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Title: 微笑む騎士_(ハルスの絵画) (Laughing Cavalier)
Section: 作品

この肖像画は、縦83センチ、横67.3センチで、画面上部に「Æ'TA SVÆ 26/A°1624」と記されている。ラテン語で「aetatis suae 26, anno 1624」を表し、モデルの人物が26歳の時の1624年に描かれたことを意味している。 人物の素性は不明であり、19世紀のオランダ語、英語、フランス語の作品名は大方、軍隊の人物、または少なくとも警備隊の士官であることを示唆している。警備隊の士官は、ハルスや後のレンブラントの1642年の『夜警』 (アムステルダム国立美術館) などの集団肖像画の対象となっている。本作の人物はまた、富裕な市民であった可能性がある。美術史家のピーテル・ビースブール (Pieter Biesboer) は、この作品はオランダの布地商であったティーレマン・ロ―ステルマン を描いていると提案しているが、ロ―ステルマンはハルスの別の肖像画 (クリーブランド美術館、オハイオ州) に登場している。画面は生き生きとして、自然なもので、豪華で高価な絹の衣服の描写に費やされた明らかな労力にもかかわらず、仔細に観察してみると、長く、素早い筆遣いが見て取れる。黒のサッシュの描写はとりわけ素晴らしい。それは、ハルスが限られた色数で描く驚嘆すべき能力を有していたことを表しており、後のフィンセント・ファン・ゴッホに「フランス・ハルスは27種類の黒色を持っている！」と言わしめた。振り返っている人物の姿勢と低い視点は他のハルスの作品にも見出せるもので、これらの要素が本作では刺繍を施された袖とレースのカフスを強調している。刺繍には多くのエンブレムがある。「愛の喜びと苦しみ」を象徴しているのは「蜂、矢、炎を噴き上げているコルヌコピア、愛人をつなげる結び目、そして炎」であり、オベリスク、またはピラミッドは力を、メルクリウスの帽子とケーリュケイオンは幸運を象徴している。一般的に、18世紀の終わりになるまで、笑い顔は、トローニ― (特定の肖像画ではなく、表情やポーズを表現する習作) や風俗画においてはしばしば見いだされたが、本作のように委嘱された肖像画が、大人が笑っているところを表すことはまれであった。フランス・ハルスは例外的で、しばしば本作よりも人物が大きく笑っている姿を、動きと自然さを作品にもたらす打ち解けた姿勢で表した。絵画がどんな角度から眺められても、モデルの人物が鑑賞者を追っているような視線の効果は、静的な二次元的表現と相まって、彼が真正面の画家の目を見ているような結果をもたらしている。
Title: 微笑む騎士_(ハルスの絵画) (Laughing Cavalier)
Section: 歴史

絵画の来歴は、1770年のデン・ハーグでの競売にまでしか遡れない。18世紀の競売では、絵画はかなり安く取引されていた。その後のオランダでの競売の後、1822年にフランス系スイス人の銀行家で収集家であったジャム・アレクサンドル・ド・プルタレス伯爵に購入された。 伯爵の死後の1865年、彼のコレクションのパリでの競売で、第4代ハートフォード侯爵リチャード・シーモア＝コンウェイ がジャコブ・マイエール・ド・ロチルド男爵に競りで勝ち、絵画を見積価格の6倍の51,000フランで取得した。1871年に、作品は『男性の肖像』 (portrait d'un homme) と記され、ハートフォードのパリの自宅にあったが、その後、作品は競売の結果、ロンドンに移った。それは、おそらく、ベスナル・グリーン博物館での大規模で長期間のオールド・マスター絵画展に展示する目的であったが、この展覧会場は、労働者階級を惹きつけるために意図的にロンドンのウエスト・エンドを避けたものであった。展覧会は大成功で、特に『騎士』 (カタログでの題名) は大衆にも批評家にも非常に好評であった。作品は、イングランドにおけるハルスの評価を上げるのに重要な役割を果たしたのである。作品は、ふたたびロイヤル・アカデミーで展示された1888年までには『微笑む騎士』とされていた。しかし、その前の1884年の洗浄によって作品の様子は変わってしまった可能性がある。雑誌「アシニウム」 (Athenaeum)  の批評家は、画面がより明るくなったことに気づいたが、モデルの男性が笑っているというより微笑んでいることにも気づいた。ハートフォードのコレクションは、息子のリチャード・ウォレス・Bt.卿に遺贈され、後にコレクションと彼の家は、彼の妻によりウォレス・コレクションとして国家に寄贈された。「(本作の人物の) 目が部屋中、あなたを追っている」という比喩は、ずっとイギリスの喜劇の定番で、アート・ギャラリー (The Art Gallery) やその他の場所でピートとダッドにより利用されている。時には、モデルの目の部分をのぞき穴として切り抜いた肖像の形で利用されている。
Title: 微笑む騎士_(ハルスの絵画) (Laughing Cavalier)
Section: 影響

『微笑む騎士』は、マクエワンズ のビールにロゴとして使われており、『微笑む騎士』がビールを楽しんでいる姿を表すべく変更されている。バロネス・オルツィ作の小説『紅はこべ』冒険シリーズで、『微笑む騎士』は、小説の前日譚として彼の物語を語っており、小説の主人公である英雄、パーシー・ブレイクニー卿 (Sir Percy Blakeney) の先祖となっている。『微笑む騎士』は、連続テレビ番組『シャーロック・ホームズのライヴァルたち』の第6話である「ポルトガルの鏡事件」に登場する。連続テレビ番組『ザ・モンキーズ』は、本作と本作を変更した複製を中心としたプロットの逸話 (S02E05) を登場させた。
Title: 人生の航路 (The Voyage of Life)
Section: abstract

人生の航路(じんせいのこうろ、英:Voyage of life)はアメリカのハドソン・リバー派の画家トマス・コールによって1842年に描かれた人間の宗教的な救済をテーマとする4枚の連作で、人間の誕生から死に至るまでの一生が船旅にたとえて展開される。人生の4つの段階：幼年、青年、壮年、老年期の寓意を表す4枚の絵画は、19世紀半ばのアメリカの荒野を、人生の４つの段階を象徴する四季に対応した風景の中、守護天使に伴われた旅人が生命の川を旅する。「人生の航路」シリーズは次の4作品で構成されている。「幼年期」「青年期」「壮年期」「老年期」
Title: 人生の航路 (The Voyage of Life)
Section: 背景

トマス・コールは、19世紀半ばに盛んとなったアメリカの芸術運動ハドソン・リバー派の創始者とみなされていると同時に自然の写実的かつ詳細な描写ではなく、ロマン主義からの強い影響力を受けている。アメリカ風景画家のこのグループは1825年～1870年にかけて活動したが、彼らは国家への誇りとともに、米国に見られる他国には類を見ない自然の美しさへの賞賛も共有していた。アメリカに見られる未開で荒々しい自然はアメリカの特徴とみなした、即ち”ヨーロッパには古代遺跡があるが、アメリカには未知の荒野が存在する”と。コールの友人で詩人のウィリアム・カレン・ブライアントが詩で、コールが絵画でこれらの自然を讃えた。彼らは自然は神の作品であり、醜い物質主義がはびこる都会からの避難場所と見なしていた。そしてブライアントは1848年のコールの葬儀の弔辞で「初期の彼の作品を眺めたときの感動を、私ははっきりと想いおこす。わが国土だけに見られる未開の荘厳な光景のうえに、私たちの眼を運んでくれる作品を眺めるとき、湧きおこる悦び。千古不斧の森におおわれた山嶺:・…わが国独特の気候がつくりあげた蒼穹の深い輝き。コールしか描くことのできなかったさまざまな空。そして、その澄みきった深淵のなかに貴方の矢は吸いこまれてゆくのだ。」と述べている。コールの「人生の航路」は明らかに風景画を用いた宗教的信仰の寓意であり、それを教訓的で道徳を高めるための絵画のシリーズとする事を意図している。完成した「人生の航路」作品は公共の展覧会に出展する事に関して委員会と所有所の間で意見が一致しなかった。1842年にコールのローマ滞在中に同じ画題の第2の作品を作成したが、それは、帰国後アメリカで高い評価を得る事ができた。現在の第一組は、ニューヨーク州ユーティカのマンソン・ウィリアム・プロクター美術研究所に、第二の組は、ワシントンD. C. のナショナル・ギャラリーの収蔵品である。
Title: 人生の航路 (The Voyage of Life)
Section: 人生の航路

コールは帝国の興亡の歴史という壮大なテーマを扱った「帝国の推移」を描き、2番目の大作「人生の航路」では人間の宗教的な救済がテーマとなっている。今度は4枚の連作であり、人間の誕生から死に至るまでの一生を船旅にたとえて展開している。4枚の作品はそれぞれの画面に前作の情景を残しながら鎖のように繋がっており、我々の人生は結局繰り返しにすぎないことを暗示しているかのようである。
Title: 人生の航路 (The Voyage of Life)
Section: 人生の航路
Subsection: 幼年期

英題：Childhoodキャンバスに油彩、1842年、52 × 78 インチ第一の絵、「幼年期」には、旅人、天使、川、そして表現力豊かな風景など物語の重要な要素が導入全てされている。緑豊かな風景の中、穏やかで暖かい日差しを浴びながら幼児は天使が導く小舟に無垢で子供の頃の喜びを反映しているように安全に安座されている。小船は、コール自身が述べている、"私たちのこの世の起源、そして神秘的な過去を象徴する" 暗いゴツゴツした洞窟から外に滑り出る。穏やかに流れる小川は、小児が保護されている状態を象徴している。また船首には時間を象徴する砂時計を手にもつ船首像が飾られている。
Title: 人生の航路 (The Voyage of Life)
Section: 人生の航路
Subsection: 青年期

英題：Youthキャンバスに油彩、1842年、53 × 76 インチ第二の絵、「青年期」は「幼年期」と同じく緑豊かな風景が広がっているが、旅人の経験が深くなった事を象徴し、画面の視界が広がっている。天使が見守る中、若者は今や舵をしっかりと握って小舟をコントロールし波打つ岸から出発して行く。彼の前方に手を突き出すポーズと渦巻く様な服の模様から若者が熱意とエネルギーをもっているのは明白である。遠くの空には若者の野心と夢を表す白く揺らめく光の様な幻の城が浮かび上がっている。若者には、穏やかな川がそのまま真っ直ぐに城までつながると見えるが、絵の右端にちらっと垣間見える川は次第に荒々しくなり、波立ち、岩だらけになるのが見て取れる。コールは風景と若者の野心について「絵の風景 - その清流、その高尚な木々、その高くそびえる山々、その無限の距離、透明な雰囲気 - 、これらの風景が若々しい想像のロマンチックな美しさを醸し出し、平常な精神を壮大な気分に導く。 そして、それを実際に経験する前に何が事実かを教える」とコメントしている。なお、この絵は、スウェーデンのドゥーム・メタル・バンドキャンドルマスのアルバムAncient Dreamsのジャケットとして使用された。
Title: 人生の航路 (The Voyage of Life)
Section: 人生の航路
Subsection: 壮年期

英題：Manhoodキャンバスに油彩、1842年、53.3 × 78 インチ次の絵「壮年期」では、若者から大人へと成長し、今、人生の試練に直面する旅人が描かれている。「青年期」での暖かい日差しは、暗い嵐の空と豪雨に変り、風にさらされた節くれだった木々は葉が吹き飛ばされ、幹だけが残されている。また、「青年期」の清々しい草は堅く荒々しい岩に置き換わっている。泡立つ波、威嚇するような岩、危険な渦潮、怒涛のような川の流れの中で小舟は損傷し舵は既に失われて、男は小船の上で自信を失い、小船を制御する事も出来ない。遥か彼方の天上からは、天使がまだ男を見守っている。しかし、男はそれを知ることはなく、出来るのはただ ”天使が彼を助けるため必ずそこにいる" と信じ続ける事だけである。これについてコールは "困難は壮年期の特徴である。「幼年期」にはわずらわしい気苦労は無く、「青年期」には絶望的な思いなどは存在しない。私達が目から人生初期の黄金のベールをはがしたとき、現実世界の困難を知ることになり、そして、深いく永続的な悲しみを感じる：絵画の中の、悲しげな日食のような色調、相反する要素、嵐によって引き裂かれた木、これらはみんな寓意であり、ぼんやりと見える海は、旅人が今近づきつつある人生の終焉を象徴する"と述べている。「壮年期」の絵では対角線が強調されている：近づきがたいまで突きでた岩々、その隙間を曲がりくねり、泡立ち流れる激流が断崖の上から全てのものを押し流し、運び去る。この岩に挟まれた極端に狭い水路が緊張感を高め、絵の観察者にこの小舟がこの激流を無事にわたり切れるかを判断させようとする。さらに、上空の暗い雲間からは悪霊たちが小船を見下ろしている。そして遠方の背景、海と夕焼け色の空が出会うところにはわずかに水平線がみられる。これは絵の中の唯一の水平線であり、さもなければ暗くて怖いシーンの中で、孤独な水平線と温かみのある色の組み合わせは、絵の観察者の目を何度も繰り返して引きつける。コールの作品にしばしば未開の荒野とその危険性の象徴とし使用される、” ねじ曲り、節くれだち腐った木の幹” のシルエットが岩や川の対角線の反対側にあるのが目を引く。視線は右側の木の上にある漏斗状の雲から中央上にかけて存在する今にも降り出しそうな空模様に移りさらに、雲の下方に向かう円弧状の雲に沿い再び川面に導かれる。前景の野生のシーンの混沌と混乱の中、人は静けさの可能性を垣間見ることができるが、コールは画の視点を中央右側のこの少し下に置いている。
Title: 人生の航路 (The Voyage of Life)
Section: 人生の航路
Subsection: 老年期

英題：Old Ageキャンバスに油彩、1842年、53.3 × 78 インチ最後の絵、「老年期 」は死のイメージである。川の流れは穏やかになり永遠の海へと流れ込む。画面からは風景がほとんど消え去り、暗い水面の前方にある僅かばかりの荒々しい岩がここが地上世界の端であることを暗示している。船上の旅人は人生の試練を生き抜いたが、すでに老齢に達している。ボロボロの小船からは船首像と砂時計が失われ、年老い疲れ果てた旅人の地上での時が終わった事を象徴している。遠くでは天から天使が降りながら、男のそばでに浮かぶ守護天使と身振りで合図を交わしている。男は信仰が人生の旅を通じて彼を支えてきたことを理解し、再び喜びにあふれた。コールはこの光景を「肉体的存在のくびきから解き放され、心はすでに不滅の人生を垣間見る」と記述している。この絵は、スウェーデンのドゥーム・メタル・バンドキャンドルマスのアルバムNightfallのジャケットとして使用された。
Title: 人生の航路 (The Voyage of Life)
Section: 文化的意義

1800～1830年代、第二次大覚醒と呼ばれる信仰のリバイバルを経験した米国では、「人生の航路」が評論家および公衆に広く受け入れられた。更に、トマス・コールの死後ジェームズ・スマイリーによって4つの絵画の版画版が作られ、第三次大覚醒(1880年代 - 1900年代)時代にも広く流布し、今日でも高い名声と人気を博している。コール自身も「人生の航路」の完成後に再びヨーロッパを訪れ、その後1843年に帰国してからメソジスト監督教会に改宗する。そして「種まきと刈り入れ」、「生、死、不滅」(いずれも未完)といった宗教色のより強い作品へ傾斜していった。
Title: 悪女フリート (Dull Gret)
Section: abstract

『悪女フリート』（蘭: Dulle Griet, 英: Dull Gret (Mad Meg)）は、ルネサンス後期の風景画家、ピーテル・ブリューゲルによって1561年 に製作された油彩画。
Title: 悪女フリート (Dull Gret)
Section: 表記

日本では「狂女フリート」、「気違いグレーテ」とも呼ばれるが、ベルギーの民族学者ヤン・グラウルズによると、「dulle」はそうした意味ではなく「激怒した」、「立腹した」（英語のwrathful、angry、hot-temperedにあたる）という意味だとしている。さらに16世紀では「意地の悪い女」「がみがみ怒る女」への蔑視語として「Dulle Griet」が使われていたことがわかっている。現在でもオランダ南部では、悪女の代名詞となっているとされる。もともと「フリート」というのはギリシア神話に登場する「復讐の女神」であり、正義の味方とされている。「マルガレータ（マーガレット）」の愛称で呼ばれることもある。
Title: 悪女フリート (Dull Gret)
Section: 内容

地獄のように一面火の海といえるような画面に魚、ヒキガエル、虫、スッポン、イモリ、鳥、ザリガニ、クモなどに似た得体のしれない怪物が所狭しと描かれている。中央やや左寄りに大きく描かれているのが悪女フリートで、彼女は鉄のヘルメットをかぶり、甲冑を身につけ、料理道具や家事道具、宝石箱などを手に持ち、剣を振るいながら猛進している。彼女の行き先には大きな口を開けた人間のような顔があるが、これは地獄の入口を示唆している。フリートの後ろにも多くの女性が描かれ、怪物に襲いかかり、身ぐるみを剥いでいる。本作の制作の経緯や内容の意味するところなどについて正確には分かっていないが、ブリューゲルは他に『ネーデルラントの諺』という絵を描いており、本作もフランドル地方に伝わる悪女フリートにまつわる諺をモチーフに描かれている。例えば「彼女は地獄の前で略奪し、無傷で戻ってくる」、「地獄に行くなら剣を持って行け」、「クッションの上で悪魔を縛る」、「地獄から戦利品を持ち帰ろうとする者は、悪女を連れて来るのがよい」、「女はひとりでも騒々しく、二人で多くのトラブルを、三人寄れば大祭り、四人で喧嘩、五人揃えば軍隊、六人いれば悪魔も戦う武器を知らない」などである。また、描かれた怪物たちは男性の具現であり、悪女フリートと女性たちは、当時の男性優位社会での女性に向けられた抑圧や蔑視に対する反抗を図像化したものである、とする見方もある。作品の構図や怪物の描き方など、ヒエロニムス・ボスの『快楽の園』の影響を受けている。
Title: 悪女フリート (Dull Gret)
Section: 文学作品

ベルトルト・ブレヒトの戯曲『肝っ玉おっ母とその子どもたち』に登場するアンナは、戦場の中を商売稼業をして国々を渡り歩くという、戦時下を生き抜くたくましい女性として描かれているために、しばしば本作を引き合いに出して語られる。またブレヒトは自身の戯曲『コーカサスの白墨の輪』に登場するグルシェについて、「グルシェはブリューゲルの描いた『悪女フリート』のようなところがある」と言っている。
Title: 悪女フリート (Dull Gret)
Section: 大砲の名称

ヨーロッパでは大砲が製造されるとそれに女性の名前が付けられた。16世紀初頭にヘントに据えられた大砲に「悪女フリート」の名前が与えられ、北アイルランドのロンドンデリーやエジンバラの大砲は「気狂いメグ」（モンス・メグ、悪女フリートの別名）と名付けられた。
Title: 床削り (Les raboteurs de parquet)
Section: abstract

床削り（ゆかけずり）は、画家ギュスターヴ・カイユボットが1875年に制作した油彩画である。
Title: 床削り (Les raboteurs de parquet)
Section: 概要

ブルジョワ階級の邸宅の床を仕上げるために鉋やスクレーパーで削る仕事をしている都市労働者を描いた作品である。当時、ジャン＝フランソワ・ミレーが『落穂拾い』で小作農を描いたり、ギュスターヴ・クールベが『石割り人夫』で田舎の労働者を描いた例はあったが、都市労働者を描いた作品は少なかった。カイユボットの場合、クールベやミレーと異なり、社会的・倫理的・政治的メッセージを排除し、労働者らの仕草、仕事道具、小物などを冷静に写実的に描いているところに特徴が見られる。カイユボットは、レオン・ボナのもとでアカデミックな絵画を学んでいた。この作品では、高い視点からの遠近法が強調され、床板の並び方は伝統的な約束に則ったものとなっている。裸の上半身は、古代の英雄のように描かれている。カイユボットは、この作品を1875年のサロン・ド・パリに提出したが、落選した。一部の批評家からは、主題が低俗であると評された。カイユボットは、この作品を含む2点の『床削り』を、『ピアノを弾く若い男』、『窓辺の若い男』などブルジョワ風俗を描いた作品とともに、1876年の印象派第2回グループ展に出展した。印象派展に対しては、全体的に厳しい批評が多かったものの、好意的な評価としては、ルイ・エドモン・デュランティが、カイユボットの鋭いデッサン力や都市風俗の描写を称賛した。一方、エミール・ゾラは、2点の『床削り』について、写真のような正確すぎる描写のために芸術的に劣ると評した。
Title: 床削り (Les raboteurs de parquet)
Section: 来歴

カイユボットが亡くなった1894年、彼の遺言執行者となったピエール＝オーギュスト・ルノワールを通じてフランス政府に寄贈され、1896年、リュクサンブール美術館に受け入れられた。1929年、ルーヴル美術館に移管され、1986年にオルセー美術館に移管されて現在に至る。
Title: ドービニーの庭 (Daubigny's Garden)
Section: abstract

ドービニーの庭（どーびにーのにわ）とは、1890年7月にフィンセント・ファン・ゴッホによって描かれた絵画。
Title: ドービニーの庭 (Daubigny's Garden)
Section: 概要

オーヴェル＝シュル＝オワーズでゴッホが滞在していたラヴー旅館の近くにあった、シャルル＝フランソワ・ドービニーの邸宅の庭を描いたもので、画面中央奥には彼の未亡人が描かれている。ドービニーはゴッホの敬愛する画家の一人であり、1878年に彼が亡くなった時には、悲嘆の気持ちを弟テオ宛ての手紙にしたためるほどであった。同名同構図の作品が2点、異構図の作品が1点の計3点あることが認められている。1890年6月半ばに庭の一部を描いた正方形の習作がゴッホ美術館に所蔵されている。同名同構図の作品のうちの1枚目とされるものは、スイス・バーゼルのバーゼル市立美術館に所蔵されている（個人コレクターより寄託）。本作の画面右下にはフランス語でタイトルが書かれている。1枚目を模写したと思われる2枚目の作品は、7月23日付のテオ宛の最後の手紙で、本作について言及していると思われる箇所とスケッチが描かれていることから、7月中旬から同日までに描かれたと考えられており、ファン・ゴッホが自殺を図る1週間から4日前の、最後の作品である可能性もあるが、少なくとも最晩年の作品であることには間違いない。本作はゴッホの死後ドービニー夫人に寄贈され、彼女の死後、1900年に競売にかけられた後は複数の所有者の元を転々とした。その後、1929年にドイツのベルリン国立美術館が購入し収蔵したが、1937年にナチスによる退廃芸術弾圧で美術館の近代画部門は閉鎖され、本作は宣伝省に没収された。ヘルマン・ゲーリング空軍元帥は、集められた膨大な印象派や表現主義絵画の中から、この絵の他に『医師ガシェの肖像』などのファン・ゴッホ作品数枚を持ち帰り、オランダ・アムステルダムの画商に売った。画商はさらにこれをユダヤ系銀行家・美術収集家のジークフリート・クラマルスキー（Siegfried Kramarsky）に売ったが、彼は1940年のナチスによるオランダ侵攻前に、所有する絵画とともにアメリカ合衆国へ亡命した。戦後の1974年、クラマルスキーの息子によって競売にかけられ、広島銀行が落札。同行が開館したひろしま美術館に収蔵された。
Title: ドービニーの庭 (Daubigny's Garden)
Section: 塗りつぶされた猫

バーゼル版のものに見られる画面左下の猫は、ひろしま版のものでは一見して欠けている。これについて、1900年に競売にかけられた際に撮影された写真には猫が確認できること、該当部分が周囲と色合いがやや異なることなどから、1901年4月頃に画家のエミール・シェフネッケルによって補修のため塗りつぶされたと考えられている（彼は他のゴッホ作品にも加筆した疑いが持たれている）。この説をとる者に圀府寺司（現大阪大学文学部教授）がいる。吉備国際大学が行ったエックス線を使った調査でも、該当部分の絵の具の材質が異なること、塗りつぶされた下に猫が描かれていたことが確認されている。小林英樹（現愛知県立大学美術学部教授）は1999年の著書『ゴッホの遺言』で、後の作品のほうに猫がないことにゴッホのメッセージが込められているという説を述べている。『ゴッホの遺言』は第53回日本推理作家協会賞「評論その他の部門」（2000年）を受賞しているが、上記の通り根拠があるわけではない。小林は2009年の文庫化に際して該当部分を書き改め、『完全版ゴッホの遺言』として刊行している。
Title: フラミンゴ_(彫像) (Flamingo (sculpture))
Section: abstract

フラミンゴ（Flamingo）は、アメリカ合衆国イリノイ州シカゴにあるアレクサンダー・カルダー作の巨大彫像(パブリックアート)。シカゴダウンタウンのループ地域にある連邦政府センタープラザ内、クルズィンスキービル正面に所在。高さ16mのスタビル(原色の金属板の立体構成による動かない作品)。米国一般調達局(General Services Administration)の委託により1974年に公開されたが、カルダーが彫刻に残したサインによれば1973年製作であることがうかがわれる。
Title: フラミンゴ_(彫像) (Flamingo (sculpture))
Section: 特質

フラミンゴは重さ50トンの鋼鉄製で、朱色に塗られている。後に「カルダーの赤」と呼ばれるようになるその朱色で塗ることにより、カルダーは周囲の連邦政府センタービル(ミース・ファン・デル・ローエ設計)を含む黒の鋼鉄製オフィスビル群との対比を試みた。カルダーが開発したこのスタビルと呼ばれる芸術形式は、完全固定式の抽象構造であり、空気の流れによって動くモビールとは正反対のものである。
Title: フラミンゴ_(彫像) (Flamingo (sculpture))
Section: 製作委託と公開

カルダーはその確立された国際的な評価に基づきフラミンゴの設計を委託された。長方形の現代的なビルに囲まれた空間には、カルダーの巨大なスタビルがもたらすアーチ型の形状と動的な外見が求められたのである。フラミンゴは、「パーセント・フォー・アート」プログラムに基づいて米国一般調達局が委託した最初の芸術作品である。同プログラムでは、事業予算の1％をパブリックアートに振り分けることとされている。カルダーはフラミンゴの模型を1973年4月23日にシカゴ美術館で公開した。翌1974年10月25日、フラミンゴが初めて公開され、また同日にシアーズ・タワー(現在のウィリス・タワー)でカルダー作のモビール「ユニバース(Universe)」も公開された。当日は「アレクサンダー・カルダーの日」とされ、サーカスのパレードが行われた。
Title: フラミンゴ_(彫像) (Flamingo (sculpture))
Section: 空間的な関係

大規模な彫刻でありながら、見る者はその下や周りを歩き回ることによって人間的な規模で知覚できる。自然界・動物界を暗示する『フラミンゴ』の形状は、それ以前の時代の彫刻におけるよりリテラルな解釈とは明確な対比を見せている。また、小さな部分要素を組み合わせて作られた構造から、20世紀初期のロシアに源流をもつ構成主義の著名な例に挙げられている。連邦プラザ内の郵便局には『フラミンゴ』の模型が置かれている。
Title: レディ・ジェーン・グレイの処刑 (The Execution of Lady Jane Grey)
Section: abstract

『レディ・ジェーン・グレイの処刑』（レディ ジェーン グレイのしょけい、仏: Le Supplice de Jane Grey, 英: The Execution of Lady Jane Grey）は、ポール・ドラローシュが1833年に描いた絵画。『ジェイン・グレイの処刑』とも。
Title: レディ・ジェーン・グレイの処刑 (The Execution of Lady Jane Grey)
Section: 作品

サテンの純白のドレスを身にまとった若い女性、ジェーン・グレイが布で目隠しをされ、傍らにいる中年の司祭に導かれて、鉄輪がはめられ床に固定された小さな台に手を伸ばしている。画面右側の男は死刑執行人であり、大きな斧を手にしている。ジェーンは、自らの首を置く斬首台を探しているのである。髪の毛は刃が滑らないようにまとめられ、首を出すため、襟は大きく広げられている。台の下には、血を吸うために藁が敷かれている。左側で、円柱にすがりつき、背中を見せて泣く侍女の傍では、もうひとりの侍女が失神しかけており、その膝には、直前までジェーンが身につけていたマントと宝石類が置かれている。ジェーン・グレイは、1553年7月10日にイングランド史上初の女王となるも、わずか9日後にメアリー1世によって廃位させられ、その7か月後、16歳4か月の若さで処刑されたことで知られる。作品では宮殿の地下牢と思われる場所が描かれているが、史実によるとジェーンはロンドン塔の屋外にある、タワー・グリーンと呼ばれる広場で処刑された。
Title: レディ・ジェーン・グレイの処刑 (The Execution of Lady Jane Grey)
Section: 来歴

1833年に完成した本作は翌年、パリのサロンに出品されて大きな人気を獲得し、ドラローシュの出世作となった。ロシア人富豪が購入したことにより一時的に人々の記憶から消えるが、1870年にイギリス人が手に入れ、1902年にナショナル・ギャラリーに寄贈され、分館であったテート・ギャラリーで展示される。ロンドンに留学した小説家の夏目漱石が本作をナショナル・ギャラリーで鑑賞し、その印象に基づいた想像を短編小説『倫敦塔』に書きつづっている。1928年1月7日、テムズ川の氾濫によってギャラリーの地下が浸水し、他の作品とともに行方不明となるが、1973年、若い学芸員が保管庫から無傷で発見する。2017年に開催された「怖い絵」展で初来日する。
Title: 神よ、この死に至る愛の中で我を生き延びさせ給え (My God, Help Me to Survive This Deadly Love)
Section: abstract

神よ、この死に至る愛の中で我を生き延びさせ給え（かみよ このしにいたるあいのなかでわれをいきのびさせたまえ、ロシア語: «Господи! Помоги мне выжить среди этой смертной любви»; ドイツ語: Mein Gott, hilf mir, diese tödliche Liebe zu überleben）は、ドミトリー・ヴルーベリによる絵画作品で、最も有名なベルリンの壁に描かれたグラフィティ・アートの１つである。兄弟のキス(ドイツ語: Bruderkuss)と呼ばれることもある。1990年の作品で、社会主義国家の首脳による歓待の挨拶として当時は一般的であった、男性同士で抱擁と接吻をしているブレジネフとホーネッカーを描いている（作品そのものは、1979年にドイツ民主共和国の建国30周年記念を祝う式典で撮られた写真の模写である）。
Title: 神よ、この死に至る愛の中で我を生き延びさせ給え (My God, Help Me to Survive This Deadly Love)
Section: 写真

この作品のもとになった独ソ首脳が抱擁しあう有名な写真は、1979年10月7日に東ベルリン在住のレギス・ボッシュが撮影したものである。その後この写真は広く出回ることになった。ブレジネフは当時、新たな共産主義国家の建国記念のために東ドイツを訪問中だった。抱擁の数日前の10月5日、東ドイツとソビエト連邦は10ヶ年の相互支援協定を調印しており、これによって東ドイツはソ連に船舶、機械器具、化学装置を供給し、ソ連は東ドイツに燃料と原子力機器を供給することが取り決められた。2018年の時点で、この写真の著作権を管理しているのはコービスである。
Title: 神よ、この死に至る愛の中で我を生き延びさせ給え (My God, Help Me to Survive This Deadly Love)
Section: 作品

ヴルーベリがこの絵を壁面に描いたのは1990年のことである。ベルリンの壁が崩壊した後もこの絵はほかの作品と同じく鑑賞のために残されていた。しかし屋外に設置されているため、外気や日光にさらされ続け、悪戯も多かったことから、絵は次第に劣化が進んでいた。2009年3月、もとの作者たちがより耐久性のある作品として描き直せるように、この「兄弟のキス」も含めて壁の絵は一度完全にぬぐい落とされた。ヴルーベリも作品を描き直すように依頼を受け、3,000ユーロの謝礼を受け取ったが、彼はその全額をマルツァーンのソーシャル・アート・プロジェクトに寄付している。ヴルーベリは、作品のもとになった写真を撮影したボッシュと2009年に面識をもっている。この年の6月16日、二人は互いの作品のコピーを手にして記念撮影をした。
Title: 神よ、この死に至る愛の中で我を生き延びさせ給え (My God, Help Me to Survive This Deadly Love)
Section: 批評と受容

『神よ、この死に至る愛の中で我を生き延びさせ給え』はベルリンの壁に描かれたグラフティの中でも一二を争うほど有名な作品である。アンソニー・リードとデイヴィッド・フィッシャーは、この絵が「とても印象に残る、シャープな切れ味の風刺」であると評価している。一方で、インスピレーションを得た写真を模写しただけだという批判の声も少なくない。
Title: ネプチューンとトリトン (Neptune and Triton)
Section: abstract

ネプチューンとトリトン（伊：Nettuno e Tritone）は、イタリアの芸術家、ジャン・ロレンツォ・ベルニーニによる初期の彫刻作品である。1622年から1623年にかけて製作され、ロンドンのヴィクトリア＆アルバート博物館で保存されている。大理石製で、高さは182.2センチメートル。
Title: ネプチューンとトリトン (Neptune and Triton)
Section: 歴史

この彫刻は、元々、枢機卿アレッサンドロ・ペレッティ・ディ・モンタルトにより、ローマのエスクイリーノにあるモンタルトの邸宅、Villa Peretti Montaltoの噴水の装飾用に依頼されたものである。それを1786年に、イギリス人のトーマス・ジェンキンズが、画家のジョシュア・レノルズから購入した。レノルズの死後、チャールズ・アンダーソン・ペラムに売られ、ロンドンのチェルシーにある彼の屋敷の庭に安置された。さらに1906年、ペラムの子孫はこの彫刻を、リンカンシャーにあるカントリーハウスに移動した。1938年にはロンドンのロイヤルアカデミーに展示され、それをヴィクトリア＆アルバート博物館が1950年に購入した。
Title: ネプチューンとトリトン (Neptune and Triton)
Section: 図像学

ベルニーニの『ネプチューンとトリトン』はローマ神話における海の神ネプトゥーヌス（あるいはギリシア神話のポセイドーン）とその息子トリートーンを題材としている。ネプトゥヌスとトリトンは、古典文学においては比較的簡潔にしか触れられていないが、大地と海とを操る重要な役割を持っていると考えられていた。この作品は、ネプトゥヌスを海だけに結びつける、現代の一般的な誤解を踏襲しているが、ギリシア神話において、後にネプトゥヌスと同一視されるポセイドンは、ゼウスが天空を、ハデスが地下の世界を統治するのと同様に、大地とそれに付随する全ての支配者である。他方トリトンは、実際に海だけに関連している。ネプトゥヌスとトリトンは、しばしば水のような背景と共に、三叉の矛を持ち、馬車に乗って水から飛び出してくるように描かれる。ベルニーニの彫刻は、この二柱について、それとはやや違った様子に描いている。彫刻に表されているのは、ネプトゥヌスがアイネイアースの艦隊を荒れ狂う海から救い出す物語である。ベルニーニは神話を再解釈し、物語そのものよりも、ネプトゥヌスとトリトンの姿に重きを置いている。神話では、ネプトゥヌスは三叉の矛を以って船を裂くために、海の底からやってくる。ベルニーニはその情景を、アイネイアスに言及することなく、ネプトゥヌスが矛を下に向けている様子から浮かび上がらせ、それによって、ネプトゥヌスが、上方から海を統治しているイメージを描き出している。
Title: ネプチューンとトリトン (Neptune and Triton)
Section: 図像学
Subsection: ネプトゥヌス

この作品で、ネプトゥヌスはトリトンの上に立ちはだかっている。彼は髭を生やした30代前半の男性のように描かれている。脚は開き、彼とトリトンを乗せた巨大な貝殻の上でバランスを取っている。大きな布が肩から脚にかけてを覆い、男性器を覆い隠している以外に、服などは身につけていない。身体全体は明瞭に描かれ、腰を捻ることで筋肉がより強調され、体勢からその引き締まり加減を見るものに伝えてくる。何者かに矛を突き刺そうとでもするように、下向きに構えた様子で立っている。「彼は足元に吹き出る水の上に、怒りも露にその顔を向け、三叉の矛を下に突き刺すことで、彼の命令を課している。」両腕は筋肉が張り、その神性を表すように強く握っている。纏っている布と髪が後ろになびいていることから、風が吹いていることが暗示されている。
Title: ネプチューンとトリトン (Neptune and Triton)
Section: 図像学
Subsection: トリトン

ネプトゥヌスの息子トリトンは、ネプトゥヌスの足元に配置され、前面に押し出て巻貝を吹いている。彼は、父同様に男性的に描かれているにもかかわらず、明らかに若く、恐らくは10代の少年のように表されている。彼は角笛のように巻貝を吹いて、海と大地の王たるネプトゥヌスの到来を告げている。また、彼はネプトゥヌスの足と布を左側に掴んでいる。
Title: ネプチューンとトリトン (Neptune and Triton)
Section: 自然主義

自然主義により、芸術家達は、見るものの感情に、瞬時に反応が起こされることを意図した。ネプトゥヌスは、その凄まじい強さを表情としてうつしだしている。その神性を固めたように、石に彫り込まれているのである。それに対して、トリトンは、ネプトゥヌスの腿に掴まることで、服従を表している。その表情は、ネプトゥヌスが命じることには、何であれ従わねばならないという不安が浮き出ている。彼の臆病な様子と、ネプトゥヌスの支配的な出で立ちは、人間のリアルな感情を表しており、ベルニーニの、神話を生活に持ち込もうとする意図を思わせる。ベルニーニは見る者に、二柱の神を人として、動きとして「見る」機会を与えている。これはベルニーニの「シルエットがくずされ、身体的な限界をこえ、瞬間的な、動きのうちの極点が表された」最初の作品である。この彫刻の目的は、その姿勢や、自然な生活の緻密な暗示により、見る者に神話や物語を真実で、リアルなものとしてもたらすことである。彼は神話や噂、物語を真実とする機会を設け、見る者にそれを真実として信じさせたのである。
Title: カフェ・タンブランの女 (Agostina Segatori Sitting in the Café du Tambourin)
Section: abstract

カフェ・タンブランの女（カフェ・タンブランのおんな）は、フィンセント・ファン・ゴッホが1887年に制作した油彩画である (F370、JH1208)。モデルは、パリで「カフェ・タンブラン」を経営していたアゴスティーナ・セガトーリ (Agostina Segatori) であった。
Title: カフェ・タンブランの女 (Agostina Segatori Sitting in the Café du Tambourin)
Section: モデル

1886年にオランダからパリに出てきたゴッホが、1887年2月から3月頃に制作した作品である。タンバリンの形をした独特のテーブルとスツールから、場所がクリシー大通りのカフェ・タンブランであることが分かる。この絵で煙草を吸いながら宙を見つめる女性は、店主アゴスティーナ・セガトーリと考えられる。セガトーリは、1841年頃イタリアで生まれ、ナポリで生活していたが、1860年頃までにパリに移った。ここで、ジャン＝レオン・ジェローム、ジャン＝バティスト・カミーユ・コロー、エドゥアール・マネといった著名な画家のモデルとなっている。パトロンを見つけ、1885年にカフェ・タンブランを開業した。ゴッホは、この店をよく訪れ、自分の作品を持って行って店内に展示してもらったこともある。一時はセガトーリと交際関係にあったとも言われるが、確実なことは分かっていない。
Title: カフェ・タンブランの女 (Agostina Segatori Sitting in the Café du Tambourin)
Section: 作品

ゴッホが、パリに来て、オランダ時代の暗い色彩を脱して印象派の影響を受けた時期の作品である。パリのレストラン、バー、ナイトクラブなどナイトスポットでの風俗は、ピエール＝オーギュスト・ルノワールやアンリ・ド・トゥールーズ＝ロートレックら印象派の画家たちが好んで描いた題材であった。ロートレックが、アブサンを飲むゴッホを描いた肖像画が残っており、これもカフェ・タンブランで描かれたものではないかと思われる。ロートレックは、本作品と同じような構図で女性がカフェで座っている絵を描いており、ゴッホはその絵を見ていた可能性がある。X線解析によれば、本作品の下には別の女性の肖像画が描かれていたことが分かる。
Title: ヒュラスとニンフたち (Hylas and the Nymphs (painting))
Section: abstract

『ヒュラスとニンフたち』（英: Hylas and the Nymphs）は、イギリスの画家ジョン・ウィリアム・ウォーターハウスの1896年の絵画である。油彩。この作品はオウィディウスや他の古代の作家の説明に基づいて、悲劇的な若者ヒュラースに関するギリシア神話の一場面を描いている。ヒュラースは水を汲みに来た時に恍惚状態となり、ナーイアス（水のニュンペー）によって誘拐される。本作品は危険な女性のセクシュアリティの隠喩として、またニンフォマニアに対する警告として解釈されてきた。男性を惑わすファム・ファタールの主題の範疇にも入る。現在はマンチェスター市立美術館に所蔵されている。またウォーターハウスの習作素描の一部がオックスフォード大学のアシュモレアン博物館に所蔵されている。
Title: ヒュラスとニンフたち (Hylas and the Nymphs (painting))
Section: 主題

ヒュラースはドリュオプス人の非道な王テイオダマースの息子だった。ヘーラクレースがヒュラースの父親を殺した後、ヒュラースはヘーラクレースに育てられ、仲間となった。彼らはともにアルゴナウタイとなり、イアーソーンを伴ってアルゴー船で金羊毛を探し求めた。旅の途中、ヒュラースは新鮮な水を汲んでくるように言われた。彼は泉を見つけて水を汲もうとしたが、ヒュラースの美しさに魅了されたナーイアスたちが彼を水中に誘い込んだため、行方が分からなくなった。ヘーラクレースはヒュラースを探したが発見することが出来なかった。
Title: ヒュラスとニンフたち (Hylas and the Nymphs (painting))
Section: 作品

ウォーターハウスはヒュラースを古典的な服を着た男性の青年として描いている。ヒュラースは赤い帯で結んだ青いチュニックを身に着け、口径の大きい水瓶を持っている。彼は青々とした緑豊かな茂みに囲まれた泉のそばに腰を下ろし、睡蓮の葉と花に包まれた泉の中から姿を見せる7人の美しい水のニンフの方を向いている。ニンフたちは裸で、アラバスターの肌は透明な水の中暗く光っており、黄色と白の花が彼女らの鳶色の髪を覆っている。彼女たちの顔はおそらく2人のモデルに基づいた非常に類似した特徴を持っている。ヒュラースは彼が二度と帰って来られない水に入るよう誘惑されている。ニンフの1人はヒュラースの手首と肘を、2人目はチュニックを握って水中に引き込もうとし、3人目は手のひらで真珠をすくい上げて見せている。ヒュラースの顔は陰影が付けられ、ほとんど目は見えないが、ニンフの顔は彼を見ていることがはっきりと分かる。場面はヒュラースが水を見下ろしている所から少し上がった位置で描かれているため、空は見えない。ヒュラースはウィリアム・エッティ（1833年）やヘンリエッタ・レイ（1910年）など、19世紀と20世紀初頭のイギリスの画家たちが繰り返し描いたテーマだった。ウォーターハウス自身も1893年の初期の作例があり、1896年には彼の詩『ヘーラクレースとヒュラース』がフランシス・バーデット・トーマス・クーツネヴィルから出版されており、画家の関心の高さがうかがえる。ウォーターハウスはまた『ナルキッソス』（1903年、リヴァプールのウォーカー・アート・ギャラリー所蔵）といった他のギリシア神話の悲劇的な若者も描いている。
Title: ヒュラスとニンフたち (Hylas and the Nymphs (painting))
Section: 来歴

本作品は1896年にマンチェスター市立美術館が画家から購入し、翌1897年にロイヤル・アカデミー夏季展示会で展示された。作品は2018年初頭にソニア・ボイスの作品プロジェクトの一環として、「マンチェスターのパブリックコレクションでの芸術作品の展示方法と解釈方法についての会話を促すため」にギャラリー10の展示室「美の追求」から撤去された。ギャラリーの来場者は、壁に残った空きスペースに、用意されたポストイットに記入して貼るように勧められた。批判を受け、作品は数日後にすぐに同じ場所に展示された。
Title: 農園_(絵画) (The Farm (Miró))
Section: abstract

『農園』（のうえん、英: The Farm）はジョアン・ミロが1921年から1922年にかけて制作した油彩画。ミロの初期の代表作であり、友人のヘミングウェイが買い上げたことでよく知られる。
Title: 農園_(絵画) (The Farm (Miró))
Section: 解説

この作品では、カタルーニャのモンロチの農家で見られる種々のモチーフが、写実的に描かれつつ画面上で再構成されている。そこには、対象に真摯に向き合うほど却って幻想の世界に入り込むミロの個性がよく現われている。ヘミングウェイは次のように語った。これは、現実のスペインと空想のスペインが奇妙に結びつく『農園』の世界を巧みに言い当てている。ミロは「モンロチの農場に実際にあったものをすべてこの絵に描きこんだ」と言う。しかしそこには二つの過程が存在する。一つは各々の事物の独立した存在感である。すなわち鶏小屋、バケツ、ジョウロ、トカゲ、…といった事物はいずれも個別の視点と縮尺によって克明な筆致で描かれ、それらは農家の生活感を確かに感じさせる。そしてもう一つは、それらの事物の考え抜かれた画面配置である。すなわちそれぞれの事物は、互いに呼応関係が生まれるよう数段に分かれた奥行き内に慎重に配置され、それによって画面内における存在意義（ブラックの言う「正当性」）が与えられた。結果として画面にある種の動きが生まれ、幻想的な一つの小宇宙が現出した。『農園』は、それ以前の 4 年間にわたりミロが追求した「現実の描写」というテーマの延長上にある。すなわちこの作品は、ミロの写実絵画のひとつの到達点であり、彼の形成期の総決算と言える。この作品ののち、ミロはシュルレアリスムへの傾倒を強め、ディテールへの拘りはミロの作品から次第に消えていった。『農園』が世に知られるにつれ、多くの人が『農園』の画風へ戻るようミロに勧めたが、ミロがそれに従うことはなかった。
Title: 農園_(絵画) (The Farm (Miró))
Section: 経緯
Subsection: 制作

ミロは1920年に初めてパリに居を定め、翌年にパリでは初めてとなる個展を開いた。しかしこの個展は散々な不評に終わり、ミロはモンロチにある父の農園に戻ると新しい大作に取りかかった。これが『農園』である。ミロは制作半ばでまたパリに戻ることになるが、この絵と共にわざわざモンロチの草を携えてゆき、それを写し取りながら制作を続けたという。『農園』は1922年にパリで完成した。ミロはこの絵を売るべく、いくつかの画商を訪ねて回ったが、買い手はなかなか見つからなかった。ある画商からは、絵を切り刻みバラ売りすることを真顔で勧められる始末だった。依頼してモンパルナスのカフェに掛けられたこともあるが、興味を示す者はいなかった。
Title: 農園_(絵画) (The Farm (Miró))
Section: 経緯
Subsection: ヘミングウェイ

最終的に『農園』は、ミロの親しいボクシング仲間だったヘミングウェイが買い上げた。上述のとおり、彼は『農園』にいたく感銘を受けていた。と、愛着ある作品を生活のため売らざるを得なかったミロの葛藤をヘミングウェイは記している。ミロの代理人が『農園』につけた 5,000 フランは、まだ無名作家のヘミングウェイにとって大金だった。彼は友人の詩人エヴァン・シップマン（あるいはドス・パソスとも）と共に金策に駆け回り、ようやくこれを集めることができた。念願の絵を手にし、ヘミングウェイは非常に喜んだ。『農園』はヘミングウェイの死後、1987年にマリー・ヘミングウェイによってワシントンのナショナル・ギャラリーに寄贈され、現在もそこに所蔵されている。
Title: 恐怖からの自由 (Freedom from Fear (painting))
Section: abstract

恐怖からの自由（きょうふからのじゆう、Freedom from fear）は、基本的人権の1つであり、紛争や暴力などによる恐怖を受けない権利である。
Title: 恐怖からの自由 (Freedom from Fear (painting))
Section: 概要

この権利は、アメリカ合衆国大統領フランクリン・D・ルーズベルトが1941年1月6日の一般教書演説で発言した「4つの自由」のうちの1つである。ルーズベルトは、これは世界中のあらゆる人間が持つべき権利であると述べた。ルーズベルトは演説の中で、「恐怖からの自由」について次のように述べている。日本語訳ルーズベルトの4つの自由は、1948年12月10日に国連総会で採択された世界人権宣言の重要な柱を形成した。恐怖からの自由は、世界人権宣言の前文で「恐怖及び欠乏のない世界の到来が、一般の人々の最高の願望として宣言されたので」と言及されている。
Title: 恐怖からの自由 (Freedom from Fear (painting))
Section: 影響を受けたもの

1943年、ノーマン・ロックウェルは連作『4つの自由』の1つとして『恐怖からの自由』を描いた。この権利はミャンマーのアウンサンスーチーにとって重要な概念となり、彼女は1991年にFreedom from Fear（邦訳のタイトルは『自由 自ら綴った祖国愛の記録』）というタイトルの本を出版した。1999年には歴史家のデヴィッド・M・ケネディがFreedom from Fear: The American People in Depression and War, 1929–1945（恐怖からの自由: 恐慌と戦争の中のアメリカ人、1929年 - 1945年）という本を出版した。
Title: リッタの聖母 (Madonna Litta)
Section: abstract

『リッタの聖母』（リッタのせいぼ、伊: Madonna Litta）は、1490年から1491年にルネサンス期のイタリア人芸術家レオナルド・ダ・ヴィンチが描いたといわれる絵画。19世紀にミラノ貴族のリッタ家が所有していたことから『リッタの聖母』と呼ばれており、現在はサンクトペテルブルクのエルミタージュ美術館が所蔵している。「授乳の聖母 (en:Madonna lactans)」と呼ばれる、幼児キリストに母乳を与える聖母マリアを描いた作品である。レオナルドのキャリア初期の作品である『カーネーションの聖母』とよく似た、アーチ状の二つの窓がある薄暗い背景に人物像が配されており、窓外には空気遠近法を使用した山並みの風景が描かれている。幼児キリストが左手に握っているゴールドフィンチは、キリストの受難の象徴となっている。『リッタの聖母』の作者については、研究者の間でも意見が分かれている。レオナルドの弟子であるジョヴァンニ・アントーニオ・ボルトラッフィオ (Giovanni Antonio Boltraffio) やマルコ・ドッジョーノ (en:Marco d'Oggione) の作だとする研究者もいるが、『リッタの聖母』を所蔵するエルミタージュ美術館はレオナルドの真作だとしている。