 읽어보기 
 Clement Greenberg, Art and Culture, Beacon Press, 1961
 Lyrical Abstraction, Exhibition Catalogue, Whitney Museum of American Art, NYC, 1971.
 O'Connor, Francis V. Jackson Pollock Exhibition Catalogue, (New York, Museum of Modern Art, [1967]) 
 Pictures of Nothing: Abstract Art since Pollock (A.W. Mellon Lectures in the Fine Arts), Kirk Varnedoe, 2003
 The Triumph of Modernism: The Art World, 1985–2005, Hilton Kramer, 2006, 
 

 외부 링크 

 History of Art: From Paleolithic Age to Contemporary Art 
 Kandinsky 
 Metropolitan Museum of Art Timeline of Art History
 Ancient Roman Wall-Painting

분류:회화
분류:분야별 역사