르네상스 미술

섬네일|피에로 델라 프란체스카, 《그리스도의 세례》, 1507, 프라도 미술관
400px|섬네일|right|얀 판 에이크, 《헨트 제단화》: 신비로운 어린 양의 경배 (내부), 1432
섬네일|right|400px|티치아노 베첼리오, 《성스러운 사랑과 세속적인 사랑》, 1513–1514년경, 보르게세 미술관, 로마
400px|섬네일|right|알브레히트 뒤러, 《아담과 이브》, 1450년경, 내셔널 갤러리, 런던

르네상스 미술 (1350 – 1620)은 르네상스로 알려진 유럽 역사 시기의 회화, 조각, 장식 예술로서, 이탈리아에서 서기 약 1400년경에 뚜렷한 양식으로 나타났으며 철학, 문학, 음악, 과학, 기술과 함께 발전하였다. 르네상스 미술은 고전 고대의 미술을 가장 고귀한 전통으로 인식하고 이를 기초로 삼았지만, 북유럽 미술의 최근 발전 사항을 흡수하고 당대의 과학 지식을 적용하여 발전하였다. 르네상스 미술은 인문주의 철학과 함께 유럽 전역으로 퍼져, 새로운 기술과 새로운 예술적 감각의 발전으로 예술가와 후원자 모두에게 영향을 미쳤다. 미술사 학자들에게 르네상스 미술은 유럽이 중세 시대를 넘어 근세 시대로 전환되었음을 의미한다.
섬네일|400px|산드로 보티첼리, 《비너스의 탄생》, c. 1485, 우피치 미술관, 피렌체

"르네상스 예술"로 통칭되는 회화, 조각, 건축, 음악, 문학을 포함한 예술 작품들은 주로 14세기, 15세기, 16세기 유럽에서 자연에 대한 인식이 증가하고, 그리스 로마의 고전이 부활하며, 인간에 대한 보다 개인주의적인 관점이라는 복합적인 영향 아래 생산되었다. 프랑스어 'renaissance'가 문자 그대로 "재생"을 의미하는 것처럼, 학자들은 더 이상 르네상스가 중세 가치관과의 갑작스러운 단절을 의미한다고 믿지 않는다. 유럽의 여러 지역에서 초기 르네상스 미술은 후기 중세 미술과 병행하여 창조되었다.

 기원 
15세기 초 르네상스의 발전에 미친 여러가지 영향이 르네상스 미술의 출현에도 동일하게 기여하였다. 이는 철학, 문학, 건축, 신학, 과학, 정치 및 사회 등과 마찬가지였다. 르네상스 시대 학자들은 당대의 삶에 집중하고 인간의 삶을 개선하고자 노력하였으며, 중세 철학이나 종교에는 큰 관심을 두지 않았다. 이 시기에 에라스무스, 단테, 페트라르카와 같은 학자와 인문주의자들은 미신적인 믿음을 비판하고 의문을 제기했다. 교육의 개념 또한 범위를 넓혀 예술, 음악, 시, 문학을 공정하게 이해하고, 이러한 다양한 측면을 이해할 수 있는 '이상적인 인간'을 만드는 데 중점을 두었다. 다음은 르네상스 미술 발전에 기여한 요인이라고 알려진 여러가지 사회 및 문화 조건의 변화를 요약한 것이다.

 수세기 동안 유럽 학자들에게 잊혀졌던 고전 문헌을 다시 볼 수 있게 되었다. 여기에는 철학, 산문, 시, 드라마, 과학, 예술에 관한 논문, 초기 기독교 신학 문서들이 포함된다.
 이슬람 학자들에게 유래한 고등 수학에 접근하게 되었다.
 15세기 활자 인쇄술의 등장으로 아이디어를 쉽게 전파할 수 있게 되었으며, 더 많은 대중을 위한 책들이 증가했다.
 메디치 은행의 설립과 그에 따른 무역 확대는 피렌체에 전례 없는 부를 가져왔다.
 코시모 데 메디치는 교회나 군주와 관련 없는, 예술 후원의 새로운 기준을 세웠다.
 르네상스 인문주의 철학은 인간과 인류/우주/신의 관계가 더 이상 교회의 전유물이 아님을 알려주었다.
 고전에 대한 관심이 부활하면서 건축가 필리포 브루넬레스키와 조각가 도나텔로에 의해 고대 로마 유적에 대한 최초의 고고학적 연구가 이루어졌다. 고전적 선례를 바탕으로 한 건축 양식이 부활하자, 회화와 조각에서도 이에 상응하는 고전주의가 발생하였으며, 이는 1420년대 마사초와 파올로 우첼로의 그림에서 이미 나타났다.
 로베르 캉팽, 얀 판 에이크, 로히어르 판 데르베이던, 휘호 판 데르 후스와 같은 벨기에 및 프랑스 화가들이 개발/개선한 유화 물감 및 유화 기법이, 약 1475년부터 이탈리아에서 채택되었다.
 15세기 초 피렌체 지역에 우연히 살고 있었던 마사초, 필리포 브루넬레스키, 로렌초 기베르티, 피에로 델라 프란체스카, 도나텔로, 미켈로초와 같은 예술적 천재들이 전성기 르네상스의 위대한 거장들을 탄생시키는 기반이 되었다.
 베네치아에서도 재능 있는 야코포 벨리니 가문과 그들의 영향력 있는 친척 안드레아 만테냐, 조르조네, 티치아노 베첼리오, 틴토레토를 통해 유사한 예술적 발전이 이루어졌다.
 레온 바티스타 알베르티가 1435년에 저술한 "회화론"(De pictura)과, 1452년에 저술한 "건축 10서"(De re aedificatoria)가 출판되었다.

 역사 
 이탈리아의 원시 르네상스, 1280–1400 
섬네일|조토 디 본도네, 《애도》, c. 1305, 스크로베니 경당, 르네상스를 예고하다.|alt= 사각형 프레스코화. 무대 세트와 같은 얕은 공간에 실물 같은 인물들이 죽은 예수의 시신 주위에 모여 있다. 모두 슬퍼하고 있다. 막달라 마리아는 예수의 발에 눈물을 흘린다. 한 남자 제자는 절망하여 팔을 뻗는다. 아리마대 요셉은 수의를 잡고 있다. 하늘에서는 작은 천사들이 비명을 지르고 머리카락을 쥐어뜯고 있다.

13세기 후반과 14세기 초 이탈리아에서는 피사, 시에나, 피스토이아에서 활동한 니콜라 피사노와 그의 아들 조반니 피사노의 조각에서 현저히 고전적인 경향이 나타나는데, 이는 이들 예술가들이 고대 로마의 석관에 익숙했기 때문으로 보인다. 그들의 대표작은 피사 세례당의 설교단과 피사 대성당의 설교단이다.

조반니 피사노와 동시대인 피렌체 화가 조토 디 본도네는 동시대인들과 그의 스승 치마부에에 비해 전례 없이 자연주의적이고 3차원적이며 생생하고 고전적인 회화 작품을 남겼다. 파도바의 아레나 경당에 있는 그리스도의 생애 연작으로 유명한 조토는, 16세기 전기 작가 조르조 바사리에 따르면 13세기 이탈리아에 만연했던 "조잡하고 전통적인 비잔틴 양식"으로부터 "예술을 구하고 복원한" 인물로 평가받았다.

 이탈리아의 초기 르네상스, 1400–1495 

섬네일|도나텔로, 《다비드》 (1440년대?). 바르젤로 국립 박물관.
피사노 가문과 조토에게는 제자와 추종자들이 있었지만, 진정한 최초의 르네상스 예술가들은 1401년 피렌체 대성당의 세례당을 위한 청동 문 조각 공모전에서, 필리포 브루넬레스키, 도나텔로를 포함한 7명의 젊은 조각가들과 우승자인 로렌초 기베르티가 참가하면서 비로소 피렌체에서 등장했다. 피렌체 대성당의 돔과 산 로렌초 성당의 건축가로 가장 유명한 브루넬레스키는 산타 마리아 노벨라 성당의 실물 크기의 십자가상을 포함하여 여러 조각 작품을 남겼다. 이러한 조각들은 그의 자연주의를 대표한 작품들이다. 그의 원근법 연구는 화가 마사초에게 영향을 미친 것으로 알려져 있다.

도나텔로는 초기 르네상스의 가장 위대한 조각가로 명성을 얻었으며, 그의 대표작은 피렌체 공화국의 상징 중 하나로, 인본주의적이고 비정상적으로 에로틱한 《다비드》 조각상과 로마 시대 이후 처음으로 제작된 대규모 기마 청동상인 《가타멜라타 기념비》이다.

도나텔로의 동시대인인 마사초는 조토의 회화적 후예로서, 1425년에 이탈리아 회화에서 초기 르네상스를 시작하였으며, 조토가 한 세기 전에 시작했던 형태의 견고함과 얼굴 및 제스처의 자연주의 경향을 더욱 발전시켰다. 1425년부터 1428년까지 마사초는 여러 패널화를 완성했지만, 나이든 화가 마솔리노 다 파니칼레와 함께 브란카치 경당에서 제작한 (《에덴에서의 추방》을 포함한) 프레스코 연작으로 가장 잘 알려져 있다. 이 작품들은 미켈란젤로 부오나로티를 포함한 후대 화가들에게 깊은 영향을 미쳤다. 마사초의 발전은 프라 안젤리코의 그림, 특히 피렌체의 산 마르코 수도원 프레스코화에서 계속 이어졌다.

회화에서 원근법과 빛의 요소에 대한 처리는 15세기 피렌체 화가들에게 가장 중요한 관심사였다. 파올로 우첼로는 원근법의 외관을 달성하려는 시도에 너무 몰두하여 조르조 바사리에 따르면 잠을 못 이루기까지 하였다. 그의 해결책은 1460년경에 완성된 것으로 추정되는 세 점의 《산로마노 전투》 연작에서 볼 수 있다. 피에로 델라 프란체스카는 빛과 선형 원근법에 대한 체계적이고 과학적인 연구를 수행했으며, 그 결과는 아레초 산 프란체스코 대성당의 《진정한 십자가의 역사》 프레스코 연작에서 볼 수 있다.

나폴리에서 화가 안토넬로 다 메시나는 다른 이탈리아 화가들보다 앞서, 아마도 1450년경에 초상화와 종교화에 유화를 사용하기 시작했다. 그는 이 기술을 북쪽으로 가져가 베네치아 화가들에게 영향을 미쳤다. 북부 이탈리아의 가장 중요한 화가 중 한 명은 안드레아 만테냐였는데, 그는 후원자 루도비코 3세 곤차가를 위해 카메라 델리 스포시의 내부를 장식하고, 가족과 궁정의 초상화를 환영적인 건축 공간에 배치했다.

이탈리아 미술의 초기 르네상스의 종결 시점은 시작과 마찬가지로, 예술가들을 한자리에 모은 의뢰로 인해 만들어졌다. 다만 이번에는 경쟁이 아닌 협력이 필요한 의뢰였다. 교황 식스토 4세는 자신의 이름을 따서 시스티나 경당으로 명명된 교황 경당을 재건했으며, 산드로 보티첼리, 피에트로 페루지노, 도메니코 기를란다요, 코시모 로셀리 등 일단의 예술가들에게 그리스도의 삶과 모세의 삶을 묘사하는 프레스코 연작으로 벽을 장식하도록 의뢰했다. 예술가들은 16점의 대형 그림에서 각자 개별적인 스타일로 작업했지만, 형식에 관한 원칙에 동의한 상태로, 조명, 선형 원근법 및 대기 원근법, 해부학, 단축법, 인물 묘사 등의 기법을 활용했다. 이들 기법은 기베르티, 베로키오, 기를란다요, 페루지노 등의 피렌체 스튜디오에서 최고조에 달했다.

 플랑드르 초기 미술, 1425–1525 

섬네일|left|로히어르 판 데르베이던, 십자가에서 내려지는 그리스도 (c. 1435), 오크 패널에 유화, 220×262 cm. 프라도 미술관, 마드리드.
이 시기 저지대 국가의 화가로는 얀 판 에이크, 그의 형 후베르트 판 에이크, 로베르 캉팽, 한스 멤링, 로히어르 판 데르베이던, 휘호 판 데르 후스 등이 있었다. 그들의 회화는 초기 이탈리아 르네상스 회화와는 일정 정도 독립적으로 발전했으며, 고대 문화를 의도적으로 의식적으로 부활시키려는 노력의 영향 없이 이루어진 것이 특징이다.

플랑드르 회화 양식은 패널 템페라, 채식필사본, 스테인드글라스와 같은 중세 회화 전통으로부터 직접적으로 발전했다. 북유럽에서는 프레스코가 그다지 많이 없었다. 가장 많이 사용된 매체는 유성 페인트였는데, 이는 유연하고 비교적 내구성이 강해서, 가죽 의례용 방패와 장식품을 그리는 데 오랫동안 사용되었다. 가장 초기 플랑드르 유화는 템페라 그림처럼 섬세하고 세밀하였다. 템페라는 색조 변화와 질감을 묘사하는 데 적합하여 자연을 매우 상세하게 묘사하는데 유리하였다.

네덜란드 화가들은 그림에서 선형 원근법과 정확한 비례를 사용하지 않았다. 계층에 따라 크기를 달리하고 중세적인 종교적 상징주의 관점을 유지한 채로 자연 및 인공 요소를 사실적으로 묘사하였다. 얀 판 에이크는 그의 형 후베르트와 함께 헨트 제단화를 그렸다. 안토넬로 다 메시나는 나폴리나 시칠리아에 머무는 동안 판 에이크의 작품을 접했을 가능성이 높다. 1475년, 휘호 판 데르 후스의 포르티나리 제단화가 피렌체에 도착했고, 그곳의 많은 화가들, 특히 플랑드르 회화의 특징을 모방한 제단화를 그린 도메니코 기를란다요에게 깊은 영향을 미쳤다.

이 시기 후반의 매우 중요한 네덜란드 화가로는 히에로니무스 보스가 있었다. 그는 채식필사본의 테두리와 글자를 장식하는 데 자주 사용되던 환상적인 형태를 동식물과 건축적인 형태와 결합했다. 이 형태들은 보스의 그림에 다른 르네상스 화가들의 작품에서는 찾아볼 수 없는 초현실적인 특성을 부여한다. 그의 걸작은 세속적인 쾌락의 동산 삼면화이다.

 프랑스의 초기 르네상스, 1375–1528 

섬네일|장 푸케, 《자화상》 (1450). 가장 초기 초상 미니어처이며, 아마도 최초의 공식 자화상일 것이다.
섬네일|294x294px|장 에이, 《물랭 삼면화》, c. 1498, 패널 유화, 물랭 성당
프랑스(부르고뉴 공국 등의 공국 포함)의 예술가들은 종종 귀족을 위한 채식필사본과 초상화를 제작했으며, 신앙심을 담은 그림과 제단화도 그렸다. 가장 유명한 예술가로는 랭부르 형제가 있었는데, 그들은 플람스인으로서 《베리공의 매우 호화로운 시도서》 필사본 삽화를 제작하였다. 왕실 궁정 화가인 장 푸케는 1437년에 이탈리아를 방문했으며, 파올로 우첼로와 같은 피렌체 화가들의 영향을 받았다. 그는 《샤를 7세의 초상화》로 가장 잘 알려져 있지만, 푸케는 삽화도 제작했으며, 초상화 미니어처의 발명가로 여겨진다.

이 시기에는 유명한 제단화를 그린 여러 예술가들이 있었는데, 이들이 제작한 제단화는 이탈리아 미술과 플랑드르 미술 양식과는 상당히 다르다. 이들 중에는 빌뇌브레자비뇽의 피에타를 그린 것으로 알려진 수수께끼 같은 인물 앙게랑 카르통과, 그의 가장 유명한 작품인 물랭 제단화의 이름을 따서 "물랭의 대가"로 알려진 장 에이가 포함된다. 이 작품들은 인물, 감정, 조명에 대한 면밀한 관찰을 기반으로 한 사실주의와 금박 배경을 포함하는 중세적 형식주의가 결합되어 있다.

 이탈리아의 전성기 르네상스, 1495–1520 

"만능 천재" 레오나르도 다 빈치는 평생 자연계를 연구하고 꼼꼼하게 기록한 관찰을 통해, 초기 르네상스 예술가들을 사로잡았던 회화 예술의 여러 측면(조명, 선형 및 대기 원근법, 해부학, 단축법, 인물 묘사)을 더욱 완벽하게 만들었다. 그는 유화를 주요 매체로 채택하여, 모나리자 (1503-1506)에서 볼 수 있는 것처럼, 이전에는 불가능했던 방식으로 빛과 그것이 풍경과 사물에 미치는 영향을 더욱 자연스럽고 극적으로 묘사하였다. 그는 시체 해부를 통해 골격 및 근육 해부학에 대한 이해를 발전시켰으며, 그 효과는 미완성작인 《황야의 성 히에로니무스》 (c. 1480)에서 볼 수 있다. 1495-1498년에 완성된 《최후의 만찬》에서는 종교 회화에서 인간 감정을 묘사하는 기준을 세웠다.

섬네일|300px|left|미켈란젤로 부오나로티, 《아담의 창조》, 1511년경, 《시스티나 경당 천장화》
레오나르도보다 약간 젊었던 미켈란젤로 부오나로티의 예술은 매우 다른 방향을 택했다. 미켈란젤로는 그의 회화나 조각에서 인간의 신체를 제외한 어떤 자연 대상에도 관심을 보이지 않는다. 그는 20대 초반에 거대한 대리석 조각상인 다비드와 로마 성 베드로 대성당의 《피에타》를 제작함으로써 인체를 묘사하는 기술을 완성했다. 그는 그 후에도 인체 해부학의 표현 가능성을 탐구하였다. 교황 율리오 2세로부터 《시스티나 경당 천장화》를 그리라는 의뢰를 받아 구상 미술 최고의 걸작을 남겼고, 이는 이후 모든 유럽 예술가 세대에 지대한 영향을 미쳤다. 시스티나 경당 제단 벽에 그려진 《최후의 심판》은 1534년부터 1541년까지 그린 그의 후기 작품으로, 1520년에서 1530년 사이에 전성기 르네상스 양식에서 이어 등장하는, 전반적으로 길쭉한 신체 표현을 특징으로 하는 매너리즘 (후기 르네상스라고도 함) 양식을 보여준다.
섬네일|250 px|《시스티나 마돈나》, 1513–1514년경, 라파엘로 산치오
레오나르도와 미켈란젤로와 함께 전성기 르네상스의 세 번째 위대한 화가였던 라파엘로 산치오는 짧은 생애 동안 《교황 율리오 2세의 초상화》와 그의 후계자인 《교황 레오 10세의 초상화》를 포함한 수많은 생생하고 매력적인 초상화와 《시스티나 마돈나》를 포함한 수많은 성모자 그림을 그렸다. 많은 미술사학자들은 그의 1520년 37세의 죽음을 전성기 르네상스 시대의 끝으로 간주하지만, 당시 많은 예술가들은 그 후에도 오랫동안 전성기 르네상스 양식으로 계속 작업했다.

북부 이탈리아의 전성기 르네상스는 주로 베네치아 화파, 특히 조반니 벨리니의 후기 작품들로 대표되는데, 특히 성스러운 대화로 알려진 유형의 대형 제단화들을 포함한 종교화들이 유명하다. 그와 동시대에 살았던 조르조네는 1510년 32세에 사망했는데, 주제가 여전히 추측의 대상인 《폭풍》을 포함한 소수의 수수께끼 같은 작품들을 남겼다. 티치아노 베첼리오의 초기 작품들은 전성기 르네상스 시대에 속하며, 인간의 행동과 드라마를 화려한 색채와 분위기와 결합한 거대한 제단화인 《성모 승천》이 가장 유명하다. 티치아노는 1570년대까지 전반적으로 전성기 르네상스 양식으로 그림을 계속 그렸지만, 인물을 묘사하기 위해 선보다는 색채와 빛을 점점 더 많이 사용하는 등 매너리즘 양식의 그림을 남기기도 했다.

 독일 르네상스 미술 
섬네일|루카스 크라나흐, 《아폴로와 디아나》

독일 르네상스 미술은 더 넓은 범주의 북유럽 르네상스, 또는 북방 르네상스에 속한다. 15세기 들어 독일 미술에 르네상스 영향이 나타나기 시작했지만, 이 경향은 널리 퍼지지 않았다. 가드너의 『시대별 미술사』에 따르면, 화가이자 조각가인 미하엘 파허가 이탈리아 르네상스 영향을 보여주기 시작한 최초의 독일 예술가이다. 이 자료에 따르면 파허의 그림 《성 볼프강이 악마에게 기도서를 들게 하다》(1481년경)는 후기 고딕 양식이지만, 이탈리아 예술가 안드레아 만테냐의 영향도 나타난다.

1500년대가 되자 독일에서 르네상스 미술이 더 보편화되기 시작했는데, 가드너에 따르면 "16세기 북유럽 미술은 이탈리아 르네상스의 발전에 대한 갑작스러운 인식과, 이 새로운 양식을 가능한 한 빨리 흡수하려는 욕구가 특징"이다. 독일 르네상스 미술에서 가장 잘 알려진 화가는 알브레히트 뒤러 (1471–1528)로서, 그는 고전적 사상에 매료되어 미술을 공부하기 위해 이탈리아로 갔다가 르네상스를 접했다. 가드너와 러셀 모두 뒤러가 이탈리아 르네상스 양식과 사상을 독일에 가져와서 독일 미술을 발전시키는데 중요한 역할을 했음을 인정했다. 러셀은 이를 "독일 미술의 고딕 창문을 여는 것"이라고 불렀고, 가드너는 이를 뒤러의 "평생 사명"이라고 불렀다. 중요한 점은, 가드너가 지적했듯이 뒤러가 "남부 르네상스의 기본 목표를 완전히 이해한 최초의 북부 예술가"였지만, 뒤러의 작품에 그 양식을 항상 반영한 것은 아님을 지적한다. 오히려 한스 홀바인 (1497–1543)이 "북유럽의 엄격한 사실주의 전통"을 유지하면서도 이탈리아 사상을 성공적으로 흡수했다고 말한다. 이는 독일과 이탈리아 양식을 결합하기보다는 "자신의 본래 독일 양식"으로 작업하는 뒤러의 경향과 대조된다. 독일 르네상스의 다른 중요한 예술가로는 마티아스 그뤼네발트, 알브레히트 알트도르퍼, 루카스 크라나흐 등이 있다.

조각가와 같은 장인들은 단순히 기술을 완성하는 것보다 미학에 더 관심을 쏟았다. 독일에는 1400년대 후반에 금속 조각을 했던 마르틴 숀가우어와 같은 거장 조각가들이 있었다. 가드너는 이러한 그래픽 아트가 발전한 것은 독일에서 탄생한 인쇄술의 발전과 관련이 있으며, 르네상스 시대에 금속 판화가 목판화를 대체하기 시작했다고 말한다. 그러나 알브레히트 뒤러와 같은 일부 예술가들은 계속해서 목판화를 제작했다. 가드너와 러셀 모두 뒤러의 목판화의 뛰어난 품질을 설명하며, 러셀은 《뒤러의 세계》에서 뒤러가 "그것들을 높은 예술 작품으로 격상시켰다"고 기술한다.

 영국 

영국은 뚜렷한 르네상스 양식을 발전시키는 데 매우 늦었으며, 튜더 왕가의 예술가 대부분은 저지대 국가 출신 외국인으로, 한스 홀바인도 영국에서 사망했다. 유일한 예외는 니컬러스 힐리어드를 포함한 예술가들이 유럽의 다른 지역에서 인기를 얻기 한참 전에 독특한 장르로 발전시킨 초상 미니어처였다. 스코틀랜드 르네상스 예술도 마찬가지로 외국인 예술가들에게 의존했으며, 주로 궁정에 한정되었다.

 주제와 상징 

섬네일|산드로 보티첼리, 《마니피캇의 마돈나》, 1480–1481, 패널에 템페라, 우피치 미술관, 피렌체
르네상스 예술가들은 다양한 주제를 그렸다. 종교적인 제단화, 프레스코 연작, 개인적인 신앙을 위한 작은 작품들이 매우 인기가 많았다. 이탈리아와 북유럽의 화가들은 영감을 얻기 위해 자주 야코부스 데 보라기네의 《황금 전설》 (1260)을 참고했는데, 이는 성인들의 삶에 대한 매우 영향력 있는 참고서로, 중세 예술가들에게도 강한 영향을 미쳤다. 고전 고대와 르네상스 인문주의의 부활은 또한 많은 신화화 및 역사화를 낳았다. 예를 들어 오비디우스의 이야기는 매우 인기가 많았다. 종종 채색된 건축 요소에 사용된 건물장식은 특히 고전 로마 모티프의 영향을 받았다.

 기법 
 비례의 사용 – 회화를 공간에 대한 창으로서 접근하는 첫 번째 시도는 14세기 초 조토 디 본도네의 작품에서 나타났다. 진정한 선형 원근법은 후에 필리포 브루넬레스키와 레온 바티스타 알베르티에 의해 정립되었다. 이는 예술을 더욱 사실적으로 표현하는 것 외에도 르네상스 화가들이 그림을 많이 제작하는 방향으로 나아가게 했다.
 단축법 – 단축법은 깊이감을 느낄 수 있도록 거리나 방향에 따라 선을 짧게 그리는 원근법의 일종이다.
 스푸마토 – 스푸마토(sfumato)라는 용어는 이탈리아 르네상스 예술가 레오나르도 다 빈치가 만들었으며, 얇은 유약을 사용하여 한 톤이 다른 톤으로 미묘하고 점진적으로 혼합되어 날카로운 윤곽선을 흐리게 하거나 부드럽게 하는 회화 기법을 말하며, 깊이나 3차원의 환상을 준다. 이는 "증발하다" 또는 "흐릿해지다"를 의미하는 이탈리아어 'sfumare'에서 유래했다. 라틴어 어원은 'fumare'로 "연기를 내다"를 의미한다.
 키아로스쿠로 – 키아로스쿠로(chiaroscuro)라는 용어는 빛과 어둠 사이의 강한 대비를 사용하여 깊이나 3차원의 환상을 주는 회화 조형 효과를 말한다. 이는 "밝음"(chiaro)과 "어둠"(scuro)을 의미하는 이탈리아어에서 유래했으며, 바로크 시대에 널리 사용된 기법이다.

 주요 국가별 르네상스 미술 
 이탈리아 
 회화 
알베르티, 브루넬레스키가 건축에서, 그리고 기베르티, 도나텔로가 조각에서 이룬 새로운 방향으로의 전환이 회화에 있어서는 마사초에 의해 이루어졌다. 바사리의 열전(列傳)에 기술된 것처럼, 그가 프레스코화를 그린 피렌체에 있는 카르멜회 산타 마리아 델 카르미네 교회는 많은 르네상스 화가들의 수업의 도장이 되었다. 한편 북이탈리아의 파도바와 베로나는 계속하여 베네치아에게 정복당하여 신문화와 연결이 되지만 처음에는 오히려 위의 두 도시가 능동적이었다. 총독 저택을 장식한 젠틸레 다 파브리아노의 뒤를 이어서 피사넬로는 국제 고딕 양식을 베네치아에 가지고 가서, 우아한 성모자(聖母子), 공상적인 의상, 우화동물 등 장식 문양적인 표현이 북이탈리아에 퍼졌다. 그러나 마솔리노와 같은 화가가 베네치아에 체재하여 신경향의 양식도 전했던 것이다. 필리포 리피, 우첼로, 카스타뇨 등 피렌체의 화가들은 북이탈리아에서 한때 활동을 하였으며 특히 조토가 스크로베니 경당에 프레스코화를 그렸고(1306), 도나텔로가 그곳에 10년간(1443∼53) 체재하여 산토의 주제단(主祭壇)과 ⟪가타멜라타 장군 기마상⟫을 제작한 일은 마사초에 이어서 초기 르네상스의 중요한 화가인 만테냐에게 적잖은 자극이 되었다

섬네일|왼쪽|180px|레오나르도 다 빈치, 《비트루비우스적 인간》
피렌체파는 14세기로부터 16세기에 걸쳐 이탈리아의 피렌체를 중심으로 하여 르네상스 미술의 주류를 이루었다. 특히 회화에서는 주지적 합리주의(主知的合理主義)·조형적 형태주의(造形的形態主義)가 그 특징이다. 주제에 관련이 있는 것만을 단순화하고, 또 이를 극적으로 묘사함으로써 ‘공간구성은 화면 안의 통일이다’라는 고딕과는 다른 형식의 회화를 만들어냈다. 이 전통은 장식적인 시에나파와 대립하여 14세기 이탈리아 회화의 2대 조류를 이루었다. 한때 시에나파의 영향을 받아 장식적인 것이 되었으나, 마사초, 브루넬레스키 등의 투시도적 수법과 도나텔로의 조형적 성과를 도입한 다음부터는 회화적 현실의 표현에 신천지를 개척하였다. 피렌체파의 사실적 성과는 메디치가의 번영에 힘입어 르네상스 회화 발전의 주류가 되었다. 이 자연주의는 1400년대 예술의 주류가 되었으며, 자연과학의 발흥과 더불어 인체묘사·운동묘사·풍경묘사 등에서 새로운 국면이 열리게 되었다. 1500년대에는 이상주의적 경향이 강해지는데, 보티첼리는 만년에 이르러 이러한 경향을 보여주었으며, 레오나르도 다 빈치도 사실주의를 완성하면서부터 주관적 정신내용을 그 속에 표현하였다. 미켈란젤로는 강인한 인체 표현 속에 인간의 정신적 고뇌를 표현하였는데, 그 초월적 방향으로써 피렌체파의 최종적 단계를 장식하였고, 바로크 양식의 선구자가 되었다.

섬네일|250px|티치아노, 《우르비노의 비너스》, 1538
조르조네는 조반니 벨리니 이래 색채를 구사하여 특이한 화풍을 세운 베네치아 화파를 한층 더 발전시켰다. 요절한 그에 관하여는 알려진 게 거의 없다. 수수께끼에 싸인 《태풍》(1505？)은 폐허가 된 어느 조용한 촌락을 배경으로 하여, 바른쪽 잔디 위에서 젖을 물린 나체의 부인이 앉아 있고 왼쪽 끝에 젊은 병사가 서 있다. 때마침 구름은 낮게 깔려 있으며 번개마저 번쩍인다. 이것은 플리니우스가 말한 것처럼 페아레스(그리스의 화가)는 어느 누구든 그릴 수 없는 것 즉 태풍을 그렸다고 하는, 고대의 기록에 대한 도전이라 여겨진다. 그의 《잠자는 비너스》는 밝은 광채 아래 풍만한 미를 드러내어 놓고, 그리스의 조각가도 미치지 못하는 관능미를 현실화하고 있다. 베네치아 화파 최고의 화가라고 칭송받는 티치아노는 처음엔 젠틸레, 이어서 조반니 벨리니의 제자가 되어 동문인 조르조네의 영향을 크게 받았다. 세바스티아노가 로마로 떠나고 스승인 조반니가 죽은 뒤에 그는 베네치아 화단을 지배하게 되었다. 《우르비노의 비너스》(1538？)는 조르조네의 평온한 정원의 정서를 베네치아 시민의 실내로 바꾸어, 한층 더 화려한 색채의 음악적 표현을 더하고 있다. 프레스코화에 맞지 않는 항구인 베네치아에서는 비잔티움의 광채육리(光彩陸離)한 모자이크가 애호되었는데, 이 시대에는 북방에서 전래한 유채화법이 베네치아에서 채용되어 회화사상 일대 전기를 가져오게 하였다

1520년 라파엘로가 전년에 죽은 레오나르도의 뒤를 따라 타계함으로써 드디어 전성기 르네상스라고 하는 짧은 황금시대는 종막을 고한다. 피렌체의 여광(餘光)은 프라 바르톨로메오와 안드레아 델 사르토가 계승했다. 전자의 대표작 《피에타》(1510？)는 정적의 땅거미 속에 연출되는 애수(哀愁)의 무언극이며 경건한 도메니코회 수도화가의 기원이 스며 있다. 후자는 《하르파에스의 성모》(1517)와 《세례자 요한》(1515？) 등의 전아(典雅)하고 우미한 종교화를 제작하여 색채화가로서 알려졌다.

 조각 
섬네일|왼쪽|180px|도나텔로, 《다비드》
15세기 초엽, 그 때까지 그 본질에 있어서 중세적 양식을 답습하고 있던 이탈리아 조각은 종래에 볼 수 없었던 두 개념, 즉 고전 형식의 재현과 적극적인 사실(寫實) 표현으로 변하기 시작하였다. 고전 예술에 대한 관심은 르네상스의 휴머니즘이 인간을 만물의 척도로서 중시하는 고대 사상과 그 유연성을 가지고 있다는 사실로부터 유래한다. 그 반면에 휴머니즘은 과학적이고 합리적인 정신을 불러일으켜, 북방에 있어서 중세 예술의 말기를 장식하는 자연주의로 나아갔다. 같은 자연주의라 할지라도 15세기에 있어서 자연에의 접근은 중세와 달라서 직관적이기보다는 과학적이었고, 종합적이기보다 분석적이며, 신의 질서를 상징하는 것보다 자연 바로 그것을 위하고, 세계의 기존 사실을 연구하는 것이었다. 나체상이 또다시 주제로 채용된 것은 그 표현이다.

 공예 
15세기 및 16세기의 공예에 있어서 장식과 실용의 구별은 그 제품이 예술품으로서 감상 평가되느냐의 여부에서 결정된다. 장식의 분류에는 태피스트리·금은세공의 대부분이 있고, 실용의 범주에는 철제품·유리그릇류 및 가구가 있다. 요약하면 장식품은 다른 예술 특히 회화나 조각을 모방하는 경향이 있는 데 대하여, 실용품에는 소재의 성질과 목적을 살리기 위하여 의장(意匠)을 억제하는 경향이 있었다.

 건축 
섬네일|피렌체 대성당
1401년에 피렌체의 모직물업 조합은 피렌체 대성당의 세례당에 있는 제2의 청동문 제작자를 결정하는 경연대회를 벌였는데 로렌초 기베르티와 브루넬레스키의 두 작품이 남아 결국 기베르티로 선정 되었다. 무념(無念)의 브루넬레스코는 1403년경 도나텔로와 함께 로마에 가서 고대 건축과 조각의 연구에 전념하였다고 한다. 1417년 그의 연구 성과는 대성당의 돔형 지붕 설계의 경쟁에 있어서 승자로 결실되었다. 대성당의 설계는 아르놀포 디 캄비오(1245？∼1302)에 의한 것인데, 1336년부터 조토의 손에 맡겨져서 그 서쪽 끝의 유명한 종루가 세워졌으나 둥근지붕은 미완성이었다. 공사는 최정탑(最頂塔)을 제하고는 1436년에 일단 완성되었다. 이것은 로마의 판테온과 이스탄불의 아야 소피아 대성당에 유사한 대천개(大天蓋)를 가지고 있으나 뒤의 둘은 건조물의 안정을 위해 필요한 부벽(扶壁)들에 의해 외관(外觀)의 미(美)가 파손되어 있는 데 반하여, 브루넬레스키의 방법에서는 건축적 기능이 내면에 숨겨지고 중량을 지탱할 부벽은 시각적 효과를 해치지 않는 석괴(石塊) 중에 묻혀 있어서, 형체미가 기능에서보다 우선하는 르네상스적 특색이 나타나고 있다. 대천개 기초부의 갤러리는 바초 다뇨로가 1507년에 착공하였으나 평판이 좋지 못하여 완성하지 못하였고, 또 1490년 로렌초 메디치에 의하여 파사드(건물의 정면)의 경작 기획에는 40명 이상의 무명 예술가가 응모하였으나 이것도 실현되지 못하였다. 이탈리아 르네상스의 건축사는 대성당에서 시작하였다고 해도 과언이 아니다. 전기(前期), 이른바 콰트로첸토는 1400년대의 예술을 말하는 것이다.

베네치아에 있어서 르네상스 건축의 완만한 실현은 카 벤드라민 칼레르지(1481∼1509)의 건축에서 찾아볼 수 있다. 이것은 피에트로 롬바르도(1435∼1515)가 설계하였는데, 당시 피렌체에는 브루넬레스키와 알베르티에 의하여 고전적 양식이 유행하고 있었으나, 여기서는 트레이서리(곡선 무늬의 장식)가 세로로 구획된 창문 따위에 중세적 전통이 남아 있다. 파사드의 벽기둥 형태는 각층마다 다르고 특히 외측 격간(格間)을 테두리한 벽기둥은 두 개를 나란히 세우기 위하여 파사드 중앙에 3련의 창문이 된 것은 그후 베네치아 건축의 특징이 되었고 이것이 18세기까지 계속되었다. 피렌체와 비교하여 창문은 상당히 넓고 크다. 1509년 루카 파치올리는 《신성비례론(神聖比例論)》에서 '오늘날 이탈리아에서 건축을 하려는 자는 모두가 건축가를 피렌체에서 데리고 온다'고 말하고 있다. 고대 건축의 구성 요소나 당시의 건축 평면도를 수록한 《발베리니 사본》이라고 불리는 스케치북은 줄리아노 다 상갈로가 만든 것이다.

 프랑스 
 회화 
15세기에 있어서 프랑스는 샤를 6세의 패배와 잇달은 내전과 영국군의 침공 등으로 왕가는 여태까지 예술의 중심지였던 파리를 버리지 않을 수 없었다. 파리의 전통적 영역인 미니어처의 제작은 계속되고 있기는 하였으나 파리는 이미 한 지방도시에 불과하였다. 그러한 파리를 대신하여 몇몇의 지방과 도시가 그 시기의 회화의 중심지로 되었다. 주요한 곳으로 법황청이 있던 아비뇽과 르네 당주(재위 1434∼1480)가 지배한 프로방스 지방 그리고 베리 공작에 의하여 육성되고 프랑스 왕실의 소재지가 된 루와르 계곡 지방이 있다.

섬네일|《아비뇽의 피에타》
프랑스의 남부인 프로방스 지방은 이탈리아와 카타로니아의 영향을 받았으나 플랑드르 미술도 그 모범이 되었다. 이러한 여러 경향을 내포하면서 프로방스의 독특한 작풍(作風)을 만들어 냈다. 앙겔랑 사롱통의 《성모(聖母) 대관(戴冠)》과, 작가는 확실치 않으나 루브르 미술관 소장의 지보적 작품 중 하나인 《아비뇽의 피에타》, 니콜라 프로맹의 《불타는 나무》 등이 그 대표작이다..

브뤼주를 중심으로 하는 루아르 계곡은 프로방스 지방 이상으로 플랑드르의 영향을 강하게 받았다. 14세기 후반에 있어서 프랑스에는 디종과 물랭, 그리고 브뤼주에서 많은 플랑드르의 화가가 활약하고 있었다. 앙드레 보느뵈(Beauneveu), 자크마르 드 에당(Jacquemart de Hesdin) 등의 작가들이다. 《베리공의 매우 호화로운 기도서》를 제작한 폴, 앵느캥, 에르맹 등 세 랭부르 형제(Limbourg)는 플랑드르에서 베리공의 초대를 받고 와서 이들 프랑코－프라망 화가들의 정점에 위치하는 활약을 보여주었던 것이다.

섬네일|왼쪽|175px|퐁텐블로파, 《다이아나》, 1550–60
샤를 8세와 루이 12세 및 프랑수아 1세의 이탈리아 정복은 프랑스에 이탈리아의 취미를 유입시켰다. 특히 프랑수아 1세는 레오나르도 다 빈치와 앙드레아 델 사록토 등의 미술가와 그리고 많은 작품을 받아들였다. 퐁텐블로 성관(城館)의 건립과 그 장식을 담당한 이탈리아 미술가와 또한 그들에게서 배운 프랑스의 미술가는, 이탈리아의 모방에서 출발하여 점차 독자적인 고아한 스타일을 만들어 나가서 '퐁텐블로파'를 형성하였다. 한편으로, 플랑드르계의 초상화가도 정밀하고 세련된 작품을 제작하여 왕후와 귀족에게 환영을 받고 있었다. 안트워프 출신인 장 클루에(Jean Clouet, 1485？∼1541) 와 그 아들인 프랑수아 클루에(Francoir Clouet, 1516？∼1572), 그리고 덴 하그 출신인 코르네유 드 리옹이 그 유파를 대표하는 화가들이다. 클루에 부자 가운데 부친 장은 프랑수아 1세의 궁정화가가 되어 투르에서 활약하였는데, 그보다 더한 명성을 얻었으며 걸작을 남긴 것은 아들인 프랑수아이며 부친의 뒤를 이어 궁정화가가 되었다. 그가 그린 초상화는 세밀하고 명쾌한 데생과, 억제되고는 있지만 정묘한 색채와 깊은 관찰 및 고귀한 형태감은 그후 프랑스 회화의 조류에 커다란 역할을 수행하였다.

 조각 
파리가 전쟁으로 황폐하게 되자 지방에 있는 아틀리에가 발전하기 시작하였다. 플랑드르 출신인 클라우스 슬뤼터르(Claus Sluter)는 디종에서 산몰 수도원 교회당에 《성모자》 《부르고뉴공(公) 필립 대담공과 왕비 등》, 내정(內庭)에 있는 《모세의 샘》 등의 작품을 남겼다. 사실적인 기법 위에 옷 주름의 표현과 극적인 표정, 그리고 개성의 예리한 관찰로써 만든 모뉴멘털하고 표현적으로 독특한 양식을 제시하여 그 비창미(悲愴美)의 조각이 부르고뉴 지방의 묘비 조각을 중심으로 발전하여 그 영향은 한때 유럽으로 퍼졌다.
슬뤼터르의 예술은 고딕 말기의 바로크라고도 할 수 있는 성격을 가지고 있는데, 고딕 양식의 존속은 1530년경까지 토로와의 유파에서도 볼 수 있다. 그러나 프랑스에서는 이미 1430년경부터 슬뤼터르의 영향에서 벗어나서 특히 투르지방에서는 우미하고 온화한 정감을 표현하는 조각이 출현하고 있었다. 이것은 투르에 정주한 이탈리아인 조각가인 쥐스토 일가(一家)의 활약 등 이탈리아의 영향으로 초래된 경향이다. 1527년 이후에 프랑수아 1세의 초청으로 이탈리아의 미술가가 퐁텐블로에서 활약하였는데 로소와 프레마티스는 우아한 이상미의 새로운 카논을 프랑스에 전하였다. 16세기에 파리가 또다시 예술의 중심지가 되자, 일 드 프랑스를 포함하여 파리 지방은 르네상스 양식이 전개되는 무대가 되어, 장 구종(Jean Goujon, 1515?∼1568？)과 제르맹 필롱(Germain Pilon, 1535？∼1590)이 궁정 조각가로 활약하였다.

 건축 
피렌체에서 시작된 르네상스 양식의 건축이 알프스를 넘어 유럽 각지로 전파된 것은 16세기에 이르러서였다. 프랑스에 있어서 15세기에는 아직도 고딕 말기의 플랑프와이앵 양식이 지속되고 있었으며, 14세기에는 장식주의 연장의 영역을 벗어나지 못하고 있었다. 종교 건축에 있어서는 특히 이 경향이 16세기가 되어도 계속되는 형편이었다. 파리의 성(聖) 젤만 오크세로아, 성 제르베, 성 에티엔누 듀 몽 등의 파사드나 오델 드 크뤼니 등은 고딕 전통이 아직도 뿌리깊게 지속되고 있다는 것을 증명하고 있다. 프랑스 각지에도 플랑프와이앵 양식이 남아 있었으나 특히 브뤼주의 오델 자크 쿨은 15세기 프랑스 건축의 대표적인 예이다.

프랑수아 1세(재위 1515∼1547)는 이탈리아 전역을 통하여 그곳의 예술과 친숙하게 되어 이탈리아의 미술가를 초청하여 르네상스 양식을 이식하려고 했다. 그리하여 프랑스의 건축가는 이러한 새로운 외래의 디자인과 기술을 습득하여 독자적인 프랑스 건축을 만들어 내게 되지만 그러나 이탈리아 르네상스의 정신을 올바르게 이해하여 직접적으로 고전 건축의 전통과 연결되는 양식을 완성한 것은 앙리 2세(재위 1547∼1559)의 시대가 된 이후부터의 일이었다. 전자의 시대를 초기 르네상스, 후자의 시대를 후기 르네상스라고 불러 구분하고 있다.

종교 건축보다도 세속 건축, 특히 국왕이나 귀족의 주거샤토에 새로운 건축양식이 적극적으로 채용되었다. 루아르강 유역에 산재하는 샹브르성(1519년 起工), 슈농소성(1515년 起工), 아제 르 리도성(1518∼1527), 블르와성의 프랑수아 1세의 집(1515∼1524) 등은 초기 르네상스의 가장 아름다운 성이다. 좌우 대칭의 플랜과 벽기둥이나 수평의 코니스를 규칙적으로 배열한 외관상의 구성 등에 이탈리아적인 새로운 양식을 보여 주면서 상부에는 전통적인 경사 지붕을 얹고, 거기에 지붕과 굴뚝을 화려하게 돌출시키고 있다. 프랑수아 1세가 1528년 이후 파리 지방에 거주하게 되자 파리 주변에도 많은 성 출현하게 되었다. 퐁텐블로성(1528년 기공)과 생제르맹앙레성(1539년 가공) 등이 그 대표작이다.

1530년 대 이후에는 프랑스의 젊은 건축가들이 이탈리아로 가서, 직접 고대 건축이나 르네상스 건축을 배우고 돌아와 고전 양식의 건축을 보급시켰다. 필리베르 드 로름(Philibert de l'Orme, 1515？∼1570), 장 뷜랑(J. Bullant, 1510？∼1578), 피에르 레스코(P. Lescot, 1510？∼1578) 등이 대표적이다. 또한 1540년 혹은 1541년에는 건축론을 저술한 셀리오가 이탈리아에서 초대되었고 나아가서 로마의 건축 이론가 비트루비우스(기원전 1세기)의 연구가 성행하여 이탈리아로부터의 새로운 물결이 프랑스에 정착한다. 후기 르네상스의 대표적 건축은 레스코가 만든 루브르궁 중정(中庭)에 면해 있는 한 건축물과 드뢰의 아네성과 또한 베르누이유성 등이다. 이 시대의 작가는 건축에 있어서 실제적인 작가임과 동시에 뛰어난 건축 이론의 저자로도 알려져 있다.

 독일 
 회화 
독일에 있어서는 이탈리아와 비교하여 고딕 예술의 전통이 뿌리 깊이 박혀, 그것이 신시대의 갖가지 경향과 혼합되어 다른 나라에서는 볼 수 없는 독특한 양상을 보여 준다. 먼저 형식 면에서 말하면 고딕의 제단(祭壇) 조각에서 점차로 발전하여 이윽고 독립적인 존재가 된 제단화 형식을 주목하지 않으면 안 된다. 그 대부분은 여닫이 문에 의한 북방 특유의 다층식인 것인데, 후술하는 그뤼네발트의 《이젠하임 제단화》는 그 대표적인 예의 작품이다. 또 이들 작품을 주문하거나 기증하는 사람이 일찍이 교회에서나 제후가 독점하고 있었던 것이 점차로 상인을 중심으로 하는 유복한 시민계급으로 바뀌어졌다는 것도 당시의 새로운 경향의 하나였다.

또 오늘날의 통념에서 보면 '회화'란 액자에 넣어 이동이 가능한 소위 이젤화를 가리키는 일이 보통인데, 이와 같은 회화 형식(단 당시는 판화가 태반을 점유하였다)이 성립한 것도 겨우 그 무렵부터이며, 그 이전의 회화는 전적으로 스테인드글라스거나 대규모의 벽화, 혹은 사본(寫本)을 장식하는 미니어처(細密畵)였다. 따라서 이들은 거의 예외 없이 그리스도의 사적(事跡)과 사도 전기에서 그 주제를 구했고, 초상화나 풍속화 및 풍경화와 같은 장르는 당시에는 아직도 성립할 여지가 없었던 것이다. 이와 같은 형식면과 내용면에 있어서 중세적인 갖가지 제약에서 해방되어 회화가 근대적 의미에서 자율적인 존재라고 주장하기 시작할 때에 비로소 거기에는 여태까지 없었던 여러 가지 새로운 가능성이 열리게 되고, 특히 초상화와 풍경화의 분야에서 그 시대의 독일 미술이 유럽 미술 전반에 수행한 기여는 매우 컸다고 할 수밖에 없다.

일반적으로 독일 르네상스의 회화라고 할 때에 그 중핵이 되는 것은, 말할 것도 없이 뒤러를 중심으로 하여 그와 거의 같은 후대인 크라나흐와 그뤼네발트, 조금 후의 홀바인 등의 화가가 있지만, 그들 이전에서 신시대로 향하는 길을 준비하였던 약간의 화가도 결코 잊어서는 안 된다. 따뜻하고 순한 인간미와 고귀한 아름다움에 넘친 성모상을 많이 그렸던 슈테판 로호나를 비롯한 쾰른파(派)의 화가들과, 네덜란드 회화의 영향 하에 독일 사람으로서는 처음으로 현실의 자연에 예리한 관찰의 눈을 돌리고 동시에 고딕적인 평면성을 벗어나 3차원적인 공간 표현에도 훌륭한 솜씨를 보인 바젤의 화가 콘라드 비츠, 그리고 조각가로 활약하면서 동시에 화가로서도 중요한 작품을 남기고 고딕적인 생경함이나 형식주의로부터 보다 자유로이 생생한 사실적 양식으로 향하는 길을 연 미하엘 바흐, 또한 화가로서 다른 사람 보다 특히 기술면에서나 표현에서도 매우 훌륭한 동판화를 남겨 뒤러의 선구자적 존재가 된 마르틴 숀가우어 등은 이들 중에서도 특히 중요한 화가이다.

 건축 
독일의 르네상스 건축도 회화와 마찬가지로 독일 본래의 고딕 양식과 새로운 이탈리아 양식의 융합을 보여주고 있다. 그러나 전반적인 경향으로서는 새로운 자유도시의 출현, 즉 시민계급의 대두와 더불어 그때까지의 종교 건축이 점차로 퇴조하게 되는 데 반하여, 성관(城館)이나 시 청사 등 세속적인 건물이 융성하게 되어 갔다.

 르네상스 예술가 목록 
 이탈리아 

 조토 디 본도네 (1267–1337)
 필리포 브루넬레스키 (1377–1446)
 마솔리노 다 파니칼레 (c. 1383 – c. 1447)
 도나텔로 (c. 1386 – 1466)
 피사넬로 (c. 1395 – c. 1455)
 프라 안젤리코 (c. 1395 – 1455)
 파올로 우첼로 (1397–1475)
 마사초 (1401–1428)
 레온 바티스타 알베르티 (1404–1472)
 프라 필리포 리피 (c. 1406 – 1469)
 도메니코 베네치아노 (c. 1410 – 1461)
 피에로 델라 프란체스카 (c. 1415 – 1492)
 안드레아 델 카스타뇨 (c. 1421 – 1457)
 베노초 고촐리 (c. 1421 – 1497)
 알레시오 발도비네티 (1425–1499)
 안토니오 델 폴라이올로 (1429–1498)
 안토넬로 다 메시나 (c. 1430 – 1479)
 조반니 벨리니 (c.1430–1516)
 안드레아 만테냐 (c. 1431 – 1506)
 안드레아 델 베로키오 (c. 1435 – 1488)
 조반니 산티 (1435–1494)
 카를로 크리벨리 (c. 1435 – c. 1495)
 도나토 브라만테 (1444–1514)
 산드로 보티첼리 (c. 1445 – 1510)
 루카 시뇨렐리 (c. 1445 – 1523)
 비아조 단토니오 (1446–1516)
 피에트로 페루지노 (1446–1523)
 도메니코 기를란다요 (1449–1494)
 레오나르도 다 빈치 (1452–1519)
 핀투리키오 (1454–1513)
 필리피노 리피 (1457–1504)
 안드레아 솔라리 (1460–1524)
 피에로 디 코시모 (1462–1522)
 비토레 카르파초 (1465–1526)
 베르나르디노 데 콘티 (1465–1525)
 조르조네 (c. 1473–1510)
 미켈란젤로 부오나로티 (1475–1564)
 로렌초 로토 (1480–1557)
 라파엘로 산치오 (1483–1520)
 마르코 카르디스코 (c. 1486 – c. 1542)
 티치아노 베첼리오 (c. 1488/1490 – 1576)
 안토니오 다 코레조 (c. 1489 – 1534)
 피에트로 네그로니 (c. 1505 – c. 1565)
 소포니스바 안귀솔라 (c. 1532 – 1625)

 저지대 국가 

 후베르트 판 에이크 (1366?–1426)
 로베르 캉팽 (c. 1380 – 1444)
 랭부르 형제 (1385–1416)
 얀 판 에이크 (1385?–1440?)
 로히어르 판 데르베이던 (1399/1400–1464)
 자크 다레 (c. 1404 – c. 1470)
 페트루스 크리스투스 (1410/1420–1472)
 디르크 바우츠 (1415–1475)
 휘호 판 데르 후스 (c. 1430/1440 – 1482)
 한스 멤링 (c. 1430 – 1494)
 히에로니무스 보스 (c. 1450 – 1516)
 헤라르트 다비트 (c. 1455 – 1523)
 헤르트겐 톳 신트 얀스 (c. 1465 – c. 1495)
 캥탱 마시 (1466–1530)
 장 벨르감브 (c. 1470 – 1535)
 요아힘 파티니르 (c. 1480 – 1524)
 아드리안 이젠브란트 (c. 1490 – 1551)

 독일 
 한스 홀바인 (아버지) (c. 1460 – 1524)
 마티아스 그뤼네발트 (c. 1470 – 1528)
 알브레히트 뒤러 (1471–1528)
 루카스 크라나흐 (1472–1553)
 한스 부르크마이어 (1473–1531)
 예르크 라트게프 (c. 1480 – 1526)
 알브레히트 알트도르퍼 (c. 1480 – 1538)
 레온하르트 베크 (c. 1480 – 1542)
 한스 발둥 그린 (c. 1480 – 1545)
 빌헬름 슈테터 (1487–1552)
 바르텔 브륀 (아버지) (1493–1555)
 암브로시우스 홀바인 (1494–1519)
 한스 홀바인 (c. 1497 – 1543)
 콘라트 파버 폰 크로이츠나흐 (c. 1500 – c. 1553)
 루카스 크라나흐 (아들) (1515–1586)

 프랑스 
 장 드 보메츠 (c. 1335 – 1396)
 콜라르 드 라옹 (c. 1355 – 1417)
 앙게랑 카르통 (c. 1410 – c. 1466)
 앙리 벨르쇼즈 (fl. before 1415 – before 1445)
 바르텔레미 데이크 (c. 1420 – after 1470)
 장 푸케 (1420 – 1481)
 앙드레 데이프르 (before 1425 – 1450)
 시몽 마르미옹 (c. 1425 – 1489)
 니콜라 프로망 (c. 1435 – c. 1486)
 장 샹주네 (? – 1494)
 장 푸아예 (c. 1445 – c. 1503)
 장 페레알 (c. 1455 – c. 1530)
 장 부르디숑 (c. 1456 – c. 1521)
 장 벨르감브 (c. 1470 – c. 1536)
 장 에이 (fl. c. 1475 – c. 1505)
 장 클루에 (1480 – 1541)
 조스 리페랑스 (fl. c. 1493 – c. 1508)
 니콜라 디프르 (c. 1495 – 1532)
 장 쿠생 (아버지) (1500 – before 1593)
 프랑수아 클루에 (c. 1510 – 1572)
 앙투안 카롱 (1521 – 1599)
 장 쿠생 (아들) (c. 1522 – 1595)
 플로라의 대가 (before 1540 – 1560)
 프랑수아 케스넬 (c. 1543 – 1619)
 자코브 부넬 (1558 – 1614)
 투생 뒤브뢰유 (c. 1561 – 1602)
 마르탱 프레미네 (1567 – 1619)
 필리프 밀르로 (c. 1570 – 1610)
 앙브루아즈 뒤부아 (fl. c. 1570 – 1619)
 캥탱 바랭 (c. 1575 – 1626)
 조르주 랄르망 (c. 1575 – 1636)

 프랑스에서 활동 
 장 말루엘 (neth. c. 1365 – 1415)
 코르넬 드 리옹 (neth. c. 1500 – 1575)
 프란체스코 프리마티초 (it. 1503 – 1570)
 그레구아르 게라르 (neth. before 1512 – after 1538)
 바르톨로메우스 폰스 (neth. before 1518 – after 1541)

 포르투갈 
 그랑 바스쿠 (1475–1542)
 그레고리우 로페스 (1490–1550)
 프란시스쿠 데 올란다 (1517–1585)
 크리스토방 로페스 (1516–1594)
 크리스토방 데 피게이레두 (?-c.1543)
 조르제 아폰수 (1470–1540)
 안토니우 데 올란다 (1480–1571)
 크리스토방 데 모라이스
 누누 곤살베스 (c. 1425 – c. 1491)
 프란시스코 앙리케스 (?–1518)
 프레이 카를루스 (?–1540)

 스페인 

 자우메 우게트 (1412–1492)
 바르톨로메 베르메호 (c. 1440 – c. 1501)
 파올로 다 산 레오카디오 (1447 – c. 1520)
 페드로 베루게테 (c. 1450 – 1504)
 아인 브루
 후안 데 플랑드르 (c. 1460 – c. 1519)
 루이스 데 모랄레스 (1512–1586)
 알론소 산체스 코엘료 (1531–1588)
 엘 그레코 (1541–1614)
 후안 판토하 데 라 크루스 (1553–1608)

 베네치아 달마티아 (현 크로아티아) 
 조르조 다 세베니코 (c. 1410 – 1475)
 니콜로 디 조반니 피오렌티노 (1418–1506)
 안드레아 알렉시 (1425–1505)
 프란체스코 라우라나 (c. 1430 – 1502)
 조반니 달마타 (c. 1440 – c. 1514)
 니콜라스 오브 라구사 (1460? – 1517)
 안드레아 스키아보네 (c. 1510/1515 – 1563)

 주요 소장처 
 내셔널 갤러리, 런던, 영국
 프라도 미술관, 마드리드, 스페인
 우피치 미술관, 피렌체, 이탈리아
 루브르 박물관, 파리, 프랑스
 내셔널 갤러리 오브 아트, 워싱턴, 미국
 회화관 (베를린), 독일
 암스테르담 국립미술관, 암스테르담
 메트로폴리탄 미술관, 뉴욕 시, 미국
 벨기에 왕립미술관, 벨기에, 브뤼셀
 흐루닝어 미술관, 브뤼허, 벨기에
 옛 성 요한 병원, 브뤼허, 벨기에
 바르젤로 미술관, 피렌체, 이탈리아
 에쿠앙 성 (국립 르네상스 박물관), 에쿠앙, 프랑스
 바티칸 박물관, 바티칸 시국
 브레라 미술관, 밀라노, 이탈리아

 같이 보기 

 도나우 학파
 포를리 미술 학파
 에밀리아 르네상스
 미술의 역사
 이 모디
 무굴 회화
 르네상스 회화에 나타난 동양 양탄자
 미술가 열전

 각주 

 참고 문헌 

 질문하는 눈: 유럽 르네상스 미술, 워싱턴 D.C.의 내셔널 갤러리 오브 아트 교육 자료

 

분류:르네상스
분류:미술