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ハイネマン賞

ハイネマン賞は、エンジニア・企業経営者であったベルギー系アメリカ人、ダニー・ハイネマン（英語版）を記念して設立された物理学の賞である。数理物理学部門（Dannie Heineman Prize for Mathematical Physics）と天体物理学部門（Dannie Heineman Prize for Astrophysics）とがあり、いずれもハイネマン財団により運営されている。 数理物理学部門賞は、アメリカ物理学会と米国物理学協会により、優れた数理物理学の業績に対して毎年贈られる賞である。 1959年： マレー・ゲルマン 1960年： オーゲ・ニールス・ボーア 1961年： マービン・レオナード・ゴールドバーガー 1962年： Léon Van Hove 1963年： Keith A. Brueckner 1964年： トゥーリオ・レッジェ 1965年： フリーマン・ダイソン 1966年： ニコライ・ボゴリュボフ 1967年： Gian Carlo Wick 1968年： Sergio Fubini 1969年： アーサー・ワイトマン 1970年： 南部陽一郎 1971年： ロジャー・ペンローズ 1972年： James D. Bjorken 1973年： ケネス・ウィルソン 1974年： スブラマニアン・チャンドラセカール 1975年： Ludwig Dmitriyevich Faddeev 1976年： スティーヴン・ホーキング 1977年： スティーヴン・ワインバーグ 1978年： エリオット・リーブ(en:Elliott Lieb) 1979年： ゲラルド・トフーフト 1980年： James Gilbert Glimm、Arthur Michael Jaffe 1981年： ジェフリー・ゴールドストーン 1982年： J. C. Ward 1983年： M. D. Kruskal 1984年： ロバート・グリフィス 1985年： ダヴィッド・リュエール 1986年： アレクサンドル・ポリャコフ 1987年： ロドニー・バクスター(en:Rodney Baxter) 1988年： ユリウス・ヴェス、ブルーノ・ズミノ 1989年： ジョン・スチュワート・ベル 1990年： ヤコフ・シナイ 1991年： Thomas C. Spencer、Jurg Frohlich 1992年： Stanley Mandelstam 1993年： Martin C. Gutzwiller 1994年： Richard L. Arnowitt、Stanley Deser、Charles W. Misner 1995年： Roman W. Jackiw 1996年： ロイ・グラウバー 1997年： ハリー・レーマン 1998年： ネーサン・サイバーグ、エドワード・ウィッテン 1999年： Barry M. McCoy、Tai Tsun Wu、Alexander B. Zamolodchikov 2000年： Sidney R. Coleman 2001年： ウラジーミル・アーノルド 2002年： マイケル・グリーン、ジョン・シュワルツ 2003年： Yvonne Choquet-Bruhat、James W. York 2004年：ガブリエーレ・ヴェネツィアーノ 2005年：ジョルジオ・パリジ(en:Giorgio Parisi) 2006年：Sergio Ferrara、Daniel Freedman、Peter van Nieuwenhuizen 2007年：フアン・マルダセナ、ジョセフ・ポルチンスキー 2008年：ミッチェル・ファイゲンバウム 2009年：Carlo Becchi、Alain Rouet、Raymond Stora、Igor Tyutin 2010年：Michael Aizenman 2011年：ハーバート・スポーン(en:Herbert Spohn) 2012年：ジョバンニ・ヨナ＝ラシニオ(en:Giovanni Jona-Lasinio) 2013年：神保道夫、三輪哲二 2014年：Greg Moore 2015年：Pierre Ramond 2016年：アンドリュー・ストロミンガー、カムラン・ヴァッファ 2017年：Carl M. Bender 2018年：Barry Simon 2019年：Bill Sutherland、Francesco Calogero、Michel Gaudin 天体物理学部門賞は、アメリカ天文学会とアメリカ物理学会により、優れた天体物理学の業績に対して毎年贈られる賞である。 1980年：ジョゼフ・テイラー 1981年：リカルド・ジャコーニ 1982年：P. James E. Peebles 1983年：アーウィン・シャピロ 1984年：マーティン・リース 1985年：サンドラ・フェイバー 1986年：Hyron Spinrad 1987年：David L. Lambert 1988年：ジェームズ・E・ガン 1989年：Carl E. Heiles 1990年：Richard McCray 1991年：ウォーレス・サージェント 1992年：ボフダン・パチンスキ 1993年：ジョン・C・マザー 1994年：ジョン・バーコール 1995年：Jerry E. Nelson 1996年：Roger A. Chevalier 1997年：Scott D. Tremaine 1998年：Roger D. Blandford 1999年：Kenneth C. Freeman 2000年：Frank H. Shu 2001年：Bruce G. Elmegreen 2002年：J. Richard Bond 2003年：ラシード・スニャーエフ 2004年：Bruce T. Draine 2005年：George Efstathiou、サイモン・ホワイト 2006年：Marc Davis 2007年：Robert Kennicutt 2008年：Andrew Fabian 2009年：Lennox L. Cowie 2010年：Edward Kolb、Michael Turner 2011年：ロバート・キルシュナー 2012年：Chryssa Kouveliotou 2013年：Rachel Somerville 2014年：Piero Madau 2015年：David Spergel、Marc Kamionkowski 2016年：Wendy Freedman 2017年：Lars Bildsten 2018年：Vassiliki Kalogera 2019年：Edwin Bergin
ポリヤ賞 (応用数理学会)

ポリヤ賞(George Pólya Prize) は、応用数理学会(Society for Industrial and Applied Mathematics)により授与される数学賞。 1969年に設立され、ハンガリーの数学者ジョージ・ポリアに因んで名づけられた。 「組合せ論の顕著な応用」と「ジョージ・ポリアが関心を持ったその他の分野での顕著な功績」に対して、現在は偶数の年に授与されている。 1971 Ronald L. Graham, Klaus Leeb, B. L. Rothschild, A. W. Hales, R. I. Jewett 1975 Richard P. Stanley, Endre Szemerédi, Richard M. Wilson 1979 ラースロー・ロヴァース 1983 Anders Björner, Paul Seymour 1987 アンドリュー・チーチー・ヤオ 1992 Gil Kalai, サハロン・シェラハ 1994 Gregory Chudnovsky, Harry Kesten 1996 Jeff Kahn, David Reimer 1998 Percy Deift, Xin Zhou, ピーター・サルナック 2000 Noga Alon 2002 Craig Tracy, Harold Widom 2004 Neil Robertson, Paul Seymour 2006 Gregory F. Lawler, オデッド・シュラム, ウェンデリン・ウェルナー 2008 Van H. Vu 2010 Emmanuel Candès, テレンス・タオ 2012 Vojtěch Rödl, Mathias Schacht 2014 Adam Marcus, Daniel Spielman, Nikhil Srivastava 2016 Jozsef Balogh, Robert Morris, Wojciech Samotij, David Saxton, Andrew Thomason ^ “George Polya Prize”. 2018年1月8日閲覧。
パノフスキー賞

パノフスキー賞（パノフスキーしょう）は、アメリカ物理学会が素粒子分野の実験物理学の功績に対して授与する賞である。アメリカ合衆国の物理学者ヴォルフガング・パノフスキーを記念して1988年に設けられた。 1988年 - チャールズ・プレスコット 1989年 - ヘンリー・ケンドール 、リチャード・E・テイラー、ジェローム・アイザック・フリードマン 1990年 - Michael S. Witherell 1991年 - Gerson Goldhaber、Francois Pierre 1992年 - レイモンド・デイビス、 フレデリック・ライネス 1993年 - Robert B. Palmer、 ニコラス・サミオス、Ralph P. Shutt 1994年 - Thomas J. Devlin 、Lee G Pondrom 1995年 - Frank J. Sciulli 1996年 - Gail G. Hanson 、Roy F. Schwitters 1997年 - Henning Schroder 、 Yuri Zaitsev 1998年 - David Robert Nygren 1999年 - Edward H. Thorndike 2000年 - Martin Breidenbach 2001年 - Paul Grannis 2002年 - 梶田隆章 、小柴昌俊 、戸塚洋二 2003年 - William Willis 2004年 - Arie Bodek 2005年 - ピエルマリア・オッドーネ 2006年 - William Ford、John Jaros、Nigel Lockyer 2007年 - Bruce Winstein、Heinrich Wahl、Italo Mannelli 2008年 - George Cassiday、Pierre Sokolsky 2009年 - Aldo Menzione、Luciano Ristori 2010年 - Eugene Beier 2011年 - Doug Bryman、Laurence Littenberg、Stew Smith 2012年 - Bill Atwood 2013年 - Blas Cabrera、 Bernard Sadoulet 2014年 - Kam-Biu Luk（陆锦标）、 Yifang Wang（王贻芳） 2015年 - Stanley Wojcicki 2016年 - David Hitlin、高崎史彦、Jonathan M. Dorfan、Stephen L. Olsen 2017年 - Michel Della Negra、Peter Jenni、Tejinder Virdee 2018年 - Lawrence R. Sulak 2019年 - Sheldon Leslie Stone W.K.H. Panofsky Prize in Experimental Particle Physics
京都賞基礎科学部門

京都賞 > 京都賞基礎科学部門 京都賞基礎科学部門（きょうとしょうきそかがくぶもん）は、京都賞の一部門であり、優れた業績を上げた科学者を讃える賞である。受賞対象分野は、生物科学、数理科学、地球科学・宇宙科学、生命科学である。 1985年 クロード・シャノン 1989年 イズライル・モイセーヴィッチ・ゲルファント 1994年 アンドレ・ヴェイユ 1998年 伊藤清 2002年 ミハイル・レオニドヴィッチ・グロモフ 2006年 赤池弘次 2010年 ラースロー・ロヴァース 2014年 エドワード・ウィッテン 2018年 柏原正樹 1986年 ジョージ・イヴリン・ハッチンソン 1990年 ジェーン・グドール 1993年 ウイリアム・ドナルド・ハミルトン 1997年 ダニエル・ハント・ジャンゼン 2001年 ジョン・メイナード＝スミス 2005年 サイモン・アッシャー・レヴィン 2009年 ピーターおよびローズマリー・グラント 2013年 根井正利 2017年 グレアム・ファーカー（Graham Farquhar） 1987年 ヤン・オールト 1991年 エドワード・ローレンツ 1995年 林忠四郎 1999年 ウォルター・ムンク 2003年 ユージン・ニューマン・パーカー 2007年 金森博雄 2011年 ラシード・スニャーエフ 2015年 ミシェル・マイヨール 1988年 エイヴラム・ノーム・チョムスキー 1992年 西塚泰美 1996年 マリオ・カペッキ 2000年 ヴァルター・ヤコブ・ゲーリング（Walter Jakob Gehring） 2004年 アルフレッド・ジョージ・クヌードソンJr 2008年 アンソニー・ポーソン 2012年 大隅良典 2016年 本庶佑 京都賞先端技術部門 京都賞思想・芸術部門 京都賞 部門別受賞者 基礎科学部門
ボルツマン賞

ボルツマン賞（ボルツマンしょう、Boltzmann Award）は、熱力学や統計力学に関連する新しい成果を生み出した物理学者に授与される権威ある賞である。統計力学の創始に貢献したことで有名な物理学者、ルートヴィヒ・ボルツマンにちなんで名付けられた。ボルツマン賞は3年に一度開かれる統計物理学国際会議において、国際純粋・応用物理学連合 (IUPAP, International Union of Pure and Applied Physics) の熱力学・統計物理学委員会によって授与される。 受賞は一人一回までであり、また既にノーベル賞を受賞している人は除外される。ただしケネス・ウィルソンのように、ボルツマン賞受賞の後にノーベル賞を受賞することはある。 ボルツマン賞ではボルツマンメダル (Boltzmann Medal) が授与される。ボルツマンメダルは金メッキのメダルであり、その表にはボルツマンの肖像が刻まれている。 2016年 ダーン・フレンケル(en:Daan Frenkel)、イブ・ポモー(Yves Pomeau) 2013年 ジョバンニ・ヨナ＝ラシニオ(en:Giovanni Jona-Lasinio)、ハリー・スウィニー(en:Harry Swinney) 2010年 ジョン・カーディ、バーナード・デリダ(en:Bernard Derrida) 2007年 クルト・ビンダー、ジョヴァンニ・ガラヴォッティ (en:Giovanni Gallavotti) 2004年 エゼキエル・G・デヴィッド・コーエン(en:E.G.D. Cohen)、ユージン・スタンレー 2001年 バーニ・アルダー (en:Berni Alder)、川崎恭治 1998年 エリオット・リーブ (en:Elliott H. Lieb)、ベンジャミン・ウィドム (en:Benjamin Widom) 1995年 サム・エドワーズ (en:Sam Edwards (physicist)) 1992年 ジョエル・レボウィッツ (en:Joel Lebowitz)、ジョルジオ・パリジ (en:Giorgio Parisi) 1989年 レオ・カダノフ 1986年 ダヴィッド・ルエール、ヤコフ・シナイ 1983年 マイケル・フィッシャー (en:Michael Fisher) 1980年 ロドニー・バクスター (en:Rodney J. Baxter) 1977年 久保亮五 1975年 ケネス・ウィルソン ^ 森肇, ボルツマン賞について[1] ^ http://proj1.sinica.edu.tw/~statphys/links/IUPAP_C3/Boltz_Award/BA2004.html International Union of Pure and Applied Physics Information about the winners by IUPAP StatPhys 23
ボッチャー記念賞

ボッチャー記念賞（ボッチャーきねんしょう、Bôcher Memorial Prize）は、マクシム・ボッチャー（英語版）を記念して、アメリカ数学会が1923年に創設した賞である。初期の基金1450ドルは、学会の会員の寄付による。受賞は5年ごとで、過去6年間に北米の学術誌に載った、もしくは学会の会員が著した、優れた解析学の論文に対して送られる。規約は1971年に制定され、1993年に改定された。現在の賞金額は5000ドルである。 1923 ジョージ・デビット・バーコフ 1924 Eric Temple Bell, ソロモン・レフシェッツ 1928 James W. Alexander 1933 Marston Morse, ノーバート・ウィーナー 1938 ジョン・フォン・ノイマン 1943 ジェス・ダグラス 1948 Albert Schaeffer, Donald Spencer 1953 Norman Levinson 1959 ルイス・ニレンバーグ 1964 ポール・コーエン 1969 イサドール・シンガー 1974 Donald Samuel Ornstein 1979 アルベルト・カルデロン 1984 ルイス・カファレリ 1984 Richard Melrose 1989 Richard Schoen 1994 Leon Simon 1999 Demetrios Christodoulou , Sergiu Klainerman, Thomas Wolff 2002 Daniel Tataru, テレンス・タオ, Fanghua Lin 2005 Frank Merle 2008 Alberto Bressan, チャールズ・フェファーマン, Carlos Kenig 2011 Assaf Naor, Gunther Uhlmann 2014 Simon Brendle 2017 Andras Vasy AMS Prize - Bôcher Memorial Prize MacTutor History of Mathematics - Winners of the Bôcher Prize
ヴェブレン賞

オズワルド・ヴェブレン幾何学賞 (Oswald Veblen Prize in Geometry) は、アメリカ数学会から贈られる賞の一つ。オズワルド・ヴェブレンにちなんで創設された。 一般に「ヴェブレン賞」と略して呼ばれることが多い。 幾何学に関する研究において、過去6年間に北米の数学誌に掲載された最も優れた論文の著者に対して授与される。現在の賞金は5000ドルで、アメリカ数学会会員にのみ受賞資格がある。歴代の受賞者にはフィールズ賞受賞者も含まれており、その受賞基準の厳しさから、数学界における最も栄誉ある賞の一つに数えられる。 なお、受賞者一覧中の太字は、フィールズ賞受賞者を示す。 第1回 (1964年) クリストス・パパキリアコプロス C. D. Papakyriakopoulos (On Solid Tori, Ann. of Math., Ser. 2, vol. 66, 1957およびOn Dehn's lemma and the asphericity of knots, Proceedings of the National Academy of Sciences, vol.43, 1957に対して) 第2回 (1964年) ラウル・ボット Raoul Bott (The space of loops on a Lie group, Michigan Math. J., vol. 5, 1958, およびThe stable homotopy of the classical groups, Ann. of Math., ser.2, vol.70, 1959に対して) 第3回 (1966年) スティーヴン・スメイル Steve Smale (微分トポロジーにおけるさまざまな貢献に対して) 第4回 (1966年) モートン・ブラウン Morton Brown　とバリー・メイザー (generalized Schoenflies theoremに関する業績に対して) 第5回 (1971年) ロビオン・カービィ Robion C. Kirby (Stable homeomorphisms and the annulus conjecture, Ann. of Math., Ser.2, vol.89, 1969に対して) 第6回 (1971年) デニス・サリヴァン Dennis Sullivan (On the Hauptvermutung for manifolds, Bull. AMS, vol.73, 1967に対して) 第7回 (1976年) ウィリアム・サーストン William Thurston (葉層構造の業績に対して) 第8回 (1976年) ジェームズ・シモンズ James Simons　(極小多様体と特性形式の業績に対して) 第9回 (1981年) ミハイル・グロモフ Mikhael Gromov (リーマン多様体の幾何学とトポロジーの業績に対して) 第10回 (1981年) シン＝トゥン・ヤウ Shing-Tung Yau (非線形偏微分方程式、微分多様体のトポロジー、コンパクト複素多様体のコンパクトモンジュ・アンペール方程式に関する業績に対して) 第11回 (1986年) マイケル・フリードマン Michael Freedman (微分幾何学。特に4次元ポアンカレ予想の解決に対して) 第12回 (1991年) アンドリュー・キャッソン Andrew Casson (低次元多様体のトポロジーに関する業績に対して) クリフォード・タウベス Clifford H. Taubes (ヤン・ミルズ理論の業績に対して) 第13回 (1996年) リチャード・S・ハミルトン Richard Hamilton (リッチフローとリーマン計量に対する放物型方程式に関する業績に対して) 田剛 Gang Tian (幾何学的解析への貢献に対して) 第14回 (2001年) ジェフ・チーガー Jeff Cheeger (微分幾何学の業績に対して) ヤコフ・エリアシュベルグ Yakov Eliashberg (シンプレクティックおよび接触トポロジーの業績に対して) マイケル・ホプキンス Michael J. Hopkins (ホモトピー理論の業績に対して) 第15回 (2004年) デイヴィッド・ガバイ David Gabai (幾何学的トポロジー。特に3次元多様体の業績に対して) 第16回 (2007年) ピーター・クロンハイマー (Peter Kronheimer) と トマス・ムロフカ (Tomasz Mrowka)：deep analytical techniquesとその応用による三次元および四次元トポロジーへの貢献 ピーター・オジュバット (Peter Ozsváth) と ゾルターン・サボー (Zoltán Szabó)：ヘガードフレアーホモロジー論による三次元および四次元トポロジーへの貢献 第17回 (2010年) Tobias Colding William Minicozzi II Paul Seidel 第18回 (2013年) Ian Agol Daniel Wise 第19回 (2016年) Fernando Codá Marques André Neves コール賞 スティール賞
ゲーデル賞

ゲーデル賞 (Gödel Prize) は、理論計算機科学分野で優れた功績を残した人に、ACM（国際計算機学会）のアルゴリズムと計算量理論に関する部会とEATCS（ヨーロッパ理論コンピュータ学会）が贈る賞である。受賞者には賞金5,000ドルが贈られる。論理学者クルト・ゲーデルに由来する。計算機科学分野ではチューリング賞と並んで権威を持つ賞である。 1993年 - en:László Babai, シャフィ・ゴールドワッサー, en:Silvio Micali, en:Shlomo Moran, en:Charles Rackoff 1994年 - en:Johan Håstad 1995年 - en:Neil Immerman, en:Róbert Szelepcsényi 1996年 - en:Mark Jerrum, en:Alistair Sinclair 1997年 - en:Joseph Halpern, en:Yoram Moses 1998年 - 戸田誠之助 1999年 - ピーター・ショア 2000年 - en:Moshe Vardi, en:Pierre Wolper 2001年 - en:Sanjeev Arora, en:Uriel Feige, シャフィ・ゴールドワッサー（2回目）, en:Carsten Lund, ラースロー・ロヴァース, en:Rajeev Motwani, en:Shmuel Safra, en:Madhu Sudan, en:Mario Szegedy 2002年 - en:Géraud Sénizergues 2003年 - en:Yoav Freund, en:Robert Schapire 2004年 - en:Maurice Herlihy, Michael Saks, en:Nir Shavit, en:Fotios Zaharoglou 2005年 - en:Noga Alon, en:Yossi Matias, Mario Szegedy（2回目） 2006年 - マニンドラ・アグラワル, ニラジュ・カヤル, en:Nitin Saxena（AKS素数判定法） 2007年 - en:Alexander Razborov, en:Steven Rudich 2008年 - en:Daniel Spielman, en:Shanghua Teng 2009年 - en:Omer Reingold, en:Salil Vadhan, en:Avi Wigderson 2010年 - en:Sanjeev Arora, en:Joseph S. B. Mitchell 2011年 - en:Johan Håstad（2回目） 2012年 - de:Elias Koutsoupias, クリストス・パパディミトリウ, en:Noam Nisan, de:Amir Ronen, en:Tim Roughgarden, en:Éva Tardos 2013年 - en:Dan Boneh, en:Matthew K. Franklin, en:Antoine Joux 2014年 - ロナルド・フェイギン、de:Amnon Lotem, en:Moni Naor 2015年 - en:Daniel Spielman, Shanghua Teng（2回目） 2016年 - Stephen Brookes, en:Peter W. O'Hearn 2017年 - en:Cynthia Dwork, Frank McSherry, Kobbi Nissim, Adam Smith 2018年 - Oded Regev
ネヴァンリンナ賞

ロルフ・ネヴァンリンナ賞（Rolf Nevanlinna Prize）は、計算機科学における優れた数学的貢献をなした研究者に贈られる賞。4年に一度の国際数学者会議において授与され、フィールズ賞と同じく40歳以下の研究者にのみ受賞資格がある。 1981年、国際数学連合が設けた賞で、前年に死去したフィンランドの数学者ロルフ・ネヴァンリンナにちなんで名付けられた。受賞者には金メダルと報奨金が授与される。 1982年 - ロバート・タージャン 1986年 - レスリー・ヴァリアント 1990年 - アレクサンドル・ラズボロフ（英語版） 1994年 - アヴィ・ヴィグダーソン（英語版） 1998年 - ピーター・ショア 2002年 - マデュ・スーダン（英語版） 2006年 - ジョン・クレインバーグ（英語版） 2010年 - ダニエル・スピールマン（英語版） 2014年 - スバス・コート（英語版） 2018年 - コンスタンティノス・ダスカラキス（英語版） Rolf Nevanlinna Prize (IMU公式サイト内) チューリング賞 アーベル賞 フィールズ賞 ガウス賞 ラマヌジャン賞 ショック賞 コール賞
アーベル賞

アーベル賞（アーベルしょう）は、顕著な業績をあげた数学者に対して贈られる賞である。 2001年、ノルウェー政府は同国出身である数学者ニールス・アーベルの生誕200年（2002年）を記念して、アーベルの名を冠した新しい数学の賞を創設することを公表し、そのためにニールス・ヘンリック・アーベル基金を創設した。 毎年、ノルウェー科学文学審議会によって任命された5人の数学者からなる委員会が、受賞する人物を決定する。賞金額はスウェーデンのノーベル賞に匹敵し、数学の賞としては最高額である。この賞の主な目的は、数学の分野における傑出した業績に国際的な賞を与えることであり、社会における数学の地位を上げることや、子供たちや若者の興味を刺激することも企図している。 2003年4月、初めての受賞者が公表され、ジャン＝ピエール・セールに送られることに決まった（賞金は600万ノルウェークローネ、約1億円）。 1936年から実施されているフィールズ賞も数学に関する賞であるが、フィールズ賞が4年に1度しか授与されず、しかも受賞までの業績に加え今後の活躍への期待も込めて40歳以下の若い数学者にのみ贈られる賞であるのに対し、アーベル賞はノーベル賞と同じく1年に1度で、受賞の対象は年齢を問わず、数学全般に関わる重要な業績を残した数学者に対して贈られる賞であり、賞金額もアーベル賞のほうが非常に高額で、その性格はフィールズ賞よりもノーベル賞に近いものとなっている。 ^ a b “アーベル賞”. 駐日ノルウェー王国大使館. 2017年4月3日閲覧。 ^ “2004年のアーベル賞 (PDF)” (2004年). 2017年4月3日閲覧。 ^ “2006年のアーベル賞 (PDF)” (2006年). 2017年4月3日閲覧。 ^ “2007年のアーベル賞 (PDF)” (2007年). 2017年4月3日閲覧。 ^ “2008年のアーベル賞 (PDF)” (2008年). 2017年4月3日閲覧。 ^ “2009年のアーベル賞 (PDF)” (2009年). 2017年4月3日閲覧。 ^ “2010年のアーベル賞 (PDF)” (2010年). 2017年4月3日閲覧。 ^ “2011年のアーベル賞 (PDF)” (2011年). 2017年4月3日閲覧。 ^ “2012の年アーベル賞 (PDF)”. The Abel Prize (2012年3月). 2012年3月25日閲覧。 ^ “The Abel Prize 2013 (PDF)” (2014年). 2017年4月3日閲覧。 ^ “The Abel Prize 2014 (PDF)” (2014年). 2017年4月3日閲覧。 ^ “The Abel Prize 2015 (PDF)” (2015年). 2017年4月3日閲覧。 ^ “The Abel Prize 2016 (PDF)” (2016年). 2017年4月3日閲覧。 ^ “The Abel Prize 2017 (PDF)” (2017年). 2017年3月30日閲覧。 ^ “The Abel Prize 2018 (PDF)” (2018年). 2018年3月24日閲覧。 ガウス賞 コール賞 ショック賞 ネヴァンリンナ賞 フィールズ賞 ラマヌジャン賞 アーベル賞公式サイト（英語）
クレイ研究賞

クレイ研究賞 （ - けんきゅうしょう, Clay Research Award）は、クレイ数学研究所が毎年与えている数学の賞である。対象となるのは優れた業績をあげた数学者である。 アーベル賞やウルフ賞などと違い比較的若い数学者も多数受賞している。 2017年 (Aleksandr Logunov) ロシア (Malinnikovaと共同受賞) (en:Eugenia Malinnikova , 1974年 - ) ロシア (Logunovと共同受賞) (Jason Miller) (Sheffieldと共同受賞) (en:Scott Sheffield, 1973年 - ) アメリカ合衆国 (Millerと共同受賞) (en:Maryna Viazovska, 1984年 - ) ウクライナ 2016年 (Mark Gross , 1965年 - ) アメリカ合衆国 (Siebertと共同受賞) (en:Bernd Siebert , 1964年 - ) ドイツ (Grossと共同受賞) (Geordie Williamson) 2015年 (en:Larry Guth , 1977年 - ) アメリカ合衆国 (Katzと共同受賞) (en:Nets Katz , 1973年 - ) アメリカ合衆国 (Guthと共同受賞) 2014年 マリアム・ミルザハニ （Maryam Mirzakhani , 1977年 - ）イラン ピーター・ショルツ （Peter Scholze , 1987年 - ）ドイツ 2013年 （Rahul Pandharipande , 1969年 - ）アメリカ合衆国 2012年 （Jeremy Kahn） (Markovicと共同受賞) （Vladimir Markovic） (Kahnと共同受賞) 2011年 （Yves Benoist） (Quintと共同受賞) （Jean-François Quint） (Benoistと共同受賞) （Jonathan Pila） オーストラリア 2009年 （Jean-Loup Waldspurger , 1953年 - ）フランス共和国 （Ian Agol , 1970年 - ） アメリカ合衆国　(Calegari, Gabaiと共同受賞) （Danny Calegari , 1972年 - ） オーストラリア　(Agol, Gabaiと共同受賞) （David Gabai , 1954年 - ） アメリカ合衆国　(Agol, Calegariと共同受賞) 2008年 クリフォード・タウベス （Clifford Taubes , 1954年 - ）アメリカ合衆国 クレア・ヴォワザン （Claire Voisin , 1962年 - ） フランス共和国 2007年 アレックス・エスキン　（Alex Eskin, 1965年 - ）ロシア連邦/アメリカ合衆国 クリストファー・ハーコン　（Christopher Hacon, 1970年 - ）イギリス　(マッカーナンと共同受賞) ジェームズ・マッカーナン　（James McKernan, 19XX年 - ）　(ハーコンと共同受賞) マイケル・ハリス　（Michael Harris, 19XX年 - ）アメリカ合衆国　(テイラーと共同受賞) リチャード・テイラー　（Richard Taylor, 1962年 - ）イギリス　(ハリスと共同受賞) 2005年 マンジュル・バルガヴァ （Manjul Bhargava, 1974年 - ）カナダ ニールス・デンケ （Nils Jonas Dencke, 1953年 - ） スウェーデン王国 2004年 ベン・グリーン （Ben Green, 1977年 - ）イギリス ジェラール・ローモン （Gérard Laumon, 1952年 - ） フランス共和国　(ゴと共同受賞) ゴ・バオ・チャウ （Ngô Bao-Châu, 1972年 - ） ベトナム社会主義共和国 　(ロウモンと共同受賞) 2003年 リチャード・ハミルトン （Richard Hamilton, 1943年 - ）アメリカ合衆国 テレンス・タオ （Terence Tao, 1975年 - ） オーストラリア連邦 2002年 オデッド・シュラム （Oded Schramm, 1961年 - ） イスラエル マニンドラ・アグラワル （Manindra Agrawal, 1966年 - ） インド 2001年 エドワード・ウィッテン （Edward Witten, 1951年 - ） アメリカ合衆国 スタニスラフ・スミルノフ （Stanislav Smirnov, 1970年 - ） ロシア連邦 2000年 アラン・コンヌ （Alain Connes, 1947年 - ） フランス共和国 ローラン・ラフォルグ （Laurent Lafforgue, 1966年 - ） フランス共和国 1999年 アンドリュー・ワイルズ （Andrew Wiles, 1953年 - ） イギリス
カントール・メダル

カントール・メダル（Cantor medal）はドイツ数学会が授与する数学の賞。ゲオルク・カントールの功績を称える。ほぼ2年に1度の割合で、同学会による年次総会の間にドイツ語を解する数学者に贈られる。 1990年: Karl Stein 1992年: Jürgen Moser 1994年: Erhard Heinz 1996年: Jacques Tits 1999年: フォルカー・シュトラッセン 2002年: ユーリ・マニン 2004年: Friedrich Hirzebruch 2006年: Hans Föllmer 2008年: Hans Grauert 2010年: Matthias Kreck 2012年: Michael Struwe 2014年: Herbert Spohn 2017年: ゲルト・ファルティングス 2019年: Hélène Esnault カントール・メダル (ドイツ語)
ウェディングケーキ

ウェディングケーキは、結婚式や結婚披露宴などで、新郎新婦が入刀するケーキ。 由来は、古代ギリシャなど各地の神話・風習など、たくさんある。砂糖やバター、卵を使いぶどうの他、様々な果物や洋酒を加え、固く焼いたケーキへと変化していった。 イギリスで、18世紀後半頃、ラム酒に漬け込んだフルーツが入ったバターケーキに薄く伸ばしたマジパンをかぶせ、シュガーペーストでレースのような装飾を施したことからウェディングケーキが作られるようになった（当初は「ブライドケーキ」つまり、花嫁のケーキと呼ばれた。ちなみにブライドケーキという名前のレシピが登場するのは1769年である）。最初は1段だったが、19世紀頃になると2段 - 3段になった。これを広めたのは1858年、ヴィクトリア女王の第一王女のウェディングケーキで、週刊新聞イラストレイテッド・ロンドン・ニュースで挿絵付きの記事が載ったことが発端である。当時のウェディングケーキに新郎新婦の人形や造花を飾っていた。 結婚式や結婚披露宴で新郎新婦がウェディングケーキに入刀することをケーキ入刀、あるいはケーキカットという。この儀式はギリシャ神話に由来していると言われている。ただし、ケーキ入刀の儀式そのものは最近の風習であるとも言われている。早くとも文献に登場するは1930年代からである。また、ケーキを入刀した後にケーキをお互いに食べさせ合う儀式を「ファーストバイト」という。 ウェディングケーキには、フランスのクロカンブッシュを使う方式、アメリカの1段で長方形である方式、イギリスの3段の方式がある。日本は、主にイギリス式のケーキである。イギリスでは、入刀した後、最下段は切り分けて披露宴の列席者に振る舞い、2段目は来られなかった人達にお裾分けし、頂部は夫婦が冷蔵庫で厳重に保管し、第一子が産まれた日または1年目の結婚記念日（紙婚式）に食べる。また、ケーキにナイフを入れる部分だけケーキもしくはクリームで切り込みを埋めてあるイミテーションのケーキも存在する。 フランス式のクロカンブッシュのウェディングケーキ アメリカ式の四角いウェディングケーキ 大型のイギリス式ウェディングケーキ ^ お菓子の由来物語 PP.34-35 ^ ケーキの歴史物語 P.112 ^ ケーキの歴史物語 PP.113-116 ^ “ウエディング用語集”. ゼクシィ（リクルート）. 2013年4月5日閲覧。 ^ ケーキの歴史物語 P.116 ^ “ウエディング用語集”. ゼクシィ（リクルート）. 2013年4月5日閲覧。 ^ “bouquet ウエディングケーキの種類”. 2015年11月29日閲覧。 猫井登 『お菓子の由来物語』 幻冬舎、2008年9月。ISBN 978-4779003165。 ニコラ・ハンブル 『ケーキの歴史物語 (お菓子の図書館)』 堤理華訳、原書房、2012年3月。ISBN 978-4562047840。 ケーキ 結婚式 結婚披露宴
メルバトースト

メルバトースト（Melba toast）は、しっかりと乾くまでカリカリに焼き上げられた、非常に薄くスライスされたトーストで、スープやサラダに添えて出されたり、溶けたチーズやパテを載せて出される。この名称はオーストラリアのオペラ歌手ヘレン・ポーター・ミッチェルの芸名であったデイム・ネリー・メルバに由来している。この名称は1897年に、体調を崩したメルバが、もっぱらこれだけを口にしていたことから用いられるようになったものと考えられている。メルバのためにこのトーストを考案したシェフ、オーギュスト・エスコフィエは彼女のファンであり、彼女のためのデザートとしてピーチ・メルバ（ペーシュ・メルバ）も考案していた。名称は、ホテルの経営者であったセザール・リッツがエスコフィエと話し合って決めたものであろうと推測されている。 メルバトーストは、通常は、普通にトーストを焼くようにして軽く焼かれた1枚のトーストを使って作る。トーストの外側が少し焦げる程度に焼けたら、トースターから出して、最初の半分の厚さになるように、パン切りナイフで薄く切る。こうして出来た2枚の薄いトーストを再びトースターで焼き、メルバートーストが出来上がる。メルバトーストは売り物として入手することも可能であり、ひところは歯が生え始めた幼児に、噛む食べ物として与えることがあった。 1925年、高名な医師メイヨー兄弟は女優エセル・バリモアに「18日間減食ダイエット」を施した。その食事メニューの中にはメルバトーストが含まれており、これがきっかけで当時はメルバトーストが一挙に広まった。メルバトーストは、他の料理の詰め物（ファルス）やドレッシングとして使われることもある。 ピーチ・メルバ トースト en:List of foods named after people en:Mrs. Cubbison's Foods en:Old London Foods ^ Humes, James C. (1978). Speaker's Treasury of Anecdotes About the Famous. Harper and Row. pp. 19. ISBN 978-0060120085.  ^ Great British Cookbook - Melba Toast
プチフール

プチフール（フランス語: petit four、複数形は petits foursで、「小さな窯」という意味に由来する）は、一口サイズのケーキで、一般にいろいろな種類のものを取り合わせる形で、食後のデザートや、ビュッフェ形式の料理の一部として供される。 アメリカでは一般的にスポンジケーキとバタークリームを何層にも積み重ねた、およそ1インチ四方の大きさで1.5-2インチ程度の高さのケーキの詰め合わせを指す。ケーキはフォンダンを掛け、何色にも彩られたり、バラの模様などさまざまな形に装飾が施されたりすることが多い。しかし小型の菓子の詰め合わせならばプチフールと呼ぶこともある。特にフランスなどアメリカ式ケーキが一般的でない地域ではこの傾向が大きい。 プチフールには2種類があり、1つは「プチフール・セク」（Petits fours secs、secは"dry"、「乾燥した」の意味）で、特別にあつらえたクッキーや焼いたメレンゲ、マカロン、パフパストリー(en)の詰め合わせを指す。もう1つは「プチフール・グラセ」（Petits fours glacés、glacéは"iced"、「冷やした」の意味）で、小さなケーキやエクレア、タルトレットなどといった、冷たいケーキの詰め合わせを指す。フランスのパティスリーは小さなデザート類の詰め合わせをミニャルディーズ(mignardises)と呼び、固いバター分の多いクッキー類の詰め合わせをプチフールと呼ぶ。 またカクテルパーティやビュッフェの中で供される一口サイズの前菜、プチフール・サレ(petits fours salés)もある。 プチフール（小さな窯）という表現は、ルネサンスの終わりごろ貴族の館などに雇われていたパティシエと、それ以外の料理人がオーブンを共用していた頃の慣例句だった。そのころのオーブンは石造りで温度を調節する手段がなく、最初に高温に上げ落ちていく火力に従って適した料理をした。肉の丸焼き用などの高温な状態を「大きい窯(grand four)」と呼び、菓子を焼くのに適した、とろ火程度の温度まで下がった状態を「小さい窯」と呼んだ。最初からとろ火用に作られた窯も「小さい窯」と呼ばれ、ラ・ヴァルネによって1653年に刊行された「フランスの菓子職人」に出てくる製菓用の窯が文献でのプチフールの初出と言われている。 フランス革命により、貴族やサロンの没落によって失業したパティシエたちによる個人開業のパティシエが急増した。また、同業組合が解散させられ、それまで居酒屋的な存在だったパティシエが製菓専業に変化した。こうした店は製菓専門であることをアピールするために「小さい窯のパティスリー(patisserie de petit four)」と掲げていた。パーティ用の菓子セットの意味としてのプチフールは、フリアンディーズ（小さな菓子類）という言葉に置き換わる形で19世紀半ばになって定着した。 プチフールは伝統的には18世紀に石炭を使って煉瓦オーブンを燃やしていた頃、オーブンを冷ます際の熱を使って作られた。石炭は薪よりも燃焼温度が高く制御が難しく、また無駄になる熱量もずっと多かったからである。 History at Joy of Baking （英語） マグロンヌ・トゥーサン＝サマ; 吉田春美訳 『お菓子の歴史』 河出書房新社、2005年。ISBN 4309224377。  ニコラ・ハンブル; 堤梨華訳 『ケーキの歴史物語』 原書房、2012年。ISBN 9784562047840。
ホットサンドイッチ

ホットサンドイッチあるいはホットサンド（Hot Sandwich）とは、温かいサンドイッチのこと。食パンの耳を落としてトーストしたもの、あるいはパンに温かい具（チーズ、トマト、チキンやマッシュポテトなど好みで、それにタルタルソースやオリーブオイルなどの調味料）を挟んだもの、もしくはパンに具を挟んでから焼いたものである。何を具にするかにより、イタリアンやアイリッシュ、レッドホットといった呼び名がつけ加えられる。トーストしたパンに冷たい具を挟んだものは「トーストサンドイッチ」と呼ぶ。 ホットサンドイッチを作るための専用の器具、ホットサンドメーカーも市販されている。 クロックムッシュ チーズとハムを挟んだクローズドサンドイッチの両面をバターで焼いたもの。 クロックマダム 上記のクロックムッシュの上に目玉焼きを盛り付けたもの。 ミラカン（ミラノ+カントリー） 赤いウインナーとピーマン、タマネギを挟んだもの。名古屋の喫茶店の定番メニューである。 ルーベンサンド ライ麦パンにコンビーフやザワークラウトなどを挟み、グリルしたもの。
鶏蛋仔

鶏蛋仔（けいたんし、広東語:ガイダンジャイ）は、香港及びマカオでよく食べられている、鶏卵を用いた球状のワッフル菓子である。発酵させた卵の生地を、半球状の2枚のプレートにはさんで火を通して作る。ふつうはプレーンのものを熱い状態で食べるが、イチゴやココナッツ、チョコレートなど果物その他のフレーバーがついたものもある。もともとの広東語では雞蛋仔と漢字表記する。 英語ではエッグワッフル (egg waffle)、エッグパフ (egg puff)、バブルワッフル (bubble waffle)、エゲット (eggette)、パンケーキボールズ (pancake balls)、パンケーキワッフル (pancake waffle)、エッグレット (egglet)、パッフル (puffle) などと呼ぶ。アメリカ合衆国、とくにニューヨークのチャイナタウンでは香港ケーキ (Hong Kong cakes) と呼ばれることもある。1枚の鶏蛋仔には30から35ほどの小さな丸い「ボール」がついている。ベビーカステラに似た形をしているが、ひとつひとつのボールが分かれておらず、つながっている。 鶏蛋仔は香港の屋台でも最も人気があるおやつで、香港の人気屋台料理100選で第1位に選ばれたこともある。1950年代に、香港の街のキオスクで炭火で焼いて売るお菓子として登場して以降、屋台のおやつとしてずっと人気を保っている。 鶏蛋仔は文字通りには「小さなニワトリの卵」を指す言葉である。鶏蛋仔は香港の老若男女がよく記憶にとどめているおやつであるにもかかわらず、起源はよくわかっていない。CNNの取材によると、以下のような説があるという。 ある話によると、かつて卵はぜいたく品であったため、戦後の企業家が卵なしの生地の埋め合わせをするため卵の形をした型を作り上げたのだという。他の話によると、屋台で働く行商人が割れた卵を安く買って生地にしたため、このケーキが今ではよく知られている金色の姿になったのだという。鶏蛋仔の型にする鉄の特製スキレットは、ヨーロッパで伝統的に使われている格子状のワッフル型の香港版であると言ってもさしつかえはないだろう。今日では、この関連する二種類のおやつはよく同じ屋台で売られている。 鶏蛋仔は甘く、卵をたっぷり使った生地を小さな丸い仕切りに分かれた特別な調理用鉄板で熱して作る。この鉄板はデンマークのお菓子であるエイブルスキーバーを作るものに似ているが、もっとたくさんの小さい丸い仕切りがある。日本のたこ焼き機にも似ている。この鉄板は炭火にかけて熱くするが、現在では電熱器を用いるほうがふつうである。生地をこの特製調理器に注ぎ込んで熱し、小さな卵形の鶏蛋仔ができる。カリっとした鶏蛋仔を作るには、生地を熱した鉄板にそそぎこんだ後、素早く鉄板をひっくり返すのがコツである。こうすることによって、外側はカリカリしていて内側はケーキのような食感の鶏蛋仔を作ることができる。 生地のほとんどはイースト以外の膨張剤を用いるクイックブレッド生地であるが、イーストでふくらませたり、発酵バターを用いるものもある。鶏蛋仔を食べる時間にはとくに決まりはなく、地元の習慣に拠る。 今日、鶏蛋仔にはさまざまなアレンジが加えられている。卵の風味のみの伝統的なプレーンワッフルの他、チョコレート、緑茶、ジンジャー、イチゴ、ココナッツ、紫イモ、ライチなど、さまざまなフレーバーのものも売られている。鶏蛋仔はアイスクリームなど他のデザートと組み合わせて供されることもある。アメリカ合衆国や台湾など、香港以外でも売られるようになっている。 ^ a b c d “Gai daan tsai challenge: The quest for Hong Kong's best egg waffle”. CNN Travel. 2012年7月24日時点のオリジナルよりアーカイブ。2014年1月6日閲覧。 ^ Hong Kong — Street’s snack review at Kaboodle Archived 6 June 2008 at the Wayback Machine. ^ “Lost Tastes: Perfect Hong Kong Cakes”. Serious Eats. 2014年1月6日閲覧。 ^ a b c d “香港や台湾で人気の不思議食感スイーツ「エッグワッフル」を食べてきた！”. exciteニュース (2015年11月22日). 2017年11月30日閲覧。 ^ TVB: Top Eats 100 ^ Kissell, Joe (2006年11月29日). “Eggettes”. The Geeky Gourmet. 2017年11月30日閲覧。 ^ “Hong Kong Cakes”. Gothamist.com (2006年9月3日). 2008年4月20日時点のオリジナルよりアーカイブ。2017年11月30日閲覧。 ^ a b c d “Who Invented the Hong Kong Egg Puff?”. HK Magazine (2016年8月5日). 2017年11月30日閲覧。 ^ “香港獨有！雞蛋仔新舊滋味任你揀”. Jessica (2016年4月13日). 2017年11月30日閲覧。 ^ a b “香港発から世界のスイーツに？？”. キャセイパシフィック航空 (2015年8月25日). 2017年11月30日閲覧。 ^ “Egg Waffles, Reinvented”. 2017年11月30日閲覧。 Connelly, Michael Alan (2014年12月18日). “20 Must-Try Street Foods Around the World”. Fodor's. 2016年7月24日閲覧。 Eggettes restaurant in San Francisco Gai daan tsai challenge: The quest for Hong Kong's best egg waffle Hong Kong Style Egg Waffle (Recipe)
ドラジェ

ドラジェ（英: 仏: dragée、伊: confetti：コンフェッティ）は、菓子の一種で糖衣菓子のこと。掛け物菓子（かけものがし）とも。ヨーロッパでは出産、洗礼、婚礼などの慶事で配られる菓子として知られている。薬学の分野では、糖衣掛けした錠剤（糖衣錠）もドラジェと呼ばれる。 菓子の考案者といわれる料理人ドラジェ（Dragatus）の名前、ギリシア語やラテン語で「美味しい物」を意味する「tragemata」などが語源と考えられている。キャンディやピーナッツなどに荒く糖衣掛けをしたものはソフトドラジェ、金平糖やゼリービーンズなどのように固い板状の糖衣をかぶせたものはハードドラジェと呼ばれる。 紀元前177年に古代ローマの貴族ファビウス家の料理人ジュリアス・ドラジェがアーモンドを蜂蜜に落とした時にこの菓子の原型ができたと言われる。ファビウス家では婚礼や跡継ぎの誕生などの祝い事の場で、蜂蜜でコーティングされたアーモンドが配られていた。1220年ごろにフランスのヴェルダンで考案されたものが現代のドラジェの原型になったと考えられており、ヴェルダンでもドラジェの製造が盛んに行われている。中世のフランスでは薬剤師が蜂蜜や砂糖シロップでコーティングしたアーモンド、ナッツ、コリアンダー、アニスを携帯し、口臭剤や消化剤として使用していた。 アーモンドは実をたくさんつけることから多産や繁栄を意味し、幸福の象徴とされてきた。そこから、アーモンドに白やピンク色などに色付けした砂糖ペーストをコーティングしたものは、ヨーロッパで古くから結婚式や誕生日などの祝い菓子として用いられており、日本でも結婚式で招待客に渡されることがある。イタリアの結婚式では、幸福、健康、富、子孫繁栄、長寿を意味する5粒のドラジェをひとまとめにして配る習慣がある。フランスでは出産の際に男の子が生まれた場合には青いドラジェ、女の子が生まれた場合にはピンクのドラジェを贈る習慣がある。 なお、チャイコフスキーのバレエ音楽『くるみ割り人形』に登場する日本語訳「金平糖の精」の原語（フランス語）は"la Fée-Dragée"（ドラジェの精）である。 ^ a b c d e f g お菓子の由来物語 P.129 ^ a b c d e フランス食の事典 PP.424-425 猫井登 『お菓子の由来物語』 幻冬舎、2008年9月。ISBN 978-4779003165。 『フランス食の事典』 日仏料理協会、白水社、2000年10月。ISBN 978-4560039953。 ボンボニエール - 菓子器。慶事の贈答品を指して使うこともある。 金平糖 マジパン
クリームティー

クリーム・ティー(Cream Tea)は、英国等の喫茶習慣、アフタヌーン・ティーの一種。基本は紅茶とスコーンのセットで、クロテッドクリームとジャムが添えられる。 スコーンの他にキュウリサンドイッチや小さいケーキなどが添えられたものもあるが、アイテムが増えると次第にアフタヌーン・ティーに近いものになる。 ジャムは通常イチゴジャムであるが、マーマレードや蜂蜜等が使用されることもある。多くの場合、クロテッドクリームはかなり多量につけて食べる。クロテッドクリームとバターを併用したり、また特にクロテッドクリームの入手が困難などの理由で、クロテッドクリームを使用せずバターで代用する例もある。 米国など他の国ではデボンシア・ティーとも称される。この名は英国南西部デヴォン州がクロテッド・クリームの名産地であることに由来する。ちなみに、デヴォン州は英国最大の乳牛飼育地域.である。 ^ “オハヨー　ロイヤルジャージー”. OHAYO DAILY PRODUCTS,.LTD. http://www.ohayo-milk.co.jp/royal_jersey/jersey03/uk.html 2007年12月9日閲覧。
クリスマスケーキ

クリスマスケーキ（英語: Christmas cake）は、クリスマスを祝って食べるケーキで、イギリス、アイルランド、並びにその他の英連邦諸国や日本、フィリピンなどの国々で広く親しまれている。 イギリスのクリスマスケーキは特に12月24日（クリスマス・イヴ）や12月26日（ボクシング・デー）のティータイムに供される習慣がある。 イギリスではクリスマスケーキのほかバースデーケーキやウェディングケーキなどもダークフルーツケーキを土台にしていることが多い。ダークフルーツケーキはドライフルーツをふんだんに入れた硬めの生地のケーキである。 日本のクリスマスケーキの歴史は、菓子メーカー不二家創業の1910年(明治43年)まで遡る。現代の日本では、スポンジケーキにホイップクリームやバタークリームを塗り、砂糖細工（メレンゲドール）のサンタクロースやクリスマスツリー、イチゴやチョコレートを飾りつけたものが一般的である。これは、不二家が1922年(大正11年)頃から広めたものである。近年、日本の一部や韓国ではバースデーケーキのように、クリスマスケーキにろうそくを灯すものも見られ、サンタクロースを象ったろうそくも見うけるが、英連邦諸国でクリスマスケーキにろうそくの火を灯すことはない。また、日本では慣習的にクリスマス当日ではなく、イブの晩に食べられることも多い。 フランス - ビュッシュ・ド・ノエル、パチチョイオ（プロヴァンス地方のみ） イギリス - クリスマスプディング、ダンディーケーキ ドイツ - シュトレン、マルツィパーン、レープクーヘン イタリア - パネットーネ、パンドーロ フィリピン - プト・ブンボン、ビコ オーストラリアおよびニュージーランド - パブロバ ロシア - プリャーニク イスラエル（およびユダヤ教徒世帯全般。クリスマスではなくハヌカーとして祝う。） - スフガニア ^ a b c 『BonChic VOL.12』主婦の友社、2015年、60頁 ^ “不二家の歴史”. 不二家. 2009年6月19日閲覧。 ウィキメディア・コモンズには、クリスマスケーキに関するカテゴリがあります。
ビュッシュ・ド・ノエル

ビュッシュ・ド・ノエル (仏: bûche de Noël) はケーキの一種。ブッシュ・ド・ノエルとも。 フランス語でノエルが「クリスマス」、ビュッシュは「木、丸太」で「クリスマスの丸太」の意。その名の通り丸太（または、切り株、木の薪）の形をしている。基本的にクリスマスケーキとして食べられる。他のケーキ同様に洋菓子店で売られるが、一部出来合いの材料を使うことで、家庭でも比較的簡単に作ることができる。 輪切りにしていない長いままのロールケーキの表面をココアクリーム（ココアで茶色く着色したバタークリーム）で覆い、そこにフォークでひっかくようにして波型の筋をつけて、樹皮をかたどる。さらに枝を模したチョコレートや、雪を模したホイップクリームや粉砂糖でデコレーションして作られる。 なぜ丸太の形なのかについては幾つかの説があるが、クリスマスがキリスト教以前の冬至祭を起源とするのと同様、もともと北欧の古い宗教的慣習「ユール」で使われた丸太を、田舎の風習を守るためにパリのお菓子屋が「ユール・ログ」（「ユールの丸太」）をかたどって作ったもの。もう一つには「キリストの誕生を祝い、幼い救世主を暖めて護るため、暖炉で夜通し薪を燃やした」ことに由来するとも言われる。 ブッシュ・ド・ノエルの由来＆レシピリンク集　ブッシュ・ド・ノエルの由来 - <スイーツ> All About レシピ -お星様のビュッシュドノエル ^ デズモンド・モリス『クリスマス・ウォッチング』（扶桑社）「11　ユール・ログの由来は男だろうか？」。 ロールケーキ チョコレートケーキ
うんちく

うんちくとは、ある分野について蓄えた知識のこと。薀蓄、蘊蓄、うん蓄、ウンチクと表記される。また、その知識について滔々と語ることを「うんちくを傾ける」という。 本来は学者などが長年の研究で蓄えた知識のことを指すが、『減点パパ ウンチクまんが』（古谷三敏、1980年-）というマンガもあるように、近年では雑学と同様の意味で使われることも多くなった。 様々な分野がうんちくの対象になるが、一般的な場面では食物や酒のうんちくが語られることが多い。 雑学 トリヴィア 教養 虎の門（かつて、うんちく王決定戦が行われていた） うんちくま - うんちくについて取り上げた架空の妖怪。
擬音

擬音（ぎおん）とは実在のものと異なる音源によって表現された効果音である。 映画、テレビ番組の制作、演劇などにおいて効果音を出すため本物の音を出すことが困難な場合に用いられる。 また、漫才などでは口笛を駆使し鳥の鳴き声をまねるものもある。 劇中などで主に用いられる音響効果である。一般に小道具係の仕事範囲でもある。 馬の蹄音 -- 木の椀を2つ使ったもの、椰子の実を2つに割った物などを土の上で鳴らす。 波の音 -- 小豆と籠を使ったもの 小豆を入れた籠を揺らして立てる。 風の音 -- 風車と呼ばれる手こぎの小道具を使用する 人差指と口 - ビンの蓋をあける音 手の甲と口 - おならの音
オヤジギャグ

オヤジギャグ（親父ギャグ、おやじギャグ）とは、主に中高年層の男性が頻繁に使う、駄洒落や地口の要素をふんだんに含んだ安直なギャグのことである。 1980年代までは一般によく使われ、あのねのねによって「赤とんぼの唄」、「魚屋のおっさんの唄」をはじめ数々のコミックソングとしてヒットするなど肯定的に受け取られていたが、近年そうした事情を知らない世代の思春期以上のギャグに辟易した若年層によって否定的なニュアンスで使われるようになった。 これは、団塊の世代が中年となる時期と重なるが、それ以前から似たような内容のギャグは存在している。中高年男性の増加によりオヤジギャグを聞く機会が増えたこともあるが、その受け手である若者（1980年代半ばの若者は新人類と呼ばれている）との価値観の相違から、「中年男性のギャグはつまらない」という考え方が増え、そういったギャグを総称して「オヤジギャグ」と呼称するようになったと考えられている。 オヤジギャグは、単純でわかりやすく、安直なギャグであればあまりにも安直であればあるほど、意味がわかるのに笑えないというジレンマが聞き手に苦痛を与える場合がある。 思春期以前の特に男児はオヤジギャグを過剰なまでに好む傾向がある。つまらないギャグをオヤジギャグとくくり、嫌悪する傾向はオリジナリティのなさや安直さを嫌う若者に顕著で、特に10歳代から20歳代前半の若者はオヤジギャグに対して拒否反応を示すこともある。 特に嫌がられる特徴としては、 安直である 同じギャグを何度も言う 下世話である の三点が最も指摘される。このうち、3の場合は倫理上問題のある場合があるが、1、2についてはそういったギャグが通用しなくなった時代を嘆く声もある。 2005年1月3日付の朝日新聞によると、日本人の76%がオヤジギャグに寛容な態度を見せている。 オヤジギャグをカードゲームにした商品や、一般書籍、コピーライターの糸井重里のブログ『ほぼ日刊イトイ新聞』の「全日本おやじギャグの祭典」などで楽しまれている。 ^ 『大辞泉』小学館 ^ 株式会社ビバリー＞カードゲーム一覧＞おやじギャグカルタ 2013年6月6日閲覧。 ^ 全日本おやじギャグの祭典 2013年6月6日閲覧。 駄洒落 地口 あのねのね-1970年代に親父ギャグを歌にし、一世を風靡した。 豊川孝弘
猥談

猥談（わいだん）とは、性に関する淫らな（いわゆる下ネタについての）会話である。かつて、しばしばY談（もしくはワイ談）と表記された。 男性が集まって砕けた話をする場合、特に酒の席では猥談は盛り上がる話題の一つである。もちろん上品な話題とはみなされない。女性を交えた席では猥談は好ましくない話題と一般には捉えられているが、あえてそれを持ちだす例は少なくない。女性は同性だけの場では猥談が出る場合もしばしばあるが、異性を交えた席で猥談をできない者も多い。 それを好まない女性の前での男性による猥談はセクシャルハラスメントや職場いじめの代表的な例としてよく取り上げられる。男性はおしなべて猥談を好むものと思い込んでいる男性や女性も少なくないが、猥談を嫌う男性もおり、こうした男性に猥談への参加を強要することは、女性に対するそれと同様、セクハラに該当する。 一般に男女混成の席では、女性がそのような話題に触れるのははしたないこと、との認識が伝統的には存在する。また、女性としては気の許せない相手とはそのような話題に触れたくはないとの判断もある。その方向で盛り上がると、男性が具体的な行動に出る危険があるからである。そこで、男性側として、女性が気を許しているかどうかの判断に、ソフトな方面から少しずつ猥談を出して反応を探る、という場合がある。ただし、失敗すると相手の嫌悪感を誘い一発で振られる危険がある。たとえ男女で猥談が盛り上がったとしても、それだけで男性が女性が気を許したと思い込んではならない。相手の意志を確認せず性行為を強要した場合、強姦になるからである。 猥談は人により好き嫌いが分かれ、下品な印象があるが、逆に場を和ませる事ができ、相手の気を緩めさせる為にあえてそれを振る場合もある。司馬遼太郎が描くところの坂本龍馬は猥談の名人で、地位の高いものの前でも猥談で相手を引きつけたという事になっている。不用意な猥談は話題に出された者を傷つけたり、それを好まない相手に嫌な思いをさせる可能性が大きいので、気心の知れた相手でないと上手に猥談を楽しむのは難しいと言える。 伝統的には、民話、伝説においても、色気関係は独特の地位を持ち、様々な地域で伝承を持つ。そこにはそれなりの類型があり、たとえば巨根、絶倫、失敗談といった決まった型も見られる。 汚言症の場合、自分が意識しなくても猥褻な話をしてしまうという場合もある。こういった場合考えていることとは関係なく汚い言葉が出てしまうので、言っている本人が自分の発した言葉にショックを受ける場合もある（しかも周囲にはそういった話が好きと誤解される）。 下ネタ セクシャルハラスメント 職場いじめ
自虐ネタ

自虐ネタ（じぎゃくねた）は、主にお笑い芸人が、漫才や漫談などの話題として使用する、自分を貶めるネタ。 自虐ネタの元祖として、せんだみつおの金ない仕事ない、うなずきトリオがある。 ヒロシなどは自らの失敗・ネガティブな思考をネタとしている。 坂田利夫は自分のアホキャラをネタとしている。 槙原寛己などは過去の輝かしい実績と現在のキャラとの差をネタとしている。 光浦靖子、ほんこんなどは自分の容姿の欠点をネタとしている。類似例として亀子のぶおなどは自分のメタボな肉体（肥満）をネタとしている。 島木譲二は自分の体や頭を叩く、即ち物理的に「自虐」するネタが著名であった。 笑点の大喜利における、三遊亭小遊三の犯罪者・囚人ネタ（ただし、犯罪を犯したことはなく、前科もない点に注意）。 指原莉乃はアイドルなのに、自分のことを可愛くないと言ったり、過去のスキャンダルを逆手にとった強烈な発言で笑いを取る。後者のパターンは、バラエティーアイドル・「バラエティー班」等と言われる役割のアイドルは、形を変えながらも番組進行役・MC担当としてしばしば用いるテクニックの一つである。 そのほか、いとうあさこ、にしおかすみこなど自虐ネタを行う芸人は多い。 他方、従前は年長のアナウンサーや女優が自らの独身を話題にする事があった。ところが、最近はセクハラの対象とみなされる恐れもあり、そのためクレームの収拾に多大な手数がかかる傾向さえある。このために男性出演者も、女性お笑い芸人等で公言している場合を除けば未婚ネタを突っ込めなくなった。 東国原英夫は自虐ネタを多用する芸風である。以前は立場上過去の淫行事件に触れてはいけないことを逆手に取り、禁忌であるネタを相手に突っ込ませ笑いをとっていたが、本格的な政治活動を始めた2012年からは出演するTV番組でもこのネタを封印し、経歴でもこの件を非公開とした。 自分が異性にもてないことをネタにする。独身者が用いることが多いが、既婚者が用いることもある。 友人がいないことや､交友範囲が狭いことをネタにする。 恋人や友人がいるが「二次元」である、というネタ。オタクの中で用いられる。 貧乏であること、収入が少ないこと、定職についていないことをネタにする。 不健康であること、病弱であることや、持病の病状をネタにする。特に痔は自虐ネタとして扱われやすい｡ セガ（後のセガゲームス）はかつてドリームキャストの（発売前後に製作した）CMで、当時の専務であった湯川英一を出演させ、さらにライバルであるSCEのゲーム機「プレステ」の名前まで出すなど、ゲームメーカーとして考えられないようなネタをCMに起用していた（当時のセガはまだ他社のゲーム機用のソフトを開発していなかった）。 としまえんは、エイプリルフールのネタとして、1990年に「史上最低の遊園地」という全面広告を新聞に出した｡ 西武百貨店の2008年夏のセールでキャッチコピーは「服を買いに行く服がない。」であった。 ネタの内容に誤りがないかどうか精査する必要がほとんどない。 他者をネタにした場合、その対象者の感情を害する場合があり、最悪の場合名誉毀損罪や侮辱罪などで訴えられる可能性もあるが、自分をネタにしていればそれがない。 自慢ネタだとうざがられるが、その逆に同情してもらえることもある。 楽屋落ちなどになりやすく、ネタがワンパターン化しやすい。 自分のイメージがネタとして語っているキャラクターに固定されやすく、それにそぐわない別のネタや別の仕事が受け入れられづらくなる。 文化的認識の共通性を活用しているため、文化や言語の異なる相手間では、翻訳な解説を加えてもお互いに伝わらないことが多い。 すべり芸 久米田康治
キュンキュン

キュンキュンとは、主に少女の恋愛において、胸の中心部に息苦しい感覚を覚えるなど、精神状態が通常と異なった状態に陥っていることを表す擬態語。 アダルトゲームの主題歌などでも、多用される。 メイド喫茶以外では、アダルトゲームの主題歌・挿入歌などで、歌詞やセリフ・合いの手として「キュンキュン」が多用される。 ホラーサスペンスゲーム『ひぐらしのなく頃に』のシナリオでもこの用語が使用された。 秋葉原のメイド喫茶「@ほ〜むカフェ」のメイドで構成されたアイドルグループ「完全メイド宣言」が「新人メイドは胸胸きゅんきゅ～ん」と言うタイトルの歌を発表している。
アンニーバレ・カラッチ

アンニーバレ・カラッチ（Annibale Carracci, 1560年11月3日 - 1609年7月15日）はバロック期のイタリアの画家。イタリア美術における初期バロック様式を確立した画家の一人であり、イタリア北部のボローニャを中心に活動したボローニャ派の代表的画家である。アンニーバレを中心とするカラッチ一族の門下からは多くの著名画家が育っており、後世への影響も大きい。日本語ではファーストネームを「アンニバーレ」、「アニーバレ」、姓を「カッラッチ」「カルラッチ」などと表記する場合もある。 カラッチは、16世紀イタリアのボローニャ派を代表する画家の一人である。20世紀以降、アカデミックな絵画の退潮とともに、カラッチのような伝統的作風の画家は等閑視される傾向にあるが、イタリア絵画における初期バロック様式の確立、古典様式の復活に貢献し、門下から多くの画家を育成した点で、西洋絵画史上重要な画家の一人である。 カラッチは1560年、イタリア北部ボローニャに生まれた。兄のアゴスティーノ・カラッチ（1557年‐1602年）、従兄のルドヴィーコ・カラッチ（1555年‐1619年）も画家であり、西洋美術史では彼らを総称して「カラッチ一族」と呼ぶことが多い。アンニーバレは3人の中では技量の点でもっとも優れると評価され、兄のアゴスティーノは画家であるとともに、一派の理論的指導者であった。 アンニーバレは画家バルトロメオ・パッサロッティのもとで絵画の修業をした。初期の作品には師の影響を受けた風俗画もあるが、本領としたのはキリスト教や古代神話に題材をとった歴史画であり、宮殿などの大規模な装飾に力を発揮した。 1585年頃、カラッチ一族はボローニャにアカデミア・デリ・インカミナーティという画学校を設立した。この画学校では、人体素描や古典彫刻の模写などの基礎技術の習得を重視し、グイド・レーニ、ドメニキーノ、グエルチーノなどの著名画家を輩出した。 アンニーバレの年記のある最古の作品は、ボローニャのサンタ・マリア・デッラ・カリタ聖堂の『磔刑（たっけい）』（1583年）である。1580年代から1590年代前半にかけては生地ボローニャで活動し、聖堂、宮殿などの装飾を多数手がけているが、彼がその本領を発揮するのは1595年にローマに出てきてからである。ローマでは名門ファルネーゼ家、中でも枢機卿オドアルド・ファルネーゼの庇護を受け、1597年からは代表作となるファルネーゼ宮殿の天井装飾を手がけている。この天井画は弟子のドメニキーノ、グイド・レーニなどを動員して制作した畢生の大作であるが、この大仕事に対する報酬が予想外に低かったことから、カラッチはうつ病になり、これ以後の晩年は制作がふるわなかったと言われている。 アンニーバレを中心とするカラッチ一族の功績としては、イタリア・バロック期絵画における古典主義様式を確立したことがある。16世紀に盛行したマニエリスム絵画は技巧的な構図、自然の比例を無視して引き伸ばされたような人体表現などの反古典主義的様式を特色としていた。16世紀末になると、トリエント公会議や対抗宗教改革などの影響もあって、こうした技巧的な様式は宗教画としての規範に反するものと考えられるようになり、盛期ルネサンス風の明快な構図、写実的な人体把握がよしとされるようになったのである。カラッチ一族の様式は、マニエリスムの画家たちの技巧や奇想に走った様式とも、カラヴァッジョ風の冷徹な写実に徹した様式とも一線を画したもので、「マニエラ」（様式、理想美）と「ナトゥーラ」（自然、写実）との調和が取れた様式と評された。 代表作のファルネーゼ宮殿天井画は、半円筒状の天井に『バッカスとアリアドネの勝利』を中心に多数の画面を配置した複雑な構成になり、描かれた装飾と現実の建築部材との境界があいまいになる錯視効果を上げている。代表作の『バッカスとアリアドネの勝利』は、理想化された堂々たる裸体表現にミケランジェロの影響が感じられ、人物を互いに重ならないようにバランスよく配置する構図法は古典主義的である。古典を学び消化したうえで新時代の絵画を創造しようとする意気込みがここには感じられる。 肉屋 (1580年代) シュトゥットガルト州立美術館 豆を食べる人（1583-1585年）コロンナ美術館 聖母被昇天 (1590年頃) プラド美術館 聖ルカの聖母（1592年）ルーヴル美術館 ヘラクレスの選択（1596年頃）カポディモンテ美術館 バッカスとアリアドネの勝利（1597年‐1604年）ローマ、ファルネーゼ宮殿天井画 聖母被昇天 (1600–1601年) ローマ、サンタ・マリア・デル・ポポロ教会 エジプトへの逃避（1604年頃）ローマ、ドーリア・パンフィーリ美術館 キリストの死（3人のマリア）（1606年頃）ロンドン、ナショナル・ギャラリー ^ 池上英洋 『西洋美術史入門』 筑摩書房、2012年、134頁。ISBN 978-4-480-68876-7。
アンドレア・マンテーニャ

アンドレア・マンテーニャ（Andrea Mantegna, 1431年 - 1506年9月13日）は、イタリアルネサンス期の画家。 ゴシック期、ルネサンス期のイタリアの絵画は、都市ごとに独自の発達をとげ、シエナ派、ヴェネツィア派などと都市の名を冠して分類される。マンテーニャはパドヴァ派の代表格と見なされる画家である。 1431年、パドヴァ近郊のイーゾラ・ディ・カルトゥーロ（現在はピアッツォーラ・スル・ブレンタに属する）に生まれる。修業時代は、パドヴァの画家フランチェスコ・スクァルチオーネに師事した。マンテーニャは、画家ヤコポ・ベリーニの娘と結婚しており、有名な画家兄弟のジェンティーレ・ベリーニおよびジョヴァンニ・ベリーニは義兄弟にあたる。1450年、ロドヴィコ・ゴンザーガ侯の招きでマントヴァへ移り、1460年以降はマントヴァ侯ゴンザーガ家の宮廷画家として過ごす。 遠近法を駆使した厳格な画面構成、ごつごつした硬質な線描、彫刻的な人体把握など、イタリア・ルネサンスの画家たちのなかでも異色の作風を示す。マンテーニャが活動した15世紀後半にはすでに油彩技法が普及しており、彼と同世代の画家で義兄弟でもあるジョヴァンニ・ベリーニも油彩画を描いているが、マンテーニャは伝統的な画材であるテンペラをもっぱら用いた。 ミラノのブレラ絵画館にある代表作『死せるキリスト』は、十字架から降ろされたキリストが、両足の裏を観者の方へ向けて横たわる姿を短縮法（遠近法を適用した描写法の一種）を駆使して描写したものである。キリストの手足に残る釘の跡、変色した皮膚まで容赦なく描写するこの絵には、マンテーニャの写実への執念が感じられる。[独自研究?] 磔刑図 1457－60　ルーヴル美術館 聖セバスティアヌス　1480年頃、ルーヴル美術館 死せるキリスト 1490年代　ブレラ絵画館（ミラノ） ^ 池上英洋 『西洋美術史入門 実践編』 筑摩書房、2014年、86頁。ISBN 978-4-480-68913-9。 カメザスカ, エットーレ『マンテーニャ 独自な芸術の探求者』塚本博訳、東京書籍〈イタリア・ルネサンスの巨匠たち17〉、1993年11月、ISBN 978-4-487-76367-2
ティントレット

ティントレット（Tintoretto, 本名:Jacopo Comin (Jacopo Robusti), 1518年9月29日 - 1594年5月31日）は、イタリアのルネサンス期の画家。 師匠のティツィアーノ、そしてヴェロネーゼとともにルネサンス期のヴェネツィア派を代表する画家。ティツィアーノの色彩とミケランジェロのマニエリスムの形体を結びつけ、情熱的な宗教画を描いた。 ヴェネツィアの染物屋であるジョヴァンニ・バティスタ・ロブスティ(本名ジョヴァンニ・バティスタ・コミン)の息子として生まれたため、「ティントレット（染物屋の息子）」と呼ばれている。画家、文筆家で1642年にティントレットの生涯を出版したカルロ・リドルフィによると、父親によりティントレットはティツィアーノの門下となった。師の影響は《聖パウロの改心》（ワシントン、ナショナル・ギャラリー）や《「この人を見よ」Ecce homo》（サンパウロ美術館）に認められる。しかしそれは長く続かず、ティントレットはティツィアーノに画家としての熟達を承認した署名を与えられ、工房を出ることとなった。1539年の文書によると、ティントレットはマエストロを自称しており、その頃から独立した画家としての活動が示唆されている。1540年頃のティントレットの作品は、彼が当時のヴェネツィア芸術に精通していたことを示しており、ジュリオ・ロマーノ、アンドレア・スキャヴォーネ、フィレンツェの建築家らの作品の研究を経て、自身の作品を研鑽していた。その後は古代の彫刻などを手本に修行を続けたとされている。リドルフィによると、ティントレットはサン・ロレンツォ教会（イタリア語版）のミケランジェロの彫刻のように、古代の大理石の石膏の色合いの修得に挑戦した。しかし、それはティツィアーノの作品の影響を忘れたわけではなかった。 1548年、《聖マルコによる奴隷の解放》をサン・ロッコ同信組合から依頼された。それを皮切りに、ティントレットは公的な仕事を引き受けるようになる。ヴェネツィアでのスクォーラは宗教的組合で、地方の役人によって管理されていた。中世に組合員への物的及び精神的支援を目的として設立され、16世紀中頃にはトリエント公会議の影響で急激に広がった。ティントレットは聖マルコ同信会館（英語版）とさらに後にはサンロッコ同信会館で作品制作を行った。そこでティントレットは彼の作品に対する観衆と宗教的方式に対する対話者を得た。 ティントレットは横溢する才能の持ち主だった。とりわけ早描きで知られ、聖ロクス兄弟会のために作品を制作した際には、他の画家が素描を仕上げる間にすでにタブローを完成してしまった。またその才能を揮う機会を貪欲に求め、ついにはスキアヴォーネなどの同業者たちの仕事をなんら報酬を求めることもなく手伝ったとも伝えられている。 長い生涯のほとんどをヴェネツィアで過ごし、そこで死んだ、生粋のヴェネツィア人であった。遺骸は自身の作品に彩られたマドンナ・デッロールト教会（英語版）に埋葬された。 ヴェネツィアのドゥカーレ宮殿（総督宮殿）や当時ヴェネツィアにいくつかあったスクオーラ（信徒会、同心会）の会館などのために多くの作品を残している。 ティントレットの絵画は、斬新で大胆な構図と、ドラマティックな表現に特色があり、『聖パウロの改心』、『ガリラヤ湖のキリスト』のような、聖書のエピソードを壮大なドラマのシーンのように描いた作品は、次世紀のバロック絵画を先取りするものといえよう。 1550年頃、ティントレットはファウスティーナ・エピスコピという名の女性と結婚した。彼女は1547年サン・マルコ同信組合の番人であったマルコという人物の娘であった。二人の間にはマリエッタ、ドメニコ、マルコという、ティントレットの工房で働いていた三人を含む子供たちが生まれた。 ふたりの子が画家になった。ドミニコは歴史画家としては父より劣っていたが、肖像画の分野で技量を発揮した。晩年卒中によるまひで右手が動かなくなったため、左手で絵画制作をつづけたという逸話が残っている。娘のマリエッタも画家になり、肖像画を得意とした。 ヴェネツィアのサン・ジョルジョ・マッジョーレ教会の壁面を今も飾っている『最後の晩餐』は、晩年の代表作である。ここで扱われている「最後の晩餐」はティントレット以前の画家もしばしば取り上げてきた伝統的な画題である。だが先行する15世紀の同主題の作例で繰り返されていた、机を鑑賞者に対し平行に置く表現（これはギルランダイオおよびダ・ヴィンチの作品に認められる（参考図1・2）。）をティントレットは用いていない。その代りに晩餐のテーブルを画面手前から奥へ向かって斜めに配した斬新な構図が採用され、舞台照明のような劇的な光の扱い方、現実と幻想の入り混じった描写にティントレットの特色が現われている。 【参考図1】ギルランダイオ《最後の晩餐》1480年 【参考図2】レオナルド・ダ・ヴィンチ《最後の晩餐》1495-98年 《カナの婚礼》 1561 ヴェネツィア、サンタ・マリア・デッラ・サルーテ教会所蔵 《聖マルコの遺体の運搬》 1562-1566 ヴェネツィア、アカデミア美術館所蔵 《スザンナの水浴》 16世紀後半 ウィーン、美術史美術館所蔵 《キリストの磔刑》 1565 ヴェネツィア、サン・ロッコ大信徒会所蔵 《天の川の起源》 1575-1580 ロンドン、ナショナル・ギャラリー所蔵 ^ CBC, 2007. ^ 高階秀爾 『ダ・ヴィンチの「最後の晩餐」はなぜ傑作か？ 聖書の物語と美術』 小学館、2014年、88頁。ISBN 978-4-09-823030-3。 ^ a b c d e f Ferino-Padgen, Orr, 2011, p 118. ^ Ferino-Padgen, Orr, 2011, pp. 118-119. ^ a b Ferino-Padgen, Orr, 2011, p119. ^ これらの逸話に関しては次の資料を参照。A.J. Dézallier d'Argenville, Abrégé de la vie des plus fameux peintres, Paris, De Bure, 1745, p. 167. ^ Scoula Grandi San Rocco. ^ 中野京子 『名画の謎 中野京子と読み解く ギリシャ神話篇』 文藝春秋、2011年、28頁。ISBN 978-4-16-373850-5。 Ferino-Padgen, Sylvia; Orr, Lynn Federle, eds. (2011-11-15), Masters of Venice: Renaissance Painters of Passion and Power, Prestel Publishing, ISBN 978-3791351681  “Spanish curator uncovers true name of Tintoretto”. CBC (2007年1月21日). 2014年2月23日時点のオリジナルよりアーカイブ。2016年7月10日閲覧。 “Tintoretto”. Scoula Grandi San Rocco. 2015年5月10日時点のオリジナルよりアーカイブ。2016年7月10日閲覧。 ティントレット (小惑星) ルッカ Jacopo Tintoretto The Complete Works（英語）
ジョヴァンニ・ベッリーニ

ジョヴァンニ・ベッリーニ（Giovanni Bellini, 1430年頃 - 1516年）は、イタリアルネサンス期の画家。画家一族で知られるベッリーニ家の中で最も重要な画家である。 ヴェロネーゼ、ティツィアーノ、ジョルジョーネ、ティントレットらを生んだヴェネツィア派の第一世代を代表する画家であり、15世紀同派最大の巨匠である。父のヤーコポ・ベリーニ、兄のジェンティーレ・ベリーニもそれぞれ高名な画家である。また、パドヴァ派の大画家マンテーニャは義兄弟にあたり（ジョヴァンニの姉ニコロシアはマンテーニャと結婚）、ベリーニ兄弟の画風は、マンテーニャの硬質で理知的な絵画からも影響を受けている。1460年作の『ピエタ』は伝統的な画材であるテンペラを用い、硬質な画風にはマンテーニャの影響がみられるが、1480年頃から新しい技法である油彩を用い、柔和な表現と華麗な色彩が特色の、ヴェネツィア派風の作風に移行する。 ジョヴァンニの生年は不明だが、1430年頃と推定され、没年である1516年には80代半ばの高齢であったが、晩年に至っても筆力は衰えなかったことが、現存する作品からうかがえる。彼は長い画業の間に多くの聖母子像を残した。それらは、伝統的な図像に則りながらも、ごく普通の母子の肖像画のような人間味と親近感を与えるものである。 カクテルのベリーニの名前は彼に由来する。 ピエタ（1460年）（ブレラ絵画館） 双樹の聖母（1487年）（ヴェネツィア、アカデミア美術館） 読書する聖ヒエロニムス（1480－1490年頃）（ワシントン、ナショナル・ギャラリー） 牧場の聖母（1500－1505年頃）（ロンドン、ナショナルギャラリー） 聖なる寓意（1500年頃）（ウフィツィ美術館） レオナルド・ロレダン（1501年頃）（ナショナルギャラリー (ロンドン)） 神々の祝祭（1514年）（ナショナル・ギャラリー (ワシントン)） 牧場の聖母(Madonna del Prato), 67 x 86 cm 聖なる寓意(Holy Allegory), 73 x 119 cm 神々の祝祭(Feast of the Gods), 170 x 188 cm 『ジョヴァンニ・ベリーニ　イタリア・ルネサンスの巨匠たち.22』　 マリオリーナ・オリヴァーリ、篠塚二三男訳、東京書籍、1995年 ^ 池上英洋 『西洋美術史入門 実践編』 筑摩書房、2014年、91頁。ISBN 978-4-480-68913-9。
グエルチーノ

グエルチーノ（Guercino）ことジョヴァンニ・フランチェスコ・バルビエーリ（Giovanni Francesco Barbieri, 1591年2月8日 - 1666年12月9日）は、バロック期のイタリアの画家。エミリアの出身で、ローマ、ボローニャで活動した。グエルチーノという言葉は「やぶにらみ」という意味で、彼が斜視だったことからつけられたあだ名である。グエルチーノは、とくにその超一流のスケッチで注目に値する。 グエルチーノは、ボローニャとフェラーラの間に位置するチェントという村で生まれた。17歳になった時には、ボローニャ派の画家ベネデット・ジェンナーリ（en:Benedetto Gennari）と仲間になっていた。1615年にはボローニャに住んでいて、そこでグエルチーノの絵は、年上のルドヴィコ・カラッチの賞賛を得ていた。グエルチーノは2つの巨大な絵をカンヴァスに描いた。『ペリシテ人たちに連行されるサムソン』（1619年）と、『カラスに食事を奪われるエリヤ』（1620年）である。その絵の中には自然主義画家カラヴァッジオ風のスタイルが見られる（もっともグエルチーノがローマにあるカラヴァッジオ自筆の絵を見ることができた可能性は低い）。なお、この2点はフェラーラに来ていた教皇特使セッラ枢機卿のために描かれたものである。 『われアルカディアにもありき』は1618年、ピッティ宮殿にある『アポロに皮をはがれるマルシュアス』と同時期に描かれた。彼自身がよく言っていたことだが、グエルチーノの初期のスタイルはチェントのアンニーバレ・カラッチの影響を受けている。それが後期の作品となると、彼と同時代の巨匠グイド・レーニの作風に接近し、より明るく明瞭な絵を描くようになってゆく。ちなみに、生前グエルチーノは大変高い評価を受けていた。 それからグエルチーノは、エンツォ・ベンティヴォーリョ侯爵によって、ボローニャのルドヴィシオ家出身のローマ教皇グレゴリウス15世の元に推薦された。ローマで過ごした1621年から1623年の間、グエルチーノはたくさんの絵を描いた。カシーノ・デ・ヴィラ・ボンコンパーニ・ルドヴィージのフレスコ画『アウロラ』（1621年）、サン・クリソゴーノ教会の天井画『栄光の聖クリュソゴヌス』（1622年）、『グレゴリウス15世の肖像画』（現在J・ポール・ゲティ美術館にある）、そしてグエルチーノの傑作と言われている、バチカンのために描かれた『聖ペトロニラの埋葬（聖ペトロニラの祭壇画）』（現在カピトリーノ美術館にある）、などなど。 グレゴリウス15世が没すると、グエルチーノはチェントへ帰郷した。1626年にはピアチェンツァ大聖堂にも複数のフレスコ画を描きはじめた。1642年のグイド・レーニの死後、グエルチーノは工房をボローニャに移し、街の主要な画家となった。 レッジョのフランシスコ修道会は、1655年、グエルチーノの祭壇画『聖母子の絵を見せる聖ルカ』に300ダカット金貨を支払った（現在この絵はミズーリ州カンザスシティのネルソン・アトキンス美術館にある）。コルシーニ家も1657年に『キリストの鞭打ち』の代金として、グエルーノに300ダカット金貨を支払った。 グエルチーノは絵を仕上げるのが異常なくらい早かった。教会のために描いた巨大な祭壇画の数も106点はあり、それ以外の絵の合計もおよそ144点あった。彼はまた優れたデッサンを数多く描いた。彼の作品には多くの素描（普通はインク、薄めたインク、紅殻チョークによる）が含まれている。グエルチーノは1666年に亡くなるまで、絵を描き、教え続け、相当な財を成した。 スザンナと長老たち（1617年） 放蕩息子の帰還（1619年） アウロラ（1621年） ヴァイオリンを奏でる天使と聖フランチェスコ 十字架にかけられたキリストとその足下の聖母マリア、マグダラのマリア、聖ヨハネ、聖プロスペロ（1624年 - 1625年） 隠者聖パウロ バビロンの反乱の知らせを聞くセミラミス女王（1645年） ヨセフとポティファルの妻（1649年）ナショナル・ギャラリー (ワシントン) ゴリテアの首を持つダビデ 東京、国立西洋美術館所蔵 聖母子の絵を見せる聖ルカ（1652年 - 1653年） 占星術の象徴　テキサス州、ブラントン美術館 ^ "Elijah Fed by Ravens" - The Natioanl Gallery (Lomdon) ^ RHEDESIUM TIME, TRUTH & POUSSIN’S ARCADIAN TOMB（ページの1/4あたりに2つの絵が上下に並んでいて、面白いことに気付く） Catholic Encyclopedia article Marchese Antonio Bolognini Amorini (1843). "Parte Quinta", Vite de Pittori ed Artifici Bolognesi, * Tipografia Governativa alla Volpe, Bologna, pages 223-272. Paintings by Guercino on the Web Gallery of Art Getty exhibition of Guercino drawings Encyclopaedia Britannica, Il Guercino （イタリア語） Short biography
パルミジャニーノ

パルミジャニーノ (Parmigianino、1503年1月11日パルマ - 1540年8月24日カザルマッジョーレ) は、マニエリスム初期、ローマなどで活躍したイタリアの画家。本名は、ジローラモ・フランチェスコ・マリア・マッツォーラ (Girolamo Francesco Maria Mazzola)。 ミケランジェロ・ダ・ヴィンチなどルネッサンスの影響を受けた。最も影響を受けているのはラファエロで、現存するスケッチの中でも、特にラファエロのスケッチを多く残している事からもうかがい知れる。その時代からは想像も出来ないような独特な画風[要出典]を持つパルミジャニーノの作品は、幻想的な物が多い。 2歳で父を亡くし、叔父であるPier Ilarioに育てられるが、この叔父が芸術家であったために絵画を学ぶ機会を得た。1515年、叔父がパルマの教会の内装を手掛けることになり、若いパルミジャニーノも参加している。 1524年に自身の作品（凸面鏡の自画像）を持ってローマに行き、高い評価を得る。1526年には叔父と共にラウロの教会の内装を依頼され『聖ヒエロニムスの幻視』（現在ロンドンのナショナル・ギャラリー蔵）等を作成。しかしローマ略奪のためにローマを離れる。 37歳の若さでこの世を去ったのはその時期に流行した赤痢のためと言われている。 凸面鏡の自画像　1523年 - 1524年（ウィーン・美術史美術館） 聖パウロの回心　1527年 - 1528年（ウィーン・美術史美術館） 聖ヒエロニムスの幻視　1527年（ロンドン・ナショナルギャラリー） 弓を作るキューピッド　1527年 - 1530年（ウィーン・美術史美術館） 聖母子と幼児ヨハネ（薔薇の聖母）　1527年 - 1530年（ドレスデン・アルテ・マイスター絵画館） 貴婦人の肖像（アンテア）　1535年（ナポリ・カポディモンテ美術館） 長い首の聖母　1535年（フィレンツェ・ウフィツィ美術館） 『長い首の聖母』 『ルクレツィア』 ^ Vasari, Giorgio (Bull, George, translator) (1988). Lives of the Artists: Volume 2, pp. 185-99. Penguin Classics. ISBN 0140444602.
グイド・レーニ

グイド・レーニ（Guido Reni, 1575年11月4日 - 1642年8月18日）は、17世紀前半、バロック期に活動したイタリアの画家。アンニーバレ・カラッチらによって創始されたボローニャ派に属する画家で、ラファエロ風の古典主義的な画風を特色とする。日本語では、ファーストネームを「グイード」、姓を「レニ」と表記する場合もあるが、ここでは慣用的表記に従う。 レーニは1575年、イタリア北部のボローニャに生まれた。修業期にはフランドル出身の画家デニス・カルファート（1540年頃－1619年）に師事した。カルファートは16世紀のヨーロッパ画壇を席巻したマニエリスム系の画家であった。この師のもとで数年間修業した後、1594年、地元ボローニャの画家一族であるカラッチ家が主宰する画学校（アカデミア・デリ・インカミナーティ）に入門し、ルドヴィコ・カラッチに師事した。 レーニは20歳代半ばの1601－1602年頃、ローマへ出て本格的な画業を始める。1604年頃まではアンニーバレ・カラッチの工房の一員として、カラッチの代表作であるファルネーゼ宮殿天井画制作に参加した。ローマには十数年間滞在し、教皇パウルス5世（在位1605－1621年）やその甥にあたる枢機卿シピオーネ・ボルゲーゼの注文を受け活動した。パウルス5世の注文による作品としては、1608年から翌年にかけて制作したバチカン宮殿「アルドブランディーニの間」（現在はバチカン図書館の一部）の装飾（画題はサムソンの物語）がある。 ローマのクイリナーレの丘に建つパラヴィチーニ＝ロスピリオージ宮殿の天井画『アウローラ』（1612－1614年）はレーニの代表作である。この宮殿はもともと教皇の甥シピオーネ・ボルゲーゼの別邸として建てられた建物であり、『アウローラ』は宮殿の庭に建つカジーノ（離れ）の天井に描かれている。この作品は「アウローラ」（曙）と通称されているが、画面の中心的位置を占めるのは黄金の馬車に乗ったアポロンであり、主題は「アウローラ（曙）に導かれるアポロンの馬車」と解すべきであろう。アポロンの周囲をめぐって輪舞する女性たちはホラ（「時」の擬人像、英語の"hour"の語源）である。 レーニは『アウローラ』を完成した1614年、生地ボローニャへ戻った。教皇や貴族らの注文を受ける華やかな生活よりも、故郷での自由な生活を望んだためと言われる。以後、没年までは短期間の旅行を除いてボローニャを離れず、制作と後進の指導に努めた。優美な女性像を多く描いたレーニは、実生活では女嫌いだったと言われ、生涯独身を通した。 レーニの作風には、バロック期の巨匠カラヴァッジョの劇的な構図や明暗の激しい対比が見られるとともに、ルネサンス期の巨匠ラファエロ風の古典主義様式が見られる。代表作『アウローラ』に見られる、考え抜かれた構図、理想化された優雅な人物表現、柔和な色彩などはレーニの作風の典型を示すもので、古典研究の成果がうかがわれる。『アウローラ』の並列的な人物の配置には古代の浮き彫りの影響が見られるともいう。レーニは生前から「ラファエロの再来」と呼ばれ、ゲーテによって｢神のごとき天才｣とまで激賞された画家で、19世紀までの評価はきわめて高かったが、美術に対する人々の嗜好が変化し、古典主義的絵画の人気が下落した20世紀以降は不当に低い評価を得ていた。しかし、20世紀末頃からアカデミスム絵画再評価の動きとともにようやく正当に評価されるようになっている。 アウローラ（1612－1614年）パラヴィチーニ宮殿 嬰児虐殺（1610年頃）ボローニャ、国立絵画館 ダヴィデ（1605年）ウフィツィ美術館 ベアトリーチェ・チェンチの肖像　ローマ、バルベリーニ国立絵画館 Bacchus and Ariadne, circa 1619-1620, ロサンゼルス・カウンティ美術館. St Michael Archangel. The Archangel Michael trampling Satan,wears a late Roman military cloak and cuirass. 1636, Santa Maria della Concezione dei Cappuccini, ローマ Saint Joseph and the Christ Child. Joseph and Potiphar's Wife c.1630. David with the Head of Goliath, oil on canvas. St Matthew and the Angel Saint James the Greater Europa and the Bull The Holy Family The Baptism of Christ. Joseph and Potiphar's Wife, 1631 Hercules Vanquishing the Hydra of Lerma, ca. 1617 and 1620 Jesus Christ with the cross St John the Baptist in the Wilderness The Rape of Europa (1630s) ナショナル・ギャラリー, ロンドン. Made for King Władysław IV of Poland. Saint Cecilia David and Abigail, religious biblical painting St Dominic's Glory crowning the Arca di San Domenico ^ Guido Reni: A Review Reviewed,Stephen D. Pepper; Richard E. Spear. The Burlington Magazine (1990)132(10): p219-223. ^ Casino dell'Aurora Pallavicini. Conference center - Rome, Italy ウィキメディア・コモンズには、グイド・レーニに関するカテゴリがあります。
フランス・ハルス

フランス・ハルス（Frans Hals, 1581年/1585年頃 - 1666年8月26日）は、17世紀のオランダで活躍した大画家。 ハルスは、オランダ絵画の黄金時代を代表する画家の1人で、レンブラントよりはやや年長ながら、ほぼ同時代に活躍している。オランダのハールレムで活躍し、作品にはハールレムの住人を描いた肖像画が多い。人々の生き生きとした表情を捉える描写力は卓越している。笑っている人物画を多く描いたことから「笑いの画家」と呼ばれている。代表作の『陽気な酒飲み』、『微笑む騎士』は、モデルの人柄まで伝わってくるような名作である。ハールレムの名士を描いた集団肖像画も多い。 かつてオランダで発行されていた10ギルダー紙幣にまで肖像が使用されていた。 フランス・ハルスの人生の詳細は、かなり正確に伝わっている。彼は1582年または1583年にアントウェルペンで生まれた。父はカトリック教徒であったと思われる。1585年頃、当時のフランドルの多くの住民がしたように、家族はハールレムへ移り住む。 多くの資料に、師匠はカレル・ヴァン・マンデルであると書かれている。だがこの師の作品様式上の影響は皆無に等しく、すなわちヴァン・マンデルの北方マニエリスム様式の影響はハルスの作品には認められない。ハルスは27歳になってようやく聖ルカ組合のメンバーになれたが、もっと早く認められていてもよかったであろう。組合入会後は風俗画の制作を始めた（ex. 《公園での宴会》1610年頃。かつてベルリンにあったが破壊され失われた。）。ハールレムでハルスは2度結婚し、14人もの子供を儲けている。彼はスパールネ (Spaarne) 運河近くの賑やかなこの都市で、多くの肖像画を描いて人生のほとんどの時間を過ごした。肖像画の制作はあるときは注文に基づき、またあるときは老人、子供、女性、酔っ払いなどの人物を画家の関心にしたがって選んで描いた。 ハルスは1666年、84歳で死去したとされる。フローテ・マルクト (Grote Markt) 中央広場にある古バーヴォ教会 (Bavo Church) に埋葬された。 ハルスの弟ディルク・ハルスも画家で、集団肖像画を得意とした。また、ハルスの息子のうちHarmen Hals、Frans Hals Junior、Jan Hals、Reynier Hals、Nicolaes Halsの5人が画家となった。 ハルスの作品のほとんどは散逸しており、もともとどれくらいの作品が描かれたかも分っていない。シーモア・スライヴ (Seymour Slive) によって1970年から1974年に編纂された現在最も信頼されているカタログによると、222枚の作品がハルスの作とされる。もう一人のハルスの権威であるクラウス・グリム (Claus Grimm) の 'Frans Hals. Das Gesamtwerk' (1989年) によると、この数はもっと少なく145作品となる。 ハルスが風景画、静物画、または物語を題材にした絵画を描いたかどうか正確には知られていないが、おそらく描いてはいないと思われる。17世紀オランダの多くの画家は、専門性を持っていた。ハルスもまた、純粋に一つの画風にのみ注力した。個人の肖像画から、2つのペンダントをお互いにかけ合う結婚したカップルや、ライフル協会の5つの連作、理事と理事夫人の肖像画 (3作品) などの人物の風景など、彼はひたすらに人を描いた。一般的にこれらの肖像画は、作家、市長、聖職者、貿易商人、知事など中流から上流階級の人々からの注文で描かれている。たとえば、自身のグループの肖像画を発注した、少なくとも将校か下士官と思われるライフル銃兵達もまた、いくらか上流で裕福な階級の出身である。ハルスはまたしばしば風俗画も描いた。浜辺の漁師の子供や、八百屋の女、ハールレムの農夫、Malle Babbe (ハールレムの魔女) など、卓越したセンスで描かれた作品が残っている。これらもまた肖像画とも言えるだろうが、より「日常の瞬間」を切り取った点が特徴である。 我々がハルスの作品から受ける印象は、キャンバスに一気呵成に絵筆を叩き付けて描き上げる姿であろう。しかし後世の技術的および科学的な研究から、この想像は誤りである事が判明している。このユニークな画風は、実際には下描きを描いたり下地を置いたりせずに直描技法 (alla prima) で大胆に描いた結果である。しかしその大胆さにも関わらず、ほとんどの作品は当時主流であった絵具を厚く塗り重ねて層を作る技法が用いられている。 時に彼の作品は、グレーやピンクの下塗りの上にチョークや絵具でデッサンされ、そこからさらに多彩な、あるいは必要最小限の色を徐々に加えて描かれた。初期の頃から才能を発揮していたハルスは、ほとんどの場合下塗りを大雑把に済ませている。この手法は、彼のやや後期の円熟期の作品に見られる。 ハルスは、持ち前の多才さに素晴らしい大胆さと度胸と技巧を併せて発揮し、肖像画の対象となった人物が存命中にすばやく描き上げた。言うなれば、同年代の画家が遅筆であったのと異なり、彼の肖像画によって死ぬ者はいなかった。依頼主からの要求があろうがなかろうが、彼の絵画には対象人物が正確に内面まで描ききれていた。彼の最初の研究者であるシュレヴェリウス (Schrevelius) による17世紀の著書 'Een onghemeyne [ongewone] manier van schilderen, die hem eyghen is, by nae alle [iedereen] over-treft' (他を凌駕するハルスの並外れた絵画手法) で、ハルスの絵画手法が分析されている。デッサンから描き出す計画的な描画手法は、既に16世紀のイタリアに存在していたため、ハルス自身のアイデアではないようだ。ハルスはおそらく、フランドルの同年代の画家たち、すなわちルーベンスやファン・ダイクらの影響を受けていると思われる。 陽気な酒飲み（1628-30）（アムステルダム国立美術館） ハールレムの聖ゲオルギウス市民隊幹部の宴会（1616）（ハールレム、フランス・ハルス美術館） ハールレムの聖ゲオルギウス市民隊幹部の宴会 (1616年) 子供たち (1620年) 庭園の夫婦 (1622年) 微笑む騎士 (1624年) リュートを弾く道化師 (1623-4年) 笑う少年（1625年頃、マウリッツハイス美術館） 頭蓋骨を持つ若者（バニタス） (1626-8年) ジプシーの女 (1628-30年) ルネ・デカルトの肖像 (1649年) 養老院の女性理事たち (1664年頃) ^ 『しぐさで読む美術史』 2015, p. 138. 宮下規久朗 『しぐさで読む美術史』 筑摩書房、2015年。ISBN 978-4-480-43318-3。
ホセ・デ・リベーラ

ホセ・デ・リベーラ（José de Ribera, 1591年1月12日 - 1652年9月2日）は、バロック期のスペインの画家。「フセペ・デ・リベーラ」（Jusepe de Ribera）とも称する。スペイン出身だが、主にナポリで活動した。イタリアでの名はジュゼッペ・リベーラ(Giuseppe Ribera)。 リベーラはスペインの画家ではあるが、若くしてイタリアに渡り、生涯の大半をナポリで過ごして、ついに母国に帰ることはなかった。当時のナポリはスペイン副王の支配下にあり、いわばスペインの飛地領土になっていた。リベーラはナポリで代々の副王の庇護を受けつつ、聖人、殉教者などをカラヴァッジョ風の劇的な表現で描いた。イタリア人たちからは「ロ・スパニョレット」（小さなスペイン人）のあだ名で呼ばれた。スペイン黄金時代美術 1591年、靴職人の息子としてバレンシア近郊のハティバに生まれた。後にイタリアに移住したものの、修業時代については不明な点が多い。画家で伝記作家であるアントニオ・パロニモ・デ・カストロ・イ・ヴェラスコ（英語版）によると、リベーラはバレンシアにて、バレンシア派を創設したフランシスコ・リバルタ（英語版）に師事したとされる。ロンバルディアを遍歴し、その後1610年初頭にパルマに到着した。同時期にはカラヴァジスト（英語版）の画家として一定の評価を得ていたとされる。初期のリベーラの画風は北イタリアの自然主義と、カラヴァッジョからの影響が強かった。1613年からローマにて、サン・ルカ美術アカデミーの会員として画業に取り組む。1616年には当時スペイン領であったナポリに移住する。この頃からリベーラの画風はカラヴァッジョの直接的な影響がより強くなった。その後死ぬまでナポリで活動を続けたリベーラはナポリ派（イタリア語版）の中心的な画家として、歴代のスペイン人副王による庇護を受け、彼らからスペイン王室などの重要な顧客を得た。その中には16世紀末から17世紀初頭にかけて行われた、サン・マルティーノ修道院（英語版）の拡張及び改築など、現地の重要な注文も含まれた。 一方で17世紀初頭以降、テネブリスモの画家たちによる表現はバルトロメ・エステバン・ムリーリョなどにみられる恍惚とした日常感のある親密さに人気を取られることとなった。その影響か1630年以降は主題のレパートリーの拡張やボローニャ派にみられる古典主義の吸収が見られ、安定した構図、明快な色彩、静謐な抒情性や高貴さからくる画風を作り上げた。 作品の大部分は宗教画で、聖人、殉教者像を得意としている。明暗の対比を強調した画面構成(テネブリスモ)、老いた聖人の衰えた肉体やたるんだ皮膚をも美化せずに容赦なく描写する写実表現にはカラヴァッジョの影響がうかがえる。『聖バルトロマイの殉教』（題名は『聖フィリポの殉教』とする資料もあり）はこうした画風の代表作である。また、庶民をモデルにした写実主義的な画風を確立した。 ルーヴル美術館が所蔵するこの作品は1642年に描かれた。 「えび足」とは、この絵に描かれた少年の、不自由な右足を意味する。障害をもち、身長の伸びが途中で止まったと思われる少年は屈託のない笑みを浮かべ、鑑賞者の方を見つめている。少年の手には歩行用の杖とともに、1枚の紙片が握られ、そこには人々に施しを勧める言葉が読み取れる。この絵は単なる風俗画ではなく、カトリック信徒の務めとしての「慈善」を勧める意味があるものと思われる。 えび足の少年（1642）（ルーヴル美術館） 聖バルトロマイの殉教（1630/39）（プラド美術館） 聖アグネス（1641年）（ドレスデン絵画館） 聖家族とアレクサンドリアの聖カタリナ（1648年）（メトロポリタン美術館） ^ a b “José de Ribera”. Enclclopedia Britannica. 2016年11月5日閲覧。 ^ a b c d e f g h i j k プラド美術館 et al. 2002, p. 232 ^ Britannica Japan Co.,Ltd.; Encyclopædia Britannica, Inc. 『リベラ』 (小項目電子辞書版)、2007年。  ^ Britannica Japan Co.,Ltd.; Encyclopædia Britannica, Inc. 『リバルタ』 (小項目電子辞書版)、2007年。  ^ トロペーア, 優 (2015年10月23日). “サン マルティーノ修道院”. 旅行比較サイト トラベルコちゃん. 2016年11月4日時点のオリジナルよりアーカイブ。2016年11月4日閲覧。 ^ プラド美術館 et al. 2002, p. 103. ^ 池上英洋 『西洋美術史入門』 筑摩書房、2012年、91頁。ISBN 978-4-480-68876-7。 プラド美術館; 国立西洋美術館; 木下亮; 渡邉晋輔; 田辺幹之助 『プラド美術館展: スペイン王室コレクションの美と栄光』 読売新聞社、2002年。ISBN 4906936204。