Человек в искусстве Возрождения: изобразительное искусство и литература

Федеральное государственное образовательное учреждение

высшего профессионального образования



















Реферат по дисциплине:

«Культурология»



ТЕМА

«Человек в искусстве Возрождения: литература, изобразительное искусство»

























Санкт-Петербург - 2009


План



		Введение

		1. Гуманизм эпохи Возрождения

		2. Расцвет литературы

		Данте Алигьери

		Франческо Петрарка

		Джовани Боккаччо

		3. Дерзновенный взлет человеческой мысли

	Сандро Боттичелли

	Леонардо да Винчи

	Микеланджело

	Рафаэль

	Тициан

		Заключение

		Литература


Введение



В настоящее время большинство исследователей согласны с тем, что Возрождение не являлось завершением средневековой культуры или началом нового времени, а представляло собой переходный тип, качественно отличавшейся от той и другой.

Началось итальянское Возрождение с обращения к забытым сокровищам античной культуры в науке, литературе, искусстве и философии. В Италии вновь открывали для себя античность, классическую «золотую латынь», обращались к рукописям античных авторов, к античной архитектуре и скульптуре. Но это было не просто возвращение к античности. Само понимание сути человека, природы, окружающего мира уже стало иным в самой своей оценке. Мировоззрение, самосознание человека эпохи Возрождения стали другими: если в эпоху античности человек учился у природы, то в период Возрождения он выделяется из природы; человек творец и мира, и самого себя, он наделен Богом свободной волей.

Раскрывая значение человека в культуре и на культуру этого времени, я не ставила целью найти что-то новое или особенное. Моя задача заключается в том, чтобы еще раз утвердить величие разума и воли человека. Показать, насколько искусство олицетворяет гуманистические принципы, возродившиеся именно в эпоху Возрождения.

Целью моей работы является:

- раскрыть общее содержание эпохи Возрождения;

- рассказать о гуманистах, олицетворяющие эпоху Возрождения;

- показать образ человека в изобразительном искусстве Италии.




1. Гуманизм эпохи Возрождения



Новое духовное движение стало набирать силу в Италии с XIV по XVI века (переходная эпоха от средневековья к новому времени), насыщено неординарными событиями и представлено гениальными творцами. Джорджо Вазари (1512-1574) итальянский живописец, архитектор и историк искусства был первым, кто осознал специфику зарождающихся новых элементов, употребив в своей книге «Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих» (1550) термин «Возрождение» (Renissance). Он вводит его, говоря об упадке живописи, скульптуры и архитектуры, которые со времени античности «низвергались до крайней гибели», но так как «природа этих искусств сходна с природой и других, которые как человеческие тела родятся, растут, стареют и умирают», возможно «понять поступательный ход возрождения искусств и то совершенство, до коего оно поднялось в наши дни». Идея обращения к античности сложилась еще в позднем средневековье. Деятели этой эпохи не думали о слепом подражании эпохи античности, а считали себя продолжателями искусственно прерванной античной истории. Термин Возрождение возникший в XVI веке, означал рождение нового искусства, возрождающего классическую античную культуру.

Новое мировоззрение, возникшее в эпоху Возрождения, принято называть «гуманизмом» (человечный, человеческий). Слово «гуманизм» очень точно и емко характеризует то новое и своеобразное, что создало Возрождение в своей обращенности к старому, некогда существовавшему и сохранившему неотразимую привлекательность для потомков. Эпоха Возрождения фактически отождествилась с началом эпохи гуманизма.

Признание ценности человека как личности получило название гуманизм и составило основу мировоззрения новой эпохи.

Отдельные черты гуманизма присутствуют в античной культуре, но возрожденческий гуманизм был объемнее и целостнее. Гуманизм означает не только то, что человек признается высшей ценностью, но и то, что человек объявляется критерием всякой ценности. Эта черта гуманизма была выражена в античности Протагором: «Человек есть мера всех вещей». Такой взгляд предполагал самопознание человека. Гуманизм Возрождения проявлялся как превознесение разума в качестве главного орудия познания. Фактически это означало признание господства разума над окружающим миром. Из этого следовало еще одна черта гуманизма – вера во всеобщий и бесконечный прогресс. Наконец, поэтизация человека и всего человеческого влекло за собой эстетическое восприятие действительности, страсть к прекрасному и возвышенному.

Место человека в мире очень точно обозначил итальянский философ и гуманист того времени Пико дела Мирандола, который говорил, что в центре мироздания он ставит человека, чтобы оттуда ему было удобно обозревать все, что есть в мире. Человек, созданный по «образу и подобию» Божьему, способный видеть и воспринимать красоту окружающего мира, стал главной темой и литературы, и живописи, и скульптуры. Творчество Возрождения было направлено прежде всего на человека. Самопознание и самосозидание человека – таковы главные идеи возрожденческого гуманизма.

Становление и развитие ренессансной культуры являлось процессом длительным и неравномерным. Культура Возрождения не была достоянием одной лишь Италии, но в Италии новая культура зародилась раньше чем в других странах, и путь ее развития отличался исключительной последовательностью. Итальянское искусство Возрождения прошло несколько этапов. Первые сдвиги в изобразительном искусстве и литературе, наметившиеся во второй половине XIII века - начало XIV в. получили название Проторенессанс – переходная эпоха между средневековьем и собственно Возрождением;

- раннее Возрождение – период с середины XIV в.до 1475 г.;

- зрелое, или Высокое, Возрождение – последняя четверть XV – начало XVIв.;

- позднее Возрождение -XVI – начало XVII в.

В XVI – XVII в.в. Возрождение приходит и в другие страны Европы (Северный Ренессанс), но в каждой из них протекает в своих временных рамках и по-своему.

Так как гуманистическое учение о человеке проявилось наиболее ярко в Итальянском искусстве, поэтому и значение человека в эпоху Возрождения рассматриваю на итальянском примере.




2. Расцвет литературы



Ни в живописи, ни в архитектуре новая художественная культура, новое ощущение мира не выражалось так мощно, как в поэзии. Именно в литературе яснее всего обозначилось тяготение к новому, выражавшееся в новых ценностных ориентирах, в небывалом ранее самочувствовании человека.

Самыми яркими, талантливыми выразителями раннего Итальянского Возрождения - Данте Алигьери, Франческо Петрарка и Джовани Боккаччо – знаменитые поэты Возрождения.



Данте Алигьери



Родоначальник художественной литературы Возрождения, крупнейшим представителем периода Проторенессанса является поэт Данте Алигьери (1265–1321), символизирующий своим творчеством плавность перехода от Средних веков к Возрождению. Первые произведения Данте – «Новая жизнь» и «Пир» - представляют собой лирические стихи любовного содержания, посвященные его возлюбленной Беатриче, которую он встретил однажды во Флоренции и которая через семь лет после их встречи умерла. Свою любовь поэт сохранил на всю жизнь. По своему жанру лирика Данте находится в русле средневековой куртуазной поэзии, где объектом воспевания выступает образ «Прекрасной Дамы». Однако выражаемые поэтом чувства принадлежат Возрождению. Они вызваны реальными встречами и событиями, наполнены искренней теплотой, отмечены неповторимой индивидуальностью.

Главное произведением Данте - поэма «Комедия» (1307-1321), названная потомками «Божественной» - ее по праву считают поэтической энциклопедией «Средневековья». Поэма Данте символична, он в ней изложил свое гуманистическое мировоззрение. Она показывает непростой путь человека из хаотичного мира в Космос как гармонию красок внутреннего мира. Но чтобы достичь этой гармонии, этого Рая, согласия с самим собой, человек должен пройти через Ад повседневности и через Очищение. Структура поэмы определена автором точно и конкретно и называются эти три части: Ад, Чистилище и Рай.

В «Божественной комедии» великий поэт сумел поднять содержание поэмы до высокого философского обобщения.

Христинскую догматику Данте принимает как неизменную истину, однако дает новое изложение отношения божественного и человеческого. Он не противопоставляет эти начала, но видит их во взаимном единстве. Бога нельзя противопоставлять творческим силам человека. Человек детерминирован двояким способом: с одной стороны, богом, с другой – природой. К блаженству, таким образом, ведут два пути: человеческий разум, и «духовное поучение», исходящее от святого духа. Таким образом, человек реализует себя в земном предназначении и в вечной жизни. Разделение земной и загробной жизни ставит проблему отказа церкви от притязаний на светскую жизнь.

Гуманизм Данте антиаскетичен, он полон веры в силы человека. Человек сам ответственен за свое благо, решающим здесь является его личные качества, но ни в коем случае не богатство или унаследованное положение.

Все творчество Данте: и его «Божественная комедия», и его каноны, и его сонеты, и его философские произведения, - свидетельствуют о том, что грядет новая эпоха, наполненная неподдельным глубоким интересом к человеку и его жизни. В творчестве Данте и в самой его личности видятся истоки этой эпохи.




Франческо Петрарка



То что начал Данте, было продолжено Петраркой и Боккаччо. Франческо Петрарка (1304-1374) обладал глубокими познаниями в истории, а также в средневековой философии, богословии, античной культуре. Общепризнано, что Петрарка является первым европейским гуманистом. Именно преклонение перед античными авторами обусловило творческий путь Петрарки. В подражание речам и письмам Цицерона Петрарка пишет письма, представляющие собой тщательно отделанные литературные произведения, лейтмотивом которых является идея о возрождении былого величия и могущества страны.

Но наибольшее значение для развития литературы и прежде всего поэзии имела его «Книга песен» - «Канцониери», написанная на итальянском языке и содержащая 400 стихотворений гражданского и патриотического содержания. Причем более всего прославили Петрарку сонеты, разделяющиеся на циклы «На жизнь Лауры» и «На смерть Лауры», вымышленным именем которой скрывалась реальная женщина. В глазах поэта Лаура являла собой образ идеальной возлюбленной, образ женского совершенства, но в прекрасных сонетах раскрывалась прежде всего душа самого Петрарки. Сонеты стали поэтическим отражением всех возможных оттенков его любовных переживаний: мук сердца, радости, разочарования, горя любящего. Любовная лирика Петрарки представляет собой новое явление в гуманистической литературе, освободившейся от мистицизма «нового сладостного стиля» и открывшей неведомые до того глубины человеческого чувства. Не случайно Петрарка стал для всей европейской культуры законодателем любви.

Таким образом, интерес Петрарки к собственному «Я», к живым человеческим чувствам, некоторое переосмысление католической этики, интерес к античности (к которой он обращался за подтверждением собственных взглядов) делает его представителем гуманистического движения. Немаловажно, что Петрарка был горячим патриотом Италии, ратовал за ее объединение.



Джованни Боккаччо



Джованни Боккаччо (1313-1375) - друг и единомышленник Петрарки, в отличие от своих предшественников, не удовлетворялся лицезрением возлюбленной издали.

Вершиной творчества Боккаччо явился бессмертный «Декамерон» («Десятидневник»). Принцип построения своего сборника новелл и сюжетную канву Боккаччо заимствует из Средневековья. Все же остальное пропитано духом Ренессанса. Собрание ста новелл, якобы рассказанных в кругу светских людей, укрывшихся от чумы в загородном поместье, где они коротали время в приятных и поучительных беседах, длившихся десять дней. По словам писателя, все они «рассудительные, родовитые, красивые», были связаны между собой «дружбой, соседством, родством». Следует добавить, что были они образованы, любознательны, наделены художественным чутьем и олицетворяли собой гармонию и свободу нового, «естественного человека».

Главной идеологической проблемой средневековой культуры была проблема отношения человека к Богу. В «Декамероне» она заменяется проблемой отношения человека к человеку.

Боккаччо в «Декамероне» воплощает сочетание различных сторон человеческого бытия – высоких нравственных порывов и элементарных запросов. Уже во второй части «Декамерона» бездумная чувственность вступает в противоречие с созданием греховности плотских наслаждений. Голая, не одухотворенная чувством любви чувственность перестает для Боккаччо быть законной и вредит человеческому достоинству.

Художественное творчество Боккаччо в «Декамероне» достигает совершенства, но сам Боккаччо от него впоследствии отказался. После «Декамерона» Боккаччо перестает писать художественные произведения и обращается к науке. Он занимается греческим языком, пишет трактаты «О знаменитых женщинах», «О несчастиях знаменитых людей», «Генеалогии богов», создает географический словарь, а когда во Флоренции была открыта кафедра для толкования «Божественной комедии» Данте, Боккаччо стал ее первым лектором.

	
3. Дерзновенный взлет человеческой мысли



В период раннего Возрождения в искусстве утверждается индивидуальный характер, личность художника. Искусство поднимается выше науки и поэзии, оно высоко ценимо. Из разряда ремесел архитектура, живопись, скульптура перешли в область высокого профессионализма. Человек того времени полон духовных сил. Так, Пико дела Мирандола писал о своих современниках: «О дивное и возвышенное назначение человека, которому дано достигнуть того, к чему он стремиться, и быть тем, чем он хочет!» Ему вторит Массимо Фичино: «Человек измеряет небо и землю… Ни небо не представляется для него слишком высоким, ни центр земли слишком глубоким… А так как человек познал строй небесных светил, то кто станет отрицать, что гений человека почти такой же, как у самого творца небесных светил, и что он некоторым образом мог бы создать эти светила, если бы имел орудия и небесный материал».

Эти слова со всей наглядностью показывают дерзновенный взлет человеческих воззрений, веры человека Возрождения в его силу и талант.

Интерес к человеческой фигуре характерен почти для всех мастеров Возрождения. Их интересует все – и красота окружающей природы, и башни, и дворцовые постройки, и разумеется в женских портретах – красота лиц, изысканность причесок и туалетов.

Раннее Возрождение окончательно утвердило новые эстетические и художественные принципы искусства. При этом библейские сюжеты по–прежнему остаются весьма популярными. Однако их трактовка становится совершенно иной, в ней уже мало что остается от Средневековья.

Эпоха раннего Возрождения завершилась, на смену шло Высокое Возрождение – время наивысшего расцвета гуманистической культуры Италии. Возрождение принесло с собой расцвет изобразительных искусств, прежде всего живописи. В этот период жили и создавали свои произведения титаны Высокого Возрождения – Сандро Боттичелли, Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэль, Тициан.



Сандро Боттичелли



Сандро Боттичелли (1444-1510) – мастер живописи XV в., - обращается к внутреннему миру своих героев, их тончайшим настроениям и переживаниям. По мнению знатока итальянской живописи М.П.Муратова, Боттичелли удивительно проникновенно и тонко «выражал содержание эпохи». Да и сама жизнь этого выдающегося живописца словно совпадает с теми событиями, явлениями, настроениями, которые происходили в окружающем мире. Мироощущение творца выражает картина Боттичелли «Весна» (1478). Время художник соотносит с природой, а не с историей. Он не разделяет прошлое, настоящее и будущее. Для него - это «моменты, в котором каждый феномен служит знаком высшего принципа, в нем раскрытого». Другой шедевр Боттичелли «Рождение Венеры» (1485) - ее явление в мир. В этих двух полотнах Боттичелли отобразил два разных образа Венеры, противопоставленных Платоном в «Пире»: Афродиты Пандемос (всенародной – доступной и понятной всем), дочери Зевса и Дионы, Венеры земной («Весна») и Афродита Урании, Небесной Венеры, дочери Урана, рожденной из моря без матери («Рождение Венеры»).

Мечтательно-одухотворенный образ обнаженной богини, рожденной из волн, - эта классическая Венера стыдливая, и она воплощает две стороны любви – целомудренную (ее символизирует нимфа Ора) и чувственную (ее символизируют Зефиры).

Легкостью и ясностью образов пронизаны рисунки художника к «Божественной комедии» Данте. Во второй половине XV в. Боттичелли вместе с другими великими художниками Возрождения расписывал стены Сикстинской капеллы.

На его живописной манере отразились изменения, произошедшие в связи с увлечением проповедями Савонаролы (монах-проповедник в своих фанатичных речах восставал против современного искусства). Светлая грусть и сдержанность эмоций уступают место экстатичной болезненной выразительности, а мягкая извилистая линия, столь характерна для художника, становится сухой и изломанной.

В 1510 году Боттичелли умер в забвении и бедности, Оставленное им художественное наследство огромно. Оно обладает неповторимой индивидуальностью. У его героем особая красота. В трепетной нежности Богоматери или Венеры удивительное выражена душа и физическое совершенство, они производят впечатление людей, понесших утрату, вызывая этим чувство неизгладимой печали… Одни из них утратили небо, другие - землю. Вероятно, в этом ощущении утраты и лежит разгадка притягательности творчества Боттичелли. Ибо, по словам М.П.Муратова, «чертой теперешнего и прежнего интеллектуализма является наклонность к духовному странствию. Наша мысль вечно бродит в далеких и прошлых мирах, скользя бездомной тенью у чужих порогов, у потухших домашних огней, у покинутых алтарей и заброшенных храмов».



Леонардо да Винчи



Творчество Леонардо да Винчи (1452—1519), его гениальные находки являются связующим звеном между ранним и Высоким Возрождением и глубоко симптоматично, что он, как никто другой, оказался во всеоружии высших достижений материальной и духовной культуры своего времени во всех ее областях.

По свидетельству Вазари, он «своей наружностью, являвшей высшую красоту, возвращал ясность каждой опечаленной душе». Всеобъемлющий характер деятельности этого великого художника, скульптора, архитектора, ученого и инженера стал ясен только тогда, когда были исследованы разрозненные рукописи из его наследия, насчитывающие свыше семи тысяч листов, содержащих научные и архитектурные проекты, изобретения и зарисовки. Как ученый и инженер Леонардо обогатил практически все области научного знания: анатомию, физиологию, ботанику, палеонтологию, картографию, геологию, химию, аэронавтику, оптику, механику, астрономию, гидравлику, акустику, математику. Трудно назвать ту область знаний, которой бы не коснулся его гений. В своем знаменитом «Трактате о живописи» (1498) и других записях Леонардо уделил большое внимание изучению человеческого тела, сведениям по анатомии, пропорциям, зависимости между движениями, мимикой и эмоциональным состоянием человека. Леонардо занимали также проблемы светотени, объемной моделировки, линейной и воздушной перспективы. Леонардо отдал дань не только теории искусства, человечество помнит его, прежде всего как, гениального художника. Живописные произведения Леонардо, созданные им в начале XVI в., стали новым шагом на пути к искусству Высокого Возрождения. Он создал целый ряд великолепных алтарных образов и портретов «Мадонна с цветком» (т.н. «Мадонна Литта»), «Поклонение волхвов», «Святой Иероним», «Мадонна в гроте». Вершина мастерства художника - фреска «Тайная вечерня» и одно из самых прославленных произведений мировой живописи — «Мона Лиза» (Джоконда).

Все композиции мадонн у Леонардо представляют собой замкнутую пространственную пирамиду, в которую точно вписываются фигуры, и наконец, Леонардо да Винчи создал новую манеру живописи – невесомую световоздушную среду, смягчающую контуры.

В 1495 г. Леонардо приступил к созданию своего центрального произведения – фрески «тайная вечеря» в трапезной монастыря Санта Мария деле Грацие в Милане. Стремясь к наибольшей красочной выразительности в стенописи, он произвел неудачные эксперименты над красками и грунтом. А затем довершили дело грубые реставрации и… солдаты Бонапарта.

Судьба оказалась жестокой ко многим творениям великого мастера. А между тем сколько времени, сколько вдохновенного искусства и любви вложил Леонардо в создание этого шедевра.

Фреска Леонардо – это огромных размеров композиция, занимающая целиком поперечную стену большого зала монастырской трапезной. И, даже в полуразрушенном состоянии «Тайная вечеря» Леонардо производит неизгладимое впечатление.

Леонардо в этой росписи избегают всего того, что могло бы затемнить основной ход изображенного им действия, он добивается редкой убедительности композиционного решения. В центре он помещает фигуру Христа, выделяя ее просветом двери. Апостолов он сознательно отодвигает от Христа, чтобы еще более акцентировать его место в композиции. Учеников Леонардо разбивает на четыре симметричные группы, полные жизни и движения.

Основной задачей, которую поставил себе Леонардо в «Тайной вечере», была реалистическая передача сложнейших психических реакций на слова Христа: «Один из вас предаст меня». На стене развертывается древняя евангельская драма обманутого доверия. Давая в образах апостолов законченные человеческие характеры и темпераменты, Леонардо заставляет каждого из них по-своему реагировать на произнесенные Христом слова. Именно эта тонкая психологическая дифференциация, основанная на разнообразии лиц и жестов, и поражала более всего современников Леонардо. Художник объединяет Иуду в одну группу со всеми прочими апостолами, но придает ему такие черты, которые позволяют опознать его среди двенадцати учеников Христа.

Около 1503 г. Леонардо выполнил портрет Моны Лизы, супруги флорентийца Франческо Джокондо. «Мне удалось создать картину действительно божественную». Так отзывался художник об этом портрете, который вместе с «Тайной вечерей» считается увенчанием его творчества.

Слава картины была настолько велика, что впоследствии вокруг нее складывались легенды. Нельзя не признать, что это произведение, как один из немногих памятников мирового искусства, действительно обладает огромной притягательной силой. Но эта особенность его связана не с воплощением некоего таинственного начала, а рождена его поразительной художественной глубиной. Впервые портретный образ по своей значительности стал на один уровень с самыми яркими образами других живописных жанров.

Леонардо считал, что «живопись есть творение, создаваемое фантазией». Но в своей великой фантазии, в создании того, чего нет в природе, он исходил из конкретной действительности. Другими словами: действительность, обретающая некое новое качество в красоте, более совершенной, чем та, которая есть творение художника, завершающего дело природы. И, наслаждаясь этой красотой, по-новому воспринимаешь видимый мир.

Это и есть магия реалистического искусства Возрождения. Недаром так долго трудился Леонардо над «Джокондой» в неустанном стремлении добиться «совершенства над совершенством», и, кажется, он достиг этого.

Леонардо да Винчи был живописцем, ваятелем и зодчим, певцом и музыкантом, театральным постановщиком и баснописцем, философом и математиком, инженером, механиком – изобретателем. Но и этот перечень не исчерпывает его занятий.

Что касается общего воздействия Леонардо на искусство его времени, то его трудно переоценить. Можно смело утверждать, что не было ни одного крупного художника в Италии и в других странах в период Возрождения, который внимательно не изучал бы произведения Леонардо. Даже последующие великие мастера, такие как Рафаэль и Микеланджело, не смогли постигнуть загадки Леонардо.

Леонардо создавал монументальные скульптурные образы, проектировал и строил архитектурные сооружения. Леонардо по сей день остается одной из самых харизматических личностей эпохи Возрождения. Ему посвящено огромное количество книг и статей, подробнейшим образом изучена его жизнь. И тем не менее многое в его творчестве остается загадочным и продолжает будоражить умы людей. Универсализм Леонардо настолько непостижим, что Вазари не смог объяснить этот феномен иначе, как вмешательством небес: «К чему бы ни обратился этот человек, каждое его действие носит печать божественности», — так писал знаменитый биограф о великом Леонардо да Винчи.



Рафаэль



Творчество другого великого мастера Возрождения - Рафаэля Санти (1483-1520), создает мир образов, исполненный гармонии и красоты.

Он рано лишился матери и отца. Однако судьба не скупясь, ему давала все, что он хотел – многочисленные заказы, огромный успех и громкую славу, богатство и почет, всеобщую любовь, включая женщин. Восхищенные почитатели называли его «божественным». Однако давно замечено, что судьба капризна и непредсказуема. От того, кого она слишком щедро осыпает дарами, она может вдруг отвернуться. Именно так случилось с Рафаэлем: в расцвете жизненных и творческих сил он неожиданно умер.

Рафаэль был архитектором и живописцем. Он участвовал в проектировании и сооружении Собора св. Петра, строил капеллу Киджи Санта Мария дель Пополо в Риме. Однако невиданную славу ему принесла живопись.

Главной темой его творчества стала тема Мадонны, которая нашла у него непревзойденное, идеальное воплощение. Именно ей посвятил Рафаэль одно из ранних своих произведений – «Мадонна Конестабиле» (1503), где Мадонна изображена с книгой, которую листает младенец. Уже в этом полотне ярко проявились важные художественные принципы великого художника. Мадонна лишена святости, она выражает не только материнскую любовь, но воплощает собой идеал прекрасного человека. В картине все отмечено совершенством: композиция, цветовая гамма, фигуры, пейзаж.

За этим полотном последовала целая серия вариаций на ту же тему – «Мадонна со щегленком», «Прекрасная садовница», «Мадонна среди зелени», «Мадонна с безбородым Иосифом», «Мадонна под балдахином». А.Бенуа определил эти вариации как «чарующие живописные сонеты». Все они возвышают и идеализируют человека, воспевают красоту, гармонию и изящество.

После некоторого перерыва, когда Рафаэль был занят фресковыми работами, он вновь возвращается к теме Мадонны. В некоторые ее изображениях он как бы варьирует ранее найденные модели. Таковыми, в частности, являются «Мадонна Альба» и «Мадонна в кресле», композиция которых подчинена круглому обрамлению. В то же время он создает и новые типы изображения Мадонны.

Вершиной в развитии темы Богоматери явилась «Сикстинская Мадонна», ставшая настоящим гимном физического и духовного совершенства человека. В отличие от всех других Мадонн Сикстинская выражает неисчерпаемый человеческий смысл. Она сочетает в себе земное и небесное, простое и возвышенное, близкое и недоступное. На ее лице можно прочитать все человеческие чувства: нежность, робость, тревогу, уверенность, строгость, достоинство, величие.

К числу выдающихся творений Рафаэля относятся росписи личных папских покоев (станц) в Ватикане, посвященные библейским сюжетам, а также философии, искусству и юриспруденции (Фрески «Афинская школа» и «Парнас»).

Все его искусство предельно гармонично, дышит внутренним миром, и разум, самый высокий, соединяется в нем с человеколюбием и душевной чистотой. Ибо его искусство — радостное и счастливое. Ибо оно выражает некую нравственную удовлетворенность, примирение человека со своей бренной судьбой, приятие жизни во всей ее полноте и обреченности. Рафаэль не томит нас своими тайнами, не сокрушает своим все видением, а ласково приглашает насладиться земной красотой вместе с ним.

Имя Рафаэля стало синонимом классического искусства, а его полотна на целые столетия определили вкусы живописцев академического направления.



Микеланджело Буонарроти



Итальянское Возрождение дало миру целый сонм прославленных мастеров, но мощь творческого гения Микеланджело Буонарроти (1475-1564) выделяет его даже среди величайших художников этой эпохи. Его искусство знаменует собой не только кульминацию эпохи Возрождения, но и ее завершение. Его творчество остается образцом гуманизма для последующих поколений. Он был предан искусству целиком, отдавая себя творчеству, изображая людей и богов внутренне предельно напряженных и прекрасных. Микеланджело передает в них и свою энергию. Их трагедия и мощь – это словно драматические переживания и творческая сила самого художника. Его герои – величавы и грандиозны, наполнены страстью, энергией безграничного движения.

Широкую известность и славу принесли Микеланджело работы – статуя «Вакх» и группа «Пьета», а мраморная статуя "Давид" стала главной достопримечательностью Флоренции. Идеальные пропорции, совершенная пластика, редкая гармония форм делают ее удивительно естественной, легкой и прекрасной. Статуя наполнена внутренней жизнью, энергией и силой. Она является гимном человеческой мужественности, красоте, грации и изяществу.

Помимо скульптур Микеланджело создал прекрасные произведения живописи. Самыми значительными из них являются росписи Сикстинской капеллы в Ватикане. Он принимался за них дважды. Сначала по заказу папы Юлия II расписал плафон Сикстинской капеллы, затратив на это четыре года (1508-1512 гг.). На огромных поверхностях плафона Микеланджело изобразил ветхозаветные сюжеты. Это библейские эпизоды, - от Сотворения мира до Потопа, а также сцены из повседневной жизни – мать, играющая с детьми, погруженный в глубокое раздумье старик, читающий юноша и т.д. Это торжественная, легко обозримая композиция воспринимается как гимн физической и духовной красоте человека, как утверждение его безграничных возможностей.

В последующие годы творчество мастера приобретает трагический характер. Глубокий пессимизм охватил его в связи с кризисом в Италии возрожденного гуманизма, гибелью политических и гражданских свобод (итальянские войны 1494 – 1559гг.). Начавшийся террор уносит жизни многих друзей Микеланджело, а сам он какое-то время живет изгнанником. В состоянии пессимизма и отчаяния он работает над усыпальницей рода Медичи (статуи герцогов Лоренцо и Джулиано) и скульптурными аллегориями, символизирующими быстротечность и драматизм жизни – «Утро» и «Вечер» (в надгробии Лоренцо), «Ночь» и «День» (в надгробии Джулиано).

И, наконец, в период 1535-1541 Микеланджело пишет на алтарной стене Сикстинской капеллы фреску «Страшный Суд», пронизанную горькими размышлениями о тщете человеческой жизни.

Религиозную тему Микеланджело воплотил как человеческую трагедию космического масштаба. И хотя тема призвана олицетворять торжество справедливости над злом, фреска воспринимается как образ вселенной катастрофы, как воплощение идеи крушения мира.

Микеланджело отступил от традиционной иконографии, выбрав не момент свершения суда, когда грешники уже отделены от праведников, а только его начало, когда все действующие лица охвачены смятением. Сидящий Христос, с ликом страшным и грозным, обращается к грешникам, проклиная их и подвергая в трепет даже святых и Богоматерь, закутавшуюся в плащ. Художник изобразил бесчисленное множество святых мужей и жен, а на бесформенно свисающей коже св. Варфоломея, держащего ее в руке, Микеланджело изобразил в виде искаженной маски свое собственное лицо. Микеланджело размахом и мощью живописи «Страшного суда» не только оправдал слова Данте: «Мертвые там мертвы, живые совсем как живые», - но и показал, что победил не только великих художников, работавших в Сикстинской капелле, но и самого себя в росписи плафона.

Последней живописной работой Микеланджело стала роспись капеллы Паолина, включившая две композиции – «Падение Савла» и «Распятие апостола Петра». Ноты трагического отчаяния уже вполне отчетливо звучат в этих фресках.

Титаническая фигура Микеланджело знаменует собой одновременно высший подъем и конец эпохи Возрождения. Нечеловеческая мощь созданных им образов, которым нет равных во всей истории мирового искусства, объясняется космической драмой прекрасной Божественной души, заключенной в телесную оболочку, не менее прекрасную, но являющуюся тем не менее ее темницей.

В своих философских сонетах Микеланджело неоднократно говорил о грубости и несовершенстве телесной оболочки, искажающей красоту души, и о том, что подлинным творцом является Бог, а художник – «лишь орудие, молот».



Тициан



Тициан Вечеллио да Кадоре (около 1480- 1576) - один из величайших художников всех времен и народов, являющийся — наряду с Леонардо, Рафаэлем и Микеланджело — одним из четырех титанов итальянского Возрождения. "Королем живописцев и живописцем королей" называли Тициана еще при жизни. Слава пришла к нему еще при жизни. В его творчестве радостное отношение к окружающей жизни, природу, человеку нашли подлинно ренессансное истолкование. Его произведения сочетают в себе творческий поиск и новаторство Леонардо, красоту и совершенство Рафаэля, духовную глубину, драматизм и трагизм Микеланджело. Реалистическая убедительность образов; гуманистическая вера в счастье и красоту человека, широкая, гибкая и послушная замыслу мастера живопись - характерные черты его творчества.

Полотна Тициана: «Вознесение Богоматери», «Флора», «Любовь небесная и земная», «Венера перед зеркалом» - вершина колористических достижений венецианской школы. Краски звучны и насыщены по тону, они передают красоту человеческого тела, фактуру вещей, окружающего пейзажа. От них веет спокойной, здоровой силой и красотой. Отличительными особенностями искусства Тициана были верность гуманистическим принципам, вера в волю человека. Тициан создает свой образный и колористический мир, где цвет является главным организующим началом. Портреты, созданные Тицианом, бесконечно разнообразны по живописной трактовке, неисчерпаемости колористических средств возрождения («Император Карл V», «Павел III», «Девушка с фруктами», «Венера Урбинская», «Флора» и т.д.).

Творческий путь Тициана был долгим (он прожил 90 лет), последние десятилетия принадлежат уже Позднему Возрождению, что отразилось в настроении его последних работ, чувстве тревоги и отчаяния, воплотившихся в них.

В поздний период своей жизни Тициан написал такие произведения, как «Несение креста», «Пьета», «Коронование терновым венцом». В них переданы новые мотивы. Как пишет исследователь творчества Тициана: «…Тициан не отказался от утверждения красоты мира, от утверждения права человека на наслаждение красотой, на радости земной, а не небесной жизни. Но картины стали сложней. В них борются радость с грустью расставания, преклонение перед духовно сильным человеком и перед теми испытаниями, которые несет жизнь духовно освобожденной, противостоящей мраку личности. В них борются любовь к жизни и непостижимость смерти».

Одной из последних работ Тициана является "Автопортрет". Художник изобразил строгий профиль своего худого удлиненного лица. Одухотворенный облик великого живописца, проложившего пути искусству будущего.

Таким образом, говоря о творчестве Тициана, можно отметить ростки начинающегося кризиса гуманистических идеалов всего искусства Высокого Возрождения.

Творчество Тициана и его младших современников Веронезе и Тинторетто завершило эпоху Возрождения. И хотя эта эпоха выдвинула целую плеяду великих мастеров, именно творчество Тициана оказало особенно значительное воздействие на художников последующих поколений и развитие реалистической живописи XVIIв.


Заключение



«Величайший прогрессивный переворот», каким явилась, по определению Ф.Энгельса, эпоха Возрождения, ознаменовалась выдающимися достижениями во всех областях культуры.

Искусство Возрождения, возникшее на основе гуманизма - течения общественной мысли, провозгласившего человека высшей ценностью жизни.

В искусстве главной темой стал прекрасный, гармонически развитый человек, обладающий неограниченными духовными и творческими возможностями. Особый интерес к личным качествам каждого человека – его уму и таланту, творческой энергии и чувству собственного достоинства, образованности и предприимчивости – вот основа понимания человека новой эпохи.

Возродив античные идеалы, оно в то же время отразило ренессансное представление о ценности личности, красоте окружающего его мира. Ценность человека ренессансный гуманизм видел в единстве его нравственного и этического достоинства, в благородстве духа и красоте тела.

В работе я постаралась показать общее значение итальянского Возрождения для мирового искусства, которое и в наши дни не теряет своей актуальности; нравственные, этические идеи, которые провозглашали итальянские гуманисты в эпоху Возрождения, не изменили своего содержания и сейчас. Рассмотрев и проведя анализ образа человека в изобразительном искусстве Италии, выдвинула положение о том, что идеи гуманизма были воплощены итальянскими мастерами на своих полотнах и подняты на небывалую высоту, передавая в этих образах все возвышенные чувства, все благородство души.

Произведения искусства, воссоздавая мир в целостных наглядно-чувственных и типичных картинах, несут в себе общечеловеческое содержание. Поэтому великие произведения искусства, созданные даже в отдаленные эпохи, не только не утрачивают своего значения, но обретают новые оттенки в осмыслении своего содержания, нравственно-эстетической проблематики. Художественные формы с позиции нового времени, общечеловеческие ценности, заключенные в них, волнуют человека во все времена и на всех континентах. Эти произведения обращены к человеку, они выражают доверие и любовь к нему, воспевают его духовное величие.

Таким образом, итальянское Возрождение, да и в целом вся эпоха Возрождения, означала огромный сдвиг в мировом искусстве, который не смог сделать ни одна из последующих эпох. Человек, вставший в центр этого искусства, по-новому научился понимать окружающий мир.


Литература



		История мировой культуры. Наследие Запада /Под редакцией К.Д.Серебряного – М.1998

		Вазари Дж. Жизнеописание наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих – М.1971

		Хрестоматия

		Учебный курс по культурологи /Под редакцией проф.Г.В.Драч - 1999

		Брагина Л.М. Итальянский гуманизм – М.: Высш. Школа, 1977.- 252 с.

		Буркхард Я. Культура Италии в эпоху Возрождения.

		Быстрова А.Н. Мир культуры: (основы культурологии) – М.: Новосибирск: ЮКЭА, 2002.-710 с.

		Всеобщая история искусств. Искусство эпохи Возрождения. - М.: Искусство, 1962.-531 с.

		Человек в культуре Возрождения. – М.: Наука, 2001.- 272 с.

2