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《Arise》는 1991년 로드러너 레코드가 발매한 브라질의 헤비 메탈 밴드 세풀투라의 네 번째 스튜디오 음반이다. 발매와 동시에 이 음반은 《록 하드》, 《케랑!》, 《메탈 포스》와 같은 헤비 메탈 잡지로부터 최고의 평가를 받았다. 《Arise》는 오랜 팬들 사이에서 세풀투라의 최고의 시간으로 여겨진다. 《Arise》의 음악은 대부분 그들의 이전 음반인 《Beneath the Remains》와 동일한 데스/스래시 스타일이었지만, 세풀투라 사운드가 실험적인 우위를 얻고 있음이 분명했다.
이 음반은 인더스트리얼 음악, 하드코어 펑크, 라틴 타악기와 함께 그들의 첫 번째 침입을 보여주었다. 이 음반을 지원한 투어(1991년~1992년)는 당시 39개국에서 총 220회 공연으로 그룹의 최장 기간이었다. 이 트랙 동안 이 음반은 인도네시아에서 골드를 기록했는데, 이는 이 밴드의 첫 음악 판매량 인증이었다. 투어가 끝날 무렵, 《Arise》는 전 세계적으로 플래티넘 판매를 달성했다.
1990년 8월, 밴드는 음반 작업을 위해 플로리다주로 갔다. 스콧 번스는 프로듀서와 오디오 엔지니어로서의 역할을 반복했고, 세풀투라는 그들의 음악 스타일을 녹음할 수 있는 적절한 장비를 갖춘 그의 홈 스튜디오인 모리사운드 레코딩에 있었다. 그들의 레이블 로드러너는 40,000 달러의 예산을 승인했고, 이는 이 음반의 향상된 제작 가치를 설명하는 데 도움이 되었다. 예를 들어, 드러머 이고르 카발레라와 번스는 드럼 키트의 튜닝을 테스트하고 마이크 연습을 실험하는 데 일주일을 보냈다. 〈Troops of Doom〉의 재녹음은 첫 날에 이루어졌으나 결국 《Schizophrenia》 재발매로 발매되었다.
비록 리드 기타리스트 안드레아스 키세르는 《Arise》가 그들의 이전 음반 《Beather the Remains》와 "많은 같은 방향을 택했다"고 말했지만, 그들의 음악은 어떻게든 바뀌었음이 분명했다. 세풀투라의 평소 급박한 페이스는 약간 누그러졌고, 드러머 이고르 카발레라는 그루브가 가득한 리듬을 사용하기 시작했다. 메탈 전문가 돈 케이에 따르면, 이 음반은 "그들의 초기 데스/스래시 사운드를 논리적인 결론에 이르게 하는 밴드를 표현했다."
모든 곡들은 세풀투라에 의해 작사/작곡하였다.
《Asylum》은 1985년 9월 16일에 발매된 미국의 록 밴드 키스의 열세 번째 스튜디오 음반이다. 이 음반은 이전 음반 《Animalize》의 글램 메탈 사운드의 연속을 표시했다.
이 음반은 1985년 11월 미국 음반 산업 협회에 의해 골드 인증을 받았다.
《Asylum》은 리드 기타리스트 브루스 큘릭이 정식 밴드 멤버로 참여한 첫 번째 음반이다. 큘릭은 이전 음반 《Animalize》 (1984년)의 두 트랙에서 전 기타리스트 마크 세인트 존을 대신했는데, 이는 이전 음반 《Animalize》가 반응성 관절염으로 인해 불참한 시기였다. 그 후, 큘릭은 《Animalize》 투어의 대부분 부분에서 세인트 존의 자리를 채웠다. 폴 스탠리, 진 시몬스, 에릭 카, 큘릭으로 구성된 이 새로운 라인업은 1991년 11월 카가 사망할 때까지 지속되었고, 큘릭은 1996년 원래 라인업이 다시 합류할 때까지 밴드에 남아 있었다.
〈Love's a Dead Weapon〉은 플라스마틱스의 멤버 로드 스웬슨과 웨스 비치에게 공을 돌렸는데, 이는 그들의 밴드의 〈Party〉에서 많이 차용한 곡이다. 그러나 제목과 가사는 폴 스탠리가 1981년에 쓴 키스 데모에서 따온 것으로, 이 데모는 《Destroyer》 (1976년) 40주년 리마스터에서 공식적으로 발매되었다.
또 다른 플라스마틱스 멤버인 장 보부아르는 작곡가로 인정받고 있으며 적어도 두 곡의 베이스를 연주한다.
《At the Beeb》는 1989년 12월 4일에 발매된 퀸의 음반이다.
《Bananas》는 영국의 하드 록 밴드 딥 퍼플의 열일곱 번째 스튜디오 음반으로, 2003년 9월 9일, EMI 레코드를 통해, 10월 7일 미국의 생츄어리 레코드를 통해 발매되었다. 이 음반은 창립 멤버 존 로드의 후임으로 돈 에어리가 오르간과 키보드에 참여한 첫 번째 음반이다.
이 음반은 2003년 1월과 2월에 로스앤젤레스에서 녹음되었다. 이 음반은 또한 베스 하트가 피처링한 곡 〈Haunted〉와 함께 1972년 독일에서 열린 〈Woman from Tokyo〉의 수록곡에서 길런이 아닌 다른 백 보컬을 사용한 최초의 이언 길런의 프론트 딥 퍼플 음반으로도 유명하다. 이 음반에는 기타리스트 스티브 모스가 추락 소식을 듣고 쓴 컬럼비아 우주왕복선 우주 비행사들의 짧은 느린 레퀴엠인 〈Contact Lost〉가 포함되어 있다.
《Binaural》은 2000년 5월 16일, 에픽 레코드를 통해 발매된 미국의 록 밴드 펄 잼의 여섯 번째 스튜디오 음반이다. 이전 음반인 《Yield》 (1998년)를 지원하기 위해 본격적인 투어를 마친 후, 펄 잼은 1999년 말에 새 음반 작업을 시작하기 전에 잠시 휴식을 취했다. 음반 제작 과정에서 밴드는 가수 에디 베더의 작가의 폐색, 기타리스트 마이크 매크리디가 처방약 중독으로 재활에 들어가는 등의 장애를 겪었다. 이 음반은 1998년의 Yield Tour에서 잭 아이언스를 대체하기 위해 합류한 전 사운드가든 드러머 맷 캐머런이 참여한 펄 잼의 첫 번째 음반이다.
음반에 수록된 음악은 실험적인 사운드를 특징으로 하며, 바이노럴 레코딩 기법을 사용한 노래에서 분명하게 드러난다. 주로 사회적 비판을 다루는 침울한 가사가 특징인 분위기 있는 트랙은 밴드가 커버 아트에서 성운의 이미지로 이러한 주제를 전달하도록 이끌었다. 《Binaural》은 긍정적인 평가를 받았고, 빌보드 200에서 2위로 데뷔했다. 비록 이 음반은 미국 음반 산업 협회에 의해 골드 인증을 받았지만, 미국에서 플래티넘 지위에 도달하는 데 실패한 최초의 펄 잼 스튜디오 음반이 되었다. 이 음반의 2000년 투어는 많은 공식적인 해적판 발매를 했다.
《Yield》의 과정과 마찬가지로 밴드 멤버들은 함께 녹음 세션을 시작하기 전에 개별적으로 자료 작업을 했다. 리드 보컬리스트 에디 베더는 이 음반의 제작을 "건설 작업"이라고 불렀다. 《Binaural》은 브렌던 오브라이언이 프로듀싱하지 않은 밴드의 데뷔 이후 첫 번째 음반이었다. 스톤 고사드는 밴드가 "새로운 것을 시도할 때가 된 것 같다"며 "변화를 위한 준비가 되어 있다"고 말했다. 대신 밴드는 바이노럴 레코딩의 사용으로 유명한 프로듀서 채드 블레이크를 고용했다. 고사드는 어쿠스틱 〈Of the Girl〉과 같은 여러 트랙에서 마이크 두 개를 사용하여 스테레오를 내는 바이노럴 레코딩 기법을 사용했다. 이 음반은 드러머 잭 아이언스가 떠난 후 첫 펄 잼 스튜디오 음반이었으며, 이전에 펄 잼의 미국 Yield Tour에서 드럼을 쳤던 사운드가든의 드러머 맷 캐머런이 참여했다.
《Binaural》은 1999년 말과 2000년 초 워싱턴주 시애틀에서 기타리스트 스톤 고사드가 소유한 스튜디오 리토에서 녹음되었다. 이 음반은 처음에 블레이크와 함께 캘리포니아주 로스앤젤레스의 선셋 사운드 팩토리에서 혼합되었지만, 밴드는 혼합이 어떻게 이루어졌는지에 대해 불만을 나타냈다. 마이크 매크리디에 따르면 블레이크의 작업은 〈Nothing as It Seek〉와 같은 느린 곡들을 잘 보완했지만, 밴드가 더 무겁게 들리기를 원했던 다른 곡들과의 문제에 직면했다. 더 무거운 곡들을 위해, 이 그룹은 조지아주 애틀랜타의 서던 트랙스에 있는 그의 믹싱 시설에서 트랙을 리믹스한 전 프로듀서 오브라이언을 데려왔다. 오브라이언과 함께 이 음반의 최종 순서를 결정했다.
음반을 쓰고 녹음하는 동안 밴드는 몇 가지 장애물에 부딪혔다. 베더는 음반 작업을 하는 동안 작가의 폐색으로 인해 가사를 생각해 내는 것이 어려웠다고 인정했다. 이는 음반의 마지막에 등장하는 타자기의 소리로 구성된 히든 트랙 〈Writer's Block〉에 영감을 주었고, 트랙 〈Parting Ways〉에서 6분 50초에 시작한다. 베더는 〈Insignificance〉와 〈Grievance〉를 포함한 여러 곡의 음악을 작곡했지만, 곡의 가사를 생각하는 데 어려움을 겪었다. 그는 더 이상 음악을 쓰지 않기로 결심했고, 기타 연주를 금지하는 등 가사에만 집중하기로 했다. 더 이상 가사를 쓸 수 없게 된 베더는 우쿨렐레를 보고 "기타가 아니다"라고 생각했고 우쿨렐레를 사용하여 〈Soon Forget〉이라는 곡을 썼다. 기타리스트 마이크 매크리디는 처방약에 중독되어 치료를 받기 위해 재활에 들어갔다. 고사드는 매크리디의 부재와 캐머런과의 친숙함 때문에 "모두가 같은 생각이 아니었다"고 회상했다.
《Cannibal》는 2010년 11월 19일에 발매된 케샤의 음반이다. RCA 레코드에 의해 발매되었다.
《Carolus Rex》는 2012년 5월 25일에 발매된 사바톤의 음반이다. 뉴클리어 블래스트에 의해 발매되었다.
《Coat of Arms》는 2010년 5월 21일에 발매된 사바톤의 음반이다. 뉴클리어 블래스트에 의해 발매되었다.
《Communiqué》는 1979년 6월 5일에 버티고 레코드, 미국의 워너 브라더스 레코드, 캐나다의 머큐리 레코드가 발매한 영국의 록 밴드 다이어 스트레이츠의 두 번째 스튜디오 음반이다. 이 음반에는 빌보드 핫 100 차트에서 45위, 영국 싱글 차트에서 51위에 오른 싱글 〈Lady Writer〉가 수록되었다. 이 음반은 독일, 스페인, 뉴질랜드, 스웨덴의 음반 차트에서 1위를 차지했고, 미국에서는 11위, 영국에서는 5위에 올랐다. 이후 미국에서는 골드, 영국에서는 플래티넘, 프랑스에서는 더블 플래티넘 인증을 받았다.
이 음반은 데이비드 노플러가 피처링한 마지막 음반으로, 이후 그들의 다음 음반 제작 중에 밴드를 탈퇴할 것이며, 오리지널 라인업과 함께 마지막 음반이다.
1978년 11월 18일 히친에서 열린 투어가 끝난 후, 다이어 스트레이츠는 두 번째 음반 녹음 작업에 착수했다. 《Communiqué》의 녹음 세션은 1978년 11월 28일부터 12월 12일까지 바하마 나소에 있는 컴퍼스 포인트 스튜디오에서 열렸다. 이 음반은 1979년 1월 앨라배마주 머슬 숄스 사운드 스튜디오에서 믹싱되었다. 이 음반은 머슬 숄스 사운드 스튜디오의 베테랑 프로듀서인 제리 웩슬러와 배리 베켓이 프로듀싱했다. 베켓은 또한 음반의 9개의 트랙 중 일부에 키보드를 기여했다.
이 음반 커버는 호트하우스가 디자인했고, 앨런 슈미트가 감독을 맡았으며, 제프 할핀이 커버 아트를 그렸다.
1979년 《버밍엄 데일리 포스트》의 리뷰에서 조너선 다믈러포드는 이 곡을 "유능한 음반"이라고 불렀지만, "노래들은 창백한 모조품이나, 《Dire Straits》에게 충분하지 않은 컷처럼 들린다"고 썼다. 올뮤직에 대한 회고적 리뷰에서, 윌리엄 룰만은 두 번째 음반이 "전작의 덜 매력적인 소재를 가진 탄소 복사본에 지나지 않는 것 같다"고 쓰면서 5개의 별 중 2.5개를 음반에 주었다.
《Curtis》는 2007년 9월 11일에 발매된 50센트의 음반이다. 애프터매스 엔터테인먼트에 의해 발매되었다.
《David Gilmour》는 1978년 5월 26일에 발매된 영국의 프로그레시브록 밴드 핑크 플로이드의 기타리스트이자 공동 리드 보컬리스트인 데이비드 길모어의 데뷔 솔로 스튜디오 음반이다. 이 음반은 영국에서 17위, 빌보드 200 차트에서 29위에 올랐고, 미국 음반 산업 협회에 의해 미국에서 골드 인증을 받았다. 이 음반은 길모어가 프로듀싱했으며, 피아노가 지배하는 발라드 〈So Far Away〉를 제외하고 대부분 블루스와 기타 중심의 록 노래로 구성되어 있다.
제작 및 녹음.
음반에 사용된 트랙들은 1978년 2월과 3월 사이에 프랑스의 슈퍼 베어 스튜디오에서 엔지니어 존 에첼스와 함께 녹음되었다. 그리고 나서 닉 그리피스에 의해 같은 스튜디오에서 혼합되었다. 세션 음악가들에는 베이시스트 릭 윌스와 드러머 윌리 윌슨이 포함되었는데, 둘 다 길모어와 함께 조커스 와일드의 일부였다. 이 음반은 1978년 9월까지 발매되지는 않았지만 핑크 플로이드의 멤버 리처드 라이트가 그의 첫 번째 솔로 음반인 《Wet Dream》을 몇 주 전에 녹음했던 바로 그 스튜디오에서 녹음되었다.
음반의 첫 번째 EMI 프레스에 사용된 음반 커버는 힙노시스와 길모어가 작업했으며 커버 사진에는 길모어, 릭 윌스, 윌리 윌슨이 포함되어 있다. 길모어는 주로 기타리스트였지만 "키보드, 보컬"에 기여한 것으로 커버에 이름을 올렸다. CBS/컬럼비아 프레스(유럽 외 지역)는 길모어를 "기타, 키보드, 보컬"에 기여한 것으로 나열했다. 안쪽 소매에 묘사된 사람들 중에는 길모어의 당시 아내였던 진저가 있다.
《Demolation》은 영국의 헤비 메탈 밴드 주다스 프리스트의 열네 번째 스튜디오 음반이자 2000년대의 첫 번째 음반이다. 이 음반은 팀 오언스가 보컬로 참여한 두 번째이자 마지막 스튜디오 음반이다. 또한 〈Machine Man〉, 〈Hell Is Home〉, 〈Metal Messiah〉 등 불경스러운 내용을 담은 곡들로 인해 음반 커버에 Parental Advisory 라벨이 있는 유일한 주다스 프리스트 스튜디오 음반이기도 하다.
《Jugulator》에 대한 혼합된 긍정적인 반응에 이어, 밴드는 정확히 무엇이 잘못되었는지를 평가하기 위해 앞다퉈 노력했고, 팬들이 주다스 프리스트의 후면 카탈로그에 더 충실한 사운드를 선호한다고 결정했다. 결과적인 음반은 《Jugulator》 스타일의 리프, 80년대 주다스 프리스트에 대한 언급, 샘플, 다운튠 기타, 랩, 산업 스타일의 비트와 같은 누 메탈 추가의 혼합이 될 것이다. 표면적인 목적은 모든 가능한 팬들에게 무언가를 제공하는 것이었지만, 결국 이 음반은 대부분의 팬들에게 《Jugulator》보다 훨씬 낮은 평가를 받았고 결국 롭 핼퍼드와 "클래식" 라인업을 다시 만나게 될 것이다. 팀 오언스는 《Demolition》이 그 그룹과 함께 했던 그가 가장 좋아하는 음반이라고 말하며, 그것이 《Jugulator》보다 "더 나은 보컬과 더 많은 멜로디"를 가지고 있다고 주장했다.
2018년, 팀 오언스는 자신의 밴드 시대가 "지워졌다"고 느끼면서 이 음반과 이전 《Jugulator》를 재녹음하겠다고 약속했다. 롭 핼퍼드가 밴드에 다시 합류한 이후로, 비록 핼퍼드가 라이브로 곡을 연주하는 것을 꺼리지 않을 것이라고 말했음에도 불구하고, 두 음반의 곡들은 밴드의 콘서트 세트 목록에서 제외되었다.
《Destiny's Child》는 1998년 2월 17일에 발매된 데스티니스 차일드의 음반이다. 컬럼비아 레코드에 의해 발매되었다.
《Dirt》는 미국의 록 밴드 앨리스 인 체인스의 두 번째 스튜디오 음반으로, 1992년 9월 29일, 컬럼비아 레코드를 통해 발매되었다. 이 음반은 밴드의 네 명의 원년 멤버가 모두 참여한 마지막 작품으로, 베이시스트 마이크 스타는 음반 발매 이후 진행된 투어 도중인 1993년 1월에 해고되었다.
음반의 대부분 곡은 기타리스트 제리 캔트렐이 작곡하였으나, 보컬리스트 레인 스테일리가 처음으로 단독 작곡한 두 곡 〈Hate to Feel〉, 〈Angry Chair〉가 수록되었으며, 이 두 곡에서는 스테일리가 기타 연주도 맡았다. 수록곡 〈Iron Gland〉에는 슬레이어의 톰 아라야가 보컬로 참여하였다.
이 음반의 가사는 우울, 고통, 분노, 반사회적 성향, 인간관계, 마약 중독 (주로 헤로인), 전쟁, 죽음 등 감정적으로 격한 주제들을 다루고 있다.
《Dirt》의 녹음은 1992년 봄에 시작되었다. 프로듀서 데이브 저든은 밴드의 데뷔 음반 《Facelift》 작업에 참여한 이후 다시 한번 함께 작업하기를 원했고, 레인 스테일리의 가사와 목소리, 제리 캔트렐의 기타 리프를 높이 평가했다. 수록곡 〈Would?〉는 본 음반 제작에 앞서 릭 파라샤가 프로듀싱, 엔지니어링, 믹싱을 맡아 녹음되었으며, 1992년 영화 《클럽 싱글즈》의 사운드트랙에 먼저 수록되었다. 《Dirt》는 1992년 4월부터 7월까지 버뱅크의 엘도라도 레코딩 스튜디오, 시애틀의 런던 브리지 스튜디오, 로스앤젤레스의 원 온 원 스튜디오에서 녹음되었다.
《Dirt》는 무장하지 않은 흑인 운전자 로드니 킹을 구타한 장면이 카메라에 찍힌 사건과 관련해, 4명의 LAPD 경찰관이 무죄 판결을 받은 뒤 발생한 로스앤젤레스 폭동 동안 녹음되었다. 폭동은 녹음 첫날에 시작되었다. 밴드는 사건에 대한 평결이 발표되는 것을 TV로 보고 있었다. 캔트렐은 맥주를 사러 가게에 갔을 때 한 남자가 들어와 약탈을 시작하는 것을 보았다. 캔트렐은 또한 교통 체증에 갇힌 채 사람들이 서로를 차에서 끌어내 구타하는 장면도 목격했다. 밴드는 경찰의 폭력에 항의해 LA 시민들이 시위하는 와중에 다치지 않고 도시를 빠져나가려 했다. 그들은 슬레이어의 보컬리스트 톰 아라야를 데리고 조슈아트리 사막으로 가서 4~5일 정도 머물렀고, 상황이 진정되자 다시 스튜디오로 돌아와 음반 녹음을 시작했다.
1992년 9월, 발매 당시 《Dirt》는 빌보드 200 차트에서 최고 6위에 올랐으며, 102주 동안 차트에 머물렀고, 1994년 9월 24일에는 196위로 마감되었다. 《Dirt》는 앨리스 인 체인스에게 국제적인 인지도를 가져다주었으며, 이 음반은 미국에서 5배 플래티넘, 캐나다에서 플래티넘, 영국에서 골드 인증을 받았다. 2008년 기준으로, 이 음반은 미국에서 3,358,000장이 판매되었다. 리마스터된 재발매반은 2009년 11월 23일에 바이닐 형식으로 발매되었다.
이 음반은 2022년 9월 23일, 30주년 재발매반이 발매된 이후 빌보드 200 차트에서 다시 10위권 안으로 진입하며 9위를 기록했다.
《Disintegration》은 1989년 5월 2일, 픽션 레코드가 발매한 영국의 록 밴드 더 큐어의 여덟 번째 스튜디오 음반이다. 이 음반은 1980년대 초 밴드가 확립한 내성적인 고딕 록 스타일로 되돌아가는 것을 의미한다. 보컬리스트이자 기타리스트인 로버트 스미스는 30세가 가까워지자 밴드의 팝적인 성공을 더 오래 지속할 수 있는 작품으로 따라가야 한다는 압박감을 느꼈다. 이는 그룹의 새로운 인기에 대한 혐오감과 맞물려 스미스가 다시 환각제 사용에 빠져들게 만들었고, 그 효과는 음반 제작에 강한 영향을 미쳤다. 이 밴드는 1988년 말부터 1989년 초까지 공동 프로듀서 데이비드 M. 앨런과 함께 옥스퍼드셔주 체켄던의 후켄드 레코딩 스튜디오에서 음반을 녹음했다. 믹싱이 완료된 후, 창립 멤버인 롤 톨허스트는 밴드에서 해고되었다.
이 음반은 영국에서 3위, 미국에서 12위를 차지했으며 빌보드 핫 100에서 2위를 차지한 〈Lovesong〉을 포함한 여러 히트 싱글을 생산했다. 이 음반은 전 세계적으로 4백만 장 이상이 팔리면서 현재까지 이 밴드의 가장 높은 판매 기록으로 남아 있다. 이 음반은 나중에 찬사를 받기 전에 따뜻한 비평가들의 환영을 받았고, 결국 《롤링 스톤》의 "역사상 가장 위대한 음반 500장" 목록에 116위에 올랐다. 올뮤직의 스티븐 토마스 얼와인은 이를 "80년대 더 큐어가 추구하던 모든 음악적 방향성의 절정"이라고 불렀다.
더 큐어의 두 번째 음반인 《Seventeen Seconds》 (1980년)는 이 밴드를 저명한 고딕 록 밴드로 확립했고 《Faith》 (1981년), 《Pornography》 (1982년)가 뒤를 이었다. 1982년과 1983년 사이에 세 개의 싱글이 발매되었는데, 이는 스타일의 큰 차이였다. 〈The Lovecats〉는 영국에서 톱 10에 진입한 밴드의 첫 싱글이 되었고, 7위에 정점을 찍었다. 이러한 변화는 "그 모든 사람들에 대한 나의 반응은 〈Let's Go to Bed〉와 같은 정신 착란적이고 계산된 노래를 만드는 것이었다"라는 밴드의 레이블링에 대한 스미스의 좌절에 기인한다. 1984년 기타리스트 펄 톰슨과 베이시스트 사이먼 갤럽이 복귀하고 드러머 보리스 윌리엄스가 합류한 이후 스미스와 키보디스트 롤 톨허스트는 그룹의 여섯 번째 스튜디오 음반 《The Head on the Door》 (1985년)의 발매와 함께 팝 지향적인 주제를 계속 통합했다. 싱글 〈In-Between Days〉와 〈Close to Me〉로 밴드는 미국에서 처음으로 생존 가능한 상업적 세력이 되었다.
《Disintegration》은 1989년 5월 2일에 발매되었고, 영국 음반 차트에서 3위로 정점을 찍었다. 영국에서, 리드 싱글 〈Lullaby〉는 5위에 올랐을 때 그들의 고국에서 더 큐어의 최고 차트 히트곡이 되었다. 미국에서는 영화 《로스트 엔젤스》의 출연으로 인해 밴드의 미국 레이블인 엘렉트라 레코드가 첫 싱글로 〈Fascination Street〉을 발매했다. 〈Lullaby〉의 국제적인 후속 싱글인 〈Lovesong〉은 《빌보드》 차트에서 2위에 올랐을 때 미국에서 더 큐어의 최고 차트 히트곡이 되었다. 1990년 3월 마지막 싱글 〈Pictures of You〉가 영국 차트에서 24위에 올랐을 정도로, 이 음반은 1년 전에 발매되었다는 사실에도 불구하고, 《Disintegration》의 성공이 있었다. 《Disintegration》은 영국에서 실버 인증을 받았으며(판매량은 60,000장) 1992년까지 전 세계적으로 300만 장 이상이 판매되었다.
모든 곡들은 로버트 스미스, 사이먼 갤럽, 로저 오도넬, 펄 톰슨, 보리스 윌리엄스 그리고 롤 톨허스트에 의해 작사/작곡하였다.
《Dream Street》는 1984년 10월 23일에 발매된 재닛 잭슨의 음반이다. A&amp;M 레코드에 의해 발매되었다.
《Evanescence》는 2011년에 발매된 에바네센스의 음반이다.
《Evita》는 1996년 동명 뮤지컬 영화의 사운드트랙 음반으로, 주로 미국 가수 마돈나가 불렀다. 1996년 10월 28일 워너 브라더스 레코드에 의해 영국에서 및 1996년 11월 12일 미국에서 발매되었다. 앨런 파커 감독의 이 영화는 팀 라이스와 앤드루 로이드 웨버의 1978년 뮤지컬 《에비타》를 기반으로 하였으며, 아르헨티나의 영부인 에바 페론을 마돈나가 연기했다. 사운드트랙은 원래의 1976년 콘셉트 앨범의 재작업된 곡들과 신곡 〈You Must Love Me〉로 구성되어 있다. 사운드트랙에 추가로 참여한 연주자들은 안토니오 반데라스, 조너선 프라이스, 지미 네일이다.
《에비타》에서 주연을 맡은 후 마돈나는 가창력을 향상시키기 위해 보컬 트레이닝을 받았다. 배우들은 뮤지컬 경험이 없었기 때문에 에비타 녹음 세션 동안 긴장했다. 《Evita》의 음악 스타일은 마돈나의 이전 작품들과 달랐고, 그녀는 오케스트라와 함께 스튜디오에서 보컬을 녹음하는 것을 불편해했다. 주요 스태프들과의 긴급 회의 후, 그녀는 별도의 장소에서 녹음하기로 결정되었다. 사운드트랙이 완성되기까지 거의 4개월이 걸렸다. 라이스와 로이드 웨버는 클래식 기법을 사용하여 음악을 만들었는데, 중심 테마인 〈Don't Cry for Me Argentina〉를 다양한 설정에 맞게 수정했다. 사운드트랙은 곡들을 통해 에바 페론의 시작, 명성 상승, 정치 경력, 그리고 점차적인 죽음의 이야기를 들려준다.
사운드트랙은 두 가지 다른 버전으로 발매되었다. 영화의 모든 트랙을 포함하는 두 장짜리 에디션인 《Evita: The Complete Motion Picture Music Soundtrack》과, 엄선된 하이라이트 곡들만 담은 한 장짜리 에디션인 《Evita: Music from the Motion Picture》이다. 에비타는 세 개의 싱글—〈You Must Love Me〉, 〈Don't Cry for Me Argentina〉, 〈Another Suitcase in Another Hall〉—발매로 홍보되었다. 첫 번째 싱글은 1997년 골든 글로브와 아카데미 주제가상을 수상했다. 사운드트랙에 대한 비평가들의 평가는 엇갈렸는데, 올뮤직의 스티븐 토마스 얼와인은 "몰입되지 않는다"고 평했고, 《Hartford Courant》의 그렉 모라고는 마돈나의 가창력을 칭찬했다. 에비타는 미국 《빌보드》 200 차트에서 2위를 차지했고, 미국 음반 산업 협회(RIAA)로부터 퀸터플 플래티넘 인증을 받았다. 이 음반은 오스트리아, 벨기에, 체코, 그리스, 아일랜드, 스코틀랜드, 스위스, 영국에서 차트 1위를 차지했으며, 전 세계적으로 700만 장 이상 판매되었다.
1996년, 마돈나는 영화 《에비타》에 출연하여 아르헨티나의 정신적 지도자 에바 페론 역을 맡았다. 오랫동안 마돈나는 에바 역을 맡고 싶어 했고, 심지어 앨런 파커 감독에게 자신이 이 역할에 완벽하다고 설명하는 편지를 쓰기도 했다. 마돈나는 이미 뮤지컬 《에비타》를 원래 만든 작곡가 팀 라이스와 앤드루 로이드 웨버의 도움을 받았다. 라이스는 이 가수가 "음악을 통해 아름답게 연기할 수 있다"고 믿었기 때문에 주연에 적합할 것이라고 생각했다.
그러나 로이드 웨버는 여전히 마돈나의 가창력에 대해 조심스러워했고, 그래서 역할을 확보한 후 그녀는 보컬 코치 조안 레이더와 함께 보컬 트레이닝을 받았다. 에비타는 배우들이 자신의 파트를 직접 불러야 했기 때문에, 이 훈련은 마돈나가 노래에 대한 자신감을 높이는 데 도움이 되었다. 레이더는 이 가수가 "이전에 사용한 적 없는 방식으로 목소리를 사용해야 했다. 에비타는 진정한 뮤지컬 극장이다—어떤 면에서는 오페라적이다. 마돈나는 자신이 가지고 있는지 몰랐던 고음역을 개발했다"고 언급했다. 그녀는 마돈나에게 목구멍만이 아니라 횡격막을 사용하여 노래하는 방법을 가르쳐, 목소리를 더욱 응집력 있게 투사할 수 있도록 했다. 마돈나는 새로 발견된 목소리의 뉘앙스에 감격하여 매일 밤 집에 가서 친구들에게 전화로 노래를 연습하곤 했다.
파커는 1995년 5월까지 영화 대본을 완성했다. 그 후 그는 프랑스에 있는 로이드 웨버의 집을 방문하여 그와 라이스를 함께 영화 작업을 하도록 설득하려 했다. 그 두 사람은 뮤지컬 《크리켓》(1986) 이후로 몇 년 동안 함께 작업하지 않았다. 대본을 초안할 때 파커는 마지막 막을 다시 작성하여 원래 연극의 반복적인 내용을 제거했다. 이로 인해 라이스와 로이드 웨버는 신곡 〈You Must Love Me〉를 포함한 새로운 음악을 작곡했다. 파커는 사전 녹음된 재생이 촬영의 주요 백본이 될 것이라는 것을 알고 있었으므로, 녹음 스튜디오에서 내려야 할 결정에 대해 신중했다. 그는 대본과 음악을 꼼꼼히 살펴보고, 배우들이 촬영 중 물어볼 질문들을 예상했다.
녹음 세션은 1995년 9월에 시작되었고, 런던의 CTS 스튜디오에서 마돈나와 공동 배우 안토니오 반데라스 및 조너선 프라이스와 함께 진행되었다. 엔지니어 데이비드 라이차스는 라라비 노스 스튜디오에서 트랙의 믹싱을 수행했으며, 믹싱을 위해 Solid State Logic 9000 J 시리즈 콘솔을 사용했다. 첫날 세션에서는 음악 감독 데이비드 캐딕이 〈Don't Cry for Me Argentina〉를 마돈나의 보컬을 백업하는 84인조 오케스트라와 함께 녹음하자고 제안했다. 그러나 로이드 웨버는 스튜디오에서 진행된 녹음 방식에 비판적이었다. 출연진 또한 긴장했다. 플릭은 반데라스가 그 경험을 "무섭다"고 느꼈고, 마돈나는 노래를 녹음할 때 "겁에 질렸다"고 언급했다. "앤드루 로이드 웨버 앞에서 〈Don't Cry For Me Argentina〉를 불러야 했어요... 완전히 엉망이었고 나중에 흐느껴 울었어요. 제가 끔찍하게 못했다고 생각했어요"라고 가수는 회상했다. 지휘자 존 마우체리는 프로덕션이 직면한 또 다른 도전이 무대 연주를 장편 영화로 각색하는 것이었다고 회상했다. "영화에서는 무대와 다릅니다. 화면 속 인물은 당신 옆 침대 베개에 있는 사람보다 멀리 떨어져 있지 않기 때문입니다." 파커는 녹음 첫날을 "검은 월요일"이라고 선언했는데, "두려움과 긴장으로 가득했기 때문입니다... 우리 모두는 대중음악, 영화, 뮤지컬 극장이라는 매우 다른 세계에서 왔고, 그래서 매우 불안했습니다."
프로듀서 나이젤 라이트에 따르면, 주연 배우들은 먼저 밴드와 오케스트라의 반주에 맞춰 노래를 부르고, "그 다음 앨런과 데이비드와 함께 좀 더 친밀한 녹음 환경에서 보컬을 완벽하게 다듬었다". 그러나 마돈나가 스튜디오에서 84인조 오케스트라와 동시에 "가이드 보컬"을 녹음하는 것을 불편해하면서 더 많은 문제가 발생했다. 또한, 이전 사운드트랙 발매와 달리 그녀는 프로젝트에 대한 통제권이 거의 없거나 전혀 없었다. 그녀는 "저는 제 노래를 직접 쓰고 스튜디오에 가서 음악가들을 선택하고 어떤 소리가 좋고 나쁜지 말하는 데 익숙해요... 관련된 모든 사람들과 46곡을 작업하고 큰 발언권이 없다는 것은 큰 적응이었습니다"라고 회상했다.
파커, 로이드 웨버, 마돈나 사이에 긴급 회의가 열렸고, 그 결과 마돈나는 현대적인 스튜디오인 휘트필드 스트리트에서 자신의 파트를 녹음하고 오케스트라 연주는 다른 곳에서 진행하기로 결정되었다. 그녀는 또한 녹음 일정에서 격일로 쉬면서 목소리를 보존하고 강화했다. 사운드트랙 녹음은 느린 과정이었고 완성되기까지 거의 4개월이 걸렸다. 그러나 파커는 녹음 막바지에 신곡이 제자리에 없다는 것을 알아차렸다. 에비타 제작 에세이에서 그는 다음과 같이 회상했다.
마침내, 내가 앤드루의 버크셔 시골 영지를 방문하여 우리가 녹음한 트랙들을 들려주던 중, 그가 갑자기 피아노에 앉아 가장 아름다운 멜로디를 연주했고, 이것이 우리의 신곡이 될 수 있다고 제안했다. 말할 필요도 없이, 나는 그것을 잡았다. 하지만 우리는 여전히 가사가 필요했고 팀은 충실히 그 음악에 가사를 붙이기 시작했다. 원래 에비타 악보의 대다수는 이런 방식으로 이루어졌다: 음악이 먼저, 가사는 나중에. 몇 주간의 초조한 기다림 끝에, 팀은 마침내 "You Must Love Me"의 음악에 지금 붙어 있는 가사를 쓰도록 설득되었다.
음악 및 가사 해석.
사운드트랙은 마돈나의 보컬이 대부분의 곡에 포함되어 있기 때문에, 일반적으로는 마돈나의 음반으로 간주된다. 다른 주요 보컬리스트로는 반데라스, 프라이스, 지미 네일이 있다. 리키 룩스비는 《마돈나 음악 완전 가이드》에서 《Evita》가 마돈나가 이전에 녹음했던 음악과는 스타일적으로 다르다고 언급했다. 이 사운드트랙은 1990년 영화 《딕 트레이시》를 위해 녹음된 스티븐 손드하임의 노래 이후 마돈나의 가장 도전적인 시도였다. 라이스와 로이드 웨버는 음악을 만들 때 중심 테마를 가져와 다양한 설정, 조, 템포에 적용하는 고전적인 기법을 사용했다. 사운드트랙의 중심이자 테마는 〈Don't Cry for Me Argentina〉이며, 곡들을 통해 에바의 시작, 명성 상승, 정치 경력, 그리고 점차적인 죽음의 이야기를 들려준다.
사운드트랙은 〈A Cinema in Buenos Aires, 26 July 1952〉와 〈Requiem for Evita〉 트랙으로 시작되며, 둘 다 존 마우체리가 지휘했고, 에바의 죽음 발표를 다룬다. 이어서 〈Oh What a Circus〉가 시작되며, 반데라스가 리드 보컬을 맡는다. 〈Don't Cry for Me Argentina〉의 빠른 멜로디를 기반으로 한 이 곡은 록적인 영향과 피아노 사운드를 가지고 있다. 네일의 짧은 간주 후, 〈On This Night of a Thousand Stars〉에서 왜곡된 일렉 기타와 베이스가 〈Eva and Magaldi / Eva Beware of the City〉를 알린다. 여기서는 가사가 큰 도시의 낯선 사람들에게서 에바를 경고하는 내용을 담고 있다. 기차 경적 소리, 라틴 타악기, 드럼, 그리고 가벼운 기타 소리가 〈Buenos Aires〉를 소개하며, 에바가 마침내 도시에 도착하는 이야기를 한다. 멜로디는 마돈나가 고음역에서 노래하며, 곡 중간에는 기타, 트럼펫, 불협화음 음악으로 무거운 구성이 나타난다. 〈Another Suitcase in Another Hall〉은 부드러운 아르페지오 기타로 시작하며, 현악기와 어쿠스틱 기타가 절제된 방식으로 연주된다. 마돈나는 에바가 한 집에서 다른 집으로 이동하는 것을 노래하며, "현대 문명의 유랑적인 특성"을 표현하는 이미지—복도에 있는 여행가방—를 묘사한다.
〈Goodnight and Thank You〉에서 마돈나와 반데라스는 에바의 연애를 끝내는 것에 대해 번갈아 가며 노래하고, 이어서 반데라스의 솔로곡 〈The Lady's Got Potential〉은 에바가 사회 계층에서 점진적으로 상승하는 것에 대해 사색한다. 부드러운 발라드 〈I'd Be Surprisingly Good for You〉는 에바가 남편 후안 페론을 만나는 이야기에 관한 것으로, 플루트, 클래식 기타, 그리고 절제된 현악기로 구성되어 있다. 군악 드럼 비트와 금관 악기 섹션이 〈Peron's Latest Flame〉을 시작하며, 반데라스는 일반 대중이 에바를 못마땅하게 여기는 것에 대해 큰 소리로 노래한다. 남성 백킹 코러스 중간에 마돈나는 스테레오 탐탐 드럼과 신시사이저 소리에 맞춰 자신의 가사를 부른다. 〈A New Argentina〉에서는 일렉 기타와 코러스가 주요 뼈대를 이룬다. "봉기 찬가"로 작곡된 이 곡에서 룩스비는 마돈나의 보컬이 "공격적이고 으르렁거리는" 소리를 낸다고 언급했다.
두 번째 디스크는 〈Don't Cry for Me Argentina〉로 시작하며, 가사는 라이스에 의해 "무의미한 상투적인 표현의 연속"으로 묘사되었고, 이는 에바와 같은 "과대망상적인 여성"이 아르헨티나 국민의 환심을 사려고 하는 연설로 기능한다고 덧붙였다. 구성은 피치카토 현악기로 이루어져 있으며, 노래는 가볍다가 무겁고 화려하게 바뀌며, 한 부분은 합창단의 목소리로 흥얼거려진다. 〈High Flying, Adored〉는 룩스비에 따르면 엘튼 존 스타일을 가지고 있으며, 가사는 나르시시즘적이고 마돈나의 삶과 병행된다고 묘사했다. 〈Rainbow High〉는 드럼, 기타, 혼, 현악기 등의 악기 연주를 특징으로 하며, 가사는 에바의 물질주의적 욕구를 다룬다.
〈Waltz for Eva and Che〉로 사운드트랙의 분위기는 긴장감으로 가득 차며, 반데라스와 마돈나가 베이스와 팀파니 위에서 노래한다. 씁쓸하면서도 달콤한 곡 〈You Must Love Me〉는 오케스트라와 피아노로 시작한다. 가사적으로는 에바가 남편 후안이 자신을 정치적인 도구로만 본 것이 아니라, 내내 자신을 사랑했다는 것을 깨닫는 내용을 담고 있다. 노래가 후렴으로 넘어갈수록 피아노는 멈추고 첼로가 연주되며 마돈나는 "Deep in my heart, I'm concealing, Things that I'm longing to say"라는 가사를 외치고, 피아노와 오케스트라가 다시 돌아온다. 같은 방식으로 진행되며 점차 페이드 아웃된다. 마지막 트랙인 〈Lament〉에서 마돈나는 속삭이는 어조로 에바가 죽음을 앞두고 자신의 삶을 돌아보는 것을 노래한다. 클래식 기타와 하프 반주에 맞춰 반데라스도 에바의 무덤 위에서 노래하며, 트랙은 반전처럼 점차 페이드 아웃된다.
사운드트랙은 1996년 11월 12일 미국에서 발매되었는데, 영화 개봉보다 거의 2주 전이었다. 타워 레코드의 팀 데빈 매니저에 따르면, 발매 전부터 엄청난 수요가 있었다. 데빈은 《빌보드》의 래리 플릭에게 "사람들이 이 음반을 정말로 간절히 원하고 있다. 지금 이 음반에 대한 문의가 다른 어떤 것보다도 많이 들어오고 있다"고 설명했다. 워너 브라더스는 음반이 발매될 때까지 관심을 유지하기 위해 사전 발매 언론 리뷰, 소비자의 호기심, 사운드트랙의 싱글에 의존했다. 워너 브라더스의 부사장/총괄 매니저 제프 골드는 이 발매를 "전 세계적인 이벤트"라고 선언하며 "진화의 각 단계마다 대중의 관심을 불러일으켰다"고 말했다.
에비타는 두 가지 형식으로 구성되었는데, 영화에 사용된 모든 트랙을 담은 두 장짜리 에디션인 《The Complete Motion Picture Music Soundtrack》과, 엄선된 하이라이트만 담은 한 장짜리 에디션인 《Music from the Motion Picture》이 있었다. 사운드트랙의 국제 발매 전략은 미국과 유사하게 11월 25일을 발매일로 정했으며, 한 장짜리 에디션은 12월 말에 발매될 예정이었다. 〈Buenos Aires〉, 〈Don't Cry for Me Argentina〉, 〈Another Suitcase in Another Hall〉의 리믹스 버전을 포함한 《Evita》 EP가 발매될 예정이었지만 취소되었다.
〈You Must Love Me〉는 1996년 10월 21일 사운드트랙의 리드 싱글로 발매되었다. 이 곡은 아카데미 주제가상 후보 지명을 얻기 위해 영화를 위해 특별히 작곡되었다. 로이드 웨버에 따르면, 이 곡의 주요 영감은 당시 에바의 감정 상태와 후안과의 관계를 보여주기 위함이었다. 이 곡은 음악 평론가들로부터 긍정적인 반응을 얻었으며, 많은 이들이 마돈나의 향상된 가창력을 강조했다. 이 곡은 1997년 골든 글로브와 아카데미 주제가상을 수상했다. 또한 상업적으로도 중간 정도의 성공을 거두어 핀란드와 영국을 포함한 일부 국가에서 톱 10 히트곡이 되었고, 미국에서는 톱 20에 진입하여 미국 음반 산업 협회(RIAA)로부터 골드 인증을 받았다.
〈Don't Cry for Me Argentina〉는 1996년 12월 16일 이 음반의 두 번째 싱글로 발매되었다. 영어와 스페인어로 재녹음된 보컬과 노래 도입부에 아르헨티나의 반도네온이 포함된 "마이애미 믹스"라는 별도의 버전이 라디오로 홍보되었다. 마돈나의 보컬은 긍정적인 비평가 반응을 얻었으며 이 곡은 미국 《빌보드》 핫 100 차트를 포함한 여러 국가의 차트에서 톱 10에 도달했으며, 이들 중 5개국에서 골드 인증을 받았다.
〈Another Suitcase in Another Hall〉은 1997년 3월 18일 발매된 세 번째이자 마지막 싱글이다. 발매되자마자 이 곡은 영국 차트에서 톱 10에 진입했다. 〈Buenos Aires〉 트랙은 DJ 듀오 파블로 플로레스-하비에르 가르자에게 리믹스되었다. 워너 브라더스는 처음에는 리믹스 발매를 망설였지만, 영화 《에비타》의 홈 비디오 발매와 동시에 출시하기로 결정했다. 플로레스와 가르자는 트랙의 라틴 작곡을 유지하면서도 댄스 플로어에서 재생하기에 적합하도록 그루브를 "평탄화"했다. 또한 리믹스에 라이브 퍼커션과 키보드 라인을 추가했다. 《빌보드》의 래리 플릭은 〈Buenos Aires〉가 마돈나의 "스타일리스트로서의 증가된 편안함과 능숙함"을 보여주었다고 평했다. 1997년 10월 홍보 발매 이후, 〈Buenos Aires〉는 《빌보드》 댄스 클럽 송 차트에서 3위를 기록했다.
에비타는 음악 평론가들로부터 대체로 엇갈린 평가를 받았다. 《뮤직 위크》의 평론가들은 사운드트랙을 "잘 편곡된 앨범"이라고 불렀다. 《버펄로 뉴스》의 앤서니 바이올란티는 이 앨범을 "과감한 움직임"이자 "마돈나의 예술적 성숙의 신호"라고 평했다. 그는 마돈나가 뮤지컬 극장 경험이 부족함에도 불구하고 "폭넓은 음역대를 보여주며, 〈Like a Virgin〉을 기억하는 사람들에게는 믿기 어렵겠지만, 오페라적 감각을 선보인다"고 언급했다. 《》의 저자 J. 랜디 타라보렐리는 마돈나의 노래가 "유연하고 강렬하게" 들렸으며, 그녀가 "전혀 부적절하지 않다"고 믿었다. 《엔터테인먼트 위클리》의 짐 파버는 마돈나의 앨범 퍼포먼스를 칭찬하며 "흠잡을 데 없는 오케스트레이션(과 약간의 코칭)의 도움을 받아 그녀의 보컬은 이전 어떤 노래보다 몇 년 앞서 있다"고 썼다. 《시카고 트리뷴》의 그레그 코트는 "두 장짜리 CD 사운드트랙은 마돈나를 새로운 시각으로 보여준다. 간단히 말해, 마테리얼 걸은 노래를 부를 수 있다. [...] 그녀의 퍼포먼스를 패티 루폰의 것과 비교해 보면, 그녀의 보컬 기술에 대한 새로운 감탄을 하게 된다. 여러모로 그녀는 전임자보다 적은 것으로 더 많은 것을 해낸다"고 썼다.
앨런 메츠와 캐롤 벤슨은 그들의 책 《The Madonna Companion》에서 이 사운드트랙이 마돈나에게 "그녀가 그토록 간절히 원했던 디스코 여왕/섹스 머신 이후의 신뢰성"을 주었다고 썼다. 《스핀》의 애니 잘레스키는 이 사운드트랙이 마돈나의 "보컬리스트로서의 천문학적인 성장"을 보여주었다고 언급하며, "에비타는 마돈나의 진지한 시대를 알리는 신호탄이었고, 이 시기에 그녀는 젊은 아첨꾼과 더욱 성숙하고 성찰적인 시각을 균형 있게 맞추었다"고 썼다. 영화 평론에서 《뉴욕 타임스》의 자넷 마즐린은 마돈나가 노래를 감정적으로 표현하는 능력에 찬사를 보내며 "합법적으로 뛰어나고 열정으로 가득 차 있다"고 평했다. 《Hartford Courant》를 위해 글을 쓴 그레그 모라고는 마돈나의 "놀라운 소재 이해력"을 칭찬했다. "몇몇 곡들은 날카로운 면모를 잃었지만(〈A New Argentina〉는 필요한 분노가 부족하다), 이 녹음은 등장인물들의 목소리에 집중하여 이점을 얻는다. 에바 두아르테 데 페론의 신화적인 삶에 대한 이 환영받는 새로운 각인에는 활기차고 현대적인 에너지와 대담한 영화적 스케일이 있다." 《The Herald Journal》의 스테판 A. 마이어는 "에비타에는 모든 사람을 위한 작은 무언가가 있다. 때로는 상당히 짜증나지만 (특히 라이스의 엉뚱한 라임에서) 여전히 매력적으로 작동하는 팝 문화 충돌이다"라고 느꼈다.
올뮤직의 스티븐 토마스 얼와인은 이 사운드트랙을 "정교하게 제작되고 능숙하게 구현되었지만" "묘하게 몰입되지 않는다"고 평했다. 그는 마돈나의 노래를 "놀랍도록 능숙하고 미묘한 연주"라고 칭찬했지만, 얼와인은 그녀가 "진정성 있게 보이려고 정말 열심히 노력하고 있어서, 그녀와 연결되기 어렵다"고 느꼈다. 영화 평론에서 《샌프란시스코 크로니클》의 옥타비오 로카는 "라이스 가사의 즐거운 아이러니는 그대로 남아있고, 로이드 웨버 음악의 신선함도 그대로이다"라고 말했다. 그러나 로카는 존 마우체리의 "나른한 사운드트랙 지휘와 무엇보다 빈센트 패터슨의 안무 때문에" 원곡에 존재했던 라틴적인 영향이 사라졌다고 믿었다. 같은 신문의 바바라 슐가서는 더 부정적이었는데, "에비타의 모든 노래가 마돈나의 제한된 음역대보다 약간 높다. 그녀의 얇은 목소리로 그녀는 견디기 고통스러운 일련의 슬픈 소리를 낸다"고 썼다. 《볼티모어 선》의 J. D. 컨시딘은 사운드트랙이 이 가수의 팬들을 실망시킬 것이라고 느꼈는데, "에비타는 단지 팝 음악이 아니기 때문이다—적어도 마돈나가 보통 스스로 만드는 종류의 팝 음악이 아니다... 결과적으로 에비타를 억지로 듣는 것은 레치타티보를 쓰는 법 외에는 아무것도 배우지 못한 사람이 쓴 오페라를 듣는 것과 같다"고 말했다. 컨시딘은 또한 마돈나와 공동 주연 안토니오 반데라스의 보컬 능력에 실망했다. "그들은 이 낭송된 대화에 음악성을 부여할 힘과 음색이 부족하다."
미국에서 《Evita》는 1996년 11월 30일자 《빌보드》 200 차트에서 6위로 데뷔했다. 이는 1978년 《》 이후 처음으로 "브로드웨이 뮤지컬이 영화 사운드트랙으로 전환된" 차트 진입이었다. 97,000장의 초기 판매량으로, 2006년 《》가 발매되기 전까지는 듀얼 사운드트랙 중 가장 큰 데뷔를 기록했다. 사운드트랙은 다음 주에 28위로 떨어졌다가 영화가 극장에 개봉되면서 다시 상승하기 시작했다. 5주 이내에 빌보드 200 톱 10으로 다시 진입했고, 1997년 2월 8일자 차트에서는 최고 2위를 기록했다. 이는 마돈나가 골든 글로브상 영화 여우주연상 - 뮤지컬·코미디를 수상한 것에 힘입은 바가 컸다. 닐슨 사운드스캔에 따르면 그 주 판매량은 17.5% 증가하여 122,000장이 팔렸다. 이 순위는 2주 동안 유지되었는데, 노 다웃의 앨범 《Tragic Kingdom》이 판매량이 8% 감소하여 143,000장을 기록했음에도 불구하고 차트 1위를 차지하는 것을 막았다.
《Evita》는 《빌보드》 200 차트에서 총 30주를 보냈고, 연말 차트에서는 26위에 올랐다. 《빌보드》 200과 함께 《Evita》는 사운드트랙 음반 차트 정상에 올랐다. 미국 음반 산업 협회(RIAA)는 이 사운드트랙에 퀸터플 플래티넘 인증을 부여했으며, 이는 전국적으로 250만 장 출하 (또는 RIAA가 더블 앨범의 각 디스크를 별도의 단위로 계산한 5,000,000 "단위")에 해당한다. 2016년 12월 현재, 닐슨 사운드스캔에 따르면 이 앨범은 2,025,000장이 팔렸다. 이 사운드트랙의 단일 디스크 에디션은 《빌보드》 200 차트에서 별도로 차트 진입하여 최고 167위를 기록했다.
캐나다에서 《Evita》는 《RPM》 톱 앨범/CD 차트에서 27위로 데뷔했다. 이 차트에서 최고 5위를 기록했으며, 총 27주 동안 머물렀다. 단일 디스크 에디션 또한 별도로 차트 진입하여 최고 91위를 기록했다. 호주에서 이 사운드트랙은 ARIA 차트에서 6위로 데뷔했다. 이후 몇 주 동안 차트 하락을 오가다가 1997년 3월에 톱 10에 진입했고, 최고 5위를 기록했다. 오스트레일리아 음반 산업 협회(ARIA)는 두 장짜리 에디션에 골드, 단일 디스크 에디션에 플래티넘을 인증하여 각각 35,000장과 70,000장을 출하했다. 이 사운드트랙은 뉴질랜드에서도 비슷한 궤적을 보였는데, 앨범 차트에서 6위를 기록했고 총 18주 동안 차트에 머물렀다. 리코디드 뮤직 뉴질랜드(RMNZ)는 15,000장 출하로 플래티넘 인증을 부여했다.
《Evita》는 영국 음반 차트에서 7위로 데뷔하여 1997년 2월 차트 정상을 차지했으며, 마돈나의 영국 내 다섯 번째 1위 앨범이 되었다. 이 음반은 차트에 총 44주 동안 머물렀고, 연말 차트에서 23위를 기록했다. 영국 축음기 협회(BPI)는 600,000장 출하로 더블 플래티넘을 인증했다. 2019년 6월 현재, 오피셜 차트 컴퍼니에 따르면 737,000장이 팔렸다. 유럽 전역에서 《Evita》는 오스트리아, 벨기에(플랑드르와 왈로니아 모두), 체코, 그리스, 아일랜드, 스코틀랜드, 스위스에서 차트 1위를 차지했으며, 덴마크, 프랑스, 독일, 네덜란드, 노르웨이, 포르투갈, 스웨덴에서는 톱 10에 진입했다. 유럽 시장에서의 이러한 성과는 이 사운드트랙이 범유러피안 톱 100 음반 차트 정상에 오르는 결과를 낳았다.
사운드트랙 2-CD 에디션 라이너 노트에서 발췌한 크레딧 및 참여 인원.
《Facelift》는 미국의 록 밴드 앨리스 인 체인스의 데뷔 스튜디오 음반으로, 1990년 8월 28일, 컬럼비아 레코드를 통해 발매되었다. 수록곡 중 〈We Die Young〉과 〈Man in the Box〉가 싱글로 발매되었으며, 〈Man in the Box〉는 1992년 그래미 어워드 최우수 하드 록 보컬 퍼포먼스 부문에 후보로 올랐다. 《Facelift》는 그런지 장르의 첫 골드 인증 음반으로, 1991년 9월 11일, 미국 음반 산업 협회(RIAA)로부터 인증을 받았다. 이 음반은 빌보드 200 차트에서 42위까지 올랐으며, 미국 내 출하량 300만 장으로 트리플 플래티넘 인증을 받았다.
지역 공연 기획자 랜디 하우저는 한 콘서트에서 앨리스 인 체인스를 알게 되었고, 데모 녹음 비용을 지원하겠다고 제안했다. 그러나 밴드가 워싱턴주의 뮤직 뱅크 스튜디오에서 녹음을 진행하기로 예정된 하루 전, 경찰이 주 역사상 최대 규모의 마리화나 단속을 벌이면서 스튜디오는 폐쇄되었다. 최종적으로 완성된 데모 《The Treehouse Tapes》는 매니저 켈리 커티스와 수전 실버에게 전달되었으며, 이들은 시애틀 기반의 밴드 사운드가든의 매니저이기도 했다. 커티스와 실버는 이 데모를 컬럼비아 레코드 A&amp;R 대표 닉 터조에게 전달했고, 터조는 레이블 대표 돈 아이에너와의 미팅을 주선했다. 공연장에서 밴드가 직접 판매하던 《The Treehouse Tapes》를 바탕으로, 아이에너는 1989년 앨리스 인 체인스를 컬럼비아 레코드와 계약시켰다.
앨리스 인 체인스는 레이블의 최우선 과제가 되었고, 1990년 7월 밴드의 첫 공식 음반인 프로모션 EP 《We Die Young》이 발매되었다. 타이틀곡이자 리드 싱글인 〈We Die Young〉은 메탈 라디오에서 히트를 기록했다. 이 성공 이후, 레이블은 프로듀서 데이브 저든과 함께 앨리스 인 체인스의 데뷔 음반을 서둘러 제작에 들어갔다. 저든은 당시를 이렇게 회상했다. "내가 제리 캔트렐한테 그랬죠. '메탈리카는 토니 아이오미를 빠르게 만든 거야. 그런데 네가 한 건, 그를 다시 느리게 만든 거지.' 그랬더니 제리가 저를 딱 보더니, '맞았어'라고 하더라고요. 그 순간 바로 확신이 들었어요. 그렇게 해서 제가 그 작업을 맡게 된 거예요."
1991년 《비디오 메탈 시트》와의 인터뷰에서 제리 캔트렐은 이 음반 커버에 대해 "밴드의 탄생을 상징하는 배아 같은 느낌의 이미지가 원래 아이디어였다"고 밝혔다. 하지만 최종 결과물은 점점 더 무서운 분위기를 띠게 되었고, 결국 음악과 잘 어울리는 형태가 되었다고 말했다.
밴드는 사진작가 로키 쉥크와 함께 커버 아트에 대한 여러 아이디어를 논의했다. 그중 하나는 이들이 마치 안구에서 튀어나오는 것처럼 보이게 하는 구상이었다. 컬럼비아 레코드는 사진 촬영을 위한 큰 예산을 제공하지 않았지만, 쉥크는 밴드를 매우 마음에 들어 했고, 적은 예산에도 불구하고 프로젝트를 수락했다. 촬영 예산은 하루치 분량도 간신히 될 정도였지만, 쉥크는 이를 사흘간의 촬영으로 늘려 진행했다.
첫날 촬영은 1990년 5월 2일, 캘리포니아주 버뱅크에 위치한 오크우드 아파트 수영장에서 이루어졌다. 수영장에는 얇은 플라스틱 막을 덮어 밴드가 안구에서 튀어나오는 듯한 느낌을 연출했다. 멤버들은 플라스틱 아래에서 수영한 뒤 수면 위로 올라와 숨을 들이쉬는 연기를 해야 했고, 그 과정에서 플라스틱이 얼굴을 일그러뜨리는 효과가 나타났다. 이 촬영 세션에서 촬영된 사진 중 하나는 플라스틱에 감싸인 레인 스테일리와 그를 붙잡고 있는 다른 멤버들이 등장하는 장면으로, 〈We Die Young〉 싱글 커버 이미지로 사용되었다.
모든 곡들은 특별한 언급이 없는 한 제리 캔트렐에 의해 작사하였다.