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Title: 柱に繋がれたキリスト_(ブラマンテ) (Christ at the Column (Bramante))
Section: 概要と様式

本作は、鞭打たれる前に柱（この場合は古典的な浅浮き彫りの装飾が施された華やかな柱）に縛られたキリストを描いている。大きくクローズアップされた描写は、非常に強い感情を伝え、すでに悲痛な場面を一層強調しており、全体として、強い心理的緊張の雰囲気を生み出している。さらに、キリストの首から垂れ下がっているロープなどの細部は、構図全体から横溢する顕著な感情的不安を生み出すのに貢献している。広大な列柱のある空間を構想する様式は、実際には、サン・サティロにあるサンタ・マリア教会の偽聖歌隊席の建築で使用されているものと同じである。すなわち、絵画の境界を越えて主要な要素が提示されていることと、前景と後景の間の距離の示唆である。キリストの身体の古典的なモデリングは、ブラマンテの芸術的形成地であったウルビーノの文化的影響を如実に示している。一方、他の詳細な表現として、二重照明（左から右に射している正面の光と、背景の窓から入る光）、遠くに行くにつれ、かすんでいく景色、そして細心の注意を以って描かれている細部が挙げられる。光の研究は際立っており、キリストの髪の毛やあごひげの赤みがかった青い反射のように、無数の色の反射を生み出している。顔の表現力の研究など、レオナルド・ダ・ヴィンチの影響を示している細部や、ロープで締められた肉体や透明な涙などの極端なリアリズムの細部を示しているものもある。
Title: ウェルギニアの物語 (The Story of Virginia (Botticelli))
Section: abstract

ウェルギニアの物語（英: The Story of Virginia）ウェルギニアの物語 (ボッティチェッリ) - サンドロ・ボッティチェッリの絵画。ウェルギニアの物語 (フィリッピーノ・リッピ) - フィリッピーノ・リッピの絵画。
Title: サン・フランチェスコ・アル・プラートの復活 (San Francesco al Prato Resurrection)
Section: abstract

『サン・フランチェスコ・アル・プラートの復活』(サン・フランチェスコ・アル・プラートのふっかつ、伊: Resurrezione di San Francesco al Prato) は、イタリアのルネサンス期の画家、ピエトロ・ペルジーノによる1499年ごろの絵画である。ローマのヴァチカン美術館に所蔵されている。作品は、ペルジーノの芸術の典型的な形式に則っている。復活したイエスは、天使の間にある上部のマンドルラ (アーモンド型の楕円形枠) の中に描かれている。画面下の部分は、背景となっている風景の中に、開いた石棺と数人の古代ローマの兵士を表している。同様の形式に則っている別の例として、ペルージャのコッレージオ ・デル ・カンビオにある同時代の『キリストの変容』がある。復活の象徴である旗を掲げたキリストの姿は、ペルジーノの成熟期の典型的な調和と柔和さを備えており、細やかに描写のされた胸部と深い襞のある明るい色彩の布地が目を引く。キリストの両脇の二人の天使は左右対称で、画家とその工房により描かれたボローニャにある『聖人といる栄光の聖母』など他の作品と同じ下絵をもとにしている。石棺の蓋は、幾何学的な遠近法に則って正しく描かれている。兵士たちはまた、兜の空想的な紋章などが注意深く詳細に描かれており、そうした兵士の描写はコッレージオ ・デル ・カンビオのフレスコ画にも見られる。
Title: サン・フランチェスコ・アル・プラートの復活 (San Francesco al Prato Resurrection)
Section: 歴史

絵画の名称は、本来置かれていたペルージャのサン・フランチェスコ・アル・プラート教会に由来している。1499年に着手され、1501年ごろに仕上げられたと考えられている。フランスのナポレオンによるイタリア侵攻後の芸術作品略奪の最中に、本作はパリに運ばれた。 1815年にイタリアに返還され、以降バチカン美術館の絵画館に展示されている。美術史家のジョヴァンニ・バッティスタ・カヴァルカセッレによれば、当時ペルジーノの助手だったラファエロは、本作の制作において主要な役割を果たした。ただし、この見解は、他の大半の美術史家によって一般的に否定されている。
Title: サン・フランチェスコ・アル・プラートの復活 (San Francesco al Prato Resurrection)
Section: 参考資料

フィリッピ・リッピ絵画修復サイトのページ(イタリア語)
Title: 星座に向かって飛び立つ手 (Hands Flying off Toward the Constellations)
Section: abstract

『星座に向かって飛び立つ手』（せいざにむかってとびたつて、英: Hands flying off toward the constellations）はジョアン・ミロが1974年1月19日に描いた絵画であり、現在バルセロナのミロ美術館で展示されている。ミロはこの美術館が開館した1975年6月にこの絵を寄贈した。
Title: 星座に向かって飛び立つ手 (Hands Flying off Toward the Constellations)
Section: 背景

ロサ・マリア・アレはこの時期の作品について次のように述べている。
Title: 星座に向かって飛び立つ手 (Hands Flying off Toward the Constellations)
Section: 展示

1974年 - パリ、グラン・パレ1975年 - バルセロナ、ミロ美術館2011年10月に開催された展覧会『ジョアン・ミロ：脱出の梯子』で展示された。
Title: 星座に向かって飛び立つ手 (Hands Flying off Toward the Constellations)
Section: 関連文献

Cirici, A (1977), Miró Mirror, Barcelona: Polígrafa, pp. no. 45, p.60 Clavero, Jordi.J (2010), Fundació Joan Miró. Foundation's Guide, Barcelona: Polígrafa, ISBN 978-84-343-1242-5 Dupin, j (1993), Miró, Paris, pp. no. 365, pp 336-337 Gimferrer, P. (1978), Miró , strike without sore, Barcelona: Polígrafa, pp. no.2, p.8 Gimferrer, P. (1993), The roots of Miró, Barcelona: Polígrafa, pp. no.1081, p.394 Malet, MR (1988), Works by Joan Miró, Barcelona: Fundació Joan Miró, pp. no. 1196, p.320  Miró 1956-1983. Feeling, emotion, gesture., Barcelona: Pilar and Joan Miró Foundation, (24 November 2006-25 February 2007), pp. p.16
Title: 聖フランチェスコの聖母 (Madonna and Child with St Francis)
Section: abstract

『聖フランチェスコの聖母』（せいフランチェスコのせいぼ、伊: Madonna di San Francesco, 独: Die Madonna des heiligen Franziskus, 英: Madonna of Saint Francis）は、イタリア、ルネサンス期のパルマ派の画家コレッジョが1514年に制作した絵画である。油彩。主題は聖会話で、コレッジョの最初期の重要作品であるとともに、画家を代表する聖母画の1つである。コレッジョの故郷であるコッレッジョのサン・フランチェスコ教会の高祭壇の祭壇画として制作された。モデナ＝レッジョ公爵フランチェスコ1世・デステのコレクションを経て、現在はドレスデンのアルテ・マイスター絵画館に所蔵されている。
Title: 聖フランチェスコの聖母 (Madonna and Child with St Francis)
Section: 制作経緯

フランチェスコ会のサン・フランチェスコ教会はコッレッジョの中心部にあり、領主のダ・コレッジョ家の埋葬地でもある重要な教会だった。地元の市民クゥイリーノ・ズッカルディ（Quirino Zuccardi）がサン・フランチェスコ教会の祭壇画の制作を条件に、フランシスコ修道会「小さき兄弟会」に遺産を残した。これによりコレッジョに祭壇画が発注されることになった。契約書は1514年8月30日に、画家の父親と、教会によって聖フランチェスコに捧げられたフランチェスコ会修道院の保護者である修道僧ジローラモ・カッタニア（Girolamo Cattania）の同意を得て、画家によって署名された。このときコレッジョは25歳頃であったとされ、若い画家にとって最初の重要な発注であった。コレッジョに支払われた報酬は100ドゥカートであり、最初に半分の50ドゥカートが支払われ、残りは完成後の1515年4月5日に支払われたと記録に残っている。祭壇画を描き上げたコレッジョは聖カタリナの車輪に「ANTO[N]IVS DE ALEGRIS P.」と署名した。『聖フランチェスコの聖母』はコレッジョの最も初期の文書化された作品であり、制作年が明確に分かっていることから初期の作品群を時系列に並べるための基準点となっている。
Title: 聖フランチェスコの聖母 (Madonna and Child with St Francis)
Section: 作品

聖母子は広々とした田園地帯を眺める列柱に囲まれた台座の上の玉座に即位している。玉座は聖母マリアを天上に置き、戴冠式の称号「天と地の女王」に従って宣言され名誉を与えられている。玉座の左側には、ひざまずいているアッシジの聖フランチェスコと、その後ろに百合と本を持ったパドヴァの聖アントニウスが立っている。右側には剣とナツメヤシの葉を持ち、車輪のこしきを踏んでいるアレクサンドリアの聖カタリナと、幼児キリストを指している洗礼者ヨハネが立っている。玉座の下にはプットーとともに楕円形のメダリオンがあり、十戒の石板を持った予言者モーセのレリーフ彫刻が施されている。玉座の赤い土台には『旧約聖書』「創世記」のアダムとイブの物語の3つの場面（アダムの創造、原罪、楽園追放）が描かれていたが、現在はかすれてほとんど見えない。しかしそれによって、コレッジョは天地創造の時代、モーセの時代、その上にキリストによってもたらされた時代の、3つの時代すべてを表現している。コレッジョと同じ名前を持つパドヴァの聖アントニウスはおそらく画家の自画像であり、その場面に加わることに喜びを感じているかのように微笑んでいる。人物は視線や身振りで結びつけられ、それぞれの関係を順序づけている。微笑んでいる聖母マリアはフランチェスコ会の創設者である聖フランチェスコを見つめ、ひざまずいた聖フランチェスコに保護を与えている。聖フランチェスコと聖カタリナは恍惚とした表情で聖母子を見上げ、聖アントニウスは友人である聖人あるいは鑑賞者を見ている。身振りでキリストを指し示している洗礼者ヨハネは、キリストと同様に鑑賞者の側を見つめている。画面は列柱で縁取られ、風景に向かって広がる空間を区切っている。コレッジョがすでに建築学の知識を習得していたことは、遠近法と貝殻のような渦巻き（出産の象徴）を備えた独創的なイオニア式柱頭から明らかである。初期のコレッジョが受けた諸影響は画面から窺うことができる。高い玉座に座る聖母の配置と保護を与える聖母の身ぶりは、ルーブル美術館のアンドレア・マンテーニャの『勝利の聖母』に由来している。聖母の笑顔や、洗礼者ヨハネのポーズおよびキアロスクーロで表現された色調はレオナルド・ダ・ヴィンチの影響が見て取れる。恍惚とした表情の聖人たちはペルジーノ、フランチェスコ・フランチャ、ラファエロ・サンツィオといった画家たちを思い出させ、飛翔する天使やプットーたちにはロレンツォ・コスタ風の気取りが見える。それらは折衷的であるが、鑑賞者を画面に誘い込む新たな造形言語が現れており、コレッジョが以降の画業で見せることになる様々な独創性の兆候を示している点で重要である。
Title: 聖フランチェスコの聖母 (Madonna and Child with St Francis)
Section: 来歴

祭壇画は1636年に、モデナ＝レッジョ公爵フランチェスコ1世・デステによって教会から撤去された。フランチェスコ1世は領土内からコレッジョの作品をかき集めて自身のコレクションに加えており、同時期に『聖フランチェスコのいるエジプトへの逃避途上の休息』（Riposo durante la fuga in Egitto con San Francesco）や『聖セバスティアヌスの聖母』（Madonna di san Sebastiano）、『羊飼いの礼拝』（Adorazione dei pastori）といった重要作品が元の設置場所から移されている。その後、オーストリア継承戦争に巻き込まれたフランチェスコ3世・デステは軍事資金を得るために、1745年から1746年にかけてザクセン選帝侯アウグスト3世にエステ家のコレクションのうち最も優れた100の作品を売却しなければならなかった。こうして本作品を含むエステ家のコレッジョの絵画はことごとくイタリアから失われ、ドレスデンに運ばれた。ただし、それ以前にエステ家のコレクションを離れた『聖フランチェスコのいるエジプトへの逃避途上の休息』はフィレンツェのウフィツィ美術館に所蔵されている。ドレスデンに届いた絵画は額装されていなかったため、バイエルン王女マリア・アントーニアによって1741年にドレスデンに招聘され、宮廷彫刻家に任命されたミュンヘン出身の彫刻家マテウス・クーグラー（Mattheus Kugler）によって新しく額縁が制作された。これらの額縁は高品質の木彫に金鍍金が施され、コレクションに均一な外観を与えている。
Title: 波の中の女 (The Woman in the Waves)
Section: abstract

『波の中の女』（なみのなかのおんな、仏: La Femme à la vague, 英: The Woman in the Waves）は、ギュスターヴ・クールベが1868年に描いた絵画。ニューヨーク、マンハッタンのメトロポリタン美術館に所蔵されている。大きさは65.4×54cmである。
Title: フローラ (Flora (De Morgan))
Section: abstract

フローラ（ラテン語：Flōra）は、ローマ神話に登場する花と春と豊穣を司る女神。日本語では長母音記号を省略してフロラとも表記される。ギリシア神話においてクローリス（Χλῶρις, Chlōris）という名のニュムペーが西風の神であるゼピュロスによってイタリアに連れて来られ、以後花の女神になったといわれており、これが後にフローラと同一視された。また、フローラがマールスの誕生を助けたという説話も残されている。神々の女王ユーノーは、夫のユーピテルが自分でミネルウァを産んだために正妻としての面目を失った。そこでこれに対抗して、自分も一人で立派な子をもうけようと旅に出、フローラのもとを訪れたのだという。そこでフローラは、触れた女が自然に子を身籠もる魔法の花を与えた。これによってユーノーは、ミネルウァに負けない戦士神マールスを産んだという。
Title: ロトとその娘たち (Lot and His Daughters (Vouet))
Section: abstract

『ロトとその娘たち』は、旧約聖書『創世記』に登場するロトとその2人の娘を題材とした作品。ロトとその娘たち (ヴーエの絵画) - 17世紀フランスの画家シモン・ヴーエの絵画。ロトとその娘たち (アルテミジア・ジェンティレスキの絵画) - 17世紀イタリアの画家アルテミジア・ジェンティレスキの絵画。ロトとその娘たち (グエルチーノの絵画) - 17世紀イタリアの画家グエルチーノの絵画。ロトとその娘たち (クラナッハの絵画)
Title: 聖カタリナの神秘の結婚 (Mystic Marriage of Saint Catherine (Parmigianino, Louvre))
Section: abstract

聖カタリナの神秘の結婚（せいカタリナのしんぴのけっこん）聖カタリナの神秘の結婚 (ヴェロネーゼ、アカデミア美術館)聖カタリナの神秘の結婚 (ヴェロネーゼ、国立西洋美術館)聖カタリナの神秘の結婚 (コレッジョ、カポディモンテ美術館)聖カタリナの神秘の結婚 (コレッジョ、デトロイト美術館)聖カタリナの神秘の結婚 (コレッジョ、ワシントン・ナショナル・ギャラリー)聖カタリナの神秘の結婚 (パルミジャニーノ、パルマ国立美術館)聖カタリナの神秘の結婚 (パルミジャニーノ、ロンドン)聖カタリナの神秘の結婚 (プッサン)聖カタリナの神秘の結婚 (フラ・バルトロメオ)聖カタリナの神秘の結婚 (メムリンク)
Title: 陽気な仲間の二人の男と二人の女 (Merry Company with Two Men and Two Women)
Section: abstract

『陽気な仲間の二人の男と二人の女』（ようきななかまのふたりのおとことふたりのおんな、蘭: Gezelschap van twee mannen en twee vrouwen、英: Merry Company with Two Men and Two Women）、または『訪問』（ほうもん、英: The Visit）は、17世紀オランダ黄金時代の画家ピーテル・デ・ホーホが1657年ごろ、キャンバス上に油彩で制作した絵画である。 当時のオランダで人気のあった「陽気な仲間」の主題を表した風俗画の一例である。お互いに仲間同士として楽しんでいる一群の人物を描いているが、肖像画として意図されたものではない。作品は、砂糖製造業で財を成した資本家へイヴマイヤー氏のコレクションにあったが、1929年に氏の遺贈によりニューヨークのメトロポリタン美術館に収蔵された。デ・ホーホは、本作を「フォールハイス (蘭: voorhuis)」と呼ばれる、一番よく日の当たる細長い家の窓側の部屋に設定している。窓の配置と空間の構造は、当時、デ・ホーホがフェルメールと親しく対話をしていたことを明らかにしている。しかし、催淫剤となる牡蠣の皿などの要素は、おそらくデ・ホーホがこの特別な場面を健全な家ではなく、売春宿として意図していたことを示唆している。
Title: 陽気な仲間の二人の男と二人の女 (Merry Company with Two Men and Two Women)
Section: 過去の記述

1910年、本作について研究者のホフステーデ・デ・フロートは以下のように記述した。192. 室内の二人の男と二人の女。ジョン・スミス (美術史家) 34番。人物たちは、部屋の左手の、上半分が上げられている大きな窓の横に集っている。テーブルの左端には少女が立っており、ワインを注いでいる。彼女は、白い毛皮で縁取られた赤い上着、青いスカート、大きな白いエプロンを身に着けている。幅広いカラーの付いた白い服を着て、縁の垂れた帽子を被っている若い紳士がテーブルの後ろに立ち、少女を見ている。彼は、右手で椅子の背もたれに寄りかかり、左手にはパイプを持っている。テーブルの右側には、黒いケープを纏っていて、長いカールした髪が顔を隠している男が座っている。彼は横に座っている少女の腕を取っているが、彼女は警戒しつつも悪戯っぽい表情で彼を見ている。右側の前景には、彼の縁の垂れた帽子が落ちている。右側の背後には、カーテンの付いたベッドがある。ベッドの上には、男の肖像画がかかっており、その横には銘の記されたオランダの港の地図がある。光は左から射している。良い絵で、光と色の扱いにおいて力強く、輝かしい。バーガーはフェルメールの作品だと見なした。1866年の『ガゼット・デ・ボザール』14号の551ページを参照のこと。板絵。縦27インチ、横22と1/2インチ。1833年、ドゥレセール (Delessert) 男爵のコレクション (ジョン・スミス)。売却歴。1869年5月15日、フランソワ・ドゥレセール、36番(150,000フラン)。1883年4月5日、パリの B. ナリシュキーヌ (B.Narischkine) (160,000フラン)。1889年7月1日、パリのウジェーヌ・スクレタン (270,000フラン)。その後、パリのデュラン・リュエルの所有。現在、ニューヨークのへイヴマイヤー・コレクション蔵。
Title: 種まく人 (The Sower (Meunier))
Section: abstract

種まく人（たねまくひと）、種をまく人（たねをまくひと）日本語では「まく」に「蒔く」「播く」などの漢字を充てる表記も用いられる。
Title: 種まく人 (The Sower (Meunier))
Section: 聖書

新約聖書（ルカによる福音書第8章4～15節）の「種をまく人のたとえ」のこと。
Title: 種まく人 (The Sower (Meunier))
Section: 作品名

上記のモチーフを踏まえた、以下の作品の名。
Title: 種まく人 (The Sower (Meunier))
Section: 作品名
Subsection: 絵画

種をまく人 (ミレー)（Le Semeur） - ジャン＝フランソワ・ミレーによる絵画。『種まく人』とも。ほぼ同じ構図の2枚があり、ボストン美術館と山梨県立美術館に所蔵されている。種まく人（Der Sämann） - フィンセント・ファン・ゴッホによる絵画。上記ミレー作品の模写を起点に、多数の同名作品がある。フィンセント・ファン・ゴッホの作品一覧参照。
Title: 種まく人 (The Sower (Meunier))
Section: 作品名
Subsection: 文学

種をまく人 (フライシュマン)（Seedfolks） - ポール・フライシュマンの児童向け小説。
Title: 種まく人 (The Sower (Meunier))
Section: 作品名
Subsection: 映画

種をまく人 (映画) - 2019年公開の日本映画。上記ゴッホの手紙を題材としている。
Title: 種まく人 (The Sower (Meunier))
Section: その他

種蒔く人 - 大正期の日本で短期間発行された文芸雑誌。種まく人 - プリマス植民地における初期入植者たちの自称、Planters の訳語のひとつ。
Title: 若い貴紳の肖像 (Portrait of a Young Nobleman)
Section: abstract

『若い貴紳の肖像』（わかいきしんのしょうぞう、西: Retrato de caballero joven、英: Portrait of a Young Nobleman）は、クレタ島出身のマニエリスム期スペインの巨匠エル・グレコが1600–1605年にキャンバス上に油彩で描いた肖像画である。長い間、作品は詩人のバルタサール・エリシオ・デ・メディニーリャを表したものだと考えられていたが、現在では否定されており、モデルは不明である。この肖像画は、エル・グレコがヴェネツィアにいた間に知っていたティツィアーノとティントレットの肖像画に影響を受けていると思われる。1834年以降、マドリードのプラド美術館に所蔵されている。
Title: 若い貴紳の肖像 (Portrait of a Young Nobleman)
Section: 作品

本作の制作年代に関しては、現在でも研究者の間で意見が分かれており、コッシオ (Cossio) はエル・グレコの生涯の最後の10年間 (1604-1614年) に位置づけている。それよりもう少し早い時期とする説が最も有力で、マイヤー (Meyer) は1597-1603年ごろ、ゼ―ナー (Soehner) は1603-1605年と主張している。ウェゼーやアルバレス・ロベーラも1600-1605年ごろとしている。本作に見られる、17世紀初頭のエル・グレコの様式的特徴である即興的で自由な仕上げと、ためらいのない筆致、赤みを帯びた色調からも妥当な制作時期であろう。本来、この絵画はマドリード近郊のエル・パルドにあるアルコ公爵の別荘の「13番目の夏の部屋」に置かれていたことがわかっている。この別荘は、公爵の未亡人からフェリペ5世 (スペイン王) と王妃エリザベッタ・ファルネーゼに贈られた離宮である。カルロス3世 (スペイン王) の死後、1789年から1794年に作成された目録には、エル・グレコ作として記載されている。半身像で描かれたモデルの若い男性は、身体をわずかに左に向け、黒い大きな目で鑑賞者を注視している。淡黄色と金色の入り混じった立派なヤギひげが、額を大きく見せた短髪やくっきりとカーブを描く眉の黒さと対比をなす。身に纏っている胴衣は細い紐と銀のボタンで飾られた黒いベルベット製で、左肩にはドイツ風の小さなマントを掛けている。大きな白いひだ襟は、首と胴体を切り離してしまうことなく丹念に柔らかく描かれている。栗色の色調の背景は、単調さを避けるためところどころに施された灰色、黒、茶、深紅色のタッチで微妙なニュアンスが与えられている。地中海的風貌のこの魅力的な男性像は、多くの批評家、美術史家を感嘆させてきた。彼らは人物の相貌の中に「静穏で確かな美」 (コッシオ) の表現を認めたのである。また、カモン・アスナールは、「エル・グレコが描き出したスペイン的魂」という、画家の同様の肖像画に対して繰り返されてきた見方にそって、本作の中に穏やかな生粋の優美さを持つトレドの郷士の姿を看取したのであった。
Title: フェインチェ・ファン・ステーンキステの肖像 (Portrait of Feyntje Steenkiste)
Section: abstract

『フェインチェ・ファン・ステーンキステの肖像』（フェインチェ・ファン・ステーンキステのしょうぞう、蘭: Portret Feyntje van Steenkiste、英: Portrait of Feyntje van Steenkiste）は、17世紀オランダ黄金時代のハールレムの巨匠フランス・ハルスが1635年頃、キャンバス上に油彩で制作した肖像画である。 彼女の夫である『ルーカス・デ・クレルクの肖像』 (アムステルダム国立美術館) の対となる肖像画であると考えられている。作品は、アムステルダム国立美術館に所蔵されている。
Title: フェインチェ・ファン・ステーンキステの肖像 (Portrait of Feyntje Steenkiste)
Section: モデル

フェインチェ・ファン・ステーンキステは、メノー派の炭酸カリウム商人の娘としてハールレムで生まれ、1626年1月8日にルーカス・デ・クレルクと婚約した。彼らは、3人の子 (ヤネケ、パスヒーナ、ピーテル) をなし、ピーテルは父親の会社でともに仕事をした。フェインチェは1640年3月3日に埋葬され、ルーカスは同年、9月18日に再婚した。
Title: フェインチェ・ファン・ステーンキステの肖像 (Portrait of Feyntje Steenkiste)
Section: 作品

『フェインチェの肖像』は、1622年、彼女が18歳の時にルーカスと結婚してから9年後に描かれた。ハルスの他の女性の結婚肖像画と違い、フェインチェは、レースのリストカラーのない、質素なメノー派のドレスを身に着けている。しかし、そのドレスには多くのボタンが付いており、高価なカットを示すプリーツがある。彼女の石臼型のカラーは、特別に堅い8の字結びで目立っている。髪の毛は、レースの縁取りのある有翼のカチューシャ付き帽子で覆われている。彼女は、宝石類はまったく身に着けておらず、ハルスの別の、名の知られていない女性の肖像に類似している。ハルスの特徴を示しているのは、伸びやかな絵具の塗り方であり、特にフェインチェのテには未完成かと思えるほど大胆な筆致が見て取れる。右手の関節や指のハイライトは立体感をありありと表現しているが、近づいてみれば、ほんのわずかな絵具を素早いタッチで塗っているに過ぎない。
Title: フェインチェ・ファン・ステーンキステの肖像 (Portrait of Feyntje Steenkiste)
Section: 1630年代のハールレムの2人のメノー派花嫁

『フェインチェの肖像』は、1910年に研究者のホフステーデ・デ・フロートにより以下のように記述された。166番。フェインチェ・ファン・ステーンキステ (1604年生まれ)、ルーカス・デ・クレルクの妻。M. 25。4分の3身体像。等身大。やや左側を向いているが、ほとんど鑑賞者の正面に立っている。鑑賞者を見ている。左手には椅子がある。手袋を持っている手は、身体の前で重ねられている。白い帽子を被り、小さな白い襞襟を着け、袖にはわずかのレースが付いている。165番と色彩は類似している。手は、特別に幅広い筆致と正確さで描かれている [165番参照]。左側に、「AETAT SVAE 31. ANo 1635」の記述あり。キャンバス、縦49インチ、横37インチ。モース (Moes) の「Iconographia Batava, No. 7550」を参照のこと。C.E.タウレルにより版画化。1891年、デ・クレルク家よりアムステルダム市に寄贈。1907年、アムステルダム国立美術館に収蔵。目録番号1087。1891年より寄託展示。ホフステーデ・デ・フロートは、本作を『ルーカス・デ・クレルクの肖像』の対作品としてリストに載せた。1974年、シーモア・スライヴは両作を対作品とし、ルーカスが椅子の背に非常にゆったりと身体をもたせかけていることと、フェインチェの髪覆いが、ハルスの作品も含め1630年代の女性の髪覆いに類似していることに言及した。
Title: 割礼_(シニョレッリ) (The Circumcision (Signorelli))
Section: abstract

『割礼』（かつれい、伊: Circoncisione）は、イタリアのルネサンス期の画家ルカ・シニョレッリが1490〜1491年ごろに制作したイエス・キリストの割礼の絵画である。1882年にロンドンのナショナル・ギャラリーに購入された。
Title: 割礼_(シニョレッリ) (The Circumcision (Signorelli))
Section: 概要

割礼はイエスの命名の機会でもあり、割礼以前のカトリックの信仰はイエスの聖名に重点が置かれている。この作品は、ヴォルテッラのサン・フランチェスコ教会の割礼礼拝堂の祭壇 （シニョレッリがメディチ家のために仕事をしていた）のために、地元の「イエスの聖名の同心会」によって委託された。同主題の多くのルネサンス絵画のように、画面の後部に抱神者シメオンを含めることで、神殿奉献の場面と組み合わせ、主題を膨らませている。ルネサンスの美術史家であり、芸術家であったジョルジョ・ヴァザーリは絵画を見たが、湿度によって損傷を受けたと記した。幼子イエスはソドマにより描き直された。背景は多色の玉が付いた豪華な壁龕で形成され、2つのメダリオンが一人の預言者とシビルの巫女を表している。聖書に記載されているイエスの割礼から取られた混雑した場面である以上に、本作はおそらく、シニョレッリの師匠、ピエロ・デラ・フランチェスカによる『ブレラ祭壇画』から引用されたものである。左側の男性の衣服の縞模様は当時の流行で一般的であり、シニョレッリ自身による『鞭打ちの旗』（ブレラ美術館）など、いくつかの同時代の絵画で見ることができる。
Title: ミス・ベンサム (Miss Bentham)
Section: abstract

『ミス・ベンサム』(Miss Bentham) は、1906年にアメリカ合衆国の画家ジョージ・ベローズが制作した、ヌードの女性の立ち姿の全身を背後から捉えた油彩画。2015年に、イングランドのバーミンガムにあるバーバー美術館が取得した。
Title: ミス・ベンサム (Miss Bentham)
Section: 経歴

ベローズは、初めてのヌード作品である本作を、1906年に制作し、生涯これを売ることはしなかった。画家が死去した時も、この絵は画家のアトリエにあったが、未亡人は1985年にアンディ・ウォーホルへこの絵を売った。1987年にウォーホルが死去すると、匿名の収集家がこれを買い、この人物が仲介業者のコリサート (Collisart) を介して、バーバー美術館に売却した。美術館は、程なくしてこの作品を展示公開したこの作品は、バーバー美術館が購入した、最初のアメリカ人による作品であり、ベローズの作品がイギリスの公開コレクションに入った2点目であった。美術館のために、この絵を購入したヘンリー・バーバー財団 (Henry Barber Trust) の理事長ヒュー・カーズレイク (Hugh Carslake) は、次のように述べている。
Title: 猫とウナギを持つ少年と少女 (A Boy and a Girl with a Cat and an Eel)
Section: abstract

『猫とウナギを持つ少年と少女』（ねことウナギをもつしょうねんとしょうじょ、蘭: Twee kinderen met een kat en een hazelworm、英: A Boy and a Girl with a Cat and an Eel）は、オランダ黄金時代の女性画家ユディト・レイステルが1635年頃にキャンバス上に油彩で制作した絵画である。作品は1943年、C・F・リーチ (C.F. Leach) によりロンドンのナショナル・ギャラリーに寄贈された。
Title: 猫とウナギを持つ少年と少女 (A Boy and a Girl with a Cat and an Eel)
Section: 諺と教訓

本作については、異なる研究者によって様々な解釈がある。ニール・マクラレン (Neil McLaren) のような研究者は、「何かを持っているからといって、それにしがみつくな」という意味のオランダの諺「ウナギを尾で掴む」(Een aal bij de staart hebben) を表していると主張している。 シンシア・コルテンホルスト＝フォン・ボーゲンドルフ・ルパラート (Cynthia Kortenhorst-Von Bogendorff Rupprath) によれば、この道徳的解釈は、画中の指を振っている少女が鑑賞者と目を合わせていることによって裏付けられるということである。その他にも、オランダの他の諺に言及しているという解釈や、17世紀のオランダの祭における余興であるカトヌペレンのケルミス (kermis of katknuppelen) 、すなわち、棍棒による猫叩きであるという解釈もある。子供が猫を苦しめたり、猫に引っかかれたりする描写は、この時期のオランダでは人気のあるもので、オランダの諺「彼は、猫にいたずらをする」(Hij doet kattekwaad)、または、いたずらをするか口論する子供に言及する諺「それは、猫の遊びで終わる」（t Liep uit op katjesspel) を示唆するものなのかもしれない。いずれにしても、「猫と遊ぶものは引っかかれる」、すなわち、「災いを探せば、災いがふりかかる」という古くからのオランダの教訓がレイステルの絵画を触発しているように思われる。
Title: 猫とウナギを持つ少年と少女 (A Boy and a Girl with a Cat and an Eel)
Section: 作品

レイステルの夫であるヤン・ミーンセ・モレナール は、本作のような図像を自身の集団肖像画『ライクハーフェル＝ファン・デル・ラーン一家』（Portrait of the family Ruychaver-Van der Laen、1629–30年頃、ファン・ローン博物館、アムステルダム) に含めている。画面では、爪で引っかこうとしている猫を尾で掴んでいる少年が、少女の側に猫を差し出して彼女を困らせており、少女は、引っかかれた手をかばいながら逃げている。これらの役割がレイステルの絵画では反対になっていて、猫の尾を引っ張っているのは少女で、悲劇はまだ起きていない。彼女の視線と揺れている指により、彼女の行動がどんな結果をもたらすか解釈するのは、おそらく鑑賞者に委ねられている。また、画中のウナギを「猫用ウナギ」 (kat aal) 、すなわち食用に適さず、猫に餌として与えられたウナギだと解釈する研究者もいる。この場合、猫を誘導して掴んでいるのは少年であり、その結果を受けるのは彼だということになる。少年は半分やましく、半分恥知らずな表情をしており、どこまでいたずらできるか試しているようにみえる。当時のオランダの絵画では、少女は模範を示すべきものと期待されていたが、本作では、少年が少女の行動を逸脱させている。彼女の目つきは邪悪で、指は猫の尾に巻き付き、尾を引っ張ろうとしている。別の解釈では、少女は指を振って、猫をいじめた少年を叱責していることを鑑賞者に理解させようとしているという。かくして、少女は、尾を引っ張られることにより神経を逆なでられ、少年か少女を引っかきそうになっている猫への自身のいたずらから鑑賞者の注意を逸らしているのである。本作のような作例はオランダの他の絵画にもあり、詩でもヤーコプ・カッツ (Jacob Cats) の著作『子供たちの遊び』(Kinderspel) がある。この本は、子供たちをからかいの対象として、また大人に道徳を教える対象として登場させており、フリーマ・フォックス・ホフリクター (Frima Fox Hofrichter) は、本作はこの種のカテゴリーに属すものであると述べている。実際、この作品は愉しいエンターテインメントであると同時に戒めであると考えられてきた。
Title: ウルカヌスに驚かされるヴィーナスとマルス (Mars and Venus Surprised by Vulcan)
Section: abstract

『ウルカヌスに驚かされるヴィーナスとマルス』（独: Vulkan überrascht Venus und Mars, 英: Mars and Venus Surprised by Vulcan）は、ルネサンス期のイタリアのヴェネツィア派の巨匠ティントレットが1555年ごろに制作した絵画である。単に『ヴィーナスとマルスとウルカヌス』などの名でも呼ばれる。油彩。主題はホメロスの叙事詩『オデュッセイア』やオウィディウスの『変身物語』で語られている女神アプロディテとアレス（ローマ神話のヴィーナスとマルス）の情事であり、妻であるアプロディテの浮気を疑うヘパイストス（ウルカヌス）を描いた本作品はティントレットの独創性にあふれた神話画として知られている。現在はミュンヘンのアルテ・ピナコテークに所蔵されている。またベルリン美術館に本作品の準備素描が所蔵されている。
Title: ウルカヌスに驚かされるヴィーナスとマルス (Mars and Venus Surprised by Vulcan)
Section: 主題

神話によるとアプロディテはヘパイストスという夫がありながら、夫の兄弟のアレスと密通した。しかし両者の関係はヘパイストスの知るところとなった。技術に長けたヘパイストスは激怒し、復讐のために目に見えない金属の網を使った罠を寝室のベットの周りに仕掛けると、アプロディテとアレスは夫のいない間にベッドで逢瀬を楽しもうとして、罠に掛かり、網に捕らえられて身動きができなくなった。2人はあられもない姿を神々の目にさらされて大いに恥をかいたが、ヘルメスはアプロディテの相手が出来るなら恥くらいさらしてもいいと話した。その後、両神はポセイドンの仲裁でようやく解放されたという。
Title: ウルカヌスに驚かされるヴィーナスとマルス (Mars and Venus Surprised by Vulcan)
Section: 作品

ティントレットは寝室に突如現れた夫ヘパイストスに驚くアプロディテとアレスを描いている。ヘパイストスは妻の浮気を疑っているのだろう。直前まで逢瀬を楽しんでいたアプロディテは何事もなかったかのように平然とした態度でベッドに横臥しているのに対し、ヘパイストスが女神の衣服を持ち上げる動作はまるで浮気の証拠を女神か、あるいはベッドの上に探しているかのようである。ところが浮気の確かな証拠は別の場所に明確に描かれている。すなわち背景に描かれた丸い鏡は、実は磨き抜かれたアレスの盾であり、ヘパイストスはそのことに気づかないままベッドの上から証拠を見つけ出そうとしている。さらに浮気相手のアレスは間一髪でテーブルの下に身を潜ませているが、顔を出して、威嚇する犬を何とか落ち着かせようとしている。エロス（キューピッド）は窓辺のゆりかごに横たわり、眠ったふりをしている。本作品はホメロスやオウィディウスで語られている神話を独自の解釈で描いている。ティントレットはアプロディテとアレスの密会を描きつつ、その現場に妻の浮気に気づきつつも証拠をつかんでいないヘパイストスを登場させ、艶笑劇の一幕のような場面を描いている。対角線上に人物像を配置し、遠近法を強調しながら、やや上方から見下ろす構図はティントレットの特徴をよく示している。加えて背景の盾＝鏡に風景を映し出すことによって、空間の奥行きをさらに延長させている。おそらくティントレットは関節人形ないし蝋人形を木製の舞台に置いて人物配置の全体構図を練ったと思われる。色彩は鮮やかであり、その筆致はなめらかである。アプロディテのベッドに細やかな装飾を描き込んでいる半面、室内の建築構造のディテールを省略することで人物像を際立たせている。制作年代は1540年から1580年まで諸説あるが、一般的には1550年代とされ、最近では1540年ごろまで遡らせる説が唱えられている。
Title: ウルカヌスに驚かされるヴィーナスとマルス (Mars and Venus Surprised by Vulcan)
Section: 来歴

かつては17世紀にイングランドで活躍した肖像画家ピーター・レリー卿が所有していた。1682 年にデヴォンシャー公爵に67ポンドで購入され、1840年までデヴォンシャーに留まっていた。その後、ミュンヘンの肖像画家フリードリヒ・アウグスト・フォン・カウルバッハのコレクションを経て、1925年にバイエルン州によって購入された。
Title: 盲人の治癒_(エル・グレコ、ドレスデン) (Healing of the Man Born Blind (El Greco, Dresden))
Section: abstract

『盲人の治癒』（もうじんのちゆ、西: La curación del ciego、英: Healing of the Man Born Blind) は、ギリシャ・クレタ島出身であるマニエリスム期のスペインの巨匠エル・グレコが板上にテンペラで制作した『新約聖書』主題の作品である。画家は1576年の後半、スペインに渡ったが、本作は画家がヴェネツィアに滞在していた1567-1570年頃に描かれた。同主題の作品は3点あり、本作がもっとも初期のもので、続いてメトロポリタン美術館所蔵の『盲人の治癒』、最後にパルマ国立美術館所蔵の『盲人の治癒』がローマで描かれたと思われる。現在、本作はドレスデンのアルテ・マイスター絵画館に所蔵されている。
Title: 盲人の治癒_(エル・グレコ、ドレスデン) (Healing of the Man Born Blind (El Greco, Dresden))
Section: 主題

イタリア時代のエル・グレコの作品の中で、対抗宗教改革運動との関係、そして透視図法を駆使した構図という視点から特に注目される主題として「神殿を浄めるキリスト」と「盲人の治癒」がある。イエス・キリストが盲人の目を開くというこの奇跡の物語は『新約聖書』中の「マタイによる福音書」(20章29-34) を初め「マルコによる福音書」、「ルカによる福音書」に記述されている。「盲人の治癒」は中世以来、写本の挿絵や彫刻作品に登場しているが、「盲目」とは本来、「不信仰」を、またその「治癒」により「光」を与えることは真の「信仰」の啓示を象徴することから、対抗宗教改革の時期になると、この主題には不信仰の人々、あるいはプロテスタントの教義によって盲目にされた人々をカトリックのローマ教会が真の信仰に導くという新解釈が与えられ、ローマ教会の強い支持を得ることになった。
Title: 盲人の治癒_(エル・グレコ、ドレスデン) (Healing of the Man Born Blind (El Greco, Dresden))
Section: 作品

同時代のイタリアで美術の研鑽を積んでいたエル・グレコにとって、この主題のように戸外で多くの人々が展開する場面を描くことは実験と試行錯誤の機会であったと考えられる。本作を含む同主題の3作品は、画家が16世紀ヴェネツィア派の巨匠ティントレット、ティツィアーノから熱心に学び取った成果を表し、かつてはヤコポ・バッサーノ、ヴェロネーゼ、ティントレットの作品と見なされたこともある。エル・グレコは、これらの作品で遠近法の欠如している故郷クレタ島のビザンチン美術の様式を放棄し、線遠近法によって特徴づけられる空間を用いている。また、16世紀の建築書や古代ローマの浴場跡をモデルとした建築モティーフを背景に、左右2つの群像を描く構図は画家の3点の同主題ヴァージョンに共通である。3作の中で、もっとも初期のヴェネツィア時代の制作であると見られる本作には、そのことを裏付けるように板にテンペラという技法、画面手前の段差部分に置かれた袋や犬などのヴェネツィア的なモティーフが用いられている。版画から引用した人物に硬さが残っているところもヴェネツィア時代の制作であることを示している。とはいえ、作品は均衡のある構図が特色である。それは、キリストが片肌を脱いだ乞食のような盲人の目に手を触れるというメイン・テーマが左手に描かれ、盲人を制止しようとする弟子たちが広い空間を挟んで右手に描かれていることで達成されている。このような本作に対し、パルマ国立美術館にある作品は、背中を見せた半裸の人物像のポーズ、画面の不均衡、遠近法の誇張などにマニエリスム美術の影響が見られる。さらに、線遠近法の消失点にディオクレティアヌス帝の浴場跡を使用していることから、明らかに画家のローマ時代の制作であると見られる。
Title: 鏡の前の裸の若い女性 (Naked Young Woman in Front of a Mirror)
Section: abstract

『鏡の前の裸の若い女性』（かがみのまえのはだかのわかいじょせい、伊: Giovane donna nuda allo specchio）は、ジョヴァンニ・ベッリーニによるポプラ板上の油彩画である 。1515年に制作された、画家の最後の作品のうちの一点である。ジョルジョーネによって導入されたトーナリズム（色調主義）に画家が反応していることを示している。 1638年にハミルトンの初代公爵であるジェームズ・ハミルトンに売却され、その家族に所有されていたが、1659年にオーストリアのレオポルト・ヴィルヘルムによってブリュッセルで購入された。現在は、ウィーンの美術史美術館に収蔵されている。作品中の窓のモチーフ、透明なガラス瓶、そして椅子の上の布地などはフランドル絵画からの借用である。宗教的主題の作品を主に手掛けたジョヴァンニ・ベッリーニにとって、裸体の女性という主題は異例のものであった。それでも本作の女性像は、ティツィアーノの同時代の作品に見られる官能性が欠如している。本作には女性が手にしている鏡だけでなく、背後にも鏡があり、複数の視点を表現している。これは絵画と彫刻のどちらが優位性を持つかというルネサンス時代の議論に関わるものであり、絵画は彫刻を凌ぐことなないとしても同等の視覚的豊かさを持っているという主張である。
Title: リンゴを持つ女性 (Woman Holding an Apple)
Section: abstract

『リンゴを持つ女性』（リンゴをもつじょせい、伊: Donna che tiene una mela, 英: Woman Holding an Apple）あるいは『女性の肖像』（じょせいのしょうぞう、伊: Ritratto di signora, 英: Portrait of a Lady）は、イタリアの盛期ルネサンスのヴェネツィア派の巨匠ティツィアーノ・ヴェチェッリオが1550年から1555年頃に制作した絵画である。キャンバス上に油彩。1939年にサミュエル・H・クレスから寄贈されて以来、ワシントンD.C.のナショナル・ギャラリー・オブ・アートに所蔵されている。
Title: リンゴを持つ女性 (Woman Holding an Apple)
Section: 作品

モデルの女性は4分の3の身体像で、左側を向き鑑賞者を見つめつて立っている。長い金髪の髪で、色白の肌をしており、胴体の前で組んだ手にはリンゴを持っている。リンゴは芸術においてしばしば女性の官能性を象徴する。彼女は髪に花輪を飾り、宝石の付いた縁飾りのある緑色の服を長袖の金糸の縁のある白いドレスの上に纏っている。かつて作品のモデルについて、何人かの候補が挙げられていた。1940年に『アート・ニュース』 で『緑色の服を着た女性、おそらくトラエエット公爵夫人ジュリア・ディ・ゴンザーガ＝コロンナ』（Portrait of a Lady in Green, presumably Giulia di Gonzaga-Colonna, Duchess of Traeetto）として紹介された。1941年に美術商デュヴィーン・ブラザーズ（Duveen Brothers, Inc.）は、作品を『ジュリア・ディ・ゴンザーガ＝コロンナ（推定）の肖像』 と名付けた。モデルはまたティツィアーノの娘のラヴィニア・ヴェチェッリオ（Lavinia Vecellio）や、キプロスの女王カタリーナ・コルナーロであるとも考えられた。ラヴィニアはティツィアーノの絵画のために何度かモデルをしていることが知られている。現在、作品の女性を実在する同時代のイタリア貴族の女性に同定することは受容されておらず、いかなる歴史的文献によっても支持されるものではない。実際、当時のヴェネツィア派の画家たちは若く美しい女性の絵画を多く描いたが、それらの女性像が同時代の実際の女性を表しているのか、それとも女性の理想像なのかははっきりとしない。そのような女性像は当時のヴェネツィアの娼婦を表している可能性もあるが、娼婦が実際に本作のようにモデルとして立ったという証拠はない。それよりもむしろ、特定の女性を表した伝統的な肖像画ではなく、作品を依頼した男性の顧客に訴える甘美で官能的な女性の理想美を表したものである可能性がある。美術史家ポール・ジョアニデス（Paul Joannides）とルパート・フェザーストーン（Rupert Featherstone）によると、本作品は『アレクサンドリアの聖カタリナとしてのカタリーナ・コルナーロの肖像』（Portrait of  Caterina Cornaro as Saint Catherine of Alexandria）から派生したと考えられている。この作品は現存しておらず、1542年に制作された工房による複製がウフィツィ美術館に所蔵されている。両作品の構図は非常に類似しているが、モデルは匿名化され、官能的に描かれており、工房あるいは工房との協力によって制作された一連の『ラ・ベッラ』の原型になったと考えられる。科学的な分析により、本作品からロンドンのアプスリー・ハウス所蔵の『バラの花輪を持つ若い女性』（A Young Woman Holding Rose Garlands）が派生したことが分かっている。
Title: リンゴを持つ女性 (Woman Holding an Apple)
Section: 作品
Subsection: 帰属

帰属についてはやや疑問視されており、ウィルヘルム・エミル・スイダ、バーナード・ベレンソン、ロドルフォ・パッルッキーニ、フランチェスコ・ヴァルカノーヴァ（Francesco Valcanover）はティツィアーノの作品として受け入れたものの、オスカー・フィッシェルはティツィアーノの工房作としており、デトレフ・フォン・ハーデルン、ハロルド・ウェゼイは後の追随者による質の低い模倣作であると見なした。さらにハンス・ティーツェとエリカ・ティーツェ・コンラートはティツィアーノへの帰属を否定している。ただし保存状態の悪さを考慮すると否定的な見解は厳しいものであるといえる。
Title: リンゴを持つ女性 (Woman Holding an Apple)
Section: 作品
Subsection: 制作年代

制作年代については、ジョルジョ・タリアフェッロ（Giorgio Tagliaferro）は1550年代後半を示唆したが、スイダ、パッルッキーニ、ヴァルカノーヴァはその少し前の1550年から1555年頃としており、ピーター・ハンフリー（Peter Humfrey）も後者の説をより正確と考えている。様式上の理由から1540年代後半であるという可能性も否定できない。
Title: リンゴを持つ女性 (Woman Holding an Apple)
Section: 来歴

本作品はおそらく17世紀にリシュリュー枢機卿の顧問であったミシェル・パティチェッリ・デメリのコレクションとしてパリにあり、義理の息子ルイ・フェリポー・ド・ラ・ブリリエール（Louis Phélypeaux de La Vrillière）に相続された。その後の来歴は不明である。19世紀に姿を現した絵画はジョージ・ウィルブラハムのコレクションとして、チェシャー州ノースウィッチのダラメール・ハウス（Delamere House）で記録された。絵画はジョージ・ウィルブラハム以降3代にわたって相続されたのち、1929年1月に美術商デュヴィーン・ブラザーズが購入。1938年にニューヨークのサミュエル・H・クレス財団に売却され、翌1939年にナショナル・ギャラリー・オブ・アートに寄贈された。
Title: 聖母の被昇天 (Assumption of the Virgin (Rosso Fiorentino))
Section: abstract

聖母の被昇天（せいぼのひしょうてん、英: Assumption of Mary）とはカトリック教会の用語で、聖母マリアがその人生の終わりに、肉体と霊魂を伴って天国にあげられたという信仰、あるいはその出来事を記念する祝日（8月15日）のこと。1950年、当時のローマ教皇ピオ12世のエクス・カテドラ宣言によって正式に教義とされた。キリストが自らの力で能動的に「昇天」（ascensione、アッシェンシオーネ）したのに対し、聖母マリアは聖霊の力で受動的に昇天したので、「被昇天」（assunzione、アッスンツィオーネ）と呼称する。