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Title: ポルトガル枢機卿の祭壇画 (Cardinal of Portugal's Altarpiece)
Section: 帰属と制作年

この絵画は、アントニオかピエロ・デル・ポッライオーロ、または両者の共同制作に帰される作品のうちの1つである。1510年にフランチェスコ・アルベルティーニは、本作と他の絵画をピエロだけに帰属したが、 ジョルジョ・ヴァザーリは、2人の兄弟たちを1つの伝記に著した『画家・彫刻家・建築家列伝』において本作と他の作品を両者の共同制作によるものと記述している。バーナード・ベレンソンは本作をすべてピエロの手になるものとしているが、ピエロの才能はアントニオよりずっと劣るとみなしており、意匠はアントニオによるものだとしている。20世紀にはアントニオに本作の制作の多くを帰すことが一般的になったが、近年、アルド・ガッリ (Aldo Galli) によりピエロ1人に帰属されている。ウフィツィ美術館はいまだに兄弟2人に帰属している が、ガッリの様々な作品のピエロへの再帰属は他の美術館において認められている。たとえば、ナショナル・ギャラリー (ロンドン) は現在、所蔵作品の『アポロンとダフネ』をピエロ1人に帰している。枢機卿は1459年に亡くなった。礼拝堂の建造は1462年に始まったが、壁上の銘文は、おそらく祭壇画も含め1466年遅くに完成したことを記している。
Title: ポルトガル枢機卿の祭壇画 (Cardinal of Portugal's Altarpiece)
Section: 背景

皇太子ポルトガルのヤコブは、アヴィス王朝の王子で、ジョアン1世 (ポルトガル王) の孫であった。ヤコブの父ペドロ・デ・ポルトゥガル (コインブラ公) は若い王アフォンソ5世 (ポルトガル王)  の摂政を務めた人物で、アフォンソはペドロの娘 (ヤコブの姉) 、イサベル・デ・コインブラ (1455年没) と結婚した。しかし、1488年にアフォンソが成人に達した時、彼はペドロに非常に反感を抱き、ペドロはすぐに反乱を起こした。当時14歳であったヤコブは、アルファロベイラの戦いで捕虜になり、彼の父ペドロは殺された。ヤコブは最終的に叔母イサベル・デ・ポルトゥガルの懇願により釈放された。彼は彼女の宮廷に赴き、後に聖職者としての人生を始めることとなった。この祭壇画は、新たに建造された礼拝堂において精巧な装飾プロジェクトの1部をなすものであった。ポッライオーロ兄弟は、礼拝堂の他の壁の部分にも絵画を制作するよう委嘱されたが、それには油彩技法も使用され、壁画であるため保存状態はあまりよくない。壁上にあるアントニオ・ロッセリーノ作の石棺の上には大理石製の枢機卿の彫像がある。リンダ・コック (Linda Koch) は、礼拝堂の全体の建築的意匠と装飾が初期キリスト教を喚起させるための試みであり、ラヴェンナにあるビザンチン帝国によって設立された教会に非常に影響を受けていると提言した。リンダ・コック (Linda Koch) は、礼拝堂全体の建築的意匠と装飾が初期キリスト教を喚起させるための試みであり、ラヴェンナにあるビザンチン帝国によって設立された教会に非常に影響を受けていると提言した。祭壇画に関しては、聖人たちの衣服の異例なほどの全体的豪華さ、彼らのむしろ静的なポーズを別とすれば、それぞれが最も貴重で豪華な建築用石材のロータ (rota=円) のに立っている。これらの石材は左から蛇紋岩、斑岩、そして「まだらの黄褐色大理石」で、礼拝堂のコスマテスク様式の床上と、石棺と床表面の間にある墓表面上にある本物の斑岩のロータに呼応しており、過ぎ去った古代の帝国の記念碑を喚起させる。枢機卿の親族は、彼が教会と王家の地位にふさわしい壮大な様式で記念されることを切に望んだ。彼自身の財源ではこれを賄えなかったが、フィレンツェ共和国と彼の家族は葬式、そしてその後何年か礼拝堂建造の費用を出すために援助をした。財源は母親と姉から、しかし主に叔母のイサベル・デ・ポルトゥガルから提供された。彼らをまとめた銀行家の記録から取り決めについてある程度わかっているが、この記録は数十年前にジーノ・コルティ (Gino Corti) により掘り出された古文書の中に収められている。
Title: ポルトガル枢機卿の祭壇画 (Cardinal of Portugal's Altarpiece)
Section: 油彩

現代の技術分析により、絵画には亜麻仁油を使った油彩が用いられていることが明らかになっている。まだイタリアで亜麻仁油は比較的異例であったが、ポッライオーロ兄弟の他の作品にも使われている。
Title: ポルトガル枢機卿の祭壇画 (Cardinal of Portugal's Altarpiece)
Section: 額縁

本来の金箔を施した古典的な額縁は、ジュリアーノ・ダ・マイアーノによるものである。3人の聖人は下部に記されている (S[ANCTUS] VINCENTIVS / S[ANCTUS] IACOBVS AP[OSTVLVS] / S[ANCTUS] EVSTACIVS)。上部に「マルコによる福音書」からの引用がある (VOBIS DATVM EST NOS[S]E / MISTERIVM REGNI DEI; 4章:11  (Et dicebat eis: Vobis datum est nosse mysterium regni Dei")というもので、「そこでイエスは言われた、『あなたがたには神の国の奥儀が授けられている』」。
Title: ブリュッセルの画廊における大公レオポルト・ヴィルヘルム_(プラド美術館) (Archduke Leopold Wilhelm in his Painting Gallery in Brussels (Prado))
Section: abstract

『ブリュッセルの画廊における大公レオポルト・ヴィルヘルム』（西: El archiduque Leopoldo Guillermo en su galería de pinturas en Bruselas, 英: The Archduke Leopold Wilhelm in his Painting Gallery in Brussels）は、バロック期のフランドルの画家ダフィット・テニールスが1651年に制作した絵画である。油彩。本作品は1647年から1656年にかけてスペイン領ネーデルラントの総督であったハプスブルク家の大公レオポルト・ヴィルヘルム・フォン・エスターライヒがブリュッセルで公開した膨大な絵画コレクションの展示風景の1つを描いた作品であり、テニールスは大公のために同様の作品を10点制作した。本作品はそのうちの1つとして、スペイン国王フェリペ4世に贈呈するために制作されたものである。現在はマドリードのプラド美術館に所蔵されている。
Title: ブリュッセルの画廊における大公レオポルト・ヴィルヘルム_(プラド美術館) (Archduke Leopold Wilhelm in his Painting Gallery in Brussels (Prado))
Section: 制作背景

大公は「最初のイラスト入り美術目録」とされるコレクションのカタログ『テアトリウム・ピクトリウム』を制作・公開するにあたり、本作品をはじめとする一連の絵画の制作をテニールスに依頼した。大公はオーストリアに絵画コレクションを持ち帰った後、彼はこのエングレービングの本を出版した。最初に1659年にアントウェルペンで出版され、1673年に再び出版された。処刑された初代ハミルトン公爵ジェイムズ・ハミルトンのイタリア絵画を取得した大公が本作品をスペインのフェリペ4世に贈呈したのは、イタリア絵画の愛好家であり膨大な王室コレクションを所有する彼の叔父を顕彰するためか、あるいはブリュッセルで展示した自身の絵画コレクションを誇示するためと思われる。
Title: ブリュッセルの画廊における大公レオポルト・ヴィルヘルム_(プラド美術館) (Archduke Leopold Wilhelm in his Painting Gallery in Brussels (Prado))
Section: 作品

テニールスは収集した絵画コレクションを宮廷の貴族たちとともに賞賛している収集家としての大公レオポルト・ヴィルヘルム・フォン・エスターライヒを描いている。テニールス自身はテーブルのそばで彫刻を検査している。テーブルの上にはいくつかの彫刻作品と、熱帯産の貝殻が置かれており、当時の博物趣味を伝えている。絵画はいずれも額縁に入れられて、後ろの壁に並べて掛けられている。また前景に一組の絵画が検査のために椅子に立て掛けて並べられている。大公の視線はその中の1枚であるラファエロ・サンツィオの『聖マルガリタと竜』（Saint Margaret and the Dragon）に向けられている。絵画を収めた額縁には制作者の名前が記されており、大公が築き上げた絵画コレクションの一種のカタログとして機能している。たとえば画面右前景に置かれているティツィアーノ・ヴェチェッリオの『ヴィオランテ』（Violante）は「パルマ」と記されており、当時この作品が同じヴェネツィア派の画家パルマ・イル・ヴェッキオの作品と考えられていたことが分かる。ほとんどの作品はイタリア絵画だが、いくつかのフランドル絵画は象徴的な意味において重要である。画面左側ではヤン・ホッサールト（1478年-1532年）の『聖母を描く聖ルカ』（Saint Luke painting the Virgin）がテニールスの芸術的ルーツを明らかにし、右側ではアンソニー・ヴァン・ダイク（1599年-1641年）の『イサベル・クララ・エウヘニアの肖像』（Infantin Isabella Clara Eugenia, portrait as a widow）がブリュッセルにおける大公の宮廷画家の後継者としてのテニールスの地位を暗示している。大公自身の高貴さは帯剣と犬、そして何よりも膨大な絵画コレクションによって示されている。
Title: ブリュッセルの画廊における大公レオポルト・ヴィルヘルム_(プラド美術館) (Archduke Leopold Wilhelm in his Painting Gallery in Brussels (Prado))
Section: 来歴

絵画は1700年にマドリードのアルカサス宮殿の廊下に飾られた。1772年には火災後に再建された新しい王宮に、1814年から1818年に王宮に収められたのちプラド美術館に収蔵された。
Title: ブリュッセルの画廊における大公レオポルト・ヴィルヘルム_(プラド美術館) (Archduke Leopold Wilhelm in his Painting Gallery in Brussels (Prado))
Section: 描かれた絵画のリスト

以下は本作品に描かれた大公のコレクションの有名な絵画のリストである。その全てが『テアトリウム・ピクトリウム』に含まれているわけではなく、1300点から1400点のコレクションのうち、最も貴重な243点のイタリア絵画だけが選ばれた。現在では描かれた作品の多くがウィーンの美術史美術館のコレクションとなっている。
Title: 描く手 (Drawing Hands)
Section: abstract

描く手（えがくて、英語: Drawing Hands）は、オランダの画家マウリッツ・エッシャーによるリトグラフ作品で、1948年1月に初めて印刷された。絵の中には1枚の紙が描かれており、2つの手がその紙に絵を描いている。しかし、その描いている絵は、相手の腕の部分である。すなわち、手を描いている手自体が、自分が描いている他方の手によって描かれたものであるという、自己言及的なパラドックスとなっている。これは、エッシャーによるパラドックスの使用の最も明白な例の一つである。この絵は、ダグラス・ホフスタッターの著書『ゲーデル、エッシャー、バッハ』の中で不思議の環の例として挙げられている。また、ハル・アベルソン、ジェラルド・ジェイ・サスマンらの『計算機プログラムの構造と解釈』では、プログラミング言語のインタプリタにおける、eval関数とapply関数の相互作用の寓話として使用されている。『描く手』は、様々なアーティストたちによって様々な方法で模写されてきた。例えば、ロボットの手がお互いを構築し合ったり、人間の手とロボットの手がお互いに絵を描いたりするのが一般的なオマージュである。ギークやトランスヒューマニズムの文化では、ロボットによる『描く手』の複製が時折制作されている。
Title: レオカディア (La Leocadia)
Section: abstract

レオカディア（西: Leocadia）レオカディア (小惑星) - 小惑星帯の小惑星。レオカディア (聖人) - スペインの聖人。レオカディア・ソリーリャ - スペインの画家、フランシスコ・デ・ゴヤの晩年の友人。レオカディア (ゴヤ) - 上項人物を描いたと思われる、フランシスコ・デ・ゴヤの油彩壁画作品。
Title: 大工の聖ヨセフ (Joseph the Carpenter)
Section: abstract

『大工の聖ヨセフ』（だいくのせいヨセフ、仏: Saint Joseph charpentier, 英: Joseph the Carpenter）は、フランス17世紀の画家ジョルジュ・ド・ラ・トゥールが1642年頃に制作したキャンバス上の油彩画である。パリのルーヴル美術館に所蔵されている。なお、フランスのブザンソン美術館には、この作品の複製が所蔵されている。
Title: 大工の聖ヨセフ (Joseph the Carpenter)
Section: 来歴

1939年、ルーヴル美術館の絵画部門の学芸員であったポール・ジャモは、それまで発見されたラ・トゥール作品を総括する論文の中で15点の絵画と3点の版画を提示したが、これらとは別に美術商のパーシー・ムーア・ターナー (Percy Moore Turner) がイギリスで発見した本作『大工の聖ヨセフ』もラ・トゥールの作品であることを発表した。その後、1948年にパーシー・ムーア・ターナーは亡くなったポール・ジャモを偲んで、作品をルーヴル美術館に寄贈した。
Title: 大工の聖ヨセフ (Joseph the Carpenter)
Section: 解説

本作には、キリスト教の信仰、家族、労働というメッセージが込められている。描かれている人物は、実の子ではないイエスを育てた聖ヨセフと幼子イエスである。17世紀にはフランシスコ会の影響により、聖ヨセフへの信仰が高まっていた。また、幼子として表されたイエスへの崇拝も行き渡っていた。この傾向は、画家の出生地ロレーヌではことに強かった。ラ・トゥールは昼および夜の情景を描いたが、夜の情景を描いた本作は、同時代の風俗を持ち込んでいる点でも光の描写の点でも、イタリアのバロック期の巨匠カラヴァッジョの影響が非常に強くうかがえる作品である。しかし、カラヴァッジョの作品では常にスポットライトのような光が用いられているのに対し、同じ明暗のコントラストが描かれていても、ラ・トゥールの作品ではロウソクにより画面の中に光源を設定していることが多い。本作でも、幼子イエスが手にしているロウソクから光が発せられている。その光に照らされているのは、夜中に仕事をしている聖ヨセフである。聖ヨセフが扱っている木材は、やがてイエスが磔刑になる運命を暗示している。イエスの手の指の隙間から漏れるロウソクの光を、ラ・トゥールは技術を駆使して描いている。大工の聖ヨセフと比べると、イエスは光から生まれた天上の存在のようである。このような自然主義的描写と超越的な存在の組み合わせがこの作品の魅力となっている。色彩の点では、光に輝く褐色、黄土色、赤紫が美しい。
Title: カタルーニャの農夫の頭 (Head of a Catalan Peasant)
Section: abstract

『カタルーニャの農夫の頭』（カタルーニャののうふのあたま）は、ジョアン・ミロが1924年から1925年の間に油彩と鉛筆で制作した、当時の画風を象徴する一連の絵画。この連作が始まった年は、アンドレ・ブルトンが『シュルレアリスム宣言』を発表した年でもある。この連作の一部はパリで制作された。ミロにとって「農夫」とは田園の知恵の象徴であり、カタルーニャ人としての彼のアイデンティティの反映でもあった。ミロ美術館はこの連作の習作をいくつか所蔵している。この作品から読み取れるのは、ミロがその活動歴を通じて故郷との結びつきを保ち続けたという事である。ミロは、リベラ政権によってカタルーニャ語が禁じられたことに反発してこの作品を制作した。またミロはバッシ・カムの田園生活にも影響を受けていた。ミロはこの連作において、『カタルーニャの風景』（別名『狩人』）などで始めた画法をさらに発展させている。この連作の並びは、同じモチーフを次第に単純化させていった過程であると何度か指摘されている。一方クリストファー・グリーンは、これらはただ真っ直ぐに単純化へ向かったのではなく、ミロの内省によるジレンマが画面に現れたのだと述べている。
Title: カタルーニャの農夫の頭 (Head of a Catalan Peasant)
Section: 解説

これらの作品は、カタルーニャの農夫の姿を構成して表現した点で共通する。そこには三角形の頭部、顎鬚、（バラティーナと呼ばれる）赤い帽子といったシンボルが繰り返し現われ、それらが一人の棒状の人物に添えられている。この油彩の連作において、くすんだ青や黄の背景の上に、一人の農夫の姿が描かれた。マルギット・ローウェルによると、ミロは作品の意図をこう述べている。
Title: カタルーニャの農夫の頭 (Head of a Catalan Peasant)
Section: 連作
Subsection: カタルーニャの農夫の頭（1924年）

連作の最初となるこの作品は1924年に描かれ、現在はワシントンのナショナル・ギャラリーに所蔵されている。これは同美術館の Collectors Committee（蒐集委員会、コレクション拡充のための民間人による基金）によって取得された。この作品は「Joan Miro,Tête de Paysan Catalan, 1924」と署名されている。
Title: カタルーニャの農夫の頭 (Head of a Catalan Peasant)
Section: 連作
Subsection: カタルーニャの農夫の頭（1924年）

=
Title: カタルーニャの農夫の頭 (Head of a Catalan Peasant)
Section: 連作
Subsection: カタルーニャの農夫の頭

これは個人蔵であり、連作のうちで最も知られていない作品だが、何度か公に展示されたことがある。ここに描かれる頭部は『カタルーニャの風景』で描かれた狩人の頭部の拡大にも見え、水平線の両端に置かれた目などの構成が、ロボット的な印象を与える。農夫は大きなパイプを咥えている。
Title: カタルーニャの農夫の頭 (Head of a Catalan Peasant)
Section: 連作
Subsection: カタルーニャの農夫の頭

=
Title: カタルーニャの農夫の頭 (Head of a Catalan Peasant)
Section: 連作
Subsection: ギターとカタルーニャの農夫

この作品には、ミロが1920年代の初めにフランスを訪れ、シュルレアリストやダダイストたちと交流するようになってから使い始めた画面構成の手法が見られる。ミロは彼独自の画風を体得し始めていた。この作品では、濃い青を背景とし、赤い帽子を被った農夫の体が描かれている。
Title: カタルーニャの農夫の頭 (Head of a Catalan Peasant)
Section: 連作
Subsection: カタルーニャの農夫の頭（1925年3月10日）

エディンバラにあるこの作品は、4点ある連作のうちの3番目にあたる。これはカタルーニャ人としてのアイデンティティを確かめる、ミロの自画像と解釈することも可能である。これが制作された1925年は、ミロがキュビズムから次第に距離を置き始めた時期にあたる。これはかつてはローランド・ペンローズの個人コレクションだったが、1999年にアート・ファンドとテート・ギャラリーの協力でスコットランド国立美術館が取得し、現在もそこに所蔵されている。
Title: カタルーニャの農夫の頭 (Head of a Catalan Peasant)
Section: 連作
Subsection: カタルーニャの農夫の頭（1925年）

この作品はストックホルム近代美術館に所蔵されている。これは1989年に Gerard Bonnier からの遺産として登録番号 MOM 445 で収められた。さらにそれ以前は Jacques Viot、Galerie Pierre (Loeb)、Private Samling、Marcel Mabille、Svensk-Fransk Konstgalleriet が所有していた。この作品は、連作の他のものよりもやや濃い青が使われている。農夫の目は画面左端にわずかに残るだけで、もはやこの画面から人の頭部をイメージすることはできない。広々とした青を背景として、黒い十字の上に一組の白・黒の星、そして赤く小さなバラティーナ（帽子）が漂う。この作品は、西洋で初めて「虚空」を描いた絵画であろう。
Title: カタルーニャの農夫の頭 (Head of a Catalan Peasant)
Section: 関連文献

Clavero, Jordi.J (2010), Fundació Joan Miró. Foundation's Guide, Barcelona: Polígrafa, ISBN 978-84-343-1242-5  European paintings: an illustrated catalogue, National Gallery of Art, (1985), ISBN 978-0-89468-089-2, https://books.google.co.jp/books?id=0dhLAQAAIAAJ&redir_esc=y&hl=ja 5 October 2011閲覧。 Kramer, Hilton. "Modern Art at the National Gallery." The New Criterion 7, no. 8 (April 1989): 3. 1989Joan Miró; Christopher Green; Rosa María Malet; Fundación Colección Thyssen-Bornemisza, Museo Thyssen-Bornemisza (1997), Joan Miró: Campesino catalán con guitarra, 1924 : 1 de octubre, 1997-11 de enero, 1998, Museo Thyssen-Bornemisza, Fundación Colección Thyssen-Bornemisza, https://books.google.co.jp/books?id=QHHsAAAAMAAJ&redir_esc=y&hl=ja 5 October 2011閲覧。 Dupin, Jacques. Miró. New York, 1962: 162, 166. 1962
Title: ヴァージナルの前に立つ女 (Lady Standing at a Virginal)
Section: abstract

『ヴァージナルの前に立つ女』（ヴァージナルのまえにたつおんな、蘭: Staande virginaalspeelster、英: Lady Standing at a Virginal）は、オランダ黄金時代の画家ヨハネス・フェルメールが1670年から1672年ごろに描いた絵画。キャンバスに油彩で描かれた作品で、ロンドンのナショナル・ギャラリーが所蔵している。ヴァージナルを演奏する豪奢なドレスを着た女性が描かれた作品である。床はタイル張りで、壁には2点の絵画がかけられている。フェルメールが住んでいたデルフトで作られたデルフト陶器の、他の作品にも描かれている青と白のタイルが壁最下部の床との接点に見える。ナショナル・ギャラリーの公式サイトによると、壁にかけられている絵画が何であるのかは特定されていないが、画面左の小さな風景画は、おそらくフェルメールと同時代のオランダ人画家ヤン・ウェイナンツあるいはアラールト・ファン・エーフェルディンヘンの作品ではないかとされている。同じく画面右の、左手にカードを掲げるキューピッドは、アラールトの兄、セイザル・ファン・エーフェルディンヘンの作品といわれている。このモチーフは当時の寓意画集をもとにした、唯一の恋人に対する貞節の象徴であり、おそらくヴァージナルが持つ音楽と性愛との伝統的な象徴性を反映したものである。『ヴァージナルの前に立つ女』の制作年度が1670年から1672年ごろとされているのは、その作風と女性の衣装から来ている。作品の大きさと描かれているものの類似性から、同じくナショナル・ギャラリーが所蔵する『ヴァージナルの前に座る女』と対になる作品ではないかと考えられている。
Title: ファン・ゴッホの椅子 (Van Gogh's Chair)
Section: abstract

ファン・ゴッホの椅子（ふぁん・ごっほのいす、英語: Van Gogh's Chair）とは、1888年11月にフィンセント・ファン・ゴッホによって描かれた絵画。油彩。
Title: ファン・ゴッホの椅子 (Van Gogh's Chair)
Section: 解説

アルルでゴッホが住んだ黄色い家の部屋に置かれた椅子を描いたもので、椅子の上に置かれたパイプはゴッホの愛用のものと言われる。『ゴーギャンの肘掛け椅子』という作品と対のものであるとされる。ロンドン・ナショナル・ギャラリー蔵。
Title: 水浴のディアナ (Diana Bathing (Boucher))
Section: abstract

『水浴のディアナ』（仏: Diane sortant du bain, 英: Diana Bathing）は、フランスロココ時代の巨匠フランソワ・ブーシェが1742年に制作した絵画である。油彩。ギリシア神話の狩猟の女神ディアナ（アルテミス）を描いた本作品は、美術愛好家のために制作された小品で、円熟期の画家を代表する作品である。同年のサロンに出品された。現在はパリのルーヴル美術館所蔵。
Title: 水浴のディアナ (Diana Bathing (Boucher))
Section: 作品

ブーシェが描いているのは水浴するディアナである。日はすでに高く、狩に疲れた女神は泉に設営された休憩所に戻って来て、水浴のために衣服を脱いでいる。ディアナのそばには弓とともに彼女が仕留めたと思しきウサギと野鳥が置かれており、少し離れた場所に矢が詰まった矢筒が置かれ、さらに画面の奥では猟犬たちが泉の水を飲んでいる。女神は真珠のネックレスを触りながらくつろいでいるものの、美しくも華奢な爪先を傷めているらしく、侍女のニンフはそれを気遣いから見つめている。オウィディウスの『変身物語』は画家も知っていたはずだが、本作品は神話の悲劇的な物語を描いていない。むしろブーシェは自由な発想で水浴するディアナとその従者を描いていると言える。そこにあるのは神話に対する関心というよりも、神話に登場する恐るべき処女神を美しく魅力的な女性として描くことである。実際、頭部を飾る金の三日月の形をした宝飾や、近くに配置された獲物、弓矢、猟犬といったアトリビュートによってディアナを描いていると示してはいるが、薔薇色を帯びた乳白色の肌と豊満な身体、愛らしい顔つきはロココ時代に流行しブーシェが得意とした女性像の特徴である。しかしながらブーシェの裸婦画の扱いは繊細であり、特に青いカーテンは一方では女神とニンフの白い裸体、および森の緑と対照的に配置してあり、一方では女神の獲物を覆うように描かれている。そして左から差し込む陽光に照らされて女神の裸体は白く輝きを発し、女神の大胆さとともに神話の陰鬱さとは無縁の明るく軽快さを感じさせる官能美を描き出している。また静物を描く技量も卓越しており、鑑賞者を視覚的に楽しませる装飾的感覚に対するブーシェの天成の才能を本作品は示している。
Title: 水浴のディアナ (Diana Bathing (Boucher))
Section: 再評価と影響

本作品は長いあいだ忘れられており、ルーヴル美術館が本作品を3,200フランで購入したのは1852年のことである。制作年に比べると遅い購入はフランス革命後にフランス画壇を支配した新古典主義の画家たちによって、ブーシェの絵画が軽薄として長らく不遇な扱いを受けてきたことに原因がある。革命後、本作品について最初に魅了され再評価に貢献したのは批評家テオフィール・ゴーティエであり、ジュール・ジャナン、テオドール・ド・バンヴィル、テオフィール・トレ＝ビュルガー、ゴンクール兄弟がそれに続いた。印象派の画家ピエール＝オーギュスト・ルノワールも本作品を愛好し、エドゥアール・マネが『草上の昼食』（Le Déjeuner sur l'herbe）を描く際に影響を受けたことも知られている。
Title: キリスト降架 (The Deposition from the Cross (Pontormo))
Section: abstract

『キリスト降架』（キリストこうか、英: The Descent from the Cross）は、イエス・キリストの降架を題材として、フランドルの画家ピーテル・パウル・ルーベンスにより1611年から1614年にかけて描かれた絵画である。『十字架降架』とも。アントウェルペンにある聖母大聖堂に収蔵されている。中央パネル、左翼パネル、右翼パネルの3つの部分から構成される三連祭壇画であり、三面鏡のように開閉できるようになっている。中央パネルの寸法は、縦421 cm、横311 cmである。左翼パネルと右翼パネルの寸法は、ともに縦421 cm、横153 cmである。中央パネルは「キリストの十字架降架」が主題となっており、左翼パネルは「聖母マリアのエリザベト訪問」、右翼パネルは「神殿への奉献」がそれぞれ主題となっている。ルーベンスは、『キリスト昇架』を1611年に完成させてから、ほとんど時間が経たないうちに、『キリスト降架』の製作に取りかかっている。本作は、ルーベンスのパトロンでもあるアントウェルペンの市長、ニコラス・ロコックスの依頼により、聖母大聖堂の火縄銃手組合の礼拝堂に掲げる祭壇画として製作された。
Title: キリスト降架 (The Deposition from the Cross (Pontormo))
Section: 絵の詳細

中央パネル磔刑によって命を落としたイエス・キリストの遺骸が8人の男女によって十字架から降ろされている場面が描かれている。キリストの手や足、脇腹からは、血が滴り落ちている。最上部に描かれた2人は、無名の人物である。彼らのうち、白い布を左手で握っている人物の下、キリストの左側に描かれた男性は、アリマタヤのヨセフであり、彼は長いひげを生やしている。白い布を口でくわえている人物の下、キリストの右側に描かれた男性は、ユダヤ人の学者であるニコデモである。アリマタヤのヨセフのすぐ下で、悲痛な表情でキリストのほうに腕を伸ばしている女性は、聖母マリアであり、彼女は青い衣装を身にまとっている。キリストのすぐ下で彼を受け止めている男性は、キリストの弟子のヨハネであり、彼は赤い衣服を身にまとっている。キリストの左足を支えているのは、マグダラのマリアであり、彼女の背後にいるのは、クロパの妻マリアである。左翼パネル左翼パネルには、キリストを身ごもっているためにお腹を大きく膨らませている、赤い衣装の聖母マリアが、親類で洗礼者ヨハネを身ごもっているエリザベトを訪問している場面が描かれている。マリアの夫であるヨセフと、エリザベトの夫であるザカリアが彼女らの後方に描かれている。左翼パネルの裏側には、屈強な身体つきをした男性が、木の棒を手にして進んでいる姿が描かれている。彼は、キリスト教の伝説的な聖人であるクリストフォロスであり、彼に背負われているのはキリストである。クリストフォロスは、アントウェルペンの火縄銃手組合の守護聖人であった。右翼パネル右翼パネルには、赤い服を身につけた抱神者シメオンが、まだ幼いキリストを聖母マリアから受け取って抱いている場面が描かれている。画面手前では、ヨセフがひざまずいてシメオンを見上げながら、2羽のハトを抱いている。右翼パネルの裏側には、細い月が昇っている夜空の下に広がる暗闇の中で、1人の隠者がランプを使って道を照らしている様子が描かれている。
Title: ニコラウス5世礼拝堂フレスコ画 (Niccoline Chapel)
Section: abstract

「ニコラウス5世礼拝堂」（ニコラウス5せいれいはいどう、伊: Cappella Niccolina、英: Niccoline Chapel）はヴァチカン宮殿にある礼拝堂である。初期イタリア・ルネサンスの巨匠フラ・アンジェリコ と弟子たち (制作の多くを手掛けた可能性がある)  が1447–1448年に制作したフレスコ画で名高い。礼拝堂の名称は、私的礼拝堂として建てたニコラウス5世 (ローマ教皇) に由来する。フラ・アンジェリコはヴァチカン宮殿内に4つのフレスコ画連作を描いたが、現存するのはニコラウス5世礼拝堂のものだけである。描かれているのは、初期キリスト教時代の2人の殉教者である聖ステファノと聖ラウレンティウスの生涯の場面で、この2人の聖人を描くことを望んだのはニコラウス5世であった。礼拝堂は、宮殿の最も古い部分であるインノケンティウス3世 (ローマ教皇) の塔の中に位置している。壁面の上段は、聖ステファノの生涯の場面を、下段は聖ラウレンティウスの生涯の場面を描いている。礼拝堂の穹窿は青色に塗られ、星が描かれており、四隅には4人の福音書記者が表されている。付柱には8人の教父が描かれている。礼拝堂は通常の旅行客のコースには含まれていないが、予約をしてある特別な団体は見ることができる。
Title: ニコラウス5世礼拝堂フレスコ画 (Niccoline Chapel)
Section: フレスコ画

フラ・アンジェリコは、祭壇背後の壁に「十字架降架」 (キリストを十字架から下ろす場面) を描いたが、破壊されて、現存していない。しかしながら、ルネットにある彼のほかの作品はよい保存状態にある。このフレスコ画連作は、ローマ教皇ニコラウス5世の絶大な権力を示している。というのは、フレスコ画に登場するローマ教皇シクストゥス2世の容貌はニコラウス5世のもので、シクストゥス2世の側近たちの容貌はニコラウス5世の側近たちのものだからである。聖ステファノを表す場面は、『聖書』の「使徒行伝」の記述にしたがっている。一方、聖ラウレンティウスを表す場面は、聖ラウレンティウスが埋葬されているサン・ロレンツォ・フオ―リ・レ・ムーラ大聖堂のバジリカにある連作にしたがったものとなっている。聖ステファノはギリシア語を話すユダヤ人で、エルサレムで聖ペテロに叙任された最初の助祭のうちの1人であった。ルネットには、『聖ステファノの叙任と聖ステファノの施し』が描かれている。彼の祈祷 (『聖ステファノの祈り』)  は、エルサレムの町の彼の反対者の敵対心を呼び、最終的に彼らは町の門の前で聖ステファノに石を投げつけて死に至らしめた。聖ラウレンティウスは、シクストゥス2世がローマ皇帝ヴァレリアヌスに与えるための教会の宝物を預けた助祭である。これらの場面は、『聖ラウレンティウスの叙任』と『教会の宝物を受領する聖ラウレンティウス』に描かれている。しかしながら、聖ラウレンティウスは教会の宝物を貧しい人々に分け与え (『施しをする聖ラウレンティウス』)、その行いのために殉教した。フレスコ画は、2人の人物の生涯の類似点を強調している。どちらも叙任された助祭で、貧しい人々に施しをし、勇気をもって信仰の告白をした後に殉教した。2人の聖人を選択したことはまた、エルサレムとローマの教会のつながりを示している。建築物の細部で満たされているフレスコ画は、ローマをキリスト教の新しい首都として再建しようというニコラウス5世のサン・ピエトロ大聖堂の改築計画が反映している。『聖ステファノの殉教』の大きな画面は、ローマの壁の再建を示唆している。さらに、エルサレムのユダヤ人社会の分裂は、フレスコ画にシクストゥス2世として描かれているニコラウス5世が目撃したキリスト教の分裂と比較することができる。
Title: 田舎のダンス (Dance in the Country)
Section: abstract

『田舎のダンス』 (仏: Danse à la campagne ) は、フランスの画家ピエール＝オーギュスト・ルノワールによる1883年の油彩絵画。現在は、パリのオルセー美術館に所蔵されている。
Title: 田舎のダンス (Dance in the Country)
Section: 背景

『田舎のダンス』は1882年、画商のポール・デュラン＝リュエルが舞踏会を主題に注文、1886年に購入した作品である。最初の展示は1883年の4月で、彼は1919年にルノワールが死去するまでそれを所蔵していた。ルノワールは同年、同じテーマで『都会のダンス』という作品も描いている。ルノワールは1881年にイタリアを訪れており、そこでラファエロの作品に感銘を受け、印象派からの脱却を図った。『田舎のダンス』はこの時期の作品である。
Title: 田舎のダンス (Dance in the Country)
Section: 主題

作品は、栗の木の下で踊る男女を描いている。男性は画家の友人ポール・ロートで、女性はのちに画家の妻となるアリーヌ・シャリゴである。二人の人物像は等身大で描かれ、絵の大部分を占めているが、背景には右手にテーブルと地面の帽子が見えている。女性は右手に扇子を持っており、鑑賞者に向かって微笑んでいる。作品は明るく陽気な雰囲気に溢れており、女性の衣服にも黄色い手袋、赤い帽子など温かい色彩が使われている。
Title: 田舎のダンス (Dance in the Country)
Section: 参照項目

都会のダンスブージヴァルのダンス
Title: 削岩機 (Rock Drill (Jacob Epstein))
Section: abstract

削岩機とは金属の棒を反復して石に打ちつけることで削岩する建設機械である。トンネル工事、鉱山、コンクリートなどの解体工事で広く使用されている。英語ではドリフタードリル(Drifter drill)やロックドリル(Rock drill)と呼ばれ、削岩機の世界的シェアを誇る古河ロックドリルの社名はこれに由来する。明治以前に人力削岩で使用されていたロックバー（Rock bar）が動力化された物でドリルとはロックバーを連続反復して石に打ちつけることを意味している。毎分2000〜5000回の打撃に毎分100〜400回の回転運動を加えて打ち付ける。動力には油圧式と圧縮空気式があり、手持ち式の小型の物は圧縮空気式が多いが重機など大型の物は効率の高い油圧式が主流になっている。最初の圧縮空気機構を備えた掘削機は1914年にファインによって製造され、特許が申請された。
Title: 神々の饗宴 (The Feast of the Gods (van Bijlert))
Section: abstract

『神々の饗宴』（かみがみのきょうえん、伊: Festino degli dei）は、イタリアの画家ジョヴァンニ・ベッリーニにより1514年に描かれ、画家ティツィアーノ・ヴェチェッリオにより1529年に加筆が行われた絵画である。『神々の祝祭』とも。ベッリーニの晩年の作品であり、自らの弟子たち、中でもジョルジョーネの影響を受けていることがうかがえる。ワシントンにあるナショナル・ギャラリーに収蔵されている。
Title: 神々の饗宴 (The Feast of the Gods (van Bijlert))
Section: 作品

古代ギリシャの神々が集っている場面が描かれている。画面左端に見えている、半人半獣の姿を目印とするサテュロスは、その性格から淫欲や悪徳の擬人像とされる。その隣にいる、赤い服を身につけている男性は、田舎の神、シレノスであり、連れているロバが目印となり、怠惰の擬人像とされる。そのロバの前で、ワインを酒樽から注いでいるのは、ワインが入れられたグラスと頭につけたブドウの葉の冠を目印とする酒の神、バッコス（バッカス）であり、しばしば豊穣の擬人像とされる。バッコスの近くで白い服を身につけて座っているのは、商人や旅人の守護神、メルクリウス（マーキュリー）であり、杖とヘルメットが目印で、理性と雄弁の擬人像とされる。メルクリウスの近くで、緑の服と赤いマントを身につけて座っている男性は、海の神、ネプトゥーヌス（ネプチューン）であり、付近の地面に置かれている三つ叉の鉾が目印となり、水の擬人像とされる。
Title: 黄金の子牛の礼拝 (The Adoration of the Golden Calf)
Section: abstract

『黄金の子牛の礼拝』（おうごんのこうしのれいはい、伊: L'Adorazione del Vitello d'oro）は、フランスバロック期の画家で主にイタリアで活動したニコラ・プッサンが1633年から1634年に制作した絵画である。油彩。主題は『旧約聖書』「出エジプト記」32章で語られている預言者モーゼが唯一神から十戒の記された石板を授かった後の物語（黄金の子牛）から取られている。ローマの重要なパトロンのカッシアーノ・ダル・ポッツォの従兄弟、アメデオ・ダル・ポッツォ（Amedeo Dal Pozzo）から、対作品『紅海の横断』とともに発注された。現在はロンドンのナショナル・ギャラリーに所蔵されている。
Title: 黄金の子牛の礼拝 (The Adoration of the Golden Calf)
Section: 主題

エジプトを脱出したモーゼがシナイ山の山頂で唯一神から十戒の石板を授かっている頃、彼が率いてきた民はモーゼの帰りが遅いのを見て不安に駆られた。彼らはモーゼの兄アロンのところに集まり、信仰のよりどころとなる神像を造ることを求めた。そこでアロンは彼らから金品を集めて溶かし、鋳型に流し込んで黄金の子牛像を作ったのち、祭壇に置いて、燔祭および酬恩祭を執り行った。彼らは宴を催し、踊り明かした。シナイ山から戻ってきたモーゼはその光景を見て憤慨した。彼はシナイ山の山頂で民を滅ぼさんとする神の怒りをなだめてきたばかりであった。怒ったモーゼは十戒の石板を叩き壊し、さらに黄金の子牛を打ち壊した。モーゼは神に民が犯した罪の許しを乞ったが、神は民を撃った。
Title: 黄金の子牛の礼拝 (The Adoration of the Golden Calf)
Section: 制作背景

プッサンのパトロンであったカッシアーノ・ダル・ポッツォの従兄弟アメデオは、予言者モーゼに関する連作をプッサンとピエトロ・ダ・コルトーナに発注した。この注文によってプッサンは『黄金の子牛の礼拝』および『紅海の横断』を制作し、コルトーナは『マナの収集』（The Manna Collection）と『聖所の幕屋の建設』（The construction of the tabernacle）を制作した（ただし多忙であったコルトーナは後者を弟子のジョヴァンニ・フランチェスコ・ロマネッリに任せた）。
Title: 黄金の子牛の礼拝 (The Adoration of the Golden Calf)
Section: 作品

プッサンは祭壇に置かれた黄金の子牛の周囲で飲み食いをし、熱狂的に踊る人々を描いている。黄金の子牛と祭壇は花で飾られている。子牛の崇拝者たちは手をつないで踊り、白いローブをまとったアロンの姿は彼らの中にあって人々を扇動している。それに対してシナイ山から降りてきたモーゼは画面左の背景に小さく描かれており、2つある十戒の石板のうち1つを地面に叩きつけて壊し、さらに2つ目の石板をも壊そうとしている。中景から遠景にいる人々の何人かはモーゼの行為に衝撃を受けている。また画面右側の背景に建っているテントは彼らが旅の果てにこの地にやってきたことを示している。ローマのドメニキーノのもとで学んだプッサンは、1631年にドメニキーノがナポリに去るとルネサンス期のヴェネツィア派の画家ジョヴァンニ・ベッリーニやティツィアーノ・ヴェチェッリオへの傾倒を強めた。この1630年代のプッサンの作品は色彩が豊かになる。謎めいた『アルカディアの牧人たち』（Et in Arcadia ego）、リシュリュー枢機卿のために制作されたバッカスの対作品、あるいは本作品はそうした傑作の1つである。プッサンは『パンの像の前でのバッカス祭』（Bacchanal before a Statue of Pan）の踊る人々を本作品で反転して利用している。この人々はプッサンの古典古代への関心を示しており、黄金の子牛を崇拝する人々の筋肉質の体格や配置に古代の彫刻や壺絵の影響が見て取れる。またフィリップ・ハレの版画との関連性も指摘されている。対作品『紅海横断』ではアロンのポーズが対比的に描かれている。
Title: 黄金の子牛の礼拝 (The Adoration of the Golden Calf)
Section: 来歴

1685年にシュヴァリエ・ド・ロレーヌ（Chevalier de Lorraine）によって購入された対作品は、1710年にベニーニュ・ド・ラゴワ・ド・ブルトンヴィエ（Bénigne de Ragois de Bretonvillers）によって購入された。その後、1741年に初代フォークストーン子爵ジェイコブ・ブーヴェリー卿はサミュエル（Samuel）という男から購入した。彼の息子ウィリアム・ブーヴェリーは初代ラドナー伯爵となり、ラドナー伯爵家は代々対作品を所有した。1945年、ナショナル・ギャラリーはアート・ファンドから50パーセントの寄付を受け、伯爵家から10,000ポンドで本作品を購入した。絵画は過去に損傷を受けている。2011年7月17日、57歳のフランス人男性が『黄金の子牛の礼拝』および同じくプッサンの『羊飼いの礼拝』（Adoration of the Shepherds）に赤ペンキのスプレーを吹きつけた。男性の逮捕後、絵画の保全が行われた。現在は同じ場所で展示されている。
Title: 室内 (Interior (Degas))
Section: abstract

室内部屋など建物や乗り物の内部。屋外と対比される用語。音楽用語の室内楽は、小さな部屋での音楽という意味。対比する物は大きなホールや屋外。家具・木工・インテリアに関する雑誌『室内』。1955年、最終の編集発行人山本伊吾の父親、山本夏彦によって創刊。当初は『木工界』という誌名から1961年に現在の『室内』と改題。通算615号目の2006年３月号で休刊。エドガー・ドガによって描かれた絵画。（本稿で解説）『室内』（しつない、フランス語: Intérieur）は、別名『強姦』（ごうかん）(フランス語: Le Viol)、エドガー・ドガによって1868年から1869年に描かれたキャンバスに油彩の絵画で、「ドガの主要な作品のうちで最も当惑させられる」("the most puzzling of Degas's major works")と言われ、ランプの光のそばでの男と一部、服を脱いだ女との緊張した直面を描いている。場面の演劇がかった性格は、歴史家らに、作品の文献上の出典を探す気にさせたが、しかし提示された出所は、どれも普遍的に認められていない。絵画の題名でさえ、不明確である。この画家の知人らは、これを「強姦」(Le Viol)か、でなければ「室内」(Intérieur)のいずれかで呼び、そしてドガが1905年に初めて展示したのは、後者の作品名のもとにおいて、であった。絵画はフィラデルフィア美術館所蔵である。
Title: 室内 (Interior (Degas))
Section: 背景

ドガは、そのリアリズムへのコミットメントがつのりつつあったために、『バビロンを建設するセミラミス』(英語題Sémiramis Building Babylon)（1860年 - 1862年）、『少年たちを挑発するスパルタの少女たち』(英語題Young Spartans Exercising)（1860年ころ）、そして彼のサロンへのデビューを印うけた『中世の戦争の場面』(英語題Scene of War in the Middle Ages)（1865年）のような歴史的主題への初期の没頭からそれていたときに、『室内』を描いた。彼の新たな方向は、彼が1866年のサロンに『障害競馬-落馬した騎手』(英語題Steeplechase—The Fallen Jockey)を出品したとき、明白であった。ドガは、十中八九、『室内』を1869年のサロンに出品するつもりであったが、しかし1905年6月になるまで一般公開されず、そのときパリのデュラン=リュエル画廊(Galerie Durand-Ruel)で公開された。1897年にドガは、この作品を、「わたしの風俗画」("mon tableau de genre")("my genre painting")と言ったが、これは、彼がこの絵を自作のなかで変則的(anomalous)と見なしていたことを示唆する。
Title: 室内 (Interior (Degas))
Section: 影響

『室内』の影響は、ドガの子分であるウォルター・シッカートの構図に、特に後者の『カムデン・タウンの殺人』(The Camden Town Murder)シリーズ（1908年）と、『アンニュイ』(Ennui)（1914年）に、認められる。シッカートとの会話において、ドガは、『室内』を風俗画(a genre painting)と言ったし、そしてより古い画家の例のように、シッカートの男女がともに居る描写は、ドラマチックな緊張と物語のあいまいさが特徴である。
Title: 室内 (Interior (Degas))
Section: 文献

Armstrong, Carol (1991). Odd Man Out: Readings of the Work and Reputation of Edgar Degas. Chicago and London: University of Chicago Press. ISBN 0-226-02695-7 Baumann, Felix; Karabelnik, Marianne, eds (1994). Degas Portraits. London: Merrell Holberton. ISBN 1-85894-014-1 Boggs, Jean Sutherland, ed (1988). Degas. New York: The Metropolitan Museum of Art. ISBN 0-87099-519-7 Danto, Arthur (December 12, 1988), “Degas”, The Nation:  658, http://www.thenation.com/archive/art-103 Gordon, Robert; Forge, Andrew (1988). Degas. New York: H.N. Abrams. ISBN 0-8109-1142-6 Krämer, Felix (May 2007), “Mon tableau de genre': Degas's 'Le Viol' and Gavarni's 'Lorette”, The Burlington Magazine 149 (1250), http://www.burlington.org.uk/magazine/back-issues/2007/200705/ Reff, Theodore (1976). Degas: the artist's mind. New York: The Metropolitan Museum of Art. ISBN 9780870991462. http://libmma.contentdm.oclc.org/cdm/compoundobject/collection/p15324coll10/id/60673/rec/6 Thomson, Richard (1988). Degas, the Nudes. London: Thames and Hudson. ISBN 0-500-23509-0
Title: ウェルギリウスの墓 (Virgil's Tomb (Joseph Wright paintings))
Section: abstract

『ウェルギリウスの墓』（ウェルギリウスのはか、英: Virgil's Tomb）は、1779年から1785年にかけてジョセフ・ライトによって描かれた3つの油絵。1773年から1775年のイタリア旅行中の作品で、ナポリ付近の破壊された構造物が描かれている。この構造物はこれまで古代ローマの詩人であるウェルギリウスの墓であると解釈されてきた。3作品の中で最も早く1779年に完成したものは、ウェルギリウス没後まもなく活動しウェルギリウスの崇拝者であったシリウス・イタリクスの像を含んでいる。3点のうち2点はダービー博物館・美術館およびアルスター国立博物館で鑑賞できる。ライトの作品のうちろうそくに照らされた場面を描いたものとは異なり、『ウェルギリウスの墓』では圧倒的な月光によって光が溢れている。このような描写は、ライトが画家として成熟していく過程で、実際に存在したものと実際には存在しないが存在して欲しいと願ったものの微妙なバランス感覚を持っていたことを反映している（Nicolson 1968, p. 83）。
Title: 無原罪の御宿り_(エル・グレコ、トレド) (The Immaculate Conception (El Greco, Toledo))
Section: abstract

『無原罪の御宿り』（むげんざいのおんやどり、西: Inmaculada Concepción、英: The Immaculate Conception) は、ギリシア・クレタ島出身のマニエリスム期のスペインの巨匠エル・グレコが1607–1613年に制作した油彩画で、トレドのサン・ビセンテ教会内の、寄進者の貴婦人の名をつけた「イサベル・デ・オバーリェ礼拝堂」祭壇装飾のために描かれた。本作の主題は、聖母マリアの姿の激しい上昇感ゆえに伝統的に「聖母被昇天」とされてきたが、「聖母被昇天」の主題に特有のモティーフである石棺や12人の使徒が描かれていないこと、そして、地上に描かれた「無原罪の御宿り」のアトリビュート (エル・グレコの息子のホルヘ・マヌエルの手になるものであろう) を根拠に「無原罪の御宿り」に変更された。しかも、初めに祭壇画を委嘱した先任画家には「無原罪の御宿り」として発注されていた。現在、作品はトレドのサンタ・クルス美術館に収蔵されている。