Разработка цикла уроков по предмету Мировая художественная культура "Искусство эпохи Возрождения. Италия"
Автор: Левкович Оксана Романовна (методист, преподаватель теории музыки, МБОУДОД Детская школа искусств им. М. А. Балакирева г. Тольятти Самарской области)
Тип документа: Конспект. Аудитория: Учащиеся ДМШ и музыкальных отделений ДШИ. Дата публикации: 02.03.2015
Описание: Цель работы — наиболее полно и всесторонне показать особенности развития культуры и искусства Ренессанса Италии, дать основные сведения о представителях различных направлений искусства того времени.


                                                   Левкович Оксана Романовна
                     МБОУ ДОД  Детская школа искусств имени М. А. Балакирева
                                                                 г. Тольятти
                                                 Преподаватель теории музыки




                         Искусство эпохи Возрождения
                                  (Италия)
                     разработка цикла уроков по предмету
                      «Мировая художественная культура»
     для учащихся музыкальных школ и музыкальных отделений школ искусств


                            Пояснительная записка



      В  последние  годы  предмет  «Мировая  художественная  культура»   всё
активнее вводится в учебный  план  образовательных  учреждений  России,  как
средне специальных, так и общеобразовательных. К  сожалению,  в  музыкальных
школах и школах  искусств  (на  музыкальных  отделениях),  всё  ещё  ведётся
предмет  «Музыкальная  литература».  Разумеется,   что   изучение   мирового
музыкального наследия необходимо для общего  образования  учащихся.  Но  как
можно говорить о творчестве  М  И  Глинки,  не  познакомившись  с  культурой
России XVIII  века, где представлены великолепные памятники культуры! Это  и
творчество  таких русских художников, как  Никитина,  Вишнякова,  Левицкого,
Рокотова, Боровиковского.  Нельзя  обойти  стороной  возникновение  русского
театра Ф. Волкова, не рассказать о скульптуре и архитектуре Петербурга  того
времени. Историю западной музыки начинают со  знакомства  творчества  И.  С.
Баха, упуская прекрасные образцы культуры античного мира,  средних  веков  и
даже эпохи Возрождения.
      Развитие современного общества привело педагогику  к  той  мысли,  что
образование учащихся не должно  быть  ограничено  строгими  рамками  (только
музыкальная культура или только художественная). Синтез искусств  –  вот  та
отправная точка, на которую опираются наиболее  прогрессивные  представители
культуры  и  искусства  и  преподаватели.  Развитие   всесторонне   развитой
личности, общеэстетическое развитие учащихся –  эта мысль  и  стала  главной
при разработке новой  для  школы  искусств  учебной  программы  по  предмету
«Мировая художественная культура».
      В детской школе искусств имени  М.  А.  Балакирева.  Тольятти  предмет
«Мировая  художественная  культура»  (МХК)  был  введён   в   учебный   план
музыкального отделения в 2006 году. Все прошедшие годы идёт активная  работа
по разработке новых форм ведения предмета, учебного  материала  и  различных
пособий.
      Однако  преподаватели  столкнулись  с   проблемой   подбора   учебного
материала при подготовке к урокам, поскольку  конкретного  учебного  пособия
для той или иной категории учащихся не существует. Поэтому при подготовке  к
конкретному уроку  приходилось  пользоваться  огромным  количеством  учебных
пособий, справочников, энциклопедий, информационными технологиями.
      Представленная работа является обобщением опыта преподавателя.  В  ней
предлагается разработка цикла уроков по конкретной теме –  «Искусство  эпохи
Возрождения», текст которой, по мнению, автора доступен  для  учащихся  5(7)
или 2(5) классс, для которых и рассчитана данная тема.
      Цель работы  -  наиболее  полно  и  всесторонне  показать  особенности
развития культуры и искусства Ренессанса Италии, дать  основные  сведения  о
представителях различных направлений искусства  того  времени,  особенностях
их творчества, анализ наиболее ярких и известных  работ,   не  углубляясь  в
такие вопросы, как биография художников или подробное  описание  технических
особенностей архитектурных сооружений.
      Разумеется, что  предлагаемый  план  учебного  материала  не  является
абсолютным.  Изменение  количества   часов   на   изучаемые   темы   целиком
принадлежит преподавателю. Это может зависеть от многих факторов  –  степени
заинтересованности учащимися  той  или  иной  темой,  уровень  усвоения  ими
учебного материала и  т.  д.  Возможно  самостоятельное  изучение  учащимися
отдельных тем или их частей.
      В работе также представлены варианты  опроса  учащихся  на  уроках  по
определённой теме, а также  пример  контрольного  урока.  Некоторые  вопросы
предполагают конкретные ответы, причём в данном случае  преподаватель  имеет
возможность проследить грамотность и полноту ответа. Другие вопросы  (тесты)
предполагают выбор из предложенных вариантов ответов правильный.  Это  могут
быть как устные, так и письменные  задания.  Разумеется,  что  преподаватель
постоянно  контролирует  ответы   учащихся,   следя   за   формулировкой   и
построением  предложений.  На  опрос  предполагается  отводить  10-15  минут
урока.
      Эти примеры не являются догмой и не претендуют на абсолют.  Это  всего
лишь попытка автора поделиться опытом.
      Данный учебный материал апробирован на уроках и не вызвал  затруднений
у учащихся.












       [pic]

                                  Урок № 1

                  Тема: «Эпоха Возрождения. Возникновение.
                        Периодизация. Проторенессанс»

      XIII век открыл собой новый период зарубежной истории, а вместе с  тем
и истории искусства  и  культуры.  Новая  эпоха,  которая  пришла  на  смену
средневековью,  оказала  огромное  влияние  на  всё   последующее   развитие
культуры.  Это  был  финал  феодального  средневековья   и   начало   нового
капиталистического    периода.    Наступило    время    зарождения    новых,
капиталистических отношений. Они шли на смену феодальному обществу  и  несли
с собой новый  тип  личности  –  активной,  жаждущей  познаний,  деятельной,
стремящейся вырваться из оков церковной идеологии.
      Это  было  время  великих  открытий.  В  XV   веке   было   изобретено
книгопечатание, это изобретение дало возможность  пользоваться  достижениями
науки и искусства практически всем желающим, а не  только  церковникам,  как
это было раньше. Благодаря смелым и рискованным людям  совершены  величайшие
географические открытия – Христофор Колумб открыл  Америку,  Васко  да  Гама
показал дорогу в Индию через юг  Африки,  Магеллан  обогнул  Америку  с  юга
через пролив, который затем получил его имя,  Америго  Веспуччи  объездил  и
описал Америку. А разве можно не назвать великие учёные  умы  того  времени?
Коперник,  который  доказал,  что  Земля  вращается  вокруг  Солнца,  а   не
наоборот. Галилей и Кеплер окончательно подтвердили эту теорию.
      Религиозная  мораль,  царившая  в  средневековье,  уже   не   отвечала
принципам нового мира. Смена языческой религии на  христианскую  потребовала
нового  мышления.  Человек,  в   понятии   средневековья,   должен   прожить
«праведную жизнь», безгреховную, дабы попасть в  рай  после  смерти.  А  для
этого все свои он  должен  посвятить  богу,  молясь  за  свои  грехи.  Новое
общество говорило  другое. Человек – это свободная личность. Он имеет  право
быть счастливым не   после  смерти,  а  теперь.  Он  должен  развивать  свои
таланты и способности. Он красив и внешне, и духовно, он гармонично  развит,
он  –  обладатель  творческих,  физических  и  духовных  возможностей.   Так
говорили гуманисты –  последователи  возникшего  в  обществе  направления  –
гуманизма.
      Но разве не эти же цели преследовала  эпоха  античного  мира,  которая
воспевала и физическую, и духовную красоту  человека?  Достаточно  вспомнить
прекрасные примеры искусства Древних греков и римлян  –  «Дискобол»  Мирона,
работы Праксителя и Фидия, которые пронизаны идеалами  красоты,  гражданской
добродетели. Это ли не образ человека,  не  скованного  догмой,  прекрасного
телом  и  богатого  душой?  Таким  образом,  идеалы  античного  мира   вновь
возродились в XIII  веке.  Поэтому  новое  время  получило  название  «Эпоха
Возрождения». Однако  это  не  было  механическим  повторением  пройденного:
Возрождение – это восстановленная связь времён, это утверждение  достоинства
человека и  постепенное,  драматическое  открытие  в  мире  неведомых  ранее
конфликтов, противоречий и страстей.
      Гуманистов вдохновляла античная эпоха, служившая  для  них  источником
знаний и образцом художественного  творчества.  Великое  прошлое,  постоянно
напоминавшее о  себе  в  Италии,  воспринималось,  в  то  время  как  высшее
совершенство. Возникший в XVI веке термин  «возрождение»  означал  появление
нового искусства, возрождающего классическую древность, античную культуру.
      Впервые термин «Возрождение» ввёл  в  культуру  итальянский  художник,
архитектор и теоретик искусства Джорджо Вазари в своей книге  «Жизнеописания
наиболее  знаменитых  живописцев,  ваятелей  и  зодчих»  («Le  Vite   de'piu
eccelenti Pittori, Scultori e Architetti»). Книга вышла в свет 1568 году.  В
этом сочинении, хотя и  нет  строгой  критики,  тем  не  менее,  заключается
столько драгоценных  для  нашего  времени  сведений,  что  если  бы  она  не
существовала, то в истории итальянского искусства был бы большой пробел.
      Разумеется, что  изменения  в  обществе  отразились  и  на  искусстве.
Художники, скульпторы, архитекторы, музыканты и театральные деятели  открыли
нового человека и тот новый мир, в котором он жил.
      Когда  мы  говорим  о  Возрождении,  перед  нами  предстают   картины,
созданные  гением  великих  мастеров  –  Леонардо  да   Винчи   и   Рафаэля,
Микеланджело и Боттичелли, Сервантеса и Шекспира.
      Возрождение затронуло всю западную  Европу.  Однако  наиболее  ярко  и
выразительно оно проявило себя в Италии.
Эпоха итальянского Возрождения делится на несколько этапов:
           1.  Проторенессанс («Предвозрождение») – XIII – XIV века
           2.  Раннее Возрождение – XV век
           3.  Высокое Возрождение – конец XV – началоXVI века
           4.  Позднее Возрождение – 2/3 XVI века
      Проторенессанс. В итальянской культуре XIII века  переплетались  черты
старого и нового, ещё сильны традиции искусства средних  веков.  Но  уже  на
этом фоне стали появляться черты нового искусства.
      Родиной Ренессанса считается город  Флоренция.  В  то  время  это  был
наиболее развитый  и  передовой  город-  государство  Италии.  Именно  здесь
наметились  первые  сдвиги  в  изобразительном  искусстве,  появилась  новая
литература, самыми яркими представителями которой  были  Данте,  Петрарка  и
Боккаччо.  Флоренцию   называли  «цветком  Италии».  Власть  в  этом  городе
принадлежала купцам и ремесленникам.  Однако  особое  влияние  на  городские
дела оказывали несколько  богатых  семейств.  Они  находились  в  постоянном
соперничестве между  собой,  и,  в  конце  концов,  эта  борьба  закончилась
победой  дома  Медичи.  Глава  этого  семейства  стал  негласным  правителем
Флоренции. Ко двору Медичи приглашались  лучшие  представители  искусства  и
культуры – писатели, поэты, скульпторы, художники, учёные, музыканты.
      Одним из  самых  ценных  источников  сведений  о  жизни  и  творчестве
итальянских художников служит всё тот же внушительный труд Вазари.
      Первое жизнеописание в своей книге Вазари посвятил Чимабуэ,  настоящее
имя  которого  Ченни  де  Пепо  (1240-1302).  Именно   его   Вазари   назвал
родоначальником нового итальянского стиля живописи. Чимабуэ был знаменит  во
Флоренции как мастер торжественной алтарной картины  и  иконы.  Его  образам
свойственны спокойный характер, отвлечённость и статичность. Хотя Чимабуэ  в
творчестве следовал византийским традициям и канонам, он  старался  выразить
в своих работах земные чувства,  смягчить  и  «очеловечить»  жёсткие  законы
византийской и средневековой иконописи. Его работы это уже не просто  иконы,
а «живые», реальные персонажи, хотя  и  взятые  из  традиционных  источников
(Библия, Евангелие и т. д.).
      Первым, кто сделал решительный шаг к искусству нового типа, был Джотто
ди Бондоне (1276-1337 г.). Этот художник родом из  Флоренции.  Его  учителем
был сам Чимабуэ. Вазари  в  своей  книге  так  описывает  встречу  Джотто  с
Чимабуэ: «Мальчик Джотто как-то пас овец, и пока те щипали  травку,  рисовал
на камне. Мимо проходил Чимабуэ. Поражённый  дарованием  ребёнка,  живописец
принял его в свою мастерскую».[1]
      Джотто первым порвал со средневековыми  канонами, внёс  в  религиозные
сцены земное начало, изображая евангельские  легенды  с  огромной  жизненной
убедительностью. Джотто открыл новый этап в истории  живописи  всей  Европы.
Он создал облик  мира,  подобный  реальному  по  своим  основным  свойствам.
Благодаря Джотто излюбленная ранее в Италии техника  мозаики  была  заменена
техникой фрески. Мозаика, которая использовалась ещё в эпоху  средневековья,
была очень трудоёмкой техникой  и  весьма  дорогой.  Фреска  же,  восходя  к
античным   традициям,   более   соответствовала   требованиям   ренессансной
живописи: во-первых, она  позволяла  с  большей  определённостью  передавать
объём и плотность материи, нежели мозаика с её  неощутимостью  материи;  во-
вторых,  фреска  позволяла   достаточно   быстро   создавать   многофигурные
композиции, тогда как для создания  мозаичной  работы  требовалось  огромное
количество времени.
      Джотто первым ввёл  в  живопись  принцип  –  подражать  природе.  Этот
принцип в дальнейшем стал основным для всего  искусства  Ренессанса.  Джотто
начал рисовать прямо с натуры живых людей, чего не делали ни в Византии,  ни
в средние века. Он ввёл  в  живопись  Возрождения  реальное  пространство  и
реальные предметы. Фигуры в изображении Джотто  объёмны.  Каким  образом  он
сумел достичь  этого?  Джотто  воскресил  известный  ещё  в  античную  эпоху
оптический эффект – световую моделировку  (rilievo).  То  есть  человеческий
глаз воспринимает светлое более приближённым к нему,  а  тёмное  наоборот  –
более отдалённым.
      В  работах   Джотто   наблюдается   нарушение   канонов   плоскостного
изображения. Его фигуры помещены не на золотом фоне, а на фоне  пейзажа  или
в интерьере. Более того, у предшественников художника линия  горизонта  была
обычно приподнята для более полного расположения фигур на плоскости.  Джотто
же  располагает линию горизонта на естественном уровне.
      Все эти новые принципы живописи Джотто разработал в  процессе  росписи
капеллы Санта Мария дель Арена в Падуе. Эта  небольшая  однонефная  церковь,
по видимому, была построена по его же проекту. Тот,  кто  переступает  порог
этой капеллы, останавливается в изумлении  –  столько  света  и  простора  в
небольшом помещении. Это впечатление возникает благодаря  фрескам  Джотто  с
их яркими, сияющими красками и  ясностью  форм.  На  холодновато-синем  фоне
выделяются фигуры, написанные в жёлтых, розовых, зелёных тонах.
      Здесь художник по-новому трактовал традиционные христианские сюжеты  и
ввёл новые из апокрифической[2]  литературы. Обширный  фресковый  цикл  этой
капеллы  включает  в  себя  роспись  свода,  композицию  «Страшный  суд»  на
западной стене, 34 сцены из жизни Марии и Христа, расположенные в три  яруса
на длинных боковых стенах. Верхний ряд отображал события из жизни Иоакима  и
Анны, родителей Девы Марии, которые предшествовали её рождению,  и  основные
моменты  жизненного  пути  Богоматери.  Второй  и  третий  ярусы   посвящены
евангельским сценам. Внизу помещены 14 фигур пророков и добродетелей.
      На входной западной стене изображён Страшный суд. Напротив этой стены,
на столбах – Благовещенье. Потолок был расписан как звёздное небо.
      Приёмы,  которые  использовал  Джотто  в   росписи   капеллы,   весьма
разнообразны. Например, ему не свойственна симметрия, он предпочитает  более
свободные построения.
      Следует обратить внимание на то, что при работе  над  фресками  Джотто
огромное внимание уделял показу душевного состояния героев,  их  внутреннего
состояния. Вообще его  живопись  по  сравнению  со  всей  предыдущей,  очень
эмоциональна. В отличие от византийских  икон,  на  которых  нимбы  занимают
гораздо больше места, нежели головы, у Джотто  на  передний  план  выступают
лица, на которых виден характер и состояние  человека,  а  не  безжизненные,
абстрактные образы.
      Самой полной художественной выразительности Джотто достигает во фреске
«Поцелуй Иуды». В центре композиции мы видим два профиля –  Христа  и  Иуды.
Они очень близко смотрят друг другу в глаза.  Но  какие  разные  эти  глаза!
Христос будто проникает в саму душу  предателя,  в  самую  её  глубину.  Его
профиль по-гречески красив, черты лица  тонкие  и  мягкие.  Иуда,  напротив,
изображён Джотто уродливым, нам даже трудно более  подробно  разглядеть  его
лицо. Но страх всё же чувствуется в его  взгляде,  Иуду  пугает  спокойствие
учителя. «Это едва ли не первое и едва ли  не  лучшее  в  истории  искусства
изображение безмолвного поединка взглядов –  труднейшее  для  живописца».[3]
Особую драматичность и напряжение ситуации придают  взметнувшиеся  в  ночное
небо копья и факелы. Немалое значение в этой  фреске  играет  цвет.  Светлый
тон плаща Иуды сразу привлекает наше  внимание  именно  к  этому  персонажу.
Однако мягкие складки одежды, спускающиеся с левой руки,  которой  предатель
обнимает Иисуса,  невольно  переводят  наш  взгляд  именно  на  светлый  лик
Христа.
      Новаторское значение искусства Джотто осознали уже  его  современники,
оно привлекало к себе большое внимание и в последующие века.
      Архитектура  и  скульптура  Проторенессанса  ещё  не  столь  велика  и
выразительна. Тем не менее, и здесь  появляются  имена,  которые  прославили
искусство Возрождения.
      Среди скульпторов того времени выделяется  семья  Пизано.  Основателем
этой династии стал Николо Пизано. Он родился на юге Италии,  в  Апулии,  но,
работая в городе Пиза, настолько  сроднился  с  ним,  что  получил  прозвище
Пизано, с которым и вошёл в историю итальянского искусства. Он,  разумеется,
изучал традиции античной культуры и, прежде всего, скульптуры.
      Одно  из  выдающихся  достижений  Пизано-скульптора   –   Шестигранная
мраморная кафедра для баптистерия.  Кафедра  выполнена  из  белого,  розово-
красного и тёмно-зелёного мрамора. На стенках кафедры  представлены  рельефы
на сюжеты из жизни Христа. Между ними располагаются фигуры пророков.  Колоны
опираются на спины лежащих львов. Несмотря на  то,  что  Пизано  использовал
здесь традиционные сюжеты и мотивы (Библия),  главное  новшество  состоит  в
том, что он сумел придать формам  объёмность  и  выразительность,  а  каждое
изображение обладает телесной мощью. Образы Пизано величавы  и  бесстрастны.
Богоматерь  напоминает  римскую  богиню  Юнону,  аллегория   Силы   в   виде
обнажённого атлета – античного героя Геракла.
      Сын Николо Пизано – Джованни Пизано – стал его учеником и  помощником.
Причём его слава стала более громкой, чем имя отца.  Творчество  Пизано-сына
– редкий пример искусства, которое протягивало нити  в  будущее.  Неслучайно
его искания имеют сходство с опытами прославленного Микеланджело.
      Наиболее известны созданные им кафедры в  Пизанском  соборе  и  церкви
Сант-Андреа. Сложные многофигурные  рельефы,  украшающие  кафедры,  охвачены
порывистым движением. Здесь нет  того  спокойствия  фигур,  характерных  для
Николо  Пизано.  Они,  словно  стремятся  вырваться  из  камня.   Их   жесты
естественны,  лица  выразительны.  Переплелись  между  собой  многочисленные
фигуры  –  матери,  пытаясь  спасти  своих  детей,  вступают  в  схватку   с
солдатами, даже львы,  которые  поддерживают  кафедру  в  Пизанском  соборе,
кажется, рычат от ярости.
                                  Урок № 2
        Тема: «Раннее Возрождение. Творчество Донателло, Брунеллески,
                           Мазаччо, Боттичелли» »

Опрос по пройденному материалу.

      Ответьте на вопросы (устно):

   1. Какая историческая эпоха предшествовала эпохе Возрождения?
   2. Что означает термин «возрождение»? Какие темы и идеи возрождались?
   3. Кто первый ввёл термин «возрождение»?
   4. Каковы временные рамки эпохи Возрождения?
   5. На сколько периодов делится эпоха Возрождения?
   6. Кого можно назвать первым художником Проторенессанса?
   7. Кто из художников первым стал использовать фреску, как жанр живописи и
      почему?
   8. Проанализируйте фреску Джотто «Поцелуй Иуды».
   9. Чем отличается творчество Пизано-сына от творчества Пизано-отца?

Новая тема.


      Искусство Раннего Возрождения полностью  было  подчинено  вкусам  дома
Медичи.  Сюда  приглашались  лучшие  художники,   скульпторы,   архитекторы,
которые создавали свои  лучшие  творения  для  украшения  фонтанов,  домовых
церквей, садов и парков.
      Первым и самым ярким скульптором Раннего Возрождения  был  Донатто  ди
Николо ди Бетто Барди  (1386-1466  г.),  которого  близкие  друзья  называли
просто Донателло. Именно этим именем он подписывал  свои  работы.  Донателло
смог  соединить  античные  идеалы  («телесность»  изображения,  бесстрастное
гармонично  развитое   тело)   с   религиозной   духовностью   и   утвердить
нравственную и эстетическую ценность человеческой личности.
      Родной город  Донателло  –  Флоренция  хранит  множество  произведений
скульптора, и не только в музейных собраниях. Они украшают  площади,  фасады
и интерьеры зданий, многие из них находятся на тех же  местах,  для  которых
предназначал их сам автор. Однако Донателло много путешествовал и работал  в
разных городах Италии.  Его  работы  можно  увидеть  в  Сиене,  Пизе,  Риме,
Венеции, Падуе. Огромная слава, которая  сопровождала  Донателло,  нисколько
не изменила его характера. Он был добр и внимателен ко всем,  кто  обращался
к нему за советом или  помощью.  Говорят,  что  на  дверях  своего  дома  во
Флоренции Донателло вешал кошелёк  с  деньгами,  взять  которые  мог  каждый
нуждающийся.
      С одной стороны, Донателло жаждал  в  искусстве  жизненной  правды.  С
другой, он придавал своим работам черты возвышенной героики.
      Почти все произведения скульптора созданы на религиозные  сюжеты.  Это
не удивительно, потому что главным  заказчиком  для  художников  и  в  эпоху
Возрождения оставалась церковь. Другое дело, что,  создавая  свои  статуи  и
рельефы, Донателло вкладывал  в  них  новое  содержание.  Его  библейские  и
евангельские герои –  современники  скульптора.  Они  выражают  те  чувства,
которые волновали самого Донателло.
      Среди колоссального количества работ Донателло выберем лишь некоторые,
наиболее известные в мировой культуре.
      Первым достоверным произведением Донателло является  мраморная  статуя
«Давида», созданная для украшения фонтана во внутреннем дворе  дома  Медичи.
Давид – персонаж библии. Это молодой пастух, который сумел победить  гиганта
Голиафа. Давид у Донателло показан юным воином, торжествующим  свою  победу.
Современники скульптора связывали его Давида со своими  победами  над  более
сильными врагами. Поэтому этот образ получил патриотическое звучание.
      «Давид»  Донателло  –  это  первая  обнажённая  статуя  в  итальянском
Возрождении. Давид изображён после боя, его фигура  изображена  спокойной  и
расслабленной.  Широко  расставленные  ноги,  жесты  рук,  одна  из  которых
указывает на голову Голиафа, усиливают впечатление  лёгкости.  Статуя  полна
жизни и изящества. Давид  обращён  к  зрителю,  он  словно  позирует.  Давид
полностью обнажён, лишь на голове у  него  пастушья  шляпа  с  листьями,  на
ногах  - обувь. Герой стоит свободно и расслабленно, он опирается на  правую
ногу, левая – чуть отставлена назад. В правой руке Давида тяжёлый  меч.  Его
тело по-гречески красиво, упруго и крепко.  На  его  лице  мы  видим  лёгкую
безмятежную улыбку
      Знаменитая статуя «Святой Георгий», очевидно, была  создана  для  ниши
цеха оружейников на Ор Сан Микеле.  Если  верить  легенде,  Георгий  победил
огромного  дракона,  который   пожирал   людей,   и   освободил   принцессу,
предназначенную в жертву чудовищу. Поэтому для  граждан  Флоренции  это  был
герой-патриот.  Он  пробуждал  в  горожанах  любовь  к   отчизне,   воинскую
доблесть, уверенность в торжестве справедливости.
      Донателло  создал  скульптуру,  которая  отвечала  тому  глубокому   и
многозначному  смыслу,  который  вкладывали  в  образ  святого  современники
мастера. Святой Георгий – юный воин в латах и  со щитом. Он стоит  спокойно,
напряжённо и внимательно вглядываясь  вдаль.  Одной  рукой  он  придерживает
щит, другая прижата к телу. Донателло достаточно просто и вместе с тем  ёмко
выразил уверенность, решимость и  силу.  Георгий  твёрдо  опирается  на  обе
ноги, между которыми поставлен щит, придающий  фигуре  дополнительную  точку
опоры. Кажется, что никакая сила не сдвинет воина с места, не  заставит  его
отступить. Донателло подчёркивает крепость  закованного  в  латы  тела.  Все
линии очень чётки и определённы. Руки, ноги, корпус, отяжелённые  доспехами,
кажутся ещё более сильными. Монолитная фигура воина  производит  впечатление
несокрушимой мощи и уверенности в себе.
      Святой  Георгий  внешне  выглядит  достаточно  спокойно,  но  за   его
спокойствием чувствуется огромное напряжение. Левая нога чуть выдвинута,  на
неё перенесена большая тяжесть –  и,  кажется,  что  фигура  надвигается  на
зрителя. Пальцы правой руки как бы сами по себе сжимаются  в  кулак.  То  же
напряжение ощущается и в лице. Брови нахмурены, глаза, кажется, прикованы  к
чему-то, находящемся слева от него. Линии профиля  чётки  и  чеканны.  Перед
нами – человек высокой духовной силы, мужественный борец за  справедливость,
готовый в бою отстоять свои идеалы.
      Именно «Святым  Георгием»  начинается  героическая  линия  в  развитии
итальянского  искусства  Возрождения,   которая   завершилась   потрясающими
творениями Микеланджело.
      Несколько необычна  у  Донателло  трактовка  образа  Марии  Магдалины.
Деревянная скульптура, созданная скульптором видимо, для  одной  из  церкви,
поражает своей индивидуальностью.
      Действительно,  всё  в  «Марии  Магдалине»   кажется   необычным   для
искусства.  Обычно  художники  предпочитали  изображать   эту   раскаявшуюся
грешницу в  блеске  молодости  и  красоты.  У  Донателло  же  это  глубокая,
дряхлая,  уродливая  старуха,  одетая   в   лохмотья.   Скульптор   всячески
подчёркивает  её  дряхлость  –  лицо  покрыто  морщинами,  волосы  грязны  и
непричесанны, глаза кажутся слезящимися,  во  рту  видны  два  сохранившихся
зуба. Руки святой сложены перед  грудью  в  молитвенном  жесте  и,  кажется,
дрожат от старости. Пальцы полусогнуты, ладони не в силах  крепко  прижаться
друг к другу. В самой постановке фигуры ощущается  неуверенность,  слабость,
униженность. Почему же Донателло изображает молодую Марию в  таком  страшном
облике? Скорее всего, скульптор стремился показать не столько внешний  облик
библейского персонажа –  раскаявшейся  грешницы  –  а  его  внутренний  мир.
Изображение дряхлой старухи  –  это  не  что  иное,  как  пережитое  прошлое
персонажа, боль и раскаяние измученной и раскаявшейся души.
      Статуя  выполнена  из  дерева.  Именно  этот  тёплый  и  податливый  в
обработке материал мог наиболее впечатляюще и  выразительно  воплотить  идеи
скульптора.  Главный  эффект  достигнут   не   противопоставлением   фактуры
лохмотьев гладкой коже святой, а именно их неожиданным сходством.  Свисающие
вниз лоскутки напоминают длинные распущенные волосы. А кожа  на  лице  почти
также неровна и морщиниста, как и её одежды.
      В этой скульптуре нет повышенной  экспрессии,  однако  она  производит
сильнейшее впечатление.
      Одно  из  ведущих  мест   искусства   Раннего   Возрождения   занимает
архитектура. Это был настоящий переворот в  истории  архитектуры.  Флоренция
стала центром строительного искусства. Здесь строились превосходные  церкви,
дворцы, дома для дома Медичи. Каковы же характерные особенности  архитектуры
Раннего Ренессанса?
      Она становится более простой и спокойной по сравнению с эпохой Средних
веков.  Для  римской  архитектуры,  которая  стала   образцом   для   зодчих
Возрождения,   характерным   был   принцип    «декорирования»,    то    есть
украшательства. На плоскую  поверхность  стены  накладывались  архитектурные
детали – колонны, карнизы, пилястр, пилоны. Строители Ренессанса  достаточно
свободно, индивидуально обращаются к  античным  формам,  создавая  различные
комбинации из них
      Меняются  и  традиционные  ранее  строительные  материалы.  Всё   чаще
используется штукатурка. Больше в сооружениях чередуются  материал  и  цвет,
применяется железо, которое обеспечивает жёсткость и  прочность.  Становятся
распространёнными глухие своды и купола (в дальнейшем  именно  купол  станет
прекрасным местом для росписи).
      Родоначальником  нового  направления  архитектуры   Возрождения   стал
Филиппо Брунеллески (в других вариантах – Брунеллеско) [4]. Самое яркое  его
творение – это купол собора Санта Мария дель Фьоре во Флоренции.  Сам  собор
уже был возведён. А вот строительство купола  всё  откладывалось.  Трудность
состояла в том, что сам перекрываемый пролёт был огромных  по  тем  временам
размеров,  а  толщина  стен  барабана  –   небольшая.   Брунеллески   изучал
архитектуру  и  хорошо  знал  её  историю.  Более  того,  он   был   учёным-
изобретателем. Ему  удалось  построить  систему  из  восьми  угловых  рёбер,
которые он соединил перемычками. Архитектор насколько можно облегчил  купол,
сделав его пустотелым с двумя оболочками. Первая, то есть  нижняя,  является
несущей, а потому более толстой. Вторая (верхняя) – наоборот, более  тонкая,
защитная. Эта была необычная  форма удлинённого  восьмигранного  купола.  Он
соединил  в  себе  готический  стиль  Флоренции  и  римский  купол  (Римский
пантеон). Свой купол зодчий покрыл  тёмно-красной  черепицей,  восемь  рёбер
имеют белый цвет. Сверху купола находится изящный беломраморный фонарь.
      Для  живописцев  Раннего  Возрождения  особое  значение  стало   иметь
изучение анатомии человека. Красота человека – вот  что  почиталось.  Однако
долгое время главным заказчиком  произведений  оставалась  церковь,  поэтому
неудивительно, что большая часть сюжетов у  художников  –  это  христианские
сюжеты. Однако  рядом  с  подобными  работами  уже  появляются  и  другие  –
античная мифология, образы природы  и  другие.  Живопись  того  периода  ещё
далека от совершенства, однако её  вклад  в  общее  развитие  Ренессанса  не
вызывает сомнения.
      Огромная  роль,  которая  в  архитектуре  Раннего  Возрождения  сыграл
Брунеллески, а в скульптуре – Донателло, в  живописи  принадлежит  Томмазоди
сер Джованни ди Моне Кассаи, который получил  прозвище  Мазаччо.  По  словам
Вазари,  «Мазаччо  стремился  изображать  фигуры  с   большой   живостью   и
величайшей непосредственностью наподобие действительности».
      Жизнь его была крайне короткой, он прожил всего 28 лет (1401 –  1429).
Однако созданные им работы поражают силой и глубиной выражения  человеческих
чувств. Живопись Мазаччо отличает глубокий и достаточно тёмный колорит,  что
делает их характер напряжённым и  драматичным.  Сюжеты  работ  Мазаччо  –  в
основном, это сюжеты из Библии. Он первым в живописи  изобразил  обнажёнными
Адама и Еву. Фреска «Изгнание Адама и  Евы  из  рая»,  которая  находится  в
капелле Бранкаччи[5]. Перед нами грешники,  Адам  и  Ева,  которых  ангел  с
мечом в руках изгоняет из рая. Здесь главное не библейский сюжет  и  внешние
детали, а ощущение беспредельного человеческого отчаяния,  которым  охвачены
Адам (он закрыл лицо руками) и Ева  (её  глаза  практически  запали,  а  рот
искажён  криком  отчаяния).  Перед  нами  картина  нечеловеческого  горя   и
отчаяния. Фреска  потрясает  глубиной  мысли  и  чувства,  которые  художник
вложил в неё.
      «Редко какой художник так переживал и так выражал духовное  содержание
свое эпохи»  - так говорил Павел Муратов  о  художнике  Раннего  Возрождения
Сандро Боттичелли.[6] О жизни этого художника  известно  немного.  В  ранний
период творчества его работы отличаются спокойным и  мягким  настроением.  А
уже потом появляются изломанное, нервное изящество линий, хрупкость  форм  и
фигур. Его творчество –  это  великолепные,  известные  всему  миру  картины
«Весна», «Рождение Венеры»[7],  множество  «Мадонн»,  фрески  в  Сикстинской
капелле, иллюстрации «Божественной комедии» Данте.
      «Рождение Венеры» - одно  из  самых  известных  полотен  Боттичелли  и
Итальянской живописи в целом. На ней изображена богиня  любви,  появляющаяся
из морской пены. Она плывёт в большой раковине, которая заменяет  ей  лодку.
Эту лодку подгоняют к берегу, дуя на неё, бог  и  богиня  ветра.  На  берегу
Венеру поджидает нимфа, которая готова накинуть  на  неё  затканное  цветами
светло-малиновое покрывало. Облик Венеры –  неземной,  возвышенно-лёгкий.  У
неё идеальное женское лицо с кротким  взглядом.  Золотистые  длинные  волосы
богини мягко  струятся  по  её  обнажённому  телу.  На  картине  преобладают
матовые, светлые тона – золотистые,  зеленоватые,  светло-голубые.  Всё  это
подчёркивает чистоту и мягкость изображения.  На  этой  картине,  как  и  на
других,  Боттичелли  использует  элементы  «стилизации»,  то  есть  условно-
упрощённого изображения предметов. Здесь  это  морские  волны  и  летящие  в
воздухе цветы.
      Эта работа навеяна стихами выдающегося  гуманиста  Анджело  Полициано,
придворного  поэта  Медичи.  Равно  как  и  ещё  одно   известное   полотно,
написанное для украшения виллы Медичи – «Весна».
      На фоне тёмной зелени фантастического сада выступают  изящные  силуэты
гибких и стройных фигур девушек.  Под  их  ногами  цветущий  луг  напоминает
яркий ковёр. В глубине композиции – Венера. Она,  одетая  в  яркое  нарядное
платье, стоит  в  задумчивой  умиротворённой  позе  со  слегка  склонившейся
головой. Её окружает обязательная свита – амур с луком парит  в  вышине  над
её головой, три юные грации ведут хоровод, из рощи выбегает  нимфа,  которую
преследует фавн. На переднем плане  Весна,  или  богиня  Флора,  в  венке  и
затканном  цветами  платье  шествует  стремительно  и  так  легко,  что  еле
касается босыми  ногами  земли.  В  левом  углу  –  фигура  юноши,  которого
называют Меркурием. Ритм струящихся и текущих линий объединяет композицию  в
единое  целое,  создаёт  мягкую,  утончённую  цветовую   гармонию.   Пленяет
прелесть очертаний фигур, одежд, словно сотканных из воздуха, движений  рук,
касаний пальцев. Образ трёх граций прославляет наступающую  весну,  праздник
природы, человеческих чувств.
      В поздний период творчества Боттичелли предпочитал писать  картины  на
религиозные сюжеты. Причём  эти  работы  были  преимущественно  трагического
характера. Таковы полотна «Оплакивание Христа»  и «Покинутая».
      Боттичелли умер в полной нищете и забвении. Его творчество было заново
открыто лишь в середине XIX века.


                                  Урок № 3


                   Тема: «Искусство Высокого Возрождения»

Опрос по пройденной теме:

Письменная работа.
1. Определить по иллюстрациям работы представителей Раннего Возрождения:

   1. Донателло “Святой Георгий»
   2. Мазаччо «Изгнание Адама и Евы из рая».
   3. Боттичелли «Рождение Венеры»
   4. Донателло «Мария Магдалина»
   5. Брунеллески Собор Санта Мария дель Фьоре
   6. Донателло «Давид»
   7. Боттичелли «Весна»

2. Выбрать правильный ответ (подчеркнуть):

   1. В творчестве какого художника был применён приём стилизации?
   (Мазаччо, Боттичелли)
   2. Какая из скульптур Донателло выполнена из дерева?
   («Святой Георгий», «Мария Магдалина»)
   3. Кто является создателем купола Собора Санта Мария дель Фьоре?
   (Пизано, Брунеллески)
   4. В какой момент изображён Давид Донателло?
   (перед боем, после боя)
   5. В каком городе находится собор Санта Мария дель Фьоре?
   (Венеция, Флоренция)
   6. В творчестве какого художника трагические темы появляются в  последний
      период творчества?
   (Боттичелли, Мазаччо)
   7. В каком музее находится картина Боттичелли «Рождение Венеры»?
   (Уффици, Дрезденская галерея)
   8. В каком жанре живописи выполнена работа Мазаччо «Изгнание Адама и  Евы
   из рая»?
   (фреска, мозаика)


Новая тема

      Высокое  Возрождение…  Название  этого  периода  в  истории  искусства
говорит само за себя. Это было время необычайного подъёма во  всех  областях
науки и искусства. В этот  период  творили  «титаны»  эпохи  –  Леонардо  да
Винчи, Рафаэль Санти, Микеланджело Буонарроти, Тициан, Браманте… И это  было
уже не местное (итальянское) явление,  а  всемирное.  Никогда  представители
культуры не пользовались такой всемирной славой, как  художники  Италии  XVI
века. И эта слава поистине  заслужена.  Это  было  время  анализа,  поисков,
находок. Это был итог всего предшествующего.
      Коренные сдвиги, связанные  с  решающими  событиями  мировой  истории,
успехами передовой научной мысли, бесконечно расширили  представления  людей
о мире – не только о земле, но и о Космосе. Восприятие мира  и  человеческой
личности как будто укрупнилось. В  искусстве  это  отразилось  не  только  в
величественных масштабах  архитектурных  сооружений,  монументов,  фресковых
циклах и картин, но и в их содержании,  выразительности  образов.  Искусство
Высокого Возрождения  представляет  собой  живой  и  сложный  художественный
процесс с яркими взлётами и последующим кризисом в искусстве.
      Имена этой эпохи – это не просто имена, это глыбы – Леонардо, Рафаэль,
Микеланджело,   Браманте,   Тициан.   Их   достаточно,   чтобы    прославить
итальянскую, да и мировую культуру того времени.
      Если говорить об архитектуре того периода, следует  отметить,  что  из
Флоренции центр её переместился в Рим, святую святых католицизма.  Здесь,  в
Риме,  и  по  сей  день,   находится   Ватикан,   город-государство,   центр
католической веры. Не удивительно, что именно в  Риме  началось  грандиозное
строительство храмов и соборов.
      Донато Браманте (1444-1514) был выдающимся архитектором того  периода.
Именно он стал основоположником нового художественного стиля в  архитектуре.
От архитектуры Раннего Возрождения этот стиль  отличался  уравновешенностью,
строгостью, преобладанием формы круга, купола,  арки  и  полным  отсутствием
элементов готической архитектуры (лёгкость, воздушность). Именно  круг  стал
символом гармонии, и именно круг стал основой творчества Браманте.
      Жизнь этого зодчего необычна. Он  начинал  работать  как  живописец  в
Милане, был лично знаком с  Леонардо.  Однако  затем  он  настолько  увлёкся
архитектурой, что  полностью  посвятил  себя  этому  виду  искусства.  Начав
работать в Милане в  качестве  архитектора,  Браманте,  по  заказу  герцога,
построил несколько зданий. Затем,  переехав  в  Рим,  стал  одним  из  самых
известных зодчих Италии.
      В 1505 году он приступил к созданию комплекса зданий  в  Ватикане  для
Римского папы. Центром этих сооружений, несомненно, является  Собор  Святого
Петра. Когда-то на  этом  месте  находилась  древняя  христианская  церковь,
построенная ещё в IV веке. В то время  она  была  главным  храмом  Рима.  Но
время шло, рос Рим, и  эта  церковь  устарела.  Потребовалось  строительство
нового храма. И именно  Браманте  принялся  за  эту  работу.  Он  разработал
проект Собора Святого Петра как  грандиозной  постройки  крестово-купольного
храма. Именно этот тип  постройки  стал  основой  в  архитектуре  сначала  в
Италии, а потом и в других странах (в том числе и в России).
      Этот собор строился на протяжении нескольких столетий, вплоть до  XVII
века. В его строительстве принимали участие многие зодчие,  в  том  числе  и
Микеланджело.
      Имя Микеланджело Буонарроти занимает особое место в истории  искусства
Ренессанса. Почти  75  лет  творил  этот  великий  зодчий,  художник,  поэт,
скульптор. Борьба за утверждение прав человека,  свободолюбивый  дух,  сила,
мощь – вот те основополагающие начала творчества этого великого человека.
      Главная тема творчества Микеланджело –  борьба  за  утверждение  права
человека на свободу, творчество, счастье.
      Как и большинство  его  современников,  Микеланджело  выполнял  заказы
главным  образом  римской  католической  церкви.  Поэтому  многие   из   его
произведений (живописные и архитектурные) созданы на религиозный сюжет.  Тем
не менее, даже в религиозные сюжеты Микеланджело вкладывал  особый  смысл  и
особое содержание. Это был повод для раскрытия больших  человеческих  чувств
и идей своего времени.
      Религиозные  и  мифологические  герои  становились  для   Микеланджело
воплощением прекраснейших человеческих качеств –  физических,  нравственных,
активного волевого начала, благородства и устремлённости. Вот почему он  так
охотно  обращался   к  образам  библейских  героев,  к  героическим  образам
пророков,  сильных,  мудрых,  ставших   воплощением   идеалом   ренессансной
гармонически развитой личности.
      Воплощением главной темы своего творчества –  борьба  силы  и  духа  –
стала знаменитая статуя Давида. Однако эта работа отличается  от  скульптуры
его предшественника  –  Донателло.  В  отличие  от  Донателло,  Микеланджело
изображает библейского героя перед  боем.  Размеры  этой  скульптуры  –  5,5
метров – в то время были редкостью. Поэтому её  называли  на  греческий  лад
«гигантом». Перед нами  обнажённая  фигура  героя  одновременно  передаёт  и
красоту идеально развитого на античный манер тела, и  внутреннее  напряжение
библейского героя, готового к совершению подвига. Одна  рука  Давида  держит
пращу, другая опущена вдоль тела. Его фигура устойчива, естественна.  Видно,
как  напряжён  каждый  мускул  его  тела.  Тело  героя   сильное,   крепкое,
тренированное.  Особенно  проработаны  руки  и  ноги,  слегка  вздутые  вены
говорят о напряжении шеи. Лицо внешне  спокойно,  но  чувствуется  внутренне
напряжение – зорко вглядываются вдаль глаза,  близко  сдвинуты  брови,  губы
плотно  сжаты.  Перед  нами  лицо  бойца,  который  собирает  все  силы  для
решительной битвы.
      Образ Давида – это олицетворение мощи и уверенности в победе человека,
выступающего на борьбу за правое дело. «Давид  выражает  мысль  о  том,  что
правители должны мужественно защищать город  и  справедливо  им  управлять».
[8]
      Изначально, статуя Давида была установлена в центре  Рима, на площади.
Там она простояла более трёх столетий. В последствие её  перенесли  в  музей
города Флоренции.
      Жизнь Микеланджело - долгая и полная событий. «Пусть тот, кто отрицает
гений, кто не знает, что это  такое,  вспомнит  Микеланджело.  Вот  человек,
поистине одержимый гением. Гением, чужеродным по натуре, вторгшимся  в  него
как завоеватель и державшим его в кабале».[9]
      Однако  Микеланджело  известен  нам  не  только  как  скульптор.   Его
деятельность  живописца  прекрасна  и  величественна.  Хотя   живописью   он
занимался весьма неохотно. Самым известным творением гения в жанре  живописи
стала роспись потолка Сикстинской капеллы.[10]  Микеланджело  всегда  считал
себя в первую очередь  скульптором,  однако,  взявшись  за  эту  работу,  он
загорелся творчеством и полностью отдался ей.
      10 мая 1508 года он записал: «Сегодня я начал работать в капелле».  31
октября 1512 года Сикстинская капелла  была  открыта  для  обозрения.  Между
этими датами 4 года,  5  месяцев  и  21  день  тяжелейшего,  напряжённейшего
творческого и физического труда.
        Отказавшись  от  помощи  других  художников,  Микеланджело  расписал
фресками 600 квадратных метров свода Сикстинской капеллы. Работая на  лесах,
на высоте 18 метров, с  запрокинутой  вверх  головой,  не  видя  целого,  он
создал сложное  композиционное  построение,  точно  следуя  своему  замыслу.
Микеланджело заполнил росписями не только  свод  потолка,   но  и  плоскости
архитектурных форм – паруса по углам капеллы, полукруглые арки  над  окнами.
Сюжеты  росписи  традиционны  для  искусства  Ренессанса.   Это   библейское
предание о Ное, образы Бога, Адама,  Евы,  пророков,  библейские  персонажи.
Всего – около 300 фигур. Здесь отражена вся история человечества,  от  самых
её первых дней.
      Один из центральных образов росписи – это образ  Бога,  величественный
старец, творящий жизнь, отделяющий свет от  тьмы,  управляющий  космическими
силами. Фигура Бога дана то в стремительном движении полёта, то в  окружении
небесных спутников. Он полон  творческой  энергии,  внутренней  собранности.
Очень выразительны его жесты.
      В некоторых полях Микеланджело  развёртывает  по  два  сюжета.  Такова
сцена «Грехопадение и изгнание из Рая». Она разделена  на  2  части  могучим
крепким деревом. В левой – изображены Адам и Ева под тенью  могучего  древа.
Они полны гордой красоты и силы. Их лица спокойны и  безмятежны.  Они  смело
протягивают руки  к  древу  познания  добра  и  зла.  В  правой  –  это  уже
совершенно другие люди. Они  смятенные,  страдающие,  съёжившиеся  от  ужаса
совершённого греха, гонимые карающим мечом ангела.
      Микеланджело  отказывается  в  этих  росписях  от  всего   лишнего   в
характеристике места происходящего. Он сосредотачивает внимание  на  главном
– на людях, на их чувствах, их внутреннем душевном состоянии.
      Один из  самых  прекрасных  образов  –  пробуждающийся  к  жизни  Адам
(«Сотворение Адама»). Перед нами по-гречески атлетически сложённый  юноша  с
безвольно протянутой рукой, в которую могучая рука творца – Бога  словно  бы
вливает жизненную силу и энергию.
      Папа  Юлий,  по  заказу   которого   работал   Микеланджело,   остался
чрезвычайно доволен росписями художника. Что  касается  самого  автора  этой
грандиозной работы, то ещё долгое  время  после  её  завершения  он  не  мог
смотреть прямо перед  собой.  И  если  ему  приходилось  читать  письма  или
бумаги, он вынужден был держать их высоко над головой.


                  Я получил за труд лишь зоб, хворобу,
                  Да подбородком вклинился в утробу.
                  Грудь как у гарпий. Череп мне на злобу
                  Полез к горбу, и дыбом борода.
                  А с кисти на лицо течёт бурда,
                  Рядя меня в парчу, подобно гробу…


                  (Микеланджело, стихотворение «К Джованни, что из Пистойи»)


      Невероятная по  напряжению  работа  очень  сильно  подорвала  здоровье
Микеланджело. Однако его великолепный труд и по сей день радует  посетителей
Сикстинской капеллы в Ватикане.
      В поздний  период  творчества  Микеланджело  обратился  к  иным  видам
искусства – поэзии и архитектуре.
      Поэзия  сопровождала  Микеланджело  всю  его  жизнь.  Раннее  из   его
стихотворений было написано в возрасте 27 лет, но наибольшее количество  его
стихов приходится именно на поздние годы. В поэзии  он  предпочитал  сжатые,
миниатюрные формы – мадригал, эпиграммы, стансы.  Их  он  посвящал  и  дарил
своим друзьям. Не всегда совершенная по рифме поэзия  Микеланджело  поражает
свежестью и глубиной мысли.


                       Ужели, донна, впрямь (хоть утверждает
                       Тот долгий опыт) оживлённый лик,
                       Который в косном мраморе возник,
                       Прах своего творца переживает?


                       Так! Следствию причина уступает,
                       Удел искусства более велик,
                       Чем естества! В ваянье мир постиг,
                       Что смерть, что время здесь не побеждает.


                       Вот почему могу бессмертье дать
                       Я нам обоим в краске или камне,
                       Запечатлев твой облик и себя.


                       Спустя столетья люди будут знать,
                      Как ты прекрасна, и как жизнь тяжка мне,
                      И как я мудр, что полюбил тебя.


                                         (Виттории Колонне, маркизе Пескара)


      Наиболее значительное творение Микеланджело в  области  архитектуры  –
Собор Святого Петра  в  Риме  (Ватикан).  Над  строительством  этого  собора
работали многие выдающиеся мастера того времени, в  том  числе  и  Браманте.
Однако из-за его смерти работы остались незавершёнными. Микеланджело  весьма
значительно переделал проект  Браманте.  Он  стремился  к  возможно  большей
ясности  и  простоте  внутреннего  пространства,  к   его   объединению,   к
подчинению всех деталей  основной  форме  крестово-купольного  храма,  форме
равноконечного креста.
      Основное достижение Микеланджело-архитектора в постройке этого  собора
– это  громадный  купол,  который  венчает  Собор  Святого  Петра.  При  его
создании Микеланджело учитывал опыт  Брунеллески  (Собор  Санта  Мария  дель
Фьоре). Но  если  Брунеллески  возводил  купол  на  восьмигранном  барабане,
сохранив в нём соответственно 8 рёбер, то  Микеланджело  дал  куполу  Собора
Святого  Петра  16-гранное  основание,  практически  приближенное  к  кругу.
Барабан купола он украсил мощными двойными колоннами и нишами между ними.
      Колоссальный  торжественный  купол  Собора  Святого  Петра  и   теперь
господствует над Римом, утверждая  мощь  дарования  его  создателя.  В  этом
архитектурном  творении  Микеланджело  весьма   убедительно   выразил   своё
представление  о  величии  и   грандиозных   возможностях   человека   эпохи
Возрождения.  Не  эта  ли  мысль   была   основополагающей   для   искусства
Ренессанса?


















                                    [pic]


                                  Урок № 4


                       «Творчество Леонардо да Винчи»


      Опрос по предыдущей теме (устные ответы):


     1. Какой век характеризует эпоху Высокого Возрождения?
     2. Какие исторические и общественные изменения произошли в XVI веке?
     3. Какой город является центром католицизма?
     4. Какова роль Браманте в архитектуре Высокого Возрождения?
     5. Назовите виды деятельности Микеланджело.
     6.  Назовите  самые  известные  работы  Микеланджело  в  разных  видах
        искусства.
     7.   Проанализируйте   наиболее   запомнившееся    вам    произведение
        Микеланджело.


      Новая тема.


      Наверное, именно к  Леонардо  да  Винчи,  более  чем  ко  всем  другим
подходит понятие «человек универсальный». Кажется, что этот человек  знал  и
умел всё. Всё, что знало и умело его время. Он был художником,  скульптором,
архитектором, инженером, механиком,  музыкантом,  философом,  астрономом…  И
это далеко не вся его деятельность. Жизнь и судьба этого  человека  необычна
и поразительна. Все 67 лет, которые он прожил, он экспериментировал,  ставил
перед  собой  трудные,  порой  невыполнимые  задачи.  Леонардо  много,   что
начинал, однако мало что заканчивал, поскольку считал, что рука человека  не
способна   достичь   совершенства   в   задуманных   им   вещах.    Остались
незаконченными многие из его задумок – незавершенна идея написать маслом  на
холсте голову Медузы с  клубком  змей  вместо  причёски.  Незакончены  «Мона
Лиза», «Тайная вечеря». Но от этого они не  стали  быть  менее  уникальны  и
гениальны.
      Большую часть  своей  жизни  Леонардо  посвятил  науке.  Им  оставлено
огромное  количество  трактатов   и   записок,   которые   говорят   о   его
разносторонних  интересах.  Это:  «Трактат  о  свете  и  тени»,  «Трактат  о
живописи», «Трактат о полёте птиц»,  «Анатомическая  рукопись»,  «Трактат  о
глазе», «Трактат о движении и измерении воды» и многие  другие.  Причём  все
эти работы написаны «по-дьявольски», то  есть  наоборот,  так  что  прочесть
рукописи можно  только  в  зеркальном  отражении.  Это  ли  не  уникальность
таланта и гения Леонардо?! Однако мало, какие   его  научные  идеи  находили
отклик у современников, он слишком опережал своё время. Поэтому  его  работы
и труды воспринимались как фантазия,  игра  ума  и  воображения.  Однажды  в
письме к турецкому султану Леонардо высказал идею о создании моста,  который
бы соединил Стамбул и Галату. Такой  мост  действительно  был  построен,  но
только в XIX веке.
      Для нас Леонардо – это, прежде всего художник, подаривший человечеству
прекрасные полотна и работы.
      Одна из известных работ Леонардо да Винчи фреска «Тайная вечеря».  Эта
работа находится в Милане,  в  монастыре  Санта-Мария  дела  Грацие,  в  его
трапезной. На противоположном конце огромной залы трапезной  находился  стол
настоятеля монастыря. Таким образом, композиция  фрески,  где  тоже  написан
стол, параллельный узкой стене, естественно и гармонично связывался с  общим
интерьером и обстановкой
      Христос и его ученики сидят, словно, в этой же  трапезной.  На  фреске
изображён момент, когда Христос только что произнёс слова: «Завтра  один  из
вас предаст меня». Эти слова, произнесённые спокойно,  становятся  страшными
для учеников Иисуса. Они потрясены услышанным. У каждого  из  присутствующих
на  тайной  вечере  вырывается  непроизвольное  движение.   12   людей,   12
характеров, 12 различных реакций на слова, сказанных учителем.  До  Леонардо
многие из  художников  изображали  «Тайную  вечерю»,  но  лишь  ему  удалось
выразить замысел момента в многообразии психологических  типов  людей  и  их
эмоциональных откликов.
      Все апостолы энергично жестикулируют (характерная черта итальянцев). И
только любимый ученик – Иоанн –  молча  слушает,  сложив  руки  с  печальной
покорностью, что говорит  ему  Пётр.  Иоанн  как  будто  уже  предчувствовал
сказанное и воспринимает это как неизбежное. Другие ошеломлены услышанным  и
не хотят верить в  это.  Движения  молодых  порывисты,  бурные,  энергичные.
Старцы словно пытаются осмыслить и обсудить услышанные  слова.  Каждый  ищет
сочувствия и отклика у соседа. Поэтому весьма логична  композиция  фрески  –
изображение на ней четырёх групп присутствующих, по трое в каждой. И  только
Иуда, несмотря на то, что находится в группе с Иоанном и Петром,  изолирован
ото всех. Его фигура сразу привлекает к себе внимание. Он  отшатнулся  назад
от учителя, в то время как другие, наоборот, устремлены к центру, к  Христу.
Тёмный лик Иуды, судорожное движение руки  выдают  предателя,  его  нечистую
совесть. Сам Христос изображён спокойно, но с каплей горести на  челе.  Руки
его, словно, брошены на стол, одна ладонь поднята вверх. Говорят,  что  лицо
Иисуса Леонардо так и не дописал, хотя работал  над  фреской  в  течение  16
лет.
      Едва ли какой-нибудь другой портрет или другая  картина  привлекала  к
себе внимание на протяжении столетий, как ни «Джоконда» («Мона  Лиза»).  Эта
картина  породила  огромное  количество   слухов,   легенд.   Её   похищали,
подделывали. Её приписывали колдовскую силу… Но стоила ли она  всего  этого?
Всё же в чём причина подобной популярности?  Наверное,  всё  гораздо  проще.
Перед  нами  образ  проникновенного,  проницательного,  вечно  бодрствующего
человеческого интеллекта.
      Сейчас эта картина находится в Париже, в музее Лувр. Каждый день здесь
можно увидеть одного - двух художников, которые копируют  этот  портрет.  Но
ещё никому не удалось достичь полного сходства, всегда  получается  какое-то
другое выражение лица.  Выражение  лица  Джоконды  неуловимо.  В  нём  можно
увидеть  всё  –  улыбка,  ирония,  печаль,  скрытая,   затаённая    радость,
удивление, и что-то ещё и ещё. Возникает ощущение, что  Джоконда  всё  время
наблюдает  за  нами  и  за  тем,  что  творится   вокруг.   И   даже   самое
незначительное усиление или ослабление оттенков света и  тени  –  в  уголках
губ, в глазных впадинах, в переходах от подбородка  к  щеке,  которое  может
просто зависеть от освещения портрета –  меняет  характер  лица.  Даже  если
сравнить несколько репродукций портрета, на  каждой  Джоконда  выглядит  по-
иному. То она старше, то моложе. То мягче, то холоднее,  то  задумчивее,  то
насмешливее.
      В своей книге Дж.  Вазари  пишет:  «Мона  Лиза,  жена  Франческо  дель
Джокондо, купца  из  Флоренции,  была  очень  красива.  Дабы  меланхолия  не
исказила её черты, Леонардо во время писания портрета приглашал  музыкантов,
которые играли на лире и пели, и шутов,  которые  постоянно  поддерживали  в
ней весёлое настроение».[11]
      В  «Джоконде»  Леонардо  создал  неповторимый  образ  идеала   женской
красоты,  неповторимый  по  тонкости   психологический   портрет   человека,
поместив Мону Лизу на фоне странного пейзажа,  состоящего  из  гор,  которые
пересекают водные потоки и окутывают испарения, не то пара,  не  то  тумана.
Сквозь  эту  дымку  едва  пробивается  свет,  который  едва  окутывает   всё
изображение на картине.
      Все работы Леонардо принесли ему славу, но  не  принесли  заказов,  а,
следовательно, и денег. В поисках заказов Леонардо  да  Винчи  переезжал  из
одного города в Италии в другой. Однако эти попытки не  увенчались  успехом.
В конце концов, он принял приглашение  французского  короля  Франциска  I  и
уехал во Францию, захватив с  собой   большинство  своих  живописных  работ,
которые  так  и  остались  там  после  его  смерти.  Вот  почему  «Джоконда»
находится в Парижском Лувре.
      Вообще музеи Франции и Италии – это кладезь культуры и искусства. Один
из самых известных и старейших –  картинная  галерея  Уффици  во  Флоренции,
которая была основана в XVI веке. Здесь находятся  художественные  сокровища
Италии и всего мира. Именно в этом музее  можно  увидеть  прекрасные  работы
ещё   одного   представителя   Высокого   Возрождения   –   Рафаэля   Санти,
«божественного Санцио», как его называли.






                                    [pic]
                                  Урок № 5


                         «Творчество Рафаэля Санти.
                             Творчество Тициана»


      Опрос по предыдущей теме:


      Письменная работа:


      Анализ произведения Леонардо  да  Винчи  (на  выбор):  «Джоконда»  или
«Тайная вечеря».


      Новая тема.


      Рафаэль был  на  30  лет  моложе  Леонардо  да  Винчи,  а  умер  почти
одновременно с ним (1483-1520 г.), прожив всего 37 лет. Недолгая, но  весьма
плодотворная и счастливая жизнь.
      Рафаэль, как истинный  представитель  Возрождения  был  разносторонним
человеком – художник, архитектор, мастер декора… Но и по сей день  он  более
всего известен,  как  «певец  мадонн»,  создатель  дивных  полотен,  которые
прославляют Святую Богоматерь.  В  небольших  картинах,  посвящённых  вечной
теме материнства,  женственности,  обаяния  он  воплотил  мечту  и  грёзу  о
красоте, об идеальной гармонии.  В  отличие  от  вековых  канонов   художник
создал пленительный и  чарующий  образ,  полный  света,  добра  человеческой
теплоты.
      Самая ранняя мадонна – «Мадонна Конестабиле». Это  действительно  юное
произведение,  поражающее  своей  чистотой  и   свежестью.   Здесь   Рафаэль
использует излюбленную впоследствии форму  овала.  Эта  мягкая  закруглённая
форма подчёркивает плавные линии самой  картины.  Как  и  всех  его  мадонн,
здесь гладкие волосы,  чистый  овал  лица,  ниспадающее  покрывало,  которое
охватывает фигуру сверху донизу единым плавным контуром. Молодая мать  и  её
дитя трогательны и простодушны. Над ними – нимбы, символ святости,  как  это
было принято в христианской иконописи.
      Но,  наверное,  самая  известная  мадонна  Рафаэля   -    «Сикстинская
мадонна». Эта работа была создана  для  церкви  Святого  Сикста  в  Ватикане
(Сикстинская капелла). Уникальна композиция этой картины. На переднем  плане
изображена Дева Мария. Она держит на руках  своего  сына  –  Иисуса  Христа.
Взгляд её напряжён и тревожен, она словно предчувствует  трагическую  участь
своего сына, поэтому крепко прижимает к себе ребёнка.  Во  взгляде  младенца
(Христа) есть нечто «недетское» - глубокое, прозорливое.  Далее  наш  взгляд
скользит ниже – слева мы видим самого папу  Сикста,  который,  прижав  левую
руку к груди,  словно  преклоняется  перед  Богоматерью.  С  правой  стороны
полотна изображена Святая Варвара, взгляд которой кротко опущен вниз,  и  мы
невольно переводим взор за ней. А в самом низу  Рафаэль  рисует  двух  милых
ангелочков, которые подняли свои очи вверх. И наш  взгляд  вновь  возвращает
нас вверх, к самой Богоматери. Получается замкнутый круг. «Я готов  смотреть
на эту картину снова и снова! Как можно было  создать подобное  полотно?!  Я
смотрю на Деву  Марию,  затем  опускаю  свой  взор  ниже  и  ниже,  и  вновь
возвращаюсь к ней! Рафаэль был  не  просто  гений,  он  был  титан!»  -  так
говорил Ромен Роллан об этой уникальной картине.[12]
      Сейчас это полотно находится в Германии,  в  известнейшей  Дрезденской
галерее.
      Однако  не  только   Флоренция   и   Рим   явили   миру   колоссальных
представителей  искусства  Возрождения.  Венеция  –  город  на  воде,  город
гондольеров и баркаролы. Ярчайшим представителем искусства этой  школы  стал
Тициан. По традиционным данным он прожил легендарно долгую жизнь –  99  лет.
В своих портретах он мастерски передавал  характер  человека,  его  душевное
состояние, общественное положение.
      Творчество Тициана отличается исключительно широким  и  разносторонним
охватом типов и  жанров  живописи.  Он  один  из  создателей  монументальной
алтарной  картины,  пейзажа  как  самостоятельного  жанра,  различных  типов
портрета, в том числе и торжественно-парадного. В его  творчестве  идеальные
образы соседствуют с яркими характерами, трагические конфликты – со  сценами
ликующей   радости,   религиозные   композиции   –   с   мифологическими   и
историческими картинами.
      Совершенно   иной   эмоциональной   окраской   окрашены   картины   на
евангельские  сюжеты,  характерные  для  эпохи   контрреформации.[13]   Тема
страдания прекрасного человека является основополагающей этой серии  картин.
«Святой Себастьян» - картина, на которой  святой  представлен  как  человек,
наделённый всеми  чертами  физического  и  нравственного  превосходства  над
своими мучителями, но он повержен в неравной борьбе и  отдан  на  поругание.
Когда Тициан писал это полотно, Венецию  постигают  различные  бедствия.  Её
опустошает эпидемия чумы, её мучают  оковы  инквизиции.  Поэтому  тревога  и
душевная скорбь художника звучат в этой работе Тициана.  Её  герой  стоек  и
мужественен до конца, но его окутывает мрак (тёмный фон  картины),  какое-то
грозовое облако плывёт позади, вспыхивает красными проблесками  и  сгущается
в тёмную, мрачную тучу.
      Творчество Тициана завершило эпоху Высокого Возрождения.  Именно  этот
период развития искусства оказал  наиболее  весомое  влияние  на  дальнейшее
развитие всей  Западной культуры.






                                    [pic]
                                   Урок №6

               Тема: «Музыкальное искусство эпохи Возрождения»

Опрос по пройденному материалу - письменно (кроссворд):
[pic]
[pic]


Новая тема

      Музыкальное   искусство   достаточно   полно   и   глубоко    отражает
мировоззрение Ренессанса. В  этот  период,  также  как  и  в  Средние  века,
ведущее место принадлежит вокальной церковной музыке. Развитие  многоголосия
привело к появлению полифонии. Однако  в  рамках  полифонии  развивались  не
только церковные жанры, но и светские.
       Новые капиталистические отношения, которые складывались  в  обществе,
несомненно,  отразились  и  на  музыкальном  искусстве.  Церковная   музыка,
которая оставалась ведущей в искусстве  Ренессанса,  теперь  тоже  воплощала
идеи гуманизма и художественной красоты. В церковных  жанрах,  под  покровом
религиозных  мотивов,  переосмысленных  на   гуманистический   лад,   теперь
раскрывалось человечное, жизненно-правдивое содержание.
      Европейское средневековье  почти  не  знало  инструментальной  музыки,
поскольку всевластие церкви полностью подавляло его.  И  вот  теперь  именно
Итальянское искусство вернуло её к жизни.
      В Италии стало распространяться  бытовое  музицирование  на  различных
музыкальных  инструментах.  Состав  музыкальных   инструментов   значительно
расширился.  К  уже  существовавшим  духовым  и  струнным  добавились  новые
разновидности. Среди них особое место занимают виолы  -  семейство  струнно-
смычковых, поражающих  красотой  и  благородством  звучания.  Они  считаются
непосредственными  предшественниками  современных   скрипичного   семейства.
Однако разница всё же есть – виолы  обладают  системой  резонирующих  струн,
как  правило,  их  столько  же,  сколько   и   основных   (6-7).   Колебания
резонирующих струн делает  звук  виолы  мягким,  бархатистым.  Однако  из-за
большого количества струн его приходилось постоянно подстраивать.
      Среди  щипковых  инструментов  Возрождения  главное   место   занимает
лютня[14]. В Европу она пришла с Ближнего Востока в конце XIV века, а уже  к
началу XVI столетия для этого инструмента  существовал  огромный  репертуар.
Прежде  всего,  под   аккомпанемент   лютни,   которая   стала   излюбленным
инструментом  домашнего  музицирования,  исполняли  песни.  Лютня  имеет  12
струн, которые группируются парами, звук на этом инструменте  извлекают  как
пальцами, так и медиатором.
      Появились многочисленные пьесы для исполнения  на  лютне  –  прелюдии,
ричеркары, канцоны, канцонетты.  Возникла  и  самостоятельная,  оригинальная
литература для  лютни,  крупнейшим  представителем  которой  был  знаменитый
виртуоз – лютнист из Ломбардии Франческо да Милано.  Наиболее  известными  и
популярными произведениями Франческо да Милано для лютни были  канцоны.  Это
были своего рода «песни без слов»,  в  которых  отчётливо  слышны  вокальные
истоки. Как  правило,  они  имели  лирический  характер,  звучали  спокойно,
неторопливо. Мягкость и плавность этим  произведениям  придавали   опевания,
задержания,  закругления  в  конце  фраз.  А  вокальное  начало  в  канцонах
присутствует, благодаря наличию секст.
      Ещё  один  жанр  инструментальной  музыки  –  ричеркар.  Он  отличался
применением разнообразных сложных  и  замысловатых  приёмов  полифонического
письма, что подчёркнуто в самом названии  этого  жанра  –  слово  «ричеркар»
буквально переводится как «изысканная пьеса».
      Роль светских жанров в эпоху Возрождения значительно возросла.  В  XIV
веке в итальянской музыке появился  мадригал[15].  Это  небольшое  вокальное
произведение, чаще любовно-лирического содержания.  Сложился  он  на  основе
народных (пастушеских) песен. Что же характерно для этих  произведений?  Это
были   песни   для   двух-трёх   голосов,   часто   без    инструментального
сопровождения. Писались они  на  стихи  современных  итальянских  поэтов,  в
которых  рассказывалось  о  любви.   Существовали   песни   на   бытовые   и
мифологические сюжеты.
      В течение XV столетия композиторы почти не обращались к  этому  жанру.
Интерес  к  нему  возродился  лишь  в  XVI  веке.  Характерная   особенность
мадригала XVI века – тесная  связь  музыки  и  поэзии.  Музыка  очень  гибко
следовала за текстом, отражала события, описанные в поэтическом  тексте.  Со
временем сформировались своего рода мелодические символы,  которые  означали
слёзы, вздохи и т. д.
      Существовали и другие музыкальные инструменты –  орган,  клавесин.  Но
они были менее распространены, и их подлинный расцвет наступил  позже.
      Что касается церковной музыки  –  здесь  тоже  произошли  значительные
изменения. Главное богослужение католической церкви называется месса.  Месса
–  это  воспоминание  о  страданиях,  крестной  смерти  и  воскресения  Сына
Божьего. Традиции музыкального сопровождения мессы начали формироваться  ещё
в середине XI столетия одновременно с обрядами католической церкви.  К  XIII
веку сложились главные песнопения. Они исполняются как церковным хором,  так
и прихожанами. Каждое из  песнопений  звучит  в  строго  определённом  месте
службы.
      Месса открывает молитва «Господи, помилуй!»  («Kyie  eleison»).  Затем
звучит гимн, который прославляет  Святую Троицу  –  «Слава  в  вышних  Богу»
(«Gloria»). Третья часть, третье песнопение –  «Верую»  («Credo»).  Значение
этого  песнопения  особенно  велико.  Это  ответ  прихожан  Христу,  который
обращается к ним через текст  Священного  писания  и  проповедь  священника.
Четвёртая часть мессы  - гимн  «Свят»  («Sanctus»),  который  посвящён  Богу
Отцу.  Его  основой  стали  возгласы  людей,  которые   радостно   встречали
въезжавшего в Иерусалим Христа.  Завершает  мессу  молитва  покаяния  «Агнец
божий» («Agnus Dei»). Обращение «Агнец божий»  восходит  к  традиции  иудеев
резать  ягнят  накануне  пасхи,  поскольку  пасхальная  трапеза  обязательно
включала мясо ягнёнка. Она напоминает людям о том, что перед  ними  Христос,
уже принёсший себя в жертву.
      Соединённые в рамках одной службы, песнопения одновременно  показывают
и образ Божий, и рассказывают о тех  чувствах,  которые  испытывает  человек
перед лицом Бога. В эпоху  Возрождения  мессы  стали  создавать  как  единое
многочастное произведение, цикл.[16]
      Среди композиторов, которые обращались к  жанру  мессы  можно  назвать
Джованни Пьерлуиджи да Палестрина  (родился  ок.  1525  г.  –  1594  г.).  С
детства пел  в  соборе  родного  города  Палестрина[17],  который  находится
недалеко от Рима. С этого момента, практически  вся  жизнь  Палестрины  была
связана со знаменитыми соборами Рима. Эта  связь  с  католическими  храмами,
глубокая религиозность не могли не сказаться на его  творчестве.  Творческое
наследие Палестрины поражает своими масштабами. Он создал  более  100  месс,
более 100 мадригалов. В его музыке  преобладает  настроение  сосредоточенно-
спокойного, возвышенного созерцания. Напевы его произведений трогательные  и
искренние,  достаточно  простые  в   своём   построении.   Движение   обычно
неторопливо, рисунок  мелодии  мягкий  и  изящный.  Фактура  тоже  лёгкая  и
прозрачная.
      Творчество  Палестрины   достигло   своего   расцвета,   когда   эпоха
Возрождения для  других  видов  искусства  уже  уходила  в  прошлое.  Он  же
составил музыкальную вершину этой  культуры,  и  основную  её  идею  –  идею
совершенной гармонии человека и мира.  Он  воплотил  её  с  той  необычайной
красотой, какая до него была ещё невозможна, а после него –  уже  невозможна
в итальянском хоровом искусстве. Музыка Палестрины, возвышенная  и  сияющая,
гармонически уравновешенная,  проникнутая  глубокой  человечностью,  недаром
часто сравнивается с живописью его младшего современника – Рафаэля.

                                  Урок № 7

                      Тема: «Театр эпохи Возрождения».

Опрос по предыдущей теме (устно) – 1 вариант

   1.  Перечислите  наиболее  популярные   музыкальные   инструменты   эпохи
      Возрождения.
   2. Назовите жанры светской музыки Ренессанса.
   3. Какие из  перечисленных  вами  жанров  являются  вокальными,  а  какие
      инструментальными?
   4. Какой музыкальный  инструмент  Возрождения  является  предшественником
      скрипки?
   5. Какие средства музыкальной выразительности характерны для канцоны?
   6. Что такое месса?
   7. Какие части составляют мессу?
   8. Охарактеризуйте творчество Палестрины.

Опрос по предыдущей теме (письменно) – 2 вариант

Выберите правильный ответ (подчеркните):

   1. Музыкальные инструменты эпохи возрождения:
(гитара, виола, орган, скрипка, лютня, фортепиано, клавесин)
   2. Музыкальные жанры эпохи Возрождения:
(соната, мадригал, месса, ричеркар, речитатив, опера, канцона, концерт)
   3. Какой жанр относится к церковной музыке эпохи Возрождения?
(мадригал, месса, симфония)
   4. Сколько частей составляют мессу?
(5, 3)
   5. На каком языке исполняется месса?
(итальянский, латинский)
   6. Месса – это одноголосное  или многоголосное произведение?
(одноголосное, многоголосное)
   7.  Для  какого  жанра  характерны  следующие  музыкальные   средства   –
      лирический
характер, спокойное, неторопливое звучание, мягкость,  плавность,  опевания,
задержания, закругления в конце фраз, сексты в мелодии.
(канцона, ричеркар)
   8. Для какого инструмента сочинял произведения Франческо да Милано?
(виола, лютня)


Новая тема:

      Возрождение   классической   древности,   начатое   учёными-филологами
(гуманистами), вернуло европейской культуре произведения  великих  греческих
трагиков, комедии Аристофана. Стала изучаться античная теория драмы,  отсюда
был один шаг до  того,  чтобы  примерить  идеи  Аристотеля  о  комическом  и
трагическом к нуждам сегодняшнего дня. В трактатах об  античной  архитектуре
обнаруживались сведения об устройстве театров древности.  Разгораются  споры
– что должен делать театр? Подражать древним или, опираясь на опыт  античной
драмы,  отвечать  на  вопросы  своего  времени?  Должен  ли  театр  выразить
национальное своеобразие каждого народа, каждой культуры?
      Театр – это всегда яркая зрелищность активное утверждение человеческих
прав и человеческого достоинства, критическое отношение к  действительности.
Именно эта традиция особенно обогатила театр эпохи Возрождения, дала  мощный
толчок для его развития.
      В Италии гуманисты не только возвращали на сцену  комедии  и  трагедии
античных авторов. Были созданы светские  драмы  о  великой  силе  искусства.
Писатели пишут комедии  на  темы  из  современной  жизни,  сначала  подражая
древним образцам, а потом всё более и более отходя от них.
      Эпоха Возрождения показала,  какое  огромное  значение  может  обрести
театр  в  общественной  жизни.   Театр   начинает   профессионализироваться:
возникают  первые  публичные  театры,  имеющие   собственное   помещение   и
постоянные труппы. Растёт число бродячих актёрских трупп.
      Спектакли обычно показывались на  временно  сооружённых  подмостках  в
дворцовых  садах.  Но  подобные  дворцовые   постановки   требовали   особой
пышности. Для этой цели приглашались знаменитые художники.  Среди  них  были
Рафаэль, Леонардо да Винчи, Брунеллески.
      Театральные  подмостки,  которые  совсем  ещё  недавно   были   местом
увеселений и проповедей  церковников,  стали  всенародной  трибуной,  откуда
теперь  звучали  новые  социальные  идеи,  глубокие  философские   мысли   и
раздумья.   На   сценах   показывались   трагические   столкновения    века,
исследовались сложные душевные процессы человека. И в то же время  наряду  с
этим зрители с восторгом  воспринимали  весёлые  буффонады  и  комедии.  Все
деятели  театрального  искусства  эпохи   Возрождения   ориентировались   на
народную аудиторию, на простых горожан – торговцев, ремесленников, рабочих.
      Героем театра Возрождения была  личность  человека,  которая  наделена
чертами яркой индивидуальности. Этот герой либо сам  происходил  из  народа,
либо в  его  судьбе  отражалась  та  участь,  которая  была  характерна  для
простого человека. Он также страдал, любил, мучался,  радовался,  смеялся  и
плакал,  как  те  простые  горожане,  которые   приходили   на   театральные
представления.
      Сюжеты представлений  были  просты  –  молодые  стремились  жить,  как
хочется, не слушали старших, старики заглядывались на  юных красавиц,  слуги
обманывали господ и  выкручивались,  как  могли,  богатые  боялись  потерять
деньги и т. д.  Постепенно в спектаклях  появились  постоянные  персонажи  –
маски:  Арлекин,  Бригелла,  Коломбина,  Пьеро,  Панталоне,  Пульчинелла   и
другие.  Такой  театр  получил  название   комедия   дель   арте   (commedia
dell'arte), или комедия масок. Каждый персонаж имел  свою  маску-характер  и
настоящую маску, часть  костюма.  Последняя  указывала  на  особые  качества
героя – профессию (доктор, философ – обязательно в  очках),  социальный  тип
(хозяин, купец, иностранец). Маски,  изготовленные  из  материи  или  папье-
маше, обычно закрывали лицо до половины. Актёр, один раз выбрав  героя,  как
правило, оставался верен ему на протяжении всей жизни на сцене.
      На сцене комедии дель арте  действовали  десятки  масок.  Но  главными
оставались несколько, наиболее полюбившихся  зрителям.  Бригелла  –  хитрый,
злой, разговорчивый. Он расчётлив и из всех проделок  извлекает  пользу.  Он
умеет интриговать, водить за нос и надувать. Арлекин – простак,  деревенский
парень, не унывающий даже в самую трудную минуту. Пьеро –  вечно  тоскующий,
влюблённый  мечтатель.  Коломбина  –  молодая.  Нежная  девушка,  в  которую
влюблены Арлекин или Пьеро.
      Спектакли,  заразительные  и  трогательные,  разыгранные   с   большим
мастерством, чаще всего смешные, смотрели зрители всей Италии.
      Вершины же своего развития театр эпохи Возрождение достиг в Англии,  а
именно в творчестве Уильяма Шекспира. Шекспир родился в 1564 году  в  городе
Стратфорд-он –Эйвон в семье торговца и весьма  уважаемого  горожанина  Джона
Шекспира. Его перу принадлежат  37  драматических  произведений  –  комедий,
исторических  хроник  и  трагедий,  а  также  сонеты.  Будучи  сам   актёром
лондонской театральной труппы, он писал свои пьесы для актёров этой  труппы,
для  зрителей  своего  театра  –  пёстрой   и   шумной   толпы   лондонского
простонародья. Не случайно название  шекспировского  театра  «Глобус»  можно
перевести как «земной шар». Почти без помощи  декораций,  опираясь  лишь  на
силу воображения, которое Шекспир пробуждал в зрителях, он мог заставить  их
увидеть в пустом пространстве сцены целую  вселенную  –  далёкие  и  близкие
страны, от Италии до Бермудских островов, прошлое и  настоящее  человечества
– от Древнего Рима до Англии XVI века.
      Творения Шекспира дают широкую и правдивую картину эпохи Возрождения в
её величии и в её  страшных  противоречиях,  они  рисуют  жизнь  в  смешении
высокого и  низкого,  трагического  и  смешного,  поэзии  и  прозы.  Комедии
Шекспира  («Укрощение  строптивой»,  «Много  шума  из  ничего»),  в  которых
отразились надежды гуманистов  Ренессанса  на  скорое  торжество  свободного
прекрасного человека, поют хвалу юности и любви.  Они  полны  победоносного,
ликующего смеха, грубоватый быт в них сплетён со сказочной фантастикой,  как
например в самой поэтичной из комедий «Сон в летнюю  ночь».  В  исторических
хрониках «Ричард III», «Генрих IV» запечатлены кризис феодального  общества,
обострение  социальных  противоречий.  Трагедии  Шекспира  –   свидетельство
горестных  прозрений  гуманистов,  краха  гармонии.  Мир  трагедий   охвачен
смертельным  недугом.  Даже  сама  природа  в  «Гамлете»  и  «Короле   Лире»
ввергнута в хаос и разрушение. Силы зла и несправедливости царят  не  только
в обществе, но и вторгаются в душу  человека:  так  жажда  власти  сокрушает
некогда  мужественного  и  честного  вона  Макбета,  а  слепая  ревность   –
благородного Отелло.  Но  трагедии  Шекспира  не  оставляют  у  нас  чувства
безнадёжности, бессмысленности жизни и исканий человека. Они  несут  в  себе
силу  сопротивления  злу,  составляющую   суть   личности   человека   эпохи
Возрождения.






                                    [pic]
                                  Урок № 9

                  Тема урока: «Искусство эпохи Возрождения»

                             (контрольный урок)

1.  Организационный  момент  –  готовность  к   уроку   (наличие   тетрадей,
карандашей и т. д.), тема урока, цель урока.

2. Повторение теоретического материала. Устный опрос.

Вопросы:
   1. Что означает выражение «Эпоха Возрождения»? Что «возрождалось»?
   2. Какие античные идеалы возрождались? Сравнить со средневековьем.
   3. Временные рамки Ренессанса.
   4. Периодизация Ренессанса.
   5. Кто впервые использовал термин «возрождение»?

3. Тест «Представители различных видов искусств эпохи Возрождения».

Выбрать  имена  деятелей  искусств  по   видам   –   живопись,   скульптура,
архитектура, музыка, театр (по карточкам в различные колонки).

4. Зрительная викторина.  Определить  по  иллюстрациям  произведение  и  его
автора:

      1.  Браманте «Собор Святого Петра»
      2.  Леонардо да Винчи «Джоконда»
      3.  Микеланджело «Моисей»
      4.  Боттичелли «Рождение Венеры»
      5.  Донателло «Святой Георгий»
      6.  Микеланджело «Давид»
      7.  Брунеллески «Собор Санта Мария дель Фьоре»
      8.  Леонардо да Винчи «Мадонна с младенцем»
      9.  Донателло «Мария Магдалина»
      10. Донателло «Мария Магдалина»

5. Анализ работ (устно):

      1.  Боттичелли «Рождение Венеры»
      2.  Донателло «Мария Магдалина»

6. Сравнительный анализ (устно):

      1. «Давид»  Микеланджело и «Давид» Донателло
      2. «Изгнание Адама и Евы из рая» Мазаччо и Микеланджело

7. Определить по видеоизображению  без  звука  (видеокассета  с  выключенным
звуком) архитектурное сооружение. Назвать его автора, месторасположение

Собор Святого Петра в Риме
8. Музыкальная  викторина  (письменно)  -  определить  жанр  произведения  и
обосновать свой ответ (устный разбор):

      1. «Канцона» Франческо да Милано
      2. Ричеркар
            3. Месса
      4. Мадригал

   9. Кроссворд (письменно, индивидуальная работа), разбор  ответов  (устная
      работа)


(предлагается 2 варианта кроссвордов с ответами)


10. Подведение итогов урока, результаты.
[pic]



[pic]
[pic]
[pic]





                          Использованная литература

1     «Энциклопедический словарь юного зрителя», Москва, «Педагогика»,  1990
г.
2     К. Розеншильд «История зарубежной музыки», вып. I,  Москва,  «Музыка»,
1978 г.
3     С. Андросов «Донателло», Москва, «Знание», 1986 г.
4     М. Кузьмина «Микеланджело Буонарроти», Москва, «Знание», 1975 г.
5      Л.  Г.   Емонохова   «Мировая   художественная   культура»,   Москва,
«Academia», 1999 г.
6     Г. В. Гриненко «Хрестоматия  по  истории  мировой  культуры»,  Москва,
«Юрайт»,
            1999 г.
7     «Искусство», энциклопедия для детей, то VII, часть 3, Москва,  «Аванта
+», 2003 г.
8.    Компьютерная версия «Большой энциклопедии Кирилла и Мефодия», 2005 г.
9.    Дж. Вазари «Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев,  ваятелей  и
зодчих», в
            5 т, том 3, перевод А. Венедиктова,  А.  Габричевского,  Москва,
«Терра», 1994 г.
10.   М. В. Алпатов «Всеобщая история искусств», Москва, 1948 г.
11    В. Р. Винер «Статьи об искусстве», Москва 1970 г.
12.   Всеобщая история искусств, Москва, 1959 г.
13.   А. Э Гутнов, «Мир архитектуры», Москва, 1985 г.
14.   Н. А. Дмитриева «Краткая история искусств», Москва, 1985 г.
15.    Иллюстрированная  история  религий,  спасо-преображенский  Валаамский
монастырь,
       1995 г.
16.   Искусство стран и народов мира, Москва, 1962 г.
17.   История зарубежного театра, Москва, 1971 г.
18.   Т. Л. Кильне, «Основы архитектуры», Москва, 1989 г.
19.   Классическое и современное искусство Запада, Москва, 1989 г.
20.   Культура эпохи Возрождения, Москва, 1986 г.
21.   Малая история искусств, Москва, 1975 г.
22.   П. П. Муратов «Образы Италии», Москва, 1994 г.
23.   Я. Станькова, И. Пехар «Тысячелетнее  развитие  архитектуры»,  Москва,
1984 г.
-----------------------
[1] Дж. Вазари «Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и
зодчих», том 1, стр. 188, перевод А. Венедиктова, А. Габричевского.

[2]  Апокрифический,  от  апокриф  –  произведение  с  библейским   сюжетом,
содержание  которого  не  совсем  совпадает  с  официальным  вероучением,  и
поэтому не признаваемо церковью как священное и даже запрещаемое ею;
[3] О. Б. Лисичкина «Мировая художественная культура», часть II, книга 2,
стр. 211
[4] Примечание автора
[5] Названная так по имени богатого флорентийского заказчика (прим. автора)
[6] О. Б. Лисичкина «Мировая художественная культура», часть II, книга 2,
стр. 216.
[7] Оба этих полотна сейчас находятся в Галерее Уффици во Флоренции (прим.
автора)
[8] Дж. Вазари «Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и
зодчих», том 3, стр. 436, перевод А. Венедиктова, А. Габричевского.
[9] О. Б. Лисичкина «мировая художественная культура» часть II, книга2,
стр. 230
[10] См. в приложении (прим. Автора).
[11] Дж. Вазари «Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и
зодчих», том 4, стр. 143, перевод А. Венедиктова, А. Габричевского.

[12] Р. Роллан «Я вижу даль» (отдельные статьи), Москва, «Детгиз», 1974,
том II, стр. 143
[13] См. приложение (прим. автора)
[14] Польское – lutnia, арабское – «альуд» - дерево (прим. автора)
[15] От позднелатинского matricale – «песня на родном языке» (прим. автора)
[16] Начиная с XVIII, века месса превратилась в самостоятельный жанр, не
связанный непосредственно с католическим богослужением. К жанру мессы
обращались И. С. Бах, В. А. Моцарт, Ф. Шуберт и др. (прим. автора)
[17] Своё прозвище он и получил по месту рождения (прим. автора)