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Title: マンチェスターの聖母 (Manchester Madonna)
Section: 作品
Subsection: 帰属

制作者についてはミケランジェロ以外にも、ミケランジェロの助手であるとか、名前の知られていない追随者ないし模倣者とする説がある。20世紀後半にはミケランジェロと同じくギルランダイオの工房出身で、システィーナ礼拝堂でミケランジェロの助手を務めたジュリアーノ・ブジャルディーニの名前がしばしば挙げられている。1941年にはロベルト・ロンギによって架空の「マンチェスターの聖母の画家」の作品として、他のミケランジェレスクの絵画とともにグループ化された。さらにその後、1497年から1509年までミケランジェロの助手であったピエロ（Piero）またはピエトロ・ダルジェンティ（Pietro d'Argenti）として暫定的に特定された。ただし、ウィーン美術アカデミーの円形の『聖母』とローマのローマ国立近代美術館の『ピエタ』を含む他のループの絵画は本作品と様式が似ているものの、著しく劣っている。
Title: マンチェスターの聖母 (Manchester Madonna)
Section: 来歴

本作品は17世紀の終わりに、ローマのボルゲーゼ庭園でミケランジェロの作品として最初に言及さた。その後、ナポレオンの激動の時代にイタリアで活動した英国の画家であり美術商のアレクサンダー・デイが発見し、1833年にロンドンで売却した。本作品が一躍脚光を浴びたのは1857年のことで、当時の所有者である初代トーントン男爵ヘンリー・ラボシェールがマンチェスターで開催された美術名宝展覧会で展示したときである。1869年にヘンリー・ラボシェールが死去すると、その翌年、ナショナル・ギャラリーは男爵の遺言執行者から2,000ポンドで購入した。
Title: 茶と銀の装いのフェリペ4世 (Philip IV in Brown and Silver)
Section: abstract

『茶と銀の装いのフェリペ4世』(ちゃとぎんのよおそいのフェリペよんせい、西: Felipe IV de castaño y plata、英: Philip IV in Brown and Silver) は、バロック絵画のスペインの巨匠ディエゴ・ベラスケスが1631-1632年にキャンバス上に油彩で描いた肖像画で、スペイン国王フェリペ4世を表している。ベラスケスは約40年の間に国王の肖像を数多く描いたが、本作は画家が第1回目のイタリア滞在から帰国後 (1631-1632年) に最初に手掛けた国王の肖像である (1635年ごろの制作という見方もある)。作品は本来、ブエン・レティーロ宮殿に所蔵されていたが、ナポレオンの兄でスペイン王ホセ1世として即位したジョゼフ・ボナパルトによりデソール (Dessolles) 将軍に寄贈され、スペインから持ち去られた。1888年に競売に付された際にナショナル・ギャラリー (ロンドン) が落札し、以後ナショナル・ギャラリーに所蔵されている。
Title: 茶と銀の装いのフェリペ4世 (Philip IV in Brown and Silver)
Section: 作品

フェリペ4世は通常、非常に地味な服装で描かれた。ゆえに、画面に見られる異例なほど華美な服装は、本作が何か特別な機会を祝うために制作されたことを示唆している。フェリペ4世は、赤いベルベットの布が掛かった簡素な木の机の横に立っている。彼の背後のカーテンはベルベットの布と同じ赤色である。彼の表情は内面を表していないが、自己主張をしており、服装は彼の権力を伝えている。テーブルの上にあるフェリペ4世の帽子は、繊細な羽根で装飾されている。彼は金羊毛騎士団の徽章を金鎖の上に着け、片手を剣の柄に載せている。フェリペ4世は左手に請願書の形を取っている紙片をもっているが、この紙片にはベラスケスの署名と「国王付き画家」という記名があり、彼の王への忠誠を宣言していると思われる。ベラスケスは作品に署名することはほとんどなく、自身が重要だとみなした作品にのみ署名をした。王はすべての絵画のためにポーズを取ったわけではないが、本作はベラスケスが王を前にして描いたもので、その頭部はベラスケスと工房による他の半身ないし全身肖像画の原型となった。 本作に見られる王のポーズは、スペインの王室肖像画に伝統的なものであるが、1620年代のフェリペ4世の姿とはかなり異なっている。とりわけ口髭と顎鬚は、以前の肖像画には見られなかったものである。1629年に皇太子バルタサール・カルロス・デ・アウストリアが誕生した後の1632年、マドリードのサン・へロニモ (San Jerónimo) 教会で誓約式 (カスティーリャの貴族たちが皇太子に忠誠を誓う儀式) が執り行われたが、この誓約式は国王の治世で最も重要な儀式の1つであった。当時の記述によると、その際に王が身に着けていた服装は、この絵画に見られるようなものであった。ベラスケスはおそらく、この機会を記念すべく本作を制作するよう委嘱されたのであろう。この絵画は、批評家たちがベラスケスの様式に前印象主義というラベルを貼る根拠をなしてきた作品で、スペインの宮廷肖像画家であったアントニス・モル、アロンソ・サンチェス・コエリョらによる公式肖像画からは遠く隔たっている。それら画家たちの肖像画は伝統や方式、規範といったものに束縛されているが、この種の束縛から自身を解放しつつあったベラスケスは、本作において絵画技法の実験をしている。不格好なハプスブルク家特有の下顎や王の顔がパッチワーク状の絵具で立体的な描かれているのに対し、衣服はヴェネツィア派のティツィアーノやティントレットに触発された自由な筆遣いによる斑点やシミで表されている。衣服は他の部分より少し後から、非常に長い筆で描かれたらしい。接近すると偶発的に塗られたように見える絵具が、距離を置くと輝かしい衣服を覆うきらめく銀の刺繍の幻影を、見事な光と質感の印象を生み出す。本作は画家の作品中最も保存状態がよいものの1つであり、表面の効果はとりわけ幻惑的なものである。
Title: 書斎の聖ヒエロニムス (Saint Jerome Writing)
Section: abstract

『書斎の聖ヒエロニムス』（しょさいのせいヒエロニムス、伊: San Girolamo scrivente）は、イタリアのバロック期の巨匠、カラヴァッジョによる油彩画であり、一般に1605-1606年ごろに制作されたと見られている。作品はローマのボルゲーゼ美術館に所蔵されている。
Title: 書斎の聖ヒエロニムス (Saint Jerome Writing)
Section: 構成

本作は、ローマ・カトリックの教会博士であり、絵画の好まれた主題である聖ヒエロニムスを描いている。この主題はカラヴァッジョにも好まれたもので、他にも瞑想して、書き物をしている聖ヒエロニムスの絵画を制作している。この作品で、聖ヒエロニムスは羽ペンを持っている、伸ばした腕を休めて、熱心に書物を読みふけっている。ウルガタ（ラテン語訳聖書）を翻訳中の聖ヒエロニムスを描いていることが示唆されている。
Title: 書斎の聖ヒエロニムス (Saint Jerome Writing)
Section: 歴史

デニス・マホンは作品の制作年として1602年から1604年を示唆しているが、一般には1605年から1606年までの制作とされ、主に17世紀の美術史の伝記作家、ジャン・ピエトロ・ベッローリの言明に基づいている。ベッローリによれば、カラヴァッジョは1605年に枢機卿になったシピオーネ・ボルゲーゼ枢機卿の要請で作品を制作したが 、枢機卿がもっと後に作品を取得した可能性もある。というのは、ボルゲーゼ家のカラヴァッジョ・コレクションについて説明しているシピオーネ・フランクッチの1613年の詩には言及されていないからである。制作年が正確であるかどうかにかかわらず、この作品はカラヴァッジョのローマ時代後期 に描かれたものであり、画家のローマ時代は1606年に画家がマルタに亡命したことで終わった。1700年から1893年までのボルゲーゼ・コレクションの目録ではホセ・デ・リベラに帰属されていたため、『書斎の聖ヒエロニムス』がカラヴァッジョの作品であるということは疑問視されることがある。
Title: 夜の白い家 (White House at Night)
Section: abstract

『夜の白い家』（よるのしろいいえ、フランス語: Maison blanche, la nuit.）は、1890年6月にフィンセント・ファン・ゴッホによって描かれた絵画。2階建ての家の右上に黄色い星がひときわ明るく輝くよう描かれているのが特徴である。ゴッホはこの絵を1890年5月にパリ郊外のオーヴェル＝シュル＝オワーズに移ってから描いた。書簡でもこの絵に触れている。
Title: 夜の白い家 (White House at Night)
Section: 来歴

1924年にドイツの実業家オットー・クレープスが入手したとされる。1930年代のナチスによる退廃芸術弾圧で没収されて以降、長らく行方不明となっていたが、第二次世界大戦終結50周年の1995年、ロシアのエルミタージュ美術館が「戦利品絵画」の一点として所蔵していることを発表した。以降現在に至るまで同美術館に展示されている。一説にはナチスの収奪から逃れるためにクレープスがドイツ東部にあった家屋に秘匿していたものを、1947年にソ連当局が発見し押収したとも言われる。
Title: 夜の白い家 (White House at Night)
Section: 絵画の中の星

アメリカのサウスウエスト・テキサス州立大学（現・テキサス州立大学サンマルコス校）のドナルド・オルソン（天文学専攻）他によるチームは、この絵は1890年6月16日午後7〜8時の風景であることを割り出した。オルソンは、天文学、美術史など異分野の研究者でチームを結成、現地を訪問し、町の家々を調べ、「白い家」を発見した。絵と同じ角度から見た当時の夜空をコンピュータで再現すると、絵の星と6月16日の金星が一致した。現地気象台の記録によれば、前後数日、雷雨や曇り空が続いたが、この日は一日晴れていた。新月近い夜空は暗く、日没後約2時間、宵の明星が西空に、マイナス3.9等星の輝きを見せていたはずであるという。オルソンは、人や建物の影は日没前後の午後7時頃のもの、金星は日没後午後8時の位置で、絵は下から上に仕上げられたのだろうした。他の代表作である『星月夜』でも、月と並んで明けの明星を描いていることは書簡から明らかとなっている。ゴッホの絵は抽象的に見えて正確なスケッチに基づいていることが、この作品によっても証明されたと言える（ただし、絵画のテーマに併せて意図的に日出の位置を変えている作品もある。例えばアルル期に書いた何点かの作品は街並みのシルエットの背後に太陽がある構図を描くために真北にある太陽を描いている）。また、上記の研究に拠れば、この絵画は数時間内に現場において書き上げられたものであり、書簡やゴーギャンの評価からもうかがえるゴッホの速筆が表れているものである。
Title: ダヴィデとゴリアテ_(カラヴァッジョ) (David and Goliath (Caravaggio))
Section: abstract

『ダヴィデとゴリアテ』（伊: David e Golia、英: David and Goliath）、または『ゴリアテの頭を持つダヴィデ』、または『ゴリアテに勝利したダヴィデ』は、イタリアのバロックの巨匠カラヴァッジョ（1571–1610年）による絵画である。1599年頃に描かれ、マドリードのプラド美術館に所蔵されている。同じテーマの2つの後のバージョンは、現在、ウィーンの美術史美術館とローマのボルゲーゼ美術館で見られる。
Title: ダヴィデとゴリアテ_(カラヴァッジョ) (David and Goliath (Caravaggio))
Section: 概要

本作は、カラヴァッジョの芸術家としての初期、フランチェスコ・マリア・デル・モンテ枢機卿の家庭の一員だった時期に描かれた。絵画の来歴は不確かである。イタリアの伝記作者兼画家のベッローリによると、1611年から1615年にイタリアにいたスペインのビリャメディアーナ伯爵がカラヴァッジョの『ダヴィデ』を所有しており、同伯爵によってスペインにもたらされた可能性がある。絵画は、ペリシテ人の旗頭である巨大なゴリアテの髪を結わえている少年として聖書のダヴィデを表している。光はダヴィデの脚、腕、脇腹、ゴリアテの頭が切断された巨大な肩、そして頭自体に当たっており、それ以外はすべて暗い。ゴリアテの額の傷は、ダヴィデの投石器の石に倒された箇所を示している。美術史家ミーナ・グレゴーリのX線による研究では、もともとのゴリアテの顔は恐怖で口を開けたまま固定され、舌がねじれ、眼球が眼窩の端に寄せられた状態で表現されていた。その本来のゴリアテの顔は、『メドゥ―サ』（ウフィツィ美術館）の顔および『ホロフェルネスの首を斬るユーディット』（バルベリーニ宮国立古典絵画館）のホロフェルネスの顔に類似している。完成した絵画では過激なドラマ性は追放されている。ドラマの中心はゴリアテから静かに、効率的にダヴィデに移されている。顔がほとんど影の中に隠れているダヴィデは、ゴリアテの髪に手を入れ、その胴体にひざまずいて作業に専念している。画面にはダヴィデの勝利ではなく、非常に私的な行動が表現されている。この絵画は制作された直後にスペインに運ばれ、頻繁にコピーされて、スペインの芸術に深い影響を与えた。
Title: ジェムスパ (Gem Spa (Basquiat))
Section: abstract

ジェムスパ（Jem Spa）あるいは無題（Untitled）は、1982年にアメリカ合衆国の芸術家ジャン＝ミシェル・バスキア（1960–1988）によって作成された絵画である。これは「暗闇に溺れた」自転車の上にまばらに描かれた人物を描いた自伝的作品である。
Title: ジェムスパ (Gem Spa (Basquiat))
Section: バックグラウンド

後に自身を振り返り、バスキアは「私はあちこちでSAMO IS DEADを書いた。そして、絵を描き始めた」と語っている。 無題（ジェムスパ）は、彼のキャリアの重要な転換点である1982年に制作された。 バスキアは後に、この初期の頂点である自らの作品に言及して、「私はいくらかのお金を持っていた。これまでで最高の絵画を作った」と述べた。歯などの記号や言葉の配置に囲まれており、その部分的な存在感が絵に「独特の深み」を与えている。 鑑賞者は、ブルックリンで生まれた黒人系アメリカ人が直面する運命から逃れ、社会的決定論の束縛から解放され、死後最も高く評価され、求められ、高価な芸術家の中に居場所を見つけた、生まれたばかりの輝かしい子供としてのバスキアと出会う。 しかし、彼の母親が自殺未遂をきっかけに不本意な治療によって死去した経験から、彼は生涯かけて挫折感から逃れることはできなかった。 何度か断酒を試みたにもかかわらず、彼は中毒から抜け出せず、最終的にはヘロインに屈してしまった。  1981年にArtforumで公開された記事「TheRadiantChild」の中で、美術評論家のRene Ricardは次のように述べている。「私たちはその輝かしい子供であり、その小さな赤ちゃん（バスキアのことを指す）を守り、私たちが制御できない力のリストされていないシグナルからそれを保護することを目的にとして、その周辺に大人を構築することに人生を費やしてきた。
Title: ジェムスパ (Gem Spa (Basquiat))
Section: 分析

「鋭い線で描かれたこの幼稚なキャラクターは、このようにして特定の深みのある自画像を明らかにしている。貧困と放浪へのこの重い言及は1982年という、後にバスキアが決定的に彼の署名を変更する直感的な年を印象付けている。SAMOはその後、ジャン＝ミシェル・バスキアとなり、この作品を肖像画以上に足らしめている。」とアートブロガーのAlain Truongは分析した。
Title: ジェムスパ (Gem Spa (Basquiat))
Section: 分析
Subsection: 黒の使用

バスキアの作品は、その鮮やかな色でしばしば称賛されるが、黒の使用も同様に重要である。「1984年に彼のスタジオへの訪問を許可された人々は、2日前に賞賛した絵画を認識できなかった。複雑で精巧な画像は今や暗闇に溺れている。『私は絵を引っ掻っては消すが、以前に何があったのか分からなくなるほどではない。これは私の作品の懺悔のバージョンである。』」とバスキアは言った。ハワード・スターンとのインタビューで、マドンナは次のように想起し述べた：「私が彼と別れたとき、彼は『私にくれた絵』を返してと言った。そして彼はそれらを黒く塗りつぶした。」 無題（ジェムスパ）を観察している際、アラン・チュオンは次のように言及した。「彼は壁に落書きするようにキャンバスに描く：表面を覆うことによって、何度も何度も。以前の作品も刻印としてこのキャンバスに透かしとして現れ、犠牲にされた言葉の刻印が見られる。」
Title: ジェムスパ (Gem Spa (Basquiat))
Section: 分析
Subsection: 言葉の象徴性

=バスキアは、時々タールのように黒を感じていることを表現していたことで知られている。[10]バスキアの作品では、黒い物質は彼がプエルトリコ人とハイチ人のハーフとして育っていることに根ざして経験した人種差別を表している。 バスキアは11歳の時、人種差別解消のためのバス移動プログラムの一環として、貧困にあえぐ黒人地区から裕福な白人優位の学区へと移送された子供たちの中の一人である。 そこで彼は明らかに少数派であり、仲間の学生の人種差別に直面した[3]。黒人であることを理由に追放されたバスキアは、自分の遺産と向き合うことで反応し、同時に自分のルーツを探ることに独自の興味を抱くようになった。 また、タールは母親のマチルダを奪った鬱を象徴している。 また、ヘロインの特定の形態に与えられた名前でもある。 無題（ジェムスパ）の晴れやかな子供は黒地に囲まれていて、唯一の明るい色は図の中にしかない。 これを受けRicardoは、作者がキャラクターを漆黒のタールから解放し晴れやかな子供になるようにしている、と述べている。
Title: ジェムスパ (Gem Spa (Basquiat))
Section: 分析
Subsection: 言葉の象徴性

=「アスファルト」とは、悪行のため父親のジェラールにより家から追い出された後、17歳のときによく訪れた通りを指している。またアスファルトは、母親が家族を乗せたまま車で壁に突っ込み自殺未遂をしたことも連想させる。当時、バスキアはわずか11歳だった  この出来事の結果、母親は37歳にして精神科施設に収容されたため、バスキアは不本意ながら最愛の母親に見捨てられることになった。そしてアスファルトの重要性は、芸術家の人生における子供の頃の事件とも関連している。  7歳のとき、彼は路上で遊んでいるときに車にひかれ、病院に長期滞在し、脾臓を摘出した。 このアスファルトは、バスキアが繰り返し読んだジャック・ケルアックによる「路上」をも表している。 年に出版されたケルアックの「路上」は、ブルジョアの価値観に異議を唱える自由の象徴となった。まさにビートジェネレーションのエンブレムである。しかしケルアックとは異なり、無題（ジェムスパ）で輝く子供はバスやバイクで移動せず、代わりに子供用自転車で路上を移動する。
Title: ジェムスパ (Gem Spa (Basquiat))
Section: 分析
Subsection: 言葉の象徴性

=「ジェムスパ」という言葉は、マンハッタンのイーストビレッジのビートムーブメントの中心にあり、ジャック・ケルアック、アレン・ギンズバーグ、アンディ・ウォーホルなどが頻繁に訪れた同名の24時間年中無休の新聞販売所とタバコ屋を指している。 ] 限界的な出版物を配布する新聞販売所として Gem Spaは、ビートムーブメントのアイデアを広め、当時の作家に影響を与えた。バスキアが個人的に知っていたアレン・ギンズバーグは、彼の最も有名な詩の1つである、雨に濡れたアスファルトの熱、ゴミが抑制された缶が溢れていることでジェムスパについて言及している。 1966年、ヴィレッジヴォイスは、ジェムスパに「イーストビレッジの公式オアシス」という名前を与えた。 この時までに、それは「ヒッピーのたまり場」としても知られるようになった。 ギンズバーグはこの店を街の「神経の中心地」と呼んだ。 ジェムスパは1970年代から1980年代にかけて影響力のある地位を維持し、ニューヨークのサイケデリックスとパンクの両方の文化を広めた。 この店は、バスキアが以前より知っていて高く評価していたニューヨークドールズ による史上初のパンク・アルバム に登場する。 バスキアは、パンクビジュアルアートの出現に一役買った緻密な作品を制作した。 ジェムスパは、2ndアベニューの角にある36ストリートマークスプレイスにあった。  24時間年中無休で営業しており、社会から疎外された人々や夜更かしをする人々の集会所となり、1982年にはバスキアが頻繁に訪れた場所の中心となっていた。バスキアは、ジェムスパの隣の51ストリートマークスプレイスにあるギャラリー51Xで最初の作品を展示した。
Title: ジェムスパ (Gem Spa (Basquiat))
Section: 分析
Subsection: 言葉の象徴性

=バスキアのトレードマークの王冠はこの写真にはない。代わりに、鑑賞者はフィギュアの額に「モーターエリア」という言葉を見る。「モーターエリア」は、バスキアが7歳の時に交通事故にあった後、入院中に母親から受け取った「グレイの解剖学」という本に記載されている大脳皮質の運動野の機能をほのめかしている。 この本では、ヘンリー・グレイは大脳皮質の運動野を自発的な運動の実行を調整する脳の一部として定義している。
Title: ジェムスパ (Gem Spa (Basquiat))
Section: 分析
Subsection: 言葉の象徴性

=この絵には、前方に向けた全5本の矢印が描かれている。それらのうち2つは平行で、ハンドルバーとフィギュアの腕で囲まれている。ヘンリー・ドレイファスの本は、この特定の配置を危険な意味として、「この地域ではホーボーは歓迎されないので、早く出ていけ」という意味の象徴として強調していると述べた。ただ一本の矢の姿勢は縦模様で、注射器に似ている。ホーボーとは、アメリカ南北戦争後に初めて登場し、大恐慌時代にはよく見られた放浪労働者のことを指す。チャーリー・チャップリンは、1915年の映画「チャップリンの失恋」にて、ホーボー役（放浪者役）を演じたことで有名である。ホーボーのシンボルは、安全と避難所に関する重要な情報を仲間の旅行者に提供する秘密のマーキングである。ドレフュスの「The Symbol Sourcebook」と、特に含まれている浮浪者のサインは、バスキアのブックコレクションの一部であり、しばしば参照されている。
Title: ジェムスパ (Gem Spa (Basquiat))
Section: 分析
Subsection: 言葉の象徴性

=この作品には隠された言葉がある。よく見ると、絵には人物の歯に埋め込まれた文字列が明らかになる。文字列は「HAVETEETH」（歯を持つこと）と綴っている。原始的に描かれたこの文字は、「この文字の並び方によって歯があるように見える」 このような歯の描写方法は、バスキアの作品の繰り返しのテーマである。バスキアにとって、歯は話す能力を表している。「HAVETEETH」は言論へのアクセスである。ジェーン・ランキン・リードが「スピーチは叫びであり、バスキアのHAVETEETHは、惑星の戦士のそれである」と書いたように、「彼は言葉の表現に関連した用語として、throat（喉）、mouth（口）、teeth（歯）を多用していた」と同氏は観察している[22]。1980年代の文脈の中で、ジャン＝ミシェル・バスキアは、人々の声を聞きたいという大衆の願望から生まれた「ピクトグラム」や「神話」という形式的な語彙を絵画に使用し回収することで、新しい言葉を伝える時が来たと感じていた。碑文の理想的な場所として屏風を描くという選択をしたことで、バスキアはデュビュフェとトゥオンブリーの陣営に加わった。「これらの巨匠の手本に倣い、彼の芸術は特殊な実存的存在から、普遍化されたものへと次元が高まっていった」とキュレーターのマリークレア・エイズ博物館学芸員は書いている。
Title: 手紙を書く男 (Man Writing a Letter)
Section: abstract

『手紙を書く男』（てがみをかくおとこ、蘭: Briefschrijvende man、英: Man Writing a Letter）は、オランダ黄金時代の画家ハブリエル・メツーが1664-1666年に板上に油彩で描いた風俗画である。『手紙を読む女』 (アイルランド国立美術館) の対作品で、これら2点は画家円熟期の傑作である。1987年以来、ダブリンにあるアイルランド国立美術館に所蔵されている。
Title: 手紙を書く男 (Man Writing a Letter)
Section: 作品

作品は、開いた窓の前に座り、羽根ペンで手紙を書いている男を表している。彼は黒い絹のスーツを着ており、その下に白いリネンのシャツを身に着けている。ペルシア絨毯と銀の筆記用具もまた、彼の富裕さを表している。隅にある地球儀は、商人か科学者のような学識のある人物である彼の興味を示している。壁には、ヤコブ・ファン・デル・ドゥース1世の田園風景画が掛かっている。彼の多情な気質は、絵画に描かれている山羊と、金メッキされた額縁の上に象られている鳩によって示唆されている。幅木の上のデルフト陶器のタイルには、鳥の図像が表されている。『手紙を書く男』は、男の手紙を受け取り、熱心に読んでいる女性を描いた『手紙を読む女』の対作品である。男性の方は、背後の壁に当たる暖かな明るい光によって、午後に手紙を書いていることが示される。対して、女性の方は、翌日のやや冷たい朝のなかで手紙を読んでいる。メツーは、同じような対作品である『手紙を書く男』と『手紙に封をする女』を描いたヘラルト・テル・ボルフから対作品のアイデアを得たが、テル・ボルフは自分の絵画を非常な高額で売っていたのである。 左側からの光、大理石の床などのヨハネス・フェルメールからの影響もまた、はっきりと本作に見受けられる。鳥の図像が表されているタイルは、フェルメールの『牛乳を注ぐ女』 (アムステルダム国立美術館) にも同様のものが見られる。しかしながら、メツーは、フェルメール以上に鑑賞者を絵画に感情移入させようとしている。
Title: 手紙を書く男 (Man Writing a Letter)
Section: 来歴

メツーの対作品は、アムステルダムの仲買人ヘンドリック・ソルフ により所有されていた。彼の死後、両作品は、1720年3月28日に560ギルダーでへオルへ・ブラインに売却された。彼が亡くなると、両作品は、1724年3月16日に785ギルダーで富裕な綿染色業者のヨハネス・コープに売却された。1744年と1750年の間に、両作品は500ギルダーで、10点はくだらないメツーの作品を所有していた収集家ヘリット・ブラームカンプの手中に入った。彼の遺産相続者たちは、メツーの人気の恩恵を受けた。 1771年7月31日、両作品は5,205ギルダーでヤン・ホーペ に購入された。その後、両作品は、フランシス・ペルハム・クリントン・ホープ卿にまで相続されたが、卿は1898年に両作品を自身のオランダ・フランドル絵画コレクションとともに画商のA.ウェルトハイマー (A.Wertheimer) とP. & D. コルナーギ に売却した。両作品は、 ロンドンとブレッシントン在中のアルフレッド・バイト卿に相続された。両作品は、1974年と1976年にラスバラ家で盗難に遭ったが、最終的に取り戻された。1993年まで両作品はいまだ行方不明であったが、1987年にアイルランド国立美術館に寄贈された。
Title: 手紙を書く男 (Man Writing a Letter)
Section: 評価

これらの対作品は、一般にメツーの最良の作品と見なされている。2011年に、ニューヨーク・タイムズでメツーの作品展を評して、カレン・ローゼンバーグ (Karen Rosenberg)は、両作品を「驚くべきもの」と呼び、NPR (米国公共ラジオ放送) のスーザン・スタンバーグ (Susan Stamberg) は、両作品を「素晴らしい技術と精緻に描かれた細部を持ち、見事に描かれている」と評した。
Title: 自転車の車輪 (Bicycle Wheel)
Section: abstract

「自転車の車輪」（じてんしゃのしゃりん、Bicycle Wheel）は、マルセル・デュシャンによるレディメイドである。前輪が付いた自転車のフォークが、木製のスツールに逆さまに取り付けられるという構成である。1913年、パリのスタジオで、デュシャンは自転車の車輪を逆さまにしてスツールに置き、それをときどき回転させて眺めていた。この作品が目的があり作ったものであることを否定したが、この作品はデュシャンのレディメイドの最初のものとして知られるようになった。「暖炉の中で踊る炎を眺めるのが楽しいのと同じように、それを見るのが楽しかった」と述べている。数年後にニューヨークでレディメイドを作り始めてから「自転車の車輪」もレディメイドであると判断し、第2のバージョンを作成している。1913年の最初のものと1916-17年の第2のバージョンは両方とも失われている。デュシャンは1951年に別のバージョンを再び作成している。「自転車の車輪」は最初の動く彫刻であると言われている。
Title: シモネッタ・ヴェスプッチの肖像 (Portrait of Simonetta Vespucci)
Section: abstract

『シモネッタ・ヴェスプッチの肖像』（シモネッタ・ヴェスプッチのしょうぞう、伊:Ritratto di Simonetta Vespucci come Cleopatra）は、イタリアのルネサンス期の画家、ピエロ・ディ・コジモによる板上の油彩画で、1480年、または1490年ごろに制作された。フランスのシャンティイにあるコンデ美術館に所蔵されている。シモネッタ・ヴェスプッチは、 15歳か16歳のときにフィレンツェのマルコ・ヴェスプッチと結婚したジェノヴァの貴婦人であった。当時のフィレンツェの町でまさしく一番の美人として有名であり、その美しさでフィレンツェ全体から賞賛された。シモネッタは1476年に23歳で早逝した後、伝説になった。サンドロ・ボッティチェッリは『ヴィーナスの誕生』において彼女の顔貌に触発され、ピエロ・ディ・コジモは熱烈な賞賛者であった。
Title: シモネッタ・ヴェスプッチの肖像 (Portrait of Simonetta Vespucci)
Section: 様式

モデルは、左を向いて半身で描かれた少女である。彼女の胸はむき出しで、小さなヘビが彼女が身に着けているネックレスの周囲に絡みついている。背景には、左側が乾燥し、右側が青々とした開放的な風景がある。暗い雲は彼女の早期の死の象徴であり、背景の枯れ木も同様である。絵画の基部には、15世紀初めのフランドルの画家、ヤン・ファン・エイク以来の芸術で使用された方法である、刻印した文字を模倣した碑文付きの縁取りがある。そこには、「SIMONETTA IANUENSIS VESPUCCIA」と書かれている。暗い雲は、純粋な横顔、および明るい顔色と対照的である。本作は伝統的にシモネッタの肖像画として特定されている。ジョルジョ・ヴァザーリは、トップレスとヘビのために、クレオパトラを描いていると見なしたが、プルタルコスによれば、クレオパトラは毒ヘビに噛まれて自殺し、ヴァザーリは本作のヘビをその毒ヘビだと見たのである。しかし、美術史家のノルベルト・シュナイダーは、肖像画の図像が古代後期のものに由来する可能性が高いと考えた。この図像では、ヘビ、特に自分の尻尾を噛んでいるヘビ（ウロボロス）は、時間のサイクルを、ゆえに若返りを象徴していた。そのため、ローマの新年の神、ヤヌスと関連付けられた。またサトゥルヌスとも関連付けられたが、サトゥルヌスは、そのギリシャ語名が「kronos (クロノス)」であり、クロノスは「時間」を表すギリシャ語「Chronos (クロノス)」と一体化して、「時間の父」としての人物となった。碑文は、シモネッタを（ジェノヴァの）ヤヌエンシスと呼んでいるが、ヤヌスを変えた綴りは言葉の遊びである。ヘビは「慎重さ」の象徴でもあったが、その解釈に従えば、シモネッタの知恵を称賛するものとなるであろう。別の解釈としては、彼女がプロセルピナとして提示され、ヘビが異教徒の復活の希望を象徴しているというものである 。15世紀風の胸像は、よりよく見られるために少し鑑賞者の方を向いており、肩は刺繡の多い布地で包まれている。シュナイダーの見解では、彼女の裸体の胸は同時代の鑑賞者に不快感を与えることはなかっただろう。裸体の胸はむしろクニドスのアフロディーテ、または「貞潔な」ヴィーナスに言及したもので、パリス・ボルドーネの『恋人たちの寓話』（1550年ごろ）では、トップレスは結婚式の象徴である。 人物の特徴は驚くほど純粋である。剃毛した生え際を含む当時の流行に合わせて、額は高く見せている。髪型は人妻のもので、三つ編みにまとめられ、リボン、ビーズ、真珠で豪華に装飾されている。
Title: シモネッタ・ヴェスプッチの肖像 (Portrait of Simonetta Vespucci)
Section: モデルのアイデンティティ

この肖像がシモネッタ・ヴェスプッチにどれほど似ているかは定かではない。特にシモネッタの肖像画である場合、彼女の死から約14年後に描かれたものだからである。彼女が亡くなったとき、ピエロ・ディ・コジモはまだ14歳だったので、この肖像画は以前の芸術家の作品の複製であるのかもしれない。シモネッタ・ヴェスプッチの肖像と言われる女性の肖像』という題名を付けている。そして、絵画の下部にある彼女の名前の碑文は、後日追加されたのかもしれないと述べている。
Title: 大きな青い馬 (Blue Horses)
Section: abstract

『大きな青い馬』（おおきなあおいうま、ドイツ語: Die grossen blauen Pferde）は、ドイツの画家フランツ・マルクによる1911年の絵画である。
Title: 大きな青い馬 (Blue Horses)
Section: 経緯

1911年にマルクは「青騎士」の創設メンバーとなった。アウグスト・マッケやワシリー・カンディンスキーらと並んで、ドイツ人やロシア系移民の芸術家の中心に収まり、ドイツ表現主義の元祖となった。
Title: 大きな青い馬 (Blue Horses)
Section: 解説

本作は、うねくねした紅い丘陵の風景を前に、生き生きと彩色された、3頭の見下ろしている青いウマを表しており、鮮やかな原色が特徴的である。『ブリタニカ百科事典』によると、「著しく単純化され、丸みを帯びたウマの輪郭は、背景の景色にリズミカルに反映されており、動物と舞台を元気よく調和の取れた有機的な全体像へとまとめ上げている。」題材を描くためにマルクが曲線を用いたのは、「調和・平和・均衡の感覚」を、動物たちの純粋無垢な精神世界によって強調するためだった。作品を鑑賞することで、ヒトもこの調和に参加することが許される。マルクは情緒的・心理学的な意味や意図を、自作で用いた色彩に与えている。すなわち、青は男性性や精神性を、黄色は女性的な喜悦を表し、赤は暴力や不純なモノの感じという含蓄がある、としたのだった。マルクは青を、生涯を通じて、精神性を表すために使っている。マルクが鮮烈な色を使ったのは、精神的もしくは超絶的な本質を呼び起こすために、現実的な世界を忌避しようとする試みだったと考えられる。本作はキャンバスを用いた油絵で、大きさはだいたい縦106cm×横181cmである。マルクが動物を描いた最初の大作の一つであり、ウマを描いた一連の作品の中でも最も重要な作品の一つである。しばしば論考に上がるのは、マルクは動物を人間よりも純粋で美しいと見なしており、それゆえマルクの絵画は、神や精神性についての汎神論的な理解を表している、という点である。スイスの動物画家ジャン＝ブロエ・ニースレ（1884年–1942年）によって、マルクは「動物の本質を把握する」ように鼓舞された。美術史家のガビ・ラ・カヴァによると、マルクにとって「題材によって呼び覚まされる感覚が一番大事」なのであり、動物学的な正確さは二の次なのであった。
Title: 大きな青い馬 (Blue Horses)
Section: 影響

『大きな青い馬』は1942年に、T.B.ウォーカー記念財団とギルバート・M.ウォーカー記念基金を通じて、ウォーカー・アート・センターに購入された。モダニズム絵画の大作が同館にコレクション入りを果たしたのは、本作が初めてであった。ピュリッツァー賞を受賞したアメリカ合衆国の女性詩人、メアリー・オリヴァーのベストセラーとなった詩集『青い馬 (英語: Blue Horses)』（2014年）の題名は、『大きな青い馬』の英語名 (Blue Horses) からの発想である。
Title: 大きな青い馬 (Blue Horses)
Section: 関連事項

マルクがウマを扱った絵画に以下の例が挙げられる。放牧馬風景の中の馬青い馬Ⅰ、青い馬Ⅱ風景の中の馬たち青い子馬 (Blaues Pferdchen) 馬の群像を描いた『小さな青い馬 (Die kleinen blauen Pferde')』という作品もある小さな黄色い馬動物の運命ウマ以外の動物画に以下の例がある。死んだ雀 写実的な手法による初期作品狐 フォーヴィスム的な1911年の作品とキュビスム的な1913年の群像がある。黄色い牛2匹の猫、青と黄色 (Zwei Katzen, Blau und Gelb)猪動物の運命 ウマも含めて複数の動物が登場する森の中の鹿Ⅰ 森の中の鹿Ⅱ
Title: 相対性 (Relativity (M. C. Escher))
Section: abstract

相対性（そうたいせい、relativity）とは、他との関係のなかにある（相対）、という性質のこと。物理における相対性→ガリレイの相対性原理→（アインシュタインの）相対性理論→en:Numerical relativityLaurent Nottaleが提唱した相対性→fr:Relativité d'échelle科学の相対性→ パラダイム。言語ゲーム。言語的相対性原理（Principle of linguistic relativity）。言語的相対論。文化相対主義（ある文化の優劣は、その文化の外部の尺度によって計ることはできない、とする態度や、自文化も絶対的ではないとして相手文化の価値を理解しようとする態度など）道徳的相対主義 →en:Moral relativism法における相対性→違法性#法分野間の違法の相対性（一元論と多元論）
Title: 近江八景 (Eight Views of Ōmi)
Section: abstract

近江八景（おうみはっけい）は、日本の近江国（現・滋賀県）にみられる優れた風景から「八景」の様式に則って8つを選んだ風景評価（作品の場合は題目）の一つである。 石山秋月 ［いしやま の しゅうげつ］ ＝ 石山寺（大津市）勢多（瀬田）夕照 ［せた の せきしょう］ ＝ 瀬田の唐橋（大津市）粟津晴嵐 ［あわづ の せいらん］ ＝ 粟津原（大津市）矢橋帰帆 ［やばせ の きはん］ ＝ 矢橋（草津市）三井晩鐘 ［みい の ばんしょう］ ＝ 三井寺（園城寺）（大津市）唐崎夜雨 ［からさき の やう］ ＝ 唐崎神社（大津市）堅田落雁 ［かたた の らくがん］ ＝ 浮御堂（大津市）比良暮雪 ［ひら の ぼせつ］ ＝ 比良山系（大津市）の8つのこと。※現在では「石山 の 秋月」などと表しもするが、旧来「の」は記さずに読む。中国湖南省の洞庭湖および湘江から支流の瀟水にかけてみられる典型的な水の情景を集めて描いた「瀟湘八景図」（北宋時代成立）になぞらえて、琵琶湖の南部から8箇所の名所を選んだものである。八景としては日本で最も初期に選定されたと言われる。後の日本各地の八景にも影響を及ぼした可能性が高い、とされる。
Title: 近江八景 (Eight Views of Ōmi)
Section: 由来

明応9年（1500年、室町後期）に近江国に滞在した元・関白の近衛政家（公家）が、当地にちなんでの和歌八首を詠んだ、とする史料もあるが、当時の政家の日記『後法興院記』の調査により、政家が近江に滞在して近江八景の和歌を詠んだとされる明応9年8月13日 (旧暦)（1500年9月16日）は、外出せず自邸にこもっていたことが判明している。また、江戸後期の歌人・伴蒿蹊は、慶長期の関白・近衛信尹自筆の近江八景和歌巻子を知人のもとで観覧し、その奥書に、現行の近江八景と同様の名所と情景の取り合わせに至る八景成立の経緯が紹介されている。よって現在ではこの記事に基づき、現行の近江八景の成立は近衛信尹によるものとする見方が有力となっている（奥書の原本は未確認である）。実際、政家によって近江八景が成立したとなると、室町時代に制作された近江八景図の遺例が存在してもよいのであるが、そのような作例は確認されていない。近江八景の絵画作品の登場が17世紀後期以降であることを考えると、先行すべき和歌の成立が17世紀初期であるのは自然である。
Title: 近江八景 (Eight Views of Ōmi)
Section: 八景を取り入れた作品
Subsection: 絵画

江戸後期の浮世絵師・歌川広重によって描かれた錦絵による名所絵（浮世絵風景画）揃物『近江八景』は、彼の代表作の一つであり、かつ、近江八景の代表作である。名所絵揃物の大作である『保永堂版 東海道五十三次』が成功を収めた後を受けて、天保5年（1834年）頃、版元・保永堂によって刊行された。全8図。
Title: 近江八景 (Eight Views of Ōmi)
Section: 八景を取り入れた作品
Subsection: 文学

近江八景の地名を全て含んだ狂歌として、江戸後期の文人・大田南畝が詠んだと伝わる以下の狂歌が知られている。乗せたから さきはあわずか たゝの駕籠 ひら石山や はせらしてみゐ→のせた（瀬田）から さき（唐崎）はあわず（粟津：あはづ）か たた（堅田）のかご ひら（比良）いしやま（石山）や はせ（矢橋）らしてみゐ（三井）この歌は、大田南畝が京へ上ろうと瀬田の唐橋に来た時、「近江八景の題目8つの全てを31文字の歌の中に入れて詠んだら駕籠代をただにしてやる」と駕籠屋に問われ、歌ってみせたものとされている。この逸話は講談によって広まり、落語『近江八景』の枕となる小噺の中でも紹介される場合がある。また、松尾芭蕉が紀行文「奥の細道」の作成のため、敦賀に立ち寄った際詠んだ句である『国々の八景更に気比の月』の「国々の八景」は「近江百景」だとされている。なお、福井県敦賀市の気比神宮の境内には、この句を含む『月清し遊行のもてる砂の上』『ふるき名の角鹿や恋し秋の月』『月いつく鐘は沈る海の底』『名月や北国日和定なき』の５句が刻まれた、「芭蕉翁月五句」の句碑がある。
Title: 近江八景 (Eight Views of Ōmi)
Section: 八景を取り入れた作品
Subsection: 唱歌

明治33年（1900年）に大和田建樹が作詞した『鉄道唱歌』第1集東海道編では、建樹が強い関心を持っていたためか、近江八景をわざわざ歌詞を割いてまで全て歌いこんでいる。なお、歌詞に歌いこまれた地域には、発表後しばらく経った大正時代に江若鉄道線、その後の昭和49年（1974年）に湖西線が開通している。39. いよいよ近く馴れくるは 近江の海の波のいろ その八景も居ながらに 見てゆく旅の楽しさよ40. 瀬田の長橋横に見て ゆけば石山観世音 紫式部が筆のあと のこすはここよ月の夜に41. 粟津の松にこととえば 答えがおなる風の声 朝日将軍義仲の ほろびし深田は何（いず）かたぞ42. 比良の高嶺は雪ならで 花なす雲にかくれたり 矢走（やばせ）にいそぐ舟の帆も みえてにぎわう波の上43. 堅田におつる雁がねの たえまに響く三井の鐘 夕くれさむき唐崎の 松には雨のかかるらん
Title: 近江八景 (Eight Views of Ōmi)
Section: 八景を取り入れた作品
Subsection: その他

近江八景を採り入れた庭園玄宮園 - 旧・彦根藩の庭園。現・滋賀県彦根市。中津万象園 - 旧・丸亀藩の庭園。現・香川県丸亀市。近江八景 (落語) - 古典落語の題目の一つ。安永10年（1781年）に成立。欄間 - 大阪欄間をはじめモチーフとして人気がある。落雁 - 和菓子。「堅田落雁」にちなむ説がある。藤娘 - クドキに八景がよみこまれている
Title: 近江八景 (Eight Views of Ōmi)
Section: 八景の現在

粟津の晴嵐 - 昭和初期には500本の松が残っていたが、その後の地域開発などにより3本が残っているだけになっている。大津市では枯れた時点で伐採し新たな植樹などは行わないと述べている。一方、晴嵐の名は地名や小学校名などとして使用されている。矢橋の帰帆 - 往時に船が行きかった水域は1970年代から開始された琵琶湖総合開発事業にともない埋め立てられ、下水処理場や公園が整備された。埋立地の名称「矢橋帰帆島」に名残をとどめている。
Title: 近江八景 (Eight Views of Ōmi)
Section: その他

近江八景を描いた屏風絵、「近江八景図」が吉村孝敬によって作られた（寛政11年（1799年）作）。同作は右隻と左隻に近江八景を4ヵ所ずつ描いたものであり、野洲市歴史民俗博物館が所蔵している。
Title: エステルの化粧 (The Toilette of Esther)
Section: abstract

『エステルの化粧』（エステルのけしょう、仏: La Toilette d'Esther, 英: The Toilette of Esther）は、フランスのロマン主義の画家テオドール・シャセリオーが1841年に制作した絵画である。油彩。主題は『旧約聖書』「エステル記」に登場するヒロインのエステルであり、エステルが後に結婚することになるペルシアの王アハシュエロス（クセルクセス1世）に会うために準備をするという聖書の一節を描いている。翌1842年のサロンに出品され、現在はパリのルーヴル美術館に所蔵されている。2003年から2014年までルーヴル美術館の絵画部門のディレクターを務めたヴァンサン・ポマレッドは本作品を「ルーヴル美術館で最も有名な絵画の1つ」と評している。
Title: エステルの化粧 (The Toilette of Esther)
Section: 主題

「エステル記」によると、ペルシア王アハシェロスは王妃ワシュティに代わる新たな王妃候補を探していた。そのころ首都スサにモルデカイというユダヤ人がおり、両親を失くしたエステルを引き取って育てていた。アハシェロス王は国中から美しい乙女たちを王宮に集め、彼女たちに12カ月の化粧をして過ごす期間を与えた。王はその中にいたエステルを気に入って王妃としたが、エステルは自分がユダヤ人であることを王に明かさなかった。のちに宰相ハマンがユダヤ人を滅ぼそうとしたとき、エステルは王に呼ばれていない者が王宮の中庭に入り、王の間に行くことは法律で死刑と決まっていたにもかかわらず、王妃の身なりを整えて王に会いに行き、ユダヤ人であることを明かしてユダヤ人を救うべく取りなした。シャセリオーが聖書を主題に選びながら、着想源としてより最近の文学的な情報源を利用したのはいかにもありそうなことである。たとえば1689年のジャン・ラシーヌの戯曲『エステル』は、王の気を引くために彼女のライバルたちが採った巧みな誘惑について説明しつつ、エステルの誘惑のより貞淑なバージョンを提供している。この絵画の異国趣味は1817年にアルフレッド・ド・ヴィニーが書いた『ローマの貴婦人の浴場』（Le Bain d'une dame romaine）やヴィクトル・ユーゴーの『東方詩集』の影響も指摘されている。シャセリオー以前にエステルの化粧の物語が描かれることはほとんどなく、わずかに17世紀のアールト・デ・ヘルデルと18世紀のジャン＝フランソワ・ド・トロワの2つのバージョンが知られている。絵画におけるエステルの作例が不足していることを考えると、シャセリオーはより多くの例があったヴィーナスの描写を含む、化粧する女性の絵画に目を向けたであろう。
Title: エステルの化粧 (The Toilette of Esther)
Section: 作品

エステルは画面の中央に座り、両腕を頭上に上げて金髪の髪形を整えている。アハシェロス王の満足のために身を捧げる準備をしている彼女は「その絵画的表現において大変に官能的な」ポーズをとっている。エステルはネックレスと腕のブレスレットを除けば腰まで裸である。両足は白とバラ色の衣服に包まれている。画面左では深青色の服を着た下女が黄金製の容器に入ったアクセサリーを持ってきてエステルに見せており、画面右では赤色の服を着た黒人の宦官ヘガイが宝石箱を差し出している。しかし絵画の左側をじっと見つめているエステルはどちらにも礼を言っていない。彼らの背後には木々と空の風景が見える。いくつかの準備習作が存在している。ルーヴル美術館の2つの素描は、本作品が最初はシャセリオーの師であるドミニク・アングルが1862年に描いた『トルコ風呂』のような、円形の構図であったことを証明している。このような試みは、シャセリオーが当時の素描に記したように独創的なモチーフを見つけたいという画家の願望を強調している。･･･新たな方法で世界の･･･歴史を･･･表現しなさい･･･それらを斬新なやり方で示すことで、もう一度これらの美しいものを見ることができるようにします。1841年5月。私の作品のためにエステルはいま化粧をしています。美術史家たちは、シャセリオーの姉妹に対する愛情と、彼の芸術における女性像への無意識の影響に注目してきた。おそらく、シャセリオーの愛人クレマンス・ガブリエル・モヌロの回想を引いて「アデルは見事な腕を持っており、どこにでも現れる」と語ったジャン＝ルイ・ヴォードワイエは、画家の姉アデル・シャセリオー（Adèle Chassériau）の美しさはエステルの「筋肉質でほとんど男性的な腕」に見出せると信じていた。
Title: エステルの化粧 (The Toilette of Esther)
Section: 異国趣味

シャセリオーは『旧約聖書』のハレムに住む若い女性の物語を選んだことで、オリエンタリズムとロマン主義の要素をうまく活用できるようになった。アジアの人物像と高価な宝石類の存在は、エステルの姿をさらに官能的にしている。以前にヴィーナスの誕生とスザンナと長老たちを描いたシャセリオーは、女性の身体の率直な性的表現を可能にする別のテーマを見つけ出した。1842年のサロンに初めて展示された絵画は十分には理解されなかった。評論家がエステルの表現の無味乾燥さを認識したときはいつでも、彼らは官能的でロマン主義的な方法で新たに想像された聖書の物語の独創性を適切に評価できなかった。あるジャーナリストは「しかし、なぜ引き伸ばされた姿、野生的な目、野蛮な表情なのか? その顔の下には魂がない･･･」と不満を漏らした。しかし絵画は後にフランソワ＝レオン・ベヌヴィルやギュスターヴ・モローなどの画家たちに影響を与えた。『エステルの化粧』は画家の遠い親戚であり、絵画の所有者であったアルチュール・シャセリオー男爵が死去した1934年に、彼が所有する画家のほとんど全ての作品とともにルーヴル美術館に遺贈された。
Title: ジュゼッペ・ガリバルディ (Statue of Giuseppe Garibaldi (New York City))
Section: abstract

ジュゼッペ・ガリバルディ（イタリア語: Giuseppe Garibaldi, 1807年7月4日 - 1882年6月2日）は、イタリア統一運動を推進し、イタリア王国成立に貢献した軍事家である。イタリア統一を進めるため、多くの軍事行動を個人的に率いた。ヨーロッパと南米での功績から「二つの世界の英雄」とも呼ばれ、カヴール、マッツィーニと並ぶ「イタリア統一の三傑」の一人とされる。1860年、千人隊（赤シャツ隊）を組織してシチリアの反乱を援助し両シチリア王国を滅ぼした。その後、征服地をサルデーニャ王ヴィットーリオ・エマヌエーレ2世に献上してイタリア統一に大きく貢献した。その後は政治家となることなく、余生をカプレーラ島で送った。ガリバルディの遠征によって南イタリア・シチリアはサルデーニャ王国（のちのイタリア王国）に併合されたが北イタリアによる圧政・差別に苦しめられたことから、南イタリア出身の歴史家の一部やリソルジメント修正主義に立脚する歴史家は、ガリバルディの遠征を北イタリアによる不当な侵略だったと捉えている（→イタリア統一運動#南部問題の発生を参照）。
Title: ジュゼッペ・ガリバルディ (Statue of Giuseppe Garibaldi (New York City))
Section: 生涯
Subsection: 若き日の活躍

ガリバルディは1807年、当時第一帝政下のフランス領であったオクシタニアのニース（ニッツァ）に生まれる。彼の両親はそこで海上貿易に携わっており、彼も常に海の上で育った。1832年には商船隊のキャプテンとなる。1833年4月、ガリバルディの船はロシアの海港タガンログに10日間ほど停泊した。荷を降ろしている間、彼は街を歩き、そこに住む人々を訪ね、そして港の小さな宿で夜を過ごした。そんな宿の1つで、彼はイタリアからの政治亡命犯で青年イタリアのメンバーであるジョヴァンニ・バッティスタ・クーネオと出会う。これを機にガリバルディは青年イタリアに参加し、彼の人生をオーストリアの支配をうける祖国イタリアの自由のために戦うことを誓った。1833年11月、ガリバルディは自由な共和国の建国を目指す運動家のジュゼッペ・マッツィーニとジェノヴァで会見する。ここで青年イタリアへの参加を認められ、同時に秘密結社カルボナリにも加わった。1834年、彼はピエモンテの共和制を求める反乱に参加したが失敗する。フランスに亡命し、その後チュニジアへ出発した。1836年、ガリバルディは南米への航海をした。そこで彼はブラジルの羊飼いの娘、アニータ・ガリバルディと出会い恋に落ちる。そして1842年に結婚した。その後ブラジル南部のリオ・グランデ・ド・スル州の独立戦争に義勇兵として参加し、そのままウルグアイのコロラド党大統領フルクトゥオソ・リベラに雇われて大戦争に参加した。大戦争ではアルゼンチンのコリエンテス州をウルグアイに併合し損ねるというような失敗もあったが、そこでゲリラ戦術のスキルを身につける。彼は用兵術に長けており、カリスマ性もあったことから部下の信頼を勝ち取り、彼もまた自信をつけていった。後の南米の革命児チェ・ゲバラも彼の戦術を学んだといわれる。