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Title: 音樂家肖像 (Portrait of a Musician)
Section: 詳解
Subsection: 構成

該作以油彩和可能是蛋彩在44.7公分×32公分（17.6英寸 × 12.6英寸）的小型胡桃木板上製作。畫中的年輕男子呈半身，臉四分之三側視，右手拿了張折疊的樂譜。除臉部和頭髮外，這幅畫大部分都未完成，但總體來說狀況良好，僅右下角受到損壞。藝術史學家肯尼斯·克拉克指出儘管該作有因時間關係而褪色，但還是李奧納多現存作品中保存最好的。畫作的底部可能有稍微修整過。它有進行少量的潤飾，尤其是頭後部，而藝術史學家弗蘭克·佐爾納指出這種潤飾讓脖子和嘴唇左側的陰影有些失敗。作品的黑色背景讓人想起他之後的肖像畫《抱銀貂的女子》和《美麗的費隆妮葉夫人》，不同的是人物身體和頭朝著相同方向。作者沃尔特·艾萨克森指出由於作品未完成，所以陰影過於刺眼，稀薄的油彩層也比典型的列奥纳多畫作要少。
Title: 音樂家肖像 (Portrait of a Musician)
Section: 詳解
Subsection: 音樂家

畫上人物有著一頭到肩的捲髮，戴了頂紅帽，專心凝視著觀眾視線以外的事物。聚集在臉上的細膩光線讓他的凝視更加強烈，尤其是那雙大而呆滯的眼睛。他身穿白色緊身內衣，外搭了件未完成的黑色緊身上衣，並掛了條只打底的橘粽色長巾。由於可能較少重繪和蹩腳的維護工程，畫作有點褪色。作品經技術檢查後發現緊身上衣原來可能是深紅色，而長巾可能是亮黃色。男人的嘴巴帶點微笑，估計正準備歌唱或剛唱完。臉部的顯著特徵是畫框外的光線對他眼睛產生的效果。光線有擴散至雙眼，但左眼要比右眼亮得多，這通常是不可能的。有些人為此替列奥纳多辯護，聲稱這單純是為了產生戲劇性效果，好讓觀眾能從音樂家的左臉看向右臉。博物館館長盧克·西森寫道「雙眼可能是《音樂家》最引人注目的特徵，視界的首位是放在最崇高的感覺和畫家最重要的工具」。
Title: 音樂家肖像 (Portrait of a Musician)
Section: 詳解
Subsection: 樂譜

這張被笨拙摺疊起來的紙以奇怪又優雅的方式拿著，因上面寫有音符和字母，估計至少是樂譜的一部分。由於該作底部狀況不佳，所以大部分音符和字母難以辨認。然而這並沒阻止學者對字母意思的假設，常常用他們的詮釋來支撐對音樂家身份的理論。這些音符除了強烈暗示主題是音樂家之外，就再也沒有讓該作更加清晰易懂。樂譜中部分被抹去的字母估計是「Cant」和「An」，通常被理解成拉丁文「Cantum Angelicum」（意為「如天使般的歌」），但藝術史學家馬丁·坎普指出有可能是義大利文「Cantore Angelico」（意為「如天使般的歌手」）。音符以有量记谱法表示，因此可能代表是複音音樂。溫莎皇室圖書館收藏畫作中李奧納多的樂譜風格並不像畫作中的音符。這表明樂譜並非出自他手，因而導致樂譜的作曲家和特殊含意還不清楚。
Title: 音樂家肖像 (Portrait of a Musician)
Section: 歸屬

儘管畫作出自列奥纳多在多個世紀以來都引起爭議，但現代藝術史學家到現在還是將其視為他的原創作品。早在這幅畫聞名於世時，就一直充斥著將作品歸屬於列奥纳多的質疑。當它首次出現在1672年的目錄時就列在列奥纳多名下，雖在1686年的物品清單中將其歸屬於伯納迪諾·盧伊尼，但很快劃掉並改至「更確切地說是列奥纳多」。1798年，它再次被歸屬於「盧伊尼學派」，但很快被重新列入列奥纳多的名下。19世紀的學者相信畫上人物是米蘭公爵盧多維科·斯福爾扎，並與《貴婦畫像》（Portrait of a Lady）相對應，雖然《貴婦畫像》現在被歸於喬瓦尼·安布羅焦·德普雷迪斯名下，但當時被認為是列奥纳多幫斯福爾扎妻子貝亞特麗切·德斯特畫的肖像畫。在20世紀中旬，作家安吉拉·奧蒂諾·達拉·基艾沙（Angela Ottino Della Chiesa）確定有11位學者支持是列奥纳多作品，8位學者支持是安布羅焦·德普雷迪斯作品，兩位無法決定，而1位認為是列奥纳多的另一學生喬瓦尼·安東尼·博塔費奧的作品。這幅畫沒有現存的委託紀錄。作品創作者是根據其他作品在風格和技術上的相同之處，特別是羅浮宮《岩間聖母》中天使的臉龐和《聖葉理諾在野外》的名譽形象。肖像畫的深色背景是列奥纳多普及的風格，接著這種屬性出現在後來的畫作中，例如《抱銀貂的女子》、《美麗的費隆妮葉夫人》和《施洗者圣约翰》。尤其是《抱銀貂的女子》在X光測試中顯示出更多風格上的相同之處。其他列奥纳多風格的典型特徵包括憂鬱氛圍、眼睛、看起來欲言又止會引起歧義的嘴巴和像吉內薇拉·班琪的卷髮。列奥纳多另一特徵是使用胡桃木，他非常喜歡並曾推薦過這種媒介，但當時其他的倫巴底藝術家並不常用。列奥纳多筆記中有段話表明他會比較音樂家眼睛擴張的不同度數，這也加深了該肖像畫的歸屬。（眼睛的）瞳孔會根據（視線中）物體的亮度或黑暗而擴展和收縮，而且由於它需要花些時間擴展和收縮，所以它從光明到暗處不能馬上看到，同樣從暗處到光明也不會，而這件事在畫眼睛時就已欺騙了我，我就這樣學到了。難以歸屬畫作源自它僵硬又恬淡寡慾的神情舉止，這與列奥纳多慣常畫作不同。儘管有些學者覺得這是畫作未完成所致，但另一些學者則提出服裝和軀幹是他學生的創作。如果列奥纳多真的被協助，最常被提起的候選人是博塔費奧和安布羅焦·德普雷迪斯，因為他們的風格較接近肖像畫中的硬性和剛性。藝術史學家卡洛·佩德雷蒂指出博塔費奧和列奥纳多另一學生馬可·達·奧焦諾用同樣的方式來描繪眼睛，這暗示了幾人的合作。藝術史學家皮埃羅·馬拉尼（Pietro Marani）指出列奥纳多於1480年代中旬不太可能找人協助，就算如此，他們也不太可能為正式或朋友的肖像畫合作創作。儘管有馬拉尼的主張，現代學者對列奥纳多是否遭人協助還沒達成共識。佐爾納表示「現在公認列奥纳多製作臉部，而博塔費奧負責整個上半身」，但西森認為只有「基本上少數」的學者不同意完整歸屬。無論是否有合作，大多數學者同意如果整幅畫不是出自列奥纳多之手，起碼臉是他畫的。
Title: 音樂家肖像 (Portrait of a Musician)
Section: 年份

藝術史學家根據列奥纳多在第一次米蘭時期（约1482-1499年）有相似作品而認為此畫是這段時間產出，包括透過X光測試發現在風格上有相似的《抱銀貂的女子》、《岩間聖母》的明暗處理和銅馬雕塑的草圖。較早的來源將作品的創作年份定在這段時期的中旬，包括1485-1490年和约1490年。西森和馬拉尼等現代學者觀察該作不可能遲於1487年創作，因為它被認為缺乏了列奥纳多後期作品的一些精緻和真實感，例如《抱銀貂的女子》，而且列奥纳多於1480年代後期開始研究人體解剖學，尤其是頭骨。因此現在這幅畫被認為在第一次米蘭時期早些時候完成，大約在1480年代期間，通常認為於1483至1487年期間。
Title: 音樂家肖像 (Portrait of a Musician)
Section: 背景

《音樂家肖像》與米蘭盛行的肖像畫有很大出入。米蘭的觀眾在藝術上比義大利其他地方的觀眾更為保守，他們期待大多數（即使不是全部）的肖像畫能像扎內托·布加托、文森佐·福帕和安布羅鳩·貝爾戈尼奧內的作品一樣。畫上人物的四分之三側視比經常將肖像放在啞黑色背景的尼德蘭畫家要早。安托內羅·達·梅西那在威尼斯和西西里的作品也採用了相同的黑色背景和四分之三側視，包括《男子肖像》（Il Condottiere）和《戴著紅帽的男子肖像》。李奧納多很可能受到安托內羅風格的影響，並可能在1476年短暫地到訪米蘭或1486年去威尼斯探訪前老師安德烈·德爾·委羅基奧時看過安托內羅的作品。藝術史學者丹尼爾·阿拉斯表明雖然《音樂家肖像》是李奧納多最像安托內羅的肖像畫，但人物沒面向觀眾不只與大多數安托內羅的作品相反，更與李奧納多的其他作品相反。安布羅焦·德普雷迪斯或博塔費奧創作的《年輕男子肖像》（Portrait of a Young Man，约1490至1501年）在很大程度上受到《音樂家肖像》的影響。《音樂家肖像》是李奧納多唯一已知的男性肖像畫，並且是唯一一幅存於米蘭的畫。儘管馬拉尼指出該作可能是供私用，但尚無委託記錄。人們普遍認為它不是1618年樞機主教費德里科·博羅梅奧贈予盎博羅削圖書館的禮物，在當時這佔了博物館大部分的收藏品。這幅畫有可能是加萊亞佐·阿科那提早於1637年贈給盎博羅削圖書館。該作於1672年被首次記載，當時是彼得羅·保羅·博斯卡（Pietro Paolo Bosca）將其編入盎博羅削圖書館的目錄中。它的註解下了「具有公爵委託期望中的所有優雅感」，暗示主題人物被認為是當時的李奧納多雇主兼米蘭公爵盧多維科·斯福爾扎。關於拿破崙·波拿巴是否於1796年將此作帶去法國的來源不一。馬拉尼表示它被沒收，而西森則表示法國人認為大西洋古抄本更有價值，所以取而代之，但兩名學者都同意1798年的時候它還在盎博羅削圖書館。畫上人物是盧多維科的說法直到路易吉·卡維納吉和安東尼奧·格蘭迪（Antonio Grandi）於1904至1905年修復時移除黑色塗層發現拿著樂譜的手才被打破。這導致學者相信主題人物並非盧多維科，而是與李奧納多相同時期的米蘭音樂家。因為這個發現，許多候選人都被認為是畫上人物。該肖像畫在2011年國家美術館展覽「列奥纳多·达·芬奇：米蘭宮廷畫家」（Leonardo da Vinci: Painter at the Court of Milan）和2020年羅浮宮展覽「列奥纳多·达·芬奇」（Léonard de Vinci）展出
Title: 音樂家肖像 (Portrait of a Musician)
Section: 畫上人物的身份

由於1904至1905年修復時抹去黑色塗層發現畫上人物拿著樂譜，藝術史學家想當然認為他是名音樂家。然而他的身份還是無法確定。男人可能出現在其他作品中，國家美術館的學者曾表明弗朗切斯科·那波利塔諾的《年輕人側臉肖像》（Portrait of a Youth in Profile）和李奧納多的《年輕人側臉半身像》（Bust of a Youth in Profile）是同個人。雖提出多個歷史候選人，但沒有任何強而有力的證據。歷史學家理查德·肖·普爾（Richard Shaw Pooler）表示「有人認為主題人物單純沒有名字」。
Title: 音樂家肖像 (Portrait of a Musician)
Section: 畫上人物的身份
Subsection: 弗朗赤努斯·加福里乌斯

建築史學家盧卡·貝爾特拉米主張的弗朗赤努斯·加福里乌斯成為20世紀初最主流的候選人。賈弗黎爾斯是米蘭的神父、著名音樂理論家、盧多維科·斯福爾扎的宮廷音樂家和米蘭主教座堂的「教堂合唱團總監」。眾所周知他和李奧納多私交甚好，他們進入公爵服務工作只相隔一兩年。賈弗黎爾斯著名的1496年音樂專著《音樂實踐》（Practica Musicae）中收錄了李奧納多創作的多個木刻版畫。另外，貝爾特拉米提出「Cant」和「Ang」為拉丁詞「Cantum Angelicum」時引用了賈弗黎爾斯的音樂專著《天使和神的作品》（Angelicum ac divinum opus）。此後該理論因肖像方面的證據未能將加福里乌斯和畫上人物配對而無法被證明。肯普指出「Cant」和「Ang」可以單純解為義大利文「Cantore Angelico」。此外，畫上人物並沒身穿可以正確辨識他為牧師的神職人員長袍，再加上畫中的是名年輕人，但當時加福里乌斯正好步入成年大關。
Title: 音樂家肖像 (Portrait of a Musician)
Section: 畫上人物的身份
Subsection: 亞特蘭大·密里約洛蒂

馬拉尼在1999年專著中提出是托斯卡納音樂家亚特兰大·密里约洛蒂後許多評論家都贊成這一說法。1482年，密里約洛蒂和李奧納多離開佛羅倫斯到米蘭盧多維科·斯福爾扎的宮廷。兩人是好友，而據稱李奧納多曾教密里約洛蒂彈魯特琴和里拉琴。在這幅畫的構思階段時密里約洛蒂正處於十八九歲或弱冠之年，讓他成為貌似有理的候選人。另外，李奧納多在大西洋古抄本的1482年物品清單中有列出「臉抬起的亞特蘭大肖像」。這被認為是《音樂家肖像》的試畫或初期嘗試。肖像畫的親密感讓畫上人物更像是個朋友。反對該理論的主要理論是畫上人物的臉部並沒有像1482年筆記那樣抬起來。然而，馬拉尼指出雖然看起來音樂家的臉沒有抬起，但「表情看起來有上升，估計歌手剛剛（看完）樂譜後抬起頭來」。自從弗朗赤努斯·加福里乌斯被廣泛否決為主要候選人後，密里約洛蒂如今受到許多評論家青睞。
Title: 音樂家肖像 (Portrait of a Musician)
Section: 畫上人物的身份
Subsection: 若斯坎·德普雷

1972年，比利時音樂學家蘇珊·克萊爾克-勒瓊認為法國歌手兼作曲家若斯坎·德普雷是畫上人物。若斯坎曾於1480年代與李奧納多共同為斯福爾扎家族服務。克萊爾克-勒瓊指出樂譜上的「Cont」、「Cantuz」和「A Z」是「假聲男高音」、「旋律」和「中音」，這代表它們與一首旋律下降的歌曲有關聯，例如彌撒曲、經文歌和若斯坎的歌曲。此理論之後受到懷疑，因為音符大部分難以辨認，而且許多作曲家都這樣創作。跟加福里乌斯一樣，其他若斯坎的肖像畫毫無相似之處，而他三十四五歲才擔任神父，所以與畫上人物不符。
Title: 音樂家肖像 (Portrait of a Musician)
Section: 畫上人物的身份
Subsection: 加斯帕·範·韋伯克

藝術史學家勞爾·法格納特（Laure Fagnart）於2019年提出畫上人物是尼德蘭作曲家兼歌手加斯帕·範·韋伯克。加斯帕跟李奧納多同樣時間為斯福爾扎家族工作，所以他們很有可能彼此認識。這理論引用了加萊亞佐·馬里亞·斯福爾扎寫給哥達多·帕尼加羅拉（Gotardo Panigarola）有關宮廷音樂家衣著的信中有寫道「哥達多。我們想將一件深色天鵝絨長袍給我們的歌手加斯帕，就像您給修道院院長（安東尼奧·古納蒂）和柯蒂埃的一樣，而他們倆也是我們的歌手」。正如法格納特指出的那樣，這封信過於含糊不清，難以將加斯帕和肖像畫聯繫在一起。另外，加斯帕與若斯坎和加福里乌斯的問題一樣，韋伯克當時三十多歲，作為畫上人物可能太老。
Title: 音樂家肖像 (Portrait of a Musician)
Section: 畫上人物的身份
Subsection: 其他人

吉安·加萊亞佐·斯福爾扎曾遭人提及，由於李奧納多在米蘭時和他一起住，再加上肖像畫的原作、模糊輪廓和描述表示了畫上人物是米蘭公爵。西森指出這種識別特別有意義，因為盧多維科上位前，吉安·加萊亞佐是王位的合法繼承人。然而，沒有直接證據支撐這一點，而且揭露的樂譜讓未能被證明是音樂家的吉安·加萊亞佐是畫上人物的可能性變得很小。義大利魯特琴手兼作曲家法蘭契斯柯·卡諾瓦·達‧米蘭諾和佛萊明歌手喬凡尼·柯蒂埃（Giovanni Cordier）也被人提及，但也沒有實質性證據。荷蘭插畫家西弗萊·沃海克認為《音樂家肖像》是李奧納多三幅自畫像之一，但這被認為極不可能。
Title: 音樂家肖像 (Portrait of a Musician)
Section: 評價

《音樂家肖像》在歷史上的評價褒貶不一，負面評價經常導致人們無法決定或拒絕作品完全歸屬於李奧納多名下。20世紀初，法國藝術史學家尤金·蒙兹用「足以模擬林布蘭的活力」為作品增色，但批評它繃著臉的神色、極差的著色和不完整。馬拉尼解釋蒙兹的評論很大程度上是用了蹩腳複製品進行分析。藝術史學家傑克·瓦瑟曼（Jack Wasserman）表示該肖像畫缺乏李奧納多其他作品中典型感情強烈的面龐，但西森和肯普讚賞作品那對具有強烈情感的凝視。藝術史學家亞歷山德羅·維佐斯緊接指出那雙眼睛讓「李奧納多取得前所未有的心理強度，且達到《抱銀貂的女子》的崇高境界」。
Title: 音樂家肖像 (Portrait of a Musician)
Section: 詮釋

由於缺乏當代紀錄，一些學者提出有關該畫創作目的的理論。數名學者相信畫上人物的臉部緊張感強烈，估計他剛表演完，抑或正在表演。這幅畫也被認為李奧納多自稱意識形態的代表作，他自覺繪畫優越於其他藝術形式，例如詩歌、雕塑和音樂。李奧納多在未完成著作《繪畫之書》的開頭宣稱：音樂應當被稱為繪畫的妹妹和後輩：音樂只能是繪畫的妹妹，因為它是依賴視覺的聽覺，而它的和聲產生於同時響出的、合乎比例的各部分聯合。（這些部分）勢必在一種或多種和聲的節奏中生滅，這些節奏將和聲中協調的成分包圍，正如同人體輪廓包圍著構成人體美的（各個）成分一样。然而繪畫凌駕於音樂，因為它不會方生即死，像可憐的音樂一般。相反，它經久不衰，雖然事實上受限在一個平面上，但卻栩栩如生。這段話似乎不認同音樂稍纵即逝的本質，與繪畫使用的材料和永久不衰的實物性質恰恰相反。這理論也表明了年輕人眼中的憂傷，因為根據李奧納多的想法，音樂在表演完後便消失殆盡。另一種解釋是李奧納多因描繪男性美感而深受觸動。考慮到這幅畫古怪又看起來親密的美感，它很有可能是送給朋友的禮物。
Title: 喜鹊_(油画) (The Magpie (Monet))
Section: abstract

1868 年末到1869 年初，法国印象派画家克劳德·莫奈在诺曼底埃特勒塔公社附近创作了一幅油画风景画——《喜鹊》（法語：La Pie）。路易斯·约阿希姆·高迪伯特是莫奈的赞助人，他为莫奈的女友卡米耶-莱奥尼·东西厄和刚出生的儿子在埃特勒塔附近安排了住所，让莫奈在家人的陪伴下自在地创作。1867 年至 1893 年间，莫奈和其他印象派画家阿尔弗雷德·西斯莱和卡米尔·毕沙罗绘制了数百幅风景画，展示了自然的雪景。而其他印象派画家皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿、古斯塔夫·卡耶博特和保罗·高更却没有大量创作冬季风景画。艺术史学家们分析认为，正是法国连续几年的严冬暴雪使得一部分印象派画家创作出更多的冬季雪景画。莫奈一共创作了包括《喜鹊》在内的约 140 幅雪景画。1865 年或 1867 年，他创作了第一幅风景画——《翁弗勒尔雪路上的马车》。同年，他还创作了《冬天的圣西蒙农场前的路》，并由此开启了一系列著名雪景画的创作。1869 年，莫奈创作了《喜鹊》，这也是他最大的一幅冬季风景画。随后，他又创作了《红色披肩》(1869–1871)，成为他唯一一幅以女友卡米尔·唐西为主角的冬季画作。《喜鹊》的画布描绘了一只孤独的黑色喜鹊落在由篱笆围成的栅栏门上，同时阳光照在刚落下的雪上，并形成蓝色的阴影。这幅画是莫奈最开始使用互补色的一个例子，后来互补色也出现在印象派运动中。莫奈等印象派画家使用互补色来描绘自然界中真实、不断变化的光影，挑战了用黑色来绘制阴影部分的传统画法。21世纪早期，约翰·沃尔夫冈·冯·歌德（Johann Wolfgang von Goethe）和米歇尔·尤金·雪佛勒 （Michel Eugene Chevreul）有关色彩的研究将这种色彩感知的主观理论引入艺术界。1869 年，巴黎沙龙不认可莫奈对光线和颜色的创新画法，因此拒绝展出他的作品。而今天，艺术史学家们则认为《喜鹊》是莫奈最好的雪景画之一。 该画一直属于私人收藏，直到 1984 年才由奥赛博物馆收藏并公之于众，成为该博物馆永久收藏品中最受欢迎的画作之一。
Title: 喜鹊_(油画) (The Magpie (Monet))
Section: 创作背景

 在19世纪50年代后期，法国风景画家欧仁·布丹(Engene Boudin, 1824–1898）介绍莫奈加入外光主义——也就是在“户外”的自然光下绘画 。可折叠的金属颜料管（发明于1841年）和便携式画架的发明使得绘画不再被限制在室内的画室内，也可以在户外进行。1858 年的整个夏天，布丹和莫奈都在一起创作风景画。尽管在当时，在画室里绘画还是惯例，但是莫奈渐渐变得和布丹一样，更喜欢在户外绘画。莫奈说，“如果我能够成为一名画家，那一定是归功于布丹。”荷兰画家约翰·巴托德·琼金德（Johan Barthold Jongkind，1819–1891 年）的风景画对布丹和莫奈都产生了影响，并为早期印象派的发展做出了贡献。 1862 年, 在圣阿德雷斯遇到了琼金德之后,莫奈开始对其景观环境变化的观点产生兴趣。也正是从那时，莫奈开始用用光学颜色代替局部颜色。 “琼金德是我的老师，我在绘画中对于颜色的描绘就是受到他的启发”莫奈后来回忆道。 “是他让我明白眼睛可以观察到颜色的变化”。这种新的观察方式使他完成了从概念色彩到感知色彩的转变，这也正是莫奈的《干草堆》（1890-1891年）的创作基础。他创作了 25 幅描绘干草堆的系列画作，展示了不同季节下干草堆的变化。古斯塔夫·库尔贝(Gustave Courbet，1819 – 1877 年) 早在 1856 年就开始画 effets de neige（雪景）。  这一风景画风格受到日本，丹麦和佛来德画家的喜爱。也正是受库尔贝的影响，莫奈开始了他的第一幅雪景创作——《翁弗勒尔雪道上的马车》（1865 年或 1867 年）。一位记者观察到莫奈创作时的情景：我们只见过他一次。当时是在冬天，由于连着下了好几天的大雪，通信几乎都停滞了。气温骤降，石头似乎都要冻裂了。在那样的冰天雪地里，我们首先看到一个暖脚器，然后是一个画架，最后是一个男人。他裹着好几层外套，戴着手套，脸几乎都被冻僵了。他就是在创作雪景的莫奈先生。与库尔贝不同，莫奈在《翁弗勒尔的雪路上的手推车》中并没有选择常见的冬季狩猎题材作为主题。相反，他在绘画中减少阴影的数量，以一种新的方式专注于光线和颜色。莫奈选择了大地色调的配色方案，并增加了蓝色阴影的数量，用来突出雪地上的反射。1867 年，莫奈在《翁弗勒尔的雪路上的马车》之后，又创作了一系列引人注目的雪景作品，包括《冬季的圣西蒙农场路》。
Title: 喜鹊_(油画) (The Magpie (Monet))
Section: 首次在埃特勒塔作画

1867 年，莫奈的女友卡米尔·唐西厄 (Camille Doncieux，1847 – 1879 年) 在巴黎生下了他们的儿子让（Jean）。由于缺少资金，莫奈回到了他父亲在圣阿德雷斯的房子并与他的姑姑生活在一起，将女友和孩子留在巴黎。1870年，莫奈和女友唐西厄结婚。艺术收藏家路易斯·约阿希姆·高迪伯特 (Louis Joachim Gaudibert) 是莫奈的第一位赞助人。 在1868 年末，他曾帮莫奈在埃特勒塔为女友和孩子租了一间房子。10月，莫奈从抑郁症中恢复过来，搬去和家人们住在一起。他将女友唐西厄 (Doncieux) 看作缪斯女神和生活中的绘画模特。到 12 月，莫奈完全恢复精神健康，感到“被所爱的一切包围着”，并开始专注于绘画。莫奈在给弗雷德里克·巴齐耶（Frédéric Bazille，1841 – 1870 年）的一封信中写道：我常常待在户外。天气不好或者渔船出海的时候，我会去鹅卵石沙滩漫步。有时我也会去风景如画的的乡村。比起夏天，我更沉醉于冬景的魅力中。当然了，这期间我不停地在绘画，我相信今年我肯定能创作出一些优秀的作品来。莫奈很享受在埃特勒塔与家人一起生活，但他更喜欢独自在乡下作画。他曾告诉巴齐尔：相比和很多人待在一起，难道你不觉得一个人静静地于自然中独处是一件更美妙的事情吗？......我一直都有这种感觉的，并且当我一个人待在大自然时，我总是能创作出更好的作品。我在巴黎的时候，时常会感觉到不论一个人内心多么的坚定，在巴黎这种繁华的大都市里，每天看到和听到的东西那么多，免不了受到外界思想的影响。而在埃特勒塔，至少我在创作时不会刻意去模仿别人......因为我只专注于自己内心的想法，并将其表现在画里。住在埃特勒塔的这几年里，莫奈创作了三幅以渔船为主题的画作，一幅以乡村道路为主题的作品， 以及在 1868 年末至 1869 年 1 月或 2 月之间的创作的《喜鹊》（ W 133）。1874 年，在印象派第一次集中的作品展览里，莫奈共展出了140幅冬景画，这幅五年前创作的《喜鹊》是其中最大的一幅作品。《喜鹊》中描绘雪景的确切位置尚未可知。只知道拉尔夫·T·科 (Ralph T. Coe)曾建议莫奈在塞纳河河口北部翁弗勒尔 (Honfleur)镇的圣西蒙农场 (Farm Saint-Siméon) 作画。
Title: 喜鹊_(油画) (The Magpie (Monet))
Section: 遭到巴黎沙龙的拒绝

1869 年，莫奈向巴黎沙龙展示了《喜鹊》和《海上渔船》（W 126）两幅作品。 但在同年四月份收到巴黎沙龙拒绝展出这两幅画的消息。  艺术评论家保罗理查德说，陪审员认为这些作品“主题普通且笔法粗糙”，因此拒绝展出。莫奈对色彩的创新性描绘，以及对传统描述型、学术型风格的彻底背离无法得到公众的理解，这可能就是陪审团将其驳回的原因。莫奈曾告诉法国小说家阿尔塞纳·侯赛（Arsène Houssaye）（1815 年–1896 年），“他们拒绝展出我的画作相当于切断了我的收入。因为得不到主流艺术的认可，哪怕我以很低的价格出售，收藏家和经销商也不愿意买我的作品。” 而在一个世纪后，奥赛博物馆于1984年收藏了《喜鹊》这幅作品，并成为他们永久收藏中最受欢迎的画作之一。
Title: 喜鹊_(油画) (The Magpie (Monet))
Section: 艺术批判家的评价

在这幅画中，一只黑色的喜鹊栖息在篱笆栅栏门上，阳光洒在雪后的草地上，也将喜鹊的影子倒映在这片白雪皑皑中。画中没有人像，栅栏门上的喜鹊成为了唯一的焦点。曼彻斯特城市大学的迈克尔·霍华德 (Michael Howard) 称这幅画“体现了深冬午后积雪的寒冷。阳光下，喜鹊在雪地上留下长长的、蓝色的阴影，与天空和雪景的奶白色形成了美妙的对比。”时任旧金山美术博物馆馆长的林恩·奥尔（Lynn Orr）指出，莫奈对随着时间和气侯变化而变幻的光线很感兴趣：雪和雾等特别的气候变化为熟悉的环境赋予了新鲜的色彩，这令莫奈十分着迷。以莫奈早期杰作《喜鹊》为例，他运用了有限的色彩变化、空中透视和短笔画法，打破了传统的绘画形式。这幅画是一场艺术大师的色彩表演，是一篇有关阳光洒在雪地上、白色阴影不断变化的文章。莫奈采用很多单一色调的图块来绘画，例如栅栏下的大片紫色阴影，使得画面脱离了所描绘物体的现实空间。《喜鹊》是莫奈早期研究彩色阴影的例子。在这件作品中，莫奈利用了蓝色和黄色这两种互补色。黄色阳光洒在雪地上，形成蓝紫色的阴影，产生对比效果。法国印象派普及了彩色阴影的使用，打破了通过改变颜色的明暗度和饱和度来描绘阴影的绘画传统。人们可以直接在自然界中观察到彩色阴影，特别是在莫奈描绘的那些雪景中。在对印象派的研究中，艺术史学家约翰·雷瓦尔德(John Rewald) 发现，艺术家们实际上通过创作雪景来“研究阴影绘画问题”。弗雷德·克莱纳（Fred S. Kleiner）在加德纳艺术通史（Gardner's Art Through the Ages）中总结了这个问题：在仔细研究了光线和颜色的效果后，印象派得出结论，局部颜色，也就是一个物体在白光下的真实颜色，会受到阳光照射，其他物体反光以及临近物体颜色的影响。印象派之前的很多画家认为阴影应该是灰色或者黑色的，然而事实并非如此，阴影的颜色由反光和很多其他条件所决定。使用多种颜色和短促笔触，莫奈准确地捕捉到了光线的变化。莫奈对彩色阴影的使用源于 19 世纪流行的色彩理论。德国科学家约翰·沃尔夫冈·冯·歌德（Johann Wolfgang von Goethe，1749 年–1832年）在《色彩理论》 （Theory of Colors，1810 年）中发表了当代最早对彩色阴影的描述之一。歌德试图挑战艾萨克·牛顿（Isaac Newton，1643 – 1727 年）在光学论文（1704 年）中提出的色彩理论。尽管他在书中描述了主观和客观上的色彩理论和色彩感知，但他采用的研究方法是直觉上的、非数学的，因此他的研究被认为缺乏科学性，他对牛顿的攻击也被认为是无端的争论。但歌德提出关于色彩的问题依然存在。三十年后，法国化学家米歇尔·欧仁·谢弗勒尔（Michel Eugène Chevreul，1786 年–1889 年）在《色彩的和谐与对比原理》（1839 年）进一步拓展了歌德的理论。 歌德和弗勒尔的色彩理论极大地影响了艺术界。人们普遍认为，文森特·梵高、卡米尔·毕沙罗和莫奈将这些理论的元素融入了他们的作品中。  乔治·秀拉（Georges Seurat，1859 – 1891) 于 1886 年凭借分色主义声名鹊起。这种绘画风格受到弗勒尔和美国物理学家奥格登·鲁德（Ogden Rood，1831 – 1902) 配色方案理论的影响。
Title: 喜鹊_(油画) (The Magpie (Monet))
Section: 相关作品

在 11 幅描绘阿让特伊桥（The Bridge at Argenteuil ，1874 年）的系列画作中，莫奈在描绘桥梁顶部时，也采用了蓝色和紫色的彩色阴影。多年来，莫奈对色彩和光线愈发着迷。1879 年 9 月，他的妻子去世。他运用“蓝色、黄色、灰色的色调”描绘了妻子去世前的情景，创作出病床上的卡米尔莫奈（1879 年）。法国政治家乔治·克莱蒙梭（Georges Clemenceau，1841 年–1929 年）是莫奈的朋友，莫奈向乔治解释这幅画时，曾说“画面的焦点是她的脸颊。当死亡一步步夺去她的生命时，色彩在她的脸上不断变化，却也和谐统一”。卡米尔因癌症去世，享年 32 岁。 在她去世后，莫奈几乎不再创作人像画，而是专注于对自然景观的绘画。后来，他又在干草堆系列 (1891)作品中重新描绘雪景和彩色阴影。
Title: 喜鹊_(油画) (The Magpie (Monet))
Section: 衍生作品

1990年，为纪念莫奈诞辰150周年，摩纳哥公国发行了由法国雕刻师皮埃尔·阿尔比松设计的印有《喜鹊》的邮票。在大皇宫国家美术馆举办2010-2011莫奈画展上，法国设计工作室 Les 84展示了其创作的 3D 版《喜鹊》作品。
Title: 喜鹊_(油画) (The Magpie (Monet))
Section: 收藏

托尔 卡兰德收藏品（Thor Carlander），巴黎（1918 年）保罗•杜兰德-鲁埃尔收藏品（Durand-Ruel），巴黎（1941 年）娇兰收藏品，巴黎（1946 年）奥赛博物馆(1984)巴黎卢浮宫(1984)巴黎奥赛博物馆 (1984)
Title: 喜鹊_(油画) (The Magpie (Monet))
Section: 相关信息

彩灰
Title: 喜鹊_(油画) (The Magpie (Monet))
Section: 拓展阅读

Fell, Derek (2007). The Magic of Monet's Garden. Firefly Books. ISBN 1-55407-277-8Schapiro, Meyer (1997). Impressionism: Reflections and Perceptions. George Braziller. pp. 68–69. ISBN 0-8076-1420-3Wildenstein, Daniel (1999). Monet: Or the Triumph of Impressionism. Taschen. ISBN 3-8228-7060-9
Title: 吃馬鈴薯的人 (The Potato Eaters)
Section: abstract

《吃馬鈴薯的人》（荷蘭語：De Aardappeleters，英語：The Potato Eaters），又译食薯者，是荷兰后印象派画家文森特·梵高创作于1885年的一幅油画。该画现藏于阿姆斯特丹的梵高博物馆，這幅畫的原始油畫素描現藏於奧特洛的克勒勒-米勒博物館，圖像的石版畫收藏在紐約市的現代藝術博物館等收藏品中。這幅畫被認為是梵高的傑作之一。
Title: 吃馬鈴薯的人 (The Potato Eaters)
Section: 創作

《吃馬鈴薯的人》是1885年4月在荷蘭北布拉班特省市镇尼嫩、海尔文和下韦滕的尼嫩鎮居住时的作品，在1885年3月和4月初，梵谷為了繪製《吃馬鈴薯的人》作了素描研究，並與他的兄弟西奧保持聯絡，後者對他目前的作品和梵谷在巴黎寄給他的素描印象不深。梵谷從4 月13日到5月初一直在畫這幅畫，當時大部分畫作的細節都完成了，除了同年晚些時候他使用小刷子對作品做了一些小改動。梵谷講藉由該畫想描繪農民的真實面目。他刻意選擇粗獷醜陋的模特，認為它們在他完成的作品中會很自然，不會受到任何破壞。兩年後，梵谷在巴黎寫信給他的妹妹薇兒，他仍然認為《吃馬鈴薯的人》是他最成功的畫作：「我對自己的作品的看法是，我在紐南畫的農民吃馬鈴薯的畫畢竟還是最好的。」然而，這幅畫在畫完後不久就遭到了他的朋友安東·範·拉帕德的批評。這對梵谷想成為新興藝術家的信心是一個打擊，他回信給他的朋友，「你……沒有權利像那樣譴責我的作品」（1885 年 7 月），後來則回信「我總是做我還不能做的事情，以便學習如何去做。」 （1885年8月）。眾所周知，梵谷曾欽佩比利時畫家查爾斯·德格魯，尤其是他的作品《晚餐前的祝福》。德格魯的作品莊嚴描繪了一個農民家庭在晚飯前說著恩典的場景。這幅畫與基督教對最後的晚餐的描繪密切相關。梵谷的《吃馬鈴薯的人》受到德格魯的啟發，同樣在梵谷的其他作品中也可以找到類似的宗教內涵。
Title: 吃馬鈴薯的人 (The Potato Eaters)
Section: 畫作描述

在这幅画里，梵高用朴实的模特来显示真正的平民。画家自己说，“我想传达的观点是，借着一个油灯的光线，吃馬鈴薯的人用他们同一双在土地上工作的手从盘子里抓起馬鈴薯 － 他们诚实地自食其力”。
Title: 吃馬鈴薯的人 (The Potato Eaters)
Section: 石版畫

梵谷在開始繪畫《吃馬鈴薯的人》之前曾特地創作了一幅石版畫。並將該作品寄給他的兄弟，同時在朋友的一封信中寫道，他在一天的時間裡憑記憶製作了這幅石版畫。梵高於1882年在海牙首次嘗試平版印刷術。在1882年12月3日左右的一封信中，他說：不過我認為，如果想像諸如印刷品“The Grace”（餐桌上的樵夫或農民的家庭）之類的東西，是其最終形式中一下子創作出來的，那將是一個很大的錯誤。 不，在大多數情況下，只有通過比那些輕描淡寫的插圖的人，還要更想像且更認真的研究，才能理解這種小東西的堅固性和精髓……反正有些畫在巨大的畫框裡看起來很充實，後來則留下這種空虛和不滿足的感覺，讓人吃驚。 另一方面，人們有時會忽略許多樸實無華的木刻版畫或石版畫或蝕刻版畫，但隨著時間的推移，它會變得越來越依戀它，並感覺到其中的某些偉大之處。
Title: 吃馬鈴薯的人 (The Potato Eaters)
Section: 盜竊事件

1988年12月，盜賊從庫勒-穆勒博物館 博物館偷走了早期版本的《吃馬鈴薯的人》、《織布者》和《乾向日葵》。1989年4月，盜賊歸還《織布者》企圖獲得 250 萬美元的贖金。 然而警方於1989年7月14日成功逮捕了盜賊兩人，並找回了尚未歸還的《吃馬鈴薯的人》早期版本的《乾向日葵》。1991年4月14日，梵谷博物館被盜賊偷竊了20幅主要畫作，其中包括《吃土豆的人》的最終版本。.然而，盜賊駕駛的汽車爆胎，使得盜賊被迫逃走留下了畫作。搶劫後三十五分鐘，20幅畫作全被找回。
Title: 在亞爾的臥室 (Bedroom in Arles)
Section: abstract

《在亞爾的臥室》（法語：La Chambre à coucher，荷蘭語：Slaapkamer te Arles）是19世紀荷蘭後印象派畫家文森特·梵高所創作的三幅相似畫作的標題。這三幅畫創作時間在1888年11月至1889年夏天之間，目前分別由荷蘭阿姆斯特丹的梵谷博物館、美國芝加哥芝加哥藝術博物館，以及法國巴黎的奧賽博物館展出。在三幅畫作當中，描繪了梵高居住的臥室，地點在法國阿爾勒的拉馬丁廣場（Place Lamartine）2號右翼，這裡被稱為黃房子（Yellow House）。畫中，右邊的門可通往樓梯間，左邊可通往客房，梵高的好友保羅·高更曾在1888年10月下旬起在這裡住了九個星期。床旁邊的窗戶外為拉馬丁廣場。
Title: 在亞爾的臥室 (Bedroom in Arles)
Section: 作品簡介
Subsection: 第一個版本

梵高於1888年10月中旬時，開始了《在亞爾的臥室》第一個版本的創作。梵高向他的弟弟特奧解釋了他作畫的構想，色彩與繪畫的手法，在信中並附上了繪畫的草圖。梵高寫信給特奧之後，他又寫了一封信給他的好友高更，在信中，描述了構圖的想法，同上也附上了繪畫的草圖。梵高在信中解釋說，此版本在牆上掛著梵高他的朋友尤金·博赫（Eugène Boch）和保羅·尤金·米勒（Paul-Eugène Milliet）的肖像。尤金·博赫的肖像被稱為《詩人》（The Poet），保羅·尤金·米勒的肖像則被稱為《情人》（The Lover）。
Title: 在亞爾的臥室 (Bedroom in Arles)
Section: 作品簡介
Subsection: 第二個版本

1888年12月13日，梵高割掉了自己的左耳；1889年3月，梵高被強行送進阿爾勒的醫院，以治療他的精神疾病。在醫院中，1889年4月，梵高創作了《在亞爾的臥室》的第二個版本，並原始畫作寄給了他的弟弟特奧，但此畫作因隆河發生洪水氾濫事件而損壞。特奧建議他依據原始畫作，再重畫一張並寄回給他。梵高於1889年9月再重畫一次。隨後，包含損壞的原始畫作與重畫的畫作兩者均寄給特奧。
Title: 在亞爾的臥室 (Bedroom in Arles)
Section: 作品簡介
Subsection: 第三個版本

1889年夏天，梵高為他的母親和他的妹妹威爾（Wil）畫一張較小尺寸的畫作，為《在亞爾的臥室》第三個版本。畫作於1889年9月下旬完成。在這個版本當中，右方牆上掛的兩張肖像中，左邊的一幅讓人想起梵高的《自畫像》。右邊的一幅則無法與梵高的任何作品有關聯。
Title: 在亞爾的臥室 (Bedroom in Arles)
Section: 收藏與展出

《在亞爾的臥室》第一個版本一直都是梵高家族的財產，由梵高的侄子文森特·威廉·梵高（Vincent Willem van Gogh）創立的梵高基金會（Vincent van Gogh Foundation）所收藏，並由位於荷蘭阿姆斯特丹的梵高博物館永久租借。第二個版本在1926年由海倫·伯奇·巴特利特紀念館所收藏，並捐贈給芝加哥藝術學院。第三個版本曾經由梵高的姐姐威爾所擁有，後來被日本的松方正義收購。二戰之後，經由法國與日本的協議，於1959年成為法國的國家收藏品，並在法國巴黎奧賽博物館永久展出。2016年，三個《在亞爾的臥室》版本藉由芝加哥藝術學院舉辦的「梵高的臥室」的展覽中聚集在一起展出，展覽中同時展出其數位化重建版本。
Title: 當勞·特朗普舉拳照 (Donald Trump raised-fist photographs)
Section: abstract

當勞·特朗普舉拳照是美国攝影記者埃文·武奇在2024年7月13日於宾夕法尼亚州巴特勒的總統競選集會中拍攝到美国前总统暨應届總統候選人當勞·特朗普舉起拳頭的照片。這輯照片是在針對特朗普的未遂行刺事件後拍攝，武奇在聽到槍聲後迅速衝向講台，捕捉到特朗普被美国特勤局人員護送下台的場面。這輯照片在社群媒體上廣泛流傳，被認為展示特朗普在2024年美國總統選舉中的堅韌形象。多名評論員讚譽武奇的作品，稱其構圖、色彩運用和銳利角度堪稱新聞攝影的最佳作品之一。
Title: 當勞·特朗普舉拳照 (Donald Trump raised-fist photographs)
Section: 背景

「在這種情況下，豐富的經驗絕對能讓你做好準備。擁有這些經驗可以稍微讓你保持冷靜。這不是我第一次遇到這種情況。所以我能夠保持清醒，我能夠思考。我能夠構圖。我想我們所有人都在那個地方並停留在那一刻，停留在事件中。我一直對自己說，『慢下來，慢下來。構圖，構圖。』好吧，接下來會發生什麼？這邊正發生什麽？那邊正發生什麽？我只想捕捉下每一個角度。」2024年7月13日，在賓夕法凡亞州巴特勒舉行的競選集會上，2024年美國總統選舉的共和黨推定總統候選人特朗普在行刺未遂事件中被槍擊。埃文·武奇是美联社駐华盛顿特区首席攝影師，他是駐紮在講台附近緩衝區的四名攝影師之一。他已報導特朗普多年，拍攝過數百場政治集會，又曾報道伊拉克战争和阿富汗戰爭，並拍下了乔治·布什被扔鞋事件的照片。他是曾擔任報道乔治·弗洛伊德抗议活动的美聯社團隊之一員，並於2021年獲得普立茲突發新聞攝影獎。在他看到特勤局特工衝向特朗普後，武奇跑向講台前方下面開始拍照。後來他在談到事件時說道：「我知道這是美國歷史上的重要時刻，必須記錄下來」。
Title: 當勞·特朗普舉拳照 (Donald Trump raised-fist photographs)
Section: 作品

武奇的照片展示特朗普在遇刺後被特勤局特工護送離開的情景，特工正匆忙包圍保護特朗普並囑他彎下身以保安全。臉上沾有血跡的特朗普站直起身，高舉右拳向民衆致意，身邊其中一名特工凝視著鏡頭，表情略顯緊張徬徨。背景是一面在藍天下飄揚的美国国旗。在武奇的部份照片版本中，特朗普張口喊著「戰鬥！」。在其他照片版本中，特朗普的嘴唇抿著。在部份未裁剪的照片版本中，特朗普左手拿著一頂「让美国再次伟大」的紅色鴨舌帽。悉尼科技大学設計學院視覺傳達資深講師莎拉·奧斯卡（Sara Oscar）在《The Conversation》上的分析文章中說：「要理解這張照片為何如此震撼，可以解析幾個元素；……特工們形成了三角形構圖，將特朗普置於頂點；……其中一名特工將我們引入畫面，他回頭看我們，看到攝影師，因此也似乎看到我們；……在藍天下，畫面中的其他元素都是红色、白色和海軍藍。特朗普臉上流下的血與美國國旗的紅色條紋相呼應，與講台上的共和黨紅色一致。」奧斯卡指出武奇懂得「在拍攝時保持攝影構圖的重要性，確保從多個角度拍攝，包括捕捉具有良好構圖和光線的場景。」
Title: 當勞·特朗普舉拳照 (Donald Trump raised-fist photographs)
Section: 評價

武奇的照片在互聯網上廣泛流傳，並附有他奔跑向講台拍照的影片。共和黨人和特朗普的盟友在事件發生後立即傳播該照片；有些人利用該照片來宣揚陰謀論和激化政治緊張局勢。該照片也在美國、英国和澳大利亚的報紙頭版上刊登。《华盛顿邮报》的首席藝術和建築評論員菲利普·肯尼科特在該報撰文指出，一張特朗普抿嘴版本照片「構圖強烈，帶有攻擊性的角度，反映出當時的混亂和戲劇性，以及強大的色彩平衡，全是紅色、白色和藍色，包括上方的藍天和下方的紅白裝飾橫幅。特朗普似乎從這些基本顏色的解構中浮現出來。」肯尼科特寫道：「這是一張可能永遠改變美國的照片」，並將其與肯尼迪遇刺案時的澤普魯德影片和1988年麥可·杜卡基斯在坦克中的照片相提並論。「武奇的照片將創造出比現實更真實的現實，將賓夕凡尼亞講台上的短暫危險時刻轉化為特朗普勇氣、決心和英雄主義的象徵」，肯尼科特續道。他形容這張照片「充滿了民族主義和權威的象徵——國旗、血液、穿著深色西裝的聯邦特工焦急之面孔」，並預測這將鼓勵更多的政治暴力。《旁觀者》編輯弗雷澤·納爾遜也表達相似的看法，稱「（任何評論家）都會立刻認識到這是一張千載難逢的照片——一張將成為美國政治和歷史中最具影響力的照片之一」，並稱讚武奇的作品是「最具力量的新聞攝影……這張照片將被視為有史以來最重要的政治照之一」。《纽约时报》評論員賈森·法拉戈（Jason Farago）將這些照片與欧仁·德拉克罗瓦的《自由引导人民》和约翰·科普利的《皮爾森少校之死》進行比較。他寫道，這些照片傳達與影片不同的訊息：「（這拳頭）更具戰鬥性，顯示出無畏和不屈不撓」。法拉戈注意到該照片迅速成為網路迷因，他說「這種權威的形象也引發了模仿；這正是它力量的來源」。《紐約客》評論員班傑明·華萊士-威爾斯（Benjamin Wallace-Wells）在評論一張未裁剪的特朗普抿嘴版本照片時寫道：「這已經成為我們這個政治危機和衝突時代中無法磨滅的形象。」他指出，「武奇的照片中有些元素在其他無數特朗普的照片中也很熟悉」，並總結道：「這是一張如此完美地捕捉到特朗普希望被人們看到的樣子，事實上，它可能會比其他照片流傳更久。」《大西洋》評論員泰勒·奧斯汀·哈珀（Tyler Austin Harper）描述一張特朗普張口版本照片，稱其「立即成為傳奇」，並且「無論你對照片中的人有何感受，無可否認，這是美國攝影史上最偉大的構圖之一。」哈珀預測這張照片將被用於競選商品和廣告，並且這張照片將幫助特朗普贏得選舉。哈珀寫道：「我認為毫不誇張地說，這張照片近乎完美，是在極端壓力下捕捉到的，並濃縮了這個人所有的矛盾本質。」《今日印度》評論員尤達吉特·香卡爾·達斯（Yudhajit Shankar Das）預計武奇的作品將成為「美國歷史的標誌性照片」，並指出他之前在戰火紛飛的伊拉克拍攝的經歷可能讓他不再懼怕子彈。達斯想到武奇的作品可能成為2024年選舉中的「汽油彈女孩」照片。《每日电讯报》評論員羅蘭·奧利芬特（Roland Oliphant）認為「（特朗普）即使刻意模仿，也無法顯得更像美國英雄」，並稱其為「世界級新聞攝影的產物——或許也是特朗普天生政治直覺的產物。」《德国之声》評論員卡拉·布萊克（Carla Bleiker）將其中一張特朗普抿嘴版本照片形容為「歷史書中的經典圖像」。她將這張照片與《硫磺島升旗》相比較，指出「特朗普高舉的拳頭和他面部的血跡，表達在困境中不屈的宣言」，呈現出一種「『我還在這裡』的姿態」。布萊克指出，武奇照片中的美國國旗與硫磺島圖像中的國旗相對照，強調國旗對美國人，特別是保守派美國人的文化意義。《華盛頓郵報》評論員傑里米·巴爾（Jeremy Barr）表示，其中一張特朗普抿嘴版本的照片「必將成為美國攝影的經典之作」。《澳洲人報》評論員喬迪·格雷（Geordie Gray）提到，這張張嘴版本照片「注定成為我們這個時代的標誌性圖像」，並稱其「構圖完美」。在《印度斯坦时报》評論員阿西瑪·格羅弗（Ashima Grover）稱這張張嘴版本照片為「為後人留下的傳奇美國照片」。歷史學家蒂莫西·阿什在社群媒體上表示，這張照片將「改變世界歷史的進程」。一張特朗普張嘴版本照片成為2024年8月5日《時代雜誌》的封面。特朗普張嘴巴版本照片將會被印在限量版運動鞋上，這些運動鞋由一家特朗普擁有的公司出售，該公司專門出售特朗普主題的產品。2024年8月5日，特朗普在網絡直播主Adin Ross的Kick直播中露臉，並獲贈一些禮物，包括一輛車身印有特朗普舉拳照的Tesla Cybertruck。
Title: 當勞·特朗普舉拳照 (Donald Trump raised-fist photographs)
Section: 參考書目
Subsection: 來源

Barr, Jeremy. 'I have to do my job': Photojournalists capture images of Trump shooting. The Washington Post. 2024-07-15  [2024-07-15]. ISSN 0190-8286 （美国英语）. Bleiker, Carla. Photo of bloodied, defiant Trump takes on patriotic meaning. Deutsche Welle. 2024-07-14  [2024-07-14]. （原始内容存档于2024-07-15） （英语）. Cortellessa, Eric. Eyewitness Accounts From the Trump Rally Shooting. TIME. 2024-07-13  [2024-07-14]. （原始内容存档于2024-07-15） （美国英语）. Donastorg, Mirtha. The photographer who captured this iconic image recounts the moment shots were fired at Donald Trump. The Atlanta Journal-Constitution. 2024-07-14  [2024-07-14]. ISSN 1539-7459. （原始内容存档于2024-07-14） （英语）. Frazier, Kierra; Herszenhorn, Miles J. Photo of bloodied Trump fist pumping immediately spotlighted by his allies. Politico. 2024-07-13  [2024-07-14]. （原始内容存档于2024-07-13） （英语）. Gray, Geordie. How AP photographer Evan Vucci captured this defining news image of our era. The Australian. 2024-07-15  [2024-07-15]. （原始内容存档于2024-07-15） （英语）. Grover, Ashima. Story of Trump's iconic image after the failed assassination, video captures how Evan Vucci got the shot. Hindustan Times. 2024-07-15  [2024-07-15]. （原始内容存档于2024-07-15） （英语）. Harper, Tyler Austin. A Legendary American Photograph. The Atlantic. 2024-07-14  [2024-07-14]. （原始内容存档于2024-07-14） （英语）. Licon, Adriana Gomez. A Trump-owned company sells $299 sneakers with an image of his bloodied face after rally shooting. The Associated Press. 2024-07-16  [2024-07-16]. （原始内容存档于2024-07-18） （英语）. Oliphant, Roland. Bloodied face, fist raised in defiance: how this image may win Trump the US presidency. The Daily Telegraph. 2024-07-14  [2024-07-15]. （原始内容存档于2024-07-14） （英语）.
Title: 當勞·特朗普舉拳照 (Donald Trump raised-fist photographs)
Section: 參考書目
Subsection: 評論

Das, Yudhaji. Trump shot, Evan Vucci shot him again, for a history-changing photo. India Today. 2024-07-14  [2024-07-14]. （原始内容存档于2024-07-15） （英语）. Farago, Jason. Still Images Define an Attack and its Aftermath. The New York Times. 2024-07-16: A17  [2024-07-16]. ISSN 0362-4331. （原始内容存档于2024-07-16） （美国英语）. Kennicott, Philip. A powerful photograph that could change America forever. The Washington Post. 2024-07-14  [2024-07-14]. ISSN 0190-8286. （原始内容存档于2024-07-14） （美国英语）. Nelson, Fraser. Evan Vucci's Trump photo will define (and perhaps shape) history. The Spectator. 2024-07-14  [2024-07-15]. （原始内容存档于2024-07-15） （美国英语）. Wallace-Wells, Benjamin. The Attempt on Donald Trump's Life and an Image That Will Last. The New Yorker. 2024-07-14  [2024-07-14]. （原始内容存档于2024-07-14） （英语）.  含有連結內容需訂閱查看的頁面 (link)
Title: 當勞·特朗普舉拳照 (Donald Trump raised-fist photographs)
Section: 參考書目
Subsection: 視訊訪談

AP photographer at Trump rally describes moment when shots were fired. Associated Press. 2024-07-13  [2024-07-14]. （原始内容存档于2024-07-14） （英语）. AP photojournalist on what it was like documenting the Trump rally shooting. Associated Press. 2024-07-14  [2024-07-14]. （原始内容存档于2024-07-15） （英语）. Hear from photographer who captured viral photo of Trump injured at rally. CNN. 2024-07-14  [2024-07-15]. （原始内容存档于2024-07-15） （英语）.
Title: 西斯廷聖母 (Sistine Madonna)
Section: abstract

《西斯廷聖母》（Sistine Madonna），亦稱《希斯汀聖母》，為義大利畫家拉斐爾聖母像中的代表作，裝飾於為紀念教宗西斯笃一世而重建的皮亚琴察圣西斯托教堂，最初它被放在教堂的神龕上，至1574年為止，一直保存在圣西斯托教堂，故得此名。現為德國德累斯顿的历代大师画廊（萨克森州立艺术博物馆的一部分）收藏。
Title: 西斯廷聖母 (Sistine Madonna)
Section: 意境

畫中表現聖母抱著聖子從雲端降下，兩邊帷幕旁畫有一男一女，身穿金色錦袍的教宗西斯笃一世向聖母、聖子做出歡迎的姿態。而稍作跪狀的聖芭芭拉，她虔心垂目，側臉低頭，微露羞怯，表示了對聖母、聖子的崇敬和恭順。位於中心的聖母體態豐滿優美，面部表情端莊安詳，秀麗文靜，在更高的起點上塑造了一位人類的救世主形象。扒在下方的兩個小天使睜著大眼仰望聖母的降臨，稚氣童心躍然畫上。
Title: 英勇的游擊隊員 (Guerrillero Heroico)
Section: abstract

《英勇的游擊隊員》（西班牙語：Guerrillero Heroico）是一幅由攝影師阿爾韋托·科爾達在1960年為馬克思主義革命家切·格瓦拉所拍攝的照片。這張照片是在1960年3月5日於古巴哈瓦那拍攝。當日哈瓦那正舉行著拉庫布雷號爆炸事件死難者的悼念儀式。當時捷·古華拉31歲。這張照片廣泛地在國際上流傳，並有著極大的感染力，馬里蘭藝術學院也稱這張照片為二十世紀的象徵和世界上最有名的照片。這張照片被大量地複製、印刷、數碼化、臨摹和透過其它各種媒介傳播，維多利亞和阿爾伯特博物館也表示這張照片是被複製最多的攝影作品。加利福尼亞大學的加利福尼亞河岸攝影博物館（Riverside California Museum of Photography）的館長Jonathan Green亦評價道：「科爾達所拍的這張肖像照已經成為了一種語言，就像字母和象形文字。它總是在有衝突的地方出現，在歷史上從來沒有其它的東西可以有如此大的影響力。」
Title: 英勇的游擊隊員 (Guerrillero Heroico)
Section: 歷史

在1960年3月5日，古巴領導人菲德爾·卡斯特羅在哈瓦那的哥伦布大公墓舉行悼念儀式和集會，悼念在拉庫布雷號爆炸事件中的死難者。當時的捷·古華拉為新政府的工業部長，而科爾達則是卡斯特羅的攝影師。在喪禮遊行過後，卡斯特羅在第23街的台上發表悼詞。在演講期間（約11時20分），捷·古華拉亦到場觀看。當時科爾達距離捷·古華拉只有約二至三十英呎，科爾達為捷·古華拉拍下了兩張照片。之後，科爾達表示：「當我在相機的取景器裡看到他的表情時，我就感到非常震撼。那種感覺至今仍強烈得像是剛剛發生的事一樣。它強烈的撼動著我。」在第一張照片裡，捷·古華拉旁邊有一棵樹和另一個人的半邊臉，而第二張就有一個人在捷·古華拉的肩膀後出現。第一張照片經剪裁後就成為了現今最流行的捷·古華拉肖像照版本。這張肖像照起初並沒有引起太大的注意，當時科爾達所工作的報社Revolución的主編還把捷·古華拉的照片退回給阿爾貝托·科爾達，只把他所拍攝的其它照片放在刊物裡。但科爾達還是把照片保存下來，把它掛在牆上，並把照片的拷貝送給他的朋友作禮物。科爾達用了萊卡M2照相機（90mm鏡頭）和柯達Plus-X底片來拍攝這張肖像照。