shintaro-ozaki/entity-explanation huggingface dataset:
Title: 書斎の聖ヒエロニムス (Saint Jerome in His Study (Antonello da Messina))
Section: 歴史

デニス・マホンは作品の制作年として1602年から1604年を示唆しているが、一般には1605年から1606年までの制作とされ、主に17世紀の美術史の伝記作家、ジャン・ピエトロ・ベッローリの言明に基づいている。ベッローリによれば、カラヴァッジョは1605年に枢機卿になったシピオーネ・ボルゲーゼ枢機卿の要請で作品を制作したが 、枢機卿がもっと後に作品を取得した可能性もある。というのは、ボルゲーゼ家のカラヴァッジョ・コレクションについて説明しているシピオーネ・フランクッチの1613年の詩には言及されていないからである。制作年が正確であるかどうかにかかわらず、この作品はカラヴァッジョのローマ時代後期 に描かれたものであり、画家のローマ時代は1606年に画家がマルタに亡命したことで終わった。1700年から1893年までのボルゲーゼ・コレクションの目録ではホセ・デ・リベラに帰属されていたため、『書斎の聖ヒエロニムス』がカラヴァッジョの作品であるということは疑問視されることがある。
Title: 人生の踊り (A Dance to the Music of Time (painting))
Section: abstract

『人生の踊り』（じんせいのおどり、仏: La Danse de la vie humaine）は、フランスの画家ニコラ・プッサンにより1634年 - 1636年頃に描かれた絵画である。本作は、ロスピリオージ卿、後のローマ教皇クレメンス9世からの依頼で製作された。ロンドンにあるウォレス・コレクションに所蔵されている。
Title: 人生の踊り (A Dance to the Music of Time (painting))
Section: 作品

画面中央で踊る4人の男女のうち、青い上着と赤いスカートを身につけ、白いサンダルを履いた女性は、バラの花の冠をかぶっている。その隣では、白い上着と黄金色のスカート、真珠の髪飾りを身につけ黄金色のサンダルを履いた女性が踊っている。その隣には、オレンジ色の衣装と黄色の頭巾を身につけた女性がいる。土色の衣装を身につけた男性は、枯れた葉でつくられた月桂冠をかぶっている。画面上部、空の高いところで、4頭の馬が曳く黄金の凱旋車に乗りながら両腕を広げている裸の青年は、太陽神のアポローンである。アポローンによって支えられている金製の輪は、永遠を表す円である一方で、黄道十二宮でもあり、太陽が1年の間に12の星座を順に巡ることを示している。暁の女神、アウローラが、花をまき散らしながら凱旋車を先導している。時間の精霊、ホーラーたちが、輪になって踊るように飛翔し、凱旋車に付き従っている。画面下部の左端に描かれた石柱には、2つの顔が載っている。これは、前向きと後ろ向きの2つの顔をもつ双面神であるヤーヌスで、門の守護神である。また、石柱には、花環が飾られている。石柱の足もとでは、プット（キューピッド）がシャボン玉を膨らましている。画面右端では、もう1人のプットが、時間のシンボルである砂時計を手にしている。その後ろでは、筋肉を隆々とさせ、大きな翼を生やした、禿頭に白髭の老人である時の翁、サートゥルヌス（クロノス）が、木製のがっしりとした竪琴を爪弾いている。
Title: 人生の踊り (A Dance to the Music of Time (painting))
Section: 解釈

中央で踊るの4人が、四季の擬人像であるとする説がある。青い上着の女性が春、白い上着の女性が夏、オレンジ色の衣装の女性が秋、土色の衣装の男性が冬であるというものである。他に、4人は人生のサイクルの寓意であるとする説もある。青い上着の女性は、鑑賞者に誘うような視線を投げかけており、バラは、愛欲と美の女神ヴィーナスのアトリビュートであるため、「享楽」を表し、白い上着の女性は、すました表情をしており、黄金色の衣装を身につけていることから、「富」を表し、オレンジ色の衣装の女性は、「富」に手を伸ばして努力していることから、「勤勉」を表し、土色の衣装の男性は、1人だけ陽が当たっていないことから、「貧困」を表すというものである。
Title: 羊飼いの礼拝 (Adoration of the Shepherds (Giorgione))
Section: abstract

「羊飼いの礼拝」は、ベツレヘムで誕生したイエス・キリストを目にするために、羊飼いたちが訪れた場面を描いた絵画作品。西洋宗教絵画の主題として、数多くの作品が制作されてきた。「en:Adoration of the Shepherds」も参照のこと。羊飼いの礼拝 (エル・グレコ、プラド美術館)羊飼いの礼拝 (エル・グレコ、1600年)羊飼いの礼拝 (エル・グレコ、メトロポリタン美術館)羊飼いの礼拝 (カラヴァッジョ) － バロック期の画家カラヴァッジョの絵画羊飼いの礼拝 (カリアーニ) － ルネサンス期の画家カリアーニの絵画羊飼いの礼拝 (コレッジョ) － ルネサンス期の画家コレッジョの絵画羊飼いの礼拝 (クラナッハ) － ルネサンス期の画家クラナッハの絵画羊飼いの礼拝 (ショーンガウアー)羊飼いの礼拝 (ダフィト) － 初期フランドル派の画家ダフィトの絵画羊飼いの礼拝 (ドメニキーノ) － バロック期の画家ドメニキーノの絵画羊飼いの礼拝 (グレコ、マドリード) － マニエリスム期の画家グレコの絵画（プラド美術館（マドリード））羊飼いの礼拝 (グレコ、ブカレスト) － マニエリスム期の画家グレコの絵画（ルーマニア国立美術館（ブカレスト））羊飼いの礼拝 (ジョルダーノ) － バロック期の画家ジョルダーノの絵画羊飼いの礼拝 (ジョルジョーネ) － 盛期ルネサンスの画家ジョルジョーネの絵画羊飼いの礼拝 (パルミジャニーノ) - マニエリスム期の画家パルミジャニーノの絵画羊飼いの礼拝 (ファン・デル・グース) － 初期フランドル派の画家フーゴー・ファン・デル・グースの絵画羊飼いの礼拝 (ル・ナン兄弟) － バロック期の画家ル・ナン兄弟の絵画羊飼いの礼拝 (ロレンツォ・ディ・クレディ) － ルネサンス期の画家ロレンツォ・ディ・クレディの絵画羊飼いの礼拝 (ロレンツォ・ロット) － ルネサンス期の画家ロレンツォ・ロットの絵画羊飼いの礼拝 (マンテーニャ) － ルネサンス期の画家マンテーニャの絵画羊飼いの礼拝 (プッサン) － バロック期の画家プッサンの絵画羊飼いの礼拝 (ラ・トゥール)羊飼いの礼拝 (ラファエロ) － ルネサンス期の画家ラファエロのドローイング羊飼いの礼拝 (ホセ・デ・リベーラ) － バロック期の画家ホセ・デ・リベーラの絵画羊飼いの画家 (ルーベンス) － バロック期の画家ルーベンスの絵画羊飼いの礼拝 (サンタフェーデ) － マニエリスム期の画家サンタフェーデの絵画羊飼いの礼拝 (ヨルダーンス)
Title: 荊冠のキリスト (Christ Crowned with Thorns (Bosch, London))
Section: abstract

荊冠のキリスト（けいかんのキリスト）荊冠のキリスト (ティツィアーノ、ルーヴル美術館) - ティツィアーノ・ヴェチェッリオの絵画荊冠のキリスト (ティツィアーノ、ミュンヘン) - ティツィアーノ・ヴェチェッリオの絵画荊冠のキリスト (ヴァン・ダイク) - アンソニー・ヴァン・ダイクの絵画
Title: タロット・ガーデン (Tarot Garden)
Section: abstract

タロット・ガーデン（英語: Tarot Garden、イタリア語: Giardino dei Tarocchi、ジャルディーノ・デイ・タロッキ）は、トスカーナ（イタリア）にあるニキ・ド・サンファルの彫刻庭園。タロットの大アルカナに相当する22の彫刻群がある。ニキが20年以上かけて制作したものであり、彫刻家の夫ジャン・ティンゲリーも作品を提供するほか、他の彫刻家や、モザイク、セラミックスなど各分野の専門家、地元の住民など多くの人々の協力を得て、1998年5月15日に正式に開館した。開館後も、2002年5月21日にニキが死去するまで、制作が続けられた。
Title: タロット・ガーデン (Tarot Garden)
Section: 制作・造営過程
Subsection: 造営までの経緯

タロット・ガーデン造営のきっかけとなったのは、ニキが1955年にスペインを訪れたときに見たアントニ・ガウディのグエル公園（バルセロナ）、1960年頃に訪れた南仏ドローム県オートリーヴのフェルディナン・シュヴァルの理想宮、1962年にティンゲリーとカリフォルニア州ロサンゼルスを訪れたときに見たサイモン・ロディアのワッツ・タワーである。1974年に、長年ポリエステルを使って仕事をしていたため、肺膿瘍で入院し、スイスのサン＝モリッツで保養していたとき、1950年代にニューヨークで出会ったイタリア貴族で美術品蒐集家のマレッラ・アニェッリ（旧姓カラッチョロ）（フィアット社会長ジャンニ・アニェッリの妻）に再会し、大きな彫刻庭園を造営したいという夢を語ったところ、マレッラの兄弟カルロ・カラッチョロとニコラ・カラッチョロがトスカーナ、ガラヴィッキオの土地を提供することになった。
Title: タロット・ガーデン (Tarot Garden)
Section: 制作・造営過程
Subsection: 協力者

造営に取りかかったのは1978年である。前年にリカルド・ムノンがニキの助手になり、以後10年にわたってタロット・ガーデンの造営に取り組んだ。1989年にムノンが37歳の若さでエイズで亡くなったとき、ニキは大きな猫の像を制作して彼に捧げた。現在、タロット・ガーデンの奥にあるが、同じものがモンパルナス墓地のムノンの墓にも置かれている。彫刻家として長年にわたって協力したのはピエール・マリー・ルジューヌである。欧州諸国や米国を旅して新しい素材や技法を見いだした彼は、ニキの彫刻をモザイクで覆う技法を導入し、このためにアトリエを構えた。また、作品の鋳造から内部の彩色、ベンチや家具、その他のオブジェの制作まで様々な分野で尽力し、「女帝」の足元の泉の周りには、彼の提案で造られた小さいアンフィテアトルム（円形闘技場）がある。この周囲に岩を削って座る場所を作ったのもルジューヌである。彫刻家ではルジューヌのほか、夫ティンゲリーと彼の仲間のスイス人彫刻家リコ・ウェーバーとセッピ・インホフが、彫刻作品の土台を溶接する作業を担当した。この作業は彫刻家ドク・ヴァン・ヴィンゼンや、ムノンの紹介で助手を務めることになったトニーノ・ウルティスらによって受け継がれた。一方、パリにアトリエを構える彫刻家ロベール・アリゴンは、ニキが彫刻の素材としてポリエステルを使うようになった1972年から、彼女の制作に協力していた。アリゴンは、アルマン、セザール、ジャコメッティ、オシップ・ザッキンら多くの彫刻家・画家とともに仕事をしていた。タロット・ガーデンの造営においても、ポリエステルを使った作業はすべて彼が引き受け、1984年頃から彼の2人の息子ジェラールとオリヴィエも参加した。セラミックス（陶磁器）の製造については、この分野の専門家ヴェネーラ・フィノッキアーロがローマから参加した。1984年には、セラミックスを焼くための小型の窯を3基入手し、以後、セラミックスはすべて現場で焼いた。セラミックスは、テッセラ（モザイク用のタイル）や鏡の破片と同様に、彫刻の外側に接着されている。地元の住民として最初に参加したのは、郵便局員ウーゴ・チェッレッティであった。最初はコンクリート打設前の土木工事を担当し、やがて作品の仕上げに参加するようになった。公式ウェブサイトには長期にわたって協力した数人の名前が挙がっているが、実際には非常に多くの人々が協力した。
Title: タロット・ガーデン (Tarot Garden)
Section: 制作・造営過程
Subsection: 資金調達

1979年に基礎ができると、ニキは多くの友人たちの助力を得て、現地に暮らしながら制作をするようになった。同年にニューヨークでタロット・ガーデンの模型や写真の展示会を行い、米国各地を巡回した。1982年、ニキはタロット・ガーデン造営の資金を調達するために、ニナ・リッチ、ピエール・カルダンなど欧州大手ブランドのニューヨーク販売代理店であったジャクリーヌ・コシュラン社からの依頼に応じて、香水を制作した。香水瓶はコバルトブルーの四角い容器に金の蓋が付いて、蓋の上にニキのモチーフとして重要な絡み合う2匹の蛇が取り付けられている。ニキはさらに宣伝のために、それまで彼女の作品を蒐集していた友人で、30年にわたってディオールのクチュリエおよびアーティスティック・ディレクターを務めたマルク・ボアンがデザインした青いパン・ベルベットのドレスと、香水瓶の蛇のモチーフをあしらったティアラを身に着けてメディアに登場し、話題を呼んだ。この後も、タロットの人物から着想を得た作品の展示会をロンドンとニューヨークの画廊で行い、ジュネーヴのボニエ画廊ではニキの「最近の作品」としてタロット・ガーデンの彫刻に基づく作品（多彩色の彫刻、ポリエステルのレリーフ）を展示するなどして、売上をタロット・ガーデン造営の費用に充てた。
Title: タロット・ガーデン (Tarot Garden)
Section: 制作・造営過程
Subsection: 晩年のニキ - 開館・制作終了

1980年代末から1990年代初頭にかけて、ニキは他の仕事が入り、タロット・ガーデンで過ごす時間が少なくなった。すでに1980年代に入った頃から関節リウマチを患っていたうえに、とりわけ、1991年8月にティンゲリーがベルン（スイス）で死去すると、ニキは健康状態の悪化にもかかわらず、タロット・ガーデンの制作を進めると同時に、バーゼルにティンゲリー美術館を設立するために尽力した。建築家マリオ・ボッタが設計したこの美術館は1996年に開館した。また、増田静江が栃木県の那須高原にニキ美術館を設立したのは1994年のことであり、ニキはこの美術館のデザインを担当したが、その奇抜な造形は、国立公園法による厳しい規制のために実現しなかった。1994年、ニキは健康上の理由から、カリフォルニア州サンディエゴ市のラホヤに居を定め、死去するまで8年間ここに暮らすことになった。だが、ここにアトリエを設置し、鏡、ガラス、石を使って作業を続けた。ルジョーヌが何度もラホヤに足を運び、協力した。タロット・ガーデンは次第に来園者を受け入れていたが、1998年5月15日に正式に開館した。ニキは開館後もラホヤで「カリフィア女王の魔法の輪」などの小規模な彫刻の制作を続け、現場でも引き続き作業が行われていたが、2002年5月21日にニキが死去すると、生前から彼女が望んでいたように、この時点で、タロット・ガーデンでの制作はすべて終了した。
Title: タロット・ガーデン (Tarot Garden)
Section: 彫刻作品群
Subsection: 概要

公式ウェブサイト（イタリア語、英語、ドイツ語、フランス語）の「インタラクティブ・マップ」はタロット・ガーデンの概略図であり、タロットカードの番号だけがローマ数字で書かれているが、カーソルを置くと小さいイラストが表示され、クリックすると作品の画像とニキによる解説が表示される。これは、ニキによる解釈であって、多くの場合、伝統的なタロットカードの寓意とは異なる。主な作品は高さ12メートルから15メートルで、ポリエステルと鉄筋コンクリートで造形した後、モザイク、鏡の断片、多彩なセラミックス、ガラス、特にムラーノ産のガラス（ヴェネツィアン・グラス）を接着して造られている。I 魔術師：「魔術師」は「女教皇」の頭部に設置されている。これらは最初に造られた作品である。魔術師は、ニキにとって、世界を創造した神に相当するという。イギリスの画家・ジャズミュージシャンのアラン・デイヴィーが、「魔術師」の頭部内側の一部を描いている。II 女教皇：入口正面に巨大な「女教皇」がある。大きな口から水が流れ出て、手前の泉に注ぎ込む。泉にはジャン・ティンゲリー作の「運命の輪」（噴水のある動く機械）。「女教皇」は、ボマルツォの怪物公園（Parco dei Mostri）にある、口を大きく開けて目を剥いた怪物に着想を得て制作された作品であり、ニキの怪物公園へのオマージュである。III 女帝：スフィンクスをかたどった巨大な女神像。ニキにとっては、「天の女王、母、娼婦、感情、神聖な魔術、文明」の象徴である。内部は鏡やモザイクに覆われたまばゆい空間。彼女は1983年から約7年間、ここを住宅兼アトリエとして使用し、生活をしながら制作に取り組んだ。1988年には、この「母の子宮」の中で生活するのは「息が詰まる」として、地下にニューヨークのロフトスタイルのアトリエを増設した。IV 皇帝：ニキの「皇帝」は「男性的な力」、「家父長制」を表わし、「保護者」であり、かつ、「征服者」でもある両義的な存在である。「皇帝」は城の内部にある。城は、鏡やセラミックスを使って、1本ごとに異なるモチーフで構成された数本の柱で支えられている。V 教皇：顔をかたどったやや小規模な作品。「教皇」は、ニキにとって、性別・宗教を問わず、賢者や聖職者、教育者など、謎を解き、知識を伝える存在である。VI 恋人：男性像（アダム）と女性像（イヴ）によって表現されたこの作品を、ニキは「選択」と名付けた。正しい選択と間違った選択の「二つの道」の意味であるが、ニキは、「間違いによって、自分自身の真実にさらに近づくこともある」と解釈する。VII 戦車：女性像を乗せた、やや小規模な「戦車」。タロットの寓意と同様に「勝利」を表わすと同時に、ニキはその「はかなさ」を強調している。VIII 正義：天秤を持つ正義の女神像。白と黒だけで表現されている。下半身の中央に赤みを帯びた鉄格子があり、大きな南京錠が掛かっている。内部には、屑鉄で作った彫刻、回収品のランプ、発動機などのオブジェで構成される、ティンゲリーの作品「不正」がある。鉄格子脇には、「ジャン・ティンゲリーが「不正」を罠で捕えて、「正義」の内側に閉じ込め、鍵を掛けた」と書かれている。IX 隠者：青いフレームによって表現される隠者と、その足に絡み付く蛇で構成される小ぶりな作品。ニキは自己探求の象徴として表現している。タロット・ガーデンの最も奥にある「神託」は、「隠者」の女性版である。X 運命の輪（ジャン・ティンゲリー作）XI 力：入口左手にある獰猛なドラゴンと、これを目に見えない糸で操る女性の像。ドラゴンは緑の鏡の破片で覆われている。XII 吊るされた男：「隠者」と同様に、主に青と黄色のフレームによって構成される。ニキは、T・S・エリオットが詩「荒地」で「吊るされた男」に言及していることに触れた後、吊るされて、世界を逆さまに見ているので、新しい見方・やり方を表わすとしている。XIII 死神：馬に跨った女性の死神。馬の足元に手足や奇妙な生き物のオブジェが置かれ、「死と再生」を表わしている。XIV 節制：「節制」は、礼拝堂である。当初は「吊るされた男」を収納する建物として構想されたが、1983年にティンゲリーが心臓の手術を受けたとき、ニキは手術が成功したら礼拝堂を建てようと決意した。「情熱的な」彼女には、「節制」の意味がよくわからず、「妥協」や「中庸」のように思われたが、あるとき、「節制」とは「正義の道」であることがわかったという。礼拝堂の上には、金のフレームによる翼のある青いナナ像が設置されている。XV 悪魔：ニキは「悪魔」によって、一方で「精神の自由を失うこと」、他方で「生命力」や「セクシュアリティ」を表わしている。頭部の黄金の角や両性具有的な表象、両脇の2体の人物像は、伝統的な寓意画によるものだが、鮮やかな多彩色の像である。XVI バベルの塔：四角い銀色の塔に様々な形状の窓がはめ込まれている。タロットカードの寓意画と同様に、塔の先端が崩壊し、炎に相当するものが突出している。ニキはこれを「神の怒り」として表現している。突出部は、ティンゲリーの作品「エーオース」（ギリシア神話の暁の女神）である。XVII 星：右手と左手に持った2つの壺から水を注ぐ女性像。池の中央に全身に星がちりばめられた女性像があり、赤い壺から水がほとばしり出ている。ニキにとって「星」は、「完全な存在」であり、「心身の健全さ」である。XVIII 月：赤いザリガニが人面（女性の横顔）の月を掲げ、黄色と黒の犬がザリガニを支えている。ニキは、ポジティブな「想像力」とネガティブな「幻想」を表わす「月」は、「潮の満ち引き、女性の月経、出産、水に関するすべてのものに影響する」という。XIX 太陽：ニキは「太陽」をインドやメキシコの伝説に出てくるような鳥として表現している。鳥はニキの作品でしばしば使われるモチーフであり、ここでは、「太陽に最も近い生き物である」と説明している。XX 審判：墓から出てきた子供、男性または女性、老人の人間の3つの姿を表わした平面的な構成。ラッパを吹く天使は、この3つの姿が1つになるよう促しているのだという。XXI 世界：蛇が巻きついた金の卵の上に片足を上げて立つ女性。ニキは、ここに「世界の神秘とスフィンクスの答え」があるという。タロット・ガーデン入口：開館の前年の1997年に、ティンゲリー美術館を設計したマリオ・ボッタが入口の塀と柵を制作した。塀には地元トスカーナ産の石を使用した。ニキは、タロット・ガーデン内の作品世界と外部とを明確に区別すると同時に、「ドラゴンが宝物を守るように」作品世界を要塞のように保護する「男性的」な塀が造られたと表現している。この他、リカルドに捧げる猫の像、「隠者」の女性版「神託」（赤と金の蛇を身体にまとった青い女性像）（それぞれインタラクティ・マップで「C」、「O」と表示）、1974年制作の「皿＝泉（ナナ＝泉）」に基づく大型の作品、インタラクティブ・マップには示されていないタロットカード番号0の「愚者」などがある。
Title: タロット・ガーデン (Tarot Garden)
Section: その他の情報
Subsection: アクセス

DIRECTIONS参照。シエーナから：S223をグロッセートの方向に。グロッセートでアウレリア街道（S1/A12）に入り、ローマの方向に。オルベテッロを過ぎてペーシャ・フィオレンティーナに出て左折し、次に最初の道路を左折。さらに2番目の道路を左折。ローマから：アウレリア街道（A12/S1）をチヴィタヴェッキア（グロッセート）の方向に。チヴィタヴェッキア、タルクイーニア、モンタルト・ディ・カストロを過ぎて、ペーシャ・フィオレンティーナに出て左折し、次に最初の道路を左折。さらに2番目の道路を左折。フィウミチーノ空港から：A12をチヴィタヴェッキアの方向に。チヴィタヴェッキアでアウレリア街道に入り、グロッセートの方向に。タルクイーニア、モンタルト・ディ・カストロを過ぎて、ペーシャ・フィオレンティーナに出て左折し、次に最初の道路を左折。さらに2番目の道路を左折。
Title: タロット・ガーデン (Tarot Garden)
Section: その他の情報
Subsection: 開園期間・時間

VISIT参照。開園期間：4月1日から10月15日まで開園時間：14時30分から19時30分まで25人以上の団体は事前予約により3月でも入園可能。但し、土日・祭日を除く。11月から3月までの間は第1土曜のみ開園。午前9時から午後1時まで入園無料。地図・詳細を含むパンフレット
Title: タロット・ガーデン (Tarot Garden)
Section: 参考資料

Denis Peiron (2015), Quand Niki de Saint Phalle compose le Jardin des Tarots en Toscane, La Croix.Le jardin des tarots de Niki de Saint Phalle, Touristie.com.The Tarot Garden (il Giardino Dei Tarocchi) Official Website - Chronology, Interactive Map.
Title: 赤い葡萄畑 (The Red Vineyard)
Section: abstract

赤い葡萄畑（あかいぶどうばたけ、仏: La Vigne rouge、英: The Red Vineyard）は、1888年11月にフィンセント・ファン・ゴッホによって描かれた絵画。油彩。フランス・アルルの葡萄畑で夕方に人々が農作業をする様子を描いた作品である。この作品は、ゴッホが死去する5ヶ月前の1890年2月にベルギーのブリュッセルで行われた展覧会「20人会展」に出品され、ゴッホのアルル時代の友人でもあったベルギーの詩人のウジェーヌ・ボックの姉で女流画家のアンナ・ボックによって400フランで購入された。結果的に、この作品はゴッホの生前に売れた唯一の油彩画作品と言われている（他に売れた作品があるとする説もある）。モスクワ・プーシキン美術館蔵。
Title: ヴェネツィアの祝宴 (Fêtes Vénitiennes)
Section: abstract

『ヴェネツィアの祝宴』 (ヴェネツィアのしゅくえん、仏: Fêtes Vénitiennes、英: Fêtes Vénitiennes) は、フランスのロココ期の画家アントワーヌ・ヴァトーが1719年に制作した雅宴画のジャンルの油彩画である。画家の死後、『メズタン』、『シテール島の巡礼』(ベルリン、シャルロッテンブルク宮殿のヴァージョン) などヴァトー作品を収集していた織物商ジャン・ド・ジュリエンヌの所有であった。1861年にジョン・マーレイ卿 の未亡人 (Lady Murray of Henderland) によりエディンバラにあるスコットランド国立美術館に寄贈された。
Title: ヴェネツィアの祝宴 (Fêtes Vénitiennes)
Section: 概要

本作は、ジュリエンヌの所有であった時には、『舞踏会』と題され、ジュリエンヌの死後に作成された目録では『ヴェネツィアの舞踏会』という題名で記された。だが、実際に画面がヴェネツィアのどこかを表しているわけではなく、ヴァトーがヴェネツィアに行ったことがあるわけでもない。『ヴェネツィアの祝宴』という題名は、本作に基づいた1732年のロラン・カール のエングレーヴィングに由来しているが、1710年パリで上演された、フランスの作曲家アンドレ・カンプラ (André Campra) によるオペラ・バレエの題名も参照したものであろう。ヴァトーは、本作に自分自身を描き入れている。画面右で座ってミュゼット (バグパイプ) を奏でている男性である。中央の女性は、当時のコメディ・フランセーズの主役女優であったシャルロット・デマール (Charlotte Desmares) である可能性がある。また彼女の左に立っている男性は、ヴァトーと同郷のフランドル系の画家で、ヴァトーの住んでいた家の家主であったニコラ・ヴルーゲルスである。他の人物たちは、ヴァトーが当時の社会で直接観察して描いたデッサンに基づいている。人物たちの衣装は、イタリアの即興喜劇「コンメディア・デッラルテ」のものである。中央の女性の左にいる男性 (ニコラ・ヴルーゲルス) は描き直されている。画面を見るだけでも、男性の両脚が描き直されて、その間隔が広げられていることがわかる。男性と向き合ってダンスの相手となることを会釈で告げている中央の女性の衣服も、本来はもっと長く、靴先から右の方で白っぽい色の上に緑が塗られていることがはっきり確認できる。背景は城館か宮殿の庭園のようで、ダンスを始めようとしている２人の奥に16人の男女がいるが、必ずしも２人のほうに注意を払っているわけではない。他の雅宴画と異なり、本作には犬や幼児は描かれていない。中央やや右寄りに腰を下ろして扇子を手にしている女性は、やや違ったポーズで『シテール島の巡礼』にも描かれている。この女性と話している男性は左右反転しているものの、一番右端にいる男性とよく似ている。
Title: サー・ニコラス・セロタ、掘り出し物の購入を決断中 (Sir Nicholas Serota Makes an Acquisitions Decision)
Section: abstract

『サー・ニコラス・セロタ、掘り出し物の購入を決断中』(Sir Nicholas Serota Makes an Acquisitions Decision)は2000年代初頭の芸術運動であるスタッキズムを代表する絵画である。この運動の「記念碑」的作品とも言われ、コンセプチュアル・アートに反対するその姿勢がよく表れている。2000年に、スタッキズムの創設者の1人であるチャールズ・トムソンによって描かれ、それ以降さまざまな展示会に出品されただけでなく、ターナー賞に抗議するスタッキストのデモではプラカードの図柄に採用された。テート・ギャラリーの館長であり、例年ターナー賞の審査委員長を務めていたニコラス・セロタ卿を描いている。「エミン」とは、ヤング・ブリティッシュ・アーティストのトレーシー・エミンのことで、彼女は自分のベッドとパンツなどの私物を作品にしたインスタレーション・アートである『マイ・ベッド』を発表し、1999年にターナー賞候補作としてテートに展示されていた
Title: サー・ニコラス・セロタ、掘り出し物の購入を決断中 (Sir Nicholas Serota Makes an Acquisitions Decision)
Section: 背景と作品

1999年、トムソンはビリー・チャイルディッシュとともにアート集団のスタッキズムを創設し、コンセプチュアル・アートに対するフィギュラティヴ・アートの優越を主張する運動を起こした。その標的となったのがターナー賞であり、ヤング・ブリティッシュ・アーティストだった。トレーシー・エミンはその代表的存在であり、かつてはチャイルディッシュと交際関係にあった。トムソンの絵は、テート・ギャラリー館長のニコラス・セロタを描いている。セロタは洗濯ロープに吊るされた赤いパンツを前に笑みを浮かべ、「これは本物のエミン（10,000ポンド）か」と言いながら「それとも無価値な偽物か？」と考えている。これは片づけていない自分のベッドとごみ（の中にはパンツもあった）を文字通りに展示する、トレーシー・エミンのインスタレーション『マイ・ベッド』を踏まえている。この作品は、1999年にターナー賞の候補作となりテート・ブリテンに展示されていた。この絵は製作開始からわずか数日で完成したが、最後の24時間はまさにノンストップの作業だったという。「自分が描いたセロタの絵は、スタッキズム運動のアイコンになった。なぜなら、そこに芸術に対する自分たちの姿勢が表れているからだ」とトムソンは言う。「僕たちは新しい具象画を歓迎し、鮮度を失った古臭いコンセプチュアル・アートに反対する」。
Title: サー・ニコラス・セロタ、掘り出し物の購入を決断中 (Sir Nicholas Serota Makes an Acquisitions Decision)
Section: 展示会

この絵は2000年5月に初めて公開された。ロンドン、ショーディッチのレオナルドストリートでジョー・クロンプトンが運営するギャラリー１０８で開かれた、スタッキズムの三度目の展示会「サー・ニコラス・セロタの辞任」展の目玉であり、その他にも何枚か書かれたセロタの絵の中でも出色の作品であった。しかし当時のデイリーテレグラフ紙にはモノクロで小さく掲載されただけだった。この年の後半に開かれた「リアル・ターナー賞展」でも再び展示され、リチャード・ディーンからは次のように評された。トムソンはこの絵が掲載された展示会の目録に署名をして、ビリー・チャイルディッシュとともにセロタへ届けるためテートに置いていった。アーティストのランコ・ボンは、テート・ブリテンで始まったこの年のターナー賞展の開会式でセロタを迎えたときのことを次のように語っている。「あっ」と、私は彼の骨ばった肩をつかんで言った。「こんな風に君を見ていると、どうしてもチャールズ・トムソンが描いた君の肖像画が頭に浮かんでしまう。昨日の夜、ショーディッチのリアル・ターナー賞展で見たんだよ」。私は、「リアル」という単語を思い切り強調して発音した。「そうか」とニックはまばたきもせず私に微笑み返して言った。「必ず見るようにするよ！」。2002年の夏に開催された、トムソンのスタッキズム・インターナショナル・ギャラリー（2005年に閉館）の最初の展示会である、「第一スタッキスト・インターナショナル」でもこの絵が展示された。ブリットアートの熱心な支持者であるサラ・ケントは「もしトムソンが本気で武器に使うつもりがないなら、彼のたわいもないユーモアも許されるかもしれない...騒ぐ声も止むでしょうし、トムソンも理性的な画家ということになるはずです」と語ったが、トムソンの返答はこうだった。「現実はどうだろう。僕が絵を完成させてから何週間か後に、トレーシー・エミンがテレビ番組に出てたけど、インスタレーションの件でものすごく怒っていたよ。でも理由は、誰かが彼女のパンツを別の物に替えたからだってさ...それはちょっと嫌だよねえ」。この絵は2004年にリバプール・ビエンナーレの一環で、ウォーカー・アート・ギャラリーで開催されたスタッキスト・パンク・ヴィクトリアン展にも出品された。セロタはこの展示会を訪れ、トムソンの絵のそばに立って「生き生きしている」とコメントした。ジョン・ラッセル・テイラーはタイムズ紙にこのアートフェスのレビューを掲載している。「スタッキストは何を言われようと、自分たちが何を嫌いなのかをはっきりわかっている。エキセントリックなイギリス人のアート集団が最近開催した展示会で、露骨なまでに標的になっていたのは、明らかにターナー賞だ。彼らの姿勢は、チャールズ・トムソンの描いた１枚の絵『サー・ニコラス・セロタ、掘り出し物の購入を決断中』に要約されている」。展示されている160点の絵画作品は、セロタの絵も含めてテートに寄付する意向が伝えられたが、「予想通り」セロタに断られた。彼によれば「国のコレクションとして永久収蔵品とすることを認めるに足る、目的の達成度、革新性あるいはオリジナリティという点に鑑みて、十分なクオリティを備えていると認められる作品には思われない」。この絵は2006年9月にギャラリーのスペクトラム・ロンドンで開催されたゴー・ウェスト展でも中心的な作品に据えられ、30,000ユーロの値がつけられた。このギャラリーはロンドンのウェスト・エンドにあったが、スタッキストが初めてコマーシャル・ギャラリーで開催した展示会でもあった。オーナーのロイデン・プライアは、この絵の政治的な面だけを見るのではなく、それを越えたところでこの絵を見るべきだと語った。なぜなら「彼らは良いアーティストだし、アートの歴史に連なっている存在」だからだった。ジェーン・モリスがガーディアン紙に書いた記事でも「もしスタッキストがアートの歴史に名を刻むとして、それがどちらの意味での評価になるかはまだ定まっていないとしても、スタッキストの共同創設者であるチャールズ・トムソンが描いた『サー・ニコラス・セロタ、掘り出し物の購入を決断中』は彼らの記念碑的作品にはなるだろう」と評価されている。この絵を展示しているのは、作品をテートに寄付するという申し出を断ったセロタに復讐するためだと言う人もいる、とイヴニング・スタンダード紙は報じている。記事ではまた、テートの理事であるクリス・オフィリの『アッパー・ルーム』をテートが購入したことに、初めて世間の注目を集めさせたのがスタッキストであることにも触れていた。この事件で、テートは2006年にチャリティ委員会から批判されていた。
Title: サー・ニコラス・セロタ、掘り出し物の購入を決断中 (Sir Nicholas Serota Makes an Acquisitions Decision)
Section: 総選挙

2001年、トムソンはスタッキスト党の候補者として総選挙に出馬した。彼の敵は、当時の文科相であったクリス・スミスだった。トムソンはセロタの絵とパンツを自党のオフィシャル・ロゴに採用した。彼は「選挙管理委員会が侮辱的だと言うかはわからない。本物がテート・モダンに展示してあるけどね。彼女のパンツ以上のものはクリス・スミスに予算をつけてもらわないと」と語っていた。
Title: サー・ニコラス・セロタ、掘り出し物の購入を決断中 (Sir Nicholas Serota Makes an Acquisitions Decision)
Section: デモ活動

2001年6月4日にトラファルガー広場で行われた、レイチェル・ホワイトリードの彫刻『アンタイトルド・モニュメント』の披露に抗議するためにスタッキストが行ったデモでも、セロタの絵がプラカードとして使われた。セロタはトムソンに抗議して、このデモは「卑劣な行動だ」と伝えた。2000年から2006年に行われたテート・ブリテンのターナー賞展にあわせて行われたデモ活動でも、この絵がプラカードになった。このときは写真が豊富に撮影され、スタッキストのサイトに掲載されて、デモ活動の広報と記録が行われた。2006年12月、スタッキストのデモ中にトムソンはこの絵を印刷したポストカードをセロタに手渡している。この時の様子はフリーランスの写真家であるリック・フレンドによって撮影され、スタッキストのサイトに掲載されていつでも視聴が可能になった。セロタはテートの階段に立ち、ポストカードを持ちながら「ほかの絵には出来ないのか？」と言った。
Title: サー・ニコラス・セロタ、掘り出し物の購入を決断中 (Sir Nicholas Serota Makes an Acquisitions Decision)
Section: 影響

トムソンは、この絵のアイディアをステラ・ヴァインが自分の絵に使ったと語っている。ダイアナ公妃が「ねえポール、こっちに来てよ」と語っているその絵は、2004年にチャールズ・サーチが購入したことで、ヴァインに名声をもたらした。その3年前に彼女はスタッキズムのメンバーとして活動しており、短い期間だがトムソンと結婚もしていた。自分の絵が掲載された新聞の切り抜きを見せたことがあるのだから、このアイディアがマスコミ受けすることに彼女は気づいていた、というのがトムソンの主張である。彼によれば、ヴァインはそれまで『ウェールズ公妃ダイアナ』のような手法で絵を描いたことはない。「彼女のダイアナ妃の絵は、僕の『サー・ニコラス・セロタ、掘り出し物の購入を決断中』と同じアイディアで描かれている。すなわち、有名な人物が考えていそうなことを想像して、肖像画の隣に文字で書くということだ。彼女はアーティストとして身をなした自分自身に影響を与えたものについて、本人なりに知的かつ想像力豊かな解釈をしているが、それ自体はアーティストなら皆やっていることだ。しかしそこに僕の手助けがあり影響があったと認めなければ、フェアでも誠実でもないだろう」とトムソンは語っている。ヴァインは自身の作家としての成長に、トムソンやスタッキストが何らかの役割を果たしたという説を否定しており、インスピレーションを受けた作家としてソフィー・フォン・ヘラーマン、エリザベス・ペイトン、アンナ・バーガー(Anna Bjerger)、カレン・キリムニック、ポール・ハウスリーの名を挙げている。トムソンは、ヴァインの絵だけでなく、もっと後のジーナ・ボールドによる『アートを解放しろ』(Break Art Free)も自分の作品との共通点を見出している。トムソン曰く「これらの作品につながりがあることは否定できないはずだ。でも、どれも強い作家的個性が発揮された絵でもある。盗作とまでは言うことはできないが、同じアイディアを下敷きにして生まれた作品だ」。マーク・Ｄは意趣返しとしてヴァインの絵を風刺した作品を描いた。彼の絵では、ダイアナ妃がヴィクトリア・ベッカムに入れ替わっている。
Title: ガニュメデスの略奪 (The Rape of Ganymede (Rembrandt))
Section: abstract

ガニュメデスの略奪ガニュメデスの略奪 (コレッジョ) - イタリアの画家コレッジョの作品。ガニュメデスの略奪 (ミケランジェロ) - イタリアの画家のミケランジェロ・ブオナローティの作品。ガニュメデスの略奪 (ルーベンス、シュヴァルツェンベルク宮殿) - フランドルの画家ピーテル・パウル・ルーベンスの作品。ガニュメデスの略奪 (ルーベンス、プラド美術館) - フランドルの画家ピーテル・パウル・ルーベンスの作品。ガニュメデスの略奪 (レンブラント) - オランダの画家レンブラント・ファン・レインの作品。ガニュメデスの略奪 (ガビアーニ) - イタリアの画家アントン・ドメニコ・ガビアーニの作品。
Title: 閂_(絵画) (The Bolt (Fragonard))
Section: abstract

『閂』（かんぬき、仏: Le Verrou, 英: The Lock）は、18世紀フランスのロココ美術の画家であるジャン・オノレ・フラゴナールが晩年に制作した油彩の絵画である。後年の彼の代表作として著名であり、主題と構図の上で『盗まれた接吻』（エルミタージュ美術館）の対作品と考えられる。作品は、パリのルーヴル美術館に所蔵されている。
Title: 閂_(絵画) (The Bolt (Fragonard))
Section: 概要

この絵画は、貴族であったドゥ・ヴェリ侯爵がフラゴナールに依頼し制作された。しかし、本作の主題は、侯爵の制作依頼以前から画家がデッサンで試みたものである。若い男女の愛の一場面というフラゴナールの得意のテーマであるが、本作は暴力的といえるほどの情熱に満ちている。寝室の中で若い男性が嫌がっている若い女性を抱き寄せ、扉の閂（扉を開閉できないようにする棒状の道具）をかける様子が描かれている。表現されているのは、争う恋人たちの衝動的な性的欲望、抵抗、あきらめである。若者はすでに服を脱ぎかけていて、情熱的な表情で若い女性に向かい、腕をその腰に回している。女性は白と金の豪華な衣服を身に着けたまま、のけぞって相手の激しい欲求を拒もうとしているが、彼女の決意は揺らいでいる。まもなく若者は思いを遂げるであろう。左側のベッドのカバーはめくれている。画家は、ベッドのシーツと天蓋の色に肉欲の罪を表す血のような赤を選んだ。同じく人間の罪を象徴するのが画面左側のベッドわきのテーブルに置かれたリンゴである。画面は赤に加え、黄色と白というフラゴナールの最も好む3色で統一されている。以前のフラゴナールの作品の溌溂として、軽やかな筆さばきとは違い、本作のベッドや衣装の質感表現などは冷たく生硬な描き方で、1780年代にフランスで盛んになった新古典主義の影響を物語っている。それゆえに本作の制作年代は1780年代前半と見なされている。
Title: 歓喜の熱狂 (Frenzy of Exultations)
Section: abstract

『歓喜の熱狂』（かんきのねっきょう、Szał uniesień、英語: Frenzy of Exultations）は、ポーランドの画家、ヴワディスワフ・ポドコヴィンスキーが1893年に描いた絵画で、ポドコヴィンスキーの作品の中で最も著名な作品と考えられている。この作品は、ポーランドが周辺諸国（ロシア、ドイツ、オーストリア）によって分割されていた時代における、最初の象徴主義の作品とみなされている。
Title: 手袋を持つ男_(ティツィアーノの絵画) (Man with a Glove)
Section: abstract

『手袋を持つ男』（てぶくろをもつおとこ、仏: L'Homme au gant、英: Man with a Glove）は、イタリア・ルネサンスのヴェネツィア派の巨匠ティツィアーノ・ヴェチェッリオが1520-1522年ごろ、キャンバス上に油彩で制作した絵画である。初期の代表的な肖像画の1つで、右端の石塊には「TITIANVS F」の署名がある。モデルの人物については何人かの名前が挙げられてきたが、はっきりとは特定されていない。作品は、パリのルーヴル美術館に所蔵されている。
Title: 手袋を持つ男_(ティツィアーノの絵画) (Man with a Glove)
Section: 歴史

絵画は、マントヴァのゴンザーガ家のコレクションに由来する。1627年にチャールズ1世 (イングランド王) に購入されたが、1649年の斬首による王の処刑後の競売で、ケルンの銀行家エバーハルト・ジャーバッハに取得された。最終的に作品はルイ14世の手中に入り、1792年にヴェルサイユ宮殿からルーヴル美術館に移された。薄髭を生やした20歳前後とみられるモデルの貴公子は、はっきりとは特定化されていない。1527年にピエトロ・アレティーノからフェデリーコ２世・ゴンザーガに宛てた手紙で触れられている、ジェノヴァの貴族でカール5世 (神聖ローマ皇帝)  のヴェネツィア大使であったジロラモ・アドルノ (Girolamo Adorno)  であるのかもしれない。また、フェデリーコ2世のヴェネツィアにおける代理人ジャンバッティスタ・マラテスタ (Giambattista Malatesta) であるのかもしれない。ほかの仮説によれば、1523年に16歳であったフェランテ・ゴンザーガである可能性もある。
Title: 手袋を持つ男_(ティツィアーノの絵画) (Man with a Glove)
Section: 作品

絵画は、平坦な黒い背景を背にした男性の4分の3正面向きの姿を表わしている。黒い服を身に着けたモデルの人物を暗い空間に置き、顔と両手に光をあてるという手法はティツィアーノ得意のものであるが、この画面でもその効果は絶妙である。人物は左腕を膝に置いて、画面左側のどこか定まらない点を見ているようである。右手は、当時の流行であった手袋を指さしているのかもしれない。彼は、やはり当時の流行であった幅広の上着と白いシャツを身に着けている。男性の手袋をした左手は、もう1つの皮手袋 (当時の最も洗練された紳士に使用されたアクセサリー) を持っている。右手には富裕さの象徴である金色の指輪を着けており、胸にはサファイアと真珠のあるネックレスを着けている。
Title: 手袋を持つ男_(ティツィアーノの絵画) (Man with a Glove)
Section: 大衆文化との関わり

フレッド・セイバーへーゲンの『バーサーカー』シリーズの短編『芸術の庇護者 (Patron of the Arts)』 (1965年8月の『もしもの世界 (Worlds of If)』に最初に登場した)では、太陽系近くでの宇宙戦争の後に、人間の芸術家と機械が宇宙船で芸術とティツィアーノの『手袋を持つ男』の価値について論じる。この短編では、人々は、人類のすべての重要な芸術品を「タウ・エプシロン (Tau Epsilon)」に送るために疎開用宇宙船に積み込む。アルベール・カミュの1971年の小説『幸福な死』 では、パトリス・ムルソー (Patrice Meursault) が理想主義者だと評するエリアーヌ (Eliane) という女性の登場人物は、自分がティツィアーノの『手袋を持つ男』と似ていると思っており、彼女の部屋にその様々な複製を飾っている。
Title: この人を見よ (Ecce Homo (Bosch, Frankfurt))
Section: abstract

この人を見よ（このひとをみよ）は、ラテン語訳の新約聖書『ヨハネによる福音書』に現れる言葉「エッケ・ホモ」 (ecce homo) の日本語訳の一つ。キリスト教芸術など、様々な作品の題名に付けられている。
Title: この人を見よ (Ecce Homo (Bosch, Frankfurt))
Section: 美術作品

この人を見よ (エリアス・ガルシア・マルティネス) - エリアス・ガルシア・マルティネスによるフレスコ画。修復作業をボランティアの非専門家に委ねた結果、原型を留めない絵に改変されてしまったことで知られる。この人を見よ (コレッジョ) - コレッジョの絵画。この人を見よ (ティツィアーノ、ウィーン) - ティツィアーノ・ヴェチェッリオの絵画この人を見よ (マンテーニャ) - アンドレア・マンテーニャの絵画。この人を見よ (ボス、シュテーデル美術館) - ヒエロニムス・ボスの絵画。
Title: この人を見よ (Ecce Homo (Bosch, Frankfurt))
Section: 書籍

この人を見よ (ニーチェ) - フリードリヒ・ニーチェの自伝。この人を見よ - マイケル・ムアコックの小説。マイケル・ムアコック#著作リストを参照。
Title: 剛毅_(ボッティチェッリ) (Fortitude (Botticelli))
Section: abstract

『フォルテッツァ』いわゆる『剛毅』（ごうき、伊: Fortezza, 英: Fortitude）は、イタリアのルネサンス期の巨匠サンドロ・ボッティチェッリが1470年に制作した絵画である。テンペラ画。「剛毅」の擬人化としての女性像を描いた作品で、記録に現れるボッティチェッリの最初の傑作である。現在はフィレンツェのウフィツィ美術館に所蔵されている。この作品はもともとピエロ・デル・ポッライオーロに発注された、美徳を表す1組7点の絵画で構成された連作の1つで、フィレンツェのシニョリーア広場にある商業裁判所を装飾するために制作された。このうちボッティチェッリが制作したのは『剛毅』のみであり、他の6点の板絵はピエロ・デル・ポッライオーロの工房で制作された。他の板絵がヒノキ材に描かれたのに対し、『剛毅』はトスカーナ地方で板絵によく用いられたポプラ材に描かれている。『剛毅』に描かれた女性像のモデルはロレンツォ・デ・メディチの愛人ルクレツィア・ドナーティだった可能性がある。
Title: 剛毅_(ボッティチェッリ) (Fortitude (Botticelli))
Section: 制作経緯

連作はシニョリーア広場にある商業裁判所を装飾するために制作された。商業裁判所はフィレンツェの商人の間で起きた商取引の紛争を裁定し、組合間の正義を管理する司法機関であった。連作は1469年にピエロ・デル・ポッライオーロに発注されたが、ポッライオーロは期限までに完成させることができなかった。そこで翌1470年、裁判所の委員の1人であり、制作を監督したトンマーゾ・ソデリーニ（Tommaso Soderini）によって、まだ若くそれほど有名でなかったボッティチェッリに改めて連作のうち2点が発注された。これはソデリーニがメディチ派に属し、ボッティチェッリもまたメディチ家とつながりがあったことによる。しかし後に2点の発注のうち1点が撤回された。撤回された理由ははっきりしない。画家組合の画家たちが抗議したためとも、ポッライオーロ自身が抗議したためともいわれる。報酬は1470年8月18日に支払われた。
Title: 剛毅_(ボッティチェッリ) (Fortitude (Botticelli))
Section: 作品

剛毅の擬人化としての女性像は、優雅なドレスの上に胸当てを着て、頭に翼のある宝冠を身に着け、鉄製の王笏を持ち、精巧に装飾された玉座に座る若々しい女戦士として表されている。一見すると、鑑賞者の目は画面で最も照らされている点、剛毅像の顔に引き寄せられる。剛毅の視線は下を向いて鑑賞者から目をそらしており、その表情は受動的で無関心であると受け取られている。これはボッティチェッリの女性像の特徴的であった。それはタイトルのテーマとは対照的な魅力である。というのも、女性像が強さを表現しているのなら、なぜ彼女は別の表情をしているのだろうか？7つの美徳の1つであるこの作品は壁の高いところに設置されることを意図していた。これは鑑賞者の目の高さよりも高いため、鑑賞者は上を見る必要があった。強さがなければ、決して他の6つの美徳を身につけることはできないことから、『剛毅』は徳を描いた全7点の絵画の中でその最初の作品となっている。おそらく女性像の視線は、文字通りそして比喩的に、他の美徳と鑑賞者を見守ることを目的としている。作品の中で最も印象的な色彩は、明らかに剛毅像の片方の肩から優雅に落ち、膝の上に横たわっているローブの赤である。赤という色は情熱的な愛、怒り、激怒、そして暴力といった、最も極端な感情に関連しており、おそらく困難を乗り越えるときに持つべき強さを象徴している。衣服の柔らかく流れるような襞と、金属製の甲冑の厳格さのコントラストは、男らしさと女らしさの対をテーマにした興味深い効果を生み出している。女性像は壮麗かつ繊細であると同時に活力と勇敢さを維持しているように見える。絵画の線遠近法もまた『剛毅』に堂々とした印象を加えている。女性像を中心に置いて、画面の前面に押し出し、鋭い光で照らすことで、鑑賞者の注意を彼女が表す美徳だけに集中させている。剛毅像の全体的な顔色は実質的に完璧であるが、剛毅像の目の下の変色はある種の困難を伝えている。この微かに青みがかった色合いは、鑑賞者に彼女が不幸を見たというメッセージを伝えており、本作品に目を向ける通りがかった人が誰でも共感できるヒューマニズムの要素を加えている。15世紀の鑑賞者にとって、七元徳は哲学と宗教の影響の組み合わせを表していた。初期キリスト教の著述家の偽ディオニュシオスによれば、美徳は「神の愛と勇敢さを授けるもの」であり、「ほとばしる神のエネルギー」を表し、「揺るぎない男らしさを持っている」。ルネッサンス期には寓意はキリスト教の救いの教義に対して使用された。これは哲学体系と社会的奇跡がより広範に適用される結果となった。ボッティチェッリは双方の影響を称賛した。ボッティチェッリの作品には、ダンテ以外にも、『聖書』、リウィウス、オウィディウス、聖アウグスティヌス、ボッカッチョ、アルベルティ、ポリツィアーノといった文学に対する知識の洗練された反映と深い理解が豊富に含まれている。ルネッサンス期の芸術や文化において、非古典的な外観を呈していた中世の擬人像は、理想化された人物像など古典的な形式に復元されたが、中世のイメージのいくつかの側面もまた保持している。中世の区別された美徳の使用は（想起された古い美徳とともに）一般的なそれに置き換えられた。最初に擬人化されたのはヘラクレスであり、その後、1510年頃になると、安定した性質を強調するために長方形の石材の上に座るかあるいは立った女性像として擬人化された。この擬人化はまさにボッティチェッリの『剛毅』に見ることができる。座っているときでさえも『剛毅』の姿勢はわずかにコントラポストをとっている。上半身の体重を左腕に乗せる一方、左足を片方の足よりもわずかに前にずらしている。この姿勢は、まるで彼女が座っている玉座から立ち上がり、彼女を見つめる鑑賞者の仲間になるかのような、前へと歩み出るエネルギーを作り出している。ボッティチェッリの『剛毅』は、より豊かな彫刻装飾が施された様々な種類の大理石の玉座でも際立っている。
Title: 剛毅_(ボッティチェッリ) (Fortitude (Botticelli))
Section: 来歴

18世紀に、商業裁判所の財産は商工会議所に寄贈され、その中には7点の美徳を描いた連作絵画も含まれていた。その後、1777年にウフィツィ美術館に収蔵された。
Title: 書斎の聖ヒエロニムス (Saint Jerome in His Study (Dürer))
Section: abstract

『書斎の聖ヒエロニムス』（しょさいのせいヒエロニムス、伊: San Girolamo scrivente）は、イタリアのバロック期の巨匠、カラヴァッジョによる油彩画であり、一般に1605-1606年ごろに制作されたと見られている。作品はローマのボルゲーゼ美術館に所蔵されている。
Title: 書斎の聖ヒエロニムス (Saint Jerome in His Study (Dürer))
Section: 構成

本作は、ローマ・カトリックの教会博士であり、絵画の好まれた主題である聖ヒエロニムスを描いている。この主題はカラヴァッジョにも好まれたもので、他にも瞑想して、書き物をしている聖ヒエロニムスの絵画を制作している。この作品で、聖ヒエロニムスは羽ペンを持っている、伸ばした腕を休めて、熱心に書物を読みふけっている。ウルガタ（ラテン語訳聖書）を翻訳中の聖ヒエロニムスを描いていることが示唆されている。