Гиперреализм (фотореализм) как направление в искусстве

Контрольная работа по культурологи на тему:

"Гиперреализм (фотореализм) как направление в искусстве"






План



Понятие о гиперреализме

Уилл Коттон

Джон Де Андреа

Рафаэлла Спенс

Гай Джонсон

Хило Чен

Герхард Рихтер

Список литературы




1. Понятие о гиперреализме



Гиперреализм (англ. hyperrealism) – направление в живописи и скульптуре, возникшее в США и ставшее событием в мировом изобразительном искусстве 70-х годов XX в. Другое название гиперреализма – фотореализм.

Художники этого направления имитировали фото живописными средствами на холсте. Они изображали мир современного города: витрины магазинов и ресторанов, станции метро и светофоры, жилые здания и прохожих на улицах. При этом особое внимание обращалось на блестящие, отражающие свет поверхности: стекло, пластик, полировку автомобилей и др. Игра отражений на таких поверхностях создает впечатление взаимопроникновения пространств. Целью гиперреалистов было изобразить мир не просто достоверно, а сверхпохоже, сверхреально. Для этого они использовали механические способы копирования фотографий и увеличения их до размеров большого полотна (диапроекцию и масштабную сетку). Краску, как правило, распыляли аэрографом, чтобы сохранить все особенности фотоизображения, исключить проявление индивидуального почерка художника.

Кроме этого, посетители выставок этого направления могли встретить в залах человеческие фигуры, выполненные из современных полимерных материалов в натуральную величину, одетые в готовое платье и раскрашенные таким образом, что они совершенно не отличались от зрителей. Это вызывало много путаницы и шокировало людей.

Фотореализм поставил своей задачей обострить наше восприятие обыденности, символизировать современную среду, отразить наше время в формах «технических искусств», широко распространившихся именно в нашу эпоху технического прогресса. Фиксируя и обнажая современность, скрывая авторские эмоции, фотореализм в своих программных работах оказался на границе изобразительного искусства и чуть ее не переступил, потому что стремился соперничать с самой жизнью.

Гиперреализм возник в США во вт. пол. 60-х гг. Творчество его адептов в области живописи посвящено достаточно опр. тематике: усеченные рекламные щиты, брошенные автомобили (Д. Солт), витрины с отражающейся в них городской жизнью (Р. Эст, Р. Гоингз), конные бега (Р. МакЛиэн). Наиболее известный из скульпторов – гиперреалистов – Д. де Эндреа, чьи выполненные в натуральную величину работы отмечены иронич. отчуждением. Художественный опыт гиперреализма явился предтечей постмодернизма в живописи и скульптуре. Ряд его приемов стал органической частью постмодернистского художественного языка. Гиперреализм выступает антитезой концептуализму, не только порвавшему с репрезентацией, но и поставившему под сомнение сам принцип материальной реализации художественного концепта. Художественный опыт гиперреализма явился предтечей неомодернизма в живописи и скульптуре. Ряд его приемов стал органической частью постмодернистского художественного языка. Так, «навязчивый реализм» (М. Леонард, Б. Джонсон, С. Холи) сочетает традиционную натуралистическую технику с современными кино-, фото-, видеоприемами воздействия на зрителя, эффектами виртуальной реальности: гипнотически жизнеподобные детали в сочетании с нулевым градусом интерпретации создают атмосферу солипсистской замкнутости личности на фоне самодостаточной вещности мира.

Почти тридцать лет спустя, после появления этого направления в живописи и скульптуре, термин «гиперреализм» стали использовать для определения творчества новой группы художников. Современный гиперреализм основывается на эстетических принципах фотореализма, но в отличие от последнего, не стремится буквально копировать повседневную реальность. Объекты и сцены в гиперреалистичной живописи детализированы, чтобы создать яркую иллюзию реальности. Художники, работающие в жанре и стилистике гиперреализма: Бернардо Торренс, Мэл Рамос, Скотт Прайор, Уилл Коттон, Жак Боден, Педро Кампус, Чак Клоуз, Жиль Эно, Рон Мьюек, Роберто Бернарди, Чиара Албертони, Рафаэлла Спенс и др.

Наиболее известный из скульпторов-гиперреалистов – Джон де Андреа, чьи выполненные в натуральную величину скульптуры исполнены с эротико-иронической холодностью. С ними согласуется физиологизм персонажей-прототипов скульптур Дуэйна Хэнсона, а также гиперреалистическая сексуальная символика мощных фигур атлетического реализма Роберта Грэхема.



2. Уилл Коттон



Уилл Коттон (Will Cotton) – американский живописец. Работает в жанре гиперреализма. Родился в 1965 году в городе Мелроуз, штат Массачусетс, США. Художественное образование получил в Школе изящных искусств в Руане, Франция. В 1987 получил степень бакалавра изобразительных искусств после обучения в Купер Юнион в Нью-йорке. В 1988 Коттон в течение года обучался в Нью-йоркской Академии искусства. Творчество Уилла Коттона достаточно своеобразно. Используемые предметы в его работах – торты, кремы и обнаженные женщины, часто в комбинации. Пейзажи – зимние ландшафты с пышными домами, изготовленными из вафель, безе и крема.

В своей студии Коттон держит мощную профессиональную духовку и сам непосредственно готовит сладкие модели для своих картин. Картины Уилла Коттона принимают регулярное участие в групповых выставках современных художников в Соединенных Штатах и странах Европы. Уилл Коттон живет и работает в Нью-Йорке.


3. Джон Де Андреа



Джон де Андреа, или Эндреа (John De Andrea) – известный американский скульптор, яркий представитель гиперреализма в искусстве. Родился 24 ноября 1941 в Денвере, штат Колорадо, США. Образование получил в университете Колорадо в 1965 (степень бакалавра изобразительных искусств). Продолжил обучение в 1968 году в университете Нью-Мексико в Альбукерке. Джон де Андреа, пожалуй, самый знаменитый и наиболее известный из скульпторов-гиперреалистов. Его выполненные в натуральную величину работы отмечены ироническим отчуждением. Манекеноподобные обнаженные фигуры («Умирающий галл», «Влюбленные», «Сидящая янтарная блондинка»), воспроизводящие роденовские позы – своего рода китчевые антигерои, пародирующие идолов коммерческой рекламной красоты. Их цветущая плоть контрастирует с внутренней пустотой моделей, состоящих в антипигмалионовских отношениях со своим создателем («Автопортрет со скульптурой»). Являясь не только музейными, выставочными экспонатами, но и модными атрибутами современный деловых интерьеров, натуралистически детализированные «ню» рассчитаны на эстетический шок. Работы Джона де Андреа находятся во многих музеях и частных собраниях Европы и США.



4. Рафаэлла Спенс



Рафаэлла Спенс (Raphaella Spence) – английский художник. Работает в жанре фотореализма (гиперреализма). Родилась в 1978 в Лондоне. В конце 1970-х ее семья переехала во Францию, где Рафаэлла Спенс провела первые восемь лет своей жизни. Когда семья возвратилась в Лондон, она начала обучение в художественной школе. Ее первые живописные работы были академическими натюрмортами.

В двенадцать лет ее семья обосновалась в Италии, где она продолжила обучение в английской школе в св. Георгия в Риме. Впечатленная видами умбрийской сельской местности, Рафаэлла Спенс обратилась к созданию фотореалистических пейзажей.

В 2000 состоялась ее первая персональная выставка в Италии, получившая общественное признание и признание критиков. В 2003 состоялась ее первая персональная выставка в Соединенных Штатах в галерее Бернардуччи и Мейзеля в Нью-Йорке. В 2004 выставка в Лондоне в галерее Элбимерл. С тех пор ее картины постоянно участвуют в многочисленных групповых выставках работ художников-гиперреалистов в Европе и США. Рафаэлла Спенс получила признание искусствоведов и критиков художественной прессы. О ее творчестве можно найти одобрительные статьи в известных газетах и журналах, в том числе: The International Herald Tribune, The Spectator, Arte di Giorgio Mondadori, Panorama, La Repubblica, Corriere Della Sera and Messaggero. Картины Рафаэллы Спенс находятся во многих частных, общественных и корпоративных собраниях в Соединенных Штатах Америки, Канаде, Англии, России, Италии, Австрии и Германии. Рафаэлла Спенс живет и работает в Италии.



5. Гай Джонсон



Гай Джонсон (Guy Johnson) – американский художник. Один из столпов и основателей фотореализма, яркий представитель поп-арта и гиперреализма. Родился в 1927 году в Форт-Уэйне, штат Индиана. В 18 лет он завербовался в армию и прослужил в американском флоте 15 месяцев. По окончании службы Гай Джонсон решил стать преподавателем живописи. После пяти лет обучения в Школе искусств в Сарагосе во Флориде, он в 1950 получил степень бакалавра изобразительных искусств. Дальнейшее образование и степень магистра получил в университете штата Флорида в 1952 году. Он преподавал до 1967, пока не решил посвятить свою жизнь исключительно живописному творчеству. В конце 60-х его заинтересовал новый стиль живописи – фотореализм.

В 1971 он представил свою первую персональную выставку в Сотнеакровой галерее в Нью-Йорке. С тех пор картины Гая Джонсона принимают участие во многих выставках художников-гиперреалистов по всему миру. Тогда же он встретил Бо Элверида, шведского торговца произведениями искусства, который сделал ему предложение на покупку всех его картин в течение пяти лет. По окончании контракта в 1976, Гай Джонсон стал работать с Луи Мейзелем, галерея которого проводит выставки работ Джонсона с 1979 по настоящее время.



6. Хило Чен



Хи Ло Чен, или Хило Чен (Hilo Chen) – современный американский художник. Работает в жанре гиперреализма. Чен (наст. Юи Люм) родился в 1942 на Тайване и уже позже в 1970-х годах получил американское гражданство. Образование и степень бакалавра получил в архитектурном колледже Чанг Ян на Тайване. В 1968 совершил поездку в Париж. Хило Чен пишет картины в стиле ню и флористику: цветы и цветочные натюрморты. Профессиональное мастерство Чена, как художника-гиперреалиста, отмечается критиками не иначе, как в превосходной степени. Тона кожи обнаженных моделей в его картинах кажутся более реальными, чем в жизни.

Рассматривая его картины, возникает ощущение, что можно дотронуться до этих женщин, которые, в свою очередь в большинстве своем, не обращают никакого внимания на зрителя. Картины Чена находятся во многих собраниях: в музее Соломона Гугенхейма, Нью-Йорк; музее искусств Сан-Хосе, Калифорния; музее искусств Тайбэя, Tайвань; центре искусств Веро Бич, Флорида; тайванском музее искусств, Тайчунг, Tайвань; ньюпортском художественном музее, Ньюпорт, Род-Айленд. Персональные выставки работ Чена проводятся с 1974 и по настоящее время во многих художественных центрах и галереях, в частности: галерее Луиса Мейзеля, Нью-Йорк; галерее Эсперанса, Монреаль, Канада; галерее Томасало, Крэнфорд, Нью-джерси; галерее Делайв, Амстердам, Голландия; галереях Аполло, Нан, Модерн Арт в Тайбее, Тайвань; галерее Бернардуччи, Нью-Йорк и др.



7. Герхард Рихтер



Герхард Рихтер (Gerhard Richter) – немецкий художник, один из самых известных мастеров современной живописи. Родился 9 декабря 1932 в Дрездене в Германии. С 1948 по 1951 год обучался в художественной щколе в Циттау, затем в 1952–1956 годах в высшей школе изобразительного искусства в Дрездене. В 1957 женился на Марианне Ауфингер, а в 1961 году эмигрировал в Западную Германию, где продолжил учебу в академии художеств в Дюссельдорфе (1961–1963). Перебравшись в Западную Германию, Герхард Рихтер начал работать с Зигмаром Польке и Конрадом Фишер-Лойгом, манипулируя в духе поп-арта с рекламными объявлениями и дорожными знаками. Следующие пятнадцать лет Рихтер работал на стыке живописи и фотографии. Первая выставка Герхарда Рихтера состоялась в 1963 году в пустом павильоне в Дюссельдорфе, но уже в 1967 году его творчество было отмечено премией «Молодое дарование Запада». В 1970-х годах Рихтер написал серию картин в духе минимализма, озаглавленных «Серое», которые представляли собой плоские и монохромные поверхности. В 1972 году Рихтер представлял искусство Германии на Венецианской биеннале. Только одному художнику биеннале – Герхарду Рихтеру – был отдан целый павильон. Первая персональная выставка его работ в Соединенных Штатах прошла в 1973 году.

В конце 70-х и начале 80-х годов Рихтер продолжал писать абстрактные полотна, порой цветные, порой только серые, используя печатную продукцию, любительскую и профессиональную фотографию. Главная и, по сути, единственная тема всех образов и стилистических решений, используемых Рихтером, – сама живопись. Художник исследует ее выразительные средства, обращаясь к этой теме на всех этапах своего творчества. В этих поисках находят отражение сомнения Рихтера относительно существования семантических и стилистических связей в искусстве. В творчестве Рихтера сочетаются традиции реализма с патетикой поп-арта, с поздними феноменами неформальной живописи, с модными течениями абстрактного экспрессионизма и фотореализма.

Эти сочетания противоположностей и породили в художнике скепсис по отношению ко всему достоверно известному, раз и навсегда установленному в искусстве. Рихтер понимает живопись как активное действие, поиск реальности сегодняшнего дня. В 1981 году Герхард Рихтер стал лауреатом премии имени Арнольда Боде, а в 1985 – премии Оскара Кокошки. С этого момента работы художника можно встретить во всех крупнейших выставочных залах мира. Знаком особого признания стала ретроспектива «Творчество за сорок лет», прошедшая в 2002 году в Музее современного искусства в Нью-Йорке. На выставке было представлено 188 экспонатов – по масштабам этого музея беспрецедентное число работ для экспозиции ныне живущего художника. Его произведения включены в собрания крупнейших музеев Европы. В списке самых дорогих мастеров современной живописи 2005 года, опубликованном журналом «Кэпитал», он был первым.






Список литературы



1. Брендон Тейлор. Актуальное искусство

2. Брендон Тейлор Мировое искусство. Направления и течения от импрессионизма до наших дней