natgillin/translations-raw huggingface dataset:
Med Francisco de Goyas serie "Los Caprichos" (kapricerne) er museets samling tilført en historisk dimension.
Francisco de Goya's series ‘Los Caprichos' (the caprices) has added a historical dimension to the museum collection.
Seriens i alt 80 akvatintetryk er udført ca. 1793-1798, men blev først udgivet samlet i 1799.
The total of 80 aquatints comprising the series were executed around 1793-1798, but were not published until 1799.
Den anvendte trykteknik der tillader indarbejdelse af gråtoner med dramatiske kontraster af lys og skygge til følge, var først og fremmest inspireret af Rembrandt.
The printing technique used, allowing the inclusion of greyscale and resulting in dramatic contrasts of light and shade, was chiefly inspired by Rembrandt.
Hans motiver og den frie, nærmest karikerende behandling heraf peger derfor også frem mod den udvikling, kunsten undergik sidst i 1800-tallet og helt ind i det 20. århundrede.
His motifs together with his free and almost burlesque treatment of them, therefore, point to the developments that would be overtaking art towards the end of the 1800s and well into the 20th century.
Eugène Delacroix, Honoré Daumier, Édouard Manet samt ikke mindst Pablo Picasso regnes blandt de kunstnere, der direkte har taget indtryk af hans kunst.
Eugène Delacroix, Honoré Daumier, Édouard Manet, and, not least, Pablo Picasso count among the artists that were directly inspired by his art.
Seriens titel "Los Caprichos" er afledt af det italienske ord capriccio, der egentlig betyder lunefuld, men som tillige dækker over underfundige indfald.
The title ‘Los Caprichos' is derived from the Italian term capriccio, which actually means fickle, but which is also used to denote whimsicality.
Ofte giver Francisco Goya de enkelte scenerier fablens form, hvor dyrefigurer vises med menneskelige egenskaber og manerer.
Often, Francisco de Goya's individual scenes are expressed in the form of fable in which animal figures are depicted assuming human qualities and mannerisms.
Goya tilføjer tvetydige dimensioner i tolkningen, og i visse tilfælde har man stadig ikke helt afklaret fremstillingernes betydning.
Goya adds ambiguous dimensions to his interpretations and, in certain cases, the specific message of the representations has not yet been fully clarified.
Men serien har imidlertid også et utvetydigt samfundssatirisk indhold.
But the series also contains elements of explicit social satire.
Goyas kritik er her vidtrækkende og giftig.
Here, Goya's criticism is far-reaching and poisonous.
Han skildrer den dominerende overtro, den herskende klasses uvidenhed og uformåenhed, manglen på pædagogisk indsigt og ægteskabelige fejlgreb.
He renders the pervasive superstition, the ignorance and ineptitude of the ruling classes together with the lack of educational insight and matrimonial slip-ups.
Dertil har nogle af motiverne anti-klerikale temaer.
In addition to this, some of the motifs contain anti-clerical themes.
De enkelte blade i serien viser således menneskelig dårskab og menneskehedens ulykkelige vilkår, gerne med henvisning i billedtitlerne til spanske ordsprog og sproglige vendinger.
The individual prints in the series thus portray human folly and the wretched circumstances of humankind while frequently referring to Spanish proverbs and linguistic turns of phrase in the picture titles.
Francisco de Goya (Nr. 1) tilhørte kredsen af reformivrige liberale spaniere, som i samfundssyn var inspireret af Oplysningstidens idealer.
Francisco de Goya (No. 1) belonged to the circle of reformist liberal Spaniards whose social outlook was inspired by the ideals of the Enlightenment.
Derfor beklager Goya da også, at fornuften ikke i højere grad styrer menneskets tanker og handlinger.
Therefore Goya lamented the fact that Man's ideas and actions were not, to a greater extent, governed by reason.
Dette er især tydeligt i seriens mest kendte motiv, "Fornuftens søvn avler uhyrer" (Nr. 43).
This is particularly evident in the best-known motif in the series, namely ‘The Sleep of Reason Produces Monsters' (No. 43).
Balinesisk traditionel kunst
Balinese Traditional Art
Bali er hinduistisk i modsætning til resten af Indonesien, der er muslimsk.
Contrary to the rest of Indonesia, which is Muslim, Bali is Hindu.
Hinduismen kom til Bali i det 5. århundrede og omkring år 1500 var de fleste balinesere hinduer.
Hinduism was introduced to Bali in the 5th century, and around 1500 most Balinese were Hindus.
Den balinesiske hinduisme er en syntese af øens oprindelige stammereligion og javanesisk hinduismen, hvor dyrkelsen af Shiva, der både er furgtbarhedsgud og den store ødelægger, er central.
The Balinese Hinduism is a synthesis of the island's original tribal religion and Javanese Hinduism, where the worship of Shiva, who is both a fertility god and the great destroyer, is central.
Hinduerne på Bali lever i en verden, hvor alt har sin plads.
The Hindus in Bali live in a world, where everything has its place.
Den bygger på modsætningen mellem Kaja og Kelod.
It is based upon the contrast between Kaja and Kelod.
Kaja betegner retningen mod bjerget, hvor guderne holder til, og Kelod betegner retningen mod havet, hvor dæmonerne og det onde hører til.
Kaja represents the direction towards the mountain, where the gods live, and Kelod represents the direction towards the sea, where the demons and evil belong.
Midt i mellem lever menneskene.
In between these two opposing forces lives mankind.
Balineserne dyrker mange guder.
The Balinese worship many gods.
Men i realiteten ser de alle guderne som forskellige sider af én højeste gud Sanghyang Widi Wasa: I formen Ris Dewi Sri er den frugtbarhedsgud og knyttet til bjerget, og i formen Dewa Baruna er den ødelæggeren og knyttet til havet.
But in reality they regard all the gods as different aspects of one supreme god called Sanghyang Widi Wasa: In the shape of Ris Dewi Sri it is a fertility god and attached to the mountain, and in the shape of Dewa Baruna it is the destroyer and attached to the sea.
Her forestiller man sig, at de tager plads under ceremonien.
The Balinese imagine that they sit here during the ceremony.
En af måderne, religionsudøvelsen visualiseres på, er gennem skyggespillet (Wayang Kalit) og gennem de mange danse, som er rettet mod dæmoniske kræfter.
One of the Balinese people's ways of visualising the religious practice is the shadow play (Wayang Kalit) and through the many dances directed against demoniacal forces.
Danserne bærer masker og kostumer, der identificerer dem som en sagnomspunden, løvelignende skabning Barong, der kan forjage onde ånder, eller som Ranga det onde selv.
The dancers carry masks and costumes identifying them as a fabled, lion-like creature, Barong, who is capable of driving out evil spirits, or as Ranga, evil itself.
Den balinesiske træskærerkunst omfatter relieffer og fritstående figurer, og forestiller hovedsageligt dæmoner, helte og lokale guddomme.
The Balinese woodcarving art consists of reliefs and freestanding figures and mainly depicts demons, heroes and local deities.
Pavilloner dekoreres ofte med en garuda - solørnen der er Vishnus ridedyr - eller med en bevinget løve - en singha.
Pavilions are often decorated with a garuda - the golden eagle that Vishnu rides - or with a winged lion - a singha.
Andre populære træskulpturer er abehelten Hanuman fra det store hinduistiske epos Ramayana, og små Sri-figurer som beskytter rishøsten.
Other popular wooden sculptures are the monkey hero Hanuman from the great Hindu epic Ramayana, and small Sri figures that protect the rice harvest.
De viser scener fra sagnene eller er religiøse kalendere med motiver fra det hellige Wuku-års 210 heldige og uheldige dage.
They depict scenes from the legends, or they are religious calendars with motifs from the holy Wuku year's cycle of 210 lucky and unlucky days.
På templets vægge er ophængt smalle løbere (Ider-Ider), der kan være bemalet med religiøse og mytologiske skildringer.
On the temple walls hang narrow cloth hangings (Ider-Ider), which can be painted with religious and mythological scenes.
Francisco Goyas serie "Los Caprichos" - udvalgte tryk
Francisco Goya's album "Los Caprichos" - selected prints
1. Francisco Goya y Lucientes, maler
1. Francisco Goya y Lucientes, painter
De gifter sig og giver hånden til den første den bedste
They say yes and give their hand to the first comer
Nr. 2 i serien "Los Caprichos" publiceret første gang i 1799
No. 2 in the album "Los Caprichos" published 1799
Derefter gik han på École Supérieure des Arts Décoratifs i Paris.
After that he attended École Supérieure des Arts Décoratifs in Paris.
Men hvor hans studiekammerater sprang ud som ”Unge Vilde” i 1982, valgte Jan Sivertsen en anderledes tilgang til maleriet.
Contrary to his fellow students, however, who came out as some of the ”Unge Vilde” (young wild ones) group of artists in 1982, Jan Sivertsen chose a different approach to painting.
Man kan forledes til at opfatte Jan Sivertsen som abstrakt ekspressionist, der arbejder umiddelbart med maleriet.
One may be induced to regard Jan Sivertsen as an abstract expressionist who works spontaneously with his painting.
Malerierne bliver til med udgangspunkt i et stramt regelsæt, der sætter begrænsninger for hans farvebrug og komposition.
The paintings come into being on the basis of a strict set of rules that limits his use of colours and composition.
Jan Sivertsen arbejder med tre paletter: En fransk, der er impressionistisk, sanselig og raffineret, hvor rød og blå dominerer kombineret med sølv og hvid.
Jan Sivertsen works with three palettes: A French palette that is impressionist, sensuous and refined, dominated by red and blue in combination with silver and white.
En germansk, der er mere ekspressiv, kropslig og seksuel, hvor en særlig pink kombineres med gul, rød og sort.
A Germanic that is more expressive, bodily and sexual using a special pink combined with yellow, red and black.
Og endelig en drømmende og melankolsk nordisk palet, der primært benytter sig af grøn og violet.
And finally a dreamy and melancholy Northern palette that mainly uses green and violet.
Kompositorisk kombinerer Jan Sivertsen to sæt regler.
In terms of composition Jan Sivertsen combines two sets of rules.
Det ene sæt er et formalfabet, som danner skelet for billederne.
One set is a form alphabet which provides a skeleton for the paintings.
Det er geometriske grundformer som korset, cirklen, trekanten og bølgen i en række forskellige kombinationer.
It consists of basic geometrical shapes such as cross, circle, triangle and wave in a number of different combinations.
Det andet sæt regler relaterer sig til kroppen.
The other set of rules relates to the human body.
Og menneskekroppen - der ses mere eller mindre tydeligt i mange af hans malerier - bliver på samme måde som formalfabetet et kompositorisk grundelement, som bestemmer maleriets opbygning.
Just as the form alphabet the human body - which is more or less visible in many of his paintings - becomes a basic compositional element that determines the composition of the painting.
Det er en diciplinerende begrænsning, Jan Sivertsen stiller op, som danner rammen for hans arbejde.
This limitation defined by Jan Sivertsen sets the framework for his work.
For Jan Sivertsen er maleriet det, det er: en flade ophængt i et rum, bemalet og bearbejdet med forskellige farver og materialer.
To Jan Sivertsen, painting is what it is: a surface hung in a room, painted and treated with different colours and materials.
Det er ikke et billede af virkeligheden, det er derimod en del af virkeligheden - et fysisk objekt, der virker i kraft af sin egen fysiske tilstedeværelse i rummet.
It is not a picture of reality it is part of reality - a physical object whose impact is created by virtue of its own physical presence in the room.
I 1925 udførte han for første gang selvstændige skulpturer.
In 1925 he created sculptures of his own for the first time.
Han arbejdede med forenkling og abstraktion, inspireret af kubistisk og afrikansk skulptur.
Inspired by cubist and African sculptures, he worked with simplification and abstraction.
I slutningen af 1920'erne og begyndelsen af 1930'erne bliver Giacomettis skulpturer stadig mere abstrakte, seksuelt aggressive og primitive under indtryk af surrealismen.
In the late 1920s and early 1930s Giacometti's sculptures became increasingly more abstract, sexually aggressive and primitive under the impact of surrealism.
Fra midt i 1930'erne vender han igen tilbage til en mere genkendelig skildring af den menneskelige skikkelse.
In the mid 1930s he returned to a more recognisable rendering of the human body.
I sine modne skulpturer stræbte Giacometti ikke kun efter at gengive menneskeskikkelsen.
In his mature sculptures Giacometti did not only endeavour to render the human figure.
Hans skulpturer skulle også gengive oplevelsen af den fysiske og psykiske afstand, der skilte ham fra andre mennesker.
His sculptures were also meant to depict the experience of physical and psychological distance that separated him from other people.
Figurerne bliver derfor fjerne, anonyme skikkelser uden individuelle træk.
Therefore, the figures became distant, anonymous shapes without individual features.
Skulpturerne gengiver ikke konkrete personer, men skildrer mennesket som ren væren eller idé.
The sculptures do not portray specific persons, but depict man as pure being or an idea.
Giacometti var også en fremragende maler og grafiker.
Also, Giacometti was a brilliant painter and graphic artist.
Serien kan opfattes som en skildring af et døgn i kunstnerens liv - fra den sene morgenmad på fortovscaféen, over arbejdet i atelieret til deltagelse i det hektiske natteliv.
The sequence can be viewed as a description of a day in the artist's life - from late breakfast at a sidewalk café, and work in his studio, through to taking part in the hectic night life.
”Paris sans fin” består af 150 litografier.
”Paris sans fin” consists of 150 lithographs.
Holstebro Kunstmuseum ejer alle bladene, men kun udvalg heraf er udstillet.
Holstebro Kunstmuseum owns all of the prints, but only a selection of them is on display.
Foto Cartier Bresson, Fair use rationale
Photo: Cartier Bresson, Fair use rationale
Tibetansk traditionel kunst
Tibetan Traditional Art
Holstebro Kunstmuseums samling af tibetansk kunst er en gave fra keramikeren Christian Poulsen.
Holstebro Kunstmuseum's collection of Tibetan traditional art is a gift from ceramicist Christian Poulsen.
Han foretog i 1970'erne flere studierejser til Asien, hvor han stiftede bekendtskab med den tibetanske billedverden og var således en af de første til at præsentere denne særegne kunstform herhjemme.
In the 1970s he made several study tours to Asia where he made acquaintance with Tibetan pictorial art, and he was thus among the first to introduce this peculiar art form in Denmark.
Der er to traditionelle tibetanske billedformer: tankaen og bloktrykket.
There are two traditional Tibetan art forms: the thangka and the block print.
Begge er såkaldte meditationsbilleder, og begge er de eksempler på den fremmede, men rige billedhistorie som Tibet byder på.
They are both so-called meditation images as well as being examples of the alien, but rich history of pictorial art of Tibet.
I Tibet har kunst, religion og liv altid været to sider af samme sag.
In Tibet art, religion and life have always been inextricably woven together.
Det er derfor vigtigt at se tankaerne og bloktrykkene som et udtryk for en religiøs handling, en slags meditation.
So it is important to view thangkas and block prints as an expression of a religious act, a sort of meditation.
Tankaen og bloktrykkenes billedkompositioner følger nøje fastlagte regler.
The compositions of thangkas and block prints follow strict rules.
Hver figur tilskrives en bestemt farve og fremstilles med særlige attributter.
Each figure is associated with a particular colour and depicted with special attributes.
Tankaerne ophænges i templer og klostre eller i private hjem og fungerer som en form for alter, desuden kan de ved enkelte lejligheder bæres rundt af munkene som bannere under religiøse processioner.
Thangkas are hung in temples and monasteries or in private homes, serving as a kind of altar; moreover, on rare occasions they are carried as banners by the monks during religious processions.
Tankaen males på et tyndt stykke bomuld, der først er belagt med kridt blandet op med platangummi.
Thangkas are painted on thin cotton fabric which is first coated with a mixture of powdered chalk and gum.
De enkelte tankaer og bloktryk er udtryk for en meditativ rejse, som den munk, der har udført dem, har været igennem under produktionen.
The individual thangkas and block prints are pictorial representations of the meditative journey undertaken during their creation by the monk who made them.
De enkelte figurer og symboler, der males på tankaen, er hver især udtryk for nogle bestemte dyder inden for den buddhistiske religion.
The figures and symbols that are painted on the thangkas each represent certain virtues of Buddhist religion.
Den buddhistiske kunstner er et medium, gennem hvis faglige kunnen og forståelse af buddhismens billedkultur det guddommelige får et udtryk, der kan åbenbare den metafysiske verden.
The Buddhist artist is a medium through whose mastery of the art of painting and appreciation of the pictorial culture of Buddhism the divine manifests itself in a form capable of revealing the metaphysical world.
Der er derfor ikke tale om individuelle kunstnere i den forstand, som vi kender fra den moderne vestlige verden siden renæssance, men derimod munke der opgiver deres individualitet til fordel for en metafysisk verden.
They are not individual artists in the sense used in the modern post-Renaissance world, but monks who sacrifice their individuality in favour of a metaphysical world.
Gutte Eriksen - udvalgte værker
Gutte Eriksen - selected works
Stor krukke med hanke.
Large Pot with Handels.
En tydelig cyklus, der hele tiden minder om tilværelsens uundgåelige ophør.
It is often said that contemporary painting has entered a 'post-conceptual' phase.
Og selv om der på ingen måde er løftede pegefingre i deres kunst, kommer man som beskuer let til at tænke på menneskets ofte respektløse forhold til naturen.
Nonetheless, his painterly oeuvre is characterised by a great willingness to take risks and by doubts, aptly expressed in the disquieting atmosphere of his works.
Republic of Fritz Hansen™
Tabita Henriksen, Office Assistant
Museernes medarbejdere hjælper ved bygningen af dragerne.
Not surprisingly paintings are very popular, and this also dominates the exhibition.
Disse drager er bygget af bambus, silke og papir og er kunsthåndværk af høj kvalitet.
The art buyers in Holstebro have not only been interested in the Danish Cobra artists.