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Title: 無原罪の御宿り_(エル・グレコ、トレド) (The Immaculate Conception (El Greco, Toledo))
Section: 解説

「無原罪の御宿り」とは、アダムとイヴが犯した罪ゆえにその子孫である人間はすべて生まれながらにして原罪を持っているが、聖母マリアはアダムとイヴの子孫ではなく、その原罪を免れているという信仰である。その信仰は中世末に形成されたが、スペインは国をあげてこの信仰を支持し、これをカトリック教会の教義とするよう教皇庁に熱心に働きかけた国であった。処女の聖アンナの胎内に聖母マリアが宿ったという信仰を図示することは難しい。そこで、『旧約聖書』の「雅歌」や、「ヨハネ黙示録」に用いられた象徴をアトリビュートとして使い、若い女性が天から下る姿を描くことによって、この主題を表現したのである。この図像は16世紀に広く一般化した。本作では、主題を表すアトリビュートとして、ダビデの塔 (画面下左)、閉ざされた庭 (画面下のトレドの町)、トゲのないバラ、穢れのない鏡 (画面下右端)、太陽と月などが描かれている。主題が「無原罪の御宿り」であるとしても、しかし、画面に見られる聖母の上昇感も無視できない。「聖母被昇天」の主題は13世紀のゴシック彫刻で初めて取り上げられるようになり、以降宗教美術の重要な主題であった。「聖母被昇天」では、聖母は歓喜の表情を浮かべて中空に立つか、玉座に座り、楽器を手にした天使たちに守られて昇天していく。エル・グレコもまた、スペイン到着後まもなくサント・ドミンゴ・エル・アンティグオ聖堂のための祭壇衝立のメイン・パネルに『聖母被昇天』(シカゴ美術館) を描いている。本作は、「マリアは穢れを免れている (無原罪) ゆえに死からよみがえり天に迎えられた (被昇天) 」という2つの主題の融合図であると見ることもできる。作品の図像のすべてがさまざまな光源に由来する光を受けて揺れ動く炎と化し、天と地を結ぶ巨大な竜巻状の螺旋構図の中でマリア讃歌を奏でている。
Title: 婦人の肖像_(クリムト) (Portrait of a Lady (Klimt))
Section: abstract

『婦人の肖像』（ふじんのしょうぞう、伊: Ritratto di signora, 英: Portrait of a Lady）は、オーストリアの画家グスタフ・クリムトが1916年から1917年にかけて描いた絵画である。
Title: 婦人の肖像_(クリムト) (Portrait of a Lady (Klimt))
Section: 概要

クリムトの晩年の作品である。イタリア北部の都市ピアチェンツァに所在するリッチ・オッディ近代美術館に所蔵されている。縦 60 センチメートル、横 55 センチメートルの大きさをもつ。カンヴァスに油彩で描かれている。本作は、表現主義に分類されるもので、1人の若い女性の上半身が描かれている。女性の髪の色は黒色であり、頬は赤色である。女性は、左の肩越しに視線を向けている。背景は、エメラルドグリーンで塗られている1925年、ジュゼッペ・リッチ・オッディが本作を買収する。1912年にドイツのドレスデンで展示され、同じ年に所在がわからなくなっていた『若い婦人の肖像』という絵画の上から本作が描かれていることが、1996年4月頃に美術学生によって発見され、美術界で「2つのクリムト」として知られることになった。『若い婦人の肖像』は、本作とは異なり、女性が帽子とスカーフを身につけている。
Title: 婦人の肖像_(クリムト) (Portrait of a Lady (Klimt))
Section: 盗難

1997年2月22日、リッチ・オッディ近代美術館が改修工事に伴って閉館されていた際に、本作の所在が不明になる。作品の金色のフレームと紐が美術館の屋根の上で発見されたことから、夜の間に何者かが美術館の天窓から鉤のような器具を取り付けた紐を垂らし、本作を吊り上げて盗み去ったか、もしくは何者かが天窓から美術館の中に侵入して本作を盗み去った可能性があると考えられていた。同年4月1日、イタリアとフランスの国境に位置するヴェンティミーリアにおいて、政治家ベッティーノ・クラクシ宛ての小包を国境警備隊が回収し検査したところ、クリムトによると思われる作品が入れられていた。しかし、それは巧妙に作られた贋作であることが判明した。2019年12月10日、庭師がリッチ・オッディ近代美術館の外壁表面を覆うツタを取り除いていたところ、金属製の小さなドアを発見し、その中のスペースから本作が発見された。作品は黒いビニール製のごみ袋に入れられており、無傷であった。2020年1月17日、発見された作品が、クリムトによって描かれた本物であることが明らかにされた。
Title: 若返りの泉 (The Fountain of Youth (Cranach))
Section: abstract

若返りの泉（わかがえりのいずみ、英語表記：Fountain of Youth）とは、その水を飲むことで誰もが若返ると言われている伝説上の泉。日本語では他に「青春の泉」「回春の泉」等と訳される場合がある。泉はフロリダにあると言われ、この泉にまつわる話はアメリカ合衆国に関連する中でも、最も長く続いている物語の一つである。
Title: 若返りの泉 (The Fountain of Youth (Cranach))
Section: 若返りの泉

長らく続く話では、スペインの探検家フアン・ポンセ・デ・レオンが、1513年に現在のフロリダへ旅行した際に若返りの泉を探し求めていたとされるが、泉の話自体はレオンから始まったものではなく、また新世界特有のものでもない。若さを取り戻す泉の物語は、その起源を少なくともアレクサンドロス・ロマンスの時代まで遡ることができ、以降はヨーロッパの大航海時代までごく一般的だった。その後の伝説は、アレクサンドロス大王と彼の僕が、若さを取り戻させる泉を探すために「暗黒の土地」に渡ったとする、アレクサンドロス・ロマンス東洋版に登場した「命の泉」の話から由来したものである。その話に登場する王の僕は、コーラン中にも登場する賢人、アル・ヒドルの中東における伝説が起源である。アルハミヤー文学及びアラビア語版のアレクサンドロス・ロマンスは、ムーア人の統治期間中、そして期間後のスペインにおいても国民によく知られており、アメリカ大陸に赴いた探検家たちも知っていたものと思われる。泉の物語に関しては、出所が明確でないものが数え切れない程存在する。数ある伝説の中でも、不死を求める話は度々取り上げられるものであり、また人類に不老不死を与えると解釈される賢者の石や、無限に寿命を延ばすとされるパナシア（万能薬）、エリクサー等のような話は、ユーラシア大陸をはじめあらゆる場所でよく聞かれる物語であった。他に典拠の一つとして、ヨハネによる福音書に登場するベテスダの池がある。これはエルサレムにあり、イエス・キリストが病に苦しんでいた男性を癒したと言われている池である。
Title: 若返りの泉 (The Fountain of Youth (Cranach))
Section: アラワク族とビミニ諸島

ネイティブ・アメリカンによる癒しの泉の物語は、伝説の土地「Beemeenee（ビーミーニー）」または「ビミニ」に関連している。北方のどこかにあると言われたこの地は富と繁栄の地で、現在のバハマの位置にあったと考えられている。伝承によれば、当時周囲一帯を実質支配していたスペイン人たちは、このビミニの話をイスパニョーラ島、キューバ、プエルトリコにいたアラワク族から聞いたとされる。話では、その昔キューバのアラワク族の中にセケネ（Sequene）という名の族長がおり、ビミニやその若さを回復させる力がある泉の魅力にいてもたってもいられなかったという。族長は北方へ向かうために探検団を編成してビミニに到着し、若返りの泉周辺に住みついたあと、キューバに帰ることはなかった。話は楽観的なセケネの部族民たちにも広がり、彼らもまた族長らと同じく、ビミニで豪勢に過ごしたそうである。ビミニとその回復の水の噂は、西インド諸島で広まった。イタリア出身の歴史研究家ピエトロ・マルティーレ・ダンギエーラは、1513年にローマ教皇にあてた手紙の中で、この泉の話に言及している。しかし、他の人々と同じく、彼はこうした物語を信じていなかった。
Title: 若返りの泉 (The Fountain of Youth (Cranach))
Section: ポンセ・デ・レオンとフロリダ

物語は、ポンセ・デ・レオンがプエルトリコを征服した際、現地の人々から泉の話を聞いたことへと続く。増えゆく物質的な裕福さに満足できず、レオンはその泉の場所を突き止めるべく探検隊を結成し、探検の過程でフロリダを発見した。彼はアメリカの土地を踏んだ初期のヨーロッパ人の内の一人ではあったが、結局若返りの泉を見つけることは無かった。しかし、この話は不確かな点もある。ポンセ・デ・レオンは泉の話を聞いておりその存在を信じていただろうとされる一方で、彼が死去するまで諸作品における伝説と彼の名は結び付けられていない。レオンと伝説を結びつけたのは、ゴンサロ・フェルナンデス・デ・オビエドの1535年の作品「Historia General y Natural de las Indias（インディアス全史）」である。オビエドはその著書の中で、ポンセ・デ・レオンは自身の精力減退を治癒するためにビミニの泉を探したのだと書いた。同様の記述がフランシスコ・ロペス・デ・ゴマラ著による1551年版の「インディアス全史」にも書かれている。また、エルナンド・デ・エスカランテ・フォンタネダは、1575年の作品「Memoir（回想録）」の中で泉がフロリダにあるとし、そこでレオンがその水を探したと書いた。この記述は後にスペインの歴史家アントニオ・デ・エレラ・イ・トルデシージャスが記した、新世界におけるスペインの歴史にも影響を与える。フォンタネダは少年の頃に乗っていた船が座礁し、フロリダでインディアンの捕虜として17年間過ごした経験を持つ。彼の回想録では、彼が呼ぶところの失われた川「ヨルダン」を流れる若返りの水について触れ、レオンはこの水を探していたと言及した。しかし、フォンタネダ自身がこうして書いた内容には懐疑的であることを明らかにし、レオンがフロリダを訪れた時、実際にその伝説的な水を探していたかどうかについては疑わしいと述べた。歴史家エレラは、作品「Historia general de los hechos de los Castellanos en las islas y tierra firme del Mar Oceano」を含む、フォンタネダの話をもとにして描いた作品で、フロリダの話について触れている。エレラはカシケ（caciques）と呼ばれる地元の長が、頻繁に泉を訪れていたと述べた。とある貧弱な老人の男性は、泉に入って完全な若さを取り戻し、「ありとあらゆることをまた出来るようになった…新しい妻をめとり、より多くの子供を授かることもできた」という。エレラはまた、スペイン人は伝説の泉を探すために、フロリダ沿岸に沿って全ての「川、小川、潟や池」を探したが、ついに泉を発見できなかったと加えている。セケネの話も同様に歪曲されたフォンタネダの話に基づいたものだったとされる。
Title: 若返りの泉 (The Fountain of Youth (Cranach))
Section: 初期の伝説

上記のとおり、当時のヨーロッパ人にとって若返りの泉の概念は、西インド諸島に住む人々から話を聞いた当時、既に馴染みのあるものだった。若返りの泉または井戸の話は「アレクサンドロス・ロマンス」をはじめ、「ジョン・マンデヴィル卿の旅行」や旧世界が古きものとされる更に以前の、プレスター・ジョンに関連する手記にも登場している。プレスター・ジョンの手紙（1165年）には、「山裾には泉が湧き上がる。この泉を口にしたものは、皆その命が続く限り30歳のままでいられるのだ。」とある。当時の探検家たちには新しく発見した場所を、それまで読んだことのある空想の旅を扱った本に基づいて考える習慣があった。これはアマゾニア（アマゾン熱帯雨林）のネーミングや、エチオピアの王はプレスター・ジョンであったという主張、またエデンの園がアジアやアメリカで見つかるといった空想に表れている。スペイン人がネイティブ・アメリカン達から豊かな土地にある若返りの泉の話を聞いた時、彼らはネイティブ達がついに若返りの泉を発見したのだと信じざるを得なかった。なお、ネイティブ・アメリカンによる初期の泉の伝説は、スペインの一部の年代記編者以外には知られていない。
Title: 若返りの泉 (The Fountain of Youth (Cranach))
Section: 今日における若返りの泉

フロリダ州セントオーガスティンには「Fountain of Youth National Archaeological Park（若返りの泉国立遺跡公園）」がある。この公園は、伝統的にフアン・ポンセ・デ・レオンが上陸したと言われている地点に、町の著名な歴史への賛辞として造られた。ここにある泉は伝説の「若返り」の泉ではないが、泉の水を飲む観光客は後を絶たない。またネイティブ・アメリカンや植民地の工芸品も展示され、セントオーガスティンが受け継いだティムクアやスペインの伝統を称揚している。『Weird U.S.』シリーズの書籍『Weird Florida』では、著者のチャーリー・カールソンがセントオーガスティンを拠点とする秘密結社の一員と接触したと述べている。その団体は若返りの泉の守護者と主張しており、水のお陰で皆並外れた長寿であるという。また前述したエレラ・イ・トルデシージャスの作品に登場する主人公ジョン・ゴメスも彼らの一員だと主張した。2006年8月、著名な手品師であるデビッド・カッパーフィールドは、彼がおよそ5千万ドルで購入したばかりの、バハマのエクスマ諸島にある4つの小さな島で「若返りの泉」を発見したと主張した。彼はロイター通信の電話インタビューで、「泉の真の現象を発見したんだ。枯葉を取り、その水につけると再び生気を取り戻した。…死にかけの虫や昆虫も、水につければ飛んでいくんだ。これは驚くべきことで、とても、とても興奮しているよ。」と話した。2006年9月で50歳になったカッパーフィールドは、この「伝説の」泉の実験を行うため科学者を雇ったと言っているが、現時点でその泉は関係者以外の立ち入りを制限されている。
Title: 若返りの泉 (The Fountain of Youth (Cranach))
Section: 今日における若返りの泉
Subsection: フィクションやメディアでの扱い

若返りの泉という言葉は、寿命を延ばす可能性のあるものを指すメタファーとして使われ、また若返りを扱う物語ではしばしばプロット装置として使われる。ナサニエル・ホーソーンは著書「ハイデッガー博士の実験」で、伝説的な治癒を求めてフロリダへ思い違いの旅をするよりも、前向きな考え方こそがよりよい治療薬になると論証するため、若返りの泉の表現を用いた。オーソン・ウェルズは泉の伝説に基づいた1958年のテレビ番組を監督・出演した。ティム・パワーズは18世紀の海賊とブードゥー教を題材にした冒険小説『幻影の航海』（日本語訳では後に『生命の泉』と改題）の中で泉について言及した。1953年にウォルト・ディズニー・カンパニーが制作したアニメ『ドナルドの魔法の泉』では、ドナルドダックが若返りの泉らしきものを発見し、甥っ子に泉の力で本当に若返ったふりをする。マーベル・コミックは、1974年に Man-Thing で、後に The Savage She-Hulk でも、入れば若返るが同時に無能化されてしまうという「泉」を登場させ、2005年にはDCコミックスシリーズ Day of Vengeance にも泉が登場した。マイクロソフト社とアンサンブルスタジオによるゲーム『エイジ オブ エンパイアIII』のキャンペーンでは、泉とその水は主要なプロット装置として使われた。さらに近年、ダーレン・アロノフスキー監督による2006年の映画『ファウンテン 永遠につづく愛』では、若返りの泉の伝説をモチーフに、生命の木を探す登場人物たちが描かれる。2011年の映画『パイレーツ・オブ・カリビアン/生命の泉』は前述のパワーズの小説を原案とし、若返りの泉（劇中では「生命の泉」）が最終目的地とされている。また、イギリスのコメディ The Mighty Boosh にも、登場キャラクターのヴィンス・ノワールとハワード・ムーンが若返りの泉を探しに行くエピソードがある。
Title: 手紙を読む女_(メツー) (Woman Reading a Letter (Metsu))
Section: abstract

『手紙を読む女』（てがみをよむおんな、蘭: Brieflezende vrouw en een dienstmeid in een interieur、英: Woman Reading a Letter）は、オランダ黄金時代の画家ハブリエル・メツーが板上に油彩で制作した絵画である。画家の死の直前の1665-1667年頃に描かれた。生前、メツーは、ヨハネス・フェルメールよりずっと知られていた著名な画家であった。本作は『手紙を書く男』（アイルランド国立美術館）と対となる作品で、1987年以来、ダブリンにあるアイルランド国立美術館に収蔵されている。
Title: 手紙を読む女_(メツー) (Woman Reading a Letter (Metsu))
Section: 作品

女性が青いカーテンのある部屋の窓辺に座って、手紙を書いている。彼女は、高価なオコジョの毛皮のカラーが付いた黄色い上着と、ピンクの絹のスカートの優雅な身なりをしている。スカートと彼女が脱ぎ捨てた優雅な靴は両方とも金糸で縁取られている。彼女の膝の上にある赤と青の刺繍のある枕と脇にある編み物籠は、手紙を読むために針仕事の手を止めていることを示している。彼女は窓の明るい方に手紙を向けて読んでいるだけでなく、横にいる召使から見られないようにしている。横にいる召使は黒檀の額縁のある海景画の前でカーテンを引いているが、彼女は手紙の内容についてわかっている。視覚的要素によって、メツーの同時代の人々には、手紙が恋文であることがすぐに明らかになっていたことだろう。小さなスパニエル犬は忠実さと従順さを象徴し、バケツに描かれているクピードの矢と召使の古い靴は、愛と安全な帰還への希望を象徴する。召使が見せている嵐の海の絵画は、波乱に満ちた恋愛関係に言及している。こうした海洋絵画は当時、「愛は荒れる海のようだ」という広く知られた比喩となっており、召使はこの寓意を顕わにすることによって、彼女の女主人は自分の前に横たわる危険を認識すべきだということを鑑賞者に告げているのである。このメッセージは、フェルメールの『恋文』（アムステルダム国立美術館）の背景に見られる海洋風景でも示されている。なお、画中の海洋絵画は、手紙を書いている女性の愛人が海上にいることを示唆している可能性もある。召使は、手の中にもう一通の手紙を持っている。この手紙は画家のメツーに宛てられたもので、「メツー氏、アムステルダムへ、郵送」と書かれている。この手紙は絵画が表す物語とは関係はないが、メツーが署名をするユーモラスな方策である。『手紙を読む女』の対作『手紙を書く男』では、若い男性が手紙を書いている。記録でも、両作品はずっと対作品として所有されていた。メツーは、『手紙を書く男』と『手紙に封をする女』を描いたヘラルト・テル・ボルフから対作品のアイデアを得たが、絵画の中にはフェルメールの影響も明らかである。もっとも際立った点は女性の上着である。最初、メツーは赤色を使っていたが、フェルメールの何点かの作品に見られるように、斑点の付いた白い毛皮の縁取りのある黄色い上着に替えているのである。
Title: 手紙を読む女_(メツー) (Woman Reading a Letter (Metsu))
Section: 来歴

メツーの対作品は、アムステルダムの仲買人ヘンドリック・ソルフ により所有されていた。彼の死後、両作品は、1720年3月28日に560ギルダーでへオルへ・ブラインに売却された。彼が亡くなると、両作品は、1724年3月16日に785ギルダーで富裕な綿染色業者のヨハネス・コープに売却された。1744年から1750年の間に、両作品は500ギルダーで、10点はくだらないメツーの作品を所有していた収集家ヘリット・ブラームカンプの手中に入った。彼の遺産相続者たちは、メツーの人気の恩恵を受けた。 1771年7月31日、両作品は5,205ギルダーでヤン・ホーペ に購入された。その後、両作品は、フランシス・ペルハム・クリントン・ホープ卿にまで相続されたが、卿は1898年に両作品を自身のオランダ・フランドル絵画コレクションとともに画商のA.ウェルトハイマー (A.Wertheimer) とP. & D. コルナーギ に売却した。両作品は、 ロンドンとブレッシントン在中のアルフレッド・バイト卿に相続された。両作品は、1974年と1976年にラスバラ家で盗難に遭ったが、最終的に取り戻された。1993年まで両作品はいまだ行方不明であったが、1987年にアイルランド国立美術館に寄贈された。
Title: 手紙を読む女_(メツー) (Woman Reading a Letter (Metsu))
Section: 評価

これらの対作品は、一般にメツーの最良の作品と見なされている。2011年に、ニューヨーク・タイムズでメツーの作品展を評して、カレン・ローゼンバーグ (Karen Rosenberg)は、両作品を「驚くべきもの」と呼び、NPRのスーザン・スタンバーグ (Susan Stamberg) は、両作品を「素晴らしい技術と精緻に描かれた細部を持ち、見事に描かれている」と評した。
Title: カバとワニ狩り (The Hippopotamus and Crocodile Hunt)
Section: abstract

『カバとワニ狩り』（カバとワニがり、蘭: The Hippopotamus and Crocodile Hunt, 独: Jagd auf Nilpferd und Krokodil, 英: The Hippopotamus and Crocodile Hunt）は、1616年頃に制作した狩猟画である。油彩。ルーベンス初期の狩猟画の大作で、カバとワニを狩る狩猟者たちを描いている。『ライオン狩り』（De Leeuwenjacht）、『虎狩り』（De Tijgerjacht）、『猪狩り』（De Everzwijnenjacht）とともに、ミュンヘンのバイエルン選帝侯マクシミリアン1世の発注によって制作された。現在はミュンヘンのアルテ・ピナコテークに所蔵されている。
Title: カバとワニ狩り (The Hippopotamus and Crocodile Hunt)
Section: 制作経緯

ルーベンスとその工房は1610年代と1620年代に貴族の後援者向けに数十点の大規模な狩猟画を制作しており、長年続いている同ジャンルに貢献した。バイエルン選帝侯マクシミリアン1世は、1615年にヴィッテルスバッハ家の夏の離宮であるシュライスハイム宮殿を装飾するため、『カバとワニ狩り』、『ライオン狩り』、『虎狩り』、『猪狩り』の4作品を発注した。これを受けて、ルーベンスと工房は1615年から1616年にかけてアントウェルペンで4点の大キャンバス画を制作した。
Title: カバとワニ狩り (The Hippopotamus and Crocodile Hunt)
Section: 作品

ルーベンスはカバとワニを狩る狩猟者たちを描いている。ヤシの木が示すように狩猟はエジプトのナイル川のほとりを舞台としている。カバやワニは危険かつ迷惑な害獣と見なされていたため、これらの駆除は貴族の義務であった。狩人たちはアラビア産の馬に騎乗し、槍と剣で狩りをする東洋風の衣装を着た3人の男と、剣と弓矢で戦う2人の従者で構成されている。カバとワニはいずれも狩猟者と猟犬に襲われ、激怒したカバはワニを踏みつけており、さらにその下に2人の従者が横たわり、そのうちの1人は獣に殺され、地に倒れ伏している。正確に形作られたカバとワニの外見は同時代の描写と対照的であり、バロック時代の経験主義と博物学への関心の高まりを反映している。ルーベンスは、おそらく絵画を制作するより前の1601年に、塩水に保存され一時的に展示されたカバの標本を見るためにローマを訪れたことが示唆されている。狩猟画はルーベンスの作品の中で最もダイナミックな絵画の1つであり、力と肉体的攻撃の理想的な表現である。人物群の複雑さ、騒然とした動きと暴力的行為の表現、高度なドラマ性、鮮やかな色彩は、いずれもルーベンスの様式の特徴である。19世紀フランスのロマン主義の巨匠ウジェーヌ・ドラクロワは画面に描かれたワニを「制作の傑作」と賞賛したが、「その行動はもっと興味深いものになったかもしれない」と述べた。
Title: カバとワニ狩り (The Hippopotamus and Crocodile Hunt)
Section: 来歴

マクシミリアン1世の4点の狩猟画連作を含むヴィッテルスバッハ・コレクションは、ミュンヘンのアルテ・ピナコテークの中核を形成した。しかし狩猟画連作はナポレオン戦争の間にフランス軍によって宮殿から略奪された。そのうち『ライオン狩り』はボルドー美術館、『虎狩り』はレンヌ美術館、『猪狩り』はマルセイユ美術館に送られた。ナポレオン失脚後『カバとワニ狩り』のみがミュンヘンに返還され、現在のアルテ・ピナコテークのコレクションに追加された。
Title: カバとワニ狩り (The Hippopotamus and Crocodile Hunt)
Section: 影響

本作品は早くから注目を集め、印刷物となっている。たとえばオランダの画家ピーテル・サウトマンは1615年以降に本作品の素描およびエッチングによる複製を制作した。またフランドルの版画家ウィレム・バン・デル・レーウ（Willem van der Leeuw）も本作品のエッチングを制作した。18世紀にはピエトロ・アントニオ・マルティーニとジャック＝フィリップ・ル・バによってエッチングが制作された。そのほか、17世紀の画家ヒエロニムス・フランケン2世の『美術愛好家のキャビネット』（Het kabinet van de liefhebber）に本作品が描かれている。
Title: レダと白鳥 (Leda and the Swan (Michelangelo))
Section: abstract

レダと白鳥（レダとはくちょう） は、ギリシア神話の主神ゼウスが白鳥に変身し、スパルタ王テュンダレオースの妻であるレダ（レーダー）を誘惑したというエピソードをもとにした、西洋の彫刻や絵画などにおける題材（モチーフ）。ギリシア神話では、レダは、カストールとポリュデウケース（ポルックス）のディオスクーロイの双生児、後にミュケーナイ王アガメムノーンの妃となったクリュタイムネーストラー、トロイア戦争の発端の一つとなった絶世の美女ヘレネーの母である。一説では、カストールとクリュタイムネーストラーは人間の夫テュンダレオースの子で、ポリュデウケースとヘレネーは神であるゼウスの子だとされるが、これには色々な説がある。このモチーフは古代ローマ時代の大規模な作品ではあまり見られず、彫刻ではティモセオス (en:Timotheos) の立像彫刻が有名な程度で、他にはカメオ、宝石、指輪、テラコッタ・オイル・ランプなどの小さな装飾に用いられている。古代ローマの詩人オウィディウスや作家フルゲンティウス (en:Fabius Planciades Fulgentius) の作品によって、中世ヨーロッパでレダと白鳥のエピソードはよく知られており、イタリアルネサンス期の古典的官能表現とともに広く取り上げられるモチーフとなった。多くの芸術家が独自の『レダと白鳥』を描いており、詩人のイェイツも『レダと白鳥』（Leda and the Swan）という詩を書いている。
Title: レダと白鳥 (Leda and the Swan (Michelangelo))
Section: 性愛描写

「レダと白鳥」という題材は、男女間の性愛よりも女性と白鳥の性愛を描いた絵画のほうがまだしも好ましいとする、現在の考えからすると奇妙にも思える16世紀の風潮によって広まった。この題材で最初期に描かれた絵画の性愛描写は、当時の優れた画家たちが男女間の性愛を描いたどの絵画よりも露骨な性愛描写を伴うことがあった。性愛を扱った版画である『イ・モーディ』が発表から数年後に、ローマ教皇庁から製作者の投獄、原版の破棄を命じられたことからも分かるように、その当時は男女間の性愛を描写することは危険な行為だったのである。ルネサンス期になっても性愛描写は危険を伴うものであり、それはレダと白鳥をモチーフに描かれた、三枚の有名な絵画がたどった運命からも明らかである（後述）。このテーマが描写された最初期の作品は、大部分がヴェネツィアで作製された版画だった。私的に所蔵されていたもので、古代ローマの詩人オウィディウスの『変身物語』の記述を元にしている作品が多い。また、ロレンツォ・デ・メディチは古代ローマ時代のサルコファガスと宝石を所蔵しており、そのどちらにも寝そべったレダのモチーフが使われている。このモチーフを描いたルネサンス初期の作品として知られているのは、1499年に出版された『ヒュプネロトマキア・ポリフィリ』の挿絵に使われた木版画である。この木版画には、勝利の車 (Triumphal car) を牽く人々など数多くの人が周囲にいるにもかかわらず、その車の中でレダと白鳥が情熱的に愛を交わす様子が描写されている。また、版画家のジョヴァンニ・バッティスタ・パルンバが1503年ごろにレダと白鳥の性愛描写をモチーフにした版画を製作しており、これは人目のない田園での情景として描かれている。他にもジュリオ・カンパニョーラ (en:Giulio Campagnola) の作であると考えられている版画があり、この作品ではレダの様子ははっきりとは描かれていない。パルンバには、レオナルド・ダ・ヴィンチの習作の影響を受けて1512年ごろに製作したと見られる、地面に座って子供たちと遊ぶレダの版画もある。絵画や版画だけでなく、小さな装飾品などにもこのモチーフは用いられている。ベンヴェヌート・チェッリーニは芸術家としての活動初期にメダルを製作しており、その表面にアントニオ・アボンディオ (en:Antonio Abondio) が彫刻をしてローマの公妾に奉げたものが、現在もウィーンに残っている。
Title: レダと白鳥 (Leda and the Swan (Michelangelo))
Section: ルネサンス期の絵画

1504年にレオナルド・ダ・ヴィンチは、地面に座って子供たちと遊ぶレダという主題の作品を描くために習作を始めたが、結局この作品は描かれてはいないと考えられている。そしてレオナルドは1508年に、同じ主題だがまったく別の構成の絵画を描いた。その絵画が、白鳥を抱擁して裸で立っているレダと大きな卵から生まれたばかりの二組の双子が描かれている『レダと白鳥』だった。レオナルドが描いたオリジナルの『レダと白鳥』は現存しておらず、意図的に破棄されたと考えられている。しかし多くの模写が残っており、オリジナルがどういった絵画だったのかを知ることができる。ミケランジェロの作品にも、同じく現存せず意図的に破棄されたと思われる『レダと白鳥』がある。1529年にフェラーラ公アルフォンソ・デステが、フェラーラにある自身の宮殿のために依頼した、レダと白鳥をモチーフとしたテンペラ画である。この作品のためにミケランジェロが描いたラフ画は弟子のアントニオ・ミーニに渡された。1533年にミーニが死去するまで、フランス人のパトロンのためにミケランジェロのラフ画を模写していたこともあって、このラフ画は百年以上保管されていた。この絵画の構図は多くの模写、模造によって知られている。コルネリス・デ・ボスの版画（1563年ごろ）、バルトロメオ・アンマナーティの大理石彫刻（バルジェロ美術館、フィレンツェ）、若年のルーベンスがイタリア滞在時に模写した2枚の絵画（1530年ごろ、ナショナル･ギャラリー、ロンドン）などである。1530年ごろに描かれたこの作品で、レダはマニエリスムの特徴とも言える、長く引き伸ばされてねじれたポーズで描かれており（「蛇のような人体 figura serpentinata」）、これはその当時よく見られた表現手法であった。さらにプラドにあるローマ時代の彫刻群はミケランジェロの作品であると、少なくとも19世紀までは信じられていた。ルネサンス期における最後の有名な『レダと白鳥』は、コレッジョが1530年ごろに描いた、ベルリンの絵画館所蔵の緻密な構成の作品である。この絵画はフランス王ルイ15世の摂政で、絵画収集家としても知られるオルレアン公フィリップ2世が所有していたときに大きな損傷を受けた。彼の息子のルイも熱烈なまでの芸術愛好家だったが、自身の行動に対する周期的な道徳心の高下に悩まされており、あるときこの作品に描かれたレダをナイフで切り裂いたのである。修復はされたものの、完全にもとの状態に戻すことは不可能だった。レオナルドとミケランジェロの『レダと白鳥』は、どちらもフランス王家が所有していたときに失われた。絵画の所有者の死去後、残された道徳心の強い未亡人あるいは絵画の相続人によって破棄されたものと考えられている。有名なこれらの絵画のほかにも「レダと白鳥」をモチーフに描かれたルネサンス期の作品は数多い。繰り返し出版されたオウィディウスの著作に描かれた挿絵などが挙げられるが、ほとんどは前述の3作品から派生した構成・構図の作品である。
Title: レダと白鳥 (Leda and the Swan (Michelangelo))
Section: モダン・アート

「レダと白鳥」はイタリアとフランスの一部でのみ見られるモチーフであり、北欧にはほとんど存在しない。ブーシェの官能的な絵画は別として、18世紀から19世紀初頭には忘れ去られたモチーフとなっていたが、19世紀終わりから20世紀にかけて再び有名なモチーフとなり、象徴主義や表現主義の芸術家たちに取り上げられることとなった。象徴主義の画家サイ・トゥオンブリーは1962年に情熱的なレダと白鳥をモチーフにした作品を描いた。現在この絵画はニューヨーク近代美術館に所蔵されている。アバンギャルド映像作家のクルト・クレン (en:Kurt Kren) は、ウィーン・アクショニズム (en:Viennese Actionism)のメンバーであるオットー・ミュール (en:Otto Muehl)、ヘルマン・ニッチュとともに、『7/64 Leda mit der Schwan』というタイトルの映像作品を1964年に発表している。この作品はレダと白鳥という古典的モチーフ、表現を留めており、ほぼ全編にわたって若い女性が白鳥を抱擁している。写真家のチャーリー・ホワイト (en:Charlie White (artist)) は「And Jeapordize the Integrity of the Hull」という一連の作品で、レダをモチーフとした写真を撮っている。この作品には白鳥（ゼウス）は比喩的にしか表現されていない。インドのマディヤ・プラデーシュ州北部に位置する都市グワーリヤルにあるジャイ・ヴィラース宮殿の博物館には、やや露骨に描写された等身大のレダと白鳥の大理石彫刻がある[2]。
Title: レダと白鳥 (Leda and the Swan (Michelangelo))
Section: 詩

ルネサンス期フランスの詩人ピエール・ド・ロンサールは、彼がよく知っていたと考えられているミケランジェロの絵画に触発されて「La Défloration de Lède」という詩を書いた。レダと白鳥をモチーフにした他の多くの芸術家同様、白鳥のくちばしがレダの口に入っている場面を表現した詩である。アイルランドの現代詩人イェイツは1920年に『レダと白鳥』という詩の初版を出版した。心理学的リアリズム (en:Psychological novel) と神話的表現が融合した作品で、白鳥によるレダへの陵辱を描き出している。
Title: 聖ゲオルギウスと竜_(ウッチェロ) (Saint George and the Dragon (Uccello))
Section: abstract

『聖ゲオルギウスと竜』（せいゲオルギウスとりゅう、伊: San Giorgio e il drago, 英: Saint George and the Dragon）は、初期ルネサンス期のイタリアの画家パオロ・ウッチェロが1470年頃に制作した絵画である。油彩。主題はキリスト教の聖人の伝説を集成した『黄金伝説』で語られている聖ゲオルギウスの竜殺しの伝説を扱っている。ウッチェロは絵画に遠近法を取り入れた初期ルネサンス期の画家の1人であり、本作品も遠近法を使って描いている。またキャンバスを用いた油彩画の初期の作例としても知られる。現在はロンドンのナショナル・ギャラリーに所蔵されている。ただし展示はされていない。
Title: 聖ゲオルギウスと竜_(ウッチェロ) (Saint George and the Dragon (Uccello))
Section: 主題

『黄金伝説』によると、聖ゲオルギウスはリビアの都市シレーヌをドラゴンの恐怖から救ったと伝えられている。彼はドラゴンの生贄として捧げられたシレーヌの王女を救うため、騎乗し、槍でドラゴンを打ち負かした。そして王女に腰帯をドラゴンの首に結びつけて、都市に連れて行くように命じた。王女が言われた通りにすると、ドラゴンは大人しく王女に従って都市に行ったので、人々は恐怖におののいた。聖ゲオルギウスは人々にキリスト教に改宗するならばドラゴンを殺すと約束し、彼らが改宗したのち、剣でドラゴンを殺した。
Title: 聖ゲオルギウスと竜_(ウッチェロ) (Saint George and the Dragon (Uccello))
Section: 作品

ウッチェロは『黄金伝説』の物語を奇妙な表現を用いて描いている。たとえば聖ゲオルギウスは騎乗して、今まさに槍でドラゴンの顎を指し貫いている。それに対して画面左に配置された王女はドラゴンのそばに立ち、すでに腰帯を怪物の首に結び付けている。両者の行動は明らかに前後の異なる場面に起因しており、ドラゴンの左右に物語の登場人物を配置することで2つの場面を1枚の絵画に統合し、ドラゴンが王女に対して従順に従うことを暗示している。また聖ゲオルギウスが配置されている画面右の背景には鬱蒼とした森が遠方まで広がっており、その上空では雲が渦を巻きながら密集している。おそらく、この雲は天国の父なる神が地上世界に介入していることの表れである。実際に雲の渦と聖ゲオルギウスの槍は連続しており、雲の渦を画面右の背景に配置することで神が聖ゲオルギウスを後押しし、その力によって聖ゲオルギウスの槍がドラゴンの頭に達していることを表現していると考えられている。地面に描かれている方形の草むらも奇妙に見えるが、これはウッチェロの線遠近法への強いこだわりを表している。ただし本作品の遠近法は正確ではないことが指摘されている。草むらを繰り返し描いている点はパターンを好むウッチェロの傾向が表れている。この傾向はドラゴンの翼にも表れている。本作品の注目すべき点の1つはキャンバスに油彩されている点である。ウッチェロが活躍した時代のフィレンツェではまだキャンバスを用いることは一般的ではなかった。そのため作品の信憑性についてしばしば疑問視する意見が出されている。緑と青などの一部の顔料は変色している。特に青色の顔料であるアズライトを用いて描かれた空の色は変色によって緑色に見え、草や王女の衣装の緑は暗くなっている。
Title: 聖ゲオルギウスと竜_(ウッチェロ) (Saint George and the Dragon (Uccello))
Section: 来歴

この絵画は19世紀末にウィーンのカロル・ランコロンスキー伯爵のコレクションの一部であったことが知られている。アメリカ合衆国の美術史家チャールズ・ルーサーは1898年に伯爵のコレクションの中から本作品を発見し、ウッチェロに帰属した。1939年、第二次世界大戦が勃発すると絵画はナチス・ドイツによって盗まれ、おそらくアルトアウゼーの塩鉱山あるいはイメンドルフ城に保管されていたが、戦後、アメリカ軍によって発見され、伯爵家に返還された。ナショナル・ギャラリーが本作品を購入したのは1958年のことである。
Title: 聖ゲオルギウスと竜_(ウッチェロ) (Saint George and the Dragon (Uccello))
Section: 他のバージョン

メルボルンのビクトリア国立美術館とパリのジャックマール＝アンドレ美術館に、ウッチェロによる同じ主題の絵画が所蔵されている。どちらも本作品よりも以前の作品とされる。そのうちビクトリア国立美術館版は構成がまったく異なっているだけでなく、『黄金伝説』の記述や伝統的な描写と異なるものとなっている。
Title: ヤコポ・ストラーダの肖像 (Portrait of Jacopo Strada)
Section: abstract

『ヤコポ・ストラーダの肖像』（ヤコポ・ストラーダのしょうぞう、独: Bildnis Jacopo de Strada、英: Portrait of Jacopo Strada）は、イタリア盛期ルネサンスのヴェネツィア派の巨匠ティツィアーノ・ヴェチェッリオが1567-1568年にキャンバス上に油彩で制作した絵画である。多才なな宮廷人ヤコポ・ストラーダを描いている。作品はレオポルト・ヴィルヘルム大公のコレクションにあったもので、現在はウィーンの美術史美術館に所蔵されている。
Title: ヤコポ・ストラーダの肖像 (Portrait of Jacopo Strada)
Section: 作品

ストラーダは16世紀における最も多才な人物の1人で、世紀半ばころにアルブレヒト5世 (バイエルン公) の芸術顧問となり、法王庁に仕えた後、1557年からオーストリアのハプスブルク家に雇われた。彼は画家であり、建築家、金細工師、考古学者、文献学者、美術収集家、美術商でもあったため、雇い主たちにとってかけがえのない古美術の鑑識眼を持った美術品買い付け人であった。本作は、彼が書斎でその知識を示す事物に取り囲まれている姿を描いている。金鎖を身に着けているが、それはおそらく前年の1566年、彼の雇用主であったマクシミリアン2世 (神聖ローマ皇帝) により「Antiquarius Caesareus」 (帝国の古物収集家) に任命された時に与えられたものであり、彼を宮廷人として表している。彼の剣と肩から垂れる毛皮は彼の富裕さを象徴している。画面右上の銘文は、「JACOBVUS DE STRADA CIVIS ROMANVS CAESS. ANTIQVARIVS ET COM. BELIC. AN: AETAT: LI: et C.M.D.L. XVI (ヤコポ・ストラーダ、ローマの市民、(神聖ローマ) 帝国の古物収集家兼宰相、1566年に51歳)」と記している。 画面上部左側に「TITIANVS F (ECIT)」と署名されている。さらに、テーブル上の文字は「Titian Vecellio Venezia」を含んでいる。1世紀後の1659年 と1673年に、本作はダフィット・テニールス (子) による、レオポルト・ヴィルヘルム大公の絵画コレクションの目録『絵画の劇場』に記録されたが、それ以前に本作はすでにテニールスが描いた大公の絵画コレクションの絵画で悪名高いものであった。
Title: 誘惑されるアダムとイヴ_(ティントレット) (Adam and Eve (Tintoretto))
Section: abstract

『誘惑されるアダムとイヴ』（ゆうわくされるアダムとイヴ、伊: Tentazione di Adamo ed Eva, 英: The Temptation of Adam and Eve）は、ルネサンス期のイタリアのヴェネツィア派の巨匠ティントレットが1550年から1553年に制作した絵画である。油彩。主題は『旧約聖書』「創世記」で語られているアダムとイヴの誘惑と堕落からとられている。ヴェネツィアのサンティッシマ・トリニタ同信会館（Scuola della Santissima Trinità）のために「創世記」の物語をもとに制作された5点の連作の1つで、マニエリスムの典型的な作例となっている。現在はヴェネツィアのアカデミア美術館に所蔵されている。
Title: 誘惑されるアダムとイヴ_(ティントレット) (Adam and Eve (Tintoretto))
Section: 主題

「創世記」によるとエデンの園で神によって創造されたアダムは「園の木々の果実はどれを食べても良いが、知恵の木の果実だけは食べてはならない」といわれた。その後、神はアダムの肋骨からイヴを創ってアダムの妻としたが、蛇にそそのかされたイブは知恵の木の果実をアダムに与えて2人で食べた。それまで2人は自分たちが裸でいることに疑問を抱かなかったが、知恵の木の果実を食べた彼らは裸を恥ずかしいと思い、イチジクの葉で腰を覆った。しかしそれを見た神はすべてを悟り、2人をエデンの園のはるか東方に追放した。
Title: 誘惑されるアダムとイヴ_(ティントレット) (Adam and Eve (Tintoretto))
Section: 制作経緯

サンティッシマ・トリニタ同信会館はヴェネツィアの税関庁舎に本部を置くドイツ騎士団によって設立された。同信会は1547年にフランチェスコ・トルビドに同信会館のアルベルゴの間（Sala dell'Albergo）を装飾するための絵画を発注した。1550年9月にこの発注を引き継いだティントレットは「創世記」をもとに5点の連作、『動物の創造』（Creation of the Animals）、『イヴの創造』（The Creation of Eve）、『父なる神の前のアダムとイヴ』（Adam and Eve before God the Father）、『誘惑されるアダムとイヴ』（The Temptation of Adam and Eve）、『アベルの殺害』（The Murder of Abel）を制作した。
Title: 誘惑されるアダムとイヴ_(ティントレット) (Adam and Eve (Tintoretto))
Section: 作品

ティントレットは知恵の木から果実をもぎ取って、アダムを堕落の道へと誘惑するイヴを描いている。鑑賞者に背を向けて画面左の最前景に描かれたアダムは明らかにたじろいでいる。それに対してイヴは画面中央、つまりアダムから見て画面右の方向のやや奥まった位置で、知恵の木に寄り掛かるようにして座りながらアダムに禁断の果実を差し出している。知恵の木に蛇の姿はすでになく、腰をイチジクの葉で覆っているイヴはすでに禁断の果実を食した後であると分かる。画面右の背景では前景の誘惑に続く楽園追放のエピソードが異時同図法的に小さく描かれており、アダムとイヴは輝く天使によってエデンの園の外へと追放されている。構図のリズムを構築する中核となっているのはアダム像であり、前景にあって奥行きの調和を確保するための効果的なモチーフとして機能している。このアダム像のポーズはヘレニズム時代の彫刻『瀕死のガリア人』に由来しており、彫刻を背後から左右反転して描いたものであることが指摘されている。人物の配置は一見何でもないように見えて入念な研究がなされており、2人のポーズが画面左上に向かって方向づけられているのとは対照的に、画面左上に設定された遠近法の消失点と巧みな対象関係となっている。画面右の楽園追放の場面は逃げ去るアダムとイヴの姿が遠近法の線の方向に描かれている。この点について美術史家フェデリーコ・ゼーリはティントレットがサン・マルコ聖堂アトリウムの13世紀の「創世記」のモザイクを着想源とした可能性を指摘している。本作品でもう1つ注目すべきは瑞々しく描かれた楽園の風景で、登場人物の対照的な精神状態を増幅している。この時期のティントレットは風景の表現に対して鋭い感性を発展させており、その成果が本作品にも表れている。絵画は幅45センチ、高さ3センチほど切り詰められている。
Title: 誘惑されるアダムとイヴ_(ティントレット) (Adam and Eve (Tintoretto))
Section: 来歴

本作品に関する最初の言及はフィレンツェの美術評論家ラファエロ・ボルギーニによってである（1584年）。その後絵画を所蔵するサンティッシマ・トリニタ同信会館は移転することになった。すなわち1629年から1630年にかけてイタリア全土で猛威を振るったペストの大流行によって人口の約3分の1を失ったヴェネツィアは、いくつかの教会を建設したのち、聖母マリアに捧げられたサンタ・マリア・デッラ・サルーテ聖堂の建設を決定した。この建設のために同信会館は取り壊され、近隣に再建された。しかし1805年のプレスブルクの和約によってヴェネツィアがナポレオン支配下のイタリア王国に併合されると、政府の命令で多くの教会、修道院、同信会が廃絶された。このとき同信会も廃絶され、それに伴いティントレットの連作は解体されて他所に移された。こうして連作のうち『誘惑されるアダムとイヴ』と『アベルの殺害』は1812年に、『動物の創造』は1828年に、アカデミア美術館に収蔵された。『イヴの創造』はおそらく盗難ないし紛失によって現存せず、『父なる神の前のアダムとイヴ』は断片のみウフィツィ美術館に現存している。
Title: 誘惑されるアダムとイヴ_(ティントレット) (Adam and Eve (Tintoretto))
Section: 影響

本作品が古くから高い評価を得ていたことは、ボルギーニ以降も、カルロ・リドルフィ、マルティニオーニ（Martinioni）によって言及されたことから確認できる。1720年にはアンドレア・ズッキ（Andrea Zucchi）によって、1833年にはアントニオ・ヴィヴィアーノ（Antonio Viviano）によって複製版画が制作されている。そのうち前者は、本作品が美術館収蔵後に切り詰められたことを明らかにしている。
Title: ボルセーナのミサ (The Mass at Bolsena)
Section: abstract

『ボルセーナのミサ』（伊: Messa di Bolsena、英: The Mass at Bolsena）は、イタリア・盛期ルネサンスの巨匠ラファエロ・サンティが1512-1514年に描いたフレスコ画である。ローマ教皇ユリウス2世 (1443-1513年) は、現在、ヴァチカン宮殿の「ラファエロの間」として知られる部屋をフレスコ画で装飾するようラファエロに委嘱したが、本作はその一部として制作された。『神殿から追放されるヘリオドロス』にちなみ「ヘリオドロスの間」と呼ばれる部屋で見ることができる。
Title: ボルセーナのミサ (The Mass at Bolsena)
Section: 作品

『ボルセーナのミサ』は、1263年、ローマ教皇ウルバヌス4世の時代にボルセーナ (Bolsena) のサンタ・クリスティーナ教会で起きたといわれている「聖体の奇跡」を描いている。「聖変化」の教義を疑っていたボヘミアの司祭が、はたしてこの聖餅が神の肉身であろうかと思いながらミサを行っていると、聖餐のパンが血を流し始めたという。流れ出た血はテーブルの布上に十字架を形作り、司祭は信仰に立ち返った。これは、カトリックの最も重要な教義の1つが、神自身が起こした奇跡で証明されたということを意味している。奇跡の起きた翌年の1264年、ウルバヌス4世は、この出来事を祝うために「聖体の祝日」を創設した。血に染まった「ボルセーナの布」は、今日もオルヴィエート大聖堂 の主要な聖遺物として崇められている。そもそも、オルヴィエート大聖堂は、この奇跡を記念して建立されたものである。ミサを行っている司祭の反対側の画面右側に、教皇ユリウス2世が跪いた姿で表されており、彼はその奇跡の証人であると言明している。彼は、1506年のボローニャ遠征の際に「ボルセーナの布」が保管されていたオルヴィエート大聖堂に立ち寄り、この聖遺物を拝したことがあった。ユリウス2世は当時、ボローニャを失っており、『ボルセーナのミサ』が描かれていた時、彼はその奪還に命を懸けていた。それが実現されたのは1512年の6月のことであった。ユリウス2世の背後には教皇に従う聖職者、画面下部右側にはスイス衛兵がいる。スイス衛兵はユリウス2世が制定した教皇の護衛兵で、教皇がフランスから領土を奪還するのに貢献した。そのため教会の守護者という名称を与えられた上、1512年の夏に特徴のある剣とベレーを与えられたが、そのことはこのフレスコ画の制作年を推定するのに寄与している。なお、スイス衛兵のうちの1人は画家ラファエロの自画像となっており、彼は髪を結いあげ正面を向いている人物である。左側の階段の下には暗色の衣服を纏った、ユリウス2世の娘フェリーチェ・デッラ・ローヴェレも横顔で表されている。右側の4人の枢機卿は、ユリウス2世の親類であるレオナルド・グロッソ・デッラ・ローヴェレ  (Leonardo Grosso della Rovere) 、ラファエロ・リアーリオ  (Raffaello Riario) 、トンマーゾ・リアーリオ  (Tommaso Riario) 、アゴスティーノ・スピノーラ  (Agostino Spinola) と特定されている。
Title: 踊るカップル (The Dancing Couple)
Section: abstract

『踊るカップル』（おどるカップル、英: The Dancing Couple）は、オランダ黄金時代の画家ヤン・ステーンが1663年にキャンバス上に油彩で制作した絵画である。中央に踊るカップルのいる騒々しいパーティーの情景を描いている。本作は、1939年、レンブラントの『風車』、『十字架降下』、フランス・ハルスの『紳士の肖像』などの膨大な作品とともに、著名な美術収集家であったジョゼフ・E・ワイドナーにより、ワシントンのナショナル・ギャラリーに寄贈された。
Title: 踊るカップル (The Dancing Couple)
Section: 背景

ステーンの絵画は、同時代の文学や大衆演劇の洗練された使用が特徴であるが、しばしばイタリアのコンメディア・デッラルテと、画家の生地オランダの「レデレイケルスカメルス」（rederijkerskamers = 「修辞学者の間」の意味）の登場人物を用いている。ステーンは17世紀オランダで最も多彩にして多作の画家であったが、ビール醸造者にして宿屋の主という彼の他の職業には、適していなかったようである。というのは、伝わるところによれば、ステーンは所有していた酒を飲みすぎ、稼いだ以上の金を使ってしまったからである。ステーンの絵画に見られる混沌と陽気な雰囲気は、無秩序の家のことを指して、「ヤン・ステーンのように家庭を仕切る」というオランダ語の表現を生んだ。
Title: 踊るカップル (The Dancing Couple)
Section: 作品

本作で、ヤン・ステーンは非常に祝祭的な状況を描いている。場面は「ケルミス」、すなわち地元の村祭りで、 オランダの美術で多くの象徴的要素を持ち、ピーテル・ブリューゲルの作品でも人気があった伝統的なものである。本作には五感のすべてが表されている。2人の音楽家が踊っているカップルのために音楽を奏で、ブドウの蔓のあるあずまやにいる他の人々は戯れ、食べ、飲み、タバコを吸っており、子供たちはおもちゃで遊んでいる。画面左側で洒落たグラスからワインを飲んでいる女性の顎を撫でて、ニヤニヤしている右隣の人物はステーンその人である。場には明らかな軽薄さがあるが、鑑賞者に感覚的快楽の儚さについて警告するために、ステーンは切られた花、壊れた卵の殻、シャボン玉などの象徴的要素を用いている。