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Title: 印象・日の出 (Impression, Sunrise)
Section: 作品
Subsection: 来歴

19世紀当時のフランスでは歴史的、宗教的な主題に重きが置かれ、風景画や静物画などは軽んじられていた。一方でモネは従来の様式にとらわれない画法で、風景や生活の一場面を多く描いていた。『印象』は1874年に開かれた最初の印象派展（画家、彫刻家、版画家などの美術家による共同出資会社第1回展）で展示された。評論家のルイ・ルロワは、この作品の題を見て、自身が担当する風刺新聞『ル・シャリヴァリ』紙のレビュー記事において、この展覧会を軽蔑の念と悪意をこめて「印象主義の展覧会」と評した。この命名が後に定着し、彼は意図せずに「印象派」の名付け親になった。展覧会の後はエルネスト・オシュデのコレクションに加わったが徐々に関心が薄れていく中で1878年には『印象・日の入り』の名前で競売にかけられる。落札したのはルーマニア出身貴族のジョルジュ・ド・ベリオ。彼は印象派の画家たちの熱心なコレクターであり友人であった。彼の死後も一人娘のヴィクトリーヌとその夫ウジェーヌ・ドノ・ド・モンシーへ相続されるものの、当時はまだ人気のある作品ではなかった。1900年パリ万国博覧会で開催された「フランス美術の100年展」には『ヨーロッパ橋、サン・ラザール駅』『テュイルリー公園』がドノ・ド・モンシー夫妻のコレクションから貸与されるも、『印象』は万博で必要とされなかった。万博で印象派が認められるようになっても、注目されなかった『印象』だが、愛着を抱いていた夫妻は再発見の手助けとなるよう働きかけた。その売り込みは功を奏し、1931年にはポール・ローゼンベルグ画廊に展示され、ついで1937年にはワルシャワ、プラハで開かれたフランス美術傑作展にも展示された。1932年、美術愛好家ポール・マルモッタンは自宅を美術館としてアカデミーへ遺贈する。この最初の訪問者でもあったドノ・ド・モンシー夫妻はこの美術館に自分のコレクションを遺贈することを決め、『印象』は1940年、正式にマルモッタン美術館の所蔵となる。だが、美術館のドノ・ド・モンシー・コレクションの展示室は1948年にようやく落成式が行われたが、開会の辞でも『印象』への言及はなく、最初に刊行された絵はがきにも『印象』は含まれていなかった。傑作へ至る地位は、海外からもたらされた。ジョン・リヴォルド著作『印象派の歴史』は、印象派を礼賛する新しい著作で、『印象』を印象派の名の由来として知らしめた作品だった。これを契機に『印象』は注目を浴びるようになる。フランスでこの訳本が出版された2年後の1957年、ヴィクトリーヌ夫人は『印象』をフランスから持ち出すことを禁じた。この時、西洋近代絵画の至宝の地位として世間に認められるようになる。2014年『印象・日の出』が発表から140年となることを記念し、マルモッタン美術館は『印象・日の出』に捧げる展覧会を開催した。
Title: 大使たち (The Ambassadors (Holbein))
Section: abstract

『大使たち』（たいしたち、独: Die Gesandten）は、ドイツの画家ハンス・ホルバインにより1533年に描かれた絵画である。この二人の「大使たち」は、ヘンリー8世のローマ・カトリックからの離脱を思いとどまらせようと、フランスからロンドンへ送られた外交官ダントヴィル（画面左）とその友人の司教セルヴ（右）である。『ジャン・ド・ダントヴィルとジョルジュ・ド・セルヴの肖像』、『外交官たち』とも。ロンドンにあるナショナル・ギャラリーに収蔵されている。本作は、イングランド王であるヘンリー8世の命令で描かれた。
Title: 大使たち (The Ambassadors (Holbein))
Section: 作品

画面の左側に立っているのは、ポリジー (fr:Polisy) の領主、ジャン・ド・ダントヴィル (en:Jean de Dinteville) であり、 右側に立っているのは、ラヴォールの司教、ジョルジュ・ド・セルヴ (en:Georges de Selve) である。ダントヴィルにとって、このときが3度目のイギリス訪問であったのに対し、ド・セルヴにとっては、このときが最初のイギリス訪問であった。2人の当時の年齢は、ダントヴィルについては、彼が手にしている短剣の柄に、ド・セルヴについては、彼が右ひじを置いている書物の側面に入れられた書き込みから、それぞれ29歳と25歳であるとされている。2人の間にある棚には、様々な道具類が並べられている。上段の左端には、天文学あるいは占星学のための天球儀が置かれており、これには、動物の図柄とともに、いくつかの星座の名称がラテン語で記されている。その右隣には、円筒状の日時計が立てられており、この状態では、4月11日もしくは8月15日を示しているとされる。これと同様の日時計は、ヘンリー8世付きの占星学者であったニコラウス・クラッツァー (en:Nicholas Kratzer) の肖像（ルーヴル美術館所蔵）の中にも確認することができる。その右隣にある象限儀や、その右隣にある多面体の日時計についても、ニコラウス・クラッツァーの肖像の中に同様のものが確認できる。下段の左端には、地球儀が置かれており、これは、ニュルンベルクで1523年に発表されたヨハネス・シェーナー制作のものを写したものであるとされる。その前の方で半開きになっている書物は、天文学者であり地理学者でもあったペトルス・アピアヌスによる “Kauffmanns Rechnung” （1527年）である。その右隣で両開きになっている書物は、ヨハン・ワルター作曲の讃美歌集 “Geystlich Gesangk Buchleyn” （1524年）である。讃美歌集には、マルティン・ルターの讃美歌および十戒のパラフレーズが写されている。その付近には、11本の弦のうち1本がなぜか切れてしまっているリュートの他に、フルートのケースとおぼしきものが置かれている。これらの道具類は、いずれも数学、音楽、地理学、天文学のどれかに関係しており、これらの4つの学科は、クワドリウィウム (quadrivium) を構成するものであり、2人の人物の高度な教養もしくは知性を表現するために、数々の道具類が描かれたものと考えられる。画面左上には、キリストの磔刑像が、カーテンの後ろに半ば隠れるようにして見えている。2人が立っている床のモザイク模様は、ウェストミンスター寺院の内陣のそれを模写したものであるとされている。その床面の上には、長細い形状をした物体が描かれているが、これは、アナモルフォーシスという画法が用いられており、画面の右方もしくは左方から鋭角的に見ると、頭蓋骨であることがわかる。頭蓋骨は、死の象徴である。若くて可能性に満ちあふれていたとしても、死はいつ訪れるかわからない、という深刻なテーマが織り込まれているのである。
Title: 大使たち (The Ambassadors (Holbein))
Section: 解釈

山形大学教授の元木幸一は、「深刻なテーマを、形の遊戯性で緩和しているのだ。それゆえに、これも苦笑いを誘発する絵画ということになるのだろうか」と述べている。
Title: ファンゴッホの寝室 (Bedroom in Arles)
Section: abstract

ファン・ゴッホの寝室（ファンゴッホのしんしつ、フランス語: La Chambre à Arles、オランダ語: Slaapkamer te Arles）とは、1888年から1889年にかけてフィンセント・ファン・ゴッホによって描かれた絵画。油彩。同名の作品が3点あることが認められている。「ゴッホの寝室」、「アルルの寝室」「ファンゴッホの部屋」、「アルルの部屋」と表記されることもある。フランス・アルルでゴッホが暮らした家の2階の部屋を描いたもの。家は現存しないが、ゴッホの作品に黄色い家として残されている。絵の左側の扉はゴーギャンの部屋につながっていたとされる。
Title: ファンゴッホの寝室 (Bedroom in Arles)
Section: 経緯

3点のうち最初のものは、ゴーギャンがアルルに来る直前の1888年10月に描かれたもの。ゴッホ美術館蔵。次のバージョンは、ほぼ同サイズで1889年9月に最初のものを複製して描かれている。シカゴ美術館蔵。最後のバージョンは1889年9月にゴッホの母のためにサイズを縮小して複製して描かれたものである。後に松方幸次郎が購入しコレクション（いわゆる松方コレクション）に加えられていたが、第二次世界大戦当時はフランスに残され、サンフランシスコ講和条約による戦後賠償の一環として1959年にフランスの国有となり、現在はオルセー美術館にある。1921年頃、松方がパリに滞在し絵を購入していた際には美術評論家の矢代幸雄が同行していた。この作品が、ルノアールの『アルジェリア風のパリの女たち』と共に画商で売りに出されていたため、矢代は「希代の傑作」であるとして松方に購入を勧めたが、松方は一度はこれを断り、矢代は落胆したという。しかし、その後、矢代が知らない間に松方はこの作品を購入していたことになる。
Title: ファンゴッホの寝室 (Bedroom in Arles)
Section: 文化的レファレンス

2010年に放送されたイギリスのSFドラマ『ドクター・フー』第5シリーズ「ゴッホとドクター」では、『ファンゴッホの寝室』を再現したゴッホの寝室が劇中に登場した。撮影はクロアチアのトロギルで行われた。
Title: トランプが拳を振り上げる写真 (Donald Trump raised-fist photographs)
Section: abstract

本項目では、2024年7月13日に発生したドナルド・トランプ暗殺未遂事件の直後に、アメリカ合衆国の写真家兼ジャーナリストのエヴァン・ヴッチによって撮影された写真について述べる。
Title: トランプが拳を振り上げる写真 (Donald Trump raised-fist photographs)
Section: 背景

2024年7月13日、ドナルド・トランプは、ペンシルベニア州バトラーのファームショー会場での演説中、付近からの銃撃により右耳の上部を負傷した。しゃがみ込んだトランプに対し、シークレットサービスは彼を取り囲んで保護を行った。やがてトランプが立ち上がると、ヴッチはトランプへ駆け寄り撮影を開始した。
Title: トランプが拳を振り上げる写真 (Donald Trump raised-fist photographs)
Section: 写真

ヴッチの写真は、トランプが暗殺未遂に遭った直後の瞬間を撮影している。トランプの右拳は振り上げられ、耳からの血が付いているトランプはシークレットサービスのエージェントに囲まれ、そのうちの一人がカメラを見つめている。背景には青空になびいている星条旗が見える。
Title: トランプが拳を振り上げる写真 (Donald Trump raised-fist photographs)
Section: 評価

この写真はソーシャルメディアで広く拡散され、2024年の大統領選挙を前にしたトランプのたくましいイメージとして評価された。多くの批評家が、構図、色の表現、アングルの使い方など、最も優れたフォトジャーナリズムの一つとして称賛した。
Title: 巨人_(絵画) (The Colossus (painting))
Section: abstract

『巨人』（きょじん、西: El Coloso, 英: The Colossus）は、スペインを代表する画家フランシスコ・デ・ゴヤの代表作とされる巨人をモチーフとする絵画である。ただし絵を所蔵するプラド美術館は2009年に、ゴヤの作品ではなく弟子（恐らくアセンシオ・フリア）が描いた作品だと発表した。スペイン語では『エル・コロソ』のほか『エル・ヒガンデ（巨人）』、『エル・パニコ（恐怖）』、『ラ・トルメンタ（嵐）』の名でも知られる。この絵画は、キャンバス中央に巨人が絵の左側に向かって歩いていく様子が描かれている。山々は彼の脚部を太ももまで覆い隠し、雲が彼の体躯を取り巻いている。肩の高さで片方の拳を構えており、巨人は攻撃的な姿勢を取っているように見える。あらゆる方向に逃げる人々の群れと牛の群れを含む暗い谷が、絵画の下側3分の1を占めている。この絵は1812年に、ゴヤの息子ハビエル・ゴヤの財物となった。後にペドロ・フェルナンデス・ドゥランの所有となったこの絵画は、彼の蒐集品としてマドリードのプラド美術館に遺贈され、1931年以降は同美術館に所蔵されている。
Title: 巨人_(絵画) (The Colossus (painting))
Section: 絵画の歴史

 ペドロ・フェルナンデス・ドゥランの遺産より寄贈された1931年、この絵画はプラド美術館のコレクションの一部となった。この絵画をゴヤのものとする最初の文書は1946年、ゴヤの妻ホセーファ・バイユー（1812年死去）の遺物目録をフランシスコ・ハビエ・サンチェス・カントンが公表した時に遡る。その目録には、X（Xavier Goya:ハビエル・ゴヤ）と18番で識別された、『巨人』と同寸法の「巨人(Giant)」という絵が記載されている。この絵はペドロ・フェルナンデス・ドゥランが死去した1833年に、彼がひ孫に残したものとして、ミゲル・フェルナンデス・ドゥラン・フェルナンデス・デ・ピネド・イ・バザロン（ペラレス侯爵）の所有権に引き継がれた。この絵は、パウラ・ベルナルド・デ・キロス（ペラレス侯爵夫人でペドロ・フェルナンデス・ドゥランの母）の公証された財産として、彼女の亡くなった1877年にリスト掲載されている。当時この絵画は次のように説明されている「独立戦争の間に起こった不幸の予言的寓意像、ゴヤのオリジナル、寸法1.15×1.[0]3（国際単位系）1500ペセタの価値がある」。最近は『巨人』の著作に関する疑義が持ち上がったことで、プラドの展示「戦時中のゴヤ」からのお蔵入りが注目されている。中でも特に、展示会に含まれていた同テーマのゴヤのエッチング（展示カタログ28番）がどうなるかである。「ゴヤの『巨人』に関する研究方法としての芸術的技法」（ゴヤ・ジャーナル№324）という記事にて、ヘスサ・ベガは「巨人(The Giant)」として知られるエッチング（マドリードのスペイン国立図書館に2つ目のコピーがある）と『巨人』の関係を以下の文言で評定した「巨人は、抵抗/防衛、誇りそして決起から、憂鬱への落ち込みへと移る、多くのスペイン人の気分を反映したもので、製作者によって共有された集団感情である 」。仮にこの絵が、半島戦争勃発の1808年から、ゴヤと息子ハビエル間で分けられた品物の中にその絵画があるとの記録が残されている1812年までの間に描かれたものであるなら、その版画は一連の『戦争の惨禍』のエッチングで使用されていた技法や素材からして、戦争終了後がオリジナル創作された日付となるべきであろう。
Title: 巨人_(絵画) (The Colossus (painting))
Section: 帰属

2008年6月、18世紀絵画とゴヤのチーフキュレーターであるマヌエラ・メナを擁するプラド美術館は、その絵が「ほぼ完全確実に」ゴヤとは違っており、彼の友人で共同制作者でもあったアセンシオ・フリアの作品とするプレスリリースを発表した。2009年1月に行われた分析では、この絵がゴヤの弟子のうちの1人（確実にその人物がフリアだとは述べられなかったものの）の作品であることが結論付けられた。ナイジェル・グレンディニングはこの絵がアセンシオ・フリアによって書かれたとする考えを否定し、メナの見解を支持する議論は「全く主観的」なもので、メナが「A.J」の署名だと主張するブラシストロークは実際にはこの絵画の古い写真に見られる目録番号176の最初の桁数字だと主張している。それはまた、これら古い写真の中にある別の数字18と見ることもできる。この数は画家の妻ホセーファ・バイユー死後の1812年に実施されたゴヤの作品目録にある絵画で使われた名前「巨人(Giant)」の説明で使われていた文章「18番のジャイアント」を示唆するものである。2012年に、ヘスサ・ベガは「『巨人』はフランシスコ・デ・ゴヤによるものである」という題名の記事を発表し、ゴヤによって描かれた数字8の様々なストロークが『巨人』で見られるそれとどのくらい対応するかを彼女は示した。ベガは、この絵のゴヤ著作に最初の疑念を投げかけた基本的前提を拒否。そのうえで、彼女はプラドによって行われた研究の他の発見が全てゴヤによって描かれた絵だと示されたことを見せた。これらには、顔料や綴じ紐の分析、使用された芸術的技法の評価、絵画のテーマや構成を含んでおり、そしてゴヤの他作品「黒い絵」との類似性も含んでいた。2009年に、美術史家のヴァレリアーノ・ボサルはメナのプレスリリースを見た後、「この報告は決定的なものではない」と述べた。そして彼は後にコンセンサスに達することを目的とする国際専門家の会議を開催しようとするも成し遂げられず、「ゴヤの著作権は、弱くて見当違いな証拠に基づいて削除されました。この絵画遺産は決定的な証拠もないのに台無しにされています」 と2010年6月に公言した。他にも学者、修復家、そしてプラドの元理事に、自分達はメナの仮説に同意しないと表明する者がいる。この議論の一方で、マヌエラ・メナはA. J.の文字がアセンシオ・フリアの署名であること（この絵画がフリアへ帰属することを裏付ける主な論拠）を断定的に結論付けるのを拒んだ。2009年3月、ナイジェル・グレンディニングとヘスサ・ベガは学術誌『Goya』に「プラド美術館による『巨人』のリスト削除の試みは失敗したのか？」 と題する記事を発表し、彼らは記事内でメナのレポートでの方法論と議論に疑問を投げかけている。2001年以降、ジュリエット・ウィルソン＝ベローとマヌエラ・メナは、ゴヤの息子ハビエルがそれを描いたとの前提で、この絵画のゴヤ著作に疑問を抱いていた。さらに、彼女たちは『ボルドーの乳搾りの女』を弟子の女流画家ロサリオ・ウェイスによるものとしている。しかしながら、「1900年ゴヤ博覧会からの割り当て問題」と題された記事にて、ナイジェル・グレンディニングと当時のプラド美術館館長フェルナンド・チェカはこれらの主張を否定している。2004年、ナイジェル・グレンディニングはまた「ゴヤの『巨人』とその時代の愛国的な詩」と題する記事を発表し、絵に表現されている巨人に関するゴヤの思想と、ナポレオンのスペイン侵攻によって引き起こされた、戦争を生き延びた人達の中に強い愛国心を喚起する文学作品との間にある関係を確立した。もしも『巨人』が後に描かれたならばこの思想の連結は存在しなかったものであり、それはグレンディニングがウィルソン＝ベローとメナの仮説に反論するために使った論拠である。この仮説は、1812年に死去したゴヤの妻ホセーファ・バイユーの遺産目録からこの絵画を遠ざけようとした。その目録には『巨人』と同じ寸法の絵がリスト掲載してあって、「巨人(Giant)」と呼ばれるそれは伝統的に同じ絵画だと認識されてきた。2009年7月、スペインの大学と多数のゴヤの専門家は、美術史研究における科学的手法の使用を守って『巨人』をゴヤ帰属にするという、ナイジェル・グレンディニングの宣言を支持して署名した。絵を所有するプラド美術館は、2019年1月時点で『巨人』はゴヤの作品ではないという見解を崩していない。プラド公式ウェブサイトの『巨人』のページには、以下の説明が付されている。
Title: システィーナの聖母 (Sistine Madonna)
Section: abstract

『システィーナの聖母』（システィーナのせいぼ、伊: Madonna Sistina, 独: Sixtinische Madonna）あるいは『サン・シストの聖母』は、盛期ルネサンスの巨匠ラファエロ・サンティが、その晩年1513年から1514年頃に描いた絵画。祭壇画の一翼として描かれ、ラファエロが描いた最後の聖母マリアであり、ラファエロが自身だけで完成させた最後の絵画でもある。1754年にドイツのドレスデンに持ち込まれ、その後ドイツの美術界に大きな影響を与え続けた。第二次世界大戦後にモスクワへと持ち去られたが、10年後にドイツに返還されて、現在はアルテ・マイスター絵画館の最重要なコレクションの3つになっている。
Title: システィーナの聖母 (Sistine Madonna)
Section: 構成

聖シクストゥスと聖バルバラを両脇にして、聖母マリアが幼児キリストを抱きかかえている。マリアは曖昧に描かれた何十もの天使を背景に雲の上に立ち、画面下部には両翼を持つ、頬杖をついた特徴的な天使が描かれている。アメリカ人作家、歴史家リック・スティーヴス（en:Rick Steves）は、通常では慈愛に満ちた表情で描かれるマリアがこの絵画では厳しい顔をして描かれているのは、もともとの祭壇画では中央にキリスト磔刑画が描かれていたことを反映しているためではないかとしている。
Title: システィーナの聖母 (Sistine Madonna)
Section: 歴史

『システィーナの聖母』はピアチェンツァのベネディクト会サン・シスト修道院からの依頼により、祭壇画の一翼として描かれた。ラファエロの晩年1513年から1514年ごろにかけ比較的短期間で描かれており、ラファエロが描いた最後の聖母像であるとともに、自身で完成まで描き上げた最後の作品となっている。聖シクストゥスと聖バルベラが聖母子像に描かれたのは修道院からの注文によるものと考えられている。ルネサンス期の巨匠コレッジョがこの絵画を一目見たときに、そのすばらしさに圧倒され「私も凡百の一画家に過ぎない」と叫んだという言い伝えがある。
Title: システィーナの聖母 (Sistine Madonna)
Section: 歴史
Subsection: ドイツの購入後

1754年にザクセン選帝侯であり、ポーランド王でもあったアウグスト3世が『システィーナの聖母』を110,000 - 120,000フランで購入し、ドレスデンの自身の絵画コレクションに加えた。2001年には美術史家ハンス・ベルティンとエレン・アトキンスが『システィーナの聖母』がドイツ美術界に与えた影響について述べている。伝承によれば『システィーナの聖母』は即座にアウグストゥス3世のコレクションのなかでも最重要の絵画となり、この絵画をよりよい状態で展示するために自身の宮廷を移したともいわれている。ドイツ人美術史家ヨハン・ヨアヒム・ヴィンケルマンが1764年に著した有名な『古代美術史』（Geschichte der Kunst des Alterthums）のなかで『システィーナの聖母』を激賞し、古典的様式とキリスト教的精神との見事な融合についてページを割いている。「敬虔なクリスチャン」としてだけではなく、ギリシア・ローマ神話の女神ユノを彷彿とさせる「聖なる異教徒」にも見えるラファエロの聖母マリアの表現手法は、ドイツ人一人一人の心に「ラファエロの理想」とでもいうべきイメージを植え付けた。『システィーナの聖母』について18世紀終わりに伝説が生まれた。ラファエロが実際に聖母マリアに出会い、天界の光景をその目で見てこの絵画を描いたというもので、広く人々に知られ、戯曲としても演じられるほどだった。この伝説は『システィーナの聖母』を観るものを熱狂させ、中にはジークムント・フロイトのある患者のように、この絵画を観るだけで宗教的恍惚に陥るものも出てくるほどであった。ドイツロマン主義の象徴に祭り上げられ、ゲーテ、ワグナー、ニーチェらドイツの文化人たちにも影響を与えた。1855年に「新王立美術館」（Neues Königliches Museum）がゴットフリート・ゼンパーの設計によって完成し、『システィーナの聖母』は専用の展示室に収められた。
Title: システィーナの聖母 (Sistine Madonna)
Section: 歴史
Subsection: 第二次世界大戦とソ連の収奪

『システィーナの聖母』は第二次世界大戦でのドレスデン爆撃の被害からは守られた。しかしそのときの保存状態と、その後この絵画がたどった歴史は議論の的になっている。当時『システィーナの聖母』は戦禍を避けて、他の絵画とともにザクセンスイス（en:Saxon Switzerland）の坑道に保管されていた。しかしソヴィエト赤軍がこれらの絵画を発見、押収し、一時的にピルニッツ（en:Pillnitz）に移動した後に、天蓋に防水布を張っただけの長距離貨物列車に箱詰めにしてモスクワへと持ち去った。そして『システィーナの聖母』が収蔵されたプーシキン美術館の館長ミハイル・クラフチェンコは、プーシキン美術館が世界有数の美術館となったとの声明を出した。1946年には『システィーナの聖母』は、ソ連が回収した他の絵画とともに観覧が制限された状態でプーシキン美術館に展示されていた。その後、ヨシフ・スターリンの死去後1955年にソ連は「ソヴィエトとドイツ国民の友情をさらに強く進めるために」この絵画をドイツ（当時の東ドイツ）へ返還することを決めた。その後、ドレスデンから美術品を持ち去る際に、ソ連が何らかの損傷を絵画に与えたのではないかという国際的な議論が巻き起こった。これに対しソ連は、自分たちは逆に絵画を守ったのだと反論した。絵画が保管されていたザクセンスイスの坑道は温度制御されていたが、ソヴィエト軍の広報担当者の説明によれば、赤軍が絵画を発見したときには温度制御装置は稼動しておらず、絵画は地下の湿気に満ちた環境に放置されていたとしたのである。結局『システィーナの聖母』が坑道で発見されたときの状態に対する議論は、学術的な裏づけなしに噂だけが一人歩きしてしまった。。しかし、1991年のアートニューズ（en:ARTNews）に掲載された記事によると、1945年に美術品の調査のためにソ連からドイツに派遣されたロシア人美術史家アンドレイ・チェゴダエフがソ連の反論を否定している。さらにアートニューズは『システィーナの聖母』を発見した赤軍旅団の指揮官の話は「単なる嘘」であるとしている。1950年代にソ連の官報（en:Literaturnaya Gazeta）には「実際には『システィーナの聖母』や他の絵画が保管されていた坑道は乾燥していた。そこには温度、湿度などを計測するさまざまな機器が設置されていた」と書かれた書簡が掲載されている。しかしこれらの情報が事実かどうかには関係なく、絵画は薄暗い水浸しの坑道で発見されたということが一般大衆の認識となり、多くの書物に「事実」として書かれてしまった。『システィーナの聖母』はドイツ返還後に修復され、アルテ・マイスター絵画館に展示されている。絵画館のガイドブックはこの絵画のことを「最も有名」、「頂点」、「傑作」、「コレクションの白眉」などさまざまな形容詞で説明している。
Title: システィーナの聖母 (Sistine Madonna)
Section: 二人の天使

『システィーナの聖母』のマリアの足下に描かれている翼を持った二人の天使は、この絵画自体の評価とは無関係に非常に有名なイメージになっている。1913年にアメリカ人演劇評論家、作家グスタフ・コビー（en:Gustav Kobbé）が「『システィーナの聖母』の画面下部に、祭壇にもたれかかるように描かれている天使以上に有名な天使は存在しない」と述べている。この天使のイメージはさまざまな商品に利用され、切手、葉書、Tシャツ、包装紙、さらにはコンドームや、オナホールのパッケージのデザインにまで採用されてきた。印象的な天使の姿勢について、1912年のフラ・マガジン（Fra Magazine ）が「ラファエロが『システィーナの聖母』を描いていたときに、マリアのモデルとなっていた女性の子供たちが見学に来た。子供たちが見学している様子に惹かれたラファエロはその子供たちの姿勢を忠実に絵画に再現した」という説を紹介している。そのほかにアメリカの子供向け雑誌『聖ニコラス』（en:St. Nicholas Magazine）が1912年に紹介した説では「ラファエロが町で見かけた、物欲しげにパン屋の窓をのぞきこんでいる二人の子供の格好を絵画に表現した」としている。
Title: オリーブの林 (Olive Trees (Van Gogh series))
Section: abstract

『オリーブの林』（オリーブのはやし、蘭: Olijfbomen、英: Olive Trees）は、オランダのポスト印象派の画家フィンセント・ファン・ゴッホが1889年に制作した一連の絵画である。油彩。少なくとも15点の作品が知られており、主にサン＝レミ＝ド＝プロヴァンスで制作された。1889年5月から1890年5月まで、ゴッホは自ら希望して同地のサン＝ポール＝ド＝モーゾール修道院の療養所で生活し、療養所の庭園を描いた。また許可を得て壁の外に出ると、近くのオリーブの木や糸杉、小麦畑まで絵を描くために出かけた。こうして描かれた作品の1つ『アルピーユ山脈が見えるオリーブの林』（Olive Trees with the Alpilles in the Background）は『星月夜』（The Starry Night）を補完するものである。ゴッホにとってオリーブの絵画は特別な意味を持ち、1889年5月の作品群は生命、神性、生命の循環を表しており、1889年11月の作品群はゲツセマネの園におけるイエス・キリストに対するゴッホ自身の感情を象徴する試みから生まれた。オリーブ摘みを描いた作品は収穫や死といった人生のサイクルの1つを描くことで、人間と自然の関係を明示しており、また自然との交流を通じて、個人がどのように神とつながることができるのかという例をも伝えている。現在はニューヨークの近代美術館などに所蔵されている。
Title: オリーブの林 (Olive Trees (Van Gogh series))
Section: 主題

ゴッホは田園地帯、周辺の野原、糸杉やオリーブの林を描くことを通じて自然とのつながりを回復させた。1889年の後半6か月から7か月の期間で、ゴッホは南フランス全土に広がる「節くれだった由緒あるオリーブの林」モチーフに、少なくとも15点の絵画を完成させた。日の光と空がオリーブ林に与える影響は、そこに無限の主題が存在することを意味します。私自身、空模様とともに変化する枝葉の対照的な効果を探しています。木が淡い花を咲かせ、大きな青バエが舞うとき、時折、たくさんの数のエメラルド色をしたハナムグリやセミが飛びまわり、すべてが真っ青に染まります。その後、青銅色の葉がより十分に成長した色あいになるにつれて、空は輝いて緑とオレンジの縞模様になり、そしてまた、さらに秋が深まると、葉は熟したイチジクのような紫の色あいを帯びます。この紫色の効果は、明るいレモン色の淡い後光の中にある白く輝く大きな太陽のコントラストをともなうことで最も完全に現れます。ときどき、また、夕立の後に空全体が、銀色に似た灰緑色に非常に美しい価値と彩りを与えるピンク色やオレンジ色になっているのを見たことがあります。そしてこのすべての中には、また、果物を集めていたピンク色の女性たちがいました。ゴッホにとってプロヴァンス地方を代表するオリーブ林を描くということは、過酷でありながらもとても魅力的なことだった。彼は弟のテオドルス・ファン・ゴッホ（以下テオ）に手紙で「（オリーブの林の特徴を）捉えることに苦心しています。それらは古びた銀色で、時にはそれらの中に青みが増し、時には緑を帯び、青銅色になったりし、黄色、ピンク、紫色に染まったオレンジ色の土の上で白く色あせていく･･･非常に困難です」と、その苦しみを綴っている。作品の制作を通してゴッホは「オリーブの木立のざわめきには、非常に古い、他言できない秘密の何かを持っており、私たちにとってそれはあまりにも美しすぎて、思い切って描くことも、想像することもできない」ということに気づいた。
Title: オリーブの林 (Olive Trees (Van Gogh series))
Section: 制作背景

若い頃、ゴッホは労働する人々に奉仕するため聖職者になることを考えていた。彼は一時期オランダで学んでいたが、自身の熱意と自らに課した厳しい禁欲主義により短い期間、信徒宣教者会の職を失った。彼はやや憤慨して教会組織を拒絶したが、それにもかかわらず彼にとって慰めであり、重要であった個人的な精神性を発見した。1879年までにゴッホは人生の方向を転換し、絵画を通して自身の「神と人間への愛」を表現できることに気がついた。これに先立って、彼は両親の偏狭な宗教として認識していたものを拒否し、宗教と神に対してニーチェとさして変わらないほとんど虚無的な態度をとっていた。ゴッホは病気と精神的苦痛を和らげるため、彼の人生の最後の29か月における作品群の主要な主題である自然を描いた。それはゴッホが最も何度も「深い意味」を見出した花咲く木々とオリーブ園、畑であった。なぜなら、彼はそれらの周期の中に人間の人生との類似性を見出したからである。彼は弟テオに、死、幸福、不幸は相対的で「必要かつ有益」であると書き、「私を破壊し、恐怖させる病気に直面してさえも、その信念は揺るがない」と宣言した。秋の作品は友人の画家ポール・ゴーギャンとエミール・ベルナールが少し前に描いた《オリーブ山のゲツセマネの園のイエス・キリスト》の構図にある程度反応したものであった。ゴッホは「見るべきものは何もなかった」という言葉で2人の作品に失望感を抱き、「この晴れた寒い日の朝と夕方の、しかし美しく明るい陽光の木立の中で」絵画を描いた。その結果、彼がその年の初めに完成させた3点の絵画を上回る5点の絵画を描き上げた。彼は弟テオに「私がしたことはかなり難しく、抽象概念の横に粗い現実がありますが、素朴な性質があり、大地の香りがするでしょう」と書いた。描かれた場面は苦悩するキリストの祈りがどのようなものであったかを再現しようとするのではなく、「現実のゲツセマネに言及することなく苦悩を表現することはできます。そして･･･優しく慰めとなる感覚を表現するために、山上で説教する人物を描く必要はないのです」と説明した。彼はまた「私はオリーブの園にいるキリストを描くつもりはありませんが、今日見るようなオリーブの収穫を描くつもりではいます。そしてそこに描かれた人間の姿に相応しい場所を与えることで、もしかしたらそれを思い出す人がいるかもしれません」とも述べている。
Title: オリーブの林 (Olive Trees (Van Gogh series))
Section: 分析
Subsection: 様式

ゴッホの初期作品群は、灰色のくすんだ色で描かれていた。パリではフランスを代表するエドガー・ドガやジョルジュ・スーラなどの芸術家と出会い、色彩と絵画技術の用法に啓発的な影響を受けた。以前は地味で暗かった彼の作品は、本作品を描いた頃には「色鮮やか」になっていた。実際に、ゴッホの色彩は表現主義と呼ばれるほどに劇的になった。しかし彼に「波のように押し寄せる感情」を表現する機会を与えたのは南フランスであった。陽光が降り注ぐ田園地帯に大きく影響を受けたゴッホは、何にもまして自分の作品が「彩りを約束する」と伝えた。ここから彼は傑作の開発を開始した。ゴッホは日光や季節で劇的に変化する木々の色彩や雰囲気を捉えた。神を表すために青色を使い始め、『星月夜』と『オリーブの林』の両方でイエス・キリストの「神聖で無限の存在」を象徴するために空の強烈な青を使用した。神を表すために「現代の芸術言語」を探求し、イエスの象徴であるオリーブの林に「輝く黄金の光」を浴びせるなど、ゴッホはオリーブの木の絵画の多くに神聖な性質を求めた。ゴッホは作品に光を与えるため、印象派の点描画法の概念を使用し、耕された畑、山々、岩、頭部や人物でも同様に、色彩で革新的に描き、絵画に光と形を与えた。彼はよく慣れ親しんだ絵具を厚く塗ることはせず、連作はより洗練されたアプローチで統一されている。
Title: オリーブの林 (Olive Trees (Van Gogh series))
Section: 分析
Subsection: 意味

ナショナル・ギャラリー・オブ・アートはオリーブの木の連作を次のように要約している。オリーブの木々の、古代の節くれだった姿が持つ表現力の中で、ゴッホは自然のすべてに存在すると信じていた精神的な力の現れを発見した。彼の筆遣いは地中海の風を受けて揺らめいて輝くほどに撹拌された木の葉と同じようなざわめく動きで、土や空さえも生きているかのように見せる。これらの力強い個々の筆勢は、絵具を塗ったというよりもむしろ絵筆でキャンバス上に線を引いたように見える。その途切れることのないリズムの熱量は、ゴッホが樹木それ自体の中に見い出した生きる力、それらを形作ったと彼が信じていた精神的な力として、ほとんど物理的な方法で我々に伝達する。『神聖なコモディティ 消費者キリスト教を超えた信仰の発見』（The Divine Commodity: Discovering a Faith Beyond Consumer Christianity）の著者スカイ・ジェタニ（Skye Jethani）はゴッホの絵画の多く、特にオリーブの木の連作で、ゴッホは悲しみの贖罪の性質と、悲しみの中にも喜びがありうることを伝えていると主張している。1876年のゴッホの説教を引用すると、イエス・キリストを見ることを学んだことがある人や学んでいる人には、いつでも喜ぶ理由があるでしょう。聖パウロの言葉「悲しくもあり、同時に喜びもある」は良い言葉です。
Title: オリーブの林 (Olive Trees (Van Gogh series))
Section: 各作品

ゴッホは手紙の中で、1889年6月に制作された3点の絵画と、1889年11月末までに完成した5点の絵画の2つのグループに分けることを指定した。9月には1枚の絵画、12月には3枚のオリーブ摘みの絵画が知られ、他にもいくつかの絵画が知られている。ゴッホは用心のための安全策としてオリーブの林の絵を何枚か描いたが、絵具を手に入れることができなかった。
Title: オリーブの林 (Olive Trees (Van Gogh series))
Section: 各作品
Subsection: 『星月夜』の補完

ニューヨーク近代美術館が所蔵する『アルピーユ山脈が見えるオリーブの林』（Olive Trees with the Alpilles in the Background）について、ゴッホはテオに「私はオリーブの林のある風景と星空の新しい習作を描きました」と書いており、この絵画を夜の『星月夜』を補完する昼光と呼んでいる。彼の意図は「何人かの画家の写真的で馬鹿げた完璧さ」を超えて、色彩と直線的なリズムより生まれる力強さに到達することであった。絵画の中で、「エクトプラズムを思わせる」雲が漂う空の下、ねじれた緑のオリーブの林がアルプスの麓の前に立っている。絵画が乾くと、ゴッホは手紙に「白い雲と後ろの山々を背にしたオリーブの林は、月の出や夜の効果と同様に、一般的な配置の観点から誇張されています。輪郭は古い木版画のように強調されています」と書き、両作品をパリのテオに送った。
Title: オリーブの林 (Olive Trees (Van Gogh series))
Section: 各作品
Subsection: オリーブ摘み

ゴッホはオリーブを摘む女性の3点のバージョンを描いた。最初の作品（F654）について、ゴッホは「自然に由来するより深い色合いで」その場で直ちに描いた習作であると説明している。第2の絵画（F655）は、彼の妹と母親を描いた「3点の絵画の中で最も分解され、様式化されたもの」であり、ニューヨークのメトロポリタン美術館に所蔵されている。第3の絵画はワシントンD.C.のナショナル・ギャラリー・オブ・アートが所蔵するチェスター・デールのコレクションの中にある作品で、ゴッホは12月に自分のアトリエで「非常に控えめな配色」で描いた。絵の主題は即座に明白であるが、最初の木は飛石のように観客をオリーブ摘みの場面に導いている。ここでゴッホは文字通りの解釈よりも感情的および精神的な現実を重視した。女性たちは日々の暮らしのためにオリーブを収穫している。木々が女性たちを包み込み、木々と風景がほとんど一つになっているように見えるやり方は、自然と人間の間の感情的な絆と相互依存を示している。別の作品はオリーブを摘む一組の男女を描いたものであった。このクレラー・ミュラー美術館所蔵の『2人のオリーブを摘む人がいるオリーブ畑』（Olive Grove with Two Olive Pickers, F587）は1889年12月に描かれた。
Title: オリーブの林 (Olive Trees (Van Gogh series))
Section: 各作品
Subsection: 1889年6月の作品

1889年6月（療養所滞在の2か月目）、ゴッホは3点のオリーブの木の絵画を制作した。彼はこれらの作品を同一に扱っている。ネルソン・アトキンス美術館所蔵の『オリーブ園』（Olive Orchard, F715）について、ゴッホは1889年7月の手紙で、灰色の葉をつけたオリーブの木の果樹園のように「彼らの紫色の影が日当たりのよい砂の上に横たわっていた」と表現した。対照的に、影はプロヴァンス地方の太陽の熱さを強調している。「反復的な長方形の筆遣い」はこの作品の感情的な影響を高める熱量を伝えている。2017年11月、死んだバッタの死体が絵画の中から発見されたが、ゴッホが屋外で絵画を描いている最中にすでに死んだ状態で付着したものと推定されている。ゴッホ美術館所蔵の『オリーブの林、明るい青空』（Olive Trees: Bright Blue Sky, F709）は涼しい青い昼光の色調であり、暖かい秋色の習作であるヨーテボリ美術館所蔵の『オリーブ畑』（Olive Grove）と似ている。この秋の色合いの絵画は作品の「厳しく粗野な」写実性を達成するというゴッホの目標を満たした。ゴッホは絵画を友人で医師のポール・ガシェに贈り、翌年オーヴェル＝シュル＝オワーズでガシェ医師のケアと管理を受けることになった。クレラー・ミュラー美術館所蔵の『オリーブ園』（Olive Orchard, F585）は1889年6月に描かれた。
Title: オリーブの林 (Olive Trees (Van Gogh series))
Section: 各作品
Subsection: 1889年9月・10月・11月・12月の作品

この時期に制作された絵画は、ポール・ゴーギャンとエミール・ベルナールのゲツセマネの絵画に対するゴッホの反応の芸術的成果が多かった。スコットランド国立美術館所蔵の『オリーブの林』（Olive Trees, F714）の強烈な性質は、おそらく制作時のゴッホの動揺した精神状態が表れており、その劇的な影響は彼の筆遣いと色使いの両方が証拠立てている。青緑色と涼しげな色合いの6月のオリーブの木とは対照的に、ミネアポリス美術館所蔵の『黄色い空と太陽のあるオリーブの林』（Olive Trees with Yellow Sky and Sun, F710）の鮮やかなオレンジ色と黄色は秋の季節を思い出させる。小説家ウォーレン・キース・ライト（Warren Keith Wright）は、理由は不明であるがこの絵画に釘付けになり、15年以上にわたってミネアポリス美術館を訪れた。彼はこの絵画が2つの時代を表している点にその魅力があるということに気づいていた。午後遅くの太陽は真西の山上に位置している。しかし、影は秋に落ちるであろう画面左または南西の方角から斜めに落ちている。絵画は時間だけでなく季節とも一致していない。それは「自らの未来を予測し、自らの過去に回帰する」。ブラジルのサンパウロ美術館に所蔵されている『歩くカップルと三日月のある山の風景』（Couple Walking among Olive Trees in a Mountainous Landscape with Crescent Moon）はおそらく10月に制作が始まった作品で、未完成のまま放棄されたたのち、翌1890年5月に完成したと考えられる。1889年11月あるいは12月に、ゴッホはニューヨーク近代美術館所蔵の『オリーブ園』（Olive Orchard, F708）に取り組んだ。 このとき描いたもう1つの絵画はスウェーデンのヨーテボリ美術館に所蔵されている『オリーブの林、オレンジ色の空』（Olive Grove: Orange Sky, F586）である。
Title: 接吻 (The Kiss (Rodin sculpture))
Section: abstract

接吻（せっぷん）あるいは口付け（英語: kiss/osculation、キス / キッス）とは、唇を相手の頬・唇、手などに接触させ、親愛・友愛・愛情などを示すこと。俗に、チュウとも言う（大辞泉、大辞林、日本国語大辞典）。挨拶あるいは儀礼として公然とキスのみ単独で行われる場合もあれば、ひそかに性行為(性交)の一部として行われる場合もある。
Title: 接吻 (The Kiss (Rodin sculpture))
Section: 西欧・東欧・中東などにおける接吻

ロシア人など東スラブ系の人々や、フィンランド人など北方のフィン・ウゴル系の人々は男性同士でも親愛の情を示すために互いに相手の頬にキスをし、時には唇同士でキスをする。西スラブ系（ポーランド人など）、ラテン系、ゲルマン系の人々には、隣接する文化圏でありながら感覚として受け入れ難いという。ラテン系の人々は恋人たちであれば、特に音を立ててキスするなど、様々なバリエーションがある。
Title: 接吻 (The Kiss (Rodin sculpture))
Section: 西欧・東欧・中東などにおける接吻
Subsection: 手の甲へのキス

挨拶として、唇を相手の手の甲にキスをすること。かつて王に対して臣下が、貴婦人（年齢不問）に対して騎士が、教皇に対して人々が、一般にこうした挨拶をしていた。現在でも身分の高い女性などを喜ばせるために、こうした挨拶を敢えてする男性もいる。
Title: 接吻 (The Kiss (Rodin sculpture))
Section: 西欧・東欧・中東などにおける接吻
Subsection: 頬へのキス

唇を相手の頬につけるキス。挨拶で頻繁に用いられ、人々によって日常的に最も頻繁にされているキスである。愛情を示すためにも頻繁に行われている。また、相手の頬に直接つけないキス「投げキッス」などもある。唇をつけるかわりに、頬と頬を触れさせ疑似的に「チュッ」（英：smack）という音を発して済ますことも多い。これは口紅を塗った女性が相手に唇を接すると、相手に口紅が付着することを避けるという目的もある。
Title: 接吻 (The Kiss (Rodin sculpture))
Section: 西欧・東欧・中東などにおける接吻
Subsection: 唇へのキス

ソフト・キス（ライト・キス、ブリーフ・キスとも）唇で相手の唇に触れる。フランスでは、家族間・夫婦間・恋人間などで（母-息子などの親子間でも）日常的に非常に頻繁に（挨拶として、たとえば「いってきます」「おかえりなさい」「おやすみ」などの時も）唇への軽くて短いキスがなされる。いわゆるソフト・キス（ライト・キス）である。世界各地で、恋人や夫婦間など、唇へのキスは広く行われている。ディープ・キスディープ・キス（deep kissあるいはfrench kiss）は、唇を触れ合うだけでなく、互いに自分の舌を相手の口腔内に挿入し舌を絡め合うものである。英語の「french kiss」という呼称は、（欧州内ではフランス人、イギリス人、ドイツ人、オランダ人など、互いのことを揶揄し合ってきた長い歴史があるわけであるが）イギリスから見て「フランス式のオープンな（＝はしたない）」と揶揄してつけられた。日本では「フレンチ・キスはライト・キスのことだ」とする誤解があるが、これは日本とその他の国との間の、フランスに対するイメージの相違に由来するという説もある。
Title: 接吻 (The Kiss (Rodin sculpture))
Section: 西欧・東欧・中東などにおける接吻
Subsection: 腹部へのキス

妊婦の夫や子供は、妊娠して大きくなった腹部にキスをして胎児に愛情を注ぐことがある。
Title: 接吻 (The Kiss (Rodin sculpture))
Section: 東洋における接吻
Subsection: 日本

「キス」という言葉が入ってきたのは明治以降であり、それが「接吻」と和訳されたのが明治20年（1887年）の頃（訳語そのものは文化13年（1816年）の『ズーフ・ハルマ』に遡る）であった。文明開化を迎える以前も以後も、挨拶としてのキスは一般的に成立していない。現代においても、『当事者の意思感情、行動環境等によつて、それが一般の風俗道徳的感情に反するような場合』、即ちプライベートで関わりのない者が職場等での立場を利用して行為を強要したり、見ず知らずの初対面の人間がいきなりキスをしたりすれば、日本の法制や判例では強制わいせつ罪に問われる可能性がある（東京高判昭和32年1月22日高刑集10巻1号10頁）。ただし、性行為としてのキスは、昔からあった。文献に残る以前の太古の時代からキスはあったと推定されるようだが、はっきりと文献に現れる最も古い例として、『日本紀略』のなかで、昌泰元年（898年）に行われた鷹狩りの打ち上げの宴会の際に、酔った平好風が遊女の「懐を探り、その口を吮う」挙に出たと、紀長谷雄は記録している。その40年後には、紀貫之が『土佐日記』の承平5年（935年）の段に「ただ押鮎の口をのみぞ吸ふ。この吸ふ人々の口を、押鮎もし思ふやうあらむや。（意訳：押鮎に心があったら、人々のキスをどう思うだろうか）」という一節を記している。室町時代にはキスは「口吸い（くちすい）」と呼ばれていた。動詞としては「口吸う」という言葉があった。他に「口口」や、江戸後期には口2つで「呂」などと呼ばれた例もあるが、「口吸う」がもっとも古く、平安時代に遡る。郭言葉では「おさしみ」とも言い、これはそれが2人で刺身を食べる様に似ているからといわれる。九州地方では「あまくち」と言われた伝承があり、『ズーフ・ハルマ』の該当項目に訳語として挙げられている。長らく日本では珍しい行為として扱われ、映画『また逢う日まで』（1950年）では間接キスにもかかわらず大きな話題になったほか、1949年に手塚治虫が子供漫画初のキスシーンを描いたときには抗議が殺到した。時代が下るとともに、テレビや映画、音楽などといった大衆文化、ならびに文学や芸術の分野における取り扱いが増えていくとともに、特に恋人の関係にある者同士での「キス」がとりたてて珍しいものではなくなっていった。20世紀末の日本では、周囲の目を気にすることなく、路上で行う若者も目立つようになっているとする論もあった。
Title: 接吻 (The Kiss (Rodin sculpture))
Section: 東洋における接吻
Subsection: 日本

=日本性教育学会では1975年から「青少年の性行動全国調査」を実施しており、統計開始の1975年から第6回の2005年までは、キス経験率の低年齢化が増加の一途を辿っていた。しかし、2000年代後半からの草食系の増加を一例とする若者の性行動不活発化の煽りを受け、その傾向は2005年には頭打ちとなる。最新の2011年第7回調査では、2005年調査と比較して男子6ポイント、女子9ポイントの減少となり1993年時点の水準に低下している。第4回青少年の性行動調査によると、キスした経験は男性で14歳、女性で16歳で50%を越え、キスの経験が男女ともに18歳で50%を越える。
Title: 接吻 (The Kiss (Rodin sculpture))
Section: 東洋における接吻
Subsection: 日本

=現代にあっては、舌を用いて行う「ディープ・キス（フレンチキス）」の語も広く知られるようになり、「生まれて初めて他者と交わすキス」を表す「ファースト・キス」という言葉が生まれた。また唇同士の接触（接吻）のみならず、唇を何らかのものに接触させるという行為を一般的に指す「チュウ（ちゅう、チュー）」という、擬音を元にした俗語も生まれ、若者を中心に幅広く用いられるようになった。なお、接吻の擬態語としては江戸時代に既に「ちうちう」という表現を見ることができる。
Title: 接吻 (The Kiss (Rodin sculpture))
Section: 動物のキス

キスをするのは、人間だけではない。チンパンジーやボノボもキスをする。
Title: 接吻 (The Kiss (Rodin sculpture))
Section: 歴史

カイロのエジプト考古学博物館には、古代エジプト第18王朝のアクエンアテン王（在位：紀元前1350年頃 - ）が娘に接吻する石像が残っている。また、世界遺産セラ・ダ・カピバラ国立公園にある壁画には、性別ははっきりしないもののヒトとヒトがキスをしているように見える壁画があり、先史時代から人類にはキスという概念が存在したことになる。
Title: 接吻 (The Kiss (Rodin sculpture))
Section: キスマーク
Subsection: キスと皮下出血

首にキスをして強く吸ったりするとそこに内出血が起きることがあるが、それを医学的には『吸引性皮下出血』という医学用語で呼ぶ。日常用語ではキスマークとも呼ばれる。「この人、首にキスマークがあるということは、さては昨日誰かと"いちゃついて"いたな？」などと推察されることになる。
Title: 接吻 (The Kiss (Rodin sculpture))
Section: 事件

2005年、カナダの15歳の少女が、同級生のボーイフレンドの少年とのキスが原因で死亡する事故があった。これは、少女がピーナッツアレルギーであるのを知らずに、少年がその日の朝にトーストにピーナッツバターを塗って食べ、そのままキスをしたことが原因だと判明している。2007年4月19日、イスラエル人の女性がキスで舌を絡ませ、男性の舌を噛み切るという事件があった。山田風太郎の『八犬伝』にも、“舌切り雀”という名で娼婦の殺人術として登場する。毒見中世ヨーロッパでは、貴族の食器、枕やベッドなどの身の回りの品へキスをして毒がないかチェックした。
Title: 英雄的ゲリラ (Guerrillero Heroico)
Section: abstract

『英雄的ゲリラ』（えいゆうてきゲリラ、スペイン語: Guerrillero Heroico）は、アルゼンチン出身のマルクス主義革命家チェ・ゲバラの姿を撮影した写真。1960年3月5日にアルベルト・コルダが撮影した。20世紀において最も多くの複製が行われた写真とも言われる。
Title: 英雄的ゲリラ (Guerrillero Heroico)
Section: 撮影までの経緯

1960年3月4日にキューバ・ハバナ港において、ベルギーから輸入された武器・弾薬70トンを積載した蒸気貨物船「ラ・クーブル号」が爆発する事件が起きた。爆発は二度に及び、港湾労働者、消防士を含む81名が死亡、数百名が負傷する惨事となり、翌5日、ハバナ市のコロン墓地において追悼集会が行われた。この時キューバ政府閣僚の一人として演壇上に上がっていたゲバラの表情を捉えたものが『英雄的ゲリラ』である。この写真が撮影される直前、壇上ではフィデル・カストロが爆破事件の詳細を説明しており、他にカミーロ・シエンフエゴスや、フランスから招かれていた思想家のジャン・ポール・サルトル、シモーヌ・ド・ボーヴォワール等、多数の閣僚および来賓が壇上に上がっていた。その中でゲバラは後列に立ち、撮影者のコルダは演壇より10メートルほどの場所から90 mm中望遠カメラ（ライカ・M2、コダック・プラス-Xパンフィルム使用）を構えていたため、その姿を確認することはできなかった。しかし11時20分頃、詰めかけた聴衆の様子を見ようとゲバラが前列に歩み出る。およそ30秒ほどで再び元の位置に戻ったが、この間にコルダはその姿を捉えた2枚の写真を撮影した。