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Title: エドワード・ホッパー (Edward Hopper)
Section: 結婚とブレイク

1923年、ホッパーの緩やかな上昇はついに大きな実を結ぶ。マサチューセッツ州グロスターでの夏の絵画旅行の間に、ロバート・ヘンライの元教え子だったジョセフィン・ニヴィソンに再会した。ホッパーは背が高く、内気で、内省的かつ保守的であったのに対し、ジョセフィンは背が低く、オープンで、社交的で寛大な性格だった。この全く正反対の2人は1年後に結婚することとなる。彼女はホッパーのキャリアとインタビューを管理し、絵のモデルを務め、生涯の伴侶となった。ジョセフィンの助けを借りて、1923年にはホッパーのグロスターの水彩画6点がブルックリン美術館の展示会に出品された。そのうちの1つである[The Mansard Roof]は常設コレクションとして100ドルでブルックリン美術館に購入された。批評家たちは「何という躍動感、力強さ、そして率直さだ！このような最も家庭的な主題で表現できることの多様さに驚かされる」と一様に彼の作品を絶賛した。翌年に開いた個展では出品したすべての水彩画に買い手がつき、ホッパーはついに商業イラストの仕事を辞めることにした。41歳にして世間から認められたものの、自分のキャリアについては苦々しさを抱き続け、その後は人前に出ることや受賞を断った。安定した売り上げによって経済的な安定を得た後はシンプルで安定した生活を送り、40年以上に渡って独自のスタイルでアートを生み出し続けた。1927年制作の[Two on the Aisle]は自己最高額の1,500ドルで購入された。このおかげでホッパーは自動車を購入し、ニューイングランドへの絵画旅行に使用することができた。1929年には[Chop Suey] と [Railroad Sunset]を制作。翌年、パトロンであるスティーブン・クラークは、[House by the Rail Road(1925)]をニューヨーク近代美術館初の油絵コレクションとして同館に寄贈した。1930年頃、最後の自画像を油絵で制作した。ジョセフィンはホッパーの多くの作品でポーズをとったが、正式な油絵の肖像画として描かれたのは[Jo Painting (1936)]だけである。1929年からの大恐慌の間、ホッパーは他の多くの芸術家よりもましな境遇だった。1931年にホイットニー美術館やメトロポリタン美術館などの主要な美術館がホッパーの作品を数千ドルで購入し、その名声は急上昇した。その年、水彩画13点を含む30点の絵画を販売。翌年には最初のホイットニー・ビエンナーレに参加し、その後生涯を通じて毎年同展に参加し続けた。1933年、ニューヨーク近代美術館は初めてホッパーの大規模な回顧展を開催した。同展の図録に「NOTES ON PAINTING（絵画をめぐる覚書）」という文章を寄せている。1930年、ホッパー夫妻はケープコッドのサウストルロにコテージを借りた。毎年夏を同地で過ごし、1934年には家を建てた。絵の題材を探す必要があるときは、そこから他の地域へ車で旅行することもあった。1937年と1938年の夏、夫妻はホッパーがホワイトリバーの連作の水彩画を描いたバーモント州サウスロイヤルトンのワゴンホイール・ファームに長期滞在した。これらはホッパーの壮年期の作品の中では典型的なもので、ほとんどが「純粋な」風景画であり、建築物や人物が見当たらない。[Branch of the White River (1938)]は現在ボストン美術館にあり、ホッパーのバーモントの風景画の中で最もよく知られる。1930年代から1940年代初頭にかけては非常に精力的に活動し、[New York Movie (1939)]、[Girlie Show (1941)]、[Nighthawks(1942)]、[Hotel Lobby(1943)]、[Morning in City (1944)]など、数多くの著名な作品を生み出した。しかし1940年代後半は比較的無活動の期間を過ごし、「もっと描きたい。読書や映画はもう飽き飽きだ」と漏らした。その後の20年間、ホッパーの健康状態は悪化し、前立腺手術やその他いくつかの健康的問題を抱えたが、1950年代から1960年代初頭にかけて[First Row Orchestra (1951)]、[Morning Sun (1952)] 、[Hotel by a Railroad (1952)]、[Intermission (1963)]などのよく知られる作品を制作した。
Title: エドワード・ホッパー (Edward Hopper)
Section: 死

1967年5月15日、ホッパーはニューヨーク市のワシントンスクエア近くの自身の住居で死去し、2日後に出身地であるニューヨークのナイアックにあるオークヒル墓地に埋葬された。その10か月後には妻のジョセフィンも死去し、ホッパーと共に埋葬された。ジョセフィンの死後、彼女の遺言により3,000点を超えるホッパーとの共同コレクションがホイットニー美術館に遺贈された。ホッパーの家にあったスケッチは家族ぐるみの友人だったアーセイヤー・サンボーンが譲り受け、その他の重要な絵画はニューヨーク近代美術館、デモインアートセンター、シカゴ美術館などに収蔵された。
Title: エドワード・ホッパー (Edward Hopper)
Section: 作品
Subsection: 人柄とビジョン

ホッパーは自分自身や、自身の作品については語りたがらず、「すべての答えはキャンバスにある」と言うのみだった。 ストイックで運命論的、穏やかなユーモアのセンスと率直な物腰の、静かで内向的な男だった。象徴的で物語性の無い主体に惹かれ、「暗示に満ちた短い構成の、孤立した瞬間」をよく描いた。 ホッパー作品の静寂に満ち、不安を感じさせる空間は、「人間の最も無防備なところに触れる」 、「メランコリーな暗示があり、憂鬱な物思いが表現されている」とも評される。 批評家のロイド・グッドリッチは、ホッパーを「どんな画家よりもアメリカらしさを捉えるのが上手い、極めてアメリカ人らしい画家」と評した。政治信条や社会問題には保守的で、物事をありのままに受け入れ、理想主義とは縁遠い人物だった。読書を好む教養深い文化人であり、ホッパーの作品には読書をする人物が多く描かれている。 寡黙で気難しく、感情を表に出さないところがあったが、概して人付き合いがよく、沈黙が訪れても動じることがなかった。作品の自他を問わず芸術には真摯に向き合い、誰かが軽い気持ちでアートについて尋ねると、いつも忌憚のない意見を述べた。ホッパーが芸術家としての哲学を最も体系的に表明したのは、1953年に『Reality』誌に投稿した[Statement]と題される手書きのメモである。偉大な芸術とは、画家の内面（inner-life）の表現であり、これはその画家の世界に対する個人的なビジョンに結び付いています。どんな技法や方法論も、想像力という本質的な要素に取って代わることはできません。多くの抽象画の弱点のひとつは、人間の知性による産物を、私的な創造的概念に置き換えようとしていることです。人間の内面（inner-life）は広大で多様な領域であり、色や形、デザインの配置だけに注意を向けている訳ではありません。芸術で表現されるLifeは、誰かが侮辱したり、軽視してよいものではありません。なぜならこれはすべての存在の暗示であり、芸術の領分とはそれに反応を示すことで、避けることではないからです。絵画がふたたび偉大になるには、Lifeや生命の本質としっかりと向き合う必要があるでしょう。なお、英語で"inner-life"とは「表には出さないが心の内で感じていること（本人も気づいていない深層心理も含む）」、「内なる精神」を意味する。"life"は通常「生命」「人生」という意味で用いられることが多いが、最初の2段落で"inner-life"に言及した後に次の2段落で"life"という言葉を使っていることから、ホッパーは精神的な内面（inner-life）と、表に現れる外面（outer-life）を合わせたものをLifeと表現したと考えられる。
Title: エドワード・ホッパー (Edward Hopper)
Section: 作品
Subsection: 技法

油彩画の作品が最もよく知られるが、キャリア初期は水彩画の方が知名度が高く、また、いくつか商業的に成功したエッチング作品も制作している。ペンや鉛筆のスケッチが描かれたノートも遺されているが、生前のホッパーがこれを人前に出すことはなかった。ホッパーが特に注意を払ったのは、幾何学的なデザインと、周囲の環境とバランスが取れるよう人物を配置することだった。ホッパーは慎重で几帳面な芸術家であり、「アイデアが浮かぶまでに長い時間がかかるし、さらにその後もじっくりと考える必要がある。絵を描き始めるのは、すべてが頭の中で上手く収まってからだ。イーゼルに向かう時には、もう大丈夫だ」と述べている。構図を綿密に計算して練り上げるために、しばしば下絵を描いている。ホッパーとジョセフィンは、「照明の当たっていない悲しい顔の女性」「天井からの電灯」などの項目を記した、作品の詳細な台帳をつけていた。[New York Movie (1939)]の制作時には、ホッパーは劇場の内装や物思いにふける案内係のスケッチを53枚以上も描き、徹底した準備をしている。光と影を効果的に使っていることも、ホッパー作品の主要な技法のひとつである。明るい陽光とそれが落とす影は、[Early Sunday Morning(1930)]、[Summer Time(1930)]、[Seven A.M(1948)]、[Sun in an Empty Room(1963)]といったホッパーの絵画で洞察や啓示の象徴として大きな役割を果たしている。ホッパーの光と影の効果の使い方は、同じくコントラストの強いフィルム・ノワールの撮影技法と比較される。
Title: エドワード・ホッパー (Edward Hopper)
Section: 作品
Subsection: 美術展

1980年に、ホッパーの美術展「The Art and the Artist」がホイットニー美術館で開かれ、ロンドン、デュッセルドルフ、アムステルダム、サンフランシスコ、シカゴを巡回。この美術展では、ホッパーの油絵とその習作が初めてヨーロッパに発表された。これがホッパーのヨーロッパでの人気、および世界的な評判の始まりとなる。2004年、ホッパーの多数の絵画がヨーロッパを巡り、ドイツのケルンにあるルートヴィヒ美術館とロンドンのテート・モダンで展示された。テート展はギャラリーの歴史の中で2番目の人気となり、3か月で42万人が訪れた。2007年には、ホッパーが精力的に活動していた期間（1925年頃～20世紀半ば）に焦点を当てた美術展がボストン美術館で開催された。展示は50の油絵、30の水彩画、および人気の高いナイトホークス、Chop Suey、灯台や建物を含む12の版画で構成された。2010年、スイスのローザンヌにあるエルミタージュ財団（Fondation de l'Hermitage）の美術館がホッパーの全キャリアを網羅した美術展を開催し、ニューヨークのホイットニー美術館から多くの作品が貸し出された。これには絵画、水彩画、エッチング、漫画、ポスター、および習作の一部が含まれており、ミラノとローマでも展示された。2011年、ホイットニー美術館が展覧会「エドワード・ホッパーとその時代」を開催。2012年には、ホッパー作品の複雑さ、豊かさに焦点を置いた展覧会がパリで開かれた。展示は年代順に2つの主要な部分に分けられ、最初のセクションでは形成期（1900〜1924年）のホッパーの作品と、パリでホッパーが影響を受けた可能性がある同時代人や芸術の作品を比較展示し、 2番目のセクションではホッパーのスタイルを確立した最初の絵画[House by the Railroad（1924)]から晩年の作品までの壮年期の作品を展示した。
Title: エドワード・ホッパー (Edward Hopper)
Section: 作品
Subsection: アート市場

ホッパーは多作ではなく、キャンバス作品はわずか366枚のため、作品が市場に出回ることは極めてまれである。ホッパーが70代であった1950年代の年間制作数は約5点だった。1924年にホッパー初の個展を開催し、長年ホッパー作品のディーラーであったフランクレンは、1957年に[Hotel Window (1956)]を$7,000（2019年の$63,722に相当）で売却した。1999年、フォーブス・コレクションは本作品を俳優のスティーブ・マーティンに約1,000万ドルで売却。さらに2006年、マーティンはサザビーズで本作品をホッパー作品最高額の2,689万ドルで売却した。2013年、ペンシルベニア美術アカデミーは現代美術獲得の基金を設立するため、2,200万ドルから2,800万ドルの獲得を希望して[East Wind Over Weehawken (1934)]を売りに出した。これはニュージャージー州ウィホーケンの切妻の家を描いた暗い土色の風景画であり、ホッパーの最高傑作の1つと見なされている。もともとホッパーの死の15年前の1952年にディーラーから低価格で直接販売されたこの絵は、ニューヨークのクリスティーズ過去最高額となる3600万ドルで匿名の電話応札者に落札された。2018年、アートコレクターのバーニー・A・エブスワースが死去し、コレクションの多くがオークションにかけられた。コレクションの1つであった[Chop Suey (1929)]は9,200万ドルで売却され、これまでにオークションに出たホッパー作品の中で最も高額となった。
Title: エドワード・ホッパー (Edward Hopper)
Section: 代表作

House by the Rail Road(ニューヨーク近代美術館)夜明けの灯台（メトロポリタン美術館）Office at Night（ウォーカー・アート・センター）ナイトホークス (シカゴ美術館)オートマット (デ・モイン・アート・センター)
Title: エドワード・ホッパー (Edward Hopper)
Section: 評伝

ローランス・デベック＝ミシェル『ホッパー岩波世界の巨匠』清水敏男訳、岩波書店、1994年ヴィーラント・シュミート解説『エドワード・ホッパーアメリカの肖像』光山清子訳、岩波書店「岩波アート・ライブラリー」、2009年。画集青木保『エドワード・ホッパー静寂と距離』青土社、2019年
Title: アレクサンドル・スクリャービン (Alexander Scriabin)
Section: abstract

アレクサンドル・ニコラエヴィチ・スクリャービン（ロシア語: Алекса́ндр Никола́евич Скря́бин, ラテン文字転写: Aleksandr Nikolaevich Skryabin, 1872年1月6日 - 1915年4月27日）は、ロシアの作曲家、ピアニスト。作曲者自身はフランス語風に Alexandre Scriàbine（もしくは Scriabine）と綴ることを好んだ。英語では Alexander Scriabin, ドイツ語では Alexander Skrjabin となる。また、日本ではスクリアビンと表記される場合もある。
Title: アレクサンドル・スクリャービン (Alexander Scriabin)
Section: 生涯
Subsection: 生い立ちと学生時代

モスクワの小貴族（軍人貴族）の家系に生まれる。祖先はタタール系であるとされる。父親は中近東の言語や政情に通暁した外交官として国内外を飛び回って家庭を顧みず、母のリュボーフィ・ペトロヴナはスクリャービンを生んでまもなく産褥熱で急死した。このため叔母リューバの監督下で育つ。ちなみにスクリャービンの亡母はモスクワ音楽院に学び、テオドル・レシェティツキにも師事してアントン・ルビンシテインに祝福されたピアニストであった。イギリスのロシア正教会スールジ主教区の府主教アンソニー・ブルームは母方の甥である。幼児期からピアノを始める。10歳で自ら望んで陸軍兵学校に進むが、小柄で虚弱なことと学業が優秀なこと、そして楽才が顕著なことから、特別にモスクワ音楽院への通学が認められ、14歳から院長セルゲイ・タネーエフに作曲と音楽理論を、ニコライ・ズヴェーレフにピアノを師事。もともと即興演奏を好む少年だったが、この頃から作曲したものを五線譜に残すことを習慣付けるようになる。1888年から周囲の勧めで、正式にモスクワ音楽院に転学、ピアノ科でワシーリー・サフォーノフに、作曲科でアントン・アレンスキーに師事する。同級生にセルゲイ・ラフマニノフがいた。気難しく扱いにくい性格のあったスクリャービンにアレンスキーは手を焼いた。結局スクリャービンは作曲科を修了することが出来ず、ピアノ科のみで単位を取得した。このころ作曲家としてはラフマニノフが、ピアニストとしてはスクリャービンが有望視されていた。ピアノ卒業試験においては、ラフマニノフが1位、スクリャービンが2位であった。
Title: アレクサンドル・スクリャービン (Alexander Scriabin)
Section: 生涯
Subsection: 作曲家スクリャービンの誕生

手の大きかったラフマニノフに比べ、10度音程が掴めない程度の手の持ち主だったにもかかわらず、学生時代の同級生ヨゼフ・レヴィーンらと、超絶技巧の難曲の制覇数をめぐって熾烈な競争を無理に続け、ついに右手首を故障するに至った。回復するまでの間に、左手を特訓するとともに、ピアニストとしての挫折感から作曲にも力を注ぐようになる。右手以上の運動量を要求され、広い音域を駆け巡ることから「左手のコサック」と呼ばれる独自のピアノ書法をそなえた、作曲家スクリャービンの誕生であった。「前奏曲」と「夜想曲」からなる『左手のための2つの小品』（作品9）は、当時を代表する作品の一つである。1891年頃、ミトロファン・ベリャーエフのサークルの同人となり、リムスキー＝コルサコフの知遇を得て、生涯に渡る親交を結ぶ。またベリャーエフ出版社から、定期的に作品の出版が開始される。1897年に衝動的に改宗ユダヤ人女性と結婚（この女性との間に娘エレナ・スクリャービナが誕生。エレナは後に音楽学校同級生ウラディーミル・ソフロニツキーと結婚。）するが、これは庇護者ベリャーエフの意向に沿わず、年金がカットされたために、翌1898年から母校モスクワ音楽院のピアノ科教授に就任。教育者としての評価が下されることは少ないが、学生の間では誠実で忍耐強く、学生の意欲を尊重する教師として評判がよく、ウィーン国立音楽大学のピアノ科からスカウトされたほどだった。
Title: アレクサンドル・スクリャービン (Alexander Scriabin)
Section: 生涯
Subsection: 変化と発展

1900年頃からフリードリヒ・ニーチェの哲学に心酔し、とりわけ超人思想に共鳴する。その後は神智学にも傾倒し、この2つから音楽思想や作曲に影響を受ける。1902年に作曲に専念するとしてモスクワ音楽院を辞職するが、すでに門人タチヤナ・ド・シュリョーツェルと愛人関係を結んでいた。1904年に家庭を捨ててタチヤナとともにスイスに出奔、西欧各地を転々とする。1908年、タチヤナとの間に息子ジュリアン・スクリャービンが誕生。この頃からロマン派の影響を脱し個性的かつ神秘主義的な作風へと向かう。ロシア暦（ユリウス暦）でのクリスマス生まれだったことも、スクリャービンの神秘主義や、救世主きどりに拍車をかけた。1909年から1910年までブリュッセルに住み、ジャン・デルヴィルらのベルギー象徴主義絵画や共感覚に興味を寄せつつ、ブラヴァツキー夫人の著作にいっそう親しんだ。これにより、自らの芸術を神智学思想を表現するためのものとして考えるようになり、後期の「神秘和音」を特徴とする作品を残す。それとともに前衛的作曲家として国際的に認められるようになった。
Title: アレクサンドル・スクリャービン (Alexander Scriabin)
Section: 生涯
Subsection: 終焉

1910年帰国。このころに、アコースティック録音とピアノロールに自作の録音を残し、セルゲイ・クーセヴィツキーやセルゲイ・ラフマニノフの指揮で自作の『ピアノ協奏曲 嬰ヘ短調』（作品20）や『交響曲第5番「プロメテ - 火の詩」』（作品60）を演奏。作曲のかたわら国内外で精力的に演奏活動にとり組む。虚弱体質の反動から生涯にわたり健康を気にしすぎる気味があったが、皮肉なことに唇への虫刺されが炎症を起こし、膿瘍による敗血症がもとでモスクワで1915年に43歳で急死した。
Title: アレクサンドル・スクリャービン (Alexander Scriabin)
Section: 後世への影響

スクリャービンは、クロード・ドビュッシー、アルノルト・シェーンベルクとともに、20世紀現代音楽の先駆者の一人と考えられている。永らくスクリャービンは一過性の存在であり、音楽史上に何ら影響を与えなかったと看做されてきた。初期において濃厚な影響を受けたイーゴリ・ストラヴィンスキーでさえ、後にスクリャービンを「単なる妄想狂」と切り捨てている。しかしながら現在では、スクリャービンの影響がロシアやソ連の国境を越え、国際的な広がりを持っていることが近年になって明らかにされてきた。スクリャービンの支持者は、フェルッチョ・ブゾーニやアルバン・ベルクがおり、信奉者はカロル・シマノフスキや山田耕筰、チャールズ・グリフス、ルース・クロフォード＝シーガーなどがいる。スイス時代のスクリャービンにピアノを学んだカナダ人女性は、シカゴで音楽教師として立ち、結果的にジャズ・ピアニストの育成に貢献したとされる。スクリャービンの音楽美に対する研究はロシア・アヴァンギャルドを含む次世代のロシアの作曲家たちに強い影響を与えた。比較的スクリャービンに近い作曲家はニコライ・オブーホフであり、独自の記譜法とクロワ・ソノールと呼ばれる十字架の形をした楽器の開発で知られる。イワン・ヴィシネグラツキーもスクリャービンの模倣から出発したものの、やがて微分音を含む1オクターヴ内に十数個の音から成る和音の共鳴に惹かれていき、オブーホフ同様に新しい楽器の開発に携わった。しかしながら、調性を超えた音楽の先に神秘的な力を視るというイメージは、明らかにスクリャービンの規範なしにはありえなかったといってよい。ちなみに、オブーホフはモーリス・ラヴェルに愛され、ヴィシネグラツキーはオリヴィエ・メシアンから敬慕の念を受けていた。オブーホフの長々と宗教的な題名をつける傾向は、メシアンの場合と共通点が認められる。
Title: アレクサンドル・スクリャービン (Alexander Scriabin)
Section: スクリャービン演奏で知られるピアニスト

ウラディーミル・ホロヴィッツホロヴィッツは、特にラフマニノフとの関係も有名であるが、スクリャービンとも関係がある。ホロヴィッツがピアノを始めたばかりの頃、スクリャービンの前で演奏させてもらえる機会があったという。その時、スクリャービンはその場では将来必ずしも成功するとは語らずも、このピアニストの才能を見抜き、ホロヴィッツの母親に、早く本格的なピアノの教育をするように助言したと言う。そのような「繋がり」もあってか、ホロヴィッツは、スクリャービン音楽が反倫理的であると否定的に解された時代にあっても、自分のレパートリーに必ずスクリャービンの作品を入れていた。ウラディーミル・ソフロニツキースクリャービンの娘婿である。旧ソ連時代、旧ソ連内では、ホロヴィッツを上回る評価を得て、リヒテルなどに「あなたは神です」と呼ばれたという。彼を崇拝する信者も多数いた。西側諸国でも「伝説のピアニスト」と位置づけられていた。『伝説のスクリャービン・リサイタル』などのCDが存在する。コントラストの強烈な演奏。ウラディーミル・アシュケナージラフマニノフ演奏で有名なアシュケナージであるが、モスクワ音楽院時代は、スクリャービンの音楽にも熱中していたという。スクリャービンの「ピアノソナタ全集」、指揮者として「交響曲全集」を録音している。解釈はオーソドックス。ジョン・オグドンEMIからスクリャービンの「ピアノソナタ全集」を発表している。自身が作曲家だったこともあり理知的で見通しの良い演奏。特に複雑な後期作品の名解釈で知られる。ロベルト・シドン1941年ブラジル生まれのピアニスト。ドイツ・グラモフォンレーベルから自身の補筆による『ピアノソナタ 変ホ短調』を含む初の完全「ピアノソナタ全集」を発表した（1968～71年録音）。熱狂的なダイナミックレンジなどが個性的で、名演の一つとされる。マルク＝アンドレ・アムラン類稀なテクニックで知られる。スクリャービンの「ピアノソナタ全集」を1996年にイギリスのハイペリオン・レコードから出しており、評判も高い。ただし、ロシア楽派直伝の解釈ではなく、彼もそれを認めている。ルース・ラレード女性による初の「ピアノソナタ全集」の録音に成功。また、ボールドウィンを使用した唯一の録音である。マイケル・ポンティヴォックス社はポンティを指名し「スクリャービン全集」の録音を完成させ、これが世界初の「ピアノ曲全集」となった。この録音は強行軍で行ったため、演奏は勢いでまとめてしまったものもあるが、全体としては安定しており、正統的で丁寧な演奏となっている（しかし、ヴォックス社の録音状態は酷いものとなってしまっており、「アップライトピアノで演奏されている」という話が生まれるほどであった）。ホーカン・アウストボ1948年生まれのノルウェーのピアニスト。スタイリッシュで丁寧、なおかつ独特な煌めきを湛えた演奏。スクリャービンの「色光ピアノ（クラヴィエ・ア・リュミエール）」を実現させるプロジェクトを組織し、監督している。マリア・レットベリラトヴィア共和国に生まれ、サンクトペテルブルク音楽院で学んだスウェーデン国籍のピアニスト。ポンティに続く「スクリャービン全集」（2004年）を完成させた。録音、演奏の質ともに評価が高い。
Title: アレクサンドル・スクリャービン (Alexander Scriabin)
Section: 作品

 スクリャービンは自身が卓越したピアニストであったことから、自然とピアノ曲を数多く作曲した。「本質的にミニアチュール（小品）作家であった」と言われ、小品のほとんどは3分程度にも満たない。一方、声楽曲はほとんど手がけていない（歌曲が1曲、二重唱が1曲、あとは『交響曲第1番』のみ）。スクリャービンは少年時代からショパンやリストを敬愛したため、ピアノ書法や旋律の発想において、この両者から大きな影響を受けている。しかしながら左手の特訓の結果、右手に匹敵するほど柔軟な運動力を身につけたことから、この両者と異なる独自のポリフォニックな発想も顕著である。ショパンの影響は、練習曲や前奏曲、マズルカといった楽種だけでなく、初期の作風（1900年頃まで）にも明らかに残っている。この時期の有名曲としては、ショパンを意識した『12の練習曲』（作品8）の中の、跳躍が特徴的な『第12番 嬰ニ短調「悲愴」』がある。一方、リストやワーグナーに影響された中期（1902年から1905年ごろまで）の代表的作品として、『8つの練習曲』（作品42、1903年）があり、独自の音楽語法を形成した後期の代表的な作品に、ピアノのための詩曲『焔に向かって』（作品72、1914年）が挙げられる。またスクリャービンの特徴として、「神秘和音」（または「合成和音」（Synthetic chord）とも呼ばれている）を独自に生み出し、彼自身の作品でも多用されている。これは四度音程を6個堆積した和音（但し、V. デルノワの『スクリャービンの和声』以来、一般的に、属九の和音の第5音を下行変質し、付加第6音を加えた和音と解釈されている）であり、独特の響きがもたらされ、文字通り神秘的な雰囲気を醸し出す。また、彼独特のクロスリズムも多く用いられている。ピアノ曲以外で主要な分野は管弦楽曲（後述）のみである。室内楽曲は数曲、歌曲は2曲、ほかにオペラのスケッチが残されたに留まる。現存する声楽曲2曲と『交響曲第1番』、そして晩年の『神秘劇』ではスクリャービン自ら詞を書いている。
Title: アレクサンドル・スクリャービン (Alexander Scriabin)
Section: 作品
Subsection: ピアノソナタ

同時代のグラズノフの「交響曲」やラフマニノフの「協奏曲」が、それぞれの分野において19世紀ロシア音楽の金字塔を打ち立てているとすれば、スクリャービンは「ピアノソナタ」の分野で同様の業績を残している。スクリャービンは、ベートーヴェン以降における独自の世界のピアノソナタの重要な開拓者である。第一に、初期の未発表曲も含めて11曲という量のピアノソナタを残していること（少年時代の『幻想ソナタ 嬰ト短調』（作品番号なし、1886年）は実質的に夜想曲で、構成面においてソナタとは呼べない）、第二に、ベートーヴェン以降に開発された、あらゆる演奏技巧やピアノ書法を巧みに用い、表現の多様性と自在さにおいて、19世紀の西欧におけるピアノソナタの前例を遥かにしのいでいること、第三に、ソナタというジャンル以外の小品においてもソナタ形式やソナチネ形式を用いて、ソナタ形式の可能性を探究していること（後年のソナタにおいて単一楽章を採る姿勢にも通底）、そして最後に、質・量ともに、ロシアにおいて前代未聞のピアノソナタを連作し、メトネルやプロコフィエフに先鞭をつけたことである。『第1番 ヘ短調』（作品6）から『第4番 嬰ヘ長調』（作品30）までのソナタは、ベートーヴェンの立体的な動機労作や論理的な楽曲構成、ショパンの抒情的な表現や和声感覚、そしてリストの演奏技巧を組み合わせ、なおかつ独自の境地を開くことに成功している。たとえば、『第2番「幻想ソナタ」』（作品19）はベートーヴェンの『月光ソナタ』の延長上にあり、第1楽章はソナタ形式を使ったショパン風の夜想曲、第2楽章はロンドソナタ形式によるシュトゥルム・ウント・ドラング風のフィナーレと解釈することができる。第4番は、前奏曲とロンドソナタという風変わりな構成だが、スクリャービンのソナタでは例外的に、『第5番』（作品53）とともに長調で作曲され、明るい響きに満たされている。第5番以降のソナタはとりわけ個性的で、普通では使用されないような和声や構成が大胆に使われている。『第6番』（作品62）以降の作品には調号が無く、調性が機能していないため、実質的に無調で作曲されている。『第7番「白ミサ」』（作品64、1912年）と『第9番「黒ミサ」』（作品68、1913年）は、作曲者晩年の神秘主義への傾倒を物語る作品として有名。第1番に先立つ『ピアノソナタ 変ホ短調』（作品番号なし）と、その第1楽章を拡張した『アレグロ・アパッショナート 変ホ短調』（作品4）のほか、『ポロネーズ 変ロ短調』（作品21）と『幻想曲 ロ短調』（作品28）、『悪魔的詩曲 ハ長調』（作品36）においてソナタ形式が使われており、『悲劇的詩曲 変ロ長調』（作品34）や『練習曲 嬰ハ短調』（作品42-5）はソナチネ形式か、またはそれに準ずる構成が採られている。
Title: アレクサンドル・スクリャービン (Alexander Scriabin)
Section: 作品
Subsection: 管弦楽曲

スクリャービンの管弦楽曲はそれほど多くなく、『ピアノ協奏曲 嬰ヘ短調』（作品20、1898年）と5つの交響曲のほかに、交響曲作曲の習作といった側面をもつ、前奏曲『夢』（作品24）がある。スクリャービンは、シューマンやフランクにも前例があるように、鍵盤楽器の発想をそのままオーケストラに持ち込んだため、ピアニスティックなパッセージがしばしば目立ち、時として管弦楽法への未熟ぶりを浮かび上がらせることがある。それでもなお、豊かな音色のパレットを備えた管弦楽曲作家であり、木管楽器と弦楽器の柔らかな色彩と、金管楽器の鋭い響きとの対比や、独奏ヴァイオリンの艶やかな響きへの好みという点において、フランクやショーソンとの類似が見出される。最初の交響曲である『第1番 ホ長調』（作品26）はフィナーレに声楽が導入されているが、声楽パートの旋律は声楽的というより器楽的である。『第2番 ハ短調』は、すべての楽章がソナタ形式あるいはソナタ形式に準ずる形式が使われており、5楽章で作曲されているが、第1楽章と第2楽章、第4楽章と終楽章が連結されている。『第3番 ハ短調「神聖なる詩」』（作品43）は作曲者の存命中にフランスで上演された標題交響曲で、3つの楽章すべてに付された副題が、ニーチェの超人哲学に触発されたことをほのめかしている。後期の代表作である『第4番「法悦の詩」』（作品54、1908年）と『第5番「プロメテ - 火の詩」』（作品60、1910年）はどちらも単一楽章で作曲されている。この2曲は、かつては自由な形式の交響詩と看做されていたが、現在では、内部構造が自由に拡張されたソナタ形式で作曲されていることが確認されている。最後の交響曲となった『プロメテ - 火の詩』では、鍵盤を押すとそれに応じて色の付いた光（彼自身の共感覚に基づくとの説もある）が放射される「色光ピアノ」（クラヴィエ・ア・リュミエール）を用いて聴覚と視覚との統合芸術を目指したが、『神秘劇』と題された最後の未完作品では、さらに五感全てに訴えるマルチメディア的芸術を企図したと言われる。そのスケッチを元に、ロシアの作曲家アレクサンドル・ネムティン（1936年-1999年）が大オーケストラとピアノ、合唱からなる3部構成の『神秘劇序幕』を26年の歳月をかけて完成させた。
Title: アレクサンドル・スクリャービン (Alexander Scriabin)
Section: 出版

1970年代にはソ連政府が総力を上げ旧スクリアビン全集の出版に成功したが、国内流通のみであった。コンピュータ出力譜による新スクリアビン全集が、全世界流通になったのは2021年である。ただし、旧スクリアビン全集と同様にハードカバー版のみの販売である。
Title: アレクサンドル・スクリャービン (Alexander Scriabin)
Section: 参考書籍

フォービオン・バウアーズ『アレクサンドル・スクリャービン 生涯と作品』 泰流社〔叢書ムジカ・ゼピュロス〕 1995年 ISBN 4-8121-0105-0Coombs, Stephen (2007) (英語). The Early Scriabin. Hyperion Records limited. OCLC 165082258
Title: ダイムバッグ・ダレル (Dimebag Darrell)
Section: abstract

ダレル・ランス・アボット（Darrell Lance Abbott, 1966年8月20日 - 2004年12月8日）は、元パンテラ、元ダメージプランのギタリスト。アメリカ・テキサス州アーリントン出身。ダイムバッグ・ダレル（Dimebag Darrell）の名前で活躍していたことで知られている。在籍した両バンドのドラマー、ヴィニー・ポールは兄である。1994年に発売されたパンテラの「ファー・ビヨンド・ドリヴン」以降、「ダイアモンド・ダレル」から「ダイムバッグ・ダレル」に改名した。ちなみに「ダイムバッグ」は、「10ドル相当のマリファナ」という意味で遊びの入った名前である。2011年、「ローリング・ストーンの選ぶ歴史上最も偉大な100人のギタリスト」において第92位。
Title: ダイムバッグ・ダレル (Dimebag Darrell)
Section: 経歴

彼の父親はカントリーの作曲家で、テキサスのパンテゴという町にレコーディング・スタジオを所有していた。そしてそこで彼は多くのブルース系ギタリストの演奏を聴き、その影響は多くのパンテラの曲に反映されている。12歳の時にギターを弾き始め、「スモーク・オン・ザ・ウォーター」をマスターしたのをきっかけに、本格的にギターの世界に足を踏み入れるようになる。主に影響を受けたギタリストとしては、エドワード・ヴァン・ヘイレンやエース・フレーリー等を挙げていた。若くして州全体のギター・コンテストで7回ほど賞を受賞、16歳の頃になると「コンテスト荒らし」の異名を取るようになり、最終的には主催者側からコンテストへの出場を禁止され、その代わりに審査員を頼まれたという経緯から、当時からギターの上手さは群を抜いていたと言える。これらのコンテストで獲得した景品の中には、後にパンテラでトレードマークとなる稲妻ペイントのディーン製ギター、ランドールのアンプ、ジャクソンやESPのギター等があった。90年代よりパンテラの人気が高まるに連れ、ギター雑誌の広告や読者投票で紙面に頻繁に登場するようになり、ヘヴィメタルギタリストの人気投票でも常に上位にランクインした。長期間にわたって雑誌「ギター・ワールド」のコラムを著し、それは「リファー・マッドネス」として出版された。ダイムバッグと彼の兄であるヴィニー・ポールは、パンテラが解散した後にパトリック・ラックマン、ボブ・ジラと新たなバンド、ダメージプランを結成し、彼らのデビューアルバムは2004年のチャートで38位にランクインした。赤く染めた胸まで届くほどの長いヒゲがトレードマークであり、パンテラのライブには毎回必ず一人は彼のようにヒゲを伸ばした観客がいたという。また、彼がヒゲをピンクにしているのを真似している観客も多数いた。
Title: ダイムバッグ・ダレル (Dimebag Darrell)
Section: 経歴
Subsection: 悲劇的な最期

2004年12月8日、ダレルはオハイオ州コロンバスの「アルロサ・ヴィラ」というナイトクラブで、ダメージプランのパフォーマンス中に殺害された。犯人はオハイオ州メアリーズヴィル（コロンバス郊外）出身で25歳の元海兵隊員、ネイサン・ゲール（Nathan Gale）という男である。コンサートが始まってすぐの午後10時頃、男はナイトクラブに入って来た。そのまま下手（ステージの左側）から入って反対側の上手（ステージの右側）まで進み、至近距離から9mmベレッタM92FSでダレルの頭部にめがけて発砲した。あまりに唐突な事件であったため、誰もこの最悪の事態を回避することができず、またオーディエンスの中にはパフォーマンスの演出と勘違いする者もいたという。さらに、近くにいた客を人質にして男はピストルを乱射し、合計15発もの弾丸を発射、ダレルはそのうち3発を撃ち込まれて即死した（その後の司法解剖で、3発目が致命傷だったと判明）。他にも客、警備員、クラブの従業員の計3人がこの時の発砲で死亡し、客やバンドのメンバーら7人が負傷している。ネイサン本人も、直後に駆けつけた警察官によって射殺されたため、事件の真相は謎のままである（彼に捕まっていた人質は助かっている）。事件の一部始終はステージ内のカメラおよびナイトクラブの防犯カメラにより記録されており、一部がテレビで放送されている。彼の自宅からは、“ダレルがパンテラを解散させた”ことを恨んでいたと記された日記が発見され、事件中にもそうした内容の言葉を叫んでいたという証言がある（さらに「パンテラの曲は俺が書いた物で奴等が盗作した」と友人に度々語っていたとも言われている）。後に、ネイサンがかつて統合失調症によって精神病院に入退院を繰り返していた事も明らかになった。その凶行に使用したピストルは、彼の母親からプレゼントされた物であった。この事件は、ロック界全体に大きな衝撃と悲しみを与え、ザック・ワイルドやケリー・キングなど親交のあった多くのプレイヤーが悲痛なコメントを残している。後にダメージプランのメンバーは、チャリティーライヴを行い、この他にも追悼イベントが開催された。しかし、会場に来ていた旧パンテラのベーシストレックス・ブラウンは入場を断られ、ヴォーカルのフィル・アンセルモも遺族から来場を事前に断られていた。フィルはこの事件によるショックにより、引退を匂わせるコメントを寄せ、その後暫く"DOWN"で活動再開するまで音楽シーンから姿を消してしまう。後に、遺族がセキュリティ上の不備からこの事件が発生した物と断定、アルロサ・ヴィラを提訴（民事損害賠償）している。現在、ダメージプランのパトリック・ラックマンは、この事件に触れる事は少なく、「BURRN!」誌のインタビューに対し、「もうあの事件から遠ざかりたいんだよ」とこぼしている。
Title: ダイムバッグ・ダレル (Dimebag Darrell)
Section: 音楽性

パンテラでは変則チューニングを採用し、重い音を出すことに成功している。以下、ダレル本人による証言によるとまた、彼のギターテックによると、全弦半音下の音からみて40セント上にチューニングされており（例えば6弦の場合はD♯プラス40セント、1/4音下げに近い）、これを基準としたドロップチューニングや全弦1音下げチューニング等も使用した。パワーメタルを得意とする一方でブルースやジャズへの造詣も深く、ソロを弾く時の左手の形はいわゆる「クラシック形式」といわれる、親指をネックの表側に出さないスタイルである。これは彼の父親譲りで、ランディ・ローズのポスターを見て覚えたとも話している。また、ソロの速弾きにはハンマリングやプリングなどのレガートを多用する。速弾きだけでなく、ワーミーを用いたトリッキーなソロ、ミドルテンポのブルージーなソロなど、テクニカルでかつ幅の広い演奏力を誇り、メタルでは通常用いられないスライドバーを駆使したソロも見受けられる。ダレルはトレモロアームを多用し、「ハーモニクススクウィール」と呼ばれるエレキギターのハーモニクス音を自在に操り、あたかもワーミーペダルを使用しているのではないかと思うほどの強烈な超高音域の音を出すのを得意としている。また、その際通常はアームをピックアップ側に向けて使用するがダレルはボディーエンド側に向けて使用する。
Title: ダイムバッグ・ダレル (Dimebag Darrell)
Section: 機材

主にディーン製のギターを使用した。中でも稲妻ペイントの施されたML "The Dean From Hell" とタバコ・サンバースト・タイプの "Rock And Roll Over" はパンテラ初期から使用していた。ダレルは長らくDEAN社製のギター「ML」を使用していたが、ワッシュバーン社製のオリジナル・モデルへと移行していた期間もある。死後、"RAZORBACK"（レイザーバック）という自身のモデルをデザインし、ディーンに製作を依頼していたことが明らかになった。本人が完成型を手に取ることはあったものの実際に使用することはなかったRazorbackは、親友のザック・ワイルド、エディ・ヴァン・ヘイレン他数々のアーティストに引き継がれ、現在も様々なバリエーションが市販されている。ダレルのその他ギターのネックナット近辺には、98年頃より黒のビニールテープが巻かれている。これはこの部分での不要な弦の共振を抑えるため。
Title: ダイムバッグ・ダレル (Dimebag Darrell)
Section: 機材
Subsection: ML「The Dean From Hell」

この“稲妻”ギターはダレルがコンテストで勝ち取ったもので、一度車を買うために手離したが、彼の友人のギタークラフトマンが再び取り戻した。その時は実はまだマルーン（栗色）だったが青地に稲妻のペイントを施し最終的にダレルに戻ってきた。そのためか長年愛用している。ちなみにこのギターは元々チューン・O・マティック・タイプのブリッジだったが、ダレルの知人がカスタマイズしてフロイド・ローズのトレモロ・ユニットを搭載した。このギターのネックは彼ならではの激しいプレイスタイルや、ギターテクの扱いが悪かったためボディやネックの裏側の塗装が剥げ落ち、計27回折っている。その後ワッシュバーン製の彼のモデルにはネックの部分に補強材が入れられている。
Title: ダイムバッグ・ダレル (Dimebag Darrell)
Section: 機材
Subsection: ピックアップ

ダレルの初期のディーン時はピックアップは、フロントがディマジオ "Super Distortion", リアがビル・ローレンス "L-500XL"。ワッシュバーン "DIME3" 時はフロントは、セイモア・ダンカンの59" をマウント、後期の "DIME3ST" 時にはセイモア・ダンカンの "Dimebucker" を誕生させマウントさせている。セイモア・ダンカンは彼の音楽とファンに敬意を表し、今後も"Dimebucker"の生産を継続すると表明している。
Title: ダイムバッグ・ダレル (Dimebag Darrell)
Section: 機材
Subsection: エフェクター・弦

ジム・ダンロップ社より、彼のモデルの "DD-11 DIME DISTORTION"（ディストーション）、"DB-01 DIMEBAG WAH"（ワウペダル）がMXRブランドで発売されている。また、同社製のザック・ワイルドモデルの "ZW-44 [WYLDE OVERDRIVE]" も使用していた。弦は基本的にDRのレギュラー・ゲージであるが、メジャーアルバム第4作『激鉄』のレコーディング時からは0.09～0.46を使用。
Title: ダイムバッグ・ダレル (Dimebag Darrell)
Section: 機材
Subsection: アンプ

ランドールのアンプを長らく使用しており、ダレルと言えばランドール、ランドールといえばダレルというイメージが出来上がっていたといっても過言ではないほどである。ランドールの特徴としてはパワーアンプに真空管を使用しないソリッドステート型のアンプであることが挙げられるが、ダレル自身も「ビルから落としたってビクともしない」と絶賛していた。しかし実はそのダレルも真空管（チューブ）型のアンプ (KRANK) へ鞍替えしようとしていたという事実が彼の死後に明らかになっている。
Title: エセル・マーマン (Ethel Merman)
Section: abstract

エセル・マーマン（Ethel Merman, 1908年1月16日 - 1984年2月15日）は、アメリカ合衆国の歌手、女優。「ブロードウェイの女王」と呼ばれた。「エニシング・ゴーズ」、「アニーよ銃をとれ」、「ジプシー」、「ハロー・ドーリー!」などの舞台作品で知られる。「アニーよ銃をとれ」でアーヴィング・バーリンが作詞作曲した「ショウほど素敵な商売はない」はマーマンの代表曲となった。
Title: エセル・マーマン (Ethel Merman)
Section: プロフィール

ニューヨーク市クイーンズ区アストリア地区(en)に生まれた。本名はEthel Agnes Zimmermann（エセル・アグネス・ジマーマン）。高校を卒業した後、タイピストとして働いていたが、ナイトクラブで歌手としてステージに立つようになり、ボードビル劇場を経て1930年にブロードウェイにデビューする。その力強い歌声と正確な発音は、これまで一度も歌のレッスンを受けた経験のない彼女をあっという間にスターダムにのし上げる。1945年8月、第二子出産の帝王切開の治癒のため入院中にドリー・フィールズが訪問し、兄ハーバート・フィールズと脚本を執筆し、ジェローム・カーンが作詞作曲するアニー・オークレイに関するミュージカルの主演を提案した。マーマンは承諾したが、11月、カーンがニューヨークでプロデューサーのロジャース&ハマースタインのもとを尋ねる際、脳内出血で倒れ、数日後亡くなった。リチャード・ロジャースとオスカー・ハマースタイン2世はアーヴィング・バーリンを後継に招聘し、1946年5月16日、インペリアル・シアターで「アニーよ銃をとれ」が開幕し、3年近くで1,147回の上演を記録した。この間、マーマンは休暇を2回、病欠2回とったのみであった。映画化ではアニー役をジュディ・ガーランドが演じることとなったが、最終的にベティ・ハットンが演じることとなった。20年後、リンカーン・センターで上演されたブロードウェイ再演では27歳年下のブルース・ヤーネルがフランク役に配役され、マーマンがアニー役を演じた。1950年初演の舞台『Call Me Madam』でトニー賞 ミュージカル主演女優賞を受賞する。最後の舞台は1982年。その後、脳腫瘍の手術を受けるが、1984年に死去。俳優のアーネスト・ボーグナイン（約1ヶ月で離婚）をはじめ、生涯で4度結婚している。
Title: エセル・マーマン (Ethel Merman)
Section: 主な出演作品
Subsection: 舞台

1930年 ガールクレイジー (Girl Crazy)1934年 エニシング・ゴーズ (Anything Goes）1946年 アニーよ銃をとれ (Annie Get Your Gun)1959年 ジプシー (Gypsy)1977年 トゥゲザー・オン・ブロードウェイ (Together on Broadway)
Title: エセル・マーマン (Ethel Merman)
Section: 主な出演作品
Subsection: 映画

『百万弗小僧』-  Kid Millions (1934)『世紀の楽団』- Alexander's Ragtime Band (1938)『ステージドア・キャンティーン』（日本未公開作品）- Stage Door Canteen (1943)『私をマダムと呼んで頂戴』- Call Me Madam (1953)『ショウほど素敵な商売はない』- There's No Business Like Show Business (1954)『おかしなおかしなおかしな世界』-   It's a Mad Mad Mad Mad World (1963)『恋するパリジェンヌ』-   The Art of Love(1965)『フライングハイ』-  Airplane! (1980)
Title: ジェラルド・リベラ (Geraldo Rivera)
Section: abstract

ジェラルド・リベラ（Geraldo Rivera、1943年7月4日 - ）は、アメリカ合衆国のジャーナリスト、弁護士、著述家、政治コメンテーターであり、元トークショー司会者である。1987年から1998年まで、タブロイド・トークショー番組『ジェラルド』の司会を務めた。その後、ニュースマガジン番組『ジェラルド・アット・ラージ』の司会を務め、現在は『ザ・ファイブ』などのFOXニュースの番組に出演している。
Title: ジェラルド・リベラ (Geraldo Rivera)
Section: 若年期

リベラは、ニューヨーク市のベス・イスラエル・メディカルセンターで1943年7月4日に生まれた。父はタクシー運転手のクルス・アレン・リベラ (Cruz "Allen" Rivera)、母はレストラン店員のリリアン・フリードマン (Lillian Friedman) である。父はプエルトリコ人を先祖に持つカトリック教徒、母はユダヤ人だった。リベラはユダヤ人として育てられ、ユダヤ教徒の成人儀礼であるバル・ミツワーを受けている。リベラはブルックリン、後にウェストバビロンで育ち、ウェストバビロン高校に通った。リベラの一家は民族的な偏見を受けることがあり、それを避けるために母親は、子供たちの姓の綴りを"Riviera"（リビエラ）に変えて届け出た。1961年から1963年まで、ブロンクスのニューヨーク海事大学に通い、ボート部に所属していた。その後、アリゾナ大学に転入して経営学を専攻し、1965年に卒業した。服の販売員やレストランのコックなどを経験した後、1966年にブルックリン・ロースクールに入学した。在学中にニューヨーク郡地方判事のフランク・ホーガンのもとでインターンを経験し、1969年にクラストップの成績で卒業して法務博士 (JD) の資格を取得した。同年、ニューヨーク州で弁護士としての認可を受けた。
Title: ジェラルド・リベラ (Geraldo Rivera)
Section: キャリア
Subsection: ジャーナリストになるまで

ロウアー・マンハッタンを拠点とする組織で働いた後、スパニッシュ・ハーレムを拠点とするプエルトリコ出身者による活動家グループであるヤングローズの弁護士として活動するようになった。1969年、このグループが近くの教会を占拠した時、弁護士としてリベラがインタビューに答えている様子をWABC-TVのニュースディレクターのアル・プリモが目にした。プリモはリベラにニュース記者にならないかと持ちかけた。この際、プリモはラテン系の人物を望んでいたので、ファーストネームの綴りを英語風の"Gerald"から、父方の祖先が住んでいたプエルトリコ風の"Geraldo"に変えることにした。リベラにはジャーナリストとしての経験がないため、ABCはリベラにコロンビア大学ジャーナリズム大学院の「マイノリティのためのジャーナリズム・サマープログラム」を受講させ、リベラはフレッド・W・フレンドリーからジャーナリズムの基礎を学んだ。
Title: ジェラルド・リベラ (Geraldo Rivera)
Section: キャリア
Subsection: ABCニュース

1970年、リベラはWABC-TVに『アイウィットネス・ニュース』の記者として雇われた。1972年、スタテンアイランドのウィローブルック州立学校とロックランド郡レッチワース村における知的障害者に対する親からの虐待とネグレクトを取材し、全米で放送されているABCの番組、『20/20』や『ナイトライン』で報じた。リベラはこの報道でピーボディ賞を受賞した。リベラのレポートを見たジョン・レノンは、1972年8月30日にニューヨークのマディソン・スクエア・ガーデンでリベラとともに知的障害者のためのチャリティ・コンサート"One to One"を開催した（このコンサートの様子は、1986年にライブアルバム『ライヴ・イン・ニューヨーク・シティ』として発売された）。1973年7月、リベラは、自ら司会とエクゼクティブ・プロデューサーを務める深夜のニュースマガジン番組『グッドナイト・アメリカ』のパイロット版を収録した。この番組は、1974年4月から1977年6月まで、『ABCワイド・ワールド・オブ・エンターテインメント』の不定期のコーナーとして33回放送された。テーマ曲にはリンゴ・スターの『明日への願い』が使用された。この番組では、マリファナの濫用やベトナム戦争における兵役逃れなど、当時問題となっていた様々な話題を取り上げた。1975年には、番組内で「ザプルーダー・フィルム」を初めて全米にテレビ放映した。1983年5月19日、リベラはテレビの全米ネットワークで初めて「AIDS」という名称を使用した（当時まだこの病気はあまり認知されていなかった。別の名称での言及は2年前からあった）。『20/20』でケン・ラムザウアーへのリベラによるインタビューが放映され、ラムザウアーは全米ネットで取り上げられた初のAIDS患者となった。放送の4日後にラムザウアーが亡くなり、リベラは追悼式で弔辞を述べた。1985年10月、ABCニュースのプロデューサーのルーン・アレッジは、シルヴィア・チェイスが『20/20』のために行ったマリリン・モンローとジョン・F・ケネディ、ロバート・F・ケネディの関係に関する取材の報道を拒否した。リベラは、アレッジはジャーナリストとして誠実ではないと公然と批判した。そして、ケネディの元側近のピエール・サリンジャーが当時ABCニュースで働いているなど、ケネディ家とアレッジの間に関係があるために、この件を取り下げさせたのではないかと主張した。この主張により、リベラはABCの番組から解雇された。2015年5月15日に放送されたFOXニュースのメーガン・ケリーとのインタビューで、リベラは、解雇の表向きの理由は、ABCの方針に反して市長選挙の候補者に200ドル寄付したことだったと述べている。