Человек и искусство

ЧЕЛОВЕК И ИСКУССТВО













































СОДЕРЖАНИЕ:





ВВЕДЕНИЕ	3

ИСТОКИ ИСКУССТВА	4

ИСКУССТВО ДРЕВНЕГО МИРА	5

ЕГИПЕТ	6

ДОДИНАСТИЧЕСКИЙ ПЕРИОД	6

ДРЕВНЕЕ ЦАРСТВО	6

СРЕДНЕЕ ЦАРСТВО	7

НОВОЕ ЦАРСТВО	7

ПОЗДНЕЕ ВРЕМЯ	8

ИСКУССТВО ДРЕВНЕЙ ГРЕЦИИ	8

ГОМЕРОВСКАЯ ГРЕЦИЯ	9

АРХАИКА	10

КЛАССИЧЕСКАЯ ГРЕЦИЯ	11

РАННЯЯ КЛАССИКА (500-490-е гг. до нэ.)	12

ПОЗДНЯЯ КЛАССИКА (конец V — начало VI в. до н. э.)	13

ЭЛЛИНИЗМ	14

ДРЕВНИЙ РИМ	15

РИМСКАЯ РЕСПУБЛИКА (конец VI — конец I в. до н. э.)	15

РИМСКАЯ ИМПЕРИЯ (конец I в. до н. э. — V в. н.э.)	16

ИСКУССТВО СРЕДНИХ ВЕКОВ	16

ВИЗАНТИЯ	18

РОМАНСКОЕ ИСКУССТВО	19

ГОТИЧЕСКОЕ ИСКУССТВО	19

ИСКУССТВО ЭПОХИ ВОЗРОЖДЕНИЯ	20

ИСКУССТВО XVII ВЕКА	21

ИСКУССТВО XVIII ВЕКА	22

ИСКУССТВО XIX ВЕКА	24

ЗАКЛЮЧЕНИЕ	24

СПИСОК ЛИТЕРАТУРЫ:	25



ВВЕДЕНИЕ



"Искусство есть одно из средств общения между людьми", 

Г. В. Плеханов.



На протяжении всей истории человек и искусство были неразрывно связаны. Осознание человеком самого себя отражается в каменных фигурках, в чертах памятников архитектуры. Человеческие качества и чувства запечатлены в произведениях живописи, скульптурных группах. Проблемы бытия, религии, мироощущение нашли свое отражение в произведениях искусства.

Помощь в познании мира через эмоциональное восприятие его, расширение кругозора, пробуждение творческих сил, формирование духовного облика человека — функции искусства. Момент обращения человека к художественному творчеству, быть может является величайшим открытием, не имеющим себе равного в истории по тем возможностям, которые в нем заложены. Искусство не существует вне времени и общества, по своему содержанию оно социально и неразрывно связано с национальной традицией и эпохой.

Советский психолог Л. С. Выготский писал: "Искусство есть социальное в нас... — есть общественная техника чувства, орудие общества, с помощью которого оно вовлекает в круг социальной жизни самые интимные и самые личные стороны нашего существа".

Художник, переосмыслив увиденное, по-своему разгадав тайны бытия, с помощью системы художественных образов старается передать свое мироощущение, вовлекая нас в сложный процесс самопознания, заставляя работать не только наши глаза, мозг, но и воображение, мобилизующее к действию наши духовные силы.

История искусства в истории человечества представляет собой сложную картину развития различных национальных школ, течений, стилей, взаимопроникновений форм и традиций, не знающих временных и географических границ, благодаря чему в ступенчатых формах православных храмов, богатством декора не уступающих образцам французского барокко, прослеживаются геометрически аскетичные линии Египетских пирамид, а русские иконы смотрят на нас глазами ликов, написанных кистью византийского художника.

В своей работе я хотела бы провести вас по основным вехам развития искусства и показать, как человек, изменяясь, творил новое, нечто отличное от прежнего, как его творения изменяли самого творца, как рождались и умирали цивилизации, и что осталось вечным напоминанием о их существовании.





ИСТОКИ ИСКУССТВА



Истоки искусства уходят в глубокую древность. Проблема происхождения искусства на протяжении многих столетий волнует лучшие философские умы, но о художественной деятельности человечества на ранних стадиях развития известно не слишком много. Многочисленные произведения изобразительного искусства (наскальные росписи, скульптурные изображения из камня и кости) появились значительно раньше, чем сформировалось сознательное представление человека о художественном творчестве. Зарождение искусства восходит к первобытной эпохе, когда человек впервые попытался отразить свои представления об окружающем мире в искусстве, что способствовало закреплению и передаче знаний и навыков, возникновению еще одной формы общения между людьми. Согласно данным археологов уже в эпоху палеолита (древнекаменного века) около 35-10 тыс. до н. э. появились основные виды изобразительного искусства (скульптура, живопись, графика).

Надо отметить, что в первобытном обществе художественная деятельность человека была неразрывно связана со всеми существовавшими формами духовной и материальной культуры: мифологией, религией, бытовым укладом. Художественная, духовная культура существует в тесном единстве с материальной, образуя первобытный синкретический, т. е. единый, культурный комплекс, который лишь спустя столетия распадется на самостоятельные сферы культуры: религию, искусство (во всем разнообразии его форм), спорт, науку. Изображения, воспроизведенные рукой первобытного человека, являются звеном единой цепи художественно-религиозно-театрального магического действа, отражающего синтез материальной и духовной культуры человека той далекой эпохи. Ранние рисунки примитивны; это контурное изображение голов животных, оттиски человеческой руки, волнистые линии, выдавленные в сырой глине пальцами руки (так называемые "макароны"). Более поздние изображения эпохи палеолита — это рисунки животных того времени (оленей, лошадей, бизонов, мамонтов), выполненные на стенах и потолках пещер. Древнейшие статуэтки животных отличаются точным изображением, жизнь заставляла человека-охотника подробно изучать характер животного, его повадки. Эти знания представляли собой практическую ценность. Себя же человек еще не познал, поэтому скульптурные изображения человека очень схематичны, условны. Таковы первобытные "венеры" (Венера из Вил-лендорфа), простейшие женские фигуры с непропорциональными конечностями, гипертрофированными материнскими чертами и отсутствием черт человеческого лица. Правильно воспринимая отдельные предметы, человек еще не охватил общую картину мира и не осознал в ней свое место.

Живописные изображения мезолитической поры (среднекаменная эпоха) 10-6 тыс. до н. э. стали более красочными. Появились многофигурные композиции, отражающие динамические сцены охоты, сражений между племенами, бытовой деятельности. Человек делает первые попытки раскрыть взаимосвязи мироздания, освоить общие закономерности жизни.

Неолит (новокаменный век), 6-2 тыс. до н. э., обогатил изобразительное искусство созданием произведений монументальной антропоморфной (человекообразной) скульптуры (например, так называемые "каменные бабы" Северного Причерноморья).

Характерная черта культуры неолита — распространение мелкой пластики, художественных ремесел, которые положили начало декоративному искусству.

В эпоху бронзы, около 2 тыс. лет до н. э. преобладающее значение получает архитектура, названная мегалитической (т. е. архитектура больших камней: от греческих корней "мег" — большой и "лит" — камень). К мегалитическим сооружениям относятся: менгиры, дольмены, кромлехи. Возникновение их связано с развитием религиозных представлений. Каменные столбы — менгиры — высотой до 20 м (находящиеся в Бретани, Франции; Закавказье, Армении) несут в себе черты архитектуры и скульптуры.





ИСКУССТВО ДРЕВНЕГО МИРА



Искусство древних цивилизаций наследует черты первобытной культуры, открывая и новые формы художественного творчества. На смену родовым отношениям приходит классовое общество, более прогрессивная форма социального устройства. Эксплуатация рабов порождает разделение труда физического и умственного, создает почву для развития различных форм творчества. Из среды ремесленников выделяются зодчие, скульпторы, живописцы.

Усложнение общественной жизни способствовало расширению образного диапазона искусства.

Художественное творчество древнейших цивилизаций тесно связано с религией, большая часть памятников культуры носят культовый характер. Идейное содержание искусства древних деспотий, возникших в 5-4 тыс. до н.э. (Египет, государства Двуречья), определяется, главным образом, требованием прославления власти богов, героев, царей. Разрабатываются также темы труда, охоты, военных баталий.

Важнейшее завоевание художественной культуры древнего мира — синтез искусств.



ЕГИПЕТ



Египет — одно из древнейших государств мира, а его искусство — один из самых ранних вкладов в историю культуры человечества.

Историю Древнего Египта делят на следующие периоды:

1. Додинастический (4 тыс. до н. э.)

2. Древнее царство (30-23 вв. до н. э.)

3. Среднее царство (22-18 вв. до н. э.)

4. Новое царство (16-11 вв. до и. э.)

5. Позднее время (11в-332г. до н. э.)

Примерно так разделил историю Древнего Египта жрец Манефон, живший в конце IV-III в. до н. э. в Александрии.



ДОДИНАСТИЧЕСКИЙ ПЕРИОД

Для искусства додинастического периода характерно высокое мастерство обработки камня. Обнаруженные в погребениях шиферные таблички для растирания красок, украшенные рельефным изображением; расписанные глиняные сосуды, позволяют судить о тематике, разрабатываемой египетскими мастерами; это: заупокойные обряды, исторические события, военные походы. И вот здесь важное место завоевывает образ человека. Складываются основные каноны изображения человеческой фигуры: широкие и сильные плечи разворачиваются в фас, ноги и голова — в профиль, что позволяет мастеру поставить акцент на наиболее выразительных и ясно читаемых аспектах человеческого облика. Значительность властелина подчеркивается размерами его изображения, намного превосходящими изображение других персонажей, как, например, в рельефе шиферной плиты фараона Нармера (около 3 тыс. лет до н.э., Каир, Египетский музей).



ДРЕВНЕЕ ЦАРСТВО

После объединения Египта в единое государство в конце IV — начале II тыс. до н. э. начинается расцвет египетского искусства.

В эпоху Древнего Царства в Египте появляется новый тип гробниц — ступенчатая пирамида. Первая такая пирамида построена для фараона Джосера зодчим Имхотеном (история сохранила имя мастера, что является скорее исключением, чем правилом для той эпохи) в XXVIII в. до н. э. К этому же столетию относится и возведение известных пирамид фараонов Хеопса (или Хуфу), Хефрена (илиХафра) и Микерина (Менкау-ра) в Гизе.

Самая грандиозная из них — пирамида Хеопса — построена под руководством архитектора Химеуна. Ее высота около 150 м, и сложена она из 2 млн. 300 тыс. блоков.

Непременными атрибутами египетских храмов и усыпальниц были статуи фараонов, знати, придворных писцов, выполненные в соответствии со строгими канонами (правилами), чего требовало культовое назначение статуй. Люди изображались в спокойных, как бы застывших в веках позах (это либо стоящая, либо фронтально сидящая фигура). Примерами могут служить статуя писца Каи (середина 3 тыс. до н. э., Париж, Лувр), выполненная из известняка; парный скульптурный портрет принца Рахотена и его супруги Нофрет (начало 3 тыс. до н. э., Каир, Египетский музей).

Помимо скульптурных изваяний, украшением усыпальниц были рельефы и росписи на сюжеты, связанные с заупокойным культом, выполненные на стенах.

Подобное объединение различных видов искусства (архитектуры, скульптуры и живописи) специалисты называют синтезом искусств.





СРЕДНЕЕ ЦАРСТВО

Многочисленные войны Древнего царства привели к ослаблению государственной и экономической мощи страны. Прекращается строительство дорогостоящих пирамид. Ведется поиск новых типов храмов и усыпальниц.

Первым памятником нового типа стал храм-усыпальница Ментухотепа I в Дейр-эль-Бахари (XXI в. до н. э.) положивший начало крупным храмовым ансамблям более позднего времени.

Повышается внимание к индивидуальным чертам портретируемого, что проявилось в портретах фараонов Сенусерта III (XIX в. до н.э., Нью-Йорк, Метрополитен-музей), Аменемхета III (XIX в. до н. э., Москва, ГМИИ).

Росписи гробниц и храмов приобретают большую самостоятельность. В гробнице Хнумхотепа в Бени-Хасане были созданы одни из самых замечательных росписей в искусстве Среднего царства, изображающие сцены охоты.



НОВОЕ ЦАРСТВО

Наибольшее распространение в период Нового царства получил тип храма прямоугольный в плане, имевший трехчастное деление: открытый двор (перестиль), колонный зал (гипостиль), святилище.

Таковы храмовые комплексы, посвященные богу Амону, в Карнаке и Луксоре.

Наивысшей точкой в своем развитии реалистическое изобразительное искусство Древнего Египта достигает в период Амарны (к. XIV в. до н. э.). Фараон Аменхотеп IV (Эхнатон) провел социальную и религиозную реформы, перенес столицу из Фив в Амарну. Были разрушены старые традиции. Перемены в жизни страны определили значительные преобразования в искусстве.

Произведения амарнского периода отличаются человечностью, лиричны и проникновенны.

Лучшее, что было создано в этот период — скульптурные портреты Эхнатона и его жены Нефертити.



ПОЗДНЕЕ ВРЕМЯ

На дальнейшем развитии египетской культуры сказались многочисленные войны, приведшие к распаду государства.

Прекращается возведение пышных усыпальниц, среди памятников этой эпохи наиболее интересны скульптурные портреты.

Завоевания Александра Македонского в 332 г. до н. э. положили начало новому периоду в искусстве Древнего Египта, в художественной культуре которого переплелись традиции прошлого и античности.



ИСКУССТВО ДРЕВНЕЙ ГРЕЦИИ



Греческие племена населяли Балканский полуостров, острова Эгейского моря, западное побережье Малой Азии. Начало формирования великой греческой культуры, занявшей особое место в истории культуры человечества, относится к первой половине I тыс. до н. э.

Перейдя от первобытнообщинного строя к классовому обществу в середине I тыс. до н. э. греки образовали ряд небольших городов-государств, так называемых "полисов". Удивительно то, что не могущественные деспотии Древнего Востока, существовавшие тысячелетия, а сравнительно бедные и небольшие города-полисы Древней Греции оставили нам наследие, в последствии названное "классическим", то есть "образцовым".

"Много в природе есть дивных сил, но сильней человека нет," — утверждал Софокл в своей трагедии "Антигона". Гимном человеку, его нравственной и физической красоте стало искусство древних греков. Человек — мера всех вещей для граждан Эллады. Произведения греческого искусства поражают своим реализмом, гармоническим совершенством, утверждением высокого нравственного начала, красоты, силы, достоинства человека. Эстетические идеалы Древней Греции и по сей день понятны нам. Одно из центральных понятий эстетики античного искусства Древней Греции — калокагатия — (от kalos — прекрасный и agathoc — хороший, добрый) — понятия означавшие внутреннее и внешнее совершенство. Слияние этического и эстетического идеалов есть характерная особенность представлений греческого народа о красоте.

Смотром духовной и физической доблести были общегреческие Олимпийские игры.

Человек — занимает центральное место в древнегреческом изобразительном искусстве. Образы юных дев, наделенных неземной красотой, подобных богиням, стройных, мускулистых атлетов, борцов, при всей своей идеальности жизненны и естественны. Никто не мог достигнуть такого совершенства в изображении человека, как греки.

Искусство Древней Греции тесно связано с религией и мифологией, -Богов-покровителей и богинь греческие мастера изображали в человеческом облике, отображая в своем произведении самые прекрасные и возвышенные черты, какие только могли представить себе.

Философские взгляды, литература и искусство Древней Греции оказали огромное влияние на всю последующую историю культуры человечества.

История греческого искусства делится на следующие периоды:

1. Гомеровский (11-8 вв. до н. э.)

2. Архаика (7-6 вв. до н. э.)

3. Классика (5-4 вв. до н. э.)

4. Эллинизм (4-1 вв. до н. э.)



ГОМЕРОВСКАЯ ГРЕЦИЯ

XI - IX вв. до н. э. в истории Греции ученые нередко называют темными веками. Основные источники информации о жизни греков-дорийцев, сменивших на Балканском полуострове греков-ахейцев — это материалы археологических раскопок и эпические поэмы "Илиада" и "Одисея" Гомера, жившего по всей вероятности, уже в VIII в. до н. э. и поэтому многие события той эпохи, быт, реалии жизни, отраженные в поэмах могут быть искажены, пропущены через призму мироощущения человека более, позднего времени. По имени поэта Гомера, ставшего единственным летописцем этого времени и жившего в конце древнейшего периода в истории Греции и называется первый этап исторического развития Эллады (так древние греки называли свою страну).

Именно в этот период складываются основы греческой мифологии и народной эпической поэзии. Поэтическая фантазия древнего народа населила мир сказочными существами: в реках жили речные нимфы, в лесах путник мог встретить дриад, в горах — ореад, морские пучины наводняли — нереиды и океаниды. Козлоногие сатиры и кентавры (полулюди-полукони) в представлении древних греков были их соседями на этой земле. А миром, в котором то соперничая и враждуя, то мирно сосуществуя, жили люди и сказочные герои, правили мудрые бессмертные боги, жившие тоже по соседству — на вершине горы Олимп. Человек был подобен богу, а боги представлялись прекраснейшими и мудрейшими из людей. Такое очеловечивание богов делало их близкими и доступными человеку, помогало верить в свои собственные силы.



АРХАИКА

В период архаики появились все важнейшие тенденции, характерные для зрелого искусства Древней Греции. В это время складывается рабовладельческое общество, в недрах которого появляются первые ростки демократии.

Развиваются наука, литература, философское мышление, театр. Наступает время первого расцвета греческого искусства. Складывается греческий архитектурный ордер (система пропорционального соотношения между несомыми и несущими частями постройки) ставший одним из важнейших элементов архитектурных сооружений последующих столетий.

Практически все достижения архитектуры того времени как конструктивные, так и декоративные связаны со строительством храмов. Храм, посвященный богу-покровителю города, строился на деньги города-полиса, и, таким образом, принадлежал всему обществу. Номинально оставаясь жилищем бога, он служил -земным, общественным целям: был хранилищем городской казны, художественных ценностей, считавшихся достоянием всего города-полиса. Храм возводился на самом высоком месте, обычно на акрополе, доминируя над городскими постройками, в центре городской площади, служившей местом общественных собраний, празднеств, религиозных шествий.

Восхищаясь сегодня мраморной белизной величественных руин древнегреческих святынь, мы забываем, что античные мастера покрывали храмы многоцветными росписями. Шедевры греческого зодчества гордились своим полихромным (многоцветным) убранством, блистая на солнце множеством красок: синей, красной, зеленой, золотой. Время уничтожило многоцветный наряд древних храмов, но даже время не властно над совершенством форм античных сооружений.

Эпоха архаики — время рождения греческой монументальной скульптуры. Статуи высекали из различных пород камня, дерева, делали из обожженной глины — терракоты. Наивысшее достижение архаической скульптуры — разработка образа человека в статуях богов и богинь, героев, воинов-куросов, девушек-кор.

Через все архаическое искусство проходит образ куроса ("курое" — в переводе с греческого "юноша"). Высекая из мрамора обнаженную фигуру (по мнению древних греков совершенство человека можно было раскрыть через целомудренное изображение здоровой наготы, прославляющей природное начало) скульптор стремился подчеркнуть характерные признаки атлетически развитого тела — широкие плечи, узкую талию, крепкие ноги с четко выраженными выступами коленных чашечек, напоминающие могучие столбы. Статуя, которую мастер создавал по заказу жителей города-полиса, должна была выразить представление общества о красоте мужественного и энергичного человека, способного в трудный для города час защитить свою родину от врага, стихии, быть может от гнева богов.

Самые ранние по времени статуи воинов-куросов отличаются резкой и грубоватой трактовкой форм, замкнутостью, статичностью и строгой фронтальностью изображения. К середине VI в. на устах куроса появляется улыбка, характерная для скульптурных изображений того времени, получившая название "архаической". Условная "архаическая улыбка", глаза, живущие как бы сами по себе иногда придают куросам несколько манерный неестественный облик. Точность и изысканность в изображении частей фигуры у скульпторов архаики выше, чем у мастеров классического периода, однако статуи воспринимаются расчлененно, лишены целостности.

Со второй половины VI в. до н. э. заметен интерес к пропорциям тела человека, чувствуется стремление к передаче реального человеческого образа,

Одним из достижений архаической скульптуры стали статуи девушек-кор в нарядных одеждах, найденные в афинском акрополе. Они изображали юных жриц (служительниц культа) Афины. Найдено несколько десятков таких изображений. Стройные фигуры кор пропорциональны, чуть удивленная улыбка играет на нежном лице. Тщательно высеченные пряди волос и складки одежды ниспадают в плавном ритме. Такова, например, "Кора в пеплосе" (около 530 г. до н. э. Афины, Музей Акрополя).

Статуи кор как бы подводят итог художественному развитию греческой архаики, являясь наиболее совершенными произведениями архаической скульптуры.



КЛАССИЧЕСКАЯ ГРЕЦИЯ

С первых десятилетий V в. до н. э. культура Древней Греции вступает в пору своего высшего расцвета, связанного с победой рабовладельческой демократии. Победа в греко-персидских войнах убедительно доказала преимущество общественного строя городов-полисов, способствовала росту гражданского самосознания, веры в силы человека-гражданина, принимающего активное участие в жизни своего государства. Рабовладельческая демократия привлекает к участию в общественной жизни всех свободных граждан.

V-IV века до н. э. — время расцвета греческого театра, для которого творили Эсхил, Софокл и Еврипид. Театр участвовал в воспитании граждан Древней Эллады, показывая путь к гармоничному развитию личности. Искусство воплотило в прекрасных художественных образах возможный результат этого развития — обобщенный образ человека-героя, соответствующий представлению древних греков об эстетическом и нравственном идеале.

Созданные в V-IV в. до н. э. творения архитекторов, скульпторов, живописцев стали образцами, которым подражали многие поколения мастеров в последующие века; их считали классическими, то есть образцовыми.



РАННЯЯ КЛАССИКА (500-490-е гг. до нэ.)



Наибольшее распространение в архитектуре периода ранней классики получают дорические храмы, соответствовавшие духу гражданственности, героики суровой эпохи. Строгая пропорциональность, упругость, весомость могучих форм отличает храм Геры в Пестуме (начало V в. до н. э.) Храм Зевса в Олимпии, появившийся несколько позже, превосходит храм Геры своим праздничным декоративным убранством: его фронтоны украшают рельефные изображения. Храм Зевса с особой художественной силой выражает героические устремления народа. Он создавался после выдающихся побед над персами и является лучшим образцом античной архитектуры раннего классицизма. К сожалению, храм Зевса не сохранился до наших дней, уцелели лишь сильно поврежденные скульптурные изображения фронтонов.

Особенно ярко героический характер искусства классического периода сказывается в монументальной скульптуре — статуях богов, героев, победителей олимпийских игр. Эти статуи, будучи олицетворением эстетического идеала всего народа, являлись собственностью всего общества города-полиса, украшали храмы, площади, места общественных собраний. Монументальная пластика оказывала сильное эмоциональное и воспитательное воздействие на жителей городов-государств.

Сюжеты для своих изображений скульпторы черпали из жизни и из мифологии, тем более что к тому времени в Древней Греции уже сложилась богатая мифологическая традиция. Переосмысливая старинные предания, художники классической Греции старались находить темы, волновавшие современников.

В скульптуре Древней Греции V в. до н. э. наблюдается тенденция к разрушению замкнутой условности архаического искусства.

Одним из лучших образцов скульптуры начала V в. до н. э. является статуя возничего, созданная неизвестным мастером в 470 г. до н. э., (г. Дельфы, Археологический музей). Скульптура выполнена в бронзе. Автор очень убедительно раскрывает образ идеального героя, в котором "воедино слились добродетель души с соразмерной красотой тела" (Лукиан). Фигура возничего была частью композиции, изображавшей победителя состязаний и возницу, который исполненный сурового спокойствия стоял на колеснице, запряженной квадригой (четверкой) лошадей, Стройная фигура юноши своей величавой красотой напоминает дорическую колонну, это сходство усиливается четким ритмом ниспадающих складок хитона, напоминающих каннелюры. Несмотря на напряженность, чувствуется естественность позы возничего, выгодно отличая эту скульптуру от неподвижно застывших изображений куро-сов периода греческой архаики.

Высокими художественными достоинствами отличается и классический рельеф "Рождение Афродиты из пены морских волн у острова Кипр".

Фигуры богини и нимф, поддерживающих ее, пропорциональны, им присущи ясная гармония форм и естественность движений.

В середине V в. до н. э. в Афинах работает скульптор Мирон, творчество которого характеризуется поиском типически-обобщенных образов, новых приемов в передаче естественных движений фигуры человека. Мирон одним из первых мастеров греческого искусства сумел передать в скульптуре ощущение движения. Наиболее известна его статуя "Дискобол" (460-450 гг. до н.э., Рим, Национальный музей), она прославляет победителя Олимпийских игр, выполнена в честь конкретного лица, хотя и не носит портретного характера. Статуя изображает юношу в момент, когда он все свои силы вкладывает в бросок. Согнувшись, метатель занес назад правую руку с диском, готовый выпрямиться, передавая всю энергию своего упругого сильного тела метательному снаряду. В облике дискобола отчетливо проступают черты уже знакомого нам идеального образа человека-гражданина, которому присущи спокойное самообладание, сдержанность в проявлении чувств, способность подчинить себя разумной воле. Именно такими должны быть эллины. Необходимость в воспитании человека здорового душой и телом, прекрасного физически и нравственно объясняет греческий писатель Лукиан: "Более всего мы стараемся, чтобы граждане были прекрасны душою и сильны телом: ибо именно такие люди хорошо живут вместе в мирное время и во время войны спасают государство и охраняют его свободу и счастье".



ПОЗДНЯЯ КЛАССИКА (конец V — начало VI в. до н. э.)

Кризис рабовладельческой демократии, падение полисов, трагические конфликты периода поздней классики привели к утрате в искусстве идеала свободного гражданина. Несколько упрощенный взгляд на явления жизни, свойственный Греции предыдущих эпох, сменили более сложные, более глубокие представления о реальной действительности, что приводит к значительным изменениям в искусстве. Художники разрабатывают проблему передачи противоречивых переживаний героя. Были достигнуты первые успехи в раскрытии внутреннего мира человека.

В пластике классики прослеживаются реалистичные традиции. Один из выдающихся скульпторов этого времени — Пракситель — создает новый идеал женской красоты, воплотив его в образе Афродиты Книдской (до 360 г. до н. э.). В искусстве Праксителя еще чувствуется связь с классическими идеалами, но созданные им образы приобретают более утонченный, фйлософски-созерцательный характер. В художественной культуре к. IV в. до н. э. связи с высокой классикой ослабевают. Скульпторы отвергают идеализированный обобщенный образ героя-гражданина, обращаясь в своем творчестве к более конкретному отображению действительности. Их творчеству свойственно пробуждение интереса к миру человеческих чувств, мыслей, переживаний.



ЭЛЛИНИЗМ

К концу IV в. до н. э. огромная империя Александра Македонского распалась на отдельные эллинистические государства. Греция утрачивает свое былое могущество.

В искусстве эллинистической Греции основные достижения связаны с разработкой образа человека в монументальной скульптуре. Обобщенный образ идеала был вытеснен более конкретными образами, в которых подчеркивалось преувеличенное героическое начало, чувствовалась утрата внутреннего равновесия.

В сознании людей эпохи эллинизма складывается сложное отношение к действительности, которая зачастую выступает как сила, враждебная человеку, порой не способному противостоять ударам судьбы. Образы эпохи эллинизма несут в себе огромное эмоциональное напряжение и страстную патетику. Такими чертами наделен один из самых замечательных памятников эллинистической поры — "Ника Самофракийская" (около 190 г. до н. э., Париж, Лувр). Статуя богини из паросского мрамора была воздвигнута на острове Самофрака (Самофракия) в память о победе над флотом сирийского царя. Весь ее облик, стройная крепкая фигура, уверенный шаг, гордый сильный взмах орлиных крыльев, создают ощущение ликующего торжества победы.

Наиболее близка к традициям греческой классики статуя Венеры Милосской (около 120 г. до н. э., Париж, JI  Лувр). Ее авторство приписывается скульптору Александру (Агесандру). Она рождает чувство гармонии, это идеал нравственной чистоты и физической красоты того времени.





ДРЕВНИЙ РИМ



С угасанием эллинистических государств с конца I в. до н. э. ведущее значение в античной культуре приобретает римское искусство. История Древнего Рима охватывает период с VIII в. до н. э. по V в. н. э. Богатейшее культурное наследие, оставленное римлянами человечеству, сыграло значительную роль в развитии культуры последующих поколений.

В основе художественной культуры Древнего Рима лежит точность, реалистический подход, отсутствие стремления идеализировать действительность, свойственного искусству Древних Греков.

Искусство Древнего Рима питалось от нескольких источников, этим объясняется разнообразие его форм. Несомненно влияние художественных традиций завоеванных народов, местных италитских племен и в первую очередь, этрусков.



РИМСКАЯ РЕСПУБЛИКА (конец VI — конец I в. до н. э.)

К концу VI в до н. э. Рим становится аристократической рабовладельческой республикой.

В республиканский период сложились основные типы римской архитектуры. Конструктивное решение монументальных инженерных сооружений соответствовало суровой прозе жизни в условиях постоянных войн. В Риме еще в VIII в. до н. э. возводятся грандиозные крепостные системы. Создаются сложные инженерные сооружения: акведуки (система подачи воды на расстояние), мосты, гавани.

Лучшим в художественном наследии римской пластики был портрет. В портретном жанре наилучшим образом проявляются свойственная римскому художнику острая наблюдательность, умение виртуозно подчеркнуть индивидуальные черты портретируемого, что резко отличает работы римских скульпторов от греческих портретов, в которых образ конкретного человека проступает через обобщенные черты идеала.

Римским портретам республиканского периода при скрупулезной точности воспроизведения индивидуальных черт человека, свойственны некоторая упрощенность форм, угловатость линий.



РИМСКАЯ ИМПЕРИЯ (конец I в. до н. э. — V в. н.э.)

В конце I в. до н. э. римская аристократическая республика прекратила свое существование, на смену ей пришло время империи. Перед искусством Рима встала задача прославления императора и его власти.

Некоторое отступление от реалистических традиций свойственно скульптуре того времени: изображая императора, художник, старался сохранить портретное сходство, при этом сознательно идеализируя образ. Образцами для подражания выступали греческие статуи периода классицизма. Особенно ощутимо воздействие греческого классического искусства на римский портрет сказывается в I в. до н. э. — I в. н. э.

Мраморная статуя Октавиана Августа (начало I в. н. э. Рим, Ватикан), прославляющая императора и полководца — один из ярких примеров такого идеализированного портрета. К III в. н. э. римский портрет освобождается от традиционных идеалов, ощутимо стремление к обнажению самых интимых сторон личности портретируемого. Создаются образы людей той эпохи, энергичных, целеустремленных, жестоких и беспощадных в борьбе за власть. Таков, например, портрет императора Каракаллы (около 211-219 гг., Неаполь, Национальный музей). Каракалла выступает как типичное воплощение мрачного тирана, властолюбивого и жестокого человека, наделенного чрезвычайной энергией, полного грубой силы. Образ соответствует периоду жестокой борьбы за власть, захлестнувшей римское общество.

Идея величия Рима, его избранности, нашла свое отражение прежде всего в грандиозных памятниках архитектуры. Императоры соперничали друг с другом, возводя общественные постройки, театры, административные здания.

Римское искусство завершает большой период античной художественной культуры. В 4 - 7 в. Рим опустел, разгромленный варварами, римская цивилизация прекратила свое существование, но художественные образы, архитектурные формы, созданные римскими мастерами, еще долгие века вдохновляли художников, скульпторов и зодчих последующих поколений. Великий инженерный опыт римлян — был тем опытом, который усвоило человечество чтобы двигаться дальше по пути прогресса.





ИСКУССТВО СРЕДНИХ ВЕКОВ



Тысячелетний период мировой истории с V по XV века принято называть "средними веками". Временные рамки, ограничивающие эту эпоху условны. Некоторые ученые, историки и философы, искусствоведы и филологи, считают, что часовой механизм средневековья начал свою неторопливую работу в год падения Западной Римской империи (476), а остановился в год открытия Америки, Христофором Колумбом (1492 г). Другие начинают отсчет эпохи средневековья в 395 году, когда Рим раскололся на Западную и Восточную империи. Многие искусствоведы ограничивают верхнюю рамку "средневекового искусства" XIII веком. В любом случае, нельзя сказать: "Средневековье началось в 12.00 пополудни 5 января 395 года". Важно знать, что это длительный период истории человечества, длиною в целое тысячелетие. Европейское средневековое искусство пришло на смену искусству античному. Наследие античного мира: искусство, философские взгляды, основы права, политические взгляды, политические идеи, — стали одним из фундаментов на которых выросла европейская культура средевековья.

Предпосылки для перехода к новому средневековому мироощущению, к новой системе художественных воззрений возникают еще в эпоху поздней античности. В сложные десятилетия, предшествовавшие падению Римской империи, мир утрачивает в представлении людей былую гармонию. Всеобщая депрессия, невозможность найти выход из бедственного положения, в котором оказался Рим стали причиной роста религиозных настроений, поиска религии, способной дать ответы на важные жизненные вопросы. В такой обстановке зародилось христианство, — религия, давшая надежду многим, желавшим найти покой и равновесие в жизни, религия, которая по словам Энгельса "... подчинила себе Римскую империю...". Религиозные догматы христианства накладывают печать на философию, литературу, искусство, этические и эстетические идеалы средневекового общества. Церковь — стремясь быть "всеобщей", обращалась ко всему народу, ко всему обществу обращались и произведения средневекового искусства, основным заказчиком которых была церковь.

Средневековое мироощущение предполагает иной взгляд на человека, который существенно отличается от античных представлений. Человек в сознании людей перестает быть центром мироздания, мерой всех вещей. Он становится лишь мельчайшей частицей вселенной, подвластной ее космической энергии, ее могучим неведомым силам.

Образ человека в искусстве утрачивает разумную ясность, одноплановость, внутреннее равновесие античных идеальных героев, становится более многообразным, глубоким, противоречивым.

Расширяется сфера явлений, отображаемых в искусстве. Получают широкое развитие темы страданий во имя веры, стоического мужества, разрабатывается идеал материнства.

Обнаружив в мире зло и уродство, средневековые художники развивают в своем искусстве проблему характерного, безобразного.



ВИЗАНТИЯ

В центре внимания художника, как и в античности, находится человек, воплощенный в образах христианского бога и персонажей Священного писания. Эстетическим идеалом Византии становится Бог — источник красоты, душевного равновесия, превосходящий все прекрасное.

Оставаясь в центре внимания художников Византии, образ человека приобретает новое содержание. На смену искусству, обоготворявшему человека, побуждавшему преклоняться перед физической и нравственной красотой идеала, пришло искусство, стремящееся возвысить прежде всего чувства, нравственные качества и духовную силу человека, что обусловило появление некоторой условности, сосредоточенной неподвижности изображения.

Византийское искусство достигает своего первого расцвета при императоре Юстиниане I (527 - 565 гг.). Главным художественным центром Византийской империи становится ее столица — Константинополь. Сюда текаются лучшие научные и художественные силы, здесь разрабатываются новые формы искусства.

Конфликт между иконоборцами, отвергавшими возможность изображения Бога в облике человека и иконопочитателями, длившееся с 726 по 843 гг., привел к некоторому спаду в развитии живописи, но с победой официальной церкви, выступавшей на стороне иконопочитателей, сюжетная изобразительная живопись возрождается. В IX - Х вв. росписи уже заполняют все поверхности интерьера храма: в куполе изображался Христос-Вседержитель (Пактократор), в четырех парусах — евангелисты, в апсиде — Богоматерь и так далее.

Мастерство художников совершенствуется, усложняется воспроизводимый образ.

Во второй половине XI - XII вв. утверждается классический торжественный византийский стиль, для которого свойственны изображения фронтально сидящих фигур со строгими аскетичными лицами на золотом фоне. Материальность созданного облика отступает на второй план, в центре внимания художника — разработка духовной глубины образа.

В ХII-ХIV вв. при Палеологах, византийское искусство переживает свой последний расцвет.

В развитии архитектуры не происходит существенных изменений. Воплощенное в зодчестве предыдущих веков средневековое представление о мироздании не меняется.

Линейный стиль в росписи уступает место живописному, колористически богатому. Условность, оторванность изображения от пространственной среды исчезают. Фигуры, рассматриваемые с нескольких точек, изображены в движении, во взаимодействии со средой и обстановкой. Выразительные жесты, человеческие чувства, запечатленные на лицах придают изображениям жизненность. Таковы, например, мозаики и фрески монастыря Хора (Константинополь, 1312 - 20 гг.)



РОМАНСКОЕ ИСКУССТВО

Термин "Романский стиль", возникший в XIX в. применяется к западноевропейскому искусству X-XII вв. (в ряде стран — XIII в.). .

Широкое распространение в романском искусстве получила монументальная скульптура (особенно рельеф), которая часто расписывалась красками. Романская пластика подчиняется архитектуре, используется в основном во внешнем оформлении соборов. Рельефные изображения на сюжеты "Священного писания" размещались на западном фасаде, в тимпанах, на столбах и колоннах, они подчинялись форме элементов постройки: на колоннах пропорции изображения вытянутые, удлиненные, в фризах приобретали приземистые формы.

Центральный образ романской скульптуры — Христос. Разрабатываются темы добра и зла, воплощенные в образах рая и ада; возвышенному противопоставляется низменное, трагическому — комически-гротескное. Например, в тимпане собора Святого Лазаря в Отене (1130-1140 гг.) в сцене "Страшного суда" грозному и величественному образу Иисуса Христа противопоставлен почти комедийный сюжет: ангел и дьявол, изображенный одновременно страшным и смешным, взвешивают добрые и злые дела умерших.

Постепенно в храмовую скульптуру проникают образы крестьян, простых горожан, комедиантов с их повседневными делами и заботами, появляются герои фольклора, порожденные народной фантазией: химеры, демоны в получеловеческом полузверином обличье. Романские скульпторы, разрабатывая проблему безобразного, тяготели к фантастическим, чудовищным образам.



ГОТИЧЕСКОЕ ИСКУССТВО

Готика — следующая ступень в развитии средневекового искусства. Современники называли новый стиль, появившийся в XII в. во Франции "французской манерой". В эпоху Возрождения появилось название "готика".

Готическое искусство поражает разнообразием форм, единством и целостностью во всех своих проявлениях.

Как и вся средневековая художественная культура искусство готики глубоко религиозно, но оно тяготеет к жизни, природе, человеку. Мастеров нового стиля интересует конкретный человек с его чувствами, красота природы.

Высокая одухотворенность образов готики, свойственная им удивительная гармония подготовили приход искусства Возрождения.

В синтезе скульптуры и архитектуры этого времени наблюдается усиление роли скульптуры, поднимается ее самостоятельное значение. Продолжается начатое романскими мастерами выделение образа человека в общем декоративном убранстве. Статуи, обычно имевшие теснейшую связь со стеной, опорой часто помещаются в нишах на отдельных постаментах. Более динамичный характер фигурам придают легкие повороты торсов, живые позы и жесты.

Расцвет готической скульптуры приходится на XII -XIII вв. Высшие достижения скульптуры готики связаны с соборами в Шартре, Амьене, Реймсе (во Франции).





ИСКУССТВО ЭПОХИ ВОЗРОЖДЕНИЯ



Эпоха Возрождения — одна из самых впечатляющих страниц в истории мирового искусства. Она охватывает около трех столетий (XIV - XVI вв.). В сравнении с эпохами Древнего мира (около 5000 тысяч лет), средневековья (около 1000 лет), Возрождение представляется очень кратким периодом времени. Однако по количеству гениальных произведений искусства, новизне и смелости поисков мастеров той эпохи художественное наследие Возрождения не уступает предшествовавшим этапам развития мирового искусства.

Родиной Возрождения стала Италия. Уже в XIV веке в сочинениях великого итальянского поэта-гуманиста Франческо Петрарки (1304-1374) появилось понятие Ринашименто – Возрождение (по-французски "Ренессанс").

В это время были заложены основы современной науки, высокого уровня достигает литература, получившая с изобретением книгопечатания немцем Иоганом Гутенбергом прежде невиданные возможности распространения. В это время делают свои открытия Христофор Колумб, Коперник, пишут свои бессмертные произведения великие итальянцы Данте, Петрарка, французы Франсуа Рабле, автор романа "Гаргантюа и Пантагрюэль", Мишель Монтень, создатель знаменитых "Опытов". Трагедии Шекспира, "Дон Кихот" Сервантеса поражающие глубиной проникновения в психологию человека, знанием его страстей и устремлений, были написаны в эпоху Возрождения.

Мировоззренческой основой ренессанской культуры становится философское направление гуманизма (от латинского "гуманус" — человек). Человек вновь становится "мерой всех вещей". Девизом искусства эпохи Возрождения можно было бы взять слова, вложенные итальянским гуманистом XV в. графом Пико делла Мирандола в его панегирике, в уста Бога-творца, обращавшегося к человеку: "Я ставлю тебя в центр мира..."

В отличие от романской и готической культуры средневековая культура Возрождения носила светский характер, хотя основной круг сюжетов оставался связян с мифологической и библейской тематикой. Эпоха Ренессанса противопоставила церковным догматам мировосприятие гуманистов, утверждавших ценность человеческой личности.

Одной из основ искусства Возрождения становится по-новому понятое наследие античности.

Идеалы гуманизма нашли свое отражение и в архитектуре: сооружения приобретают ясный гармонический облик, их пропорции и масштабы соотносятся с человеком.

Истинным основоположником в изобразительном искусстве Высокого Возрождения был гениальный флорентиец Леонардо да Винчи (1452-1519)

Рукописи Леонардо свидетельствуют, что он был не только великим живописцем и скульптором, но и архитектором, механиком, инженером, ботаником, анатомом.

Будучи разносторонне одаренным человеком Леонардо да Винчи интересовался всем, что его окружало, записывая свои впечатления в блокнот, который всегда носил при себе. "Отдаваясь неугасаемой жажде знаний, я мечтаю постичь происхождение многочисленных созданий природы",— говорил он о себе. Всю свою жизнь художник рассматривает мир со всем многообразием его форм, как творение природы, имеющее свой "собственный разум", призывая живописцев быть посредниками между природой и искусством. 





ИСКУССТВО XVII ВЕКА



Вслед за примерно трехсотлетним периодом эпохи Возрождения наступает XVII век, ставший одним из наиболее значительных этапов в развитии мировой художественной культуры. Караваджо, Бернини, Веласкес, Рибера, Сурбаран, Рембрандт, Рубенс, Хальс, Рёйсдаль, Мольер, Декарт, Спиноза — таков далеко не полный перечень великих имен, которые дал человечеству XVII век.

Для изобразительного искусства этого времени в целом характерно расширение тематики, углубление во внутренний мир человека, обогащение старых жанров и появление новых.

XVII в. не был мирным для Европы, но после трагических событий конца XVI в. наступает сравнительное затишье, происходит определенная стабилизация экономической, политической и культурной жизни. В мировоззрении людей происходит переход от безграничной веры в человека, в его силу, энергию, разум через разочарование и отчаяние, явственно заметное в искусстве конца XVI в., к новому пониманию мира и человека, как частицы бесконечно разнообразного мироздания. Человек рассматривается в сложном соотношении с действительностью, как часть природы и общества, оставаясь центральной фигурой, привлекающей внимание художника, писателя, философа.

В искусстве XVII в. выделяют три основных стилевых направления: барокко, классицизм, реализм.

Часто рациональное начало свойственное классицизму, и изменчивые динамические формы барокко переплетаются в творчестве мастеров того времени, а черты реализма существуют как бы внутри двух основных стилей.

Движение, ставшее для искусства барокко воплощением самой стихии жизни, Бернини воспроизводит в своих произведениях с большой смелостью. В движении показан "Давид" (1623, Рим, галерея Боргезе), изображенный в момент смертельной схватки, готовый метнуть камень в своего врага. Лицо героя полно гнева, взгляд яростен, губы сжаты. "Давид" Бернини резко отличается от ренессансных воплощений этого образа. Тело юного героя воссоздано с небывалой точностью, чувства, отраженные на его лице, приближаются к реальным. Развитие реалистической традиции в скульптуре Бернини показывает характер человека в конкретных проявлениях: его персонажи разговаривают, действуют, страдают. В произведениях великого скульптора чувствуется, свойственная стилю барокко, обращенность к зрителю, стремление вовлечь стороннего наблюдателя в действие, заставить его сопереживать.





ИСКУССТВО XVIII ВЕКА



XVIII век в Западной Европе стал последним этапом длительного перехода от феодализма к капитализму. На протяжении этого века продолжалась грандиозная ломка всех существовавших ранее общественных и государственных устоев. В XVIII столетии появляется переодическая печать, создаются политические партии, ведется борьба за освобождение человека от оков феодально-религиозного мироощущения.

Искусство, сфера которого значительно расширилась, становится общенациональным, обращается не только к узкому кругу ценителей, но и к широкой демократической среде.

XVIII век — это эпоха Просвещения, век разума и иронии, век философов, поэтов, социологов и экономистов. Это время, когда жили и творили Бах, Моцарт, Гендель, Гайдн, Мольер, Свифт, Хогарт, Шарден. Острая наблюдательность, утонченная манера воспроизведения действительности отличают художественную культуру XVIII столетия.

Искусству XVIII в. по сравнению со смежными эпохами свойственно большее стилевое единство. Нет того разнообразия стилевых направлений, какое наблюдалось в предшествующее столетие, когда рядом с классицизмом Пуссена существовало творчество последователей Рубенса, а барочные картины итальянских художников уживались рядом с голландскими жанровыми произведениями. Несвойственна XVIII веку и быстрая смена стилей, характерная для XIX столетия, ставшего свидетелем эволюции стилей от классицизма до постимпрессионизма. В искусстве XVIII века амплитуда колебаний значительно уже: на смену зрелым формам стиля барокко приходит классицизм.

Главной причиной стилистического единства стала общность судеб европейских государств, переживших на рубеже XVII- XVIII вв. кризис абсолютистских систем.

Одновременно с классицизмом, и под его воздействием продолжает развиваться реалистическое направление в искусстве, наблюдается стремление уйти от "возвышенного", надуманного к "простому", естественному, соразмерному человеку. "Соизмеримость" характеризует мировоззрение всей эпохи Разума и Просвещения. Аллегорически - надуманной идеальности противопоставлена личность с ее правами и достоинствами, мыслями и чувствами, частная жизнь человека.

Идет процесс вытеснения религиозных начал культуры светскими, — процесс "обмирщения" культуры. Светское зодчество впервые преобладает над культовым в масштабе всей Европы. Даже в тех странах, где церковь была все еще очень сильной — Италии, Испании, Австрии, Германии — очевидно "обмирщение" религиозной живописи, скульптуры и архитектуры.

Парадный барочный портрет, с его борьбой света и тени, движения и покоя, уступает место портрету интимному с его осторожным, но глубоким интересом к частной жизни человека.

Пейзажная живопись порождает "пейзаж настроения". Меняется отношение к цветовой гамме картины. Декоративно-салонный стиль рококо требует от живописных произведений не только заинтересовать зрителя, но и украсить помещение, не выбиваясь из его основной цветовой гаммы.

Характерный для живописи барокко свето-теневой конфликт, олицетворяющий противоречия между духовным и материальным началами в жизни были не свойственны художникам XVIII в. Деликатные пастельные полутона, светлая холодная тональность сменили насыщенную палитру предшествующего столетия. Однако любое правило имеет исключение. Часто живописцы XVIII столетия используют яркие краски, стремясь иногда даже к пестроте.



ИСКУССТВО XIX ВЕКА

На протяжении XIX века капитализм становится господствующей формацией в Европе. Все значительней противоречия капиталистической эпохи.

Деятели культуры XIX столетия ставят в своем творчестве сложные вопросы современности, пытаются найти на них ответы. Развивается реалистическое искусство, утверждающее эстетические ценности действительности. Реалистические тенденции прослеживаются в литературе и изобразительном искусстве. Различные области культуры развиваются неравномерно. Высочайшего расцвета достигла литература (Гюго, Бальзак, Стендаль), музыка (Бетховен, Шопен, Вагнер, Григ, Штраус), станковая живопись (особенно пейзаж), графика, скульптура. Однако в архитектуре чувствуется спад. После подъема, обусловленного появлением стиля ампир, в зодчестве наблюдается тяготение к стилизации, эклектическим формам. Архитекторы обращаются к архитектурным образцам предыдущих эпох, преломляя в своем творчестве элементы различных стилей и течений. Происходит распад стилевого единства, как целостной художественной системы, охватывающей все виды искусства.





ЗАКЛЮЧЕНИЕ



В XX веке, веке потрясений, мировых войн и тоталитаризма, искусство переживало глубокий кризис. Попытки забить неугодных творцов, очернить и уничтожить памятники искусства, бросающие тень или просто неугодные властям порой напоминали вакханалии. Но, тем не менее, сами деспоты становились жертвами искусства. У Гитлера, например, были свои любимые композиторы и художники.

К середине XX века обстановка мире изменилась, изменилось и мировоззрение вследствие резкого скачка вперед технического прогресса. Появились новые формы искусств, остатки старины обратились же в бесценные реликвии.

Таким образом, вся история человечества отражена в произведениях искусства. На искусство влияли государственный строй, проблемы эпохи, искусство было официальным лицом наций и империй. Все грани жизни от уродливого до прекрасного отражает искусство в своем беспристрастном зеркале, оказывая сильное эмоциональное воздействие на человека. Ведь и человек многообразен и многолик. Сегодня он вандал, завтра он Рафаэль, послезавтра… Не знаю, будущее покажет.







СПИСОК ЛИТЕРАТУРЫ:





		Алексеева В. В. "Что такое искусство?" , М., "Советский художник", 1991 г.

		

		Виппер Р. Ю. "История древнего мира", М., "Республика", 1994 г.

		

		Васильев А. А. "История средних веков", М., "Республика", 1994 г.

		

		История зарубежного искусства; ред. Кузьмина М.Т., Мальцева Н. Л., М., "Изобразительное искусство", 1984 г.

		

		Куманецкий К. "История культуры Древней Греции и Рима", М., "Высшая школа", 1990 г.

		

		Литература и искусство. Универсальная энциклопедия школьника. Сост. Воротников А. А., Минск, "Валев", 1995 г.

		

		Серия "Малая история искусств", М., "Искусство"

		

		"Античное искусство", Ривкин Б. И., 1972 г.

		

		"Первобытное и традиционное искусство", Мириамов В. Б., 1973 г.

		

		"Западноевропейское искусство XVII века", Прусс И. Е., 1974 г.

		

		"Искусство средних веков". Тяжелев Е. В., Сапоцинский О., 1975;

2