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Title: 英勇的游擊隊員 (Guerrillero Heroico)
Section: 影響

《英勇的游擊隊員》在國際上流傳甚廣，並成為了共產主義革命、追求公義和理想、反戰、英雄主義以至反全球化的象徵。世界各地更出現大量印有此肖像的商品。在一些反戰、反全球化的示威遊行中，經常都會出現捷·古華拉的肖像。古巴歷史學家Edmundo Desnoes認為，捷·古華拉的肖像能被買賣、能被隨意棄掉，甚至能夠被神化，但它卻已經成為了階級鬥爭中不可分割的一部份，它的意義亦從不會改變。
Title: 英勇的游擊隊員 (Guerrillero Heroico)
Section: 影響
Subsection: 文化和藝術上的影響

捷·古華拉的肖像照《英勇的游擊隊員》也對後世的文化和藝術有著很大的影響。英國普普藝術家彼得·布雷克就認為《英勇的游擊隊員》是「20世紀最有影響力的圖像」。不少的藝術作品也以《英勇的游擊隊員》為藍本所創作。愛爾蘭藝術家吉姆·菲茨帕特里克曾在1967年以《英勇的游擊隊員》為藍本設計了一張海報。《英勇的游擊隊員》亦多次在世界各地的展覽會中展示。
Title: 哭泣的女人 (The Weeping Woman)
Section: abstract

《哭泣的女人》（英語：The Weeping Woman，法語：Femme en pleurs）是毕加索于1937年创作的一幅油画作品。当时毕加索非常着迷于这个主题，在同一年里重画了多次。现在的这幅油画是这个系列里面最终也是最精緻的一幅，现存于英国伦敦的泰特美术馆。这幅画被认为是毕加索的史诗作品格尔尼卡的苦难主题延续，毕加索的关注点渐渐从西班牙内战带给民众和社会带来的苦难转移到单纯的个人苦难上来。画中的人物，正是朵拉·瑪爾，1936年与毕加索相识时是一名专业摄影师，后来成为毕加索的情妇，直到1944年。毕加索曾经解释道：“对于我来说，她就是个哭泣中的女人。几年当中，我都在画她遭受痛苦折磨中的样子，不是通过虐待，不带着丝毫愉快，只是遵从与视觉影像。这是深刻的写实，而不只是停留在表面。”
Title: 艾蒂兒肖像一號 (Portrait of Adele Bloch-Bauer I)
Section: abstract

《艾蒂兒·布洛赫-鮑爾肖像一號 》（英語：Portrait of Adele Bloch-Bauer I），是奧地利畫家古斯塔夫·克林姆於1907年完成的畫作。
Title: 艾蒂兒肖像一號 (Portrait of Adele Bloch-Bauer I)
Section: 歷史

1907年維也納猶太富商布洛赫-鮑爾委託古斯塔夫·克林姆為其妻艾蒂兒·布洛赫-鮑爾繪製的畫像，後於納粹統治奧地利時期遭到搶奪充公，期間這幅畫流入奧地利美景宮美術館展覽，戰後亦成為該館的鎮館之寶。直到2000年，逃亡至美國的布洛赫-鮑爾遺族僅存的唯一繼承人瑪麗亞·阿特曼委託藍道·荀白克（阿諾·荀白克之孫）與奧地利政府返打了6年的官司，2006年奧地利法院宣判作品歸還鮑爾家族合法繼承人，後來這場官司過程被改編成電影《名畫的控訴》。此畫作於2006年6月瑪麗亞·阿特曼再以1億3500萬美元天價賣給罗纳德·劳德，此畫現在收藏於他在紐約市的紐約新畫廊。這使得《艾蒂兒肖像一號》成了當時史上最昂貴的畫作。《艾蒂兒肖像一號》並自2006年7月起於畫廊展出。
Title: 鳶尾花_(梵谷) (Irises (painting))
Section: abstract

《鳶尾花》（Irises）是荷蘭畫家文生·梵谷的一幅作品，创作于去世的前一年1889年5月，当时梵高進了法國圣雷米的聖保羅精神病院，在那里畫成。作品现收藏在美國加州保羅·蓋蒂博物館。1889年5月，梵谷在進入精神病院的一個月內開始繪製《鳶尾花》，並在在醫院花園進行繪製中工作。《鳶尾花》的構圖缺乏他後期作品中所見的高度張力。在此期間，他稱繪畫為「我疾病的避雷針」，因為他覺得繼續繪畫可以讓自己不至於發瘋。這幅畫可能受到日本浮世繪、木刻版畫的影響，就像他的許多作品和當時其他藝術家的品一樣。作品強調的相似之處在於強烈的輪廓、不尋常的角度，包括特寫視圖，以及平坦的局部顏色。《鳶尾花》充滿了柔和和輕盈。以及充滿生機，沒有悲劇的感覺。梵高的兄弟西奧認為《鳶尾花》的作品調性較好，並迅速將其與《羅納河上的星夜》提交給1889年9月的法國獨立藝術家協會年度展覽，他寫信給展覽的梵谷表示：「[它]從遠處就吸引著觀眾眼球。《鳶尾花》是一個充滿空氣和生命的美麗畫作。」《鳶尾花》也成梵谷最著名的作品之一。
Title: 鳶尾花_(梵谷) (Irises (painting))
Section: 歷史

《鳶尾花》的第一位主人是唐基老爹，他是一位油漆研磨師和藝術品經銷商，曾被梵谷畫過三次肖像畫。1892 年，唐基將《鳶尾花》賣給了藝術評論家和無政府主義者奥克塔夫·米尔博，後者也是梵高的首批鼓催者之一。米爾博為此支付了300法郎。 1987年，《鳶尾花》成為有史以來最昂貴的畫作，這個紀錄保持兩年半之久。當時龐雅倫以5,390萬美元的價格買下《鳶尾花》，但是後來龐雅倫沒有足夠的錢支付。《鳶尾花》後來於1990年再次出售給洛杉磯保罗·盖蒂博物馆。目前《鳶尾花》（截至2022年）的售價在通貨膨脹調整後是有史以來第31昂貴的畫作，如果忽略通貨膨脹的影響則排在第102位。
Title: 黑方塊 (Black Square)
Section: abstract

《黑方塊》是俄羅斯前衛藝術家馬列維奇創作的一幅作品，最早的一幅創作於1915年，展出於當年的0.10展，隨後還有其他四個類似的版本。雖然畫家本人説最後一幅實際上早就完成于1913年，其真正的創作時間應該是1930年前後。《黑方塊》在現代藝術史上有重要的地位，被認爲是對傳統藝術的反叛。
Title: 空中火力 (Whaam!)
Section: abstract

《空中火力》（英語：Whaam!），是美國畫家羅伊·利希滕斯坦于1963年所創作的雙聯畫。其是其中一幅最爲知名的普普藝術畫作，并且同時是利希滕斯坦最爲重要的作品。《空中火力》于1963年在紐約李歐·卡斯特裡畫廊首次展出，並于1966年由倫敦泰特美術館收購。畫作自2006年在泰特現代藝術館作常駐展示。左側嵌板顯示了一架發射火箭彈的戰鬥機，而在右側則展示了火箭彈射中了另一架飛機並使其爆炸成火焰。利希滕斯坦從幾本漫畫書的内容來構思出作品的形象。他將其原稿徹底變樣，從1962年戰爭漫畫書單板，到以雙聯的方式呈現，同時改變圖像和故事元素之間的關係。《空中火力》的雙板被視爲世俗、空間和心理的一體化。畫作標題是根據整體動作和作品衝擊來命名，並在右側嵌板展示了這巨大的擬聲詞。利希滕斯坦在第二次世界大戰前學習成爲藝術家，並之後在美國陸軍服役。他在基礎訓練期間實習防空演習，並被派往飛行員進行培訓，然而該計劃卻在開始之前就被取消。戰後他所處理的主題均關於浪漫和戰爭。利希滕斯坦在幾件作品中描繪了空中對戰。《空中火力》是他在1962年至1964年期間戰爭系列的其中一幅作品，而《當我開火時》則是兩個大型戰爭主題畫作之一。
Title: 空中火力 (Whaam!)
Section: 背景

1943年，利希滕斯坦放棄了在俄亥俄州立大學學習油畫和繪畫的課程，來服役于美國陸軍，直到1946年1月退役。他在服役時加入語言、工程和飛行培訓計劃，但之後全部的計劃都被取消，而期間他擔任勤務兵、繪圖師和非戰鬥藝術家。他在謝爾比營的職務之一是擴充比爾·莫爾丁（Bill Mauldin）《星條旗報》的卡通。作爲畫家，他最終將自己的作品定義為抽象表現主義加上詼諧元素的風格。在1958年左右，他開始將米老鼠和賓尼兔等卡通人物的隱藏圖像融入到他的抽象作品中。在20世紀50年代晚期到60年代早期出現了一批比較靠近更客觀、「更酷」的新世代畫家，他們的特點均是由藝術運動所引領出聞名至今的極簡主義、硬邊繪畫、色域繪畫、新達達主義運動、激浪藝術和普普藝術的藝術家，而在當時這些類型全部都重新定義為前衛當代藝術。普普藝術和新達達主義重新引進和改變了從商業藝術、消費品、藝術史和主流文化在挪用主題上對於圖像的運用。利希滕斯坦在60年代取得了國際認可，成爲美國普普藝術運動的發起人之一。至於利希滕斯坦在圖像上的運用，現代藝術博物館館長伯尼斯·羅斯（Bernice Rose）注意到他感興趣于「挑戰當時正盛行的原創性概念」。利希滕斯坦早期像《看啊！米老鼠》以漫畫為基礎的作品都會集中于有名的動畫角色。由1963年開始，他的畫作進展到更嚴肅、更戲劇化的主題，通常較側重于浪漫形勢和戰爭場面。
Title: 空中火力 (Whaam!)
Section: 文獻

Alloway, Lawrence. Roy Lichtenstein. Abbeville Press. 1983. ISBN 0-89659-331-2. Bader, Graham (编). Roy Lichtenstein: October Files. MIT Press. 2009. ISBN 978-0-262-01258-4. Coplans, John (编). Roy Lichtenstein. Praeger Publishers. 1972. ISBN 978-0-7139-0761-2. Waldman, Diane. War Comics, 1962–64. Roy Lichtenstein. Solomon R. Guggenheim Museum, Museum of Contemporary Art (Los Angeles, Calif.), Montreal Museum of Fine Arts. Solomon R. Guggenheim Museum. 1993. ISBN 0-89207-108-7.
Title: 空中火力 (Whaam!)
Section: 外部鏈接

利希滕斯坦藏品網站 （页面存档备份，存于互联网档案馆）泰特展品説明 （页面存档备份，存于互联网档案馆）
Title: 彼得大帝青铜骑士像 (Bronze Horseman)
Section: abstract

彼得大帝青铜骑士像位于涅瓦河南岸，它是俄羅斯圣彼得堡的象征，1782年法国著名的雕塑家法尔科耐在这里做出了他一生中最完美的杰作。以武力夺取沙皇宝座的德国女人叶卡捷林娜二世为了证明她是彼得大帝正统的继承人，修建了这个彼得青铜骑士像。铜像的底座是1500公噸重的一整块花岗石，是在圣彼得堡芬兰湾处找到的，用了5个月的时间运到这里，在花岗石上面刻着“叶卡捷林娜二世纪念彼得大帝一世于1782年8月”。现在大家看到的彼得大帝所骑的马代表俄罗斯，它双脚腾空，好像要冲破一切阻力勇往直前，在马掌下有一个踏死的大蛇，它代表了瑞典人，正如雕塑展示的一样，彼得大帝冲破了重重阻力，在这片沼泽地建起了这座美丽的城市圣彼得堡，并建都于此，把落后、封建、贫穷的俄罗斯，带向了海洋与繁荣。1834年在彼得青铜骑士像的周围开辟了一个巨型广场，由于它靠近著名设计师罗西于1829年至1834年修建的樞密院，所以命名为樞密院廣場，于1925年苏联政府为了纪念在100年前俄罗斯出现的反奴隶制度的热血的贵族青年，于1825年12月组织的十二月党人起义把这片广场命名为「十二月党人广场」，1992年苏联解体以后又重新起用了老的名字“参政院广场”，但是圣彼得堡人还是喜欢称它十二月党人广场。
Title: 亞歷山大馬賽克 (Alexander Mosaic)
Section: abstract

亞歷山大馬賽克（Alexander Mosaic），約在前100年間完成，是最出名的地板鑲嵌畫。它於龐貝城農牧神之家（House of the Faun）發現，展現馬其頓帝國的亞歷山大大帝和波斯帝國的大流士三世作戰場景。其尺寸為5.82 x 3.13公尺。
Title: 亞歷山大馬賽克 (Alexander Mosaic)
Section: 主題
Subsection: 戰鬥

亞歷山大馬賽克描繪出亞歷山大在戰鬥的高潮追擊大流士的情景，這幅畫的背景可能是前330年的伊蘇斯戰役或前331年的高加米拉戰役，傳統認知上以伊蘇斯戰役最有可能。這幅鑲嵌畫被認為是複製亞歷山大同時期的阿佩萊斯（Apelles）的畫作，或是前四世紀某一幅菲洛克斯諾斯（Philoxenos of Eretria）失落的濕壁畫，而老普林尼曾提到菲洛克斯諾斯被馬其頓國王卡山德委託畫一幅主題類似的作品。
Title: 亞歷山大馬賽克 (Alexander Mosaic)
Section: 主題
Subsection: 亞歷山大和大流士

儘管部分遭到毀壞，作品中的兩個主角肖像仍可以輕易辨識。 亞歷山大的肖像中以這幅最廣為人知。亞歷山大身著的胸甲上描繪蛇髮女妖梅杜莎，而他那典型波浪狀的髮型也如同四世紀以來希臘藝術作品對亞歷山大的描繪。亞歷山大可能騎在他的愛馬布西發拉斯背上，從左側直入戰場，眼中專注於他的目標大流士。亞歷山大的右手握著一件長柄物，可能是一支長槍，直指歐亞克斯提斯（畫面中央偏左，落馬的波斯戰士），但因壁畫毀損無法看出全貌。畫中大流士在一輛戰車上面，他似乎在拼命指揮他的戰車向右方逃離戰場。大流士伸直他的右手，可能是向亞歷山大打個手勢、指揮士兵掩護；或是可能剛投掉一支標槍；他憂慮的心情呈現於臉上，而戰車駕駛抽打馬匹企圖駛離戰場。
Title: 亞歷山大馬賽克 (Alexander Mosaic)
Section: 主題
Subsection: 其他特徵

大流士的兄弟歐克西亞提斯在作品中也被描繪出來，他在大流士前拼命保護國王。而作品中大流士身後的士兵展現他們在戰場上無懼的堅定意志，也表現他們對大流士準備逃亡的驚愕。亞歷山大馬賽克中使用不同凡響的前縮透視法，用在描繪畫面中央那匹背對的馬匹。另外繪中龐大的人數與開闊場面使用明暗法來使整體更為自然，加上一再使用不同方向的長矛、兵器的碰撞和蜂擁的人群和戰馬營造出戰場上的各種喧鬧。同時作品中也透過戲劇性細節來吸引人的目光，像是一匹戰死的馬匹在流血，以及一個坐倒地上的波斯士兵透過盾牌的反射面看到自己的死亡。
Title: 亞歷山大馬賽克 (Alexander Mosaic)
Section: 鑲嵌畫歷史
Subsection: 製造

亞歷山大馬賽克大概用一百萬或五十萬的微小有色鑲嵌磚（tesserae）鋪成，以蠕蟲狀工藝（opus vermiculatum）鋪成蜿蜒曲紋。鑲嵌畫經常在私人住宅中被用來裝飾，義大利考古學家Fausto Levi認為亞歷山大馬賽克可能被某位有錢人委託製造，而也有些論點認為亞歷山大馬賽克起初原被製作於希臘世界，但被羅馬人掠奪過來。
Title: 亞歷山大馬賽克 (Alexander Mosaic)
Section: 鑲嵌畫歷史
Subsection: 發現和保存

亞歷山大馬賽克所在的龐貝城於79年被維蘇威火山爆發時的火山灰覆蓋。龐貝被掩蓋在六米多深的火山灰下，它的名字和位置幾乎被人遺忘了，直到1748年龐貝才被重新發現。而亞歷山大馬賽克於1831年的十月24日被發掘出來，並於1843年的夏天移到那不勒斯保存。亞歷山大馬賽克最初是以地板鑲嵌畫被人發現，但今日那不勒斯国家考古博物馆把它安置在牆上展出。在2003年，義大利有關當局決定複製整個鑲嵌畫作品，並邀請鑲嵌畫大師Severo Bignami與他的小組進行龐大繁雜的精緻作業，歷時22個月的時間，花費216,000美元，完成這件複製品。在2005年，這個複製品放置在亞歷山大馬賽克所發現的龐貝城農牧神之家。
Title: 乌尔比诺的维纳斯 (Venus of Urbino)
Section: abstract

《乌尔比诺的维纳斯》（意大利语：Venere di Urbino）是意大利文艺复兴后期画家提香创作于1538年的一副油画。该画受乔尔乔内《沉睡的维纳斯》的影响，描繪了希腊神话爱神维纳斯赤裸躺臥的情景。现藏于意大利佛罗伦萨的乌菲兹美术馆。
Title: 乌尔比诺的维纳斯 (Venus of Urbino)
Section: 簡介

畫中的主角可能是其他人，不是維納斯。即叫做「地上的維納斯」。床單的白和皺，與身體的暖和滑造成強烈對比。小狗平衡人、紅色的床平衡綠色的牆。而画中的小狗有说法是“忠貞”的象征，而躺卧在床上的美人，正与背后忙碌的女仆形成了对比
Title: 美国独立宣言 (Declaration of Independence (painting))
Section: abstract

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Title: 圣母子与圣安妮 (The Virgin and Child with Saint Anne (Leonardo))
Section: abstract

圣母子与圣安妮（The Virgin and Child with St. Anne）是达芬奇的画板油画，作于1508年－1510年，现藏于法国巴黎卢浮宫。描繪了聖安妮、聖母瑪利亞和和剛剛出生不久的耶穌。畫中聖母瑪利亞坐在她母親聖安妮的膝上，耶穌正想騎在一只祭祀用的羔羊上，代表着他的受難；而瑪利亞想拉緊耶穌。
Title: 溺水之女 (Drowning Girl)
Section: abstract

《溺水之女》（也称《秘密之心》或者《我不在乎！让我沉没吧》；英語：Drowning Girl）是一幅1963年由罗伊·利希滕斯坦用油画和和合成聚合物在帆布上完成的画作。这幅画使用漫画书的惯用方法，用对话框来表达主人公心中所想，而本戴点的使用也反映了机械化印刷工艺对此作品的影响。它是波普艺术运动中最具代表性的画作之一，自1971年以来，被现代艺术博物馆永久珍藏。这幅画被誉为利希滕斯坦最重要的作品之一，可以与他1963年广受赞誉的雕刻版《空中火力》（Whaam!）相提并论。《溺水之女》被誉为“情节剧之杰作”，它是利希滕斯坦早期描绘悲惨处境中的妇女的画作之一，在20世纪60年代中期他经常创作这个主题的画作。这幅画展示了一个泪眼汪汪的女人，在波涛汹涌的大海上痛苦挣扎。似乎是由于恋爱中遇到了挫折，她显得情绪很低落。一个对话框中写道：“我不在乎！我宁愿死——也不向布莱德求助！”这个对话框的叙述看起来像是荒诞闹剧，然而它的配图却再次强调了利希滕斯坦作品的主题。这幅画的灵感来源于1962年DC漫画公司的一块镶嵌板，同时还借用了日本画家葛饰北斋《神奈川冲浪里》以及现代主义艺术家让·阿尔普和胡安·米罗作品中的一些元素。利希滕斯坦的很多作品都提到一个叫布莱德的男子，却都没有出现在画中，这幅作品也是其中的一个。这幅画的图案和对话框中的叙述内容都是从原图中裁剪下来的。
Title: 溺水之女 (Drowning Girl)
Section: 背景

上世纪50年代末和60年代初，一大批美国画家开始接受连环画呈现图像和图案的方式。1958年，罗伊·利希滕斯坦创作了连环人物画。接下来的1960年，安迪·沃霍尔也用这种画作风格创作了他早期的画作。利希滕斯坦当时还不知道沃霍尔的这些作品，于1961年创作了《瞧！米老鼠》和《大力水手》。沃霍尔之前在丝网上印刷了许多连环画和其他波普艺术主题，但据说当时他为了避免与利希滕斯坦同台竞争，转而求其次以坎贝尔的《金宝汤罐头》为绘画主题。沃霍尔曾经感叹道：“我曾经试图去做一些有意义的事情，而且这些事情必须区别于利希滕斯坦和詹姆斯·羅森奎斯特之前所做的，这些事情是关于我个人意愿的，并不会让别人觉得我是在刻意模仿他们。”《溺水之女》这幅作品象征着利希滕斯坦的画作风格从纽约画派或是动画片转向像爱情和战时军队这种更为严肃的主题。 那段时间利希滕斯坦说道：“尽管这些卡通画的主题缺少对爱情、仇恨和战争等的客观描述，它们所传达的内容却使人情绪高涨，甚至极度痴迷。” 1962年到1963年，利希滕斯坦模仿了毕加索的四幅画作，利希滕斯坦创作的一系列像《无望》和《溺水之女》这些让人心疼的泪眼汪汪的女孩的灵感也许就来源于毕加索所曾经所画的哭泣的女人。 另一方面，他着重刻画绝望的妇女可能与上世纪60年代中早期他第一次婚姻走向失败有关。 利希滕斯坦的首段婚姻仅从1949年维系到1965年，他的首任妻子是伊莎贝尔·威尔逊，婚后育有两子，两人于1963年分居。当利希滕斯坦的风格向漫画式画作转变时，他开始模仿漫画的风格，同时也适当调整漫画的主题。他采用简单的配色和商业印刷式的绘画技巧，他所采用的这种绘画风格是一幅“简洁，有着精美框架，实心粗体配上醒目颜色的字，被一些厚重的图廓线连接起来的图像。” 这种绘画技术 “用一系列彩色圆圈来暗示色调变化，有点类似于模仿报纸印刷，用本日圆点产生半色调的屏幕”。美国公共广播公司称这是对埃尔热式清晰线条画作风格的改编。 利希滕斯坦曾评价过自己的绘画技巧：“我总是爱使用一些过时的东西，我试着重新组织这些东西，使它们变得更有意义。”20世纪60年代早期，利希滕斯坦创作了数幅像《溺水之女》《无望》《车中浪漫》这样的“幻想剧”，这些画中描绘的女子多和刚愎自用的男子谈恋爱，结果使自己处于悲惨的境地。当然，这些作品只是他1964处于感情脆弱边缘无辜的“邻家女孩”系列作品出世之前的序曲。“比如说，在《无望》和《溺水之女》中，女主角都是以爱情中无助的、近乎绝望的的受害者的形象出现的，而且还遭到周围人的蔑视（她宁愿死也不愿意去求他爱人）”。利希滕斯坦凭借《溺水之女》，上述的其他作品，还有《杰夫，我也爱你，但》等其他悲剧成为博物馆里最受欢迎的画家。
Title: 溺水之女 (Drowning Girl)
Section: 历史

《溺水之女》源自《为爱而奔跑》的封面页，《为爱而奔跑》由托尼·阿布鲁佐（Tony Abruzzo）描述，伊拉·施纳普创作，在1962年11月由DC漫画公司发行在“秘密的心”第83期，也正是这本书的发行，激起了利希滕斯坦创作《无望》的灵感。1963年，利希滕斯坦试图效仿各种类型的画作，如商业广告插图、漫画图像甚至是现代经典之作。这些经典著作被誉为艺术领域的“神作”和“高境界的艺术”，与此同时，还出现一种“低境界艺术”，连环画就是其中一种。他作品的创作来源包括塞尚、蒙德里安和毕加索等大师。在职业生涯的这段特殊的时期，利希滕斯坦注意到“事实上这些年来我所效仿的东西就是我所钦佩的”。当时他还在探索“产业化进程中的情感世界”这个主题。《洛杉矶时报》评论员克里斯托弗·奈特在利希滕斯坦的讣文中提到“德·库宁以他画作中呲牙咧嘴的女人形象而出名，《溺水之女》这幅作品正是利希滕斯坦德·库宁的机制回应”。  德·库宁漫画中的爱情通常都是一些老套的描述，比如对热情过后的挫败感的描述。尽管利希滕斯坦基金会网站声称利希滕斯坦在1963年秋天才开始使用不透明投影技术，他自己描述了他制作漫画艺术的过程，其中包括《溺水之女》：开门见山地说吧，无论是卡通画，照片或者其他东西，我都会画一幅与我不透明投影机大小相当的画，我画这幅画不是为了重造原画，而是为了重新组合它。我把这幅画投影到帆布上，然后用铅笔描绘它，直到我自己满意为止。  ——利希滕斯坦1962年2月，利希滕斯坦首个个人画展在纽约的里奥·卡斯特里画廊举办，在画展开始之前画作就已出售一空。除过《溺水之女》，参展的还有《瞧！米老鼠》《订婚戒指》、《砰》和《冰箱》 此次画展从1962年2月10日一直举办到3月3日。据利希滕斯坦基金会官网显示，1963年4月1日到4月27日，利希滕斯坦第一次在洛杉矶的费鲁斯画廊举办自己的画展，《溺水之女》就是参展作品之一，参展的特色作品还有他1962到1963年之间创作的《佳作》和《塞尚夫人肖像》等。这些作品也出现在1963年里奥·卡斯特里画廊举办的第二次画展上，从9月28日一直持续到10月24日，还包括《洛杉矶的水雷》《棒球经理》《车中浪漫》《对话》和《空中火力》 推广的画作还有版画《Crak! 》。现代艺术博物馆于1971年收购了《溺水之女》，它的网页显示这幅画将由菲利普·约翰逊和巴格丽·赖特夫妇收购。
Title: 溺水之女 (Drowning Girl)
Section: 详情描述

一些资料将利希滕斯坦系列画作中的悲惨女孩描述为女主角（在某种意义上说它们是男英雄的对照物），还有一些资料不这么认为（在这种意义上男性并没有被称为英雄）。《溺水之女》是一幅反映女性主题的画作，画中的女子宁愿被大海吞噬也不愿求助。在这幅画中，利希滕斯坦只给观众呈现波涛汹涌的大海，还有女子近乎淹没的头、肩膀和手。从她的面部神情来看，她双眼紧闭，似乎有泪水一样的东西从她眼中流下。利希滕斯坦仅仅为观众呈现了这一个画面，所以观众不知道之前发生了什么也不知道以后会发生什么。观众们也无从知道谁是布莱德，还有这个女子为何不愿向他求助。据《格罗夫美国艺术百科全书》（The Grove Encyclopedia of American Art），上世纪60年代早期利希滕斯坦创作过程中最重要的一道工序就是“扩充他画作的资料来源并且使它们一脉相承”。据一些来源显示，利希滕斯坦在《溺水之女》资料来源的基础上做了些许改变，尽管在人们的眼里这些改变并不算太大： “在最初的资料中，溺水女子的男朋友也出现在背景里，他紧紧抓住一只翻船。但最后利希滕斯坦将这幅画大幅裁减，只留下一个孤零零的女子和波涛汹涌的海面。除过这些，他还将大标题从‘即使腿抽筋了我也不在乎！’改为‘我不在乎！’，男朋友的名字也从马勒改为布莱德。” 第一个更改使人们看不到溺女子的腿在抽筋；在后一个更改中利希滕斯坦试图改变人们对女子男朋友的看法。当谈到他的另一部作品时《我懂…布莱德》时，利希滕斯坦说布莱德这个名字听起来更有感觉，当然也是出于不让作品落入俗套的目的。利希滕斯坦的方法涉及“着重构图和主题的程式化，使情感和行为在瞬间‘永恒’”。来源漫画镶嵌板只描绘了一个瞬间，但《溺水之女》的瞬间显得更加“意味深长”，因为这个瞬间与过去的瞬间和将来的瞬间都密不可分。这幅作品也代表着他职业生涯一个重要的阶段，在这个阶段里，许多他的作品诸如《沉睡的女孩》《哭泣的女孩》《金发碧眼的女人》都是这样的标题形式，这都突出了他作品中“过程和行为的关系”。据《格罗夫美国艺术百科全书》介绍，在利希滕斯坦职业生涯的这个阶段“不断的克制和些许幽默感使得他的作品充满欢快轻盈的基调，并且成为一部完整而和谐的创作”。利希滕斯坦许多画作上都会插入叙述的内容，这样可以使观众更好地理解画作所表达的内容。据贾妮斯·亨德里克森介绍，《溺水之女》长171.6厘米，宽169.5厘米（合67.625英尺× 66.75英尺），呈现出“一个年轻女子，她似乎沉浸在自己的悲伤中，泪流成河。”很明显她是被一个叫“布莱德”的男子伤害了，利希滕斯坦经常使用布莱德作为他画作中男主角的名字。 薇安·博爾歇特（Vian Borchert）说这个标题表达的主题，很显而易见是“淹没在泪水中”。利希滕斯坦的经典作品中，这些悲惨的女子总是“处于绝望痛苦的状态”。 贾妮斯·亨德里克森解释说女子的头部靠在波浪上就好像她把波浪当作枕头，躺在海水中将海水视为她的床，创造出一种“情欲和死亡”交织的氛围。 海水肆虐着，使得女主角的头发也开始跟着翻转，整个人好似在漩涡中一样。他在创作这幅画时使用工业和机械技术淡化了这幅画所表达的思想感情， 尽管利希滕斯坦的高超的绘画技术使这幅作品简单化。
Title: 溺水之女 (Drowning Girl)
Section: 时代背景

20世纪60年代早期，利希滕斯坦的漫画著作被广泛热议，1963年布莱恩·奥多尔蒂在《纽约时报》的一篇文章中写道，利希滕斯坦的作品不能被称为艺术，还说利希滕斯坦是“美国最糟糕的艺术家之一”，“真是朽木不可雕也”。当时大家都在争议利希滕斯坦的漫画到底该不该被称为真正的艺术，当然，这只是争议的冰山一角。1964年1月，《生活》杂志发表了一篇名为《他是美国最糟糕的艺术家吗》的故事来回应非议。 之后的评论也愈发温和。托德·布鲁斯特指出，这可能是因为受到广大群众的需求，1986年他告诉《生活》杂志“这些卡通的走红可能会干扰评论家们，同时收藏家们厌倦了抽象表现主义，认为它们过于严肃，他们更倾向于看一些让人放松的漫画作品。还有，为何这妙趣横生的画作不能被称为美术作品？” 有人批评利希滕斯坦并不是这些形象的原创者，他不仅没有支付版权税，而且没有征求版权方的同意就直接在他的画作中使用这些形象，尽管这样，他的作品仍然为大众所喜闻乐见。大卫·巴萨卢（David Barsalou）花费数十年时间来研究利希滕斯坦所有作品的资料来源，而且他已经在Flickr上发布了1000多幅图片来详细介绍这些让人无法辨别的资料来源。
Title: 夜晚露天咖啡座 (Café Terrace at Night)
Section: abstract

《夜晚露天咖啡座》（英語：Café Terrace at Night）是文森·梵谷於1888年所創作的一幅油畫，該作品現保存於荷蘭的克勒勒-米勒博物館。該畫作是梵谷最知名的作品之一，他於1888年9月中旬在法國普羅旺斯阿尔勒論壇廣場的東北角以未署名的形式創作了這幅畫，並透過用三封信對這幅作品進行描述和提及。該作品具有梵高獨特的暖色調及透視法。更成為梵谷第一幅有星空背景的畫作，其他有星空背景的畫作有同月所作的《罗讷河上的星夜》，及隔年所作的《星夜》。
Title: 夜晚露天咖啡座 (Café Terrace at Night)
Section: 創作

完成《夜晚露天咖啡座》後，梵高曾寫信給他的妹妹，表達了自己對於這幅作品的熱情：我最近被打斷，因為最近幾天一幅繪製晚上咖啡館外觀的新畫作讓我忙碌不已。在露台上有人們喝酒。一個巨大的黃燈照亮了露臺、立面、人行道，甚至將燈光投射到街道的鵝卵石上，街道變成了紫粉色調。在藍天星斗閃爍的街道上，房屋的山牆是深藍色或紫色，盡頭有一棵綠色的樹。現在，這是一幅沒有黑色的夜晚畫作，畫作中只有美麗的藍色、紫色和綠色，而在這樣的環境中，照亮的廣場呈淡硫磺色、檸檬綠色。我非常喜歡在夜晚的現場繪畫。過去人們習慣於白天繪製素描，然後在畫作上進行繪畫。但我發現直接在現場繪畫比較適合我。確實在黑暗中，我可能會把藍色當成綠色，藍紫色當成粉紫色，因為調色的本質無法清晰地辨認。但這是遠離傳統黑夜的唯一方法，在普通的黑夜中，只有貧弱、蒼白和略帶白色的光線，然而一道燭光，就能夠帶給我們最豐富的黃色和橙色。他在同一封信中繼續說道：你從未告訴我你是否讀過莫泊桑的小說《俊友》，以及你對他才能的看法。我之所以這麼說是因為《俊友》的開場，就是對巴黎星空下露天咖啡館的描述，而這正好是我現在所創作的主題有著相似之處。這段摘錄成為梵高博物馆的策展人認為，這幅畫是描述莫泊桑小說《俊友》中「在明亮刺眼的燈光下，在建築物的立面所展現的酒客。」的基礎，但他們也指出馬奧帕桑在小說中並沒有提到「星空」。1981年，藝術史學家博戈米拉·威爾什-奧夫恰洛夫主張由於畫作「展示了夜景、漏斗狀的透視、支配性的藍黃色調」，因此至少認為梵谷部分地受到畫家路易·安克坦的畫作《克里希大道：傍晚五點》的啟發。然而在2013年，國際學術論壇歐洲藝術與人文學術研討會上發表的一篇學術論文提出了一個理論，即梵谷打算將這幅畫作為一個獨特形式、且採用創新構圖的「最後的晚餐」。該論文隨後由《藝術史學會》在2014年1月的《藝術史專輯》和2014年7月的《學術歷史、考古和藝術史雜誌》第14卷中發表。這篇論文探討了梵谷在1888年夏天期間所受到的無數藝術影響：包括他一生對於耶稣信仰的終身奉獻；將日本主義和分隔主義與自己的外光主义結合的嘗試；將讓-弗朗索瓦·米勒作品中虔誠的風俗場景採用了類似欧仁·德拉克罗瓦明亮的調色，在此時階段，梵谷與他的藝術家朋友埃米尔·贝尔纳經常進行的「尋求神聖現實主義」的書信往來；同時也受到了托马斯·卡莱尔、喬凡尼·薄伽丘、埃米尔-路易·比尔努夫的影響，試著以全新的方式呈現舊有的元素。在創作《夜晚露天咖啡座》之前，梵高曾多次試圖創造他自己理想中的《橄欖園的基督》畫作，但都以失敗告終。他在此前也曾畫過兩幅與《最後的晚餐》相似的的研究畫作（《阿爾勒的一家餐廳內部》）這兩幅作品都具有草編底椅子的元素，是他早先批量購買的傢俱，他希望能夠在他的黃房子成立由12位「藝術家使徒」組成的公社）。最終，他在《夜晚露天咖啡座》總結了這些嘗試，創作了一個共繪製了約12位飯客，餐廳被一個充滿黃色光環的十字架框住的情景，從人物都圍繞著運用透視法上看，畫中人物的畫面就像是出自伦勃朗之手的侍者。因此該論文也得出成原始的《夜晚露天咖啡座》是一幅具有象征主义的「最後的晚餐」畫作的結論。儘管梵高從未在任何現存的信件中明確提及對於《夜晚露天咖啡座》的意圖，但他確實在兩週後寫信給他的兄弟西奧：這並不阻止我對宗教有一種強烈的需求，所以我晚上會出去畫星星，我總是夢想著畫一幅畫，上面有一群生動的朋友。
Title: 夜晚露天咖啡座 (Café Terrace at Night)
Section: 創作
Subsection: 夜間效果

當《夜晚露天咖啡座》於1891年首次展出時，這幅畫的標題被暫名為《夜晚的咖啡館》（Café, le soir）。這是梵谷第一幅使用星空背景的畫作；此後，他繼續在《羅納河上的星夜》（同月創作）中描繪滿天繁星的情景，並在一年後創作了更為人熟知的《星夜》 。梵高還在《尤金·博赫肖像》中採用了星光背景。在1888年10月2日寫給博赫的一封信中，梵谷曾簡要提到了《星空下的咖啡座》這幅畫，寫道他畫了「我們過去經常去的地方」，是在晚上所畫的咖啡館景色。梵高在作品中增加反映天空的實際情景和寶瓶座的位置細節，使藝術史學家阿爾伯特·博伊姆能夠確定這幅畫的繪製日期大約為1888年9月初，大約晚上11點所繪製。
Title: 夜晚露天咖啡座 (Café Terrace at Night)
Section: 流行文化

這幅畫和咖啡館都出現在1956年由柯克·道格拉斯主演的電影《梵谷傳》，以及科幻電視劇《神秘博士》在2010年播映的第五季第10集的故事《文森特與博士》、2017年動畫電影《至愛梵谷·星空之謎》中。畫中的咖啡館還出現在1998年電影《冷血悍將》中。1980年，BBC系列所介紹的100幅偉大的繪畫中以這幅畫作為介紹主題。
Title: 波拿巴翻越阿爾卑斯山 (Bonaparte Crossing the Alps)
Section: abstract

《波拿巴翻越阿爾卑斯山》（Bonaparte Crossing the Alps）是法國藝術家保羅·德拉羅什（Paul Delaroche）於1848年至1850年創作的一幅油畫.。這幅畫描繪了拿破崙·波拿巴騎著騾子帶領他的軍隊穿越阿爾卑斯山。拿破崙和他的軍隊在1800年春天進行的一次遠征，試圖奇襲佔據義大利的奧地利軍隊。這幅畫有多個版本：現藏於羅浮宮朗斯分館和英國利物浦沃克美術館。維多利亞女王擁有一個縮小版本油畫。這個作品的靈感來自雅克·路易·大衛的《跨越阿爾卑斯山聖伯納隘道的拿破崙》（1801-1805年）的五幅系列畫作，描繪了拿破崙平靜地騎著一匹精力旺盛的馬（非一頭騾子）穿越聖伯納隘道的壯麗景象。
Title: 盛开的杏花 (Almond Blossoms)
Section: abstract

《盛开的杏花》（英語：Almond Blossoms）是梵高在1888年至1890年间在法国南部阿尔勒和圣雷米地区绘制的一组数幅画作。虽然翻译为杏花，Almond Blossoms实际上是指扁桃花。对于梵高来说，开花的树具有特殊的意义，它们代表着觉醒和希望。他喜欢这些开花的树，并且在绘制它们的过程中找到乐趣。这些作品受到印象派、点彩画法及日本木刻的影响。《盛开的杏花》是作为他新出生的侄子（弟弟提奥与弟媳乔的孩子）的贺礼。
Title: 盛开的杏花 (Almond Blossoms)
Section: 南法的生活

1888年，梵高在法国南部迎来了他绘画生涯中产量最高的时期。1888年3月当梵高到达阿尔勒时，果园里果树的花朵即将盛开。  杏树、桃树和李树的花朵激励着他，在一个月之内，梵高绘制了十四幅开花的果树。对于这种题材，梵高作画的速度接近每天一张画。在4月21日梵高写给弟弟提奥的信中，说他“不得不找一些新的东西，因为果园里的花朵几乎快谢完了”。梵高的作品反映了他对于日本木刻的兴趣。梵高收集了数百幅日本浮世绘，在他1887年的两幅作品中，梵高使用了一些浮世绘的画法，以表示对广重的敬意。梵高的日本风格画作代表了他对于平静的渴望，正如在给他妹妹的信中所说的“可以肯定地说，如此多的平静比药店里卖的所有东西对我的病来说都更有疗效”。法国南部地区和开花的树似乎把梵高从低迷的状态下唤醒，变得方向明确且富有活力。他写道，“我忙于绘制那些开花的树，我想把普罗旺斯果园令人惊叹的喜悦画下来”。在过去，一段活跃的创作时期会让他变得精疲力竭，但是这次却充满精力。
Title: 盛开的杏花 (Almond Blossoms)
Section: 玻璃杯中开花的扁桃树枝和一本书

梵高在写给弟弟的信中说“现在这里天气如此寒冷，郊野还下着雪”，但是他“尽管如此，仍然完成了两幅小的扁桃树枝习作”。这两幅习作正是：玻璃杯中开花的扁桃树枝、玻璃杯中开花的扁桃树枝和一本书。玻璃杯中开花的扁桃树枝
Title: 盛开的杏花 (Almond Blossoms)
Section: 相关作品

鲜花盛开的果园
Title: 荷拉斯兄弟之誓 (Oath of the Horatii)
Section: abstract

《荷拉斯兄弟之誓》（法語：Le Serment des Horaces）是法國畫家雅克-路易·大衛於1784年之作品。這是新古典主義的作品，亦是大衛的成名之作。
Title: 荷拉斯兄弟之誓 (Oath of the Horatii)
Section: 簡介

畫家重視建築，藉此表達理性。畫中三兄弟在左面，父親在中間，三兄弟的妻子及姊妹在右面。这个故事来自李维的《建城以来史》，講述羅馬與阿尔巴隆加的戰爭中，三兄弟向父親立下誓言以表決心，他們姊妹的阿尔巴隆加人丈夫亦要被他們所殺。畫中男人手腳被畫成直線，以表示愛國心，即國家的最高道德。畫中女人則被畫成弧線，與男人造成對比，為大事等待男人解決。作者以這幅作品教育國民，使藝術與政治拉上關係。此畫以深色背景突出主題。定格的畫面亦有助表現理性。此作品畫於法國大革命前，表示效忠國家比效忠民族、神更重要。作品所要渲染的是，城邦的利益高于个人和家族的利益，荣誉和自我牺牲是义不容辞的公民品质。这是最典型不过的新古典主义的理性与主题。
Title: 荷拉斯兄弟之誓 (Oath of the Horatii)
Section: 作畫風格

這幅畫有明顯的新古典主義藝術之風格，採用了不少有特色的技術。畫的背景十分暗，而人物則很明亮，令人物更突出，陰沈的顏色更突顯背後的嚴肅氣氛。畫面構圖有精密的部署，三位兄弟伸直手臂向畫的正中心，表現其堅定立誓的一剎那。主體焦點鮮明，物象清晰，沒矇矓之意，與洛可可藝術有明顯分別。筆觸被隱藏，可見畫家重視作品比重視自己之感受更多。定格之畫面更能表現理性，與著重感性的洛可可藝術相反。只有女性有表情，因為她們可用來表達感受，相反，畫中男性沒有表情，以表達嚴肅的英雄主義。這幅畫表達了複雜的道德及故事，令此畫被分類為新古典主義藝術。
Title: 倒牛奶的女僕 (The Milkmaid (Vermeer))
Section: abstract

《倒牛奶的女僕》（荷蘭語：De Melkmeid或Het Melkmeisje）是一幅由荷蘭黃金時代畫家楊·維梅爾繪成的油畫，主題是一名倒牛奶的廚房女僕。此畫現藏於阿姆斯特丹國家博物館，是館中珍藏之一。實際上此畫的具體完成時間尚不確定，不同的來源之間有細微差異。按阿姆斯特丹國家博物館的說法，其完于1658年左右，按紐約大都會藝術博物館，其時間在1657–1658年間。 也有認為是在1658–1661年間的。
Title: 倒牛奶的女僕 (The Milkmaid (Vermeer))
Section: 描述

儘管標題裏寫的是“Melkmeid”，畫中人物可能只是一個廚房女僕，而並不是負責擠牛奶的“Melkmeid”（字面意思就是“牛奶女僕”）。畫中的女僕正在小心地將牛奶從牛奶罐中倒入一口鍋中。旁邊的桌子上有各種各樣的麵包。女僕頭戴亞麻帽子，身著藍色圍裙，袖子卷起來露出了粗壯的小臂。她的腳邊是一個暖爐，牆角貼著台夫特陶墻塼，墻塼上描繪的是丘比特（左）和一些其他人物。光線從畫面左側的窗戶中照進來形成陰影。大都會藝術博物館的歐洲繪畫部的部長沃爾特（Walter Liedtke）說：“對現代的觀衆來説，這幅畫有些像蒙娜麗莎”，因爲“這個女子的身份成謎。她帶著微笑、做著日常的工作，而我們就不由得會想：‘她到底在思考什麽？’”。
Title: 倒牛奶的女僕 (The Milkmaid (Vermeer))
Section: 流傳

在這幅作品完成者之後，弗美爾的贊助人皮亚特·凡·瑞文很可能馬上就從畫家那裏買下了它。此人去世之後，畫作可能還依次傳給了他的遺孀瑪麗亞（Maria de Knuijt）、他的女兒抹大拉（Magdelene van Ruijven，1655–1681），不過最後肯定曾落入皮亚特·凡·瑞文的女婿雅各布‧迪修斯之手。雅各布‧迪修斯在1696年將其連同其他的弗美爾的作品一起賣給了別的藝術家。當時的記錄顯示，這幅畫價格達175荷蘭盾，僅次於一起賣出去的《台夫特風景》。1765年，此畫被荷蘭銀行家倫德特（Leendert Pieter de Neufville）拍賣，在至少經過五位阿姆斯特丹收藏家之手後，成爲盧克里提亞（Lucretia Johanna van Winter，1785–1845）的藏品。1822年盧克里提亞嫁入希克斯家族（Six），1908年她的兩個兒子將這幅畫連同希克斯家的其他38幅藏品一起賣給了阿姆斯特丹国家博物馆，因交易金額巨大，倫布朗協會和荷蘭政府專門為博物館撥款贊助。
Title: 田园音乐会 (Pastoral Concert)
Section: abstract

《田园音乐会》（法语：Le Concert Champêtre）是意大利文艺复兴艺术大师提香 的一幅布面油画 ，绘制于1509-1510年。 这幅画曾被认为是同时代的威尼斯同乡乔尔乔内 的作品，现藏于巴黎的卢浮宫。
Title: 時間噴泉 (Fountain of Time)
Section: abstract

“时间喷泉”，或简称“时间”是一件由莱若多·塔夫特设计建造的雕塑品，长126英尺10英寸（38.66米），地处大道乐园的西面，位于美国伊利诺伊州芝加哥市的华盛顿公园内。 此位置在芝加哥南区华盛顿公园的社区范围中。该雕塑的灵感来自亨利·奥斯汀·道布森的诗作《时悖论》（"Paradox of Time"），在雕塑中，有100个人物在时间老人面前经过，其创作是为了纪念1814年根特条约签署后，美英两国和平相处的首个百年。虽然其喷泉水在1920年开始注水运转，但该雕塑直到1922年才贡献给这座城市。这件雕塑品曾使得华盛顿公园成为美国国家注册认可的历史古迹区，这是一个國家史蹟名錄。作为美化大道乐园大计划的一部分，“时间”是由一种新型模制、钢筋混凝土构建而成，人们断言这种混凝土比其他材质更耐用，更便宜。据说在已完成的所有类型的工艺品中，这是首件用混凝土制成的工艺品。 在2004年千禧公園竣工之前，人们认为“时间”是芝加哥公园区最重要的建筑。 “时间”是由本杰明·弗格森信托基金资助的几个芝加哥藝術品之一。因为自然和城市因素造成的恶化和衰退，“时间”已经历经多次修复。在20世纪90年代末和21世纪的前几年，“时间”屡遭修理，这些修理纠正了早期修复造成的很多问题。虽然早在2005年，雕塑就已完成大规模整修，但是“时间”的拥护者仍在继续寻求资源以辅助照明，并且国家历史保护信托组织已将其提名，进一步为其提供经费。
Title: 時間噴泉 (Fountain of Time)
Section: 规划

“时间”， 和芝加哥许多其他公共工程一样，由本杰明·弗格森出资创建，1905年他捐款100万美元（合今天3,391万美元），赠予一个专为“纪念美国历史上的重大事件”而成立的慈善信托组织。 莱若多·塔夫特最初设想雕刻花崗岩雕塑； 另外一个替代方案是用格鲁吉亚大理石凿刻，预计耗时5年，每年将花费3万美元（合今天92.4848万美元）。此规划是大道乐园美化的一部分，大道乐园美化计划还涵盖建造溪流、潟湖以及一系列桥梁：包括位于伍德劳恩大道的艺术桥，埃利斯大道交叉口的宗教桥，多切斯特大道（原麦迪逊大道）的科学桥。 该计划还包括在深洼地中建造一条贯通杰克逊公园和华盛顿公园潟湖的河道，并以此连接大道乐园的两端。1907年，塔夫特已经从弗格森基金赢得第一笔酬金，来创作芝加哥藝術博物館中的五大湖喷泉。紧接着，受到丹尼尔·伯纳姆“立志当高远”名言的启发， 他开始为盛大宏伟的大道乐园美化计划进行游说。1912年，艺术学院的受托人弗兰克·G·罗根（Frank G. Logan）正式向芝加哥藝術博物館的基金管理者们呈现塔夫特的计划。 塔夫特提出的大道乐园乐园美化计划包括两个可行性的纪念主题。他的第一选择是为了纪念杰克逊公园在1893年举办的世界哥伦比亚博览会。另一套方案是为了纪念1814年“标志着英美两国之间达成完美世纪默契”的根特条约签订一百周年。因为纪念博览会的其他计划正在进行，他的第二个主题被采纳，塔夫特因此从弗格森基金获得第二笔酬金。 同时代的报纸报道预计塔夫特的整个大道乐园美化计划将很容易获得批准。据1913年2月6日签署的为期五年共计1万美元（合今天30.8283万美元）每年分期付款的合同，塔夫特最初从信托组织获得的酬金只限于创造“时间喷泉”的全尺寸石膏模型。这使得模型在1918年进行估价。 塔夫特首先创造了一个20-英尺（6.1-米）的1/4比例模型，该模型在1915年5月获得受托人认定。 他最终制造了按原尺寸的石膏模型，中心峰值的宽度为100英尺（30.5米），还有马术战士和高20英尺（6.1米）穿长袍的时间父亲模型。 由于一战期间塔夫特曾在法国基督教青年会服役，担任作为艺人和讲师，该雕塑在预定位置附近的安装时间被推迟了， 但在1920年此次安装最终完成。 然而，塔夫特对芝加哥学院雕塑更宽广的发展设想，类似于其他哲学性的芝加哥学院的设想，如当时芝加哥建筑学院风格的设想， 在1913年奉献了他的“五大湖喷泉”后，失去了动力。 布雜藝術风格已经过时； 信托基金没有继续资助塔夫特的大道乐园大规模美化计划，没有按照最初计划提供花岗岩，青铜或格鲁吉亚大理石材料，配给的资金仅够建造混凝土雕塑。
Title: 時間噴泉 (Fountain of Time)
Section: 位置和安装

“时间”位于芝加哥公园区，在芝加哥南区华盛顿公园的社区范围中，靠近大道乐园。该位置，东接芝加哥大学校园， 使雕塑成为华盛顿公园加入国家注册历史区之列极具贡献的建筑物，列入美国国家史迹名录。 该公园区有超过100件艺术作品，“时间”是公园区的纪念性艺术品中最重要的一件作品。 其重要性源于它的雕塑家，他所承载的意义，它诞生的时代， 以及由霍华德·范多伦肖设计的喷泉倒影池。 罗伯特·琼斯，当时芝加哥藝術博物館设计和施工的负责人，在1999年声明，“时间”是已完成艺术品中第一件由混凝土制成的艺术作品。雕塑距塔夫特工作室有几个街区，莱若多·塔夫特大道工作室，现在是芝加哥地标和美国的国家历史地标，坐落在六十街和壁炉山庄大道。 附近其他著名的雕塑包括亨利·摩尔创作的国家历史地标“核能源”，位于芝加哥大学第一个自我维持的核反应堆的地址。 杰克逊公园，由大道乐园将其与华盛顿公园和“时间”连接，承载了芝加哥地标，共和国雕像； 大道乐园、杰克逊公园和华盛顿公园曾一度合称为“南方公园”。有关“时间”的尺寸没有一致说法，许多不同来源，描述其为102至127英尺（31.1至38.7米）长。 其中有一个为数不多的精确估计将其描述为126英尺10英寸（38.7米）长，23英尺6英寸（7.2米）宽、24英尺（7.3米）高。 这些数据来源往往自己也不清楚他们是在描述了外墙之间的倒影池的宽度，倒影池的内墙中水面的宽度，大量人物雕刻基地的宽度，雕刻的人群本身的宽度，还是构建“时间”的几块地段所占的宽度。在1920年9月1日首次在完成的雕塑中注水运转， 虽然直到1922年11月15日才投入城市使用。 芝加哥大学校长哈里·普拉特·贾德森在大道乐园落成仪式上，面对塔夫特的贡献，在高炉弗格森信托总裁查尔斯·哈钦森，和约翰·巴顿·佩恩，南方公园董事会主席的面前发表演讲。
Title: 時間噴泉 (Fountain of Time)
Section: 设计和实现

该雕塑是由一种空心浇注的混凝土加钢筋制成。它用了4500件模具浇铸， 使用了250短噸（230公噸）称之为类混凝土的材料，这种材料包含波托马克河的鵝卵石。 这种复合材料在当时是一种新材料。多年来，华盛顿特区的约翰·约瑟夫·厄利已经使用了这种在天气和城市煤烟及尘垢环境下比较耐用的材料。 他决定加入碎卵石，而他能够用碎卵石创造出一种新的混凝土混合料，比石灰石更耐用，但价格比大理石和青铜便宜。 用碎石中二氧化硅作反射材料，外表优美，持久耐用；芝加哥的美术楼也使用了同样的材料。雕塑描绘了一个戴着兜帽的时间老人，拿着一把镰刀， 并俯视着由100人组成的椭圆形游行队伍，整体上是一个锥形的几何体。寓言描绘了人类在不同人生阶段的整个过程。 20世纪20年代当时的芝加哥論壇報称这些人物为“英雄式的”， 而这一形容词的选择一直伴随着这件作品。 人们说这些人物包括士兵，嬉闹的孩子和亲吻的情侣，他们迅速穿过生命的各个阶段不时转身回顾。 各种报纸文章描述时间老人为“巨大的”，“怪异的”和“显著的”。 雕塑丑陋很大程度上导致《论坛报》的其他评论家抨击“时间”是一种“宠物暴行”。一位评论家描述这些白色人形，让人联想到跨过大道乐园的两端微笑的假牙。“时间”是为了纪念1814年12月24日签订的根特条约结束了1812年战争之后，美英两国之间维持和平的首个百年。 设计灵感来源于亨利·奥斯丁·多布森的诗作“时间悖论”：“你说，时间疾步?啊不,哎呀,时间常驻,我们疾步”。 人们已将“时间”的主题和莎士比亚《皆大欢喜》中“世界是个舞台”的独白”进行比较，描述了人的七个年龄段：婴儿、学生、恋人、士兵、正义、老年和痴呆。 塔夫特创作的人物代表出生、谋生、恋爱、家庭生活、宗教、诗歌和战争。虽然雕塑中大多数人物是各个行业，处于不同人生阶段的典型代表，但是塔夫特自己，和跟随他的一名助手也出现在雕塑西侧。雕塑中他穿着工作服，低着头，双手背在身后。 他的女儿们也充当了其中一些人物的模型。人们现在更好地记住塔夫特的书作，如《美国雕塑史》（1903年），该书被视为全面描述该话题的第一部作品。然而，在塔夫特的全盛时期，他的肖像和寓言性公共雕塑也举世闻名，其中“时间喷泉”是一个典型的例子。 在此之前，他为威廉·勒巴隆·詹尼在1893年世界哥伦布博览会的园艺建筑设计雕塑。 在任务期间，他设计了一些大型的公共工程，包括五大湖喷泉。塔夫特大部分生活居住在伊利诺伊州，从1906年开始在大道工作室工作。
Title: 時間噴泉 (Fountain of Time)
Section: 修复

“时间”的设计无伸伸缩缝，是少量的室外雕塑作品之一，由聚集的钢筋卵石/混凝土构成，自20世纪30年代很少有人创作室外雕塑。 1936年，“时间”因天气造成的裂缝得以修复；1955年开展进一步的修复工作。几次后续的雕塑修复后，在1966年举行了重启庆典。虽然雕塑得到定期维护，但早期的维修人员所使用的技术，如喷砂和带有刚性材料的裂缝修补往往弊大于利。到了20世纪80年代，雕塑表面岩块剥落；裂缝开始扩张，人物的细节已经磨损，湿气腐蚀了内部结构。 冬季喷泉都必须用苫布进行保护。 天气因素、空氣污染以及故意毁坏文物意味着现在需要千百万美元进行修复。 芝加哥公园区，芝加哥大学，和芝加哥藝術博物館的维护员都赞助了修复工作， 修复工作包括把雕塑空腔烘干，去除被腐蚀了的下层结构，在作品中设计一个新的通风系统，表面涂防护层，并修理倒影池。 1989年，芝加哥公园区拨款15万美元用以维修工程，这笔资金由弗格森基金提供。公园修复预计花费52万美元， 到1991年底，园区已从由公共和私人资金资助筹集到32万美元， 但在1994年雕塑仍然等待修理。到1997年年初，经过近二十年的努力，唯一完成的修理工作是用于烘干中空底座的空气通风系统的第一阶段工程完工、安装了排水管和建造了一个新的内顶。 现在的修复规划包括建造一个临时的两层金属建筑，来保护除了巨大的时间老人外的所有部分免受寒冬的侵蚀，便于全年维修；加固内部钢筋受到锈蚀的部分；置换不一致的补丁；用工程间距替代自然裂缝以及最后手刷混凝土涂层。 临时建筑的预算为27万美元；那一年公园区批准该城市将45万美元用于维修。1999年4月19日，共计160万美元，为期两年的恢复工程第二阶段开始进行，计划到2001年5月完成修复。 五名工人开始修复裂缝，抑制生物生长，去除钙沉积和因污染发黑的石膏，并用石灰腻子、土坯水泥和沙子相结合的材料给10,000-平方英尺（930-平方米）的表面刷涂层。倒影池不能操作，在此阶段不进行修复。虽然本阶段在2001年完成，但其影响直到一年后临时防护结构公布于众才显现出来。 本次修理预期可以使该雕塑维持30到50年，不用进一步修理。2003年，国家艺术基金会投入25万美元用于公园区保护和倒影池修复。 2004年，芝加哥大学捐赠了10万美元，公园区议会出资84.5万美元来修复公园区水池和水循环系统。 这项工作在2005的夏天完工，花费略微低于了预算，这是五十多年来喷泉第一次充满水。2007年，开始致力于为雕塑添加照明。同年，该雕塑被文物古迹保护合作伙伴计划提名，这是一项历史遗迹保护基金，受到美国历史保护信托组织和联邦快运支持。在广泛宣传的竞赛中，涵盖了开放日活动，在开放日，公众可以参观并了解参与竞赛的历史遗址，有一百万美元可用于在芝加哥大都市區的维护工作，但喷泉并不在15个获胜的候选名单之中。
Title: 時間噴泉 (Fountain of Time)
Section: 画廊

“时间喷泉”，修复之前“时间喷泉”，修复之后（2007年8月）
Title: 時間噴泉 (Fountain of Time)
Section: “创作喷泉”

人们打算在时间喷泉的对面建造一座姊妹喷泉“创作喷泉”，与之相匹配。这一姊妹作品虽然开始创作，但从未完成。 “创作喷泉”已完成的部分，描绘希腊传说中地球经历大洪水后的重生的人物， 这是塔夫特的最后作品，并赠予了塔夫特的母校：伊利诺伊大学厄巴纳-香槟分校。 四个幸存的创作元素是高度从5至7英尺（1.5至2.1米）的人物，并统称为“杜卡利翁和皮拉的儿子和女儿们”（Sons and Daughters of Ducalion and Pyrrha）。 其中两个元素耸立于大学中心图书馆入口外，另外两个位于福林杰礼堂南侧。
Title: 拿破崙加冕 (The Coronation of Napoleon)
Section: abstract

《拿破崙加冕》（法語：Le Sacre de Napoléon）是法國畫家雅克-路易·大衛於1807年完成的油畫，描述拿破崙的加冕禮場景。
Title: 拿破崙加冕 (The Coronation of Napoleon)
Section: 歷史

1804年9月，拿破崙口頭委託雅克-路易·大衛製作這幅畫，他於1805年12月21日開始在索邦神學院附近克魯尼學院小教堂裡開工。雅克-路易·大衛在學生喬治·魯杰特（Georges Rouget）的協助下，於1808年1月完成這幅畫。從1808年2月7日至3月21日，《拿破崙加冕》於1808年在年度沙龍畫展上展出。這幅畫為大衛的私人財產，1819年轉移到皇家博物館，直到1837年保存在館內。然後在路易-菲利普一世國王命令下，《拿破崙加冕》被安置在凡爾賽宮博物館。 1889年，《拿破崙加冕》從凡爾賽宮轉移到羅浮宮。此画其实有两幅，第一版本现存于卢浮宫，1808年至1822年間大卫親自複製重畫的第二版本现存于凡尔赛宫，两幅画均为真品。差别在于画面中拿破仑妹妹宝琳公主着装颜色不同：凡尔赛宫的这幅着红纱，卢浮宫的另一幅着白纱。雅克-路易·大衛受美國企業家的委託，在1808年原版發行後立即繪製全尺寸複製品。他在那一年開始工作，但直到1822年在布魯塞爾流亡期間才完成。複製品最終於1947年返回法國凡爾賽宮。
Title: 拿破崙加冕 (The Coronation of Napoleon)
Section: 文獻

Malika Dorbani-Bouabdellah, https://www.louvre.fr/en/oeuvre-notices/consecration-emperor-napoleon-and-coronation-empress-josephine-december-2-1804 （页面存档备份，存于互联网档案馆）Jean Tulard, Le Sacre de l'empereur Napoléon. Histoire et légende, Paris 2004 ISBN 2-213-62098-9
Title: 布拉格天文钟 (Prague astronomical clock)
Section: abstract

布拉格天文钟（捷克語：Pražský orloj，[praʒski: ɔrlɔi]）是捷克首都布拉格的一座中世纪天文钟，座落於老城广场的老城市政厅的南面墙上，是一个热门的旅游景点。它是世界上仍在運作的天文钟中最古老的，也是世界上第三古老的天文鐘。布拉格天文钟包括三个主要部分：天文钟面，代表太阳和月亮在天空中的方位，显示各种天文资料；“行走的使徒”，每小时显示使徒和其他移动雕塑；下部的日历盘代表月份。