매너리즘

섬네일|300px|파르미자니노의 '목이 긴 성모' (1534-40), 매너리즘은 늘어진 비례와 꾸며진 포즈, 명확하지 않은 원근법으로 유명하다.

매너리즘(, ), 또는 타성은 르네상스 미술의 방식이나 형식을 계승하되 자신만의 독특한 양식(매너 혹은 스타일)에 따라 예술작품을 구현한 예술 사조를 말한다. 후대에 이들의 미술을 ‘매너리즘’이라고 부르게 되었는데 이는 이들이 자신만의 개성적인 스타일에 따라 그렸기 때문이다.

이탈리아 매너리즘은 1520년대 전성기 르네상스(High Renaissance)의 후기에서 시작해서 1530년대까지 이탈리아 전역으로 번져나갔으며, 1600년대 바로크가 시작하기 전까지 지속된 유럽 회화, 조각, 건축과 장식 예술의 시기를 지칭한다. 북유럽 매너리즘은 17세기 초까지 지속되었다. mannerism은 영어 'manner'(양식)를 뜻하는 이탈리아어 'maniera'에서 유래한 용어이다. 양식적으로는 개인적 접근의 다양성이 레오나르도 다 빈치와 라파엘로, 그리고 초기의 미켈란젤로에게 조화로운 이상의 영향을 받고 반응한 것을 알 수 있다. 지적이면서 인공적인(자연적인 것과 반대되는) 특징이 두드러진다. 전성기 르네상스 예술이 비율, 균형 및 이상적인 아름다움을 강조하는 반면, 매너리즘은 이러한 특성을 과장하여 종종 비대칭적이거나 부자연스럽게 우아한 구성을 만들어낸다.

매너리즘의 정의와 단계는 미술사학자들 사이에서 계속해서 논쟁의 대상이 되고 있다. 예를 들어, 일부 학자들은 매너리즘을 16세기와 17세기의 초기 근대 문학(특히 시)과 음악에 적용하였다. 이 용어는 또한 1500년경에서 1530년경까지 북유럽에서 활동한 일부 후기 고딕 화가에게도 사용되며, 특히 이탈리아 의 매너리즘과 관련이 없는 안트베르펜 매너리스트들을 지칭하는 데도 사용된다.

 명명 
매너리즘(mannerism)은 만질 수 있고 인식 가능함을 의미하는
'양식(manner)'을 뜻하는 이탈리아어 'maniera'에서 나왔다. 르네상스와 바로크 자연주의와 반대되는 인위성은 매너리즘 예술의 공통적인 특징들 중 하나이다. 또 다른 특징은 이어지는 예술가의 세대들에 의해 변형된 르네상스의 지속적인 영향이다.

양식에 대한 용어로서 매너리즘을 분류하는 것은 어렵다. 이 용어는 20세기 초반에 16세기 이탈리아의 분류하기 어려워 보이는 예술(전성기 르네상스와 관련된 조화롭고 이성적인 접근법이 나타난다고 인식할 수 없는 예술)들을 분류하기 위해 독일 미술사학자들이 보급시켰다.

이 용어는 예술가들과 양식에 따라 다르게 적용된다.

 반고전주의 
초기 매너리스트들—피렌체의 자코모 다 폰토르모와 로소 피오렌티노, 라파엘로의 로마에서의 제자인 줄리오 로마노와 파르마에서의 제자인 파르미자니노는 늘어진 형태, 과장되고 균형에서 벗어난 포즈, 조작된 비합리적 공간, 부자연스러운 조명으로 알려져있다. 이 예술가들은 전성기 르네상스의 영향 아래 성장하였고, 이들의 양식은 전성기 르네상스에 대한 반작용이거나 과장된 연장으로 묘사되었다. 그래서 이 양식은 "반(反)고전주의" 매너리즘으로도 알려져 있다. 또한 매너리즘의 기형적인 자세, 불안정한 구도, 자의식 강한 기교는 초현실을 예고했다고 할 수 있다.

섬네일|left|280px|매너리즘 후기: 잠볼로냐의 후계자인 피에트로 타카의 분수, 1629년 (피렌체 산티시마 아눈치아타 광장)

 마니에라 
매너리즘의 후속 세대들은 지적인 착상과 예술적 능력을 강조했으며, 이는 초기 비평가들이 부자연적스럽고 인위적인 "양식"(maniera)에서 일한다고 비판하게 만들었다. 이 예술가들은 그들의 선배인 미켈란젤로를 중요한 모범으로 삼았다. 예술가이자 건축가로서 조르조 바사리는 1530년경에서 1580년경까지 지속된 매너리즘의 긴장을 예로 들었다. 유럽 전역의 궁정과 지적 모임에 기반을 둔, 이 양식은 "양식적인" 양식이나 Maniera라고 불렸다.

 매너리즘 
1580년 이후 이탈리아에서는 카라치, 카라바조, 치골리 등의 새로운 세대가 자연주의를 다시 강조했다. 발터 프리들렌더는 이 시기를 초기 매너리스트들이 전성기 르네상스에 대한 반응으로 "반고전주의"적이었던 것에 대해 "반매너리즘"으로 인식했다. 그러나 이탈리아 밖에서는 매너리즘은 17세기까지 지속했다. 주요한 매너리즘의 중심지는 프라하의 루돌프 2세의 궁정, 하를럼, 안트베르펜 등이었다.

양식적 범주로써의 매너리즘은 영국의 시각 및 장식 예술에서는 덜 사용되며, 대신 "Elizabethan(엘리자베스 시대)"와 "Jacobean(제임스 시대)"와 같은 지역적 구분법이 더 일반적이다. 18세기의 장인 매너리즘은 예외이다.

역사적으로 여겨지듯이, 매너리즘은 16세기의 자연주의를 넘어선 인위성을 강조하는 예술의 명칭이며, 예술가의 성장하는 자의식을 반영한다.
기원과 발전
전성기 르네상스 말기에 젊은 예술가들은 위기를 겪었다. 기술적이든 아니든, 달성할 수 있는 모든 것이 이미 달성되었고, 더 이상 해결해야 할 문제는 없는 것처럼 보였다. 해부학, 빛, 관상학, 표정과 몸짓으로 감정을 표현하는 방식, 인체 형태의 형상 구성, 그리고 미묘한 그라데이션 톤의 사용 등 모든 것이 거의 완벽에 이르른 것처럼 보였다. 젊은 예술가들은 새로운 목표를 찾아야 했고, 새로운 접근 방식을 모색했다. 이 시점에서 매너리즘이 나타나기 시작했다. 새로운 양식은 1510년에서 1520년 사이에 피렌체, 로마, 또는 두 도시에서 동시에 발전했다.
섬네일|upright=1.2|이그누디. 미켈란젤로의 시스티나 성당 천장화의 

기원과 모델
이 시기는 안드레아 델 사르토, 미켈란젤로 부오나로티, 라파엘로 산치오의 예술의 "자연스러운 확장"으로 묘사되어 왔다. 미켈란젤로는 어린 나이에 매우 독창적인 자신만의 양식을 발전시켰는데, 이는 처음에는 크게 존경받았고 당대의 많은 예술가들이 자주 모방하였다. 그의 동시대인들이 가장 존경했던 특성은 경외감을 불러일으키는 웅장함인 테리빌리타로서, 후대의 예술가들은 이를 모방하려고 했다. 다른 예술가들은 대가의 작품을 모방하여 미켈란젤로의 열정적이고 매우 개인적인 양식을 배웠는데, 이는 학생들이 그림과 조각을 배우는 일반적인 방법이었다. 그의 시스티나 성당 천장은 그들이 따를 만한 본보기를 제공했는데, 특히 이그누디와 리비아의 무녀로 불리는 인물 집합의 표현, 라우렌치아나 도서관의 현관, 메디치 무덤의 인물들, 그리고 무엇보다도 그의 최후의 심판이 그 중심이었다. 후기 미켈란젤로는 매너리즘의 위대한 모델 중 한 명이었다. 젊은 예술가들은 그의 집에 침입하여 그림을 훔치기까지 했다. 조르조 바사리는 그의 저서 『미술가 열전』에서 미켈란젤로가 한때 "추종자들은 그들이 따르는 사람을 결코 넘어설 수 없다"고 말했다고 기록했다.

경쟁 정신
후원자들은 자신들이 후원하는 예술가들에게 뛰어난 기교를 강조하고 작품 의뢰를 놓고 서로 경쟁하도록 장려함으로써 경쟁심을 불러 일으켰다. 그 결과 예술가들은 새로운 접근 방식을 찾았고, 극적으로 밝아진 장면, 정교한 의상과 구성, 길쭉한 비례, 고도로 양식화된 포즈, 그리고 불명확한 원근법등을 탐구하였다. 레오나르도 다 빈치와 미켈란젤로 부오나로티는 각각 곤팔로니에레 피에로 소데리니로부터 피렌체의 베키오궁에 있는 오백인의 방의 벽을 장식하라는 의뢰를 받았다. 이 두 예술가는 나란히 그림을 그리고 서로 경쟁하게 되어 가능한 한 혁신적이어야 한다는 동기를 부여했다.

초기 매너리즘
섬네일|upright=1.2|자코포 다 폰토르모, 그리스도의 매장, 1528년; 산타 펠리치타 성당
피렌체의 초기 매너리스트들, 특히 안드레아 델 사르토의 제자였던 자코포 다 폰토르모와 로소 피오렌티노 같은 화가들은 길쭉한 형태, 위태롭게 균형 잡힌 자세, 무너진 원근법, 비합리적인 배경, 연극적인 조명으로 유명하다. 로마에서는 파르미자니노 (안토니오 다 코레조의 제자)와 줄리오 로마노 (라파엘로의 수석 조수)도 비슷한 양식의 미학적 방향으로 나아가고 있었다. 이 예술가들은 전성기 르네상스의 영향을 받아 성장했으며, 그들의 양식은 이에 대한 반작용 또는 과장된 확장이 특징이다. 젊은 예술가들은 자연을 직접 연구하기보다는 헬레니즘 조각과 과거 대가들의 그림을 연구하기 시작했다. 따라서 이 양식은 종종 "반고전주의"로 식별되지만, 당시에는 전성기 르네상스가 자연스럽게 발전한 결과로 여겨졌다. "반고전주의" 형태를 특징으로 하는 매너리즘의 초기 실험 단계는 약 1540년 또는 1550년까지 지속되었다. 템플 대학교 미술사 교수인 마르시아 B. 홀은 그녀의 저서 『라파엘로 이후』에서 라파엘로의 이른 죽음이 로마 매너리즘의 시작을 이끌었다고 언급한다.

과거의 연구에서는 매너리즘이 16세기 초에 코페르니쿠스의 지동설, 로마 약탈 (1527년), 종교개혁의 가톨릭 교회의 권위에 대한 도전과 같은 여러 사회적, 과학적, 종교적, 정치적 운동과 동시에 발생했다고 지적되었다. 이 때문에 길쭉하고 왜곡된 형태는 한때 전성기 르네상스 예술에 만연했던 이상적인 구성에 대한 반작용으로 해석되었다. 급진적인 양식적 변화에 대한 이러한 설명은 학계에서 인기를 잃었지만, 초기 매너리즘 미술은 여전히 전성기 르네상스의 관습과 뚜렷하게 대비된다. 라파엘로의 아테네 학당이 달성했던 접근성과 균형은 젊은 예술가들의 흥미를 더 이상 끌지 못하는 듯했다.

전성기 매너리즘
일반적으로 매너리즘의 두 번째 시기는 이전의 소위 "반고전주의적" 단계와 구분된다.
이후의 매너리즘 작가들은 지적인 허세와 예술적 기교를 강조했는데, 이러한 특징들 때문에 후대 비평가들은 그들을 부자연스럽고 인위적인 "방식" (maniera)으로 작업한다고 비난하였다. 매너리즘 예술가들은 이미 나이가 많이 든 미켈란젤로를 주요 모델로 삼았다. 그들의 예술은 자연을 모방하는 예술이라기보다는 예술을 모방하는 예술이었다. 미술사학자 시드니 조지 프리드버그는 매너리즘 예술의 지성주의적 측면은 관객이 이러한 시각적 참조를 알아채고 감상하기를 기대하는 것으로, "보이지 않지만 느껴지는 따옴표"로 둘러싸인 낯선 환경 속의 친숙한 인물을 감상하는 것이라고 주장한다. 인위성의 정점은 매너리즘 화가들이 의도적으로 잘못 인용하는 경향이다. 아뇰로 브론치노와 조르조 바사리는 약 1530년부터 1580년까지 지속된 이러한 매너리즘 경향을 대표한다. 주로 유럽 전역의 궁정과 지식인 집단을 기반으로 한 매너리즘 예술은, 과장된 우아함과 섬세한 표면 및 정교한 세부 사항을 결합한다. 도자기 같은 피부를 가진 인물들이 균일하고 온화한 빛 속에서 비스듬히 기대 있으며, 관객과 시선을 마주친다면 차가운 시선으로 마주한다. 매너리즘 주제는 거의 감정을 드러내지 않으며, 이러한 이유로 이러한 경향을 보여주는 작품들은 종종 '차가운' 또는 '냉담한' 것으로 불린다. 이는 소위 "세련된 양식" 또는 성숙기 매너리즘 방식의 전형이다.

확산
섬네일|upright=1.2|헨리 하워드 서리 백작, 1546년, 플랑드르 이민자가 그린 보기 드문 영국 매너리즘 초상화

로마, 피렌체, 만토바는 이탈리아 매너리즘의 중심지였다. 베네치아 회화는 티치아노로 대표되는 다른 길을 걸었다. 1520년대 로마에서 활동했던 초기 매너리즘 예술가들 중 상당수는 1527년 로마 약탈 이후 로마를 떠났다. 이들이 일자리를 찾아 대륙 전역으로 흩어지면서, 매너리즘 양식이 이탈리아를 넘어 북유럽 전역에 퍼졌다. 그 결과 고딕 이후 최초로 국제적인 예술 양식이 탄생했다. 이탈리아 예술가들과 직접적으로 접촉하지 않은 지역의 경우에도, 매너리즘 양식은 판화와 삽화 책을 통해 그 존재를 알렸다. 유럽 통치자들은 이탈리아 작품을 구매했고, 북유럽 예술가들은 이탈리아로 계속 여행하면서 매너리즘 양식의 확산에 기여했다. 북유럽에서 활동하는 이탈리아 예술가들은 북부 매너리즘 운동을 탄생시켰다. 예를 들어, 프랑수아 1세 (프랑스)는 브론치노의 베누스와 쿠피도, 바보와 시간을 선물 받았다.

이 양식은 1580년 이후 이탈리아에서 쇠퇴했는데, 카라치 형제, 카라바조, 치골리를 포함한 새로운 세대의 예술가들이 자연주의를 부활시켰기 때문이다. 발터 프리들랜더는 이 시기를 "반매너리즘"으로 규정했는데, 이는 초기 매너리스트들이 전성기 르네상스의 미학적 가치에서 벗어나 "반고전주의"적이었던 것과 유사하다. 오늘날 카라치 형제와 카라바조는 일반적으로 바로크 양식으로의 전환을 이끈 것으로 인정된다.

그러나 이탈리아 이외의 지역에서는 매너리즘이 17세기까지 이어졌다. 로소 피오렌티노가 퐁텐블로 궁정에서 일했던 프랑스에서는 "앙리 2세 양식"으로 알려져 있으며 건축에 특히 큰 영향을 미쳤다. 북부 매너리즘의 다른 중요한 대륙 중심지로는 프라하의 루돌프 2세 (신성 로마 황제) 궁정, 하를럼, 안트베르펜이 있다. 영국의 시각 및 장식 예술에서는 양식적 범주로서의 매너리즘이 그다지 많이 언급되지 않는데, 이는 "엘리자베스 여왕 시대" 및 "제임스 시대"와 같은 고유한 명칭이 더 일반적으로 사용되기 때문이다.

특히 주목할 만한 것은 플랑드르의 영향을 받은 퐁텐블로로서, 프랑스 양식의 에로티시즘과 17세기 네덜란드와 플랑드르 회화를 지배하게 될 초기 바니타스화 전통이 결합되었다.

조각
회화에서와 마찬가지로, 초기 이탈리아 매너리즘 조각은 전성기 르네상스의 업적을 능가하는 독창적인 양식을 찾으려는 시도였으며, 조각에서는 본질적으로 미켈란젤로를 뛰어넘는 것을 의미했다. 이를 달성하기 위한 많은 투쟁은 피렌체의 시뇨리아 광장에 있는 미켈란젤로 부오나로티의 다비드 옆 공간을 채우는 의뢰에서 벌어졌다. 바초 반디넬리는 미켈란젤로의 헤라클레스와 카쿠스 프로젝트를 이어받았지만, 당시에도 지금만큼 인기가 없었으며, 벤베누토 첼리니는 이를 "멜론 자루"에 비유하며 악의적으로 평했다. 그와 다른 매너리즘 작가들의 작품들처럼, 이 작품은 미켈란젤로보다 훨씬 더 많은 원래의 블록을 제거했다. 첼리니의 청동 메두사의 머리를 든 페르세우스는 분명 걸작이며, 여덟 가지 시점에서 볼 수 있도록 설계되었는데, 이는 또 다른 매너리즘적 특징이다. 미켈란젤로와 도나텔로의 다비드상과 비교하면 양식이 훨씬 인위적이다. 원래 금세공인이었던 그의 유명한 금과 에나멜 첼리니 소금통 (1543년)은 그의 첫 조각이었고, 그의 재능을 가장 잘 보여준다.

수집가의 캐비닛을 위한 작은 청동 인물상들은 종종 나체 신화 주제를 다루었는데, 이는 인기 있는 르네상스 양식이었고 특히 16세기 후반의 플랑드르 출신의 피렌체 작가 잠볼로냐가 뛰어났다. 그는 또한 실물 크기의 조각상들을 만들었으며, 그 중 두 점은 시뇨리아 광장 컬렉션에 들어갔다. 그와 그의 추종자들은 종종 두 인물이 서로 얽힌 우아하고 길쭉한 세르펜티나타 양식의 예시를 고안했으며, 이 조각들은 어떤 각도에서 봐도 흥미롭도록 제작되었다.

초기 이론가
섬네일|upright=1.2|피에트로 프랑카빌라, 피톤을 무찌른 아폴론, 1591년. 월터스 미술관.

조르조 바사리
조르조 바사리의 회화 예술에 대한 의견은 그의 저서 『미술가 열전』에서 동료 예술가들을 칭찬하는 대목에서 드러난다. 그는 회화의 탁월함은 세련미, 뛰어난 기교(마니에라)를 통해 표현되는 풍부한 발명(인벤치오네), 그리고 완성된 작품에 나타나는 재치와 연구를 요구한다고 믿었는데, 이 모든 것이 예술가의 지성과 후원자의 감수성을 강조하는 기준이었다. 예술가는 이제 더 이상 지역 성 루가 길드의 구성원이 아니었다. 이제 궁정에서 학자, 시인, 인문주의자들과 자리를 함께했으며, 우아함과 복잡성을 감상하는 분위기 속에서 활동했다. 바사리의 초상화 상단에는 마치 자신의 것인 양 메디치가 후원자들의 문장이 나타난다.

잔 파올로 로마초
이 시기의 또 다른 문학가로는 잔 파올로 로마초가 있는데, 그는 실제적인 작품과 형이상학적인 작품 두 가지를 내놓아, 매너리즘 예술가가 자신의 예술에 대한 자의식적 관계를 정의하는 데 도움을 주었다. 그의 『회화, 조각, 건축의 예술론(Trattato dell'arte della pittura, scoltura et architettura)』 (밀라노, 1584년)은 부분적으로 동시대의 데코룸(개념, 적절한 사회적 한계)에 대한 지침으로, 르네상스가 부분적으로 고대에서 물려받았지만 매너리즘이 정교하게 다듬었다는 것이다. 로마초의 미학에 대한 체계적인 분류는 16세기 후반의 더 형식화되고 학문적인 접근 방식을 대표하는데, 실내의 기능과 적합한 회화 및 조각 장식 사이의 조화를 강조했다. 매너리즘 양식에서 복잡하고 난해한 도상학은 더욱 두드러지는 요소이다. 그의 형이상학적인 『회화의 이상적인 사원(Idea del tempio della pittura)』 (밀라노, 1590년)은 인간 본성과 성격에 대한 "사체액설" 이론에 따라 설명을 제공하며, 판단과 예술적 발명에서 개성의 역할을 정의한다.

예술 작품의 특징
매너리즘은 르네상스의 미학적 이념과 크게 다른 반고전주의 운동이었다. 매너리즘은 처음에는 조르조 바사리의 저술을 바탕으로 긍정적으로 받아들여졌지만, 나중에는 "자연적인 진실의 변형과 자연적 공식의 진부한 반복"으로만 여겨져 부정적인 시각으로 평가되었다. 매너리즘이라는 예술 운동은 예술이 어떻게 인식되는지에 대한 실험에 고유하고 구체적인 많은 특징들을 포함한다. 아래는 매너리즘 예술가들이 자신들의 작품에 활용했던 많은 특징들을 정리한 것이다.
 길쭉한 인물: 매너리즘 작품은 종종 인체 형태를 길쭉하게 표현하는 특징이 있었는데, 이 때문에 일부 매너리즘 예술이 기이하다는 평가를 받는 데 기여했다.
 원근법의 왜곡: 회화에서 원근법을 사용하는 것은 완벽한 공간을 창조하기 위한 목적이었다. 그러나 완벽함을 추가하는 것이 때로는 독특한 이미지의 창조를 암시하기도 했다. 왜곡을 만들어내는 한 가지 방법은 단축법 기법이다. 때로 극심한 왜곡을 사용하면, 이미지를 거의 해독할 수 없게 만들어졌다.
 검은색 배경: 매너리즘 예술가들은 종종 윤곽의 완전한 대비를 통해 극적인 장면을 만들기 위해 평평한 검은색 배경을 활용했다. 검은색 배경은 또한 주제의 환상적인 느낌을 조성하는 데 기여했다.
 어둠과 빛의 사용: 많은 매너리스트들은 인위적인 조명을 사용하여 밤하늘의 본질을 포착하는 데 관심을 가졌으며, 이를 통해 환상적인 장면을 만들었다. 특히, 극적인 장면을 만들기 위해 횃불과 달빛에 특별한 주의를 기울였다.
 조각적 형태: 매너리즘은 16세기에 인기를 얻었던 조각에 크게 영향을 받았다. 그 결과, 매너리즘 예술가들은 조각과 판화를 참조하여 인간 신체를 묘사하곤 했다. 이는 매너리즘 예술가들이 차원을 창조하는 데 집중할 수 있게 했다.
 명확한 선: 매너리즘에서는 인물 윤곽을 깨끗하게 유지하려 노력했는데, 이는 바로크와 전성기 르네상스와 크게 다른 점이다. 인물의 윤곽은 종종 세부 사항에 더 많은 주의를 기울일 수 있게 해주었다.
 구도와 공간: 매너리즘 예술가들은 르네상스의 이상, 특히 일점 투시 기법을 거부했다. 대신, 대기 효과와 원근법의 왜곡에 중점을 두었다. 매너리즘 작품에서는 다양한 형태와 인물로 가득 찬 복잡한 구성이나 검은색 배경에 중점을 둔 간결한 구성을 선호했다.
 매너리즘적 움직임: 매너리즘 예술가들은 인간의 움직임 연구에 대해 관심을 기울여 뱀 모양의 자세와 같은 독특한 움직임을 묘사하였다. 이러한 자세는 종종 불안정을 유발해 대상이 움직이는 듯한 효과를 만들어낸다. 또한, 이 기법은 예술가의 형태 실험에 기여한다.
 그려진 액자: 일부 매너리즘 작품은 그림의 배경과 어우러지도록 액자를 그려넣었는데, 때로는 이것이 작품의 전체적인 구도에 기여하기도 했다. 이러한 효과는 정교한 세부 묘사에 특별한 주의를 기울일 때 두드러진다.
 대기 효과: 많은 매너리스트들은 빛의 흐름을 표현하기 위해 "부드럽고 흐릿한 윤곽 또는 표면의 렌더링"으로 알려진 스푸마토 기법을 사용했다.
 매너리즘적 색상: 매너리즘의 독특한 측면은 형태, 구성, 빛의 실험 외에도 색상에도 같은 호기심이 적용되었다는 점이다. 많은 작품들이 파랑, 초록, 분홍, 노랑의 순수하고 강렬한 색상으로 칠해졌는데, 이는 때로는 작품의 전체적인 디자인을 손상시키기도 하고, 때로는 보완하기도 했다. 인물을 그릴 때 예술가들은 종종 피부색을 밝게 강조하고 파란색의 밑색을 활용했다.

예술가와 그들의 작품
섬네일|upright=1.2|요아힘 우테바엘 페르세우스와 안드로메다, 1616년, 루브르 박물관. 전경에는 뼈와 조개껍데기 바니타스 스타일, 중경에는 정교한 학술적 누드가 그려져 있고, 안드로메다의 뺨에는 전경에서 따온 듯한 팔레트가 사용되었다. 용은 중국적인 영향을 받은 듯하다.

자코포 다 폰토르모
자코포 다 폰토르모의 작품은 매너리즘에 매우 중요한 공헌을 하였다. 그는 종종 미켈란젤로 부오나로티의 작품에 크게 영향을 받아 종교적 서사를 주제로 삼았으며, 조각적 형태를 모델로 참조하거나 사용했다. 그의 작품에서 가장 잘 알려진 요소는 다양한 방향으로 관객을 꿰뚫는 듯한 다양한 인물들의 시선 처리이다. 자신의 작품에 헌신했던 폰토르모는 종종 작품의 질에 불안해 했으며, 느리고 체계적으로 작업하는 것으로 알려졌다. 그의 유산은 매우 높이 평가되며, 그는 아뇰로 브론치노와 후기 매너리즘의 미학적 이상에 영향을 미쳤다.

폰토르모의 1517년 작품인 <이집트의 요셉>은 요셉이 가족과 재회하는 네 가지 장면을 연속적인 서사로 묘사한다. 구성의 왼쪽에는 요셉이 가족을 파라오에게 소개하는 장면을 그린다. 그 오른쪽에는 천사에 둘러싸인 요셉이 바퀴 달린 벤치에 타고 있으며, 멀리 보이는 길에는 다른 인물들과 큰 바위들 있다. 이 장면들 위에는 요셉이 아들을 어머니에게 이끌고 올라가는 나선형 계단이 있다. 오른쪽의 마지막 장면은 야곱이 아들들에게 둘러싸여 죽음을 맞고 있다.

폰토르모의 <이집트의 요셉>은 많은 매너리즘적 요소를 특징으로 한다. 한 가지 요소는 캔버스의 대부분을 차지하는 분홍색과 파란색과 같은 부조화스러운 색상을 활용한 것이다. 다른 요소로는 다양한 장면과 공간의 사용을 통해 불일치한 시간대를 처리한 것이다. 네 가지 다른 서사를 포함시킴으로써 폰토르모는 혼잡한 구성과 전반적인 분주함을 만들어낸다.

로소 피오렌티노와 퐁텐블로 화파
안드레아 델 사르토의 작업실에서 폰토르모와 함께 일했던 로소 피오렌티노는 1530년에 피렌체 매너리즘을 퐁텐블로로 가져와, 통칭 퐁텐블로 화파로 알려진 16세기 프랑스 매너리즘을 창시하였다.

퐁텐블로의 풍부하고 역동적인 장식 양식의 예시는 인그레이빙 매체를 통해 이탈리아 양식을 안트베르펜으로, 그리고 런던에서 폴란드에 이르는 북유럽 전역으로 더욱 확산시켰다. 매너리즘 디자인은 은제품과 조각 가구 같은 사치품으로 확대되었다. 정교한 상징주의와 알레고리로 표현된 긴장되고 절제된 감각, 그리고 길쭉한 비례로 특징지어지는 여성 미의 이상이 이 양식의 특징이다.

아뇰로 브론치노
섬네일|upright=1.2|전성기 매너리즘: 브론치노의 베누스와 쿠피도, 우둔함과 시간, 1545년경; 내셔널 갤러리, 런던

아뇰로 브론치노는 자코포 다 폰토르모의 제자였는데, 그의 양식은 매우 영향력이 있었고, 이 때문에 많은 작품의 귀속을 파악하는 데 혼란을 야기하곤 했다. 그의 경력 동안 브론치노는 조르조 바사리와 "마술사의 코미디" 제작을 위한 무대 디자이너로 협력하여 많은 초상화를 그렸다. 브론치노의 작품은 인기가 많았으며, 1539년에 메디치가의 궁정화가가 되면서 큰 성공을 거두었다. 브론치노 작품의 독특한 매너리즘적 특징은 우유 같은 피부색 표현이었다.

그림 베누스와 쿠피도, 우둔함과 시간에서 브론치노는 에로틱한 장면을 묘사하면서 관객에게 질문을 더 많이 던진다. 전경에서 쿠피도와 베누스는 거의 키스 직전이지만, 마치 현장에서 붙잡힌 것처럼 멈춘다. 그들 위에는 신화적 인물들이 있는데, 오른쪽에는 시간이 커튼을 걷어 두 사람을 드러내고, 왼쪽에는 밤의 여신을 표현한 인물이 있다. 또한 가면들의 무리, 소녀와 뱀의 특징을 합성한 키메라, 그리고 고통에 시달리는 남자가 보인다. 이 그림에 대해서는 많은 이론들이 있는데, 예를 들어 매독의 위험을 전달하거나, 그림이 궁정 놀이의 일부였다는 것이다.

브론치노의 매너리즘 초상화는 고요한 우아함과 세심한 세부 사항의 표현으로 구별된다. 그 결과, 브론치노의 초상화 인물들은 관객과의 냉담함과 뚜렷한 정서적 거리를 묘사하는 것으로 평가되어 왔다. 또한 풍부한 직물의 정확한 패턴과 광택을 포착하는 데 뛰어난 집중력을 보여준다. 특히, 『베누스와 쿠피도, 우둔함과 시간』에서 보이는 매너리즘적 움직임, 세부 사항, 색상, 조각적 형태의 전술을 활용한다. 매너리즘적 움직임의 증거는 쿠피도와 베누스의 어색한 움직임에서 분명히 드러나는데, 그들은 몸을 비틀어 부분적으로 포옹한다. 특히, 브론치노는 많은 형태를 완벽한 도자기 흰색으로 피부를 묘사하며, 근육을 매끄럽게 지워 조각의 부드러움을 표현하였다.

알레산드로 알로리
알레산드로 알로리 (1535–1607)의 《수산나와 노인들》 (갤러리 참조)은 혼잡하고 비틀린 구도 속에 잠재된 에로티시즘과 의식적으로 빛나는 정물화 세부 묘사가 특징이다.

야코포 틴토레토
섬네일|upright=1.4|틴토레토, 최후의 만찬, 1592–1594년
틴토레토는 티치아노의 이후 베네치아 화파에 막대한 공헌을 한 것으로 알려져 있다. 그의 작품은 선배들의 것과 크게 달랐으며, 조르조 바사리로부터 "환상적이고, 사치스럽고, 기이한 양식"이라고 비판 받았다. 그의 작품에서 틴토레토는 그의 작품에서 매너리즘 요소를 채택하여 베네치아 회화의 고전적 개념으로부터 벗어났으며, 판타지 요소를 포함하고 자연주의를 유지하는 작품을 자주 제작하였다. 틴토레토 작품의 다른 독특한 요소로는 거친 붓질을 꾸준히 활용하여 색상에 집중한 점과 환상을 만들기 위해 안료를 실험한 점 등이 있다.

최후의 만찬은 그의 매너리즘적 특징을 볼 수 있는 작품이다. 이 작품은 1591년 미켈레 알라바르디가 산조르조 마조레 성당을 위해 의뢰했다. 틴토레토의 최후의 만찬은 그림 오른쪽에 있는 한 무리의 사람들의 시점에서 장면을 묘사된다. 그림의 왼쪽에는 예수와 사도들이 식탁의 한쪽을 차지하고 있으며 유다 이스카리옷는 자리를 뜨려하고 있다. 어두운 공간에는 몇 군데의 광원만 있는데, 하나는 그리스도의 후광에서 발산되고 다른 하나는 식탁 위에 매달린 횃불에서 나온다.

이 독특한 구성에서 매너리즘적 특징을 볼 수 있다. 틴토레토가 활용하는 한 가지 특징은 검은색 배경이다. 그림은 원근법의 사용을 통해 실내 공간을 어느 정도 암시하지만, 구성의 가장자리는 대부분 그림자로 가려져 있어 최후의 만찬 중앙 장면에 극적인 효과를 부여한다. 또한, 틴토레토는 빛의 스포트라이트 효과를, 특히 그리스도의 후광과 식탁 위에 매달린 횃불을 통해 활용한다. 세 번째 매너리즘적 특징은 연기 형태로 공중에 떠다니는 천사들의 대기 효과에서 찾을 수 있다.

엘 그레코
섬네일|upright=1.2|left|엘 그레코, 라오콘 (1610년경–1614년), 국립 미술관 
크레타 태생의 스페인 화가 엘 그레코는 과장된 특성으로 종교적 감정을 표현하였다. 전성기 르네상스에서 달성된 인체 형태의 사실적 묘사와 원근법의 숙달 이후, 일부 예술가들은 감정적, 예술적 효과를 위해 비합리적이고 단절된 공간에서 비례를 의도적으로 왜곡하기 시작했다. 엘 그레코는 매우 독창적인 예술가이다. 현대 학자들은 그를 어떤 전통적인 유파에도 속하지 않는 매우 개성적인 예술가로 구분하고 있다. 엘 그레코 작품의 매너리즘의 핵심 측면에는 불협화음을 이루는 "화려한 색상" 팔레트, 길고 뒤틀린 신체, 비합리적인 원근법과 빛, 그리고 모호하고 혼란스러운 도상학이 포함된다. 엘 그레코의 양식은 그의 그리스 혈통과 이탈리아 여행을 바탕으로 한 독특한 발전의 정점이었다.

엘 그레코의 작품은 비잔틴 미술 요소뿐만 아니라 카라바조와 파르미자니노의 영향, 그리고 베네치아 화파의 색채를 포함한 다양한 양식을 반영한다. 그는 색채를 자신의 회화에서 가장 중요한 측면 중 하나로 여겼기 때문에 모든 작품에서 색채에 집중했다. 그의 경력 내내 엘 그레코의 작품은 중요한 의뢰를 수행하면서 높은 수요를 유지했다.

엘 그레코의 독특한 회화 양식과 매너리즘적 특징과의 연관성은 그의 라오콘에서 볼 수 있다. 1610년에 그려진 이 작품은 신화적 라오콘 이야기를 묘사한다. 라오콘은 그리스인들이 미네르바 여신에게 평화의 선물로 바친 트로이 목마가 위험하다는 것을 트로이인들에게 경고했다. 그 결과, 미네르바는 복수심에 뱀을 소환하여 라오콘과 그의 두 아들을 죽였다. 엘 그레코는 이 장면의 배경을 트로이 대신 톨레도 근처로 배치하여 "이야기의 관련성을 현대 세계에 적용하여 보편화"하고자 했다.

엘 그레코의 라오콘에 나타난 독특한 양식은 많은 매너리즘적 특징을 잘 보여준다. 구성 전반에 걸쳐 많은 인체 형태가 길쭉하게 표현되어 있으며, 뱀처럼 구불구불한 움직임과 결합되어 우아한 느낌을 준다. 매너리즘 양식의 또 다른 요소는 흐릿한 하늘과 모호한 풍경을 만들어내는 대기 효과이다.

벤베누토 첼리니

섬네일| 첼리니 소금통, 프랑수아 1세 (프랑스)를 위해 1540–1543년에 제작. 
섬네일|라비니아 폰타나의 옷 입는 미네르바 (1613). 보르게세 미술관, 로마.

벤베누토 첼리니는 1540년에 금과 에나멜로 첼리니 소금통을 만들었는데, 여기에는 포세이돈과 암피트리테 (물과 흙)가 불편한 자세와 길쭉한 비례로 배치되어 있다. 이 작품은 매너리즘 조각의 걸작으로 여겨진다.

라비니아 폰타나
라비니아 폰타나 (1552–1614)는 매너리즘 초상화가로, 서유럽 최초의 여성 전문 예술가로 인정받는다. 그녀는 바티칸의 공식 초상화가로 임명되었다. 그녀의 양식은 카라치 형제 화가들의 색채와 베네치아 화파의 영향을 받은 것으로 유명하다. 폰타나는 귀족 여성들의 초상화와 누드 인물 묘사로 유명한데, 이는 당시 여성으로서는 특이한 일이었다.

타데오 주카로
타데오 주카로는 우르비노 근처 산탄젤로 인 바도에서 거의 알려지지 않은 화가 오타비아노 주카로의 아들로 태어났다. 그의 형제인 페데리코 주카로는 1540년경에 태어났으며, 그 또한 화가이자 건축가였다.

페데리코 주카로
페데리코 주카로의 화가로서의 기록된 경력은 1550년, 그가 로마로 이주하여 형 타데오 주카로 밑에서 일하면서 시작되었다. 그는 피우스 4세를 위한 장식 작업을 완수했으며, 카프라롤라의 파르네세 빌라의 프레스코 장식을 완성하는 데 도움을 주었다. 1563년에서 1565년 사이에 그는 베네치아에서 산타 마리아 포르모사의 그리마니 가문과 함께 활동했다. 그의 베네치아 시기 동안, 그는 안드레아 팔라디오와 함께 프리울리를 여행했다.

요아힘 우테바엘
요아힘 우테바엘 (1566–1638)은 생애 마지막까지 북부 매너리즘 양식으로 그림을 그렸으며, 바로크 미술의 도래를 무시하고 아마도 마지막으로 중요한 매너리즘 예술가로 활동했다. 그의 주제는 피터르 아르천의 방식대로 정물화가 있는 큰 장면, 신화적 장면을 그렸으며, 구리위에 아름답게 제작되고, 대부분이 누드화인 작은 캐비닛화를 많이 제작했다.

주세페 아르침볼도
주세페 아르침볼도는 정물화와 초상화를 결합한 작품으로 가장 잘 알려져 있다. 그의 양식은 매너리즘으로 간주되며, 과일과 채소를 조합한 방식으로 구성되어 다양한 방식으로 – 똑바로 또는 거꾸로 – 묘사될 수 있다. 아르침볼도의 작품은 르네상스 작품만큼 진지함을 담고 있지 않기 때문에 관객에게 전달하는 유머 측면에서 매너리즘에 적용되기도 한다. 아르침볼도의 그림은 양식적으로 자연에 대한 관심과 "괴기스러운 외모"라는 개념으로 유명하다.

아르침볼도의 그림 중 다양한 매너리즘적 특징을 담고 있는 작품은 베르툼누스이다. 검은색 배경에 그려진 루돌프 2세 (신성 로마 황제)의 초상화는 그의 몸이 다양한 채소, 꽃, 과일로 구성되어 있다. 이 그림은 루돌프 2세 황제가 그의 대중적 이미지 뒤에 어두운 내면을 숨기고 있다는 권력의 유머를 담고 있다. 한편으로는, 그의 통치 기간 동안 행운이 만연하기를 바라는 내용이다.

베르툼누스는 구성과 메시지 측면에서 다양한 매너리즘적 요소를 담고 있다. 한 가지 요소는 아르침볼도가 황제의 지위와 정체성을 강조하고 그의 통치의 환상을 부각시키기 위해, 평평하고 검은 배경을 사용한 것이다. 루돌프 2세의 초상화에서 아르침볼도는 르네상스의 자연주의적 표현에서 벗어나 과일, 채소, 식물, 꽃의 뒤죽박죽으로 그를 묘사함으로써 구성의 구성을 탐구한다. 이 그림이 보여주는 또 다른 매너리즘 요소는 농담과 진지한 메시지라는 이중 서사이다. 유머는 일반적으로 르네상스 작품에서 활용되지 않았다.

 같이 보기 

 반매너리즘
 폴란드의 매너리즘 건축과 조각
 
 브라질의 매너리즘
 필리프 미르로
 16세기 후반 밀라노의 미술

 각주 

 참고 자료 

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더 읽어보기

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 외부 링크 

 "매너리즘: 브론치노 (1503–1572)와 그의 동시대인들", 메트로폴리탄 미술관 웹사이트

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