natgillin/translations-raw huggingface dataset:
Zoltán Kodály's compositions and folk songs he collected form the musical frame of the story that emerges from the happenings of an imaginary village community.
Egy képzeletbeli faluközösség hétköznapi életének apró mozzanataiból kibontakozó történet zenei keretét Kodály Zoltán kompozíciói, illetve a zeneszerző által gyűjtött népdalok alkotják.
The scenes depict the birth and loss of human relations, the joys and the sorrows, the ritual of everyday routine.
A jelenetek során emberi kapcsolatok kialakulását, majd ezek elvesztését, örömöket és bánatokat, valamint a mindennapok rituáléját követhetjük nyomon.
Through a series of richly nuanced, lyrical-associative images, stage action that playfully alternates places and times, we reach the denouement, the cathartic declaration of the glory of human life.
Gazdagon árnyalt, lírai-asszociatív képek során, a színpadi történések, a tér és az idősíkok játékosan változó spektrumán keresztül jutunk el a végkifejletig: az emberi lét, az élet diadalának katartikus kinyilatkoztatásáig.
The production is animated by excerpts from such well-known and popular works of Kodály as Háry János, Dances of Galánta, the Peacock Variations, Mátra Pictures, and Dance from Kálla.
Olyan ismert és népszerű Kodály-művek részleteire ismerhetünk majd rá az est során, mint a Háry János, a Galántai táncok, a Páva-variációk, a Mátrai képek vagy a Kállai kettős.
Presented by: Budapest Spring Festival, Hungarian State Folk Ensemble, National Dance Theatre
Rendező: Budapesti Tavaszi Fesztivál, Magyar Állami Népi Együttes, Nemzeti Táncszínház
Tchaikovsky: The Tempest - symphonic fantasia, op. 18
Csajkovszkij: A vihar - zenekari fantázia, op. 18
The grass is always greener on the other side of the fence, the saying goes.
A szomszéd füve mindig zöldebb, tartja a mondás.
Perhaps this might explain why the Russia of the 19th century sought out the cultural products of Western Europe, while France at the turn of the 19th and 20th centuries had a passion for exotic Oriental cultures; in other words, a fascination for the "other" held sway in both countries.
Talán ezzel magyarázható az is, hogy míg a 19. század Oroszországa a nyugat-európai kulturális termékeket kereste, addig a 19. és a 20. század fordulójának Franciaországa a keleties, egzotikus kultúráért rajongott - vagyis mindkét esetben a "másoké" keltette fel az érdeklődést.
This is how Tchaikovsky in Moscow came to take Shakespeare's dramas as the basis for his compositions, as in the case of The Tempest, his symphonic fantasia to be heard this evening.
Ezért fordulhatott elő, hogy a Moszkvában rezidens Csajkovszkij Shakespeare-drámákat vett művei alapjául, mint például az ezen az esten elhangzó, A vihar című zenekari fantázia esetében.
For his part, Igor Stravinsky - when working in Paris, at the request of the Ballets Russes - took an ancient Russian folk tale as his inspiration for Petrushka.
Az éppen Párizsban működő Igor Stravinsky pedig - a párizsi Orosz Balett felkérésére - egy ősi orosz népmesét, Petruska történetét dolgozta fel.
The concerto was premièred by his close friend Mstislav Rostropovich, who numbered this evening's soloist Sergei Slovachevsky among his students.
A concertót közeli barátja, Msztyiszlav Rosztropovics mutatta be, aki többek között a hangverseny szólistájának, Szergej Szlovacsevszkijnek is tanára volt.
Müpa Budapest
Nigel Kennedy Bach- és Ellington-estje
classical music, opera, theatre
Lehet, hogy Ellington a jazz Bachja?
Recommend on Twitter
Vagy épp fordítva?
In recent years, we have been given the opportunity to experience Bartók's music in an electrifying new light.
Bach mindig is nagy megbecsülésnek örvendett a jazz-zenészek között, műveire mindig is szívesen improvizáltak, se szeri se száma a különféle átiratoknak és átdolgozásoknak.
Müpa Budapest
Szeressétek Odor Emíliát!
It would not be entirely inappropriate to view it from this angle, but there is really much more hidden in there.
A rendező, Sándor Pál ugyanis már itt előhozakodik azzal a gondolattal, amely ezt követő filmjeiben következetesen megjelenik.
In Pál Sándor's world, authority does not directly interfere with people's lives.
Csupán szabályokat alkot.
Instead, it creates the rules and shows us how society adapts as a result.
És megmutatja, hogyan változik a közösség ezek hatására.
We are privy to how the evolution of simple desires, such as conformance and the urge to break out, shape destinies.
Azt látjuk, hogy az aprócska vágyakból, a megfelelés és a kitörés vágyából hogyan formálódnak sorsok.
The only question remains: will you accept the rules?
A kérdés csupán annyi: elfogadod-e a szabályokat?
Love, Emilia can be viewed as an abstract work, but it is best digested without the usual philosophical meandering and simply taken at face value, and enjoyed through the pace dictated by the characters.
A Szeressétek Odor Emíliát! olvasható parabolaként, de jobban tesszük, ha az általános, elvont jelentések keresése helyett együtt haladunk a karakterekkel.
In this light, the question is are we not generally the architects of our own distorted existence?
Így ugyanis erősebb, hitelesebb a kérdés: vajon nem mi magunk hozzuk-e létre a torzult emberi viszonyokat?
Isn't the most vulgar version of oppression one where the powers that be can lay back and pause as we go about carrying out their will, happily and of our own accord?
És nem az-e a legcifrább, amikor a hatalom boldogan szusszan és hátradől, mi pedig tesszük önként, dalolva, amit szeretne.
The cinematographer János Zsombolyai employs a visual language that allows us to be present as external observers while at the same time creating moments where we have no choice but to become empathetic participants.
Zsombolyai János, a film operatőre olyan képnyelvet használ, amely olykor feljogosít bennünket arra, hogy külső szemlélőként legyünk jelen, de megteremti azokat a pillanatokat is, amelyekben többé már nem lehetünk szenvtelen kívülállók.
Bartók: Two Portraits, BB 48b
Bartók: Két arckép, BB 48b
Gergely Vajda: Csárdás obstiné
Vajda Gergely: Csárdás obstiné
R. Strauss: Ein Heldenleben (A Hero's Life) - symphonic poem, op. 40
R. Strauss: Hősi élet - szimfonikus költemény, op. 40
In his famous and controversial biography of Richard Strauss, Matthew Boyden wrote that it is not without reason that EinHeldenleben is regarded even today as one of the peaks of the symphonic repertoire, a benchmark of a conductor's expertise and a showcase for the orchestra's virtuosity.
Matthew Boyden írja híres-hírhedt Richard Strauss-életrajzában: „A Hősi életet nem ok nélkül tekintik még ma is a szimfonikus repertoár egyik csúcspontjának - szintjelzője a karmester szakértelmének és mutatós darabja a zenekar virtuozitásának.
With regard to the solo part of Franz Liszt's Piano Concerto in A major, virtuosity is such a natural basic requirement that it is not even worth remarking upon; moreover, the creation of the composition's essentially meditative, lyrical mood and moments of chamber music fragility are what we expect from a poet rather than a virtuoso.
Liszt Ferenc A-dúr zongoraversenyének magánszólamával kapcsolatban a virtuozitás oly természetes alapkövetelmény, hogy nem is érdemes szóvá tenni, ráadásul a kompozíció meditatív-költői alaphangulatának és törékeny kamarazenei pillanatainak megteremtését inkább poétától, mint virtuóztól várjuk.
GáborFarkas possesses a truly poetic temperament, and is "incidentally” a born virtuoso.
Farkas Gábor igazán poétikus alkat, s „mellékesen” született virtuóz.
On this occasion, the work will be accompanied on the programme by GergelyVajda's unusually orchestrated composition Csárdásobstiné, which was originally intended as a companion piece to the Liszt concerto.
A versenymű ezúttal Vajda Gergely Csárdás obstiné című, különleges hangszerelésű kompozíciójával együtt szólal meg, utóbbit a szerző a Liszt-kompozíció párdarabjának szánta.
"Among the inspirations for Csárdásobstiné, I note, among others, the ‘colinde' by Bartók and Kurtág, Ligeti's Hungarian Rock and Sonata per sei by Eötvös,” explains the composer.
„A Csárdás obstiné inspirációi között jegyzem többek közt Bartók és Kurtág kolindáit, Ligeti Hungarian Rock és Eötvös Sonata per sei című műveit.
"If I add all this obstinacy and Hungarian(-style) piano music tradition together, then Csárdásobstiné is, to paraphrase Ligeti, nothing but a ‘self-portrait with Bartók and Eötvös - where Liszt is also present'.”
Ha mindezt, a csökönyösséget és a magyar(os) zongorazene tradícióját összeadom, akkor a Csárdás obstiné Ligetivel szólva nem más, mint: »Önarckép Bartókkal és Eötvössel - és Liszt is jelen van« - írtja a szerző.
Opera gala with Attila Fekete
Ajánlom Twitteren
Tenors exist in the minds of concert- and opera-goers as people who are constantly celebrated and of whom there are very few, which is why those who always carefully look after their health are greatly esteemed, but their sense of self-importance can be detected a mile away.
A hangverseny- és operalátogató gondolataiban úgy élnek a tenorok, mint akiket állandóan ünnepelnek, akikből mindig kevés van, ezért nagy becsben tartják őket, akik mindig gondosan óvják egészségüket, megjelenésükről pedig messzire látszik fontosságuk tudata.
Attila Fekete is a singer for whom these stereotypes are not even the least bit valid.
Fekete Attila az az énekes, akire ezek a sztereotípiák a legkevésbé sem érvényesek.
He travels easily and cheerfully throughout the world, but on the podium or the opera stage, one can count with certainty on his voice and radiantly confident presence.
Lazán, mosolygósan jön-megy a világban, de a pódiumon, illetve operaszínpadon biztosan lehet számítani hangjára és biztonságot sugárzó megjelenésére.
Nagy.
Nagy János is énekelt.
Attila Fekete sang Rodolfo's aria from La bohème in a supple and lovely voice with clear enunciation, and to all appearances hitting the aria's famous high C completely effortlessly.
Fekete Attila a Bohéméletből Rodolphe áriáját énekelte hajlékony, szép hangon, jól érthető szöveggel, és láthatóan minden nehézség nélkül szólaltatva meg az ária híres magas céjét.
Since then, he has sung the role many times, but even back then this thoughtful attitude, resisting the lure of success, made him a very appealing personality.
Azóta sokszor elénekelte már, de akkor ez a tudatos, a siker csábításának ellenálló magatartás nagyon rokonszenves volt.
How many times has he taken the stage as the partner of one or another renowned diva?
Hányszor lépett fel egy-egy nagynevű énekesnő partnereként?
This time, at last, the concert will be about him.
Most végre róla szól a hangverseny.
Müpa Budapest
Pávaének - Székelyfonó
István Lerch
Ajánlom Twitteren
Yes, we do!
Parkolási információk
Guest: Little G Weevil
Vendég: Little G Weevil
Legendary British soul singer Amy Winehouse was also wonderful as a jazz performer, covering some of the best-known songs of the age.
Amy Winehouse, a legendás brit soulénekesnő jazzelőadóként is rendkívüli hatású volt, a korszak legismertebb dalait maga is feldolgozta.
Although she released only two albums in her lifetime, her music has inspired numerous singers - among them Hungarian audience favourite Gabi Szűcs.
Bár életében mindössze két nagylemeze jelent meg, művészete számos énekesnőt megihletett - közéjük tartozik a magyar közönség egyik kedvence, Szűcs Gabi.
With a band containing the cream of Hungarian mainstream jazz performers, Szűcs invites the audience on a journey on which she performs swing arrangements of Winehouse's best songs.
A hagyományos jazz hazai mestereit felvonultató zenekarával Winehouse legjobb dalait swing-átiratban szólaltatják meg, így hívják utazásra a közönséget.
'In 2013, it occurred to me that I should try to arrange the songs of Amy Winehouse for my own genre of swing,” recalls Szűcs.
„2013-ban jutott eszembe, hogy meg kellene próbálni átdolgozni Amy Winehouse dalait a saját műfajomra, a swingre - idézi fel a kiindulási pontot Gabi.
I asked the brilliant saxophonist Péter Kuzbelt, whose name is a guarantee of a modern, inventive sound, to rearrange the songs.
A dalok feldolgozására Kuzbelt Pétert, a kiváló szaxofonost kértem meg, akinek a neve garancia az újszerű, ötletes megszólalásra.
My regular band members were happy to throw themselves into the task.
Állandó zenekarom is örömmel vetette bele magát a munkába.
In swing arrangements, Amy's songs gain new meaning and are enriched with new colours.
Amy dalai swinges feldolgozásban új értelmet nyertek, új színekkel gazdagodtak.
This musical treat contains songs from Rehab to Valerie that are entertaining and cut to the quick, blending the best traditions of jazz and swing - everything we love about Amy.'
Szórakoztató, szívbe markoló, a jazz, a swing legszebb hagyományait vegyítő zenei csemege a Rehaben át a Valerie-ig, minden, amit szeretünk Amytől.”
'Little G's playing and voice fit Amy's songs perfectly, and in the rearranged swing versions recall something of the original notion behind them.
„Little G játéka és hangja tökéletesen illik Amy dalaihoz, az átdolgozott, swinges verzióban pedig visszaidéz valamit az eredeti elképzelésből.
With him, the circle is complete, because musically his world belongs with both Amy's and mine.'
Vele a kör bezárul, mert zeneileg összetartozik az ő világa, az Amyé és az enyém” - mondja Szűcs Gabi.
Blue
"VENDÉGÜNK CSEHORSZÁG"
It is indicative of the ensemble's standing and role that it was one of the founders of the International Conference of Black Dance Companies and the International Association of Blacks in Dance.
Vannak helyek, amelyeken életünkben többször is valami rendkívüli történik velünk, s vannak kegyelmi pillanatok, amelyekben megtapasztalhatjuk a tökéletes csendet, az univerzum lüktetését az ereinkben, megérezhetjük Isten közvetlen jelenlétét, és szembesülhetünk önmagunkkal.
Jennifer Dunning, the New York Times' highly respected critic wrote that Philadanco is “A company of happy, invigorating contrast...a venerable institution...but has not lost its youthful verve or the freshness of its strong technical grounding”.
A helyszín lehet hegyvonulat, sivatag, szikla az óceánban, de temető is, egy fiatal lány sírja, amelynél a sírfelirat rádöbbentheti a szemlélőt a halál valóságára.
Featuring: Ahmet Özden - zurna, Çağdaş Oruç - soprano and tenor saxophones, Önder Foçan - guitar, Ozan Musluoğlu - double bass, bass guitar, Okay Temiz - drums, kalimba, quicca, berimbau, Tom Temiz - piano, synthesizer, drums
Ahmet Özden - zurna, Çağdaş Oruç - szoprán- és tenorszaxofon, Önder Foçan - gitár, Ozan Musluoğlu - bőgő, basszusgitár, Okay Temiz - dob, kalimba, quicca, berimbau, Tom Temiz - zongora, szintetizátor, dob
At this third international edition of the Jazz Showcase, and the seventh in all, one of the most unusual concerts promises to be the closing performance of the opening day, where the most important and celebrated figure in Turkish jazz, Okay Temiz, takes to the stage in his quintet Oriental Wind.
A harmadik nemzetközi, összességében pedig hetedik Jazz Showcase egyik legkülönlegesebb koncertje a nyitónap záróelőadása lesz, amelyen a török jazz legfontosabb és legünnepeltebb művésze, Okay Temiz lép színpadra Oriental Wind elnevezésű kvintettjével.
A performer whose virtuosity on a standard drum kit is as astonishing as on traditional Turkish instruments or other exotic, mainly African and Brazilian percussion, Temiz played early in his career with greats such as Dexter Gordon, George Russell and Clark Terry.
Temiz, aki modern dobfelszerelésen éppúgy lehengerlően virtuóz előadó, mint a tradicionális török instrumentumokon, illetve más egzotikus, főleg afrikai és brazil ütőhangszereken, olyan muzsikusokkal játszott pályája kezdetén, mint Dexter Gordon, George Russell vagy Clark Terry.
Oriental Wind, which melds Turkish folk elements with African beats and jazz improvisation, was formed in 1974, and is thus celebrating four decades as a group.
Az Oriental Wind, amely a török folk elemeit afrikai lüktetéssel és jazzes improvizációkkal vegyíti, 1974-ben alakult, vagyis éppen négy évtizedes fennállását ünnepli.
The original line-up featured Don Cherry, Bobo Stenson, Palle Danielsson, Lennart Aberg and Hacı Tekbilek.
Az eredeti tagnévsorban találjuk Don Cherryt, Bobo Stensont, Palle Danielssont, Lennart Aberget és Hacı Tekbilét.
News of his exuberantly dynamic, colourful and idiosyncratic productions reached the other side of the Atlantic, leading to the creation of the Istanbul Project, in which two veterans - Marcus Miller and Okay Temiz - joined with young American and Turkish musicians to dazzle the audience at the Istanbul Jazz Festival.
Kirobbanóan dinamikus, sokszínű és egyéni produkcióinak híre a tengerentúlra is eljutott, ennek köszönhetően jött létre az Istanbul Project, amelyben két veterán, Marcus Miller és Okay Temiz, illetve fiatal amerikai és török muzsikusok kápráztatták el az Istanbul Jazz Festival közönségét.
Oriental Wind can be expected to do the same for listeners at the Festival Theatre.
Ugyanezt teszi majd az Oriental Wind a Fesztivál Színház publikumával.
Delibes: Coppélia - Prelude and Mazurka
Delibes: Coppélia - Prelűd és Mazurka
Bernstein: West Side Story Suite
Bernstein: West Side Story-szvit
Saint-Saëns: Samson and Delilah - Bacchanale
Saint-Saëns: Sámson és Delila - bacchanália
Dvořák: Carnival Overture, op. 92
Dvořák: Karnevál-nyitány, op. 92
Saint-Saëns: Havanaise in E major, op. 83
Saint-Saëns: E-dúr havanaise, op. 83
Bernstein: Candide Overture
Bernstein: Candide-nyitány
Copland: Suite from the opera The Tender Land
Copland: Szvit a The Tender Land című operából
- Introduction and Love Music
- Bevezető és Szerelmi zene
- The Promise of Living
- Az élet ígérete
The Milwaukee Youth Symphony Orchestra is one of the most successful and acclaimed ensembles participating in the orchestral programmes of the United States.
A Milwaukee Youth Symphony Orchestra egyike az Amerikai Egyesült Államok zenekari programjaiban szereplő legsikeresebb és legelismertebb együtteseknek.
The orchestra of talented young individuals makes its appearance at Müpa Budapest on an international tour.
A tehetséges fiatal muzsikusokból álló zenekar nemzetközi turnéja keretében mutatkozik be a Művészetek Palotájában.
The young musicians offer proof of their internationally recognised artistic abilities with a programme of works by Dvořák, Saints-Saëns, Copland, Bernstein and other composers.
Az együttes ifjú muzsikusai Dvořák, Saints-Saëns, Copland, Bernstein és már szerzők műveivel tesznek tanúbizonyságot nemzetközileg elismert, kiváló művészi képességeikről.
Presented by: World Projects
Rendező: World Projects
Stravinsky Marathon - The Soldier's Tale
Stravinsky-maraton - A katona története
Actors
színész
Stravinsky: Histoire du soldat (The Soldier's Tale)
Stravinsky: A katona története
According to Stravinsky, the idea of L'histoire du soldat occurred to him in 1917.
Elmondása alapján Stravinskynak 1917 tavaszán jutott eszébe A katona történetének ötlete.
"The idea of writing for a théâtre ambulant (touring theatre company) has come to me more than once since the outbreak of the war.
„A gondolat, hogy színdarabot írjak egy théâtre ambulant (vándorszínház) számára, a háború kitörése óta többször fölmerült bennem.
The kind of play I was thinking of would employ very few characters so that it could be performed everywhere while travelling through Swiss villages, and it had to be quite simple too for the audience to grasp it easily.
Az a fajta darab, amire én gondoltam, mindössze néhány szereplőt foglalkoztatott volna, hogy a svájci falvakban utazgatva mindenütt előadhassák, ugyanakkor pedig elég egyszerűnek kellett lennie ahhoz, hogy a történetet könnyen megértsék.
I discovered the topic in a tale about a Soldier and the Devil by Afanasiev,'” says Stravinsky.
Tárgyamat Afanaszjev egyik meséjében leltem meg, amely a katonáról és az ördögről szól.” - így Stravinsky.
(Afanasiev collected his stories about the military from peasant conscripts during the Russian-Turkish war.)
(Afanaszjev katonatörténeteit az orosz-török háború idején paraszt-rekrutáktól gyűjtötte.)
As the composer tells about it, his original concept was "to make the time and style of our play fit the period around 1918 as well as any other period; to fit several nations and none; and we had to achieve this goal without demolishing the Devil's role in religious culture.”
Eredeti elgondolása az volt, meséli a komponista, „hogy színdarabunk korszaka és stílusa az 1918 körüli időkre éppúgy érvényes legyen, mint bármikorra; sok nemzetre és egyre sem, de mindezt úgy kellett megoldanunk, hogy ne romboljuk le az ördög vallási kultúrában elfoglalt helyét.”
The original performance of the play, as well as the sets and the staging, followed this concept.
… Ennek az elképzelésnek rendelték alá az eredeti színpadi megvalósítást, a díszletet és a rendezést is.
"In 1918, our soldier was explicitly a victim of the current world conflict, although the performance remained neutral from all other points of view.
„A mi katonánk, 1918-ban egyértelműen az akkori világkonfliktus áldozata volt, annak ellenére, hogy az előadás egyéb szempontból semleges maradt.
L'histoire du soldat is my only work for the stage with topical references.”
A katona története az egyetlen színpadi művem, amelynek korabeli vonatkozásai vannak.”
The libretto was written by Charles Ferdinand Ramuz, who tells us that he first met Stravinsky in a restaurant in Lausanne and who "…introduced himself as an admirer of Petroushka.
A darab szövegét Charles Ferdinand Ramuz írta, akivel - tudjuk meg tőle magától - Stravinsky egy Lausanne-i étteremben találkozott, és aki „… úgy mutatkozott be, mint a Petruska csodálója.
Our co-operation, while we were preparing the French version of my Russian texts, was one of the most enjoyable literary partnerships of my life.”
…) Együttes munkánk, miközben az én orosz szövegeim francia változatát előkészítettük, egyike volt életem legélvezetesebb irodalmi társulásainak.”
In his conversations with Robert Craft, apart from choosing the topic, the composer also tells him about the style of the work and his choice of instruments for it.
A Robert Crafttal folytatott beszélgetésben a komponista a témaválasztás mellett érdekesen vall a mű választott zenei stílusáról és a hangszerválasztásról is.
He had to make do with a bare skeleton of an instrumental group, yet this wasn't only due to financial considerations: "this restriction didn't mean an opportunistic compromise, as my musical ideas had originally pertained to solo instruments.
A szinte csontvázára csupaszított együttes, amellyel be kellett érnie, nem csupán anyagi megfontolásokra vezethető vissza: „ez a korlátozás nem jelentett megalkuvást, mivel zenei elképzeléseim eleve szólóhangszerekre vonatkoztak.
My choice of instruments was influenced by an important event in my life, my discovery of American jazz.”
Hangszerválasztásomra életem fontos eseménye, az amerikai dzsessz felfedezése hatott.”
The work premiered in Lausanne with considerable success.
A mű ősbemutatójára Lausanne-ban került sor és jelentős sikert aratott.
However, the artists had to be content with a single performance as the Spanish flu reached Lausanne the following day.
Mindazonáltal a közreműködőknek be kellett érniük egyetlen előadással, mivel másnap a spanyolnátha elérte Lausanne-t is.
Stravinsky Marathon - Pulcinella (complete ballet)
Stravinsky-maraton - Pulcinella-balett
The ballet Pulcinella not only marks a change in Stravinsky's oeuvre but it is also considered as the beginning of the so-called neo-classicist style in modern music.
A Pulcinella című táncjáték nemcsak a Stravinsky életművében jelez fordulatot - keletkezésétől számítják a modern zene úgynevezett neoklasszikus irányának kezdetét is.
In his conversations with his disciple, Robert Craft, Stravinsky spoke about the genesis of Pulcinella in full detail.
Famulusával, Robert Crafttal folytatott beszélgetéseiben Stravinsky részletesen elmondja a Pulcinella keletkezésének történetét.
The idea came from the leader of the Russian Ballet, Sergei Diaghilev; it was he who gave Stravinsky a few brilliant 18th century compositions, some by Pergolesi among them.
Szergej Gyagilev, az Orosz Balett vezetője adta az ötletet és nyomott a komponista kezébe néhány ragyogó 18. századi művet, köztük Pergolesi műveit.