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Title: マルタとマリアの家のキリスト_(ベラスケス) (Christ in the House of Martha and Mary (Velázquez))
Section: 主題

本作は本来、女子修道院の食堂を飾っていたものと思われる。主題は新約聖書のルカによる福音書 (10章38-42) にもとづく。描かれているのはイエス・キリストがマルタとマリアの家を訪れている場面である。画面右側上の開口部にはキリストとその足元にいるマリアの姿が見られる。手前の左側にはキリストをもてなそうと1人で料理をしているマルタがおり、彼女は今、ニンニクをすり鉢で潰しているところである。マルタはキリストに「主よ、わたしの姉妹はわたしだけにもてなしをさせていますが、何ともお思いになりませんか。手伝ってくれるようにおっしゃってください」というが、キリストは「マルタ、マルタ、あなたは多くのことに思い悩み、心を乱している。しかし、必要なことはただひとつだけである。マリアは良い方を選んだ」と答える。前景と、それより簡略に描かれている後景の間のつながりはよくわからない。しかし、ベラスケスが前景のマルタの領域の日常生活の方により多くの配慮をしていることがうかがえる。近年では、アビラのテレサの思想にもとづき、観想を行う以前に活動 (善行) の重要性を強調している、という見方もある。
Title: マルタとマリアの家のキリスト_(ベラスケス) (Christ in the House of Martha and Mary (Velázquez))
Section: 作品

本作はボデゴンと呼ばれる絵画であるが、ボデゴンとは元来、スペイン語で「地下貯蔵庫」や「居酒屋」を意味する「ボデガ」(bodega) という語に由来し、人物と静物を台所や食堂の中に写実主義的に描いた風俗画的作品を意味する。17世紀のスペインでは下層階級の生活への嗜好が物乞いや悪漢の登場するピカレスク小説によって形成されたが、それを反映した新しい絵画であったボデゴンに対しては賛否両論があり、その創始者の１人であったベラスケスは批判にもさらされた。宮廷画家であったビセンテ・カルドゥーチョは、自身の著作『絵画問答』において、ボデゴンの卑俗な同時代性と理想化を拒む現実主義は「低俗で破廉恥極まりない」、「高潔な芸術を卑しい概念にまで堕落させた」とまで述べている。いずれにしても、ベラスケスは画家として独立した初期のセビーリャ時代にボデゴンを描き、そうしたボデゴンは9点が現存している。ベラスケスの最初期のボデゴンはピカレスク小説と主題を共有しているが、より完成度の高い本作のような作品には荘重さが導入されている。本作と同様、働く女性が描かれている聖書主題の作品の先例として16世紀のフランドル絵画のピーテル・アールツェン、ヨアヒム・ブーケラールなどの作品が挙げられる。ベラスケスの作品はそうした絵画 (あるいは、そうした絵画を元にした版画) に触発されているものの、非常に生々しい現実感のある作品となっている。フランドル絵画に見られる、ありえないくらいの溢れるばかりの食物は本作ではごく少数に減らされ、魚と、魚料理用のマヨネーズを作るための卵、ニンニク、トウガラシ、壺に入ったオリーブオイルが右側のテーブルに置かれているだけである。こうしたスペインの現実の日常的食物は日常的な皿、フライパンとともに描かれている。日常の食物と台所の品は、形体や質感を扱うベラスケスの比類ない技術によって、崇高な物へと高められている。土器の壺にかけられた釉薬のこってりとした艶、ピューターのスプーンの丸く突出した面に見える光の反射、紙のように薄いニンニクの皮、乾いて皺が寄ったトウガラシ、鱗のぬるりとした魚、微かな光を反射し、つるつるとした質感のある卵の殻。こうした注意深い描写は見事としかいいようがない。
Title: オートマット (Automat (Hopper))
Section: abstract

オートマットとは、リーダーペーパーのあるフィルムを使うカメラのフィルム装填機構の一つである。
Title: オートマット (Automat (Hopper))
Section: 概要

リーダーペーパーをスプールに巻き込み、カメラの裏蓋を閉めてフィルムがストップするまで巻き上げると自動的に1コマ目がセットされるものをいう。フィルムの装填機構の中では最も進歩した形式である。機械式ではフィルムの厚みの変化を検出してスタート位置を設定する。富士フイルムのフジGA645プロフェッショナルなどフィルム冒頭部分とフィルムの反射率の違いを検知する電子式の製品もある。フランケ＆ハイデッケ（現ローライ）のローライフレックスオートマット（1937年発売）に搭載されたのが最初である。高い機械精度が要求されるためローライフレックスシリーズ以外ではマミヤのマミヤシックスシリーズ最終期やマミヤC3シリーズ、東京光学機械（現トプコン）のプリモフレックスオートマット等技術の高いメーカーの最上位機種にしか採用されなかった。高級品の代名詞となったため、フィルム装填以外の何らかの操作が自動化されていることについてオートマットの名称を付けたカメラもある。
Title: ラ・スキアヴォーナ (La Schiavona)
Section: abstract

『ラ・スキアヴォーナ』（英: La Schiavona、英: La Schivona）、または『女性の肖像』（じょせいのしょうぞう、英: Portrait of a Lady）は、イタリア盛期ルネサンスのヴェネツィア派の巨匠ティツィアーノ・ヴェチェッリオがまだ20代初めであった1510-1512年ごろ、キャンバス上に油彩で制作した絵画である。「ラ・スキアヴォーナ」とはダルマチア (1420-1797年までヴェネツィア共和国の領土) 出身の女性を意味しているが、17世紀に与えられた名称である。作品は、ナショナル・ギャラリー (ロンドン) に所蔵されている。
Title: ラ・スキアヴォーナ (La Schiavona)
Section: モデルの人物

絵画は17世紀初頭まで『ラ・スキアヴォーナ』と呼ばれていた。この名称は本作についての最初の文書である1640年の書簡に始まっているが、おそらく女性の服装と容貌を見て絵画に与えられたものである。実際には、彼女の服装はヴェネツィア共和国に支配されていた地域の富裕な女性の服装に合致しており、貴族階級の人物であったのであろう。女性がカテリーナ・コルナーロであると同定しようとしてきた研究者もいるが、確証のない仮説である。以前、絵画はジョルジョーネに帰属されたが、今日ではティツィアーノの若い時期の傑作であると一致して認められている。ジョルジョーネの変調された甘美さはなく、それが拍動を感じさせる生気に取って代わられているのも、さらなる証拠となっている。1511年のパドヴァにあるティツィアーノのフレスコ画『新生児の奇蹟』 (スクオーラ・デル・サント、パドヴァ) に登場する中心人物 (画面右側) の女性との非常な類似点もある。
Title: ラ・スキアヴォーナ (La Schiavona)
Section: 作品

当時、女性の肖像画の委嘱は稀なものであった。描かれている女性は、無地の灰色の背景の中で4分3の身体像で表されている。曲線的な身体は非常な写実性と正確さで描かれており、服の幅広の布地によって強調されている。彼女は非常に自然でゆったりとしたポーズをしており、身体はやや回転し、顔は鑑賞者を正面から見ている。 この肖像画を描いている間に、ティツィアーノはいくつかの重要な部分を修正して、構想を積極的に改変していった。当初、右情報部には開いた丸窓があり、女性の両腕はその両脇に下げられていた。同じ女性だと思われる肖像が欄干の高い部分にある大理石レリーフ (古代のカメオに触発されたもの) に見えるが、この欄干も変更されている。欄干の下の部分は本来のものだが、高い部分は後の変更になるもので、その下の布地が後の絵具の塗り重ねを通して、いまだに見える。大理石レリーフの横顔肖像は、古典古代の貴族の淑徳を示すことによって明らかにモデルの女性を褒めたたえ、また史実にもとづく過去への広がりによって、彼女の名声の将来にわたる維持 (肖像画の社会的役割の1つ) を示唆している。さらに、このレリーフは当時の絵画と彫刻の優劣論争に関係している可能性もある。絵画は欄干に「TV」と署名され、おそらく「Tiziano 」を表している。
Title: ラ・スキアヴォーナ (La Schiavona)
Section: 歴史

この肖像画は、1942年にフランシス・クック卿により父ハーバートを偲んで、芸術基金を通して、ロンドンのナショナル・ギャラリーに寄贈された。目録番号NG5385で、今日もナショナル・ギャラリーのコレクションにある。2009年10月から2020年1月まで、『ラ・スキアヴォーナ』はリーズのヘンリー・ムーア研究所 (Henry Moore Institute) に貸し出され、「絵画における彫刻 (Sculpture in Painting)」という展覧会に出品された。
Title: カニジャーニの聖家族 (Canigiani Holy Family)
Section: abstract

『カニジャーニの聖家族』（カニジャーニのせいかぞく、独: Heilige Familie aus dem Hause Canigiani、英: Canigiani Holy Family）は、イタリアの盛期ルネサンスの巨匠ラファエロによる板上の油彩画である。 聖母マリアの襟ぐりに「RAHAEL VRBINAS」と記されているが、年記はない。しかし、ピラミッド型群像構成のきわめて完成された様式を示している点で、フィレンツェ時代の最後の時期、おそらく1507-1508年ごろに制作されたと思われる。画面上部の天使たちは18世紀に塗りつぶされてしまったが、1983年の洗浄・修復の際、ふたたび姿を現した。現在、作品はミュンヘンにあるアルテ・ピナコテークに所蔵されている。
Title: カニジャーニの聖家族 (Canigiani Holy Family)
Section: 歴史

16世紀の画家・伝記作家ジョルジョ・ヴァザーリによれば、フィレンツェの商人カニジャーニ家の委嘱による作品で、おそらくドメニコ・カニジャーニが1507年に結婚した記念に制作された。作品の名称はこの名に由来する。ドメニコの姉 (または妹) のサンドラが『ヒワの聖母』 (1506-1507年、ウフィツィ美術館) の依頼主で、ラファエロの友人であるロレンツォ・ナーシと結婚しているので、おそらくラファエロと親しかったと思われる。作品は、ドメニコ・カニジャーニの自邸の礼拝堂に設置されたのであろう。その後、メディチ家のコレクションに入り、17世紀にトスカーナ大公国のコジモ3世の娘アンナ・マリーア・ルイーザ・デ・メディチがヨハン・ヴィルヘルム (プファルツ選帝侯) に嫁いだ際、コジモ3世からヴィルヘルムへの贈り物としてドイツに運ばれた。その後、作品はデュッセルドルフ絵画館の所蔵となり、1806年にミュンヘンのアルテ・ピナコテークに移された。
Title: カニジャーニの聖家族 (Canigiani Holy Family)
Section: 作品

聖母と幼児キリストのモティーフの新しい構成を考えることは、16世紀初頭におけるレオナルド・ダ・ヴィンチ、ミケランジェロ、ラファエロの3巨匠の主要関心事であった。ミケランジェロは『聖家族』 (ウフィツィ美術館) に見られるように、幼い洗礼者ヨハネだけでなく聖ヨセフも加えた。一方、レオナルドは『聖アンナと聖母子』 (ルーヴル美術館) に聖アンナを加えている。ラファエロは、『仔羊のいる聖家族』 (プラド美術館) や『聖母子と髭のない聖ヨセフ』 (エルミタージュ美術館) にミケランジェロ同様、聖ヨセフを加えている。ラファエロは、フィレンツェ時代の聖母子画で描いてきた聖母マリア、幼子イエス・キリスト、洗礼者聖ヨハネの3人のピラミッド型構図に、本作で聖エリサベトと聖ヨセフを加えている。聖母と老いたエリサべトは大地に腰を下ろし、それぞれの膝には2人の息子であるイエスとヨハネが座っている。聖母は左手の指を書物のページに挟み込み、ヨハネを見つめながら右手でイエスを支えている。イエスはヨハネの銘帯を手で手繰り寄せ、ヨハネに言葉の意味を説明している。エリサベトはピラミッド型構図の頂点に位置するヨセフを見上げ、ヨセフは杖に体重を預けて、エリサベト、ヨハネの母子を見下ろしている。人物たちは互いに視線を交わしあっているが、マリアへと視線を返す人はおらず、彼女は画面の中で最も孤立した存在である。本作では、人物のポーズや視線の動きが『ヒワの聖母』など以前の聖母子画にくらべて複雑化しているが、全体はレオナルドから学んだピラミッド型構図に見事にまとめられている。右側の聖母マリアと左側のエリザベトは二等辺三角形の2辺に当たっており、その頂点にはヨセフの頭部がある。彼のポーズはミケランジェロから学んだものである。この時期のほかの作品同様、ラファエロはレオナルドとミケランジェロ2人の先輩を手本として熱心に研究しているが、最終的な結果はきわめて独自なものである。本作で効果を発揮しているのは、人物を取り巻く風景という素晴らしい舞台装置である。中景は細部に凝った描写がみられ、農家や北方的な趣のうねうねとした丘の町などが描かれている。遠景には山々がひろがっていく。前景には、ラファエロ初期の絵画のいくつかに見られた生い茂る草むらがある。
Title: 扇を持った女性_(ベラスケス) (The Lady with a Fan (Velázquez))
Section: abstract

『扇を持った女性』（おおぎをもったじょせい、西: La dama del abanico, 英: The Lady with a Fan）は、スペインのバロック絵画の巨匠ディエゴ・ベラスケスがキャンバス上に油彩で制作した絵画である。頭部に黒いレースのベールを被り、胸元を広く開いた衣服を身に着けている女性を描いている。現在、作品はロンドンのウォレス・コレクションに所蔵されている。ベラスケスの芸術的発展に照らし合わせ、作品は1637-1638年、あるいは1638-1639年に描かれたと考えられているが、現在、ウォレス・コレクションでは1640年ごろの制作としている。
Title: 扇を持った女性_(ベラスケス) (The Lady with a Fan (Velázquez))
Section: 作品

『扇を持った女性』は謎めいた肖像画である。ベラスケスの他のほとんどの肖像画は、スペイン・ハプスブルク家の人々、宮廷人、使用人などがたやすく特定できるものとなっているが、本作の女性はいまだにはっきりとは特定されていない。肖像画には、正確な記録的情報が欠如しているのである。しかし、衣服の詳細により、女性がシュヴルーズ公爵夫人 (duchess of Chevreuse) のマリー・ド・ロアン＝モンバゾン (1600–1679年) であることが提唱されている。彼女は、1630年代後半のフランスのファッションに則り装っているからである。実際、女性が身に着けている胸元の大きく開いたドレスは17世紀のスペインでは極めて稀なものであり、腰元に下げた青い飾りリボンや、その下の十字状の懐中時計は当時のスペインではなく、フランスで流行したファッションであった。ベラスケスがフランスの女性を描いたという1つの証拠となる1638年1月16日付の手紙がある。その手紙には、男性の装いでフランスから亡命してきた後、フェリペ4世の庇護下でマドリードで暮らしていたシュヴルーズ公爵夫人をベラスケスが一度描いたと記述されている。しかし、公爵夫人の他の肖像画と本作の間にはまったく類似性が見られないと主張している研究者もおり、本作の女性が纏っている衣服は、18世紀のマホ・マハに先立つスペインのタパーダ (tapada) であるとも推測されている。
Title: 扇を持った女性_(ベラスケス) (The Lady with a Fan (Velázquez))
Section: 来歴

『扇を持った女性』は最初、19世紀初頭にリュシアン・ボナパルトのコレクションに記録された。ボナパルトがスペインにいた1801年に取得したものだと考えられている。しかし、それ以前のスペインのいかなるコレクションにも絵画の記録が存在しないことから、ボナパルトがイングランドか、ナポレオン戦争中の大半を過ごしたイタリアで取得した可能性もある。あるいは、ボナパルトがシュヴルーズ公爵夫人の末裔であった当時のリュイヌ公爵と出会ったフランスで取得したことさえ考えられる。ボナパルトのコレクションは1816年に売却された。その後、本作は複数の所有者を経て、1847年には第4代ハートフォード侯爵リチャード・シーモア＝コンウェイ (1800-1870年) に購入され、彼の死後に息子のリチャード・ウォレス (初代準男爵)に受け継がれた結果、ウォレス・コレクションに入った。
Title: 扇を持った女性_(ベラスケス) (The Lady with a Fan (Velázquez))
Section: マンティーリャの女性

本作には、デヴォンシャー・コレクション所蔵の改変作『マンティーリャの女性』がある。この作品は18世紀からイングランドにあるが、目録記録によれば、17世紀のスペインの貴族ガスパール・メンデス・デ・アロ、次いでリチャード・ボイル (第3代バーリントン伯爵) に所有されていた。この作品は通常、ダービーシャーにあるチャッツワース・ハウスに展示されている。『マンティーリャの女性』と『扇を持った女性』は、2006年にウォレス・コレクションでいっしょに展示された。
Title: ショー・ミー・ザ・モネ (Show Me the Monet (painting))
Section: abstract

『ショー・ミー・ザ・モネ』（原題: Show Me the Monet）は、バンクシーによる2005年絵画で、キャンバス地に油彩によって描かれている。クロード・モネの一連の水連の絵画を模した風景の中の日本風の橋を思わせる場面に、交通用カラーコーンと棄てられたショッピングカートを描いている。他の芸術家達の作品を題材としたバンクシーによる連作『クルード・オイルス（原題: Crude Oils、粗野な油彩画群の意味）』の内の一つである。タイトルの『ショー・ミー・ザ・モネ』は「ショー・ミー・ザ・マネー (Show Me the Money)」をもじったものである。ショッピングカートは大量消費の象徴としてみられ、しばし『ペッカム・ロック』や『ショップ・ティル・ユー・ドロップ (Shop 'Till You Drop)』などのバンクシーの作品に登場する。またモネの絵画をパロディーとした環境汚染をテーマにした作品とも解釈された。15年後の2020年10月21日にロンドンの競売で755万1600ポンド(約10億3500万円)で売却された。 これは競売にかけられたバンクシーの作品の中で6番目に高い価格である。
Title: 聖衣剥奪 (The Disrobing of Christ)
Section: abstract

『聖衣剥奪』（せいいはくだつ、西: El Expolio）は、エル・グレコによる絵画作品。トレド大聖堂の祭壇画で、1579年に完成した。本作はトレド大聖堂の聖具室に展示されている。
Title: 聖衣剥奪 (The Disrobing of Christ)
Section: 依頼の経緯

1577年、グレコはトレド大聖堂の祭具室の祭壇画を依頼された。ローマ時代グレコの親友であったルイス・デ・カスティーリャの父親であるディエゴ・デ・カスティーリャが当時聖堂の司祭長の職にあったため実現したといわれる。本作は1579年6月に完成した。
Title: 聖衣剥奪 (The Disrobing of Christ)
Section: 主題

本作の主題はマルコによる福音書の16行から19行に渡って記されている、カルヴァリオの丘でのシーンが描かれている。「聖衣剥奪」の主題は当時極めて珍しいものであった。後述の問題視されたポイントは二つある。一つ目は画面左下に描かれた聖母マリア、マグダラのマリア、小ヤコブの母の存在である。彼女たちに関する聖書の記述はなく、それ故にグレコのこの解釈は異端的と考えられることとなった。この描写は13世紀のフランシスコ会士であった聖ボナヴェントゥラの著作である『キリスト受難に関する考察』を典拠にしたと考えられている。
Title: 聖衣剥奪 (The Disrobing of Christ)
Section: 画面構成

平面的で上下方向に積み上げていく傾向はマニエリスムにみられる傾向であり、当時斬新だったがゆえに批判されたと考えられている。この統一的な視点のない空間はビザンティンの影響が指摘されている。それ以外にも視点移動を伴う動的空間や、バロックの先取りとみられるダイナミックな身体表現などが本作では表現されている。また、傷一つないキリストの聖衣が次の瞬間に兵士たちの手によって引き裂かれるまでの一瞬を通じて、空間の緊張感を視覚的な表現に転換している。
Title: 聖衣剥奪 (The Disrobing of Christ)
Section: 訴訟について

画面構成は独創的であったが、それ故に注文主であった大聖堂参事会側から非難の声が上がった。この結果、当初グレコが要求した額から大幅に報酬が減額された。二点目として、キリストを取りまく群衆の頭が、そのキリストよりも上に描かれていることも批判の対象とされた。松井の調査によると、当時大聖堂は美術家に対する査定制度におけるアドバンテージ、査定額に関する観衆的な算定方式、造営主任による作品の監督や構図に対する認可の三点を以て事実上表現の統制を行うだけの力があったとされる。グレコは訴訟を起こし、敗訴すると作品の引き渡しを頑として拒否。結局訴訟調停役のアレホ・デ・モントーヤによる評価もあり、グレコは大聖堂側が払おうとしたよりもやや高い金額を受け取った。トレドで制作を続けたグレコはその後もしばしば報酬のことで注文主と争った。
Title: アーノルドの成人 (Arnold Comes of Age)
Section: abstract

『アーノルドの成人』（アーノルドのせいじん、Arnold Comes of Age）は、アメリカ合衆国の画家グラント・ウッドが1930年に描いた絵画である。この作品は、ウッドのアシスタントだったアーノルド・パイルの21歳の誕生日を祝って制作されたものである。ウッドにとってのアーノルドは、弟子というだけでなく深い愛情の対象だった。この作品は、田園風景のなかで前を見つめる男性（アーノルド）と、その背後で裸で水浴びをする2人の男を描いている。イタリア・ルネサンスのピエロ・デラ・フランチェスカの作品、特に『キリストの復活』を連想させる作品であり、その細部の描写から同性愛的な作品と解釈されている。
Title: アーノルドの成人 (Arnold Comes of Age)
Section: 背景

グラント・ウッドはアイオワ州出身であり、世界恐慌中にリージョナリズムを代表する画家となっていた。この作品は、ウッドのアシスタントだったアーノルド・パイルの21歳の誕生日を祝って、1930年に制作された。自身も画家だったアーノルドは、その後1933年に中西部を描いた絵画によりアイオワ・ステート・フェアでブルーリボンを受賞し、1936年には最優秀賞を獲得した。ウッドは同性愛者であり、アーノルドに対して深い愛情を抱いていたが、アーノルドは異性愛者だった。ウッドは、他の多くのアシスタントにもそうしてきたように、アーノルドに対しても表向きには父性愛のように振る舞っていた。
Title: アーノルドの成人 (Arnold Comes of Age)
Section: 作品

この作品には当初、『アーノルド・パイルの肖像』(Portrait of Arnold Pyle)のタイトルがつけられていた。主題として描かれている男性（アーノルド・パイル）は、困ったような表情で前を見つめている。その右腕には蝶が止まっている。背後では、近くの川で裸で水浴びをする2人の男が描かれ、背景には田園風景が描かれている。この作品は油彩で、プレスボードの上に描かれている。大きさは高さ67.9センチメートル、横58.0センチメートルである。
Title: アーノルドの成人 (Arnold Comes of Age)
Section: 解釈

美術評論家のルチアーノ・チェレスは、『アメリカン・ゴシック』を始めとするウッドの多くの絵画は、イタリア・ルネサンス期の作品、特に15世紀のピエロ・デラ・フランチェスカの作品からインスピレーションを受けたものだと述べている。『アーノルドの成人』には、ピエロの『キリストの復活』といくつかの類似点があり、この作品からインスピレーションを得た可能性がある。どちらの作品でも、中央の人物の描写は背景からはっきりと切り離され、閲覧者を真剣な眼差しで見つめている。「遠くを見つめる人物」は、ピエロの作品の典型的な要素である。また、どちらの作品も両端の木が画面を縁取っている。ピエロの作品では葉の無い木と葉が生い茂った木なのに対し、ウッドの作品では若木と老木が描かれている。チェレスは、この2本の木は2つの状態の移行、特に「生と死」を表していると述べている。チェレスは、背後で水浴びをしている2人の人物は、ピエロの『キリストの洗礼』と類似していると主張している。チェレスによれば、背後の人物は洗礼の象徴であり、一人前の大人になることを表している。ニューアーク博物館元学芸員のユリシーズ・グラント・ディーツは、この作品はアーノルドへの「明確な愛」を示していると主張している。ディーツによれば、木、茂み、干し草の山など、2つ一組の物が多数描かれているのはアーノルドへの愛を示すものであり、奥の2人の裸の男性は、エデンの園のアダムとエバを表すものである。"AP"（アーノルド・パイルのイニシャル）と刻まれたベルトのバックルの横に、ウッドは自分のサインを入れており、これは2人の名前を永遠に結び付けるためだろうとディーツは述べている。アーノルドの腕に蝶が止まっているが、当時、蝶はゲイのシンボルとされていた。この作品は同性愛的な作品と考えられており、批評家のフェイ・ハーシュは、この作品の解釈により、最小限の証拠だけでウッドの生涯について主張することも可能であると述べている。
Title: アーノルドの成人 (Arnold Comes of Age)
Section: 来歴

完成後、ウッドはこの作品を1930年のアイオワ・ステート・フェア・アートサロンに出品した。ウッドは既にアメリカ画壇において地位を確立しており、パリの画廊にも出品していた。しかし、リージョナリストとして芸術運動を推進していたウッドは、この作品やその他の作品を地元の展覧会に出品することにした。この作品は大賞を受賞し、一緒に出品した『アイオワ州ストーンシティ』(Stone City, Iowa)は風景画部門で賞を獲得した。この作品および『アイオワ州ストーンシティ』は、ウッドのパトロンのデイヴィッド・ターナーの父を描いた『開拓者ジョン・B・ターナー』(John B. Turner, Pioneer)とともに、1940年のネブラスカ・ショーに展示された。これらの作品はいずれも、300から400ドルで売りに出された。ネブラスカ美術協会がこの作品を300ドルで購入し、『アイオワ州ストーンシティ』はオマハのジョスリン美術館が購入した。この作品は、ネブラスカ美術協会が恒久的に保有する作品の中で最も価値のある作品となり、現在はリンカーンのシェルドン美術館に展示されている。作品の完成の約10年後から、変色、広範囲のクラクリュール、ニスの消失など、劣化が激しくなり、その後、この作品は長らく展示されなくなっていた。シェルドン美術館のドナルド・バートレット・ドウによれば、背後で水浴びする人物はほとんど見えなくなっていた。1985年までに修復が行われた。
Title: 辟邪絵 (Extermination of Evil)
Section: abstract

辟邪絵（へきじゃえ）は中国などで古くから信仰された、疫鬼を懲らしめ退散させる善神を描いた絵である。奈良国立博物館が所蔵する12世紀頃制作の絵巻物は、日本の国宝に指定されている。このほか、アジャンター石窟で5世紀頃制作の第17窟などの遺例が知られる。
Title: 辟邪絵 (Extermination of Evil)
Section: 概要
Subsection: 奈良国立博物館本（地獄草紙益田家乙本）

画風から平安時代末期から鎌倉時代初期、12世紀の制作と考えられている。制作事情については正確なことは不明であるが、後白河法皇の蓮華王院の宝蔵に保管されていたことが記録されている「六道絵」の一部だったもので、現存する「地獄草紙」、「餓鬼草紙」、「病草紙」などと一連の作品であろうと推定されている。南都（奈良）との強い関係と、平安時代に宮中で修された宮廷歳末恒例の懺悔会である仏名会に用いた「地獄変御屏風」との関係も指摘される。この絵巻は、かつて実業家で茶人の益田孝（益田鈍翁）が所蔵しており、「地獄草紙益田家乙本」と呼ばれていた。同じく益田家に所蔵されていた「沙門地獄草紙」を「地獄草紙甲本」と呼ぶのに対し「地獄草紙乙本」と称されていたものだが、この絵巻で責めさいなまれているのは人間ではなく、疫病や害悪をもたらす疫鬼である。すなわち、この作品は地獄の情景を描いたものではなく、悪鬼を退治する善神を描いたものであることから国宝指定名称は「辟邪絵」となっている。天刑星、栴檀乾闥婆、神虫、鍾馗、毘沙門天王の絵がそれぞれの辟邪神の働きが付されている詞書とともに描かれる。かつては絵巻であったが、戦後に切断されて現在は5幅の掛幅装となっている。この絵と東京国立博物館本『地獄草紙』、福岡市美術館本『勘当の鬼図』の詞書は同筆であると見る説がある。
Title: ロザリオの聖母 (Madonna of the Rosary (Caravaggio))
Section: abstract

ロザリオの聖母（ロザリオのせいぼ）ロザリオの聖母 (カラヴァッジョ) - ミケランジェロ・メリージ・ダ・カラヴァッジオの絵画ロザリオの聖母 (ムリーリョ) - バルトロメ・エステバン・ムリーリョの絵画
Title: 鉄の男 (Iron Man (Buddhist statue))
Section: abstract

鉄の男 (Iron Man) は、高さ24センチメートル、重さ10キログラムの毘沙門天をかたどったチベットの仏像である。ニッケルを豊富に含む鉄隕石であるアタキサイトから作られている。紀元1000年頃に、約1万5000年前に地球に落下した隕石から彫られたものであると考えられている。1938年にハインリヒ・ヒムラーの支援の下でナチス親衛隊がチベットに遠征に行った際に入手し、第二次世界大戦後、2007年にオークションに出品されるまでは個人の所有であった。仏像の腹には、時計回りの向きの卍が彫られている。
Title: 鉄の男 (Iron Man (Buddhist statue))
Section: 分析

この仏像は、1万年から2万年前にシベリアとモンゴルの境界の東部に落下したチンガー隕石で作られたと考えられている。組成を分析したシュトゥットガルト大学惑星科学研究所のエルマー・ブフナーは、「我々の分析が正しければ、この仏像は、11世紀のボン教の時代に作られたものである。これは、世界的にも非常にユニークで貴重なものである」と語っている。
Title: アレクサンドロス大王の前に出たダレイオスの家族 (The Family of Darius Before Alexander)
Section: abstract

『アレクサンドロス大王の前に出たダレイオスの家族』（伊: La famiglia di Dario ai piedi di Alessandro, 英: The Family of Darius before Alexander）は、イタリア、ルネサンス期のヴェネツィア派の画家パオロ・ヴェロネーゼが1565年から1570年頃に制作した絵画である。油彩。ヴェロネーゼを代表する作品の1つで、主題はペルシア王ダレイオス3世に勝利した後に語られているアレクサンドロス大王とダレイオス3世の家族の物語から取られている。ヴェロネーゼは以前に同主題の別のバージョンを制作したが失われている。16世紀以来ヴェネツィアの貴族のピザーニ家が所有したことで知られる。現在はロンドンのナショナル・ギャラリーに所蔵されている。
Title: アレクサンドロス大王の前に出たダレイオスの家族 (The Family of Darius Before Alexander)
Section: 物語

紀元前333年、アレクサンドロス大王はイッソスの戦いでアケメネス朝の最後の王であるダレイオス3世を破った。ダレイオス3世は捕獲を免れたが、王妃スタテイラ1世、母后シシュガンビス、および王女のスタテイラ2世とドリュペティスの4人はアレクサンドロス大王に捕らえられた。アレクサンドロス大王は勝利により彼女たちを寛容に遇した。プルタルコスによると、彼は「彼女たちの従者や、あるいは以前に彼女たちに払われていた配慮と敬意を何ら減ずることはなく、それどころか彼女たちがその暮らしぶりを維持できるように以前よりもさらに大きな恩給を認めた。しかし、これらの使用法の高貴で最も王者にふさわしい部分は、彼がこれらの名高い捕虜を彼女たちの美徳と品性に照らして遇したことだった」。ダレイオス3世の王妃スタテイラ1世はその美貌で有名だったが、「アレクサンドロス大王は、敵を征服するよりも彼自身が統治することのほうが王者にふさわしいと見なし、彼女たちのいずれとも親密な関係を求めなかった」。絵画はプルタルコスでは言及されていないが、アッリアノス、ウァレリウス・マクシムス、クイントゥス・クルティウス・ルフスなど、後期の古典作家たちによって語られているダレイオス3世の母シシュガンビスに関する誤解に焦点を当てている。クイントス・クルティウス・ルフスの『アレクサンドロス大王伝』によると、アレクサンドロス大王は2人が子供だったので、親しい友人であり相談相手であったヘファイスティオンだけを伴って女たちのテントに入った。シシュガンビスは背の高いヘファイスティオンをアレクサンドロス大王と間違えて彼の前にひざまずき、慈悲を乞った。彼女の誤解に気づくと、アレクサンドロス大王はヘファイスティオンもまたアレクサンドロス大王であると堂々と言った。これは勘違いしたシシュガンビスの当惑を和らげるとともに、友人への褒め言葉となった。
Title: アレクサンドロス大王の前に出たダレイオスの家族 (The Family of Darius Before Alexander)
Section: 作品

構図はシシュガンビスの混乱を反映して、アレクサンドロス大王とヘパイスティオンの両義性を維持している。一般的に、研究者はアレクサンドロス大王が左側に立ったヘファイスティオンを指しながら会話しているかのような身振りをした、赤い服の若い男性であることに同意しているが、一部の美術史家はその解釈に異議を唱え、2人の人物のアイデンティティを逆転させている。彼らの正確な特定に関して不確実性が継続していることは、ヴェロネーゼの「絵画的知性」の証拠と見なされている。物語の精神を尊重しながらも、ヴェロネーゼは絵画においてテントではなく宮殿のホールで対面が行われるという形に舞台設定を変更した。素晴らしい衣装は古代ギリシアや極東ではなく、ヴェロネーゼが住んでいたヴェネツィアのものである。ヴェロネーゼは、彼の歴史画で慣例となっているように、同時代の人々の肖像画を絵画に挿入したと長い間考えられてきた。人物はピザーニ家の成員をモデルにしていると示唆されているが、あるいは、ひざまずく少女はヴェロネーゼの娘であり、それらを提示する廷臣は芸術家の自画像であると提案されている。別の解釈では、ヴェロネーゼはアレクサンドロス大王の後ろに立っている人物像として現れているが、家族をアレクサンドロス大王に紹介するのはパトロンのフランチェスコ・ピザーニである。最近、美術史家ニコラス・ペニーは、絵画に描かれた貴族の洗練された特徴は特定のモデルに基づいたものではなく、画家の想像力の産物であるとしている。絵画の演劇的なデザインは、最も著名な人物を浅い最前景のステージに配置している。彼らのすぐ後ろには、小姓、ハルバードを持った兵士、矮人、犬、猿といった鑑賞者の目を楽しませる人の集まりがあり、さらに遠くには、建築学的なしきりである画面と平行したアーチ型の遊歩道があり、さらに多くの観客を支えている。これらは登場人物たちが列をなしている絵画の特徴を補強するための人物や建築物の配置をともなう、ヴェロネーゼに典型的な絵画の好みである。遠くのアーチの曲線は嘆願する前景の人物の動きを反映しているが、シシュガンビスの身ぶりは中央に垂直に立つ噴水と一致し、それによって強化されている。建築幾何学は人物の動きを整理している。画布はヴェロネーゼが好んだタイプであり、斜めのツイルパターンを作成する糸の配置を備えていることが分析から判明している。ヴェロネーゼはしばしば明るい色で下塗りをした上に絵画を描くことを好んだが、本作品の制作においても、彼のより大規模な多くの作品と同様に無地のジェッソだけでキャンバスを準備している。ヴェロネーゼは定期的に多くの準備スケッチを作成したが、本作品に取り組んでいる間、後からの思い付きで主要人物のグループのすぐ後ろに人物が描かれたバルコニーを描いたり、左の背景に軽くスケッチした馬や人物を追加するなどを含む大幅な修正を行っている。
Title: アレクサンドロス大王の前に出たダレイオスの家族 (The Family of Darius Before Alexander)
Section: 来歴と評価

『アレクサンドロス大王の前に出たダレイオスの家族』はヨハン・ヴォルフガング・フォン・ゲーテが1786年にヴェネツィアを訪れた際に言及した唯一の絵画であった。ゲーテはピザーニ・モレッタ宮での滞在中に本作品を賞賛し、ピザーニの厚遇に感謝したヴェロネーゼが描いたという伝説を繰り返した。それによると、巨大な帆布はおそらく別荘で秘密裏に描かれ、画家が出発したときに巻き上げられて贈物としてベッドの下に残された。それ以来、この話は空想的と見なされてきた。絵画が最初に記録されたのは、遺産の相続人ではないフランチェスコ・ピザーニの未亡人マリエッタ・モーリン（Marietta Molin）と、従兄弟であり相続人のザン・マッティオ・ピザーニ（Zan Mattio Pisani）がフランチェスコの邸宅をめぐって法的に争った1568年である。最近の研究によると、この絵画はフランチェスコ・ピザーニが最初に所有し、アンドレーア・パッラーディオの設計でモンタニャーナに建設されたヴィラ・ピザーニに収蔵されていた。ピザーニ家がカナル・グランデの宮殿を購入した1629年以降、絵画はおそらくヴェネツィアに移された。1664年には絵画はスウェーデン女王クリスティーナの代理人がローマのヴェネツィア大使と購入の交渉を試みるほど高く評価されていたが、ピザーニ家が提示した5,000ドゥカートはあまりにも高すぎると見なされ、将来的なすべての買い手を事実上落胆させた。その結果、絵画の複製が求められ、そのうちの1つは所有者から80ドゥカートと評価された。ナショナル・ギャラリーの館長チャールズ・ロック・イーストレイクは、1856年10月14日にヴェネツィアで絵画を調査し、交渉から4年後の1857年に美術館は絵画を13,650ポンドで購入した。この価格は法外と考えられ、1857年7月に第10代ウィームズ伯爵フランシス・チャータリスが「二流の標本」として絵画を攻撃したとき、この購入についてイギリスの庶民院で議論された。美術評論家ジョン・ラスキンは絵画を「世界で最も貴重なパオロ・ヴェロネーゼ」と呼んだ。小説家ヘンリー・ジェイムズは1882年に書いている。
Title: 卵を調理する老女 (Old Woman Frying Eggs)
Section: abstract

『卵を調理する老女』(たまごをちょうりするろうじょ、西: Vieja friendo huevos、英: Old Woman Cooking Eggs) は、バロック期のスペインの巨匠ディエゴ・ベラスケスが1618年に制作したキャンバス上に油彩画である。師であったセビーリャの画家フランシスコ・パチェーコからベラスケスが独立したばかりの頃に描かれた初期のボデゴン (スペインの厨房画、静物画) を代表する作品である。1955年以来、エジンバラのスコットランド国立美術館に収蔵されている。
Title: 卵を調理する老女 (Old Woman Frying Eggs)
Section: 主題

ボデゴンとはスペイン語で「蔵」または「宿」を意味するが、絵画としては目立つ静物を含む厨房または居酒屋の光景 (または静物だけ) を描いたものであり、『卵を調理する老女』はそうした作品の１つである。北方ヨーロッパには、そのような庶民の生活を描いた絵画の先例があるが、ベラスケスはエングレービングを通して、それらを知っていた可能性がある。また、同時代のスペインにはしばしば無頼漢を描いた小説があって、ベラスケスはそのうち最も人気のあった1つ、マテオ・アレマンの悪漢小説『グスマン・デ・アルファラーチェ』に影響を受けた可能性がある。この小説には若いホームレスの悪童の冒険が書かれており、「卵を調理する老女」の１節があるからである。
Title: 卵を調理する老女 (Old Woman Frying Eggs)
Section: 概要

卓抜な構想と人物および静物の卓抜な描写から、本作はセビーリャ時代のベラスケスの代表的なボデゴンの傑作と見なされている。1618年の年記を持つ本作を描いた時、ベラスケスはまだ19歳で、前年まで師事していたセビーリャの画家フランシスコ・パチェーコから独立し、一人前の画家として活動を開始したばかりであった。本作はパチェーコの無味乾燥な作品とはまったく異なっており、ベラスケスが自身の技量を意図して公けに表明した作品であることは間違いない。ベラスケスの師パチェーコによると、ベラスケスは「まだ少年のころ、村人の見習いをモデルに雇い、泣いたり、笑ったりというさまざまな動きやポーズをとらせてデッサン力をマスターした」と回想している。このようなベラスケスの初期作品に見られる斬新な写実主義はパチェーコの作風とは異なり、16世紀以降のテネブリスム的自然主義とバロックの先鞭をつけたカラヴァッジョという2つの流れも考慮しなければならない。スペインの画家、美術著述家であったアントニオ・パロミーノは、パチェーコの言葉を受けてベラスケスを「第2のカラヴァッジョ」と定義しているが、画家の本作や同時代のボデゴンにはカラヴァッジョ的な古典性はなく、スペイン的な庶民性が濃厚である。本作の画面の中心を占めているのは横顔の老女で、火鉢にかけた鍋で卵を調理しているが、卵を油で揚げているのか湯で煮ているのかは判別がつかない。画面の左側にはメロンとワインの入った瓶を持つ少年が立っている。最前景のテーブルには、陶器の皿、金属の乳鉢、ナイフ、ニンニク、玉ねぎ、2つの陶器の水差しが見事な質感で描き分けられて並んでいる。作品の静物に用いられている迫真的写実力は人物の描写にも見て取れる。画家のセビーリャ時代の人物像は三次元的なヴォリュームを持つだけでなく、個性的な特徴、風貌、存在感を理想化せずに描き出す卑俗な現実主義に貫かれている。画中のどの人物も実在の生身の人間をモデルに描かれたことをはっきりと示している。前時代までの画家たちが実在のモデルを用いながらも、実在感に欠く理想的な人物像に仕上げているのとは対照的である。パチェーコによると芸術家に最高の名誉をもたらすボデゴンとは、「人物が力強さ、素描、色彩を備え、そして生きているように見え、同じ絵の中で自然から模写された事物と等しく表されて」いなければならなかった。本作は、19歳のベラスケスがそのことをたやすく達成していることを示している。なお、画中の少年は、『東方三博士の礼拝』(プラド美術館) の左端上に描かれている若い王、そして『セビーリャの水売り』 (アプスリー・ハウス) の左に描かれている少年と同じモデルに基づいている可能性がある。
Title: 亀の調教師 (The Tortoise Trainer)
Section: abstract

絵画『亀の調教師』（かめのちょうきょうし、トルコ語: Kaplumbağa Terbiyecisi）は、トルコの画家オスマン・ハムディ・ベイが1906年に描いた作品で、トルコの有名な絵画である。現在、イスタンブールのペラ美術館が所蔵している。
Title: 亀の調教師 (The Tortoise Trainer)
Section: 絵画

凝った壁画で飾られた部屋の中で、タイル張りの床の上に餌としてレタスの葉がばらまかれ、そこを5匹の陸亀が這いまわっている。うち3匹はダルヴィーシュの前に並び、残り2匹はそちらへやって来ようとしている。ダルヴィーシュは背後に6穴のネイを持っていて、左肩から垂らした紐には太鼓とバチがつながっている。張りだし部につけられた窓から日の光が部屋にさしこんでいる。部屋と張りだし部の壁の漆喰ははがれている。描かれている場所はブルサの緑のモスクかもしれない。描かれている人物はハムディ・ベイ本人かもしれない。絵は署名されている。オスマン・ハムディ・ベイは1860年にパリで法律を勉強している時に、絵画をルイ・ブーランジェと歴史画家のジャン＝レオン・ジェロームについて学んだ。1869年にイスタンブールに戻ってからオスマン帝国の文官としての経歴を積んだ。彼は現在のイスタンブール考古学博物館の創立者であり監督をつとめたが、画家としての仕事も続けた。ハムディ・ベイの『亀の調教師』は、1869年にフランスの雑誌『ル・トゥール・デュ・モンド』に載った、日本の浮世絵にもとづいた版画作品に影響された可能性がある。このL・クレポン『亀使い』(Charmeur de tortues)では、太鼓の音楽で亀に「魔法をかける」人物を描いている。フランスのサロン絵画へのオマージュとしての絵画様式で描かれていると考えられているこの作品を、ハムディ・ベイはサロン・ド・パリに提出し、1906年にはじめて展示された。この時には『男と亀たち』(L’homme aux tortues)という題名だった。1907年にハムディ・ベイは同じモチーフによる2作めの、少し変えた作品を作ったが、こちらにはアフメッド・ムフタル・パシャへの献辞が手で書かれていた。
Title: 亀の調教師 (The Tortoise Trainer)
Section: 反響

歴史学者のエトヘム・エルデムによると、現在のトルコではこの絵画は見る者の政治的立場によって異なる解釈がなされている。保守派はオスマン帝国の美と品格をこの絵に見る。一方、新しいケマル主義者にとって亀は近代化を強制される保守派を象徴しており、この絵は「停滞の肖像」である。1992年にTV事業者のエロル・アスコイがこの絵画を70万ドルで購入した。当時トルコ人画家の描いた作品としては最高価格だった。2004年12月12日、オークションにかけられ、今度は350万ドルの価格がついた。イスタンブール近代美術館との競り合いの後、「スナおよびイナン・クラチ財団」が、彼らが個人で所有するペラ美術館のために落札した。2009年には2番目の絵画が、1860年から1930年のトルコ絵画の展覧会で私的に展示された。絵画オークションとその落札価格に伴うメディアの興奮は一般にも伝わり、この絵のモチーフは何百万回も複製され、日用品にも使用されている。
Title: 亀の調教師 (The Tortoise Trainer)
Section: 関連文献

Edhem Eldem: Making Sense of Osman Hamdi Bey and his Paintings, in: Muqarnas: An Annual on the Visual Culture of the Islamic World, Volume 29, 2012; ISSN 0732-2992Mustafa Cezar: Sanatta batı'ya açılış ve Osman Hamdi, Band 2; Istanbul: Erol Kerim Aksoy Eğitim, kültür, spor ve sağlık vakfı, 1995; S. 732Wendy M. K. Shaw: Possessors and possessed: museums, archaeology, and the visualization of history in the late Ottoman Empire. Berkeley: University of California Press, 2003
Title: ブルータス (Brutus (Michelangelo))
Section: abstract

ブルータス (Brutus, BRUTUS)古代ローマの家族名ブルートゥスの英語読み。特にガイウス・ユリウス・カエサル暗殺の首謀者マルクス・ユニウス・ブルトゥスを指す場合が多い。他の用法は直接関係なくとも基本的にこの語または語感を参考にしている。「ブルータス、お前もか」 - シェイクスピアの演劇『ジュリアス・シーザー』において、カエサルの最期の言葉として登場する台詞。トロイのブルータス - ブリテンを建国したと言われる伝説の王。クマのブルータス - アメリカ合衆国でテレビ出演して有名になったハイイログマの雄。BRUTUS - マガジンハウスから発行されている雑誌。ぶるうたす - お笑い芸人・俳優。
Title: バーゴイン将軍の降伏 (Surrender of General Burgoyne)
Section: abstract

『バーゴイン将軍の降伏』（バーゴインしょうぐんのこうふく）は、アメリカ合衆国の画家ジョン・トランブルが描いた油彩画である。1821年に完成し、ワシントンD.C.のアメリカ合衆国議会議事堂のロタンダで展示されている。第二次サラトガの戦いの10日後の1777年1月17日にニューヨーク州サラトガでイギリスのジョン・バーゴイン将軍が降伏した様子を主題とし、バーゴイン将軍の他に、アメリカの大陸軍や民兵の指導者、ヘッセンの司令官フリードリヒ・アドルフ・リーデゼル、イギリスのウィリアム・フィリップス将軍が描かれている。
Title: バーゴイン将軍の降伏 (Surrender of General Burgoyne)
Section: 制作の依頼

画家のジョン・トランブルは、アメリカ独立戦争の初期に兵士として参戦し、ジョージ・ワシントンやホレイショ・ゲイツの補佐官を務めており、1777年に退役すると、画家としての道を歩み始めた。1785年には、アメリカ独立革命の主要な出来事を記念する一連の大規模な絵画の構想を練り始め、1791年にサラトガを訪れて、降伏地の風景をスケッチした。米英戦争の終結後にイギリスから帰国すると、トランブルはアメリカ合衆国議会に対して自らの考えを提案した。バンカーヒルの戦いにおけるウォーレン将軍の死やケベックの戦いにおけるモントゴメリー将軍の死の展示の成功、その他に提案した絵画の研究のおかげで、アメリカ合衆国議会は1817年に4枚の大きな絵画の制作を依頼し、議事堂のロタンダで展示することを決定した。価格は絵画1枚につき8,000ドルとし、大きさや主題は大統領ジェームズ・マディソンにより決定された。大きさは12 ft × 18 ft（370 cm × 550 cm）とし、主題はそれぞれ独立宣言、バーゴイン将軍の降伏、コーンウォリス卿の降伏、en:General George Washington Resigning His Commissionとなった。トランブルは8年をかけて制作し、1821年に完成した。最初はニューヨークにて1822年1月から3月まで展示され、トランブルの監督の下で1824年から議事堂のロタンダで展示されている。1828年にトランブル自身が絵画を綺麗にし、ニスを塗り、ダニエル・モーガンの足付近の部分も修復した。
Title: バーゴイン将軍の降伏 (Surrender of General Burgoyne)
Section: 描写

絵画には、ジョン・バーゴイン将軍がホレイショ・ゲイツ将軍に剣を引き渡そうとしている場面が描かれている。アメリカの士官が目撃者として側に立ち、服装の違いには所属部隊の違いが反映されている。中央から背景に広がるのは、バーゴイン軍とドイツの援軍であり、遠く離れて馬に乗るアメリカのルイス大佐により陣地に案内された。絵画の場面は戦闘あるいは敵対ではなく平和を示唆しており、青い空と白い雲の下で士官は制服を着て、武器は鞘に収められるか肩からつり下げられ、大砲は静かに立っている。
Title: バーゴイン将軍の降伏 (Surrender of General Burgoyne)
Section: その他のバージョン

トランブルは、より小さく実質的にそっくりな絵画を制作し、現在はイェール大学美術館に所蔵されている。ロタンダ版は1994年に発行された記念切手のデザインの基礎として使われた。
Title: バーゴイン将軍の降伏 (Surrender of General Burgoyne)
Section: 描かれている人物

この作品に描かれている人物には以下のような人物がいるジョン・スタークヘンリー・ディアボーンジョン・バーゴインホレイショ・ゲイツウィリアム・プレスコットダニエル・モーガンルーファス・パットナムジョン・ブルックスウィリアム・ホィップル
Title: ゲオルク・ギーゼの肖像 (Portrait of Georg Giese)
Section: abstract

『ゲオルク・ギーゼの肖像』（ゲオルク・ギーゼのしょうぞう、独: Der Kaufmann Georg Gisze、英: Portrait of Georg Giese）は、ドイツ・ルネサンス期の画家ハンス・ホルバインが1532年に板上に油彩で制作した絵画である。 1530年代にホルバインがハンザ同盟の商人たちを描いた一連の肖像画のうちの1点である。これらの一連の肖像画は、商人階級が世界的に進出していった時期に彼らの重要性が増大していたことを示唆している。作品は現在、絵画館 (ベルリン) に所蔵されている。
Title: ゲオルク・ギーゼの肖像 (Portrait of Georg Giese)
Section: 背景

16世紀までに、芸術作品を委嘱する手段を持つ富裕な商人たちにとっては、家族といっしょのものであれ単独のものであれ、自分たちの肖像画を所有することが慣例となっていた。かくして、商人と商人階級は、芸術家たちにとっては重要なモデルとなり、収入源ともなった。1530年代に、ホルバインは、ロンドンのスティールヤードに拠点を置いていたハンザ同盟の富裕な商人の肖像を描くよう依頼された。画家は、スティールヤードの8人の商人の肖像を描くことになった。これらの肖像の人物は、1532年に描かれたグダンスク (当時のドイツ語名はダンツィヒ)  のゲオルク・ギーゼ 、アントウェルペンのハンス 、『ヘルマン・ウェデヒ』 (メトロポリタン美術館)、1533年に描かれたケルンのヒレブラント・ウェディヒ (Hillebrant Wedigh) 、ウェディヒ家の不明の人物、ドゥイスブルクのディルク・ ティビス (Dirk Tybis) 、ツィリアクス・カーレ (Cyriacus Kale) 、デリク・ボルン (Dirk Born) 、1536年に描かれたデリク・ベルク (Derick Berck) である。ハンザ同盟の商人たちは、14世紀と15世紀のヨーロッパの通商を支配し始めていた新たな商人階級を代表していた。中世の時代に一般的な慣例であったように、1つのマーケットタウンから別のマーケットタウンに商品を運ぶのではなく、 ハンザ同盟の商人たちは大規模に商品を扱い、長距離の輸出入に携わった。彼らは世界的に進出し、しばしばヨーロッパやアジアの大きな都市に代理人や家族が常在する支店を所有していた。これらの商人たちはハンザ同盟という共同体を形成することで、通商を支配し、通商規制を撤廃し、特典を得ようとしていた。ロンドンでは、彼らはスティールヤードに集まり、そこで保護を得、特定の税や関税を免除されていた。商品用の秤が所蔵されていたことにより、その名で呼ばれたスティールヤード (鉄の地) はロンドン橋に近い、テムズ川北岸にあった壁で囲まれた地域であった。商品は海路で直接そこの倉庫に運び込まれた。事務所と倉庫のほかに、スティールヤードには商人用住居、ギルドホール、布の貯蔵室、ワインの貯蔵室、厨房などがあった。スティールヤードは分離し独立した共同体で、ハンザ同盟の規則に支配され、商人たちの故郷の町に統治されていた。