shintaro-ozaki/entity-explanation huggingface dataset:
Title: ヴァッレ・ロミータの多翼祭壇画 (Valle Romita Polyptych)
Section: 作品

多翼祭壇画は縦280センチ、横250センチである。中央パネルは縦157.20センチ、横79.6センチ、側面の下段パネルは縦117.50、横40センチ、上段パネルは縦48.9センチ、横37.8センチである。中央パネルにはイエス・キリストによる聖母マリアの「戴冠」が描かれ、その下の部分には「三位一体」と奏楽天使たちの合唱が描かれている。この場面はジェンティーレがヴェネツィアのサン・マルコ寺院で見たビザンチン美術のモザイクに触発されたものであり、それは空中に浮かんでいる人物像と非常に細かく細工されている金色の背景に見て取れる。キリストの衣服は銀箔の上に描かれている。4つの側面パネルは聖人たちを表している。聖人たちの名前はそれぞれの光輪に記されており、左から教会の模型を手に持つ聖ヒエロニムス、アッシジの聖フランチェスコ、聖ドミニクス、マグダラのマリアである。彼らは、様々な種類の植物が細部まで描かれている庭に配置されている。細部が表現されている事物には、マグダラのマリアが指先に持つアンプラ (丸い容器)  (描かれているのではなく、金に彫り込まれている) も含まれる。後に、マサッチオの写実主義に影響され、ジェンティーレは『クワラテージの祭壇画』(ウフィツィ美術館、ロンドン・ナショナル・ギャラリー) でマグダラのマリアの手にしっかりと持たれている同じアンプラを描くことになる。上段枠内の小さなパネルは、砂漠で祈る洗礼者聖ヨハネ、殉教者聖ペテロ、読書するパドヴァの聖アントニオ、聖痕を受ける聖フランチェスコである。これらのパネルは、ジェンティーレの細部への関心のさらなる例で、聖ペテロの衣服のウールを描くために用いらているほとんど点描の技法、聖ヨハネの細かい髪の毛や服の布地の描写などが挙げられる。上段の中央の枠には本来、ブレラ美術館の同じ部屋に架けられている「磔刑」があった可能性がある。いくつかの他のコレクションにある聖人を描いた小さなパネルが、かつてこの祭壇画の両側の枠組み (現在では失われている) にあったと考えられている。
Title: エジプトへの逃避_(クロード・ロラン) (The Flight into Egypt (Lorrain))
Section: abstract

『エジプトへの逃避』（エジプトへのとうひ、仏: La Fuite en Égypte, 英: The Flight into Egypt）は、フランスのバロックの画家クロード・ロランが1635年ごろに制作した絵画である。油彩。主題は『新約聖書』「マタイによる福音書」で語られている聖家族のエジプトへの逃避から取られている。クロード・ロラン現在はインディアナ州のインディアナポリス美術館に所蔵されている。
Title: エジプトへの逃避_(クロード・ロラン) (The Flight into Egypt (Lorrain))
Section: 主題

聖家族のエジプトへの逃避は「マタイによる福音書」2章13節から23節で言及されている。それによると、東方の三博士が幼児のイエス・キリストを礼拝して帰ったのち、聖ヨセフの夢に主の御使いが現れた。そしてヘロデ大王がベツレヘムに生まれたユダヤ人の王となる子供を恐れて国内の新生児を虐殺することを予言し、この災厄から逃れるため、幼児キリストを連れてエジプトに行き、知らせがあるまでそこに留まっているよう告げた。そこでヨセフは夜の間に幼児と聖母マリアを連れてエジプトに逃亡し、ヘロデ大王が死ぬまでその地に留まった。ヘロデ大王が死ぬと再びヨセフの夢の中に使いが現れて、イスラエルに帰るよう告げたので、ヨセフは帰国し、ナザレの地に移り住んだ。
Title: エジプトへの逃避_(クロード・ロラン) (The Flight into Egypt (Lorrain))
Section: 作品

クロード・ロランによるこの初期の絵画は幼児虐殺から逃亡する聖ヨセフ、聖母マリア、幼児キリストを描いている。将来の役割を予感させるため、幼児キリストはロバの手綱を握っている。クロード・ロランは苛烈な虐殺から逃亡する3人を穏やかな風景の中に描いた。このような風景は、ローマの田園地帯を羊飼いの素朴なグループとリアルに描写したそびえ立つ木々を組み合わせることでクロード・ロランを有名にした。画家はカンパーニャ地方の金色の太陽の光と大気の効果を捉えることを可能にするスケッチを作成するため、マラリアの危険を冒して後者の描写を完成させた。主題は聖家族であるかもしれないが、実際に焦点を当てているのは物語ではなく光である。クロード・ロランの理想的なアルカディアの風景は、宗教的なテーマは二次的であり、光と大気を研究したものである。クロード・ロランは特に初期の作品で「エジプトへの逃避」を繰り返し描いた。彼は風景画以外の作品を描いたことはないが、このジャンルを新たな高みに引き上げるほどの技量で風景を制作した。彼の自然に対する詩的なビジョンは、宗教画や歴史画と同様に、風景画をそれ自体独立したジャンルとして確立するのに役立った17世紀の裕福な後援者によって非常に高く評価された。
Title: エジプトへの逃避_(クロード・ロラン) (The Flight into Egypt (Lorrain))
Section: 来歴

絵画は18世紀にパリのヴァンサン・ドンジュー（Vincent Donjeux）が所有していたことが知られている。所有者は1773年に第2代パーマストン子爵ヘンリー・テンプルに売却した。絵画は1世紀以上の間、パーマストン子爵家で相続されていたが、1889年に初代アイヴァー伯爵エドワード・セシル・ギネスに売却された。初代アイヴァー伯爵の死後、絵画は息子のアーネスト・ギネスに相続されたが、彼が1949年に死去すると、遺産相続人によって1953年に売却された。当初の予定では絵画はクリスティーズで競売にかけられるはずであったが、おそらく競売前に美術商のノードラー商会、アグニューズ、ルドルフ・J・ハイネマンに売却された。これを1959年に購入したのはインディアナポリスの美術収集家ジョージ・ヘンリー・アレクサンダー・クロウズの未亡人イーディス・ホワイトヒル・ヒンケル・クロウズ（Edith Whitehill Hinkel Clowes）であった。これ以降、絵画はクロウズ基金コレクション（Clowes Fund Collection）が所有していたが、1971 年からインディアナポリス美術館に長期貸与し、2003年に同美術館に寄贈された。
Title: 受胎告知 (Annunciation (Lippi, Rome))
Section: abstract

受胎告知（じゅたいこくち、英: Annunciation）とは、キリスト教の聖典である『新約聖書』に書かれているエピソードの1つ。聖告（せいこく）、処女聖マリアのお告げ、生神女福音（しょうしんじょふくいん）とも言う。一般に、処女マリアに天使のガブリエルが降り、マリアが聖霊によってキリストを妊娠したことを告げ、またマリアがそれを受け入れることを告げる出来事である。マリア崇敬の思想を背景として、キリスト教文化圏の芸術作品の中で繰り返し用いられるモチーフでもある。 これを記念する祭日は東方に始まり、中世に西方につたわった。現在もカトリック教会などでは3月25日、東方教会では4月7日を祭日としている。カトリック教会では「神のお告げ（の祭日）」と呼ぶ。正教会では「生神女福音祭」とし、十二大祭のひとつである。
Title: 受胎告知 (Annunciation (Lippi, Rome))
Section: 福音書における記述

受胎告知が記述されているのは「マタイによる福音書」と「ルカによる福音書」だが、それぞれ詳細が異なる。「マタイによる福音書」では（1:18-25）、ナザレではない地（2:22-23、おそらくベツレヘム）で、ヨセフの夢に天使が現れる。マリアに関しては、天使による告知の記述はなく、聖霊による受胎をすでに知っていたことのみ書かれている。一方、「ルカによる福音書」（1:26-38）では、ナザレにて天使ガブリエルがマリアの前に現れて受胎を告げる。ヨセフの方に対する言及はない。
Title: 受胎告知 (Annunciation (Lippi, Rome))
Section: 旧約聖書における受胎告知

マタイ作者によれば、『新約聖書』における受胎告知は『旧約聖書』中の「イザヤ書」（7:14）の預言に基づいている。だが、イザヤの預言はアハズ王に与えられたものであり、イエスの誕生と関係がなく、ましてや処女懐胎を意味しない。『旧約聖書』中に神が子を授ける例はたびたび見られる。受胎告知らしきものは、不妊であったマノアの妻がサムソンを授かる旨を天使が告げる「士師記」（13:3-5）などがある。
Title: 受胎告知 (Annunciation (Lippi, Rome))
Section: 美術

絵画では、この場面でのマリアは読書の最中であることが多いが、糸を紡いでいることもある。傍らには白い百合（純潔の象徴）が置かれているが、天使が百合を携えている場合もある。2人の上には天上からの光や聖霊の鳩が描かれることが多く、これによって「聖霊によって身ごもる」ことを示している。中世の作品としては、ランス大聖堂の彫像や、シモーネ・マルティーニの祭壇画が名高い。ルネサンスでは天上と地上の邂逅という如何にもルネサンス的な性格が好まれ、最も人気のある主題の1つとなった。サン・マルコ修道院にフラ・アンジェリコが描いた壁画、レオナルド・ダ・ヴィンチによる絵画などが傑作として知られる。またエル・グレコは受胎告知のモチーフを好んで描き、多数の作品を残した（詳細は受胎告知 (エル・グレコ)を参照されたし）。正教会においてはイコノスタシスの門にこの場面を描く決まりがあり、作例が多い。ただし構図上、左右の扉に天使とマリヤを分けて配するため、鳩など聖霊を現す象徴は省略されることが多い。またこれとは別に、1枚のイコンにこの場面を描いたものもある。一枚絵の場合は、マリアが室内にいることを示す家が背景に描かれ、また神・父を象徴する丸い光が中央上端、天空に描かれる。そこから聖霊を示す光が差している場合も多い。
Title: 読書をする老婦人 (Old Woman Reading)
Section: abstract

『読書をする老婦人』（どくしょをするろうふじん、蘭: Lezende oude vrouw、英: Old Woman Reading）、または『聖書日課を読む老婦人』（せいしょにっかをよむろうふじん、英: Old Woman Reading a Lectionary）は、17世紀オランダ黄金時代の画家ヘラルト・ドウが1631–1632年頃、板上に油彩で制作した絵画である。過去には、レンブラントに帰属され、『レンブラントの母』という題名であったが、その帰属はかなり前から否定されている。この肖像画は、1912年11月以来、アムステルダム国立美術館に所蔵されている。
Title: 読書をする老婦人 (Old Woman Reading)
Section: 歴史

1628年、14歳であったドウは、わずか7歳年上であったレンブラントの最初の弟子となった。当時、レンブラントは、レイデンで仲間の画家ヤン・リーフェンスとアトリエを共有していた。 レンブラント自身、その当時、光と闇の強いコントラストのある洗練された様式で制作していたが、この技法は明らかに本作にも反映している。レンブラントは、後にこの洗練性を強く拒否することになるが、ドウはそれをさらに追及することに専心した。師のレンブラントが1632年にアムステルダムに移った後、ドウはレイデン・フェインスヒルデル (緻密派)の創立者となった。
Title: 読書をする老婦人 (Old Woman Reading)
Section: 概要

『読書をする老婦人』はおそらく、ドウが独立した画家として描いた初期作品のうちの1つである。作品において、ドウはその若さにもかかわらず、自身の才能と見事な技術的手法を示している。毛皮、木綿、刻印のある紙、老婦人の皺だらけの皮膚。こうしたものの質感が完璧なまでに再現されている。彼女が読んでいる聖書は1585年に初めて木版によって出版されたもので、聖書日課中の文章と付随する版画が非常な細部まで描かれており、明らかに見て取ることができる。ルカによる福音書の第19章の冒頭で、本当によい行いをしたいと欲する者はだれでも、できる限り多くの世俗的所有物を貧者に与えるべきであると述べられている箇所である。この一節は、いまだに自身の所有物に執着しているように見える老婦人の高価な衣服とは対照的であるが、それは鑑賞者へのメッセージと解釈できるかもしれない。ドウは、北ヨーロッパの当時の基準に照らし合わせて、老婦人を驚異的な写実性で描いている。画家は、鑑賞者に老婦人の近くにいるような感覚を与えているが、横顔であり、読書に没頭しているため、彼女はそのことに気づいていないようにみえる。作品は、ドウがレンブラントから学んだキアロスクーロの使用の典型例であり、最重要部分が強調されている。背景は滑らかで、厳粛で、前景から注意を逸らすようなものではない。構図面で、画家は左側上部と右側下部の間に落ち着いた斜めのコントラストを創り出している。
Title: 読書をする老婦人 (Old Woman Reading)
Section: 帰属

本作は、長い間、レンブラントが母親を描いた肖像画であると誤認され、『レンブラントの母』という題名であった。その見方は、レンブラントが自身の絵画で親族の多くを描いたのだという、かつて考えに合致していた。1900年まで、レンブラントへの帰属は確実な結論であった。1898年の大規模なレンブラント展では、当時、A. H. フクワーテル (A. H. Hoekwater) のコレクションにあった本作は、レンブラントの作として出品された。1901年、美術史家のウィルヘルム・マルティン (Wilhelm Martin) は、ヘラルト・ドウに関する本の中で、ドウがおそらく絵画の作者であると示唆した。マルティンは、ドウのキアロスクーロの使用、彼の作品に典型的な滑らかな仕上げ、そして、ドウ、レンブラント、リーフェンスがしばしば同一モデルを用いたことを挙げ、本作の様式的特徴に言及した。実際、描かれている老婦人は、3人の画家すべての作品に登場し、ドウ自身、数回彼女を描いている。1900年以降、レンブラントのモデルを彼の親族だとする見方は、根拠のないものであることがだんだんと明らかになった。そのため、本作が1912年11月にA. H. フクワーテルの遺贈の形でアムステルダム国立美術館に贈られた時、現在の題名でドウの作品として展示されることになった。2005年、レイデンのラケンハル美術館で開催された「レンブラントの母、神話、現実」(Rembrandt's Mother, Myth and Reality) で、本作は主要作品の1つであった。
Title: エジプトへの逃避途上の休息 (Rest on the Flight into Egypt (David, Madrid))
Section: abstract

エジプトへの逃避途上の休息（エジプトへのとうひとじょうのきゅうそく）
Title: エジプトへの逃避途上の休息 (Rest on the Flight into Egypt (David, Madrid))
Section: 絵画

ヘラルト・ダヴィトの絵画。エジプトへの逃避途上の休息 (ダヴィト、アントワープ)エジプトへの逃避途上の休息 (ダヴィト、プラド美術館)エジプトへの逃避途上の休息 (ダヴィト、メトロポリタン美術館)エジプトへの逃避途上の休息 (ダヴィト、ワシントン)聖フランチェスコのいるエジプトへの逃避途上の休息 - コレッジョの絵画
Title: エジプトへの逃避途上の休息 (Rest on the Flight into Egypt (David, Madrid))
Section: 絵画
Subsection: エジプト逃避途上の休息

エジプト逃避途上の休息 (カラッチ)エジプト逃避途上の休息 (クラナッハ)エジプト逃避途上の休息 (ムリーリョ)
Title: ガラスの茶室_-_光庵 (Glass Tea House - KOU-AN)
Section: abstract

『ガラスの茶室 − 光庵』（ガラスのちゃしつ こうあん、英: Glass Tea House – KOU-AN）は、吉岡徳仁の作品。光を素材に構築されたガラスの茶室は、自然の光と一体化することで、人間の感覚を超越する光の空間を生み出している。2011年、第54回ヴェネツィア・ビエンナーレ国際美術展でデザインが発表され、2015年に京都の将軍塚青龍殿、2019年に東京の国立新美術館で特別公開されるなど、日本全国で巡回展示されている。
Title: ガラスの茶室_-_光庵 (Glass Tea House - KOU-AN)
Section: 解説

光庵は、空間と時間の概念を超え、日本文化の根源を再考する作品。光をガラスによって表現したこの茶室は、伝統的な掛軸や生け花はなく、降り注ぐ太陽の光により水面のような輝きを生み出し、クリスタルプリズムの彫刻から放たれる光は虹となり「光の花」が現れる。その光の建築は、物質の概念から解き放たれ、詩的な光景を浮かび上がらせる。閉じられた小宇宙である古来の茶室とは正反対に、光庵は全てガラスで構築されており、周囲の色彩とともに様々な表情を見せる。
Title: ガラスの茶室_-_光庵 (Glass Tea House - KOU-AN)
Section: 展覧会

2011年 『ガラスの茶室 − 光庵』 第54回ヴェネツィア・ビエンナーレ国際美術展 Glasstress 2011（ヴェネツィア、イタリア）イタリアのヴェネツィアで2年に一度開催されている国際美術展覧会のGlasstress 2011にて、『ガラスの茶室 − 光庵』のデザインが発表された。2015年 – 2017年 『ガラスの茶室 − 光庵』天台宗青蓮院門跡将軍塚青龍殿（京都、日本）将軍塚青龍殿が位置する京都東山山頂は、794 年に桓武天皇が訪れ、日本文化を象徴する平安建都に着手したきっかけの場所と伝えられている。将軍塚青龍殿には、日本三大不動の一つに数えられる国宝青不動明王が奉納されており、光庵が展示された標高220mの大舞台からは京都市街を一望することができる。2018年 – 2019年 『吉岡徳仁ガラスの茶室 − 光庵』佐賀県立美術館（佐賀、日本）白い空間の中で光のインスタレーションとして光庵が発表され、パリのオルセー美術館にコレクションされているガラスのベンチ「Water Block」や、ガラスのテーブル「Waterfall」なども併せて展示された。佐賀県は吉岡の出身地であり、2015年には佐賀県立美術館のリニューアルを記念して吉岡の個展が開催された。2019年 – 2022年 『吉岡徳仁ガラスの茶室 − 光庵』国立新美術館（東京、日本）2007年に開館した国立新美術館は、黒川紀章が設計した、波のような曲線が美しいガラス張りの美術館。その正面入口に光庵が展示されており、オルセー美術館にコレクションされているガラスのベンチ「Water Block」も併せて公開されている。
Title: ガラスの茶室_-_光庵 (Glass Tea House - KOU-AN)
Section: 書籍

『吉岡徳仁光庵－ガラスの茶室』2017年、求龍堂
Title: ガラスの茶室_-_光庵 (Glass Tea House - KOU-AN)
Section: 掲載

『吉岡徳仁「光庵‐ガラスの茶室」がヴェネツィア・ビエンナーレに (1/3)』、2011年6月3日、ITmedia ビジネスオンライン『tokujin yoshioka: water block + kou an glass teahouse』2011年6月6日、designboom『朝日新聞』2015年4月9日、朝日新聞社『産経新聞』2015年4月19日、産業経済新聞社『Tokujin Yoshioka installs glass tea house beside an ancient Japanese temple』2015年4月24日、dezeen『芸術新潮』6月号、2015年5月25日、新潮社『The Japan Times On Sunday』2015年6月28日、ジャパンタイムズ『毎日新聞』2015年11月12日、毎日新聞社『京都新聞』2017年11月5日、京都新聞社『新美術新聞』2019年5月1日、美術年鑑社『吉岡徳仁のガラスの茶室が、国立新美術館に出現。』2019年4月25日、Casa BRUTUS『毎日新聞』2019年5月13日、毎日新聞社『なごみ』1月号、2020年1月1日、淡交社
Title: ランプのある青年の肖像 (Portrait of a Young Man with a Lamp)
Section: abstract

『ランプのある青年の肖像』（ランプのあるせいねんのしょうぞう、伊:Ritratto di giovane con lucerna）は、イタリアの盛期ルネサンスの画家ロレンツォ・ロットによる油彩のカンヴァス画である。1506年ごろの制作で、オーストリアのウィーンにある美術史美術館に収蔵されている。本作は通常、ロットがトレヴィーゾに滞在した時期のものとされている。1816年にウィーンの美術館に購入された。絵画は、4分の3正面を向き、鑑賞者を見ている若い男性の胸像を描いている。感染症による、わずかな皮膚の異常、細長い鼻、柔らかい髪などの細部に最大の注意が払われている。光の使用と構図は、『ベルナルド・デ・ロッシ司教の肖像』（1505年）など、ロットによる他の初期の作品と類似している。顔は暗色の服と帽子に枠取られ、緑の縁取りのある、白い錦織の飾り布を背景に描かれている。右側の暗い背景への開口部には、明るいランプが表されている。ランプは、青年の性格や行動を示唆している可能性があり、さまざまに解釈されているシンボル（福音書のエピソードへの言及から、炎の薄暗さによる人生の儚さの寓話まで）である。モデルは、トレヴィーゾの司教、ベルナルド・デ・ロッシの若い書記官であるブロッカルド・マルキオストロと特定された。1503年に、二人はともに陰謀に命を賭けた。カーテンの装飾は暗喩である。ヒレアザミ (carduus) の模様のある錦織（brocade）は、「Brocade + carduus = Brocardus」となり、ブロッカルド （Broccardo） の名にかけ合わされている。そのような暗喩は、ロットの成熟期に描かれた『ルチーナ・ブレンバーティの肖像』など何点かの作品に含まれている。
Title: ミノタウロスを殺すテセウス (Theseus Killing the Minotaur)
Section: abstract

『ミノタウロスを殺すテセウス』（ミノタウロスをころすテセウス、伊: Teseo uccide il Minotauro, 英: Theseus Killing the Minotaur）あるいは『テセウスとミノタウロス』（伊: Teseo e Minotauro, 英: Theseus and Minotaur）は、イタリアのルネサンス期のヴェネツィア派の画家チーマ・ダ・コネリアーノが1505年頃に制作した絵画である。テンペラ画。主題はギリシア神話の英雄テセウスのミノタウロス退治から取られている。現在はミラノのポルディ・ペッツォーリ美術館に所蔵されている。
Title: ミノタウロスを殺すテセウス (Theseus Killing the Minotaur)
Section: 主題

神話によると、アテナイはクレタの王子アンドロゲオスの死を原因とする災いから逃れるため、毎年若い男女7人ずつを牛頭の怪物ミノタウロスの生贄として捧げていた。そのためテセウスはミノタウロスを退治するために生贄の1人に加わり、ダイダロスによって建設されたミノタウロスを幽閉するための迷宮ビュリントスに入った。その際にテーセウスは彼に恋をしたクレタの王女アリアドネから脱出に役立つ糸毬を受け取ったという。テーセウスは迷宮の奥でミノタウロスと遭遇すると、これを退治し、糸をたどって迷宮の外に脱出した。その後テセウスはアリアドネを連れてクレタ島を旅立ったが、途中で立ち寄ったナクソス島にアリアドネを置き去りにした。アリアドネは悲しんだが、そこに酒の神ディオニュソス（ローマ神話のバッカス）が現れてアリアドネと結婚したと伝えられている。
Title: ミノタウロスを殺すテセウス (Theseus Killing the Minotaur)
Section: 作品

チーマは迷宮の内部でミノタウロスと戦う英雄テセウスを描いている。ミノタウロスはすでに首に致命的な傷を負い、膝を地面の上につき、上半身を仰け反らせて顔を背後に向けており、対するテセウスはさらに前のめりになって、剣を振り上げ、止めの一撃を加えようとしている。神話によるとミノタウロスは牡牛の頭と人間の身体を持つと伝えられているが、ここでは神話と異なり、人間の上半身と牡牛の四肢を持ったケンタウロスのような姿で描かれている。このミノタウロス像は珍しい反面、必ずしも特殊な事例というわけではなく、フィレンツェのロレンツォ・メディチ図書館に所蔵されている、本作品の約20年ほど前のベネデット・ボルドーネの細密画に同様の図像が見出せる。さらにチーマは怪物を幽閉した迷宮の構造的特徴を画面の中に表現している。すなわち画面左側の壊れた壁は、迷宮が天井を持たない壁のみで構築された同心円ないし螺旋状の構造を持つことを示している。絵画は様式的に、ヴェネツィアにおいて古代神話の主題が比較的まれであった1490年代後半あるいは1500年代前半までさかのぼると見なされている。本作品の温かい色調の自然光はジョヴァンニ・ベッリーニの自然主義を独自に発展させた成熟期のチーマの特徴を示している。本作品はおそらくカッソーネの側面やあるいはベッドのヘッドボードなど、結婚と関係のある家具を飾るために制作されたと考えられており、本作品の他にも同じ目的で制作された同一の神話画連作と目されている板絵がいくつか知られている。そのうちの1つは同じくポルディ・ペッツォーリ美術館所蔵の『バッカスとアリアドネの結婚』（Le Nozze di Bacco e Arianna）であり、この2点の神話画はいずれもテセウス神話に属している。スイスの個人コレクションにはミノス王の宮廷にやって来たテセウスを描いた別のカッソーネの板絵が所蔵されており、2010年にコネリアーノで開催されたチーマ・ダ・コネリアーノ展で本作品ともに展示されている。さらにアメリカ合衆国ペンシルバニア州のフィラデルフィア美術館の『バッカスの祭司』（Baccante）と『シレノスとサテュロス』（Sileno e satiri）、フランスの個人コレクションに所蔵されている小さな牧神パンといった板絵もまた同じ神話画連作に属する作品である可能性が指摘されている。
Title: ミノタウロスを殺すテセウス (Theseus Killing the Minotaur)
Section: 来歴

本作品は1972年5月30日のミラノのオークションハウス・フィナルテで開催された競売で売りに出された（ロット35）。これを購入したのがブレラ美術館であり、その後、ポルディ・ペッツォーリ美術館に寄託された。
Title: 秋冬山水図 (Autumn and Winter Landscapes)
Section: abstract

秋冬山水図（しゅうとうさんすいず）、あるいは紙本墨画秋冬山水図（しほんぼくがしゅうとうさんすいず）は、室町時代の禅僧で著名な画家である雪舟による水墨画である。東京国立博物館が所蔵している。もともとは四季すべての絵が揃っていたと考えられているが、現在はそのうち2つ、冬景と一般的には秋景と考えられているものしか残っていない。中国の風景画に影響を受けた日本美術の傑作であると考えられており、1953年3月31日に国宝に指定された。
Title: 秋冬山水図 (Autumn and Winter Landscapes)
Section: 内容
Subsection: 秋景

秋の風景は紙の上側に向かって流れる川を描き、遠景に高い建物が見える。後ろにはかすかに山が見える。川の対岸に腰掛けたふたりの高士が会話をしており、上は広々とした空が広がっている。綿田稔によると、この風景は「夏」だと考えられていたこともあり、さらには春のモチーフとしてよく使われる梅の木のようなものが描かれているため「春」の可能性もあるという。
Title: 秋冬山水図 (Autumn and Winter Landscapes)
Section: 内容
Subsection: 冬景

冬の風景は後ろに広大な空が広がる秋の風景とは対照的に崖があり、遠景の建物に向かってひとり登る旅人が描かれている。中心にあるぎざぎざの縦線は崖の岩の肌理と大きさ、奥行きを表現している。背景の木々は冬らしく枯れている。白黒の明暗だけで冬景色の広がりを描いており、白は雪を示し、灰色が肌理、陰、解けかけてぬかるんだ雪を表現している。降りしきる雪を表現するために背景はぼかしてある。冬景は「レンズの絞りのような」画面構成の絵画であると評価されている。范寛や夏珪の影響を受けつつ、その伝統に独自性を持ち込んだ作品である。美術史家の熊谷宣夫や蓮實重康は、フランスの画家ポール・セザンヌを引き合いに出し、キュビスムとの類似性を指摘している。一方で島尾新は、1956年に世界平和評議会が選定した世界十大文化人の中に雪舟が入ったことによって沸き起こった雪舟ブームの中で、雪舟を世界の中に位置づける必要性から、西洋絵画との比較評が行われたことを指摘している。
Title: 秋冬山水図 (Autumn and Winter Landscapes)
Section: 制作背景

1468年、48歳の雪舟は当時の風景画の手法やスタイルを学ぶために明に留学した。雪舟は最初は周文や如拙のもとで学んでいたが、北京や寧波などを含むさまざまな都市や地域を幅広く旅した経験が、後に「秋冬山水図」を描く際に役立つこととなった。禅僧として雪舟は旅の最中に自然を観察・考察し、そこから季節の雰囲気をよくとらえた風景画が生まれることとなった。「秋冬山水図」は夏珪の作品のスタイルを参考にしている。東京国立博物館には初期に制作されたと見られる別の「四季山水図」が四幅遺存しており、この作品ももともとは四季山水図であったと考えられるが、そのうち2つが失われた。「秋冬山水図」の制作年代についてははっきりと分かっていないが、山口県の毛利博物館が所蔵する「山水長巻」と呼ばれる四季山水図には文明18年（1486年）の落款があり、これまで「山水長巻」よりも若い作品であるというのが通説であったが、近年においては「山水長巻」と同じ頃の作品であるという見方が強まり、「山水長巻」以降に制作されたとする説も出てきている。
Title: 秋冬山水図 (Autumn and Winter Landscapes)
Section: 展示

もともとは京都市左京区にある天台宗の寺院である曼殊院にあった。1936年に東京国立博物館に移管された。1939年には日独間で結ばれた防共協定に関連する文化事業としてドイツ側からの要請を受け、ベルリン美術館で開催された伯林日本古美術展覧会にて他の国宝や重要文化財とともに展示された。1953年に国宝に指定された。1976年に新しい台紙や箱などを用いて補修が行われた。東京国立博物館の常設展に含まれており、雪舟展などで巡回展示されることもある。
Title: リネン箪笥の側に立つ女性たちのいる室内 (Two Women Beside a Linen Chest, with a Child)
Section: abstract

『リネン箪笥の側に立つ女性たちのいる室内』（リネンだんすのそばにたつじょせいたちのいるしつない、蘭: Binnenhuis met vrouwen bij een linnenkast、英: Interior with Women beside a Linen Cupboard）は、オランダ黄金時代の画家ピーテル・デ・ホーホが1663年にキャンバス上に油彩で描いた絵画である。アムステルダム美術館の所蔵品であるが、アムステルダム国立美術館に寄託され、美術館の「栄誉の間」に展示されている。デ・ホーホのアムステルダム時代の作品である。アムステルダムの運河沿いの裕福な家の様子を描いたものであり、情景は家事の美徳を表している。召使の少女が洗濯物の山を整理して、主婦が箪笥にしまうのを手伝っている。女性たちは、家事の間、スカートが汚れないように裾をたくし上げている。右側では、男の子が一種のホッケーの棒 (蘭: kolfstok) を持って遊んでいる (当時は、男の子も4歳までスカートを履いていた)。開かれたドアからは運河が見え、向かい側に明るい光を浴びた家々が立ち並んでいる。ドア越しの情景描写は、ピーテル・デ・ホーホの作品に特徴的なものである。
Title: リネン箪笥の側に立つ女性たちのいる室内 (Two Women Beside a Linen Chest, with a Child)
Section: 過去の記述

絵画は、1908年に研究者のホフステーデ・デ・フロートにより以下のように記述された。25番。よい主婦。ジョン・スミス (研究者)補遺 38番、デ・フロート 13番。 1人の女性が、部屋の右側にある黒檀のはめ込まれた大きな樫の箪笥にリネンをしまっている。服装から見て、女性の娘であると思われる娘が彼女を助けて、リネンを大きな駕籠から取り出している。奥には、高い窓と開いたドアがあり、そこには棒とボールで遊んでいる子供がいる。曲がっている階段とクッションを置いた椅子が部屋の左側に見える。本作には、デ・ホーホの作品に希求されていた明るく、輝くような効果は見られないものの、外見上の真実とリアリティを非常に有しているので、まさしく画家の最良の作品のうちに数えられてよいかもしれない。デッサンと仕上げは、まったく完璧である (ジョン・スミス)。「P. de Hoogh, 1663」の署名。キャンバス、縦30インチ、横28インチ。1872年、1900年にアムステルダムで展示、それぞれの展示での目録番号、110番、46番。Harvard, Merveilles d'Art, pp. 57, 123参照のこと。売却歴Baron Lockhorst, in Rotterdam, 1726.Joachim Rendorp, October 16, 1793, and July 9, 1794, No. 25 (295 florins, Coders); catalogued as on panel.Bought by Sm., after passing through the hands of a Scottish owner, for 5-Sale. Smith, 1828 (399, bought in).In the collection of Six van Hillegom, Amsterdam, 1833 (Sm.).
Title: ピエタ_(ベッリーニ、ブレラ美術館) (The Dead Christ Supported by the Virgin Mary and St John the Evangelist)
Section: abstract

『ピエタ』（伊: Pietà、英: Pietà）、または『聖母マリアと福音書記者聖ヨハネに支えられる死せるキリスト』（せいぼマリアとふくいんしょきしゃせいヨハネにささえられるしせるキリスト、英: The Dead Christ Supported by the Virgin Mary and St John the Evangelist）は、イタリア初期ルネサンスのヴェネツィア派の巨匠ジョヴァンニ・ベッリーニが1465-1470年ごろ、板上にテンペラで制作した絵画である。描かれている「ピエタ」 (聖母マリアがイエス・キリストの死を悼む情景) の図像は、15世紀以降にイタリアで制作されるようになったものである。作品は現在、ミラノのブレラ美術館に所蔵されている。
Title: ピエタ_(ベッリーニ、ブレラ美術館) (The Dead Christ Supported by the Virgin Mary and St John the Evangelist)
Section: 歴史

この絵画は、ジョヴァンニ・ベッリーニが彼の義兄弟であったアンドレア・マンテーニャの影響を超越し始めた時期に制作された。作品は、1811年にボローニャのサンピエーリ (Sampieri) ・コレクション (目録番号454) からイタリア王国 (1805年-1814年) のウジェーヌ・ド・ボアルネの贈り物としてブレラ美術館に入った。作品は、マンテーニャの『死せるキリスト』を展示するためにエルマンノ・オルミにより設置された部屋へと続く、ヴェネツィア派のルネサンス絵画の廊下に配置された。
Title: ピエタ_(ベッリーニ、ブレラ美術館) (The Dead Christ Supported by the Virgin Mary and St John the Evangelist)
Section: 作品

不自然なくらい軽く見えるイエス・キリストの死せる身体は、左側で聖母マリアに、右側で福音書記者聖ヨハネにより支えられている。キリストの手は前景の大理石板に載せられているが、そこにはベッリーニの署名とセクストゥス・プロペルティウスのエレジー (悲歌) からの引用「HAEC FERE QVVM GEMITVS TVRGENTIA LVMINA PROMANT / BELLINI POTERAT FLERE IOANNIS OPVS」 (訳「これらの 腫れた目はほとんど呻いており、このベッリーニの作品は涙を流させることができる」)。石板と銘文は初期フランドル派絵画の伝統に従っているもので、しばしばマンテーニャや他のパドヴァの画家たちに用いられている。石板は鑑賞者のいる現実世界と描かれている人工的な世界を分かつ境界のようにみえるが、その境界は越えられている。キリストの左手は、2つの世界が同じ区間を占めているかのような錯視 (イリュージョン) を生み出しているのである。作品の精緻で素描的な線 (1本1本描かれている福音書記者聖ヨハネの髪とキリストの腕の静脈) はマンテーニャの様式を想起させるが、絵画の色彩と光の使用は異なっている。色調はマンテーニャより柔らかで、晴れた日の自然な光の効果を再現している。冷たい、ほとんど金属的な光は場面の苦悩を強調している。色彩に厚塗りされたハイライトの部分は表現を甘美なものにしているが、それはテンペラ絵具の密で精緻な筆触に負っている。遠近法で空間に焦点を当てるよりも、ベッリーニは人物たちの人間的悲しみを表現することに関心があるようにみえるが、それは初期フランドル派の巨匠ロヒール・ファン・デル・ウェイデンの芸術様式から借用したものである。人物の彫刻的量感と晴れた空を背にしている孤立した風景は、聖母マリアと死んだ息子キリストの間のドラマをいや増している一方、聖ヨハネの視線は彼が狼狽していることを示している。彼は深い悲しみへと鑑賞者を誘っている。交流する感情は、悲しみと配慮両方の感覚を表す人物たちの手の仕草にも反映している。
Title: ウルカヌスに鎖で繋がれるプロメテウス (Prometheus Being Chained by Vulcan)
Section: abstract

『ウルカヌスに鎖で繋がれるプロメテウス』（ウルカヌスにくさりでつながれるプロメテウス、蘭: Prometheus door Vulcanus geketend、英: Prometheus Being Chained by Vulcan）は、17世紀オランダ黄金時代のユトレヒト派の画家ディルク・ファン・バビューレンが1623年にキャンバス上に油彩で制作した絵画である。ギリシア・ローマ神話が主題となっているが、イタリア・バロック絵画の巨匠カラヴァッジョからキアロスクーロと人物の日に焼けた手と顔の描写を取り入れている。作品は、1893年にアムステルダム国立美術館に収蔵された。
Title: ウルカヌスに鎖で繋がれるプロメテウス (Prometheus Being Chained by Vulcan)
Section: 主題

絵画は、ギリシア・ローマ神話に由来する物語を扱っている。神々の伝令であるメルクリウスが、足の不自由な鍛冶の神ウルカヌスが大胆で狡い巨人のプロメテウスを懲らしめているところを見ている。プロメテウスはギリシアの創造神話と関係があり、神話のいくつかのヴァージョンでは人間たちを粘土から創造し、盗んだ火で彼らに生命を与えたということになっている。そのような行いをしたプロメテウスへの罰は、岩に縛られ、毎日、鷲 (画面左側上に部分的に見えている) に肝臓をついばまれるというものである。
Title: ウルカヌスに鎖で繋がれるプロメテウス (Prometheus Being Chained by Vulcan)
Section: 作品

本作はおそらく、ルーベンスの名高い『縛られたプロメテウス』(フィラデルフィア美術館) に触発されたものであろう。バビューレンとルーベンスのプロメテウスは、著しい前面短縮法で描かれているところが共通している。バビューレンの独自性は、場面がハデス (冥界) に設定されているということである。他の同主題の作品では、プロメテウスが繋がれ、拷問を受ける場面はコーカサス山脈であり、バビューレンは場面を冥界としている唯一の画家である。絵画には、不思議にも2つの署名がある。1つ目は、プロメテウスの右側の肩の下にある明瞭なものである。絵画の修復時に、2番目の署名がプロメテウスの手の側の画面左側下部に発見された。やはり、バビューレンの手になる、現在では失われた『アダムとイブ』が1707年、本作とともに競売で売却された。両作とも創造を表した作品であるので、対作品となっていたとも考えられる。
Title: 四聖人の殉教 (Martyrdom of Four Saints)
Section: abstract

『四聖人の殉教』（しせいじんのじゅんきょう、伊: Martirio di quattro santi, 英: Martyrdom of Four Saints）は、イタリア、ルネサンス期のパルマ派の画家コレッジョが1524年頃に制作した絵画である。油彩。主題は聖プラキドゥス、聖女フラヴィア、聖エウティキウス、聖ウィクトリヌスの殉教である。同時期の『キリストの哀悼』（Compianto sul Cristo morto）の対作品であり、いずれもパルマのサン・ジョヴァンニ・エヴァンジェリスタ聖堂のデル・ボーノ家（Del Bono family）の礼拝堂祭壇画として制作された。現在はパルマ国立美術館に所蔵されている。
Title: 四聖人の殉教 (Martyrdom of Four Saints)
Section: 主題

6世紀頃の聖プラキドゥスと聖女フラヴィア、聖エウティキウス、聖ウィクトリヌスは4人兄弟であり、ローマの元老院議員テルトゥルス（Tertullus）の子供として生まれた。聖プラキドゥスは聖ベネディクトゥスの最初の弟子の1人であり、宣教の命を受けてメッシーナに赴き、フラヴィアと2人の兄弟もそれに加わったが、サラセン人の海賊によって殉教したとされる。
Title: 四聖人の殉教 (Martyrdom of Four Saints)
Section: 制作経緯

発注主はパルマの貴族でローマ教皇パウルス3世の告白者であったプラシド・デル・ボーノ（Placido del Bono）である。この発注はコレッジョがちょうどサン・ジョヴァンニ・エヴァンジェリスタ聖堂のクーポラに制作された天井画『パトモスの聖ヨハネの幻視』（Vision of St. John on Patmos）の制作を終えた頃であり、おそらく天井画の成功がきっかけとなって得られたと考えられている。この作品はサン・ジョヴァンニ・エヴァンジェリスタ聖堂にあるデル・ボーノ礼拝堂の左右の壁を飾るために『キリストの哀悼』とともに制作された。聖プラキドゥスという非常に珍しい主題の選択は発注主の名前が聖人と同じであることに由来している。
Title: 四聖人の殉教 (Martyrdom of Four Saints)
Section: 作品

コレッジョは珍しく聖人の殉教という残酷な場面を選択している。コレッジョが描いているのは聖プラキドゥスとその姉妹である聖女フラヴィアの殉教の瞬間である。画面左端で鑑賞者に背を向けて立っている処刑人は、黒い修道服に身を包つみ胸の前で両腕を交差させている聖プラキドゥスの首に剣を斬りつけている。深い傷を負った聖人の身体は倒れようとしているが、上を向いた彼の視線は画面右上の宙を舞う天使の姿を捉えている。さらに聖女フラヴィアは別の処刑人によって背後から剣を刺されている。しかし彼女の上を向いた視線もまた聖プラキドゥスが死の瞬間に見つめているのと同じ天使の姿を捉えている。彼らは死の間際に法悦に到達したのであり、コレッジョは天使を目撃するという形で彼らのそれを表現している。聖女フラヴィアの頭上を舞う天使は、手に荊の冠と、殉教の証であるナツメヤシの葉を持っている。彼らの弟の聖エウティキウスと聖ウィクトリヌスはすでに画面右端で殉教した後であり、首を切断された後の2人の身体が横たわっており、別の処刑人がつかんでいる頭部が見える。珍しい主題であり、参照可能な伝統的図像を欠いたことは、コレッジョに革新的で創造的なイメージを作り出す機会をもたらした。現在ルーヴル美術館に所蔵されている準備素描は、当初コレッジョが4人の聖人像を厳密な対称性のもとに配置した、より平凡な構図を考案したことを示している。中央には雲の上に座り、殉教の冠を持った小さな天使が描かれている。その後、コレッジョは礼拝堂に入った鑑賞者の斜めの視点に注意を払う必要性から、対角線に従って人物を再配置した。その結果、コレッジョはすでに処刑された聖エウティキウス、聖ウィクトリヌスを画面右端に、聖女フラヴィアの処刑人を彼女の背後に、画面中央の天使を画面右上に移動させた。殉教者のポーズも準備素描から大きく変更された。聖プラキドゥスは身体の向きが改められ、背中をそらせて自身の背後に浮かぶ天使を見上げる形に改められた。さらに聖フラヴィアは右腕を胸に当て、顔を横に向けていたが、完成作では腕を開いて顔を上げ、頭上に舞い降りた天使に視線を向けている。これによってコレッジョは天使を見る聖人たちの視線を強化している。それは法悦というある種の精神の状態の表現に他ならない。ここに描かれた天使は単純に信仰の勝利を象徴するモチーフとしてではなく、死の瞬間に法悦に至った2人の聖人だけに見える内的な幻視として描かれているのであり、宗教的感情に突き動かされていない処刑人たちはいずれも天使の存在に気づいていない。
Title: 四聖人の殉教 (Martyrdom of Four Saints)
Section: 影響

ジョルジョ・ヴァザーリは絵画が設置された場所をパルマ大聖堂と間違っているが、1550年にすでに『四聖人の殉教』について言及している。ミラノの大司教チェザーレ・モンティはコレッジョの初期の作品『東方三博士の礼拝』に加えて、『キリストの哀悼』と『四聖人の殉教』の複製、『キリストの哀悼』のマグダラのマリアのみを複製した作品を所有していた。
Title: 男の子のためにパンとバターを用意する女性 (A Woman Preparing Bread and Butter for a Boy)
Section: abstract

『男の子のためにパンとバターを用意する女性』（おとこのためにパンとバターをよういするじょせい、英: A Woman Preparing Bread and Butter for a Boy）は、オランダ黄金時代の画家ピーテル・デ・ホーホが1660–1663年にキャンバス上に油彩で制作した絵画である。作品は、ロサンゼルスにあるJ・ポール・ゲティ美術館に所蔵されている。母親が横に立っている息子のためのパンにバターを塗っている。彼は食前のお祈りをして頭を垂れており、開いている玄関ドアから見える学校 (オランダ語で「schole」と読める) に行くところである。部屋の扉の上の小さなニッチには何冊かの本とロウソクがあり、ロウソクはおそらく教育がもたらす啓蒙を示唆している。部屋のドアの前の床にある小さな独楽は、「子供と独楽は、絶えず鞭打っていなければ倒れてしまう」というオランダの諺を表しているのかもしれない。17世紀のプロテスタントの国では、教育と子育てに対する適切な態度は重要な事柄であった。垂直線と幾何学的形体の使用により、この室内場面の秩序ある簡素さが表現されている。自然光が玄関ドアからタイルの床に零れている。 対照的に、前景の内部は暗く、オランダの家庭生活の厳粛で敬虔な一瞬を強調している。
Title: 男の子のためにパンとバターを用意する女性 (A Woman Preparing Bread and Butter for a Boy)
Section: 過去の記述

本作は、1908年に研究者ホフステーデ・デ・フロートにより以下のように記述された。10番。お祈りをしている男の子のためにパンとバターを切っている女性。 ジョン・スミス (美術史家) 54番。デ・フロート 48番。背後に窓のある部屋の中に、濃い色の上着と青いスカートを身に着けた女性が座っている。彼女は左手に一斤のパンを持っており、左手の椅子の上にある皿からバターを取っている。右側には、手を組んだ少年が立っており、胸に帽子を当てている。部屋の中は弱い光に照らされている。タイルの床のある通路の開いた半扉は、道に面している。向かいの家の地面は陽光に照らされている。絵画は、非常に評価されている光り輝く効果を持ち合わせてはいないが、とても心地よく、満足感を与える作例である。 板上にキャンバス、縦26インチ、横20と1/2インチ。ヴァーゲンにより言及されている。補遺、p. 342。売却歴。1750年4月16日、アムステルダム、(52フロリン) (Hoet, ii. 288)。1800年6月11日、アムステルダム、Jan Gildemeester Jansz（415フロリン、Yver)。1823年7月15日、アムステルダム、A. Meynts (1450フロリン、 Brondgeest)。ハーグ、J. G. Verstolk van Soelen男爵のコレクション、1846年にすべて  Thomas Baring、Humphrey Mildmay、そし Lord Overstone卿に売却。売却。1893年7月24日、ロンドン、Humphrey Bingham Mildmay、30番 (2625ポンド、Colnaghi and Lawrie)。現在[1908年]、モントリオールのDrummondコレクション。J・ポール・ゲティ美術館によると、その後、作品は、アンドリュー・メロンのコレクション、次いでハインリヒ・ティッセンのシュロース・ロホンツ (Schloss Rohoncz) のコレクションに入り、1984に美術館に購入された。
Title: 老夫妻の二連画 (Diptych of an elderly couple)
Section: abstract

『老夫妻の二連画』（ろうふさいのにれんが、仏: ortraits de deux personnes âgées、英: Diptych of an elderly couple）は、初期フランドル派の画家ハンス・メムリンクが1470-1472年ごろに描いた夫妻の胸像肖像である。それぞれの肖像画は以前、釘で接続されていたが、1894年に別個に売却された際、分断された。現在、男性像はベルリン絵画館に、女性像はパリのルーヴル美術館に所蔵されている。２点を並べて眺めると、背景の風景は1つの全体像を形成する。
Title: 老夫妻の二連画 (Diptych of an elderly couple)
Section: 作品

二連画が分断される以前のことは何も知られていない。作品は、1894年4月にミラノのF. メアッツァ (F. Meazza) の売り立てで売却された。当時のボーデ博物館が男性像を購入し、後にウィリアム・ヘンリー・ジェームズ・ウィール が博物館で作品を見て、1901年のメムリンク目録に加えている。目録には、「別の初期の肖像画がベルリン絵画館にある。だいたい70歳くらいの男性の胸像で、左を向いており、手は欄干に置かれている。毛皮で縁取られた黒い布地の服を身に着けて、部分的に耳を覆っている黒い帽子を被っている。背景には草原と木々がある。右側には銃眼が付いた橋のある城がある。騎士が小川で馬に水を飲ませており、その小川はより幅の広い川に流れ込んでいる」。女性像のほうはレオ・ナルドゥス により購入され、最終的に1908年、F. クランベルジェ (F. Kleinberger) からルーヴル美術館に売却された。それ以前に、女性像はウィールの1902年の展覧会のために貸し出されているので、彼はメムリンク目録を出版した直後に作品を見たにちがいない。目録では、ベルリンの肖像画の対作品であると言及されている。
Title: アリストテレス_(リベーラの絵画) (Aristotle (Ribera))
Section: abstract

『アリストテレス』（西: Aristóteles、英: Aristotle）、または『哲学者、おそらくエウクレイデス』（てつがくしゃ、おそらくエウクレイデス、英: A Philosopher, probably Euclid）は、スペインのバロック絵画の巨匠ホセ・デ・リベーラが1637年にキャンバス上に油彩で制作した絵画である。1636年にリヒテンシュタイン公国皇太子によって委嘱された古代の哲学者を描いた6点の肖像連作のうちの1点である。作品は、米国インディアナ州にあるインディアナポリス美術館に所蔵されている。
Title: アリストテレス_(リベーラの絵画) (Aristotle (Ribera))
Section: 作品

本作で、アリストテレスは、17世紀に人気のあった概念である「乞食の哲学者」として描かれている。彼の禁欲主義はスペインのカトリック信仰とよく一致していたが、また、リベラが描いた聖人たちの特徴でもある。アリストテレスは、リベーラが関連づけられることの多いカラヴァッジョを想起させる光に照らされている。 その光と、やはりカラヴァッジョの様式である率直な自然主義のために、本作は哲学者と彼の深い思索の強烈なイメージとなっている。アリストテレスは非常に触覚的に描かれており、疲労した顔と手には深い皴が刻まれている。リベーラはアリストテレスの手にある書類上に誇り高く署名し、自身の国籍を主張するために「スペイン人」と名前に注釈を加えている。
Title: アリストテレス_(リベーラの絵画) (Aristotle (Ribera))
Section: 歴史

リヒテンシュタイン皇太子カール・オイゼビウスは、1636年5月に哲学者の肖像連作を委嘱した時、12作品を要請したが、最初の6作品しか納められなかった。それらの作品は、1767年の目録で本作の『アリストテレス』、『プラトン』、『クラテス』、『プロタゴラス』、『アナクサゴラス』、『ディオゲネス』として記載されている。これらの作品群は1957年に売却され四散したが、1992年のメトロポリタン美術館での「リベーラ展」で短期間ともに展示された。本作の特殊な人物像を特定することは過去ずっと問題となってきた。1767年の目録は完全に明白でありながら、『ディオゲネス』、『アナクサゴラス』、『クラテス』のみが絵画に記された銘文によって特定されるのである。本作について現在、合意されているのは、哲学者の衣服と帽子によりアリストテレスに違いないというものである。しかし、インディアナポリス美術館は何年もの間、人物が手に持っている幾何学図形の素描を理由におそらくエウクレイデス (ユークリッド) であるとしている。しかし、エウクレイデスは上記の目録では言及されていない。
Title: アリストテレス_(リベーラの絵画) (Aristotle (Ribera))
Section: 歴史
Subsection: 来歴

1637年から1957年まで、歴代のリヒテンシュタイン皇太子が本作を所有していた。その後、作品は、G.H.A. クロウズ (G.H.A. Clowes) 博士により寛大にインディアナポリス美術館に貸し出された。インディアナポリス美術館は、2000年に公式にクロウズ家より作品を寄贈の形で取得し、作品に「2000.345.」という所蔵番号を与えた。現在、作品は、クロウズ家からの他の多くの寄贈作品とともにクロウズ館に掛けられている。