shopkeeper/korean_wiki_content_only_120125 huggingface dataset:
캣거트 봉합사는 한때 외과 수술 환경에서 널리 사용되는 재료였다. 캣거트 봉합사는 개발도상국에서 현지에서 더 저렴하고 구하기 쉽기 때문에 여전히 사용되고 있다. 크롬염으로 처리된 캣거트, 즉 크로믹 캣거트도 수술에 사용된다.
테니스 라켓.
천연 거트는 여전히 테니스 라켓에서 고성능 스트링으로 사용되지만, 과거에는 더 인기가 많았고 합성 스트링에 의해 대체되고 있다.
캣거트는 전통적으로 괘종시계에 추를 매달기 위해 사용되었지만, 현대에는 금속 와이어, 직조 금속 로프 또는 가는 사슬로 대체되었다.
캣거트는 초기 포켓 시계의 발명부터 퓨지 체인이 사용되기 전까지 사용되었다.
캣거트를 준비하기 위해 작업자들은 작은 창자를 깨끗이 씻고, 지방을 제거하고, 물에 담근다. 그런 다음 무딘 칼로 외부 막을 긁어내고, 수산화 칼륨에 일정 시간 다시 담근다. 그리고 창자를 당겨서 부드럽게 하고 균일하게 만든다. 마른 동물일수록 가장 질긴 거트를 생산한다.
다음으로, 준비된 거트 가닥들을 함께 꼬아 끈을 만든다. 끈의 지름은 개별 거트의 두께와 사용된 개수에 따라 결정된다. 과 같은 가는 현은 서너 가닥의 거트만 사용하지만, 더블 베이스 현은 20가닥 이상을 사용할 수 있다. 꼬고 말린 후, 작업자들은 현을 필요한 지름으로 연마한다.
20세기 이전에는 현을 부드럽게 하기 위해 단순히 연마제로 문질렀다. 오늘날에는 일반적으로 센터리스 연삭기를 사용하여 원하는 지름으로 연삭한다. 건조 및 연마 후, 작업자들은 이산화 황을 사용하여 현을 표백하고 소독하며, 필요하면 염색하고 크기별로 분류한다.
캣거트 봉합사는 일반적으로 크롬염 용액으로 처리되어 신체 효소에 저항하여 분해 및 신체 흡수 과정을 늦춘다. 이를 크로믹 캣거트 봉합사라고 하며, 처리되지 않은 캣거트 봉합사는 일반 캣거트 봉합사라고 한다.
음악에서 헤테로포니(heterophony) 또는 이음성(異音性)은 단일 선율 라인의 동시적 변주가 특징인 음악적 어우러짐의 한 종류이다. 이러한 어우러짐은 하나의 기본적인 선율만 있지만, 동시에 여러 음성으로 실현되며, 각 음성은 다른 리듬이나 템포로 또는 다양한 장식과 정교화를 통해 선율을 다르게 연주하는 복잡한 단성음악의 일종으로 간주될 수 있다. 이 용어는 처음에는 다성 음악의 하위 범주를 나타내기 위해 체계적인 음악학에 도입되었지만, 지금은 그 자체로 어우러짐 범주로 간주된다.
헤테로포니는 종종 비-서양 전통 음악의 특징적인 요소이다. 예를 들어 중국 전통 음악, 오스만 고전 음악, 아랍 고전 음악, 일본의 가갸쿠, 인도네시아의 가믈란 음악, 필리핀의 쿨린탕 앙상블, 태국 전통 음악 등이 있다. 유럽 전통에서도 헤테로포니의 몇 가지 예가 있다. 그러한 예 중 하나는 남부 보스니아, 크로아티아, 세르비아, 몬테네그로의 디나르 강가 또는 "오이카비차" 전통의 불협화음 헤테로포니로, 고대 일리리아 전통에 기인한다.
또 다른 놀랍도록 활기찬 유럽 헤테로포니 음악 전통은 아우터헤브리디스 게일 시편 찬송의 형태로 존재한다.
데이비드 모튼은 태국 음악에서 어우러짐을 다음과 같이 설명한다.
태국 음악은 비화성적이고, 선율적이거나 선형적이며, 이 장르의 모든 음악과 마찬가지로 그 근본적인 구성은 수평적이다...&lt;br&gt;&lt;br&gt;
수평적 복합체에서 태국 음악은 주된 선율과 상대적으로 느리거나 빠른 리듬 단위로 진행되는 그 변주곡들이 동시에 연주되는 것으로 구성된다... 선율과 변주곡의 개별 라인은 특정 구조적 지점에서만 유니슨 또는 옥타브로 울리며, 다른 음정의 동시성은 조직된 코드 진행의 서양 시스템을 따르지 않는다. 음정이 일치하는 구조적 지점(유니슨 또는 옥타브) 사이에서 각 개별 라인은 그것을 연주하는 악기의 특유한 양식을 따른다. 주어진 중간 지점의 수직적 복합체는 정해진 진행을 따르지 않으며, 양식에 대한 선형적 고착이 규제한다. 따라서 종종 매우 복잡한 동시적 구조를 생성하는 여러 음정은 구조적 음정 사이의 어느 지점에서든 발생할 수 있다. 음악은 하나의 음정으로 수축했다가 다양한 음정으로 확장하고, 다시 다른 구조적 음정으로 수축하는 식으로 계속해서 "숨을 쉰다". 이러한 구조적 지점 사이의 음정 복합체가 서양 청자에게는 임의적이고 무의미하게 들릴 수 있지만, 개별 라인은 선형적으로 매우 중요하고 논리적이다. 이러한 구조적 지점에서 발생하는 음정의 패턴은 태국 음악의 선법적 측면의 기초이다.
그는 헤테로포니 대신 다성적 층화라는 용어를 제안한다.
하나의 주된 선율과 그 변주곡을 동시에 결합하는 기법은 종종 헤테로포니로 잘못 설명된다. 다성적 층화가 더 정확한 설명인 것 같다. 왜냐하면 각 '층'은 주된 선율의 근접한 근사치일 뿐만 아니라, 뚜렷한 특징과 고유한 양식을 가지고 있기 때문이다.
헤테로포니는 20세기 이전의 서양 고전 음악에서는 다소 드물다. 요한 제바스티안 바흐의 일부 작품에서 예를 찾을 수 있다.
뿐만 아니라 볼프강 아마데우스 모차르트의 작품에서도 찾아볼 수 있다.
그리고 구스타프 말러의 작품에서도 찾아볼 수 있다.
20세기에는 벤저민 브리튼이 전쟁 레퀴엠의 일부와 특히 세 편의 교회 우화: 컬루 리버, 불타는 불의 가마, 탕아의 기악 간주곡을 포함한 많은 작품에서 헤테로포니를 크게 활용했다. 피터 에반스는 다음과 같이 설명한다. "브리튼이 이 그룹에서 끌어낸 소리는 너무나 예상치 못하게 뚜렷했고, 특히 그의 친숙한 화성적 추진력에 거의 의존하지 않아서, 청자들은 악보의 많은 특징에서 직접적인 이국적 영향을 추적할 준비가 되어 있었다." 다른 예로는 피에르 불레즈의 Rituel, Répons, …explosante-fixe….
헤테로포니는 캐나다 작곡가 호세 에방헬리스타의 음악에서 핵심 요소이다.
마칭 밴드(marching band)는 행진하면서 연주하는 악기 음악가 그룹이다. 역사적으로 이들은 군대에서 사용되었으며 많은 마칭 밴드는 여전히 군악대로 남아있다. 다른 밴드들은 여전히 군부대와 연관되어 있거나, 제복, 깃발, 지휘봉과 가끔은 소총이나 세이버와 같은 요소들을 가진 군사적 스타일을 모방한다. 악기 구성은 일반적으로 금관악기, 목관악기, 타악기를 포함한다.
마칭 밴드는 일반적으로 소속, 기능, 규모 및 악기 구성에 따라 분류된다. 전통적인 열병식 외에도, 마칭 밴드는 카니발, 행진, 스포츠 행사, 노동조합 행사 및 마칭 밴드 경쟁과 같이 다양한 행사에서 자주 볼 수 있다.
악기들은 전장에서 자주 사용되었지만 (예를 들어 철기 시대의 카르닉스와 중세 오스만 군악대) 현대 마칭 밴드는 바로크 시대에 형성된 유럽 군악대에서 발전했으며, 부분적으로는 오스만 전통의 영향을 받았다.
17세기 여행가 에블리야 첼레비는 이스탄불에 40개의 음악가 길드가 존재했음을 언급했다. 18세기에는 영국 육군의 각 연대가 자체 군악대를 유지했다. 1749년까지 악대원들은 연대를 지휘하는 대령의 비용으로 고용된 민간인이었다. 그 후, 그들은 정규 사병이 되었으며 전장에서 사기를 북돋우는 음악을 제공하거나, 19세기 후반부터는 들것 운반병 역할을 하기 위해 부대와 함께 현역 복무에 나섰다. 18세기 악기에는 피리, 북, 오보에(오트부아), 프렌치 호른, 클라리넷, 바순이 포함되었다. 드러머들은 농장에서 사람들을 불러 모아 임무를 위해 소집했다. 혼란스러운 전장 환경에서 악기는 병사들에게 전진, 대기, 후퇴를 명령하는 유일한 수단이었다. 19세기 중반에는 각 소규모 부대마다 자체 피리수와 드러머가 있어 일상적인 일과를 알렸다. 부대들이 전투를 위해 집결할 때는 전체를 위한 음악가 밴드가 형성되었다.
미국에서는 현대 마칭 밴드가 종종 미식축구 경기와 연관되어 있으며, 가장 오래된 밴드인 노터데임 대학교의 밴드 오브 더 파이팅 아이리시는 1887년에 미식축구 경기에서 처음 연주했다. 제1차 세계 대전 이후, 군악대 경험이 있는 참전 용사들이 공립 학교에서 음악 교육 교사직을 맡기 시작하면서 미국의 공립 학교 시스템에서 마칭 밴드의 존재와 질이 확대되었다. 정밀 대형 훈련과 같이 부분적으로 군사 스타일의 훈련을 기반으로 한 훈련이 발전했다. 오늘날 마칭 밴드 대회는 미국에서 여전히 인기가 많으며 주로 현대 드럼 앤드 뷰글 코어와 유사하다.
많은 마칭 밴드는 대개 금관, 목관, 타악기로 구성된 군악대이며, 군부대의 꾸준한 행진을 돕기 위해 일관된 직선과 일정한 템포로 앞으로 행진한다. 야외 음악 부대에는 고전 드럼 앤드 뷰글 코어, 팡파르 밴드, 파이프 밴드, 피리 북대가 포함된다.
18세기 유럽 야전군에 역사적 기원을 둔 군사 스타일의 마칭 밴드는 많은 유럽 국가에 존재하며, 라틴 아메리카와 남아메리카, 남아시아 및 동남아시아, 영연방 (예: 피지의 군대) 그리고 많은 구 소련 국가들 (소련이 러시아 왕국으로부터 전통을 계승)을 포함한 다른 많은 나라에도 식민지 영향으로 존재한다.
많은 밴드들은 행진곡과 같은 전통적인 음악 스타일뿐만 아니라 영화 음악이나 현대 음악의 각색곡 등 다양한 음악을 연주한다. 각 밴드의 공연 목표는 다르다. 어떤 밴드는 최대의 통일성과 정확성을 목표로 하고, 다른 밴드는 가능한 한 즐거운 공연을 목표로 한다. 일부 쇼 밴드들은 코믹한 요소도 포함하는데, 예를 들어 스크램블 밴드는 일반적으로 음악에 맞춰 행진하지 않고, 이름이 시사하듯이 한 대형에서 다른 대형으로 '스크램블'한다.
많은 밴드에는 컬러 가드나 댄스 라인, 마조레트와 같이 공연에 시각적 요소를 더하는 보조 부대들이 있다. 미국에서는 이러한 보조 부대들이 독립적인 그룹 (예: 윈터 가드)으로 공연하기도 한다. 군대 컬러 가드는 주로 남성이었지만, 밴드 컬러 가드는 주로 여성이며, 둘 다 혼성 그룹이 더 흔해지고 있다.
마칭 밴드는 일반적으로 한 명 이상의 드럼 메이저 (필드 지휘관이라고도 불린다)가 이끌며, 이들은 대개 밴드를 지휘 (때로는 큰 배턴 또는 직장을 사용하여)하는 역할을 담당하며 일반적으로 밴드의 리더로 불린다. 구두 명령, 박수, 호각과 같은 명령도 사용될 수 있다.
쇼 밴드 공연 요소.
다음 개요는 미국 마칭 밴드 전통에 중점을 둔다.
행진 기술.
글라이드 스텝.
글라이드 스텝은 일반적으로 롤 스텝이라고도 불리며, 발가락을 위로 향한 채 발뒤꿈치를 부드럽게 땅에 대고, 발을 들어 앞으로 나아가기 전에 발가락으로 굴러가는 동작이다. 뒤로 행진할 때는 발뒤꿈치를 들고 발볼에 계속 무게를 싣는다. 이 스타일은 마칭 밴드와 드럼 앤 뷰글 코어 모두에서 사용된다. 하이 스텝에 비해 이 스타일은 대형에 더 유동적인 모습을 부여하여, 더 어려운 대형과 다양한 음악 스타일에 대한 더 나은 통제를 가능하게 한다. 이러한 통제는 또한 훨씬 더 넓은 범위의 템포를 수행할 수 있는 능력을 가져온다. 롤 스텝을 제대로 실행하면 분당 40박자로 행진하는 연주자와 180박자로 행진하는 연주자가 동일한 부드러운 음색을 낼 수 있다. 롤 스텝은 상체에 대한 훨씬 더 나은 통제를 가능하게 하며, 따라서 연주에 필요한 호흡 지지에 대한 더 나은 통제를 가능하게 한다.
일부 밴드와 소수의 드럼 앤드 뷰글 코어는 무릎을 구부린 롤 스텝 변형을 사용하는데, 보통 단순히 벤트 니(bent knee)라고 불린다. 이 변형에서는 대원들이 발뒤꿈치에서 발가락으로 구르지만, 다음 발걸음을 발이 아닌 무릎으로 이끌고, 다리를 펴면서 다음 발의 발뒤꿈치를 디딘다.
하이 스텝.
하이 스텝은 많은 대학, 특히 HBCU (역사적으로 흑인 대학) 및 빅 텐 컨퍼런스 소속 밴드에서 사용하는 행진 스타일이다. 하이 스텝에는 네 가지 주요 하위 변형이 사용된다.
이러한 행진 스타일의 필수적인 부분은 스톱 액션으로 알려져 있으며, 이는 각 단계의 정점에서 모든 움직임이 일시적으로 멈춘다는 것을 의미한다. 이는 밴드에게 많은 체력을 요구하지만 시각적으로 효과적이다. 하이 스텝 행진은 종종 연주자의 몸이나 악기의 수평 스윙을 동반한다.
측면 행진.
밴드 멤버들이 한 방향으로 행진하면서 다른 방향으로 소리를 집중시키고 싶을 때, 허리에서 몸을 돌려 상체만 연주 방향을 향하게 할 수 있다. 이를 측면 행진(lateral marching)이라고 하지만, 일반적으로 시프팅(shifting), 트래버싱(traversing), 또는 슬라이딩(sliding)이라고 한다. 측면 행진은 행진 방향의 변경이 아니라 상체가 향하는 방향의 변경일 뿐이다. 큰 드럼 하네스로 인해 몸통을 비틀기 어려운 타악기 연주자들과 때로는 튜바 및 수자폰 연주자들은 옆으로 이동할 때 대신 게걸음(crab step)을 사용한다. 게걸음 중에는 연주자가 한 발을 다른 발 위로 교차하여 발가락으로 걷거나 발을 옆으로 굴린다. 타악기 연주자들은 악기가 하이 스텝 수행에 방해가 될 경우 롤 스텝으로 대체할 수도 있다.
방향 전환.
새로운 방향으로 발이 움직이는 진정한 방향 전환은 준비 스텝(prep step) 또는 피벗(pivot)을 필요로 하며, 둘 다 때로는 플랭크(flank) 또는 "스탭(stab)"이라고도 불린다. 준비 스텝을 수행하려면, 첫 번째 방향으로의 마지막 이동 박자에 행진자가 원하는 회전 각도의 절반만큼 뒤꿈치를 바깥쪽으로 돌린 채 발을 디디고, 상체는 여전히 앞으로 향하게 한다. 다음 박자에 다른 발이 제자리로 착지하면서 회전을 완료한다. 상체는 하체와 함께 회전할 수도 있고 하지 않을 수도 있다. 일부 밴드는 발가락 대신 뒤꿈치를 준비 스텝으로 디디지만, 발의 각도는 유지한다. 피벗을 수행하려면, 행진자가 준비 스텝을 사용하는 대신 마지막 박자에 발볼 위에서 방향 사이를 피벗한다.
후진 행진.
밴드가 소리를 내는 방향과 반대 방향으로 이동하기를 원할 때 후진 행진이 사용될 수 있다. 후진 행진에는 여러 가지 방법이 있는데, 그 중 하나는 뒤로 걷는 것으로, 각 발을 땅에 디디고 발가락에서 뒤꿈치로 구르는 것이다 (롤 스텝의 정확히 반대). 또 다른 변형은 발의 플랫폼으로 행진하면서 움직이는 발의 발가락을 땅에 끄는 것이다. 후진 행진은 일반적으로 전진 행진과 동일한 다리 곧음 선호를 사용한다 (밴드가 전진 행진 시 다리를 완전히 곧게 펴고 행진한다면, 후진 행진 시에도 스타일의 통일성을 유지하기 위해 그렇게 한다). 대형이나 필드 표시와 자신을 정렬하기 위해 주변 시야를 사용하는 것은 후진 행진 시 훨씬 더 중요하다.
제자리 걸음.
밴드가 움직이지 않을 때, 대원들은 제자리 걸음을 하거나 제자리에서 행진할 수 있다. 사용되는 스텝은 일반적으로 앞으로 행진할 때 사용하는 스텝과 유사하지만, 하이 스텝 제자리 걸음과 롤 스텝 행진 (또는 그 반대)을 혼합하면 흥미로운 시각적 효과를 낼 수 있다. 일반적인 제자리 걸음의 경우, 발은 반대쪽 다리의 발목 뼈까지 들어 올려진다. 발가락은 땅에서 떨어지지 않아야 하며, 무릎은 여전히 곧게 뻗은 다리를 크게 넘어서지 않아야 한다.
일부 밴드는 발을 무릎까지 들어 올리는 하이마크 타임으로 제자리 걸음을 한다. 일부 밴드는 콘서트 아치 동안 발가락을 땅에서 떼어 움직이는 사람이 정지한 상태에서도 더 큰 행진감을 느끼도록 연습한다. 뒤꿈치는 박자에 맞춰 땅에 닿아야 한다. 전통적으로 드럼라인은 발을 V자 모양으로 놓고 제자리 걸음 동안 양발을 몇 인치 완전히 땅에서 들어 올렸다. 이는 드럼을 다리로 치는 것을 피하기 위함이다. 또한 일부 밴드는 제자리 걸음을 포기하고 행진하지 않을 때는 완전히 정지한다.
발맞춰 걷기.
제자리 걸음을 할 때에도 모든 밴드 멤버들이 발맞춰 걷는 것, 즉 동시에 같은 발을 내딛는 것이 좋은 자세로 간주된다. 대다수의 밴드는 왼발부터 출발하거나 행진을 시작한다. 밴드가 음악을 연주할 때나 드럼이 행진 박자를 연주할 때 발맞춰 걷는 것이 일반적으로 더 쉽다.
밴드와 타악기가 연주하지 않을 때는 다양한 방법으로 리듬을 유지할 수 있다. 드러머는 탭이나 림 샷을 연주할 수 있고, 드럼 메이저는 박수를 치거나 우드 블록을 사용할 수 있으며, 드럼 메이저나 밴드 멤버는 "히트", "헛", "덧"과 같은 날카로운 음절을 발성하거나, 밴드 멤버는 군대 구호인 "왼쪽, 왼쪽, 왼쪽, 오른쪽, 왼쪽"을 외칠 수 있다. 밴드 멤버들은 전체 밴드를 함께 유지하기 위해 동작의 스텝을 소리 내어 셀 수 있다. 일반적으로 대부분의 행진 밴드 음악이 짝수 박자표이기 때문에 대부분의 동작은 2 또는 4의 배수인 스텝으로 구성된다. 짝수 박자표는 왼발에 홀수 박자를, 오른발에 짝수 박자를 할당하여 발맞춰 걷는 데 도움이 된다. 예를 들어, 밴드 멤버가 잘못된 발을 딛고 있을 경우, 즉 오른발에 홀수, 왼발에 짝수를 딛고 있을 경우, 이를 발이 맞지 않는다고 한다. 밴드 멤버가 완전히 템포를 벗어났을 경우, 이를 위상(out of phase)이 맞지 않는다고 한다.
행진 행렬.
행진에서 밴드는 보통 열과 대오로 구성된 행진 대형(블록)으로 줄을 선다. 각 대원은 주어진 열과 대오 내에 머물면서 옆에 있는 음악가들과 일정한 간격을 유지하려고 노력한다. 각 열의 끝과 각 대오의 앞에 있는 사람들이 정확한 위치에 있는 것이 전통적으로 책임이며, 이를 통해 다른 밴드 대원들이 그들을 기준으로 삼아 길을 잡을 수 있다.
밴드 대원들은 행진 시 일정한 보폭 또는 보폭 크기를 유지하려고 노력한다. 보폭 크기는 일반적으로 보폭당 22에서 30 인치 (56–76 cm) 사이로 다양하다. 22.5인치의 보폭 크기는 행진자가 8보에 5 야드 (약 4.6 미터)를 이동하기 때문에 8-대-5 스텝이라고 불린다. 30인치의 보폭 크기는 6보에 5야드를 이동하기 때문에 6-대-5 스텝이라고 불린다. 미식축구 경기장의 야드 라인이 5야드 간격이기 때문에, 정확한 8-대-5 및 6-대-5 스텝은 필드 쇼에 가장 유용하다.
드럼 케이던스는 때때로 워크 비트(walk beat) 또는 스트리트 비트(street beat)라고 불리며, 밴드가 행진할 때 주로 연주되며, 종종 노래와 번갈아 가며 연주된다. 이는 밴드가 음악을 연주하지 않을 때 박자를 유지하는 일반적인 방법이다. 또는 홀수 박자에 드럼이나 림 샷을 주어 밴드의 발걸음을 맞출 수 있다. 노래와 케이던스 사이에는 일반적으로 밴드가 현재 박자에서 몇 번째 박자에 있는지 알려주기 위해 롤(roll)이 주어진다. 케이던스 템포는 그룹마다 다르다.
필드 행진.
필드 쇼 동안 음악을 연주하면서 밴드는 필드 위에서 드릴(drill)이라고 불리는 일련의 대형을 만드는데, 이 대형은 그림, 기하학적 모양, 곡선 디자인 또는 음악가 블록이 될 수 있으며, 때로는 특정 형태를 사용하지 않는 순수한 추상적 디자인일 수도 있다.
일반적으로 각 밴드 단원은 각 대형에서 할당된 위치를 갖는다. 많은 쇼 밴드와 대부분의 드럼 코어에서는 이러한 위치가 드릴 북 (점 책이라고도 함)이라는 휴대용 소책자에 그림으로 표시되어 있다. 드릴 북 또는 드릴 차트는 쇼의 각 세트에서 각 사람이 서 있는 위치를 보여준다. 드릴 차트에는 실제 미식축구 경기장과 같이 야드 라인과 해시가 포함되어 있어 밴드 단원들이 야드 라인과 해시에 대한 상대적인 위치를 알 수 있다. 한 대형에서 다음 대형으로 이동하는 방법은 여러 가지가 있다.
연주자들은 악기의 벨을 움직이는 방향으로 향하게 하거나, 모든 벨이 같은 방향을 향하도록 슬라이드(traverse라고도 함)할 수 있다. 또한 필드 중앙을 향하게 할 수도 있다. 음악에 맞춰 행진하는 밴드는 일반적으로 개인의 회전 방향을 동기화하고 대형 내에서 개인 간의 일정한 간격(간격)을 유지하려고 노력한다. 때때로 밴드는 음악의 역동성을 강조하기 위해 관객에게서 악기의 벨을 돌리기도 한다.
보조 장치도 시각적 효과를 더할 수 있다. 쇼의 테마나 연주되는 음악에 맞춰 필드에 배경막과 소품(스크림)을 사용할 수 있다. 코미디 쇼, 특히 대학 밴드의 경우, 아나운서가 노래 사이에 농담이나 재미있는 대본을 읽을 수 있다. 단어나 그림(또는 노래 자체)으로 된 대형이 개그의 결말 역할을 할 수 있다.
마칭 밴드의 각 음악가는 음파를 생성한다. 각 음악가에서 발생하는 음파는 음속으로 이동하며, 다른 음악가, 필드 지휘자 및 청중에게 약간 다른 시간에 도달한다. 음악가들 사이의 거리가 충분히 크면 청중은 음파가 것으로 인식할 수 있다. 일반적으로 이 경우 청중은 밴드의 한 부분이 다른 부분보다 약간 늦게 연주한다고 인식한다. 이러한 지연 효과는 비공식적으로 앙상블 티어(ensemble tear) 또는 위상(phasing)이라고 불린다 (동명의 음악 작곡 기법과 혼동하지 말 것).
많은 마칭 밴드는 미식축구 경기 동안 엔터테인먼트 역할을 하며, 이를 펩 밴드(pep band)라고도 부른다. 대학 및 고등학교 마칭 밴드의 경우 이것이 앙상블의 주된 목적이다. 내셔널 풋볼 리그의 두 팀은 공식 마칭 밴드를 지정하고 있는데, 바로 워싱턴 커맨더스와 볼티모어 레이븐스이다. 그 외에는 프로 수준에서 마칭 밴드는 흔하지 않다.
거의 모든 마칭 밴드 단원은 어떤 종류의 제복을 착용한다. 군사 스타일의 제복이 가장 일반적이지만, 일치하는 티셔츠와 반바지부터 정장까지 다양한 복장을 사용하는 밴드들도 있다. 학교나 단체의 이름, 상징 또는 색상이 일반적으로 제복에 적용된다. 제복은 또한 앞면과 뒷면에 상당히 다른 색상을 가질 수 있어서, 밴드 단원들이 갑자기 돌아서면 (플랭크), 관객들은 눈에 띄는 색상 변화를 볼 수 있다. 많은 아이비 리그 학교의 밴드 단원들은 공연할 때 재킷과 넥타이를 착용한다. 서던메소디스트 대학교 밴드는 각 경기의 전반과 후반 (하프타임 전에 교체)에 재킷, 조끼, 넥타이, 셔츠, 바지의 다른 조합을 착용하며, 행진 시즌 동안 의상이나 제복 조합을 반복하지 않는다. 알마 칼리지 킬티 마칭 밴드는 공식 알마 칼리지 타르탄으로 만든 킬트를 착용하는 것으로 유명하다.
밴드 제복의 구성 요소는 다양하다. 일반적인 디자인 요소로는 깃털 깃발이 달린 모자 (일반적으로 샤코, 피스 헬멧, 콤비네이션 캡 또는 기타 헬멧 스타일), 망토, 장갑, 계급 코드 및 기타 장식이 있다. USC 스피릿 오브 트로이 마칭 밴드와 트로이 대학교의 사운드 오브 더 사우스 마칭 밴드는 전통적인 트로이 헬멧을 착용한다. 또한 밴드 제복에는 다리 아래로 줄무늬가 있고 밝은 색상의 신발이나 어두운 신발 위에 스패츠를 착용하여 행진할 때 다리 움직임을 강조하는 것이 일반적이다. 마찬가지로 제복에는 상체 움직임을 강조하는 추가 구성 요소가 포함될 수 있는데, 예를 들어 미네소타 대학교 마칭 밴드가 필드에서 측면 이동을 강조하기 위해 착용하는 "날개"가 있다. 그러나 경쟁 밴드들은 종종 통일된 제복, 특히 바지와 신발 (대개 흰색 또는 검은색)을 선택하여 멀리서 볼 때 발이 맞지 않는 멤버들의 시각적 효과를 숨긴다. 때때로 밴드는 전통적인 제복을 포기하고 필드 쇼의 테마에 맞는 의상을 선호하기도 한다. 의상은 밴드 전체에 통일되지 않을 수도 있다. 이러한 종류의 특수 제복 변경은 일반적으로 경쟁 마칭 밴드에만 국한된다.
드럼 메이저, 즉 필드 지휘관과 밴드 지휘자는 일반적으로 일반 밴드 제복을 입지 않아 나머지 밴드와 더 잘 구분된다. 일부는 더 격식 있는 의상이나 음악 테마에 맞는 의상을 입거나, 가장 흔하게는 일반 밴드 제복의 다른 디자인 버전을 입는데, 종종 다른 색상(특히 흰색)이나 망토와 같은 특징을 사용한다. 일부(특히 대학 수준)는 여전히 키가 큰 양모 안감 샤코나 훨씬 더 큰 곰 가죽 모자(둘 다 종종 경멸적으로 "면봉 모자"라고 불린다)를 사용한다. 수자폰 연주자들은 군사 스타일의 베레모를 사용하거나 아예 모자를 쓰지 않을 수도 있는데, 대부분의 모자가 벨에 방해가 될 수 있기 때문이다. 일부 보조 그룹은 체조 의상과 유사한 제복을 사용한다. 종종 이러한 제복은 음악에서 영감을 받아 테마를 이룬다. 많은 보조 그룹은 밴드의 필요에 따라 시즌마다 착용하는 의상을 바꾸지만, 일부는 퍼레이드나 다른 행사와 같은 경우를 위한 "기본" 제복을 가지고 있기도 하다.
밴드는 음악성, 통일성, 시각적 효과, 예술적 해석, 음악과 대형의 난이도와 같은 기준으로 경쟁할 수 있다. 경쟁은 모든 수준에서 존재하지만, 미국에서는 중등 학교 밴드와 드럼 앤 뷰글 코어 사이에서 가장 흔하다. 밴즈 오브 아메리카(BOA) 그랜드 내셔널 챔피언십과 같은 전국 규모의 대회도 있다.
경쟁 마칭 밴드는 그 합법성이 종종 의문시되지만, 육체적 노력과 팀워크가 결합되어 필요하다는 점에서 때때로 스포츠로 간주되기도 한다. 많은 HBCU 마칭 밴드 팬들은 마칭 밴드를 마칭 스포츠라고 부른다. 스포츠 일러스트레이티드는 1987년에 이 활동을 스포츠로 간주하며, 드럼 코어 인터내셔널 세계 선수권 대회를 "여름의 가장 큰 스포츠 행사 중 하나"라고 묘사했다. 같은 기사에서 보비 나이트 농구 코치는 "농구 팀이 이 아이들만큼 열심히 훈련한다면 믿을 수 없을 것이다. 나는 선수들을 [드럼 코어 경기를 보러] 데려가서 그들이 얼마나 노력과 팀워크로 많은 것을 이룰 수 있는지 보여주는 것을 좋아한다. 게다가, 그들이 하루에 12시간씩 연습하는 것을 보면, 내 선수들은 내가 훨씬 더 쉽다고 생각할 것이다."라고 말했다.
2009년 미국 스포츠 의학 대학 연례 회의에서 에이번 고등학교 마칭 블랙 앤 골드 멤버들을 연구한 연구자이자 운동 생리학자인 게리 그라나타(Gary Granata)는 "마칭 밴드와 드럼 코어의 최고 수준에서는 디비전 1 운동 프로그램과 동등한 수준의 경쟁과 운동 능력을 얻을 수 있다"고 지적하며 연구 결과를 발표했다. 그라나타는 또한 "연주자들은 40파운드에 달하는 악기를 연주하면서 분당 180보 이상의 속도로 끊임없이 움직이고 종종 달린다"고 지적했다.
연주자들의 신진대사율은 마라톤 중반의 마라톤 주자들과 일치했으며, 심박수는 "400m 또는 800m 달리기"를 하는 사람과 더 비슷했다.
공연 스타일은 전통적인 블록 행진부터 진화하는 대형 패턴을 가진 정교한 연출까지 다양하다.
WAMSB (World Association of Marching Show Bands)는 전 세계에서 많은 대회를 개최하는 국제 조직이다. 세계 선수권 대회는 매년 여름 다른 나라에서 열린다. 과거 개최국으로는 캐나다, 브라질, 일본, 말레이시아, 덴마크, 독일, 이탈리아, 호주가 있다. WAMSB 승인 행사는 32개국에서 개최된다.
미국에는 밴드가 경쟁할 수 있는 두 개의 전국 대회 서킷이 있다: 밴즈 오브 아메리카와 미국 학술 밴드 협회(USSBA, 흔히 USBands라고 불림)이며, 700개가 넘는 고등학교 밴드가 비슷한 규모와 재능을 가진 밴드들과 함께 가을 시즌 동안 경쟁한다. 각 대회에는 약 40명의 전문 심사위원이 쇼의 프로그램과 디자인에 대한 피드백을 제공한다. 시즌이 끝나면 상위 50개 밴드가 대학 또는 프로 경기장에서 개최되는 미국 학술 밴드 챔피언십에 참가하도록 초대된다.
미국 42대 대통령인 빌 클린턴은 고등학교 시절 마칭 밴드 멤버였다. 그는 아칸소주의 핫 스프링스 고등학교에 다녔고 색소폰 연주자로 활동하다가 나중에 밴드의 드럼 메이저를 맡았다. 그는 마칭 밴드 멤버였던 유일한 미국 대통령이다.
캐나다의 대부분의 마칭 밴드는 캐나다 밴드 협회 또는 캐나다 대학에서 조직한다.
많은 밴드들이 여전히 영국 마칭 밴드의 전통을 유지하고 있지만, 대부분은 미국 밴드의 스타일도 채택하고 있다. 캐나다 군악대는 종종 민간 마칭 밴드와 연관되어 있다. 오늘날 존재하는 많은 민간 마칭 밴드, 예를 들어 오샤와 시민 밴드, 코버그 콘서트 밴드, 토론토 시그널스 밴드는 군사적 뿌리를 가지고 있으며 이전에는 캐나다 육군 밴드였다. 위에서 언급된 밴드의 경우, 그들의 혈통은 각각 온타리오 연대, 6대 노섬벌랜드 민병대, 2대 기갑 사단 통신 연대의 밴드와 공유된다. 20세기 초중반에 캐나다군은 드럼 앤 뷰글 코어를 유지했는데, 이들은 악기 구성과 조직 면에서 민간 마칭 밴드와 유사했다.
중화민국에서는 국립 마칭 밴드 협회가 국내 마칭 밴드의 주요 주최자이다. 현재 타이베이시 네이후구에 본부를 두고 있다. 타이베이 시립 제일여자고급중학은 현재 국내에서 가장 유명한 마칭 밴드 중 하나를 자랑한다.
말레이시아에 최초의 마칭 밴드가 도입된 것은 영국 식민지 시대였으며, 그 이후로 성장하고 중요성이 커졌다. 가장 흔한 밴드는 말레이시아군에서 발견되지만, 최근 몇 년 동안 쇼 밴드와 드럼 코어의 수가 증가하고 있다. 비록 교육부가 대부분의 학교 마칭 밴드를 조직하지만, 다른 조직들도 지역 마칭 밴드를 조직하기 위해 지속적인 노력을 기울여왔다.
러시아에는 학교나 지역 마칭 밴드가 많지 않고, 대부분 정부가 후원하는 군대 및 경찰 밴드와 여러 지방 정부가 운영하는 밴드가 있다. 러시아 연방군의 마칭 밴드는 러시아 국방부의 러시아군 군악대 서비스가 조직한다. 마르쉬루유시치 오르케스트르(Marshiruyushchiy orkestr, 러시아어로 '행진 오케스트라'라는 뜻의 Марширующий оркестр를 느슨하게 번역한 것)로도 알려진 러시아의 유명한 마칭 밴드로는 모스크바 군사 음악 대학의 밴드와 드럼 코어가 있으며, 이 사관생도들은 매년 붉은 광장에서 열리는 승리의 날 퍼레이드의 선두를 장식하는 것으로 유명하다. 이러한 유형의 밴드는 소련이 해체된 1991년 이후에야 존재하게 되었다. 소련 시대에는 민간 마칭 밴드가 극히 드물었으며, 유일한 비군사 밴드 중 하나가 1930년대 후반과 1940년대 초반에 모스크바 수도에서 열린 전국 스포츠의 날 퍼레이드에 고용되었다. 다른 러시아 마칭 밴드로는 러시아 국방부 여학생 기숙 학교의 드러머 그룹과 모스크바 및 지구 파이프 밴드가 있다. 이 나라는 지난 70년 동안 모스크바의 스파스카야 타워 군악제 및 타투와 하바롭스크의 아무르 웨이브 국제 군악대 페스티벌을 포함한 많은 마칭 밴드 타투를 개최했다.
싱가포르 경찰대 밴드와 싱가포르군 밴드의 전통은 곧 싱가포르 마칭 밴드 전통의 창설에 영감을 주었다. 1960년대까지 학교 및 대학 마칭 밴드, 드럼 코어 및 드럼 앤 뷰글 코어 (후자는 사관학교 부대에서)가 흔해지기 시작했으며, 군대 패턴과 영국 및 말라야 (이후 말레이시아)의 선례를 따르는 청소년 제복 조직 및 대학 밴드도 마찬가지였다. 인민협회는 1965-66년에 전용 마칭 밴드를 결성한 최초의 민간 조직이 되었고, 교육부는 밴드 강사들로 구성된 교사 밴드로 뒤를 이었다. 오늘날 교육부는 싱가포르 내의 학교, 대학, 대학교 및 폴리테크닉 밴드를 총괄적으로 통제하며, 두 개의 전용 사관학교 밴드를 두고 있다.
싱가포르에서 가장 오래된 고등학교 마칭 밴드 중 일부는 래플스 기관, 세인트 조셉 기관, 빅토리아 스쿨, 부킷 판장 정부 고등학교 및 앵글로-차이니즈 스쿨 출신이다.
싱가포르 경찰대는 1960년대 후반에 모두 창설된 여성 경찰, 싱가포르 경찰대, 구르카 분견대 파이프 밴드라는 세 개의 제복 파이프 밴드를 보유하고 있다. 민간 파이프 밴드는 이전에 인민협회, 소년단 및 싱가포르 항만청에 존재했다.
음악에서 모노디(monody)는 단일 선율 라인과 기악 반주를 특징으로 하는 독창 양식을 말한다. 이러한 음악은 역사적으로 다양한 문화권에서 발견되지만, 이 용어는 특히 17세기 초, 대략 1600년부터 1640년까지의 이탈리아 노래에 적용된다. 이 용어는 양식과 개별 노래 모두에 사용된다(따라서 모노디 전체와 특정 모노디 모두에 대해 말할 수 있다). 이 용어 자체는 학자들의 최근 발명품이다. 17세기의 어떤 작곡가도 자신의 작품을 모노디라고 부르지 않았다. 모노디 형식의 작곡은 마드리갈, 모테트, 또는 심지어 협주곡(초기 콘체르타토 양식의 의미, 즉 "악기와 함께")이라고 불릴 수 있었다.
시에서 모노디라는 용어는 한 사람이 다른 사람의 죽음을 애도하는 시를 지칭하는 것으로 전문화되었다. (고대 그리스 문학의 맥락에서 모노디()는 단순히 합창단이 아닌 단일 연주자가 부르는 서정시를 의미할 수 있었다.)
1580년대 카메라타의 고대 그리스의 선율과 낭송 관행을 복원하려는 시도(아마도 역사적 정확성은 거의 없었을 것이다)에서 발전한 음악 모노디는 하나의 독창 목소리가 리듬적으로 독립적인 베이스 라인 위에서 상당한 꾸밈음과 함께 선율 부분을 노래한다. 반주 악기로는 류트, 키타로네, 테오르보, 하프시코드, 오르간, 그리고 가끔 기타도 사용될 수 있었다. 일부 모노디는 16세기 말, 특히 베네치아 악파에서 흔했던 대규모 앙상블 음악을 소규모 편성으로 편곡한 것이었지만, 대부분의 모노디는 독립적으로 작곡되었다. 모노디의 발전은 후기 르네상스 음악 양식과 달리 독립적으로 노래하고 파트 간의 균형이 더 중요했던 것과 대조적으로 초기 바로크 음악 관행의 특징 중 하나였다.
모노디의 대조적인 부분들은 대부분 선율적이거나 대부분 낭송적일 수 있었으며, 이 두 가지 표현 양식은 각각 아리아와 레치타티보로 발전했고, 이 둘은 1635년경 칸타타에 통합되었다.
프랑스에서 반주가 있는 독창곡의 병행 발전은 에르 드 쿠르라고 불렸다. 그러나 모노디라는 용어는 르네상스 샹송의 많은 음악적 특성을 유지했던 이러한 더 보수적인 노래에는 일반적으로 적용되지 않는다.
모노디에 대한 중요한 초기 논문은 줄리오 카치니의 가곡집 신음악(피렌체, 1601년)에 포함되어 있다.
스틸 스트링 통기타 또는 스틸 스트링 어쿠스틱 기타(steel-string acoustic guitar)는 거트 현 로맨틱 기타에서 파생된 현대적인 형태의 기타이다. 더 밝고 큰 소리를 위해 스틸 현을 사용한다. 현대 클래식 기타와 마찬가지로 단순히 통기타 또는 포크 기타라고도 불린다.
가장 일반적인 유형은 특수 아치탑 기타 및 기타 변형과 구별하기 위해 플랫탑 기타라고 불린다.
통기타의 표준 튜닝은 E-A-D-G-B-E (낮은 음부터 높은 음까지)이지만, 많은 연주자들, 특히 핑거 피킹 연주자들은 대체 튜닝을 사용한다. 예를 들어 오픈 G (D-G-D-G-B-D), 오픈 D (D-A-D-F-A-D), 드롭 D (D-A-D-G-B-E), 또는 D-A-D-G-A-D (특히 아일랜드 전통 음악에서).
스틸 스트링 기타는 구조와 재료가 다양하다. 다른 목재와 브레이싱 접근 방식은 악기의 음색에 영향을 미친다. 과학적 증거는 거의 없지만, 많은 연주자들과 루시어들은 잘 만들어진 기타의 음색이 시간이 지남에 따라 향상된다고 믿는다. 그들은 헤미셀룰로오스 함량 감소, 셀룰로오스 결정화, 시간이 지남에 따른 리그닌의 변화가 모두 목재의 공명 특성을 향상시킨다고 이론화한다.
스틸 스트링 통기타는 크기, 깊이 및 비율이 다른 여러 바디 유형으로 일반적으로 제작된다. 일반적으로 기타의 사운드박스는 두 개의 결합된 챔버로 구성된다고 볼 수 있다: 바디의 넥 끝에 있는 상부 바우트 (바우트는 악기 바디의 둥근 모서리)와 하부 바우트 (브릿지 끝). 이들은 사운드홀 근처의 바디 면에서 가장 좁은 부분인 허리에서 만난다. 이 두 부분의 비율과 전체 크기는 특정 바디 스타일의 전체적인 음색 균형과 "고유한 소리"를 결정하는 데 도움이 된다. 바디가 클수록 소리가 더 커진다.
이러한 바디 유형 중 어느 것이든 컷어웨이를 포함할 수 있으며, 이 부분에서는 넥 아래 상부 바우트의 일부가 깎여 나간다. 이는 사운드박스 상단에 위치한 프렛에 더 쉽게 접근할 수 있게 해주지만, 사운드박스 볼륨 감소 및 브레이싱 변경이라는 단점이 있어 악기의 공명 특성과 결과적인 음색에 영향을 미칠 수 있다.
이러한 비교적 전통적인 외관과 구조를 가진 악기들은 일반적으로 플랫탑 기타라고 불린다. 모두 록, 블루스, 컨트리, 포크를 포함한 인기 있는 음악 장르에서 일반적으로 사용된다.
일반적으로 더 구체적인 장르에서 중간 정도의 인기를 누리는 다른 스타일의 기타는 다음과 같다:
음향 목재.
전통적으로 스틸 스트링 기타는 다양한 음향 목재 또는 악기 제작에 사용될 때 만족스러운 공명 특성을 가진다고 여겨지는 목재의 조합으로 만들어졌다. 이 용어는 명확하게 정의되지 않았으며 음향 목재로 간주되는 목재 종은 역사를 통해 진화해 왔다. 스틸 스트링 기타 상판 제작에 가장 중요한 것은 가장 흔한 싯카 스프루스와 알파인 및 아디론댁 스프루스이다. 특정 기타의 후판과 측판은 일반적으로 같은 목재로 만들어진다. 브라질리언 로즈우드, 동인도 로즈우드, 온두라스 마호가니는 전통적인 선택이지만, 메이플은 특정 방식으로 절단될 때 (예: 플레임 및 퀼트 패턴) 볼 수 있는 무늬 때문에 높이 평가되어 왔다. 인기를 얻고 있는 흔하지 않은 목재는 사펠레인데, 마호가니와 음색이 비슷하지만 색상이 약간 더 밝고 시각적으로 매력적인 깊은 나뭇결 구조를 가지고 있다.
고품질 전통 음향 목재의 가용성 감소와 가격 상승으로 인해 많은 제조업체들은 대체 목재 종이나 표준 종의 더 흔하게 구할 수 있는 변형을 실험하기 시작했다. 예를 들어, 일부 제조업체는 레드 시더 또는 마호가니 상판, 또는 싯카 이외의 스프루스 변형으로 모델을 생산하기 시작했다. 시더는 후판과 측판에도 흔히 사용되며, 배스우드도 마찬가지다. 특히 동아시아에서 만들어진 보급형 모델은 마호가니와 음색이 유사하지만 저렴하게 구할 수 있는 나토 목재를 자주 사용한다. 일부는 플라스틱이나 흑연과 같은 비목재 재료도 사용하기 시작했다. 탄소 섬유 및 페놀 수지 복합 재료는 넥 제작에 바람직하게 되었고, 일부 고급 루시어들은 완전 탄소 섬유 기타를 생산한다.
스틸 스트링 통기타는 거트 현 로맨틱 기타에서 진화했으며, 스틸 현은 장력이 더 높기 때문에 전반적으로 더 무거운 구조가 필요하다. 한 가지 혁신은 넥에 통합되어 강도를 높이고 현의 장력에 대한 조절 가능한 역장력을 제공하는 트러스 로드라는 금속 막대이다. 일반적으로 스틸 스트링 통기타는 표준 클래식 기타보다 더 큰 사운드박스로 제작된다. 통기타의 중요한 구조적 및 음색적 구성 요소는 후판과 상판 내부에 접착된 지지대 시스템인 브레이싱이다. 스틸 스트링 기타는 클래식 기타와 다른 브레이싱 시스템을 사용하며, 일반적으로 팬 브레이싱 대신 X-브레이싱을 사용한다. (브레이스가 악기 너비 전체에 걸쳐 배치되는 사다리 브레이싱이라는 또 다른 간단한 시스템은 모든 유형의 플랫탑 기타의 후판에 사용된다.) 브레이싱 설계의 혁신이 나타났는데, 특히 영국의 루시어 Fylde Guitars의 로저 버크널이 개발한 A-브레이스가 유명하다.
대부분의 루시어들과 숙련된 연주자들은 좋은 솔리드 상판 (적층 또는 합판과 반대되는)이 기타의 음색에 가장 중요한 요소라고 동의한다. 솔리드 후판과 측판도 좋은 소리에 기여할 수 있지만, 적층 측판과 후판은 일반적으로 중급 기타 (미화 300달러 ~ 1000달러 범위)에서 발견되는 허용 가능한 대안이다.
1960년대부터 1980년대까지, "통기타의 디자인과 구조에서 가장 중요한 발전"은 오베이션 기타 컴퍼니에 의해 이루어졌다. 이 회사는 전통 기타의 사각형 후판과 측판을 대체하는 복합 라운드백 보울을 도입했다. 엔지니어링 설계 덕분에 오베이션 기타는 이전에 통기타를 괴롭혔던 불쾌한 피드백을 발생시키지 않고도 증폭될 수 있었다. 오베이션은 또한 픽업 시스템과 전자 튜너와 같은 전자 기술을 개척했다.
스틸 스트링 기타는 세 가지 기술 중 하나를 사용하여 될 수 있다.
마지막 유형의 기타는 일반적으로 일렉트릭 어쿠스틱 기타라고 불리는데, 어쿠스틱처럼 "언플러그드"로 연주하거나 일렉트릭처럼 플러그를 꽂아 연주할 수 있기 때문이다. 가장 일반적인 유형은 얇은 석영 결정 샌드위치로 구성된 피에조 픽업이다. 압축되면 결정이 작은 전류를 생성하므로 브릿지 새들 아래에 놓으면 새들을 통한 현의 진동과 악기 바디의 진동이 약한 전기 신호로 변환된다. 이 신호는 종종 신호 강도를 높이고 일반적으로 이퀄라이저를 통합하는 프리앰프로 전송된다. 프리앰프의 출력은 일렉 기타와 유사한 별도의 앰프 시스템으로 전달된다.
일부 제조업체는 왜곡되지 않고 전체 범위의 재생을 제공하도록 설계된 특수 통기타 앰프를 생산한다.
음악과 연주자.
1960년대까지 플랫탑 스틸 스트링 기타로 연주되는 음악의 지배적인 형태는 비교적 안정적이었으며, 어쿠스틱 블루스, 컨트리, 블루그래스, 포크, 그리고 여러 장르의 록을 포함했다. 콘서트 환경에서 솔로 스틸 스트링 기타를 연주하는 개념은 1960년대 초 데이비 그래햄과 존 파히와 같은 연주자들에 의해 도입되었으며, 이들은 컨트리 블루스 핑거 피킹 기술을 사용하여 유럽 고전 음악과 다소 유사한 구조를 가진 독창적인 작품을 작곡했다. 파히의 동시대 인물인 로비 바쇼는 인도 고전 음악의 요소를 추가했고, 레오 코트케는 파히 스타일의 접근 방식을 사용하여 최초의 솔로 스틸 스트링 기타 "히트" 음반을 만들었다.
스틸 스트링 기타는 클래런스 화이트, 토니 라이스, 브라이언 서튼, 독 왓슨, 데이비드 그리어와 같은 예술가들이 활용하는 플랫피킹의 세계에서도 중요하다. 루시어들은 이러한 연주자들을 위해 통기타를 재설계하는 실험을 해왔다. 이러한 플랫탑 스틸 스트링 기타는 코드 반주 (스트러밍)보다는 클래식과 유사한 핑거피킹을 위해 제작되고 음색이 조율된다. 일부 루시어들은 핑거스타일 연주자들의 요구에 점점 더 초점을 맞추고 이러한 연주 스타일에 맞는 독특한 기타를 개발했다.
다른 많은 루시어들은 C.F. 마틴 &amp; 컴퍼니의 "황금 시대" 기타를 재현하려고 시도한다. 이는 1968년부터 1972년까지 클래런스 화이트가 연주했던 기타를 제작한 로이 노블에 의해 시작되었고, 빌 콜링스, 마티 란햄, 데이나 부르주아, 랜디 루카스, 린 듀덴보스텔, 웨인 헨더슨이 뒤를 이었으며, 이들은 오늘날 빈티지 마틴, 특히 제2차 세계 대전 이전 모델에 영감을 받아 기타를 제작하는 루시어들 중 일부이다. 빈티지 마틴의 가격이 기하급수적으로 상승함에 따라, 고급 기타 애호가들은 충실한 재현을 요구했고 루시어들은 그 요구를 충족시키기 위해 노력하고 있다.
유절 형식(strophic form) 또는 절 반복 형식(verse-repeating form), 후렴 형식(chorus form), AAA 노래 형식 또는 일부분 노래 형식(one-part song form)은 텍스트의 모든 절이나 연이 동일한 음악에 맞춰 불리는 노래 구조이다. 대조적인 노래 형식으로는 각 연마다 새로운 음악이 작곡되는 통절 형식과 대조적인 중앙 부분이 있는 세도막 형식이 있다.
절은 그리스어 (스트로페, "돌다")에서 유래되었다. 이것은 가장 단순하고 견고한 악곡의 형식으로, 단일한 형식적 섹션의 반복을 통해 음악 작품을 확장한다. 이것은 "A A A..."로 분석될 수 있다. 이 추가적인 방법은 시나 가사에서 반복되는 연에 대한 음악적 유사어이며, 실제로 텍스트가 한 연 (시가)에서 다음 연으로 동일한 운율 체계를 반복할 때, 노래의 구조 또한 한 연에서 다음 연으로 동일하거나 매우 유사한 재료를 사용하는 경우가 많다.
변형된 유절 형식은 일부 연(A A' A"...)에서 패턴을 변경하며, 이는 기초적인 테마와 변주와 다소 유사하다. 대조적인 절-후렴 형식은 두 개의 음악 섹션(ABAB) 사이를 번갈아 가며 진행하는 두도막 형식이지만, 이것은 또한 더 큰 유절 절-후렴 형식으로 해석될 수도 있다. '후렴'과 '코러스'는 종종 같은 의미로 사용되지만, '후렴'은 ( "Blowin' in the Wind": "...내 친구여 답은..."에서처럼) 절의 일부로서 동일한 멜로디와 가사가 반복되는 줄을 나타낼 수 있는 반면, '코러스'는 ( "Yellow Submarine": "우리는 모두 살고 있다..."에서처럼) 독립적인 형식 섹션을 의미한다.
많은 민속 및 대중 노래는 12바 블루스, 발라드, 찬가, 찬트 등 유절 형식이다. 예로는 "바바라 앨런", "이리 운하", "마이클, 노를 저어라", "오! 수재나" (A = 절 &amp; 코러스) 등이 있다. "This land is your land"와 같은 전통 및 현대 컨트리 노래도 유절 형식이다.
많은 클래식 예술 가곡도 17세기 프랑스 궁정 아리아부터 19세기 독일 가곡 등에 이르기까지 유절 형식으로 작곡되었다. 하이든은 그의 많은 현악 사중주곡과 몇몇 교향곡에서 유절 변주 형식을 사용했으며, 거의 항상 느린 2악장에서 사용했다. 프란츠 슈베르트는 그의 "들장미"와 "어부"와 같이 서술적인 시와 더 단순한 민요풍 가사를 모두 포함하여 여러 중요한 유절 가곡을 작곡했다. 그의 연가곡 아름다운 물방앗간의 처녀의 여러 노래들이 유절 형식을 사용한다.
서양 음악 이론에서 종지(cadence)는 특히 16세기 이후의 음악에서 선율이나 화성이 완전하거나 부분적인 해결감을 주는 악구의 끝을 말한다. 화성 종지는 음악의 악구, 부분, 또는 악곡을 종결하는 두 개 이상의 화음의 진행이다. 리듬 종지는 악구의 끝을 나타내는 특징적인 리듬 패턴이다. 종지는 그것이 주는 종결감에 따라 "약함" 또는 "강함"으로 분류될 수 있다.
종지는 일반적으로 특정 화음이나 선율 진행으로 분류되지만, 그러한 진행을 사용한다고 해서 반드시 종지가 되는 것은 아니다. 악구의 끝에서와 같이 종결감이 있어야 한다. 화성 리듬은 종지가 발생하는 위치를 결정하는 데 중요한 역할을 한다. "종지"라는 단어는 문맥에 따라 의미가 약간 달라지기도 한다. 예를 들어, 특정 악구의 마지막 몇 음을 지칭하거나, 단순히 그 악구의 마지막 화음을 지칭하거나, 일반적으로 악구의 끝에 적합한 화음 진행의 종류를 지칭하는 데 사용될 수 있다.
종지는 악절이나 악곡의 으뜸음 또는 중심 음높이의 강력한 지표이다. 음악학자 에드워드 로빈스키는 종지가 "조성의 요람"이라고 제안했다.
종지는 화성 진행에 따라 "정격" (보통 "완전 정격" 또는 "불완전 정격"), "반종지", "변격", "위장"의 네 가지 주요 유형으로 나뉜다. 일반적으로 악구는 정격 또는 반종지로 끝나며, "변격"과 "위장"이라는 용어는 악구의 끝 종지를 피하거나 따르는 움직임을 나타낸다. 각 종지는 로마 숫자 시스템을 사용하여 화음의 이름을 지정하여 설명할 수 있다.
정격 종지.
정격 종지는 딸림음 화음(V)에서 근음 화음(I)으로 가는 종지이다. 딸림음 화음 동안 딸림음 위에 7도를 추가하여 딸림7화음 (V7)을 만들 수 있다. 딸림음 화음은 또한 종지적 64 화음으로 선행될 수 있다. "하버드 음악 및 음악가 간결 사전"은 "이 종지는 조성 시스템의 축소판이며, 음높이를 으뜸음으로 확립하는 가장 직접적인 수단이다. 이는 조성 작품의 최종 구조적 종지로서 사실상 필수적이다"라고 말한다. 정격 종지는 일반적으로 "완전" 또는 "불완전"으로 분류된다. "완전 종지"라는 용어는 때때로 "정격 종지"의 동의어로 사용되지만, 화음 보이싱에 따라 더 정확한 의미를 가질 수도 있다.
완전 정격 종지.
완전 정격 종지(PAC)에서는 화음이 근음 위치에 있다. 즉, 두 화음의 근음이 모두 베이스에 있고, 으뜸음이 마지막 화음의 가장 높은 성부에 있다. 이는 일반적으로 가장 강력한 유형의 종지로 간주되며 구조적으로 중요한 순간에 자주 발견된다. 음악 이론가 윌리엄 캐플린은 완전 정격 종지가 "완전한 화성적, 선율적 종결을 달성한다"고 썼다.
불완전 정격 종지.
불완전 정격 종지(IAC)에는 세 가지 유형이 있다.
회피 종지.
회피 종지(전위 IAC의 하위 유형)는 딸림7화음의 3전위 (V)에서 1전위 으뜸음 화음 (I)으로 이동한다. 딸림화음의 7음이 으뜸화음의 3음으로 순차적으로 하행해야 하므로, 종지는 덜 안정적인 1전위 화음으로 해결될 수밖에 없다. 이를 달성하기 위해 근음 위치 V는 보통 해결 직전에 V로 변경되어, 일반적으로 근음 위치 V 뒤에 오는 근음 위치 I 화음을 "회피"한다. (아래 전위 종지도 참조.)
반종지.
반종지(imperfect cadence 또는 semicadence라고도 함)는 II(V의 V), ii, vi, IV 또는 I 등 어떤 화음이 선행하든 상관없이 V로 끝나는 모든 종지이다. 불완전하거나 보류된 느낌을 주기 때문에 반종지는 계속을 요구하는 약한 종지로 간주된다.
몇 가지 유형의 반종지는 아래에 설명되어 있다.
프리지아 반종지.
프리지아 반종지는 단조의 iv6–V 반종지로, 베이스의 반음계적 움직임(6도에서 5도로)이 프리지아 선법의 15세기 종지에서 ii–I의 반음계적 움직임과 유사하기 때문에 그렇게 이름 붙여졌다. 모달 르네상스 화성에서 살아남은 것이기 때문에 이 종지는 특히 v가 선행할 때(v–iv6–V) 고풍스러운 소리를 낸다. 바로크 음악의 특징적인 제스처인 프리지아 종지는 종종 느린 악장을 마무리하고 바로 이어서("아타카") 더 빠른 악장이 오곤 했다.
리디아 종지.
리디아 종지는 프리지아 반종지와 유사하며, 단조의 iv6–V를 포함한다. 차이점은 리디아 종지에서는 전체 iv6이 반음만큼 높아진다는 것이다. 즉, 프리지아 반종지는 4도 음계를 기반으로 하는 첫 화음으로 시작하는 반면, 리디아 반종지는 음계를 기반으로 한다.
부르고뉴 종지.
부르고뉴 종지는 부르고뉴 악파 음악에서 인기를 얻었다. 위 성부들 사이의 병행 4도에 주목하라.
변격 반종지.
드문 변격 반종지는 I–IV 진행을 포함한다. 정격 종지(V–I)와 마찬가지로 변격 반종지는 상행 4도(또는 전위에 의해 하행 5도)를 포함한다. 변격 반종지는 약한 종지로, 보통 선행 악구의 끝에 오며, 그 뒤에 후속 악구가 시작된다. 이 사용의 한 예는 "올드 랭 사인"에 있다. 그러나 요하네스 브람스의 클라리넷 삼중주, Op. 114의 1악장 전개부의 끝이라는 매우 특이한 경우에, 이는 단지 음악적 악구뿐만 아니라 악장의 전체 부분을 완성하는 데 사용된다.
변격 종지.
변격 종지는 IV에서 I로 가는 종지이다. 찬송가에서 "아멘"이라는 가사에 자주 사용되기 때문에 "아멘 종지"로도 알려져 있다.
윌리엄 캐플린은 고전 시대 음악에서 변격 종지의 존재에 대해 이의를 제기했지만, 19세기에 나타나기 시작한다.
IV-I 종지가 새로운 으뜸음조의 I 화음이 되고 이전 조의 I 화음이 전조된 조에서 딸림 화음이 되는 전조로 인식되는 경우 변격 종지는 I-V로 해석될 수 있다. (위 §반종지 및 2차 딸림음 참조.)
단조 변격 종지.