아르데코

**아르데코**(Art Deco)는 프랑스어 ****()의 약칭으로, 제1차 세계 대전 직전 파리에서 처음 등장하여 1920년대부터 1930년대 초반까지 국제적으로 유행한 시각 예술, 건축 및 제품 디자인 양식이다. 의류, 패션, 보석과 같은 작은 물체부터 대형 구조물의 외관과 내부에 이르기까지 모든 디자인과 스타일에 영향을 미쳤다. 아르데코는 마천루에서 영화관, 교량, 원양 정기선, 열차, 자동차, 트럭, 버스, 가구, 그리고 라디오와 진공청소기 같은 일상 용품에 이르는 모든 건물에 영향을 주었다.

아르데코라는 이름은 1925년 파리에서 열린 (현대 장식 미술 및 산업 미술 국제 박람회) 이후에 사용되기 시작했다. 이 양식은 빈 분리파와 입체주의의 대담한 기하학적 형태에서 기원한다. 초기 아르데코는 야수파와 발레 뤼스의 밝은 색상, 그리고 중국, 일본, 인도, 페르시아, 고대 이집트, 마야의 이국적인 예술 양식의 영향을 받았다. 당시 아르데코는 '스타일 모데른'(style moderne), '모데른'(Moderne), '모더니스틱'(modernistic) 또는 '스타일 콩탕포랭'(style contemporain) 등 다른 이름으로 불렸으며, 하나의 뚜렷하고 균질한 양식으로 인식되지는 않았다.

전성기 시절 아르데코는 사치, 화려함, 풍요로움, 그리고 사회적·기술적 진보에 대한 신념을 대변했다. 이 운동은 흑단과 상아 같은 희귀하고 비싼 재료와 정교한 장인 정신을 특징으로 했다. 또한 크롬 도금, 스테인리스강, 플라스틱과 같은 신소재를 도입했다. 뉴욕의 엠파이어 스테이트 빌딩, 크라이슬러 빌딩 및 1920년대와 30년대의 다른 건물들은 이 양식의 기념비적인 건축물이다. 세계에서 아르데코 건축물이 가장 밀집된 곳은 플로리다주 마이애미비치이다.

아르데코는 대공황 기간 동안 더 차분해졌다. 1930년대에는 곡선 형태와 매끄럽고 광택 있는 표면을 특징으로 하는 스트림라인 모던이라는 더 매끈한 형태의 양식이 나타났다. 아르데코는 국제적인 양식이었으나 제2차 세계 대전 발발 이후 근대 건축과 국제 양식의 기능적이고 장식이 없는 양식에 주도권을 내주었다.

## 용어
아르데코는 1925년 파리에서 열린 현대 장식 미술 및 산업 미술 국제 박람회(Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes)의 명칭 중 '장식 미술'(Arts Décoratifs)의 약자에서 이름을 따왔다. 프랑스에서 '장식 미술'이라는 용어는 1858년 프랑스 사진 협회 회보(Bulletin de la Société française de photographie)에서 처음 구분되어 사용되었다. 1868년 르 피가로는 오페라 극장을 위해 제작된 무대 장식 소품들을 가리켜 '장식 미술품'(objets d'art décoratifs)이라는 용어를 사용했다. 1875년에는 가구 디자이너, 직물 제작자, 보석 세공인, 유리 공예가 및 기타 공예가들이 프랑스 정부로부터 공식적으로 예술가 지위를 부여받았다. 1920년에는 국립 장식 미술 학교(ENSAD)가 설립되었다.

'아르데코'(Art déco)라는 실제 용어가 인쇄물에 등장한 것은 1966년 파리 장식미술관에서 열린 이 주제에 대한 최초의 현대적 전시회인 《25년: 아르데코, 바우하우스, 스틸, 에스프리 누보》(Les Années 25 : Art déco, Bauhaus, Stijl, Esprit nouveau)의 제목에서였다. 이 전시는 1920년대와 30년대의 다양한 주요 양식을 다루었다. 이후 이 용어는 1966년 타임스의 힐러리 겔슨이 전시회의 다양한 양식을 설명하는 기사에서 사용되었다.

아르데코는 1968년 역사가 베비스 힐리어가 이 분야의 첫 번째 주요 학술 서적인 《20년대와 30년대의 아르데코》(Art Deco of the 20s and 30s)를 출판하면서 광범위하게 적용되는 양식 라벨로 통용되었다. 그는 이 용어가 이미 미술상들 사이에서 사용되고 있었음을 지적하며, 타임스(1966년 11월 2일자)와 엘르 잡지(1967년 11월호)에 실린 에세이 〈장식 미술〉(Les Arts Déco)을 예로 들었다. 1971년 그는 미니애폴리스 미술관에서 전시회를 조직했으며, 이를 그의 저서 《아르데코의 세계》(The World of Art Deco)에 상세히 기술했다.

마이크 호프는 아르데코 건축에 사용된 수많은 다른 명칭들을 나열한다: 오데온 스타일(Odeon Style), 리버티 스타일(Liberty style), 스타일 모데른(Style Moderne), 재즈 모데른(Jazz Moderne), 지그재그 모데른(Zigzag Moderne), 영국식 모데른, 해양식 모데른, 현대 선박 양식, 파크보트 스타일, 원양 정기선 양식, 화이트 모던, 미래주의 아르데코, 스트림라인 보자르, 스트림라인 모던, PWA 모데른, PWA/WPA 모데른, 연방 모데른, 대공황 모데른, 고전주의 모데른, 고전주의 모더니즘, 모더니스트 고전주의, 시카고 학파, 체코 건축 입체주의, 이탈리아 미래주의, 프레리 학파, 대기 극장(Atmospheric Theatre), 메드 데코(Med Deco), 암스테르담 학파, 신즉물주의, 마야 리바이벌, 일본 분리파, 스페인 푸에블로 양식, 푸에블로 데코, 핀란드 민족 낭만주의, 네오고딕, 네오비잔틴, 네오이집트, 스페인 미션, 국제 학파, 유럽 국제 양식, 빈 공방, 자유 고전주의, 스트립드 신고전주의, 데코 자유 고전주의, 스트립드 고전주의, 과도기 모던, 보그 리젠시.

## 기원

### 신소재와 기술
신소재와 기술, 특히 철근 콘크리트는 아르데코의 발전과 외형에 핵심적인 역할을 했다. 최초의 콘크리트 집은 1853년 프랑수아 쿠아녜에 의해 파리 교외에 지어졌다. 1877년 조제프 모니에는 그릴 패턴의 철근 망으로 콘크리트를 보강하는 아이디어를 도입했다. 1893년 오귀스트 페레는 파리에 최초의 콘크리트 차고를 지었고, 이어 아파트와 주택을 지었으며, 1913년에는 샹젤리제 극장을 완공했다.

이 극장은 한 비평가에 의해 빈 분리파를 모방한 독일의 영향이라며 "몽테뉴가의 제펠린"이라고 비난받기도 했다. 그 이후 대부분의 아르데코 건물은 철근 콘크리트로 제작되었는데, 이는 형태의 자유를 넓히고 보강용 기둥과 기둥의 필요성을 줄여주었다. 페레는 또한 보호와 장식을 위해 콘크리트를 세라믹 타일로 덮는 선구자이기도 했다. 건축가 르 코르뷔지에는 페레의 작업실에서 제도사로 일하면서 철근 콘크리트의 용도를 처음 익혔다.

아르데코에 중요했던 또 다른 신기술로는 비용이 저렴해지면서 더 크고 튼튼한 창문을 가능하게 한 새로운 판유리 생산 방식, 그리고 건축 및 창틀, 나아가 르 코르뷔지에, 워런 매카서 등에 의해 경량 가구 제작에 사용된 알루미늄의 대량 생산이 있었다.

### 빈 분리파와 빈 공방 (1897–1912)
1897년 결성된 빈 분리파 건축가들, 특히 요제프 호프만은 아르데코에 현저한 영향을 주었다. 브뤼셀에 있는 그의 스토클레 궁전(1905–1911)은 기하학적 볼륨, 대칭, 직선, 대리석 판으로 덮인 콘크리트, 정교하게 조각된 장식, 구스타프 클림트의 모자이크 프리즈를 포함한 호화로운 인테리어를 특징으로 하는 아르데코 양식의 원형이었다. 호프만은 또한 새로운 양식으로 작업하는 공예가와 인테리어 디자이너들의 협회인 빈 공방(1903–1932)의 창립자이기도 했다. 이는 1919년 창설되어 최초의 선도적인 프랑스 아르데코 디자이너와 장식가인 앙드레 마르와 루이 쉬에를 결집시킨 프랑스 예술 협회의 모델이 되었다.


파일:Secession 2016, Vienna.jpg|요제프 마리아 올브리히가 설계한 빈의 빈 분리파 전시관 (1897–98)
Penzing (Wien) - Kirche am Steinhof (2).JPG|오토 바그너가 설계한 빈의 슈타인호프 교회 (1903–1907)
파일:Wien - Österreichische Postsparkasse, Georg-Coch-Platz.JPG|바그너가 설계한 빈의 오스트리아 우정저축은행 (1904–1912)
파일:20120923 Brussels PalaisStoclet Hoffmann DSC06725 PtrQs.jpg|요제프 호프만이 설계한 브뤼셀의 스토클레 궁전 (1905–1911)
파일:Bruxelles - Palais Stoclet (6).jpg|대리석 베니어로 마감된 철근 콘크리트 소재의 스토클레 궁전 파사드 세부


### 장식 예술가 협회 (1901–1945)
아르데코의 등장은 19세기 말까지 단순한 장인으로 간주되었던 장식 예술가들의 지위 상승과 밀접하게 연관되어 있었다. 프랑스에서 라는 용어는 장식 미술의 지위가 높아지면서 사용되었으며, 1875년 가구 디자이너, 직물 제작자 및 기타 공예가들이 프랑스 정부로부터 공식적으로 예술가로 인정받았다. 1901년 장식 예술가 협회(Société des artistes décorateurs, SAD)가 설립되었고, 장식 예술가들에게 화가나 조각가와 동일한 저작권이 부여되었다. 이탈리아에서도 유사한 운동이 전개되었다. 1902년에는 전적으로 장식 미술만을 다룬 최초의 국제 전시회인 현대 장식 미술 국제 박람회(Esposizione Internazionale d'Arte Decorativa Moderna)가 토리노에서 개최되었다.

파리에서는 《장식 미술》(Arts et décoration)과 《현대 장식 미술》(L'Art décoratif moderne)을 포함한 장식 미술 전문 잡지들이 창간되었다. 프랑스 예술가 협회의 연례 살롱과 이후의 살롱 도톤에 장식 미술 부문이 도입되었다. 프랑스 디자이너들이 저렴한 독일 가구의 수출 증가에 위기감을 느끼면서 프랑스 민족주의도 장식 미술의 부활에 일조했다. 1911년 SAD는 1912년에 대규모의 새로운 장식 미술 국제 박람회를 열 것을 제안했다. 과거 양식의 복제는 허용되지 않았고 현대적인 작품만 허용되었다. 이 전시회는 1914년으로 연기되었다가 전쟁으로 인해 1925년이 되어서야 열렸으며, "데코"로 알려진 양식군에 이름을 부여하게 되었다.


파일:Art Deco table, chairs, carpet.jpg|1912년 장식 예술가 살롱에 전시된 모리스 뒤프렌의 테이블과 의자, 폴 폴로의 카펫
파일:‘Lady with Panther’ by George Barbier for Cartier, 1914.jpg|루이 카르티에를 위해 조르주 바르비에가 그린 〈표범을 탄 여인〉 (1914). 카르티에가 의뢰한 이 홍보용 카드는 폴 푸아레 가운을 입은 여성을 보여준다.
파일:Jacques-émile ruhlmann, poltrona 'oreille cassée', parigi 1914, 01.JPG|에밀 자크 룰만의 안락의자 (1914), 현재 파리 오르세 미술관 소장


파리의 백화점과 패션 디자이너들 또한 아르데코의 부흥에 중요한 역할을 했다. 은식기 업체인 크리스토플, 유리 디자이너 르네 랄리크, 보석업체인 루이 카르티에와 부쉐론 등 저명한 기업들이 보다 현대적인 양식의 제품을 디자인하기 시작했다. 1900년부터 백화점들은 장식 예술가들을 자체 디자인 스튜디오에 영입하기 시작했다. 1912년 살롱 도톤의 장식은 백화점 프랭탕에 맡겨졌으며, 그해 자체 워크숍인 프리마베라(Primavera)를 창설했다.

1920년경 프리마베라는 300명 이상의 예술가를 고용했다. 이들의 양식은 루이 쉬에와 프리마베라 워크숍이 제작한 루이 14세 양식, 루이 16세 양식, 특히 루이 필리프 양식 가구의 현대화된 버전부터 오 루브르(Au Louvre) 백화점 워크숍의 보다 현대적인 형태까지 다양했다. 에밀 자크 룰만과 폴 폴로를 포함한 다른 디자이너들은 대량 생산을 거부하고 각 작품을 개별적으로 제작할 것을 고수했다. 초기 아르데코 양식은 흑단, 상아, 실크와 같은 사치스럽고 이국적인 재료, 매우 밝은 색상, 그리고 특히 모든 색상의 꽃바구니와 꽃다발 같은 정형화된 모티브를 특징으로 하여 모더니즘적인 외관을 선사했다.

### 살롱 도톤 (1903–1914)


파일:Scheherazade (Rimsky-Korsakov) 02 by L. Bakst 2.jpg|레온 박스트가 설계한 니콜라이 림스키코르사코프의 발레 세헤라자데 무대 장치 (1910)
파일:Art Deco Armchair.jpg|미술 수집가 자크 두세를 위해 제작된 아르데코 안락의자 (1912–13)
파일:Display at Salon D'Automne (1913).jpg|《아르 에 데코라시옹》 잡지에 실린 1913년 살롱 도톤의 아틀리에 프랑세(Atelier français) 초기 아르데코 가구 전시 (1914)


1910년에서 1914년 사이 탄생할 당시 아르데코는 색채의 폭발과 같았다. 가구 천 씌우기, 카펫, 스크린, 벽지 및 직물에서 흔히 볼 수 있는 꽃무늬 디자인에 밝고 종종 충돌하는 색조를 특징으로 했다. 모리스 뒤프렌의 의자와 테이블, 그리고 폴 폴로의 밝은 고블랭 카펫을 포함한 많은 다채로운 작품들이 1912년 장식 예술가 살롱에서 선보였다. 1912-1913년에 디자이너 아드리앵 카르보우스키는 수집가 자크 두세의 수렵 오두막을 위해 앵무새 디자인의 꽃무늬 의자를 제작했다. 가구 디자이너 루이 쉬에와 앙드레 마르는 1912년 전시회에서 아틀리에 프랑세(Atelier français)라는 이름으로 처음 등장하여 다색 직물과 흑단, 상아를 포함한 이국적이고 값비싼 재료를 결합했다. 제1차 세계 대전 이후 그들은 프랑스의 가장 저명한 인테리어 디자인 회사 중 하나가 되어 프랑스 호화 원양 정기선의 1등석 살롱과 객실용 가구를 제작했다.

아르데코의 선명한 색조는 제1차 세계 대전 직전 파리에서 선풍적인 인기를 끌었던 발레 뤼스를 위한 레온 박스트의 이국적인 무대 디자인을 포함하여 여러 소스에서 유래했다. 일부 색상은 앙리 마티스가 이끈 초기 야수파 운동에서 영감을 받았고, 다른 색상은 소니아 들로네와 같은 화가들의 오르피즘에서 영감을 받았으며, 벽난로 스크린과 기타 장식물을 디자인한 상징주의 화가 오딜롱 르동의 작품과 나비파(Les Nabis) 운동에서도 영감을 받았다. 밝은 색조는 아르데코 패션과 인테리어 디자인 모두에 영향을 미친 패션 디자이너 폴 푸아레의 작품에서도 특징적으로 나타났다.

### 샹젤리제 극장 (1910–1913)

파일:Théâtre des Champs-Élysées DSC09330.jpg|파리 몽테뉴가 15번지에 위치한 오귀스트 페레 설계의 샹젤리제 극장 (1910–1913). 철근 콘크리트는 건축가들에게 새로운 형태와 더 큰 공간을 창조할 수 있는 능력을 부여했다.
파일:"La Danse", bas-relief d'Antoine Bourdelle (Théâtre des Champs Elysées, Paris).jpg|앙투안 부르델이 제작한 샹젤리제 극장 파사드의 저부조 〈춤〉 (1912)
파일:Theatre Champs Elysees 35.jpg|무대 위에 부르델의 저부조들이 장식된 샹젤리제 극장의 내부
파일:Plafond du Théâtre des Champs-Élysées à Paris.JPG|모리스 드니의 아르데코 장미 디자인이 적용된 극장의 돔


오귀스트 페레가 설계한 샹젤리제 극장(1910–1913)은 파리에서 완공된 최초의 획기적인 아르데코 건물이었다. 이전에는 철근 콘크리트가 산업용 건물이나 아파트에만 사용되었는데, 페레는 1903–04년에 파리 벤자민 프랑클린가에 최초의 현대식 철근 콘크리트 아파트 건물을 지었다. 또 다른 중요한 미래의 아르데코 건축가인 앙리 소바주도 1904년 트레테뉴가 7번지에 아파트를 지었다.

1908년부터 1910년까지 21세의 르 코르뷔지에는 페레의 사무실에서 제도사로 일하며 콘크리트 건축 기술을 배웠다. 페레의 건물은 깨끗한 직사각형 형태, 기하학적 장식 및 직선을 가졌으며, 이는 아르데코의 미래의 트레이드마크가 되었다. 극장의 장식 또한 혁명적이었다. 파사드는 앙투안 부르델의 고부조, 모리스 드니의 돔, 에두아르 뷔야르의 회화, 커 자비에 루셀의 아르데코 커튼으로 장식되었다. 이 극장은 발레 뤼스의 많은 첫 공연 장소가 되었다. 페레와 소바주는 1920년대 파리의 선도적인 아르데코 건축가가 되었다.

### 입체주의

파일:Raymond Duchamp-Villon, 1912, Projet d'hôtel, Maquette de la façade de la Maison Cubiste, published in Les Peintres Cubistes, 1913.jpg|레몽 뒤샹비용이 설계한 입체주의 하우스 (La Maison Cubiste)의 파사드 디자인 (1912)
파일:Raymond Duchamp-Villon, 1912, La Maison Cubiste (Cubist House) at the Salon d'Automne, 1912, detail of the entrance. Photograph by Duchamp-Villon.jpg|1912년 살롱 도톤에 전시된 입체주의 하우스 입구 세부
파일:La Maison Cubiste, Le Salon Bourgeois, Salon d'Automne, 1912, Paris.jpg|입체주의 하우스 내부에 앙드레 마르가 디자인한 '부르주아 살롱'. 왼쪽 벽에 메챙제의 이 걸려 있는 것을 볼 수 있다.
파일:Josef Chochol, 1912-13, Cubist villa in Libušina Street 3-49, Vyšehrad, Prague, Czech Republic.jpg|프라하 비셰흐라트 리부시나가에 요제프 호홀이 설계한 입체주의 빌라 (1912–13). 호홀은 입체주의의 영향을 받은 세 명의 체코 건축가 중 한 명이었다.

[섬네일|upright|[조제프 차키의 〈무용수〉 (1912), 원본 석고상. 1912년 살롱 도톤과 1914년 앙데팡당 살롱에 전시된 초기 아르데코 조각 작품이다.]]

입체주의로 알려진 미술 사조는 1907년에서 1912년 사이에 프랑스에서 등장하여 아르데코의 발전에 영향을 미쳤다. 앨러스터 던컨은 다음과 같이 썼다.
:"입체주의는 어떤 변형된 형태로든 그 시대 장식 예술가들의 공통 언어가 되었다."
입체파 화가들 자체는 폴 세잔의 영향을 받았으며, 형태를 원기둥, 구, 원뿔과 같은 기하학적 본질로 단순화하는 데 관심이 있었다.

1912년 섹숑도르의 예술가들은 피카소나 브라크의 분석적 입체주의보다 대중이 훨씬 더 쉽게 접근할 수 있는 작품들을 전시했다. 입체파의 어휘는 패션, 가구 및 인테리어 디자이너들을 매료시킬 준비가 되어 있었다.

1912년 살롱 도톤의 장식 미술 부문에서는 입체주의 하우스(La Maison Cubiste)로 알려진 건축 설치물이 전시되었다. 파사드는 레몽 뒤샹비용이 설계했고, 내부 장식은 앙드레 마르가 맡았다. 입체주의 하우스는 파사드, 계단, 철제 난간, 침실, 거실을 갖춘 가구가 배치된 설치물이었으며, 거실인 '부르주아 살롱'에는 알베르 글레즈, 장 메챙제, 마리 로랑생, 마르셀 뒤샹, 페르낭 레제, 로제 드 라 프레네의 그림들이 걸려 있었다. 살롱을 찾은 수천 명의 관람객이 이 실물 크기 모델을 통과했다.

뒤샹비용이 설계한 집의 파사드는 현대적 기준으로는 그리 급진적이지 않았다. 상인방과 페디먼트는 프리즘 모양이었지만, 그 외에는 당시의 평범한 집과 비슷했다. 두 개의 방을 위해 마르는 정형화된 장미와 꽃무늬가 있는 벽지를 디자인했으며, 화려하고 다채로운 모티브의 가구 덮개와 가구, 카펫도 함께 제작했다. 이는 전통적인 장식으로부터의 뚜렷한 단절이었다. 비평가 에밀 세데인은 《아르 에 데코라시옹》 잡지에 마르의 작품을 다음과 같이 묘사했다. "그는 꽃을 놓을 수 있는 곳이면 어디든 꽃을 증식시켜 단순함에 구애받지 않는다. 그가 추구하는 효과는 분명히 회화적이고 화사한 것이다. 그는 그것을 달성했다." 입체주의적 요소는 그림들에 의해 제공되었다. 이 설치물은 일부 비평가들로부터 극도로 급진적이라는 공격을 받았으며, 이는 오히려 성공에 도움이 되었다. 이 건축 설치물은 이후 1913년 뉴욕의 아모리 쇼, 시카고 및 보스턴에서 전시되었다. 이 전시회 덕분에 '입체파'라는 용어는 여성의 머리 모양부터 의류, 연극 공연에 이르기까지 현대적인 모든 것에 적용되기 시작했다.

입체주의의 영향은 아르데코가 다른 많은 방향으로 분기된 후에도 그 안에서 계속되었다.

입체주의의 암시된 기하학은 1920년대의 통용 화폐가 되었다. 아르데코가 입체주의의 선택적 기하학을 더 다양한 모양으로 발전시킨 것은, 회화적 분류 체계로서의 입체주의를 훨씬 더 넓은 관객에게 전달하고 폭넓은 매력을 갖게 했다. (리처드 해리슨 마틴, 메트로폴리탄 미술관)

## 영향

### 제1차 세계 대전 이전의 유럽 양식

파일:George Barbier (1882-1932), Vaslav Nijinsky (1890-1950), 1913 1.jpg|발레 뤼스의 영향 – 파리 패션 아티스트 조르주 바르비에가 그린 무용수 바츨라프 니진스키 (1913)
파일:Chest of drawers, by Jacques Dubois, 1750-1755 - Waddesdon Manor - Buckinghamshire, England - DSC07774.jpg|로코코 – 자크 뒤부아 제작 서랍장 (1750–1755), 영국 와데스던 저택 소장
파일:Paul Iribe, cassettiera, parigi 1919 ca.jpg|로코코의 영향 – 폴 이리바른 가라이 제작 수납장 (), 파리 장식미술관 소장
파일:Immeuble 21ter Boulevard Diderot - Paris XII (FR75) - 2023-07-25 - 2.jpg|보자르 건축 – 파리 디드로가 21번지, 작자 미상 ()
파일:Avenue de Versailles immeuble Paul Delaroche 1928.jpg|보자르의 영향 – 파리 베르사유가 70–72번지, 폴 들라플라스 설계 및 장 부셰 조각 (1928)
파일:Corner table by Jean-Francois-Therese Chalgrin, 1770 - Corcoran Gallery of Art - DSC01284.JPG|루이 16세 양식 – 장 샬그랭 제작 코너 테이블 (1770), 워싱턴 D.C. 코코런 미술관 소장
파일:Art Deco dressing table (1919-20).jpg|루이 16세 양식의 영향 – 폴 폴로 제작 화장대와 의자 세트 (1919),  소장
파일:Mercury Pajou Louvre RF1624.jpg|신고전주의 – 오귀스탱 파주 제작 〈머큐리〉 (1780), 루브르 박물관 소장
파일:Rockefeller Center MAM.JPG|신고전주의의 영향 – 폴 맨십의 프로메테우스, 고전 조각을 현대적으로 재해석한 아르데코 작품 (1936), 뉴욕 록펠러 센터
파일:Hôtel Guimard 2019.jpg|아르누보 – 헥토르 기마르 설계의 기마르 저택 (파리 모차르트가 122번지) (1909)
파일:Avenue Montaigne (47128639262).jpg|아르누보의 영향 – 루이 뒤아이용과 마르셀 쥘리앵 설계의 파리 몽테뉴가 26번지 파사드의 구불구불한 곡선 (1937)


아르데코는 단일한 양식이 아니라 서로 다르고 때로는 모순되는 여러 양식의 집합체였다. 건축에서 아르데코는 1895년에서 1900년 사이 유럽에서 번성했던 아르누보의 후계자이자 그에 대한 반작용이었으며, 유럽과 미국 건축에서 지배적이었던 보자르 및 신고전주의 건축과 공존했다. 1905년 외젠 그라세는 《장식 구성 방법, 직선 요소》(Méthode de Composition Ornementale, Éléments Rectilignes)를 출판하여, 몇 년 전 파리에서 큰 인기를 끌었던 헥토르 기마르의 물결치는 아르누보 양식과 대조적으로 기하학적 요소, 형태, 모티브 및 그 변형의 장식적 측면을 체계적으로 탐구했다. 그라세는 삼각형과 사각형 같은 다양한 단순한 기하학적 모양이 모든 구성 배치의 기초라는 원칙을 강조했다. 오귀스트 페레와 앙리 소바주의 철근 콘크리트 건물, 특히 샹젤리제 극장은 전 세계적으로 모방된 새로운 형태의 건축과 장식을 제시했다.

### 고대 및 비유럽 문명

파일:The Hathor-headed columns of the Mammisi (birth house), Philae, Egypt (49813135922).jpg|alt=Ancient Egyptian art - Vegetal capitals in the courtyard of the Isis Temple, Philae, Egypt, unknown architect, 380 BC–117 AD: 30|고대 이집트의 미술 – 이집트 필라에 이시스 신전 안뜰의 식물 모양 주두 (기원전 380년–기원후 117년)
Robe, 1964.18.1(2).jpg|이집트의 영향 – 고대 이집트 장식에서 영감을 받은 연꽃 무늬 드레스 (1925), 파리 갈리에라 박물관 소장
파일:Ancient ziggurat at Ali Air Base Iraq 2005.jpg|메소포타미아 미술 – 이라크 우르의 지구라트 (기원전 21세기)
파일:Western Union building, Manhattan jeh crop.jpg|메소포타미아의 영향 – 레이먼드 후드 설계의 뉴욕 웨스턴 유니언 빌딩 (1928–1930)
파일:Yaxchilan Lintel 24.jpg|콜럼버스 이전 시대 미술 (마야) – 야슈칠란 상인방 24 (702년), 대영박물관 소장
파일:450 Sutter St. lobby 1.JPG|콜럼버스 이전 시대의 영향 (마야) – 티모시 플루거 설계의 샌프란시스코 450 서터 스트리트 내부 세부 (1929)
파일:Brooklyn Museum 61.33 Ndop Portrait of King Mishe miShyaang maMbul (5).jpg|사하라 이남 아프리카 (쿠바 왕국) – 미셰 미샹 마불 왕의 응도프(Ndop) 상 (1760–1780), 브루클린 미술관 소장
파일:Winter 1930, Léon Benigni (1892-1948), oil on canvas, 55.3 x 39.4 cm, private collection.jpg|사하라 이남 아프리카의 영향 – 레온 베니니의 〈겨울 1930〉, 캔버스에 유채, 개인 소장


장식에 있어서 아르데코는 전 세계의 다양한 양식을 차용하여 사용했다. 여기에는 , 인류 박물관, 아프리카 및 오세아니아 미술관에서 볼 수 있었던 전 세계의 전근대 예술이 포함되었다. 또한 폼페이, 트로이, 그리고 18왕조 파라오 투탕카멘의 묘 발굴로 인해 고고학에 대한 대중적 관심이 높았다. 예술가와 디자이너들은 고대 이집트, 아프리카, 메소포타미아, 고대 그리스, 고대 로마, 아시아, 메소아메리카 및 오세아니아의 모티브를 기계시대 요소와 결합했다.

### 20세기 초 아방가르드 운동

파일:Amedeo Modigliani, Head of a Woman, 1910-1911, NGA 46716.jpg|원시주의 – 아메데오 모딜리아니의 〈여인의 머리〉 (1910–11), 내셔널 갤러리 오브 아트 소장
파일:Bust for a shop window, by an anonymous Belgian artist, circa 1920, painted papier-mâché, private collection, Cologne.jpg|원시주의의 영향 – 상점 쇼윈도용 흉상, 벨기에 작자 미상 (), 독일 쾰른 개인 소장
파일:Casa Rietveld Schröder 02.jpg|신조형주의 – 네덜란드 위트레흐트의 리트펠트 슈뢰더 하우스, 헤리트 리트펠트 설계 (1924)
파일:Pavillon du tourisme de Robert Mallet-Stevens (UAM, Centre Pompidou, Paris) (43200558625).jpg|신조형주의의 영향 – 로베르 말레 스테방스 설계의 관광관, 파리 현대 장식 미술 및 산업 미술 국제 박람회 (1925)
파일:Pablo Picasso, 1909-10, Figure dans un Fauteuil (Seated Nude, Femme nue assise), oil on canvas, 92.1 x 73 cm, Tate Modern, London.jpg|입체주의 – 파블로 피카소의 〈안락의자에 앉아 있는 여인〉 (1909–10), 테이트 모던 소장
파일:Cubic coffee service - Erik Magnussen (27986651569).jpg|입체주의의 영향 – 에리크 망누센 제작 큐빅 커피 서비스 (1927), 클리블랜드 미술관 전시
파일:Klinom Krasnym Bej Belych.JPG|구성주의 – 엘 리시츠키의 〈붉은 쐐기로 백군을 쳐부수자〉 (1919–1920), 러시아 국립도서관 소장
파일:Clock - Jean Goulden (38866282265).jpg|구성주의의 영향 – 기하학적 평면으로 장식된 시계, 장 굴든 제작 (1928)
파일:Metropolis-new-tower-of-babel.png|표현주의 연극 및 독일 표현주의 영화 – 프리츠 랑의 메트로폴리스의 한 장면 (1927)
파일:Stitched Panorama of the Apollo theatre near Victoria, London 167 (5058015607).jpg|표현주의 연극 및 영화의 영향 – 어니스트 웜즐리 루이스 설계의 런던 아폴로 빅토리아 극장 내부 (1928–1930)
파일:Casa a gradinata con ascensori dai quattro piani stradali 1914- Sant'Elia.jpg|미래주의 – 안토니오 산텔리아의 〈새로운 도시〉 구상 중 엘리베이터가 있는 계단식 주택 (1914), 이탈리아 코모 소장
파일:25 Rue du Laos Paryż, Île-de-France (50594191012).jpg|미래주의의 영향 – 파리 라오스가 25번지, 샤를 토마 설계 (1930)
파일:Berlin, Mitte, Schuetzenstrasse, Mosse-Zentrum 05.jpg|표현주의 건축 – 에리히 멘델손 설계의 베를린 모세 하우스 (1921–1923)
파일:Aux Trois-Quartiers, Paris, with it's original facade.jpg|표현주의 건축의 영향 – 루이 포르 뒤자리크 설계의 파리 오 트루아 카르티에 백화점 (1932)


차용된 다른 양식으로는 미래주의, 오르피즘, 기능주의 및 일반적인 모더니즘이 있었다. 입체주의는 캔버스에서 직물 소재나 벽지로 옮겨질 때 아르데코 미학 내에서 장식적 잠재력을 발견했다. 소니아 들로네는 그녀의 드레스 모델을 "살아있는 그림 또는 살아있는 형태의 조각"으로서 추상적이고 기하학적인 양식으로 구상했다. 입체파와 유사한 디자인은 닥스에 있는 아리움 카지노의 아메리칸 바 스테인드글라스 창문(1926)에서 루이 바릴레에 의해 제작되었는데, 여기에는 유행하는 칵테일의 이름도 포함되었다. 건축에서는 러시아 구성주의와 프랭크 로이드 라이트-빌럼 마리뉘스 뒤독 라인에 공통적인 수평 및 수직 볼륨 사이의 뚜렷한 대비가 개별 주택과 임대 주택에서 영화관이나 주유소에 이르기까지 아르데코 파사드를 구성하는 일반적인 장치가 되었다. 아르데코는 또한 야수파의 충돌하는 색상과 디자인을 사용했는데, 특히 앙리 마티스와 앙드레 드랭의 작품은 아르데코 직물, 벽지 및 채색 세라믹의 디자인에 영감을 주었다. 그것은 기하학적 디자인, 셰브런, 지그재그 및 정형화된 꽃다발을 특징으로 하는 당시의 하이 패션 어휘에서 아이디어를 얻었다. 또한 이집트학의 발견과 동양 및 아프리카 예술에 대한 증가하는 관심의 영향을 받았다. 1925년 이후부터는 비행선, 자동차 및 원양 정기선과 같은 새로운 기계에 대한 열정에서 종종 영감을 얻었으며, 1930년경까지 이 영향은 스트림라인 모던이라 불리는 양식으로 이어졌다.

## 현대 장식 미술 및 산업 미술 국제 박람회 (1925)

파일:Postcard of Exposition des Art Decoratifs et Industriels Modernes.jpg|파리 현대 장식 미술 및 산업 미술 국제 박람회 엽서 (1925)
파일:Paris-FR-75-Expo 1925 Arts décoratifs-entrée Place de la Concorde.jpg|피에르 파투가 설계한 콩코르드 광장 쪽 박람회 입구
파일:Paris 1925 59878912.jpg|유제프 차이코프스키와 보이치에흐 야스트솅보프스키가 설계한 폴란드관
파일:Paris-FR-75-Expo 1925 Arts décoratifs-pavillon des Galeries Lafayette.jpg|갤러리 라파예트 백화점 관
파일:Salon of the Hotel du Collectionneur (1925).jpg|에밀 자크 룰만이 가구를 배치하고 피에르 파투가 설계한 '수집가의 집' 살롱. 그림은 장 뒤파의 작품.


이 양식의 정점을 찍고 이름을 부여한 사건은 1925년 4월부터 10월까지 파리에서 열린 현대 장식 미술 및 산업 미술 국제 박람회였다. 프랑스 정부가 공식적으로 후원한 이 행사는 파리의 우안 그랑 팔레에서 좌안 앵발리드까지, 그리고 세느강 변을 따라 55에이커에 달하는 부지에서 열렸다. 시내에서 가장 큰 홀인 그랑 팔레는 참가국들의 장식 미술 전시품들로 가득 찼다. 오스트리아, 벨기에, 체코슬로바키아, 덴마크, 영국, 이탈리아, 일본, 네덜란드, 폴란드, 스페인, 스웨덴 및 새로운 소련을 포함한 20개국에서 15,000명의 전시자가 참여했다. 독일은 전쟁 후의 긴장으로 인해 초대받지 못했고, 미국은 전시의 목적을 오해하여 참가를 거절했다. 7개월간의 운영 기간 동안 1,600만 명의 사람들이 방문했다. 박람회 규칙은 모든 작품이 현대적이어야 하며 역사적 양식은 허용되지 않는다고 규정했다. 박람회의 주된 목적은 프랑스의 고급 가구, 자기, 유리, 금속 공예, 직물 및 기타 장식 제품 제조업체를 홍보하는 것이었다. 제품을 더욱 홍보하기 위해 파리의 모든 주요 백화점과 주요 디자이너들은 각자의 파빌리온을 가졌다. 박람회는 아프리카와 아시아의 프랑스 식민지에서 생산된 상아와 이국적인 나무 등의 제품을 홍보하는 부차적인 목적도 있었다.

'수집가의 집'(Hôtel du Collectionneur)은 박람회에서 인기 있는 볼거리였다. 이곳에는 에밀 자크 룰만의 새로운 가구 디자인뿐만 아니라 아르데코 직물, 카펫, 그리고 장 뒤파의 그림이 전시되었다. 인테리어 디자인은 아르누보와 구별되는 대칭 및 기하학적 형태의 원칙을 따랐으며, 밝은 색상, 정교한 장인 정신, 희귀하고 값비싼 재료를 사용하여 모더니즘 양식의 엄격한 기능성과 구별되었다. 대부분의 파빌리온이 호화롭게 장식되고 수제 고급 가구로 채워진 반면, 소련관과 르 코르뷔지에가 운영하던 잡지의 이름을 딴 에스프리 누보(L'Esprit Nouveau)관은 장식 없이 평범한 흰색 벽을 가진 소박한 양식으로 지어졌다. 이들은 근대 건축의 초기 사례 중 하나였다.

## 후기 아르데코

파일:1 Piața Sfântul Ștefan, Bucharest (01).jpg|부쿠레슈티의 성 스테판 광장 1번지, 작자 미상 ()
파일:St Jan de Doperkerk in Molenbeek.jpg|벨기에 몰뢴베크생장의 세례 요한 교회, 조제프 디옹그 설계 (1930–1932)
파일:Miami Beach FL Lincoln Mall Lincoln Theatre01.jpg|플로리다주 마이애미비치의 링컨 극장, 토머스 W. 램 설계 (1936)
파일:Paris 75016 Fontaines du Trocadéro 20090815.jpg|1937년 세계 박람회 당시 지어진 파리의 샤요궁, 루이 이폴리트 부알로, 자크 카를뤼, 레온 아제마 설계
파일:L'exposition Auguste Perret (Conseil économique, social et environnemental, Paris) (11872278295).jpg|오귀스트 페레가 설계한 파리의 경제사회환경위원회(원래 공공사업 박물관) 계단 (1937)
파일:KingCityHS-RobertStantonTheater.jpg|공공사업진흥국을 위해 로버트 스탠턴이 설계한 캘리포니아주 킹시티 고등학교 (1939)


1925년경 아르데코 내부에는 두 가지 서로 경쟁하는 학파가 공존했다. 장식 예술가 협회를 설립한 가구 디자이너 에밀 자크 룰만, 장 뒤낭, 조각가 앙투안 부르델, 디자이너 폴 푸아레를 포함한 전통주의자들은 현대적인 형태를 전통적인 장인 정신 및 값비싼 재료와 결합했다. 다른 한편에는 점차 과거를 거부하고 새로운 기술의 발전, 단순함, 장식의 부재, 저렴한 재료 및 대량 생산에 기초한 양식을 원했던 모더니스트들이 있었다. 모더니스트들은 1929년 자신들의 조직인 '현대 예술가 연맹'을 창설했다. 회원으로는 건축가 피에르 샤로, 프랑시스 주르댕, 로베르 말레 스테방스, 르 코르뷔지에, 그리고 소련의 콘스탄틴 멜니코프, 아일랜드 디자이너 아일린 그레이, 프랑스 디자이너 소니아 들로네, 보석 세공인 조르주 푸케와 장 퓌포르카 등이 있었다. 그들은 전통적인 아르데코 양식을 격렬하게 공격하며, 소수의 부유한 고객만을 위해 일회성 작품과 한정판을 만드는 데 집중하는 아르데코 디자이너들을 비판했다. 모더니스트들의 관점에서 장식 미술의 미래는 부유층의 미적 취향에만 달려 있는 것이 아니라, "새로운 시대가 모든 사람을 위한 우수한 디자인을 필요로 한다"는 것이었다. 그들은 형태가 기능을 따라야 한다고 믿었으며, 물체나 건물의 아름다움은 그 기능을 완벽하게 수행하는 데 적합한지 여부에 달려 있다고 보았다. 현대적인 산업 방식은 수작업 대신 가구와 건물을 대량생산할 수 있음을 의미했으며, 대량 생산과 품질이 반드시 상호 배타적인 것은 아니라는 것이 그들의 견해였다.

프랑스의 장식 미술 디자이너 폴 폴로는 아르데코의 보다 전통적이고 장식적인 양식을 다음과 같이 옹호했다. "우리는 인간에게 '필요한 것'만으로는 충분하지 않으며 '불필요한 것'이 그에게 필수 불가결하다는 것을 알고 있다... 그렇지 않다면 음악, 꽃, 향수... 그리고 여성들의 미소도 없애버리자!" 그러나 르 코르뷔지에는 모더니즘 건축의 뛰어난 홍보가였다. 그는 집은 단순히 "살기 위한 기계"라고 선언하며 아르데코는 과거이고 모더니즘이 미래라는 아이디어를 끈질기게 홍보했다. 르 코르뷔지에의 아이디어는 점차 건축 학교들에 채택되었고 아르데코의 미학은 버려졌다. 아르데코를 처음에 인기 있게 만들었던 바로 그 특징들인 장인 정신, 풍부한 재료 및 장식은 오히려 그 쇠퇴를 초래했다. 1929년 미국에서 시작되어 곧 유럽에 도달한 대공황은 가구와 예술품 비용을 지불할 수 있는 부유한 고객층을 크게 줄였다. 대공황의 경제적 기류 속에서 새로운 마천루를 지으려는 기업은 거의 없었다. 룰만사조차 개별 수제 품목 대신 가구를 시리즈로 생산하는 방식을 취했다. 파리에 지어진 새로운 양식의 마지막 건물들은 오귀스트 페레의 공공사업 박물관(현재의 경제사회환경위원회), 루이 이폴리트 부알로, 자크 카를뤼, 레온 아제마의 샤요궁, 그리고 1937년 세계 박람회를 위해 지어진 팔레 드 토쿄였다. 이들은 스탈린의 소련이 세운 마찬가지로 거창한 사회주의적 사실주의 파빌리온과 마주 보고 있던 알베르트 슈페어가 설계한 나치 독일의 웅장한 파빌리온을 바라보고 있었다.

제2차 세계 대전 이후 지배적인 건축 양식은 르 코르뷔지에와 미스 반 데어 로에가 개척한 국제 양식이 되었다. 제2차 세계 대전 이후 마이애미비치에 몇몇 아르데코 호텔이 지어지긴 했으나, 다른 곳에서 이 양식은 자동차 스타일링이나 주크박스 같은 제품 디자인에서 계속 사용된 것을 제외하면 대체로 사라졌다. 1960년대에는 베비스 힐리어와 같은 건축 사학자들의 저술 덕분에 학술적으로 완만한 부활을 경험했다. 1970년대에는 미국과 유럽에서 아르데코 건축의 정수를 보존하려는 노력이 이어졌고 많은 건물이 복원되어 용도가 변경되었다. 1980년대에 처음 등장한 포스트모던 건축은 아르데코처럼 순수하게 장식적인 특징을 포함하곤 한다. 아르데코는 계속해서 디자이너들에게 영감을 주고 있으며 현대 패션, 보석 및 세면용품에 자주 사용된다.

## 회화

파일:Mural-Ariel-Rios-Marsh-1.jpg|워싱턴 D.C. 아리엘 리오스 연방 빌딩의 벽화 〈우편물을 분류하는 노동자들〉, 레지널드 마시 작품 (1936)
파일:Mural-Ariel-Rios-Rockwell-Kent-1.jpg|워싱턴 D.C. 윌리엄 제퍼슨 클린턴 연방 빌딩의 벽화 〈열대의 예술〉, 록웰 켄트 작품 (1938)
파일:Entrance of Rockefeller Center.JPG|뉴욕 GE 빌딩 로비의 천장 벽화 〈시간〉의 세부, 주제프 마리아 세르트 작품 (1941)


1925년 박람회에는 회화를 위한 별도의 부문이 마련되지 않았다. 아르데코 회화는 정의상 방이나 건축물을 장식하기 위해 고안된 장식적인 것이었기에, 이 양식만 전문으로 작업하는 화가는 드물었으나 두 명의 화가가 아르데코와 밀접하게 연관되어 있다. 장 뒤파는 1925년 파리 장식 미술 박람회의 보르도관을 위해 아르데코 벽화를 그렸으며, 룰만의 가구가 전시된 '수집가의 집' 전시실의 벽난로 위 그림도 그렸다. 그의 벽화는 프랑스 원양 정기선 노르망디호의 장식에서도 두드러졌다. 그의 작품은 순수하게 장식적이었으며 장식의 다른 요소들을 배경으로 받쳐주거나 동반하도록 디자인되었다.

양식과 밀접하게 연관된 또 다른 화가는 타마라 드 렘피카이다. 폴란드 태생인 그녀는 러시아 혁명 이후 파리로 이주했다. 그녀는 모리스 드니와 앙드레 로트 아래에서 공부했으며 그들의 양식에서 많은 요소를 차용했다. 그녀는 사실적이고 역동적이며 다채로운 아르데코 양식으로 초상화를 그렸다.

1930년대 미국에서는 극적인 새로운 형태의 아르데코 회화가 등장했다. 대공황 동안 공공사업진흥국의 연방 미술 프로젝트가 실업 예술가들에게 일자리를 주기 위해 창설되었다. 많은 이들에게 정부 건물, 병원 및 학교를 장식하는 임무가 주어졌다. 벽화에 사용된 특정 아르데코 양식은 없었다. 정부 건물의 벽화를 그리기 위해 고용된 예술가들은 미국 지역주의에서 사회적 사실주의에 이르기까지 다양한 학파 출신이었다. 여기에는 레지널드 마시, 록웰 켄트, 멕시코 화가 디예고 리베라가 포함되었다. 벽화들은 장식적이고 그들이 그려진 건물이나 도시의 활동과 관련이 있었기 때문에 아르데코였다. 레지널드 마시와 록웰 켄트는 모두 미국 우체국 건물을 장식하며 일하는 우체국 직원들을 보여주었고, 디예고 리베라는 디트로이트 미술관을 위해 자동차 공장 노동자들을 묘사했다. GE 빌딩을 위한 리베라의 벽화 〈교차로의 인간〉(1933)에는 허가되지 않은 레닌의 초상이 포함되어 논란이 되었다. 리베라가 레닌의 초상을 지우기를 거부하자 그림은 파괴되었고 스페인 예술가 주제프 마리아 세르트에 의해 새로운 벽화가 그려졌다.

## 조각

### 기념비적 및 공공 조각

파일:Folie Bergère Paris (36268584).jpeg|파리 폴리 베르제르 카바레 뮤직홀 파사드의 금빛 세부, 모리스 피코 작품 (1926)
파일:Christ the Redeemer - Cristo Redentor.jpg|리우데자네이루 코르코바두 산 정상에 있는 철근 콘크리트 및 동석 조각 구세주 그리스도상, 폴 란도우스키 작품 (1931)
파일:Guardian of Traffic (cropped).jpg|클리블랜드 호프 메모리얼 브릿지의 교각 장식 '교통의 수호자', 헨리 헤링 및 프랭크 워커 작품 (1932)
파일:Lobby, (former) Daily Express Building by Ronald Atkinson.jpg|런던의 구 데일리 익스프레스 빌딩 로비의 부조 조각, 로널드 앳킨슨 작품 (1932)
파일:Niagara Mohawk Building 1.jpg|시러큐스 니아가라 모호크 빌딩 파사드의 금속 조각 '빛의 정령', 클레이턴 프라이 작품 (1932)
파일:Rockefeller Center entrance (4674369705).jpg|뉴욕 록펠러 센터 정문 장식 〈지혜〉, 리 로리 작품 (1933)
파일:Nowogrodzka 45 w Warszawie orzeł.jpg|바르샤바 우체국 파사드의 폴란드 문장, 율리안 푸테르만-사드워프스키 작품 (1934)
파일:New York City, May 2014 - 033.JPG|록펠러 센터 앞의 청동 조각 아틀라스, 리 로리 작품 (1936–37)
파일:NixFedBldgPhilaMailBas1.jpg|필라델피아 닉스 연방 빌딩의 저부조 조각 중 하나인 〈우편 배달〉, 에드먼드 아마테이스 작품 (1937)
File:"One is Man Controlling Trade," 1942 statue by Michael Lantz, at Federal Trade Commission, 600 Pennsylvania Ave., NW Washington, D.C LCCN2010641732.tif|워싱턴 D.C. 연방거래위원회 빌딩의 〈무역을 통제하는 인간〉, 마이클 랜츠 작품 (1942)


조각은 아르데코 건축의 매우 보편적이고 필수적인 특징이었다. 프랑스에서는 앙투안 부르델이 제작한 춤과 음악을 상징하는 우화적 저부조가 1912년 파리의 초기 아르데코 랜드마크인 샹젤리제 극장을 장식했다. 1925년 박람회에서는 부지 주변에 주요 조각 작품들이 배치되었고 파빌리온들은 조각된 프리즈로 장식되었으며 여러 파빌리온이 소형 스튜디오 조각 전용으로 사용되었다. 1930년대에는 다수의 저명한 조각가들이 샤요궁에서 열린 1937년 세계 박람회를 위해 작품을 제작했다. 알프레드 자니오는 팔레 드 토쿄 파사드의 부조 조각을 제작했다. 파리 시립 근대미술관과 에펠탑을 마주 보는 샤요궁 앞의 광장은 샤를 말프레이, 앙리 아르노 등 많은 이들의 새로운 조상들로 가득 찼다.

공공 아르데코 조각은 거의 항상 건물의 목적이나 방의 성격과 관련된 영웅적 또는 우화적인 인물을 묘사한 구상 미술이었다. 주제는 보통 예술가가 아닌 후원자에 의해 선택되었다. 장식을 위한 추상 조각은 매우 드물었다.

미국에서 공공 미술을 위한 가장 저명한 아르데코 조각가는 폴 맨십이었으며, 그는 고전적이고 신화적인 주제를 아르데코 양식으로 현대화했다. 그의 가장 유명한 작품은 뉴욕 록펠러 센터에 있는 프로메테우스 동상으로 고전적 주제를 20세기적으로 재해석한 것이다. 록펠러 센터를 위한 다른 중요한 작품으로는 조각된 파사드와 아틀라스 동상을 제작한 리 로리가 있다.

미국 대공황기에는 많은 조각가들이 WPA(또는 공공사업진흥국)가 제공한 기금으로 연방 정부 건물의 장식을 위한 작품 제작을 의뢰받았다. 여기에는 연방 정부 청사 건물을 위해 노동자와 그들의 업무를 정형화되고 이상화된 이미지로 제작한 시드니 빌러 워가 포함되었다. 샌프란시스코에서는 랄프 스택폴이 새로운 샌프란시스코 증권 거래소 건물의 파사드 조각을 제공했다. 워싱턴 D.C.에서는 마이클 랜츠가 연방거래위원회 건물을 위한 작품을 만들었다.

영국에서는 에릭 길이 BBC 브로드캐스팅 하우스를 위해 공공 조상을 제작했고, 로널드 앳킨슨은 런던의 구 데일리 익스프레스 빌딩 로비(1932)를 장식했다.

가장 잘 알려져 있고 확실히 가장 큰 공공 아르데코 조각은 프랑스 조각가 폴 란도우스키에 의해 1922년에서 1931년 사이에 완공된 구세주 그리스도상으로, 브라질 리우데자네이루를 내려다보는 산 정상에 위치해 있다.

### 스튜디오 조각

파일:Joseph Csaky, Tête, ca 1920 (front and side view) limestone, 60 cm, Kröller-Müller Museum, Otterlo, Holland.tiff|조제프 차키의 〈머리〉 (정면 및 측면), 석회암 (), 네덜란드 크뢸러 뮐러 미술관 소장
파일:Le chasseur de Pierre Le Faguays.png|피에르 르 파구아이의 〈사냥꾼〉 (1920년대)
파일:Actaeon - Paul Manship (25890637528).jpg|폴 맨십의 〈악타이온〉 (1925), 클리블랜드 미술관 전시
파일:Speed - Harriet Frishmuth.jpg|해리엇 휘트니 프리슈무트가 라디에이터 장식을 위해 디자인한 〈속도〉 (1925)
파일:The Flight of Europa.jpg|폴 맨십의 〈에우로페의 비상〉, 금박을 입힌 청동 (1925), 뉴욕 휘트니 미술관 소장
파일:Art Deco Sculpture.jpg|데메트르 치파루스의 〈소녀〉, 청동, 상아 및 오닉스 ()


많은 초기 아르데코 조각은 살롱을 장식하기 위해 고안된 소형 작품이었다. 이러한 조각의 한 장르는 금과 상아로 만든 고대 그리스 신전 조각의 양식을 따서 크리셀레판틴 조각상이라고 불렸다. 때로는 청동으로 제작되기도 했고 때로는 상아, 오닉스, 알라바스터, 금박과 같은 훨씬 더 사치스러운 재료로 제작되기도 했다.

가장 잘 알려진 아르데코 살롱 조각가 중 한 명은 루마니아 태생의 데메트르 치파루스로 그는 무용수들의 다채로운 작은 조각상들을 제작했다. 다른 주목할 만한 살롱 조각가로는 페르디난트 프라이스, 요제프 로렌즐, 알렉산더 켈레티, 도로테아 샤롤, 구스타프 슈미트카셀 등이 있었다. 스튜디오 형식에서 활동한 또 다른 중요한 미국 조각가는 파리에서 오귀스트 로댕 아래에서 공부한 해리엇 휘트니 프리슈무트였다.

피에르 르 파구아이는 저명한 아르데코 스튜디오 조각가로 그의 작품은 1925년 박람회에 전시되었다. 그는 청동, 대리석, 상아, 오닉스, 금, 알라바스터 및 기타 귀중한 재료로 작업했다.

프랑수아 퐁퐁은 현대적인 정형화된 애니멀리어 조각의 선구자였다. 그는 1922년 살롱 도톤에서 〈북극곰〉이라는 작품으로 67세의 나이가 되어서야 예술적 업적을 완전히 인정받았다. 이 작품은 현재 파리의 오르세 미술관에 소장되어 있다.

이러한 아르데코 조각가들과 나란히 파리와 뉴욕에서는 더욱 전위적이고 추상적인 모더니즘 조각가들이 활동하고 있었다. 가장 저명한 인물로는 콘스탄틴 브랑쿠시, 조제프 차키, 알렉산드르 아키펭코, 앙리 로랑스, 자크 립시츠, 귀스타브 미클로스, 장 랑베르-뤼키, 얀 에 조엘 마르텔, 샤나 오를로프, 파블로 가르가요 등이 있었다.

## 그래픽 아트

파일:Bakst Nizhinsky.jpg|발레 뤼스를 위한 레온 박스트의 〈목신의 오후〉 프로그램 디자인 (1912)
파일:Vanity Fair cover by Georges Lepape 1919.jpg|조르주 르파프가 그린 배너티 페어 표지 (1919)
파일:Weinold Reiss - Drawing in two colors.jpg|위놀드 라이스의 〈할렘 재즈 I〉 해석 ()
파일:Erté Harpers Bazar cover Feb 1922.jpg|에르테가 그린 하퍼스 바자 표지 (1922)
파일:Brightest London is best reached by Underground, subway poster, 1924.jpg|호레이스 테일러가 그린 런던 지하철 포스터 (1924)
파일:Moulin Rouge Music-Hall.jpg|샤를 게스마르가 그린 물랭 루주 포스터 (1925)
파일:Sugiura Hisui Tokyo Subway 1927 poster.jpg|스기우라 히스이가 그린 도쿄 지하철 포스터 (1927)
파일:Wear Jewelry - You Will Win (1925) (6966582539).jpg|루트비히 홀바인이 그린 〈보석을 걸쳐라 - 당신이 이긴다〉 ()
파일:JesterCoverGWBridge.jpg|컬럼비아 대학교 잡지 《제스터》의 표지 (1931)


아르데코 양식은 제1차 세계 대전 직전 그래픽 아트 분야에서 조기에 나타났다. 파리에서는 레온 박스트의 포스터와 발레 뤼스의 의상 디자인, 그리고 폴 푸아레의 패션 카탈로그에 등장했다. 조르주 바르비에와 조르주 르파프의 삽화 및 패션 잡지 《가제트 뒤 본 통》의 이미지들은 이 양식의 우아함과 감각을 완벽하게 포착했다. 1920년대에는 룩이 바뀌어 패션은 더욱 캐주얼하고 스포티하며 대담해졌으며 여성 모델들은 대개 담배를 피우는 모습으로 묘사되었다. 보그, 배너티 페어, 하퍼스 바자와 같은 미국의 패션 잡지들은 신속하게 이 새로운 양식을 채택하여 미국 전역에 대중화했다. 또한 록웰 켄트와 같은 미국 서적 삽화가들의 작품에도 영향을 주었다. 독일에서 이 시기의 가장 유명한 포스터 예술가는 루트비히 홀바인으로 그는 음악 축제, 맥주 광고 및 경력 후반기에는 나치당을 위해 다채롭고 극적인 포스터들을 제작했다.

아르누보 시대의 포스터는 주로 연극 작품이나 카바레를 광고했다. 1920년대에는 정기선 항로와 항공사를 위한 여행 포스터가 매우 인기를 끌었다. 1920년대에 양식은 눈에 띄게 변하여 광고되는 제품에 주의를 집중시켰다. 이미지는 더 단순하고 정확하며 선형적이고 역동적으로 변했으며 종종 단색 배경 위에 놓였다. 프랑스에서 인기 있는 아르데코 디자이너로는 샤를 루포와 미국 가수이자 무용수인 조세핀 베이커의 포스터로 유명해진 폴 콜랭이 있었다. 장 카를뤼는 찰리 채플린 영화, 비누 및 연극 포스터를 디자인했으며 1930년대 후반 미국으로 이주하여 전쟁 기간 동안 군수 생산을 독려하는 포스터들을 디자인했다. 디자이너 샤를 게스마르는 가수 미스탱게트와 에어 프랑스의 포스터를 제작하여 명성을 얻었다. 가장 잘 알려진 프랑스 아르데코 포스터 디자이너 중 한 명은 1935년 호화 원양 정기선 노르망디호의 유명한 포스터를 제작한 카상드르였다.

1930년대 대공황 기간 동안 미국에서는 새로운 장르의 포스터가 등장했다. 연방 미술 프로젝트는 관광과 문화 행사를 홍보하기 위한 포스터 제작을 위해 미국 예술가들을 고용했다.

## 건축


파일:P1030956 Paris Ier La Samaritaine rwk.JPG|앙리 소바주가 설계한 파리의 라 사마리텐 백화점 (1925–1928)
파일:Los Angeles City Hall building.jpg|로스앤젤레스 시청사, 존 파킨슨, 존 C. 오스틴, 앨버트 C. 마틴 설계 (1928)
파일:Eastern Columbia Building-6.jpg|클로드 빌먼이 설계한 로스앤젤레스 이스턴 컬럼비아 빌딩의 입구 (1930)
파일:La Villa Empain en 2012, après restauration..jpg|미셸 폴락이 설계한 브뤼셀의 엠팽 빌라 입구 (1930–1934)
파일:Cincinnati Union Terminal murals 2019a.jpg|앨프리드 T. 펠하이머와 롤랜드 A. 왱크가 설계한 신시내티 뮤지엄 센터 앳 유니언 터미널 (1933)
파일:The Grace Hotel (1930), Sydney.jpg|모로우 앤 고든이 설계한 시드니 그레이스 빌딩 (1928-1930)
파일:Nice, France, Église Jeanne d’Arc.jpg|자크 드로가 설계한 프랑스 니스의 성 잔 다르크 교회 (1934)
파일:Diet of Japan Kokkai 2009.jpg|와타나베 후쿠조의 디자인을 바탕으로 건축된 도쿄도의 국회의사당 (1936)
파일:Vertical panorama of the Mayakovskaya Metro Station.jpg|알렉세이 두시킨이 설계한 모스크바의 마야콥스카야역 (1936)
파일:At São Paulo 2018 195.jpg|알바로 드 아루다 보텔료가 설계한 브라질 상파울루의 상파울루 은행 빌딩 (1938)
파일:Regal Cinema Mumbai.jpg|인도 뭄바이의 리걸 시네마



### 양식
아르데코 건축 양식은 1903–04년 파리에 두 채의 아파트 건물이 건설되면서 데뷔했다. 하나는 벤자민 프랑클린가의 오귀스트 페레가, 다른 하나는 트레테뉴가의 앙리 소바주가 지었다. 이 두 젊은 건축가는 파리 주거용 건물에 최초로 철근 콘크리트를 사용했다. 이 새 건물들은 깨끗한 선, 직사각형 형태 및 파사드에 장식이 없는 것이 특징이었으며 이는 아르누보 양식과의 뚜렷한 단절을 의미했다. 1910년에서 1913년 사이 페레는 콘크리트 아파트 건물에서의 경험을 살려 몽테뉴가 15번지에 샹젤리제 극장을 건설했다. 1925년에서 1928년 사이 소바주는 파리 라 사마리텐 백화점의 새로운 아르데코 파사드를 건축했다.

아르데코 양식은 지상의 건물에만 국한되지 않았다. 1935년 첫 항해를 시작한 원양 정기선 노르망디호는 랄리크가 제작한 유리를 사용한 천장과 장식이 있는 식당을 포함한 아르데코 디자인을 선보였다.

아르데코 건축은 때때로 지그재그 모데른(Jazz Moderne라고도 함), 클래식 모데른, 그리고 스트림라인 모던의 세 가지 유형으로 분류된다.

#### 지그재그 모데른

**지그재그 모데른**(또는 **재즈 모데른**)은 미국에 처음 상륙한 양식이다. "지그재그"는 마천루의 높이를 과장하기 위해 외곽선을 계단식으로 배치한 것을 말하며, 주로 호텔, 영화관, 식당, 마천루, 백화점 등 대형 공공 및 상업 건물에 사용되었다.

#### 클래식 모데른
클래식 모데른은 더 우아한 외관을 지니며 장식이 적다. 클래식 모데른은 대공황 기간 동안 PWA(공공사업진흥국)에 의해 수행되었기 때문에 때때로 PWA 모데른 또는 대공황 모데른이라고도 불린다.

#### 스트림라인 모던

1930년대 후반에는 아르데코 건축의 새로운 변형이 보편화되었는데 이를 스트림라인 모던 또는 단순히 스트림라인, 프랑스에서는 스타일 파크보트(Style Paquebot) 또는 원양 정기선 양식이라 불렀다. 이 양식의 건물은 둥근 모서리와 긴 수평선을 특징으로 했으며 철근 콘크리트로 지어지고 거의 항상 흰색이었다. 또한 배를 닮은 난간이나 현창과 같은 항해 관련 특징을 가질 때도 있었다. 둥근 모서리가 완전히 새로운 것은 아니었다. 그것은 1923년 베를린의 에리히 멘델손이 설계한 모세 하우스에서 나타났고 이후 런던 교외 페리베일의 산업 단지인 후버 빌딩에서도 나타났다. 미국에서 그것은 교통수단과 가장 밀접하게 연관되었다. 스트림라인 모던은 사무용 건물에서는 드물었으나 버스 터미널이나 뉴욕의 라구아디아 공항 터미널(최초의 대서양 횡단 비행을 처리함)과 같은 공항 터미널, 주유소, 간이식당 같은 도로변 건축에서 자주 사용되었다.

파일:Broadcasting House by Stephen Craven.jpg|런던 브로드캐스팅 하우스의 해양 스타일 둥근 모서리 (1931)
파일:Former Bournemouth Echo Offices, Richmond Hill, Bournemouth (NHLE Code 1140113) (June 2022) (4).jpg|영국 본머스의 본머스 데일리 에코 빌딩 (1932)
파일:Immeuble de Pierre Patout Bd Victor Paris XV.jpg|피에르 파투가 설계한 파리 빅토르가 3번지의 원양 정기선 양식 건물 (1935)
파일:Pan-Pacific Auditorium entrance.jpg|워더먼 앤 베켓이 설계한 로스앤젤레스 팬-퍼시픽 강당 (1936)
파일:LaGuardia MarineAirTerminal 1974.jpg|뉴욕 라구아디아 공항의 해양 항공 터미널 (1937)
파일:Hoover Building No 1.jpg|런던 페리베일에 위치한 후버 빌딩 (1938)
파일:Ancien Institut national de Radiodiffusion - vue d'ensemble.JPG|조제프 디옹그가 설계한 브뤼셀의 구 벨기에 국립 방송국 (1938)
파일:World Fair 1939 LOC gsc.5a03061.jpg|1939년 세계 박람회의 포드 파빌리온
파일:First Church of Deliverance 2.jpg|월터 T. 베일리가 설계한 시카고의 스트림라인 모던 교회인 제1 구원 교회 (1939)


### 건물 유형

#### 마천루

파일:NYC - American Radiator Building.jpg|레이먼드 후드가 설계한 뉴욕의 아메리칸 라디에이터 빌딩 (1924)
파일:Carbide & Carbon Building, Chicago in May 2016.jpg|번햄 브라더스가 설계한 시카고의 카바이드 앤 카본 빌딩 (1929)
Chrysler building- top.jpg|윌리엄 반 알렌이 설계한 뉴욕의 크라이슬러 빌딩 (1930)
파일:Times Square Building, Rochester, New York.jpg|로체스터의 타임스 스퀘어 빌딩 (1930)
파일:National Newark Building + Eleven 80.jpg|뉴어크의 르프쿠르 빌딩(1930)과 내셔널 뉴어크 빌딩(1933)
파일:Empire State Building (aerial view).jpg|슈리브, 램 앤 하먼이 설계한 뉴욕의 엠파이어 스테이트 빌딩 (1931)
파일:Pittsburgh-gulf-tower-2007.jpg|피츠버그의 걸프 타워 (1932)
파일:570 Lexington Avenue2.JPG|크로스 앤 크로스가 설계한 뉴욕 제너럴 일렉트릭 빌딩의 상부 (1933)
파일:GE Building by David Shankbone.JPG|레이먼드 후드가 설계한 뉴욕의 GE 빌딩 (1933)
파일:Altino Arantes Building (crop).jpg|상파울루의 아우치누 아란치스 빌딩 (1947)



미국의 마천루는 아르데코 양식의 정점을 보여주었다. 그것들은 높이, 형태, 색상 및 밤의 극적인 조명을 통해 건축주의 위신을 보여주도록 설계되어 세계에서 가장 높고 식별 가능한 현대 건물이 되었다. 레이먼드 후드의 아메리칸 라디에이터 빌딩(1924)은 고딕 양식과 데코 모던 요소를 결합했다. 건물 전면의 검은 벽돌(석탄 상징)은 견고함을 주며 금색 벽돌(불 상징)과 대조를 이루었다. 또 다른 초기 아르데코 마천루는 1929년에 개장한 디트로이트의 가디언 빌딩이었다. 워트 C. 롤랜드가 설계한 이 건물은 전통적인 장식 대신 스테인리스강과 다채로운 색상의 디자인을 광범위하게 사용한 최초의 사례였다.

뉴욕의 스카이라인은 윌리엄 반 알렌이 설계한 맨해튼의 크라이슬러 빌딩(1930년 완공)에 의해 획기적으로 바뀌었다. 이것은 크라이슬러 자동차를 위한 거대한 77층 규모의 광고물이었다. 꼭대기는 스테인리스강 첨탑으로 장식되었고 자동차 라디에이터 캡 모양의 스테인리스강 "가고일"로 장식되었다. 타워의 하단부는 다채로운 아르데코 프리즈로 장식되었고 로비는 현대성을 표현하는 아르데코 상징과 이미지들로 가득 찼다.

크라이슬러 빌딩은 곧 윌리엄 F. 램의 엠파이어 스테이트 빌딩(1931)과 레이먼드 후드의 GE 빌딩(1933)에 의해 높이에서 추월당했다. 이 건물들의 꼭대기는 스테인리스강으로 덮인 아르데코 왕관과 첨탑으로 장식되었고 입구와 로비는 아르데코 조각, 세라믹 및 디자인으로 호화롭게 꾸며졌다. 유사한 건물들이 시카고를 비롯한 미국의 다른 대도시에도 곧 등장했다. 록웰 센터는 새로운 디자인 요소를 추가했는데 이는 중앙 분수대가 있는 개방된 광장 주위에 배치된 여러 개의 높은 건물 그룹이었다.

허드슨강 건너편 뉴어크에도 20년대와 30년대에 아르데코 양식의 마천루들이 건설되었다. 뉴저지 벨 본사(1929), 르프쿠르 빌딩(1930), 그리고 내셔널 뉴어크 빌딩(1933)이 대표적이다. 이 기간 동안 뉴어크 공공 도서관 관장이었던 존 코튼 다나는 이러한 마천루들이 뉴어크를 "거대하고 투박하며 생각 없는 산업적 프랑켄슈타인 괴물에서 세련된 곳으로" 바꾸어 놓았다고 논평했다.

#### "상업의 대성당"

파일:Interior of Fisher Building, Detroit.JPG|조제프 나다니엘 프렌치가 설계한 디트로이트의 피셔 빌딩 내부 (1928)
파일:Detroit December 2015 30 (Guardian Building).jpg|워트 롤랜드가 설계한 디트로이트 가디언 빌딩의 로비 하단 (1929)
파일:450 Sutter St. lobby 2.JPG|티모시 플루거가 설계한 샌프란시스코 450 서터 스트리트 로비 (1929)
파일:Chrysler Building Lobby.jpg|뉴욕 크라이슬러 빌딩 로비 (1930)
파일:Chrysler building door detail crown.jpg|크라이슬러 빌딩 내부 문 세부 (1930)
파일:Chandelier, Carew Tower.jpg|신시내티 카루 타워 로비의 천장과 샹들리에 세부 (1930)
파일:Haltusch.jpg|암스테르담 투신스키 극장의 포이어 (1921)


미국 아르데코 인테리어 디자인의 웅장한 쇼케이스는 정부 건물, 극장, 특히 사무용 건물의 로비였다. 내부는 대리석, 유리, 세라믹 및 스테인리스강을 사용한 조각, 벽화 및 화려한 기하학적 디자인이 결합되어 매우 화려하고 역동적이었다. 가디언 빌딩(원래 유니언 트러스트 빌딩)은 빨간색과 검은색 대리석, 밝은 색상의 세라믹으로 장식되었으며 고도로 연마된 강철 엘리베이터 문과 카운터가 강조되었다. 벽에 설치된 조각 장식은 산업과 저축의 미덕을 묘사했으며 이 건물은 즉시 "상업의 대성당"이라고 불렸다. 샌프란시스코의 티모시 플루거가 설계한 450 서터 스트리트는 고도로 정형화된 형태의 마야 문명 건축에서 영감을 받았다. 피라미드 형태를 사용했으며 내부 벽은 정형화된 상형문자로 덮여 있었다.

프랑스에서 이 시기 아르데코 인테리어의 가장 좋은 예는 1931년 파리 식민지 박람회를 위해 지어진 포르트 도레 궁전(1931)이다. 파사드 전체가 조각으로 덮여 있었고 로비는 기하학적 패턴의 나무 바닥, 프랑스 식민지 사람들을 묘사한 벽화, 그리고 수직 문과 수평 발코니가 조화를 이루는 아르데코의 전형을 보여주었다.

#### 영화 궁전

파일:Pathe Tuschinski.jpg|암스테르담의 투신스키 극장 (1921)
파일:Graumanegyptian-opening1922.jpg|할리우드의 이집트 극장 (1922)
File:Paramount Theatre in Oakland, California LCCN2013635154.tif|오클랜드 파라마운트 극장의 4층 높이 그랜드 로비 (1932)
파일:Radio City Music Hall 3051638324 4a385c5623.jpg|뉴욕 라디오 시티 뮤직 홀의 강당과 무대 (1932)
파일:Facade Rex.jpg|파리의 그랑 렉스 (1932)
파일:The Paramount, Shanghai.JPG|상하이시의 파라마운트 극장 (1933)
파일:Gaumont State Cinema Entrance.jpg|런던의 고몬트 스테이트 시네마 (1937)


아르데코의 가장 잘 보존된 사례들 중 상당수는 1920년대와 30년대에 지어진 영화관들이다. 아르데코 시기는 무성 영화가 유성 영화로 전환되는 시기와 일치했으며 영화 회사들은 거대한 관객을 사로잡기 위해 주요 도시에 대규모 상영관을 지었다. 1920년대 영화 궁전들은 종종 이국적인 테마를 아르데코 양식과 결합했다. 헐리우드의 이집트 극장(1922)은 고대 이집트의 무덤과 피라미드에서 영감을 얻었다. 가장 큰 규모는 1932년 문을 연 뉴욕의 라디오 시티 뮤직 홀이다. 도널드 데스키가 설계한 인테리어는 유리, 알루미늄, 크롬 및 가죽을 사용하여 시각적으로 현실로부터의 도피를 제공했다. 오클랜드의 파라마운트 극장은 다채로운 세라믹 파사드와 4층 높이의 로비를 갖추고 있었다. 유럽에서도 비슷한 웅장한 궁전들이 등장했다. 파리의 그랑 렉스(1932)는 유럽에서 가장 큰 영화관이었다. 런던의 고몬트 스테이트 시네마(1937)는 엠파이어 스테이트 빌딩을 모델로 한 타워를 갖추고 있었다. 상하이의 파라마운트 극장(1933)은 원래 무도회장으로 지어졌으나 1949년 혁명 이후 영화관으로 개조되었다. 오늘날 많은 영화관이 멀티플렉스로 나뉘었지만 다른 많은 곳은 복원되어 지역 사회의 문화 센터로 사용되고 있다.

## 장식 및 모티브

파일:Şeyh Zafir Türbesi.jpg|장식적인 철제 공예와 계단식 모티브 – 이스탄불의 셰이크 자피리 묘 (1903)
파일:Door decoration, 55 quai d'Orsay, Paris 75007, 23 December 2016.jpg|조류 – 루이 이폴리트 부알로 설계의 파리 케 도르세 55번지 (1913)
파일:44 Calea Călărașilor, Bucharest (12).jpg|우화적 표현 – 부쿠레슈티 미하이 지스만 저택의 페디먼트 (1920)
File:Parfumerie Orsay fronton.tif|정형화된 꽃 – 조르주 베알이 설계한 파리 오르세 향수 매장의 건축 요소 (1922)
파일:Emile-Jacques Ruhlmann (French, 1879-1933). Corner Cabinet, ca. 1923..jpg|항아리 – 상아로 장미 바구니를 상감한 마호가니 코너 장장, 에밀 자크 룰만 제작 (1923)
파일:41 Avenue Montaigne, 75008 Paris, France 27 December 2016.jpg|꽃바구니 – 파리 몽테뉴가 41번지의 발코니와 페디먼트 (1924)
파일:Grille of the Cheney Silk Company Building, New York City, 1925, designed by the French metalworking company Ferrobrandt.jpg|반복되는 패턴 – 뉴욕 매디슨가 181–183번지의 장식용 철제 공예 (1925)
파일:Porte d'honneur, by Edgar Brandt, 1925, at the International Exhibition of Modern Decorative and Industrial Arts.jpg|파피루스 꽃 – 1925년 파리 박람회의 명예 관문, 에드가 브란트 제작 (1925)
파일:Edgar brandt, porte da ascensore in ferro, vetro e bronzo, francia 1926 02.jpg|넝쿨 스크롤 – 에드가 브란트 제작 엘리베이터 문 (1926), 리스본 소장
파일:Gustave Simon caveau.jpg|도리스식 기둥의 단순화된 재해석 – 프랑스 낭시의 귀스타브 시몽 묘 (1926 이후)
파일:Belgique - Bruxelles - Withuis - 01.jpg|부피의 조합을 통한 장식 – 브뤼셀의 위트하우스, 조제프 디옹그 설계 (1927)
파일:Stage design for Meșterul Manole (The Master Builder Manole), by Victor Feodorov, 1927-1928, collection of the National Theatre, Bucharest, Romania.jpg|빛과 어둠의 조화 – 부쿠레슈티 국립극장의 무대 디자인 (1927–28)
파일:Paris La Samaritaine 374.JPG|팔각형 모양의 메달리온 – 파리 라 사마리텐 백화점의 간판 (1928)
파일:La Maison Bleue, porte d'entrée - Angers - 20110119.jpg|모자이크 – 프랑스 앙제의 메종 블뢰 (1928)
파일:28 Brook Street, Mayfair, January 2022 01.jpg|수직 몰딩 – 런던 그레이브룩 하우스 (1928–29)
파일:Rotterdam - Atlantic Huis.jpg|수평 몰딩 – 로테르담 아틀란틱 하우스 (1928–1930)
파일:Chrysler Building Entrance - New York, NY, USA - August 18, 2015 04.jpg|계단식 모티브 – 뉴욕 크라이슬러 빌딩 입구 홀 (1928–1930)
파일:Lamp - Paul Kiss (38691617495).jpg|예술적인 분수 – 폴 키스 제작 램프 ()
파일:77 avenue des Champs-Élysées, Paris 8e 5.jpg|풍요의 뿔 – 파리 샹젤리제가 77번지 ()
파일:Console table detail 02 - Paul Fehér (25893303288).jpg|복잡한 지그재그 – 폴 페헤르 제작 콘솔 테이블 다리 ()
파일:Immeuble, 17-21 rue Gramme (11Fi 4578).jpg|유선형화 – 파리 그람가 17–21번지, 마르셀 샤피 설계 (1930)
파일:Eastern Columbia Building-6.jpg|선버스트 – 로스앤젤레스 이스턴 컬럼비아 빌딩 입구 상부 세부 (1930)
파일:Louis Vuitton Maison Champs Élysées (49570496372).jpg|인공 조명의 미학 – 파리 샹젤리제가 101번지 루이비통 쇼룸 (1931)
파일:Bucharest - Strada Ion Câmpineanu 11 (cropped top).jpg|지구라트 – 부쿠레슈티 유니언 호텔 (1931)
파일:Villa Cavrois le vestibule (cropped).jpg|수직 및 수평 조명 표면 – 로베르 말레 스테방스 설계의 카브루아 빌라 홀 (1932)
파일:Grave of the colonel Paul Străjescu Family in the Bellu Cemetery in Bucharest, Romania (08).jpg|물결선 – 부쿠레슈티 벨루 묘지의 스트러제스쿠 가족 묘 부조 (1934)
파일:Edificio del Parque - detalle 2.jpg|장식적인 서체 – 멕시코시티 에디피시오 델 파르케 (1935)


아르데코 시기의 장식은 여러 뚜렷한 단계를 거쳤다. 1910년에서 1920년 사이 아르누보가 쇠퇴하면서 폴 이리브의 작품을 중심으로 전통으로의 회귀가 나타났다. 1912년 앙드레 베라는 이전 세기의 장인 정신과 재료로 돌아가고 자연에서 따온 새로운 형태, 특히 과일과 꽃바구니 및 화환을 사용할 것을 촉구했다. 1910년부터 1920년까지의 또 다른 경향은 야수파의 밝은 색상과 발레 뤼스의 화려한 무대 의상에서 영감을 받았다. 이 양식은 가구 기하학을 강조하는 상어 가죽, 자개, 상아, 색 가죽, 래커 칠을 한 나무와 같은 이국적인 재료로 표현되었다. 1920년대 후반과 1930년대에는 장식 양식이 바뀌어 신소재와 기술에서 영감을 받았다. 가구는 건축과 마찬가지로 둥근 모서리를 가지기 시작했고 스트림라인 모던 양식에서 따온 광택 있는 유선형 룩을 갖추게 되었다. 크롬 도금 강철, 알루미늄 및 초기 플라스틱 형태인 베이클라이트와 같은 신소재가 가구와 장식에 등장하기 시작했다.

아르데코 시기 내내, 특히 1930년대에는 장식 모티브가 건물의 기능을 표현했다. 극장은 음악과 춤을 묘사한 조각으로 장식되었고 전력 회사는 일출을 보여주었으며 크라이슬러 빌딩은 정형화된 후드 장식을 보여주었다. 스트림라인 양식은 건물 자체가 움직이는 것처럼 보이게 했다. 1930년대의 WPA 벽화들은 고전적 영웅 대신 공장 노동자, 우체국 직원, 가족 및 농부와 같은 평범한 사람들을 묘사했다.


파일:Avenue Montaigne (47128639262).jpg|곡선형 – 파리 몽테뉴가 26번지 (1937)
파일:Chrysler Building Entrance.jpg|각형 – 뉴욕 크라이슬러 빌딩 입구 (1928–1930)
파일:Ministry of Justice in Bucharest, former Veterinary Physicians' Society Building, now National Magistracy Institute (07).jpg|비대칭 – 부쿠레슈티 법무부 건물, 콘스탄틴 이오추 설계 (1929–1932)
파일:14 rue Chomel Paris.jpg|대칭 – 파리 쇼멜가 14번지 (1934)
파일:Front full - 1925 Edgar Brandt fire screen (39537375352).jpg|맥시멀리즘 – 에드가 브란트 제작 벽난로 가리개 (1925)
파일:Seattle - old Federal Court House 04.jpg|미니멀리즘 – 시애틀 나카무라 연방 법원 (1940)


아르데코는 그것을 낳은 복잡한 시대처럼 일련의 모순으로 특징지어질 수 있다. 미니멀리즘 대 맥시멀리즘, 각형 대 유동형, 지구라트 대 유선형, 대칭 대 불규칙 등이다. 아르데코 예술가들이 그 시대를 표현하기 위해 선택한 도상학 또한 모순으로 가득 차 있다. 18세기의 옷을 입은 우아한 소녀들이 세련된 여성들, 비스듬히 누운 누드화들과 공존하고 번개 섬광이 정형화된 장미 봉오리를 비춘다.

## 가구

파일:Paul follot, sedia, parigi 1914-16 ca.JPG|폴 폴로 제작 의자 (1912–1914)
파일:Art Deco chair and screen (1912 and 1920).jpg|루이 쉬에 제작 안락의자(1912)와 앙드레 마르가 그린 스크린(1920)
파일:Art Deco dressing table (1919-20).jpg|폴 폴로 제작 대리석 및 금박 목재 화장대와 의자 세트 (1919–20)
파일:Art Déco in Romania. Green metal stool made in the 1920s. Bucharest, Romania.jpeg|루마니아 부쿠레슈티에서 제작된 금속 스툴 (1920년대)
파일:Emile-Jacques Ruhlmann (French, 1879-1933). Corner Cabinet, ca. 1923..jpg|상아를 상감한 마호가니 소재의 에밀 자크 룰만 제작 코너 장장 (1923)
파일:Art Déco in France. Stool made of metal and wood in 1925. Lyon.jpeg|프랑스 리옹에서 제작된 금속 및 목재 스툴 (1925)
파일:André Groult, cassettone antropomorphe, parigi, 1925 ca.jpg|앙드레 그룰 제작 상어 가죽 수납장 (1925)
파일:J.-E. Ruhlmann au Musée des Années 30 (Boulogne-Billancourt) (2132077838).jpg|룰만 제작 수납장 (1926)
파일:Jacques-Emile Ruhlmann (Musée des Beaux-Arts de Lyon) (5469658728).jpg|룰만의 수납장 디자인
Gio ponti ed emilio lancia per la rinascente, sala da pranzo domus nova, 1927 (1928), in legno di noce, ottone e pelle (mi, raccolte d'a. applicata cast. sforzesco) 02.jpg|조 폰티 제작 가구 (1927)
파일:Desk of Adminiistrator Michel Roux-Spitz 1930.jpg|미셸 루-스피츠 제작 사무용 책상 (1930)
파일:Fauteuil jazzclub.jpg|아르데코 클럽 체어 (1930년대)
파일:"La Maison Leleu" au Musée des Années 30 (Boulogne-Billancourt) (2132078468).jpg|쥘 를뢰 제작 후기 아르데코 가구와 카펫 (1930년대)
파일:Waterfall buffet table.jpg|폭포수 양식 뷔페 테이블


1910년부터 1920년대 초반까지의 프랑스 가구는 주로 프랑스 전통 가구 양식의 현대화였다. 프랑스 가구 제조업체들은 단순하고 깨끗한 선을 가진 독일의 비더마이어 양식의 인기가 높아지자 위협을 느꼈다. 1910년 살롱 도톤의 회장인 프란츠 주르댕은 뮌헨의 디자이너들을 초청했다. 프랑스 디자이너들은 새로운 독일 양식을 보고 이에 대응하기로 결정했다. 1912년 살롱에서 폴 폴로, 폴 이리브, 모리스 뒤프렌 등 주요 디자이너들이 참여하여 루이 16세와 루이 필리프 양식의 전통을 입체주의와 야수파에서 영감을 얻은 각진 모서리와 밝은 색상으로 업데이트한 작품들을 선보였다.

앙드레 마르와 가구 디자이너 루이 쉬에는 전후에 자신들의 회사인 쉬에 앤 마르(Suë and Mare)를 설립했다. 그들은 가구, 유리 공예, 카펫, 세라믹, 벽지 및 조명을 포함한 완전한 인테리어 디자인을 제작했다. 그들의 작품은 밝은 색상과 자개나 은으로 장식된 흑단 같은 정교한 목재를 특징으로 했다. 1925년 박람회에서 가장 저명한 디자이너는 에밀 자크 룰만이었다. 그는 흑단, 마호가니, 자단 같은 희귀한 목재와 상아, 거북등껍질 같은 고가의 재료만을 사용했다. 그의 가구는 18세기 모델을 단순화하고 재구성한 것이었다. 룰만에 따르면 안락의자는 방의 용도에 따라 거실용은 아늑하게, 사무용은 편안하게, 살롱용은 관능적으로 디자인되어야 했다.

쥘 를뢰는 1920년대에 아르데코로 매끄럽게 전환한 전통 가구 디자이너로, 엘리제궁의 가구를 디자인하기도 했다. 1920년대 후반에는 래커 칠을 한 아르데코 가구 양식을 도입했고 1930년대 후반에는 금속과 유리 소재의 가구를 선보였다. 이탈리아에서는 조 폰티가 그의 유선형 디자인으로 유명했다.

룰만과 같은 전통주의자들의 고가 가구는 르 코르뷔지에와 같은 모더니스트들을 격분시켰다. 그는 장식 미술 양식을 비난하며 일반 사람들이 감당할 수 있는 저렴한 재료와 현대적인 양식의 가구를 만들 것을 촉구했다. 1930년대에 가구 디자인은 더 매끄러운 표면과 곡선 형태로 적응했다. 이 시기 미국의 주요 디자이너로는 라디오 시티 뮤직 홀 인테리어를 만든 도널드 데스키가 있으며 그는 알루미늄, 크롬, 베이클라이트 같은 현대적 재료를 사용했다. 1930년대와 40년대에는 둥근 모서리가 폭포를 닮은 폭포수 양식 가구가 대중적으로 유행했다.

## 디자인


파일:Duofold Desk Set.jpg|파커 듀오폴드 책상 세트 ()
파일:Beau Brownie.jpg|월터 도윈 티그가 이스트만 코닥을 위해 디자인한 보 브라우니 카메라 (1930)
파일:Philips 930.jpg|필립스 라디오 세트 (1931)
파일:SLNSW 22573 Chrysler Airflow.jpg|크라이슬러 에어플로우 세단 (1934)
파일:Bugatti Aérolithe AV.jpg|부가티 에어로리트 (1936)
파일:Vintage Philco (Big Bullet) Table Radio, Model 37-610T, Broadcast & Short Wave Bands, Art Deco Design, 5 Vacuum Tubes, Walnut Veneer Cabinet, Circa 1937 (15351304051).jpg|필코 탁상용 라디오 ()
파일:Lurelle Guild. Vacuum Cleaner, ca. 1937..jpg|일렉트로룩스 진공청소기 (1937)
파일:Cord 812 1937.jpg|고든 M. 뷰리그가 설계한 코드 자동차 모델 812 (1937)
파일:1938_Phantom_Corsair_Pebble_Beach_Concours_dElegance_2007_02.jpg|팬텀 코르세어 (1938)
파일:Test run of streamlined 20th Century Limited 1938.jpg|뉴욕 센트럴 철도의 유선형 기관차 ()


유선형(Streamline)은 1930년대 중반에 등장한 아르데코의 변형이었다. 이는 항공기와 탄도학을 위해 개발된 현대적인 공기역학 원리의 영향을 받았다. 총알 모양이 자동차, 기차, 선박은 물론 냉장고, 주유기, 건물과 같이 움직일 의도가 없는 물체에도 적용되었다. 이 양식의 첫 번째 생산 차량 중 하나는 1933년의 크라이슬러 에어플로우였다. 상업적으로는 성공하지 못했으나 그 디자인의 아름다움과 기능성은 현대성을 의미하는 선례가 되었다. 유선형은 제2차 세계 대전 이후에도 자동차 디자인에 계속 사용되었다.

알루미늄, 크롬 도금, 베이클라이트와 같은 새로운 산업 재료들이 자동차와 가전제품 디자인에 영향을 미치기 시작했다. 베이클라이트는 다양한 형태로 쉽게 성형될 수 있어 곧 전화기, 라디오 및 기타 가전제품에 사용되었다.

[섬네일|피에르 파투가 설계한 원양 정기선 [부가티 타입 57|노르망디호의 그랜드 다이닝 룸 (1935); 부조는 레몽 들라마르 작품]]
원양 정기선 또한 프랑스어로 스타일 파크보트(Style Paquebot)라고 알려진 아르데코 양식을 채택했다. 가장 유명한 예는 1935년 첫 대서양 횡단을 마친 노르망디호였다. 이 배의 객실과 살롱에는 최신 아르데코 가구와 장식이 갖춰져 있었다. 1등석 승객을 위한 식당인 그랜드 살롱은 베르사유궁의 거울의 방보다 컸다. 이는 조명이 건축에 직접 통합된 초기 사례 중 하나였다. 선박의 양식은 곧 건축에도 적용되었다. 1937년에 지어진 샌프란시스코의 해양 박물관 건물은 페리선을 닮은 형태를 취하고 있다.

## 직물

파일:"Abundance" Textile MET DP293540.jpg|앙드레 마르가 디자인한 〈풍요〉 직물 (1911), 메트로폴리탄 미술관 소장
파일:Paul Iribe, birds from Les Ateliers de Martine.jpg|폴 이리브가 디자인한 조류 문양 (1918)
파일:"Draperies" Textile MET DP293587.jpg|마르가 디자인한 장미 패턴 직물 ()
파일:Rose Mousse MET DP105936.jpg|가구용 로즈 무스 패턴 직물 (1920)


직물은 다채로운 벽지, 가구 덮개 및 카펫의 형태로 아르데코 양식의 중요한 부분이었다. 1920년대에 디자이너들은 발레 뤼스의 무대 세트, 레온 박스트의 직물 디자인과 의상, 빈 공방의 창작물에서 영감을 얻었다. 앙드레 마르의 초기 인테리어 디자인은 벽, 바닥 및 가구를 장식하는 밝은 색상의 정형화된 장미와 꽃 화환을 특징으로 했다. 정형화된 꽃 모티브는 라울 뒤피와 폴 푸아레의 작품, 그리고 룰만의 가구 디자인에서도 지배적이었다. 꽃무늬 카펫은 폴 푸아레에 의해 아르데코 양식으로 재발명되었다.

디자이너들이 선명한 선과 매우 생생한 색상을 얻을 수 있게 해준 포슈아르(pochoir) 스텐실 인쇄 시스템의 도입으로 이 양식의 사용이 크게 확대되었다. 아르데코 형태는 폴 푸아레, 찰스 워스, 장 파투의 의류에 나타났다. 제2차 세계 대전 이후 의류와 직물 수출은 프랑스의 가장 중요한 외화 수입원 중 하나가 되었다.

후기 아르데코 벽지와 직물은 때때로 정형화된 산업 현장, 도시 풍경, 기관차 및 기타 현대적 주제와 정형화된 여성 인물, 금속 마감 및 기하학적 디자인을 특징으로 했다.

## 패션


파일:Evening coat MET 85.151 bw.jpeg|폴 푸아레 제작 이브닝 코트 (), 메트로폴리탄 미술관 소장
파일:Black satin evening gown trimmed with crystals (Robe du soir satin noir et tulle bordée de brillants) (CBL Wep 0837).jpg|조르주 바르비에가 그린 이브닝 드레스 삽화 (1913)
파일:Paquin3.jpg|조르주 바르비에가 그린 파퀸(Paquin) 가운 삽화 (1914). 정형화된 꽃 디자인과 밝은 색상이 특징이다.
파일:Cécile Sorel, in 1920, by Reutlinger.jpg|코메디 프랑세즈의 세실 소렐 (1920)
파일:Robe du soir, 1968.40.57.jpg|메종 아녜스(Maison Agnès) 제작 이브닝 드레스 (1920–1930), 파리 갈리에라 박물관 소장
파일:Fashion picture by Adolf de Meyer 4.jpg|장 파투 드레스를 입은 데지레 루보브스카 ()
파일:Fond de robe du soir, 1968.40.87(2).jpg|메종 아녜스 제작 스커트 (1925–1927)
파일:Gabrielle Chanel en marinière.jpg|세일러 블라우스와 바지를 입은 코코 한넬 (1928)
파일:Louise Brooks in Diary of a Lost Girl.jpg|단발머리를 한 루이즈 브룩스 (1929)
파일:Advertisement for pyjamas in Lisières Fleuries fabric, from Jardin des Modes, 1930.jpg|잡지 《자르댕 데 모드》에 실린 파자마 광고 (1930)


이 시기 패션은 특히 디자이너 폴 푸아레와 이후의 코코 샤넬 덕분에 극적으로 변했다. 푸아레는 과거의 재단 방식에서 벗어나 천을 몸에 맞게 늘어뜨리는 '드레이핑'(draping) 개념을 도입했다. 그는 직선을 따라 자르고 직사각형 모티브로 구성된 의복을 디자인했다. 이전 시기의 코르셋 룩과 격식 있는 스타일은 버려졌고 패션은 더 실용적이고 간소화되었다. 디자이너 코코 샤넬은 스포티하고 캐주얼한 세련미를 대중화하며 이러한 변화를 이어갔.

이 시대의 특별한 전형은 플래퍼였다. 짧은 단발머리를 하고 칵테일을 마시며 공공장소에서 담배를 피우고 밤늦도록 클럽이나 카바레에서 춤을 추는 여성을 의미했다. 또한 1920년대에는 가슴을 평평하게 하고 허리선을 없애 실루엣을 짧은 튜브 모양으로 줄인 안드로지너스 스타일의 가르손느(garçonne) 룩이 유행했다.

## 보석

파일:Semaphore Brooch by Gerard Sandoz.jpg|제라르 상도 제작 세마포어 브로치, 백금, 산호, 오닉스 및 다이아몬드 소재 (1925)
파일:Cigarette Case MET DP291206.jpg|피에르 르그랭 제작 금박 가죽 담배 케이스 (1922), 메트로폴리탄 미술관 소장
파일:Art Deco bracelet (1925) Museum of Decorative Arts.jpg|금, 산호, 비취 소재의 팔찌 (1925), 파리 장식미술관 소장
파일:Art Deco buckle (1925).jpg|부쉐론 제작 금 버클 (1925)
파일:Art Deco glass pendants Rene Lalique.jpg|르네 랄리크 제작 몰드 유리 펜던트 (1925–1930)
파일:Cartier 3526707735 f4583fda9a.jpg|까르띠에 제작 맥케이 에메랄드 목걸이 (1930), 스미스소니언 자연사 박물관 소장


1920년대와 30년대에 르네 랄리크와 까르띠에를 포함한 디자이너들은 작은 에메랄드, 루비, 사파이어를 도입하여 전통적인 다이아몬드의 지배력을 줄이려 노력했다. 그들은 또한 에나멜, 유리, 뿔, 상아와 같은 덜 비싼 재료를 특징으로 하는 매우 정교하고 우아한 세팅에 더 큰 비중을 두었다. 다이아몬드 자체도 덜 전통적인 형태로 컷팅되었는데 1925년 박람회에서는 작은 막대나 성냥개비 모양으로 컷팅된 많은 다이아몬드가 선보였다. 다른 인기 있는 아르데코 컷으로는 다음이 있다.
* 에메랄드 컷: 긴 계단식 패싯이 있는 컷
* 어셔 컷: 에메랄드 컷보다 더 정사각형 모양이며 최초로 특허를 받은 다이아몬드 컷
* 마르키즈 컷: 더 크고 대담해 보이는 환상을 주는 컷
* 바게트 컷: 더 대담한 보석의 테두리를 그리는 데 자주 사용되는 작은 직사각형 계단식 컷
* 올드 유러피언 컷: 둥근 모양이며 손으로 컷팅되어 보석 내부에서 불꽃 같은 색광이 번쩍인다.

다이아몬드 세팅 방식도 변했다. 백금은 튼튼하고 유연하여 보석 뭉치를 고정할 수 있었기 때문에 금 대신 점차 많이 사용되었다. 보석 세공인들은 또한 다이아몬드와 높은 대비를 이루는 에나멜이나 검은 오닉스 같은 어두운 재료를 사용하기 시작했다.

의류 패션의 급격한 변화는 새로운 보석 양식을 가져왔다. 1920년대 민소매 드레스는 팔 장식을 필요로 했고 디자이너들은 청금석, 오닉스, 산호 등을 박은 금, 은, 백금 팔찌를 만들었다. 20년대 여성들의 짧은 헤어스타일은 정교한 데코 귀걸이 디자인을 불러왔다. 여성들이 공공장소에서 담배를 피우기 시작하면서 디자이너들은 매우 화려한 담배 케이스와 상아 담배 홀더를 만들었다. 제1차 세계 대전 전의 손목시계 발명은 보석 세공인들이 다이아몬드가 박히고 에나멜, 금, 은으로 도금된 비범한 장식 시계들을 만들도록 영감을 주었다.

까르띠에, 쇼메, 조르주 푸케, 모부생, 반클리프 아펠 등 파리의 기성 보석상들은 모두 새로운 유행에 맞춰 보석과 물건들을 제작했다. 레이몽 탕플리에는 마천루처럼 보이는 은 귀걸이를 포함하여 매우 복잡한 기하학적 패턴의 작품들을 디자인했다. 유리 디자이너 르네 랄리크도 이 분야에 뛰어들어 밝은 색상의 조각된 유리에 실줄을 매단 펜던트들을 만들었다. 장 데프레는 은과 검은 래커, 또는 금과 청금석을 결합하여 대비되는 색상의 목걸이를 만들었다. 그의 디자인 중 다수는 고도로 연마된 기계 부품처럼 보였다. 장 뒤낭 또한 광택 있는 금속과 대비되는 밝은 빨간색과 검은색을 결합하여 현대 기계에서 영감을 얻었다. 부쉐론, 라클로슈, 그리고 은과 덜 비싼 보석으로 유명한 덴마크 은세공인 게오르그 옌센도 아르데코 운동의 주목할 만한 이름들이다. 티파니, 블랙 스타 앤 프로스트 같은 미국의 보석상들도 보석뿐만 아니라 시계와 예술품을 생산하며 중요한 기여를 했다.

## 유리 예술

Gros. Falster a-s - no-nb digifoto 20160412 00011 NB NS NM 07745 A.jpg|병 제품들, 작자 미상 (1920년대)
파일:'Oiseau de Feu' made by René Lalique, Dayton Art Institute.JPG|르네 랄리크 제작 〈불새〉 (1922), 미국 데이턴 미술관 소장
파일:Vase (Perruches) by René Jules Lalique, 1922, blown four mold glass - Cincinnati Art Museum - DSC04355.JPG|랄리크 제작 앵무새 꽃병 (1922), 신시내티 미술관 소장
파일:Vitraux Louis Majorelle, Grands Bureaux des Aciéries de Longwy 03.jpg|루이 마조렐이 제강소 사무실을 위해 제작한 창문 (1928)
파일:Arnaldo Dell'Ira (1903-1943), lampada a grattacielo, 1929.jpg|아르날도 델 이라가 디자인한 마천루 램프 (1929)
파일:A light fixture in the Leeds Uni. library (353154643).jpg|영국 리즈 대학교 도서관의 각진 샹들리에 ()
파일:Vase des années 30 (musée des arts décoratifs) (4782889920).jpg|다움(Daum) 제작 꽃병 (), 파리 장식미술관 소장
파일:Cathedral of Amiens glass window.jpg|장 고댕이 제작한 아미앵 대성당의 스테인드글라스 (1932–1934)


이전의 아르누보 시기와 마찬가지로 아르데코는 건축적 환경에 맞게 디자인된 훌륭한 유리와 기타 장식물들이 돋보였던 예외적인 시기였다. 가장 유명한 유리 제작자는 르네 랄리크로 꽃병부터 자동차용 후드 장식에 이르기까지 그의 작품들은 그 시대의 상징이 되었다. 그는 제1차 세계 대전 전부터 프랑수아 코티의 향수병을 디자인하며 유리를 실험했지만 전쟁 후에 본격적인 예술 유리를 생산하기 시작했다. 그는 유리를 조각의 한 형태로 취급하여 조각상, 꽃병, 그릇, 램프 및 장식품을 만들었다. 그는 광택이 강하지는 않지만 성형하기 쉬운 세미 크리스탈을 주로 사용했다. 랄리크는 1927년 일드프랑스호와 1935년 노르망디호 같은 원양 정기선, 그리고 프랑스 철도의 1등석 침대차를 위해 장식용 유리 패널, 조명 및 조명 유리 천장을 제공했다.

다른 주목할 만한 아르데코 유리 제조업체로는 마리우스 에르네스트 사비노가 있으며 그는 피규어, 꽃병, 그릇, 그리고 물고기, 누드, 동물의 유리 조각을 전문으로 했다. 그는 빛에 따라 흰색에서 파란색, 호박색으로 변할 수 있는 유백광 유리를 자주 사용했다. 그의 꽃병과 그릇에는 동물, 누드 또는 과일이나 꽃을 든 여성의 흉상이 몰딩된 프리즈가 특징적이었다.

다른 주목할 만한 데코 유리 디자이너로는 에드몽 에틀링, 알베르 시모네, 아리스티드 콜로트, 그리고 깊게 부식된 조각적 병과 꽃병으로 알려진 모리스 마리노가 있다. 아르누보 유리로 유명했던 낭시의 다움(Daum)사는 견고하고 기하학적인 형태의 데코 꽃병과 유리 조각 라인을 생산했다. 루이 마조렐은 롱위에 있는 제강소 사무실을 위해 강철 노동자를 묘사한 주목할 만한 아르데코 스테인드글라스 창문을 디자인했다.

아미앵 대성당에는 1932-34년에 파리의 유리 예술가 장 고댕이 제작한 아르데코 스테인드글라스 창문의 희귀한 사례가 성심 예배당에 남아 있다.

## 금속 예술

파일:Paul Kiss, kovácsoltvas ajtó alkotása, 1925.jpg|폴 키스가 제작하여 1925년 박람회에 전시한 〈꿩〉이라는 이름의 철제 그릴
파일:Art Deco screen "Oasis" 1925.jpg|에드가 브란트가 제작하여 1925년 박람회에 전시한 〈오아시스〉 철제 그릴
File:Spiegel mit Frauenkopf von Franz Hagenauer, um 1930.tif|빈 공방의 프란츠 하게나워가 제작한 탁상 거울 ()
파일:Norman Bel Geddes. Cocktail Set. 1937..jpg|노먼 벨 게디스가 디자인한 크롬 도금 강철 소재의 칵테일 세트 (1937)


아르데코 예술가들은 전통적인 단조 철부터 크롬 도금 강철에 이르기까지 산업용 재료로 다양한 실용적인 물건들을 생산했다. 미국의 예술가 노먼 벨 게디스는 크롬 도금 강철로 만든 마천루를 닮은 칵테일 세트를 디자인했다. 레몽 쉬브는 1931년 파리 식민지 박람회의 중심 건물인 포르트 도레 궁전 입구를 위해 우아한 금속 그릴을 디자인했다. 프랑스 조각가 장 뒤낭은 석고 위에 금박과 페인트를 입힌 〈사냥〉이라는 주제의 웅장한 문들을 제작했다(1935).

## 픽션에서
left|섬네일|185x185px|〈Falling Hare〉 (1943)에 등장하는 아르데코 마천루들.
아르데코의 시각적 이미지들은 배트맨, 《나이트 후드》, 《Merry Mannequins》, 《Page Miss Glory》, 환타지아, 잠자는 숲속의 미녀를 포함한 여러 애니메이션 영화에서 사용되었다. 이러한 건축 양식은 비디오 게임 시리즈인 《바이오쇼크》의 가상 해저 도시인 랩처(Rapture)에서도 특징적으로 나타난다.

아르데코 시각 자료는 SF 애니메이션 영화 트랜스포머 ONE의 아이아콘 시티 건축에 영감을 주었다.

## 전 세계의 아르데코 건축
아르데코 건축은 유럽에서 시작되었으나 1939년경에는 거의 모든 대륙과 국가의 대도시에서 사례를 찾아볼 수 있게 되었다. 다음은 각 대륙별 주요 건물들이다.

국가별 기존 건물의 전체 목록은 아르데코 건축 목록을 참조하라.

### 아프리카


파일:Le jardin des majorelle 16.JPG|모로코 마라케시의 마조렐 정원, 폴 시누아르 설계 (1931)
파일:Fiat tagliero, 08.JPG|에리트레아 아스마라의 피아트 탈리에로 빌딩, 주세페 페타치 설계 (1938)
파일:La Cathédrale de Rabat.jpg|모로코 라바트의 성 베드로 성당 (1938)
파일:Estação Ressano Garcia.JPG|모잠비크 레사노 가르시아의 철도역 (1945)


아프리카의 대부분의 아르데코 건물은 유럽 식민 통치 기간 동안 지어졌으며 종종 이탈리아, 프랑스 및 포르투갈 건축가들에 의해 설계되었다.

### 아시아


파일:Jaarbeurs.JPG|인도네시아 반둥의 콜로그담 빌딩 (1920)
파일:Daimaru kobe08 2048.jpg|일본 고베시의 다이마루 고베점 빌딩 (1927)
파일:Tobu-Asakusa-Sta-201205.JPG|도쿄도 아사쿠사역 마츠야 백화점 빌딩 (1931)
파일:Tokyo Metropolitan Teien Art Museum 02.jpg|도쿄도의 도쿄도 정원 미술관 (1933)
파일:NewIndiaAssuranceBdg.jpg|인도 뭄바이의 뉴 인디아 어슈어런스 빌딩 (1936)
파일:Ankara asv2021-10 img19 Railway station. Ankara railway station 07.23.jpg|터키 앙카라의 앙카라 중앙역 (1937)
파일:Cebu Capitol Compund.jpg|필리핀 세부의 세부주 의사당 (1938)
파일:EID Parry headquarters.jpg|인도 첸나이의 데어 하우스 (1940)
파일:Bangkok General Post Office 07.23.jpg|태국 방콕의 중앙 우체국 (1940)


아시아의 많은 아르데코 건물은 유럽 건축가들에 의해 설계되었다. 그러나 필리핀에서는 후안 나크필, 후안 아레야노, 파블로 안토니오 등 현지 건축가들이 두드러졌다. 아시아의 많은 아르데코 랜드마크들이 20세기 후반의 거대한 경제 확장기에 철거되었으나 상하이와 뭄바이 등에는 여전히 주목할 만한 건축군이 남아 있다.

1929년 뭄바이에서 설립된 인도 건축가 협회는 아르데코 운동을 전파하는 데 주도적인 역할을 했다. 1937년 11월 이 협회는 약 10만 명의 관람객을 끌어모은 '이상적인 집 전시회'를 개최했다. 인도 건축가들은 아르데코가 제공하는 산업적 현대성에 매료되어 서구를 모방하고자 했다.

1930년대 뭄바이의 항만 무역 확장은 교육받은 중산층 인구의 증가를 가져왔고 일자리를 찾아 뭄바이로 이주하는 사람들도 늘어났다. 이는 토지 매립 사업을 통한 새로운 개발과 공공 및 주거용 건물의 건설 필요성으로 이어졌다. 당시의 정치적 기류와 아르데코 미학의 동경적 특성이 맞물려 도시 개발에서 이 양식이 전폭적으로 수용되었다. 이 시기의 건물들은 처치게이트, 콜라바, 포트 등 도시 전역에서 볼 수 있다.

### 오스트레일리아 및 뉴질랜드


파일:The Grace Building, Sydney, 1930 - Max Dupain (4226030071).jpg|시드니의 그레이스 빌딩 (1930–31)
파일:Australian Medical Association House, 1938 SLNSW FL1284000.jpg|시드니 호주 의학 협회 회관, 1938
파일:Anzac Memorial Hyde Park 001.jpg|시드니의 앤잭 전쟁 기념관 (1934)
파일:GoulburnElmsleaChambers 001.jpg|골번의 엘름슬리 챔버스 (1933)
파일:MelbourneCenturyBdg.jpg|멜버른의 센추리 빌딩 (1939)
파일:Sound Shell and Skating Rink 01.jpg|뉴질랜드 네이피어의 사운드 쉘 (1931)
파일:Castlemaine Art Museum.jpg|캐슬메인 미술관 파사드 (1931), 퍼시 멜드럼 설계
파일:Holyman House, Launceston.JPG|론서스턴의 홀리먼 하우스 (1936)


오스트레일리아의 멜버른과 시드니에는 맨체스터 유니티 빌딩, 구 러셀가 경찰 본부, 시드니의 그레이스 빌딩, AWA 타워 및 앤잭 전쟁 기념관을 포함하여 주목할 만한 여러 아르데코 건물들이 있다.

뉴질랜드의 네이피어와 헤이스팅스를 포함한 여러 도시들은 1931년 지진 이후 아르데코 양식으로 재건되었으며 많은 건물들이 보호 및 복원되었다. 네이피어는 뉴질랜드 최초로 유네스코 세계유산 후보로 지명되기도 했다. 웰링턴 또한 상당수의 아르데코 건물을 보유하고 있다.

### 북아메리카


파일:Barclay-Vesey Building 140 West Street.jpg|뉴욕 바클레이-베시 빌딩 (1923–1927)
파일:SouthBeachMiamiBeach.jpg|마이애미비치 사우스 비치의 아르데코 지구 (1925–1940년대)
파일:KiMo Albuquerque.jpg|앨버커키 키모 극장의 푸에블로 데코 건축 (1927)
파일:Bullocks Wilshire.jpg|로스앤젤레스 불록스 윌셔 (1929)
파일:Edifice Price.jpg|퀘벡 프라이스 빌딩 (1930)
파일:Louisiana State Capitol Building.jpg|배턴루지의 루이지애나주 의사당 (1930–1932)
파일:View of Buffalo City Hall (cropped).jpg|버펄로 시청사 (1931)
파일:Jefferson County Courthouse, Texas.jpg|보몬트 제퍼슨 카운티 법원 (1931)
파일:Niagara Mohawk Bldg (Syracuse, NY)a.jpg|시러큐스 니아가라 모호크 빌딩 (1932)
파일:CMC-Union Terminal.jpg|신시내티 뮤지엄 센터 앳 유니언 터미널 (1933)
파일:InteriorHoyBADF.JPG|멕시코시티 팔라시꾸 공연장 내부 (1934)
파일:Vancouver City Hall.jpg|밴쿠버 시청사 (1935)
파일:Edificio_El_Moro_2010.JPG|멕시코시티 에디피시오 엘 모로 (1936)
파일:Monumento a la Revolución Mexico.jpg|멕시코시티 혁명 기념물 (1938)


캐나다에서 현존하는 아르데코 구조물은 주로 대도시에서 발견된다. 밴쿠버 시청사와 같은 공공 건물부터 상업용 건물(칼리지 파크), 공공 저수시설(R. C. 해리스 정수장)까지 다양하다.

멕시코의 가장 인상적인 아르데코 사례는 1934년에 완공된 팔라시꾸 공연장 내부의 정교한 장식과 벽화들이다. 아르데코 주거 건축의 사례는 프란시스코 J. 세라노가 설계한 건물들이 많은 콘데사(Condesa) 지구에서 찾아볼 수 있다.

미국에서는 아르데코 건물이 동해안에서 서해안까지 모든 대도시에서 발견된다. 주로 사무용 건물, 기차역, 공항 터미널 및 영화관에 널리 사용되었으며 주거용 건물은 드문 편이다. 1920년대와 30년대에 미국 남서부, 특히 뉴멕시코주의 건축가들은 푸에블로 복고양식을 아르데코와 결합하여 앨버커키의 키모 극장에서 볼 수 있는 것과 같은 푸에블로 데코를 창조했다. 1930년대에는 더 소박한 유선형 양식이 인기를 끌었다. 마이애미비치시는 그곳에서 발견되는 훌륭한 아르데코 건물군을 보존하기 위해 아르데코 지구를 지정했다.

### 중앙아메리카 및 카리브해

쿠바를 포함하여 중앙아메리카 전역에서 아르데코 건물을 찾아볼 수 있다.

파일:Havana Art Deco (8955334332).jpg|쿠바 아바나의 바카디 빌딩 (1930)
파일:Hotel Nacional de Cuba - panoramio.jpg|아바나 나시오날 호텔 (1930)
파일:Edifício Lopez Serrano (35464009654) cropped2.jpg|아바나 로페즈 세라노 빌딩 (1932)
파일:Havana Art Deco (8703599920).jpg|아바나의 노후된 아르데코 건물
파일:IMG 2684 - Plaza del Mercado Isabel II in Ponce, PR.jpg|푸에르토리코 폰세의 시장 광장 (1941)
파일:San Juan, PR 05.jpg|산후안의 노르망디 호텔
파일:Miami Building Facade.JPG|산후안의 마이애미 빌딩
파일:CasaPresidencialGuatemala2016.jpeg|과테말라 시티의 대통령 관저


### 유럽


파일:Theatre-des-champs-elysees-.jpg|프랑스 파리의 샹젤리제 극장 (1910–1913)
파일:Estación central de FF.CC. de Helsinki, Finlandia, 2012-08-14, DD 05.JPG|핀란드 헬싱키의 헬싱키 중앙역 (1919)
파일:Basilica of the Sacred Heart, Brussels (1).jpg|벨기에 쿠쾰베르그의 국립 성심 대성당 (1919–1969)
파일:Berlin, Mitte, Schuetzenstrasse, Mosse-Zentrum 05.jpg|베를린의 모세 하우스 (1921–1923)
파일:Radio Kootwijk (aangezicht).jpg|네덜란드 코트베이크의 라디오 코트베이크 (1927)
파일:Madrid - Edificio Carrión (36011869036).jpg|마드리드 그란비아의 카피톨 빌딩 (1931)
파일:Milan CentralStation 016 4294.jpg|이탈리아 밀라노의 밀라노 첸트랄레역 (1931)
파일:Agrigento PostOffice 009 8913.jpg|시칠리아 아그리젠토의 중앙 우체국 (1932-1936)
파일:Hotel_(34595862000).jpg|리스본의 에덴 극장 (1931)
파일:Embassy of France, Belgrade, Serbia.jpg|세르비아 베오그라드의 프랑스 대사관 (1933)
파일:Express Building Manchester.jpg|맨체스터의 데일리 익스프레스 빌딩 (1936–1939)
파일:Palais de Tokyo, Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris.jpg|파리 팔레 드 토쿄, 파리 시립 근대미술관 (1937)
파일:1604 Maastunnel - entrance building of pedestrian and cyclists' tunnel at Parkkade, Rotterdam 114.jpg|로테르담 마스터널의 환기탑 (1937)
파일:Porto Teatro Rivoli 4.JPG|포르투의 리볼리 극장 (1937)
파일:Moscow MayakovskayaMetroStation 0943.jpg|모스크바 마야콥스카야역 (1938)


이 건축 양식은 오귀스트 페레의 샹젤리제 극장(1910–13)과 함께 파리에서 처음 나타났으나 곧 유럽 전역으로 퍼져나가 런던에서 모스크바까지 거의 모든 대도시에서 사례를 찾을 수 있게 되었다. 독일에서는 1920년대와 30년대에 신즉물주의 양식과 표현주의 건축이라는 두 가지 변형이 번성했다. 에리히 멘델손의 모세 하우스와 베를린의 샤우뷔네, 함부르크의 칠레하우스 등이 주목할 만한 사례이다.

서유럽에서 가장 큰 아르데코 건물 중 하나는 브뤼셀 쿠쾰베르그에 있는 국립 성심 대성당이다. 1925년 건축가 알베르 반 허펠은 파리 현대 장식 미술 및 산업 미술 국제 박람회에서 이 성당의 축소 모델로 건축 부문 대상을 받았다.

스페인과 포르투갈에는 특히 영화관을 중심으로 인상적인 아르데코 건물들이 있다. 리스본의 에덴 시네-테아트루(1937), 포르투의 리볼리 극장(1937), 발렌시아의 시네 리알토(1939) 등이 그 예이다.

1930년대 아르데코는 영국의 주택 디자인뿐만 아니라 다양한 공공 건물 디자인에도 눈에 띄는 영향을 미쳤다. 런던 지하철은 아르데코 건축의 많은 사례로 유명하며, 브렌트퍼드의 골든 마일을 따라 이 양식의 건물들이 다수 자리 잡고 있다. 서런던의 후버 빌딩 또한 대표적인 사례이다.

한때 "작은 파리"로 불렸던 부쿠레슈티는 제1차 세계 대전 이후 뉴욕에서 영감을 얻어 디자인 방향을 재설정했다. 1930년대는 영화, 연극, 무용, 예술 및 건축 전반에 걸쳐 새로운 유행을 가져왔다. 칼레아 빅토리에의 전화국은 이 도시 최초의 마천루이자 현대 부쿠레슈티의 초기 랜드마크였다. 1933년부터 1950년대까지 도시에서 가장 높은 건물이었다.

### 남아메리카


파일:Instituto Biológico de São Paulo 06.jpg|브라질 상파울루의 생물학 연구소 (1924)
파일:2016 vista del Palacio Díaz Av. 18 de Julio 1333, entre Yaguarón y Ejido de Montevideo.jpg|우루과이 몬테비데오의 팔라시오 디아스 (1929)
파일:Elevador Lacerda dia.jpg|브라질 사우바도르의 라세르다 엘리베이터 (1930)
파일:Kavanagh building.jpg|아르헨티나 부에노스아이레스의 카바나 빌딩 (1934–1936)
파일:Viaduto do Chá - "Viaduto do Chá" viaduct (9630396439).jpg|브라질 상파울루의 비아두투 두 샤 (1938)
파일:Estádio do Pacaembu, Sao Paulo 2017 002.jpg|브라질 상파울루의 이스타지우 두 파카엠부 (1940)
파일:Palácio Duque de Caxias - Rio de Janeiro - 20220930133747.jpg|리우데자네이루의 팔라시우 두케 드 카시아스 (1941)
파일:Estação Central do Brasil.jpg|리우데자네이루의 센트랄 두 브라질 역 (1943)
파일:Mercado de Abasto de Buenos Aires, ca 1945 (AGNA).jpg|아르헨티나 부에노스아이레스의 아바스토 시장 ()
파일:Fachada Universidad Mayor de San Andres.jpg|볼리비아 라파스의 고등 산 안드레스 대학교 입구 (1946)
파일:Palacio Municipal de Laprida, vista desde la plaza.JPG|아르헨티나 라프리다의 시의회 청사와 분수


남아메리카의 아르데코는 20세기 전반에 대규모 이민 물결이 있었던 국가들에서 특히 두드러지게 나타나며 상파울루, 리우데자네이루, 부에노스아이레스, 몬테비데오와 같은 부유한 도시들에 주목할 만한 작품들이 남아 있다. 부에노스아이레스의 카바나 빌딩(1934)은 완공 당시 가장 높은 철근 콘크리트 구조물이었으며 후기 아르데코 양식의 주목할 만한 사례이다.

## 보존 및 네오 아르데코

파일:Viaduto do Chá, São Paulo, Brazil.jpg|브라질 상파울루의 비아두투 두 샤. 1892년에 지어졌으며 도시의 문화유산이다.
파일:Delano National MiamiBeach.JPG|마이애미의 아르데코 역사 지구는 역사적인 아르데코 건물들을 보호한다.
파일:37 Calea Victoriei, Bucharest (01).jpg|부쿠레슈티 칼레아 빅토리에의 전화국 (1929–1934). 루마니아의 역사적 기념물로 지정되어 있다.
파일:75 Strada Romulus, Bucharest (01).jpg|부쿠레슈티 로물루스가 75번지의 건물 (1930년대). 현재 노후된 상태이다.
파일:U-Drop Inn.jpg|텍사스주 샴록의 66번 국도변에 있는 주유소 및 간이식당 유-드롭 인 (1936). 현재 역사적 기념물이다.
파일:Messeturm, Frankfurt, Southwest detail view 20170325 1.jpg|독일 프랑크푸르트의 메세투름, 헬무트 얀 설계 (1990). 아르데코 건축을 연상시키는 포스트모던 건축 건물이다.
파일:Rue Henri Heine 3.jpg|J.J. 오리가 설계한 파리 앙리 에인가 3–5번지의 네오 아르데코 건물 (2001)
파일:Smithcenterlv.jpg|라스베이거스의 스미스 공연예술 센터, 데이비드 M. 슈워츠 설계 (2012). 네오 아르데코 건물이다.
파일:The Brooklyn Tower 010.jpg|뉴욕 브루클린의 브루클린 타워 (2021). 네오 아르데코 양식의 대형 마천루이다.
파일:Capella Hanoi - 2022-09-02 02.jpg|베트남 하노이의 카펠라 하노이 (2021). 네오 아르데코 건물이다.


많은 도시에서 남아 있는 아르데코 건물들을 보호하기 위한 노력이 이어지고 있다. 미국의 많은 도시에서는 역사적인 아르데코 영화관들이 보존되어 문화 센터로 탈바꿈했다. 텍사스주 샴록의 66번 국도변에 있는 아르데코 카페와 주유소는 역사적 기념물이다. 마이애미비치 역사 지구는 수백 채의 오래된 건물을 보호하며 신축 건물도 이 양식을 따르도록 요구하고 있다. 아바나에서는 많은 아르데코 건물이 심하게 노후화되었으나 원래의 모습으로 복원하려는 노력이 진행 중이다.

21세기에 들어서며 1920년대와 30년대의 클래식 아르데코 건물에서 영감을 얻은 '네오 아르데코'(Neo Art Deco)라는 현대적 변형이 일부 미국 도시에서 나타나고 있다. 뉴욕 GE 빌딩에서 영감을 얻은 시카고의 NBC 타워, 후버 댐의 요소를 차용한 라스베이거스의 스미스 공연예술 센터, 그리고 검은 유리와 청동 파이핑이 특징인 브루클린 타워 등이 대표적인 예이다.

## 같이 보기

* 광란의 20년대
* 1920년대 서양 패션
* 안네 폴레(Années folles)
* 1933년 시카고 세계 박람회 진보의 세기
* 페어 파크
* 아르데코 우표

## 각주

## 참고 문헌

* 
* 
* 
* 
* 
* 
* 
* 
* 
* 
* 
* 
* 
* 
* 
* 
* 
* 
* 
* 
* 
* 
* 
* 
* 
* 
* 
* 
* 
* 
* 

## 추가 읽기
*

## 외부 링크

* 마이애미비치 아르데코
* 뭄바이 아르데코
* 몬트리올 아르데코
* 워싱턴 아르데코 협회
* 거실 인테리어 디자인
* 리우데자네이루 아르데코
* 상하이 아르데코
* 모스크바 아르데코 박물관
* 뉴욕 아르데코 협회
* 로스앤젤레스 아르데코 협회 
* 몬트리올 아르데코 도보 여행


분류:20세기 예술
분류:20세기 건축 양식
분류:예술 사조
분류:장식 예술
분류:근대 미술