Творчество Пабло Пикассо 3

Детство и годы обучения



Пабло Руис Пикассо родился 25 октября 1881 года на юге Испании, в Малаге. Согласно Испанской традиции его назвали последними именами своих родителей: отца Руис и матери - Пикассо. При крещении он получил свое полное имя Па́бло Дие́го Хосе́ Франси́ско де Па́ула Хуа́н Непомусе́но Мари́я де лос Реме́диос Сиприа́но де ла Санти́сима Тринида́д Марти́р Патри́сио Руи́с и Пика́ссо.



Пикассо начал рисовать с самого детства, первые уроки художественного мастерства он получил у своего отца — учителя рисования Хосе Руиса, и вскоре владел им в совершенстве. В 8 лет он пишет свою первую серьёзную картину маслом, Пикадора, с которой он не расставался в течение всей жизни.



В 1891 году дон Хосе получает должность профессора рисунка в Ла-Корунье и Пикассо вместе с семьей переезжает на север Испании. Здесь он учится в местной школе искусств (1894—1895).



Потом семья переезжает в Барселону и в 1895 году Пикассо поступает в школу изящных искусств Ла-Лонха. Пабло исполнилось только четырнадцать и в принципе он был слишком молод для поступления в Ла-Лонху. Но по настоянию отца он был допущен к сдаче вступительных экзаменов на конкурсной основе. Пикассо с блеском сдает все экзамены и поступает в Ла-Лонху. Сначала он подписывается своим именем по отцу Ruiz Blasco, но затем выбирает фамилию матери Picasso.



В начале октября 1897 он уезжает в Мадрид, где поступает в Королевскую Академию изобразительных искусств Сан-Фернандо.



Пикассо возвращается в Барселону в июне 1898, там он входит в общество «Els Quatre Gats» — богемное кафе с круглыми столами на художественные темы. В этом кафе пройдет его первая выставка. В Барселоне он сблизился со своими будущими друзьями Carlos Casagemas и Jaime Sabartès.





В 1900 Пикассо со своим другом Casagemas уезжает в Париж. Именно там Пабло Пикассо познакомился с творчеством импрессионистов. Его жизнь в это время сопряжена со многими трудностями, а самоубийство его друга Casagemas глубоко подействовало на молодого Пикассо. При этих обстоятельствах в начале 1902 года он начал делать работы в стиле, впоследствии названном «голубой период». Стиль этот Пикассо разрабатывает по возвращении в Барселону, в 1903—1904 г. В работах этого периода ярко выражены темы старости и смерти, характерны образы нищеты, меланхолии и печали (Пикассо считал — «кто грустен, тот искренен»); движения людей замедлены, они словно вслушиваются в себя («Любительница абсента», 1901; «Свидание», 1902; «Нищий старик с мальчиком», 1903). В палитре мастера преобладают голубые оттенки. Отображая человеческие страдания, Пикассо в этот период рисовал слепых, нищих, алкоголиков и проституток. Их отчасти удлиненные тела на картинах напоминают работы испанского художника Эль Греко Произведение переходного периода — от «голубого» к «розовому» — «Девочка на шаре» (1905, Музей изобразительных искусств, Москва). В 1904 году Пикассо поселяется в Париже, где находит пристанище в знаменитом монмартрском общежитии для бедных художников Бато-Лавуар: начинается так называемый «розовый период», в котором печаль и нищета «голубого периода» сменилась образами из более живого мира театра и цирка. Художник отдавал предпочтение розово-золотистому и розово-серому тонам, а персонажами были странствующие комедианты, танцовщики и акробаты; картины этого периода проникнуты духом трагического одиночества обездоленных, романтической жизни странствующих комедиантов («Семья акробатов с обезьяной», 1905).





«Голубой»  период



На годы поездок между Парижем и Барселоной (1901-04) приходится так называемый «голубой период»: в палитре мастера преобладают голубые оттенки. Для картин этого периода характерны образы нищеты, меланхолии и печали (Пикассо считал — «кто грустен, тот искренен»); движения людей замедленны, они словно вслушиваются в себя («Любительница абсента», 1901; «Свидание», 1902, обе в Эрмитаже; «Старый нищий старик с мальчиком», 1903, Музей изобразительных искусств, Москва)







«Голубой период»



Начало «голубого» периода , продолжавшегося немногим более трех лет, принято

относить приблизительно к середине 1901года, окончание – к концу 1904 года.

Многое из того, что составляет содержание «голубого» периода, восходит еще к

пребыванию художника в Мадриде. Так, уже тогда на палитре начали появляться

холодные оттенки, среди которых выделялись не только зеленые, но и голубые.

Например «Женщина в голубом», 1901

В то время Пикассо в основном писал и рисовал дам света в огромных шляпах и

тяжелых платьях. Они совсем не похожи на те бескровные лица, которые

впоследствии, благодаря бесчисленным репродукциям станут очень популярны.

В 1900 году Пикассо знакомится с графикой Теофиля Стейнлена.Его

заинтересовывает цветовая агрессивность северных художников, но именно в это

время  он значительно  огранчил свой собственный  цветовой материал. Все у

него происходило быстро, иногда даже одновременно. Живописные работы, пастели

или рисунки постоянно изменялись в стиле, в выражении.  Тема и характер

работ, которые разделяют несколько недель, а иногда и дней, могут быть в

корне различными. Пикассо  обладал великолепной  зрительной памятью и

восприимчивостью. Он скорее мастер оттенка, чем цвета. Живопись для художника

покоится прежде всего на графическом основании.

В Мадриде с февраль 1901 года Пикассо впервые принялся серьезно изучать новое

искусство, которое тогда начинало свое победное шествие почти по всей Европе.

Несколько месяцев, проведенные в Мадриде, оказались решающими для будущего

развития его жизни. Этот момент отмечен даже чисто внешней переменой: раньше

свои рисунки он подписывал П. Руис Пикассо , теперь же на его работах можно

увидеть лишь имя его матери.

В этот период Пикассо плодотворно работает. Организуются его выставки в

Барселоне. 24 июня 1901 года  организуется первая выставка в Париже, где он

теперь жил. Здесь набирает силу новый стиль, прервавший тенденцию к

ограничению цвета холодными тонами .Париж толкал Пикассо к сильному оживлению

палитры. Все чаще появлялись картины с букетами цветов и обнаженными

натурщицами. Если в Мадриде художник в основном работал в голубом цвете, то

сейчас рядом с голубым и зеленым цветом ложились чистые, часто контрастные

краски. Новый стиль пробивался на поверхность. Широкие цветовые поверхности

художник иногда обводил голубым, фиолетовым л зеленым. Эта манера носила

название «периода оконных стекол».

В начале 1903 года Пикассо возвращается в Барселону и принимается за пейзажи,

почт все они выдержаны в голубом цвете. Пейзажная живопись всегда была у

художника в некотором пренебрежении. Пикассо недостаточно романтическая

натура,  чтобы  видеть в природе источник неиссякаемого вдохновения. По

настоящему его интересует только человек и то, что человека непосредственно

окружает или  касается.

Эмоциональная основа теперь уже не уныние и отчаяние, а скорее что-то похожее

на  равнодушие, часто готовое обернуться подлинной радостью жизни.

Голубой цвет  смягчается теперь соседством с охрами и нежно-лиловыми

красками, обьединенными общим розовым тоном. Голубой период вступил в новую,

переходную фазу, время странствующих людей  театра и цирка.







Пабло Пикассо



Пабло Пикассо родился 25 октября 1881 года в старой, состоятельной буржуазной

семье (отец его был профессором, преподавателем художественной школы и

некоторое время хранителем музея). Мать очень любила его и называла Ангелом.

Отец ничего ему не запрещал. Даже самые дальние родственники очень рано стали

видеть в нем маленького гения.

Хотя сам он произошел из буржуазной среды, и буржуазными были его привычки

образ мыслей, живопись его не была буржуазной.

В 1896 году отец Пикассо снял для своего сына Пабла Пикассо Руиса  мастерскую

на Калле де ла Плата, где он мог теперь работать без принуждения и присмотра

и делать все, что ему нравилось. На следующий год родители отправили его в

Мадрид.

Художником, во многом определившим характер западно-европейского и

американского искусства ХХ века стал Пабло Пикассо- испанец, основную часть

жизни проживший во Франции.

Уже в 1900 году Пикассо заявил о себе как зрелый мастер, близко принимавший к

сердцу судьбы простых людей. Герои его картин «голубого» и «розового»

периодов – простые  женщины, акробаты, странствующие актеры цирка, нищие.

Даже произведения, посвященные теме материнства, проникнуты не счастьем и

радостью, а тревогой и заботой  матери о судьбе ребенка.

     



     

Голубой период.

    Начало "голубого  периода  "  принято  связывать   со  второй  поездкой

художника в Париж. Действительно, он возвращается к рождеству  1901  года  в

Барселону с завершенными и начатыми полотнами  ,  написанными  в  совершенно

иной манере ,чем та , в которой он работал до сих  пор.  Печаль  -  вот  что

рождает  искусство,  убеждает  он  теперь  своих  друзей.  В  его   картинах

возникает голубой мир безмолвного одиночества , отверженных обществом  людей

– больных, нищих, калек, стариков.

    Пикассо уже в эти годы был склонен к парадоксам и неожиданностям. 1900-

1901 года обычно называют  "лотреновскими" и "стейленовскими"  в  творчестве

художника, указывая тем самым на прямую связь  с  искусством  его  парижских

современников. Но после поездки в Париж он окончательно порывает  со  своими

увлечениями.  "Голубой  период"  по  мироощущению,  проблематике,   пластике

связан уже с испанской художественной традицией.

    Ситуацию    помогают  понять  2  полотна  –  «Любительница  абсента»  и

«Свидание». (см.  приложение  1)   Они  стоят   на  самом  пороге  «голубого

периода», предваряя многие его тематические аспекты и вместе с тем  завершая

целую  полосу исканий Пикассо,  его движения к собственной истине.

    Можно с уверенностью сказать, что в 15 лет Пикассо уже прекрасно владел

художественным мастерством в академическом смысле этого слова. А  затем  его

захватывает  дух  экспериментаторства  в  поисках  своей  дороги  в  сложном

переплете направлений и течений европейского искусства рубежа  ХХ  столетия.

В этих  исканиях  проявилась  одна  из  замечательных  особенностей  таланта

Пикассо  –  способность  к  ассимиляции,  усвоению  различных  тенденций   и

направлений в искусстве. В "Свидании" и  "Любительнице  абсента"  проступают

еще первоисточники (парижская  школа  искусства).  Но  молодой  Пикассо  уже

начинает говорить своим голосом. То, что  тревожило  и  мучило  его,  теперь

требовало иных изобразительных решений. Былые привязанности были исчерпаны.

    Обращение художника к образам нищеты,  страдания,  трагичного  отчаяния

часто связывают с условиями его жизни во французской столице  и  трагической

смертью  друга   Касахемоса,   поэта   и   художника,   покончившего   жизнь

самоубийством. Действительно, Пикассо в эти годы крайне  бедствовал.  И  все

же истоки, питавшие "голубой период", шире и глубже.

    Они  в  социальном  климате  эпохи,  в  атмосфере  общественной   жизни

Барселоны, в мировоззрении самого Пикассо.

    Барселона тех лет была одним из центров революционно-анархических идей,

отражавших остроту социальных контрастов и бедности тогдашней  Испании.  Это

отложило  отпечаток  и  на  особенность  жизни   города   с   его   клубными

дискуссиями, собраниями, митингами. В полубогемной среде таверны  "4  кота",

где особенно ценились свобода и независимость, а сочувствие "к  униженным  и

оскорбленным" возводилось в нравственный принцип, и формировались  жизненные

позиции молодого Пикассо.

    С  бесстрашием  подлинного  большого   художника,   20-летний   Пикассо

обращается ко "дну" жизни. Он посещает больницы, психиатрические  лечебницы,

приюты. Здесь он находит героев своих картин – нищих,  калек,  обездоленных,

поруганных и выброшенных обществом людей. Отнюдь не  только  сентиментальное

сострадание к ним хотел художник  выразить  своими  полотнами.  Голубой  мир

безмолвия, в который он погружает своих действующих лиц,  -  это  не  только

символ страдания  и  боли,  это  и  мир  гордого  одиночества,  нравственной

чистоты.

    "Две сестры" (см. приложение 2) явились одним  из  первых  произведений

этого периода. В "Сестрах" и  вообще  в  работах  "голубого  периода"  автор

ориентируется  на   некоторые   традиции   средневекового   искусства.   Его

привлекает  стилистика   готики,   особенно   готической   пластики   с   ее

одухотворенной выразительностью форм. Пикассо в те годы открывает  для  себя

Эль Греко и Моралеси. В  их  работах  он  находит  созвучную  его  тогдашним

настроениям  и  исканиям   психологическую  выразительность,   символичность

цвета, острую экспрессию форм, возвышенную одухотворенность образов.

    «Две  сестры»  –  характерная  во  всех  отношениях  работа   «голубого

периода». Пикассо  строит  картину  как  барельеф,  стремясь  к  равновесию,

стильности силуэта фигур двух женщин на голубом абстрактном фоне. В  покорно

сплоченных друг к другу, почти  обнимающихся  фигурах  –  печаль  страдания,

молчаливое согласие, тихая ласка и всепрощение. Если допустимы здесь  какие-

то музыкальные аналогии, то возникает мысль,  конечно,  о  реквиеме.  Мелкая

повседневность, тревоги и невзгоды мирение отступают  здесь  перед  величием

вечного, всеобщего. Недаром  встреча  сестер  ассоциируется  с  Евангельской

притчей о Марии и Елизавете. В  много  плановом  содержании  “Сестер”  вновь

звучит и тема общения людей,  дружбы  двух  существ  как  залога  защиты  от

невзгод  жизни,  враждебности  мира.  Она  будет  все  больше  места  в  его

творчестве.

    Другая типичная картина Пикассо “голубого периода” –  “Старый  еврей  с

мальчиком” (см. приложение 3). Они примыкают  к  серии  работ,  где  героями

выступают нищие, слепцы, калеки. В них художник словно  бросает  вызов  миру

благополучных и равнодушных толстосумов и  мещан.  В  своих  героях  Пикассо

хотел видеть носителей неких  скрытых  от  обычных  людей  истин,  доступных

только внутреннему взору, внутренней  жизни  человека.  Недаром  большинство

персонажей картин «голубого  периода»  кажутся  незрячими,  не  имею  своего

лица.   Они живут своим внутренним  миром,  их  тонкие  «готические»  пальцы

познают не внешние формы предметов, а их внутренний тайный смысл .













    Заключение



    О Пабло  Пикассо  и  его  мире  будет  говорить  всегда,  так  как  его

творчество не поддается четкому и убедительному  определению.  И  независимо

от того,  возникает ли вопрос  у  «широкой   публики»,  у  более  искушенных

любителей  или  искусствоведов,  сталкивающихся  с  мощным  потоком  истории

культуры нашего века, который проложил свой  путь  через  столетие,  неся  с

собой всё, что он сумел впитать как из мирового искусства  прошлого,  так  и

из того, которое лишь создавалось в то время,  ответ  всегда  представляется

не полным, приблизительным. На  мой  взгляд,  это  справедливо  в  отношении

всего современного искусства. В то же время требования к творчеству  Пикассо

ещё выше, и, хотя понимание его творчества становится более полным  по  мере

того, как  многочисленные  исследования  постепенно  раскрывают  его  нам  и

публика всё больше знакомится с этим искусством, которое, как  мне  кажется,

её захватывает, и  всё же они временами ощущают его как  некое  насилие  или

агрессию тем более непонятные, что они регулярно  уступают  место  спокойным

периодам.

    Я считаю, что гениальность Пабло Пикассо  заключается  в  том,  что  он

единственный из художников этого века, кто ввёл  историю в  своё  творчество

наравне со своей жизнью и до такой  степени  использовал  наследие  мирового

искусства, с которым постоянно вёл диалог.

    Для  большинства  Пикассо  остаётся  великим  разрушителем  лица.  Если

абстракционисты довольствовались его отрицанием, то Пикассо идет атакой   на

него, и не просто на образ классического идеала, установленный  Ренессансом.

Те, кто не признает Пикассо, делают это,  по-видимому,  не  потому,  что  он

деформировал природу, предметы  и  самого  человека,  но  в  первую  очередь

потому, что он осмелился "изуродовать", обезобразить образ женщины.

    Когда  я вижу работы Пикассо, я  попадаю под их  воздействие,  ибо  это

человек, который обладает и талантом , и  несравненной  техникой  и  всё  же

способен переступить через эти качества .

    Картины Пикассо бросает вызов публике. Вызов же исключительно  важен  в

искусстве. Искусство – это  бескомпромиссная  атака  во  всех  направлениях.

Композиции, которые  идут  на  уступки  с  целью  угодить  зрителю  и  сразу

получить признание, не могут называться искусством.