Música renacentista

A **música renacentista** é a música clásica europea escrita durante o Renacemento, entre os anos 1400 a 1600 aproximadamente. Definir o inicio de éraa é difícil, dada a falta de grandes cambios no pensamento musical do século XV. Ademais, o proceso polo cal a música adquiriu as súas características renacentistas foi gradual.

## Descrición 
A crecente dependencia no intervalo da terceira como consonancia é unha das características máis pronunciadas da música renacentista (na Idade Media, os intervalos de terceira foran consideradas como disonancias). A polifonía, usada desde o século XII, volveuse bastante elaborada, cun crecente número de voces independentes durante o século XIV. O principio do século XV trouxo consigo a simplificación, coas voces esforzándose a miúdo por ser máis suaves. Isto foi posible debido ao grande aumento do rango vocal na música, a diferenza da Idade Media na cal o rango estreito fixo necesario o cruzamento frecuente das partes requirindo así dun maior contraste entre elas.

As características modais (opostas ás tonais) da música do Renacemento comezaron a colapsar cara ao final do período co uso crecente de intervalos de quinta como movementos raíces. Desde entón isto desenvolveuse nunha das características de definición de tonalidade.

### Xéneros 
As formas litúrxicas máis importantes que se mantiveron durante o Renacemento foron as misas e os motetes, con algúns desenvolvementos cara ao final, que se produciron a medida que os compositores de música sacra comezaron a adoptar as formas non relixiosas (como o madrigal) para as súas propias composicións. Os xéneros sacros máis utilizados foron a misa, o motete, o madrigal espiritual e o laude.

Durante este período, a música relixiosa tivo unha crecente difusión, cunha ampla variedade de formas, aínda que en realidade, comparando co período da Idade Media, esta explosión explícase pola difusión a través do medio impreso. É probable que unha gran cantidade de música popular do Medioevo tardío se perdese debido á falta de documentación. A música non relixiosa do Renacemento inclúe cantos para unha ou varias voces, en formas como a frottola, a canción, o madrigal, a caccia, a canción nas súas diferentes formas (rondeau, virelai, bergerette, balada) a canzonetta, o panxoliña, a villanella, a villota, e a canción de laúde.

A música instrumental inclúe a música para consortes de frauta doce, viola e outros instrumentos así como danzas para varios conxuntos. Os xéneros máis comúns foron a toccata, o preludio, o ricercar e a canzona.

Os conxuntos instrumentais podían tocar unha bassedanza, unha pavana, unha galliarda, unha alemanda ou unha couranta.

Cara ao final do período, aparecen os primeiros precursores dramáticos da ópera tales como a monodia, a comedia madrigal e o intermedio.

### Teoría e notación 
As composicións do Renacemento estaban escritas unicamente en particellas; as partituras xerais eran moi raras, e as barras de compás non se usaban. As figuras eran xeralmente máis longas que as usadas nos nosos días; a unidade de pulso era a semibreve, ou redonda. Como ocorría desde a Ars Nova cada breve (cadrada) podía equivaler a dúas ou tres semibreves que podería ser considerada como equivalente ao "compás" moderno, aínda que era un valor de nota e non un compás. Pódese resumir desta forma: igual que na actualidade, unha negra pode equivaler a dúas corcheas ou tres que se escribirían como "un tresillo."

Na mesma lóxica pódese ter dúas ou tres valores máis curtos da seguinte figura, a "mínima," (equivalente á moderna "branca") de cada semi-breve. Estas diferentes permutaciones denomínanse "tempus perfecto/imperfecto" segundo a relación de breve-semibreve, "prolación perfecta/imperfecta" no caso da relación semibreve-mínima, existindo todas as combinacións posibles entre un e outro. A relación tres-un chamouse "perfecta," e a dúas-un "imperfecta." Para as figuras illadas existían regras que reducían á metade ou dobraban o valor ("imperfeccionaban" ou "alteraban," respectivamente) cando estaban precedidas ou seguidas de determinadas figuras. As figuras coa cabeza negra (como as negras) eran menos habituais. Este desenvolvemento da notación mensural branca é o resultado da popularización do uso do papel, en detrimento do pergamiño, máis débil e que non permitía o rasgado da pluma para encher as notas; notación de épocas precedentes, escritas en pergamiño e en cor negra. Outras cores, e máis tarde, o rellanado das notas (ennegrecemento) foron usados para indicar imperfeccións ou alteracións.

## Música media do Renacemento (1467-1534) 
Cara ao final do século XV, a música sacra polifónica (segundo o exemplificado nas masas de Johannes Ockeghem e de Jacob Obrecht) chegara a ser de novo máis complexa, dunha forma que se pode quizais considerar como correlacionando ao detalle impoñente na pintura nese entón. Ockeghem, particularmente, estaba encariñado co Canon, contrapuntal e mensural. El ata compuxo unha misa na cal todas as pezas derivábanse canonicamente a partir dunha liña musical.

Era nas décadas da abertura do século próximo ao cal o fieltro da música nun tactus (pensar na firma do tempo moderno) de dous semibreves-un-breve ao comezou a ser tan común como ese con tres semibreves-un-breve, como tido prevalecido antes dese tempo.

No décimo sexto século temperán, hai outra tendencia cara á simplificación, como pode ser visto a un certo grao no traballo de Josquin des Prés e os seus contemporáneos na escola francoflamenga, despois máis adiante nesa de G.P. Palestrina, que reaccionaba parcialmente ás restricións do consello de Trento, que desalentou a polifonía excesivamente complexa que inhibía o entendemento do texto. O décimo sexto século Franco-Flamenga moveuse cedo lonxe dos sistemas complexos do xogo canónico e do outro mensural da xeración de Ockeghem, tendendo cara a puntos das seccións da imitación e do duet ou do trío dentro dunha textura total que veu cinco e seis voces. Tamén comezaron, ata antes de que as reformas de Tridentine, a inserir pasos sempre que alargaban a homofonía, a subliñar o texto ou puntos importantes da articulación. Palestrina, por outra banda, viño a cultivar un libremente fluído estilo de contrapunto nunha grosa, rica textura na cal disonacias eran seguidas por consonancias sobre unha base case de pulso-por-pulso, e as suspensións gobernaban o día (ver contrapunto). Agora, o tactus era xeralmente dous semibreves por breve con tres polo breve usado para os efectos especiais e as seccións culminantes; esta era unha revogación case exacta da técnica que prevalecía no século anterior.

## Música Tardía do Renacemento (1534 - 1600) 
En Venecia, desde 1534 ata aproximadamente o 1600, desenvolveuse un impresionante estilo policoral que lle deu a Europa unha das máis grandes, máis sonóricas composicións musicais daqueles tempos, cos múltiples coros de cantantes, metais e cordas en diferentes espazos da Basílica San Marco di Venezia (ver Escola Veneciana). Estas múltiples combinacións se esparexeron por toda Europa nas décadas posteriores, empezando en Alemaña e propagándose pouco despois a España, Francia e Inglaterra, marcando o principio do que se coñece como a época da música Barroca.

A Escola Romana (en Roma) era un grupo de compositores na cal predominaba a música relixiosa, que estaban atravesando a época tardía do renacemento á época temperá da época Barroca. Moitos dos compositores tiñan unha conexión directa co Vaticano e coa capela papal, aínda que traballaron en varias igrexas; estilisticamente eles eran a miúdo contrastantes coa Escola Veneciana de compositores, un movemento concorrente que era moito máis progresivo. Por moito o compositor máis famoso da Escola Romana era Giovanni Pierluigi dá Palestrina, cuxo nomee foi asociado por máis de 400 anos coa tranquila, clara e perfecta polifonía.

O breve pero intenso florecemento da música madrigal en Inglaterra, sobre todo a partir de 1588 a 1627, xunto con outros compositores que os produciron, é coñecido como a Escola Madrigal Inglesa. Os madrigais Ingleses eran a cappella, predominantemente lixeiro en estilo, e xeralmente empezaban como copias ou traducións directas dos modelos italianos. A maioría foron de 3 a 6 voces.

Musica reservata é un termo que se refire ao estilo ou a unha práctica do desempeño dunha voz musical a cappella da época tardía, principalmente en Italia e o sur de Alemaña, envolvendo refinamiento, exclusividade e unha intensa expresión emocional do texto cantado.

Ademais, en moitos compositores obsérvase unha división nos seus propios traballos entre a primeira práctica (música no estilo polifónico do renacemento) e segunda práctica (música do novo estilo) durante a primeira parte do século 17.

### Manierismo 
A finais do século XVI, acabando o Renacemento, desenvolveuse un estilo manierista radical. En música profana, especialmente no madrigal, había unha tendencia cara á complexidade e ata o cromatismo extremo (como se observa nas madrigales de Luzzaschi, Marenzio, e Gesualdo). O termo "manierismo" derívase da historia da arte.

### Transición ao Barroco 
Empezou en Florencia, onde houbo un intento de revivir o dramatismo e a forma musical da antiga Grecia, cos medios da monodia, unha forma de música declamada sobre un acompañamento simple; un contraste máis notable co estilo polifónico predecesor sería máis difícil de atopar; isto era tamén, polo menos ao principio, unha tendencia profana. Estes músicos foron coñecidos como a Camerana Florentina.

## Véxase tamén 
### Outros artigos 
* monodia
* madrigal
* ópera
* Cum decore

### Ligazóns externas 
* Música de Hispania