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社会文化

論争 
2020年5月、第I相試験前段階のヒト試験の候補45例中8例のみの部分的で非査読の結果を金融市場に直接公開した後、CEOはCNBCで同社の資金調達のために12.5億ドルの即時権利発行を発表し、評価額は300億ドルとなったが、Statは「ワクチンの専門家はモデルナがCOVID-19ワクチンの評価に重要なデータを出さなかったと言っている」と述べた。
ブレナーは、写真家ウィリアム・クラクストンに関するドキュメンタリー『Jazz Seen』のためのスコアを書き、自転車レースのツール・ド・フランスに関する映画『Höllentour』のサウンドトラックを作曲した。2014年には、ロサンゼルスで録音され、ジャズ・ギタリスト兼プロデューサーのチャック・ローブがプロデュースした、古いものから現在のものまで映画で使われた曲のカバー・バージョンを収録したアルバム『ムーヴィー・アルバム』をリリースした。
概要

背景 
レッスルマニア37は当初、2021年3月28日にカリフォルニア州イングルウッドのSoFiスタジアムで開催されることが発表され、「WrestleMania Hollywood」として宣伝されていた。ロサンゼルス大都市圏で開催されるのはレッスルマニア21以来で、カリフォルニア州では7回目となる (これまでは2、VII、XII、2000、21、31)予定であったが、WWEは1月16日、当初レッスルマニア36の会場として予定されていたフロリダ州タンパのレイモンド・ジェームス・スタジアムで、2021年4月10日と11日の2日間の開催を正式に発表した。
2021年1月25日、WWEはUSAネットワークでマンデー・ナイト・ロウとNXTを放送しているNBCユニバーサルとの新たな契約の一環として、ストリーミングサービスのピーコックが米国におけるWWEネットワークの独占配信者となることを発表した。3月18日より、WWEネットワークはピーコック傘下のプレミアムチャンネルとなり、同サービスのプレミアム加入者は追加料金なしでWWEネットワークへのアクセスが可能となる。
新型コロナウイルスによる影響 
新型コロナウイルスの影響で、WWEは2020年3月中旬にアリーナ公演を全て中止し、ロウとスマックダウンの毎週放送とレッスルマニア36を含めたペイ・パー・ビューをフロリダ州オーランドにあるトレーニング施設、WWEパフォーマンスセンターに移し、無観客且つスタッフも必要不可欠な者のみが参加するようになった。
これは当初予定していたカリフォルニア州では、新型コロナウイルスの状況から、当初予定されていた日に観客を動員してイベントを開催することが出来なかったためである。一方、フロリダ州ではアメリカ疾病予防管理センター (CDC) のガイダンスに従って自主的に定員を制限し続けていながらも、8月下旬にスポーツイベントの定員制限が正式に撤廃された。
2021年1月16日、WWEはレッスルマニア37がタンパのレイモンド・ジェームズ・スタジアムで開催されること、レッスルマニア36と同様に2021年4月10日、11日の2日間のイベントとなることを正式に発表した。同じく、2022年のレッスルマニア38の会場はテキサス州アーリントンのAT&Tスタジアムで予定されていたため、代わりに2023年のレッスルマニア39をSoFiスタジアムで開催することを発表した。
だが2月に行われたElimination Chamber 2021にて、チェンバー戦に勝利し王座防衛かと思われた矢先、Backlash 2020で対戦した前US王者、ボビー・ラシュリーに襲撃を受け、その直後にマネー・イン・ザ・バンクの権利を保持するザ・ミズがキャッシュインし防衛戦を組まれ、敗北。
SmackDown 
2011年、レッスルマニアXXVIIの直後、当時世界ヘビー級王者 (現在は廃止) を保持していたエッジは、首の大怪我のために引退と王座返上を余儀なくされた。その後、エッジは2度の首の手術を経て、2020年のロイヤルランブルで9年ぶりにサプライズ復帰を果たし、最後の3人まで残ったが、ユニバーサル王者であるローマン・レインズの前に撃沈。翌年の2021年、エッジはロイヤルランブル2021への参戦を宣言し、再び王座に就くべく男子ロイヤルランブル戦で優勝することを誓い、同イベントでエッジは最も不利な1番手ながらも、優勝を果たし、レッスルマニア37での世界王座挑戦権を獲得した。
エリミネーション・チェンバー2021ではスマックダウンのWWEユニバーサル王者、ローマン・レインズが王座を防衛した後、今度はエッジが登場してレインズにスピアーを見舞った。その後、彼はレッスルマニアの看板を指差し、エッジがかつてロイヤルランブル2020で、ローマン・レインズに突き落とされた借りを返さんと言わんばかりに、レインズの持つユニバーサル王座への挑戦を選択したことを示した。
大阪桐蔭高等学校では、1年時から背番号を貰い、2年の新チームからは一時エースナンバーも託されたが右肩を痛め、春夏連覇をした第90回記念選抜高等学校野球大会と第100回全国高等学校野球選手権記念大会ではベンチ入りメンバーから外れた。
その後、1960年代に実施された延伸によりビイスク郊外の工業地帯各所に路線網を伸ばしたほか、1970年には道路との併用橋を経由しビヤ川を跨ぐ路線が開通した。ソ連崩壊後は他都市の路面電車と同様に経営が困難に陥ったが、その中でも路線網の修繕や近代化が継続して行われ、2021年現在もビイスク市内における重要な交通機関として位置づけられている。また、ビイスク市電では車両の定期的な検査や運転手の健康診断や試験など安全対策が図られており、2021年現在までビイスク市電では市電側に過失がある重大事故が1件も報告されていない。
水深2000メートル以上の深海に生息する全長2メートル超の硬骨魚類7種のうち、深海固有種はヨコヅナイワシとムネダラのみであったが、ヨコヅナイワシはムネダラの最大記録を上回ったため、深海固有種として世界最大の硬骨魚類であることが明らかになった。

セキトリイワシ科は や  を除けば体長100センチメートルに達する種はなく、主に体長30センチメートルから40センチメートルの種で構成される。
外部形態の比較やX線による内部形態の解析・ミトコンドリアDNAの16S rRNAとCOI遺伝子の分子系統解析から、2021年1月にクログチイワシ属の新種として記載された。

生態 
水深2171–2179メートルと2551メートルで延縄による捕獲例が、2572メートルで延縄による捕獲例および生体の撮影例がある。

胃の内容物調査では魚類の耳石が検出されており、ミトコンドリアDNA COI遺伝子の分子系統解析からアシロ科の属の耳石である可能性がある。グルタミン酸とフェニルアラニンの窒素安定同位体比を用いた栄養段階の解析から、駿河湾の深海に生息する他種と比較してTPが4.9と高い数値を示したことから駿河湾深海部における上位捕食者である可能性が示唆されている。
標本
原記載で用いられたタイプ標本4個体(それぞれ海洋研究開発機構、神奈川県立生命の星・地球博物館、国立科学博物館、千葉県立中央博物館所蔵)のほか、2018年に5体目(東海大学海洋科学博物館)、2021年に6体目(駿河湾深海生物館)が採集され液浸標本になっている。
あらすじ 
主人公のアリアケ・ミハマは全てのスキルが使える「真の賢者」で、勇者たちを影から支える存在であったが、「ユニーク・スキルを持たない無能」「無能の荷物持ち」のレッテルを貼られて勇者パーティから追放されてしまう。神から命ぜられた役目から解放されたアリアケは、田舎暮らしをしようとするも、勇者パーティーを抜けたという大聖女がやってきたり、街をモンスターの襲撃から救ったり、死にかけのドラゴンを助けたりしていくうちに、「英雄」と崇められるようになる。
葵梶葉文染分辻が花染小袖(あおいかじのはもんそめわけつじがはなぞめこそで)は、荻田長繁が大坂の陣における戦功により徳川家康から拝領し、延享5年(1748年)以降、神奈川県川崎市川崎区にある明長寺に所蔵されている辻が花染の小袖である。高度な絞り染めの技術によって描き出された加茂葵、梶葉の文様などがその特徴として挙げられる、辻が花染小袖の完成形とされており、重要文化財に指定されている。
江戸時代中期には身幅は約30センチメートル、立褄は60センチメートルから70センチメートルになっており、葵梶葉文染分辻が花染小袖は他の徳川家康が使用したと伝えられている辻が花染小袖と同様に、後世の小袖と比較して広い身幅、短い立褄となっており、中世末期から近世初頭に製作された小袖の型を示している。

染色とデザイン 
中世末期から近世初頭にかけての小袖のデザインは、一定の区画に模様を配置する「肩裾」、「段替り」、または全体に模様を配置する「総模様」を採っていた。葵梶葉文染分辻が花染小袖は肩と裾を紫色に染め、腰回りを白地とした上で、肩や裾に模様を配置する「肩裾」形式のデザインである。

戦国時代の故実家、伊勢貞順が天文17年(1548年)に著した武家故実書には、武家の小袖は腰回りが白地の「腰明き」で紋付きのものが正装として好ましく、腰回りが白地ではないものは略装であるとしている。
このように高度な絞り染めの技法を駆使して加茂葵、梶葉や、葉の上の露を優美かつ繊細に表現しており、辻が花染小袖の完成形であり、全体として素朴さを失わない中に気品や瀟洒な雰囲気が感じられる優品であると評価されている。
これは服を着用した家康の嗜好の反映であると考えられるとともに、絞りの技術的な進歩に伴ってより洗練されたデザインを見せるようになった、辻が花染め後期の特徴の一つを示すものとされる。また葵梶葉文染分辻が花染小袖のような紫、白を染め分けた地色の上に模様を散らす意匠は、豊臣秀吉、徳川家康所用とされる辻が花染めに多く見られ、安土桃山時代から江戸時代初頭にかけての、支配層の武士が着用した衣服のデザインに見られる特徴であったと考えられている。

そして安土桃山時代から江戸時代初期にかけて、徳川家の支配が確固になるにつれて三つ葉葵紋の紋章としての様式が定まっていくが、葵梶葉文染分辻が花染小袖の三つ葉葵紋は、配置場所が様式が定まった後の位置とは異なっており、様式がまだ固定していない時期のものであることがわかる。

徳川家康の衣類と葵梶葉文染分辻が花染小袖 

徳川家康が着用したと伝えられている辻が花染め小袖の数は35点確認されている。
また前述のように葵梶葉文染分辻が花染小袖のデザインは伝統的な肩裾形式であり、これらのことから通常家康が使用していた「お肌付き」の肌着を、大坂の陣で戦功を挙げた荻田長繁に、大きな功績を挙げたことを賞するために下賜したと考えられる。

葵梶葉文染分辻が花染小袖を下賜された荻田長繁

上杉家に仕えた前半生 
後に徳川家康から葵梶葉文染分辻が花染小袖を下賜されることになる荻田長繁は、永禄5年(1562年)に生まれた。
大坂の陣での活躍と葵梶葉文染分辻が花染小袖の下賜 

結城秀康に仕えることになった荻田長繁であったが、当初は低い地位に置かれていた。しかし秀康の父、家康が御館の乱時における長繁の活躍ぶりを知ると、これほどの武勇の士を粗末に扱うものではないとして、1万石に加増させたと伝えられている。
慶長20年5月10日(1615年6月6日)、二条城において徳川家康、徳川秀忠が松平忠直の戦功を賞した際に、荻田長繁ら忠直の重臣も家康、秀忠から直接戦功を讃えられ、その場で長繁は恩賞として1万石が加増された。
後述の荻田長繁の孫、長磐による覚書、新編武蔵風土記稿の記述や明長寺に所蔵されていた証文の内容等から、この二条城における大坂の陣戦功の論功行賞時に、荻田長繁は家康から葵梶葉文染分辻が花染小袖を拝領したものと考えられている。
幕府は藩主光長の親族である大名家とともに調停を行ったが不調に終わり、結局騒動は幕府評定所による裁定に委ねられることになり、延宝9年10月19日(1679年11月22日)、将軍徳川家綱の上意によって、お為方の主要メンバーが諸藩に預けられることになった。
結局、藩主松平光長は改易され、逆意方の小栗美作親子は切腹、そしてお為方の荻田本繁は八丈島に遠島と、高田藩、そして逆意方、お為方双方にとって厳しい判決が下された。父、荻田本繁が八丈島に遠島になった後も、子の荻田民部と荻田久米之助は松江藩預かり処分が継続され、松江城内の荻田配所での生活が続いた。
また新編武蔵風土記稿によれば、荻田長繁の末裔である百姓五百次郎は、大坂の陣に際して長繁が拝領した家康の肌着を持っていたが、家は貧しくてわずかの田畑を耕し、野菜を作って市場に売るなどして生活しており、このような卑しい家が家康の肌着を持ち続けることをはばかり、延享5年に大師河原村の明長寺に預けることになったと説明した上で、葵梶葉文染分辻が花染小袖の形状について詳しく紹介している。

明長寺に預けた後、川崎大師に将軍が参詣した際、大師河原の荻田家は将軍に葵梶葉文染分辻が花染小袖を見せたと伝えられている。荻田家は将軍から仕官の沙汰があるのではと期待していたが、葵梶葉文染分辻が花染小袖の由緒を聞いた将軍はひとこと、「大切にせよ」と語っただけであったという。

重要文化財指定に至る経緯 
昭和36年(1961年)9月19日、桃山時代の辻が花染めの特徴を示す貴重な工芸品であるとして、葵梶葉文染分辻が花染小袖は川崎市の重要歴史記念物に指定された。
産地 
化石は世界各地から産出しており、Fossilworksによるとアンゴラ、南極大陸、アルゼンチン、アルメニア、オーストラリア、オーストリア、ベルギー、ブラジル、ブルガリア、カナダ、チリ、コロンビア、デンマーク、エジプト、フランス、ドイツ、グリーンランド、インド、イラン、イラク、日本、マダガスカル、メキシコ、オランダ、ニュージーランド、ナイジェリア、オマーン、ロシア、南アフリカ共和国、スペイン、スウェーデン、タジキスタン、チュニジア、ウクライナ、アラブ首長国連邦、イギリス、アメリカ合衆国、ベネズエラで報告されている。
8月6日 - JCLバンクリーグ大分ステージ 優勝
 8月14日 - JCLバンクリーグ名古屋ステージ 優勝 2021JCLバンクリーグ総合優勝を決める
 11月7日 - JCL第10戦那須塩原クリテリウム 沢田桂太郎が優勝
 シーズン末をもって、小野寛人、宮崎泰史が退団
 2022年
 住吉宏太、東優仁が加入
 4月17日 - JCL第2戦カンセキ宇都宮清原クリテリウム 沢田桂太郎が優勝、孫崎も3位に入る。
中華人民共和国の石油化学精製プラント開発に永く携わり、1953年に北京石油設計局に配属されてから中華人民共和国国内の石油プラント設計に関与する。

1959年の大慶油田発見後に接触分解、接触改質などの研究に携わり、特に尿素脱蝋装置の開発は中国人民解放軍の低流動点ディーゼル製造の課題解決に大いに寄与したと言われる。
あらすじ 
幼い頃にイタリアンマフィアの養子となった韓国系イタリア人、ヴィンチェンツォ・カサノ(ソン・ジュンギ)は長じてマフィア組織の顧問弁護士となるが仲間の裏切りに合い、故郷である韓国に向かう。
使用機材 
ハードウェア・シンセサイザー
 Sequential Circuits Prophet-600
 Pearl PolySensor
 PPG WAVE 2.2
 Prophet VS
 E-mu Emulator II
 小室は「鍵盤の左端が弾き辛い」「ディスクの入れ替えをやってる余裕がない」「見栄が悪い」「小さいキーボードから、色々な音色が『声』から『オーケストラ』まで出てくると皆が不思議がってくれる」という理由から、YAMAHA DX7とMIDIで接続されてあり、小泉洋のコントロールでDX7自体の音色と切り替えながら弾き分けていた。
 小室はライブでの演奏と動きに徹していて、物理的に操作に関与することが不可能なため、ステージ上では小泉に本機で使うフロッピーディスクの取り替えをしてもらっていた。
サンプリングは小室の「一番良い音でサンプリングしたい」という意向から、小泉がTMのレコードのマスターテープからマルチトラック・レコーダーを経由して行っている。
 「DRAGON THE FESTIVAL TOUR featuring TM NETWORK」では熱と振動のせいでデータをロードできなかったり、ドラマーがモニターしているガイドのリズムと他の機械のタイミングがずれたりし、全く同期しなかったこともあった。
Ensoniq VFX
 「Digitalian is eating breakfast」制作時から、久保こーじと2人で頻繁に使用した。久保は「これから誰かがこれを使ったとしても、すっかり僕ら2人の音というイメージになってしまうだろう」「気がつくと、どうしてもこの機械に戻る。ここからアイディアが湧く」と称している。
試しにフェリックス・メンデルスゾーンの曲を弾いてみたら「シンセサイザーの方がビブラートをかけることができて、指の力もそれほど必要ではないし、調律も面倒じゃないからいい」と気に入った。
 買ってから5年以上使い、その間に同機を2台足したが、元々がモノフォニックシンセサイザーだったため、マルチトラック・レコーダーが搭載されていないが故にオーバー・ダビングが行えず、楽曲を構成する和音が作れなかったという。その対策として、「ギターでコードを弾いたりして、それに本機を被せる」という最終的に即興演奏で遊ぶために事前にバックトラックを作らなければいけなかった。
Roland JP-8000
 Roland JUPITER-6
 JUPITER-80
 V-synth GT
 「2つの楽器音をモーフィングのように滑らかに差し替えていくアプローチをやりたかったときだったので、願ってもない時期に登場したシンセだった。ボーカル・生演奏をシンセサイズに取り込めるのが導入に至った大きな決め手だった」と語っている。
YAMAHA MOTIF QUIT30 EDITION TETSUYA KOMUROモデル
 TM NETWORKデビュー30周年記念ツアーQUIT 30で使用。
 YAMAHA MOTIF XS6
 TM NETWORKアルバム『SPEEDWAY』収録の「N43」で木根のギターに重ねて、ギター音色で使用。
YAMAHA TX16W
 80年代のTM NETWORKで、レコーディングで使用されたコーラス・金管楽器等のパートをライブ会場で再現するために使用された。

 YAMAHA DX7
 「エレクトリックピアノの音を取り出した時に軽くキーに触れても、こもった音しか出ないが強く叩くとトーンモジュレーターの様な歪んだ音もちゃんと再現されて、『シンセサイザーもリズム楽器として十分サウンドの中心となりうる』と感じた」「1台だけでも使えるし、何台使っても問題がない」「ハワード・ジョーンズ・マドンナ・a-haと同じ音色がそのまま入っていて、海外の曲と同じフレーズが出せる」「とにかく音がクリアで、自分のタッチが音として耳に届くまでの早さが生まれて初めて一致した」と賞賛している。しかし、シンセサウンドが目立ちすぎてバンドサウンドの音が後ろに遠のいてしまう等生音との相性が悪く、生音と機械音の融合を真剣に考え始めるきっかけになった。
コンセプトは「もし中学の頃の自分がこれからシンセサイザーを買うとしたら?」「キーボーディストがヒーローになるには?」「シンセサイザーについている再生ボタンを押すと、打ち込み系のダンスビートが鳴り、スケーター系の子が反応する。その場が盛り上がる時、再生ボタンを押した人が主役になれる様にする」という所から考えて、「プリセット音源を入れるROMの記憶容量を1MBから2MBに増やして、色々な音を出せるようにして欲しい」等専門用語を介しながら自分の希望をヤマハ側に出した。
YAMAHA RX11 / RX21L / RX5
 STAGEA ELS-01CU
 記録容量の少ないエレクトーンであるということから、ヤマハから紹介された時には難色を示したが「形状がオルガン離れしていて、ステージでも他のキーボードと並べても違和感がない」「音も下手な生の弦の編成じゃ負けてしまう程に重厚で迫力のある音」と賞賛している。「Tribal kicks TV」のメインテーマの作曲にメインで使用され、「globe decade tour」「Tribal Kicks TV Party」でも本機の音色を30個使用した。
TRITON Extreme
 Korg KARMA
 ELECTRIBE
 KingKORG
 KORG 01/W
 KORG WAVESTATION
 KORG Z1
 『love again』『TOGETHER NOW』等で使用されている。
 RK-100S
 CASIO
 XW-G1
 XW-P1
 Clavia
 Nord Wave
 Nord Lead 1
 Nord Lead 2
 「ツマミにLED表示が無いのが逆に良くて、アナログライクな微妙な動きを活かせるから、自分のイメージした世界を自在に作りこめる」と話している。
コンプレッサーを足す以外に音作りの必要が無いくらい、それぞれのプリセットが完成されている」「この楽器でしかできないことが山ほどある。トラブルが起きたとしても、これだけでライブができるポテンシャルがある」と話している。
 Nord Lead 2x
 Nord Lead 4
 Nord Drum
 Access Virus
 「コンパクトにまとまっているので、一目で全てのことがわかる」と話している。
 Virus Indigo
 Virus Tl Polar
 Virus Tl2 Polar
 Virus Indigo 2 Redback
 Virus KC Keyboard
 moog
 Moog Liberation
 小室が生まれて始めて使用したショルダーキーボードである。
Avid
 Xpand
 Oberheim Electronics
 OB-8
 OB-12
 Oberheim Matrix-12
 Oberheim Xpander
 Dave Smith Instruments
 Poly Evolver Keyboard
 OB-6
 Arturia
 Origin
 MINIBRUTE
 Radikal Technologies
 Spectralis 2
 accelerator
 AKAI
 Akai SynthStation 49
 STUDIO LOGIC
 Sledge
 JoMoX
 XBASE 888
 XBASE 999
 MBase 11
 M.Brane11
 Native Instruments
 MASCHINE
ソフトウェア・シンセサイザー
 ReFX
 Nexus2
 Vengeance Sound
 Multiband Sidechain
 LennarDigital
 Sylenth1
 KV331 AUDIO
 SynthMaster2
 Native Instruments
 Battery 4
 Guitar Rig
 Tone2
 GLADIAIOR2
 Nemesis
 Electra2
 Reveal Sound
 Spire
 MusicLab
 REAL STRAT 3
 REAL GUITAR 4
 Spectrasonics
 Omnisphere
 Trilian
 Steinberg
 HALion 5
 PROMINY
 SC Electric Guitar
 Modartt
 Pianoteq
 ライブでの振動の影響を考慮して導入した。
TMデビュー前から「DRAGON THE FESTIVAL TOUR featuring TM NETWORK」まで使用。
 Roland DG
 「とっさの場合に便利。あっという間に全てのデータを移調したり、他のフロッピーディスクのシーケンス・パターンとつなげる等、単体のミュージックシーケンサーでは難しい技が使える」「データが目に見えるため、『何かがおかしい』と思って『キックの位置を変えたい』と思った時にパッと見てわかる」「まだ使っていない機能もあるけど、あのソフトはすごい」と語っている。
その際、小室とメインスタッフ以外は本機を使用したレコーディングの方法が分からず、小室はアシスタントスタッフ達に音色の保管方法・データが消えた時の対策・ミックスダウンのやり方など素朴とも言える数々の質問に答えていった。
 小室はその音の通りの良さと操作性の高さに驚き「今後もしレコーディングで従来のテープレコーダーを使うとしたら、それは音を悪くしたい場合だけだ」「歌を一文字ずつ数字で見ながら、細かい修正をして歌のノリや響きを出していく」「500以上の音色のデータがあるから、その中から自由にイメージに合った音色を探し出すことができる。例えば、琴は本物よりも、ハープの音色を使った方がリアルな音になって、キーボードのタッチで新鮮な琴の音色が演出できる。そうやって、一つひとつの音色を自分なりに煮詰めていける所がメリット」「一通り録音した後に、楽曲全体の音符・音域・パートを変えたいときに10分で簡単に抜き差しすることができる」「機材でそのまま再現すると雑音になってしまう特定の古いシンセサイザーの音色をサンプリングすると鮮明になる」「ギターの音色をピアノに変えられる」「ステレオサンプリングが100kHzまでできた。100kHzをCDフォーマットの44.1kHzに落とすことは分かっていたけど、興味本位で100kHzで収録に使ってみた。スタジオミュージシャンのピッキングノイズやタイミングのズレ等も、克明に記録できた」と語っている。
 篠原涼子との共同作業時までは確実に利用していたのだが、その頃の海外のサウンドは逆にアナログ音を売りにしていた・電子音でも音圧があり、小室自身が作ってる電子音はチープに感じたことから、「その時代のアナログ音の使い方がしたくなった」と思い、次第に使用しなくなった。
 Music Production Controller
 「Synclavierでは打ち込みだとパート別の入れ替えが難しかったが、シンプルにできるようになった」「サンプリングを重ねるにつれ音が良くなっていった」と話している。
 Digital Performer
 Vision
 1994年からシンクラヴィアに変わるメインシステムとして使用していた。
作風の大きな特徴として「長いイントロ」「強いインパクトのある歌い出しと、中盤に雰囲気を変えた印象的なサビ」「最高音の独特な使い方」「狭い音域を限定したメロディ作り」「1〜2小節のメロディの繰り返し」「作詞の譜割りがゆっくりになったり早くなったりする」「息継ぎできる部分が全くないパートがある」「少ない構成パート」「唐突な転調が多い」など分かり易いインパクトを持ち、かつジェットコースターのような緩急のメリハリがある展開が挙げられる。
曲に入り込ませるためのフックとして、都会の雑踏の音・信号機の音・携帯電話の受信音・臨時ニュースの発信音等、日常で人間がコンマ数秒で反応する音を機械音を中心に使用している。

転調 
手癖ともいえる程に転調を多用するようになったきっかけは、TM NETWORKの1stアルバム「RAINBOW RAINBOW」のレコーディングの時、ソフトのバグでシーケンサーに誤動作が生じた。その勝手に音調が変化し転調してしまった音源を聞き、小室が「意外と気持ちいい」と感じたことがきっかけとなり、以後の制作活動でそのフレーズが定着した。ちなみにこの時の現象を小室は「筒美京平さん・都倉俊一さんが作るような『歌謡曲的な転調』『キーが変わると、世界観は変わるが、歌の音域が変わらない』作り方が分かった」「これらの転調は適当ではなく理論的に説明が付く」と話している。反面、発見したその後も意識的に挿入していたわけではなく、むしろ「曲作りで行き詰ったときに使う逃げ」「2曲を1曲にまとめるときに役立つけど、先に転調すること前提で考えずに最後の手段としている」「コンピューターの誤作動による偶然の産物であり、中々思うように表現できなかった」「サンプラーが今のようにタイムストレッチができなくてそのままの音でキーを変えられなかった。そのサンプラーの音を使いたいがために機械的に転調させていた。逆のパターンもあって転調した後にそれまで使っていたサンプラーのボイスが無くなっていてボイスのキーと合わせられなくなった」と必ずしも好意的に捉えてはおらず、その後も如何に自由自在に使いこなすかの試行錯誤に腐心していた。

自らの行う転調のやり方について、「これだけ多くの音楽が氾濫している中で、曲にどうインパクトを持たせて、『もう一度聴きたい』と思わせるかという所で転調を理論的に取り入れている」「コーラスのリフレインは4~8回はやるでしょ。そのときに転調して一瞬緊張感を持たせる」「どこでキーが変わっているのか・どこがサビでどこがブリッジなのかを分からないようにする」「声が張るピーク・一番伸びる部分をサビに持っていくため。サビに合わせるとほかのパートが低くなりすぎるため、仕方なく4度転調とか、そういう変な転調を無理やり入れる」「周囲からは『サビでいきなり転調するよね』って言われがちだが、サビが先にあって、その前のBメロで転調しておく」「KCO・安室さん・華原さんは声が出るから転調無しの構成でも大丈夫だった」「お互いのキーの共通コードをつないで転調する。そうすると突然転調した感じが薄れ、スムーズな感じになる」「王道としては、サビの繰り返しで半音キーを上げて高揚感を出す。共通のコードは無いけどメロディを繰り返すことで頭にそのメロディが残る」「ブリッジで転調しておくと、その後自分の演奏テクニックを披露する等やりたいことが自由にできる展開になる」と話している。

小室の思う転調は一時的に少し調が変わって、落ち着こうとする前にすぐ元の調に戻る「経過的転調」と転調してしばらくはそのキーのままで演奏される「確定的転調」に分かれている。
後者は「イントロ・サビ等のパートの区別がはっきりできる。インパクトをつけて、急に華やかになったり、暗くなったりと色々変化をつけれる」「曲の後半辺りでリフレインに飽きてきた頃に転調すると、同じリフレインでも再び緊張感を持たせられる」「ボーカリストに合わせてメロディーを無理に変えたり、曲全体のキーを低くしなくても、元来のメロディーラインを残せる」「間奏でソロが弾きやすいキーに変更すると、それがまた曲をスリリングにできる」と語り、その思想を基に突拍子も無い調にずらした曲をたくさん作っている。
1986年に小坂洋二から「歌詞は多く説明し過ぎちゃダメだ。具体的じゃない方がいいよ」とアドバイスされたことから、「音楽は絵と違って、時間軸があって必ず時間が経過していき、止まって感じることができないことで楽しめる芸術」と悟り、「ジョン・レノンがオノ・ヨーコに対して歌っているような『明らかに誰に対して歌っているのか』が分かる作り方」とは対極的な人称・シチュエーションがはっきりとしている設定を作らず、「私に当てはまる」と感情移入できるように曖昧さや抽象的な隙間のある部分を敢えて残す形で「糊代」を意識的に作る演出を基本としている。
ラップはメロディを書かずにラップ詞の譜割りをすればいいから負担が減る分、ラップパートにメロディと同じ力・重さを持たせるかに悩み、ラップ中心の作品では歌詞が普段以上に長くなる。

1980年代末までは、起承転結のあるストーリーを作ってそれを底辺に構築していたが、インターネットを使用するようになってからは、ホームページのグラフィックを眺めている内にイメージが湧いたものを散りばめて、そこからさらにイメージを持たせていくという散文詩の書き方に近い方法論で書くようになっていく。小室は「1行目と2行目は全然脈絡はないけど、僕の中ではネットサーフィンで無意識でリンクを辿るように、何かがキーワードになっている。そして、僕でもいつの間にか『どうしてここへ来たのか?』と疑問に思うことがある。
世界観
世界観は「人生」「現実」「常識」「立派」「正直」「公園」を意図的かつ潜在的に散りばめ、閉鎖的な言葉遣いを排除し「『幸せの価値観』というレールから外れて、悩んでいる不良性を持つ子が喧騒から『走る』『逃げる』『動き回る』『内面を吐き出す』形で現実と立ち向かう」展開方法が多い。
自身のポリシーとしては「『音の中に言葉があるはず』という感じで、メロディーの響きといいたいことの接点を見つけ、それらをコラージュしていく」「反体制派の賞賛ではなく、スポーツ・勉強・遊び・ダンス・DJ・ソングライティングをひたすら真面目に取り組む若者のストイックな格好良さを、時代と向き合うロックの新たな存在意義にしたい。だからリスナーに対する責任は重く、歌詞には長めに2週間は時間をかけている」「『勇気』1つにしても、言葉をそのまま使うと一気に説教臭くなってしまう。
反面「CAN YOU CELEBRATE?」という英語の表現や、「I'm proud」や「Hate tell a lie」などの間違った文法などについて、当初から指摘が相次いだが、小室は「具体的な言葉の表現は苦手で、『宇宙』と書いて『そら』と読ませる」「文法上のことはあまり考えず、曲のイメージ・16ビートのリズム・メロディにアクセントがぴったり合う英語を選ぶ。そうすれば『かっこ悪い』といわれる部分も自然と省ける」「ごり押しではあるが、サビの印象的な部分に簡単で記号的な英語を入れる、ボタン一つで他国語に切り替えたり、英訳を表示する等、海外の方々への日本語の意味の伝え方はテクノロジーで克服できる。必ずしも全編他国語で作詞しなければいけないわけではない」「作為的な言葉は全く考えず、自然発生的な言葉を中心に入れている」「日本人が聞いて言いやすい、分かりやすい英語を求めていました。文法よりキャッチーであること優先。洋画の原題が邦題になるときと同じように、『ちょっと格好悪いかな』って位まで分かりやすくするために何回も書き直してました」と発言している。

 作業方法
実際に作詞作業を行う際はプロジェクトごとに確かな差分のある大まかなテーマを絞り込んだ後に、モチーフを探すための手段として、基本は「わけが分からないけど、インスパイアされる部分が多くて面白い」と敬愛しているロバート・A・ハインライン・コリン・ウィルソンの作品群を読み込んでいる。
闇雲な妄想を避けるためにプロデュースする相手からは直接一対一で話を聞き、小室自身の感情を渋谷センター街で遊ぶ女性や若者に置き換えてみたり、小室とファンの共通項を探ったり、主人公の設定の考案等で推察やマーケティングをしていた。例えば、
 TMは小室が書く場合は「アーサー・C・クラーク等のSF小説の世界観を、どのようにシンセサイザーの音楽と馴染ませつつ日本語で表現するか」「純粋にファンタスティックで、SF・RPGゲームを思わせる世界観」を基本方針にしている。
それまでは「みんながカラオケとか歌う時に、1,2行でも残るように」作っていたところから、華原に向けた作品を作り出したことが「リスナーが最初から終りまで完璧に分かってもらう」ようにする構成を考え始めるきっかけになり、終始女性の言葉遣いで表現した。

基本は三部構成で行われ、
 Aメロ「物語の設定の説明」「友達といる時の強い自分」
 Bメロ「昔のことを振り返り、自分達の状況・風景・環境を説明」「一人の時の心に浮かぶ本音のような弱い部分」
 サビ「相手に一番伝えたいことを伝える」
をそれぞれに振り分けて担当させている。
これは作詞・作曲・編曲の三位一体をほぼ小室1人で処理できるからやれることでもあるが「この詞を使いたいんだけど譜割りが合わない」「音程が上がってるからこの単語は使えない」という苦労はないという。

作曲 
 アマチュア時代
小室が作曲をする際、アマチュア時代は中学生の頃から「とにかく頭の中で何かが出てくるまで、待ちながら、事前に色々な音色を作って、弾いて、重ねていく」作業を10年近く続けた。
プロデビューして業界人と接するようになってからは「ボーカルを如何に目立たせるか」を考えるようになり、「この音色・パートは歌を強調させる個所とぶつかるから避けよう」等歌に合わない演奏はどんどん削っていくようになった。当時「ドラムやギターがリズムを縦に切って、キーボードが横に流れる」のが主流だった中、「ギターが最初から無い状態で、基本はどうするか」という発想から始めた。「ギターの役目をキーボードが如何にやっていくか」を考えたが、リズムを支えたいのに自然に横軸になってしまう等、どっちつかずになってしまう所の克服に苦労した。
19歳の時にプレゼンをした際、そのデモテープが「家にあったオルガンを弾いて、犬の声も一緒に入っていた」内容だったため、レコード会社のディレクターに「これではどれがメロディだか分からない」とダメ出しされた。その苦い経験もあり、『レコード会社のカセットテープ・書類等で散らかった室内の中で、相手の顔が見えない状態でも、室内で仕事中の人にも興味を持ってもらえるか』『古いラジオカセットレコーダーで聴かれてもディレクターの気を引くことができるか』『レコード会社の人に如何に観客として楽しんでもらうか』『商品版の形をどこまで描けるか』を考えてデモテープの段階で本番のレコーディングと同じ環境の整ったスタジオ・機材・16~24chで録り、イントロから間奏まで完璧に作り上げ、ミキシングも行い、他のレコード会社が作る完全パッケージメディアより良いものを目指した。
作曲家のポリシーとしては「体を動かしたくなる『発散性』があるか、場を盛り上げるための『社交性』を持っているか、楽しいだけではないハードルの高いキーがもたらす『エクササイズ』になっているか、というカラオケでファンが求める3要素を常に意識する」「一度書いたメロディは必ず使う」「メロディがボーカリストの心身にどんな作用をもたらすか細かくイメージする」「楽曲のジャンルを確立するためにデモテープのミックスの名残をできる限り残す」ことを心掛けている。

バックトラックを作ってから、ボーカル用のメロディを考えるのを基本にし「ボーカル・コーラスもハーモニー・コード進行の一部と考えた上で、如何にトータルでサウンドを引き立たせるか?」という方針を「Self Control」制作を切っ掛けに常に考えていった。そうしていく内に次第に「ダンサブルで言葉の情報量の多い楽曲作り」を志向し、「1拍半・半拍半で符点を付けて、タイでつなげ、さらに16ビートをつけて、その縦軸の中に完璧なコード進行を入れて、最後に歌詞を詰め込むことで、前に進もうとする推進力を付ける」という手法を開発した。
プロジェクト毎の方針
デモテープの制作はTMの楽曲の場合は一キーボーディストとして直感で生んだリフ・フレーズを中心にしたオフヴォーカル優先、globeの楽曲の場合は小室による仮歌のみで構成され、周囲に提供する楽曲の場合はメロディ優先で制作する。最初から指定のシンガーに向けて作った楽曲を結果的に別の人が歌うことになった場合、別の人が歌えるようにカスタマイズする作業をすることもある。普通に2曲作るのに平均6〜7時間はかかり、余裕を持たせてクオリティを普段以上に高める場合は1日10時間はスタジオにこもる時間を作り、3〜5日はかける。
似た作り方で、曲の構成上、歌い出しの部分だけ昔作ったものを思い出してサビの部分を新しく考える・サビだけ出来上がっていて、頭に常に置いておき、ある日それに合うイントロ等が出来ると急に引っ張り出すこともある。
クレームに対しては「むしろ、ないと僕がオファーを受けた甲斐がない」と寛容な態度を示しているが、どうしてもダメ出しをされたくない場合の対策として、わざと締切日ギリギリまで作らずに周囲がいても立ってもいられない心境にさせて、別の場所で1時間程で仕上げることもある。1曲作るのに没になること前提のそれぞれの微調整されたパート違いも含まれる8〜10通りのバージョンを用意しコンペティションに臨んでいた。
そのため一応監督の話は聞きつつもあまり気に留めず、全ての映像をテレビに起こして、視聴者になったつもりでリモコンを持って画面を見ながら即興で曲を付け、映像のタイミングを確認しながら手直しする。こうして好き勝手に解釈して作った曲を10曲程コンサートの要領でスタッフに聞かせて、どのように「視聴者が感動できるか」をテーマにしながら、さらにスタッフと一緒に相談して磨き上げていく。
場合によっては新曲を書かないといけないため最終的な編集作業まで利害関係なしに1スタッフとして責任を持って、最新鋭の制作システムをもって締め切りまでに如何に磨いていくかを考える。「ドルビーサラウンドに対応していない」等の最悪な状況やシステムの状態の映画館でもまずまず聞ける音色を別に作るため、小室の意向だけで終わらせることができない。
ただ、小室は後に澤野弘之に「ワンフレーズのメロディでも耳に残る楽曲を作りたいから、どうしても監督の希望より音が立つ方向にものを考えてしまうので、僕はサウンドトラックの仕事にはあまり向いていない。やっぱり『好きにやってほしい』とオーダーされて作ったサウンドトラックが、世に出て残っている」と述懐している。

1990年代から依頼と注文に応えること前提の楽曲制作が格段に多くなったこともあり、それ故に「起きたら突然、降って舞い降りた・湧き出てきた・何かに導かれたように自分が閃めいたメロディだけで、周囲の介入なし・試行錯誤なし・実験性満載・楽器と向かい合ったら短時間で楽しく作れて、弾き直しも1回もなく、コンペティションもスムーズに通った楽曲」として、

 TM NETWORK「Get Wild」「Dawn Valley」「TIME TO COUNT DOWN」「10 YEARS AFTER」「Major Turn-Round」「CASTLE IN THE CLOUDS」
 ソロ「Futari」、「二十歳の約束」、「Far Eastern Windシリーズ」
 木根尚登「Wish on the hill」「SATURDAY MORNING.6A.M.」
 trf「OPEN YOUR MIND」
 globe「SWEET PAIN」「FREEDOM」「Precious Memories」「Is this love」「Love again」「Many Classic Moments」「女神」「Lights brought the future」「out of©control」
 Kiss Destination「口笛に咲く花」
 安室奈美恵「Don't wanna cry」
 華原朋美「MOONLIGHT」「LOVE IS ALL MUSIC」「here we are」
 dos「GRID60」
 鈴木あみ「OUR DAYS」
 松田聖子「Kimono Beat」
を挙げているが「本来そのような楽曲が出来上がるのは数年に1回あるかどうかであり、そこから『誰に歌ってもらって、どのように宣伝するのか』も考えなければいけないため、最初に一瞬で湧き上がったときのテンションを維持するのは難しい」「35年やっているけど、1発OKはない」と答えている。
この段階でのオフヴォーカル音源はほぼ完全パッケージメディアに近いものとなり、それをそのまま活かす形で「音色・シーケンサーのデータを作り直しただけで完成させるか」「敢えてデモテープから雰囲気を様変わりさせてしまうか」のどちらかになる。
 最後に最も曲のイメージにふさわしいヴォーカル・コーラス・ギター専用のメロディの譜面を「ギターのソロパートを振られたときにギターで弾き語るような感じで乗っけるように」作り、それをスタジオ・ミュージシャンが直接何回か聴いた後に演奏し、ミュージシャンが実際に演奏したテイクに差し替えていく。
制作スタイルの変遷
テープレコーダーを使用していた際はイントロからアウトロまで流れの型を必ず存在しているためそれに合わせて考えて、その先の違う型を使いたいなら全く別の次の考えに進めなければいけないため、テープを使用するデモ作りを「時間軸に乗せる作業」と称していた。シンクラヴィアを導入した際、時計回りではなくパズル感覚でデータを介してできる切り貼り・抜き差し等の編集作業の簡単さに感動し、次第にテープレコーダーは使わなくなる。
いかに自らの曲のイメージにすり合わせながら「カードのように」数々の楽曲を引用・コラージュ・再利用して組み合わせ、「小室サウンド」としてサンプリング、アレンジして完成させるかがポイントになっている。この手法については「ガンズ・アンド・ローゼズの楽曲の作り方と似ている。彼らが自分達の好きなエアロスミスが制作した3曲を1曲に詰め込んだような感じ」「いいサンプリングのネタと音色が一つでもあればそこから広げて1曲できる。海外では完全にそのノリ。もうそろそろ『サンプリング=盗む』という感覚も消えていい。ジェームス・ブラウンのようにネタを使われているアーティストがジェームスのネタを使っているアーティストにプロデュースを頼むこともあるのだから」「引き出しがあり、そこから引用したものはあります。ただ、曲作りのためのデータというより、記憶の代わりに使っているだけ。外国の誰かと似ることはないが、自分の前の楽曲と似ることはある。それがない用に確認するだけです」「1970年代の誰もが知っている曲のある部分をイントロにつける、バックトラックに知っている曲のフレーズをつけておくと通りすがりの人をも驚かせる。一種のサブリミナル効果です」「機材が進歩すると共に『この部分を直せばもっといい音源になる』という思いが強くなった」「自分の力で作ることはもちろん大切だけど、自分が影響を受けたものを紹介するのもまた大切」「いくら真似して作ったと言っても、元ネタが見えなかったらそれは既にオリジナル」「『何かに似ているけど気持ちよくて格好良いよね』とみんなに思われれば、『似ている・似ていない』の問題はクリアできる」「『どんな方から影響を受けましたか?』と聞かれないアーティストはいない。
僕の中で発明と思っているのが安室さんの『CAN YOU CELEBRATE?』のイントロ」「過去に自分でゼロから作ってヒットした楽曲をお手本にして、フレーズの一部を再利用した方がファンの期待に応えられるし、自信になります。純粋になる、化合物が無くなる感じですね」と答えている。
TMデビューの時点で「シンセサイザーはどれを使うか?」「ドラムはドラムマシンでやるか?ドラマーに頼むか?」等全部編曲家が決めたり、選んだりしなければならない環境になったため「楽曲が商品になるために最も幅をきかせてる部分であり、レコーディングスタジオの中で一番偉い存在」と語っている。
「イントロが良くなければ、関わる意味がない。その位僕はイントロが好き」「ほとんど作曲に近い」「どのチャートで上位に入るかをシミュレーションする」「大体『ザ・ベストテン』で第1位が発表された直後に聞こえてきそうな感じにする」という気持ちでこだわっている。ただし、スタジオ・ミュージシャンに、その楽器が担当するパートのアレンジを全面的に委ねることもあり、マニピュレーターもリズムの構成の視点で編曲に際してのアイディアを出す。
「他の作曲家が手がけた楽曲のアレンジを依頼されたら、そのメロディはいじくれない。リミックスを頼まれたときも既に録音してあるボーカルトラックは変えないようにしている。その絶対的な制約がある上で組み立てるという点では、両者は似ている」と語り、作曲・編曲・ミキシングも等しくクリエイティブな作業として同一視している。
昔は「下手なボーカル・音色が粗いから素材そのものを直す」というのもあったが、機材の性能が進むにつれ次第に「より完成度を高めるためのエフェクトの付け足し等の加工」と意味合いが正反対になっていき、小室個人でミキシングを行う場合は1トラック3~5時間は時間をかける。
小室曰く「ヒットが生まれる場所は年月が経つと全く違う。拠点を固定してしまうと時代・テクノロジーとの矛盾を起こしてしまうため、もしかしたらサーカスのように明日移すかもしれない」とコメントしている。ただ、全ての作業を自分のスタジオで行うほどの完璧主義ではなく「場所が滞在先のホテルでも・病室でも・車内でも、打ち込み用のキーボードとパソコン等の機材が置いてあって制作ができればそこはもう立派なスタジオで、データだけでほとんどの作業が済んでしまう」「5千万円あったら機材を買うより他のスタジオを回って何枚かアルバムを作った方がいい。今はどんなに高級な機材でもリースすれば簡単に届くために、あのスタジオにはあの機材があるからすごいという訳ではなくなってきている」「ソフトウェア・シンセサイザーの発達によって、AIRスタジオで録音した音に遜色が無いものが作れるようになった」「ロンドンでは電圧が240Vあり、それだけで音圧の高さ・倍音の気持ち良さ・鍵盤を叩いてからスピーカーが音が出るまでのスピードが日本のスタジオとは段違い。機材面のサポートが充実していて、電話するだけでオックスフォードの機材メーカーからすぐにスタッフが来てくれて、その日の内に対応してくれるので本当に大切な作品はロンドンで録音したい。今までの海外のスタジオで一番良いと感じたのはトレヴァー・ホーンがオーナーを務めるサーム・スタジオ」と話している。
小室「どんどんチャートに出てくるので、すごく速いローテーションで動いているように見えるけど、実際は1~2年の間に作ったストックがそのまま並んでいるだけ」「羽生善治さんの数々の将棋盤に合わせて戦術のバリエーションを変えて勝負するCMと似ています」「24時間寝ないで、globeの曲を作りながら安室さんの『Don't wanna cry』を作っていました」「作詞・作曲・アレンジ含めた1曲を作る作業を最短1時間で済ませていた」
 宇都宮隆「デモテープの段階では歌詞も上がっていなくて、メロディもよく分からない。歌詞が上がるのは大抵歌入れの日。歌詞が入った時点でメロディ自体も変わっていく。その日は歌入れだけで精一杯。敢えてレコーディングが始まるまで、デモテープの内容は覚えない方がいい。TMの頃からそういうことが多かった」「まず小室が曲を作り、アレンジしてオケを作る。そのスタジオには僕は行かないで、完成した音を聴いて歌う。ボーカルのブースには小室は来ない。1984年からそういう分業体制だった」
 木根尚登「注文は多いけど、ないときは良くも悪くも任せる人」
 久保こーじ「ミックスダウンを担当するエンジニアを選定するまではシビアにやりますけど、実作業には口を挟まないし、出来上がった音を楽しんで聞くし、信頼できると思った人には一任する」
 小室みつ子「最初にデモテープを渡されて、テーマが既に固まっている時には小室君・ディレクターと打ち合わせをします。『このタイトルで書いてくれ』という時には10分で済む場合が多いですが、『何を書くのか?』とテーマが中々決まらなくて、映画や本の話題で長く雑談する時もあります」「デモテープを聞く前と聞いた後では、レコーディングの間にどんどんアイディア・イメージが広がって、アレンジが一変します。全然違う曲になったりもします。だから私は完成版を聞くまでは作詞を始めません」「リズムが複雑なだけに、言葉の乗り具合・内容のチェックはいつもより念入りに行われます。歌詞だけを渡しても、小室君の複雑なメロディにどう乗せればいいのかわかってもらえないからです。最初に私が歌手の前で歌って、覚えてもらうのです。そして一緒に歌う事で、相手もメロディ・歌詞を理解して自分の歌い方を決めていくわけです。OKが出されたら、もうほとんど出来上がり。でも大体はオケに合わせて歌い始めてからも、細かく直したりします」
 浅倉大介「小室さんはステップ入力をやらないんですよね。全てリアルタイムでキーボードを弾いて、そのノリのまま打ち込んでいく。それで最後に変な所だけちょっと直す程度なんです。曲の縦軸がそうやって出来ていって、その裏に手で弾けないシーケンスフレーズを打ち込んだりとか、パーカッションを打ち込んだりする。1コーラス目と2コーラス目が全然違うフレーズになっていたりするんですよ」
 葛城哲哉「最初のアイディアの提示・奏法の注文・最後の決定はやっぱり小室さんの判断だよね。でも、小室さんが弾かない日でも彼はスタジオに来るからその段階で色々話す。だから、自分が弾く段階になって改めて細かい注文が新しく出ることは無かったかな。元々ギターに詳しい人だから。曲によって違うけどね」
 松尾和博「付き合いは長いのに、TKと長く話したことがない」「大量の依頼が来て、曲を量産しなくてはいけない。『朝までにギターを入れて』というインスペクターでも対応できない状況に、たまたま『24時間365日なんでもやります!』という僕がいた」「決まった時間に作業することはなく『締め切りはこの辺だからそれまでにやっておいて』とベーシックトラックを渡されるので、それまでに済ませるのを次から次へと繰り返しました。
1曲に2日かけても、締め切りに間に合えば大丈夫だった」「96chのソリッド・ステート・ロジックのミキシング・コンソールの片方の48chを僕専用のブースとして自由に使わせてもらえた」「具体的な注文はなく『ギターを入れて』だけだった。
強いて言えば『テイクこれだけしかないの?』と言われたことはあった」「レコーディング中は聞いている時間が一番長い。リピートを何回もして、足りない所はないか余白を探す。『どんなフレーズを入れるか』というアレンジャー的な考え方ではなくて、その他全体の楽器を聞いて、『ギターの質感を当てるか避けるか』が大事だった。パート別にやっているから、逆に頭から通して弾けなかった」
 DJ KOO「スタジオが同時進行で3~4つは当たり前に動いていて、小室さんはその間に打合せも幾つもやっていました。1週間に10作品とかを並行してやっていて、trfだけみても絶えずリリースがあって、それをライブツアーをやりながらやっていたので、僕とYU-KIは常にスタジオに入っていました。そこに小室さんから楽曲・仮歌・歌詞が次々と届いて、それをどんどんレコーディングしていくという日々でした。できあがるものに対して、小室さんがNGを出したことはなかったです。忙しかったからかもしれないですけど、ダメ出しは覚えている限りはなかったです」
 浜田雅功「俺が仮歌を入れる予定の日に、彼は夜7時から夜中の2時までスタジオから出てこなくて、ずっと待ちの状態が続いていたんですよ。たまに出てきたら、頭ぐしゃぐしゃで、小汚い格好でカレーライスとコーヒーを口にした後『間に合わない』と言いながらスタジオに戻っていった。
いろんな解釈ができるので、曲に慣れて自分のものにするまでが大変でした」
 華原朋美「小室さんのスケジュールが過密なため、いつ連絡が入るかわからなくて、電話で『今すぐスタジオに来て欲しい』と呼ばれることもあります。
それ位曲には命をかけてます」「1度オケに合わせて、私が仮歌を歌う。そうすると歌の雰囲気によって、小室さんには全く別のアイディアが湧いて、サウンドが変わったりするんです。だから一瞬たりとも見逃せなくて、トイレにも行けないですね」
 前田たかひろ「小室さんから『スタジオに来てほしい』と言われて行ってみると、すぐに作らないとリリースが間に合わないという状況。
メロディを打ち込むのと同時進行で、詞を作ったこともありました」
 tohko「自分で仮歌をデモテープに入れて下さるので、その通りに歌えばいいんです」
 鈴木亜美「ジャケット写真を撮り終わった後、『違う』と言ってすぐに曲を0から書き直していました。スタッフは『よくある事』と言っていました」

素材のデータ転送がスムーズになって、テレビ電話で海外のスタジオのスタッフと話せるようになっても、小室は正式なレコーディングは現地に行きスタッフと直に対話しながら行うことを念頭に置いていた。
2000年に記録媒体を完全にハードディスクドライブに移行した際はPro ToolsからDream ADA-8を通してAWS 900でミキシングを行い、MERGING Pyramixに24bit/192kHzで録音することが基本の流れになった。理想は「大元の素材は384kHzで持っておいてもいいのではないか。下のサンプリングレートから上げることは不可能だから」「携帯電話で聴いても、潰れたり埋もれたりしない音像」を目指している。

ミュージシャンとしての姿勢

キーボーディスト・シンセシスト 
シンセサイザーの使い方はハードウェア・シンセサイザーを重視する傾向が強く、レコーディング作業時のみソフトウェア・シンセサイザーを「楽器として重要な要素であるフィジカルコントロールの面でハードに劣る」「鍵盤の方が手っ取り早い」「マウスが使いづらい」「つまみがあって二度と出せない音を作り出せる機材に可能性を感じてしまう性分なので、マウスや数値だけでは限界がある」「基本的にステップ入力はしない。1974の時その手法でイントロを作るだけでも大変苦労した。それに打ち込みから始めてしまうと音色によってデュレーションやリリースが違うので、いざ聞くとニュアンスが全く違ってしまう」として使用していなかった。音自体はMIDIで作った後、それを鍵盤で即興で弾き、それをPro Tools・ACID等でエディットしていく形を好んでいるが、椎間板ヘルニアによる身体への負担・コンプレッサーの性能と音圧の高さとハードウェアタイプとの差の大きさ・マウスの操作性の向上(主に応答時間)・他のクリエイターからの影響を考慮し、2013年3月に個人所有のスタジオを改装する際にソフトウェアタイプの機種を導入した。
ライブのリハーサル中、PCが頻繁にフリーズしてしまったため、バックアップとして急遽パソコンをもう一台購入し、ソフトシンセももう一式購入した。そのため、「結果ハードシンセよりも高くついたが、2台あることでダブステップをやるので音を重ねていけたりする等プレイの幅が広がった」と小室は語っている。
ライヴでの演奏もシンセサイザー主体であり、「自分がその楽器のプレイヤーとしての腕が追いつかなくても、演奏したい楽器のボタンを押して弾くと機械の方がメロディをしっかり追えると14,15歳の頃に気づいた」「アレンジ・奏法はギタリストの真似から始まっていて、ギタリストだと簡単に弾けるフレーズ・プレイをキーボーディストが担当するとどうなるかを意識している」「1台の中に生のストリングス・バンドサウンド・ヴォーカルが全て入っていて再現できる。僕の音楽はシンセサイザー・コンピューターの制御があって初めて成立している」「1台あるだけで1曲音源が作れる程、機能が充実している」「バンド内でギタリストに対抗できるポジション」「ギタリストがカッティングでグルーヴを生み出すように、鍵盤でも何か違った形でグルーヴが生み出せないかと思っている」「数台重ねれば一人バンドができる」と語る程に思い入れが強い。
むしろ「旅客機のコックピットみたいにライトや計器に囲まれて、機長のように指示を出す」というシチュエーションに小さい頃から憧れており、それが小室独自のキーボード&シンセサイザーブースと機材リスト構築に反映されている。

マニピュレーター 
計算機科学に関しては元来何の知識も持っていないため、アレンジを終えた楽曲のデータを小室のチェックの元で別の専門のマニピュレーターが打ち込んでいる。
レコーディングの工程の9割は音色作りに割り振り、一つひとつの音色をしっかりオーディションしつつ編集して、『どの音色で弾けば下のベーシックなパートが浮かび上がってくるか』『現場のDJが聴いてすぐに印象に残って使おうと思えるか』まで考えてオーケストレーションのアレンジに近い感覚で作業する。

目標としては、「エンジンがかかった時の音から来る安心感」「瓶の蓋を受ける時の気持ちの良い音」等誰の耳にも引っかかるファンが覚えやすい範囲で個性的な音色を作ることを指標とし、且つ手で弾いた時の雰囲気を残す様にしている。
長期ライヴツアーがマンネリ化しないための工夫として、スタジオで事前に完成した映像に合わせて即興でベーシックのオケを制作し、リハーサルでは毎回映像を見ながらオケの作り直し・音色のデータのアップデートを行っている。そのために小室のブースではスタジオの環境と変わらない録音ができる機材を中心にしたシステムで構成されており、レコーディング体制・ライブ体制へとすぐにどちらにも切り替われるようになっていて、「TM NETWORK FINAL MISSION -START investigation-」からはリハーサルの途中でも合間を縫ってレコーディングを行うようになった。

他のマニピュレーターにイメージを説明する時は、「空で何かが飛んでいる感じで」の様なシナリオの文法を思わせる表現ではなく、「〇〇系の音と〇〇系の音が、何対何の割合で鳴ってて、フィルターが開いているような」等の専門用語を介している。
これについては「長時間スタジオに篭り、コンピューターを駆使すればするほど、メロディ・音色等のデータが蓄積されていく。一度取り込んだデータは加工し、再利用し、新たな楽曲作りに活かすことができて、生産性が上がる」「頭の中で鳴っている音楽は1時間で形にしたい」「デモテープを作っているときが一番格好良いと思っていて店頭に並ぶ頃には飽きている。昔は周りに対して『違うんだよ、これは半年前に作った曲なんだよ』と思っていたが年々スパンが短くなるにつれストレスが大分減った」「ソフトシンセはアップデートする度に月に何万もの新しい音色が来る。旅先でもダウンロードできるので驚きつつも、エディットしてすぐにぶっつけで仕事に使う」と語っている。
1993年よりクラブDJが行うミキシング・コンソールでのリアルタイムリミックスに興味を抱き、1994年の「TMN 4001 DAYS GROOVE」にて音色をWaldorf THE WAVEに搭載されたノブ・スライダーで視覚的に操作した。1997年のイベント「TK Presents GROOVE MUSEUM」以降は、小室のブースはリズムを含めたほとんどの音が内蔵されたPro Tools・ハードディスクドライブとミキシングコンソールが機材の大部分を占めるようになり、ステージ上で楽曲の構成をディスプレイで確認して単音・ブラス音・パッド音をノブをつまみながら歪ませて、それをPAエンジニアのチーフに送りながら行う音色と音質の変換・パート別の音量と残響時間の調節作業が担当の9割を占めるようになり、鍵盤はほとんど弾かないときもあった。
元の楽曲の演奏のきっかけになり、リズムをキープするための拍子・音程をキープするために最低限必要なメロディが突然消えることが多いため、照明デザイナー・PAエンジニア・ボーカル・ミュージシャンは通常のコンサート以上の多大な緊張と集中を強いられるという。
理由は鍵盤に対してのサンプリングのテクノロジーが発展していなかったので、歌とギター特有の細かな動作・操作・表現を鍵盤で再現するのが不可能であり、鍵盤は音を跳ねさせるのは難しいが、ギターはテクニックがなくても音を跳ねさせることができるからであった。

ギタリストは「キーボードで鳴らして楽曲の元々のコードに混じると鳴らせないコードでも、ギターがその部分をサポートしてくれる。その他にもイントロで即興演奏で遊んでくれて、種類を持ち変えるだけで全てが変わるから、ライブでは特に必要不可欠」と評している。
TM NETWORKの1986年のコンサートツアー「TOUR '86 FANKS DYNA-MIX」からシンセサイザーDX7の上に、 YAMAHAのリズムパッドPTT1×4を設置し、パーカッションMIDIコンバーターYAMAHA PMC1を通して、YAMAHA TX7とローランドTR-727を接続して鳴らしていた。
TMNのアルバム『EXPO』において、小室がドラムのクレジットに記載されているが、1曲を最初から最後まで通して叩いているのではなく、数小節叩いて、その中のノリのいい1小節だけをサンプリングして、それを繰り返してつなぎ合わせることで、上手なドラマーのような面白いノリのドラムパターンを作成している。
ボーカル・コーラス 
ボーカルのレコーディングは小室1人でもどうにかフォローできる余地があるためキャリアを要求しないが、ライブではデビューから早期に大勢の前でマイクの前に立つのを経験させるように心がけている。これは「舞台監督・照明スタッフ・PAエンジニア・ファンの刺さるような目線に込められた気持ちを受け止めて欲しい」「ハプニングで成功する確率には期待しない。本番を1回でも多く経験し、場数が豊富であるほど、素晴らしいエンターテイメントになる」という方針からきている。木根尚登のソロデビュー時に木根からどのように歌うか相談を受けた際「失敗してもいいから場数を踏んで、自分の歌い方を見つけるように」とアドバイスしている。

反面ソロアルバムでは小室自身が歌唱する楽曲があるが、小室は本来の歌唱力を「1人でモノラルで録ったら、とても聴けるようなものではない蚊の鳴くような声」「仮歌がすごくいい加減で、『ド』なのか『レ』なのかわからない程の音程があるので、KEIKOは結構苦労するそうです」「ただ1回歌っただけでは非常に心もとない、絶対に歌手にはなれない声質」「全然合格点ではない。自分のソロだから許されることです」と話している。
1人で最低でも6~8回をそれぞれ個別毎に違う音程・音域・メロディーで重ねて独特の倍音を発生させて、3人並んで歌っているシーンを連想させないようにミキシングし、「それぞれの癖のある声」が「本来のメロディを生かすための楽器」として機能するように手間をかける。
メディア上の戦略的演出

音楽プロデューサー 
 契機
小学校の頃から、学芸会・運動会・卒業謝恩会のイベントになると、学級委員として張り切って先頭に立っていた。小学4年生の時の学芸会で前半に笛の演奏会を行い、後半に三億円事件をモチーフにした演劇を開催するというプログラムを決めた後に草案を提出した。
普段から勉強ができるいい子になり、先生・学校を「お金を出してくれたり、場所・環境を与えてくれるスポンサー・クライアント」として見ていて、先生を仲間に入れることはもちろん、クラスメイトにも気を使って引き込むようにしていた。ただし、中学では小室と同格の生徒・小室を快く思わなかった生徒もいたことにショックを受け、普段の学校の授業には人並み以上に参加し、コミュニケーション技法・音楽の練習を0からやり直した。
「外部からプロデューサーとして推薦されたら、アーティストより偉いから速く物事が進む。例えばヨーロッパで『小室というプロデューサーがいるだろう』となったら、『あいつに相談したら窓口とつながりがあるから、レコード会社を紹介してくれるぞ』と様々な話が出てくる。これが『キーボーディストで小室がいるよ』となったら、そこで終わってしまって後に続いていかないんです」「中学生の時から聞いていた洋楽にはプロデューサーの名前がメンバーよりでかく載っていて、インタビューでも『プロデューサーを選ぶところからレコーディングが始まった』『今度はこのプロデューサーでやろう』『プロデューサーと喧嘩してレコードを没にした』等、かなり立場が高かったことが窺えた。無理してフロントに出なくても存在感が確保され、上手くいけば必然的にオファーが来るポジションを目指したい」「ミュージシャンはエゴが強いから、喧嘩にならずにバンドとして統一するためにまとめ役が必要」「自分の思いを伝えるには、自分で演奏して歌うのが一番シンプルだから。でも、そういうシンガーソングライターみたいな事はできないと自覚していたから触媒・フィルター役で音楽に関わっていきたい」「『この人と組んだらこういう音になる』というのを研究しているアーティストから選出され、世に送られて、ステータスが上昇する。
そのため「一連の大ヒットは僕にとっても予想外の出来事だった」「僕の口から『TKサウンド』と言ったことは一度もないのに『TKサウンド』だけで独立してしまったために、人伝えではないために良くも悪くもないそのままの言葉が伝わるから、自分の発言に責任を持てて『こんなことは言っていない』という意思表示になるホームページの必要性を迫られた」と語っている。

 姿勢
プロデューサーとしての方針として、「こういうことのために、こういう仕事をして、形にしてほしい」というビジョンの明確な依頼を外部から受け、飽くまでも1スタッフとして関わる形で成り立たせている。例として「CDを○万枚売ってほしい」という依頼がきたら、極力それに向かって進み、「アーティストを育てたい」と言われた時には、人選して、マネージャー・タレント・エージェントとして素材であるアーティストをあくまでもスポンサーから提示された予算・スケジュール内で、音色作り・作詞・作曲・演奏・ボーカルのレコーディングに時間をかけて、「服装やメイクや髪型といったビジュアルはどうするか・どんなダンスを踊るのか・どんな言動をしていくのか」の順番をコントロールして、リスナーがお金を出そうと思えて、カラオケで唄い、アーティストに憧れるまでのクオリティにするまで面倒をみるのをプロデューサーとしての基本フォーマットにしている。
転機になったのが「SF Rock Station」のレギュラーを担当することで、今まで以上に新譜が聴けれる機会が増えて、メンバー・スタッフにもプロデューサーとして自信をもって強気で「今の所は大丈夫だから、これでいけるよ」と言えるようになった。逆に一番「プロデューサー冥利に尽きる」と嬉しく思うのは、自分達が新しいことをやっていたら、それに近いものが他方面・他国からも出てきて「同じことを考えているんだな、タイムリーだから大丈夫だ!」というノリで行けるという。

「主役はスターではなく、飽くまでも聴く側」「自分から名乗っても『誰、それ?』と言われる感覚を如何なるときも忘れないようにする」という意向から、素材集めのための流行の音楽の調査・クレームへの対応・ファンとの交流とリサーチは欠かさない。
プライベートでも「スマートフォンのアプリだけで作曲しているアマチュア・若手が出ている」と聞けば、全く新しいタイプの楽曲が生まれる可能性を見いだし、話題の制作アプリにも自分から確かめ、ニュースを読むときは音楽欄・経済欄ではなく真っ先にIT欄を読む等、技術の進歩の情報収集も積極的に行っている。
「普通の女の子がどうしてビッグスターになれるのか」とプロデューサーとして興味を持ち、常日頃から「自分が管理できる、時代を象徴するアイドル」という企画を機会があったらやりたいと思っていて、ある人から「小室は自分で究極のアイドルを作りたいのか!」と問われた際、「当たっているじゃん!」と喜んだという。日頃からアイドルは「大衆芸術の一つ」「社会や時代を映す鏡であり、どれだけクリアに映すかで存在の大きさが決まる」「日本には必要不可欠です。良い意味で玩具業界のようなエンターテイメントだと思うから。無くなってしまったらつまらないし、寂しい」「僕達はテレビに出ても隅っこでいい。アイドルの人達が真ん中に座って欲しいんです。ミュージシャンは隅で白けているのが逆に絵になる。アイドルが隅に座って寂しそうじゃ絵にならない」と捉えつつ期待している。
自身のポリシーとして、
 「『今○○がブームだから、○○の音にしましょう』と言われても、『借り物という企画意図が見透かされてしまう』と断り、筋の通った一本道を作って、『音楽ができる人』として自立の道を開けるようにしている」
 「僕みたいな仕事になると音楽を趣味で聴くことはないんですよ。99%仕事。レコード聴いて感動しているだけじゃだめで、その中の色んな要素を分解・追及して、一番の元となる部分を探さなければならない。そうやって突き詰めた所から僕の音楽が生まれてくる」
 「まず最初に企画書があって、たくさんの人から提供された情報から一番企画に合う人を絞り込んでいく」
 「ファンが真似しやすいもの、サウンドは今日完成したら明日すぐお店に出せる品質、カラオケに通うファンに対してお酒・おつまみ・おやつが似合うものを皆に作らなければいけない」
 「完成形が見えない限り、行動には移さない。『この服を着て、こんなトークをするキャラクターで、誰に人気が出るのか』という絵が見えて初めて取り掛かる。
だから、いわゆる芸術家肌ではないと思います」
 「一番肝心なのは、僕・スポンサー・アーティストの中ではっきりと共通の目標や目的が意思統一されていることであり、『何が何だか分からないけど、一生懸命頑張ろうよ』というのはだめ」
 「プロデュースする人が悪く言われないように配慮する」
 「『クリエイティブな作品』であるかどうかは、『如何に新しく、新鮮であるか』で決まります。
ただ、僕の場合は受け取る人からそこまで離れすぎてはいけなくて、受け手がほんの1,2歩踏み込めばできる・後1,2日経てばわかる範囲になるように考えていますそれが結果として『わかりやすいもの』になるかもしれません」
 「アーティスティックで難解な作品を作るのではなく、アンディ・ウォーホルみたいに何十万人もの老若男女に受け入れられるコピーを作るのが僕の役目」
 「基準はキャパシティの広い子。歌以外の別の何かができないと、活動の展開が進んでいる時に突然止まってしまう」
 「新人をプロデュースする時、必ずしもボイストレーニングから始めるのではなく、ダンサーと踊る経験からさせる場合もあるし、一緒に洋服を買いに行くことから始める場合もある。相手毎に順番の整理の仕方を変えることで結果が全然違ってくる。ギターのエフェクターをつなぐ順番を決めるのと同じ感覚」
 「最終的にはアーティスト達が僕をいらなくなっちゃう位に活躍してくれたらいい。そうすれば僕もずっとスタジオで自分の本当に好きなことができる」
 「やり方は『大改造!!劇的ビフォーアフター』と似ています」
 「売れなくても売れ過ぎるのもだめなんです。『小室さんの予測通りです!』でないと。いくら成功しても、また次にオファーが来た時に困るし、僕もプロデューサーとしての信頼が得られない」
 「『始まりがあって、観客の心が揺れ、高揚感を覚え、静寂に戻って終わる』というストーリーのある観客の反応ありきの音楽作り」
 「古典派音楽の時代に活躍したオペラの宮廷楽長と立場は変わらない。自分で曲を書き、劇場で観客を楽しませ、王様にも喜んでもらい、次の仕事をもらわなければいけない」

と答えている。
制作プロセス
シングルをプロデュースする際は、1曲目がオリジナルで2曲目・あるいはアナログ盤にオリジナルのリミックスバージョンを入れるのが基本構成である。クラブ等通常のかける場所とは違うシーンでかかることを想定しながらリミックスバージョンを作り、最新の音色・メロディ・アレンジに対する反応を確かめて、反応がいいときはすぐに次のデモテープに活かす。リミックスバージョンを制作する際には「どの楽器を前面に出すか」「どれだけ踊れるような構成にするか」という気持ち良さを重視し、そのためにジャングルの制作ノウハウを踏襲している。

アルバム制作に発展させたい場合には、基本構成は1990年代までは通しで聴くことを前提に、1曲目と最後の曲目に注意を払うようにしていたが、2000年代以降はインターネットで試聴する1曲で印象が決まってしまうので、その1曲毎に芸術として勝負できるように心がけている。制作方法はシングル用の楽曲制作の時点でコンセプトを煮詰めた後に時間をかけるか、プライベートで商業上の制約を一旦抜きにして好き勝手に曲を作りそれを商業向けに手直しするかのどちらかを選ぶ。後者の一例としてTM「Self Control」「RHYTHM RED」・trf「trf 〜THIS IS THE TRUTH〜」・globe「globe」「Love again」・ソロ「Digitalian is eating breakfast」が挙げられる。

コンセプト・キャッチコピー等の全体的なマーケティング戦略を考える期間はある程度の売上目標を予想しつつも、締め切りギリギリまで「クオリティの高い・自分でも格好良い」と思える楽曲を作れるレコーディングに時間を回し、締め切り前の最後の1か月から2週間で考えていく。

久保こーじと2人で関わる場合は様々で、trf・安室は2人で音色作りの段階から最終的なアレンジまで関わり、globe・華原は小室のみで進めていき、hitomiは久保主導で行い、アーティストの選定は小室中心で進行していく等、ケースバイケースで立ち会う。はっきりとしたサビ・大まかなメロディとコード進行等の60%を小室が作り上げ、イントロ・編曲・マスタリング等残りの40%をテーマ・イメージ等をまとめた企画書を渡した上で久保率いるロックバンドNo! Galersがアレンジをまとめ上げて、完全パッケージメディアに仕上げるための海外のエンジニア達を管理する作業を一手に担う。
「a-haのように楽曲の内容を最初に知って、そこからどういうアーティストなのか」と思われるとその後が続くかどうか心配になるため、「チャーリー・セクストンみたいに楽曲より先にアーティストそのものを宣伝して、キャラクター性を知ってもらう」ことを優先している。TMの「Love Train/We love the EARTH」からアーティストのプロモーションとして、カラオケのビデオに歌っている本人達を登場させることを幾度と提案していたが、当時のソニー・ミュージックエンタテインメントの内規・肖像権の問題で通らなかった。TMの宣伝会議に出ても「何故アーティストが来ているんですか?」と直接迷惑そうな言い方をされ、小室も「何故この辺の問題が、演歌界ではスムーズにことが進むのかがおかしかった」と語っている。
テレビCM・主題歌等のタイアップでは、特にテレビCMに関して「CM・ドラマで流れる15秒~1分の制限の中で引きつけねばならない。でもCDを買ったら『そこしかインパクトがなかった』というのではいけないので、手法としては『1つの波を作り、その中から一部をタイアップ用に分ける』という考え方です」「15~30秒ながら、MTV並みの完成度を持つ映像を作るわけですから、僕がCMのタイアップに関わるのは既に一種のコラボレーションだと考えているんですよ。社内会議の投票で他:7・僕:3だともう僕の入る余地は無いから席を立ちます。スポンサーにはそういう制作現場の重みを理解したうえで、数々のミュージシャンの中から僕を価値を見出して欲しい」と特別視している。

バンドリーダー 
楽曲提供や音楽プロデュースと並行して、TM NETWORK、globe、GABALLなどの音楽ユニットのリーダーとしても活動する。ユニットの一員としての活動はレコード会社のディレクターや芸能事務所に任せるのではなく、飽くまでもメンバーによる提案・主導で行い、マネジメントスタッフもそれを可能にできるほどの柔軟性のあるスタッフが配置された。
「シンセサイザー・シーケンサーが発達すれば、演奏はやがてコンピューターの役割になる。しかし、曲作りとボーカルは人間の役割だ。だったらフロントマンは作家とボーカリストで事足りる」という発想から、5,6人の大所帯のバンドより少人数の音楽ユニットを志向している。

より高い演奏レベルを求め、どんなジャンルやビートにも対応できるようにドラマーやベーシスト等起用するその生楽器を専門とするスタジオ・ミュージシャン・バックバンドを楽曲・プロジェクト毎に変えるようにしている。基準は「そのとき一番上手な人」であり、それは固定メンバーの腕・成長具合で起こるトラブルを未然に防ぎ、企画に関わる人数が多くなったときの金銭的なリスクを回避した。

小室は「TM NETWORKの活動の延長線上であり、突き詰めると僕の関わる企画の全てがTM NETWORKでの試みが原点である」「どのユニットも、必要なアーティストやスタッフを集めて、自分のやりたいアイディアを形にするのが共通点」「僕がメンバーになることで、歌詞・サウンド・メンバーのキャラクターがストレートで生々しくて、色濃くなります」「プロデューサーからミュージシャンに戻れる場所」「音楽ユニット自体がプロジェクト・イベント・新しいサウンドの実験室であり、活動第1弾としてシングルを出し、それをコンセプトにしたアルバムを制作した後、最終的にはアルバムをテーマにしたコンサートを行うのを早めに展開して、『このプロジェクトはここまでで終了』と区切るのが基本である。
美術設定への関与 
TMデビュー前から「本物の音と派手なビジュアルは反比例しない。イギリスでは音もビジュアルも格好いいバンドがどんどん出てくるのに、何故日本では未だにTシャツとジーンズなのか」という思いから、ビジュアル面でもコーディネートを欠かさず、規模の大小にかかわらずライブ・インタビュー前にはメイクをスタイリスト付きで入念に施し、雑誌に乗せる写真も厳選する。
特に女性アーティストをプロデュースする際の基本方針として、まず「女の子が『あの人かっこいい、あの人みたいになりたい』という願望を抱くような女性像を作る」と心がけ、女性の「個性の強い、葛藤と揺らぎを抱えながらもラインに対して反抗する女の子らしさ」は出しても女性の「コンプレックスを感じさせるセクシーな部分」は出さないために、肌を強調する映像の撮影をする際はモノクロを基調にし、身体の露出にセクシーさを感じさせないようにしている。そのときのブランドを把握し、「どんな楽曲を提供するか」より先にまず「どんなファッションが提供先のキービジュアルになれるのか」と周囲と区分けできるように考えることもあり、極力コンサバファッションはしないように固めている。
しかし、エピックのスタッフから「ヒット曲が出たら、小室君のやりたいライブをやらせてあげるよ」と言われて奮起し、CDのセールス枚数を考慮しつつライヴステージの設計・演出にも、積極的に情報を集めて指示を出すようになる。

1980年代はステージの進行は秒刻みでコントロールされ、「ステージ上で振動が起こる時点で物語が始まっているのに、波にノってきた所で急に非現実から現実に戻されるのが自分はいやだ」という思いからMCは極力排除し、アンコールも行わなかった。サウンド面では体育館等元々設計がコンサート向けではない会場で行う場合は1枚5万円はする吸音材を最低100枚床に貼り込み、照明を組み込んだ総重量6t以上のスピーカーを音質を考慮し前と後ろに置き、さらに宙吊りにする。音楽だけでなく視覚面でも感動してもらうために、音楽と舞台に用意された大量のバリライト等の照明・スクリーンに映る映像のシンクロの具合・照明の光量にも注意を払い、音のタイミング優先で同時制御し、演奏の途中でボーカルの人差し指の先にステージの全照明を集める等、360度光と音が飛び交い、それを体感できるように演出した。この時点でステージエンジニアと舞台演出のための機材は、音色作りのスタッフより多く、視覚面はアーティストのキャラクターやパフォーマンスより、照明やスクリーンを重視したライブ演出を志向するようになった。
1990年代以降は、楽曲の間奏中はダンサーとDJにスポットライトが当たるように小室が照明スタッフ・カメラマンに指示したことにより、ステージの奥行きを出し、画のバリエーションを増やした。ライブ会場にはテレビスタジオ5軒分の機材を持ち込み、事前に用意された100以上の演出映像ソースの他、10台のカメラによるライブで取り込んだ映像は、即高速計算されてリアルタイムCGとなってスクリーンに映し出される。コンサートが行われる時間はテレビの特番サイズを意識し、場面転換は15秒のCMを流し、演奏時の映像はメンバーのパフォーマンスの拡大映像だけでなく、メンバー出演の収録映像も事前に用意する等、テレビ放送局の送出技術を応用するようになる。
キーボードの脇にディスプレイを置き、色んな角度から映るステージ中央部分を見ながら、イヤーモニターを使ってメンバーとサポートミュージシャンにどのように動くか指示を出す・ミスの修正・今後の演出の強化に役立てる等、「舞台に立つメンバーを格好良く見せる」「ステージを豪華にする」「閃きを早く実行する」ために駆使する等の舞台演出に採算度外視で挑んでいる。

「テープよりも、楽器から直接出る音でレコードを再現したい」「シンクボックスで動かしているE-mu Drumulatorの音だけをドラマーに送って、ヘッドホンでモニターしたい。クリック音だと周囲の音量にかき消される」「テクノロジーの最先端をライブで使いたい」「ディスコの規則正しいリズムに慣れちゃっているから、その方が気持ち良い」「ドラマーも機械に合わせてやらせると、窮屈になるけど、すごくしっかりぴたりとくる」「僕の場合、このやり方が正解だった」という小室の意向から、1985年・TM NETWORK「DRAGON THE FESTIVAL TOUR featuring TM NETWORK」より、ライブシステムは専門のプログラミングスタッフを起用した上でコンピューターでコントロールしている。
これについては「本番でのセッション・即興演奏が好きで最初から決めた上で出来上がってしまうと長いツアーの場合3・4回で飽きる」「ライブのリハーサル所か、本番にかける時間すらもったいないから、その時間をレコーディングに回せば1曲できる」と語る。

インターネットの開発・プロモーション 
1990年代より「インターネットでアクセスしてきた人が、最新情報を得られるような環境にしたい」という姿勢でインターネット、特に音楽配信・ウェブサイトの必要性を説いていた。
小室がプロデュースした曲の中から50曲の1コーラス分の試聴、640×480ドットと大画面で最新のPVのダウンロード、メッセージ・スペシャルライブのビデオ画像配信、ゲーム、オークション、チャット、オリジナル壁紙、スクリーンセーバー、抽選プレゼント等が提供された。
2005年6月avex内に設立された高音質配信研究機関「High Definition Sound laboratory」のエグゼクティブアドバイサーに就任、当時新しくavexにより設立された音楽配信サイト「@MUSIC HD Sound」(現在はmoraと共有化)より試験的にglobeの楽曲を「スタジオマスター音源並み」の音質での配信・数々の企業に音楽配信とデジタル・オーディオ・ワークステーションのプロモーションを行い、Appleへ率先して幾度も訪問し、シンポジウムに出席した。
2012年5月「日本だけSONYの曲がiTunes Storeに置いてないのは変じゃないですか?もう売ってくれても良いじゃないかな」と自身のTwitter上で発言する等の問題提起に尽力し、多くの反響を呼んだ。2012年11月7日にSONY発売の楽曲の配信がスタートされた際「アポロ11号がNASAから、発射する瞬間みたいだった」「僕の役目はここまで」とコメントした。

音楽配信のメインストリームがダウンロードから、ストリーミングへと移り変わるシーンを「まるで蛇口をひねれば出てくる水のようになっている。それは便利ですが、その分だけ希薄になってしまう。例えばビートルズの名曲とアマチュアの新人の曲が、表面的には同一線上にあることになる」と危惧し、「利用した上で発表することで、その楽曲が『これはすごく特別な作品なんですよ』と言えるようになるかも」「NFTで転売された回数や拡散された回数が、再生回数のような指標になる。転売はチケットの転売問題などで『悪』とされていますが、NFTの仕組みであれば一番最初に作ったクリエイターに還元できるので、ストレートなリスペクトと言える」という狙いから、2021年「Internet for Everyone」をパートごとに6トラックに分解し、NFTとして出品する形で非代替性トークンへの参加を始めた。2022年、ソロアルバム「JAZZY TOKEN」の未収録曲を「敢えて完成形ではないデモの状態、これこそ唯一無二のNFT作品になりうるのでは」と考えて、出品した。

後進への対応 
プロになりたいという志を持つアマチュアに対しては「夢を与える産業の裏側を公開しないのが美徳かというと、そんなことはない。音楽はヒットしないと意味がない。だから僕に対してどんな感情を持ってもいいから、『とりあえずここから入ろう』と少しでも思って育ってくれたら嬉しい」という意向から楽曲の機材の選択・音作りの感覚・コード進行・メロディーのパターン・歌詞のイメージを戦略的にアピールし、他よりも制作時の裏話・苦労話・エピソードを積極的に公開している。業界人に対してもキャリアに関係なく「作曲する時点で側近のスタッフが過程・手法の全部を知って驚くようなエンターテイメント性がある」「昨日頼んだ仕事がもう出来上がっていて、その時点で相応のクオリティになっている」という定評を持ってくれるように心がけている。
CMの30秒・8小節作る位の気持ちで考えた方が気が楽になるでしょう」
 「曲を作る時、楽器の前で知ってる曲・自分が過去に作った曲を鼻歌で歌いながら作る。そこで始めて聞くメロディが出ると、どこかで活かせないかを探す」
 「アイディアに困ったとしても、『この前のネタをもう一度やってみよう』と引き出しとして引っ張り出せる。
それでも必ずオリジナルの作品は作れるようになれます」
 「皆が共感できる普遍性のある分かりやすさを重視しても、迎合してはだめ。オタクと言われようが、『自分の部屋で作ったものを配信するだけ』という気持ちで数打ってそれの何発かが当たればそれが普遍性のある作品になる」
 「楽典の勉強は絶対にして置いた方がいいと思います。まずはクラシック音楽を聴くことですね。知れば知るほどヒントになる部分が沢山あるジャンルだと思いますよ。第三楽章や第四楽章の主題の後ろで第一楽章のメインテーマが演奏されることがあります。僕の作る曲は第三楽章だけが作品としてリリースされているような形なんですよ」
 「ちょっと歌いづらい歌を作ると、みんながそれに挑もうとするのでいっぱい歌ってくれる。だからちょっと歌いづらい曲がいい」

 ミュージシャンとして
 「リズムのキープは気を付けた方がいい。じゃないとせっかくのアレンジ・コード進行がモタって曲の流れが死んでしまう。コードが変わるとき、手を移動させるときにどうしても手が遅れてしまう。『どうして小室さんは遅れないんですか?』とよく言われるけど、僕だって遅れているよ。
『移動する前の最後のコードは少し早めに手が離れて短く弾いている』とか『反対に少し早くタッチしてる』等、テクニックでいかにも『ちゃんとリズムをキープしてますよ』ってごまかしてるんですよ」
 「機材の選び方は買う時点で決めた方が絶対お得。何しろ1ヵ月前に新製品を買っても、1ヵ月後にはもうすぐに違う新製品が出ちゃってるんだから。ある程度諦めて、キリのいい所で買わないとね。どうせ次から次に新しいのが出て、目移りしちゃうんだから。同時に『どれ位の予算で』『どんな機能のついた機材で』『自分の役割は弾き語りか?バンドか?』等どういう目的かをハッキリ決めてから買いに行きましょう。悩んでるんなら、カタログとにらめっこするよりも、店の人に聞いてみるといいよ」
 「これからキーボードをやろうという人は、安くてもいいから発展性のある楽器を買うべきです。今だとバージョンアップできるものが多いから、自分が上手くなった後の事を想像して幅のある楽器を選んで欲しい」
 「センス・アイデアを磨く事。冷たい言い方だけど、キーボードは特にセンスに左右されやすいから、才能がある人は始めからある程度上手いんです。その辺りの見極めは早くやるように。そのためには、ボーカルも含めて他のパートをよく研究する事です。すると『自分がどの楽器と相性がいいのか』がわかってくる。僕もギターやってみたけど全然ダメでしたから(笑)」
 「生音に触れておく必要はありますね。これからキーボードをやる人は特に。サンプリング・シンセサイザーの音色作りをする時に、生音を知らないと想像の世界だけになってしまう。僕なんか助かったのは小さい頃クラシックを聴いてたから。例えば『ヴァイオリンの音はどういう響きで、弦のすれる音はこうだ』『オーケストラも生だとこんなに迫力がある』『上手いドラマーの生音を身体で感じておく』と、機械で再現する時でも雰囲気を生音に近づけるための基準を思い浮かべることが出来る。
最低でもバイリンガルであるべき、できれば海外に移住してその土地のミュージシャン・エンジニアと仕事して海外の音像を学んで欲しい」
 「僕やB'zの松本孝弘君を目標にしてくれるのは本当に嬉しいですが、『この人の曲は誰のどんな曲から影響を受けたのか』と深く紐解いて欲しい」
 「スポーツ選手の場合は1回失敗するとそこで人生が変わる。それを見ていると音楽の人は楽をしすぎ。特にバンドの場合ちょっと間違っても『まぁいいか』『走っているけど、編集してズラせばいいや』『音が外れちゃったけどピッチ・クオンタイズを掛けて合わせておこう』『最後コンプレッサーでまとめちゃえばなんとかなるよ』となりがち。
気持ちよく不快な思いをさせないようにというのがエンターテイメントの基本」
 「ディズニーパークみたいに、内側の仕組みを全て隠してしまうことが当たり前になった中、僕はその裏返しで『スイッチを押して、そうするとどこがどう動き出すのか』をテレビ番組の収録・ライブツアーに関わらず意図的に見せるようにしている。
これはYMOと彼らが演奏している時に次に演奏する曲のプログラミングを行うシーンを見せていた松武秀樹さんの影響なんです」

 仕事の進め方
 「色んな会社の人が、会議でホワイトボードに『小室哲哉』と書いていた。
どんどん真似して欲しい」
 「職種を2つ以上持ち、平行すること。そうすれば違うファンも開拓できるし、選択肢も広がっていく。別方面が上手くいかないときの救いにもなる」
 「打ち合わせのときに、『僕ではない、他のアーティスト風にしてほしい』という要望が出たときに大切なのは『僕の色はいらないのか!』と怒ることではなく、どれだけ相手のオーダーに近づけるかということ。
外部リンク 
 KBS月火ドラマ「月が浮かぶ川」公式ホームページ
 NHK 「王女ピョンガン 月が浮かぶ川」公式サイト
 王女ピョンガン 月が浮かぶ川 - 韓味喫茶
 WE LOVE K「王女ピョンガン 月が浮かぶ川」ドラマ公式サイト
 LaLa TV 「王女ピョンガン 月が浮かぶ川」公式サイト

KBS月火ドラマ
2021年のテレビドラマ
韓国の時代劇
韓国の恋愛ドラマ
王女を主人公としたテレビドラマ
朝鮮の王室を題材とした作品
暗殺者を主人公としたテレビドラマ
健忘を題材としたテレビドラマ
軍人を題材とした作品
陰謀を題材とした作品
高句麗を舞台とした作品
平壌市を舞台とした作品
新羅を舞台とした作品
慶州市を舞台とした作品
機械学習アルゴリズムが堅牢であるとは、テストエラーがトレーニングエラーと一致しているか、データセットにノイズを追加した後のパフォーマンスが安定しているかのいずれかの状態のことを指す。

堅牢なネットワーク設計 
堅牢なネットワーク設計は、変動するまたは不確実な要求に直面したネットワーク設計の研究である。
受賞歴 
 2014年 CCTVピアノコンクール第3位
 2019年 ロシア “A Step Towards Mastery”ヤングピアニストのための国際ピアノコンクール第2位かつショパン賞
 2019年 スイス “Val de Travers”国際ピアノコンクール第1位かつ特等賞
 2019年 ポルトガル “Santa Cecilia”国際ピアノコンクール第1位
 2020年 ポーランド “Juliusz Zarębski”国際音楽コンクールE部門第1位かつ特別賞「パーソナリティ・オブ・ザ・コンペティション」

エピソード 
2017年渡米、カーティス音楽院、ジュリアード音楽院、イーストマン音楽院、ニューイングランド音楽院、マンハッタン音楽学校などの五つの音楽学院から内定をもらった。

参照

外部リンク 

 Yangyang Ruan(yangyangruan) - Instagram
 阮揚揚ビリビリチャンネル - Bilibili
 阮揚揚新浪微博 - Weibo

中国のピアニスト
カーティス音楽学校の人物
漳州出身の人物
1999年生
存命人物
宗域は初め三木氏に属し、永禄元年(1558年)には三木自綱(姉小路頼綱)とともに天神山城の高山外記や三枝郷の山田紀伊守を滅ぼすが、後に武田氏に転じ、永禄7年(1564年)6月の第五次川中島の戦いで三木良頼・自綱父子が上杉氏に味方したのに対し、宗域は武田方として戦っている。
天正10年(1582年)10月の八日町の戦いでは姉小路頼綱・小島時光と連合して江馬輝盛を滅ぼし、翌11年(1583年)1月27日には頼綱と共同して以前から因縁のある小鷹利城の牛丸氏を攻め滅ぼした。

しかしその後、頼綱は広瀬氏をも滅ぼそうとし、これを知った宗域は城を明け渡して降伏を申し出たが、頼綱はこれを許さず、安江与茂三郎光貞に命じて首を刎ねさせた。

宗域の嫡子である宗直は越前に落ち延びた後、かつて頼綱によって所領を追われた牛丸親綱・江馬時政・鍋山右近大夫とともに飛騨討伐の命を受けた金森長近勢の先鋒を務め頼綱と戦うが、後に不満を持ち、天正13年(1585年)10月、時政らとともに兵を挙げるが鎮圧された。
不祥事

公職選挙法違反疑惑
2017年の衆院選で下地米蔵が会長を務める沖縄県建設業協会の政治団体「沖縄県建設産業政策推進連盟」が、協会員各社に電子メールで、沖縄県第1区の下地幹郎(日本維新の会)、第2区の宮崎政久(自民)、第3区の比嘉奈津美(自民)、第4区の西銘恒三郎(自民)の氏名を列挙し支援や投票を呼び掛けていたことが判明。
政界との関わり
2020年10月30日、大米建設会長の下地米蔵と國場組会長の国場幸一が、自民党県連に下地幹郎の復党を求める要望書を提出した。下地幹郎は、2017年に自民党から離党勧告を受け離党した後、2020年1月、カジノを含む統合型リゾート施設事業をめぐる汚職事件で、中国企業側から現金を受領していたことが発覚し、日本維新の会から除名処分を受けていた。大米建設も含む経済界は、衆院選をめぐり国場幸之助と下地幹郎が立候補を予定している第1区で、自民党に強く候補の一本化を要請している。
概要 
番組構成は、
 スタジオでのオープニングトーク
 #ジューロックが担当するロケ企画のVTRモニタリング
 スタジオでの中間トーク
 シャニムニ=パレード担当が担当するロケ企画のVTRモニタリング
 スタジオでのエンディングトーク
となっており、エンディングトーク最後にメインMC井上裕介の振りでMC徳井健太より、今回一番魂を揺さぶられた遮二無二でロックな場面「今週の#しゃにむにロック」が発表される。
基本ルールは、
 ・メンバー1人をとある場所に放置
 ・別の場所に拘束された仲間を制限時間内に救出
 ・1000円と携帯電話を支給
以上3点だが、放送を重ねるに従い、拘束メンバーに暇つぶしアイテムが渡されるようになり、ヒントを得るミッションが追加されたり、複数人で放置されることもあったりと、工夫が続いている。
『Domani』公式ウェブサイトでは女ゴコロを深掘りする副編集長として「ツマのトリセツ〜オトコの悩み相談室」と称した連載を持っていた。
 ゲストスピーカーとして、オンライン・オフラインを縦断する雑誌ブランドビジネスの構築や、女性働き方・ライフスタイルなどのテーマでアドテック、東洋経済主催のセミナーなどにも登壇している。
ゴルフウィーク誌の2019年ベスト30大学ゴルフコースで引き続き1位であるだけではなく、ゴルフマガジンの2020 – 2021年世界トップ100コースでは83位にランクされている。

学生、卒業生、大学関連コミュニティーが優先的にプレーできるが、ゴルフシーズン中の月曜日は外部グループにも公開されており、100名以上のプライベートコンペが可能。
エールの学生たちはオレンジにあるレースブルックカントリークラブ (Race Brook Country Club) に出向かなければならなくなったが、キャンパスからは距離があってとても不便になった。それでも依然としてゴルフ熱が冷めない様子を見たジョージ・アディー (George Adee、エールフットボールチームのクオーターバックでレイ・トンプキンズの10年ほど後輩) は1922年、エールアスレチック協会に手紙を書き、学生らの欲求不満と懸念の様子を訴えた。この時点で、プリンストン大学は既に自前のコースを所有しており、また、ハーバード大学も専用コース建設計画をスタートさせていたこともあり、アディーの提案をきっかけとしてレイ・トンプキンスの未亡人であったサラ・ウェイ・トンプキンスの持つ土地を購入するか寄付を受ける方向で計画が進行することになった。レイ・トンプキンスは1882年及び1883年のエールフットボールチームキャプテンであり、ニューヨークの “Chemung Canal Trust Company” の社長を務め莫大な財産を得た。
もともと大部分は沼地だったことから、排水、発破、整地の作業は難航し、マクドナルドは当時を振り返って、「困難な土木作業だった。40年以上にわたり耕作されておらず、高地で起伏が激しく、木々が密生していた。エールが購入した段階では道路や家の一切ない、まさに荒野だった。木々の密集で50フィート先は見えず、下層の植生も厚かった。」そんなこんなで、やっと120エーカーをゴルフコース用に開拓することに成功した。
USGA主催大会

NCAA地域選手権

マクドナルドカップ 
マクドナルドカップは、エール大学男子ゴルフ代表チームのホームで行われる秋期インターカレッジ大会である。1976年にエールのゴルフコーチであるデビッド・パターソンの発案でエール秋季インターカレッジエートとして始まったもので、9月の最終週か10月の初めの週に開催される。
施設 
 駐車場 326台
 トイレ 14器
 地域情報センター
 ベビーコーナー
 非常用電源
 貯水槽
 ヘリポート
 備蓄倉庫
 公衆電話
 公衆無線LAN
 特産物直売所
 レストラン
 軽飲食施設
 足湯施設
 高速バス停留所
 水素ステーション
 EV充電施設

周辺 
 徳島板野警察署板野庁舎
 旧吉野川

アクセス 
 徳島県道・香川県道1号徳島引田線 - 登録路線
 高松自動車道 板野インターチェンジより車で3分。
一方でノストセラス科に代表されるアンキロセラス亜目の異常巻きアンモナイトは後期白亜紀の北太平洋地域において繁栄した。アンモナイト全体の生息した水深は海面から10 - 200メートル程度とされており、うち異常巻きアンモナイトは先に述べたように多くが底生生活を送っていたと考えられている。
これにより成長管モデルでは成長開始点を原点とする絶対座標ではなく現時点での開口部から見た相対座標が採用されていて、殻の内部に住む軟体部目線の数理モデルが実現された。3つのパラメータがいずれも各成長段階において定義される量であることも手伝い、成長管モデルはなぜそのような形状に異常巻きアンモナイトが成長したのか、発生学的な視点での表現を可能にしたのである。
この場合、成長初期の殻の形状が平面螺旋を描いているとすると、過去の住房であった気室に空気が入って浮力が獲得され、そのバランスにより成長の過程を通じて開口部の向きは一定を維持する。しかし成長初期段階において底生生活に適応して殻の重心がズレていると(つまり平面螺旋でないと)成長するにつれて浮力のバランスが崩れて殻が持ち上がり開口部が下を向いてしまう。
それぞれの属や種で多様な形状が認められるが、その形状は彼らの生態を反映しており、豊富な種数や個体数は海底付近の様々な環境に適応した結果と見られている。

産地 
日本において産出する主な地層としては北海道を南北に走る蝦夷層群や、四国や近畿地方を東西に走る和泉層群があり、その間に位置する北関東の那珂湊層群も研究において重要な地域と目されている。化石は多産しており、土屋健曰くニッポニテスの化石を発見する研究者や愛好家は少なくなく、ポリプチコセラスに至ってはあまりに多産するため愛好家が産地で捨てて帰ることも多い。
文化的利用 
化石の産出する地域では博物館で企画展が開催されることもあるほか、マダガスカリテスとニッポニテスの標本が1970年から北海道三笠市の指定文化財として認められている。三笠市では「あんもふれんず」と称したアンモナイトのキャラクターとして異常巻きアンモナイトからはユーボウ、ヴァルディ、ニッポニーが採用され、各種グッズ化もされている。また、異常巻きアンモナイトの中でもニッポニテスは日本古生物学会のシンボルマークに選ばれており、矢部長克がニッポニテス・ミラビリスを新属新種として記載した10月15日は「化石の日」に指定されている。
しかし当初の目標は、最終的に、Ubuntu Touch をノートパソコン、デスクトップ、IoTデバイス、テレビ、スマートウォッチなど、様々な端末に導入し、統一された使用感を生み出すことだった。

プロジェクトはカノニカルによって開始されたが、 マーク・シャトルワース(Ubuntuの創始者)は、2017年4月5日に、市場の関心が無くなったため、カノニカルがサポートを終了することを発表した。
にマーク・シャトルワースは、 Ubuntu 14.04までに、Ubuntuがスマートフォン、タブレット、スマートTV 、その他のスマートスクリーン(車のカーオーディオやスマートウォッチなど)をサポートすることを目標として発表したが 、いくつかのスマートフォンや、1つのタブレット、およびマニアがOSを移植したサードパーティ製デバイスしか、サポートされていない。
オープンソース開発者の間でUbuntuが人気を博しているにもかかわらず、レガシーに縛られたビジネス市場への参入は、Ubuntuにとって引き続きやや困難である。 「BYOD (Bring Your Own Device)(仕事に個人の端末を使う)」方式を採用している企業は、すでにAndroidおよびiOSデバイスの使用に適応しており、Ubuntuがもたらすメリットは十分に考慮されていない可能性がある。

要件

ハードウェア 
Ubuntu Touchでは、システムのCPUが特定のハードウェア機能をサポートしている必要がある。
2015年6月9日、Ubuntu Touchを実行する別のスマートフォンであるAquaris E5 Ubuntu EditionをBQが発売。 
 2016年2月5日、2016年4月にリリースされた最初の商用Ubuntu TouchタブレットであるAquaris M10 Ubuntu EditionをBQが発表。 
 2016年4月、Meizu PRO 5 Ubuntu EditionプレミアムスマートフォンをMeizuがリリース。
概要・歴史 
1871年(明治4年)、木戸孝允の出資によって創刊された『新聞雑誌』を、1875年(明治8年)1月2日に号数を継承して日刊紙『あけほの』と改題、さらに同年6月2日に号数を継承して『東京曙新聞』と再改題したもの。
第六十九国立銀行
 北越銀行→第四北越銀行
 第四北越フィナンシャルグループ
 三愛ドリームセンター
 リコー三愛グループ
 リコー
 三愛

外部リンク

1870年代日本の設立
日本の新聞 (廃刊)
自由民権運動
1875年刊行開始の刊行物
1882年廃止
ミュンヘンで学んだ芸術家らによって設立された美術家集団は、ヨゼフ・マーネスの名を冠して、1887年にマーネス美術協会(Spolek výtvarných umělců Mánes)として改組され、展覧会を主催しチェコの新しい美術に対して大きな影響を与えた。
概要 
本遺跡は2002年度から2011年度にかけて、伊勢崎市により18次にわたる発掘調査が実施され、7世紀前半から10世紀前半まで存続した、上野国佐位郡の正倉(税としての稲を収納した倉庫)の跡であることが確認されている。
ディスコグラフィ

主な楽曲 
 「Dear Best Friend」(デビュー曲・2012年7月10日にレコチョクから配信)
 「ありがとう 〜大切なあなたへ〜」
 「Believe myself」
 「Summer Love Story」

参加作品 
 fumika「旅立ちのベル feat. 福田桃代」 - 2013年2月6日発売のアルバム『POP SISTER』に収録。
経歴 
薩摩国薩摩郡隈之城郷、のちの鹿児島県薩摩郡隈之城村(川内町、川内市隈之城を経て現薩摩川内市)で、木原助左衛門の二男として生まれ、1876年(明治9年)武満貢の養子となり、1876年(明治9年)9月、家督を相続した。
鹿児島県姓氏家系大辞典編纂委員会編著『鹿児島県姓氏家系大辞典』角川日本姓氏歴史人物大辞典46、角川書店、1994年。

日本の漁業家
大日本水産会の人物
日本の初等教育の教員
鹿児島県選出の衆議院議員 (帝国議会)
明治時代の衆議院議員
大正時代の衆議院議員
鹿児島県議会議員
鹿児島県出身の人物
薩摩国の人物
1863年生
1941年没
熊本県選出の貴族院多額納税者議員
明治時代の貴族院議員
熊本県議会議員
熊本県の郡会議員
19世紀日本の実業家
20世紀日本の実業家
日本の地主
熊本県出身の人物
肥後国の人物
1860年生
1921年没
通過する自治体 
 軍威郡以外は慶尚北道
 栄州市 - 義城郡 - 大邱広域市軍威郡 - 永川市 - 慶州市 - 浦項市 (南区 - 北区)

通過する道路 
高速道路
 中央高速道路
 唐津-盈徳高速道路
 
国道
 国道5号線
 国道7号線
 
 
 
 
 
国家支援地方道

関連項目 
 

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慶尚北道の道路
大邱広域市の道路
XLCRは、切り詰められたリアフェンダー、ドラッグバー、小型の「ビキニ」ウィンドスクリーン(「ビキニカウル」とも呼ばれる)、細いフロントフェンダー、再設計された燃料タンク、 スタイルの短い1人用シート、専用のデュアルエグゾーストなどを採用している。
同じ黒色でも各部によって質感を変えてあり、鋳鉄製のV型2気筒エンジンのプライマリーカバーにまで黒く荒々しい結晶塗装が施され、エキゾーストシステムはつや消し、エアクリーナーは光沢を持たせてある。
ハーレーダビッドソンの顧客層は大型のウィンドスクリーンやサドルバッグ、2人乗りシート、スーパーグライド(FXモデル)の3.5ガロンタンクを装備した「スポーツスター」や「ツーリングバイク」を好んだのである。
漫画『あいつとララバイ』に登場するXLCR 
楠みちはるの作品『あいつとララバイ』では、横浜最強の暴走族だった「本牧ベイカーズストリート」の元リーダーである沢木竜一がXLCRに乗っている。沢木のXLCRはビキニカウルが取り外され、排気系、セパレートハンドル化、フロントのブレーキキャリパーをフォーク前に移植するなどのカスタムが多数施されている。

映画『ブラック・レイン』に登場するモデルと、綾部祐二が所有するXLCR 
フランス語版WikipediaのXLCRの項目や、複数の文献には、映画『ブラック・レイン』の主人公である刑事ニックのバイクがXLCRであると記載されているが、誤りである。
熊本県選出の貴族院多額納税者議員
大正時代の貴族院議員
昭和時代の貴族院議員
熊本県議会議員
熊本県の郡会議員
熊本県の市町村議会議員
19世紀日本の実業家
20世紀日本の実業家
九州フィナンシャルグループの人物
帝国農会の人物
熊本県出身の人物
肥後国の人物
1863年生
1937年没
ストックポート・カウンティFC、FCユナイテッド・オブ・マンチェスターのジュニアユースでプレーし、リヴァプールFCのトライアルを受けるなど将来を期待されたサッカー選手であったが、16歳の時に深刻な膝の怪我を負い引退した。
自身の手法をボンフェローニに因んで命名したホルムの動機は原論文において以下のように説明されている: 『多重推測理論内でのブールの不等式の使用は大抵ボンフェローニ・テクニックと呼ばれ、この理由からこの検定を逐次棄却型ボンフェローニ検出と呼ぶことにする』。
脆弱性検査ツールは、コンピューターシステムを分析して、開いているポート、安全でないソフトウェア構成、マルウェア感染に対する感受性などの既知の脆弱性を検索できる。ゼロデイ攻撃などの未知の脆弱性は、ファジングテストで見つかる可能性があるこれにより、関連するテストケースでのバッファオーバーフローなど、特定の種類の脆弱性を特定できる。
さらに、ヒューリスティック分析が可能なウイルス対策ソフトウェアは、ソフトウェアが疑わしい動作(システムファイルの上書きを試みるなど)を検出した場合、既知でないマルウェアを発見できる可能性もある。

脆弱性への対策には、パッチのインストール、ネットワークセキュリティポリシーの変更、ソフトウェアの再構成、またはソーシャルエンジニアリングについてのユーザーの教育などが有効である。
概要 
突如としてデスゲームに巻き込まれた主人公の女子高生が、仲間と共に様々な試練や困難を乗り越えていくというストーリーのアドベンチャーゲーム。

一本道のストーリーが主のデスゲームものとしては珍しく、主人公の行動によってストーリーや犠牲者が変わるマルチエンディングシステムを採用している。
第一章・後編 (2018年1月31日公開)
恩師であったミシマを失った絵心奈緒(ナオ)は、半狂乱になり、ミシマの遺体が誘拐犯側に回収される際、その頸部をQタロウが持ってきていた金色の箱に入れ、その箱とともに姿をくらます。
乳癌患者の多くが、手術前日、自分で胸部の写真を泣きながら撮影すると言うが、その行為自体が、後に、体の一部を失うことのショックや悲しみから立ち直っていくモーニングワーク(大切な人やものを失い、その後喪に服す期間)を長引かせたり、がん治療の心の不安によるうつ病につながることもある。(がん患者は心の不安などが原因で20~40%がうつ病を合併し、うつ病の発生率は一般と比較し2倍以上になると言われているが、がん治療を行う上で精神状態を安定させることは非常に重要である。)

前述のような自分で泣きながらの撮影ではなく、手術や治療に向き合っていくためのステップとして、プロのフォトグラファーによるブレストフォト・胸部写真を撮影する事で、その後の心の支えてとなると考えられている。
最初のモデルとなった石原明代が2014年9月に乳がん告知を受け、その後発案した撮影スタイルで、治療中に今後乳がんに罹患する方の精神的リスクを少しでも減らそうとブレストフォト協会を設立し、1人でも多くの乳がん患者の心の支えとなるよう普及活動を行っている。

発祥と歴史 
2014年12月、手術を目前に怯えた気持ちを払拭しようと、淡いピンクの布を胸部に巻いて、大切な自分自身を抱きしめるように胸部写真を撮影した事で、スムーズに手術に向かう事ができた経験から、撮影すること自体が精神的支えになると実感した。

この撮影の経験を元に、ブレストフォトで乳がんになり落ち込む気持ちが強くなる患者の支えとなる活動を行っていこうと、抗がん剤治療中の2015年8月にブレストフォト協会を設立し、ブレストフォトを商標登録した。
公益社団法人佐賀県看護協会(こうえきしゃだんほうじんさがけんかんごきょうかい、英称:Saga Nursing Association、略称:SNA)は、佐賀県知事所管の佐賀県の保健師、助産師、看護師、准看護師を会員とする公益社団法人。