Место и роль пения в современном российском искусстве

Лю Цзянтао

Ассистент-Стажер. Вокальной факультет, Российская Академия Музыки имени Гнесиных.

Место и роль пения в современном российском искусстве

«Авторская песня» - это общий термин для типа лирической песни, которая процветала в Европе в конце 18-го и начале 19-го веков. Для него характерно то, что в текстах песен в основном используются известные стихотворения, ориентированные на выражение внутреннего мира людей, мелодия выразительна, средства выражения и приемы композиции относительно сложны, а аккомпанемент занимает важное место. Многие из авторских песен в настоящее время являются частью вокальных учебных материалов или концертного репертуара [1].

Ряд русских авторских песен занимает очень важное место в мире авторской песни. Русские вокальные произведения обладают высокой художественной ценностью и высоким художественным статусом, эти вокальные произведения широко используются в преподавании вокальной музыки во многих профессиональных музыкальных школах мира.

С первой половины 19 века Глинка заложил основы уникального и нового музыкального стиля России, а русская музыка прошла через эпоху Дальгомесского, Чайковского, Глазунова, Рахманинова и других, выведя русскую музыку на центральное место в мире. Сегодня произведения русских композиторов широко используются на различных конкурсах и спектаклях по всему миру, а в США, государствах Европе, Китае о русских музыкальных произведениях знают даже люди без какого-либо музыкального образования.

Анализируя вокальную методику Глинки, изучая его оперы, романсы, авторские песни, может оказать существенную помощь в преподавательской работе, но и сыграли важную роль в практическом обучении [2].

Глинка считает, что многие проблемы в преподавании вокальной музыки зависят от мыслей и музыкальных вкусов людей. Его мнение об искусстве вокальной музыки не совпадало с мнением итальянских и французских певцов и педагогов. Он глубоко изучал русскую культуру и искусство, впитывал русскую музыку и русские народные песни. Он

глубоко изучал русский театр, часто путешествуя между большими и малыми русскими театрами, познакомился со многими актерами. Поэтому он подчеркнул, что хороший певец должен быть в первую очередь хорошим актером. Когда он путешествует за границу, он всегда ходит в местный оперный театр. Там же он учился музыкальному актерскому мастерству.

Он считает, что в вокальном искусстве содержание стоит на первом месте, и что музыкальная форма является средством выражения художественной коннотации, и, как и отношения между телом и душой, она должна быть согласована друг с другом. Он считает, что ценность пения заключается в «естественности, простоте и подлинности музыкальной интерпретации». Он говорил: «Правильными являются только те звуки, которые звучат естественно и выражают мысли и чувства композитора». Он считает, что певцы должны придавать большое значение лирическому содержанию вокальных произведений. В его вокальных произведениях лирика и музыка тесно связаны. В его вокальных сочинениях не используется термин «итальянский орнамент», а используются отдельные гласные. Он сделал это, чтобы подчеркнуть значение слова, которое нужно было выразить. Он отказался переводить свои произведения на французский язык. Он хотел, чтобы зрители слышали каждое спетое слово. По свидетельству современников, Глинка был очень эмоционален, когда пел ее сам. Он не только изучает искусство вокальной музыки, но и любит преподавать вокальную музыку. Он имеет более чем 30-летний опыт преподавания вокальной музыки в России и за рубежом. Среди учеников, которых он учил, были Петров, Гурак-Аладемовский, Иванов, Леонова и другие. И лично поставил их в своей опере «Иван Сусанин» [3].

Глинка писал о вокальных аспектах методики «Репетиция вокальных песен» и «Как выучить вокальную музыку». Работа «Как научиться вокальной музыке» была завершена им в 1856 году. В этой книге он написал ценные вокальные упражнения и советы, ярко отражающие новаторское мышление композитора, методические принципы его вокального метода. Основным методом в его вокальном обучении был назван «концентрический метод», который сейчас известен как «метод Глинки». Основная идея этого метода заключается в том, что в начале обучения вокальной музыке от самого ученика требуется начать с наиболее комфортной ноты, то есть со звука в средней и низкой вокальной зоне. Его метод обучения отличается от метода большинства

западноевропейцев, используя подход изучения вокализаций у баса. Он потребовал, чтобы вокализации тренировались с большой тщательностью, и предложил, чтобы ежедневные вокальные упражнения были ограничены средним диапазоном. Средние частоты - это то, что он называет естественной областью тона. После изучения звучания среднего диапазона расширяется звучание других звуковых зон. Он считает, что студенты способны чувствовать и понимать свой собственный голос. В книге он пишет, что идеального голоса не существует. Таким образом, целью тренинга является устранение недостатков голоса. Он считает, что существует два вида резонанса со звуком. Одна из них - полость головы, а другая - грудная полость. Он подчеркнул, что голоса лучших певцов обладают способностью смешивать головной и грудной резонанс, и что хорошие певцы способны развивать и совершенствовать свои собственные голоса, ведь у каждого человека свой уникальный тембр, и использование этого метода позволит сделать тембр разных регистров более однородным.

Его метод вокализации широко использовался в Германии во второй половине 19 века. И сейчас он широко используется во всем мире. В вокальных произведениях он делал акцент на легато и пении. А изучающим вокал нужно найти свой естественный тембр. Он считает, что в кульминационных моментах и волнении вокальных произведений следует использовать больше вибрато, и что вибрато является важным инструментом для певцов для пения. Он считает, что певцам нужно обращать пристальное внимание на правильное легато. Для этого он написал специальное базовое упражнение. Его ученики вспоминали, что в вокальном обучении Глинки часто подчеркивалась необходимость петь гласные по кругу, говоря, что русское слово «а» плоское, а итальянское слово «а» следует петь в вокальном пении, потому что «а» в итальянском языке было выше, чем обычное русское разговорное «а». Он предложил гласную «йе», которую следует петь как «ай». Он считает, что принцип пения заключается в непринужденном, естественном тембре [4].

Он придает большое значение обучению певцов навыкам исполнения капелла.. Он считал, что мелодия на фортепиано не допускается при ежедневном обучении вокальным песням, и что а капелла может улучшить слух певца, повысить точность тона. В начале большей части своего базового обучения он широко использовал упражнения на согласные. Вокальные упражнения должны быть постепенными, начиная с тренировки смежных тонов, за которыми следуют интервалы. Он напомнил

людям, что пение требует точного ритма. Хороший ритм может точно выразить эмоции музыки и пробудить слух певца.

Широкая пропаганда произведений русской вокальной музыки может не только восполнить недостатки учебных материалов по вокальной музыке, но и познакомить учащихся с русскими композиторами и их произведениями.

Помимо лучших музыкантов и их произведений, стоит вспомнить и известных певцов, ведь в России также есть большое количество прекрасных певцов, таких как знаменитый бас Ф.И. Чарябин, лирический тенор С.Я. Лемышев, меццо-сопрано Н.А. Обухова и лирическое сопрано В.В. Бальсова. Кроме того, есть современные певицы, такие как И.К. Ар-шипова и так далее.

Искусство вокальной музыки является одновременно инновационным и заимствованным, и если желание учиться у научных вокальных тактов наших предшественников, важно соприкоснуться с произведениями, которые они исполняли, и только исполняя больше их произведений, можно лучше понять их вокальные такты [5].

Русская авторская песня имеет следующие характеристики:

1. Сочетание поэзии и музыки. Песня написана в соответствии со смыслом оригинального стихотворения, а также тоном и незабываемостью оригинального стихотворения, поэтому песня представляет субъективный взгляд композитора на текст песни.

2. Аккомпанемент на фортепиано (соло). Статус фортепианного аккомпанемента так же важен, как и вокальная мелодия. Фортепианный аккомпанемент - это не только влияние гармонии и ритма, но и использование специфических звуковых рисунков или более сложных и тонких текстур для выражения художественной концепции и коннотации песни. Например, фортепианное сопровождение песен Шуберта имеет высокую художественную ценность.

3. Изысканная конструкция. Художественные песни, как правило, короткие и нежные, и они представляют собой очень сжатые музыкальные произведения, и большое внимание к деталям следует уделять при наслаждении или пении, потому что каждое слово и каждая нота намеренно аранжированы.

3. Информативный. Поскольку все тексты написаны известными поэтами (такими как Гете и другие мастера), они богаты коннотацией и имеют высокую художественную ценность.

Как жанр вокальной музыки, авторская песня стала выдающимся ви-

дом искусства в вокальном искусстве с его уникальной формой выражения, особой песенной структурой, богатой и лирической художественной привлекательностью.

Русская авторская песня - неотъемлемая и яркая часть мировой авторской песни. Художественное песенное творчество в России достигло своего расцвета в 19 веке. Среди известных композиторов - Глинка, Чайковский, Рахманинов и др. Их произведения не только сохраняют характерные черты русской народной музыки, но и включают элементы западной и зарубежной музыки в фортепианный аккомпанемент.

Помимо поэзии и красивых мелодий, образующих подвижный певческий голос, существует также важная музыкальная часть авторских песен, то есть фортепианный аккомпанемент, который является важной частью авторских песен. Фортепиано и вокал независимы, перекликаются друг с другом, координируются друг с другом, дополняют друг друга и влияют друг на друга, что делает авторскую песню сложным дуэтом вокала и инструментальной музыки [6].

Авторская песня Чайковского «Опять ранняя весна», произведение сначала выстраивает тему в форме песни, разворачивается на тему сюжета, и аккомпанемент оттеняет песню, и это ранняя весна, лес, солнце, цветы, молодежь, весна возвращается на землю и т.д. Фактура всего фор-тепиана похожа на танец вверх и вниз по волнам, а структура произведения уникальна, как будто входишь в сказочную страну [6].

В произведении Глинки «Я люблю тебя, милая Роза» преобладает вокал и русская народная музыка как основная мелодия, с ярко выраженными национальными особенностями, меланхоличная, нежная, эвфемистическая, слабая и грациозная, чтобы донести до зрителей нежные розы. Поэтическая картина призвана быть увеличенной прекрасными розами под эхом рояля, а русская тема сочинения, общий музыкальный образ богаче и полнее.

В авторских песнях Рахманинова в качестве основного элемента используется фортепиано, а всемирно известный композитор и пианист имеет свою уникальную фортепианную партию в своих сочинениях. В своих художественных песнях русское эссе восполняет недостатки единого вокала, глубоко раскрывает художественную концепцию поэзии и песни, усиливает экспрессию человеческого голоса в многоголосной партии фортепиано из структуры гармонии, мелодии, тональности и фактуры. Его произведение «Сирень» относится к такого рода работам, которые более глубоко выражают красоту душистой и белой сирени.

В 19-м и 20-м веках именно с таким выдающимся коллективом музыкантов русская авторская песня стала прекрасным чудом в сокровищнице музыки и искусства в мире. Яркая лирика и мелодия, гармоничный музыкальный язык, искренние эмоциональные коннотации слов выдвинули русскую авторскую песню на вершину искусства, сделав ее самой драгоценной и блестящей жемчужиной авторской песни в мире.

Список литературы:

1. Булгакова О.И. Роль пения в развитии музыкальной культуры России // Музыка и искусство. 2018. Том 5. № 2. С. 35-41.

2. Лебедева М.А. Особенности исполнения вокальной музыки в современном российском искусстве // Искусство и культура. 2019. С. 510.

3. Петрова Е.Н. Музыкальное искусство и пение в современной России: актуальные проблемы и перспективы развития // Культурология: современное состояние и перспективы развития. 2020. Том 2. С. 78-89.

4. Смирнова И.В. Эволюция пения в современном российском искусстве: влияние современных технологий на исполнительскую практику // Музыка и вокал. 2017. № 4. С. 55-63.

5. Тимофеева А.В. Роль пения в современном хоровом искусстве России // Хормейстер. 2016. Том 3. № 1. С. 24-31.

6. Бондаренко А.В. Интуиция и творчество // Историческая и социально-образовательная мысль. 2014. Том 6. № 6-2. С. 50-54

7. Черняев А.Н. Исполнительское мастерство и его значение в современном вокальном искусстве России // Вестник музыкальной науки. 2018. Том 5. № 3. С. 40-47.

Bibliography

1. Bulgakova O.I. The role of singing in the development of Russian musical culture // Music and Art. 2018. Volume 5. № 2. P. 35-41.

2. Lebedeva M.A. Features of the performance of vocal music in contemporary Russian art // Art and culture. 2019. P. 510.

3. Petrova E.N. Musical art and singing in modern Russia: current problems and development prospects // Culturology: current state and development prospects. 2020. Volume 2. P. 78-89.

4. Smirnova I.V. The evolution of singing in contemporary Russian art: the influence of modern technologies on performing practice // Music and vocals. 2017. № 4. P. 55-63.

5. Timofeeva A.V. The role of singing in modern Russian choral art // Choirmaster. 2016. Volume 3. № 1. P. 24-31.

6. Bondarenko A.V. Intuition and creativity // Historical and social-educational thought. 2014. Volume 6. № 6-2. P. 50-54

7. Chernyaev A.N. Performing skills and its significance in modern vocal art of Russia // Bulletin of Musical Science. 2018. Volume 5. № 3. P. 40-47.