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Title: 与奥斯卡·王尔德的对话 (A Conversation with Oscar Wilde)
Section: 评价

这尊雕塑将王尔德描绘成笑着抽烟，引发了相当大的争议。 （该作品在《吸烟：全球吸烟史》中有描述）《独立报》首席艺术评论家汤姆·卢博克虽然承认有必要在伦敦为王尔德建造一座纪念碑，并称赞该项目“真实而恰当的维多利亚时代公共精神”，但对于设计，他彻底谴责了这件作品本身，将其比作一件杜莎夫人蜡像馆的蜡像。《电讯报》的首席戏剧评论家查尔斯·斯宾塞在表示自己喜欢这位艺术家的同时，写道他是多么讨厌她的雕塑。他写道： 用“丑陋”这个词形容它太温和了。 [...] 这个想法相当诙谐 [...] 但王尔德的形象却令人厌恶。他看起来比道林·格雷的画像还要糟糕，像美杜莎一样蛇的头发，和卑鄙堕落的笑容。就连格言大师王尔德也可能难以用语言来形容它这座雕塑是《奥斯卡·王尔德的复活：文化的余生》中所考虑的五件作品或事件之一，另外四件是“在诗人角为王尔德献礼一扇窗、彼得·塔切尔争取皇家特赦、1997年电影《心太羈》[...]以及他逝世一百周年的公众集会”。卢博克和斯宾塞都尖锐地建议读者不要破坏雕塑。然而，公众多次将香烟摘下（据菲利普·阿尔达格称，香烟被锯掉） 被称为“伦敦最常见的对公共雕像的破坏/敬仰行为”的事件。
Title: 克娄巴特拉与凯撒 (Cleopatra and Caesar (painting))
Section: abstract

《克娄巴特拉与凯撒》（法語：Cléopâtre et César）是法国学院派艺术家让-莱昂·热罗姆的一幅油画，创作于1866年。这幅画最初是由法国妓女拉帕瓦委托绘制，但作品完成后，她感到不满意，将其归还给热罗姆。阿克曼说，拉帕瓦觉得太贵。热罗姆在背面添加画布，来增强画的强度，随后由他的岳父阿道夫·古皮尔（Adolphe Goupil，1806-1893）购买，他是19世纪法国领先的艺术品经销商。1859年，热罗姆第一次见到古皮尔，几年后娶了他的女儿玛丽。《克娄巴特拉与凯撒》是热罗姆在1866年巴黎沙龙展出的三幅作品之一。1871年在皇家艺术研究院展出。热罗姆的画作是最早描绘克娄巴特拉七世从地毯出来，出现在凯撒面前的现代画作之一。这是一个小小的历史错误，源于对普鲁塔克的《凯撒的一生》中场景的误译，以及“地毯”一词随时间的语义变化。这部作品被认为是“埃及狂热”的经典范例。1870年代，加州银行家、慈善家和纽约房地产开发商达瑞斯·奥格登·米尔斯（Darius Ogden Mills）买下这幅画。这幅画由米尔斯家族收藏了一个多世纪，直到1990年出售给私人收藏家。这幅画描绘的是公元前47年，克娄巴特拉站在凯撒大帝面前，她的仆人阿波罗多鲁斯刚刚用地毯把她偷运到宫殿内。人物大约是真人的一半大小。
Title: 免於恐懼的自由 (Freedom from Fear (painting))
Section: abstract

1941年1月6日，美国总统富兰克林·德拉诺·罗斯福在国情咨文中将免于恐惧的自由（英語：Freedom from fear）其称为“四大自由”之一，故这篇国情咨文后来被称为“四大自由演讲”。1948年，《世界人权宣言》将免于恐惧的自由列为基本人权。
Title: 免於恐懼的自由 (Freedom from Fear (painting))
Section: 概述

富兰克林·德拉诺·罗斯福在演演说中将免于恐惧的自由阐述为：“第四项就是免于恐惧的自由，通俗来说，就是要在全世界范围内彻底裁减军备，确保任何国家都无法再武力侵犯邻国。”罗斯福的四大自由成为了1948年12月10日联合国大会通过的《世界人权宣言》的重要支柱。《宣言》序言中提到了免于恐惧的自由。
Title: 免於恐懼的自由 (Freedom from Fear (painting))
Section: 灵感

1943年，画家諾曼·洛克威爾创作了《四大自由》系列画作之一的《免于恐惧的自由》。1991年，缅甸政治人物、作家昂山素季出版了有关该概念的书《免于恐惧的自由》。1999年，历史学家大卫·M·肯尼迪出版了《免于恐惧的自由：1929年-1945年处于大萧条和战争之中的美国人民》一书。
Title: 免於恐懼的自由 (Freedom from Fear (painting))
Section: 参见

言論自由四大自由奖四大自由纪念碑人類安全最低生活保障權《免于恐惧的自由》，翁山蘇姬书籍
Title: 樹根_(畫作) (Tree Roots)
Section: abstract

《樹根》（英語：Tree Roots）是文森·梵谷於1890年7月在法國瓦兹河畔欧韦尔居住時所創作的一幅油畫，該幅畫普遍被視為他最後一幅風景畫，也是梵谷使用雙方形畫布作畫的一個例子。
Title: 樹根_(畫作) (Tree Roots)
Section: 歷史

梵谷在1890年5月離開普罗旺斯地区圣雷米的精神病院後，在巴黎北部的小鎮奧維爾度過了他生命的最後幾個月。因此《樹根》也被一些學者認為是他在1890年7月下旬所創作，他去世前所繪製的最後一幅畫。荷蘭藝術史學家揚·許爾斯克認為《樹根》是梵谷在使用雙方形畫布中最具原創性的一幅。 觀者自以為能辨認出樹根和樹幹，卻很難從整體上辨認出主題。范·德文和KNAPP曾評論道，在這幅畫以及在《樹木和灌木叢》中，繪畫本身而並非表達著主題，預示著將來抽象藝術和德国表现主义的發展。1882年，梵谷在海牙時曾對樹根進行了研究，並繪製了一棵樹（下圖），他同時完成了更大版本的《悲傷》（現已遺失） 。梵谷在給他弟弟西奧的一封信中說，他想在這些畫作中表達一些人生的掙扎。不知道他是否對他的 1890年的《樹根》恢復了同樣的想法。在留下的紀錄中沒有給出任何提示。2020年，梵谷研究所和梵谷博物館的研究人員根據一張歷史明信片，確定了《樹根》這幅畫作的可能創作地點，位於瓦茲河畔奧維爾的杜比尼街。地點距梵谷當時的下榻處哈霧旅店約150公尺。
Title: 樹根_(畫作) (Tree Roots)
Section: 另見

《麥田群鴉》
Title: 休息的拳击手 (Boxer at Rest)
Section: abstract

休息的拳击手，也被称为泰尔梅的拳击手 、坐着的拳击手、被击败的拳击手或奎里纳莱的拳击手，这是一座青铜雕塑，是希腊化时期的杰出作品，描绘了一位坐着休息的裸体拳击手，他仍然戴着他的牛皮手裹。它的完成时间在公元前330-公元前50年之间。1885年，它在罗马出土，现收藏于罗马国家博物馆，通常在马西莫浴场宫展出。休息的拳击手是从古代希腊世界幸存下来的最精彩的青铜雕像之一。从这一时期幸存的青铜像很少见，因为它们很容易被人们熔化并重新制作成新的物品。这尊雕像来自希腊艺术的一个转变时期，在这个时期，人们正在远离理想化的对身体和青春的英雄主义描绘，转而开始探索细腻的情感和心理主题以及更庞大的现实主义。这些特征是希腊化艺术的典型特征，它们在这件雕塑中得到了淋漓尽致的体现，使其成为希腊化风格的标志。
Title: 休息的拳击手 (Boxer at Rest)
Section: 发现过程

拳击手是1885年在奎里纳莱山上相继发现的两尊青铜雕像中的一件（另一件是身份不明的希腊王子像），这两尊雕像在一个月内相继被发现，可能都来自君士坦丁大浴场的遗址。有证据表明，这两尊雕塑在古希腊的时代都被仔细地埋起来了，发现雕塑时，在场的考古学家鲁道夫·兰恰尼写道： “在我考古学领域长期活跃职业生涯中，我见证过许多发现，经历过一次又一次的惊喜，有时我甚至会意外地遇到真正的杰作，但是从来没有一个像这尊拳击手雕像那样给我留下如此非凡的印象。他从地下慢慢地，慢慢地走出来，仿佛在他英勇的战斗之后，他便陷入沉睡，刚刚从长时间的沉睡中醒来。”
Title: 休息的拳击手 (Boxer at Rest)
Section: 雕塑的描述

这座雕像是体现希腊化时期运动精神的杰作，雕像有着呈倒三角形状的、肌肉发达的躯干和伤痕累累的脸。他的生殖器被刻意束缚了起来，他看起来刚经历了一场恶战，他的耳朵呈现拳击手特有的饺子耳，鼻梁也断了。除此之外，他的脚有典型的莫顿趾，嘴巴里的牙看起来也被打断了几颗。 拳击手留着大胡子，这应该是古希腊拳击手的典型特征。 英国考古学家RRR·史密斯认为该雕像并不是一个现实人物的写实肖像，而是流派现实主义的杰出作品，雕塑家去除了他的个性以描绘“拳击手”这个角色的通俗特征。由文森兹·布林克曼领导的法兰克福古代雕塑博物馆的雕像重建项目遵循奥托·罗斯巴赫 (1898) 和菲里斯·威廉姆斯(1945) 的观点，并将雕像确定为贝布吕斯基人的国王阿摩阔斯。 1989年，这两件青铜像都由尼古拉斯·赫梅尔曼精心保存，以准备在波恩的学术美术馆展出。雕像由八个部分焊接在一起，这几个部分分别通过失蜡法铸造。在当时，雕像的修复工作已经完成，人们几乎看不见连接处的细节。雕像嘴唇和脸上的伤口和疤痕最初是用铜镶嵌的，右肩、前臂、肘部和大腿上的镶铜则代表着血滴和血迹。它的手指和脚趾在古代被人们反复摩擦而受到磨损，这表明这尊雕像被当时的人们很小心地埋葬以保持其本身的价值。大浴场曾经很受罗马人的欢迎，但当哥特人入侵罗马，并破坏了罗马的水道桥后，大浴场便被废弃了。直到公元6世纪和7世纪，这些大浴场中的大部分都未再被使用，当时在圣涅勒和圣亚基略大殿的旅店附近接受治疗的朝圣者便被埋葬在浴场所在地。作为“美国意大利文化年”的一部分，该雕像于2013年6月至7月在纽约市大都会艺术博物馆展出，这是雕像首次在美国展出。 现在的大都会艺术博物馆还留有展示雕像原本色彩的复制品。
Title: 休息的拳击手 (Boxer at Rest)
Section: 艺术造诣

雕像展现出来的文学美和艺术美受到了大众的推崇。 1991年，汤姆·琼斯写了《休息中的拳击手》(The Pugilist at Rest)，这是一个短篇小说，其中包括从他从休息的拳击手中所看到的有关灵感的反思。在书中，他认为拳击手雕像的原型可能是著名的古希腊拳击手塞阿戈奈斯 。 2013年夏季在纽约展出期间， 《纽约》杂志于2013年7月15日刊登了整版专栏，介绍了雕像的特殊细节和艺术价值。 该杂志文章的作者杰里·萨尔茨列举了雕像的六个显著特征，它们分别是：(i) 姿势，以其庞大的“基本”形式而与众不同，(ii) 面部，以大额头和柱状的颈部著称, (iii) 雕像上流淌的血迹, 因其在青铜雕像本身上镶嵌的铜而闻名, (iv) 被绑住的生殖器, 因古代文化和审美目的而而与众不同, (v) 手部, 以同时体现出力量感和温柔而著称，(vi) 远见卓识，这一点指的是雕塑家表现出的视觉力量，类似于和后来的艺术家戈雅所创造的巨人，以及与“委拉斯开兹和伦勃朗”的比较。意大利诗人加布里埃尔·廷蒂撰写了关于雕塑的散文和一些诗歌，并在J. 保罗·盖蒂博物馆与演员罗伯特·戴维以及在罗马国家博物馆与演员佛朗哥·尼禄一起在雕像前进行了一系列朗诵。 2019年8月2日，美国演员凯文史派西在马西莫宫的罗马国家博物馆朗读了廷蒂受雕像启发创作的诗歌。
Title: 試觀此人_(埃利亞斯·馬丁內斯和希門尼斯) (Ecce Homo (García Martínez and Giménez))
Section: abstract

《試觀此人》（西班牙語：Ecce Homo、拉丁語: "Behold the Man"）是一幅位於西班牙薩拉戈薩省博尔哈慈悲教堂中的濕壁畫，由西班牙畫家埃利亞斯·加西亞·馬丁內斯約1930年期間創作。該畫作描繪了戴著荆棘冠的耶穌，風格和主題典型地代表了傳統的天主教藝術。儘管新聞報道普遍認為原始畫作在藝術史上並不突出，但這幅畫作目前的知名度來自於2012年，由當時81歲的非專業畫家塞西莉亞·希門尼斯（Cecilia Giménez）對其進行的修復。此次修復使畫作的外觀發生了顯著變化，看起來更像一隻猴子，因此有時被戲稱為《猴子基督》（Ecce Mono，其中「mono」是西班牙语中「猴子」的意思）。由於此次事件，博爾哈成為當地的新興旅遊景點，畫作的影響力亦為教會和慈善機構籌集了數萬歐元。
Title: 試觀此人_(埃利亞斯·馬丁內斯和希門尼斯) (Ecce Homo (García Martínez and Giménez))
Section: 原始壁畫

這幅壁畫起初是由薩拉戈薩藝術學院的教授埃利亞斯·加西亞·馬丁內斯創作。他在家鄉雷克纳開始了他的藝術生涯，後來在瓦倫西亞聖卡洛斯·德·貝拉斯皇家藝術學院和巴塞隆納學習。從1894年起，他在薩拉戈薩藝術學院工作，教授學習裝飾畫和肖像畫課程直到1929年。退休後，畫家將這幅畫捐給他常度假的小村莊，並在教堂牆上作畫。並註明這幅畫是「兩小時獻身於慈悲聖母的結果。」，根據博爾哈研究中心的數據，馬丁內斯創作此畫的時間為1930年，但具體日期仍不確定。專家表示，這幅作品在經濟和藝術上價值有限。《試觀此人》壁畫的尺寸約為高50公分、寬40公分，其主題及靈感來自義大利畫家圭多·雷尼的《試觀此人》，特別是透過19世紀畫家威廉·弗倫奇( William French )的複製版畫，這個版畫在當時宗教印刷品中被廣泛使用。由於畫作直接繪製在未經處理的乾燥牆壁上，由於使用了短期保存技術，隨著時間的推移，到了21世紀初，這幅畫已經出現明顯的劣化現象。馬丁內斯的後代仍住在薩拉戈薩，他們知道這幅畫已經嚴重受損。就在修復工作失敗的消息曝光之前，畫家的孫女此前曾為壁畫修復工作一事尋求修復資金。
Title: 試觀此人_(埃利亞斯·馬丁內斯和希門尼斯) (Ecce Homo (García Martínez and Giménez))
Section: 修復嘗試

2012年，業餘風景畫家塞西莉亞·希門尼斯（Cecilia Giménez）對壁畫進行的修復嘗試引發了廣泛關注。最初博爾哈當局懷疑這是恶意破坏，但後來確認這些改動是由81歲的教區居民希門尼斯所為。希門尼斯曾在西班牙电视台上解釋，她決定修復壁畫的原因並非想褻瀆聖靈，而是因為對教堂牆壁長期潮濕，不忍心看著畫作受壁癌因素逐漸損壞，才嘗試著自己著手修復。他在此前曾於其他宗教場所進行一些小型修復工作包括在博爾哈的聖克拉拉修道院修補一幅聖母瑪利亞的畫作，不過他並沒有具備進行真正修復所需的技術知識。她對此事件表示：「我無法理解這些騷動，因為我是在明亮的白天工作，並且經徵求教會批准後才對壁畫進行修復。」她開始修補長袍，但無法在基督的臉部復原原始筆觸的。希門尼斯也表示，她的修復其實依然未完成。「我把它留下來晾乾，然後去度假兩週，想著回來後會完成修復。」她回憶道：「當我回來時，世界上所有人都聽說了《試觀此人》。人們的反應讓我感到傷心，因為我還沒有完成修復。」她補充道：「我仍然在想，如果我沒有去度假，這一切都不會發生。」。
Title: 試觀此人_(埃利亞斯·馬丁內斯和希門尼斯) (Ecce Homo (García Martínez and Giménez))
Section: 修復嘗試
Subsection: 網路爆紅

2012年8月7日，《試觀此人》修復失敗的首個新聞刊登在博爾哈研究中心的網站上，隨後修復事件的報導迅速傳播到全球，透過主流媒體和社群網路引發了廣泛關注，迅速成為網路迷因。涉及希門尼斯和《試觀此人》的表情包、模仿和笑話在社交媒體上廣泛傳播。BBC歐洲記者形容修復後的效果像是一幅「毛茸茸的猴子穿著不合身長袍的蠟筆畫」。由於這一「全球性幽默的線上狂潮」，希門尼斯的修復版本被戲稱為《Ecce Mono》（意為「猴子基督」、「瞧！這個猴子」，其中「ecce」是拉丁語中的「看」，而「mono」是西班牙文中的「猴子」）。這事件也被拿來與1997年電影《豆豆先生》的情節進行比較。由於受到負面關注，教會的牧師弗洛倫西奧·加爾塞斯（Father Florencio Garces）認為這幅畫應該被遮蓋起來。博爾哈的文化顧問宣稱「如果無法恢復，必須用原畫的照片進行覆蓋」。事件發生後，希門尼斯的修復工作也不得不在爭議中停擺。希門尼斯的身份最初並未公開。由於不斷成為媒體關注的焦點，受到輿論壓力的影響導致她患上了焦慮症，並需要服用抗焦慮藥物。同年，希門尼斯與巴拉克·歐巴馬和利昂内尔·梅西成為西班牙Google搜尋次數最多的名字之一。希門尼斯在2015年表示：「這裡的每個人都以不同的視角看待我所做的事。而修復工作讓博爾哈在世界地圖上得到了關注，這意味著我為我的村莊做了一些別人無法做到的事。」
Title: 試觀此人_(埃利亞斯·馬丁內斯和希門尼斯) (Ecce Homo (García Martínez and Giménez))
Section: 藝術意義

儘管地方當局和藝術界最初對修復工作表示否定，但希門尼斯失敗的修復卻在媒體，特別是社交媒體獲得更積極的關注，當地市議會曾邀請專家對《試觀此人》的損壞情況進行研究，並探討可能的修復方案。專家的結論是，這幅畫「嚴重損壞」，因為它是直接繪製在未經處理的牆面上的油畫，無法恢復到原來的狀態。馬丁內斯的後代表示，希望向教堂捐贈一幅與原作相似的《試觀此人》，因為作者過去曾創作過多個版本。社交媒體的評論者認為，《試觀此人》對神聖和世俗主題進行了多層面的評論，甚至從原本普通的藝術作品轉變為21世紀的代表標誌。《富比士》的評論員表示，這種「無能的修復」代表了「一位未受學術訓練影響的女性，對她的救世主的看法」。 2012年9月，藝術團體Wallpeople在巴塞隆納當代文化中心附近的牆上展示了數百個修訂版的新圖像。一位組織者評論道：「塞西莉亞創造了一個流行偶像。」西班牙電影工作者與漫畫家艾利克斯·德·拉·伊格萊希亞讚揚了新版本，稱其為「我們看待世界的象徵」。西班牙作家赫苏斯·费雷罗表示，「女性的光輝之手」將這幅畫的地位從一個「令人痛苦的學術性作品」轉變為「流行圖像」。西班牙演員阿蘇姆普塔·塞爾納與Wildcard UK合作製作了一部名為《Fresco Fiasco》的紀錄片，並參演了電影《Behold the Monkey》，這兩部影片都講述了修復事件。兩個項目都於2016年2月在英國的Sky Arts網路播出。由於旅遊效益帶來的經濟影響，當地居民發起了反對復原的簽名活動，其中一項在短短幾天內就收集了超過2萬多人份簽名。2012年12月底，一家廣告公司宣布聘請希門尼斯為創意總監，並在博爾哈開設了一家辦公室。從那時起，《試觀此人》獲得永久保存的機會，並成為博爾哈的代表性旅遊景點。
Title: 試觀此人_(埃利亞斯·馬丁內斯和希門尼斯) (Ecce Homo (García Martínez and Giménez))
Section: 旅遊效益

隨著《試觀此人》的爆紅，特地前來教堂觀賞其畫作的遊客逐漸增多，以至於教堂開始對參觀修復後的壁畫收費。修復失敗後的第二年，博爾哈的旅客人次達到了40,000人，並為當地慈善機構籌集了超過50,000歐元。希門尼斯尋求分得部分版權收入；他的律師表示，他希望將這些收入用於支持肌营养不良慈善機構，因為她的大兒子患有這種疾病。同時，原畫家加西亞·馬丁內斯的後裔威脅要起訴希門尼斯，並指控她毀了這幅畫。經過長時間的爭執，希門尼斯及其家人與加西亞·馬丁內斯的後裔在當地市長的調解達成了和解。根據協議，希門尼斯將獲得官方周邊產品銷售收入的一半，這些收入每年約為2,000歐元。官方周邊產品包括襯衫、徽章、鉛筆盒、記憶棒和酒標，同時將安排介紹馬丁內斯原始畫作的展覽。到了2016年，造訪博爾哈的遊客人數從6,000人增加到57,000人，甚至統計達到20萬人以上。遊客不僅在當地商店消費、購買《試觀此人》的周邊商品還向教會捐贈了約5萬歐元。這些資金用於僱用額外的教會看護人員，並資助一個退休人員之家。2022年，專家對這幅畫進行了檢查，得出的結論是可以將其恢復到修復前的狀態。然而鑑於當地對當前修復版本的保存倡議，修復師現今每兩年都會帶著工具前往教堂檢查壁畫的狀況。通過去除由於毛細作用產生的壁癌水泥，從而阻止壁體潮濕的問題。2016年3月16日，博爾哈開設了一個專門展示這件藝術品的解說中心。每張3歐元的門票收入超過40,000歐元，這些收入用於支付鎮上退休人員之家中兩名（有時甚至五名）老人的費用。希門尼斯還保留了49%的商品銷售利潤。由於受益人不希望從這筆收入中受益，他們決定將其捐贈給慈善事業。2022年9月，博爾哈政府舉行了紀念「修復」10週年的紀念儀式活動，希門尼斯作為主貴賓出席，由於輕微的失智症，他已經不再記得2012年發生的負面事件。
Title: 試觀此人_(埃利亞斯·馬丁內斯和希門尼斯) (Ecce Homo (García Martínez and Giménez))
Section: 另見

《試觀此人：塞西莉亞歌劇院》：改編自此事件及希門尼斯生平的音樂劇意外損壞的藝術品非主流藝術
Title: 象和方尖碑 (Elephant and Obelisk)
Section: abstract

象和方尖碑（Elephant and Obelisk）是位於義大利羅馬的一座雕刻，由濟安·貝尼尼設計，製作者則很可能是他的助手Ercole Ferrata。象方尖碑完成於1667年2月，位於彌涅耳瓦廣場，神廟遺址聖母堂的前面。
Title: 鹽罐 (Cellini Salt Cellar)
Section: abstract

鹽罐（Saliera）是本韦努托·切利尼的唯一倖存的黃金作品。在切利尼於1540年至1543年在巴黎逗留期間，由弗朗索瓦一世委託製造。在1570年由法王查理九世與奧地利大公伊麗莎白結婚時，給蒂羅爾州的斐迪南二世。它藏于艺术史博物馆，2003年5月11日被盗，直到2006年1月21日才在茨韦特尔附近的森林挖出。這個極為寶貴的餐桌用具，是用手工錘打成其精緻的造型。其中按照他自己的說法，切利尼用很寫意的手法鍛造出這件黃金作品，來寓意地球。在他的自傳中，提到這件作品，他說：“……顯示海是如何與陸地結合，我做了兩個軀體，如一對手掌，高坐在旁邊，他們互相交織在一起的腳，就像我們所看到的大地給滔滔海洋的懷抱。而大海，我描繪成一個男人，舉著一艘精緻的黃金鍛造的船，這裡可以容納足夠的鹽，其下有四隻海馬，海神右手裡拿著三叉戟。我把地球化作為一個女人，我為這樣一個美麗的人物來展現我所知道大地的優雅。她的旁邊的地上，放著豐富裝飾的寺廟辣椒罐。……在其一側是，地球所帶來的許多美麗的形態。”在此底座（八方裝飾），有寓言四風（四季）與一天的時間（黎明、白天、傍晚、黑夜）。
Title: 塔克文和卢克丽霞_(提香，剑桥) (Tarquin and Lucretia)
Section: abstract

《塔克文和卢克丽霞》是提香的一幅布面油画，绘制于 1571 年，为西班牙腓力二世完成，当时画家已经八十多岁，是提香 晚年的一部杰作。作品有提香本人签名 。现藏于英国剑桥的菲茨威廉博物馆。
Title: 美麗公主 (La Bella Principessa)
Section: abstract

《美麗公主》（義大利語：La Bella Principessa）是一幅疑似由達文西所作的肖像畫。畫像高33厘米、闊23厘米，以粉筆和油墨畫成，左上角殘留一個懷疑屬於達文西的指紋。畫像1998年只以19,000美元成交，如果該畫真屬達文西作品，估計將升值至1.6億美元。據英國牛津大學藝術歷史學院名譽教授马丁·坎普推斷，畫中少女應是米蘭公爵盧多維科·斯福爾扎的女兒比安卡·斯福爾扎。2015年11月底，艺术品造假者肖恩·格林哈尔在他出版的新书中声称，《美丽公主》并不是达芬奇的作品，而是他在1978年伪造的作品，画中人是他在超市打工时的同事。
Title: 塔代伊圆雕 (Taddei Tondo)
Section: abstract

《塔代伊圆雕》是意大利文艺复兴艺术家米开朗基罗的一件 大理石浮雕圆雕，描绘了圣母玛利亚、圣婴以及洗者若翰。现藏于伦敦皇家艺术研究院，是英国唯一一件米开朗基罗的大理石雕塑。 该作品为他雕刻技艺的“完美展示”， 传递了“强大的情感和叙事冲击力”。    圆雕创作于1505年米开朗基罗从佛罗伦萨移居罗马之前，瓦萨里说，与创作大卫像和皮蒂圆雕同时。
Title: 珀耳塞福涅_(罗塞蒂画作) (Proserpine (Rossetti))
Section: abstract

《普洛塞庇娜》（Proserpine）是英国前拉斐爾派画家加百列·羅塞蒂所繪的一幅，著名油画，绘于1874年，现藏于泰特不列顛。这幅油画是罗马神话题材，描绘冥界女神普洛塞庇娜。虽然罗塞蒂在画上标注了1874年的日期，但在画完之前，在八张单独的画布上创作了七年。他的模特简·莫里斯是他美丽的情妇，有精致的面容，纤细的手，厚厚的头发。画这幅画时正是他最痴迷的时候，心理健康极其不稳定。
Title: 众神之爱 (The Loves of the Gods)
Section: abstract

《众神之爱》（The Loves of the Gods）是意大利罗马法尔内塞宫（现为法国大使馆）西楼内的一组宏伟的湿壁画，由博洛尼亚艺术家安尼巴莱·卡拉奇创作。这组湿壁画在当时就备受推崇，后来被认为反映了绘画风格的巨大变化，从16世纪的风格主义，转向17世纪的巴洛克和古典主义。
Title: 丹達臘之燈 (Dendera light)
Section: abstract

位在埃及丹德拉（英語：Dendera）的哈索爾神廟（英語：Hathor temple）中的石頭浮雕描繪了 Harsomtus（即荷魯斯），以蛇的形式出現，從蓮花中出現（通常附著在駁船的船頭）。 這種圖案的一個變體，即所謂丹達臘之灯（英語：dendera light），在一個名為 hn 的橢圓形容器中展示 Harsomtus，它可能代表努特的子宮。
Title: 丹達臘之燈 (Dendera light)
Section: 邊緣理論

與主流解釋相反，有邊緣理論（英語：Fringe theory）提出浮雕描繪了古埃及的技術，基於與類似的現代設備（如陰極射線管、蓋斯勒管、克魯克斯管和弧光燈）的比較。 約瑟夫·諾曼·洛克耶（JN Lockyer）引用了一位同事的幽默建議，即電燈可以解釋墳墓中沒有油煙沉積物，有時被轉發為支持這種特殊解釋的論點（另一個論點是使用反光鏡系統）。 這種解釋的支持者還使用了一篇提到“用銅板覆蓋的高桿”來論證這一點，但博爾科·斯特恩 (Bolko Stern) 詳細解釋了為什麼桿的銅覆蓋頂部（低於相關的塔架） ) 與電或閃電無關，指出在埃及沒有發現任何用於操縱電的證據，而且這是一個神奇的而非技術裝置。考古學家肯尼思·費德 (Kenneth Feder) 認為，如果古埃及人真的擁有如此先進的技術，那麼應該在考古挖掘過程中發現一些燈泡殘骸（玻璃碎片、金屬插座、燈絲等）。透過應用奧卡姆剃刀法則，他反而強調了上述反光鏡系統的可行性，而且古埃及人熟知在火炬中加鹽以減少油煙的概念。
Title: 普西莎与爱神 (Psyche Revived by Cupid's Kiss)
Section: abstract

普西莎与爱神（Psyche Revived by Cupid's Kiss；義大利語：Amore e Psiche；法語：Psyché ranimée par le baiser de l'Amour：俄语：Аму́р и Психе́я）是安东尼奥·卡诺瓦于1787年受命为上校约翰·坎贝尔创作的雕塑。它刻画出神话中爱人情动的瞬间，被视为新古典主义的杰出作品，同时也带有新兴浪漫主义运动的特点。爱神丘比特以一吻唤醒了已逝去的普西莎，这一雕塑正展现出爱神的爱与温柔。丘比特与普西莎的故事出自阿普列尤斯的《金驴记》，已成为许多艺术创作的素材。若阿尚·缪拉于1800年获得了图中的原始版本（英语：Prime version）雕塑。在他去世之后，这件雕塑于1824年被巴黎卢浮宫收藏。 第二个版本由俄罗斯贵族尤苏波夫王子（英语：Prince Yusupov）1796年在罗马自卡诺瓦手中获得，随后被圣彼得堡埃尔米塔日博物馆收藏。
Title: 普西莎与爱神 (Psyche Revived by Cupid's Kiss)
Section: 描述

刚刚苏醒的普西莎伸手向她的爱人丘比特，而他正温柔地托着她的头和胸部。安东尼奥·卡诺瓦出色的大理石雕刻技艺将二人的光洁肌肤刻画得如此真实，与周围的其它组成部分形成了鲜明的对比。松弛的布料包裹着普西莎的下半身，细腻的肌肤纹理与衣裙截然不同。粗糙的石头基座则加重体现出这种不同元素之间的区别。丘比特头发的线条和卷曲极为优美流畅，羽毛的细节更是令双翼栩栩如生。在阿普列尤斯笔下，维纳斯派普西莎去收集普罗塞耳皮娜的美，并警告普西莎不得打开盛装美丽的罐子：“不过我要给你一个特殊的警告，不要打开或者偷窥你手中的罐子，对于这神圣之美的宝藏，你须抑制自己的好奇心。”可是自冥府返回的途中，普西莎还是在好奇心的驱使下偷看了罐子内部，以便自己能够拿走一点神圣之美。然而普罗塞耳皮娜放于罐中的却并不是美丽，而是“沉睡于最为深沉的黑暗——冥河之夜。在普西莎打开罐子的刹那，睡眠冲破束缚，渗透了她的整个身体，她立刻倒在地上，陷入无意识的昏迷之中。”当丘比特找到普西莎的时候，她已经如死去般沉睡着。卡诺瓦所刻画的正是这一时刻。“他小心翼翼地将睡眠从她的体内驱走，重新禁锢在原本的罐中，然后用他的箭将她唤醒。”许多细节都在雕塑中有所体现，例如那只在普西莎陷入昏睡时滚落在她身旁的罐子；丘比特唤醒普西莎时所使用的箭也在罐子旁边，而他的箭筒挂在腰间。
Title: 奧維爾教堂 (The Church at Auvers)
Section: abstract

《奧維爾教堂》（英語：The Church at Auvers）是文森·梵谷於1890年6月所創作的一幅油畫，該作品現保存於法國巴黎的奥赛博物馆。實際的教堂位於法國瓦兹河畔欧韦尔的聖堂廣場，距離巴黎西北27公里（17英里）。
Title: 奧維爾教堂 (The Church at Auvers)
Section: 描述

《奧維爾教堂》這幅畫與其他作品如《奧維爾市政廳》及幾幅茅草屋頂小房子的素描，讓人聯想起梵谷在尼嫩時期（1883–1886年）的作畫風格。他在聖雷米德普羅旺斯所居住的最後幾週，已經表現出對於荷蘭北部的某種懷舊情感：在他逝世前幾週寫給妹妹的一封信中，他寫道：「我生病時，還是憑著記憶中畫了一些小畫布，你以後會看到，那是我對北方的回憶。」當梵谷在1890年6月5日給妹妹威廉明娜（Wilhelmina）的信中描述《奧維爾教堂》時，他特別提到了過去在尼嫩時期所完成的類似作品：我有一張較大的村莊教堂的畫，呈現的效果是建築物看起來帶有紫羅蘭色調，對比著簡單深藍色、純鈷藍色的天空；彩色玻璃窗看起來像是天藍色的斑點，屋頂則是紫羅蘭色和部分橙色。前景是一些盛開的綠色植物、和帶有粉紅色陽光流的沙灘。這幅畫跟我在紐嫩所做的那些老塔和墓地的研究幾乎一模一樣，只是現在的色彩則更具表現力和奢華感。梵谷在畫作中使用的「簡單深藍色」，也用在同一時期於瓦兹河畔欧韦尔創作的《阿德琳·拉武的肖像》中，在《奧維爾教堂》的呈現中，畫作的前景被陽光照亮，教堂本身坐落在自己的陰影中，「既不反射也不散發出任何自己的光。」梵高從事佈道生涯時，曾希望在比利時的博里纳日繼續進行佈道，但被教會開除後，他在1880年7月從奎姆寫信給兄弟西奧時，引用了威廉·莎士比亚《亨利四世 (第一部)》中有關教堂內部的黑暗空虛形象，來象徵自身「空洞無知的講道」：「他們的神就如同莎士比亞所寫的法斯塔夫在喝醉說的，就僅是一座教堂的內部一般。」，這個比喻被梵谷用來批評毫無沒有真正意義和內容的講道，如同教堂內部一樣充滿著空洞和無知。畫作中帶有分歧道路的主題，也出現在他的畫作《麥田群鴉》中。
Title: 奧維爾教堂 (The Church at Auvers)
Section: 在流行文化中

《奧維爾教堂》在科幻电视剧《神秘博士》第五季第10集的故事《文森特與博士》扮演着重要的角色。在这个故事里，此画教堂的一个窗户上，有一个奇怪的生物（称作“Krafayis”），这令时间旅行主角博士发现，梵高住的瓦兹河畔欧韦尔有些邪恶的东西。当托尼·库兰扮演的梵高本人打败怪物后，画作才恢复了现在的样子。有意思的是，后来发现怪物是盲的，人们对世界与天空的盲目（只有梵高不是）是本集的中心主题。
Title: 自画像 (Self-Portrait (Dürer, Munich))
Section: abstract

自画像是指作者以自己為對象所繪畫的肖像作品。法国艺术家讓·富凱于1450前后创作的自画像或为西方传统中现存的最早的自画像，若不拘泥于平面，则埃及法老Akhenaten之雕塑家Bak早于公元前1365年前后已完成雕刻自己与其妻Taheri的作品。西方绘画传统中的自画像，于文艺复兴时代为人瞩目。当时，艺术家被视为优秀乃至卓越的个体。独立的自画像的出现，常与给予艺术家的这种巨大肯定相联系。这一时期亦有大量的自画像涉及作画者之外的他人。这其中，有赞助人，或是親屬。亦有艺术家在画幅中纳入友人、情人、老师、学生、模特甚至死神。在文艺复兴的意大利，自画像被称为“镜中肖像”。当时的自画像将艺术家本人描绘为绅士或淑女，而并不表现艺术家工作的情形。从16世纪中起，艺术家们开始选择表现他们自己与画架为伍，手持调色板和画笔，支着腕杖。每一幅自画像都可被视为一种表演，艺术家为其观众选择一种特别的装束与姿态，呈现一个角色。几个世纪以来，无数画家耕耘于这一题材，梵高、伦勃朗、雷诺兹（Joshua Reynolds)、弗里达·卡罗（Frida Kahlo)等尤其留下数量可观的自画像。亦有收藏专精于这一领域，最著名的即是佛罗伦萨的美第奇家族的藏品。
Title: 圣礼的争辩 (Disputation of the Holy Sacrament)
Section: abstract

《圣礼的争辩》也作圣礼辩论、圣礼之争、教义之争（義大利語：La disputa del sacramento），是意大利文艺复兴时期的画家拉斐尔创作的一幅湿壁画，于1509年至1510年间创作于梵蒂冈宗座宫殿的签字大厅（现称拉斐尔画室）。《圣礼的争辩》画于放置宗教书籍的西墙上，面对北墙象征诗歌的《帕那苏斯山》及东墙象征哲学的《雅典学院》。《圣礼的争辩》的画面主要分为两个层次：天上和人间。在天上，上帝位于最顶端，两侧有诸天使。耶稣位于上帝下方，两边分别是圣母和施洗约翰，后面坐着诸使徒和圣人。耶稣下方有一个圆，园中有一只鸽子，象征着圣灵。在人间，画有正在争论弥撒圣礼的圣徒们。
Title: 三哲人 (The Three Philosophers)
Section: abstract

《三哲人》是意大利文艺复兴全盛期艺术家乔尔乔内的一幅布面油画。订制者是一位对神秘学和炼金术感兴趣的威尼斯商人塔德奥·康塔里尼。作品在画家去世前一年完成，是他最后的画作之一，并由塞巴斯蒂亚诺·德尔·皮翁博完成。现藏于维也纳艺术史博物馆。《三哲人》绘制于1509 年左右，名称源自马尔坎托尼奥·米歇尔的一篇作品，几年后他在一座威尼斯别墅中看到这幅画。 画中描绘了三位哲人，分别处于青年、中年和老年：一位留胡子的老人可能是希腊哲学家；一位波斯或阿拉伯哲学家；还有一个坐着的年轻人 ，正在观察并用仪器测量。自 19 世纪末以来，学者和评论家否定了这是东方三博士的观点。
Title: 三個音樂家 (Three Musicians (Picasso))
Section: abstract

三個音樂家是畢加索繪製的兩幅相同的抽象拼貼油畫。兩幅作品都完成于1921年的楓丹白露，是綜合立體畫派作品的典型。其中一幅現藏於紐約市的現代藝術博物館，另外一個藏於費城美術館。畫中的人物是一個丑角、一個小丑貝洛和一個僧侶，分別代表畢加索本人、纪尧姆·阿波利奈尔和馬克思·雅各布。后兩位是人在1910年代與畢加索來往頻繁。
Title: 巴伐利亚雕像 (Bavaria statue)
Section: abstract

巴伐利亚雕像是德国南部慕尼黑的一尊巨大的19世纪青铜雕像，以一个人格化的女性形象，代表巴伐利亚。巴伐利亚雕像与名人堂（Ruhmeshalle）构成一个整体，由路德维希一世 (巴伐利亚)下令修建，通过竞赛确定了设计者。它铸造于1844年到1850年，高18.52米，重约87.36吨，安放在8.92米高的石头基础上。通过内部楼梯登顶可俯瞰特蕾西娅草坪和慕尼黑市中心。
Title: 畫向日葵的畫家 (The Painter of Sunflowers)
Section: abstract

畫向日葵的畫家（法語：Le Peintre de Tournesols，英語：The Painter of Sunflowers）是由保羅·高更于1888年12月拜访阿爾勒时绘制的文森特·梵高肖像。梵高先前曾为了创立一个新的艺术家聚居地而邀請他来阿爾勒，然而高更因为争执只待了两个月。
Title: 畫向日葵的畫家 (The Painter of Sunflowers)
Section: 参见

向日葵 (梵高)
Title: 1948年第5号 (No. 5, 1948)
Section: abstract

1948年第5号（英語：No. 5, 1948）是美国画家杰克逊·波洛克的一幅作品，杰克逊以其对抽象表現主義画派的贡献而闻名。2006年11月2日《紐約時報》稱這幅畫被大衛·格芬賣給大衛·馬丁內斯，價格達1.4億美金，成為世界上最昂貴的畫作之一。
Title: 1948年第5号 (No. 5, 1948)
Section: 创作

杰克逊·波洛克于一块纤维板上创作了该画，并使用了水性颜料，长宽分别为8英尺和4英尺。
Title: 罌粟花 (Poppy Flowers)
Section: abstract

罌粟花（英語：Poppy），為罌粟科罌粟亞科開花植物的泛稱。色彩多樣，如花菱草、虞美人，可作為觀賞及亭園造景之用。在第一次世界大戰期間，法蘭德斯的壕溝戰發生於開滿罌粟花的田野中，成為悼念物。罌粟花的花語是華麗（Beautiful）、罪惡（Devil）、悼念（Mourn）。
Title: 罌粟花 (Poppy Flowers)
Section: 分類

屬於罌粟科之下，被稱為罌粟花的植物包括了罌粟屬（Papaver） – 虞美人（Papaver rhoeas），罌粟（Papaver somniferum），鬼罂粟（Papaver orientale），野罂粟（Papaver nudicaule）花菱草属（Eschscholzia） – 花菱草（Eschscholzia californica）绿绒篙属（Meconopsis） – Meconopsis cambrica，尼泊尔绿绒蒿（Meconopsis napaulensis）金罂粟属（Stylophorum） – celandine poppy刺罂粟属（Argemone） – prickly poppyRomneya – matilija poppy and relativesCanbya – pygmy poppyStylomecon – wind poppyArctomecon – desert bearpaw poppyHunnemannia – tulip poppyDendromecon – tree poppy
Title: 罌粟花 (Poppy Flowers)
Section: 用途

在大部分國家，罌粟花經常被當成園藝植物。不過因為罌粟花也是製作鴉片毒品的原料而經常被毒販利用，因此在部分國家被禁止或限制種植。
Title: 罌粟花 (Poppy Flowers)
Section: 特殊意義

加州罌粟為美國加利福尼亞州的州花。每年的4月6日為加州指定的加州罌粟日。
Title: 罌粟花 (Poppy Flowers)
Section: 文化差異

在歐美及英聯邦各國的國殤紀念日，當地官員及民眾會在胸前衣襟佩帶虞美人以作悼念，稱為國殤花。英国首相卡麥隆於2010年11月率团访華，正值國殤紀念日前後，英方全體訪華成員在胸前衣襟上都佩带上了纪念一次和二次大战阵亡将士的鲜红的虞美人小花。由於罌粟即是鴉片原料，因此在中國，罌粟被聯想到鴉片戰爭。這個错误引發中英兩国间一場外交風波。卡梅倫與閣員在北京人民大會堂時，拒絕中方對他們除下虞美人的要求。一名首相府人員說：「中方人員對我們說佩戴國殤花是不恰當的，因為兩國曾經發生鴉片戰爭。我們告訴他們這花對我們有重大意義，我們所有人會繼續佩戴。」
Title: 内战的预感 (Soft Construction with Boiled Beans (Premonition of Civil War))
Section: abstract

《内战的预感》（西班牙語：Premonición de la Guerra Civil），也叫《豆角和菜豆》（Construcción blanda con judías hervidas），是西班牙超现实主义画家萨尔瓦多·达利1936年完成的一幅超现实主义画作。
Title: 内战的预感 (Soft Construction with Boiled Beans (Premonition of Civil War))
Section: 描述

这幅作品是达利艺术生涯中最激进的一幅。它展现了创作同年爆发的西班牙内战所引发的恐惧。实际上，达利在内战爆发六个月前就完成了画作，但直到内战爆发，它都未曾被冠以《内战的预感》这个名称。即使如此，达利仿佛已经知道一场战争已经迫在眉睫，于是创作了一个支离破碎的怪物，肢体间相互掐打。画中形象由一条大腿和从肢干上生出的另一条腿组成。这两个肢体部分企图互相撕扯。这个支离破碎的肢体下面，有一只脚，其中一个脚趾巨大无比。上面有一个带着笑容的头部，仰望上空，仿佛被阳光刺瞎了。这个头部让人想起戈雅的作品《农神吞噬其子》，同样带有黑暗和恐怖色彩。因此达利将这幅画定义为战争画作，因为除了上述因素，农神也是战争之神。画面中间有一个屏幕，此外，左侧有一个人，这个人像来自于达利的另一幅作品，《一无所求的安普拉丹药剂师》。画面背景是充满岩石的风景，半沙漠化，山峦起伏。天空的样子很奇异，有着一些淡绿色和深蓝色的云朵。这个场景描绘的是安普拉丹，加达格斯大区，费格拉斯，里加特港，都是达利熟悉的地方。
Title: 内战的预感 (Soft Construction with Boiled Beans (Premonition of Civil War))
Section: 詮譯

Porcu, Constantino (2005). Los Grandes Genios del Arte Contemporáneo - El siglo XX - Dalí. Unidad Editorial S.A.. ISBN 84-96507-83-1.
Title: 造物主划分光明与黑暗 (Separation of Light from Darkness)
Section: abstract

《造物主划分光明与黑暗》（意大利语：Separazione della luce dalle tenebre）是米开朗基罗的西斯汀小堂天花板九幅湿壁画中的第一幅，描绘了《创世纪》第一章3-5 节中的场景。西斯汀小堂天花板九幅湿壁画中，有四幅较大，五幅较小，交替出现。这幅画是五幅较小的画面之一。这幅画虽然是西斯汀天花板上九幅湿壁画中的第一幅，但却是最后完成的一幅，绘制于1512年，即西斯汀天花板工程的最后一年。米开朗基罗的学生和传记作者乔治·瓦萨里认为，在米开朗基罗的一生中，这幅壁画是画家技术实力达到顶峰的证据：“为了展示他艺术的完美和上帝的伟大，米开朗基罗在这些场景中，描绘了将光明与黑暗分开的上帝：祂张开双臂，独自支撑，展示爱和创造力。 瓦萨里说，米开朗基罗揭开了文艺复兴艺术品中常见的黑暗面纱，运用明暗对比的技巧，将强烈的光线和极端的黑暗结合在象征性的艺术品中。 艺术史学家注意到这幅壁画的几个不同寻常的特征。 安德鲁·格雷厄姆·迪克森指出，画中的上帝夸大了胸肌，暗示女性的乳房，他将其解释为米开朗基罗试图表现“男性的力量以及女性的生育能力”。 此外，画中上帝颈部的解剖结构过于复杂，与颈部的正常轮廓并不相似。一些作者提出，米开朗基罗在这幅壁画中隐藏了解剖图像，而这些解剖图像解释了其不寻常的特征。在 2010 年 5 月发表在《神经外科》杂志上的一篇文章中，来自约翰霍普金斯大学医学院的医学插画家伊恩·苏克和神经外科医生拉斐尔·塔玛戈认为，米开朗基罗在《划分光暗》中隐藏了三幅神经解剖图像.
Title: 雨天的巴黎街道 (Paris Street; Rainy Day)
Section: abstract

《雨天的巴黎街道》（法语：Rue de Paris, temps de pluie），或译为《下雨的巴黎街道》、《潮湿天气的巴黎街景》等，是法国印象派画家古斯塔夫·卡耶博特创作于1877年的大幅油画画作，现陈列于芝加哥艺术博物馆。它本归卡耶博特家族所有，1955年被小沃尔特·P·克莱斯勒买下，他又于1964年将其卖给芝加哥艺术博物馆。
Title: 雨天的巴黎街道 (Paris Street; Rainy Day)
Section: 画作地理背景

油画作者描绘了19世纪巴黎欧洲区的都柏林广场（place de Dublin），作者视角所在位置是都灵路（rue de Turin）南段东侧，画面方向正北偏西，画作中的街道从左至右依次为：
Title: 西蒙与伊菲革涅亚 (Cymon and Iphigenia (Leighton painting))
Section: abstract

西蒙与伊菲革涅亚（Cymon and Iphigenia）是弗雷德里克·雷顿的一幅油画，1884年在伦敦皇家艺术研究院首次展出 。现藏于澳大利亚悉尼的新南威爾士美術館，系1976年在佳士得拍卖行购入。这幅油画未注明日期，尺寸为163乘328厘米（64乘129英寸）. 。这幅画的题材取自乔万尼·薄伽丘的《十日談》，描绘第五日第一个故事的场景；伊菲革涅亚正在树林里睡觉，年轻的贵族西蒙站在那里凝视她的美貌，这让他充满了灵感。 在见到她之后，西蒙从一个举止粗鲁的笨蛋变成了一个完美的博学家。 纳胡姆觉得这“强调了美的转化能力”。虽然薄伽丘将故事设定在春天，但是雷顿更喜欢秋天的氛围。 这位艺术家非常精确地描述了他想要反映的情绪，将一天中的特定时间设定为“24小时中最神秘的美丽”。 他希望捕捉到在入睡前睡意渐浓，尤其是在漫长炎热的夜晚，夜幕开始降临时的感觉。 这幅画的时间设定是，“月亮的最边缘”出现在海面上的地平线上，空气笼罩在已经西沉的太阳的余晖之中。
Title: 大维德花瓶 (David Vases)
Section: abstract

大维德花瓶（David Vases）是1351年在景德镇生产的一对青花瓷大花瓶。因其对元代青花瓷研究的重要意义，被西方学者称为“世界上最知名的瓷器”，入选BBC评选的“100件文物中的世界史”，現藏於大英博物館。其名称来源于这对花瓶的收藏者斐西瓦乐·大维德爵士。
Title: 大维德花瓶 (David Vases)
Section: 基本信息

大维德花瓶，学名元至正十一年款青花云龙纹象耳瓶，共2支。其中一支高63.8厘米，最大直径19.6厘米，重7.7千克；另一只高63.6厘米，最大直径22厘米。这一对花瓶是奉献给寺庙的供器，因此在样式上吸取了商周青铜器的造型。瓶颈部位有一对象耳，象耳底部与瓶身连接处有深刻的磨损痕迹，应为曾经长期悬挂铜环所致。瓶身划分为平行的9条带状区域，在每一区均以釉下青花的技法绘制了一共8种不同主题的图案，自上而下分别为：缠枝扁菊，蕉叶，飞凤灵芝，缠枝莲，四爪云龙，海涛（共2层），缠枝牡丹，覆莲杂宝，堪称元代青花瓷纹样大全。最为珍贵的是在每支花瓶的瓶颈处写有仅一处不同的题记：“信州路玉山縣順城鄉德教里荊塘社奉聖弟子張文進喜捨香炉花瓶一付祈保合家清吉子女平安至正十一年四月良辰謹記（『謹記』二字另一瓶作『吉日捨』）星源祖殿胡淨一元帥打供”，明确指出花瓶产于元至正十一年，即1351年。因此这一对花瓶也被称为至正型花瓶。
Title: 共和国雕像 (Statue of The Republic)
Section: abstract

共和国雕像（Statue of the Republic）是一尊镀金青铜雕塑，位于美国芝加哥杰克逊公园。这座雕像在芝加哥俗称为“黄金女士”（Golden Lady），2003年6月4日被指定为芝加哥地标。65英尺高的原作为世界博览会建于1893年，在1896年毁于火灾。目前的复制品规模较小，24-英尺 高（7.3-米），建于1918年，以纪念芝加哥世界博览会举行25周年和伊利诺伊州建州一百周年。原作和复制品均为丹尼尔·切斯特·法兰西所作。
Title: 堪萨斯龙卷风 (Tornado over Kansas)
Section: abstract

《堪萨斯龙卷风》（英語：Tornado over Kansas）简称《龙卷风》（The Tornado），是美国乡土主义画家约翰·斯图尔特·柯里1929年的帆布油画，描绘龍捲風逼近农场，一家人匆忙赶往避难所的戏剧化场面。画作与柯里1928年作品《堪萨斯的洗礼》内容颇具关联，柯里的创作受巴洛克艺术和龙卷风照片影响，本作可以明显看出他儿时起对自然灾害的恐惧，以及敬畏神的心理。画作1930年首次展出后便有乡土主义名作美誉，但选材引起堪薩斯州居民不满。《堪萨斯龙卷风》赢得称赞和荣誉，但作者颇显业余的绘画风格招来非议。同代画家斯图尔特·戴维斯与托马斯·哈特·本顿批评画作逻辑不一致，存在技术失误，尽显“粗俗与廉价”。除《堪萨斯龙卷风》外，柯里1930年的画作《龙卷风过后》、1932年石版画《龙卷风》等作品都取材堪萨斯州自然灾害。经《時代雜誌》、《生活》等大量出版物转载，《堪萨斯龙卷风》如今已是作者的传世名作。原版画作1935年起由密歇根州马斯基根美术馆收藏。
Title: 堪萨斯龙卷风 (Tornado over Kansas)
Section: 简介

《堪萨斯龙卷风》又名《龙卷风》，描绘不远处龙卷风来袭，背景漆黑的天空预示暴风雨，近处是陷身险境的堪萨斯农场一家匆忙进入防風窖。母亲抱着婴儿站在入口附近，脸都绿了。旁边的丈夫一头红发，拉着女儿并催促儿子赶快。两个儿子尽力抢救农场动物，一子抱着黑猫，另一子抱着出生不久的狗崽子，大狗紧跟一旁。远处可见慌乱的马，近处还有白色母鸡镇定自若地站在原地。美术史学家劳伦·克罗兹指出，画作构图有多处令人难以理解。观众难以肯定这家人到底是在什么地方赶来：如果是从近处房屋的前门廊冲出，那么抱猫的男孩就不该在前门廊台阶后方，仿佛此前在外面的屋里沿木板小路跑来；如果是从外面跑来，匆忙下应该不会用链条锁住木门。近处房屋旁的金属桶从雨水管接水，而且桶已经很满，说明不久前下过大雨，但画面其他地方都很干。此外，画上绝大多数人和动物都有影子，但不知何故母亲没有。20世纪30年代中期，美术评论员已将所有描绘美國中西部乡村日常生活的画作归入乡土主义作品，《堪萨斯龙卷风》便是其中典范，“直接展现”画家所在地的情景，与同时代欧洲绘画的“内省抽象”截然不同。1934年《時代雜誌》针对美国当代美术发文，称直接展现作者所在地正是乡土主义的特点。
Title: 堪萨斯龙卷风 (Tornado over Kansas)
Section: 背景

约翰·斯图尔特·柯里1897年生于堪萨斯州杰佛逊县杜纳万特，1918年前往宾夕法尼亚州比佛县就读日内瓦学院，在当地创作插图数年。1928年画作《堪萨斯的洗礼》赢得赞誉，为他的绘画事业打响名气。柯里住在康涅狄格州韦斯特波特，1929年才首度返回堪萨斯州，到杜纳万特的家庭农场探视。他在老家逗留六周，大草原的极端天气和风暴促使柯里创作《堪萨斯龙卷风》，1929年秋画完。柯里去世后，遗孀称他从没亲眼见过龙卷风，但对龙卷风的破坏力应该很了解。1929年6月2日龙卷风经过堪萨斯州巴伯县哈德纳，人们首次拍下非常清晰的照片，很可能是画家创作《堪萨斯龙卷风》的重要参考。照片上漏斗形的龙卷风与画作非常相似，据信画作构图源自龙卷风逼近谷仓的照片。柯里对暴风雨和龙卷风都不陌生，从小就害怕这些自然灾害。他自称小时候随家人赶在风暴来袭前躲进地窖，《堪萨斯龙卷风》便据此创作。美术史学家伊尔玛·贾菲推断，柯里信奉基督教，把自然灾害视为天神报应。贾菲认为，《堪萨斯龙卷风》是作者尝试用艺术表达控制自身恐惧的产物。柯里的画作经常描绘自然灾害，曾素写1930年5月杰佛逊县温彻斯特遭龙卷风摧残后的废墟，创作闪电惊马的水彩画，还有1929和1930年夏堪萨斯河沿线洪灾导致俄克拉荷馬州发生的沙尘暴。完成《堪萨斯龙卷风》后，柯里同年创作《奥特塞戈湖风暴》，画中人物与前作差不多。1930年画作《龙卷风过后》以龙卷风刚刚摧毁的房屋残骸为背景，近处是椅子上安然无恙、面带微笑的洋娃娃。1932年，他创作多幅《龙卷风》系列石版画，内容同样是风暴来袭，家人躲避。其中一幅2020年以13750美元成交，其他石版画由大都會藝術博物館、国家美术馆、惠特尼美国艺术博物馆等机构收藏。柯南1934年風景畫《二分点风暴》中的云系与《堪萨斯龙卷风》类似。此外，他1937至1942年创作的壁画《悲剧前奏》也有龙卷风，在废奴人士约翰·布朗身后。
Title: 堪萨斯龙卷风 (Tornado over Kansas)
Section: 解读

克罗兹认为，《堪萨斯龙卷风》布局几乎是刻意为戏剧效果设立。美术馆负责人亨利·亚当斯指出，左侧的谷仓、右侧的外屋就像舞台布景。部分人物救援他人和动物增强画作戏剧感，主要人物基本符合思维定势：父亲肩膀宽大、身体强壮；母亲和女儿看向父亲，显得害怕又无助。危险迫在眉睫，两个儿子还是优先救助宠物。亚当斯认为画作内容可能旨在赞扬、也可能意在贬低美国传统家庭价值观。美术史学家格雷·斯威尼认为画家旨在描绘“美国农民与大自然力量的不懈斗争”。画作主要人物让人想到彼得·保罗·鲁本斯等巴洛克画家的作品，鲁本斯还是柯里的研究目标。亚当斯称画上的父亲与鲁本斯1635年画作《维纳斯和阿多尼斯》人物阿多尼斯很像，美术史学家卡拉·安·马林认为父亲让人想到米开朗基罗创作的形象，母亲怀抱婴儿就像圣母子。《堪萨斯龙卷风》诞生前，美国画作极少以龙卷风充当核心元素。温斯洛·霍默1899年画作《墨西哥湾暖流》背景虽有海龍捲風，但前方的鲨鱼无疑更重要，海龙卷风只占次要地位。李曼·法蘭克·鮑姆1900年小说《绿野仙踪》同样取材龙卷风袭击堪萨斯州农场，但毕竟不是画作。柯里描绘的龙卷风物理特征非常准确，估计第一手资料和照片对此功不可没。评论认为，《堪萨斯龙卷风》是《堪萨斯的洗礼》续作，从视觉和心理角度都更戏剧化。两作背景类似，前方拥挤的人物形成 幽闭恐惧感（柯里身患幽闭恐惧症），空旷的背景又触发廣場恐懼症。画中基本图形也不乏相似之处：将前作的水箱与风车倒置，所得“螺旋形”就类似新作里的龙卷风。
Title: 堪萨斯龙卷风 (Tornado over Kansas)
Section: 反响与传承

《堪萨斯龙卷风》1930年在惠特尼工作室俱乐部初次展出就赢得普遍好评，拿下现场第二名。1933年在匹兹堡举办的卡内基国际展再获第二名。1931年堪萨斯威奇托举办柯里作品展，《堪萨斯龙卷风》成绩不佳。两年后《时代杂志》发文称柯里的龙卷风仿佛“巨型丰裕角”，但堪萨斯人认为画作“不文明”。马林对此表示，当地人不想看到故乡因一两场龙卷风遭受非议，特别是在作者还是堪萨斯人的情况下。堪萨斯州前州长亨利·贾斯汀·艾伦的夫人埃尔西·努兹曼·艾伦热衷收藏美术品，她批评柯里老画什么旋风之类“怪异主题”，干嘛不画“故乡的荣耀”？1934年，《时代杂志》以当代美国美术主题发文，其中包含《堪萨斯龙卷风》的彩色复制品。文中称赞柯里是“堪萨斯州头号画家”，《堪萨斯龙卷风》是他的传世名作。文中指出，许多堪萨斯人反感柯里的画作，认为他选材不当。20世纪30年代《时代杂志》拥有48.5万读者，把乡土主义作品推向全美观众的同时，也招来部分人士对该风潮突然流行的不满。美国现代主义画家斯图尔特·戴维斯反对《时代杂志》对《堪萨斯龙卷风》与其他乡土主义画作的评述，1935年甚至指责柯里“把绘画当成业余爱好者浪费时间的娱乐，只配在县集市展出”。戴维斯的看法赢得部分评论家、历史学家认可，甚至柯里的朋友也有些抱持类似看法，觉得他的画“看着吃力”、“墨守成规”、“令人尴尬”。克罗兹等学者认为作者的绘画技巧很业余，以颇显轻视的笔触批评柯里笔下色彩“令观众莫名其妙，仿佛色彩暴乱”，蓝绿色的阴影实在奇怪，父亲头部周围的浅色光晕是作者画天时失误所致。克罗兹指出，同代乡土主义画家托马斯·哈特·本顿更有技术水准，他的作品与《堪萨斯龙卷风》形成鲜明对比。本顿甚至感叹柯里的作品有时颇显“粗俗与廉价”。柯里本人承认《堪萨斯龙卷风》构图考虑欠周，当时绘画技巧还不成熟，学者根据反应推断他可能身陷抑郁、压力很大，并有自我怀疑迹象。柯里的开诚布公令大众受益匪浅，克罗兹认为这令业余爱好者和普通人更容易接受绘画。斯威尼称柯里是最不会挑起争端、最没有沙文思想的乡土派画家，在《堪萨斯龙卷风》运用的色彩和创作手法“极其复杂”。1931年，房地产经纪人特雷西·奈兰致信柯里想买下《堪萨斯龙卷风》，信中写道：我从小在密歇根州长大，发现（画作包含）某种很感兴趣的本土气质。我没见过这样的龙卷风，但还记得学校放学后拼命跑回家，树上枝桠掉落……整幅画面似乎触动我的心弦。20世纪30年代初，柯里的作品在费拉吉尔画廊展出，1935年哈克利美术馆（今马斯基根美术馆）买下《堪萨斯龙卷风》。劳伦斯·施梅克比尔1943年推出的柯里传记指出，《堪萨斯龙卷风》是传主“最知名，而且从很多方面来说都是他最伟大的画”。20世纪30至40年代出版的美国美术调查著作常见本画复制品。画作已在150多种出版物亮相，其中包括1936年《生活》杂志创刊号、1996年电影《龙卷风》。马斯基根美术馆援引画作的艺术和文化意义宣布《堪萨斯龙卷风》是“国宝”，也是柯里职业生涯和乡土主义运动典范之作。