Работа концертмейстера в классе духовых инструментов
Автор: Иевская Ирина Евгеньевна (Концертмейстер, Бюджетное профессиональное образовательное учреждение Вологодской области "Вологодский областной колледж искусств" (БПОУ ВО "Вологодский областной колледж искусств"))
Тип документа: Другое. Аудитория: Преподаватели музыкального колледжа всех специальностей, преподаватели детских музыкальных школ, детских школ искусств. Дата публикации: 04.08.2015
Описание: Концертмейстер в классе духовых инструментов в современных условиях – важная составляющая процесса реализации личностно-ориентированной модели обучения и системного подхода к формированию базовых основ духового исполнительства. Он играет огромную роль в воспитании музыканта - духовика.

















«РАБОТА КОНЦЕРТМЕЙСТЕРА В КЛАССЕ ДУХОВЫХ ИНСТРУМЕНТОВ» 

Иевская Ирина Евгеньевна

концертмейстер  ПЦК Общий курс фортепиано и концертмейстеров


Бюджетное профессиональное образовательное учреждение 
Вологодской области «Вологодский областной колледж искусств»
(БПОУ  ВО «Вологодский областной колледж искусств»)


Содержание


       





Введение

Методическая разработка «Работа концертмейстера в классе духовых инструментов» написана на основе моего многолетнего опыта работы в классе трубы,  тубы,  кларнета, ансамбля духовых инструментов.
Концертмейстер в классе духовых инструментов в современных условиях – важная составляющая процесса реализации личностно-ориентированной модели обучения и системного подхода к формированию базовых основ духового исполнительства. Он играет огромную роль в воспитании музыканта духовика. 
Работа концертмейстера в классе духовых инструментов является интересной и имеет ряд особенностей. Этот класс отличается обилием инструментария (блокфлейта, флейта, кларнет, саксофон, тенор, альт, баритон, труба и т.д.). Каждый из инструментов отличается строением, особенностями звукоизвлечения, спецификой исполнения. Все это необходимо учитывать концертмейстеру при аккомпанементе. 
Работа в классе трубы  занимает особое место в моей практике, за годы работы освоен обширный педагогический репертуар,  проведено множество концертов со студентами и выпускниками колледжа, участие в мастер – классах  и открытых уроках, подготовлено более 30 лауреатов областных, всероссийских и международных конкурсов. 











1. Знание основ игры на духовых инструментах

Концертмейстеру, работающему с инструменталистами  - духовиками необходимо знать историю создания этих инструментов, их устройство, особенности звукоизвлечения и настройки, технические возможности для того, чтобы занятия в классе проходили продуктивно, со знанием дела.
Обратимся к особенностям строения духовых инструментов  и звукоизвлечения на них. 

1.1. Классификация духовых инструментов

Какими бывают духовые инструменты? Согласно существующей классификации духовые инструменты делятся на медные и деревянные. Основная разница между ними состоит в особенностях звукоизвлечения. 
У деревянных духовых звук зависит от колебаний воздуха, поступающего в полую трубку с тростью. Высота звука регулируется открыванием или закрыванием отверстий,  расположенных  по корпусу инструмента с определённым интервалом. Такое название, данная группа обрела, за то, что в самом начале, духовые музыкальные инструменты изготавливались исключительно из древесины. К деревянным инструментам относят флейту, кларнет, гобой, фагот и саксофон. 
У медных инструментов звук подается исполнителем через мундштук, а управляется системой специальных вентилей. Собственное название группа эта получила, за счет того, что изначально, духовые инструменты данной группы производились только из меди и иных металлов. Группа медных инструментов включает в себя валторну, корнет, тромбон, трубу и тубу. 
На протяжении истории духовые инструменты видоизменялись, пока не обрели современные формы. В связи с этим существующее деление на деревянные и медные группы не имеет под собой иной почвы, кроме звукоизвлечения. Например, саксофон и флейта являются духовыми деревянными инструментами, независимо от того, что саксофон изготавливали всегда из меди, а флейты в нынешнее время, делают из металла и даже бывает, что из стекла. Некоторые модели кларнетов и гобоев изготавливают из пластика и иных инновационных материалов. 
 Отдельно, в этой классификации располагаются духовые клавишные инструменты. В их составе имеется полный набор язычковых и лабильных трубок разнообразной конфигурации, в каких с помощью особых мехов нагнетается воздух. Пример этих инструментов - орган.
Диапазон музыкальных духовых инструментов зависит от размера инструмента. Большие по величине инструменты, могут, внутри себя заключить большой объем столба воздуха, колеблется который с малой частотой и низким создающимся звуком. Малые инструменты заключают в себе меньший объем столба воздуха, и оттого и издающий ими звук, получается более высокий. Для изменения колебания столба воздуха, а наряду с этим и высоты, в музыкальном духовом инструменте имеются два способа: 
- повышение силы вдувания может рассечь столб воздуха на части, что позволяет звучать какому-либо из основных обертонов тона;
-перемена объёма воздушного звучащего столба с помощью использования разнообразных, специальных приспособлений – пистонов, клапанов, вентилей, кулис, активируются которые при помощи рук. 
На каждом музыкальном инструменте зарождение и формирование звука имеет свою специфику и, прежде всего, это связано с акустическими особенностями звукообразования на инструменте. Все духовые инструменты относятся к инструментам с газообразным звучащим телом. Звук возникает от колебаний воздушного столба,  заключенного в канале инструмента, которые вызываются особыми действиями возбудителей. 
Специфика звукообразования на духовых инструментах зависит от устройства инструмента и от его принадлежности к той или иной группе. Духовые инструменты делятся на три группы: 
1. Лабиальные, к ним относятся все свистящие духовые инструменты - флейты, свирели и т.д. Все лабиальные инструменты с газообразным возбудителем звука. Звук образуется от трения выдыхаемой струи о край лабиума, в результате чего возникают завихрения внутри головки инструмента (флейты), которые и приводят в колебание воздушный столб, заключенный в канале инструмента. 
2. Язычковые, к этой группе принадлежат все тростевые инструменты, т.е. гобои, кларнеты, фаготы, саксофоны и родственные им инструменты. У этих инструментов в роли возбудителя выступает твердое тело, то есть трость. Звук образуется посредством двух противодействующих сил: с одной стороны - выдыхаемой струи воздуха, с другой стороны - трости. Струя воздуха стремится отогнуть трость наружу, а трость в силу своей упругости, старается вернуться в первоначальное положение. В результате чего возникает колебательное движение трости, которое в свою очередь приводит в колебание столб воздуха заключенный в канале инструмента.
3. Воронкообразные мундштуки, в этой группе все медные инструменты, т.е. валторны, трубы, тромбоны, тубы, баритоны, альты, и т.д. На медных духовых инструментах в роли возбудителя звука выступают сами губы, а точнее, та часть губ, которая обрамлена чашечкой мундштука. Воздушная струя, выдыхаемая в инструмент, приводит в колебание края губ в мундштуке, которые в свою очередь создают колебание воздушного столба, заключенного в канале инструмента.

1.2. Интонирование на духовых инструментах

Интонирование на духовых инструментах носит зонный характер и определяется рядом объективных и субъективных факторов. 
К объективным факторам следует отнести конструктивные особенности духовых инструментов. 
Для изменения высоты звука на "медном" духовом инструменте существуют вентили или помпы, которые служат для включения дополнительных трубок, с помощью этих трубок подключаемых вентилями исполнитель понижает тот или иной натуральный звук на определенный интервал. Длина трубок рассчитана таким образом, что первая, вторая и третья дополнительные трубки сделаны несколько больше идеального теоретического расчета. Связано это с тем, что если бы длина этих трубок точно соответствовала расчетным данным, то одновременное включение двух - трех вентилей обязательно дало бы некоторое повышение исполняемого звука. 
При составлении теоретических расчетов построения деревянных инструментов учитывается мензура инструмента, форма и величина звуковых отверстий, расположение этих отверстий на корпусе инструмента. 
На чистоту интонации влияет форма, и качество трости: легкая трость имеет тенденцию к понижению, тяжелая - к повышению. Чистота строя зависит также: от диаметра канала мундштука у медных и некоторых деревянных духовых (кларнет, саксофон), от диаметра штифта у трости фагота и гобоя, от диаметра эса у фаготов. 
К объективным факторам относится так же температура окружающей среды - в холодном помещении духовые инструменты звучат, как правило, ниже за исключением флейты, в теплом помещении - наоборот. 
На интонацию влияет и ряд субъективных факторов, среди которых: психическое состояние исполнителя. Если человек устал, не выспался, в его интонировании ощущается тенденция к понижению; если возбужден, взволнован - проявляется тенденция к повышению. 
Изменить высоту звука можно с помощью дополнительной аппликатуры, т.е. дополнительное использование вентилей, клапанов, звуковых отверстий к уже взятой основной аппликатурной комбинации.
Существует и чисто специфические способы регулирования интонации. Для повышения звука флейтисты отворачивают от себя головку флейты, для понижения - поворачивают головку флейты к себе. Фаготисты и гобоисты для повышения или понижения звуков несколько уменьшают или увеличивают охват трости. Валторнисты для понижения звука вводят руку в раструб глубоко и плотно, для повышения - вводят руку не глубоко и не столь плотно. 
Интонационные отклонения отдельных звуков от нормы настройки могут быть ликвидированы или значительно исправлены с помощью губного аппарата исполнителя, некоторые звуки можно изменить от 2 до 105 центов. (Цент - это единица изменения звуковысотных интервалов, равная одной сотой полутона. У людей с хорошим музыкальным слухом проявляется способность улавливать интонационные отклонения с 5 - 6 центов). 

1.3. Нетрадиционные исполнительские приёмы игры 
на духовых инструментах

Музыкальный авангардизм, существовавший с конца XIX века до последней четверти XX столетия, внёс необходимость совершенствовать исполнительские приёмы XIX века, а также дополнить методику обучения игре на духовых инструментах изучением новых, нетрадиционных исполнительских приёмов. К их числу относятся:
1. Перманентное (непрерывное) исполнительское дыхание;
2. Игра аккордами (многозвучие);
3. Frullato на медных духовых инструментах;
4. Так назывемая «игра в квадратах»;
5. Четвертьтоновая альтерация;
6. Губная осцилляция;
7. Язычковое pizzicato на кларнете и саксофоне (slap-stick);
8. Хлопок ладонью по мундштуку медного духового инструмента;
9. Стук пальцем по клапану или корпусу инструмента;
10. Игра с недостающей деталью инструмента
и многое другое.

2. Труба  в современном инструментальном исполнительстве

Истоки отечественного исполнительства на трубе уходят в далекое прошлое. Наряду с флейтой – труба один из древнейших и широко распространенных во всем мире музыкальных инструментов. Трубы занимали важное место в древнейших музыкальных культурах мира – в Египте, Китае, Индии, Греции, Италии. Трубы звучали на придворных церемониях, на пирах и народных праздниках, в культовых обрядах и в военных шествиях. История сохранила имена известных трубачей, игравших при дворе фараонов – Эмаб, Хози, Перпетшау, Амоншау, женщина – трубач Агналис.  Это были первые профессиональные  исполнители, деятельность которых способствовала развитию музыкального искусства древнего мира. 
С давних времен на Руси труба пользовалась огромной популярностью в народном быту. «Трубонькой», «золотой» называли ее в песнях, легендах, сказаниях. Каждая народность России имеет свою разновидность трубы. Эти инструменты делаются чаще всего из дерева, иногда из металла – из латуни или меди.
Первым начал применять трубу в оркестре итальянский композитор К. Монтеверди (1567-1643г.г). В дальнейшем труба долгое время не становится постоянным участником оркестра. Ей поручаются лишь отдельные эпизоды в музыке воинственного и торжественного характера. Трубы с неизменно сопутствующими им литаврами подчеркивали выразительность и отчетливость ритма музыки, солировали только в тех эпизодах, где по ходу действия появлялись солдаты. 
С конца XVIII века в течение почти столетия английские музыканты применяли трубу с кулисой. Это был инструмент по конструкции напоминающий тромбон. Кулисная труба пользовалась некоторой популярностью благодаря хорошему качеству звучания. Вентильный механизм, превративший натуральную трубу в хроматическую, был изобретен в начале XIX столетия. Современные трубы с помповыми вентилями основываются на конструкции французского мастера Франсуа Перине (1839 г.). Одним из первых, кто сразу оценил все преимущества вентильной (хроматической) трубы был Рихард Вагнер. Возрастающая роль выразительных и виртуозных возможностей трубы в оркестре русских классиков ярко проявилась в творчестве П. И. Чайковского, Н. А. Римского – Корсакова и А. Н. Скрябина. Как героический инструмент, способный потрясать слушателя эмоциональной насыщенностью, труба в произведениях Скрябина – Божественная поэма, Поэма экстаза – в центре симфонического развития. Ей поручается главный материал, а в концертных программах всегда упоминается имя солиста – трубача, а дирижеры считают необходимым представить публике исполнителя, успешно сыгравшего свою партию. 
Истинно «трубным» композитором считают у нас в стране В. И. Щелокова (1904 - 1975 г.г.). Он является автором большого числа  произведений для трубы: 9 концертов, этюды, Поэма, Скерцо,  Пионерская сюита и многие другие. 
Исполнительство на трубе в России сделало за последние 20 лет большой шаг вперед. Одним из определяющих факторов стал новый художественный репертуар, который поставил перед трубачами более сложные технические и творческие задачи. Широко используется в концертной и педагогической практике отечественная сольная и камерная литература для трубы (композиторы А. Гедике, В. Щелоков, А. Арутюнян. В. Пескин и др). Репертуар пополнился также музыкой ранее у нас не известной. Это оригинальные произведения для разновидностей старинной трубы композиторов XVIII –XIX века – А. Вивальди, Т. Альбинони. Д. Тартини, И. Гайдна, И. Гуммеля. А. Корелли, Д.Перголези  и др.
Отечественное исполнительское искусство характеризуется постоянно растущим интересом к изучению вопросов истории трубы, исполнительства на ней, педагогики, к освоению музыкального наследия. История отечественного исполнительства на трубе хранит имена выдающихся артистов, великолепное мастерство которых, сила и вдохновенность таланта послужили основой для становления советской исполнительской культуры. Среди них самое видное место принадлежит М. И. Табакову (1877-1956 г.г.), который по праву считается основателем советской школы трубы. Предшественниками и современниками М. И. Табакова были известные русские трубачи: П. Лямин, А. Дуккер, И. Осипов, Я. Скоморовский, Э. Тронье, О. Бёме, А. Могилевский, Р. Козловский. Огромный вклад в педагогику и исполнительство на трубе внесли профессора Московской консерватории С. Ерёмин и Г. Орвид. Среди видных известных трубачей современности особо выделяется народный артист РСФСР профессор Тимофей Александрович Докшицер. Его авторитет как исполнителя огромен не только в нашей стране, но и за рубежом. Его учеником был выпускник класса трубы Вологодского музыкального училища В. Истомин. На концертной эстраде, на  радио и телевидении все чаще появляются великолепные трубачи Ю. Клушкин, А. Балян, В. Пушкарев, В. Гончаров, В. Кафельников, В. Новиков, А. Иков, В. Алешков. Кроме названных трубачей следует отметить ряд ведущих педагогов России, имеющих также большой опыт оркестровой работы - это Ю. Большиянов, И. Бобровский, С. Болотин, А. Месиаян, В. Луб, В. Новиков, А. Селянин, Л. Чумов, Н. Яворский.
Отечественную школу игры на трубе отличает красивый, сильный, свободно льющийся звук, широкая распевная фраза, большой динамический диапазон, четкая и ровная техника, ясное и точное звукоизвлечение. Глубина интерпретации, техническое мастерство определяют исполнительскую культуру отечественных трубачей. 
В области эстрадного, джазового исполнительства на трубе отечественные также доказывают свое замечательное мастерство. Достаточно назвать имена Эдди Рознера, Михаила Волоха, Аби Зейдера, Михаила Зенюка, а также более молодых джазовых трубачей – Германа Лукьянова, Юрия Парфенова, Константина Носова, Виктора Зельченко и Дмитрия Мамохина. 
Исполнительство на трубе в наши дни достигло высокого уровня, композиторы охотно  и уверенно поручают этому замечательному инструменту не только ответственные оркестровые соло, но и сочиняют для него виртуозные концертные произведения. 
Роль трубы в современном духовом оркестре подобна роли скрипки в симфоническом, она ведет основную мелодию и является первым голосом. Обязательно участие трубы в эстрадном и джазовом оркестре. Она входит в различные  вокально - инструментальные ансамбли, в диксиленды и прочие составы.  Даже  в оркестре народных инструментов часто присутствует труба. 
На всех стадиях обучения, начиная с ДМШ и вплоть до аспирантуры, к исполнительству на трубе, являющейся одноголосным инструментом, непременно подключается аккомпанемент. Чаще всего, особенно на начальных этапах обучения трубача роль аккомпанемента играет педагог-пианист.

3. Особенности концертного исполнительства
 на духовых инструментах

Отечественные педагоги–духовики XX века В.М. Блажевич, Б.А. Диков, Г.А. Орвид, Н.И. Платонов С.В. Розанов, А.И. Усов, А.А. Федотов, В.Н. Цыбин сформировали так называемую «психофизиологическую школу игры на духовых инструментах», основным требованием которой являлось сознательное отношение к исполнительскому процессу. Игра на духовых инструментах рассматривалась ими как сложный психофизиологический акт, управляемый высшей нервной деятельностью человека.
Методика обучения игры на духовых инструментах выработала особые художественные требования к исполнителям: «ясность, глубина и отчётливость звука, певучая кантилена, яркая эмоциональность, простота и искренность в выражении чувств».
Исполнители на духовых инструментах стали чаще выступать в концертах с сольными программами и в ансамблях. Концертное выступление является итогом всей работы исполнителя, серьезной проверкой усвоения материала и художественной подготовки. 
Исполнитель на духовых инструментах, думая о художественной стороне исполняемого произведения, одновременно должен постоянно заботиться о процессе воссоздания звука. Процесс звукообразования на духовых инструментах во многом сложней, чем на других музыкальных инструментах, а в концертных условиях, где степень ответственности и волнение значительно возрастает, исполнителя на духовых инструментах подстерегают многие препятствия и неожиданности.
При подготовке к концертному выступлению необходимо соблюдать следующие правила: 
1. Музыкальное произведение, выбранное для исполнения в концерте, не должно превышать технические и художественные возможности исполнителя. Часто педагоги, в особенности молодые, поддаются просьбе учеников, которые порой переоценивают свои возможности, сыграть ту или иную пьесу, и в результате учащийся выходит на эстраду с исполнением произведения, которое по подготовке и общему музыкальному развитию ему играть еще рано. Поэтому педагог обязан регулировать и точно определять уровень возможностей своих учащихся. 
2. Необходимо твердое знание исполняемого произведения и не только нотного текста, но и всех агогических, динамических оттенков, а также партии сопровождения. Для этого нужно уметь быстро учить и процесс этот должен быть постоянным. 
Известный пианист И. Гофман и вместе с ним Г. Нейгауз рекомендуют: нужно учить пьесу на инструменте с нотами, учить на инструменте без нот, по нотам без инструмента, без нот и инструмента. Многие исполнители полагаются на свою механическую память: губы помнят, пальцы помнят - значит, все в порядке. Но механическая память ненадежна, так как не всегда срабатывает. Важнее память логическая, т.е. осмысленный подход к запоминанию текста. В этом случае срывы почти исключены. Произведение должно быть выучено заблаговременно, а не перед самым концертом, оно должно всегда немного «отлежаться». 
Перед концертом не рекомендуется делать своим учащимся много частных замечаний, это очень распыляет их внимание. Чем ближе к концерту, тем более обобщенный характер должны носить замечания, они должны быть связаны с какими-то стилистическими, выразительными моментами общего порядка. Педагогу,  педагогу-концертмейстеру очень важно морально поддержать ученика перед концертом, создать у него хорошее творческое настроение. 
Для успешного выступления в концерте нужно хорошее физическое состояние исполнителя, его исполнительского аппарата. Для создания хорошего состояния исполнительского аппарата многие педагоги рекомендуют перед концертом отдых. Но этот совет имеет индивидуальный характер и определяется психическим складом и опытом музыканта. Нужно учесть, что перед концертным исполнением резкая смена режима для исполнителя нежелательна. В то же время известно, что если перед концертом много и часто репетировать, то это может привести к тому, что музыкант растратит свой эмоциональный заряд и физические силы на репетиции, а во время концерта ему этого как раз не будет хватать. Лучше перед концертом не доиграть, чем переиграть, для духовиков это особенно важно. 
Очень важен момент перед выходом на сцену. Не надо приходить на выступление слишком рано, долго выжидать своего выхода на эстраду, слушать исполнение других. Выходя на сцену необходимо преодолеть неуверенность, робость, выйти на сцену как на праздник, собраться, сосредоточиться, ничем не отвлекаться. 
«Надо уметь вызвать у себя желание играть, которое в свою очередь вызывает и желание себя послушать» Т. А. Докшицер. 
Во время концертного исполнения особенно важно самообладание. Артист должен быть всегда на высоте и уметь хорошо выступать в любой обстановке. Срывы могут быть всегда и у всякого. После той или иной неудачи во время выступления психологически важно думать не о том, что случилось, а о том, что впереди. 
Для успешного выступления очень важна настройка инструмента. Рекомендуется настраиваться заранее, не отвлекать внимание свое  и публики этим чисто техническим моментом. Инструмент должен быть в полном порядке. Неэстетично, когда исполнитель - духовик продувает клапаны, постоянно сливает воду и т.д. 
Лучшим средством воспитания концертного исполнителя, борьбы с эстрадобоязнью являются публичные выступления. Рекомендуется использовать для этого всякую возможность - чаще играть на академических вечерах, участвовать в различных концертах и т.д.




4. Специфика работы концертмейстера
 с духовыми инструментами

Аккомпанирование солистам-инструменталистам имеет свою специфику.    При всем разнообразии духовых инструментов, включенных в работу, концертмейстер должен учитывать специфику звучания каждого, а также сложности в овладении техникой игры на них для ученика. 
Также необходимо контролировать чистоту строя духового инструмента с учетом разогрева.
При аккомпанементе духовым инструментам пианист должен учитывать возможности аппарата солиста, принимать во внимание моменты взятия дыхания при фразировке, артикуляции, нюансировки. При аккомпанировании духовым инструментам следует быть особенно чутким, чтобы уметь компенсировать, где это необходимо, темп, настроение, характер.
К выразительным средствам исполнителя на духовых инструментах относятся понятия: звук, тембр, интонация, ритм, метр, темп, агогика, артикуляция, фразировка, динамика, нюансировка, исполнительское дыхание, штрихи, вибрато, аппликатура, техника пальцев, губ, языка, двойное и тройное стаккато, фруллато, глиссандо и т.д.

4.1. Артикуляция, атака, штрихи

Знакомясь с пьесами для духовых инструментов, концертмейстер должен знать производные моменты звукообразования на этих инструментах, такие как артикуляция, атака, штрих.
Артикуляция, то есть произношение различных слогов - условно, так как  произносить тот или иной слог при исполнении практически невозможно, но условность эта нужна - она ориентирует исполнителя и помогает ему в правильном оформлении звука. 
Атакой принято называть самое начало звукоизвлечения. Она занимает незначительную для слуха почти неуловимую часть длительности - порядка сотых долей секунды. Разновидность атаки зависит от характера движения языка - энергичного или плавного. В исполнительской практике духовиков применяются два основных вида атаки: твердая и мягкая, а также еще существует вспомогательная или комбинированная и фрикативная. 
"Первое, к чему следует стремиться, это хорошая атакировка звука. В этом состоит точка отправления всякого хорошего исполнения, и музыкант, у которого извлечение звука (атакировка) плохо, никогда не сделается хорошим артистом..." Ж. Арбан. 
Музыкант, создавая музыкальный образ, использует разнообразие звуковых приемов. Приемы придания музыкальному звуку определенного характера и окраски, а также соединение звуков между собой, получили в музыке название штрихов. Качество музыкального звука определяется мастерством исполнителя, умением придать звуку, в зависимости от характера музыки, необходимого свойства: яркости, блеска, теплоты и т.д
Профессор Т.А. Докшицер пишет: "Штрих - это не только начало, но и характер протяженности звука, способ окончания и способ взаимосвязи звуков". Штрихи, как и другие выразительные средства, определяются конкретным содержанием исполняемой музыки. Однако штриховые обозначения, выставляемые в нотном тексте, во многом условны и отнюдь не обязательны, вследствие чего они требуют известных уточнений и дополнений.

4.2. Исполнительское дыхание

В зарождении звука определяющая роль принадлежит языку, но в ведении звука она принадлежит воздушной струе,  выдыхаемой исполнителем в инструмент.
 Исполнительское дыхание является активным выразительным средством музыканта – духовика. Сила, тембр, высота, длительность звука зависят не только от характера атаки и степени напряжения губных мышц, но и от интенсивности, концентрации и направления воздушной струи, вступающей во взаимодействие со звукообразователем и со столбом воздуха, заключенным в канале инструмента. 
Искусство исполнительского дыхания состоит в умении производить быстрый полноценный вдох, значительно превышающий по объему вдох при нормальном дыхательном процессе. При игре на духовом инструменте объем воздуха в легких у исполнителя превышает почти в десять раз, чем при нормальном дыхании. Только при определенном резерве воздуха в легких исполнитель может обеспечить гибкость и непрерывность воздушной струи. 
Концертмейстеру нужно обратить внимание на повышенную роль ощущения дирижерской руки, ауфтакты, моменты взятия дыхания солистом, точное ощущение темпа. В отличие от обычного, нормального вдоха, скорость исполнительского вдоха определяется характером музыки; при этом правильно осуществленный вдох является как бы ауфтактом. 
Необходимо помнить, что если вы начинаете играть музыку в медленном темпе, то первый вдох должен быть сделан исходя из этого темпа, хотя в середине фразы он может быть более быстр. И наоборот, быстрая музыка предполагает быстрый вдох, как в начале движения, так и на протяжении всего исполнения. Таким образом, исполнительский вдох не должен нарушать общего движения музыки. Вдох при игре производится уголками рта, и во время его выполнения мундштук не должен смещаться в сторону. 
От правильного вдоха во многом будут зависеть правильный выдох и качество звукоизвлечения. Для извлечения звуков определенной высоты, динамики, характера, тембра, длительности исполнителю на духовом инструменте необходим интенсивный выдох. Степень интенсивности выдоха определяется характером музыки и спецификой звукообразования на том или ином духовом инструменте. Характер воздушной струи должен корректироваться мышцами дыхания, губными мышцами, мышцами языка и все они контролируются слухом. 
Одним из важнейших условий хорошей фразировки при игре на духовых инструментах является полное подчинение дыхания особенностям исполняемых произведений. Играющий должен уметь правильно определять границы построений, то есть уметь определять цезуру. Обычно это место определяется внутренним чутьем исполнителя, его природной чуткостью к музыкальной фразировке, но этого бывает недостаточно. Для того чтобы дыхание исполнителя явилось не только источником звука, но и одним из важнейших средств музыкальной выразительности, он обязан научиться анализировать строение музыкального произведения, правильно определять смысловые границы построений и разделяющие их цезуры. 
Установление цезуры можно сравнить с расстановкой соответствующих знаков препинания в словесной речи. Пользуясь подобной аналогией, мы можем сказать, что разрывать единое музыкальное целое так же недопустимо, как при чтении или в разговорной речи прерывать начатую мысль на полуслове.
Для играющего на духовом инструменте умение правильно установить цезуру возможно еще в том отношении, что цезуры определяют моменты очередного вдоха. Цезуру надо понимать как грань между частями музыкального произведения или отдельными его построениями, а также как наиболее удобный момент для смены дыхания без нарушения музыкального построения. 
В соответствии с этим существуют следующие наиболее общие закономерности смены дыхания в момент игры:
в целях соблюдения единства музыкального целого, дыхание следует менять во время пауз, так как они являются наиболее частым выражением цезуры;
при исполнении музыки, имеющей большое количество пауз, дыхание ни в коем случае не следует менять на каждой паузе;
при отсутствии пауз для смены дыхания можно использовать продолжительные звуки, так, например, если после продолжительного звука следует один или несколько коротких звуков, то дыхание следует брать после длинного (продолжительного) звука;
кроме пауз и продолжительных звуков основанием для смены дыхания является повторение музыкально материала.
Если ярко выраженные признаки цезуры отсутствуют, что может иногда встречаться при непрерывном мелодическом движении, то основанием для установления цезуры и смены дыхания может служить:
смена гармонических функций;
резкая смена динамики;
смена регистров.
При смене дыхания во время игры нужно иметь в виду, что любое музыкальное построение обычно заканчивается аккордовым звуком. Поэтому не следует делать очередной вдох на неаккордовых звуках в момент задержания:
перед проходящим звуком или после него;
перед вспомогательным звуком;
в момент подъема.
Кроме того, для сохранения большей выразительности исполнения не рекомендуется брать дыхание после вводного тона.
Во всех этих элементах правильное дыхание исполнителя играет существенную роль, способствуя большей выразительности музыкального исполнения. Отсюда следует, что для музыканта-духовика большое значение имеет технически правильное исполнительское дыхание.
Умение брать игровое дыхание без нарушения структурного единства музыки является показателем высокой исполнительской культуры исполнителя на духовых инструментах, и этот навык необходимо прививать с первых шагов обучения на инструменте. 

4.3. Единство фразировки

Важнейшим условием ансамблевой игры с любым солистом является единство фразировки, не только при одновременном проведении тематического материала, но и при разновременном его звучании. Следует прорабатывать и оговаривать с учеником такие особенности исполнения, как распределение дыхания на фразу, места взятия дыхания. При этом необходимо учитывать возможности аппарата солиста.
Важнейшее значение в искусстве фразировки имеет правильное выделение кульминаций, то есть  моментов наивысшего напряжения, обычно совпадающих с вершинными точками мелодии.
Важное значение для правильной музыкальной фразировки имеет также наиболее логическое и выразительное выполнение всех динамических и агогических изменений.
Искусство музыкальной фразировки составляет одну из сложных и привлекательных сторон исполнительского творчества. В ней наиболее полно и ярко проявляются индивидуальные черты самого исполнителя: стиль и манера его игры, музыкальная культура, эмоциональность. 

4.4.  Ритм

Ритм – один из центральных элементов музыки. Формирование чувства ритма у учащегося - важнейшая задача не только педагога, но и концертмейстера. Игра в ансамбле позволяет успешно вести работу по развитию ритмического чувства. Ансамблевая игра не только даёт концертмейстеру возможность диктовать правильный темп, но и формирует у ученика верное темпоощущение. Именно с раннего возраста учащемуся предлагается совместно с концертмейстером освоить азы метроритма, ансамблевого слушания, синхронности исполнения, темпового соответствия. Все мы знаем, что игра в ансамбле как нельзя лучше дисциплинирует ритмику, совершенствует умение читать с листа, помогает ученику выработать технические навыки, учит слушать партнёра, учит музыкальному мышлению, а также доставляет ребёнку огромное удовольствие и радость, особенно когда он играет с пианистом-профессионалом. 


4.5.  Динамика

За счёт насыщенного, богатого мелодическими и гармоническими красками сопровождения исполнение становится более красочным и живым. Вместе с солистом аккомпаниатор постигает различные динамические задачи, а также динамику как средство художественной выразительности.
Духовые инструменты отличаются особенностями конструкции, спецификой акустической природы, поэтому одни из них отличаются более широким динамическим диапазоном, другие - более узким. Большими динамическими возможностями обладают медные духовые инструменты. Выразительными динамическими возможностями обладают кларнет и флейта. Сила, яркость фортепианного звучания    в ансамбле с трубой, флейтой, кларнетом может быть больше, чем при аккомпанементе гобою, фаготу, валторне, тубе
Концертмейстеру не обойтись  без умения слышать каждую деталь партии солиста, соизмеряя звучность фортепиано с возможностями солирующего инструмента и художественным замыслом исполняемого произведения. Динамика фортепианного звучания    в ансамбле с каждым из инструментов отличается большей или меньшей плотностью, и насыщенностью. 
Говоря о динамической стороне ансамбля с юным солистом,  следует учитывать такие факторы, как степень обще музыкального развития ученика, его техническую оснащенность. В этих условиях хороший концертмейстер не должен выделять преимущества своей игры, должен уметь остаться «в тени солиста», подчеркнув и высветив лучшие стороны его игры.
 Концертмейстерская область музицирования предполагает владение как всем арсеналом пианистического мастерства, так и множеством дополнительных умений, как то: навык сорганизовать партитуру, «выстроить вертикаль», выявить индивидуальную красоту солирующего голоса, обеспечить живую пульсацию музыкальной ткани, дать дирижерскую сетку и т. п.
На плечи концертмейстера ложится большой груз ответственности за начинающего музыканта, который требует повышенного внимания, помощи, мощной эмоциональной поддержки, ведения за собой. Пианист отвечает за темп, движение, агогику, за образ и общую целостность произведения. Поэтому, концертмейстер постоянно должен совершенствовать своё пианистическое мастерство, без этого попросту трудно и неинтересно работать. О фортепианной технике певец и аккомпаниатор Дж. Мур пишет, что «в ней, как и в технике певца или скрипача, подразумевается мастерство звукоизвлечения, воспроизведение звуков не только красивых, но и  разнообразных по оттенкам...» [4, 86]. 


5. Психологические и педагогические функции концертмейстера

Исполнительский процесс является сложным психофизиологическим действием,  в осуществлении которого участвуют сознание и физические усилия исполнителя, при чем решающая роль в этом процессе принадлежит разуму исполнителя, его сознательному отношению к исполнению и всевозможным действиям для достижения намеченной художественной цели.
Концертмейстер должен обладать рядом положительных психологических качеств. Так, внимание концертмейстера – это внимание совершенно особого рода. Оно многоплановое: его надо распределять не только между двумя собственными руками, но и относить к солисту – главному действующему лицу. В каждый момент важно, что и как делают пальцы, как используется педаль, слуховое внимание занято звуковым балансом, которое представляет основу основ ансамблевого музицирования, звуковедением у солиста; ансамблевое внимание следит за воплощением единства художественного замысла. Такое напряжение внимания требует огромной затраты физических и душевных сил.
Мобильность, быстрота и активность реакции также очень важны  для профессиональной деятельности концертмейстера. Он обязан в случае, если солист на концерте или экзамене перепутал музыкальный текст, что часто бывает в детском исполнении, не переставая играть, вовремя подхватить солиста и благополучно довести произведение до конца. Опытный аккомпаниатор всегда может снять неконтролируемое  волнение и нервное напряжение солиста перед эстрадным выступлением. Лучшее средство для этого –  сама музыка: особо выразительная игра аккомпанемента, повышенный тонус исполнения. Творческое вдохновение передается партнеру и помогает ему обрести уверенность, психологическую, а за ней и мышечную свободу. 
Воля и самообладание – качества, также необходимые концертмейстеру. При возникновении каких-либо музыкальных неполадок, происшедших на эстраде, он должен твердо помнить, что ни останавливаться, ни поправлять свои ошибки недопустимо, как и выражать свою досаду на ошибку мимикой или жестом.
Работа концертмейстера многогранна. Она заключает в себе как творческую, так и педагогическую деятельность. Специфика работы концертмейстера в классе деревянных духовых инструментов требует от него особого универсализма, мобильности. 
Все мы знаем, что концертмейстер – это пианист-педагог, помогающий обучающимся - инструменталистам осваивать программу, выступать на концертах и экзаменах. Только в отличие от солирующего пианиста, он не имеет возможности быть на первом плане, приспосабливая свое прочтение текста к исполнительской манере солиста – инструменталиста. Понятие «концертмейстер» включает в себя не только разучивание партий, способность контролировать качество их исполнения, знание исполнительской специфики, но и умение помочь и подсказать правильный путь к исправлению неточностей. 
Когда концертмейстер остаётся с учащимся наедине без преподавателя, он берёт на себя активную педагогическую роль: помогает ученику настроить инструмент в начале занятия, проучивает вместе с учащимся текст, трудные места, следит за ритмической чёткостью и интонационной точностью, отрабатывает моменты начала и окончания звука. 
Необходимо с первых занятий создавать атмосферу взаимного доверия с учащимся. Самым маленьким воспитанникам тяжело дается игра в ансамбле, так как звучание аккомпанемента зачастую мешает слуховому контролю собственной партии. Здесь очень важно: ласковым взглядом, улыбкой, добрым словом дать понять ребёнку, что ты ему друг и помощник, что вдвоём легче выучить произведение и раскрыть его содержание  Чуткость и еще раз чуткость помогают концертмейстеру решить многие проблемы обучения и исполнения.
Благоприятная атмосфера для творческой работы, установление теплых доверительных отношений, изучение программы в доступной форме, приносящей удовольствие для учащегося, внесет в исполнение спокойствие и уменьшит тревожность.
Роль концертмейстера особенно важна на концертных и экзаменационных выступлениях. Пианисту необходимо продумать все организационные детали, включая моменты переворота нот. Выйдя на сцену, концертмейстер должен приготовиться к игре раньше солиста.  Еще  в классе нужно научить учащегося показывать концертмейстеру начало игры небольшим кивком головы,  это умение не у всех появляется сразу. 
Выступление - это стрессовая ситуация. На сцене происходит очень сложный тонкий процесс превращения ученика в исполнителя, артиста. Здесь возраст не имеет значения. Важным является сам факт исполнения произведения перед зрителями. Здесь необходим определенный «самонастрой». «Верьте, что вы играете хорошо, и вы будете играть еще лучше» – говорил своим ученикам Фредерик Шопен. Хорошо, когда исполнение успешно. А если нет? Что же происходит с обучающимся во время выступления? Иногда проявляется недоученный текст, иногда ученик теряется только просто потому, что он попал на новую площадку, он просто не слышит себя со стороны, его ослепляет свет, он не видит педагога. В голове возникает путаница, мысль пропадает или он теряет музыкальную нить произведения и останавливается в пьесе. Грамотный концертмейстер поможет, используя музыкальную подсказку, подхватив и сыграв отрывок мелодии, мысленно вернуть солиста в произведение или доиграв его до конца самому, чтобы сохранить звучание ансамбля. Именно выдержка концертмейстера в данный момент позволит учащемуся не приобрести комплекса боязни игры на сцене наизусть.
Важна психологическая установка ученика перед выступлением в качестве солиста. Позитивный настрой на успешное выступление  положительно влияет на физическое и психологическое состояние ученика в момент выступления. Концертмейстер наравне с педагогом вырабатывает  волевые свойства характера у воспитанника: уверенность, стремление к победе. Одной из самых распространенных причин волнения перед сценой является внушенная извне мысль о возможном провале. Она может развиться в опасное самовнушение. Во время выступления возможны разные неприятности, но концертмейстеру и педагогу важно проявить в этом вопросе педагогическую деликатность и мобилизовать ученика к следующему выходу на сцену. 
Предварительную психологическую подготовку и настрой на успешное выступление, конечно же, дает педагог в классе. Но сейчас он находится в зале. На сцене обучающийся исполняет произведение с единственным помощником и вдохновителем в лице концертмейстера. 
Большое количество совместных выступлений рождает у учащегося уверенность в своих силах, доверие к концертмейстеру, уменьшается боязнь сцены.
Таким образом, для педагога в классе духовых инструментов концертмейстер – правая рука и первый помощник, музыкальный единомышленник, который должен обладать постоянной творческой собранностью, настойчивостью, ответственностью в достижении нужных художественных результатов при совместной работе с солистами - учащимися, в собственном музыкальном совершенствовании.
Огромное значение при работе с детьми имеет характер отношений между преподавателем и концертмейстером, так как от этого зависит не только музыкальное продвижение ученика, но и воспитание его как человека. Для настоящего творчества нужна атмосфера дружелюбия, непринуждённости и взаимопонимания. Если это творческие, активные, заинтересованные в своём деле люди, которые постоянно повышают свой профессионализм, занимаются концертной деятельностью, участвуют в профессиональных конкурсах, стремятся к поиску нового, актуального репертуара, ярких концертных номеров, обсуждают и планируют предстоящую концертную деятельность учащихся, то это обоюдно обогащает музыкантов, повышает их исполнительский и общекультурный уровень, учит взаимному доверию и создаёт заражающую творческую атмосферу в процессе занятий с детьми. Только с позиции творческого подхода можно осуществить все замыслы, иметь высокую результативность в исполнительской деятельности учащихся.
В такой творческой атмосфере обучающийся чувствует себя очень комфортно, он больше доверяет сотрудничающим педагогам, в работе над программой многие моменты музыкального и психологического плана будут решаться быстрее и успешнее. А когда ученик понимает смысл, знает текст пьесы и слышал ее «вживую» в исполнении педагога и концертмейстера на сцене, он более уверен и свободен в игре. 
.

6. Развитие  навыков игры в ансамбле

     Концертмейстер вместе с педагогом выполняет благородную задачу приобщения обучающегося к миру прекрасного, развивает его общую музыкальность, координирует ритм и слух, способствует освоению исполнительских навыков, развитию и формированию музыкально - эстетических представлений, воспитание навыков для использования полученных знаний. Но самое главное – при совместной систематической работе с концертмейстером у учащегося вырабатываются навыки ансамблевой игры
 «Аккомпанемент часто договаривает невысказанное солистом», - сказал Е. Шендерович. Действительно, ансамбль  предусматривает слаженность игры солиста и аккомпаниатора: единство штрихов, динамических оттенков, звуковой баланс между инструментами. В работе с учениками концертмейстер создает опору и поддержку юным солистам.
Концертмейстер выступает в качестве организатора музыкального процесса и времени, что роднит его профессию  с  профессией дирижера. Умение держать в руках солиста, правильно расставленные звуковые и смысловые акценты в произведении, выдержанные ауфтакты – такими дирижерскими навыками следует обладать для успешной ансамблевой игры.
Концертмейстер должен быстро и точно поддержать солиста в его намерениях, создать единую с ним исполнительскую концепцию произведения, поддержать в кульминациях, но вместе с тем при необходимости быть незаметным и всегда чутким его помощником. 
При игре в ансамбле с солистами-инструменталистами следует исходить из профессиональных и природных данных ученика. Концертмейстеру важно помочь воспитаннику почувствовать себя настоящим солистом.
 В решении данной задачи помогает грамотно проделанная работа на занятиях. Здесь важно не только качество, но и количество занятий с концертмейстером. Совместная игра с концертмейстером приучает учащихся быстро ориентироваться в нотном тексте, не теряться, всегда хорошо знать свою партию, быть внимательным, уметь слушать не только себя, но и своего старшего друга и помощника.
Так, оговариваются и проучиваются совместно с концертмейстером сложные для солиста места. 
Отрабатывается совместное начало при отсутствии вступления.
Для ученика зачастую возникает сложность при вступлении  после партии фортепиано. Солист должен просчитать, почувствовать, а затем запомнить по слуху трудные вступления в своей партии. 
Технически сложные места отрабатываются путем дробления на мотивы и воссоединения в одно целое.
 Неотъемлемой сопутствующей задачей является разработка динамического плана исполняемого произведения.
Важным моментом данной поурочной работы является развитие слухового контроля, необходимого при работе над динамическим планом, в вопросах агогики и целостности ансамблевого исполнения в произведении. Обучающийся должен научиться слышать партию аккомпанемента и выстраивать звуковой баланс. 
Важным пунктом в совместном труде является решение ритмических задач при игре произведений. Со стороны концертмейстера – это показ характера, пульса произведения при вступлении, поддержка исполнения учащегося в рамках формы и правильное, логическое завершение произведения. Со стороны обучающегося важно точное воспроизведение текста, исполнение ритмических фигураций, соблюдение диафрагмального дыхания, верного выучивания технически трудных мест.
 Когда данная работа проведена, следует приступить к заключительному этапу в изучении произведения – грамотному исполнению произведения наизусть в характере, с точной динамикой, темпом. Здесь уместно рассмотрение вопросов агогики.
От предшествующей подготовительной работы по изучению произведения в классе во многом зависит выступление обучающегося на сцене- то ли это будет срыв во время выступления, то ли запланированный и предусмотренный успех. Солисты часто «волнуются из-за того, что боятся забыть, а забывают от того, что волнуются». Размеренная поурочная подготовка к концертному выступлению вырабатывает внутреннюю уверенность, не дающую забыть текст, способствует приведению нервной системы в рабочее состояние, исключающее перевозбуждение или полное безразличие. 
Научив ученика в классе слушать фортепианную партию, концертмейстер на сцене имеет дело с подготовленным музыкантом-солистом, полноправным партнером, чувствующим и осознающим форму, характер произведения и внутреннее движение музыкальной мысли. От внутренней интуиции и слаженной игры участников зависит успешное звучание ансамбля. 
Выступление на сцене - это итог большой работы, проведенной в классе. 







7. Особенности исполнения партии аккомпанемента

7.1 Пианистическое туше и другие выразительные возможности аккомпанемента

Аккомпанемент является важной частью художественного произведения, одним из средств воплощения музыкального образа, представляющих дополнительную возможность для трактовки данного произведения.
Многие произведения для духовых инструментов отличаются большими трудностями, перегрузкой фортепианной партии,  тщетно пытающейся заменить оркестр. В методике преподавания очень мало внимания уделяется способам, гарантирующим преодоление многих технических и музыкально-выразительных трудностей ансамблевого исполнения. Все зависит от музыкально - педагогического и исполнительского опыта, опыта ведущего педагога и концертмейстера, и конечно, способностей учащегося, его сознательного стремления овладеть исполнительским дыханием, разновидностями ритма, фразировки, артикуляции, нюансировки необходимыми для выразительного исполнения. 
Существуют особенности исполнения партии аккомпанемента с деревянно-духовыми и медно-духовыми инструментами, и концертмейстеру нужно уметь соотносить пианистическое туше с тембрально-динамической окраской солирующего инструмента. 
Тембр - это окраска, характер звука, качество по которому различаются звуки одной и той же высоты и благодаря которому звучание одного голоса или одного инструмента отличается от другого. Тембр зависит от формы колебаний звука и определяется числом и интенсивностью частичных тонов или обертонов - гармоник, его составляющих.
"Музыка - искусство звука" - утверждал Г.Г. Нейгауз. Раз музыка - звук, то главной заботой, первой и важнейшей обязанностью любого исполнителя является работа над звуком. В пассажах, трудных и больших скачках, особенно в кантилене звук не должен терять мягкости, сочности, певучести.
Музыкальное исполнение обуславливается развитыми музыкально-слуховыми представлениями, формирующимися в процессе работы над произведением. Сюда относятся, в первую очередь, звуковысотные и ритмические представления как главные носители музыкального смысла в их взаимосвязи между собой. Во-вторых, не менее важны тембровые представления, к ним относят обычно такие качества звука, как его "светлота" или "затемненность", "глубина", "полнота", "мягкость" или "жесткость", "протяженность" и т.д. В той или иной мере подобные особенности окраски звуков составляют существенную область музыкальной выразительности, а градации этой окраски обуславливаются развитым тембровым слухом. 
Качество музыкального звука определяется мастерством исполнителя, умением придать звуку, в зависимости от характера музыки, необходимого свойства: яркости, блеска, теплоты и т.д. 
Следующей задачей можно поставить изучение штрихов. 
Духовые инструменты являются удобными для концертмейстера в штриховом отношении. 
При работе со штрихами следует учитывать то обстоятельство, что у разных инструментов один и тот же штрих, указанный в нотах, может звучать совершенно по-разному. 
В целом умение выразительно поддержать  на рояле различную тембровую и штриховую окраску духовых инструментов зависит во многом от музыкальной одаренности исполнителя, его внутреннего слуха и возможности услышать и представить нужное звучание.
Но звучание, кроме тембровой окраски, нуждается в динамических и агогических оттенках, вносящих в исполнение свет, тени и живое движение. Динамика и агогика имеют в исполнении огромное выразительное значение. Они придают музыкальным интонациям жизненность, подчеркивают и характеризуют музыкальную речь, помогают слушателю ярче воспринять и лучше осмыслить содержание произведения. 
В практике исполнительства основные элементы динамики и агогики в зависимости от характера пьесы имеют многочисленные и тончайшие по своим оттенкам характеристики. Динамические знаки в нотном тексте, а также указания об ускорении и замедлении имеют лишь условный характер.
Фразировка произведения не исчерпывается применением динамических и агогических оттенков. Большое значение имеют лиги, штрихи, способы звуковедения. Особенности их определяются характером материала. Огромную роль в правильной фразировке имеют приемы расчленения фраз, мотивов, цезуры, осмысленное отношение к частям произведения, его предложениям и отдельным кускам.

7.2. Особенности исполнения оркестровой фактуры

Жанр инструментального  концерта создает наиболее благоприятные условия для яркого и всестороннего показа выразительных возможностей инструмента и мастерства исполнителя. 
В репертуаре духовых инструментов свыше ста концертов, относящихся к классическому и доклассическому периоду.
Фортепианные версии переложения оркестровой партитуры инструментальных концертов бывают очень разными, порой неудобными. Концертмейстеру приходится что-то сокращать, как бы делая собственное переложение оркестровой партии, но не в ущерб музыке. 
И, кроме того, зачастую начинающие концертмейстеры не учитывают, что редакторы тоже люди и периодически увлекаются механическим перенесением штриховых обозначений из партитуры в клавир. То есть в клавир переносятся штриховые указания, необходимые исполнителям на оркестровых инструментах и означающие смену смычка или взятие дыхания. Такие указания являются технологическими, и их не следует рассматривать при фразировке.
 Необходимо правильно различать и воспроизводить штрихи в тех случаях, когда в нотном тексте выставляются две лиги: фразировочная и штриховая. Следует помнить, что фразировочные лиги имеют большую протяженность, выставляются над или под штриховыми и имеют целью отделить друг от друга смежные музыкальные построения, исполняемые обычно на одном дыхании. Штриховые лиги располагаются прямо у нотных знаков и указывают на связное исполнение нотного текста. Для тонкой музыкальной фразировки имеет огромное значение правильное использование выразительной гибкости. 
Важная задача концертмейстера – постараться имитировать звучание оркестра, изобразить на рояле необходимую разницу звучания струнных, духовых или ударных инструментов.
Шендерович в своей книге приводит несколько практических советов:
«Наиболее сложным можно считать воплощение на фортепиано специфики звучности струнных смычковых инструментов. Прикосновение к клавиатуре должно осуществляться без жесткой фиксации пальцев и кисти, а скорее способом «поглаживания» клавиш, мягкости при исполнении мелодических и гармонических оборотов, поручаемых обычно струнной группе оркестра.
При исполнении же аккордов, присущих группе деревянных духовых инструментов, фиксация пальцев и кисти руки является, чуть ли не первой необходимостью, ибо выравненность пальцев при взятии аккорда дает иллюзию необходимой для нас звучности. Стаккато в подобных случаях исполняется несколько мягче, чем обычное стаккато на рояле,— как бы штрихом нон легато». 
Изучение концертмейстером оркестрового переложения можно разбить на несколько подпунктов или задач. Работу надо начинать с прослушивания того оркестрового произведения, переложение которого собирается исполняться. Феликс Михайлович Блуменфельд утверждал, что «внутри определенных границ красочные возможности фортепианного звука бесконечны и неисчислимы». Чтобы в полной мере воспользоваться возможностями фортепиано как инструмента-оркестра, нужно четко представлять, какой инструмент сейчас будет имитироваться концертмейстером. То есть в своем исполнении пианист-концертмейстер должен отталкиваться от исполнительских возможностей оркестрового инструмента. При чем, чем больше природа звукоизвлечения этого инструмента отличается от фортепианной, тем тщательнее должна быть проведена работа по тембровому сближению. После выполнения такой задачи в голове концертмейстера формируется своеобразная «карта звучания» произведения целиком. Также возможно оказать себе небольшую помощь и сделать пометки в нотах. Таким образом, это достаточно объемный и временно затратный предварительный этап изучения произведения, но без которого невозможно обойтись, если ставить целью безупречное исполнение желаемого произведения.

7.3. Педализация

Педализация один из важнейших элементов пианистического искусства.  Искусное применение различных способов взятия и снятия правой педали (запаздывающая, полупедаль, четвертная, вибрирующая и тремолирующая педали и др.), совместное или раздельное пользование обеими педалями, противопоставление педального и беспедального звучания и другие приемы педализации разнообразят колорит звучания, обогащают палитру выразительных красочных оттенков. Эти тонкости педализации, связанные со стилем исполняемого произведения и характером музыки, зависят от умения исполнителя и даже от особенностей инструмента. Поэтому тонкие детали художественной педализации невозможно предусмотреть и обозначить в нотах. 
Грамотное владение педалью -  это задача  интересная, многообразная и достаточно трудная. Правильное использование педали при исполнении оркестровой фактуры – камень преткновения для многих начинающих концертмейстеров. При использовании педали очень важно, в каком стиле написано произведение – барокко, классицизм, романтизм и т.д. То, что дозволено при исполнении произведения композитора 20 века, недозволенно при исполнении произведения в барочном стиле. 
Барокко и классицизм очень требовательны к чистоте и прозрачности оркестровой фактуры. В данном случае идеален случай, когда пианист-концертмейстер владеет полупедалью. Она убирает излишнюю сухость звучания (в случае полностью беспедального исполнения), но вместе с тем не перегружает звучание излишним количеством обертонов. Если владение полупедалью находится на недостаточном уровне – на помощь придет точечное взятие педали, а также более частая, в медленных частях при необходимости на каждой восьмой длительности, смена педали.
 В произведениях романтизма и далее будет уместно более густое применение педали. Конечно, здесь также главную роль играет способность слышать свое исполнение со стороны и необходимая корректировка педали при ее излишках. 
Применение педали также может быть связано с желанием придать более выраженную тембровую окраску конкретному оркестровому произведению. К примеру, валторны и альты со своим глуховатым звуком могут потребовать применение левой педали. В любом случае, применение педали в оркестровом произведении носит точечный, тщательно продуманный характер, направленный на достижении максимальной чистоты оркестровой фактуры. Как одно из редких исключений можно назвать применение длинной педали в случае, если в оркестре тянется длинный бас, на фоне которого остальной оркестр играет несколько аккордов.


8. Список литературы

Виноградов К. О специфике творческих взаимоотношений пианиста-концертмейстера и певца / К. Виноградов // Музыкальное исполнительство и современность / Сост. М. Смирнов. - М.: Музыка, 1988. С. 156-178.
Григорьев А.Ф. Формирование концертмейстерского мастерства учителя музыки в системе непрерывного педагогического образования / Диссертация на соискание учёной степени кандидата педагогических наук.- Краснодар: Ставропольский государственный педагогический институт, 2004.
Концертмейстерский класс и концертмейстерская практика: Примерная программа по дисциплине для музыкальных училищ и училищ искусств по специальности 0501 «Инструментальное исполнительство» / Министерство культуры Российской федерации: Научно-методический центр по художественному образованию.- М., 2002.
Мур Дж. Певец и аккомпаниатор. Воспоминания, размышления о музыке / Пер. с англ. (предисловие В. Чачавы) / Дж. Мур.- М.: Радуга, 1987. - 429 с.
Нейгауз Г.Г. Об искусстве фортепианной игры: Записки педагога. 5-е изд. -  М.: Музыка, 1988.  - 240 с., портр., ил., нот.
Островская Е.А. Концертмейстерское искусство: педагогика, исполнительство и психология // Фундаментальные исследования. 2009. № 1.
Усов Ю. Методика обучения игре на духовых инструментах. Выпуск II. – М.: Музыка, 1966. – 272 с.
Шендерович Е.М. В концертмейстерском классе: Размышления педагога / Е. М. Шендерович.  - М.: Музыка, 1996. -  206 с.