Импрессионизм в живописи, музыке и литературе

Содержание



	Введение

			Импрессионизм как явление в искусстве

		Импрессионизм в живописи

		Художники – импрессионисты

	3.1 Клод Моне

	3.2 Эдгар Дега

	3.3 Альфред Сислей

	3.4 Камиль Писсаро

						Импрессионизм в музыке

			Импрессионизм в литературе

		Заключение

		Библиографический список


Введение



Данный реферат посвящён импрессионизму в искусстве, музыке и литературе.

Импрессионизм – одно из ярчайших и важнейших явлений в Европейском искусстве, во многом определившее всё развитие современного искусства. В настоящее время работы не признаваемых в своё время импрессионистов ценятся очень высоко и их художественные достоинства неоспоримы. Актуальность выбранной темы объясняется необходимостью для каждого современного человека разбираться в стилях искусства, знать основные вехи его развития.

Я выбрала эту тему, потому что импрессионизм был своего рода революцией в искусстве, изменившей представление о произведениях искусства как о целостных, монументальных вещах. Импрессионизм вывел на первое место индивидуальность творца, его собственное видение мира, отодвинул на задний план политические и религиозные сюжеты, академические законы. Интересно, что эмоции и впечатление, а не сюжет и мораль играли главную роль в произведениях импрессионистов.


1. Импрессионизм как явление в искусстве



Импрессионизм - одно из самых ярких и интересных направлений во французском искусстве последней четверти 19 века, родилось в очень сложной обстановке, отличающейся пестротой и контрастами, и дало толчок к возникновению многих современных течений. Импрессионизм, несмотря на свою кратковременность оказал существенное влияние на искусство не только Франции, но и других стран: США, Германии, Бельгии, Италии, Англии. В России влияние импрессионизма испытали К. Бальмонт, Андрей Белый, Стравинский, К. Коровин (наиболее близкий по своей эстетике к импрессионистам), ранний В. Серов, а так же — И. Грабарь. Импрессионизм стал последним крупным художественным движением во Франции XIX века, проложившим грань между искусством Нового и Новейшего времени.

По мнению М. Аплатова, “чистого импрессионизма, вероятно, не существовало. Импрессионизм – не доктрина, он не мог бы иметь канонизированных форм…Французским художникам-импрессионистам в различной степени присущи те или иные его черты». Обычно под термином «импрессионизм» подразумевается направление в живописи, хотя его идеи нашли своё воплощение и в других видах искусства, например, в музыке.

Импрессионизм - это в первую очередь достигшее невиданной утонченности искусство наблюдения действительности, передачи или создания впечатления, искусство, в котором сюжет не важен. Это новая, субъективная художественная реальность. Импрессионисты выдвинули собственные принципы восприятия и отображения окружающего мира. Они стерли грань между главными предметами, достойными высокого искусства, и предметами второстепенными.

Важным принципом импрессионизма был уход от типичности. В искусство вошла сиюминутность, случайный взгляд, создается впечатление, что полотна импрессионистов написаны простым прохожим, гуляющим по бульварам и наслаждающимся жизнью. Это была революция в видении.

Как художественное течение импрессионизм, в частности в живописи, довольно быстро исчерпал свои возможности. Классический французский импрессионизм был слишком узок, и немногие всю жизнь оставались верными его принципам. В процессе развития импрессионистического метода субъективность живописного восприятия преодолевала предметность и поднималась на все более высокий формальный уровень, открывая пути всем течениям постимпрессионизма, в том числе символизму Гогена и экспрессионизму Ван Гога. Но, несмотря на узкие временные рамки – каких-то два десятилетия, импрессионизм вывел искусство на принципиально иной уровень, оказав существенное влияние на всё современные живопись, музыку и литературу, а также кинематограф. Некоторые принципы импрессионизма — передача мгновенного движения, текучесть формы — в различной степени сказались в скульптуре 1880—1910-х годов.


2. Импрессионизм в живописи



Весной 1874 года группа молодых художников-живописцев, включающая Моне, Ренуара, Писарро, Сислея, Дега, Сезана и Берту Моризо, пренебрегла официальным Салоном и устроила собственную выставку, став в последствии центральными фигурами нового направления. Она проходила с 15 апреля по 15 мая 1874 г. в мастерской фотографа Надара в Париже, на бульваре Капуцинов. Там было представлено 30 художников, всего — 165 работ. Подобный поступок уже сам по себе был революционным и рвал с вековыми устоями, картины же этих художников на первый взгляд казались еще более враждебными традиции. Потребовались годы, прежде чем эти, впоследствии признанные, классики живописи смогли убедить публику не только в своей искренности, но и в своем таланте. Всех этих очень разных художников объединила общая борьба с консерватизмом и академизмом в искусстве. Импрессионисты провели восемь выставок, последнюю - в 1886 году.

Именно на первой выставке 1874 году в Париже появилась картина Клода Моне, изображающая восход солнца. Она привлекла всеобщее внимание прежде всего необычным названием: «Впечатление. Восход солнца». Но и сама живопись была необычной, она передавала ту почти неуловимую, переменчивую игру красок и света. Именно название этой картины — «Впечатление» — благодаря насмешке одного из журналистов, положило начало целому направлению в живописи, названному импрессионизмом (от французского слова «impression» — впечатление).

Стараясь максимально точно выразить свои непосредственные впечатления от вещей, импрессионисты создали новый метод живописи. Его суть состояла в передаче внешнего впечатления света, тени, рефлексов на поверхности предметов раздельными мазками чистых красок, что зрительно растворяло форму в окружающей световоздушной среде.

Правдоподобность приносилась в жертву личностному восприятию - импрессионисты могли в зависимости от своего видения небо написать зеленым, а траву синей, фрукты на их натюрмортах были неузнаваемы, человеческие фигуры – расплывчаты и схематичны. Было важно не что изображается, а важно “как”. Объект становился поводом для решения зрительных задач.

Характерна краткость, этюдность творческого метода импрессионизма. Ведь только короткий этюд позволял точно фиксировать отдельные состояния природы. То, что ранее допускалось только в этюдах, теперь стало главной чертой завершенных полотен. Художники-импрессионисты всеми силами стремились преодолеть статичность живописи, навсегда запечатлеть всю прелесть ускользающего мгновения. Они начали использовали ассиметричные композиции, чтобы лучше выделить заинтересовавших их действующих лиц и предметы. В отдельных приёмах импрессионистского построения композиции и пространства ощутимо влияние увлечённости своим веком – не античностью как ранее, японской гравюры (таких мэтров, как Кацусика Хокусай, Хиросигэ, Утамаро) и отчасти фотографии, её крупных планов и новых точек зрения.

Импрессионисты также обновили колорит, они отказались от темных, земляных красок и лаков и наносили на холст чистые, спектральные цвета, почти не смешивая их предварительно на палитре. Условная, "музейная" чернота в их полотна уступает место игре цветных теней.

Благодаря изобретению металлических тюбиков для красок, уже готовых и пригодных к переноске, которые заменили старые краски, готовившиеся вручную из масла и порошковых пигментов, художники смогли покинуть свои мастерские, чтобы работать на пленэре. Работали они очень быстро, потому что движение солнца меняло освещение и колорит пейзажа. Иногда они выдавливали краску на холст прямо из тюбика и получали чистые сверкающие цвета с эффектом мазка. Кладя мазок одной краски рядом с другой, они часто оставляли поверхность картин шероховатой. Чтобы сохранить в картине свежесть и разнообразие красок натуры, импрессионисты создали живописную систему, которая отличается разложением сложных тонов на чистые цвета и взаимопроникновением раздельных мазков чистого цвета, как бы смешивающихся в глазу зрителя, цветными тенями и воспринимаются зрителем согласно закону дополнительных цветов.

Стремясь к максимальной непосредственности в передаче окружающего мира, импрессионисты впервые в истории искусства стали писать преимущественно на открытом воздухе и подняли значение этюда с натуры, почти вытеснившего традиционный тип картины, тщательно и неспешно создаваемой в мастерской. В силу самого метода работы на пленэре пейзаж, в том числе открытый ими городской пейзаж, занял в искусстве импрессионистов очень важное место. Главной темой для них стали трепетный свет, воздух, в который как бы погружены люди и предметы. В их картинах чувствовался ветер, влажная, нагретая солнцем земля. Они стремились показать удивительное богатство цвета в природе.

Импрессионизм ввёл в искусство новые темы – повседневную жизнь города, уличные пейзажи и развлечения. Тематический и сюжетный диапазон его был очень широк. В своих пейзажах, портретах, многофигурных композициях художники стремятся сохранить непредвзятость, силу и свежесть «первого впечатления», не вдаваясь в отдельные детали, где мир – вечно изменяющееся явление.

Импрессионизм отличается яркой и непосредственной жизненностью. Для него характерны индивидуальность и эстетическая самоценность полотен, их нарочитая случайность и незавершённость. В целом произведения импрессионистов отличаются жизнерадостностью, увлечённостью чувственной красотой мира


3. Художники-импрессионисты



Центральными фигурами импрессионизма были Сезанн, Дега, Мане, Моне, Писсарро, Ренуар и Сислей, и вклад каждого из них в его развитие уникален. Остановимся подробнее на творчестве некоторых из них.



3.1 Клод Моне



С именем Клода Моне (1840-1926 гг.) нередко связывают такие достижения импрессионизма, как передачу неуловимых переходных состояний освещения, вибрацию света и воздуха, их взаимосвязь в процессе непрестанных изменений и превращений. Он работал, в основном, в области пейзажа. Клод Моне в общей сложности написал около 200 картин, среди которых – «Завтрак на траве», «Сирень на солнце», «Бульвар Капуцинов» и другие.

Ранние работы Моне вполне традиционны. В них еще присутствуют человеческие фигуры, которые в дальнейшем постепенно исчезают из его картин. В 1870-х годах окончательно складывается импрессионистическая манера художника, всецело посвятившего себя пейзажу, усиливается декоративность его работ. С этого времени он работает почти исключительно на пленэре. Именно в его творчестве окончательно утверждается тип большой картины-этюда. Моне составляет и фигуры, и пейзаж из обобщенных световых пятен, оттенки и цвет которых зависят только от освещения, в его работах нет четких контуров предметов. Ощущение движения воздуха усиливается и самой фактурой картины: она перестает быть гладкой, а состоит из отдельных пятен-мазков. Композицию он сознательно строит таким образом, чтобы картина производила впечатление случайно выхваченного фрагмента из потока жизни. Одним из первых Клод Моне начинает создавать серии картин, в которых один и тот же мотив повторяется в разное время года и суток, при разном освещении и состоянии погоды.

Моне стремился показать окружающую его жизнь во всем ее многообразии: игру солнечных бликов на колышущейся глади воды, многолюдную пеструю толпу отдыхающих, которая растворяется в пейзаже и составляет с ним единой целое.

Простые сюжеты картин 1860-1870 гг. уступают место всё более сложным. Моне привлекают серийные работы. В них, следуя импрессионистической манере, художник стремится передать различную степень освещенности одних и тех же предметов при различной погоде, в различное время дня, используя разнообразную тональность своей палитры. Изменение живописной манеры художника сопровождается переменами в его личной жизни – умирают близкие ему люди.

Моне участвует в выставках 1874, 1876, 1877, 1879 и 1882 годов. Однако его произведения почти не продаются – все его новшества вызывают неприятие публики и критики. Гонимый нуждой, художник живет там, где жизнь более дешева. Поселившись в Аржантёе, он увлечением рисует Сену, ее мосты, скользящие по водной поверхности парусники, Появляются его знаменитые серии, посвященные вокзалу Сен-Лазар, полям цветущих маков, Руанскому собору, лондонским мостам, поражающие свежестью красок и интенсивностью цвета. Добиваясь чистоты и звучности цвета, Моне избегает смешивать краски на палитре; чтобы передать нужный ему тон зеленой листвы, художник кладет рядом мазки желтого и синего, на расстоянии они сливаются, «смешиваются» в глазу зрителя, и листья кажутся зелеными.

В конце 1880-х годов его искусство все более привлекает публику и критиков. Признание приносит материальный достаток. Вскоре материальное положение художника поправилось настолько, что он покупает собственный дом в Живерни, где и протекает поздний период его творчества. В этот период художник всецело поглощен работой над сериями пейзажей, в которых разрабатывает тончайшие световые эффекты.


3.2 Эдгар Дега



Эдгар Дега прославился благодаря своему уникальному мастерству изображать человеческое тело в движении. Эдгар Дега использовал различные краски, но предпочитал пастель. В центре искусства Эдгара всегда стоял человек, в то время как пейзаж, едва ли не ведущий жанр импрессионистов, не играл в его творчестве значительной роли. Большой почитатель Энгра, он придавал исключительное значение рисунку, интересовался Пуссеном и копировал его картины.

Эдгар Дега родился в 1834 году в богатой семье, которая принадлежала к высшим слоям французского общества, имела тесные связи с Италией и США. К 1860 году Дега успел создать несколько удивительных портретов в лучших классических традициях. С 1862 года Дега начал рисовать лошадей, скачки, жокеев. Далее героями стали отдельные музыканты или целые оркестры во время исполнения произведений. Дега особенно интересовало качественное исполнение картин, четкая прорисовка телодвижений. Чтобы добиться непринужденности в передаче мимолетного движения, художник разлагал его на составные части, включающие моменты предшествующие и последующие. Новаторство Дега в передаче движения неразрывно связано с его композиционным мастерством. У него еще сильнее, чем у Мане, чувствуется непреднамеренность, случайность, выхваченность отдельного эпизода из потока жизни. Он достигает этого неожиданной ассиметрией и необычностью точек зрения (часто сверху или сбоку, под углом).

Главные его темы - мир балета и скачек, лишь в редких случаях он выходит за их пределы, обращаясь к жизни парижской богемы, изображая модисток, гладильщиц и прачек. Основной формой его живописи всегда была сюжетная композиция. В ней ярко раскрываются характерные особенности творческой индивидуальности художника - естественность и необычайная зоркость художественного видения, обостренный интерес к передаче движения, беспощадная, почти бесстрастная аналитичность и одновременно насмешливая ирония.

Стремление к бескомпромиссному анализу и отсутствие, каких бы то ни было иллюзий, заставляли его выбирать сюжеты и темы, позволяющие показать реальные отношения людей в буржуазном обществе, ту изнанку жизни, которая до сих пор оставалась за пределами искусства. Он предпочитал не блистательную феерию премьеры, а изнуряющие будни репетиций, когда движения балерин неизящны и угловаты, не красоту и динамику скачки, а проездку лошадей и профессиональную посадку жокеев. Острая наблюдательность и глубокий психологизм были неизменно присущи работам Дега.



3.3 Альфред Сислей



Среди импрессионистов также должно быть названо имя Альфреда Сислея (1839-1899 гг.). Он, англичанин, живший во Франции, - самый умеренный среди классиков импрессионизма. Сислей пользовался импрессионистским методом, не увлекаясь его крайностями и не избегая вещественности, чтобы выразить любовь к природе, ее лирическое переживание.

Произведениям Сислея, это около 40 картин, присуща особая живописная элегантность. Блестящий мастер пленэра, он умел передать прозрачный воздух ясного зимнего утра, легкую дымку согретого солнцем тумана, бегущие по небу в ветреный день облака. Его гамма отличается богатством оттенков и верностью тонов. Пейзажи художника всегда проникнуты глубоким настроением, отражающим его лирическое в своей основе восприятие природы. Пейзаж Сислея - пейзаж настроения. Его простые по мотивам пейзажи посвящены в основном окрестностям Парижа и природе Иль-де-Франса Сислей охотнее всего изображал природу, обжитую человеком, уютную - предместья, маленькие площади провинциальных городов, берега заливов с домиками и лодками у причала.

Трудно поверить, что такой реалист, как Сислей, тоже считался разрушителем основ. Его, например, бранили за то, что он передавал солнечное освещение розовыми тонами. Он пристально вглядывался в небо и с него начинал писать картину - небо придает картине глубину и сообщает движение.

Наиболее плодотворный творческий период пришелся на начало 1870-х годов, когда он поселился с семьей под Парижем. Сложившись к началу 80-х годов, манера Сислея, не в пример Писсарро или Моне, впоследствии мало менялась. Сдержанный и застенчивый, сосредоточенный исключительно на работе, художник испытывал мало интереса к декларациям эпатажу.

Всецело отдавшись одной живописи, общаясь только с семьей, он ведет полунищее существование, получая ничтожные суммы за свои картины и все глубже увязая в долгах. Поэтичный и тонкий художник, он был недостаточно новатор, чтобы произвести смятение, и недостаточно традиционалист, чтобы угодить публике. Он умер на исходе века, так и не дождавшись луча славы, небольшом в городке Морэ. По иронии судьбы, после смерти Сислея цены на его произведения сразу поднялись в несколько раз.



3.4 Камиль Писсаро



Творческий путь Камиля Писарро был очень сложен (1831-1903 гг.), но он был единственным художником, участвовавшим во всех выставках импрессионистов, своего рода "патриархом" этого движения. Он, как и Моне, последовательно шел по избранному пути. Официальный дебют Писарро состоялся в Салоне 1857 года, где он представил «Пейзаж в Монморанси», и эта картина имела успех.

На один из его пейзажей в Салоне 1865 года обратил внимание Золя. Он писал, что картина Писарро доставила ему «полчаса наслаждения и отдыха». За свою жизнь Камиль Писарро создал около 60 картин.

Начав с пейзажей, близких по живописи барбизонцам, он под влиянием Эдуарда Мане и своих молодых друзей начал работать на пленэре, последовательно высветляя палитру. Постепенно он вырабатывает свой собственный импрессионистический метод. Одним из первых он отказался от употребления черной краски. Из-за склонности к аналитическому подходу к живописи, он некоторое время увлекался пуантеллизмом, теорией, согласно которой чистые, несмешанные краски, наложенные на белый грунт, должны сливаться в глазу зрителя, создавая эффект панно или мозаики.

Все пейзажи Писарро несут на себе отпечатки человеческой деятельности, будничной жизни крестьян. Их композиция всегда продумана и уравновешенна, лишена всякой случайности. Все части его пейзажей неразрывно связаны между собой.

Первоначально главными его сюжетами являются городские и сельские антропогенные пейзажи, уходящие вдаль дороги дилижансы. Но со временем человек и его деятельность занимают в картинах Писарро все более важное место.

Семидесятые годы - время расцвета художника. О творчестве Писсарро 70-х годов дает яркое представление луврское собрание.

Писарро с упорством добивался признания движения импрессионистов и много сделал для этого. Официальная критика называла его пейзажи «непонятными».

Работал Писарро также и как рисовальщик, акварелист и гравер - в технике офорта и литографии. Наибольших достижений он добился в графике. Из всех импрессионистов он лучше всех смог перенести в офорт и литографию атмосферу мимолетного и изменчивого. Последние годы принесли Писарро долгожданный успех и материальное благополучие. Таким образом, Камиль Писарро получил признание ещё при жизни, о чем остальным импрессионистам приходилось только мечтать.


4. Импрессионизм в музыке



Расцвет импрессионизма в изобразительном искусстве не мог не оказать влияния на формирование отдельных принципов и на развитие выразительных средств в литературе, музыке и театре; однако в этих видах искусства он не стал целостной художественной системой этапного значения.

Музыкальный импрессионизм как одно из течений модерна сложился во Франции в конце XIX - начале XX века. Применение термина «Импрессионизм» к музыке во многом условно — музыкальный импрессионизм не составляет прямой аналогии к импрессионизму в живописи и не совпадает с ним. Истоки такой музыки лежат в позднем романтизме 19 в., в произведениях Ф. Листа, Э. Грига и других. Музыка импрессионистов такая же поэтична, но более выразительна. Импрессионизм в музыке проявился стремлением передать настроение композитора и эмоции, которые являются для него самого и слушателей определенными символами. Если сравнивать с импрессионистической живописью, которая стремилась отобразить впечатление, то музыка в стиле импрессионизма стремилась вызвать впечатление у слушателей с помощью приобретающих значение символов, тонких психологических нюансов. С основной линией импрессионизма в живописи его роднит восторженное отношение к жизни; моменты острых конфликтов, социальных противоречий в нём обходятся.

Импрессионистическая музыка включает старинные напевы, элементы сказочности и фантастичности. Это яркая и восторженная, избегающая острых социальных проблем музыка. Импрессионисты внесли в музыку национальные песенно-танцевальные жанры, восточные средства музыкальной выразительности, элементы джаза. Не последнее место в ней занимает интерес к тембровой и гармонической красочности.

Основоположник музыкального импрессионизма был Клод Дебюсси - французский композитор, пианист, дирижёр, музыкальный критик. Дебюсси был не только одним из самых значительных французских композиторов, но также одной из самых значительных фигур в музыке на рубеже XIX и XX веков; его музыка представляет собой переходную форму от поздней романтической музыки к модернизму в музыке XX столетия. В своём творчестве он опирался на французские музыкальные традиции - музыку французских клавесинистов (Ф. Куперен, Ж. Ф. Рамо), лирическую оперу и романсы (Ш. Гуно, Ж. Массне). Значительным было воздействие русской музыки (М.П. Мусоргский, Н.А. Римский-Корсаков), а также французской символистской поэзии и импрессионистской живописи.

Дебюсси воплотил в музыке мимолётные впечатления, тончайшие оттенки человеческих эмоций и явлений природы. Он создал импрессионистическую мелодику, отличающуюся гибкостью нюансов и в то же время расплывчатостью. Дебюсси создал новый пианистический стиль (этюды, прелюдии). Его 24 прелюдии для фортепиано снабжённые поэтическими названиями (“Дельфийские танцовщицы”, “Звуки и ароматы реют в вечернем воздухе”, “Девушка с волосами цвета льна” и др.), они создают образы мягких, нереальных пейзажей, имитируют пластику танцевальных движений, навевают жанровые картины.

Своего рода манифестом музыкального импрессионизма считали современники оркестровую Прелюдию к «Послеполуденному отдыху фавна», в которой проявились характерные для музыки Дебюсси. зыбкость настроений, утончённость, изысканность, прихотливость мелодики, колористичность гармонии. Его произведениям присущи тонкий психологизм, яркая эмоциональность в выражении чувств героев. Отзвуки их обнаруживаются в операх Дж. Пуччини, Б. Бартока, И. Ф. Стравинского

Таким образом, творчество Дебюсси, одного из крупнейших мастеров 20 века., оказало существенное влияние на композиторов многих стран, в том числе и России. Импрессионизм в музыке просуществовал до конца первого десятилетия 20 в.


5. Импрессионизм в литературе



Импрессионизм в литературе распространился в последней трети 19 – начале 20 вв.

В литературе он так и не сложился как отдельное направление. Скорее можно говорить о чертах импрессионизма внутри разных направлений эпохи, прежде всего внутри натурализма и символизма.

Символизм стремился вернуть в искусство представление об идеальном, о высшей сущности, скрытой за обыденными предметами. Видимость мира пронизана бесчисленными намеками на эту скрытую сущность – таков главный постулат символизма. Но поскольку идеальное открывается поэту через видимые объекты в мгновенном впечатлении, импрессионистическая поэтика оказалась подходящим способом передачи идеального содержания. Наиболее яркий образец поэтического импрессионизма – сборник стихов П.Верлена «Романсы без слов», вышедший в 1874 году, когда была выставлена картина К.Моне. Верленовские «пейзажи души» демонстрируют, что в поэзии (и в целом в литературе) чистый импрессионизм невозможен, любая словесная «картина» ищет поддержку глубинного смысла. Он Верлен провозгласил требование «музыки прежде всего» и сам культивировал в своей поэзии принцип «музыкальности». А это означало повышенное внимание к материи стиха, его звуковой инструментовке, стремление к передаче психологического состояния не только через описание, но и через само звучание стихотворения. В России поэтами-импрессионистами были Константин Бальмонт и Иннокентий Анненский. Элементы импрессионистической поэтики можно найти у многих поэтов-символистов.

Особое качество импрессионистическая поэтика приобретает в жанре символистского романа. Здесь она выступает прежде всего как особый принцип строения текста на ассоциациях слабо связанных между собой, проявляющийся в нелинейности повествования, отсутствии традиционного сюжета, технике «потока сознания». В разной степени эти приемы развивали Марсель Пруст («В поисках утраченного времени», 1913–1925), Андрей Белый («Петербург», 1913–1914).

Импрессионистическая поэтика вполне подходила и под теорию натурализма. Натурализм стремился прежде всего выражать природу. Он требовал правдивости, верности натуре, но это означало верность первому впечатлению. А впечатление зависит от конкретного темперамента, оно всегда субъективно и мимолетно. Поэтому в литературе, как и в живописи, использовались крупные мазки: одна интонация, одно настроение, замена глагольных форм назывными предложениями, замена обобщающих прилагательных причастиями и деепричастиями, выражающими процесс, становление. Объект давался в чьем-то восприятии, но и сам воспринимающий субъект растворялся в объекте. Вид предмета менялся, если герой смотрел на него в разных состоянии. Важны были описания цветов, запахов, стихий.

В прозе черты импрессионизма ярче всего проявились в новеллах Ги де Мопассана, которого принято считать наиболее выраженным писателем-импрессионистом. По собственному признанию, Мопассан стремился к конструированию субъективной «иллюзии мира» через тщательный подбор деталей и впечатлений. Но в действительности эта установка – лишь «иллюзия импрессионизма». «Чистое наблюдение», провозглашенное импрессионистами, подразумевало отказ от идеи в искусстве, от обобщения, от законченности. Импрессионизм был против общего, а значит предполагал отсутствие законченного сюжета, и поэтому ярче всего проявлялся новеллах, описывающих небольшое по времени, а часто и по значительности, событие.

В литературе более последовательно, чем в живописи, делались попытки обосновать импрессионизм теоретически. После романов и статей Золя и «Дневников» братьев Гонкур появились «Импрессионизм» Ж. Лафорга, «Искусство прозы» Г.Джеймса, «О искусстве» Валерия Брюсова, в разной степени приближающиеся к «поэтике впечатлений».

Импрессионизм нашел свое воплощение и в критике. Еще в 1873 английский искусствовед У. Пейтер в книге Ренессанс говорил о «впечатлении» как об основе восприятия произведения искусства. В импрессионистическом эссе оценка дается не с точки зрения известных художественных канонов, а на основе личного взгляда и вкуса автора. «Я предпочитаю чувствовать, а не понимать», — писал А. Франс.


Заключение



В моём реферате был рассмотрен импрессионизм, как одно из направлений французского искусства XIX века, а именно импрессионизм в живописи, музыке и литературе.

Мы увидели, что импрессионизм возник и сформировался в непростое время и был последним крупным художественным движением во Франции XIX века. Это помогло ему стать одним из важнейших явлений в искусстве последних столетий, положившим начало современному искусству. Несмотря на всё внутреннее разнообразие этого течения, всех его последователей - независимо от области работы, будь то музыка или живопись, - объединяло стремление к передаче эмоций, впечатлений, каждого мгновения жизни, каждого самого незначительного изменения окружающего мира. Импрессионизм отрекся от рациональности, реальности и «музейности» классического искусства и смог «открыть глаза» зрителям и слушателям на важность и прекрасную неповторимость каждого мгновения.


Библиографический список



1 Джон Ревалд. История импрессионизма. 416 с. Изд-во Республика, Москва, 2002.

2 Андреев Л.Г. Импрессионизм. М. МГУ, 1980

3 Власов В.Г. “Cтили в искусстве.” Спб., “Лита”. 1998г.

4 Корецкая И.В. Импрессионизм в поэтике и эстетике символизма. – В кн.:Литературно-эстетические концепции в России конца XIX – начала XX вв. М., 1975

5 Клод Моне. Патен Сильви. - М.: Изд-во Астрель, 2002. - 175 с.

www.art-storona.ru

www.hudkul.ru

www.velitas.spb.ru

www.impressionism.ru

www.rebelon.narod.ru

www.ru.wikipedia.org

www.wm-painting.ru

www.krugosvet.ru

www.2day.ru

2