natgillin/translations-raw huggingface dataset:
For me personally it means that it is finally happening. 
– For meg personlig betyr det at endelig skjer det.
We have been talking about this for eleven years. 
Vi har snakket om det i 11 år.
I don’t think about things career-wise. 
Jeg tenker ikke i de baner.
It is a beautiful production. 
Det er en nydelig produksjon.
There have been so many different productions of L’amour de loin, and I feel that this one really corresponds to the opera. 
Det har vært så mange forskjellige produksjoner av L’amour de loin, og jeg føler at denne virkelig er i overensstemmelse med operaen.
Slow working 
Et langsomt arbeid
After L’amour de loin (2000) came Adriana Mater (Paris 2006), Émilie (Lyon 2010) and Only the sound Remains (Amsterdam 2016). 
Etter L’amour de loin (2000) fulgte Adriana Mater (Paris 2006), Émilie (Lyon 2010) og, som nevnt, Only the sound remains (Amsterdam 2016).
A fifth opera is in the making, commissioned by the Royal Opera House in London for 2020, with Finnish-Estonian librettist Sofi Oksanen. 
En femte opera er under arbeid, bestilt av Royal Opera House i London til 2020, med den finsk-estiske forfatteren Sofi Oksanen som librettist.
It demands so much brain power that I don’t know how long I will be able to do it. 
– Det tar så mye hjernekraft, at jeg vet ikke hvor lenge jeg vil være i stand til å gjøre det.
“…this art form that can be so kitschy and superficial and annoying…” 
«… denne kunstformen, som også kan være så kitschy og overfladisk og irriterende …»
So then, what is it that makes the opera genre so fitting, artistically, for Kaija Saariaho? 
Hva er det da som gjør operaen som sjanger så kunstnerisk brukbar for Kaija Saariaho?
It is often difficult to communicate and rehearsal periods are very tiring for me. 
Det er ofte vanskelig å kommunisere, og disse periodene med prøver er veldig slitsomme for meg.
I am not used to being in a room with other people, daily. 
Jeg er ikke vant til å være i samme rom som andre, daglig.
I am used to be by myself with my music. 
Jeg er vant til å være med meg selv og min musikk.
I find it so interesting that this art form can be so kitschy and superficial and annoying, but it can also be very profound. 
Det er interessant at denne kunstformen, som også kan være så kitschy og overfladisk og irriterende, kan være så betydningsfull.
It touches us humanly in other ways than when we are in concert. 
Den rører oss på en annen måte enn en konsert.
So there is something secret, and more in a spiritual sense, that I feel hounded by. 
Så det er noe hemmelig, noe mer i en åndelig retning, jeg føler meg drevet av.
Saariaho still emphasises that her operas are not a central part of her oeuvre: 
Saariaho understreker likevel at operasjangeren ikke er den viktigste i arbeidet hennes:
– It just takes so much time that it seems to other people that I’m always writing operas. 
– Det tar bare så lang tid.
Her own style 
Sin egen stil
It is always a personal matter. 
Det er et personlig anliggende.
– This was often my exercise when I sat frustrated in concerts as a young person. 
– Da jeg var ung, brukte jeg ofte konsertsituasjonene som øvelse.
In the app, students will be able to watch short introduction videos, view the score and listen to the choir sing and respond to the teacher’s actions. 
I appen vil studentene finne korte introduksjonsvideoer, de skal kunne se et notebilde og høre koret synge og respondere på det læreren gjør.
The video recordings can be converted into motion capture so that they focus on the conductor’s movements and how the singers react to them. 
Videopptakene skal konverteres til motion capture slik at fokus blir på dirigentens bevegelser og hvordan koristene reagerer på disse.
Rasmussen cites an example published in the New York Times. 
Rasmussen viser til et eksempel presentert i New York Times.
Rasmussen writes: 
Rasmussen skriver:
“Choral conducting has traditionally been taught in a master-apprentice setting. 
"Korledelse er et fag som tradisjonelt har vært formidlet via mesterlæring.
This app will offer video lectures to help prepare for / supplement one-to-one principal instrument lessons or masterclasses. 
Denne appen vil kunne tilby videoforelesninger som forberedelse/supplement til individuell hovedinstrumenttime eller masterclass.
The various analytical tools will highlight problems in a very concrete way, so it will hopefully not be necessary to resort to the ‘language of flowers’. 
De forskjellige analyseverktøyene vil tydeliggjøre problemstillinger på en konkret måte, og bruken av "blomsterspråk" vil forhåpentligvis bli unødvendig.
The app can also be used as a digital learning platform by students in multiple geographical locations.” 
Appen vil også kunne fungere som digital læringsplattform for studenter som i hverdagen er lokalisert på geografisk forskjellige steder."
Trials will be conducted in co-operation with students at the Arctic University of Norway, Ulster University in the UK, the University of Ljubljana in Slovenia, and students and teachers at Toneheim Folkehøgskole and Vinstra VGS. 
Utprøvingene skal gjennomføres i samarbeid med studenter ved Norges arktiske universitet, Ulster University i Storbritania, University of Ljubljana i Slovenia, samt elever og lærere ved Toneheim Folkehøgskole og Vinstra VGS.
Online repertoire archive 
Nettbasert repertoararkiv
Julius Pranevičius at the Norwegian Academy of Music believes there is educational potential in developing an online repertoire archive containing information about the various pieces rather than actual sheet music. 
Julius Pranevicius ved Norges musikkhøgskole tror det finnes pedagogiske muligheter i å utvikle et nettbasert repertoararkiv, der det fremfor noter vil finnes informasjon om stykkene.
He writes: 
Han skriver:
“The educational value of such an archive is that the students are encouraged to explore for themselves the repertoire available for their instruments and that they have an easily accessible tool to help them do so. 
"Den pedagogiske verdien av dette er at studentene oppfordres til å selv utforske repertoar til sitt instrument og har et lett brukelig verktøy til dette.
Hopefully it will make the students more independent, and perhaps they will make greater discoveries than if their teachers were to decide everything.” 
Forhåpentligvis blir studentene mer selvstendige og kanskje oppdager mer enn når læreren bestemmer alt."
Pranevičius also thinks that the digital archive can give the students greater insight into what he calls an “efficient practice workflow”, which involves planning their practice schedule better, gaining a better overview of their practice activities and then potentially evaluating the activities in the form of notes shared with their teacher. 
I tillegg mener Pranevicius det digitale arkivet kan gi studentene større innsikt i det han kaller "efficient practice workflow", som innebærer å planlegge øvingen bedre, ha bedre oversikt over det man gjør og å eventuelt evaluere det man har gjort i form av notater som kan deles med læreren.
The digital archive also has the potential to improve communication and co-operation between student and principal instrument teacher and between principal instrument teacher, student and accompanist since the student’s practice activities are made more transparent. 
Det digitale arkivet har dessuten potensiale til å bedre kommunikasjonen og samarbeidet mellom student og hovedinstrumentlærer, og mellom hovedinstrumentlærer, student og akkompagnatør gjennom større synlighet over hva studenten jobber med.
Photo: Kimm Saatvedt Photo: Kimm Saatvedt 
Foto: Kimm Saatvedt Foto: Kimm Saatvedt
She submitted her master thesis in May 2016. 
Hun leverte masteroppgaven i mai 2016.
Interviewing professional jazz musicians, she sought to find out how they benefit from mental training. 
Gjennom intervjuer med profesjonelle jazzmusikere har hun utforsket hva de får ut av å jobbe med mental øving.
Read more about what she discovered in this interview. 
Les mer om hva hun fant ut i dette intervjuet.
The project comes under the CEMPE focus area of musical practice, and Rønshaugen’s findings will be relevant to the development projects Teaching of practising, Cross-genre practising, and Interdisciplinary practising. 
Prosjektet knytter seg opp mot CEMPEs satsningsområde øving og kunnskapen Rønshaugen utvikler er relevant for utviklingsprosjektene Undervisning i øving , Øving på tvers av sjangre og Øving på tvers av fagområder .
A career in music 
Musikerkarriere
Tore Brox is looking at the challenges facing Norwegian music students as they enter a changing labour market. 
Tore Brox vil utforske hvilke utfordringer musikkstudenter står overfor i møte med et arbeidsliv i utvikling.
He poses the question “Which type of challenges do newly qualified musicians face in the labour market and how does their course of study prepare them for these challenges?” 
Han stiller spørsmålet Hvilke type utfordringer står nyutdannede musikere overfor på arbeidsmarkedet og hvordan blir de forberedt på å møte slike utfordringer i utdannelsen sin?
He started his master’s degree in music education in autumn 2015. 
Han startet på sin mastergrad i musikkpedagogikk høsten 2015.
Brox’ master project ties in with the CEMPE development projects Independent music careers and Professional music practice. 
Masterprosjektet til Brox knytter seg opp mot CEMPEs utviklings-prosjekter Frilanskarriere og Praksis i musikklivet .
CEMPE to gain new perspectives 
Nye perspektiver til CEMPEs arbeid
The aim of the master scholarships from NOKUT is to inspire students to carry out master projects that will create new perspectives for the work of the centre. 
Formålet med masterstipendene fra NOKUT er å inspirere studenter til å gjennomføre masterprosjekter som vil gi nye perspektiver til senterets arbeid.
The students receiving the scholarships should be actively involved in CEMPE’s work. 
Studentene som mottar stipend skal inkluderes i CEMPEs virksomhet.
We will continue to follow Ida and Tore and share more details about their work. 
Vi kommer til å følge Ida og Tore på veien videre og presentere mer fra deres arbeid.
The little questions 
De små spørsmål
After three years of research as part of the Artistic Research Fellowship Programme at the Norwegian Academy of Music (NAM), Christian Blom is nearing the end of his research project on transmedial composition. 
Christian Blom er i sluttfasen av sitt stipendiatprosjekt om transmedial komposisjon , etter tre år i Stipendiatprogrammet for kunstnerisk utviklingsarbeid ved Norges musikkhøgskole (NMH).
During this period Blom believes he has learnt something important in terms of creating a good project: no question is too small. 
I løpet av stipendiatperioden mener Blom å ha lært en viktig ting om det å lage et godt prosjekt: Det finnes ikke for små spørsmål.
You may start out with a grand and wide-reaching plan, but it can often be more interesting and rewarding to drill down into a more limited subject. 
Kanskje starter man ut med store planer som skal favne vidt, men det kan være mer interessant og givende å gjøre et dypdykk i en avgrenset problemstilling.
This notion can be transferred to projects of all sizes. 
Dette er en erfaring som kan ha overføringsverdi til prosjekter i alle størrelser.
Blom experienced major turning points right at the end of his project, while Pernille Mogensen, a producer for Verk Produksjoner, describes decisions being made as late as three hours before a premiere. 
Blom har opplevd viktige vendepunkt helt i sluttfasen av prosjektet, og Pernille Mogensen, produsent for «Verk Produksjoner», kan fortelle om beslutninger som er tatt så sent som tre timer før premiereforestillingen.
This tells us something about the flexibility required in an artistic project. 
Dette sier noe om den fleksibiliteten som må ligge til grunn i et kunstnerisk prosjekt.
Asking the relevant questions 
Stille relevante spørsmål
Håkon Stene recently finished his research project on the same NAM fellowship programme and has now taken up a postdoc position at the Academy. 
Håkon Stene har nylig avsluttet sitt stipendiatprosjekt innenfor samme program ved NMH, og har nå en post doc. stilling her.
As well as motivation, patience and integrity, Stene also points to another success factor: “It’s important to ask questions that are relevant to the history and development of the field you’re working in.” 
I tillegg til motivasjon, tålmodighet og integritet, trekker Stene frem en viktig suksessfaktor: - Det gjelder å stille spørsmål som er relevante i forhold til feltets historikk og utvikling.
Today the question of whether music can be atonal is no longer particularly relevant to the art music discourse, Stene says. 
I dag er spørsmålet om musikk kan være atonal ikke lenger spesielt relevant for kunstmusikkdiskursen, påpeker Stene.
“It’s important to ask questions that are relevant to the history and development of the field you’re working in.” 
"Det gjelder å stille spørsmål som er relevante i forhold til feltets historikk og utvikling."
(Håkon Stene) 
(Håkon Stene)
Taking artistic risks 
Ta kunstnerisk risiko
It is also important to take artistic risks, according to Stene. 
Det er også viktig å ta kunstnerisk risiko, mener Stene.
His research project, “This Is Not a Drum”, was based on two dogmas: 1) striking things was not permitted, and 2) traditional percussion instruments were not permitted. 
Hans eget stipendiatprosjekt, «This is Not a Drum» , bygget på to dogmer: 1) det var ikke lov til å slå på noe, og 2) det var ikke lov til å spille på tradisjonelle slagverksinstrumenter.
For a percussionist this involved an obvious and considerable artistic risk. 
For en slagverker innebar det en åpenbar og betydelig kunstnerisk risiko.
Although this was a doctoral project, it can be extrapolated to artistic master projects. 
Selv om dette var et prosjekt på doktorgradsnivå har det overføringsverdi til det å gjøre et kunstnerisk masterarbeid.
It is equally important to leave your comfort zone when working on a master project and take the risk of trying something new. 
Det er like viktig å komme ut av komfortsonen i et masterarbeid, og ta den risikoen det er å prøve ut noe nytt.
For example, she will create a timetable for rehearsals, and she will help draw up project applications. 
Eksempelvis legger hun opp timeplan for en prøve, eller hun er med på å utforme prosjektsøknader.
This means that part of her job involves finding the right vocabulary for the different parts of a project phase. 
Dette innebærer at et av hennes kompetanseområder er å finne det rette vokabularet i ulike deler av en prosjektfase.
There is a distinction between those who are capable of managing their own project and those who are not, according to Stene. 
Det har blitt et skille mellom de som klarer å administrere sitt eget prosjekt og de som ikke klarer det, mener Stene.
If you are applying for funding to record an album, it is very important to be able to formulate a description of the project. 
Om du skal søke om støtte til å lage en plate har det å kunne formulere en prosjektbeskrivelse blitt særdeles viktig.
This can also result in heightened reflection, something which can work to the artist’s advantage in today’s job market. 
Samtidig kan dette høyne refleksjonsnivået hos kunstnerne, noe som er en fordel i dagens arbeidsmarked.
The Master of Music Performance programme at the NAM also involves a much higher degree of innovation, structure and reflection than was the case only a few years ago. 
Også i utviklingen av den utøvende mastergradsutdanningen ved NMH stilles det mye høyere krav til nyskaping, struktur og refleksjon enn bare for noen år siden.
Five years of thinking – one week of writing 
Fem års tenkning – én ukes skriving
In response to an audience question, Stene and Blom concluded the seminar by sharing their views on the process of creating a good project under the Artistic Research Fellowship Programme. 
Avslutningsvis kommer både Stene og Blom med betraktninger om prosessen fram mot det å lage et godt prosjekt til Stipendiatprogrammet for kunstnerisk utviklingsarbeid – på forespørsel fra salen.
Blom argues that it can be a good idea to take time out after graduating to do some freelancing. 
Blom fremholder at det kan være lurt å ta seg god tid etter studiet, og jobbe en del som frilanser.
“It’s good to venture out away from the institution for a while to allow you to see your knowledge in a new light,” Blom says. 
– Det er lurt med en luftetur utenfor institusjonen, for å se kunnskapen din i et annet lys, sier Blom.
Stene agrees that the idea phase of such projects takes time. 
Stene er enig i at idéfasen til denne typen prosjekt tar tid.
“The musician of the future will require knowledge and skills that professionals of previous generations often lack,” claims Orning, pointing to the balance between the autonomy of the art and the need to make a living as a newly qualified musician that many musicians now need to tread. 
– Fremtidens musikerrolle krever kunnskap og ferdigheter som eksperter fra tidligere generasjoner ofte mangler, hevder Orning, og peker mot spenningsfeltet mellom den autonome kunsten og krav til inntjening som nyutdannede musikere nå ofte befinner seg i.
“People who choose this kind of profession obviously have an urge to be their own master.” 
"De som velger denne typen jobb har jo virkelig en drift til å drive sitt eget."
A new role for musicians 
En ny musikerrolle
“The traditional career paths have changed greatly in recent years. 
– De tradisjonelle yrkesveiene har forandret seg mye de siste årene.
There is fierce international competition for orchestral jobs and generally speaking fewer permanent positions. 
Det er enorm internasjonal konkurranse om orkesterjobbene, og generelt færre faste jobber.
A job market is emerging where musicians have to be increasingly flexible and mobile, taking on multiple part-time jobs and perhaps creating their own projects. 
Det gjør at økt krav til fleksibilitet og mobilitet, at man har flere deltidsjobber og kanskje lager egne prosjekter, er et type arbeidsliv vi ser tre tydeligere fram.
This fragmented form of employment is in many ways a return to that of musicians past, before the “musical work” concept emerged and roles became increasingly separated. 
Dette sammensatte yrkeslivet er på mange måter en tilbakevending til tidligere tiders musikerrolle fra tiden før verkbegrepet og en større separasjon av roller vokste frem.
However, the contemporary context is a new one: we have to relate to a range of complex phenomena such as the digital revolution and a shift towards a more individualised industry as well as a growing need for alternative funding to supplement that from the public sector. 
Men samtidskonteksten er ny: Vi må forholde oss til en rekke komplekse fenomener som for eksempel den digitale revolusjonen og en dreining mot det individualiserte yrkeslivet, og større krav til alternative finansieringskilder til det offentlige.
Orning points out that musicians are increasingly having to create their own roles. 
Orning påpeker at musikere i dag i større grad må skape sin egen arbeidsplass.
“You have to be more proactive, and you must be able to create your own projects. 
– Du må være mer aktiv og du må være i stand til å lage egne prosjekter.
You need to be familiar with the workings of the arts world and be aware of structures, funding applications and processes, because it is you who have to make these applications and navigate the field. 
Du må vite mye om kulturlivet og kjenne til strukturer, søknadsmuligheter og prosesser, fordi du selv må søke om midler og kunne navigere i feltet.
Being able to work with others, often across genres and specialisms, is also a key skill.” 
Å kunne samarbeide med andre, gjerne på tvers av sjangre og fagfelt er også en sentral egenskap.
“Many people get off to a good start as freelancers before children, mortgages and other factors begin to make freelancing more challenging.” 
"Det er mange som starter sterkt ut som frilansere, men så kommer kanskje barn og boliglån og andre ting som gjør frilanstilværelsen mer utfordrende."
Driving ambition 
Drivkraft
It is undeniably challenging for musicians to have to manage their own careers on top of having to learn everything associated with playing an instrument. 
Det er ikke til å underslå at det krever mye av en musiker som i tillegg til å lære seg alt det innebærer å spille et instrument også må administrere sin egen karriere.
The distinction between work and personal life is blurred. 
Det er få skillelinjer mellom arbeidsliv og fritid.
“What drives musicians is often a strong urge,” says Orning. 
– Det som driver disse musikerne er ofte en sterk trang , sier Orning.
“People who choose this kind of profession obviously have an urge to be their own master. 
– De som velger denne typen jobb har jo virkelig en drift til å drive sitt eget.
Almost every survey carried out has found that there is an artistic and personal driving force at the heart of it; that these people want to do something that is meaningful to them.” 
I nesten alle undersøkelser som er gjort ser man at det er den kunstneriske og personlige drivkraften som ligger bak, at man vil gjøre noe som betyr noe.
A sustainable career 
En bærekraftig karriere
Orning wants to investigate the demands placed on today’s musicians by interviewing people who have established successful musical practices in the new market. 
Orning ønsker å utforske kravene til den nye musikerrollen ved å intervjue mennesker som har vellykkede musikerpraksiser innenfor det nye arbeidsmarkedet.
One of the things she will be asking is what they learnt from their music studies that has been of value and what they think was lacking in their training. 
Blant annet vil hun undersøke hva de fikk med seg fra musikkutdanningen som viser seg å ha verdi, og hva de savnet i utdanningen.
“Sustainability is important”, Orning stresses. 
– Bærekraftighet er viktig, påpeker Orning.
“Many people get off to a good start as freelancers before children, mortgages and other factors begin to make freelancing more challenging. 
– Det er mange som starter sterkt ut som frilansere, men så kommer kanskje barn og boliglån og andre ting som gjør frilanstilværelsen mer utfordrende.
It is therefore important that we create an economic model that allows people to make a living from music over time.” 
Så det er viktig at vi skaper en økonomisk modell som gjør at folk kan leve av dette over lenger tid.
Thinking new 
Å tenke nytt
So what does it take? 
Hva er det som skal til?
Orning believes that much of it is down to our way of thinking. 
Orning tror mye handler om en tenkemåte.
She takes the view that we can learn a great deal from other art forms. 
Hun mener vi kan lære mye av andre kunstfelt.
“The visual arts have always been way ahead of the music world in terms of thinking conceptually and contemporary. 
– Bildekunstfeltet har jo alltid vært langt foran musikkfeltet når det gjelder å tenke konseptuelt og samfunnsaktuelt.
Classical music in particular has in many ways existed in a kind of vacuum. 
Særlig den klassiske musikken har på mange måter befunnet seg i et vakuum.
Orning believes we should think new and more openly about what a concert is and what a musician could be. 
Orning mener vi kan tenke nytt og mer åpent rundt hva en konsert er og hva en musiker kan være.
“Music is an abstract art form, but it always exists in the here and now. 
– Musikk er en abstrakt kunstform, men den befinner seg hele tiden i sin samtid.
The difference between the era when the music was written and the present day is vast. 
Det er himmelvide forskjeller mellom tiden musikken ble skapt i, og i dag.
We can no longer listen with a fresh pair of ears, because we’ve heard everything before. 
Vi kan ikke lenger lytte med friske ører, fordi vi har hørt alt fra før.
How, then, can we really listen to this old, and in many ways played out, music so that it gives meaning to new audiences?” asks Orning. 
Hvordan kan vi da virkelig lytte til denne gamle og på mange måter utspilte musikken så den gir ny mening for et nytt publikum? spør Orning.
“We’re not living in a vacuum. 
"Vi lever ikke i et vakuum.
Carving out a career as a musician in a contemporary context means actively engaging with the present.” 
Det å utvikle en musikerkarriere i en samtidskontekst betyr at man må forholde seg aktivt til samtiden."