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Avril brisé ... Cela faisait un moment que je voulais le voir, en général Salles ne me déçoit pas. Mais alors sur ce coup là je n'ai vraiment pas été déçu, ce film est magnifique sur tous les points. Une histoire qui peut sembler banale au début,pourtant on est plongé dans le film du début à la fin. Les décors sont magnifiques, la musique somptueuse, les acteurs impeccables... Ce film contient beaucoup d'émotion, jamais je n'ai autant pris part à un film en espérant qu'il ne finisse pas de la manière annoncé. Le peu de dialogue renforce l'aspect émotionnel du film, un film parlant de famille, d'honneur, d'amour, de peur. Bravo Salles, tu me surprend à chacun de tes films!
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P'tit film sur le football féminin et la culture indienne avec cette amoureuse du ballon rond...
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Silent Hill 2 est décevant par rapport au premier... Tout d'abord, je ne peux comparer avec les jeux vidéos étant donné que je n'y ai jamais joué. Pour résumer, dans le film, ce n'est qu'une succession de monstres sur monstres pour aboutir à une fin incompréhensible, fade et absurde, qui se finit "bien" : bref rien à voir avec le premier. Il y a même une sorte de romance dans l'air entre Sharon et Vincent, qui donne au film peu d'assurance. Après, j'ai tout de même beaucoup aimé le niveau visuel, les différents monstres, (des nouveaux et d'autres du premier encore présents), l'univers reste tout de même très sombre et c'est ce qui fait le charme du film. On sursaute pas mal de fois aussi. Mais l'histoire et la fin restent grandement à désirer... Toutes mes autres critiques sur cinephile-critique.over-blog.com
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La belle et la belle, diraient certains. D'un côté, il y a cette femme bourgeoise, élégante, bobo à souhait, et de l'autre, cette jeune Samia, à peine arrivée par la mer de Tunisie. Puis s'immisce entre les deux personnages, un jeune-homme, très beau, comme il y en a des milliers à Tunis il paraît, prêt à tout pour gagner ses papiers en France et surtout de l'argent. "Corps étranger" est un film confus. Il cherche à parler d'immigration clandestine, ce qui est une très bonne idée. Mais il s'égare dans des considérations djihadistes, sensuelles, économiques et sociales, donnant à ce récit l'impression d'une profonde indigestion. Le pire sans doute, c'est le peu d'estime que la réalisatrice a pour ses personnages, a fortiori ses compatriotes. Les hommes sont réduits à des caricatures de religiosité avortée, et les femmes à des victimes à la limite de la manipulation. On s'ennuie beaucoup dans ce film qui se passe la majeure partie dans un appartement luxueux de Lyons. Pourtant, il ne dure qu'une heure trente mais en paraît deux fois plus long. Les situations sont totalement invraisemblables et le scénario se perd dans des confusions narratives. Bref, "Corps Etranger" passe à côté de son sujet malgré une belle ambition.
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Alan Rickman signe un film au rythme maitrisé, avec une finesse dans les textures, les couleurs, le jeu de la merveilleuse Kate Winslet. Une poésie indéniable mais exprimée avec pudeur. Ce sont d'infimes détails qui progressivement touchent notre coeur. Le film est simple mais doux, léger mais profond. Les leçons que l'on peut en tirer sont nobles. Il n'y a aucune prétention dans ce film et l'affiche n'est pas significative de la finesse que l'on peut y trouver. Les musiques sont parfaites, les costumes et le soin des materiaux sont délicieux. Ce film est superbe comme Alan Rickman, qui brille par une justesse désarmante, comme Kate Winslet, qui est cette rose qui étincelle malgré elle, pure et véritable, dans toute la noblesse possible. Laissez vous embarquer, ce film fait du bien, cette échappée belle est à vivre.
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Film très émouvant et brillament interprété, touchant avec brio à des thèmes difficiles abordés avec beaucoup de subtilité et de grace.
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Hitchcock ne nous a pas habitué à cette légèreté. Cette romance sur fond humoristique est une agréable réussite bien qu'on n'y retrouve pas l'ambition thématique de l'auteur. Du cinéma divertissant et efficace.
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Un régal pour les yeux, un régal pour les oreilles, de la bonne musique, du violon à merveille, de la danse classique, du hip hop, du contemporain, que des bons ingrédients pour faire un très bon film de dance, des tableaux magnifiques, des danseurs et musiciens époustoufflants. Génial!
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Je ne sais pas trop comment noter ce film. Faire un long métrage de fiction sur une travailleuse pauvre qui dort dans sa voiture, je trouve cela tout à fait honorable. Je préfère une Louise Wimmer à bien des "winners" du cinéma commercial. Mais je trouve le film trop proche du mode documentaire, il manque de tension et d'enjeux dramatiques pour m'accrocher comme un film de Ken Loach, pour prendre l'exemple d'un cinéma social réussi. Alors oui, le film est réaliste et bien interprété mais j'attends plus d''un long métrage de fiction. Le film est cependant honnête dans sa démarche (c'est pas comme le lamentable "Tribulations d'une caissière") et je comprends qu'on lui trouve de l'intérêt. Je dirais même que ce genre de films est nécessaire à l'heure actuelle, pour comprendre et ressentir la dure réalité de nos sociétés rongées par la loi du marché, qui fragilise les plus faibles. Mais à la limite j'aurais préféré voir un documentaire sur ce sujet, au lieu d'une fiction qui imite timidement une portion du réel et se contente d'aligner des scènes du quotidien pour illustrer la misère sociale et morale.
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Vous vous en doutez, encore une adaptation d'un best-seller pour adolescent qui n'amène rien de bien nouveau. On a l'impression de voir Pleasantville mais dans le futur. Les stars ont accepté car le livre fait parti du programme littéraire dans les lycées anglophones. Espérons que les trois suites resteront seulement des livres.
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On ne parvient pas à entrer dans cette histoire dont le fond s'inspire d'une triste réalité méditerranéenne, tout simplement parce que les acteurs eux-mêmes n'y croient pas. Des personnages un peu ridicules, des situations téléphonées, une absence totale de suspense, un final inutile et faussement dramatique... voilà qui n'arrange rien.
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Aie aie La purée de sa mère, le Betoun en amèrique ça le fait pas.
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Rien à dire gros gros film de merde! zéro! affreux!
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"La jeune fille" sans mains est un film d’animation réalisé par Sébastien Laudenbach, inspiré par la pièce "La jeune fille, le diable et le moulin", mise en scène par Olivier Py d’après les contes des frères Grimm. Si le texte qui surfe sur des thèmes le plus souvent très sombres s’avère particulièrement riche, on peut tiquer sur le choix fait en matière de graphisme, même si, petit à petit, on peut trouver un certain charme à ces taches de couleur dans lesquelles les silhouettes des personnages vont et viennent au gré de l’histoire.
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Une Mariah Carey aux flop de sa forme ! muuuuuuueuuuuuu meuuuuuuuu
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Attention, cet avis contient des spoilers tels que :attendre un peu avant de relire les premières pages de "Peau de chagrin".Ah tiens, un authentique film de cinéma, ce n'est pas si courant. Et c'est quoi un authentique film de cinéma M. Le Pédant ? Fiston, un authentique film de cinéma, c'est quand il faut aller le voir au cinéma parce que ta télé n'arrivera jamais à le restituer. C'est aussi un exercice formel et esthétique qui vient servir et justifier un propos. Dans "Joueurs", la réal dresse un parallèle entre addiction au jeu et passion amoureuse. Si Tahar est accro au jeu, Stacey est accro à Tahar. Il est roublard, gouailleur et vivant, elle n'a jamais vécu mais un feu couve en elle. En pratique, ça donne beaucoup de visages bleus nuit sur fonds rouges en très, très gros plans pour capter l'intensité d'une myriade d'émotions (et là les 2 acteurs principaux apparaissent très intenses). Car oui, le cinéma est lumière et ici, chaque émotion trouve la sienne : vive, contrastée, blafarde, douce, enveloppante, crue, profonde...Joueurs est un opéra de couleurs. Et comme on se frotte au cruel milieu du jeu, de l'amour et du hasard, il prend très vite des airs de tragédie. Attends, tu es en train de me dire qu'un excellent film, c'est en fait un opéra ? Fiston...oui...enfin non...Joker. Mais au cinéma.
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Une psychanalyse va occasionner la naissance d'une amitié et une exploration de ces deux personnages attachants. Le sujet et sa mise en scène en forme d'ascèse font de ce film un spectacle exigeant mais, pour peu qu'on se laisse entrainer, vraiment agréable et enrichissant.
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Ce film ressortit de la catégorie des navets de première grandeur, des films alimentaires qui font honte au cinéma français et des taches sur les filmographies de leurs interprètes. On avait connu Lhermitte et Laroque plus regardants dans le choix de leurs rôles...Écrit à la diable, composé à la va-comme-je-te-pousse, monté à la va-vite, parsemé de gags éculés mais répétés jusqu'à plus soif, Joyeuse Retraite réunit l'ensemble des défauts que l'on croyait disparus depuis les films des Charlots. Le film sur les grands parents et la retraite reste à faire et on espère que ce ratage n'arrêtera pas les bonnes volontés scénaristiques. Il y a là, sans aucun doute, une mine d'émotion et d'humour à exploiter.
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Une suite de New York 1999 qui ne vaut pas grand-chose hormis quelques scènes de bravoure. Les situations sont globalement les mêmes que dans le premier volet si ce n’est que les scènes sont encore plus caricaturées. Dans le rôle principal, Kurt Russell est toujours aussi insuffisant… Et la mise en scène de John Carpenter, tournant les scènes à l’emporte-pièce et sans aucun souci d’esthétique ni d’un semblant de réalisme, frôle presque toujours le ridicule, en l’atteignant souvent.
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Alice de Jan Svankmajer est un chef d'oeuvre absolu ! La mise en scène titanesque du réalisateur témoigne d'un travail impressionnant, conjuguée à un montage qui ne l'est pas moins. Mentor probable des frères Quay Jan Svankmajer livre l'adaptation la plus mémorable du roman de Lewis Carroll, escamotant le travail que le romancier avait effectué sur le langage pour n'en conserver que l'esprit et la mise en image. Film onirique grandiose Alice surpasse même le film d'animation réalisé par Walt Disney en 1951, pourtant déjà très remarquable ; l'irrationalité de la succession des évènements du voyage d'Alice constitue à elle seule le meilleur film jamais réalisé sur le rêve ! Sensuel et cintré le métrage n'en finit pas de laisser voir les agencements complexes d'un songe : répétitions, digressions, associations d'images et d'idées, jeux d’échos, tangentes et lâcher prise... Direction artistique délicieuse, photographie somptueuse et fidélité de l'adaptation : une véritable claque cinématographique !
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Il est paradoxal de vouloir rendre hommage à Turner qui, parmi les premiers, sut capter les vibrations des couleurs, le frémissement de la lumière, avec un regard parfois visionnaire, en réalisant un film aussi terne, aussi grisâtre, aussi ennuyeux. Certes, la reconstitution de l'Angleterre aux débuts de l'époque victorienne est soignée, la photographie est superbe et traite les paysages à la manière de Turner, mais c'est bien la moindre des choses dans une œuvre consacrée à la peinture. Voulant procéder par petites touches à la manière d''un peintre, Mike Leigh accumule des scènes qui finissent vite par paraître répétitives et ne "décollent " à aucun moment. Et ce n'est pas le jeu uniforme de Timothy Spall qui sauve la mise: promenant de long en large sa trogne de bouledogue et s'exprimant le plus souvent par des grognements porcins, il rend vite inintéressant le personnage qu'il incarne, si bien qu'on ne voit plus le lien entre l'homme et son œuvre.
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J'aime bien les comédies avec l'humour déjanté et même ringard. Ce film je n'ai pas du tout accroché ! Je n'ai pas ris, j'ai juste eu quelques rictus sans plus. J'ai l'impression que le réalisateur avais plein d'idées dans sa tête, et qu'il a tout balancé dans un seul film. Le sénario est visible à 100km, même par un aveugle, l a bande son est correcte, les acteurs très moyen. Ca se laisse voir, et ca s'oublie dès le lendemain ...
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Passée l'interprétation pas toujours convaincante, elle frôle parfois le ridicule, je me suis surpris à apprécier ce film d'horreur violent. En effet, le décor anxyogène et quelques scènes réussies en font un divertissement bien au-dessus de la moyenne. 4/5
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Voilà un thriller captivant réalisé avec très peu de moyens mais avec une grande maîtrise. On est pris dans la spirale infernale des cybercriminels avec le protagoniste du film. à voir
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Bof c'est le 1er mot qui vient à l'esprit après avoir vu ce film. Scénario faiblard c'est le principal défaut. Clichés, invraisemblances... Ceci étant belle réalisation, beaux acteurs et actrices. On se laisse aller dans cette histoire et puis à la sortie, on oublie. Comment font les critiques pour écrire leurs articles? Un copié collé du dossier de presse? Télérama et Le Monde trouvent ça génial, le meilleur film de Nicole Garcia... Ha bon!
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C'est une grande surprise car ce film m'a semblé mauvais quand il est sorti en salle. Généralement on dit qu'un film a " mal vieilli " et bien celui-là est le premier que je vois qui a "bien vieilli." Certes, si les dialogues étaient d'Audiard.... comme le premier... et bien non, ils sont très bons. Je conseille à tous ceux qui connaissent cette époque de le regarder. Quant aux autres, s'ils ne sont pas blazés, s'ils sont curieux..... ils se régaleront !
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Docteur en sociologie, Andrea Segre a déjà tourné plusieurs documentaires sur les migrations en Europe. Sa première fiction « La petite Venise » avait aussi pour thème l’exil et l’accueil de l’étranger. Un propos que l’on retrouve éclaté dans ce nouveau film imaginé depuis plusieurs mois alors que la communauté européenne n’avait pas encore abordé le problème des migrants à la source. Ce qu’il nous révèle quand des membres d’une commission sont chargés de négocier avec l’état Libyen, un traitement humain du problème. A savoir, maintenir les candidats au départ sur le sol africain en contre partie d’une aide financière de l’Europe. Mais entre les combines et les trafics, Rinaldi qui mène les débats, comprend qu’il devra composer malgré lui avec des escrocs et des esclavagistes. Choisir entre sa conscience ou la raison d’Etat c’est déjà là son dilemme quand une jeune Somalienne lui remet d’autorité une carte PC à l’intention de son frère qui vit à Rome. Rinaldi va longtemps hésiter sur le sort à donner à cet appel … Pour en savoir plus : lheuredelasortie.com
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Il n’y a malheureusement pas grand-chose de positif à se mettre sous la dent concernant ce téléfilm de science-fiction. L’intrigue n’est pas totalement désagréable à suivre et les effets spéciaux ne sont pas trop mauvais, mais par contre la mise en scène est vraiment très mauvaise et l’interprétation du casting – où l’on retrouve d’ailleurs un certain Robert Patrick – manque cruellement de conviction et d’envie.
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Un film qui a au moins le mérite de nous faire rigoler tant le situations sont exagérées, les dialogues très mal écrit et les acteurs sont mauvais. Ce qu'il y a de génial, c'est que personne n'a l'air de croire à cette histoire, pas même le réalisateur qui a voulu limité la casse en faisant un film très court. Les acteurs ont à mon avis perdu un parie, ce sont des choses qui arrivent !! En effet, pas un seul n'y est crédible, ils se renvoient des répliques, dans un interprétation proche de celle du théâtre, sans y croire. Hormis parler, le jeu est vide, les acteurs s'emmerdent et se demande comment ils ont attérie la dedans. Les situations sont réellement exagérés, on ne peut pas y croire. Rien n'est bon dans ce film, hormis peut être la durée qui nous sauve des bras de Morphée
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Marguerite Duras avait dit qu'elle ne trouvait pas de cinéastes capable de retranscrire ses romans et je comprends mieux pourquoi à sa façon de réaliser un film. Pour évoquer la vie sentimentale d'Anne-Marie Stretter, femme de l'ambassadeur de France ,Mme Duras va utiliser des acteurs qui ne se parlent pas directement mais uniquement en voix off avec beaucoup de plans fixes et des décors très répétitifs qui finissent par donner une ambiance très particulière mais aussi très ennuyeuse qui peut en dissuader plus d'un.
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Alors là, on peut dire que c'est un coup de maître! Réussir un film pareil alors que c'était leur premier long-métrage laissait entrevoir pour les frères Coen un brillant avenir, aujourd'hui confirmé. Frances McDormand est (comme toujours) parfaite dans son rôle et le scénario est (comme toujours) parfaitement écrit (quel final!). Mais se qui frappe le plus dans se film, c'est le talent visuel des Coen. La photographie est (comme toujours) sublime et la réalisation est (comme toujours) impeccable et place les frères Coen au niveau de grands réalisateurs comme (n'ayont pas peur de la dire) Alfred Hitchcock. En tout cas, rarement premier film a été aussi réussi.
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Beau Road trip dans la campagne allemande en mobylette. Beau film sur une "Bromance" pleine d'émotion.
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J'ai adoré ! C'est décalé, drôle, divertissant, et les images sont magnifiques. Que demander de plus ?!
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Malgré la présence de Josh Hartnett dont je suis absolument fan, ce film est vraiment vraiment nul. En résumer, 1h40 de perdue dans ma vie. Un conseil, passé votre chemin...
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Voila un vrai film culte doté d'un casting prestigieux, d'un scénario original, d'une tension omniprésente, d'une violence poussée, d'une bande son de qualité, d'une mise en scène habile, fine et efficace. Brian de Palma signe surement ici son plus grand film, qui fit découvrir d'une certaine façon l'immense talent d'Al Pacino avec le Parrain. Réaliste et armé d'une fin en béton armé.
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Un dessin animé plein de peps qui revisite l'histoire avec humour et tendresse, ainsi qu'une bonne dose de second degré pour plaire à la fois aux petits et aux grands. L'utilisation de la 3D m'a par contre semblé bien inutile ici.
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J'ai eu beaucoup de mal à le voir en entier. Vraiment moins bien que les autres opus. L'idée de base était pourtant très bonne, mais le scénario est moyen et le pire c'est le jeu des acteurs. Surtout la gamine....
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Une scène désopilante (celle du tiramisu), le reste... Le film commence comme une comédie gentillette, et se termine en brûlot anti-raciste, avec des scènes complètement surréalistes (Kad qui n'a pas les moyens de payer l'addition au restaurant, et qui agresse verbalement, avec menace de mort, le patron, vilain raciste !) Pour pouvoir susciter une réflexion sur un sujet aussi sérieux que les discriminations au sein de la société française, il faut se reposer sur un sérieux argumentaire, et éviter la victimisation à outrance, tout ce que ne fait pas ce film. De plus, Kad propose une vision très personnelle de la vie, puisque la rédemption de Dino-Mourad va passer par...le retour à l'Islam de ses origines. Ajoutons que Kad est fidèle à lui même: Autant on peut l'adorer dans ses sketchs, autant au cinéma, une fois sorti des rôles de comique troupier, il cabotine... Kad est filmé dans des postures christiques, face à l'océan... Ridicule. On ne passe donc pas très loin de la Kadtastrophe...
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L'écrivain John James emménage avec ses deux enfants dans une nouvelle maison et très vite sa fille commence à se comporter bizarrement... Et oui vous ne rêvez pas, ça a des airs de déjà vu sauf qu'ici le père est interprété par Kevin Costner qui apporte toute sa crédibilité à son rôle mais qui ne peut rien faire pour sauver un scénario déjà terriblement convenu. Cependant on remarque quelques scènes au-dessus des autres et quelques plans marquants, notamment celui de fin et de l'apparition des créatures, plutôt réussies dans le genre terrifiant.
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Une figure biblique majeure racontée ici avec humilité et douceur. Un très beau film qui explique bien le cheminement de François d'Assise: la quête de la pauvreté. Une superbe reconstitution pour un décor cette fois très dépouillé et un acteur très à l'aise dans son rôle. Un bon moment de cinéma. Ce n'est évidemment pas du divertissement mais c'est très bien fait.
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j'ai vu les deux films et je peux dire que je me suis pas ennuyer une seule seconde certes c'est un peu long par moment mais c'est suédois mais quand ça tabasses ça tabasses a mettre a coté des james bond et de strike back vivement le troisieme
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South Park, le film, est de nouveau un coup de génie des créateurs Matt Stone et Trey Parker. Non seulement l'humour noir-cynique typique de la série, est encore et toujours plus présent (pour le plus grand bonheur des fans), mais le scénario du film est d'une intelligence des plus surprenante. En plus de parodier le style Disney avec un cynisme délicieusemebnt piquant, South Park le film, est une réponse à tous les détracteurs de la série. A toutes les associations, qui, la prenant au premier degré, ne vois alors que des blagues vulgaires et un humour tellement noir et trash qu'il devrait être interdit à tout public. A tous ceux qui pensent que la série devrait être censurée, visionnez ce message des créateurs. Cette dénonciation hilarante de la stupidité de ceux qui veulent faire interdire ce qu'ils n'aiment pas, ou qui n'est pas conforme à leurs valeurs. En plus d'être un des films les plus drôles qu'il m'est été donné de voir (l'humour noir de la série que nous adorons tant, est bien entendu au centre des dialogues) South Park le film, est sans aucun doute la meilleure comédie musicale que j'ai jamais vu. Et croyez moi, ça veut dire beaucoup (je ne supporte PAS ce genre cinématogaphique). Les chansons sont extrêmement rythmées, exagérément vulgaires pour parodier (encore une fois) le style Disney, et surtout, particulièrement entraînantes ! Tant d'intelligence en terme d'écriture alliée à une si bonne inspiration musicale, relève du génie (oui encore le mot "génie", mais que voulez vous... Je le pense !). Histoire de conclure, South Park Le Film, est une grande comédie musicale, un film à l'humour ravageur, d'un cynisme particulièrement piquant et intelligent, mais surtout, une oeuvre totalement délirante, à l'image de la série ! Ne vous arrêtez pas aux quelques insultes, ou blagues un peu trash ! Regardez de plus près, et rendez-vous compte, que South Park le film, est, tout comme la série, un chef d'œuvre !
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Une chronique sociale ...juste ébauchée, trop de thèmes a peine effleures et un manque rythme certain font de ce film un film raté 1/2 heure de moins, des personnages un peu plus campés et les thèmes principaux : opposition riches-pauvres, maîtres-serviteur, parents-enfant, un peu plus fouillés et ce film aurait été une vraie réussite...avec en prime une Luiza et une Sonia superbes! Dommage...
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Première partie du septième et dernier film (oui, pour ma part il n'y a que 7 films dont un en deux parties) de la plus grande saga de sorcellerie. Peut-être pour se rattraper de ses erreurs sur le précédent film où simplement parce que c'est le dernier film, David Yates (le réalisateur) rend celui-ci hyper fidèle au livre, il est sans conteste l'un (pour ne pas le) plus fidèle des films aux livres. Presque rien n'a été oublié si ce n'est l'histoire de Dumbledore qui aurait du être plus développée. Mis à part ça, cette partie est d'une grande fidélité aux livres et ça fait extrêmement plaisir de profiter enfin d'une excellente adaptation, la présence J.K. Rowling (la brillante auteur) à la production y est sûrement pour quelque chose. Cependant, cette grande fidélité provoque de légères longueurs pendant le film (c'est un comble !) qui ne se font pas trop ressentir mais sont tout de même perceptibles. Enfin, on ne va pas s'en plaindre pour une fois qu'un film respect scrupuleusement le livre. Harry, Ron et Hermione sont désormais de jeunes adultes, ils sont chacun très bien interprétés. En fait, tout le casting est très bons mais Ralph Fiennes (Voldemort) et Alan Rickman (le professeur Rogue) sont excellents. Les effets spéciaux sont une nouvelles fois réussis. Yates a effectué un excellent travail sur ce film, le ton correspond parfaitement à l'histoire : la peur règne, le danger est proche et ça se voit ! Autre bon point, la musique de ce film composée par Alexandre Desplat (un français) qui, contrairement aux 3 derniers films, ne passe pas inaperçue, est de qualité et contribue à l'ambiance sombre du film. Cette saga est sur le point de s'achever et elle reste en un mot : Magique !
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Ce film est juste...excellent ! Wes Ball est un très bon metteur en scène. Pas d’idées follement originales, mais une maîtrise qui inspire un profond respect tant sa réalisation parvient à être à la fois intense, terrifiante et rythmée. "Le Labyrinthe" c’est juste une quarantaines de gamins coincés au milieu d’un environnement hostile, avec des monstres, des morts, des trahisons et des mystères à chaque coin du Bloc. Avec toutes les possibilités que ça implique. Les acteurs issus de tous horizons, de "Teen Wolf" à "Game of Thrones", en passant par "Narnia" et "Skins" sont parfait !! Dylan O’Brien est charismatique au possible, Will Poulter réussit encore à surprendre avec un rôle des kilomètres de celui qu’il avait dans "Les Millers", les autres font le boulot mais force est de constater qu’ils sont tous bien dirigés. Un film qui va à cent à l’heure avec des rebondissements à chaque scène, une intrigue sans cesse relancée, des séquences plus que maîtrisées et des effets spéciaux très beaux.
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Emma Roberts en Alice... sacrilège ! Film conçu dans un dommageable esprit de second degré. On ne reconnaît en rien ici l'héroïne belle et flamboyante de Caroline Quine qui a bercé mon enfance et mon adolescence.
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Des fourmis génétiquement modifiées attaquent les passagers d'un avion. Avec un pitch pareil on peut déjà s'imaginer le nanard que l'on s'apprête à regarder... et le film répond exactement aux attentes : mal réalisé, un casting ridicule, des effets spéciaux d'un autre âge, des incohérences omniprésentes, etc... Un pur nanard dans la droite lignée de "Des serpents dans l'avion".
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Ce n’est pas le genre de film que j’ai envie de dézinguer, mais ses faiblesses sont trop criantes pour qu’on puisse les passer sous silence. Scénario très faible, sans une once de crédibilité et accumulant les clichés, dialogues encore pires, acteurs mauvais et/ou mal dirigés... Alors bien sûr, il y a les superbes paysages namibiens, pour lesquels, je pense, se déplacent 90% des spectateurs. Et c’est vrai qu’ils sont sublimes, ces paysages. Mais c’est tout de même mince comme argument. Pour être gentil, on dira que le film est sauvé par son absence de prétention: il ne vise à rien d’autre qu’à nous raconter une belle histoire naïve en nous baladant dans un cadre grandiose. S’il avait voulu faire quoi que ce soit de plus ambitieux, ça aurait rapidement été ridicule et insupportable. Mais là, pour peu qu’on veuille être bon public (ou qu’on ait moins de 12 ans), on se laisse prendre par la main, on ouvre grand les yeux... et finalement on ne s’ennuie pas trop.
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On pardonne le manque de dynamisme, le manque d'analyse de la campagne (il y avait matière pourtant), l'évocation très superficielle du contexte (pourquoi attendre 5 ans avant de sortir le film ?). On ne pardonne pas, par contre, cette impression d'être spectateur de spectateurs. Ce sentiment de regarder les intervenants dans le blanc des yeux, comme dans un rendez-vous raté, se demandant se que l'on pourrait bien trouver à se dire... en attendant que le temps ait suffisamment passé pour pouvoir se séparer sans s'insulter. Heureusement, quelques passages permettent de rentabiliser la place naïvement acquise. Un plaisir de réalisateur, pour ma part, non partagé.
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Un film très poignant, une très belle histoire, bien filmée. Le cadre et le contexte (que je ne vais pas spoiler), sont très originaux. Un très bon film, à recommander !
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Zhou Li dirige une troupe de théâtre à Chengdu dans le Sichuan. Les acteurs, qui vivent et travaillent ensemble, forment une famille unie par une longue solidarité. Mais leur répertoire est passé de mode. Chaque jour, ils se produisent devant un parterre de fidèles vieillissants de plus en plus clairsemé. Zhou Li reçoit un avis de démolition du local où la troupe est installée. Elle ne se résout pas à annoncer la mauvaise nouvelle et va chercher tous les moyens de s'y opposer. C'est un lieu commun de le dire : la Chine a connu ces dernières décennies une mue radicale, passant du sous-développement à l'hyper-capitalisme. Il n'était pas surprenant que le cinéma chinois contemporain évoque les traumatismes causés par ces transformations brutales. La thématique est au cœur de l'oeuvre de Jia Zhangke, notamment dans "Still Life" et dans "24 City". On la retrouvait dans "Derniers jours à Shibati", tourné, comme "Vivre et chanter", au Sichuan ou dans "Madame Fang", le documentaire de Wang Bing sur les derniers jours d'une patriarche. Présenté à la Quinzaine des réalisateurs lors du dernier festival de Cannes, "Vivre et chanter" est un film hybride, mi-fiction, mi-documentaire. Il souffre de ce statut bâtard. La fiction tourne vite en rond qui raconte les efforts désespérés de Zhou Li pour repousser une inévitable expulsion. Quant au documentaire, il ne suscitera l'intérêt que des seuls inconditionnels de l'opéra traditionnel chinois.
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Un tissu d'âneries incohérentes, des scènes d'action complètement illisibles et déjà vu dix mille fois, aucune tension, rien à se raccrocher, on s'ennuie. Les acteurs principaux sont à la ramasse, Shia LaBeouf étant aussi charismatique qu'un dindon et Michelle Monaghan s'affligeant d'une moue dégoutée tout le long du film. Aucun intérêt
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Bon film, de tous les films fait sur Bush c'est le meilleur, on est loin de la vacuité de "Fahrenheit 9/11" ou "Le monde selon Bush". Le première partie du film est excellente, très drôle, on en apprend un peut plus sur Bush sans, il est vrai, que ça n'aille très loin. En revanche, la seconde partie, centré sur la guerre en Irak tourne un peu en rond, mais elle a le mérite de bien mettre en avant le tapage médiatique fait par les néo-conservateurs pour aller faire cette guerre. Le tout sur un ton décalé, propre à Karl Zéro, qui est à la fois divertissant et intéressant. Bien joué, à voir.
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Le début est plus que prometteur… Bien filmé et très original, Philip Marlowe réveillé à 3 heures du mat. par son chat affamé, se réveille, allume sa première cigarette (il ne les quittera plus) se lève (il dormait habillé avec ses chaussures) et va au super marché chercher la boite d’aliments espérée. Rupture de stock, le vendeur lui en conseille une autre. De retour il se dissimule aux yeux du matou et transfère le contenu de la boite apportée dans une vide ayant contenu celle réclamée…Ruse éventée; le chat n’en veut pas et se sauve…On comprend alors que c’est un ''loose''r trop gentil que même son chat quitte. La suite ne sera plus hélas qu’un long pensum car se vouloir être créatif est une chose mais tenir la distance une autre et Altman n’y arrivera pas. En dehors de Nashville, qui s’en passe avec bonheur, le réalisateur ne pourra jamais conclure ses idées qui resteront inachevées ou inacceptables comme ici avec le crime final.
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UN FILM FORMIDABLE DU DEBUT A LA FIN! Monsieur Steven SPIELBERG a fait ici l'un des plus beaux films que l'Homme puisse connaitre. C'est une œuvre à la fois populaire et magique. Il n'y a pas grand chose à dire après avoir vu ce film si ce n'est répéter le mot INCROYABLE! Ce film ne peut être noté que d'un 20/5. Et oui... quand on aime un film on ne se demande pas si mettre une telle est injuste. Sérieusement allez-y foncez. MAGICLY MAGIC!
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Déçu par ce film qui avait pourtant tout pour être génial mais la réalisation n'y est pas du tout. Heureusement que le talent de Jeff Bridges sauve un peu l'ensemble assez ennuyeux. Dommage...
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Le problème du film c'est qu'il ne fait rien de son pitch initial et nous assomme de démonstrations scientifiques (coucou c'est pas sorcier !) interminables ,de séquences étirées (le rap) & d'une morale lénifiante à la fin. Extrêmement déçu car emballé par la bande annonce & grosse envie de quitter la salle alors que le film ne dure que 1h35 !!! Le réalisateur semble avoir la carte chez certains critiques alors que ce film est un vrai bijou d'ennui N'y allez pas c'est un ordre !!!
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Un film magnifique ! Un beau conte pour tous les âges. Les critiques négatives me font rire ......
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Le film d'Arielle est magnifiquement sublime, quoique déroutant pour certain, (même trop osé pour d'autres) mais il a le mérite d'exister, et d'apporter une fraicheur dans notre univers désormais trop aseptisé, ou la parole doit être contrôlée, aux normes (pas de majuscules) Bref si vous voulez le voir regardez le. mes étoiles sont une aide à ce que j'en pense,
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Très grand western spaghetti, Leonard Mann est remarquable, et la musique de Roberto Pregadio éternelle.
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Le premier opus était déjà un régal, celui-là est un véritable bonheur!!!!!! Vous êtes peut être fans de la BD, vous avez adoré le premier film, ce film est fait pour vous!!!!!!! En effet, dans ce second opus, on retrouve Hellboy et ses potes dans une nouvelle aventure: les légions d'or maudites. Ce film est encore meilleur que le premier, il n'y a pas un seul moment d'ennui, les personnages sont toujours aussi attachants et les scènes d'action et de combats sont très spectaculaire comme par exemple au marché des Trolls!!!!! Durant tout le film, on s'en prends pleins les yeux et Ron Perlman joue toujours à la perfection!!!!! La fin est génial et on attend avec impatience la suite: vivement Hellboy 3!!!!!!!!! Bref ce deuxième volet des aventures du démon rouge vaut vraiment le coup d'œil et même si vous n'avez pas vu le premier, ce film est tout simplement génial!!!!!!!!!!!!!!
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Je pensais qu'Oro trouverait sa place entre Jungle et Lost City of Z, mais le niveau général du film en est très très loin. Le jeu d'acteur est mauvais, l'histoire est peu palpitante et prévisible, et on s'ennuie ferme. Déçu, car sur le thème des conquistadors, la folie de l'or et tout ce qui suit, il y a largement matière. Mais pas ici. A éviter !
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SI l'idée de départ est originale, le film, après quelques scènes rigolotes qui nous laissent espérer de passer un bon moment tourne à une tentative de drame à portée philosophique sans queue ni tête qui se veut triste mais est sans le moindre intérêt. Un ennui mortel !
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Ce film est un ovni. Effets spéciaux aux rabais, acteurs de troisième zone, scénario incompréhensible, bref un nanar tourné en Pologne durant trois jours dans le jardin du réalisateur.
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Film lent, scénario étriqué, peu vraisemblable (surtout la fin où l' héroïne, suspecte mais innocence et pouvant facilement le prouver, ne contacte pas la police); Acteurs peu talentueux. M. Schneider joue atrocement mal et récite son texte.... comment a-t-elle pu devenir actrice??? Sydne Rome est mille fois plus convaincante. Le scénario aurait pu être plus séduisant si René Clément avait su l' exploiter; mais traité d' une manière si laborieuse, si molle, avec une M. Schneider si nulle, ce film est d' un ennui mortel.
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Grand film de la Blaxploiation, "Coffy" est un film exceptionnel sur le thème de la vengeance. Pam Grier est magnifique dans son rôle ( son meilleur ? ), la bande son est tout juste parfaite est sinon celà fait plaisir de voir Sid Haig ( Capitaine Spaulding dans "The Devil's Rejects de Rob Zombie ). "Coffy" est un film aillant inspiré Quentin Tarantino pour son "Jackie Brown", et est une perle du cinéma. Un film culte, un classique, une époque, un bijou ! Je suis totalement sur son charme !
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Un excellent film d'épouvante avec le regretté Louis Jourdan. La sublime Adrienne Barbeau l'accompagne dans cet étrange aventure. Ray Wise, l'acteur de Twin Peaks joue très bien le savant fou. Le regretté David Hess, le regretté Nicholas Worth connu dans la communauté des gamers. Wes Craven entame une série B.
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"Et si on mettait Jean Claude VanDamme dans un après midi de chien ?" a du se demander le réalisateur tant le film ressemble en beaucoup moins bien au film avec Al Pacino. On se demande ce que vient faire JCVD dans cette histoire de braquage. Les seuls bon moments sont ceux où justement l'acteur se moque ou parle de lui. Des passages qui auraient mérités d'être le coeur du film et non cette histoire policière ratée.
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Une surenchère grise et glaciale de sordide et de désespoir. On ne sait plus ce que le réalisateur veut faire passer comme message, tant on est assommé par un tel empilement gratuit de malheurs et d'horreurs. Il y a ici beaucoup trop de sujets évoqués, et à vrai dire, aucun qui soit vraiment traité. Comme en plus le film n'avance pas vraiment, l'ensemble est finalement à la fois indigeste, ennuyeux et déprimant. Le cinéma Serbe n'a sans doute pas besoin d'une si sinistre vitrine.
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Tout simplement magnifique, plein d'émotion et d'un réalité frappante. J'ai adoré le film du début à la fin.
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Définitivement pour enfants, ça passait quand j'étais très jeune, mais là c'est juste stupide et vulgaire le + souvent.
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La grande force de « la Haine » est d’être toujours aussi près de l’actualité en dépit de ses années au compteur. Matthieu Kassovitz a parfaitement saisi l’essence même de la déchéance de la jeunesse des banlieues envers la société, en proie ici à des tensions avec les forces de l’ordre, suite à une bavure policière. La différence entre fiction et documentaire est aussi mince qu’une feuille de papier d’où une immersion implacable et saisissante. L’ombre de Scorsese plane sur cette œuvre frontale portée par les excellents Vincent Cassel, Hubert Koundé et Saïd Taghmaoui. La caméra colle intimement aux baskets du trio, accentuée par de nombreux plans-séquences. L’utilisation d’une image noir-blanc est un choix particulièrement judicieux. Un travail admirable a été également effectué sur le montage. Les dialogues sont percutants, non dénués d’humour malgré une trame irréversible et explosive. Que l’on adhère ou non à ce film coup de poing, il reste durablement marquant.
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Un mariage qui vire au drame. La fête passée, l'angoisse libère la parole et révèle les faux-secrets. Dès le départ du film, Ashgar Farhadi sait créer la tension nécessaire aux révélations intimes. Comme à son habitude, il cherche à montrer que chacun analyse les faits selon sa propre histoire. Malheureusement, le scénario manque de complexité et le déshabillage de ses personnages est trop rapide, sans charme, sans... sualité (désolé). Un film à boire comme un bon Bordeaux mais sans le charme et la complexité d'un Griottes-Chambertin (oui, ça se passe dans les vignes castillanes).
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Le chant du cygne, l'oraison funèbre ou le chant mortuaire du western spaghetti. Mon nom est Personne est ce qu'on pourrait qualifier un enterrement de première classe de tout un genre. Sergio Leone est un peu sidéré de voir le genre qu'il a inventé, etre parodié par Terence Hill dans Trinita. Il décide alors de riposter en confrontant un de "ses" personnages incarné par Henry Fonda avec un personnage du renouveau du western italien incarné par Terence Hill. Fonda représente le western traditionnel, la sagesse qui annonce la fin du genre. Un homme de l'ouest qui sent que les temps sont en train de changer et décide de le quitter pour ne pas y laisser sa peau. Hill représente celui qui a grandi en l'admirant ainsi que les temps qui changent. Ce film est une symbolique de deux heures sur le western spaghetti qui touche à sa fin où les claques remplacent les revolvers. Il ne s'agit pas d'une résistance du western "old school" mais une conclusion, une sortie exemplaire avec la tete haute. L'ancien passe le flambeau au plus jeune et la lettre de fin de Beauregard à Personne n'en est que plus symbolique. Les mythes sont dépassés et devenus obsolètes, à l'image de Jack Beauregard chaussant ses lunettes pour accomplir son dernier exploit digne de l'admiration que lui porte...Personne. Une page du cinéma se tourne, comme les pages tournées littéralement durant l'affrontement final contre La Horde Sauvage. Une confrontation de deux conceptions semblables et du meme genre de film. Leone veut apporter sa contribution à ce tournant du western spaghetti. Il s'agit d'une synthèse des westerns. Meme la magnifique partition de Morricone semble etre une synthèse de toutes ses précédentes compositions. Des dialogues et répliques sublimes et inoubliables font de cette confrontation générationnelle, un monument du western qui tire sa révérence. La réalisation de Tonino Valerii atteint un lyrisme, une émotion et une grandeur uniques au genre. Chef d'oeuvre, oeuvre testamentaire.
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Voulez vous être mongols? Ne répondez pas tous à la fois! Pourquoi regardez vous par terre? Pourtant, vous avez adoré les films venus de Mongolie; vous avez pleuré avec le petit chameau; vous êtes sortis du cinéma avec gratitude, une sensation d'harmonie, de gentillesse, de beauté qui vous faisait du bien quelque part. Bref, si vous avez aimé le petit chameau, vous allez aimer Tulpan, qui n'est pas du tout mongol, mais.... kazakh. Mais ce sont les mêmes steppes grises de sécheresse à l'infini, les mêmes chameaux placides (sauf parait-il, quand on leur prend leur petit, les mères deviennent... de sacrées chamelles), les mêmes yourtes, les mêmes visages asiates, les même marmots à l'irresitible petite bouille ronde. A vrai dire, il n'y a pas vraiment de scénario. L'histoire d'Asa, ce brave garçon qui après son service militaire dans la marine revient dans sa province, où il n'y a pas une seule fille à épouser, à part la belle Tulpan qui le rabroue parce qu'il a de grandes oreilles, ce qui va le contraindre à rester l'employé de son beau frère, éleveur de mouton, c'est surtout un pretexte trouvé par Sergey Dvortsevoy pour nous montrer son pays. C'est la vie de tous les jours, la petit fille qui chante tout le temps ce qui agace son père, le marmot qui d'un baton se fait un cheval sur lequel il galoppe indéfiniment, les brebis qui sont malades, les agbeaux mort-nés. Bizarrement, chez ces animaux rustiques, les femelles semblent avoir du mal à mettre bas toutes seules: elles se couchent, gémissent, et on est tout émus de cet accouchement difficile, mais, oui, le petit sera vivant. C'est rien -et c'est beaucoup
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La DorMeuse Duval est la première adaptation d’un roman de Franz Bartelt, Les Bottes rouges. Dominique Pinon y joue un magasinier d’usine qui mène une routine aux côtés de son épouse Rose. Mais l’arrivée de Paris de la jeune Maryse Duval va bousculer leur quotidien. C’est la fille de Gérard Depardieu, Delphine qui joue la jeuneEn face de chez eux, un correspond presse est témoin de cette histoire comique qui se joue en face de chez lui. On aurait presque l’impression d’être dans un film de Pagnol si tout n’était pas aussi mal joué. Ce film ardennais peine à nous distraire autant qu’au journaliste du village. La post-production ne semble pas avoir été faite au vu d’une photographie fade et d’une prise de son contestable. Enfin, côté musique, si on peut apprécier cet air de musique classique, sa répétition incessante finira par véritablement nous énerver. Bref on aurait pu qualifier La DorMeuse Duval de film de patrimoine mais nous éviterons car cela déshonorerait le terme. D'autres critiques sur notre page Facebook : Cinéphiles 44
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Très déçue. Comme trop souvent le premier était génial et très amusant, celui là ne lui arrive pas à la cheville, je m'endormais par moment, ça manquait de gags. Je me suis ennuyée. Dommage parce que le premier était super.
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Vu à la télé (j'allais peu au ciné' à l'époque de sa sortie), j'ai adoré ce film émouvant. Notamment pour l'évolution des points de vue de certains personnages, et des contre-réactions d'autres. Cela a été une très belle surprise pour nous, le jour de sa télédiffusion.
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Quand j'avais cinq ans je m'ai tué... LE livre qui a bouleversé mon adolescence. Après l'avoir lu une trentaine de fois, je ne me lasse pas des mots tellement justes d'Howard Buten. Ils me font encore rire, pleurer, m'émouvoir, m'évader. Quand j'ai su, quelques années plus tard qu'un film avait été fait suite à ce livre, j'ai tenu absolument à le voir. Je ne pouvais pas croire qu'un tel chef d'œuvre n'aie pu engendrer autre chose qu'un chef d'œuvre. Résultat, 1h30 après, c'est la déception qui m'assaille. Qu'est-ce que ce film ajoute au livre? Rien. C'est juste une fade adaptation d'une histoire d'amour d'enfants qui se prennent pour des grands. Chaque scène sonne horriblement faux. Les acteurs ne sont pas (si) mauvais, non, c'est juste comme si eux, n'y croyaient pas. Et du coup, nous, on y croit encore moins. Les moments où Gil rêve, si merveilleux, si justes dans le livre, sont presque ridicules. Autre détail, dans le livre, l'histoire se passe aux Etats-Unis, plus ou moins dans les années 50. Dans le film, c'est apparemment en France, dans les années 90 (?). Ca à l'air de rien comme ça, mais pour moi, ça change énormément. Et en l'occurrence la scène ou Gil & Rebecca (qui d'ailleurs n'a pas le même nom de famille...) se rencontrent.. Au final, c'est mignon, très cucul en vérité, qui a mal vieilli. Une belle déception.
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Avec Nous Trois ou Rien Kheiron avait réalisé en 2015 un premier film plein de défauts de jeunesses, mais dégageant une énergie et une sincérité communicative. Cela donnait donc une certaine envie de découvrir son nouveau long-métrage. Et c’est peu dire que Mauvaises Herbes est une franche réussite. En quittant l’aspect trop autobiographique de son premier film, en améliorant son écriture et en parvenant à embarquer avec lui deux pointures du cinéma français, il parvient à nous offrir un très beau film. Le seul défaut identifiable dans ses Mauvaises Herbes, est peut-être le trop grand nombre de thématiques qu’il a souhaité aborder (la pédophilie, les flics corrompus, les problèmes d’intégration, les agressions sexuelles, …). Il aurait largement pu en garder pour ses prochaines réalisations. Mais c’est un détail en rapport aux nombreuses qualités de son nouveau long-métrage. Il y a tout d’abord ces très beaux flashbacks, qui s’imbriquent parfaitement dans le récit. La mise en scène y est très soignée, les images magnifiques et on y retrouve un très jeune acteur émouvant au possible. Ils viennent parfaitement illustrer l’histoire contemporaine pour expliquer l'origine des engagements du jeune éducateur incarné par Kheiron. Il y a aussi la présence délicieuse d’André Dussollier et de Catherine Deneuve, tous deux vraiment convaincants dans leurs rôles. Kheiron, n’a pas les qualités d’acteur de ces deux grands du cinéma français, mais son énergie communicative et son humour emportent tout. Les jeunes acteurs ont été également parfaitement choisis, car on ne doute pas un seul instant de leurs histoires respectives. Le final offre une très jolie pirouette scénaristique, assez inattendue, et qui ajoute donc une touche de qualité supplémentaire à ce film charmant, véritable concentré de bienveillance.
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Du grand délire ! Lindsay Anderson (l'auteur du très controversé "IF..." en 1968) n'épargne rien ni personne dans ce film qui rappelle les belles heures des Monthy Pythons. La religion, l'état, la science, la médecine, les riches, les pauvres, les militants, les travailleurs, les grévistes, les politiciens, les journalistes : tout ce petit monde est broyé, déchiqueté, piétiné, maché, recraché. Lindsay Anderson est probablement le seul réalisateur véritablement anarchiste.
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