빈센트 반 고흐의 모작

빈센트 반 고흐는 1887년에서 1890년 초 사이에 다른 화가들의 작품을 모방한 많은 모작을 만들었으며, 이는 차용 예술로 간주될 수 있다. 반 고흐가 스스로 입원했던 프랑스 생레미드프로방스의 생폴 요양원에 머무는 동안, 추운 겨울철 동안 그릴 예술적 소재를 확보하기 위해 노력했다. 반 고흐는 예술적 활력을 되찾고자, 자신이 가장 좋아하던 몇몇 화가들의 작품을 30점 넘게 모작했다. 그중 약 21점은 장프랑수아 밀레의 작품을 모방하거나 그로부터 영감을 받은 것이었다. 반 고흐는 단순히 복제하는 것에 그치지 않고, 자신의 관점과 색채, 기법을 통해 대상과 구도를 재해석하였다. 상징주의와 색채를 통해 영성적 의미와 정서적 위안을 표현하였다. 그의 동생인 테오 반 고흐는 이 연작들을 고흐의 최고 걸작 중 일부라고 평했다.

 배경 
생레미에서의 겨울철 동안 고흐는 작품 소재 부족에 시달렸다. 생폴 요양원에 머물게 되면서 자유롭게 작업할 수 없었고, 날씨가 너무 추워 야외 작업이 불가능해졌으며 그림을 그릴 모델을 구할 수도 없었다. 고흐는 자신이 가장 좋아하던 다른 화가들의 작품을 모사하기 시작했고, 이것이 겨울철 작업의 소재가 되었다. 《피에타》(들라크루아 모작)를 시작으로 고흐는 장프랑수아 밀레, 오노레 도미에, 렘브란트와 같은 예술가들의 작품을 대상으로 모작 연작을 제작했다. 이 연작에서 고흐에게 큰 영향을 미쳤던 밀레의 작품이 가장 큰 비중을 차지한다. 그는 테오에게 이 모작들에 대해 다음과 같이 썼다. "무심코 시작했는데 이제는 그 작품들로부터 배울 수 있다는 것을 알게 되었고, 나에게 일종의 위안을 준다. 나의 붓은 마치 바이올린 줄 위를 달리는 활처럼 내 손가락 사이에서 움직인다. 전적으로 나의 즐거움을 위해서."

《피에타》와 같은 몇몇 종교적 작품들이 이 연작에 포함되었는데, 빈센트의 전체 작품 세계에서 매우 예외적이다. 오래된 수도원에 자리 잡은 생폴 요양원이 이 주제에 대한 영감을 제공했을 수도 있다. 수녀들의 경건함이 때때로 그를 짜증 나게 하기도 했지만, 그는 종교에서 위안을 찾았다. 그는 "나는 종교에 무관심하지 않으며, 경건한 생각들이 고통 속에서 종종 나를 위로해 준다"라고 썼다.

반 고흐 미술관은 고흐가 "마찬가지로 고통받고 오해받았던" 그리스도와 자신을 동일시했을 수 있다고 주장한다. 또한 일부 학자들은 《피에타》의 붉은 수염을 가진 그리스도와 렘브란트 모작 《라자로》가 고흐와 닮았다는 추측을 내놓기도 한다. 그러나 이것이 고흐의 의도였는지 여부는 알려지지 않았다.

 에밀 베르나르 모작 
화가이자 기독교 신비주의자인 에밀 베르나르는 고흐의 절친이었다. 베르나르는 여러 방면에서 고흐에게 예술적 영향을 주었다. 베르나르는 인물의 윤곽을 검은색으로 그렸는데, 이는 중세의 종교적 목판화 이미지를 재현한 것이었다(클루아조니즘). 그 결과 평면적이고 원시적인 느낌의 작품이 탄생했다. 고흐의 《까마귀가 나는 밀밭》은 베르나르의 단순화된 형태가 그의 작업에 미친 영향을 보여주는 한 예이다. 베르나르는 또한 고흐에게 작품에서 원근법을 다루는 방법을 가르쳐 주었다. 고흐가 감정을 표현하기 위해 색채를 사용했듯이, 그는 원근법을 왜곡하여 예술적 표현의 수단이자 자신의 작품을 "현대화"하는 도구로 사용하였다.

예술적 관점을 공유하는 사례로서, 고흐는 베르나르가 그린 브르타뉴 여인의 스케치를 수채화로 모사했다. 고흐는 베르나르에게 예술가들이 공통된 아이디어에 집중하여 협력적으로 작업함으로써 "고립된 개인의 능력을 넘어선" 예술적 정점에 도달하는 유토피아적 이상을 가졌다. 그는 이것이 여러 화가가 한 그림을 그린다는 의미가 아니라, "그럼에도 불구하고 서로 어울리고 보완하는" 작품을 창조하는 것을 의미한다고 밝혔다. 브르타뉴 여인들은 고흐가 그의 친구의 독특한 기질과 기술을 하나의 아이디어에 결합한 수 많은 사례 중 하나이다.

고흐는 베르나르에게 자신이 그린 브르타뉴 여인들을 폴 고갱과 교환했다는 것을 알리며, "고갱이 소유한 당신의 그림 속에 있는, 목초지를 걷고 있는 브르타뉴 여인들의 아름다운 구도와 소박하고 독특한 색채를 보고 싶었음을 분명히 하고 싶다."라고 썼다. 고갱은 베르나르의 브르타뉴 여인 작품에서 영감을 받았을 것으로 추정되는 작품인 '사면제의 브르타뉴 여인들'을 제작했다.

 비르지니 데몽 브르통 모작 
고흐는 쥘 브르통의 딸인 비르지니 데몽 브르통이 제작한 판화 《바다에 나간 남편》을 바탕으로 그림을 그렸다. 그녀의 판화는 1889년 살롱에 전시되었다. 이 그림은 거의 전적으로 보라색 음영을 사용하여, 아기를 무릎에 앉히고 모닥불 옆에 앉아 있는 어머니의 평화로운 장면을 묘사한다.

 오노레 도미에 모작 
1882년 고흐는 오노레 도미에의 《술 마시는 사람의 네 시대》가 아름답고 영혼이 담긴 작품이라고 언급한 바 있다.

고흐는 동생 테오에게 도미에의 예술적 관점과 인간미에 대해 다음과 같이 썼다. "당시 나에게 큰 감명을 준 것은 도미에의 구상에 담긴 강건하고 남성적인 면모였다. 그런 생각을 하고 그런 감정을 느끼는 것이 얼마나 좋을까, 수많은 것들을 간과하거나 무시하고 우리를 깨어 있게 하고 인간으로서 우리를 더욱 직접적이고 개인적으로 감동시키는 것에 집중하는 것이 얼마나 좋을까 하는 생각이 들었다. 초원이나 구름보다 말이다." 도미에는 회화, 조각, 석판화 제작 등 다양한 예술적 재능을 지녔으며, 사회 및 정치 풍자로도 잘 알려져 있었다.

고흐는 1890년 2월경 생레미에서 도미에의 작품을 본떠 《술 마시는 사람들》을 그렸다.

 외젠 들라크루아 모작 

 배경 
고흐는 고통받는 종복으로서의 그리스도 묘사가 포함된 《그리스도를 본받아》라는 책에 자극받아, 외젠 들라크루아의 《피에타》와《 선한 사마리아인》 모작 작업을 했다. 그는 "영광 속에 승리하는 그리스도"가 아닌, 십자가 처형과 죽음이라는 가장 위태롭고 고통스러운 시기의 그리스도를 묘사했다. 고흐는 역사적 종교 인물을 그리는 방법에 대한 들라크루아의 관점을 다음과 같이 설명했다. "외젠 들라크루아는 겟세마네를 그릴 때 미리 현장에 가서 올리브 정원과 강한 미스트랄에 휘몰아치는 바다도 살펴보았다. 왜냐하면 그는 '우리가 역사에서 알고 있는 사람들, 베네치아의 도제, 십자군, 사도들, 거룩한 여인들은 오늘날 그들의 후손들과 같은 유형이었고 비슷한 방식으로 살았을 것'이라고 스스로에게 말했음이 분명하기 때문이다.

고흐가 예술적으로 발전하고 색채 이론을 얻는데에는 들라크루아의 영향이 큰 도움이 되었다. 그는 동생 테오에게 다음과 같이 썼다. "내가 들라크루아에 대해 그토록 감탄하는 점은... 그가 사물의 생명력과 움직임의 표현을 느끼게 해준다는 것, 그리고 그가 자신의 색채를 완벽하게 지배한다는 것이다."

 회화 목록 
고흐의 작품명칭 및 세부 사항설명 125px 《선한 사마리아인 (들라크루아 모작)》1890크뢸러 뮐러 미술관, 오테를로, 네덜란드 (F630) 1889년 고흐는 학습의 일환으로 들라크루아의 선한 사마리아인을 포함한 그림들의 모작을 만들고 싶다는 의사를 밝혔다. 125px 《피에타 (들라크루아 모작)》, 첫 번째 버전1889바티칸 현대 종교 미술 컬렉션, 바티칸 시국 (F757) 고흐는 들라크루아 그림의 석판화를 바탕으로 피에타를 그렸다. 원작의 주제와 구도는 그대로 한 상태에서, 고흐는 자신만의 스타일을 작품에 투영했다. 고흐는 피에타에 대해 다음과 같이 썼다. "들라크루아의 작품은 '피에타', 즉 고통의 성모와 함께 있는 죽은 그리스도이다. 시신이 동굴 입구 땅에 누워 있고, 손은 왼쪽 앞을 향하고 있으며 여인이 그 뒤에 있다. 뇌우가 지나간 저녁, 바람에 흔들리는 파란 옷을 입은 그 쓸쓸한 형체는, 금색 테두리가 있는 보라색 구름이 떠다니는 하늘을 배경으로 선명하게 윤곽이 드러난다. 그녀 역시 절망의 커다란 몸짓으로 빈 팔을 앞으로 뻗고 있는데, 노동하는 여인의 선하고 튼튼한 손을 볼 수 있다. 흩날리는 옷을 입은 인물의 형태는 높이만큼이나 넓다. 죽은 남자의 얼굴은 그늘에 가려져 있지만, 여인의 창백한 머리는 구름을 배경으로 선명하게 도드라진다. 이러한 대조로 인해 두 머리가 마치 한 송이 어두운 색 꽃과 한 송이 창백한 꽃처럼 보이게 하여 서로의 효과를 강화한다." 125px 《피에타 (들라크루아 모작)》1889반 고흐 미술관, 암스테르담, 네덜란드 (F630) 반 고흐 미술관은 고흐가 어떻게 서둘러 피에타 작업을 시작했는지 전한다. "들라크루아의 석판화 피에타와 다른 몇몇 작품들이 오일과 물감 속에 떨어져 손상되었다. 이 일로 매우 속상해서, 지금 그것을 그림으로 수정하는 작업에 몰두하고 있다." 비록 얼룩이 졌지만, 석판화는 보존되었다.

 귀스타브 도레 모작 
《죄수들의 원형 보행 (귀스타브 도레 모작)》은 고흐가 생레미의 생폴 요양원에 있을 때 제작되었다. 이 작품은 외젠 들라크루아나 렘브란트의 작품을 재해석한 것들처럼, 감금되거나 죽어가는 사람과 같은 고립감을 불러일으킨다. 슬프기는 하지만, 일종의 위안도 제공된다. 동생 테오에게 보낸 편지에서 고흐는 이 작품과 《술 마시는 사람들 (도미에 모작)》을 만드는 것이 꽤 어려웠다고 언급했다.

고흐의 장례식 후, 에밀 베르나르는 그의 관 주변에 놓인 습작들에 대해 다음과 같이 썼다. "그의 시신이 안치된 방의 벽에는 그의 마지막 작품들이 모두 걸려 일종의 후광을 만들고 있었다. 그로부터 뿜어져 나오는 천재성의 광채는 우리 예술가들을 더욱 고통스럽게 만들었다." 도레의 모작에 대해 그는 다음과 같이 말했다. "높은 감옥 벽에 둘러싸여 원을 그리며 걷는 죄수들, 도레에게서 영감을 받은 이 작품은 무시무시한 흉포함을 담고 있으며 그의 최후를 상징하기도 한다. 그에게 삶이란 그런 것이 아니었을까. 이렇게 높은 벽이 있는 높은 감옥... 그리고 이 구덩이를 끝없이 돌고 있는 이 사람들은 운명의 채찍 아래 지나가는 가난한 예술가들, 불쌍한 저주받은 영혼들이 아니었을까?"

 게이사이 에이센 모작 

안트베르펜에 사는 동안 고흐는 일본의 목판화를 접하게 되었다. 1886년 5월호 《파리 일뤼스트레》 잡지 표지에 게이사이 에이센의 판화가 실렸고, 반 고흐는 이를 계기로 《오이란》(기생)을 그렸다. 해당 잡지 호는 전적으로 일본에 할애되었다. 파리에 살던 일본인 작가 하야시 타다마사는 파리 사람들에게 일본에 대한 정보를 소개했다. 하야시는 일본의 역사, 기후, 시각 예술 뿐만 아니라 풍습, 교육, 종교 및 일본인의 본성과 같은 일본의 삶이 어떤 것인지 설명했다.

고흐는 이 이미지를 복사하고 확대한 후, 밝은 노란색 배경과 화려한 기모노를 그렸다. 또한 다른 일본 판화를 참고로 대나무와 수련이 있는 "수중 풍경"을 추가했다. 테두리는 19세기 프랑스에서 매춘부를 지칭하는 용어였던 개구리와 두루미, 그리고 멀리 보이는 배로 장식하였다.

 우타가와 히로시게 모작 
19세기 중반 일본이 무역을 위해 개항하면서 일본의 미술이 서구에 알려지게 되었다. 우키요에 판화가인 히로시게와 호쿠사이의 작품은 아름다운 소재와 그림자 없는 평면적인 색채 패턴으로 고흐에게 큰 영향을 주었다. 고흐는 수백 점의 일본 목판화를 수집했으며 히로시게와 같은 위대한 일본 예술가들의 작품을 렘브란트, 프란스 할스, 요하네스 페르메이르의 작품에 비유했다. 고흐는 다양한 영향력을 탐구하여 그것들을 자신만의 독특한 스타일로 발전시켰했다. 일본 그림들은 평온함을 찾으려는 고흐의 노력을 나타내며, 이 시기 누이에게 보낸 편지에서 다음과 같이 설명했다. "확실한 것을 거의 혹은 전혀 모르더라도 가능한 한 이러한 평온함을 갖는 것이 아마도 약국에서 파는 모든 것들보다 더 나은 치료법일 것이다."

히로시게는 우키요에의 마지막 거장 중 한 명으로, 일본의 유명한 명소들을 담은 판화 연작으로 잘 알려져 있었다.

 자포네즈리: 꽃피는 매화나무 (히로시게 모작) 
《꽃피는 매화나무》는 고흐가 우타가와 히로시게의 일본 목판화를 바탕으로 그린 세 점의 유화 중 첫 번째 작품으로 여겨진다. 그는 배경의 빨간색과 초록색, 흰 꽃 위의 초록색 색조와 같이 인쇄용 잉크의 효과를 모방한 색채를 사용했다. 아를로 이주한 후,  반 고흐는 여동생에게 더 이상 일본에 가는 꿈을 꿀 필요가 없다고 편지를 썼다. "나는 항상 내가 일본에 있다고 스스로에게 말하고 있기 때문이야".

 자포네즈리: 비 내리는 다리 (히로시게 모작) 
고흐가 소장하고 있던 우타가와 히로시게의 《아타케와 오하시의 소나기》 목판화는 그 단순함으로 고흐에게 영감을 주었다. 예를 들어 소나기는 평행선으로 표현되어 있다. 이러한 기법은 존경받았으나 인쇄용 목판화를 만들 때는 실행하기 어려웠다. 반 고흐는 그림을 그리면서 붓놀림으로 "일본 목판화의 대담함을 부드럽게 만들었다." 이미지 테두리에는 다른 일본 판화에서 빌려온 서예 글씨가 채우고 있다. 원작 목판화의 색채 패턴을 따르는 대신, 밝은 색상이나 대조되는 색상을 사용했다.

 야코프 요르단스 모작 
고흐는 요르단스의 소재와 구도를 사용하여 《소》를 그렸다. 후대 화가인 에드워드 호퍼 또한 요르단스의 《소》를 자신의 작품 영감의 원천으로 삼았다. 이 그림은 프랑스 릴 미술관에 소장되어 있다. 얀 훌스커는 이 그림이 폴 가셰 박사가 요르단스의 그림을 바탕으로 만든 에칭의 색채 연구라고 언급했다.Hulsker (1980), 474

 장프랑수아 밀레 모작 

섬네일|빈센트 반 고흐, 《씨 뿌리는 사람 (밀레 모작)》, 1881, 소묘, 반 고흐 미술관, 암스테르담 (F830)
섬네일|빈센트 반 고흐, 《씨 뿌리는 사람》, 아를, 1888년 6월, 크뢸러 뮐러 미술관, 오테를로

 배경 
고흐에게 큰 영향을 준 "농민 장르"는 1840년대 장프랑수아 밀레, 쥘 브르통 과 함께 시작되었다. 1885년 고흐는 자신의 농민 작품이 근대 미술에 대한 가장 본질적인 기여라고 설명했다. 그는 밀레와 브르통의 작품을 "높은 곳에 있는 것"과 같은 종교적 의미를 지닌 것으로 묘사했다. 빈센트는 빈곤하고 억압받는 이들을 감상적으로 다루는 작가와 예술가들을 좋아하였다. 그는 자신의 회화가 접근해야 할 기준을 노동자들의 헌신적인 태도로 잡았다. "쟁기를 끄는 농부처럼... 뒤에 써레를 끌고 가는 농부처럼, 자신이 합리적인 일을 하고 있다는 확신을 가지고 자신 있게 그림을 그려야 해. 만약 말(馬)이 없다면, 내 스스로가 말이 되어야 할테지." 농민을 그리는 것에 관해 고흐는 동생 테오에게 "내가 그토록 사랑하는 것을 어떻게 그릴 수 있을까?"라고 썼다.

반 고흐 미술관은 고흐에 대한 밀레의 영향에 대해 다음과 같이 말한다. "농민과 그들의 노동을 전례 없이 묘사한 밀레의 그림은 19세기 예술의 전환점이 되었다. 밀레 이전의 농민은 그림 같거나 향수를 불러일으키는 장면의 등장 요소 중 하나일 뿐이었다. 밀레의 작품에서 농민 남녀는 영웅적이고 실재적인 존재가 되었다. 밀레는 '순수' 풍경화에 관심이 없었던 바르비종파의 유일한 주요 예술가였다."

고흐는 생레미에서 장프랑수아 밀레의 작품을 "번역"한 21점의 그림을 그렸다. 고흐에게 자신의 작품은 원작 그대로를 복제한 것이 아니었다. 특히 밀레 모작들에 대해 그는 다음과 같이 설명했다. "그저 단순하고 순수하게 모사하는 것이 아니다. 오히려 색채의 언어, 명암의 인상, 그리고 흑백의 인상을 다른 언어로 번역하는 것이다." 그는 밀레의 《이삭 줍는 여인들》의 모작도 제작했다.

테오는 고흐에게 다음과 같이 썼다. "밀레 모작들은 아마도 형이 지금까지 한 일들 중 가장 훌륭한 것일 거야. 그리고 형이 인물 구성을 그리면 우리를 크게 놀랍게 할 수 있을 것이라고 믿어."

 회화 목록 
 밀레의 원작  고흐의 작품 ! 설명 center|125px《아침: 일하러 나가기》,  약 1858-60, 암스테르담 반 고흐 미술관center|125px《아침: 일하러 나가는 농부 부부》, 1890, 에르미타시 박물관, 상트페테르부르크, 러시아 (F684)   밀레는 《하루의 네 시간》(1860)이라는 제목의 목판화 연작을 제작했다. 이 아이디어는 농촌 생활이 신과 자연의 리듬에 의해 구성된다고 보았던 중세의 시도서에서 유래한 것으로 전해진다. 이 작품에서 남녀는 아침 태양에 실루엣이 비친 채 들판으로 걸어간다. 단순한 구도에서 그들의 고단한 삶을 볼 수 있다. 고흐는 밀레의 작품에 대해 "그들이 경작하려는 바로 그 흙으로 그려진 것 같다"고 말했다. center|125px《정오: 휴식》, 1866, 보스턴 미술관  center|125px《정오의 휴식》, 1890, 오르세 미술관, 파리, 프랑스 (F686)   밀레의 구도에 충실하면서도, 고흐는 색채를 사용하여 정오 휴식의 평화로운 본질을 묘사한다. 노란색-주황색의 보색인 파란색-보라색을 대비하여 그의 독특한 스타일인 강렬함을 작품에 부여한다.center|125px《일과가 끝날 무렵》, 1867-69, 로체스터 대학교 기념 미술관  center|125px《들판의 남자》 혹은 《저녁, 일과가 끝날 무렵》, 1889년 11월 , 고마키 메나드 미술관, 일본 (F649)   이 작품에서 농부는 저녁 하늘을 배경으로 하루를 마무리한다. 고흐는 자신만의 독특한 점묘법 스타일로 노란색과 보라색의 선명한 색상을 칠했다. 작품에 자신의 스타일을 각인시키면서도 밀레의 구도에는 충실했다. center|125px《밤》, 1867, 보스턴 미술관 center|125px 《저녁 시간 (밀레 모작)》, 1889년 10월, 암스테르담 반 고흐 미술관 (F647)  이 작품은 아버지, 어머니, 아이로 구성된 농촌 가족의 행복한 삶을 묘사한다. 여기서 이미지는 성가정의 빛과 같은 노란색 빛에 잠겨 있는 듯하다. 램프는 소박한 오두막 바닥에 여러 색깔의 긴 그림자를 드리운다. 그림에는 초록색과 보라색의 부드러운 색조가 포함되어 있다. 이 작품은 밀레의 《하루의 네 시간》 연작 중 하나인 판화를 바탕으로 했다. center|125px《첫 걸음》, 약 1858, 로저스 미술관, 미시시피  center|125px《첫 걸음》 , 1890 , 메트로폴리탄 미술관, 뉴욕 (F668)  이 작품은 사진 원화를 사용해 작업했다. 강렬한 색채 대신 노란색, 초록색, 파란색의 부드러운 색조를 사용했다. 그림은 도구를 내려놓은 아버지가 첫 걸음을 뗀 아이를 위해 팔을 벌리고 있는 모습을 묘사한다. 어머니는 아이의 움직임을 보호하듯 안내한다.center|110px《씨 뿌리는 사람》, 1850, 보스턴 미술관 center|110px《씨 뿌리는 사람》, 1889, 나아르코스 컬렉션, 취리히 (F690),   30점 이상의 《씨 뿌리는 사람》모작을 제작한 고흐는 씨 뿌리기의 상징성을 탐구했다. "인생이 줄 수 없다는 것을 이미 배운 것을 인생에서 얻으려 기대하지 않는다. 오히려 인생은 일종의 씨 뿌리는 시기이며, 수확은 아직 여기 있지 않다는 것을 더 분명히 알 수 있다. 씨 뿌리는 사람이 씨앗을 뿌리는 동안, 근처 들판에서 밭을 가는 다른 농부가 보인다. 고흐는 씨 뿌리는 사람을 "가장 단순한 형태"로 그렸으며 파란색, 빨간색, 노란색, 보라색, 주황색을 사용하여 삶의 영원한 순환이라는 구도에 생명과 의미를 부여했다.center|110px《씨 뿌리는 사람》, 1850, 보스턴 미술관  center|110px《씨 뿌리는 사람》, 1889 , 크뢸러 뮐러 미술관 (F689),   반 고흐가 밀레 작품에 감탄한 것은, 밀레가 작품에 담은 영혼, 특히 농민의 농업적 역할을 기리는 마음에서 비롯되었다. 밭 갈기, 씨 뿌리기, 수확하기는 고흐에게 자연에 대한 인간의 지배와 영원한 삶의 순환을 상징하는 것이었다. 뉴욕 매거진의 케이 라슨은 밀레의 작품에 대해 다음과 같이 썼다. "차갑고 갓 갈아엎은 흙 위를 자연의 근원적인 힘처럼 성큼성큼 걷는 씨 뿌리는 사람은 사이먼 & 슈스터가 이를 로고로 사용할 정도로 상징적이다." center|110px  center|110px《수확하는 사람》, 1889, 개인 소장 (F688) 밀레는 자연의 순환에 대한 인간에서 "씨 뿌리는 사람과 밀 이삭은 영원을 상징하고, 수확하는 사람과 그의 큰낫은 죽음을 상징했다." 수확하는 사람에 대해 고흐는 1889년 누이에게 보낸 편지에서 자연과 가까이 일하는 이들에 대한 상징적, 영적 견해를 밝혔다. "빵을 먹고 사는 우리 역시 어느 정도는 밀과 같지 않니? 최소한 움직일 힘도 없이 식물처럼 자라나도록 강요받는다는 점에서 말이야. 내 말은 우리 상상력이 우리를 몰아붙이는 대로 자라다가 밀처럼 다 익었을 때 거두어지는 것 같아."

고흐는 수확하는 사람의 상징적 의미에 대해 다음과 같이 말했다. "나는 이 수확하는 사람에게서 — 자신의 과업을 끝내기 위해 열기 속에서 악마처럼 싸우는 막연한 형체 — 인류가 그가 수확하는 밀일지도 모른다는 의미에서 죽음의 이미지를 본다. 그러니 그것은 — 원한다면 — 내가 이전에 시도했던 씨 뿌리는 사람의 반대이다. 하지만 이 죽음에는 슬픈 것이 전혀 없다. 그것은 모든 것을 순금의 빛으로 가득 채우는 태양과 함께 대낮에 길을 간다." center|110px center|110px《낫을 든 수확하는 사람》,  1889, 반 고흐 미술관, 암스테르담, 네덜란드 (F687)  이 그림과 밀레의 《들판의 노동》 연작의 다른 그림들을 그리면서, 고흐는 모델이 없는 상황에서 연작 10점 중 7점을 완성하게 되어 기쁘다고 언급했다. center|110px  center|110px《갈퀴를 든 농부 여인》, 1889 , 개인 소장 (F698)  center|110px  center|110px 《밀단을 묶는 농부 여인》, 1889 , 반 고흐 미술관, 암스테르담, 네덜란드 (F700) 《밀단을 묶는 농부 여인 (밀레 모작)》에서 고흐의 작품은 그 단순함과 자연에 대한 감사를 통해 아름다움을 보여준다. 여인의 표정은 가려져 있으며 마치 기다리고 있는 밀단 중 하나처럼 보인다. 이 장면의 진정한 초점은 굽은 여인의 등이다. center|110px  center|110px《단 묶는 사람》, 1889, 반 고흐 미술관, 암스테르담, 네덜란드 (F693) center|110px  center|110px《밀짚을 써는 농부 여인》 , 1889, 반 고흐 미술관, 암스테르담 (F697)  center|110px  center|110px《탈곡하는 사람》, 1889, 반 고흐 미술관, 암스테르담, 네덜란드 (F692) center|125px 《흙을 일구는 두 남자》, 1866, 보스턴 미술관center|125px《땅을 파는 두 농부》, 1889 , 암스테르담 시립 미술관, 네덜란드 (F648)   《나무꾼》, 약 1853, 루브르 박물관, 파리center|110px《나무꾼》,  1890, 반 고흐 미술관, 암스테르담 (F670)   center|110px《양털 깎기》, 약 1852-53,  보스턴 미술관 center|110px 《양털 깎는 사람들》, 1889, 반 고흐 미술관, 암스테르담, 네덜란드 (F634)  center|110px ,  《앉아 있는 큰 양치기 소녀》, 목판화, 약 1874 , 다양한 컬렉션  center|110px 《양치기 소녀》 , 1889, 텔아비브 미술관, 이스라엘 (F699)  출처는 장바티스트 밀레가 그의 형 장프랑수아 밀레의 작품을 바탕으로 제작한 목판화(27.3 x 21.9 cm)이다. 그 강한 윤곽선은 빈센트 반 고흐의 《슬픔》에 영감을 주었다. center|110px  center|110px 《실 잣는 여인》 , 1889 , 사라 & 모셰 메이어 컬렉션, 텔아비브 미술관, 이스라엘 (F696)  《겨울: 샤이의 평원》, 1862, 벨베데레 오스트리아 갤러리, 빈 center|110px《써레가 있는 눈 덮인 들판 혹은 쟁기와 써레》, 1890년 1월, 반 고흐 미술관, 암스테르담, 네덜란드 (F632)    고흐는 밀레의 작품과 알프레드 들로네의 밀레 작품 에칭에서 영감을 받았다. 고흐의 버전에는 검은 까마귀가 추가되어, 겨울 장면을 더욱 황량하고 버림받고 춥게 만들었다. 그의 색채 선택, 구도, 붓놀림은 이 작품을 독특하게 만든다.center|110px  center|125px《눈 속에서 땅을 파는 두 농부 여인》, 1890년 4월, 에밀 게오르크 뷔를레 재단, 취리히, 스위스 (F695)  고흐는 밀레의 《이삭 줍는 여인들》에 나오는 여인들을 얼어붙은 눈 속에서 땅을 파는 이 그림의 영감으로 사용했다. 다른 작품들과 달리 이 작품은 원화의 문자 그대로의 번역은 아니다. 지는 해가 눈 덮인 들판 위로 따뜻한 빛을 드리운다. 들판의 차가운 색조는 태양과 하늘의 붉은색과 대조를 이룬다. 얀 훌스커는 이 그림을 고흐의 "북방의 회상" 중 하나로 분류한다.

 미카엘 앙케르 모작 
2016년, 미네소타주의 한 차고 세일에서 'Elimar'라는 명문이 새겨진 그림이 50달러 미만에 판매되었다. 이 작품은 2020년부터 2025년까지 LMI 그룹 인터내셔널이 의뢰한 약 20명의 전문가 팀에 의해 조사를 받았으며, 캔버스 직조 분석, 방사성 탄소 연대 측정, 페인트 안료 및 전체적인 스타일 특성 등 작품의 진품임이 입증되는 다수의 증거가 제시되었다. 심지어 캔버스에 박힌 붉은색 인모 한 가닥도 발견되어 분석에 보내졌다. LMI에 따르면 이 털이 남성의 것은 밝혔지만, 고흐의 후손들과 DNA를 비교하려는 노력은 "퇴화된 상태"로 인해 결국 실패했다. 이 연구를 통해 전문가들은 이 작품의 제작 시기를 고흐가 생레미의 생폴 요양원에 머물던 1889년으로 추정하였다.

LMI 그룹은 나중에 이 작품(현재 우측 하단의 명문을 따서 'Elimar'로 불림)이 미카엘 앙케르의 초상화를 바탕으로 한 것이며, 따라서 다른 예술가 작품의 "번역" 목록(특히 폴 고갱, 에밀 베르나르, 장프랑수아 밀레)에 추가된다고 밝혔다. LMI 그룹의 연구에 따르면, 고흐의 그림에 적힌 'Elimar'라는 명문은 고흐가 읽은 한스 크리스티안 안데르센의 책 중 하나에 나오는 어부 캐릭터를 지칭하는 것이며, 덴마크 아마추어 화가인 헤닝 엘리마르의 서명이 아니다(재료 과학 및 데이터, 비문 측정, 스타일 및 기타 문서화된 불일치에 기반함).

 렘브란트 모작 
고흐는 렘브란트로부터 어둠 속에 빛을 그려 넣는 법을 배웠다. 렘브란트의 영향은 1877년 어느 저녁 고흐가 암스테르담을 거닐던 순간에 나타난 듯하다. 그는 다음과 같이 썼다. "땅은 어두웠지만, 하늘은 이미 져버린 태양의 잔광으로 환하게 빛나고 있었다. 집들과 탑들이 줄지어 솟아 있었고, 창문마다 불빛이 켜져 모든 것이 물 위에 반사되었다." 고흐는 렘브란트가 자연을 관찰하고 감정을 아주 부드럽게 표현하는 데 특히 능숙하다고 생각했다.

고흐가 자신의 모작을 위해 특정 렘브란트 작품을 모방했는지, 아니면 그가 묘사한 인물들의 정신을 따랐는지는 분명하지 않다. 이해를 돕기 위해 렘브란트의 천사와 나사로 그림을 예시로 제시한다.

고흐 버전의 《라자로의 부활 (렘브란트 모작)》에서 그리스도는 태양을 통해 상징적으로 묘사되어 믿음의 치유력을 보인다. 그리스도는 배경과 상황에 의해 암시된다. 기적적으로 라자로가 살아난 모습에서 그리스도 자신의 죽음과 부활을 예고한다.
그림에는 죽은 라자로와 그의 두 누이가 등장한다. 라자로와 동굴에는 흰색, 노란색, 보라색이 사용되었다. 여인 중 한 명은 선명한 초록색 드레스를 입고 오렌지색 머리를 하고 있다. 다른 여인은 초록색과 분홍색 줄무늬 가운을 입고 검은 머리를 하고 있다. 그들 뒤로는 푸른 시골 풍경과 밝은 노란색 태양이 보인다.

《라자로의 부활 (렘브란트 모작)》에서 고흐는 렘브란트 에칭의 구도를 일부만 추출하여 그리스도의 형상을 제거함으로써 라자로와 그의 누이들에게 집중했다. 이들의 얼굴에서 화가 자신과 그의 친구들인 오귀스틴 룰랭 및 마리 지누의 모습을 감지할 수 있다는 추측이 있다.Sund, J (2000) 반 고흐를 마주하다: 초상화들. Thames and Hudson, p. 198.  고흐는 막 긴 병의 고비에서 회복된 상태였으며, "그 인물들은 내 꿈의 등장인물들이다"라는 그의 말처럼 성경 속 부활의 기적과 자신의 상황을 동일시했을 수도 있다.

 같이 보기 
 빈센트 반 고흐의 작품 목록

 각주 

 참고 문헌 
 Hulsker, Jan The Complete Van Gogh. Oxford: Phaidon, 1980. 

분류:1889년 회화 작품
분류:1890년 회화 작품
분류:빈센트 반 고흐 그림