natgillin/translations-raw huggingface dataset:
På samme måde begynder Inge Lise Westmans maleri med en grundlæggende idé om en struktur, der bygges op af penselstrøg og farvestænk.
Similarly, Inge Lise Westman's paintings begin with a basic idea of a structure, which is created by brush strokes and splashes of colour.
Også i sine litografier følger hun denne fremgangsmåde, men disse er mere abstrakte i sit udtryk.
She also uses this approach in her lithographs, but their expression is more abstract.
Inge Lise Westmans skulpturer er meget håndgribelige.
Inge Lise Westman's sculptures are more palpable.
De består gerne af et enkelt element, det gentages i stort antal og som sættes sammen til forløb og strukturer.
They usually consist of a single element, repeated in large numbers, which are put together into sequences and structures.
I modsætning til i maleri og grafik spiller stofligheden i hendes skulpturer ingen rolle.
In contrast to her paintings and lithographs, textural effect is not important in her sculptures.
Motiverne er stiliserede.
The motifs are stylised.
Inge Lise Westmans værker er mere end blot en skildring af naturen.
Inge Lise Westman's works are more than just a description of nature.
Hun viser naturens mangfoldighed, og at hver ting og fænomen rummer en form for skønhed, der både kan være vilkårlig og grum, som da tsunamien slog ind over Asiens kyster i 2004, eller sårbar og truet af det moderne industrisamfunds brug og misbrug.
She shows the diversity of nature, and how all things and phenomena hold a kind of beauty which can be both random and gruesome, as when the tsunami hit the coasts of Asia in 2004, or vulnerable and threatened by the use and misuse of modern, industrial society.
De malerier og skulpturer, som Inge Lise Westman skaber, appellerer umiddelbart til ren æstetisk nydelse.
At first sight, Inge Lise Westman's paintings and sculptures appeal to pure aesthetic pleasure.
24. september - 4. december 2016 VÆREN VÆRKET VERDEN Kulturby Holstebro
September 24 - December 4, 2016 LIVING THE WORK THE WORLD
Billedkunstner Sophie Hjerl og historiefortæller Ingrid Hvass har skabt en udstilling, der tager fat om de grundsten, som blev lagt for kulturbyen Holstebro for 50 år siden.
Artist Sophie Hjerl and storyteller Ingrid Hvass have created an exhibition that addresses the foundation that was laid for the cultural city of Holstebro 50 years ago.
Se billeder fra udstillingen her
Watch pictures from the Exhibition here
I 50 år har Alberto Giacomettis skulptur 'Kvinde på kærre' været en vigtig del af Holstebros identitet.
For 50 years, Alberto Giacometti's sculpture Woman with Chariot has been an important part of the identity of the city of Holstebro.
Det er også i 1966, at det hidtil ukendte og eksperimenterende Odin Teatret kommer til byen og skaber stor forundring.
It is also in 1966 that the experimental - and since world-renowned - Odin Theatre comes to town bringing great amazement.
Alt sammen begivenheder, der markerede starten på det, der siden er blevet kendt som Kulturmodel Holstebro - en kulturpolitisk og visionær satsning, der satte Holstebro på landkortet som foregangskommune inden for kunst og kultur.
All these events marked the beginning of what has since become known as Culture Model Holstebro - a politically visionary effort that put Holstebro on the map as a pioneering municipality in art and culture.
Sophie Hjerl og Ingrid Hvass har igennem et flerårigt samarbejde udviklet særlige metoder til at forstå kunst og kultur som en involverende praksisform, der er forankret i et steds ånd og historie.
Building on a long-lasting working relationship, Sophie Hjerl and Ingrid Hvass have developed a keen understanding on how art and culture is embedded in the spirit and history of a particular locality; the genius loci.
Med baggrund i disse fortællinger har Sophie Hjerl og Ingrid Hvass skabt en visuel og auditiv totaliscenesættelse af museets Færchfløj.
Based on these stories Sophie Hjerl and Ingrid Hvass have created a visual and auditory total staging of the museum's Færch Wing.
Udstillingen VÆREN VÆRKET VERDEN vil ikke kun reflektere over Holstebros helt særegne historie som fremadskuende kulturby i provinsen, men også over kunst og kultur som en iboende universel kraft i alle samfund til alle tider.
The exhibition LIVING THE WORK THE WORLD will not only reflect on Holstebro's quite peculiar history as a forward-looking cultural city of the province, but also on art and culture as an inherent universal force in all societies at all times.
Udstillingen ønsker således at bidrage til en dynamisk og udvidet forståelse af kunsten i dens fortidige, nutidige og fremtidige skikkelse.
The exhibition wishes to contribute to a dynamic and expanded understanding of art in its past, present and future form.
I forbindelse med udstillingen er der planlagt en række arrangementer med foredrag, paneldiskussion og artist talk.
The exhibition is accompanied by a series of events and lectures, panel discussions and artist talks.
Der afholdes workshops for skoler, som vil skabe fremtidsbyen 'METROBRO' - Holstebro i år 2036 til udstillingen.
Workshops for schools will result in the creation of the imaginative and futuristic city 'METROBRO' - Holstebro in the year 2036.
Elever fra Forfatterlinjen på Dansk Talentakademi, der har base i Holstebro, vil i løbet at udstillingsperioden udvikle en 'NEAR FUTURE STORY'.
During the exhibition period students from the Danish Talent Academy's school of creative writing - which is based in Holstebro - will develop a 'NEAR FUTURE STORY'.
Første linje skrives på væggen i udstillingen i forbindelse med ferniseringen den 24. september.
The first line is written on the wall of the exhibition in conjunction with the opening on September 24.
Hver uge i udstillingsperioden føjes nye linjer til.
Each week during the exhibition new lines will be added.
Den samlede tekst læses op i forbindelse med et Fremtidspanel den 26. november.
The full text is read aloud in connection with a Future Panel on 26 November.
i Teori og Formidling (Kunstakademiet, 2002).
She also holds an MA in Theory and Communication (2002).
Hun arbejder i en lang række medier med video som hovedmedie.
She works in a variety of media with a special focus on video.
Sammen med Jeanette Land Schou, Musikteatret Holstebro og Holstebro Kunstmuseum arrangerede hun i 2010-2012 projektet 'Terrain Video - Video på kanten', hvor der gennem to år blev vist dansk og international videokunst på Musikteatrets storskærm.
Along with Jeanette Land Schou, the Music Theatre Holstebro and Holstebro Kunstmuseum, she arranged the 2010-2012 project 'Terrain Video - Video on the edge', which for two years presented Danish and international video art on the music theatre's outdoor giant screen.
Hun udstiller hyppigt i ind- og udland.
She exhibits frequently at home and abroad.
Ingrid Hvass (f.1955) er historiefortæller med base i Holstebro.
Ingrid Hvass (f.1955) is a storyteller based in Holstebro.
1999-2002 var hun fortæller og skuespiller i Teatret Om, professionel historiefortæller fra 2003 og kunstnerisk leder af Fortællefestivalen på Nørre Vosborg fra starten i 2006 til 2012.
In 1999-2002 she was storyteller and actor in Teatret Om, professional storyteller from 2003 and artistic director of Fortællefestivalen (The Storytelling Festival) at Nørre Vosborg from its inception in 2006 to 2012.
I 2011 åbnede hun Fortælle Galleriet i Holstebro og hun er en del af Nordisk Teaterlaboratorium.
In 2011 she opened the Fortælle Galleriet (The Storytelling Gallery) in Holstebro and she is part of Nordisk Teaterlaboratorium (the Nordic Theatre Laboratory).
VÆREN VÆRKET VERDEN er blevet til i et samarbejde mellem Sophie Hjerl, Ingrid Hvass, Odin Teatret, Holstebro Museum, Marens Venner og Holstebro Kunstmuseum.
LIVING THE WORK THE WORLD is the result of a collaboration between Sophie Hjerl, Ingrid Hvass, Odin Teatret, Holstebro Museum, Marens Venner and Holstebro Kunstuseum.
Efter en kort ansættelse på familiens fabrik i Rønne, blev hun i 1961 ansat på Bing & Grøndahls eksperimenterende værksted.
After a brief period of employment at the family factory on Bornholm, she was engaged in 1961 at Bing & Grøndahl Porcelain Manufactory's experimenting workshop.
Her fik hun frie hænder til at lave unika og skulpturel keramik, der blev vist på fabrikkens udstillinger i Danmark og udlandet.
Here she was given a free hand to make one-off pieces and sculptural ceramics that were shown at the factory exhibitions in Denmark and abroad.
I 1968 stoppede Ursula Munch-Petersen på Bing & Grøndahl og blev i stedet fri keramiker.
In 1968 Ursula Munch-Petersen abandoned her career at Bing & Grøndahl to become a self-employed ceramicist.
Fra det tidspunkt har hendes arbejder handlet om - ved hjælp af enkle materialer og teknikker - at udvikle smukke og funktionelle brugsting, der har unikaets skulpturelle kvaliteter.
From that time on her work has focussed - by means of simple materials and techniques - on developing beautiful and functional everyday items that possess the sculptural qualities of one-off pieces.
Karakteristisk for Ursula Munch-Petersens arbejdsform er, at hun hele tiden eksperimenterer og stiller spørgsmål til de ting, som vi omgiver os med.
A characteristic feature of Ursula Munch-Petersen's working method is her continuous experimentation and bringing into question the objects that we surround ourselves with.
Det vi normalt tager for givet, rummer for hende hele tiden muligheder for at blive udviklet, forbedret og gjort smukkere.
To her, the things we usually take for granted always contain new possibilities of being developed, improved and made more beautiful.
I lange, undersøgende eksperimentelle forløb stiller Ursula Munch-Petersen grundlæggende spørgsmål - som for eksempel hvad der skal til for, at en krukke er en krukke, eller hvor hurtig kan man dreje en smuk og funktionel vase.
In long, experimenting studies Ursula Munch-Petersen asks fundamental questions - such as what it takes for a pot to be a pot, or how fast can you throw a beautiful and functional vase.
Eksperimenterne resulterer f.eks. i 100 fade eller en ”hel hær af kander”, der når de udstilles sammen får installationens karakter.
One result of her experiments may be 100 dishes or ”an army of pitchers” which assume the character of an installation when exhibited together.
Ursula Munch-Petersen vil, at hendes ting skal bruges.
Ursula Munch-Petersen wants her things to be used.
De skal have betydning.
To be of significance.
Både som brugsting, og at de rent faktisk kan anvendes i dagligdagen eller det offentlige rum, samtidig med at de har unikaets kvalitet.
As functional products that can actually be used in everyday life or in public space while at the same time possessing the qualities of one-off pieces.
Derfor insisterer hun på at være med i alle dele af udviklingsprocessen - ikke kun den kunstneriske men også den tekniske udvikling samt overvejelser over økonomi og markedsføring, så det faktisk bliver muligt at købe tingene.
For this reason she insists on taking part in all stages of the development process - not only the creative development, but also the technical development as well as financial and marketing considerations to ensure that her final products are indeed available to anybody.
Sin inspiration henter Ursula Munch-Petersen i naturen eller i iagttagelser af uundseelige ting.
Ursula Munch-Petersen draws her inspiration from nature or from observation of trivial things.
Således kan en høvlspån blive til en krukke, farverne og formerne på fuglefjer kan blive til fade, og søer kan blive til skulpturer.
Thus a wood shaving may be the inspiration for a pot, the colours and shapes of bird feathers may be the inspiration for dishes, and lakes may be the inspiration for sculptures.
Ursula Munch-Petersens arbejder handler om at finde frem til den kombination af skulpturel form, materiale, funktion, produktion, økonomi og markedsføring, der skaber den ideelle brugsform.
The works of Ursula Munch-Petersen deal with finding just the combination of sculptural form, material, function, production, economy and marketing that together create the perfect everyday item.
Med sine ting vil Ursula Munch-Petersen minde os om at sanse meget og leve enkelt.
With her things Ursula Munch-Petersen wants to remind us of using our senses and of living simply.
Holstebro Kunstmuseum viser dansk kunst og kunsthåndværk fra 1930erne til i dag, fortalt af få men betydende kunstnere, der gerne vises retrospektivt og med mange værker.
Holstebro Kunstmuseum collects Danish and international art from the 1930s until today and traditional art from several continents.
Harald Leth - udvalgte værker
Harald Leth - selected works
Erhvervet af Holstebro Kommune med støtte fra Statens Kunstfond
Purchased by Holstebro Kommune with support from Statens Kunstfond
Solnedgang over pløjemark, vinter.
Sunset above Ploughed Field, Winter.
Olie på masonit.
Olie on masonite.
Lene Bødker - udvalgte værker
Lene Bødker - selected works
Rød cylinder med kugler.
Red Cylinder with Balls.
Glas blæst i engangsform.
Glass, lost wax blowing.
26,5 x 45 cm (højde x diameter)
26,5 x 45 cm (height x diameter)
Anna Thommesen (1908-2004) var selvlært - både som væver og kunstner.
Anne Thommesen (1908-2004) was self-taught - both as a weaver and artist.
Allerede som barn malede hun, men fra 1940'rne blev vævningen, og de kunstneriske muligheder denne teknik bød på, hendes udtryksmiddel.
She painted already as a child, but from the 1940s weaving and the artistic possibilities of this technique became her means of expression.
I 1943 debuterede Anna Thommesen med kludetæpper på Kunstnernes Efterårsudstilling.
In 1943 Anne Thommesen made her debut with patchwork quilts at Kunstnernes Efterårsudstilling.
I starten var hendes mønstre domineret af enkle, geometriske former - for en del inspireret af fremmede kulturers udtryk.
At first her patterns were dominated by simple, geometric shapes - to some degree inspired by the idiom of foreign cultures.
I 1950'erne blev mønstrene mere komplicerede for så igen at blive enkle.
In the 1950s the patterns grew more complicated and then became simple again.
Anna Thommesens billedtæpper er abstrakte.
Anna Thommesen's tapestries are abstract.
De geometriske mønstre er symmetriske både omkring en lodret og vandret akse.
The geometrical patterns are symmetrically arranged round a vertical as well as a horizontal axis.
Men bag det abstrakte udtryk var Anna Thommesen inspireret af naturen, hvilket kan ses af titler som ”Efterår”, ”Vinter” og ”Taks”.
Behind the abstract expression Anna Thommesen was, however, inspired by nature, which is reflected in titles like ”Autumn”, ”Winter” and ”Yew Tree”.
Billedtæpperne er en slags metaforer for det danske landskab, hvor f.eks. kornmarkerne er landskabets ornament.
The tapestries are a kind of metaphors of the Danish landscape, where for instance grain fields are the ornament of the country.
Også farverne stammer fra naturen.
The colours, too, are taken from nature.
Både konkret fra de planter, Anna Thommesen farvede sine garner med, men også fra de farver hun oplevede i naturen.
Both in a concrete way from the plants, with which Anna Thommesen dyed her yarn, but also from the colours that she saw in nature.
Og det var farven, Anna Thommesen begyndte med, når hun indledte arbejdsprocessen med at male en akvarel af det tæppe, hun skulle til at væve.
And Anna Thommesen began with the colour, when she initiated the work process by painting in water colours the tapestry that she was about to weave.
Farven betingede tæppets mønster og skabte tæppets indre sammenhæng, hvor form, farve og mønster danner en harmonisk helhed.
Colour determined the pattern of the tapestry and created the inner nature of the tapestry, in which form, colour and pattern constitute a harmonious whole.
Hun er en fin kolorist - så fin, at det var malerne på Martsudstillingen, der fik udvirket, at hun i blev medlem af sammenslutningen i 1952.
She is a great colourist - so great that the painters of Martsudstillingen secured that she became a member of the group in 1952.
Det var Anna Thommesens oplevelser i naturen kombineret med materialets og teknikkens krav og muligheder, der lå bag hendes billedtæpper.
It was Anna Thommesen's experiences in nature combined with the demands and possibilities of the material and technique that together formed the basis of her tapestries.
Astrid Noack - udvalgte værker
Astrid Noack - selected works
Tilhører Astrid Noacks legatfond.
Astrid Noacks legatfond.
Foto: Ole B. Petersen, proff art
Photo: Ole B. Petersen, proff art
Studie til Stående kvinde.
Study for "Standing Female".
Blyant på papir.
Pen on paper.
Stående pige med blomst.
Standing Girl with Flower.
Studie til Stående mandsfigur.
Study for "Standing Male".
Olivia Holm-Møller - udvalgte værker
Olivia Holm-Møller - selected works
Tempera på lærred.
Tempera on canvas.
Foto: Lars Guldager
Photo: Lars Guldager
Kvinde ved spejl
Woman at Mirror
Selvportræt med palet og hest.
Self-portrait with palette and horse.
Tilhører Holstebro Kunstmuseum
Witches on their way to the Brocken.
Gouache på papir.
Gouache on paper.
Den rasende maler, Mexico (Orozco), 1950
The Furios Painter, Mexico (Orozco), 1950
Foto: Ole Mortensen
Photo: Ole Mortensen
Salome danser for Herodes og Johannes Døberen.
Salome is dancing for Herod and John the Baptist.
Der var intet i Henri Matisses (1869-1954) baggrund, der pegede på, at han skulle blive kunstner.
There was nothing in his family background to suggest that Henri Matisse (1869-1954) should become an artist.
Hans far var kornhandler, og denne havde gerne set, at sønnen overtog familievirksomheden.
His father was a grain dealer and would have liked his son to take over the family business.
Matisse påbegyndte en uddannelse som jurist, men da han under et længerevarende hospitalsophold i 1890 fik lejlighed til at male, vidste han, at det var kunst, han ville beskæftige sig med.
Matisse started law school, but when, during a long stay in hospital in 1890, he got the opportunity to paint, he knew that he wanted to work with art.
Matisse flyttede til Paris og udstillede for første gang i 1896.
Matisse moved to Paris and had his first exhibition in 1896.
Impressionismen og pointillismen påvirkede ham i en periode, men han frigjorde sig frem mod 1905 fra impressionisternes brug af farven til at skildre lyset.
Impressionism and Pointillism influenced him for a while, but in the years up to 1905 he freed himself of the impressionists' use of colour to depict light.
I stedet brugte han farven som farve.
Instead he used colour as colour.
I 1905 trådte Matisse frem i forreste række af yngre, franske kunstnere.
In 1905 Matisse advanced to the front rank of young, French artists.
Han udviklede en mere koloristisk og frigjort malemåde, som af kunstkritikken fik navnet fauvisme.
He developed a more colouristic and free way of painting, which by art critics was named Fauvism.
Og i 1909 malede han det berømte ”Dansen” på bestilling af den russiske storsamler Sergei Shchukin.
And in 1909 he painted the famous painting ”The Dance” to the order of the major Russian collector Sergei Shchukin.
Allerede i begyndelsen af 1920'erne hørte Matisse til blandt Europas førende kunstnere og modtog bestillinger på scenedekorationer, bogillustrationer, udsmykninger og glasmalerier.
Already at the beginning of the 1920s Matisse belonged among Europe's leading artists and was commissioned to produce stage sets, book illustrations, decorative works and glass paintings.
I 1930'rne begyndte Matisse at interessere sig for papirklip.
In the 1930s Matisse took up an interest in paper collages.
I 1941 gennemgik kunstneren en alvorlig operation, og som rekonvalescent var papirklippet et alternativ til arbejdet foran staffeliet.
In 1941 the artist had a serious surgery and as a convalescent the cut-out paper collages became an alternative to working in front of the easel.
Han lå i sengen og klippede formerne i farvet papir, og hans assistent placerede - efter Matisses anvisninger - de udklippede former på væggen med nåle.
Lying in his bed he cut out shapes of coloured paper, and his assistant fastened - according to Matisse's instructions - the cut-out shapes onto the wall with pins.
Matisse havde i løbet af 1930'rne leveret illustrationer til tidsskrifter og bøger udgivet af forlæggeren Tériade, der også havde udgivet bøger med illustrationer af Picasso.
In the 1930s Matisse had supplied illustrations to magazines and books published by the publisher Tériade, who had also published books with illustrations made by Picasso.
Motiverne er dels inspireret af cirkus og folkekunst - dels minder fra en rejse Matisse foretog til Tahiti i 1930.
The motifs take inspiration from circus - and from memories of a journey that Matisse made to Tahiti in 1930.
Men der er også en række billeder, der angiver kunstnerens filosofiske og erkendelsesmæssige overvejelser.
But some pictures also indicate the artist's philosophical and cognitive contemplations.
Bogens tekst består af en række korte tekster med Matisses reflektioner over kunsten og livet, gengivet i hans egen håndskrift.
The text of the book consists of a series of short texts stating Matisse's contemplations about art and life, reproduced in his own handwriting.
Matisse er en af de største skikkelser i det 20. århundredes billedkunst.
Matisse is one of the 20th century's greatest figures within the visual arts.
Han stræbte efter at rendyrke form og farve og søgte at forenkle formsproget og udfordre de gængse forestillinger om farveharmonier.
He strived to cultivate shape and colour and sought to simplify the artistic idioms and challenge the common notions of colour harmonies.
I netop sidstnævnte forhold fandt Matisse overensstemmelser mellem sin kunst og jazzens harmonier.
Matisse found that his art was consistent with the harmonies in jazz.
Derfor kom bogen til at hedde ”Jazz”.
That is why the book was titled ”Jazz”.
I 1948 påbegyndte Matisse arbejdet med udsmykningen af dominikanermunkenes kapel i Vence, der blev indviet i 1951.
In 1948 Matisse started working on the decoration of the Dominican nuns' chapel in Vence, which was inaugurated in 1951.
Det var det sidste større arbejde, han afsluttede inden sin død i 1954.
This was the last major work that he completed before his death in 1954.
Foto: Carl Van Vechten
Photo: Carl Van Vechten
Som elev i den nyoprettede Kunsthåndværkerskoles malerklasse mødte Sonja Ferlov Mancoba (1911-1984) i 1931 Ejler Bille, Richard Mortensen og Gertrud Vasegaard.
As a student in the painting class at the recently established Kunsthåndværkerskolen (Danish Design School) Sonja Ferlov Mancoba (1911-1984) met in 1931 Ejler Bille, Richard Mortensen and Gertrud Vasegaard.
Sonja Ferlov begyndte sin kunstneriske karriere som maler og blev allerede tidligt del af den danske avantgarde, der samledes i sammenslutningen linien.
Sonja Ferlov began her artistic career as a painter, and quite early she developed connections with the Danish avant-garde that gathered in the group linien.
Under et ophold hos søstrene Lisbeth Munch-Petersen og Gertrud Vasegaard på Bornholm i 1935 - sammen med Bille og Mortensen - lavede hun sine første skulpturer af fundne grene, som hun intuitivt satte sammen til tredimensionelle figurer.
During a stay with the sisters Lisbeth Munch-Petersen and Gertrud Vasegaard in Bornholm in 1935 - together with Bille and Mortensen - she made her first sculptures of branches, which she intuitively put together into three-dimensional figures.
Senere den sommer lavede hun skulpturer i ler.
Later that summer she created sculptures out of clay.
Samme år debuterede hun på Den surrealistiske Udstilling i Odense.
The same year she made her debut at Den surrealistiske Udstilling (The surrealist Exhibition) in Odense.
I 1936 flyttede Sonja Ferlov til Paris og fik atelier i samme bygning som Alberto Giacometti, med hvem hun indledte et livslangt venskab.
In 1936 Sonja Ferlov moved to Paris, where she obtained a studio in the same building as Alberto Giacometti, with whom she established a lifelong friendship.
Hun blev bindeled mellem den internationale kunstverden og den danske og var på den måde med til at introducere et helt nyt kunstsyn i Danmark.
She became the link between the international and the Danish worlds of art, and as such she contributed to introducing new views on art in Denmark.