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대한민국의 대통령 선거는 대한민국 대통령을 선출하기 위한 대한민국의 선거이다. 대한민국 헌법에 따르면 대통령은 국민의 보통·평등·직접·비밀선거에 의하여 선출한다.
선거일 및 선거 기간.
후보자 등록 마감일 다음날부터 선거일까지의 선거기간은 23일이며, 대통령의 임기 만료일전 70일부터 첫 번째로 돌아오는 수요일에 선거를 시행한다. 선거일이 국민생활과 밀접한 관련이 있는 민속절 또는 공휴일인 때와 선거일 전날이나 그 다음날이 공휴일인 때에는 그 다음주의 수요일로 한다. 궐위로 인한 선거인 경우 대통령 궐위일부터 50일 이후부터 60일 이내로 한다.
선거권과 피선거권.
선거권은 만 18세 이상, 피선거권은 선거일 현재 5년 이상 국내에 거주하고 있는 만 40세 이상의 국민에게 부여된다. 다만 법률상 금치산자,선거법을 위반하여 일정 기간이 지나지 않은 자, 금고 이상의 형이 종료·실효되지 않은 자 등은 만 18세 이상일 경우에도 선거권이 부여되지 않는다.
후보자 등록.
두 가지 방법으로 후보자 등록이 가능하다. 후보자가 정당의 당원일 경우, 소속 정당의 추천을 받아야 한다. 혹은 하나의 시·도에 주민등록이 되어 있는 선거권자 500인 이상씩, 5개 이상의 시·도에서 총 2,500명에서 5,000명의 추천을 받으면 가능하다.
선거 기탁금은 3억원이다. 과태료나 불법시설물에 대한 대집행 비용은 이 기탁금에서 부담된다. 후보자가 당선하거나 15% 이상 득표하면 남은 기탁금은 전액 돌려받으며, 10~15% 사이인 경우 절반을 받는다. 후보자가 사망한 경우에도 전액 돌려받을 수 있다.
기호의 결정.
당선자의 결정.
후보가 두 명 이상일 때.
후보자가 두 명 이상일 때에는 유효투표의 최다수를 얻은 자를 당선자로 한다. 단, 최고득표자가 2인 이상일 때에는 국회에서 재적 의원 과반수가 참석한 공개 회의를 통해 선출한다.
후보가 한 명일 때.
후보 등록 마감 시각까지 후보자로 등록한 사람이 1명일 때에는 유권자 수의 이상의 득표를 얻어야만 당선된다.
오페라(← '작품'의 복수형에서 유래)는 음악이 기본적인 요소이고 극적 역할이 가수들에 의해 수행되는 서양 연극의 한 형식이다. 이러한 '작품'(이탈리아어 'opera'의 문자적 번역)은 일반적으로 작곡가와 대본가의 협업이며, 연기, 무대 장치, 의상, 그리고 때로는 춤 또는 발레와 같은 여러 공연 예술을 포함한다. 공연은 일반적으로 오페라 극장에서 오케스트라 또는 더 작은 앙상블의 반주와 함께 이루어지며, 19세기 초부터는 지휘자가 이끌어 왔다. 뮤지컬 극은 오페라와 밀접한 관련이 있지만, 둘은 서로 다른 것으로 간주된다.
오페라는 서양 클래식 음악의 핵심 부분이며, 특히 이탈리아 전통에서 그렇다. 원래 노래가 많은 연극과 대조적으로 '완전히 노래로 불리는 작품'으로 이해되었던 오페라는 징슈필과 오페라 코미크와 같이 대화가 포함된 작품을 포함하여 를 포괄하게 되었다. 전통적인 넘버 오페라에서 가수들은 두 가지 노래 스타일을 사용한다. 하나는 대화의 억양을 모방하고 강조하도록 고안된 서창적 스타일인 레치타티보이고, 다른 하나는 등장인물들이 더 구조화된 멜로디 스타일로 감정을 표현하는 독립적인 아리아이다. 중창과 삼중창 및 기타 앙상블이 자주 등장하며, 합창은 극의 전개에 대한 해설 역할을 한다. 징슈필, 오페라 코미크, 오페레타, 세미 오페라와 같은 일부 오페라 형식에서는 레치타티보가 대개 대화로 대체된다. 레치타티보 도중 또는 대신에 나타나는 멜로디 또는 준멜로디 부분은 아리오소라고도 불린다. 다양한 오페라 성부의 용어는 아래 #오페라 성부에서 자세히 설명된다.
바로크 시대와 고전주의 시대 모두에서 레치타티보는 두 가지 기본 형태로 나타났으며, 각각 다른 악기 앙상블이 반주했다. '세코(secco)' 레치타티보는 단어의 악센트에 따라 자유로운 리듬으로 노래되며, 일반적으로 하프시코드와 첼로로 구성된 바소 콘티누오만으로 반주되었다. 반면 '아콤파냐토(accompagnato)'(또는 '스트루멘타토(strumentato)'라고도 불림)는 오케스트라가 반주를 제공했다. 18세기를 거치면서 아리아는 점점 더 오케스트라의 반주를 받게 되었다. 19세기에 이르러 '아콤파냐토'가 우위를 점하게 되었고, 오케스트라의 역할이 훨씬 커졌으며, 리하르트 바그너는 그의 '무한 선율'을 추구하면서 아리아와 레치타티보 사이의 거의 모든 구별을 없애는 혁신을 이루었다. 이후 작곡가들은 바그너의 예를 따르는 경향이 있었지만, 《난봉꾼의 행각》의 이고르 스트라빈스키와 같은 일부 작곡가들은 이러한 경향에 저항했다. 오페라에서 오케스트라의 역할 변화에 대해서는 아래 #오케스트라 역할의 변화에서 더 자세히 설명한다.
한국어로 옮길 때에는 가극(歌劇)이라는 번역어를 쓰기도 하지만 오페라는 단순히 음악이 많이 사용된 연극을 가리키지는 않는다. 어떤 무대 예술이 과연 오페라의 범주에 속하는지 판가름하기 위해서는 주로 다음의 기준이 쓰인다.
오페라(opera)라는 단어는 이탈리아어로 "작품"을 의미하며, 이는 행해진 노동과 그 결과물을 모두 포함하는 의미이다. 이탈리아어 단어는 라틴어 opera에서 유래했으며, 이는 "작품"을 의미하는 단수 명사이자 opus의 복수형이다. 옥스포드 영어사전에 따르면, 이 이탈리아어 단어가 "시, 춤, 음악이 결합된 작품"의 의미로 처음 사용된 것은 1639년이며, 영어에서 이 의미로 처음 기록된 사용은 1648년이다.
야코포 페리의 《다프네》는 오늘날 이해되는 오페라로 간주되는 가장 초기의 작품이다. 이 작품은 1597년경에 쓰였으며, 주로 "바르디 카메라타"라는 피렌체의 엘리트 인문주의자 서클의 영감을 받아 탄생했다. 중요한 것은, 《다프네》가 르네상스의 특징인 고대 부활의 광범위한 운동의 일환으로 고전 그리스 드라마를 부활시키려는 시도였다는 점이다. 카메라타의 회원들은 그리스 드라마의 "코러스" 부분이 원래 노래로 불렸을 것이며, 모든 역할의 전체 대본 역시 그랬을 것이라고 생각했다. 따라서 오페라는 이러한 상황을 "복원"하는 방식으로 구상되었다. 그러나 《다프네》는 현재 유실되었다. 페리의 이후 작품인 1600년경에 작곡된 《에우리디체》가 현재까지 전해지는 가장 오래된 오페라 악보이다. 그러나 현재 정식으로 상연되는 초기 오페라의 대표적인 작품은 클라우디오 몬테베르디의 《오르페오》이며, 이는 1607년 만토바 궁정에서 작곡했다. 몬테베르디를 고용한 곤차가 가문의 만토바 궁정은 콘체르토 델레 돈네(1598년까지)의 궁정 가수뿐만 아니라 최초의 실제 "오페라 가수" 중 한 명인 마담 유로파를 고용하면서 오페라의 기원에 중요한 역할을 했다.
이탈리아 오페라.
오페라가 궁정 예술로 국한된 기간은 길지 않다. 1637년, 베네치아에서 티켓 판매로 운영되는 공개 오페라의 "시즌"(주로 사육제 기간 동안) 개념이 등장했다. 몬테베르디는 만토바에서 베네치아로 이주하여 1640년대에 베네치아 극장을 위해 그의 마지막 오페라인 《율리시스의 조국 귀환》과 《포페아의 대관식》을 작곡했다. 그의 가장 중요한 추종자인 프란체스코 카발리는 이탈리아 전역에 오페라를 전파하는 데 기여했다. 이러한 초기 바로크 오페라에서는 광범위한 희극적 요소가 비극적 요소와 혼합되어 일부 지식인들의 감성을 거슬렀고, 이는 오페라의 많은 개혁 운동 중 첫 번째를 촉발시켰다. 이 운동은 시인 피에트로 메타스타시오와 관련된 아르카디아 아카데미가 후원했으며, 그의 대본은 18세기 말까지 이탈리아 오페라의 주요 형태였던 오페라 세리아 장르를 확립하는 데 기여했다. 메타스타시오의 이상이 확고히 자리 잡자, 바로크 시대 오페라의 코미디는 이후 오페라 부파라고 불리는 장르로 분리되었다. 이러한 요소들이 오페라 세리아에서 강제로 분리되기 전에는 많은 대본에 "오페라 속 오페라"와 같은 별도의 코미디 줄거리가 포함되어 있었다. 이는 성장하는 상인 계급의 구성원들(새롭게 부유해졌지만 귀족만큼 세련되지 못한)을 공개 오페라 하우스로 유인하려는 시도 중 하나였다. 이러한 별도의 줄거리들은 이탈리아의 오랜 즉흥 무대 전통인 콤메디아 델라르테에서 부분적으로 파생된 별도로 발전하는 전통에서 거의 즉시 부활되었다. 과거에 연극의 막간에 공연되었던 막간극처럼, 1710년대와 1720년대 나폴리에서 주로 발전한 새로운 희극 장르인 인테르메초는 처음에는 오페라 세리아의 막간에 상연되었다. 그러나 이들은 너무나 인기가 많아 곧 별도의 작품으로 제공되기 시작했다.
오페라 세리아는 숭고한 분위기와 고도로 양식화된 형식을 지니며, 일반적으로 긴 다 카포 아리아와 혼합된 레치타티보 세코로 구성되었다. 이러한 아리아는 화려한 노래에 큰 기회를 제공했으며, 오페라 세리아의 황금기 동안 가수는 진정으로 스타가 되었다. 영웅의 역할은 일반적으로 사춘기 전에 거세되어 목소리가 변성되지 않은 소년들의 높은 음역을 위한 카스트라토 목소리로 작곡되었다. 파리넬리와 세네지노와 같은 카스트라토와 파우스티나 보르도니와 같은 여성 소프라노는 프랑스를 제외한 모든 유럽 국가에서 오페라 세리아가 무대를 지배하면서 큰 인기를 끌었다. 파리넬리는 18세기의 가장 유명한 가수 중 한 명이었다. 이탈리아 오페라는 바로크 시대의 기준을 정립했다. 헨델과 같은 독일 작곡가조차 런던 청중을 위해 《리날도》나 《줄리오 체사레》와 같은 작품을 작곡할 때에도 이탈리아어 리브레토가 일반적이었다. 18세기 말 빈에서 오페라를 작곡했던 모차르트의 오페라처럼 고전주의 시대에도 이탈리아어 리브레토는 지배적인 위치를 유지했다. 주요 이탈리아 태생의 오페라 세리아 작곡가로는 알레산드로 스카를라티, 안토니오 비발디, 니콜라 포르포라 등이 있다.
글루크의 개혁과 모차르트.
오페라 세리아는 약점과 비판을 가지고 있었다. 훌륭하게 훈련된 가수들을 위한 장식적 기교에 대한 취향과 극적 순수성과 통일성을 대신하는 화려한 볼거리의 사용은 비난을 받았다. 프란체스코 알가로티의 《오페라론》(1755)은 글루크의 개혁에 영감을 주었다. 그는 오페라 세리아가 기본으로 돌아가야 하며, 모든 다양한 요소들, 즉 음악(기악 및 성악 모두), 발레, 그리고 무대 연출이 압도적인 드라마에 종속되어야 한다고 주장했다. 1765년 멜히오르 그림은 《백과전서》에 서정적인 시와 오페라 리브레토에 대한 영향력 있는 기사인 "Poème lyrique"를 발표했다. 니콜로 좀멜리와 토마소 트라에타를 포함한 당시의 몇몇 작곡가들은 이러한 이상을 실현하려고 시도했다. 그러나 성공한 첫 번째는 글루크였다. 글루크는 "아름다운 단순성"을 추구하기 위해 노력했다. 이는 그의 첫 개혁 오페라 《오르페오와 에우리디체》에서 분명히 드러나는데, 그의 비기교적인 성악 선율은 단순한 화음과 전반적으로 풍부한 오케스트라 반주에 의해 뒷받침된다.
글루크의 개혁은 오페라 역사 전반에 걸쳐 반향을 일으켰다. 특히 카를 마리아 폰 베버, 모차르트, 바그너는 그의 이상에 영향을 받았다. 여러 면에서 글루크의 후계자인 모차르트는 뛰어난 드라마, 화성, 선율, 대위법 감각을 결합하여 로렌초 다 폰테의 대본으로 일련의 희극 오페라를 작곡했다. 특히 《피가로의 결혼》, 《돈 조반니》, 《코지 판 투테》는 가장 사랑받고 인기 있으며 잘 알려진 오페라 중 하나로 남아 있다. 그러나 오페라 세리아에 대한 모차르트의 기여는 더욱 복합적이었다. 그 당시 오페라 세리아는 쇠퇴하고 있었고, 《이도메네오》와 《티토 황제의 자비》와 같은 훌륭한 작품에도 불구하고, 그는 이 예술 형식을 다시 살리는 데 성공하지 못했다.
벨칸토, 베르디, 베리스모.
벨칸토 오페라 운동은 19세기 초에 번성했으며, 조아키노 로시니, 빈첸초 벨리니, 가에타노 도니체티, 조반니 파치니, 사베리오 메르사단테 등 여러 작곡가들의 오페라에서 잘 나타난다. 문자 그대로 "아름다운 노래"를 의미하는 벨칸토 오페라는 동명의 이탈리아 양식의 성악 학교에서 유래했다. 벨칸토 선율은 일반적으로 화려하고 복잡하며, 최고의 민첩성과 음정 제어를 요구한다. 벨칸토 스타일의 유명한 오페라로는 로시니의 《세비야의 이발사》와 《라 체네렌톨라》, 벨리니의 《노르마》, 《몽유병의 여인》, 《청교도》, 그리고 도니체티의 《람메르무어의 루치아》, 《사랑의 묘약》, 《돈 파스콸레》 등이 있다.
벨칸토 시대를 거쳐, 《나부코》를 시작으로 주세페 베르디에 의해 더욱 직설적이고 강렬한 스타일이 빠르게 대중화되었다. 이 오페라와 베르디의 경력에서 뒤따른 작품들은 이탈리아 오페라를 혁명적으로 변화시켰다. 로시니와 도니체티의 작품들이 단순히 성악 기교의 과시였던 데 반해, 베르디의 작품들은 극적인 이야기 전달에 중점을 두었다. 베르디의 오페라는 나폴레옹 이후 시대에 성장하는 이탈리아 민족주의 정신에 공명했고, 그는 빠르게 통일 이탈리아를 위한 애국 운동의 상징이 되었다. 1850년대 초, 베르디는 그의 가장 인기 있는 세 편의 오페라, 《리골레토》, 《일 트로바토레》, 《라 트라비아타》를 발표했다. 이 중 《리골레토》는 가장 대담하고 혁명적인 작품임이 입증되었다. 이 작품에서 베르디는 이전에는 없었던 아리아와 레치타티보 사이의 구분을 모호하게 하여, 오페라가 "끝없는 듀엣의 연속"이 되게 했다. 《라 트라비아타》 또한 새로웠다. 이 작품은 고급 매춘부의 이야기를 다루며, 베리스모 또는 "사실주의" 오페라의 요소를 포함한다. 이는 위대한 왕이나 문학 속 인물을 다루기보다는 평범한 삶과 사회의 비극에 초점을 맞추기 때문이었다. 이후 그는 자신의 스타일을 계속 발전시켜, 아마도 가장 위대한 프랑스 그랜드 오페라인 《돈 카를로》를 작곡했으며, 셰익스피어의 영향을 받은 두 작품 《오텔로》와 《팔스타프》로 그의 경력을 마쳤는데, 이 작품들은 19세기 초 이탈리아 오페라가 얼마나 정교하게 발전했는지를 보여준다. 이 두 마지막 작품은 베르디가 오케스트라 편곡에서 가장 뛰어난 실력을 보여주었으며, 매우 영향력 있고 현대적이다. 《팔스타프》에서 베르디는 20세기 내내 오페라를 지배할 형식과 스타일의 탁월한 기준을 제시한다. 길고 늘어지는 선율 대신, 《팔스타프》는 많은 작은 동기와 모토들을 포함하며, 이는 확장되기보다는 도입되었다가 사라지고, 나중에 다시 등장한다. 이러한 동기들은 결코 확장되지 않으며, 관객이 등장인물이 긴 선율을 시작할 것이라고 예상하는 순간, 새로운 등장인물이 새로운 구절을 말하며 등장한다. 이러한 오페라의 양식은 베르디 이후 오페라에 지대한 영향을 미쳤으며, 그의 후계자인 자코모 푸치니, 리하르트 슈트라우스, 벤저민 브리튼에게도 엄청난 영향을 주었다.
베르디 이후, 이탈리아에서는 감상적이고 "사실주의적인" 멜로드라마인 베리스모가 등장했다. 이는 피에트로 마스카니의 《카발레리아 루스티카나》와 루제로 레온카발로의 《팔리아치》에 의해 도입된 스타일로, 이후 자코모 푸치니의 《라 보엠》, 《토스카》, 《나비 부인》과 같은 인기 작품들과 함께 전 세계 오페라 무대를 지배하게 되었다. 베리오와 노노와 같은 후대 이탈리아 작곡가들은 모더니즘을 실험했다.
독일어 오페라.
최초의 독일 오페라는 하인리히 쉬츠가 1627년에 작곡한 《다프네》였으나, 악보는 현재 남아있지 않다. 이탈리아 오페라는 18세기 말까지 독일어권 국가에서 큰 영향력을 행사했다. 그럼에도 불구하고, 이러한 영향에도 불구하고 토착 형식들이 발전했다. 1644년, 지그문트 슈타덴은 최초의 징슈필인 《제엘레비히》를 제작했는데, 이는 노래와 대화가 교대로 나타나는 인기 있는 독일어 오페라 형식이었다. 17세기 말에서 18세기 초에는 함부르크의 겐제마르크트 극장에서 카이저, 텔레만, 헨델의 독일 오페라가 상연되었다. 그러나 헨델 자신을 비롯한 당시의 주요 독일 작곡가들 대부분은 그라운, 하세, 그리고 나중에 글루크와 마찬가지로 대부분의 오페라를 이탈리아어를 비롯한 외국어로 작곡했다. 귀족 계급을 위해 작곡된 이탈리아 오페라와는 대조적으로, 독일 오페라는 일반적으로 대중을 위해 작곡되었으며 단순한 민요풍 선율을 특징으로 하는 경향이 있었고, 모차르트가 등장하기 전까지는 독일 오페라가 음악적 정교함에서 이탈리아 오페라와 견줄 수 없었다. 아벨 자일러의 극단은 1770년대에 진지한 독일어 오페라를 개척하며 이전의 단순한 음악적 오락과 단절을 이루었다.
모차르트의 징슈필 《후궁으로부터의 유괴》(1782년)와 《마술피리》(1791년)는 독일 오페라가 국제적인 인정을 받는 데 중요한 돌파구였다. 이러한 전통은 19세기에 프랑스 혁명의 분위기에서 영감을 받은 베토벤의 《피델리오》(1805년)에 의해 발전되었다. 카를 마리아 폰 베버는 이탈리아 벨칸토의 지배에 반대하여 독일 낭만주의 오페라를 확립했다. 그의 《마탄의 사수》(1821년)는 초자연적인 분위기를 조성하는 그의 천재성을 보여준다. 당시 다른 오페라 작곡가로는 마르슈너, 슈베르트, 로르칭 등이 있지만, 가장 중요한 인물은 단연 바그너였다.
바그너는 음악 역사상 가장 혁명적이고 논란이 많은 작곡가 중 한 명이었다. 그는 베버와 마이어베어의 영향 아래 시작하여, 점차 음악, 시, 회화를 융합한 종합 예술 작품(Gesamtkunstwerk)으로서의 새로운 오페라 개념을 발전시켰다. 그는 오케스트라의 역할과 힘을 크게 강화하여, 드라마의 등장인물과 개념에 자주 연결되는 반복적인 주제(leitmotif)의 복잡한 연결망으로 악보를 만들었다. 이러한 원형은 그의 초기 오페라인 《방황하는 네덜란드인》, 《탄호이저》, 《로엔그린》에서 들을 수 있다. 그는 더 큰 표현력을 추구하면서 조성과 같은 기존의 음악적 관습을 위반하기도 했다. 그의 성숙한 음악극인 《트리스탄과 이졸데》, 《뉘른베르크의 명가수》, 《니벨룽의 반지》, 《파르지팔》에서 그는 아리아와 레치타티보 사이의 구분을 없애고 "무한 선율"의 끊김 없는 흐름을 선호했다. 바그너는 또한 그의 작품에 새로운 철학적 차원을 부여했으며, 이는 대개 게르만족 또는 아서 왕 전설의 이야기들을 기반으로 했다. 마지막으로, 바그너는 바이에른의 루트비히 2세의 후원을 받아 바이로이트에 자신만의 오페라 극장을 건설하여, 그가 원했던 방식으로 자신의 작품만을 공연하는 데 전념했다.
바그너 이후 오페라는 결코 예전과 같지 않았으며, 많은 작곡가들에게 그의 유산은 무거운 짐이 되었다. 반면에 리하르트 슈트라우스는 바그너의 사상을 받아들였지만, 베르디가 도입한 새로운 형식을 통합하여 완전히 새로운 방향으로 나아갔다. 그는 먼저 논란이 많았던 《살로메》와 음조가 극한까지 밀어붙여진 어두운 비극 《엘렉트라》로 명성을 얻었다. 그러고 나서 슈트라우스는 그의 가장 큰 성공작인 《장미의 기사》에서 방향을 틀었는데, 여기서는 모차르트와 빈 왈츠가 바그너만큼 중요한 영향을 미쳤다. 슈트라우스는 시인 후고 폰 호프만스탈의 대본과 함께 매우 다양한 오페라 작품을 계속해서 발표했다. 20세기 초 독일 오페라에 개별적으로 기여한 다른 작곡가로는 알렉산더 폰 쳄린스키, 에리히 코른골트, 프란츠 슈레커, 파울 힌데미트, 쿠르트 바일, 그리고 이탈리아 태생의 페루초 부소니 등이 있다. 아르놀트 쇤베르크와 그의 후계자들의 오페라 혁신은 모더니즘 섹션에서 논의된다.
19세기 후반, 자크 오펜바흐가 작곡한 프랑스어 오페레타의 숭배자였던 오스트리아 작곡가 요한 슈트라우스 2세는 여러 독일어 오페레타를 작곡했으며, 그 중 가장 유명한 것은 《박쥐》였다. 그럼에도 불구하고, 슈트라우스 2세의 오페레타는 오펜바흐의 스타일을 모방하기보다는 분명히 빈 특유의 풍미를 지니고 있었다.
프랑스 오페라.
수입된 이탈리아 오페라 작품들과의 경쟁 속에서, 루이 14세 궁정에서 이탈리아 태생의 프랑스 작곡가 장바티스트 륄리에 의해 독자적인 프랑스 전통이 확립되었다. 비록 외국 태생이지만, 륄리는 1672년부터 프랑스 오페라를 독점하고 왕립 음악 아카데미를 설립했다. 《카드무스와 헤르미온》을 시작으로, 륄리와 그의 대본가 필립 퀴노는 춤곡과 합창 음악이 특히 두드러지는 형식인 음악 비극(tragédie en musique)을 창조했다. 륄리의 오페라는 또한 프랑스어의 억양에 맞춘 표현적인 레치타티보에 대한 관심을 보여준다. 18세기에는 륄리의 가장 중요한 후계자인 장필리프 라모가 5편의 음악 비극과 오페라 발레와 같은 다른 장르의 수많은 작품을 작곡했으며, 이들은 모두 풍부한 오케스트라 편곡과 대담한 화성으로 유명하다. 바로크 시대 대부분의 유럽에서 이탈리아 오페라 세리아가 인기를 끌었음에도 불구하고, 프랑스에서는 자국의 오페라 전통이 더 인기를 끌었기 때문에 이탈리아 오페라가 큰 발판을 마련하지 못했다. 라모가 사망한 후, 보헤미아-오스트리아 작곡가 글루크는 1770년대에 파리 무대를 위해 6편의 오페라를 제작하도록 설득되었다. 이들은 라모의 영향을 보여주지만, 단순화되었고 드라마에 더 집중했다. 동시에 18세기 중반에는 또 다른 장르가 프랑스에서 인기를 얻고 있었는데, 바로 오페라 코미크였다. 이는 아리아와 대화가 교대로 나타나는 독일의 징슈필과 유사했다. 이 스타일의 주목할 만한 작품들은 몽시니, 필리도르, 그리고 무엇보다도 그레트리에 의해 제작되었다. 혁명 및 나폴레옹 시대에는 글루크의 추종자들이었던 에티엔 메윌, 루이지 케루비니, 가스파레 스폰티니와 같은 작곡가들이 이 장르에 새로운 진지함을 부여했는데, 이 장르는 어쨌든 완전히 "코믹"하지는 않았다. 이 시기의 또 다른 현상은 혁명적 성공을 기념하는 '선전 오페라'였다. 예를 들어 고세크의 《공화국의 승리》(1793년)가 있다.
1820년대에 프랑스에서 글루크의 영향력은 이탈리아 벨칸토에 대한 취향으로 바뀌었고, 특히 조아키노 로시니가 파리에 도착한 이후 더욱 그러했다. 로시니의 《빌헬름 텔》은 그랜드 오페라라는 새로운 장르를 확립하는 데 기여했으며, 이 장르의 가장 유명한 대표자는 또 다른 외국인인 자코모 마이어베어였다. 마이어베어의 《위그노 교도들》과 같은 작품들은 기교적인 노래와 뛰어난 무대 효과를 강조했다. 가벼운 오페라 코미크 또한 보엘디외, 오베르, 에롤드, 아당의 손에서 엄청난 성공을 거두었다. 이러한 분위기 속에서 프랑스 태생의 작곡가 베를리오즈의 오페라는 공연될 기회를 얻기 위해 고군분투했다. 글루크 전통의 정점인 베를리오즈의 대작 《트로이 사람들》은 거의 백 년 동안 완전한 공연이 이루어지지 못했다.
19세기 후반, 자크 오펜바흐는 《지옥의 오르페우스》와 같은 재치 있고 냉소적인 작품으로 오페레타를 창조했으며, 오페라 《호프만 이야기》를 작곡했다. 샤를 구노는 《파우스트》로 큰 성공을 거두었고, 조르주 비제는 《카르멘》을 작곡했는데, 관객들이 낭만주의와 사실주의의 조화를 받아들이자 가장 인기 있는 오페라 코미크가 되었다. 쥘 마스네, 카미유 생상스, 레오 들리브는 모두 오늘날 표준 레퍼토리의 일부로 남아 있는 작품들을 작곡했는데, 예를 들어 마스네의 《마농》, 생상스의 《삼손과 데릴라》, 들리브의 《라크메》가 있다. 그들의 오페라는 또 다른 장르인 리릭 오페라(opéra lyrique)를 형성했는데, 이는 오페라 코미크와 그랜드 오페라를 결합한 것이다. 그랜드 오페라보다 덜 웅장하지만, 오페라 코미크의 대화는 없다. 동시에 리하르트 바그너의 영향은 프랑스 전통에 대한 도전으로 느껴졌다. 많은 프랑스 비평가들은 바그너의 음악극을 격렬하게 거부했지만, 많은 프랑스 작곡가들은 다양한 성공을 거두며 이를 면밀히 모방했다. 아마도 가장 흥미로운 반응은 드뷔시에게서 나왔다. 바그너의 작품에서처럼, 드뷔시의 독특한 오페라 《펠레아스와 멜리장드》(1902년)에서는 오케스트라가 주도적인 역할을 하며, 실제 아리아는 없고 레치타티보만 존재한다. 그러나 드라마는 절제되어 있고 수수께끼 같으며, 바그너적이지 않다.
그 외 주목할 만한 20세기 작곡가로는 라벨, 뒤카스, 루셀, 오네게르, 미요 등이 있다. 프랑시스 풀랑크는 전쟁 후 오페라 중 국제적인 레퍼토리에 정착한 몇 안 되는 작곡가 중 한 명이며(《카르멜회 수녀들의 대화》 포함), 메시앙의 장편 성스러운 드라마 《아시시의 성 프란치스코》(1983년) 또한 광범위한 관심을 끌었다.
영어 오페라.
잉글랜드에서 오페라의 전신은 17세기 지그였다. 이는 연극이 끝난 뒤에 나오는 후속극으로, 자주 명예훼손적이고 스캔들을 담았으며, 주로 인기 있는 곡조에서 가져온 음악에 맞춰 대화가 이뤄졌다. 이런 점에서 지그는 18세기 발라드 오페라의 전신이 된다. 동시에 프랑스의 가면극이 영국 궁정에서 확고한 자리를 잡았는데, 이전에는 볼 수 없었던 더욱 호화로운 장식과 매우 사실적인 무대 장치를 선보였다. 이니고 존스는 이러한 공연의 전형적인 디자이너가 되었고, 이 스타일은 3세기 동안 영국 무대를 지배하게 된다. 이 가면극에는 노래와 춤이 포함되었다. 벤 존슨의 《연인들이 된 사람들》(1617)에서는 "전체 가면극이 이탈리아식으로, 레치타티보 스타일로 노래되었다". 영국 공화국의 도래는 극장을 폐쇄하고 영국 오페라의 설립으로 이어질 수 있었던 모든 발전을 중단시켰다. 그러나 1656년, 극작가 윌리엄 다브난트 경은 《로도스의 포위》를 제작했다. 그의 극장은 드라마를 제작할 허가가 없었기 때문에 그는 여러 주요 작곡가(로스, 쿡, 로크, 콜먼, 허드슨)에게 그 일부에 음악을 붙여달라고 요청했다. 이 성공에 이어 《페루 스페인인의 잔혹함》(1658년)과 《프랜시스 드레이크 경의 역사》(1659년)가 나왔다. 이 작품들은 올리버 크롬웰이 스페인을 비판했기 때문에 장려되었다. 영국 왕정복고와 함께 외국(특히 프랑스) 음악가들이 다시 환영받았다. 1673년, 토마스 섀드웰의 《프시케》는 1671년 몰리에르와 장바티스트 륄리가 제작한 동명의 '코메디-발레'를 본뜬 것이었다. 윌리엄 다브난트는 같은 해에 셰익스피어 연극의 첫 번째 음악적 각색 작품인 《템페스트》를 제작했다(로크와 존슨 작곡). 1683년경, 존 블로는 《비너스와 아도니스》를 작곡했는데, 이는 종종 최초의 진정한 영어 오페라로 간주된다.
블로의 직계 후계자는 더 잘 알려진 헨리 퍼셀이었다. 이탈리아식 레치타티보를 사용하여 극의 전개를 도운 그의 걸작 《디도와 아이네이아스》(1689년)의 성공에도 불구하고, 퍼셀의 최고 작품 대부분은 전형적인 오페라 작곡에 몰두한 것이 아니라, 대신 세미 오페라 형식의 제약 내에서 작업했다. 이 형식은 독립된 장면과 가면극이 대화극의 구조 안에 포함된 것으로, 퍼셀의 《요정 여왕》(1692년)의 셰익스피어 작품이나 《예언자》(1690년)와 《본두카》(1696년)의 프랜시스 보몽과 존 플레처 작품이 그 예이다. 연극의 주요 등장인물들은 음악 장면에 관여하지 않는 경향이 있어, 퍼셀이 노래를 통해 등장인물을 발전시킬 기회는 거의 없었다. 이러한 제약에도 불구하고, 그의 목표(그리고 그의 협력자 존 드라이든의 목표)는 영국에서 진지한 오페라를 확립하는 것이었지만, 퍼셀이 36세의 젊은 나이로 사망하면서 이러한 희망은 끝이 났다.
퍼셀 이후, 영국에서 오페라의 인기는 수십 년 동안 시들해졌다. 1730년대에 오페라에 대한 관심이 다시 살아났는데, 이는 주로 토마스 아른의 작품과 그가 헨델에게 영어 대규모 작품의 상업적 가능성을 알린 데 기인한다. 아른은 1760년 《토마스와 샐리》로 가장 큰 성공을 거두며 이탈리아 스타일의 전체 노래 희극 오페라를 실험한 최초의 영국 작곡가였다. 그의 오페라 《아르탁세르크세스》(1762년)는 본격적인 오페라 세리아를 영어로 작곡하려는 첫 시도였으며, 1830년대까지 무대에서 큰 성공을 거두었다. 아른은 이탈리아 오페라의 많은 요소를 모방했지만, 당시 이탈리아의 영향을 넘어 자신만의 독특하고 분명히 영국적인 목소리를 창조할 수 있었던 유일한 영국 작곡가였을 것이다. 그의 현대화된 발라드 오페라 《마을의 사랑》(1762년)은 19세기까지 이어지는 파스티슈 오페라 유행을 시작했다. 찰스 버니는 아른이 "퍼셀이나 헨델, 즉 모든 영국 작곡가들이 약탈하거나 모방했던 그들과는 완전히 다른 가볍고, 시원하고, 독창적이고, 즐거운 멜로디를 도입했다"고 썼다.
아른 외에 이 시기 영국 오페라를 지배한 또 다른 세력은 헨델이었다. 그의 오페라 세리아는 런던 오페라 무대를 수십 년 동안 채웠고, 이탈리아 모델을 사용하여 작곡한 존 프레데릭 램프와 같은 국내 작곡가들에게 영향을 미쳤다. 이러한 상황은 18세기와 19세기 내내 계속되었고, 마이클 윌리엄 발프의 작품, 위대한 이탈리아 작곡가들, 그리고 모차르트, 베토벤, 마이어베어의 오페라가 영국 음악 무대를 계속 지배했다.
유일한 예외는 존 게이의 《거지 오페라》(1728년)와 같은 발라드 오페라, 음악 버레스크, 유럽 오페레타, 그리고 후기 빅토리아 시대의 경가극, 특히 길버트와 설리번의 《사보이 오페라》였다. 이 모든 유형의 음악 오락은 오페라의 관습을 자주 풍자했다. 이러한 장르들은 19세기 후반에 독립적이지만 밀접하게 관련된 뮤지컬 예술의 출현에 크게 기여했다. 설리번은 단 하나의 그랜드 오페라인 《아이반호》를 작곡했다(1876년경부터 여러 젊은 영국 작곡가들의 노력을 따른 것). 그러나 그는 자신의 경가극조차도 19세기 중반부터 1870년대까지 런던 무대를 지배했던 프랑스 오페레타(대개 서투른 번역으로 공연됨)를 대체하기 위한 "영국" 오페라 학파의 일부를 구성한다고 주장했다. 런던의 데일리 텔레그래프도 이에 동의하며, 《근위병》을 "진정한 영국 오페라, 바라건대 많은 다른 오페라들의 선구자이자 아마도 국가적인 서정 무대로의 진보를 의미하는 것"이라고 묘사했다. 설리번은 1890년대에 G&amp;S 시리즈보다 더 진지한 성격의 경가극 몇 편을 제작했는데, 여기에는 《해던 홀》과 《뷰티 스톤》이 포함된다. 그러나 《아이반호》(155회 연속 공연, 교대 캐스트 사용 – 브로드웨이의 《라 보엠》까지 기록)는 그의 유일한 그랜드 오페라로 남아 있다.
20세기에 들어서 영어 오페라는 더욱 독립성을 주장하기 시작했다. 특히 레이프 본 윌리엄스와 벤저민 브리튼의 작품들이 그러했는데, 브리튼은 오늘날에도 표준 레퍼토리에 남아 있는 일련의 작품들에서 뛰어난 극적 감각과 탁월한 음악성을 보여주었다. 최근에는 해리슨 버트위슬 경이 그의 첫 오페라 《펀치와 주디》부터 가장 최근의 비평적 성공작인 《미노타우로스》에 이르기까지 영국에서 가장 중요한 현대 작곡가 중 한 명으로 떠올랐다. 21세기 첫 10년 동안, 초기 버트위슬 오페라의 대본가였던 마이클 나이먼은 《고야를 향하여》, 《사람과 소년: 다다》, 《사랑은 계산한다》를 포함한 오페라 작곡에 집중하고 있다. 오늘날에는 토마스 아데스와 같은 작곡가들이 계속해서 영어 오페라를 해외로 수출하고 있다.
또한 20세기에는 조지 거슈윈(포기와 베스), 스콧 조플린(트리모니샤), 레너드 번스타인(캉디드), 잔 카를로 메노티, 더글러스 무어, 칼라일 플로이드와 같은 미국 작곡가들이 대중 음악 스타일의 터치를 가미한 영어 오페라를 기고하기 시작했다. 이들 뒤를 이어 필립 글래스(해변의 아인슈타인), 마크 아다모, 존 코릴리아노(베르사유의 유령들), 로버트 모란, 존 애덤스(닉슨 인 차이나), 앙드레 프레빈, 제이크 헤기와 같은 작곡가들이 등장했다. 미시 마졸리, 케빈 퍼츠, 톰 시풀로, 후앙 루오, 데이비드 T. 리틀, 테런스 블랜처드, 제니퍼 히그던, 토비아스 피커, 마이클 칭, 앤서니 데이비스, 리키 이안 고든과 같은 21세기 현대 오페라 작곡가들이 많이 등장했다.
러시아 오페라.
오페라는 1730년대에 이탈리아 오페라 극단에 의해 러시아에 전해졌고, 곧 러시아 황실과 귀족들의 중요한 오락이 되었다. 발다사레 갈루피, 파이시엘로, 사르티, 치마로사 (및 기타 여러 작곡가들)와 같은 많은 외국 작곡가들이 러시아로 초대되어 새로운 오페라를 작곡했는데, 대부분은 이탈리아어로 되어 있었다. 동시에 막심 베레조프스키와 드미트리 보르트니안스키와 같은 일부 우크라이나 출신 국내 음악가들은 오페라 작곡을 배우기 위해 해외로 보내졌다. 러시아어로 쓰여진 최초의 오페라는 이탈리아 작곡가 프란체스코 아라야의 《체팔과 프로크리스》(1755년)였다. 러시아어 오페라의 발전은 러시아 작곡가 바실리 파시케비치, 예프스티그네이 포민, 베르스토프스키에 의해 지원되었다.
그러나 러시아 오페라의 진정한 탄생은 미하일 글린카와 그의 두 위대한 오페라 《차르를 위한 삶》(1836년)과 《루슬란과 류드밀라》(1842년)와 함께 찾아왔다. 그 후 19세기 러시아에서는 다르고미시스키의 《루살카》와 《돌의 손님》, 모데스트 무소륵스키의 《보리스 고두노프》와 《호반시나》, 보로딘의 《이고르 공》, 차이콥스키의 《예브게니 오네긴》과 《스페이드의 여왕》, 그리고 림스키코르사코프의 《눈 아가씨》와 《사트코》와 같은 오페라 걸작들이 쓰여졌다. 이러한 발전은 더 넓은 슬라브 필리아 운동의 일환으로 예술 전반에 걸쳐 러시아 민족주의가 성장하는 것을 반영했다.
20세기에 러시아 오페라의 전통은 세르게이 라흐마니노프의 《인색한 기사》와 《프란체스카 다 리미니》, 이고르 스트라빈스키의 《나이팅게일》, 《마브라》, 《오이디푸스 렉스》, 《난봉꾼의 행각》, 세르게이 프로코피예프의 《도박사》, 《세 개의 오렌지에 대한 사랑》, 《불의 천사》, 《수도원에서의 약혼》, 《전쟁과 평화》, 그리고 쇼스타코비치의 《코》와 《므첸스크의 레이디 맥베스》, 에디손 데니소프의 《날들의 거품》, 그리고 알프레트 시닛케의 《바보와의 삶》과 《도르파의 요한 파우스텐》을 포함한 많은 작곡가들에 의해 발전되었다.
체코 오페라.
체코 작곡가들도 19세기부터 독자적인 활발한 국가 오페라 운동을 발전시켰는데, 이는 베드르지흐 스메타나로부터 시작되었다. 그는 국제적으로 인기 있는 《팔려간 신부》를 포함하여 여덟 편의 오페라를 작곡했다. 스메타나의 여덟 편의 오페라는 체코 오페라 레퍼토리의 초석을 다졌지만, 이 중 《팔려간 신부》만이 작곡가의 고향 밖에서 정기적으로 공연된다. 1892년 빈에, 1895년 런던에 도착한 이 오페라는 빠르게 전 세계 모든 주요 오페라단의 레퍼토리가 되었다.
드보르자크의 아홉 편의 오페라는 첫 번째 작품을 제외하고는 모두 체코어 대본을 사용했으며, 그의 일부 합창 작품처럼 체코 민족 정신을 전달하려는 의도를 가졌다. 오페라 중 가장 성공적인 작품은 단연 《루살카》이며, 이 작품에는 유명한 아리아 "Měsíčku na nebi hlubokém"("달에게 바치는 노래")가 포함되어 있다. 이 작품은 체코 외의 현대 오페라 무대에서도 자주 공연된다. 이는 작품들의 불균등한 창의성과 대본, 그리고 아마도 무대 요구 사항 때문일 것이다. 《야코빈》, 《아르미다》, 《반다》, 《디미트리》는 침략군을 묘사하기에 충분한 큰 무대가 필요하다.
야나체크는 20세기 혁신적인 작품들로 국제적인 인정을 받았다. 그의 후기 성숙한 작품들은 1904년 브르노에서 초연된 오페라 《예누파》에서 처음 나타났듯이, 자신의 초기 민속 음악 연구를 현대적이고 매우 독창적인 종합으로 통합했다. 《예누파》(종종 "모라비아 민족 오페라"라고 불림)가 1916년 프라하에서 성공을 거두면서 야나체크는 세계 주요 오페라 무대에 진출할 수 있었다. 야나체크의 후기 작품들은 가장 유명하다. 여기에는 《카탸 카바노바》와 《영리한 새끼 암여우》와 같은 오페라, 《소교향곡》, 그리고 《글라골 미사》가 포함된다.
기타 국가 오페라.
스페인 또한 사르수엘라라고 알려진 독자적인 오페라 형식을 만들었으며, 이는 두 차례의 전성기를 가졌다. 첫 번째는 17세기 중반부터 18세기 중반까지, 두 번째는 1850년경부터 시작되었다. 18세기 후반부터 19세기 중반까지 이탈리아 오페라는 스페인에서 엄청난 인기를 누리며 토착 형식을 대체했다.
러시아 동유럽에서는 여러 국가 오페라가 등장하기 시작했다. 우크라이나 오페라는 세멘 훌락-아르테모프스키 (1813–1873)에 의해 발전되었으며, 그의 가장 유명한 작품인 《자포로제츠 자 두나엠》(다뉴브 너머의 코사크)은 전 세계에서 정기적으로 공연된다. 다른 우크라이나 오페라 작곡가로는 미콜라 리센코(타라스 불바와 나탈카 폴타프카)가 있다. 헤오르히 마이보로다와 율리 메이투스도 이 분야에 기여했다. 세기 전환기에는 자카리아 팔리아슈빌리의 주도 아래 조지아에서도 독자적인 국가 오페라 운동이 나타나기 시작했는데, 그는 현지 민요와 이야기를 19세기 낭만주의 고전 주제와 융합시켰다.
19세기 헝가리 국가 오페라의 핵심 인물은 에르켈 페렌츠였으며, 그의 작품들은 주로 역사적 주제를 다루었다. 그의 가장 자주 공연되는 오페라로는 《후냐디 라즐로》와 《방크 반》이 있다. 가장 유명한 현대 헝가리 오페라는 벨러 버르토크의 《푸른 수염의 공작의 성》이다.
스타니스와프 모니우슈코의 오페라 《스트라슈니 드보르》(영어로는 유령의 저택) (1861–64년)은 19세기 폴란드 국립 오페라의 정점을 나타낸다. 20세기에는 시마노프스키의 《로저 왕》과 펜데레츠키의 《우부 렉스》 등 폴란드 작곡가들이 만든 다른 오페라들이 있었다.
튀르키예 (구 오스만 제국)에서 알려진 최초의 오페라는 1868년 아르메니아인 작곡가 티그란 추하시안이 작곡하고 1873년에 부분적으로 공연된 아르메니아 오페라 《아르샤크 2세》였다. 이 작품은 1945년 아르메니아에서 전곡이 무대에 올려졌다.
소련 초창기에는 아제르바이잔 작곡가 위제이르 하즈배요프의 《코롤루》(1937년)와 같은 새로운 국립 오페라가 등장했다. 최초의 키르기스 오페라인 아이-추레크는 1939년 5월 26일 볼쇼이 극장에서 키르기스 예술의 10년 행사 중 모스크바에서 초연되었다. 이 오페라는 블라디미르 블라소프, 압딜라스 말디바예프, 블라디미르 페레가 작곡했다. 대본은 좀마트 보콘바예프, 유수프 투루스베코프, 키바니치베크 말리코프가 썼다. 이 오페라는 키르기스의 영웅 서사시인 마나스를 바탕으로 한다.
이란에서는 19세기 후반 서양 클래식 음악이 도입된 후 오페라가 더 많은 주목을 받았다. 그러나 1967년 루다키 홀 건설로 다양한 무대 작품 상연이 가능해지면서 이란 작곡가들이 이 분야를 실험하기 시작한 것은 20세기 중반에 이르러서였다. 아마도 가장 유명한 이란 오페라는 2000년대 초에야 초연된 로리스 체크나보리안의 《로스탐과 소흐랍》일 것이다.
중국 현대 클래식 오페라는 전통 중국 오페라와는 다른 서양식 오페라의 중국어 형태로, 1945년 《백발마녀》로 거슬러 올라간다.
라틴 아메리카에서는 유럽 식민지화의 결과로 오페라가 시작되었다. 아메리카 대륙에서 쓰여진 최초의 오페라는 1701년 스페인 태생의 페루 작곡가 토마스 데 토레혼 이 벨라스코의 《라 푸르푸라 데 라 로사》였다. 10년 후인 1711년, 멕시코 작곡가 마누엘 데 수마야의 《파르테노페》는 라틴 아메리카에서 태어난 작곡가가 쓴 최초의 오페라였다(음악은 현재 소실됨). 포르투갈어 대본으로 된 최초의 브라질 오페라는 엘리아스 알바레스 로보의 《상 조앙의 밤》이었다. 그러나 안토니우 카를루스 고메스는 일반적으로 가장 뛰어난 브라질 작곡가로 평가받으며, 《과라니》와 같이 브라질 주제를 다룬 이탈리아어 대본 오페라로 이탈리아에서 상당한 성공을 거두었다. 아르헨티나의 오페라는 20세기 테아트로 콜론의 개장 이후 부에노스아이레스에서 발전했으며, 에토레 파니자의 오페라 《오로라》는 이민으로 인해 이탈리아 전통의 영향을 강하게 받았다. 아르헨티나의 다른 중요한 작곡가로는 펠리페 보에로와 알베르토 히나스테라가 있다.
현대, 최근, 모더니즘 경향.
모더니즘.
오페라에서 모더니즘의 가장 명확한 스타일적 표현은 아마도 무조성의 발전일 것이다. 오페라에서 전통적인 조성으로부터의 이탈은 리하르트 바그너로부터 시작되었으며, 특히 트리스탄 화음에서 두드러진다. 리하르트 슈트라우스, 드뷔시, 푸치니, 힌데미트, 브리튼, 피츠너와 같은 작곡가들은 더욱 극단적인 반음계 사용과 더 큰 불협화음 사용으로 바그너의 화성을 더욱 발전시켰다. 모더니스트 오페라의 또 다른 측면은 길고 늘어지는 선율에서 짧고 빠른 동기로의 전환인데, 이는 베르디가 그의 《팔스타프》에서 처음으로 보여주었다. 슈트라우스, 브리튼, 쇼스타코비치, 스트라빈스키와 같은 작곡가들은 이 스타일을 채택하고 확장했다.
오페라의 모더니즘은 두 명의 빈 작곡가, 즉 아르놀트 쇤베르크와 그의 학생 알반 베르크의 오페라에서 진정으로 시작되었다. 이들은 모두 무조성과 그 이후의 발전(쇤베르크가 개발한)인 12음 기법의 작곡가이자 옹호자였다. 쇤베르크의 초기 음악극 작품인 《기대》(1909년 작곡, 1924년 초연)와 《행운의 손》은 반음계적 화음과 전반적인 불협화음을 많이 사용한다. 쇤베르크는 또한 때때로 슈프레히슈티메를 사용했다.
쇤베르크의 제자인 알반 베르크의 두 오페라 《보체크》(1925년)와 《룰루》(1935년 사망 시 미완성)는 위에서 설명한 많은 동일한 특징들을 공유한다. 그러나 베르크는 쇤베르크의 12음 기법에 대한 그의 매우 개인적인 해석을 보다 전통적인 조성을 지닌 선율적 부분(상당히 말러적 성격)과 결합시켰는데, 이는 아마도 그의 오페라들이 논란이 많은 음악과 줄거리에도 불구하고 표준 레퍼토리에 남아 있는 이유를 부분적으로 설명해 줄 것이다. 쇤베르크의 이론은 그의 기법을 직접적으로 사용하지 않았더라도 이후 수많은 오페라 작곡가들에게 (직접 또는 간접적으로) 영향을 미쳤다.
그리하여 영향을 받은 작곡가로는 영국인 벤저민 브리튼, 독일인 한스 베르너 헨체, 그리고 러시아인 드미트리 쇼스타코비치가 있다. (필립 글래스 또한 무조성을 사용하지만, 그의 스타일은 일반적으로 미니멀리즘으로 묘사되며, 이는 보통 또 다른 20세기 발전으로 간주된다.)
그러나 오페라 모더니즘의 무조성 사용은 신고전주의 형태의 반발을 불러일으켰다. 이 운동의 초기 선두주자는 페루초 부소니였는데, 그는 1913년에 그의 신고전주의 넘버 오페라 《아를레키노》(1917년 초연)의 대본을 썼다. 또한 선두에 있었던 인물은 러시아의 스트라빈스키였다. 댜길레프가 제작한 발레 《페트루시카》(1911년)와 《봄의 제전》(1913년)을 작곡한 후, 스트라빈스키는 신고전주의로 전환했는데, 이는 그의 오페라-오라토리오 《오이디푸스 렉스》(1927년)에서 절정에 달했다. 스트라빈스키는 이미 그의 초기 발레의 모더니즘 경향에서 벗어나 오페라로 완전히 분류되지는 않지만, 분명히 많은 오페라적 요소를 포함하는 소규모 작품들을 제작했는데, 여기에는 《레나르》(1916년: "노래와 춤이 있는 풍자극")와 《병사의 이야기》(1918년: "읽고, 연주하고, 춤추는 것"; 두 경우 모두 설명과 지시는 작곡가의 것이다)가 포함된다. 후자에서는 배우들이 악기 반주에 맞춰 지정된 리듬으로 대화의 일부를 낭송하는데, 이는 오래된 독일 장르인 멜로드라마와 기이하게도 유사하다. 림스키코르사코프의 영향을 받은 《나이팅게일》(1914년)과 《마브라》(1922년) 이후에도 스트라빈스키는 음렬 기법을 계속 무시하다가 마침내 완전한 18세기 스타일의 온음계 넘버 오페라 《난봉꾼의 행각》(1951년)을 작곡했다. 음렬주의에 대한 그의 저항(쇤베르크 사망 후 그는 이러한 태도를 바꾸었다)은 다른 많은 작곡가들에게 영감을 주었다.
20세기 전체에 걸쳐 오페라와 일반 오케스트라 레퍼토리에서 나타난 공통적인 경향은 비용 절감 조치로 인해 더 작은 오케스트라를 사용하는 것이다. 거대한 현악 섹션, 여러 대의 하프, 추가 혼, 이국적인 타악기를 갖춘 웅장한 낭만 시대 오케스트라는 더 이상 실현 가능하지 않았다. 20세기 내내 정부와 민간 예술 후원이 감소하면서, 새로운 작품들은 종종 더 작은 예산으로 의뢰되고 공연되었으며, 이는 종종 실내악 규모의 작품이나 짧은 1막 오페라로 이어졌다. 벤저민 브리튼의 많은 오페라는 13명 정도의 악기 연주자를 위해 편곡되었고, 마크 아다모의 2막짜리 《작은 아씨들》은 18명의 악기 연주자를 위해 편곡되었다.
20세기 후반 오페라의 또 다른 특징은 현대 역사 오페라의 등장이다. 이는 더 먼 과거의 역사, 현대의 허구적 이야기나 연극, 또는 신화나 전설에 오페라의 배경을 두는 전통과는 대조적이다. 존 애덤스의 《클링호퍼의 죽음》, 《닉슨 인 차이나》, 《닥터 아토믹》, 제이크 헤기의 《죽은 자가 걸어온다》, 마크-앤서니 터니지의 《안나 니콜》, 로빈 데 라프의 《미스 먼로를 기다리며》는 오페라에 등장하는 인물들이 초연 당시 살아있었던 최근의 실제 사건들을 무대화한 예시이다.
미국의 메트로폴리탄 오페라 (종종 Met으로 불림)는 2011년에 관객의 평균 연령이 60세라고 보고했다. 많은 오페라단들은 20세기 후반부터 클래식 음악 관객의 노령화라는 큰 추세를 막기 위해 젊은 관객들을 유치하려고 노력했다. 이러한 노력의 결과로 멧 오페라 관객의 평균 연령은 2018년에 58세로 낮아졌으며, 베를린 국립 오페라의 평균 연령은 54세, 파리 국립 오페라는 48세로 보고되었다. 뉴욕 타임스 비평가 앤서니 토마시니는 "표준 레퍼토리에 지나치게 얽매인 회사들"은 젊고 더 호기심 많은 관객들에게 도달하지 못한다고 제안했다.
미국의 소규모 회사들은 더 취약한 존재이며, 그들은 보통 주 및 지방 정부, 지역 기업, 그리고 모금 행사로부터의 "누더기 같은 지원"에 의존한다. 그럼에도 불구하고, 일부 소규모 회사들은 새로운 관객을 끌어들이는 방법을 찾아냈다. 오페라 공연의 라디오 및 텔레비전 방송은 새로운 관객을 확보하는 데 어느 정도 성공을 거두었지만, 영화관으로의 라이브 공연 방송은 새로운 관객에게 도달할 잠재력을 보여주었다.
뮤지컬에서 오페라로의 회귀.
1930년대 후반부터 일부 뮤지컬은 더욱 오페라적인 구조를 갖추기 시작했다. 이러한 작품들은 복잡한 다성 앙상블을 포함하며, 당대의 음악적 발전을 반영한다. 재즈 스타일의 영향을 받은 《포기와 베스》(1935년)와 광범위한 서정적 구절과 오페라를 풍자하는 익살스러운 패러디가 특징인 《캉디드》(1956년)는 모두 브로드웨이에서 초연되었지만 오페라 레퍼토리의 일부로 받아들여졌다. 《쇼보트》, 《웨스트 사이드 스토리》, 《브리가둔》, 《스위니 토드》, 《열정》, 《에비타》, 《광장의 빛》, 《오페라의 유령》 등과 같은 인기 뮤지컬들은 복잡한 음악을 통해 극적인 이야기를 전달하며, 2010년대에는 종종 오페라 극장에서도 공연된다. 《가장 행복한 친구》(1952년)는 준오페라적인 작품으로 뉴욕시 오페라단에 의해 부활되었다. 《토미》(1969년)와 《지저스 크라이스트 슈퍼스타》(1971년), 《레 미제라블》(1980년), 《렌트》(1996년), 《스프링 어웨이크닝》(2006년), 《나타샤, 피에르 &amp; 1812년의 위대한 혜성》(2012년)과 같은 다른 록 음악의 영향을 받은 뮤지컬들도 스루 컴포지션, 대화 대신 레치타티보, 라이트모티프와 같은 다양한 오페라적 관습을 사용한다.
오페라의 음향 보강.
일부 현대 콘서트홀과 극장에서 오페라가 공연될 때 사용되는 미묘한 유형의 전자 음향 보강을 음향 보강이라고 한다. 주요 오페라 하우스 중 "... 대부분 또는 모든 가수에게 무선 마이크가 장착되어 극장 곳곳에 흩어진 보기 흉한 스피커 시리즈로 믹싱되는 전통적인 브로드웨이 스타일의 사운드 보강 시스템을 사용하지 않지만", 많은 곳에서 음향 보강과 무대 밖 목소리, 아동 가수, 무대 위 대화, 음향 효과(예: 《토스카》의 교회 종소리 또는 바그너 오페라의 천둥 효과)의 미묘한 증폭을 위해 음향 강화 시스템을 사용한다.
오페라 세리아(opera seria).
오페라 부파와 대립되는 말이며, 정가극(正歌劇)이라 번역되기도 한다. 제재를 신화나 영웅의 전설에서 구한 서정적 비극이며, 음악적으로는 중창이나 합창을 포함하기는 하지만 아리아에 중점을 두고 그것을 드라마틱한 레치타티보로 접속해 간다는 방법이 취해진다. 그리하여 무엇보다도 우선 소리의 아름다움을 돋보이게 하려는 생각을 조성하여 벨 칸토 창법이라든가 다 카포 아리아를 낳게 된다. 그리고 그것은 결국 주역을 무엇보다 중요시하는 이탈리아 오페라의 전통적 성격을 확립하게 된다. 그 뒤 몇 번의 변천을 거듭하였지만, 오페라 세리아는 마침내 오페라 역사의 주류를 이루었다. 한편 오페라 세리아가 그 독자의 명칭과 양식을 확립한 것은 18세기 나폴리파의 오페라 작곡가들의 노력에 의한다. 그들은 그 때까지의 번잡한 오페라를 정리하여 서정비극의 성격을 철저히 하려고 이 오페라 세리아를 가져왔다.
오페라 부파(opera buffa).
오페라 세리아와 대립되는 말로서, 희가극 또는 가극이라고 번역되기도 하지만 오페레타나 오페라 코미크와는 내용을 달리한다. 18세기 나폴리파의 오페라가 서정비극으로서의 오페라를 목적으로 한 데서 이 때까지 내포하고 있던 막간 광대조인 에피소드를 버리고 인테르메초(간주곡)로 독립하여, 드디어 오페라 부파로 성장하기에 이르렀다. 성립된 유래에서 이미 명백하듯이 오페라 세리아가 신화나 전설에 제재를 구한 데 반하여, 보다 자유로운 제재로 풍자를 포함하고 있는 일이 많다. 그 때문에 당시 점차로 세력을 잡기 시작한 신흥계급에 환영받아 융성하게 되었다. 음악적으로는 중창이 많이 쓰였고, 특히 피날레에 놓인 대규모의 앙상블에서는 충실한 음악을 듣게 된다. 작품으로는 아직도 막간 광대조인 성격을 남기고 있는 페르골레시의 《마님이 된 하녀》가 있다.
그랜드 오페라(grand opera).
넓은 뜻으로 이해하면 비극적인 제재로 된 대규모의 오페라라고 하겠으나, 프랑스어의 ‘grand opera’는 개념으로서는 오페라 코미크에 대립되는 것이고 음악적으로는 발레나 합창의 중시, 나아가서는 스펙터클하고 화려한 무대를 특징으로 갖추고 있다. 이는 프랑스의 오페라가 루이 왕조의 비호 아래 육성되었다는 사실 및 프랑스 사람의 기호와 깊은 관계가 있다. 이 프랑스의 그랜드 오페라는 19세기 전반까지 이탈리아의 오페라 세리아와 더불어 다소 변화를 보이면서 음악사 상 중요한 역할을 해왔으나, 결국은 시대정신의 진보에 따르지 못하게 되었으며 예컨대 무대효과만을 의도한 것 같은 작품을 낳게 되고 말았다. 이 그랜드 오페라 역사의 최후에 위치하는 작곡가로서 마이어베어를 들 수 있다. 그리고 그랜드 오페라의 정신과 작법을 잘 소화하여 독자적인 오페라를 확립한 사람이 베르디이다.
음악극.