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Title: 聖体の論議 (Disputation of the Holy Sacrament)
Section: 内容

この絵画の中に、ラファエロは天上と地上の両方にわたる場面を創り出した。画面の上方では、光背に囲まれたキリストが、左右に祝福された聖母マリアと洗礼者ヨハネを従えるデイシスの配置で描かれている。さらにその上方の最上部には父なる神が天使たちとともに描かれている。天上界には、このほかにも様々な聖書の登場人物が描き込まれており、左端に座り鍵を握っているペトロ、その隣で裸の胸をむき出しにしているアダム、右端に座り本と剣を持つパウロ、右側で光の角を帯びて十戒が刻まれた石板を持つモーセなどが両側に描かれている。キリストの足元には、白い鳩の姿に表象された聖霊が配され、その両脇にはプットたちが四つの福音書を開いて掲げている。その真下、画面の下段中央には、祭壇の上に聖体顕示台が置かれている。祭壇の両側には、神学者たちが描かれ、聖変化をめぐって論議している。キリストの身体、血、魂、神性が聖餐に宿ることについて、教会を代表する人々が論じているこの場面には、いずれも古代末期ないし中世前期の人物であり、光背にそれぞれの名が書き込まれた4人の教会博士たち、すなわち、教皇グレゴリウス1世とヒエロニムスが祭壇の左側に、アウグスティヌスとアンブロジウスが右側にそれぞれ着座している。加えて、いずれもルネサンス期のイタリアの人物である、教皇ユリウス2世、教皇シクストゥス4世、サヴォナローラ、ダンテ・アリギエーリらも描き込まれている。シクストゥス4世は金色の教皇服をまとって画面の下段にいる。そのすぐ後ろには、赤い衣をまとい、詩人としての偉大さを象徴する桂冠を被ったダンテがいる。署名の間に描かれた霊界は、当時の様々な著作や絵画の精神世界を表現しているが、このフレスコ画の詳細な構成において、ラファエルには助言を求める相手がいたものと思われる。近年では、ヴィテルボのエギディウスが、直接、間接に、着想の源として採用されていたと考えられている。
Title: 聖体の論議 (Disputation of the Holy Sacrament)
Section: 描かれた人物
Subsection: 天上

デイシスの左右に着座して描かれている人物は、聖書に登場する人物か、古代の聖人である。旧約聖書の人物には光輪は描かれていないが、使徒、殉教者には光輪が描かれている。左側（左から）ペトロ - 使徒、「天の国の鍵」を持つ姿アダム - 最初に創造された人間ヨハネ - 使徒、福音記者ダビデ - 古代イスラエルの王ローマのラウレンティウス - 3世紀の殉教者ソロモン - 古代イスラエルの王右側（左から）ヨシュア - 『ヨシュア記』などに登場するユダヤ人の指導者ステファノ - キリスト教最初の殉教者とされる1世紀の殉教者モーセ - 『出エジプト記』などに登場するユダヤ人の指導者大ヤコブ - 使徒、「ゼベダイの子のヤコブ」ともアブラハム - 最初の預言者、全てのユダヤ人の祖パウロ - 使徒
Title: 聖体の論議 (Disputation of the Holy Sacrament)
Section: 描かれた人物
Subsection: 地上

地上には40人近くの人物が描かれているが、誰であるかが分からない者や、諸説のある者もいる。誰であるかが判然としている人物では、いずれも古代末期ないし中世前期の人物である4人の教会博士たち以外は、多くが中世後期からルネサンス期のイタリア人である。上の図で、フランス語で人名が示されている人物は、左から以下の通りである。ドナト・ブラマンテ（Bramante：1444年頃 - 1514年）- 建築家：左端、欄干にもたれ掛かる禿頭の人物フランチェスコ・マリーア1世・デッラ・ローヴェレ（Francesco Maria della Rovere：1490年 - 1538年）- 軍人、ウルビーノ公：黄色と青の着衣の人物グレゴリウス1世（Saint Grégoire le Grand：540年? - 604年）- 教皇、教会博士：着席し、本を開き、中空を見上げる教皇服の人物ヒエロニムス（Saint Jérôme：347年頃 - 420年）- ラテン教父、教会博士：着席し、本を開き、本を見つめる禿頭の人物（足元にライオンがいる）フラ・アンジェリコ（Fra Angelico：1390年/1395年頃 - 1455年）- 画家：祭壇の左脇にうずくまる修道士＜祭壇＞アンブロジウス（Saint Ambroise：340年? - 397年）- ラテン教父、教会博士：着席し、中空を見上げる白いミトラ（司教冠）と司教服の人物アウグスティヌス（Saint Augustin：354年 - 430年）- ラテン教父、教会博士：着席し、脇を見下ろして書記役に指示をする白いミトラ（司教冠）と司教服の人物トマス・アクィナス（Saint Thomas d'Aquin：1225年 - 1274年）- スコラ学の神学者、教会博士：黒い服の修道士（ドミニコ会修道士）インノケンティウス3世（Pope Innocent III：1161年 - 1216年）- 教皇権全盛期の教皇ボナヴェントゥラ（Saint Bonaventure：1221年? - 1274年）- 枢機卿、フランシスコ会総長：立ったまま本を読む人物シクストゥス4世（Sixte IV：1414年 - 1484年）- 教皇ダンテ・アリギエーリ（Dante：1265年 - 1321年）- 詩人：桂冠を着けた赤い着衣の人物ジロラモ・サヴォナローラ （Savonarole：1452年 - 1498年）- フィレンツェ共和国で神権政治の実権を握ったドミニコ会修道士：背景に顔だけが見える黒い頭巾の人物このほか、画面左下の一番左端（上の図では切れている）に描かれた、中空を見上げる黒衣の修道士は、フィレンツェ大司教となったドミニコ会の修道士アントニオ・ピエロッツィ（1389年 – 1459年）とする説がある。
Title: Homunculus_loxodontus (Homunculus loxodontus)
Section: abstract

Homunculus loxodontus（ホムンクルス・ロクソドントゥス）はオランダの芸術家マルグリート・ヴァン・ブレーヴォート (Margriet van Breevoort) による彫刻。ライデン大学病院のために作られ、2016年春に設置された。名前のHomunculusはホムンクルスを、loxodontusはアフリカゾウ属の属名(Loxodonta)を表しており、ホムンクルスの象という意味。この彫刻はЖдун （ロシア語）/ Почекун （ウクライナ語）/ Пачакун （ベラルーシ語）（ Zhdun / Pochekun / Pachakun、「待ってる人」を意味する）とも呼ばれ、ソビエト圏の国々で人気を得た。英語圏の国では「Wosh」と呼ばれている。日本語圏では「待ってる者」「ポチェくん」などと呼ばれている。
Title: Homunculus_loxodontus (Homunculus loxodontus)
Section: 組成

作者によると、彫刻は医者の診療所で待つ人々の感情を象徴している。
Title: Homunculus_loxodontus (Homunculus loxodontus)
Section: インターネットミーム

2017年、ロシアと東欧諸国の国々で彫刻はインターネットミームとなり、絵画、写真、ビデオ、その他様々な媒体などでコラなどが作られた。ロシアのメディア企業CD Landは、2017年に彫刻の使用権を購入し、たとえばアニメシリーズを通じて使用する予定であるという。
Title: 合奏_(フェルメールの絵画) (The Concert (Vermeer))
Section: abstract

『合奏』（がっそう、オランダ語: Het concert、英語: The Concert）は、オランダ黄金時代の画家として挙げられるヨハネス・フェルメールが、1664年頃に描いた油絵である。
Title: 合奏_(フェルメールの絵画) (The Concert (Vermeer))
Section: 構図

『合奏』には、座ってチェンバロを弾く若い女性、リュートを弾く男性、立って歌う女性の3人の人物が描かれている。チェンバロは理想郷アルカディアの風景画で飾られている。画面左手前のテーブルの下には弦楽器が描かれ、音楽というこの作品の主題をより高める役割を果たしている。背景の壁には2点の絵画が掛けられている。右の絵画はフェルメールが『ヴァージナルの前に座る女』の背景にも描き入れている、ディルク・ファン・バビューレン作の娼館の情景を描いた『取り持ち女』である。これはフェルメールの義母マーリア・ティンスが所有していた絵画だった。左の絵画には田園の風景が描かれている。当時のオランダ絵画において、音楽は性愛と関係付けられることがあり、背景に描かれた『取り持ち女』が性愛を象徴していると考えられている。
Title: 合奏_(フェルメールの絵画) (The Concert (Vermeer))
Section: 来歴と盗難

1669年にアムステルダムで売りに出されたが、以降1780年までの所在は分かっていない。その後、アメリカ合衆国の慈善家で美術収集家のイザベラ・スチュワート・ガードナーが、1892年にパリで開催されたオークションで5000ドルで落札し、1903年に彼女がボストンに創設したイザベラ・スチュワート・ガードナー美術館に展示した。しかし、1990年3月18日未明に、ボストン市警の警察官を装った強盗2人組が美術館に押し入って警備員を拘束した上、本作を含めて、レンブラント・ファン・レインの『ガリラヤの海の嵐』、『自画像』などの作品3点、エドガー・ドガの素描5点、エドゥアール・マネの『トルトニ亭にて』、さらに、中国製の銅器など、計13点の所蔵品を窃盗した。フェルメールの作品は1970年代以降たびたび盗難に遭ったが、その多くは再発見された。しかし、本作のみ、同時に盗難された他作品と共に、行方不明のままである。フェルメールの『合奏』は盗難絵画としては最も高額な作品とされ、その評価額は2億ドル超と見なされている。
Title: 合奏_(フェルメールの絵画) (The Concert (Vermeer))
Section: 合奏を取り扱った作品

映画『リーサル・ストーム』（2020年）小説『償いのフェルメール』（ダニエル・シルヴァ著、2024年。原題：The Collector）
Title: 音楽の稽古 (The Music Lesson)
Section: abstract

『音楽の稽古』（おんがくのけいこ、蘭: De muziekles、英: The Music Lesson）は、オランダ黄金時代の画家ヨハネス・フェルメールが1662年から1665年ごろに描いた絵画。キャンバスに油彩で描かれた作品で、イギリス王室の美術品コレクションであるロイヤル・コレクションが所有し、ロンドンのセント・ジェームズ宮殿に所蔵されている。
Title: 音楽の稽古 (The Music Lesson)
Section: 歴史

『音楽の稽古』は、もともとフェルメール最大のパトロンだったピーテル・ファン・ライフェンが所有していた絵画コレクションの一つで、ファン・ライフェンの死後に女婿ヤーコプ・ディシウスが受け継いだ作品である。ディシウスは1695年に死去し、1696年に開催された遺品売却のオークションで、コレクションが売却された。さらに、ヴェネツィアの画家ジョヴァンニ・アントニオ・ペレグリーニが1718年に購入した後、ジョセフ・スミスが購入した。『音楽の稽古』は、イギリス王ジョージ3世の治世下にロイヤル・コレクションに加えられたが、ジョージ3世はこの『音楽の稽古』に興味がなく、購入するつもりもなかったといわれている。しかしながら、ジョセフ・スミスがジョージ3世が欲しがっていた書物とともにこの作品を売りに出したために、ジョージ3世は『音楽の稽古』も購入することを余儀なくされた。ただし、このときには作品に記された署名の読み誤りから、同時代のオランダ人画家フランス・ファン・ミーリスの作品として購入されている。その後、1866年になってフランス人美術史家テオフィル・トレ・ビュルガーがフェルメールの真作だと同定した。
Title: 三人の哲学者 (The Three Philosophers)
Section: abstract

『三人の哲学者』（さんにんのてつがくしゃ（伊: Tre filosofi））は、ルネサンス期のイタリア人画家ジョルジョーネが1510年ごろに描いたと考えられている絵画。若年、壮年、老年の3人の人物が描かれている。オカルトや錬金術に興味を持っていたヴェネツィア貴族の商人タッデオ・コンタリーニの依頼で描かれた作品で、現在はウィーンの美術史美術館が所蔵している。ジョルジョーネは1510年に夭折しており、『三人の哲学者』はその最晩年に描かれた作品の一つとなった。なお、最終的に作品を完成させたのは、ジョルジョーネの弟子だったセバスティアーノ・デル・ピオンボといわれている。
Title: 三人の哲学者 (The Three Philosophers)
Section: 概説

『三人の哲学者』が完成したのは1510年ごろで、マルカントーニオ・ミケリ（1484年-1552年）の手記に、完成の数年後にこの作品をヴェネツィアの個人宅で目にしたことが記されている。描かれている3人の人物は寓意表現とされる。ひげを生やした老人はギリシアの哲学者、壮年の人物はアラブの哲学者の象徴で、もう一人、自然界に抱擁されるがごとく座っている若者が描かれている。背景には山並みと山村が描かれているが、青色でマーキングされた山並みが何を意味しているのかは分かっていない。若年の男性は画面左に描かれている洞窟を注視し、いくつかの器具を用いて洞窟を計測しているように見える。描かれている3人の人物は、キリスト誕生を礼拝に訪れた東方の三賢者だと解釈されていたが、19世紀以降の研究者、学者からはこの説は否定されている。
Title: 三人の哲学者 (The Three Philosophers)
Section: 作品の解釈

『三人の哲学者』の解釈について、これまでに様々な説が唱えられてきた。老人、壮年のアラブ人、そして若者の3人は、古代哲学の伝播を意味しており、古代ギリシアの哲学がアラビア語に翻訳され、さらに最終的にイタリアのルネサンスとなって復古したことを表している。老人はプラトンやアリストテレスといった古代ギリシアの哲学者の象徴であり、これら哲学者の著作がアラブの哲学者を通じて、イタリアルネサンスの源流となったとする。壮年のアラブ人は、おそらく博学者イブン・スィーナーかイブン・ルシュドであり、両名ともにもイスラーム黄金時代を代表する哲学者にして科学者だった。未発見の秘密の象徴といえる真っ暗な洞窟を覗きこむ若者は、古代の叡智を源流として新たに萌芽したルネサンス科学の化身とみることができる。さらにこの洞窟は、プラトンの洞窟をも意味していると考えられる。3人の人物の特定や象徴性に関する新たな仮説は、現代でも引き続いて議論されている。G. C. ウィリアムソンは20世紀初頭に「ローマ神話に登場する文化英雄のエウアンドロスとその息子パッラスが、ギリシア神話の英雄であるアイネイアースに、未来のローマの光景を示している場面である」という説を唱えた。他にもイスラエル王ソロモン、ティルス王ヒラム、ソロモン神殿の建築家にしてフリーメイソンの始祖とされるヒラム・アビフであるという説を、ニール・マクレナンとロス・キルパトリックが唱えている。若者の姿形は綺麗な直角三角形を描くように表現されており、このことがピタゴラスの定理を意味しているのではないかという解釈が、現在にいたるまで唱えられてきた。オーストリアの著述家、詩人のカレン・ゼレニーは、ルネサンス人文学者ポリドーレ・ヴァージル（en:Polydore Vergil）はその著作で、壮年と老年の哲学者がピタゴラスの先達である古代ギリシアの哲学者ペレキュデースとタレスだと主張している。タレスはユダヤ人として描かれることがあり、ペレキュデースはシリア人だという誤った伝承が信じられていた人物だった。この解釈に対してフランク・カイムは、老年の哲学者の正体はサモスのアリスタルコスであるとしている。また、描かれている人物たちは若年期、壮年期、老年期という人間の各世代を意味しており、古典古代、中世、そしてルネサンスという、ヨーロッパ文明史上でも重要な各時代を象徴していると主張する研究者も存在する。アウグスト・ジェンティリは、占星術的な観点から『三人の哲学者』がアンチキリストの到来を描いた作品だとした。老哲学者が手にする羊皮紙には蝕が描かれており、天文学的な図像も見て取れるとする。1503年に発生した木星と土星のジャンクションおよび日蝕が、アンチキリストの到来の予兆だと信じられていたことがその理由であると主張した。
Title: 三人の哲学者 (The Three Philosophers)
Section: 『絵画劇場』

『三人の哲学者』は、ハプスブルク家のオーストリア大公レオポルト・ウィルヘルムが所蔵する美術コレクションの目録として、ダフィット・テニールス (子)が制作に関わった『絵画劇場 (en:Theatrum Pictorium)』に、1659年と1673年の二度にわたって記載されているが、これ以前にテニールスが、レオポルトが所有する美術コレクションを描いた『レオポルト・ウィルヘルム大公の画廊』（制作年度により複数点の作品が存在）に登場している。数多くの美術作品が描かれたこの絵画は、美術史上において極めて価値の高い情報源として長きにわたって評価され続けている。テニールスの『レオポルト・ウィルヘルム大公の画廊』と呼ばれる絵画の中でもっとも有名なのが、ウィーンの美術史美術館が所蔵する作品である。この『レオポルト・ウィルヘルム大公の画廊』を描くにあたって、テニールスは完成品となる大規模な絵画に描き入れる、レオポルト・ウィルヘルムが所有するすべての美術作品の縮小模写、縮小習作を制作した。21.5 cm × 30.9 cm に縮小されて描かれた『三人の哲学者』の習作には、オリジナルには存在しないものが描かれている。老人が手にする三叉の槍がそれであるが、完成した『レオポルト・ウィルヘルム大公の画廊』の『三人の哲学者』にもこの槍は描かれていない 。オリジナルの『三人の哲学者』の老人が手にしているのは一本の巻物だけである。三叉の槍は古代ギリシア神話の海神ポセイドンの象徴で、テニールスが老人とポセイドンとの間に、何らかの関係性を独自に見出していた可能性もある。
Title: アルドブランディーニの聖母 (Garvagh Madonna)
Section: abstract

『アルドブランディーニの聖母』（アルドブランディーニのせいぼ、（伊: Madonna Aldobrandini、英: Aldobrandini Madonna））は、盛期ルネサンスの画家ラファエロ・サンティが描いた絵画。板に油彩で描かれた板絵で、ラファエロが多く描いた、聖母マリア、幼児キリスト、幼児洗礼者聖ヨハネの三人をモチーフとした作品の一つである。ラファエロのキャリアにおけるローマ時代といわれる時期の初めごろに描かれた作品で、色使い、自然物の取り入れ、画面構成手法など、それまでのウルビーノ時代、フィレンツェ時代と呼ばれる時期の作品とは異なった、ラファエロの後期作品の典型ともいえる作風で描かれた作品となっている。『アルドブランディーニの聖母』は数世紀にわたってローマの貴族アルドブランディーニ家 (en:Aldobrandini family) が所蔵しており、1865年からはロンドンのナショナル・ギャラリーに所蔵されている。ナショナル・ギャラリーに売却される以前は50年にわたってガルヴァ男爵家が所蔵していたこともあって、『ガルヴァの聖母』と呼ばれることもある。
Title: アルドブランディーニの聖母 (Garvagh Madonna)
Section: 構成と評価

『アルドブランディーニの聖母』は、ローマ時代のラファエロが何点か描いた比較的小規模な聖母子像の一つであり、おそらくローマ教皇やその関係者からの依頼で手がけていた多くの絵画制作の合間を縫うようにして描いたものと考えられている。当時のラファエロとその工房は、ヴァチカン宮殿の4部屋からなるラファエロの間の制作をローマ教皇ユリウス2世から命じられており、最初の部屋「署名の間」のフレスコ壁画制作に忙殺されていた。『アルドブランディーニの聖母』や、その他の聖母子の作品のためにラファエロが1509年から1511年に描いた下絵が、通称「ピンクのスケッチブック」に見ることが出来る。ラファエロが三角形の構図で聖母子を描いた絵画は何点か存在するが、この『アルドブランディーニの聖母』もそのような構図で描かれた作品の一つである。屋内の情景を表現した作品で、背景には窓越しにローマの風景が描かれている。二枚の窓の間には暗色の装飾柱が立っており、明るい色調で描かれた長椅子に座る聖母マリア、マリアに抱かれる幼児キリスト、キリストに花を渡す幼児洗礼者聖ヨハネの三人を浮かび上がらせている。その優雅さ、美しさ、そして絵画技法で高く評価されている作品である。三名の頭上に目立たないように描かれた円光のみが、この作品における超自然物として表現されている。また、マリアの膝部分の衣服、脚の表現が不自然ではないかという意見もある。
Title: アルドブランディーニの聖母 (Garvagh Madonna)
Section: 構成と評価
Subsection: 幼児キリストと幼児洗礼者聖ヨハネとの関係性

ラファエロはこの作品で幼児キリストと幼児洗礼者聖ヨハネとに、成人してからの関係性をうかがわせる格別の親近感を持たせて描いている。この『アルドブランディーニの聖母』をはじめ、ラファエロが聖母子とともに幼いヨハネを描くときには皮製の衣装を身にまとわせることが多く、これは『マルコによる福音書』1.6の「このヨハネは、らくだの毛ごろもを身にまとい、腰に皮の帯をしめ、いなごと野蜜とを食物としていた」という記述によるものである。愛らしいポーズでマリアの膝に抱かれるキリストは、将来の受難を象徴するカーネーションをヨハネから手渡されている。
Title: アルドブランディーニの聖母 (Garvagh Madonna)
Section: 構成と評価
Subsection: フィレンツェ時代の作品との相違点

ラファエロがローマ時代初期に描いた聖母子をモチーフとした作品は、ウルビーノ時代やフィレンツェ時代の作品と比較すると、衣服やポーズの表現が親しみやすく砕けたものになっている一方で、作品構成はより複雑なものとなっている。ヴァチカン宮殿ラファエロの間のフレスコ壁画『アテナイの学堂』に見られるような、宝石を思わせる寒色系顔料の多用が 陶磁器のような鮮やかさを画面に与えている。ラファエロがフィレンツェ時代に当時のウルビーノ絵画の様式である厳格な神聖表現の影響のもとで描いた『アンシデイの聖母』（1505年、ナショナル・ギャラリー（ロンドン）所蔵）と『アルドブランディーニの聖母』では、その構成や雰囲気などが好対照といえる。『アルドブランディーニの聖母』のマリアはより実在の母親らしく描かれ、頭上の円光以外に聖性をあらわすものは見られない。キリストもヨハネもあどけない幼児で、ごくありふれた普通の部屋を背景として描かれている。さらにこの『アルドブランディーニの聖母』は、『アルバの聖母』（1510年、ナショナル・ギャラリー・オブ・アート（ワシントン D.C.）所蔵）に見られるような、ラファエロのローマ時代の特徴といえる深い自然主義へと向かう過渡期の作品としても重要な絵画となっている。フィレンツェ時代の作品と比べると、ラファエロがローマ時代に描いた聖母マリアは、より豊麗で堂々とした容姿で表現されている。これは痩せた女性が好まれていたウルビーノとローマとでは美人の基準が異なっていたことと、ラファエロ自身の女性の好みが変わっていったことによる。ラファエロは弟子たちに「あるがままの姿で描くのではなく、あるべき姿で描くことが重要だ」と教えていた。ローマ時代におけるラファエロの画家としての成長に、もっとも大きな影響を与えたのはラファエロよりも7歳年長の芸術家ミケランジェロだった。また、『アルドブランディーニの聖母』の絵画構成は、二枚の窓越しに見える風景を背景とした聖母子やマリアの服装などにレオナルド・ダ・ヴィンチの『リッタの聖母』（1490年ごろ、エルミタージュ美術館）を髣髴とさせる要素が見られる。
Title: アルドブランディーニの聖母 (Garvagh Madonna)
Section: 構成と評価
Subsection: ほとんど完璧な技術

画家、美術史家でナショナル・ギャラリーの学芸員だったラルフ・ニコルソン・ウォーナムは『アルドブランディーニの聖母』をラファエロの絵画の中でもほとんど完璧で「絵画における完璧の基準を引き上げた作品である」と評価している。ラファエロは他者の作品の構成要素と自身の創案とを融合させる高い技術を有し、驚くべき優れた作品を生み出した。作品の仕上がりだけであればラファエロを上回る画家も存在するかもしれない。しかしながら、卓越したデザイン力、革新性、構成力、表現力など、ラファエロにはその他にも多彩な優れた能力を有していた。
Title: アルドブランディーニの聖母 (Garvagh Madonna)
Section: 構成と評価
Subsection: 聖母子と洗礼者聖ヨハネをモチーフとしたラファエロの絵画

ラファエロには、聖母子と洗礼者聖ヨハネの三名を描いた作品が複数存在する。『アンシデイの聖母』（1505年、ナショナル・ギャラリー（ロンドン）所蔵）、聖母子とともに、洗礼者聖ヨハネが大人の姿で描かれた珍しい作品。『美しき女庭師』（1507年、ルーヴル美術館（パリ）所蔵）『アルバの聖母』（1511年、ナショナル・ギャラリー・オブ・アート（ワシントン D.C.）所蔵）『青い冠の聖母』（1512年 - 1518年頃、ルーヴル美術館（パリ）所蔵）、弟子のジャンフランチェスコ・ペンニとの合作といわれる。『インパナータの聖母』（1513年 - 1514年、ピッティ宮殿パラティーナ美術館（フィレンツェ）所蔵）『小椅子の聖母』（1513年 - 1514年、ピッティ宮殿パラティーナ美術館（フィレンツェ）所蔵）『垂幕の聖母』（1514年、アルテ・ピナコテーク（ミュンヘン）所蔵）『薔薇の聖母』（1518年 - 1520年、プラド美術館（マドリード）所蔵）、ラファエロの弟子ジュリオ・ロマーノの作という説もある。
Title: アルドブランディーニの聖母 (Garvagh Madonna)
Section: 来歴

『アルドブランディーニの聖母』は、16世紀にローマのヴィッラ・ボルゲーゼに住んでいたアルドブランディーニ家が所蔵していた。ラファエロはほかにもアルドブランディーニ家の所蔵となった聖母マリアを描いており、フェラーラ公女ルクレツィア・デステが1592年に所有していたという記録が残る『聖母子と洗礼者聖ヨハネ』という絵画も、もともとはアルドブランディーニ家所蔵の作品である。現在ナショナル・ギャラリーが所蔵する『アルドブランディーニの聖母』の記録ではないかと考えられているのは、ジャコモ・マニッリが1650年に書いたヴィッラ・ボルゲーゼの案内書「聖母とキリスト、そして聖ヨハネ、･･････ラファエロ作 (Vergine, con Christo, e San Giouannino, ... di Raffaelle)」という作品名で記載されている絵画の記録である。1780年代にドイツ人美術史家フリードリヒ・ヴィルヘルム・バシリウス・フォン・ラムドーア (en:Basilius von Ramdohr) が、この絵画は今でもアルドブランディーニ家の邸宅に保管されていると記している。その後、1823年にはセルー・ド・アジャンクールが下絵や写真とともに、アルドブランディーニ家の邸宅が保管する絵画作品を発表した。このときの公表記録の欄外には「ラファエロの中期における最重要の小作品といえる。構成が非常に優れている。キリストは優美で、聖ヨハネは伝承のままだ。ただ、聖母の頭部のみが他と比較すると美しさにやや欠ける。デザインは極めて繊細。色使いからラファエロが当時多くのフレスコ画を手がけていたことが分かる。保存状態もほぼ問題ない」と書かれている。そしてこのアジャンクールの公表結果は、後にナショナル・ギャラリーが内容について検証を開始することになった。アジャンクールが発表した内容とは異なり、現在ナショナル・ギャラリーが所蔵する『アルドブランディーニの聖母』は、画家でもあった美術商アレクサンダー・デイ (en:Alexander Day (artist)) が1800年ごろにローマからイングランドへともたらした作品である。その後、1818年に初代ガルヴァ男爵ジョージ・カニング (en:George Canning, 1st Baron Garvagh) がデイから購入した。カニングは1840年に死去し、1865年にカニングの未亡人と遺産相続人が『アルドブランディーニの聖母』を9,000ポンドでナショナル・ギャラリーに売却し、それ以来『アルドブランディーニの聖母』はナショナル・ギャラリーのコレクションとなっている。
Title: 画家のアトリエ (The Painter's Studio)
Section: abstract

『画家のアトリエ：我が芸術的（また倫理的）生活の七年に及ぶ一時期を定義する写実的寓意画』（フランス語: L’Atelier du peintre. Allégorie Réelle déterminant une phase de sept années de ma vie artistique (et morale)）は、1855年に制作されたギュスターヴ・クールベの油彩画。フランス、パリのオルセー美術館に所蔵されている。クールベは『画家のアトリエ』をフランスのオルナンで1855年に制作した。クールベはこの写実的作品について、「私のアトリエで描かれるべくしてやってきた世界」だと述べた。本作中の人物たちはアレゴリー（寓意像）であり、クールベの画家としての人生に影響を与えた様々なものが表されている。画面左手には、社会のあらゆる階層を表した人物たちがいる。中央では、クールベが風景画を制作しているが、彼はアカデミック美術を象徴するヌード・モデルには背を向けている。画面右手には、クールベの友人や支援者たちがおり、おもにパリの社交界のエリートたちであるその中には、シャルル・ボードレール、シャンフルーリ、ピエール・ジョゼフ・プルードンや、クールベの最も重要なパトロンであったアルフレッド・ブリュイヤスらがいる。1855年のパリ万国博覧会の審査員団は、クールベの作品11点を博覧会出品に合格としたが、『画家のアトリエ』はその中に入っていなかった。自己宣伝と抗議の意を込めて、クールベは、ブリュイヤスの支援を得て、自作を展示する施設（写実主義パビリオン、Pavillon du réalisme）を公式展示場の近くに設け、その後様々な形で繰り返されることとなった落選展の先駆けとなった。本作を賞賛したものはほとんどおらず、わずかに画家ウジェーヌ・ドラクロワらごく少数が本作を支持したのみであった。本作についてクールベは、『画家のアトリエ』は「社会の最良の部分、最悪の部分、平均的な部分を表現している」と述べている。
Title: 画家のアトリエ (The Painter's Studio)
Section: 描写

本作は、クールベが19世紀半ばの芸術における写実主義に関わっていた時期に制作された。本作の制作に時間的な余裕のなかったクールベは、当初の構想の多くを放棄した。その最も明らかな例は、本作の背景にある。当初クールベは、アトリエの奥の壁に、自作の模写を多数並べるつもりだった。しかし、それを完全に描くには時間がなくなり、赤茶色の下地のような色で塗りつぶすことになったのだが、部分的に完成していた画面はそれなりに姿が見えている。
Title: 画家のアトリエ (The Painter's Studio)
Section: 描写
Subsection: 画面左側

画面左側には、フランスの日常生活を描いた人々が描かれている。クールベがシャンフルーリに、本作の構想を書き送った書簡によると、ユダヤ人の男性とアイルランド人の女性は、クールベが1848年にロンドンを訪れた際に見かけた人物とされる。クールベのイーゼルのすぐ左側には「マネキン人形」ないし「十字架に架けられた人物」が配されている。この人物は、捻じ曲げられ、捻り潰されているようにも見える。美術史家のベネディクト・ニコルソンやジョルジュ・リアは、この人物を、フランスの芸術アカデミーの芸術の「死」を象徴するものと解釈している。
Title: 画家のアトリエ (The Painter's Studio)
Section: 描写
Subsection: 中央

画面の中央には、風景画を制作しているクールベが、ヌードの女性、幼い少年、白い猫とともに描かれている。画中のクールベがカンバスに描いているのはルー川の河谷の風景である。フランスのフランシュ＝コンテ地域圏を流れるこの川は、クールベの故郷オルナンに注ぎ込んでいる。女性の姿は、1854年にジュリアン・ヴァル・ド・ヴィルヌーヴが撮影した写真を踏まえており、アカデミーの芸術を表現したものとも、クールベにとっての写実主義のミューズとも解釈されている。なお、画面左側の右下に描きこまれた乳飲み子を抱えたアイルランド人女性は、中央の構図の一部と見て解釈する場合もある。
Title: 画家のアトリエ (The Painter's Studio)
Section: 描写
Subsection: 画面右側

画面右側には、多数のパリの「エリート」たちが描かれており、その中には画家の友人たちも含まれている。彼らはクールベの芸術家としての経歴に関わって役割を果たした人々であったり、何らかの形で示唆を与えた人々であった。こちら側に描かれた人々の中には、クールベのパトロンであったアルフレッド・ブリュイヤスをはじめ、シャンフルーリ、ピエール・ジョゼフ・プルードン、シャルル・ボードレール、裕福な美術収集家のカップルなど、社交界の人々が描き込まれている.。本作の制作は全面的にオルナンでおこなわれており、パリに居住していたこれらの人物の肖像の大部分は、既存の肖像画や写真に基づいて模写されたものであった。例えば、シャルル・ボードレールの肖像は、1847年にクールベが描いた作家の肖像画から直接模写されたものであった。クールベは、本作の構想についてシャンフルーリに宛てた書簡の中で言及しており、そこから『画家のアトリエ』の解釈の多くが引き出されているのだが、その書簡の中で、画面に描き込めるよう、哲学者で無政府主義者であったプルードンの写真を送ってほしいと要望もしていた。クールベは、シャンフルーリが送った写真に基づいてプルードンの肖像を描いたのである。
Title: 画家のアトリエ (The Painter's Studio)
Section: 解釈

本作の副題にある、撞着語法「写実的寓意画 (Allégorie réelle)」が意味するところについては、この表現をひねり出したクールベの真意とともに、議論が分かれている。クールベがカンバス中のカンバスにルー川河谷を描くことを選んだのは、挑戦的な地方主義の表明であった。彼は、フランスのフランシュ＝コンテ地域圏ドゥー県にある故郷の象徴を、まっすぐそのままパリの中心に持ち込み、パリの社交界の名士たちである芸術愛好家や収集家たちの目に晒したのである。『ジュルナル・デ・デバ (Journal des débats)』紙の上に置かれた頭蓋骨は、芸術アカデミーの芸術の死を象徴するものである。画面左手の猟師の足元に積み上げられた物品の中には、ギター、ダガー、羽根つき帽子、バックル付き靴などがあり、ロマン主義芸術運動の死の象徴となっている。それは写実主義の人気の高まりによってロマン主義の死がもたらされることの象徴とも、クールベの作風におけるロマン主義の死の象徴とも思われる。この猟師姿の人物は、制作の構想初期には用意されておらず、後から書き加えられたことが分かっているが、これをナポレオン3世と見立てる見解もある。リンダ・ノックリンは本作を、社会組織の共同体主義的モデルのひとつであるフーリエ主義に対する、クールベの傾倒の表明と解釈している。
Title: 二つの円のある自画像 (Self-Portrait with Two Circles)
Section: abstract

『二つの円のある自画像』（ふたつのえんのあるじがぞう、蘭: Zelfportret met twee cirkels, 英: Self-Portrait with Two Circles）は、オランダ黄金時代の巨匠レンブラント・ファン・レインが1665年から1669年ごろに制作した自画像である。油彩。油彩画だけで40を超えるレンブラントの自画像の中でも、特に最晩年に制作された作品の1つで、背景に謎めいた2つの円が描かれていることで知られ、様々な解釈が行われたが、いずれの説も広い合意には至っていない。現在はロンドンのケンウッド・ハウスに所蔵されている。またルーヴル美術館に同時期の自画像が所蔵されている。
Title: 二つの円のある自画像 (Self-Portrait with Two Circles)
Section: 作品

レンブラントは白いリネンの帽子を被り、毛皮で裏打ちされた黒い上着をまとって立ち、鑑賞者の側をじっと見つめる自身の姿を描いている。上着の下に赤いベストを着ており、その下から白いブラウスがのぞいている。レンブラントは右手を腰に置いているようにも見えるが、正確な位置は不鮮明である。これに対して左手には木製のパレットに加えて、数本の絵筆とモールスティック（絵筆を支えるのに用いる腕木）を持っている。レンブラントの背後の壁には2つの円が横に並べて描かれている。どちらの円も大きいために縦長の画面には収まっていない。レンブラントが立っているのは、ちょうど画面中央の2つの円の間であるが、中央よりもやや左側に立っているため、画面左の円の孤がレンブラントの身体で隠れている。背景は灰色がかったベージュであり、本作品のように明るい背景のレンブラントの作品は数が少ない。画面右端には縦に線が入っているが、これはレンブラントの前のイーゼル上に置かれたキャンバスと考えられている。人物像は実物大よりも大きく描かれている。レンブラントの自画像としては珍しく、署名と日付を欠いているが、科学的な調査により画面の両端は左10センチ、右3センチほど切り落とされた可能性が指摘されており、この切断された箇所とともに署名が失われた可能性も考えられる。帰属については過去に一度も疑われていない。
Title: 二つの円のある自画像 (Self-Portrait with Two Circles)
Section: 作品
Subsection: 制作

全体的に粗い描写を特徴としており、部分的に即興的な描写も見られる。たとえば、帽子は幅の広い筆触が残されたままになっており、白い絵具が荒く塗り重ねられている。上着は不鮮明で厚く塗られた絵具は単調であり、右手は描かれておらず、各種の道具を持った左手も不鮮明である。道具の描写はせいぜい何を持っているかが分かる程度のもので、最低限の輪郭を即興的に絵筆を走らせただけで描いている。パレット中央部はほとんど何も描かれていないため、レンブラントの上着が透けて見える。絵具が乾く前に絵筆の柄で引っかいて線を入れる即興的な技法もしばしば使用しており、パレット下の布らしきものや、顔の右眉尻、ひげ、うねるような右ほほ沿いの白髪、ブラウスの胸元などにそれが見られる。ハイライトは人物像の右の額、頬、あご、鼻先に配置している。とりわけ鼻先のハイライトはおおまかで、絵具を置いただけという印象であり、周囲の肌の色となじませた形跡がなく、さらにその隣に赤い絵具を置いている。下地はおそらく薄い灰色を用いているが、髭の左側やあごの割れ目など、部分的に露わになっている。X線撮影による科学的調査は、レンブラントが腕と身体の向きを変更していることを明らかにしている。当初、レンブラントは鏡に映った姿をそのまま描いており、画中の身体はわずかに右を向き、左手に1本の絵筆を、右手に数本の絵筆とモールスティックを持っていた。また絵筆を持った左手は高く上げられ、キャンバスに向かって色を塗るポーズをとっていた。しかし鏡に映った姿は左右が逆になるため、実際の姿として描く必要から左手を下げ、右手に持った物を左手に移した。この修正は即興的に行われた。最も謎めいている背後のシンプルな2つの円は制作途中のような印象を受けるが、この状態で完成していると考えられている。興味深いことに、作中で最も完成度が高いのは背景部分である。加えてレンブラントが珍しく明るい色調で背景を描いている理由は、円を視認しやすくするためであり、したがって背景に円を描くことは当初から意図していたと考えられる。X線撮影による調査で、円の内側に何かを描こうとしたり、あるいはすでに描かれていたものを消し去った痕跡が発見されなかったことはそれを裏付けている。
Title: 二つの円のある自画像 (Self-Portrait with Two Circles)
Section: 解釈
Subsection: 完全性と永遠性説

1970年、美術史家ベン・ブロースは、1658年のエッチング『リーフェン・ウィレムス・フォン・コペノル』（Lieven Willemsz van Coppenol）において、レンブラントがモデルの筆耕家コペノルの手元の紙に円を描き込んでいる点に注目し、カレル・ファン・マンデルがジョルジョ・ヴァザーリに基づいて紹介したイタリア人画家ジョット・ディ・ボンドーネの有名な逸話と結びつけて解釈した。それによるとジョットは画家としての自らの技術を披露するため、コンパスを用いずに円を描いたと伝えられている。そこでブロースはレンブラントがエッチングに円を描くことにより、コペノルの筆耕家としての優れた技術を象徴的に示していると指摘した。またブロースは、詩人ヨースト・ファン・デン・フォンデルが円を永遠性の象徴と解釈した詩を残していることを指摘し、レンブラントは本作品の背景に円を描き、完全性と永遠性の前に立つ自らの姿を描くことで、自身を偉大な画家であると主張しているとした。この説は現時点では最も妥当性のあるものとされているが、反論もある。たとえばこの2つの円がジョットの逸話に基づいているならば一筆で描かれているべきであるが、レンブラントは画面右の円を数回にわたって線を繋いで描いている。描かれた円の形状は歪みのない真円とは言えず、また部分的にしか描かれていない。
Title: 二つの円のある自画像 (Self-Portrait with Two Circles)
Section: 解釈
Subsection: 理論と実践説

ヤン・アメリング・エメンス（Jan Ameling Emmens）の1968年の説によると、背景の円はレンブラントの絵画に対する理論的表明である。エメンスはチェーザレ・リーパの寓意画集『イコノロジーア』に基づいて背景の2つの円を「理論」と「実践」の象徴とし、背景の2つの円の間に立つ自身を描くことで、「理論」と「実践」の間に立つ才能の持ち主であることを象徴的に主張していると解釈した。またエメンスは画面右の円弧と右端の直線を「実践」の擬人像が持つ円と物差しであると考えた。もっとも、右端の直線は画中に描かれたキャンバスであると考えられており、エンメスの解釈は誤りと見なされている。
Title: 二つの円のある自画像 (Self-Portrait with Two Circles)
Section: 解釈
Subsection: 世界地図説

アンリ・ファン・デ・ヴァール（1956年）、およびクルツ・バウホ（1966年）は背景の2つの円は半球の地図を示していると指摘した。さらにH・ペリー・チャップマン（H. Perry Chapman）は普遍的な巨匠になるという野心を世界地図によって表したとした。しかしこの解釈はブラウン（1991年）、デ・ヨング、ヴェーテリンク（2005年）といった多くの反論によって退けられている。
Title: 二つの円のある自画像 (Self-Portrait with Two Circles)
Section: 来歴

絵画の初期の来歴は不明である。少なくとも1750年代半ばにはフランスのヴァンス伯爵クロード＝アレクサンドル・ド・ ヴィルヌーヴ（Claude-Alexandre de Villeneuve, Comte de Vence）が所有しており、1755年にアントワーヌ・ド・マルスネ・グイ（Antoine de Marcenay de Ghuy）が版画を制作している。その後、絵画はブリュッセルの何人かの個人コレクションに所蔵され、イギリスの肖像画家ジョシュア・レイノルズ卿がフランドルとオランダを旅行した際に本作品を見ている。19世紀になると絵画はロンドンに移った。絵画を購入したのは画商ウィリアム・ブキャナン（William Buchanan）とおそらくクリスティアヌス・ヨハネス・ニーウェンハイス（Christianus Johannes Nieuwenhuys）であり、1836年に第3代ランズダウン侯爵ヘンリー・ペティ＝フィッツモーリスによって800ポンドで購入された。それから間もなく侯爵は死去し、絵画は一族に相続された。その後絵画は長年にわたって侯爵家が所有していたが、1888年に孫の第5代ランズダウン侯爵ヘンリー・ペティ＝フィッツモーリスは画商アグニューズに売却し、同年7月10日、初代アイヴァー伯爵エドワード・セシル・ギネスが購入した。1925年、アイヴァー伯爵はロンドンのケンウッド・ハウスを購入し、肖像画ほか62点の絵画コレクションを移した。そして1927年に死去すると、自身のコレクションを邸宅および邸宅がある敷地とともに国家に遺贈した。
Title: 盗まれた接吻 (The Stolen Kiss (Fragonard))
Section: abstract

『盗まれた接吻』(ぬすまれたせっぷん、仏: Le Baiser à la dérobée、英: The Stolen Kiss) は、フランスの画家ジャン・オノレ・フラゴナール、または マルグリット・ジェラール、または二人が共同で制作した油彩画である。18世紀の終わりに本作はポーランド・リトアニア共和国の最後の国王であったスタニスワフ・アウグスト・ポニャトフスキに所蔵されていたが、19世紀初めに国王のラズィエンキ宮殿がアレクサンドル1世の所有となったのに際し、ロシア帝国のコレクションに入り、1895年に現在の所蔵先であるサンクトペテルブルクのエルミタージュ美術館に移された。
Title: 盗まれた接吻 (The Stolen Kiss (Fragonard))
Section: 概要

本作が最初に言及されたのは、1788年のメルキュール・ド・フランス誌において本作に基づくニコラ・フランソワ・レニョーの版画が掲載されたときである。長年、本作は、ジャック・ルイ・ダヴィッドの新古典主義の様式を取り入れたフラゴナール晩年の作品と考えられてきた。しかし、2002年にフランスの美術史家ピエール・ロザンベールが、イタリアの画家ガエターノ・ガンドルフィの書簡に関する刊行をして以来、作者については熱い議論がなされている。1787年、パリにいたガンドルフィは、ローマの息子に宛てた書簡の中で「(彼は) もはや絵を描いていないが、筆を姪のマルグリット・ジェラールに与えた。私は彼の絵画の1点に『盗まれた接吻』という奇妙なタイトルが付けられた作品を見たのであるが、それは、大部分は彼女によって描かれたものである。彼は若い人々が何を望んでいるか、もはや理解さえしていない」と述べている。実際には、フラゴナールのもとで学んでいたマルグリット・ジェラールは画家の姪ではなく、画家の妻の妹であった。彼女は自身の母親が亡くなった1775年にフラゴナールの家に同居し、30年間ルーヴルにあったその家に住んだ。彼女の絵画の多くは、彼女の名高い親族や教師の援助によって制作された。この事実から、フラゴナール自身が本作の作者であることに疑いはない。ジェラールによって描かれた詳細な部分は17世紀のハブリエル・メツーやヘラルト・テル・ボルフなどオランダ黄金時代の絵画を想起させ、その上、当時の流行を追ったものである。見事な光沢の絹のサテン、少女の衣装のモヘアとストライプの薄織、オービュソンのカーペットに描かれた美しい絵、ドアと裁縫台の彫りなどにそれが見て取れる。ジェラールは、織物の質感の描写に秀でていたことで名声を得た。
Title: ブージヴァルのダンス (Dance at Bougival)
Section: abstract

『ブージヴァルのダンス』 (仏: Bal à Bougival )は、ピエール＝オーギュスト・ルノワールによる1883年作の絵画。現在、アメリカ合衆国マサチューセッツ州ボストンにあるボストン美術館の所蔵で、「美術館で最も愛される作品のひとつ」だと言われている。
Title: ブージヴァルのダンス (Dance at Bougival)
Section: 主題

作品のモデルは、ルノワールの友人シュザンヌ・ヴァラドンとポール＝オーギュスト・ロートである。場所はパリ近郊ブージヴァル。
Title: ブージヴァルのダンス (Dance at Bougival)
Section: 様式

この作品は、ルノワールが印象派独特の明るい色合いを維持しながらも、ルーヴル美術館の絵画の模写を通して学んだ、より古典主義的な様式を取り入れた最初の作品だと言われている。
Title: ブージヴァルのダンス (Dance at Bougival)
Section: 参照項目

都会のダンス田舎のダンス
Title: パリの通り、雨 (Paris Street; Rainy Day)
Section: abstract

『パリの通り、雨』（パリのとおり、あめ）は、画家ギュスターヴ・カイユボットが1877年に制作した油彩画であり、代表作の一つ。
Title: パリの通り、雨 (Paris Street; Rainy Day)
Section: 概要

パリの街を歩くブルジョワ階級の情景を描いた作品である。描かれている場所は、サン・ラザール駅の近くで、ジョルジュ・オスマンのパリ改造で道路が新たに引かれた地域である。カイユボットは、この近くで生まれ育ったが、当初は細く曲がりくねった路地や坂が走っていたこの地域に、大きな街路が整備され、パリの町並みが変貌を遂げていく時期であった。登場人物は、最新のファッションに身を包んでいる。作品のサイズが大きいため、人物はほぼ等身大で描かれている。完成度の高い表面の仕上げ、厳密な遠近法、大きなスケールは、サロン・ド・パリを支配していた伝統的なアカデミズム絵画に慣れた観衆には受け入れられやすかった。しかし、同時に、非対称の構図、画面の思い切った切り取り方、雨の雰囲気、現代的な主題といった点で、従来にない革新性を備えている。この作品は、1877年の第3回印象派グループ展に出品された。1876年の第2回展直後から、第3回展のために準備していた作品であると思われる。同じ展示室には、本作と同じ「ヨーロッパ地区」を描いたカイユボットの『ヨーロッパ橋』のほかに、クロード・モネの「サン・ラザール駅」連作も展示され、場所的に近い作品が並べられた。しかし、モネの「サン・ラザール駅」が大胆な筆触による印象主義的な作品であるのに対し、カイユボットの作品は完成度の高い仕上げを用いており、画風としては異質であった。
Title: パリの通り、雨 (Paris Street; Rainy Day)
Section: 来歴

1894年にカイユボットが亡くなると、弟マルシャル・カイユボットら遺族がこれを相続した。1954年、ニューヨークのウォルター・P・クライスラー・ジュニアが購入し、1964年、ウィルデンシュタイン社が購入、同年シカゴ美術館が取得して現在に至る。
Title: 小路 (The Little Street)
Section: abstract

小路（こうじ、こじ、しょうじ）
Title: 小路 (The Little Street)
Section: 地名

小路 (天童市)（こうじ） - 山形県天童市の地名。小路 (犬山市)（こじ） - 愛知県犬山市の地名。小路 (あま市)（しょうじ） - 愛知県あま市の地名。小路 (大阪市)（しょうじ） - 大阪府大阪市生野区の地名。小路 (下市町)（しょうじ） - 奈良県吉野郡下市町の地名。小路 (隠岐の島町)（こうじ） - 島根県隠岐郡隠岐の島町の地名。
Title: カーネーションの聖母 (Madonna of the Pinks)
Section: abstract

『カーネーションの聖母』（カーネーションのせいぼ（伊: Madonna dei Garofani, 英: Madonna of the Pinks））は、盛期ルネサンスの画家ラファエロ・サンティが1506年から1507年頃に描いた絵画。イチイ材に油彩で描かれた板絵で、ロンドンのナショナル・ギャラリーが所蔵している。
Title: カーネーションの聖母 (Madonna of the Pinks)
Section: Subject matter

『カーネーションの聖母』には両手にカーネーションを持って幼児キリストをあやす、若き聖母マリアが描かれている。カーネーションはナデシコ属の植物で、その属名「dianthus」はギリシア語で「神の花」を意味し、キリストの受難の予兆の寓意として美術作品に描かれる。キリスト教の伝承では、キリストが磔刑に処せられマリアが嘆き悲しむ場面にカーネーションが登場している。この作品は初期フランドル派からの影響と見られる薄暗い室内に聖母子が浮かび上がるように描かれた絵画である。絵画の構成はレオナルド・ダ・ヴィンチの『ブノワの聖母』（1478年、エルミタージュ美術館所蔵）と非常によく似ているが、マリアと屋外の風景を結びつける青と緑の彩色はラファエロ独自のものである。半円形の窓越しに見える風景には崩れた建物が描かれており、これはキリストの誕生によってそれまでの異教世界が崩壊したことを表している。
Title: カーネーションの聖母 (Madonna of the Pinks)
Section: 来歴

『カーネーションの聖母』は時祷書よりもやや大きい程度の、手軽に持ち運び可能な小作品で、祈りを捧げる際に手元に置くような用途を意図していたと考えられる。この作品の正確な依頼主は伝わっていないが、1850年代の財産目録から、ペルージャの名家オッディ一族のマッダレーナ・デッリ・オッディが聖職に就いたときに描かせたものではないかといわれている。19世紀には新古典主義のイタリア人画家ヴィンチェンツォ・カムッチーニ (en:Vincenzo Camuccini) が所蔵していた。