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Title: フィンセント・ファン・ゴッホの模写作品 (Copies by Vincent van Gogh)
Section: ヨルダーンス

ゴッホは、オーヴェル＝シュル＝オワーズ時代に、ヤーコブ・ヨルダーンスの牛の作品の模写を1点だけ残している。ただ、サン＝レミ時代のものと比べ相当出来が悪いとの指摘もされている。
Title: ソクラテスの死 (The Death of Socrates)
Section: abstract

『ソクラテスの死』 （ソクラテスのし、仏: La Mort de Socrate, 英: The Death of Socrates）は、1787年にフランス、新古典主義の画家ジャック＝ルイ・ダヴィッドがキャンヴァスに描いた油彩画である。当時ダヴィッドは古典を主題にした作品を多く生み出しており、『ソクラテスの死』もまた、プラトン著『パイドン』の、ソクラテスの処刑の物語に基づいている。この物語でソクラテスは、アテネの若者を堕落させ異教の神への信仰を説いた罪で有罪判決を受け、ヘムロック服用による死刑を宣告されている。ソクラテスは、機会があっても敢えて逃亡せず、自分の死を弟子に対する最後の教授として、穏やかに死に向かう。ソクラテスの死を描写した『パイドン』はまた、ソクラテスの4回目にして最後の問答で、哲学者の最期の日について詳述している。このテーマについては、『エウテュプロン』『ソクラテスの弁明』『クリトン』でも語られている。作品中、白いローブを着た老人がベッドの上にまっすぐに座っている。その右手をカップに伸ばし、左手は身振りを示している。彼はさまざまな年齢層の男性に取り囲まれているが、そのほとんどは苦悩の表情を浮かべており、冷静な老人とは対照的である。カップを手渡す若い男性は目を背けており、片方の手で顔を覆っている。別の若い男性は、老人の腿を握りしめている。初老の男性は、ベッド際にぐったりと座りこみ、自分のひざを覗き込んでいる。作品の左側の壁はアーチになっており、そこにも男性の姿が見える。
Title: ソクラテスの死 (The Death of Socrates)
Section: 描写

この主題の研究者アドリイ神父の助言を得ていたものの、哲学者の死についてのダヴィッドの表現には、歴史的に不正確な点が多く見られる。画面が煩雑になるのを避け、本来プラトンの問答に登場する多くの人物を省略している。一方で、アーチの下で壁に寄りかかっているアポロドロスを描いているが、彼は激情家で悲しみを露わにしすぎてソクラテスに追いやられたと言われている。ダヴィッドはまた、プラトンを始めとしたソクラテスの弟子の多くの年齢を、史実に沿わない形で表現している。プラトンはソクラテスの死の当時は青年であったが、『ソクラテスの死』ではベッドの足元に座る老人として表現されている。ソクラテスの顔も、彼の肖像としてよく使用される古典的胸像よりも、非常に理想化されて描かれている。ダヴィッドは『ソクラテスの死』で、色を利用して感情を強調した。赤い色合いは端では押さえられ、中央に行くほど鮮やかになり、毒のカップを持つ男のローブは最も鮮明な真紅で表現されている。この場面は通常、ソクラテスが中身を飲み干したカップを受け取るのではなく、これから毒のカップを手渡す瞬間だと受け取られている。ただ2人穏やかなソクラテスとプラトンは、青灰色がかった白の衣服をまとって対比されている。この絵の落ち着いた色彩設定は、『ホラティウス兄弟の誓い』で「色合いが派手だ」と批判されたことにダヴィッドが返答したものだという可能性がある。ダヴィッドは、この絵の2ヵ所に署名を残している。ソクラテスの腿をつかんでいる青年クリトンの下にはフルネームを、プラトンの下にはイニシャルを署名した。ダヴィッドは、署名の位置にしばしば象徴的な意味を持たせている。たとえば、『スタニスワフ・ポトツキ伯爵の肖像』でダヴィッドは、モデルに向かって吠えている犬の首輪に署名した。『ソクラテスの死』でも、署名には意味がある。プラトンの下のイニシャルは、物語が彼から来ている事実を示し、着想への感謝を表している。クリトンの下のフルネームの署名は、画家が彼に最も共鳴していることを意味する。これは、ソクラテスの腿をつかむというクリトンの配置構図に関係があると思われる。これによりダヴィッドは、ソクラテスに代表されるモラルと価値をつかむ人間であるという意味になる。『ソクラテスの死』の発端には諸説がある。「聖フィリベールの２人の息子のうち、年若い方が1786年ダヴィッドに『ソクラテスの死』を依頼した」とヴィダルは述べている。しかしボルドは「ソクラテスを描いたデッサンには・・・予想外にも、1782年と記載がある」という。もっとも、1786年の注文が、ダヴィッドがすでに1782年に構想を練っていたものを受けて出された可能性もある。またボルドは、日付がデッサンに書き足されたものであることも認めている。着想がいつだったかはともかく、絵が完成したのは1787年のパリであった。ダヴィッドは初めてローマに旅行した際、葬式の場面の描写を学び始め、多くのデッサンを描いている。ダヴィッドの主要な作品の多くが、この葬式のデッサンに基づいている。この作品でダヴィッドは、哲学者が死とどのように向き合うのか考察している。ソクラテスが冷静で穏やかなのは、死とは、存在が別の領域、これまでとは異なった状態に置かれることであって、存在が終わるわけではないと考えているためである。実際『パイドン』では、ソクラテスは自身の存在価値よりも、クリトンが彼の死をどう受け止めるかに心を砕いているように思われる。作品中でソクラテスの身ぶりは、彼が死の直前でさえ弟子を導いていることを我々に示している。この仕草は、詩人アンドレ・シェニエの影響を受けたものだと言われている。同じ場面を描いた絵には、イタリアの画家ジャンベッティーノ・チニャローニの作品がある。この絵の場合、ソクラテスはすでに死んで、彼を囲んだ支持者らが嘆き悲しむ様子を描いている。フランスの画家ジャック＝フィリップ＝ジョセフ・ド・サン＝カンタンも同様の主題で作品を描いている。この作品は1738年の作で、現在パリ国立高等美術学校に所蔵されている。
Title: イメージの裏切り (The Treachery of Images)
Section: abstract

『イメージの裏切り』（イメージのうらぎり、フランス語: La trahison des images [la tʁaizɔ̃ dez imaʒ]、1928年 - 1929年制作）は、ベルギーのシュルレアリスム画家ルネ・マグリットの油彩画。
Title: イメージの裏切り (The Treachery of Images)
Section: 概要

この絵画作品は、喫煙具のパイプを描いたものである。その下にマグリットは、「Ceci n'est pas une pipe.（これはパイプではない）」とフランス語で書き込んだ。かの有名なパイプ。こいつのおかげでどれだけいろんな連中から非難されてきたことだろうか! でも、私のこのパイプに、タバコを詰めることができるかね? できやしない。これは単なる表現だよ、違うかね?  だから、もし私がこの絵に「これはパイプだ」と書き込んでいたら、私は嘘をついたことになったはずだ!
Title: イメージの裏切り (The Treachery of Images)
Section: コンテクスト

マグリットは、『イメージの裏切り』を30歳の時に描いた。この作品は、現在はロサンゼルス・カウンティ美術館で展示されている。彼の発言は、絵画そのものはパイプではなく、単なるパイプのイメージに過ぎないという意味であると理解されている。つまり、書き込まれているように「これはパイプではない」のだ。パイプが描かれ「これはパイプではない」と書き込まれるという主題は、後に1966年の作品『二つの神秘 (Les Deux Mystères)』へと拡張された。この作品は、しばしば、パラ言語が伝えるメタメッセージの例として取り上げられる。アルフレッド・コージブスキーの「The word is not the thing（言葉はモノではない）」や「The map is not the territory（地図は現地ではない）」とも比較すべきものである。
Title: イメージの裏切り (The Treachery of Images)
Section: 関連文献

Allmer, Patricia. René Magritte: Beyond Painting, Manchester University Press, 2009. ISBN 0-7190-7928-4.Foucault, Michel (1983). This is not a pipe. Berkeley: University of California Press. ISBN 0520049160
Title: アイルワースのモナ・リザ (Isleworth Mona Lisa)
Section: abstract

『アイルワースのモナ・リザ』（英語: Isleworth Mona Lisa）は、盛期ルネサンスのイタリアの巨匠レオナルド・ダ・ヴィンチが描いたもう一枚の『モナ・リザ』とされる絵画である。16世紀の作品であるルーブル美術館の『モナ・リザ』よりもモデルが若いことが特徴で構図もほぼ同じであり、真贋が議論されている。Isleworth は /ˈaɪzəlwɜːθ/ or /ˈaɪzəlwəθ/ としか発音しないので、 アイルワース は誤り。 アイズルワースが適切。
Title: アイルワースのモナ・リザ (Isleworth Mona Lisa)
Section: 来歴

1913年にアートコレクターのヒュー・ブレイカーがサマセットの貴族の家からこの絵を発見し、ロンドンのアイルワースにあるアトリエに運び込んだ。この絵画は第一次世界大戦中に安全な保管場所を求めてアメリカへ渡り、戦後になってからイタリアで調査が行われた。1960年代にアメリカ人のヘンリー・ピューリツァーが購入し、絵画をスイスの金庫に保管するとともに、『モナ・リザはどこにいる？』というタイトルの本を自分の会社であるピューリッツァー・プレスから出版し、この絵画こそレオナルドが描いたリザ・デル・ジョコンドの肖像画だという説を唱えた。ピューリツァーの死後も絵画はしばらくの間金庫におさめられたままだったが、2008年に匿名の財団が購入している。
Title: アイルワースのモナ・リザ (Isleworth Mona Lisa)
Section: 真贋

『岩窟の聖母』同様、レオナルドが2枚の『モナ・リザ』を描いたという説は16世紀から語られていた。ピューリツァーをふくめこの絵をレオナルドの作とする人間が依拠しているのは伝記作家ジョルジョ・ヴァザーリである。彼はレオナルドが1503年に『モナ・リザ』を描き始め、未完成のままに終わったと書いていたのである。さらに同時代の画家ラファエロ・サンティが『モナ・リザ』を素描しており、それにはルーブル美術館版の『モナ・リザ』にはない円柱が描き込まれていたことも真作説を補強する材料となった。アイルワース版に描かれた女性は、ルーブル美術館の『モナ・リザ』よりも10歳ほど若くみえる。作品としてはルーブルのものよりやや大きく、色も鮮やかである。姿勢や顔つきなどはよく似ているが、背景は異なり、これまでの真作説をなぞるように未完成な部分を残し、両側に円柱も描かれている。美術史家のデビッド・フェルドマンによれば、「非常に初歩的な数学的分析」の結果、「〔腰かける二人のあらゆる要素が〕正確に同じ位置にある」こともわかったという。このフェルドマンもメンバーであるスイスのチューリッヒに本拠を置くNPOモナ・リザ財団は、35年以上にわたる調査をもとに「あらゆる角度から」この絵画が『モナ・リザ』の初期バージョンであると結論づけた。一方、オックスフォード大学の教授マーティン・ケンプは―直接この絵画を鑑賞したことはないことを認めつつ―模写であると主張している。彼によれば『アイルワースのモナ・リザ』は、女性のヴェールや髪の毛のほか、衣服をおおう透明な層、手の組み方といったオリジナルの繊細なディテールを写し損ねており、また模作にありがちなことだが背景の大気と女性の表情にもとらえどころのない深みが欠けていること、さらにレオナルドが好んだ木板ではなくカンバスに描かれていることなども真作であることを疑わせるとしている。またケンプは赤外線リフレクトグラフィーとX線による検査もこの絵画の作者がレオナルドではないことを示していると述べており、『モナ・リザ』が若くみえるのもあくまで模倣者がそのように描いたからではないかと語っている。なお、ルーブル美術館はアイルワース版に関し、コメントを拒否している。
Title: アイルワースのモナ・リザ (Isleworth Mona Lisa)
Section: 関連文献

Pulitzer, Henry E. (1966 or 1967). Where is the Mona Lisa?. London: Pulitzer  The book lacks both a copyright date and an ISBN.Wilson, Colin and Wilson, Damon (2000). The Mammoth Encyclopedia of the Unsolved. New York: Carroll & Graf. pp. 364–366. ISBN 0-7867-0793-3 Vasari, Giorgio (1998). The Lives of the Artists. Oxford: Oxford University Press. ISBN 0-19-283410-X
Title: 受胎告知 (Annunciation (Leonardo))
Section: abstract

受胎告知（じゅたいこくち、英: Annunciation）とは、キリスト教の聖典である『新約聖書』に書かれているエピソードの1つ。聖告（せいこく）、処女聖マリアのお告げ、生神女福音（しょうしんじょふくいん）とも言う。一般に、処女マリアに天使のガブリエルが降り、マリアが聖霊によってキリストを妊娠したことを告げ、またマリアがそれを受け入れることを告げる出来事である。マリア崇敬の思想を背景として、キリスト教文化圏の芸術作品の中で繰り返し用いられるモチーフでもある。 これを記念する祭日は東方に始まり、中世に西方につたわった。現在もカトリック教会などでは3月25日、東方教会では4月7日を祭日としている。カトリック教会では「神のお告げ（の祭日）」と呼ぶ。正教会では「生神女福音祭」とし、十二大祭のひとつである。
Title: 受胎告知 (Annunciation (Leonardo))
Section: 福音書における記述

受胎告知が記述されているのは「マタイによる福音書」と「ルカによる福音書」だが、それぞれ詳細が異なる。「マタイによる福音書」では（1:18-25）、ナザレではない地（2:22-23、おそらくベツレヘム）で、ヨセフの夢に天使が現れる。マリアに関しては、天使による告知の記述はなく、聖霊による受胎をすでに知っていたことのみ書かれている。一方、「ルカによる福音書」（1:26-38）では、ナザレにて天使ガブリエルがマリアの前に現れて受胎を告げる。ヨセフの方に対する言及はない。
Title: 受胎告知 (Annunciation (Leonardo))
Section: 旧約聖書における受胎告知

マタイ作者によれば、『新約聖書』における受胎告知は『旧約聖書』中の「イザヤ書」（7:14）の預言に基づいている。だが、イザヤの預言はアハズ王に与えられたものであり、イエスの誕生と関係がなく、ましてや処女懐胎を意味しない。『旧約聖書』中に神が子を授ける例はたびたび見られる。受胎告知らしきものは、不妊であったマノアの妻がサムソンを授かる旨を天使が告げる「士師記」（13:3-5）などがある。
Title: 受胎告知 (Annunciation (Leonardo))
Section: 美術

絵画では、この場面でのマリアは読書の最中であることが多いが、糸を紡いでいることもある。傍らには白い百合（純潔の象徴）が置かれているが、天使が百合を携えている場合もある。2人の上には天上からの光や聖霊の鳩が描かれることが多く、これによって「聖霊によって身ごもる」ことを示している。中世の作品としては、ランス大聖堂の彫像や、シモーネ・マルティーニの祭壇画が名高い。ルネサンスでは天上と地上の邂逅という如何にもルネサンス的な性格が好まれ、最も人気のある主題の1つとなった。サン・マルコ修道院にフラ・アンジェリコが描いた壁画、レオナルド・ダ・ヴィンチによる絵画などが傑作として知られる。またエル・グレコは受胎告知のモチーフを好んで描き、多数の作品を残した（詳細は受胎告知 (エル・グレコ)を参照されたし）。正教会においてはイコノスタシスの門にこの場面を描く決まりがあり、作例が多い。ただし構図上、左右の扉に天使とマリヤを分けて配するため、鳩など聖霊を現す象徴は省略されることが多い。またこれとは別に、1枚のイコンにこの場面を描いたものもある。一枚絵の場合は、マリアが室内にいることを示す家が背景に描かれ、また神・父を象徴する丸い光が中央上端、天空に描かれる。そこから聖霊を示す光が差している場合も多い。
Title: 自画像 (Portrait of a Man in Red Chalk)
Section: abstract

自画像（じがぞう、self-portrait、セルフ・ポートレイト）は、作者自らを対象とした肖像である。普通は油彩画やドローイング、似顔絵などの絵画の形式であることが多いが、中には自らを刻んだ彫刻、自らを写した写真など他の手法が使われることもある。また小説やルポルタージュなどの中で、自らのことを書いた作品（たとえば自伝など）や自らの属する集団を描いた作品に「自画像」と題されることがある。
Title: 自画像 (Portrait of a Man in Red Chalk)
Section: 概説

肖像画は古くより存在したが、神仏や社会に仕える存在だった画家が自らの姿を描くようになったのはそう古いことではない。古代ギリシアの彫刻家ペイディアスはアテナ像の持つ盾の模様に自身の姿を紛れ込ませた際、不敬罪に問われたとされる。西洋ではルネサンス期以降、画家や彫刻家は宗教画の群集の一部に自らを紛れ込ませたり、人物画のモデルとして扮装した自分自身を使うなどおずおずと自分自身を描くようになったが、それ以後の16世紀から17世紀にかけて、自画像は公然となり美術の重要なジャンルとなった。自らの姿を宗教画にまぎれさせていたころ、自画像を隅に描く目的は画家自らの謙虚さを表すことだったが、後には自らの姿をさらすことへの恥じらい、あるいは画家の虚栄心や自己愛や地位誇示の反映となった。自画像が盛んになると、自分の客観視を通じた自己探求、あるいは自分の理想化、自己の内面や存在の表現などが目的となっていった。自画像といえば自分自身のみを大きく描いたものが連想されるが、芸術家は自らの姿を集団の肖像の中にまぎれさせることもある（ディエゴ・ベラスケスの『ラス・メニーナス』など）。また他人に扮した自らを描いたり写したりする者もおり、古くはカラヴァッジオが『病めるバッカス』など自らがモデルとなった絵画を描いた。こうした変装自画像は、モデル代を払う必要のない安上がりな手段として使われた事情もあったが、20世紀にはシンディ・シャーマンや森村泰昌がこの手法で自らを映画や絵画の人物に仕立てている。また神経を病む画家が残した自画像は、後の美術史家や精神病研究者が画家の精神状態を分析したり、精神病患者の病状を分析するために使われることもある。
Title: 自画像 (Portrait of a Man in Red Chalk)
Section: 自画像の分類

美術評論家ガリーナ・ヴァシリイェヴァ＝シリャーピナ（Galina Vasilyeva-Shlyapina）は自画像を大きく二つに分類している。プロフェッショナルな自画像：作品の中に自分の姿かたちを描写したもの。（職人の仕事）パーソナルな自画像：画家自身の精神や心理まで露わにしようというもの。（作家の仕事）さらに次のような細分化も行っている。挿入型自画像：歴史画や宗教画などの主題に関係した人物たちの中に、画家自身の肖像も隠れているもの。参列肖像画。権威型・象徴型自画像：画家自身が歴史的英雄や宗教的人物に扮したもの。変装自画像の一種。集団肖像画：家族や集団の肖像の中に画家自身も参加しているもの。個人型自画像：画家が一人だけで描かれているもの。
Title: 自画像 (Portrait of a Man in Red Chalk)
Section: 自画像の歴史
Subsection: 古代

芸術作品における芸術家自身の姿は、古代エジプトの壁画や、古代ギリシアのアンフォラ（壷）の絵柄などに現れる。特定の芸術家の自画像に関する最初期の言及は、古代ギリシアの哲学者で伝記作家のプルタルコスの書物に見られる。彫刻家ペイディアスは、パルテノン神殿に収められる女神アテナの巨像を制作したが、アテナの持つ盾に描かれた「アマゾン族との戦い」の中に自分自身に似た人物を彫ってしまったという。「アマゾン族とギリシャ人との戦い」のモチーフはアテナ神像のほか、神殿西壁にも浮き彫りにされていた。
Title: ディアナとカリスト (Diana and Callisto)
Section: abstract

ディアナとカリスト（英: Diana and Callisto）ディアナとカリスト (ティツィアーノ) - 盛期ルネサンスのヴェネツィア派の巨匠ティツィアーノ・ヴェチェッリオの作品。ディアナとカリスト (ルーベンス) - バロック期のフランドルの巨匠ピーテル・パウル・ルーベンスの絵画。ディアナとカリスト (ブリル) - バロック期のフランドルの巨匠パウル・ブリルの絵画（en）。ディアナとカリスト (ターナー) - ロマン主義期のイギリスの巨匠ジョゼフ・マロード・ウィリアム・ターナーの絵画（en）。
Title: サルダナパールの死 (The Death of Sardanapalus)
Section: abstract

『サルダナパールの死』（仏: La Mort de Sardanapale）はカンバス地に描かれた油絵（392 x 496 cm ）。1827年にウジェーヌ・ドラクロワが描いた。現在はパリのルーブル美術館の所蔵である。アッシリア王サルダナパール（en）の最期を描いた歴史画である。ベッドの上に裸の女性が横たわり、無表情なサルダナパールに命乞いをしている。サルダナパールは、自身の世俗の財産が破壊されるのを眺めている。サルダナパールは軍の敗北に際し、財産を破壊し愛妾を殺害するよう命じ、自身で火をつけたのである。『サルダナパールの死』は、バイロン作の戯曲『サルダナパール』に基づいており、ロマン主義の作品に分類される。この絵は、豊かで鮮明な、暖かい色彩により、さまざまなタッチで描かれている。
Title: 乾草の車 (The Hay Wain)
Section: abstract

『乾草の車』（ほしくさのくるま、The Hay Wain）は、イギリスの風景画家ジョン・コンスタブルが1821年に完成させた風景画である。イングランドのサフォーク州とエセックス州の間を流れるスタウア川の田園風景を描いている。当初のタイトルは『風景:真昼』(Landscape: Noon)だった。ロンドンのナショナル・ギャラリーに展示されており、「コンスタブルの最も有名な作品」「最も偉大で人気のあるイギリス絵画」の一つとされている。
Title: 乾草の車 (The Hay Wain)
Section: 概要

キャンバスに油彩で描かれたこの作品は、木製の乾草車が3頭の馬に牽かれて川を渡る様子が中心に描かれている。左端にはウィリー・ロットのコテージが描かれており、これはコンスタブルの絵画『ウィリー・ロットのコテージ』の主題となっている。舞台は、サフォーク州のフラットフォード製粉所の付近である。スタウア川は2つの州の境界を形成しているため、左岸はサフォーク州、右岸はエセックス州になる。『乾草の車』は、毎年夏にロイヤル・アカデミーで開催される展覧会のためにコンスタブルが描いた、横幅6フィート（約1.8メートル）の大型キャンバスに描かれた「6フィート画」(six-footers)と呼ばれるシリーズの一つである。このシリーズの他の作品と同様に、コンスタブルはこの作品のために実物大の油彩スケッチを描いており、このスケッチは現在、ロンドンのヴィクトリア&アルバート博物館に所蔵されている。コンスタブルは当初、完成した作品を『風景:真昼』(Landscape: Noon)というタイトルで展示していた。これは、コンスタブルがこの作品を、自然のサイクルを表現する古典的な風景画の伝統に属するものと考えていたことを示している。絵の大きさは130.2 cm × 185.4 cm (51+1⁄4 in × 73 in)である。
Title: 乾草の車 (The Hay Wain)
Section: 歴史

フラットフォード製粉所はコンスタブルの父親が所有していた。絵の左側の家は、近所の小作農ウィリー・ロットのもので、ロットはこの家で生まれ、生涯で4日以上離れたことがないと言われている。ウィリー・ロットのコテージはほとんど手を加えられずに現存しているが、この絵に描かれている木はどれも現存していない。『乾草の車』は、今日ではイギリス絵画の最高傑作の一つとされているが、1821年のロイヤル・アカデミーの展覧会に『風景:真昼』のタイトルで出品された際には買い手がつかなかった。一方、フランスでの評価はかなり高く、テオドール・ジェリコーが絶賛した。この絵は、1824年のサロン・ド・パリでコンスタブルの他の作品とともに展示され、センセーションを巻き起こした（コンスタブルの絵が展示されたのは、その年の初めに亡くなったジェリコーへのオマージュだったとも言われている）。この展覧会では、『乾草の車』がフランス国王シャルル10世から金メダルを授与された。コンスタブルの作品は、ドラクロワをはじめとする新世代のフランス人画家たちに影響を与えた。この展覧会で、『乾草の車』は他の3つのコンスタブルの作品とともに画商のジョン・アローズスミスに売却され、別の画商D・T・ホワイトによってイギリスに持ち帰られた後、ワイト島のライドに住むヤングという人物に売却された。ヤングの家で、この絵はコレクターのヘンリー・ヴォーンや画家のチャールズ・ロバート・レスリーの目に留まった。ヤングが亡くなると、その友人だったヴォーンはこの絵を買い取り、1886年にロンドンのナショナル・ギャラリーに寄贈し、現在もそこで展示されている。なお、ヴォーンは遺言により、パレットナイフで描かれた『乾草の車』の原寸大の油彩スケッチをサウス・ケンジントン博物館（現ヴィクトリア&アルバート博物館）に遺贈している。『乾草の車』は、BBCラジオ4の番組『トゥデイ』が2005年に行った投票において、イギリス国内にある絵画の中で、ターナーの『戦艦テメレール号』(The Fighting Temeraire)に次いで2番目に人気のある絵画に選ばれた。2013年6月28日、ファーザーズ・フォー・ジャスティス(Fathers 4 Justice)の関係者とされる人物が、ナショナル・ギャラリーで展示されていたこの絵画に少年の写真を貼り付けた。しかし、作品に恒久的な損傷はなかった。馬車が浅瀬に立ち寄ったのは、川の水で馬の足と車輪を冷やすためだったと考えられている。乾燥した暑さの中では、木製の車輪は金属のリムから離れて縮んでしまう。車輪を濡らすことで収縮が抑えられ、外側の金属の輪が固定される。
Title: 接吻 (The Kiss (Klimt))
Section: abstract

接吻（せっぷん）あるいは口付け（英語: kiss/osculation、キス / キッス）とは、唇を相手の頬・唇、手などに接触させ、親愛・友愛・愛情などを示すこと。俗に、チュウとも言う（大辞泉、大辞林、日本国語大辞典）。挨拶あるいは儀礼として公然とキスのみ単独で行われる場合もあれば、ひそかに性行為(性交)の一部として行われる場合もある。
Title: 接吻 (The Kiss (Klimt))
Section: 西欧・東欧・中東などにおける接吻

ロシア人など東スラブ系の人々や、フィンランド人など北方のフィン・ウゴル系の人々は男性同士でも親愛の情を示すために互いに相手の頬にキスをし、時には唇同士でキスをする。西スラブ系（ポーランド人など）、ラテン系、ゲルマン系の人々には、隣接する文化圏でありながら感覚として受け入れ難いという。ラテン系の人々は恋人たちであれば、特に音を立ててキスするなど、様々なバリエーションがある。
Title: 接吻 (The Kiss (Klimt))
Section: 西欧・東欧・中東などにおける接吻
Subsection: 手の甲へのキス

挨拶として、唇を相手の手の甲にキスをすること。かつて王に対して臣下が、貴婦人（年齢不問）に対して騎士が、教皇に対して人々が、一般にこうした挨拶をしていた。現在でも身分の高い女性などを喜ばせるために、こうした挨拶を敢えてする男性もいる。
Title: 接吻 (The Kiss (Klimt))
Section: 西欧・東欧・中東などにおける接吻
Subsection: 頬へのキス

唇を相手の頬につけるキス。挨拶で頻繁に用いられ、人々によって日常的に最も頻繁にされているキスである。愛情を示すためにも頻繁に行われている。また、相手の頬に直接つけないキス「投げキッス」などもある。唇をつけるかわりに、頬と頬を触れさせ疑似的に「チュッ」（英：smack）という音を発して済ますことも多い。これは口紅を塗った女性が相手に唇を接すると、相手に口紅が付着することを避けるという目的もある。
Title: 接吻 (The Kiss (Klimt))
Section: 西欧・東欧・中東などにおける接吻
Subsection: 唇へのキス

ソフト・キス（ライト・キス、ブリーフ・キスとも）唇で相手の唇に触れる。フランスでは、家族間・夫婦間・恋人間などで（母-息子などの親子間でも）日常的に非常に頻繁に（挨拶として、たとえば「いってきます」「おかえりなさい」「おやすみ」などの時も）唇への軽くて短いキスがなされる。いわゆるソフト・キス（ライト・キス）である。世界各地で、恋人や夫婦間など、唇へのキスは広く行われている。ディープ・キスディープ・キス（deep kissあるいはfrench kiss）は、唇を触れ合うだけでなく、互いに自分の舌を相手の口腔内に挿入し舌を絡め合うものである。英語の「french kiss」という呼称は、（欧州内ではフランス人、イギリス人、ドイツ人、オランダ人など、互いのことを揶揄し合ってきた長い歴史があるわけであるが）イギリスから見て「フランス式のオープンな（＝はしたない）」と揶揄してつけられた。日本では「フレンチ・キスはライト・キスのことだ」とする誤解があるが、これは日本とその他の国との間の、フランスに対するイメージの相違に由来するという説もある。
Title: 接吻 (The Kiss (Klimt))
Section: 西欧・東欧・中東などにおける接吻
Subsection: 腹部へのキス

妊婦の夫や子供は、妊娠して大きくなった腹部にキスをして胎児に愛情を注ぐことがある。
Title: 接吻 (The Kiss (Klimt))
Section: 東洋における接吻
Subsection: 日本

「キス」という言葉が入ってきたのは明治以降であり、それが「接吻」と和訳されたのが明治20年（1887年）の頃（訳語そのものは文化13年（1816年）の『ズーフ・ハルマ』に遡る）であった。文明開化を迎える以前も以後も、挨拶としてのキスは一般的に成立していない。現代においても、『当事者の意思感情、行動環境等によつて、それが一般の風俗道徳的感情に反するような場合』、即ちプライベートで関わりのない者が職場等での立場を利用して行為を強要したり、見ず知らずの初対面の人間がいきなりキスをしたりすれば、日本の法制や判例では強制わいせつ罪に問われる可能性がある（東京高判昭和32年1月22日高刑集10巻1号10頁）。ただし、性行為としてのキスは、昔からあった。文献に残る以前の太古の時代からキスはあったと推定されるようだが、はっきりと文献に現れる最も古い例として、『日本紀略』のなかで、昌泰元年（898年）に行われた鷹狩りの打ち上げの宴会の際に、酔った平好風が遊女の「懐を探り、その口を吮う」挙に出たと、紀長谷雄は記録している。その40年後には、紀貫之が『土佐日記』の承平5年（935年）の段に「ただ押鮎の口をのみぞ吸ふ。この吸ふ人々の口を、押鮎もし思ふやうあらむや。（意訳：押鮎に心があったら、人々のキスをどう思うだろうか）」という一節を記している。室町時代にはキスは「口吸い（くちすい）」と呼ばれていた。動詞としては「口吸う」という言葉があった。他に「口口」や、江戸後期には口2つで「呂」などと呼ばれた例もあるが、「口吸う」がもっとも古く、平安時代に遡る。郭言葉では「おさしみ」とも言い、これはそれが2人で刺身を食べる様に似ているからといわれる。九州地方では「あまくち」と言われた伝承があり、『ズーフ・ハルマ』の該当項目に訳語として挙げられている。長らく日本では珍しい行為として扱われ、映画『また逢う日まで』（1950年）では間接キスにもかかわらず大きな話題になったほか、1949年に手塚治虫が子供漫画初のキスシーンを描いたときには抗議が殺到した。時代が下るとともに、テレビや映画、音楽などといった大衆文化、ならびに文学や芸術の分野における取り扱いが増えていくとともに、特に恋人の関係にある者同士での「キス」がとりたてて珍しいものではなくなっていった。20世紀末の日本では、周囲の目を気にすることなく、路上で行う若者も目立つようになっているとする論もあった。
Title: 接吻 (The Kiss (Klimt))
Section: 東洋における接吻
Subsection: 日本

=日本性教育学会では1975年から「青少年の性行動全国調査」を実施しており、統計開始の1975年から第6回の2005年までは、キス経験率の低年齢化が増加の一途を辿っていた。しかし、2000年代後半からの草食系の増加を一例とする若者の性行動不活発化の煽りを受け、その傾向は2005年には頭打ちとなる。最新の2011年第7回調査では、2005年調査と比較して男子6ポイント、女子9ポイントの減少となり1993年時点の水準に低下している。第4回青少年の性行動調査によると、キスした経験は男性で14歳、女性で16歳で50%を越え、キスの経験が男女ともに18歳で50%を越える。
Title: 接吻 (The Kiss (Klimt))
Section: 東洋における接吻
Subsection: 日本

=現代にあっては、舌を用いて行う「ディープ・キス（フレンチキス）」の語も広く知られるようになり、「生まれて初めて他者と交わすキス」を表す「ファースト・キス」という言葉が生まれた。また唇同士の接触（接吻）のみならず、唇を何らかのものに接触させるという行為を一般的に指す「チュウ（ちゅう、チュー）」という、擬音を元にした俗語も生まれ、若者を中心に幅広く用いられるようになった。なお、接吻の擬態語としては江戸時代に既に「ちうちう」という表現を見ることができる。
Title: 接吻 (The Kiss (Klimt))
Section: 動物のキス

キスをするのは、人間だけではない。チンパンジーやボノボもキスをする。
Title: 接吻 (The Kiss (Klimt))
Section: 歴史

カイロのエジプト考古学博物館には、古代エジプト第18王朝のアクエンアテン王（在位：紀元前1350年頃 - ）が娘に接吻する石像が残っている。また、世界遺産セラ・ダ・カピバラ国立公園にある壁画には、性別ははっきりしないもののヒトとヒトがキスをしているように見える壁画があり、先史時代から人類にはキスという概念が存在したことになる。
Title: 接吻 (The Kiss (Klimt))
Section: キスマーク
Subsection: キスと皮下出血

首にキスをして強く吸ったりするとそこに内出血が起きることがあるが、それを医学的には『吸引性皮下出血』という医学用語で呼ぶ。日常用語ではキスマークとも呼ばれる。「この人、首にキスマークがあるということは、さては昨日誰かと"いちゃついて"いたな？」などと推察されることになる。
Title: 接吻 (The Kiss (Klimt))
Section: 事件

2005年、カナダの15歳の少女が、同級生のボーイフレンドの少年とのキスが原因で死亡する事故があった。これは、少女がピーナッツアレルギーであるのを知らずに、少年がその日の朝にトーストにピーナッツバターを塗って食べ、そのままキスをしたことが原因だと判明している。2007年4月19日、イスラエル人の女性がキスで舌を絡ませ、男性の舌を噛み切るという事件があった。山田風太郎の『八犬伝』にも、“舌切り雀”という名で娼婦の殺人術として登場する。毒見中世ヨーロッパでは、貴族の食器、枕やベッドなどの身の回りの品へキスをして毒がないかチェックした。
Title: イカロスの墜落のある風景 (Landscape with the Fall of Icarus)
Section: abstract

『イカロスの墜落のある風景』（イカロスのついらくのあるふうけい, 蘭: Landschap met de val van Icarus, 英: Landscape with the Fall of Icarus）は、長年16世紀のブラバント公国の画家ピーテル・ブリューゲルの手になると考えられてきた絵画作品である。1996年の調査で、作者をブリューゲルとすることは極めて疑わしいとされるようになり、今では、無名の画家が、ブリューゲルのオリジナルを早期に模写した良質な複製画であると考えられている。制作年代は1560年代と思われるが、最近の研究では異説も出ている。オウィディウスの『変身物語』に主題の多くをよせたこの作品は、ウィリアム・カーロス・ウィリアムズによる同名の詩のテーマともなり、作品が収められているブリュッセルのベルギー王立美術館から名前をとったW・H・オーデンの有名な詩「美術館」でも、この絵のことが言及されている。『イカロスの墜落』とも呼ばれる。
Title: イカロスの墜落のある風景 (Landscape with the Fall of Icarus)
Section: 構成

ギリシア神話では、イカロスは、父ダイダロスが蝋で固めた羽根で作った翼で、空を飛ぶことに成功した。しかし、父の忠告を忘れ太陽に近づきすぎて蝋を溶かし、海に墜落して溺れてしまう。この絵でいえば、ちょうど船べりの水面にイカロスの足を見ることができる。空のはるか向こうでは太陽が水平線に沈み始めており、イカロスが太陽にまだまだ近づけなかったことを示している。描かれた農夫、羊飼い、釣り人について、この伝承を取りあげたオウィディウスは、「驚きに打たれ、神々が天空を貫いて自分たちに近づいてくるのを見ている」と説明しているが、必ずしもこの作品からそのように読み取れるわけではない。むしろ、船から離れたところで空を見つめている羊飼いについては、後述のヴァン・ブレン版を見ると説明ができると思われる。すなわち、オリジナル作品では、おそらく羊飼いが見ている左手の空に、ダイダロスの姿もあったと考えられる。また、フランドル地方のことわざ（ブリューゲルは、他の作品でフランドルのことわざを表現した絵を描いている。）に、「それでも農夫は耕し続けた」という言葉があり、苦しんでいる者への人々の無関心を表していると解釈できる。オーデンの詩も指摘しているが、この絵は、イカロスの死には見向きもされず、日々の暮らしが営々として続いている場面を描くことにより、他人の苦難への人間の無関心を描こうとしているのかもしれない。遠景の小さな人物によって主題を表現するという世界風景画は、ヨアヒム・パティニールを嚆矢とする初期フランドル派で既に確立された手法ではあったが、関係のない風俗画的な人物を、前景に大きく描くというのは、独創的なものであった。絵画のジャンルにヒエラルキーを設けるという当時の風潮に対するアンチテーゼであったともいえる。ブリューゲルの他の風景画、例えば『雪中の狩人』（Jagers in de sneeuw, 1565年）を含む四季の作品では、風俗画的人物が前景に取り上げられているものの、絵のサイズと比べて、あるいは後景の「高級な」風景画と比べて、それほど大きく描かれているわけではない。
Title: イカロスの墜落のある風景 (Landscape with the Fall of Icarus)
Section: 帰属

この作品は、おそらく、失われたブリューゲルによるオリジナル作品の翻案であり、1560年代かその直後の作品である。ブリューゲルの他のキャンバス作品がテンペラで描かれているのに対し、この作品は油彩である。『イカロスの墜落のある風景』は、ベルギー王立美術館が1912年に購入するまで、世に知られていなかった。その後、パネルに描かれた別のヴァージョン（一般に劣っていると考えられている）が発見され、1953年にダニエル・ヴァン・ブレンが入手して私邸に置いた。これが今日ブリュッセルのヴァン・ブレン美術館となっている。こちらの版では、左と右の端は構図から切り取られており、イカロスは水面に墜ちているが、ダイダロスはまだ空中を飛んでいる。羊飼いは、まっすぐにダイダロスを見つめている。このことが、ベルギー王立美術館版の構図の説明となっていることは前述のとおりである。オリジナル作品は、知られる限りでは唯一ブリューゲルが神話的主題を描いたものである。船と人物との遠近感は、完全には整合していないが、そのことがかえって構図に力を与えているともいえる。ブリューゲルは、船と墜落する2人の人物を描いた版画のための下絵も制作している。1912年にベルギー王立美術館が本作品を購入してから、その真贋について専門家の間で意見が分かれていた。偽作を疑う理由は主に2点で、(1)過度な上塗りのため質が低い、(2)ブリューゲルの油彩作品は全てパネルであるのに、本作品だけはキャンバスの油彩である、ということである。1963年、同美術館のキュレーターであるフィリップ・ロバーツ＝ジョーンズと、ブリューゲルの専門家Geroges Marlierは、オリジナルのパネル画が、当時よく行われていたように、後にキャンバスに写されたのだという仮説を立てた。1998年、ベルギー王立文化財機構とユトレヒト大学の科学者の混成チームが、キャンバスの放射性炭素年代測定によって真贋問題を解決しようとした。その結論は、ブリューゲル自身がこのキャンバスに絵具を置いたとは考えられないというものであった。これに対し、2006年、J. Reisse教授は、技術的問題により、この測定結果は意味がないとの論文を発表した。1973年に絵の右端から採取された青い絵具の試料について、走査型電子顕微鏡 (SEM)、エネルギー分散型X線分析 (EDX) を光学顕微鏡と併用した再検査が行われた。その結果、絵の基底から表面に向かって、次のような層があることが分かった。キャンバス油性鉛白（接着剤）藍銅鉱（アズライト）を含む厚い油性層チョークの下地わずかに木炭を含む油性鉛白藍銅鉱を含む青色の油絵具オリジナルの青絵具の下にチョークの下地があることから、この作品がキャンバスの上に移し替えられたパネル作品であるとされる。オリジナルの青色層は、黄土と木炭の粒子を含む鉛白と藍銅鉱であり、ブリューゲルのものであることが確実な他のパネル作品と完全に一致する。さらに、木炭の粒子が非常に長く針状に尖っている点は特徴的なものであり、同じ美術館に収蔵される『ベツレヘムの人口調査』（Volkstelling te Bethlehem）の絵具と完全に一致する。最近、赤外線映像法を用いた下絵の分析結果が公表された。この方法は、赤外線が黒を除く全ての色を貫通するという性質に基づいている。これにより、ほとんど黒色で行われている下絵を浮かび上がらせることができる。映像の解釈は主観的にならざるを得ない部分もあるが、概ね、本作品の下絵は他の確実なブリューゲル作品と比べ大きく異ならないといえる。下絵は、要素を大まかに配置する程度にとどまっている。これは、白地に塗られた絵具が詳細な描画を覆い隠してしまったためかもしれない。この赤外線画像と他の分析結果を併せて導かれる結論は次のようなものである。すなわち、ベルギー王立美術館の『イカロスの墜落のある風景』は、パネルに油彩の作品が、キャンバスに移し替えられたというものである。絵具層も、またおそらく下絵部分も、この時の移し替えによって激しく損傷している。さらに、2回の修復作業も損傷を拡大しており、過度な上塗りの原因となっている。それでも、絵具の構成はブリューゲルの大きなパネル作品に見られる技法と完全に一致することから、模倣者の手で描かれたものとは考え難い（子ピーテル・ブリューゲルの可能性はある）。他方、ヴァン・ブレン版は、技法が異なっており、父ブリューゲルまたは子ブリューゲルのいずれのものとも考えられない。
Title: イカロスの墜落のある風景 (Landscape with the Fall of Icarus)
Section: 関連文献

森洋子「失われたブリューゲル:ベルギー王立美術館所蔵≪イカロスの墜落≫の真筆性の問題と寓意的な意味」『明治大学教養論集』第420巻、明治大学教養論集刊行会、2007年3月、83-155頁、ISSN 03896005、NAID 120001441377。 Kilinski II, Karl (2004). “Bruegel on Icarus. Inversions of the Fall”. Zeitschrift für Kunstgeschichte 67 (1):  83–155.
Title: キリストの捕縛 (The Taking of Christ (Caravaggio))
Section: abstract

キリストの捕縛（キリストのほばく）は、救世主イエス・キリストが十字架にかけられるために逮捕されたことである。
Title: キリストの捕縛 (The Taking of Christ (Caravaggio))
Section: 経緯

自分が捕らえられて十字架にかけられることを知っていたイエスは、ゲツセマネの園で祈っていた。三度祈って確信を得たイエスは自ら捕らえられるために進んでいった。その時、イエスを捕らえるために祭司長と長老たちと神殿の番兵（神殿警察）とさらに、ローマ兵も加わっていた。彼らは、イエスを逮捕するために裏切ったイスカリオテのユダの先導によって集団で訪れた。暗い中でもイエスを捕縛できるように、口付けをするという合図が決められていた。先にイエスが「だれを捜すのか」と尋ねたが、「ナザレ人イエスを」と彼らは答えた。それに対して、「それは、わたしです」と答えた。この言葉を聞いて彼らは後ずさりして、地に倒れた。ユダが集団の中から出て、イエスに元に行き、挨拶して合図の口付けをした。そのユダに「友よ何のために来たのか」と尋ねた（マタイによる福音書26章50節）。イエスの弟子の一人が、剣を抜いて大祭司のしもべを切りつけて、耳を切り落とした。それを、イエスは制して、剣を収めさせた。そして、耳を切り落とされたしもべをいやされた。イエスが語っている間に、弟子たちは逃げ出した。そして、イエスは自らを明け渡して、裁判を受けるために、連行されていった。
Title: シカゴ・ピカソ (Chicago Picasso)
Section: abstract

シカゴ・ピカソ （英：Chicago Picasso） は、アメリカ合衆国イリノイ州の大都市シカゴにある野外彫刻。パブロ・ピカソの無題の作品だが、「シカゴ・ピカソ」、または、単に「ピカソ」と呼ばれている。
Title: シカゴ・ピカソ (Chicago Picasso)
Section: 概要

シカゴ・ピカソは、シカゴの中心部ループ地区にあるパブロ・ピカソの彫刻である。1967年8月15日公開。リチャード・J・デイリー・センター（公開当時の名称はシカゴ・シビック・センター）南側の広場に立地している 。巨大な彫刻で、高さ15.2メートル、重さ162トンに達する 。
Title: シカゴ・ピカソ (Chicago Picasso)
Section: 所在地及び交通手段

所在地：シカゴ市 ウエスト・ワシントン・ストリート50番地 （50 West Washington Street Chicago, Illinois 60602 ） の リチャード・J・デイリー・センター （Richard J. Daley Center ）前 （北緯41度53分01秒 西経87度37分48秒）。地下鉄シカゴ・Lレッド・ライン及びブルー・ラインのワシントン駅下車、西へ徒歩。
Title: サビニの女たち (The Intervention of the Sabine Women)
Section: abstract

『サビニの女たち』（仏:  Les Sabines、『サビニの女たちの仲裁』とも）は、フランス、新古典主義の画家ジャック＝ルイ・ダヴィッドが1799年に描いた油彩絵画で、古代ローマ創世時のサビニの女たちの略奪という伝説的エピソードを題材としている。ダヴィッドがこの作品の構想を練り始めたのは、1795年彼がリュクサンブール宮殿に収監されている時だった。フランスは、恐怖政治とテルミドールのクーデターに至る内戦を経た末に、他のヨーロッパ諸国と交戦中で、この時期ダヴィッドは、ロベスピエールを支持したため収監されていた。ダヴィッドは、サビニの女たちを主題にするか、ホメーロスがギリシア人に詩句を暗唱している場面にするかで迷っていた。最終的に彼は、サビニの女たちがローマ人とサビニ人の間に割って入る場面を選び、ニコラ・プッサンの『サビニの女たちの略奪』の「その後」を描写することにした。1796年、別居中の妻が刑務所に彼を訪ねた後、ダヴィッドは絵の作成に取りかかった。彼は妻に敬意を表するため、愛は対立に勝るという主題を物語るという着想を得た。フランス革命で血が流された後に、人々が和解するという願いを読み取ることもできる。彼はその実現に4年を要した。この作品は、サビニ王ティトゥス・タティウスの娘でロームルスの妻にされたヘルシリアが、乳飲み子を連れて夫と父の間に割り入る場面を描いている。強健なロームルスは、後退しかけたタティウスを槍で突こうとするが、躊躇している。背景に露出しているのはタルペーイアの岩で、反逆罪にはこの岩から投げ落とすのが処罰だったことから、内戦に関連している。伝説によれば、タティウスがローマを攻撃した時、カピトリヌスの丘の砦の長官スプリウウス・タルペーイアの娘でウェスタの処女のタルペーイアが裏切ったため、あと少しでローマは占領されるところだったという。タルペーイアは「サビニ人が腕に着けているもの」の見返りに都市の扉をサビニ人に開いた。彼女は金の腕輪を得るつもりだった。代わりにサビニ人は、自分たちの腕に着けた盾で彼女を圧殺し、岩から投げ落とした。これにより岩は、タルペーイアの名で呼ばれるようになった。1799年、ダヴィッドは『サビニの女たち』をルーヴル宮殿で展示した。1805年までに大勢の訪問客が、代価を払ってこの絵を鑑賞した。ダヴィッドを含めた画家たちがルーヴル宮から追放された後、作品はクリュニーの古い教会に納められていた。ダヴィッドはこの教会をアトリエとして使っていた。1819年、彼は『サビニの女たち』と『テルモピュライのレオニダス』を王立博物館に10,000フランで売却した。1977年初頭、フランスはダヴィッドの描いたヘルシリアの顔を描いた普通切手のシリーズを発行した。
Title: ラ・フォルナリーナ (La Fornarina)
Section: abstract

『ラ・フォルナリーナ』（伊: La fornarina）は、1518年から1519年の間に制作されたイタリアの盛期ルネサンスの巨匠、ラファエロによる絵画である。ローマにあるバルベリーニ宮殿の国立古典絵画館に所蔵されている。本作は1520年の画家の死後、アトリエに残され、助手のジュリオ・ロマーノによって修正されて売却された可能性がある。モデルの女性は伝統的に、ラファエロのローマ出身の恋人であるフォルナリーナ（パン屋の娘）のマルゲリータ・ルーティと同一視されているが、このことは懐疑的に見られている。本作はまた、特定の女性の肖像ではなく、ラファエロの「美人画」の解釈であると同時に遊女の描写であると主張することも可能である。さらに、モデルが誰であるかについての別の解釈によると、人物は魔女として見なされている。
Title: ラ・フォルナリーナ (La Fornarina)
Section: 概要
Subsection: 絵画の概要

絵画は、下腹部を隠すために薄いベールを纏った裸体の女性を描いており、左胸を半分覆っているのが見られる。彼女は黒髪に青と黄色のターバンを被っており、厚い赤い布が脚と股間を覆っている。滑らかな肌、完璧な身体のプロポーション、そして微かにピンク色の頬を持ち、人物は健康的に見える。目は左を向いており、彼女は愉し気な微笑みを浮かべている。フォルナリーナはまた、画家の署名である「Raphael Vrbinas (ラファエル・ウルビヌス)」が記された腕章を身に着けている。
Title: ラ・フォルナリーナ (La Fornarina)
Section: 概要
Subsection: 技術的分析

X線分析によると、背景には愛と情熱の女神であるヴィーナスにとって神聖なギンバイカの茂みの代わりに、元来はレオナルド・ダ・ヴィンチ様式の風景があった。女性の左手中指に本来あったが塗りつぶされたルビーの指輪は、ラファエロと女性の間に秘密の結婚があったのではないかという憶測を引き起こした。
Title: ラ・フォルナリーナ (La Fornarina)
Section: 人物の特定
Subsection: 美人画

ジョアナ・ウッズ・マーデンは、本作の主題を美人画であると見る選択をし、作品は理想的な美しさを表現したものであると説明している。この解釈をするなら、鑑賞者は女性がラファエロの恋人ではなく、売春婦、または単に画家の個人的な美の表現であると想定することになる。この解釈では人物は単に裸体の女性（売春婦）、または「裸体の半ヴィーナス像」として見なされる。どちらの解釈を取るにしても美の感覚を暗示していることとなる。女性が無名の裸体の売春婦であるならば、彼女はラファエロの目を捕らえ、その全体の肖像画を制作するようにラファエロを誘発するのに十分なくらい美しかったに違いない。女性が「裸体の半ヴィーナス」であるならば、彼女はこれまでに存在した中で最も美しい女神の表現である。彼女は愛、美、欲望、そして究極的にはセックスの権化である。ルネサンス時代、美は裸体と等しい概念であった。女性が裸体であれば、芸術家、そして最終的には鑑賞者を魅了し、性的に刺激していたのである。本作のモデルは『クニドスのヴィーナス』を彷彿とさせるポーズを取っており、鑑賞者にその裸体を見せて、薄い布の後ろに何が隠れているか想像するように促している。『クニドスのヴィーナス』のポーズは裸体であるヴィーナスの古代の彫刻に触発されているが、その胸と股間は手および薄い布で覆われている。ラファエロはモデルの女性の胸を大きくし、乳首を固そうにし、さらに彼女に誘惑的かつ恥ずかしそうな視線で鑑賞者を見つめさせることで、女性をより危険な存在にしている。