shintaro-ozaki/entity-explanation huggingface dataset:
Title: V・ヌビオラの肖像 (Portrait of Vincent Nubiola)
Section: abstract

『V・ヌビオラの肖像』（V・ヌビオラのしょうぞう、英: Portrait of Vincent Nubiola）はスペイン・カタルーニャの芸術家ジョアン・ミロの初期の油彩画。この作品は1917年、彼が24歳の時に描かれ、翌年には彼の初の個展が開かれている。この肖像画はミロがキュビスムとフォーヴィスムの融合を試みていた初期の傑作と考えられている。またゴッホの画風の影響を指摘する評論家もいる。この絵は一時ピカソが所有したのち、ドイツ・エッセンのフォルクヴァンク美術館が所有している。
Title: V・ヌビオラの肖像 (Portrait of Vincent Nubiola)
Section: 来歴

ミロは幼いときより絵画への情熱を示し、14歳の時には絵画教室に通っていた。17歳の時に商社の帳簿係として勤め始めたが神経衰弱となり、絵画の道を志した。彼が1913年にヌビオラと会ったのはバルセロナのカトリック系絵画サークルである聖ルカ文化サークルにおいてである。ヌビオラはバルセロナの美術専門学校の農学教授だった。このサークルで、ミロは生涯の友の一人であり後にミロ美術館の設立協力者となったジョン・プラッツと出会った。『V・ヌビオラの肖像』は1917年に描かれ、1918年2月-3月にバルセロナのダルマウ画廊で開かれたミロの初めての個展で展示された。
Title: V・ヌビオラの肖像 (Portrait of Vincent Nubiola)
Section: 解説

この肖像画はミロがキュビスムとフォーヴィスムの融合を試みていた初期の傑作と考えられている。例えばテーブルがキュビスム風に歪んでいるが、これが画面に独特のリズムをもたらしている。ヌビオラの腕が異様にねじれた様子は、ある種の暴力的な衝動を感じさせる。この絵を含め、1917年から翌年にかけてミロは 9 点の肖像画を制作した。その一つとして、現在ニューヨークのメトロポリタン美術館に所蔵されている『E・C・リカルトの肖像』（1917年）がある。この絵に関して、ミロが日頃から尊敬していたゴッホの画風からの影響を複数の識者が指摘している。『V・ヌビオラの肖像』は左下に「Miró」と署名が入れられている。この絵では、果物、葡萄酒のデカンタ、植木鉢が置かれたテーブル脇の椅子にヌビオラが腰掛けている。人物の後ろの平坦な背景は三角形と円弧で装飾されている。襟の開いたシャツの赤は、彼の政治的な急進主義を表している。1919年にミロ自身も、同じシャツを着た自画像を描いている。この自画像は後にピカソが取得している。
Title: V・ヌビオラの肖像 (Portrait of Vincent Nubiola)
Section: 由来

『V・ヌビオラの肖像』はドイツ・エッセンのフォルクヴァンク美術館が、1966年にデュッセルドルフのヴィルヘルム・フォルクヴァンク画廊から購入し、所有している。この買い取りは、ノルトライン＝ヴェストファーレン州と西ドイツ放送局からの援助を得て行なわれ、登録番号 Inv. G 351 が付けられた。
Title: V・ヌビオラの肖像 (Portrait of Vincent Nubiola)
Section: 関連文献

Clavero, Jordi.J (2010), Fundació Joan Miró. Foundation's Guide, Barcelona: Polígrafa, ISBN 978-84-343-1242-5
Title: 怠け者の天国 (The Land of Cockaigne (Bruegel))
Section: abstract

『怠け者の天国』（なまけもののてんごく、オランダ語: Luilekkerland, 英語: The Land of Cockaigne）は、フランドルの画家ピーテル・ブリューゲルが1567年に描いた絵画。ドイツ・ミュンヘンのアルテ・ピナコテークに所蔵されている。縦 51.5 センチメートル、横 78.3 センチメートルの大きさをもつ。彫版職人のピーテル・ファン・デル・ヘイデンによって、本作を原画とした同名の彫版画が製作されている。16世紀には、オランダの写本やドイツの版画において、寝て待っているだけで食糧がやってくるといった「怠け者の天国」を主題とした作品が発表されており、ブリューゲルもこれらにヒントを得たものと考えられている。
Title: 怠け者の天国 (The Land of Cockaigne (Bruegel))
Section: 作品

画面右手前には、毛皮のついたコートを身にまとった聖職者が描かれている。その隣では農夫が、脱穀に用いる農具の上に身を置いている。その後方には、兵士が描かれており、手袋や槍が投げ出されている。3人とも、腹をいっぱいにして木の回りに寝そべっている。画面手前中央には、スプーンが挿し入れられた、足を生やしたゆで卵が描かれている。画面左奥には、甲冑を身につけた騎士が、ヒバリの焼き鳥がやってくるのを、口を開けて待っている。小屋の屋根の上では、タルトやパンケーキがひとりでに大きくなっている。画面右奥には、焼かれたガチョウが自ら皿の上に身を横たえようとしており、その付近では、ナイフが背中に突き刺さった状態の焼かれたブタが駆けている様子が描かれている。
Title: 民衆の前に現れたキリスト (The Appearance of Christ Before the People)
Section: abstract

「民衆の前に現れたキリスト」（ロシア語: Явление Христа народу、英語: The Appearance of Christ Before the People）はアレクサンドル・アンドレイェヴィチ・イワノフ（またはイヴァーノフ、ロシア語: Алекса́ндр Андре́евич Ива́нов）   が死の直前まで20年かけて描いた絵画（1857年油彩、カンヴァス540x750cm）。モスクワのトレチャコフ美術館所蔵。  18-19世紀ロシア美術の最高傑作のひとつといわれる。
Title: ダルムシュタットの聖母 (Darmstadt Madonna)
Section: abstract

『ダルムシュタットの聖母』（ダルムシュタットのせいぼ、独: Darmstädter Madonna、英: Darmstadt Madonna）、または『ヤコプ・マイヤー・ツム・ハーゼンの聖母』（ヤコプ・マイヤー・ツム・ハーゼンのせいぼ、独: Madonna des Bürgermeisters Meyer、英: Madonna of Jakob Meyer zum Hasen）は、ドイツ・ルネサンス期の画家ハンス・ホルバインが1526-1528年に板上に油彩で制作した絵画である。バーゼルで完成したこの作品は、聖母マリアと幼子イエス・キリストの周囲に集まっているバーゼル市長ヤコプ・マイヤー・ツム・ハーゼン、彼の先妻 (すでに亡くなっていた) 、後妻、そして娘を表している。ホルバインの宗教画の大作の中でも最後の作品であり、最も有名な作品である。また、とりわけ個々の人物の描き方、空間表現、皺のある絨毯の描き方などに見られる写実性の点で最も成功している作品でもある。
Title: ダルムシュタットの聖母 (Darmstadt Madonna)
Section: 作品

聖母マリアはホタテ貝型の壁龕に立ち、幼子イエスを抱いて、マイヤーの家族に囲まれている。聖母の右側で横顔を見せているのはマイヤーの最初の妻マクダレーン・バール、その手前にいるのが後妻のドロテア、一番手前で跪いているのは娘のアナである。左側にいる2人の男の子について、フラニー・モイル (Franny Moyle) は「少年と赤ん坊はマイヤーの亡くなった2人の息子である」と記述している。聖母のモデルは、ホルバインの愛人マクダレーナ・オッフェンブルクであると考えられている。聖母が被っている神聖ローマ帝国の王冠を模した環状の王冠は、聖母を「天の女王」として認めるものである。本作は「慈悲の聖母」の類型で、寄進者であるマイヤーが自身と家族のために神の保護を求めている。絵画は、積極的に宗教改革に反対した市長のカトリック信仰を証言したものであるが、例外的にマイヤーは聖母マリアと同じ大きさで描かれている。ホルバインの『ダルムシュタットの聖母』はドイツとイタリア両方の絵画の特徴を備えている。冷たい写実主義と線の精密さはドイツ絵画の伝統にあるものである。一方、左右対称的な「慈悲の聖母」の構図、古典的なモティーフ、聖母の柔和な顔つきなどはイタリア・ルネサンス絵画を起源とする。ファニー・モイルによれば、本作は、アンドレア・マンテーニャによる1496年の『勝利の聖母』 (ルーヴル美術館) に影響を受けており、両作の遠近法的アプローチは…ほとんど同じである」という。2人の男の子はラファエロ的なピラミッド型構図に収まっており、金髪の巻き毛とぽっちゃりとした頬の赤ん坊はレオナルド・ダ・ヴィンチの類型である。幼子イエスの勇敢に伸ばされた腕に見られる前面短縮法、赤ん坊の自然なポーズはレオナルドの『岩窟の聖母』 (ルーヴル美術館) を想起させる。作品は以前ダルムシュタットにあったので、題名も『ダルムシュタットの聖母』となっているが、2004年から2011年まではフランクフルトのシュテーデル美術館に寄託されていた。2012年に絵画は、ヴュルト (Würth)・コレクションのオールド・マスター絵画の常設展示作品としてシュヴェービッシュ・ハルのヨハニテル教会に展示された。
Title: 聖母と聖ヨハネとキリストの磔刑 (Crucifixion with the Virgin and St John)
Section: abstract

『聖母と聖ヨハネとキリストの磔刑』（せいぼとせいヨハネとキリストのたっけい、蘭: De kruisiging met Maria en Johannes、英: Crucifixion with the Virgin and St John）は、オランダ黄金時代の画家ヘンドリック・テル・ブルッヘンが1625年ごろ、キャンバス上に油彩で制作した絵画である。プロテスタントのカルヴァン派が主流であったネーデルラント連邦共和国の、おそらくユトレヒトにあったカトリックの「隠れ教会」(蘭: schuilkerk) 用の祭壇画として制作されたと思われる。1956年、ロンドンのサウス・ハックニー にあった爆撃された教会から発見された時、絵画は知られていなかったが、同年11月のサザビーズの競売に登場するまでには、ユトレヒトのカラヴァッジョ様式の重要な作例として認識されていた。作品は、その競売でニューヨークのメトロポリタン美術館に購入された。絵画の保存状態は良い。聖母マリアの灰色の外套と夜空の灰色がかった緑色は当初はもっと鮮やかであったが、退色しやすいスマルト顔料で塗られたため色が褪せていることを示唆している。
Title: 聖母と聖ヨハネとキリストの磔刑 (Crucifixion with the Virgin and St John)
Section: 来歴

制作年は部分的にしか判読できないが、本作は、テル・ブルッヘンが1625年に制作した『聖イレーネに介護される聖セバスティアヌス』（アレン記念美術館、オーバリン、オハイオ州) に様式的にもっとも近い。おそらく、作品は礼拝堂、または私設教会のために委嘱されたと思われるが、その礼拝堂、または教会がカトリックのものであったのか、プロテスタントのものであったのかについては論争がある。ユトレヒトではカトリックは容認されていたものの、奨励されてはいなかった。1657年6月27日の競売用のヨハネス・デ・レニアルメの死後の目録は、137番として「Een Christus aen 't cruys, van Van der Brugge」という作品を載せており、150ギルダーと見積もられているが、おそらく本作のことである。作品は、1898年から1956年までロンドンのサウス・ハックニーにあったクライスト教会 (Christ Church) の側面礼拝堂の祭壇画であったが、1956年に教会は取り壊され、作品はハックニーの聖ヨハネ教会に移された。教会は、オックスフォードのナイジェル・フォックスウェル (Nigel Foxell) に75ポンドで売却した。 フォックスウェルは、1956年11月28日に絵画をサザビーズの競売に出品した。絵画は作品番号115として15,000ポンドで売却された。フォックスウェルは、サザビーズの10％の手数料を引いた額の利益をロンドン教区に寄贈した。
Title: 聖母と聖ヨハネとキリストの磔刑 (Crucifixion with the Virgin and St John)
Section: 構図

テル・ブルッヘンの絵画は、『新約聖書』中の「ヨハネによる福音書」から採られている。「それで、イエス・キリストが愛した弟子を傍らにして、母を見た時、『女性よ、あなたの息子を見なさい！』と言った。それから、弟子に、『あなたの母を見なさい！』と言った。そして、その時に弟子は彼女を彼の家に連れていった」 (「ヨハネによる福音書」 19:26-27)。死せるキリストは、聖母マリアと使徒ヨハネが悼んでいる。 十字架の下には骨があり、それは伝統的にアダムの骨だとされている。情景は深い闇の中に設定されており、星が背後に見える。低い地平線と、この作品が祭壇画として展示されたであろう高い位置により、鑑賞者は頭蓋骨と骨に真正面から向き合うことになり、鑑賞者が地理的に (頭蓋骨がある場所であるゴルゴタ) 、そして実在的に (メメント・モリの形で) どこにいるかを教えられる。 キリストの頭部は、1621年から1623年に描かれたテル・ブルッヘンの『聖トマスの懐疑』 (アムステルダム国立美術館) のキリストに類似している。テル・ブルッヘンが一度ならず同じモデルを利用したことは、オーバリンの絵画に見られる聖セバスティアヌスと本作の聖ヨハネの間の類似性により示唆される。作品の星空は、「マタイによる福音書」にある「6時から9時まで地を暗闇が覆った」から採られている (「マタイによる福音書」 27:45) 。テル・ブルッヘンは、情景を非常に自然に描いているため、本当に彼が完全な日食を目撃したかのように思えてくる。実際、彼がローマにいた時の1605年10月12日の水曜日に日食があったのである。ただし、完全な日食が起きた場所はシチリアであった。日食の情景は、画家の『聖イレーネに介護される聖セバスティアヌス』に用いられたものと同じような様式で描かれているように見える。おそらく、本作はユトレヒトにおける対抗宗教改革の文脈に位置づけられ、したがってカトリックの顧客のために描かれたであろうということは、キリストの傷から流れ出る不自然で、古めかしい血液の描き方により示唆される。キリストの血液は視点上に描かれたように見え、聖餐の明確な象徴として機能している。この文脈で、聖母マリアは信心深い人の取り成し役となっている。この血液のモティーフは1400年以前の絵画や、その直後のヤン・ファン・エイクの『磔刑』(ベルリン絵画館) などに頻繁に描かれたが、テル・ブルッヘンの時代には、カルヴァン派のイコノクラスムとトリエント公会議後のカトリックの神学により滅多に描かれなくなった。マリアが教会を象徴するとすれば、ヨハネは司祭を象徴する。彼らは様式的に新しく、カラヴァッジョ的な外見により、古めかしく描かれているキリストとは区別される。鑑賞者は、キリストのお馴染みの図像的描写に安堵したであろうが、洗練された趣味の人は、ヨハネとマリアの流行していた描写を堪能し、他の知られていた作品を参考にしていることを賞賛したであろう。本作の構図は、テル・ブルッヘンの時代までには広く流通していたアルブレヒト・デューラーの1511年の版画の構図、テル・ブルッヘンがユトレヒトの聖ヨハネ教会 (St. John's Church) で見たであろう『ヘンドリック・ファン・レインの磔刑』 (1363年) の構図、 ドイツのマティアス・グリューネヴァルトの『磔刑』 (1470-1528年ごろ) の構図と比較されてきた。
Title: ニュンペーとサテュロス (Nymphs and Satyr)
Section: abstract

『ニュンペーとサテュロス』（フランス語: Nymphes et un satyre）は、フランスの画家ウィリアム・アドルフ・ブグロー作の絵画。キャンバスに油彩の作品である。
Title: ニュンペーとサテュロス (Nymphs and Satyr)
Section: 概要

この作品がパリのサロンで公開された1873年は、クロード・モネ、エドガー・ドガらの印象派の画家が「第1回印象派展」と呼ばれる展覧会を開く、前の年である。ウィリアム・アドルフ・ブグローはアカデミック美術の代表的な画家で、この作品は批評家に「われわれの世代の最も偉大な絵」("the greatest painting of our generation")と称された。1873年7月26日に、アメリカの美術収集家で投機家のジョン・ウルフ(John Wolfe)に3万5000フランで購入され、彼の邸宅で多年にわたって公開された。この作品は1888年に競売に掛けられ、1901年までニューヨークのホフマン・ハウス・ホテル(Hoffman House Hotel)のバーに飾られていたが、1901年に別の収集家に買われ、買い手はその「不快な」('offensive')内容を公衆から遠ざけておきたいと考え、これは収蔵庫にしまわれていた。1942年にミシン製造で知られる「シンガー製作所」の創業者の孫で、マサチューセッツ州、ウィリアムズタウンにクラーク美術館(Clark Art Institute)を創立した、ロバート・スターリング・クラーク(Robert Sterling Clark)が保管されているのを発見し、入手した。クラーク・インスティテュートは次のように解説している。「この作品は人里はなれた泉でニンフたちが水浴びをしているところへ、好色なテュロスが現れた場面を描いている。ニンフたちは驚いて、画面の右に数人のニンフたちが逃げて木陰に隠れているところが描かれている。勇気あるニンフたちはサテュロスを懲らしめるために冷たい水の中に引き込もうとしていて、すでにサテュロスの片足は濡れていて、泳げないサテュロスは困惑し、気持ちが萎えてしまったことは表情からうかがえる。ブグローの伝統的な制作方法を取り、複雑なポーズをとった人物像をいくつも描き、それらを構成し、このすばらしくリズミカルな構図を作り上げた。」("a group of nymphs have been surprised, while bathing in a secluded pond, by a lascivious satyr.Some of the nymphs have retreated into the shadows on the right;others, braver than their friends, are trying to dampen the satyr's ardor by pulling him into the cold water -- one of the satyr's hooves is already wet and he clearly wants to go no further.Bouguereau’s working methods were traditional;he made a number of sketches and drawings of carefully posed human figures in complicated interconnected poses, linking them together in this wonderfully rhythmical composition.")1873年の展覧会では、これは古代ローマの詩人プブリウス・スタティウスの詩とともに公開された:「自分の毛むくじゃらの皮膚に気づき、子供時代から泳ぎ方を教わっていないので、彼は、深みでも大丈夫なのか自分を信じる勇気がない」(英訳“Conscious of his shaggy hide and from childhood untaught to swim, he dares not trust himself to deep waters.”)この絵は、クラークの収集のなかで最も大きく、かつ最も愛されたもののひとつであった。2012年3月10日までに、ラファエル・バーンスタイン(Raphael Bernstein)らの寄付で設立されたパーナサス・ファウンデーション(Parnassus Foundation)からの助成金の受け、絵画の洗浄作業が実施された。
Title: 蛇使いの女 (The Snake Charmer (Rousseau))
Section: abstract

『蛇使いの女』（へびつかいのおんな、フランス語: La charmeuse de Serpents）は画家のアンリ・ルソーによって制作された絵画。 制作年は1907年で、現在オルセー美術館に所蔵されている。絵の舞台は熱帯のジャングルで、ルソーがパリの植物園でスケッチしたさまざまな植物を基にして描いた。淡い緑色の木々が鬱蒼と生い茂る密林の中に、笛を吹く黒人女性の黒いシルエットが浮かび上がっている。シルエットの中から目だけが白く光り、前方を見つめている。笛の音に魅せられた蛇が、飼い慣らされた動物のように従順に女性にからきている。
Title: 蛇使いの女 (The Snake Charmer (Rousseau))
Section: 歴史

この絵は画家ロベール・ドローネーの母によって依頼され制作された。ルソーは、彼女が話したインドでの経験を聞き、この作品の主題を決めたといわれている。これはルソーの最初の大作であり、1907年の秋のサロンに展示された。  ルソーはフランス国外を旅行したことがないため、絵画のエキゾチックな植物は、ルソーがパリ植物園を訪れたことや雑誌から生みだした。 ロベール・ドローネーはこの絵を1922年にジャック・ドゥーセに売却し、「蛇使いの女」は、ドゥーセのスタジオで展示されていた。ドゥーセはこの絵を国に遺贈し、1936年からルーヴル美術館に展示され、1978年にこの絵はパリ市立近代美術館に移され、1985年からオルセー美術館で展示されている。
Title: 蛇使いの女 (The Snake Charmer (Rousseau))
Section: 説明

絵は非対称の縦の構図で、右側にジャングル、左側にフルートを吹く女性が満月からの月明かりに照らされて詳細に描かれている。音楽に魅了されたヘビは、絵全体に水平に伸びている。オルセー美術館は、この絵を「不穏なエデンの庭にある黒いイブ」と表現した。
Title: 蛇使いの女 (The Snake Charmer (Rousseau))
Section: 大衆文化の参考文献

シルビア・プラスの1957年の詩「スネークチャーマー」とウィラード・エリオットの1975年の作曲「アルトフルートとオーケストラのためのスネークチャーマー」は、ルソーの絵に触発された。   この絵は、オーストラリアのアーティスト、ブレット・リビングストーン・ストロングの絵「アンリ・ルソーへのオマージュ」に影響を与えた。これは、1987年のフリートウッド・マックのアルバム「タンゴ・イン・ザ・ナイト」のアルバムカバーとして知られている。
Title: ウェイク・ベイ・ドゥールステーデの風車 (Windmill at Wijk bij Duurstede)
Section: abstract

『ウェイク・ベイ・ドゥールステーデの風車』（ウェイク・ベイ・ドゥールステーデのふうしゃ、蘭: De molen bij Wijk bij Duurstede、英: Windmill at Wijk bij Duurstede）は、オランダ黄金時代の頂点をなす風景画家ヤーコプ・ファン・ロイスダールが1670年ごろ、キャンバス上に油彩で制作した絵画である。下から見上げたレンガ造りの風車が、暗い雲に覆われた空に立っている。陽光が雲間から漏れ、水面や地面に光の斑を描き出している。ロイスダールは、単純なオランダの川の景色をもとに印象的な絵画を作り出そうとしたのである。本作は、アムステルダム博物館から寄託の形でアムステルダム国立美術館の「栄誉の間」(Gallery of Honour) に展示されている。
Title: ウェイク・ベイ・ドゥールステーデの風車 (Windmill at Wijk bij Duurstede)
Section: 作品

作品は、ユトレヒトから20キロメートルほどの川岸にある町であるウェイク・ベイ・ドゥールステーデを描いている。ここには大きな円筒型の風車があり、それは川の土手や舟の帆と調和し、光と影の対比が、事物と空間の密接な集合体と協調している。細部にわたる注意深さは驚異的である。美術史家のシーモア・スライヴは、航空エンジニアリングと水文学的観点から見て、風車の帆と川の波に見られる正確な細部表現は、最良の水準であると報告している。ロイスダールがいつこの『風車』を描いたのかは判然としていない。1653年以降のほとんどすべての彼の作品と同様に、制作年が記されていない。この年度以降の作品の制作年を特定するのは、ほぼ推量の域を出ないが、本作は1670年に制作されたものと想定されている。他の多くのロイスダールの作品とは異なり、『風車』はオランダ人の所有であり続けたようである。作品は、知られていない時期にアドリアーン・ファン・デル・ホープにより取得され、1854年に新たにできたアムステルダム美術館に遺贈された。1885年7月30日よりアムステルダム国立美術館に寄託の形で展示されている。本作の変わることのない人気は、レンブラントの『夜警』とフェルメールの『デルフト眺望』に次ぎ、その絵葉書が3番目の売り上げとなっていることにも顕れている。
Title: ウェイク・ベイ・ドゥールステーデの風車 (Windmill at Wijk bij Duurstede)
Section: 別のウェイク・ベイ・ドゥールステーデの風車

ロイスダールの描いた風車はもはや現存していないが、その基部は今もみることができる。さらに、200-300メートルほど離れたところにある別の風車がロイスダールの風車としばしば混同されている。このように混同されるようになったのは、研究者ホフステーデ・デ・フロートが1911年に絵画について以下のように記述したことによる。
Title: ウェイク・ベイ・ドゥールステーデの風車 (Windmill at Wijk bij Duurstede)
Section: 類似作品

本作の情景は、他のロイスダールの (特定されていない) 風車の眺望と類似している。ロイスダールの本作は、ジョン・コンスタブルなど後の風景画家を触発した。
Title: クロエ (Chloé (Lefebvre))
Section: abstract

クロエ (Chloe, Chloë, Chlöe, Chloé フランス語発音: [klɔe] 英語発音: [ˈkloui], ギリシア語: Χλόη) は、ヨーロッパ系の女性名。
Title: クロエ (Chloé (Lefebvre))
Section: 概要

ギリシア語で「緑の若い穂」「新緑」「新芽」「若草」「若枝」など、若い植物に関連する意味を持つ女性の名前である。ギリシア神話の豊穣の女神であるデメテルの持つ多くの別称の1つでもある。デメテルの叙事詩に関連し、「開花」「野原の緑の守護者」「豊穣」などの意味も持つ。また、古代ギリシアの恋愛物語『ダフニスとクロエ』に登場することで知られる。そして、新約聖書のコリントの信徒への手紙一1章11節にも「クロエの家」という表現で登場する。クロエはもともとは「輝く」「黄金」「黄色」「緑色」などを表すインド・ヨーロッパ祖語の語根「*ǵʰelh₂-」に由来すると考えられる。なお、葉緑素「クロロフィル (Chlorophyll)」などに付く英語の科学的接頭辞「クロロ-（Chloro-）」も、同じ語根の「*ǵʰelh₂-」から派生したとされるギリシア語の「クロロス（Χλωρός, Khloros）」から由来する。クロロスは春の植物に関連し、「薄緑色の」「黄緑色の」「新鮮な」「みずみずしい」などを意味する。クロエは人気のある古代ギリシア語の女性の名前であり、地域によっては今も人気が高い。1990年代初頭からイギリスで非常に人気があった。北アイルランドでは、1997年から2002年までの新生児の名前で最も人気があった。アメリカでは女児の名前ランキングで2002年にトップで2010年には10位以内だったが、2016年までの間に20位となる。フランスでは2022年に女児名前ランキングが8位だった。オーストラリアのニューサウスウェールズ州では2021年に8位であった。
Title: クロエ (Chloé (Lefebvre))
Section: 実在の人物

クロエ・アーサー - スコットランドのサッカー選手（MF）、同国代表。クロエ・アグニュー - アイルランドの歌手。ケルティック・ウーマンのメンバー。クロエ・イング - シンガポールのフィギュアスケート選手。クロエ・ウェッブ - アメリカ合衆国出身の女優。クロエ・カーダシアン - アメリカ合衆国の女性ソーシャライト、タレント。クロエ・キム - アメリカ合衆国のスノーボーダークロエ・グレース・モレッツ - アメリカ合衆国の女優、モデル。クロエ・ケリー - イングランドのサッカー選手（FW）、同国代表。クロエ・サットン - アメリカ合衆国の競泳選手（自由形）。クロエ・ジャクソン - アメリカ合衆国のWNBAのバスケットボール選手（PG）。クロエ・スウォーブリック - ニュージーランドの政治家、インターネット・ミーム『OK ブーマー』の発信者。クロエ・セヴィニー - アメリカ合衆国の女優。クロエ・チェンゲリ - アメリカ合衆国の女優。クロエ・デュプイー - フランス出身の女子フィギュアスケート選手。クロエ・パケ - フランスのテニス選手。クロエ・ハンスリップ - イギリスのヴァイオリニスト。クロエ・ピエール - フランスのサッカー選手（FW）。クロエ・フィリップ - フランスのサッカー選手（MF）。クロエ・ブリッジス - アメリカ合衆国の女優、声優。クロエ・ベネット - アメリカ合衆国の女優。クロエ・ペプロー - イングランドのサッカー選手（MF）。クロエ・マーシャル - イギリスのモデル。クロエ・マカーデル - オーストラリアのオープンウォータースイミング選手。クロエ・ラム - 香港の女優。クロエ・ルイス - アメリカ合衆国出身の女性フィギュアスケート選手。クロエ・ロガーゾ - オーストラリアのサッカー選手（MF）、同国代表。優希クロエ - アイドルグループ「純情のアフィリア」のメンバー。
Title: クロエ (Chloé (Lefebvre))
Section: 架空のキャラクター

古代ギリシアの恋愛物語『ダフニスとクロエ』のヒロイン。小説『日々の泡』のヒロイン。漫画『キン肉マンII世』の登場人物。ウォーズマン#クロエを参照。ゲーム『クロエのレクイエム』の登場人物。作品の略称としても用いられる。ゲーム『ラストピリオド -終わりなき螺旋の物語-』の登場人物。テレビアニメ『ノワール』の登場人物。テレビアニメ『狼と香辛料』の登場人物。テレビアニメ『電脳コイル』に登場する犬。嘉神川クロエ - ゲーム『メモリーズオフ6 〜T-wave〜』のヒロインの1人。Memories Offシリーズの登場人物#メモリーズオフ6 〜T-wave〜初出を参照。クロエ・ヴァレンス - ゲーム『テイルズ オブ レジェンディア』の登場人物。クロエ・オブライエン - テレビドラマ『24 -TWENTY FOUR-』の登場人物。クロエ・オベール - ライトノベル『転生したらスライムだった件』の登場人物。クロエ・クーリック - アニメ『創聖のアクエリオン』シリーズの登場人物。クロエ・バーデンベルク -『公爵夫人の50のお茶レシピ』の主人公・ヒロイン。クロエ・フォークロード - ライトノベル『ティアムーン帝国物語〜断頭台から始まる、姫の転生逆転ストーリー〜』の登場人物。クロエ・マンスフィールド - 漫画『終末のハーレム』の登場人物。終末のハーレムの登場人物#クロエ・マンスフィールドを参照。クロエ・ルメール - ゲーム『ガールフレンド（仮）』のヒロイン。黒瀬クロエ - 漫画『BLOOD ALONE』の主人公。
Title: クロエ (Chloé (Lefebvre))
Section: その他

クロエ (ブランド) - フランスの女性高級ブランドメーカー。クロエ (ルフェーブルの絵画) - ジュール・ジョゼフ・ルフェーブルによる1875年の絵画。クロエ (映画) - 2001年公開の日本映画。クロエ (小惑星) - 小惑星帯に位置するK型小惑星。CHLOE/クロエ - 2009年制作の、アトム・エゴヤン監督による映画。Chloe - デューク・エリントン作曲の楽曲。クロエ出版 - 日本の出版社。クロエ（Where are you now）- 佐野元春の楽曲。Cloe（クロエ） - アニメ「地球少女アルジュナ」の挿入歌。歌:山本千夏 / 作曲:菅野よう子 / 作詞:Gabriela Robin
Title: プラム (Plum Brandy)
Section: abstract

プラムスモモ亜属の総称。またはその果実。テンニンギクの品種群。プラム (企業) - 日本のアダルトビデオメーカー。プラム (アニメ制作会社) - 日本のアニメーション制作会社。PLUM法 - 緊急地震速報の新しい手法。ピーエムオフィスエーのホビー商品ブランド
Title: アルコレ橋のボナパルト (Bonaparte at the Pont d'Arcole)
Section: abstract

『アルコレ橋のボナパルト』（仏: Bonaparte au pont d'Arcole, 英: Bonaparte at the Pont d'Arcole）は、フランス新古典主義の画家アントワーヌ＝ジャン・グロが1796年に制作した絵画である。油彩。アルコレの戦いでオーストリア軍を破り、フランス軍を勝利に導いた若き英雄ナポレオン・ボナパルトを描いた本作品は、ナポレオン時代の到来を告げる最初の重要作品であり、1801年のサロンに『レフカス島のサッフォー』（Sapho à Leucate）とともに出品され、その姿を広く知らしめた。現在はヴェルサイユ宮殿美術館に所蔵されているほか、サンクトペテルブルクのエルミタージュ美術館、アレーネンベルク城のナポレオン美術館に複製画が所蔵されている。またルーヴル美術館に油彩画習作が所蔵されている。
Title: アルコレ橋のボナパルト (Bonaparte at the Pont d'Arcole)
Section: 主題

アルコレの戦いはヴェローナの南東25キロメートルの場所にある、アルポーネ川に架かるアルコレに通じる橋で行われた。フランス革命戦争においてフランスは隣国オーストリアの脅威を取り除くべく、1793年より北イタリアに侵攻していたが、3年の間目立った戦果を挙げることができずにいた。そこでトゥーロン攻囲戦で戦功のあったナポレオン・ボナパルトがイタリア方面軍の総司令官として抜擢された。当時27歳のボナパルトはジョゼフィーヌ・ド・ボアルネと結婚した2日後の3月12日にパリを離れ、イタリアへと向かった。その後、ボナパルトはフランス軍を率いて連勝を続け、マントヴァを包囲。しかしマントヴァを救うべく進軍するオーストリア軍に対し劣勢に陥ったボナパルトは、アルポーネ川を渡ってアルコレに進み、ヨーゼフ・アルヴィンツィ率いる敵主力の背後に回って退路を断つ作戦に出た。しかし川の東岸に布陣したオーストリア軍は橋を渡るフランス軍に容易に銃弾を浴びせることができたため、兵たちは橋を渡ることができずにいた。そのとき軍旗を掲げ、兵の先頭に立って橋を渡ろうと試みたのがほかならぬボナパルトであったという。ボナパルトは橋を渡り切ることができずに川に転落するが、奮起した兵は橋を渡ることに成功した。ボナパルトは苦しみながらもオーストリア軍を退却させ、最終的にマントヴァ救援を放棄させた。このアルコレ橋でのボナパルトの行動は彼の最初の重要な伝説となった。
Title: アルコレ橋のボナパルト (Bonaparte at the Pont d'Arcole)
Section: 作品

ナポレオン・ボナパルトは金の刺繍と赤い襟の共和党政府軍の将軍の軍服を着ている。構図の中心はボナパルトの雄姿であり、右手にサーベルを持ち、左手に三色の旗を振りかざしながら振り返り、後方の自軍を勇気づけている。ボナパルトの視線は緊張感と厳しさを伴い、彼の決断力と勇気を強調している。ボナパルトが持つサーベルの刀身には《ボナパルト、イタリア方面軍（Bonaparte, Armée d’Italie）》の文字が彫られ、ベルトの方形のプレートにはボナパルトのイニシャルの意匠が施されているが、背景は立ち昇る煙に覆われ、戦場が川岸に接している以外のものはほとんど描かれていない。しかし画面を必要最低限の描写でまとめることで、グロは共和国の英雄としてのボナパルトを理想化し、称揚している。本作品は肖像画のように見える半面、歴史画のようにも見える。もともと本作品はジョゼフィーヌの依頼で肖像画として制作されたが、当時陸軍中尉としてイタリアに滞在し、アルコレ橋でのボナパルトの行動の一部始終を目撃したグロは歴史画として成功させたいと考えたのだろう。グロはミラノのパラッツォ・セルベッローニでボナパルトに何度かポーズを取ってもらうことができたが、短気で落ち着きのないナポレオンに絵画のモデルを務めてもらうことは難しかった。グロは肖像画の制作が思うように進まない落胆を母に宛てた手紙の中で語っている。11月29日は作品のためにボナパルトに会うことができた最後の日であった。女流画家ヴィジェ＝ルブランの甥に当たるジャスティン・トリピエ＝ルブラン（Justin Tripier-Lefranc）によると、この日はジョゼフィーヌが肖像画制作のためにわざわざボナパルトの膝の上に座り、ボナパルトが動かないように取り計らってくれたという。その後、グロはナポリで作品を仕上げ、絵画を気に入ったナポレオンはグロを従軍させた。またジョゼフィーヌは翌年、前夫との間に生まれた息子ウジェーヌ・ド・ボアルネと娘オルタンス・ド・ボアルネにボナパルトの雄姿を伝えるため、グロに複製画の制作を依頼した。この2枚の複製画は後にエルミタージュ美術館とアレーネンベルク城のナポレオン美術館に伝わるバージョンとなった。
Title: アルコレ橋のボナパルト (Bonaparte at the Pont d'Arcole)
Section: 来歴

本作品は1796年にナポリで描かれた後、 ナポレオン・ボナパルト自身のコレクションを経由してフランス第二帝政期にナポレオン3世のコレクションとなった。フランスは1870年に普仏戦争に敗れ、廃位となったナポレオン3世はその翌年に絵画を皇后ウージェニー・ド・モンティージョに預託、3年後にナポレオン3世が死去すると、ウージェニーは1879年にルーヴル美術館に寄贈した。絵画は1881年にヴェルサイユ宮殿美術館に返還され、1901年にコンピエーニュ城美術館、1938年に再びヴェルサイユ宮殿美術館に収められて現在にいたる。
Title: アルコレ橋のボナパルト (Bonaparte at the Pont d'Arcole)
Section: 来歴
Subsection: ルーヴル版

最も初期の油彩画習作で、クータン・コレクション（Coutan Collection）に由来する。貿易商であったルイ＝ジョセフ＝オーギュスト・クータン（Luis-Joseph-Augute Coutan）は優れた絵画の収集家でもあった。1830年および1839年に彼と夫人が世を去ったのち、コレクションは義理の兄弟の画家フェルディナンド・ハウゲ（Ferdinand Hauguet）、さらにその息子モーリス＝ジャック＝アルベール・ハウゲ（Maurice-Jacques-Albert Hauguet）に受け継がれた。アルベールはコレクションが叔父クータンの名でルーヴル美術館に寄贈されることを希望した。その後コレクションはアンティーブのリュシエンヌ荘（villa Lucienne）に保管されたのち1883年にルーヴル美術館に収蔵された。
Title: アルコレ橋のボナパルト (Bonaparte at the Pont d'Arcole)
Section: 来歴
Subsection: エルミタージュ版

もともとミュンヘンのロイヒテンベルク公ウジェーヌ・ド・ボアルネのコレクションに由来する。ウジェーヌは1805年にバイエルン王国王女オギュスタ＝アメリー・ド・バヴィエールと結婚した。彼女の父マクシミリアン1世は、両親が離婚しさらにイタリアを失ったウジェーヌのために1817年にロヒテンベルク公を創設した。ウジェーヌはフランスに戻らず、ミュンヘンで家族とともに暮らし、1824年に死去。彼の第2子で第3代ロヒテンベルク公を継承したマクシミリアン・ド・ボアルネはロシア大公女マリア・ニコラエヴナと結婚し、サンクトペテルブルクに移り住んだ。こうして絵画はドイツから最終的にロシアにもたらされ、1924年にエルミタージュ美術館に収蔵された。
Title: アルコレ橋のボナパルト (Bonaparte at the Pont d'Arcole)
Section: 来歴
Subsection: アレーネンベルク版

アレーネンベルク版はオルタンス・ド・ボアルネのコレクションに由来する。ナポレオン政権の崩壊後亡命したオルタンスは、スイスのボーデン湖畔のアレーネンベルク城を購入したのち改築し、1818年に移り住んだ。これによって絵画はスイスにもたらされた。2012年にはメルボルンのビクトリア国立美術館で開催された「Napoleon：Revolution to Empire」展に出展されている。
Title: アルコレ橋のボナパルト (Bonaparte at the Pont d'Arcole)
Section: 影響

ウジェーヌ・ドラクロワの『民衆を導く自由の女神』に影響を与えたことが指摘されている。この作品では勝利の女神がフランスの国旗トリコロールを掲げ、背後の民衆を顧みながら先導している。
Title: 絶望 (Le Désespéré)
Section: abstract

絶望（ぜつぼう）とは、希望のない様子を指す。英語ではディスペア（英: Despair）。
Title: 絶望 (Le Désespéré)
Section: 概要

社会的地位の喪失、信頼すべき相手（家族や親友、恋人など）の喪失・裏切りまたは死去などに遭遇し、未来への希望を失ったとき、人は絶望に陥る。戦争などの極限状態では絶望が起こりやすい。平時でも、強姦や児童虐待、リストラやいじめなど辛い経験に遭遇し、絶望することがある。また、幼少期の児童虐待や育児放棄等によって、成人期に精神疾患境界性パーソナリティ障害により絶望が増強することがある（ひどいケースでは解離性同一性障害を発症する、治療は困難を極める）。絶望している際は、ひどい孤独感、世界から孤立し社会的に見捨てられたような感覚に襲われ、場合によっては自殺を考えるに至る。自殺に至らなくても「生きているのが辛い」というのも絶望の末期と考えられる。絶望に陥りやすいパーソナリティがあるという説がある。完璧主義的な人は、自分では乗り越えられない壁にぶつかると絶望しやすい。自尊心の低すぎる人は絶望しやすいともされる。実存主義の哲学者セーレン・キェルケゴールは、著書『死に至る病』において、絶望の根底には自己意識があり、絶望とは死に至る病なのだと述べたうえで、絶望の対極に神による罪の赦しを挙げている。
Title: 人間の堕落のあるエデンの園 (The Garden of Eden with the Fall of Man)
Section: abstract

『人間の堕落のあるエデンの園』（にんげんのだらくのあるエデンのその、蘭: Het aardse paradijs met de zondeval van Adam en Eva, 英: The garden of Eden with the fall of man）は、バロック期のフランドルの巨匠ピーテル・パウル・ルーベンスとヤン・ブリューゲルが1615年頃に制作した油彩絵画である。主題は『旧約聖書』「創世記」で語られている人類の祖アダムとイヴの堕落の物語から取られている。本作品はルーベンスとヤン・ブリューゲルの共同で制作された。フランドルでは複数の画家が自分の得意分野を生かし、作品を共同で制作することはごく普通に行われていた。両者は本作品の他にもいくつかの作品を共同で制作している。ライデンの経済学者ピーテル・デ・ラ・クールのコレクションに由来し、18世紀のオラニエ公ウィレム5世の時代にオランダ王室のコレクションに加わった。現在はデン・ハーグのマウリッツハイス美術館に所蔵されている。
Title: 人間の堕落のあるエデンの園 (The Garden of Eden with the Fall of Man)
Section: 作品

蛇にそそのかされたイヴは、知恵の木の枝に手を伸ばし、禁断の果実をもぎ取ってアダムに手渡そうとしており、一方の岩に座ったアダムも手を伸ばして果実を受け取ろうとしている。エデンの園の風景は緑豊かな樹々や草花に包まれ、青空は広がり、明るく光に満ちている。そこではオウムや孔雀、白鳥、鶏やフクロウなどの色とりどりの鳥や、ウサギ、ネズミ、シカやヤギ、ヘラジカ、ゾウやラクダといった大小様々な動物たちがつがいとなって平和に暮らしている。楽園では獰猛な肉食動物さえも穏やかに暮らしており、画面右ではウシやダチョウのかたわらで、ヒョウのつがいがじゃれ合っている。水辺では大きく成長した魚たちが泳ぎ、水鳥たちが歩いている。その一方でイヴの足元ではネコが身をすり寄せ、画面中央では小型犬のつがいがアダムとイヴの行為を警告するかのようにけたたましく吠えている。
Title: 人間の堕落のあるエデンの園 (The Garden of Eden with the Fall of Man)
Section: 作品
Subsection: 制作

本作品はルーベンスとヤン・ブリューゲルが共同で制作したため、両者のサインがそれぞれ画面左下に「PETRI PAVLI RVBENS FIGR」、右下に「IBRUEGHEL FEC.」と記されている。この署名に従うとルーベンスは人物を描き、ヤン・ブリューゲルがそれ以外の背景と動植物全体を描いたことになる。しかしルーベンスは自身の署名の示す内容よりも多くの部分で制作に関わっており、アダムのそばの馬や、知恵の木、堕落に誘う蛇も描いている。この点はアダムとイヴを描いたルーベンスのやや幅広の筆遣いと、動植物の細部を描いたヤン・ブリューゲルの細かい筆遣いとの違いが明らかであることから区別することができる。構図を担当したのはヤン・ブリューゲルであり、最初にルーベンスが筆を入れて、アダムとイヴ、知恵の木、馬、蛇を薄い絵具で描いた。その後にヤン・ブリューゲルが動植物を正確かつ緻密に塗り上げた。赤外線カメラを使用した科学的調査は絵画の制作過程をより具体的に明らかにした。ヤン・ブリューゲルは鉛筆または銀筆で下絵を描いたが、下絵の段階で吠えている小型犬などに、塗装の段階で孔雀の足や木の枝などに変更を加えている。これに対して、ルーベンスの担当部分は下絵が確認できないことから、下絵を描かずに直接アダムとイヴを描いたことが分かる。その代わりに、絵具層の最下層に下塗りが確認でき、幅広の絵筆でさっと掃くように塗っている。
Title: 人間の堕落のあるエデンの園 (The Garden of Eden with the Fall of Man)
Section: 作品
Subsection: 動物の描写

ヤン・ブリューゲルの動物や鳥の綿密な描写は、画家がこれらの動物を実際に観察して描いたことを示している。1606年以降、彼はスペイン領ネーデルラント総督のアルブレヒト・フォン・エスターライヒとその妃イサベルの宮廷で働いたが、アルブレヒトは宮殿のメナジェリーで中南米産のオウムなどの珍しい鳥や動物を多数飼育していたため、それらをスケッチすることができた。実際にヤン・ブリューゲルは1621年に枢機卿フェデリコ・ボッロメオに宛てた手紙の中で、アルブレヒトとイサベルのメナジェリーで動物や鳥を観察しながら絵画を描いたと話している。現在、美術史美術館やヘント美術館などにヤン・ブリューゲルの動物の習作が残されており、いくつかの作品に描かれている動物と習作との間に関連性が指摘されている。本作品については、アダムの背後に座って林檎をかじっているサルや、イヴの足にすり寄っているネコは、美術史美術館の2点の動物の習作の1つ『動物の習作、驢馬、猫、猿』（Tierstudie, Esel, Katzen, Affen）をもとに描いていることが指摘されている。
Title: 人間の堕落のあるエデンの園 (The Garden of Eden with the Fall of Man)
Section: 作品
Subsection: 象徴的意味

ルーベンスとヤン・ブリューゲルは動物や植物の描写を象徴的に用いて聖書の物語を暗示している。林檎をかじっているサルはその1例である。人間に似た姿をしているサルは善悪の判断ができないため、悪や人間の罪深さと結びつけられ、中世初期では悪魔を象徴し、ゴシック期ではサルが林檎をかじる姿で人間の堕落を表した。そこでヤン・ブリューゲルはアダムの背後にサルを配置することで、アダムの堕落につながる行為を予告している。オウムはしばしば聖母マリアや堕落の図像に登場している。これはオウムの鳴き声が「Eva-Ave」（イヴと「アヴェ・マリア」）に聞こえると信じられ、聖母の到来を知らせる鳥と見なされていたことによる。アダムの頭上に垂れ下がっている葡萄の房は、聖餐の際にキリストの血に喩えられたワインを象徴し、キリストの磔刑によって人類の罪が贖われることを仄めかしている。
Title: 人間の堕落のあるエデンの園 (The Garden of Eden with the Fall of Man)
Section: 来歴

絵画は18世紀にライデンの経済学者ピーテル・デ・ラ・クール（1618年–1685年）とその相続人のコレクションとなっていたことが知られている。1766年に彼のコレクションが競売にかけられたとき、本作品を7,350ギルダーで落札したのは若きオラニエ公ウィレム5世であった。これはアンソニー・ヴァン・ダイクやヤーコプ・ヨルダーンスの約10倍にあたる金額であった。しかしフランス革命戦争でネーデルラントがフランスに占領されるとウィレム5世はイギリスに亡命。没収された絵画はパリに運ばれ、1795年から1815年にかけて共和国中央美術館（Muséum central des arts de la République）、その後名称を改めたナポレオン美術館（Musée napoléonien, 後のルーヴル美術館）に移された。ナポレオン退位後の1816年に絵画が返還されると、ウィレム5世ギャラリー内の王室絵画展示室に収蔵されたのち、1822年にマウリッツハイス美術館に移された。
Title: ヴェンドラミン家の肖像 (Portrait of the Vendramin Family)
Section: abstract

『ヴェンドラミン家の肖像』（ヴェンドラミンけのしょうぞう、伊: Ritratto votivo della famiglia Vendramin, 英: Portrait of the Vendramin Family）は、イタリア、ルネサンス期のヴェネツィア派の巨匠ティツィアーノ・ヴェチェッリオが1540年から1545年ごろに制作した肖像画である。『聖十字架を礼拝するヴェンドラミン家』あるいは『ヴェンドラミン家の奉献肖像画』などの名前でも呼ばれる。油彩。ヴェネツィアの貴族であるヴェンドラミン家の発注で制作された作品で、ティツィアーノ最大の群像肖像画として知られる。イギリスで活躍した肖像画家アンソニー・ヴァン・ダイクのコレクションに含まれていたことが知られている。現在はロンドンのナショナル・ギャラリーに所蔵されている。
Title: ヴェンドラミン家の肖像 (Portrait of the Vendramin Family)
Section: 制作背景

ヴェンドラミン家はヴェネツィアの貴族である。1369年にキリストが磔刑に掛けられた十字架の一部と言われる木片の聖遺物がフィリップ・ド・メジエールによってキプロスからヴェネツィアにもたらされたとき、聖遺物はグランデ・ディ・ サン・ジョヴァンニ・ エヴァンジェリスタ同信会の保護者という公的立場にあったアンドレア・ヴェンドラミン（Andrea Vendramin）に与えられた。この聖十字架に収められた木片がヴェネツィアの公的行事の際にグランデ運河に落下したとき、聖十字架は奇跡的に水面に浮かび、運河に飛び込んだアンドレアによって拾い上げられた。このときの出来事はジェンティーレ・ベッリーニによって『サン・ロレンツォ橋での十字架の奇跡』として描かれている。そのため、この聖遺物はヴェンドラミン家にとってきわめて重要であった。群像肖像画に描かれた人物はそのアンドレアの曾孫にあたるアンドレア・ヴェンドラミン（Andrea Vendramin, 1481年-1547年）とガブリエレ・ヴェンドラミン（Gabriele Vendramin, 1484年-1552年）、およびアンドレアの息子たちである。アンドレア・ヴェンドラミンは長男であり、妻ルクレツィア・パスクアリゴ（Lucrezia Pasqualigo）の間に7人の息子と6人の娘をもうけた。弟のガブリエレは3歳年下で子供はいなかった。ヴェンドラミン家は石鹸の製造、販売、輸出で財を成した一族で、叔父のドージェ・アンドレア・ヴェンドラミン（Doge Andrea Vendramin）はヴェネツィアで最も裕福な男性の1人であった。また弟のガブリエレは美術コレクターとして知られ、ジョルジョーネの『テンペスタ』を所有していた。